1. THE INTERRELATIONSHIPS OF THE ARTS (pg.

7)
Gli stretti legami tra le arti si verificano perché gli artisti condividono uno scopo speciale: la
rivelazione dei valori. Inoltre, ogni artista deve utilizzare un mezzo, una sorta di " materiale che può
essere formato per comunicare quella rivelazione (contenuto) su qualcosa (oggetto). Tutti gli artisti
condividono alcuni elementi dei media e questa condivisione incoraggia la loro interazione. Ad
esempio, pittori, scultori e architetti usano il colore, la linea e la struttura. Scultori e architetti
lavorano con la densità dei materiali. Il ritmo è fondamentale per il compositore, il coreografo e il
poeta. Le parole sono fondamentali per il poeta, il romanziere, il drammaturgo e il compositore di
canzoni e opere. Le immagini sono fondamentali per il pittore, il regista, il videografo e il fotografo.
Gli artisti costituiscono un commonwealth: condividono lo stesso fine e mezzi simili.

L'appropriazione artistica si verifica quando (1) gli artisti combinano il loro mezzo di base con il
mezzo di un'altra arte o di altre arti ma (2) mantengono il loro mezzo di base chiaramente
dominante. Per esempio, la musica è il mezzo di base per i compositori di opera. La messa in scena
può includere architettura, pittura e scultura. Il linguaggio del dramma può includere la poesia. La
danza, così dipendente dalla musica, è spesso incorporata nell'opera, e talvolta nell'opera
contemporanea, così come la fotografia e persino il cinema. Eppure, la musica domina quasi sempre
nell'opera. Possiamo ascoltare ripetutamente il Fidelio di Beethoven o la Carmen di Bizet, ma è
difficile immaginare che qualcuno legga i libretti più e più volte. Sebbene essenziali per l'opera, il
dramma, così come la messa in scena, raramente domina la musica. Spesso i libretti di per sé sono
essenzialmente sciocchi. Tuttavia, il teatro e le altre arti appropriate generalmente esaltano i
sentimenti interpretati dalla musica. Fatta eccezione per l'opera, l'architettura è l'arte che si
appropria di più. La centratura dello spazio lascia spazio alla collocazione di sculture, dipinti e
fotografie; la lettura di poesie; e l'esecuzione di teatro, musica e danza. La dimensione
dell'architettura stessa tende a farla prevalere su qualsiasi altra incorporata arti, il contenitore che
prevale sul contenuto.

2. THE ART MARKET (pg. 15)

Il mercato delle arti visive non ha una controparte diretta nelle altre arti. La sua distinzione nasce
dal fatto che le opere d'arte originali possono essere acquistate, vendute e collezionate. Il possesso
di un'opera d'arte originale è valutato non solo per il piacere, ma anche per lo status che l'opera
d'arte può attribuire al suo proprietario e per il valore che assume sul mercato.
Anche se il numero di acquirenti e collezionisti rappresenta solo una piccola percentuale del numero
di persone che frequentano i musei, il mercato dell'arte e soprattutto il i cambiamenti avvenuti negli
ultimi tre decenni hanno avuto un profondo effetto sulle arti visive nel loro insieme. Questi
cambiamenti, ovviamente, hanno influenzato la natura dell’arte che vengono prodotte.
Sebbene le dimensioni e il funzionamento del mercato delle arti visive siano cambiati radicalmente
dopo il 1980, i principali attori sono rimasti in gran parte gli stessi. Includevano rivenditori e
gallerie, case d'asta, critici e grandi collezionisti.
La specializzazione in particolari categorie o stili artistici è importante per le gallerie e
commercianti poiché come piccole imprese, la specializzazione consente loro di sviluppare
relazioni e reputazione con artisti, acquirenti e venditori. In un mercato in cui le informazioni su
originalità, valore, qualità e disponibilità richiedono conoscenze specializzate, la loro competenza è
essenziale.
Almeno nel secolo scorso, critici d'arte, curatori di musei e importanti collezionisti selezionati i
lettori (insieme ai più importanti rivenditori) hanno agito come esperti del mercato contemporaneo.
Infatti, tradizionalmente svolgono un ruolo centrale nella determinazione quali artisti e opere d'arte
vengono riconosciuti e come vengono valorizzati.
Gli altri attori principali nel mercato delle arti d'élite sono le case d'asta. Sebbene un tempo
principalmente grossisti, le due principali case d'asta: Christie's e Sotheby's - divennero i maggiori
attori del settore nel corso degli anni ‘80.
 3. A SHOWCASE FOR THE LATEST TRENDS: THE VENICE BIENNALE (pg. 17)
La storia della Biennale di Venezia risale al 1895, anno della sua fondazione.
È l'evento culturale più antico e riconosciuto nel mondo dell'arte contemporanea.
L'Esposizione Internazionale d'Arte si svolge solitamente da giugno a novembre ogni due anni.
Sebbene le origini della Biennale siano legate alle arti visive, il suo programma è stato avviato per
includere altre forme d'arte performative e altre. Negli anni '30 furono inaugurati nuovi festival:
Musica, Cinema e Teatro (la Mostra del Cinema di Venezia del 1932 fu il primo festival
cinematografico mai organizzato). Nel 1980 ha luogo la prima Mostra Internazionale di Architettura
e nel 1999 la Danza debutta alla Biennale di Venezia.
L'allestimento della mostra nel XX secolo era caratteristico dell'uso dello spazio poiché era
influenzato dagli stili espositivi del Salon di Parigi. La Biennale era collegata a un edificio
espositivo centrale costituito da gallerie identitarie di gruppi internazionali, geopolitici e sale a tema
nazionale.
Nel 1999 il nuovo allestimento della Biennale e gli spazi storici dell'Arsenale (Artiglierie, Isolotto,
Tese, Gaggiandre) diventano sedi espositive, mentre vengono create nuove sedi per le performance
dal vivo.
A poco a poco il carattere della mostra cambiò man mano che furono nominati commissari speciali
per preparare le mostre nazionali. Ciò ha portato a un'enfasi progressivamente maggiore
sull'estensione nazionale nelle edizioni successive.

4. COLLECTION MANAGEMENT (pg. 85)

Gestione delle collezioni è il termine che comprende i vari metodi legali, etici, tecnici e pratici con
cui le collezioni museali vengono assemblate, organizzate, studiate, interpretate e conservate. La
gestione delle collezioni si concentra sulla cura delle collezioni con preoccupazione per il loro
benessere fisico e la loro sicurezza a lungo termine. Si occupa di questioni di conservazione,
utilizzo delle collezioni e tenuta della documentazione. così come il modo in cui le collezioni
supportano la missione e lo scopo del museo. Affinché la gestione delle collezioni funzioni con
successo, le decisioni sulle collezioni del museo devono sempre essere prese dopo un'attenta
considerazione e in modo coerente. Per questo motivo il documento più importante sulle collezioni
museali è la Politica di Gestione delle Collezioni.
In linea con la missione del museo e altri documenti politici chiave, lo scopo e gli obiettivi generali
del museo dovrebbero essere raggiunti attraverso la raccolta, la ricerca e la conservazione della sua
collezione.
Lo sviluppo e la stesura della politica rappresentano un'opportunità per rivedere e definire la
politica gli obiettivi del museo e come dovrebbero essere raggiunti se ciò non è già stato fatto, e
tutti i membri del personale dovrebbero essere invitati a contribuire in questa fase. La politica deve
esserlo scritto in modo chiaro in modo che possa essere un'utile guida per il personale e il pubblico.
Deve affrontare il esigenze delle collezioni in relazione agli obiettivi generali del museo. Inoltre,
dovrebbe includere piani di revisione e aggiornamento periodici.
La politica di gestione delle collezioni può affrontare un'ampia gamma di argomenti relativi alla
gestione delle collezioni che possono essere scelti e scritti appositamente per soddisfare le esigenze
di ciascun museo.
Il Codice Etico dei Musei ICOM può fornire un aiuto diretto nello sviluppo della politica di
gestione delle collezioni. Sezione Seconda, dal titolo “Musei che conservare le collezioni e
conservarle in custodia per il bene della società e del suo sviluppo",
affronta direttamente gli elementi critici della gestione degli incassi, e ad essa fa riferimento durante
tutto il processo di stesura fornirà linee guida utili.
Le procedure di gestione degli incassi sono le varie attività attraverso le quali gli incassi le politiche
di gestione si traducono in azioni gestionali specifiche. Le procedure sono molto utili e forniscono
coerenza di azione quando formalizzate in un documento scritto. Sono necessarie procedure per
attuare tutte le aree della politica. Gli argomenti delle procedure scritte rispecchieranno gli
argomenti affrontati nella politica di gestione delle collezioni. Come per la politica di gestione delle
collezioni, le procedure possono essere scritte appositamente e personalizzate per soddisfare le
esigenze del vostro museo.

5. RESTORING WORKS OF ART (pg. 93)

In particolare, le collezioni sono fondamentali per i musei. Se un oggetto viene distrutto o lasciato
distruggere non solo il museo perde un bene prezioso, ma l’umanità perde un elemento forse
insostituibile del suo patrimonio culturale o scientifico.
La protezione degli oggetti dipende da un impegno a lungo termine per la conservazione da parte
del museo. Il trattamento conservativo richiede solitamente i servizi di un conservatore formato per
affrontare i problemi associati a una particolare classe di oggetti. Tuttavia, il personale del museo è
responsabile di garantire che gli oggetti del museo ricevano la cura adeguata.
All'interno di un museo la conservazione è la tecnologia di conservazione delle collezioni.
L’obiettivo primario di tutta la conservazione museale dovrebbe essere quello di preservare
l’oggetto nelle condizioni più stabili possibile. Modificare o ricostruire un oggetto non dovrebbe
mai essere la prima scelta del personale del museo. La conservazione preventiva è il primo passo di
un processo continuo di cura degli oggetti, integrato dal trattamento conservativo e infine dal
restauro quando giustificato e auspicabile. Il restauro dovrebbe essere considerato un sostituto della
cura e del mantenimento adeguati delle collezioni museali.
Qualsiasi spazio finito, sia esso una scatola, una stanza o un edificio, contiene un ambiente, la
totalità delle condizioni e circostanze circostanti. Ci sono due elementi fondamentali in un
ambiente; la materia, sia organica che inorganica; ed energia. nessun sistema energetico è
completamente inerte, tutte le parti e le attività formano una catena di azione-reazione. La missione
di conservazione di un museo richiede che tali interazioni siano ridotte al minimo. Ciò significa
controllare i fattori che favoriscono le interazioni, come temperatura, umidità relativa, polveri e gas
inquinanti, organismi biologici. reattività dei materiali e della luce. In realtà la conservazione delle
collezioni avviene su quattro diversi livelli.
Il primo livello tratta le collezioni nel loro insieme per mantenerle in uno stato immutabile fornendo
ambienti controllati e alloggi adeguati agli oggetti, sia in singole teche che in interi impianti di
stoccaggio. Il secondo livello è la conservazione dell'oggetto, che ha come obiettivo primario la
preservazione o il ritardo di ulteriori deterioramenti o danni all'oggetto. Infine, il vero e proprio
restauro conservativo avviene per riportare il manufatto il più deteriorato o danneggiato alla sua
forma originaria. design, colore e funzionalità. Questo processo può alterare l'aspetto esteriore
dell'oggetto. Il quarto livello è la ricerca scientifica approfondita e l'esame tecnico dell'oggetto.

6. STRATEGIC MARKETING (pg. 109)

I musei perseguono finalità che si traducono in una missione.
Per realizzare queste finalità, i musei stabiliscono una serie di obiettivi che evolvono in un piano
strategico al fine di attuare tali obiettivi.
Un piano strategico rappresenta una serie di azioni che consentono ad un museo di raggiungere i
propri obiettivi.
Il marketing strategico è fondamentale per il processo di pianificazione strategica.
La pianificazione strategica consente di considerare i punti di forza e i punti di debolezza al proprio
interno e le opportunità e le minacce provenienti dalla concorrenza all’esterno.
L’orientamento verso l’esterno implica il concentrarsi su tutti quanti i consumatori potenziali. I
musei non sono in grado di soddisfare le esigenze di tutti i visitatori. Di seguito pensare il proprio
posizionamento e la propria proposta di valore per ciascun gruppo. La riconoscibilità del marchio
costituisce una fase ulteriore nel consolidare il sostegno ai musei da parte dell’utenza.
Tactical marketing si compone degli strumenti e delle abilità necessarie per realizzare il piano di
marketing strategico.
Il compito dell’operatore di marketing è quello di sviluppare le azioni di marketing che creano,
comunicano e fanno giungere a destinazione il valore per i consumatori.
Le attività di marketing assumono una varietà di forme. Il marketing mix si compone di 5P:
- Prodotto
- Prezzo
- Promozione
- Posizionamento
- Persone
I sondaggi fra i visitator, i focus e le interviste aiuteranno gli operatori di mercato ad individuare
i bisogni così come la soddisfazione del cliente rispetto all’offerta del museo.
Il prezzo è l’elemento di costo all’interno del processo di scambio con il consumatore.
Esso produce un flusso di reddito che aiuta il museo a finanziare i propri progetti. IN aggiunta,
la definizione dei prezzi può essere utilizzata quale strumento per incoraggiare i gruppi di
riferimento a partecipare. Quindi i costi di ingresso, ad esempio le tariffe di ingresso
differiscono a seconda delle tipologie di visitatori.
La produzione in ambito museale consente il museo di attirare un flusso costante di visitatori.
La promozione assume numerose forme comprese pubblicità, pubbliche relazioni e il marketing
diretto. I musei usano sempre più tecnologie digitali per aumentare la loro promozione.
Il luogo si riferisce ai canali di distribuzione che consentono agli utenti di sperimentare dei
servizi di un museo sia in loco che fuori sede.
Le persone sono rappresentate di componenti che si occupano dei visitatori e interagiscono con
una gamma di stakeholders. Il personale del museo può sia valorizzare il valore per un visitatore
che diminuirlo, a seconda del comportamento tenuto. E’ essenziale che il personale sia
accogliente, gentile e prodigio di informazioni.
Nel contesto del marketing museale il prodotto viene definito in 3 livelli: il prodotto effettivo, il
prodotto atteso e il prodotto aumentato.
Il prodotto effettivo rappresenta le necessità e i benefici ricercati dal consumatore.
Alcuni visitatori possono cercare istruzione altri per rilassarsi e divertirsi e altri ancora per la
socializzazione.
Ciò potrebbe includere l’architettura dell’edificio, l’aspetto dell’ingresso e così pure i
programmi educativi.
I prodotti aumentati che rappresentano ulteriori benefici, offerti da un museo, quali so io del
museo, le visite guidate dietro le quinte, oppure visite condotte dai direttori dei musei.
PHOTOGRAHPY: THE DOCUMENTARISTS (pg. 27)
Il tempo è fondamentale per i documentaristi, che ritraggono un mondo che SCOMPARISCE così
velocemente che non possiamo vederlo andare via. Henri Cartier-Bresson ha usato l'espressione "il
momento decisivo" per definire quell'interazione cruciale di forme e spazi, formati da persone e
cose, che gli dice quando scattare l'otturatore. Non tutto suo le fotografie sono decisive; non tutti
colgono l'azione nel suo punto più intenso. Ma quelli che lo fanno sono puri Cartier-Bresson.
Molti documentaristi concordano con la descrizione di Stieglitz dell'effetto delle forme sui propri
sentimenti. Pochi documentaristi contemporanei, tuttavia, lo sono spesso giornalisti come Cartier-
Bresson possono comporre come potrebbe fare Stieglitz.
Ma il migliore sviluppare un istinto - solitamente nutrito da anni di educazione visiva - per
l'affermazione potente.
Eugène Atget trascorreva gran parte del suo tempo fotografare a Parigi la mattina presto, quando
nessuno lo disturbava. Generalmente non ci sono persone nelle sue vedute di Parigi. Le sue
fotografie di importanti monumenti parigini, come la sua veduta del Petit Trianon (1923-24), sono
distintivi il loro sottile dramma. La maggior parte delle fotografie commerciali di questo edificio
ignorano il drammatico riflesso nello stagno e nessuna di esse consente l'intensa saturazione dei toni
scuri negli alberi circostanti e nel riflesso dell'acqua. Più si osserva questa fotografia, tanto più si
avverte un senso di drammaticità certezza e forse anche urgenza.
I molti modi in cui Atget bilancia e contrasta gli elementi visivi allo stesso il tempo rende intensa
l'esperienza dell'immagine.
Paul Strand la considera un po' diversa approccio da Atget, anche se ha lavorato
nella stessa tradizione intorno al contemporaneamente. Ha usato un banco ottico su un treppiede e
ha vagato per le strade di New York la mattina presto, proprio come faceva Atget. Ma a differenza
di Atget, Strand fotografava sia persone che edifici, e il contenuto delle sue fotografie era, sebbene
artistico, meno astratto.
A Wall Street, New York (1916) l'edificio, il Morgan Trust, con il suo enorme buio pannelli, fanno
impallidire gli uomini e le donne che marciano verso il lavoro.
Il Morgan Trust era un simbolo di solidità e stabilità e, sebbene Strand potesse danneggiare
Ci saremmo aspettati che, anni dopo, nel 1929, tutta quella solidità crollasse nella nazione la più
devastante Grande Depressione. La fotografia di Strand contrasta con le minuscole persone erette
con la netta diagonale delle loro ombre sul marciapiede, abbinata alla luce modellata diagonale
dell'edificio. Sopra di loro i potenti pilastri verticali in pietra e i pannelli neri sembrano, in
retrospettiva, quasi sinistri.
Il miglior documentarista ricerca la più forte coerenza degli elementi ricercando anche il momento
decisivo. Quel momento è il picco di intensità in una frazione di secondo, ed è definito soprattutto
con riferimento alla luce, alle relazioni spaziali e all'espressione.
Dorothea Lange, come Walker Evans, era una documentarista che prese parte a un programma
federale per dare lavoro ai fotografi durante la Depressione degli anni '30.
Come Walker Evans, ha creato attenti accordi formali.
In Madre migrante (1936) Lange sottolinea la centralità e l'equilibrio ponendo le teste dei bambini
accanto al volto della madre, il che è tanto più avvincente perché i volti dei bambini non competono
per la nostra attenzione. Il braccio della madre va verso l'alto al suo viso, sottolineando l'altro
triangolarità della fotografia.
Nel giro di dieci minuti, Lange scattò altre quattro fotografie di questa donna e dei suoi figli, ma
nessuna riuscì a raggiungere la potenza di questa fotografia. Lange ha colto il momento esatto in cui
i volti dei bambini si sono voltati e l'ansia della madre è emersa con assoluta chiarezza, anche se
l'obiettivo, misericordiosamente, ammorbidisce la messa a fuoco sul suo viso, lasciando i suoi
vestiti logori ben a fuoco. Questa morbidezza aiuta a umanizzare il nostro rapporto con la donna.
Lange ci regala un'immagine indimenticabile che trasmette brutalmente e allo stesso tempo con
simpatia a comprensione più profonda di ciò che la depressione era per molti.
LOANS (pg. 95)
Il prestito degli oggetti è un aspetto fondamentale della gestione degli incassi. Per le organizzazioni
che non hanno le proprie collezioni in mostra, i prestiti possono essere un modo per mostrarle al
pubblico sia per divertimento che per interesse accademico. Per coloro che non hanno una
collezione permanente, prendere in prestito ed esporre oggetti può essere l’obiettivo principale della
loro attività. Ai collezionisti privati viene spesso chiesto di prestare opere d'arte a mostre pubbliche
e la maggior parte dei musei e delle gallerie prestano e prendono in prestito frequentemente come
parte delle operazioni quotidiane.
L'invio di un oggetto di valore verso un'altra destinazione, tuttavia, dovrebbe essere considerato
attentamente, data la massima importanza alla sicurezza dell'oggetto. Le ragioni e le condizioni del
prestito devono essere chiare e concordate preventivamente sia dal mutuante che dal mutuatario,
preferibilmente in un contratto scritto.
È necessario considerare i rischi, l'imballaggio e il trasporto devono essere sicuri e protetti e la
movimentazione e l'installazione devono seguire le linee guida delle migliori pratiche.
Un prestito è un accordo tra prestatore e mutuatario e comporta determinate aspettative, nonché
diritti e responsabilità da entrambe le parti. Il creditore rimane il legittimo proprietario per tutta la
durata del prestito e ha il dovere di incolumità e protezione dell'oggetto. Se sull'oggetto sono
presenti condizioni, ad esempio richieste del donatore, il proprietario deve garantire che queste
continuino ad essere soddisfatte durante il prestito. Il contratto è solitamente fornito dal creditore.
Potrebbe esserci o meno un modulo di prestito: un documento standard fornito da entrambe le parti
con i dettagli dell'oggetto/i e le eventuali condizioni del prestito. È abbastanza comune che
entrambe le parti stipulino il proprio contratto di prestito e ciò può portare a difficoltà. È ormai
generalmente accettato che il creditore abbia la precedenza e debba scrivere il contratto di prestito.
La responsabilità del mutuatario è un dovere di diligenza mentre l'oggetto è in sua custodia. Anche
se non esiste alcun contratto o accordo, il mutuatario ha il dovere di diligenza e deve garantire. Che
non si verifichino danni, perdite o danni, come esposizione dannosa alla luce, al calore o all'umidità,
manipolazione imprudente o metodi o materiali di visualizzazione inadeguati. Se un mutuatario
accetta determinate condizioni, è legalmente obbligato a rispettarle. Il mutuatario è tenuto a
restituire l'oggetto al termine del periodo di prestito e nelle stesse condizioni in cui lo ha ricevuto.

EXHIBITION PLANNING (pg. 97)

Le mostre sono il risultato materiale della combinazione di tante competenze diverse.
e molta conoscenza, competenza ed esperienza, insieme al gusto e persino alla sensibilità. Per
raggiungere questo obiettivo sarà necessaria la partecipazione di diversi specialisti, ma non
necessariamente fin dall'inizio. È consigliabile iniziare l'attività di pianificazione con un gruppo di
lavoro di base o centrale che includa il curatore o i curatori specializzati, il progettista, il
conservatore e il responsabile didattico. All'interno di questo piccolo gruppo, un coordinatore verrà
assegnato come Exhibition Project Manager. In questa fase iniziale, i compiti verranno assegnati a
ciascun membro in base alle sue competenze.

Lo scopo del team di pianificazione dovrebbe essere quello di produrre un documento scritto (il
brief di pianificazione o di mostra) che definisca gli obiettivi e gli scopi della mostra, il concetto, il
pubblico target, il gruppo di lavoro e il metodo di lavoro, i risultati dello studio di fattibilità, la
descrizione del processo di pianificazione, i tempi e progetto di bilancio.

Una volta concordato il brief della mostra, i membri appropriati del team passano allo sviluppo dei
dettagli del concetto, in particolare degli oggetti, dei dati e delle informazioni proposti che saranno
presentati in una mostra. Ciò comporterà probabilmente alcune ricerche specifiche da parte dei
curatori per aggiornare la conoscenza e l'interpretazione delle collezioni e dei temi da includere.
È estremamente importante sottolineare la considerazione di tre elementi vitali nella fase
successiva: il processo di progettazione. Il primo è l’importanza della conservazione preventiva. La
presenza del conservatore specializzato durante l'intero processo di progettazione, consigliando da
vicino progettisti e preparatori, è essenziale per una mostra di vero successo.

In secondo luogo, non possiamo mai sopravvalutare i requisiti di sicurezza e conservazione degli
oggetti esposti e durante il trasporto verso l’esposizione, sia che si trovi a pochi metri dal deposito
del museo alla vetrina, o dall’altra parte del mondo nel caso di un oggetto importante. preso in
prestito per un'importante mostra temporanea. La terza è la necessità di tenere conto, in fase di
progettazione, della futura manutenzione della mostra, ricordando che le aree di circolazione e di
sosta devono essere pulite così come le vetrine.

Infine, sono i processi di produzione o fabbricazione dei diversi elementi, o materiali di produzione,
che alla fine creano una mostra. Queste possono essere suddivise in opere edili e produzioni
specializzate. La prima copre attività come lavori di muratura e muratura, lavori di intonacatura,
installazioni elettriche di base, video e audio, ecc., mentre la seconda comprende lavori più
specializzati come grafica, ricostruzioni, modellismo, opere d'arte, ecc.

Una volta completati tutti i lavori di costruzione, il cablaggio elettrico, la decorazione, il fissaggio
delle pareti, della piattaforma a pavimento e dei pannelli e l'assemblaggio delle vetrine fisse,
vengono posizionate le vetrine autoportanti, i mobili a parete e le strutture espositive. Infine, il
curatore, il conservatore, lo specialista in formazione, il designer e qualsiasi altro specialista, e
solitamente anche il direttore, esaminano l'esposizione o la mostra e approvano il risultato finale.