CORSO LETTERATURA ITALIANA

APPUNTI
INTRODUZIONE
LETTERATURA ITALIANA
La letteratura italiana nasce nella corte di
Federico II (la cosiddetta Magna Curia), in
Sicilia. Unione del latino medievale e dei
volgari: lingue romanze. Ovviamente la lingua
utilizzata è il volgare siciliano, poi toscanizzato
successivamente.
La corte inoltre è caratterizzata dal
multilinguismo (molti dunque i fenomeni di
contaminatio) e dalla laicità.
Lirica amorosa simile alla lirica in lingua d’oc.
Gli autori spesso hanno una professione (Jacopo
da Lentini, detto il Notaro) e sono subordinati
alla figura dell’imperatore.
Componente bizantina, musulmana
(interpretazione dei testi di Aristotele di
Averroè) e latina.
Bilinguismo: latino per testi ufficiali (la prima
volta che compare il volgare in testi ufficiali è
nel Placito Capuano), volgare per la letteratura
(intrattenimento).
L’unico tema trattato è l’amore: ovviamente,
essendoci una gerarchia rigida, a differenza dei
comuni, non c’è dibattito politico, quindi la
letteratura è di puro intrattenimento e svago.
Tendenza allo sperimentalismo, in particolare
con Jacopo da Lentini (crea il sonetto, parte
dalla struttura di una stanza, creando una forma
più breve e agile di lirica, visto che le canzoni
erano molto lunghe).
1266, battaglia di Benevento, morte del nipote
di Federico, Corradino: finisce la dinastia sveva
e dunque anche la scuola siciliana (i testi infatti
giungono al nord e vengono “toscanizzati”,
facendo nascere lo stilnovismo). Stefano
Protonotaro: una delle poche canzoni trovate nel
siciliano originale, non toscanizzato.
Dante nel De vulgari eloquentia esamina i
volgari, parlando anche di quello siciliano.
In Italia centro-settentrionale la situazione geo-
politica è diversa: ci troviamo nei comuni (o
Stato pontificio). Nei comuni è intenso il
dibattito politico (es: guelfi e ghibellini), gli
intellettuali rivendicano dunque la loro
appartenenza ad un determinato comune (es:
patriottismo fiorentino dantesco).
PROSA (trattati e storiografie)
La prosa si sviluppa soprattutto nell’ambiente
comunale (Nord Italia): bisogna comunicare
contenuti ad un pubblico più vasto del pubblico
cortese. Emergono dei generi che si diffondono
rapidamente grazie all’uso del volgare:
enciclopedismo, conoscenza di tipo pratico.
Tresor di Brunetto Latini.
In questo periodo nascono le prime storiografie,
legate al comune di appartenenza o fazione
(Dino Compagni con storiografia incentrata
sulla fazione guelfa e Giovanni Villani con
Cronica universale in forma annalistica dalla
torre di Babele fino alla Firenze
contemporanea).
NOVELLE
Novella: forma di narrazione breve di eventi più
o meno significativi che contiene un messaggio
(spesso morale). Spiccato interesse realistico,
storie che riflettono l’ambiente cittadino,
brevitas, sententiae in conclusione “fulminanti”.
Modelli della novella: favole esopiche e di
Fedro, exemplum (descrizione della vita di un
santo, da seguire come codice di
comportamento, fabliaux (cultura urbana e
borghese, elemento comico, trasgressione del
codice cortese.
Novellino di autore anonimo: raccolta di 100
novelle, estrema varietas di temi, elementi di
vita quotidiana, beffa (presa in giro o inganno di
uno dei personaggi). Differenza tra il Novellino
e il Decameron: il primo non ha una struttura
organizzata.
UNIVERSITA’ E ISTRUZIONE
Prima insegnanti privati pagati dagli studenti,
poi sotto Federico II gli insegnanti vengono
pagati dallo Stato, ossia l’imperatore stesso.
Ordini mendicanti: si occupano anche
dell’istruzione, oltre che la rivendicazione al
ritorno alla purezza originaria dell’ecclesia
(francescani e domenicani). Dunque la
predicazione e l’istruzione si uniscono. Saranno
molto importanti con la conquista dell’America
(sono loro che educano e occidentalizzano i
nativi).
Volgare usato nella lirica religiosa: Cantico
delle creature di Francesco. Il servitium amoris
(la donna amata viene chiamata Madonna, da
mia domina, ossia mia padrona) della lirica
amorosa diventa servitium dii (amore per dio).
In Dante verranno uniti (amore per Beatrice,
amore per Dio).
LETTERATURA CORTESE (lirica
siciliana di contenuto amoroso)
Produzione letteraria e culturale basata su
determinati valori: coraggio, lealtà, rispetto
delle gerarchie, possesso di un codice etico
cavalleresco.
La letteratura romanza predilige la lirica (trobar
clus e trobar leu, in lingua d’oc), l’epica o
chanson de geste (in lingua d’oil). Nasce dunque
la letteratura cortese, nata da e per l’ambiente
delle corti francesi (spesso per encomiare il
sovrano, che li mantiene economicamente).
Trobar significa comporre.
Tipologia di componimento preferita: la
canzone.
Lingua d’oil della Francia settentrionale e lingua
d’oc in Francia meridionale.
Romanzo cavalleresco: lunga narrazione in
versi, che si differenzia dall’epica tradizionale
per l’aggiunta della componente erotica.
Trovatori: rivendicano l’autorialità dei testi.
Identità dell’io lirico, sottomesso alla donna
(servitium amoris, vedi sotto). Giullari: recitano
le poesie dei trovatori.
Fin amors: amore che obbedisce ai valori
cavallereschi e cortesi: solo i cuori gentili, i
cuori nobili sono capaci di provare questo tipo
di amore (l’avere un cuore gentile non dipende
dal censo, anche una persona umile può averlo).
“Al cor gentile rempaira sempre amor”:
manifesto dello stilnovismo di Guinizzelli.
Fides: patto quasi coniugale, anche se il poeta e
la donna hanno una relazione illecita, ossia non
sono sposati.
Base teorica della lirica amorosa è il De Amore
di Andrea Cappellano, in lingua latina (i trattati
sono sempre in lingua latina in questo periodo).
“L’amore è un sentimento che travolge il
soggetto dopo che l’immagine della persona
amata ci ha colpito passando attraverso gli
occhi”: numerosi i riferimenti agli occhi, come
in Petrarca, Dante o Cavalcanti (voi che per li
occhi mi passaste ‘l core).
Parodia del codice cavalleresco con il Contrasto
di Cielo D’Alcamo (Rosa fresca aulentissima):
conversazione tra un cavaliere corteggiatore e
una donna del popolo (parodia della lirica
amorosa e cortese, la donna si mostra prima
“pudica”, ma poi cede). La poesia comica nasce
con la letteratura cortese come sua parodia.
RIMATORI SICULO-TOSCANI
I testi della lirica siciliana, come abbiamo già
detto, vengono toscanizzati. Nascono così i
rimatori siculo-toscani (ovviamente sono solo
toscani, ma i modelli sono siciliani): oltre alle
liriche amorose, essendo appartenenti a dei
comuni, compongono anche liriche di contenuto
politico. Gli esponenti principali sono:
-Buonagiunta Orbicciani, di Lucca (1220):
mediatore tra la poesia toscana legata ai modelli
siciliani e la poesia successiva degli stilnovisti
(viene nominato nel canto 24 del Purgatorio,
Dante fa pronunciare a Buonagiunta
l’espressione “dolce stil novo”, perché vuole
rivendicare la grande novità dello stil novo nel
momento in cui Dante stesso e Cavalcanti hanno
creato questa corrente, riconoscendo al tempo
stesso il ruolo di mediatore di Buonagiunta).
-Guittone D’Arezzo: ha influenzato sia Dante
che Cavalcanti nella loro prima produzione
poetica (in particolare quella di contenuto
politico). La sua produzione, in rima, viene
divisa in due periodi dalla conversione
all’Ordine dei Frati Gaudenti del 1265: la prima
parte di contenuto erotico, la seconda di
contenuto morale/religioso. Si serve del trobar
clus: metafore ardite, linguaggio complicato e
difficilmente comprensibile. Forte moralismo
(dato anche dalla conversione religiosa.
Compone una specie di Canzoniere: le liriche
seguono una storia.
STILNOVISMO
Espressione coniata da Dante (vedi Buonagiunta
Orbicciani). Lo stilnovo è una tendenza poetica
che si sviluppa a Firenze grazie all’influenza su
Dante e Cavalcanti della lirica di Guido
Guinizzelli (bolognese). Gli stilnovisti non
possono definirsi una scuola, in quanto manca
un programma (manifesto). Sono legati da
rapporti di amicizia. Si tratta di una corrente
strettamente legata all’ambiente comunale
(pensa a Dante).
I maggiori esponenti sono: Dante, Cavalcanti,
Cino da Pistoia, Lapogianni.
Ideali dello stilnovismo: nobiltà d’anima (cor
gentile), presenza della filosofia aristotelica
(concezione di potenza e atto), Amore detta al
poeta qualcosa che deve essere per forza
espresso (ha in potenza la capacità di esprimere
in poesia l’amore), la forma deve essere
adeguata alla complessità del tema (ecco perché
“dolce”, forma elegante della poesia), selezione
di parole raffinate, sofisticata sottigliezza, uso di
termini del lessico filosofico.
Il pubblico a cui è rivolta questa produzione
deve avere una cultura alta.
La donna nello stilnovismo: spiritualizzazione
della donna (donna angelicata), che diventa una
creatura eterea (spesso i tratti fisici non vengono
descritti nel dettaglio, dando un’immagine
vaga). A differenza della domina cortese,
relegata nella corte stessa, la donna stilnovista
appare anche nel contesto urbano. Superiorità
della donna angelicata rispetto alla mediocrità
dell’uomo. Apparizione quasi miracolosa. La
donna, dunque, nobilita l’animo dell’uomo (es:
Beatrice come iter ad deum, contatto tra Dio e
Dante stesso).
Guido Guinizzelli
1230, Bologna
Viene considerato l’iniziatore dello stilnovismo
(Io voglio del ver la mia donna laudare e Al cor
gentil rempaira sempre amor).
Topoi (motivi) della sua poesia: nobiltà
d’animo, necessità della lode della donna
(sempre gratuita, senza aspettarsi niente), saluto
salutifero (il saluto della donna reca salvezza e
benessere al poeta, che viene nobilitato).
Amore trascendente, difficile da descrivere con
parole umane (amore agapico): scontro tra
amore profano (eros, condannato, come nel caso
di Paolo e Francesca) e amore spirituale (agape).
Al cor gentil rempaira sempre amor: canzone
(numerosi coblas capfinidas), il cor gentile e
l’amore vengono creati contemporaneamente,
sono indispensabili l’uno per l’altro. Nell’ultima
strofa compare per la prima volta la figura della
donna angelicata.
GUIDO CAVALCANTI
Poeta aristocratico (riteneva di far parte di un
élite culturale, nobiltà legata al possesso del cor
gentile): seleziona accuratamente il suo
pubblico (Boccaccio ce lo descrive nella nona
novella della sesta giornata).
Spiegazione filosofica e scientifica
dell’innamoramento: elementi dell’aristotelismo
radicale (interpretazione di Averroè, filosofo
musulmano alla corte di Federico II, non
credevano nell’immortalità dell’anima).
L’allontanamento da Dante è causato soprattutto
da questo.
L’elemento della filosofia aristotelica ripreso è
la dialettica tra potenza e atto: Cavalcanti
definisce l’amore un “accidente”, esiste solo in
relazione di qualcosa (l’amore esiste perché c’è
qualcuno che ama, altrimenti non esisterebbe).
Nell’uomo l’amore è una passione che esiste in
potenza: c’è bisogno, dunque, di un qualcosa di
esterno che trasformi l’amore da potenza in atto
(innamoramento). Questo “qualcosa” di esterno
è la percezione sensibile: ecco l’importanza
degli occhi e della visione.
Amore come sofferenza e tormento: dopo la
visione e l’innamoramento, il poeta inizia una
riflessione ossessiva sulla donna, desiderata
intensamente, tanto da perdere la razionalità. La
perdita di razionalità è ritenuta innaturale (per
Aristotele l’uomo è un animale razionale) e
definita “morte simbolica”: il poeta-amante ha
perso la sua razionalità.
IL TRECENTO
Contesto storico e culturale
Momento storico in cui la Divina Commedia
viene diffusa ampiamente.
Fase definita “autunno del Medioevo”: le due
istituzioni fondamentali, Impero e Papato,
perdono prestigio, i rapporti di forza tra le
monarchie internazionali si modificano, la
borghesia attraversa un periodo di crisi (la peste
mette in difficoltà l’economia).
Manca soprattutto una guida spirituale certa: il
papa si trasferisce ad Avignone nel 1309.
L’ambiente ecclesiastico critica la
mondanizzazione del papato e desiderano il
ritorno della sede a Roma.
Cola di Rienzo cerca di ricreare un governo
repubblicano a Roma (è appoggiato anche da
Petrarca), ma fallisce.
1377: la sede ritorna a Roma grazie a papa
Gregorio XI, provocando lo scisma d’occidente
(i cardinali francesi eleggono un proprio papa).
Guerra dei Cent’anni tra Inghilterra e Francia.
I comuni italiani entrano in crisi: si consolidano
le signorie, il divario economico tra le classi è
sempre più marcato (rivolte popolari, rivolta dei
Ciompi a Firenze).
I letterati del tempo cercano dunque di trovare
una risposta alla crisi del tempo.
Si diffonde una cultura medio-cortese che
rimodella la tradizionale mentalità mercantile: le
classi borghesi cercano di imitare la vecchia
aristocrazia, servendosi del codice di
comportamento cavalleresco.
Entra dunque in crisi la figura del mercante
avventuriero (ripresa dal Decamerone di
Boccaccio).
Nuovo rapporto con la classicità: Petrarca e
Boccaccio sono definiti pre-umanisti.
L’interesse per la cultura classica si carica di
significati nuovi: i classici non sono solo da
imitare per la forma, ma anche per gli
insegnamenti che possono offrire (l’humanitas).
Petrarca nuovo intellettuale, non più vincolato
dall’ambiente municipale, è un letterato
internazionale, uno scrittore che si muove in più
contesti, adattandosi sia ai desideri dei suoi
mecenati, sia alle sue esigenze di studio. Le
signorie, per ottenere prestigio, finanziano
letterati e studiosi. L’essere letterato diviene
quasi una professione.
Boccaccio, invece, è ancora legato alla
tradizione fiorentina e manifesta delle
persistenze di tipo medievale. Decamerone:
cultura slegata dalla religione, ma che abbia
comunque valore etico (morale laica).
Ferrara inizia ad avere sempre più prestigio:
Ariosto e Tasso.
Ruolo sempre più importante delle biblioteche:
luoghi di conservazioni di testi, spesso collocate
nei monasteri. I testi non erano accessibili a
tutti, mentre ora i letterati possono accedere a
varie biblioteche.
Petrarca stesso ricerca testi “perduti”, cercando
di riportare i testi classici all’archetipo
(filologia).
I modelli letterari del Duecento influenzano i
letterati del Trecento: la letteratura didascalico-
allegorica di Dante viene ripresa (come per
Fazio degli Uberti nel Dittamondo).
La lirica, escludendo la produzione di Petrarca,
riprende modelli e topoi della produzione del
Duecento, ma perde la complessità filosofica:
carattere descrittivo tipico del tardo-gotico,
usano solo le immagini degli stilnovisti, senza
aderire alla loro ideologia. La lirica soddisfa
un’esigenza di socialità, che prevede anche una
comunicazione attraverso composizioni corte,
senza avere l’esigenza di creare modelli.
POESIA COMICO-REALISTICA
Comico: distinzione degli stili tipica del
medioevo (deriva dalla Poetica di Aristotele,
che divideva la poesia comica da quella tragica),
indica quindi il tema e il “tono” della lirica,
completamente diverso da quello della lirica
stilnovista.
Realistica: la lirica cortese tende a
spiritualizzare (metafisica), mentre la poesia
comico-realistica descrive la realtà e rappresenta
la passione amorosa come una passione che
aspira alla concretizzazione e alla sensualità
(non amore spirituale, ma amore terreno, realistici, in cui prevale il gusto per il linguaggio
sensuale e carnale). furbesco, la caricatura, grottesca e calunniosa e
la descrizione di situazioni licenziose. La
I poeti comico-realistici (o giocosi) hanno
retorica è comunque raffinata in entrambe i due
comunque una notevole cultura: hanno un gruppi.
bagaglio retorico-stilistico raffinato, in quanto la
loro poesia è comunque una parodia della lirica Il più celebre poeta di questa corrente è Cecco
stilnovista, comunque difficile da interpretare Angiolieri, di origine senese. Esprime nei suoi
(ricordiamo i riferimenti alla filosofia e alla testi dei temi che diventeranno tipici della
teologia). poesia comico-realistica. Parla spesso di una
donna, Becchina, donna anti-Beatrice. Diffuso è
I principali iniziatori di questa tendenza sono
l’odio nei confronti dei genitori, ostacoli al
poeti che hanno scritto sia versi “seri” sia versi
soddisfacimento dei suoi desideri (il padre
“parodici”: è il caso anche di Dante nella sua
ostacola la sua carriera e non fornisce al figlio il
produzione giovanile e nella Divina Commedia
denaro per poter finanziare i suoi “vizi”).
(nell’Inferno lo stile è quello della poesia
comica). Un altro tema importante è quello della lotta
contro la monna Malinconia: è la
Visione borghese ed edonistica (l’obiettivo
personificazione dell’umor nero del poeta, un
principale è il soddisfacimento di un desiderio sentimento di inappagamento, che travolge il
immediato) della realtà.
soggetto e ne provoca l’infelicità.
La donna non è più la donna angelicata tramite
Di Cecco ci sono pervenuti tre sonetti indirizzati
per la salvezza, ma una donna diabolica che a Dante: sono di contenuto comico, ma non ci
conduce alla dannazione, anch’essa alla ricerca sono giunte le risposte di Dante ai sonetti.
di beni materiali (anche i tratti estetici non
corrispondono a quelli tipici della donna
stilnovista, spesso sono addirittura brutte). Si
vuole creare un anti-modello, che sia molto più
reale di quello stilnovista.
Il primo esponente di questa tendenza è il
fiorentino Rustico Filippi. Rustico è l’esempio
di produzione bipartita: il corpus della sua
produzione è diviso in una trentina di sonetti
aulici (seri), dove vengono riproposti i motivi
dei poeti siculo-toscani, e in altrettanti sonetti
DANTE ALIGHIERI
Breve biografia
Dante (diminutivo di Durante) nasce a Firenze
nel 1265. La famiglia degli Alighieri era guelfa,
di piccola e decaduta nobiltà cittadina (uno degli
antenati è Cacciaguida).
Dante, nella Vita nova, rivela di aver incontrato
Beatrice per la prima volta nel 1274, all’età di
nove anni: l’incontro si rivelerà fondamentale
per la sua produzione. Secondo Boccaccio si
tratterebbe di Beatrice Portinari, figlia di Folco
Portinari, andata in moglie a Simone de’ Bardi.
Tuttavia all’età di dodici anni, venne stipulato
un accordo matrimoniale fra Dante e Gemma
Donati, parente di Corso Donati, capo dei guelfi
neri e responsabile della condanna a morte in
contumacia di Dante.
Da Gemma ebbe tre figli: due maschi, Pietro e
Jacopo, tra i primi commentatori della
Commedia, e la figlia Antonia.
La formazione culturale di Dante fu affidata a
Brunetto Latini, maestro di retorica e autore del
Tresor, enciclopedia in lingua francese.
Nel 1295 le famiglie più potenti di Firenze Tappe dell’esilio dal 1302 al 1308: a Forlì
riescono a modificare gli Ordinamenti di presso Oderlaffi, a Verona presso Bartolomeo
Giustizia di Giano della Bella, che prevedevano della Scala, in Lunigiana presso i Malaspina.
l’esclusione dei nobili dalla partecipazione alla
Nel 1308 viene eletto imperatore Arrigo VII,
vita pubblica. Dante, appartenendo alla
che riaccende le speranze dei ghibellini e dello
corporazione dei Medici e Speziali, accede
stesso Dante, speranze deluso quando Clemente
prima al Consiglio dei Trenta e poi al Consiglio
V rompe la promessa di alleanza fra Papato e
dei Cento.
Impero.
Il papa Bonifacio VIII, preoccupato dallo
Tappe dell’esilio dal 1313 al 1321: a Verona
scontro tra Bianchi, capeggiati dai Cerchi, e
presso Cangrande della Scala (in questi anni
Neri, capeggiati dai Donati, invia a Firenze il
Dante rifiuta l’offerta di Firenze di far rientrare
cardinale D’Acquasparta come paciere. Nel
gli esuli a patto di sottomettersi ad un rituale di
frattempo Dante viene eletto fra i sei priori ed è
pentimento), a Ravenna presso i da Polenta.
costretto ad esiliare l’amico Guido Cavalcanti,
assieme ai personaggi più faziosi della città, tra Di ritorno da un’ambasciata a Venezia per conto
cui anche Corso Donati. dei da Polenta, colto da febbri malariche, muore
a Ravenna tra il 13 e il 14 settembre 1321.
Nel 1301 Carlo di Valois, fratello del re di
Francia Filippo il Bello, è mandato a Firenze da
Bonifacio VIII in veste di paciere (in realtà
serve solo per appoggiare la causa dei Neri). Corpus dantesco: cronologia
Poco dopo l’arrivo i Bianchi inviano a Roma tre
Prima del 1292: Rime giovanili, rime petrose
ambasciatori come moderatori, tra cui Dante
stesso. I tre delegati vengono trattenuti a Roma 1292-1294: Vita nova
mentre Carlo entra a Firenze, permettendo il
rientro dei Neri esiliati, che istituiscono un 1296: Tenzone a Forese Donati (forse anche
nuovo governo. Inizia una persecuzione dei volgarizzazione del Roman de la Rose)

Dopo il 1290 Dante approfondisce gli studi di
filosofia e teologia (presso i domenicani, i
francescani e gli agostiniani), senza però
rimanere escluso dalla vita politica: partecipa
infatti alla battaglia di Campaldino (1289,
scontro tra guelfi fiorentini e ghibellini aretini)
Bianchi: Dante viene condannato a morte in
contumacia (cioè quando l’imputato non è
presente, infatti Dante si trova ancora a Roma)
nel 10 marzo 1302. Per tutta la sua vita Dante
cerca di ottenere una sorta di grazia per ritornare
in città: l’ultima delusione è il fallimento
dell’impresa di Enrico VII nel 1313.
1303-1305 De vulgari eloquentia (rapporto tra
volgare e grammatica (lingua latina), si
interrompe al secondo libro, a metà dell’opera)
1304-1308: Convivio
1304-1308: Inferno
1309-1312: Purgatorio
1316-1320 (datazione non certa): Epistola a
Cangrande
1316-1321: Paradiso (gli ultimi 14 canti sono
stati diffusi da Jacopo, figlio di Dante)
1818-1321: corrispondenza poeta sotto forma di
due egloghe virgiliane con il grammatico
Giovanni del Virgilio (Dante giustifica la scelta
del volgare per la Commedia)
Il De monarchia non ha una datazione certa:
secondo alcuni è stata composta tra il 1311 e il
1313, ma in un passaggio c’è un riferimento al
Paradiso, quindi alcuni pensano sia stata
composta nell’ultimo anno di vita del poeta (ma
questo riferimento potrebbe essere un’aggiunta
posteriore).
La produzione giovanile di Dante si ispira prima
a Guittone D’Arezzo, per poi essere influenzata
dalla frequentazione di Cavalcanti, stilnovista.
Di ritorno da un’ambasciata a Venezia per conto
di Guido, colto dalla malaria muore tra il 13 e
il 14 settembre 1321 a Ravenna e viene sepolto
presso la chiesa di San Pier Maggiore.
LE RIME
Raccolta di tutta la produzione poetica dantesca
non compresa nella Vita nuova e nel Convivio.
Caratteristica fondamentale di questa raccolta
così vasta è la tendenza alla sperimentazione, la
ricerca di forme nuove, traendo ispirazione da
numerosi modelli.
Le liriche dei primi anni giovanili ricalcano
modi espressivi derivati da Guittone d’Arezzo,
ma il rapporto di amicizia con Guido Cavalcanti
lo avvicina allo stilnovismo, facendogli
prediligere tematiche amorose ed uno stile
elegante e dolce. Riprende da lui la tematica del
servitium amoris (la poesia stessa diventa mezzo
per servire la donna amata) e dell’amore che fa
soffrire, fondamentale diventa il rapporto con
gli altri stilnovisti che, pur non formando una
scuola vera e propria, costituiscono un’elite di
poeti-amanti.
Inclinazione graduale di Dante verso la poesia
della loda (ispirato da Guinizzelli): lode
incondizionata, assoluta e gratuita della donna,
caratteristica che diventerà predominante della
Vita nova.
Canzoni dottrinali: nobiltà d’animo come unica
forma di nobiltà.
Rime petrose: estrema ricercatezza formale,
linguaggio difficile e asprezza dello stile, la
petrosità dello stile ha una corrispondenza anche
sul piano tematico, in quanto la donna amata,
Pietra, coinvolge il poeta in una passione
amorosa sensuale e crudele (lo stile riprende il
trobar clus di Guittone d’Arezzo e Arnaut
Daniel).
Tenzone con Forese: poesia comico-realistica,
aggressività dello stile, si tratta di un botta e
risposta in cui i due poeti si rinfacciano a suon
d’insulti; ovviamente il componimento non
rispecchia un reale conflitto. Il tono usato nella
tenzone verrà ripreso in più punti dell’Inferno.
VITA NUOVA
Rappresenta una novità: vengono recuperati dei
testi già scritti e messi in un ordine tale che
raccontino una storia, tutta incentrata sul
rapporto tra Dante e Beatrice.
Diviso in 42 capitoli con 31 testi poetici tra cui
sonetti, canzoni, una ballata (destinata
all’accompagnamento musicale, è formata da
una serie di strofe con una ripresa/ritornello)
una stanza di canzone e una doppia stanza di
canzone.
Prosimetro: prosa (brevi capitoletti che inserisce
tra una lirica e l’altra, hanno funzione diegetica,
di narrazione, per guidare il lettore e chiarire il
significato di alcune liriche difficili da
comprendere) e poesia. La prosa ha numerosi
latinismi, ricorda la prosa evangelica, mentre la
poesia ha uno stile dolce e leggiadro.
La vita nova non va intesa come canzoniere in
senso petrarchesco: nel canzoniere di Petrarca
sono presenti solo liriche e l’opera si carica di
una serie di significati, di carattere personale e
lirico.
Trama
Dante incontra Beatrice per la prima volta
all’età di 9 anni (il numero 9 è considerato
numero perfetto in quanto prodotto di 3 per 3,
numero simboleggiante la trinità). Il secondo
incontro con Beatrice si verifica esattamente
nove anni dopo: questa volta lei lo saluta (saluto
salutifero). In seguito Dante fa il sogno del
“cuore mangiato”, in cui Amore nutre Beatrice
del cuore del poeta.
Per proteggere il loro amore dai malparliari,
Dante crea delle donne-schermo, ma ciò crea la
negazione del saluto da parte di Beatrice. Segue
poi il gabbo, in cui Beatrice e le amiche lo
deridono.
Dante, a seguito di ciò, decide di darsi alla loda
(Donne ch’avete intelletto d’amore): una lode
della donna gratuita, in cui il poeta non desidera
più nulla dalla donna, nemmeno il saluto,
accontentandosi di poter cantare la grazia di
Beatrice, ormai diventata figura non solo
angelica, ma puramente spirituale e salvifica
(quasi messianica).
Iniziano dunque i presagi della morte di
Beatrice, tra i quali spicca un sogno che
preannuncia la morte della donna, che avviene
nel 1290.
La comparsa di una donna pietosa (probabile
personificazione della Filosofia) distrae Dante
dal dolore della morte di Beatrice, finchè ella
non gli compare in sogno: si tratta della mirabile
visione, anticipazione del progetto di Dante, la
lauda della donna amata nel tono più elevato
possibile, superiore a ogni altro testo mai
dedicato a una donna (parliamo della Divina
commedia).
La figura di Beatrice, quindi, seppur reale, viene
trasfigurata: non conta chi Beatrice sia, ma cosa
rappresenta.
In questo soprattutto notiamo il superamento
dello stilnovismo: è presente, al fianco della
tematica amorosa, un’allegorismo mistico
religioso, dato dai numerosi riferimenti alla
numerologia, all’interpretatio nominis (Beatrice:
colei che dispensa la beatitudine), oltre che dai
presagi apocalittici che accomunano la morte di
Beatrice a quella di Cristo (a questo proposito
hanno un’importanza fondamentale i sogni e le
visioni).
Modelli della Vita nova
Oltre a Cavalcanti e Guinizzelli, Dante riprende
la struttura del prosimetro dal De consolatione
philosophiae di Boezio e il carattere
autobiografico delle Confessioni di
sant’Agostino
CONVIVIO
Il progetto prevedeva 15 trattati, di cui uno
introduttivo, seguito dal commento di 14 liriche
precedentemente composte: l’opera, però, si
ferma al quarto trattato (probabilmente perché
Dante era già impegnato nella stesura della
Commedia).
Il titolo, banchetto, suggerisce la funzione
dell’opera: servendosi di un’allegoria, la
sapienza è considerata nutrimento spirituale, e
perché essa sia più accessibile, serve “il pane”,
ossia il commento in prosa che guida il lettore
nell’interpretazione delle liriche.
Il primo libro ha valore programmatico: il
poeta motiva la scelta del volgare con il
desiderio di rendere accessibili concetti di
filosofia e teologia fin ora trattati solo in latino.
Le poesie stesse solo apparentemente si limitano
a parlare di amore profano. Per questo egli
illustra i due livelli di senso: senso letterale e
senso allegorico.
Secondo libro: commento a Voi che intendendo
il terzo ciel movete, digressioni di carattere
cosmologico e teologico, che servono per
specificare come la donna gentile a cui si
rivolge è un’allegoria della Filosofia. Quattro
sensi, i possibili livelli di lettura di un testo:
senso letterale, senso allegorico (nella poesia e
nei miti degli antichi era presente un senso
allegorico, “allegoria dei poeti”), senso morale,
senso anagogico (scritture di tipo teologico,
“allegoria dei teologi”).
Riferimento al mito di Orfeo: con il suo canto
muoveva le pietre, allegoria del potere della
poesia, capace di muovere anche gli animi più
duri.
Terzo libro: commento Amor che ne la mente
mi ragiona, riflessione sulla natura dell’amore,
ma anche un elogio della sapienza e della
filosofia stessa (eros e sapienza in Socrate e
Platone sono strettamente legati), in quanto
attraverso la conoscenza filosofica l’uomo
accoglie in sé quella parte di verità accessibile
alle sue possibilità di comprensione,
preparandosi ad accogliere la Verità rivelata (a
cui si può giungere solo con l’aiuto di Dio).
Quarto libro: commento Le dolci rime d’amore
ch’io solia, recupera i concetti di gentilezza e
umiltà, che rimandano a delle virtù morali, che
non hanno niente a che fare con la condizione
sociale e economica dell’uomo. Dante si scaglia
contro la cupidigia (avarizia): per combatterla è
necessario ripristinare l’autorità imperiale
(questo concetto verrà ripreso nel Monarchia).
Dante coltiva una sorta di culto per la sapienza,
una necessità di produrre una letteratura sovra-
municipale: il pubblico non è più una ristretta
cerchia di eletti o gli abitanti del comune di
appartenenza, ma ad un pubblico quasi
universale. Proprio per questo suo desiderio il
rapporto con Cavalcanti si incrina: Cavalcanti si
rivolge alla sola cerchia di eletti (i cor gentili).
DE VULGARI ELOQUENTIA
Trattato in latino, si ferma al capitolo 15 del
secondo libro, il progetto iniziale prevedeva 4
libri.
L’opera è indirizzata ai doctores illustres, cioè a
quei poeti che vogliano servirsi del volgare
illustre per creare una nuova lingua poetica da
affiancare al latino.
Distinzione tra volgare, lingua naturale e
“materna” (i bambini la imparano
spontaneamente) e latino, ovvero la gramatica,
una lingua creata artificialmente (Dante non
riconosceva la derivazione delle lingue romanze
dal latino).
Novità: concezione di un’evoluzione della
lingua naturale e comparazione fra lingue in
base ad analogie (confronto tra lingua d’oc,
d’oil e del sì).
Per trovare una lingua comune, bisogna trovarne
una che abbia un sistema di regole abbastanza
definito, in modo da creare una lingua stabile.
Dante dunque passa a rassegna tutti i dialetti
italiani, fornendo anche delle vere e proprie
auctoritas (canone di autori in lingua volgare),
ma non trova nessun volgare che risponda ai
canoni sopracitati.
Il volgare illustre (da lucem, che illumina),
infatti, deve essere:
-cardinale: tutti gli altri volgari ruotano attorno
ad esso;
-regale: degno di essere utilizzato in un palazzo
regale (aula);
-curiale: proprio di chi fa parte di una corte
(curia, unione di uomini colti raccolti intorno al
sovrano).
Una condizione simile si era creata alla corte di
Federico II: si comprende, dunque, come sia
necessaria la presenza di un fotte potere centrale
e un’alleanza tra il potere politico e il ceto
intellettuale.
Il De vulgari eloquentia, dunque, oltre ad essere
un trattato di retorica e poetica, è anche un
trattato di politica culturale.
Tripartizione degli stili: tragico, comico ed
elegiaco.
Classificazione delle forme metriche: la canzone
è la forma più nobile, il sonetto e la ballata
appartengono ad un livello inferiore. Tra tutti i
versi utilizzati, l’endecasillabo è il più nobile,
seguito dal settenario.
MONARCHIA
Trattato politico in latino in 3 libri, rivolto al
pubblico internazionale delle classi dirigenti e
dei dotti.
Dante si pone un obiettivo: la conoscenza della
monarchia temporale, attraverso l’analisi di tre
questioni principali.
1. La monarchia temporale è necessaria al
benessere dell’umanità?
L’imperatore, che possiede ogni cosa e dunque
non desidera nulla, essendo al riparo dalla
cupidigia può perseguire l’interesse comune e
assicurare giustizia; inoltre, solo una volontà
che sia signora permette quella concordia dei
voleri che garantisce il benessere dell’umanità.
2. L’ufficio della monarchia spetta al popolo
romano?
La nobiltà del popolo romano, unico esempio
storico di legittimo Impero universale, dimostra
di avere il diritto di esercitare il governo. Inoltre
il potere romano si manifesta nel suo carattere
provvidenziale: Dio ha deciso di incarnarsi sotto
di esso e, al momento della morte, si è
sottomesso al decreto di un imperatore.
3. L’autorità del monarca dipende direttamente
da Dio o dal papa?
L’autorità papale e l’autorità imperiale sono due
istituzioni indipendenti tra loro (teoria dei due
soli): l’uomo, diviso in corpo e anima, ha
bisogno di entrambi, poiché l’Impero deve
garantire la felicità terrena (soddisfacimento dei
desideri del corpo), mentre il Papato deve
garantire la felicità spirituale ed eterna
(soddisfacimento dei desideri dell’anima).
Dante critica le pretese temporalistiche del
Papa: egli deve rimanere un’autorità spirituale,
senza mettere in discussione il potere
dell’Impero (critica al papa Bonifacio VIII).
Dante si rivolge anche ad Enrico VII, nella
speranza del ripristino dell’autorità imperiale
(fatto che gli avrebbe permesso di ritornare a
Firenze).
Il Monarchia si presenta come opera filo-
imperiale: per questo quest’opera fu bruciata dal
cardinale Bertrando del Poggetto, per poi essere
inserito nell’Indice, in particolare per aver
messo in discussione la legittimità della
Donazione di Costantino.
Donazione di Costantino: si credeva che
Costantino avesse donato Roma e l’occidente a
papa Silvestro. Il documento giustificava,
dunque, le pretese temporalistiche del papa.
Dante rivela che il documento non aveva
nessuna legittimità: al tempo Costantino non
aveva un’autorità tale da concedere dei territori
(che erano di possesso collettivo, non
individuale), e visto che il papa dovrebbe
occuparsi delle questioni spirituali, non avrebbe
potuto accettare donazioni materiali (ossia i
territori)
Qualche secolo dopo, in pieno Umanesimo:
Lorenzo Valla stabilisce che la donazione è
falsa.
DIVINA COMMEDIA
Divisa in 3 cantiche di 33 canti ciascuna + uno
iniziale (per un totale di 100 canti, numero
simbolico assieme al 3). Lo schema metrico
usato è la terzina.
La terzina: ripetizione di rime incatenate
(potenzialmente ripetibile all’infinito) in cui il
verso mediano rima con il primo della terzina
successiva. Il verso usato è l’endecasillabo
(sono dunque 33 le sillabe per ogni verso). La
struttura della terzina (o terza rima) diventa
canonico per una poesia di tipo narrativo o
argomentativo. Assomiglia all’ottava rima dei
poemi cavallereschi.
Il titolo
Il titolo originale dell’opera è Comedìa, da
pronunciare alla greca. Il termine si riferisce alla
tripartizione di stili già esposta da Dante nel De
vulgari eloquentia: lo stile tragico (il più
elevato), lo stile comico (lo stile medio), e lo
stile elegiaco (il più umile). Tutti e tre gli stili
sono presenti nel poema: tragico per il Paradiso,
elegiaco per il Purgatorio e comico per
l’Inferno. La vicenda dell’opera, dall’iniziale
smarrimento fino al finale felice, è simile alle
trame delle commedie, da qui il titolo.
L’espressione divina commedia deriva dal
trattatello in laude di Dante di Giovanni
Boccaccio, in cui però ci si riferisce solo al
Paradiso.
Caratteristiche formali
Plurilinguismo e pluristilismo: come già detto,
tutti e tre gli stili definiti nel De vulgari
eloquentia sono usati per la Divina Commedia;
la varietà di stili ha un corrispettivo sul piano
della lingua, infatti, nonostante il dialetto
fiorentino sia quello più utilizzato, non mancano
termini provenienti da dialetti diversi, o da
lingue diverse, come il provenzale (nell’incontro
con Arnaut Daniel), latinismi e addirittura
neologismi (come il trasumanar del primo canto
del Paradiso).
Modelli
Cultura classica, in particolare Virgilio, con il
viaggio di Enea nell’Ade.
Cultura araba: Liber de la scala
Agiografie: discesa nell’aldilà di san Paolo.
Letteratura visionistica: De ierusalem celesti e
De babilonia civitate infernali di Giacomino da
Verona e il Libro delle tre scritture di Bonsevin
de la Riva, la Navigatio di san Brendano.
Valore pedagogico e allegorico dell’opera
Dante personaggio (agens), seppur
intrinsecamente legato all’identità di Dante
autore (auctor), è anche simbolo dell’umanità
intera, smarritasi in un periodo di decadenza
delle due istituzioni fondamentali, le guide del
corpo e dell’anima dell’uomo, l’Impero e il
Papato.
Il viaggio nei tre regni dell’aldilà simboleggia il
viaggio di un’anima (sia di Dante sia di
qualsiasi uomo di qualsiasi luogo e tempo) alla
ricerca della salvezza, un percorso di
purificazione.
Anche le due guide sono delle allegorie:
-Virgilio rappresenta la ragione umana, a quanto
possa arrivare la mente umana senza l’aiuto
divino;
-Beatrice simboleggia la sapienza teologica.
(san Bernardo negli ultimi canti del Paradiso
rappresenta la mistica).
Simbolico è anche il tempo scelto per lo
svolgimento della vicenda: la primavera del
1300, anno del giubileo indetto da Bonifacio
VIII. L’ambientazione nel passato della vicenda
permette a Dante di far pronunciare ad alcuni
dei suoi personaggi delle profezie di
avvenimenti che non sono ancora accaduti per
Dante agens, ma sono già avvenuti per il Dante
auctor.
La figura di Beatrice
Nella Commedia Beatrice assume il ruolo di
intermediario tra la natura terrena del poeta e la
trascendenza divina (iter ad deum): nel primo
canto del Paradiso, quando si ritrovano davanti
una luce accecante (Dio), Dante è costretto a
guardare quella luce attraverso gli occhi di
Beatrice (Dante, essendo ancora vivo, non può
guardare Dio direttamente come le altre anime).
Completa trasfigurazione di Beatrice: conserva
alcune caratteristiche della donna stilnovista, ma
assume uno spessore spirituale che nessun’altra
figura femminile ha mai avuto.
La vicenda
Dante si perde in una selva e viene soccorso da
Beatrice, che chiede a Virgilio di aiutarlo,
perché non può scendere fin all’inferno lei
stessa. Virgilio infatti, è un pagano, e per questo
si trova nel Limbo.
Dante interagisce con anime che hanno un
vissuto storico: egli ha sempre una forma di
interesse, che possa sfociare in sdegno o
compassione, oltre che curiosità.
Cacciaguida: per trasmettere fino in fondo il
messaggio, Dante non deve tralasciare nulla del
suo viaggio. Il fatto che il poeta nell’oltretomba
abbia a che fare con vicende di personaggi
famosi della sua epoca non è casuale: proporre
modelli e personaggi familiari al lettore
contemporaneo facilitava la trasmissione del
messaggio. Esempio di ciò è Pia dei Tolomei, a
noi sconosciuta, ma personaggio famoso al
tempo del poeta.
Struttura di Inferno, Purgatorio e
Paradiso
Inferno: ha la forma di un cono rovesciato che
si restringe man mano che si arriva al centro
della Terra, diviso in cerchi. L’ingresso
dell’Inferno si trova a Gerusalemme.
Al centro della Terra c’è Lucifero, l’angelo
ribelle, nelle cui tre bocche vengono torturati
Giuda, Cassio e Bruto: cacciato dal Paradiso, la
sua caduta sulla terra ha prodotto il cono
dell’inferno e contemporaneamente, per il
ritrarsi inorridito della terra, la formazione,
nell’emisfero opposto, del purgatorio.
Anti inferno: ignavi, anime incapaci di
scegliere tra il bene e il male, sono costretti a
correre dietro una bandiera. Sono rifiutati sia da
Dio che da Satana.
Limbo: spiriti non battezzati, sapienti e chi è
vissuto prima di Cristo. I patriarchi biblici si
trovavano qui, ma vengono portati da Cristo in
Paradiso.
Il purgatorio è invenzione dantesca: è diviso in
gironi, in cui vengono puniti i peccati capitali.
Le anime qui però hanno speranza di accedere al
paradiso, mentre quelle dell’inferno sono
condannate ad una sofferenza eterna. Si tratta di
anime che si sono pentite prima di morire: si
sono resi conto dell’errore.
Dante pensa che egli stesso accederà al
Purgatorio.
Le pene dell’inferno e del purgatorio
obbediscono alla legge del contrappasso: la
pena viene assegnata per antitesi o per analogia
rispetto alla colpa.
Il paradiso è formato da cieli concentrici,
ognuno illuminato da un astro, dalla Luna a
Saturno, mentre l’ottavo cielo è quello delle
Stelle fisse, il nono è il Primo mobile (il suo
movimento conferisce movimento agli altri
cieli). Oltre i cieli c’è l’Empireo con la Rosa dei
beati (eterna beatitudine, ossia la
contemplazione di Dio) e Dio stesso nella sua
triplice natura. Per incontrare Dante ogni beato
si reca nei cieli che più rappresentano la loro
virtù, ma tutti sono nella Rosa dei beati.
La politica
Molti canti della Commedia, in particolare il
sesto canto di ogni cantica, tratta di politica:
Inferno, VI: situazione di Firenze; Purgatorio,
VI: situazione critica dell’Italia, priva di una
guida; Paradiso, VI: Giustiniano e il corpus iuris
civilis.
GLI ORIENTAMENTI
LETTERARI DEL TRECENTO
Escludendo le due opere fortemente innovative
di Petrarca (il Canzoniere) e di Boccaccio (il
Decamerone), la produzione letteraria del
Trecento mantiene solidi legami con la
tradizione del Duecento.
I generi più diffusi infatti sono la lirica di
imitazione stilnovistica (produzione poetica di
Sennuccio del Bene, amico del padre di
Petrarca), la letteratura allegorico-didascalica
(abbiamo già nominato in precedenza il
Dittamondo di Fazio degli Uberti) e i cantari.
La poesia canterina
I cantari sono componimenti narrativi in ottava
rima che si diffondono soprattutto in Toscana
tra il quattordicesimo e il quindicesimo secolo.
Il nome di questi componimenti deriva dal
verbo “cantare”, in riferimento ai giullari
“canterini” (si tratta dunque di una produzione
di carattere popolareggiante).
Ottava rima: secondo alcuni invenzione di
Boccaccio, per altri nata dall’evoluzione del
genere canterino.
I cantari si diffondono inizialmente per via
orale, solo a partire dalla metà del Trecento si
attestano le prime produzioni scritte di questo
genere. Possono essere anche molto lunghi. La
materia era quella dell’epica medievale o quella
delle storie antiche (favole classiche o miti). I
temi scaturiscono da una fusione delle tematiche
della chanson de geste (battaglie, onore
cavalleresco) e la materia romanzesca francese
(ciclo arturiano, tematiche d’amore):
combinazione tra materia lirico-amorosa-erotica
e bellico-eroica. Da ciò si arriverà al romanzo
cavalleresco.
Uno dei primi autori di cantari che abbia dato
dignità letteraria al genere è il fiorentino
Antonio Pucci.
PETRARCA
Biografia
Nasce nel 1304 ad Arezzo. Il padre, ser
Petracco, si era trasferito a Firenze per esercitare
la professione di notaio ma, essendo guelfo
bianco, nel 1302 fu esiliato e costretto a
trasferirsi ad Arezzo.
Nel 1312 la famiglia si trasferisce ad Avignone,
nel frattempo divenuta sede papale, ambiente in
cui lavora lo stesso padre di Francesco.
Avignone con il trasferimento della sede papale
era diventata una città cosmopolita, luogo di
incontro di figure importanti, anche della
politica: la pluralità del luogo impedisce a
Petrarca di sviluppare un senso di appartenenza
alla città (al contrario di Dante, profondamente
legato alla sua Firenze).
Iniziati gli studi di diritto a Montpellier, qualche
anno più tardi Francesco si trasferisce a Bologna
con il fratello minore Gherardo: in questo
periodo il poeta inizia a manifestare una
predilezione per la letteratura. Alla morte del
padre, nel 1326, i due fratelli sono costretti a
tornare ad Avignone.
Il 6 aprile 1327 nella chiesta di Santa Chiara
incontra per la prima volta Laura (della cui
esistenza neanche gli amici più stretti erano
sicuri): l’incontro in una chiesa è un topos della
lirica amorosa. Petrarca ci dice di averla
incontrata nel Venerdì Santo, giorno della
passione di Cristo, anche se effettivamente
quell’anno il Venerdì santo cadeva il 10 aprile:
l’accostamento del primo incontro con Laura
con la passione di Cristo ha valore simbolico.
Tra il 1328 e il 1329 Francesco prende gli
Ordini minori per poter sostenere la famiglia,
per poi recarsi a Roma, al servizio dei Colonna.
La protezione di questa potente famiglia gli
permette di dedicarsi agli studi e alle ricerche
filologiche in giro per le biblioteche di tutta
Europa (in questo periodo ritrova alcune
epistole di Cicerone).
Tornato ad Avignone, inizia a manifestare una
certa insofferenza per l’ambiente papale
corrotto: decide dunque si trasferirsi a
Valchiusa, dove compone il poema epico in
latino Africa e la raccolta di biografie esemplari
De viris illustribus.
L’8 aprile 1341, dopo aver sostenuto un esame a
Napoli al cospetto del re Roberto d’Angiò, viene
incoronato sul Campidoglio.
Tornato ad Avignone conosce Cola di Rienzo,
ambasciatore del Governo popolare romano, con
cui ha in comune l’ammirazione per l’età
repubblicana romana e i mos maiorum del
tempo.
Nel 1343 il fratello Gherardo si dà alla vita
monastica, evento che peggiorerà la crisi
interiore del poeta, diviso tra la ricerca della
gloria e l’aspirazione alla vita contemplativa.
Nel 1347 Francesco sostiene il tentativo di Cola
di restaurare la repubblica romana a Roma
(questo gli costerà l’amicizia dei Colonna).
Turbato dalle delusioni politiche e dalla crisi
spirituale, si ritira a Valchiusa, dove scrive il De
otio religioso e il De vita solitaria, oltre che il
Secretum.
Mentre in Europa infuria la peste nera, Petrarca
viene a sapere della morte di Laura, avvenuta
nella simbolica data del 6 aprile 1348: la
scomparsa della donna e quella di tanti amici
porta il poeta alla cosiddetta mutatio animi,
periodo in cui il poeta matura l’idea di
raccogliere le sue liriche nel Canzoniere e le sue
lettere latine negli epistolari.
Dopo essersi recato a Roma per il giubileo, si
trasferisce, nel 1350, a Firenze presso Giovanni
Boccaccio. Dopo un breve soggiorno ad
Avignone, dove compone il Sine nomine e i
Trionfi (poema allegorico in terza rima in
volgare), si stabilisce a Milano, dove compie
missioni diplomatiche per i Visconti, tra cui una
a Praga presso l’imperatore Carlo IV e una a
Parigi. Il trasferimento a Milano, città odiata dai
fiorentini, fa degenerare i rapporti con gli amici
fiorentini, tra cui Boccaccio.
Nel 1361 Francesco si trasferisce a Padova e a
Venezia, con la promessa di donare la sua
biblioteca personale allo Stato veneziano (cosa
che non avverrà). Qui comincia a far trascrivere
a Giovanni Malpaghini il Canzoniere. A Padova
i da Carrara gli donano una casa ad Arquà, sui
colli Euganei, dove passa gli ultimi anni di vita,
continuando la costante rielaborazione del
Canzoniere.
Muore nel 1374.
Pensiero del poeta
Vocazione all’autoanalisi: per la prima volta un
poeta offre ai futuri lettori un autoritratto,
legando strettamente il piano della vita e quello
della scrittura. Tutta la produzione di P. è
caratterizzata dall’attenzione all’interiorità: il
poeta, durante tutta la sua vita, cerca di
conoscere sé stesso e di dare un ordine e un
valore simbolico ai frammenti sparsi della sua
vita e del suo animo (da qui i Rerum vulgarium
fragmenta). Per questo motivo uno dei libri più
importanti per il poeta è Le confessioni di
sant’Agostino, in cui l’autore aveva esaminato
la sua esistenza alla luce della conversione
religiosa, in modo da dare un insegnamento di
salvezza ai suoi lettori.
Anche la Vita nuova di Dante costituisce un
modello, ma a differenza di questo il suo
tormento interiore non viene mai risolto.
Nel Canzoniere, dunque, Petrarca unisce
l’autoanalisi di sant’Agostino alla tradizione
della lirica d’amore: da questo momento il
genere lirico finisce per diventare il linguaggio
privilegiato dell’interiorità.
Lo stretto rapporto tra vita e scrittura porta P. ad
essere estremamente attento alla forma del testo:
continue sono le ri-scritture, alla ricerca della
perfezione della forma, spesso lo stesso poeta si
occupa della trascrizione dei suoi libri o
sorveglia con cura questa operazione quando
l’affida ad altri.
Un nuovo modello di intellettuale:
Petrarca pre-umanista
Missione civilizzatrice del letterato: in un
periodo di crisi, l’intellettuale è testimone, nel
proprio tempo, della cultura del passato, di
esempio anche per i contemporanei.
Petrarca è un intellettuale apolide e cosmopolita,
estraneo alla dimensione comunale.
Rapporto contraddittorio con la politica: da una
parte rivendica il suo impegno civile
(negotium), dall’altra crede che lo distragga
dalla vita contemplativa e dagli studi (otium),
dichiara l’assoluta libertà dell’intellettuale di
fronte al potere, ma è a stretto contatto con le
istituzioni del tempo, come Dante, desidera
un’alleanza tra cultura e politica, progetto che
verrà attuato dagli umanisti all’interno delle
corti italiane.
Il mito della gloria: Petrarca si dedica
strenuamente alla stesura di opere in latino, che
considera le più idonee al conseguimento del
prestigio culturale a cui aspira. Questo desiderio
di riconoscimento, però, si scontra con il
bisogno del poeta di perfezionamento interiore
(come gli rimprovera sant’Agostino nel
Secretum). Egli da una parte insegue obiettivi
terreni, dall’altra è consapevole di star
trascurando, in questo modo, gli obiettivi
spirituali.
Rapporto con i contemporanei: da un lato
manifesta una repulsione per la cultura
contemporanea e per certe forme della socialità
intellettuale (De otio, ispirato a Seneca, per
l’intellettuale è più importante l’otium, il
momento in cui lavora sulle sue opere e studia
in solitudine), dall’altra parte ricerca un
riconoscimento da parte dei suoi contemporanei.
Petrarca diventa modello a livello europeo: nel
rinascimento in Spagna c’è il petrarchismo.
Il lavoro di filologo di Petrarca
Ricerca di più copie di uno stesso testo in modo
da confrontarli, per ricostruire, per quanto
possibile, il testo originale (spesso i copisti
compivano errori, modificando dunque il testo
originale).
Oltre che collezionista di libri e bibliofilo,
Petrarca è anche un filologo: grazie a lui nasce
un nuovo modo di leggere i classici.
I classici non solo sono fonte di saggezza e di
exempla, ma anche una lezione di humanitas,
cioè di una cultura che parli all’uomo e lo
educhi. L’imitatio dei classici, dunque, non si
limita più alla sola forma, ma anche al
contenuto. Inoltre, secondo P., non bisogna
limitarsi all’imitazione di una sola auctoritas,
ma attingere da vari autori: come l’ape produce
miele ricavando il polline da vari fiori, così
l’intellettuale deve prendere spunto da più
autori. Tra gli autori classici imitati abbiamo
Cicerone, Virgilio, Seneca, autori greci, e
sant’Agostino (ma non privilegia nessuno tra
questi, attingendo da tutti
contemporaneamente).
Enorme distanza tra la contemporaneità e il
passato classico, soprattutto sul livello etico, si
deve recuperare la virtus dei latini, soprattutto in
epoca repubblicana.
Petrarca, nonostante sia chiaramente un
anticipatore dell’umanesimo, non può essere
ancora considerato un umanista vero e proprio:
egli, infatti, compie una conciliazione tra cultura
classica e dottrina cristiana, mentre gli umanisti
avranno una visione completamente laica della
cultura.
Ricerca di testi di cui si conosce l’esistenza, ma
non si sa dove siano: ritrovamento di alcune
epistole e del Pro Archia di Cicerone.
Il bilinguismo petrarchesco
Petrarca è espressione di un bilinguismo
letterario rigoroso: nonostante si sia servito sia
della lingua latina che di quella volgare, le due
lingue sono da considerarsi codici ben separati,
che non devono interagire tra di loro.
Il latino è la lingua della cultura: in particolare
quello di Petrarca è il latino puro degli antichi
(in particolare ripreso da Cicerone), dunque un
latino spogliato dalle contaminazioni della
filosofia scolastica medievale e del volgare.
Il volgare, invece, è lingua popolare: Petrarca
definisce le sue liriche in volgare “nugae”, ossia
componimenti leggeri, nonostante comunque il
lavoro di perfezionamento non abbia
risparmiato neanche le liriche in volgare. Infatti
il volgare petrarchesco è puro, frutto di una
rigorosa opera di selezione lessicale, un volgare
snello e funzionale per esprimere i suoi moti
dell’anima. Se il volgare dantesco scaturisce da
una pluralità, quello petrarchesco si mantiene su
un livello alto semplificando gli elementi (meno
parole, ma più esplicite e pregnanti). Il toscano
letterario sarà ispirato proprio al volgare
petrarchesco (Pietro Bembo definisce Petrarca
autore canonico per le liriche).
IL CANZONIERE
Primo libro lirico di carattere organico e
unitario: Petrarca raccoglie, ordina e trascrive le
sue poesie, con l’intenzione di raccontare una
storia.
Il titolo originale è Rerum vulgarium fragmenta
(Rvf): la scelta del latino per il titolo ribadisce la
ferma volontà di bilinguismo.
Prima del Canzoniere
Non abbiamo testimonianze di produzioni
liriche precedenti al primo incontro con Laura,
ma sappiamo che negli anni ’30 alcune liriche di
Petrarca erano state divulgate in maniera sparsa,
per poi essere raccolte nel Canzoniere.
I due codici vaticani
Vaticano latino 3196 (o codice degli abbozzi) e
Vaticano latino 3195. Il primo si può
considerare una copia di lavoro in brutta: ci
permette di vedere il metodo di lavoro del poeta.
Il secondo è il codice originale nella sua
versione ultima (1366), scritto in parte per mano
del copista Giovanni Malpaghini e in parte da
Petrarca stesso.
Struttura e storia
Racconto lirico dei momenti salienti dell’amore
di Francesco per Laura e degli effetti che
l’amore ha sull’animo del poeta.
Composto da 366 liriche (317 sonetti, 29
canzoni, 9 sestine, 7 ballate e 4 madrigali)
inserite in una struttura bipartita,
tradizionalmente distinta in rime in vita (1-263)
e rime in morte di Laura (264-366, anche se in
realtà si parla della morte di Laura solo nel
componimento 267). La volontà di Petrarca di
articolare l’opera in due parti è suggerita
dall’intervallo di quattro pagine bianche che
separa le due sezioni, simbolo del periodo di
mutatio animi del poeta. La prima parte sembra
concentrarsi sul passato, sui ricordi e sul
pentimento per il giovanil errore; la seconda si
concentra sul presente e sulla speranza di
redenzione.
Il numero dei componimenti potrebbe essere
interpretato in due modi: o numero dei giorni di
un anno bisestile, o numero di giorni di un anno
normale escludendo il sonetto proemiale.
L’anno scandito dalle 366 liriche sintetizza il
senso di una vita intera: dall’errore giovanile,
quindi l’innamoramento, si passa alla crisi e al
pentimento, fino all’ultima lirica, la canzone alla
Vergine, a cui Petrarca affida la sua anima in
cerca di salvezza.
Il percorso della narrazione, però, non è lineare,
ma curvilineo: numerosi sono rimandi al passato
e anticipazioni, superamenti, ogni lirica può
essere letta sia come tappa della storia dell’io sia
come componimento autonomo.
Inserisce alcuni componimenti che noi
definiamo “di anniversario” (ci ricordano quanti
anni sono passati dal primo incontro con Laura),
facilmente databili, sempre riferiti alla storia di
Petrarca e Laura.
Sestina: forma particolare di canzone con sei
strofe, ciascuna di 6 endecasillabi, più un
congedo con 3 endecasillabi. Parole rima: no
schema rimico tradizionale, le parole finali della
prima strofa si ripetono anche nelle altre strofe.
La parola finale dell’endecasillabo finale della
strofa precedente viene ripetuta alla fine del
primo endecasillabo della strofa seguente. Nel
congedo le parole-rima vengono riprese, sia nel
mezzo sia alla fine dei tre endecasillabi. La
sestina è inventata da Arnaut Daniel.
1347-1350: periodo di produzione più intensa,
ma Petrarca ritornerà spesso sul Canzoniere.
I TEMI
L’io lirico è soggetto e oggetto dell’indagine
poetica generata dalla mutatio animi.
Contrasto tra il tormento del poeta, continuo, e
gli animali che hanno un momento di riposo
dalle attività quotidiane.
Differenze con Dante
Nonostante il Canzoniere tragga ispirazione
della Vita nova di Dante (sia la morte di
Beatrice che quella di Laura dividono in due
parti le raccolte), sono numerose le differenze.
Mentre l’amore per Beatrice occupa solo la
giovinezza di Dante, l’amore per Laura occupa
tutta la vita del poeta.
Beatrice è figura salvifica, che mette in contatto
Dante con Dio; Laura allontana Francesco dal
perseguimento della salvezza spirituale,
tenendolo ancorato alle pulsioni terrene. Mentre
la morte di Beatrice permette a Dante di
perseguire la virtù, quella di Laura permette a
Petrarca di comprendere la natura peccaminosa
del sentimento amoroso, in quanto aveva amato
più Laura che Dio (ricordiamo che Francesco è
un chierico).
La figura di Laura
La figura di laura non ha una consistenza fisica:
non è mai descritta nella sua interezza, solo
piccoli dettagli, tratti sineddotici e simbolici
(tipici della lirica stilnovista). Sono descritti più
gli effetti della bellezza di Laura, che il suo
aspetto fisico.
Giochi di parole (omografia, in quanto
l’apostrofo non esisteva, e omofonia) con il
nome Laura: laurea (momento
dell’incoronazione e di un riconoscimento),
lauro (pianta di alloro, richiama il mito di
Apollo e Dafne), l’aura (l’aria, elemento che
apporta vita, ma inconsistente).
Petrarca definisce Laura la dolce nemica: può
consolare ma anche distruggere. Per questo usa
molto nei suoi componimenti l’antitesi, il
chiasmo (rappresentare le oscillazioni
dell’animo), l’ossimoro.
Il tempo
Il compito della memoria è quello di strappare al
tempo distruttivo il passato (tepus edax). Noi
uomini cerchiamo di conservare i ricordi, che il
tempo vorrebbe cancellare. L’amore anche si
trasforma nel tempo. La bellezza femminile è
soggetta al passare del tempo.
Si confondono i tre piani temporali: ricordo
attivato dalla visita a luoghi in cui c’è stata
Laura (il luogo conserva le sue tracce), il
presente, momento di consapevolezza delle
colpe, il futuro è il piano temporale della
speranza di ricomposizione dei conflitti (che
non avverrà, come rivela il Secretum).
Modelli: De brevitate vitae di Seneca, tempo
come dimensione interiorizzata per
sant’Agostino.
Funzione eternatrice della poesia: sottrae
all’azione distruttiva del tempo ciò che siamo e
ciò che ci è accaduto.
Pensiero della morte: pace interiore eterna.
Canzone indirizzata alla Vergine, a cui affida la
propria anima, nella speranza della pace eterna.
La parola pace è l’ultima parola del canzoniere.
Altri temi
-Tema dell’amicizia: testi indirizzati ad amici o
colleghi, come il sonetto a Sennuccio del Bene.
-Tema della politica: dichiarazione di
indignatio per la corruzione dei tempi presenti,
canzone Italia mia. Il dolore del poeta che
denuncia la corruzione denuncia anche lo
smarrimento dell’amore per Laura.
IL SECRETUM
Trattato in latino in forma dialogica, in cui
discutono due personaggi, Francesco, che
simboleggia la parte di Petrarca legata alle
passioni terrene, e sant’Agostino, ossia la parte
di Petrarca che desidera la salvezza. Dunque è
un dialogo tra due parti della psiche di Petrarca.
Scritto tra il 1347 e il 1353.
I modelli
Dialogo platonico o ciceroniano di contenuto
etico, De consolatione philosophiae di Boezio e
le Confessioni di sant’Agostino.
Contenuto
Al dialogo assiste anche la Verità, che però
rimane in silenzio: il dialogo non si conclude,
infatti, con il raggiungimento del traguardo da
parte di Francesco, ma le incertezze e le
contraddizioni continuano.
Consapevolezza di quanto sia difficile per
l’uomo di liberarsi dalle pulsioni terrene.
Il dialogo è diviso in 3 libri:
-nel primo Agostino si concentra su quelle
immagini terrene che rivela essere pure
apparenze, soffermandosi sul contrasto tra
questi obiettivi evanescenti e la certezza della
verità divina, che è eterna; individua inoltre nel
difetto di volontà la ragione che impedisce a
Petrarca di salvarsi, e dunque esorta il poeta a
meditare sulla morte.
-nel secondo libro sono esaminati i sette vizi
capitali e la disposizione di Francesco a
ciascuno: non viene assolto dalla superbia
(ambitio), dall’avarizia, dalla lussuria, ma
soprattutto dall’accidia (indifferenza verso
qualunque forma di azione o iniziativa, vizio
peggiore perché non consente a Francesco di
agire per la conversione).
-nel terzo libro si concentra su quelle che
definisce “catene” che tengono Francesco legato
alla realtà terrena: l’amore per Laura e la ricerca
della gloria (desiderio di Laura e della laura).
Il dialogo si conclude lasciando aperte queste
contraddizioni, l’autore è ancora pieno di dubbi.
Rivelazione di una consapevolezza: la vita è
fatta di tensioni opposte. Termina con un
proposito: “raccoglierà gli sparsi frammenti
della mia anima”.
Pensiero morale di Petrarca: insofferenza per la
cultura medievale di tipo scolastico e per la
filosofia aristotelica, perché a Petrarca interessa
una riflessione morale che investa i
comportamenti umani (per questo si rivolge più
a sant’Agostino).
ALTRE OPERE
Triumphi (in volgare)
Poema in terza rima di contenuto allegorico: il
modello dantesco viene ripreso, anche
nell’intendo di dare valore universale
all’esperienza autobiografica dell’autore.
Il titolo originale è in latino e rimanda all’idea
del trionfo romano, celebrazione della vittoria di
un condottiero che sfila esibendo i trofei di
guerra. La figura del condottiero viene qui
sostituita da entità allegoriche. Man mano che si
va avanti si arriva ad una verità superiore,
divina e incrollabile.
Sono 6 trionfi (sempre numero del 6 aprile),
rappresentano 6 quadri apparentemente
autonomi, ma la successione dei componimenti
costituisce l’evoluzione di una storia.
Triumphus Cupidinis (o Amoris) in 4 canti
Triumphus Pudicitiae in un solo canto
Triumphus Mortis in 2 canti
Triumphus Famae in 3 canti
Triumphus Temporis in un solo canto
Triumphus Eternitatis in un solo canto
Nei primi tre trionfi si concentra sulla
celebrazione di valori transitori, mentre gli
ultimi 3 celebrano valori duraturi in un sistema
crescente.
Come nella Commedia, Francesco-personaggio
ha una consapevolezza di sé incompleta rispetto
a Francesco-autore. La vicenda si svolge a
Valchiusa, all’alba di un 6 aprile di un anno non
meglio precisato. Al poeta appare in sogno
Amore, che trionfa su un carro portando con sé
tutte le sue prede (gli innamorati), tra cui anche
Laura. Francesco in questa occasione si
innamora della donna.
Dopo Amore, trionfa la Pudicizia di Laura che
non cede alle lusinghe amorose e non ricambia
il sentimento di Francesco. Segue poi il trionfo
della Morte: Morte insidia Laura, che però non è
turbata dalle sue minacce, ma anzi, le si affida
serenamente (siamo alla vigilia di un altro 6
aprile). Sulla Morte trionfa la Fama, che sottrae
all’oblio la memoria degli uomini.
Segue il trionfo del Tempo, entità che con la sua
azione corrosiva finisce per distruggere tutto,
anche il ricordo. Alla fine sarà l’Eternità a
vincere su ogni cosa: la contemplazione di Dio
si pone come solo punto fermo e stabile
dell’universo. Tra i beati chiamati a questa
visione ci sarà anche Laura, che trionfa al pari
dell’Eternità.
Alternanza di valori negativi (Amore, Morte,
Tempo) e positivi (Pudicizia, Fama, Eternità).
Solo apparentemente i Trionfi seguono un
percorso ascensionale dal peccato alla salvezza,
in realtà l’itinerario è quello di una parabola:
nell’Eternità il poeta immagina il volto di Laura
cghe riporta con movimento circolare il lettore
al punto d’inizio.
OPERE IN LATINO (porteranno il poeta
all’incoronazione)
Molte opere in latino vengono interrotte:
Petrarca non trova più gli stimoli.
Epistolari
Novità: innalzare l’esperienza autobiografica a
modello esemplare da consegnare ai posteri,
Petrarca decide quale immagine di sé dare ai
lettori futuri.
Modelli
Ritrovamento delle lettere Ad Atticum di
Cicerone.
Epistulae ad Lucilium di Seneca, soprattutto per
il carattere filosofico e morale.
I temi
Confronto tra l’io del passato e quello presente,
la fuga del tempo, passione per la lettura e la
scrittura, richiamo costante ai classici, mito
della vita solitaria, dispresso per il vulgus,
ideale di amicizia.
Scelte retoriche e linguistiche
Al “voi” medievale si sostituisce il “tu” ricavato
da Cicerone e Seneca, le formule di apertura e
chiusura vengono semplificate, è introdotta la
datazione.
Adozione del latino: latino più agile e sciolto
rispetto a quello delle scuole medioevali,
pubblico raffinato e colto.
Familiares (Familiarum rerum libri)
350 lettere distribuite in 24 libri. Si tratta di
lettere ad amici o altri intellettuali del tempo,
con cui discute di varie tematiche, dalla natura
morale dell’agire umano alla dialettica tra
negotium e otium (vita attiva e vita
contemplativa). L’ultimo libro prevede
l’inserimento di alcune corrispondenze
immaginarie, in cui Petrarca discute con autori Africa (iniziato tra il 1338 e il 1339): poema
classici, da Cicerone a Virgilio. epico in esametri narrante gli ultimi anni della
seconda guerra punica (e quindi la vittoria di
Seniles (Senilium rerum libri): 128 lettere
Scipione l’Africano a Zama nel 202).
distribuite in 17 libri. Si tratta di lettere
L’obiettivo era quello di imitare Virgilio (la
composte in età più avanzata, trattano gli stessi
dedica a Roberto d’Angiò ricorda quella di
temi con un accento più marcato su una Virgilio ad Augusto). Rievocazione delle
dimensione autobiografica (ricordo dei lutti e
vicende eroiche della storia di Roma in modo da
delle delusioni). Prevedeva un diciottesimo libro essere usate come esempio: i contemporanei
con una lettera ai posteri (Posteritati), ma il libro
devono recuperare i modelli di virtus romana.
è rimasto incompleto.
Restano soltanto 9 libri. Interrotto nel momento
Sine nomine: 19 lettere (1342-1359). della mutatio animi e della morte di re Roberto.
Chiamate così perché non c’è il nome del
De viris illustribus (iniziato tra il 1338 e il
destinatario: si tratta infatti di lettere
1339): ispirato a Svetonio, raccolta di ritratti di
potenzialmente pericolose in cui critica la
uomini illustri prevalentemente della storia
corruzione dei contemporanei e del papato.
romana.
Sono riconoscibili come destinatari l’imperatore
Carlo IV, il pontefice Bonifacio XII e Cola di Rerum memorandarum libri (1343-1345):
Rienzo. raccolta di exempla ricavati dall’antichità e da
epoche più recenti, divisa in 4 libri, incompiuta.
Epystole metricae: 3 libri, 66 epistole in
Il modello è il latino Valerio Massimo.
esametri (1348-1350), modello oraziano, discute
delle solite tematiche, soprattutto la caducità
della vita umana (filosofia epicurea di Orazio),
ricordando nel proemio la morte del re Roberto Produzione di ispirazione morale e
e di Laura. religiosa
Lezione dei classici e meditazione cristiana
convergono: sintesi tra due ideali di vita e di
Produzione epica e storico-erudita cultura, mitigazione della severa ascesi cristiana
con l’otium dei classici latini. Dimensione
A partire dal 1337, Petrarca dà avvio ad
appartata, ma non eremitica, bisogna avere
un’intensa attività letteraria in latino,
intorno degli amici, accuratamente selezionati e
realizzando opere epiche e storico-erudite
con cui avere in comune la passione per la
modellate sui classici, a cui lo scrittore affida le
letteratura. Le letture non devono limitarsi ai
sue ambizioni di gloria letteraria (coronate dal
conseguimento della laurea poetica nel 1341).
classici, ma devono comprendere anche testi contemporanea (come anche nelle Bucoliche
della letteratura cristiana. virgiliane).

De vita solitaria (in due libri, scritto in gran

parte nel 1346).
Il primo libro è un elogio della vita solitaria, in
opposizione con la vita frenetica dell’individuo
occupato. Il secondo libro è una rassegna di
exempla che servono per confermare la validità
dell’ideale di vita appartata.

De otio religioso (iniziato nel 1347)

Scritto di getto dopo una visita al fratello
Gherardo, l’otium classico si affianca all’ideale
mistico e ascetico dei monaci, incita il fratello a
conservare la propria condizione di uomo che si
libera dalle passioni.

De remediis utriusque fortunae (in 2 libri,

composto in gran parte tra il 1356 e il 1357)
Rimedi contro i due tipi di fortuna, dialoghi
immaginari tra figure allegoriche. Nel primo
libro discutono sui rimedi contro la fortuna
favorevole, nel secondo contro la sfortuna.
L’uomo deve essere dotato di una virtù che gli
consente di rimanere sempre saldo (ideale
stoico): impiego della ragione per rimanere
impassibile. Rapporto virtù e fortuna:
Machiavelli.

Bucolicum carmen : 12 egloghe, tra il 1346 e

il 1348, imitare le Bucoliche virgiliane, prevale
un intento di tipo allegorico, nell’ambientazione
bucolica ci sono delle allusioni alla realtà
BOCCACCIO
Boccaccio fu amico intimo di Petrarca, come
testimoniato dalla fitta corrispondenza.
L’amicizia ebbe un momento di difficoltà
quando Petrarca si recò presso i Visconti a
Milano, città ostile a Firenze.
Breve biografia
Giovanni Boccaccio, figlio illegittimo ma
riconosciuto di Boccaccino di Chellino, nasce
nel 1313 a Certaldo, trascorre a Firenze gli anni
dell’infanzia e della scuola e in questo ambiente
avviene probabilmente il primo incontro con
Dante, che scomparirà di lì a poco.
Intorno al 1327-28 viene mandato a Napoli,
come rappresentante dell’impresa bancaria dei
Bardi, di cui il padre era direttore della filiale
napoletana. Grazie al padre, Boccaccio ebbe
facile accesso alla corte di re Roberto d’Angiò,
inserendosi nell’ambiente dell’alta borghesia e
della nobiltà napoletana, caratterizzato dal culto
della tradizione romanzesca cortese (in
particolare quella francese). Qui incontra Cino
da Pistoia, stilnovista ma anche giurista, che lo
avvia allo studio degli stilnovisti, di Dante e di
Petrarca. Il giovane Boccaccio inizia anche a
scrivere dei testi, esito di numerose
sperimentazioni.
Tra il 1340 e il 1341, spinto dalle necessità
economiche del padre, torna a Firenze.
Dall’ambiente cortese passa dunque a quello
comunale.
Nel 1348 si scatena la peste nera: Boccaccio
vive l’esperienza drammatica della peste, che lo
ispirerà per la creazione del Decamerone.
Decamerone come reazione al disordine sociale
e morale che si era originato a partire
dall’epidemia di peste.
Anni 50-60 viaggia molto (soprattutto per il suo
ruolo di ambasciatore del Comune di Firenze.
Nel 1350 Boccaccio incontra per la prima volta
Petrarca, di passaggio a Firenze. L’anno
seguente Boccaccio è ospite a Padova di
Petrarca.
Nel 1359 si incontrano nuovamente a Milano,
ma i rapporti sono mutati: Boccaccio è nel pieno
della sua maturità di scrittore (l’anno dopo
riceve anche gli ordini minori).
Tra il 1355 e il 1362 Boccaccio, dopo aver
tentato due volte di tornare a Napoli, si ritira
nella sua casa di Certaldo. Matura un intenso
impegno religioso e morale. Le sue prospettive
culturali, grazie anche all’influenza di Petrarca,
si fanno più ampie: inizia lo studio del greco.
Gli spostamenti di Boccaccio si fanno sempre
più rari: l’ultimo è per l’Esposizione sopra la
Comedìa di Dante (recita i canti danteschi in
pubblico). In questo ultimo periodo scrive anche
il Trattatello in laude di Dante.
Muore a Certaldo nel 1375
Un intellettuale dal profilo composito
Boccaccio incarna un modello di intellettuale
che in sé contiene, anche in modo
contraddittorio, tre modelli culturali: quello
aristocratico-cortese (appreso dalla corte
angioina di Napoli), quello borghese-comunale
(il Comune di Firenze) e quello umanistico
(conoscenza di Petrarca).
L’arte del raccontare: mentre Petrarca racconta
la vita interiore dell’uomo, Boccaccio
rappresenta nella letteratura la realtà e
l’imprevedibilità della storia, influenzata dalla
fortuna. Il racconto non deve solo insegnare, ma
anche intrattenere (come nel caso del romanzo
cavalleresco).
Gli zibaldoni: l’attività di copista di Boccaccio
lo fa entrare in contatto con numerose opere di
varia forma e contenuto, che lo spingono a
sperimentare.
Novità: Boccaccio cerca di collocare ciò che
scrive nell’ambito di una morale laica. Visione
laica dell’esistenza che non esclude la
possibilità del trascendente (quindi non nega
l’esistenza di dio), la morale dipende dall’agire
umano, irrimediabilmente influenzato dagli
istinti naturali dell’uomo. La religione non deve
mortificare le esigenze umane (umanesimo).
Secondo qualcuno è l’inventore dell’ottava rima
(strofa di otto versi endecasillabi con schema
metrico ABABABCC, può essere ripetuto
all’infinito), ha canonizzato questa struttura
metrica per la narrazione (verrà ripresa dagli
autori di epica cavalleresca come Boiardo,
Ariosto e Tasso).
I due modelli
Dante come modello di intellettuale civilmente
impegnato.
Petrarca invece è il modello di intellettuale
umanista, per come interpreta e utilizza la
cultura classica.
La nuova prosa narrativa
Con Boccaccio si può dire che nasca la novella
moderna, quella in cui la fortuna, intesa come
casualità pura, viene introdotta. Nella tradizione
precedente infatti la narrazione si svolgeva
secondo schemi prestabiliti e ogni racconto era
un apologo esemplare dall’esito prevedibile. I
comportamenti dei personaggi del Decameron
non sono esemplari né ripetitivi, ma
scaturiscono da un insieme molteplice di forze
in gioco. Accanto alla fortuna agisce come
motore delle azioni umane anche l’amore, che
deve essere accompagnato dalla forza
dell’intelligenza e dell’autocontrollo.
Diventa modello narrativo assoluto per secoli,
per trovare un modello narrativo sostitutivo
bisogna aspettare Manzoni.
Differenza con Petrarca: mentre P. racconta in
maniera diretta la sua vita, Boccaccio non
esprime direttamente ciò che ha vissuto, ma lo
fa attraverso allusioni nel racconto.
Boccaccio descrive una realtà dalle infinite
potenzialità e sfaccettature, fondata sulla
dialettica tra fortuna e ingegno, in cui l’uomo è
padrone di sé stesso (può utilizzare l’ingegno
per affrontare la fortuna e modificare la realtà).
La novella rappresenta il luogo in cui si celebra
il valore della parola e della letteratura: sesta
giornata dedicata ai motti, frasi brevi e efficaci
che servono a tirarlo fuori dai guai. La parola
può mettere ordine nel caos del mondo.
Simbologie numeriche, simbolismo medievale.
Pietro Bembo individua Boccaccio come
modello per la prosa
L’umanesimo di Boccaccio
B. anche pre-umanista: non interpreta i classici
come Petrarca, lui sostiene la preminenza del
volgare sul latino (il volgare è la lingua usata
nel mondo contemporanea). Boccaccio guarda
al passato, ma questo sguardo non è finalizzato
a creare un confronto tra presente e passato per
far notare la degenerazione del presente, il suo
obiettivo è creare una sintesi tra passato e
presente, di far assorbire nella sua cultura
municipale i valori della classicità.
L’umanesimo fiorentino si nutrirà di questa
caratteristica municipalistica: gli umanisti
fiorentini saranno uomini politici, coinvolti nella
vita pubblica, come voleva Boccaccio. I classici
sono modelli che non devono farci guardare al
passato nostalgicamente e non più rinnovabile,
ma ci spingono ad agire nel presente per
modificarlo.
La produzione
Le opere di Boccaccio si legano ai diversi
momenti della sua vita e alle sue esigenze.
Letteratura anche come mezzo di svago, come
distrazione dagli impegni quotidiani.
Raccolta di rime giovanili: è l’unica non novità
di Boccaccio. Recupera lo stilnovo, la lirica
cortese e li rielabora.
Opere in volgare del periodo napoletano
Testi che introducono temi, personaggi e nomi
di personaggi che ritroveremo nel Decameron.
Filostrato (poemetto in ottave diviso in nove
parti, scritto intorno al 1335)
Narra la storia d’amore di Troilo (ultimo dei
figli di Priamo) e Criseida, figlia dell’indovino
Calcante: Troilo si innamora di Criseida, ma
durante uno scambio di prigionieri l’acheo
Diomede si innamora della ragazza, facendo
credere a Troilo di essere stato tradito, ma
quello non ha occasione di vendicarsi in quanto
viene ucciso da Achille. Il titolo allude ad uno
pseudonimo con cui Boccaccio presenta sé
stesso (dal greco, “colui che è stato sconfitto
dall’amore”). L’opera è risultato della
contaminazione tra l’epica di tipo omerico (la
vicenda è del ciclo troiano) e la tradizione
romanzesca cortese, in cui l’eros è dominante.
Prima apparizione in Boccaccio dell’ottava
rima. Proemio in prosa e nove parti in versi.
Filocolo (romanzo in prosa in 5 libri, concluso
probabilmente nel 1336)
Allude alla tradizione romanzesca ellenistica,
narra la storia d’amore di Florio e Biancifiore,
ambientata alle origini dell’era cristiana (sono
presenti allusioni all’ambiente trecentesco della
Napoli angioina). Il titolo dovrebbe significare
“fatica d’amore”. Nel Prologo Boccaccio rivela
di aver scritto il romanzo sotto richiesta di
Fiammetta, nome fittizio della donna di cui si
innamorò Boccaccio a Napoli. Fiammetta
presentata come la regina di una corte di giovani
innamorati che discutono d’amore (preannuncia
il gruppo di ragazzi del Decamerone).
Teseida delle nozze d’Emilia (poema epico
in ottave in dodici libri, iniziato a Napoli nel
1339)
Si ispira al modello classico dell’Eneide. Narra
una vicenda amorosa di personaggi del ciclo
tebano, molto utilizzato nei romanzi
cavallereschi francesi: Teseo, dopo aver
sconfitto le Amazzoni, ne sposa la regina,
Ippolita, che porta con sé ad Atene, insieme alla
sorella Emilia; di questa si innamorano i due
amici tebani Arcita e Palemone, che perciò
diventano rivali; Teso decide di indire un torneo
nel quale si potranno fronteggiare i due giovani,
in cui il vincitore sposerà Emilia; Arcita vince
ma si ammala a causa delle ferita e decide
dunque di affidare a Palemone la ragazza;
Emilia intanto vorrebbe consacrarsi a Diana, ma
Teseo la convince a sposare Palemone.
Primo esperimento di poesia epica in lingua
volgare. All’inizio è presente una lettera, in cui
Boccaccio dedica la storia a Fiammetta.
Riferimenti alla mitologia classica, tradizione
medioevale francese e riferimenti alla poesia
stilnovista.
Opere in volgare composte dopo il
ritorno a Firenze
Commedia delle ninfe fiorentine (testo che
alterna prosa e poesia, scritto tra il 1341 e il
1342)
Commedia, prosa tra componimenti in terza
rima. Si tratta di un omaggio all’universo
femminile, sempre presente nell’opera di
Boccaccio (lo stesso Decamerone sarà dedicato
alle donne). Ambientazione pastorale (con
riferimenti alle campagne fiorentine), i
protagonisti sono Ameto e Lia.
Amorosa visione (poema in terza rima, in 50
canti, composto negli anni 1342 e il 1343)
Poemetto didascalico-allegorico. Racconto-
visione: Boccaccio sogna di percorrere i corridoi
di un castello, con esposti sui muri quadri di
trionfi di alcune entità astratte (l’immagine verrà
ripresa da Petrarca nei Trionfi). Ognientità è
accompagnata da personaggi della storia che
hanno incarnato queste entità. Dopo l’autore si
ritrova fuori dal castello, in un giardino dove è
circondato da donne fiorentine e napoletane che
lui immagina di sedurre. La storia di chiude con
l’immagine sensuale di Fiammetta.
Il modello è Dante, ma viene meno
l’interpretazione allegorica del modello
dantesco, non c’è il messaggio del soggetto che
supera le pulsioni terrene, Boccaccio invece
celebra la bellezza sensuale della donna amata.
Celebrazione dell’eros in quanto pulsione.
Elegia di madonna Fiammetta (lunga
lettera in prosa)
Opera definita forzatamente un romanzo
psicologico, è un racconto-confessione in forma
di lettera con il quale Fiammetta si rivolge a
tutte le donne innamorate per raccontare la
propria vicenda privata. Tradizione dell’elegia
latina, soprattutto riferimento alle Heroides di
Ovidio, raccolta di lettere in cui le eroine
dell’epica raccontavano le loro esperienze
amorose. La grande novità è che la donna non è
più la destinataria dell’opera, ma narratrice e
soggetto.
Periodo rinascimentale: la diffusione del
petrarchismo sarà un modo per le donne di
partecipare alla vita di corte tramite la poesia.
Fiammetta dice di essere stata abbandonata a
Napoli da Panfilo, che è tornato nella sua città
natale, Firenze (Panfilo rappresenterebbe
Boccaccio stesso). Prosa più efficace, non
complessa come quella latina, con meno artifici.
Ninfale fiesolano (poemetto in 473 ottave)
Assegnato a Boccaccio da un manoscritto
quattrocentesco, il testo descrive l’origine mitica
delle città di Fiesole e Firenze. Origine di
Firenze ricondotta alla storia d’amore di Africo
e Mensola.
Corbaccio, il corvo (breve scritto in prosa ce
risale alla metà degli anni sessanta)
Odio nei confronti delle donne, opera legata ad
un fatto biografico (in età avanzata ha una
delusione d’amore, una ricca vedova che lo
rifiuta). Addio di Boccaccio a quell’universo
letterario cortese. Non possiamo escludere che il
testo sia l’esito dell’ennesimo travestimento
letterario: Boccaccio infatti espone un punto di
vista contrario a quello dei suoi lettori. Inaugura
un modello, i testi contro le donne sono stati
diversi, molti hanno preso spunto dal Corbaccio.
DECAMERONE
La composizione
Composto tra il 1349 e il 1351, anche se spesso
ci ritornerà sopra. Molti credono che gruppi di
novelle fossero già in circolazione prima della
composizione del Decameron e che quindi
Boccaccio le abbia riunite collocandole in una
cornice solo dopo il 1348, anno della peste. Il
testo fu inserito nell’Indice nel 1559 per i
numerosi “attacchi” al mondo ecclesiastico e per
il contenuto licenzioso di alcuni passi.
Il titolo
Titolo creato ricavandolo da un’etimologia
greca: deca + emeron (dieci giorni).
La dedica alle donne
Dedicato alle donne come forma di
intrattenimento per loro.
La peste
Una catastrofe che stravolge l’equilibrio sociale
e morale. Molti esempi della natura devastante
della peste vengono usati come modelli, dalla
peste di Atene di Lucrezio a quella raccontata da
Paolo Diacono nell’Historia Langobardorum
(epidemia di peste sotto Giustiniano). L’opera
nasce come reazione alla peste, proponendo un
modello che è sintesi delle sue esperienze
nell’ambiente cortese e in quello mercantile in
modo da ristabilire l’ordine sociale e morale
(ecco perché la sua struttura è così geometrica).
C’è quindi un contrasto tra la realtà caotica
(Firenze) e il mondo appartato e ordinato, che
obbedisce a delle regole (campagna dove si
rifugiano i ragazzi). Ma bisogna specificare una
cosa: l’effetto “ordinatore” della letteratura è
destinato a finire, in quanto essa non è capace di
modificare la realtà, può solo aiutare a sfuggirvi.
Le ballate delle ragazze alla fine di ogni
giornata sono un inno alla vita, in risposta alla
morte portata dalla peste. La lettura potrà anche
aiutare a distrarsi dalle sofferenze e dalle
difficoltà del periodo.
I modelli
Il precedente più diretto è il Novellino, ma c’è
una differenza fondamentale: nel Novellino le
novelle non sono collocate in una struttura
ordinata.
Struttura molto simile a Le mille e una notte,
dove il racconto è inteso come esercizio volto a
neutralizzare un ostacolo mortale e dove è
presente anche una cornice.
Le fonti
Gli eventi e i personaggi sono presi da:
-leggende popolari
-biografie
-cronache municipali (spesso si trattava,
dunque, di personaggi già conosciuti dal
pubblico)
-fabliaux
-favole latine
-agiografie ed exempla.
- fabula milesia: storie brevi, di materia erotica,
di carattere licenzioso
Boccaccio narratore
Emerge l’oggettività narrativa: raccolta di
novelle raccontate non dall’autore, ma da
personaggi.
Solo in tre punti l’autore interviene in prima
persona:
-inizio (proemio e introduzione, espone le
motivazioni che lo hanno spinto a scrivere,
amore per il mondo femminile, caratteristiche
del genere adottato);
-nuova introduzione prima della quarta giornata
(il Decameron iniziò a circolare in maniera non
integrale, quindi i primi lettori hanno letto le
prime tre giornate e poi il resto, era necessaria
dunque una seconda introduzione): Boccaccio si
difende da varie accuse, tra cui quella di avere
uno stile troppo vario, di scrivere male o di
voler piacere troppo alle donne; inserisce una
novella chiamata Novella di Filippo Balducci e
delle papere, che richiama l’attenzione sulle
irresistibili pulsioni dell’agire umano, le donne
non si possono resistere;
- conclusione (congedo, risponde a delle accuse
di tipo moralistico, rapporto con la casta
sacerdotale).
L’autore, quindi, tende a scomparire, usa un
filtro, ossia i 10 narratori. Il filtro consente a
Boccaccio di esprimere, in maniera indiretta, la
sua opinione.
La struttura
100 novelle, 10 giornate, 10 racconti al giorno,
10 ragazzi (7 ragazze e 3 ragazzi).
Il numero 10 (e di conseguenza il 100, suo
multiplo) rappresentano la pienezza e la
perfezione. Il 3 si riferisce alla trinità e alle virtù
teologali, mentre il 7 ai sacramenti e ai giorni
della creazione.
La cornice
Dieci nobili giovani fiorentini (7 ragazze e 3
ragazzi) si incontrano nella chiesa di santa
Maria Novella e decidono di sfuggire alla peste
rifugiandosi in campagna. Si dedicano ad una
vita di svaghi, ma sempre seguendo delle regole,
ricreando una sorta di micro-società utopica, in
opposizione con quella caotica della realtà.
Ogni giorno viene eletto un re o una regina che
regola la vita dei ragazzi. Il sovrano deve
scegliere una tematica intorno alla quale ognuno
dovrà raccontare una storia (solo due giornate
sono a tema libero, la prima e la nona). Il
venerdì, il sabato e la domenica sono per il
riposo (quindi non si raccontano novelle).
L’unico personaggio che può scegliere
liberamente il tema della novella da raccontare è
Dioneo: il nome fa riferimento al dio Dioniso,
simbolo del capovolgimento rispetto alla regola.
La sua figura eccentrica ha una funzione:
evitare, con il suo dinamismo, la ripetitività.
Ogni giornata si apre con una introduzione e
prevede una conclusione in cui si sceglie il
nuovo re o la nuova regina, il tema successivo e
si descrivono gli altri svaghi della brigata (tra
cui l’esecuzione di una ballata da parte di una
delle ragazze).
Le singole giornate sono introdotte da una
rubrica, un breve testo che ne indica il tema.
Anche ogni singola novella ha una rubrica
riassuntiva all’inizio.
I personaggi maschili sono 3: Boccaccio proietta
sé stesso in ognuno. Oltre a Dioneo, abbiamo
Filostrato (che ricordiamo essere uno degli
pseudonimi di Boccaccio) e Panfilo (uomo
amato da Fiammetta nell’Elegia di Madonna
Fiammetta).
Le giornate
I (mercoledì) – tema libero – Pampinea – Ser
Ciappelletto, Abraam giudeo, Melchisedec
II (giovedì) – fortuna e peripezie – Filomena –
Andreuccio da Perugia (ambientazione
dettagliata di Napoli)
III (domenica) – ingegno e abilità – Neifile –
Masetto da Lamporecchio
IV (lunedì)– amori tragici – Filostrato –
Ghismonda e Guiscardo, Lisabetta da Messina
V (martedì) – amori a lieto fine – Fiammetta –
Nastaglio degli Onesti, Federigo degli Alberighi
(virtù cavalleresche)
VI (mercoledì)– motti di spirito – Elissa –
Madonna Oretta, Cisti fornaio, Chichibio cuoco,
Guido Cavalcanti, Frate Cipolla
VII (giovedì) – beffe ai mariti – Dioneo (storie
disinvolte)
VIII (domenica)– beffe di vario tipo – Lauretta
– Calandrino e l’elitropia (personaggio di
Calandrino, lo sciocco che si fa ingannare dalle
parole degli altri, protagonista di un ciclo di
novelle)
IX (lunedì)– tema libero – Emilia
X – cortesia e liberalità – Panfilo – Griselda e il
marchese di Saluzzo (si passa all’ambiente della
corte)
Tra Medioevo e Rinascimento
L’etica laica del Decamerone proietta l’opera
nel futuro, in particolare verso il periodo
dell’Umanesimo: critica il fanatismo religioso e
la superstizione (ricorda ancora una volta la
critica alla superstitio di Lucrezio). I numerosi
riferimenti alla simbologia numerica e alla
classe mercantile (oltre che quella della corte),
però, ricollegano l’opera alla tradizione
allegorica ed enciclopedica tipica del medioevo.
TEMI
Seconda giornata
Potere della fortuna: i personaggi, attraverso
delle peripezie, riescono ad ottenere ciò che
pensavano di aver perso, o di salvare la vita,
grazie alla capacità di adeguarsi di volta in volta
al mutare delle situazioni.
Terza giornata
Il tema è l’industria, intesa come capacità di
iniziativa, strettamente collegata alla fortuna.
L’uomo, infatti, non è in balìa completa della
sorte, ma può imporsi e modificare la realtà in
modo da ricavarne un guadagno. L’industria è
caratteristica tipica della figura del mercante,
coraggioso e pronto ad affrontare rischi e
avversità per scoprire qualcosa di nuovo
(ricordiamo Il Milione di Marco Polo). Si parla
a questo proposito di un’epopea dei mercanti,
anche se già nel periodo di Boccaccio la figura
del mercante stava scomparendo (ma non i
valori che la rappresentavano).
Quarta e quinta giornata
Esperienza amorosa narrata sia attraverso il
registro tragico, sia quello comico. Riferimenti
alla lirica provenzale, alla scuola siciliana, allo
stilnovismo e al romanzo cortese. Amore
declinato in tutte le sue potenzialità. I
personaggi innamorati rivendicano il diritto ad
una felicità raggiungibile attraverso l’amore,
una felicità terrena che si concretizza nel mondo
(al contrario della felicità cristiana).
Sesta giornata
Dedicata ai motti, battute di spirito capaci di
risolvere una situazione difficile. Il protagonista
afferma la propria forza attraverso la parola, ben
strutturata e calibrata. Non a caso ci troviamo a
metà dell’opera, dunque la parola viene esaltata
con la letteratura stessa. Il motto può essere
considerato una particolare applicazione
dell’industria. Il personaggio concretizza la sua
volontà modificando la realtà con la parola
Settima e ottava giornata
Si ritorna al tema dell’amore, con novelle in cui
sono protagonisti amori adulterini o conquistati
tramite beffe. Un precedente letterario e il
fabliaux, narrazioni francesi di argomento
lascivo e comico. Nelle novelle di queste due
giornate compaiono alcune tradizionali tipologie
di personaggio, come il prete (pericoloso per i
mariti, spesso punito), il marito (sciocco, geloso
e avaro) e la donna (furba)
Riferimenti al teatro comico latino (Plauto e
Terenzio).
Mandragola di Machiavelli: si ispira alla
tradizione boccaccesca
Decima giornata
Mondo cavalleresco, cortese, società
rappresentata dai valori della liberalità e della
cortesia, a cui i contemporanei guardano con
nostalgia.
Valori cavallereschi fusi con quelli mercantili:
alcuni personaggi della decima giornata
assomigliano a quelli delle altre giornate (un
esempio è il ritratto “aristocratico” di Guido
Cavalcanti).
I novellatori entrano in gara sul livello di
costruzione retorica della novella: gli spazi di
verosimiglianza vengono ridotti.
Le donne
Centrali sono le figure femminili: personaggi
che muovono l’azione e protagoniste assolute
delle vicende raccontate. La donna diventa un
ideale letterario, è capace di ispirare poesia
(“anche le Muse sono donne”). Le donne del
Decamerone hanno valori positivi, rappresentati
non solo dalla capacità di assecondare i propri
istinti, ma anche dalla capacità di usare la
parola, rivendicando il proprio ruolo nel mondo.
Figura femminile boccacciana che non coincide
con la donna angelicata, è una donna terrena,
che incarna dei valori terreni.
Lo stile
La prosa boccacciana risulta essere un’efficace
sintesi tra la prosa latinizzata (ricca di
subordinate e di periodi ampi, ispirata a quella
ciceroniana). La prosa del Decameron, in
particolare, è frutto di un lavoro continuo di
raffinamento della lingua. L’ampio periodare,
oltre che ad ispirarsi ai classici, serve per
indagare tutte le pieghe della realtà e consente
anche all’autore un distacco ironico ed elegante
dalla materia narrata.
Anche la varietà di livelli stilistici (come in
Dante) serve a rispecchiare la molteplicità del
reale. La lingua fiorentina utilizzata, infatti, pur
assumendo un equilibrio classico (riprendendo,
appunto, l’armonia della prosa ciceroniana), si
apre anche a forme dialettali o triviali (quando
necessario) e ad espressioni dialettali tipiche
delle aree geografiche in cui sono ambientate le
novelle (Boccaccio cura molto la
caratterizzazione degli ambienti delle novelle).
Specialmente nelle novelle più comiche
assistiamo a numerose sperimentazioni
linguistiche (tra cui anche l’invenzione di
parole): ciò serve per riprendere il modo di
parlare dei personaggi.
Proprio per questo quando Pietro Bembo (nelle
Prose della volgar lingua) indicherà il
Decamerone come modello per la prosa,
escluderà le novelle più comiche, ossia quelle
più varie dal punto di vista linguistico (e quindi
opposte all’ideale di armonia ed eleganza di
Bembo e degli umanisti).
Differenza tra varietà stilistica di Dante e quella
di Boccaccio: la prosa permette a Boccaccio di
sperimentare con più libertà.
L’etica di Boccaccio
Secondo Boccaccio l’uomo è mosso dalle sue
inclinazioni naturali e dalle pulsioni (fatto che di
per sé non è negativo, al contrario di quanto
riteneva la morale cristiana, che mortificava
l’uomo in quanto tale). Queste pulsioni, tuttavia,
devono essere regolate dalla ragione (capacità di
autoregolamentarsi), dall’industria che,
opponendosi alla fortuna, può condurre al
raggiungimento dei propri obiettivi.
Opposizione virtus e fortuna tipica degli
umanisti: anche Petrarca e Boccaccio riflettono
sul ruolo dell’uomo e sulla sua possibilità di
modificare e muoversi nella realtà grazie al suo
ingegno.
Il Decamerone, dunque, obbedisce anche ad un
progetto anche etico: diffondere dei modelli non
più assoggettati alle verità teologiche.
La produzione in latino
Boccaccio, come letterato umanista, ha scritto
anche in latino, soprattutto negli ultimi anni.
Progetto di tipo erudito con finalità etiche, che
lo portano a scrivere dei testi con temi che
ricordano quelli della produzione in latino di
Petrarca. Boccaccio, ormai privo di impegni di
carattere politico e mosso da turbamenti di
carattere religioso, si dedica a questa riflessione
di carattere morale, studiando i filosofi del
passato e delle opere in latino di Petrarca.
Ci sono però persistenze di tipo medioevale:
mentre Petrarca guarda al passato con spirito
critico e evidenziando la differenza etica e
cronologica tra presente e passato, Boccaccio
cerca di raccogliere una serie di informazioni
dal passato in modo disorganico e in termini
enciclopedici, utilizzando i classici per dare più
autorevolezza a ciò che dice (cosa tipica del
medioevo).
Opere in latino
Raccolta di epistolae, tra cui alcune
indirizzate a Petrarca
umanisti, avevano assegnato alla poesia un
ruolo predominante nella formazione
dell’individuo, in opposizione alla cultura
medioevale, che preferiva saperi tecnici o
collegati alla teologia (o medicina). Boccaccio
si rifà ad alcune idee di origine platonica: la
poesia è prodotto del fervor/furor del poeta, che
consente di creare dei mondi immaginari
(fictio).

Bucolicum carmen (16 egloghe, composte a

partire dal 1349): ripresa del Bucolicum carmen
di Petrarca, a sua volta ispirato alle Bucoliche
virgiliane.

De casibus virorum illustrium (in 9 libri,

narra vicende di infelici personaggi storici con
intento enciclopedico, le vicende sono
fortemente romanzate)

De mulieribus claris (raccolta di biografie di

illustri figure femminili)

Genealogia deorum gentilium (gentilium

indica i pagani): repertorio di mitologia
classica in 15 libri, redatti a partire dal 1350, la
cui fonte principale è Ovidio. Consegna alla
cultura umanistica delle immagini tratte dai miti
pagani con caratteristiche simboliche. Negli
ultimi due libri si sofferma sulle caratteristiche e
la natura della poesia: Boccaccio e Petrarca,
L’UMANESIMO
Definizione di Umanesimo
Il movimento intellettuale dell’Umanesimo si
origina nella seconda metà del Trecento e
raggiunge la sua massima affermazione nel
corso del Quattrocento. Si caratterizza per un
innovativo rapporto con i classici (ispirandosi a
Boccaccio e Petrarca, per questo detti
“preumanisti”). La riscoperta dei classici
costituisce il perno del nuovo sapere
dell’Umanesimo, definita nuova età di
rinnovamento, in opposizione al medio evo, età
media di decadenza tra il mondo antico e la
nuova età di rinascita.
La parola “umanesimo”, coniata nel XIX
secolo (per difendere l’importanza dello studio
dei classici nell’istruzione secondaria), mette in
primo piano la “nuova scoperta dell’uomo”, la
cui esistenza viene finalmente svincolata da una
lettura religiosa e collocata in una dimensione
laica (la natura umana deve riscoprire i suoi
valori terreni combinandoli con quelli
spirituali). Si cerca anche, in alcuni casi, una
convivenza tra classicità e cristianesimo.
Le conseguenze di questo movimento sono:
nuovo senso della storia, nascita della filologia,
valorizzazione della dignità dell’uomo e del
ruolo dell’intellettuale nella società, nascita
della prospettiva e di una nuova idea di spazio.
Il nome “umanista” entra in uso nel sedicesimo
secolo, soprattutto per designare degli
insegnanti di discipline umanistiche.
Creazione di nuove istituzioni culturali:
fioriscono le accademie, dove gli intellettuali si
radunano (Accademia neoplatonica gestita da
Ficino o Accademia Montaniana) e le
biblioteche.
GLI STUDIA HUMANITATIS
Studio dei testi antichi che forniscono non solo
un modello letterario, ma anche spirituale e
etico. Nasce una nuova idea della formazione
umana, l’humanitas, basata sul valore della
cultura e sulla centralità dell’uomo nella natura
e nel corso (visione antropocentrica).
Assistiamo dunque ad una rivalutazione delle
arti liberali, prima messe da parte a favore dei
saperi tecnici.
A differenza degli intellettuali medioevali, che
rileggevano i classici in chiave allegorica
cercando in esse la prefigurazione delle verità
spirituali cristiane, gli umanisti leggono i testi
antichi collocandoli nella giusta prospettiva
temporale, restituendo le opere al loro autentico
significato.
Per gli umanisti, dunque, le humanae litterae
sono necessarie per la formazione del soggetto.
La cultura classica deve essere studiata
integralmente: non si segue più l’organizzazione
gerarchica delle discipline proposta dalla
filosofia scolastica (tutti i saperi hanno uguale
dignità).
LA FILOLOGIA
I manoscritti che riportano i testi antichi sono
“testimoni di seconda mano”: spesso i copisti
amanuensi potevano commettere errori,
fraintendere interi passaggi del testo o
ricostruire in modo approssimativo le porzioni
mancanti. La filologia, dunque, si pone come
obiettivo di ricostruire il testo in una forma il
più possibile vicina a quella dell’originale,
attraverso il confronto e lo studio dei diversi
testimoni della stessa opera.
Esempio dell’importanza della disciplina
filologica è Lorenzo Valla con Sulla donazione
di Costantino falsamente ritenuta autentica e
smentita (ricordiamo che il De monarchia di
Dante era stato condannato anche perché andava
contro la Donazione di Costantino, in cui c’era
scritto che l’imperatore aveva donato al papa dei
territori).
La filologia, dunque, porta i letterati ad avere un
nuovo approccio nei confronti dei testi antichi:
l’autorità di uno scritto non viene data per
assodata, ma deve essere dimostrata.
LETTERATURA DI TIPO
UMANISTICO
Lo studio dei classici implica anche un rapporto
diretto con la lingua di questi testi: seguendo
l’esempio di Petrarca, la maggior parte della
produzione di questo periodo è in lingua latina,
sia perché ritenuta lingua prestigiosa, sia perché
lingua comune dell’élite dell’Europa.
Ovviamente gli umanisti continuano a scrivere
anche in volgare, ispirandosi ai modelli
trecenteschi e adattandoli alle nuove necessità
del tempo.
La letteratura umanistica va alla ricerca di una
perfezione formale, dell’armonia e
dell’equilibrio a livello estetico e retorico:
questo perché l’armonia formale dei testi viene
considerato diretto riflesso della morale e
dell’equilibrio interiore dell’autore. Il
perfezionamento etico si attua, dunque, nel
perfezionamento formale della scrittura.
I generi ripresi sono quelli degli autori latini più
conosciuti: dialoghi di tipo platonico, epistolari,
orazioni, trattati e storiografie (si unisce la
tradizione medioevale della storiografia di area
comunale con elementi della storiografia latina,
in particolare ispirandosi a Cesare e Livio).
La lirica dell’umanesimo
La poesia è la forma di espressione preferita
dagli umanisti, in quanto sintesi di tutti i valori
dell’umanesimo. Consente, inoltre, di esaltare la
virtù e di ottenere la gloria.
Viene ripreso il modello di Petrarca, in quanto
primo poeta capace di esprimere, attraverso la
lirica, i moti dell’io. Si perde però,
nell’imitazione di Petrarca, la riflessione
sull’animo e sulla condizione esistenziale dell’io
nei confronti del tempo e della morte. Si utilizza
la lirica petrarchesca per dei “prelievi”: stile e
frasi vengono ripresi, non i suoi temi.
Civiltà umanistico-rinascimentale: si pone su
una linea di continuità l’idea di umanesimo con
quella di rinascimento (dalla seconda metà del
500 fino ai primi decenni del 600). Tra i due
concetti non esiste una marcata discontinuità.
LA FILOSOFIA
Dialettica virtus e fortuna: viene rivendicata la
libertà individuale dell’uomo, capace di operare
correttamente nel mondo (l’uomo è responsabile
eticamente delle sue azioni.
La filosofia del passato viene reinterpretata,
privilegiando filosofi che la cultura medioevale
aveva trascurato, come l’epicureismo e lo
stoicismo. Entrambe queste filosofie avevano
studiato il ruolo dell’uomo (e del suo agire), nel
mondo. Vengono messi da parte i grandi sistemi
filosofici (aristotelismo), referendo la filosofia
platonica e il neo platonismo, oltre che la
filosofia di sant’Agostino.
L’orientamento neoplatonico si consolida nel
momento in cui Marsilio Ficino diffonde la
traduzione in latino di tutta l’opera di Platone e
del suo interprete della prima cristianità,
Plotino, la cui mediazione era fondamentale, in
quanto poneva in una prospettiva cristiana il
recupero del pensiero di Platone (per questo si
parla di “pia filosofia”, in quanto la filosofia di
Ficino è risultato di un sincretismo platonico-
cristiano). . Al centro dell’universi di Ficino è
collocata l’anima umana, collocata tra mondo
fisico e mondo celeste, con cui è in contatto
tramite l’amore. L’amore è la facoltà di recepire
e trasmettere la forma amorosa che anima il
cosmo (per questo la lirica, specialmente quella
amorosa, consente di comprendere la natura
divina e di trasmetterla all’esterno).
GLI UMANISTI E IL POTERE
POLITICO
Gli umanisti cercano la perfetta armonia tra vita
pratica e vita contemplativa (come avevano già
fatto Petrarca e Boccaccio). Si creano dunque
due tipi di umanesimo:
-Umanesimo di tipo civile: il modello è
Boccaccio, nasce in quelle aree in cui
permanevano degli ordinamenti legati alle
antiche libertà repubblicane (Venezia e Firenze
prima dei Medici). Gli intellettuali sono anche
dei politici, che spesso ricoprono anche cariche
importanti.
-Umanesimo cortigiano: legato all’ambiente
della corte, influenzato dalla condizione di
sudditanza nei confronti di un signore/principe.
Fenomeno del mecenatismo: gli intellettuali si
occupano della propaganda, celebrando il
proprio signore e la città. Un tipo particolare di
umanesimo cortigiano è l’umanesimo curiale
(quello delle corti papali, spesso gli esponenti di
questo tipo di umanesimo assumono anche
cariche clericali).
L’intellettuale ha un ruolo di assoluto prestigio
nella società, in quanto collabora con il potere
politico nell’attuazione di questo progetto etico-
pedagogico.
LA RIFORMA PROTESTANTE
Nel 1517 il frate agostiniano Martin Lutero
espone sulla porta della chiesa di Wittenberg le
sue 95 tesi per una riforma della Chiesa, che
mettevano in discussione dei principi
fondamentali della struttura ecclesiastica. I punti
principali delle tesi erano:
-assurdità delle indulgenze, in quanto Dio salva
chi ha fede, non chi vuol rendersi meritevole
con opere buone;
-contestazione del fatto che il sacerdote fosse
intermediario nel rapporto tra il fedele e Dio,
che Lutero riteneva dover essere immediato e
diretto;
-l’estensione a tutti i fedeli del diritto di leggere
e interpretare autonomamente le Sacre Scritture;
-affermazione del carattere umano e fallibile
dell’istituzione papale.
Come reazione, la chiesa attua la Controriforma,
a partire dal concilio di Trento del 1545. Questo
condizionerà la produzione della Gerusalemme
liberata.
La situazione politico-culturale in Italia
Negli ultimi decenni del Trecento si verifica una
profonda trasformazione sociale e politica. Le
vecchie istituzioni mostrano la loro debolezza, i
comuni scompaiono, sostituiti da forme di
potere di carattere oligarchico o signorile.
Resiste dunque un modello policentrico fondato
su numerosi Stati di carattere regionale, sempre
in lotta tra loro per desiderio di espansione dei
territori: solo nel 1454, con la stipulazione della
pace di Lodi, il cui garante è Lorenzo il
Magnifico, si riuscirà a trovare un punto di
equilibrio (anche se alla morte di Lorenzo la
situazione degenererà ancora una volta).
Tra gli stati regionali i principali sono:
-Ducato di Savoia
-Ducato di Milano (retto prima dai Visconti e
poi dagli Sforza grazie a Ludovico il Moro)
-Repubblica di Venezia
-Signoria di Ferrara (retta dagli Estensi)
-Signoria di Mantova (retta dai Gonzaga)
-Signoria di Firenze (prima repubblica
oligarchica e poi signoria retta dai Medici)
-Signoria di Urbino (retta dai Montefeltro)
-Stato pontificio (Bologna ebbe grande
importanza sotto il profilo culturale)
-Regno di Napoli (si passa dal regno degli
Angioini a quello degli Aragonesi)
L’UMANESIMO E LE SINGOLE
REGIONI
Per il rafforzamento di questi Stati regionali
divennero determinanti le politiche culturali,
orientate a promuovere il prestigio del signore e
della città. Si diffuse quindi il fenomeno del
mecenatismo: il signore attirava al proprio
servizio schiere di intellettuali e artisti che
concorrevano a rendere visibile l’aspirazione
della città alla centralità politica. Dunque la
potenza del principe era associata alla
magnificenza artistica della città. A seguito
della pace di Lodi, inoltre, gli intellettuali
umanisti iniziarono a spostarsi da una corte
all’altra, promuovendo un modello itinerante di
lavoro intellettuale (come aveva fatto Petrarca) e
favorendo la circolazione di idee.
VENEZIA
Breve contesto storico
A causa della rapida espansione dei Turchi,
Venezia fu costretta a rivolgere le sue mire
espansionistiche verso l’entroterra: si rivelò
fondamentale la conquista di Padova,
caratterizzata da una forte tradizione
universitaria e dall’eredità petrarchesca
(ricordiamo che Petrarca visse per anni a
Padova).
Venezia, capace di salvaguardare la propria
autonomia e di garantire la libertà intellettuale,
diventa subito attrazione per i maggiori
intellettuali italiani ed europei.
La tipografia
L’industria tipografica incarnò una delle
maggiori espressioni dell’Umanesimo a
Venezia. Maggior esponente di questa nuova
“arte” fu Aldo Manuzio. La produzione
“aldina”, ispirata ad un rigoroso classicismo,
seguì tre orientamenti: pubblicazione di testi
latini, greci e volgari; attenzione a criteri
didattici e filologici; estrema cura della qualità
testuale delle opere e della loro diffusione
secondo un programma editoriale ben preciso.
Grazie all’attività filologica e tipografica i
classici potevano essere depurati dalle
interpretazioni erronee dei copisti medievali,
ricondotti alla loro versione originale (o quella
più vicina) e diffusi, mentre per i testi in volgare
erano spesso gli stessi autori che
supervisionavano la stampa del libro.
L’invenzione della stampa
Inventata da Johann Gutenberg e applicata nel
1455 alla stampa di una copia della Bibbia, la
stampa a caratteri mobili causò una vera e
propria rivoluzione socio-culturale. La nuova
tecnologia ebbe effetti rilevanti sotto il profilo
della fruizione del libro: incrementò la
diffusione libraria, consentì un allargamento del
pubblico e produsse una stabilizzazione del testo
delle opere, che ora veniva moltiplicato nella
medesima forma in copie identiche (diminuendo
il rischio di errori o copie diverse a causa dei
copisti).
In Italia la fase prototipografica si ispirò alle
forme del libro manoscritto nella produzione
degli incunaboli (stampe prodotte fino al 1500).
FIRENZE
Breve contesto storico
Come già detto, Firenze rivestirà un ruolo
dominante nella scacchiera politica di questo
periodo, in particolare dopo la fine della
repubblica oligarchica e l’instaurazione della
signoria da parte di Cosimo de Medici (che
comunque mantiene le istituzioni comunali). Il
suo signore, Lorenzo de Medici, diventerà
garante della pace di Lodi. L’influenza di questo
personaggio era basata non solo sulle capacità
diplomatiche dello stesso, ma anche dal
prestigio di Firenze, riconosciuto da tutti.
Alla morte di Lorenzo, avvenuta nel 1492, la
situazione degenera. Nel 1494 la famiglia de
Medici viene allontanata e Girolamo
Savonarola, frate domenicano, tenta di
instaurare una repubblica, fallendo nel 1498
(dopo essere stato scomunicato dal papa, viene
condannato al rogo dalla Signoria, ritornata in
città).
L’Umanesimo civile
La prima fase della repubblica oligarchica vide
affermarsi a Firenze un Umanesimo civile di cui
furono protagonisti alcuni intellettuali come
Coluccio Salutati, Leonardo Bruni e Poggio
Bracciolini. Questi non solo partecipavano
all’amministrazione dello Stato (spesso
ricoprendo anche cariche prestigiose, come
quella della cancelleria di Firenze), ma si
dedicavano anche al nesso tra la cultura
umanistica e l’attività politica.
Coluccio Salutati svolse un ruolo fondamentale
di congiunzione tra la generazione di Petrarca e
gli umanisti, fu autore di numerosi trattati in
latino (in qui affrontava questioni etico-religiose
e temi filosofici), forte repubblicano e anti
tirannico. Difese attivamente la poesia e
l’innovativa ricerca filologica.
Leonardo Bruni si dedicò per primo all’attività
storiografica, con opere ispirate ai modelli di
Livio e Cesare, mirate ad esaltare le tradizioni
repubblicane di Firenze, strettamente legate agli
ideali di libertas della Roma repubblicana. Era
anche traduttore dal greco e infatti, grazie a lui,
si diffusero le opere platoniche e l’Etica
nicomachea di Aristotele.
Poggio Bracciolini, anche lui, come Bruni,
alunno di Salutati, era un umanista di “terza
generazione”: pur educato agli ideali
repubblicani dell’Umanesimo civile, si trovò ad
operare sotto la signoria medicea. Di grande
rilievo fu la sua attività di ricerca e copiatura di
antichi manoscritti (ritrovò alcune orazioni
ciceroniane, il testo completo dell’Istitutio
oratoria di Quintiliano e il testo del De rerum
natura di Lucrezio).
La “brigata laurenziana”
Lorenzo fin da subito inizia a circondarsi di
artisti, letterati e funzionari che lo aiutino a
rafforzare il suo potere e la sua influenza: si crea
dunque la “brigata laurenziana”. Ne furono
fautori e protagonisti principalmente tre
personaggi:
-Luigi Pulci: autore del Morgante, abbondonò il
gruppo quando gli orientamenti comico-
realistici furono sostituiti dal neoplatonismo.
-Marsilio Ficino: responsabile, assieme
all’Accademia platonica da lui fondata, della
diffusione della filosofia di Platone e del
neoplatonismo. Si diffusero le teorie della
bellezza e dell’amore, ora sublimato e
funzionale al raggiungimento dell’idea di
Bellezza in sé, incarnata dalla donna.
-Angelo Poliziano (1454-1494). Scrisse testi in
lingua volgare ispirati alla cultura umanistica e
fu autore delle Stanze per la giostra. Si tratta di
un poemetto in ottava rima con cui voleva
celebrare la vittoria in un torneo di Giuliano de
Medici, fratello di Lorenzo: il programma si
interrompe con la morte di Giuliano, ucciso
nella congiura dei Pazzi). Primo esempio di
poesia cavalleresca, il cui il personaggio
celebrato viene trasfigurato in modo da
assomigliare agli eroi del passato. Il testo è
costellato di riferimenti alla poesia neoplatonica.
Poliziano ha scritto anche delle rime e la prima
opera teatrale in lingua volgare, Favola di Orfeo
(la vicenda viene raccontata sia da Virgilio che
da Ovidio).
Nel 1477 la brigata laurenziana realizza una
raccolta poetica che ingloba tutte le esperienze
liriche elaborate a Firenze e in Toscana dalle
origini fino ai tempi di Lorenzo, e la invia come
omaggio a Federico d’Aragona, a Napoli (per
questo verrà denominata “raccolta
aragonese”). La raccolta è inoltre preceduta da
una lettera di prefazione redatta da Poliziano, in
cui si tracciano le linee di un “canone” poetico
basato sugli autori toscani. Ciò dimostra come
anche al di fuori della Toscana fosse
riconosciuto il prestigio della letteratura
fiorentina.
Lorenzo stesso è autore di numerose opere. Le
sue opere giovanili appartengono ai modi tipici
della prima produzione della brigata
laurenziana, quindi opere di intento parodico nei
metri della tradizione volgare, come l’ottava
boccacciana e la terzina dantesca. Segue poi le
linee dell’indirizzo culturale ispirato alla
filosofia platonica, ispirata dal maestro Ficino.
In questa seconda fase della produzione,
Lorenzo privilegia la forma-sonetto: scrive
infatti un Canzoniere e un Comento sopra alcuni
sonetti d’Amore (raccolta di sonetti commentati,
nella quale si traccia un itinerario allegorico
dell’anima dalla bellezza sensibile al sommo
bene). I componimenti più famosi di Lorenzo
sono però i Canti carnascialeschi, composizioni
poetico-musicali in forma di ballata, legate alle
circostanze festive del carnevale fiorentino (il
componimento più famoso è il Trionfo di Bacco
e Arianna).
La tradizione volgare
In contesti intellettuali diversi da quelli
dell’avanguardia umanistica sopravvive una
forte tradizione di cultura municipale e
borghese, legata all’uso del volgare fiorentino,
in particolare per quanto riguarda il genere
novellistico.
Novellistica
I narratori toscani si allontanano molto dal
modello boccacciano, anche nella prosa, non
ampia come quella di Boccaccio.
Franco Sacchetti, Trecentonovelle (ci sono
giunte solo 222 novelle complete, raccolta
progettata intorno al 1385). La cornice è
assente, la morale è di tipo medio-borghese (si
cerca la via di mezzo). Si evita la celebrazione
di gesti eroici. Forte atteggiamento misogino,
caratteristico di molti narratori del tempo, ma
completamente opposto all’atteggiamento che
aveva avuto Boccaccio nei confronti delle
donne.
Ser Giovanni Fiorentino, Pecorone (1280):
viene ripreso il nome “decamerone” deformato
in “pecorone”, si tratta di una raccolta di 50
novelle, in cui è presente una sorte di cornice
dialogica (una monaca e un frate in un
monastero di Forlì si raccontano delle storie).
Giovanni Sercambi, Novelliere (forse
composto nei primi anni del Quattrocento): in
occasione della peste una brigata si mette in
cammino lungo un itinerario lungo tutta la
penisola italiana. Durante questo viaggio si
raccontano delle storie.
Giovanni Gherardi da Prato, Paradiso degli
Alberti (1425-1426): ha una cornice dialogica
(alcuni personaggi famosi si incontrano nella
villa degli Alberti a Firenze). Offre un ritratto
della Firenze contemporanea.
La poesia del nonsense: Il Burchiello
Singolare è l’esperienza poetica di Domenico di
Giovanni detto il Burchiello, barbiere di
professione, che ospitava nella sua bottega
personaggi dei circoli anti-medicei. La sua vasta
produzione di sonetti, in schema caudato (con
aggiunta di una “coda”, spesso un settenario e
due endecasillabi in rima baciata) si inserisce
nella tradizione comico-realistica.
Caratteristiche fondamentali di questo tipo di
poesia sono: accumulazione caotica di soggetti
disparati, lessico bizzarro, parole che non hanno
alcun significato (poesia del nonsense). Rompe,
dunque, il vincolo tra significante e significato,
in polemica con gli ideali di armonia e
razionalità della cultura umanista (e di
conseguenza anche quella medicea).
FERRARA
Caratterizzata da un’intensa attività culturale,
promossa dalla famiglia degli Estensi, Ferrara
diventa presto patria della tradizione
cavalleresca (grazie ad autori come Boiardo,
Ariosto e Tasso). I nuovi interessi umanistici
incontrano una consolidata tradizione di cultura
cavalleresca.
ROMA
A Roma si verifica un tipo particolare di
umanesimo, ossia l’umanesimo curiale. I
pontefici sono tutti accomunati dalla necessità di
circondarsi di artisti, necessari per l’attività di
propaganda del cristianesimo.
Figura centrale in questo periodo è quella di
Giulio II, che commissiona a Michelangelo gli
affreschi della Cappella Sistina e dà l’avvio alla
costruzione della Basilica di San Pietro.
Roma, nel 1527, cadrà vittima del famoso sacco
di Roma, ordinato dal re di Spagna e imperatore
Carlo V alle truppe dei lanzichenecchi (in
quanto il papa del tempo, Clemente VII si era
alleato con il re di Francia Francesco I).
NAPOLI
Napoli, dominata dalla dinastia degli Angiò, era
stata caratterizzata da un grande fermento
culturale (non a caso sia Petrarca che Boccaccio
erano entrati in contatto con gli ambienti
napoletani). L’estrema instabilità politica
seguita alla morte di Roberto d’Angiò
interrompe questa stagione di splendore
culturale, fino all’avvento al trono della dinastia
spagnola degli Aragonesi, con Alfonso V detto
“il Magnanimo”. Incarnando l’ideale umanistico
del principe letterato, Alfonso elabora un
programma culturale direttamente collegato ad
un progetto di egemonia politica. Concorse al
successo di questo programma Antonio
Beccadelli, detto Il Panormita, soprattutto con la
costituzione, nel 1442, dell’Accademia
Panormita, poi chiamata Accademia
Montaniana (a seguire della grande influenza
che esercitò Giovanni Montano).
Questa prima fase dell’Umanesimo meridionale
si distinse per l’uso predominante del latino,
mentre la corte aragonese si serviva della lingua
castigliana. Solo dopo la metà del secolo venne
ripreso il volgare, anche per l’affermarsi di una
koinè di volgare meridionale (ovvero di una
lingua regionale depurata dai tratti più
marcatamente dialettali.
La prosa in volgare
Il Novellino di Masuccio Salernitano: raccolta
di 50 novelle divise in 10 blocchi, ognuno
introdotto da un prologo e dedicato ad un
argomento (si riprende in parte la struttura
boccacciana). La conclusione delle novelle è
affidata alla voce dell’autore. Si riscontra
soprattutto nella polemica antifratesca e
misogina, una tendenza alla comicità violenta ed
espressionistica. Sul piano linguistico e formale,
Masuccio oscilla tra forme dialettali meridionali
e linguaggio aulico.
Jacopo Sannazzaro
Autore dell’Arcadia, un’opera poetico-narrativa
di ambientazione pastorale, composta in volgare
e in forma di prosimetro. L’opera è aperta da un
prologo e articolata in dodici prose, premesse ad
altrettante egloghe di varia forma metrica; è
quindi conclusa da un congedo. Narra la vicenda
del poeta che, lasciata Napoli a causa d una
delusione amorosa, si rifugia in Arcadia
(regione ideale della Grecia, abitata perlopiù da
pastori e caratterizzata da ambienti bucolici),
dove assume il nome di Sincero; dopo un sogno
angoscioso, Sincero decide di tornare in patria,
ma una volta tornato a Napoli, apprende della
morte della donna amata. Dietro questa
trasfigurazione allegorica si nasconde il
personale itinerario umano e culturale compiuto
da Sannazzaro stesso (che abbandonò Napoli
all’avvento della monarchia aragonese).
L’Arcadia è il primo poema pastorale in lingua
volgare.
Sul livello linguistico aderisce al modello
petrarchesco.
Viene pubblicato a Napoli mentre l’autore è in
esilio, infatti Jacopo al suo ritorno ordina una
ristampa.
Autore anche di Rime pubblicate nel 1530,
pochi mesi dopo la morte dell’autore, anno in
cui vengono pubblicate le Rime di Pietro
Bembo. Sannazzaro ancor prima della
canonizzazione del modello petrarchesco di
Bembo nelle Prose della volgar lingua aderisce
al modello petrarchesco.
MACHIAVELLI E GUICCIARDINI
Entrambi fiorentini, saranno protagonisti della
scena politica e diplomatica tra la fine del
Quattrocento e l’inizio del Cinquecento,
mettendo a frutto le loro esperienze dirette in
opere storiografiche e trattati.
NICCOLÒ MACHIAVELLI
Biografia
Nasce a Firenze nel 1469 da una famiglia del
medio ceto fiorentino. Cresce in un ambiente
colto, fin da subito infatti si interessa alla
storiografia latina (tra cui soprattutto Tito
Livio). Negli anni dell’ascesa di Savonarola,
Machiavelli collaborerà con l’aristocrazia
fiorentina per far decadere il governo popolare.
Proprio per il suo appoggio una volta
instauratosi un governo di tipo oligarchico,
riceve un prestigioso incarico politico come
segretario della seconda cancelleria fiorentina.
Significativo sarà l’incontro, nel 1502, con
Cesare Borgia (detto “il duca Valentino”, duca
di Romagna, che ispirerà profondamente
Machiavelli nella stesura del Principe. Nello
stesso anno, come collaboratore del
gonfaloniere di Firenze, si impegna per dotare
Firenze di un proprio esercito.
Quando nel 1512 i Medici riprendono il potere,
Machiavelli viene licenziato dalla cancelleria e
condannato al confino per un anno, per poi
essere anche incarcerato con l’accusa di aver
congiurato contro il cardinale Giovanni de
Medici. Grazie all’amnistia seguita all’elezioni
di Giovanni de Medici al soglio pontificio con il
nome di Leone X, Machiavelli viene liberato. Si
dedica in questo periodo ala scrittura,
specialmente del Principe: ne dà notizia in una
lettera a Francesco Vettori.
Probabilmente nel 1515 comincia a partecipare
alle riunioni di intellettuali presso gli Orti
Oricellari (ossia i giardini di casa Rucellai): qui
sembra abbia letto passi dei Discorsi sopra la
prima deca di Tito Livio (si trattava infatti di
intellettuali che ammiravano la Roma
repubblicana). Nella primavera del 1520 è
allestita, alla presenza di Leone X, la
rappresentazione di una sua commedia, la
Mandragola.
In autunno lo Studio fiorentino gli commissiona
le Istorie fiorentine, pubblicate nel 1525 (nel
frattempo a Carpi aveva conosciuto Francesco
Guicciardini, nello stesso anno, il 1521, in cui
aveva pubblicato “Arte della guerra”).
Machiavelli muore nel 1527, dopo aver assistito
al sacco di Roma e alla caduta della signoria
medicea.
Il pensiero di Machiavelli
Il periodo trascorso al servizio della cancelleria
fiorentina gli consente di entrare in diretto
contatto con le dinamiche del potere:
Machiavelli è infatti un uomo d’azione, e in
quanto tale nei suoi trattati cerca sempre delle
soluzioni pragmatiche e realistiche.
Nelle opere politiche maggiori, come il Principe
o i Discorsi, ma anche nelle Istorie fiorentine e
nel dialogo L’arte della guerra, l’esperienza
politica contemporanea si intreccia sempre con
gli esempi forniti dalla storiografia classica.
Storia come magistra vitae
Rispetto alla storiografia precedente, collega
l’esposizione dei singoli eventi ad una
riflessione teorica sull’agire umano, che lo
porterà ad una conclusione:
-gli uomini sono governati da passioni
immutabili (secondo una concezione
naturalistica dell’uomo, le azioni sono originate
da impulsi, o appetiti, per lo più egoistici,
destinati a non cambiare mai);
-essendo mossi da passioni immutabili, gli
uomini tendono ad agire e reagire nello stesso
modo (indipendentemente dall’epoca in cui si
trovano);
-di conseguenza è possibile prevedere gli esiti
della situazione presente guardando al passato.
Studiando dunque la storia passata e quella
contemporanea si possono dedurre delle regole
generali, quasi sempre valide, su cui fondare la
scienza della politica, che così si rende
autonoma dall’etica, attenendosi al piano
dell’esperienza.
La verità effettuale
Visto che la scienza della politica si pasa
sull’esperienza, l’agire politico non deve essere
descritto per come dovrebbe essere (quindi
creando un ideale di politico e di Stato, come
quello platonico, che non esiste), ma per come è
realmente, secondo il principio della verità
effettuale (la politica è un’attività che deve
misurarsi con la situazione concreta nella quale i
principi si trovano, non basarsi su principi etici
astratti).
La riflessione sulle forme del potere
Mentre nel Principe, Machiavelli riflette sulla
natura del principato e sulle sue diverse
tipologie, nei Discorsi ragiona sulle strutture
stesse dello Stato, che sia principato o
repubblica, concentrandosi sul ruolo che le leggi
e le istituzioni hanno nella società. Per
Machiavelli, infatti, non esiste una forma di
governo perfetta, ma esistono buone leggi che
costituiscono il fondamento positivo di uno
Stato. Sotto questo punto di vista, dunque, si
dovrebbe preferire la repubblica, che favorisce
una dialettica tra i gruppi sociali, ma
Machiavelli sa che la soluzione repubblicana
non si può applicare nel periodo in cui si trova,
troppo instabile.
Visione pessimistica dell’uomo
L’importanza delle leggi è anche da ricollegare
ad una visione pessimistica dell’uomo: lo Stato,
incarnato dal principe, e le leggi servono a
contrastare il declino inevitabile e progressivo
dei costumi, causato dall’uomo stesso.
Stile
Rigore dimostrativo, approccio pragmatico, uso
di numerosi esempi da cui dedurre la teoria,
argomentazione serrata (quindi numerosi
connettivi logici), esattezza del linguaggio
(senza però rendere complicato il testo, che
comunque risulta scorrevole). Si serve del
fiorentino argenteo: fiorentino parlato dai ceti
colti (il fiorentino aureo è quello di Dante,
Petrarca e Boccaccio).
IL PRINCIPE
La composizione
Scritto a partire dal 1513, come testimoniato
dalla lettera a Francesco Vittori, fu pubblicato
nel 1532 (cinque anni dopo la morte di
Machiavelli). Lo scopo dell’opera era di attirare
la benevolenza dei Medici (ricordiamo che
Machiavelli era stato escluso dalla scena
politica) e per questo aveva intenzione di
dedicare l’opera a Giuliano, figlio di Lorenzo il
Magnifico, che muore però nel 1516. Il trattato
viene quindi indirizzato a Lorenzo, nipote di
Leone X.
Il titolo
De principatibus, ma oggi è diffuso il titolo
della prima stampa del trattato, ossia Il Principe.
Struttura capitolo, parlando del principato fondato con il
consenso dei cittadini si parla della situazione di
Composto di 26 capitoli e una dedica a Lorenzo
Firenze (principato civile).
de Medici, ogni capitoletto ha un titolo in latino,
ma la lingua usata (a differenza dei precedenti Capitolo 10: equilibrio di forze necessarie a
trattati politici) è il volgare. reggere un principato.
Il metodo di Machiavelli Capitolo 11: principati ecclesiastici.
Osservazione diretta dell’agire politico, senza Capitoli 12-14: gli eserciti mercenari, in quanto
giudicare gli eventi dal punto di vista etico inaffidabili e voltabandiera, devono essere
(visione laica della politica). Machiavelli, sostituiti da eserciti propri, fedeli al principe.
profondo conoscitore dei meccanismi del potere,
Capitoli 15-24: si delinea il ritratto del principe,
sa che non è facile attenersi a principi morali: il
che deve essere insieme leone (abbastanza forte
principe, o comunque l’uomo politico, deve
assumere un comportamento che sia efficace, da spaventare i nemici) e volpe (abbastanza
furbo da ingannarli). Machiavelli quindi si
volto al bene dello Stato, anche a costo di
andare contro l’etica. allontana dal modello di principe degli umanisti,
che doveva essere elegante, colto, virtuoso e
Critica alla politica contemporanea soprattutto magnanimo. Il principe deve inoltre
servirsi della storia, studiarla e comprendere i
Analizzando tutte le forme di principato
meccanismi dell’agire umano.
esistenti sul territorio italiano, Machiavelli
critica indirettamente alcune signorie della Capitolo 25: dialettica tra virtus e fortuna. La
penisola, che avevano favorito il dominio virtus del principe consiste nel sapere come
straniero in Italia. comportarsi in ogni situazione, in modo da poter
prevedere e affrontare i casi della sorte, anche
Il contenuto ricorrendo alla violenza.
Capitoli 1-5: definizione di principato e dei
Capitolo 26: si rivolge ai Medici, esortandoli a
diversi tipi di principato, concentrandosi sui
liberare l’Italia dagli invasori stranieri.
principati ereditari.
Capitoli 6-9: si parla dei principati nuovi, i più
difficili da conquistare e mantenere. In questi
capitoli compare la figura di Cesare Borgia,
famoso per il comportamento crudele assunto
più volte, ma nonostante ciò capace di costruire
in poco tempo un potere personale. Nel nono
DISCORSI SOPRA LA PRIMA DECA
DI TITO LIVIO
L’opera nasce come commento all’opera
storiografica di Livio, Ab urbe condita (Dalla
fondazione di Roma).
Machiavelli inizia a lavorare sui Discorsi già nel
1513, ma interrompe il lavoro concentrandosi
sul Principe, per poi riprenderlo nel 1517 e
concluderlo nel 1519.
Sappiamo già che gli incontri negli Orti
Oricellari favorirono l’interesse di Machiavelli
per la storiografia latina.
Modelli
Altri storici latini a cui si ispira sono Plutarco
(Vite parallele) e Polibio (soprattutto per
l’analisi delle forme di potere).
L’opera inoltre si riallaccia alla tradizione del
commento umanistico, modo in cui gli umanisti
avevano favorito la diffusione e comprensione
dei testi antichi: la differenza sta nel fatto che
Machiavelli non si limita a commentare, ma fa
anche riferimento alla realtà contemporanea.
Contenuto
Sulla base del testo di Livio, Machiavelli riflette
sulle forme antiche e moderne del potere. I modi
in cui gli Stati nascono e declinano, il ruolo del
popolo, le tensioni interne della società,
l’espansione territoriale e la difesa interna.
Come suggerito dal titolo, Machiavelli
commenta solo i primi dieci libri dell’Ab urbe
condita (l’opera liviana era così ampia che i libri
circolavano a blocchi, in decadi appunto):
mentre l’opera liviana ha un andamento
annalistico, Machiavelli procede per nuclei
tematici.
Primo libro: politica interna, costituzione della
Roma repubblicana
Secondo libro: espansionismo dalla Roma
repubblicana alla Roma imperiale e forza
militare.
Terzo libro: galleria di personaggi protagonisti
di azioni eroiche e virtuose.
A differenza del Principe, i Discorsi non
analizzano solo la struttura del principato, ma
anche la repubblica, soluzione privilegiata per
quanto riguarda la gestione del potere, in quanto
sintesi di esigenze differenti (anche se sappiamo
che Machiavelli, pragmatico, riconoscerà
l’impossibilità, nel suo tempo, di instaurare una
repubblica, nonostante molti umanisti avessero
paragonato la “libertas” fiorentina a quella
romana).
Un tema interessante riguarda la religione,
utilizzata dai romani come strumento di
governo: da ciò scaturisce una forte critica al
ruolo della Chiesa, responsabile del degrado
dell’Italia e della mancata unificazione della
stessa.
ISTORIE FIORENTINE
Nel 1520 Machiavelli riceve l’incarico, da parte
dello Studio fiorentino, di redigere una storia
ufficiale di Firenze (era una pratica comune che
i cancellieri scrivessero la storia della città). Nel
1525 presenta gli otto libri delle Istorie
fiorentine a Giulio de Medici, che gliele aveva
commissionate, divenuto intanto papa Clemente
VII.
Contenuto
In vari punti Machiavelli afferma di voler
arrivare fino al 1494, fine del primo principato
mediceo, di fatto la narrazione si ferma alla
morte di Lorenzo il Magnifico, nel 1492,
evitando di parlare della più recente politica
medicea (ricordiamo che è un’opera scritta su
committenza).
La narrazione prende avvio dal 1215, anno in
cui, con l’omicidio di Buondelmonte, ha inizio
la discordia tra guelfi e ghibellini. Ciò ci fa
capire che per M. le discordie cittadine sono
centrali e origine della crisi di Firenze, e che
quindi ci sia bisogno di un ordinatore che possa
rifondare la repubblica fiorentina (implicito che
si rivolga proprio a Giulio de Medici).
Metodo storiografico
La ricostruzione storica non è la cosa più
importante per Machiavelli: non attinge a
documenti d’archivio, ma si affida ad uno o due
testi principali, spesso storiografie scritte da altri
(in questo si discosta dalla cura scrupolosa di
Guicciardini). L’obiettivo di Machiavelli è altro:
tratta di storie individuali e, come gli storici
latini, inventa spesso discorsi diretti da far
pronunciare ai grandi personaggi della storia.
MANDRAGOLA
Probabilmente composta nel 1518, viene messa
in scena per la prima volta nel 1520 in presenza
del papa Leone X.
Il titolo pone al centro l’oggetto della beffa (la
pianta di mandragola).
La Mandragola è una commedia in prosa, divisa
in cinque atti, inframezzati da quattro canzoni e
preceduti da un prologo. Il modello è la
commedia latina di Plauto e Terenzio, ma anche
le commedie La Cassaria e I Suppositi di
Ariosto. Rispetto a queste commedie, però, la
Mandragola ha un numero minore di personaggi
e un intreccio molto concentrato.
Trama
Il giovane Callimaco è innamorato di Lucrezia,
donna bellissima, ma sposata con Nicia, un
anziano credulone. Non sapendo come fare per
passare una notte con lei, Callimaco chiede
aiuto al mezzano Ligurio che escogita una beffa
ai danni di Nicia: conoscendo il desiderio di
questi di avere figli, Ligurio propone a
Callimaco di fingersi medico e di consigliargli
una pozione a base di un’erba miracolosa (la
mandragola) da somministrare alla moglie. La
pozione ha però una controindicazione: il primo
uomo che avrà rapporti con la donna cui è stata
somministrata è destinato a morire. Diventa invece persegue il bene dello Stato, ma entrambi
necessario trovare un garzoncello che si presti a non si fanno scrupoli a servirsi dell’inganno).
unirsi per primo con Lucrezia. Ma si deve anche
Lucrezia subisce un’evoluzione nel racconto: da
convincere la donna a giacere con uno
sconosciuto. Ligurio e Callimaco corrompono donna che incarna le virtù più tradizionali, poi
decide di agire in modo tale da ottenere il suo
frate Timoteo, confessore della donna, affinchè
la persuada. Callimaco dunque, travestitosi, obiettivo, ossia soddisfare le sue esigenze.
giace con Lucrezia, rivelando poi il suo amore La lingua
per la donna che, resasi conto della stupidità del
marito, decide di iniziare una relazione con il L’identità di ogni personaggio è costruita
ragazzo. Nicia, ingenuamente, propone a attraverso uno specifico registro linguistico.
Callimaco di vivere con loro, diventando così Fiorentino parlato con marche lessicali tipiche
loro medico ufficiale. della parlata vernacolare.
Originalità dell’intreccio
Vicenda di tipo boccaccesco con come tema Opere minori
centrale la beffa. Si riprendono i temi del doppio
e del travestimento tipici del teatro latino. Due Decennali in terzine dantesche: narrano
Machiavelli però introduce un elemento nuovo: fatti dei decenni 1494-1504 e 1504-1514,
lo sdoppiamento fra chi progetta la beffa, costituiscono un primo tentativo di storiografia
Ligurio, e chi ne trae profitto, Callimaco. I in versi.
personaggi non sono stereotipati, ma hanno
Commedia Clizia: rappresentata a Firenze nel
ognuno una propria personalità.
1525, è una rielaborazione della Casina di
I personaggi e la ricerca dell’utile Plauto (si innamorano di Clizia sia il giovane
Cleandro che il vecchio Nicomaco, il quale,
Come già detto nel Principe, per Machiavelli avuta dapprima la meglio, sarà poi beffato).
l’uomo è simulatore ed egoista: tutti i
personaggi della commedia perseguono l’unica
legge che veramente conti in società, l’utile.
Ligurio riproduce la figura del parassita, che
agisce solo in funzione dei propri interessi (può
essere considerato un anti-principe, perché
mentre lui persegue i propri interessi, il principe
GUICCIARDINI
Breve biografia
Francesco Guicciardini nasce a Firenze nel 1483
da una famiglia aristocratica. Compie studi
giuridici e infatti eserciterà la professione di
avvocato. Sposa la figlia del capo
dell’opposizione al gonfaloniere Pier Soderini
(ricordiamo che Machiavelli collaborò con lui).
Tra il 1508 e il 1511 lavora alle Storie
fiorentine, mentre nel 1512 viene scelto come
ambasciatore di Firenze presso il re di Spagna
Ferdinando il Cattolico, trattenendosi lì per un
anno, durante il quale abbozza una prima serie
di ricordi.
Nel 1514 rientra a Firenze, dove si sono
insediati nuovamente i Medici. Riprende la
professione di avvocato, ma nel 1515 è
incaricato di incontrare a Firenze papa Leone X,
che l’anno successivo lo nomina governatore di
Modena (mentre si trova a Modena incontra
Machiavelli).
L’elezione come papa di Adriano VI comporta
una diminuzione dei suoi poteri. Nel 1521 inizia
a stendere un Dialogo sul reggimento di Firenze.
Adriano VI muore dopo pochi mesi e viene
eletto Giulio de Medici con il nome di Clemente
VII. Nel 1526 Guicciardini è chiamato a Roma
in qualità di consigliere papale: lì cerca di
costruire un’alleanza anti-imperiale, la Lega di
Cognac, per contrastare le mire espansionistiche
di Carlo V. ne facevano parte Francia, Firenze,
Genova, Milano e il papato. Le truppe dei
lanzichenecchi però fanno strage in Italia,
segnando il fallimento della Lega di Cognac.
Guicciardini tornato a Firenze, ne viene cacciato
dal nuovo governo repubblicano. Ritiratosi a
vita privata si dedica all’attività letteraria, tra cui
i Ricordi. Nel 1529 torna a Roma, al servizio di
Clemente VII e scrive Considerazioni sopra i
Discorsi del Machiavelli. Nel 1530 Carlo V
occupa Firenze: Guicciardini torna in città per
restaurare il potere mediceo, che ritorna ancora
una volta al potere (si passa da un regime
oligarchico ad un regime ducale). Gli incarichi
politici di Guicciardini si interrompono con
l’elezione pontificia di Paolo III Farnese.
Ritiratosi dalla scena politica, si dedica alla
stesura di Storia d’Italia, iniziata nel 1537, ma
muore nel 1540 senza aver concluso l’opera.
Pensiero
L’intensa attività politica e diplomatica è uno
dei presupposti fondamentali della sua scrittura:
la diretta osservazione dei meccanismi del
potere permette un’accurata analisi delle
dinamiche politiche, strettamente legata ad
un’aderenza al reale. L’esercizio della
diplomazia permette anche di comprendere la
complessità delle motivazioni umane.
Non è un letterato in senso stretto, infatti scrive
solo trattati o storiografie, senza dedicarsi a
nessun altro genere.
Intreccio tra storiografia e politica
Alla base dell’indagine storica di Guicciardini la
ricostruzione degli eventi passati non ha un fine
erudito, ma serve per comprendere le cause
della situazione italiana contemporanea.
Causa dell’instabilità politica italiana: discesa in
Italia del re Carlo VIII, che nel 1484 aveva
attraversato la Penisola senza alcuna
opposizione.
La riflessione sulle forme di governo è orientata
a ragionare sui meccanismi della gestione del
potere: Guicciardini aspira ad una forma di
governo mista, che metta insieme principato e
repubblica.
Visione del mondo: complessità del reale e
imprevedibilità della sorte. Ciò che accade non
obbedisce a regole generali individuabili (come
invece credeva Machiavelli). Bisogna
semplicemente raccogliere i dati dell’esperienza
(empirismo).
Discrezione: intuito, prudenza e pragmatismo
garantiscono la conoscenza del reale.
Il particulare: visto che la storia non si ripete
mai, bisogna esaminarla nella sua individualità
(visto che l’uomo agisce per il suo utile, bisogna
esaminare l’esperienza individuale, non quella
collettiva).
Distinzione e scomposizione: la frammentarietà
del reale si rispecchia nella natura ramificata
della scrittura.
RICORDI
Sono una serie di brevi riflessioni che
Guicciardini elaborò tra il 1512 e il 1530, ma
furono stampate solo nel 1576). L’opera non
segue un discorso unitario, infatti non era stata
pensata per la pubblicazione, ma per una
ristretta cerchia di conoscenti (la scrittura segue
il flusso della mente). Il titolo originale era
Consigli e avvertimenti in materia di repubblica
e di privato (Guicciardini da consigli sia al
politico che all’individuo).
Doppia prospettiva: ricordare il passato e
indicare una via di comportamento.
Riflessioni sull’esperienza del passato per una
migliore gestione del futuro.
La frammentarietà dell’opera rappresenta la
varietà che aveva caratterizzato l’esperienza
stessa di Guicciardini.
Si sofferma sulla condizione del clero,
condannandone la corruzione.
La discrezione dell’uomo politico: deve sapere
che ogni individuo agisce per assecondare il
proprio particulare o per ambizione, che
l’esistenza è irrazionale e complessa (viene
meno la fiducia umanistica nell’essere umano
che con l’ingegno può gestire la realtà).
Il politico deve sapersi regolare caso per caso (la
storia non può essere magistra vitae, perché non
si ripete ed è imprevedibile).
Stile
sintassi semplice per una maggior immediatezza
(ricordiamo che i Ricordi non erano destinati
alla pubblicazione.
STORIA D’ITALIA
Composta tra il 1537 e il 1540, viene pubblicata
postuma nel 1561. Ci sono alcune sezioni
censurate. Origine del potere temporale della
Chiesa e della sua corruzione, contraddizioni tra
testo biblico e nuova geografia mondiale a
seguito delle scoperte geografiche.
La Storia d’Italia si articola in 20 libri e copre
un periodo che va dal 1494 (discesa del re di
Francia Carlo VIII in Italia) al 1534 (elezione di
Paolo III Farnese). Viene scelto questo periodo
perché ricordiamo che per Guicciardini la crisi
della politica italiana sia stata causata dalla
venuta di Carlo VIII.
La Storia d’Italia è impostata su un’idea di
progressivo declino, da cui emerge una visione
pessimistica della storia. Grazie alla conoscenza
diretta dei protagonisti della storia, Guicciardini
ci offre una galleria di ritratti di grande
efficacia: i comportamenti vengono esaminati
nelle loro motivazioni psicologiche.
Atteggiamento descrittivo (narra gli eventi) ma
anche valutativo (da un giudizio sugli eventi).
Una nuova concezione della storia
Utilizzo di fonti d’archivio, anche da archivi
privati delle famiglie fiorentine, documenti degli
ambasciatori fiorentini, confronto di
testimonianze diverse, ricordi personali.
Rispetto alla storiografia precedente, in cui
esigenze retoriche e moraleggianti andavano a
discapito della ricostruzione effettiva degli
eventi, Guicciardini imposta la Storia d’Italia
più come strumento di analisi politica.
Stile
Prosa complessa e articolata, forte
valorizzazione della concatenazione tra gli
eventi.
Cerca anche di dare una sfumatura romanzesca,
inserendo discorsi diretti (la storiografia come
opus oratorium, in cui mostrare la propria abilità
retorica).
IL RINASCIMENTO
I limiti cronologici
Il Rinascimento inizia convenzionalmente con
la scoperta dell’America (1492) e termina tra il
1527, anno del sacco di Roma, e il 1545,
apertura del Concilio di Trento.
Il concetto di Rinascimento
Il concetto di Rinascimento è stato introdotto
intorno alla metà dell’Ottocento: si parla di
un’epoca di “ritorno alla vita” dopo i secoli bui
del Medioevo, un tempo in cui viene dissipata la
nebbia della superstizione religiosa e
dell’ignoranza. Oggi però si riconosce che la
grande fioritura del Rinascimento è risultato di
una lunga fase di transizione e preparazione già
avviata Dall’Umanesimo quattrocentesco
(rinascimento=evoluzione dell’umanesimo)
Un’epoca di scoperte e cambiamenti
1. I mutati equilibri politico-economici avevano
spinto molti sovrani a finanziare esplorazioni,
comportando quindi grandi scoperte
geografiche, in particolare quella dell’America
(gli uomini iniziano a pensare che ci sia un
mondo-altro, e che quindi l’uomo europeo non
sia al centro della Terra). Con le nuove scoperte,
i centri economici e politici si spostano verso
l’Atlantico.
2. Le nuove scoperte scientifiche (la teoria
eliocentrica di Copernico, appoggiata da
Keplero, Giordano Bruno e Galilei) e tecniche
(la bussola, la stampa, le armi da fuoco),
mettono in crisi la visione antropocentrica
fondamento della cultura umanistica.
3. La riforma protestante frantuma l’unità
religiosa dell’Occidente (ne emerge un
confronto con il diverso, non solo dal punto di
vista geografico, ma anche religioso).
La teoria eliocentrica mette in discussione uno
dei capisaldi della tradizione cristiana: visto che
la Terra non è più al centro, neanche l’uomo,
creazione preferita da Dio, è al centro
dell’universo. Crolla dunque l’ottimismo
antropocentrico dell’Umanesimo.
Approccio relativistico alla realtà, sguardo
scettico e ironico: non si è più sicuri che l’uomo
sia capace di controllare razionalmente gli
eventi attraverso la virtù (la realtà è varia e non
sempre prevedibile).
L’invenzione delle armi da sparo modifica
profondamente lo svolgersi degli scontri: non
più duelli a corpo, tipici della cultura
cavalleresca, ma combattimenti a distanza
(decade l’immaginario cortese del cavaliere).
Evoluzione della coscienza critica
rinascimentale
Dalla razionalità dell’Umanesimo
all’irrazionalità e lo sconvolgimento: nel 1511
Erasmo da Rotterdam scrive un trattato
intitolato “L’elogio della follia”, dove viene
lodata la follia come unico strumento per
conoscere la realtà. Nel trattato stesso vengono
criticate le forme tradizionali della società, che
irrigidiscono la natura dell’uomo impedendogli
di esprimersi liberamente.
L’imitatio dei classici continua anche nel
Rinascimento, ma questa volta obbedisce a delle
regole ben precise.
Vengono elaborati trattati in cui le norme sono
chiare e valide per tutti, in modo da stabilire
criteri uniformi per individuare i canoni
dell’equilibrio.
Entra in crisi l’idea che il passato sia
completamente riproducibile nel presente.
PRINCIPALI TRATTATI
CINQUECENTESCHI
Il trattato di corte
Come già detto più volte, in questo periodo
l’autorevolezza del signore viene dimostrato
dalla magnificenza della sua corte e dal suo
interessamento per la cultura. Dunque la corte,
con tutti i suoi componenti, deve dare
un’immagine di sé degna del potere del suo
signore, fornendo precisi modelli. Nasce così il
trattato di corte, che cerca di stabilire un codice
e una norma per regolare i comportamenti e i
rapporti interni.
La società cortese, aperta e innovatrice, va
incontro a un progressivo processo di
irrigidimenti. L’immagine di una società sempre
più chiusa e gerarchizzata si riflette in trattati
che privilegiano un’impostazione precettistica,
come il Galateo di Giovanni Della Casa.
Baldassarre Castiglione, Libro del
Cortegiano (composto in gran parte nel 1510,
pubblicato nel 1528)
Si delinea la figura ideale di cortigiano, uomo
capace ci “comportarsi” a corte, di rispettare la
gerarchia dell’ambiente stesso e sapersi
destreggiare, in particolare attraverso la
conversazione. Il trattato è in forma di dialogo,
ambientato al palazzo dei Montefeltro ad Urbino
nel 1507. Partecipano alla discussione
personaggi prestigiosi, tra cui Pietro Bembo e
Giuliano de Medici. Il cortigiano, secondo i
dialoganti, deve avere una cultura completa, in
modo da esser capace di conversare su qualsiasi
argomento, deve possedere la misura ma anche
la “sprezzatura” (atteggiamento disinvolto, di
chi esibisce in maniera spontanea e naturale un
certo tipo di eleganza).
Struttura
I libro: qualità fisiche e morali del perfetto
cortigiano.
II libro: modi e circostanze in cui è richiesto al
cortigiano di dare prova delle sue qualità.
III libro: figura della donna di palazzo,
corrispettivo femminile del cortigiano.
IV libro: rapporti tra il cortigiano e il principe.
Nella secoda parte dell’ultimo libro Pietro
Bembo opera un confronto tra l’amore cortese e
l’amore platonico.
Giovanni della Casa, Galateo (pubblicato
postumo nella raccolta di Prose et rime del
1558)
La subordinazione al signore è più marcata: gli
uomini di corte non sono più liberi come prima
di dar mostra di sé. La chiusura della società
cortese del tempo si riflette nella struttura
precettistica dell’opera: non più un dialogo che
dia un ritratto completo del cortigiano, ma un
monologo di un maestro al suo allievo.
Pietro Bembo, Prose della volgar lingua
(in forma dialogica, stampato nel 1525)
Pietro Bembo era un intellettuale nato a
Venezia, viaggia molto, viene nominato
cardinale, per poi stabilirsi a Roma.
Il trattato è scritto forma di dialogo, svoltosi in
casa di Carlo Bembo, fratello di Pietro, a
Venezia. Nel primo libro si rivendica la dignità
del volgare, che non deve essere però il
fiorentino contemporaneo, né la lingua
cortigiana, ma una lingua letteraria modellata
sugli autori fiorentini trecenteschi: Petrarca per
la poesia (lingua fuori dal tempo, depurata da
elementi troppo municipali e quindi
direttamente fruibile anche per chi non parla
fiorentino) e Boccaccio per la prosa (in
particolare le novelle di registro medio del
Decameron, in quanto le altre hanno un
linguaggio troppo vario e parole legate alla
tradizione popolare di Firenze).
La questione della lingua
Diventa più urgente affrontare la questione della
lingua: a partire dal secondo Quattrocento il
volgare inizia a prendere il posto del latino,
lingua preferita dagli umanisti. Nonostante il
fiorentino abbia un ruolo privilegiato
(testimoniato dalla donazione della raccolta
aragonese al re di Napoli), non è stato ancora
canonizzato il suo uso.
Il problema viene affrontato da Pietro Bembo
nel suo trattato Prose della volgar lingua.
Grazie all’invenzione della stampa le teorie di
Bembo presto si diffondono, così come le liriche
di Petrarca.
Si oppongono al suo pensiero:
-Baldassare Castiglione: nel primo libro del
Cortegiano proponeva una lingua più vicina
all’uso vivo delle corti, aperta anche a termini
stranieri e forme regionali;
-Gian Giorgio Trissino: avanza una proposta di
lingua comune, aperta a forme provenienti dai
diversi contesti linguistici della Penisola.
Le teorie di Bembo ricevono comunque ampio
consenso: lo stesso Ariosto modifica la terza
edizione dell’Orlando furioso (1532) proprio per
adattarsi ai nuovi canoni della lingua letteraria
italiana.
Petrarchismo
Nella lirica del Quattrocento era già
preponderante il modello di Petrarca (nelle rime
di Lorenzo de Medici e di Poliziano c’era già la
presenza di Petrarca), ma solo dopo la
pubblicazione delle Prose della volgar lingua e
la canonizzazione del modello petrarchesco si
può parlare di petrarchismo vero e proprio.
Cinque anni dopo la pubblicazione del trattato
lo stesso Bembo pubblica le Rime: una raccolta
di tutta la sua produzione poetica pensata con
l’intenzione di ricomporre il proprio percorso
lirico alla luce delle indicazioni normative della
sua grammatica volgare.
L’imitazione del modello si realizza non solo
nell’adesione alla tematica amorosa, ma anche
nel riuso di lessico, forme e immagini tratti dalle
liriche Petrarchesche, quasi in una sora di
collage. Per questo il termine petrarchista ha
avuto per lungo tempo una connotazione
negativa, indicante un letterato non originale,
ma puro imitatore (ora invece si crede che ogni
petrarchista abbia espresso i propri sentimenti in
maniera autentica, imitando solo l’aspetto
formale della poesia di Petrarca).
L’imitazione di Petrarca permette anche a
letterati di diverse aree geografiche di
comunicare con un codice comune: la lingua di
Petrarca. Grazie a ciò anche le donne riescono a
inserirsi in questo dialogo: un esempio è
Vittoria Colonna, sposa del marchese di
Pescara e di origine romana; la sua produzione
risulta bipartita, dove la seconda parte contiene
liriche di tipo vedovile (a seguito della morte del
marito).
Con il tempo però si inizia ad avvertire il peso
di questa forzatura e la necessità di superare il
modello petrarchesco. La ricerca di originalità
sfocia nel manierismo, movimento eccentrico
(la lirica del Barocco sarà erede di questa
evoluzione.
Michelangelo Buonarroti: anche lui
petrarchista, usa la lirica per autoconfessarsi,
dialoga con alcuni grandi contemporanei (anche
con Vittoria Colonna). Va nella direzione del
manierismo.
Giovanni della Casa: anche autore di una
raccolta di rime. Parla d’amore, ma non è
l’unico tema: meditazione di tipo filosofico
scaturita da un’insoddisfazione esistenziale. Va
anche lui verso il manierismo: la lingua di
Petrarca viene resa più grave e solenne, la
lettura risulta difficile in quanto lo stile non è
scorrevole (anche per l’uso dell’enjambement in
cui la pausa metrica non corrisponde con quella
sintattica). Questa figura retorica permette però
di fare discorsi complessi con periodi più ampi.
CONTRORIFORMA E MANIERISMO
La prima metà del XVI secolo è caratterizzata
dal conflitto tra Carlo re di Spagna, imperatore
con il nome di Carlo V e Francesco I di Francia:
il campo di battaglia per i due sarà la penisola
italiana, sempre più divisa e lacerata.
La Controriforma
La chiesa di Roma dovette confrontarsi con una
vera e propria frattura del mondo cristiano
occidentale. Nel 1545 viene convocato da Paolo
III il Concilio di Trento, per ripristinare l’unità
dell’Europa cattolica: i protestanti decidono,
però, di non partecipare.
Il concilio dunque diventa un momento di
riflessione sui cattolici, che si dividono in due
orientamenti: uno più innovatore e disposto a
mitigare lo scontro con i protestanti; l’altro
favorevole ad una decisa riaffermazione della
dottrina tradizionale e del dogma. Finirono per
prevalere le posizioni più rigide:
-viene riaffermato il principio dell’unica Chiesa
e la tesi secondo cui nessuna possibilità di
salvezza esisteva fuori della Chiesa di Roma;
-viene ribadita la validità dei sette sacramenti;
-viene confermato il ruolo della Chiesa come
unica interprete delle Scritture ed il latino come
lingua ufficiale della Bibbia.
A questi elementi di reazione si affiancano
alcune iniziative di riforma interna della Chiesa,
specie sul piano della disciplina del clero e
dell’insegnamento: nasce dunque la
congregazione dei gesuiti.
Il Concilio impone anche direttive precise alla
produzione artistica: nasce l’Indice dei libri
proibiti (Il Principe di Machiavelli e il
Decameron di Boccaccio ne faranno parte,
mentre la Storia d’Italia di Guicciardini verrà
pubblicata con numerose censure). L’azione
repressiva della Chiesa controriformista si basa,
però, soprattutto sul tribunale dell’Inquisizione,
fondato nel 1542.
Il Manierismo
In questo periodo di incertezze vengono messi
in discussione gli ideali umanistico-
rinascimentali: prevale dunque una corrente
anticlassica, che rifiuta le regole imposte,
sperimenta e mette in luce lo stile originale del
singolo artista.
L’anticlassicismo fa della disarmonia il suo
ideale, è aperto allo sperimentalismo ed è anti
ortodosso: costituirà dunque la fase di
transizione dal classicismo umanistico-
rinascimentale al manierismo.
Il termine “manierismo” deriva da una
definizione che Giorgio vasari, critico d’arte,
diede della “maniera”, ossia la specifica cifra
stilistica di un determinato artista. Visto infatti
che per i manieristi la natura (e la realtà) non
può essere rappresentata direttamente, in quanto
la ragione non può dominarla (contrariamente a
ciò che pensavano gli umanisti), è possibile
rappresentare solo la maniera, ossia il modo in
cui qualcun altro ha cercato di rappresentare la
realtà. Ecco perché molti imitano artisti come
Leonardo o Michelangelo, ponendo attenzione
soprattutto ai lati oscuri di questi artisti.
Trattandosi di un’epoca di cambiamenti radicali,
il mondo non può essere rappresentato con
canoni già stabiliti: ecco spiegato il rifiuto delle
regole, l’esigenza della libertà espressiva del
singolo artista, che imita, ma senza rinunciare
alla propria originalità.
Ovviamente emerge fin da subito
l’incompatibilità tra le posizioni della Chiesa
controriformata e l’estetica manierista,
determinata:
-dalla nuova affermazione da parte della Chiesa
di un’arte dalle finalità espressamente educative,
che era incompatibile con la licenza estetica del
Manierismo,
-dalle nuove esigenze di edificazione popolare,
che non potevano essere soddisfatte dal
linguaggio ricercato e sottile della maniera,
rivolto alle elites culturali e sociali;
-dal controllo assoluto dell’ortodossia da parte
della Chiesa, esteso anche all’ambito
iconografico, che si scontrava con l’inclinazione
al sensuale del manierismo.
Il conflitto tra la coscienza individuale
dell’artista e i principi morali della Chiesa porta
alla nascita del “genio moderno”, un letterato
isolato ed emarginato dagli ambienti ufficiali,
spesso dall’indole malinconica, non compresi
dalla società contemporanea. Esempi di questo
tipo di artista sono Torquato Tasso e
Caravaggio. Da questa immagine del genio
deriverà il modello dell’eroe moderno, in
particolare nell’Amleto di Shakespeare, la
tragedia del dubbio.
Il dibattito sulla Poetica di Aristotele
Fino agli anni ’40 del Cinquecento molta della
riflessione letteraria è legata alle direttive
impartite dall’Ars Poetica di Orazio,
specialmente per il principio della necessaria
conciliazione del docere (insegnare) e del
delectare (dilettare, intrattenere).
Con la scoperta della Poetica di Aristotele, però,
si verifica un profondo cambiamento nella
riflessione letteraria: si impone il rispetto delle
tre unità aristoteliche (unità di tempo, spazio e
azione) e della categoria del verosimile (la
vicenda narrata deve avere l’apparenza della
realtà, essere potenzialmente vera).
Si impone così l’aristotelismo critico: l’arte non
è più frutto di un’ispirazione divina (concetto
ripreso dal platonismo), ma un lavoro con i suoi
principi e le sue norme.
Si affermano anche esigenze di ordine, di
definizione e di classificazione dei testi, che
determinano anche l’elaborazione di una solida
teoria dei generi letterati, classificati in base a
materia e struttura. Per ogni genere vengono
definite delle norme.
Il dibattito sul poema epico: da Ariosto a La Gerusalemme liberata alla luce
Tasso dell’aristotelismo critico era considerata
nettamente superiore al Furioso di Ariosto, in
Alla luce delle nuove norme imposte dalla quanto rispettava minuziosamente sia le regole
Poetica, l’opera di Ariosto viene fortemente imposte dalla Poetica sia il piano di
criticata: Controriforma della Chiesa.
-non rispetta il principio di unità di azione, Posizione di Camillo Pellegrino: nell’ambiente
spazio e tempo; capuano era intesa la riflessione sulle
caratteristiche del poema epico; in questo
-non rispetta la categoria del verosimile (è
presenta la magia, che peraltro, derivando dalla frangente nasce il trattato Il Carrafa (dal nome
cultura pagana, si scontra anche con le regole del destinatario dell’opera) o vero della epica
imposte dalla Controriforma); poesia, in cui Pellegrino giustifica la superiorità
della Gerusalemme liberata rispetto al Furioso
-non è collocabile in nessun genere (c’è per l’abilità nell’uso della “locuzione
incongruenza tra il titolo e il tema principale, artificiosa”, ossia di uno stile elaborato e nuovo,
ossia lo scontro tra cristiani e saraceni). esito di una sperimentazione (in opposizione
allo stile di Ariosto, che comunque si ispirava a
Parallelamente però c’era anche una nuova linea
quello petrarchesco).
difensiva nei confronti del poema: alcuni critici
insistono in modo specifico sulla modernità del
Furioso, non collocabile nella classificazione dei
generi del tempo, ormai troppo vecchia. La
difesa di Ariosto così comporta anche una
rivendicazione della legittimità della letteratura
volgare, riconosciuta alla pari a quella antica e
capace di dare vita, con il poema cavalleresco,
ad un genere letterario sconosciuto agli antichi.
La posizione di Tasso
Tasso cerca una sua personale posizione,
riallacciandosi sia al romanzo cavalleresco nella
materia e nella forma strofica dell’ottava rima,
sia all’epica classica. Inoltre, fa emergere la
propria originalità rispetto ad Ariosto, che aveva
comunque “imitato” Boiardo.
POEMA CAVALLERESCO
MODELLI
Epica classica: omerica (conosciuta in maniera
indiretta) e virgiliana (conosciuta soprattutto
grazie a Dante), servivano soprattutto per
raccontare i miti di fondazione delle città e le
imprese degli eroi.
Epica francese in lingua d’oil: Chanson de
Roland o chanson de geste (ciclo carolingio,
narrazione delle imprese di Carlo Magno e dei
suoi paladini, tra cui Orlando).
La tradizione dei cantari
L’ottava rima rappresenta per lungo tempo la
forma scelta per la narrazione lunga in versi,
specialmente per la materia epica e cavalleresca.
Ricordiamo che il primo a servirsene fu
Boccaccio nel Filostrato e nel Teseida.
L’ottava rima verrà ripresa anche dai cantari,
componimenti narrativi in versi che i poeti
girovaghi (detti canterini) recitavano nelle
piazze della città, favorendo così anche la
circolazione di temi, gesta ed eroi della
tradizione cavalleresca.
Alcuni canterini, come Antonio Pucci, godettero
di grande fama e provarono la fusione della
materia francese (ciclo carolingio, incentrato
sulla guerra contro gli infedeli e le imprese
eroiche dei paladini) e la materia bretone (il
ciclo arturiano, incentrato sull’amore e sulla
magia).
Questo genere fu particolarmente gradito
dall’ambiente delle corti, che provava nostalgia
per le virtù cavalleresche e l’ideale di gentilezza
e aveva già stretti legami con la cultura
francese. In particolare la corte estense di
Ferrara accolse i tre esponenti del genere
cavalleresco: Boiardo, Ariosto e Tasso.
Grazie ai poeti canterini, invece, il genere
cavalleresco si diffonde anche nei comuni.
IL MORGANTE DI LUIGI PULCI
A Firenze, in ambiente laurenziano, luigi Pulci
si propone come uno fra i maggiori
rappresentati di una scrittura poetica di tipo
narrativo, servendosi del metro dell’ottava e
appassionandosi ai cantari.
Intorno al 1461 riceve dalla madre di Lorenzo
l’incarico di scrivere un poema di materia
cavalleresca: nasce così il Morgante.
L’opera
Completato nel 1470, viene pubblicato solo
successivamente in due redazioni. La prima
versione del 1478 ha 23 cantari, mentre la
seconda versione del 1483 ha 28 cantari (è
conosciuta come Morgante maggiore).
L’aggiunta dei 5 cantari potrebbe essere dovuta
all’esclusione di Pulci dalla corte di Lorenzo: i
cantari infatti sono diversi dagli altri, non sono
di carattere comico e trattano temi tipici
dell’ambiente accademico, con tematiche
filosofiche anche complesse. Compare in questi
ultimi cantari Astarotte, diavolo teologo, che
potrebbe rappresentare Marsilio Ficino.
Il titolo dell’opera deriva dal personaggio del
gigante Morgante.
Personaggi e intreccio seguono abbastanza
fedelmente la traccia di un cantare anonimo
noto oggi come Orlando laurenziano. Rispetto
alla fonte però Pulci introduce personaggi nuovi
e amplia alcuni episodi.
Particolarità: sfumatura comico-parodica, tipica
di Pulci.
La trama
Le vicende richiamano il ciclo carolingio. Il
paladino Orlando, a causa delle calunnie del
cugino Gano di Magonza, abbandona la corte di
re Carlo Magno a Parigi e parte in cerca di
avventure in Pagania (ossia le terre non
cristianizzate dell’Asia). Giunto in un convento,
Orlando combatte con tre giganti e ne fa
prigioniero uno, Morgante (protagonista di
vicende iperboliche e sproporzionate, che
daranno carattere comico all’opera). Questi,
convertito al cristianesimo, diviene il suo
scudiero e affronta varie avventure al fianco di
Orlando. Durante una di esse avviene l’incontro
con Margutte, un gigante rimasto a metà della
crescita, al quale Morgante si associa in
banchetti, beffe e persino nella liberazione di
una fanciulla prigioniera (avventure che
rimandano alle caratteristiche della letteratura
picaresca, il cui protagonista era appunto un
imbroglione). Dopo la morte di Margutte,
causata dal troppo ridere, Morgante ritrova
Orlando, che affronta i pagani in varie imprese.
Muore anche Morgante a causa del morso di un
granchio. I paladini tornano a Parigi richiamati
dal nuovo tradimento di Gano, che ha spinto il
re pagano Marsilio a muovere guerra ai cristiani.
Orlando rimane vittima di un’imboscata a
Roncisvalle, dove muore.
La lingua
Attinge ai classici volgari, ma anche alla
tradizione romanza. Grande espressività
linguistica.
MATTEO MARIA BOIARDO
Boiardo, già scrittore di versi in latino e autore
di un canzoniere lirico in volgare (Amorum libri
tres), riesce ad unire la cultura umanistica con
quella romanzesca e volgare.
Scrive in una koinè padana, che ben rappresenta
la lingua parlata dalla corte: essendo stata
composta nnel 1476, prima della pubblicazione
delle Prose della volgar lingua (1525), non
segue il modello petrarchesco. Per questo
L’Orlando innamorato non ebbe la stessa
diffusione dell’Orlando furioso: la koinè
padana, nonostante fosse depurata da tratti
dialettali, era ancora collegata ad un preciso
ambito regionale, e quindi non comprensibile
per le altre corti italiane. Solo grazie alla
toscanizzazione di Francesco Berni l’opera
viene diffusa.
La prima edizione del poema viene pubblicata cedere alla forza dell’amore): si riprende l’idea
nel 1483 e consta di due libri; una seconda di amore come potenza distruttrice tipica di
edizione accresciuta viene pubblicata nel 1495. Cavalcanti. L’amore è capace dunque di
allontanare i paladini dal loro reale obiettivo,
Il titolo originale è L’Inamoramento de Orlando: ossia guadagnare onore tramite la guerra.
dichiara già dal titolo la materia centrale
dell’opera, ossia l’innamoramento di orlando, il Dall’Orlando innamorato all’Orlando
cavaliere più fedele e casto tra i paladini di furioso
Carlo. Si uniscono dunque la componente lirica
e romanzesca e quella epica: per questo i Il successo dell’Orlando innamorato favorisce la
contemporanei facevano fatica a collocare proliferazione delle giunte, ossia delle
l’opera in un genere preciso. continuazioni del poema. La più famosa è
proprio l’Orlando furioso di Ariosto, che
La trama riprende la narrazione dove l’aveva interrotta
Boiardo.
Angelica, principessa del Catai, giunta alla corte
di Carlo Magno, fa innamorare di sé numerosi I due poemi hanno in comune la struttura
cavalieri, tra i quali Ranaldo e Orlando. Quando policentrica, ossia vengono descritte più vicende
la donna fugge entrambi la inseguono, ma contemporaneamente, che si intersecano
Ranaldo, dopo aver bevuto una’cqua incantata, (entrelacement, intreccio appunto), creando un
sente tramutare il suo amore in odio, mentre effetto di suspance.
Angelica, che ha bevuto dalla fonte dell’amore,
si innamora di lui. Ora Orlando segue Angelica,
che insegue Ranaldo; finchè i due non tornano a
bere alle due fonti, ma invertendosi. Di nuovo è
Ranaldo a inseguire Angelica e ne nasce uno
scontro con Orlando a Parigi, che intanto il re
dei Mori Agramante ha assediato. Carlo Magno
dirime la questione, promettendo la donna a chi
dimostrerà più valore nella guerra contro i Mori.
L’amore
L’amore è la forza dominante che attraversa
tutto il poema, il motore delle azioni umane.
Amore anche come forza capace di prevaricare
la volontà (Orlando, mai sconfitto, è costretto a
ARIOSTO
Breve biografia
Ludovico Ariosto nasce nel 1474 a Reggio
Emilia e si trasferisce dopo 10 anni a Ferrara,
dove frequenta la corte estense. Si dedica agli
studi umanistici, filosofici e letterari e alla
stesura delle Rime in volgare e dei Carmina
latini.
Alla morte del padre Ludovico entra al servizio
degli Estensi, in particolare ricevendo incarichi
diplomatici dal cardinale Ippolito d’Este. Nel
1503 Ariosto ha assunto gli ordini religiosi per
godere di alcuni benefici ecclesiastici. In questo
periodo scrive due commedie in volgare: La
Cassaria e I Suppositi.
Viene completata anche la prima redazione
dell’Orlando furioso, già annunciato a Isabella
d’Este durante un’ambasceria nel 1507 e
stampato a Ferrara nel 1516.
Un anno dopo, in seguito alla rottura dei
rapporti con il cardinale Ippolito (Ariosto aveva
rifiutato di seguire il cardinale, che aveva
ricevuto l’incarico di amministrare una diocesi
in Ungheria), Ariosto trova impiego presso il
duca Alfonso d’Este (ricopre l’incarico di
commissario ducale per il feudo di Garfagnana).
Compone in questi anni le sette Satire e i
Cinque Canti, pensati per una nuova versione
del Furioso, ma poi esclusi da tute le edizioni.
Nel 1521 viene pubblicata la seconda edizione
dell’Orlando furioso
Terminato il suo incarico in Garfagnana,
Ariosto torna a Ferrara dove sposa Alessandra
Benucci, moglie del defunto amico Tito Strozzi.
Sono questi gli anni più tranquilli, Ariosto gode
di notevole fama e si dedica principalmente
all’allestimento presso la corte della
rappresentazione delle sue commedie (tra cui Il
Negromante).
Nel 1532 viene pubblicata la terza e ultima
edizione del Furioso, revisionato dal punto di
vista lessicale e linguistico a seguito della
pubblicazione delle Prose di Bembo. Nei piani
di Ariosto era prevista anche una quarta
edizione, ma non fa in tempo a pubblicarla a
causa della morte, avvenuta nel 1533.
Pensiero
Il rapporto con la corte
Il piccolo Ducato di Ferrara dovette investire
molte risorse in campo militare per mantenere la
propria autonomia: ecco che nella società
ferrarese i valori tradizionalmente connessi alla
vita militare e alla cavalleria avevano un grande
peso. Contemporaneamente fioriva anche una
vitale società colta, interessata alle più disparate
tradizioni letterarie.
Ariosto aderisce consapevolmente alla vita e
alla realtà di questa corte (anche se rimane un
letterato indipendente, capace di riconoscere
anche i difetti della vita di corte, primo tra tutti
la falsità dei rapporti).
I valori cortesi e cavallereschi propugnati da
Ariosto, però, non sono ricordati con nostalgia,
come invece facevano i componenti della corte
estense, ma con la consapevolezza che sono in
decadenza (soprattutto in un periodo storico in
cui, con l’invenzione della polvere da sparo, la
guerra non è più combattuta in duelli, ma a
distanza).
Il reale e il possibile
Tensione tra interesse per la realtà è curiosità
per le infinite possibilità della realtà.
Ariosto guarda la realtà con lucidità, il che gli
permette un certo distacco dalle vicende dei suoi
personaggi, dando un tono ironico alla
narrazione (invita il lettore a non prendere
troppo sul serio la vicenda).
La fantasia di Ariosto non serve per fuggire
dalla realtà, ma per immaginare quante realtà ci
possano essere.
Equilibrio e armonia
Ariosto cerca un’armonia difficile, un punto di
incontro tra le spinte contrastanti che
caratterizzano la realtà (tensione tra opposti).
Ariosto edifica sul disordine del suo tempo una
nuova forma letteraria che porti ordine.
LE ALTRE OPERE
Le poesie giovanili in latino, i Carmina, sono il
primo terreno di incontro con i modelli classici;
si ispira ad Ovidio, Orazio, Terenzio e
Properzio. Ci sono spesso riferimenti alla
contemporaneità.
Le Rime, in volgare, trattano prevalentemente
del tema amoroso, ispirandosi a Petrarca, senza
però mai rinunciare ad una propria autonomia
(l’amore descritto è sensuale, si tratta di una
poesia edonistica).
SATIRE
Ariosto inventa la satira volgare (usa la terza
rima). Si ispira al modello pacato e discorsivo di
Orazio, anziché a una tradizione satirica dai toni
polemici e aggressivi. Riprende da Orazio anche
il tono colloquiale e la disposizione al dialogo
interiore (il destinatario di questi dialoghi è un
“tu” immaginario, contemporaneamente
rappresentante il lettore e l’autore stesso). Nelle
Satire Ariosto rappresenta il proprio personale
rapporto critico con la realtà attuale.
Le Satire avranno un’importanza notevole per la
stesura del Furioso: si passa infatti dalla
scrittura in terza persona all’irruzione di un io
autobiografico dedito all’indagine interiore.
LE COMMEDIE
Le commedie scritte da Ariosto sono cinque: La
Cassaria, I Suppositi, La Lena, Il Negromante e
I Studenti. L’originalità di queste opere non
risiede nelle trame e nelle ambientazioni, riprese
dai modelli latini (Plauto e Terenzio), ma
nell’idea stessa di scrivere commedie al modo
antico, utilizzando però il volgare.
La Cassaria e I Suppositi vengono composte in
prosa, per poi essere rielaborate in versi.
Il metro utilizzato è l’endecasillabo sdrucciolo,
che rievoca il metro classico della commedia
(trimetro giambico) e mima il movimento
vivace del parlato.
I temi sono frutto della fusione tra la tradizione
classica (tradizionali intrecci con padri severi e
figli dissoluti e furbi) e quella moderna (rapporti
di potere e moralità pragmatica).
Gli stessi personaggi non sono veri e propri
caratteri, ma figure portatrici di frammenti di
ideologia e morale.
L’ORLANDO FURIOSO
Tre edizioni, 1516, 1521 e 1532.
Rapporto con i modelli
L’Orlando furioso è frutto dell’assimilazione e
della trasformazione di una sconfinata
tradizione letteraria: dalle chansons de geste ai
cantari toscani e franco-veneti, dal romanzo
cortese all’Orlando innamorato di Boiardo. Ma
al tempo stesso costituisce un qualcosa di
completamente nuovo.
L’Orlando innamorato: la sua diffusione,
favorita dall’invenzione della stampa, aveva
causato una proliferazione di “giunte”
(continuazioni) del poema; anche l’Orlando
furioso è una “giunta”, in quanto la narrazione
riprende dal punto in cui era stata interrotta da
Boiardo (anche se artisticamente il Furioso si
considera superiore all’Innamorato).
Chanson de geste: viene ripreso il tema della
quête, ossia la ricerca di qualcosa o qualcuno,
ma inserito in una trama più intricata, in cui il
protagonista non è unico. I pesonaggi inoltre
non sono più rigidamente tipizzati, ma hanno
una personalità complessa.
Dante: ripresa di episodi di forte impatto
immaginativo (il viaggio cosmico di Astolfo
ricorda quello di Dante), lessico e strutture
metriche, ritmiche e rimiche.
Petrarca: fluidità dei passaggi tra un verso e
l’altro (raramente si usa l’enjambement), ricerca
dell’armonia.
La lingua e lo stile
Dalla prima alla terza edizione si compie un
processo di de-padanizzazione e
toscanizzazione, che permette al poema di
circolare per tutta la penisola.
Lessico attentamente selezionato, attenzione
all’aspetto “musicale” dei versi.
Uso di parallelismi, frasi coordinate e
subordinate scandite da asindeti e polisindeti
perfettamente calibrati per dare armonia al
poema.
Uso dell’ottava rima: strofa duttile, adatta ad un
periodare disteso.
La struttura
L’Orlando furioso è un’opera aperta: l’intricata
rete di storie che compongono l’opera
potrebbero potenzialmente moltiplicarsi
attraverso nuove digressioni.
Entrelacement: l’intreccio di più vicende, in
un’opera che non si concentra più, come prima,
su un solo protagonista, ma su più personaggi.
Accade dunque che Ariosto abbandoni la
narrazione di una vicenda per poi riprenderla
più avanti, provocando anche un effetto di
suspence, che spinge il pubblico a continuare a
leggere. Spesso Ariosto si serve anche di ottave
di raccordo per riepilogare le vicende
precedenti. Anche le digressioni permettono di
“allargare” la trama.
L’ironia di Ariosto
Viene definita erroneamente da Hegel uno
“strumento con cui Ariosto dissolve i valori
cortesi”: in realtà Ariosto, a differenza di
Boiaro, non vuole compiere una parodia dei
valori cavallereschi, in cui comunque continua a
credere. Semplicemente è consapevole che siano
quasi impossibili da realizzare nel presente.
L’ironia viene usata anche per criticare in
maniera sottile l’ambiente della corte, in modo
che il lettore possa intuire solo indirettamente il
suo pensiero.
I TEMI
L’intervento dell’autore: spesso Ariosto
prende in prima persona la parola, affrontando
temi importanti della contemporaneità,
concentrandosi in particolare sulle nuove
scoperte, come la polvere da sparo (secondo lui
causa del declino del sistema di valori
cavallereschi) e le nuove scoperte geografiche.
La follia
Tema tipicamente umanistico (ricordiamo
l’Elogio della pazzia di Erasmo da Rotterdam);
il giovane Orlando, da sempre considerato il
paladino più casto e fedele, non solo si
innamora (nell’Orlando innamorato), ma
addirittura perde il senno per amore
(nell’Orlando furioso). Questa follia, inoltre, è
causata dal mancato soddisfacimento di un
desiderio (essere ricambiato da Angelica): la
follia è dunque inevitabile, perché non sempre le
nostre pulsioni possono trovare una
concretizzazione.
La follia accomuna inoltre Ariosto e Orlando:
nel proemio l’autore confessa che per amore di
una donna, Alessandra Bonucci, rischia di
perdere il senno e dunque di non riuscire a
completare l’opera.
L’eroismo
In contrasto con la follia si pongono i valori
cavallereschi: l’eroismo dei guerrieri si può
perdere, è costantemente minacciato dalla follia,
che potrebbe convertire i valori positivi di un
guerriero (la forza e il coraggio) in valori
negativi (la violenza, la forza bruta e l’audacia).
L’eroismo è dunque strettamente legato alla
ragione: se si perde il senno, l’eroismo può
diventare un’arma a doppio taglio.
La magia
Tematica ripresa in particolare dal ciclo
carolingio.
Si tratta di una magia legata alla cultura pagana.
Atlante e il palazzo-labirinto: metafora della
limitatezza del desiderio di contro alle infinite
possibilità della vita reale. Ecco perché i
personaggi vi si perdono: la ricerca dell’oggetto
del desiderio, di per sé illusorio, è impossibile,
in quanto non si può prevedere la sorte.
La magia sancisce il trionfo della simulazione:
ci fa capire che la stessa ragione è sempre
minacciata dall’errore.
Il movimento “erratico” ed “errante”
Quasi tutti i personaggi cercano qualcosa:
questa ricerca è il vero motore della storia.
Quasi mai, però, questa ricerca va a buon fine.
Dunque il poema può essere interpretato come
un percorso iniziatico, in qui i personaggi
sperimentando lo smarrimento e la follia,
cambiano il loro modo di vedere il mondo e di
pensare, approdando così ad una conoscenza e
saggezza maggiori.
Il continuo movimento “erratico” (ossia che
cambia continuamente direzione) dei personaggi
può considerarsi, dunque, una metafora
dell’errore umano: bisogna essere consapevoli
di quanto siano illusorie le certezze umane al
cospetto dell’imprevedibile Fortuna.
Il movimento nel tempo
Continui spostamenti lungo la linea del tempo, a
causa di continue fratture e riprese. Il tempo
della narrazione è inoltre senza una durata
specifica, infatti, gli indicatori che dovrebbero
segnare il passaggio cronologico sono
volutamente ambigui.
Il processo di avanzamento delle storie verso le
loro rispettive conclusioni appare lentissimo
(visto che la narrazione viene sempre interrotta),
mentre il ritmo della narrazione è frenetico e
vorticoso.
Il movimento nello spazio
Due movimenti opposti caratterizzano lo
svolgersi delle vicende: uno causato da una
forza centrifuga (i personaggi tendono ad
allontanarsi dal centro, ossia Parigi) e uno
causato da una forza centripeta (costante
tentativo dei personaggi di ritornare al centro e
dunque essere richiamati all’ordine). In questo
modo la vicenda inizia e finisce nello stesso
punto, Parigi.
I riferimenti ai luoghi sono molto vaghi e
indistinti: prevale un’opposizione tra il “qui”,
dove si svolge l’azione, e il “là”, luogo lontano
e spesso fantastico.
Carattere enciclopedico del Furioso
La struttura labirintica del Furioso tenta di
restituire un ordine al caos del mondo, senza
però rinunciare a rappresentarlo.
Ordine dialettico: le minime e continue
oscillazioni tra poli opposti consente di
preservare la varietà del reale.
Enciclopedia aperta in versi: Ariosto vuole
raccoglie e rappresentare il reale, combinando
una visione microscopica dei particolari minimi
della vita e delle passioni con quella
macroscopica dei viaggi nel tempo e nello
spazio. Per rappresentare una realtà così varia si
serve dei meccanismi associativi propri del
sogno: l’analogia, l’evocazione di immagini
simili e l’associazione di idee.
Il personaggio di Astolfo
Astolfo è un personaggio chiave al quale, per la
sua leggerezza e per la capacità di usare
saggiamente ed efficacemente tutti i mezzi che
la fortuna gli mette a disposizione, è riservato il
privilegio di spiccare il volo e raggiungere la
luna. Astolfo, quindi, può ben essere
considerato figura di Ariosto stesso, giacché il
suo movimento è il movimento stesso del
poema: un continuo, ininterrotto trasvolare nello
spazio vasto del mondo e degli elementi che lo
compongono, per tenere viva l’illusione di
abbracciare simultaneamente tutto l’universo.
TRAMA
Si individuano tre trame principali: la guerra tra
cristiani e saraceni, la follia di Orlando e
l’amore tra Ruggiero e Bradamante.
La guerra contro gli infedeli
L’impalcatura del poema è data dalla guerra tra
Carlo Magno e Agramante, re dei Mori,
raccontata nelle sue diverse fasi: l’assedio dei
saraceni a Parigi, difesa da Rinaldo e minacciata
da Rodomonte, la ritirata dei saraceni, guidati da
Dardinello e la loro riscossa in un nuovo assedio
alla città, il contrattacco di Rinaldo,
fiancheggiato da Orlando e il ripiegamento di
Agramante ad Arli, il passaggio della guerra in
Africa e la devastazione delle terre dei Mori da
parte di Astolfo, la sconfitta navale dei saraceni
ad opera di Dudone, la fuga di Agramante,
Sobrino e Gradasso a Lipadusa, dove la guerra
termina, durante un duello contro Orlando,
Oliviero e Brandimarte, con la morte di
Agramante per mano di Orlando.
Orlando
Orlando, innamorato di Angelica fin dall’opera
di boiardo, è protagonista di imprese
straordinarie. Quando però scopre che la sua
amata si è concessa a Medoro cade in preda alla
follia. In questa sua nuova condizione Orlando
attraversa Francia e Spagna, devastandole, per
poi rivolgere la sua follia all’Africa, che
raggiunge attraverso Gibilterra. A questo punto,
in sella ad un animale fantastico, l’ippogrifo,
Astolfo si reca sulla Luna (dove si trovano tutte
le cose smarrite dagli uomini) e recupera il
senno di Orlando.
Il ruolo di Angelica
Angelica, principessa del Catai, ha come
funzione quella di distrarre i paladini dal loro
compito. La sua scelta di concedersi ad un
semplice scudiero mostra la decadenza dei
valori cavallereschi.
Ruggiero
Quanto a Ruggiero, che già Boiardo aveva
voluto come capostipite degli Estensi, solo alla
fine del poema potrà riunirsi con la sua amata, la
guerriera Bradamante. Prima dovrà affrontare le
insidie approntate dal mago Atlante, vincere le
seduzioni di Alcina e trovare un compromesso
tra l’amore e il suo dovere di suddito di
Agramante, e infine sottrarre Bradamante al
matrimonio con Leone, imperatore di Oriente.
Alla morte di Agramante Ruggiero decide di
convertirsi al cristianesimo, ma deve
sconfiggere la stessa Bradamante per poterla
finalmente sposare. Con le nozze dei due,
interrotte dall’incursione di Rodomonte (ultimo
guerriero saraceno rimasto in vita), che sfida
Ruggiero a duello e ne rimane ucciso, si
conclude il poema.
La vicenda di Ruggiero permette ad Ariosto di
dedicare l’opera alla casata estense, che ne
riceve lustro.
TASSO
Breve biografia
Torquato Tasso nasce a Sorrento nel 1544: il
padre Bernardo, poeta e autore dell’Amadigi,
poema cavalleresco, si trovava lì in quanto al
servizio di un famoso condottiero, Ferrante
Sanseverino, principe di Salerno. La vita del
poeta, dunque, si apre subito all’insegna dello
sradicamento, sentimento che lo accompagnerà
per tutta la vita.
Nel 1551 la famiglia si trasferisce a Napoli,
dove Tasso frequenta le scuole dei gesuiti, dopo
tre anni segue il padre a Roma (dopo poco
muore la madre). A Venezia Tasso comincia la
stesura di un poema sulla prima crociata, il
Gierusalemme, abbozzo del futuro poema. Nel
1562, ancora a Venezia, da alle stampe il
Rinaldo, poema cavalleresco ispirato dal padre
(atteggiamento di emulazione ma al tempo
stesso intimo senso di colpa per questo spirito di
competizione nei confronti del padre). Dal 1560
è a Padova, dove studia filosofia ed eloquenza,
entrando a far parte dell’Accademia degli
Eterei: qui incontra Scipione Gonzaga, che
diventerà uno degli editori della Gerusalemme
liberata.
Nel 1565 Tasso viene assunto al servizio del
cardinale Luigi d’Este e si trasferisce a Ferrara.
Il poeta viene subito affascinato dall’ambiente
cortese, ma questa fascinazione durerà poco: il
poeta presto avverte il conflitto tra l’artificiosità
dei rapporti a corte e la sua esigenza di legami
che fossero autentici e proficui, basati sul
dialogo culturale e intellettuale.
Intraprende in questo periodo a stesura del
Goffredo (poi ribattezzato Gerusalemme
liberata).
Nel 1573, passato a lavorare presso Alfonso
d’Este, compone l’Aminta, dramma pastorale,
pubblicato nel 1580. Presto la serenità del poeta
è turbata da inquietudini e insoddisfazioni legate
al poema: Tasso si interroga sull’aderenza della
Liberata ai canoni letterari e religiosi vigenti e
arriva addirittura ad autodenunciarsi
all’Inquisizione, che comunque lo assolve.
Iniziano a manifestarsi atteggiamenti che
denunciano un crescente disagio psichico,
causato soprattutto da manie di persecuzione:
nel 1576 viene ferito gravemente durante una
rissa con un cortigiano, Ercole Fucci; l’anno
dopo attacca con un coltello un servo di Alfonso
perché crede di essere spiato dall’Inquisizione.
Nel 1577 Tasso dunque si ritira nel convento di
san Francesco, ma presto fugge e inizia un
periodo di incessanti peregrinazioni.
Nel 1579, dopo aver attaccato Alfonso durante
le sue nozze con Margherita Gonzaga, viene
rinchiuso nell’Ospedale di Sant’Anna, dove
rimane fino al 1586. Qui il poeta compone
numerose Rime e gran parte dei Dialoghi,
sebbene turbato da allucinazioni. Molte sono le
lettere che Tasso scrive a principi, prelati e
intellettuali allo scopo di difendersi e di
chiedere aiuto.
Ma un nuovo motivo di tormento lo attende.
Durante la reclusione la Gerusalemme liberata
viene pubblicata senza il suo assenso, dividendo
il panorama letterario tra sostenitori del Furioso
e sostenitori della Liberata.
nel 1586 Vincenzo Gonzaga prende in custodia
il poeta a Mantova. Negli anni successivi il
poeta compone poesia encomiastica e di
ispirazione religiosa e si dedica al rifacimento
del poema, ripubblicato con il nome di
Gerusalemme conquistata. Nel 1594 il papa
Clemente VIII gli promette l’incoronazione in
Campidoglio, volendo rinnovare la cerimonia
che aveva visto protagonista Petrarca. Ma il
poeta, ammalatosi gravemente, viene ricoverato
nel convento di Sant’Onofrio, dove muore nel
1595.
Tasso intellettuale poliedrico e inquieto
Produzione varia: lirica, poema epico, trattati,
dialoghi, teatro, testi eruditi, lettere e rime.
Prova dunque tutte le categorie letterarie fornite
dalla tradizione, prima di trovare nel poema
epico il suo genere ideale.
Tasso diventa un simbolo: in età romantica,
infatti, rappresenterà l’intellettuale in lotta
contro il potere, l’uomo di genio sradicato,
incompreso e melanconico (la malinconia deve
intendersi come “umore nero” che consiste in un
ripiegamento su sé stesso di un soggetto che fa
fatica ad adattarsi al mondo e cerca quindi la
solitudine).
Nuovo ideale di letteratura: capacità di
esprimere la realtà nelle sue sfumature, la vita
del poeta si riflette nella sua produzione.
Rapporto con la corte
Considera la corte unico luogo in cui è possibile
realizzarsi: per questo cerca l’approvazione
della corte e il riconoscimento della sua
creatività, che è però vincolata dalla sua volontà
di seguire delle norme.
Al tempo stesso è anche insofferente agli aspetti
rigidi e formali che la vita di corte impone,
determinando una profonda avversione per
questo ambiente che lo spinge alla ribellione e
alla fuga. A differenza di Ariosto, che aveva
criticato ironicamente l’ambiente cortese, Tasso
è alla continua ricerca di questo ambiente, anche
se lo idealizza.
La crisi del modello cortigiano
All’epoca di Tasso la corte non è più la libera
corte rinascimentale dei tempi di Ariosto: chiusa
nel culto dell’etichetta e gravata da convenzioni
soffocanti, appare dominata da una marcata
rigidità etico-religiosa. Ferrara dietro la facciata
di splendore vive una profonda decadenza
economica e culturale, cui corrisponde il declino
dei passati valori umanistico-rinascimentali.
PRODUZIONE DI TASSO
Le Lettere
L’epistolario tassiano comprende circa 1700
lettere, in cui si delinea un’autobiografia
intellettuale. I motivi conduttori di questa
produzione sono il dolore, la vita di corte, i
viaggi, le questioni letterarie e la condizione di
recluso a Sant’Anna.
I Dialoghi
Tasso riesce ad unire in questo genere letterario
la sua esigenza dialettica e ragionativa a quella
psicologica e lirica. Il metodo è quello socratico
rappresentato nei dialoghi di Platone: il dialogo
consente ad uno degli interlocutori non di
convincere l’altro, ma di fare in modo che questi
giunga da sé stesso al riconoscimento della
verità. Questo modello antico è mediato
dall’esempio del trattato rinascimentale, in
particolare il Cortegiano di Castiglione.
I Discorsi dell’arte poetica (in tre libri,
stampati a Venezia nel 1587)
Riflessione sulla poesia eroica e necessità di
stabilire regole che controllino il rapporto tra
molteplicità, caratteristica tipica dei romanzi
cavallereschi, e unità, propria dei poemi epici. I
Discorsi stabiliscono che la materia del poema
deve essere tratta dalla storia, in quanto l’arte è
imitazione del vero e ogni imitazione deve
essere rispettosa del verosimile. A questo scopo
la mitologia classica viene sostituita dal
meraviglioso cristiano.
Apologia in difesa della Gerusalemme
liberata (pubblicata nel 1585)
In forma di dialogo, l’opera costituisce una
difesa dalle critiche della Crusca al poema:
viene respinta l’accusa di aver utilizzato uno
stile basso. Di fatto però la Conquistata recherà
traccia di correzioni proprio nei versi contestati
dai critici della Liberata.
Le Rime
Ci sono pervenute ben 1708 liriche: una mole
enorme impossibile da riunire in un canzoniere.
Durante la reclusione a Sant’Anna Tasso aveva
cercato di dare un ordine alle liriche, separando
le liriche amorose e quelle encomiastiche da
quelle religiose, in modo da farle pubblicare in
blocchi (anche se le liriche religiose saranno
pubblicate postume).
Non si può dunque ricavare un racconto, i testi
seguono le emozioni dell’autore rispetto a
determinati eventi (si tratta soprattutto di liriche
d’occasione).
La produzione lirica di Tasso si caratterizza per
una decisa impronta sperimentalistica: i
materiali offerti dalla tradizione vengono assunti
e superati. La misura classica viene meno,
aprendo le porte alla lirica barocca: la lirica
tassiana, profondamente manieristica, si mostra
duttile. Centrale risulta l’uso dell’enjambement,
della metafora e della sinestesia.
Novità: aumenta il numero di soggetti poetabili
(i poeti barocchi compongono poesie anche su
oggetti che appartengono alla quotidianità o su
animali).
Anticipazione del concettismo barocco: il
barocco è uno stile che si basa sull’elaborazione
di concetti, ossia associazioni di immagini
inconsuete, metafore e analogie originali e
ricercate.
L’Aminta
Favola pastorale in cinque atti, scritta in versi
endecasillabi liberamente alternati a settenari,
composta nel 1573.
Modello di Tasso è la tragedia greca, infatti
ogni atto si chiude con un coro, destinato a
commentare l’azione scenica. Apparentemente
legata alla tradizione della poesia pastorale, da
Teocrito a Virgilio e da Sannazzaro (Arcadia) a
Poliziano (Stanze), l’Aminta contamina il
genere con inquietudini più profonde.
Trama
Il giovane pastore Aminta ama la scontrosa
ninfa Silvia, dedita soltando alla caccia. Dafne e
Tirsi, amici rispettivamente di Silvia e Aminta,
cercano di dare consigli ai due. Silvia però si
mostra insensibile all’amore di Aminta, finchè il
ritrovamento di un velo macchiato di sangue,
appartenente alla fanciulla, induce il giovane
disperato a gettarsi da una rupe, credendo che
Silvia sia stata sbranata dai lupi. Silvia, turbata
dal gesto, corre a piangere il giovane, cedendo
all’amore. Aminta però non è morto, in quanto
un cespuglio gli ha salvato la vita.
Ambigua celebrazione della vita di corte
Dedicata alla società di corte, l’opera presenta il
mondo incontaminato e felice dei pastori:
emerge il desiderio di celebrare un’ideale di vita
libera dalle regole, immersi in una natura
incontaminata. L’Aminta è dunque
un’idealizzazione della società cortigiana,
trasferita in un mondo puro e atemporale.
GERUSALEMME LIBERATA
Poema eroico in ottave diviso in venti canti.
Viene fatto inizialmente circolare in maniera
frammentaria, ma ottiene fin da subito grande
fama. Viene stampato tre volte: due volte a
Ferrara nel 1580, poi nel 1584 a Mantova ad
opera di Scipione Gonzaga. Solo recentemente
si è preferito fare riferimento all’edizione
ferrarese, mentre prima si leggeva l’edizione
mantovana. Queste stampe, però, non erano
state autorizzate da Tasso, che non considerava
la sua opera definitiva e completa.
Gerusalemme conquistata
La successiva esperienza della Gerusalemme
conquistata testimonia un lavorio incessante,
sebbene l’impulso di revisione abbia finito per
produrre un libro nuovo, generato dal primo ma
a tutti gli effetti diverso. Composto da 24 canti,
viene stampata nel 1593. Vengono eliminati
alcuni episodi considerati immorali, di tipo
amoroso e sensuale. Viene composto però in un
periodo di instabilità psicologica, quindi non si
sa se Tasso considerava la Liberata o la
Conquistata come più aderente alla propria
inclinazione poetica.
Il tempo del poema: la prima crociata
Novità rispetto alla tradizione cavalleresca:
Tasso riprende degli eventi storicamente
documentati e non troppo distanti dall’epoca in
cui il poeta ha vissuto (la prima crociata si
svolge tra il 1096 e il 1099), mentre nella
tradizione cavalleresca le vicende narrate
appartenevano ad un passato mitico e remoto.
La scelta si spiega con la necessità di aderire
alla categoria del verosimile (visto che l’opera
deve avere una funzione pedagogica, l’opera
deve attingere alla verità e alla realtà).
La scelta del tema non è casuale: nel 1573 si è
svolta la battaglia di Lepanto, scontro tra la
Lega santa e i turchi musulmani, che aveva
rappresentato nell’immaginario collettivo una
nuova crociata contro gli infedeli.
La geografia del poema
Contestuale all’avvicinamento temporale è
l’avvicinamento dell’orizzonte spaziale: dalla
Bretagna mitica e la Francia carolingia si passa
al Mediterraneo, a Gerusalemme.
Goffredo di Buglione
Definito “il Capitano” nel proemio, viene eletto
comandante dei crociati. Goffredo ha un
compito morale specifico: ricondurre il suo
esercito ai valori e ai principi della cristianità,
ripristinando l’equilibrio necessario per la
realizzazione dell’impresa. Incarna e fonde gli
ideali di classicità con quelli della cristianità.
La vicenda inizia e si conclude con la figura di
Goffredo: inizia con la sua elezione a capitano
dei crociati e finisce con il suo ingresso nel
tempio di Gerusalemme, che segna il successo
dell’impresa.
Trama
Dopo l’elezione di Goffredo, le forze infernali
iniziano a minare la coesione dell’esercito
crociato e gli incanti della maga Armida lo
privano dei suoi più valorosi guerrieri. In
seguito alle contese che turbano il campo
cristiano, anche Rinaldo è costretto a lasciare
l’accampamento, mentre l’amore non
corrisposto per la pagana Clorinda distoglie
Tancredi dalla guerra. Innamorata di Tancredi è
invece Erminia, pagana anch’essa. La situazione
dell’esercito crociato sembra precipitare quando
Tancredi finisce prigioniero, con molti altri, nel
palazzo incantato di Armida, e si diffonde anche
la falsa notizia della morte di Rinaldo. Il
paladino in realtà è vivo e con il suo intervento
libera i prigionieri di Armida. A questo punto la
guerra procede. Una notte, mentre i cristiani
assediano Gerusalemme, Clorinda, uscita dalla
città per bruciare le torri nemiche, si scontra in
un duello con Tancredi. Questi, non avendola
riconosciuta, la ferisce a morte, ma riesce a
darle il battesimo prima che spiri. I cristiani, che
sembrano ormai avere il sopravvento, ancora
una volta vengono messi in difficoltà dagli
incantesimi di mago Ismeno: questi ha stregato
la selva di Saron, fonte della legna
indispensabile ai crociati. Solo Rinaldo può
vincere i sortilegi del mago, ma è prigioniero di
Armida. Liberato, egli compie il suo dovere;
così Ismeno viene ucciso e la città espugnata.
Nell’ultima grande battaglia muoiono Aladino e
Solimano, e Rinaldo ritrova Armida, che si
avvicina alla fede cristiana. Il poema si conclude
con l’ingresso di Goffredo nel tempio di
Gerusalemme.
Ortodossia e valori laici
Il meraviglioso non scompare, ma si configura
in accordo con la tradizione cristiana,
abbandonando ogni retaggio del mondo pagano
(si fa riferimento a forze demoniache o angeli).
Il magismo in Tasso è in realtà riflesso della
realtà umana: lo scontro tra magia bianca e
magia nera è lo specchio di una natura bifronte,
che sfugge a ogni sintesi armonica e costituisce
il seme della realtà conflittuale degli uomini.
Opposizione netta tra i due campi: non c’è più
quella forma di equivalenza fra cristiani e
pagani che si era stabilita nel Furioso dal
riconoscimento del valore comune della
cavalleria. Questa contrapposizione allude al
contrasto tra due codici di comportamento
diversi: un codice laico, ossia quello umanistico,
basato sul coraggio e sulla virtus, e un codice
cristiano. Valori come la virtus, il coraggio e la
cortesia sono legittimati solo se funzionali al
compimento della missione, ossia la riconquista
del Santo Sepolcro.
Accentuazione della dimensione eroica: rispetto
alla tradizione ogni episodio ha un valore
morale o amorale, il comportamento dei
personaggi viene costantemente giudicato
eticamente. Per adattarsi all’eroismo descritto,
Tasso adotta uno “stile eroico”, necessario per
saldare l’altezza dei sentimenti e della forma.
Il ruolo dell’amore: l’amore, se illuminato da
una verità cristiana, può rappresentare una forza
di conciliazione tra opposti (le due donne amate
da Rinaldo e Tancredi si convertono al
cristianesimo).
La ricerca dell’equilibrio
Nonostante la varietà di personaggi e vicende,
Tasso cerca di ricondurre tutto costantemente al
principio di unità d’azione, al tema principale,
ossia la riconquista del Santo Sepolcro.
Rappresentazione della condizione
umana
Tasso dimostra di sentire una fortissima
esigenza di ordine, ma nella Liberata convivono
spinte unitarie e forze centrifughe, che
rappresentano la complessità della condizione
umana. L’uno convive dunque con il molteplice.
Negli stessi personaggi si ritrovano conflitti e
contraddizioni: i personaggi non sono
stereotipati, ma riflettono un’indole
problematica, sono dubbiosi e si trasformano
continuamente. Sono, se vogliamo, un riflesso
di quell’inquietudine che caratterizza l’autore.
Nei personaggi si misura la costruzione di una
dimensione psicologica nuova.
L’ambigua celebrazione dell’ideologia
cristiana
Tasso intende porsi come poeta cristiano,
cantore degli ideali controriformistici. L’intento
didascalico e pedagogico vuole concorrere a
fare della Gerusalemme liberata il poema epico
che celebri l’eroismo, la cristianità e la maestà
della Chiesa. Ma si tratta di una scelta che non
cancella le ambiguità: riaffiorano alcuni valori
laici del Rinascimento, la struttura unitaria del
poema cede spesso al patetico, al voluttuoso e
all’idillico, disperdendosi in numerose spinte.
La stessa religiosità celebrata è quella
autenticamente vissuta nell’intimo animo umano
e non quella vuota ed esteriore imposta dai
rituali della Controriforma.
Per questo si parla di bifrontismo spirituale.
Stile
Stile artificioso, come lo aveva definito Camillo
Pellegrino. Tasso lo definisce “parlar
disgiunto”: scrittura poetica fondata sulla
frantumazione dell’ordine grammaticale e
metrico-sintattico grazie a figure retoriche come
l’iperbato, il chiasmo e l’enjambement. Stile
irregolare e nervoso che danno pathos alla
vicenda.
NASCITA DEL ROMANZO
MODERNO
Differenza tra romanzo medievale e romanzo
moderno: il romanzo medievale narrava le
vicende meravigliose di eroi, facendo
riferimento a mondi quindi inesistenti o
comunque lontani nel tempo; il romanzo
moderno invece parla di uomini e donne reali,
che affrontano una realtà quotidiana comune
anche al lettore, che riesce ad identificarsi con il
personaggio.
Ci troviamo nel secolo dell’Illuminismo, dove si
crea una teoria della conoscenza nuova, una
gnoseologia moderna secondo cui è possibile
conoscere la realtà grazie all’esperienza
(empirismo), quindi attraverso i sensi. Ciò
implica che il realismo del romanzo sia legato
alla necessità che il pubblico aveva di
rappresentare una realtà sempre più vicina alla
loro percezione.
Lo sfondo
A determinare un mutamento così radicale nelle
narrazioni è probabilmente l’ascesa delle classi
borghesi, da sempre caratterizzati da
pragmatismo e realismo.
Parallelamente, lo sviluppo della stampa
periodica e dell’informazione quotidiana aveva
accentuato l’interesse verso le vicende di ogni
giorno.
La patria del romanzo moderno prima persona. Frequente è anche l’utilizzo
della tecnica del romanzo epistolare: a lettere
Tutti questi elementi sono parte di uno sviluppo
sono affidati non solo i fatti, ma anche i pensieri
particolarmente intenso in Inghilterra. Il nuovo
dei singoli personaggi, mostrati nell’atto stesso
romanzo, il novel, si contrappone con i propri di descrivere i moti del loro animo. Un ulteriore
contenuti realistici al romance, narrazione
espediente per accreditare la trama agli occhi di
meravigliosa. Mentre il romance propone chi legge è l’escamotage del manoscritto
personaggi stereotipati impegnati in trame
ritrovato: si dichiara che la storia narrata è
prevedibili, il novel racconta le sorti di un
trascritta da un manoscritto in cui egli si è
individuo che si muove in un preciso contesto
imbattuto (si trova nel on Chisciotte di
sociale, solitamente contemporaneo. Autori
Cervantes, ne I viaggi di Gulliver e nei Promessi
importanti sono Daniel Defoe, Jonathan Swift e
Sposi di Manzoni.
Samuel Richardson.
Caso particolare è rappresentato da Laurence
Sterne, autore di un “anti-romanzo”, Vita e IL ROMANZO EPISTOLARE
opinioni di Tristam Shandy: egli propone una
Il romanzo epistolare diviene nel Settecento un
narrazione ricca di digressioni e divagazioni che
codice europeo condiviso, comune a Inghilterra,
mettono in discussione lo sviluppo logico-
Francia, Germania e Italia: ne sono esempi le
narrativo della vicenda, scardinando le regole
Lettere persiane di Montesquieu, la Pamela e la
del genere romanzesco. Molti dei suoi
Clarissa di Richardson, la Nuova Eloisa di
espedienti verranno recuperati dal romanzo
Rosseau, I dolori del giovane Werther di Goethe
modernista del novecento (La coscienza di Zeno
e Le ultime lettere di Jacopo Ortis di Foscolo (il
sarà influenzato dal Viaggio sentimentale di
genere del romanzo tarderà ad affermarsi in
Sterne). L’autore gioca con le convenzioni
Italia).
tipografiche, inserendo file di trattini o di
asterischi, pagine bianche, saltando capitoli o La scelta epistolare permette di instaurare un
spostando a piacere capitoli numerati patto di veridicità con il lettore: il romanziere
progressivamente. finge di limitarsi a mostrare i documenti delle
emozioni e dei pensieri dei protagonisti, vergati
Identificazione tra lettore e narrazione
dalla loro stessa penna. La lettera inoltre
A rafforzare il legame tra autore e lettore è costituisce un documento perfetto per l’analisi
l’impiego di particolari tecniche del racconto, interiore. Lo scambio di lettere consente inoltre
prima fra tutte la narrazione pseudo- di realizzare una narrazione a più voci, con
autobiografica: la finzione, cioè, che la storia sia punti di vista diversi e opposti.
vera perché il protagonista stesso narra i fatti in
La diffusione di questo genere riguarda anche la
possibilità di rappresentare le emozioni dei
personaggi nell’immediato: ogni lettera è un
estratto del presente vissuto dal personaggio.
Il narratore, però, non può essere onnisciente: ne
sa quanto il personaggio.
FOSCOLO
Breve biografia
Niccolò (Ugo) Foscolo nasce a Zante (l’odierna
Zacinto, nelle isole Ionie) nel 1778 dal medico
veneziano Andrea Foscolo e da Diamantina
Sparbis, greca.
Dopo la morte del padre e il trasferimento prima
a Venezia e poi a Corfù, Foscolo tornerà a
Zante, affidato a dei parenti. Nel 1792 sbarca a
Venezia per far visita alla madre: qui inizia a
inserirsi nei circoli culturali veneziani, si
cimenta nella composizione di poesie liriche e
studia l’italiano (avendolo appreso dalla
letteratura si tratta di un italiano fortemente
toscanizzato). In questi anni conosce i poeti
Ippolito Pindemonte (autore dei Cimiteri, opera
che ispirerà i Dei Sepolcri, dedicati allo stesso
Pindemonte) e Melchiorre Cesarotti (traduttore
dell’Ossian, raccolta di canti di bardi inglesi e
scozzesi, ricca di toni oscuri e tragici).
Entra anche a far parte dei circoli giacobini
degli studenti breciani a Padova. Nel 1797 viene
rappresentata con straordinario successo la
prima tragedia di Foscolo, il Tieste: egli ne
invierà una copia a Vittorio Alfieri,
riconoscendolo come maestro e ispiratore di una
letteratura dal forte impianto civile.
Nello stesso anno Foscolo, sospetto alla polizia
veneta, lascia Venezia per Bologna, dove si
arruola volontario nei Cacciatori a cavallo. Nel
frattempo Venezia viene conquistata da
Napoleone, che però la cede agli austriaci con il
Trattato di Campoformio. Foscolo dunque è
costretto all’esilio, profondamente deluso.
Trasferitosi a Milano, si lega ai gruppi giacobini
italiani più attivi e conosce Giuseppe Parini e
Vincenzo Monti. Nel 1798, a Bologna, inizia la
stampa delle Ultime lettere di Jacopo Ortis,
lasciate però incompiute in quanto Foscolo è
costretto alla fuga.
Nonostante la delusione politica, Foscolo nel
1799 combatte al fianco di Napoleone contro gli
austriaci, mentre nel 1804 partecipa alla
spedizione contro l’Inghilterra.
Nel frattempo nel 1802 viene pubblicata a
Milano la prima edizione autorizzata dell’Ortis.
In Inghilterra conosce una ragazza inglese da
cui avrà la sua unica figlia.
I numerosi spostamenti di questi anni lo portano
a incontrare importanti personalità come
Manzoni a Parigi, Cesarotti a Padova e
Pindemonte a Verona. Dai colloqui con
quest’ultimo nasce in lui l’idea del carme Dei
Sepolcri.
Nel marzo 1808 Foscolo ottiene la cattedra di
eloquenza italiana e latina all’Università di
Pavia, soppressa tuttavia pochi mesi dopo.
Foscolo si trasferisce a Milano, ma la sua
sempre più marcata insofferenza verso la cultura
ufficiale napoleonica metterà in crisi l’amicizia
con Monti.
In seguito alla rappresentazione della tragedia
Aiace, Foscolo è costretto a lasciare Milano e si
trasferisce a Firenze. Qui progetta un poema
dedicato alle Grazie.
Foscolo torna a Milano dopo la sconfitta di
Napoleone a Lipsia. Quasi sul punto di accettare
la direzione della Biblioteca Italiana, il nuovo
giornale con il quale il regime intende dare
spazio alle forze più vivaci della cultura italiana,
ma vi rinuncia. Al ritorno di Napoleone
dall’Elba Foscolo fugge da Milano per non
dover pronunciare il giuramento di fedeltà agli
austriaci. Ricercato dalla polizia si rifugia in
Svizzera e a Zurigo pubblica la seconda
edizione dell’Ortis (1816).
Ottenuto un passaporto per l’Inghilterra,
Foscolo si trasferisce a Londra.
Nel 1817 Foscolo cura l’edizione londinese
dell’Ortis e lavora alle Grazie. A Londra
prosegue la sua attività di critico letterario e di
pubblicista.
Foscolo, sotto falso nome, si fa assumere come
insegnante di italiano in una scuola femminile
per far fronte alle difficoltà finanziarie.
All’inizio del 1827 stipula un contratto per
l’edizione di classici italiani commentati e
chiede di essere nominato alla cattedra di
italiano recentemente istituita all’Università di
Londra. Dopo poco però si ammala e muore nel
1827.
Pensiero
Foscolo si trova a cavallo di due secoli: è artista
e intellettuale al servizio di ideali civili e politici
di matrice settecentesca, ma definisce la sua
poetica a ridosso dell’esperienza neoclassica,
venata di un’impetuosità passionale e
sentimentale che anticipano il romanticismo. La
stessa produzione foscoliana si muove lungo
due filoni: la vena celebrativo-didascalica di
istanza neoclassica, e la vena lirico-sentimentale
di istanza romantica.
Tra vita e letteratura
Stretto rapporto tra esperienze di vita dello
scrittore ed esperienze vissute dai personaggi, in
particolare da Ortis. Foscolo da veste letteraria
al proprio vissuto, non solo nel romanzo
epistolare, ma in tutta la sua produzione.
Materialismo e pessimismo
Il pensiero foscoliano coniuga la recente
esperienza illuministica con le teorie
materialistico-meccanicistiche: elabora infatti
una concezione secondo cui la natura appare in
perenne divenire ed ogni elemento che la
compone è soggetto ad un ciclo di
trasformazione. L’universo è dunque una
macchina governata da leggi meccaniche che
non sono mosse da una forza trascendente, ma
soltanto da un principio di autoconservazione
insito nella natura stessa. Dunque la morte
dipende dai processi aggregativi e disgregativi
della materia e non c’è vita dopo la morte. In
Foscolo però questa constatazione non porta ad
un’esaltazione della ragione, ma ad
un’immagine della Natura “matrigna”, molto
simile a quella che sarà proposta da Leopardi.
La concezione della storia e della società
Riprende il filosofo Giovanbattista Vico: la
storia non è costante progresso, ma una serie di
meccanismi ciclici che vedono cadere oggi
coloro che ieri erano al culmine della potenza.
Per quanto riguarda la società, si ispira al
pessimismo di Machiavelli e Hobbes: l’uomo,
lasciato a se stesso e non guidato dalla legge,
persegue unicamente il proprio interesse,
scontrandosi continuamente con i propri simili;
per ristabilire l’ordine bisogna dunque passato
da uno stato di natura ad uno stato civile,
stipulando un patto sociale tra uomini che,
rinunciando a parte della propria libertà,
riescono a convivere in uno stato di pace
sociale.
Il ruolo delle illusioni
Secondo la concezione pessimistica della natura
e della storia, la vita dell’uomo sembrerebbe
non avere un fine. Foscolo dunque cerca in un
sistema di valori positivi il senso della vita: la
patria, la natura, gli affetti familiari, il sepolcro,
l’amore, la poesia…
Si tenta dunque un superamento del
materialismo in chiave, però, rigorosamente
laica. Foscolo individua nelle illusioni (ideali
non fondati su presupposti razionali oggettivi,
ma alimentati dalla sensibilità soggettiva) uno
strumento di riscatto per il soggetto che cerca la
chiave di accesso alla vita.
La difesa della letteratura
La cultura illuministica aveva promosso l’idea
che l’intellettuale dovesse svolgere un ruolo
attivo nella società per consentire la piena
affermazione di un sapere moderno, basato
sull’esercizio della ragione e con un’attenzione
privilegiata per la filosofia e le scienze. Pur
accogliendo l’idea di una missione civile della
letteratura, Foscolo rifiuta il privilegio accordato
dai philosophes alla scienza rispetto al sapere
umanistico-filologico. La letteratura deve essere
tramite di valori ideali elevati, riprendendo
modelli imitabili dal passato. Foscolo propone
dunque un ritorno all’antico, visto come spazio
assoluto in cui cercare le risposte alle
contraddizioni personali e storiche.
LE ULTIME LETTERE DI
JACOPO ORTIS
Vicenda editoriale
La prima stesura del romanzo consiste di 45
lettere (tra il 3 settembre 1797 e il 31 maggio
1798) inviate da Jacopo a Lorenzo Alderani. In
questa prima stesura è scarsa la materia politica.
La composizione tipografica viene però
interrotta: Foscolo, arruolatosi nella Guardia
nazionale mobile, lascia Bologna.
Foscolo revisiona la sua opera dandogli il titolo
di Ultime lettere di Jacopo Ortis e lo fa
pubblicare a Milano nel 1802.
Nel suo soggiorno a Zurigo (1816), però,
Foscolo sente l’esigenza di rileggere e
ristampare la sua opera, premettendovi una
lunga Notizia bibliografica e inserendovi la
lettera del 17 marzo, in cui si definiscono alcuni
dei nodi ideologici dell’opera e si legano fra
loro passione amorosa e impegno politico.
Infine a Londra Foscolo pubblica l’ultima
edizione del 1817.
Innovazioni foscoliane
Secondo il modello goethiano Foscolo rifiuta la
strada della pluralità dei mittenti: si tratta quindi
quasi di un monologo di Ortis. Questa
focalizzazione sull’individuo protagonista
consente di approondire la rappresentazione dei
suoi sentimenti e costituisce uno degli elementi
di maggiore aderenza dell’Ortis alla nuova
sensibilità preromantica.
A rompere con il modello goethiano è invece il
ruolo di Lorenzo, destinatario ed editore delle
lettere, che viene coinvolto emotivamente nella
vicenda. In questo modo l’editore delle lettere fa
sentire la sua voce e il suo punto di vista.
La prima lettera (11 ottobre 1797)
La narrazione inizia in medias res: la rottura
dell’equilibrio è già avvenuta (il sacrificio della
patria nostra è consumato, in cui il
“consumato” sembra fare riferimento al
consumatus est, tutto è perduto, del passo della
morte di Cristo nel vangelo di Giovanni,
suggerendo un’interpretazione cristologica della
vicenda di Ortis).
Noi stessi Italiani ci laviamo le mani nel sangue
degl’Italiani: riferimento all’episodio di Ponzio
Pilato.
Sepolcro come ultimo rifugio per un esule
(illusione).
Trama
Jacopo Ortis è un giovane patriota veneziano
che a seguito Napoleone durante le campagne
militari in Italia. Dopo il trattato di
Campoformio è costretto a lasciare la propria
patria. Ritiratosi sui colli Euganei, conosce il
signor T*** e le sue due figlie, Isabellina e
Teresa, di cui si innamora. Teresa è però
promessa sposa a Odoardo, giovane benestante,
ma meschino e completamente opposto a
Jacopo. La ragazza, pur non amandolo, ha
deciso di sposarlo, per risollevare le sorti della
famiglia.
In una passeggiata primaverile alla casa di
Petrarca ad Arquà, un bacio diviene occasione
di conferma del reciproco amore di Jacopo e
Teresa, quest’ultima ne è tuttavia turbata e lo
confessa al padre. Jacopo intanto lascia i colli e
vaga attraverso varie città, tra cui Bologna,
Firenze, Milano (dove incontra Parini). Presto
però si rende conto che gli è impossibile
continuare a vivere. Quando viene a sapere del
matrimonio di Teresa e Odoardo, decide di darsi
la morte. Lorenzo, accorso troppo tardi,
racconta la parte finale della storia.
Rispecchiamento autobiografico e finzione
letteraria
La materia del romanzo evidenzia il rapporto tra
autore e personaggio-narratore. Le vicende
politiche e le convinzioni ideologiche di Ortis
ricalcano alcune delle peripezie giovanili di
Foscolo. Infatti molte lettere sono rielaborazioni
di lettere personali che Foscolo aveva realmente
scritto.
Non è un caso che nelle prime edizioni del
romanzo il ritratto che dovrebbe rappresentare
Ortis è in realtà un ritratto dello stesso Foscolo.
Il romanzo dunque rappresenta la vita stessa di
Foscolo.
Il fallimento delle aspirazioni di Jacopo, però,
profila come unica possibile via d’uscita il
suicidio. Jacopo e Foscolo giungono dunque a
due soluzioni diverse. Ortis (incarnazione
dell’indole distruttiva dell’autore) infatti
rinuncia all’azione virtuosa e alla possibilità di
affidare alla scrittura un monumento di sé
(Jacopo chiede a Lorenzo di bruciare le sue
lettere), che avrebbe testimoniato il suo eroismo.
In questo modo Lorenzo (incarnazione
dell’indole costruttiva dell’autore) diventa
maschera dello scrittore, il quale, a differenza di
Jacopo, riesce a recuperare la frattura
drammatica con il mondo proprio grazie alla
letteratura (anche se considerata un’illusione).
Il nome Jacopo ricorda Jean Rousseau: recupero
della tradizione letteraria incline al patetismo.
Il nome di Lorenzo ricorda Laurence Sterne:
capovolgimento del canonico genere
romanzesco.
Egotismo: culto di sé, compiacimento per la
propria persona e per le proprie qualità.
I TEMI
Il suicidio: gesto estremo di un uomo che rifiuta
il compromesso con i tempi corrotti in cui vive.
Riprende il tema del suicidio stoico (suicidio
come rivendicazione della libertà), di cui
l’esempio più eclatante è Catone l’Uticense
(nella stampa zurighese all’inizio della
narrazione Foscolo inserisce due celebri versi
del Purgatorio dantesco, con cui si presenta la
vicenda di Catone l’Uticense “libertà va
cercando ch’è si cara, come sa chi per lei vita
rifiuta”). Molti esempi di famosi suicidi si
trovano anche nelle Vite parallele di Plutarco.
Titanismo: atteggiamento di ribellione di un
personaggio nei confronti di forze superiori e
imbattibili, che dominano l’uomo e si
oppongono alle sue esigenze di libertà e vitalità.
Questo era tipico dei personaggi delle tragedie
dell’Alfieri, profondamene apprezzate da
Foscolo. Il termine rimanda allo scontro tra i
Titani e le divinità dell’Olimpo descritto nella
Teogonia di Esiodo.
Altro personaggio della letteratura italiana
profondamente ammirato è Giuseppe Parini,
rappresentante di quell’italianità che si oppone
alla tirannide degli stranieri.
Altri due temi importanti sono:
-la delusione politica
-la delusione amorosa (l’amore, a differenza del
Werther, non aggrava il dolore di Ortis, anzi,
funziona come illusione che lo spinge a
continuare a vivere nonostante la sua condizione
di esule). L’amore tra Teresa e Jacopo, però,
non si avvicina ancora all’amore romantico, un
amore che rompe ogni schema.
Altro tema importante è quello dell’amicizia:
Lorenzo è un amico capace di sentire, ma
soprattutto compatire, caratteristica che Jacopo
apprezza profondamente.
Il valore del sepolcro e l’ansia di essere sepolto
lontano dalla sua patria attanagliano Jacopo fin
dalla sua prima lettera: l’immagine della madre
che non può piangere il figlio lo strazia e spesso
immagina che nessuno potrà visitare la sua
tomba.
La natura
La natura, anticipando il romanticismo, non è
solo sfondo della vicenda, ma riflette lo stato
d’animo dei personaggi, in particolare di
Jacopo, proponendo prima immagini idilliache e
tranquille, e poi luoghi bui, sterminati e
tempestosi.
La lingua
Nuovo modello di prosa narrativa: dal modello
linguistico boccacciano si passa ad una prosa
moderna e discorsiva, che si adatta ai diversi
registri espressivi, innalzandosi nei torni
dell’eloquenza nelle fasi del discorso politico e
rasserenandosi in quelli delle lettere più
riflessive e intime. La prosa di Foscolo resta
tuttavia neoclassica: scrittura controllata e
rigorosa che smorza il “patetico”.
NEOCLASSICISMO
Gusto estetico che concorda con quel complesso
di studi archeologici e artistici tendenti alla
rievocazione del mondo classico.
Winckelmann: l’arte greca ha realizzato il bello
assoluto ed eterno.
Il poeta neoclassico deve idealizzare la realtà in
forme perfette, eleganti, con immagini nitide e
prive di eccessi.
Lontani dall’Arcadia, si ha un classicismo
austero ed eroico: i rivoluzionari prendono come
esempio Atene, Sparta e Roma come
repubbliche virtuose e sobrie, rievocando i
grandi personaggi descritti da Plutarco.
Età napoleonica: impero romano, stile impero,
poesie Monti, scenografia grandiosa.
Abbiamo poi un Neoclassicismo più profondo
con Foscolo: il mondo antico è un mondo di
armonia e serenità, in contrapposizione con il
presente; c’è ancora speranza di cambiare, la sua
poesia ha una funzione purificatrice sulla
barbarie presente.
IL ROMANTICISMO
Nonostante non sia possibile dare una
definizione sintetica, si possono individuare
alcune costanti:
-tematiche negative (romanzo nero o gotico, con
riferimenti alla raccolta dei canti di Ossian);
-irrazionalità
-sentimenti
-sogno, delirio, allucinazione (furor che porta
alla creazione artistica)
-soggettivismo (l’esterno è una proiezione
dell’Io secondo la filosofia idealistica)
-tensione verso l’infinito, che provoca
l’inappagamento (Sensucht: male del
desiderio/desiderio del desiderio)
-fuga dalla realtà spaziale e temporale: esotismo
-spiritualità orientata verso due direzioni:
religione tradizionale e occultismo (alchimia)
-mondo infantile: il fanciullo in Rousseau è
l’uomo primitivo
-nazionalismo e patriottismo: forte presenza
dello spirito del popolo ed interesse per la storia,
che produce il presente e la nazione; ricostruire
l’identità nazionale guardando al passato (ecco
perché in questo periodo fiorisce il romanzo
storico).
Il termine “romantico” in origine designava il
meraviglioso, mentre a fine settecento si
riferisce ad una modalità espressiva opposta a
quella neoclassica.
Saggio sulla poesia ingenua e sentimentale di
Schiller: si delinea la differenza tra la poesia
“ingenua” degli antichi e quella “sentimentale”
dei moderni romantici. Leopardi sarà il primo a
dare un valore assoluto al soggettivismo
espressivo.
Politica
Imperialismo per quando riguarda la Francia e
la Germania; in Inghilterra e Italia si propende
per la democrazia.
Cause
Le due rivoluzioni principali, quella politica
francese e quella industriale inglese, modificano
profondamente la società.
Rivoluzione francese
Non essendoci più la monarchia, la figura del
poeta cortigiano viene a mancare; l’intellettuale
è quindi più consapevole della realtà e dunque
più critico. Si crea un divario: utile vs bellezza
disinteressata. Ciò provoca un’irrimediabile
crepa tra il poeta e la società, disprezzata dallo
stesso intellettuale.
Rivoluzione industriale
Crisi cicliche a causa della sovrapproduzione.
Scontro tra borghesia e proletariato (scioperi,
luddismo e criminalità/immoralità)
La natura viene sconvolta: si crea un senso di
colpa nell’uomo.
Romanticismo italiano
Continuità tra Illuminismo e Romanticismo: non
c’è un forte distacco.
Lo stesso giornale “Il Conciliatore” è molto
simile al giornale illuministico “Il Caffè”.
Le personalità del Conciliatore non si rivolgono
ad un’elite, ma ad un pubblico più ampio;
nonostante ciò è la borghesia la maggior
“consumatrice”. La borghesia in questo periodo
viene indicata con il termine “popolo di massa”,
per il fatto che i gusti sono ormai standardizzati.
Ciò ha influenza anche sulla produzione
letteraria che, ormai diventata merce, deve
accontentare il gusto del popolo.
IL ROMANZO IN ITALIA
Gli ambienti letterari tradizionalisti considerano
il romanzo un genere inferiore, adatto a lettori
ignoranti e di basso livello. Tale giudizio nasce
da pregiudizi retorici (romanzo come genere
nuovo non riconducibile ai generi principali
della letteratura), pregiudizi moralistici
(presunta pericolosità morale di una
rappresentazione troppo realistica del mondo).
Questi pregiudizi si originavano dal clima
stagnante della cultura italiana, avente ancora
una mentalità retorica e pedantesca, diffidente
verso le esperienze letterarie europee.
Romanzo come espressione letteraria della
borghesia: il romanzo moderno si era affermato
per la prima volta con Defoe, Richardson e
Fielding in Inghilterra, dove la borghesia già
stava diventando la classe dominante. In Italia,
dunque, mancava la base sociale affinchè si
affermasse questo genere.
Romanticismo lombardo: rinnovamento
letterario e dignità del romanzo, rifiuto delle
regole e della mitologia, affermazione del
carattere popolare della nuova letteratura.
Silvio Pellico nel Conciliatore parla di un poeta
che potrebbe “impadronirsene e nobilitarlo”:
sarà Manzoni, con il Fermo e Lucia, a dare
dignità letteraria al romanzo moderno.
Il romanzo storico
Il genere del romano storico si sviluppa tra la
fine del Settecento e l’inizio dell’Ottocento: si
tratta di un periodo in cui stanno nascendo gli
Stati nazionali risulta necessario costruire
un’identità nazionale, scavando nel passato alla
ricerca delle sue radici. Uno dei primi autori di
romanzi storici è lo scozzese Walter Scott,
autore dell’Ivanhoe.
Confronto tra Scott e Manzoni: i personaggi di
Manzoni sono umili, non sono tra coloro che
“fanno la storia”, ma tra coloro che ne sono
immersi (visto che il romanzo deve avere
funzione moraleggiante, bisogna concentrarsi
sui moti intimi delle persone comuni) Inoltre
rinuncia alle tinte gotiche e “fantasiose” del
romanzo storico anglosassone, preferendo una
rappresentazione fedele della storia, creando una
fusione tra finzione e vero.
Secondo il filosofo Lukàcs, compito del
romanzo storico è quello di ricostruire le
caratteristiche del tempo da rappresentare.
Dopo la pubblicazione dei Promessi sposi, molti
romanzieri saranno influenzati dalle novità
apportate da Manzoni al genere:
-Massimo d’Azeglio, autore dell’Ettore
Fieramosca (1833), sarà un grande imitatore
manzoniano (anche se inserirà un elemento
comico e ironico nella narrazione);
-Francesco Domenico Guerrazzi, con L’assedio
di Firenze (1827-28) e La battaglia di
Benevento (1836);
-Tommaso Grossi, autore di Marco Visconti
(1834)
La questione della lingua
Puristi: sostengono il ritorno alla lingua della
Crusca, il toscano trecentesco della tradizione
letteraria e accademica.
Classicisti: i maggiori esponenti sono Pietro
Giordani e Vincenzo Monti, entrambi persuasi
della validità della tradizione letteraria, ma
allargata anche ad altri secoli oltre il ristretto
‘300.
Romantici: colgono il divario tra la lingua
scritta e quella parlata e auspicano un
rinnovamento linguistico in funzione civile.
Riconoscono la lingua come un qualcosa in
continua evoluzione.
Manzoni: teorizza l’adozione del fiorentino
vivo, parlato dal ceto colto, come base per la
lingua nazionale.
ALESSANDRO MANZONI
Breve biografia
Alessandro Manzoni nasce a Milano nel 1785
da Giulia Beccaria, figlia di Cesare, autore del
trattato Dei delitti e delle pene, e dal conte
Pietro Manzoni. Studia presso i collegi dei Padri
Somaschi e poi presso i Barnabiti a Milano.
Intanto la madre si separa dal padre e si
trasferisce a Parigi con Carlo Imbonati.
Nonostante l’educazione cattolica ricevuta,
Manzoni si sente attratto dalle idee
democratiche e libertarie della Francia
rivoluzionaria. Terminati gli studi, Manzoni si
inserisce nell’ambiente culturale milanese:
Vincenzo Cuoco lo avvicina al pensiero di Vico,
conosce anche Foscolo e Monti, sotto il cui
influsso scrive i primi versi di chiara ispirazione
classica.
Tra il 1805 e il 1810 Manzoni soggiorna presso
la madre a Parigi, dove conosce il filologo
Claude Fauriel, promotore con Madame de Stae
della cultura romantica in Francia: lo introduce
nel gruppo degli ideologi, di posizioni politiche
liberali e di ispirazione illuministica. Queste
esperienze sono caratterizzate da un forte rigore
etico, che negli ideologi si esplica nella ricerca
storica e nei moralisti su quello religioso. Nel
1809 Manzoni pubblica il poemetto Urania,
sulla funzione civilizzatrice della poesia, ma
ormai grazie alla conoscenza del pensiero di
Schlegel, Manzoni si è definitivamente legato
alla corrente romantica.
Nel 1808 Manzoni sposa Enrichetta Blondel,
figlia di un banchiere di Ginevra, di religione
calvinista: il confronto spirituale con la donna lo
porta alla conversione religiosa, facendo
avvicinare entrambi al giansenismo, una
corrente interna al cattolicesimo secondo cui
solo avendo ricevuto la grazia divina si può
accedere alla salvezza eterna).
Si forma quindi l’idea che un letterato debba
essere impegnato nella vita collettiva e che la
letteratura debba avere una funzione pedagogica
Manzoni dunque cerca di conciliare la sua fede
con la formazione illuministica: il cattolicesimo
porta ad una realizzazione più significativa degli
ideali di libertà, fratellanza e uguaglianza della
cultura illuministica.
Dopo la composizione di numerose opere, tra
cui gli Inni sacri, due tragedie (Il conte di
Carmagnola e Adelchi), vari trattati sia politici
che religiosi. Nel 1821 intraprende la stesura di
un romanzo storico sulla Lombardia del
Seicento: si tratta del Fermo e Lucia, poi
intitolato nelle due edizioni ventisettana e
quarantana Promessi sposi. Risultano
fondamentali due scritti teorici, la Lettera al
Signor Chauvet e la Lettera sul Romanticismo.
Dopo numerosi lutti familiari e il nuovo
matrimonio con Teresa Stampa, Manzoni si
impegna in maniera diretta nella vita politica e
si dedica a studi filosofici, critici, storici e
linguistici. In questo periodo Manzoni si
allontana dalla convinzione che il romanzo
storico fosse il genere più adatto all’educazione
del lettore, sostenendo che solo nella storia si
giunge al “vero” che lo scrittore deve perseguire
(in questa fase pubblica Storia della colonna
infame).
Dopo l’unificazione dell’Italia, Manzoni viene
nominato senatore del Regno da Vittorio
Emanuele Ii e presidente della Commissione
statale per l’unificazione della lingua.
Manzoni muore nel 1873: nel primo
anniversario della sua morte Giuseppe Verdi gli
dedicherà la sua messa da requiem.
LA POETICA MANZONIANA
Lettera al Signor Chauvet
Scritta nel 1820, in francese. Viene scritta in
risposta ad una critica mossa da Victor Chauvet
riguardo la tragedia Il Conte di Carmagnola:
Manzoni infatti non aveva seguito le regole
grammatiche di tipo classico, ossia le tre unità
aristoteliche di tempo, luogo e azione. Nella sua
risposta Manzoni sostiene che lo scrittore debba
concentrarsi esclusivamente sulla
rappresentazione della realtà storica, senza dare
troppo attenzione ai canoni retorici esterni. Il
poeta si differenzia dallo storico per la capacità
di penetrare la realtà spirituale che si nasconde
dietro la superficie dei fatti storici. Lo storico
deve attenersi ai fatti e ricostruirli con fedeltà
servendosi di più fonti affidabili da confrontare
(vero storico), mentre il poeta deve far
emergere i movimenti profondi dei protagonisti
di quegli stessi fatti (vero poetico). La poesia è
dunque approfondimento, non alterazione
arbitraria della storia.
Lettera sul Romanticismo
Scritta nel 1823 e indirizzata a Cesare
D’Azeglio.
Prima parte: analisi delle varie reazioni dei
romantici nei confronti della lettera di Madame
de Stael e individuazione di tre obiettivi
polemici nelle posizioni anticlassiciste del
Romanticismo (ricorso alla mitologia, principio
di imitazione dei classici e rispetto di regole
retoriche). Manzoni ritiene che i miti classici
non costituiscano più allegorie valide anche per
il presente.
Seconda parte: Manzoni delinea la sua poetica,
secondo cui la letteratura deve avere il vero
come soggetto, l’utile come scopo (la letteratura
deve avere funzione morale e pedagogica) e
l’interessante come mezzo.
PROMESSI SPOSI
Le tre forme del romanzo manzoniano
Fermo e Lucia (1821-1823)
Il romanzo si compone di 37 capitoli divisi in
quattro parti. Sono frequenti le pause
saggistiche o riflessive che interrompono il
flusso narrativo: soprattutto in alcuni episodi
che si offrono come blocchi isolati, come la
vicenda di Gertrude e quella del Conte del
Sagrato (Innominato). Di questa fase fa parte
anche la sezione dedicata alla Storia della
colonna infame, ossia al processo agli untori:
Manzoni però decide di eliminare questa
sezione, troppo ampia, rendendola un testo
autonomo che sarà pubblicato come appendice
storica all’edizione del ’40. In numerosi punti
Manzoni utilizza effetti drammatici tipici del
romanzo gotico. La lingua utilizzata è ancora
fortemente influenzata dal dialetto milanese e
presenta dei francesismi.
Promessi sposi (1827) Manzoni dunque diventa vero e proprio editore
del suo libro.
La differenza più importante con la prima
edizione si coglie sul piano del riassetto dei Viene pubblicato in fascicoli, ma mantiene la
materiali narrativi: vengono ridotte le divisione in 38 capitoli della Ventisettana.
digressioni, mentre vengono aggiunte scene
(episodio di Cecilia, uno dei momenti più lirici e
patetici della narrazione, e quello della pioggia Caratteristiche del romanzo
“purificatrice” dopo la peste). Vengono
modificati i nomi di molti personaggi: Fermo Ambientazione
Spolino diventa Renzo Tramaglino (entrambi i
La storia è ambientata nella Lombardia del
cognomi richiamano strumenti della filatura),
Seicento, soggetta al dominio spagnolo, in un
Lucia Zarella diventa Lucia Mondella, fra
clima di oscurantismo culturale e giudiziario. La
Galdino diventa padre Cristoforo e il Conte del
storia di Renzo e Lucia si intreccia ai grandi
Sagrato viene chiamato Innominato. Il
eventi della storia: dalla carestia al tumulto di
personaggio di don Rodrigo perde ogni
San Martino, dalla guerra per la successione al
coloritura sentimentale ed eroica. Tutte le
ducato di Mantova alla calata dei
modifiche hanno come obiettivo equilibrare le
lanzichenecchi, fino alla peste del 1630. La
proporzioni tra riflessione e narrazione e creare
vicenda si sviluppa tra il paese nativo dei
una nuova polifonia, ossia una pluralità di toni,
protagonisti, vicino Lecco, attraverso Monza,
registri e livelli narrativi che ben rappresentano
Milano e i dintorni di Bergamo. Viene scelto
la complessa molteplicità della realtà e
questo periodo storico in quanto permette
permettono un’attenta analisi psicologica dei
all’autore di riflettere sui meccanismi del potere
personaggi.
e della storia che sono rimasti invariati anche
nell’epoca contemporanea all’autore stesso.
Promessi sposi (1840-1842)
Nello stesso anno in cui sono pubblicati i primi Trama
Promessi sposi, Manzoni si reca a Firenze per
Renzo e Lucia sono costretti a rinunciare al loro
imparare il dialetto fiorentino non più dalla
matrimonio a causa dell’ingerenza di un
letteratura, ma dai parlanti stessi (risciacquatura
prepotente signorotto locale, don Rodrigo, che,
in Arno). La lingua utilizzata da Manzoni
tramite l’intervento dei bravi, impone al
diventa il fiorentino parlato dalla colta classe
timoroso parroco don Abbondio di non
media. Ma la revisione linguistica non è la sola
celebrare le nozze. Dopo il fallito tentativo di
novità: viene aggiunta un’appendice storica dal
ricorrere all’aiuto dell’avvocato Azzecca-
titolo Storia della colonna infame e il testo viene
garbugli, i due sposi si affidano a fra Cristoforo.
dotato di un ampio corredo di illustrazioni.
Questi dapprima tenta di persuadere don
Rodrigo, poi, avendo conosciuto le sue
intenzioni di rapire Lucia, trova per i due
giovani un rifugio fuori del loro paese: un
monastero di Monza per Lucia e un convento di
Milano per Renzo. A Milano però Renzo viene
coinvolto nei tumulti popolari di rivolta contro i
fornai; arrestato, fugge presso il cugino Bortolo,
in territorio veneziano. Don Rodrigo invece
intende far rapire Lucia con la complicità di
Gertrude, monaca del convento di Monza, e
dell’Innominato, un potente malfattore della
zona. Ma la conversione di questo, favorita dalle
parole autorevoli del Cardinale Federigo
Borromeo, rovescia la vicenda. Lucia è liberata
e viene affidata a donna Prassede. Intanto la
peste e la guerra funestano la vicenda. Renzo,
guarito dalla malattia, raggiunge Milano e nel
lazzaretto ritrova fra Cristoforo, che lo invita a
perdonare don Rodrigo morente e gli mostra il
luogo in cui si trova Lucia, sciogliendo anche il
voto di castità ch’ella aveva contratto in
occasione del rapimento. La vicenda si conclude
a Bergamo, dove Renzo, ora piccolo
imprenditore, si è trasferito con Lucia e la
suocera Agnese.
Le fonti (facoltativo)
Historiae patriae di Ripamonti, Sul commercio
dei commestibili di Melchiorre Gioia, Don
Chisciotte di Cervante e il Don Giovanni di
Mozart.
Lo sdoppiamento del narratore
Manzoni vuole che la sua storia produca nei
lettori l’impressione di essere stata scritta
nell’epoca in cui i fatti sono ambientati: di qui la
finzione del manoscritto ritrovato, composto da
un Anonimo narratore del Seicento. Questo
espediente comporta lo sdoppiamento della voce
narrante: l’Anonimo, in quanto contemporaneo
agli eventi, garantisce come “vero” il soggetto
del romanzo; il romanziere, narratore
onnisciente, può ritagliarsi un proprio spazio per
commentare le vicende e dialogare con i suoi
lettori, orientandone il giudizio. Si aprono anche
squarci di riflessione metanarrativa, riflessione
sulle procedure stesse del racconto.
L’ideologia
La logica del potere
Il potere e il servilismo assumono il volto
meschino dell’oppressione e suscitano lo sdegno
del narratore: la critica coinvolge tutti, dai bravi
ai signorotti, dai politici ai rappresentanti di una
Chiesa corrotta. Manzoni rappresenta in maniera
realistica i rapporti di forza tra oppressi e
oppressori, che possono essere “livellati” solo
da una tragedia come la peste.
La ricerca di Renzo
Renzo è il personaggio che meglio incarna la
prospettiva ideologica di Manzoni e si può quasi
considerare protagonista di un romanzo di
formazione. Grazie ai numerosi spostamenti di
Renzo, l’autore può descrivere le trame del
potere e smascherare il sistema di privilegi su
cui si basava la società secentesca. Renzo entra
nella storia, a contatto con l’ingiustizia, e
impara che la sua aspirazione alla giustizia deve
essere disciplinata dalla fede. Vengono
comunque entrambi considerati eroi positivi,
soprattutto in quanto umili: proprio questo
conferisce loro un’altezza etica he li eleva al di
sopra di chi tenta di opprimerli.
La ricerca di Lucia
Lucia, al contrario di Renzo, rifiuta ogni
tentazione di agire sul piano storico, preferendo
abbandonarsi completamente alla fede. La sua è
una fede ottimistica ed elementare, di completa
sottomissione a Dio, usando la fede come
protezione dal male. Per questo, quando si
ritrova in una situazione complicata, si interroga
sulla natura del male e perché capiti anche ai
“buoni”. Solo alla fine del romanzo arriva
all’accettazione del fatto che il male sia una
componente costitutiva del disegno
provvidenziale divino, che non può essere
compreso né previsto dall’uomo. La fede,
dunque, è solo una modalità con cui sopportare
il male. Per questo l’idea che la peste sia un
flagello per i malvagi, espressa da don
Abbondio, risulta errata: il male, secondo fra
Cristoforo, può colpire tutti.
Lo spazio moralizzato
Spesso la descrizione dei paesaggi fa da
commento alle vicende o rispecchia lo stato
d’animo dei personaggi: pensiamo al palazzotto
di don Rodrigo, emblema del male; o la natura,
correlativo della speranza. Lo spazio descritto
da Manzoni non è statico, ma dinamico:
all’innominato il paesaggio torvo che circonda il
castello apparirà limpido dopo la notte della
conversione.
La Provvidenza
Viene considerata una categoria dell’interiorità:
invita il soggetto ad accettare, attraverso
un’adesione vissuta nella profondità della
propria coscienza, il disegno divino che lo
riguarda.
Resta un enigma per tutto il romanzo il ruolo del
Male e il fatto che Dio permetta che ne siano
travolti degli innocenti.
Il finale “prosaico”
Renzo diviene piccolo imprenditore e si fa
interprete di un nuovo ceto borghese, secondo il
quale basterà applicare la lezione ricavata dalla
propria esperienza (la prudenza) per ripararsi dal
Male. A queste considerazioni lucia però avanza
un’obiezione: lei non si è cercata i guai.
Si insinua dunque il dubbio che non ci sia
spiegazione razionale al dolore del mondo, che
non può essere prevenuto. l’unico autentico
miracolo della Provvidenza è rappresentato
dalla remissiva fiducia nella Provvidenza stessa.
IPPOLITO NIEVO
Nel periodo immediatamente successivo la
pubblicazione dell’ultima edizione dei Promessi
sposi, si inizia a delineare una strategia di
scrittura romanzesca che prende le distanze dal
romanzo storico tradizionale, volendo
rappresentare la storia contemporanea. Nascono
dunque dei testi ibridi, in cui si fondono
caratteristiche del romanzo storico con
caratteristiche di altri generi come, nel caso di
Nievo, il genere del romano di formazione e
quello del romanzo d’appendice.
Breve biografia
Nasce a Padova nel 1831, ma si trasferisce a
Udine con la famiglia. Studia a Verona e scopre
autori come Byron, Foscolo, Manzoni, Balzac,
Sand e Rousseau. Viene a contatto con
l’ideologia mazziniana, grazie alla quale riesce a
fondere le diverse suggestioni romantiche e
democratiche. Dopo la laurea decide di
dedicarsi totalmente alla letteratura e al
giornalismo, pubblicando delle novelle ispirate
alla vita di campagna. Partecipa poi attivamente
ai moti risorgimentali: prende parte alla
spedizione dei mille, ma durante la traversata di
ritorno, muore in seguito al naufragio del
postale sul quale viaggiava.
Le confessioni di un Italiano
Il romanzo racconta in forma autobiografica la
storia dell’ormai ottantenne Carlo Altoviti (non
a caso il romanzo aveva avuto anche il titolo
“Le confessioni di un ottuagenario), coprendo
un periodo storico che va dal 1775 al 1859. La
prima parte rievoca il mondo feudale e
patriarcale del Friuli prima della Rivoluzione
francese, attraverso il quadro della vita nel
castello di Fratta. Di grande importanza risulta
essere l’amore di Carlino per la cuginetta
Pisana, che durerà per tutta la vita, ma rimarrà
irrealizzato. Seguono poi l’irruzione delle
armate napoleoniche in Italia, il tradimento di
Campoformio, la tragedia della repubblica
partenopea, la Restaurazione, i moti del 20-21 a
cui partecipa Carlino, che viene condannato ai
lavori forzati a Napoli. Perde la vista e viene
esiliato. A Londra, cieco e povero, viene accolto
dalla Pisana, che giunge a chiedere l’elemosina
per lui. Carlino riacquista la vista grazie ad
un’operazione, ma la cugina muore a causa delle
privazioni subite per assisterlo. L’eroe torna in
Italia, mentre gli amici e i figli sono coinvolti
nelle lotte d’indipendenza.
Caratteristiche
L’espediente della finta autobiografia permette a
Nievo di ricollegare il passato al presente.
Man mano che lo spazio dell’ambientazione si
allarga, il tempo narrativo si fa più rapido, per
poi ritornare al ritmo iniziale, più lento.
Il romanzo presenta anche alcune delle
caratteristiche del romanzo di appendice: si
trattava di storie che venivano pubblicate “a
puntate” sui giornali, prevedevano schemi
narrativi più o meno convenzionali, con vicende
impreviste e forti contrasti di tipo sentimentale.
Modello di Sterne: sono presenti numerose
digressioni e divagazioni ironiche.
Il romanzo viene scritto tra il dicembre del 1857
e l’agosto del 1858, ma viene pubblicato solo
nel 1867, dopo la morte dell’autore.
IL NATURALISMO
La corrente filosofica del Positivismo si
sviluppa più sensibilmente in Francia, dove le
nuove leggi scientifiche filtrano con più forza
nell’ambito artistico (l’unica cosa che si può
descrivere con gli strumenti della scienza e
dunque essere vero è la natura). In particolare
Hippolyte Taine, nella sua Filosofia dell’arte,
elabora una teoria che considera l’opera artistica
come il prodotto delle condizioni ambientali,
sociali, economiche e geografiche di un dato
momento storico. Taine per la prima volta, in un
saggio dedicato a Balzac, parla di naturalismo,
intendendo con questo termine la possibilità di
poter osservare e raccontare la psicologia umana
attraverso la letteratura, quasi si trattasse di
un’analisi scientifica, un esperimento. Da questo
nascerà il concetto di romanzo sperimentale di
Zola.
Il romanzo naturalista
Avvalora questa possibile analisi della
psicologia umana lo sviluppo delle scienze
sociali, secondo cui esistono delle leggi e dei
fattori che regolano l’andamento della società e
il comportamento individuale. I naturalisti
francesi identificano nel romanzo il genere
migliore per compiere questa “ricerca”.
Nel saggio Il romanzo sperimentale, Zola fissa i
criteri dell’arte naturalista:
-oggettività, intesa come adesione totale alla
realtà;
-impersonalità (eclissi dell’autore), che sottrae
la narrazione al filtro e al commento soggettivo
dell’autore.
Zola si pone dunque in una posizione anti-
romantica: il narratore non deve interferire con
la materia narrata, né porsi fini estetici o etici,
ma deve semplicemente osservare i fenomeni
sociali, come lo scienziato fa con i fenomeni
naturali. I naturalisti francesi si concentreranno
soprattutto sulle affollate periferie cittadine (al
contrario dei veristi, nei cui romanzi le vicende
sono ambientate nelle campagne).
Già prima degli anni ’70 dell’Ottocento alcuni
romanzieri, come Flaubert in Madame Bovary e
Balzac nella sua Commedia umana, avevano
avuto tendenze naturaliste: mancava però la
consapevolezza di questa idea scientifica del
romanzo.
In questi anni si afferma la grande narrazione
russa, con autori come Tolstoj e Dostoevskij
(ovviamente però il contesto culturale è
completamente diverso, siamo ancora nella
Russia zarista, in cui non c’è ancora una classe
borghese).
In Inghilterra, con Dickens, la letteratura diventa
anche mezzo di denuncia sociale delle
condizioni inumane in cui vivevano i lavoratori
delle fabbriche (ricordiamo che la rivoluzione
industriale si origina proprio dall’Inghilterra).
Sono spesso narrate vicende di personaggi che
lottano per la sopravvivenza, secondo la legge
della selezione naturale di Darwin.
EMILE ZOLA
Storia naturale e sociale di una famiglia sotto il
secondo impero: ciclo di venti romanzi, dove
“naturale” allude all’ereditarietà genetica che
incide sul destino dei personaggi, e “sociale”
implica la stretta dipendenza tra l’agire
individuale e il contesto sociale. Vi si mette in
scena la storia di due rami familiari discendenti
dalle relazioni di una contadina arricchita con
un giardiniere e con un alcolista sullo sfondo del
Secondo Impero, quasi a collegare la
degenerazione di una famiglia con la crisi della
società francese.
Ne fanno parte: L’Assemoir (1877), Germinal
(1885), Nanà (1880) e La bestia umana (1890).
Teresa Raquin (1867) è il primo romanzo
pubblicato.
IL VERISMO: contesto storico e culturale
Ritardo culturale: si sta creando un’identità
civile e nazionale. Gli intellettuali cercano
strumenti con i quali creare una “mitologia
patriottica”, facendo ricorso alla letteratura del
passato, ricavandone dei simboli letterari che
definiscano “l’italianità” (Carducci si propone
come vate). C’è però un divario enorme tra il
Nord e il Sud: il Nord ha una borghesia
strutturata, il Sud è più arretrato e devastato dal
brigantaggio (questione meridionale in Giolitti).
Si inizia a riflettere sull’istruzione: si deve
insegnare l’italiano alle nuove generazioni
(legge Casati).
Ruolo della leva obbligatoria: si confrontano
dialetti diversi, che portano dalla lingua
manzoniana a quella attuale.
Il romanzo storico non si è completamente
esaurito, ma si è trasformato.
Letteratura garibaldina: si raccontano le lotte
risorgimentali.
Si diffonde una narrativa rivolta al grande
pubblico: romanzo d’appendice.
VERISMO: caratteristiche
principali
Il verismo è un fenomeno specificamente
italiano (anche se ispirato al naturalismo
francese): riguarda alcuni autori che hanno
operato tra gli anni 70 e gli anni 90
dell’Ottocento. Negli stessi anni ci sono altre
tendenze, psicologiche, sensuali o estetiche:
nello stesso anno di pubblicazione di mastro-
don Gesualdo viene pubblicato anche Il piacere
di d’Annunzio.
I veristi hanno una forte coscienza unitaria:
condividono gli ideali risorgimentali, ma sono
delusi per come tali ideali sono stati traditi.
Marcato pessimismo: a differenza dei
naturalisti, che, ispirandosi al positivismo,
credono nel progresso, i veristi si assestano su
posizioni conservatrici, quasi rassegnate.
LUIGI CAPUANA (1839-1915)
Nato nel 1839 presso Catania da una famiglia di
ricchi proprietari terrieri, frequenta la facoltà di
giurisprudenza, ma si dedica poi alla letteratura.
Conosce a Firenze Verga e diventa critico
teatrale del quotidiano La Nazione. Inizia quindi
ad interessarsi ai naturalisti francesi. Viene
chiamato a Milano da Verga per collaborare alla
rivista Corriere della Sera, dove recensirà
l’Assemoir di Zola. Il suo romanzo Giacinta, poi
rielaborato per il teatro, è un primo esempio di
narrativa verista. Il tentativo dello scrittore è
quello di ricostruire un caso clinico: infatti, il
punto di vista prevalente è quello di un medico.
Nel 1882 si stabilisce a Roma per dirigere il
settimanale Fanfulla della Domenica, mentre
continua a pubblicare libri di narrativa (romanzo
Il marchese di Roccaverdina). Muore a Catania
nel 1915.
Il pensiero
Nella sua recensione al romanzo zoliano,
Capuana si sofferma in particolare sulla tecnica
dell’impersonalità: bisogna “far parlare le cose”,
solo così si può rappresentare il vero. Ma
Capuana si allontana da alcune posizioni di
Zola: ritiene che un atteggiamento troppo
aderente alla metodologia scientifica possano
far dimenticare il fatto che il romanzo è un
genere ibrido, in cui convivono poesia e
riflessione conoscitiva.
Giacinta (1879) è la rappresentazione di un caso
clinico: esito di un esperimento in cui il
narratore è un medico che descrive la
deviazione mentale del protagonista.
Il marchese di Roccaverdina
Narra la storia di un nobile che si comporta da
padrone assoluto nei suoi possedimenti. Ha una
relazione con una giovane contadina, Agrippina
Solmo, alla quale fa sposare un suo dipendente,
Rocco Criscione, imponendo però ai due di non
consumare il matrimonio. L’imposizione viene
rispettata, ma il marchese, convinto del
contrario e pazzo di gelosia, uccide Rocco. Per
l’omicidio viene condannato un altro giovane
del paese, Neli Casaccio, mentre il marchese
non accetta di assumersi la responsabilità del
delitto. Per uscire dalla solitudine, sposa una
nobildonna, ma viene ben presto abbandonato.
Sprofondato nella follia, gli rimane solo
Agrippina.
Il filo della narrazione è quello dell’indagine su
uno stato di deviazione mentale. Notevole è il
personaggio di Agrippina, donna che accetta
con dignità il proprio destino di sottomissione,
che si contrappone alla figura patologica del
marchese.
FEDERICO DE ROBERTO (1861-
1927)
De Roberto nasce a Napoli nel 1861, ma dopo la
morte del padre si trasferisce a Catania. A
partire dagli anni ‘80, De Roberto si dedica alla
letteratura. Conosce Verga e Capuana che lo
indirizzano al verismo. A Milano Verga lo
introduce negli ambienti letterari e lo chiama a
collaborare per il Corriere della Sera. Proprio a
Milano concepisce il disegno di un ciclo di
romanzi che descrivano le vicende di una
potente famiglia siciliana: a questo ciclo
appartiene I Vicerè (1894). L’insuccesso del
romanzo peggiora il suo stato mentale,
costringendolo a ritirarsi a Catania. Negli ultimi
anni si dedica alla stesura del suo ultimo
romanzo, L’imperio, pubblicato postumo.
Muore a Catania nel 1927.
La produzione
Il primo romanzo apprezzabile di De Roberto è
L’illusione (191), che ha come protagonista la
nobile Teresa Uzeda (gli Uzeda saranno
protagonisti dei Vicerè), di cui l’autore segue le
infelici vicende sentimentali.
I Vicerè
De Roberto racconta le vicissitudini della nobile
casata degli Uzeda, a partire dalla metà degli
anni ’50 dell’Ottocento fino al 1882. Gli Uzeda,
che sono stati vicerè di Sicilia nella seconda
metà del Seicento, al tempo di Carlo V, si
distinguono per la loro avidità e il loro
patologico attaccamento al potere. Il principe
Giacomo e suo fratello Raimondo sono
perennemente in lotta fra loro. I contrasti interni
non impediscono però agli Uzeda di mostrarsi
compatti quando devono difendere gli interessi e
i privilegi della famiglia: l’inganno, il
tradimento e la corruzione sono tutti mezzi
legittimi quando sono in gioco la ricchezza e il
prestigio. Lo sfondo è quello del passaggio dal
regime borbonico al nuovo Stato italiano.
L’attenzione agli ambienti nobiliari permette
un’analisi delle dinamiche crudeli del potere e
della storia.
LA SCAPIGLIATURA
Termine ripreso dal romanzo di Cletto Arrigi,
La Scapigliatura e il 6 febbraio. La parola
traduce il termine francese bohème.
Inizialmente Arrighi indica con “scapigliatura”
un ideale di vita; il termine passa poi a
designare un gruppo di artisti di area milanese,
indicando non tanto la loro poetica, ma il loro
atteggiamento nei confronti dell’arte e della
letteratura:
-creare arte in maniera disinteressata, non come
fonte di guadagno;
-atteggiamento anticonformistico, di ribellione
alla società e l’ordine costituito.
La nascita di questo movimento proprio in area
milanese è da ricollegare alla forte influenza che
aveva avuto Manzoni proprio sugli intellettuali
di questa zona: la Scapigliatura, infatti, nasce
anche come reazione all’esaurimento dello
slancio ideale del Romanticismo e del
Risorgimento.
La reazione alla cultura dei “padri” romantici va
di pari passo con l’interesse maturato nei
confronti della nuova poesia dei “maledetti”
francesi, in particolare di Baudelaire, da cui
riprendono la vocazione al ribellismo e allo
scandalo.
Come conseguenza al suo atteggiamento ribelle,
l’artista è emarginato dalla società, e per questo
conducono una vita irregolare, assumendo
spesso atteggiamenti auto-distruttivi.
Temi centrali di questa corrente sono:
-il sogno e il demoniaco scaturiti dall’interesse
per tutte le situazioni non riconducibili alla
chiarezza della coscienza e da forme di
sensibilità morbose ed eccessive. Il culto del
bello e della purezza convive con l’ammirazione
per le personalità demoniache, che
rappresentano un rovesciamento dei valori
borghesi;
-il tema del doppio, scaturito dall’attrazione per
tutto ciò che rimanda le laceranti contraddizioni
della società industrializzata;
-l’angoscia e la disperazione;
-la ricerca del “brutto”, mossa dall’idea che
l’arte debba essere una diretta espressione della
vita.
GIOVANNI VERGA
Breve biografia
Giovanni Verga nasce a Catania nel 1840 da una
famiglia di agiati proprietari terrieri di
tradizione liberale. Frequenta la scuola privata
di Antonio Abate, patriota e letterato di gusto
romantico. Verga legge principalmente romanzi
francesi (i suoi preferiti sono quelli di Dumas
padre e Dumas figlio). A 16 anni scrive il suo
primo romanzo, Amore e patria, che però non
pubblica. Si iscrive all’Università di Catania, ma
interrompe gli studi per dedicarsi alla
pubblicazione del romanzo storico I carbonari
della montagna, che h sullo sfondo
l’opposizione della carboneria calabrese a
Gioacchino Murat.
Nel 1863 pubblica sulla rivista “La nuova
Europa” il romanzo Sulle lagune, una storia in
cui si intrecciano amore e patriottismo.
In questi anni Verga di arruola nella Guardia
nazionale, nata in appoggio all’impresa
garibaldina per il controllo del territorio.
Nel 1865 Vergasi stabilisce a Firenze per alcuni
mesi (ricordiamo che in questo periodo era
capitale d’Italia). Inizia quindi a frequentare i
salotti letterari e il Caffè Michelangelo, dove
conosce i pittori macchiaioli.
Nel 1866 pubblica Una peccatrice, ma giunge al
successo con Storia di una capinera. A Firenze
conosce anche Luigi Capuana, allora critico
teatrale del quotidiano “La Nazione”.
Nel 1872 Verga si trasferisce a Milano, dove
entra a contatto con gli Scapigliati e si
appassiona anche alla letteratura russa (Tolstoj,
Dostoevskij, Turgenev). In questo periodo
pubblica diversi romanzi: Eva, Eros e Tigre
reale.
Nel 1874 Verga pubblica il bozzetto Nedda, che
viene di solito interpretato come il testo della
“conversione” al Verismo. In realtà l’unica vera
novità del racconto è l’ambientazione siciliana e
l’utilizzo di personaggi di umile condizione
sociale. Solo nella seconda metà degli anni ’70
Verga sviluppa le tecniche narrative veriste, in
particolare dopo la pubblicazione di un
commento di Capuano all’Assemoir di Emile
Zola. Nel 1978 Verga pubblica Rosso Malpelo,
primo vero racconto verista, incluso poi nella
raccolta Vita dei campi.
Nel 1881 pubblica I Malavoglia, accolto
abbastanza freddamente. Qualche anno dopo
viene rappresentato a Torino il dramma
Cavalleria rusticana, tratto dall’omonima
novella di Vita dei campi. Nel 1883 pubblica le
Novelle rusticane. Il relativo successo del
Mastro-don Gesualdo rinfranca lo scrittore, che
però non conclude il suo progetto del ciclo di
romanzi: I Vinti (vedremo in seguito il perché).
Pubblica negli anni immediatamente successivi
le sue due ultime raccolte: I ricordi del capitano
d’Arce e Don Candeloro & Co.
Nel 1893 Verga decide di tornare
definitivamente a Catania. Fa rappresentare il
dramma Dal tuo al mio, in cui sottolinea ancora
una volta come l’egoismo e l’interesse siano il
motore fondamentale delle azioni umane.
Gli rimangono ormai pochi contatti: frequenta
Capuana e il più giovane Federico De Roberto
gli trasmette l’amore per la fotografia e il
cinema. Nel 1920 vengono solennemente
festeggiati i suoi ottanta anni alla presenza del
filosofo Benedetto Croce, mentre Luigi
Pirandello pronuncia il discorso ufficiale. Muore
a Catania nel 1922.
IL PENSIERO
Molti dividono la produzione di Verga in due
fasi, separate dalla “svolta” verso il Verismo,
solitamente collocata nel 1874 con Nedda. In
questa novella Verga si allontana dai temi
patriottici e mondani per accostarsi al mondo
contadino e popolare. Attenzione: questa
“conversione letteraria” non è però un evento
improvviso, ma un processo di maturazione
complesso.
I fattori che causano questa “conversione” sono:
-il trasferimento a Firenze e poi a Milano;
-l’amicizia con Luigi Capuana, a cui si deve la
scoperta dei romanzi di Zola.
Si definisce quindi la nuova poetica di Verga,
fondata su:
-oggettività e impersonalità.
In questo modo “l’opera d’arte sembrerà essersi
fatta da sé”.
Verga e il Naturalismo
I principali punti di contatto di Verga con la
scuola naturalistica sono costituiti dai criteri di
oggettività e impersonalità.
Ma vi sono anche differenze: per Verga il
verismo non deve risolversi solo in un metodo
scientifico che trasforma il romanziere in
scienziato, né il romanzo può essere, come
sosteneva, Zola, il “verbale di un esperimento”.
Si tratta invece di fare dell’attività narrativa un
potente strumento di osservazione della realtà,
che restituisce le passioni elementari che
determinano le azioni dei personaggi.
Altro punto fondamentale della poetica
verghiana è il rifiuto del dialetto, prendendo così
le distanze da un atteggiamento puramente
imitativo della realtà. Crea quindi una sintassi
“artificiale”, ottenuta calando entro le strutture
linguistiche italiane le cadenze e i ritmi del
dialetto siciliano (che polivalente).
Cambia anche il rapporto tra romanzo, scienza e
progresso: il romanzo per Zola deve fondarsi
sulla fisiologia, e la diretta descrizione della
realtà rende il romanzo stesso un mezzo di
denuncia dei mali della società, dovuto alla
fiducia dei positivisti nel progresso e nel
miglioramento della società; in Verga invece
traspare una sfiducia nei confronti della scienza
e del “mito del progresso” ed esclude qualsiasi
trasformazione in positivo della società. Dove
Zola è un progressista, Verga è un conservatore.
La critica alla modernità spinge dunque Verga a
rivolgere la sua attenzione alle vicende dei
singoli o di comunità rurali arcaiche: Verga
dunque è più interessato ad una dimensione
antropologica. I naturalisti invece scelgono
come campo d’osservazione la metropoli di
Parigi, preferendo un ambiente urbano.
Verga riprende dal romanzo naturalista la
tecnica dell’indiretto libero: il discorso viene
riportato senza essere introdotto da clausole
citanti.
L’impersonalità nella narrativa
verghiana
Per Verga il romanziere deve registrare i dati
materiali, piuttosto che giudicare e commentare
la realtà rappresentata. Mentre Zola si immerge
nel mondo da lui descritto, Verga se ne tiene
lontano (non a caso la svolta verista avviene
quando è lontano dalla Sicilia). Verga infatti si
convince che il romanzo non deve ritrarre “dal
vero” la materia, ma deve nascere come
“ricostruzione intellettuale”.
Verga opta per una sorta di “narratore anonimo
popolare” (tecnica della regressione), che
racconta i fatti dall’interno di una comunità, di
cui condivide schemi mentali, valori e modi
linguistici. Non c’è più un narratore onnisciente.
Pessimismo e anti-progressismo nel ciclo dei
vinti
Nei romanzi naturalisti e in Verga si riflette una
concezione deterministica della realtà: l’agire
umano è regolato dal periodo storico,
dall’ambiente e dall’ereditarietà biologica, che
subordinano tutto alla lotta per la
sopravvivenza.
Verga rappresenta gli istinti comuni a ogni
essere umano: il desiderio di migliorare le
proprie condizioni materiali è il motore
dell’agire umano e legittima l’interesse come
principale norma della convivenza civile. Ma
questo desiderio di miglioramento sociale è
destinato a fallire (ecco il tema centrale del ciclo
dei vinti): i Malavoglia provano ad arricchirsi
con l’affare dei lupini, ma tutto finisce in
tragedia; Gesualdo ambisce ad essere
considerato alla pari dell’aristocrazia, ma verrà
sempre rifiutato. Ciò si ricollega all’ideale
dell’ostrica nella novella Fantasticheria: come
l’ostrica staccata dallo scoglio in cui la natura
l’ha chiamata a vivere è destinata a morire così
l’uomo che rinuncia alle proprie radici per star
meglio, vincitore nell’immediato, sarà destinato
a piegare il capo sotto l’incalzare dei più forti.
OPERE
Romanzi storico-patriottici
Amore e patria
I carbonari della montagna
Sulle lagune
Romanzi fiorentini
Una peccatrice: fortemente autobiografico,
storia di un intellettuale piccolo borghese
siciliano che conquista il successo, ma vede
inaridirsi l’amore per la donna sognata, che alla
fine si uccide.
Storia di una capinera: vicenda personale di
Maria, destinata alla monacazione. Entra nel
convento a Napoli, ma a causa del colera,
abbandona il convento e torna in famiglia. Si
abitua alla vita borghese e si innamora. Tornata
in convento inizia a sentirsi in prigione e inizia.
La capinera è un uccello che, se chiuso in una
gabbia, si lascia morire.
Romanzi del ciclo mondano
Eva: giovane pittore siciliano che, a Firenze,
brucia i suoi ideali artistici nell’amore per una
ballerina, simbolo della corruzione di una
società materialista; protesta per la nuova
condizione dell’intellettuale, emarginato, e
polemica anticapitalistica.
Eros: progressivo inaridirsi di un giovane
aristocratico, corrotto da una società vuota.
Tigre reale: traviamento di un giovane
innamorato di una femme fatale, e la sua
redenzione segnata dal ritorno alle gioie della
famiglia.
La svolta verista
Inizia prima a scrivere racconti ambientati nella
campagna siciliana: la prima novella è Nedda,
storia di una ragazza povera, alla quale
accadono molte sciagure. Non sono però
presenti ancora tutti gli strumenti del verismo: si
sente ancora la presenza dell’autore, utilizza
delle metafore che fanno emergere la sua cultura
(non potrebbero appartenere al bagaglio
culturale di un narratore interno dello stesso
livello di Nedda).
Vita dei campi (1878): comprende le novelle
Rosso Malpelo, Jedi il pastore, Cavalleria
rusticana, Fantasticheria. Quest’ultima descrive
personaggi recuperati nei Malavoglia.
Dopo I Malavoglia, pubblica la raccolta Novelle
rusticane: il protagonista di una delle novelle,
Mazzarò (La roba), sarà di ispirazione per la
figura di Mastro-don Gesualdo.
Nel 1894 pubblica Don Candeloro e C.: raccolta
di novelle ambientate nel mondo del teatro,
dove tutti recitano e indossano maschere, ma
questa recita diventa allegoria della recita del
mondo (tema ripreso da Pirandello).
IL CICLO DEI VINTI
Il ciclo di romanzi (prima intitolato La Marea,
poi I Vinti), doveva essere impostato secondo
una logica ascensionale, che partisse dalle classi
più basse, dove i desideri e le passioni sono più
elementari e diretti, e dunque evidenti agli occhi
dell’autore, per arrivare a quelle più elevate, in
cui le passioni sono più sfumate e artefatte
(dunque impossibili da capire solo da
un’osservazione dall’esterno, bisognerebbe
penetrare nella psiche dei personaggi per
comprendere le loro vere intenzioni). Ecco
perché il progetto si ferma a Mastro-don
Gesualdo: Verga aveva iniziato La duchessa di
Leyra, ma per il problema esposto sopra non è
riuscito a concluderlo rispettando le tecniche
narrative veriste.
La raccolta riprende il ciclo di romanzi di Zola.
Avrebbe dovuto comprendere: I Malavoglia,
Mastro-don Gesualdo, La duchessa di Leyra,
L’onorevole Scipioni, Uomo di lusso.
I MALAVOGLIA
Aveva iniziato a lavorare su un bozzetto
intitolato Padron ‘Ntoni. Il romanzo completo
viene pubblicato a Milano nel 1881.
La vicenda
Famiglia di pescatori siciliani, i Toscano,
chiamati ironicamente Malavoglia (in realtà
sono molto laboriosi). Vivono ad Aci Trezza,
nella “casa del nespolo”, e posseggono una
barca, la Provvidenza. Nel 1863 il giovane
‘Ntoni, figlio di Bastianazzo e nipote di padron
‘Ntoni, è costretto ad arruolarsi. C’è una cattiva
annata di pesca, Mena ha bisogno della dote per
sposarsi: padron ‘Ntoni decide allora di investire
in un carico di lupini facendosi aiutare
dall’usuraio zio Crocifisso. Durante una
tempesta il carico si perde e Bastianazzo muore.
La casa viene pignorata: Luca muore nella
battaglia di Lizza; la madre Maruzza è uccisa
dal colera; la Provvidenza, riparata, naufraga
un’altra volta. ‘Ntoni, tornato, non si adatta più
ad una vita di fatiche e inizia a frequentare le
osterie; viene coinvolto nel contrabbando e
finisce per accoltellare la guardia doganale, don
Michele, corteggiatore della sorella minore Lia.
‘Ntoni ottiene una condanna mite, mentre Lia è
costretta a fuggire. Mena non può più sposare
Alfio e padron ‘Ntoni muore. L’ultimo figlio,
Alessi, riesce a riscattare la casa del nespolo.
‘Ntoni, uscito di prigione, torna in famiglia, ma
accorgendosi di non poter più restare, se ne va
per sempre.
Irruzione della storia
Mondo rurale arcaico solo apparentemente
statico (punto di vista deformante del narratore).
Proprio un evento storico rompe l’equilibrio
(rivoluzione industriale).
Sfiducia verso il progresso, rappresentato dal
treno e dalle navi a vapore.
I Malavoglia sono costretti a passare da
pescatori a mercanti, ma falliscono: da
proprietari diventano nullatenenti.
Modernità e tradizione
Opposizione tra ‘Ntoni, lacerato tra tradizione e
modernità, e padron ‘Ntoni che, con la sua
visione tradizionale, porta alla disgregazione
della famiglia.
Fatalismo immobilista e vita di fatiche: ‘Ntoni
non lo accetta, c’è un processo di degradazione.
La vicenda non si conclude con l’equilibrio
finale, comunque parziale (rimangono solo
Alessi e Mena, che non può sposarsi), ma si
conclude con l’allontanamento di ‘Ntoni, che ha
dentro di sé il germe del self-made man, ossia
Gesualdo.
Visione antiidilliaca della campagna: non
paradiso perduto, ma mondo i cui valori sono
impossibili da praticare. Si crea quindi un
opposizione tra due mondi: il mondo primitivo
dei valori positivi dei Malavoglia e il mondo
moderno, dominato dalle leggi del mercato, di
cui fanno parte tutti gli altri abitanti di Aci
Trezza.
Ideale dell’ostrica: ‘Ntoni è l’unico personaggio
che si allontana dal villaggio ed è destinato, alla
fine del romanzo, ad una sorta di “esilio”. Alessi
invece, rimanendo fedele ai precetti del nonno,
riesce a riprendere la casa del nespolo (anche se
comunque non si riuscirà mai a tornare alla
situazione di equilibrio iniziale).
MASTRO-DON GESUALDO
Inizia a scriverlo già prima della pubblicazione
dei I Malavoglia, ma viene pubblicato nel 1888,
per poi essere ripubblicato nel 1889 con delle
modifiche soprattutto strutturali.
La narrazione è divisa in quattro fasi: ascesa,
successo, declino e sconfitta del protagonista,
ossia Gesualdo.
La differenza principale con I Malavoglia è il
fatto che il romanzo sia esclusivamente
concentrato su un’unica figura.
La vicenda
L’azione si svolge nei primi decenni dell’800, in
un’Italia preunitaria. Ci troviamo nella cittadina
di Cizzini, nella provincia di Catania: Gesualdo
Motta, chiamato ironicamente mastro-don
Gesualdo per rappresentare la sua doppia natura,
è un muratore che, con sacrifici e fatiche, è
riuscito ad arricchirsi. Per entrare in contatto
con la classe aristocratica sposa Bianca Trao, di
una famiglia nobile impoverita. Nonostante ciò,
proprio per la sua peculiare natura “bipartita”,
Gesualdo non viene accettato né dagli
aristocratici né dagli umili. Dal matrimonio con
Bianca nasce una bambina, Isabella, che verrà
educata da vera nobile: anche lei però, come il
padre, verrà discriminata dalle sue compagne di
scuola. Ciò porterà ad un rapporto conflittuale
con il padre, che non si risolverà neanche in
punto di morte di Gesualdo. Isabella intanto
viene data in sposa al duca di Leyra, tipico
esponente della classe aristocratica, a causa di
uno scandalo tra lei e il cugino Corrado la
Gunta. Gesualdo, ammalato, viene accolto in
casa della figlia, relegato in una stanza: muore
sotto lo sguardo sprezzante di un servo, che nota
le sue mani, che portano ancora i segni del suo
vecchio lavoro di muratore: nonostante sia
ricco, Gesualdo rimane un umile ai suoi occhi.
Caratteristiche
Bipolarità interna al personaggio stesso: mentre
ne I Malavoglia i Toscano rappresentavano il
polo positivo dei valori, mentre il villaggio il
polo negativo, Gesualdo porta dentro di sé
questa dicotomia bene-male, nonostante pensi
sempre al suo guadagno, desidera comunque un
riconoscimento affettivo da parte delle persone
che ha intorno (che non riceverà).
Gesualdo risulta essere un vincitore
materialmente, ma un vinto sul piano umano ed
emotivo: l’esigenza di affetti autentici lo
rendono consapevole dell’amaro bilancio della
sua vita (alla fine vivrà una sorta di alienazione
dalla sua roba, iniziando ad odiarla).
IL DECADENTISMO
Tra Naturalismo e Decadentismo
Sullo sfondo dello sviluppo scientifico-
tecnologico e industriale, in parallelo
all’ampliarsi di nuove realtà urbane, la cultura
europea si arricchisce della coesistenza di due
tendenze opposte: da un lato l’atteggiamento
oggettivo dello scrittore che, in linea con le
teorie positivistiche, imposta il romanzo come
strumento di analisi scientifica dell’uomo;
dall’altro, l’inabissarsi del poeta nei più segreti
recessi del mondo naturale e nelle profondità
dell’io, guidato dall’intuizione e dal potente
strumento dell’analogia e del simbolo. Non è
una coincidenza, infatti, che il 1857 sia l’anno di
pubblicazione sia di Madame Bovary di
Flaubert, che scava un solco rispetto alla
tradizione romantica, sia de I fiori del male di
Baudelaire.
Lo spazio e il tempo del Decadentismo
Spazio: le grandi città europee, in particolare
Parigi.
Tempo: le prime coscienti manifestazioni del
decadentismo si collocano in Francia tra gli anni
’70 e ’80 dell’Ottocento; Baudelaire con un
anticipo di vent’anni segna già un punto di
svolta rispetto alla cultura romantica.
Economia e imperialismo
Nazionalismo: gli Stati europei, minacciati da
una potenza economica come gli USA, attuano
una politica economica di tipo protezionistico
(si scoraggiano le importazioni di merci
straniere, preferendo l’acquisto di prodotti delle
imprese nazionali). Questa “chiusura” si sposta
anche sul piano politico: i movimenti di destra si
fanno sempre più forti, anche spinti dalle mire
espansionistiche ed imperialiste degli Stati
(ricordiamo l’imperialismo in Africa ed Asia
delle più grandi potenze europee).
La situazione in Italia
Il primo ministro italiano Francesco Crispi
perde l’incarico a causa delle sconfitte in Africa
e agli scandali finanziari. Si verificano scontri in
piazza, repressi in maniera estremamente
violenta dal governo di Pelloux. Il Novecento,
però, si apre con l’assassinio a Modena del re
Umberto I per mano di un anarchico e con
l’ascesa di Giovanni Giolitti, protagonista della
politica italiana dai primi del Novecento fin
quasi alla vigilia della Prima guerra mondiale.
Il termine “decadentismo”
Il termine "decadentismo" deriva dall'aggettivo
francese décadent, usato dal poeta francese Paul
Verlaine nella lirica Langueur, per definire il
proprio stato d’animo nei confronti della società
contemporanea.
Il termine ha due significati espliciti: quello
negativo, usato dalla critica in senso
dispregiativo, riferito alla nuova generazione dei
poeti maledetti che davano scandalo incitando al
rifiuto della morale borghese, ponendosi al di
fuori della norma sia nella produzione artistica
sia nella pratica di vita; e quello positivo,
rivendicato in seguito dai poeti stessi, inteso
come nuovo modo di pensare, come diversità ed
estraneità rispetto alla società borghese,
positivista e caratterizzata da una “cultura di
massa”.
La stessa cultura moderna provoca
nell’individuo noia, languore, indolenza, tutte
frutto di un’insoddisfazione profonda, cupa e
malinconica (Baudelaire chiama questa
sensazione “spleen”).
Rifiuto del positivismo
La ragione e la scienza apparvero insufficienti:
la loro logica era fredda e distaccata, le loro
spiegazioni lasciavano insoddisfatte le domande
più pressanti e le istanze fondamentali dello
spirito. La crisi del positivismo determina la
moltiplicazione di correnti filosofiche di
impronta spiritualistica e irrazionalistica (si
passa dalla ragione all’intuizione): si ricordano
il misticismo di Schopenhauer, il nichilismo di
Nietzsche, il vitalismo di D’Annunzio e
l’intuizionismo di Bergson.
L’artista decadente riconosce la crisi della
società positivista, ma non accusa, ma, anzi,
riconosce la propria responsabilità e accetta la
situazione così com’è: se i romantici credevano
nella possibilità dell’impegno civile e nel fine
educativo dell’arte, i decadenti cercano
l’isolamento e il disordine di una vita
trasgressiva.
Il poeta veggente
Non si ha più il poeta vate del Romanticismo né
il promotore della scienza come
nell’illuminismo, ma un poeta veggente, capace
di vedere mondi invisibili e scoprire
“l’universale corrispondenza e analogia delle
cose” attraversi l’intuizione. Baudelaire, autore
de “I fiori del male” e modello principale dei
poeti simbolisti, introduce il tema dell’analogia
tra le cose nelle “Corrispondenze”: la realtà
viene presentata come un sistema di simboli
collegati tra loro, che possono essere individuati
e compresi solo da alcuni spiriti particolarmente
sensibili (ossia i simbolisti).
La parola poetica serve per decifrare sensazioni
e per illuminare l’oscuro, ma è comprensibile
solo per quegli spiriti capaci di percepire quelle
stesse sensazioni. Dunque, caratteristica
fondamentale di questa corrente è un forte
individualismo e soggettivismo.
Le poetiche
Grazie alla natura intrinseca del decadentismo,
questo movimento diede origine a diverse
correnti, tra cui il simbolismo, il maledettismo,
l’impressionismo, il surrealismo, l’ermetismo, il
futurismo e il crepuscolarismo.
Simbolismo francese: esigenza di trasgressione
dei codici letterari e morali, elaborata dai poeti
maledetti (Verlaine, Rimbaud, Baudelaire). I
grandi poeti vogliono esplorare l'abisso della
coscienza, i misteri che si celano dietro
l'apparenza delle cose.
Estetismo IL DECADENTISMO IN ITALIA
In una società dove tutto è merce, gli esteti e gli Nella ricerca di modelli, gli intellettuali
artisti ammirano e creano arte disinteressata, guardano all’Europa, tentando di
senza che essa porti un guadagno o abbia una sprovincializzare a cultura nazionale.
funzione morale: la bellezza dell’opera d’arte L’affermarsi del Decadentismo è però lento:
risiede nella sua forma, non nel suo contenuto. passa attraverso la Scapigliatura, d’Annunzio e
L'artista espone la propria idea estetica, senza Pascoli. Per questo il Decadentismo italiano
seguire dei codici prestabiliti (soggettivismo, invade lo spazio del secolo successivo e
l’artista descrive ciò che è bello per lui). raggiunge i suoi risultati migliori nel primo
quarto del Novecento, quando Svevo e
Parnassianesimo: tendenza che rivendicava della
Pirandello mettono in scena i fantasmi
purezza dell'arte, perfetta e armonica.
dell’anima e Ungaretti realizza la “poesia pura”,
Il dandy ispirandosi al poeta simbolista Mallarmè.
Nella seconda metà dell’Ottocento si diffondono
una moda e un atteggiamento eccentrici che
prendono il nome di dandismo. Il dandy ricerca
e ostenta un’eleganza stravagante per isolarsi e
distinguersi, affermando uno stile di vita basato
sul rifiuto dell’utilitarismo borghese. Il
dandismo è un fenomeno di opposizione e di
rivolta nei confronti della mediocrità del gusto
di massa. Un dandy molto famoso è Oscar
Wilde.
Centrale è la figura del dandy, uomo raffinato
amante del bello e dell’arte: esempi di questa
figura sono Oscar Wilde, autore de “Il ritratto di
Dorian Gray” e il protagonista del romanzo
“Controcorrente” di Huysmans. Caratteristiche
fondamentali del dandy sono: vocazione totale
al piacere, disprezzo delle masse e ricerca della
bellezza.
GABRIELE D’ANNUNZIO
Breve biografia
Nasce nel 1863 a Pescara da una famiglia
borghese; rapporto con il padre particolare
(prende da lui l’amore per il lusso e la forza;
eredita il cognome dallo zio, del cui patrimonio
è erede; ha 4 sorelle).
11 anni: frequenta il collegio Cicognini di Prato
(ma ben presto inizia ad essere insofferente alla
cultura “arida” che gli impartiscono)
1879: esordisce con la sua prima raccolta
poetica, Primo vere, ispirata alle Odi barbare di
Carducci.
1881: si trasferisce a Roma, dove studia lettere e
filosofia (Bisanzio di Roma); non riesce a
laurearsi in quanto inizia a collaborare con
periodici e testate giornalistiche dove redige
articoli di cronaca mondana e dove pubblica
poesie e prose. Nel 1882 pubblica Canto nuovo
e poi Terra vergine, il suo primo libro di prose.
Nel 1883 sposa la duchessa Maria Hardouin di
Gallese, dopo una fuga per l’opposizione dei
genitori di lei. Nel 1886 escono Le novelle della
Pescara e nel frattempo intraprende una
relazione con Barbara Leoni, lasciando la
moglie. Nel 1889 esce il suo primo romanzo: Il
piacere.
Per fuggire alle ristrettezze economiche e ai
creditori si trasferisce a Napoli, dove collabora
al Mattino. Nel 1892 esce il romanzo
L’innocente, che gli procura larga fama. L’anno
seguente pubblica la raccolta Poema
paradisiaco. Nel frattempo, si consuma lo
scandalo per una nuova relazione amorosa con
la principessa siciliana Maria Gravina Cruyllas.
In questo periodo d’Annunzio legge Nietzsche,
Zola e Wagner e lavora per fronteggiare la
difficile situazione finanziaria. Lasciata Napoli,
d’Annunzio termina il romanzo Trionfo della
morte.
Nel 1895 parte per un viaggio in Grecia, spunto
per la sua prima opera teatrale, La città morta. A
Venezia conosce l’attrice tragica Eleonora Duse.
Nel 1897 il poeta si trasferisce con lei in
Toscana, nella villa della Capponcina. Nel
frattempo, si presenta come candidato della
Destra e viene eletto.
Nel 1900 pubblica il romanzo Il fuoco,
incentrato sul mito del superuomo, mentre tre
anni dopo pubblica la raccolta di liriche
Alcyone. Dopo altre opere teatrali, esce il
romanzo Forse che sì forse che no, ambientato
all’epoca dei primi voli aerei. Nel frattempo,
d’Annunzio è costretto dai debiti ad
abbandonare la villa in Toscana: inizia così il
volontario esilio in Francia.
La prima opera nata in Francia è Il martirio di
san Sebastiano, scritto in francese e musicato da
Debussy. Escono poi sul Corriere della sera le
Canzoni delle gesta d’oltremare, scritte per la
guerra in Libia.
Nel 1915 torna in Italia, inaugurando a Quarto il
monumento ai Mille: qui pronuncia un discorso,
divenendo acclamato interventista dai
nazionalisti. Quando l’Italia entra in guerra, si
arruola volontario con il grado di tenente. Nel
1916 in un atterraggio di fortuna si ferisce un
occhio; durante la convalescenza scrive il
Notturno.
Tornato in guerra compie varie imprese: nel
1918 lancia siluri contro le navi austriache
davanti la costa croata, presso Buccari (la Beffa
di Buccari) e sorvola la città di Vienna
lanciando manifesti tricolori. A guerra finita,
dopo che le nazioni vincitrici non hanno accolto
alla Conferenza di Parigi le rivendicazioni
italiane sull’Istria e la Dalmazia, d’Annunzio
occupa Fiume con un piccolo esercito. Queste
imprese creano il mito del poeta-soldato.
Cacciato da Fiume, d’Annunzio si trasferisce sul
lago di Garda, in una grande villa che chiamerà
Vittoriale degli Italiani.
Nei primi anni di questa volontaria clausura si
rafforza l’immagine di Vate nazionale. Il regime
fascista lo colma di onori (anche se d’Annunzio
avrà sempre rapporti non semplici con il
regime). La decadenza fisica l tiene ormai
lontano dalla vita pubblica: muore nel 1938.
Pensiero
D’Annunzio interpreta con efficacia la
sensibilità di fine secolo, incarnando fino in
fondo i nuovi miti del progresso, della
mondanità, dell’effimero, del vitalismo e
dell’irrazionalismo, ma vivendone anche le
contraddizioni.
Egli mostra fin da subito grande abilità nel
gestire la propria immagine proponendo una
sorta di “culto di sé”: diffonde falsi scoop e si
cimenta in imprese rischiose per acquisire
sempre più fama.
Il culto della bellezza
Il gusto dominante in quel periodo è quello
dell’Estetismo. In lui l’Estetismo è ideale di
vita, una ricerca costante di bellezza in tutti gli
aspetti dell’esistenza umana. Il mito dell’esteta
implica anche una visione aristocratica della
vita: d’Annunzio, infatti, ama vivere in dimore
lussuose e disprezza la volgarità delle masse
borghesi.
L’arte viene concepita come una dimensione
superiore ad ogni altra esperienza umana. In
questa prospettiva il culto della bellezza diventa
l’unico valore possibile sopra tutti gli altri, di
fronte al quale si infrange anche il nuovo ideale
dell’uguaglianza democratica.
Stile e modelli
Fin dagli esordi d’Annunzio ricerca vocaboli
rari e preziosi, difficili da comprendere, al
contrario di Manzoni, che aveva cercato di
riallacciarsi alla lingua d’uso.
I modelli principali per d’Annunzio vanno da
Dante ai poeti trecenteschi, da Boccaccio agli
scrittori del Cinquecento fino a Carducci.
Grecismi, latinismi, vocaboli dei moderni
europei e tecnicismi si accostano formando una
lingua-mosaico.
Il tema del superuomo
La svolta ideologica di d’Annunzio avviene con
la scoperta della teoria del superuomo di
Nietzsche. Nel confrontarsi con il filosofo, però,
riprende solo alcuni aspetti, quelli più
aggressivi, vitalistici e individualistici. In questo
modo egli innesta sul mito dell’esteta, dedito
esclusivamente al bello, un’ideologia di
potenza. Tra gli elementi del pensiero di
Nietzsche che d’Annunzio riprende troviamo:
-la polemica antidemocratica, con l’elogio della
virtù di stirpe e il senso di decadenza della
società contemporanea;
-l’esaltazione della vita e dei sensi (ripresa del
concetto di dionisiaco e apollineo);
-l’individuo eccezionale che si pone al di sopra
e al di fuori di ogni limite sociale e al di là della
morale. Il poeta-esteta, grazie all’arma della
parola, diviene il superuomo-tribuno che
controlla le masse.
Non riprende però da Nietzsche la critica al
progresso e alle ideologie (morte di Dio).
D’ANNUNZIO NARRATORE
Sin dagli esordi, d’Annunzio ribalta il canone
veristico dell’impersonalità nel suo esatto
contrario: una personalizzazione del racconto,
alternando il punto di vista di un narratore
onnisciente con quello dei personaggi.
Abbandona la tematica sociale, focalizzandosi
su ritratti psicologici di personaggi che
appartengono alla classe alto-borghese o alla
nobiltà.
Il binomio arte-vita
La prevalenza della dimensione soggettiva
comporta l’intreccio del racconto con il vissuto
personale dell’autore, in uno scambio continuo
fra arte e vita. D’Annunzio usa la letteratura per
costruire un’immagine “divina” di sé. La
presenza dell’autore nell’opera non assume una
forma direttamente autobiografica, ma è una
proiezione narrativa.
Emerge un ricorso alla tecnica del monologo
interiore, che consente di affondare nella vita
interiore del personaggio. Il tempo tende a
dilatarsi, in quanto filtrato dalla coscienza dei
personaggi: gli eventi quindi vengono presentati
in maniera non lineare.
La sconfitta del superuomo
I protagonisti dei romanzi sono esteti,
celebratori della bellezza, ma, alla fine, restano
vittime del loro stesso velleitarismo. Quando
falliscono nel loro tentativo di
autoaffermazione, sono condannati al
ripiegamento e alla sconfitta. La disfatta
dell’esteta e la sconfitta del superuomo
costituiscono una costante nella produzione
dannunziana.
Un ibrido narrativo
Il romanzo dannunziano è una sorta di
organismo ibrido costituito da pezzi che
nascono come episodi autonomi e poi vengono
legati assieme e rielaborati entro uno schema
narrativo. Viene privilegiata la descrizione e
l’introspezione.
I Romanzi della Rosa
Il piacere (1889)
Libro I
Andrea Sperelli, 31 dicembre 1886, aspetta l’ex-
amante Elena Muti a Palazzo Zuccari. Durante
l’attesa Andrea ricorda il loro addio dell’anno
prima. Dopo l’arrivo di Elena, Andrea ricorda
anche il loro primo incontro, avvenuto nella
villa della marchesa di Ateleta, cugina di
Andrea; il giorno dopo si incontrano ad un’asta
di oggetti antichi in via Sistina, venuto a sapere
che Elena è malata, Andrea chiede e ottiene di
essere ricevuto da lei. Inizia la narrazione
dell’idillio della loro relazione. Una sera,
tornando a cavallo dall’Aventino, Elena
annuncia di dover partire. Andrea quindi, per
distrarsi seduce 7 nobildonne, per poi
incapricciarsi di Ippolita Albonico, il cui
amante, Giannetto Rutolo, in un duello, lo
ferisce gravemente.
Libro II
Viene ospitato dalla cugina nella villa
Schifanoja, sul mare di Rovigliano. Il 15
settembre arriva Maria Ferres con il marito,
ministro plenipotenziario del Guatemala, che
riparte subito, e la figlia Delfina. Andrea subito
si innamora della donna, perché ha una voce
simile a quella di Elena. Il giovane quindi si
dichiara, ma non ottiene risposta: il diario di
Maria ci rivela che è ricambiato e la donna cede
solo il 4 ottobre, durante una cavalcata nella
pineta di Vicomile. Al ritorno del marito i due
sono costretti a separarsi. Donna spirituale ed
eletta, ricerca, artificiosa, di purezza in un
paesaggio autunnale.
Libro III
Rientrato a Roma, Andrea riprende a sedurre
donne. Rincontra Elena, ma, recatosi a casa sua
(Palazzo Barberini), è costretto a fuggire
all’arrivo del marito. Si reca quindi da Maria e
la sera dopo i due si incontrano in un concerto
alla sala dei Filarmonici, dove arriva anche
Elena. Una volta partita Maria, Elena invita
Andrea ad accompagnarla in carrozza e nel
tragitto incrociano una folla di manifestanti per i
fatti di Dogali: prima di lasciarsi si baciano.
Sperelli inizia a definirsi chimerico e
inconsistente. A Villa Medici, durante una
passeggiata, Andrea e Maria si baciano.
Libro IV
Respinto da Elena, Andrea viene a sapere che il
marito di Maria è stato sorpreso a barare al
gioco. Maria, forte, gli promette di rimanergli
fedele. Dopo aver visto Elena uscire di casa per
andare dal nuovo amante, Andrea torna nel
rifugio di Palazzo Zuccari dove, durante
l’ultima notte con Maria, pronuncia il nome di
Elena. Maria, inorridita, lo lascia. Il 20 giugno si
svolge l’asta dei mobili dei Ferres.
Dissolvimento del suo cuore. Fugge alla vista di
Elena e verso sera rientra nelle stanze dove
Maria aveva vissuto, ora vuote, con i facchini
che trasportano l’armadio da lui comprato.
Caratteristiche
La fabula e l’intreccio tendono a non coincidere:
per buona parte del testo ci sono numerosi
flashbacks. Roma tendenzialmente barocca, in
cui proliferano oggetti che rispondono al culto
della bellezza di Andrea. Amante della pittura
dei preraffaelliti (prima del Rinascimento),
esigenza di eccentricità, amante dello Stilnovo,
amante di una bellezza che deve essere però
originale.
Lo stile è prezioso, enfatico, che si avvale di una
sovrabbondanza di aggettivi; il lessico è colto,
carico di arcaismi, ricco di latinismi e termini
rari.
L’innocente (1891-1892)
Dopo la lettura dei romanzi russi (in particolare
Dostoevskij), inizia ad addentrarsi nella
coscienza per riconoscerne la patologia. Storia
tragica di un infanticidio: uccisione di un
neonato da parte del protagonista. Tullio Hermil
viene a conoscenza del tradimento della moglie,
rimasta incinta: arriva anche al punto di
perdonare la moglie, ma non riesce ad accettare
la nascita del bambino, incarnazione del
tradimento. Non resiste alla pulsione
dell’uccisione del bambino. Tullio sviluppa una
sorta di personalità multipla: percepisce dentro
di sé la presenza di molteplici personalità, che
gli si oppongono.
Trionfo della morte (1894)
Il protagonista Giorgio Aurispa cerca una
soluzione ad una malattia interna, crede di
trovare conforto nella vita familiare, ma la
figura del padre gli crea ancora più problemi.
Decide dunque di spostarsi in Abruzzo con
l’amata Ippolita (chiamata però la Nemica), ma
si sente disgustato dal mondo barbarico e
primitivo del luogo. L’unica soluzione è il
superomismo, ma, consumato dalla lussuria, non
è capace di portarlo fino in mondo. Con la sua
morte, D’Annunzio sembra purificarsi.
Emerge un protagonista dalla personalità
complessa e autodistruttiva: con il suicidio il
protagonista realizza però il mito del
superuomo, rivelando l’inconciliabilità tra sé e
le leggi del mondo e ritrovando la sua “volontà
di potenza” (ma è privo delle connotazioni
idealistiche di Ortis).
GLI ALTRI ROMANZI
Le vergini delle rocce (1895): il
protagonista, Claudio Cantelmo, è un eroe
sicuro di sé, alla ricerca di una donna
dell’aristocrazia borbonica che possa
accompagnarlo nel percorso della creazione del
superuomo; il vitalismo esasperato sembra voler
esorcizzare la paura per la morte. Claudio
vorrebbe scegliere Anatolia, incarnazione di una
regina, ma ella è legata al destino della sua
famiglia: quindi sceglie Violante, donna che
incarna un eros perverso e distruttivo.
Il fuoco (1900)
Racconta le vicende dell’inquieta relazione tra il
giovane Stelio Effrena, incarnazione dell’artista-
superuomo, proiezione dell’autore stesso, e
Foscarina, matura attrice drammatica ispirata
alla figura di Eleonora Duse. Lo sfondo del
romanzo è costituito da Venezia, che diventa
luogo di decadenza e di morte. Stelio lavora ad
un’opera d’arte totale, sintesi di musica, poesia
e danza, da trasmettere al volgo per dare nuovo
vigore al Genio italico. Il suo modello esplicito
è Wagner. Percorre tutto il romanzo l’idea
tragica della morte del Belo e dell’Arte, travolti
dal tempo, dal gusto borghese e dai nuovi valori
imposti dalla logica dell’utile e del mercato.
Forse che sì forse che no (1910): unico
romanzo in cui il protagonista vince. Paolo
Tarsis vive una serie di esperienze che attingono
alla cronaca dell’attualità: macchine, aerei, arte
cinematografica. Tarsis si cimenta in una serie
di spericolate imprese, specchio di un esasperato
individualismo.
IL NOVECENTO
Il nuovo secolo inizia mostrando
un’inquietudine e un disordine che si
intensificherà fino a condurre l’Europa allo
scoppio della Prima guerra mondiale. In un
clima di trasformazioni e di tensioni si assiste
allo scardinamento delle certezze positivistiche
(nascono movimenti d’avanguardia come
l’astrattismo, l’esistenzialismo e il futurismo).
Il contesto storico
Tra il 1870 e il 1914 si colloca la seconda
rivoluzione industriale. Inizia l’era del
capitalismo organizzato, in cui le industrie si
coordinano tra loro stipulando accordi e
costituendo monopoli. Gli Stati europei
estendono il proprio dominio su territori
extraeuropei, per procurarsi materie prime a
basso costo (imperialismo). Le strategie di
dominio colonialistico si basano sul mito della
superiorità della razza bianca e sul
nazionalismo, fondato sulla convinzione della
supremazia di una nazione.
La situazione in Italia
Dopo l’unità politica il governo italiano passa
dalla Destra alla Sinistra. Nasce il Partito
socialista italiano.
Dopo il fallimento del governo autoritario di
Crispi con la sconfitta ad Adua sale al potere
Giovanni Giolitti: nell’età giolittiana lo Stato
ricerca l’imparzialità nei conflitti tra datori di
lavoro e classe lavoratrice, mentre la politica
economica protezionistica favorisce l sviluppo
industriale.
La Prima guerra mondiale e le sue
conseguenze
La cosiddetta Grande Guerra (1914-1918)
costituisce uno spartiacque tra due mondi. Nel
cuore dell’Europa si ha la dissoluzione
dell’Impero austro-ungarico e crolla la
monarchia in Germania, sostituita dalla
Repubblica di Weimar. L’instabilità politica e
l’incerta situazione economica, anche a causa
del crollo della borsa di Wall Street, favoriscono
l’avvento del Partito nazionalsocialista di Hitler.
Sul versante dell’Europa orientale si assiste alla
fine dell’assolutismo zarista, seguito dal colpo
di stato dei Bolscevichi guidati da Lenin
(Rivoluzione d’ottobre). Il successo del modello
totalitario di Lenin affascina il movimento
operaio di tutto il mondo, determinando la
nascita di partiti comunisti nazionali.
L’urbanizzazione e la società di massa
Nelle metropoli si va stabilizzando la classe
operaia, mentre l’impiego nel settore terziario
determina l’espansione del ceto medio. A queste
evoluzioni sociali si accompagnano la
diffusione dell’istruzione obbligatoria e le
innovazioni tecnologiche come automobili,
radio e telefoni. Iniziano ad omologarsi i bisogni
non sono materiali, ma anche psicologici e
spirituali: la pubblicità influenza il gusto della
massa, mentre cinema, editoria e stampa creano
un nuovo scenario di vita.
Freud e la psicoanalisi
Il nuovo secolo si apre con una teoria che
modificherà la concezione dell’uomo e della sua
interiorità: la psicoanalisi, fondata dal medico
austriaco Sigmund Freud e diffusa con la
pubblicazione de L’interpretazione dei sogni nel
1899.
Le ricerche di Freud nascono in un clima
culturale governato dalla medicina positivista,
che si muove tra determinismo e
meccaniscismo, ritenendo che la psiche sia
influenzata da fattori biologici ed ereditari, e che
i suoi problemi siano curabili con rimedi esterni.
Nello studio di alcune forme di alterazione della
psiche (come l’isteria), Freud constata
l’insufficienza delle terapie tradizionali (come
l’ipnosi). Giunge alla conclusione che le vere
motivazioni di tali disturbi non sono visibili né
dall’esterno né dal malato stesso, ma affondano
le radici in una zona nascosta, l’inconscio.
Nell’Interpretazione dei sogni, Freud rivela la
centralità che il sogno riveste nella vita psichica
dell’individuo: in esso la censura che la
coscienza impone durante la veglia a desideri
ritenuti immorali si allenta, favorendo il
riaffiorare di quanto è stato inconsapevolmente
rimosso.
Nella teoria della psicoanalisi fondamentale è la
dimensione della sessualità: secondo Freud la
sfera sessuale dell’individuo è regolata dalle
pulsioni. Mentre le pulsioni di auto-
conservazione vengono liberamente manifestate,
i desideri suscitati dalle pulsioni sessuali
vengono lasciati nell’ombra, perché sentiti come
immorali. Per quanto invisibili alla coscienza,
queste pulsioni possiedono un’energia, la libido,
che trova sfogo nei sogni e nelle nevrosi.
Psicoanalisi e letteratura
I segnali di una dissoluzione dell’io e gli indizi
di una crisi del soggetto erano già presenti nel
pensiero di fine Ottocento. L’avvento della
psicoanalisi potenzia queste tendenze, fornendo
una base per esplorare nel profondo la realtà
interiore dell’animo umano. Questa ricerca
alimenta il rinnovato interesse nei confronti dei
temi del doppio e del sogno. Dal punto di vista
delle tecniche espressive, prevale la logica della
dispersione, del frammento: nasce il flusso di
coscienza, che riproduce il libero fluire dei
pensieri e delle sensazioni, tenuti assieme dalla
forza analogica e associativa (Joyce e Woolf).
Al narratore onnisciente e al canone della
narrazione impersonale si affiancano nuovi e
incerti punti di vista (Svevo e Pirandello),
mentre il tempo dell’esistenza diventa un tempo
fortemente interiore. I personaggi non sono
caratterizzati da un io definito e riconoscibile,
ma è un io complesso, problematico e
contraddittorio. Svelano l’assurdo dell’esistenza
(Kafka) e la mutevolezza dei punti di vista.
Spesso personaggi del genere sono anche
narratori inattendibili: potrebbero anche
mentire, persino a sé stessi, modificando o
tacendo ricordi (si tratta di meccanismi di auto-
difesa dell’inconscio).
La crisi della scienza
Bergson e il tempo della coscienza
Anche il concetto di tempo subisce una
profonda rivisitazione: il tempo della fisica si
riduce d’importanza rispetto al tempo della
coscienza. Il filosofo francese Henri Bergson
oppone all’idea di un tempo irreversibile,
scandito dalle lancette dell’orologio, il tempo
della coscienza, ossia la durata. Si tratta di un
tempo “qualitativo”, in cui i momenti non sono
identici tra loro e misurabili; si presenta come
un flusso.
La relatività di Einstein
Conseguenza diretta degli studi di Einstein sulla
relatività del concetto di moto e del concetto di
tempo mette in crisi la concezione di tempo
assoluto: per un osservatore che viaggia a
velocità vicine a quelle della luce, il tempo
scorrerà più lentamente rispetto a un osservatore
che sia in stato di quiete. I concetti di spazio e
tempo non sono più indipendenti l’uno
dall’altro: si parla di quarta dimensione, ossia
dello spaziotempo.
LA PROSA ITALIANA DEL
PRIMO NOVECENTO
Gli schemi romanzeschi più tradizionali si
accompagnano a un’esplorazione complessa
della soggettività. La linea del realismo continua
ad esercitare influenza su molti scrittori, ma si
tratta di un’adesione esteriore, su cui
s’innestano spinte diverse, derivate dal
simbolismo decadente e dalle scoperte nel
campo della psicoanalisi. La produzione
narrativa di questo periodo è multiforme: si
tratta di tanti casi isolati che, per la loro
eccentricità rispetto ai modelli contemporanei
italiani, non fanno scuola.
La narrativa femminile
L’elemento di fondo della narrativa femminile è
una dimensione autobiografica, in cui narrare
non solo le proprie vicende, ma anche
rappresentare la storia dal punto di vista delle
donne: proprio per questo pongono particolare
attenzione ai problemi sociali del tempo.
Le maggiori esponenti sono Grazia Deledda,
autrice sarda di romanzi di impianto verista
(come Canne al vento, 1913) e vincitrice del
Premio Nobel, e Sibilla Aleramo, antifascista e
vicina al Partito comunista (di cui si conserva un
carteggio d’amore con Dino Campana).
La poetica del frammento
A partire dal 1908, quando viene fondata la
rivista La voce, inizia a diffondersi la cultura del
frammento: l’obiettivo è esprimere in poche
parole il proprio pensiero e i moti dell’animo.
Questa cultura del frammento non segue gli
schemi del naturalismo e del decadentismo,
rifiutando l’idea di romanzo nella sua
concezione classica (ossia una narrazione
lunga), come faranno soprattutto i futuristi.
Il risveglio del romanzo
Negli anni ’20 del Novecento si assiste a un
risveglio del romanzo dopo che il critico e
scrittore Giuseppe Antonio Borgese, aveva
invitato gli scrittori a superare la poetica del
frammento e a recuperare la letteratura
naturalista e verista.
Nel 1929 esce il romanzo Gli indifferenti, primo
di una serie dedicata da Alberto Moravia
all’analisi lucida dei vizi della borghesia. In
Federigo Tozzi l’impalcatura naturalista si
fonde con un’esplorazione della soggettività.
La linea meridionalista
I prodotti più significativi della “linea
meridionalista” sono Gente in Aspromonte
(1929) di Corrado Alvaro e Fontamara (1933)
di Ignazio Silone. Caratteristica fondamentale di
questo orientamento è la ripresa del Verismo,
superato però da un punto di vista formale e
ideologico, in virtù della maggiore
consapevolezza critico-sociale di questi autori.
Il tema del ritorno alle radici comporta anche
l’assunzione di toni mitico-magici e lirici
riprendendo il Surrealismo, soprattutto in
Alvaro.
FEDERIGO TOZZI
Breve biografia
Nasce a Siena nel 1883, figlio di un uomo
violento e autoritario. Espulso per cattiva
condotta dal Seminario Arcivescovile e
dall’Istituto di Belle Arti, Tozzi passa infine alle
scuole tecniche. Dopo un’esperienza come
giornalista a Roma, viene assunto presso le
Ferrovie dello Stato. Nel 1913 fonda con
Domenico Giuliotti la rivista La Torre,
d’impronta cattolica e reazionaria, che suscita
aspre polemiche e chiude dopo un anno. Nel
1914 torna a Roma, dove frequenta Pirandello,
Grazia Deledda e Sibilla Aleramo. Nel 1918
scrive il romanzo Tre croci e due anni dopo Con
gli occhi chiusi. Muore a Roma nel 1920.
Tra naturalismo e decadentismo
Pur essendo uno scrittore realista, filtra sempre
la realtà attraverso la sua coscienza. Il suo
interesse per il tema dell’inettitudine lo
accomuna a Svevo e Pirandello, a cui si
aggiunge anche un difficile rapporto con il
padre autoritario, sempre ripreso nei suoi
romanzi.
I personaggi di Tozzi sono proiezioni
autobiografiche, destinati al fallimento, e la
maggior parte dei racconti sono ambientati a
Siena, luogo dove l’umanità è angosciata,
emarginata e crudele, quasi assimilata agli
animali.
Con gli occhi chiusi
Si tratta di una sorta di romanzo di formazione
alla rovescia. Nucleo centrale è l’estraniamento
dal reale di cui è vittima Pietro Rosi, figlio del
violento Domenico e della debole Anna. Egli
vive “a occhi chiusi”, in una dimensione
allucinata e visionaria. Inibito da un vero e
proprio complesso edipico e ostacolato dal
padre. Pietro non riesce a concretizzare il suo
amore per Ghisola, la contadina bella e scaltra
di cui si è innamorato e che si trasferisce a
Firenze, finendo mantenuta da un agiato
commerciante. Nell’ultima scena del romanzo
Pietro, ancora incredulo, la scopre incinta di un
altro, in una casa di tolleranza.
Il titolo del romanzo suggerisce simbolicamente
un atteggiamento conoscitivo che implica la
scelta consapevole della cecità, un ripiegamento
volontario del protagonista nel proprio universo
interiore.
La scrittura, influenzata da uno stile “vociano”,
è frammentaria e discontinua. Nonostante
un’apparenza realista, prevale la dimensione
dell’inconscio.
ALBERTO MORAVIA
Alberto Pincherle nasce a Roma nel 1907 e
studia da autodidatta a causa di una forma di
tubercolosi ossea che lo costringe a lunghi
ricoveri. Dal 1927 inizia a lavorare come
giornalista, firmandosi “Pseudo”, a causa
dell’ostilità del regime fascista. Dopo aver
esordito nel 1929 con Gli indifferenti, pubblica
alcuni romanzi duramente osteggiati dal regime
fascista. Nel 1941 sposa la scrittrice Elsa
Morante. Pubblica il breve romanzo Agostino,
dove la tematica sessuale, associata a sentimenti
di disgusto, diviene metafora dell’iniziazione
alla vita degli adulti.
Dopo la guerra inaugura la cosiddetta “fase
romanza”, che annovera titoli come La romana
e La ciociara. Nel 1960 pubblica il romanzo
saggistico La noia, che denuncia la falsità della
vita borghese. Moravia si è cimentato anche nel
genere teatrale e nel reportage di viaggio. Muore
a Roma nel 1990.
Gli indifferenti
Romanzo con un intreccio complesso ma un
impianto saldamente unitario, steso in uno stile
sobrio che ricorda quello dei romanzi di
Pirandello. Tema centrale è la crisi di valori
della classe borghese.
Trama e struttura
La struttura del romanzo ricorda quella di
un’opera teatrale: si concentra solo su cinque
personaggi e ne racconta soltanto due giorni di
vita. La vedova Mariagrazia Ardengo ha due
figli, Carla e Michele. Per far fronte alla noia
che la opprime, Carla finisce per sposare, seppur
controvoglia, l’amante della maddre, Leo
Merumeci, uomo d’affari privo di scrupoli, che
s’impadronisce della villa degli Ardengo
approfittando delle loro difficoltà economiche.
Michele diventa a sua volta amante di Lisa,
sebbene non ne sia innamorato.
La struttura del romanzo è bipartita: nei primi
otto capitoli il narratore è esterno, mentre dal
capitolo nono il punto di vista della narrazione è
quello di Michele.
Il titolo
Allude all’indifferenza come atteggiamento
tipico dell’uomo moderno, incapace di
instaurare un rapporto autentico con gli altri.
Moravia descrive l’impotenza di chi non si
adegua alle regole spietate della vita,
rinchiudendosi in un’inerzia e un’indolenza
totalizzanti. L’unico percorso possibile risulta
accettare passivamente l’esistenza nella sua
negatività.
Interpretazioni del romanzo
I due giovani protagonisti si scontrano, in un
vero e proprio conflitto generazionale, con il
mondo degli adulti, governato dal denaro e dal
sesso. L’ingresso dei giovani nel mondo degli
adulti è segnato da una perdita della purezza
originaria. Per questo il romanzo può anche
essere letto come un rovescio del romanzo di
formazione, in cui il giovane non riesce a
costruire una propria personalità autentica, ma
viene de-formato dal contatto con l’ipocrisia
degli adulti.
CORRADO ALVARO
Breve biografia
Figlio di un maestro elementare, nasce in
provincia di Reggio Calabria nel 1895 e
trascorre la sua infanzia nell’Aspromonte. Dopo
gli studi compiuti a Roma e Catanzaro, si dedica
all’attività poetica e di traduttore. Partecipa alla
Prima guerra mondiale, dove viene ferito alle
braccia. Il passaggio al servizio sedentario
coincide con l’inizio dell’attività giornalistica.
Costretto dai fascisti ad abbandonare il
giornalismo, si trasferisce a Berlino, qui
pubblica varie raccolte dei racconti usciti sui
giornali, tra cui Gente in Aspromonte. Nel 1938
esce L’uomo è forte, inteso a rappresentare la
soffocante realtà del sistema totalitario. Nel
dopoguerra fonda con altri intellettuali il
Sindacato nazionale degli scrittori. Il suo
romanzo Un treno nel sud vince il Premio
Strega. Muore a Roma nel 1956.
Gente in Aspromonte
Il racconto lungo (o romanzo breve) viene
pubblicato sulla rivista Pegaso e poi raccolto in
un volume, insieme ad altri dodici racconti, tutti
dedicati al tema del mondo contadino calabrese.
Ambientato tra la fine dell’800 e l’inizio del
900, narra la storia di Antonello, figlio di un
pastore, che tenta di risollevare le sorti della
famiglia, gettata in disgrazia dal padrone
Mezzatesta. In maniera simile alla vicenda dei
Malavoglia, Alvaro racconta l’impossibilità
dell’emancipazione sociale della famiglia. Dopo
tanti anni di sacrifici, Antonello non riesce più a
subire ingiustizie e soprusi e, bruciati i poderi di
Mezzatesta, si consegna ai carabinieri. Modelli
dell’opera sono i racconti verghiani di Vita dei
campi e, per le suggestioni della prosa d’arte, il
d’Annunzio delle Novelle della Pescara.
Un realismo mitico e magico
Coesistono una dimensione lirica, connessa al
fascino del mondo primitivo della Calabria, cui
è molto legato grazie ai ricordi, e una
dimensione saggistica, collegata ad una
riflessione etica, nell’esigenza di stabilire un
rapporto tra letteratura e società.
Trasfigurazione del reale: partendo dalla realtà
egli mira a oltrepassare il puro dato oggettivo
per cogliere qualcosa di più profondo.
ITALO SVEVO
Breve biografia
Il vero nome di Italo Svevo è Aron Hector
Schmitz, un nome ebraico. Lo scrittore nasce a
Trieste nel 1861 da genitori ebrei. Il padre,
commerciante, orienta il figlio verso gli studi
commerciali; tuttavia, Hector scopre la propria
predilezione per la letteratura.
Nel 1880 a causa di serie difficoltà economiche
del padre, Hector lascia gli studi e inizia a
lavorare in banca. Iniziano per lui anni in cui
una vita professionale piatta e mortificante si
oppone allo slancio creativo di scrittore.
Frequenta assiduamente la biblioteca cittadina,
compiendo vaste ed eterogenee letture e
studiando i classici italiani.
Nel 1892 pubblica a proprie spese il suo primo
romanzo, Una vita, firmandolo con il nome di
Italo Svevo. Lo pseudonimo riflette la
consapevolezza di trovarsi al confine tra Italia e
Impero asburgico, alla confluenza tra cultura
italiana e influenze mitteleuropee. Il primo
romanzo non avrà successo di critica né di
pubblico. Dopo aver perso i genitori e il fratello,
si sposa con Livia Veneziani.
Sul quotidiano L’Indipendente esce a puntate
nel 1898 il suo nuovo romanzo Senilità. Anche
questa volta non ottiene nessun riscontro
positivo dalla critica o dal pubblico; decide così
di abbandonare la strada della letteratura.
L’anno successivo lascia l’impiego in banca e
sceglie di lavorare nell’impresa del suocero:
iniziano allora i suoi viaggi per lavoro in
Europa.
Viaggiando Svevo si trova nella necessità di
aggiungere alla conoscenza del francese e del
tedesco anche quella dell’inglese: inizia perciò a
prendere lezioni da James Joyce nel 1907.
L’incontro con lo scrittore irlandese è casuale,
ma si rivela cruciale: Svevo, infatti, fa leggere a
Joyce i suoi due romanzi e ne riceve in cambio
lodi e entusiasmo.
Intorno al 1911 Svevo incontra la psicoanalisi: il
cognato inizia a Vienna un’analisi con Sigmund
Freud. Nel frattempo, l’Europa si avvia a
grandi passi verso la Prima guerra mondiale e la
famiglia di Svevo è costretta a rifugiarsi fuori
dall’Italia. Solo Svevo, in quanto cittadino
austriaco, può rimanere a Trieste. Lo scrittore
approfitta di alcuni anni di relativa tranquillità,
nei quali il ritmo lento del lavoro gli permette di
lavorare al terzo romanzo, La coscienza di Zeno,
pubblicato nel 1923, sempre a proprie spese.
Svevo invia a Joyce una copia de La coscienza
di Zeno: lo scrittore irlandese gli consiglia di
spedirlo ad alcuni intellettuali europei. Nel
frattempo, in Italia ne scrive il poeta Eugenio
Montale: scoppia così il “caso Svevo”. Una
volta ottenuto il riconoscimento, Svevo può
finalmente dedicarsi del tutto alla letteratura e
seguire le traduzioni dei suoi romanzi.
Nell’aprile 1928 inizia il suo quarto romanzo,
continuazione de La coscienza di Zeno,
generalmente indicato con il titolo Il vecchione:
non riuscirà a portarlo a termine. Perché nello
stesso anno muore.
Il pensiero
I modelli
La narrativa di Svevo segue la poetica del
romanzo naturalista francese, in particolare
Zola, Balzac, Stendhal e Flaubert. Egli narra
vite e descrive ambienti secondo intenti
positivistici: è interessato alla descrizione
obiettiva della realtà. In particolare, il suo
approccio privilegia una continua attenzione
agli aspetti psicologici. Subisce una forte
influenza anche dal romanzo russo, rielaborando
però questi modelli.
Novità rispetto ai modelli
Lo spirito oggettivo del naturalismo viene
applicato a una figura esistenziale precisa,
quella dell’inetto: l’individuo che, inadatto
rispetto alla società e alla vita, mai sicuro di sé,
conduce la propria esistenza senza poterla
governare (riferimenti alle leggi di Darwin).
Viene ripreso il pensiero di Schopenhauer, con
riferimento alla differenza tra individui lottatori
(coloro che cercano di affermarsi per realizzare i
propri desideri) e individui contemplatori (non
possono affermarsi, tendono ad osservare la
vita, piuttosto che agire). In ogni romanzo il
protagonista è un individuo contemplatore,
mentre gli “antagonisti” sono individui lottatori.
Specialmente ne La coscienza di Zeno
l’impianto ottocentesco risulta sovvertito: la
narrazione lineare viene sostituita da un
raggruppamento a episodi, si incontra un tono di
divagazione apparentemente irregolare.
Il narrare di Svevo
Il personaggio dell’inetto è al centro dei
romanzi di Svevo: cambiano nomi e contesti,
ma la caratterizzazione rimane simile. Accanto
ai protagonisti, si ritrovano però altre tipologie
ricorrenti tra i personaggi: prima fra tutte la
figura dell’antagonista, di solito un personaggio
vincente (Macario in Una vita, Stefano Balli in
Senilità e Guido Speier ne La coscienza di
Zeno. Ricorrente anche il personaggio
femminile superficiale e affascinante (Annetta,
Angiolina, Ada), a cui si affianca la figura
opposta, una donna pacata (Lucia, Amalia,
Augusta).
L’autobiografia come spunto narrativo
Esiste un forte intreccio tra la biografia di Svevo
e i suoi romanzi: Una vita è incentrato sulla
storia di un letterato insoddisfatto; Senilità
descrive l’andamento di un rapporto amoroso
che lo scrittore visse realmente; La coscienza di
Zeno ripercorre le tappe fondamentali della vita
di un personaggio le cui vicende esistenziali
presentano una certa affinità con quelle di
Svevo. Lo spunto autobiografico è però solo un
pretesto per parlare di individui e del loro
disagio. Svevo ha un rapporto complesso con i
suoi personaggi: non è il personaggio ad imitare
l’autore, ma il contrario.
La strana lingua di Svevo
Uno dei tratti caratteristici della prosa di Svevo
è l’uso di una lingua “strana”. Talvolta ai limiti
della correttezza grammaticale e ortografica. La
base delle inesattezze è la contaminazione tra
l’italiano e il tedesco. Alcuni esempi sono:
-uso di preposizioni errate per le reggenze
dell’infinito (“ero riuscito di far accettare” al
posto di “ero riuscito a far accettare”);
-i critici hanno rilevato dialoghi artificiosi o
alcune scelte lessicale “goffe”.
I ROMANZI
UNA VITA (1892)
Alfonso Nitti, lasciato il suo paese, trova
impiego presso la Banca Maller di Trieste. Egli
è un intellettuale e considera frustrante il lavoro
in baca. Come rimedio frequenta la biblioteca
cittadina, dove si immerge nella lettura dei
classici. Come tutti gli impiegati della banca,
anche Alfonso viene invitato nel salotto di casa
Maller, dove il suo profilo di intellettuale ha un
certo successo. La frequentazione della casa
porta all’incontro con la figlia del principale di
Alfonso, Annetta. Alfonso riesce nel progetto di
sedurla, ma anziché dare una svolta alla propria
carriera, lascia Trieste e torna al paese natale,
dove la madre muore. Ritornato in città dopo
qualche tempo, trova Annetta sposata con
Macario, avvocato di successo. Le chiede un
appuntamento, ma lei vi manda il fratello. Ne
esce una lite e una sfida a duello, ma nella notte
precedente Alfonso si toglie la vita.
Caratteristiche
Sono presenti riferimento alla vicenda
autobiografica dell’autore.
Alfonso prova a ritagliarsi un ruolo
d’intellettuale, fondato sulla presunzione di una
cultura superiore, che però il mondo non gli
riconosce.
Il suicidio è l’unica possibile via di fuga dalla
velleità, ossia dall’ambizione di poter realizzare
cose impossibili.
Contrasto città/campagna: mentre la città
corrisponde alla dimensione di un presente
soffocante, alla campagna corrisponde
l’idealizzazione del tempo passato dell’infanzia.
A un primo livello il romanzo presenta i tratti
tipici del romanzo naturalista francese; tuttavia,
ogni azione o sensazione del protagonista viene
scomposta ed esaminata, dando al protagonista
una centralità e una dilatazione nuova nel
romanzo italiano (si parla di romanzo d’analisi).
Inoltre, le azioni del protagonista sono
imprevedibili (al contrario dei personaggi
veristi, le cui azioni obbedivano a leggi
meccanicistiche).
Riferimento alla filosofia di Schopenhauer:
Alfonso agisce spinto da un’insoddisfazione
perenne, dovuto all’impossibilità di soddisfare il
suo desiderio di affermarsi superando i propri
limiti. Secondo il filosofo l’uomo è condannato
all’infelicità proprio perché desidera.
SENILITA’ (1898)
Emilio Brentani, impiegato e letterato, si
innamora di Angiolina, una ragazza di “facili
costumi”, che lui però idealizza, trasformandola
quasi in una “donna angelo”. Il suo primo
intento è quello di educarla all’emancipazione e
alla parità dei sessi, ma presto subentra in lui un
desiderio di avventura e di amore. L’amico
Stefano Balli, scultore che ha molto successo
con le donne, cerca di aiutarlo, ma Angiolina è
instabile e tenta addirittura di sedurre Balli. La
gelosia di Emilio si inasprisce e l’amico diventa
un antagonista. Quando poi scopre che anche
sua sorella Amalia si è innamorata di Balli,
Emilio cerca di allontanarla da lui: vi riuscirà,
ma la sorella si darà all’alcolismo, morendone.
Emilio intanto lascia Angiolina, pur
continuando a vivere nel ricordo di lei.
Caratteristiche
Doveva avere un titolo diverso, Il carnevale di
Emilio, con allusione alla tendenza del
protagonista a immaginare sé stesso e gli altri
come se fossero in maschera. Senilità, invece,
non si riferisce alla vecchiaia anagrafica del
protagonista, ma alla tonalità di vita di Emilio.
Emilio è un inetto perché si autoinganna per
nascondere a se stesso l’immaturità psicologica
e la debolezza della sua personalità. A
differenza di Alfonso Nitti Emilio non si
suicida, ma decide di sottrarsi alla responsabilità
della vita scegliendo per sé una condizione di
vecchiaia psicologica.
Distacco dai moduli del romanzo naturalistico:
prevale la voce del protagonista, si adotta una
netta focalizzazione interna e l’uso dell’indiretto
libero.
LA COSCIENZA DI ZENO (1923)
L’argomento
Uno psicoanalista, il dottor S., per ripicca contro
un suo paziente che ha interrotto la cura
intrapresa con lui, decide, in modo decisamente
insolito per un medico, di pubblicare le memorie
e il diario che questi gli ha inviato. Il paziente è
Zeno Cosini, un ricco commerciante triestino di
57 anni. Il racconto di Zeno è la storia della
malattia che lo ha portato alla cura psicoterapica
(gli eventi descritti vanno dal 1857 al 1916).
La storia è organizzata secondo nuclei tematici:
-il fumo, vizio di cui non riesce a liberarsi;
-la morte del padre e il rapporto con questo;
-il matrimonio: Zeno pur amando, delle tre
sorelle Malfenti, Ada, finisce per scegliere
quella inizialmente esclusa, Augusta. Ada
invece andrà in sposa a Guido Speier;
-la vita sentimentale di Zeno, diviso tra la
moglie e l’amante;
-il lavoro: il capitolo finale racconta della
collaborazione di Zeno all’attività commerciale
di Guido e del salvataggio dell’azienda in
extremis, compromessa dai debiti contratti da
Guido stesso, che si suicida.
La conclusione riporta il diario scritto da Zeno a
seguito dell’interruzione della cura: si accorge
di essere in realtà sano, o meglio, che la sua
inettitudine può servirgli per affrontare la vita.
Zeno dunque è un inetto diverso da Alfonso
Nitti e Emilio Brentani: non esce sconfitto dal
confronto con il proprio vissuto e la società, il
suo disagio lo spinge a conoscere sé stesso e i
propri limiti, arrivando però a riuscire ad
adattarsi alle circostanze anche meglio degli
altri (non avendo una personalità forte e ben
definita come gli altri riesce ad adattarsi alle
circostanze della vita).
Struttura
Romanzo scritto in prima persona (a differenza
degli altri due scritti in terza persona).
Diviso in otto parti: Prefazione del dottor S.,
Preambolo di Zeno, cinque capitoli e Psico-
analisi.
Come detto sopra, la narrazione non segue un
ordine cronologico, ma procede per tematiche.
Unione di due generi letterari: autobiografia,
scritta da Zeno per il dottor S., e diario, scritto
dopo l’interruzione della cura.
La cornice è rappresentata dal rapporto
conflittuale tra Zeno e dottor S. che porta alla
pubblicazione dello scritto.
Il titolo Il tema della malattia
Il termine “coscienza” può riferirsi a ciò che La malattia diventa uno stato dell’esistenza (la
Zeno sa di sé stesso (e quindi scrive), stessa vita potrebbe essere considerata una
sottolineando l’aspetto autobiografico del malattia).
romanzo; può alludere alla consapevolezza
Svevo vede un’umanità malata: l’uomo è
sempre “manchevole” che è propria di Zeno,
condannato all’infelicità perché non soddisferà
riferendosi così al contrasto tra conscio e
mai i suoi desideri. L’uomo è naturalmente
inconscio; o può indicare la coscienza in senso
morale. portato dall’insoddisfazione ad inventare
continuamente nuovi ordigni per manipolare la
Modernità del romanzo realtà e affermarsi; tuttavia, l’invenzione di
questi ordigni conduce l’uomo lontano dalla sua
Centralità del soggetto che diviene misura del condizione originaria, il modo di vivere in
reale: la realtà esterna non ha valore autonomo,
società naturale per l’uomo.
dipende dal punto di vista del soggetto, che è
però deformante (narratore inattendibile).
Sdoppiamento tra io narrante e io narrato: Zeno
è pieno di incertezze, e ciò fa sospettare che
possa modificare alcuni eventi, mentendo
(anche per difendersi).
L’ironia
Comica assurdità della “vendetta” del dottor S.
Zeno guarda ironicamente tutti coloro che
pretendono di avere verità e certezze, rivela
continuamente di non credere a verità assolute,
dubita continuamente di sé. L’ironia esprime
dunque lo scetticismo del soggetto verso sé e il
mondo e spinge lo stesso lettore a diffidare di
ciò che racconta Zeno.
LUIGI PIRANDELLO
Breve biografia
Nasce nel 1867 nei dintorni di Girgenti (attuale
Agrigento) da una famiglia benestante. Inizia
studi tecnici ma decide poi di passare al
ginnasio, per poi iscriversi alla facoltà di Lettere
a Roma. Coltiva il suo interesse per il teatro e
pubblica la prima raccolta di poesie Mal
giocondo.
Per un contrasto con il rettore, prosegue gli studi
a Bonn, dove conosce la letteratura e la filosofia
tedesche. Dopo la laurea torna a Roma, dove
entra in contatto con un gruppo di intellettuali
meridionali della scuola verista, tra cui Luigi
Capuana, che lo convince a tentare i primi passi
nella narrativa. Nel 1901 pubblica il romanzo-
appendice L’esclusa. Nel frattempo sposa Maria
Antonietta Portulano.
La fama arriva con Il fu Mattia Pascal, uscito a
puntate nel 1904. Le difficoltà economiche
spingono Pirandello a collaborare ad alcuni
periodici, pubblicando saggi e articoli che
portano allo scoperto la matrice umoristica delle
sue opere. Pubblica anche un altro romanzo, I
vecchi e i giovani, e delle novelle sul Corriere
della Sera.
Scoppia intanto la Grande Guerra: il figlio
Stefano viene imprigionato dagli austriaci e la
malattia della moglie si aggrava. Escono a
puntate i Quaderni di Serafino Gubbio
operatore, ma è soprattutto l’attività teatrale a
impegnarlo: Pensaci Giacomino!, Così è (se vi
pare) e il Giuoco delle parti. Gran parte della
produzione teatrale di questo periodo confluisce
nella raccolta Maschere nude, pubblicata a
Treves tra il 1918 e il 1921.
Nel 1921 viene pubblicata la commedia Sei
personaggi in cerca d’autore, prima della
trilogia metateatrale completata da Ciascuno a
suo modo e Questa sera si recita a soggetto.
Nel 1924 Pirandello cerca di realizzare il
progetto di una compagnia drammatica stabile
dello stato, che egli chiama Teatro d’Arte: nella
speranza di ricevere sussidi economici si iscrive
al partito fascista; ma il suo rapporto con il
regime si va progressivamente raffreddando in
parallelo al fallimento del progetto.
La produzione novellistica viene riorganizzata
con la pubblicazione delle Novelle per un anno,
iniziata nel 1922 e mai più interrotta. Nel 1925
esce in rivista il romanzo Uno, nessuno e
centomila.
Dopo il 1927 inizia una nuova stagione teatrale:
lo scrittore subisce l’influenza del surrealismo e
compone i drammi definiti da lui stesso miti: La
nuova colonia, Lazzaro e I giganti della
montagna.
Nel 1934 riceve il Premio Nobel per la
letteratura. Due anni dopo muore.
Il pensiero
Pirandello compie un’indagine sul senso
dell’esistenza, sperimentando forme nuove e
interrogando continuamente il linguaggio. Le
caratteristiche fondamentali della sua
produzione sono:
-la deformazione in chiave grottesca delle figure
e dei personaggi;
-uso di forme letterarie aperte a digressioni
saggistiche e destinate a non concludersi
(ricordiamo l’ultimo capitolo di UNC, intitolato
Non conclude);
-interesse per le strutture meta-letterarie (nel
romanzo si descrive il momento stesso della
creazione letteraria);
-sperimentazione su temi e forme.
Queste tecniche innovative svelano il contrasto
tra realtà e apparenza, secondo una prospettiva
relativistica.
Un intellettuale “misto”
Pirandello si forma nell’ambito della tradizione
verista, da cui riprende l’atteggiamento critico
nei confronti della scienza e del progresso,
l’adesione a un’idea materialistica dell’esistenza
e l’attenzione a una “scrittura di cose” e non di
parole, in polemica con d’Annunzio. Ma grazie
agli studi svolti a Bonn entra in contatto anche
con la tradizione romantica tedesca e la filosofia
di Nietzsche, mentre grazie al teatro conosce la
Berlino espressionista e la Parigi surrealista.
Il relativismo pirandelliano e l’arte
Nel saggio Arte e coscienza d’oggi Pirandello
riflette sulla crisi del rapporto tra arte e scienza.
In un periodo in cui è venuta meno la fiducia nel
progresso del positivismo, è ormai possibile
solo una visione relativa della realtà,
rappresentata come un insieme di contraddizioni
aperte.
Se la scienza non riesce a dare delle risposte,
forse l’arte potrebbe riuscirci: ma qual è il ruolo
dell’arte nella civiltà delle macchine?
Tramontato l’ideale classico di un’arte
armoniosa ed equilibrata, l’arte per Pirandello
deve svelare le contraddizioni e l’assurdo
dell’esistenza. Nei due saggi L’umorismo e Arte
e scienza Pirandello spiega come l’arte debba
scomporre, analizzare e sminuzzare la realtà,
farsi grottesca e umoristica.
La “rivoluzione copernicana”
L’uomo moderno per Pirandello è quindi
investito da una crisi d’identità, di cui lo
scrittore riesce ad individuare le cause storiche e
culturali: nella Premessa seconda di Il fu Mattia
Pascal, l’autore individua umoristicamente nella
“rivoluzione copernicana” la causa prima del
relativismo moderno. Mettendo in discussione la
teoria geocentrica, Copernico aveva incrinato il
mito della capacità di dominio dell’uomo sulla
realtà e sulla storia. La rivoluzione copernicana
viene usata come metafora della crisi delle
certezze.
Vita e forma
Vita come fluire incessante e libero
dell’esistenza, forma come rigidezza delle
convenzioni sociali che incatenano la vita in
un’identità fittizia, una maschera. Nei momenti
di follia o di creazione artistica, o anche in
attimi casuali, di per sé insignificanti, il fluire
della vita può “straripare” ed emergere: si tratta
di momenti rivelatori che consegnano ai
personaggi una visione nuova, rendendoli dei
personaggi-filosofi che, ai margini
dell’esistenza, cominciano a vedere la vita “dal
di fuori”, scoprendone gli artifici. La vita,
dunque, non va vissuta, ma osservata; ma
soprattutto per vedere non c’è bisogno della
luce, bensì del buio, del voto, dell’abisso.
L’opposizione forma/vita riprende anche il
rapporto convenzioni/Caos, uno dei nuclei
fondamentali della visione pirandelliana.
L’UMORISMO
Composto nel 1908, la sua prima edizione è
dedicata “Alla buon’anima di Mattia Pascal
bibliotecario”, in modo da collegare questo
saggio al romanzo umoristico Il fu Mattia
Pascal.
Nella prima parte viene ricostruita la
terminologia dell’arte umoristica e le sue
manifestazioni nelle varie età letterarie; nella
seconda si espone il concetto di umorismo.
Distinzione tra comicità e umorismo
Il comico o “avvertimento del contrario”: si
avverte che lo spettacolo di fronte è l’esatto
contrario della norma.
Umoristico o “sentimento del contrario”:
subentra la riflessione, e il riso diventa amaro,
capendo cosa ci sia dietro questo “contrario”,
svelando l’oltre che nasconde la condizione
esistenziale umana.
A differenza dello scrittore tradizionale,
l’umorista sa che la realtà è caotica, instabile. La
verità non è più una, né certa né assoluta: per
questo l’umorista non può che svelare la
disgregazione dell’individuo, riflesso della
frammentarietà del reale.
NOVELLE PER UN ANNO
Nonostante i propositi, il numero complessivo
dei testi è inferiore al numero effettivo di giorni
in un anno: dei progettati 24 volumi ne escono
solo 15 contenenti 225 racconti.
La rinuncia ad una cornice
Nonostante si tratti di una raccolta, le novelle
non sono legate da una cornice o da un tema
comune. Pirandello rinuncia infatti a ogni forma
di cornice, le novelle sono slegate. Il titolo
stesso sembra voler rinviare alla funzione
dissipatrice del tempo, un eterno presente in cui
gli eventi sono dominato dal caso. I racconti,
che forniranno anche spunti per i romanzi,
diventano una sorta di microcosmo che riflette il
disordine e il vuoto del macrocosmo.
Differenze con il verismo
Nonostante l’ambientazione siciliana e un
contesto che sembra rinviare ai moduli veristi,
Pirandello si allontana dai canoni di questa
corrente: il principio di verosimiglianza è
superato dalla poetica dell’umorismo,
l’oggettività lascia spazio ai processi di
scomposizione e riflessione, mentre la
narrazione impersonale è sostituita da un
narratore onnisciente, che spesso s’immerge nel
punto di vista dei protagonisti. Le vicende non
obbediscono a rapporti causa-effetto, ma vige
un principio di casualità.
Vedersi vivere
Nella routine del quotidiano irrompe spesso un
fatto imprevisto, del tutto casuale e
insignificante, che porta però alcuni soggetti ad
uscire dalla rete di convenzioni sociali. Il
conflitto tra essere e apparire, tra vita e forma si
rivela agli occhi dei personaggi, che dovranno
fare i conti per sempre con la coesistenza delle
contraddizioni, condannati a vedersi vivere.
Solo se si vede la vita “dal di fuori” si può
percepire il flusso vitale. Esempio di questa
rivelazione è la vicenda di Belluca in “il treno
ha fischiato”.
ROMANZI
L’esclusa (1901)
Il turno (1902)
Il fu Mattia Pascal (1904)
Suo marito (1911)
I vecchi e i giovani (1913)
Si gira… (1915, poi ripubblicato nel 1925 con il
titolo Quaderni di Serafino Gubbio operatore)
Uno, nessuno e centomila (tra il 1925 e il 1926)
I romanzi siciliani
Nel primo romanzo, L’esclusa e ne Il turno,
l’ambientazione privilegia la provincia siciliana,
colta nelle sue conformistiche convenzioni, nel
mito dell’onore e della rispettabilità. Con eventi
imprevisti viene sovvertita la facciata
rispettabile della provincia piccolo-borghese per
mostrare l’artificiosità dei valori.
L’Esclusa (titolo originario: Marta Ajala):
ispirato a Flaubert e al bovarismo; la donna,
cacciata di casa per adulterio ingiustamente,
viene accolta di nuovo in casa quando ha
davvero tradito il marito (paradossale). Legami
con il Naturalismo: ambiente provinciale e
narrazione in terza persona con discorso
indiretto libero.
Il turno: un innamorato deve aspettare il suo
turno, dopo che la donna amata ha perso due
mariti.
Nel romanzo I vecchi e i giovani, nonostante
l’impianto storico che si riallaccia alla
tradizione della narrativa meridionalistica,
l’intento pirandelliano è quello di ricostruire,
attraverso le vicende della famiglia Larentano,
un momento particolare di storia italiana post-
risorgimentale.
IL FU MATTIA PASCAL
Il fu Mattia Pascal è il primo romanzo a segnare
una svolta nella storia del genere del romanzo
(ancora devono essere pubblicati i romanzi di
Kafka, di Joyce o di Proust).
Il romanzo-saggio
Pirandello inserisce deviazioni e divagazioni di
tipo saggistico, frammentando così la trama.
Prende forma un romanzo non tradizionale,
slegato dai fatti e dominato dal soliloquio,
interrotto da domande, esclamazioni, appelli al
lettore e frasi sospese, che confermano lo statuto
incerto della verità, non più assoluta.
Trama
il “fu Mattia Pascal”, ritiratosi nella biblioteca
Boccamazza del suo paese, si presenta al lettore
e dichiara l’intenzione di scrivere la sua storia
paradossale. Si descrivono l’infanzia e la
giovinezza di Mattia Pascal tra spenzeriatezza,
primi amori e patrimoni finanziari dilapidati,
fino al matrimonio con Romilda. La vita
familiare opprimente induce Mattia a fuggire a
Montecarlo, dove gioca al casinò e vince. Ma al
suo ritorno riceve una notizia sconvolgente: la
moglie e la suocera hanno identificato il corpo
di un annegato come suo, e dunque tutto il paese
lo crede morto. Mattia, dunque, assume una
nuova identità con il nome di Adriano Meis:
viaggia per poi fermarsi a Roma nella pensione
di Anselmo Paleari. Si innamora della figlia di
lui, Adriana, si fa operare all’occhio strabico,
ma alla fine dovrà rinunciare a questa nuova
vita. Finge il suicidio e parte per tornare a
Miragno.
Una volta tornato, comprende che non può più
riprendere il suo posto (la moglie ora è sposata
ed ha avuto un figlio con un caro amico di
Mattia, Pollino). Rinuncia dunque alla sua
identità e si ritira nella biblioteca Boccamazza,
dove vive come il “fu Mattia Pascal”.
Il titolo
Compare il nome del protagonista, come accade
nei romanzi di formazione ottocenteschi, ma vi
è accanto un “fu”, che non lascia intendere se il
libro tratti di un vivo o di un morto: e infatti il
personaggio è entrambe le cose. Si tratta dunque
di un rovesciamento del genere del romanzo di
formazione: il protagonista è ancora dentro la
vita, ma al tempo stesso ne è escluso.
Il “fu”
Le vicende narrate si sviluppano in un lasso
temporale di sei anni; tranne che nelle due
Premesse iniziali e nella conclusione, la fabula
non coincide con l’intreccio. Abbiamo infatti un
racconto retrospettivo: la vicenda viene narrata
dalla fine, in un lungo flashback.
L’unica soluzione alla sua paradossale
avventura consiste nella scelta consapevole di
una condizione di estraneità alla vita,
metaforizzata dall’aggiunta della particella “fu”
davanti al nome. L’epilogo del romanzo,
dunque, non conclude, anzi riapre gli stessi
interrogativi dell’inizio: “io non saprei proprio
dire ch’io mi sia” dice Pascal.
La biblioteca rappresenta un luogo di confine
con la morte, dove si conserva il passato (e in
effetti Pascal si trova quasi in un limbo tra vita e
morte).
I temi del romanzo
Mattia Pascal è il primo vero anti-eroe del
Novecento: non ha valori o principi saldi e
rivela fin da subito una condizione di disagio e
di straniamento. Dopo essere fuggito dalle
prigioni sociali ed economiche della sua vita
provinciale, scopre l’impossibilità di
un’esistenza slegata dagli obblighi delle forme.
Giancarlo Mazzacurati lo considera un eroe
“interstiziale”, in quanto rivela gli scompensi
del ciclo infinito della vita.
Il tema del doppio segna il percorso di Mattia,
collegandosi al motivo dello specchio e
dell’occhio strabico che decentra lo sguardo di
Mattia obbligandolo a due visioni alienanti. Lo
sdoppiamento si esprime anche nelle due vite
parallele del protagonista Mattia/Adriano, e
infine nel momento in cui il “fu Mattia Pascal”
porta fiori alla sua tomba.
Brano Il fu Mattia Pascal
Il buco nel cielo di carta è il crollo delle certezze
(si rompe la consuetudine del vivere, si vede
qualcosa che è oltre l’apparenza delle cose, che
ci inquieta, momento dell’epifania). Ecco
perché la tragedia antica e quella moderna sono
così differenti (da Oreste ad Amleto).
QUADERNI DI SERAFINO GUBBIO
OPERATORE
Pirandello pubblica il romanzo Si gira… a
puntate nel 1915 su La Nuova Antologia e poi,
l’anno successivo, in volume presso Treves. Nel
1925 viene pubblicato con il titolo Quaderni di
Serafino Gubbio operatore. Si tratta di un
romanzo-diario che, descrivendo il mondo del
cinema dal punto di vista di un operatore dietro
la macchina da presa, denuncia il vuoto
dell’esistenza umana nella società delle
macchine.
Trama e struttura
Serafino Gubbio, giovane operatore
cinematografico, viene assunto per le riprese di
un film commerciale, intitolato La donna e la
tigre, la cui protagonista è Varia Nestoroff,
donna seduttrice anche nella realtà. Nel film
trova impiego come attore anche Aldo Nuti, un
ex-amante della donna, che medita vendetta.
Durante una scena di caccia in cui è prevista
l’uccisione di una tigre, Nuti spara alla
Nestoroff invece che al felino. Poi, per placare i
suoi rimorsi, si lascia sbranare dalla belva.
Serafino, quasi in trance, riprende tutta la scena
impassibilmente. Portato via di peso dal set, egli
consegna alla produzione un film “perfetto”.
Destinato a soddisfare le morbosità del
pubblico. Lo choc subito lo farà però
ammutolire per sempre, riducendolo a un
“silenzio di cosa”.
Il protagonista immagina di tenere un diario in
cui annota e riporta gli eventi mentre gli
accadono. La forma ricorrente dal punto di vista
stilistico è il soliloquio. Il romanzo è costituito
da sette quaderni senza titoli, con una struttura
simile alla sceneggiatura cinematografica con
montaggio a quadri sovrapposti. Serafino
rappresenta dall’interno il mondo dell’industria
del cinema, in antitesi con la creatività dell’arte.
Il romanzo dell’industria
Il titolo della prima edizione del romanzo, Si
gira…, allude al movimento rotatorio della
mano che compie Serafino dietro la cinepresa,
di cui è “servo” impassibile. Egli, infatti,
registra la realtà con la freddezza implacabile di
un obiettivo, ma proprio grazie al suo sguardo
distaccato riesce a cogliere l’assurdo della vita:
la voce narrante, ancora una volta, è quella di un
personaggio che osserva la vita da fuori. Come
gesto estremo, seguendo l’esempio di Pascal,
lascia dei Quaderni che testimonino la sua
vicenda: pur essendo vittima di questo
fenomeno di reificazione (o “cosizzazione”) del
tempo, riesce per un attimo a passare da oggetto
a soggetto per raccontare la sua storia.
UNO, NESSUNO E CENTOMILA
Iniziato almeno dal 1910, Pirandello lavora a
questo romanzo fino al 1925, quando esce a
puntate su La Fiera letteraria. Si tratta di un
work in progress, cioè un’opera in continua
gestazione ed evoluzione, un romanzo che
rifiuta la chiusura, come dimostra l’ultimo
capitolo intitolato Non conclude, che lascia
l’opera significativamente aperta.
La scomposizione del romanzo
La voce narrante è quella di un io autodiegetico
(che narra dall’interno la propria storia) ma
inattendibile. Anche dal punto di vista della
struttura interna assistiamo ad una
scomposizione della forma-romanzo: il romanzo
è scomposto in otto libri suddivisi in sessantatré
capitoletti, una frammentazione della forma che
sembra riflettere il parallelo processo di
scomposizione e dissoluzione dell’identità del
protagonista.
La trama
Vitangelo Moscarda, in seguito ad una banale
osservazione della moglie Dida su un difetto del
suo naso, scivola verso una crisi d’identità
sempre più devastante. Egli inizia con il
demolire la maschera che gli altri gli
attribuiscono, anzi le centomila forme in cui la
società e lo sguardo altrui lo ingabbiano. Le
forze centrifughe della riflessione lo portano alla
scoperta dei difetti nascosti in ogni aspetto della
vita, tanto da indurlo a vendere la banca di
famiglia e allontanare sua moglie. Considerato
pazzo, Vitangelo viene allontanato da tutti e
chiuso in un ospizio di mendicità, che lui stesso
ha provveduto a finanziare. Vitangelo, ormai
privo di individualità, si sente libero, morendo e
rinascendo continuamente, dentro la
molteplicità fluida della natura.
Il tema dell’identità
A differenza di Pascal, che cerca di ricostruirsi
con le proprie mani un nuovo io, Vitangelo
smonta la sua persona, fino a dissolversi nel
caos. Scompare definitivamente l’io (l’uno che
diventa nessuno perché centomila), che si
scompone in infinite forme diverse, a seconda di
chi lo sta guardando. Lo sguardo altrui rende
visibile la fissità delle maschere, svelando
l’impossibilità di consistere in un’identità
assoluta. L’unica soluzione è la follia, unica
possibilità di aderire al movimento dei flussi
naturali fino a confondersi in essi.
IL TEATRO
La ricchissima produzione teatrale di Pirandello
conta più di quaranta commedie, che fanno parte
della raccolta Maschere nude, distinte in quattro
fasi:
-Il teatro siciliano
Scrive opere di ambientazione siciliana di
impronta naturalista, in cui tuttavia si affaccia la
contrapposizione tra la vita degli istinti e gli
obblighi della società.
-Il teatro del grottesco
Attraverso l’irrigidimento dei ruoli e delle
situazioni, mette in scena il rovesciamento
paradossale del dramma borghese.
L’ambientazione è ancora, apparentemente,
quella tradizionale del salotto borghese, che si
trasforma però in palcoscenico in una sorta di
“stanza di tortura”, luogo oppressivo in cui i
personaggi sono messi sotto processo (quasi
fosse una paradossale inchiesta giudiziaria).
Domina il tipo del personaggio-filosofo e la
parola, molto più dell’azione, svolge un ruolo
determinante.
-Il metateatro (o teatro nel teatro)
Ne fanno parte Sei personaggi in cerca di
autore, Ciascuno a suo modo e Questa sera si
recita a soggetto. Le caratteristiche fondamentali
sono: la messa a nudo della finzione teatrale, la
rottura della linearità del tempo e la struttura
aperta. Il palcoscenico, percepito come un
doppio della realtà, e svela le finzioni. Salta la
quarta parete, la barriera ideale tra palco e c’è spazio per l’arte. L’unico spazio che ancora
pubblico che manteneva in piedi l’illusione della resiste è quello ai confini dell’abisso, nella villa
scena (anche nel Futurismo la quarta parete sarà degli Scalognati gli ultimi a poter tentare di far
abbattuta). I personaggi agiscono come se non ci rivivere la magia della creazione artistica.
fosse il pubblico in platea, scendendo dal palco
e attraversando la sala, così che anche gli
spettatori siano coinvolti. Il tempo dell’azione
scenica viene frammentato dall’irrompere
ambiguo della vita sotto forma di interruzioni o
incidenti. Inoltre, i drammi non hanno una vera
e propria conclusione, i dubbi non vengono
risolti. In questo modo Pirandello sperimenta
l’impossibilità del tragico nell’arte moderna. Il
conflitto, tipico della tragedia classica, è
innescato ma non risolto. Si mostra solo il
conflitto tra verità e finzione.
-Il teatro dei miti
Fuori dal tempo della storia e dallo spazio della
società si svolgono le vicende dei Miti: La
nuova colonia, mito sociale; Lazzaro, mito
religioso; I giganti della montagna, rimasto
incompiuto. In stretta relazione con il
Surrealismo, il teatro diventa un luogo rituale,
antico e magico. Sperimenta proprio qui un
linguaggio complesso, riflettendo sulla funzione
dell’arte in un’epoca in cui si consuma l’orrore
della storia.
Il significato de I giganti della montagna ruota
attorno al tentativo della Contessa Ilse di
allestire una rappresentazione teatrale davanti al
pubblico dei giganti. Il mondo abitato dai
giganti, volgare e sordo all’arte, è stato
interpretato come metafora della società
moderna, industriale e imperialista, in cui non
CARLO EMILIO GADDA
Breve biografia
Nasce a Milano nel 1893 da una famiglia
benestante. Nel 1900 iniziano seri problemi
economici, accentuati dall’impegno della
costruzione di una villa in Brianza, che resterà a
lungo per Gadda tormentato simbolo di
famiglia. A causa delle difficoltà economiche, è
costretto a rinunciare agli studi letterari in
favore di studi tecnici.
Ancora non è laureato quando, allo scoppio
della Prima guerra mondiale, decide di
arruolarsi: come ufficiale degli Alpini tiene un
diario in cui descrive la vita militare. Dopo
Caporetto viene deportato e imprigionato in
Germania. Dai diari di guerra deriverà il
Giornale di guerra e di prigionia.
Nel 1902 inizia ad esercitare la professione di
ingegnere elettrotecnico, e due anni dopo si
trasferisce in Argentina. La professione di
ingegnere convive però con la passione per la
letteratura, infatti, al suo ritorno in Italia, si
iscrive alla facoltà di filosofia (senza però mai
laurearsi). Per partecipare a un concorso bandito
da Mondadori, scrive Racconto italiano di
ignoto del Novecento. Inizia poi la
collaborazione con la rivista Solaria. Tra il 1928
e il ’29 scrive La meccanica e il trattato
filosofico Meditazione milanese.
Nel 1932 gli viene offerto un lavoro come
ingegnere a Roma: trasferitosi, inizia a
frequentare il mondo letterario del luogo, al
quale tuttavia guarderà sempre con scetticismo.
Pochi anni dopo vince il premio Bagutta per Il
castello di Udine. Nel 1936 muore la madre: in
occasione di questo evento pubblicherà due anni
dopo La cognizione del dolore.
Con l’avvicinarsi del secondo conflitto
mondiale Gadda si trasferisce a Firenze, dove
era a contatto con gli scrittori del caffè Giubbe
rosse, pur mantenendosi distante dalla
mondanità. Nel 1944 pubblica L’Adalgisa, che
raccoglie diversi quadri di vita della borghesia
milanese. Nel 1946 pubblica su Letteratura i
primi capitoli di Quer pasticciaccio brutto de
via Merulana e, poco dopo la fine del secondo
conflitto, inizia anche la stesura di Eros e
Priapo, un pamphlet antifascista. Nel 1950 si
trasferisce a Roma per lavorare in Rai; negli
anni successivi scrive Il primo libro delle favole
e vince il Premio Viareggio con le Novelle del
Ducato in fiamme.
Nel 1953 l’editore Garzanti gli offre sostegno
economico affinchè completi Quer pasticciaccio
brutto de via Merulana: Gadda, dunque,
abbandona la Rai per dedicarsi esclusivamente
al romanzo. Ben 10 anni dopo esce in volume
La cognizione del dolore, che gli vale il Prix
International de Littérature. Il mondo letterario
nazionale riconosce in lui un modello di
sperimentalismo linguistico, ma Gadda si fa
sempre più riservato. Muore nel 1973.
Il pensiero
Il tratto più evidente della poetica di Gadda è
l’intersezione di cultura letteraria e cultura
tecnico-scientifica e la passione per la
registrazione scritta degli eventi della vita.
Il contatto tra l’ambito letterario e quello
tecnico-scientifico viene teorizzato da Gadda in
Le belle lettere e i contributi espressivi delle
tecniche: i termini tecnici, in quando frutto dello
sforzo di molti individui di creare vocaboli
quanto più esatti, hanno di per sé un valore
aggiunto. Nei titoli stessi delle opere si ritrova il
duplice interesse del pensiero gaddiano:
ricordiamo La meccanica e Meditazione
milanese.
L’analisi del groviglio
Gadda rappresenta la complessità del reale
senza provare a “sbrogliarla”, descrivendo le
cose nel loro essere intrecciate e concatenate tra
loro: per questo si parla di poetica della rete o
del pasticcio. L’autore, dunque, ispeziona la
realtà così com’è con la precisione della tecnica,
ma la giudica con la distanza della filosofia.
Complessità e dolore
Altro elemento fondamentale della poetica di
Gadda è il dolore, psichico e originario, nato
nell’infanzia e nell’adolescenza dell’autore.
Questo dolore, unito alla vocazione all’analisi e
all’astrazione creano un senso di estraneità di
Gadda rispetto alle convenzioni, che guarda con
scherno, deformandole.
Strutture delle pagine gaddiane
Se il reale è complesso e multiforme, anche la
struttura narrativa deve esserlo: la narrazione è
infatti frammentaria, i temi non sono strutturati
secondo una trama unitaria, ma procedono
secondo schede narrative. Racconti e romanzi
sono costellati di digressioni, che risultano avere
un ruolo centrale. Il groviglio della realtà si
riflette, dunque, anche nella narrazione.
Il non-finito e il frammento
Un tratto ricorrente delle opere gaddiane è
l’assenza di un finale vero e proprio, di una
conclusione nella quale gli eventi narrati
vengano chiariti. Infatti, il vero scopo della
scrittura, per Gadda, è descrivere i fatti tenendo
conto del groviglio e dell’intricato esistere delle.
Il finale, dunque, non è centrale.
Le lingue di Gadda
Gadda stesso definisce il suo stile “barocco”,
mentre il critico Contini parla di “pastiche”: si
tratta comunque di una lingua ricca e
disorientante, composta di dialetti, elementi
aulici e tecnicismi, con anche uno spagnolo con
caratteri argentini usato in modo parodico.
I TEMI
Milano caricaturale
Gadda mette in risalto le manie di un mondo
borghese bigotto perduto nella difesa dei propri
beni. Schernisce questo mondo, da cui si è
sempre tenuto lontano. Significativo risulta
essere L’Adalgisa, in cui Gadda propone ritratti
di spose, mariti, suocere, tutti personaggi che
popolano il mondo borghese.
L’infanzia e la famiglia
I dolori dell’infanzia e dell’adolescenza e il
rapporto con la famiglia segnano profondamente
Gadda. Il padre compare ogni tanto come figura
di negoziante di seta e come uomo legato alle
piccolezze: verso di lui nutre rancore, perché
ritenuto colpevole di aver iniziato la costruzione
della villa di Longone, aggravando le condizioni
economiche della famiglia. Con la madre
severa, invece, ha un rapporto di odio e amore: è
per lei che è stato costretto ad iscriversi ad
ingegneria. Alla morte della madre il dolore
della sua scomparsa di unisce al sentimento di
colpa per averla lasciata sola a Milano.
Il giallo
Sia nella Cognizione del dolore sia nel
Pasticciaccio si verifica un omicidio, di cui però
non si conosce l’autore. La struttura del
romanzo giallo non viene però rispettata, in
quanto il colpevole non viene mai trovato. Ciò
si ricollega però al pensiero di Gadda: nella
realtà non esiste una causa di ciò che vediamo,
ma un groviglio di cause, in cui tutti sono
coinvolti inestricabilmente.
La materialità del corpo
L’estrema astrattezza della riflessione filosofica
convive in modo originale con il tema della
materialità del corpo. Il corpo viene descritto
nelle sue irregolarità e nelle sue imbarazzanti
verità: più che descritto, viene deformato. Uno
spazio particolare è dedicato ai riferimenti
all’apparato digestivo, legato al tema
dell’ingordigia. L’ingordigia stessa è metafora
di conoscenza del reale: il corpo è parte del
flusso vitale e, come il cibo, partecipa al
movimento della concatenazione delle cause.
LA COGNIZIONE DEL DOLORE
La scrittura dell’opera
Gadda inizia a scrivere il romanzo di getto,
subito dopo la morte della madre (1936), anche
se alcuni suoi scritti di anni precedenti
testimoniano che stava già lavorando ad un
progetto simile. I primi sette capitoli del
romanzo escono nella rivista Letteratura tra il
1938 e il 1941; solo nel 1963 esce in volume il
romanzo.
Il titolo
La scelta del vocabolo “cognizione” ha
molteplici significati: innanzitutto ricorda alcuni
scritti scientifici come la Fisiologia del dolore di
Mantegazza, ma anche alcuni concetti di
Niccolò Machiavelli; si connette anche alle
Operette morali di Leopardi e alle Osservazioni
sulla morale cattolica di Manzoni. La storia
narrata è definita come un percorso di
conoscenza graduale, o meglio, di una graduale
presa di coscienza del dolore, in cui si
rappresenta la tragicità del reale.
Trama e struttura
Il romanzo è diviso in due parti e la trama è
scarna.
In un paese sudamericano, il Maradagàl, vive,
nella località di Lukones, Don Gonzalo
Pirobutirro. Abita nella propria villa con la
vecchia madre (la Signora), con la quale è
spesso in conflitto. Gonzalo non ama avere
contatti con altre persone, e per questo rifiuta la
protezione delle guardie notturne finchè, al
ritorno da un viaggio, scopre la madre
moribonda a terra, vittima di una misteriosa
aggressione. Il movente del delitto e l’assassino
sono sconosciuti. Accanto ai due protagonisti
compaiono sulla scena altre figure, che però non
influiscono sull’azione: la loro funzione è di
illuminare la storia psichica di Gonzalo. Il
dottore è un pretesto per narrare le dicerie che
corrono su Gonzalo, descritto come strano,
temibile e iracondo (ricorda la figura
dell’inetto). L’incontro tra i due mostra
l’ipocondria del protagonista e le
preoccupazioni per la vecchia madre. L’inizio
della seconda parte è dedicato alla Signora, al
suo vagare per la casa sola e angosciata, in
preda al ricordo del figlio morto in guerra (qui
Gadda riprende la morte del fratello Enrico).
Il travestimento
Sotto il nome fittizio del Maradagàl si nasconde
l’Italia uscita dalla Prima guerra. Le vicende
generali della trama traggono ispirazione dalla
biografia dell’autore. Le guardie notturne,
invece, sono un riferimento alle squadre
fasciste.
Il travestimento dell’Italia sotto le spoglie di un
paese sudamericano ha diverse motivazioni:
innanzitutto i primi capitoli del romanzo
vengono pubblicati in pieno periodo fascista;
inoltre modificando i nomi dei luoghi significa
anche deformare la realtà in caricatura, tratto
tipicamente gaddiano. Inoltre i numerosi
riferimenti alla biografia dell’autore lo porta a
mascherare ulteriormente i fatti personali.
L’incompiutezza
L’assassino della madre rimane sconosciuto,
così come il movente. Ancora una volta non è
importante il finale, ma la descrizione del
“groviglio”. L’assenza del figlio dalla casa al
momento dell’omicidio suggerisce il sospetto di
una sua possibile colpevolezza: l’incertezza del
finale lascia aperta la possibilità di intuire i
risvolti più imbarazzanti della nevrosi di
Gonzalo nei confronti della madre.
QUER PASTICCIACCIO BRUTTO DE
VIA MERULANA
Come per la Cognizione del dolore, anche il
Pasticciaccio uscì inizialmente a puntate su
Letteratura. Solo grazie al sostegno economico
offerto da Garzanti, Gadda riuscì a terminare il
romanzo. Nel 1957 il romanzo fu dato alle
stampe e portò a Gadda un notevole successo.
Il titolo
Inizialmente l’editore voleva limitare il titolo a
Er pasticciaccio, ma Gadda si rese conto che
non avrebbe funzionato. In effetti il solo titolo
ha avuto una tale eco da essere divenuto di uso
comune. La parola “pasticcio” ha un significato
per Gadda: ricordiamo che pastiche è ii termine
usato dal critico Contini per descrivere il suo
stile. Dunque, la parola “pasticcio” ricorda
quello che è il tema costante della sua poetica,
ossia il groviglio.
L’uso del dialetto el titolo ci inserisce
nell’ambientazione geografica, sociale e
culturale: la via Merulana in questione è quella
di Roma e il romanesco diventa lingua-guida del
romanzo.
La trama
Al numero 219 di via Merulana, nel ricco
Palazzo degli Ori, accadono due fatti: dapprima
un furto e poi un omicidio. Francesco
Ingravallo, ovvero Don Ciccio, è il commissario
(molisano, trapiantato a Roma) che svolge le
indagini attorno a questo “pasticciaccio”. La
vittima dell’omicidio è Liliana Balducci, bella
donna che, con il marito Remo Balducci, aveva
invitato Ingravallo poco tempo prima a un
pranzo domenicale. Si mette in moto la
macchina delle indagini. I sospettati compaiono
uno per volta sulla scena: i garzoni, Giuliano
Valderana, nipote della Balducci, la domestica
Assuntina. Viene percorsa la Roma cittadina; la
sciarpa verde indossata dall’assassino porta le
indagini in un laboratorio angusto, dove una
sarta fa lavorare povere giovani. Una di queste
condurrà Ingravallo e i suoi uomini a trovare la
refurtiva, i gioielli, ma alla fine il colpevole non
salterà fuori.
I dialetti del Pasticciaccio
Il dialetto che risalta è il romanesco: caratterizza
la parlata di diversi personaggi e a tratti
compare improvvisamente anche nelle
descrizioni dell’autore. La scelta del romanesco
voleva essere un tributo di simpatia vitale per
questo idioma ed era mirata a rendere quel
modo vigoroso di parlare diffuso a Roma, che
mescolava l’italiano corrente al dialetto.
Il Pasticciaccio mantiene anche sul piano
linguistico la promessa contenuta nel titolo:
quella di essere un pasticcio anche dei diversi
dialetti che compaiono. Troviamo infatti il
molisano di Ingravallo (inserito in una struttura
dialettale romanesca), il napoletano, il veneto
della Menegazzi. A completare il pastiche
Gadda inserisce anche citazioni dal greco
antico, dal latino, dal francese e dal tedesco.
IL SECONDO DOPOGUERRA
Contesto storico
La fine della Seconda guerra mondiale inaugura
nella storia dell’uomo una nuova fase, in cui a
prevalere è il desiderio della pace e della
stabilità. Ma l’equilibrio e il benessere, che
sembrano concretizzarsi in particolare
all’indomani della fine della guerra fredda,
interessano in realtà solo le nazioni ricche.
Eventi principali
2 giugno 1946: referendum per la nascita della
Repubblica italiana
1948: entra in vigore la nuova Costituzione
1958-65: sono gli anni del “miracolo
economico”, in cui si assiste a un notevole
sviluppo dell’industria e del settore terziario
1968: ha inizio la contestazione studentesca, che
presto si unisce alla protesta operaia.
1969: definito “autunno caldo”; gli operai
metalmeccanici, sostenuti dai sindacati,
combattono per il rinnovo dei contratti. Nello
stesso anno a piazza Fontana esplode una
bomba: è il primo della lunga serie di attentati
terroristici messi in atto dalle frange estreme
della Destra e della Sinistra che caratterizzerà
gli “anni di piombo”
1970: inizia il periodo delle riforme
1976: in seguito alla proposta di Berlinguer di
realizzare un “compromesso storico” fra i tre
grandi partiti di massa (democrazia cristiana,
partito comunista e partito socialista), il partito
comunista registra alle elezioni una netta
avanzata
1978: il presidente della DC Aldo Moro,
favorevole alla politica di Berlinguer viene
rapito e assassinato; l’attentato è rivendicato
dalle “brigate rosse”.
1981: il repubblicano Spadolini ricopre la carica
di presidente del Consiglio; è il primo effetto
della stagione dei governi del pentapartito.
1983: il socialista Bettino Craxi succede a
Spadolini
1992: parte Tangentopoli.
1994: Silvio Berlusconi, fondatore del partito
Forza Italia, diviene presidente del Consiglio.
IL CONTESTO CULTURALE
Le idee che hanno alimentato il dibattito
culturale nella seconda metà del Novecento si
presentano varie e complesse. Nell’immediato
dopoguerra si impone una ripresa del marxismo,
sottoposto a svariate revisioni fino agli anni
Ottanta, mentre dal punto di vista più
strettamente filosofico è l’esistenzialismo ad
avere risonanza in tutta Europa. Gli anni
Sessanta assistono all’affermarsi dello
strutturalismo, che favorisce la diffusione di
nuove discipline come la sociologia, la
linguistica, la psicoanalisi e l’antropologia
culturale. Negli anni Settanta e Ottanta, e
sostanzialmente fino a oggi, lo scenario si
arricchisce ulteriormente dietro la spinta di
stimoli sempre nuovi, identificabili ora nel
generale predominio, in seguito alla
“contestazione” del ‘68, del dibattito politico
(anni Settanta) ora in una rinata attenzione al
soggetto interpretante, sotto il segno
dell’ermeneutica (anni Ottanta), fino al
cosiddetto «postmoderno», termine con il quale
si designa l’epoca in cui viviamo, caratterizzata
dal generale naufragio di ogni prospettiva
teorica.
La figura dell’intellettuale
Accanto alle tradizionali figure di intellettuali
impegnati nella scuola e in varie forme
dell’editoria, sono sempre più numerosi coloro
che spaziano in diversi contesti professionali
(università, stampa, radiotelevisione), in
particolare a seguito del boom economico. In
questo modo gli intellettuali conquistano la
piena indipendenza economica.
Le correnti filosofiche
L’egemonia culturale esercitata dalla Sinistra
dalla fine del conflitto fino agli anni Ottanta
(quando in politica ed economia si riaffermano
le teorie neoliberali) pone al centro della
riflessione filosofica il marxismo, nell’ambito
del quale è possibile individuare lo sviluppo di
una posizione “critica”, interpretata in
particolare dal filosofo e critico letterario
ungherese György Lukács (1885-1971) e dagli
esponenti della Scuola di Francoforte (il declino
del comunismo e del neorealismo coinciderà
con il boom economico). In Italia tale
orientamento si accompagna alla ripresa del
pensiero di Antonio Gramsci, specie in seguito
alla pubblicazione dei Quaderni del carcere
(1948-51). Tra gli anni Quaranta e Cinquanta
grande risonanza ha anche l’esistenzialismo, che
nella riflessione di Jean-Paul Sartre (1905-1980)
e Albert Camus (1913-1960) si accosta al
marxismo e diviene, oltre che semplice filosofia,
politica, letteratura, costume.
Il Neorealismo
All’inizio il termine fu applicato al cinema, per
un film come Ossessione di Luchino Visconti,
che rovesciava la disimpegnata leggerezza del
cinema di allora con il racconto di una storia
cupa e passionale ambientata in un contesto
culturale.
In ambito letterario, il neorealismo si pone come
obiettivo la rappresentazione della “cruda
realtà”, esprimendo i temi più attuali dell’Italia
contemporanea. I neorealisti adottano nuovi
strumenti comunicativi, servendosi di una lingua
immediata e popolare, spesso con termini
gergali e inflessioni dialettali. A differenza dei
veristi e dei naturalisti, gli scrittori di questa
corrente sono profondamente impegnati
socialmente e politicamente: essi, infatti, non
accettano pessimisticamente la realtà, ma
credono che sia possibile una ricostruzione
materiale e spirituale della società (questo
modello di intellettuale era già stato proposto da
Gramsci). Il soverchiante impegno politico
rendeva il neorealismo piuttosto “moralistico”,
mitico, con una visione troppo netta della
divisione tra bene e male, tra buoni (partigiani e
popolo) e cattivi (fascisti, tedeschi, borghesi
collaborazionisti o neutrali). Si trattava, dunque,
di una comunicazione pedagogica di massa.
La lingua
Il progredire dell’italofonia è favorito, nel
dopoguerra, da fattori come la progressiva
urbanizzazione, le migrazioni interne,
l’incremento della scolarizzazione, lo sviluppo
della burocrazia e la capillare diffusione dei
mezzi di comunicazione di massa. La creazione
e diffusione di collane di libri economiche
renderà più estesa e semplice la diffusione della
cultura (compresi i classici).
Il genere romanzo
Il genere romanzesco si presenta senz’altro
come il più adatto a esprimere le istanze del
Neorealismo. La ripresa del romanzo, modellato
sul realismo ottocentesco, sulle opere dei
narratori degli anni Trenta (Alvaro, Moravia) e
sulla letteratura americana (Hemingway, Dos
Passos, Steinbeck), caratterizza dunque gli anni
del dopoguerra. I migliori rappresentanti sono
scrittori come Vittorini, Pavese, Moravia e
Calvino, sebbene il loro iter formativo e la loro
stessa produzione non siano etichettabili
semplicemente come neorealiste, connotandosi
in maniera sostanzialmente originale.
Pier Paolo Pasolini può considerarsi, almeno in
relazione a una parte della sua ampia
produzione, autore neorealista. Nei romanzi
Ragazzi di vita e Una vita violenta ritrae la
violenta realtà del sottoproletariato delle borgate
romane.
Al Neorealismo si possono ricondurre anche:
-Mario Rigoni Stern, sergente maggiore
dell’esercito italiano, che partecipa alla ritirata
in Russia e racconta la sua personale esperienza
in opere come Il sergente nella neve e Ritorno
sul Don;
-Leonardo Sciascia, la cui produzione è
interamente focalizzata sulla storia e i problemi
della Sicilia; riflette profondamente sul rapporto
tra società e politica, tra individuo e potere.
Permeata dalla tragica esperienza nei lager
nazisti è l’opera di Primo Levi, di cui le opere
più importanti sono Se questo è un uomo,
Tregua, La chiave a stella, Se non ora quando?,
Ad ora incerta, I sommersi e i salvati.
La letteratura industriale
Il motivo della fabbrica stimolò numerosi
scrittori italiani, ma solo per alcuni di essi quel
motivo fu dominante nella loro produzione.
Elio Vittorini, fondatore con Italo Calvino del
Menabò di letteratura, fu uno dei primi a
cogliere la complessità del rapporto tra industria
e letteratura. Nella rappresentazione narrativa la
fabbrica fu vista all’inizio come un mondo
alienante che generava operai-automi in preda
alla nevrosi. Fu lo stesso Vittorini ad auspicare
la nascita di un nuovo linguaggio per
rappresentare la società industriale e il mondo
della fabbrica in modo adeguato, partecipe e
solidale. Centrale risulta essere anche la
riflessione sul sistema capitalistico.
ELIO VITTORINI
Di origini siciliane, nasce nel 1908 e si
trasferisce presto a Firenze. Lavora per la rivista
Solaria ed è uno dei più attivi diffusori in Italia
della letteratura americana. Vittorini, vicino alle
posizioni del cosiddetto “fascismo di sinistra2
esprime la sua critica antiborghese rievocando
figure politiche problematiche, come la
rivoluzionaria socialista Rosa Luxemburg,
protagonista del romanzo Garofano rosso; o
descrivendo la vita di un quartiere operaio nel
romanzo incompiuto Erica e i suoi fratelli.
L’involuzione autoritaria del regime si riflette
invece nell’amara narrazione allegorico-
autobiografica di Conversazione in Sicilia, in
cui un giovane intellettuale di nome Silvestro, in
preda ad astratti furori, torna da Milano in
Sicilia per ritrovare la madre, in scenari
metafisici ed enigmatici che rinviano
all’immaginario di De Chirico. Lo stile è
segnato da una prosa quasi lirica, cadenzata da
anafore e ripetizioni.
Dopo il crollo del regime, Vittorini inizia la sua
militanza comunista, imponendosi come una
delle guide del rinnovamento culturale, con le
riviste Il Politecnico e Il Menabò (fondata con
Italo Calvino), e con la lunga collaborazione con
la casa editrice Einaudi.
Nel 1945 esce Uomini e no, uno dei primi
esempi di romanzo dedicati ai temi della guerra
e della Resistenza. La struttura corre su due
livelli paralleli: da un lato la registrazione dei
fatti, a focalizzazione zero, con dialoghi veloci e
brevi battute; dall’altro, la riflessione
dell’autore, fuori dalla storia, in una dimensione
atemporale.
Uno dei suoi romanzi principali è Uomini e no:
è un romanzo in cui si propone di registrare la
realtà di quegli anni. I non uomini sono coloro
che vivono nel disimpegno sociale (dunque la
differenza tra uomini e non-uomini è
prettamente etica). La disumanizzazione come
conseguenza della pratica della persecuzione è
uno dei temi più diffusi.
CESARE PAVESE
Nasce a Santo Stefano Belbo nel 1908. Prima
insegnante e poi collaboratore di Einaudi, vicino
al gruppo antifascista torinese e condannato al
confino in Calabria: si tratta di una figura
tormentata, che vive a lungo il dramma della
solitudine e dell’incomunicabilità, raccontato
nel diario postumo Il mestiere di vivere e che
infine muore suicida, dopo un’ultima delusione
amorosa per l’attrice Constance Dowling, cui
dedica Verrà la morte e avrà i tuoi occhi.
Come Vittorini, Pavese si appassiona alla lettura
degli scrittori americani (si era anche laureato
con una tesi sul poeta Walt Whitman) e traduce
Melville, Steinbeck e Dos Passos. Nella collana
di Solaria pubblica le prime poesie di Lavorare
stanca, esempio di poesia-racconto.
Nella narrativa, Pavese preferisce la forma del
romanzo breve, o del racconto lungo, ad iniziare
dalla rievocazione dell’esperienza della
prigionia con Il carcere. In Paesi tuoi (1939) la
storia viene raccontata in prima persona dallo
stesso protagonista, un operaio torinese ex-
carcerato, Berto, che va a lavorare in campagna,
scoprendovi un mondo quasi bestiale, per niente
idilliaco, retto da rapporti di violenza, come
quello tra il contadino Talino e sua sorella
Gisella, alla fine sgozzata dal fratello in un
accesso di gelosia.
Nel dopoguerra viene pubblicato il romanzo
“resistenziale” Il compagno (1947), ma subito
dopo in Pavese emerge il tema della solitudine
dell’intellettuale di fronte ad una scelta. Questo
è il dilemma che affronta il protagonista di La
casa in collina (1948), l’insegnante Corrado,
rifugiatosi in collina per sfuggire alla guerra e
all’impegno nella lotta partigiana.
L’attenzione ai miti e alle illusioni porta Pavese
anche alla riscoperta del mito antico, riscritto
con originalità e amarezza nei Dialoghi con
Leucò (1947).
L’ultimo romanzo, La luna e i falò (1950), si
colloca oltre la guerra, con il ritorno di un
orfano emigrante, Anguilla, dall’America al suo
paese nelle Langhe: una narrazione epica, in
prima persona, percorsa dal mito dell’infanzia e
del ritorno, che arriva alla tragica constatazione
che, di quel mondo favoloso della memoria, non
resta più nulla. Tutto sembra ormai miseria e
desolazione, anche l’immagine (quasi sacrale)
dei falò notturni dei contadini, che si
sovrappone al bagliore dell’incendio del vecchio
casolare della Gaminella dove Anguilla aveva
vissuto da bambino.
BEPPE FENOGLIO
Fenoglio, nato ad Alba nel 1922, sperimenta in
maniera originale nello stile prima con l’epopea
della Resistenza, raccontata senza toni
celebrativi o moralistici (i ventitré giorni della
città di Alba 1952), poi con La Malora (1954),
storia in prima persona della dura vita di un
bracciante delle Langhe, Agostino, venduto da
ragazzo ad un altro contadino, Tobia, che lo
sfrutta. Il mondo narrativo di Fenoglio resta
legato al tema della Resistenza anche oltre il
neorealismo. In Una questione privata (1963) le
vicende della guerra si intrecciano con quelle
private dell’amore del partigiano Milton per
Fulvia, complicate dai rapporti di entrambi con
Giorgio, prigioniero dei fascisti. Il finale tragico
è solo evocato, con una pagina di prosa
straordinaria che descrive la corsa disperata di
Milton inseguito dai proiettili.
Il capolavoro di Fenoglio resta però Il
partigiano Johnny, rimasto però incompiuto
(1955 edizione parziale con il titolo Primavera
di bellezza, edizione postuma 1968). In questo
romanzo si realizza uno sperimentalismo
linguistico aperto al dialetto e agli influssi della
lingua inglese (Fenoglio era un appassionato di
letteratura americana). Il romanzo racconta della
guerra partigiana dal 1943 al 1945, dal punto di
vista di un giovane borghese, già studente e
allievo ufficiale, che, in fuga dopo l’8 settembre,
si trova a combattere con i partigiani con il
nome di battaglia di Johnny, prima nelle Brigate
Garibaldi, poi in quelle badogliane. Evidente è
la proiezione autobiografica dello scrittore, che
eleva quelle vicende nella ricerca di uno stile
“alto”, quasi epico.
PRIMO LEVI E CARLO LEVI
Dopo la ventata di apparente “oggettività” del
neorealismo, si sentì sempre di più il bisogno di
recuperare l’esperienza individuale degli eventi.
Nasce così Se questo è un uomo (1947) di
Primo Levi (Torino 1919-1987), uno dei più
terribili resoconti dell’Olocausto. Levi, ebreo e
deportato ad Auschwitz, sente un primario
“bisogno di raccontare”, di spezzare il silenzio e
dare testimonianza a chi è sparito nel nulla, di
riportare nella Storia chi è stato cancellato dalla
storia. L’orrore è reso ancora più grande dal
fatto che Levi lo racconta evitando ogni forma
di coinvolgimento emozionale o di
travestimento retorico. L’unico modo per
sopravvivere è aggrapparsi a quanto resta
dell’umanità: anche alla poesia, nel tentativo di
ricordare a memoria il canto XXVI dell’Inferno
dantesco. La figura di Ulisse segna anche
l’opera successiva, La tregua, storia del ritorno
di Levi dopo la liberazione, vera odissea tra le
rovine di un’Europa distrutta. In seguito,
cercherà di approfondire il problema della
chiarezza scientifica della rappresentazione, in
testi come Storie naturali, Il sistema periodico,
La chiave a stella. La tematica angosciosa
dell’Olocausto tornerà con Se non ora, quando?
(1982), vicenda di un gruppo di partigiani ebrei
dalla Russia all’Italia; e infine con l’intenso
saggio I sommersi e i salvati.
In prima persona, Carlo Levi (Torino 1902-
Roma 1975), in Cristo si è fermato a Eboli
(1945), più che la propria vicenda di antifascista
finito al confino in un paesino della Lucania,
racconta la scoperta di un Sud completamente al
di fuori della storia, immerso in una condizione
senza tempo, tentativo di incontro tra
l’intellettuale del Nord e il popolo del Sud,
ancora separati da una distanza abissale. Levi
riesce a raccontare i miti della gente contadina,
guardandoli con i loro occhi e non con i propri.
ITALO CALVINO
Nasce nel 1923 a Santiago de las Vegas,
nell’isola di Cuba, da genitori italiani che
svolgevano la professione di agrotecnici,
dirigendo anche un centro sperimentale di
agricoltura.
Dopo un paio di anni i genitori decidono di
tornare in Italia, a Sanremo. Nel 1941 si
trasferisce a Torino e si iscrive alla Facoltà di
Agraria, in cui insegna anche il padre, ma
poiché ha scarso interesse per la materia, la
abbandona.
Dopo l’armistizio si unisce ai partigiani per non
essere arruolato nell’esercito della Repubblica
di Salò, evento che segnerà molto i suoi primi
scritti. Durante la Resistenza aderisce al Partito
Comunista e si iscrive alla Facoltà di Lettere a
Torino. Proprio in questo periodo inizia a
scrivere racconti, collaborando con varie riviste.
Inizia a collaborare anche con Einaudi,
conoscendo i maggiori scrittori dell’epoca. Per
Einaudi nel 1947 pubblica il suo romanzo di
esordio Il sentiero dei nidi di ragno,
appartenente alla corrente neorealista (sebbene
il neorealismo calviniano sia un neorealismo
originale); l’avventura partigiana è affidata a un
bambino, Pin, che narra le vicende
trasfigurandole, in modo fiabesco e infantile.
Pin non capisce il senso degli eventi che vive e
li guarda con l’ingenuità di un bambino,
evidenziando però le contraddizioni e le
debolezze degli uomini della Resistenza.
Nel 1952 pubblica Il visconte dimezzato. Il
romanzo segna il passaggio dal neorealismo alla
fiaba e all’allegoria. Il visconte dimezzato è il
primo romanzo della trilogia de I nostri
antenati: a completarla Il barone rampante
(1957) e Il cavaliere inesistente (1959).
Nel 1957 pubblica La speculazione edilizia, del
filone neorealista.
Nel 1962 conosce la traduttrice Esther Singer
che sposerà pochi anni più tardi e con cui si
trasferirà a Parigi, dove comincia a frequentare
il gruppo di scrittori dell’Oulipo.
Nel 1963 pubblica La giornata di uno
scrutatore, in cui racconta la giornata tipo di
uno scrutatore intellettuale di sinistra alle
elezioni del 1953, inviato dal suo partito (il
partito comunista) in un ospizio per menomati:
il protagonista, che all’inizio ha delle certezze
ideologiche e culturali, si ritrova in un mondo
popolato da individui ai margini della società, le
cui scelte di vita non dipendono da loro, ma da
altri. In questo romanzo il mito del progresso
rivela quelli che “rimangono indietro”.
Nel 1965 pubblica Le cosmicomiche: si tratta di
una raccolta di 12 racconti fantascientifici, dove
vengono trattati elementi umoristici riguardanti
l’universo, lo spazio, il tempo e l’evoluzione. Il
protagonista delle cosmicomiche è il vecchio
Qfwfq, di cui non si sa nulla. Egli è stato
testimone di tutto, a partire dal Big Bang, e ha
cambiato spesso forma, diventando a volte
umano, a volte animale. Non si tratta però di un
testimone attendibile e da lui non avremo una
visione coerente e veritiera né del cosmo né
della storia.
Tra la fine degli anni Sessanta e l’inizio degli
anni Ottanta pubblica Le città invisibili (1972),
Il castello dei destini incrociati (1973) e Se una
notte d’inverno un viaggiatore (1979).
Nel 1985 viene invitato a tenere una serie di
conferenze ad Harvard e comincia a lavorare
alle sue lezioni, ma viene colto da un ictus.
Muore a Siena.
La trilogia de I nostri antenati
Calvino mescola elementi fantastici con
l’ambientazione storica, mantenendo sempre un
certo razionalismo illuminista. Ne Il visconte
dimezzato si parla dell’insanabile conflitto tra
bene e male presente in ogni essere umano; ne Il
barone rampante si rappresenta l’ideale di
intellettuale e di uomo a cui lo scrittore ambisce
(il protagonista, in protesta contro le
convenzioni della società, decide di vivere
rispettando le proprie scelte, di cui la prima è
vivere sugli alberi; da quella angolazione gli
sarà possibile osservare il mondo in maniera
diversa dagli altri.
In tutte le opere di Calvino è sempre presente
l’elemento fiabesco, che però non esclude la
capacità di far emergere la concezione della vita
dello scrittore.
La letteratura combinatoria
La fase più interessante dello scrittore è quella
sperimentale, che inizia negli anni Settanta, in
cui si dedica alla letteratura combinatoria: alla
base vi è la volontà di allargare i confini della
letteratura, rompendo gli schemi tradizionali e
aprendo esperienze innovative. La letteratura
viene dunque intesa come gioco combinatorio,
creando un testo a partire da regole fisse che ne
determinano la forma.
I romanzi che appartengono a questo filone sono
Le città invisibili (1972), Il castello dei destini
incrociati (1973) e Se una notte d’inverno un
viaggiatore (1979).
Le città invisibili è un immaginario resoconto
che il veneziano Marco Polo fa all’imperatore
dei tartari, Kublai Khan, delle città disseminate
sull’immenso territorio dell’impero. Si tratta di
55 racconti, uno per ogni città, divisi in 9
capitoli: Le città e la memoria, Le città e il
desiderio, Le città e i segni, Le città sottili, Le
città e gli scambi, Le città e gli occhi, Le città e
il nome, Le città e i morti, Le città e il cielo, Le
città continue e Le città nascoste. Proprio in
questa struttura risiede l’intento combinatorio di
Calvino: ogni lettore può decidere se seguire
l’ordine di stampa o crearsi un proprio ordine
interno a seconda delle categorie. Nel descrivere
le città, tutte con nomi di donna, Marco Polo
guarda a quei dettagli che appaiono agli altri
invisibili.
Se una notte d’inverno un viaggiatore si
ricollega agli interessi dello scrittore per
Strutturalismo e Semiologia e racconta la storia
di un Lettore e di una Lettrice che, costretti da
un refuso di impaginazione a interrompere la
lettura, vogliono scoprire come prosegue il
romanzo. Un Lettore, protagonista del romanzo,
scritto in seconda persona, acquista l’ultimo
romanzo di Italo Calvino: sorge, tuttavia, un
problema, ossia la vicenda narrata nel libro si
interrompe non appena comincia a divenire
interessante. Il romanzo, dopo le prime trenta
pagine, ricomincia da dove era iniziato. Il
Lettore, allora, si reca in libreria per la
sostituzione del volume, ma scopre suo
malgrado non solo che tutte le copie del
romanzo hanno il medesimo problema, ma che
addirittura pare che quelle che ha letto non siano
pagine di Calvino, ma di un romanzo polacco. Il
Lettore conosce anche la Lettrice, di nome
Ludmilla. Anche il nuovo libro, presenta un
inconveniente: oltre ad essere completamente
diverso dal precedente, non si conclude. E la
ricerca di un romanzo che si concluda continua
quasi all’infinito. Alla fine il Lettore scoprirà
che gli incipit incompleti dei dieci romanzi
compongono una frase di senso compiuto.