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libri
Il Giornale dei
La Bibbia a mosaico
Dopo la recente acquisizione del marchio Magnus Edizioni, la casa editrice bolognese
Scripta Maneant, specializzata in volumi d’arte per bibliofili, ha presentato La Bibbia di
San Marco a Venezia. La traduzione del testo sacro è stata concessa dalla Conferenza
Episcopale Italiana mentre il comitato scientifico creato dalla Fondazione Studium
Generale Marcianum ha studiato l’abbinamento di centinaia di parti di mosaici della
Basilica di San Marco a specifici momenti del testo biblico. Dopo 40 anni dalle ultime
campagne fotografiche, Sandro Vannini ha fotografato in esclusiva per La Bibbia di San
Marco a Venezia i mosaici marciani con apparecchiature all’avanguardia che consentono
di osservare ogni singola tessera del complesso musivo. q G.P.M.
Saggi
Tutto sommato, vent’anni eccezionali
Tra le due guerre il panorama italiano, nonostante il regime, fu ricco
e fecondo. E niente affatto provinciale
Sono passati quasi cinquant’anni da
quando Carlo Ludovico Ragghianti,
nel 1967, organizzò a Firenze la prima
mostra memorabile sull’arte in Italia nel
ventennio fra il 1915 e il 1935: una ricon-
siderazione ad ampio spettro (2.100 fu-
rono le opere esposte!) delle moltissime
figure di pittori e scultori che la storio-
grafia artistica dal dopoguerra aveva ac-
cantonato. Da allora, l’arte italiana «fuori
dalle avanguardie» è stata al centro di
molte riproposte e riletture storico-criti-
che, incentrate su periodizzazioni (anni
Trenta), correnti, scuole, stili o tendenze
(Metafisica, Realismo magico, Novecen-
to, Scuola Romana, Ritorno all’ordine),
infine fenomeni, come l’arte pubblica di
regime (Muri ai pittori). Ne è emerso un
panorama di studi sempre più approfon-
diti, nei quali tuttavia era possibile sem-
pre leggere in filigrana lo sforzo di libera-
re l’arte di quel ventennio dall’implicita
condanna politica del fascismo.
Dopo tanti sforzi fatti da molti, è ormai
convinzione comune che il giudizio po-
litico non possa riflettersi in modo sem-
plicistico nel giudizio estetico, così come
è ormai doveroso riconoscere che il
«regime» non influì se non in modo
molto indiretto, e marcatamente solo
dopo il 1938, nelle scelte degli artisti
i cui orientamenti risiedettero in motiva-
zioni tutt’affatto personali.
Ora, con grande ricchezza di dati e ampia
latitudine dell’orizzonte storico-critico
adottato, Fabio Benzi propone il suo at-
traversamento delle vicende dell’Arte in
Italia fra le due guerre, facendo tesoro della
sua esperienza di studioso e curatore di
mostre di grande respiro. Difficile rias-
sumere l’articolazione del denso volume
che si snoda dalla vicenda di «Valori pla-
stici» fino ai tardi anni Trenta, se non sot-
tolineando l’impegno di mettere in con-
nessione tutto un tessuto, sfaccettato e
talvolta contraddittorio, di dati di crona-
ca e di storia, posizioni critiche e raggiun-
gimenti estetici. Un panorama tutt’altro
che provinciale, ma ricco e fecondo, che
coinvolse l’Italia nei suoi centri più vitali
Sellerio
El Barroco
Il ritorno di uno sfaccettato saggio di Severo Sarduy
L’esegesi di un fenomeno così articolato
come il Barocco, nei canali di scambio
tra sfere semiotiche formalmente molto
diverse, è terreno eletto della multidisci-
plinarietà. Tra i più diversi contributi, del
tutto inedita è la lettura proposta del cu-
bano, naturalizzato francese, Severo Sar-
duy (1937-93), uno dei massimi scrittori
sudamericani contemporanei, consegnata
a Barroco, apparso in prima edizione nel
1974 e di cui Sellerio ripropone l’edizione
francese dell’anno successivo, con le ag-
giunte dell’autore nell’edizione del 1991:
un trattatello narrativo, sulla «ricaduta»
nell’arte (Uccello, Raffaello, El Greco, Ru-
bens, Borromini ecc.) e nella letteratura
(Tasso e Góngora) dei modelli della cosmo-
logia non solo barocca, ma anche anterio-
re e successiva, fino all’età moderna, con
la teoria della relatività ristretta, «applica-
ta» in «Les Demoiselles d’Avignon».
Un saggio che è un po’ come la materia
che tratta, difficilmente collocabile, non
sapresti se tra i libri d’arte o di scienza.
Che provoca, accattivante, lo specialista
dell’uno e dell’altro settore, dovendo il
primo seguire le ardite riflessioni dell’au-
tore sulla curva kepleriana o il modello
frattale o le teorie concorrenti del Big
Bang e dello Steady State, e il fisico o il
cosmologo calarsi dal più «familiare» spa-
zio reale in quello metaforico dei dipinti e
delle architetture del Barocco.
Ubaldo Oppi, «I tre chirurghi», 1930, Vicenza, Musei Civici
(Milano, Torino, Roma, poi persino Pa-
rigi e gli Usa), in una trama di macro e
microeventi difficile da irreggimentare,
perché se è vero che il fascismo non im-
pose pesanti direttive per un’arte di Sta-
to, rimase tuttavia sempre per gli artisti
l’interlocutore implicito, le cui aspirazio-
ni in ambito estetico molti (per non dire
tutti) ambivano a incarnare, sia pure nei
più diversi linguaggi. Classicismo, medi-
terraneità, romanità, più che categorie
L’Assunzione della Vergine di Cigoli in Santa Maria Maggiore a Roma
Del resto, come ricorda Salvatore Grassia,
curatore del saggio, Fulvio Papi nell’in-
troduzione all’edizione milanese del 1980
scriveva: «Credo che al lettore italiano questo li-
bro […] crei qualche problema». La via per con-
nettere i due filoni è affidata a una serie di
binomi, come quelli Galileo/Cigoli (la Lu-
A cura di Anna Maria Farinato
estetiche, furono parole d’ordine che gli
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artisti e il regime a turno inventarono e
si rimbalzarono in un ambiguo gioco di
specchi che tuttavia lasciò spesso inden-
ne la sostanza poetica di un’arte di livello
internazionale. q Daniela Fonti
Arte in Italia fra le due guerre, di
Fabio Benzi, 382 pp., ill., Bollati
Boringhieri, Torino 2013, € 39,00
na dell’«Assunzione della Vergine» in Santa
Maria Maggiore a Roma, «cessa di essere un
cerchio immacolato, epifania della purezza cele-
ste», per diventare quella di Galileo, «forata
da crateri, montagnosa e arida»); Galileo/Raf-
faello («mai la fedeltà al cerchio sarà illustrata
meglio che in Raffaello»); Keplero/Caravag-
Un Cupolone di libri
La Santa Sede sarà presente con un proprio stand come Paese ospite d’onore al Salone
internazionale del libro di Torino (Lingotto Fiere dal 7 al 12 maggio). Il legame storico
della Chiesa e dei pontefici con il libro e le arti sarà rappresentato da alcune pregevoli
opere presentate dalla Biblioteca Apostolica Vaticana, dall’Archivio Segreto Vaticano,
dai Musei Vaticani e dalla Pontificia Commissione per l’Archeologia Sacra. Ospite
d’onore, il cardinale Gianfranco Ravasi, presidente del Pontificio Consiglio della Cultura.
Il logo dello stand è una Cupola di libri, progettata da Roberto Pulitani, mentre la pianta
rimanda al progetto per la nuova Basilica Vaticana di Bramante, di cui si celebra il V
centenario della morte (11 aprile 1514).
Trittico baconiano
Francis Bacon continua a turbare gli
scrittori, che cercano le trame delle sue
opere ambigue e ossessionanti, tra le
iconografie più incisive del XX secolo.
Dopo gli affondi di Gilles Deleuze e di
Michel Leiris, che al pittore inglese
fu legato da amicizia, giunge ora in
italiano il tentativo di Jonathan Littell,
Trittico. Tre studi da Francis Bacon (un
bel volume illustrato che rispetta la
grafica della prima edizione uscita nel
2011 da Gallimard), presentato nella
precisa traduzione di Luca Bianco. Il
tema principale scelto dallo scrittore
franco-americano, autore di Le benevole,
sta nel termine scelto per definire
questi testi, che si propongono in primo
luogo, nelle pagine che risultano più
suggestive, come diario di una serie di
appuntamenti epifanici con Bacon in
giro per il mondo. Il continuo tornare
sulla forma, il tormento e la gioia
della distruzione e della ricreazione
sono d’altra parte in tutte le memorie
sull’artista; su questo filo insisteva
anche il biopic di John Maybury «Love is
the devil», uscito nel 1998. Le parti del
discorso qui hanno il numero di quelle
del celeberrimo «Tre studi di figure ai
piedi della crocefissione», che nel 1944
sigillava i termini di una visione. Tra i
corridoi del Prado, visitati per privilegio
(come accadeva all’artista) in un giorno
di chiusura, scattano le assonanze con
gli artisti capitali per il linguaggio del
maestro inglese, e in primo luogo con
l’amatissimo Velázquez. Una visita alle
toilettes del Metropolitan, collocate
nel bel mezzo della sezione egiziana,
costringe a un paragone con i ritratti
sconvolgenti, di vita e di febbre, delle
mummie del Fayyum. La riscoperta
problematica della bidimensionalità,
la conseguente messa in discussione
della prospettiva, è d’altra parte un
codice dell’arte del Novecento: Bacon e
Rothko rispondono in modi diversissimi
alla stessa domanda. Il primo trova
la propria via in una personalissima e
continua ridefinizione della figura umana,
teatro, agone e campo di battaglia di un
pensiero capitale sul destino dell’arte.
q Luca Scarlini
Trittico. Tre studi da Francis
Bacon, di Jonathan Littell, trad.
di Luca Bianco, 144 pp., ill.,
Einaudi, Torino 2014, € 23,00
gio (decentramento del cerchio con l’el-
lisse e decentramento nell’organizzazione
geometrica del quadro, come nella «Depo-
sizione» al Vaticano); o l’ellisse/Velázquez
(elisione del soggetto ingegnosamente rap-
presentata nelle «Meninas»).
Contrapposte sono, invece, le due forme
maestre attraverso cui si segue quella «ri-
caduta» di modelli cosmologici: il cerchio
di Galileo, protagonista con l’equilibrio
del suo unico centro delle composizioni
rinascimentali di Brunelleschi e di Raffa-
ello, e l’ellisse di Keplero, che, con i suoi
due centri, si riflette nel decentramen-
to e nella duplicazione raffigurati nello
«Scambio delle due principesse» di
Rubens, nella pianta di San Carlo alle
Quattro Fontane ottenuta da Borromi-
ni per anamorfosi del cerchio. Un libro
imprevedibile, che si apre nel modo più
canonico, nonostante la dichiarata avver-
sione dell’autore a un simile topos, con
l’interpretazione del termine «barocco», il
cui etimo incerto egli riconduce, invece,
esclusivamente (in continuità semantica,
si direbbe, con l’ordine imperfetto dell’el-
lisse, forma simbolo del Barocco) in quel-
lo del nome portoghese della grossa perla
irregolare e spagnolo dell’astro conglome-
rato pietroso; e si conclude originalmente
con «la metafora al quadrato» di Góngora,
e di tutta la letteratura barocca, in cui la
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parola, come in un’esasperata figura ser-
pentinata di Salviati, ha cessato la propria
funzione descrittiva per ripiegarsi in un
brillante compiacimento di se stessa.
q Silvia Mazza
Barroco, di Severo Sarduy, a
cura di Salvatore Grassia, trad.
di Lorenzo Magnani, 180 pp.,
Sellerio, Palermo 2014, € 16,00
il giornale dell’arte Numero 341, aprile 2014
Un pamphlet
All’attacco dello sgunz
Ma l’arte contemporanea non è tutta un bluff
Cao Fei, «House of Treasures», 2013
Ci risiamo: un nuovo attacco all’arte con-
temporanea. Forse da Marte come sembre-
rebbe suggerire la copertina dove un disco
volante, annunciando Ars Attack, illumina
con un raggio, certamente disintegratore,
il bluff del contemporaneo. Un attacco se non
mortale quanto meno insidioso. Questa vol-
ta infatti l’autore non si limita a una facile e
generica critica basata su un supposto buon
senso e sulla mancanza di valori estetici o
ancora sulla perdita di una specifica abili-
tà. Il saggio di Angelo Crespi, già collabo-
ratore del Foglio e del «Giornale» e ora del
«Corriere della Sera», scritto con il mestiere
del giornalista, l’ironia del polemista e il
disincanto del flâneur, qualche colpo al di-
sassato sistema dell’arte lo mette a segno.
Innanzi è di piacevole lettura e sicuramente
soddisferà coloro che non sopportano l’arte
contemporanea e sono assillati dal quesito
di fondo: sono scemi loro o è il mondo che
va a rovescio?
Il giochino dell’appello al buon senso è
per l’autore irresistibile (e godibile per i
lettori). Come non scandalizzarsi per cal-
zini sporchi assurti a opera d’arte, come
non indignarsi per quotazioni iperboliche,
come accettare un’arte che sembrerebbe
avulsa da quei valori che la storia ci ha tra-
mandato. Per quest’arte inestetica, oscura
di senso, che ha il solo merito di essere ri-
conosciuta dal famigerato sistema dell’ar-
te e che arriva a provocare il disgusto e a
celebrare l’abietto, Crespi crea addirittura
una categoria che chiama «sgunz», dove,
a quanto si capisce, vorrebbe cacciare la
maggior parte (se non tutta) dell’arte con-
temporanea. Se tutto fino a qualche anno
fa era in mano a quattro critici che in un
loft di Manhattan bevevano un Martini,
oggi l’arte la fa qualche Wolf di Wall Stre-
et o se la contende lo showbiz, a suon di
battiture d’asta, da bordo piscina a Miami.
Il saggio però diviene interessante, anche
per chi ama l’arte del nostro tempo, per
una serie di questioni che vengono solleva-
te e che vengono proposte con divertenti
aneddoti o corroborate da riflessioni sulle
quali meditare. Nella sua disamina delle
contraddizioni e aberrazioni dell’arte d’og-
gi, Crespi, al di sotto della coltre dell’i-
ronia, mette in luce l’aspetto autorefe-
renziale grazie al quale il fare arte si
sottrae a ogni critica, accettando tut-
to ciò che il sistema consacra a opera
d’arte. Vi è però un presupposto di fondo
che viene trascurato. L’arte comunque sia
è prodotto della società in cui nasce e di
questa società porta le caratteristiche e i
sintomi. Dall’Ottocento le ricerche artisti-
che hanno elaborato un moderno specifico
linguaggio, l’arte ha interpretato la società
moderna e ne è stata il sintomo e l’espres-
sione sino a dispiegarsi in forme d’arte che
privilegiano il concetto sulla forma, sino
addirittura a intervenire nei processi socia-
li dando all’artista un ruolo più vicino al
sociologo, all’urbanista o all’antropologo.
Certo un bel dipinto a olio raffigurante la
campagna inglese può essere più rassicu-
rante, ma altro è lo spirito del tempo e l’ar-
te comunque ne è rappresentativa nel suo
complesso. Diviene sterile critica scagliarsi
sull’arte contemporanea nel suo insieme e
nelle sue espressioni.
Altro discorso, il vero nocciolo della questio-
ne, è il poter distinguere anche nel nostro
tempo ciò che è arte da ciò che non lo è. In
questo, oggettivamente, il sistema dell’arte
presenta il suo lato oscuro, avendo inne-
scato una procedura di autoreferenzialità.
Venuta meno la componente critica che in
qualche modo ne dava una lettura, venuto
meno il ruolo dei musei che ne attestavano
validità e storicità in quanto sottoposti al-
la spinta della società dei consumi e della
spettacolarizzazione, il sistema dell’arte da
un lato viene sottoposto, come tutti gli altri
sistemi sociali, a privilegiare l’esasperazio-
ne nelle forme e nei contenuti, dall’altro
a inasprire forme di selezione che devono
rispondere a canoni prestabiliti. Tutto ciò
non esclude però che vi sia ancora oggi
buona arte e cattiva arte. Detto questo, poi
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bisogna prendere atto che in fondo Crespi
non ha proprio tutti i torti. L’arte in alcune
sue manifestazioni dilaga in altre sfere con
il rischio di perdere il senso di sé.
q Massimo Melotti
Ars Attack. Il bluff del contempo-
raneo, di Angelo Crespi, 104 pp.,
ill., Johan & Levi, Monza 2013, €
10,00
Desiderio inquieto
Monsù Desiderio è in primo luogo un
nome in codice, che gli storici dell’arte
hanno avuto il loro bel daffare a dotare
di uno stato di famiglia e di una identità
precisa. Sotto questo immaginifico titolo
sono giunte scene fantastiche, di rara
crudeltà e fascino, che presentano città
e architetture in preda a cataclismi e
distruzioni, dove la rovina incombe su uno
scenario classico reso già fantasmatico
da una bianchezza accecante di colonne
e palazzi. Il tutto in uno scenario notturno,
livido, composto classicamente eppure
allo stesso tempo pervaso dalle tracce di
una sinistra violenza. Ora le sparse tracce
di questo maestro barocco, al secolo
François de Nomé, sono riassunte nel
romanzo di Fausta Garavini, studiosa di
Seicento francese e di vicende provenzali,
Le vite di Monsù Desiderio, ipotizzando,
dalle poche notizie disponibili, gli itinerari
del lorenese, nativo di Metz, città di
frontiera, che ha dato spesso i natali
ad artisti rivoltosi, come Bernard-Marie
Koltès e Jean-Marie Straub. Le pagine
si dipanano, quindi, dal Paese di origine,
verso Roma, dove il pittore giunge con un
viaggio lungo e pieno di détours; la città è
esibita in una versione notturna, inquieta.
L’itinerario approda poi a Napoli, dove il
nostro trova la fortuna e si sposa nel 1613
con la figlia del fiammingo Loise Croys (di
questi parla uno dei non molti documenti
su di lui che ci restano). L’autrice
immagina efficacemente i percorsi di un
apprendistato all’arte, che si svolge in
un tempo travagliato, alla corte del papa,
come tra le agudezas spagnole in voga
nella capitale del vicereame. Il risultato
è un affresco polifonico, illustrato dalle
opere dell’artista e di suoi contemporanei,
che ben ricostruisce il destino di un
realizzatore di immagini inquietanti, di
magnetica bellezza. q L.S.
Le vite di Monsù Desiderio, di
Fausta Garavini, 318 pp., ill.,
Bompiani, Milano 2014, € 22,00