PERIODICO DI INFORMAZIONE, ATTUALITÀ E CULTURA MUSICALE

DOLCE LA VITA di Victor Ciuffa FUTURIBILE di Rossella Gaudenzi LA MINA

Primavera 2010

DEL
COMPASSO

Periodico di informazione, attualità e cultura musicale a cura del Saint Louis College of Music
di Romina Ciuffa

N
on che io non lo
conosca. Ho in
mente da anni,
scongiurati, il suo moti-
vo, quello che compose
per uno spettacolo -

C A
ome è nata la dolce vita? Bisogna distin-
guere il fenomeno di costume dal film
così intitolato da Fellini, che ha preso
spunto dal primo. Credo di essere uno dei
pochissimi, se non il solo, a spiegarlo. E lo riten-
go necessario, pur con un grandissimo ritardo,
perché il fenomeno è nato da una formula gior-
nalistica lanciata dal Corriere d’Informazione,
quotidiano del pomeriggio del Corriere della
Sera alla cui direzione è oggi di nuovo un diret-
tore, Ferruccio De Bortoli, dal punto di vista
giornalistico tra i migliori del dopoguerra; giudi-
zio non mio, ma di chiunque confronti la stampa
italiana dell’ultimo mezzo secolo. (...)
ll’insegna della pluralità e dell’interdisci-
plinarità apre i battenti il Museo nazionale
delle Arti del XXI secolo, grande campus
della creatività contemporanea. Nata dal proget-
to dell’irachena Zaha Hadid, vincitrice tra 273
candidati, la struttura avrà la duplice funzione di
ospitare il primo Museo di Architettura in Italia
e dare spazio ad eventi. Roberto Grossi, presi-
dente di Federculture e consigliere d’ammi-
nistrazione della Fondazione MAXXI, spiega il
progetto, le sfide, il ruolo della musica all’inter-
no del nuovo museo, che colloca Roma e l’Italia
in un’ottica transnazionale, nella quale non è
solo il passato ad arricchire il territorio. (...)
Tutti al macello, da una commedia nera di un
genio, Boris Vian (L’Equarrissage pour tous,
1947, in italiano Tutti al macello) - che deci-
demmo di metter su con una compagnia di sca-
pestrati del Fico, il quartiere romano dietro
Piazza Navona. Quel suo pezzo è stato uno dei
più bei sogni che ho fatto sul jazz e sulla
Francia, sulla guerra, sul bianco e nero e su un
tavolo da macellaio. Di Giuliano Lombardo
poi, a New York, ho visto crescere l’artista. Lì
vivevamo entrambi e puntavamo un compasso
su Manhattan. Dove, sulla mappa, decideva la
mina del balaustrino, ci precipitavamo a fare
dell’eventualismo impertinente. (...)

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SPECIALE
Dolce Vita JAZZ HANK JONES CLASSICA LA STATUA DI CHOPIN
A VARSAVIA
&blues MENTE NEL PARCO LAZIENKI

Direttore
ROMINA CIUFFA

Direttore Responsabile
SALVATORE MASTRUZZI

Caporedattore
ROSSELLA GAUDENZI

Redazione
Flavio FABBRI classica@musicin.eu
Rossella GAUDENZI jazzblues@musicin.eu
Valentina GIOSA alt@musicin.eu
Roberta MASTRUZZI soundtrack@musicin.eu

Contributi
VICTOR CIUFFA, ADRIANO MAZZOLETTI
Lorenzo Bertini, Rita Barbaresi, Luca Bussoletti
Nicola Cirillo, Corinna Nicolini, Paolo Romano

SOUND FEED
Sabrina Simonetti, Eugenio Vicedomini, Livia Zanichelli

Music In Video MUSICINVIDEO

«SENZA DI TE» ROSARIO GIULIANI
Videointerviste tracking back
Romina CIUFFA
Sabrina SIMONETTI

TANTO ERA ACERBA

www.youtube.com/musicinchannel
Web > www.myspace.com/musicinmagazine

Progetto grafico
e fotografia
Romina CIUFFA

Redazione
G irando per il
sito della Siae
ho scoperto che
Pippo Baudo ha regi-
strato ben 179 musi-
Via del Boschetto, 106
00184 Roma che, la maggior parte
strumentali in coppia
Tel. 06.4544.3086 con Pippo Caruso. Un
Fax 06.4544.3184 compositore prolifico
redazione@musicin.eu o forse un furbetto col
trapianto pentagram-
Marketing mato che, non conten-
marketing@musicin.eu to dei troppo generosi
Tipografia cachet, ha arrotondato
Ferpenta Editore srl con i diritti di esecuzio-
Via R.G. di Montevecchio, 17 ne di sigle, stacchetti e
Roma trallallà. Vediamo alcuni
titoli di queste notissime
Anno IV n. 13 canzoni senza testo: Due
Primavera 2010 burini, forse autobiografi-
Reg. Tribunale di Roma co; Inizio, sperando finisca
n. 349 del 20/7/2007 presto; Marcetta grottesca,
forse riferita alla di lui anda-
STEFANO tura; Noi siamo donne, la cate-
MASTRUZZI goria ringrazia; Sanremite, chis-
EDITORE sà dove sarà andata in onda;
Tromba triste, dedicata alla moglie; Sognando
Broadway, finendo a Militello, sua città natale.
Depresso da questa ricerca e dall’ultima punta-
ta di Amici, della quale sono riuscito a seguire
ben 20 minuti filati in cui la presentatrice reg-
geva il microfono o traduceva quello che alcu-
ni ragazzi dicevano in un improbabile italiano,
ho riflettuto su un dato per me importante. Il
Saint Louis ha aperto le audizioni per intrapren-
dere nuove produzioni musicali nell’ambito del
jazz, del rock, del pop e della musica elettroni-
ca. La risposta è stata spaventosa: 120 gruppi da
ascoltare in 2 mesi, più di 500 ragazzi coinvol-
ti giunti da tutta Italia, ma anche da Olanda,
Inghilterra, Francia, Spagna, Repubblica Ceca.
Dall’altro lato, un gruppo di musicisti, produt-
tori, autori, tutti coraggiosi e con la follia di
investire sul proprio lavoro e su progetti musi-
cali nuovi, originali, da costruire da capo.
Quello che ha spinto noi e tanti altri verso
l’attività artistico-musicale, che ci ha rinchiusi
per ore dietro uno strumento o in sala prove,
che spinge a salire su un palco anche davanti a
14 persone è la stessa inspiegabile energia che
fa sognare molti giovanissimi che si avvicinano
con il dovuto rispetto alla musica. Ma la parola
«rispetto» è stata svuotata del proprio significa-
to, in un mondo dove genitori senza requisiti
danno contro a maestri e professori piuttosto
che educare correttamente i propri figli oltre
l’uso scolastico di telefonini e playstation por-
tatili; e per i quali l’unico parametro della qua-
lità è il fatturato. Il rispetto per la musica è fini-
to in «cessi ed eccessi» televisivi. Parafrasando
liberamente Nietzche, direi che il valore di una
carriera artistica si misura non in quello che si
guadagna una volta all’apice, ma in quello che
si paga per raggiungerla.
Tirando le somme, però, mi rendo conto che
quanti denigrano certi programmi tv sono poi
pronti a perdere ogni dignità e a svendere la
propria madre pur di prendervi parte; e quello
che prima appariva come un serio e coraggioso
atteggiamento di ribellione e resistenza nei con-
fronti di un sistema deviato, si rivela come la
classica dissonanza cognitiva al pari di quella
manifestata dalla volpe dinnanzi all’uva (così la
descrive Esopo). Ma l’uva resta sempre e
comunque acerba, e questo è certo almeno fin-
tanto che la volpe non si arrampichi.
Stefano Mastruzzi
 JAZZ
& blues HANK JONES Questo nonagenario vi racconterà le pieghe
Music In  Primavera 2010

DUOLOSOPHY Intervista a Emanuele Rastelli Con Enzo inesplorate della tradizione jazzistica con la classe e la finezza
a cura di ROSSELLA GAUDENZI
Pietropaoli un album di tango e jazz. Da iniziare a fumare il sigaro di chi, amando, rispetta e ri-ama l’oggetto del proprio amore

DUOLOSOFISARMONICA
EMANUELE RASTELLI - ENZO PIETROPAOLI
HANK JONES IL MISSISSIPI
La motivazione
a cura di
Rossella Gaudenzi per cui questa
recensione
(di un concerto
non avvenuto),
incurante della
soddisfazione
della buona regola
delle cinque W
(who, what, when,
why, where)
indugia sulla
identificazione
topografica
dell’evento è che
Hank Jones
«è» il Mississipi

di Paolo Romano

c’è
Lui è tutto fisarmonica. Emanuele Rastelli l’ha studiata in un luogo, la Repubblica una strada mitica che sembra quasi
di San Marino, da cui la scuola più vicina distava 500 km. Non emula, ama. E con tagliare in due il continente america-
Enzo Pietropaoli incide «Duolosophy Vol. I», uno scambio di idee intimista, una foto no e che corre fedelmente vicina alla
in bianco e nero, un lussurioso tango jazz che fa alzare la gonna al girare vorticoso ragione della sua esistenza: il fiume Mississippi;
è la strada che dal Minnesota scende giù giù fino
a New Orleans dove il fiume esausto trova il suo
È questa la motivazione per cui questa recen-
sione, incurante della soddisfazione della
buona regola delle cinque W (who, what,
when, why, where) ha voluto indugiare sulla
identificazione topografica dell’evento.
Perché quel filo rosso tra il Mississippi, la

«La
passione per il jazz è arrivata da
poco, e ha comportato il ricomin-
ciare da zero in un contesto e in un
ambiente in cui farsi strada e farsi conoscere è
tutt’altro che semplice». Emanuele Rastelli:
nascere, crescere e innamorarsi della fisarmonica
nella Repubblica di San Marino. Curioso. Quanto
scoprire come è nata la passione per lo strumento
che lo accompagna nella vita da sempre o quasi,
da quando aveva meno di un lustro.
«Non c’è nessun musicista nella mia fami-
glia, nessuna tradizione musicale. Posso consi-
derarmi dunque un autodidatta. Il suono della
fisarmonica mi ha sempre affascinato; mi rendo
conto che è difficile spiegare come all’età di 4
anni si possa già avere una fissazione così spic-
cata e precisa. Ho ascoltato sin da bambino
questo strumento alle feste popolari, dalle mie
parti molto diffuse anche oggi: mi mettevo sotto
al palco e rimanevo incantato a fissare e ad
ascoltare la fisarmonica. Durante un viaggio a
Modena con i miei familiari, fermandoci in
autogrill, vidi una fisarmonica giocattolo che
avrei voluto mi comprassero. Mio zio me la
regalò. Così, con questo giocattolo, sono nati i
miei primi studi, perché mio padre fischiettava
dei motivetti che io, al suo rientro dal lavoro,
suonavo dopo averli ritrovati sul piccolo stru-
mento. Dopo un po’ mi fu comprata una fisar-
monica in legno, anch’essa giocattolo di qua-
lità però migliore, che continuai a suonare fino
fosse lecito improvvisare. Ero entrato in contat-
to con un modo di intendere la musica a me
congeniale.»
Emanuele è cinico nei confronti dei concorsi,
finché nel ‘94 gli amici, consapevoli delle sue
capacità, lo convincono a partecipare al
Trophée Mondial de l’Accordéon, che
Emanuele vince: è il premio mondiale della
fisarmonica, la selezione nazionale tra i miglio-
ri candidati. I concorsi a cui partecipa sono due,
non di più (il secondo, nel ‘96, sarà il Premio
internazionale Città di Castelfidardo): quel
tanto che basta per riacquisire piena fiducia in
sé. Dopo di che inizia a girare per il mondo con
i concerti del genere variété, 10 anni di espe-
rienza (Scozia, Norvegia, Canada, Venezuela,
Germania, Svizzera) che lo portano però all’ec-
cesso opposto: è ora imbrigliato nei virtuosismi
che il suo pubblico, avendoli ascoltati nei
dischi, si aspetta da lui.
«Ho deciso per uno stop di 3 anni dall’atti-
vità concertistica di variété, dal 2006 al 2009.
Mi sono ritirato dalle scene e ho iniziato a scri-
vere molta musica. Già durante i concerti il
repertorio che proponevo consisteva per metà
in cover e per metà in brani di mia composizio-
ne. In questo momento mi sono rivolto al jazz:
è stato come ricominciare daccapo, sebbene
entrare nel giro sia difficile.»
Così è avvenuta la conoscenza con Enzo
Pietropaoli, con cui ha inciso il meraviglioso
delta. È la Route 61, chi la ricorda per il celebre
album di Bob Dylan, chi perché in essa si può
ripercorrere quel lento scorrere carsico che
potrebbe raccontare più storie di un menestrello
provenzale e cantare più musica di un jukebox.
La Rt 61 è stretta rispetto alle grandi highway
che oggi la intersecano variamente e a ricordar-
ne la storia ci puoi incontrare qua e là qualche
cartello marrone, il colore destinato ai siti stori-
ci. A due terzi del suo cammino, quando il letto
del fiume si fa più grande e sempre più lento e
melmoso (le «muddy waters») puoi incontrare,
proprio dentro lo Stato del Mississippi, una pic-
cola cittadina che oggi viene ricordata solo per
una celebre battaglia che portò il 4 luglio del
1862 gli Stati dell’Unione guidati dall’Ulyses
Grant ad ottenere una gloriosa vittoria sui con-
federati e ad ipotecare definitivamente il suc-
cesso della strategia di Abramo Lincoln.
Questa piccola cittadina è Vicksburg e tra le
sue strade ancora oggi trovi molta più gente
disposta a raccontarti dei bluesmen e dei jazzi-
sti che per decenni hanno vissuto tra quelle vie,
che delle imprese dell’Unione. Tra quei musi-
cisti c’è Hank Jones, uno degli ultimi e più
importanti testimoni del corso lungo che la
musica afroamericana ha ripercorso, proprio
come il fiume, per oltre un secolo.
musica nera e la storia americana trovassero
una loro chiara identità. E perché coloro che
avrebbero voluto trovarsi ad ascoltare Hank
Jones sappiano che, se le sue condizioni di salu-
te glielo avessero permesso, si sarebbero trova-
ti davanti ad un protagonista attento e raffinato
dei misteri umani ed artistici di quelle acque,
assai poco «dolci, chiare e fresche». Anziano.
Ci è sfuggita un’opportunità legata non solo
all’anagrafe - di tutto rispetto di Hank, una
incredibile leva della classe 1918 - ma della
chance di sentire scorrere tra le sue dita il rac-
conto lungo e appassionato del jazz, dallo
swing al bop, nel suo migliore spolvero. Il suo
pianismo è quello, tanto per tornare ai fiumi,
del mainstream jazz più autentico, lontano da
spericolatezze sperimentali, ma imperniato sul
lirismo melodico ed improvvisativo, che rea-
lizza l’autoproclamato intento di Jones di esse-
re «interprete di grande musica».
E così, in barba a quanti pensano che Autumn
Leaves, Summertime, Blue Bossa o My funny
Valentine abbiano («rotto», mi verrebbe da dire)
esaurito le proprie potenzialità espressive, que-
sto nonagenario è come averlo ascoltato rac-
contare pieghe inesplorate della tradizione jaz-
zistica con la classe e la finezza di chi, amando,
rispetta e ri-ama l’oggetto del proprio amore.

a che, all’età di 9 anni, un lontano parente mi
ascoltò suonare e convinse i miei genitori a
farmi seguire delle lezioni. Iniziai così a studia-
re con il maestro Massimo Leardini alla scuola
Benizzi, a Rimini. Sino ad allora avevo suonato
tutto ad orecchio, ritrovando però soluzioni di
accompagnamento con i bassi, la tecnica del
basso alternato.»
Il primo maestro di fisarmonica di Emanuele
è incredulo: tutto ciò che sa fare è solo farina
del suo sacco? Si inizia però a studiare sul serio,
l’approccio con lo studio vero nasce sotto una
buona stella: nel raggio di 500 km gli insegnan-
ti a disposizione sono pochissimi ed il suo è
molto preparato. Per quanto riguarda la didatti-
ca, la fisarmonica non è uno strumento contem-
plato dal Conservatorio fino al 1996; dal 1986
esisteva lo studio della fisarmonica a livello
sperimentale che non dava alcun titolo, perciò
Emanuele si diploma in clarinetto, e successiva-
mente in fisarmonica al C.D.M.I. (Centro
Didattico Musicale Italiano).
«L’avvicinamento al jazz è cosa nuova, la
mia è una formazione classica; sin dai 13 anni
suonavo con le orchestre di musica da ballo,
presto mi sono fatto un nome nel settore, ma
non mi sono mai appassionato al genere. Al
contrario, da sempre amo l’improvvisazione, e
da sempre in questa che considero una vocazio-
ne sono stato limitato. A 17 anni mi sono ferma-
to, ho smesso di suonare per diverso tempo con-
tinuando però ad ascoltare e studiare la musi-
ca. Quando ho ripreso in mano lo strumento il
mio modo di intenderla era cambiato. L’ascolto
dei fisarmonicisti francesi, tanghi, valzer, mi ha
avvicinato al genere musette (tipico genere
musicale francese, combinazione di tradizione
e jazz, il cui pioniere è stato Django Reinhardt,
ndr): finalmente avevo trovato un genere in cui
P
Duolosophy Vol. 1: «È stato grazie al mio rogetti fusion crescono, all’insegna della spe-
album Reunion Project, che propone un miscu- rimentazione. Nel settembre 2006 sei musici-
glio di generi, con cui mi sono avvicinato alla sti danno vita a F.R.A.M.E. fondendo le
scrittura di cose diverse: stile latino, musette, diverse esperienze: dal jazz al funk al rock lascian-
choro. Dapprima ho contattato Umberto do spazio alla musica classica e contemporanea.
Fiorentino attraverso Myspace (che Pietropaoli Sono Federico Di Maio (percussioni e flauto),
non ha). Da questo incontro si è sviluppato il Alessandro Pizzonia (batteria), Federico Procopio
suo progetto Canzoni e Fughe, con la parteci- (chitarra elettrica), Stefano Profazi (chitarra acustica
pazione di Enzo Pietropaoli. Ed è poi nato e classica), Martino Onorato (piano e synth),
Duolosophy Vol. 1, progetto in duo stavolta, Roberto «Psaico» Lo Monaco (basso), che hanno di Rossella Gaudenzi
intimista, che io considero uno scambio di idee fuso i background artistici ricercando un unico lin-
vero e proprio. I pezzi sono del 2008, il disco è
stato inciso per l’etichetta Saint Louis Jazz
Collection nel 2009 e a chiusura dei lavori, lo
scorso settembre, ci siamo esibiti presso la
guaggio in grado di analizzare le pagine jazz e rock
che hanno fatto la storia, per arrivare alle sperimen-
tazioni d’avanguardia e reinterpretare stilisticamen-
te il tutto, proponendo soluzioni nuove.
CORNICE
Casa del Jazz all’interno del Festival Roma Freschi di Teatro Studio dell’Auditorium Parco
Jazz’s Cool.» della Musica, che li ha di recente ospitati, hanno
Quali sono i miti di Emanuele Rastelli? «Non annunciato il primo disco in uscita: si tratta di Ten,
ne ho mai avuti, a differenza di molti miei col- con 10 tracce del tutto inedite e celebri special-gue-
leghi. Amo il tango, il jazz, i grandi, tutti i gran- sts di fama internazionale. Studiando la storia.
di. Richard Galliano è ammirevole, eppure non
ho mai voluto emulare, imitare nessuno. Ho
sempre cercato di essere me stesso. Però mi
appassiona in particolar modo il periodo be-
bop, e dunque il numero uno della fisarmonica
be-bop, Frank Marocco.»
E l’insegnamento? «L’insegnamento mi
piace, lo faccio con dedizione, ma la mia mas-
sima passione è il momento del concerto,
l’esibizione. Attualmente sto lavorando a due
progetti che corrono sul filo conduttore dell’im-
provvisazione. Con Luca Velotti sto portando
avanti un lavoro sulla musica brasiliana, siamo
in una fase primaria del progetto; inoltre sto
incidendo, con Anna Maria Castelli,
Encuentro: il tango e Piazzolla sono un altro
grande amore. Sapere aspirare il buono da ogni
genere, questa la considero davvero una gran-
de ricchezza.»
Music In  Primavera 2010
STEFANO BOLLANI Recensione 12 mani per raccontare le BRIAN AUGER Una volta Herbie Hancock ha detto di lui: «È il SAINT LOUIS JAZZ CONTEST
mille facce di un eclettico, indeciso, pirandelliano personaggio miglior performer di organi Hammond B-3 che esista al mondo» Cosa accadrà nel futuro del jazz?
LA SINDROME
BOLLANIdi Rossella Gaudenzi
L
a gente ha bisogno
di sapere se tu
vuoi fare il piani-
sta jazz, il buffo, il ricer-
catore, l’avanguardista,
il tradizionalista, il bop-
per. Vuole sapere dove
metterti. Così, più vado
avanti e più cerco di
sfuggire quando capisco
che mi vogliono mettere
da qualche parte.
a cosa più difficile per me è incanalare tutto in un personag-
«L gio solo, perché mi sono sempre sentito uno che si domanda:
faccio questo o faccio quello? Faccio il cantante o faccio il
pianista? Mi piacerebbe che, a un certo punto, diventasse normale il
fatto che io suoni un pezzo, ne canti un altro e poi faccia una battu-
ta, ma senza frattura fra le cose. Impresa difficilissima, lo riconosco:
la gente ha bisogno di sapere se tu vuoi fare il pianista jazz, il buffo,
il ricercatore, l’avanguardista, il tradizionalista, il bopper. Vuole
sapere dove metterti. Così, più vado avanti e più cerco di sfuggire
quando capisco che mi vogliono mettere da qualche parte».
Libro articolato, scritto a 6, anzi 8, anzi 10 mani, fatta esclusione
per il protagonista, altrimenti si arriva a 12. La Sindrome di Bollani,
edito dalla Vanni Editore nel maggio 2009 e scritto da Valentina
Farinaccio, Marco Sutera e Vincenzo Martorella, con la prefazione di
David Riondino e la postfazione di Enrico Rava, vanta una rosa di
artisti che nell’esistenza di Stefano Bollani, il geniale pianista mila-
nese e toscano di adozione, hanno un peso rilevante: non solo lo
conoscono da molto tempo, ma continuamente entrano ed escono
dalla sua vita, interagendo con essa. Libro corale dunque, ogni voce
dà il proprio contributo, approfondisce aspetti specifici, dice la sua.
E Stefano Bollani replica. Non potrebbe essere altrimenti, viene da
pensare, poiché abbiamo a che fare con un mago della comunicazio-
ne: il protagonista si infiltra ovunque. È cantante, è autore e condut-
tore radiofonico, è scrittore, è special guest di trasmissioni televisi-
ve, è addirittura un personaggio di Topolino: «Paperefano Bolletta»
è presente nel numero che festeggia i 60 anni del fumetto.
Libro articolato in quanto costruito in maniera non del tutto linea-
re. Si fatica, inizialmente, ad entrare nei meandri di questa lunga nar-
razione. Non può mancare, ad apertura dell’opera dopo
di Rossella Gaudenzi
SAINTLOUISCOOL
l’introduzione di Riondino (ma esiste anche una «pre», a precedere
la prefazione, così come esiste un «post» a seguire la postfazione), la
biografia dell’artista: Da zero a Bollani. Una biografia. Poi, un sus-
seguirsi di quadretti ben costruiti, in cui però le informazioni si rin-
corrono, non relegate in compartimenti stagni. Titoli curiosi che gio-
cano con le parole: Solo, al piano; Non solo al piano; Quando
Stefano stacca le mani dal pianoforte 1) la prima cosa che fa è can-
tare; 2) La seconda cosa che fa è recitare, e via dicendo.
C’è posto per tutto e tutti: per le memorie d’infanzia, per le criti-
che all’immobilismo dei conservatori, per l’evocazione dei maestri,
(tra cui spicca un commovente ricordo di Luca Flores), per i suoi
dischi così diversi l’uno dall’altro, per i compagni di musica, per il
fonico personale, per il rapporto con i viaggi. Addirittura per un com-
mento a Keith Jarrett: «Su quell’episodio la penso come tutti, credo...
D’altronde non bisognerebbe conoscere gli artisti che ammiriamo
davvero. Spesso si rimane delusi dal lato umano.»
Scorrono le pagine, e sottilmente il protagonista schiaccia tutte le
voci, tutti gli altri personaggi, alla fine è lui, proprio lui, Stefano
Bollani, solo lui a riempire la scena. Non c’è più spazio per nessuno.
Di effetto, che arrivano dritte al cuore le foto interne, in bianco e
nero, di Andrea Boccalini.
POST
«Avevo deciso di scrivere un libro su Bollani perché è uno dei
(pochi) musicisti al mondo che riescano a divertirmi e commuover-
mi nello stesso istante. Questo volevo dire, e null’altro. Certo, un
po’ poco, per un libro: tutt’al più ci riempivo un bigliettino dei
baciperugina. E infatti avevo scritto al signor Perugina, ma non mi
hanno risposto.»
al Saint Louis Jazz Contest all’European Jazz Contest il passo è
D tutt’altro che breve, ed è stato compiuto in un solo anno, nel pas-
saggio dalla II alla III edizione. Pure Songs, l’album inciso per
l’etichetta indipendente Saint Louis Jazz Collection dai vincitori
della prima edizione (il Laura Lala-Sade Mangiaracina Quartet) si è
imposto alla critica musicale e il trio Ipocontrio, vincitore del secon-
do concorso, si accinge ad incidere. Il terzo concorso musicale, riser-
vato a giovani musicisti jazz di talento con progetti originali prove-
nienti da tutta Europa, prevede due categorie: Instrumental e Vocal
Jazz. Prestigiose le collaborazioni e le location, quelle storiche per il
jazz in Italia: la Fondazione Siena Jazz, la Scuola Civica di Milano
e il Saint Louis di Brindisi. Ad aprile le selezioni nelle 4 città ade-
renti, le semifinali a giugno e la settembrina rassegna internazionale
Roma Jazz’s Cool per la finale: due vincitori pubblicheranno un cd
originale per la label saintlouisina e firmeranno un contratto biennale
di agenzia con il Saint Louis Management, finalizzato alla promozio-
ne sul territorio nazionale con un minimo garantito di 12 concerti nei
principali festival italiani, jazz club e Istituti di cultura italiana all’e-
stero. Il Premio Solisti consisterà, invece, in due borse di studio per
frequentare il seminario jazzistico full immersion Roma Jazz’s Cool.
JAZZ
& blues
BRIAN IN AUGE
a suonato e sudato con Dizzy Gillespie, Eric
H Clapton, Jimmy Page, i Doors e i Pink
Floyd. Brian Auger non vuole smettere di
fare jazz e a maggio passa per Roma. Ha lavora-
to negli ultimi quarant’anni con Judy Garland,
Count Basie, John McLaughlin, Tom Jones,
alcuni dei più celebri artisti che si sono esibiti
dagli anni Cinquanta a oggi e se il biglietto da
visita non bastasse possiamo aggiungere: Van
Morrison, Jimmy Hendrix, Joe Cocker, Carlos
Santana, Jerry Lee Lewis, Paul Weller, con gli
italiani Pino Daniele, Mina, Zucchero, Eros
Ramazzotti. Nomi che fanno tremare i polsi,
oltre a rappresentare un bel pezzo di storia della
musica, che meglio di qualsiasi altra biografia
raccontano la vita di Brian Auger, musicista lon-
dinese celebre negli anni 60 e 70 come virtuoso
dell’organo Hammond, ma più conosciuto come
tastierista jazz e rock che ha calcato le platee di
mezzo mondo.
Dopo l’esordio nel 1965, come componente degli
Steampacket, gruppo beat formato da Long John
Baldry, Julie Driscoll e Rod Stewart, si propone
poi come solista, accompagnato da una sua band
strumentale (The Trinity) e dalla Driscoll come
vocalist. Sono gli anni in cui il pubblico lo va a
vedere dal vivo, lo cerca nei locali cittadini e la
critica se ne innamora, grazie alla geniale fusione
di stili e ritmi diversi, come il rhythm and blues, il
british pop e il jazz. Nel 1970 arriva infine la miti-
ca Brian Auger’s Oblivion Express, con cui indice
8 album e passa praticamente alla storia, dando i
natali a quello che in seguito fu chiamato «acid
jazz». Anche in Italia qualcuno si accorge di lui e
Renzo Arbore lo fa suonare nella trasmissione
radiofonica «Per voi giovani», seguitissimo spa-
zio di musica rock e pop su Radio Rai 2 a partire
dal 1966 e fino ai primi anni 70, con il brano can-
tato in italiano Il gatto nero.
Una volta Herbie Hancock ha detto di lui: «È il
miglior performer di organi Hammond B-3 che
esista al mondo». La sua incredibile carriera ne è
la prova, avvalorata dalle storiche collaborazioni
con Rolling Stones, The Doors, Pink Floyd, The
Who, ZZ Top e tanti altri giganti della musica
internazionale in tutte le sue declinazioni. Il sito
web (www.brianauger.com) permette ai più curio-
si - attraverso video, foto e file audio - di ripercor-
rere alcune delle tappe più salienti del personale
viaggio nel jazz, nel rock e nel blues di Brian
Auger. Un percorso che ancora oggi continua nei
tour mondiali, accompagnato da una band di altis-
simo livello (Savannah Grace Auger alla voce,
Karma D. Auger alla batteria, Derek Frank al
basso). Per chi volesse godere delle sue vibrazioni
live > 28 maggio, Stazione Birra (Ciampino).
di FLAVIO FABBRI
 CLASSICA
MENTE
ASSOCIAZIONE AMICI DELLA MUSICA Intervista al presidente e direttore arti-
stico Laura Ruzza Con la presidenza onoraria di Ennio Morricone, l’Associazione fa di
a cura di FLAVIO FABBRI
tutto perché la musica classica possa raggiungere chiunque. Mentre lo Stato fa il contrario
IL MOMENTO DEL BISOGNO
È il momento in cui si vedono gli amici. E contro i regimi dello spettacolo moderno, l’effimero delle mode e i falsi
miti dell’ascolto facile, l’Associazione Amici della Musica di Roma propone un solo rimedio: la musica classica
a cura di Flavio Fabbri
L’
Associazione Amici della Musica di Roma conosce solo
una strada per recuperare un modo diverso di fare e
ascoltare musica classica di qualità: suonarla e divulgar-
la il più possibile. Non è semplice, non ci sono soldi, lo
Stato si gira dall’altra parte, i giovani non hanno spazi
per emergere, ma gli Amici della Musica di Roma hanno dalla loro
Ennio Morricone e la forza di chi crede in un progetto dalla valen-
za civile, oltre che culturale e sociale. Attraverso seminari, corsi di
formazione, concerti gratuiti e aperti a tutti, conferenze e presen-
tazioni di libri, l’Associazione fin dal 2006 cerca di riempire i
vuoti spaventosi causati dalla latitanza delle Istituzioni, come dal-
l’effimero mediatico, omologato e massificato, che annulla
coscienze e sensibilità delle nuove generazioni. Laura Ruzza,
presidente e direttore artistico dell’Associazione, prima di ogni
concerto parla al pubblico, spiega cosa si sta per ascoltare, fa
didattica collettiva, per una battaglia di civiltà. Per amore della
musica. Lo fa per riportare i giovani in teatro e tutelare un patri-
monio inestimabile di pratiche e conoscenze, in un Paese che facil-
mente cancella le proprie radici storiche e culturali.
Qual’è la storia dell’Associazione?
Essa nasce per difendere e promuovere cultura musicale. In un
mondo ricco di effimere provocazioni, vogliamo costruire consa-
pevolezza attorno alla musica classica, valorizzando i giovani
interpreti con la formula dei concerti aperti e rivolti in particola-
re alle nuove generazioni. Si tratta di un impegno di civiltà, una
lotta contro l’appiattimento e l’impoverimento culturale, contro il
dominio delle mode e un sistema dello spettacolo di massa che
impone scelte predefinite, precludendo ai più giovani la possibilità
di maturare gusti, conoscere e vivere aspetti fondamentali dell’i-
dentità. Ma è soprattutto una battaglia per la riconquista della
libertà di conoscenza e di scelta, per un Paese più cosciente della
propria storia, identità e ricchezza. Nell’epoca dei nuovi saperi, la
cultura musicale rimane patrimonio imprescindibile.
In che modo diffondete la musica classica?
Organizziamo moltissimi concerti sia gratuiti, per avvicinare i
giovani alla classica, che a pagamento. Ma organizziamo anche
seminari, conferenze, presentazioni di libri, percorsi di formazio-
ne musicale e tutto quanto i nostri soci ci chiedono di fare: visite
guidate al Museo degli strumenti musicali, viaggi musicali, ogni
attività in cui sia presente la musica.
Quali sono le principali difficoltà nel vostro lavoro?
Molteplici, soprattutto in quanto ci occupiamo di musica classi-
ca e senza avvalerci di nessuno sponsor o contributo pubblico.
Prima di tutto si devono superare problemi economici, dal cachet
degli artisti ai costi degli affitti delle sale. Tutto ciò che riusciamo
ad organizzare è reso possibile solo grazie alla collaborazione dei
soci e di coloro che credono nell’importanza della diffusione della
musica colta. A Roma poi è molto complicato trovare delle loca-
tions disponibili ad ospitare i nostri eventi, e tra l’altro molto dif-
ficile scovare bravi musicisti disposti ad esibirsi per cifre non ele-
vate. Un’altra grande problematica, infine, è raccogliere pubblico
ai concerti, e soprattutto pubblico giovane.
Ennio Morricone presidente onorario: che significa?
Sicuramente è un bel biglietto da visita, oltre che un grandissimo
onore: è un artista che si differenzia dagli altri per la semplicità e
l’umiltà che riesce a comunicare. Nonostante abbia vinto l’Oscar
non si sente una star: viene ai nostri concerti e si comporta da per-
sona normale; credo sia questo il suo insegnamento più valido.
Che rapporto avete con le Istituzioni?
Inesistente. Non beneficiamo di nessun finanziamento; abbiamo
provato a partecipare ai bandi pubblici per trovare risorse ma,
nonostante il livello artistico delle nostre proposte, non ci siamo
mai classificati perché non abbiamo alcun aggancio politico.
In che modo aiutare i giovani studenti di conservatorio a tro-
vare un lavoro e costruirsi una professione in Italia?
È necessario investire in cultura, offrire la possibilità a tutte le
associazioni di usufruire di fondi statali per lo spettacolo, per
poter corrispondere agli artisti cachet rispettabili. E soprattutto
sarebbe auspicabile porre un limite al numero di incarichi artisti-
ci e professionali da poter ricoprire e con ciò mi riferisco anche al
campo dell’insegnamento musicale. Ci sono docenti che insegna-
no in 4-5 università contemporaneamente oltre che in
Conservatorio. Questo sistema non aiuta certamente i giovani a
trovare un’occupazione. Nel nostro piccolo invitiamo gli artisti
emergenti proprio per farsi conoscere e potersi esprimere con la
propria arte. Più di questo, non avendo aiuti economici, al
momento non ci è possibile fare.
L’Italia investe in musica colta solo lo 0,1% del PIL...
Si dovrebbero incentivare le donazioni private e riproporre la
figura del mecenate. Sensibilizzando maggiormente la popolazio-
ne, inoltre, ci sarebbero più aziende disposte a concedere finanzia-
menti per le attività culturali e non solo alle grandi realtà.
Ovviamente tutto ciò avrebbe senso solo se si iniziasse a conside-
rare il musicista un bene artistico ed un lavoratore come un altro,
con gli stessi diritti. Cosa che oggi non avviene. Tra i lavoratori
sono proprio i musicisti quelli che faticano di più, perché per
potersi esibire in concerto si deve studiare continuamente, spesso
rinunciando a feste o vacanze.
Come educare i giovani all’ascolto?
Se i genitori ascoltassero cd di classica sin da quando i bambi-
ni hanno pochi mesi, questo tipo di musica diventerebbe parte
integrante della vita dei propri figli, esattamente come il linguag-
gio: anche la musica è un linguaggio e come tale va avvicinata. La
scuola stessa dovrebbe dare maggior rilievo allo studio della
musica, utilizzando personale competente. Oggi vediamo pubbli-
cità che utilizzano musica classica come sottofondo ed alcuni noti
brani classici vengono inseriti anche nei cellulari come suonerie.
Questo credo che sia un buon passo avanti per la divulgazione
della classica e per abituarsi ad ascoltare questo genere musica-
le. La classica è la madre di tutte le musiche, arricchisce l’animo
umano e fa sognare.
La musica colta italiana è ancora importante nel panorama
internazionale?
Oggi, come in passato, purtroppo, parlando di musica colta ita-
liana si pensa subito all’Opera. Questo genere ha goduto e godrà
sempre di grande fama nel mondo, ma dobbiamo ricordare anche
la produzione strumentale italiana. Penso ad autori come
Galuppi, Scarlatti, Cimarosa, Sammartini e tanti altri ancora, che
hanno scritto musica strumentale di pregio e che però vengono
suonati pochissimo nei concerti in Italia e all’estero.
Music In  Primavera 2010
TEATRO DELL’OPERA C’è una
rivoluzione contro la politica; comin-
cia da Riccardo Muti e Carla Fracci
ATTILA
ALL’OPERA
randi manovre per il Teatro dell’Opera di
G Roma, con l’annuncio dell’addio di Carla
Fracci e i segni evidenti di una marcata insof-
ferenza da parte di Riccardo Muti, che nel frat-
tempo è partito alla volta di New York dove ha
presentato in prima assoluta al Metropolitan
Attila, dramma lirico a firma di Giuseppe Verdi.
Dal 2011 ogni nota musicale sarebbe dovuta
essere sotto la sua responsabilità, ma qualcosa
sembra non procedere per il verso giusto.
Innanzitutto questa uscita di scena non troppo
chiara: Carla Fracci, dal 2000 direttrice del corpo
di ballo del teatro, secondo molti è stata l’oggetto
di una purga politica vecchio stampo, seguita a
ruota dalle affermazioni del sindaco di Roma,
Gianni Alemanno, che bolla la vicenda con paro-
le molto chiare: «Stimiamo e apprezziamo la signo-
ra Fracci. È solo che si è chiuso un ciclo». Poi, rife-
rendosi a Muti: «Siamo pronti a recepire i suoi con-
sigli sul cartellone in corso, che comunque non mi
sembra così brutto, visto l’aumento del 10 per cento
degli abbonati». Come dire, sappiamo quanto sia
importante Muti, ma non indispensabile.
La politica probabilmente c’entra e come, Muti lo
sa bene e in un’intervista per La Repubblica prima
di partire per gli Stati Uniti dove è stato premia-
to «Musicista dell’anno» dal Musical America
International Directory of the Performing Arts,
ha detto: «Considero intollerabili le ingerenze estra-
nee a ragioni artistiche e il rischio è enorme nella città
che funge da sede del potere politico. Un risanamento
culturale non può prescindere da una rinascita mora-
le, in senso etico e disciplinare». Niente paura però,
perché a quanto pare l’impegno è ancora in piedi
con il Teatro Costanzi. Un’offerta che fino in
fondo non ha convinto tutti e, a parte l’ottimismo
del sindaco, non sembra infatti decollare, priva
di spettacoli di grande richiamo. Dopo l’apertura
trionfale della stagione 2010 con il Falstaff di
Giuseppe Verdi, per la regia di Franco Zeffirelli e
le coreografie di Carla Fracci, il programma zop-
pica, anche per le difficoltà economiche in cui
versano le casse del teatro.
Non molto tempo fa Muti aveva chiesto che la
stagione fosse «intelligente, agile, moderna, artico-
lata e aperta a tutte le possibilità». Chissà se qualcu-
no l’ha ascoltato. Attendiamo il giorno in cui la
politica sparisca per lasciar posto alla musica,
almeno dov’essa era solita risiedere.
di FLAVIO FABBRI
Music In  Primavera 2010
CHOPIN La tristezza mi ha preso - perché? Nemmeno la MILAN KUNDERA E io mi sentivo a casa dentro quelle canzoni, mi senti-
musica oggi mi consola - è già notte tarda, e non ho voglia vo uscito da loro, mi sembrava che il loro mondo fosse il mio marchio origi-
di dormire; non so cosa mi manca - e ho già più di 20 anni. nario, il mio mondo che io avevo tradito ma che tanto più era il mio mondo
VODKACHOPIN
Ha saputo far convergere nella sua musica elementi di derivazione classica, come
l’equilibrio tra le parti, l’estrema precisione della scrittura, la perfezione stilistica.
Influenzato da alcuni compositori preromantici allora molto noti - Johann Nepomuk
Hummel, John Field e Maria Szymanowska - ne apprese l’inclinazione all’inquietu-
dine e al pessimismo e, sul piano strettamente musicale, la tendenza ad ampliare le
possibilità della modulazione. Chopin è riuscito a trasformare lo studio per pia-
noforte da genere didattico a vera e propria composizione artistica, metabolizzan-
done la struttura e dedicando ogni studio ad una particolare tecnica pianistica.
ono due anni che l’intera Polonia attende
S il momento di festeggiare l’amato musici-
sta e da tutto il mondo si moltiplicano i
messaggi di affetto e le occasioni celebrative
per ricordare Fryderyk Franciszek Chopin nel
bicentenario della sua nascita, (1 marzo 1810-1
marzo 2010). Durante la seduta del 9 maggio
del 2008 il Parlamento polacco dichiarò uffi-
cialmente il 2010 l’anno di Chopin, istituendo
un Comitato per le celebrazioni e un lungo pro-
gramma di eventi che avrebbero segnato il cam-
mino di avvicinamento all’anniversario della
nascita del poeta del pianoforte.
Ma chi era Fryderyk Franciszek Chopin? Fin
da bambino amò il piano, soave ma impegnati-
vo strumento musicale, debuttando come piani-
sta a 7 anni, aspettando i 17 per frequentare i
concerti di Niccolò Paganini, assistere alle
opere del Don Giovanni di Mozart e del
Barbiere di Siviglia di Rossini. Ebbe nel tempo
come amici Franz Liszt, Vincenzo Bellini,
Hector Berlioz e Honoré de Balzac. Girò per
tutti i teatri d’Europa e la sua fama nel tempo
non ha avuto confini geografici. Chopin è oggi
considerato universalmente il cantore dei tasti
in bianco e nero, tra i rappresentanti principali
del Romanticismo europeo.
Ha saputo far convergere nella sua musica
elementi di derivazione classica, come
l’equilibrio tra le parti, l’estrema precisione
della scrittura, la perfezione stilistica.
Influenzato da alcuni compositori preromantici
allora molto noti, come Johann Nepomuk
Hummel, John Field e Maria Szymanowska, ne
apprese l’inclinazione all’inquietudine e al pes-
simismo e, sul piano strettamente musicale, la
tendenza ad ampliare le possibilità della modu-
lazione. In alcune delle sue composizioni
Chopin è riuscito a trasformare lo studio per
pianoforte da genere essenzialmente didattico a
vera e propria composizione artistica, metabo-
lizzandone la struttura e dedicando ogni studio
ad una particolare tecnica pianistica.
In tutti i suoi lavori si trova qualcosa dell’a-
mata Polonia, terra che poi lasciò per seguire la
scrittrice George Sand (in realtà uno pseudoni-
mo, il suo vero nome era Amantine Aurore
Lucile Dupin), donna di temperamento, etichet-
tata dai benpensanti dell’epoca anticonformista
e libertina, se non femminista e socialista. Un
appassionato e tormentato amore che lo condus-
se a Mojorca, per poi finire a Parigi, città dove
morì il 17 ottobre del 1849 e dove tutt’ora ripo-
sa, nel cimitero museale di Pére Lachaise.
di FLAVIO
FABBRI
Sepoltura in realtà inconsueta, visto che il suo
cuore venne successivamente portato a
Varsavia, nella Chiesa di Santa Croce.
Durante le celebrazioni si esibiranno in suo
onore, lungo tutto l’anno, i più grandi pianisti
del mondo. Ovviamente il suo paese natale,
Zelazowa Wola, nonché Varsavia e Cracovia
saranno i centri pulsanti di tale febbricitante atti-
vità, per gli appuntamenti con la Filarmonica
Nazionale Polacca, il seguitissimo Concorso
Pianistico Internazionale Fryderyk Chopin (2-
23 ottobre 2010), le serate offerte dal Museo
Fryderyk Chopin nel Palazzo Ostrogski. Da non
perdere poi l’edizione speciale del Festival Folle
Journée de Nantes (10-13 giugno 2010), 1500
concerti dedicati a Chopin e ai suoi amici, per
una incredibile serie di esecuzioni senza solu-
zione di continuità effettuate in diverse città del
mondo tra cui Bilbao, Tokyo, Rio de Janeiro.
Ultima tappa del giro del mondo sul pianoforte
sarà Varsavia, nel Teatro dell’Opera e nella
grande piazza antistante.
La VI edizione del Festival Internazionale di
Musica «Chopin e la sua Europa» si terrà a
Varsavia e durerà tutto il mese di agosto: 50
eventi musicali e la partecipazione di oltre mille
musicisti, una lunga teoria di momenti e vere e
proprie maratone musicali per deliziarci con la
poetica di Chopin, tra mazurche, preludi, nottur-
ni, valzer, polacche, ballate, sonate e improvvi-
si, suo repertorio vastissimo, assolutamente
dedicato al piano. Dalle intime rievocazioni
della tradizione polacca alle composizioni più
strutturate in cui l’artista rielabora le sue idee e
le sue emozioni, fatte di ritmi, incisi melodici e
tanta, tanta poesia.
La moda è svuotare costose bottiglie di
Vodka Chopin anche in Italia, a partire dall’esi-
bizione del giovane Rafal Blechacz, vincitore
dell’ultimo Concorso pianistico internazionale
«Frydryck Chopin» di Varsavia, o nei più cele-
bri teatri di Milano, Genova, Venezia, Firenze,
Spoleto, Barletta, Palermo etc. Per l’etichetta
Brillant Classic uscirà entro la fine del 2010 un
cd con le opere del giovane Chopin, registrate
su un fortepiano originale viennese del 1826.
Alla promozione di molte delle iniziative ha
collaborato un comitato d’onore eccezionale,
di cui fanno parte nomi di spicco del mondo
della cultura in Polonia e in Italia, da Bernardo
Bertolucci ad Andrzej Waida, da Andrea
Camilleri alla poetessa Wislawa Szymborska,
premio Nobel 1996, da Claudia Cardinale a
Umberto Eco.
CLASSICA
MENTE
KUNDERA ROMANZO-PARTITURA
...mi sentii sprofondare col cla-
rinetto alle labbra, sprofondare
giù nel profondo degli anni, nel
profondo dei secoli, in una
profondità sterminata e mi dicevo
con stupore che il mio unico
mondo era proprio quello sprofon-
dare, quella caduta indagatrice e
avida, e mi abbandonavo a essa,
provando una dolce vertigine
di Rita Barbaresi
M
ilan Kundera, autore de L’insostenibile leg-
gerezza dell’essere, scrive nel 1986 L’arte
del romanzo, un saggio in 7 parti. Nella II e
nella IV lo scrittore boemo conversa con
Christian Salmon - scrittore e intellettuale fran-
cese, cofondatore del Parlamento Internazionale
degli scrittori - e con nitidezza e semplicità spie-
ga cos’è il romanzo. In via preliminare definisce
i romanzieri come coloro che «disegnano la
carta dell’esistenza. Il romanzo non indaga la
realtà, ma l’esistenza. E l’esistenza non è ciò
che è avvenuto», bensì «il campo delle possibi-
lità umane», di tutto quello che l’uomo può
divenire, ciò di cui è capace.
È l’esistenza il presupposto per comprendere
appieno il parallelismo tra scrittura e partitura,
termine inteso come mezzo di rappresentazione
scritta della musica, che Kundera esplora assie-
me a Salmon nella quarta parte del saggio,
Dialogo sull’arte della composizione. Milan
Kundera, attratto più dalla musica che dalla
scrittura almeno fino ai 25 anni, compone da
giovane una sonata per 4 strumenti - pianoforte,
batteria, clarinetto e viola - suddivisa in 7 parti
eterogenee nel genere (jazz, valzer, fuga, cora-
le) e nella durata, ma funzionali all’unità e alla
comprensione dell’opera.
Kundera, convinto che la struttura delle sue
opere in 7 parti sia una propria ossessione alge-
www.bibliotechediroma.it
di Livia Zanichelli
Un cd di Mozart per 30 minuti al giorno leva il medico di torno, la circolazione e il
cuore traggono forte benessere dall’ascolto di brani in cui parti più lente si alternano
ad altre più veloci e, soprattutto, la Sonata K448 aumenta le capacità cognitive dei topi
C
hi non ha mai sentito parlare del cosid-
detto «effetto Mozart?» Quella contro-
versa teoria, elaborata nel 1993, secondo
cui ascoltare la musica del genio di Salisburgo
aumenterebbe l’efficacia di alcune capacità
cognitive. Uno studio aspramente contestato a
suo tempo e di cui si torna a parlare e bene: c’è
ancora chi crede nelle qualità curative della
musica mozartiana e che studia, con successo,
i suoi effetti benefici sulla salute e sul cervel-
lo umano. E non solo.
Il dottor Ronit Lubetzky, del Tel Aviv
Sourasky Medical Center, ha condotto una ricer-
ca sperimentale su 20 bambini nati prematuri e
con un peso inferiore alla media, sottoposti
all’ascolto di un cd di Wolfgang Amadeus
Mozart per 30 minuti al giorno. La musica del-
l’artista austriaco avrebbe provocato un rallenta-
mento del metabolismo dei neonati, con un con-
seguente aumento di peso in misura maggiore
del normale. Tra gli strenui sostenitori dell’ef-
fetto Mozart c’è anche il Mind Institute di Costa
brica, abbandona questa narcisistica persuasio-
ne ascoltando il quartetto opera 131 di
Beethoven: 7 movimenti (lento, adagio, allegro,
fuga, veloce, ecc) all’interno dei quali varia la
durata (breve, brevissimo, lungo). Una grande
lezione dalla musica da riproporre nell’architet-
tura dei suoi romanzi.
L’alternanza ritmica e quella temporale dei
movimenti sono la genesi dei «contrasti emozio-
nali». Nella musica classica l’adagio è il dolore,
la riflessione, l’intimismo; il veloce e l’allegro
sono la gioia, l’evasione, il brusco ritorno alla
realtà. Nella scrittura una descrizione puntuale
equivale a un adagio, mentre un colloquio serra-
to è la fuga, un andante veloce. L’architettura dei
romanzi di Milan Kundera altro non è quindi
che la trasposizione di una partitura. E anche nei
«tempi» Kundera trova affinità tra spartito e
romanzo, quando spiega a Salmon che «ciascu-
na parte ha una sua lunghezza. Una parte è un
movimento. I capitoli sono battute».
Nella VI parte del saggio Sessantacinque
parole - dizionario delle parole chiave delle sue
opere - Kundera rende il definitivo omaggio alla
musica. Alla lettera L definisce il sostantivo lita-
nia: «Ripetizione. Principio della composizione
musicale. Litania: parola diventata musica.
Vorrei che il romanzo, nei suoi brani riflessivi, si
trasformasse qualche volta in canto».
Meza, la cui ricerca ha portato alla luce
l’aumento delle capacità cognitive di un gruppo
di topolini sottoposti all’ascolto intensivo della
Sonata K448. Tutto questo aprirebbe l’entu-
siasmante prospettiva di un futuro uso terapeuti-
co della musica di Mozart, in particolare nel ral-
lentamento dei sintomi di disturbi neurodegene-
rativi come Alzheimer e Parkinson.
Uno studio italiano ha inoltre dimostrato
che l’ascolto di brani classici come la Nona di
Ludwig van Beethoven, la cantata BWV 169
di Johann Sebastian Bach, soprattutto del Va’
pensiero dal Nabucco e del Libiam nei lieti
calici dalla Traviata di Giuseppe Verdi, influi-
scono sulla velocità del battito cardiaco e della
respirazione. L’affascinante ipotesi è che la
circolazione e il cuore traggano forte benesse-
re dall’ascolto di brani in cui parti più lente si
alternano ad altre più veloci. Una scoperta,
questa, grazie alla quale la musica, in partico-
lare la lirica, potrà entrare a pieno titolo nel-
l’ambito della medicina riabilitativa.
 BEYOND
&further
a cura di ROMINA CIUFFA
 CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA
LAMINADELCOMPASSO
GIULIANO LOMBARDO
«C
ome sai la mia formazione non è acca-
demica, ma si è svolta e continua a svol-
gersi secondo un percorso personale.
Quando dico che sono autodidatta non intendo
certo sostenere di non aver avuto dei maestri, ma
di non aver seguito un iter formativo predefinito.
Per quel che riguarda la musica, un ruolo
importante nella mia formazione è stato svolto
da Mauro Bortolotti e Larry Polansky che mi
hanno aiutato ad ampliare la mia visione, ini-
zialmente molto legata all’idioma jazzistico».
Inizia così Giuliano Lombardo a raccontarmi di
sé. Anche se in realtà so già tutto, non mi stanco
mai di starlo ad ascoltare. Perché è un eventuali-
sta. Mai attributo fu tanto galeotto: figlio d’arte -
il padre, Sergio Lombardo, artista e professore di
Psicologia della Percezione e di Psicologia
dell’Arte è esattamente il fondatore del movi-
mento dell’Eventualismo, che Giuliano sostiene
- nella Galleria Jartrakor ha esposto e partecipa
alle attività artistiche connesse.
Lo accompagnavo a sedersi in mezzo alle
strade di Manhattan, che secondo un suo dise-
gno aveva puntato con un compasso sulla carti-
na della City. Dove finiva la punta del compas-
so, finivamo noi. In mezzo alla 1st Ave o in bili-
co su un fiume, poco importava: questa era la
sfida. E infatti mi dice: «Il mio interesse è preva-
lentemente orientato sull’incontro-scontro tra
R CINHA
di Sabrina
Simonetti
C
reato all’inizio del 2004 il gruppo brasi-
liano Chorando à Toa unisce cinque
giovani musicisti uscenti dalla Scuola
di Musica di Rocinha, favela di Rio de
Janeiro: Carla Mariana, Carlos Mendes,
Diego Domingos, Paulo Victor e Renato
Alves hanno iniziato anche grazie agli inse-
gnamenti di choros del maestro Alexandre
Luiz e la loro esperienza sul palco è comin-
ciata, come quella di molti, all’interno della
scuola attraverso una serie di concerti, feste
ed eventi. In poco tempo il curriculum dei
giovani cariocas ha fatto un balzo avanti, e
li ha condotti per gli spazi culturali di Rio e
dei comuni limitrofi prima, nel circuito pro-
fessionale poi, con un repertorio di choros
unito agli approfondimenti di samba in
linea con il più tradizionale trend musicale
carioca degli ultimi anni.
Tanto che, a settembre del 2009, il gruppo
è giunto sino in Germania, dove ha tenuto
ben 28 concerti in varie città; a novembre gli
Chorando à Toa hanno pubblicato il primo
cd, Descontraído, che racchiude un reperto-
rio di 13 composizioni inedite o poco cono-
sciute di autori ancora in piena attività arti-
stica; unica eccezione il vecchio perfezioni-
sta Jacob do Bandolim, classe 1918, scom-
parso nel 1969, soprannominato «Mandolin
Jacob» e noto per le sue Noites Cariocas, il
suo Doce de Coco, e una jazz-aggressive
Assanhado, reminiscenza del bepop. Oltre a
tale azzardo, il disco di questi emergenti
raccoglie composizioni di Ricardo Calafate,
Célia Vaz, Fernando Leporace, Kim Ribeiro
e Luciana Requião tra gli altri, fino a brani
originali degli stessi Mendes e Victor, mem-
bri del gruppo. Ad essi si uniscono i musi-
cisti Paulo Moura, Rodrigo Belchior e
Murilo O’Reilly.
In soli 5 anni di attività gli Chorando à
GIULIANO LOMBARDO Boris Vian direbbe di lui: «Avrebbe un becco sottile/Come si CHORANDO À TOA A
addice ai passerotti/Due bottoni brillanti agli occhi/Un piccolo ventre rotondo/Lo terrei nella Rio De Janeiro nella favela
mia mano/Ed il suo cuore batterebbe veloce/Tutt’intorno la fine del mondo/In 212 episodi»
struttura ordinante e realtà contingente. Mi inte-
ressa l’interazione tra la regola e il caso, il valo-
re inedito della contingenza, dell’errore, della
finitezza. In questo si vede, credo, la forma men-
tis propria del jazz, come estetica dell’immedia-
tezza».
Lui cita il jazz e a me torna in mente il suo
motivetto. Lo aveva scritto con una tastiera elet-
trica e sintetizzato al computer, ma questo dieci
anni fa, quando non tutti s’improvvisavano foni-
ci. Giuliano Lombardo era di quelli che proietta-
vano al Rialto, il centro sociale del ghetto ebrai-
co, prima ancora che il Rialto divenisse un circo-
lo da viveurs. «Opero in varie direzioni usando
media diversi, non ho mai avuto l’attaccamento,
che molti hanno, ad uno strumento, una tecnica
o ad una materia in particolare. La mia intenzio-
ne è sempre quella di operare con la realtà, di
intervenire direttamente sul mondo. Per questo
mi interessa l’arte come messa in opera di dispo-
sitivi approntati per ottenere risultati inediti».
E l’arte, è tanto diversa oggi dall’arte di ieri?
«Una forma moderna di alchimia, tesa sempre
alla sublimazione, da un evento contingente,
insignificante, privato, parziale, ad una forma
che si possa estendere il più possibile aldilà
della vita privata, delle intenzioni, delle idee del-
l’autore, ramificandosi ed estendendosi nella
vita del pubblico». C’è tutta quella filosofia,
Toa hanno percorso un sentiero ben diver-
sificato all’interno del Paese e nella favela
di Rocinha, dove hanno mantenuto
l’integrazione con i movimenti culturali, e
hanno portato avanti campagne per la
salute ed eventi finalizzati a diversi scopi.
Fin dal loro primo concerto, tenutosi nel
2004, il gruppo ha mantenuto una regola-
rità invidiabile che ha contribuito notevol-
mente alla qualità del loro lavoro di oggi.
Descontraído è il prodotto di un’espe-
rienza da favela (non poco) e di una media
di 5 spettacoli al mese nel 2008. In una visio-
ne moderna, seguendo la tendenza del
movimento dei choros carioca, il genere
MPB (Musica Popular Brasileira) è da que-
sti ragazzi rappresentato nella sua forma
più tradizionale ma fuso con altri ritmi
popolari, che fa loro guadagnare nuovi
suoni. La partecipazione di ospiti nell’al-
bum introduce una dinamica vivace.
Ma restano la tristeza, la felicidade, la
saudade, il choro, che è il pianto.
Nell’MPB non compaiono la rabbia del
blues, la ribellione del rock, il romanticismo
occidentale. Annoia? Duole? Eppure per
questi musicisti tristezza e nostalgia hanno
pari dignità della felicità: per un grande
Antonio Carlos Jobim esse condividono la
medesima bellezza. E la terra (di marzo) è
legno, è pietra, è la fine della strada, è un
resto di tronco, è qualcuno po’ solo, un
pezzo di vetro, la vita, il sole, la notte, la
morte, un laccio, ed è l’amo. A cui abbocchia-
mo appena ascoltiamo un berimbau.
di Rocinha ci sono ami
nella sua musica e nelle sue esposizioni, che
mette in quella calma che gli è propria, l’essere
superiore al pratico, eppur l’esser pragmatico.
«Ora sono impegnato in diversi progetti, la
mostra di una mia installazione, il Disoflex -
Dispositivo di Sorveglianza Flessibile, che si
unisce a un dj-set». Quest’opera invade lo spazio
attraverso un sistema simile a quelli della video-
sorveglianza, innescando un rapporto tra essa, la
struttura architettonica in cui è inserita («site spe-
cific») e lo spettatore, sensazione costante del
sapere d’esser sotto controllo, sentirsi spiati.
E ancora: «Ho appena finito il lavoro di
sonorizzazione dello spettacolo La notte poco
prima della foresta andato in scena al Piccolo
Eliseo e un lavoro performativo progettato a 4
mani da me ed Elena Sbardella. Più altre cose
ancora non pienamente definite».
Direi che il caso qui prevale sulla regola. E la
regola sul caso mentre dice: «Ho affiancato alla
mia ricerca artistica l’insegnamento: Teoria
della percezione nell’Accademia di Sassari».
Insistono su di lui il Dna e l’ambiente in cui
TARANT O L E ’
d opo la serata con i Sagen nella suggestiva
cornice dell’ex Mattatoio (v. Music In,
Estate 2009 > Beyond) e quella sotto la
luna del litorale di Pescara, continua il ciclo di
concerti organizzato dalla onlus Health-Aid a
sostegno delle donne Kokombas di Soboba, nel
Ghana. Questa volta l’evento ha finanziato un
innovativo progetto di «microcredito», idea per
la quale Mohammed Yunus, originario del
Bangladesh, ha ottenuto il Premio Nobel per
l’economia e meritato il soprannome di «ban-
chiere dei poveri»: la sua banca dei poveri con-
sente, a chi vive in condizioni di povertà ed
emarginazione, di avere accesso a piccoli pre-
stiti per intraprendere un’attività produttiva.
L’iniziativa favorisce la lotta all’usura, schia-
vitù delle schiavitù, particolarmente diffusa in
Paesi in cui l’accesso al credito in forma istitu-
zionale è negato; inoltre sostiene l’eman-
cipazione delle donne che, in ragione della loro
affidabilità e stabilità come fulcro della fami-
glia, sono le principali destinatarie dei piccoli
Music In  Primavera 2010
Insistono
su di lui
il Dna,
l’ambiente,
e un silenzio
corposo e puro
come paterno
eventualismo
è cresciuto, più o
meno al 50%.
a cura di «Disegnavo in
ROMINA CIUFFA braccio a mia
madre che anco-
ra non avevo ini-
ziato a dire le prime parole, e a quanto mi dico-
no ho cominciato a parlare molto presto... Le
prime immagini che ricordo sono di mio padre
con i suoi quadri giganteschi, di mia madre che
cantava e degli studi delle sue amiche pittrici.
L’unica cosa che li accomunava era l’arte».
Di arte contemporanea, di psicologia dell’arte
e d’estetica s’è informato frequentando i semi-
nari e le conferenze del centro studi Jartrakor e
qualche lezione alla Sapienza. Ciò che sa di
fotografia l’ha appreso lavorando come assi-
stente per alcuni fotografi. «Ma principalmente
mi sono formato leggendo, sperimentando e
lavorando in solitudine. Così per la musica: a
parte gli incontri importanti con Mauro
Bortolotti e Larry Polansky, ho imparato
soprattutto dai dischi, dai concerti e dai libri».
E mentre nei miei timpani risuona, come fa da
anni, quella piccola grande operetta jazz, che
Boris Vian avrebbe amato mentre il suo macel-
laio squartava cadaveri, avverto l’esistenza di un
punto che, fissando un compasso tanto da far san-
guinare la mappa, è sfuggito per sempre.
Divenire premi Nobel
devolvendo il 5 per mille
alla Health-Aid e al Ghana
attraverso il microcredito
di un banchiere dei poveri,
Mohammed Yunus; e poi balli,
libertà, medicinali, musica,
pizzica e passaparola
di Alessandra Atripaldi
prestiti. Anziché limitarsi a fruire passivamente
delle donazioni, esse diventano promotrici del
proprio futuro generando sviluppo per se stesse
e per gli altri membri della comunità.
Ciò accade in Ghana, a Soboba. Ma a Roma
il mezzo scelto quest’anno dalla onlus è stato
quello di balli mediorientali e performance tri-
bali, preludio alla più nostrana «pizzica» inter-
pretata dalle Tarantole di Ilaria Viola, Sandro
Pasquali, Marcello Marpi Piccioni, Lino Linao
Frija e Daniele Borsato. Il ritmo frenetico delle
percussioni africane, i movimenti sinuosi delle
ballerine orientali ed il rito liberatorio del taran-
tismo: la terapia delle tradizioni popolari contro
le ossessioni e le paure ancestrali dell’uomo, il
potere taumaturgico della musica e della danza
contro il male della povertà.
Chi non balla, potrà comunque entrare in
ballo, sostenendo la Health-Aid anche semplice-
mente devolvendo il 5 per mille (www.health-
aid.org). Che, considerando che si tratta di un
credito «micro», non è poco.
Music In  Primavera 2010

MAXXI Intervista a Roberto Grossi Il presidente di Federculture lo dice senza esitazione: il nostro Bel Paese sino ad oggi ha pre-
TRAINING
stato attenzione e valorizzato solo ciò che è legato al passato, come se bastasse ad arricchire il territorio. Ma questo progetto, che è
una sfida, è apertura al contemporaneo: e non a caso MAXXI è l’acronimo di Museo Nazionale delle Arti (plurale) del XXI secolo a cura di ROMINA CIUFFA

 CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA a cura di ROSSELLA GAUDENZI

FUTURIBILEMAXXI
a le potenzialità per dare uno scossone all’economia e le carte in regola per inve-

H stire sulle nuove generazioni. Si proietta sul futuro con le radici di una quercia
nel passato. Investe nel tempo, nella musica e nella danza, come tutti i Musei
internazionali fanno da decenni, senza restare vincolati alle sole rovine di pietra

al design, alla musica, ad ogni altra espressione. Arti: il concet-

Zaha Hadid,
architetto iracheno
ideatore del MAXXI

mondo, ed è importante a questo punto un confronto con

aha Hadid è il MAXXI. È di questa irachena la struttura del

Z nuovo museo a Roma, è suo il convincente e complesso

progetto dalle linee decise ed innovative. Ed è lei ad aver
vinto il concorso pubblico internazionale bandito dalla
Soprintendenza Speciale alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna
su incarico del Ministero per i Beni Culturali nel 1998.
L’aderenza al tessuto urbano in cui si erge, le pareti curvilinee, il
variare e l’intrecciarsi delle quote, la molteplicità degli ambienti
immersi in «gallerie» illuminate da luce naturale hanno avuto la
meglio tra 273 candidati. Con una duplice funzione: quella di ospi-
tare il primo Museo di Architettura in Italia, il MAXXI
Architettura, volto sia a dare spazio alla storicizzazione dell’archi-
tettura del XX secolo che all’arte contemporanea; parallelamente,
a creare nuova arte contemporanea nel MAXXI Arte, e darle spa-
zio - conferenze, documentari, presentazioni di cicli cinematogra-
fici o video, visite guidate, concerti, spettacoli di danza.
Roberto Grossi, presidente di Federculture e consigliere
d’amministrazione della Fondazione MAXXI, lo dice senza esita-
zione: il nostro Bel Paese sino ad oggi ha mostrato di prestare
attenzione e di valorizzare solo ciò che è legato al passato, come
se bastasse ad arricchire il territorio. Con questo progetto, risalen-
te al 1997 e legato al Padiglione Macro e al Padiglione La Pelanda,
Roma e l’Italia si aprono al contemporaneo; non a caso MAXXI è
l’acronimo di Museo nazionale delle Arti - rigorosamente al plura-
le - del XXI secolo per interpretare il nuovo spirito dei tempi.
Quali le linee guida, i criteri adottati nell’ideazione e rea-
lizzazione del MAXXI?
Due. Innanzitutto l’interdisciplinarità. «Contemporaneo»
identifica un insieme di espressioni artistiche: dall’architettura
to si amplifica, abbraccia anche la musica. La pre-inaugurazio-
ne del MAXXI, apertura straordinaria del museo risalente al 14
e 15 novembre 2009, è stata pensata animata da un connubio di
danza e musica; esaltazione degli spazi vuoti accanto a forme
sinuose; armonia tra spazio, tempo, musica e danza; fusione.
Fondamentale sarà mantenere questo principio della pluralità,
affiancato da attività didattiche, formative, cinema, musica ed
altro. In secondo luogo l’intento dichiarato è quello di avvicina-
re all’arte contemporanea un pubblico sempre più ampio. Il
MoMa (Museum of Modern Art di New York) attira ogni anno 4
milioni di visitatori contro il milione e mezzo di Palazzo Vecchio
a Firenze. Un’affluenza massiccia presentano anche i musei di
arte moderna e contemporanea di Parigi (Centre Pompidou),
Londra (Tate Modern) e nuovamente New York (Metropolitan), in
cui le grandi strutture si legano sempre allo sviluppo delle città.
Il MAXXI è dunque pensato per la città di Roma?
È indissolubilmente legato a Roma. Il progetto ha 15 anni: nel
1997 Francesco Rutelli era sindaco della città e Walter Veltroni
assessore ai Beni Culturali. Il MAXXI è il museo del mondo,
della ricerca, della sperimentazione, della video-arte, alla musi-
ca d’avanguardia, giustamente inserita in questa nuova missio-
ne di collocazione della struttura a livello internazionale. La
sfida è dunque estremamente ambiziosa. Abbiamo a che fare con
un’opera molto complessa e la gestione delle attività è legata ad
una fondazione privata, la Fondazione MAXXI, il cui unico pro-
prietario è al momento il Ministero per i Beni e le Attività
Culturali. Effettivamente ambiziosa la scommessa di fondo, quel-
la di creare a Roma il più grande distretto culturale esistente nel
l’Auditorium Parco della Musica che ha accolto due milioni di
visitatori dalla nascita ad oggi, strettamente legato al MAXXI: si
potrà parlare di due poli, due centri di produzione, per un reale
nuovo rilancio.
In un contesto così innovativo, quale pensa che sarà la sorte
di strutture volute dal Dipartimento di Cultura del Comune
di Roma quali la Casa del Jazz, la Casa delle Letterature, la
Casa del Cinema, dei Teatri, e le altre?
Questi luoghi di cultura hanno ormai diversi anni di vita e
sono nati con finalità diverse rispetto a quelle del MAXXI. Si
sono fino ad oggi ben inserite nel panorama cittadino e le aspet-
tative non sono state disattese; devono continuare a portare
avanti i propri programmi specifici come è stato fino ad oggi,
convivendo con una diversa realtà quale è quella del MAXXI.
Tornando al rilancio per la città di Roma e per l’arte nel
nostro Paese, se ne può parlare dal punto di vista economico?
Ci sono le potenzialità per dare uno scossone all’economia. Ci
sono le carte in regola per investire sulle nuove generazioni. Per
il nostro Paese un rilancio economico legato all’arte di ampia
portata rappresenterebbe indubbiamente un unicum. Abbiamo la
responsabilità di essere sotto i riflettori a livello internazionale,
le aspettative mondiali sono straordinarie, il MAXXI dovrà esse-
re una calamita di idee, una ventata di novità.
«L’ARTISTA DEVE AMARE LA VITA
E MOSTRARCI CHE È BELLA. SENZA DI LUI
NON NE SAREMMO TANTO SICURI.» (ANATOLE FRANCE)

Periodico
per chitarristi
dal 1995
alexiamasi studiografico • www.studiomasi.com

www.axemagazine.it
SPECIALE
Dolce Vita Music In  Primavera 2010

IL FILM A Victor Ciuffa si ispirò

VICTOR CIUFFA La dolce vita minuto per minuto Il servizio Federico Fellini per il personaggio COL SENNO DI POI
aa cura
cura di
di ROMINA CIUFFA
FLAVIO FABBRI
di MUSIC IN VIDEO su www.youtube.com/musicinchannel di Marcello (Rubini) Mastroianni Oggi un’agro-dolce vita

 CONTINUA DALLA PRIMA PAGINA di VICTOR CIUFFA

DOLCE LA VITA OGNI MINUTO dalla genuinità, semplicità e realtà del neorealismo
all’illusione di una grandeur non più basata sulla creati-
vità, la fantasia, il genio, ma sull’autoreferenzialità, la
presunzione, l’arroganza di un divismo vuoto, caserec-
Videoreportage cio, fasullo. Bravissimi nel copiare, smitizzare e ridico-
lizzare i grandi filoni cinematografici americani - spa-
ghetti-western, colossal di cartapesta, versioni alla
www.youtube.com/musicinchannel Franchi e Ingrassia -, i «divi» nostrani si erano ormai
convinti di essere proprio tali. Non era più il mio mondo.
Il trio di brillanti autori di varietà radiofonico forma-
ei rari ritagli di tempo frequentavo to da Mario Bernardini, Massimo Ventriglia e Rosalba

(...) N l’ambiente artistico romano traendone

spunti per articoli. Organizzai
un’agenzia di stampa che settimanalmente
diramava ai giornali di provincia reportage
vari; i più pubblicati erano quelli sul
mondo artistico e cinematografico. Maurizio Costanzo,
agli esordi, me ne fornì uno, per pubblicizzare una sua
amica cantante, Lina Lancia. Grazie ai miei articoli sul
Momento Sera fui chiamato dalla Redazione romana del
Corriere della Sera e adibito al Corriere d’Informazione. La mia
aspirazione non era il giornalismo di spettacolo e mondano, ma
politico; mi sarei laureato in Giurisprudenza e in Scienze politiche,
al Corriere d’Informazione nel 1957 subentrai nel «pastone» poli-
tico all’anziano Virginio Enrico, ma il redattore capo di Milano,
Gaetano Afeltra, era più interessato al settore cinematografico-
mondano che faceva vendere il giornale. (...) Puntava soprattutto
sul «giornalismo di attualità» da me realizzato: non come certe
attuali insulse cronache mondane da Alice nel Paese delle meravi-
glie, ma come sottile, quasi impercettibile satira di costume.
Dal 1954 correvo in lungo e in largo nella vita pubblica e pri-
vata degli italiani, presente in ogni avvenimento di cronaca:
bianca, nera, giudiziaria, politica, mondana. Avevo una capacità
di resistenza eccezionale, dormivo talvolta 3 ore a notte, spesso
mi fermavo per un sonno pesantissimo di 5 minuti; fumavo 50
sigarette al giorno - a Mosca perfino le schifose papiroski sovie-
tiche -, bevevo una decina di caffè, saltavo i pasti, ero inseguito
da colleghi e fotografi che mi chiedevano notizie per i loro gior-
nali e servizi. Fuori dell’orario di lavoro redazionale partecipavo
ad avvenimenti e raccoglievo notizie dalle 17 alle 4 del mattino:
vernissage di mostre, prime cinematografiche e teatrali, concer-
ti, ristoranti alla moda, locali notturni, primi giri di manovella,
visite ai set, conferenze stampa, interviste, arrivi e partenze di
celebrità, premiazioni, festival, feste pubbliche e private, eventi
vari. Per essere libero nei miei movimenti improvvisi, imprevi-
sti, rapidissimi, frequentavo i locali notturni da solo o accompa-
gnato da un mio collaboratore; mai una serata galante, intima,
sentimentale, nessuna ragazza tollerava e reggeva il mio ritmo.
Ad esse potevo dedicarmi dopo le 3 del mattino, ma alle 7 dove-
vo stare in redazione.
Nell’inverno 1957-1958 Fellini cominciò a frequentare la sera
Via Veneto; veniva a indagare sulla mia attività, a farsi racconta-
re fatti e retroscena sulla mie esperienze. Ero molto amico anche
di Ennio Flaiano anch’egli autore del soggetto del film, di Ercole
Patti, di Vincenzino Talarico, che frequentavano lo squallido, tri-
ste e semideserto Caffè Rosati di Via Veneto, non certo per par-
tecipare alla dolce vita. Nel gennaio 1960 chiesi a Fellini una
visione privata del film che aveva terminato, nella saletta della
Cineriz, in Viale Castrense. Vi condussi Afeltra, il conte Carlo
Guarienti, la contessa Guia Calvi di Bergolo, Bubi e Cia Sanjust.
Quando compresi che la mia identificazione con il protagonista
interpretato da Marcello Mastroianni avrebbe compromesso le
mie aspirazioni di giornalista politico, decisi di non firmare più
quegli articoli che Afeltra continuava ad esigere; e adottai la firma
redazionale «Ugo Naldi» che aveva usato, nella sua breve perma-
nenza al Corriere d’Informazione, Arrigo Levi. I mei timori non
erano infondati. Afeltra lasciò il Corriere nell’ottobre del 1961 ma
i suoi successori continuarono a chiedermi articoli e notizie rela-
tive al mondo mondano e in particolare cinematografico. (...)
(...) L’esasperata interpretazione e rappresentazione data da
Fellini di quel mondo visto attraverso l’attività di un cronista
intraprendente e impegnato come ero io, mi condizionò notevol-
mente spingendomi a troncare al più presto i rapporti e le frequen-
tazioni con il mondo del cinema italiano, passato in un decennio
Oletta mi chiese di aprire un cab, come fecero poco
dopo Maurizio Costanzo e Pier Francesco Pingitore.
Non accettai perché sono stato sempre contrario al pro-
tagonismo, all’esibizionismo e all’escursionismo in
campi altrui. Ho sempre ritenuto che un giornalista, se
è veramente tale, non deve mai salire sul palcoscenico,
deve restare assolutamente e rigorosamente in platea.
Altrimenti, senza che se ne accorga, altera la propria
personalità, non è più in grado di essere obiettivo, di
osservare i fatti e la società, di descriverli ai lettori. Moltissime
volte nel mio lavoro ho constatato che la pubblicazione sul gior-
nale della foto di una persona anche la più semplice, assennata,
normale, è sufficiente per modificarne il carattere: figuriamoci la
notorietà che crea l’apparizione in tv.
Concludo sulle possibilità esistenti oggi per tanti giovani effet-
tivamente amanti del vero giornalismo e preparati per farlo.
Possibilità, per meglio dire, inesistenti, se continuerà l’appro-
priazione dei mezzi di comunicazione - stampa, radiotv e presto
internet - da parte di partiti e di grandi gruppi finanziari, bancari,
industriali. E se continuerà quindi la scomparsa di editori veri,
puri. La maggior parte dei «grandi» giornalisti di oggi sono diven-
tati tali non tanto per meriti personali, quanto per tessere di parti-
to, stretti legami con politici, iscrizione a logge segrete, asservi-
mento ai grandi gruppi economici, industriali, sindacali.
I seri, i bravi, i preparati allora non hanno un futuro? Altroché.
Proprio di loro oggi ha bisogno questa società. Che non è diver-
sa né migliore di quella degli anni 50. È disastrata come quella
uscita dalla guerra, per la quale la dolce vita costituì non un
modello da imitare nelle dissipatezze descritte da un cronista ed
esasperate da un regista, ma la rappresentazione di un mondo da
criticare, condannare ed evitare. E proprio questo determinò il
successo che le mie cronache sul Corriere d’Informazione ebbe-
ro presso la società milanese, lombarda e in genere settentriona-
le, laboriosa, onesta, impegnata, rispetto a un certo mondo roma-
no da me descritto, vago, inaffidabile, improduttivo, pressapo-
chista, superficiale, se non peggio.

TUTTA LA VERITÀ
SU UN FENOMENO FALSATO COL SENNO DI POI di ROMINA CIUFFA
edatto in forma di cronaca e di

R reportage quotidiano attraverso

la descrizione minuto per minuto,
notte per notte, di una serie di avvenimen-
D olce. L’aggettivo riporta al sistema sen-
soriale e alle strutture della sensibilità
gustativa, le papille. La preferenza verso
il dolce è innata, soddisfatta sin dalla nascita
ti cui l’autore ha partecipato e personag- con l’assunzione del latte materno. Sembrerà
gi che ha conosciuto. strano, ma i recettori del dolce sono molto simi-
li a quelli dell’amaro in quanto entrambi associa-
ti alla proteina G. Mi viene da pensare a questo:
IN LIBRERIA perché, se nell’uomo la codificazione neurale del
gusto operata sinapticamente è rimasta inte-
DAL 16 MARZO gra in questi ultimi 50 anni, l’amaro viene sem-

C EC pre più confuso con il dolce?

Meglio detto. Quella che ieri era una dolce vita,
E
CIUFFA EDITORE
tanto abilmente descritta da mio padre, trasla-
ta nel nostro millennio è un agro-dolce, un sapo-
re amaro: perché? Lo scoop è divenuto gossip, il
paparazzo un estorsore, il giornalista un blog-

q uesto racconto ha l’intento

di spiegare i profondi motivi
della nascita di un fenomeno,
di una mentalità, di un costume. Sono
moltissimi gli episodi , socostume. Sono moltissimi gli episodi e soprattutto i nomi
che esso contiene, destinati a suscitare nostalgie negli anziani e curiosità nei giova-
ni, misti a riferimenti e a dati essenziali di carattere economico, politico, sociale e
sindacale, che servono per inquadrare il fenomeno in un’epoca che esercita ed
eserciterà sempre una forte attrazione su ogni pubblico.
a dolce vita ha rappresentato per l’Italia degli anni 50-60 quello che prima
ger, l’attrice una velina, la cantante un’amica del
politico. La vita non è più dolce, è un misto di
sapori quando non artificiale, confusione di sina-
psi o inibizione di ricaptatori. La differenza tra i
recettori del dolce e quelli dell’amaro allora è la
stessa che c’è tra me e mio padre, tra il nuovo e
il vecchio giornalismo, tra i valori di oggi e di ieri.
Un po’ come i sapori di una volta, e le mezze stagioni. La frutta, i pomodori, il sole.
La differenza è la mucca pazza. Gli anni Cinquanta erano anni ricchi di volere, ricostru-
zione, forza, curiosità. Questo millennio ha smembrato il sapere, dissolvendolo, ha por-
tato i «poke», gli emoticon, gli scandali, i Co.co.co., ha creato giovani già vecchi, inutili,
ha chiamato tutti con un unico nome. Benjamin Button. Ha dato vita a social networks
eliminando la socialità, il contatto, senza pur tuttavia ridurre le malattie da contagio.
La differenza fondamentale tra me e mio padre, probabilmente, è in quello che vedono

L la Belle Époque, poi gli Anni Ruggenti rappresentarono per l’Europa di fine
‘800 e inizio ‘900, un fenomeno essenzialmente di costume, che poteva fio-
rire solo in un certo contesto: quello. www.victorciuffa.com
i nostri occhi, il gusto per il bianco e nero e il color seppia, che riporta lui in un vissuto
reale, e me in un nostalgico sopra(mmai)vvissuto nel quale questo millennio tenta di
trovare appiglio, temendo che la dolce vita faccia la fine di quella descritta con tanto
ardore nei suoi leali articoli: impressa su pellicola, poi un ultimo ciak.
MUSICIN13_mari.QXP:Layout 1 13-04-2010 17:38
Music In
Primavera 2010
LEE KONITZ A Roma, in LOUIS ARMSTRONG Nell’anfiteatro
quell’epoca, tale genere di romano e nei vicoli di Spoleto non poté
jazz contava numerosi cultori diffondersi la musica di New Orleans
PARTERRE DI CELEBRITÀ
PER IL PROFETA
DEL COOL JAZZ
Konitz suonò con Franco Cerri al contrabbasso, anch’egli al debutto romano, Renato
Sellani al piano e Gilberto Cuppini alla batteria. Accoglienze festosissime del pubblico, tra
cui l’attrice Carla del Poggio, il musicista Lelio Luttazzi, il trombettista Nunzio Rotondo,
il pianista Romano Mussolini e sua moglie Maria Scicolone, sorella di Sophia Loren.
«I n quelle sere il pianista Nikita Magaloff
eseguiva musiche di Chopin nell’Aula
Magna dell’Università di Roma quando
le cronache musicali romane furono sconvolte da
un altro avvenimento sensazionale: l’esibizione
di Lee Konitz, il re del cool jazz, al Teatro Eliseo.
A Roma, in quell’epoca, tale genere di jazz con-
tava numerosi cultori nell’ambito del Jazz Club,
ma il concerto non era riservato esclusivamente a
loro, perché per i revivalisti, appassionati dell’hot
jazz, era in programma anche l’esibizione di
Carlo Loffredo con la sua seconda Roman New
Orleans Jazz Band, e degli Alligatori del Tevere,
un complesso tradizionalista che aveva appena un
anno di vita. Posti esauriti, comunque, per ascol-
tare il profeta del cool. Aprì il concerto con il soli-
to travolgente brio Carlo Loffredo, che fu applau-
ditissimo non soltanto dai cultori del dixieland.
Dopo di lui Paola Orlandi, in abito scarlatto,
cantò Night and day e altri brani, accompagnata
al piano da Lino Quagliero e alla batteria dal gio-
vanissimo ma già popolare Roberto Podio.
Clou della sera fu, ovviamente, l’altosax
americano che in Italia aveva fatto una fugacis-
sima apparizione nel 1953 con Stan Kenton, a
Milano. La sua esibizione fu all’altezza delle
aspettative. Konitz suonò con Franco Cerri al
contrabbasso, anch’egli al debutto romano,
Renato Sellani al piano e Gilberto Cuppini alla
batteria. Accoglienze festosissime del pubblico,
tra il quale spiccavano l’attrice Carla del
Poggio, il musicista Lelio Luttazzi, il trombetti-
w w w . w e s t
DELUDE CASTA DIVA
E FUGGE
MARIA CALLAS
Al momento di entrare in scena per l’inizio del secondo atto la Callas che fece?
Semplicemente si rifiutò di uscire. La pregarono, la supplicarono, le ricordarono che
ad attenderla c’era il presidente della Repubblica. Niente da fare. E quasi due anni
dopo, intraprese un’azione giudiziaria contro il Teatro dell’Opera di Roma.
«I l 1958 si aprì con un avvenimento cla-
moroso, destinato ad anticipare quanto
sarebbe avvenuto nei mesi successivi.
La sera del 2 gennaio il bel mondo romano aveva
riempito il Teatro dell’Opera per l’inaugurazione
della stagione lirica. In programma era la Norma
di Vincenzo Bellini, interpretata dal soprano
Maria Callas. Un parterre d’eccezione, toilette
smaglianti, abiti firmati dai migliori stilisti del-
l’epoca, primo fra tutti il grande Emilio Federico
Schuberth. Nel palco presidenziale sedeva il
Capo dello Stato Giovanni Gronchi, accompa-
gnato dalla moglie donna Carla. Ma il soprano
non era nella migliore forma, l’esecuzione del-
l’aria «Casta diva» aveva lasciato scettico il pub-
blico, il primo atto si era concluso con applausi
piuttosto freddini. Che non avevano certo soddi-
sfatto, anzi avevano decisamente deluso e con-
trariato la diva, abituata alle ben più calorose
accoglienze solitamente tributatele dal pubblico
del Teatro alla Scala di Milano.
Pagina 9
MARIA CALLAS La sua sparizione diventò un giallo. Finché scoprii che esiste-
va un passaggio segreto attraverso il quale la diva sdegnata si era messa in salvo
1956
sta Nunzio Rotondo, il pianista Romano
Mussolini e, per proprio conto, sua moglie
Maria Scicolone, sorella di Sophia Loren; sola
era anche la contessa Paola Mancinelli Scotti il
cui fratello, Franco, aveva sposato l’attrice Elsa
Martinelli, che si faceva pertanto chiamare
anche lei contessa Mancinelli Scotti.
La vera contessa Mancinelli Scotti, pur essen-
do sempre presente ad ogni avvenimento teatrale,
cinematografico, mondano e soprattutto in Via
Veneto, si dichiarava acerrima nemica della pub-
blicità. Una di quelle sere provocò un clamoroso
incidente pretendendo dalla polizia il sequestro di
una pellicola di un fotografo che l’aveva ritratta.
Un’altra sera, giunta in Via Veneto a bordo di
un’auto di grossa cilindrata e indossando un abito
verde smeraldo con un foulard bianco tra le mani,
scorse un fotografo e si innervosì, attirandosi
ugualmente una scarica di flash. Si curvò sulla
pedaliera dell’auto cercando di nascondere il
volto; non riuscendovi, uscì dalla macchina
coprendosi con il foulard. I passanti si domanda-
vano: «È una concubina del re dello Yemen?».
Intanto sempre a Roma, nel Teatro Sistina
situato nell’omonima strada, la commedia
musicale di Pietro Garinei e Sandro Giovannini
Un trapezio per Lisistrata, rappresentata dalla
compagnia di Delia Scala, Mimmo Carotenuto,
Nino Manfredi, Ave Ninchi e Paolo Panelli,
otteneva un successo superiore al previsto: gli
incassi raggiungevano una media di oltre due
milioni di lire al giorno.»
i n . c o m
1958
Per cui al momento di entrare in scena per
l’inizio del secondo atto la Callas che fece?
Semplicemente si rifiutò di uscire. La pregarono,
la supplicarono, le ricordarono che ad attenderla
c’era il presidente della Repubblica. Niente da
fare. La Direzione dové interrompere lo spetta-
colo spiegando che l’artista era raffreddata. La
spiegazione non convinse i più accaniti musico-
fili romani che aspettarono minacciosi la diva
all’uscita del teatro. La Callas però non uscì. Che
fine aveva fatto? La sua sparizione diventò un
giallo. Finché scoprii che tra il Teatro dell’Opera
e il retrostante Hotel Quirinale situato in Via
Nazionale, in cui la cantante era alloggiata, esi-
steva un passaggio segreto attraverso il quale la
grande diva sdegnata si era messa prudentemen-
te in salvo. Quasi due anni dopo, il 18 novembre
1959, la Callas intraprese un’azione giudiziaria
contro il Teatro dell’Opera di Roma attribuendo-
gli la responsabilità dei fatti avvenuti il 2 gennaio
1958 e chiedendogli il risarcimento dei danni.»
LOUIS ARMSTRONG
A SPOLETO,
MA IN OSPEDALE
Andai ad intervistarlo. Nella stanza risuonava la sua voce roca: ancora otto giorni e il
4 luglio avrebbe compiuto 59 anni. Volevano fargli un regalo: consentirgli di trascorre-
re il giorno del compleanno a New Orleans. Aveva bisogno di riposo: il suo organismo
risentiva della lunga tournée compiuta. La malattia l’aveva ulteriormente debilitato.
«U na delusione ebbero al Festival dei
Due Mondi gli ammiratori di Louis
Armstrong che, dopo Il duca d’Alba
di Donizetti, L’angelo di fuoco di Prokofiev, la
Messa da requiem di Giuseppe Verdi, non pote-
rono ascoltare la sua fantastica tromba.
Nell’anfiteatro romano e nei vicoli di Spoleto
non poté diffondersi la musica di New Orleans.
Armstrong era stato ricoverato nell’ospedale di
Spoleto dove trascorreva il tempo a leggere deci-
ne di lettere e telegrammi giuntigli da tutto il
mondo. Ma ormai non aveva più la febbre e pre-
sto sarebbe tornato a Roma. Andai ad intervistar-
lo. Nella stanza risuonava la sua voce roca: anco-
ra otto giorni e il 4 luglio avrebbe compiuto 59
anni. Volevano fargli un regalo: consentirgli di
trascorrere il giorno del compleanno a New
Orleans. Aveva bisogno di riposo: il suo organi-
SILENZIO FITTO
PER I 50 ANNI
DEL CAFÈ DEL PARIS
Un fenomeno di costume destinato ad appannarsi e a scomparire proprio con Fellini.
«C redo di essere stato l’unico a ricor-
dare, nel numero di luglio 2008 del
mensile Specchio Economico da
me edito, l’approssimarsi del 50esimo anniver-
sario della nascita del Cafè de Paris, avveni-
mento che dette il via all’intensa stagione della
dolce vita. In realtà una dolce vita esisteva sin
dal 1954, ma se non vi fosse stato il Cafè de
Paris non sarebbe balzata di colpo all’attenzione
del pubblico internazionale; né Federico Fellini
avrebbe avuto l’idea di realizzare quel film il cui
titolo è stato usato poi per indicare quel fenome-
no di costume che, grazie appunto al Cafè de
Paris, assunse dimensioni e notorietà notevol-
mente superiori a quelle registrate negli anni
precedenti. Un fenomeno di costume destinato
però ad appannarsi e a scomparire proprio quan-
do Fellini, infarcito il film di significati non del
tutto rispondenti alla realtà e di episodi scaturiti
dalla sua scatenata immaginazione e dal gusto
del paradosso del co-soggettista Ennio Flaiano ,
lo presentò ai pubblici cinematografici. Dal 4 e
5 febbraio 1960, giorni in cui la pellicola fu
proiettata per la prima volta a Roma e a Milano,
la fama della dolce vita cominciò a crescere, ma
la dolce vita a decrescere.
Una foto in bianco e nero scattata nell’autun-
no del 1958 mostra me e Federico Fellini sedu-
ti al Cafè de Paris dove egli veniva quasi tutte
le sere per incontrarmi e farsi raccontare gli epi-
sodi verificatisi durante la giornata, e più in par-
ticolare durante la nottata precedente (...).
Episodi ai quali avevo assistito o che avevo per
primo scoperto nella mia frenetica ricerca di
notizie e di retroscena per articoli e rubriche di
costume che pubblicavo sul Corriere
d’Informazione, quotidiano del pomeriggio del
Corriere della Sera.
Ho raccontato, in questo libro, episodi e par-
ticolari sconosciuti. Ad esempio dove Fellini
attinse il titolo del suo film: in un dramma di
Sem Benelli. Perché Tombolini aprì il locale:
gli avevano chiuso il Victor’s Bar per il primo
scandalo romano della droga. Perché lo chiamò
Cafè de Paris: per imitare quello, famoso, di
Hollywood in cui fu presentata per la prima
volta Marilyn Monroe; e perché, da emigrato,
SPECIALE
Dolce Vita
1959
smo risentiva della lunga tournée compiuta. La
malattia l’aveva ulteriormente debilitato. Alle
sette di mattina, quando lo intervistai, mi parlò di
Roma e degli spaghetti. Rideva, parlava, chiama-
va «padrona» l’infermiera Anna Venturini, si sol-
levava sui cuscini; quarantott’ore prima si parla-
va di coma, delirio, febbre a quaranta.
Quando arrivava in ospedale Lucille, sua
moglie, la scena diventava allegra e chiassosa.
La signora Armstrong indossava un abito di
cotonina a quadretti bianchi e neri, calzava
scarpine di un rosso squillante e aveva un cap-
pello di paglia a larghe falde, con un’enorme
margherita bianca. Vedendola accanto al «re»
sembrava di stare a Storyville; nel vano della
finestra si stagliava, invece, il panorama di
Monteluco, della quattrocentesca rocca, delle
rossicce linee architettoniche di Spoleto.»
OGGI
aveva lavorato per anni in Francia e vi aveva
sposato Blanche, figlia di emigrati italiani. E
tante notizie, approfondimenti, scoop.
Grazie alla mia presenza ininterrotta, quoti-
diana e notturna, per un paio di decenni in Via
Veneto, a caccia sempre di notizie per il mio
giornale, a mezzo secolo di distanza debbo con-
statare come quel grande fenomeno di costume,
pari a quelli della Belle Époque e degli Anni
Ruggenti, per ignoranza, esibizionismo o pro-
saici interessi commerciali sia oggetto oggi di
stravolgimenti continui, interpretazioni erronee,
falsificazioni reali, speculazioni plateali. (...)
Innanzitutto non è vero che prima del 1958 non
vi fosse nulla: esisteva la moda esistenzialista
proveniente dalla Francia. (...) Non è altresì
vero che la dolce vita fosse quella raccontata da
alcuni fotografi che non riescono a ricordarla e
a descriverla in maniera diversa da una decina
di «paparazzate», cioè di animati scontri tra
paparazzi e personaggi celebri e di macchine
fotografiche fracassate; scontri sempre incruen-
ti, perché in gran parte espressamente o tacita-
mente concordati per l’interesse dei primi a
vendere servizi fotografici ai rotocalchi, e dei
secondi a farsi una gratuita pubblicità; e spesso
organizzati da press agent e uffici stampa per il
lancio di qualche film.
E ancora: in gran parte inattendibili sono
anche le descrizioni e le rievocazioni di quell’e-
poca che periodicamente appaiono su quotidia-
ni e rotocalchi, frutto di scopiazzature di prece-
denti descrizioni e rievocazioni anch’esse di
seconda mano, quindi con ulteriore allontana-
mento dalla verità, con date errate, nozioni e
idee confuse. E infine costituisce una solenne
turlupinatura a danno di passanti e turisti, italia-
ni e stranieri, l’esibizione in Via Veneto, addirit-
tura fuori del Cafè de Paris e di un altro bar, di
foto di personaggi e di episodi eseguite, a
distanza di alcuni anni dalla dolce vita, da foto-
grafi che nel 1958-1959 avevano sì o no una
decina di anni. In definitiva si propaga oggi
un’immagine della dolce vita completamente
falsata. Per non parlare, poi, di quando se ne
occupa la tv.»
Victor Ciuffa
 ALTER
NATIVE
Music In  Primavera 2010

MOKE Intervista a Felix Maginn Si vestono meglio di CIOCCOLATINI Rock’n THE WILKO L’America della caduta
a cura di VALENTINA GIOSA tutti perché sono cresciuti in una cultura di strada dove la roll, blues sgrammaticato, lo- delle illusioni e delle ipocrisie imperanti,
musica determina ogni cosa, compreso ciò che indossi fi e punk. Ma da Centocelle eredi dissacratori delle utopie di Bob Dylan

&
BRITVESPA

N
ROCK’N’ROLL
a cura di Valentina Giosa

oti ai più grazie al singolo This Plan, utilizzato da una nota casa
automobilistica per un suo spot, il quintetto olandese dall’attitu-
dine e look tipicamente e deliziosamente «brit», sonorità «shoe-
gaze» e mood «new romantic», sono senz’altro una delle band più inte-
ressanti degli ultimi anni. Diremmo «cool», per rimanere sull’inglese
virgolettato. Nati ad Amsterdam nel 2005 e portati alla ribalta grazie a
Paul Weller, che dopo averli notati li ha subito voluti con sé per ben due
tour, i Moke vantano già prestigiose esperienze come la partecipazione
ai festival London Calling, Lowlands, Pinkpop e l’apertura dei concerti
di Keane, Razorlight e Amy MacDonald. La band ha inoltre ricevuto nel
2007 il premio Esquire come «band meglio vestita dell’anno» ed è redu-
ce dalla Fashion Rock Night di Berlino dove la loro musica ha accompa-
gnato le catwalk degli ultimi marchi di moda alternativa. Gli abiti indos-
sati dal quintetto sono infatti opera di Karl Lagerfield che ha curato
sapientemente l’immagine del gruppo confermando ancora una volta che
moda e musica camminano spesso sullo stesso binario. I Moke stanno
per pubblicare un nuovo album dal titolo The Long and Dangerous Sea,
registrato insieme ad un’intera orchestra e saranno molto probabilmente
in Italia questa estate (da tener d’occhio le date del tour online ufficial-
mente sul sito www.mokemusic.com o sulla pagina Myspace
www.myspace.com/moketheband). Music In ha parlato con il leader
della band, l’irlandese Felix Maginn.
State per cominciare un nuovo lungo tour in Olanda insieme a
Silence is Sexy, Pioneers of Love ed è già quasi tutto sold out. Qual’è
il segreto dei Moke?
Non saprei proprio dirlo, domanda difficile. A volte le cose sembrano
semplicemente arrivare da sole, con i Moke è successo tutto molto in
fretta. Ma certamente noi lavoriamo duro!
Siete stati definiti una combinazione di new wave e brit pop. Cosa
ne pensi o come definiresti in alternativa i Moke?
Credo che si possa chiaramente sentire ciò che ci piace nella nostra
musica. Io per esempio sono irlandese e sono cresciuto in una scena
musicale tipicamente British che credo abbia influenzato molto il mio
modo di scrivere. Ma, ad ogni modo, penso che la band suoni più Irish
che British. L’influenza della tradizione, quella dei tipici temi irlandesi
si può sentire chiaramente nei brani, alcuni dei quali potrebbero perfet-
tamente funzionare in un tipico set-up tradizionale irlandese.
Oltre all’Irlanda cos’è che culturalmente ti ha segnato?
Sicuramente il movimento dei Mod e la cultura rock degli anni 50 e
60. Adoro le band beat inglesi e altrettanto il rock’n’roll. Non parlo
ovviamente solo di musica, ma anche dell’abbigliamento, dello stile, dei
capelli, le macchine e le moto. È tutto molto classic. Certamente ciò ha
influenzato tantissimo il mio modo di scrivere e il mio look.
A proposito di stile, nel 2007 Esquire Magazine vi ha nominati
«band meglio vestita dell’anno». Quant’è importante per te la moda
nella musica? I due mondi sono sempre stati coinvolti fra loro?
Credo che moda e musica abbiano sempre camminato di pari passo. Se
sali sul palco fai attenzione al tuo look: sono due cose che non possono
dividersi.
Hai detto in un’intervista: «Sono cresciuto in una cultura di stra-
da dove la musica determina ogni cosa, compreso ciò che indossi».
WILKO
D
PEDIA isco eponimo: Wilco (The Album),
il settimo lavoro della rock band di
Chicago è uscito l’estate scorsa
guadagnandosi rapidamente il plauso della
stampa internazionale e facendosi largo tra
le liste dei migliori album dell’anno. Dopo
12 mesi i Wilco tornano a suonare in Italia.
L’eclettico Jeff Tweedy, leader della band e
autore della maggior parte delle canzoni
del gruppo, spicca per doti indiscutibili di
songwriter; così, dalle origini folk e coun-
try del 1994 (anno in cui la band sorge
dalle ceneri degli Uncle Tupelo) lavora e
sperimenta fino ad approdare ad un suono
raffinato e molto personale.
Significa che si prende una decisione, si fa una scelta, quel tipo di musi-
ca piace, quel tipo di look anche, ci si sente bene e si va avanti convinti.
Com’è iniziata l’avventura Moke? Dove vi siete incontrati?
L’idea della band è nata una sera in un locale di Amsterdam. Quel bar
lo consideriamo un po’ il «nostro» locale, ha un significato molto spe-
ciale per tutti noi. È lì che facciamo per esempio le interviste di solito, o
dove andiamo la sera. È lì che ho incontrato Phil ed è iniziato tutto.
Stavo cercando di mettere su un gruppo e avevo cominciato la selezione
dei musicisti. Avevo già alcuni brani pronti che avevo registrato a casa THE WILKO
nel mio studio.
E poi è arrivato Paul Weller…
Esattamente. L’incontro con Paul è stato fondamentale per noi, ci ha Anno dopo anno, i Wilco - alias Jeff
dato subito la possibilità di suonare e di iniziare praticamente la nostra Tweedy, Nels Cline alla chitarra, Mikael
carriera. È stato Paul ad avermi dato i migliori consigli di sempre Jorgensen al piano, John Stirratt al basso,
riguardo alla scrittura e per questo non lo ringrazierò mai abbastanza. Glenn Kotche alla batteria, Pat Sansone
Oltre ad essere una specie di eroe per tutti noi, è davvero una bella per- polistrumentista - si arricchiscono lenta-
sona, una su un milione. mente di nuove sonorità passando dal pop
Ma oltre a Paul Weller siete stati notati subito anche dal grande melodico alle venature del blues, dal rock
Karl Lagerfeld che non poteva restare indifferente alla vostra imma- classico, a echi di musica elettronica elabo-
gine «british»... rata. Da sempre la prolifica band, autrice di
Sì, anche quello è stato un incontro determinante. È nato tutto veloce- album come Yankee Hotel Foxtrot (2002),
mente anche con lui. Un giorno ci ha chiesto se eravamo interessati ad A Ghost Is Born (2004) e Sky Blue Sky
indossare i suoi vestiti, così siamo andati nel suo ufficio e li abbiamo (2007), canta l’altra faccia dell’America:
provati. Erano semplicemente fantastici, per tutti noi, e abbiamo accet- quella della caduta delle illusioni e delle
tato. Inoltre Karl conosceva praticamente tutto dei Moke e la cosa mi ipocrisie imperanti, eredi dissacratori delle
sorprese. Più avanti ci ha portati a Parigi per uno dei suoi show, utopie di Bob Dylan. Undici i brani di
un’esperienza indimenticabile. Wilco (The Album), tra cui un duetto con la
State per pubblicare un nuovo album: puoi dare ai lettori di Music cantautrice canadese Feist decisamente
In qualche anticipazione? ben costruito. > 30 maggio, Roma,
Il nuovo cd si chiamerà The Long and Dangerous Sea. Sarà un album Auditorium Parco della Musica; 31
più ricco dei precedenti, quasi a dire «pomposo» visto che abbiamo maggio, Ferrara, Teatro Comunale.
lavorato con un’orchestra. Il primo singolo si intitola Love my Life.
Abbiamo registrato nei famosi ICP Studios di Bruxelles e mixato nel DI ROSSELLA GAUDENZI
nostro studio olandese preferito, il 150 di Amsterdam.
Verrete anche in Italia?
Molto probabilmente quest’estate, ma ancora non possiamo ufficializ-
zarlo. Abbiamo suonato tempo fa a Bologna insieme a Paul Weller ed è

Cosa intendi dire esattamente?
Voglio dire che a chi piace un certo tipo di musica sicuramente vestirà
in un certo modo. Ci sono i mods per esempio con i loro abiti di mohair
e le giacche a vento, o i punk e i rocker con le giacche di pelle e i jeans.
Quasi sicuramente anche il taglio di capelli sarà curato e particolare.
LeStorie
andata molto bene. Speriamo di tornarci. Adoro gli anni Sessanta e
l’Italia in quel periodo ha influenzato tutto, dai vestiti ai mezzi di traspor-
to. Vado matto per la Vespa per esempio, ne ho avute tantissime, Rallys,
SS180’s e Sprints. Il mezzo migliore per muoversi in qualsiasi città, stile
e classe italiana tutto in un colpo. Praticamente perfetto. LIBRERIA BIS TROT

www.eddielang.org

I
Cioccolatini - «sul cui reale
significato del nome non mi
esprimo per decenza», dice
Fabio Campagna aka F, chitarra e
voce della band (nella foto) - sono
un progetto nato a Centocelle nel
2009 quando Mister Selfish
(Alberto Spezzaferro, chitarra e
voce) e F si incontrano e scoprono
di avere in comune la passione del
rock’n’roll primordiale, del blues
sgrammaticato, del lo-fi e del punk.
«Ci siamo ritrovati a jammare ed è
nata una vera e propria alchimia
fra il talento melodico e compositi-
bile il recente concerto allo Spazio
1 di Torpignattara dove un amplifi-
catore è letteralmente andato in
fumo), sonorità che passano dallo
psychobilly al punk rock e al gara-
ge con uno stile già incredibilmen-
te definito e personale, frutto di una
rara e perfetta affinità fra i membri
del trio dove il rock’n’roll di LA DOLCE
VITA
Johnny Thunders sembra sposarsi
all’irruenza dei Cheater Slicks e MINUTO PER MINUTO
alla psichedelia dei Seeds. Un TUTTA LA VERITÀ SU UN FENOMENO FALSATO
triangolo ritmico incendiario (a F e
Mister Selfish si aggiunge alla bat-
teria il possente impatto ritmico di VICTOR CIUFFA

CIOCCOLATINI
vo di Mr Selfish e la mia ritmica
che definirei tendenzialmente
freeform». Nati da neanche un anno
i Chocolate Starfish sembrano suo-
nare insieme da molto più tempo.
Assistere ad un loro live ve ne farà
innamorare per sempre. Energia,
sfrontatezza, una parete di suono da
far saltare in aria i muri (memora-
Adolfo Spezzaferro, aka Adolf),
una macchina vincente che non si
fermerà certo ai contorni romani. CIUFFA EDITORE
L’occasione più recente per assiste-
re ad uno dei loro «raw and glamo-
rous parties», come Fabio li defini-
sce, l’ha data il Fanfulla 101. IN TUTTE
1950/2010 CENSURATE
LE LIBRERIE
(Valentina Giosa)
Music In  Primavera 2010
LIARS Meditazione su spazi alternativi e siste-
mi di supporto underground necessaria a mante-
nere un’identità in una città come Los Angeles
SISTERWORLD(BUGIARDI) TWISTIN’
Non voglio più essere un uomo. / Voglio essere un cavallo. / Gli uomini hanno pensieri piccoli. / Io ho bisogno di una coda. /
Datemi una coda. / Datemi il racconto di bambini fermi sulla strada di un inverno che volge al termine.
uscito il 5 marzo per la Mute il
È quinto capitolo di Angus Andrew,
Aaron Hemphill e Julian Gross
aka Liars. Sisterworld, un capola-
voro di art-punk che potremmo
definire un vero e proprio thriller e che,
secondo il trio è nato come «meditazio-
ne su spazi alternativi e sistemi di sup-
porto underground, necessaria a mante-
nere un’identità in una città come Los
Angeles». Da sempre innovatori ed
eccentrici, i Liars sono conosciuti per
aver sempre arricchito i propri album
con qualche extra speciale (ultimi i film
realizzati in occasione del disco Drum’s
not Dead). E anche questa volta i
«bugiardi» (nell’intervista Angus
Andrew ci spiegherà perchè si chiama-
no così) non si sono smentiti.
Sisterworld prevede infatti un doppio
album in edizione speciale che raccoglie
11 remix e reinterpretazioni ad opera di
(rullo di tamburi) Thom Yorke, Tunde
Adebimpe (TV On The Radio), Bradford Cox
(Deerhunter/Atlas Sound), Melvins, Alan Vega
(Suicide), Chris & Cosey (Throbbing Gristle) e
Blonde Redhead.
Dunque il mondo è una sorella?
Credo che il titolo vogIia piuttosto dire «dovun-
que altrove». Qualsiasi altro posto. Che sia reale
o immaginario, io preferisco dire indefinito.
Proud Evolution e Goodnight Everything,
autentiche gemme tratte dal nuovo album
Sisterworld, rappresentano un po’ la nuova
attitudine dei Liars a un suono decisamente
più introspettivo e misterioso, oscuro e sofi-
sticato e indubbiamente meno aggressivo.
Cosa ne pensi?
Che è bello sentirtelo dire, però è difficile per
me essere d’accordo perché non riesco a eti-
chettare il suono dei Liars in nessun modo.
Credo solo che ogni canzone abbia un ruolo
differente nel modo in cui l’intero album suona.
Qual’è stata la musica che vi ha influenzato?
Personalmente quando ho iniziato a suonare, le
mie influenze erano per lo più di gente che non
L’orlo di
una crisi
di nervi di Lorenzo Bertini
C he cosa è stata la scena new wave italiana
a cavallo tra anni 70 e 80? Crollo nervo-
so, dvd presentato a Roma negli spazi del
Basement pignetaro, fa luce su una stagione
tra le più luminose e anticonformiste della
musica italiana e non solo. Alla vigilia degli
anni 80 e del riflusso, corrosa da una lunga e
tormentata stagione politica, l’Italia si ritrovò
veramente sull’orlo di un collasso. A raccon-
tarla, e a rinnovarla in un linguaggio inedito,
post-modernista, fu una generazione di menti
anarchiche e situazioniste, catapultata fuori
dagli allora nuovissimi schermi a colori.
Il punk aveva portato aria nuova tra le asfit-
tiche pareti nostrane, un approccio immediato
e ludico all’arte, dalla musica al video, al
fumetto; un’urgenza comunicativa sospesa tra
sperimentazione e «meraviglioso» dilettanti-
smo, all’insegna del do it yourself, incanalata
su fanzines (Mucchio Selvaggio, Rockerilla),
sulle nascenti radio private e su una rete di
locali come il Tenax a Firenze, l’Aleph a
Rimini, o il Tube a Roma.
Una stagione che significò, come spiega il
regista del documentario Pierpaolo De Iulis,
«anche un modo nuovo di fare mercato, sgan-
ciato dalle major, indipendente e pionieristi-
co». Il movimento esplode in Italia con due
CROLLO NERVOSO Un dvd rac-
conta tutta la verità sulla new wave
italiana a cavallo degli anni 70 e 80
a cura di Valentina Giosa
pretendeva di essere un genio tecnico della
musica. Sicuramente sono sempre stati artisti
che hanno usato il suono con un atteggiamento
naif per trasmettere il più delle volte idee com-
plesse. Artisti come Suicide, Throbbing Gristle
e il primo hip-hop per esempio.
Cosa avete ascoltato durante la realizzazione
di Sisterworld?
Non molto. Posso dire però che ho guardato
tanta cattiva tv e ascoltato gli elicotteri sopra
la testa.
La novità dell’ultimo album è che ha
un’edizione limitata con un secondo cd dove
musicisti come Thom Yorke, Tunde
Adebimpe, Melvins, Alan Vega, Throbbing
Gristle e Blonde Redhead reinterpretano i
vostri brani. Da cosa è nata l’idea di fare
un’edizione remixata di Sisterworld?
Credo che l’idea di remix sia un pò limitante.
Abbiamo solo pensato a cos’altro potevamo
fare, a creare un’alternativa all’album.
Abbiamo chiesto così ad alcuni artisti che
apprezziamo di re-interpretare i nostri brani
anni di ritardo rispetto al ‘77 inglese. «C’è un
divario storico rispetto all’Inghilterra», spiega
Federico Guglielmi, giornalista musicale. «Il
nostro ‘77 fu il ‘79, per cui punk e new wave
da noi coincidono, il punk defluisce nel suo
post».
Rispetto alla verticalità dell’asse tradiziona-
le Milano-Roma, la new wave italiana batteva
i centri di Bologna e Firenze. Bologna più
orientata sul punk, con l’esperimento della
Traumfabrik di Skiantos e Gaznevada, e
l’Italian Records, etichetta indipendente nata
nel ‘78 a promuovere le nuove leve; Firenze
più orientata sulle eleganti sonorità new wave.
Due momenti consecutivi, illustrati dalla
ripartizione del dvd nei capitoli Onde
Emiliane e Firenze Sogna (più un terzo, Italia
Wiva) raccontati attraverso il recupero prezio-
so di materiale d’archivio, contributi video e
interventi di protagonisti, giornalisti e produt-
tori discografici (con un cd in allegato di rarità
a testimoniare la presenza collaterale di una
scena romana, rappresentata da gruppi come
Illogico e Confusional Quartet).
Da quel caos seminale vennero fuori, tra gli
altri, gente come Cccp, Litfiba, Neon,
Diaframma, Moda e Kirlian Camera. La parte
migliore che resterà degli anni 80.
NOTWIST La band bava- RECOIL Alan Wilder La prima volta che ho
rese che ha rinnovato il visto i Depeche Mode suonare è quando mi sono
kraut-rock in tour in Italia riunito a loro alla Royal Albert Hall di Londra
senza che ci fosse alcuna regola.
Abbiamo dato loro molta libertà.
Volevamo un risultato che fosse molto
diverso dai soliti remix dance che si
ascoltano oggi regolarmente nelle
disco.
Come avete scelto gli artisti con cui
collaborare per questo secondo cd?
Non so bene come in realtà: è stato
molto semplice. Abbiamo solo fatto una
lista di artisti che ammiriamo e che non
sono poi conosciuti come «remixers».
Abbiamo così pensato ad un artista per
ogni brano, lo abbiamo contattato e
così è nato il secondo cd.
C’è qualche collaborazione che prefe-
risci?
Posso solo dire che ogni brano è unico
e individuale nella sua prospettiva.
Avete vissuto a Berlino per un po’ di
tempo. È stata la città con la sua
vibrante scena elettronica a influen-
zare il vostro suono?
In realtà ha avuto per lo più a che fare con le
idee a cui stavamo lavorando per il nuovo
album. Un po’ come se volessimo dare la chan-
ce di offrire modi diversi di vedere o ascoltare
la stessa idea.
Perché avete scelto Berlino?
Per me Berlino è stata una via di fuga e isola-
mento. Volevo andar via dalle influenze dei
media e dall’America. Devo dire però che i
freddi e cupi inverni berlinesi mi hanno aiutato
a concentrarmi e ad essere molto produttivo.
Cosa ha comportato muoversi dalla «scena»
americana?
A volte stare in America ti può schiacciare. Ho
spesso l’impressione di poterla prendere solo a
piccole dosi. È decisamente un rapporto di
amore/odio quello con la cultura americana.
Ora una domanda a chi si è chiamato
«bugiardo»: mi hai detto tutta la verità?
Ci ho provato. In realtà, paradossalmente
abbiamo scelto il nome «Liars» perchè voleva-
mo che il nostro lavoro fosse il più onesto pos-
sibile. Perciò eccoci qui, o forse no.
RECOIL MODE
opo anni in veste di tastierista per una delle
D band più influenti della musica degli ultimi
tre decenni, Alan Wilder lasciava i Depeche
Mode nel giugno del 1995 (Ultra sarà il primo
lavoro della band senza di lui) per dedicarsi ad
un progetto esclusivamente elettronico in cui
avrebbe potuto finalmente, come un vero e pro-
prio guru del synth, sviluppare un discorso nato
dall’elettronica minimale e fatto di sonorità
meno pop, sofisticato ed esclusivo nato già nel
1986. Dopo 1+2, Hydrology e Bloodline, usciti
www.youtube.com/musicinchannel
I nostri cameramen sono lì fuori
Music In Video è videointerviste, riprese,
showreels, musica in movimento
Music In Channel > redazione@musicin.eu
ALTNATIVE
ER
NOT
Fscheormatasi nel 1989, la band capitana-
ta da Markus Acher è di origine tede-
ma canta in lingua inglese. Ha avuto
il grande merito di aver rinnovato e ripor-
tato in auge la gloriosa tradizione del
kraut-rock. In verità, i primi due album
della band bavarese (The Notwist, 1991, e
Nook, 1992) sono poco più che mediocri
prove di esercizio di stile tra grunge e
metal. I successivi, e più maturi, 12
(1995) e, soprattutto, Shrink (1998)
segnano il felice incontro tra sperimenta-
zioni elettroniche e le varianti melodiche
dell’indie-rock.
NOTWIST
Ma è con il successivo lavoro, Neon
Golden del 2002, che i Notwist raggiun-
gono l’apice della carriera avvicinandosi
a sonorità più intime, sospese tra alchi-
mie elettroniche e rock minimalista e
ricevendo una grandissima notorietà su
scala mondiale. Dopo aver dato vita a
diversi progetti paralleli (ricordiamo, a
tal proposito, Potawatomi e Console) e
collaborazioni come quelle con i
Themsleves ed i Lali Puna, The Devil,
You+Me, uscito nel 2008, ha segnato per
i Notwist il ritorno a sonorità molto simi-
li a quelle espresse nel decennio prece-
dente. Li accompagnano i Saroos,
anch’essi tedeschi e già membri di una
delle emanazioni dei Notwist, i Lali Puna
in queste date > Torino, Hiroshima;
Milano, Tunnel; Roma, Circolo Degli
Artisti di Roma; Bologna, Estragon.
DI EUGENIO VICEDOMINI
quando Wilder era parte integrante del clan
Depeche, con Unsound Methods (1997) il musi-
cista entra nel pieno della stagione Recoil.
Samples e sequenze, lavorati con l’ausilio del
meglio della tecnologia, si fondevano con le
incisive spoken words di Maggie Estep, Nitzer
Ebb e le stupende melodie di Douglas
McCarthy, Hildia Campbell, e Siobhan Lynch,
«per realizzare qualcosa di più interessante del
suono di una band che suona insieme», dirà lo
stesso Wilder. Dopo Unsound Methods, sarà la
volta di Liquid, dominato da atmosfere cupe e
introspettive e dove inoltre compare, tra le altre,
la splendida voce di Diamanda Galàs, e ancora
più tardi Subhuman.
Il 2010 accoglie Selected, Greatest Hits in
uscita in primavera e un tour mondiale che por-
terà finalmente on stage la scienza elettronica
dei Recoil. Due le date italiane dove Alan
Wilder sarà accompagnato dal suo amico Paul
Kendall. Lo scorso 17 febbraio Wilder ha rega-
lato ai fan dopo quasi 15 anni un’inaspettabile e
memorabile reunion con i Depeche Mode alla
Royal Albert Hall. «È stato bellissimo vedere
tutti di nuovo e unirmi a loro, ed è stata inoltre
la prima volta che ho visto realmente i Depeche
Mode suonare». Quindi, > 9 aprile, Milano,
Magazzini Generali; 10 aprile Roma, Circolo
degli Artisti. (Valentina Giosa)
 SOUND
tracking
Music In  Primavera 2010

GIORDANO CORAPI Colonna sonora della «Danza di morte» di Gabriele IL CONCERTO Un film per violino e
a cura di ROBERTA MASTRUZZI
Lavia La vita è soltanto un’ombra errante, un guitto che in scena s’agita un’ora orchestra, e come un’opera di Cajkovskij una
pavoneggiandosi, e poi tace per sempre: una storia narrata da un idiota (...) festa russa selvaggia dove sono tutti ubriachi

LA DANZA
«La colonna sonora è come
la bottega del falegname:
non puoi costruire una sedia
senza sapere quali regole rispettare,
o rischi che non si regga in piedi.»

DI CORAPI di rivedere tutto perché questi strumenti coprivano la voce degli

di Roberta Mastruzzi
vita è solo un’ombra errante, un guitto che in scena
«La s’agita un’ora pavoneggiandosi, e poi tace per sem-
pre: una storia narrata da un idiota, colma di suoni
e di furia che non significa niente» (Macbeth, atto V, scena V).
Nel 2009 Gabriele Lavia ha portato nei teatri italiani la trage-
dia shakespeariana, mettendo in scena il dolore, la brama di pote-
re e la pazzia di Re Macbeth e consorte, in uno spettacolo duro e
tormentato dove la musica ha un ruolo magico ed eloquente. Un
senso di angoscia sapientemente condensato nelle musiche di
Giordano Corapi, giovane compositore romano a cui Lavia ha
affidato la colonna sonora del suo spettacolo e con il quale la col-
laborazione continua anche per Danza di morte, in scena al
Teatro Argentina a partire da aprile. Alla sua prima opera teatra-
le, Corapi riceve la nomination al premio ETI - Gli olimpici del
teatro italiano 2009, rientrando nella terna dei finalisti e confes-
sa di non aver mai pensato prima di questa esperienza al teatro
come occasione di lavoro per un compositore.
Si è dovuto ricredere. «La sera della Prima al Teatro Argentina
è stata emozionante. Quando si apre il sipario e nel silenzio parte
la tua musica, provi una soddisfazione incredibile».
La sua prima passione resta il cinema, per il quale ha iniziato a
lavorare da giovanissimo, mettendosi in luce anche qui con ottimi
risultati. Compone le musiche per diversi cortometraggi tra i quali
Tana Libera Tutti, regia di Vito Palmieri (miglior colonna sonora
al Genova Film Festival 2007, al Margherita Short Movies Fest
2008 e al Giardino dei Corti 2007) e Marta con la A (vincitore del
premio Note for the sound del Circuito Off-Venice International
Short Film) e del film Stare Fuori di Fabiomassimo Lozzi.
Qual’è stata la tua formazione musicale?
Ho iniziato con piccoli lavori di musica per cortometraggi.
Quando la cosa ha cominciato a farsi più seria mi sono reso conto
di non avere le spalle abbastanza larghe per questo lavoro. Ho
sentito la necessità di approfondire le mie conoscenze musicali e
per questo mi sono iscritto al corso di composizione e musica da
film della scuola di musica Saint Louis, dove ho studiato con
Gianluca Podio. La cosa che ho apprezzato di più è stato il suo
approccio pratico perché, oltre a dare una buona preparazione
teorica dalla quale ovviamente non si può prescindere, il corso è
stato soprattutto un laboratorio artigianale, dove si lavora con le
note cercando di ottenere il risultato migliore. Il percorso forma-
tivo è scevro di tutti quei fronzoli del Conservatorio e di tutte quel-
le nozioni accademiche che poi nella professione non servono.
Nella vita bisogna avere anche un po’ di fortuna e andare a cer-
carsi le occasioni, ma se non avessi seguito una scuola di questo
tipo non mi sarei sentito in grado di affrontare questo mondo.
Quanto conta avere una buona preparazione musicale per
comporre musica da film?
L’ascolto della musica classica per realizzare colonne sonore
è fondamentale, perché viene tutto da lì. Se non avessi avuto una
buona conoscenza della storia della musica mi sarei sentito sco-
perto. Molte volte il regista ti richiede una particolare cosa ed è
importante sapere subito qual’è la musica da ricercare. È come
la bottega del falegname: non puoi pensare di costruire una
sedia senza sapere quali regole devi rispettare, perché alla fine
rischi di fare una sedia che non si regge in piedi. Podio mi dà
ancora consigli ed è come sentirsi protetti.
Come ti ha scelto Gabriele Lavia per le musiche del suo
Macbeth?
È stata pura fortuna. Un giorno ho incontrato Lavia in un bar
nel quartiere dove vivo, per caso. Avevo con me un cd con i miei
lavori più importanti e gliel’ho dato, pensando che non mi avreb-
be mai richiamato. Lavia invece ha ascoltato il cd e si è innamo-
rato di un brano che avevo realizzato per un cortometraggio pro-
prio come prova d’esame durante il corso di composizione. Così
mi ha detto che quel pezzo era il paradigma di come immagina-
va le musiche per il Macbeth e mi ha chiesto di lavorare per lui.
Da lì è iniziato un lavoro ex novo, un’opera faticosa ma anche
molto soddisfacente anche perché lo spettacolo è pieno di musi-
che. Solitamente la musica a teatro si usa soprattutto sui cambi
scena e quindi ha una funzione ben precisa e deve rimanere molto
«sotto». Nel Macbeth di Lavia, invece, è quasi sempre presente e
si fonde con la scena. Non avevo neanche contemplato il teatro
come occasione di lavoro ed è stata una scoperta.
Cosa ti ha insegnato quest’esperienza teatrale?
Una cosa che ho imparato da Gabriele Lavia è che la musica
non deve essere bella in sé, ma deve funzionare per lo spettacolo.
Quando stavo scrivendo per il Macbeth, mi piaceva l’idea di inse-
rire strumenti come il clarinetto che cantassero il tema. Lavia mi
ha chiesto invece di non farli sentire troppo perché la musica non
doveva disturbare una situazione più importante. Ho dovuto quin-
attori. Quando si compone musica applicata si lavora su una
committenza e bisogna accettare anche di cambiare un brano
per accontentare le richieste del regista.
La tua collaborazione con Lavia prosegue anche per il suo
prossimo lavoro teatrale, Danza di morte di Strindberg, nel
cartellone del Teatro Argentina dall’8 al 30 aprile.
Rispetto al Macbeth è uno spettacolo con meno interventi
musicali e per la maggior parte sono inseriti nel contesto della
trama. Ad esempio, il copione prevede che ad un certo punto il
protagonista senta in lontananza una banda militare che suona
ad una festa e Lavia mi ha chiesto di comporre dei valzer e delle
mazurke per questa scena. Il risultato doveva essere un po’ grot-
tesco e ho scritto un valzer suonato da una banda: niente violi-
ni, ma solo tube, tromboni, fagotti con un arrangiamento voluta-
mente un po’ goffo, come prevede il copione. Poi ci sarà
un’esecuzione al pianoforte suonata in scena da Monica
Guerritore. C’è solo una musica tematica, il tema dello spetta-
colo. È stato quindi un lavoro molto diverso dal precedente.
Qual’è la differenza tra cinema e teatro dal punto di vista
di un compositore?
Sono due modi di lavorare molto diversi: nel cinema si lavora
sulle immagini. Io non amo lavorare sulla scena già montata se
non ho ancora scritto il tema. Preferisco prima scrivere la melo-
dia sulla sceneggiatura e solo in un secondo momento passare in
sala di montaggio per gli arrangiamenti. La scena montata è un
binario già segnato che ti impone di adattare il tema a quel per-
corso. Nel teatro invece sei più libero ma devi stare molto atten-
to a che la musica non dia fastidio agli attori.
Come è cambiato il modo di comporre colonne sonore nel
tempo?
Oggi c’è un approccio più minimalista alla musica da film e la
colonna sonora è meno intrusiva. Mentre una volta l’immagine
era commentata in modo quasi didascalico - personaggio che
piange/musica triste, scena divertente /musica allegra - adesso si
tende invece ad una maggiore rarefazione, una sottolineatura
meno evidente. Spesso i registi mi chiedono situazioni molto
minimali nelle quali non si deve sentire un tema drammatico o
divertente a seconda della scena, ma fare in modo che tutto
rimanga molto sospeso.
Come deve essere per te una buona colonna sonora?
La colonna sonora perfetta non deve essere bella di per sé, ma
deve essere un pacchetto completo con il film. Se la musica si
nota non è detto che sia anche funzionale. Certo, se pensi a
Ennio Morricone il discorso cambia: in molti film la sua musica
è voce narrante e le sue composizioni rendono anche ascoltate al
di fuori del contesto per cui sono nate. Ma lui è un’eccezione.
Quando componi musica applicata devi sempre ricordarti che
stai lavorando per il film, non per te stesso. Altrimenti, scrivi un
pezzo di musica assoluta. Bellissimo, però un’altra cosa.

IL CONCERTO
di Roberta Mastruzzi
MINE
di Roberta Mastruzzi

VAGANTI Una colonna sonora ben congegnata accompagna

gli eventi: le musiche originali composte da
Pasquale Catalano sono capaci di dare un tocco
ironico alle scene più drammatiche e di diventare
molto intense quando attingono spunti dalla musi-
ca tradizionale salentina. A queste Ozpetek sceglie
di accostare anche un insieme di canzoni pop di
varie epoche creando un’atmosfera vintage: Patty

S
baglia sempre per conto tuo. Così fanno le Pravo che con Pensiero stupendo mette la giusta
persone felici. È la frase che la nonna lascia dose di malizia nella scena in cui i due protagoni-

A
ndrej Filipov, addetto alle pulizie del
teatro Bolschoj di Mosca, era in realtà
un grande direttore d’orchestra di quel-
lo stesso teatro all’epoca di Breznev, ed è stato
allontanato dal suo lavoro 30 anni prima per
essersi rifiutato di licenziare alcuni musicisti
ebrei. Interrotto durante l’esecuzione del
Concerto n. 35 per violino e orchestra di
Cajkovskij, vive nel sogno di poter di nuovo
dirigere quel concerto fino alla fine. Un giorno
intercetta un fax: è un invito di un importante
impresario parigino rivolto all’attuale direttore
del Bolschoi ad esibirsi con la sua orchestra per
il prestigioso Teatro Chatelet di Parigi. Andrej
non si lascia sfuggire l’occasione per prendersi
una rivincita e risponde all’invito fingendosi il
vero direttore d’orchestra. Riunisce i suoi
musicisti di un tempo e parte per Parigi per rea-
lizzare finalmente il sogno di portare a termine
il concerto interrotto trent’anni prima. Avrà
come solista un’ospite d’eccezione, Anne-
Marie Jacquet, giovane violinista di talento,
alla quale lo lega uno strano destino.
Come nei precedenti film di Mihaileanu, Train
de vie e Vai e vivrai, Il concerto è un film dove
nessuno è quello che appare (persino un risto-
rante egiziano viene camuffato da trattoria
parigina): a cominciare dai protagonisti che si
presentano come la vera orchestra del Bolschoj
pur non suonando insieme da trent’anni per
finire con il concerto di Cajkovskij, la cui ese-
cuzione è tagliata di una decina di minuti. Forse
ispirandosi a quello che scrisse il critico tedesco
Hanslick dopo la prima esibizione in pubblico
del concerto nel lontano 1881 che definì l’opera
di Cajkovskij «una festa russa selvaggia dove
sono tutti ubriachi», Mihaileanu trasporta nel
linguaggio cinematografico l’anima di quella
musica e di quella disperata ricerca di
«un’armonia suprema» che tormenta il protago-
nista trascinandolo in una sana follia.
Si potrebbe definire un «film per violino e
orchestra»: ad una prima parte dove protagoni-
sta è l’orchestra e i suoi sconclusionati musici-
sti, segue una seconda parte in cui il misterioso
legame tra Anne-Marie Jacquet e Andrej
Filipov esce in tutta la sua drammaticità, come
un assolo di violino. Il finale, in cui davanti alla
platea del teatro parigino il protagonista dirige
il concerto realizzando il sogno di una vita, è
un crescendo di sensazioni: durante i dodici
minuti finali la musica di Cajkovskij porterà
alla luce la verità e ognuno ne uscirà diverso,
finalmente libero da ogni finzione.
in eredità a Tommaso-Riccardo Scamarcio,
protagonista dell’ultimo film di Ferzan Ozpetek
Mine vaganti. Per la prima volta il regista sceglie
di raccontare la storia di una famiglia intesa nel
senso più tradizionale del termine. Mentre nei
precedenti film la famiglia era vista più come
senso di appartenenza spirituale, identificata in
un gruppo di amici e totalmente svincolata da
legami di sangue, qui si parla di una famiglia del
Sud, proprietaria di un pastificio e molto in vista
nella città di Lecce. A reggere le fila la nonna
(Ilaria Occhini), definita dal clan familiare una
mina vagante, come ogni personaggio un’arma
pronta ad esplodere: il protagonista che torna
nella città natale per annunciare a tutti la propria
omosessualità e la decisione di fare lo scrittore, il
padre (Ennio Fantastichini) deluso dalle scelte di
vita dei figli, la madre (Lunetta Savino) costretta
nelle maglie delle convenzioni borghesi, l’amica
Alba (Nicole Grimaudo) persa in un amore
impossibile, la zia (Elena Sofia Ricci) che pensa
che sia più faticoso stare zitti che dire quello che
si pensa, ed altre vittime delle proprie paure.
Quando la nonna annuncia di preparare un atten-
tato, si genera un caos benefico che riporterà
ordine. Forse. Perché una mina vagante è per
definizione imprevedibile.
sti si dividono una cena a base di sguardi e tramez-
zini; Nina Zilli, una contemporanea che sembra
uscita da un vinile anni 60, e le sue 50mila (lacri-
me) che Riccardo Scamarcio balla davanti allo
specchio; Ancora ancora ancora canticchiata sotto
la doccia e la disco anni 70 con Sorry, I’m a Lady;
Kutlama, romantica ballata turca che accompagna
la danza finale di un matrimonio che è anche un
funerale, dove vita e morte si fondono; di nuovo
Patty Pravo, questa volta con un brano inedito, Il
sogno, che accompagna i titoli di coda.
Mine vaganti è un film fatto di tante «tavolate»,
presenti nell’immaginario cinematografico di
Ozpetek (per cui viene spesso criticato, seppure il
rito del pasto sia al centro di tutte le «migliori»
famiglie italiane); poi di sguardi, scontri fisici e
verbali, parole non dette e frasi da tenere in mente.
Come quella che Tommaso usa per spiegare la dif-
ficoltà a dichiararsi gay: «Siamo nel 2010, mica
nel 2000». Ossia: «Nel 2000 c’era molto più otti-
mismo e apertura mentale. Dieci anni dopo, è tutto
cambiato. L’attentato del 2001 e gli 8 anni in cui
Bush ha governato le sorti del mondo hanno spin-
to le persone a chiudersi in se stesse. La gente
oggi è spaventata dalla diversità». Lo dice
Ozpetek stesso, che invece che andare avanti,
siamo tornati indietro.
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Music In
Primavera 2010 SOUND

tracking
DONNE SENZA UOMINI WOMEN IN SOUL A
Musica fluida, invisible. Fiumicino un Festival per le MUSICINVIDEO/CLIP Pietra Montecorvino - Senza di te Il distacco
Praticamente inascoltabile donne di anima, mare e mente di un volo nella solitudine. Solo un pilota o una donna lo possono capire

Videoclip

SENZA DI TE

Melodico, minimale, così vicino con i suoi ritmi

al silenzio e al rumore naturale delle cose:
lo è Ryuichi Sakamoto, ma lo sono anche
le donne del film della regista Shirin Neshat

di Flavio Fabbri DONNESENZAUOMINI DI ROMINA CIUFFA

C on una trasposizione secondo molti sur-

realista e magica del romanzo omonimo
di Shahrnush Parsipur, Donne senza
uomini segna il debutto alla regia di Shirin
Neshat, professionista della fotografia molto
apprezzata già conosciuta nell’ambiente cine-
matografico. Un film, opera prima, che ricorda
molto da vicino Pier Paolo Pasolini o Gillo
Pontecorvo, con forti richiami al neorealismo
italiano per le tecniche di ripresa,
l’impostazione concettuale e lo sguardo aspro
che la regista posa sull’Iran del 1953.
Fanno da sfondo tragico all’opera di Neshat la
democrazia solo avvicinata e persa per sempre
nel giro di pochi mesi, il golpe militare organiz-
zato anche con l’aiuto dell’intelligence america-
na e il mondo in cui vivono le quattro donne
protagoniste. Munis, Faezeh, Fakhiri e Zarin
lasciano la città per la campagna, uno spazio
quasi ancestrale e bucolico, dove dimenticare i
soprusi, la sopraffazione, la violenza, il suicidio,
lo stupro. Ma fuori dalle mura la Storia avanza
incessante, assediando le vite e le speranze, in
un mondo di donne senza uomini che presto non
sarà più possibile mantenere.
A curare le musiche del film è stato chiama-
to Ryuichi Sakamoto, artista giapponese già
vincitore dell’Oscar nel 1987 con la colonna
sonora per il film L’ultimo imperatore di
Bernardo Bertolucci e che proprio con Donne
senza uomini si è visto recentemente assegnare
il Leone d’Argento al Festival di Venezia.
Scelto da Neshat perché «melodico, minimale
e così vicino con i suoi ritmi al silenzio e al
rumore naturale delle cose», Sakamoto porta
avanti da ormai trent’anni un approccio sacra-
le alla musica come emozione, tanto che nella
ricerca, in qualche modo, ricorda molto da
vicino il compositore estone Arvo Pärt (v.
Music In n. 12 > ClassicaMente).
È una musica sospesa, a tratti eterea, quella
composta, che ha visto la partecipazione del
popolare musicista persiano Abbas Bakhtiari.
La title track è stata inserita nell’ultimo lavoro
di Sakamoto, Out of Noise, uscito in Italia per la
Decca Records alla fine dello scorso anno. Una
musica sempre caratterizzata dal pensiero
«fluid, invisible, inaudible» molto contaminata
dalla sperimentazione e dall’utilizzo di strumen-
ti non tradizionali, soprattutto provenienti dal-
l’universo musicale dell’elettronica, di per sé
non tangibile e tendente all’immateriale.
Il disco colpisce dritto al cuore, simile alle
immagini scelte dalla regista dissidente, urla
silenziose e per questo più impressionanti che
Sakamoto esaspera trasformandole in cori musi-
cali, in suoni sacrificali. Come il musicista giap-
ponese ha sempre sostenuto, a partire dalle con-
versazioni con Bertolucci il suo approccio al
cinema è sempre stato molto individuale,
costruito a partire dalle note più che dalle imma-
gini, quindi assolutamente personale ed emoti-
vo. La stessa cosa è accaduta per Donne senza
uomini, in cui la tristezza dei suoni e della melo-
dia si abbraccia perfettamente a quella delle
immagini e della storia.
Q uesta è una solitudine diversa e
si avverte - flaps a 15 gradi - una
volta staccata l’ombra da terra.
300 piedi e già tutto è un ricordo, ciò che
si lascia è lontano almeno quanto
l’atterraggio. Recensisco questo video
perché sono mie le riprese aeree e mio è
il distacco da terra, ma sono sue - di
Pietra Montecorvino - le parole che ho
sposato per rimanere sola lassù, di
Sabrina Simonetti la regia e il montaggio
che hanno reso duraturo il volo. Senza di
te descrive un allontanamento ignorando
l’ultima emozione («e come un angelo ti
perdo mentre volo da sola»). Questo è il
mio volo: un decollo dalla pista della
Flyroma direzione sud-est, Tivoli, verso
le cascate; voyeurismo negli interni delle
case a luci accese, le effemeridi in aggua-
to. Mi accompagna la voce calda di una
napoletana esclusa dal 60esimo Festival

SOULAMENTE
uesto Festival è dedicato a tutte le
«Q donne che non aspirano ad essere eroi-
ne, che non si fermano troppo allo
specchio, che lavorano per un futuro di condivi-
sione e consapevolezza. Donne abili a spiegare
le ali del cambiamento con flessibilità, coraggio
e squisita grazia». Se lo scopo della rassegna
Women In Soul Festival è dichiaratamente quel-
lo di divenire un appuntamento radicato, di forte
richiamo volto a raccontare le luci e le ombre
dell’universo femminile, la strada imboccata
sembra essere quella giusta.
La narrazione è stata affidata ai talenti fem-
minili della musica soul, funk, blues, jazz,
gospel e pop e ai cortometraggi realizzati da
registe e videomakers di fama nazionale e inter-
nazionale. La seconda edizione del Festival,
presso il Teatro Traiano di Fiumicino, ha sele-
zionato una produzione artistica al femminile.
Musica e cinema, poiché da questa seconda edi-
di una musica che non ha più un santo
protettore. Che cos’è la costruzione di un
amore, non può essere soltanto rinuncia-
re? E anche mi chiedo se per la musica
non valga lo stesso. Ma finché non sarò
zione la novità introdotta è di rilievo: il nuovo atterrata sono ancora padrona di ogni
spazio dedicato al cinema, Female Visions pone
sotto i riflettori un confronto tra registe, predili-
gendo, per l’esordio, un cinema di animazione
parte di me fino all’ultima, casuale
distrazione. Dipenderà da me la solitudi-
ne, il silenzio, e questo paradiso che si
di taglio innovativo che fornisca una chiave di stalla non più sopra, ma sotto i miei
lettura originale della società contemporanea. piedi, dove son io che scelgo i miei santi.
Le artiste prescelte sono state le giovani Alice
Tambellini e Manuela Andolfi.
A presentare le tre serate Babyra, lead voice
dei Babyra Soul. Standard un primo concerto,
cortometraggio a metà serata ed un secondo
concerto a chiusura con i Session Voices (vd.
Music In n. 9 > Jazz&Blues); ci sono Cheryl
Nickerson (featuring Fulvio Tomaino), vocali-
st supporto a Ray Charles, Jennifer Holiday,
Bette Midler (nella foto); Awa Ly, Greg Cohen
e Fabrizio Bosso; l’Emanuela Ottaviani Jazz
Quartet, con un progetto standard jazz e bossa-
nova in chiave tradizionale-acustica ed elettro- di Rossella Gaudenzi
bossa; la statunitense Wendy D. Louis. WWW.YOUTUBE.COM/MUSICINCHANNEL

www.lifegateradio.it

SUONA PER NATURA

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LAZIO roma 90.9 ‡bracciano 90.7
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BALLET ACCADEMIA NAZIONALE DI DANZA Intervista al direttore

Music In
Primavera 2010

RAMI BE’ER La colpa che

a cura di ROSSELLA GAUDENZI
Margherita Parrilla Danza con me in una fuga dalla danza, ossia: tra- L’INFERNO Nel tuo non ho commesso la espio
sformati da animo inquieto in detentore dello scettro più leggero girone scendici danzando sulle punte

UN SALTO
Cos’hai da fare sabato pomeriggio? Perché ti proporrei di fare un salto
sull’Aventino, avrei un appuntamento con la danza, c’è un festival
in corso, «Danza con me». Sto parlando dell’Accademia Nazionale
di Danza. E poi potremmo andare a mangiare qualcosa nei dintor-
ni... Le giornate si allungano, pian piano. Trovo piacevole trascorre-

NELLA DANZA re il tardo sabato pomeriggio in un luogo come questo. Oltre ad assi-
stere agli spettacoli messi in scena c’è sempre il pretesto di fare una
passeggiata in una delle località più suggestive di Roma...

v oce calda dal tim-

bro deciso e avvol-
gente al tempo stes-
so. Sono lontani gli anni
della ribellione e dei
rapporti conflittuali con
i docenti, da contestare
perché facevano discri-
minazioni tra gli allievi.
Ma l’animo inquieto di
Margherita Parrilla si è
placato non trovando la
pace, bensì trasforman-
a cura di do la sua inesauribile
Rossella energia in fatti concreti:
Gaudenzi è lei che, dal 1996,
detiene lo scettro del
ballo, quello di direttrice
dell’Accademia Nazionale di Danza.
Sin da piccola appassionata al balletto, studentessa del Teatro
dell’Opera dai 12 anni e a 19 madre di Godot, esperienza che la
rende adulta, responsabile e pronta a mettersi in gioco a 360
gradi. I grandi ballerini con i quali ha danzato e che ama ricorda-
re sono Luciana Savignano, Maya Plisetskaya, il russo Vassili e
Raffaele Paganini. Il piccolo festival Danza con me è la rasse-
gna invernale-primaverile a ingresso gratuito dell’Accademia
Nazionale di Danza giunta alla IV edizione, che dopo essere nato
come Fuga dalla Danza ha cambiato nome.
Si tratta di titoli dall’impatto molto diverso, si passa dal
concetto di fuga a quello di invito, di condivisione; a cosa è
dovuto questo cambiamento?
Mi è stato fatto notare come «Fuga dalla Danza» fosse un tito-
lo forte, troppo forte, probabilmente. Tutto nasce dall’esperienza
del sabato della danza in Accademia, che esiste da diverso tempo
ma che dopo la ristrutturazione del Teatro Ruskaja, avvenuta nel
2006 (intestato alla fondatrice dell’Accademia, Jia Ruskaja) ha
potuto dar vita ad un piccolo festival. Ciò su cui l’Accademia
punta, con questa manifestazione, è l’avvicinamento per addetti
ai lavori e non al mondo della danza, da realizzare attraverso la
leggerezza degli appuntamenti, anche dal punto di vista della loro
durata. Vogliamo presentare delle vere e proprie «chicche», spazi
in cui sia possibile parlare con gli artisti, avere uno scambio con
essi. In quest’ottica, e trattandosi di un evento giovane che va
assumendo una propria fisionomia, «Danza con me» suona deci-
samente meglio.
È un festival che presenta connotazioni e struttura deter-
minati o anno per anno il programma cambia radicalmente?
Da 4 anni fronteggiamo e sperimentiamo varie situazioni;
basilare è però per questa rassegna la convivenza di teoria e
pratica. Quest’anno siamo arrivati a 12 appuntamenti, dal 6 feb-
braio all’8 maggio, suddivisi in tre distinti filoni. Innanzitutto la
figura dell’indimenticata Pina Bausch, nominata direttore ono-
rario dell’Accademia nel 2006, sarà il fulcro degli incontri del
mese di febbraio. Come non renderle un tributo? Potremmo par-
lare di un universo Bausch, poiché verranno proiettati video e
film, ospitati ballerini della sua compagnia e personaggi che
hanno condiviso con l’artista tappe importanti anche dal punto
di vista umano. A marzo assisteremo a «Dancing Times - Breve
Storia della Danza in Movimento»: allievi dell’Accademia e
ospiti esterni interpreteranno le variazioni e i passi a due dei più
celebri balletti di ogni tempo. «Crashing Test» è invece un
appuntamento consueto, in aprile, che ritorna per il terzo anno
consecutivo. Il nome è sintomatico: si tratta di una sfida lancia-
ta dai giovani talenti della coreografia italiana al pubblico.
Avranno un palco a disposizione e buona visibilità.
Come vengono selezionati questi danzatori?
Nel mese di marzo procediamo con selezioni interne e in più
valutiamo una serie di proposte esterne. Le serate dedicate a
questi giovani talenti sono soltanto tre, è pertanto necessaria
una pre-selezione. Si può dire che per metà i partecipanti sono
allievi dell’Accademia e per metà ragazzi provenienti dalle più
varie località d’Italia.
Come ha risposto il pubblico a questo festival?
Continuiamo a riscontrare entusiasmo, sia da parte di chi la
danza la studia con passione e fatica, che da parte di chi è incu-
riosito da questo mondo e vi si può avvicinare grazie a un pro-
gramma diversificato. Inoltre, non è da sottovalutare il fatto che
questa rassegna sia ad ingresso gratuito: una reale opportunità
di conoscere la danza, di approfondimento.
Quali considerazioni si possono fare sugli allievi diplomati
presso l’Accademia Nazionale di Danza?
Molti dei nostri giovani talentuosi lavorano stabilmente: chi
all’estero, chi in enti lirici. Non si tratta solo di ballerini prepa-
rati dal punto di vista tecnico; i nostri diplomati hanno una mar-
cia in più quanto a etica e a comportamento, sono pronti ad inse-
rirsi nella società e nel mondo forti di grandi valori. I danzatori
promettenti e armati di buona volontà vanno aiutati con iniziati-
ve coraggiose, ritengo che sia un dovere per l’Accademia: noi
facciamo del nostro meglio. Sono nati anche per questo due tea-
tri e una biblioteca, inaugurata lo scorso 28 gennaio. Lei l’ha
visitata?
> Accademia Nazionale di Danza - Largo Arrigo VII, n. 5 -
00153 Roma - tel. 06.57.17.621

COLPA Considerate se questo è un uomo

Che lavora nel fango
Che non conosce pace
Che lotta per mezzo pane
Che muore per un sì
Seicento italiano) ha voluto ricostruire il viaggio nel mondo o per un no.
degli Inferi con un linguaggio innovativo e personale regalan- Primo Levi
doci un’opera teatrale incredibilmente tesa fra sogno e realtà.
Sei danzatori acrobati sfidano le leggi della fisica trasformando
lo spazio teatrale in una dimensione sognante di astrazione e
realtà: L’Inferno di Pellisari - al Teatro Olimpico dal 7 al 18 di Rossella Gaudenzi
di Valentina Giosa aprile 2010 - diviene un sorprendente caleidoscopio di immagi-

E
ni ispirate dai più famosi canti danteschi, recitati dalla voce di vocazione. Attraverso cui la danza riesce meglio di ogni
Vittorio Gassman, un universo quasi caravaggesco dove il dise- altra forma artistica a trasmettere con forza la dram-

F
ra le tante rappresentazioni degli Inferi, del male, di Satana,
di Lucifero, del Chaos, delle Città di Dite, di quel luogo di
eterna e totale oscurità e sofferenza per i malvagi e rifiutan-
ti Dio, quel luogo metafisico o fisico che attende, dopo la morte,
le anime o i corpi degli uomini in preda al peccato, l’Inferno di
Dante è sicuramente l’immagine letteraria più suggestiva.
Proprio al capolavoro di Alighieri si ispirerà più tardi, nel 1667,
John Milton per Paradise Lost, opera dedicata alla caduta di
Satana e alla nascita della città degli Inferi e altrettanto influen-
zata dalla teologia cristiana, senza dubbio una delle più impressio-
nanti dell’immaginario poetico. Ma certamente la grandezza della
Commedia dantesca non ha eguali. L’opera «divina» è tuttora con-
siderata il maggiore capolavoro della letteratura poetica mondiale
di tutte le epoche tanto da essere ripresa ancora oggi dalle più sva-
riate forme d’arte. Ed è proprio la prima Cantica, quella
dell’Inferno, ad aver da sempre suscitato per il fascino innato e
indiscutibile dell’ignoto, maggior interesse e ispirazione.
Emiliano Pellisari (ideatore di spettacoli di successo naziona-
le come Daimon, Nogravity, Comix, nonchè esperto del teatro
fantastico del Rinascimento e delle invenzioni meccaniche del
gno della luce, la musica e gli effetti speciali incontrano la danza
attraverso i costumi e le coreografie di Noemi Wolfsdorf e le
musiche di Giuliano Lombardo (sound designer) e Oscar
Bonelli (polistrumentista).
«La parola ha una capacità d’astrazione che nessuna altra
forma espressiva è capace di eguagliare - dice il regista - se con
un solo versetto Dante è capace d’inventare un mondo intero che
nemmeno un lungometraggio può rappresentare. Vogliamo perciò
dire quel che Dante ha detto ma con un altro linguaggio: i perso-
naggi ed i fatti danteschi sono innumerevoli ed in poco più di
un’ora di tempo dovremo descrivere la geografia dell’immagina-
zione dantesca, offrendo al pubblico un portolano per una naviga-
zione nelle acque del suo immaginario». Ed in questa breve ma
intensa navigazione assisterete a dannati che cadono al suolo
come foglie, ad anime che nuotano nel limbo e doloranti cam-
minano sui muri e soffitti, ad angeli e demoni in duelli virtua-
li, vedrete i corpi di Paolo e Francesca giocare e cercarsi nel-
l’aria fino a vedere la luce, rappresentata da Pellisari come una
grande stella pulsante a forma di fiore (formata dai corpi dei
danzatori sospesi nell’aria) che s’illumina in cielo.
maticità; e se si tratta di evocare l’Olocausto abbiamo
a che fare con uno dei massimi drammi della storia del-
l’uomo. Quando è la danza a narrarcelo, con il suo linguag-
gio, l’impatto è travolgente, sono toccate le corde dell’e-
mozionalità. Non parole, non soltanto almeno; non musica,
non soltanto, ma anche musica e parole del corpo. A rac-
contare questa volta - ossia evocare - l’orrore della Shoah.
L’orrore e la danza, un singolare binomio.
L’israeliano Rami Be’er è il coreografo, direttore artisti-
co e scenografo della Kibbutz Contemporary Dance
Company che, all’indomani della Giornata della Memoria,
ha presentato presso l’Auditorium Parco della Musica, in
collaborazione con l’Ufficio Culturale dell’Ambasciata
d’Israele, Aide Memoire, considerato all’unanimità il suo
capolavoro. Egli proviene da una famiglia del kibbutz di
Gàaton e ha affiancato allo studio della danza sin da giova-
ne lo studio del violoncello; grazie alla sua marcata perso-
nalità la compagnia di danza KCDC, ampliamento del
Regional Western Galilee Dance Group (fondata e diretta
da Yehudit Arnon fino al 1996, anno in cui il testimone
passa a Rami Be’er) diviene la compagnia di fama interna-
zionale che si è esibita nel proprio Paese, in Europa, Usa,
Sud-America ed Estremo Oriente.
17 ballerini in campo, un campo dalla scenografia
scarna - marchio di fabbrica di Rami Be’er - che consiste
esclusivamente in pannelli verticali: 10 donne e 7 uomini
vestiti di bianco. Tutti tranne una, una danzatrice, in abito
verde. Una rappresentazione del genere non può prescin-
dere dai simboli, così riesce a farci leggere la speranza; i
passi a due, struggenti, ci fanno leggere la condivisione
dell’orrore, la ricerca disperata nell’altro di un’umanità
annientata. Ma acuto si fa il ricordo, acuto si fa il dolore
con il rumore dello sferragliare del treno, di quel treno.
Agghiaccianti riecheggiano risate di donna, di un passato
non troppo lontano, che ora amplificate sono rese metal-
liche, spaventose. I corpi entrano ed escono dalle sceno-
grafie, salgono, scendono, vi si scagliano con violenza;
con i pugni battono i pannelli, ma con i pugni ci si batte il
petto, e battersi il petto significa ammettere una colpa.
Quale colpa è stata mai commessa?
Music In  Primavera 2010

VALERIA VAGLIO Uscita di insi-
curezza Neurotrasmissione sinaptica
di serotonina, dopamina e pulci da letto
LES FAUVES Nalt-2 Liquidity Modernity Fiere ERA Era Classics Chi aveva mai
FEED
back
bestie della modernità stile Violent Femmes. osato darci un latino immaginario e a cura di ROMINA CIUFFA
Giovani, carini, disoccupati, liquidi e velvet restituirci in metallo il Nabucco?

VALERIA VAGLIO - USCITA DI INSICUREZZA LES FAUVES - NALT-2 LIQUIDITY MODERNITY

BEYOND Questa profonda gigante del nucleo accumbens - il nucleo limbico che, ALTERNATIVE Sono felini.
Quindi selvag-
&further stimolato, produce appetizione e consumazione, vale a dire le fasi gi. Ma sono
della dipendenza - mima quei meccanismi che mettono in moto i recet- nati a Sassuolo. Hanno solo 6
tori della serotonina in modo simile a una partita di Prozac. E sceglie un titolo per il suo anni, e nel 2004 li fondava
secondo album, «Uscita di insicurezza», che è sintomatico del bugiardino. Nuovi pezzi Roberto Papavero (chitarra e
per una voce intensa, in fuga da Sanremo dove ha messo piede (Cambierà è il primo voce) insieme a Davide Caselli
estratto, non sarà un caso), s’impunta sulle coincidenze con L’amore può finire e le sue (batteria), a cui si aggiungeva al
paure e i desideri divengono un’ombra equidistante. Valeria basso Silvia Dallari.
Vaglio (v. Music In n. 11 > Beyond) qui mostra una maturità che Nel 2005 queste tre fiere
esprime in primo luogo nella linea ferma della vocalizzazione. Testi musicali giungono all’iberico
nella tradizione cantautoriale italiana, ma con stile personalizzato Festival Internazionale di
che chi conosce la cantautrice pugliese già sa definire, e parole Benicassim, quindi all’Heineken Jammin’ Festival
tratte dal vocabolario italiano: «frastuono», «lampione», «metal- di Imola e sui palchi italiani di spalla a gruppi
lo», «cobalto», «ninfea», insieme a metafore che richiamano altri come Dirty Pretty Things, Gnarls Barkley e Art
sistemi sensoriali: olfattivo, visivo, tattile. Brut. Sono i motivi perché si sparga la voce fra
Dio quanto sto bene senza di te, dice, e questo è ancor di più un stampa e pubblico. Con l’ingresso del tastierista
modo per liberarsi dagli schemi. C’è qualcosa, in lei, che riporta al Paolo Pugliese viene subito inciso Our Dildo Can
silenzio, nonostante canti. Chi ha assistito a uno dei suoi concer- Change Your Life EP, 6 tracce fra R’n’R, pop,
ti, peraltro, sa che è un’intrattenitrice. Ma silenzio, ho detto. electro-dance e new wave, celebrate anche dal-
Perché quel suo esser timida la rende una Mina vagante, pronta
ad esplodere: silenziosa, attenta, kamikaze. Sul punto di far rumore come
un’interferenza, mentre il sistema limbico è concentrato su altro. C’è, in ogni sua can- AVRIL LAVIGNE - ALICE IN WONDERLAND
zone, un angolo di letto dove riposarsi ed una trincea dove nascondersi per difendersi
dalle pulci da letto. C’è un nemico anche dentro una casa sicura, un acaro, un amore.
Il nucleo accumbens gioca un ruolo importante nei meccanismi di rinforzo, nella risata
e nell’elaborazione delle sensazioni di piacere e paura fino all’effetto placebo. Il rilascio SOUND
tracking
Alice è cresciuta. E ancora una
volta - il destino è immutabile -
nel sistema limbico di dopamina, responsabile dell’attrazione e dei desideri prodotti da è caduta in una buca per
stimoli naturali e dall’iniziazione del comportamento atto alla consumazione dell’ogget- seguire un coniglio bianco. L’Alice di Tim
to del desiderio, inizia poco prima della fase consumatoria dell’ascolto della nuova Vaglio Burton ha 19 anni e torna nel Paese delle
e si mantiene durante l’assunzione volontaria, e parallelamente controlla l’attenzione, il meraviglie per scappare dalla sua festa di
desiderio, la condizione motoria e la gratificazione connessi. Un’uscita di insicurezza fidanzamento, ma non ricorda nulla delle
postsinaptica che inibisce la ricaptazione del miglior neurotrasmettitore. avventure vissute da bambina. I suoi vecchi
amici ci sono tutti: lo Stregatto, i gemelli Pinco
ROMINA CIUFFA Panco e Panco Pinco, il Leprotto marzolino e
il Cappellaio matto. Ma quando il Brucaliffo la
guarda ha un momento di incertezza e le dice:
tu sei quasi Alice.
Almost Alice è la raccolta di
16 canzoni scritte da diversi
artisti ispirati al film in 3D
Alice in wonderland e Avril
Lavigne, che ha scritto il
brano che accompagna i
titoli di coda, è una perfetta
«quasi Alice» anche lei. Il suo
è l’unico brano ad essere
inserito anche nel film, per il
resto Tim Burton si è affida-
to come sempre al genio di
l’inglese New Musical Express
(NME), prodotto da Giacomo
Fiorenza e pubblicato da
Urtovox Records - riporta il
comunicato. Dopo una prima
tournée europea e quasi 100
concerti in tutta Italia è inciso
l’album d’esordio, primo capito-
lo di una trilogia, intitolato
NALT-1 A Fast Introduction. È
ora registrato e prodotto il
secondo capitolo della trilogia,
NALT-2 Liquid Modernity, che a noi piace.
Questi, tra i Violent Femmes e l’Ethan Hawke
di Reality Bites (Giovani, Carini e Disoccupati)
in I’m Nuthin, o il vecchio stile dei Velvet
Underground. Cosa chiedere di più a pantere
di Sassuolo? Più di darci Londra e Warhol?
Romina Ciuffa
Danny Elfman, la cui colonna sonora è la vera
terza dimensione e per sperimentarla non c’è
bisogno di occhialini di plastica bicolori.
Nel video di Alice (Underground) Avril Lavigne
segue il Bianconiglio, cade anche lei in un
mondo sotterraneo, veste i panni dell’eroina
di Lewis Carroll e scopre un luogo magico,
nascosto agli occhi del mondo reale, dove
ognuno è libero di essere folle a suo modo.
Per tutto il video, in cui compaiono in brevi
fotogrammi anche tutti i protagonisti del film,
non fa altro che scappare da qualcosa - così
come la vera Alice fugge da
un matrimonio combinato
anche l’artista canadese è
fuggita dal suo - e mentre
canta «I’ll Survive, When
the World’s Crashing
Down, When I Fall and Hit
the Ground» la sua voce è
energica e vitale, come un
grido di liberazione. Avril è
cresciuta.
Roberta Mastruzzi

FRANCESCO BONELLI - IO MI RICORDO L’AMORE

PRODIGY - INVADERS MUST DIE
PO PCK
pop&rock
Anni di silenzio.
Per poi rico-
minciare, anzi
riprendere il filo e far tornare in
pista, far tornare a ballare
coloro che ballavano al suono
della nostra musica laddove
quella musica si era interrot-
ta. Liam Howlett, Maxim e
Keith Flint, i britannici The
Prodigy (il nome della band è
ricavato da quello di un sinte-
tizzatore utilizzato per comporre da Liam
Howlett, il Moog Prodigy), i campioni della
rave music di fine anni 90 per capirci, tra i
maggiori esponenti della big beat accanto a
Chemical Brothers, Fatboy Slim e The Crystal
Method, sono tornati. Con Invaders Must Die,
il quinto album da studio uscito il 2 marzo
ANDREA CASSETTA - VORREI ESSERE COME TE
TRAINING Esordio di un
cantautore e
polistrumenti-
sta romano registrato tutto da
solo a casa. Vorrei essere come
te non è nulla di musicalmente
nuovo ma senza dubbio un pro-
dotto di un artista sincero e con-
vincente. Sonorità rock e pop,
muri di chitarre alternati a melo-
die più sognanti e una sezione rit-
mica calibrata, cui si aggiunge
una voce ben utilizzata e modulata: si passa così
da brani più energici come Alcool Puro e Dietro
una maschera che esordisce con un bel riff con-
2009, pubblicato dalla nuova
etichetta Take me to the
Hospital e con tour mondiale
relativo, toccano l’Italia ad apri-
le 2010 > a Roma il 26
all’Atlantico Live. 13 tracce.
Mai stati politically correct
quanto a testi e non si smenti-
scono. Continuano ad accosta-
re rock-punk martellante a
dance estrema calati nella
dimensione delirante del rave.
Soddisferanno quanti hanno amato Fat of the
Land, ma non si può dire che si siano supera-
ti; gli ammiratori più esigenti forse si aspetta-
vano qualche elemento di novità. Ad ogni
modo, si balla, si balla e ancora si balla.
Rossella Gaudenzi
vincente e un ritornello orecchia-
bile, e dolci ballate (d’obbligo in un
classico disco rock) fra cui spicca
la title track, che rendono il pro-
dotto completo.
Ad accompagnarlo dal vivo,
Sebastiano Basso al basso e
Danilo Santaroni alla batteria.
Andrea Cassetta si era già fatto
notare per la colonna sonora del
film Fate Come Noi di Francesco
Apolloni uscito nelle sale italiane
nel 2004 e distribuito dall’Istituto Luce.
Valentina Giosa
BEYOND
&further
Elegante appa-
re il cantautore
Francesco
Bonelli: il suo lavoro in studio, Io
mi ricordo l’amore, è un biglietto
da visita per far capire che aver
superato i 40 anni non è scadere
come il burro ma piuttosto miglio-
rare come il vino. La sua faccia
barbuta è nota perché è attore
per film con Comencini e Angeli.
È nella musica però che sviluppa
uno stile molto personale tra folk e old-style.
Elefanti e sirene è un’apertura che ben dispo-
ne; Stamattina mi dico non dormire amico…,
un invito a reagire «alla fila di ombre che
aspetta alla posta». Canzone per i tuoi piedi
analizza l’amore e il modo in cui gli artisti lo
ERA - ERA CLASSICS
CLASSICA Canti gregoriani
MENTE medievali, musi-
ca colta e anti-
ca, ma anche chitarre rock e
atmosfere gothic metal, questo il
mix sonoro degli Era, band nata in
Francia nel 1995 per volontà del
musicista Eric Levi che ha vendu-
to nel mondo ben 9 milioni di
dischi. In Italia hanno raggiunto la
vetta della top ten nel 2003 con
l’album The Mass e ora ci riprova-
no con il nuovo Era Classics.
Assolutamente originale, a partire dal nome, il
progetto Era si caratterizza per i testi ermetici,
scritti in un latino immaginario, dallo stile inva-
riabilmente mistico ed etereo, che però nel
tempo Levi ha saputo levigare e contaminare
deliziosamente, con strumenti e sonorità più
moderne, tra cui l’elettronica. Un gruppo che
nel tempo ha visto sempre nuovi componenti
aggiungersi, allontanarsi e ruotare attorno al
leader parigino, artista eclettico che nel 1997
ha tra l’altro composto la canzone I Believe per
Andrea Bocelli e che nel 2003 dichiarò il suo
amore artistico per Laura Pausini.
Dal 17 febbraio nei negozi italiani, per l’etichetta
vivono. Se «la sabbia è un mare
d’oro tutto il mondo è poesia e la
vita è un viaggio miracoloso». La
melodia è un veliero col vento in
poppa e le liriche sono ispirate.
«Questa canzone è per i tuoi
piedi che baciano questo mondo
ferito». Ombre caposseliane
invece in Mambo del bar, dove la
parte musicale innalza ancora
un po’ il livello già alto di tutto il
cd. In questo pezzo Bonelli
rispolvera il suo alter-ego di attore per parti
semi-parlate in una quasi canzone-teatro inte-
ressante. Scoperta venuta fuori con calma,
lontana dagli isterismi televisivi.
Luca Bussoletti
Universal, Era classics si
ascolta in 10 tracce ricche
di rimandi al mondo della
musica classica, con il
Nabucco e La Forza del
Destino di Giuseppe Verdi, le
Quattro Stagioni di Antonio
Vivaldi, l’Ave Maria di Giulio
Caccini, il Concerto n. 3 di
Johann Sebastian Bach o
l’Adagietto di Gustav Mahler.
Tutte composizioni riviste in
chiave new age e ambient,
alla maniera dei capostipiti del genere, come
Enya, Enigma e Deep Forest.
È da qui, dalle note più celebri ed emozionanti
della musica classica, che prendono forma e
suono i nuovi brani degli Era, come Redemption
e Senset Drive, Arising Force e The Chosen
Path, Winds of Hope o Sombre Day. Pezzi intri-
si di magia e di spiritualismo, evocativi profon-
dità dell’anima troppo spesso sottovalutate
dalle produzioni contemporanee e che, in fin dei
conti, hanno permesso alla band francese di
conquistare 9 dischi platino solo in patria.
Flavio Fabbri