Giulia Pignoni

TEATRO NEL ‘500 E

‘600
 - Il teatro del rinascimento
consiste nell’unione tra dei
generi drammaturgici e delle
diverse forme di
rappresentazione teatrale

Affermazione
scritti e praticati in Europa
tra la fine del Medioevo e
e definizione l'inizio dell'età moderna.

del teatro - L’affermazione del teatro è

collocabile nei primi decenni
del Cinquecento, quando si
ha un passaggio da forma
incerta e sperimentale a
istituzione codificata.
 Il teatro come forma d’arte
❖ Ciò che conferisce dignità letteraria e culturale al teatro è
l’importanza del testo e degli autori che lo compongono.

❖ Per quel che riguarda la dignità artistica, e la conseguente

stabilizzazione nell’ambito della vita di corte, è
l’individualizzazione di spazi specifici e la scenografia che
viene affidata a professionisti di alto livello.

❖ L’importanza del teatro porta allo sviluppo di una vera e

propria cultura teatrale, ovvero la coscienza della specificità
dei mezzi e delle tecniche propri del teatro come arte distinta,
dotata di una propria autonomia.
Ragioni dell’affermazione del teatro
nel ‘500
Fattore culturale
• Nell’Umanesimo si ha la
riscoperta del teatro latino
e greco.
• Vengono studiate le opere
di Plauto e Seneca, che
diventano modelli da
imitare rispettivamente per
la Commedia e per la
Tragedia.
• Lo studio del trattato latino
di Vitruvio, in particolare
del libro V, dedicato alla
scenografia e agli edifici
teatrali, dette suggerimenti
sull’impostazione delle
scene.
Fattore politico
• Il teatro diventa spettacolo signorile e
cortese di natura laica e profana,
cessando di essere rudimentale
rappresentazione popolare o borghese
di natura religiosa.
• Gli Estensi, signori di Ferrara, spingono
Ariosto a comporre commedie e
rendono la corte un centro di diffusione
e propulsione della commedia, la cui
rappresentazione diventa un fatto
mondano e culturale volto a
sottolineare solennemente momenti
cruciali della politica dinastica e
conferisce prestigio alla corte.
• Si sviluppa così una concorrenza fra le
corti.
Fasi dello sviluppo del teatro nel ‘500

All’inizio Successivamente, Dunque, fra la

prevalgono forme negli anni 30 e fine del ‘400 e i
sperimentali. poi soprattutto primi decenni del
nel corso dei 40, il ‘500, i vari generi
modello si teatrali vengono
stabilizza e infine ad assumere una
viene codificato in loro precisa
modi che fisionomia. Si ha
diventano sempre anche una
più rigidi e specializzazione
costrittivi. della scenografia.
 Il trionfo del teatro
• Nelle classi alte il teatro diventa sede di
Dalla fine del ‘500 al riconoscimento sociale della corte,
strumento di politica culturale dei
‘700 si ha in Europa il
Ragioni sociali principi e dei sovrani.
trionfo del teatro. Nella • Nelle classi basse e intermedie il teatro
prima metà del ‘500 del trionfo del
popolare e borghese esprime esigenze
esso nasce e si afferma teatro corporali e anticonformistiche non
come istituzione. Poi, permesse dalla cultura
dalla fine del ‘500 alla controriformistica.
fine del ‘600 i
principali scrittori • Si diffonde una visione teatrale della
europei sono autori vita. Nelle classi dominanti e nella
teatrali: Marlowe e chiesa si afferma un gusto per le
Shakespeare in Ragioni culturali scenografie come mezzo per affermare
Inghilterra, Lope de un ideale di potenza. Il suddito e il
o ideologiche fedele diventano sempre più spettatori
Vega e Calderòn de la passivi.
Barca in Spagna, • L’abitudine alla tendenza alla
Corneille, Molière e simulazione e l’esigenza di controllare
Racine in Francia. il comportamento pubblico
adeguandolo a norme stabilite dalla
Controriforma rafforzano l’idea che la
vita stessa è una commedia.
 Il teatro in Italia
❖ In Italia il teatro letterario non raggiunge gli altissimi risultati
di Shakespeare, di Calderòn de la Barca o di Racine. Questo
sviluppo più lento e disorganizzato del teatro in Italia è dovuto
alla crisi economica, politica e morale che interessa il nostro
paese in questo periodo.

❖ Ciò nonostante, il contributo che l’Italia dà alla storia del

teatro è fondamentale.

❖ In particolare, sono due i settori nei quali la produzione

teatrale italiana si specializza: il dramma pastorale e la sua
evoluzione sino al melodramma nella commedia dell’arte. Gli
artisti italiani che promuovono il primo genere sono Guarini e
Ricciardini in campo letterario e Monteverdi in quello musicale.
Per quanto riguarda il melodramma, i comici italiani diventano
famosi in tutta Europa.
 Il dramma pastorale
Il dramma pastorale si Agostino Beccari, a
sviluppa particolarmente Ferrara, scrive un Sacrificio
nella corte estense di (1554) che sostituisce l’esito
Ferrara. La vita di corte infelice di Giraldi Cinzio con
trova la sua immagine un lieto fine più adatto al
idealizzata in questo nuovo genere
genere teatrale. caratterizzato da un
carattere piacevole.
La caratterizzazione Battista Guarini, poeta
boschereccia da favola ufficiale della corte di
pastorale permette una Ferrara dopo Tasso, scrive
trasfigurazione euna il dramma pastorale Pastor
idealizzazioen della vita di Fido, a cui dedica buona
corte. Colui che porta parte della sua vita. La
successo al dramma stesura inizia nel 1580 ma
pastorale è Tasso con l’edizione definitiva risale
l’Aminta (1573). al 1602.
Agostino Beccari contribuisce
alla codificazione del
dramma pastorale, composto
da un prologo e da cinque atti
in versi. È chiamato anche
tragicommedia perché si
narrano vicende dolorose con
un lieto fine.
La struttura del dramma
pastorale Pastor Fido
ricalca quella dell’Aminta. È
composto da endecasillabi
e settenari. Fra un atto e
l’altro ci sono quattro
intermezzi musicali e alla
fine di ogni atto entra in
scena il coro.
 Il melodramma
Nel dramma pastorale il testo scritto
inizia a perdere importanza, che
viene data invece ad altri elementi
come la musica e la scenografia.
Questo processo è alla base dello
sviluppo del melodramma, in cui
l’elemento musicale predomina su
quello letterario.
Le tre opere Dafne, Euridice
e Arianna appartengono al
genere mitologico
caratteristico della
tragedia. Rispetto alla
tragedia viene però attuato
un drastico abbassamento,
e dunque un’attenuazione
dei toni drammatici.
Alla fine del ‘500, si afferma
nel melodramma la tecnica
del «recitar cantando».
Questa soluzione fu
elaborata a partire dallo
studio delle antiche tragedie
greche, dove gli attori
recitano cantando.
Il finale, a differenza della
tragedia, è lieto e dunque
tipico del dramma pastorale,
da cui sono ripresi anche
l’ambientazione e i temi.
Viene inoltre accentuata la
cantabilità dei versi, essendo
le opere incentrate
sull’aspetto musicale.
Ottaviano Rinuccini mette in
pratica questa nuova
modalità di rappresentazione
teatrale nel 1597 con La
favola di Dafne e poi con
l’Euridice. Nel 1607 , con le
musiche di Monteverdi, mette
in scena l’Arianna.
Ben presto il melodramma
perde il carattere
classicistico ed erudito
derivato dalla tragedia e
diventa un genere di vasto
consumo.
 La commedia letteraria

Nella seconda metà del I due principali autori di Come esempio di

‘500 la commedia questo periodo sono Della «anticommedia» abbiamo il
letteraria inizia a perdere Porta e Giordano Bruno, Candelaio, scritta da
rilevanza rispetto alla che danno alla commedia Giordano Bruno, il quale
commedia come puro una svolta in senso esprime attraverso la sua
spettacolo visivo con attori popolaresco, grottesco e opera una rivolta alle norme
professionisti che anticlassico. aristoteliche e classicistiche.
improvvisano sulla base di
un canovaccio.

Il Candelaio viene L’autore, seppure appaia L’opera ha un valore

pubblicato nel 1582 e
presenta un intreccio
abnorme basato su tre
trame diverse il cui tema
dominante è la polemica
contro l’asinità dell’uomo.
consapevole di quanto sia distruttivo più che
debole e precario il confine costruttivo. Giordano Bruno
che separa follia e denuncia la follia dell’uomo
saviezza, condanna ma non propone una
l’asinità degli uomini, che soluzione e un diverso
sono ridotti a maschere ordine di vita.
ridicole e grottesche.
 La commedia dell’arte
La situazione culturale in
Italia induce a togliere
importanza alla parola a
favore del gesto e della
musica, che non potendosi
fissare in significati precisi
sfuggono facilmente alla
censura.
Tuttavia un certo numero di
compagnie mantiene un
carattere più libero.
All’origine della commedia
dell’arte si ha una
confluenza di motivi e
aspetti diversi di natura
popolaresca, dotta e
teatrale.
La «commedia dell’arte» è
caratterizzata da due
aspetti legati al termine
arte: l’accento sul talento
artistico individuale e
sull’aspetto tecnico-
professionale.
I caratteri fondamentali della
commedia dell’arte sono la
svalutazione dell’intreccio e del
dialogo a vantaggio dei contrasti,
il passaggio da personaggio-
individuo a personaggio-tipo e il
canovaccio che non definisce le
parole ma solo i comportamenti
dei personaggi.
Nel 1545 nasce a Padova la prima
compagnia di professionisti.
All’inizio le compagnie sottolineano
il loro aspetto colto e accademico,
poi l’aspetto mercenario diventa
predominante e esse vengono
sempre più sottoposte all’industria
del teatro.
La Chiesa si oppone a
questo tipo di commedia,
non tollerandone il
carattere imprevedibile e
improvvisato delle scene.
Era inoltre contraria alle
maschere e alla presenza
sulla scena della donna.
 La tragedia

La tragedia è l’unico Le opere di maggior rilievo Chiabrera, nei suoi tre drammi
genere letterario che tende sono quelle di Chiabrera e Angelica in Ebuda, Erminia e
a resistere alle Federigo Della Valle, oltre Ippodamia, resta fedele al modello
trasformazioni e a che il Re Torrismondo di greco di tragedia, accentuando
mantenere un carattere Torquato Tasso. però gli spetti privati e amorosi
letterario. Resta un’opera della tradizione epica e
letteraria scritta da dotti cavalleresca, per conferire più
per altri dotti. popolarità alle sue opere.

Federigo della Valle resta
fedele al modello della
tragedia greca nelle sue tre
opere La reina di Scotia,
Ester e Iudit.
Tutte e tre le tragedie
mostrano il profondo spirito
religioso di Della Valle che
vive l’atmosfera culturale
della Controriforma con
sincera partecipazione.
Con le sue opere, Della
Valle mira a creare
atmosfere e a studiare
l’animo dei personaggi,
approfondendone la
psicologia.
 Il teatro nel resto d’Europa
● SPAGNA: in Spagna il teatro era diffuso anche livello popolare. Esisteva il teatro dei
corrales, ovvero un teatro recitato in strada senza scenari soggetto a continuo
rinnovamento. Da questo trae ispirazione Lope de Vega, che teorizza una riforma della
commedia nella sua opera Arte nuevo de hacer comedias del 1609. Egli presenta tre
punti: basarsi sull’esperienza reale, mescolare stili diversi, eliminare la regola dell’unità
di luogo e tempo, dividere la commedia in tre atti. Il suo linguaggio è spontaneo e
naturale.

● INGHILTERRA: anche qui convivono un teatro cortese e uno popolare. Thomas Kyd
attua un compromesso fra teatro pubblico e teatro cortigiano. L’intreccio è ricchissimo e
pieno di colpi di scena e avvenimenti orrorosi. Il maggiore drammaturgo inglese prima
di Shakespeare è Christopher Marlow, autore di Tamburlaine the Great, Tragical
History of Doctor Faustus, The jew of Malta e Edward II. Da Marlow Shakespeare
riprenderà la potenza tragica dei suoi personaggi.

● FRANCIA: Il teatro francese si sviluppa meno rispetto alla Spagna e all’Inghilterra.

Anche in Francia sono presenti il teatro popolare e quello cortese. Per quanto riguarda il
genere comico, tipico del teatro popolare, si distingue l’autore Molière. Mentre per il
teatro cortese i maggiori tragediografi sono Racine e Corneille.