N° 344 | MENSILE - SETTEMBRE 2020 | PRIMA IMMISSIONE 28/08/2020 | EURO 7,00

BLUES PILLS BOB MOULD ENNIO MORRICONE DEPECHE MODE YO LA TENGO

MANA GUIDED BY VOICES SIR LORD BALTIMORE ADDICT AMEBA LAZY EYES

TERRITORI LONDINESI RETROPOLIS OLTRE 300 RECENSIONI

BLUMBERG, FLYNN INDIE USA ‘95 TRA DISCHI, LIBRI, FILM
& HENSON SERIE E FUMETTI

IDLES
IL SUONO DELLA NUOVA INGHILTERRA

TUTTA LA MUSICA DI CUI HAI BISOGNO

POSTE ITALIANE SPA - SPED. IN A.P. - D.L. 353/2003 (CONV. IN L. 27/02/2004 N.46) ART. 1, COMM A 1, NO / TORINO - ISSN 1591-4062 - N.8 ANNO 2020
The New Album 21 / 8 / 2020
CD / 2LP / Digital
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FIRST ALBUM
IN 35 YEARS
FEATURING
THE ORIGINAL
4 MEMBERS

AVAILABLE
AUGUST 21ST
 EDI TOR I ALE
FINE DELLA LETTERA Q
DI ROSSANO LO MELE
25 anni or sono, un quarto di secolo esatto fa, ai
primi di settembre del 1995, accadde qualcosa di
rilevante alla musica. Alcuni fra i più importanti
musicisti inglesi dell’epoca (e di un passato poi tra-
ghettatosi nel futuro) si recarono in 20 diversi studi
di registrazione. Lo scopo era quello di incidere un
album benefico a favore dei ragazzi bosniaci vittima
della guerra che da tempo stava imperversando. Il
massacro di Srebrenica si era appena consumato e
la popolazione locale era evidentemente allo stremo.
Da qui l’idea di Tony Crean, boss della Go! Discs. Al
risveglio dopo un’influenza micidiale si rende conto
di cosa sta accadendo in Europa e decide di fare qual-
cosa. Allora gli viene in mente un evento discografico
fuori dall’ordinario: anni prima i giamaicani Toots &
The Maytals avevano registrato un concerto tenuto il
sabato trasformandolo in un disco sugli scaffali già il
lunedì successivo. Per puro caso entra in contatto con
il PR responsabile di quel progetto, così Crean si con-
vince: registrare un album collettivo e benefico in un
giorno e renderlo disponibile entro una settimana.
Comincia il giro di telefonate e, benché tutti gli amici
lo sconsiglino (non ce la farai mai, i dischi benefit
sono album di rara bruttezza etc.) Crean mette a
fuoco prima di tutto un elemento: la cronaca mu-
sicale in quei mesi parlava solo della (presunta)
rivalità tra Blur e Oasis. Quindi, se lui fosse riuscito
a includere sullo stesso supporto entrambe le band,
forse la cronaca e il pubblico si sarebbero interessati
al progetto. Un grafico di MTV butta giù il logo della
compilation in un pub di Camden, nel frattempo
Crean accende la radio, da cui proviene Come To-
gether dei Beatles. Decide allora di telefonare a Paul
Weller per dirgli: se chiamassimo Come Together
la raccolta, che ne diresti di incidere una cover del
pezzo insieme a Paul McCartney? Lo yes di Weller
dura quanto una quaresima, e quest’ultimo aggiunge:
ma solo se ci riporti ad Abbey Road! Più tardi Weller
confesserà di averla sparata grossa e di aver detto di
sì solo perché si trattava del suo sogno più irrealiz-
zabile e desiderato da ragazzino, da fan dei Beatles,
pienamente conscio del fatto che Macca non avrebbe
mai acconsentito.
Il reclutamento continua e Crean racconta l’idea a
Geoff Barrow dei Portishead. Barrow gli spiega che
la band ha un pezzo (Mourning Air) inciso per la
colonna sonora di Strange Days di Kathryn Bigelow.
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Il loro invio implica il consenso alla pubblicazione da parte dell’autore. È vietata la riproduzione anche parziale di testi, documenti e fotografie.
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L’editore dichiara di aver ottenuto l’autorizzazione alla pubblicazione dei dati riportati nella rivista.
Un provino, in pratica. Mai portato a termine perché
la produzione del film - senza avvertirli - aveva chiesto
la stessa cosa agli Skunk Anansie. Fu proprio il brano
di Skin e compagnia a essere scelto e incluso nella pel-
licola. Così, con quello “scarto”, i Portishead decisero
di aderire alla compilation, forzando la loro creatività:
solitamente lenti come tartarughe, i tre di Bristol riu-
scirono in un solo giorno a trasformare quel provino
in un pezzo fatto, finito, prodotto e mixato. Convincere
band dalla spiccata coscienza politica come Massive
Attack e Manic Street Preachers non fu certo difficile,
così come coinvolgere gente all’epoca già famosa come
Charlatans e Suede; oppure future icone della musica
rock planetaria come i Radiohead, anagraficamente fi-
glie del Live Aid quindi sensibili a progetti del genere.
Ma i Blur? Gli Oasis? E soprattutto, Macca? Misero da
parte le differenze di ogni tipo (per l’unica volta nella
loro vita, specifica Noel Gallagher) e abbracciarono
l’idea. Così i Blur parteciparono per conto loro, men-
tre Noel e Weller crearono una super band chiamata
The Smokin’ Mojo Filters. In quel gruppo al basso c’è
McCartney. Abbey Road: Il giorno della registrazione,
dato il nervosismo, Weller si ferisce da solo una mano.
Gallagher gli passa una chitarra e in quel momento
Weller si rende conto di non aver mai suonato Come
Together. Veloce ripasso su accordi e tonalità. Il brano
viene inciso e l’antologia è pronta per andare in stam-
pa. Si chiama però The Help Album e non Come To-
gether. Con 70mila copie smerciate in un solo giorno
rimane il benefit più venduto della storia britannica,
forte di circa un milione e mezzo di euro raccolti per
la causa, ossia aiutare le famiglie bosniache colpite
dalla guerra. Brian Eno, Chemical Brothers, Stone
Roses e Sinead O’Connor sono solo alcuni fra i tanti
nomi coinvolti. Ma il ricordo di tutta questa storia
non esisterebbe se non fosse esistito un mensile chia-
mato “Q”. Nel silenzio dell’estate appena trascorsa ha
cessato le pubblicazioni dopo 34 anni di ininterrotta
esistenza. Tutta la vicenda riassunta sopra l’ha scrit-
ta Dorian Lynskey sul penultimo numero andato in
edicola. Dorian - fra i più bravi scrittori musicali in
circolazione - non farà di certo fatica a trovare una si-
stemazione. Ma noi tutti rimaniamo orfani di un gior-
nale che ha raccontato un mondo musicale – a cavallo
tra cultura pop e indipendente – in un modo unico e
identitario. A livello (icono)grafico e di scrittura. Tra
gli effetti incalcolabili della pandemia c’è stato anche
questo, e ora siamo tutti un po’ più poveri.
 344CO N T E N U T I

26

COV E R S TO R Y

IDLES

26 Idles D I N I C H O L A S D AV I D A LT E A

34 Blues Pills DI M ARIO RUGGERI

40 Territori londinesi D I M AU R O F E N O G L I O

94 Retropolis: American Indie '95 DI DIEGO BALL ANI

 NUMER O 34 4
ANNO 2 9
S ET TEMBR E 2 02 0

DI R ET TOR E R ESPONS ABI LE

Marco De Crescenzo

DI R ET TOR E EDI TOR I ALE

Rossano Lo Mele

COOR DI NAMENTO R EDAZI ONAL E

Alessandro Besselva Averame

R E DA Z I O N E E WE B Nicholas David Altea,

Letizia Bognanni

B LUES PIL LS CONSULENTI ALL A R EDAZI ONE

Maurizio Blatto, Giona A. Nazzaro,
P. 3 4 Claudio Sorge, Giorgio Valletta

R UBR I CH E Alessandro Baronciani, Carlo

Bordone, Luca Doldi, Francesco Farabegoli,
Luca Frazzi, Sergio Messina, Marco Pecorari,
Andrea Pomini, Barbara Santi

COLL ABOR ATOR I

Davide Agazzi, Diego Ballani, Antonio
Belmonte, Paolo Bogo, Claudia Bonadonna,
Antonio Briozzo, Arturo Compagnoni, Matteo
Da Fermo, Stefano D'Elia, Stefano Fanti,
Mauro Fenoglio, Paolo Ferrari, Daniele
Ferriero, Manuel Graziani, Luca Gricinella,
Stefano Morelli, Andrea Prevignano, Fernando
Rennis, Mario Ruggeri, Gianluca Runza, Fabio
Striani, Doriana Tozzi, Andrea Valentini,
Francesco Vignani

DI R ET TOR E AR TI STI CO Stefano Manzi

PR OG ET TO G R AF I CO
E I MPAG I NAZI ONE Sericraft Lab snc

ET H A N P. F LYN N F OTOG R AF I Stefano “Star Fooker” Brambilla,

Francesca Sara Cauli, Luigi De Palma
P. 4 8
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Brezzo di Bedero (VA)
5 Editoriale 88 Flashback
Pubblicità a carattere musicale
8 News 89 Retropolis direttamente presso l’editore
14 Privé 104 Che fine hai fatto? Autorizzazione del tribunale di Torino n. 21
18 My Tunes 105 Gente Sola del 25/07/2013
ISCRIZIONE AL ROC N° 23733
20 Futura (Ma Non Troppo)
Questo periodico è associato
CONTEN ITOR I 55 Recensioni 106 Visioni all’Unione Stampa Periodica Italiana

56 Disco Del Mese 110 Letture Finito di stampare nel mese di Agosto 2020
78 Treecolore 112 Fumetti
80 Radici 113 Poster-i
82 In Italia 114 Banda Larga
86 Singolare
K AT E T E M P E S T S WA N S E N N I O M O R R I C O N E S O N G H OY B LU E S P E T E R G R E E N

A CU RA DELL A RE DA Z I ONE S ET T EMBRE 2020 @ ru m o re m a ga z i n e

SWANS BRIAN ENO SUN RA ARKESTRA THE BL ACK MADONNA KING TUBBY

INDICE: NEWS p. 08 — FACCIAMO I CONTI p.09 — SOCIAL p.10 — IN ARRIVO p.10

I DIARI DI ENO

Nuova edizione, in occasione

del venticinquennale, per A
Year With Swollen Appen-
dices (pubblicato in Italia
da Giunti col titolo di Futuri
Impensabili) di Brian Eno. Il
libro, pubblicato originaria-
mente nel 1996, mette insie-
me diari e saggi risalenti al
biennio precedente. La nuova
edizione, pubblicata da Faber
And Faber in Gran Bretagna
il prossimo 9 febbraio, con-
terrà una nuova introduzione
dell’autore. La grafica della
ristampa riprende il diario
originale utilizzato da Eno.

LA NEW YORK DI LOU REED

Trattamento deluxe per New
York di Lou Reed. Lo storico
album del 1989 esce alla fine
del mese su Rhino in versio-
ne 3CD/DVD/2LP. Il disco
non era mai stato rimasteriz-
zato precedentemente, e la
scaletta comprende 26 brani
tra tracce live e registrazioni
inedite in studio. Il DVD
contiene il film concerto – da
tempo fuori catalogo – The
New York Album, registrato
all’epoca al Theatre St. Denis
di Montreal, e, oltre a musi-
ca e immagini. Il box include
un libro con interventi, tra
gli altri, di Laurie Anderson,
Don Fleming e lo scomparso
Hal Willner, oltre a liner
THE BLACK MADONNA E KATE TEMPEST CAMBIANO NOME
on ragioni e modalità
differenti The Black
C Madonna e Kate Tempest
hanno deciso di cambiare
nome. La producer
newyochese, chiamata in
causa da alcuni fan che le chiedevano di
cambiare il nome – considerato offensivo,
un atto di appropriazione culturale -
attraverso una petizione online, ha deciso
che d’ora in avanti firmerà i suoi lavori con
lo pseudonimo di The Blessed Madonna.
L’artista britannica, invece, ha annunciato
che d’ora in poi utilizzerà lo pseudonimo
di Kae Tempest, dichiarandosi non
binaria (non riconoscendosi né nel genere
femminile né in quello maschile) e dicendo
che d’ora in avanti avrebbe abbandonato
l’uso dei pronomi di genere”she/her”
utilizzando invece “they/them”. In un tweet
ha spiegato dettagliatamente la scelta: “È
una parola dell’antico inglese che indica
la ghiandaia, uccello associato ai concetti
di comunicazione, curiosità, adattamento
e CORAGGIO, che è il nome del gioco in
questo momento”.

8 | RUMOREMAG.COM
 notes a cura dello specialista
David Fricke.
FACCIAMO I CONTI
LIBRO SU ROBERT WYATT
E ALFREDA BENGE

2
SETTIMANE: QUELLE TRASCORSE DA UNA
GIOVANE L AURA MARLING AGLI STUDI Side By Side è il titolo del
DELLA REAL WORLD CAMBIARONO PER libro illustrato incentrato
SEMPRE LA SUA PERCEZIONE DELLA sulla collaborazione arti-
MUSICA stica tra Robert Wyatt e la
compagna – di vita e musica
- Alfreda Benge, coautrice

40
ANNI DI R.E.M., E PER CELEBRARLI di molti testi del musicista
MICHAEL STIPE VORREBBE FARE britannico fin dagli anni 80,
QUALCOSA DI SIMILE A QUEL CHE HA oltre che responsabile di
FAT TO PAT TI SMITH PER I 40 ANNI DI tutti i suoi artwork fin dall’e-
HORSES pocale Rock Bottom (1974).
Il libro comprende testi, po-
esie, scritti e illustrazioni, e

80
una prefazione a cura di Jar-
%: LA PERCENTUALE DELLA MUSICA vis Cocker. In concomitanza
REGISTRATA DAI KHRUANGBIN INCISA con l’uscita, Domino ristam-
ALL A TERZA MASSIMO QUARTA TAKE IN pa l’intero catalogo del mu-
STUDIO sicista su vinile, inclusa - per
la prima volta disponibile in
questo formato - l’antologia
His Greatest Misses.

7
I MUSICISTI NELL A FORMAZIONE AT TUALE
DEI FL AMING LIPS: WAYNE COYNE LA BIOGRAFIA DI KING TUBBY
VUOLE CHE LA BAND CAMBI SEMPRE
C O M P O N E N T I , E V O LV E N D O S I
Pubblicata originariamente
in lingua francese lo scor-

3
so anno, autore Thibault
Ehrengardt, la biografia di
ALBUM SOLISTI SONO NECESSARI, SECONDO
uno dei maestri riconosciuti
R O B E R T F R I P P, A F F I N C H É U N A R T I S T A T R O V I
del dub giamaicano, King
L A S U A V E R A I D E N T I TÀ
Tubby (all’anagrafe Osbourne
Ruddock), The Dub Master è
stata ora tradotta in inglese
da Dread Editions. Il libro

20
MINUTI PER AT TRAVERSARE UNA STRADA ripercorre la vicenda del leg-
DESERTA: QUESTI GLI EFFET TI DELL'ASSUN- gendario ingegnere del suono,
ZIONE DI ACIDI SU PETER GABRIEL L'UNICA dalle origini nel quartiere
VO LTA C H E L I P R E S E di Waterhouse, a Kingston,
passando per i seminali dischi
registrati nel suo Waterhouse
Studio, fino alla tragica morte

12
(per omicidio) del 1989. Re-
ANNI: A QUELL'ETÀ PHOEBE BRIDGERS alizzata con il beneplacito
SCOPRÌ LA MUSICA DI JACKSON BROWNE. della figlia, Arleen Ruddock,
E OGGI NON RIESCE A CAPACITARSI DI il libro ha tuttavia incontrato
ESSERE DIVENTATA SUA AMICA parecchie difficoltà sulla sua
strada, tra cui richieste di de-
naro per rilasciare interviste e

110
il rifiuto da parte della polizia
locale di collaborare alla rico-
CONCERTI NEL SOLO 2018: QUESTO IL
struzione della tragica scom-
RIASSUNTO LIVE DEI ROLLING BL ACKOUTS
COASTAL FEVER DOPO L'ESORDIO parsa di Ruddock.

IL RITORNO DELLA
SUN RA ARKESTRA

RUMORE È DISPONIBLE OGNI MESE ANCHE IN VERSIONE DIGITALE

SCARICA SUBITO LA NOSTRA APP! La Sun Ra Arkestra, guidata

DISPONIBILE PER SMARTPHONE E TABLET APPLE E ANDROID dal novantaseienne(!) Mar-
shall Allen, torna con un nuovo

RUMOREMAG.COM | 9
N E W S! S E T T E M BR E 2 02 0

album dopo 20 anni (e a più

di 27 anni dalla scomparsa del
suo leggendario fondatore).
RUMORE PER IL SOCIAL
Previsto per ottobre, Swirling SF O G H I, CO N FE S S IO N I E CA Z Z EGGI CAT TUR ATI IN RE TE
uscirà con il marchio della sta-
tunitense Strut e conterrà una
rilettura di Seductive Fantasy,
brano comparso in origine su
On Jupiter, album dell’Arke- ALTRI TEMPI
stra del 1979. Per questa nuova
versione il canadese Chad Van- EVERETT ‘Don’t Worry About The Government’ sang
gaalen (oltre che artista visua- T R U E Talking Heads in 1977. Fuckers
le, musicista con una corposa @ E V E R E T T T R U E
discografia su Sub Pop) ha rea- (‘Non preoccupatevi del governo’ cantavano i Talking
lizzato un video animato. Heads nel 1977. Coglioni)

ALTRI LUTTI

Denise Johnson (1963-2020),

la cui voce è un ingrediente
fondamentale di Screamade- BALOCCHI E PROFUMI
lica dei Primal Scream (e pro-
tagonista assoluta nella cover My Dad got me the Tori album. I read about
di Slip Inside This House PERFUME Liz In a Spin magazine I stole from the grocery
dei 13th Floor Elevator, ad G E N I U S store...those two things changed everything
esempio), attivissima pure, @PERFUMEGENIUS
in quegli stessi anni, nella (Mio Papà mi prese l’album di Tori [Amos, ndr]. Lessi
scena acid house; Matteo Gi- di Liz [Phair, ndr] in un numero di Spin che rubai in un
vone, musicista torinese assai alimentari… queste due cose cambiarono tutto)
attivo nella scena cittadina
e cantante tra gli altri dei
Maniaxxx; Hux Brown della
band reggae Toots And The
Maytails; Tom Finn dei ba-
roque pop Left Banke; Vera
Lynn (1917-2020), immorta-
lata da Roger Waters in Vera, IN ARRIVO
su The Wall dei Pink Floyd;
Mr. Chi Pig, vero nome Ken
Chinn (1962-2020), cantante
del gruppo harcore canadese
SNFU; Malik B. (1972-2020),
rapper cofondatore dei Roots,
in formazione fino al 1999 e
poi collaboratore sporadico;
SONGHOY BLUES
Balla Sidibé, cantante della
senegalese Orchestra Baobab;
Jan Savage, chitarrista dei
OPTIMISME
TRANSGRESSIVE
garage rockers Seeds.

ERRATA N. 342/343
Nel servizio sui Beastie Boys
a cura di Luca Gricinella, ad
un certo punto per una svista
durante la revisione del testo
il trio newyorchese è diventato
un quartetto.
Nella recensione del nuovo
album di Jessy Lanza, All The
Time, autore Giorgio Valletta,
il collaboratore della musici-
sta cui si fa riferimento non è
l’inesistente Jeremy Hamilton
bensì Jeremy Greenspan dei
Junior Boys.
Il terzo album della più rock tra le formazioni maliane di ultima generazione è stato prodotto
da Matt Sweeney (Chavez, Stephen Malkmus, Bonnie Prince Billy) e registrato e mixato da
Daniel Schlett (The War On Drugs, Modest Mouse) a Brooklyn. Uscita anticipata dal singolo
Badala, titolo che in lingua Songhai si traduce all’incirca con “non me ne importa nulla”:
canzone, accompagnata da videoclip con sottotitoli multilingue, scritta dalla prospettiva di
una donna che si libera dell’oppressione maschile, tema attualissimo – non il solo – in un
Mali ancora diviso e con il nord del paese in mano agli islamisti. La sintonia con Sweeney,
affermano, è stata decisiva per la riuscita del lavoro: “Ci ha detto, ‘dobbiamo fare un vero
album dei Songhoy Blues. Sul palco la vostra energia è pazzesca. Perché non la mettete tutta
nelle canzoni?”
SO N G H OYB LUES.CO M T RA NG RE S S IV E RE C O RD S .C O M
FUORI IL 23 OT TOBRE 2020

10 | RUMOREMAG.COM
 IN USCITA

CHE SUCCEDE?
Jonsi Shiver (2 ottobre)
Matt Berninger Serpen-
S W A N S ...another great work I somehow managed to
tine Prison (2 ottobre)
@SWANSOFFICIAL never experience fully through the years (though
Crippled Black Phoenix
of course heard some of the songs floating on the
Ellengæst (9 ottobre) Dead
air). Bought the album (What's Going On) a few
Famous People Harry (9
days ago and listened while doing some work
ottobre) METZ Atlas Ven-
around the house. Unbelievably beautiful.
ding (9 ottobre) Touché
Amoré Lament (9 ottobre)
(… un’altra grande opera che per un o motivo o per
l’altro non sono mai riuscito a godermi pienamente nel Beabadoobee Fake It
corso degli anni [anche se ovviamente o sentito alcune Flowers (16 ottobre) FUZZ
delle canzoni fluttuare nell’aria]. Ho comprato l’album III (23 ottobre) Pallbearer
[What’s Going On] pochi giorni fa e l’ho ascoltato mentre Forgotten Days (23 ottobre)
facevo dei lavori in casa. Incredibilmente bello) Laura Veirs My Echo (23
ottobre) The Specials Dubs
(24 ottobre)

r u mo remag r u more m a ga z i n e

ASCOLTA
QUESTO
NUMERO SU
SPOTIFY

ROCK THE MOUNTAIN! - LA MOSTRA
urata dal nostro Paolo
Ferrari e da Daniela
C Berta, la mostra Rock The
Mountain! (sottotitolo: “la
montagna nell’iconografia
della musica pop”) si
svolgerà dal 17 settembre al 17 gennaio
2021 presso il Museo Della Montagna di
Torino e in seguito al Palazzo Roccabruna
di Trento, nei mesi di aprile e maggio del
prossimo anno. Si racconta la presenza
del paesaggio montano nell’iconografia
musicale – “oggetto di un progetto di
acquisizione, studio, catalogazione e
L'ESPERIENZA
DI RUMORE
SI AMPLIFICA
OGNI MESE UNA NUOVA
digitalizzazione” da parte dello stesso
PLAYLIST DEDICATA
museo torinese – a partire dalle copertine
AL NUMERO IN USCITA
(dai Deep Purple di Deep Purple In Rock,
coi volti della band incastonati nel Monte PER VIVERE IL MAGAZINE
Rushmore, a Felt Mountain di Goldfrapp) e IN MANIERA TUTTA NUOVA
dai poster (il Cervino, utilizzato dai Rolling
Stones nel 1976 per il manifesto del loro
tour di quell’anno), allargando lo sguardo
alle variazioni, nel corso del tempo, delle
“strategie comunicative dell’industria
musicale”. I materiali della mostra coprono
gli ultimi 50 anni, con una attenzione
particolare riservata ai ‘70.
ru m o re m a ga z ine

RUMOREMAG.COM | 11
R.I.P. S E T T E M B R E 2 02 0

ENNIO MORRICONE
Difficile raccontare il musicista italiano più influente degli ultimi 70 anni nello
spazio di una rubrica. Cronologicamente parlando, Morricone è stato dapprima un
arrangiatore inventivo nell’ambito della nostra canzone pop, riuscendo a inserire in
pezzi come Il Barattolo di Gianni Meccia o Sapore Di Sale di Gino Paoli intuizioni
avanguardistiche mai a discapito di un tocco pop che ha pochi egiali. È stato autore
di canzoni innovative (Se Telefonando di Mina, geniale, immortale canzone senza
ritornello). Si è inventato un inimitabile e meticoloso approccio alla musica da film,
modernissimo contrappunto alle immagini, a partire dall’invenzione, con Sergio
Leone, di un immaginario spaghetti western antieroico e originalissimo, che gli re-
galerà l’immortalità nonostante si tratti, di fatto, della punta di un iceberg. Si è poi
misurato, nella trilogia gialla di Dario Argento ad esempio, in un linguaggio speri-
mentale, tagliente e nevrotico emotivamente efficacissimo, mettendo insieme mood
music classica contemporanea senza compromessi. È stato anche trombettista – e
teorico, e animatore - del Gruppo Di Improvvisazione Nuova Consonanza, uno dei
progetti più radicali della musica improvvisativa del secondo Novecento, autore tra
le altre cose di The Feed-back, geniale album ahimé totalmente invisibile all’epoca
che cercava di portare quel discorso in ambiti rock avanzati. Ha scritto oltre 500
scores, arrivando solo a fine carriera a un meritatissimo Oscar - grazie alla tenacia
dell’uberfan Quentin Tarantino – per The Hateful Eight. Ma influenzando, lungo
la strada, pressoché chiunque, da Mike Patton a Mark Knopfler, dai Tuxedomoon
a Stan Ridgway, intere scene e discendenze musicali che il Maestro diceva senza
(192 8-2 02 0) troppi fronzoli di non avere mai sentito, da buon artigiano meticoloso impegnato a
pensare, scrivere, arrangiare e registrare musica ventiquattro ore su ventiquattro.

JUDY DYBLE
Judy Dyble era entrata nei Fairport Convention alla fine del 1966: Ashley Hutchin-
gs, Richard Thompson e Simon Nicol, che suonavano in varie jug bands, cercavano
una cantante per il loro nuovo gruppo. Con la band londinese la Dyble aveva regi-
strato il primo album omonimo, ancora legato a un repertorio folk rock di matrice
americana. Dopo essere stata “scaricata senza troppe cerimonie” dal gruppo, aveva
preso parte alle session di The Hangman’s Beautiful Daughter della Incredible
String Band e poi era stata coinvolta dall’allora fidanzato Michael McDonald in una
tarda formazione del trio Giles, Giles & Fripp che di lì a poco sarebbe sfociata nei
King Crimson: a testimonianza di quel passaggio, una prima versione di I Talk To
The Wind poi riemersa ufficialmente anni dopo. Nel 1973, dopo una parentesi coi
Trader Horne, aveva definitivamente abbandonato la musica, per poi ritornarci
(1949-2 02 0) sporadicamente nei decenni successivi. Nel 2015 aveva pubblicato la sua autobio-
grafia, An Accidental Musician, scritta insieme a David Thompson.

VERN RUMSEY
Bassista degli Unwound, uno dei più originali gruppi post hardcore degli anni 90,
Rumsey aveva fondato la band nel 1991 a Olympia, nello Stato di Washington,
insieme a Justin Trosper (chitarra e voce) e al batterista Brandt Sandeno (poi
rimpiazzato da Sara Lund l’anno successivo), tutti e tre già nei Giant Henry. Atti-
vo anche come ingegnere del suono, Rumsay aveva suonato il basso su Fake Can
Be Just As Good, terzo album dei Blonde Redhead pubblicato nel 1997, e dopo lo
scioglimento degli Unwound, avvenuto nel 2002 a seguito della pubblicazione del
doppio Leaves Turn Inside You, aveva preso parte a vari progetti, tra cui Long
Hind Legs, Oslo, Fits Of Depression e Flora V. Fauna, oltre a esibirsi da solo come
Red Rumsey. Alcuni mesi fa era stata annunciata la nascita degli Household Gods,
progetto in cui il musicista era affiancato da David Pajo, Conan Neutron e Lauren
(197 3 -2 02 0) K. Newman, il cui esordio, Palace Intrigue, uscito a giugno, era stato registrato da
Dave Catching al Rancho De La Luna.

12 | RUMOREMAG.COM
 PETER GREEN
Peter Green ha avuto due vite artistiche, o meglio tre. La prima come giovane, talen-
tuoso protagonista della scena rock blues britannica, a partire dalla sostituzione del
dimissionario Eric Clapton nei Bluesbreakers di John Mayall per alcuni concerti nel
1965, entrando in pianta stabile nella band dall’anno successivo. Su A Hard Road
(1967) ci sono due composizioni, tra cui lo strumentale (formato molto amato dal
chitarrista) The Supernatural, ma già nel 1968 l’esigenza di mettersi in proprio si
fa pressante, e nascono così i Fleetwood Mac, con l’ex batterista dei Bluesbreakers,
Mick Fleetwood, Jeremy Spencer e il bassista John McVie. Se il repertorio è inizial-
mente impostato sulle cover, Green diventa ben presto songwriter di talento, scriven-
do brani come lo strumentale Albatross, Black Magic Woman (poi ripresa da San-
tana), Oh Well e Man Of The World. La seconda vita coincide con una profonda crisi
personale, spirituale e psichica, il punto di non ritorno nel 1970: il classico acido di
troppo e l’abbandono della band. A quello stesso anno risalgono le session free form
poi pubblicate con il titolo di The End Of The Game, uno dei grandi classici eccentrici
del rock britannico (e non solo), il cui status di culto è rimasto inalterato nei decenni.
Dopo anni turbolenti di attività sporadica e precarietà extramusicale, durante i quali
gli viene anche diagnosticata una forma di schizofrenia, e viene sottoposto a sedute
di elettroshock, all’alba del nuovo decennio ritorna lentamente in attività, fino a fon-
dare, negli anni 90, il Peter Green Splinter Group con Nigel Watson e Cozy Powell.
Negli anni 2000 si vocifera di una reunion dei Fleetwood Mac originari, ma non se ne
(194 6-2 02 0) fa nulla, e nel 2009 Green, che in quello stesso anno aveva ripreso a esibirsi, è stato il
protagonista di un un documentario di BBC 4, Man Of The World.

EMITT RHODES
Dopo essersi fatto le ossa nell’adolescenza con i Palace Guard e con gli psichedelici
Merry-Go-Round, allo scioglimento di questi ultimi, nel 1969, Rhodes incideva in
proprio nel garage dei genitori adattato a home studio, suonando tutti gli strumen-
ti, l’esordio solista omonimo, un successo di critica invisibile al grande pubblico
proprio come i due successivi. Un terzetto di lavori all’insegna di un power pop
DIY, secondo il “Los Angeles Times” “un mix di innocenza alla Harry Nilsson e in-
trospezione casalinga alla Paul McCartney”, a seguito dei quali l’artista si ritirerà
dalle scene, riemergendo nella colonna sonora dei Tenenbaum e riprendendo ina-
spettatamente il filo del discorso nel 2016, con la pubblicazione di Rainbow Ends,
disco che radunava alcuni suoi fan tra cui Nels Cline, Jon Brion, Susanna Hoffs e
(195 0 -2 020) Aimee Mann. Dopo l’uscita, aveva cancellato ogni impegno promozionale e concer-
to, preferendo restare nei sobborghi losangelini in cui era vissuto per 65 anni.

TIM SMITH
Dei Cardiacs, nati nel 1981 dalle ceneri dei Cardiac Arrest (autori del singolo A Bus
For A Bus On A Bus, 1979, e dell’album The Obvious Identity), Smith è stato leader
e cantante, la mente principale dietro all’originalissima formula proposta dalla band
britannica. Caso unico, probabilmente, di coesistenza tra radici, pratica e velocità
punk da un lato e passione per progressioni armoniche insolite, tempi dispari e
strutture allargate dall’altro. Una formula da qualcuno identificata con l’espressione
“pronk” (“prog+punk”), poco amata dal gruppo. La furia creativa della band – e di
Smith, anche produttore e autore di videoclip - si allargava a una famiglia di progetti
paralleli altrettanto eclettica. Nel 2008 un infarto, con conseguenti danni neurologi-
ci, lo aveva confinato su una sedia a rotelle, e nell’ultimo decennio una serie di pro-
(1961-2 02 0) getti musicali avevano contribuito a sostenerne le spese mediche. Nel 2018 il Royal
Conservatoire Of Scotland gli aveva conferito una laurea ad honorem.

RUMOREMAG.COM | 13

PRIVÈ / PANZANE VARG VIKERNES
Varg Vikernes
Da tifosi assoluti del maccosa
abbiamo accolto con entusiasmo
il tweet con cui, il giorno 24
luglio dell’anno corrente, Varg
Vikernes postava una foto
di Salvatore Aranzulla per
dimostrare che gli appartenenti
alla razza italica avevano figliato
troppo, e per troppo tempo, con
i loro schiavi ebrei. O qualcosa
del genere, starò sicuramente
fraintendendo. Maccosa
(sostantivo maschile): il momento
in cui una concatenazione
irragionevole degli eventi,
avvenuta quasi completamente
sottotraccia, si rivela in un singolo
episodio la cui assurdità sembra
completamente inspiegabile. Nella
mia interpretazione personale,
il maccosa è il principale veicolo
attuale dello spiritus mundi, la
cerniera con cui tutto confluisce in
tutto il resto.
Piccolo recap: Varg Vikernes
14 | RUMOREMAG.COM
PANZANE
(nome scelto tra una decina
di pseudonimi disponibili) è
probabilmente il più famoso
musicista metal in attività, l’unica
persona il cui nome è conosciuto
anche da chi non ha mai ascoltato
una nota di metal estremo. Attivo
dai primissimi anni 90 con una
one man band chiamata Burzum,
con cui ha pubblicato alcuni dei
più clamorosi capolavori della
storia del black metal, deve la sua
fama alle vicende extramusicali:
condannato a 20 anni di carcere
per aver ucciso Øystein Aarseth
(Euronymous), sospettato di
essere l’autore di alcuni roghi di
chiese in Norvegia, estremista di
destra conclamato, protagonista
di innumerevoli opere di finzione
e non (biografie, documentari,
oral history, biopic). Da dieci
anni circa è uscito di galera, si è
trasferito in Francia e continua
a pubblicare dischi: uno all’anno
nel primo lustro, poi una pausa
riflessiva, l’ultimo album a
suo nome si chiama Thulêan
Mysteries, è uscito qualche
mese fa e certifica l’evoluzione
dark ambient a cui sembra
essersi dedicato anima e corpo
dopo Umskiptar. Un dischetto.
Salvatore Aranzulla è il più famoso
divulgatore tech della storia
italiana, proprietario di un impero
economico costruito su un sito che
spiega come risolvere i problemi
che si possono incontrare
usando un computer (da cose
TESTO DI
F RANCES CO FARAB EG O LI
stupide a cose più complesse).
Un incontro tra i due sarebbe
stato inconcepibile in qualunque
realtà parallela alla nostra. E nel
mondo in cui viviamo? Comunque
difficile. Lo sveltimento dei format
comunicativi ha fatto sì che Varg
Vikernes mollasse almeno in
parte i deliranti proclama di 20
pagine che pubblicava sul suo
sito e iniziasse a twittare, mentre
contemporaneamente Aranzulla
smetteva di essere un indirizzo
Internet e si trasformava in una
specie di sciamanico influencer
d’alto bordo di area tech business,
con pesanti risvolti memetici.
In qualche modo uno è finito
nell’orbita dell’altro: il fatto che
qualche giorno prima Vikernes
avesse postato la foto di Salvini
dandogli del mediorientale fa
supporre che abbia tirato giù le
foto da qualche lista dei 100 most
influential Italians in 2020 e le
tenga pronte per trollare di tanto
in tanto. Il tutto immerso in un
contesto comunicativo che era
impossibile raccontare dieci anni
fa e sarà impossibile raccontare
tra dieci anni. A guardarci di
fino: un’opera di random art
abbacinante.

PRIVÈ / BLOG'N'ROLL MASTER EK
Master Ek
Probabile che al ritorno
dalle vacanze ci saremo già
tutti dimenticati dell'ultimo
dibattito sul futuro della musica,
provocato dall'esternazione del
tycoon che il futuro della musica
sta provando a ipotecarlo. Chissà,
nel frattempo, quale altra perla
di saggezza avveniristica ci avrà
regalato Daniel Ek, l'equivalente
da Alta Fedeltà (se ci fate caso
fisicamente ricorda un po' Dick,
il commesso pelato della versione
cinematografica) di Jeff Bezos
o Elon Musk. Con la consueta
grazia smart-capitalistica da
King Kong in un negozio di
porcellane, il multimiliardario
svedese creatore di Spotify ha
strigliato quei fancazzisti dei
musicisti rimasti legati a un
“vecchio modello di produzione”.
Tipo, azzardiamo, quello per cui
vieni pagato per la musica che
crei e diffondi. Ma anche quello
in cui non puoi più permetterti
BLOG'N'ROLL
di stare due o tre anni su un
album, che tanto comunque chi li
ascolta più gli “album”: la gente
vuole canzoni, vuole playlist a
getto continuo, vuole il mixtape a
sorpresa con il video, il giochino,
il remix, la versione in spagnolo
e quella in thailandese, la story
su Instagram e il balletto su
TikTok. Insomma, cari artisti
pieni di pretese: a la-vo-ra-
re! Le risposte dei musicisti,
generalmente con parole di
quattro lettere all'indirizzo di
Ek, non si sono fatte attendere.
Ma in realtà c'è poco da stupirsi.
Intanto basterebbe conoscere
il personaggio. Appena qualche
giorno prima, nel discorso agli
azionisti di Spotify, aveva chiarito
quale sarà il prossimo step nel
piano di spotifizzazione del
mondo: conquistare il mercato
radiofonico. Che sostanzialmente
significa spazzare via quello
che ancora resiste come reperto
novecentesco. La radio o sarà
in streaming e on demand (su
Spotify, chiaro), o proprio non
sarà. Il tutto sintetizzato in uno
slogan che qualche brivido lo fa
venire, per la violenza concettuale
con cui è espresso: “tutto ciò che
è lineare deve morire”. Proprio
così, parola per parola. Cosa
volete che sia, per uno con questa
visione del mondo, insegnare
a qualche milione di musicisti
come devono fare il loro mestiere
se non vogliono morire di fame?
TESTO DI
CARLO B O RD ON E
Che questa peraltro fosse una
tendenza resa quasi obbligatoria
dal cambiamento delle modalità
di fruizione lo avevamo già notato
in periodo pre Covid persino nel
piccolissimo di questa rubrica.
A rendere tutto più orwelliano,
tuttavia, è il tono, la scelta delle
immagini e della terminologia.
La frase più agghiacciante del
sermone di Ek è “oggi è cambiata
la narrazione”, seguito a ruota da
“i musicisti devono impegnarsi
in un dialogo costante con i
fan”. Narrative, storytelling,
engagement, conversation:
l'odioso vocabolario zuccherato
dello sfruttatore 3.0, concetti
pubblicitari che stanno già
mostrando la corda ma ancora
buoni come bastoni per
tenere le vacche nel recinto.
Incidentalmente, a proposito di
“narrazione”: se l'artista deve
farsi oltre che da ufficio stampa
e PR anche “raccontatore” di se
stesso, noi che la musica in teoria
dovremmo raccontarla che ci
stiamo ancora a fare?
RUMOREMAG.COM | 15

PRIVÈ / ZIGZAG UN GIGANTE
Un gigante
“È stato un gigante sconosciuto
del rock'n'roll”.
Non è farina del mio sacco, è un
messaggio che ho ricevuto da
Claudio Sorge: “Ti prego, scrivi
qualcosa per 'Rumore', dedicagli
la tua rubrica”.
Claudio parla di Marc Zermati. Un
gigante sconosciuto del rock'n'roll,
appunto. Il titolo del mio
“ZigZag” di febbraio era “Morte al
necrologio”: ecco l'occasione per
sfoggiare tutta la mia incoerenza.
La morte, scrivevo, è un fatto
naturale: il rock è vecchio, i suoi
protagonisti pure, succede che
comincino a morire. Su Zermati
però ero sicuro che i “coccodrilli”
non si sarebbero sprecati, avevo
un buon motivo per dirgli “grazie”
e non mi sono fatto pregare.
Marc Zermati, nato ad Algeri
e trasferitosi da adolescente a
Parigi, è morto il 13 giugno all'età
di 75 anni per un attacco di cuore.
16 | RUMOREMAG.COM
ZIGZAG
Questi i fatti. Tra queste poche
righe però c'è un mondo.
C'è uno dei dischi definitivi nella
storia del rock, Metallic K.O.,
cronaca dell'agonizzante addio
degli Stooges a Detroit tra cocci di
bottiglia, eroina, insulti, sfascio
diffuso. Una Bibbia al contrario
uscita quando di Iggy non
importava più niente a nessuno.
Lo dobbiamo a lui.
C'è il primo vero festival punk
europeo in quella location assurda
che è Mont-De-Marsan, sud della
Francia, sabato 21 agosto 1976 (un
mese prima del weekend al 100
Club con Pistols, Clash, Damned e
Buzzcocks che molti considerano
l'inizio di tutto). In cartellone,
ai piedi dei Pirenei, Eddie & The
Hot Rods, Gorillas, Richard Hell,
qualche bel nome della scena
pub rock e i primi pittoreschi
emuli locali di Johnny Rotten. Lo
dobbiamo a Zermati, quel festival.
C'è l'Open Market, nel cuore di
Parigi, mecca per gli amanti del
garage rock quando per il resto
del mondo “rock” erano Eagles e
Fleetwood Mac. Era il suo negozio.
C'è la Skydog, etichetta
indipendente alla quale si
sono ispirati Greg Shaw per
la Bomp! e Jake Riviera per la
Stiff (rispettivamente con uno
e tre anni di ritardo) che nel '73
inaugura il suo catalogo con un
EP della band più fuori moda del
momento, i Flamin' Groovies. Per
TESTO DI
LU CA F RAZ Z I
capirci. Roba sua, la Skydog.
Sua l'organizzazione di tour
francesi ed europei di Clash,
Damned, Doctor Feelgood,
Heartbreakers, Johnny Thunders
e di leggende punk autoctone
come Dogs e Stinky Toys.
Suo tutto questo. Suoi soprattutto
60 anni spesi per difendere
un'idea. Di quanti “non musicisti”
si può dire lo stesso? Penso a John
Peel, Lester Bangs, Greg Shaw,
Nick Kent e pochi altri. Marc
Zermati rientra nell'Olimpo.
Ma chi ha preservato la memoria
degli Stooges quando il mondo
li aveva archiviati senza appello,
chi ha dato l'anima affinché il
pub rock non soffocasse sotto
la dittatura della disco, chi
ha creduto nel punk prima di
chiunque altro, non può essere
liquidato come un “romantico
del rock'n'roll”. Troppo semplice.
Zermati è molto di più. Quando a
metà anni 70 tutto rema contro,
lui che fa? Sale sul carro dei
perdenti e parte per la crociata
più improbabile perché (come
dichiara in una delle sue ultime
interviste) “The teenage scene
needed to wake up”.
Dice bene, Claudio: un gigante.
Oggi, spero, un po' meno
sconosciuto.

PRIVÈ / GLOBO RISEMANTIZZARE
Risemantizzare
È ufficiale: il comune di Roma
ha deciso di intitolare una futura
fermata della linea C della
metropolitana a Giorgio Marincola,
il "Partigiano Nero". Se avete
letto Razza Partigiana di Carlo
Costa e Lorenzo Teodonio, oppure
Timira di Wu Ming 2 e Antar
Mohamed, già conoscete la sua
storia esemplare. Nato in Somalia
da un militare italiano e una donna
locale, riconosciuto dal padre -
una rarità in quell'epoca e in quel
contesto - e cresciuto dagli zii in
Italia, partigiano azionista attivo
nella resistenza romana e quindi,
a capitale liberata, nel biellese.
Catturato nel gennaio 1945, viene
imprigionato dai nazisti a Bolzano,
e quando il carcere viene liberato
il 30 aprile decide di continuare
la lotta in Val Di Fiemme. Lì viene
ucciso quattro giorni dopo da
una colonna delle SS in ritirata,
nell'ultima strage compiuta dai
nazisti in territorio italiano.
GLOBO
Finalmente una bella notizia
insomma. Due belle notizie anzi,
perché il nome previsto per la
stessa fermata era Amba Aradam/
Ipponio, due vie adiacenti. Ipponio
era una colonia greca più o meno
corrispondente all'odierna Vibo
Valentia, e va bene. Ma quell'Amba
Aradam entrato nell'italiano
corrente nella sua storpiatura
ambaradan (a proposito: quando
ne esce?), sappiamo tutti cos'è?
Un altopiano in Etiopia che l'Italia
dovrebbe vergognarsi anche solo
a nominare, non per uno ma per
due motivi. Perché nel 1936 fu
teatro di una vittoria militare a
suon di armi chimiche del glorioso
maresciallo Badoglio, con 20mila
morti etiopi. E perché tre anni
dopo nelle sue grotte si rifugiarono
numerosi partigiani locali con le
loro famiglie e altri profughi, e
i gloriosi Granatieri di Savoia li
attaccarono di nuovo con armi
chimiche, finendo i sopravvissuti
con i lanciafiamme.
Le belle notizie, in realtà, sono
addirittura tre. La stessa via
verrà infatti risemantizzata: non
le si cambierà nome dunque, ma
sarà indicata come "luogo dove
l’esercito italiano compì un grave
eccidio coloniale delle popolazioni
etiopi". Un gesto simbolicamente
potentissimo, e auspicabilmente
il primo di una serie purtroppo
lunghissima, in una città che è già
(o ancora) di fatto il museo del
TESTO DI
AN D REA PO M I N I
fascismo di cui tanto si discute
mentre andiamo in stampa. In
cui monumenti del regime e
toponomastica coloniale fanno
bella mostra di sé, mentre tutto
intorno la nazione ancora insiste a
minimizzare o rimuovere i propri
crimini.
Come spesso succede, però, in
Sardegna qualcuno ci aveva già
pensato. A Orgosolo, fra i vari
celebri murales dedicati a figure ed
episodi storici delle lotte popolari,
ne spicca uno particolarmente
significativo e site specific.
All'inizio di Via Cadorna, proprio
sotto la targa con il nome del
nostro eroe, l'artista ha voluto
aggiungere giusto due righe di
didascalia: "Generale L. Cadorna.
Massimo responsabile degli
eccidi della 1ª Guerra Mondiale.
Soldati morti su tutti i fronti: 8
milioni 740000. Soldati italiani
morti: 571000. Invalidi e mutilati:
451645. Dispersi: 117000. 210000
soldati fucilati e condannati perché
volevano farla finita con la guerra".
Ecco, tirare giù o sfigurare un
po' delle troppe statue dedicate a
individui che non le meritano deve
essere stupendo. Ma anche una
bella risemantizzazione dal basso
non è malaccio.
RUMOREMAG.COM | 17

EVERYTHING COUNTS
SETTEMBRE 2020
on c’è nulla di male
a posare le suole su
N “terreni comuni”.
Gli inglesi hanno il
tempo, noi il calcio.
Da lì in poi si co-
struisce, sperando
in qualcosa di più solido, in termini
linguistici e di relazioni umane. Musi-
calmente parlando, azzarderei i Depe-
che Mode. New wavers con gli anfibi,
metallari di ampie vedute, occasionali
con ambizioni danzerecce, devoti di
Johnny Cash entrati via Personal
Jesus: tutti d’accordo. Forse teorizzai
soltanto io sulla questione, ma la rac-
colta di tutti i singoli dei Depeche
Mode si rivelò efficace per ammortiz-
zare la distanza tra casa nostra e una
clamorosa festa in piscina alla quale
eravamo stati invitati. Insomma, invi-
tati più o meno, diciamo che ci stava-
mo dirigendo lì, in quella zona novare-
se desiderosa di essere Lombardia
sulla base di un semplice “se volete,
18 | RUMOREMAG.COM
MY TUNES
DEPECHE MODE
DI MAURIZIO BL AT TO
fate un salto” raccattato con le unghie
da amici di amici di amici di chi stava
guidando. Un manipolo di imbucati
stipato dentro un’utilitaria al ritmo del
synth pop, costumi da bagno ready to
go sotto i jeans, testosterone bloccato
sul pause, birra Moretti e delirio di
“torna indietro” e “rimettila da capo”
su Everything Counts. Che è una gran
canzone, con un ritmo da figlio illegit-
timo dei Kraftwerk arricchito da una di
quelle meravigliose bizzarrie pop anni
80, vale a dire xilofono, una specie di
oboe (conosciuta in Italia come ciara-
mella o pipita) e la melodica. Il testo
accusa l’avidità e la corruzione del
mondo economico britannico, parlan-
do di mani che “afferrano tutto ciò che
possono” su una linea ritmica fissata
dal venerabile Synclavier di Martin
Gore, settato con campioni di suoni e
rumori registrati in strada. Ma non fu
questo a catturare l’attenzione di
Mitzi, che adorava la canzone e ondeg-
giava al centro del sedile posteriore.
Mitzi, diminutivo di un altisonante
Domiziano (“alla madre piace la liri-
ca”, consueta incomprensibile spiega-
zione d’accompagnamento) aveva un
leggero ritardo, ma un entusiasmo in-
crollabile. Erano tempi in cui avere
qualcosa come l’Asperger non suscita-
va alcun interesse di facciata, ma anzi
veniva considerato una sfiga, però, pa-
rallelamente, la sostanza vinceva sulla
forma e se facevi parte di qualcosa lo
facevi comunque, la vita era una prati-
ca che si svolgeva principalmente per
se stessi, e non sotto il veleno di ap-
provazioni esterne. Nulla era insta-
grammabile, tutto, anche se complica-
to, era e basta. Quindi Mitzi entrava in
macchina e si ficcava al centro, fine. La
sua passione per Everything Counts
era nata davanti al televisore, di fronte
a una puntata del quiz Superflash di
Mike Bongiorno, in onda su Rete 4. Lì,
secondo copione, era successo di tutto.
Mike aveva chiesto a Martin Gore, in
canottiera a rete e look sadomaso, se
 TESTO DI
MY TUNES EVERYTHING COUNTS DEPECHE MODE MAU RIZIO B L AT TO

“È I L M O M EN TO D I L AN C IART I, NON LIMITARTI A CA DE RE A P E SO M ORTO, M A DAT TI UNA SP INTA

CON I L PI ED E C H E H AI ME S S O DAVANT I. L’ IDE A È QUE L L A DI E NTRA RE IN ACQUA P RIM A CON LE
DITA, L E M A N I, L E B RACC IA, L A T E S TA E P O I CON IL RE STO DE L CORP O. NE L TUF F O RICORDATI
DI T EN ER E L E G AMB E U NIT E E DIS T E S E . ALL’ INIZ IO SE M BRA DIF F ICIL E , M A VE DRA I CH E CON L A
PR ATI C A C I R I US C IRAI AN C H E T U”
(“I M PARIAM O A TUF FAR C I ! ”, I B LUEP I SC I NE .I T )

fosse un ragazzo o una ragazza, aveva
paragonato Andy Fletcher a Stanlio e
chiesto a Dave Gahan (definito il più
intelligente del lotto) perché non ve-
stisse di rosso o giallo invece che nero,
visto che era “giovane”. Mitzi si disin-
teressò della folle intervista e amò su-
bito la canzone, quindi quando partì
nell’autoradio urlò “queeeesta mi
piace!” e iniziò a dare di matto. Noi
con lui. Raggiungemmo con una certa
fatica il luogo della festa e ci mi-
schiammo tra i presenti nel disinteres-
se più assoluto. La piscina, totemica ed
enorme, campeggiava in un prato ricco
di adolescenti e bevande assortite. Ab-
bastanza il paradiso a ripensarci, ma
un certo imbarazzo faceva sì che, al
massimo, qualcuno mettesse i piedi a
bagno, mentre imperavano scelte disco
music scontate e nessuno sembrava
sapere di chi fosse la festa e men che
meno quale fosse il proprietario di
tanto ben di dio. Poi, chiaro, c’erano
anche molte ragazze. Tante da far
strizzare gli occhi a Mitzi mentre si
stringeva il costume. “Mitzi dai, non
facciamoci riconoscere subito”. Da
chi? Presto detto, alcuni gruppi terri-
toriali dominavano la scena. I romani
che, come nei loro film, parlavano in
dialetto e a bassa voce, rendendosi in-
comprensibili ai più e discorrendo di
quartieri di provenienza e fermate
della metropolitana. I friulani, tenden-
zialmente silenziosi e con dura appli-
cazione al reparto alcolici. Noi, finta-
mente altezzosi e in realtà soltanto
preoccupati di non apparire provincia-
li. I milanesi (mischiati ai locals) che
ridevano di cose che sapevano solo
loro e che a noi apparivano puttanate
(salvo poi abbracciarle anni dopo,
quando per i milanesi erano già amar-
cord assoluto). Insomma un microco-
smo da stereotipo, con gesti calcolati.
Tutto conta, everything counts, ap-
punto. Fraternizzammo con i friulani,
per affinità di frontiera e resistenza al-
colica (minore rispetto alla loro, deci-
samente minore) e guardammo i mila-
nesi entrare in acqua con le ragazze,
mentre noi stavamo fuori in costume,
ma con la scioltezza di un container di
ghisa. Aspettavamo un segnale, e quel-
lo arrivò. Dopo Donna Summer e K.C.
& The Sunshine Band, senza preavvi-
so, entrarono i Depeche Mode, chiara-
mente su Everything Counts. L’atmo-
sfera si scaldò, qualche romano iniziò
a ballare e una milanese in bikini
squittì forte. Quindi, fu il momento del
gesto biblico. Atteso forse, ma non in
queste proporzioni. Da distante, pa-
recchio distante, si udì un “queeeesta
mi piace!” e un lontano scalpiccio che
divenne presto una cavalcata imperia-
le, a metà tra la rincorsa di un primati-
sta del salto con l’asta e una parata mi-
litare sovietica velocizzata. Era Mitzi.
Due ali si aprirono, delimitate da spa-
vento e ammirazione, i friulani dimen-
ticarono le grappe, i romani di essere
per forza sempre e comunque romani,
i milanesi presero coscienza di altre
forme di vita e noi, così goffi e rigidi,
be’ noi cominciammo ad avere paura.
Mentre Mitzi terminava la sua rincorsa
per tuffarsi in piscina anche i Depeche
Mode persero un paio di battute, il
mondo intero trattenne il respiro, per-
sino Dio si curò dell’umanità e lui de-
collò, immortale Icaro folle. E, spaven-
tosamente, franò sulle piastrelle a un
metro dal bordo. Il rumore che pro-
dusse il suo sfasciarsi avrebbe potuto
costituire un album intero di white
noise industrial dell’epoca, un clango-
re di ossa, avventatezza, escoriazioni e
velleità impossibile da replicare in stu-
dio. Ma lo udimmo solo noi, i presenti.
Mitzi scivolò in acqua come la replica
umana di un Mocio Vileda, senza fare
rumore, ma riemerse anche poco dopo,
versione fantoccio della scena madre
di Apocalypse Now, urlando cose in-
comprensibili con la bocca piena. In-
torno a lui, l’acqua era leggermente
rossa, i Depeche spingevano a mille.
Mitzi fu portato in trionfo dai romani,
che in termini di imperatori qualcosa
la sapevano, una milanese lo baciò in
fronte e i friulani brindarono alla sua
salute. Noi eravamo tutti svenuti sul
prato, rigidi come sempre. Da lì in poi
finimmo indistintamente in acqua,
ballammo, qualcuno amoreggiò e
Mizzi batté i pugni a tempo in acqua
senza sosta, ebbro di sé stesso e del
suo planaggio d’antologia. Everything
Counts passò più volte e divenne l’inno
di una di quelle notti in cui, letteral-
mente, ti sembra di mordere la vita. Il
testo fissò la nostra epica minore.
Frasi come “non si può tornare indie-
tro”, “la vacanza è stata divertente”,
“tutto per sc stessi, dopo tutto” e “fidu-
cia accettata da un’abbronzatura e un
sorriso” mi parvero tavole di saggezza
vergate sul synth. Ma me ne accorsi
soltanto io, come sempre. Gli altri
erano assonnati, mezzi ubriachi, con i
jeans marci per i costumi da bagno e
l’asticella della bellezza dello stare al
mondo ancora tarata su livelli da re-
cord assoluto. Mitzi aveva gli occhi
sbarrati, con più energia addosso di
uno stuolo di pale eoliche. Quando lo
accompagnammo a casa faceva ancora
scintille, ma realizzai che sulla camicia
aveva piccoli rettangoli dai contorni
insanguinati. Marchiato dalle piastrel-
le, eppure felice. Everything Counts è
uno dei pochi brani in cui cantano tutti
i Depeche Mode, una band di Basildon,
42 km dal centro di Londra, nata in un
periodo in cui il pop era ancora diver-
timento e persino critica sociale, can-
zone glorificata da un gesto folle e da
gente chiamata per caso ad assistervi.
Probabilmente molti di loro se lo sa-
ranno dimenticato, magari alcuni lo
raccontano ancora sorridendo. Sono
dati banali di vite normali, ma messi in
fila, scritti con ritmo, brillano di più.
Perché everything counts, soprattutto
in larger amounts.

Everything Counts chiude il primo lato di Construction Time Again, il terzo album dei Depeche Mode (perché vi
chiamate così? Qualcuno in sala sa il francese?, chiese Mike puntando il televisore) pubblicato nel 1983 su Mute. Il video
fu girato a Berlino Ovest e dal vivo la canzone si porta sempre dietro una coda di coro gestita dai fan (abbastanza sempre
in delirio). It’s a competitive world, ma i Depeche Mode ce l’hanno fatta eccome. Anche Mitzi si è difeso, ride spesso ed è
ingrassato come una balena serafica. Se lo vedesse oggi, Mike direbbe di sicuro che assomiglia a Olio.

RUMOREMAG.COM | 19
 RUMOREMAGAZINE S ET TEMB RE 2 02 0

20 | RUMOREMAG.COM
 DOVE:
Milano,
Italia ADDICT AMEBA
COSA:
Pantropicalismo metropolitano
IL DISCO:
PANAMOR
BLACK SWEAT, 2020
iunire la Pangea
a suon di musica
R ad alta gradazione
tropicale, non
male come
proposito. Nati
nel 2017 al Casoretto, barrio
milanese ideale per un gruppo
del genere, gli Addict Ameba si
descrivono a “Rumore” tramite
il percussionista Paolo Cerruto
come "un’entità erratica e
mutevole, una famiglia sonora,
un collettivo, perché oltre ai 13
musicisti transitati in tre anni
abbiamo intorno un bel gruppo
di amici e amiche: fotografi,
poeti, grafici, videomaker, fonici,
DJ, funamboli, pirati". In mezzo
ci sono musicisti provenienti
da band cittadine consolidate
(Lorenz, di Al Doum & The
Faryds, compone e suona la
chitarra, produce e registra),
ma non solo: "Il primo nucleo
di tre percussionisti incontra
due terzi dell’attuale sezione
fiati, provenienti dalla sfera del
jazz, con l’idea di dar vita a un
esperimento. Al primo bozzolo
si aggiungono mano a mano gli
altri, per conoscenze o incontri
fortuiti. Non ci precludiamo
nessuna possibilità, amiamo la
salsa di Héctor Lavoe come le
sperimentazioni della Mauskovic
Dance Band. In mezzo c’è un
ventaglio ampio che studiamo e
assimiliamo, per poi riprodurlo a
modo nostro. Una visione comune
si è andata costruendo nel tempo
con l’apporto di ciascuno. Samuele
Albani, batterista, ha portato la
sua lunga esperienza con musicisti
latinoamericani. Il Lorenz ha
un’innata attitudine rock, così
come Davide Boselli, il bassista:
loro due hanno composto i sei
pezzi di Panamor, poi arrangiati
dal resto della banda".
Quanto conta Milano in questo
approccio? "La nostra passione
per la musica del mondo viene
anche dal vivere in un porto
come Milano, dove è facile
ascoltare musicisti del Centro
o Sud America, incontrare
maestri africani, sentire
afrobeats dalla bicicletta di un
rider subsahariano, mentre dei
ragazzini rappano in spagnolo o
pompano trap franco-maghrebina,
e le coetanee impazziscono per
il pop coreano. Siamo nati e
cresciuti in città transculturali,
ma il nostro non è un amore
ingenuo e incondizionato verso le
altre culture, tipico del pensiero
ipocrita liberale. Conosciamo
e combattiamo le ingiustizie
e le diseguaglianze sociali che
soffocano le minoranze da cui
l’occidentale attinge, dalla musica
alla moda".
Come può musica quasi
interamente strumentale essere
politica? "La nostra dimensione
politica sta nel contorno. In
concerto spesso lancio messaggi
tra un brano e l’altro, o improvviso
QUANDO:
dal 2017
ONLINE:
facebook.com/addictameba
freestyle sull’attualità. Dal
punto di vista storico, vogliamo
contribuire al dibattito sulla
necessità di decolonizzare il
presente e il passato italiano.
Ancora in troppi minimizzano
il colonialismo e il razzismo
istituzionale e sociale nostrani,
spesso ridimensionati anche
da insospettabili pensatori di
sinistra. Dobbiamo renderci
consapevoli del privilegio di
chi è nato in Italia con una
cittadinanza, e fare di tutto per
migliorare le condizioni di chi
vive e lavora in questo paese
in situazioni di illegalità o
discriminazione. Musicalmente,
il nostro non è un vezzo esotico,
né un tentativo di sfruttare
l’onda lunga della moda legata
all’immaginario tropicale. Al
contrario, è un’ipotesi di studio e
approfondimento, un tentativo di
apertura mentale in un momento
storico in cui vengono chiusi porti
e cervelli. Il suono può sfuggire
alle gabbie e favorire scambi
inediti e rivoluzionari. La musica è
forse l’unica direttrice che unisce i
continenti e gli esseri umani, oltre
a navi cargo, finanza, aeroplani
e rete satellitare. Siamo come
balene che vagano negli oceani, e
captano suoni dalle coste e dalle
bande che suonano sulle crociere.
Poi li mixiamo e cantiamo. Mentre
tutto va a fondo cantiamo".
TESTO DI Andrea Pomini
RUMOREMAG.COM | 21
 DOVE: QUANDO:

Roma, Italia
BEDSORE dal 2017

COSA:

Occult death progressive

IL DISCO: ONLINE:

HYPNAGOGIC HALLUCINATIONS facebook.com/bedsoredeath

20 BUCK SPIN, 2020

I Bedsore arrivano da Roma
e incidono per la 20 Buck Spin,
una delle più prestigiose etichette
metal mondiali. Alla quale due
anni fa inviano un demo che viene
immediatamente apprezzato, da
qui il contratto per Hypnagogic
Hallucinations. Da quali fonti
di ispirazione arriva la loro
musica? ”Sicuramente la musica
e il cinema Italiani sono una
costante fonte di ispirazione per
noi. Morricone, Goblin, Area, Il
Balletto Di Bronzo, Semiramis,
PFM. A livello visivo poi ci piace
associare la nostra produzione al
cinema di Dario Argento, Luca
Guadagnino, John Carpenter,
Denis Villeneuve, Robert Eggers o
Paul Thomas Anderson. È difficile
dire che cosa ci abbia realmente
portati a comporre nel modo in
cui lo facciamo oggi, visto che
direttamente o indirettamente
prendiamo spunto dagli ambienti
più disparati, dalla musica
d’avanguardia a quella da film”.
Mi fate un riassunto della vostra
storia? “I Bedsore nascono intorno
all’estate del 2017, quando J e S -
già membri dei SVNTH - iniziano
a lavorare sul materiale che circa
un anno dopo costituirà il nostro
primo omonimo demo. Dopo vari
concerti G e D entrano stabilmente
nella line-up, rispettivamente
al basso e alla batteria. A marzo
2019 iniziano le registrazioni di
Hypnagogic Hallucinations”.
Come vi state organizzando per
il post Covid? “É stato e sarà un
duro colpo non poter sostenere
l’album dal vivo. Nel frattempo
continuiamo a lavorare su nuovo
materiale. Incrociamo le dita per
questa estate e speriamo di poter
suonare al Morbid Catacombs Fest
a Berlino, dove siamo al momento
confermati”.

TESTO DI Claudio Sorge

22 | RUMOREMAG.COM
 DOVE:
Klazienaveen,
Drenthe,
Olanda
THE HECK
COSA:
Stile e ferocia del garage punk sonico
IL DISCO:
WHO?
DIRTY WATER, 2019
Non occorre tornare indietro
fino agli Outsiders per parlare
di Dutch garage rock. Due dei
più interessanti gruppi garage
contemporanei arrivano proprio
dall’Olanda: mi riferisco a
E.T. Explore Me e agli Heck di
Henri Sulmann, il trentottenne
consulente finanziario del
nord est dei Paesi Bassi, a uno
sputo dalla Bassa Sassonia, che
negli ultimi 15 anni ha fatto
pratica con No-Goods, Miracle
Men e De Keefmen. Ora guida
l’incendiario power trio con la
divisa d’ordinanza da cameriere
sixties. Uno stile vintage che va
di pari passo con la ferocia sonica
ben distribuita nell’esordio
Who? e nei due singoli che
anticipano il nuovo album in
uscita a primavera per la tedesca
Soundflat.
“Il nostro ultimo singolo
Shit On The Radio è un atto
d’accusa contro l’attuale sistema
radiofonico olandese”, mi dice
Henri, “dove passano sempre
gli stessi artisti paludati 24 ore
al giorno. Nemmeno un’ora alla
settimana è dedicata a gruppi
più piccoli, e non parlo solo di
sixties garage ma anche di hip
hop. Fa male l’idea che tutto
debba adattarsi al formato
radio”. Anche perché quello degli
Heck non è un garage vetusto
QUANDO:
dal 2017
ONLINE:
theheck.nl
e derivativo tout court. I tre
prendono a morsi la modernità
e shakerano melodia indie,
facendosi guidare dalle buone
vibrazioni del passato. Il bassista
René Katerbarg suona un vecchio
Crucianelli, Henri imbraccia
una Eko 500 del 1962: “Adoro il
suono caratteristico delle vecchie
chitarre. Questa Eko mi ha rapito
immediatamente e poi ha un
aspetto fantastico, con tutti quei
bottoni e la finitura gold glitter.
Nei live porto un’altra chitarra
italiana, una vecchia Welson
color red sparkle”.
TESTO DI Manuel Graziani
RUMOREMAG.COM | 23
 ETUK UBONG
DOVE: QUANDO:
Lagos, Nigeria dal 2016
ONLINE: etukubong.com
COSA:
Fela + Sons Of Kemet =
Earth music
IL DISCO:
AFRICA TODAY
NIGHT DREAMER, 2020
"Certo, suono ancora tre volte la settimana al Truth,
il mio locale a Lagos. È una comunità che accoglie
chiunque senza badare a classe, razza o religione.
Diamo al pubblico quattro o cinque ore di musica
senza interruzioni: suonare così tanto aiuta la mia
band a rafforzarsi, a prepararsi per ogni eventualità".
Lontani dalla Nigeria, tocca accontentarsi di un album
potentissimo come Africa Today, recensito in questo
stesso numero.
Le analogie con Fela Kuti non si fermano al dettaglio
del club come base operativa, ma nemmeno esauriscono
il discorso su quella che Ubong chiama Earth music:
"È musica che non solo insegna e riflette la storia nera,
ma serve anche agli oppressi per rivoltarsi contro gli
oppressori. Essere messo allo stesso livello di grandezza
di Fela mi onora, era un grande musicista e ha lasciato
un'impronta indelebile sui nostri tempi, amo e rispetto
la sua ideologia e il concetto di panafricanismo. Ma
appartengo a un'altra generazione, e la situazione in
Africa è diversa. Dobbiamo costruire una comunità che
offra uguali opportunità agli uomini e alle donne di
unirsi e dialogare per un mondo migliore, ricordandosi di
cambiare la narrazione passata e presente sull'Africa".
TESTO DI Andrea Pomini
24 | RUMOREMAG.COM
POTTERY
DOVE: QUANDO:
Montreal, Canada dal 2018
ONLINE: facebook.com/Potteryband
COSA:
Art post punk
IL DISCO:
WELCOME TO BOBBY'S MOTEL
PARTISAN, 2020
Ma chi l'ha detto che il post punk dev'essere tutto bianco
e nero, baritoni depressi e giri di basso catacombali?
Nessuno. E infatti i Pottery, cinque ragazzi di Montreal
ma col cuore da qualche parte fra la New York dei Talking
Heads, la Leeds dei Gang Of Four, la Akron dei Devo
e qualunque altro luogo in cui la new wave sia stata
declinata nelle sue forme meno piovose, riempiono il loro
esordio di colori funk e forme arty.
Nel loro folle motel troveremo “gli odori, le sigarette, il
rumore, il loro furgone Mary, il loro amico Luke, i disegni
nel bagno, la California del Nord, accenti dei Beatles, Taco
Bell, le Grandi Pianure, gli hot dog. Amore e odio, rabbia
e felicità, e tutto quello che c'è in mezzo. Partito come un
inside joke fra i membri della band, Bobby e il suo motel
sono diventati la realtà alternativa onnicomprensiva
che il gruppo ha costruito per tutti gli altri. Perciò,
essenzialmente, Bobby è i Pottery, e il suo motel si trova
dovunque siano loro”. Che però sono anche attenti a
quello che succede fuori dalle camere: “è un momento
unico e bizzarro per pubblicare un disco e, anche se non
potremmo essere più eccitati all'idea che lo ascoltiate,
siamo consapevoli che ci siano cose molto più importanti
che stanno accadendo nel mondo, e vi incoraggiamo
a concentrarvi e dirigere le vostre energie verso un
cambiamento positivo. Continuate ad alzare la voce contro
le ingiustizie e il razzismo”.
TESTO DI Letizia Bognanni
 LAVORAZIONI
CARNI ROSSE
DOVE: QUANDO:
Milano, Italia dal 2014
ONLINE: facebook.com/
lavorazionicarnirosse
COSA:
Avanguardia, avant jazz
IL DISCO:
GIANO
ARTISTI DEL 900, 2020
Milano, 2014. C’è una band senza nome che da tempo
si esibisce in gallerie, installazioni, mostre o reading,
per un personale legame con arte e cinema. Hanno suoni
che inducono suggestioni, sino a percepire e suggerire
immagini sporche e spesso deteriorate dal tempo e dal
processo stesso di creazione. Durante la manifestazione
Open Studio, alla quale erano stati invitati a suonare,
vengono collocati in una ex macelleria foderata di
piastrelle celesti e bianche con una porta su cui c’è
scritto “Lavorazioni Carni Rosse”. Quella scritta diventa
il nome con cui Tiziano Doria (suoni, rumori), Sergio
Montemagno (tromba), Andrea Reali (voce, distorsioni)
e Paolo Romano (contrabbasso) pubblicano LCR (2019)
e Giano (2020).
Si contorcono all’interno di una camera oscura,
improvvisando in maniera strutturata, ma distorta,
traendo ispirazione da un’idea. In Giano la suggestione
è la scala dei venti, con le sue progressioni per intensità
e forza, generando suoni variati di volume e dinamica,
dalle fattezze ruvide e graffianti, profondamente legate
al materico, al carnale, all’ancestrale. La loro musica
evoca immaginarie e grottesche ballerine possedute, in
penombra, da esseri deformi con deviate fantasie.
TESTO DI Antonio Briozzo
NAVA
DOVE: QUANDO:
Tehrān, Iran/Milano, Italia dal 2016
ONLINE: facebook.com/navaproject
COSA:
Elettronica colta
e radici orientali
IL DISCO:
SARABE EP
NETTWERK/BERTUS, 2020
Lei, Nava Golchini, è una cantante iraniana di stanza
a Milano. Lui è il produttore e arrangiatore Francesco
Fugazza. I due hanno fondato i Nava, con Elia Pastori e
Marco Fugazza: un suono elettronico ma meticcio, intriso
delle origini della nostra. “Mi sono trasferita a Milano
nel 2011. Con loro ho cominciato a esprimere il mio lato
musicale iraniano, che portavo con me come esperienza
di vita passata. C’è tanta Persia nel mio subconscio”,
spiega. “Francesco e io ci siamo conosciuti in accademia
musicale a Milano. Gli chiesi di arrangiarmi una cover,
poi iniziammo a lavorare su alcuni miei provini folli. Li
sentì e mi disse che avrebbe voluto lavorarci per creare
un suono eterogeneo ma riconoscibile. Così prese forma
il progetto e grazie all’arrivo di Marco ed Elia ora siamo
un quartetto”.
Un EP d’esordio, Body, e ora un secondo, Sarabe.
“Sarabe in persiano significa ‘miraggio’. Il ritornello dice
che il nostro amore è stato un miraggio che non tornerà.
In tutto l’EP ritorna questo concetto in vesti diverse,
anche se inconsapevolmente, non volevamo un concept.
L’illusione dell’amore che subito persuade, si tramuta in
delusione che resta nel campo visivo come una nuvola dai
contorni sfocati, un miraggio”.
TESTO DI Barbara Santi
RUMOREMAG.COM | 25
“NO MAN IS AN ISLAND ENTIRE OF ITSELF; EVERY MAN IS A PIECE OF THE CON-

TINENT, A PART OF THE MAIN; IF A CLOD BE WASHED AWAY BY THE SEA, EUROPE

IS THE LESS, AS WELL AS IF A PROMONTORY WERE, AS WELL AS ANY MANNER

OF THY FRIENDS OR OF THINE OWN WERE; ANY MAN’S DEATH DIMINISHES ME,

BECAUSE I AM INVOLVED IN MANKIND. AND THEREFORE NEVER SEND TO KNOW

FOR WHOM THE BELL TOLLS; IT TOLLS FOR THEE”. (JOHN DONNE)
IDLES T E S T O D I N I C H O L A S D AV I D A LT E A
F O T O D I TO M H A M

L’ACCETTAZIONE
MOMENTANEA DI SÉ
 IDLES
I
l 24 giugno 2016, al festival olandese Down The
Rabbit Hole, l’immensa P J Harvey, dopo aver
eseguito con la sua band Let England Shake,
interrompe il concerto e con voce ferma e un foglio
in mano legge le parole che vedete qui sopra. È
ciò che scriveva il poeta John Donne nel 1624, in
Devotions Upon Emergent Occasions. “Nessun uomo
è un’isola” è una frase di una potenza abissale. A chi
non è mai capitato di sentirsi solo? Recentemente
siamo stati obbligati, giustamente, a diventare delle
piccole isole senza possibilità di contatto. P J Harvey
declamava quelle frasi il giorno dopo la vittoria del
“leave” al referendum sulla permanenza del Regno
Unito nell'Unione Europea. Una data storica, e da
qui possiamo partire per renderci conto di quanto sia
importante fare parte di una comunità, di qualcosa
di più grande di noi. Se l’esito alle urne fosse stato
diverso, e se il conseguente taglio (momentaneamente
rimandato) del cordone ombelicale dal continente,
ovvero la Brexit, non avesse avuto luogo, questa
rabbia post punk che da un po’ di tempo trabocca
dall’Inghilterra, dall’Irlanda del Nord e anche
dall’Irlanda, forse non sarebbe emersa in maniera
così violenta. Una necessità primitiva di urlare, di
gridare (o parlare) utilizzando suoni affilati e ritmiche
serrate, per restare attaccati e non diventare isola(ti).
TAG: #heavypostpunk #hiphop #jamiecullum #warrenellis #jehnnybeth
28 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I N I C H O L A S D AV I D A LT E A
«VOGLIAMO CREARE IL SOUND DELL A
N O S T R A C O M U N I TÀ , C R E A R E U N A
U N I O N E AT T R AV E R S O L A M U S I C A : U N O
S PA Z I O T R A L E N O T E C H E H A C O M E O B-
B I E T T I V O I L D A R E V I TA A U N S E N S O D I
R A D I C A M E N T O, C O M E È AV V E N U T O P E R
IL SINGOLO GROUNDS. È UN GRANDE
PA S S O C H E A B B I A M O C O M P I U T O I N S I E-
M E , E I L S I L E N Z I O C H E S I C R E AT O S I È
T R A S F O R M AT O I N S PA Z I O : A B B I A M O L A-
V O R AT O S U L L E F R E Q U E N Z E , U T I L I Z Z A N-
D O D E I S U B -B A S S P E R U N D I S C O C H E
D O V E VA S U O N A R E P I E N O »
“Nessun uomo è un’isola” è anche un inno che gli
Idles, la band attualmente più rumorosa in UK, ha
tradotto in qualcosa di più di una idea profonda che
indica fragilità e limiti dell’uomo, risvegliando un
senso di comunità ormai assopito. Il gruppo di Bristol
porta avanti una propria anima etica che li ha resi ciò
che sono ora, in ambito underground tra i più seguiti,
con un zoccolo duro di affezionati ascoltatori. Un
ciclo che culmina dopo due dischi, ciascuno a suo
modo esplosivo, in un terzo, Ultra Mono, in uscita
ancora una volta per Partisan Records. Sicuramente
l’album più difficile della loro carriera. Abbiamo
parlato con il megafono degli Idles, Joe Talbot, per
farcelo raccontare. Uno che col post punk e il punk
ha davvero poco a che fare, quantomeno se si parla
di background musicale, e che ci ha spiegato come
si è arrivati a un nuovo suono, per certi versi più
ingombrante.
ONLINE: idlesband.com
La prima volta che ho ascoltato Ultra Mono mi
ha colpito soprattutto l’impatto sonoro fisico del
suono. Come avete lavorato per ottenere questo
risultato?
“Abbiamo scritto le canzoni avendo ben impresso
un suono in testa. Dovevano suonare enormi.
Pragmaticamente, noi diventiamo più grandi, e più
persone vengono ai nostri concerti, rendendo il tutto
più esplosivo. La musica va avanti, le dimensioni delle
sale da concerto in cui suoniamo sono più ampie e
anche il nostro pubblico vuole esplorare nuovi orizzonti.
Vogliamo creare il sound della nostra comunità, creare
una unione attraverso la musica: uno spazio tra le
note che ha come obbiettivo il dare vita a un senso di
radicamento, come è avvenuto per il singolo Grounds.
È un grande passo che abbiamo compiuto insieme, e il
silenzio che si creato si è trasformato in spazio: abbiamo
lavorato sulle frequenze, utilizzando dei sub-bass per
un disco che doveva suonare pieno. Entrare in contatto
con il produttore Kenny Beats è stato un passaggio
importante, ci ha permesso di aggiungere profondità e di
avvicinarci a un suono hip hop”.
In Ultra Mono si percepisce questo vostro
ampliamento della gamma dei suoni e del
numero di strumenti suonati. Come si è evoluto
il suono degli Idles?
“Abbiamo usato due nuovi strumenti: un Bass VI, che
è una chitarra molto particolare (è di fatto un basso a
sei corde, accordato un’ottava sotto la chitarra anziché
due, nda), e soprattutto un sassofono, suonato dal
nostro amico Colin Webster dei Sex Swing, una band
fantastica. Volevamo creare un suono completo, nel
quale si percepissero i dettagli. Ultra Mono indica la
momentanea accettazione di sé stessi. E per accettare
te stesso devi accettare ogni elemento di te. Il suono del
sassofono lo abbiamo utilizzato per ottenere una certa
pienezza, e per inserire nuove textures ‘aliene’”.
Avevo letto che volevate catturare un feeling da
disco hip hop…
“Penso che la mia voce all’interno della band si sia
concentrata sul suo emergere come qualcosa di esplosivo
e composito. Da giovane mi affascinavano le voci, sono
cresciuto con l'hip hop, non ascoltavo guitar music
mentre crescevo, non mi colpiva il punk ma hip hop
RUMOREMAG.COM | 29
e soul. Volevo declinare il suono roboante e la natura
esplosiva del rap per creare musica attingendo a quella
essenza, il suono della comunità e dell'unità, il suono
delle persone che si riuniscono per combattere il sistema
dall’interno, facendo cose concrete. Il suono dei b-boys.
Voglio prendere la violenza incarnata dal punk e unirla
al ritmo dell'hip hop per realizzare qualcosa di nuovo”.
Dischi hip hop o artisti che consideri
importanti?
“Quello che ho ascoltato di più è probabilmente
l’incarnazione di maggior successo del sound coeso che
ho in mente, Ready To Die di Notorius B.I.G. Parlando
di nomi recenti, mi piace Danny Brown, ma penso che la
musica in assoluto più incredibile sia quella di Kendrick
Lamar. E poi tutto ciò che produce Kenny Beats, ma
mi piace tantissimo anche il grime britannico. Il mio
disco preferito in questo momento è quello dei Run The
Jewels”.
Brutalism era un disco che riparava qualcosa
di rotto. Joy As An Act Of Resistance celebrava

10 CL ASSICI POST POST PUNK DALLE ISOLE BRITANNICHE

SAVAGES EAGULLS GIRL BAND CABBAGE LIFE

SILENCE YOURSELF EAGULLS HOLDING HANDS YOUNG, DUMB POPULAR MUSIC
(MATADOR, 2013) (PARTISAN RECORDS, WITH JAMIE AND FULL OF... (AFGHAN MOON, 2017)
2014) (ROUGH TRADE, 2015) (SKELETON KEY, 2017)

30 | RUMOREMAG.COM
 IDLES
differenze e vulnerabilità contro la mascolinità
tossica. Quale messaggio vuole diffondere Ultra
Mono?
“Brutalism era l'inizio di un nuovo genere che ci
spingeva a guardare fuori da noi stessi, al di là del
nostro egoismo e della nostra avidità. Joy As An Act Of
Resistance è un atto di resistenza, una unità di partenza
e l’inizio di una conversazione anche per il gruppo.
Guarire sia come band che come singoli individui,
parlando delle proprie emozioni a chi spera di cambiare
il mondo limitandosi ad ascoltare, in maniera codarda.
Ultra Mono è l'accettazione di te stesso all’interno di una
comunità che cambia, e che a sua volta sta cambiando il
mondo. È una scelta, un atto di resistenza. Quando inizi
una conversazione devi accettare ciò che sei”.
Il concetto di “io sono io” (I Am I) è
fondamentale. Che cosa vuol dire esattamente?
“’Io sono io’ è una affermazione, una specie di motto che
ha l’obbiettivo di farci accettare da noi stessi, in tutti gli
aspetti moderni, impressi il più possibile nell’attualità,
nella contemporaneità. Si tratta di accettare il punto
in cui ci si trova, il chi si è in questo momento. Una
momentanea accettazione di sé stessi”.
“Nessun uomo è un’isola” è un concetto che ha
origine in John Donne, e che viene in seguito
ripreso in un saggio di Thomas Merton. In che
modo hai utilizzato questo principio all’interno
della band?
“È un concetto molto semplice dal punto di vista
umanistico. Sei una goccia nell'oceano, ma ogni goccia
è importante, e, come dici tu, questo vale anche per
ogni componente della band, che crea essendo parte
di qualcosa di più grande di sé. Chi vuole cambiare
comprende le differenze, accetta l’altro, sapendo di
essere parte di qualcosa di molto più grande”.
C’è una parola che ricorre spesso nei tuoi
discorsi, “umanesimo”. Pensi che il significato di
questa parola sia cambiato negli ultimi anni?
“Certo, accade con qualsiasi cosa in cui tu creda:
socialismo, capitalismo, qualsiasi idea tu abbia in
SHAME GOAT GIRL ITALIA 90
SONGS OF PRAISE GOAT GIRL EP III
(DEAD OCEANS, 2018) (ROUGH TRADE, 2018) (FIERCE PANDA; 2019)
T E S T O D I N I C H O L A S D AV I D A LT E A
« B R U TA L I S M E R A L'I N I Z I O D I U N N U O V O
G E N E R E C H E C I S P I N G E VA A G U A R D A-
RE FUORI DA NOI STESSI, AL DI L À DEL
NOSTRO EGOISMO E DELLA NOSTRA
AV I D I TÀ . J O Y A S A N A C T O F R E S I S TA N C E
È U N AT T O D I R E S I S T E N Z A , U N A U N I TÀ
D I PA R T E N Z A E L’ I N I Z I O D I U N A C O N-
V E R S A Z I O N E A N C H E P E R I L G R U P P O.
GUARIRE SIA COME BAND CHE COME
S I N G O L I I N D I V I D U I , PA R L A N D O D E L L E
PROPRIE EMOZIONI A CHI SPERA DI
C A M B I A R E I L M O N D O L I M I TA N D O S I A D
A S C O LTA R E , I N M A N I E R A C O D A R D A .
U LT R A M O N O È L'A C C E T TA Z I O N E D I T E
S T E S S O A L L’ I N T E R N O D I U N A C O M U N I TÀ
C H E C A M B I A , E C H E A S U A V O LTA S TA
CAMBIANDO IL MONDO»
testa. È cambiato il concetto di umanesimo perché anche
il mondo sta cambiando. Per me l’umanesimo resta
comunque la migliore pratica possibile”.
La prima canzone del disco si intitola War: è
una traccia potente, i suoni sembrano voler
riprodurre quelli di una guerra. Perché avete
voluto aprire il disco in quel modo?
“Perché volevamo iniziare l’album con un senso di
determinazione e di lotta. È il suono della convinzione di
sé, che dovrebbe risuonare forte come l'amore. E l'amore
è una cosa molto violenta e forte, è un bulldozer”.
Le ultime due canzoni, A Hymn e Danke, sono
quasi un manifesto programmatico sull’amore…
THE MURDER FONTAINES D.C.
CAPITAL A HERO'S DEATH
WHEN I HAVE FEARS (PARTISAN, 2020)
(HUMAN SEASON, 2019)
RUMOREMAG.COM | 31
 IDLES
“Sono due canzoni molto diverse. Lo scopo è creare
eccitazione all’interno dell’album: quando inizia il
viaggio c’è un senso di violenza e di amore, e alla fine un
senso di gioia e di amore, che chiude con Danke".
Siete entrati anche in contatto con Warren
Ellis registrando il disco. Qual è stato il suo
contributo?
“Non siamo entrati esattamente in contatto noi con
Warren Ellis, lui è arrivato in studio mentre stavamo
registrando, a Parigi. Ci conosceva già e ha aggiunto una
sua parte in Grounds, ovviamente stupenda”.
Jamie Cullum partecipa a Kill With Kindness, è
suo il piano che si sente all’inizio. È una novità
per voi una introduzione di quel tipo. Volevate
creare un contrasto?
“Quando lo abbiamo incontrato ci era già venuta l’idea
di utilizzare il piano, ma nei dischi precedenti non
lo abbiamo mai fatto. Jamie Cullum è un incredibile
innovatore, e mi piace il suo show radiofonico. Sì,
volevamo inserire qualcosa che facesse da contrasto,
come un punto alla fine di una frase, per creare uno
stacco”.
Il gruppo Facebook “All Is Love AF GANG”
è diventato una sorta di comunità etica di
individui, non sono solo vostri fan. Brian,
Lindsey, Louie fanno un lavoro notevole. Quel
ULTRA MONO
PARTISAN
IDLES
Lo ripetiamo ancora una volta: questo sarà il disco più difficile
degli Idles. Non perché Joy As An Act of Resistance (2018) sia
insuperabile, ma le carte in tavola variano e il cambiamento
riguarda soprattutto un processo sonoro. Oltre ai sodali Nick
Launay e Adam “Atom” Greenspan, alla produzione si aggiunge
Kenny Beats (FKA Twigs, DaBaby, Vince Staples) per scavare ancora
più in basso dei bassi. Intanto, appena parte War, traccia che
inaugura il disco, si viene catapultati nel suono poderoso e roboante
di Ultra Mono: sembra di stare sotto un bombardamento aereo.
Ansiogena, potente e dissonante quanto Grounds, che però ha più
spazio a disposizione, con tanto di intervento, sul finale, di Warren
Ellis. Il pianista jazz britannico Jamie Cullum appare in Kill With
Kindness, un intro soffice soffice prima lasciar fare alle chitarre di
cartavetro del gruppo. E nella mischia del disco c’è pure David Yow
32 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I N I C H O L A S D AV I D A LT E A
gruppo sembra una specie di archetipo del
miglior mondo possibile.
“Penso sia una delle cose più belle capitateci da quanto
siamo una band. Siamo davvero grati ai fondatori e al
gruppo concerti della AF GANG. Una delle cose che mi
sciocca e mi rende orgoglioso è che, malgrado i social
media siano spesso terribili, quella è una vera comunità
di amanti della musica e musicisti”.
Quando penso agli Idles penso a una scena neo/
heavy post punk con nomi come Girl Band,
Shame, Cabbage, Fontaines D.C., Murder
Capital, Italia 90, Egyptian Blue. Riconosci
l’esistenza di questa nuova scena musicale
anglosassone che ha come argomenti affini la
politica, la società e la comunità?
“Sì, senza dubbio c’è un nuovo movimento, non unito
necessariamente dal suono ma da una sensibilità
etica comune. Egyptian Blue, Talk Show, Shame,
Murder Capital, TV Priest sono gruppi ottimi emersi
recentemente, band assolutamente incredibili. Ma non
sono simili musicalmente, c’è una affinità di temi e modi.
Noi non ne facciamo parte perché siamo ormai in giro da
12 anni, e credo che la nostra musica sia completamente
differente. Ci riteniamo tagliati fuori dal discorso per
i motivi che ho detto, ma ci sono davvero grandi band
come Fontaines D.C. e gli altri che ho nominato. Si
sprigiona una bella energia in questo momento, che
penso possa andare lontano”.
dei progenitori Jesus Lizard. L’importante è lasciare lo spazio per
muoversi, come dice Joe Talbot - “This is my dance space” - e poi
l’ospite Jehnny Beth, grande fan della band, che ripete in francese
“ne touche pas moi” nell’omonimo brano che rilancia la grande
attenzione che i cinque di Bristol riservano alla ragazze durante
i loro concerti. Qua e là nelle varie tracce appare il sax tenore, a
tessere cacofonici e dissonanti arrangiamenti per deviare le rigidità
noise (Reigns). A Hymn tiene sulle spine senza esplodere mai, ma
la sua potenza inespressa col tempo si farà apprezzare. E se non
vi garba, “Fuck you, I’m a lover” urla su di giri Joe in The Lover.
Ripetersi non sarebbe servito a nulla. Gli Idles si evolvono senza
perdere punti, occupando tutte le frequenze sonore possibili, più
ingombranti che mai. Danke.
89/100
 DA SEMPRE TI ACCOMPAGNANO ALLA SCOPERTA
DI TUTTO CIÒ CHE RUOTA ATTORNO AL NOSTRO MONDO

DISCHI DIMENTICATI, CINEMA, COLONNE SONORE, RISTAMPE

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BLUES
PILLS TESTO DI M ARIO RUGGERI
F O T O D I PAT R I C U L L A E U S

POST COVID BLUES

I
nutile nasconderselo: il 2020 è stato e sarà uno
spartiacque. Un mondo con un prima e un dopo.
Abbiamo imparato a conoscerlo così: la nostra
storia pre Covid e la nostra storia post Covid. Uno
scenario di cambiamenti, scossoni, incertezze che
travolge di fatto tutto. Socialità, vita quotidiana,
lavoro, economia, futuro, arte. Eh già: l’arte. Un
bene primario, ormai considerato secondario e
quasi ovviamente maneggiato come scarto terziario
nella classifica delle priorità e delle necessità di una
società. L’arte come quella cosa ultima, in fondo,
che può far spendere soldi ma che ne farà generare
pochi. Investimenti senza rientro. Perché investire
per ottenere è il mantra sul quale si è basata la nostra
società moderna, lo stesso mantra che si è frantumato
grazie allo spillover più potente e imprevedibile (o
preventivabile) che potessimo immaginare. C’è una
cosa che ci ha insegnato il tempo di mezzo del Covid-
19 (il Lockdown) con tutto il carrozzone di intuizioni
e speranze per un futuro migliore, di redenzione,
di resurrezione della civiltà umana (illusione
immediatamente evaporata con i primi passi verso il
ritorno alla “normalità”): se una società non si fonda
e si basa sull’istruzione, sulla cultura e sul grande
respiro umano dell’arte, affonda. E ormai siamo tutti
quanti in apnea da troppo tempo. Cosa c’entra tutto
questo con i Blues Pills? Molto. La loro storia recente
è un ottimo spunto di riflessione. È un momento da
condividere per capire quanto sia fragile, precario, in
bilico verso il nulla, il mondo di un gruppo musicale
(o di un artista, in genere: fate voi). E di quanto la
fine artistica, individuale e collettiva, sia molto più
vicina di quanto potessimo immaginarci. In breve,
e ce lo racconteranno loro nel dettaglio: i Blues Pills
passano gli ultimi due anni della loro carriera a
investire ogni risorsa economica nella costruzione
del loro studio di registrazione. Nel mentre
iniziano le lavorazioni di un nuovo album, l’ultimo
contrattualizzato con la Nuclear Blast. Un anno di
lavoro, di ricerche, di prove. L’organizzazione di
quello che sarebbe stato il tour più lungo e importante

RUMOREMAG.COM | 35
 BLUES PILLS
«HO VISSUTO CON GRANDE TENSIONE
L E N O T I Z I E C H E A R R I VAVA N O D A T U T TA
E U R O P A . O G N I G I O R N O C E R C AV O D I
LEGGERE IL MAGGIOR NUMERO DI NO-
T I Z I E P O S S I B I L E E O G N I V O LTA E R A
COME SE TORNASSI AI LUOGHI CHE
A B B I A M O V I S S U T O E V I S I TAT O C O N I
B L U E S P I L L S . P E N S AV O A I TA N T I S S I M I
A M I C I S PA R S I P E R G L I S TAT I E U R O P E I .
E R O I N A N S I A P E R L O R O E O G N I G I O R-
N O S E M B R AVA N O N F I N I R E M A I »
dalla loro fondazione (incredibile, se pensiamo che i
Blues Pills sono stati sin dall’inizio una instancabile
macchina live). Poi, il Covid. Il crollo dell’Europa
centrale e mediterranea prima, l’approdo anche
nelle terre del Nord. Il Lockdown. La sospensione
del tutto. Improvvisamente, la storia dei Blues Pills
diviene un coacervo d’incertezze. Neppure loro, oggi,
sanno ipotizzare un prossimo futuro. Lo sognano, lo
vogliono, ma tra dubbi, ansie e grandi paure. E così
Holy Moly!, che avrebbe dovuto essere l’album di
apertura della loro seconda parte di carriera, diventa
oggi un punto di arresto in attesa di qualcosa. Che
cosa? Una grande speranza dickensiana. Un ritorno al
passato che forse non era poi così male. La storia che
ci racconta Elin Larrson è la storia di decine, centinaia,
migliaia di band oggi. È lo stato dell’arte del mondo
del rock (e della musica, in generale). È anche, se
vogliamo, un grido di aiuto cui siamo chiamati tutti
quanti a rispondere: in ballo c’è la sopravvivenza di
generi, band, etichette, promoter. Ovvero la salvezza
del nostro mondo più bello.
Erin, innanzitutto una domanda tanto scontata
quanto importante: come hai vissuto i mesi di
lockdown e più in generale il grande dramma
del Covid-19?
“Intendi personalmente o come artista?”
Vorrei partire dalla tua sfera personale.
“È stato ed è ancora un periodo strano, difficile,
pieno d’incertezze. Ho vissuto con grande tensione le
notizie che arrivavano da tutta Europa. Ogni giorno
cercavo di leggere il maggior numero di notizie
possibile e ogni volta era come se tornassi ai luoghi che
TAG: #lockdown #holymoly #futuro #arethafranklin #prossimodisco
36 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI M ARIO RUGGERI
abbiamo vissuto e visitato con i Blues Pills. Pensavo
ai tantissimi amici sparsi per gli stati europei. Ero in
ansia per loro e ogni giorno sembrava non finire mai.
Poi ho incominciato a vivere l’incertezza delle scelte
dei governi del Nord Europa. All’inizio sembrava quasi
che noi fossimo immuni, in un certo senso, o che quel
dramma potesse toccarci solo lievemente. E invece poi
la situazione è esplosa anche da noi e il lockdown è
divenuto la nostra realtà”.
In effetti, almeno all’inizio, la Scandinavia
sembrava quasi un’isola felice. E non ti
nascondo che molti di noi hanno iniziato a
sognare di poter essere là. Poi le cose sono
andate in un altro modo.
“Sai, credo che il nostro governo, come quelli dei paesi
limitrofi, si sentisse piuttosto forte di una sanità ben
organizzata e di una situazione sociale e geografica
piuttosto diversa da quella dei paese centrali o
mediterranei, ad esempio. Il fatto che siamo molto
distanti l’uno dall’altro, che la concentrazione della
popolazione è principalmente in alcune grandi città
ma il resto del territorio è costituito da piccole unità
urbane distanziate tra loro, ci ha dato l’illusione di
poter controllare meglio la situazione. E invece non è
stato così”.
Quando è arrivato anche da voi il lockdown,
come ti sei sentita?
“Male, come tutti. Imprigionata. Isolata dal resto
del mondo. Isolata dagli altri. Tuttavia, credo che
l’impatto personale sia stato, per me, e per noi
scandinavi in generale, diverso. Siamo più abituati
ad una socialità diversa, meno intensa, meno
massiva. Questo ha sicuramente fatto in modo
che ne sentissimo il peso in misura minore. Ma
psicologicamente è stato veramente un duro colpo. Un
conto è potersi permettere di stare tranquilli, isolati:
un conto è non poterlo fare a prescindere”.
Cosa hai fatto in quel periodo?
“La verità? Ho cercato di pensare ogni giorno a come
poter portare avanti il mio progetto e al mio sogno
di musicista, a come poter vivere, mantenermi e
trovare altre strade per il prossimo futuro. E questo
ha sviluppato un senso di angoscia e di oscurità che
non mi aspettavo. È stato ed è un gran casino, che in
qualche modo ci porta a dover fare i conti con la nostra
storia di artisti, musicisti, e a immaginarci un futuro
che non vogliamo perdere”.
Qui arriviamo al lockdown per i Blues Pills.
Un album in uscita, Holy Moly!, uno studio di
registrazione pronto, grandi scommesse per il
ONLINE: bluespills.eu
futuro e all’improvviso una frenata imperiosa.
Partiamo dall’interazione tra voi musicisti.
Com’è andata?
“Una sofferenza incredibile, e ti spiego perché. Da poco
avevamo completato il nostro studio di registrazione,
la base per costruire anche discograficamente un
futuro diverso. Per noi l’ultimo anno è stato quasi
solo mettere a punto lo studio e suonarci. Abbiamo
provato costantemente, quasi ogni giorno. Sia per le
registrazioni del disco, sia per la preparazione del tour,
sia per trovare i suoni migliori, le apparecchiature
più consone a quello che avevamo in mente. Stavamo
prendendo anche contatti con alcune band per
realizzare le prime preproduzioni. La vita quotidiana
dell’ultimo anno si è spezzata improvvisamente. Ma
la cosa più difficile è che viviamo tutti quanti distanti
l’uno dall’altro, abbastanza da non poter prendere e
vederci in mezz’ora, o essere a un’ora di auto. E quindi,
per moltissime settimane, il nostro unico contatto è
stato il computer. Ci vedevamo a distanza, ma senza
quell’unità che ci ha sempre caratterizzati”.
Tra di voi che cosa vi siete detti?
“Ci siamo sostenuti a vicenda, abbiamo ironizzato
spesso sul nostro futuro e su quali lavori fare per
poterci mantenere, visto che con la musica sarà molto
difficile, soprattutto all’inizio. Io ad esempio ho
pensato di tornare a insegnare musica ai bambini. Ma
in nessuno di noi è mai scattato quel sentimento di
rinuncia che era sicuramente la cosa più pericolosa”.
Holy Moly! è stato l’altro enorme ostacolo.
Ho pensato spesso in questi mesi a cosa possa
significare per un artista avere un disco pronto
e non poter fare quello che è chiamato a fare:
salire su un furgone e incominciare a girare il
mondo per presentare il proprio parto creativo.
“Tasto dolentissimo questo. E spero che la nostra
storia, che è quella di tantissime altre band, possa
rappresentare un momento di riflessione per tutti:
musicisti, fan, discografici, stampa, media. Tutti.
Realizzare un disco non significa alzarsi la mattina con
alcune idee, chiudersi in una sala di registrazione e
incidere. Quella forse è la parte più semplice. Un disco
per un musicista è come un figlio. Scrivi, provi, correggi,
ascolti, lasci che ciò che hai fatto ti parli, cresca con te.
Passi le notti sveglio a modificare anche una sola nota
o un suono. Plasmi la tua idea, la vedi concretizzarsi. E
solo ad un certo punto, quando ti sembra perfetta, decidi
che è definitiva. Ma dietro ci sono tantissime altre cose:
c’è la pianificazione di un tour. E se sei un musicista
che non si può permettere di vivere solo di quello, nella
pianificazione c’è anche l’abbandono del tuo lavoro
temporaneo, la ricerca di un altro lavoro quando il tour
sarà finito, il bilancio con i soldi, magari anche il trasloco
in una casa che costi meno. Poi ti devi misurare con le
tue forze, la durata del tour, il rischio che le date saltino,
che qualcuno non ti paghi. E ci sono le aspettative: la
voglia di vedere il tuo album apprezzato, la vendita
delle copie che ti permette di accreditarti per un disco
successivo. In Holy Moly! abbiamo creduto tantissimo
RUMOREMAG.COM | 37
 BLUES PILLS
e a un certo punto: stop. Tutto fermo. Tutto rimandato.
Senza peraltro sapere quando e a che condizioni”.
Voglio condividere con te una riflessione: mi
sono reso conto che forse oggi, come mai prima,
la gente può rendersi conto di quanto il rock
sia una faccenda dal vivo. Di come la fruizione
della musica, l’espressione della musica
stessa, la sopravvivenza di una band, passino
necessariamente dalla dimensione live. Tolta
quella, il castello crolla. Che ne pensi?
“Giustissimo. E nell’era del virtuale questa deve essere
una grande lezione per tutti. Gli ultimi 20 sono stati
l’era in cui si scaricava di tutto, la musica era liquida,
ai concerti c’era sempre meno gente. Tutti chiusi nelle
proprie stanze, a commentare sui social, perdendo
l’essenza della musica stessa. Ho letto in questi mesi lo
sfogo di tantissime persone che non potevano uscire e
andare a vedere un concerto. Ecco, spero che questa cosa
rimanga impressa nella mente delle persone. Quando
potrete, e in tutta sicurezza, uscite e tornate ai concerti.
Non è solo un happening. Non è una serata passata in
un modo diverso. Non è andare a vedere la band che ti
piace. È mantenere in vita una forma d’arte. Perché le
band vivono di quello. La musica vive di quello”.
Aggiungo un altro spunto: nei tre mesi di
lockdown italiano ho assistito a molti concerti in
streaming. Chiamalo un modo per sopravvivere.
E più ne ho visti, più mi sono reso conto di
quanto l’interazione tra pubblico e band,
durante il concerto, sia parte integrante della
musica.
“In che senso?”
Durante lo showcase di presentazione del disco
degli Horisont il silenzio tra un brano e l’altro
era assordante, e anche tra i musicisti c’era
quasi una sensazione di disagio.
“Credo di poter avere voce in capitolo su questo
argomento, avendo fondato la storia dei Blues Pills sia
sul blues e sul rock a cavallo tra gli anni 60 e gli anni 70,
sia sul potere della musica dal vivo. E ti posso dire che,
sebbene sia importante poter contare su questo tipo di
tecnologie, almeno per poter raggiungere virtualmente
la gente, i tuoi fans, senza la dimensione live il rock
non esiste. Il rock, e il blues prima di lui, sono nati
per strada, su un palco. In un rapporto simbiotico tra
musicista e fan. E tutto ciò che accade in un concerto,
dal guasto tecnico allo spettatore ubriaco, ai fan che
cantano le canzoni a memoria in prima fila, a chi ti
scatta una foto, alle urla: tutto è musica. Tutto fa parte
del rock. Il rock è una dimensione molto più ampia della
canzone. È un rito collettivo. È una partecipazione. E
una sorta di funzione religiosa. Per quanto mi riguarda
il rock è live e la sua sacralità si concentra tutta in quel
momento”.
38 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI M ARIO RUGGERI
Venendo al disco, Holy Moly! ci racconta il
momento forse più soul e gospel della storia
dei Blues Pills. C’è una spiritualità quasi
debordante tra le righe del rock. Inutile dirti
che ho pensato spesso ai Big Brother And The
Holding Company, a Janis Joplin, ma anche ai
Creedence Clearwater Revival e a una lunga lista
di soulmen, da Wilson Pickett a Marvin Gaye.
“Si lo è, è decisamente il nostro disco soul, e sai da dove
arriva quella sensazione di spiritualità di cui parlavi?”
No.
“Da Aretha Franklin. Il mio idolo di sempre. Il mio
punto di riferimento. La musicista che più ho amato
ed ascoltato in vita mia. E proprio in questi mesi ho
riascoltato sistematicamente Amazing Grace”.
C’è anche un lato poetico che arriva da cantautori
di fine anni 60, inizio anni 70? Perché ho trovato
una forma lirica e delicata che mi sembra arrivi
da Simon & Garfunkel o da Dylan o da Van
Morrison.
“Interessante. Soprattutto la citazione di Van Morrison
che forse non è un’influenza diretta, ma sicuramente fa
parte dei nostri ascolti storici. Un po’, ovviamente, come
Bob Dylan”.
Torniamo a Holy Moly! Quale sarà il suo futuro?
“Mi piacerebbe poterti rispondere. Posso solo vedere
tanta incertezza. Faremo di tutto per poter suonare, con
tutte le limitazioni del caso ovviamente, ma non credo
sarà così semplice. A un certo punto con la Nuclear Blast
abbiamo deciso di farlo uscire. Attendere ancora avrebbe
significato perderlo completamente. E un anno di lavoro
buttato così non lo avremmo accettato. Ma nel frattempo
ci siamo resi conto che Holy Moly!, costatoci tanto
sacrificio, sarebbe stato un disco transitorio”.
In che senso?
“Che ci porta a decisioni anche abbastanza rapide. Nella
nostra mente è scattata immediatamente l’idea di fare
un altro disco entro la fine dell’anno per poterli portare
entrambi in tour e farli crescere insieme, sperando
ovviamente che le cose nel frattempo migliorino e che
ci sia concesso di viaggiare e suonare in locali che si
possano permettere di pagare una band con il pubblico
ridotto. Avevamo già altro materiale nel cassetto. Solo
che c’è un altro ostacolo”.
Quale?
“Holy Moly! era l’ultimo disco sotto contratto con
la Nuclear Blast. Dopo quello, ci saremmo seduti a
discutere la situazione. È il motivo per cui due anni
fa abbiamo deciso di costruire il nostro studio di
registrazione. Ci avrebbe permesso di avere una totale
autonomia sui tempi di lavorazione, senza chiedere
investimenti onerosi o insostenibili all’etichetta.
 BLUES PILLS
Saremmo diventati proprietari dei nostri master e
quindi avremmo interagito secondo altre logiche con
eventuali etichette, sia con la Nuclear Blast sia con
altri. Ma in tutto questo ovviamente c’è il discorso della
partecipazione alle spese del tour da parte della label
che ti pubblica. In questo momento nessuno sa quali
saranno questi investimenti. Quindi uscire con un nostro
disco significherebbe anche dover pensare al sostegno
finanziario di un tour. Cosa che accade nel momento
peggiore che potessimo ipotizzare”.
Vi siete dati degli scenari possibili?
“Sicuramente abbiamo pensato di ridurre le nostre
aspettative. Almeno per la fine di quest’anno e per
l’anno prossimo. Il che significa selezionare molto
di più l’attività dal vivo, concentrare il tour per aree
geografiche, partendo dalla nostra sfera di mondo.
Organizzarci per stare molto attenti sia alla nostra
salute che a quella delle persone, dei nostri fan, che mai
vorremmo mettere a rischio. Fare meno concerti, credo.
Farli in zone più strategiche. Cercare di suonare in tutti
gli stati possibili, ma meno. Ridurre probabilmente
anche le nostre pretese economiche, cercare di spingere
di più sul merchandise per rientrare dei costi. Magari
pubblicare noi stessi piccole rarità da vendere. Io credo
e spero che questa situazione sia temporanea. Ma
dobbiamo necessariamente affrontarla per quello che è”.
BLUES PILLS
Aretha Franklin con i Led Zeppelin. O Tina Turner con i Grand
Funk. O, se non vogliamo essere banali, Candy Givens con Tommy
Bolin (gli Zephyr!). Proud Woman, che apre in modo squillante
l’album del ritorno dei Blues Pills, sembra più la terza opzione.
Mentre Dreaming My Life Away è decisamente più la prima.
Paragoni roboanti, ma necessari per far capire a quale livello di
deflagrante carica hard rock soul sia arrivata la band. Ma perché
ritorno? Perché con l’uscita del bretone Dorian Sorriaux e il
conseguente passaggio di Zack Anderson dal basso alla chitarra
il gruppo ha preso una nuova fisionomia. Per certi aspetti i Blues
Pills sono ritornati alle origini, quando la sezione ritmica dei Radio
Moscow, Zack Anderson e Corey Berry, staccatasi da Parker Griggs,
aveva formato con Elin e Dorian i Blues Pills. e c’era una tale
energia acid blues 60’s nell’aria da far tremare i polsi. Un’energia
che nell’ultimo album sembrava essere scemata in favore di un
TESTO DI M ARIO RUGGERI
Holy Moly! è uscito. Un passo è stato fatto. Ma il
vostro stato d’animo qual è?
“È strano. Abbiamo un entusiasmo diverso. Quasi più
riflessivo. A ogni uscita di un nostro disco corrispondeva
una intensità quasi adolescenziale nel voler fare le cose.
Scalpitavamo. Oggi è un po’ diverso. Le paure di tutti
sono diventate anche nostre. E quindi stiamo vivendo
una situazione quasi inedita. Sentimenti inediti. Voglia
di tornare a essere i Blues Pills, ma con tanta nebbia
davanti a noi e forse anche una grande nostalgia per
quello che ci sembra un passato remoto ma in realtà è
solo l’anno scorso. Questo ci sta toccando molto: il fatto
di aver quasi vissuto un salto temporale in avanti che ci
fa vedere ieri come se fosse un’era geologica fa. Credo sia
solo una questione di assestamento, ma al momento la
percepiamo così”.
E quindi, il prossimo disco dei Blues Pills sarà
più cupo o ancor più spirituale?
“Per come stanno le cose ora, potrebbe anche essere il
più diretto e incazzato di sempre. Abbiamo bisogno di
scrollarci dalle spalle tutto questo, sia come esseri umani
che come artisti, e credo che il rock diretto sia una
terapia perfetta. Non lo so: è uno spunto interessante.
Non ho ancora immaginato i Blues Pills in studio a
registrare, non so che reazione potremmo avere, ma sarà
sicuramente interessante”.
HOLY MOLY!
NUCLEAR BLAST
approccio più soft soul, dai blandi riverberi psichedelici. Ma che ora
torna ad esplodere. Irrefrenabile. I due pezzi iniziali, come detto,
sono micidiali. E non sarebbero stati così feroci, tumultuosi e torridi
se non ci fosse stata quella selvaggia di Elin a “guidarli”. Tutto il
nuovo album è conciso, coeso, equilibrato. All’inizio citavo Tommy
Bolin e Candy Givens: California sembra una canzone del repertorio
degli Zephyr del 1971, R&B supersonico con vocalizzi isterici alla
Joplin. Mentre una percussione afro rock tremendamente pulsante
e trascinante introduce e domina brani di fiammeggiante hard rock
soul come Kiss My Past Goodbye. Naturalmente non mancano gli
episodi più intimisti, se vogliamo usare un termine del genere, come
il R&B super sensuale di Dust e soprattutto la ballata spezzacuore
conclusiva, Wish I’d Know. Top.
CLAUDIO SORGE
84/100
RUMOREMAG.COM | 39
TESTO DI M AURO FENOGLIO

TERRITORI
FOTO DI DAN ROCHA

LONDINESI
amon Albarn abita a Westbourne Grove, l’arteria
principale per raggiungere l’area di Notting Hill. La
canzone You & Me, episodio centrale del suo primo
album solista del 2014, è una riflessione privata,
che si svolge nei giorni d’agosto immediatamente
successivi all’annuale carnevale caraibico che
si tiene nell’area fin dagli anni 60. Una sorta di
canzone apocalittica post carnevale, come la
definisce l’autore stesso. Un lungo bilancio con sé
stesso che tocca affetti famigliari, convivenza con
la droga ed evoluzione creativa, spalmandosi su un
tappeto di ritmi narcolettici e pigra melancolia. Un
immaginario che unisce depressioni occidentali e
suggestioni terzomondiste, muovendo da una realtà
urbana che si nasconde fra le righe. In un disco dalla
modernità quasi artigianale, intimo ma globalista. I
due piani di lettura di una tipica storia londinese.

Perché se la mitologia di Londra è concetto

consolidato, più sfuggente è il suo apparire come

RUMOREMAG.COM | 41
 TERRITORI LONDINESI
U N A C I T TÀ C H E C O N T I N U A A V I V E-
R E S U D U E P I A N I PA R A L L E L I . D A U N A
PA R T E C R O C E V I A I N E V I TA B I L E E P R A -
T I C O P E R TA N T I A R T I S T I C H E A M B I S C O -
NO A MISURARSI CON UN CONTESTO
P I Ù G R A N D E E N E C E S S I TA N O D I U N A
P I AT TA F O R M A C H E L I E S P O N G A A U N
N U M E R O M A G G I O R E D I C O N TAT T I .
D A L L’ A LT R A , U N U N I V E R S O D ’ I M M A G I -
N A R I O S F U G G E N T E E S O T T E R R A N E O,
CHE CONTINUA A NUTRIRE LE MUSICHE
RECENTI E IL FUTURO PROSSIMO
riferimento narrativo per rock e pop. Se altre
città cardine (prendiamo New York o Glasgow)
disseminano di spunti geografici e toponomastici
la (loro) storia della musica del ventesimo secolo,
determinando spesso interi percorsi artistici
con l’epica dei luoghi, il rapporto fra Londra e
i suoi autori mercuriali è meno lineare, meno
decodificabile. Certo, c’è una città del qui e adesso,
lungo una strada maestra che unisce gli Who ai Clash,
passando per i Jam. Certo, la teoria del dub intrisa
nei morbidi ritmi caraibici importati dalla Giamaica
ha fatto da piattaforma alle sublimi contaminazioni
fra militanza e divertimento dei Madness. Ma anche
la risposta londinese al vento di rottura del ’77 hai i
suoi due piani di lettura. Partendo, guarda caso, dal
gesto situazionista di un ex studente di scuola d’arte.
Quel Malcom McLaren che s’inventa i Sex Pistols
partendo dal negozio d’abbigliamento della sua
fidanzata d’allora, Vivianne Westwood. Qui e adesso,
sicuro, ma anche avanguardia e burla. Una tipica
storia londinese. Già, proprio il dub che il bassista
LONDON FIELDS 10 TITOLI PER UNA GEOGRAFIA IMM AGINIFICA DELL A CIT TÀ
SCOTT WALKER SYD BARRETT
SCOTT 4 THE MADCAP LAUGHS
(PHILIPS, 1969) (HARVEST, 1970)
42 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
Jah Wobble ruba dalle basi ritmiche del Metal
Box dei PIL per imbastire il suo esordio nel 1980.
Finirà a urlare ai passanti “Ero qualcuno, ripeto, ero
qualcuno” dagli altoparlanti della fermata di Tower
Hill della metropolitana. Altra disgraziata storia
londinese.
Nel 2008 “Uncut” pubblica uno studio che rivela
come i londinesi prediligano musica che non superi
le 90 battute al minuto, contro le 150 di Manchester
o Liverpool. I dati mostrano come Londra consumi
in media più jazz, classica e hip hop del resto del
Regno Unito. Con 8.8 milioni di abitanti e il 37% di
costoro non nati in Inghilterra, la capitale del regno
conferma la sua natura fortemente meticcia, aperta
alla contaminazione e all’abbraccio delle musiche
strane che vengono da Caraibi, Pakistan, Turchia,
Bangladesh o Nigeria. L’oceano di suono, per dirla
con un altro illustre londinese poco allineato, David
Toop. Un modo di sentire la musica che, dal tempo
dei menestrelli su Tottenham Court Road “non
esiste solo nelle orecchie, ma anche nelle menti e
nel ricordo dei suoi abitanti”. E allora c’è una storia
musicale sotterranea della città, che si sviluppa
attraverso protagonisti inusuali e dischi che nascono
come cesure per poi diventare strane pietre miliari.
Per cominciare, se esiste un immaginario della
Swinging London anni 60, intesa come grandiosità
gotica e aristocratica insieme, fra il realismo kitchen
sink britannico, le stanze d’albergo con le carte da
parati arabescate e le cofane di capelli che dondolano
per strada, il merito è di un londinese d’adozione
venuto con i suoi compagni d’avventura dal lontano
Ohio. Quello Scott Walker che suggerà la malinconia
d’archi e ottoni d’Albione, avvolgendola in un nuovo
wall of sound, prima di disintegrarsi con le sue ansie
della fine degli anni 60 e riemergere come Orfeo
dopo la visita agli inferi, un decennio dopo. La sua
Montague Terrace (In Blue) esiste (come luogo)
nella realtà fisica di Londra, ma vive nella letteratura
dell’incontro fra due anime. La sua The Sun Ain’t
DAVID BOWIE JAH WOBBLE KATE BUSH
THE RISE AND FALL OF ZIGGY THE LEGEND LIVES ON... HOUNDS OF LOVE
STARDUST AND THE SPIDERS JAH WOBBLE IN BETRAYAL (EMI, 1985)
FROM MARS (VIRGIN, 1980)
(RCA VICTOR, 1972)
 TERRITORI LONDINESI
Gonna Shine (Anymore) risuonava nel jukebox in un
pub di Whitechapel quando il gangster Ronnie Kray
uccise il rivale di gang George Cornell. Pallottole che
volano, gonfiore d’archi, echi di Sibelius e cinema
d’essai. Cronaca e avanguardia che animano il
romanzo dell’altra Londra. Che è una storia di dischi
come fine e nuovo inizio. Come l’uscita di scena
sghemba del londinese d’adozione Syd Barrett, che
fa di tutto (inconsciamente) per sabotare il proprio
esordio The Madcap Laughs, fra voci d’ambiente
e falsi inizi registrati in presa diretta, inciampi
acustici come prematura nascita del lo-fi. Salutando
la compagnia psichedelica (e i Soft Machine che
avevano provato a partecipare ad alcune delle
session) nel 1970, da vecchio (non ancora) diamante
pazzo. O come il timido londinese di Tottenham Mark
Hollis, che lascia al mondo il disco più intimo di
sempre, una università del silenzio e della rimozione
come motore di essenza intima della melodia, nel
1998.
Tipiche storie londinesi, in cui il piano della
comunicatività pop viene trasfigurato dall’ansia
non negoziabile della purezza creativa. Ed è ancora
la parola arte che aleggia sotto la volta celeste del
Planetarium di Londra nel settembre 1985, quando
Kate Bush presenta con un gioco di laser e luci il
suo Hounds Of Love, che diventerà riferimento
ineludibile, da allora, per chiunque voglia ambire
all’Olimpo dell’art pop. Un disco partorito fra le mura
accoglienti dello studio casalingo di Wickam Farm, al
riparo del caos di South London, tra lavoro febbrile
e pasticcini con tè serviti dalla mamma. Un’oasi
dove creare quel miracolo di gighe ancestrali, fiabe
nordiche e Fairlight, per rispondere alle delusioni
del precedente (e poco compreso) The Dreaming. In
una città che continua a vivere su due piani paralleli.
Da una parte crocevia inevitabile e pratico per tanti
artisti che ambiscono a misurarsi con un contesto
più grande e necessitano di una piattaforma che li
esponga a un numero maggiore di contatti. Dall’altra,
un universo d’immaginario sfuggente e sotterraneo,
THE THE MARK HOLLIS KING KRULE
MIND BOMB MARK HOLLIS 6 FEET BENEATH THE MOON
(EPIC, 1989) (POLYDOR, 1998) (XL, 2013)
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
che continua a nutrire le musiche recenti e il futuro
prossimo. Dai paesaggi di pioggia sintetica notturna
di Burial alla precarietà vaporosa e ipnagogica di
Dean Blunt, allo sguardo delle persone per strada
di Kate Tempest. Mentre la città reale continua
a cambiare, fagocitata da una gentrificazione
incessante, che dagli anni di Blair e della Cool
Britannia non concede sconti ai nostalgici, il piano
astrale della suggestione ribolle continuamente.
Attraverso le voci della nuova Londra, cosmopolita,
aperta alla contaminazione, autoironica e geniale.
Che si chiamino Ethan P. Flynn, Jockstrap,
Vegyn, J Paul. Materializzandosi in enclavi di
sperimentazione, come il coraggioso Cafe Oto fondato
da Amish Dunbar e Keiko Yamamoto, a East London
(nel quartiere hipster di Dalston, per la precisione),
punto d’incontro della comunità off britannica (che
siano Robert Wyatt o David Toop) e casa rifugio per
l’ombroso Daniel Blumberg.
Una città unica, che esplode in una molteplicità di
chiavi di lettura. Proprio come nel romanzo noir
fantascientifico The London Fields di Martin Amis,
pubblicato nel 1989: Londra è una sorta di Arcadia
ideale all’interno di centro urbano. Dove i citati
campi non esistono come oasi verdi reali, ma sono
simbolici campi di forza, d’attrazione e repulsione,
che muovono le azioni dei personaggi del libro.
Geografia reale della città e descrizione dei luoghi
in continuo enigmatico conflitto. Come in You & Me
di Damon Albarn, in cui l’eco di una festa si scioglie
nell’amarezza di una riflessione sulla propria vita.
Come nel viaggio di Scott Walker, salutato con le
parole di Albert Camus, nella retrocopertina del suo
ultimo (incompreso) album prima di sparire con il
decennio d’oro, Scott 4. “Il lavoro di un uomo non è
altro che un lento viaggio per riscoprire, attraverso
le deviazioni dell’arte, quelle due o tre immagini
semplici e immense la cui sola presenza gli ha aperto
il cuore per la prima volta”. L’arte come la città:
eternamente su due piani, fra comunicatività e
avanguardia.
DAMON ALBARN DEAN BLUNT
EVERYDAY ROBOTS BLACK METAL
(PARLOPHONE, 2014) (ROUGH TRADE, 2014)
RUMOREMAG.COM | 43
LA ZONA FRANCA
DELLA MELODIA IMPROVVISA
DANIEL
BLUMBERG
“Non è necessario chiedersi dove inizi o finisca
una canzone”. Queste le parole di David Toop che
accompagnano il nuovo disco di Daniel Blumberg,
On&On. Perché la materia che il cantautore londinese
ricama per il seguito dello stupefacente Minus è
fatta di melodie che nascono e muoiono, partendo
dalla cospirazione ragionata di strumenti e rumori.
Circondato dalla stessa comunità di musicisti che lo
avevano accompagnato per il disco precedente, con la
guida sapiente di Peter Walsh (lo storico produttore
dei più avventurosi album di Scott Walker), Daniel
Blumberg abita quella zona franca fra melodia e
avanguardia, nutrendosi continuamente di opposti. La
solitudine e la collaborazione come sorgente creativa,
il silenzio e il rumore, la dissonanza e l’armonia. Il suo
set in streaming al Cafe Oto il 17 Marzo, mentre le nubi
orrorifiche della pandemia iniziavano ad abbattersi
sull’Occidente, è manifesto d’intensità assoluta. Da
solo, con un cappellino a proteggersi dagli occhi della
TAG: #melodia #ripetizione #comunita #lentezza #motocicletta
telecamera, circondato da candele, luci soffuse e
silenzio apocalittico. Canzoni che iniziano e finiscono
improvvisamente. La ricerca del minimo eco con mani
e bacchette, sul corpo inerme di un pianoforte, per una
Permanent resa a cappella, per necessità e progetto. Si
alza, disegna su un tavolo, suona, si ferma e riprende.
Intorno, il silenzio, come se la fine (qualunque essa
sia) fosse già avvenuta, là fuori. E quel mantra recitato
come un amuleto e ripreso più volte, alla chitarra
prima e al pianoforte poi. L’architrave delle ragioni
di On&On. “Porta un uomo fuori a passeggiare,
tenendogli la mano, alcuni hanno secondi pensieri,
altri capiranno, non ho chiesto nulla, non volevo
chiedere, perché’ mi aspettavo che l’amore andasse
avanti, e avanti, e avanti…”. Come la prima volta che
l’ho intervistato, le risposte sono un flusso irregolare
di silenzi, ripensamenti, tentativi e scuse, da cui far
emergere concetti, pensieri, possibili spiegazioni (non
necessarie, alla fine). Avrei voluto chiedergli di quanto
ONLINE: sites.google.com/site/boiledeggink
 TERRITORI LONDINESI DANIEL BLUMBERG
ci siano i Gastr Del sol dietro a quel miracolo di Bound.
Ci ha pensato a darmi lui l’indizio, dal nulla. La prima
volta si sentivano ottoni che si accordavano come
sottofondo alla nostra conversazione. Qui, ad un certo
punto, mi è sembrato di sentire voci di bambini che
giocano lontani. Forse. In una zona franca fra melodia
e rumore.
Per il nuovo disco hai lavorato con lo stesso
gruppo di musicisti del precedente Minus.
Quali sono le differenze fra i due album?
“Direi che per On&On abbiamo sviluppato
ulteriormente le idee di Minus, arrivando a un
risultato più costruito. Abbiamo lavorato tanto
in studio con Pete Walsh per farlo progredire
tecnicamente. Pete ha preparato alcuni elementi di
base che ci sono serviti durante il processo. È stato
molto eccitante”.
On&On è quasi un mantra, che porti avanti
lungo quattro tracce del disco. Che idea c’è
dietro?
“Scusami se sono un po’ lento. Registrare un disco
porta via mesi e, una volta finito, già pensi al progetto
successivo. Dopo Minus abbiamo iniziato a suonare
molto di più dal vivo. Per i nostri show ci piace non
avere un piano o una scaletta precostituita. Preferiamo
sorprenderci di quello che succede. Così ci siamo
trovati a riprendere canzoni che finivamo per suonare
di continuo. Poteva capitare che finissimo una
canzone e la ricominciassimo da capo. In particolare
mi sono fissato su quella che sarebbe diventata
On&On. Si possono scrivere canzoni tradizionalmente
strutturate, dove gli stessi accordi finiscono per
ripetersi all’infinito. Con On&On è successo questo.
Poi c’è il fatto che a volte ascolti una canzone e ti
viene subito voglia di rimetterla su. È una cosa che
non succede con i libri, quando li leggi. Una canzone
invece ti può incoraggiare ad ascoltarla ancora.
Poi il concetto di ripetizione è parte integrante del
modo in cui compongo e del modo di suonare di
alcuni dei musicisti con cui lavoro. Per esempio, Ute
Kanngiesser, che suona il violoncello in modo così
intenso nel disco. In buona sostanza sono un fautore
delle tecniche di ripetizione. Anche quando ripeti una
parola per cinque volte, la sesta suonerà differente. È
qualcosa che non pianifichi a tavolino, ma viene fuori
in modo istintivo”.
Il mio collega Maurizio Blatto, recensendo
On&On, ha citato Jeff Buckley. Ti riconosci
in qualche modo nel suo bilanciamento di
asperità e melodia?
“Certo. È una dicotomia che ho imparato a controllare
sempre di più. Quando suoniamo dal vivo è
sorprendente vedere la reazione delle persone. Chi
è abituato alla melodia resta spiazzato da un set
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
«D O P O M I N U S A B B I A M O I N I Z I ATO A
S U O N A R E M O LT O D I P I Ù D A L V I V O .
PER I NOSTRI SHOW CI PIACE NON
AV E R E U N P I A N O O U N A S C A L E T TA
P R E C O S T I T U I T A . P R E F E R I A M O S O R-
PRENDERCI DI QUELLO CHE SUCCEDE.
C O S Ì C I S I A M O T R O VAT I A R I P R E N D E R E
C A N Z O N I C H E F I N I VA M O P E R S U O N A-
R E D I C O N T I N U O. P OT E VA C A P I TA R E
CHE FINISSIMO UNA CANZONE E LA
RICOMINCIASSIMO DA CAPO»
più rumoroso o strumentale. Altri, che affrontano
la musica da una angolatura diversa, mi ascoltano
cantare su una linea melodica e si chiedono dove sono
finiti. Trovo la tensione che si crea nei set dal vivo
molto interessante e non ho paura ad affrontarla. È
qualcosa a cui sono preparato, lavorando da tempo
con musicisti che hanno poco a che fare con il
cantautorato. Ne ho anche parlato molto con David
Grubbs, con cui sto lavorando a un nuovo progetto.
Resta un enigma interessante”.
Come per Minus, e forse anche di più, lo studio
e i rumori d’ambiente sembrano rivestire
un ruolo importante nella resa finale delle
composizioni.
“Pete Walsh è un produttore incredibile. Il suo modo
di registrare mi ricorda molto il set up per la musica
classica, quando viene registrata per la televisione.
Estremamente trasparente e pulita nei segnali e nella
risoluzione. Per cercare di catturarne tutto il volume.
Ci sono musicisti, nell’ensemble con cui lavoro, che
hanno bisogno di più spazio e sottolineatura, come
Tom Wheatley e il suo contrabbasso. Il lavoro di
Pete ne amplifica perfettamente il suono. C’è molto
controllo ed organizzazione nel modo in cui registra.
Ad esempio riusciamo a registrare per tre ore di
seguito senza fermarci. Anche perché, con me, la
registrazione deve essere in presa diretta, faccio fatica
a interrompermi e poi riprendere in seguito. Con Pete
riesco a lavorare anche su questi dettagli operativi”.
Quanto la tua attività improvvisativa influenza
la tua narrativa cantautorale?
“Il progetto GUO è un legame molto importante per
me. Seymour Wright (sassofonista di GUO, nda) è
una persona con cui discuto anche di come registrare.
I miei dischi di canzoni sono (ovviamente) diversi,
RUMOREMAG.COM | 45
 TERRITORI LONDINESI DANIEL BLUMBERG
« A U N C E R T O P U N T O D E L L A M I A V I TA
H O L A S C I AT O P E R D E R E L E C A N Z O N I .
SENTIVO DI ESSERE TROPPO PREVEDI-
BILE QUANDO SCRIVEVO UNA LINEA
MELODICA. DOVEVO DISCUTERNE
C O N M E S T E S S O. E R A C O M E M E T T E R S I
I N B A R C A V E L A D A S O L I . P O I , A L L’ I M -
P R O V V I S O, H O A S C O LTAT O U N A M I A
C A N Z O N E E D È S TAT O C O M E U N O
SCHIAFFO IN FACCIA. SENTIVO CHE
E R A U N A C O S A M O LT O P O T E N T E , C H E
POTEVO CERCARE DI RAZIONALIZZARE
I N M O D O D I V E R S O. C O S Ì H O R I P R E S O
A SCRIVERE CANZONI, SEMPLICEMENTE
P E R C H É E R O D I N U O V O A M I O A G I O. »
ma queste collaborazioni sono semplicemente cose
che devono accadere. Cosi come la mia attività
visuale. Chiaramente lavoro meno con la chitarra in
questo tipo di collaborazioni. Un’altra è quella con
Elvin Brandi (che è intervenuta vocalmente anche in
On&On) sotto la sigla BAKH. Pura improvvisazione
vocale”.
Ho letto in una tua vecchia intervista che la
scoperta di Smog è stato uno dei motori del tuo
cambio di direzione musicale. È così?
“Onestamente non mi ricordo quando l’ho detto. Forse
lo ha detto qualcun altro. Comunque Bill Callahan è
un autore molto importante. Non posso dire di aver
ascoltato sue canzoni recenti. Sono legato alle sue cose
più classiche. Dovresti suonarmi qualcosa per farmelo
ricordare (e accenna a due strofe, probabilmente da
canzoni di Smog, che non riusciamo a individuare, nda)”.
A distanza di anni, hai ripensato alle ragioni
che ti hanno portato ad abbandonare la tua
carriera precedente con gli Yuck?
“Prima del lockdown ho lavorato per sette mesi a una
colonna sonora. È stato un progetto coinvolgente.
Con molti artisti che amo, e Pete Walsh. C’è questo
progetto e poi il disco che ho appena pubblicato.
Sono molto contento del modo in cui lavoro oggi, lo
trovo ideale per me. Credo che il passato faccia parte
della mia evoluzione e dell’educazione che mi ha
portato a fare qualcosa di nuovo con la forma canzone.
Lavorare contemporaneamente con le canzoni e per i
film mi permette di ampliare la mia visione. Scrivere
46 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
solo canzoni brevi, come avveniva in passato, mi ha
permesso di muovere i primi passi con un linguaggio
che in realtà sto esplorando nel profondo solo ora.
Oggi sono molto più critico”.
Parliamo della colonna sonora di The World
To Come di Mona Fastvold. Come è stato
lavorarci?
“È stata la mia vera prima esperienza con la musica
per il cinema. Lavorare per altri ti impone di darti una
disciplina per creare qualcosa che s’incastri nell’idea
che ha l’altro autore. È un processo molto diverso da
quello dei miei dischi. Dovrebbero presentare il film al
prossimo festival di Venezia, credo”.
Quanto è importante la comunità off del Cafe
Oto per il tuo approccio alla musica?
“Grazie a Oto ho potuto incontrare musicisti
straordinari come Billy (Steiger), Jim (White) o Tom
(Wheatley). Ti faccio un esempio di cos’è quel posto.
Il live stream che ho fatto a marzo doveva essere
originariamente un concerto. Avrei suonato insieme
ad altri musicisti. La mattina del concerto mi dicono
che uno dei musicisti è ammalato. Viene cancellato
perché non si può far entrare il pubblico nel locale, e
decidiamo in fretta e furia di metter su l’evento che
è poi andato in onda. Il fonico di Oto si occupa di
mettere a punto lo streaming, David, un barista, porta
delle piccole telecamere che riprendono l’evento e
persino Peter Brötzmann arriva in bicicletta a dare una
mano. Grazie ad Amish (il fondatore di Oto, nda), in
poche ore organizziamo tutto. Solo in uno spazio del
genere possono succedere queste cose. Discutiamo, ci
troviamo, e cerchiamo di creare qualcosa. Poi, grazie
all’incredibile programma dal vivo, riesco ad avere
accesso a nuova musica. Io non colleziono dischi, non
ne posseggo nemmeno uno, per cui Oto è uno dei miei
accessi alla musica”.
Che influenza ha il posto in cui vivi, Londra,
sulla tua arte?
“Sono nato a Londra. Mi ritengo fortunato perché
sarebbe stato impossibile per me collaborare con
altri se fossi vissuto su una remota isola scozzese.
Poi posso andare al cinema sotto casa o a una
galleria d’arte. Essendo le interazioni con altri artisti
molto importanti per me, Londra è un posto molto
conveniente”.
Leggendo la nota d’accompagnamento a
On&On scritta da David Toop, mi colpisce
il riferimento a canzoni che “arrivano
e fuggono”. Melodie che vengono fuori
improvvisamente fra i rumori d’ambiente. Ce
ne parli?
“Devo tornare indietro e rispondere alla tua domanda
su Jeff Buckley. A un certo punto della mia vita ho
lasciato perdere le canzoni. Sentivo di essere troppo
prevedibile quando scrivevo una linea melodica.
Dovevo discuterne con me stesso. Era come mettersi
in barca vela da soli. Poi, all’improvviso, ho ascoltato
una mia canzone ed è stato come uno schiaffo in
faccia. Sentivo che era una cosa molto potente, che
potevo cercare di razionalizzare in modo diverso.
Così ho ripreso a scrivere canzoni, semplicemente
perché ero di nuovo a mio agio. Bound è un pezzo
con un’andatura fissa ma strutturata. Non ho avuto
bisogno di lavorarci molto intorno. Sai, a volte una
canzone può essere troppo corta o troppo lunga,
ma con Bound semplicemente abbiamo provato a
renderla irresistibile. Come quando inizi ad annuire,
muovendo su e giù la testa in riferimento a qualcosa
che senti e istintivamente riconosci. È qualcosa che ho
imparato scrivendo canzoni. Poi, è chiaro, se annuisci
per un’ora poi ti stanchi. C’è sempre la necessità di un
bilanciamento”.
C’e poi Teethgritter, la tua canzone (diciamo)
più tradizionale. Una sorta di “new wave of Bob
Dylan” (sento che accenna una risata, nda).
Parlando di Dylan, avete in comune l’amore per
le motociclette. Un’incidente sulla motocicletta
aprì una nuova fase nella carriera di Bob. Cos’è
per te la motocicletta?
“Non posso dire di essere un grande fan di Bob Dylan.
Ho intenzione di diventarlo un giorno o l’altro. Ho
mandato un SMS a Jim (White) perché ero convinto
ci fosse lui infilato in qualche modo tra i ritmi di
una delle nuove canzoni di Dylan, e trovavo la cosa
incredibile. La motocicletta per me è qualcosa di
relativamente nuovo. Non me n’è fregato nulla fino a
19 anni. Poi ho fatto una lezione di guida di un giorno
e mi son reso conto che avevo bisogno di novità.
Ne ho comprata una usata per 250 sterline e ho
incominciato a guidarla. Ora vado in giro per Londra e
un pieno mi costa come un mensile in metropolitana.
Probabilmente continuerò a guidarla finche non andrò
in bancarotta. Il problema è che vado molto piano e
tutti mi suonano il clacson. Sono certo che Dylan fosse
molto più veloce di me”.
La pandemia ha forzato le persone a ripensare
alla loro capacità di vivere isolati. Che cosa ha
rappresentato per te?
“È stato un momento strano per me, perché il
lockdown è arrivato nell’istante in cui avevamo appena
finito la colonna sonora per Mona. Sette mesi con le
stesse persone a registrare in presa diretta a casa mia.
Ero felice di buttarli tutti fuori dal mio appartamento.
Ero così stanco e pronto per una pausa. È molto
importante per me bilanciare l’attività collaborativa
con periodi in cui lavoro da solo. Certo, mi manca tutto
l’aspetto comunitario e non sono ancora riuscito a
rivedere tutti i miei amici. Speriamo che tutto questo
si risolva prima o poi”.
RUMOREMAG.COM | 47
L’OPERA STRUGGENTE
DI UN FORMIDABILE GENIO
ETHAN P.
FLYNN
A guardarlo al tramonto, sulla terrazza dell’edificio
che ospita gli uffici della Young Turks
a Londra, mentre passa un treno e gli astanti
sorseggiano l’aperitivo, con i suoi 18 anni
incoscienti in una polo a strisce e con un inguardabile
borsello, viene da chiedersi che cosa ci stia a fare lì,
insieme a talenti in erba come 1010 Benja SL e Lauren
Auder. Ma poi (per fortuna), parte la musica. Un
Beck appena uscito dal pub? Uno Sleaford Mods che
si lecca le ferite private col cuore in mano? Un erede
del Britpop che pasticcia con l’hip hop? Un avido
consumatore di cinema d’essai e colonne sonore?
Probabilmente un po’ di tutto questo. Sta di fatto che il
giovane Ethan è rimasto un tesoro nascosto per molti,
anche quando ha caricato il suo artigianale esordio
intitolato provocatoriamente B-Sides And Rarities su
Bandcamp. Neanche la giapponese (e lungimirante) Big
Love che lo ha stampato su supporto fisico all’inizio di
quest’anno, gridando al miracolo, è riuscita a stanarlo.
TAG: #postmoderno #produzione #hiphop #morricone #vecchio
48 | RUMOREMAG.COM
FOTO DI M A X WELL GR ANGER
Solo i più illuminati tra i nuovi musicisti londinesi
sapevano veramente chi fosse e quanto valesse. Da FKA
Twigs, a Slowthai, a Vegyn o alle nuove leve Jockstrap e
Black Country, New Road. Collaboratore, arrangiatore
e amico. Violino, clarinetto, sax, elettronica vintage e
strabordante talento nascosto dietro al rifugio del lato
B della musica ufficiale. Ma ora, forse, non più.
Ciao Ethan, dove sei?
“Su una spiaggia, nel Kent. Sto girando un video e ora
mi riposo dentro una grotta. Fuori c’è il sole. È molto
diverso da quando i Coldplay girarono il video di
Yellow”.
Non si trovano molte informazioni biografiche
sul tuo conto. Ci dici come è nata la tua
passione per la musica?
“Mia madre ha sempre ascoltato molta musica.
Nessuno nella mia famiglia suona degli strumenti, ma
ONLINE: ethanpflynn.bandcamp.com
 T E R R I T O R I L O N D I N E S I E T H A N P. F LY N N
ho imparato a suonare il violino a cinque anni. A sei ero
già sulla chitarra. Poi altri ancora, col tempo. Quando
ho iniziato a smanettare con il computer ho capito
che potevo registrare le cose che facevo e la mia vita è
cambiata. Potevo formattare le mie cose, che fino ad
allora tenevo scritte su vecchi libri. È stato allora che
ho iniziato a capire che cosa significasse produrre. Ho
iniziato a registrare sul computer di casa a 11 anni”.
Quindi prima è arrivato il violino e poi
l’elettronica?
“Si. Quando ho iniziato a suonare la chitarra elettrica
non sapevo ancora che cosa significasse registrare e
produrre. Pensavo che andare in studio volesse dire
semplicemente suonare. Per me ascoltare musica,
allora, era qualcosa di magico. La consapevolezza di
come poter sezionare i vari elementi è venuta dopo,
quando il computer mi ha fatto capire che cosa volesse
davvero dire produrre musica”.
Sembri in qualche modo affascinato dall’hip
hop.
“Da quando avevo 14 anni. Oggi la musica pop è
fondata sull’hip hop. Il rock riveste un ruolo sempre più
marginale. Ho scritto tantissima musica seguendo un
approccio hip hop. Anche per canzoni che non diresti
mai avere una base del genere. Uso drum machine e
lavoro con la mia musica, trattandola in un certo senso
come se fossero campioni da estrarre. Madlib, J Dilla, il
primo Kanye West sono stati di grande ispirazione per
me. Il modo in cui creavano canzoni a partire da altre
canzoni era qualcosa di completamente nuovo”.
Ho letto i titoli di una tua playlist che spazia
fra autori d’estrazione molto diversa.
Sparklehorse, Captain Beefheart, MF Doom.
Che cosa ti spinge ad ascoltare musica così
varia?
“Non c’è uno stile specifico che mi interessi più di
altri. Mi piace quando sento la persona che c’è dietro
la musica. Come con Sparklehorse. Il suo Good
Morning Spider è stato pubblicato quando sono
nato e mia madre lo adorava. Sicuramente si sentiva
sempre, a casa, quando ero un bebè. È così straziante e
meraviglioso. Alla fine tutti sono ispirati da qualcuno.
Captain Beefheart ha ispirato Tom Waits che ha
ispirato Sparklehorse. Quando ascolto MF Doom, ci
sento i campionamenti di It’s Gonna Rain o Come Out
di Steve Reich. Mi piace tracciare il lignaggio della
musica quando la ascolto”.
Ti sei iscritto alla Guildhall Music & Drama
School a Londra per abbandonare dopo un
anno. Che cosa ti ha lasciato quell’esperienza?
“In realtà mi sono iscritto lì per poter vivere a Londra.
All’inizio non avevo davvero voglia di imparare. Poi ho
appreso comunque molto. Ma volevo avere una base
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
«O G G I LO N D R A È L A C I T TÀ I N C U I
V I V O . M O LT O V I C I N O A L C E N T R O E A
T U T T E L E P E R S O N E C H E CO N O S CO.
SO COME MUOVERMI, COME PREN-
DERE UN AUTOBUS. QUANDO ARRIVI
I N C I T TÀ , L A E S P LO R I P E R L A P R I M A
V O LT A E L’ A N S I A S I N A S C O N D E D I E T R O
A O G N I A N G O L O . Q U E S T O È L’ A S P E T T O
CHE AMO DI PIÙ DELLA MIA MUSICA
PA S S ATA »
per vivere in città. Mi è servito anche perché avere
18 anni e troppo tempo a disposizione alla lunga può
schiacciarti. Ho incontrato lì tutti i miei migliori amici.
Lewis Ewans dei Black Country, New Road, Georgia
Ellery e Taylor Skye dei Jockstrap. Eravamo tutti
eccitati per il fatto di essere al primo anno di università
e abitavamo allo stesso indirizzo. Poi ho avuto la
percezione che mi stavo tirando indietro, e che dovevo
fare il salto, tuffarmi dove non si tocca per imparare a
nuotare. E allora ho incontrato quelli di Young Turks.
Comunque la Guildhall mi ha dato l’opportunità di
stare in mezzo a gente come me”.
Parlando di Jockstrap e Black Country, New
Road: tu collabori con molti artisti londinesi,
siamo di fronte a una nuova scena? Una
comunità creativa?
“Non nel senso che avrebbe avuto tempo fa. Oggi
Internet dà la possibilità ad ognuno di noi di interagire
con chiunque, in qualsiasi momento, istantaneamente.
Sono ancora in contatto con tutti i musicisti che ho
incontrato a Londra ma, anche se non pretendo di
parlare per tutti, ho la sensazione che ognuno porti
avanti le proprie cose, ognuno indipendentemente
dagli altri. Non esiste realmente un suono di Londra,
cosa che per me è rinfrescante”.
Hai militato in qualche band in passato?
“Avrei fatto fatica a svilupparmi come musicista senza
esser stato in qualche band. C’è un limite alle cose
che puoi fare in solitudine. Certo, non posso dirmi
particolarmente orgoglioso di quello che abbiamo
prodotto in quelle band. Ma i ricordi di quando hai 14
anni e suoni con altri sono bellissimi. La prima volta
che sei di fronte al pubblico. Non è come quando sei
a scuola e fai una recita o un concerto. In quel caso
non e per te, ma per i tuoi genitori e i tuoi insegnanti.
Però essere in una band è come un grande ‘vaffanculo’
RUMOREMAG.COM | 49

ETHAN P. FLYNN
B-SIDES & RARITIES: VOL. 1
YOUNG TURKS
Una cascata di percussioni
marziali e un coro in
autotune ipersaturo aprono
la scena alla voce di un
Bowie alticcio e triste,
dalla disperazione quasi
astrale, che veleggia su
una melodia da carillon
gamelan (se mai ne esista
uno) per spegnersi fra le
dissonanze di ottoni e piatti
in scivolamento. È la sintesi
di Are You Doing This To
Hurt Me, introduzione a
questa collezione d’istantanee di vita recente del mercuriale
giovane talento inglese. Insieme quasi per forza, visto che si
tratta di tracce che coprono almeno quattro anni di vita, e a
cui l’autore non riconosce la dignità concettuale di album.
Ma la qualità traboccante di queste seconde file sfugge alla
negazione del loro creatore. Che diventa (suo malgrado,
forse) veicolo capace di far riemergere dettagli della storia
della musica britannica, ricombinandoli meravigliosamente.
Che dire della pigra sfrontatezza quasi baggy di What You
Do To Me, che si fa una pinta al pub con gli Suede, l’exotica
cinematica di When I Taste The Pavement o il modernariato
di Looking Out For You che guarda la Swinging London dal
futuro. La sensazione è quella di una sorta di Beck d’Albione,
per la capacità di navigare fra tradizione (aristocratica, qui)
e schemi hip hop (Television Show è esemplare in questo
senso), nostalgia da tardo impero e modernità svagata. Sarà
l’incoscienza dei 21 anni, portati come uno arrivato per caso,
ma anche una maturità pronta a mettersi presto in gioco. Lo
spiritual ubriaco di Love Will Find A Way è ipotesi di pop per
viaggi interstellari, It’s Only Me un cadeau per Elvis Costello,
se mai si trovasse a corto d’idee, True una punteggiatura da
crooner al pianoforte d’alta scuola. Insomma, caro Ethan,
saranno pure B-sides, ma d’ora in poi sarà molto più difficile
continuare a prendersi poco sul serio.
85/100
50 | RUMOREMAG.COM
a tutti, perché fai parte di un gruppo e ti senti bene.
Certo, facevamo cover rock, io cercavo di spingere
sul lato più sperimentale mentre a tutti gli altri non
fregava nulla. Ma per un po’ ridurre la chitarra a
brandelli e urlare dentro al microfono è stata una
buona cosa”.
Quanto è importante Londra per la tua
musica?
“Gran parte delle canzoni che hai ascoltato su B Sides
non ha molto a che vedere con Londra. Ho vissuto
in una comunità rurale nel nord dell’Inghilterra
e quando mi sono trasferito in città per me si è
trattato di un cambiamento epocale. Credo che B
Sides fotografi quel momento. Non è stata Londra
a ispirarmi ma vivere in modo differente ha messo
in moto la mia creatività. Oggi Londra è la città in
cui vivo. Molto vicino al centro e a tutte le persone
che conosco. So come muovermi, come prendere un
autobus. Quando arrivi in città, la esplori per la prima
volta e l’ansia si nasconde dietro a ogni angolo. Questo
è l’aspetto che amo di più della mia musica passata”.
Dicci come è nata la tua collaborazione per
Magdalene di FKA Twigs
“L’ho conosciuta quando tutti noi di Young Turks
siamo andati a sentire Future nel 2017. Possedevo
già il suo LP1 e mi affascinava il suo lavoro. Ad inizio
dell’anno successivo mi ha invitato a scrivere con
lei. Non aveva ancora molti pezzi pronti allora. Ho
ascoltato Cellophane per la prima volta nel suo studio
una notte, circondato da candele, e sono rimasto
sbalordito. Credo che abbiamo scritto insieme Home
With You quella stessa notte. Ho suonato il piano e
ho arrangiato alcuni passaggi. Ero li a disposizione
nel caso avesse bisogno di aiuto, senza che io
proiettassi il mio ego sul progetto. Poi sono arrivati
altri grandissimi personaggi, tra cui Nicolas Jaar,
che apprezzo molto. Con Twigs siamo ancora amici e
pronti a lavorare di nuovo insieme”.
Il titolo del tuo debutto è una specie di
eufemismo consapevole o piuttosto l’indizio
che qualcosa di più grande deve ancora
arrivare?
“Mah, entrambe le cose, forse. Non volevo il classico
debut album a questo punto. Per me l’album è
qualcosa di necessariamente coerente da un punto di
vista sonoro. Con B Sides ho la percezione che si tratti
di frammenti di musica che appartengono alla mia vita
e di cui vado orgoglioso, ma che non rappresentano
necessariamente ciò che volevo fare solo perché ero
per conto mio. La musica di B Sides è molto datata.
La traccia più recente ha tre anni, quella più vecchia
sette. Voglio prenderne le distanze in modo che resti
qualcosa di genuino. Faccio ancora musica da solo, ma
ho più esperienza e fiducia”.
 T E R R I T O R I L O N D I N E S I E T H A N P. F LY N N
La tua performance live per Boiler Room ti
mostra come un mix di disperazione quasi
lisergica e di fragilità col cuore in mano. Ti ci
riconosci ancora?
“Quando ho fatto quel live non me ne fregava molto
di ciò che gli altri potessero pensare di me. Ho
conosciuto il mio attuale manager e i tipi di Young
Turks quella sera. Eravamo sul terrazzo, sopra gli
edifici dell’etichetta. Sapevo che era qualcosa di troppo
grande per me. Ero solo uno dei tre a cui era stato dato
quello spazio. Sono andato lì a mostrare quello che
avevo dentro, senza pensarci troppo su o senza che me
ne fregasse molto. Le canzoni erano così acerbe allora.
Eravamo a metà 2017. Non mangiavo nulla da ore ed
ero leggermente brillo. Ho deciso di abbracciare la
situazione e tirar fuori tutto. Nessuno sapeva chi fossi
e potevo permettermi di deludere qualcuno. Faccio
ancora cose del genere, ma meglio. Il menefreghismo è
sparito”.
Canzoni come When I Taste The Pavement
o Looking Out For You svelano un lato
cinematografico nei tuoi arrangiamenti.
Di certo saprai che abbiamo perso da poco
Ennio Morricone. Quei due pezzi me lo hanno
ricordato.
“Ennio, che riposi in pace. Credo che i registi, i
musicisti o i pittori facciamo lo stesso lavoro, in modo
diverso. Ho visto tutti i film di Sergio Leone quando
ero più piccolo e per me l’idea di musica di Morricone
è intimamente connessa all’idea di cinema. Non mi
vergogno a dire che è stato una delle mie più grandi
influenze”.
Cosa pensi del carattere onnivoro della musica
contemporanea? Una volta c’erano le chitarre
da una parte e l’elettronica dall’altra. Oggi non
è più cosi.
“Tutto è comunque elettronica oggi. Non esistono più
molti dischi realizzati senza l’aiuto di un computer. Mi
piacerebbe fare un disco che suoni come Neil Young o
Dylan, ma riproporrei qualcosa che già è stato creato,
e dai migliori. Posso suonare la chitarra, arrangiare e
scrivere una canzone in modo tradizionale, ma senza
un approccio che guardi oltre non riesco a essere
soddisfatto. Come ascoltatore non ho particolari
barriere, sempre che riesca a entrare nella testa di chi
ha composto la musica e capire quanto di lui (o lei) ci
sia nei suoni che ascolto”.
La solitudine sembra un ulteriore aspetto
distintivo della tua musica e dei tuoi testi.
Come hai reagito allo strano periodo che
abbiamo vissuto in questa prima parte del
2020?
“Sono tornato a casa dei miei con la mia fidanzata. Lei
ha finito il suo corso di arte e io ho scritto 13 canzoni
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
«CON B SIDES HO L A PERCEZIONE CHE
S I T R AT T I D I F R A M M E N T I D I M U S I C A
C H E A P PA R T E N G O N O A L L A M I A V I TA
E D I C U I VA D O O R G O G L I O S O, M A C H E
N O N R A P P R E S E N TA N O N E C E S S A R I A-
MENTE CIÒ CHE VOLEVO FARE SOLO
P E R C H É E R O P E R CO N TO M I O. L A M U-
S I C A D I B S I D E S È M O LT O D A T A T A . L A
TRACCIA PIÙ RECENTE HA TRE ANNI,
QUELLA PIÙ VECCHIA SETTE. VOGLIO
P R E N D E R N E L E D I S TA N Z E I N M O D O
CHE RESTI QUALCOSA DI GENUINO»
nuove. Non ho mai scritto così tanto in vita mia, anche
perché non sapevo che cos’altro fare. In realtà ho
un centinaio di canzoni finite, molte delle quali non
verranno mai pubblicate. Scrivo continuamente”.
It’s Only Me e True sembrano voler dire che
alla fine resta solo la verità, nuda e cruda. Ce ne
parli?
“Ho iniziato a prendere le distanze da quei testi, quasi
ancora prima di metterli giù. Anche perché essendo
giovane tendo a prediligere l’approccio postmoderno,
in grado di guardare tutto con una certa ironia. Con i
miei primi pezzi volevo dire che ‘tutto è reale’, proviene
dalla vita vera. It’s Only Me, in particolare, parla di
un’esperienza molto profonda, nella quale la persona
davanti a me, in quel momento, diceva, per l’appunto,
‘sono solo io e sono qui davanti a te’.
Pensi di suonare con una band di supporto in
futuro?
“Prima del lockdown ho fatto due concerti con una
piccola band. Per il futuro sono un po’ preoccupato,
perché l’esperienza non è così divertente come
immagino sia per molti. Per carità, mi piace stare su
un palco, ma trovo molto doloroso il dover ritornare a
essere una persona normale quando è tutto finito”.
Everybody’s Dying To Meet You è il primo
singolo di B Sides. E cita nel testo. Ci dici quali
sono il tuo personaggio preferito e il più odiato
della serie?
“Il mio preferito è Ned Stark. Mi è piaciuto il modo in
cui lo hanno ucciso, facendo capire a tutti che chiunque
poteva morire nella serie. Il più odiato è probabilmente
Daenerys Targaryen, per la sua spietatezza finale”.
RUMOREMAG.COM | 51
NON VENITEMI A CERCARE:
L’ENIGMA DI
KEATON
HENSON
L’elusività sta diventando un meccanismo
abbastanza comune nella musica contemporanea. Se
non ti butti a pesce nell’autopromozione convulsiva
e nel presenzialismo calibrato, finisci per scegliere
la strada opposta: il rifiuto di esserci e la scomparsa
da tutto e da tutti. Ne abbiamo già parlato in passato
su queste pagine e il dubbio che onnipresenza e
sparizione siano due facce di una stessa medaglia
dell’autopromozione postmoderna non si risolve.
La storia del londinese Keaton Henson rimane
comunque peculiare. La sua necessità di non esserci
per nessuno sembra muovere da basi più profonde
di quelle richieste da una posa astuta per costruire il
proprio mistero e affascinare il pubblico.
Poco più di 30 anni, figlio dell’attore inglese Nicky
Henson e della ballerina classica Marguerite Porter,
nasce illustratore e poeta, diventando cantautore
quasi per caso. “Mi considero uno scrittore. Credo
TAG: #elusivita #richmond #dear #epilogue #monument
52 | RUMOREMAG.COM
di averne i mezzi. Ma essere sul palco è una cosa
completamente diversa. Essere in una stanza piena di
persone… ho problemi a sostenere una conversazione
con un interlocutore”. Dalla sua casa a Richmond,
sobborgo a sud di Londra, compone alcuni pezzi per
chitarra minima e voce tremolante. Una collezione
di scuse, inadeguatezza alla vita e alla condivisione
sentimentale, imbarazzo, nuda e senza sconti. Un
amico lo convince a caricarle on line. Il DJ Zane Lowe
le ascolta e immediatamente le promuove.
Nel 2010 nasce così l’esordio Dear, diario intimo (a
dire poco) sull’impossibilità di stare al mondo, da soli
o insieme a un’anima gemella. L’autoflagellazione
che non chiede conforto, scusandosi con chi è stato
coinvolto, procede sulle note fragili e tese di una sei
corde e l’eco di una percussione improvvisata su una
credenza. La mente va ovviamente al Bon Iver nella
sua baita perduta fra I boschi del Wisconsin, che si
ONLINE: keatonhenson.com
 TERRITORI LONDINESI KEATON HENSON
lecca le ferite lasciate da Emma, Forever Ago. Ma qui
è tutto ancora più nudo, dimesso, emozionalmente
impacciato. Lo convincono a fare un piccolo tour
in alcuni musei inglesi e ci si accorge subito della
sua impossibilità di sostenersi su un palco. C’è
qualcosa di oscuramente medico nella sua ansia e
nella volontà di sparire senza avviso. Le parole della
cantautrice francese Soko, frequentata ai tempi di
Dear, (relazione intensa, fotografata in pezzi scritti
per l’altro da entrambi) sono eloquenti. “Ero pazza di
lui. Abbiamo passato un mese insieme, facendo piani
per sparire nei boschi, completandoci l’un l’altro.
Fra Londra e Parigi. E prima che io andassi in tour
mi ha detto che non poteva far parte della mia vita.
Doveva stare da solo, senza uscire di casa, e produrre
la sua arte. Non ha mai risposto alle mille lettere
d’amore che gli ho mandato. Adesso mi dedica le più
belle canzoni e i più bei poemi, facendo la vittima,
come se fossi stata io a spezzargli il cuore. Credo stia
scrivendo una tragedia sulla nostra storia d’amore
che lui ha deciso di rompere”. Vezzo d’artista dal
giovane cuore spezzato, portato all’estremo? Troppo
semplice da spiegare cosi.
C’è un dolore profondo, che non riesce a negoziare
con sentimenti in grado di trovare una strada per
sopravvivere alla routine della vita. E dire che nel
2013 hanno provato anche a impacchettarlo come
prodotto finito per imberbi anime tormentate,
portandolo a Los Angeles, facendogli registrare
Birthdays (secondo album), sotto l’egida muscolare
di Joe Chiccarelli. Lì la precarietà tenorile prova a
giocarsela su basi più elettriche e contestualizzate,
senza riuscire a ripetere l’intensità dell’esordio.
Per poi rifugiarsi nel tratto dei disegni di Gloaming
(ovvero “crepuscolo”), graphic novel disegnata
e pubblicata sempre nel 2013 e cosi descritta
dall’autore: “Uno studio sulle cose che non possiamo
vedere, un’ode ai sobborghi e a tutte le creature che
prendono vita dentro la loro mondanità”. Osservate
per anni dalla finestra del suo appartamento a
Richmond, che non vorrebbe abbandonare mai.
Da allora, un album di composizioni classiche
(Romantic Works) e un side project elettronico
(Behaving). Un terzo disco nel 2016, Kindly Now,
che torna parzialmente alle atmosfere del casalingo
esordio. E proprio quell’anno, in una delle rare
occasioni per vederlo su un palco, al Palladium
di Londra, introduce improvvisamente Epilogue,
pezzo enigmatico che sembra preannunciare al suo
addio definitivo alla carriera di cantautore. Lascia il
palco per riemergere col progetto di Six Lethargies,
una sinfonia minimale per orchestra. Creata in tre
anni come esame della malattia mentale, l’ansia
e il trauma che ne derivano. Per la sua prima
performance al Barbican, parte del pubblico viene
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
L A S TO R I A D E L LO N D I N E S E K E ATO N
HENSON RIMANE COMUNQUE PECU-
L I A R E . L A S U A N E C E S S I TÀ D I N O N E S-
S E R C I P E R N E S S U N O S E M B R A M U O V E-
RE DA BASI PIÙ PROFONDE DI QUELLE
R I C H I E S T E D A U N A P O S A A S T U TA P E R
COSTRUIRE IL PROPRIO MISTERO E AF-
FA S C I N A R E I L P U B B L I CO.
collegata a sensori in grado di misurare i livelli di
tensione nervosa che i vari movimenti della sinfonia
generano.
La sua malattia diventa oggetto d’indagine, senza che
nessuno dei suoi problemi venga veramente risolto.
Esausto, parte per il Canada, si dimentica di tutto
(anche di mangiare) rifugiandosi nella natura. Suo
padre sta morendo, le sue riflessioni private hanno
un nuovo oggetto doloroso per quello che diventerà
(prima o poi) il nuovo album: “È molto simile al
primo: una collezione di cose che voglio dire, di modo
che possa espellerle io stesso. Gli altri non devono
necessariamente ascoltarle. L’ho creato a casa,
per lo più da solo, in strane ore notturne e diurne.
Quando ne ho registrato la base, inaspettatamente un
incredibile gruppo di persone e venuto a sollevarmi
sulle proprie spalle e a elevare queste sensazioni non
dette a un livello sonoro ulteriore”.
Ontario (primo singolo del disco) è un perfetto
esempio di questo nuovo corso. Quel precario soffio
vocale che si erge su una melodia quasi tombale, con
i pochi elementi ad accompagnarla in un crescendo
dolce ma inesorabile. “Non è solo un disco che parla
di perdita e dolore, ma di come perdita e dolore
colorino il resto delle nostre vite. Come se il buio
della morte osservata a lungo, quando finalmente
distogli lo sguardo, ti facesse riscoprire il colore di
tutto ciò che ti circonda”. Un decennio di remissione
dei peccati non richiesta, di ansie e vulnerabilità mai
negoziate che sembrano trovare senso in uno spazio
nuovo. Dove ciò che è stato diventa un monumento
alla sofferenza finalmente cristallizzata (forse),
nel corpo di un uomo e di un artista dove trovano
una nuova maturità. Forse, appunto. Non ci è dato
sapere, oggi, quando il nuovo album (Monument
dovrebbe essere il titolo) vedrà la luce e se mai il
suo autore riuscirà finalmente a uscire dal proprio
mausoleo di solitudine.
RUMOREMAG.COM | 53
ARMAND HAMMER HANDLE THE FL AMING LIPS GERMS PRINCE ETUK UBONG

BOB MOULD
60

K A I R O N; I R S E ! B R AT FA R R A R L A Z Y E Y E S F L E E T WO O D M AC B O B DY L A N

R E C E N S I O N I
270 DISCH I TRAT TATI S ET TEMBRE 2020 ru m o re m a ga z i n e

MA NA AA.VV.

78 76

MERIDIAN BROTHERS AKSAK MABOUL ALESSANDRO CORTINI SIR LORD BALTIMORE

DISCO DEL MESE SETTEMBRE 2020
IL CALEIDOSCOPIO DEL NUOVO JAZZ
AA.VV.
KALEIDOSCOPE
NEW SPIRITS KNOWN & UNKNOWN
SOUL JAZZ
DOOR TO THE COSMOS
ON THE CORNER
Uno degli argomenti ricorrenti, parlando
della scena jazz emersa in Inghilterra
negli ultimi anni, è quello della sua stretta
connessione con il presente e i suoi
suoni, dell’attitudine aggiornata e senza
paraocchi con cui affronta un genere a
lungo identificato con la sola tradizione.
Allo stesso modo, una nuova generazione
56 | RUMOREMAG.COM
AA.VV.
di estrazione elettronica ha preso
confidenza con il lato più futurista del jazz
e le sue aperture esotiche, inglobandoli
in un contesto legato alla pista da ballo,
e giungendo da presupposti diversi a
conclusioni affini e complementari.
Uscite a poche settimane di distanza,
due raccolte apparentemente slegate - un
solo nome in comune, i Collocutor della
sassofonista Tamar Osborn - raccontano
proprio queste due facce della medaglia,
ma finiscono per lavorare al meglio
anche e soprattutto insieme, formando
un eccellente punto della situazione
collettivo. Kaleidoscope - New Spirits
Known & Unknown cita un album di
culto del 1969 (Spirits Known And
Unknown di Leon Thomas), e fotografa
nelle sue 21 tracce il panorama jazz
britannico dell’ultimo lustro (più Makaya
McCraven) con scelte non scontate.
Saltando i nomi più noti, pescando
fra autoproduzioni e piccole etichette,
sottolineando innanzitutto la forte etica
do it yourself della scena. Ma anche, si sa,
la sua varietà stilistica: c’è spazio per il
deep funk acido della Cromagnon Band e
le potenti vibrazioni caraibiche di Theon
Cross, l’umore spirituale di Nat Birchall e
Matthew Halsall, i groove stilosi di Chip
Wickham e Expansions, le arie fusion di
Tenderlonious e Levitation Orchestra,
DI ANDREA POMINI
l’originalità di Pokus, Emma-Jean
Thackray, Joe Armon-Jones e appunto
Collocutor. Tutto materiale edito, spesso
su titoli ormai difficili da reperire. Scelto
bene e raccolto con cura, fila che è un
piacere. Door To The Cosmos cita invece
un Sun Ra del 1979 (Door Of The Cosmos,
da Sleeping Beauty) e con le sue 24 tracce
quasi tutte inedite celebra il lavoro della
londinese On The Corner, nel nome
un altro omaggio significativo. “Call it
anything”, borbottò proprio Miles Davis
all’Isola di Wight dopo 38 minuti senza
interruzione, a chi gli chiese il titolo del
pezzo appena suonato. Ecco, chiamatelo
come volete, ma questo suono assomiglia
molto a ciò che i jazzisti suonerebbero
se arrivassero sulla Terra oggi. Mostra
la stessa attitudine, la stessa pulsione
avventurosa verso l’ignoto, seppur
costruendo su basi ben salde: le frange
più afrocentriche di techno e house, la
grande esperienza bass britannica, il jazz
elettrico dei ‘70, i ritmi e i sapori di varie
parti del mondo. E non solo dal Regno
Unito arrivano anche i suoi protagonisti,
molti dei quali al debutto, con il nostro
Khalab, i peruviani Dengue Dengue
Dengue, la tunisina Azu Tiwaline e i
cubani/iraniani Ariwo fra i migliori del
lotto.
82-82/100
RECENSIONI GLI ALBUM SETTEMBRE 2020
47SOUL
SEMITICS
COOKING VINYL
L’elettro rap radicale palestine-
se bussa per la terza volta nel
formato LP con un disco che
conquista al primo ascolto. Il
messaggio è forte, ma non di-
venta mai pretesto per appros-
simazioni in materia di produ-
zione. E la prospettiva è univer-
sale: la condizione del popolo
palestinese diventa chiave di
lettura per le tante discrimina-
zioni che impoveriscono il pia-
neta. Border Ctrl è bandiera di
questa visione: il muro di Bet-
lemme e quello messicano sem-
brano toccarsi sotto i colpi di un
beat poderoso, di un ritornello
soul arabo irresistibile e delle
taglienti rime latino mediorien-
tali. È la nuova Clandestino, cui
partecipano Shadia Mansour e
Fedzilla. Molto altro brilla nella
sabbia: la dilatata Arab Arab,
la refrigerante 47 Cocktail, il
levare di Lil Disco, l’incendiaria
Hold Your Ground.
PAOLO FERRARI
82/100
DANIEL AVERY
LOVE + LIGHT
PHANTASY
Dopo il lavoro con Alessandro
Cortini di inizio anno, concre-
tizzatosi nelle trame introspet-
tive di Illusion Of Time, Avery
chiude il 2020 con il suo terzo
album in proprio. Un lavoro
che lui stesso descrive come
composto da due metà ben
distinte ma intrecciate, vaga-
mente riconducibili - questo lo
aggiungiamo noi - ai suoi due
dischi precedenti. Una, quella
più o meno marcatamente tech/
house, al suo fantastico debutto
Drone Logic, del 2013 (si veda-
no Dusting For Smoke e Dream
Distortion ad esempio). L’altra,
quella morbida e sognante, alla
svolta ambient del successivo
Song For Alpha, del 2018. Con
netto sbilanciamento a favore di
quest’ultima, a dire il vero, tanto
che le cose più dritte e dance
paiono quasi fuori posto, senza
però che il resto riesca a coinvol-
gere fino in fondo.
ANDREA POMINI
70/100
AA.VV.
DOOM SESSIONS VOL.1, VOL.2
HEAVY PSYCH SOUNDS
Grande idea della HPS: una
nuova serie di split denominati
Doom Sessions, in cui si alterna-
no due band che fanno dello slu-
dge power il loro vessillo. Primo
volume: cominciano i Conan
con gli italiani Deadsmoke. I
Conan sono una forza tettonica
sradicante. La loro Beheaded
tracima oltre ogni argine. Fuzz
gargantuantico, bassi ultrater-
reni, lamenti dall’abisso. Post
doom, ormai, per alcuni versi
simile a certe cose che sta facen-
do uno come Adam Richardson.
Mentre i Deadsmoke sono, se
posso dir così, più umani. Non
diversissimi dai Conan. Forse
con un tocco sabbathico in più.
Dethroned Concrete è roman-
tica, pesante e scura come il
più inaccessibile degli Inferni.
Nell’altro volume, un po’ sotto-
tono gli Acid Mammoth; buoni i
1782, discepoli della scuola sab-
bathiana ortodossa.
CLAUDIO SORGE
78/100
BDRMM
BEDROOM
SONIC CATHEDRAL
È un periodo bello per gli
amanti della musica classificata
come post punk. Un “genere” in
cui si possono far rientrare tante
di quelle cose che è facile anche
considerarlo privo di significato,
o dare adito ai puristi di fare
le pulci a giudizi e paragoni
gridando alla lesa maestà ogni
volta che vengono tirati in
ballo i Joy Division, o i Fall o
qualsiasi altro esponente di un
glorioso passato che “non si può
replicare”. Ma va? Lasciamo
perdere i lamentosi e i teorici
della morte di tutto, quindi, e
mettiamo pure questo esordio
accanto al nuovo dei Fontaines
D.C. nella playlist degli ascolti
più goduriosi degli ultimi mesi,
ovviamente se a farci godere di
solito ci pensano Cure, Jesus
And Mary Chain, My Bloody Va-
lentine, DIIV, Beach House... La
camera da letto può essere un
bel posto dove passare l’estate.
LETIZIA BOGNANNI
80/100
ALL WE ARE
PROVIDENCE
DOMINO
C’è qualcosa di irresistibile nel
caleidoscopico mondo degli All
We Are. Saranno i synth sapien-
temente intrecciati con le ritmi-
che oppure gli incastri vocali;
che si tratti degli ammiccamenti
di Not Your Man o dell’elegan-
za quasi barocca dell’apertura
affidata a Providence, il trio sa
ormai maneggiare e miscelare
con sapienza suoni e dinamiche.
Per questo motivo il loro nuovo
disco è un piccolo compendio
di stati d’animo che alterna
momenti riflessivi (When You
Cry) a potenti brani dance dal
sapore rétro (il trittico finale).
Insomma, promossi a pieni voti
o, meglio: siamo di fronte a una
conferma che testimonia ancora
una volta quanto saper persona-
lizzare sound impressi nella me-
moria di tutti sia un complesso
equilibrio che non tutti riescono
a raggiungere, in pochissimi
sanno mantenere.
FERNANDO RENNIS
71/100
BIFFY CLYRO
A CELEBRATION OF ENDINGS
WARNER
Dove eravamo rimasti? Ah, sì,
all’album Ellipsis (2014) che
forse è meglio dimenticare. Ma
non ha senso piagnucolare ri-
pensando ai Biffy Clyro passati.
Certo, la via del rock FM con
voce iper filtrata e tutto stan-
dardizzato con l’occhio al pop
finto alternativo non è stato
il massimo. Con Tiny Indoor
Fireworks e Worst Type Of
Best Possible in qualche modo
si reinseriscono in binari a loro
più consoni allontanandosi da
quei suoni affini agli Imagine
Dragons. Meno interessanti le
incursioni pop ormai presenti
da anni, tipo Space o Instant
Story, classica traccia alt pop
che non aggiunge nulla al
gruppo scozzese. Cop Syrup
strizza l’occhio agli Incubus per
ricordarci che sanno ancora
scrivere quelle cose là. Provano
a rinnegare in parte Ellypsis
ma non basta.
NICHOLAS DAVID ALTEA
52/100
AUTOTELIA
/
ROCKET RECORDINGS
Autotelia è un termine psicologi-
co che indica il raggiungimento
della soddisfazione personale
nella ricerca di stimoli e scopi
all’interno di noi stessi, invece
che dall’esterno. Come a dire:
una variabile del solipsismo. Che
Demian Castellanos degli Oscil-
lation e Tom Relleen dei Tomaga
dicono di aver trovato nel loro
nuovo progetto, in cui riguada-
gnano la loro perduta libertà
creativa. Autotelia, appunto.
Un incrocio di nuove direzioni
kosmische psichedeliche. I due
sono una sorta di nuovi “fratelli
chimici”, ingegneri di un sound
dalle antiche eco Autobahn/
krafwerkiane, che passa da
mantra pinkfloydiani (Thinkin
Makes Is So, con uso chitarre)
e martella pesante, a tratti, un
po’ alla maniera dei neokrauti
inglesi Mugstar. Ritmica electro
e buchi neri post psichedelici.
CLAUDIO SORGE
79/100
BENJAMIN BIOLAY
GRAND PRIX
POLYDOR
A forza di dare per scontato che
Biolay sia il più grande autore
francese vivente, si finisce quasi
per sminuirne il talento. Ultimo
esempio questo GP, se in circo-
lazione si contano pochissimi ar-
tisti in grado di arrivare a quasi
20 anni dagli esordi al picco di
una carriera che conta opere
come Negatif (2003). In un ri-
torno in cui tutto viaggia al 110%
della concorrenza: lussurioso
negli arrangiamenti e morbidis-
simo nei giri funk, come ricco
di ammiccamenti (dal r’n’r di
Idéogrammes ai Pulp di Comme
Une Voiture Voléè) ma impecca-
bile nei toni da chansonnier di
brani come Ma Route. La solita
ombra del Serge nazionale?
Certo, ma neppure Gainsbourg
ha mai avuto il coraggio di ospi-
tare due ex fidanzate (Keren
Ann e Chiara Mastroianni) oltre
l’attuale (l’attrice Anais Demou-
stier) in un solo disco.
FRANCESCO VIGNANI
81/100
RUMOREMAG.COM | 57
 BLACK METEORIC STAR
DISCO
VOLUMINOUS ARTS
Gavilán Rayna Russom rispol-
vera il più technoide alias Black
Meteoric Star, per un’ode in
forma di triplo 12” alla discoteca
come catalizzatore di energie,
spazio di liberazione, mondo.
Quasi due ore di pompa sporca e
analogica, senza preoccupazioni
di forma o durata: 19 minuti di
linee funk sepolte da squarci ca-
vernosi e improvvisazioni (Fluid
Feline Forms), 12 di techno pop
e folate di tensione (Disorienting
Shapes), 15 di techno cosmica
e dissonante (I’m Unmelting),
BOB MOULD
nove di boogie con cantato sopra
le righe (Freaks Only, titolo per-
fetto). Più brevi ma altrettanto
efficaci l’electro sporca di acido
di A Charm Against The Evil
That Men Do, l’acido e basta di
Apparitions On A Dance Floor
BLUE HEARTS e Quincox, il delirio high energy
MERGE di Muscle Machine, la techno
distorta di Purr Attraxxxxion.
Difficile uscirne indenni.
Bob Mould è un personaggio ANDREA POMINI
più contraddittorio di 81/100
quel che si possa pensare.
L’entusiasmo del pubblico
per la sua fase più recente
(che da Silver Age a Blue
Hearts ha prodotto cinque
dischi in otto anni) ha
finito per dipingerlo come
una specie di nonnino
punk col barbone bianco
e il sorriso perennemente TIM BOWNESS
stampato in viso; all’atto LATE NIGHT LAMENTS
pratico parliamo di un
INSIDE OUT MUSIC
artista che, a dispetto di un Da 30 anni membro di quella
nome ingombrante e di una discografia incommensurabile,
schiera di eletti britannici che
si è opposto per 25 anni a ogni forma di reducismo hardcore.
hanno cercato una via possi-
La stessa ambiguità alla base dell’idea che uno dei principali
bile fra avanguardia, memorie
protagonisti del divorzio tra hardcore e politica stia bussando
progressive e pop sofisticato. In
oggi alla porta con il suo disco più inquieto e schierato di
coppia nei No-Man con Steven
sempre. Difficile imbastire un processo alle intenzioni, nel
Wilson (il loro Flowermouth
caso di specie. Le stagioni della vita sono quelle che sono, la
maturità costringe a far bilanci e rivedere certe inflessibilità, del 1994 è uno dei dischi più
ed è vero che Mould ha abbandonato ogni ambizione di ricerca sottovalutati di quel decennio) o
per accettare una cattedra da insegnante – di fatto la tracklist con i suoi lavori solisti successivi
di Blue Hearts contiene un’altra dozzina di declinazioni della (a partire dal brillante Flame) è
stessa canzone di Bob Mould. Ma è anche vero che l’alternative rimasto sempre fedele a quella
ha imboccato una direzione più flessibile, compromessa, narrazione. Il sesto disco a suo
smorzata e - nel complesso - noiosa, che quasi tutti abbiamo nome lo rilancia come autore,
imparato a riconoscere come normalità, e che gli stimoli al in grado di sposare eleganza
di fuori non sono più così tanti. In questo senso Blue Hearts compositiva con lirismo oscuro e
assolve almeno a un valore culturale: ci ricorda da dove cosciente dei tempi che viviamo.
veniamo, ci fa una sacrosanta ramanzina e ci assolve con un L’umbratile sussurro tenorile
bonario calcio nel culo. La miglior forma di boomerismo su insegue l’eco dei No-Man di
piazza: fosse rimasto qualche dubbio in merito al fatto che il I’m Better Now, sfiora l’algidità
“nuovo” Bob Mould ci sia o ci faccia, Blue Hearts risponde passionale di David Sylvian in
con la certezza incrollabile di un entusiasmo che nei momenti Darkline (con il sintetizzatore
migliori sembra farina del sacco di un gruppo di sbarbi. di Richard Barbieri), raggiunge
FRANCESCO FARABEGOLI una confidenzialità matura in
85/100 The Hitman Who Missed, per
tornare a convincere.
MAURO FENOGLIO
72/100
58 | RUMOREMAG.COM
BORIS
NO
SARGENT HOUSE
L’eterno ritorno dei Boris. Una
band che in tutta la sua carriera
ha esplorato e continua inesau-
sta a esplorare tutto l’esplorabi-
le del continente “metal”. E va
anche oltre. È come se volessero
ancora “imparare” qualcosa da
stili/attitudini del passato. E le
mostruose chitarre sono sempre
lì. Ogni volta è un ricombinare
vecchi elementi per ricreare
dall’interno qualcosa di nuovo e
inascoltato. Tutto e il contrario
di tutto: heavy metal, doom,
hardcore, black, shoegaze/
metal, noise, psych metal, emo
metal, ecc. Se Love Evil (per
la Third Man) era un festival
di squisite rasoiate e feedback
shoegaze, No ritorna al classico
metalcore (Anti-Gone), alter-
nato a bombastiche deiezioni
black/doom (Zarkalo). Sempre
tutto rimodellato dalla loro fine
e torturata sensibilità.
CLAUDIO SORGE
76/100
BRIGHT EYES
DOWN IN THE WEEDS,
WHERE THE WORLD ONCE WAS
DEAD OCEANS
E se, dopo aver (troppo?) cele-
brato l’enfant prodige e sbadi-
gliato di fronte all’adulto, ci tro-
vassimo solo ora davanti al Conor
Oberst vero e proprio? Due indizi
fanno una mezza prova, a som-
mare questo ritorno dopo quasi
un decennio dei Bright Eyes
all’ottimo Better Oblivion Com-
munity Center del 2019 in coppia
con Phoebe Bridgers. Non che
molto sia cambiato negli anni,
fra qualche ancheggiamento alla
Dylan, gli abboccamenti di routi-
ne col melò e la verbosità di uno
che probabilmente manda vocali
da sette minuti agli amici. Ma
questo è l’ex ragazzo di Omaha
in fondo, solo ora meno pudica-
mente pop e capace di ritmi più
sereni. Oltre che con la sicurezza
di uno che vicino al dimentica-
toio è già stato messo una volta e
un talento che, per quanto Oberst
ci provi, resta più forte di lui.
FRANCESCO VIGNANI
78/100
RECENSIONI GLI ALBUM SETTEMBRE 2020
BUZZARD BUZZARD
BUZZARD
NON-STOP
COMMUNION/CAROLINE
Quanto al fatto che i BBB siano
rétro, non ci piove: il meglio
pop glam del 1972/73. In primis
Marc Bolan, del quale l’apertura
del disco, Double Denim Hop,
ricorda in modo sfacciato Get
It On. Ma detto questo, pare
che i media inglesi, “Guardian”
in testa, abbiano accolto bene i
BBB, ed è strano perché di solito
non sono così teneri con i reviva-
listi. Questi ragazzi gallesi capi-
tanati dal carismatico Tom Rees
sono davvero bravi. Acchiappa-
no con le loro spartane melodie
rock’n’roll e quel gusto beat-
lesiano rock alla John Lennon
che è poi tipico dell’era glam,
quando appunto Lennon fece il
suo album e lo chiamò Rock And
Roll (vabbe’, erano tutte cover).
Long Day Free Day per dire è
una roba del genere. Così come
From Late Night City è un tipico
instrumental rock anni 50.
CLAUDIO SORGE
73/100
CRACK CLOUD
PAIN OLYMPICS
TIN ANGEL
Vero, un elenco telefonico di
generi è il modo più fastidioso
per iniziare una recensione. Ma
poco è difficile come riassume-
re un debutto da 29 minuti in
cui, dopo un avvio da Arcade
Fire post punk, il seguito pre-
vede elettronica kraut, Bowie
berlinese, disco DIY, Massi-
ve Attack in crisi di panico,
avanguardia hip hop e riff da
Human League riletti dai Devo.
Fermandoci ai riferimenti più
ovvi, oltretutto. Lasciando
così fuori una storia anche più
incredibile, con i sette (ma il
gruppo è a geometrie variabili)
a essere tutti ex tossicodipen-
denti impegnati nei centri
di recupero di Vancouver.
Una gioia per le orecchie, a
lasciargli tempo di crescere. E
un esempio di come suoni tanto
sfruttati possano essere ancora
tremendamente eccitanti, se
affrontati con una così feroce
voglia di riscatto.
FRANCESCO VIGNANI
77/100
BILL CALLAHAN
GOLD RECORD
DRAG CITY
Non materiale da disco d’oro,
ovviamente, al massimo ritmi
del genere se Shepherd..., ri-
torno del 2019 dopo sei anni di
assenza, dista appena 14 mesi da
questo GR. E mezzo anno luce
dal punto di vista sonoro, con le
strutture morbide ed elaborate
a cedere il passo al vecchio e più
austero Callahan in dieci pezzi
via via più asciutti. Spesso da
buona la prima e lasciati volu-
tamente abbozzati, ma l’umore
resta ottimo: “Hello, I’m Johnny
Cash”, scherza ad esempio in
apertura di disco (una Pigeons
modellata dalla chitarra di Matt
Sweeney), con il marito innamo-
rato a tornare nella rilettura di
Let’s Move To The Country e la
serenità di As I Wander in coda.
Lavoro che nasceva per accom-
pagnare il tour di quest’anno:
date inevitabilmente saltate, an-
damento ondivago da (discreto)
disco minore a rimanere.
FRANCESCO VIGNANI
73/100
DENNIS DEYOUNG
26 EAST: VOLUME 1
FRONTIERS
A Dennis DeYoung, che compie
oggi 50 anni di carriera, dob-
biamo molte cose. Negli anni
70 l’aver trovato un punto in
comune tra il prog rock, il musi-
cal di Broadway e il pomp rock
creando di fatto una matrice
sonora che, in America, resiste
ancor oggi. Se ne accorse Lloyd
Webber che lo volle coautore di
alcune musiche di Jesus Christ
Superstar. Dennis DeYoung
non ha mai smesso di suonare,
né rinunciato alla sua cifra
stilistica (a prescindere dal
successo di mercato) e 26 East:
Volume 1 ne è l’ennesima dimo-
strazione. Non è musica di un
tempo che fu: è musica sempli-
cemente senza tempo, in cui la
melodia sposa l’hard rock, che
si unisce all’enfasi musical, che
torna con grandeur alla forza
letterario/narrativa del prog
degli anni 70. Con un’eleganza
sostanziale che anche oggi ha
ben pochi eguali.
MARIO RUGGERI
77/100
PSYCH
PSYCH
RED MESA
THE PATH TO THE DEATHLESS
DESERT
Il paradosso dei Red Mesa è che hanno fatto un
ottimo disco, ma che è anche il loro limite. Cioè,
non sai se l’hanno fatto loro o… gli Obsessed, o
addirittura si tratti del ritorno degli Spirit Caravan.
Perché i brani più potenti e pregnanti di The Path
To The Deathless - puro fiammeggiante desert
stoner blues - sono proprio la title track e Desert Moon, lisergiche
preghiere sciamaniche cantate dalla voce cruda e così espressiva
di Dave Sherman, e il blues indiano di Disharmonious Unit, in cui
invece canta Wino. Praticamente i Red Mesa sono una backing band
per loro, Wino e Sherman, interpreti dalla personalità straripante.
Peraltro sono ben costruite e strutturate, le loro composizioni, e alla
fine il disco è fatto così ed è assolutamente un gran disco.
80/100
A CURA DI CLAUDIO SORGE
DARK FOG MONARCH
ESCAPE INTO ENOUGH IS ENOUGH
THE PSYCHEDELIC LANDSCAPE LIVE AT STEEL MILL
CARDINAL FUZZ AUTOPRODUZIONE
Un sound Ritornano gli
rumoroso, psiconauti di
ridondante, San Diego con
forse un po’ un live. Quattro
confuso. Fuzz tracce. Sempre
psichedelia sulla scia di certi
sulfurea, ribollente. Senza Allman Brothers, per sapori e
direzione, come dentro in calori southern ’70, ben espressi
un’oscura nebbia. Da cui il attraverso quel sound con
nome della band, presumo. chitarre armonizzate, e sempre
Sparsi momenti blues jazz inclini a certe fughe heavy
oscurati da flussi psichedelici psych confinanti con atmosfere
soffocanti (Link Celestial) si space prog. Sebbene ci sia a
amalgamano a incanti psych tratti, come dire, un po’ troppa
mediorientaleggianti. Se avete autoindulgenza “emotiva”, in
apprezzato i dischi di Aqua queste ficcanti melodie che si
Nebula Oscillator, Spacemen 3, espandono irrefrenabilmente.
Heads, i DF sono in questa scia. 72/100
70/100
DAVI RODRIGUEZ
DE LIMA BUFFALO FUZZ
FANTASMA VOL. II
SULATRON AUTOPRODUZIONE
Possibile un Arrivano dalla
Syd Barrett… turbolenta
anni 90? Mi Minneapolis.
immagino Ad ascoltarli
che, nel 1988, vengono in
un confuso mente i Golden
musicista di Seattle infatuato Grass, i migliori Black Keys
dal primo Barrett se ne sia con un’attitudine sleazy classic
uscito con un disco come rock anni 80 – cori levigati,
questo. Un sound sfilacciato una certa facilità di melodie – e
e narcotico, elettricamente anche i Picture Books per il
sconclusionato e isterico simbiotico rapporto a due tra
per molti versi, e talvolta chitarra, batteria e nient’altro.
sognante, teneramente I Buffalo Fuzz scrivono ottime
psichedelico (Neblina canzoni. Buffalo Stomp, ad
Rosa). Lui, Davi, è in realtà esempio, ispirata dal riff di una
un brasiliano solipsista vecchia canzone degli Spooky
trapiantato in Germania che Tooth, The Wrong Time.
parla di anime migranti. 78/100
74/100
RUMOREMAG.COM | 59
HIP HOP

HIP HOP

THE DEATH WHEELERS DISCLOSURE

DIVINE FILTH ENERGY
RIDING EASY ISLAND
ODDISEE
ODD CURE Essere una brava band stru- Dal precedente album Caracal
OUTER NOTE mentale non è impresa da tutti. sono trascorsi ben cinque anni,
Il rap di Oddisee non può prescindere da jazz, soul Dick Dale And The Arrows erano durante i quali i fratelli Lawren-
e funk, né da uno sguardo attento sulla società. dei fenomeni del post surf. Lo ce hanno continuato a pub-
Odd Cure lo ribadisce, prima riflettendo sugli Stati stesso Rudi Protrudi nella sua blicare singoli ed EP, come ad
Uniti odierni a partire dallo stravolgimento che incarnazione/omaggio a Link aggiustare progressivamente il
la pandemia ha innescato nel quotidiano (il disco Wray – Link Protrudi – era stra- tiro prima di trovare un nuovo
è nato durante un periodo di autoisolamento), ordinario. Per non parlare del equilibrio sonoro convincente.
e poi puntando sul soul come influenza più rilevante per sommo e originale Link Wray, È così che è nata la collabora-
valorizzare questi pensieri. È riduttivo parlare solo di rap dal quale tutto ebbe inizio. Eb- zione con Fatoumata Diawara,
perché, oltre alle parti cantate - anche in falsetto -, a introdurre bene, a vederli e a leggere quello che qui bissa nella splendida
le canzoni di Odd Cure ci sono vari skit in cui l’artista dialoga che si dice(va) di loro, novelli Douha (Mali Mali), ed è sotto
con i suoi cari trasmettendo una buona dose di serenità, quindi Surfisti Strumentali Metallici forma di singolo anonimo, a
le parole (davvero centrali nel disco) non sono affatto solo della Morte, ero più che eccitato “etichetta bianca”, che è uscita
rappate. Oddisee è semplicemente un musicista afroamericano dai Death Wheelers. Poi la delu- alcuni mesi fa la travolgente
contemporaneo. sione. Il primo disco, I Tread On title track, caratterizzata dalle
75/100 Your Grave, e ora questo sopho- parole del motivatore Eric Tho-
more. Puri poseurs tarantiniani mas. Fra gli 11 episodi di Ener-
A CURA DI LUCA GRICINELLA con una totale mancanza di gy è forte anche la presenza di
immaginazione. Brani tutti più o artisti hip hop, da un Mick Jen-
meno simili. Alla fine, solo noia. kins alle prese con la vellutata
LOGIC BLU & EXILE CLAUDIO SORGE UK Garage di Who Knew? al di-
NO PRESSURE MILES rompente Slowthai, che affianca
DEF JAM DIRTY SCIENCE
57/100
Aminé in My High, passando
Forte di un Dopo otto anni, per Common e la rediviva Kelis.
grande succes- Blu & Exile fir- E i fratelli? Sempre impeccabili.
so, spesso non mano un altro GIORGIO VALLETTA
supportato dalla disco insieme. 79/100
critica, Logic, Un doppio
a 30 anni, ha album com-
annunciato che questo è il suo posto da 20 brani che hanno
ultimo album, dando seguito come punto fermo l’omaggio
all’inflazione di questi procla- alle radici, a partire da attivisti
mi noiosamente definitivi. Tra e artisti ispiratori (vedi Roots
citazioni e omaggi (i più evo- Of Blue). Musicalmente spic-
cativi agli Outkast di Elevators cano i riferimenti al blues e,
e SpottieOttieDopaliscious), soprattutto, al jazz. Un disco
il disco scorre liscio, con una classico, d’altri tempi nel bene BOB DYLAN EZRA FEINBERG
certa uniformità di toni ma (deve sedimentare, non è usa ROUGH AND ROWDY WAYS RECUMBENT SPEECH
anche un livello medio che non e getta) e nel male (si poteva COLUMBIA RELATED STATES
soffre di cali. osare di più).
65/100 66/100 Raccontare in 800 battute il Già nei Citay e nella prima for-
disco di un premio Nobel che mazione dei Piano Magic, Fein-
come dice withmanianamente berg firma un secondo album al
CURREN$Y di se stesso “contiene moltitudi- passo coi tempi e con i loro corsi
& HARRY FRAUD LARTISTE ni”? Non proviamoci neanche. e ricorsi. Sdoganata la new age,
THE OUTRUNNERS COMME AVANT Non basterebbero neppure per il chitarrista e compositore sta-
JET LIFE ZAYN elencare il name dropping im- tunitense (con John McEntire
petuoso che scorre nelle canzo- alla batteria) la sfiora e anche
Quarto lavoro Di origine
ni. Di Rough And Rowdy Ways più in queste sei tracce lunghe
congiunto per marocchina,
Currenṩy e cresciuto nel (“modi rozzi e rissosi”, titolo iro- e avvolgenti, integrandola in
Harry Fraud. Se dipartimen- nico perché negli ultimi 20 anni modo sapiente con ambient, mi-
il rapper resta to parigino mai come in questo caso Dylan nimalismo, kraut rock meditati-
uno dei più 93 - “patria” si è sforzato di essere meno ar- vo e fusion. L’arpeggio acustico
prolifici in circolazione (circa di molti rapper -, il 35enne ruffato musicalmente e sbilenco che accoglie flauti e sintetizzato-
85 uscite firmate negli ultimi Lartiste si muove principal- nel cantare) avrete già letto tutto ri di Aquainted With The Night,
20 anni), il producer newyor- mente tra urban pop, afro e e si spera l’abbiate anche ascol- che acquista potenza per strada.
chese, dopo un periodo sotto i latin trap. Già dal suo primo tato. Bene: ascoltatelo ancora. L’altro crescendo, più funky e
riflettori nei primi anni 10, ul- album solista si capiva come E ancora. Ultimo tassello di un sincopato, di A Spider Painted
timamente era meno quotato. la concezione del rap di Lar- mosaico poetico senza eguali. Over. La pulsazione estatica di
Suoni morbidi, campionamen- tiste fosse aperta a più stili e Ci sono il respiro della Storia e i Palms Up verso poliritmi che
ti soul, ospiti di rilievo (tra cui suoni e oggi questo percorso doppi o tripli sensi, l’arroganza sanno di Africa occidentale.
Connway The Machine di Gri- ha raggiunto l’apice. Se ancora e l’umiltà, la mortalità incom- L’intreccio di Rhodes e chitarra
selda Records e Wiz Khalifa) e si vuole parlare di rap va detto bente e l’eternità dietro l’angolo. slide su tappeti sintetici della
rap di qualità. che è molto popolare. Molto più di un capolavoro placida title track. Il resto è
69/100 53/100 senile: un disco mondo, e quel ancora un po’ troppo, ma la so-
mondo si chiama Dylan. stanza c’è eccome.
CARLO BORDONE ANDREA POMINI
95/100 75/100
60 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM SETTEMBRE 2020

THE FLAMING LIPS FRED UND LUNA FUTURE JACK GARRATT

AMERICAN HEAD IM WELTENRAUM HIGH OFF LIFE LOVE, DEATH & DANCING
BELLA UNION COMPOST FREEBANDZ/EPIC UNIVERSAL

Dice Coyne di aver sempre visto i
Lips come un gruppo provenien-
te “dalla terra”, ma di aver pro-
vato a pensarli per AH come una
band a stelle e strisce nella tradi-
zione dei Grateful Dead o Parlia-
ment. Premessa lineare, per una
volta. C’entrasse qualcosa con
un disco americano al massimo
nella passione del paese per gli
oppiacei, se quello che resta fra
le dita è il gemello ancora più
dopato – e grondante riferimenti
alle droghe - dell’eccellente The
Terror del 2013. Stessa la mano
al mixer (un Dave Fridmann
di ritorno) e stessa la capacità
di ancorarsi a un’atmosfera,
con l’assottigliarsi della voce di
Coyne a rendere ancora più do-
lorosa la solennità delle ballate
di un disco enigmatico ben oltre
le premesse. Soprattutto se il
momento di massimo lindore
risponde al nome di Mother, I’ve
Taken LSD.
FRANCESCO VIGNANI
75/100
Tornano i due manichini im-
maginari della boutique di Kar-
lsruhe, con un altro dispaccio
“elektrokraut/krautelektro”.
Così ha battezzato la loro musica
Rainer Buchmüller, che li ha
creati e ne cura l’attività, proiet-
tandoli questa volta nello spazio
del titolo, secondo una tradizio-
ne tedesca ormai classica. Più
che in passato prevale dunque
una netta fascinazione kosmi-
sche, quel senso di esplorazione
e scoperta tramite sintetizzatore
che abbiamo imparato ad amare
con i grandi del genere, ma con
una presenza ritmica maturata
nel 2020. Esplicita nella acid
house pura di Säure 5, ma inte-
ressante soprattutto quando si
infiltra fra gli strati sintetici e le
melodie sognanti in modo meno
esplicito (Nonstop su tutte). Da
In Die Weite Welt Hinaus e Mo-
nosong, invece, gli omaggi più
fedeli al passato.
ANDREA POMINI
78/100
Pezzo indistinguibile dal sin-
golone trap “medio” del mo-
mento, pezzo indistinguibile
dal precedente e, per non farsi
mancare nulla, altro pezzo in-
distinguibile dai primi due. E
così via, per 70 minuti, un’ora
e dieci di trap indistinguibile.
Se è questo il campione del
genere a stelle e strisce, beh,
per il Futuro c’è poco da stare
allegri. Sia chiaro, ho torto io: le
classifiche continuano a dar ra-
gione al bad boy di Atlanta, con
un nuovo album, l’ottavo della
carriera, che raggiunge la prima
posizione: l’evoluzione e lo stile,
però, son proprio un’altra roba.
Una valanga di produttori “di
grido”, tutti gli ospiti giusti per
far parlare del disco (i colleghi
di classifica Travis Scott e Lil
Uzi Vert, oltre all’immancabile
Drake) ma a fine ascolto non c’è
un brano che rimanga in testa.
DAVIDE AGAZZI
45/100
Aveva il futuro apparecchiato,
il povero Garratt: lo stesso Brit
Award per esordienti vinto
dalla giovane Adele, un debutto
(Phase del 2016) che doveva
mandare in pensione James
Blake e le classifiche in dolce
attesa. Nulla di tutto ciò è suc-
cesso, ovviamente. E LD&D
racconta proprio questo, fra
depressioni, disillusioni e voglia
di mollare tutto dopo il primo
round. Solo che, se più che ri-
spettabili sono i dubbi privati,
quelli pubblici restano pressoché
gli stessi. La tendenza a rimpol-
pare i brani fino a sfiorare un
prog per millenial, e sempre lo
stesso è il vizio di rifugiarsi nelle
(notevolissime) corde vocali
nei momenti difficili. Insieme a
una scrittura schizoide più che
avventurosa: per arrivare da uno
irriso in quanto troppo blando,
LD&D offre più emicranie che
momenti degni di nota.
FRANCESCO VIGNANI
60/100

ARMAND HAMMER SHRINES

BACKWOODZ STUDIOZ

L’omicidio di George Floyd da parte della polizia di Minneapolis ha
riaperto la questione della partecipazione. Qualsiasi voce pubblica si
è sentita chiamata a schierarsi. Con prese di posizione nette o gesti
simbolici. Nel mese di maggio, la CNN ha seguito quotidianamente
le proteste di BLM, dimenticandosi totalmente della pandemia,
mentre il virus iniziava a galoppare nel sud del paese. L’importante
era, qualsiasi cosa volesse dire, esserci. Ecco, tutto questo non
interessa i rapper di Brooklyn, Billy Woods ed Elucid. La loro
Backwoodz Studioz è sempre stata voce per osservatori della
realtà e della strada, senza pretendere onori. Al quarto album,
dopo gli incendiari Rome e Paraffin, il duo si dichiara annoiato
dall’apocalisse, ma ancora più deciso a dare dignità poetica alla
realtà. A partire da una delle copertine dell’anno. Un poliziotto
di NYC, guardato a vista da una tigre del Bengala, che ruggisce
dietro ad una finestra. Il suo padrone è l’operaio Anthony Yates.
L’ha acquistata per costruire uno zoo; un’utopia per risollevare
il suo quartiere dal degrado. Come conferma il fratello alla fine
di Pommelhorse. Sogni costruiti dall’immondizia, fotografati da
uno spoken word che guarda in faccia la burla del mondo. Per la
prima volta, vengono chiamati a raccolta beat maker d’eccezione,
da Earl Sweatshirt a Kenny Segal ad Andrew Broder. E ospiti, che
accompagnino il rapping criptico di Elucid e quello più svagato di
Woods. KeyiaA fra i cubismi di Charms, Quelle Chris fra i tasti jazz
di Frida, Moor Mother nel neo soul agit di Ramses II. Un universo
di parole per una situazione non più sostenibile, che scelgono di
essere ritratto surreale piuttosto che formale militanza. Astrazioni
Clouddead, ma coscienza del ‘hood, per il disco hip hop più
stralunato e incisivo dell’anno.
MAURO FENOGLIO
83/100
RUMOREMAG.COM | 61
GOTICA

GOTICA

BEBEL GILBERTO GLASS ANIMALS

AGORA DREAMLAND
PIAS POLYDOR
ERIC CLAYTON AND THE NINE
A THOUSAND SCARS Un disco morbido su cui far Gli ultimi due anni dei Glass
ECAT9 atterrare le foglie e la pioggia Animals non sono stati una
d’autunno. Dopo sei anni di passeggiata: non bastasse l’in-
“In the space between us is the sign of life”. Apre
con toni di rinascita e continuità spirituale il sen- silenzio, tormentati da lutti cidente e la riabilitazione di Joe
tiero neo Saviour Machine di Eric Clayton. Un a ripetizione e stati d’animo Seaward, ecco il lockdown a ral-
rientro atteso, specie dopo la recrudescenza della non certo solari, la cantautrice lentare progetti e flussi creativi.
malattia, il suo graduale ed eroico superamento, brasiliana si affida a Thomas Nonostante questo Dave Bayley,
e le dovute onoranze nei riguardi della dipartita Bartlett per cucinare 11 tracce instancabile autore e produt-
di Bowie (metal sinfonico a parte, da sempre il fulcro ispirativo in salsa indie pop senza rinun- tore, ha messo in fila ricordi
insieme a Peter Gabriel). Nell’attesa della versione autorizzata ciare alle spezie tropicali. Ci d’infanzia e scarti emotivi dando
di Legend III:II, i Nine proseguono mirabilmente nel solco ci- dev’esser stato da lambiccarsi vita a Dreamland. Dopo averne
nematico, rivelatorio e art rock operistico, del progetto madre. il cervello a scegliere i singoli: posticipato l’uscita in segno
Anzi, nell’attraversare episodi come Revelation Mine, American la scelta è ricaduta sull’elegante di solidarietà per le proteste
Whore, Where It Stars, la cureiana In The Lines o The Space Bolero, quasi senza beat, e sulla del Black Lives Matter, il terzo
Between Us, si scorge nei fatti la continuità estetica tra Saviour più vivace Na Cara, in cui nei album degli oxoniensi è arrivato
Machine II e la seconda fase di Legend: la sua sintesi e il suo svi- giochi e nei contrappunti tra in piena estate ma conserva la
luppo lirico formale. Si custodisca il sigillo. ritmo e percussioni esplodono freschezza, il gusto e la cura dei
87/100 la classe della cantante e del suoi predecessori. Allo stesso
A CURA DI STEFANO MORELLI produttore. Si osa nell’eterea tempo, bagna di una velata tri-
Yet Another Love Song, resta stezza un pop psichedelico e spa-
LAMIA VOX sospesa nell’aria Cliché, è più ziale che flirta con l’R&B e il rap.
IAN ARKLEY ALLES IST UFER, fisica Raio, è davvero spaziale Se Tangerine è l’ottimo biglietto
ONE EWIG RUFT DAS MEER Teletransportador. Bebel sem- da visita di Dreamland, Space
OPA LOKA CYCLIC LAW bra cantare alle stelle, o forse Ghost Coast To Coast guarda al
Con alle spalle Nei codici mi- sono loro che ci parlano attra- passato e Heat Waves segna il
un curriculum stico/ermetici, verso lei. Bel dubbio. picco qualitativo dell’album.
di riguardo nel nella ricerca PAOLO FERRARI FERNANDO RENNIS
metal estremo, estetico/sim- 84/100 78/100
Seventh Angel bolica, i Lamia
e Ashen Morta- Vox contribu-
lity tra gli act di iscono a quel
riferimento, oggi Arkley pro- livore artistico che rintraccia
muove una ricerca totalmente nel neo classicismo romantico,
strumentale in seno al tema ne- nel folk arcaico ed etnico, non-
ofolk, psichedelico e ambienta- ché nel ritratto neo medieva-
le (anche in spunti organici neo lista, i fondamenti del proprio
CMI, vedi Reliquary). One deve sentiero lirico. Da cogliere
il suo retaggio alla corrente nuovamente, se amate Dead MICHAEL GRANT DAVID GRUBBS
neo pagana, quella che in War- Can Dance, Ataraxia e Arcana. & THE ASSASSINS & TAKU UNAMI
druna, Negura Bunget, Faun 85/100 ALWAYS THE VILLAIN COMET META
e ultimi Blood Axis, ha i suoi FRONTIERS DRAG CITY
rappresentanti più celebri.
77/100 È tutta in Always The Villain David Grubbs è un artista rico-
l’esperienza di Michael Grant: noscibile al primo accordo, per
soprattutto i cinque anni al suoni e interpretazioni capaci di
ORPLID STEVE ROACH servizio degli L.A. Guns. Lì ha evocare paesaggi solitari e ma-
DEUS VULT A SOUL ASCENDS assorbito la grande legge dello linconici. Comet Meta approfon-
PROPHECY PROJEKT street (che negli L.A.Guns fu in- disce le dinamiche già esplorate
Greifenherz Steve Roach nanzitutto ripresa del punk ame- in Failed Celestial Creatures
fu un ottimo non si ricano di fine anni 70 e del glam) (esordio del 2018), consegnando
capitolo nelle smentisce, e fondendola con la sua personale un album dal profondo senso
sue collocazioni nella famiglia storia con gli Endeverafter, hard narrativo. La poetica delle sei
folk industriali. ambient alternative band di ben poca corde di Grubbs e l’astrattismo
Deus Vult, che meditativa fortuna. Gli Assassins sono il elettroacustico dello sperimenta-
arriva oltre un decennio dopo di casa Prophecy assurge suo riscatto. Un disco di hard tore Taku Unami emergono nelle
con l’urgenza di risvegliare a ruolo di guida con Alio rock moderno, le cui radici sono carezze post rock di Nothing Left
la culla Europa, rilegge il Die. Si tratta di esplicito principalmente nel suono del To Hear But The Night e The
laccio acustico tradizionale non dualismo, manifestato nuovo millennio: un genere che Furthest Farthest, nel nervoso
in una luce più complessa attraverso il medium sonoro. oggi quasi più nessuno affronta. fingerpicking su una esultante
e matura, cesellando i suoi Qui si rintracciano tre stanze Micheal Grant lo fa invece con folla alla maratona di New York
ricorsi tematici in attente per una durata complessiva di grande classe. Sembra di tornare (Comet Meta) e nelle suggestioni
rifrazioni wave, neo classiche circa 70 minuti, in una danza a tutto quanto accadde dopo la dark ambient di Mirror Auction
ed elettronico minimaliste. che mira a trascendere tempi fine del grunge. Canzoni ampie, At Echo Decor e Heart Of The
Dunkle Stunde vede anche e spazi dell’ordinario. Potrà rette da una malinconia nasco- Thrumming House. Le scarne e
la partecipazione di Katrin incuriosire anche gli amanti sta, nervose e a tratti scure. De- austere note di pianoforte, su vi-
Lindner (icona rock nell’epoca della corrente sinfonico cisamente una buona prova. sionari echi elettronici, chiudo-
della DDR). minimalista. MARIO RUGGERI no la notturna Walking Corpse
83/100 73/100 72/100 In An Old House.
ANTONIO BRIOZZO
62 | RUMOREMAG.COM 78/100
RECENSIONI GLI ALBUM SETTEMBRE 2020

HAIM JON HASSELL CHARLES HAYWARD JIM BOB

WOMEN IN MUSIC PT. III
COLUMBIA
Alle tre sorelle di Los Angeles
(insieme a gente come Vampire
Weekend o Clairo) toccherà il
compito di difendere la fortezza
del buon gusto nel pop america-
no più comunicativo, tenendosi
lontane dalla degenerazione del
mainstream. Il loro terzo album
è segnale di maturità e visione
che si apre a nuove possibilità.
La riedizione del luna park da
american graffiti poteva essere
a rischio usura e allora meglio
reagire agli schiaffi della vita
(il diabete di Este e il cancro ai
testicoli del produttore Ariel
Rechtshaid), rinnovando.
Cade a fagiolo la presenza del
maestro ricamatore Rostam
Batmanglij, abile nello sposare
l’urgenza del trio. Il milkshake
al veleno di The Steps, la dolce
narcolessia di Gasoline, la pas-
seggiata sul lungomare di Sum-
mer Girl sono frutti agrodolci di
un’estate crudele.
MAURO FENOGLIO
78/100
SEEING THROUGH SOUND
(PENTIMENTO VOLUME TWO)
WARP
Ovviamente non è possibile
inventare due volte la ruota,
soprattutto quando le pietre di
paragone sono dischi come il
miliare Fourth World, Vol. 1:
Possible Musics. Ma l’83enne
Hassell lo sa benissimo, tanto
che il “pentimento” del sottoti-
tolo fa riferimento all’omonimo
termine pittorico, “ricomparsa in
un dipinto di immagini, forme o
tratti precedenti, che sono stati
modificati o sui quali è stato di-
pinto”. Questo secondo volume,
ancora più del precedente e “ge-
mello” Listening To Pictures, fa
intravedere in tralice toni e colori
del passato, ma il trombettista
statunitense resta un maestro
nel gestire spazi, silenzi, chia-
roscuri e filigrane, e così questi
dieci brani amniotici e oceanici
mostrano una freschezza solo in
parte dovuta all’aver disegnato il
futuro più di 40 anni fa.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
75/100
CROSSFADE ESTATE
KLANGGALERIE
Registrato nel 2005 in dieci ore
di session, successivamente edi-
tate e riassemblate, presso l’Al-
bany di Deptford, Londra, hub
dedicato all’arte radicale, sfrut-
tando un mixer a 24 piste appe-
na installato, Crossfade Estate
avrebbe dovuto uscire origina-
riamente nel 2008. Ma 15 anni
dopo il tempo non ne ha scal-
fito l’intensità. Nella mente di
Hayward una paradossale soap
opera con riff e temi ricorrenti
che fanno le veci dei personag-
gi, coinvolgendo otto musicisti
(tra cui Ashleigh Marsh e Chris
Cornetto, entrambi a tastiere
e fiati, e Sean O’Hagan: la sua
The Borrowers emerge limpida
e pop tra rumori d’ambiente), il
disco si muove agile tra improv-
visazioni e forme strutturate, tra
jazz angolare e improvvisazioni
ad ampio raggio, all’insegna di
una musica totale, irrequieta, in
costante movimento.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
75/100
POP UP JIM BOB
CHERRY RED
Jim Bob era assente dalle scene
dal 2013 e, diciamocelo, le cose
non sono andate esattamente
come auspicato ai tempi dei
Carter USM. Non tanto per lui,
quanto per l’Inghilterra intera.
Per questo oggi vige un cupo
clima di smobilitazione. Ama-
rezza e disincanto sono i perni
tematici di un artista che non
può fare a meno di descrivere
la realtà con stralunata ironia e
con i mezzi di sempre: un indie
rock che pur senza l’urgenza di
un tempo si barcamena fra chi-
tarre affilate, inserti elettronici e
orchestrazioni. Jim Bob è ancora
un songwriter che sa trasfor-
mare ogni brano in una giostra
colorata di citazioni e calem-
bours. Dimostra inoltre di non
aver perso il fiuto per la melodia,
esibendo scampoli di classicità
brit(pop) che faranno la felicità
di coloro ha imparato ad amarlo
sin dagli anni 90.
DIEGO BALLANI
76/100

POLYMOON/
CATERPILLARS
KAIRON; IRSE! OF CREATION
SVART

Dalla Finlandia con furore. Un furore freddo e psichedelico.
Due band, l’una già al quarto album, l’altra esordiente.
Sorprendentemente simili come sensibilità e modus operandi.
“Enfatizziamo il caos psichedelico: ogni canzone crea la sua realtà,
in una visione surreale di panorami eterei” - dicono i Kairon; IRSE!.
Che hanno già avuto lusinghiere recensioni da media come “The
Wire” e il “Guardian”. Una band splendidamente pretenziosa,
elegantemente cerebrale nell’enfatizzare il caos psichedelico
suddetto. Un cocktail di pura volatilità fuzz gaze alla My Bloody
Valentine con il gusto prog balzano dei Dungen. Ma supportato
da una ritmica pulsante e serrata. Mondi vorticosi che appaiono e
scompaiono, nell’esplosione di atmosfere celestiali. Mir Inoi sembra
un sogno di Canterbury totalmente trasfigurato. E Altaar Deseconds
è una caleidoscopica estatica meraviglia. Il loro approccio sembra
a tratti un po’ caotico, ma lascia continuamente aperte le porte a
nuove imprevedibili direzioni. Più “dolci” e armoniosi i Polymoon
di Tampere. Il loro album d’esordio si apre sulla stratosferica Silver,
dalle improvvise sovrapposizioni di masse di suono, che altrettanto
repentinamente poi spariscono, lasciando spazio a un sottostrato
shoegaze, come fosse un lontano canto di sirene. Ma è il successivo
Lazaward che fa il botto: una navigazione interstellare alla… Giöbia,
ebbene sì, sublime vortice di effluvi transpsichedelici. E ancora
riecco i My Bloody Valentine in Malamalama, tra trionfali esplosioni
di tastiere analogiche. Fino all’apoteosi finale di Metempsychosis,
suite che non si pone limiti. Come ha scritto qualcuno: malinconia
ed euforia si alternano e miscelano continuamente nella musica dei
Polymoon. Come se fosse impossibile distinguere realtà da sogno.
Possiamo chiamarlo progressive post moderno?
CLAUDIO SORGE
81-82/100
RUMOREMAG.COM | 63
WEIRD RNR

WEIRD RNR

JUNE OF 44 KELEKETLA!
REVISIONIST: ADAPTATIONS AND KELEKETLA!
FUTURE HISTORIES IN THE TIME NINJA TUNE
COOL JERKS OF LOVE AND SURVIVAL
ENGLAND LA TEMPESTA Eterni Coldcut. È intorno a loro
NIGHT VERSUS DAY/TAPETALKS che prende forma Keleketla!, a
No, non è esattamente un partire dalla collaborazione fra
“Brexit, nazionalismo, stipendi bassi: benvenuti
in Inghilterra” recita il cartello appeso sulla porta nuovo album: la scaletta è il duo britannico e una serie di
che apre le 12 stanze comunicanti dell’album del sostanzialmente costituita da musicisti sudafricani. Basi stese
quartetto di Leeds. Post HC è fuorviante. Questo è remix (Matmos, John McEnti- a Soweto, lavoro successivo a
proprio hardcore che nuota a piene bracciate nelle re) e riletture di brani tratti da Londra, contributi da varie parti
acque reflue del post punk. Diciamo degli Idles più Anahata (Cardiac Atlas, una del mondo fra jazz, elettronica
rozzi senza alcuna narrazione attorno. La voce corrosiva di Dan Recorded Syntax che diventa e hip hop. Partecipano Shabaka
Colbourne percula la politica reazionaria in Tory Paradise, tra le “rerecorded”) e In The Fishtank Hutchings, Joe Armon-Jones,
punte più acuminate dell’album, si scaglia contro l’individuali- (Generate, una Modern Heredi- Tenderlonious, Tamar Osborn,
smo sfrenato (Ordinary People), s’interroga sul controllo nella tary Dance Steps che acquista il Sibusile Xaba e Yugen Blakrok,
minimalissima Eh, mentre ce ne stiamo al sicuro dei nostri lavori prefisso “post”). Eppure questi e Il suono viene da sé. Antico e
ben pagati, con camicie costose in cerca di figa (Modern Man). otto brani, che segnano il ritorno moderno insieme, pop in modo
Musica e parole d’impatto. Oggi ce n’è bisogno più che mai. in studio della band statunitense intelligente, con picchi nel
78/100 dopo una rimpatriata live del gqom con canti di protesta di
2018, in occasione del tren- Future Toyi Toyi, e in quelle che
tennale degli amici Uzeda, ce sono probabilmente fra le ulti-
A CURA DI MANUEL GRAZIANI li restituisce 20 anni dopo più me registrazioni di Tony Allen.
affilati e determinati di come Maestoso, inutile dirlo, nelle
OLDE BOI AND THE ce li ricordassimo. E siccome forme afrobeat con tiro elettro-
INJECT THE LIGHT SOUNDS IN HIS HEAD all’epoca erano una formidabile nico di Freedom Groove (con i
THE APOCALYPSE IS BORING OLDE BOI AND THE SOUND e inventiva anomalia post rock, fiati degli Antibalas e le voci dei
DIRT CULT IN HIS HEAD capirete che l’attesa di un vero Watts Prophets) e Papua Mer-
Da 15 anni GOODBYE BOOZY nuovo album dei June Of 44, a deka (con l’attivista e dissidente
Chris Mason Olde Boi è questo punto, si fa pressante. papuano Benny Wenda).
sguazza nelle cresciuto a ALESSANDRO BESSELVA AVERAME ANDREA POMINI
nicchia della Orange County 70/100 75/100
nicchia, por- con Ty Segall,
tando avanti la che omaggia
Dirt Cult Records. Non c’è da coverizzando
stupirsi, quindi, che con una Slaughterhouse in pieno stile
parte del cervello sintonizzata KBD. Ha completato l’album
su una vecchia e oscura com- durante il lockdown con l’aiuto
pilation punk e con l’altra su della fascinosa batterista della
un qualche album di Carter Ty Segall Band, Emily Rose
U.S.M. si sia chiuso nel semin- Epstein. E il cerchio si chiude
terrato per registrare questi in questa cassetta di Budget KEHLANI MADELINE KENNEY
cinque pezzi di “punk arrogan- rock crudo che non usa il lo-fi IT WAS GOOD UNTIL IT WASN’T SUCKERS LUNCH
ATLANTIC CARPARK
te e seducente che riflettono come coperta di Linus ma
sullo stato attuale del mondo”. come immanente forza espres- L’ascesa della stellina R&B di Il problema strutturale dell’au-
70/100 siva. Una piccola rivelazione. Oakland è un mix di successo trice di Oakland sembra sempre
75/100 alimentato da talent e relazioni essere l’incapacità di spingersi
sentimentali da ottovolante oltre la sua zona di conforto. Un
sentimentale. Una storia che cantautorato che attinge, timi-
SCHIZOS SWEET REAPER
SCHIZOS CLOSER STILL
sembra preparata a tavolino do, alle curve più gentili dell’in-
SWEET TIME ALIEN SNATCH! per tabloid e talk show, con die pop e del folk, preferendo
condimento di crolli mentali nascondersi dietro la sicurezza
Hanno esordi- Gli Sweet Re-
ed emotivi. Se non fosse che c’è delle carezze, senza mai davvero
to con un EP aper sono da
sempre stato un certo talento sfidare l’ascoltatore. Questo suo
intitolato Fuck bosco e da ri-
dietro la cortina del gossip, di terzo album non cambia la cifra,
Iggy Pop. I tizi viera, o meglio
di Nashville da spiaggia e da certo confermato da questo suo pur nelle differenze. Il suono
alzano il tiro cimitero: dac- secondo disco, pensato sull’orlo si fa più chitarristico e diretto
con il featuring di Satana che ché il trio di Ventura guidato della pandemia, intimo per vo- rispetto al passato. Le brume
maneggia un aspirapolvere da Seth Pettersen gioca con cazione. Movenze da vellutato di Cat Power non sono lontane
fuori giri nel primo pezzo un’estetica surf gotica. Ce li nu soul, che indagano eleganti in Be That Man, il rifugio dei
Driller. Seguono nove fulmini vedrei bene i NOFX suonare su sesso e sentimento, vulnera- tardi Fleetwood Mac a un passo
sonori, per un totale di 14 mi- Faster Getaway o intonare la bilità e apocalisse (privata). Se in Cut The Real. Spesso si ha la
nuti. Lo-fi punk per orecchie melodia acidula di Sad Eyes Everybody Business è la pietra sensazione di star ascoltando
foderate d’amianto. Terapia sulla tomba di Ian Curtis. Wi- tombale cucita dalla chitarra, su un clone dei War On Drugs
shock per l’acufene, tra colpi pers e sagace malinconia post tutto quanto d’inutile si è detto procedere a velocità di crociera.
di stoner menomato (BAR) punk su un’assolata spiaggia su di lei, Real Hot Girl Skit (con Solo l’intervento illuminato di
e GG Allin in vena hardcore californiana che vede Greg intro stradaiolo di Megan Thee Kurt Wagner dei Lambchop per
(Dead Routine, Banned In Ginn in veste di aiuto bagnino. Stallion) e Grieving (con James la solarità brillante di Sucker
Birmingham). 72/100 Blake al controcanto) sono not- alza di qualche punto l’anonimo
73/100 turni indizi di velleità. giudizio.
MAURO FENOGLIO MAURO FENOGLIO
68/100 62/100
64 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM SETTEMBRE 2020
KING NOMAD
SAGAN OM RYMDEN
RIPPLE MUSIC
Per quella “delicatezza occulta”
con la quale i Blue Öyster Cult
trattarono ciò che nei primi ’70
fu definito - alcuni sostengono
proprio per loro - avanguar-
disticamente “heavy metal”, i
King Nomad possono essere
accostati alla inarrivabile band
di Eric Bloom e Buck Darma.
Basterebbe solo sentire il brano
che sta all’inizio del loro terzo
album, Omniverse. Rispetto ai
precedenti, Sagan Om Rymden
presenta canzoni splendida-
mente definite. Sospese tra uno
space metal anni 70 (Captain
Beyond?) e una magia proto
hard rock riverberata da vocals
pop psichedeliche; che poi
conducono tutte nell’alveo di
un heavy prog dolce, sognan-
te, ricco di influenze tra le più
varie. Vedi le esplosioni di Til-
lbakablik, tra psychedelic jazz e
Blue Öyster Cult, o le maroqui-
neries pop di Multiverse.
CLAUDIO SORGE
80/100
KUTIMAN
WACHAGA
SIYAL MUSIC
Wachaga come uno dei più nu-
merosi gruppi etnici della Tan-
zania: è lì che l’israeliano Ophir
Kutiel, nel 2014, pone le basi
per quello che diventerà il suo
quarto album come Kutiman.
Le modalità sono quelle ormai
comuni a molte operazioni del
genere, si registra sul posto
e si aggiunge il resto a casa.
Forse non una collaborazione
paritaria dunque, con tutte le
implicazioni del caso, ma la ma-
niera naturale e gioiosa con cui
i suoni della città di Arusha e i
contributi appositi (voci e cori
fantastici soprattutto) vengono
amalgamati nel disco attenua
i dubbi. I sintetizzatori, i ritmi
e la sezione fiati avvolgono il
materiale tanzaniano in un’at-
mosfera magica, che sa molto di
jazz cosmico e psichedelia elet-
tronica di taglio freak. Il suono
è denso, vivo, creativo, tutto
fuorché calcolato o ruffiano.
ANDREA POMINI
79/100
KLEIN
FROZEN
AUTOPRODUZIONE
Il fascino della musica pensata
dalla produttrice di Londra
Sud sta nella capacità di far
emergere storie, da patchwork
di suoni e ispirazioni assemblati
come brandelli di memoria. Se
il precedente (monumentale)
Lifetime era un’indagine
sulle radici, la nuova
autoproduzione ha l’aria di
faccenda privata. Registrato in
solitaria, con chitarra, rumori
e campionamenti, nelle ore
piccole di una camera da letto.
Un ascolto che coinvolge, senza
mai offrire conforto. Come nei
15 minuti di U Got This, dove
la sei corde s’immerge in un
mare di reiterazione e rumore
vacuo. Oppure, in Mark, tributo
a Mark Duggan, ucciso dalla
polizia di Londra nel 2011. 11
minuti di cui dieci di straniante
silenzio, rotti solo da una
melodia tombale.
MAURO FENOGLIO
74/100
LIANNE LA HAVAS
LIANNE LA HAVAS
NONESUCH
Non è casuale che, poco prima
della sua scomparsa, Prince
abbia voluto collaborare con lei.
Dopo due album in cui ha messo
in luce il proprio talento, stavol-
ta Lianne realizza il suo lavoro
più personale e artisticamente
indipendente. La sua calda voce
e la chitarra acustica sempre
al centro, finalmente lontane
dalle tentazioni pop e in grado
di esplorare uno stile folk/soul
adatto a raccontare la fine di
una relazione. Impossibile non
pensare a Joni Mitchell quando
si ascolta Green Papaya, ma
è tutta sua la sublime fragilità
espressa in Paper Thin o in una
Please Don’t Make Me Cry che
vede la collaborazione di un
altro “irregolare” come Nick
Hakim. Persino l’apparentemen-
te improbabile cover di Weird
Fishes dei Radiohead si inserisce
perfettamente nel racconto ed è
tocco da fuoriclasse.
GIORGIO VALLETTA
89/100
INDIE
INDIE
SPECIAL INTEREST
THE PASSION OF
NIGHT SCHOOL
Nella New Orleans dei nativi digitali non ci si aspet-
terebbe sbocciassero ragazzi in fissa con la Londra
del Batcave, immersi con l’anima nei suoni anni 80
della Berlino neue deutsche welle e con il corpo nei
sobborghi della Chicago marchiata Wax Trax, più
giovane giusto di qualche anno. Ipercinetici con
l’adrenalina in circolo costante dietro al battito di una drum machi-
ne programmata al ritmo degli Underworld più spregiudicati, una
coscienza sociale che impedisce l’ovvietà e una evidente passione
per certo post punk: Siouxsie e Virgin Prunes ma anche Einstürz-
ende Neubauten, DAF e Malaria, tanto per non farsi mancare nulla.
Dieci mazzate giusto in mezzo agli occhi, chi resta in piedi se la
gode. Esordio da circolettare in rosso.
84/100
A CURA DI ARTURO COMPAGNONI
VINTAGE CROP GALORE
SERVE TO SERVE AGAIN GALORE
UPSET! THE RHYTHM ROCKS IN YOUR HEAD
Ennesima Credo capiti
piccola mera- a chiunque di
viglia in uscita imbattersi pe-
dall’Australia, riodicamente
filiera Ausmu- in una nuova
teants/Living band che pare
Eyes, i Vintage Crop se ne essere un esperimento creato
escono con un album dove la in laboratorio al solo scopo di
sezione ritmica fa quadrato andare a lambire tutte o quasi
attorno a un suono che celebra le proprie passioni personali.
Gang Of Four e Public Image, A questo giro tocca ai Galore
su cui svetta una voce che per da San Francisco, ragazzi che
l’ennesima volta si trova a ren- pescano a piene mani in tre
dere omaggio al buon vecchio immaginari assai cari a chi
Mark E., di questo passo desti- scrive: la Glasgow dei Pastels,
nato ad assurgere ad un epica l’Olympia della K Records
eternità artistica. (Crabs?) e la Kill Rock Stars
70/100 epoca riot grrrls.
74/100
UNIFORM DAMAGED BUG
SHAME BUG ON YONKERS
SACRED BONES CASTLE FACE
Michael Berdan Riscoperto da
ha dichiarato etichette di
di aver scritto culto dei nostri
le canzoni di giorni (De Stijl
questo nuovo e e Sub Pop) che
quarto disco dei di recente ne
suoi Uniform sotto l’influenza hanno celebrato il culto, Mi-
di letture noir d’eccellenza: chael Yonkers è un personag-
Ellroy e Hammet. Ipotesi che gio che con il suo approccio
non sorprende affatto quando irregolare eppure pop alla
si avvia l’ascolto delle otto materia folk e psych ha ispi-
tracce di Shame: un groviglio rato una serie di musicisti im-
di suoni neri come la pece che pressionante, Oh Sees e Black
paiono sul punto di decollare Lips in testa. John Dwyer paga
ad ogni angolo ma che trat- ora il dazio dovuto: nove cover
tengono la velocità a beneficio synth psichedeliche di godibi-
della tensione. lissimo taglio trance ipnotico.
65/100 67/100
RUMOREMAG.COM | 65
RECENSIONI GLI ALBUM SETTEMBRE 2020

L.A. WITCH FENNE LILY MASSIVE WAGONS MATMOS

PLAY WITH FIRE
SUICIDE SQUEEZE
Al di là della suggestione del
nome, un album che sa di L.A.
dalle prime note. Di quella
combinazione fra punk, garage,
psichedelia, radici e desolazione
urbana alla quale la città degli
angeli ci ha abituato più o meno
da sempre. In particolare, le
nove tracce di Play With Fire
rimandano sia al mondo sotter-
raneo di band come Fourgiven
e Yard Trauma a metà anni 80,
sia ai tentativi più alternative
dei Nymphs poco più avanti,
ma senza la patina major. Ci
sono le tirate fuzz un po’ malate
(True Believers, Fire Starter,
Sexorexia) e le ballate notturne
e inquiete (Dark Horse, Maybe
The Weather), gli omaggi ai ma-
ledetti del cinema (Motorcycle
Boy) e quei manifesti program-
matici che gli amanti del genere
adorano (I Wanna Lose). Peccato
per la voce di Sade Sanchez, che
canta tutto alla stessa maniera.
ANDREA POMINI
72/100
BREACH
DEAD OCEANS
Sarà la presenza di Steve Albi-
ni, a dividersi con Brian Deck
l’onere di asciugare da par suo
il suono fra le mura del suo
Electrical Audio a Chicago, ma
il secondo album della cantau-
trice poco più che 20enne del
Dorset riporta a certa sensibilità
anni zero. Per dire, l’intensità
folk umbratile di Nina Nastasia
(storica protegé di Albini) o di
Tara Jane O’Neil non sono cosi
lontane. Certo, i temi cari al
cantautorato femminile (si può
ancora dire, come metrica di
distinzione?) col cuore in mano
di questo decennio sono tutti lì:
timidezza, precarietà mentale,
nomadismo sentimentale. Fra
Aldous Harding e Phoebe Brid-
gers in minore. Ma il piglio elet-
trico generale tiene il livello di
zuccheri basso. E poi I Used To
Hate My Body But Now I Hate
You rimette le cose in ordine,
ben oltre il titolo.
MAURO FENOGLIO
70/100
HOUSE OF NOISE
EARACHE
Da tempo l’Earache Records,
per decenni simbolo del metal
estremo, ha deciso d’investigare
il mondo del classic rock, deci-
samente più redditizio in terra
albionica. Operazione culminata
con la compilation New Wave
Of Rock And Roll, stiracchiatis-
sima ricerca di pseudo talenti
il cui risultato è decisamente
sconfortante. Tra loro i Massi-
ve Wagons, gli unici ad avere
un’idea di rock classico, anche
se confusa. Quarto album per il
gruppo di Lancaster, decisamen-
te il migliore della loro carriera,
che ne mette in luce il tiro alla
Rival Sons o alla The Answer,
ma senza averne francamente la
personalità e risultando più uno
strano equilibrio tra i Darkness
e i Wildhearts. Intendiamoci: è il
disco che garantirà loro il giusto
successo, che ascolteremo anche
con piacere, ma che alla lunga ri-
sulterà estremamente consueto.
MARIO RUGGERI
68/100
THE CONSUMING FLAME: OPEN
EXERCISES IN GROUP FORM
THRILL JOCKEY
Instancabili Drew Daniel e M.C.
Schmidt, iperproduttivi da ul-
timo. A 16 mesi di distanza da
Plastic Anniversary, concept
sull’inquietante e freddo mondo
dei polimeri, i due eclettici com-
positori elettronici americani
pubblicano un triplo album che
ospita 99 musicisti di diversis-
sima estrazione (per citarne
alcuni: Yo La Tengo, Oneohtrix
Point Never, Pig Destroyer,Mou-
se On Mars, Locrian, So Per-
cussion, Foetus) ai quali è stata
imposta l’unica restrizione dei
99 BPM. Dalla frammentazione
e dall’editing dei contributi ri-
cevuti i due hanno ottenuto un
estenuante (quasi tre ore) colla-
ge in stile plunderphonics la cui
fruizione non può che risultare
consultiva. In fondo è bello per-
dersi sfogliando l’album come
un dizionario enciclopedico.
ANDREA PREVIGNANO
75/100

CUMBIA
SIGLO XXI
BONGO JOE MERIDIAN BROTHERS
Si fa presto a dire cumbia. C’è il boom commerciale di un suono
con tutte le carte in regola per far ballare anche i muri, certo. C’è
l’influenza che da tempo il genere esercita sui produttori più accorti,
inizialmente in America Latina e quindi nel resto del mondo. Ci sono
quelli che cumbieros lo sono diventati quasi a tempo pieno, come
Quantic. Poi ci sono i colombiani, ed è tutto un altro discorso. È lì
infatti, in patria, che la cumbia sta attraversando da molti anni alcune
delle sue mutazioni più interessanti, grazie a un gruppo allargato
di musicisti che ha data vita a progetti come Romperayo, Ensamble
Polifónico Vallenato, Los Pirañas, Sexteto La Constelación De
Colombia, Frente Cumbiero, Chupame El Dedo e appunto Meridian
Brothers. Ovvero Eblis Alvarez, colui che in perfetta solitudine (ma
dal vivo la band c’è) reinventa ogni volta il suono dei “fratelli”, con i
ritmi incalzanti e le melodie minimali della tradizione come punto di
partenza, e suggestioni sempre nuove. Questa volta, in particolare,
con in mente l’esempio di connazionali dei primi ‘80 come Cumbia
Siglo XX (da cui il titolo) e 2000 Voltios per le contaminazioni disco/
funk, e dei Kraftwerk (ricordate El Baile Alemán di Señor Coconut?)
per l’uso metronomico di primordiali batterie elettroniche. Chiuso
in casa con sintetizzatori, chitarre, computer e macchinette varie,
Alvarez ne esce con il suo lavoro forse più immediato e orecchiabile.
Dieci tracce in cui il suo classico suono astratto e imperfetto,
tipo nastro che si smagnetizza, suona compatto e ballabile come
mai prima, senza perdere un grammo della sua stralunata indole
psichedelica. Puya Del Empresario, Los Golpeadores De La
Cumbia, Cumbia De La Amistad: le hit si accumulano. Ma Cumbia
Del Pichamán, cover delirante di Son Of A Preacher Man di Dusty
Springfield, le batte tutte.
ANDREA POMINI
81/100

66 | RUMOREMAG.COM

MAKAYA MCCRAVEN
UNIVERSAL BEINGS E&F SIDES
INTERNATIONAL ANTHEM
Come già successo per il
precedente In The Moment,
McCraven abbina a un suo
album un’appendice tratta dalle
stesse sessioni, lavorata ex novo
dal batterista e produttore con le
sue ormai note modalità di taglia
e cuci. Nati come colonna so-
nora del documentario di Mark
Pallman sulla lavorazione dello
stesso Universal Beings, questi
lati E ed F suonano innanzitutto
al livello (eccellente) degli altri
quattro. Spesso come il lavoro
di un beatmaker in senso lato
più che di un jazzista, per il
modo in cui i ritmi prendono il
centro della scena e fioriscono,
inserendo Makaya e soci - Sha-
baka Hutchings, Nubya Garcia,
Kamaal Williams, Jeff Parker,
Junius Paul - in un contesto più
lineare e fruibile. Si veda la deli-
catezza quasi pop di Butterss Fly
ad esempio, o il piglio hip hop di
Everybody Cool.
ANDREA POMINI
81/100
MEDHANE
COLD WATER
AUTOPRODUZIONE
Medhane-Alam Olusuola, ov-
vero l’hip hop moderno come
universo vario, che include mi-
litanza e sguardo privato, senza
chiedere a chi ascolta di schie-
rarsi. Il rapper di Brooklyn ha
prodotto tre album in poco più
di un anno: Own Pace, Full Cir-
cle e questo. Per cui s’affida per
la prima volta ad uno stuolo di
produttori fidati. Obliv, Alexan-
der Spit, Chuck Strangers,
Navy Blue, Bori, Iblss e Stoney
preparano un palcoscenico di
beat narcolettici spruzzati di
jazz e soul urbano, che scorre
come un film. Dove l’ingegnere
civile della prestigiosa Carnegie
Mellon dice di dolori privati,
etica del lavoro e risalite. Nella
rilassata Off Tha Strenght (con
KeiyaA ai cori), fra le brume di
All Facts, col diario soul di New
Drip. Come un King Krule ca-
tapultato nella nuova pulsante
scena rap di New York.
MAURO FENOGLIO
75/100
ZARA MCFARLANE
SONGS OF AN UNKNOWN
TONGUE
BROWNSWOOD
Un viaggio nel passato della
propria famiglia e nella propria
identità, con suoni e modi
contemporanei. Voce fra le più
belle della nuova scena jazz
britannica, Zara aveva già ripreso
il reggae nel suo terzo album
Arise, ma oggi si immerge nel
folk giamaicano più ancestrale
e puro. In un lungo soggiorno
sull’isola, studia i ritmi delle
cerimonie popolari e il loro
significato, e torna a Londra
mettendo quanto appreso nelle
mani dei produttori Kwake Bass
e Wu-Lu. La ricostruzione per
via digitale (con percussionista)
è tanto fedele quanto creativa,
e anche su inediti sfondi
elettronici, raffinati come le si
conviene, lei splende. Con una
rinforzata consapevolezza da
britannica nera, e le conseguenti
riflessioni su colonialismo e
razza, a fare da carburante.
ANDREA POMINI
81/100
MILDLIFE
AUTOMATIC
PIAS
Un sound vintage semi pro-
gressive “dissanguato” da ogni
possibile elemento rock. Le-
vigato, fragile, etereo quasi. E
tremendamente affascinante.
Con una sezione ritmica che
sembra rubata ai Bee Gees del
loro periodo di Saturday Night
Fever, in questo secondo album
i Mildlife hanno molto più ap-
peal della semplice rilettura di
un funk progressivo o di un jazz
rock anni 70, suonati con so-
bria raffinatezza. Qualcuno ha
scritto che pare di sentire una
collaborazione tra i Kraftwerk
e Herbie Hancock nella stanza
di progettazione di Bob Moog:
modernariato funk progressive
anni 70 maturi. Da una parte, se
volete, tutto ciò che il punk rock
volle radere al suolo. Dall’altra
una rivisitazione creativa di
suoni e suggestioni da soun-
dtrack di Miami Vice rifatta con
gusto, intelligenza e stile.
CLAUDIO SORGE
78/100
AVA N T
AVA N T
KONSTRUKT & OTOMO YOSHIHIDE
EASTERN SAGA: LIVE AT TUSK
KARL
Registrato live all’edizione del 2018 del Tusk Festi-
val (Newcastle), Eastern Saga vede l’incontro tra il
quintetto free jazz turco Konstrukt e il compositore
giapponese Otomo Yoshihide, qui ai suoi strumenti
d’elezione, chitarra, turntable. Tante le tracce da
seguire per meglio comprendere: le affinità del
free americano per la spiritualità dell’oriente tutto (Don Cherry,
i coniugi Coltrane), la figura del percussionista Hüseyin Ertunç,
dai ‘70 figura di raccordo tra il free turco e l’occidente, e la comune
appartenenza a un oriente brulicante di fermenti avantgarde. Si
va dall’introduzione reminiscente della tradizione koşma ai vio-
lentissimi vortici chitarristici di Yoshihide, per un album che è un
viaggio free psych di grande potenza.
75/100
A CURA DI ANDREA PREVIGNANO
IANCU DUMITRESCU
ALBERTO BOCCARDI & ANA-MARIA AVRA
CAIRO PRIMO AT THE GRM PARIS (PERFORMED
OLTRARNO BY STEPHEN O’MALLEY)
Nato da una IDEOLOGIC ORGAN
lunga perma- Il mondo della
nenza per moti- drone music
vi professionali incontra una
a Il Cairo, Cairo delle correnti
Primo di Al- più astratte
berto Boccardi, è cresciuto nel dell’elettronica
ventre della città, tra i suoi colta del 900, lo spettralismo.
dieci milioni di anime, nelle Qui il titolare della sigla Sunn
residenze del club Canale Un- O))), Stephen O’Malley, arma-
dici. È intatta la maestria di to di chitarra, echi, riverberi e
Boccardi nel costruire sottili alle prese con tecniche di de-
trame elettroacustiche, nell’u- tuning, reinterpreta due brani
tilizzarle impeccabilmente. Ed
dei coniugi Iancu Dumitrescu
è nei diastemi delle sedimen- e Ana-Maria Avram, compo-
tazioni sonore che si insinua sti nel 2012 in una residenza
l’entropia cairota. parigina al GRM e pubblicati
75/100 l’anno successivo.
70/100
MARINA ROSENFELD
LIONEL MARCHETTI & BEN VIDA
PLANKTOS VERTICE
AUTOPRODUZIONE FRIDMAN GALLERY
Il musicien Due improvvi-
concret fran- sazioni risalenti
cese Lionel al 2016 e al
Marchetti ha 2019 segnano
il ritorno della
lavorato negli
compositrice
ultimi cinque
anni a un’opera in cinque Marina Rosefeld e di Ben Vida
movimenti ispirata all’epo- (Town And Country) dopo
nima raccolta di “geopoesie” Feel Anything (2016). Bleep
di Régis Poulet, intellettuale di synth, fruscii elettrostatici,
trasversale. Realizzato con deflagrazioni e riavviluppi,
un’ampia gamma di synth figure elementari al piano
analigici, chitarra, clarinetto alimentano Any Landscape;
e field recordings, Planktos un clima di sospensione, piani
si rivela come una gigantesca affioranti, impennate di oscil-
esperienza immersiva pensata latori e improvvisi ritorni al
per una rappresentazione acu- silenzio animano Branches.
smatica. 65/100
65/100
RUMOREMAG.COM | 67
BEATS

BEATS
OLAN MONK LIELA MOSS
LOVE/DEAD WHO THE POWER
C.A.N.V.A.S.. BELLA UNION
CINTHIE
SKYLINES - CITY LIGHTS È quando scopri che Love/Dead Giunge al secondo lavoro
AUS MUSIC è stato registrato sì nello splen- solista su lunga distanza la
dido Connemara, ma anche in voce dei Duke Spirit. Dopo il
Da oltre due decenni in attività, solo ora la DJ/pro-
una camera mortuaria e in una più intimo My Name Is Safe In
duttrice berlinese ha trovato il coraggio di esporsi
con un album intero, e il risultato è trasversale e coroner’s court di Londra, che Your Mouth, con questo nuovo
ispirato in ogni suo episodio. Merito del gusto da tutto torna. Perché tre quarti album Liela sposta l’attenzione
DJ appassionata della house music meno scontata, d’ora più inutilmente - perdo- sul mondo esterno e principal-
e dell’esperienza accumulata anche attraverso la nate la banalità - mortiferi rara- mente sul bieco individualismo
gestione di ben cinque etichette dance (anche se questo disco esce mente li avevamo passati. Nulla che imperversa nella società
per il marchio creato da Will Saul e Fink). Se Calling e Bassline contro l’arte che lavora con e moderna. Partendo da esso, la
sono irresistibili anthems da rave, Concentrate allude alla disco sull’argomento, ci manchereb- cantautrice riflette su temi diver-
più tonda e funkeggiante, mentre il piano e la melodia di Mornings be, ma nel nuovo dell’irlandese si, dal consumismo alla natura
In Melbourne trasmettono una luminosità ineguagliabile. E così Monk sembra davvero che voci calpestata fino alla spiritualità e
via, dalla Chicago House allo UK Garage, senza toglier spazio a un lugubri e saturazioni di synth, alla ricerca di libertà. Affiancata
momento contemplativo come l’iniziale Skylines. ritmi rallentati e ambienti indu- come sempre da Toby Butler,
84/100 strial, siano messi lì per ragioni suo compagno anche nella vita,
soprattutto estetiche. Un auto- l’artista inglese in questo lavoro
compiacimento che appesanti- inanella dieci canzoni dalle forti
A CURA DI GIORGIO VALLETTA sce l’album (occhio agli 11’32” tinte synth rock con cui forgia un
di Gold), al quale non bastano groove oscuro e dal ritmo pul-
rari barlumi di umanità (la bella sante. Le trame sonore si ergono
AA.VV. NIKITCH & KUNA MAZE Dead, con la voce di Maria So- principalmente su strati di synth
ITALIAN SYNTH PLANETARIUM DÉBUTS merville, o la conclusiva Tomb, in bilico tra atmosfere anni 80
SLOW MOTION TRU THOUGHTS con i campioni del rumore del e incursioni futuristiche su cui
Ben 36 brani, Nata tra Cham- traghetto per le isole Aran) per danzano suadenti le morbide
divisi in tre bery e Lione, la tirarsi fuori dal pantano. linee vocali di Liela.
volumi (o “si- collaborazione ANDREA POMINI DORIANA TOZZI
stemi”), a rap- fra i due giova- 40/100 75/100
presentare una ni musicisti/
discreta parte produttori fran-
della nostra scena elettronica cesi sfocia in un album pub-
più attenta al dancefloor. Dai blicato dalla prestigiosa eti-
groove scuri di produttori chetta inglese (per cui debuttò
come l’emergente Tagliabue Bonobo). Fra ritmi house o
all’electro disco di Bottin spezzati, frequenti riferimenti
fino all’acida Elea di Fabrizio jazz e momenti più rilassati,
Mammarella, che insieme a sono 11 brani di notevole ele-
Franz Scala firma il megamix ganza: esemplare il jazz/funk MOTORPSYCHO MOUNTAIN TAMER
pubblicato in cassetta, a rias- di Hey, This Must Be Deep, il THE ALL IS ONE PSYCHOSIS RITUAL
sumere l’edizione digitale di cui titolo è un omaggio a Gil STICKMAN HEAVY PSYCH SOUNDS
questa compilation. Scott-Heron.
I veterani del rock made in I Mountain Tamer sono sempre
74/100 81/100 stati influenzati da suoni e danze
Norway si presentano, in que-
sta estate post quarantena, con rituali americani. Che diven-
il terzo capitolo della “trilogia tano, quando la band è in full
THEO PARRISH informale” – loro definizione – immersion, vere e proprie tran-
PRINS THOMAS WE ARE ALL GEORGEOUS
ce. Giunge così al terzo album
TRAÆNS MONSTERSS
Gullvåg Trilogy che comprende
RUNNING BACK SOUND SIGNATURE anche The Tower del 2017 e The questo trio californiano parti-
Crucible dello scorso anno… ma colarmente apprezzato in Italia.
Noto per la sua Pubblicati Dopo l’esordio su Argonauta
non chiedete di cosa parla, per-
cifra cosmic esclusivamente e un passaggio sulla tedesca
ché la band non lo svela. Nulla
disco, il produt- su Soundcloud,
di nuovo sul fronte occidentale: Nasoni, si accasano con la HPS
tore norvegese questi sei
il mestiere c’è, così come l’ori- e producono probabilmente il
dedica il suo lunghi collage
ginalità. Manca forse il guizzo loro miglior album. La mia idea
nuovo lavoro al sonori - per
della sorpresa. Il risultato è un su di loro è sempre stata quella
suono trance e alle sue atmo- un totale di oltre 150 minuti -
lungo lavoro di psichedelia, che avrebbero potuto svilup-
sfere epiche. Un mondo non sono da leggersi come il diario
così lontano per chi, come lui, del produttore detroitiano, progressive rock, indie, jazz, pare meglio quel che rimaneva
ama le derive più “progres- il suo editoriale audio sulla beat/freakbeat e tocchi di ci- inespresso nella loro musica.
sive” della musica dance, qui condizione degli afroamerica- nematic music – all’inglese Credo ora invece che il loro stile
sviluppate attraverso riff con- ni nell’America odierna. Fra – che può riconquistare i fan sia quello di rimanere semplici,
tagiosi di synth (vedi Traæns citazioni che vanno da James di vecchia data e attirare i non compatti, se volete ripetitivi,
2), derive piano acid (Traæns Baldwin a David Chappelle, iniziati. Il problema è, forse, convogliando questa forza ritual
5) o “space” (l’episodio nume- meravigliosi frammenti mu- l’impegno che richiede l’ascol- heavy in trascinanti e ipnotiche
ro otto). Non male anche se sicali e racconti personali: un to… per intenderci: la suite in sarabande. Talvolta mi hanno ri-
con qualche caduta nel banale. ascolto consigliatissimo. cinque movimenti N.O.X. dura cordato dei Jane’s Addiction ri-
62/100 80/100 oltre 40 minuti (ed è come un dotti ai minimi termini. E certo,
disco nel disco). occultamente trascendenti.
ANDREA VALENTINI CLAUDIO SORGE
72/100 76/100
68 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM SETTEMBRE 2020
STUART MOXHAM
& LOUIS PHILIPPE
THE DEVIL LAUGHS
TINY GLOBAL PRODUCTIONS
24 tracce in 41 minuti, e nome
C’è questa gag con il mio amico
e collega Maurizio Blatto. Dopo
che ho già ammassato una pila
d’acquisti per le vacanze estive,
lui mi tira fuori un ultimo disco,
brandendolo come “quella perla
che ti pentirai di non avere
nelle notti d’estate”. Io non lo
prendo mai e ai miei tramonti
estivi manca sempre qualcosa.
Di solito è un album di Stuart
Moxham (maestro dell’arte
della sottrazione, con i Young
Marble Giants) con Louis Phi-
lippe (principe francese del pop
sopraffino e giornalista sporti-
vo). Per dirla breve, tutto quello
che vorreste dal pop che cerca
la melodia perfetta: eleganza
discreta e nobile, cori stesi su
chitarre che arpeggiano lievi, il
filo rosso della vita sottratta alle
ansie del presente.
MAURO FENOGLIO
79/100
PATTI
GOOD BIG
ERSTE THEKE TONTRAEGER
Collocandoli nella scena punk
contemporanea faremmo
un torto ai Patti, formazione
newyorchese che col punk for-
malmente ha poco a che fare. Lo
ritroviamo nell’attitudine (ter-
mine abusato dal quale non si
sfugge), nella marginalità della
proposta, nell’indipendenza
culturale. Meno nello stile, piut-
tosto complesso. Il primo riferi-
mento sono gli Uranium Club:
stacchi secchi, accelerazioni ner-
vose, frenate improvvise, caos
controllato. Tanta, troppa carne
al fuoco. Orgoglio underground
a pacchi, progressioni geome-
triche, richiami a gente come
Minutemen, Firehose, Primus
e di nuovo Uranium Club (ma
senza il genio della band di Min-
neapolis): i Patti tengono alta
l’asticella ma alla lunga Good
Big annoia un po’. A scanso di
equivoci: c’è di (molto) peggio in
circolazione, ma non comprate a
scatola chiusa.
LUCA FRAZZI
65/100
NZCA LINES
PURE LUXURY
MEMPHIS INDUSTRIES
L’inglese Michael Lovett con-
tinua a coltivare sotterranea-
mente un synth pop stratificato
ed eccentrico, ovviamente non
distante dai più noti artisti con
cui è frequentemente associato
(oltre ad aver condiviso colla-
boratori con gli Hot Chip, ha
spesso accompagnato in tour i
Metronomy). A dispetto del ti-
tolo, condiviso da un brano “alla
Beck”, e del suo suono esuberan-
te e virtuosistico, Pure Luxury è
un terzo album tremendamente
consapevole del presente in cui
siamo immersi. Il disco/funk
elettronico di Real Good Time
cela una risposta ironica al pre-
valere della politica populista,
mentre l’urgenza indie pop di
Larsen si riferisce alla crisi cli-
matica del nostro pianeta. Ed è
solo a fine scaletta che ci si può
permettere di ballare spensierati
sul groove di Tonight Is All That
Really Matters.
GIORGIO VALLETTA
70/100
PENNY RIMBAUD
HOW?
ONE LITTLE INDEPENDENT
Da decenni, ormai, i Crass
sono un’entità solo ideale, viva
nella memoria collettiva per via
della legacy lasciata – a livello
di dischi, messaggi, politica
e (ovviamente) per la miria-
de di band anarchopunk che
ne hanno seguito la scia. Ma
i singoli membri con il punk
in senso strettamente sonoro
non hanno più nulla a che fare.
Penny Rimbaud lo ribadisce,
con la pubblicazione di questa
suite in quattro movimenti che
prende ispirazione dal celebre
Urlo di Ginsberg e si tuffa in un
universo sonico fatto di jazz,
sperimentazione, free form,
sonorizzazioni… per inten-
derci: questo è più un reading
poetico che un album di musica
e immortala, in effetti, una
performance live del 2003 al
London Jazz Festival (con tanto
di DVD di accompagnamento).
Per crassiani d.o.c. completisti e
poeti d’assalto.
ANDREA VALENTINI
65/100
JIM O’ROURKE
SHUTTING DOWN HERE
PORTRAITS GRM
Il Groupe De Recherches Musi-
cales (GRM), fondato da Pierre
Schaeffer nel 1958, nasce come
centro di ricerca elettro acustica.
Per decenni ha ospitato menti,
fra le più avventurose, del pano-
rama sperimentale. Nel 1980,
uno studente di Chicago visita
lo studio parigino per riuscire
a capire teorie e pratiche, che
i suoi professori all’università
non riuscivano a spiegargli. Oggi
quello studente è uno dei mas-
simi esponenti dell’avanguardia
meno isolazionista e, come parte
della nuova collaborazione fra
GRM ed Editions Mego, dedi-
ca una lunga suite al centro.
Accompagnato da strumenti
acustici (il piano di Eiko Ishiba-
shi, gli archi di Atsuko Hatano,
e la tromba di Eivind Lonning)
Jimbo pesca nei suoi appunti
di drones e interferenze, per un
percorso uggioso fra rigore e tra-
sporto emozionale.
MAURO FENOGLIO
75/100
MIKE POLIZZE
LONG LOST SOLACE FIND
PARADISE OF BACHELORS
C’è un certo chiacchiericcio,
del tutto improvviso, attorno a
Mike Polizze. Nulla a che fare
con un nome che facilmente ri-
manda all’Italia: qualcosa ma-
gari arriva dal fresco interesse
per la scena (e i suoni) del Lau-
rel Canyon, figlio di un docu-
mentario TV omonimo e godi-
bilissimo. E il grosso dal nome
di Kurt Vile, concittadino,
sponsor e musicista nel debutto
solista di Polizze. Uno in giro
da anni con il post grunge dei
Purling Hiss e che in proprio
tenta una versione acustica,
rasserenata e innamorata della
melodia di quanto proposto dal
socio, con momenti da Gram
Parsons reincarnato nelle dita
di un Grant-Lee Phillips. In un
lavoro che neppure si pone il
problema di parlare la lingua
dell’oggi e che apprezzerà so-
prattutto chi a volte ha avuto la
tentazione di mandare gli LP di
Vile a 45 giri.
FRANCESCO VIGNANI
71/100
ANGEL OLSEN
WHOLE NEW MESS
JAGJAGUWAR
Sapevamo già che All Mirrors,
l’album di Angel Olsen uscito
nel 2019, aveva un “gemello”,
gli stessi brani registrati negli
stessi giorni in versioni diverse,
più spoglie e minimaliste, che
la cantautrice voleva farci ascol-
tare prima o poi. Il momento è
arrivato e in effetti quello che
ci troviamo fra le mani non è,
come si potrebbe (mal)pensare,
una raccolta di demo, b-sides
o peggio scarti di registrazio-
ni, e nemmeno un sequel o un
prequel, quanto piuttosto un
reboot, la stessa storia scritta
con altri toni – cambiano anche
i titoli dei brani: ascoltarlo è
come essere con un’amica che
ha bisogno di trovare un senso
a qualcosa che le è successo e
quindi te lo racconta ancora e
ancora, aggiungendo o cambian-
do particolari. “Volevo registrare
mentre stavo ancora elaborando
certi sentimenti”, dice.
LETIZIA BOGNANNI
75/100
PRIMO!
SOGNI
ANTI FADE/UPSET! THE RHYTHM
Primo! sono quattro ragazze
di Melbourne: due delle quali
suonano anche nei Terry, come
la cantante e chitarrista Xanthe
Waite che ha tutto per far inna-
morare giovani e vecchi indie
addicted, dall’imberbe webzina-
ro al nostro decano Arturo Com-
pagnoni. La scelta del nome e dei
titoli dei dischi in italiano (Sogni
è preceduto da Primo Cassetto
del 2016 e Primo Amici del 2018)
si deve anche alle origini dell’al-
tra chitarrista, la siculo austra-
liana Violetta Del Conte Race.
Questa cosa ce le avvicina ancor
di più, al di là dei coretti languidi
di Perfect Paper, del post punk
amniotico di Rolling Stone, del
garage fiabesco di Machine e di
quello più terreno di Present, dei
sogni color sabbia con cui ci culla
la conclusiva Reverie. Armonie
timide, slackerismo raffinato e
una grazia naturale. Non male.
MANUEL GRAZIANI
71/100
RUMOREMAG.COM | 69
 THE REFLECTORS
FIRST IMPRESSION
BURGER
Anche se l’etichetta già non
esiste più, travolta dai fatti che
conoscete (e se non li conoscete
fate un salto su Google), il disco
dei losangelini Reflectors è qui,
in tutto il suo splendore vintage.
La copertina è quella di un qual-
siasi “bucato” Beserkley del ’79 e
il suono è formalmente perfetto,
ovvero quello di una qualsiasi
band power pop Bomp! con Con-
verse e Rickenbacker. Del ’79,
ovvio. A questo punto però è le-
cito chiedersi: perché non ascol-
tarsi direttamente un gruppo
BRAT FARRAR
del ’79? Niente da dire: è esatta-
mente così che si suona il genere
di Knack e 20/20. Dopo anni di
revival però abbiamo capito tutti
come funziona e un disco come
First Impression oggi a me mi
dice poco. Riconosco la cura del
ADVENTURES IN THE SKIN TRADE dettaglio e le citazioni ricercate,
BEAST poi per me la cosa finisce lì. Not
my cup of tea.
LUCA FRAZZI
Brat Farrar, titolo di un 50/100
fortunato romanzo giallo
del 1949 di Josephine
Tey, è il nom de plume
dell’australiano Sam
Agostino che dopo aver
girato con i Digger & The
Pussycats, Kamikaze Trio
e Russian Roulettes, nel
2010 ha deciso di mettersi
in proprio sfruttando la
tecnologia in puro spirito RIVAL CONSOLES
DIY. È sufficiente guardare ARTICULATION
ERASED TAPES
il video della title track che
apre il suo quarto album. IDEM più che IDM, se ci passate
Nel filmino artigianale si alternano scatti di un party casalingo
il neologismo sul neologismo.
con un Cicciobello nudo circondato da un orsacchiotto di
Laddove il nuovo di Ryan Lee
peluche e bambole dallo sguardo vitreo; di fronte a sé ha uno
West conserva della cosiddetta
Shure SM58, sulla destra una copia acciaccata di Raw Power.
Intelligent Dance Music davvero
Nel pezzo che dà il titolo all’album cassa e rullo dritti fino
poco, giusto il gusto per il detta-
alla fine, chitarra in perenne erezione, voce affilata come una
lama arrugginita. Insomma, ci dovremmo esser capiti. No. glio e qualche incrocio ambient/
La fiammata iniziale serve a confondere le acque. C’è una breakbeat, ciò che resta è soprat-
doppia lettura in Adventures In The Skin Trade: il commercio tutto la monotonia del discorso,
della pelle ha a che fare col sesso ma anche con l’idea della e la riproposizione di suoni e
maturità, “come i serpenti cambiamo pelle e diventiamo stili già codificati e sfruttati. Da
persone diverse”, mi dice Sam. Il ko metallico si ammorbidisce West e da altri, contemporanei e
dischiudendo melodia collosa già da Come Back To You, non. Il che, in un album di sole
per aprirsi ai sintetizzatori maestosi di My Kind Of Thing sei tracce e poco più di mezz’ora
e alla calma elettrica di Big Crash, con la voce sulle tracce di durata, non è proprio il
dell’indolenza di J Mascis. La cupa reiterazione del ritornello massimo. Due e mezzo i modelli:
in I’m Not Here, che chiude il lato A, ha un’ideale continuum in pezzo con cassa dritta e melodia
Not Like You: lo yin e lo yang di un album che trova equilibrio epica, a metà strada fra classici-
nella drammaticità delle chitarre noise e nell’armonia di una smi alla Nils Frahm e Kompakt
synth wave tutt’altro che algida. Una dualità ancor più marcata anni zero (carina Vibrations
in Just Because They Can e Rose Tattoo. Chiude la distensiva On A String, meno la tarantella
Right Back At The Start cristallizzata nei cieli di Glastonbury, berlinese di Forwardism); pezzo
immaginando che i New Order abbiano tirato sul palco gli sognante gonfio di sintetizzatori,
impacciati Damon & Naomi. senza beat oppure con ritmo
MANUEL GRAZIANI spezzato. Formalmente perfetto,
80/100 ma poco più.
ANDREA POMINI
50/100
70 | RUMOREMAG.COM
MAX RICHTER
VOICES
DECCA
Cioè un lavoro che il noto com-
positore post minimalista anglo
tedesco ha iniziato a concepire
oltre un decennio fa, ispirato
alla Dichiarazione Universale
Dei Diritti Umani. Le voci a cui
allude il titolo sono quelle di
persone di ogni parte del mondo
invitate a leggerne gli articoli,
mentre un’orchestra sinfonica
o i suoi synth ne commentano
adeguatamente il contenuto.
L’opera vive di momenti molto
emozionanti ad esempio grazie
al violino di Mari Samuelsen
(come in All Human Beings –
Pt. 3) oppure quando in Journey
Piece si ricorda il diritto, mai
così attuale, alla libertà di mo-
vimento. Come afferma Richter,
dobbiamo riflettere sulla “pos-
sibilità di un mondo migliore e
più giusto”, e al di là di troppo
facili ironie questo si rivela un
ascolto toccante, oltre che estre-
mamente necessario.
GIORGIO VALLETTA
78/100
ROMARE
HOME
NINJA TUNE
Archie Fairhurst è stato nomade
per molto tempo. La scoperta
delle gioie della famiglia e il
trasferimento in campagna
da Londra forniscono grana e
sostanza al suo terzo disco. Se
Love Songs: Part Two rimane
un tuffo al cuore, dove la ri-
flessione melancolica prendeva
il sopravvento, qui si spinge
su un approccio più fisico al
dancefloor, senza mettere in un
angolo l’emotività. Così, i terreni
tribalismi vintage di The River
lasciano la scena alla delicata
reiterazione jazz di Deliverance,
il proto funk di High alla morbi-
dezza acustica di Home. Sapori
fra passato e futuro, nutriti da
equipaggiamento domestico,
ricontestualizzato. Un organo di
seconda mano, la 12 corde del
padre, la vecchia drum machine
ricostruita e un mangiacassette,
con cui campionare nastri regi-
strati. Casa dolce casa.
MAURO FENOGLIO
71/100
RECENSIONI GLI ALBUM SETTEMBRE 2020
SAULT
UNTITLED (BLACK IS)
FOREVER LIVING ORIGINALS
C’è il mistero, per coloro ai quali
interessa: questi Sault non si sa
chi siano, anche se i bene infor-
mati dicono si tratti del produt-
tore Inflo, della cantante Cleo
Sol e della rapper Kid Sister. E
c’è la musica, tanta, potentissi-
ma. Dopo i due album con cui si
è presentato al mondo lo scorso
anno senza preavviso alcuno,
il collettivo marchia a fuoco
questo 2020 con un lavoro bello
e necessario quanto The Cycle
dei Mourning [A] BLKstar, al
quale lo lega più di una affinità.
Un passo avanti ulteriore, che
all’entusiastica miscela di funk,
hip hop, disco mutante, dub e
soul già nota - scarna il giusto,
senza un capello in più o fuori
posto - aggiunge un’esplicita in-
tenzione politica, e un livello di
scrittura stellare che con pochis-
simi elementi fa miracoli. Fra i
dischi dell’anno, a dir poco.
ANDREA POMINI
88/100
SPARKLE DIVISION
TO FEEL EMBRACED
TEMPORARY RESIDENCE
Willliam Basinski, celebrato
compositore americano d’avan-
guardia, si concede una “vacan-
za intelligente” con un album
estroverso e a tratti euforico,
come annunciato dall’incipit
exotica di You Go Girl! Ad assi-
sterlo e spronarlo in quest’inso-
lita avventura, registrata quattro
anni fa ma pubblicata solo
ora dopo qualche esitazione,
il giovane assistente di studio
Preston Wendel. Oltre a una
manciata di collaboratori che in-
clude il leggendario contrabbas-
sista e violinista Henry Grimes,
scomparso qualche mese fa, qui
splendente in una Oh Henry!
che osa muoversi a tempo di
footwork. Sono toccanti anche
la dedica “cosmica” di To The
Stars, Major Tom e il tributo
di For Gato, ed è magnifico
perdersi nell’oceano ambient
di To Feel per poi ritrovarsi nel
vortice cut up della parte finale
del disco.
GIORGIO VALLETTA
85/100
SOUNDWALK COLLEC-
TIVE WITH PATTI SMITH
PERADAM
BELLA UNION
Una vecchia sacerdotessa del
rock. Un musicista di origine
ucraina che usa la musica per
“combinare etnografia, lettera-
tura, psicogeografia e osserva-
zione della natura”. Un incontro
casuale sul volo da Parigi a New
York. Dopo Mummer Love,
album dedicato a Rimbaud, e
Peyote Dance, in onore di Ar-
taud, la collaborazione tra Patti
Smith e i Soundwalk Collective
(Stephan Crasneanscki con
Simone Merli e Kamran Sade-
ghi) giunge a compimento con
Peradam, ispirato al romanzo
Il Monte Analogo di René Dau-
mal. Suoni minimali registrati
sull’Himalaya, gran parterre
di ospiti (Anoushka Shankar,
Tenzin Choegal, Charlotte Gain-
sbourg) e la voce declamante
di Smith piena di entusiasmo e
inaspettata eleganza.
CLAUDIA BONADONNA
66/100
TOBIN SPROUT
EMPTY HORSES
FIRE
Per gran parte della storia del
gruppo, e fino al 2014, capitano
in seconda di Robert Pollard nei
Guided By Voices (con la sua
firma in calce a una quota non
trascurabile dello sterminato
repertorio della band), Tobin
Sprout nel suo settimo lavoro
solista affronta di petto le sugge-
stioni dell’Americana (forma
mentale più che stile circoscrivi-
bile, ammesso che sia possibile
farlo) e nel farlo ricorre a un
vocabolario minimo e intimo,
prevalentemente acustico,
che si sviluppa in una concisa
mezzora. Dieci brani all’insegna
di un songwriting classico, dove
l’elettricità chitarristica dei
GBV fa capolino in appena un
brano, All In My Sleep. Il tutto
è incorniciato tra due ballate al
piano (Wings Prelude e No Sha-
me) che non sfigurerebbero su
un disco di Bill Fay. Un album
asciutto, toccante, ispirato.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
75/100
CONFINI
CONFINI
FREDERIC D. OBERLAND & IRENA Z. TOMAZIN
ARBA, DÂK ARBA
HOLLOW GROUND
Arba, Dâk Arba nasce come colonna sonora di
un’installazione fotografica dell’artista france-
se Fanny Béguély incentrata sulla propensione
dell’uomo all’autoesame e sui suoi tentativi di
esplorare i misteri del tempo. Frédéric D. Oberland
(Oiseaux-Tempete) e Irena Z. Tomazin percorrono,
in simbiosi, un sentiero che li conduce all’interno di una giungla
sonora oscura e inquietante dalla quale la Tomažin scalcia e si
dimena per divincolarsi. La sua voce si eleva, a tratti sofferta e gut-
turale, e graffia i distorti e ossessivi droni della ghironda elettrica di
Oberland, evocando atmosfere tetre e ritualistiche. L’impressione
che ne deriva è quella di assistere a una veglia funebre di una tribù
di pellerossa sonorizzata dagli Étant Donnés degli esordi. Passato,
presente e futuro postindustriale.
80/100
A CURA DI ANTONIO BRIOZZO
MASSIMO OLLA SUZANNE LANGILLE
LIFE IN A SONIC FREE FORM & NEEL MURGAI
RESEARCH EXPERIENCE COME WHEN THE RAVEN CALLS
LUCE SIA FAMILY VINEYARD
Life In A Sonic Dieci anni dopo
Free Research il loro primo
Experience acclamato
prende forma album, Suzanne
nei nascondigli Langille e Neel
dell’anima di un Murgai pubbli-
musicista senza compromessi, cano Come When The Raven
nella quale è obbligata a spec- Calls. Come nel precedente,
chiarsi quella dell’ascoltatore. anche questo lavoro è basato
In sotterranei bui e segreti si sulle percussioni dell’indiano
intravedono scantinati e stanze su cui volteggia la bellissima
delle torture da cui emergo- voce dell’americana. Purtrop-
no droni creati da strumenti po, a differenza del predeces-
autocostruiti, ritmi marziali e sore, l’attesa lascia spazio alla
agonizzanti vocalizzi di impro- delusione a causa di un’idea
babili vittime. Come si fa a non musicale che finisce per essere
amare Massimo Olla? piatta e ripetitiva.
79/100 60/100
MARGARIDA GARCIA JUNKYARD SHAMAN
/MANUEL MOTA WHAT IF WE BOTH ARE JUST
OARS SOMEBODY ELSE’S DREAM
HEADLIGHTS PENNY WHISTLES AND MOON PIES
I lisboneti Il finnico Jun-
Margarida kyard Shaman
Garcia (basso) è un eretico
e Manuel Mota polistrumen-
(chitarra) tista con 97
continuano la album pubbli-
discesa nel loro apocalittico cati in soli otto anni. What If
mondo. Nel corso degli anni, We Both Are Just Somebody
il loro sodalizio li ha condotti Else’s Dream, ispirato ai
a declinare improvvisazione versi di Phantoms Of The
e sperimentazione, rese quasi Past della connazionale Terhi
impalpabili in una plumbea Eskelinen, è improntato sul
spirale sonora. Oars è un’o- tema della solitudine e dell’i-
pera scura in cui chitarra e solamento in cui trovano spa-
stridori lo-fi fluttuano e si so- zio richiami al dark jazz del
vrappongono sino a diventare nord Europa, all’avanguardia
indistinguibili. Misterioso. giapponese di Merzbow e al
74/100 black blues di Keiji Haino.
75/100
RUMOREMAG.COM | 71
RECENSIONI GLI ALBUM SETTEMBRE 2020

STRAY CATS THE STREETS TAYLOR SWIFT DAVID TOOP

ROCKED THIS TOWN
FROM LA TO LONDON
SURFDOG
Un nuovo live degli Stray Cats,
in sé, non è certo una notiziona…
Brian Setzer, Lee Rocker e Slim
Jim, in effetti, da questo punto
di vista non si sono mai fatti
rincrescere. Però è innegabile
che – pur nella prevedibilità e
nella quantità di registrazioni
dal vivo disponibili – la band
è sempre coinvolgente. Per
cui non importa se Stray Cat
Strut, (She’s Sexy) + 17, Rock
This Town o Built For Speed le
abbiamo ascoltate mille volte: lo
rifacciamo e ci divertiamo anco-
ra, in qualche maniera. Anche
ora (questo live è preso dal tour
celebrativo dei quattro decenni
della fondazione) i gatti randagi
graffiano, magari con consumato
mestiere più che con l’impeto dei
20 anni. Ma si sa: il rockabilly
fatto a regola d’arte è come la tua
birra preferita – finisci sempre
per stappartene una e godertela.
ANDREA VALENTINI
70/100
NONE OF US ARE GETTING
OUT OF THIS LIFE ALIVE
UNIVERSAL
Basta nemmeno un minuto e un
verso a caso dello strano yacht
rap in coppia coi Tame Impala
di Call My Phone..., per aprire
un buco di nostalgia a forma di
accendino per Mike Skinner.
DJ occasionale e padre di fami-
glia, ormai. E c’è della dolcezza
nel vederlo coach a bordo ring
prima ancora che maestro di
cerimonie in 12 pezzi costruiti
attorno ai featuring di rapper
inglesi emergenti, oltre che
degli Idles in un brano omoni-
mo inferiore alla somma delle
parti. È il formato a rendere
troppo altalenante il mixtape:
bene magari i bassi imponenti
di Eskimo Ice con Kasien o il
brillante pastiche di Falling
Down con Hak Baker. Ma, tra
inesperienza degli ospiti e il
troppo rispetto di Skinner, il
colpo resta spesso in canna.
FRANCESCO VIGNANI
68/100
FOLKLORE
REPUBLIC
Al di là di tutto, la 30enne stella
americana ha avuto sempre il
pregio di dare dignità narrativa
alle sue ruminazioni private,
rendendole universalmente
condivisibili. Una qualità figlia
dell’apprendistato country. Il
suo album pandemico uscito
all’improvviso a luglio chiama in
aiuto Aaron Dessner dei Natio-
nal, per ricamare d’ombre il suo
lato più intimo. E la hit maker si
scopre a proprio agio, adagian-
dosi naturalmente sulle sponde
discrete e sognanti. Come nel
ritratto d’appendice di The Last
Great American Dinasty o in
coppia a cuore aperto con Bon
Iver in Exile. Si sente la mano
del compagno d’avventura Jack
Antonoff dietro ai rivoli di Seven
o a pennellare la maddalena di
Cardigan, per lambire la spiag-
gia nostalgica di Lana Del Rey.
Terreno fertile, al riparo dalle
luci della ribalta.
MAURO FENOGLIO
75/100
APPARITION PAINTINGS
ROOM40
Musicologo e giornalista mu-
sicale, David Toop è una delle
migliori teste pensanti contem-
poranee: depongono per ciò i
suoi volumi Ocean Of Sound
(1995) e Sinister Resonance
(2010), illuminanti saggi sulle
modalità di ascolto e fruizione
della musica. Last but not least,
Toop è anche improvvisatore,
abile manipolatore di field recor-
dings, formidabile connettore
di suggestioni sonore disparate.
Grazie a electronics, chitarra,
basso, tastiere, percussioni,
flauto dolce basso e contributi
vocali registrati per l’occasione
o tratti dall’archivio dei suoi in-
contri musicali (qui p.e. Ornette
Coleman), Toop costruisce con
pazienza artigiana un mondo
materico, misterioso, una jungle
savage dove si fondono musica
elettroacustica e rituali esotici, in
un contesto di totale smaterializ-
zazione post rock.
ANDREA PREVIGNANO
80/100

IN THREES
UPSET THE RHYTHM/MATERNAL VOICE
HANDLE
Quando si parla di Manchester i nomi che ricorrono,
inevitabilmente, sono quelli mitologici: Buzzcocks, Joy Division,
New Order, Smiths, Stone Roses, Oasis. Anche oggi, non c’è
rivista che non abbia dedicato ampio spazio all’edizione del
quarantennale di Closer. E va bene. Manchester però è ancora lì,
nel nord dell’Inghilterra, con tutti i suoi bei palazzoni popolari,
la pioggia, la fiera indipendenza culturale da Londra. E lì sforna
gruppi, come sempre. Tanti. In qualche caso, fantastici. Gli Handle
derivano dalla meteora Duds, superbo sestetto che col proprio caos
ultrafunk sublimava il concetto di underground. Non per vantarmi
(anzi sì, per vantarmi) ma un paio d’anni fa transitarono in Italia
e a vederli a Bologna saremo stati in 20. Due membri dei Duds
(Giulio Erasmus e Nirvana Heire) oggi sono la chitarra e la batteria
degli Handle, trio completato dal cantante e polistrumentista Leo
Hermitt. E se i Duds rispolveravano la black music sotto zero di
band del passato come A Certain Ratio, gli Handle oggi portano al
limite estremo il processo di asciugatura di quel suono. Restano
i cordoli in cemento, gli spigoli, resta quella musica storta che
fa male anche quando fa ballare. In Threes è un album cinico
nel quale ritroviamo il funk europeo più cupo (Malaria!, Palais
Schaumburg) e sprazzi di no wave fuori controllo alla Contortions.
Le armi sono un basso legnoso che incute timore, una batteria
e una tastiera dissonante. Con pezzi come Punctured Time e
Coagulate si buttano ancora giù i palazzi, come nella stagione d’oro
del post punk. 40 anni però non sono passati invano. Sono serviti
a cementare un’idea, quella di “musica scomoda”. Se escono dischi
come In Threes significa che c’è ancora speranza: non ci siamo
arresi alla musica come contorno. Non tutti.
LUCA FRAZZI
90/100

72 | RUMOREMAG.COM

TOOTS AND
THE MAYTALS
GOT TO BE TOUGH
TROJAN JAMAICA/BMG
Il rispetto è infinito, la
simpatia contagiosa, il ruolo
nella storia della black music
fuori discussione. Ma questo
disco torna nello scaffale
dopo il primo ascolto, o, al
massimo, girata la boa del terzo
grado di giudizio. Cui l’uomo
ha diritto, dopo essere stato
vittima d’ingiusta carcerazione.
Lanciamo un salvagente, allora.
Ci si aggrappa la stessa Got To
Be Tough, soul anche ispirato
su cui però la voce fatica più del
dovuto. Lo acchiappa I Stand
Accuse, un reggae soffice che
sfoggia persino un passaggio
quasi a cappella. Affonda
invece la cover di Three Little
Birds di Bob Marley, con ospite
il figlio Ziggy, penalizzata da
un arrangiamento stracarico di
orpelli.
PAOLO FERRARI
46/100
JEREMY TUPLIN
VIOLET WAVES
TRAPPED ANIMAL
È una disinvoltura celestiale
quella che lo spaziale cantastorie
indie folk del Somerset mostra
nel suo terzo album registrato
con gli Ultimate Power As-
sembly: i musicisti che l’estate
scorsa lo hanno accompagnato
anche in Italia. Una terapia di
gruppo con al centro la potenza
del lirismo al servizio delle que-
stioni di cuore fatte di incontri
e fallimenti. I 12 pezzi di Violet
Waves galleggiano placidi
nel liquido amniotico, quan-
do arrivano a contatto con le
membrane vibrano psichedelia
malinconica da tramonto lunare.
Spero abbiate presente Sogno di
Andrea Pazienza. Bene. Allora
immaginate Space Magic du-
rante la partenza del pattino nel
mare olio di San Benedetto. In
Swimming ci vedrete l’occhi dei
cannelli e state pur certi che con
Violets Are Blue arriverà l’acqua
blu a spettinarvi i diti.
MANUEL GRAZIANI
74/100
TRICKY
FALL TO PIECES
FALSE IDOLS
No, Fall To Pieces – pubblicato
a un anno da un’apprezzata
autobiografia – non è la “cosa
più simile al pop che abbia mai
inciso”. E non sarebbe potuto
essere diversamente, arrivando
dopo il suicidio nel maggio 2019
di Mina, figlia di Tricky e Mar-
tina Topley-Bird. Definizione
bizzarra, quindi, ma anche l’uni-
ca cosa a sollevare sopraccigli in
un disco continuo come non gli
capitava da tempo. In ballo fra
isolazionismo e sperimentazio-
ne, con 11 brani spesso poco più
che bozzetti, senza mai una nota
in più del minimo sindacale.
Nessun ospite, soprattutto, con
l’ex Massive Attack a nasconder-
si e lasciare la ribalta alla ottima
nuova vocalist Marta Zlakowska:
e nell’unico caso in cui prende
il microfono (Hate This Pain),
il senso di stare avvicinandosi
troppo a un dolore simile si fa
stordente.
FRANCESCO VIGNANI
73/100
ETUK UBONG
AFRICA TODAY
NIGHT DREAMER
Registrato live in studio, il de-
butto del trombettista nigeriano
è un affare potentissimo, al cui
confronto persino i Sons Of
Kemet rischiano di passare per
fiacchi. A colpire subito è ap-
punto l’energia del tutto, nutri-
ta dall’uso di ritmi rituali della
tradizione, e da una frenesia
che pare perenne, inarrestabile,
anche quando formalmente si
rallenta un po’. Ma non è tutto:
Ubong è un leader vero, pren-
de il minimo indispensabile
di afrobeat e lo plasma in un
suono nuovo che chiama Earth
Music, e sa di funk e jazz spiri-
tuale, carnevali caraibici e ceri-
monie ancestrali. Ci canta sopra
testi politici e sociali, di amore
e fratellanza, ed è forse il primo
connazionale a portare davvero
Fela nel futuro. Ah, ha anche un
club a Lagos dove suona tre sere
a settimana, se amate i corsi e
ricorsi storici.
ANDREA POMINI
84/100
EXTREMA
EXTREMA
HAVOK
V
CENTURY MEDIA
Ci sono state molte forme di thrash metal, ma
uno solo era il vero suono. Un po’ come accadde
nel grunge. Metallica, Anthrax, Slayer, Megadeth
erano gruppi con peculiarità estremamente di-
verse. Forbidden, Testament, Exodus, Overkill
(ad esempio) avevano invece una linea comune.
Quella che seguono da sempre gli americani Havok. Un gruppo
in grado di aggiornare i suoni di quell’epoca ma di mantenere la
struttura inalterata. Betrayed By Technology ne è il manifesto:
perfetta cavalcata con rullante in accordatura alta, doppia cassa
nei fill e quel suono acuto e apocalittico di chitarre. Una canzone
che rimanda a I Am Immortal dei Mortal Sin, uno degli esempi
più alti di puro thrash anni 80. Tra le migliori espressioni del
neo thrash moderno.
80/100
A CURA DI MARIO RUGGERI
VIOLENT HAMMER SYNAPSCAPE
RIDERS OF THE WASTELAND A MUTUAL DISAGREEMENT
HELL’S HEADBANGER ANT-ZEN
La Hell’s He- Loro insieme
adbanger, da a Hypnoskull
sempre, tratta permangono
la materia più quali alfieri
estrema del primi del cyber
metal. Estrema noise d’attacco,
ovvero: suonata estremamen- anche quando sono l’ambient
te. Per questo solo loro avreb- o il semplice adeguamento rit-
bero potuto scegliere i fin- mico tec(h)nocrate a farla da
landesi Violent Hammer, che padrona (pulsioni e distorsio-
dopo una serie di demo de- ni che lontanamente rammen-
buttano con un album spiaz- tano VAC e Klinik). Momenti
zante. Qualcosa tra il crust, i come I Can’t Kill What You
primissimi Bolth Thrower e i See e They’ll All Be Gone sono
Bathory. Disturbanti. gemme: suppliscono la man-
73/100 canza di Noisex e Converter.
80/100
VOODOO GODS RITUAL DICTATES
THE DIVINITY OF BLOOD GIVE IN TO DESPAIR
REAPER ARTTOFACT
Nei Voodoo Qualcuno ha
Gods ci sono avvicinato i
canadesi Ri-
Seth Van de
tual Dictates
Loo e George
Fisher dei Can- al grindcore.
nibal Corpse. Non ci siamo.
Basterebbe. Ma il gruppo Potenzialmente, sono qualco-
fondato dal batterista Alex sa di nuovo: un incrocio tra il
Voodoo è molto di più: è una death metal, il death punk, il
visione ultramoderna del post core, i Morbid Angel e i
thrash metal. Una versione Voivod. Stanno sviluppando
metallica, con lievi sposta- la teoria musicale, servirà loro
menti sul death e con passaggi ancora tempo, ma le premesse
tecnici alla Death di Symbolic. sono di una grande band con
Bravissimi. idee futuribili.
77/100 82/100
RUMOREMAG.COM | 73
RECENSIONI GLI ALBUM SETTEMBRE 2020
VALKYRIE
FEAR
RELAPSE
Una band per fan di Pentagram,
Windhand e Obsessed? Certo.
Ma anche per chi ama il Neil
Young rovinosamente e malin-
conicamente elettrico di brani
come Southern Man. La commi-
stione di doom e southern rock
non è mai è stata così equilibra-
ta come in questa band della
Virginia, i Valkyrie. Il cui nuovo
album può essere considerato
una nuova interpretazione del
southern rock. Certo, un po’ più
metallico. Ci sono canzoni in
cui sembra di veder battagliare
i fantasmi dei Crazy Horse (The
Choice); altre in cui, soprattutto
a livello vocale, sembra di senti-
re dei Corrosion Of Conformity
influenzati da Roky Erickson
(Evil Eye) ed altre ancora come
Fear And Sacrifice, in cui senti
esplodere la furia dei Lynyrd
Skynyrd di Free Bird. Scontri di
chitarre in duelli epici. La Val-
chiria è sudista.
CLAUDIO SORGE
78/100
WASHED OUT
PURPLE NOON
SUB POP
Il film Delitto In Pieno Sole
(1960) tratto dal romanzo Il
Talento Di Mister Ripley di
Patricia Highsmith, fu la rampa
di lancio per la popolarità del
celebre attore francese Alain
Delon. In Francia veniva inti-
tolato Plein Soleil, mentre in
Usa proprio Purple Noon, come
il ritorno di Ernest Weatherly
Greene, meglio conosciuto
come Washed Out. Sinuoso e
ammaliante ma non aspettatevi
l’umanità calda di Paracosm
(2013) o il movimento sognante
di Within And Without (2011),
riferimenti degli anni d’oro
della chill wave e dell’hypnago-
gic pop. Qui i colori tendono ai
tramonti mediterranei e i suoni
non sfuggono via, sono legger-
mente più marziali (Reckless
Desires), una ballata chitarra e
voce (Game Of Chance) e inne-
sti più synth pop (Hide).
NICHOLAS DAVID ALTEA
69/100
74 | RUMOREMAG.COM
VATICAN SHADOW
PERSIAN PILLARS
OF THE GASOLINE ERA
20 BUCK SPIN
Preso come sempre dalla geopo-
litica mediorientale, e da tutto
quello che concerne guerra,
terorrismo, imperialismo e di-
sgrazie affini, Dominick Fernow
aggiunge alla lista un concept
sul golpe iraniano del 1953
organizzato da USA e Gran Bre-
tagna. Con titoli come Predawn
Coup D’Etat (Schwarzkopf Duf-
fle Bags Of Rials) a creare l’at-
mosfera, e musica che vira verso
lidi meno esplicitamente techno
rispetto al passato. Prevale piut-
tosto un’aria di tensione e atte-
sa, creata da sfondi industriali
e melodie solenni, bassi quasi
dub e distorsione, che dilata i
ritmi o li copre, con il mastering
di Justin Broadrick a dare det-
tagli e profondità non comuni.
Fino ai 12’ finali dell’appro-
priata Ayatollah Ferocity (The
Refinery At Abadan), sfogo
finalmente meritato.
ANDREA POMINI
79/100
KAMASI WASHINGTON
BECOMING (MUSIC FROM THE
ORIGINAL NETFLIX DOCUMENTARY)
YOUNG TURKS
Non sempre facile mettere i
panni di chi accetta di lavorare
su commissione. Il sassofonista
di L.A. risponde con entusiasmo
alla chiamata della regista Nadia
Hallgren, per musicare il suo do-
cumentario sulla vita di Michelle
Obama. Entusiasmo che, alla
fine, si ritrova obbligato a mette-
re a freno la consueta esondante
narrativa jazz dell’autore, per
focalizzarne il citazionismo su
territori più confortanti e solari.
Fra beatitudine sunshine pop,
omaggi Motown (più suggeriti
dall’alto che sentiti) e R&B da
conciliante e ignara gioia alto
borghese. Neanche gli episodi
più documentaristici (Provoca-
tion, che fotografa le tensioni
razziali durante la presidenza
Obama) o più privati (Song For
Fraser, dedicata al padre di
Michelle) alzano l’asticella.
MAURO FENOGLIO
50/100
SUZANNE VEGA
AN EVENING OF NEW YORK
SONGS AND STORIES
COOKING VINYL
Esiste un livello di perfezione, pur
“borghese”, cui tendere. Qualcosa
di così impeccabile e fascinoso da
risultare esteticamente perfetto.
Suzanne Vega, in formazione
jazzy acustica, ha registrato
questo live al Carlyle Cafè di New
York, luogo dove si esibisce abi-
tualmente Woody Allen ed era fa-
cile incontrare tanto Debbie Harry
quanto Audrey Hepburn. Qui, con
voce meravigliosa, offre classici
(Marlene On The Wall e Luka,
pronti via, poi Cracking, Tom’s
Diner) e intrattiene i fortunati
presenti con storie su New York,
personali e “leggendarie” (Sinatra
e Ava Gardner che litigano). Tra
le canzoni lucidate per la Grande
Mela, New York Is A Woman,
New York Is My Destination e
Walk On The Wild Side imprezio-
sita da un’intro su cosa abbia rap-
presentato per Lei (per tutti?) Lou
Reed. Appunto, la perfezione.
MAURIZIO BLATTO
81/100
THE WATERBOYS
GOOD LUCK, SEEKER
COOKING VINYL/EGEA MUSIC/
THE ORCHARD
Perdonabili inciampi a parte
(Dream Harder, per dire) l’e-
strosità del buon Mike Scott nel
baloccarsi col lievito madre del
blues a seconda delle personali
fregole musicali del momento
dovrebbe essere tutelata dall’U-
NESCO. E il 14esimo album
dei suoi Waterboys sta lì a di-
mostrarlo. Registrato in casa
durante il lockdown, con un’at-
titudine ai limiti del (raffinato)
cazzeggio, Good Luck, Seeker si
muove zigzagando tra le osses-
sioni di una vita (Stones e Dylan
su tutti), i sanguigni soliloqui
mistico spirituali di sempre, il
richiamo sirenesco di mamma
Scozia e una voglia matta di
futuro: sfrontato (Dennis Hop-
per), epico (Low Down In The
Broom), moderno (The Golden
Work), passatista (Sticky Fin-
gers), scanzonato (The Soul
Singer) ma, in primis, squisita-
mente disorganico.
ANTONIO BELMONTE
68/100
JESSIE WARE
WHAT’S YOUR PLEASURE?
INTERSCOPE
Sarebbe bello fare finta che
questo WYP arrivi subito dopo
Devotion, debutto dell’inglese
del 2012, e che i due non siano
separati da altri due lavori ben
meno centrati. Saremmo pro-
babilmente (di nuovo) invasi da
articoli sull’importanza di Sade
per la scena attuale, con la Ware
a essere la star che prometteva
dall’inizio. E che meriterebbe,
visto che non serve neppure
un capolavoro per ricordare
come mai ci innamorammo dei
suoi wildest moments anni fa.
Basta una partenza che sposa
la causa della migliore Tracey
Thorn (Spotlight), in pratica, e
il ritorno prepotente dei groove
del James Ford messo al mixer a
strappare il meglio dalle sincopi
disco di Step Into My Life o dalla
robyniana Save A Kiss. Temen-
do di averla persa dalle parti di
Ed Sheeran, il ritorno a casa vale
un un mezzo trionfo.
FRANCESCO VIGNANI
79/100
WHITNEY
CANDID
SECRETLY CANADIAN
Da un punto di vista strettamen-
te musicale il periodo del lock-
down da Covid-19 verrà ricorda-
to come uno dei momenti storici
in cui più di ogni altro i musicisti
si sono dedicati a riscoprire ma-
teriale altrui, pubblicando dischi
di cover. In realtà le cronache
ci raccontano di come questo
album della coppia di Chicago
sia stato allestito prima che la
pandemia scompaginasse i piani
più o meno di tutti. Un album
che si presenta come esercizio
di stile impeccabile sia quanto a
scelte, andando a pescare in ter-
ritori vari e anche dissimili (dal
repertorio Eno/Byrne, alle Ro-
ches, passando per John Denver,
Moondog e Damien Jurado), che
sul versante di arrangiamenti ed
esecuzioni, tanto da sembrare
un’opera tutta loro, a un orecchio
non allenato agli originali. Come
tale dunque un disco minore di
Fleetwood Mac o Supertramp.
ARTURO COMPAGNONI
61/100
DEVON WILLIAMS KAMAAL WILLIAMS ADRIAN YOUNGE & ALI ZAKK SABBATH
A TEAR IN THE FABRIC WU HEN SHAHEED MUHAMMAD VERTIGO
SLUMBERLAND BLACK FOCUS WITH ROY AYERS MAGNETIC EYE

JAZZ IS DEAD 002

A sentirlo cantare adesso è diffi-
cile immaginarselo negli Osker,
punk band sotto Epitaph a caval-
lo tra i ’90 e gli anni Zero. In
quei due album la voce sguaiata
si inseriva nel punk californiano
sporco del gruppo losangelino.
Dopo svariati progetti minori,
nel 2006 inizia il suo percorso
solista. Una perfezione stilistica
che in questo quarto lavoro sod-
disferà chi ha sofferto le ultime
variazioni dei Wild Nothing di
Jack Tatum. La dolcezza dei Pre-
fab Sprout, il jangle pop solido e
le trame indie pop sono un corpo
unico che si avvita su se stesso.
Rispetto al precedente Gilding
The Lily (2014) sottrae le parti
sintetiche e va verso una scrittu-
ra più concreta. Una lavorazione
caratterizzata dalla morte del
padre e dalla nascita della figlia.
Rimane tutto sospeso tra nostal-
gia e speranza. Meraviglia.
NICHOLAS DAVID ALTEA
79/100
Secondo album in proprio per
il prolifico musicista londinese
noto anche come Henry Wu. Qui
prosegue il suo viaggio al confine
fra quella che si potrebbe definire
fusion, certo jazz spirituale e
forme più contemporanee, dalla
house alla jungle (vedi One More
Time). Gli archi di Miguel-Atwo-
od Ferguson e il sax del virtuoso
Quinn Mason sono preziosi
elementi attorno ai quali il disco
guadagna in spessore, come nel
contributo di quest’ultimo all’e-
stemporanea jam di Pigalle o nel
groove disco funk di Save Me.
Oppure nei momenti più rarefat-
ti, come 1989 e la languida Hold
On, complice la voce di Lauren
Faith, già al fianco di Kaytranada.
Complessivamente, un viaggio
sonoro non privo di scossoni e
improvvise svolte, com’è com-
prensibile che sia per un artista
ancora così curioso e irrequieto.
GIORGIO VALLETTA
76/100
JAZZ IS DEAD
Dopo aver inaugurato l’etichetta
provocatoriamente battezzata
Jazz Is Dead con una compila-
tion ricca di prestigiose collabo-
razioni (dagli Azymuth a Gary
Bartz), i due produttori affianca-
no uno degli ospiti del suddetto
primo volume per un album che
ne esplora il classico stile jazz/
funk. Otto brani inediti in cui
sembra di riascoltare il miglior
Roy Ayers, offrendone una rilet-
tura sottilmente contemporanea
– fra bassi profondi e occasionali
chitarre fuzz - ma rispettosa del
suo passato. Come nelle armonie
vocali di Synchronized Vibra-
tion, le tessiture cosmiche di
Shadows Of The East (complice
il sax di Wendell Harrison) o le
sinuose movenze latineggianti
di Gravity, sottolineate dal suo
inconfondibile vibrafono.
GIORGIO VALLETTA
78/100
Copertina sovraesposta contro la
sobria, gelida cover di Hipgnosis
del primo Black Sabbath (1970).
La differenza tra il primo album
dei Black Sabbath e la rilettura
di Zakk Wylde è anche questa.
Tutto il calore dell’Uomo del
Sud nei riff rock doom che sono
l’architrave del sound dei Sab-
bath. Zakk tiene sì a freno il suo
stile convulso, ma non può fare
a meno di esplodere in alcuni
topici momenti: tipo nella sara-
banda pazzesca di Wicked World,
o nelle acrobazie straripanti di
A Bit Of Finger/Sleeping Villa-
ge, che terminano su un boogie
stomp alla John Lee Hooker,
dove Zakk non si tiene più. Solo
lui poteva rifare il primo album
dei Black Sabbath, con Blasko e
Joey Castillo che lo sostengono
a meraviglia. Il figlio dei Black
Sabbath rende il più bell’omaggio
possibile ai padri di Birmingham.
CLAUDIO SORGE
81/100

AKSAK MABOUL FIGURES

CRAMMED DISCS

Gli Aksak Maboul nascono nel 1977: musica da camera DIY e avant
rock in opposition, folklori immaginari e salgariane fantasie sulle
musiche dal mondo. “11 danze per combattere l’emicrania”, recita
il titolo dell’esordio dei belgi, premonizione di quell’attitudine
globalista e quell’ampiezza di manovra su cui il cofondatore Marc
Hollander edificherà una delle più peculiari etichette indipendenti
europee, Crammed Discs, patria apolide di Tuxedomoon, Hector
Zazou e Konono N°1. Una attività, quella di discografico, che dopo il
sulfureo Un Peu De l’Âme Des Bandits (1980, con il coinvolgimento
degli spiriti affini Fred Frith e Chris Cutler) spingerà il musicista
a mettere quasi del tutto tra parentesi il progetto. Dopo Ex-Futur
Album, album registrato tra l’80 e l’83 e completato nel 2014, il
polistrumentista e Véronique Vincent hanno riesumato la sigla,
raccogliendo consensi e nuovo pubblico ed elaborando materiale
fresco ora raccolto in questo caleidoscopico e ispiratissimo doppio
album, spalmato su due CD dal minutaggio contenuto. Figures
comprende come da tradizione mercuriali miniature minimaliste
e schizzi sperimentali, ma soprattutto una serie di formidabili
canzoni che intrecciano i testi arguti e surreali della Vincent con
un avant pop di scuola francofona che riprende il discorso di Les
Rita Mitsouko, Antena e Stereolab arricchendolo con quei caratteri
art rock continentali che gli Aksak Maboul hanno contribuito a
sviluppare più di quattro decenni fa. Oltre alla line-up più recente,
nel cast troviamo vecchi amici come Fred Frith, Steven Brown
(Tuxedomoon) e Michel Berckmans (Univers Zero, Art Zoyd),
ma Figures non ha nulla a che fare con vecchie glorie e bei tempi
andati: è un disco dalle idee freschissime, musicalmente poliglotta e
autenticamente entusiasmante.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
83/100
RUMOREMAG.COM | 75
 ABYSS X ALUNA
INNUENDO RENAISSANCE
DEEP MATTERS OF THE HEART MAD DECENT

Un denso Tuttora
curriculum parte del
che vede duo Aluna-
l’artista George, la
di Cnosso londinese
(Creta), Aluna
danzatrice, Francis si
laureata in cimenta in
computer science, attivista per proprio con un disco che rias-
i diritti LGBT in carcere e col- sume le sue passioni per il lato
laboratrice di Rabit e SOPHIE, più pop dell’R&B, combinato a
introduce il suo esordio auto- ritmi house e dance. Purtroppo
prodotto. Un flusso trance che buona parte di queste 14 canzo-
procede (un po’ troppo unifor- ni sono deboli e troppo leggere
me) fra interferenze, seduzioni per lasciare il segno, pur con
da Madonna periodo Erotica in qualche eccezione: vedi The Re-
chiave PC music e il soffio arca- cipe (offerta dal sempre genero-
no della tradizione che scorre so Kaytranada) e la dancehall di
sottotraccia. Get Paid.
MAURO FENOGLIO GIORGIO VALLETTA
61/100 51/100

AA.VV. WILL BUTLER

GENERATIONS
MERGE
CHOIR BOY
GATHERING SWANS
DAIS

Dove c’è Prendete gli

gusto non americani
ANGELHEADED HIPSTER c’è perden-
za, Butler
Drums,
toglietegli
THE SONGS OF MARC BOLAN ci riprova il sole e le

AND T.REX dopo cin-

que anni e
spiagge im-
maginarie,
BMG la passione e declinate
per un certo rock‘n’roll rurale e in un mood decisamente new
la sperimentazione ingabbiata romantic. Ecco i Choir Boy, da
La stella di Marc Bolan in strutture pop esplodono qui Salt Lake City, con in testa Adam
abbaglia ancora oggi il cielo in un album più vario e a fuoco Klopp e la sua voce angelica
della musica, nonostante dell’originale. Wit e spiritualità 80’s. Melodie di scuola Smiths,
l’artista sia scomparso ormai si alternano al sempre sapiente chitarre lucidate a dovere, qual-
da più di 40 anni. Non uso della dinamica. La schizo- che divagazione dreamy, synth
solo per la sua capacità di frenica Outta Here, la “subur- pop cristallino e una non vaga
reinventarsi coraggiosamente, biana” Surrender e la caleido- inclinazione (solo visuale) per
passando da icona del scopica Not Gonna Die sono lì a l’horror. Gli orfani di Chapel
movimento hippie, con la testimoniarlo. Club e Wild Beasts sono avvisati.
sua peculiare visione del folk FERNANDO RENNIS NICHOLAS DAVID ALTEA
acustico, ad antesignano 73/100 76/100
del glam rock fino a sfiorare
con disinvoltura le rive del
pop, ma anche per il suo stile
elegante che non passava GRAND RIVER ED HARCOURT
BLINK A FEW TIMES MONOCHROME TO COLOUR
inosservato (è noto che da giovane si ispirava addirittura al
famoso dandy ottocentesco Beau Brummell), Bolan ha saputo TO CLEAR YOUR EYES POINT OF DEPARTURE
EDITIONS MEGO
influenzare almeno tre generazioni tanto per la musica quanto per Titolo che
l’immagine, che secondo la sua concezione della vita e dell’arte Si scomoda ben rap-
non era affatto un dettaglio secondario. Quest’anno, mezzo secolo il prestigio- presenta
dopo l’uscita del primo singolo con i suoi T. Rex, Bolan entra so marchio il salto dal
finalmente nella Rock And Roll Hall Of Fame e, per celebrarlo
Mego per il più che
degnamente, i produttori Bill Curbishley ed Ethan Silverman
bis di Aimée minimale
hanno deciso di coinvolgere diversi illustri fan per rendergli
Portioli, Beyond The
omaggio. Da Kesha a Joan Jett, da Devendra Banhart a Beth
italo/olan- End di due
Orton, da Father John Misty a Marc Almond, fino ai figli di John
dese di base anni fa, per quanto rimanga la
Lennon, Sean e Julian, e agli U2 con Elton John, tanti sono gli
artisti che hanno accettato di partecipare, rendendo questo disco a Berlino, che firma con Blink... struttura interamente strumen-
straordinariamente variegato, seppur coerente grazie alla forza una prova matura e ambiziosa. tale del lavoro. Ben più ricca,
della penna del cantautore di Hackney, riconosciuto come uno Un lavoro che, all’interno di quindi, con archi a sfidare in
dei più importanti compositori della storia del rock. Anticipato coordinate ambient, fonde stru- drammaticità il pianoforte e le
da un’intensa Cosmic Dancer ridefinita dal tocco di Nick Cave, menti acustici e sintetizzatori, ambizioni cinematografiche in
l’album non omaggia però solo l’immenso talento di Bolan bensì sequenze sognanti e flash mini- bella vista, ma – esattamente
anche quello di Hal Willner, il noto produttore sotto la cui egida è malisti, droni polverosi e melodie come il predecessore – fin
stato concepito, scomparso a causa del Covid-19 lo scorso aprile, solenni. Fino all’uso inedito della troppo di genere. E molto meno
prima di vederne la tanto attesa pubblicazione. Ma la sua stella e propria voce, nella conclusiva, personale di quanto fatto fin qui
quella di Bolan non smetteranno mai di brillare. crepitante All There Now. dall’inglese.
ANDREA POMINI FRANCESCO VIGNANI
DORIANA TOZZI
85/100 78/100 65/100
76 | RUMOREMAG.COM
 SUONA ANCORA
RECENSIONI IN BREVE SETTEMBRE 2020 IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI

HEAVY VELVET MAN MAN NAYANA IZ

SESSIONS DREAM HUNTING IN THE VALLEY SMOKE & FLY
ESHOM OF THE IN-BETWEEN DIFFERENT
SUB POP
Versione Nata a
live in Una delle Londra, ma
studio, band meno “creata”
più cruda, lineari che in India,
dell’album vi possano dichiara
uscito capitare a orgoglio-
nel 2019. tiro sono i samente
Avvolgente Man Man. l’artista
narco rock blues, geneticamente Fermi per 20enne al suo debutto. Un
modificato da influenze grunge. circa sei anni, sono ritornati con manifesto pulsante d’influenze FONTAINES D. C.
Agitata cantante biondo platino, Ryan “Honus Honus” Kattner diverse, dall’hip hop tecnico di A HERO’S DEATH
ma un po’ impacciata. Tablas a dirigere le manovre. Gipsy marca britannica all’electro pop PARTISAN
hippie a supporto del rito rock jazz, soul, blues, dark cabaret e gommoso. Il tutto virato attra-
blues, che li fa assomigliare in sperimentazioni da orchestra di verso la lente multicolore delle A Hero’s Death è un ottimo
definitiva a una cosa rock torrida strada. Non è facile stargli die- radici indiane e una passione album. La matrice del sound
di Tommy Bolin mixata con tro nei salti di genere e nelle ca- virale per la danza, come forma è sempre il post punk, del
i californiani neopsych Slow priole musicali da saltimbanchi di liberazione espressiva. Trac- quale viene accentuato mag-
Season. America rock selvaggia. circensi. Un po’ pregio e un po’ ce ancora acerbe, piattaforma giormente l’aspetto dark e
Non male. difetto ma è la loro natura. per crescere. romantico.
CLAUDIO SORGE NICHOLAS DAVID ALTEA MAURO FENOGLIO
76/100 64/100 65/100

ALASDAIR ROBERTS SLIGHT OF ULTHAR

THE SONGS OF MY BOYHOOD OTHER PEOPLE PROVIDENCE
DRAG CITY FIGURE 2 RC/DEADSTACHE 20 BUCK SPIN

Nuovo Uno “stu- Grande

album per
l’ex front-
man degli
Appendix
Out che
percorre
a ritroso i
territori dell’indie folk tenue e
malinconico che ha reso nota
la sua band nei ‘90, andando a
recuperare brani dai tre LP del
gruppo: The Rye Bears A Poison,
Daylight Saving e The Night
Is Advancing. I pezzi rivisitati
compongono una sorta di gre-
atest hits nostalgico, anticipato
dal primo singolo della band, Ice
Age, mai ripubblicato dal 1996.
DORIANA TOZZI
68/100
dio degli
stili rock
americani”,
dice del suo
secondo
album lo
stesso Jim
Hill, responsabile della sigla
Slight Of. Un suono che attinge
da memorie pop e classic rock
bambine e scrittura indie ma-
tura, caldo e avvolgente come si
addice a canzoni che raccontano
storie di umanità provinciale
e poco attraente. La lista dei
predecessori è lunghissima e
agguerrita, ma Other People
merita una possibilità.
ANDREA POMINI
70/100
entusiasmo
di critica
per il nuovo
album degli
Ulthar.
“Pitchfork”
in testa.
Ma riconosciamolo, non siamo
molto lontani dalla divorante X
morbosità dei primi Morbid ALPHABETLAND
Angel. Ecletticità dello stile: FAT POSSUM
doom, black, death? Sì certo,
com’era nei primi Morbid Angel. Gli X erano, e sono, una
Un pezzo come Furnace Hiber- band rock’n’roll pura, qua-
nation ne dà la plastica dimo- lunque significato diate a
strazione. E il tutto viene calato questa parola. E Alphabet-
in quella che è da parte del grup- land è un ottimo disco di
po di Oakland una vera e propria rock’n’roll.
ossessione per H.P. Lovecraft.
CLAUDIO SORGE
70/100

VILE CREATURE WOO YELLO

GLORY GLORY! ARCTURIAN CORRIDOR POINT
APATHY TOOK HELM! QUINDI UNIVERSAL
PROSTHETIC
Curiosa la Ormai a un
Riuscite a scelta che passo dal
immaginare inaugura diventare
un incrocio il catalogo la (peraltro
impossibile dell’e- deliziosa)
tra gli Obi- tichetta parodia di
tuary e gli fiorentina: se stessi,
Swans? Una una suite Dieter
straziante in cinque movimenti finora Meier e Boris Blank proseguono
eviscerazione di urla e suoni inedita e firmata dal duo inglese rispettivamente a esercitarsi JASON MOLINA
grumosi e dissonanti. Là dove di culto formato cinque decenni in deliri verbali con voce roca EIGHT GATES
uno strano death metal e uno fa da Clive e Mark Ives. Ad ac- alla Leonard Cohen e groove SECRETLY CANADIAN
strano post punk si incontrano compagnare le loro costruzioni electropop desueti ma dalle
e ne esce un disgustoso ibrido. minimaliste per synth e dal frequenti suggestioni esoti- Eight Gates è un dono
Per dire, disgustoso come un retrogusto ambient, i remix che. Spiccano in scaletta The inatteso. Parte di queste
racconto grottesco di Thomas degli irlandesi Wah Wah Wino e Vanishing Of Peter Strong, registrazioni londinesi era
Ligotti. Sono solo in due, Vic dei redivivi Ultramarine, e una Arthur Spark e la bizzarra Siren già trapelata come bonus
e KW: vocals, chitarre e per- nuova versione della loro Love Singing, che ospita la cantante track, ma qui abbiamo un
cussioni. Con il supporto della On Other Planets. cinese Fifi Rong. vero, bellissimo, album.
fotografa/visual artist Danika GIORGIO VALLETTA GIORGIO VALLETTA
Zandboer. Per stomaci forti. 71/100 73/100
CLAUDIO SORGE
79/100 RUMOREMAG.COM | 77
TREECOLORE DISCO DEL MESE
L’ARTE DEL SURREALE
MANA
ASA NISI MASA
HYPERDUB
È un’evoluzione artistica ormai ultra-
decennale sebbene sotterranea quella
che vede protagonista Daniele Mana,
musicista elettronico che dopo i primi
passi come metà del duo Nice Guys e poi
in proprio sotto lo pseudonimo The Pure
aveva adottato la sigla Vaghe Stelle per
una serie di lavori che già esprimevano
notevole personalità. Fra questi ultimi,
l’album Sweet Sixteen per la londinese
78 | RUMOREMAG.COM
MANA
Astro:Dynamics nel 2014, e lo spiazzan-
te EP Abstract Speed + Sound (2015),
pubblicato dalla Other People di Nicolas
Jaar. Forte anche dell’esperienza nel
“supergruppo” One Circle, insieme a
Lorenzo Senni e Francesco Fantini, è
con il passaggio alla Hyperdub che il
suo cognome inizia a contrassegnare le
nuove uscite, dall’EP introduttivo Crea-
ture all’imprevedibile musica da camera
aliena emersa lo scorso anno in Seven
Steps Behind. Fino a questo disco, la
cui realizzazione è iniziata proprio alla
fine del 2019 per concludersi durante
la recente quarantena, in maggio. Inti-
tolato alla frase di apparente nonsense
contenuta in una scena del classico di Fe-
derico Fellini 8½, sin dalle frequenze e
dagli arpeggi dell’introduttiva Spin And
Loops, l’album è testimonianza di una
ricerca sonora assolutamente peculiare,
che accenna e propone melodie impal-
pabili e celestiali in un contesto onirico
oppure esotico. Suggestivo specialmente
nel canto mistico di Shrive Alone - esem-
plare del ricorrente utilizzo della voce
come puro strumento, testimoniato
anche dalle scelte in sede di missaggio - e
nell’atmosfera sospesa di Two Islands.
L’elaborazione sonora qui raggiunge
livelli particolarmente alti nell’ipnotico
vortice di Eterna Corrente e nell’epica
DI GIORGIO VALLETTA - FOTO DI ANDREA COSSU
di sapore morriconiano rielaborata e
scardinata in I’m Not Here. Non a caso,
fra le influenze dichiarate dall’autore in
questa circostanza, c’è la musica italiana
da film degli anni 70 e dei primi ‘80, così
come il Jon Hassell la cui visione del
Quarto Mondo sembra essere aggiornata
e filtrata in Berber Pendulum, quasi a
ennesima testimonianza della spiccata
ambizione di questo disco. La narrazio-
ne della tracklist conosce un momento
centrale di tensione, prima creata nella
minacciosa Disordine Al Disordine per
poi divenire più esplicita nella successiva
Tentacle Daemon, con le sue strane chi-
tarre sintetizzate. Ma è sempre la sua in-
solita sensibilità a rendere ulteriormente
speciali e incredibilmente accessibili le
elaborazioni sonore di questi 42 minuti.
Se Asa Nisi Masa è la codificazione in
alfabeto serpentino della parola anima,
Mania (titolo della traccia conclusiva)
ne è il suo anagramma. Un epilogo lumi-
noso ed elettrico, semplicemente spetta-
colare nella sua capacità di giocare con
voci, colori e tonalità, e di emozionare
nuovamente.
90/100
TREECOLORE GLI ALBUM SETTEMBRE 2020
AA.VV.
GOLDEN DOLPHIN
MUSIC FROM TURIN VOL. 1
DELETE
Un modello d’autobus futuristi-
co presentato alle Officine Viber-
ti di Torino nel 1956, come titolo
di un’istantanea per la scena
avant della città. La sempre at-
tenta Delete dà visibilità a una
comunità pulsante di musicisti
con attitudine e gusto affini (pur
nella diversità di stile). Un tes-
suto connettivo di collaborazioni
e amicizie che unisce idealmente
nomi più noti a nuove individua-
lità. L’out folk di Enrico Degani
(Perfect Prison) e il post rock
terminale di Luca Purum Nihil
(Ouroboros), con la liquidità
ambientale di Fabrizio Modone-
se Palumbo (Torino Exotica) e
l’IDM contemplativa di Selfim-
perfectionist e DsorDNE (These
Days), giusto per citarne alcuni.
Dopo le ferite profonde lasciate
dal lockdown pandemico, un
modo per dire che lo sguardo
verso il futuro può essere ancora
motore creativo.
MAURO FENOGLIO
75/100
THE BLUES
AGAINST YOUTH
LIVE AT HENRY’S BLUESHOUSE
AUTOPRODUZIONE
C’è questo tipo con i baffetti
che sembra un siciliano doc e
si chiama Gianni TBay ed è un
bluesman puro, che pare uscito
da un paese lungo il Mississippi
negli anni 50. Conosciuto
anche come The Blues Against
Youth, il suo è un one man
show. In questo disco potete
ascoltarlo live alla Blueshouse
di Birmingham, UK, sciorinare
un trascinante country delta
blues, in un concerto strepitoso.
Lo stile? Siamo dalle parti del
Texas, dove nacque e visse
Lightning Hopkins, e non in zona
Mississippi. Ma certo ovviamente
c’è anche un’influenza del
Mississippi, penso a Charlie
Patton. E d’altra parte Gianni
TBay dà anche una rendition di
Poor Boys di John Fahey. Mentre
Uncle’s Blues è puro delta,
un po’ Muddy Waters. Roba
preziosissima. Non so voi, ma io
starei ore ad ascoltarlo.
CLAUDIO SORGE
80/100
AL MUSTAQIL
HARRAGA
AFOFORO/STELLA NERA/DETHECTOR
Al Mustaqil, ovvero il batterista/
polistrumentista (bozouki, chi-
tarre, fiati, computer, field re-
cordings etc.) Jacopo Andreini,
vecchia conoscenza della scena
avant nostrana (Enfance Rouge,
tra i tanti), accompagnato da
sette musicisti, tra cui Amy
Denio al clarinetto. Andreini
arrangia e dirige, più che un
album, una sorta di diario sono-
ro sotto forma di unica traccia,
con tanto di bibliografia di rife-
rimento e scaletta che posiziona
interventi parlati e musiche,
queste ultime oscillanti per ispi-
razione tra Egeo, Nordafrica e
Medioriente, e tra tradizione e
fragore sperimentale, con sullo
sfondo vittime e contraddizioni
di quella “barbarie mediterra-
nea” che campeggia sulla co-
pertina a mo’ di toponimo. Una
sintesi eccellente che lascia agire
la musica smontando ogni possi-
bile appiglio retorico.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
75/100
BULY PANK
AMERICAN BUFFET
BLACK CANDY
Secondo disco per Marco Pa-
rente (col nomignolo che por-
tava appena 13enne) nel giro di
un mese, a spianare la strada al
prossimo di canzoni che vedrà
luce in autunno. Se in genere la
musica è cucita sulle immagini,
qui nasce prima lei, libera, ed è
su di essa che si incastra il mon-
taggio dei frame, in un film mu-
sicale di 22 minuti. Un “disco-
metraggio per non adulti”, dedi-
cato all’America e ai suoi para-
dossi, in un montaggio frenetico
di immagini che la parafrasano.
Parate militari, presidenti, Coca
Cola, Mickey Mouse, lunapark,
villette e famigliole. Poi l’ato-
mica, violenze, polizia, carri
armati, i moti antirazzisti, ad
accompagnare quattro compo-
sizioni sospese tra elettronica
essenziale, autunnali chitarre
arpeggiate, afose pennate funk
e surreali linee melodiche dalle
parole inventate.
BARBARA SANTI
72/100
BLACK ELEPHANT
SEVEN SWORDS
SMALL STONE
A Detroit di rock’n’roll se ne
intendono. E se un’etichetta
come la Small Stone mette sotto
contratto una band di Savona,
Italia, non dev’essere per caso.
Ma perché questa è una band
con gli attributi. Giunti al loro
quarto album (il secondo per la
Small Stone), i Black Elephant
sembrano provenire dal deserto
del Nevada invece che dall’Ita-
lia. La loro è una heavy psych
moolto americana, nutrita alle
radici da un sacro fuoco voodoo
blues hendrixiano, scossa da
una fuzz dementia ribollente.
Tra le cose migliori di Seven
Swords: The Last March
Of Yokozuna e Mihara, due
baluginanti desert blues, come
i Fleetwood Mac di Then Play
On, puri riti hippie dalla Death
Valley. E la misterica e ieratica
Govinda, acid psychedelia dal
fascino inebriante.
CLAUDIO SORGE
80/100
CHERRY PIES
THE CHERRY PIES
SPOOKY/BEAST/SCHMALZGRUB
Durante il lockdown tanti,
troppi musicisti hanno sentito
l’irrefrenabile bisogno di lancia-
re segnali di speranza al mondo
in forma di (pessima) musica
homemade. Con qualche ecce-
zione. I Cherry Pies (un duo:
Veronica Zucca e Stefano Isaia)
ad esempio hanno sfruttato
l’isolamento per produrre suoni
che nascono sì da un contesto
particolare, ma spiccano per
intensità e ispirazione a prescin-
dere. Otto brani che spaziano
dal paisley di What Have I Got (i
Dream Syndicate in acido) all’at-
mosferica Liqueur Amère pas-
sando per Behind The Trees con
Claudio Zucca dei Rippers alla
chitarra, il tutto in chiave ultra
lo-fi. Il loro suono nasce dal
garage e rivolta cuore e stomaco
con disincanto. Se amate i Movie
Star Junkies, i Lame e il loro
approccio alla materia, Cherry
Pies è pane per i vostri denti.
LUCA FRAZZI
70/100
BLEEDING EYES
GOLGOTHA
GO DOWN
I Bleeding Eyes ti colpiscono,
ti feriscono, ti inquisiscono. La
loro musica è come un’esplora-
zione nei meandri di una mente
malata. Una voce che parla
dall’interno, che obbliga, che
istiga, che descrive scenari di
orrore e apocalisse. Qualcosa di
vagamente simile a 11 Paranoias
e Ancient Lights. Psychedelic
sludge. Soundtrack interna
al delirio di uno psicopatico.
Soundscapes gonfi di lucida cu-
pezza, tra riff noise doom pro-
fondissimi, arpeggi stranianti
e ossessivi, percussioni oltre-
tombali a dare la trascinata ca-
denza. E dentro, sopra e sotto,
il delirante recitato predicatorio
di Simone Tesser, l’uomo che
sembra un clown maligno uscito
da un racconto di Stephen King,
che procede ieratico e incespica
ed è travolto da queste ondate
psychotic doom.
CLAUDIO SORGE
80/100
CORPO
III
LIZARD
Raccontammo la storia unica
dei Corpo quattro anni fa, sul
numero 296, accogliendo con i
dovuti onori un album di musica
registrata nel 1979 e mai uscita
prima, originale e sfaccettata.
Oggi i salentini - Francesco
Calignano alla chitarra e Biagio
Calignano a piano, tastiere e
batteria, con il terzo fratello
Mario al basso in un pezzo, più
sezione fiati e una cantante liri-
ca - tornano con il nuovo disco
promesso allora. Prodotto da
Paolo Bergese degli Airportman,
III si concentra però quasi solo
sull’anima prog del gruppo, con
otto tracce intricate e barocche
persino nei titoli, arie sinfoniche
e svolte continue. Mai gratuite,
va detto: la ricerca di una sintesi
personale è chiara e riuscita, vari
momenti sorprendono, ma è
come se molta della magia aliena
di un tempo si fosse persa.
A NDREA POMINI
68/100
RUMOREMAG.COM | 79

FREUR
DOOT-DOOT
“Il primo pezzo ‘elet-
tronico’ che ricordo. La
batteria elettronica, il
lavoro programmato di
delay/echo e il synth
finale sono ancora oggi
parti che mi portano
un immenso confor-
to quando le ascolto.
PLAYLIST
Sicuramente la outro
più bella di tutti i tempi,
secondo me”.
DA DOOT-DOOT
BLUVERTIGO
EBBREZZA TOTALE
“Metallo Non Metallo
fu una rivoluzione
sonica in Italia, per
quanto mi riguarda,
giacché introdusse
elementi elettronici e di
produzione in uno stile
a quel tempo unico, ma
sufficientemente affina-
to da essere accessibile
alle masse”.
DA METALLO
NON METALLO
80 | RUMOREMAG.COM
RADICI SETTEMBRE 2020 / ALESSANDRO CORTINI
10 CANZONI PER
ALESSANDRO CORTINI
Polistrumentista, produttore e compositore versatile e prolifico approdato da Forlì a
Los Angeles appena ventiduenne, ha lavorato con un esercito di musicisti, tra i quali i
Nine Inch Nails, ma non è certo un segreto. A settembre è uscito il suo ultimo lavoro
solista, Volume Massimo, e in pieno lockdown ha pubblicato Illusion Of Time insieme
al produttore e DJ inglese Daniel Avery, con il quale ha condiviso proprio il palco dei
N.I.N. Un disco completato in quel frangente e uscito adesso. “La collaborazione con
Daniel è nata da una stima personale reciproca, che è poi germogliata in uno scambio
di idee via Rete. Il risultato è Illusion Of Time”, racconta Cortini. Ma, in clima di
emergenza, l’attività concertistica è ferma, e resta il tempo per dedicarsi alla musica
lasciata indietro. “Periodo di poca creatività, ma molto tempo per organizzare cose che
ho composto e scritto tempo fa. Cose che usciranno mensilmente, sia via Bandcamp sia
attraverso Mute”.
TAG S: #VOLUMEMASSIMO #ILLUSIONOFTIME ONLINE: CORTINI.BANDCAMP.COM
DURAN DURAN APHEX TWIN THE BEATLES TIMORIA
SAVE A PRAYER XTAL A DAY IN THE LIFE SANGUE IMPAZZITO
“Ricordo il mio walk- “Il pezzo con cui l’ho “Mia madre era una fan “Uno dei due gruppi
man, riavvolgendo la scoperto, ancora il mio sfegatata dei Beatles, italiani del mio tempo
cassetta ad nauseam, preferito. Anche qui un quindi sono cresciuto che hanno segnato la
per ascoltare questa immenso senso di ma- ascoltandoli. A Day In mia gioventù. Viaggio
canzone. Il misto di linconia positiva. Quel- The Life è secondo me Senza Vento è uno di
elettronica, chitarra e le sensazioni che senti l’equilibrio perfetto quegli album di cui
malinconia nel pezzo è all’alba di ritorno da tra John e Paul, con mi basta ascoltare un
una ricetta che conqui- una serata con amici, il giusto ammontare pezzo per ricordare
sta da quando ero un adolescente, e il mondo di sperimentazione e esattamente dov’ero
bambino”. è tutto da scoprire”. melodia”. quando l’ho sentito per
la prima volta”.
DA SELECTED AMBIENT DA SGT. PEPPER’S LONELY DA VIAGGIO SENZA
DA ARENA WORKS 85-92 HEARTS CLUB BAND VENTO
GUNS N’ ROSES DEPECHE MODE RADIOHEAD FRANCESCO
ESTRANGED CONDEMNATION EVERYTHING IN ITS DE GREGORI
RIGHT PLACE GENERALE
“Il periodo più ‘spe- “Uno dei pezzi meno
rimentale’ dei GNR… elettronici dei DM, dal “L’album e la canzone “Generale è la mia
Sono cresciuto in quei mio album preferito che mi hanno cambiato. infanzia, in parte anche
giorni in cui erano sen- (accanto a Violator). Ha Perfetto nella sua imper- l’origine della mia
za dubbio il gruppo più dimostrato di essere ad fezione, normale e fami- melodia, e un umore
importante della scena hoc anche in un album liare nella sua stranezza che vorrà sempre dire
rock, e hanno lasciato come questo. Sicu- aliena. Un capolavoro malinconia e allegria,
un grosso segno nella ramente uno dei più che è luce di riferimento inscindibili tra loro.
mia crescita musicale, strani, da un periodo di su come si dovrebbe fare La ricetta perfetta, per
anche se magari non è eccessi del gruppo”. musica: seguendo il pro- quanto mi riguarda”.
ovvio”. prio cuore, non quello
DA SONGS OF FAITH degli ascoltatori”.
DA USE YOUR ILLUSION II AND DEVOTION DA KID A DA DE GREGORI
A CURA DI BARBARA SANTI - FOTO DI EMILIE ELIZABETH
TREECOLORE GLI ALBUM SETTEMBRE 2020
DAYGLO DEMONS
DAYGLO DEMONS
AUTOPRODUZIONE
È partito dal punk a metà ‘80 e
al punk è tornato. In mezzo il
salentino Gopher ha fatto parte
di un sacco di roba, tipo gli
indimenticabili Isola Posse All
Stars. Qui fa da solo ciò che gli
riesce meglio, “reinterpretare
svariati generi musicali met-
tendoli in un calderone fatto di
furiosa attitudine punk”. Calde-
rone è il termine giusto. L’altra
parola chiave è curiosità, che lo
ha spinto ad affogare il garage
punk e l’hc nella sperimenta-
zione e nelle acque torbide del
surf. Un lavoro volutamente
frammentario, noise, lo-fi,
John Zorn e popcorn, che fa
girare la testa tra i sapori dub di
Blue Elephant, il free jazzetto
Wrong Direction, la cover cata-
combale di Paperback Writer, il
portentoso mix di Beastie Boys
e NoMeansNo di Nat Sirt And
Araz Tee. 28 schegge impazzite
su vinile e su Bandcamp.
MANUEL GRAZIANI
72/100
LA FURNASETTA
& SARA OHM
BAT-KVINNOR
INDUSTRIAL COAST
Non è chi sia davvero o chi abbia
come ospite, ma che cosa sia.
Creatura da cantine abbandona-
te e periferie malevole, La Fur-
nasetta è un’entità industrial(e)
fin dal nome, (forno verticale di
Casale Monferrato), che si iner-
pica a unghie e denti stretti sui
suoni che a fatica definiscono il
genere. Bestia misteriosa, arriva
alle spalle. Ma lo fa senza offese
gratuite e, soprattutto, con
inedita varietà compositiva. Post
punk, elettronica, Carpenter
recluso in Piemonte (Asbestos
Rescue), macigni di rumore nero
stellato, bella voce femminile,
malinconia digitale, persino
massimovolumismo (Trapped
Under Ice) e funk apocalittico
(Brass Tactics). Sul secondo
lato della cassetta, Sara Ohm da
Goteborg, meno interessante
nel suo approccio Crass white
noise. Voto unicamente per La
Furnasetta.
MAURIZIO BLATTO
75/100
THE DELAY IN THE
UNIVERSAL LOOP
HOLY CIRCUITRY
BULBLESS!/BELL GARDEN
Partiamo con la brutta notizia:
questo disco, molto probabil-
mente, sarà l’ultimo lavoro a
nome The Delay In The Univer-
sal Loop di Dylan Iuliano. È la
chiusura di un cerchio, o di un
loop, che parte dalla copertina
realizzata da Cendrine Rovini,
la stessa che si occupò cinque
anni fa di Split Consciousness,
la prima proiezione sonora più
affine all’attuale suono del pro-
ducer campano. Holy Circuitry
è materia composita concepita
sia durante il lockdown e sia tra
il 2015 e il 2017. L’IDM ipergli-
tchata con voci pitchate (Fu-
ture Rituals) o i richiami 8bit
sezionati dallo spoken word in
Self Invaders (feat. Dylan An-
gell). Strutture definite in forma
canzone, tanto che Moonshine
nella sua brevità è una perfetta
traccia di synth pop emoziona-
le. La buona notizia? Ennesimo
solido album visionario.
NICHOLAS DAVID ALTEA
77/100
LUMI
MAY THE GODDESS UNEARTH ME
DEFENSE MECHANISM
Dei 43 minuti del secondo
album dei Lumi non ne andrà
sprecato neanche uno durante
l’ascolto. Anche la più piccola
increspatura emotiva si sommerà
alle successive in un continuo
divenire melodico (e atmosferico)
orchestrato dalla carnalità
di un pianoforte e un violino
sapientemente stemperata da un
algido minimalismo elettronico
di scuola nordeuropea (Frahm,
Kohlstedt ecc.). Encomiabile il
trio catanese nel vivificare un
articolato scenario narrativo
(l’incontro/distacco tra uomo e
divinità) attraverso un viaggio
immaginifico che, partendo
dalla malinconia cangiante
di Ex Machina, e dopo aver
fatto sponda sulle inaspettate
interferenze noise dei tre
movimenti di Demise, si esaurirà
col chiaroscurale, e soffusamente
cinematografico, congedo su
tasti d’avorio e archi di Her Gift
Everlasting.
ANTONIO BELMONTE
71/100
GIOVANNI DI DOMENI-
CO & MANUEL MOTA
DYSPNEA
HEADLIGHTS
Manuel Mota e Giovanni Di
Domenico sono due musicisti dai
percorsi formativi nettamente
distinti. Il chitarrista portoghese
è probabilmente l’erede di
Loren Connors e prosegue sulle
orme dell’americano, padre di
un blues alieno e visionario.
L’italiano è un pianista tra i
migliori al mondo, con studi
tra avanguardia e free jazz. In
Dyspnea, però, la distanza tra i
due non si percepisce. Mota tesse
una trama malinconica con note
lontane e riverberi dissonanti su
cui cadono, come fini gocce di
pioggia, le note del piano Fender
Rhodes di Di Domenico. Le nove
tracce suonano inizialmente
come fossero rarefatte e spettrali
ma alla fine risultano avvolgenti
e contemplative. La sensazione
è quella di nuotare sotto il filo
dell’acqua e, una volta alzata la
testa, di trovarsi persi in mezzo
al mare.
ANTONIO BRIOZZO
82/100
MANIAXXX
THE LAST NIGHTMARE
OF CAPTAIN MISSION
BEAST/ANNIBALE
Pura magia immaginare i Vio-
lent Femmes su una tavola da
surf psichedelica (Seariders),
inciampare su un cartello
con la scritta In fuzz we trust
(Chebahaka, Man In Trees),
dimenarsi a ritmo di country
orgasmico (Panic! Great God
Pan Is Dead), piombare nella
lenta oscurità di una flebile
luce al Neon, come la gang di
Michelotti (Waves). Pur aven-
do qualche disco alle spalle,
sonorizzato Gola Profonda e
reinterpretato musicalmente
Mulholland Drive, i Mania-
xxx sono un culto per pochi.
Anche in onore della memoria
del frontman Matteo Givone,
volato in cielo troppo presto,
questo è il momento giusto per
scoprirli.
MANUEL GRAZIANI
80/100
JESTER IN JAIL
MEMORIES FADED
& BROKEN HEARTS
SEAHORSE RECORDINGS
Ci sono band che partoriscono
quattro idee messe in croce e
le rielaborano all’infinito per
anni, e altre che come questo
trio pesarese di idee ne hanno
così tante da finire, in alcuni
casi, per generare un po’ di caos.
Prendete l’energica Liars On
The Moon e il languido roman-
ticismo smithsiano di Now We
Are...: la sensazione non è quel-
la di ascoltare due gruppi distin-
ti? Sono due le diverse anime
che premono all’interno dei JIJ,
quella brit rock da cui scaturi-
scono brani come la tagliente
Oh, Feelings! e l’epica Ellie e
quella genuinamente punk’n’roll
e grunge di Mannequin e Repul-
sion: questo significa varietà,
ma alla lunga anche confusione.
Se i ragazzi sapranno arrivare
a una sintesi (come accade in
When I’m Alone, Run e la title
track) avremo presto a che fare
con una band grandiosa.
STEFANO D’ELIA
76/100
MERSH
UNDERGROUND
SLACK
I Mersh arrivano da quella
fabbrica della nebbia a cavallo
del Po tra Emilia, Lombardia e
Veneto e si muovono al di fuori
dell’underground “istituziona-
le”. La loro scelta di margina-
lità si riflette in un suono che,
come nel caso dei compagni
d’etichetta Chow, è (defini-
zione abusata ma efficace)
decisamente fuori moda. Non
che questo basti per fare di un
disco qualsiasi un bel disco,
ma quando c’è qualità si tratta
di un valore aggiunto. Il riferi-
mento è la Seattle di 30 anni fa,
materia affrontata con onestà
e una capacità di comporre che
fa del “già sentito” qualcosa
che val la pena risentire. Non
fanno la storia, i Mersh, suona-
no la musica che amano e che
con album come Underground
trova diritto di cittadinanza
anche nel 2020.
LUCA FRAZZI
70/100
RUMOREMAG.COM | 81

IN ITALIA PRIMA DELLE SABBIE
(MINIMAL IMMORALIA)
e considerazioni a
livello di massimi
L sistemi partendo sulla
chiusura del magazine
“Q” forse le leggerete
nell’editoriale del
direttore o nei club privé di quei massimi
volumi di Farabegoli e/o Bordone, nel
mentre io, come uno speaker SRS-XB10
della Sony® in mezzo alla maggese
provo a connettere il bluetooth® con lo
zeitgeist sono mi immagino un mashup
fra le considerazioni dei colleghi e quelle
di Ernesto Galli Della Loggia sul tema
delle periferie dal titolo Attenti A Quei
MARTA DE PASCALIS
SONUS RUINAE
MORPHINE RECORDS
La sound designer romana è partita
dall’interesse per la prima computer
music esordendo nel 2016 su The
Tapworm (un catalogo che va da
Baudrillard e Jarman a Fennesz
e Aaron Turner/Isis), passando
poi alle sintesi analogiche fino alle
recenti escursioni verso le sequenze e
frequenze della sintesi FM. Per farsi
una idea delle coordinate sui cui viaggia
basterebbe scrollare la sua playlist
#20TRACKSOF compilata per il Club
To Club: si apre con gli Autechre e si
chiude con Battiato. Sonus Ruinae è
un po’ il classico disco di sintesi, della
maturità: a canvas of harmonics and a
sublime place where things are whole,
where your first listen is engraved just
like that ancient city’s pavement,and
Marta endlessly writes beauty on top
of it, layer after layer.
73/100
82 | RUMOREMAG.COM
IN ITALIA
P2. Che fare? Mi ascolto i dieci dischi di
Morricone che ho comprato su Amazon
dopo la sua morte o cerco di ascoltare
musica nova, chiaramente non nel
senso dell’omonimo gruppo di Eugenio
Bannato e Carlo D’Angio? Sempre alla
ricerca di un compromesso storico che
confonda Mosca e Washington nella
salsa pummarola cominciamo allora
col segnalare il carsico ritorno dell’ex
Vanessa Van Basten Morgan Bellini,
in compagnia del bassista Zappeo:
era inizialmente della partita Franz
Valente, poi sostituito da una drum
machine, mossa legittimata da quando
lo hanno fatto i Big Black. I due, col loro
progetto Yellow Kings (yellowkings.
bandcamp.com), intitolano il loro
primo lavoro Songs For The Young: noi
usiamo questa sarcastica dichiarazione di
intenti per giustificare l’uso del termine
post grunge, e state sicuri che se state
leggendo il disco vi piacerà. Mi sto
convincendo che da quando ho passato
gli anta sono caduto vittima dell’effetto
boomer: oramai cerco le emozioni
che prima mi davano esclusivamente
la batteria, il contrabbasso eccetera
fuggendo verso lidi sintetici che però
sappiano di realness, tipo lavorare
presso sé stessi. Ho insomma bisogno
di un pusher come Piezo: dietro questo
alias c’è il con base a Milano Luca
Mucci, un accademico dell’Ableton che
A CURA DI MARCO PECORARI
nell’approcciarsi alla bass music inglese
più oscura e tribale è poi letteralmente
approdato nella terra di Albione, finendo
a incidere per etichette culto come Idle
Hands, Swamp81 e Wisdom Teeth.
Dopo aver fondato la sua etichetta
bianca Ansia, ecco il suo debutto sulla
lunga distanza, Perdu: si tratta quasi
di un ritorno a casa visto che esce per
la Hudebiss (hundebissrecords.
bandcamp.com), etichetta del
vernaschino Simone Still Trabucchi.
Perdu gioca sui contrasti fra beat
sporchi e cattivi a bassa frequenza e
paesaggi sonori digitali ambientali in
cui l’approccio umano di Piezo al sound
design prova a essere credibile sia per
i laureati all’università della strada che
per quelli con un dottorato di ricerca alla
Redbull Academy e ci riesce in pieno.
Chiudiamo con Gabriele Gasparotti
(gasparotti.bandcamp.com), allievo
di Riccardo Sinigaglia (quello con il gl,
non quello di Ciao Cuore) e autore di
musica elettroacustica composta con
strumentazione analogica, che già si
era fatto notare qualche anno fa con
un lavoro ispirato a Maldoror, il lost
movie maledetto di Alberto Cavallone
(Gabriele tra l’altro è anche autore
cinematografico). Istantanee Vol.1, è
un lavoro concepito come una serie di
studi analogici per synth semimodulari
con inserti di piano e turntablism,
registrati su nastro come se fossero
fotografie sviluppate in camera oscura:
11 suggestioni sinestetiche retrofuturiste
assolutamente suggestive.
TREECOLORE GLI ALBUM SETTEMBRE 2020
MODERN STARS
SILVER NEEDLES
MIACAMERETTA
Ombre espressioniste post punk
che si proiettano su autostrade
kraut psych. I Modern Stars
sono una band italiana che ita-
liana non sembra affatto. Una
certa “gravità vocale” pesa su
questi mantra celestiali e ipno-
tici, che si collocano tra anni
70 tedeschi e neo psichedelia
spiritualizzata alla Spacemen
3. Silver Needles è un brillante
tentativo di “spaziamento” tra
epoche psichedeliche di una
band che colpisce per questa
assoluta capacità di full im-
mersion. Degli Spacemen 3 più
“heavy”? In un certo senso, sì.
Ma con heavy intendo più una
sorta di scura profondità. I Joy
Division con sitar e tablas? Un
pezzo come Space And Time,
bellissimo, mi fa pensare a una
cosa del genere. Sta in questa
“zona grigia”, l’originalità neo
psichedelica dei Modern Stars.
CLAUDIO SORGE
79/100
OTTONE PESANTE
DOOMOOD
AURAL
Batteria e ottoni rumorosi:
basta poco alla “brass metal
band” di Faenza per prendersi
uno spazio non indifferente
nell’ambito strumentale estremo.
DoomooD racchiude però un po’
di esperimenti, collaborazioni
e deviazioni necessarie
dall’ultimo Apocalips (2018).
In quell’episodio non vi era un
brano che non partisse subito
a BPM altissimi dritti in faccia,
ma alla lunga ne emergevano
i limiti. Ora si prendono i loro
tempi, disegnano atmosfere
oscure e dilatate quando serve,
prima di esplodere in crescendo
nervosi (Grave). Tentacles con
la voce di Sara della band doom
italiana dei Messa si muove su
atmosfere quasi cinematiche.
Tutto l’opposto di Serpentine
Serpentone che va verso sonorità
black metal con il featuring di
Silvio, voce della band sludge/
doom Abaton. Intuizioni pesanti.
NICHOLAS DAVID ALTEA
75/100
NORTH OF LORETO
M SHOULD HAVE BEEN
AUTOPRODUZIONE
Giù il cappello per Bassi
Maestro, che da un paio d’anni
anziché far cassa con il rap,
operazione che gli riuscirebbe
pure facile, coltiva con passione
la house music americana fiorita
a cavallo dei decenni ’80/’90
tra New York e Chicago. Roba
grassa, come ben spiega fin dal
titolo The House The Funk, ricca
di fughe psichedeliche. Implode,
viceversa, la conclusiva Acid
Shit, con Veezo, una di quelle
tracce in cui a ogni ascolto
scopri una nuova chicca per un
viaggio claustrofobico di oltre
sei minuti. Rare le voci, dopata
a dovere quella di Take Me
Home. M rappresenta Milano,
di cui Loreto Nord è epicentro
creativo; la Musica; la creatività
di Munari. Dunque, mollato
il rap, Bassi non rinuncia alla
narrazione, introdotta dalla
bella copertina di Enrico Dalla
Vecchia e percettibile anche
senza testi.
PAOLO FERRARI
70/100
UMBERTO PALAZZO
L’EDEN DEI LUNATICI
AUTOPRODUZIONE
Il Palazzo che non ti aspetti.
Scritto e registrato in poco più di
un mese, in solitudine e in pieno
lockdown, L’Eden Dei Lunatici
è “un disco a tema sulla vita in
riviera alla fine degli anni 70”,
e racconta un tuffo all’indietro
negli anni della giovinezza del
veterano abruzzese. Nei suoni
sincopati e groovy di Battisti e
Carella, nelle atmosfere pigre e
indefinite dell’estate in una città
di mare, in quel misto stralunato
di attesa e incompiutezza. Fra
riff nervosi di chitarra e bassi
gommosi, un po’ di synth, melo-
die spensierate ma dal retrogu-
sto malinconico e storie di ordi-
naria adolescenza sotto il sole, si
materializza un’Italia scomparsa
e forse idealizzata, imperfetta e
molto spontanea, a volte troppo
(qualche legnosità nei testi e
nelle soluzioni c’è), ma capace di
struggimenti autentici.
ANDREA POMINI
74/100
ALESSANDRA NOVAGA
A GARDENER
DIE SCHACHTEL
I Should Have Been A Gardener
è un gioiello di rara bellezza,
destinato a diventare uno dei
lavori più belli di questo trava-
gliato 2020. Alessandra Novaga,
chitarrista sempre più incline a
sperimentazione e improvvisa-
zione, si immerge nella poesia
e nella vita di Derek Jarman,
vissuta in una casa di legno nel
Kent, sul mare, con uno dei giar-
dini più belli mai visti al mondo.
Ne deriva un personale ritratto
che inizia da April 21, crepusco-
lare blues figlio di un immagina-
rio incontro sulla Luna tra Ennio
Morricone e Loren Connors.
Traccia dopo traccia, veniamo
lentamente accompagnati nel
giardino fiorito di Jarman tra
scarni bagliori chitarristici jazz
al calar (The Wound Dresser) e
al sorgere del sole (Poppies In
The Morning; Father Forgive
Me) e il conclusivo e poetico
brano che dà il titolo all’album.
ANTONIO BRIOZZO
91/100
MARCO PARENTE
I PASSI DELLA COMETA
BLACK CANDY
Marco Parente Suona Dino
Campana, recita il sottotitolo
del suo ultimo ghiribizzo. La
partitura originale che il nostro
ha scritto e da qualche anno
porta in giro per il paese in uno
spettacolo condiviso con la po-
listrumentista Sadi Oormood.
Comunque è presto spiegato:
Marco è da sempre, anche
nell’uso della voce, quanto di più
musicale ci sia. Lo è naturalmen-
te, è un dono. Musicale proprio
come la scrittura di Campana,
quella dei Canti Orfici. Così il
nostro tesse melodie in aria con
quel timbro etereo che si fa stru-
mento tra gli strumenti. Quella
voce di testa che qui canta i versi
del poeta dopo averli assimilati,
traducendoli in una nuvola spe-
rimental/avanguardistica, in un
viaggio sonoro vertiginoso lungo
mezz’ora.
BARBARA SANTI
77/100
OTEME
UN SALUTO ALLE NUVOLE
MA.RA.CASH
Tutto nasce da un documen-
tario del 2012 sull’Hospice di
San Cataldo (Lucca), “ultimo
porto” per malati terminali e
cure palliative: il compositore/
filmmaker Stefano Giannotti
ha elaborato quei materiali (le
testimonianze del personale
aprono ogni brano) con il suo
ensemble, Oteme, trasforman-
doli in musica, traendone un
raffinato racconto che fa pen-
sare, come impostazione e atti-
tudine, a certi lavori di Michael
Mantler. A tratti la trasposizione
della lingua parlata in canto
si rivela (inevitabilmente?) un
poco forzata, ma il disco è assai
suggestivo e sfaccettato, con
Blaine L. Reininger (Tuxedomo-
on) che presta il suo inconfon-
dibile violino alla strumentale
Gli Angeli Di San Cataldo, la
chitarra zappiana di Giannotti
che fa decollare la coda di Turni
e un gran lavoro su voci e fiati.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
73/100
FRANCESCO PERISSI XO
ROSSANA
GUELFO
Il terzo lavoro del produttore
e polistrumentista fiorentino
è un tuffo nelle viscere del
dolore per cercare la salvezza
attraverso l’illuminazione ca-
tartica della musica. Percorso
introspettivo e complesso che
qui si risolve in architetture
sonore altrettanto articolate in
cui i vuoti, le assenze e i silenzi
interiori si esprimono attraver-
so i vuoti, le assenze e i silenzi
tra le trame strumentali ma il
desiderio e il bisogno di inse-
guire la luce, di raggiungere
l’accettazione della morte come
parte della vita, sono i momen-
ti “pieni” che tra loop, suoni
manipolati e frasi ossessive ci
conducono alla liberazione.
DORIANA TOZZI
73/100
RUMOREMAG.COM | 83
TREECOLORE IN BREVE SETTEMBRE 2020

ANICE CAZALE THE CONVENTIONALS DJ PASTA

POEMS ABOUT DESTRUCTION LOOP LIFE CONVENTIONALS ALBUM ATLAS BEATS
COYPU/DREAMINGORILLA CASAL GAJARDO CASAL GAJARDO AUTOPRODUZIONE

La loro Primo Il lockdown Primo

storia inizia
circa una
decina di
anni fa, si
conclude
nel 2016
ma nel 2017
c’è una vera e propria rinascita
con un cambio di line-up del
duo, ripartendo dalle volontà
del chitarrista. Post rock fatto di
distorsioni e ambienti fragorosi
(Almost Love), immersi nelle
foreste e avvolti dalla nebbia,
che a tratti ha influenze shoe-
gaze violente (So Close). Senza
lasciar da parte la quiete semia-
custica tra glockenspiel e synth.
NICHOLAS DAVID ALTEA
72/100
album
solista per
Charlie Out
Cazale, già
voce dei
Frigidai-
re Tango
oltre che agitatore culturale e
produttore, lavoro che vede la
luce sotto la sua etichetta.11
brillanti esempi di un synth pop
avanguardista in cui Brian Eno
incontra Teho Teardo; brani
distinti da toni caldi e notturni,
che ben si sposano con le eclet-
tiche sperimentazioni di pezzi
come Human Nights e Love
Stop Time.
STEFANO D’ELIA
72/100
è termina-
to anche
per questi
11 brani,
tenuti nel
cassetto da
Charlie Out
Cazale (Frigidaire Tango) e Alex
Redsea (Sam Onso And The
Kiters) per circa 20 anni. Com-
posizioni rock e folk dal taglio
sì convenzionale, ma che hanno
resistito molto bene al passare
del tempo, regalandoci torbidi
squarci grunge (Feel The World,
Nothing To Lose) e delle violen-
te schegge punk (Skary).
STEFANO D’ELIA
70/100
“album”
in proprio
per Davide
Piva (già
in Amari
e Fare
Soldi): più
appropriato definirlo, come fa
lui stesso, un beat tape. Cioè 18
brevi episodi strumentali a evi-
denziare le sue influenze e ispi-
razioni sonore, fra J Dilla, Daft
Punk e Kaytranada, dal funk a
episodi rilassati fino alla disco e
oltre. Caleidoscopico, raffinato
e godibilissimo, in attesa di una
futura uscita più sostanziosa.
GIORGIO VALLETTA
78/100

JOHN KING/ KOBRA L’ESPERIMENTO THE LAST FIVE MINUTES

SERGIO SORRENTINO CONFUSIONE DEL DR K THE LAST FIVE MINUTES
BLACK LAKE BLUES IRON LUNG TERRORE SUL MONDO SILENTES/GREY SPARKLE/DETHECTOR
SUONI POSSIBILI FLAMINGO
Attendeva- Alberto Ca-
Il blues è mo l’album In Italia la rozzi e Mat-
l’impiom- di queste sacra triade teo Uggeri
batura che vecchie Misfits/ degli Spar-
unisce le conoscenze Samhain/ kle In Grey
estremità (protago- Danzig è sviluppano
di questo nisti di un amatissima. cinque
album: “Futura” Eppure frammenti
John King, nel 2019). Nuova line-up, non ricordo (dai sette ai dieci minuti) ispi-
chitarrista adottivo newyorkese, nuovo sound: è un ibrido di alcuna band nostrana degna di rati dagli “ultimi cinque minuti”
vanta collaborazioni con Bang anarcho art punk britannico nota (o anche solo emersa dal di una improvvisazione del
On A Can All-Stars, Kronos (con sax, of course) e hardcore pozzo della sala prove) che rie- 2016: energie accumulate che
Quartet e Merce Cunningham old school italiano metropoli- vocasse degnamente queste so- si disgregano e polverizzano
Dance Co.; e Sergio Sorrentino tano (Wretched, Negazione…). norità: ci pensano questi quattro depositandosi tutto intorno,
(Gavin Bryars, Elliott Sharp). E Il tutto marcio, fuligginoso, ceffi genovesi a colmare il vuoto tra field recordings, feedback
nel lago nero in cui si ritrovano nervoso e ansiogeno. Come (con rilettura in italiano di due addomesticati, ambient noise
a nuotare, le 12 battute sono il una giornata piena di casini in pezzi dei Misfits, fra cui She). Un e percussioni tribali, in un sor-
pretesto per una libera improv- una Milano distopica, in cui il CD di horror punk nudo, crudo, prendente equilibrio tra tensio-
visazione che ricorda il miglior 1984 è esploso nel 2020. E zero ben fatto, melodico e come Dan- ne crescente e calma profonda.
Frith solista. nostalgia. zig comanda. ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
ANDREA PREVIGNANO ANDREA VALENTINI ANDREA VALENTINI 75/100
70/100 77/100 75/100
 SUONA ANCORA
IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI

MALARIMA MORO & THE SILENT MY GRAVITY GIRLS

IN EQUILIBRIO REVOLUTION I MISS SOMETHING
A BUZZ SUPREME UNBECOMING AND MISS EVERYONE
VANISHING FOX WEAKMUSIC
Ballate rock
âgée vaga- Tornano Prendete le
mente mo- all’inglese, dissonanze
nocroma- dopo la degli Alt J,
tiche, spe- precedente il Bon Iver
cialmente parentesi degli ultimi
nell’inter- italiana. album, i
pretazione Unbeco- malinconici
della voce di Max Rossi che de- ming si paesaggi
clina fiumi di parole in italiano, apre con cinque canzoni incise sintetici descritti dai Lali Puna CRISTIANO GODANO
quasi come fosse assorto, so- in presa diretta, più scure, so- e dai Notwist e avrete l’esatta MI ERO PERSO IL CUORE
vrappensiero. Chitarre sovrap- spese tra jangle pop, post punk, cifra stilistica di questo nuovo ALA BIANCA
poste, jangle pop, armoniche, indie rock britannico. L’umore lavoro dei MGG. 12 brani con-
una sezione ritmica solida, folk, cambia nelle altre sei tracce in traddistinti da una raffinata Un linguaggio musicale
psichedelia e r’n’r’ sono gli ele- studio, si fa più lieve, più pop, ricerca sonora, che marcia di classico, o forse sarebbe
menti che tradiscono il bagaglio pur rimanendo intriso di ’80. A pari passo con una scrittura de- meglio dire senza tempo, tra
di una band adulta. Bagaglio rendere il clima ancora più vel- licata e crepuscolare, la quale indie folk di matrice ame-
che emerge anche dal senso cri- lutato ci pensa la voce di Paola rimanda al disperato romanti- ricana e puro cantautorato
tico dei testi. Venturi, che sostituisce in tre cismo urbano dei Blue Nile. nostrano.
BARBARA SANTI brani quella di Morini. STEFANO D’ELIA
62/100 BARBARA SANTI 78/100
74/100

NIEMANDSROSE OSHINOKO BUNKER PRELUDE TO DESIRE

STALINGRAD ORCHESTRA LOST DESIRES
AUTOPRODUZIONE OBO AUTOPRODUZIONE
BLACK CANDY
Il chi- Cinque
tarrista I fiorentini composi-
Giuseppe Oshinoko zioni che si
Argentiero Bunker muovono a
si prende Orchestra cavallo tra
una pausa suonano un post rock,
dai suoi mathcore shoegaze,
Vostok per pericoloso musica
declinarne la stessa rarefazione come un ambient e sottili languori ci-
melodico/narrativa su registri rasoio arrugginito, articola- nematici: il risultato consiste ANDREA
più marcatamente neofolk/ to, rabbioso, così pervasivo in un cupo affresco dalle tinte NARDINOCCHI
mediterranei. Un vinile dall’ar- e rumoroso da non riuscire a autunnali, in cui il dream pop si LA STESSA EMOZIONE
twork curatissimo fa da culla trattenere abbondanti borda- arricchisce di inquietudini dark LUOVO
a tre brani intrisi di amore e te di feedback. Dentro a Obo (Decaying Flowers). Il panora-
resa, morte e sacrificio, al pari c’è l’irrequietezza del pigfuck ma dipinto da Luca Guarnieri La ricetta è solida, miscela
di quelle stesse lettere spedite americano e la componente più affascina per la sua ispirazione di pop, R&B, soul, elettro-
dal fronte dai soldati tedeschi intelligente dell’hardcore (si visionaria, ma soffre alla lunga nica, funk, diabolicamente
(e mai recapitate) alle quali si registra a questo proposito una di una sorta di glaciale staticità. contagiosa e piacevole.
sono ispirati. collaborazione di Mike Watt). STEFANO D’ELIA
ANTONIO BELMONTE Lacrime, sangue e acufene. 68/100
70/100 ANDREA PREVIGNANO
80/100

EUGENIO RIPEPI SAM ONSO & THE KITERS UNRULY GIRLS

ROMA NON SI RADE LOCKDOWN LION EPIDEMIC
MUSIC FC CASAL GAJARDO DIRTY BEACH

Canzone Ultimamen- Dal Sannio

d’autore
classica,
che attra-
versa De
Gregori,
Bersani,
Rino Gae-
tano, Guccini, persino Jannacci
e molta della produzione folk
nostra degli ultimi 40 anni. Un
folk che a tratti si fa combatten-
te (La Frontiera), o romantico
(Un Ritratto…), poi pungente
(il reggae di Villaggio Globale).
Scrittura e ironia non mancano,
salvo limare qualche ingenuità
e trovare una cifra che non è
ancora del tutto espressa.
BARBARA SANTI
60/100
te ci siamo
sentiti un
po’ tutti
dei leoni
chiusi in
gabbia, una
sensazione
di spaesamento mista a frene-
sia che ben traspare in questo
nuovo lavoro di Alex Redsea.
Rocker di lungo corso, l’ex Ras
Shamra ci presenta questa
sorta di Best Of dei SO&TK, un
compendio che comprende del
sanguigno rock di matrice stone-
siana (We’Re Back Again) misto
ad avvolgenti ballate lisergiche
(Rolling, Less).
STEFANO D’ELIA
72/100
direttamen-
te a casa
vostra per
martellarvi
di proposito
le tempie
e l’anima
con un bel carico di electro
punk garagistico a presa rapida, MY DEAR KILLER
ambasciatore di psichedelia COLLECTABLE ITEMS
BORING MACHINES
lisergica (No Wonder You Want
Me Dead) e oscillazione di culi
Come se la logorrea di Sun
da torbido clubbing britannico
Kil Moon venisse arginata
(Dren Crom, Black Love). Ri-
dal livido intimismo delle
uscite a immaginare i Primal
immaginarie bettole
Scream disciolti nell’acido in-
metafisiche di Matt Elliott.
sieme a un T. Reznor in piena
trance agonistica?
ANTONIO BELMONTE
69/100
RUMOREMAG.COM | 85
 ANUNAKU & DJ PLEAD BROKE ONE
032 NO MAN IS AN ISLAND
AD 93 SAFE MODE

Il produtto-
re italiano
che qui si
firma Anu-
naku (in
alternativa
all’altra
sigla da
lui spesso utilizzata, TSVI) col-
labora con l’australiano Plead
in quello che è il primo EP
pubblicato dall’etichetta londi-
nese Whities dopo il cambio di
nome. Le percussioni e melodie
arabeggianti dell’introduttiva
Wheele si fondono con breaks
Pubblicato
nel Ban-
dcamp Day
del 19 giu-
gno scorso
(in modo da
devolvere
l’incasso
all’associazione NAACP in sup-
porto al movimento Black Lives
Matter), il nuovo EP di Fabio
Brocato ne conferma la solida
affidabilità quando si tratta di
groove che stanno fra Detroit
house e suggestioni acid. Il ta-
glio è un po’ più introspettivo

LAZY EYES
dal gusto jungle nell’irresistibile del solito, e ci si emoziona con
Clap Clap, prima del finale tech- la parentesi ambient di As Si-
no di Haze. lent As The Moon.
GIORGIO VALLETTA GIORGIO VALLETTA
81/100 79/100

EP1 BUCK BILOXI DAY WAVE

AUTOPRODUZIONE
AND THE FUCKS
PUT YOU IN THE GULAG
GOODBYE BOOZY
Se, come si dice, il buongiorno si vede
dal mattino, gli australiani di Sydney Buck Biloxi
Lazy Eyes sono destinati a diventare i è un extra-
nuovi Tame Impala. Più completi e ta- terrestre.
lentuosi, addirittura. Almeno a sentire Grattugia
questo loro debutto. Un (maxi) singolo punk come
stratosferico. Autoprodotto. Dream pop se il mondo
e fuzz psychedelia ai confini di atmosfere non girasse
shoegaze. Un primo brano, The Seaside, nel senso
stupendamente eclettico - possono venire in mente certe dolci opposto, astratto da ogni con-
elucubrazioni degli MGMT. Una ballata pianistica, Cheesy Love testo logico. Un martire che
Song, intrisa di zuccherosi fluidi post beatlesiani, che batte i prima o poi faremo santo ma
Lemon Twigs sul loro stesso terreno. E un fuzz anthem gentile che nel frattempo ci gustiamo
come Tangerine, che strabilia (in assoluto il primo brano da loro in questo ennesimo esercizio di
composto). Brillanti compositori di ottimistiche, radiose canzoni anacronismo spinto. Put You In
per il post lockdown, i Lazy Eyes stupiranno molti. The Gulag (gran pezzo) è una
CLAUDIO SORGE centrifuga Damned/Black Flag,
84/100 i brani sul retro due iniezioni
di punk abrasivo e monocorde.
Patrimonio Unesco.
LUCA FRAZZI
75/100
CRUSH
PIAS
Jackson
Phillips se
ne è stato
un po’
per i fatti
suoi dopo
l’esordio
sulla lunga
distanza nel 2017 con The
Days We Had. Lo ritroviamo
in forma, e ne viene fuori un
incontro ravvicinato tra i pri-
missimi Wild Nothing di Golden
Haze (2010) e i Drums. Insom-
ma, massicce dosi di jangle e
surf pop, con i riff zuccherosi
e gli stop&go al posto giusto –
vedi Starting Again e Potions.
Funziona tutto a dovere.
NICHOLAS DAVID ALTEA
69/100

DEVIL’S WITCHES THOMAS FEINER FEVER DOG GOATSNAKE

GUNS, DRUGS & GIORGIO LI CALZI HOLD ON YOU BREAKFAST WITH THE KING
AND FILTHY PICTURES ENCOUNTERS AT THE END AUTOPRODUZIONE SOUTHERN LORD
MAJESTIC MOUNTAIN OF THE WORLD
EXIT NORTH I Fever Dog Due bonus
Se una band sono un per- dalle ses-
che copiava Già negli fetto gruppo sions di
Stooges e Anywhen e glam rétro e Black Age
Alice Coo- attualmente il loro sound Blues. I cu-
per, osses- a capo degli (analogico) gini di terzo
sionata dal Exit North proietta grado dei
Vietnam e (insieme gommose Kyuss sono
dalla vio- all’ex Japan visioni psichedeliche primi anni una band longeva e solida come
lenza urbana, avesse inciso un Steve Jan- 70. Questo è il terzo singolo gli alberi del deserto di Joshua
singolo sul finire dei ‘60, quando sen), il cantante svedese riflette tratto dall’imminente album Tree. Scuri, potenti, inestricabil-
già stava per appalesarsi il di- sulle incertezze che ci circondano Alpha Waves. Due brani uno mente blues. Come dice il titolo
sastro di Altamont, be’, avrebbe in un brano emozionante com- migliore dell’altro e diversissimi del loro album. Breakfast With
potuto suonare come Guns, posto insieme al trombettista l’uno dall’altro. Improntato a The King è una sorpresa, avvol-
Drugs... dei Devil’s Witches. Al torinese, di estrazione jazz ma da un futuristico hard rock vintage gente e sradicante, un caldo mix
contrario, la B side è una beffar- sempre aperto a collaborazioni Hold On You. Barocco, pregno di di Kyuss e Danzig. Mentre Dea-
da ballata soft country con qual- trasversali. Le laconiche chitarre seduzione soul e arzigogoli prog thwish è bombastica e accentua
cosa degli Stones ‘70. Magnifica- di Roberto Cecchetto comple- (tipo ultimi Horisont) In My la sua dipendenza da certe melo-
ti da uno come Jus Oborn. tano quella che potrebbe essere Hands. Autentiche prelibatezze. die di Josh Homme.
CLAUDIO SORGE l’anticipazione di un album. CLAUDIO SORGE CLAUDIO SORGE
79/100 GIORGIO VALLETTA 80/100 79/100
77/100
86 | RUMOREMAG.COM
SINGOLARE LA LUNGHEZZA NON È TUTTO SETTEMBRE 2020

IHSAHN LISA BEAT E I BUGIARDI MAGÉNTA MALVIDA

PHAROS DAL TRAMONTO ALL’ALBA UPSIDOWNGLES EP 1 GLI ULTIMI EP
CANDLELIGHT AREA PIRATA AUTOPRODUZIONE AUTOPRODUZIONE

Somman- Guardare il Il vicentino La voce e

do questo
EP col
precedente
Telemark
si ottiene
un album
che incarna
la natura eclettica dell’ex Em-
peror. Autore capace più che
mai di attraversare con classe i
linguaggi, nella consapevolezza
che la musica è una, unica e
irripetibile, indipendentemente
dal suo medium formale. Pha-
ros è romanticismo puro virato
sull’elettronica e il sinfonico,
la voce di Ihsahn emozionale
quanto nei più alti quadri di
Katatonia e Porcupine Tree.
STEFANO MORELLI
80/100
video della
title track e
ritrovarsi al
Piper Club
è un tutt’u-
no. Shake,
vestiti op-
tical, organo Vox Continental.
Dichiaratamente revivalista, il
complesso di Ancona non lascia
nulla al caso: vedi la chitarra
fuzz e la tromba R&B nella
travolgente Inutile Piangere
e la gran cover a tutto Mersey
Beat di Little Latin Lupe Lu. Mi
risposerei solo per chiamarli a
suonare assieme ai Flauers di
Tony Borlotti.
MANUEL GRAZIANI
73/100
Alessio
Magenta
elabora
quattro
brani nell’a-
rea grigia
fra dubstep,
jungle e UK garage, con risul-
tanti convincenti e originali. A
partire da Naqqara, ispirata
all’umore astratto delle produ-
zioni di etichette come Hessle
Audio o Hemlock. Ai colorati
breaks di Socotra seguono l’e-
legante sapore mediorientale di
Santur e una sincopata Cutting
Radishes fra marimbe e percus-
sioni insolite.
GIORGIO VALLETTA
78/100
l’uso che la
cantautrice
ne fa sono
particola-
ri, e non
scivola
mai nell’e-
sercizio di stile. Si concentra
piuttosto sull’interpretazione
di storie di ordinario amore
tratteggiate da una penna vi-
sionaria, che a tratti però cede
alle lusinghe del mainstream
facendosi ammiccante (Siner-
gia). Tra pop sintetico, elet-
tronica dispettosa, minimale
e sfumature orientaleggianti
scorrono sei tracce comunque
piacevoli.
BARBARA SANTI
64/100

MAPS MASSIVE ATTACK PA SALIEU A. K. PAUL

EP1. COLOURS. REMIXED. EUTOPIA VISUAL BETTY / BANG OUT HUNGRY BEAT
TIME. LOSS UNIVERSAL WARNER A. K. PAUL
MUTE
Non poteva Fra I fratelli
Arrivato mancare afroswing Paul (con
con Colours l’edizione e grime, il lui, l’ancor
dello scorso italiana del rapper di più refratta-
anno al suo progetto di Coventry rio Jai) pro-
disco più denuncia si era già seguono nel
ricco e pop, post Covid- fatto notare centellinare
lo shoega- 19 della a inizio l’uscita di
zer inglese band britannica. I tre interventi anno con l’ottima Frontline, brani tanto estemporanei quan-
James Chapman progetta un’e- di scienziati e intellettuali no ma rilancia con questo “dop- to eccentrici. L’ultima produ-
state di EP di relativi remix. global coinvolti sono appoggiati pio lato A”: se la drammatica zione del Paul Institute è questo
Per il primo, il nome in coper- su altrettanti temi sonori elabo- Betty permette al suo flow di piccolo prodigio di funk digitale
tina è quello di Stephen Morris rati con Algiers, Young Fathers splendere, l’energia di Bang in bassa fedeltà, apparentemen-
dei New Order (prevedibile ma e Saul Williams. È quest’ultimo Out è ulteriormente potenziata te nato durante il lockdown. Fra
efficacissimo nel portare in a lasciare il segno, arricchendo dall’originale scelta del campio- melodie tratteggiate, falsetti
zona Both Sides), mentre Rus- di poesia militante una narra- ne utilizzato dal suo produttore alla Prince e una drum machine
sian Linesman carica di tensio- zione nobile nei contenuti ma Felix Joseph: nientemeno che vintage. Come dice A. K. stesso,
ne Sophia e Polly Scattergood un po’ stucchevole nel sound. l’altrettanto esotica Ghosts dei “This is for the heads”.
bada allo scheletro di You Exist PAOLO FERRARI Japan, annata 1981. GIORGIO VALLETTA
In Everything. 61/100 GIORGIO VALLETTA 81/100
FRANCESCO VIGNANI 85/100
71/100

MIRO SASSOLINI SELAH SUE TKAY MAIDZA TOBI LOU

DEDICATA BEDROOM LAST YEAR WAS WEIRD, VOL. 2 LINGO STARR
DANZE MODERNE/FONOARTE BECAUSE MUSIC/ 4AD ARTCLUB
CAROLINE INTERNATIONAL
Originaria- A quattro anni dal suo album Il calem-
mente con- Nel 2017 di debutto, bour del
cepita dagli aveva an- la 23enne titolo pare
Hiroshima nunciato il cantante/ alludere
Mon Amour ritiro dalle rapper au- alla de-
(torniamo scene e per straliana, strezza del
per la preci- un po’ la fresca di rapper di
sione all’an- cantautrice prestigioso Chicago,
no 2000), Dedicata assume belga ha contratto che nei sei minuti di questo EP
oggi, nelle mani e nella voce di fatto la mamma a tempo pieno, discografico, non rinuncia inanella l’energia di Return Of
Miro Sassolini, connotazioni ol- ma proprio grazie ai suoi due alla sua versatilità nel nuovo The Dragon, i toni onirici di
tremodo urgenti e romantiche. figli sembra aver ritrovato l’en- EP. Dal morbido R&B di My Strikes Back (il cui testo cita
Se è percepibile l’influenza dei tusiasmo per la musica. Nasce Flowers all’esuberante rap di con disinvoltura Linda Ronsta-
Diaframma primigeni, sostanza così questo EP, in camera da Shook - degno di Missy Elliott o dt e Roger Zapp) e il contrasto
siberiana che rimane intatta, letto, discostandosi dalle sfu- Azealia Banks -, dalla bossano- fra malinconia sonora e irrive-
l’eleganza neoclassica con cui mature più ruvide e ritmate del va di You Sad alla collaborazio- renza verbale in Drunken Ma-
viene rivisitata evoca alcune fasi suo sound per lasciarsi andare ne con Jpegmafia in una Awake ster. Virtualmente a metà stra-
degli Smiths, specie quelli di all’intimità sussurrata di un che applica il rumorismo di da fra Outkast e Frank Ocean, e
Strangeways, Here We Come. pop/soul acustico ricco di suoni quest’ultimo al verbo trap. il potenziale c’è.
Un tocco di classe ineccepibile. eterei e arrangiamenti minimali. GIORGIO VALLETTA GIORGIO VALLETTA
STEFANO MORELLI DORIANA TOZZI 75/100 82/100
76/100 70/100
RUMOREMAG.COM | 87
FL ASHBACK SIR LORD BALTIMORE
SIR LORD BALTIMORE
THE ORIGINAL HEAVY METAL KIDS
SIR LORD BALTIMORE
THE COMPLETE RECORDINGS 1970 – 2006
CHERRY RED
È tuttora aperta la disputa su quale
sia stata la prima band heavy metal
della storia. O meglio, per quale band
sia stato coniato per la prima volta il
termine. John Garner, fondatore a New
York nel 1969 dei Sir Lord Baltimore,
ne è abbastanza sicuro: fu il mensile
“Creem” a usare per la prima volta quel
termine, riferito al loro primo album,
Kingdom Come. Album che esce nel
88 | RUMOREMAG.COM
1970 per la Mercury, prodotto da Eddie
Kramer presso i leggendari studi Electric
Ladyland (Led Zeppelin, Jimi Hendrix,
Kiss). Dai quali esce una raccolta di
canzoni super heavy per quei tempi.
John, batterista innamorato del soul anni
60, aveva incontrato il chitarrista Louis
Ambra fuori da un liceo di Brooklyn.
All’interno della Porsche di Louis (la
famiglia è benestante) avevano discusso
di musica e deciso di iniziare a jammare
assieme, stimandosi come musicisti. 18 e
20 anni: due tipi dal carattere non facile.
Infatti la storia dei SLB non finirà nel
migliore dei modi. Reclutato il bassista
Gary Justin, il nome Sir Lord Baltimore
lo trova Mike Appel, uno dei produttori,
che lo trae dal film Butch Cassidy
And The Sundance Kid: è l’indiano
cattivo da cui Paul Newman e Robert
Redford cercano di fuggire. Kingdom
Come è un grandissimo album di hard
rock visionario, dal sound frenetico e
spiritato. Una perla che ancora oggi
risplende di luce propria. Nel 1971
segue l’omonimo Sir Lord Baltimore,
disco più meditato – si fa per dire – e
dai tratti declamatori, nel quale si
fondono incandescenti strutture heavy
progressive, lasciando ampi spazi a
liturgie proto heavy metal e psichedelici
DI CLAUDIO SORGE
deliri vocali. In brani come Chicago
Lives, per dire, c’è una sorprendente
somiglianza con gruppi inglesi che
proprio in quel momento vivono il loro
momento di gloria, ad esempio i Clear
Blue Sky. Su tutto torreggia la lunga
suite Man From Manhattan, che esplora
l’universo urbano di una città come New
York - praticamente l’autobiografia heavy
dei SLB - attraversando generi e tendenze
ma mantenendo sempre un drive hard.
Non riuscendo a bissare il discreto
successo del primo album, complici
anche alcune incomprensioni e concerti
male organizzati, la band si scioglie.
Nel 2006, quando decidono di incidere
un terzo album, Raw, John e Louis si
parlano appena. Louis è influenzato da
testi ispirati al cristianesimo, e l’album è
un tentativo di recuperare l’antica magia
70’s, riuscito però solo parzialmente,
pur non essendo tutto sommato affatto
male per essere il disco di una band di
reduci che forse non hanno più nulla in
comune l’uno con l’altro. Tutti e tre gli
album dei SLB (rimasterizzati) li potete
trovare in questo box della Cherry Red:
un’occasione da cogliere.
84-82-87/100 DISCO
ZERO EXTRA
RETROPOLIS SETTEMBRE 2020
AA.VV.
1978 - THE YEAR THE UK
TURNED DAY-GLO
CHERRY RED
Il problema, se di problema si
può parlare, è che essendoci già
stato il 1977 (in un box analogo
dello scorso anno) fra un po’
dovrebbe arrivare il 1979, e il
povero 1978 britannico rischia
di rimanere schiacciato fra vicini
così ingombranti, l’anno del punk
e quello del definitivo rompete le
righe post. Ma che roba pazzesca
comunque. La frammentazione
verso molte delle derive che ver-
ranno - oi, pop, mod, elettronica,
new wave, glam, ska, dub, speri-
mentazione - è già cominciata, la
varietà di riferimenti e pulsioni è
già enorme, ma la carica è ancora
quella. E pensare che in soli 12
mesi, in un paese tutto sommato
piccolo, siano usciti questi 79
pezzi (compilati in tre CD con la
solita maestria dagli specialisti
di Cherry Red), è qualcosa di
inebriante.
ANDREA POMINI
90/100 DISCO
ZERO EXTRA
BELZEBONG
LIGHT THE DARKNESS
HEAVY PSYCH SOUNDS
Sullo stile psych/sludge rovi-
nato dei Dopethrone e, come
dice il titolo, con appena “uno
sprazzo di luce nell’oscurità” a
rischiararne l’eviscerato macel-
lo (che poi deriva tutto da Eye
Hate God e Electric Wizard), a
parte qualche sample vocale,
l’album è tutto strumentale.
Un’instancabile e delirante
concatenazione di circolari fuzz
riffs. L’album uscì nel 2018, ma
è già tempo di ristamparlo. Ed
è anche una riscoperta, effetti-
vamente. Perchè i Belzebong, a
parte la smisurata potenza che
diffondono su monumentali riff
doom/sludge, dispiegano un
immaginario da zombie b-mo-
vies che ho visto evocare da
pochi. Pot Fiend è una magnilo-
quente e devastante marcia nel
fango elettrico; mentre Doper-
ganger rivela la sua trama nar-
cotica tipicamente sleepiana.
CLAUDIO SORGE
76/100 DISCO
ZERO EXTRA
AA.VV.
F/EAR THIS
SILENTES/STELLA NERA/DETHECTOR
Nata da una idea di Vittore Ba-
roni e curata nel 1987 da Marco
Pandin, questa “collezione di
musica inascoltata, immagini
invisibili e parole non scritte
ispirate dalla paura” rappre-
senta una fotografia ad ampio
raggio delle musiche non alline-
ate dell’epoca (e oltre). Un in-
treccio di inquietudini creative
che questa volta include anche
nomi e brani per motivi pratici
lasciati fuori al primo giro. Tra
i nomi coinvolti, Franti, Deto-
nazione, le propaggini più spe-
rimentali del nostro dopo punk
(La 1919, 2+2=5, Davaiciass,
Die Form, Weimar Gesang),
ma anche Nurse With Wound,
i veterani etnokraut Embryo,
Doctor Nerve: frammenti ete-
rodossi che compongono un
movimentato quadro.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
75/100 DISCO
75/100 EXTRA
BONNOT
HIP HOP DOPEST JOINTS
BONNOT MUSIC
Produttore cruciale per lo svilup-
po della scena hip hop italiana, il
produttore bergamasco, noto ai
più per il gran lavoro con Assalti
Frontali, ricostruisce il proprio
viaggio con un corposo mallop-
po di 23 tracce. Con lo sguardo
rivolto al futuro: il secondo CD
propone gli strumentali di tutti
i brani, a disposizione di tutti i
rapper esordienti che vogliano
aderire al relativo contest finaliz-
zato a una produzione originale.
Il vero spirito della cultura hip
hop è questo. Per chi non coltivi
ambizioni del genere, c’è da
godere all’ascolto della superba
The Real Revolutionaries, con
M2 Dead Prez, General Levy e
Paolo Fresu, della cinematogra-
fica Roma Meticcia degli Assalti,
della morbida Everyday Is War
di Awa Fall, della più recente,
esplosiva Capitalunedì di Mau-
ràs con Inoki e Willie Peyote.
PAOLO FERRARI
80/100 DISCO
80/100 EXTRA
ANTI-PASTI
1980-83
CHERRY RED
Derby, capoluogo del Derbyshi-
re, Midlands Orientali, 1978.
Dalle ceneri degli Scrincers,
per volere di Dugi Bell (chi-
tarra) e Martin Roper (voce),
nascono gli Anti-Pasti – e sì,
il nome è proprio quello che
sembra: deriva da “antipasti”,
parola letta sul menù di un
ristorante italiano che i ragazzi
frequentavano da teenager. La
band, come gli Exploited, è un
testimonial perfetto del sound
della seconda ondata punk,
quella post ‘77: punk rock catti-
vo, che alterna parti monocordi
e standard a intuizioni a base
di riff semplici, ma a presa ra-
pida. Questo triplo CD contiene
i primi due album e 18 rarities,
ossia brani tratti da EP, singoli
e compilation – non presenti
negli LP. Un buon lavoro di
documentazione, con tanto di
liner notes esaustive.
ANDREA VALENTINI
70/100 DISCO
72/100 EXTRA
SOLOMON BURKE
THE KING OF ROCK ‘N’ SOUL - THE
ATLANTIC RECORDINGS (1962-1968)
SOULMUSIC
A quasi dieci anni esatti dalla
morte - e a 80, oppure 84,
dalla nascita (dipende dalle
fonti) - ecco un titolo che ce-
lebra come si deve uno dei più
grandi soulmen di sempre. Un
personaggio sopra le righe a dir
poco, predicatore fin da bam-
bino e impresario di pompe
funebri, padre di una ventina
di figli e nonno o bisnonno di
un centinaio di nipoti, e un
interprete straordinario. Uno
di quelli che ha contribuito a
dare forma concreta al genere,
proprio grazie a queste canzo-
ni: quello Atlantic/Stax è uno
dei due poli dell’esplosione soul
dei ‘60, l’altro è quello Motown,
e le 79 tracce che Burke dona
alla causa sono fra le sue fonda-
menta più solide. Chiedere agli
Stones per conferma.
ANDREA POMINI
85/100 DISCO
75/100 EXTRA
JOSEPH ARTHUR
COME TO WHERE I’M FROM
REAL WORLD
20 anni sono passati da un album
che mostrava un artista capace
di fondere art folk, rock alla U2
(Chemical) e persino pulviscoli
rap (Creation Or A Stain). Quel
Joseph Arthur, musicista e pitto-
re che ovviamente ha intrecciato
i talenti nelle sue copertine, ce-
lebra Come To Where I’m From
con una deluxe edition che non è
semplice oro colato per i fan della
prima ora, ma aggiunge realmen-
te valore al disco. Ben due dischi
di materiale inedito bastano a
far apprezzare early versions e
adattamenti live della tracklist
originale, ma non è tutto e allora
ecco piacevoli scoperte, come
nel caso di 40 Days & Nights o
In The Distance. In definitiva,
un’ottima iniziativa che valorizza
questo tipo di operazioni: una
vera occorrenza onorata e non
mera questione di business.
FERNANDO RENNIS
75/100 DISCO
80/100 EXTRA
THE CHOSEN FEW
THE TROJAN ALBUM COLLECTION
DOCTOR BIRD
A riprova dello stretto legame
che da sempre unisce la Gia-
maica al suono afroamericano
degli USA, un doppio CD pres-
soché integrale dei Chosen Few,
quartetto vocale fra i più mar-
catamente soul dell’isola. Com-
posto da Franklyn Spence e dai
tre Brown (nessuna parentela)
Noel, Errol e Busty, il gruppo
firma fra il 1973 e il 1976 tre
album per Trojan. I primi due
(Hit After Hit e Everybody
Plays The Fool) prodotti da
Derrick Harriot e in piena sin-
tonia con i suoni in arrivo da
nord sia negli originali sia nelle
cover. Il terzo (In Miami) regi-
strato in Florida con Noel “King
Sporty” Williams, sempre meno
reggae e sempre più marcata-
mente funk, complice la presen-
za di K.C. & The Sunshine Band
come turnisti. 11 i bonus, tratti
da singoli del periodo.
ANDREA POMINI
75/100 DISCO
75/100 EXTRA
RUMOREMAG.COM | 89
RETROPOLIS SETTEMBRE 2020

CRIPPLE BASTARDS DEF LEPPARD GERMS GIANT SAND

MISANTROPO A SENSO UNICO
F.O.A.D.
Sono passati 20 anni dall’uscita
di questo disco, che è ormai un
classico che risiede stabilmen-
te sulla vetta dell’Olimpo del
grindcore italiano – e mondiale.
Senza troppi giri di parole: se
violenza, impeto, brutalità,
velocità, crudezza e furia cieca
sono il vostro pane, qui troverete
un ricco banchetto all you can
eat, con caffè corretto alla Sin-
dona come gran finale. Questa
ristampa comprende la versione
originale di Misantropo, quella
redux rimixata dalla band nel
2013 e un documentario sul ma-
king of dell’album. Nell’edizione
su doppio vinile è anche incluso
il 7” bonus Il Grande Silenzio
(assente, invece, dalla versione
doppio CD). Una gemma di ni-
chilismo sonoro che pesta senza
pietà: da avere, anche se già si
possiede l’originale.
ANDREA VALENTINI
80/100 DISCO
THE EARLY YEARS 79-81
UNIVERSAL
Tra il 1979 e il 1981 i Def Lep-
pard hanno segnato un’epoca.
Compressi tra la fine della prima
scena punk e lo strapotere della
NWOBHM s’inventarono un
suono che ereditava la lezione
melodica dell’hard rock e la
fondeva con i primi dettami
del metal. Nacque così uno dei
manifesti del metal europeo:
Rock Brigade. On Through The
Night e High’N’Dry appartengo-
no alla storia metallica. Ma non
sono solo le versioni remastered
a rendere il box set un oggetto
prezioso: a corredo, tre CD bo-
nus: uno splendido live a Oxford
nel 1979, un CD di singoli e rarità
tra cui la prima versione di Ride
Into The Sun, ripresa poi in
Retroactive del 1993 (la cui ver-
sione era decisamente migliore)
e un CD con le sessioni al Friday
Rock Show di Tommy Vance.
MARIO RUGGERI
75/100 DISCO
M.I.A. (THE COMPLETE
ANTHOLOGY)
PORTERHOUSE
Parliamo di uno dei dieci gruppi
definitivi nella storia del punk.
Parliamo di un album monumen-
tale come (GI), di singoli come
Forming e Lexicon Devil, di au-
tolesionismo come forma d’arte e
di una storia che è già leggenda.
Parliamo di gente non addome-
sticata, di musica fuori controllo
e di un’antologia che la raccoglie
tutta. Difficile pensare che chi
ama il punk non abbia già in casa
i dischi dei Germs ma se così
non fosse, o se qualche ragaz-
zino curioso dotato di guanti di
protezione volesse approcciarsi
alla materia, quale occasione mi-
gliore? In M.I.A. c’è tutto quello
che i Germs ci hanno lasciato in
eredità. Il disco esisteva già, pub-
blicato in formato CD la bellezza
di 27 anni fa, oggi ricompare in
eroticissimo doppio vinile. Sape-
te già cosa fare.
LUCA FRAZZI
RAMP
FIRE
Uscito nel 1991 e ora ristampato
da Fire in doppio vinile, il setti-
mo album di Howe Gelb e soci
incarna il momento di passaggio
tra il suono sporco ed elettrico
imparentato con certo Paisley
Underground che il gruppo
aveva elaborato a partire dagli
esordi di metà anni 80 e il di-
sordinato eclettismo lo-fi e alt
country del decennio successivo,
ancora più evidente nelle session
del secondo disco, contenente un
estemporaneo ma intenso Live
At Mad Dog Studios registrato
il 31 gennaio di quello stesso
anno. Tra i partecipanti alla
revue gelbiana, a questo giro, Lu-
cinda Williams, Rainer Ptacek,
il veterano Poppy Allen, John
Convertino e un esordiente Joey
Burns, quest’ultimo presente in
una manciata di brani. Un disco
di transizione, nell’accezione mi-
gliore del termine.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME

80/100 EXTRA 78/100 EXTRA 90/100 DISCO 73/100 DISCO

ZERO EXTRA 70/100 EXTRA

THEN PLAY ON
tBMG
FLEETWOOD MAC
Il terzo album per una band di solito è quasi sempre l’album della
verità. O del cambiamento. Per i Fleetwood Mac fu entrambe le
cose. Then Play On fu da una parte l’album più coraggioso e, in
un certo senso, sperimentale. Dall’altra, l’ultima tappa prima
del grande e radicale cambiamento, coinciso con il successo di
massa di Rumours del 1977. Secondo chi scrive, in ogni caso,
si tratta del miglior album dei Fleetwood Mac. Pur con tutte
le contraddizioni di una band in evidente fibrillazione (Peter
Green se ne sarebbe andato subito dopo l’uscita dell’album) e la
confusione di un periodo vissuto tra radicali cambiamenti sociali,
rappresenta il picco creativo e la massima espressione di un’idea
di blues progressivo mai più eguagliata da nessuno, che chiude
l’epopea leggendaria degli anni 60. “If the music be the food of
love, then play on”: questo il detto shakespeariano che ispira
l’album. In Then Play On i Fleetwood Mac spingono al massimo,
90 | RUMOREMAG.COM
pur rimanendo polarizzati tra due tendenze. Da una parte la
rivisitazione del british folk, evidenziata dai delicati gioielli di
brani come Closing My Eyes o la elisabettiana When You Say, con
la band psichedelicamente proiettata in corti inglesi del ‘600; e
dall’altra, come detto, nell’esplorazione del blues elettrificato degli
anni 60 inglesi, con deviazioni entusiasmanti alla slide guitar di un
Peter Green in stato di grazia, vedi Show Biz Blues, che riprende
lo stile di Elmore James, o il classico blues di Chicago One Sunny
Day. E tutto questo background, il folk e il blues, serve alla band
come terreno per nuove improvvisazioni “desert” psichedeliche,
tipo nella acida Under Way, che li accomuna per certi versi ai
Grateful Dead. Siamo esattamente a metà di quel processo di
“americanizzazione” che cambierà per sempre la band.
CLAUDIO SORGE
90/100 DISCO
90/100 EXTRA
GILBERT, LEWIS, MILLS
MZUI
GOOD MISSIONARIES
FIRE FROM HEAVEN
AA.VV.
ROCKGARAGE COMPILATION
VOL.1-4
SPITTLE
Tre ristampe di grande valore
documentario. Mzui era il
progetto di Gilbert e Lewis degli
Wire insieme all’artista Russell
Mills, in origine sonorizzazione
di un evento multimediale. Am-
bient severa e un po’ ostica da
digerire senza il contesto. Good
Missionaries era l’altro alias di
Mark Perry oltre agli Alterna-
tive TV: se possibile, post punk
ancora più scarnificato e speri-
mentale. Il doppio Rockgarage,
infine, racchiude il lato sonoro
della omonima fanzine italiana
dei primi anni 80: tra i nomi
Diaframma, Frigidaire Tango,
Detonazione, Go Karts.
CARLO BORDONE
72-73-75/100 DISCO
ZERO EXTRA
MORWELL UNLIMITED/
PRINCE FAR I
& THE ARABS
A.1 DUB/CRY TUFF DUB ENCOUN-
TER CHAPTER IV
DOCTOR BIRD
Due classici dub da un’era di
passaggio, il roots degli anni 70
ancora vivo e la mutazione dan-
cehall in arrivo. Editi da Trojan
nel 1980 e 1981 rispettivamente,
A.1 Dub dei Morwell Unlimited e
il quarto Cry Tuff Dub Encounter
di Prince Far I hanno in comu-
ne alcuni musicisti, il fatto di
non essere mai usciti in CD e il
suono tipico di quei giorni, molto
profondo e con poche voci. Ma
dove il primo è semplicemente
un grande album, il secondo ha
un ulteriore valore aggiunto: ai
comandi sta un imberbe Adrian
Sherwood, in partenza da queste
solide basi giamaicane per rin-
novare il genere con la sua On-U
Sound. E per contestualizzare
meglio, un secondo CD con altre
19 tracce coeve recuperate da 12”
del catalogo Attack.
ANDREA POMINI
82/100 DISCO
80/100 EXTRA
JULY
THE COMPLETE RECORDINGS
GRAPEFRUIT
Nel box i CD sono sei, ma con-
tano soprattutto tre. Il primo e
il secondo, con l’unico LP che il
quintetto londinese pubblicò nel
‘68, in versione mono e stereo. E
il terzo, uscito nel ‘95 come The
Second Of July ma in realtà fatto
di demo precedenti il debutto.
Siamo nell’Inghilterra psichede-
lica per eccellenza, immersi in un
suono unico che sta fra il freak-
beat e i Beatles più lisergici, e che
diventerà rock progressivo. Dal
canto loro, i July aggiungono un
approccio più grezzo e spontaneo
della media e una spiccata libertà
creativa, e firmano un classico.
Sul resto - un album inedito re-
gistrato nel 2010, Resurrection
del 2013 e il nuovo The Wight
Album, disponibile anche da solo
in doppio vinile - meglio tacere.
Il voto purtroppo fa media, ma il
prezzo è contenuto.
ANDREA POMINI
68/100 DISCO
40/100 EXTRA
PIOTTA
L’OTTAVO RE
(FROM ‘90S ARCHIVES)
LA GRANDE ONDA/ALDEBARAN
Esegesi delle fonti del rap ro-
mano: suona come una cattedra
universitaria, ma l’operazione
varrebbe davvero una tesi di
laurea. Il materiale che usciva
in cassetta a inizio anni 90
fotografa una scena grezza, ma-
gari anche un po’ naif, ma san-
guigna, vera, geniale. Sotto la
regia di Ice One si muoveva un
mondo, con il nome della crew,
Taverna VIII Colle, a rappre-
sentare lo spirito da osteria. Al-
colizzato è il pezzo introvabile
che ne sintetizza in ragga il sen-
timento, ma si vola anche alto
con la statuaria 1997 Fuga Da
Roma. Si fa festa con L’attacco
Dei Funkadelici, e si scava nel
passato pre Piotta con la squa-
dra Parco Delle Valli Posse. Tra
la meglio gioventù coinvolta
ci sono MC Giaime, Colle Der
Fomento, Kobb D, Flaminio
Maphia, Benetti e Gufo. Rabbia
e humour, cocktail esplosivo.
PAOLO FERRARI
76/100 DISCO
ZERO EXTRA
RICHARD & LINDA
THOMPSON
HARD LUCK STORIES (1972-1982)
UNIVERSAL MUSIC
Nel 1970, poco dopo
aver lasciato i Fairport
Convention, Richard
Thompson iniziò a sviluppare
più liberamente la sua
poetica e la sua cifra stilistica.
Due anni dopo si inaugurava
così la sua seconda vita
artistica, con il suo primo LP
solista, Henry The Human
Fly, in cui già figurava come
corista quella che sarà la sua
speciale musa per circa un
decennio, Linda Peters, che
ben presto diventerà Linda
Thompson. Lo stile unico di Richard, che ama valicare i confini
tra generi e influenze diverse utilizzando ingredienti presi in
prestito dal folk, dal rock, dalla musica tradizionale e in generale
dai suoi eclettici ascolti filtrando il tutto con un’attitudine jazz
ricca di improvvisazione, si perfezionava grazie al tocco delicato
della calda, versatile e medievaleggiante voce di Linda, dando
vita a uno speciale sodalizio che questa corposa raccolta celebra
attraverso 113 brani (di cui 31 inediti) per un totale di otto dischi.
Il primo disco, Sometimes It Happens, recupera addirittura
vecchie registrazioni del progetto The Bunch (che vedeva parte
della crew dei Fairport Convention insieme ad altri artisti folk
rock britannici alle prese con cover dei successi rock’n’roll) e
alcune versioni in musica delle liriche del poeta Brian Patten. Si
prosegue poi con i sei album ufficiali rimasterizzati, da I Want To
See The Bright Lights Tonight, proseguendo con Hokey Pokey,
Poor Down Like Silver, First Life, Sunnyvista e Shoot Out The
Lights, e tutti i loro singoli. Le ciliegine sulla torta sono poi gli
outtakes, le versioni demo e le registrazioni di alcuni brani live
dei concerti alla Queen Elizabeth Hall del 1975 e al Theatre
Royal di Londra del 1977. Compilata e masterizzata da Andrew
Batt, questa retrospettiva rende omaggio al periodo di massimo
splendore dei due ormai ex coniugi e lo stesso Richard, curatore
della raccolta insieme a Linda, la definisce una “mappa” per
riscoprire i loro antichi tesori artistici.
DORIANA TOZZI
79/100 DISCO
ZERO EXTRA
RUMOREMAG.COM | 91
 PRETTY MAIDS
MAID IN JAPAN: BACK TO
THE FUTURE WORLD
FRONTIERS
In piena ascesa della seconda
fase metal in Europa, dopo
la metà degli anni 80, Future
World dei Pretty Maids divenne
un caso. Innanzitutto per la loro
provenienza danese (Mercyful
Fate a parte, il Nord Europa
era concentrato – grazie al
traino Malmsteen – in Svezia)
e soprattutto per il concetto
musicale. Irrigidire la potenza
dell’hard rock, sovrapporla
all’heavy metal e inserire ba-
rocco e melodia. Fu un album
PRINCE sorprendente. Maid In Japan
è la celebrazione live di Fu-
ture World, nel suo 30esimo
anniversario. E peraltro è la
dimostrazione di una grandis-
sima forza espressiva dei Pretty
Maids, ancora in grado di reg-
SIGN O’ THE TIMES gere (se non migliorare) il loro
WARNER capolavoro personale.
MARIO RUGGERI
80/100 DISCO
Quando l’operazione di ZERO EXTRA
ristampa e restauro del
catalogo di Prince sarà giunta
al termine ci troveremo di
fronte a un assurdo filologico,
per così dire. Gli inediti
(brani, collaborazioni,
concerti, versioni alternative,
abbozzi e quant’altro)
avranno superato per numero
(e probabilmente qualità…) RAW POWER
l’eccellenza di quanto già SCREAMS FROM THE GUTTER
conosciamo del musicista F.O.A.D.
di Minneapolis. L’opera
cosiddetta “ufficiale” sarà “Tempus fugit”, disse qualcuno
ridotta a una nota a piè di pagina rispetto alla mole straordinaria in un passato decisamente re-
di materiale che progressivamente sta venendo alla luce. E di moto. E sono trascorsi, in effet-
conseguenza ci toccherà metterci a studiare ancora più a fondo ti, 35 anni dall’uscita di questo
l’opera di un creatore la cui importanza aumenta e acquista secondo album dei Raw Power
quotidianamente valore e ulteriore profondità. Diamo per (maestri dell’hardcore punk
scontato che tutti i lettori di “Rumore” siano consapevoli di from Poviglio), bollato – quasi
che capolavoro è Sign O’ The Times e concentriamoci solo sulla all’unanimità – come uno dei
quantità incredibile di materiale nuovo che accompagna questa migliori dieci dischi dell’har-
ristampa. Iniziamo con la follia delle varie edizioni disponibili. dcore punk degli anni 80 a li-
Una Super Deluxe Edition comprendente otto CD, DVD oppure vello planetario. Questa ristam-
in versione 13 (!) LP e DVD; se no leggermente ridotta a tre CD o pa, con audio rimasterizzato
quattro vinili (e poi c’è ovviamente quella standard). In soldoni dall’ormai collaudatissimo deus
si tratta di ben 45 (!!!) tracce inedite registrate tra maggio 1979 ex machina del Toxik Basement
e luglio 1987 più la performance completa del concerto del 20 Studio, ripropone il 33 giri nella
giugno 1987 per il Sign O’ The Times Tour a Utrecht. Ma (rullo sua gloria, con l’aggiunta della
di tamburi!) la notizia più straordinaria è che il DVD presenta riproduzione del poster realiz-
un concerto inedito registrato al Paisley Park del 31 dicembre zato per il live che vide la band
1987, ultima tappa del Sign O’ The Times Tour, con il Principe esibirsi insieme a pesi massimi
affiancato dal Dark Magus Miles Davis. E, per finire con un altro come Cro-Mags e Motörhead.
attentato alle nostre tasche, un box set stampato in 1987 copie Un’uscita in edizione limitata a
dalla Third Man Records di Jack White contenente i quattro 350 copie su vinile nero, gestita
singoli ufficiali e due versioni inedite di Witness 4 The con la consueta cura filologica
Prosecution. E non abbiamo detto del volume di 120 pagine, delle di F.O.A.D. Records, che farà
foto e delle altre mirabilie. Prince è più vivo che mai. gola ai fans storici e non.
GIONA A. NAZZARO ANDREA VALENTINI
100/100 DISCO 82/100 DISCO
100/100 EXTRA ZERO EXTRA
92 | RUMOREMAG.COM
RÜSTƏM QULIYEV
AZERBAIJANI GITARA
BONGO JOE
La linea ideale è quella che parte
dagli strumenti a corda della tra-
dizione, il tar azero e il saz in que-
sto caso, passa per i riverberi surf
rock dell’egiziano Omar Khorshid
e arriva fino alle staffilate sinte-
tiche di Omar Souleyman. Ma
non solo: negli assoli di Quliyev,
nato nel 1969 fra le montagne
del Nagorno-Karabakh e morto
nel 2005, risuonano sia influenze
globali (la velocità di esecuzione e
la complessità di metal e fusion),
sia asiatiche vicine (il pop afgha-
no di Əfqan Musiqisi, quello ira-
niano di Iran Teraneleri e Fars
Musiqisi) o meno (la disco a tutta
Bollywood di Tancor Disco, ver-
sione del classico indiano Jimmy
Jimmy Aaja in passato ripreso
anche da M.I.A.). Con accordi di
sintetizzatore e poliritmi martel-
lanti da tastiera lo-fi a spingere
sotto, con gioia.
ANDREA POMINI
78/100 DISCO
ZERO EXTRA
KEITH RELF
ALL THE FALLING ANGELS
SOLO RECORDINGS
AND COLLABORATIONS 1965 – 1976
REPERTOIRE
Appunti, meditazioni, prove
solitarie, sketch scherzosi, ca-
lembour per possibili pop hit;
più i singoli post Yardbirds
(Knowing, Mr. Zero): questo
contiene All The Falling An-
gels, summa postuma di Keith
Relf. Persona riservata e timida
nell’intimo; aggressiva e selvag-
gia sul palco quando era con gli
Yardbirds. L’album svela i suoi
segreti, le sue geniali intuizioni.
Tra le tante: Together Now, In
duetto con Jim McCarty, avvol-
gente melodia 60’s pop, come
quelle di Petula Clark e Tom
Jones; Line Of Least Resistence,
ossificato folk pop psichedelico
con qualche scintilla medi-
terranea; All The Pretty Little
Horses, folk druidico; Cherokee,
etno blues con chitarra acustica
e harmonica. 32 pagine con
libretto e note di Jim Mc Carty,
Paul Samwell Smith e Jane Relf.
CLAUDIO SORGE
80/100 DISCO
ZERO EXTRA

RETROPOLIS SETTEMBRE 2020
THE ROLLING STONES
GOATS HEAD SOUP
POLYDOR
Ha ancora il marchio del figlio
minore, GHS. C’entra il carat-
tere del maggiore, ovviamente
Exile..., o l’uscire un anno dopo
il quinquennio 1968/1972, quel-
lo comunemente considerato il
periodo d’oro degli Stones. Resta
invece un album essenziale, e
basterebbe chiedere ai Primal
Scream: più coeso del preceden-
te, lurido dove serve ma ispira-
tissimo nelle ballate, Angie chia-
ramente in testa. Spiega tutto
l’incluso e poco conosciuto live a
Bruxelles dello stesso anno, con
una band in forma superlativa a
lambire il disco in un diluvio di
classici. E, se la ricchissima ri-
stampa include le solite versioni
alternative, sono i tre inediti (in
prima fila Scarlet con Jimmy
Page) a valere la ribalta: altro
che disco di transizione, a senti-
re quanto rimasto fuori.
FRANCESCO VIGNANI
82/100 DISCO
80/100 EXTRA
THE SWORD
CHRONOLOGY 2006-2018
CRAFT
Non sta succedendo nulla a Au-
stin in ambito heavy, nei primi
anni Zero. Così John D. Cronise
nel 2003 decide di incidere un
demo con le sue canzoni e in co-
pertina ci mette una spada. Pas-
saporto per il primo album per la
Kemado, Age Of Winters (2006).
Una pietra miliare dell’heavy.
John ci arriva con una ferrea
dieta di Black Sabbath, Melvins,
Sepultura, Sleep. Quella degli
Sword è la storia di una delle
band capitali del metal moderno
e sta in questo box di tre dischi e
libretto con giudizi entusiastici di
Lars Urlich, Mark Morton (Lamb
Of God), Neil Fallon (Clutch).
Ci sono le migliori canzoni dei
sei album degli Sword, più una
sporta di unreleased, tra cui He’s
Waitin’ dei Sonics (gli antenati
dell’heavy) e She dei Kiss. Se non
avete nulla di loro, accaparratevi
questo box.
CLAUDIO SORGE
85/100 DISCO
84/100 EXTRA
RUSH
PERMANENT WAVES
40TH ANNIVERSARY
MERCURY
Un remaster agli Abbey Road,
11 brani live dal Permanent
Waves World Tour, deluxe e
superdeluxe editions con tanto
di saggi, tour program, libretti
celebrativi, poster e foto ine-
dite: diciamo che i canadesi
hanno fatto il possibile per
onorare i 40 anni di un disco
che proiettava la band in classi-
fica, a dispetto delle radici pro-
gressive, grazie soprattutto a
brani come The Spirit Of Radio
e Freewill, che segnavano un
(parziale) passaggio a sonorità
(e lunghezze) meno ostiche.
Al di là della rispolverata so-
nora però, l’operazione non
aggiunge molto a un album che
senza questa edizione avrebbe
comunque resistito (bene) al
passare del tempo.
FERNANDO RENNIS
70/100 DISCO
60/100 EXTRA
VENOM
SONS OF SATAN
BMG
Questa compilation di demo e
registrazioni in sala prove risa-
lenti al periodo 1979-1983 era
già inclusa nel monumentale
box In Nomine Satanas, uscito
lo scorso anno per celebrare il
40ennale del gruppo di Newca-
stle. Niente d’inedito, quindi, a
parte l’edizione stand alone, ma
il brivido di ascoltare le versioni
primordiali dei loro classici è
sempre ben percepibile. Questi
individui coi primi tre album
hanno fatto la storia e hanno
cambiato il metal, rendendolo
più nero, cattivo, esoterico e,
perché no, divertente (non sono
mai stati satanisti adepti del
lato oscuro: era tutto un trucco
di scena). Unica avvertenza:
questo è un disco per completi-
sti e fan, non adatto per avvici-
narsi alla band se si è a digiuno
di Cronos, Abaddon e Mantas.
ANDREA VALENTINI
70/100 DISCO
ZERO EXTRA
SUONA ANCORA
IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI
SAGATRAKAVASHEN
SAGA OF DARKNESS 1988-2018
F.O.A.D.
Nei meandri più underground
della Valtellina, fin dalla seconda BE-BOP DELUXE
metà degli anni 80, si è mossa AXE VICTIM
una figura ormai mitologica: Ugo CHERRY RED
Scarsi, gran maestro di cerimonie
del black metal punkizzato che Boogie Bolan, Spiders
nel corso degli anni ha (auto) scesi da Mars, ma anche
prodotto materiale di culto con la grande personalità, nessuno
ragione sociale Sagatrakavashen. scivolone carnevalesco,
In questo doppio LP (200 copie godimento chitarristico e
in vinile nero, 100 in arancione) garanzia Made in England.
troviamo radunata l’intera di-
scografia firmata da Pentacolar
(questo il nome di battaglia di
Scarsi, che suona tutto nei dischi
della sua band), ossia due demo
e due EP di oscuro, terrificante
black metal con sfumature punk
(più tocchi di metallo vintage con
attitudine DIY e lo-fi al 100%).
In breve: primi Venom, Bathory,
Death SS d’annata e Hellhammer
sono le coordinate sonore. Un
documento imperdibile.
ANDREA VALENTINI
77/100 DISCO
ZERO EXTRA
GRATEFUL DEAD
WORKINGMAN’S DEAD
WARNER
Workingman’s Dead ritorna
a parlare alla gente comune
dell’America di tutti i gior-
ni, e lo fa con il linguaggio
NEIL YOUNG tradizionale americano per
HOMEGROWN eccellenza, il country.
SILVER BOW PRODUCTIONS
È l’inizio del 1975 e Neil Young
deve sfrondare: una sera fa
ascoltare a un ristretto grup-
po di amici due lavori e a fine
serata decide di pubblicare il
secondo, Tonight’s The Night.
L’escluso – Homegrown, ov-
viamente - per anni resta una
mezza chimera, per quanto poi
una metà dei brani sia sgoccio-
lata in dischi successivi. Non un
mistero il motivo, se lo stesso
canadese titubava davanti al
far seguire a un album non ca-
pitissimo come On The Beach
un progetto doloroso e in gran
parte acustico come questo, P J HARVEY
scritto dopo aver scoperto un DRY - DEMOS
tradimento della moglie. Un ca- UNIVERSAL
polavoro perduto, proprio come
si sospettava. Ma con un nervo- Già chiare le idee e la ferocia
sismo e una tensione inusuali del disco originale ne resta
anche per il periodo in cui fu testimonianza, ma più
inciso, quasi a buttare una luce tangibile è lo spaesamento
nuova sui primi ‘70 di Young. della ragazza appena
sbarcata a Londra con il
FRANCESCO VIGNANI
cuore spezzato.
83/100 DISCO
ZERO EXTRA
RUMOREMAG.COM | 93
AMERI
INDIE

’95
TESTO DI DIEGO BALL ANI
ICAN
LA

5
VERA a Matador celebra i 25 anni di
alcune sue storiche pubblicazioni
con una collana il cui titolo,

AL-
Revision History, suona quanto
mai appropriato. Il revisionismo è
una costante dell’epoca di Internet.
La falla di un sistema che prevede
l’accesso a infinite informazioni, ma
per contro lascia a chiunque poco
tempo per approfondirle, verificarle

TER-
e ponderarle, relazionandole fra
loro. Ecco allora che nel grande racconto dell'”Indie Rock Anni
90”, concetti come "alternative rock" e “DIY” si fondono in
un orizzonte di distorsioni, volumi feroci e strutture sonore
imprevedibili, specie se paragonate al paradigma zeppeliniano
che aveva dominato il rock classico.
Per certo fu un’età dell’oro per chiunque avesse voluto

NATI-
imbracciare una chitarra animato solo da passione e
buona volontà. Ad attenderlo avrebbe trovato un mercato
sovraeccitato, alimentato da un flusso di denaro a cui
contribuiva in modo significativo il boom del Compact Disc,
che aveva spinto i vecchi possessori di vinile a rimpiazzare la
propria discografia con i nuovi supporti.

Alla comprensione odierna di tutto quel fenomeno non aiuta il

VA
fatto che per molto tempo quella “indie” era stata una sensibilità
definita in negativo. A creare coesione e senso di appartenenza
fra lo sparuto manipolo di ragazzi che si presentava ai concerti
di Mission Of Burma, Hüsker Dü e Sonic Youth era il disagio di
fronte alla musica e alle sottoculture degli anni 80. Un senso
di sradicamento che faceva di quella indie una tribù invisibile,
priva di evidenti segni di riconoscimento.

TAG: #revisionismo #alternative #indie #culturecrash #lollapalooza ONLINE: matadorrecords.com

RUMOREMAG.COM | 95

RETROPOLIS AMERICAN INDIE ’95
Nel suo libro Culture Crash, Scott Timberg ne data
l'inizio al 1982: l’anno in cui i R.E.M. pubblicavano l’EP
di debutto Chronic Town e dall’altra parte dell’Oceano
esordivano gli Smiths. Il suo nucleo era costituito da
quel tipo di musica che non avresti mai potuto ascoltare
in una radio commerciale o su MTV. Nasceva dall’onda
lunga del punk rock, ma il suo spirito era schiettamente
sperimentale. Il punk aveva contribuito a scardinare
tutte le regole definite nei 20 anni precedenti, ma ora la
nuova generazione amava cimentarsi con riff irregolari
e architetture sonore originali.
L’indie rock americano aveva i suoi trademarks e
una varietà stilistica che andava dalle sonorità più
percussive a quelle più distorte, depressive e free form.
A differenza dell'hip hop, che nasceva a New York per
poi svilupparsi in una serie di varianti regionali, ha
avuto origine in contesti schiettamente locali, talvolta
i più improbabili. Le zone più fertili furono realtà
provinciali e città universitarie come Athens e Olympia.
Ad ogni località faceva capo una “scena”, con il suo
distintivo ecosistema di radio, etichette, negozi di
dischi, locali e, naturalmente, band.
Ovunque il confine tra fan e musicisti era labile,
l'approccio era anarchico e partecipativo, e l'idea
(almeno in teoria) che chiunque potesse formare una
band, registrare un disco e girare il paese grazie alla
propria musica era il vero orizzonte motivazionale. Al
centro di tutto c’era una generazione di adolescenti
che maturava il proprio esclusivo universo valoriale,
discutendo in modo dogmatico di accordature e
feedback di chitarra.
Ma così come gli anni 60 erano iniziati ufficialmente
con l’avvento dei Beatles, l’indie rock si trovò
catapultato nei 90s quando il secondo disco dei
Nirvana, pubblicato nel settembre 1991, finì per vendere
oltre 20 milioni di copie. “Abbiamo vinto”, furono
le parole con cui, nel gennaio del ’92, la critica Gina
Arnold commentò l’avvicendamento fra Dangerous di
Michael Jackson e Nevermind alla cima della classifica
di “Billboard”. L'emergere simultaneo dei R.E.M. (da
anni fra i preferiti delle college radio rock statunitensi)
con il singolo Losing My Religion lasciava immaginare
che una sorta di rivoluzione si fosse ormai compiuta.
Ciò che seguì fu un momento di frenesia collettiva,
in cui le major iniziarono a corteggiare band di culto
appartenenti a remote scene musicali e artisti la cui
massima prospettiva era stata quella di pubblicare
album su minuscole label indie. Fra i casi più eclatanti
ci fu quello di Beck Hansen, curioso esponente della
scena anti folk passato dalle esibizioni sugli autobus di
Los Angeles ad un disco su Geffen che si sarebbe potuto
acquistare in tutti i Walmart d'America.
Il problema con i trend del pop sta nella loro ciclicità.
96 | RUMOREMAG.COM
’9
TESTO DI DIEGO BALL ANI
Ogni volta che una bolla scoppia (come quella del
grunge o del Britpop) c’è sempre una correzione del
mercato che lascia sul terreno molte vittime. Così,
mentre le grandi case discografiche si affannavano
a trovare i nuovi Nirvana, saccheggiando etichette
indipendenti ridotte a vivai e caldeggiando gracili indie
band a cambiare il proprio sound, i convertiti sulla
via di Damasco delle chitarre distorte consumavano
velocemente il loro rendez vous con l’alternative rock,
passando senza colpo ferire alla novità successiva.
Lollapalooza '95, il cui cartellone allineava prime
movers (Sonic Youth e Yo La Tengo), star alternative
(Beck e Hole), rappresentanti della crossover culture
(Cypress Hill) e losers di lusso (Pavement) avrebbe
segnato il picco dell’epica alt rock e l'inizio del suo
declino. L’anno successivo i Metallica sarebbero stati
i protagonisti del festival e il genere sarebbe crollato
su sé stesso con l'arrivo di band epigoniche come
Matchbox Twenty e Third Eye Blind, che annacquavano
l’ispirazione di Pearl Jam e Soundgarden in una
melassa romantica. Nel dicembre del 1996 MTV
rimodulava la sua programmazione introducendo
nel palinsesto più pop ed elettronica, a scapito
dell'alternative rock. Riviste e radio ne presero atto e,
con mirabile tempismo, band e cantautori indie vennero
abbandonati al loro destino dalle ristrutturazioni delle
major, che iniziarono a tagliare il budget di registrazioni
e tour promozionali. Sebbene nel 1998 fosse ancora
possibile vedere i Korn a Total Request Live, l'arrivo di
Napster nel ’99 (subito imbracciato da quegli studenti
di college che avevano rappresentato il bacino naturale
dell’indie rock) metteva definitivamente i sigilli ad
un’epoca gloriosa e complicata.
Parte di quello che rende la musica degli anni 90
così affascinante è il suo posto nel tempo: una sorta di
ponte tra il vecchio mondo pretecnologico e un nuovo
95
TRA INTERVISTA
A GERARD COSLOY (MATADOR)
L’ANA- E MATT SWEENEY (CHAVEZ)
LOGICO
E IL DI-
GITALE
universo digitale in cui tutto è a portata di un click.
Nei ‘90 tutto questo era ancora lontano, ma era già
facile intuirne la portata, si trattava solo di capire quali
idee, prospettive, sogni e desideri portare nel nuovo
millennio. In questo senso il ‘95 fu un anno cruciale, per
via di artisti che seppero cristallizzare nel tempo etica e
estetica del rock indipendente.
Fra questi, i Guided By Voices di Alien Lanes regalarono
all’indie rock americano il suo Abbey Road; gli Yo La
Tengo di Electr-O-Pura traghettarono il noise degli
esordi verso un cantautorato maturo e dissonante,
mentre i Pavement finirono per incarnare lo spirito
indie più indomito, con un album (Wowee Zowee) che
suonava come la risposta a chi era già pronto a darli
per venduti. L’operazione Revision History con cui
Matador celebra oggi il venticinquesimo anniversario
di quei lavori ha fornito l’occasione per discuterne con
Gerard Cosloy, da oltre 30 anni executive dell’etichetta
TAG: #conflict #sebadoh #chavez #hardcore #pavement
americana. Insieme a lui abbiamo raggiunto il
chitarrista Matt Sweeney, che oltre ad avere suonato
con un parterre di artisti che va dai GBV ad Adele, è
stato membro dei Chavez, autori nel ’95 del classico
post hardcore Gone Glimmering. Ne è scaturita
un’interessante discussione fra memoria, attualità e
fiero senso di appartenenza.
Gerard, qual è il senso di questa Revision
History?
Gerard Cosloy: “Si tratta di una specie di scherzo fra di
noi. Molte delle cose realizzate con l'etichetta sono state
dimenticate o mal documentate. Le nuove generazioni
tendono a raccontare la storia in modo celebrativo.
Personalmente non sono mai contento di come vengono
realizzate le biografie musicali o di come la storia legata
alla musica viene raccontata. Con la Matador abbiamo
sempre preferito fornire tutti i dettagli piuttosto che
leggerne di inventati. Il titolo si riferisce a questo.
Anziché raccontare la storia da capo, preferiamo
considerare queste ristampe come delle pacche
sulle spalle che ci diamo a vicenda, assecondando la
leggenda”.
Parliamo dei vostri esordi nel mondo
indipendente.
Matt Sweeney: “Sono innamorato della musica sin
da piccolo. Grazie allo skateboard sono entrato in
contatto con l'hardcore, poi sono passato all'indie rock.
Le mie band preferite ai tempi delle superiori erano
Hüsker Dü, Replacements e i gruppi della SST. Quando
passavano da New York, non ne perdevo una. La prima
volta che entrai al CBGB's era il 1984, avevo 14 anni. Poi
con la mia band delle superiori, gli Skunk, aprimmo per
Sonic Youth e Dinosaur Jr. Eravamo ancora scarsi, ma
sentivamo che era una cosa che dovevamo fare (anche
se col tempo abbiamo capito soprattutto che cosa è
meglio non fare, musicalmente parlando). Quando
formai i Chavez mi sembrava di aver provato già tutto.
Volevo fare qualcosa di nuovo. Non ero particolarmente
convinto di ciò che avevo fatto fino a quel momento e fui
molto contento di avere una nuova possibilità”.
G.C. :“La fanzine ‘Conflict’ è stata la prima cosa a cui mi
sono dedicato, quando ero ancora in Massachussetts.
Dopodiché approdai alla Homestead, dove rimasi fino al
1989, prima di arrivare alla Matador”.
RUMOREMAG.COM | 97

RETROPOLIS AMERICAN INDIE ’95
« A L T E M P O L' I N D I E R O C K N O N E R A
PERCEPITO COME GENERE. QUANDO
I SEBADOH PUBBLICARONO IL BRANO
G I M M I E I N D I E R O C K V O L E VA N O F A R E
U N A P A R O D I A D E L R O C K U N D E R-
G R O U N D D E L L' E P O C A . L' I D E A C H E T R E
D E C E N N I D O P O L' I N D I E R O C K S A R E B -
B E S TATO C O N S I D E R ATO U N G E N E R E
C I S A R E B B E S E M B R A T O U N O S C H E R-
ZO P E R V E R S O. H O M E S T E A D E R A U N A
L A B E L D I R O C K U N D E R G R O U N D. M A
R O C K U N D E R G R O U N D V O L E VA D I R E
TA N T E C O S E : L A N O S T R A E T I C H E T TA
E R A P R E VA L E N T E M E N T E B I A N C A , M A -
SCHILE E CON POCO GROOVE. FORSE
È PER QUESTO CHE ANCORA OGGI L A
GENTE LA DEFINISCE INDIE ROCK»
G E R A R D C O S L OY
A proposito di Homestead, di recente mi è
capitato di leggere un articolo che la definiva
come la label più rappresentativa dell’indie
rock americano, prima che Sub Pop vendesse il
grunge in tutto il mondo.
G.C.: “Sub Pop ha rappresentato una specie di Ground
Zero per tutta la roba di Seattle, perché erano là e
quando vennero fuori Mudhoney e Soundgarden,
si trovavano nel punto giusto al momento giusto.
Homestead non aveva un focus geografico o un sound
di riferimento. Al tempo l'indie rock non era percepito
come genere. Quando i Sebadoh pubblicarono il brano
Gimmie Indie Rock volevano fare una parodia del rock
underground dell'epoca. L'idea che tre decenni dopo
1995: 10 CL ASSICI “INDIE”
THE AMPS ARCHERS FUGAZI
PACER OF LOAF RED MEDICINE
(4AD) VEE VEE (DISCHORD)
(ALIAS)
98 | RUMOREMAG.COM
’9
TESTO DI DIEGO BALL ANI
l'indie rock sarebbe stato considerato un genere ci
sarebbe sembrato uno scherzo perverso. Homestead era
una label di rock underground. Ma rock underground
voleva dire tante cose: la nostra etichetta era
prevalentemente bianca, maschile e con poco groove.
Forse è per questo che ancora oggi la gente la definisce
indie rock”.
Matt, da tuo punto di vista qual è stato il ruolo
dell’hardcore nell’evoluzione dell’indie rock?
M.S.: “Per noi l'hardcore era qualcosa che apparteneva
agli inizi degli anni 80. Io sono arrivato giusto in tempo
per assistere alla coda del movimento. Ricordo di aver
assistito a un concerto dei Cro Mags subito prima che
uscisse The Age Of Quarrell. Quel disco era un esempio
evidente di come l’hardcore stesse cambiando. Ricordo
di averli amati ma anche di esserne rimasto spaventato.
Li vidi al CBGB's: presi un calcio in testa e c'era sangue
dappertutto. L'hardcore è stato importante, perché ha
abbattuto tutto, era pura aggressione, ma noi sentivamo
il bisogno di costruire qualcosa. Con gli Skunk avevamo
stabilito che ci saremmo riavvicinati alla musica con cui
eravamo cresciuti, il rock dei ‘70, ma con un approccio
più maturo. Il che voleva dire anche cambi di tempo e
assoli di chitarra”.
A questo punto vorrei sapere il vostro punto
di vista su quello che è successo nel panorama
indipendente dopo la pubblicazione di
Nevermind.
G.C.: “Non sono mai stato fra quelli che pensavano che
una band avrebbe potuto rivoluzionare tutto. Tuttavia
è indubbio che il clima fosse cambiato e questo ha
permesso a band che non avevano firmato per una
major di avere comunque successo. All'epoca ero molto
cinico e vedevo la Matador come una forma di resistenza
a tutto ciò. Col senno di poi ero solamente troppo
ingenuo. Non solo perché ne abbiamo effettivamente
beneficiato, ma perché siamo stati accessori a tutto
questo processo. Oggi è tutto completamente diverso.
Per certi versi è come se la rivoluzione del '91-'92 non
avesse mai avuto luogo. A parte il fatto che alcuni
giovani si ispirano a quelle band”.
MORPHINE PALACE MUSIC
YES VIVA LAST BLUES
(RYKODISC) (DRAG CITY)
95
RETROPOLIS AMERICAN INDIE ’95
M.S.: “Su questo argomento i Chavez scrissero una
canzone intitolata Break Up Your Band. Quando
i Nirvana esplosero, dicevamo che l'indie rock era
lo sport americano maggiormente in espansione.
Nessuno di noi lo aveva scelto per diventare famoso o
per fare i soldi. Volevamo solo realizzare qualcosa di
cui avremmo potuto essere fieri anche dopo 20 anni.
Ed è esattamente ciò che è successo. Non eravamo
arrabbiati o delusi, ma è incredibile quanta gente
in quel momento abbia formato una band e quanti
dischi orribili siano stati pubblicati. È bellissimo fare
musica, e non voglio sembrare cinico. Ma era come se,
ora che il metal non era più cool, tutte le band metal
cercassero di suonare come i Nirvana”.
Matt, i Chavez nascono come una specie di
supergruppo, formato da membri di band
come Bullett LaVolta e Live Skull…
M.S.: “Noi ci scherzavamo, dicendo che eravamo un
supergruppo formato da componenti di band che
nessuno conosceva. Forse solo i Live Skull erano
considerati cool. Per me erano una band importante,
ma vennero eclissati da gente come i Sonic Youth.
La Matador li amava e amava i Bullet LaVolta, altro
gruppo che non ottenne mai il successo che meritava.
Quando formammo i Chavez eravamo ossessionati dal
rock dei ‘70 e da tutto ciò che di tremendo, grandioso,
oscuro e potente contiene. Hai presente la parte
centrale di Don't Fear The Reaper dei Blue Öyster
Cult, o quella di Dream Police dei Cheap Trick? C'era
qualcosa di bello in quell'approccio drammatico, e
noi cercavamo di riprodurlo a modo nostro. Penso
che l'elemento più importante, in tal senso, fosse
Clay, il chitarrista. Lui era quello che aveva più
chiaro in mente questo concetto. Io e lui suonammo
insieme per un anno, cercando di perfezionare le
parti di chitarra fino a quando non le trovavamo
emotivamente soddisfacenti. Clay non ha mai suonato
una chitarra acustica e non ha mai suonato cover, o
riff altrui. È da quando ha 18 anni che arriva con il
suo amplificatore e cerca di tirare fuori suoni del tutto
suoi. Questo era il nostro approccio: originale ma
rispettoso del passato”.
RACHEL’S SLEATER- ELLIOTT SMITH
HANDWRITING KINNEY ELLIOTT SMITH
(QUARTERSTICK) SLEATER-KINNEY (KILL ROCK STARS)
(CHAINSAW)
TESTO DI DIEGO BALL ANI
« V O L E V A M O S O L O R E A L I Z Z A R E Q U A L-
C O S A D I C U I A V R E M M O P O T U T O E S S E-
RE FIERI ANCHE DOPO 20 ANNI. ED È
E S AT TA M E N T E C I Ò C H E È S U C C E S S O.
N O N E R AVA M O A R R A B B I AT I O D E LU-
S I, M A È I N C R E D I B I L E Q U A N TA G E N T E
I N Q U E L M O M E N TO A B B I A F O R M ATO
UNA BAND E QUANTI DISCHI ORRIBILI
S I A N O S TAT I P U B B L I C AT I. È B E L L I S S I M O
FARE MUSICA, E NON VOGLIO SEM-
B R A R E C I N I CO. M A E R A CO M E S E, O R A
C H E I L M E TA L N O N E R A P I Ù C O O L ,
T U T T E L E B A N D M E TA L C E R C A S S E R O D I
S U O N A R E C O M E I N I R VA N A »
G E R A R D C O S LOY
Quest’anno si celebrano i 25 anni di Wowee
Zoowee. Gerard, è vero che sei stato tu a portare
i Pavement alla Matador?
G.C.: “In realtà è successo che Scott (Kannberg, nda)
aveva inviato il loro primo 7'' a ‘Conflict’, ma lo aveva
mandato anche ad altre persone che avevano ascoltato
il disco e se ne erano innamorate, chiedendosi chi
fossero questi pazzi di Stockton. Ricordo che rimasi
molto colpito da quel sound distintamente catchy
e sporco, come se fosse stato ricoperto di fango. I
Pavement di allora mostravano una fiducia incrollabile
verso un particolare periodo della storia del DIY. In
quel momento erano in pochi a guardare al post punk
inglese e a tutto quel sound di fine ‘70. Tutto questo loro
lo affrontavano con molta consapevolezza e originalità.
Le composizioni erano fantastiche e per quanto tutto
fosse raffazzonato si sentiva che sotto c'era un cuore che
batteva”.
SMOG UNWOUND
WILD LOVE THE FUTURE OF WHAT
(DRAG CITY) (KILL ROCK STARS)
RUMOREMAG.COM | 99

RETROPOLIS AMERICAN INDIE ’95
Sfatiamo per una volta un mito: quello secondo
cui Wowee Zowee non è riuscito a capitalizzare
il successo indipendente di Crooked Rain,
Crooked Rain perché troppo poco commerciale.
G.C.: “La gente lo dice spesso, ma non capisco a cosa si
riferiscano. A quale canzone del disco rinuncerebbero?
Quale idiosincrasia eliminerebbero? Pensare a dei
Pavement più commerciali per me è un ossimoro.
Le cose che hanno reso i Pavement speciali sono le
stesse che hanno impedito loro di vendere milioni di
dischi. Non è la fine del mondo. I Pavement non hanno
venduto quanto i fottuti Everclear, ma oggi nessuno si
sognerebbe di intervistare questi ultimi. Probabilmente
se i Pavement fossero diventati famosi la gente si
sarebbe lamentata lo stesso. C'è anche una questione
di identità dietro, e la comprendo bene. La politica
identitaria che sta dietro all'universo indie è quella che
mi ha dato da vivere e ha pagato il mio mutuo, per cui
non mi voglio lamentare troppo. È solo che non si può
avere tutto. I Pavement hanno un repertorio incredibile,
hanno realizzato dischi stupendi. Tutto il resto sono
inutili congetture”.
Veniamo ai GBV, come decideste di metterli
sotto contratto? All’epoca Pollard e soci avevano
un’età decisamente superiore a quella delle
altre band e, a parte il lo-fi, avevano un sound
più regolare e power pop.
G.C.: “Non li ho mai percepiti come una band regolare.
C'era molta originalità nel modo con cui registravano
e si presentavano, dall’artwork ai titoli delle canzoni.
100 | RUMOREMAG.COM
’9
TESTO DI DIEGO BALL ANI
Rimasi sconvolto dal fatto che volessero lavorare con
noi. Per dirla con un cliché: i GBV erano ragazzi arrivati
tardi alla festa. Noi li conoscevamo già. Ce li aveva
fatti conoscere Matt (Sweeney, nda), che suonava in
continuazione i loro dischi nei nostri uffici. Trovammo
un accordo per la distribuzione di Vampire On Titus
con la Scat di Rober Griffin, che all'epoca era la loro
etichetta. Così li vedemmo la prima volta quando
vennero a New York e suonarono al CBGB's. Fummo
sconvolti dalla loro potenza, specie se paragonata alle
registrazioni estremamente scheletriche e lo-fi. Quando
li incontrammo, e fu chiaro che volevano venire con noi,
non ci fu neanche bisogno di pensarci, perché erano
già una delle nostre band preferite. Il problema è che
questo complicò parecchio il nostro rapporto con la
Scat, perché di fatto rubammo loro il gruppo (anche
se l'idea, ripeto, partì dalla band). Rubare un gruppo a
una label che stavamo distribuendo non fu un gran bel
gesto. Ancora adesso, a distanza di anni, è una cosa che
mi imbarazza”.
Cosa c’è di vero nel fatto che per Alien Lanes
ebbero un anticipo di 100mila dollari e che
l’album, escluse le birre bevute, ne costò appena
dieci?
G.C.: “Penso che sia costato più di centomila dollari, era
un contratto fra più etichette. È stato uno degli album
che più ci è costato produrre. Non il più costoso, ma
sicuramente uno dei primi cinque. Senza dubbio però
ne è valsa la pena”.
95
Matt, tu hai suonato spesso con loro.
M.S.: “Si ogni tanto lo faccio ancora. Vedi, se su disco
le canzoni erano piccole epiche psichedeliche da un
minuto, dal vivo era pura follia. La prima volta che
sono venuti a suonare al CBGB’s nessuno sapeva
cosa aspettarsi. La gente non immaginava di vedere
questo gruppo di mezza età, incredibilmente squisito
e potente, saltare da una parte all’altra del palco. Ero
felicissimo. A quel punto andava di moda il post rock e
non era molto figo saltare come pazzi ai concerti. Poi,
il fatto che registrassero le canzoni in modo così veloce
faceva sì che quando le sentivi dal vivo, essendo appena
state composte venivano suonate con una incredibile
eccitazione. Con i Chavez abbiamo suonato spesso con
loro, erano la nostra band preferita e c'era una grande
ammirazione reciproca. Loro amavano tutte le nostre
ex band, era molto divertente questa cosa perché noi
facevamo loro da supporto e loro erano più vecchi ma ci
seguivano con attenzione perché eravamo gli ex Bullet
LaVolta e gli ex Live Skull”.
Gerard, so che gli Yo La Tengo sono uno dei tuoi
gruppi preferiti. C’è qualche ricordo particolare
legato a Electr-O-Pura?
G.C.: “Non ci sono episodi particolari, ma ricordo che
per gli Yo La Tengo fu un periodo intenso. Stiamo
parlando di persone che creano e collaborano in
continuazione. Non ho ma finito di stupirmi per le loro
idee e per il loro coraggio. Penso che in quel momento
non fossero ancora al massimo della forma. Tuttavia
proiettavano questa immagine di band importante a
livello internazionale e credo che fosse impossibile,
da parte loro, non esserne compiaciuti. So che è una
cosa un po' strana a dirsi, visto che sono persone umili.
Ma se guardi al loro repertorio e quello che hanno
combinato nei vari decenni, credo abbiano posizionato
la barra incredibilmente in alto per chiunque intenda
suonare quel genere di musica”.
Tornando al biennio ’94-’95. Avete mai
percepito la popolarità indipendente di noise
e lo-fi come una risposta al successo di certo
alternative rock?
G.C.: “Non saprei. Di certo quelle band arrivavano in un
periodo in cui lo standard sembrava essere incarnato da
versioni folk di Paul Rodgers: praticamente tutto quello
che è arrivato fra i Pearl Jam e i Creed. C'erano tutte
quelle band terribili come i Seven Mary Three. Non
so neppure se esista un genere per identificare quella
roba. Per quanto mi riguarda penso che il video di
Hunger Strike sia il punto più basso della civilizzazione
moderna, ma a parte questo non credo che Pavement e
Sebadoh fossero una risposta a quel tipo di musica. Per
lo più si trattava di gruppi che esistevano già, avevano
fatto un percorso parallelo, anche se a volte le strade si
erano incrociate”.
GUIDED
BY VOICES
ALIEN LANES
MATADOR
Ricordo ancora la prima
volta che ascoltai i Guided By
Voices, all’epoca di Vampire
On Titus. La sensazione
era quella di aver appena
scoperto una miniera d’oro:
un tesoro fatto di riff à
la Who, suggestioni folk,
alambicchi psichedelici e
tanta squisitezza guitar
pop. Pepite grezze,
ancora ricoperte di terra e
detriti, ma in questo stava
l’intuizione di Pollard
e soci: nella volontà di
preservare immediatezza e naïveté sopra ogni altra cosa. Di
salvaguardare la freschezza dell’ispirazione e coglierla nel
suo stato primigenio. Nel 1994 Bee Thousand aveva svelato al
mondo quel segreto, mostrando come ciò che era apparso come
un divertissement da dopolavoro potesse influenzare un'intera
generazione di rocker underground. Alien Lanes (che oggi viene
ristampato in vinile colorato) non faceva che perfezionare il
concetto, ma in più coglieva una band in pieno slancio creativo,
galvanizzata da un successo inatteso e maestra nell’utilizzo di
quel 4 tracce che ormai adoperava in modo bulimico.
Quello che forse non è stato sottolineato abbastanza
riguardo ai GBV di metà anni 90 è come la forma (succinta,
approssimativa) divenisse sostanza in virtù di una massa
critica di melodie e atmosfere che finiva inevitabilmente per
superare la somma delle singole parti. Quei 28 frammenti si
consumavano tutto d’un fiato, ognuno con il suo distintivo
allestimento sonoro. Erano come capitoli di un’Odissea
domestica che suonava al tempo stesso epica e familiare. Non
tutti brillavano di luce propria ma era impossibile eliminarne
qualcuno senza che l’intero castello crollasse. Ai pezzi più
pregiati spettava il compito di marchiare a fuoco il canzoniere
indie degli anni 90, mettendo a sistema l’esperienza di cinque
rocker maturi, impegnati a riallacciare i file di 40 anni di
escapismo musicale.
90/100 DISCO
ZERO EXTRA
RUMOREMAG.COM | 101

YO LA TENGO
ELECTR-O-PURA
MATADOR
Il problema, con il
settimo disco della band
di Hoboken, sta nel suo
piazzarsi in mezzo a due
capolavori come Painful
e I Can Hear The Heart
Beating As One. Al cospetto
di questi ultimi Electr-O-
Pura mette in mostra tutte
le caratteristiche dell’album
di transizione. Mentre la
band iniziava ad esplorare
i groove mesmerici e la
drone music spettrale,
continuava ad essere legata al jangle pop degli esordi.
Il risultato è uno dei lavori più accessibili mai realizzati
dal terzetto. La partenza, in questo senso, è significativa:
l’opener Decora avvolgeva in strati di feedback sempre più
spessi una melodia onirica e seducente. Analogamente il
resto dell’opera espandeva il vocabolario della band con
circospezione e un occhio al passato, nel caso l’esplorazione
non avesse dato esiti soddisfacenti. È il caso del singolo Tom
Courtenay, con quella melodia 60s e l’elettricità soffusa che
lo rendeva appetibile anche a chi avesse avuto appena un po’
di dimestichezza con i Velvet Underground (ma anche così
il singolo mancherà la Top 200 di “Billboard”). Il sardonico
minimalismo di Paul Is Dead e le spirali chitarristiche di
Pablo And Andrea suonavano come (splendida) ordinaria
amministrazione in un 1995 che sembrava voler bilanciare
l’estro artistico di band come Yo La Tengo, Pavement e
Guided By Voices con le seducenti avance del successo
commerciale. Anche così dalla penna del gruppo uscivano
bozzetti college rock di straordinaria perfezione formale, un
pop chitarristico che non sarebbe mai più stato così tondo e
bilanciato. Alla conclusiva Blue Line Singer (nove minuti di
tappeti d’organo e fiero sferragliare elettrico da cui emergeva
il canto trasfigurato della Hubley) spettava il compito di
chiudere i conti con il recente passato e accompagnare il
sound della band verso la completa maturità artistica.
75/100 DISCO
ZERO EXTRA
102 | RUMOREMAG.COM
’9
M.S.: “Vedi, noi stavamo a New York ed eravamo
abbastanza consapevoli di ciò che stava accadendo
all'underground americano. Questa situazione la
percepivamo già dal 1993. Parlo del fatto che la gente
faceva questo tipo di musica con il solo intento di
diventare famosa. Dal canto nostro eravamo interessati
a viaggiare, divertirci e conoscere gente interessante,
provare nuove esperienze, circondarci di esperienze
artistiche. In questo senso ci sono buone ragioni anche
oggi per dar vita ad una band. Gente come Pearl Jam e
Soundgarden ha raggiunto quel livello perché era quello
che voleva, l’unica cosa che interessava loro. Esistevano
per essere delle fottute star. Il problema semmai era
quando gente con meno talento ha cercato di copiarli.
Anche a noi venne offerto un contratto major. Gli
Smashing Pumpkins volevano portarci in tour con loro.
Ma eravamo convinti che avremmo fallito come band
se avessimo accettato. Eravamo così concentrati sul
fatto di realizzare qualcosa di buono che non eravamo
interessati ai soldi”.
Per ultima cosa mi piacerebbe avere un vostro
commento sul modo in cui sono cambiate le
prospettive in ambito indipendente e su cosa è
rimasto di quell’esperienza.
M.S.: “Il significato di indie è molto cambiato nel
corso degli anni. Soprattutto dopo l'arrivo del web. Il
concetto di indie riguarda il senso di appartenenza.
Nel momento in cui tutto è diventato disponibile grazie
al web, indie e mainstream si sono mescolati. Di base
si tratta di qualcosa che è sempre esistito, mi viene
in mente la collaborazione tra Sonic Youth e Public
Enemy. Vedi, quando mi è stato chiesto di lavorare
con Rick Rubin sul disco postumo di Johnny Cash,
nel gruppo c'erano anche Tom Petty e Mike Campbell.
Mike è il prototipo del grande chitarrista rock, è una
persona squisita, ma è molto timido. Quando Rick gli ha
detto che avevo suonato con i GBV è cambiato tutto. Si
è aperto completamente. Non so esattamente che cosa
significhi, ma secondo me è un bell'esempio di come
le cose fossero mescolate all'interno del rock, già negli
anni 90”.
G.C.: “Penso che per alcuni ragazzi ancora oggi la
musica sia incredibilmente importante. Non sono
sicuro che culturalmente abbia la rilevanza che aveva
negli anni 60, 70 e 80. Se consideri solo i soldi che
vengono spesi, sicuramente vincono i videogame. Ma
non è giusto misurare il tutto in base alla popolarità.
Talvolta le cose hanno una crescita lenta, si passano
di generazione in generazione. Continuo ad avere
fiducia nel fatto che alcune cose possano filtrare
nell’immaginario collettivo anche senza avere spazio nei
media mainstream. Sono molto colpito dal modo in cui
le persone più giovani sono in grado di maturare nuove
idee (non necessariamente musicali) per conto proprio.
Sono ottimista. Non credo che siamo del tutto senza
speranza”.
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 CHE FINE HAI FATTO? LUCA TALAMAZZI
LUCA TALAMAZZI
IERI (1991 AL 2004)
“Quando entrai nei Carnival Of Fools ero
un timido ragazzo della provincia milanese
innamorato della musica. Suonavo, vivevo
coi miei, ero uno studente svogliato e
squattrinato, e tra una prova e l'altra mi
laureai in Scienze dell'Informazione. Joe mi
chiamò nei COF mentre incidevano Religious
Folk per sostituire il chitarrista e completare
le registrazioni. Gli altri lasciarono la band e
subentrammo io, Maurizio Raspante e Mox
Cristadoro. Poi arrivò il terzo album, tutto
scritto da noi: lo portammo anche in Norvegia.
Aprimmo una data di Nick Cave ma fu il canto
del cigno. Joe aveva fondato i La Crus, non
riusciva a seguire entrambi i gruppi e scelse
loro. Andai a vivere con la mia compagna
a nord di Milano. Non amo la città e vorrei
vivere in una casa nel bosco con i miei animali,
la natura è fonte di ispirazione. Faccio un
lavoro tecnologico (sviluppo codici) ma non
amo la tecnologia. Gli altri mi indussero
a cantare e completammo i Santa Sangre.
Presentammo un demo a Sonica (CPI) e
andò bene. Tante date. Stava diventando una
professione, ma era estenuante. Le tensioni
emersero quando, a metà lavorazione de
La Pelle Muta, capimmo che qualcosa non
andava nell’etichetta e alla fine uscimmo per
Desvelos. Io lavoravo in una società gestita da
un ingegnere danese, che poi sparì nel nulla e
dovetti ripartire da freelance. Lo scioglimento
fu terribilmente naturale. Facemmo una data
per promuovere l’album e fu deprimente.
Eravamo un insieme vuoto. Duro da accettare,
ma i rapporti non si sono incrinati”.
104 | RUMOREMAG.COM
OGGI (DAL 2005)
“Finita l’esperienza coi Santa Sangre feci
quello per cui avevo studiato, l'informatico.
Ora ho una stabilità, ma prima ho fatto i salti
mortali come socio di minoranza in piccole
società e come freelance. Papà diceva, ‘meglio
un informatico che lavora che un musicista
ENTRA ALLA disoccupato’. Quando ho capito che stavo
CHITARRA NEI diventando un informatico disoccupato mi
CARNIVAL OF FO- sono chiesto che cosa non andasse. Convivo
OLS NEL ’91, CON I da 20 anni con la mia compagna Lilli e
QUALI INCIDE DUE
abbiamo due figli. Dopo anni da freelance,
ALBUM, E NEL ’94,
ora faccio il programmatore in una società
QUANDO SI SCIOL-
GONO, FONDA I di software a Milano. Ho cambiato un
SANTA SANGRE paio di case, restando nella provincia, a
CON MAURIZIO nord. Pensavo che la dimensione ideale del
RASPANTE E MOX musicista non fosse quella della ‘professione’,
CRISTADORO. perché limita la libertà artistica. Ma ero
ARRUOLATI NEL ingenuo, perché il mestiere riempie la vita e
CONSORZIO se non lo farà la musica lo farà qualcos’altro.
PRODUTTORI Ho continuato a suonare per divertimento,
INDIPENDENTI un po' con altre persone/band, un po' da
PUBBLICANO DUE solo. Ho diverse registrazioni che non ho mai
ALBUM E POI, A
pubblicato. Va bene così. Altre mie grandi
FINE PERCORSO,
passioni sono il cinema e le serie TV. Leggo
TALAMAZZI DECIDE
DI DEDICARSI quando posso, scrivo male, non sono sportivo
ALL’INFORMATICA ma mi muovo in bicicletta. Mi piace anche
la politica. Sono membro del partito pirata
italiano e ho a cuore l'ambiente, la politica
è una forma di collegamento con la realtà
e uno sguardo ad alto livello su ciò che
accade. In fondo è arte. Sono perennemente
stressato. Sono anche dudeista, quella sorta
di sconclusionata religione atea nata dal film
The Big Lebowski. Mi basta poco per essere
felice, ho imparato a non prendermela”.
DI BARBARA SANTI
 GENTE SOL A (MA NON TROPPO) STORIA MINIMA DEI DISCHI DEFIL ATI
MICHAEL SHELLEY
Too Many Movies (Big Deal, 1998)
Discutere a tarda notte dell’importanza del power
pop ingoiando cibo che assimileremo senza pietà.
Progettare finalmente una bella trasmissione radio
dove poter passare quello che vogliamo, magari anche
i Feelies (anzi, soprattutto i Feelies. Perché non la
chiamiamo direttamente Crazy Rhythms?). Fare un
glorioso viaggio a New York e andare soltanto nei
negozi di dischi per comprare a un dollaro i vinili di
Marshall Crenshaw. Ripartire subito per Glasgow e
scattarsi le foto esattamente come le copertine dei 12”
dei Belle And Sebastian. Scrivere canzoni che partano
con accordi acustici e abbiano per titoli nomi di ragazze
o quantomeno dove si dica spesso “girl”. Bene, le
avete fatte o pensate tutte? Non temete, non siete i
soli. Nella nostra buona e sventurata compagnia c’è
anche Michael Shelley, songwriter power pop romantic
country folk beatlesiano newyorchese che, per capirci,
da ragazzino andava regolarmente al CBGB’s dove
si esibiva anche in solitaria, visto che la sua band del
liceo non riusciva a fissare correttamente gli accordi
di Pulling Mussels (From The Shell) degli Squeeze.
Credo che, biograficamente, non servirebbe aggiungere
nulla, ma è bene sapere che Shelley, magistralmente
definito dal magazine inglese “Q” uno che sembra
“Nick Lowe con i Replacements dietro”, ha una
buona carriera solista, condivide una band, i Cheeky
Monkey, con Francis MacDonald (Teenage Fanclub)
e disserta amabilmente di pop music ogni sabato
mattina sulla stazione WFMU, oltre che occuparsi
dell’etichetta indipendente Confidential Recordings.
Apprezzato soprattutto in Gran Bretagna, proprio alla
fonte battesimale indie di Glasgow, ha pescato Stevie
Jackson e Chris Geddes dei Belle And Sebastian per
farsi accompagnare nel suo secondo album. Che è
un microcosmo di figure femminili e amori difficili,
raccontati con il sorriso di uno che ha fatto il barman
a Brooklyn e che ricorda tanto Nick Lowe, Jonathan
Richman e il pop brianwilsoniano quanto Costello con
DI MAURIZIO BLATTO
gli Attractions. Titolo? Too Many Movies, ben esplicato
nell’autoironica title track (un Tom Petty in London,
per dire), manifesto di cuori spezzati che si illudono
di poter avere relazioni uguali a quelle che vedono
sullo schermo (e via con assolo alla George Harrison).
Concetto chiaro fin dall’iniziale ballata dolente che apre
l’album, Baby’s In A Bad Mood, dove un passaggio
come “ha fatto il bagno più lungo che abbia mai visto e
non ha nemmeno toccato la cena che le ho preparato"
spiega perfettamente come i Big Star siano la band
definitiva, ma anche perché lui sia rimasto a occhi
aperti sul sofà fino all’alba. Avanti con l’indie country
di Lisa Marie, la dolcezza Pernice Brothers di She’s Not
You (le nuove fidanzate non corrispondono mai a quelle
che hai perso) e il paisley chitarristico (Westerberg &
Wynn, sì) di Surfer Joan, peana Velvet per quelli che
si innamorano di ragazze troppo cool per loro. Nulla
da aggiungere a un titolo come You Were Made To
Break My Heart, se non che è una delizia Philly soul
cullata insieme a Laura Cantrell, e applausi pieni per il
Buddy Holly goes McCartney goes Elvis Costello della
contraccettiva The Pill. Se non fosse sufficiente, ecco
Jigsaw Girl, una che "ha ballato con uomini latini pieni
di acqua di colonia che hanno tre volte la sua età" ed
è glorificata da una grazia acustica degna del miglior
Daniel Johnston, ma anche The Girl With The Light
In Her Eyes e il suo handclappin’, o la resa romantica
assoluta di Sweet Little One sulla cui coda per Wurlitzer
e cori si potrebbe scrivere un’enciclopedia degli eroi
minori. Gloriosa esercito arrendevole di cui Michael
Shelley è un graduato riverito e rispettato. A pensarci
bene, se dovessimo fare una trasmissione radio, magari
potremmo iniziare proprio con una retrospettiva su di
lui, sperando di poter andare a New York, per prenderci
caffè e ciambella a un diner e poi andare a caccia di tutti
i suoi dischi. Ho letto che in uno fa anche una cover di
Free Again di Alex Chilton. Direi che il viaggio sarebbe
ampiamente giustificato, no?
RUMOREMAG.COM | 105
VISIONI SETTEMBRE 2020
“Stoner di tutto il mondo uniti!”
IL RE DI STATEN ISLAND
REGIA DI JUDD APATOW
USA, 2020
Judd Apatow, dietro le sue sembianze di autore che si muove sul
confine fra serialità e commedie giovanili, è in realtà uno degli
ultimissimi registi statunitensi a tenere orgogliosamente in piedi
una (anti?)tradizione che sembra offrirsi come la continuazione
diretta del cinema di Hal Ashby (la sua vocazione antiautoritaria)
e di John Landis (l’attenzione agli elementi della cultura
giovanile). Il tutto condito con un piacere irresistibile dei dialoghi
che a tratti non può non evocare il primo Bob Rafelson. Apatow
non presta nessuna attenzione alle convenzioni del cinema “ben
fatto”. Non si preoccupa della lunghezza (in questo caso siamo
quasi intorno ai 140 minuti), si abbandona completamente al
piacere delle performance dei suoi interpreti, disattende le attese
degli spettatori dilatando i tempi e tendendo allo spasimo le gag
A CURA DI GIONA A. NAZZARO
ROUBAIX, UNA LUCE
NELL’OMBRA
REGIA DI ARNAUD DESPLECHIN
FRANCIA, 2019
Un cambio di passo imprevisto
per Arnaud Desplechin che in
fondo si rivela però ancora una
volta intimamente legato alla sua
traccia autobiografica. Accolto con
qualche diffidenza e mugugno a
Cannes, il film si presenta ancora
più potente a distanza di mesi,
rinnovando la sorpresa nei confronti
di un autore in grado di rinnovarsi
con impressionante maestria e capacità d’invenzione.
Ambientato a Roubaix, città nella quale il regista è
cresciuto e dove tuttora vivono i suoi genitori, il film ricrea
un caso di cronaca nera trasformandolo in un’indagine
metafisica dostojevskiana. Come un noir scritto da George
Bernanos, Desplechin compone una riflessione dolente
sulla natura umana, sul male e sull’umanità che resiste
anche alla luce del peggiore dei crimini. Rinunciando
a tutti i luoghi comuni del poliziesco da banlieue,
Desplechin mette in scena un film che a tratti evoca
addirittura il magistero del primo Bresson, quello recante
ancora tracce del realismo poetico. Cinema volutamente
fuori dal tempo, eppure modernissimo nel suo continuare
a interrogare le ragioni del filmare. Arnaud Desplechin è
uno dei nostri compagni di viaggio più indispensabili.
GIONA A. NAZZARO
93/100
106 | RUMOREMAG.COM
(basti pensare al cameo di Action Bronson). Retto con geniale
vulnerabilità da Pete Davidson in un gioco sottilmente intrecciato
fra ironia vittimista e un’attitudine stoner post slacker, Il Re
Di Staten Island (come il monarca dei giardini di Marvin) è
soprattutto la storia un maestro di autofinzioni in cerca di una
storia cui aderire. Geniale in questo senso il motivo ritornante
dei tatuaggi fatti male, come se il film stesso cercasse la sua
dimensione tentando di sottrarsi alle forme note. A tratti Apatow
sembra dirigere il suo film come una jam session, inanellando
gioiosamente numerosi sottofinali, come se gli dispiacesse
di abbandonare protagonista e film. Il Re Di Staten Island è
davvero un eccellente film di Apatow, al pari almeno di Questi
Sono I 40. Nessuno oggi come lui è in grado di tracciare i mondi
interiori dei personaggi filmandoli “solo” mentre parlano fra loro
apparentemente ripetendo le medesime cose all’infinito.
GIONA A. NAZZARO
96/100
@GIONANAZZARO
HIGH LIFE
REGIA DI JONAS MEKAS
FRANCIA, GERMANIA, REGNO UNITO,
POLONIA, USA, 2018
Con due anni di ritardo esce finalmente
anche in Italia il film di fantascienza
più interessante e necessario degli
ultimi anni. Ambientato in una
colonia penale divisa per gender
e mansioni, il film mette in scena
una distopia sessuale che si apre
sul finale verso scenari altamente
problematici e disturbanti. Film di rara
complessità, visivamente ambizioso,
affronta audacemente i nodi più
problematici del rapporto fra corpo, erotismo e società. La
Denis ha chiaramente bene in mente le “modeste” proposte
burroughsiane su come andare a incidere alla base del
conflitto di genere e interroga frontalmente il principio di
piacere stesso (in una magnifica scena nella quale è coinvolta
una Juliette Binoche che si offre con assoluto sprezzo del
pericolo). Claire Denis oppone il desiderio residuale –
ormai privo di qualsiasi seduzione sulla quale agire – a
uno scenario compiutamente postumano, dominato da
una tecnologia ridotta a mero strumento di controllo e
misurazione della forza lavoro. Senza cedere in nessun
momento al feticismo degli effetti speciali, Claire Denis crea
con High Life un film di fantascienza che si presenta come
un documentario del futuro.
GIONA A. NAZZARO
94/100
 SIBERIA
REGIA DI ABEL FERRARA
ITALIA, GERMANIA, MESSICO, 2020
Presentato alla Berlinale un attimo
prima della pandemia, non si può
non pensare a Siberia di Abel
Ferrara come a un film oscuramente
presciente. Viaggio junghiano nella
psiche di un uomo che si trova isolato
alla fine del mondo, evidenzia sia la
straordinaria capacità di invenzione
del regista (i vari quadri s’intrecciano
l’uno nell’altro con una fluidità
ammirevole) che il suo essere a tratti
vittima di un eccesso di didascalismo (dovuto soprattutto
alla sceneggiatura del discutibile Christ Zois, parte
integrante del clan ferrariano). Il Ferrara dell’esilio romano
è sempre più un cineasta incontenibile e ancora più a cuore
aperto che in passato. Siberia è un auto da fé compiuto
coram populo nel corpo del fedele Willem Dafoe. I legami
fra Tommaso e Siberia sono infatti evidenti: come se il
regista avesse voluto letteralmente dare corpo e riflettere
sugli aspetti opposti e complementari della sua nuova
vita. Lo spettacolo che Abel Ferrara offre di sé, cineasta in
cerca del cinema e di un significato ultimo, è intimamente
cassavetesiano. Mettersi in pericolo instancabilmente è
l’unico modo di pensare – pragmaticamente (ossimoro
ferrariano ineludibile) – la sua pratica di cineasta.
GIONA A. NAZZARO
78/100
Extravisioni GLI ALTRI FILM DA NON PERDERE
CORPUS CHRISTI SULL’INFINITEZZA
REGIA DI JAN KOMASA
REGIA DI ROY
POLONIA, 2019
ANDERSSON
SVEZIA, 2019
LA CANDIDATA IDEALE
REGIA DI HAIFAA AL-MANSOUR
ARABIA SAUDITA, 2019
Divenuta suo malgrado bandiera
di un presunto cambiamento -
che tarda a venire e che per ogni
contraddittorio segnale di apertura
compie immediatamente dieci passi
indietro - dell’Arabia Saudita nei
confronti delle donne, Haifaa Al-
Mansour è oggi la voce femminile
di un cinema che in fondo non
esiste ancora. In equilibrio fra due
mondi, Occidente e Arabia Saudita,
rispetto ai suoi lavori immediatamente precedenti come
Mary Shelley – Un Amore Immortale e Dacci Un Taglio,
La Candidata Ideale si ricollega alle atmosfere de La
Bicicletta Verde. Nel riflettere le presunte trasformazioni
della società saudita la regista mette in scena un apologo
morale e politico come avrebbe potuto immaginarlo un
Martin Ritt o un Michael Apted, fatte tutte le differenze
del caso che comportano ovviamente il maggior numero
di elementi solamente suggeriti e per il resto lasciati
alla consapevolezza dello spettatore. Basti pensare alla
protagonista alla guida della sua automobile con il capo
coperto dal niqab: immagine in cui si celano infiniti
conflitti e contraddizioni. Non fosse che per il suo riaprire
discorsi che sembravano scontati, La Candidata Ideale
vale il prezzo del biglietto.
GIONA A. NAZZARO
72/100
LITTLE JOE
REGIA DI JESSICA HAUSNER
AUSTRIA, GERMANIA, REGNO UNITO, 2019
Jessica Hausner è la regista che è
riuscita a spezzare il monopolio
di Michael Haneke sul cinema
austriaco. Ogni suo film ha
segnalato un notevolissimo passo
in avanti sia nella concezione della
forma e del racconto che della sua
personalissima visione poetica.
Little Joe è un glaciale esempio
di fantabotanica nel quale la
regista incarna dei dubbi profondi
sull’oscillare dei confini fra il mondo della flora (nel senso
più ampio possibile) e quello degli umani. Inevitabilmente
si pensa agli Ultracorpi, ma il discorso della Hausner
è più sottile. Non si tratta di sostituire un ordine con
un altro o rinunciare alla nostra umanità ma molto più
semplicemente di diventare ciò che il nostro sistema
economico ci chiede da molto tempo. Questo passaggio da
un “identico” a un “più identico” è l’arco drammatico del
film nel quale l’orizzonte dell’umano residuo è messo da
parte come una desquamazione della pelle. La Hausner
è straordinaria nell’inscrivere il conflitto del suo film
nell’ambito delle attività quotidiane dei protagonisti,
come se fra i due mondi non ci fosse alcuna soluzione di
continuità. Ed è in fondo proprio questo l’elemento che
suscita maggiore inquietudine del suo film.
GIONA A. NAZZARO
84/100
NOMAD – IN
CAMMINO CON
BRUCE CHATWIN
REGIA DI WERNER
HERZOG
REGNO UNITO, 2019
EMA
REGIA DI PABLO LARRAÍN
CILE, 2019
Un film più interessante
come esperienza meramente
sensoriale che come opera
con la quale ingaggiare un
corpo a corpo intellettuale.
Larraín fiuta(va) nell’aria
l’irrequietezza che sarebbe
poi sfociata nell’inebriante
rivolta giovanile soffocata con
estrema violenza dalla polizia
cilena riscopertasi (tristissima
conferma di un sospetto mai sopito) sempre pinochetiana.
Come cercando un dialogo immediato, urgente, il
regista sembra volere comporre un vertiginoso mosaico
audiovisivo più che un racconto lineare, rinunciando a
buona parte del controllo, a tratti anche molto asfissiante,
che caratterizzava anche le sue opere più interessanti. Ne
risulta un inno al corpo femminile, ma filtrato forse un po’
troppo dallo sguardo maschile per essere convincente sino
in fondo, che vuole offrirsi come canto dell’insurrezione.
Larraín cerca con un po’ di insistenza la “bella” immagine
a tutti i costi ottenendo così un film contemporaneamente
contraddittorio e affascinante, irritante ma a tratti
schiettamente gioioso, persino sorprendente ma
anche irretito dalla sua stessa sovrastruttura. E con
qualche momento davvero memorabile. Un film quindi
paradossalmente, intimamente, di Pablo Larraín.
GIONA A. NAZZARO
72/100
RUMOREMAG.COM | 107
VISIONI SERIE TV
“Now war is declared
and battle come down”
GANGS OF LONDON
PRODUZIONE: PULSE FILMS, SISTER PICTURES, SKY STUDIOS
PIATTAFORMA: SKY ATLANTIC
Gareth Evans è un cineasta che sa fare benissimo una cosa:
filmare micidiali combattimenti corpo a corpo che permettono
allo spettatore di avvertire ogni colpo e ogni coltellata. Possiede
inoltre un notevolissimo senso dello spazio e della coreografia,
l’unico (con Chad Stahelski) ad aver compreso la lezione di
Yuen Woo-ping e delle magnifiche coreografie degli anni
d’oro di Hong Kong. Dopo il dittico The Raid e il controverso
Apostolo (disponibile su Netflix), Evans si sposta nel cuore
della Londra pre Brexit e crea una sinfonia di morte e violenza
che a tratti lascia sinceramente esterrefatti per la sua brutalità.
Quasi intoccabile quando si tratta di mettere in scena gente
che si picchia, il regista necessiterebbe invece di qualche corso
di ripetizione in materia di drammaturgia e costruzione dei
ALTERED CARBON
PRODUZIONE: SKYDANCE MEDIA,
MYTHOLOGY ENTERTAINMENT
PIATTAFORMA: NETFLIX
"Come faccio a sapere chi sei davvero?
Prima delle pile sì, una faccia era una
faccia, ma adesso può essere chiun-
que". In un 2384 pieno di megalopoli
di vetro e acciaio sferzate da pioggia
battente (riferimento a Blade Runner
più che dichiarato), il genere umano
ha inventato la vita eterna grazie
alle "pile": piccoli dischi di metallo
impiantati nel midollo spinale che
immagazzinano ricordi e coscienza e che, alla morte del
corpo fisico, consentono di trasferire la mente (l'anima?)
dei singoli in altre "custodie", naturali o sintetiche. La
coscienza di Takeshi Kovacs, rivoluzionario sconfitto
che ha provato a opporsi al sistema due secoli prima, è
sottratta alla stasi della carcerazione virtuale e riassegnata
a una nuova custodia (il corpo massiccio di Joel Kinnaman
nella prima stagione, quello tagliente di Anthony Mackie
nella seconda). La serie creata da Laeta Kalogridis e tratta
dall'omonima trilogia del britannico Richard Morgan taglia
corto sulle implicazioni cyberpunk e mette in piedi uno
spettacolo visivamente sontuoso, mix di azione estrema
e trama hard boiled. Godibile come una chiassata dello
Schwarzenegger di Total Recall, lontano dalle profondità
perturbanti di Black Mirror.
CLAUDIA BONADONNA
64/100
108 | RUMOREMAG.COM
personaggi. Attingendo alle dinamiche familiari in stile Sopranos,
pescando disinvoltamente dal teatro elisabettiano, e giocando
addirittura con i codici delle soap (personaggi che non muoiono
e tornano sino all’ultimo), Evans mette in scena una lotta per
il potere economico spietatissima. Un elemento decisamente
controverso è il ritratto dell’aspirante sindaco della City, Nasir
Afridi (interpretato da Parth Thakerar), di origine indiana, figlio
di uno spietato narcotrafficante, che pare un riferimento obliquo
a Sadiq Khan, l’attuale primo cittadino di Londra. Una polemica
indiretta sul suo cosiddetto fallimento nel ridurre i crimini delle
gang? O alla politica dell’affordable housing che per gli avversari
non è riuscito ad affermare? Se di queste faccende non vi importa
nulla e l’ultraviolenza è la vostra tazza di tè allora Gangs Of
London fa al caso vostro. Tutti gli altri magari chiederanno a
Gareth Evans di dotarsi anche di uno sceneggiatore in vista della
seconda stagione.
GIONA A. NAZZARO
74/100
BABYLON BERLIN
PRODUZIONE: X-FILME CREATIVE
POOL, DEGETO FILM, SKY DEUT-
SCHLAND E BETA FILM
PIATTAFORMA: SKY ATLANTIC
Berlino nel 1929 è una metropoli
bagnata dalla pioggia, illuminata
da luci livide e cromatismi squisita-
mente vintage. La città è viva, il suo
cuore pulsante è popolato da uomi-
ni avvolti da pastrani e borsalino a
falda stretta, e l’atmosfera è quella
dell’algido noir di odiosi delitti
irrisolti. I germi del nazionalso-
cialismo iniziano a erodere dalle fondamenta gli ideali di
libertà e il fermento artistico e culturale della Repubblica
di Weimar; i volti, sfuggenti e aguzzi, sembrano emergere
dalle tele di Otto Dix e George Grosz. Così si apre la terza
stagione di Babylon Berlin, la serie che trae spunto dagli
scritti, in sette volumi, di Volker Kutscher. Riprendono le
indagini del commissario Rath (Volker Bruch) e di Char-
lotte (Liv Lisa Fries), ex prostituta arruolata fra le forze
dell'ordine. Questa volta il cinema è il teatro in cui avviene
il nuovo delitto su cui Rath e Charlotte sono chiamati ad
indagare, un’attrice brutalmente uccisa sul set. Nell’av-
vicendarsi degli episodi, si snodano le storie personali di
una moltitudine di personaggi, forse troppi, e sullo sfondo
incombe il destino della Germania sul finire degli anni 20,
impreparata alle inimmaginabili catastrofi future.
MARIANGELA SANSONE
72/100

VISIONI ESPANSE
Cineobituary
JO HN SAXON
19 3 5 – 2020
John Saxon (all’anagrafe Carmen Orrico), figlio degli italianissimi Antonio Orrico e
Anna Protettore, viene scoperto giovanissimo e trascinato a Hollywood per rimpinguare
le fila dei giovanotti di belle speranze destinati a far impazzire le fanciulle. Dietro le
fattezze di uno degli uomini più belli di sempre si cela un attore di grandissimo talento.
Se ne accorgono registi come George Cukor (La Ragazza Del Secolo, È Nata Una Stella),
Vincente Minnelli (Come Sposare Una Figlia), Frank Borzage (Il Grande Pescatore),
Blake Edwards (La Tentazione Del Signor Smith), John Huston (Gli Inesorabili), Otto
Preminger (Il Cardinale). Per la sua interpretazione nel western di Sidney J. Furie
A Sud-ovest Di Sonora vince un Golden Globe nel 1966. Saxon (il nome di Orrico fu
cambiato dal talent Henry Wilson) diventa nel tempo una presenza fissa nel cinema di
genere italiano e statunitense. Film proverbiali come I 3 Dell’Operazione Drago al fianco
di Bruce Lee o Nightmare – Dal Profondo Della Notte cementano la sua reputazione
d’interprete di culto. Senza contare i numerosi film interpretati in Italia come Napoli
Violenta, Il Cinico, l’Infame, Il Violento (entrambi di Umberto Lenzi), Apocalypse
Domani (di Margheriti), La Legge Violenta Della Squadra Anticrimine, Mark Colpisce
Ancora (di Stelvio Massi). John Saxon. Una leggenda per sempre.
GIONA A. NAZZARO
THE MARY WILLINGTON
MOVIE COLLECTION
D E L ME S E SCREENBOUND PICTURES
Chi era Mary Millington e perché si parla
ancora di lei? Starlette britannica, è l’epitome
del cinema sexy albionico sul declinare degli
anni 70. Per molto tempo la sua vita è stata
avvolta da leggende. Ora questo superbo
cofanetto presenta l’opera omnia dell’attrice,
un documentario, un libro e una quantità
davvero impressionante di extra. Fra questi
figura anche un’ampia selezione di super8
softcore (per i materiali hard probabilmente ci
saranno state troppe obiezioni di ordine legale
e riguardanti i diritti…) e numerosi materiali
davvero mai visti. Se è vero che le storie ufficiali
non sono interessanti senza opportune note a
piè di pagina, questo cofanetto dedicato a Mary
Millington non può non soddisfare tutti gli
appassionati di minuzie cinematografiche e gli
anglofili più radicali. In casi come questo è la
presentazione stessa della confezione e la cura
filologica dell’operazione di restauro e riscattare
la qualità dei film che sono, in fondo, nient’altro
che l’equivalente delle commedie sexy nostrane.
Niente che possa ambire a cambiare il corso
della storia del cinema, ma questo cofanetto
è un modello di come andrebbero recuperati i
film dimenticati del passato.
GIONA A. NAZZARO
82/100
Musica
per gli occhi
THE WEEKND
SNOWCHILD
REGIA: ARTHELL ISOM
LABEL: UMG
La saga di The Weeknd non si ferma.
Snowchild è il nuovo video (una volta
si sarebbe detto singolo ma questa
fornisce solo sospetti anagrafici
sull’estensore di queste note…) tratto
da After Hours e segue Blinding
Lights, Heartless, In Your Eyes,
Until I Bleed Out e l’omonimo mini
film che ha lanciato l’album. Il video,
realizzato dallo studio D’ART Shtajio,
la prima compagnia d’animazione
nipponica interamente di proprietà
afroamericana e diretto da Arthell
Isom, si presenta come un viaggio
nella biografia di Abel Tesfaye. Dalle
origini canadesi, testimoniate dalla
sua magnifica Trilogy, per ascendere
all’iperuranio del superstardom con
Starboy e giungere così all’ultima
camaleontica trasformazione di After
Hours. Intrecciando riferimenti
cinematografici diversissimi fra loro
come Matrix, Ghost In The Shell,
Underworld e Il Bacio Della Pantera,
The Weeknd, attraverso un name
dropping importante nel quale cita
Dizzy Gillespie (“blowing smoke had
me dizzy like Gillespie”), un double
entendre non proprio sottile su P. K.
Dick (“futuristic sex give her Philip
K. Dick”), omaggiando Dirty Dancing
(“all my diamonds dancing like they
Swayze”) paragonando il suo status con
Jay Z (“now I’m in Tribeca like I’m Jay-
Z”), si cuce addosso una success story
e una mitologia. Le immagini del clip
trascolorano le une nelle altre come una
serie di dissolvenze incrociate infinite.
The Weeknd si proietta sullo spettro
offerto dalle possibilità di messinscena
contemporanea per cercare di dare
corpo a un’immagine allo stesso
tempo pienissima, totalizzante, ed
evanescente, inafferrabile. I più severi,
ovviamente, saranno confermati nella
loro convinzione che Tesfaye non stia
facendo altro che ripetere all’infinito le
intuizioni degli esordi, eppure non si
può che seguire affascinati le mutazioni
della sua persona pubblica.
GIONA A. NAZZARO
RUMOREMAG.COM | 109
 LETTURE SETTEMBRE 2020
EDDY CILÌA
VENERATO MAESTRO OPPURE
PERCORSI NEL ROCK 1994- 2015
AUTOPRODUZIONE/AMAZON
L’autore non lo sa (e forse neppure gli
interessa) ma sono un suo fan da sempre. O
almeno da quando seguo le riviste musicali.
Perché nei suoi articoli, nelle sue recensioni,
nelle sue monografie, non c’è mai stato solo
il racconto della musica, ma la riflessione
sulla musica. Qualsiasi artista fosse, in quel
momento, protagonista. La storia di Eddy
Cilìa, classe 1961, è simile a quella di chi ha
deciso (con una mossa pressoché suicida) di
consacrare la propria anima alla narrazione
della musica, all’arte, alla letteratura e a tutto
ciò che gravita intorno, con sacrifici (infiniti)
dedizione (costante) intensità (incalcolabile)
e soddisfazioni (poche). La sua penna però è
sempre stata diversa da quella degli altri. Il
viaggio in alcuni dei suoi tanti scritti, a partire
dal 1994 e quindi 11 anni dopo il suo debutto
per il “Mucchio Selvaggio” (1983!) rende
immediatamente idea e merito a una persona
che ha fatto dell’analisi, incastonata in una
scrittura vivace e sempre arguta, il suo punto
di forza. Venerato Maestro Oppure: Percorsi
Nel Rock 1994-2015 è un viaggio in oltre 20
anni di musica. Un viaggio fatto di articoli,
piccole retrospettive, brevi monografie,
percorsi nel profondo degli artisti. Scritti
con vena pungente e sempre estremamente
moderna. Cito a memoria una lucida e spietata
analisi sulla carriera di Bowie, dagli anni 80
in poi, scomoda ma veritiera, controcorrente
e da applaudire, non solo per il coraggio,
ma per la lucida visione (detto per inciso:
nel sottolineare la pochezza delle scelte pop
eighties di Bowie, Eddy aveva perfettamente
ragione). Per questo Venerato Maestro
Oppure è, ad oggi, uno dei migliori testi di
critica musicale circolati in questo paese.
Proprio perché è ciò che dovrebbe essere la
critica musicale: stimolo, riflessione, a volte
provocazione. Ciò che la critica musicale (in
generale) non è più da un pezzo.
MARIO RUGGERI
90/100
110 | RUMOREMAG.COM
AA.VV.
ARABPOP
MIMESIS
Dal rap all'indie all'electro shaabi. Il mondo musicale
raccontato dalla rivista elettronica “Ma3azef”, ideata
e gestita dal musicista e scrittore giordano Maan Abu
Taleb, sorprende per vivacità di scenari. L'antologia a
fumetti libanese Samandal ha messo in scena, un anno
dopo l'altro dal 2007 a oggi, la resistenza culturale oltre la
guerra civile. Rebus, calligraffiti e gli strabilianti trompe-
l’oeil che hanno reso invisibili i blocchi di cemento intorno
a Piazza Tahrir (in seguito alla campagna Mafish Gidar,
Non ci sono muri, lanciata dallo street artist egiziano El
Teneen nel 2012) testimoniano una fantasia indomita e ingegnosa contro
le maglie della censura. Sotto la spessa coltre dello stereotipo islamico che
avviluppa il mondo arabo, c'è un universo brulicante di stimoli e rivoluzioni,
un movimento di libertà oltre le appartenenze politiche, religiose e di genere.
Questo volumetto in progress rende ragione a tutte le forme d'arte nate dalle
Primavere arabe e penetrate come un fiume carsico nella società civile. "Pop
non solo in quanto espressione dal basso”, dice Chiara Comito, curatrice del
volume insieme a Silvia Moresi, “ma anche in quanto esperienza artistica che
si apre al mondo e diventa prodotto di consumo alla portata di tutti".
CLAUDIA BONADONNA
71/100
FEDERICO GUGLIELMI
NO CONTROL - STORIE DI HARDCORE PUNK CALIFORNIANO
TSUNAMI EDIZIONI
Non è solo una delle firme storiche del rock del nostro
paese, ma anche prime mover e tutore della storia del
punk: forse il vertice nella diffusione del genere nel
nostro paese. Non è un caso che proprio lui sia stato il
primo giornalista europeo a recensire i Bad Religion.
Simbolicamente, padri del punk americano degli anni
80 (e non solo). No Control. Storie Di Hardcore Punk
Californiano. Un genere che ha cambiato le coordinate
della musica (e della cultura) americana, e la cui onda
lunga ha generato poi l’epopea del punk degli anni
90. Quello che ha reso milionaria l’avventura della Epitaph. Nasceva tutto
lì: tra Adolescents e Circle Jerks. Tra San Francisco e Orange County.
Tra Descendents e Social Distortions. Federico Guglielmi riporta tutto in
strada. Non scrive una storia di genere: lascia che il genere parli, attraverso
decine, centinaia d’interviste raccolte nel corso della sua vita da giornalista.
L’affresco di No Control è meraviglioso: è la storia orale di uno dei fermenti
più significativi mai apparsi nella storia musicale d’oltreoceano. Talmente
dirompente da aver condizionato almeno 20 anni di musica rock. Una storia
di cui innamorarsi, grazie alla guida di un fan (prima), diventato poi punta di
diamante del nostro giornalismo.
MARIO RUGGERI
85/100
MASSIMO PALMA
NICO E LE MAREE
CASTELVECCHI
La voce cupa e marziale di All Tomorrow's Parties. Lo
sguardo enigmatico che seduce e trattiene demoni. Una
bellezza dalla "mistica inaccessibile", scriverà Gerard
Malanga, innocente e spontanea su pellicola (tra le
braccia vogliose di Fellini, sotto gli occhi crudeli di
Andy Warhol, infine libera col giovanissimo vagabondo
Philippe Garrel), "macabra, quasi mortuaria, sul
palcoscenico". La sacerdotessa delle tenebre. Un
dagherrotipo sfocato e soavemente orrifico. Un fantasma
di passaggio nella storia di altri musicisti: Lou Reed
e John Cale, compagni e nemici, come in fondo tutti gli uomini della sua
vita, Leonard Cohen, che canterà il desiderio mai consumato per lei in Take
This Longing, Jim Morrison "fratello di sangue", Bob Dylan, Jimi Hendrix,
Iggy Pop... "Di cosa parliamo, davvero, quando parliamo di Nico?", si
chiede Massimo Palma. La sua biografia/romanzo sceglie alcuni fatti storici
(l'adolescenza difficile nella Berlino del dopoguerra, la fuga a New York, la
morte banale a Ibiza dopo una vita accelerata piena di eccessi e ripartenze)
e procede poi per suggestioni ondivaghe. Un racconto poetico e sfuggente
come la sua protagonista.
CLAUDIA BONADONNA
69/100
 LETTURE EXTRA SETTEMBRE 2020
CASEY RAE
WILLIAM S. BURROUGHS
E IL CULTO DEL ROCK’N’ROLL
JIMENEZ
Paradossalmente William S. Burroughs è uno
scrittore ancora “segreto”. Dietro la sua aura
da santone sulfureo della controcultura si cela
infatti uno scrittore complesso la cui percezione
critica e pubblica è divisa rigorosamente fra
accademia, dove le sue opere sono sezionate
in nome dello strutturalismo, linguistica o
semiotica ecc., mentre nel demi monde della
“controcultura” si celebra il tossicodipendente
in odore di uxoricidio chiuso nel suo bunker
nel quale riceveva le visite di Lou Reed,
Mick Jagger, David Bowie, Patti Smith e via
discorrendo. Il volume di Casey Rae, tradotto
ottimamente da Alessandro Besselva Averame,
ha il merito di contestualizzare i numerosi
momenti nei quali la vita di Burroughs si è
intersecata con il mondo del rock. Che l’opera
dell’autore de Il Pasto Nudo abbia fornito
numerosi spunti a band che poi hanno lasciato
il segno – dagli Steely Dan ai Soft Machine
(per citare solo i casi più eclatanti) – non è
certo un segreto. Probabilmente è a causa delle
affinità elettive fra il mondo di Burroughs e
quello della nascente scena punk della New
York della metà degli anni 70 che il nome dello
scrittore, appannatosi in quel periodo, ritorna
a suscitare interesse. Questa prossimità
estetica e sentimentale si rivela una rinascita
per Burroughs (basti pensare anche alle
collaborazioni con Bill Laswell e i Disposable
Heroes Of Hiphoprisy). Probabilmente
nulla spiega meglio l’importanza rivestita da
Burroughs per il rock dell’adorazione di Kurt
Cobain. Insieme i due realizzano un disco
(The Priest They Called Him) che nel tempo
diventerà un oggetto da collezione. Il volume
di Casey Rae mette ordine fra leggende, miti
e imprecisioni, traccia una mappa attendibile
delle frequentazioni fra Burroughs e rockstar
assortite, snocciola qualche aneddoto
divertente e ci offre un ritratto di una New
York che seppure distante da noi solo qualche
decennio sembra essere sepolta dalla sabbia
dei secoli.
GIONA A. NAZZARO
79/100
JEREMY HEIMANS, HENRY TIMMS
NEW POWER. L’ARTE DEL POTERE NEL XXI SECOLO
EINAUDI
"Il futuro è una battaglia per la mobilitazione!". Jeremy
Heimans e Henry Timms sono due attivisti che non ti aspetti.
Il primo ha fondato Purpose, un’organizzazione specializzata
nel costruire e supportare i movimenti sociali in tutto il
mondo; il secondo gestisce 92nd Street Y, una "comunità
culturale" che sviluppa progetti benefici in quasi 100 paesi.
Uno è stato definito l'uomo più creativo del mondo degli
affari; l'altro ha inventato il #GivingTuesday, la giornata
internazionale della filantropia, in risposta al più capitalistico
Black Friday. Heimans e Timms sono giovani manager
iperconnessi capaci di ipnotizzare milioni di spettatori con
le loro TED Talks. Heimans e Timms sono incarnazioni del New Power. Ovvero
il potere (politico, sociale, economico) figlio della rivoluzione digitale: aperto,
partecipativo, decentralizzato, trasparente, che non ha paura di sfruttare il
crowdsourcing e le campagne social (chi ricorda la Ice Bucket Challenge?). Che
è perfettamente consapevole delle degenerazioni incontrollate della Rete (c'è
una bella disquisizione sulla "macchina dell'intensità" della destra alternativa
americana), ma che è anche in grado di usare ogni potenzialità del mezzo. Che è
pop, informato e ideologicamente disinvolto. In una parola millennial.
CLAUDIA BONADONNA
79/100
JARETT KOBEK
OGGI È GIÀ DOMANI
FAZI
"Oh New York, la tua magnifica gente! I tuoi portoricani,
i tuoi ebrei, i tuoi musulmani… la tua spazzatura
europea, quello stronzetto ciccione di Norman Mailer…
Anche i brutti erano bellissimi! Oh, ero in paradiso!".
Baby, un adolescente con problemi di identità sessuale
scappato dall'asfittico Wisconsin, e Adeline, una ventenne
punk che ambisce a diventare fumettista, s'incontrano nel
crogiolo magnificamente ribollente della Grande Mela un
attimo prima che l'AIDS distrugga ogni sfavillio residuo
degli anni 80. Il carosello di squatter, festaioli, tossici e
celebrità in cui si imbarcano è meraviglioso e terribile allo stesso tempo: un
rutilante tritacarne sociale travestito da serate in discoteca e party letterari
(in uno dei quali si esibisce anche una versione particolarmente ubriaca e
incolore di Bret Easton Ellis). Le voci narranti di Baby e Adeline (già visti nel
folgorante esordio di Io Odio Internet, del quale questo romanzo è una sorta
di prequel) si alternano in una trama piena di afflati di gloria ed effettivo
marciume. E Kobek è davvero abile e smaliziato nel mantenere l'equilibrio
tra disprezzo e nostalgia in quest'ode vivida a un decennio e a una città.
CLAUDIA BONADONNA
76/100
PAUL LYNCH
GRACE
66THAND2ND
Giovane, bello, con una voce originale e la sacra missione
di risollevare le sorti della narrativa irlandese dopo i fasti
degli anni 90. Paul Lynch da Limerick, classe 1977, è
precipitevolissimevolmente assurto alle cronache letterarie
nel 2017 con Cielo Rosso Al Mattino e fatto incetta di premi
in giro per l'Europa col successivo Neve Nera, due romanzi
dalla lingua sontuosa e straziante con cui ha portato in
scena il passato remoto del suo paese. "Quando racconti la
contemporaneità”, dice “c’è un sacco di rumore di fondo da
filtrare, eventi della realtà che limitano la tua libertà come
autore e che puoi eliminare del tutto collocando la storia
in un’altra epoca, dedicandoti solo a personaggi e ambiente". Grace è l’ultimo
volume di quella che lui stesso ha definito "trilogia irlandese": un po' romanzo
di formazione, un po' novella picaresca, un po' affresco storico della Grande
Carestia che ha infestato l'isola di smeraldo tra il 1845 e il 1849. Si ride e si piange
con le vicende di questa ragazzina di strada che si finge maschio e sopravvive con
delicata arguzia alla crudezza dei tempi. Un afflato che mescola l'inesorabilità
apocalittica di Cormac McCarthy al lirismo rurale di Seamus Heaney.
CLAUDIA BONADONNA
71/100
RUMOREMAG.COM | 111
 FUMETTI SETTEMBRE 2020
ANDRÀ TUTTO BENE
DI LEO ORTOLANI
FELTRINELLI COMICS
Il formato del libro evoca quello del Libretto
Rosso di Mao. Come si conviene a un “diario
dalla zona rossa” che racconta giorno per
giorno lockdown e pandemia. “Ero pronto a
tutto”, racconta Ortolani nell’introduzione.
“Ma una pandemia, non ero mica pronto.
E quando non sono pronto, l’unico modo
che ho per affrontare le cose è disegnarle.
Raccontare a fumetti. Ho iniziato per gioco,
è diventato un appuntamento quotidiano.
Ogni giorno ho realizzato una striscia
sull’emergenza da Covid-19. Ogni giorno
ho cercato di fare sorridere i lettori, come
se la striscia fosse una pillola di zucchero
per togliersi di bocca il sapore di tragedia”.
E nonostante il sorriso affiori sempre sulle
labbra del lettore, il ricordo dei giorni
della pandemia vive con una precisione
documentaria che tutti gli improvvisati
esperti che hanno messo a durissima prova
la nostra pazienza non possono nemmeno
lontanamente immaginare. Le strisce
s’intrecciano una nell’altra andando a
comporre un magnifico romanzo umoristico
per immagini. Il filo dei pensieri di Ortolani,
la sua sferzante ironia autocritica, affronta la
riluttanza ad accettare i cambiamenti nella
gestione della vita quotidiana e, attraverso
il filtro dell’immaginario collettivo, gioca
con le paure più profonde. Attraverso uno
scetticismo illuminato e sarcastico prende
di mira l’idiozia dei No Vax e la strisciante
xenofobia che affiora anche nei discorsi “di
sinistra”. Ogni pagina presenta un’intuizione
o una gag memorabile, e già questo è un
risultato eccezionale, senza mai un calo
di tensione o di invenzione. Considerato
la piaga dei tuttologi che imperversa
implacabile e in attesa del vaccino anti Covid-
19 possiamo provare ad autovaccinarci con
questo distillato di intelligenza che invita a
una maggiore consapevolezza critica e civile.
GIONA A. NAZZARO
91/100
112 | RUMOREMAG.COM
IL NUOVO MONDO
DI ALEŠ KOT, TRADD MOORE, HEATHER MOORE
SALDAPRESS
“Il vero amore è imporre la volontà dello stato per il
beneficio di molti. Il vero amore è consentire a molti
di beneficiare dell’abuso di pochi”. Il Nuovo Mondo
è una sorpresa. Se tratti della sottotraccia politica
sembrano rielaborare temi apparsi nella saga di
Martha Washington e in alcuni passaggi di Watchmen,
l’organizzazione visiva di questa nuova guerra civile
americana è portentosa. Rielaborando afrofuturismo,
estetica manga, (p)op-art, colori piattamente squillanti
e una organizzazione delle tavole sempre sorprendente, Il Nuovo Mondo è
una lettura irresistibile. Nelle fisionomie di alcuni personaggi si possono
notare omaggi a George Miller, il regista di Mad Max – Fury Road (il
produttore televisivo) o a Lemmy (il padre di Kirby). Ogni pagina si presta
a essere esplorata ripetutamente per coglierne tutti i dettagli possibili.
E purtroppo, alla luce di quel che accade nell’America trumpiana (e nel
resto del mondo), lo scenario creato da Kot, Moore e Moore è tutt’altro che
implausibile.
GIONA A. NAZZARO
89/100
ZORA LA VAMPIRA
DI BIRAGO BOLZANO, RUBINO VENTURA
(GIUSEPPE PEDERIALI)
EDITORIALE COSMO
L’Editoriale Cosmo è una delle realtà fumettistiche
italiane più “militanti”. Curate filologicamente, le
pubblicazioni intrecciano gusto popolare e ricerca della
qualità. Nella collana I Classici Dell’Erotismo, la Cosmo
ripropone le gesta di alcune delle eroine più amate
della Edifumetto, la casa editrice di fumetti per adulti
di Renzo Barbieri, inaugurando le danze con Zora La
Vampira. Tratto rapido (approssimativo?), testi ridotti all’osso e irruenza
da romanzo d’appendice: se da un lato è interessante osservare attraverso
la lente della filologia e del tempo questi prodotti commerciali che all’epoca
cavalcavano con sfacciata spudoratezza il desiderio di liberazione sessuale
di un Italia profondamente cattolica e democristiana, dall’altro non si può
non notare che dietro il divertimento ribaldo si cela(va) un mestiere scaltro
il cui obiettivo era soddisfare il lettore avido di dettagli ginecologici. Forse
oggi nella nostalgia per Zora cova anche quella per un’altra Italia, sempre
cialtrona ma (forse) un tantino migliore.
GIONA A. NAZZARO
63/100
AI CONFINI DELLA REALTÀ
LA VITA DI ROD SERLING
DI KOREN SHADMI
EDIZIONI BD
Rod Serling: un nome un universo. E le note di una
sigla proverbiale. Ai Confini Della Realtà. Una “certa
idea di televisione statunitense” al suo meglio. Il
magnifico libro di Koren Shadmi ripercorre la vita di
Serling intrecciandola inestricabilmente con alcuni
degli episodi più proverbiali della serie, confondendo
volutamente i margini fra finzione e realtà. In questo
modo Serling diventa un personaggio di Ai Confini
Della Realtà e si trova a muoversi in quella zona dove la sospensione
dell’incredulità è condizione primaria. Il racconto si muove su più livelli
contemporaneamente: quello autobiografico, pieno di notazioni sulla
televisione dell’epoca, il contesto storico nel quale la serie vede la luce e
ovviamente dettagli desunti dai singoli episodi. Il virtuosismo mai fine a sé
stesso con il quale Shadmi si muove fra questi piani è degno di ammirazione
e non va mai a discapito del racconto, che avvince implacabilmente. Anche
coloro che ignorano tutto di Serling saranno conquistati.
GIONA A. NAZZARO
86/100
F U M E T T I P O S T E R-I D I A L E S S A N D R O B A R O N C I A N I E A L E S S A N D R O B E S S E LVA AV E R A M E

RUMOREMAG.COM | 113

BANDALARGA CORPO A CORPO
CORPO
A CORPO
Attenzione: questo articolo
descrive modi di pensare sbagliati
e suggerisce logiche talvolta
controproducenti.
Non provateci a casa.
Nel dover periodicamente scegliere
i politici che comporranno il
parlamento, alcuni dei quali poi
governeranno per degli anni, ci
sono dei parametri ovvi, altri
di recente adozione e qualcuno
completamente irrazionale. Tra i
primi direi certamente le idee, le
proposte politiche, lo schieramento
nel quale si collocano, le battaglie
politiche e sociali che hanno portato
avanti, e via dicendo. Sovente
insieme all'interesse personale: se
sono un commerciante e un certo
partito propone delle leggi a me
favorevoli, è certamente un punto a
favore. Tra quelli di più recenti c'è
il carisma del leader, un modello
reintrodotto in Italia da Berlusconi;
c'erano stati altri leader carismatici
(come Berlinguer), ma non si
sono mai affidati solo a quello, e
forse per questo non hanno mai
governato davvero. Oggi invece è un
aspetto apparentemente decisivo.
Così come la radicalità di certe
proposte, o la promessa di fare
"quello che vuole il popolo", che a
pensarci bene non è un'idea così
brillante, ma oggi fa grande presa
sugli elettori. Naturalmente è anche
importantissimo l'uso che i politici
fanno dei nuovi media, non solo per
accreditarsi verso gli elettori ma per
114 | RUMOREMAG.COM
screditare gli avversari - uno sport
pure di recente adozione, purtroppo
molto popolare.
Io però non riesco a sfuggire a
un sentimento irrazionale che
mi tormenta da molti anni, che
magari non influenza il mio voto
ma sicuramente gioca un ruolo
importante. Non è una cosa di cui
mi vanto, anzi potete considerare
questo articolo come una
confessione di colpevolezza. Nel
giudicare i politici, oltre a quello
che dicono, mi concentro sempre
molto sul come lo dicono, come
sono vestiti, come si rivolgono a me
attraverso i media. Osservo come
muovono le mani, come fumano,
cosa tengono nelle tasche, come
portano i capelli, come parlano.
Anni fa mi trovavo a Roma e ho
passato una mezz'oretta a pedinare
Ignazio La Russa da lontano,
ammirandone la falcata (puro
spaghetti western), il modo di
muoversi, di telefonare, di parlare
con gli altri, di abitare il cappotto.
Quando guardo Renzi mi chiedo chi
gli abbia stirato la camicia, scelto
quel taglio di capelli o preparato il
caffè quella mattina. Qualcuno mi
spaventa: sogno Franceschini alla
riunione di condominio mentre
dice che dal mio balcone sgocciola
sul suo, o Santanchè che si lamenta
della musica alta. Rimango chiuso
18 ore in ascensore con Toninelli,
poi tampono Brunetta, quindi faccio
naufragio con Attilio Fontana e
A CURA DI
S ERG IO MES S IN A
letto ri@sergio m essina . c om
infine divento dirimpettaio di Paola
Taverna, che la mattina canta gli
stornelli a voce alta.
Mi immagino la signora Maria
Elisabetta Alberti Casellati alle
prese con la bustaia, o quando
scopre che il suo dog sitter è
gay. Luigi Di Maio mentre valuta
diversi tipi di prugne secche al
supermercato. Insomma non riesco
a prescindere dal considerare il
modo in cui occupano lo spazio,
come interagiscono con il mondo,
"chi sono" non dico personalmente,
ma come sono nel proprio spazio
sociale, come si pongono verso chi
li ascolta, cosa intendono dirmi con
un certo linguaggio corporeo o un
tipo di vestiario (poco, di solito: in
questo Salvini rimane insuperato).
Insomma, alla fine mi ritrovo a
chiedermi: con chi preferirei passare
un'estate, Fratoianni o Berlusconi?
Quale dei candidati sceglierei come
compagno di sbronze, Gelmini o
Casini? Dovendo fare l'America
coast to coast in macchina starei
meglio con Casalino o con la Raggi?
Capisco perfettamente che non sia
un parametro sensato; sicuramente
non per una scelta politicamente
responsabile. Però non riesco a
togliermi dalla testa la possibilità
di trovarmi seduto a fianco di
Vincenzo De Luca in un volo diretto
per l'Australia: non credo che
sopravviverei, perfino se avesse
ottime idee.
OWEN PALLETT
Island
Il nuovo album del compositore
e cantautore nominato agli Oscar.
Disponibile ora in Digitale
PROTOMARTYR
Ultimate Success Today
Il nuovo album, prodotto insieme
a David Tolomei (Dirty Projectors,
Beach House)
Disponbile ora in LP, CD e Digitale
ALL WE ARE
Providence
Torna la band di Liverpool
con un nuovo disco.
Disponibile ora in LP, CD e Digitale
ALEX IZENBERG
Caravan Château
Il secondo, bellissimo, album
del cantautore losangelino.
Disponibile ora in LP, CD e Digitale
dominomusic.com