N° 318/319 | BIMESTRALE - LUGLIO/AGOSTO 2018 | PRIMA IMMISSIONE 28/06/2018 | EURO 8,50

JOHNNY MARR ANCIENT LIGHTS DEAFHEAVEN ZU93 A$AP ROCKY FATUR

KANYE WEST THE CELIBATE RIFLES THE BEACH BOYS SPECIALE CANNES 71

IL LUNGO ADDIO
RIVIERA
MALINCONICA

RETROPOLIS
THIN WHITE ROPE

OLTRE 320 RECENSIONI

TRA DISCHI, LIBRI
FILM E FUMETTI

KAMASI
WASHINGTON
BLACK AMERICA TRA PASSATO E FUTURO

TUTTA LA MUSICA DI CUI HAI BISOGNO

POSTE ITALIANE SPA - SPED. IN A.P. - D.L. 353/2003 (CONV. IN L. 27/02/2004 N.46) ART. 1, COMM A 1, NO / TORINO - ISSN 1591-4062 - N.7 ANNO 2018
 SIREN
FESTIVAL
2 6 • 2 9 J U LY | VA S TO • I TA LY

PUBLIC IMAGE LTD (P.i.L.)

COSMO • SLOWDIVE
2MANYDJS (DJ SET) • dEUS
LALI PUNA • MOUSE ON MARS
BUD SPENCER BLUES EXPLOSION
COLAPESCE • RYLEY WALKER • TOY
RODRIGO AMARANTE • NEIL HALSTEAD
IVREATRONIC • AMARI • M¥SS KETA
THE RAINBAND • ANNABEL ALLUM
SPIELBERGS • MÈSA
GERMANÒ • VANARIN

B. • BIANCO • BLACK SNAKE MOAN

DADAMATTO • FRANCESCO DE LEO
DORSO • LAAGO • LORENZO BTW
FITNESS FOREVER • SACRAMENTO
MARGHERITA VICARIO • VERANO
THE ZEPHYR BONES

I N FO & T I C K E T S : W W W . S I R E N F E S T . C O M
MADLIB dj ∙ FLOATING POINTS dj [4h set] ∙ BEN UFO ∙ EGYPTIAN LOVER ∙ MARCELLUS PITTMAN
DEGO & KAIDI live ∙ SADAR BAHAR & LEE COLLINS: SOUL IN THE HOLE ∙ GE-OLOGY
VOLCOV presents FROM THE ARCHIVE [4h set] ∙ BRADLEY ZERO ∙ LTJ XPERIENCE
NU GUINEA live/dj ∙ JOLLY MARE dj [4h set] ∙ PATRICK GIBIN ∙ BABY G ∙ NATIVE ∙ MOLINARO
JAXX MADICINE ∙ JAREN live ∙ FAT FAT FAT SOUNDSYSTEM
 EDI TOR I ALE
LA RAGAZZA CON LA CASSETTA
DI ROSSANO LO MELE
Nel 1993 Elizabeth Clark Phair ha 26 anni. Lunghi
capelli color miele, figlia (adottiva) di un ceto
statunitense colto e benestante. Cresce a Chicago,
ma va a studiare a San Francisco: lì incontra
l’artista visuale Nancy Spero, una delle donne che
più ha rivendicato nel ‘900 americano il peso del
femminismo nell’arte contemporanea. Dopo gli
studi, Liz torna a Chicago. Siamo nei primissimi ’90,
riprende possesso della sua camera e impara da sola
a suonare la chitarra. Comincia a scrivere canzoni
che sono come un diario aperto. Brani che finiscono
dentro una serie di audiocassette che Liz chiama
Girly-Sound. Il passaparola cittadino la rende
presto la “più odiata giovane donna di Chicago”. La
definizione è di Brad Wood, suo partner musicale
sin dall’inizio. Liz all’epoca esce con un amico di
Chris Brokaw (che ha suonato in band tipo Come
e Codeine, fra le altre). Tramite amicizie comuni
conosce Wood, che diventa il suo mentore. Perché Liz
diventa la ragazza più odiata della “città ventosa”?
Perché quella sua autobiografia privata sotto forma
di canzoni, in quelle prime cassette clandestine,
contiene versi come: “La prossima volta che facciamo
l’amore / risparmia le parole, fai quello che devi fare
/ sii gentile e usa quel bastone”. Il brano Open Season
parla di uno stupro ripreso da un canale televisivo e
ritrasmesso, per il semplice piacere di chi, seduto sul
divano, segue da casa. Titillata dal successo cittadino
di quei nastri, Liz chiede a Wood cosa fare. Quale
sarebbe l’etichetta migliore a cui girare il nuovo
materiale in lavorazione? Brad risponde la Matador
Records. E così fanno i due, inviando le bozze del
primo album ufficiale di Liz alla label newyorkese.
Che ben presto si accorge di avere per le mani quello
che sarebbe diventato quell’esordio. Liz ha ben
chiaro di vivere in un contesto sociale disfunzionale,
soprattutto nella relazione uomo/donna. Allora
cosa fa? Prende un ingombrante classico di una
band all’apice della sua creatività e popolarità per
rielaborarlo dal suo punto di vista. Exile On Main
St., infinito, bianco e soprattutto nero, doppio album
dei Rolling Stones uscito una ventina di anni prima
(1972). A quel modello decide di applicare un’altra
forma di narrazione. Liz dichiara a se stessa, ma
anche al mensile inglese “Uncut”, numero 253:
“Hey, Stones, la ragazza dentro quelle canzoni potrei
essere io. Volevo raccontare cosa significava essere
una ragazza vicina a delle rockstar. I ragazzi che
suonavano a Chicago non erano necessariamente
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L’editore dichiara di aver ottenuto l’autorizzazione alla pubblicazione dei dati riportati nella rivista.
delle star, ma si tratta di temi che si applicano a
qualsiasi epoca. La scena cittadina da cui venivo era
ancora ingenua, agli inizi. Stavano venendo fuori
gli Smashing Pumpkins, gli Urge Overkill. Tutti
suonavano in attesa che arrivassero dei riscontri.
Io invece ero semplicemente infastidita e stanca di
essere la ragazza di uno in una band”. Così nacque
Exile In Guyville, esilio neo (tardo?) femminista
con chiaro riferimento al disco degli Stones. Album
doppio, quello di Liz, esattamente come quello di
Jagger & Richards. Titoli esplicativi (Fuck And Run) e
versi ancora meglio (“Le tue labbra hanno una taglia
perfetta che dice succhiamelo / ti comporti come un
quattordicenne / qualsiasi cosa tu dica è così odiosa,
divertente, vera, cattiva / Voglio essere la tua regina
del pompino / Forse sei un tipo timido e introspettivo
/ Per questo sei fuori dal mio obbiettivo). I maschi
raccontati da Liz sono diversi da quelli autoaffermati
nella musica esistente. Sempre l’autrice: “Scrivevo
come reazione all’arena rock degli anni 80, l’hair
metal, il grunge dominato dagli uomini nei ’90,
esattamente come l’indie rock. Le donne neanche
esistevano, come durante le elezioni”.
In queste settimane Exile In Guyville compie un
quarto di secolo. E viene celebrato a dovere con la
ristampa in tre dischi chiamata Girly-Sound To
Guyville: The 25th Anniversary Box-Set. Senza
questo disco probabilmente non avremmo avuto
Courtney Barnett, Julien Baker, Cat Power, Agnes
Obel, Chelsea Wolfe, Regina Spektor, Lily Allen,
Torres, Sharon Van Etten, Natalie Prass, Angel Olsen
etc. Il mondo è lo spioncino da cui lo si osserva. Forse
la definizione di narrativa femminile farà ancora
sorridere qualcuno, ma per dirla con “Uncut”: “Questo
album non solo si allinea in anticipo al movimento
#MeToo e contro la cultura predatoria americana.
Ma offre una possibile strategia attraverso la quale le
donne possono combattere queste iniquità con l’arte
e la musica”. Racconta Liz: “Oggi non mi sembra che
sia cambiato molto, ma quello che mi rende ottimista
è il fatto che un sacco di ragazze si siano buttate nella
musica. Da quel punto di vista la differenza è enorme,
un sacco di giovani donne che pubblicano dischi,
fanno concerti affollati. Ma dall’altro lato è cambiato
qualcosa? È facile per loro fare tutto ciò? Manco per
idea, infatti si lamentano delle stesse identiche cose di
cui mi lamentavo io all’epoca. La cultura non si è poi
evoluta così tanto quanto pensiamo”.
 318/319 CO N T E N U T I

26

COV E R S TO R Y

A M ER ICA ( N E R A ) O G G I

26 America (nera) oggi DI MAURO FENOGLIO

E LUCA GRICINELLA

38 Johnny Marr DI NICHOLAS DAVID ALTEA

44 Italian Riviera DI MAURIZIO BLATTO

E FRANCESCO FARABEGOLI

50 Distorsioni: Ancient Lights DI CLAUDIO SORGE

96 Retropolis: Thin White Rope

DI ALESSANDRO BESSELVA
AVERAME
 NUMER O: 318/319
ANNO 2 7
LUG LI O/AG OSTO 2 018

DI R ET TOR E R ESPONS ABI LE

Marco De Crescenzo
DI R ET TOR E EDI TOR I ALE
Rossano Lo Mele

COOR DI NAMENTO R EDAZI ONAL E

Alessandro Besselva Averame

CONSULENTI ALL A R EDAZI ONE

Maurizio Blatto, Giona A. Nazzaro,
Andrea Pomini, Claudio Sorge, Giorgio Valletta
J OHN N Y M A R R R UBR I CH E Alessandro Baronciani, Carlo
P. 3 8 Bordone, Luca Doldi, Francesco Farabegoli,
Sergio Messina, Marco Pecorari, Barbara Santi

COLL ABOR ATOR I

Elia Alovisi, Davide Agazzi, Diego Ballani,
Antonio Belmonte, Paolo Bogo, Claudia
Bonadonna, Daniele Cianfriglia, Arturo
Compagnoni, Stefano Fanti, Mauro Fenoglio,
Paolo Ferrari, Daniele Ferriero, Manuel
Graziani, Luca Gricinella, Stefano Morelli,
Luca Minutolo, Luigi Mutarelli, Andrea
Prevignano, Mario Ruggeri, Gianluca Runza,
Emanuele Sacchi, Fabio Striani, Andrea
Valentini, Francesco Vignani

DI R EZI ONE AR TI STI CA

E PR OG ET TO G R AF I CO
Stefano Manzi

F OTOG R AF I Luca Pagetti, Francesca Sara

RE TROP OL I S Cauli, Stefano “Star Fooker” Brambilla,
Luigi De Palma

TH IN WHIT E R O P E WE B Nicholas David Altea, Letizia Bognanni

P. 9 6
MAR KETI NG E PUBBLI CI TÀ
Francesco Sassi - promorumore@gmail.com

AMMI NI S TR AZI ONE

RUMOREMAG.COM DI F F US I ONE E COR R I S PONDEN Z A
HOMEWORK EDIZIONI
Corso Einaudi 53, 10129 - Torino
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rumo remag r u mo remag az i ne ru m o re m a ga z i n e
DISTRIBUTORE ESCLUSIVO PER L’ITALIA
MEPE Distribuzione Editoriale
Via Ettore Bugatti 15 - 20142 Milano (MI)

S TAMPA Reggiani S.p.A. - Brezzo di Dedero (VA)

4 Editoriale 92 Flashback Pubblicità a carattere musicale

8 News 93 Retropolis direttamente presso l’editore

1 4 Il gusto della musica 95 Campioni Autorizzazione del tribunale di Torino n. 21

1 6 Privè 102 Che fine hai fatto? del 25/07/2013
ISCRIZIONE AL ROC N° 23733
1 8 My Tunes 103 Identità di genere
2 0 Futura Finito di stampare nel mese di Giugno 2018
104 Visioni
CONTEN ITOR I 61 Recensioni 108 Letture
6 2 Disco Del Mese 110 Fumetti
82 Treecolore 111 Poster-i
84 Radici 112 Dal Vivo
86 In Italia 114 Banda Larga
9 0 Singolare
ISIS BROCKAMPTON SPIRITUALIZED BELLE AND SEBASTIAN

A CU RA DELL A RE DA Z I ONE ESTATE 2018 @ ru m o re m a ga z i n e

PRINCE DEERHUNTER BEASTIE BOYS CHEMICAL BROTHERS

I N D I C E : N E W S p . 0 8 — F A C C I A M O I C O N T I p . 0 9 — S O C I A L p . 1 0 — I N A R R I V O p . 1 0 — R . I . P. p . 1 2

ISIS RE DIVIVI

Si riformano gli ISIS, a otto

anni dallo scioglimento. Ma
con un altro nome, e solo per
una serata, al Wilters di Los
Angeles il prossimo 13 ottobre.
La sigla scelta da Aaron
Turner, Jeff Caxide, Aaron
Harris, Michael Gallagher e
Bryant Clifford Meyers per
tornare sul palco è Celestial, e
l'occasione la offre un concerto
di beneficenza organizzato
in ricordo di Caleb Scofield
dei Cave In, scomparso
alcuni mesi fa in un incidente
automobilistico. Al concerto
prenderanno parte gli stessi
Cave In, oltre a Old Man
Gloom (altra band in cui aveva
militato Scofield) e i Pelican.

P RINC E INE DITO

LA BBC SMANTELLA GLI STUDI?

Annunciato in occasione di
quello che sarebbe stato il
sessantesimo compleanno
del musicista di Minneapolis,
Piano & A Microphone 1983 è
il didascalico titolo dato a un
album “unplugged” inedito,
registrato nel proprio studio
casalingo da Prince nei primi
anni 80. In scaletta, oltre
a una versione dell'allora
ancora inedita Purple Rain,
una cover di A Case Of You
di Joni Mitchell e lo spiritual
ottocentesco Mary Don't You
Weep. Intanto Damon Albarn,
nel corso di una intervista
rilasciata alla britannica
a BBC ha rivelato
l'intenzione di voler
L smantellare i suoi
storici studi londinesi
di Maida Vale.
L'edificio, costruito
nel 1909 come sala per il pattinaggio e
acquisito definitivamente dall'emittente
di stato britannico nell'immediato
dopoguerra, ha ospitato, tra l'altro, la
sede del BBC Radiophonic Workshop,
unità sperimentale di sonorizzazione
che sviluppò l'avveniristica sigla di Dr.
Who. Ed è anche il luogo in cui è stata
registrata gran parte delle leggendarie John
Peel Sessions trasmesse dal 1967 al 1994. La
notizia ha provocato comprensibilmente una
presa di posizione da parte di molti artisti,
che hanno diffuso via Twitter l'hashtag
#BBCSaveMaidaVale. Tra i nomi che
hanno aderito all'appello, Geoff Barrow dei
Portishead, Andy Bell dei Ride, Cedric Bixler-
Zavala degli At The Drive-In. E pure Nigel
Godrich, che ha scritto: “Non distruggete una
parte così importante del nostro patrimonio
culturale – importante tanto quanto gli studi
di Abbey Road”.

8 | RUMOREMAG.COM
 Radio X, ha rivelato di aver
rifiutato di partecipare a una
FACCIAMO I CONTI session con il musicista negli

10
studi di Paisley Park perché
gli era stato comunicato che
Prince non permetteva di
fumare in studio.

10 O FORSE 11, NON RICORDA NEANCHE LUI, I TATUAGGI IN C R O C IE R A CO N

18
SPARSI SUL CORPO DI JOHNNY MARR B E LLE A ND S E B A STIA N

I Belle And Sebastian hanno

annunciato ufficialmente The
Boaty Weekender: un festival
18 ANNI: L'ETÀ IN CUI ROSY JONES ENTRÒ NELLE GOAT di quattro giorni su una nave

90
GIRL: CONOBBE IL RESTO DELLA BAND A UN CONCERTO da crociera nel Mediterraneo,
D E I FAT W H I T E FA M I LY comprendente vari concerti
della band (inclusa
l'esecuzione per intero di
Fold Your Hands Child, You
Walk Like a Peasant, album

17
90%: L A PERCENTUALE DI E-MAIL POSITIVE E AMOREVOLI che gli scozzesi pubblicavano
CHE FRANK TURNER RICEVE DAI FAN (INDIRIZZO nel 2000) e di vari ospiti
PUBBLICO SUL SUO SITO). che ancora non sono stati
IL RESTANTE 10% È SGRADEVOLE annunciati, oltre a feste a
tema, Q&A sessions e molto
altro. La crociera salperà l'8
agosto del prossimo anno

3
da Barcellona e farà tappa a
17 VOLTE IN UN GIORNO: IL RECORD DI FUGHE IN BAGNO Cagliari, per tornare infine in
PER VOMITARE DI CHARLIE STEEN DEGLI SHAME Spagna il 12 agosto.
DOPO TRE ANNI DI TOUR
FUZZ OUT

50
Glenn Snoddy, l'ingegnere
3 I SOLD OUT DI FILA ALLA O2 ACADEMY DI BRIXTON, del suono originario del
LONDRA, PER THE STREETS, CHE CELEBRA IL SUO Tennessee che nel 1960
RITORNO E LE RISTAMPE DEI PRIMI ALBUM inventò casualmente il fuzz, è
scomparso all'età di 96 anni.
Dopo aver lavorato in radio

1787
ed essere diventato uno dei
50 ANNI CHE ROGER DALTREY DEGLI WHO NON COMPRA tecnici di studio più richiesti a
UN DISCO. OGGI TUTTI RUBANO L A LORO MUSICA E LUI Nashville a partire dagli anni
LO FA CON QUELL A DEGLI ALTRI, DICE 40 (fu lui a registrare l'ultima
session di Hank Williams,
nel 1952), Snoddy aveva
scoperto l'effetto per caso

21
durante una registrazione,
1787: L'ANNO IN CUI FU COSTRUITA L A FAT TORIA nel corso della quale il
DI PROPRIETÀ DI NEKO CASE NEL VERMONT basso aveva incominciato ad
emettere un suono distorto
dopo che il trasformatore
dell'amplificatore si era fuso,
inventando l'apposito pedale
21 O + ANNI: L'ETÀ MINIMA D'ACCESSO PER QUASI TUT TO per replicare l'effetto.
IL TOUR AMERICANO DEI WOLF ALICE NEI CLUB. GRANDE
FRUSTRAZIONE DELLA BAND PER LA FASCIA DI FAN 18/21 D E E R H U NT E R A L L AVO R O

Lo scorso giugno Deerhunter

e Animal Collective hanno
improvvisato una jam sul
RUMORE È DISPONIBLE OGNI MESE ANCHE IN VERSIONE DIGITALE
palco di Le Poisson Rouge di
SCARICA SUBITO LA NOSTRA APP! New York. La formazione di
DISPONIBILE PER SMARTPHONE E TABLET APPLE E ANDROID Brendon Cox sta portando in
tour una line up rinnovata,

RUMOREMAG.COM | 9
N E W S! E S TAT E 2 0 18

e vendendo ai concerti una

cassetta in edizione limitata RUMORE PER IL SOCIAL
intitolata The Double Dream
Of Spring. Ma la vera novità SF O G H I, CO N FE S S IO N I E CA Z Z EGGI CAT TUR ATI IN RE TE
è che, a quanto pare, c'è un
nuovo album in lavorazione.
Il titolo, ancora provvisorio,
ED SHEERAN IS FOR BOYS,
è Why Hasn't Everything
SLEAFORD MODS IS FOR MEN
Already Disappeared?, e a SLEAFORD
produrlo sarà Cate Le Bon.
Royal Wedding is for Disney cunts with fuck
M O D S all else in their lives.
L A SCOM PARSA DI
@SLEAFORDMODSOFFICIAL
S TEWART LU PTON (Il Royal Wedding è una roba da stronzi Disney che non
hanno un cazzo da fare nelle loro vite)

Stewart Lupton, cantante

dei newyorchesi Jonathan
Fire*Eater, è scomparso lo
scorso giugno all'età di 43 DATEMI UN MARTELLO
anni. Nessuna dichiarazione Look at your phone as tool not an obligation. Would
ufficiale sulla causa della you walk around with a hammer in your pocket?
morte, anche se la famiglia, You would pick up a hammer when you needed it you
parlando al “New York K A N Y E would never be addicted or obligated to it. Use your
Times”, ha menzionato phone like a hammer only pick it up when you need it.
un “disperato tentativo di W E S T
sfuggire alle voci che lo (Considerate il vostro telefono uno strumento e non
tormentavano”. La band
@ K A N Y E W E S T un obbligo. Camminereste con un martello in tasca?
newyorchese, considerata da Afferrereste in mano il martello solo quando ne avreste
bisogno, non vi sentireste mai costretti a farlo o dipendenti.
molti precorritrice di quella
Usate il vostro telefono come un martello, prendetelo in
scena cittadina di inizio mano solo quando ne avete bisogno).
millennio che ha prodotto
band come Strokes e Yeah
Yeah Yeahs, si era formata
nel 1993 e si era sciolta
cinque anni dopo, poco dopo
la pubblicazione del primo
e unico lavoro, Wolf Songs IN ARRIVO
For Lambs, senza riuscire,
a causa anche di contrasti
interni, a ottenere il successo
che in molti pronosticavano.
Gli altri componenti del
gruppo, dopo lo scioglimento,
avevano fondato i Walkmen
con Hamilton Leithauser e
Peter Bauer, mentre Lupton SPIRITUALIZED
aveva completato gli studi
alla George Washington AND NOTHING HURT
University, dedicandosi BELLA UNION
sporadicamente alla musica
con progetti come Child
Ballads e Beatin's.
Sei anni dopo Sweet Heart Sweet Light, Jason Pierce pubblica un nuovo album degli
IL LIB RO SUI Spiritualized, facendo sapere, tramite un lungo e articolato comunicato apparso sul sito della
BE ASTIE B OYS Bella Union, che potrebbe davvero trattarsi, come dichiarato lo scorso anno, dell'ultimo
lavoro della band: “Sono stato piuttosto sincero a riguardo e penso tuttora che possa essere
così. Mi sono sentito impazzire così a lungo. Non intendo dire che si tratta di un viaggio
Lo aveva annunciato alcuni senza ritorno, adesso sto bene... Solo che è una cosa talmente dura, realizzare un disco
mesi fa Michael “Mike D” come questo da soli”. Il disco è stato registrato infatti da Pierce al piano superiore della sua
Diamond che il libro sui casa londinese in completa solitudine, utilizzando un laptop. Al momento l'uscita è stata
Beastie Boys a cui lavorava anticipata da un paio di canzoni, I'm Your Man e A Perfect Miracle.
insieme ad Adam “Ad.Rock”
Horovitz fin dal 2013 – anno SP I R I TUAL I ZED.CO M - BE LL AU NIO N.C O M
successivo alla prematura
scomparsa di Adam “MCA”
Yauch - sarebbe uscito entro
l'anno. Ora c'è una data: FUORI IL 7 SET TEMBRE 2018
Beastie Boys Book uscirà

10 | RUMOREMAG.COM

JOHNNY
M A R R
@JOHNNYMARRGRAM
r u mo remag
BATTUTA D'ARRESTO PER I BROCKAMPTON
uai in casa
Brockhampton. Ameer
G Vann, componente del
collettivo texano, è
stato accusato lo scorso
giugno di molestie
sessuali da parte di alcune donne.
Successivamente il gruppo ha annunciato
di averlo cacciato, dichiarando in
un comunicato ufficiale: “vogliamo
sinceramente chiedere scusa alle vittime
colpite dalle azioni di Ameer. Ci sono
state raccontate delle bugie e siamo
dispiaciuti di non avere preso posizione
il prossimo 30 ottobre per
Spiegel & Grau e sarà un
tomo imponente di quasi 600
pagine, con contributi, tra gli
altri, di Colson Whitehead,
SITUATIONISM BEGINS Spike Jonze e Wes Anderson.
AT HOME
C H E M IC A L D R EA M
Art Action against
politics.
B R OT H E R S
(l'Azione dell'Arte contro la
politica) Capita di registrare una
cover di Tim Buckley e
lasciarla in un cassetto per
una ventina d'anni, no? Di
sicuro è capitato ai Chemical
Brothers e a Beth Orton,
ed è quest'ultima che ha
recuperato il pezzo, una
r u m o re m a ga z i n e cover di I Never Asked To
Be You Mountain registrata
presumibilmente intorno al
1998, all'epoca di Central
Reservation e poco dopo
ASCOLTA
QUESTO
NUMERO SU
SPOTIFY
L'ESPERIENZA
DI RUMORE
SI AMPLIFICA
OGNI MESE UNA NUOVA
prima”. I Brockhampton hanno anche PLAYLIST DEDICATA
cancellato alcune date, e annunciato di essere AL NUMERO IN USCITA
“tornati a casa per riorganizzarci”. Quasi
PER VIVERE IL MAGAZINE
contemporaneamente il leader del collettivo,
IN MANIERA TUTTA NUOVA
Kevin Abstract, aveva comunicato che l'uscita
del nuovo album, PUPPY, originariamente
prevista per il mese scorso su RCA, sarebbe
stata rimandata, aggiungendo: “Non mi sento
a mio agio con l'idea di andare in tour senza
prima affrontare la faccenda, perché so che
il concerto dei Brockhampton è un luogo in
cui si sente accolta la gente che non riesce ad
esserlo a casa e in famiglia”. ru m o re m a ga z ine
RUMOREMAG.COM | 11
N E W S! E S TAT E 2 0 18
l'uscita di Dig Your Own
Hole, album dei due fratelli
chimici a cui aveva preso
parte la folksinger britannica.
La Orton ha diffuso la
cover annunciando di avere
approntato una propria
etichetta, Lost Leaves, con cui
si ripromette di pubblicare
una serie di inediti accumulati
nel corso degli anni.
RI CO RDIAM O ANC H E. . .
Tra i lutti recenti, segnaliamo
anche Nick Knox, storico
batterista dei Cramps,
Danny Kirwan, chitarrista
dei Fleetwood Mac dal
1968 al 1972, Clarence
Fountain dei Blind Boys
Of Alabama, Reggie Lucas,
collaboratore di Miles Davis
(Dark Magus, Get Up With
It) e primo produttore di
Madonna (il debutto dell'83),
l'ex chitarrista degli Anal
Cunt Josh Martin, e Scott
Hutchingson, 36 anni,
frontman della band indie
scozzese Frightened Rabbit,
scomparso lo scorso maggio
e ritrovato dopo pochi giorni
senza vita dalla polizia.
ERRATA CORRIGE
N° 316/317
N. 316: Nella recensione
della ristampa di Camarão
in Retropolis, autore Andrea
Pomini, compare all'inizio
una frase di troppo. La
recensione inizia in realtà da
“In una delle sue incursioni...”
N. 317: Il nome Kyuss
compare per errore due volte
in copertina.
IN USCITA
Anna Calvi Hunter (31
agosto) Wild Nothing
Indigo (31 agosto) Chilly
Gonzales Solo Piano III (7
settembre) Clutch Book Of
Bad Decisions (7 settembre)
Low Double Negative (14
settembre) Orbital Monsters
Exist (14 settembre) Mutual
Benefit Thunder Follows
The Heart (21 settembre)
Suede The Blue Hour (21
settembre) Villagers The Art
Of Pretending To Swim (21
settembre)
12 | RUMOREMAG.COM
GLENN
BRANCA
Nativo di Harrisburg in Pennsylvania, diplomato in
teatro all'Emerson College di Boston (dove fonda una
compagnia teatrale sperimentale, occupandosi anche
delle musiche), Glenn Branca si trasferisce a New York
alla fine degli anni 70 diventando uno dei protagonisti
della No wave cittadina, fondando i seminali Theoretical
Girls insieme a Jeffrey Lohn (un solo singolo all'attivo a
dispetto dell'enorme influenza sull'intera scena) e rea-
lizzando musica per rumorose orchestre di sole chitarre,
formato grazie al quale può utilizzare accordature al-
ternative, timbriche inusuali, ripetitività e drone music
in combinazioni mai sperimentate in precedenza, e che
si rivelerà fondamentale per la nascita di band come i
Sonic Youth, i quali esordiranno su Neutral Records, eti-
chetta fondata dallo stesso Branca, mentre Lee Ranaldo
e Thurston Moore presteranno in varie occasioni le loro
chitarre alle partiture del compositore. The Ascension,
album uscito nel 1981 e ispirato a Olivier Messiaen e
John Coltrane, rappresenta probabilmente l'apice visi-
bile del suo approccio avant-garde, che nel corso degli
(19 48-201 8) anni, oltre a influenzare in maniera decisiva il noise
rock, gli varrà anche riconoscimenti accademici.
JON HISEMAN
Fondatore dei Colosseum, nati nel 1968 con il coinvol-
gimento del sassofonista Dick Heckstall-Smith, con
cui aveva suonato sia nei Graham Bond Organization
che negli Heartbreakers di John Mayall, Hiseman,
batterista raffinato e potente, creò con quella band –
attiva nella sua prima incarnazione fino al 1971 - una
originalissima miscela di jazz, rock, blues e progressi-
ve. A quella idea di musica tornerà a più riprese, con
tanto di reunion e spin off (i Colosseum II, più orien-
tati alla fusion). Lo scorso anno era uscito il primo
album dei JCM, trio con l'ex collega Clem Clempson e
(19 44-2018) il bassista Mark Clarke.
JALAL MANSUR
NURIDDIN
Componente dei Last Poets, da molti considerati in tutto
e per tutto i padrini del rap, Nuriddin (anche noto come
Alafia Pudim e Lightnin' Rod), a proposito di quella pro-
genitura, aveva detto in un'intervista che “i Last Poets non
avevano inventato il rap pensando di farlo diventare una
forma d'arte commerciale, ma come necessità politica,
per poter articolare il nostro programma politico, rivo-
luzionario ed evolutivo”. Nuriddin si era unito al gruppo
nei tardi anni 60, contribuendo in maniera decisiva a una
(19 44-2018) musica che mescolava spoken word e percussioni, a parti-
re dall'omonimo, classico album di debutto del 1970.
 IL GUSTO DELLA MUSICA

R IC E T TA: 06 S ER VI TO DA: ALESSANDRO BESSELVA AVER A M E

RICONOSCERE IMMEDIATAMENTE UN SUONO O UN GUSTO È UN RIFLESSO AUTOMATICO E QUOTIDIANO.

“RUMORE”, IN COLL ABORAZIONE CON JAMESON, VI PORTA A SCOPRIRE CIÒ CHE LI RENDE RICONOSCIBILI.

Jean-Claude Vannier, Il '68

e l'assassino delle mosche
el maggio di culto L'Enfant Assassin Des – che l'amico Gainsbourg aveva

“N
1968 Parigi
era in fiamme.
Dalla rivolta
studentesca
scaturì una
nuova ondata di musica francese
che si identificava con il mood
del paese – più cupa, e più
introspettiva dello yé-yé, la
rivoluzione culturale francese
consentiva ai mondi della canzone,
del jazz, del pop e delle colonne
sonore, precedentemente separati,
di fondersi l'uno nell'altro. Carico
di archi e tracce ritmiche pronte
per essere campionate, questo
nuovo suono era incarnato da
Histoire De Melody Nelson di
Serge Gainsbourg, che tuttavia non
è un classico isolato – quella fu
un'età dell'oro per il pop francese”.
Così la press release di Paris In
The Spring, compilation a tema
che celebra il cinquantennale del
Maggio Francese curata da Pete
Wiggs e Bob Stanley dei Saint
Etienne per Ace Records, fresca
di stampa e recensita su questo
numero. Tra le tracce in scaletta,
un brano di Jean-Claude Vannier,
Les Gardes Volent Au Secours Du
Roi, versione alternativa del brano
omonimo apparso sul suo classico
Mouches, originalissimo album
strumentale pubblicato nel 1972
in 100 copie a lungo ammantato
di mistero, riscoperto e riportato
a nuova vita una decina di anni fa
dalla Finders Keepers, etichetta del
DJ, producer e crate digger Andy
Votel. Musicista, compositore
e arrangiatore autodidatta dai
metodi poco ortodossi, Vannier
è stato uno dei protagonisti
della rivoluzione musicale di cui
sopra, instillando il germe della
sperimentazione nel pop francese
dell'epoca. Probabilmente il
più originale e spericolato nel
compiere l'operazione, il partner
artistico che aiutò Gainsbourg
– con il quale aveva già lavorato
alla colonna sonora del film
Cannabis - a mettere in pratica le
visioni d'assenzio e di amour fou
di Melody Nelson, trasformando
il mix di chitarre elettriche
smozzicate, groove febbrili,
bassi dinamici e orchestrazioni
che si producevano in orientali
fioriture d'archi, su cui il Serge
nazionale si produceva in un
caratteristico ibrido di cantato e
parlato, nell'apice di una carriera
già straordinaria. L'anno dopo
L'Assassin Enfant Des Mouches
contribuito, ideando i titoli dei
brani strumentali e un breve,
surrealmente macabro script che
li univa, a trasformare in concept
album – portava alle estreme
conseguenze, se possibile, quelle
intuizioni. Infiltrando tra le trame
cinematiche degli arrangiamenti
schegge di musique concrète,
allucinazioni prog rock, carillon
felliniani, miraggi mediorientali
(il meraviglioso, roteante e
caleidoscopico bazar tra India e
Maghreb di Le Roi Des Mouches
Et La Confiture De Rouse, con
chitarre come sitar e archi dervisci
immersi in una nube di riverberi),
cori alla Atom Heart Mother e
idilli pastorali. Vannier contribuirà
con gli arrangiamenti e le musiche
di un paio di brani a Di Doo Dah
di Jane Birkin (1973), prima di
reinventarsi, con buon successo,
cantautore e interprete, senza mai
abbandonare del tutto l'attività
di arrangiatore e orchestratore
poco ortodosso. Ma la la magia
anticonformista del bambino
assassino di mosche resterà il
simbolo perfetto di una irripetibile
rivoluzione musicale.

INGREDIENTI:

musique concrète, archi roteanti, batterie da campionare, groovedelia.

IL DISCO: DOVE:

L'ENFANT ASSASSIN DES MOUCHES jeanclaudevannier.fr

SUZELLE, 1972 / FINDERS KEEPERS, 2006

ASCOLTA IL GUSTO DELLA MUSICA SU SPOTIFY

14 | RUMOREMAG.COM
 CAMBIANDO L'ORDINE DEI FAT TORI IL PRODOT TO
PRIVÈ / #OALD - A VOLTE - CAMBIA
Cambiando l'ordine
dei fattori il prodotto
- a volte - cambia
Tendenzialmente chi scrive
di musica preferisce la carta o
Internet: raramente riesce a
relazionarsi a entrambe senza
problemi. Questa cosa ha favorito il
crearsi di un certo sistema di classi,
in cui quelli di Internet e quelli
della carta si accusano a vicenda di
cose diverse. Quelli della carta, per
dire, vengono spesso accusati di
eccessiva seriosità e di non piegarsi
a un mondo che sta andando avanti
a una velocità diversa. In realtà
scrivere per una rivista di carta
ti porta a conoscere tempistiche
molto più vorticose: streaming
blindati a ridosso della consegna,
dischi messi online dagli artisti
senza preavviso, e via di queste. Di
tanto in tanto questa foga belluina
nei lanci dà luogo a situazioni
paradossali in cui il buon senso
tende a ripiegarsi su se stesso, e
le persone coinvolte si trovano a
pestare certe merde di proporzioni
epiche. L'ultimo episodio che
16 | RUMOREMAG.COM
#OALD
è capitato a me, e di cui vado a
raccontare qui di seguito: otto mesi
fa su queste pagine ho recensito
un gruppo che non esiste. Be', ero
in buona fede. Vi racconto come è
andata.
L'11 settembre del 2017 arriva il
comunicato stampa di un disco in
uscita a ottobre. È il nuovo album
di un gruppo che ha deciso di
cambiare ragione sociale, con tanto
di spiegazione dei motivi allegata
al comunicato (uno dei motivi: il
nome vecchio era troppo incasinato
da cercare su google) (giuro). In
questi casi tocca decidere quando
uscire: per andare su ottobre
tocca fare in fretta, a novembre ci
sarebbero tempi più rilassati - ma
la rece esce dopo che tutti ne hanno
già parlato online. Così Rossano
mi tiene uno slot per ottobre,
a patto di consegnare entro la
notte successiva. Un giorno per
recensire un disco è pochino, ma
vabbè. Se sei un ufficio stampa, e
mi mandi il 10 settembre un disco
scrivendo che uscirà ad ottobre, la
tua potrebbe essere una strategia:
mi costringi ad ascolti frettolosi
e pareri a caldo. Non so. Nel caso
de quo la strategia non funziona
molto: il giorno dopo consegno una
mezza stroncatura. Una settimana
dopo, il 20 settembre, l'ufficio
stampa mi chiede di bloccare la
recensione: il disco uscirà più
avanti in una versione diversa.
COSA?, rispondo. A questo punto
TESTO DI
F RANCES CO FARAB EG O LI
CAMBIANDO L'ORDINE
DEI FAT TORI IL PRODOT TO
- A VOLTE - CAMBIA
il numero è in stampa, tra poco
sarà nelle edicole. L'ufficio stampa
abbozza e passiamo oltre. Poi,
qualche mese dopo la pagina del
gruppo su Facebook cambia nome.
Qualcuno mostra anche di essere
allarmato: perché? Si sono sciolti?
Hanno cambiato genere? No, è
solo un cambio di ragione sociale.
Un particolare succoso: il nuovo
nome non è quello che stava nel
comunicato stampa. E il disco in
uscita? Be', uscirà. Però uscirà
in un'altra versione, con un altro
titolo, e a firma di un altro gruppo.
Cos'è successo? Non lo so. La mia
ipotesi è che la band abbia mandato
dei demo del disco all'etichetta,
ipotizzando un cambio nome.
Qualcuno non s'è spiegato bene, o
qualcuno non s'è coordinato con
qualcun altro. Qualche ora dopo
è uscito un comunicato stampa.
Poi, una volta venuto a galla il
malinteso, si è dovuti correre ai
ripari. Alle riviste web basta dire
di non uscire, o di mettere offline i
pezzi usciti. Per la stampa cartacea
invece bisogna fare il segno della
croce, e tutto sommato è andata
bene: credo che siano riusciti a
bloccare tutte le recensioni tranne
una. Che continua a fare capolino
sul numero di ottobre di “Rumore”:
la stroncatura di un disco che per
nome autore, titolo album e musica
contenuta non è mai uscito.
Boh, si fa quel che si può.

PRIVÈ / BLOG'N'ROLL GIMME HEAD
Gimme Head
Dopo quasi due anni di rubrica
in cui parlo di blog, i miei piccoli
lettori vorranno sapere qual è il
blog a cui sono più affezionato
in assoluto (lo so che non ve ne
frega niente, ma appunto dopo
quasi due anni di rubrica non so
più come attaccare un pezzo).
Orsù, celebriamo allora IL blog.
L’Archetipo. O, per dirla con la
terminologia del suo tenutario:
l’UR-blog. Avrete capito: stiamo
parlando di quel meraviglioso
rintronato di Julian Cope. Credo
sia più o meno dal 2000 C.E.
(ovvero “current era”, secondo
il calendario Juliano) che ho
tra i preferiti Head Heritage,
il quartier generale on line del
vecchio Arci-Druido. Fino a
qualche anno fa ci passavo almeno
un’oretta a settimana, ma negli
ultimi tempi il refresh sulla
pagina è diventato un’esperienza
frustrante. Pochi aggiornamenti,
quasi tutti relativi al business di
BLOG'N'ROLL
Julian-Cope-l’artista (concerti,
dischi, pubblicazioni ecc.), e
sempre meno critica. Ebbene sì:
critica. Perché se Head Heritage
è stato a lungo il mio sito -
termine singolarmente adatto
a Cope - preferito non era certo
per la sezione merchandising,
piuttosto dozzinale, né per quella
denominata U-Know!, vale a dire
il coté politico-movimentista
del musicista (e della moglie
Dorian), ammirevole per la sua
militanza ma le cui tirate psico-
socio-filosofiche hanno il grado
di sobrietà e chiarezza (zero) di
131, il suo folle romanzo sugli
hooligan ambientato in Sardegna.
E neanche per le disquisizioni sui
vari resti megalitici sparsi per il
mondo, argomento tipicamente
cope-iano che mi ha interessato
per un tempo record di credo
quattro minuti. No, la vera ragion
d’essere di Head Heritage sono le
recensioni dei “dischi del mese”
(niente attualità: il mondo di
Cope è ossessivamente anni 70,
con rare eccezioni). Stanno tutte
in una sezione chiamata Unsung
e lì rimarranno in eterno, come
i dolmen di Stonehenge, anche
quando Julian e tutti noi avremo
traslocato in altre dimensioni.
Testimonianza di una mente
contorta eppure lucidissima, ma
soprattutto di una passione per
la musica che nessuno riesce a
trasmettere ai suoi simili - “head
to head”, appunto - con la stessa
TESTO DI
CARLO B O RD ON E
mostruosa e trogloditica efficacia.
Chi ha letto Krautrocksampler
e Japrocksampler, o conosce un
minimo i gusti di Cope, sa di che
genere di musica si parla. È roba
che quando hai finito di leggere
o ti trasformi in uno dei Blue
Cheer o vorresti scendere per
strada vestito con una pelle d’orso
e prendere a mazzate chiunque
incontri. Hard rock tamarrissimo,
giapponesi con i capelli lunghi
fino ai piedi, noise makers senza
nessuna speranza, tedeschi
assurdi dimenticati da Odino.
Ma poi tra un Tetragrammaton
e un Vibracathedral Orchestra,
tra un Sir Lord Baltimore e un
Cadaverous Condition ti spuntava
un Franco Battiato (Fetus) o un Le
Stelle Di Mario Schifano, sui quali
Cope diceva cose intelligentissime
(e ovviamente verbosissime). Il
Druido non ci scrive più, da anni,
ma se non l’avete ancora fatto
tuffatevi in quell’archivio di deliri
a ruota libera. Rivaluterete il
concetto di tunnel vision.
RUMOREMAG.COM | 17
 MY TUNES
THE BEACH BOYS
CAROLINE, NO

ESTATE 2018 DI MAURIZIO BL AT TO ONLINE: thebeachboys.com

Non credo di poter spiegare Pet Sounds in tre righe. Quindi ascoltate questa. Andy Lippincott è un personaggio di
Doonesbury, la saga a fumetti firmata da Gary Trudeau. Quando è ormai irrimediabilmente ammalato, riceve nel suo letto
Pet Sounds in CD. È raggiante e orgoglioso di aver vissuto a sufficienza per averlo visto ristampare. Quando gli dicono
che ci sono due extra track pensa di essere già morto e in paradiso. Ma invece se ne va non molto dopo, mentre risuona
Wouldn’t It Be Nice, serenamente. Direi che ci siamo capiti.

18 | RUMOREMAG.COM

MY TUNES THE BEACH BOYS CAROLINE, NO
uando le cose vanno
malissimo o, al
Q contrario, realizzi
di essere felice,
vorresti cristallizzare
il mondo, bloccarlo.
Per ragioni opposte, ovviamente. Senti
che tanto non potrai che peggiorare,
desideri che una meraviglia simile
duri per sempre. Controllare il mondo
è una fantasia comune, certe volte
trattieni il respiro e pensi: “stiamo tutti
così, il più lungo possibile, immobili”.
Non succede mai e a ricordartelo
sono piccoli dettagli, incrinature che
all’improvviso ti appaiano enormi. Dei
tradimenti. Perché l’hai fatto? Chi si è
mosso? Non ti andava bene? Essere un
genio deve comportare una condanna,
insieme al dono credo ti recapitino
delle fatiche impossibili da gestire.
Vedi ciò che è ignoto agli altri, senti
note che ti chiedono l’obbligo di essere
glorificate. Com’erano due minuti
passati nella mente di Brian Wilson nel
1966? Cosa ti appariva? In quali forme
Pet Sounds chiedeva di essere portato
al mondo? La sua genesi è il nostro
catechismo. Ci siamo formati studiando
la sua sofferenza, l’ostilità del padre
(qual è l’eco di un ceffone partito dalla
sua mano talmente forte da causarti
il 96% di sordità all’orecchio?),
la certezza che fossi segnato dalla
perfezione melodica, l’indifferenza e
la derisione dei fratelli. Tutto quasi
(attenzione, quasi) compreso dentro la
tua testa. Ma fuori? Come lo stoppavi
quel mondo interiore? Brian Wilson
diceva a tutti che cosa dovevano fare
con ossessione maniacale, comandava
in studio un plotone formato dai
migliori musicisti americani, e loro lo
seguivano. Lo confortavano persino.
Perché, nonostante nessuno gli
credesse, Brian diceva a tutti di essere
“spaventato”. Atterrito dall’idea di
avere in testa il più grande album della
Storia del pop, fatto di archi, ruote di
biciclette, armonie vocali, bottiglie
vuote e clavicembali. Ma sono i dettagli
che ti tradiscono, puoi spezzarti le
vene a sostenere quel mondo perfetto,
ma poi? Poi la tua ragazza si taglia i
capelli e, semplicemente, non è più la
stessa. Nulla è più lo stesso. Caroline,
No è questo. “Dove sono finiti i tuoi
lunghi capelli, dov'è la ragazza che
conoscevo, come hai potuto perdere
quella luce splendente. Oh Caroline,
TESTO DI
MAU RIZIO B L AT TO
“IL PROFESSORE ROBERTO PANI, DOCENTE DI PSICOLOGIA
CLINICA ALL’UNIVERSITÀ DI BOLOGNA, RACCONTA:
NELLA MIA ESPERIENZA DI PSICOANALISTA HO POTUTO
CONSTATARE CHE LE EMOZIONI CHE OSCILLANO TRA
ASPETTI DEPRESSIVI E ASPETTI EUFORICI CORRISPONDONO
SPESSO A MODIFICAZIONI DEL TAGLIO E
DELL’ACCONCIATURA FEMMINILE”.
( D O N N A M O D E R N A .CO M )
no”. Brian ha 24 anni, ma è già in piena per enfatizzare l’effetto “giovanile”.
mitologia dell’adolescenza e forse non Tutto è di una bellezza insostenibile e,
ne uscirà mai. Tony Asher, che aveva infatti, dura pochissimo. Per salvare se
già collaborato per God Only Knows, stesso e noi che l’ascoltiamo. Come se
scrive le parole e pensa alla sua ex non bastasse, appena finiscono le note,
fidanzata, Carol, a quando lo aveva parte la registrazione di un treno che
lasciato per andare a New York e lui se ne va, in lontananza. Brian Wilson
l’aveva raggiunta giusto in tempo per disse di aver sognato di essere lui su
capire quanto fosse diversa e ormai quel treno, al fondo, rivolto verso noi
lontana. Aveva una nuova pettinatura. che lo guardiamo. Come a dirci “ce
All’epoca Brian è sposato con Marylin, l’ho fatta, è uscito tutto dalla mia testa,
ma sono troppo giovani per sopportare avete il disco e io ora impazzirò alla
tutto quanto e allora lui si ricorda di ricerca della canzone perfetta, suonerò
una compagna di classe che adorava il pianoforte in casa, dentro a una vasca
in silenzio. Lei era una cheerleader e di sabbia, fumerò l’LSD in una tenda
Brian ogni tanto suonava qualche nota piazzata nel mio salone, pubblicherò
al pianoforte in sua presenza, tutto lì. Good Vibrations e poi rimarrò per tre
Lei si chiama Carol e il suo ricordo di anni dentro al letto, a rimpinzarmi
Brian è “qualcuno che avresti voluto di cocktail di gamberi e bistecche al
proteggere”. La rintraccia, anche lei sangue, mi perderò e attenderò la
è sposata, la chiama alle tre di notte resurrezione, ma non sorriderò mai
unicamente per parlarle di musica. più”. Nella sua apparente semplicità, il
Chi può condividere il peso con lui? suono del treno trabocca di malinconia.
Nessuno dei Beach Boys partecipa alle Ogni tanto scatto e alzo la puntina, non
registrazioni di Caroline, No. Tant’è sono sicuro di essere forte abbastanza
che uscirà un paio di mesi prima di per sopportarlo. Spesso lo lascio
Pet Sounds come singolo, a nome andare, come se lo vedessi davvero, e
Brian Wilson. È stato detto che la aspetto l’abbaiare di Banana e Louie,
magia della canzone sta nel fatto che i due cani di Brian, portati e registrati
è composta di note che non sembrano in studio. Quindi Pet Sounds finisce
essere raggruppate insieme. Sembrano e il mondo non si ferma. Lo so. Ma io
fluire insieme. E migliore è il flusso, ci provo lo stesso e rimetto Caroline,
migliore è la melodia. Ma in questi No dall’inizio. Lì, tra quelle note, tutto
nemmeno tre minuti di voce, batteria, è sì sempre perfetto e uguale, nessun
percussioni, basso, chitarra, ukulele, tradimento o cambiamento inatteso.
clavicembalo, flauto, sax e bottiglia È la piccola magia delle canzoni.
vuota percossa, c’è il segreto ultimo del E questo lo sappiamo tutti.
vivere e soccombere per l’arte. Le cose
che mi hanno fatto innamorare così
tanto allora, potremmo mai riportarle
indietro quando se ne saranno
andate? E la risposta è Oh Caroline,
No. L’adolescenza e l’innocenza vanno,
e i fiati le sostengono per quanto
possono. Brian Wilson registra la sua
parte vocale leggermente più lenta,
RUMOREMAG.COM | 19
 RUMOREMAGAZINE ES TATE 20 1 8

20 | RUMOREMAG.COM
 DOVE:
Londra, UK
SONS OF KEMET
COSA:
Jazz dalle strade della Londra di oggi.
IL DISCO:
YOUR QUEEN IS A REPTILE
IMPULSE!, 2018
orna il jazz,
prepotente.
T Un jazz che
improvvisamente
pare nuovo,
slegato da vecchie
zavorre e percepito come uno dei
suoni più freschi e giovani del
presente. Il merito è di tanti, ma
uno soprattutto emerge come
simbolo di questo rinascimento:
Shabaka Hutchings. Sassofonista,
compositore e bandleader. Nasce
a Londra nel 1984, si trasferisce
a Barbados a sei anni e comincia
a studiare clarinetto, torna a
Londra a 16 ed è una crescita
continua fino alle molte facce che
la sua musica ha attualmente.
Membro di band avventurose
al confine con post punk,
psichedelia ed elettronica (Melt
Yourself Down, The Comet Is
Coming), esploratore delle radici
jazz sudafricane con un ensemble
di musicisti locali (Shabaka &
The Ancestors), curatore per
Brownswood della compilation-
manifesto della nuova scena
jazz britannica (We Out Here),
collaboratore o ospite di molti
(Heliocentrics, Polar Bear,
Anthony Joseph, Zara McFarlane,
Yazz Ahmed, fino al nuovissimo
album del nostro Khalab).
Restano i Sons Of Kemet, la
sua occupazione principale. Un
quartetto con formazione atipica
(lui, due batterie e una tuba) e
dalla potenza in scala rock, con
influenze caraibiche storiche
e londinesi contemporanee, e
un’intenzione politica fattasi
chiara con il recente Your Queen
Is A Reptile, terzo album uscito
pochi mesi fa per la storica
Impulse! e lanciato contro la
monarchia britannica. Alla
quale contrappone una serie di
regine alternative, nere, forti. Da
queste regine è partita la nostra
conversazione.
“L’idea ha a che fare,” dice
Hutchings, “con un discorso di
Sun Ra sulle comunità e sulle
loro strutture mitologiche, sulla
loro capacità di determinare
o ricreare i propri miti. Mi ha
fatto pensare a quali siano i
miti che ci circondano, e il più
grande almeno qui è quello della
nostra monarchia ereditaria. Chi
metterei al suo posto? Ho pensato
a quali fossero le donne che mi
hanno ispirato o influenzato, e ho
realizzato quanto il patriarcato
sia un paraocchi sul modo in
cui vediamo la storia, perché
non è che me ne venissero in
mente molte. Ho fatto un po' di
ricerche, e contemporaneamente
stavo scrivendo dei brani. Non
specifici su questo tema, scrivevo
e basta. Riascoltando le tracce,
ognuna ho suggerito la donna
a cui dedicarla”. Suggerimenti
azzeccati: quasi tutti i nove brani
sembrino cuciti sulla personalità
e sulla storia di ciascuna. Il che
stimola riflessioni su quanto
la musica strumentale possa
QUANDO:
dal 2011
ONLINE:
sonsofkemet.com
comunque essere militante.
“La musica non è a se stante,
ma parte di qualcosa insieme al
pensiero e alle idee che le girano
intorno, di uno schema più
ampio. Incoraggiare il pubblico
ad associarla nelle loro teste, è lì
è la chiave. La musica può aprire
uno spazio per riconsiderare idee
diverse a cui non si aveva pensato
prima, uno spazio di confronto.
O dare alla gente l'energia
psicologica per considerare in
maniera attiva questioni difficili”.
Storia del jazz da un lato,
influenze da carnevale caraibico
e da gioventù black british
dall’altro: come si sta in mezzo?
“Il jazz per me è questo, musica
che riflette le esperienze di chi lo
pratica. La storia del jazz non è
la storia di un tipo codificato di
musica, ma di artisti che cercano
il proprio modo di esprimersi.
Quando ascolti gente come Alice
Coltrane, Ornette Coleman o
Henry Threadgill non ascolti
un genere, ma un artista che sta
scoprendo se stesso. Bisogna
tenere a mente da dove arriva
la musica, un filo unisce Louis
Armstrong a Miles Davis a Albert
Ayler a chi vuoi tu, ma questo filo
è un riconoscimento della storia,
non un freno”.
TESTO DI Andrea Pomini
RUMOREMAG.COM | 21
 THE MOONSHINE
DOVE: QUANDO:

Bielefeld, dal 2012

Germania
BRAND
COSA:

Blues psychedelic rock.

IL DISCO: ONLINE:

ON THE WAVES OF TIME facebook.com/

BURNING WAX, 2018 TheMoonshineBrand

“Abbiamo iniziato che eravamo
in cinque, con Tim al basso,
Martin alla chitarra e Ian al
canto. A causa di continui
cambiamenti nella formazione,
siamo rimasti in tre: adesso i
ruoli sono: Tim alla batteria,
Martin sempre alla chitarra e
io (Ian) al basso e alla voce”.
Ian Andrew mette ordine
nella storia di questo nuovo
interessante combo heavy psych
in arrivo dalla Terra Promessa
della heavy psychedelia, la
Germania. “Musicalmente l’idea
non è di avere uno stile definito,
ma di avere un approccio al
songwriting e al live. Oggi è
facile trovare uno stile, in un
modo che a noi sembra statico.
Gli artisti sembrano trovare
una loro identità attraverso
una definizione sonica di quello
che sono, mentre noi amiamo
l’idea di definire il nostro stile
attraverso ogni singola canzone
che scriviamo... Le nostre canzoni
sono parte di una discussione che
abbiamo con noi stessi, i nostri
amici, la gente ai nostri concerti”.
Quali sono le vostre influenze
musicali? “Ascoltiamo molta
musica di ogni area. Più
specificatamente, ciascuno di
noi ha un background diverso:
Tim è per Jack White, White
Stripes, Black Keys. Martin
ama Nebula, Siena Root, Radio
Moscow, io adoro Grateful Dead,
Allman Brothers, Humble Pie”.
Sembra difficile oggi emergere
in un mare magnum di heavy
psych bands. “Sì, è difficile venir
fuori con qualcosa di veramente
originale, ma fortunatamente
non è questo il nostro approccio.
Noi cerchiamo una riflessione,
un commento sulla società e sulla
vita per come la sperimentiamo. È
un punto di vista indubbiamente
soggettivo, ma riflette ciò che
siamo e le nostre opinioni,
humour e idee”.

TESTO DI Claudio Sorge

22 | RUMOREMAG.COM
 DOVE:
Baltimora,
USA SNAIL MAIL
COSA:
Indie rock.
IL DISCO:
LUSH
MATADOR, 2018
Se l’album Lush di Snail Mail
non è uno dei debutti migliori
di quest’anno, poco ci manca,
visto che siamo già al giro
di boa del 2018. E non è una
sparata giusto per fare un po’
di clamore e trovare il nome da
incensare un giorno sì e l’altro
pure. Lindsey Jordan ha nelle
proprie dita e nella propria
voce una capacità compositiva
e sonora impressionante. Ed è
impressionante come nessuna
delle due qualità prevalga
sull’altra: il fine ultimo è scrivere
di amori sbagliati, sfortunati,
tristezze varie e inserirci musica
e parole fedeli agli anni 90, ma
con una sensibilità superiore.
Tutto finemente edulcorato, ma
con una punta di amaro in bocca.
Liz Phair è il primo nome che
viene in mente una volta ascoltata
Snail Mail – con tutte le dovute
trasposizioni generazionali. “Ci
chiamavamo Lizard Phair” dice la
giovane artista, in un’intervista
doppia proprio con la Phair,
raccontando appunto di quando
suonava in una cover band
dell’artista americana.
Tutta la sua vulnerabilità la
mette sul palco, senza remore,
come raccontò qualche mese
fa: “Non penso a come viene
percepita la mia musica. Mi
preoccupo di più di fare qualcosa
QUANDO:
dal 2015
ONLINE:
snailmail.band
che potrò poi cantare ogni sera
con convinzione”. Rispetto al
precedente disco, l’EP Habit
(2016), a livello di sonorità ci
sono stati molti cambiamenti:
“Il lavoro della chitarra è molto
più evidente. Ho trascorso molto
tempo tra i dischi, rintanata
nella mia stanza, ascoltando solo
musica per chitarra. Per un anno
ho solo ascoltato e immaginato
intensamente i chitarristi che
ammiravo”. Lush è fluidità
amorosa e sincera vitalità che
scorrono lentamente.
TESTO DI Nicholas David Altea
RUMOREMAG.COM | 23
 AMBER MARK
DOVE: QUANDO:
New York, USA dal 2016
ONLINE: soundcloud.com/ambermark
COSA:
L'alternative r&b meno
prevedibile.
IL DISCO:
CONEXÃO EP
VIRGIN EMI, 2018
Con appena due EP all'attivo, l'artista newyorkese si
sta imponendo fra i talenti più significativi dell'ultima
generazione r&b. Ma la fase iniziale è stata problematica:
dopo aver tentato per tre anni con diversi produttori
(“nessuno di loro capiva il suono che desideravo”),
Amber Mark ha preso il proprio destino in mano.
Cimentatasi con GarageBand e Logic Pro X, nel febbraio
2016 ha pubblicato su Soundcloud S P A C E, il suo primo
brano.
Da allora le cose si sono evolute velocemente. Il primo EP
3:33am era segnato dal dolore per la perdita della madre:
“mi manca sempre, ma ho smesso di piangere e ascoltare
Sufjan Stevens tutti i giorni”. Mentre il recente Conexão
esplora diversi aspetti delle relazioni sentimentali e
mette in mostra varietà e maturità sonora invidiabili per
una 24enne.
La scelta di riprendere Sade (Love Is Stronger Than
Pride), al di là delle affinità vocali, è spia di un'attitudine
distante dai soliti tracciati in un ambito sempre più
affollato. Lontana dalle ossessioni ipertecnologiche e
capace di ammaliante calore sonoro, come anche nel
sensuale incedere samba-house di All The Work. “Ora
sono a Los Angeles per scrivere l'album, al più tardi
uscirà a inizio 2019”.
TESTO DI Giorgio Valletta
24 | RUMOREMAG.COM
DELMORO
DOVE: QUANDO:
UK/Italia dal 2017
ONLINE: facebook.com/delmoromusica
COSA:
Retro pop anni 80 d’autore.
IL DISCO:
IL PRIMO VIAGGIO
AUTOPRODUZIONE, 2018
Mattia Del Moro ha viaggiato molto, e parte dei suoi
progetti musicali nasce soprattutto all’estero. Ma ora c'è
una idea di musica e parole nuova: “Fino a questo disco
la voce è sempre stata uno degli strumenti all'interno
della mia produzione musicale. Questa volta mi sono
reso conto che l'italiano mi offriva una tavolozza molto
più ampia, più specifica e immaginifica”. Un album
d’esordio che parla di viaggi e di famiglia: “Avevo bisogno
di crearmi una storia che mi facesse da filtro e che mi
aiutasse contemporaneamente a sviluppare il lavoro.
Un viaggio dove i personaggi, lontani dalla loro routine,
fossero più liberi e aperti al confronto. Mi sembrava
l'espediente perfetto”.
Lucio Dalla e Paolo Conte emergono attraverso varie
sfaccettature: “Ascolto Conte da quando ero bambino,
mentre mi sono innamorato di Dalla molto tardi.
Entrambi sono musicisti prima che cantautori, e questo
si sente molto anche nella concezione linguistica e
fonetica del loro lavoro”. C’è il Brasile dei '70 ma anche
un po’ di Francia, tra le sonorità: “Amo la cura maniacale,
la raffinatezza e l'eleganza di molta produzione francese.
Dal capolavoro disco-funk-jazz Troupeau Bleu di Cortex
fino al french touch più recente”. Il viaggio di Delmoro è
appena iniziato.
TESTO DI Nicholas David Altea
 KAPUT BLUE
DOVE: QUANDO:
Corato, Italia dal 2018
ONLINE: facebook.com/kaputbluemusic
COSA:
Neo soul.
IL DISCO:
FAR
ANGAPP MUSIC, 2018
Una passione, quella per la musica, che accompagna
Kaput Blue fin dai suoi primi anni di vita: “Da piccolo mi
divertivo a usare i giocattoli musicali che i miei genitori
mi regalavano, mi sapevo destreggiare davvero bene!
Questa cosa si è sviluppata al punto che scrivere testi e
melodie non mi annoia mai, potrei passarci ore intere”.
Far è il primo lavoro pubblicato dall’artista pugliese,
un EP a cui collaborano gli Uponcue, duo conterraneo
che lo ha notato ascoltandone alcuni pezzi: “'Ti abbiamo
sentito in giro, raggiungici in studio e vediamo cosa
riusciamo a combinare insieme', mi hanno detto”. Un
amore al primo ascolto: ”Una settimana dopo eravamo in
studio a cercare di focalizzare il sound più intimo che ci
potesse accomunare; la mia fame di scrittura e di voglia
di comporre è stata premiata”. Far è una commistione di
più generi, dal neo soul alla trap: “Ascolto e sperimento
con tutto ciò che ho a disposizione, e amo moltissime
sfaccettature musicali. In questo caso abbiamo deciso di
mettere insieme i generi urban che più ci rappresentano,
strizzando anche l’occhio agli attuali trend”. Un disco che
ha un sapore moderno ma che ripesca suoni più retrò, in
perfetta sintonia con il presente.
TESTO DI Matteo Pasini
LITHICS
DOVE: QUANDO:
Portland, Oregon, USA dal 2015
ONLINE: lithics.bandcamp.com
COSA:
Post punk angolare e minimalista.
IL DISCO:
MATHING SURFACES
KILL ROCK STARS, 2018
Di lei dicono che fissi il pubblico con uno “sguardo
della morte”. “La prima volta che me lo hanno detto –
racconta Aubrey Hornor – stavamo suonando di fronte
ad una grande folla. Guardavo lontano per capire cosa
stava succedendo e la cosa mi ha aiutato”. Timidezza o
meno, la maschera impenetrabile e la voce neutra della
ragazza portano l’attitudine sconnessa e imperturbabile
del post punk a nuovi livelli. Anche per questo i Lithics
rappresentano uno dei nomi di punta del rock di
Portland.
Il gruppo nasce come progetto collaterale da parte di
musicisti trasferitisi in città lo scorso decennio. Aubrey,
33 anni, e il compagno Bob Desaulniers sono due nerd
tutti concerti e record store, che a forza di discutere di
Fall e Captain Beefheart sono passati dalle parole ai
fatti. La loro musica (un groviglio isterico di dissonanze,
geometrie spericolate e groove fratturati) non poteva
trovare sbocco che presso la Kill Rock Stars: “È stata una
decisione naturale, negli anni ha prodotto gruppi come le
Erase Errata, che ci hanno influenzato molto”. La prova
del nove arriverà con il tour di spalla a Stephen Malkmus.
Ai Lithics l’arduo compito di dimostrare ai fan dell’ex
Pavement che l’indie rock è vivo e vegeto.
TESTO DI Diego Ballani
RUMOREMAG.COM | 25
 AMERICA
(NERA)
OGGI
T E S T I D I M AU R O F E N O G L I O E LU C A G R I C I N E L L A

DAL SOGNO UCCISO DI MARTIN LUTHER KING AI CONTINUI ABUSI

DI POLIZIA E PREGIUDIZIO. LA SPERANZA (INESPRESSA) DI OBAMA,

L’INCUBO DI TRUMP E DEL RIGURGITO SUPREMATISTA BIANCO.

UN’INTERA COMUNITÀ CERCA FATICOSAMENTE DI USCIRE DALLE

COSTRIZIONI CULTURALI CHE NE HANNO DETERMINATO STORIA

E LETTURA. LA CUI MUSICA NE FOTOGRAFA IL CAMBIAMENTO,

FRA NUOVE VOCI AUTOREVOLI E LEADER IN PREDA A CRISI DI

NERVI. L’EVOLUZIONE DELL’HIP HOP, I NUOVI SPUNTI DEL JAZZ

E LA RILETTURA CONTEMPORANEA DELLE RADICI. UN VIAGGIO

AFFASCINANTE, FRA LE MILLE PIEGHE DELL’AMERICA (NERA) OGGI.

 AMERICA (NERA) OGGI VITE CHE CONTANO E PANTERE NERE T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O

VITE CHE CONTANO

E PANTERE NERE
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O

“Il sistema americano è basato sull’oppressione,

dall’educazione nelle scuole al sistema sanitario.
Franklin collega la natura stessa del sistema di DOPO L’INSEDIAMENTO DELL A
polizia attuale alla schiavitù. A un concerto, in P R E S I D E N Z A P I Ù CO N S E R VAT R I C E
Germania, qualcuno ci incitava a parlare di lotta di
E BIANCA CHE STORIA RECENTE
classe. Quando noi citiamo l’oppressione razziale in
un certo contesto stiamo parlando indirettamente RICORDI, BL ACK LIVES MAT TER, IL
di lotta di classe. Le uniche politiche militanti e MOVIMENTO AFROAMERICANO
progressiste che abbiamo conosciuto nel nostro
FORTEMENTE AT TIVO SUL
paese sono quelle della comunità nera”. Queste le
parole di Bryan Mahan, bassista degli Algiers, su FRONTE DELLA GUERRA AL
“Rumore”, primavera 2016, a sancire l’equivalenza RAZZISMO BIANCO, AFFERMA
fra le istanze della comunità nera statunitense e il
CHE L A BAT TAGLIA FINALE È LO
sogno dell’internazionale socialista. Diritti civili
di un popolo arrivato in catene nella terra delle SRADICAMENTO DEL SEME DEL
opportunità, accomunati all’utopia di un mondo SUPREMATISMO CHE HA GENERATO
migliore per tutti. La storia americana ci insegna che
T R U M P, P I U T T O S T O C H E A F F I D A R S I
l’unica comunità che si sia veramente spesa (parole,
azioni e, soprattutto, sangue), per scardinare alcuni A UN SUO OPPOSITORE CREDIBILE
dei capisaldi di un sistema politico basato sul bene FRA I BIANCHI. BLM È STATA L’UNICA
del singolo e sulla competizione sia sempre stata
ORGANIZZAZIONE VERAMENTE
quella afroamericana. Una battaglia combattuta
per più di duecento anni, e non ancora finita. Nella IN PRIMA LINEA DURANTE I
memoria, il messaggio d’integrazione predicato DISORDINI DI CHARLOTTESVILLE,
da Martin Luther King e la rabbia immediata delle
NELL’AGOSTO DELLO SCORSO
Pantere Nere. Fra la miseria dei ghetti ai bordi dei
centri di consumo, e le ambizioni per la vita dorata ANNO, FRONTEGGIANDO MEMBRI
di chi ce l’ha fatta. Ma quanto rimane oggi di quella D E L L’ U LT R A D E S T R A E D E L K L A N
comunità che è sempre stata il propellente della
SECONDO UN PRECISO CODICE
consapevolezza nera e della sua musica?
Di sicuro, dopo gli otto anni di presidenza Obama NON VIOLENTO PRIMA CHE LA
(e delle sue promesse non sempre compiute), quella MANIFESTAZIONE L ASCIASSE SPAZIO
stessa comunità che lo aveva spinto per ben due
ALLA TRAGEDIA.
volte alla Casa Bianca è rimasta a guardare Hillary
Clinton perdere incredibilmente la corsa contro il
campione del suprematismo bianco Donald Trump
senza quasi muovere un dito. Dopo l’insediamento guerra al razzismo bianco, afferma che la battaglia
della presidenza più conservatrice e bianca che storia finale è lo sradicamento del seme del suprematismo
recente ricordi, Black Lives Matter, il movimento che ha generato Trump, piuttosto che affidarsi a
afroamericano fortemente attivo sul fronte della un suo oppositore credibile fra i bianchi. BLM è

TAG: #algiers, #blacklivesmatter, #manthiadiawara, #kendricklamar, #blackpanther #BlackLivesMatter

 AMERICA (NERA) OGGI VITE CHE CONTANO E PANTERE NERE
stata l’unica organizzazione veramente in prima linea
durante i disordini di Charlottesville, nell’agosto dello
scorso anno, fronteggiando membri dell’ultradestra e
del Klan secondo un preciso codice non violento prima
che la manifestazione lasciasse spazio alla tragedia.
Continua a essere un avamposto di resistenza nel
difendere gli afroamericani dalla violenza della polizia,
richiedendo, invano, riforme del sistema poliziesco
a un establishment più che mai rappresentativo solo
di una parte della società. Tuttavia, nonostante il
terreno di guerra reclami uno schieramento forte
anche da parte della comunità di artisti neri, i tempi
sono cambiati. Sin dall’agosto 1973, quando DJ Kool
miscelò per la prima volta due vinili nel Bronx, l’hip
hop è sempre stato l’altoparlante del disagio afro
americano. Il blackout della Grande Mela durante
l’Estate di Sam, nel 1977, permise a quell’altoparlante
di amplificarsi lungo le strade di tutto il paese. Da
lì, il verbo che viene sputato con rabbia, misoginia e
violenza dalle gang, la Golden Age di inizio anni 90,
quando il rap salva le classifiche di vendita, e la resa dei
conti fra costa Est e Ovest, con i corpi di Tupac Shakur
e Notorious B.I.G. in sudari diventati vessilli. Manthia
Diawara, nel suo libro In Search Of Africa, afferma
che l’hip hop si mostra, all’origine, come la voce di
un popolo marginalizzato, ma il successo della sua
rivoluzione commerciale trasforma negli anni quella
voce nel desiderio di vita agiata. Non più solamente
richiesta di cittadinanza e appartenenza a una nazione,
ma celebrazione dell’identità del singolo, attraverso la
riscoperta individuale della tradizione. Le istanze di
una comunità si polverizzano in mille voci individuali,
che esprimono desideri e disagi ma da prospettive
più private. Se Kendrick Lamar vince il Pulitzer
non lo fa con il suo album più politico (To Pimp A
Butterfly), ma con il suo diario più pop e privato
(DAMN). E per ogni Kendrick, voce e osservatore
di un mondo, c’è un Kanye West che diventa pecora
nera a colpi di tweet schizofrenici e strette di mano
a Trump, mettendo in dubbio le certezze secolari di
una comunità intera, ricevendone astio. La vita nelle
28 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
shotgun houses (le semplici abitazioni nate dopo la
liberazione dalla schiavitù a fine '800 e ancora luogo
di quotidianità nei quartieri afroamericani), spesa fra
il desiderio di scalata sociale ed economica e la paura
di non tornare a casa la sera se s’incontra il poliziotto
sbagliato non sono più materia esclusiva dell’hip hop
militante. La lettura documentaristica e filologica
di Matana Roberts, la poesia fra i generi musicali di
Akua Naru, il panafricanismo cosmico di Hieroglyphic
Being sono solo alcuni esempi di voci laterali che
abbracciano in qualche modo il dolore delle comunità
afroamericane senza chiamare necessariamente alla
rivolta organizzata. Anche la visione evolve. Childish
Gambino si ritaglia il ruolo di nuovo maître à penser.
Trasformando le dinamiche razziali in materia da sit
com, con la serie TV Atlanta; o tentando la scalata
al trono di nuovo leader, con il messaggio esplicito
del video di This Is America. In realtà è Hollywood a
rivelare l’evoluzione della specie. Il film supereoristico
Black Panther è il sogno panafricano elevato a
ingegneristica epopea hi tech. L’ultimo passo nella
trasformazione della cultura nera in fenomeno pop.
Non più narrative classiche di riscatto nero (le catene
di 12 Anni Schiavo o le tensioni razziali anni 60 dello
splendido Detroit, esempi recenti), ma temi universali
che coprono tutto l’arco del sentire umano, cosi come
è sempre stato per i bianchi. L’omosessualità in chiave
autoriale di Moonlight (vincitore dell'Oscar per il
miglior film nel 2017), l’affermazione femminile del
video album Lemonade di Beyoncé, il fantasy di Nelle
Pieghe Del Tempo, con la benedizione della portavoce
culturale ufficiale, Oprah Winfrey. Insomma, una
comunità che rivendica il proprio destino non più
come monolitico e rabbioso quarto (o quinto) stato,
declinandolo in un arcobaleno di voci che esprimono
gioia, disagio, rabbia, desiderio di rivalsa secondo
prospettive individuali. Tanto poi basta andare al
Lorraine Motel di Memphis (dove fu ucciso il reverendo
King, oggi sede del meraviglioso Museo dei Diritti Civili)
o ascoltare l’odio vomitato dalla destra bianca sulla Fox
per ricordarsi che la guerra non è ancora finita.
 AMERICA (NERA) OGGI KAMASI WASHINGTON
KAMASI
WASHINGTON
IL PARADISO VISTO
DALLA TERRA
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O - F O T O D I N I C K WA L K E R
Sembrava impensabile fino a cinque anni fa. Un
sassofonista jazz in abito tradizionale dashiki (tunica
utilizzata nell’Africa occidentale) che riceve plauso
unanime di critica e pubblico per il suo mastodonte
spiritual jazz The Epic. Fornisce il collante fra
tradizione e hip hop nel romanzo politico in rime
To Pimp A Butterfly di Kendrick Lamar. Finisce sui
palchi dei principali festival alternativi del globo,
dividendo la scena con pezzi da novanta come
Beyoncé per far scoprire a eserciti di millennials il
gusto di sax tenore e banda d’accompagnamento.
Insomma, quasi un miracolo. Se, da una parte, i
puristi tendono a derubricarlo ad abile aggiornatore
di un verbo jazz poco originale, che pesca da un
glorioso passato lastricato da altri, l’ex sassofonista
del dipartimento di etnomusicologia dell’UCLA di
Los Angeles ha il pregio di sintetizzare, a uso delle
nuove generazioni, le mille pulsioni di una musica
altrimenti destinata a una nicchia di irriducibili
nostalgici. Accettando col sorriso la contaminazione
multicolore della fusion dei ’70, guardando con
reverenza alla lezione astrale di Sun Ra e aprendosi a
comunità che ascoltano altro, il gigante di LA diventa
TAG: #sassofono, #jazz, #stelle, #futuro, #connessioni
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
strumento di attualizzazione di una storia musicale
nera altrimenti destinata a musei ed enciclopedie.
Approdato alla britannica Young Turks con l’EP
Harmony Of Difference, si affaccia all’estate 2018
con il nuovo, imponente (tre dischi) Heaven And
Earth.
“Non volevo riferirmi col titolo letteralmente
al paradiso e la terra. Sono le due visioni che
ho della vita: una interna e l’altra rivolta verso
l’esterno. Abbiamo cominciato a lavorarci nel
2016, durante il tour per The Epic. Eravamo in
una città diversa ogni giorno, in un paese diverso
ogni settimana. Come vedere il mondo in una
collezione di fotografie. Discutevamo un sacco sul
bus con i ragazzi della band, di come le persone
vivano in modi diversi. Come se il mondo fosse
tagliato a pezzetti ed ognuno di noi avesse il suo
personale pezzettino. Le nostre realtà individuali,
basate su come immaginiamo il mondo. Credo
che quest'ultimo, alla fine, diventi quello che noi
immaginiamo debba essere. In questo album
c’è l’idea di come immaginiamo il mondo e di
ONLINE: kamasiwashington.com
RUMOREMAG.COM | 29
 AMERICA (NERA) OGGI KAMASI WASHINGTON
come finiamo per viverlo quotidianamente nella
realtà. Le due cose sono interconnesse. La Terra
è il mondo come lo viviamo, il paradiso come
lo immaginiamo”. La dicotomia fra una realtà
spaventata dal progresso (sociale, tecnologico,
razziale), che per reazione terrorizza, e l’idea
di un mondo migliore, che non si piega mai al
rancore. “Fists Of Fury (che cita la colonna sonora
dell’omonimo film di Bruce Lee, nda) rappresenta
l’idea che la vita sia una eterna lotta. Se tu devi
lottare contro qualcosa, tutte le cose viventi lottano
con te. Il suo contraltare è la pace di Space Travelers
Lullaby. L’ho scritta quando ero in tour in Europa.
Il bus si era fermato in un luogo remoto. Sono uscito
fuori nella notte e c’erano migliaia di stelle nel
cielo. Vivo a Los Angeles e sono abituato a vederne
non più di quattro; quello spettacolo mi ha ispirato
enormemente. Ho pensato che un giorno lassù ci
andremo; le vedremo tutte da vicino. Quando ho
riascoltato la composizione in studio ho capito che
la ragione per cui vedo la vita come una lotta è che
ci trovo infinite possibilità.
Mi soffermo sulle mie difficoltà, perché so di avere
il potenziale per superarle. Il viaggio mi porterà
dove potrò realizzare Ie mie idee, e il mondo
sarà quello che ognuno di noi vorrà che sia.
Non c’è nessuno che verrà a salvarci, a fare il
lavoro per noi. Il mondo cambia con la massa,
ma il cambiamento inizia dalla mente della
massa. Quando la mente cambia le azioni delle
persone anche il mondo cambia. Questo è il seme
dell’album”. Una fiducia irriducibile nell’umanità
che si concretizza nella coscienza del mondo
attorno, la quale non si piega rabbiosamente su se
stessa ma piuttosto ambisce a elevare lo spirito.
“Sono molto connesso a e preoccupato e conscio di
quello che succede nel mondo. Leggo i giornali tutti i
giorni e so come vanno le cose. Un’altra parte di me
guarda fuori dalla finestra e immagina di volare o
altre cose folli. La mia musica arriva da uno dei due
luoghi e può essere molto polarizzata”.
Una nuova coscienza, quindi, che sceglie il porsi
DIECI TITOLI PER ARRIVARE ALL’AMERICA (NERA ) OGGI
NINA SIMONE MARVIN GAYE GIL SCOTT-
IN CONCERT WHAT’S GOING ON HERON
(PHILIPS, 1965) (TAMLA, 1971) PIECES OF A MAN
(FLYING DUTCHMAN,
1971)
30 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
davanti al mondo piuttosto che il dire. Nel ricupero
rispettoso della tradizione, in uno sguardo che
accarezza le cose. “Heaven And Heart esprime in
pieno la mia identità musicale. È venuto fuori
naturalmente, in una situazione in cui si hanno
tutti i mezzi a disposizione. Ho centinaia di canzoni
in giardino, che hanno bisogno solo di acqua per
crescere. Quando andiamo in studio è come se
dessimo loro improvvisamente vita. È il momento”.
Mezzi finalmente a disposizione per guardare il
mondo con dolcezza. “Dopo un concerto in Brasile,
ero in giro con Stanley Clarke (leggendario bassista
fusion, nda) e ci viene incontro questa specie di
Radio Raheem (personaggio di Fa’ La Cosa Giusta
di Spike Lee, nda) con uno stereo che suona. Tutti
ballano, sembra quasi un after party. Nessuno
parla inglese e io non parlo portoghese. Incontro
una ragazza che dice qualcosa che non capisco,
guardando la luna. Credo parli con sé stessa.
Uno, vicino a me, mi smentisce: sta parlando alla
luna, dice. Memorizzo il ritmo e, tornato a casa, ci
scrivo sopra Vi Lua Vi Sol. Un esempio del nostro
potenziale infinito. Se possiamo parlare alla luna, al
sole, alle stelle siamo anche responsabili di ciò che
la realtà è. La mia solita dualità. Il tipo che guarda
dalla finestra vuole essere connesso con l’universo.
Quello che legge il giornale vuole conoscere Dio”.
L’infinito dello spazio e delle possibilità dell’animo
umano che non escludono mai l’urgenza di ricordare
da dove si viene. “Ne parlo in Street Fighter Mas.
Il periodo fra i videogiochi da bar e quelli da casa.
Quando ero ragazzo c’era questo posto, Rexall,
con i suoi videogiochi. Street Fighter e Samurai
Showdown. Ragazzi di quartieri diversi andavano
lì per giocare agli stessi giochi. Altrove avresti
avuto paura di molti di quei tipi, ma lì ti mettevi
davanti allo schermo ed eri quello che eri. Street
Fighter, quasi un equalizzatore sociale. Nel contesto
dell’album è la mia connessione coi ragazzi del mio
quartiere. Quelli più vecchi, i nostri riferimenti, li
chiamavamo gli originali (OGs, in inglese, nda).
I videogiochi erano il mio modo di venire a contatto
con loro, visto che le gang non erano cosa mia.
N.W.A. PUBLIC ENEMY
STRAIGHT OUTTA FEAR OF A BLACK
COMPTON PLANET
(RUTHLESS, 1988) (DEF JAM, 1990)
 AMERICA (NERA) OGGI KAMASI WASHINGTON
Davanti allo schermo eravamo solo dei ragazzini.
Quando sono cresciuto ho pensato spesso a come
sarebbe stato meglio se, invece di uccidersi per
strada, avessero potuto sfidarsi ai videogiochi
risolvendo cosi i loro problemi. I videogiochi sono
il modo che ho di ricollegarmi al mio passato, agli
OGs. Da afroamericani, molti di noi non conoscono
il loro paese d’origine. Ecco perché poi si rivolgono
al panafricanismo. Io, ad esempio, ho cercato le
mie radici nei ritmi di una canzone di Freddie
Hubbard. È importante stabilire la connessione
con il tuo passato. Attraverso l’Africa e le radici, o
con un videogioco che ti consenta di farti rispettare
da quei ragazzi più grandi di te quando li batti,
mentre in qualche modo ti spiegano come sia la vita
fuori dalla sala giochi”. Radici che Kamasi affronta
apertamente in The Psalmist. “L’ha scritta Ryan
Porter. Parla di George Bohannan. Un trombonista
cresciuto con Alice e John Coltrane, che ci ha aiutato
molto quando eravamo giovani. Ci ha insegnato
come presentarci in tempo a un concerto, quali pezzi
conoscere, il valore della professionalità. Il pezzo
è un tributo a tutti i mentori. Nel nostro quartiere
non ce n’erano molti e George era uno dei pochi.
Come Martin Luther King, Malcolm X, e tutti i Gesù
Cristi, Maometti e Siddartha di questo mondo. Tutti
quelli che, nella loro vita, hanno condiviso la loro
saggezza per illuminare il nostro cammino”.
Un idealismo quasi testardo, che comunque deve
confrontarsi con la realtà contemporanea. “Penso
alla storia di Nat Turner, nel film The Birth Of A
Nation. Un visionario che non ebbe la peggio, ma
porto la sua esistenza oltre. Negli Stati Uniti oggi
siamo mentalmente agiati. Anche se non siamo del
tutto felici di quel che succede, abbiamo comunque
la responsabilità di rendere il mondo ciò che
dovrebbe essere, anche se per noi, individualmente,
non è cosi male, perché’ non va bene per altri. La
canzone Show Us The Way e il suo coro parlano di
questo”. Una nuova visione, che spinge dal basso,
ma non ribolle solo di rancore. “È la somma delle
nostre azioni che equivale a qualcosa. Anche se
A TRIBE CALLED ARRESTED NAS
QUEST DEVELOPMENT ILLMATIC
THE LOW END THEORY 3 YEARS, 5 MONTHS AND (COLUMBIA, 1994)
(JIVE, 1991) 2 DAYS IN THE LIFE OF...
(CHRYSALIS, 1992)
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
sembra ci siano solo pochi eletti che fanno cose, non
è una questione individuale. Non è mai l’individuo,
sono sempre le masse. Il potere parte dalla base
della montagna, non dalla punta. Il potere è la
realizzazione che mette in discussione ciò che ci
farai. La ragione per cui le persone sono inattive
è perché pensano che le loro azioni non abbiano
effetto. Credono di dover influenzare il mondo
intero. Ma non è cosi. Basta che abbiano il loro
peso nel piccolo mondo in cui vivono. Quella è la
realtà”. Con un sassofono tenore come unica arma
fra le mani, l’orgoglio di un continente nei colori
dell’abito e lo sguardo rivolto verso un futuro di
stelle, un nuovo mentore per un esercito di potenziali
sognatori. “Ho scritto Invincible Youth perché credo
al cambiamento che parte dalla massa ma avviene
nel futuro. Spesso investiamo tutte le nostre energie
per marciare e protestare, per provare a cambiare
la testa di una persona di 60 o 70 anni. La realtà è
che il mondo cambia da una generazione all’altra.
Finiamo per ignorare i ragazzi. Se vogliamo che
qualcosa cambi, dobbiamo rivolgerci alle loro
menti, sono le uniche che ci ascolteranno. Non
importa quanto roviniamo tutto, la gioventù
ha sempre il potere di mettere le cose a posto.
Ecco perché’ la chiamo invincibile. Mentre noi ci
buttiamo giù, loro ce la fanno”.
KENDRICK ALGIERS
LAMAR THE UNDERSIDE
GOOD KID, OF POWER
M.A.A.D CITY (MATADOR, 2017)
(AFTERMATH, 2012)
RUMOREMAG.COM | 31
 AMERICA (NERA) OGGI U.NET
U.NET
IL RINNOVAMENTO
DEI MOVIMENTI
AFROAMERICANI
T E S T O D I LU C A G R I C I N E L L A
U.net è il più importante studioso italiano di hip
hop statunitense e, in ogni suo saggio, ha sempre
un occhio di riguardo per la storia sociale e politica
degli afroamericani. Il suo ultimo libro, Stand 4
What (Agenzia X), parte dal film Black Panther come
emblema di un afrofuturism che diventa tentativo
nobile di fuga dalla realtà, messo in atto con intelletto
e coscienza. Poi passa alla delusione per l'operato di
Obama, alla nascita di Black Lives Matter e di tutto il
Movimento contemporaneo affrontando, anche tramite
le esperienze e le iniziative dei musicisti, temi come
razzismo, soprusi e violenza poliziesca, gentrification
e tanti altri risvolti sociopolitici dell'attualità. Lo
abbiamo incontrato poco dopo l'ottenimento della NAS
Fellowship ad Harvard.
Come è andata con Harvard? Andrai lì come
ricercatore...
“Tra il 2009 e il 2015 ho partecipato ad alcune
conferenze sponsorizzate dal loro Hip Hop Archive.
Nell’ultima ho fatto una master class su hip
hop e attivismo e ho proiettato Unstoppable, un
documentario che racconta la nascita della scena hip
TAG: #blacklivesmatter, #afrofuturism, #harvard, #thisisamerica, #wakanda
32 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I LU C A G R I C I N E L L A
hop a Londra. Quel lavoro ha generato molto interesse
nell'ottica di uno sviluppo internazionale dell'archivio
stesso. Ecco perché mi è stato proposto di inviare
un progetto e concorrere alla selezione per la NAS
Fellowship, che ho ottenuto”.
Su quali caratteristiche ti soffermeresti
per focalizzare lo stato attuale dell'hip hop
statunitense?
“Ci sono segni evidenti di un rinascimento nero che si
intravede nella musica, nel cinema, nella letteratura
e nell'arte in generale. La realtà contemporanea,
la speranza rivelatasi illusione di un'America post
razziale, il livello di marginalizzazione e repressione
attuato nei confronti della popolazione di colore non
possono più esser nascosti né ignorati. Da qui c'è la
riscoperta di temi e valori 'impegnati' che ritroviamo
nell'underground come nel mainstream. Non voglio
dire che il bling, la violenza, i soldi e il machismo non
siano più temi dominanti: la novità sta nel fatto che
per ogni Lil Wayne troviamo ora un ‘nuovo’ T.I, per
ogni Rick Ross un ‘nuovo’ David Banner. Questi artisti
stanno portando all'attenzione di milioni di persone la
ONLINE: facebook.com/hiphopreader.it

“CI SONO SEGNI EVIDENTI DI
UN RINASCIMENTO NERO CHE SI
I N T R AV E D E N E L L A M U S I C A , N E L
C I N E M A , N E L L A L E T T E R AT U R A E
N E L L'A R T E I N G E N E R A L E . L A R E A LTÀ
CONTEMPORANEA, LA SPERANZA
R I V E L ATA S I I L LU S I O N E D I U N'A M E R I C A
POST RAZZIALE, IL LIVELLO DI
MARGINALIZZAZIONE E REPRESSIONE
AT T UATO N E I C O N F R O N T I D E L L A
POPOLAZIONE DI COLORE NON
POSSONO PIÙ ESSER NASCOSTI NÉ
I G N O R AT I. D A Q U I C 'È L A R I S C O P E R TA
D I T E M I E VA LO R I 'I M P E G N AT I' C H E
R I T R OV I A M O N E L L'U N D E R G R O U N D
C O M E N E L M A I N S T R E A M ".
'vera' realtà dell’America nera. A conferma di questo c’è
un video come This Is America: potentissimo!”
Nella parte finale del tuo nuovo saggio parli
proprio di questo video: come ti spieghi la sua
popolarità (anche in Italia)?
“Donald Glover aka Childish Gambino ha fatto uscire il
video di This Is America il giorno dopo la sua esibizione
al Saturday Night Live. E il videoclip è un capolavoro
in cui produzione musicale e danza, portatrici di
spensieratezza e allegria, si scontrano frontalmente con
immagini di scontri, violenza e devastazione. La musica
è più un collage che una canzone e la sua orecchiabilità
è più un mezzo che un fine. Inoltre, This Is America
si pone come canzone di protesta sui generis perché
non critica un problema sociale, non si scaglia contro
un capro espiatorio, non fornisce soluzioni ma è un
tripudio di dubbi e domande. Quale modo migliore per
scatenare un ampio dibattito in Rete?”
Un altro video su cui ti soffermi è Formation di
Beyoncé....
“Formation è una celebrazione dell’esperienza nera
attraverso l’elencazione dei piaceri, delle identità e
delle intersezioni – di classe, genere e sessualità – che
caratterizzano la comunità. In poco più di tre minuti
Beyoncé afferma che la rivoluzione può essere sexy
e intrigante, che protesta e performance, ribellione e
piacere non sono in contraddizione tra loro quando
si immagina un futuro che non parli solo di dolore e
morte. Inoltre, la presenza quasi esclusiva di donne e
queer è un ulteriore tentativo di sottolineare l’iniquità
di genere nella maggior parte degli ambiti sociali e
in America in catene'. Nel profondo di Wakanda
giace la domanda esistenziale più importante: 'Se
non ci avessero ridotti in schiavitù, cosa sarebbe
successo?'. L’afrofuturismo è una risposta a queste
domande e chi lo studia ha già narrato le modalità
in cui la popolazione di colore ha vissuto la propria
invasione aliena, il rapimento, ed è sopravvissuta
come estranea in una terra straniera. Per gli africani
U.NET
e coloro i cui antenati furono allontanati con la forza
STAND 4 WHAT
'le navi aliene sono sbarcate molto tempo fa', come
AGENZIA X
ha detto il critico Greg Tate.
Sesto libro per U.net, studioso
di cultura hip hop, storia black
e Movimenti americani. Stand
4 What è “una panoramica
sulle dinamiche in atto nella
comunità nera in America”,
scrive l’autore milanese ormai
conosciuto anche negli Stati
Uniti. La descrizione di nuove
pratiche di lotta e vecchi vizi
come razzismo, supremazia
bianca e marginalità coinvolge
sia le azioni collettive di
Black Lives Matter sia
quelle di singole persone, da
artisti musicali mainstream
come Beyoncé, T.I., Jay-Z
o Childish Gambino, che
usano soprattutto i video
per mettere in evidenza i lati
oscuri del loro Paese, fino a
quelli più militanti come Talib Kweli, M1 (Dead Prez) o Jasiri X. Il
passaggio da Obama, che ha deluso molti, alla drammatica farsa
di Trump ha riacceso l’esigenza di farsi sentire e stare uniti di una
gran parte della comunità afroamericana. U.net seleziona fatti,
opere e opinioni per raccontare "una nuova rinascita nera", "una
nuova fase di coscienza individuale e collettiva". Capitolo dopo
capitolo, la descrizione di una realtà preoccupante convive con la
presa di coscienza che oltreoceano si stia vivendo “un momento di
definizione di nuovi valori personali e politici” che, attualmente,
corrisponde a una speranza concreta di cambiamento. Questo
perché alle iniziative partite dal basso fanno eco quelle di
personaggi quanto mai popolari: “Prima ancora di avere cantato
una sola parola, con la sua presenza Beyoncé ha portato in scena la
maestosità degli antichi sovrani africani, lo stile dei funerali bayou
jazz, il funk afrofuturista anni settanta, la trap dei giorni nostri
e il gospel”, scrive U.net descrivendo l’incipit della chiacchierata
esibizione al Coachella. Stand 4 What è un documento che ferma
un momento storico ma anche un libro destinato a proseguire
nell’attualità afroamericana.
80/100
RUMOREMAG.COM | 33
 AMERICA (NERA) OGGI U.NET
“NEL PROFONDO DI WAKANDA GIACE
L A DOMANDA ESISTENZIALE PIÙ
IMPORTANTE: 'SE NON CI AVESSERO
RIDOT TI IN SCHIAVITÙ, COSA SAREBBE
SUCCESSO?'. L’AFROFUTURISMO È UNA
RISPOSTA A QUESTE DOMANDE E CHI LO
STUDIA HA GIÀ NARRATO LE MODALITÀ
IN CUI L A POPOL AZIONE DI COLORE HA
VISSUTO L A PROPRIA INVASIONE ALIENA,
IL RAPIMENTO, ED È SOPRAVVISSUTA
COME ESTRANEA IN UNA TERRA
STRANIERA. PER GLI AFRICANI E COLORO
I CUI ANTENATI FURONO ALLONTANATI
CON L A FORZA 'LE NAVI ALIENE SONO
SBARCATE MOLTO TEMPO FA', COME HA
DET TO IL CRITICO GREG TATE".
politici statunitensi”.
Nel libro sottolinei che i moderni movimenti
di protesta afroamericani non hanno leader, a
differenza di quelli degli anni 60 e '70. Tra gli
artisti musicali ci sono portavoci autorevoli
delle rivendicazioni in atto?
“Perché un Movimento sia efficace servono attivisti.
Perché un Movimento sia capillare servono artisti
capaci di articolarne le idee. Nel corso degli ultimi
anni alcuni artisti hanno parlato, manifestato, cantato
a sostegno del Movimento: Killer Mike e Talib Kweli
sono considerati a ragione portavoce di Black Lives
Matter. La novità sta nel fatto che nomi considerati
'non conscious' come David Banner e T. I. stanno
invece propagando le idee di BLM, proprio come
stanno facendo Joey Badass e Vic Mensa, tra i pochi
rappresentanti della nuova scena. D'altronde il politico
e l’artistico sono due istanze di uno stesso Movimento
e operano al meglio quando si integrano a vicenda. Gli
attivisti ispirano i testi degli artisti che, a loro volta, ne
diffondono le idee”.
Descrivi questi attivisti mentre cantano il
ritornello di Alright di Kendrick Lamar di
fronte alla polizia e magari sono gli stessi che
citano James Baldwin: c’è un legame tra i
movimenti degli anni 60 e ’70 e quelli di oggi?
“Il Movimento per i Diritti Civili/Black Power è preso
sicuramente a esempio perché rappresenta l’ultima
espressione di una radicalità nera ma i nuovi attivisti,
34 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I LU C A G R I C I N E L L A
al contrario, prendono le distanze da quei leader
che sono stati complici della distruzione sistematica
delle pratiche di supporto alla desegregazione (Jesse
Jackson, Al Sharpton ecc.). Benché Black Lives
Matter per certi versi sia una continuazione del Black
Liberation Movement, rappresenta anche l’espressione
contemporanea della protesta e ha caratteristiche
specifiche che quei leader non sembrano comprendere.
Per esempio il fulcro nevralgico è costituito da queer,
gay, lesbiche e trans, cioè da soggetti solitamente
ai margini della comunità nera. In questo senso il
nuovo Movimento si propone come un soggetto che
mira a trasformare sia la comunità nera sia la società
statunitense. I suoi militanti condividono la prospettiva
secondo cui le diverse identità sociali e i relativi sistemi
di oppressione, dominio o discriminazione – di classe,
genere, razza – sono in relazione. Questa teoria tende
a una visione dell’ingiustizia e della disuguaglianza
sociale lontana dalle idee classiche sull’oppressione
sociale. Anche la teoria politica che sta alla base risulta
quindi distante dalle esperienze precedenti, proprio
come i metodi e gli strumenti di lotta”.
In questo scenario, qual è il ruolo
dell’afrofuturism?
“Il film Black Panther è, attualmente, l’esempio
più accessibile di afrofuturismo e il suo legame con
l’universo Marvel collega l’avventura del supereroe
a un’estetica che mette in mostra la cultura africana,
le dinamiche del potere internazionale, la tecnologia
e la fantascienza. Per secoli, infatti, la popolazione
afroamericana ha cercato o tentato di creare una
terra promessa, lontana dagli orrori criminali e dal
razzismo. Dai tentativi di Paul Cuffee di ritornare
in Sierra Leone nel 1811 alla Black Star di Marcus
Garvey, dai movimenti nazionalisti culturali degli
anni 60 al To The East, Blackwards degli X Clan
nei primi anni 90, gli afroamericani hanno sempre
sognato un’Africa immaginaria dove tornare a vivere
diversamente. L’afrofuturismo non rappresenta solo
l’idea di una nazione in cui i neri saranno liberi ma
anche il tentativo di capire come potrebbe essere quella
nazione. 'Wakanda è di per sé uno stato immaginario',
dice Ava DuVernay, regista di Selma e 13th, 'un
posto che è nei cuori, nella mente e nello spirito dei
neri da quando sono stati trascinati in America in
catene'. Nel profondo di Wakanda giace la domanda
esistenziale più importante: 'Se non ci avessero ridotti
in schiavitù, cosa sarebbe successo?'. L’afrofuturismo
è una risposta a queste domande e chi lo studia ha già
narrato le modalità in cui la popolazione di colore ha
vissuto la propria invasione aliena, il rapimento, ed è
sopravvissuta come estranea in una terra straniera. Per
gli africani e coloro i cui antenati furono allontanati con
la forza 'le navi aliene sono sbarcate molto tempo fa',
come ha detto il critico Greg Tate.
 AMERICA (NERA) OGGI TUTTE LE STELLE SONO PIU’ VICINE T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O

TUTTE LE STELLE
SONO PIÙ VICINE
10 NOMI PER L’AMERICA NERA OGGI
(E SOPRATTUTTO DOMANI)
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O

Con lo sguardo in alto, dove stanno gli astri dell’Olimpo che guidano i destini della comunità (Kendrick, Beyoncè,
Jay Z, Kanye, forse, il geniale Frank Ocean, il nuovo principe Childish Gambino, D’Angelo, Drake e Run The Jewels).
In corsa per affiancare le supernove che incalzano, (Travis Scott, Chance The Rapper, Vince Staples, Anderson.
Paak, Solange, SZA e Future, fra gli altri). 10 nomi da segnarsi per non perdere la bussola, fra le mille tensioni e
velleità della nuova coscienza nera americana, nel futuro che verrà.

KEVIN ABSTRACT
Il leader della Internet boy band Brockhampton, sul trampolino di lancio
per diventare il nuovo artista totale dell’hip hop USA. Rapper e regista,
cantautore e curatore. Dalle strade meticce di Corpus Christi, Texas,
passando per Los Angeles. Con in serbo il nuovo album del suo collettivo.
Un Justin Timberlake dei sobborghi.

CHINO AMOBI
La mente del collettivo internazionale resistente NON. Un po’ etichetta
discografica, un po’ social network. Resistenza cosmopolita all’oscuramento
della cultura africana. Elettronica radicale e un approccio estremo al
dancefloor, le armi scelte. Il suo PARADISO del 2016 un viaggio dantesco fra
le (attese) rovine del capitale.

MILO AKA SCALLOPS HOTEL

Un flusso indolente, che guarda più a gallerie d’arte e letteratura che alla
strada. E che nel nuovo Sovereign Nose Of (Y)our Arrogant Face trova il
suo senso musicale. Tappeti di jazz urbano per leggere la realtà circostante,
da una prospettiva amaramente ironica ed evoluta.

STEVE LACY
Un nuovo Pharrell Williams per l’era digitale? Le recenti collaborazioni
con Kali Uchis e Syd svelano potenziale produttivo. Il suo Demo del 2017
un breve assaggio di capacità di scrittura, fra morbidezze neo soul e funk
di velluto. Ex membro di The Internet, suona tutto e registra sull’Iphone.
Genio in erba, fra Abletone e Apple.

RUMOREMAG.COM | 35
 AMERICA (NERA) OGGI TUTTE LE STELLE SONO PIU’ VICINE T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O

MHYSA
Emersa dalla scena queer di Filadelfia. Il suo Fantasii del 2016 è un viaggio
verso il paradiso. L’estetica da club come strumento di fluidità sessuale,
fra radici da non dimenticare e futuro. Poesia sintetica, che resiste al
suprematismo bianco a colpi di elettronica evoluta. Per gioire perché siamo
ancora vivi, anche se la guerra è tutt’altro che vinta.

KELSEY LU
Chiamatela solo Lu. I nomi sono importanti quando vieni da una storia che te
li ha sempre imposti. La violoncellista di Brooklyn afferma la sua orgogliosa
bisessualità come vessillo di libertà. Il suo strumento plana su tele post
apocalittiche e la sua voce s’impone quasi a cappella nell’intenso Church
(2016). Spiritualità laica.

CUPCAKKE
La boccaccesca rapper di Chicago sceglie la sfrontatezza sessuale per
rivendicare la propria libertà di scelta come donna nera. Video oltre il limite
del lecito, fra vibratori ostentati come vessilli e gemiti come chiamate alle
armi. Un album (Ephorize, 2018), sintesi di gran produzione e introspezione
matura, al di là dell’oltraggio.

PRINCESS NOKIA
Destiny Frasqueri da New York. Adottata (e abusata) a 10 anni, dopo aver
perso la madre, morta di AIDS, non si è mai tirata indietro nel rivendicare
la propria identità. Nera e latina, queer e combattente. Nella metropolitana
o sul palco, ogniqualvolta razzismo e misoginismo ci provino. A Girl Cried
Red (2018) il suo nuovo manifesto.

NONAME
Fatimah Warner inizia con la poesia, per un programma alla Harold
Washington Library di Chicago. Parole di dolore e redenzione che
racchiudono tutto il periplo della comunità femminile di colore. Versi
declinati con amore, nel pregevole Telefone. Gioia e devastazione su eleganti
tappeti minimali. Un rifugio dalla violenza dell'hood.

SABA
Austin, sobborgo di Chicago, è terreno di resistenza quotidiana. La violenza
delle gang ha lasciato sul campo il corpo del cugino di Tahij Malik Chandler
(in arte SABA). CARE FOR ME, il nuovo album, dedicato a lui, e Prom/
King il racconto su punta di pianoforte del percorso fino alla morte. Triste
documentazione delle tribolazioni nell'hood. Fotografie di parole che
guardano alla lezione di dolcezza di Kendrick Lamar.

36 | RUMOREMAG.COM
NINE INCH NAILS
BAD WITCH
IL NUOVO ALBUM

TT
LOVELAWS
IL DEBUTTO SOLISTICO DI
THERESA WAYMAN DELLE WARPAINT

CD - LP - DIGITALE

“…sotto la patina di luci soffuse di

questo disco c’è tanta sostanza” - Rolling Stone

“un disco permeato di fascino” - Buscadero

“affascinante… un lavoro intimo, stilisticamente

vicino al trip hop, con un andamento sensuale
ed etereo” - Rockerilla

“TT attinge dalla propria esperienza

gli ingredienti artistici più familiari
per poterli lavorare con più personalità
e un pizzico di libertà” - Il Mucchio Selvaggio
 LA SOCIETÀ ALTERNATIVA DI
JOHNNY
MARR T E S T O D I N I C H O L A S D AV I D A LT E A
Rileggendo l’autobiografia di Johnny
Marr, Set The Boy Free (SUR, 2017), uscita
poco meno di un anno fa, ci si trova davanti
a una narrazione abbastanza scolastica,
semplice e immediata. Nulla di sconvolgente,
a dirla tutta. Il racconto di vita – persino
troppo pacato visti tutti i retroscena
successivi alla fine degli Smiths – di una
popstar influente come poche altre grazie
al proprio inconfondibile suono di chitarra.
Quando si dialoga con Johnny Marr, però,
questo minimalismo svanisce, lui diventa
un fiume in piena, ha molto più l'aria di un
pensatore di quanto quello scritto potrebbe
far pensare, tanto che nel suo nuovo album
Call The Comet cerca di immaginare una
società alternativa. Politicamente gli Smiths
sono stati più invadenti e scomodi del
Johnny Marr solista, ma l’occhio critico del
chitarrista non si placa e anzi emerge vivido
dalle parole che pronuncia sullo stato attuale
delle cose in Inghilterra e nel mondo intero,
quello reale e quello digitale, ragionando
su un confine tra tangibilità e proiezione di
noi stessi nella Rete ormai quasi scomparso.
Marr ci ha raccontato il disco, l'amicizia con
il compositore Hans Zimmer, la sua visione
di una ipotetica società alternativa, più
mitizzata che concreta.
Chiunque altro avrebbe capitalizzato
TAG: #johnnymarr, #thesmiths, #callthecomet, #brexit, #societaalternativa
il proprio nome dopo la fine degli
Smiths. Invece hai collaborato
tantissimo con altri e solo nel 2013
hai deciso di pubblicare il primo
lavoro solista in tutto e per tutto, The
Messenger. Perché hai scelto questa
strada?
“In primo luogo perché sono un musicista.
Essere una pop star è divertente, essere un
personaggio pubblico è piacevole, ma io
voglio fare grandi dischi con grandi persone.
Da quando avevo 14, 15 anni ho sempre
imparato qualcosa da tutti quelli con cui ho
suonato e scritto canzoni. Nel mio quartiere
c’erano un sacco di band e di artisti più
dotati di me e ho fatto del mio meglio per
sperimentare e suonare con il maggior
numero possibile di musicisti. Quando ho
lasciato gli Smiths non sapevo davvero cosa
avrei fatto, non sapevo nulla della mia futura
carriera; l'unica cosa che sapevo era che stavo
cercando di diventare un chitarrista migliore.
Volevo lavorare in ambienti musicali diversi,
con più persone possibili. Poi ho riscoperto
me stesso suonando con due dei miei
musicisti preferiti, Matt Johnson nei The The
e Bernard Sumner nei New Order”.
Faccio fatica a immaginarmi Johnny
Marr che non fa nulla. C’è stato un
momento in cui ti sei fermato o in
ONLINE: johnnymarr.com
 JOHNNY MARR T E S T O D I N I C H O L A S D AV I D A LT E A

cui hai pensato fosse il caso prenderti una

pausa?
"SONO CRESCIUTO ALL'INTERNO “(Ride, nda) No, l'ho fatto solo per poco a 15 anni.
Questa è la mia vita. Pensa a un pittore: non si
DELLA CLASSE OPERAIA ED È PER prende una pausa di due anni. Ho un paio di
amici, uno fa lo scultore e l'altro l'attore: loro non
QUESTO CHE QUANDO L AVORO concepiscono l'idea che un musicista si prenda una
pausa tra la realizzazione di un disco e il successivo.
NON DICO DI ESSERE UN ARTISTA. Sono cresciuto all'interno della classe operaia ed
è per questo che quando lavoro non dico di essere
PROPRIO COME FANNO TUT TI GLI
un artista. Proprio come fanno tutti gli artisti che
ARTISTI CHE L AVORANO SODO. lavorano sodo. Questa è la mia vita, non mi serve
prendere una pausa”.
QUESTA È L A MIA VITA, NON MI
In merito a Call The Comet dici che
S E R V E P R E N D E R E U N A P A U S A ". rappresenta la tua idea di società
alternativa. Quali sono le caratteristiche che
la definiscono?

10 DISCHI CON JOHNNY MARR

THE SMITHS THE SMITHS THE THE ELECTRONIC 7 WORLDS

THE SMITHS THE QUEEN IS DEAD MIND BOMB ELECTRONIC COLLIDE
ROUGH TRADE, 1984 ROUGH TRADE, 1986 SOME BIZZARE/EPIC, FACTORY/VIRGIN, 1991 7 WORLDS COLLIDE
1989 PARLOPHONE, 2001

40 | RUMOREMAG.COM
 JOHNNY MARR
“Io mi immagino che si possa ancora ripartire
da zero. L'attuale situazione politica mondiale
è qualcosa da cui vorrei scappare. Non voglio
trattare quell’argomento nelle mie canzoni,
preferisco raccontare la società, il mondo che c’è
là fuori, le città, cose del genere. In alcuni brani ho
immaginato una società fittizia. New Dominions
è ispirata da un libro che si intitola Only Lovers
Left Alive, l'autore è Dave Wallis, che racconta la
presa di potere dei teenager a livello mondiale.
Rise, la traccia che apre il disco, inizia con due
personaggi che si ritrovano e si rifanno una nuova
vita. The Tracers è una canzone di fantascienza
su una richiesta di aiuto da parte dei terrestri
rivolta a forze esterne, non necessariamente i
classici alieni... un po' come in Straniero In Terra
Straniera di Robert Heinlein. Voglio cantare del
mio mondo e della società, ma non necessariamente
la società in cui viviamo”.
Le atmosfere di questo disco sono più cupe
rispetto a quelle degli altri due album. Gli
argomenti trattati hanno influenzato il
suono?
“Quando sono in procinto di registrare un disco
non so esattamente cosa andrò a fare: seguo
completamente le mie sensazioni, mi lascio
guidare dalla mia mente. Avevo davvero bisogno di
scrivere nuova musica e credo che si senta – molto
semplicemente – una lieve cupezza in alcuni punti,
nonostante siano poche le canzoni con un suono
ruvido. I miei primi due LP erano musicalmente
molto più new wave, e pure un po' hard rock,
c’erano un paio di canzoni che si avvicinavano ai
Franz Ferdinand o ai Magazine. In quest’ultimo
ho voluto rappresentare musicalmente il fatto che
il rock non possa venire inscatolato. È sensuale,
scuro, e anche un po' inquietante, come in The
Tracers”.
Che importanza hanno avuto le tue
collaborazioni con il compositore Hans
Zimmer – ad esempio per la colonna sonora
di Inception di Christopher Nolan – e in che
JOHNNY MARR MODEST THE CRIBS
AND THE MOUSE IGNORE
HEALERS WE WERE DEAD THE IGNORANT
BEFORE THE SHIP WICHITA, 2009
BOOMSLANG
ARTISTDIRECT/IMUSIC, EVEN SANK
2003 EPIC, 2007
T E S T O D I N I C H O L A S D AV I D A LT E A
"IO MI IMMAGINO CHE SI POSSA
ANCORA RIPARTIRE DA ZERO.
L'AT TUALE SITUAZIONE POLITICA
MONDIALE È QUALCOSA DA CUI
VORREI SCAPPARE. NON VOGLIO
TRAT TARE QUELL’ARGOMENTO
NELLE MIE CANZONI, PREFERISCO
RACCONTARE L A SOCIETÀ, IL MONDO
CHE C’È L À FUORI, LE CIT TÀ, COSE
D E L G E N E R E ".
modo hanno influenzato una certa coloritura
cinematografica presente in questo album?
“Ho lavorato con lui per Amazing Spider-Man
2 (2014), in un film con Julianne Moore che si
intitola Freeheld (2015) e ho suonato in Rango
- The Cartoon (2011). Hans è un amico intimo,
uno di famiglia. Quando ho iniziato a lavorare
a Call The Comet avevo passato molto tempo in
studio con lui in precedenza e ovviamente qualche
influenza si percepisce in un brano come Walking
To The Sea. Quando scrivevo i miei primi due
dischi solisti volevo che suonassero come i Wire
o i Buzzcocks. E ora penso a questo disco un po’
come se fosse un film, probabilmente c'è una
componente di drammaticità nel suono, in pezzi
come New Dominions, Actor Tractor, The Tracers
e Walking to the See. Questo rende il tutto ancora
più emozionante quando canto”.
Per un artista come te che ha scritto una
canzone carica di orgoglio come European
Me, che osa ha significato la Brexit?
“La Brexit è stata una enorme delusione per
me, mi si è davvero spezzato il cuore pensando
JOHNNY MARR JOHNNY MARR
THE MESSENGER CALL THE COMET
WARNER, 2013 NEW VOODOO/WAR-
NER, 2018
RUMOREMAG.COM | 41
 JOHNNY MARR
alla generazione con cui ero cresciuto e avevo
combattuto. In poche parole molti inglesi hanno
pagato per la stupidità altrui, ma non voglio
giudicarli, so quanta fatica facciano molti per
pagare le bollette mentre qualcun altro ne alimenta
le paure: gli stranieri, la mancanza di ospedali, la
disoccupazione. Questa è ideologia razzista, fa finta
che le cose siano molto più semplici di quel che
sono in realtà. Controllano le forze armate in modo
molto intelligente, come negli anni 60. Hanno
imparato a mettere a tacere i media quando ci sono
state delle rivolte, lo stesso avviene negli Stati
Uniti. Ho scritto la canzone European Me perché
nell’aria avevo avvertito la sensazione che ci fosse
qualcosa di brutto, già 3 anni prima della Brexit.
Oggi sono molto orgoglioso dell'Unione Europea”.
Non ti faccio la domanda sulla reunion degli
Smiths perché non ha senso. Però te ne
vorrei fare un’altra: che cosa hai pensato
quando hai letto di Mike, Andy e Craig,
del loro progetto di risuonare i brani degli
Smiths con l'orchestra?Ti sei arrabbiato?
“Sono rimasto molto sorpreso perché non sono
stato consultato, e tutte le persone a cui ho chiesto
non ne sapevano nulla. Solitamente quando
qualcuno intende suonare la musica di qualcuno lo
contatta. È stato tutto molto strano: ho pensato che
fosse uno scherzo. In un certo senso è come essere
derubati da qualcuno che conosci. Come se i tuoi
vecchi amici irrompessero in casa tua... è quella
sensazione lì”.
E infatti poi il tour è stato cancellato.
“È stata una barzelletta. Hanno distrutto la band
senza neppure suonare un concerto insieme (ride,
nda)”.
Leggevo che da giovane hai fatto un provino
per la squadra di calcio del Manchester City.
In che ruolo giocavi?
“Giocavo come ala destra. Ero piuttosto piccolo ed
era l’unico ruolo in cui avrei potuto giocare perché
ero veloce e non riuscivano a darmi i calci”.
Oltre e condividere la passione per il City,
sei molto amico di Noel Gallagher. Gli hai
mai dato qualche consiglio sulla possibile
reunion degli Oasis?
“Gli Oasis sono stati insieme circa 17 anni, più o
meno, se volessero riunirsi ci metterebbero un
attimo. Quando sono insieme a Noel parliamo di
ciò che lo rende felice adesso. È una persona molto
ispirata, ha sempre tante idee e la testa sempre in
movimento, è sempre sul prossimo progetto che
vuole sviluppare. Siamo molto simili da questo
42 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I N I C H O L A S D AV I D A LT E A
punto di vista e sono contento di vederlo così
stimolato dal lavoro con la sua band negli ultimi tre
anni. Quando abbiamo lavorato assieme a Chasing
Yesterday (2015) e Who Built the Moon? (2017)
era molto entusiasta. L’argomento reunion non lo
affronta mai con me, siamo persone che guardano
avanti e la nostra amicizia è molto più forte adesso,
visto che siamo nella stessa situazione: lui è davvero
contento della sua band, dei testi che scrive, di ciò
che produce e di ciò che può arrivare a ottenere.
Siamo entrambi molto felici di quello che stiamo
facendo nella nostra vita, così non ci preoccupiamo
degli Oasis o degli Smiths. Non abbiamo intenzione
di guardare indietro, ma sempre avanti”.
Il tuo rapporto con la tecnologia, e
soprattutto con i social, è cambiato dopo
quel tweet che scrivesti nel 2010 contro
l’allora primo ministro britannico David
Cameron, nel quale dicevi “David Cameron,
smettila di dire che ti piacciono gli Smiths,
non puoi. Ti proibisco di farteli piacere”?
“Sì, lo è a essere onesti. Ci stiamo tutti adattando
a vivere con i social network. Si tratta di una
questione molto importante, così grande che, un
giorno, ripenseremo a questo periodo di rivoluzioni
come a uno dei passi evolutivi più importanti della
nostra storia, forse pure di più della rivoluzione
industriale: i suoi effetti sono molteplici e ricadono
sulle nostre menti e sui nostri comportamenti.
Molte conseguenze sono positive, come quelle
legate alla globalizzazione, ad esempio nel campo
della medicina, mentre i risvolti negativi sono
ovviamente riconducibili alla natura dell’uomo.
Penso che non siamo ancora in grado di sfruttare
al meglio i social network e la Rete in generale.
È molto facile dimenticarsi che Internet non è la
vita reale. Non lo è davvero. Non è ossigeno. La
strada è ancora molto lunga per arrivare a questa
consapevolezza”.
E David Cameron?
“Cameron è stato davvero divertente; in realtà ne è
uscito bene, non credo che ci siano molti politici che
fingono di amare le band rock. I politici dovrebbero
fare attenzione quando parlano di musica, e
tenersi lontani dai musicisti. Cerco davvero di
non prendere i social network troppo sul serio in
questo momento, ma l'abuso che ne è stato fatto
durante la Brexit mi ha indotto a comprendere
quanto le persone siano davvero stupide. Non
penso che il mondo sia pieno di gente così, guidata
dai commenti lasciati sotto un articolo on line. È
davvero un'arena per gli stupidi (ride, nda)”.
ITALIAN
NEW
VOGLIO
RIVIERA
ITALIAN
VEDERTI
DANZARE
GROOVE
SENTO L A NOSTALGIA DI UN PASSATO. IL BOOM ECONOMICO,
L A CANZONE POPOL ARE,SOLO)
(E NON ECCO CHE ARRIVANO
IT ETEDESCHI.
S T O D I M AU R O F E N O GNON
L I O , G I A NTI
LU C POTRO’ SCORDAR.
A RUNZA E GIOR G I O VA L L E T TA

CI SIAMO STATI TUTTI, È ESTATE, FORSE SIAMO LÌ.

Nuovi approcci al dancefloor prendono forma nell’Italia del 2018. Spinti da una
L A RIVIERA NELLE MALINCONIE POP DE IL LUNGO ADDIO
E TRAcontinua ricerca, dalla
LE PAROLE DIvolontà
UNO di definire
CHEpercorsi che guardino oltreIN
È. BENVENUTI i confini
ROMAGNA.
PERCHÉ
dello Stivale, LONTAN
senza dimenticare DA TE
il bagaglio NON
di una SI PUÒ
tradizione STAR.
non prescindibile.

Fra ipotesi IDM, attualizzazione del funk e dolci retaggi italo disco. Geografia che

abbraccia tutta la penisola. Dalla Milano in club di Myss Keta, passando per il Nord

Est romantico e sintetico di Bottin, fino alla Napoli centrale e mediterranea di Nu

T E S T O D I M A U R I Z I O B L AT TO E F R A N C E S C O FA R A B E G O L I
Guinea. Pensieri e danze sotto le luci strobo.
 IL LUNGO ADDIO
ULTIMA FILA NEL LIDO SOLITARIO
T E S T O D I M AU R I Z I O B L AT TO

Il Lungo Addio, progetto “romagnolo” di Fabrizio Testa, è ben più di una serie di dischi pop a tema. Sembra forse il
tentativo di esorcizzare se stesso abbandonandosi a un pezzo di terra. Cercarsi nei perimetri bui dei luoghi, altrimenti,
comuni. Le spiagge, ma a novembre. I locali, però svuotati. Gli hotel, sempre fuori stagione. Questa è la sua Romagna. Ma la
nostra? Tette, culi, racchettoni, ricoperti e Festivalbar (anche quando non li fanno più). Se pensiamo – pronti via - all’estate
diciamo Romagna e ci spalmiamo la crema solare come fossimo dolci da vetrina del Belpaese. Lì va bene tutto, lì sanno fare
bene tutto. Ma certo cinema e certa letteratura ci hanno insegnato che esiste una mareggiata scura, un tutti in pista rifiutato
con cattiveria. Ora abbiamo anche un certo pop a cantarcelo e il suo autore è uno di quegli osservatori defilati e attenti che
magari hai incontrato, ma non sei sicuro. Forse era quello che stava da solo e faceva fare clack con la suola della scarpa al
cartellone di lamiera dei gelati. Non ne sei sicuro perché eri impegnato a ridere e scattare all’indietro per non sporcarti le
New Balance con il crescione caldo. In vacanza uno sta meno attento, fortuna che c’è qualcuno a non dimenticarsi di nulla.

Autoritratto di Fabrizio Testa come artista. Come nasce Il Lungo Addio?

“Ho iniziato a comporre e suonare molto tardi, intorno
al 2010, quando vivevo a Parigi. La fissazione per la
Romagna mi ha portato a scrivere i primi pezzi, che
registrai in uno studio cittadino. Realizzai qualche
copia in CD-R per gli amici. Volevo principalmente
trasformare le mie ossessioni e le mie visioni in musica.
Poi la cosa ha preso una brutta piega e nel 2012
avevo già realizzato tre dischi a nome Lungo Addio,
due dischi a nome Fabrizio Testa e aperto l'etichetta
vinilica Tarzan Records dedita alle produzioni di
musiche sperimentali in vinile”.
Come ti sei formato?
“Ascolto e ho ascoltato tantissima musica. Dai
Madredeus ai R.E.M., passando attraverso jazz,
classica, new wave e scampoli di musica italiana.
Ma i miei riferimenti artistici sono forse più letterari
(Hemingway, Conrad) e cinematografici (i film di
Zurlini, Fellini, Brusati, ma anche i cult movie di Sergio
Martino o Corbucci come Rimini Rimini e Attenti
A Noi Due). La letteratura rimane però la mia più
grande passione. Eh già, ho scritto un romanzo, La
Fine Del Mondo, ambientato in Romagna, sulla costa.
Personaggi al confino verso la fine di tutto. Per ora non
sono interessato a pubblicarlo”.
“Il Lungo Addio nasce a Parigi, una manciata di
canzoni che avevo scritto nel 2010 mentre girovagavo
per una città che ancora non conoscevo bene. E
comunque, pur a 1000 chilometri di distanza, parlavo
ancora una volta di Romagna. Un luogo reale che sfocia
nell'immaginario, nel sogno. Forse inconsapevolmente
ho la stessa visione che aveva avuto Fellini: la Romagna
come stato mentale, una porta che ti traghetta verso
la malinconia permanente. Dietro queste visioni
si celano i segreti della mia vita, che forse ancora
non sono riuscito bene a scoprire o a definire. Dopo
qualche CD-R (Io Non Sarò Qui, La Fine Del Mondo A
Milano Marittima, Disperate Abitudini) ho proposto
a Mirko della Wallace Pinarella Blues (il disco più
completo fino a quel momento), uscito nel 2014.
Canzoni come Hotel Karim o L'Ultima Fotografia
sono esempi, almeno per il sottoscritto, di pop anni 50.
La malinconia del boom economico, gli hotel a buon
mercato, l'agosto delle vacanze per tutti. E in mezzo
amore, morte, solitudine, malinconia. Ricordo di aver
scritto tutti i testi in un bar di Cesenatico nel luglio
del 2013 senza nemmeno avere le musiche pronte.
Nel 2016, con Fuori Stagione, ho tentato una svolta
pop. Meno punk, più controllata. I dischi sino a quel
momento erano stati registrati in presa diretta. Con

TAG: #fabriziotesta #gitesolitarie #allegromalinconico #cosmogoniarivierasca ONLINE: facebook.com/illungoaddioofficial

 ITALIAN RIVIERA IL LUNGO ADDIO
Fuori Stagione ho lavorato in due studi diversi. Bruno
Dorella ha registrato la batteria a Ravenna, mentre
io e altri musicisti il resto delle cose qui a Milano.
Ne è uscito un disco più raffinato, ma anche meno
spontaneo secondo me. Comunque sono soddisfatto
del risultato. Le liriche si sono ampliate, come per In
Tre Su Una Uno, e raccontano anche di cronaca nera e
piccole ossessioni che non avevano mai trovato spazio
prima su un mio disco. È il lavoro più breve ed è stato
registrato in un periodo davvero strano della mia vita”.
Sembri uno volutamente appartato. Prolifico,
ma mai sotto i riflettori.
“Vivo una vita lontano dalla scena musicale. Un
lavoro in azienda, il nuoto, le gite solitarie in terra
romagnola. Mi piace entrarci per caso, lasciare un
post it e poi ritirarmi nuovamente. Ho avuto la fortuna
in pochissimi anni di suonare, nei miei dischi e dal
vivo, con tutta una serie di musicisti che ascoltavo
e che stimo quali Bruno Dorella, Dany Greggio,
Xabier Iriondo, Luca Ciffo, Paolo Mongardi, Roberto
Bertacchini, Chet Martino, Cesare Malfatti, Stefano
46 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I M AU R I Z I O B L AT TO
Pilia, Miro Snejdr e molti altri ancora. La Romagna
torna anche nei pochi dischi usciti a mio nome. Uno
in particolare, strumentale, racconta il lato oscuro
delle colonie abbandonate sulla costa. È un disco per
pianoforte, si intitola Music For Adriatic Colonies ed è
molto intimo, un poco triste. Come lo sono le spiagge
d'inverno. Sono felice invece di quest'ultimo Tutti
Nuotammo A Stento. Ci sono 14 pezzi, ed è il mio disco
più completo e forse più malinconico e segreto. C'è un
blues di "protesta" come Vu Cumprà, pezzi anni 50
come Astrid, Hotel Baltic e Fa Freddo Anche D'Estate.
Canzoni per sola voce e chitarra che mi riportano agli
esordi (Boxe e Cartoline Da Gabicce hanno la stessa
struttura dei miei primissimi pezzi). Non uscirà a
malincuore su Wallace ma va bene comunque”.
E allora arriviamoci, alla Romagna. Dove nasce
il tuo legame, cosa la rende ai tuoi occhi la
Terra d’arrivo e perché l’accogli tra le tue note?
“La Romagna è uno stato mentale. L'ho scoperta da
piccolissimo. Io sono milanese al 100%, parenti e nonni
compresi, ma i miei mi ci hanno sempre portato. Poi
 ITALIAN RIVIERA IL LUNGO ADDIO
l'adolescenza con i primi amori e le sicure disillusioni.
Ho questa immagine di me a 14, 15 anni che girovago
perduto per Cervia o Lido di Savio dopo un secco NO di
una tedesca in vacanza con i genitori. Cammino senza
meta e finisco in un hotel, non il mio, con il pianobar
e la canzone Champagne. Era il 15 d'agosto e forse
sono stato l'unico ad aver sentito freddo quella sera.
Ora il mio ritorno alla Romagna è più controllato. Ci
vado per un concerto, per trovare qualche amico, per
un anniversario. Il periodo più tosto ma anche quello
più importante, 'di ricerca', è stato tra il 2002 e il
2006 quando girovagavo spesso d'inverno, tra i posti
addormentati e quasi sperduti, in mezzo alla nebbia e
al silenzio. Mi muovevo con alcuni amici. Uno su tutti
era un tizio strano che noi chiamavamo Il Presidente,
che compare spesso nei miei pezzi. Lui era la perfetta
incarnazione della solitudine rivierasca”.
Il Presidente, già su Fuori Stagione.
Parliamone.
“Il Presidente è (o era?) un caro amico di cui persi
le tracce nel lontano 2009. Da allora, nonostante gli
sforzi, non sono più riuscito a trovarlo o a sentirlo.
Pazienza. Era un personaggio pazzesco, quasi
romanzato. Vestiva in tuta, fumava cento sigarette
al giorno, andava a puttane, guidava una Jaguar
scassata, ascoltava solo Bob Dylan e si cibava quasi
esclusivamente di pizza americana. Raccontato così
sembra un personaggio di qualche film dei fratelli
Coen, ma invece è esistito davvero. Era un caro amico,
filosofo e cazzone al tempo stesso, senza lavoro. Viveva
a Cesenatico e nonostante l'età (eravamo coetanei
e si girava insieme quando si avevano 20, 22 anni)
sembrava già anziano. Posso segnalarti qualche
ricordo indelebile. Il 5 marzo del 2007 attraversammo
con l'auto, eravamo completamente soli, tutta la
costa, da Valverde a Lido di Spina. Ci fermammo a
bere ovunque, con cena sul porto canale di Cervia,
ascoltando Tom Waits, Dylan e parlando di religione,
morte, vita, donne... Quando arrivammo a Lido di
Spina, verso le tre del mattino, ci addormentammo in
auto fuori dall'ultimo locale”.
Molto Tom Waits, nighthawks at the piadina.
È la Romagna che, inevitabilmente, dopo la
carnalità diurna si appresta alla malinconia
delle ore piccole?
“Sono sempre stato un allegro malinconico. Da
sempre, sin da piccolo. E la Romagna mette gioia,
allegria, ma anche molta tristezza. Ecco perché mi
affascina in modo particolare. Non sono le cittadine
o l'entroterra, il divertimento o il cibo. Sono i viali
vuoti, le mareggiate d'inverno, le cabine scolorite
che raccontano un mondo infelice di antieroi o di
tragedie nascoste. C’è un film, Graffiante Desiderio di
Sergio Martino, che racconta, nonostante sia un cult
T E S T O D I M AU R I Z I O B L AT TO
SONO SEMPRE STATO UN ALLEGRO
MALINCONICO. DA SEMPRE,
SIN DA PICCOLO. E L A ROMAGNA
METTE GIOIA, ALLEGRIA, MA ANCHE
M O LTA T R I S T E Z Z A . E C C O P E R C H É M I
AFFASCINA IN MODO PARTICOL ARE.
NON SONO LE CIT TADINE O
L'ENTROTERRA, IL DIVERTIMENTO
O IL CIBO. SONO I VIALI VUOTI, LE
MAREGGIATE D'INVERNO, LE CABINE
SCOLORITE CHE RACCONTANO UN
MONDO INFELICE DI ANTIEROI O DI
TRAGEDIE NASCOSTE
trash, la morbosità e l'inquietudine nascosta dietro
una cittadina così semplice come Rimini. Penso che
non troverò mai la soluzione definitiva. Continuo a
esorcizzare la mia allegra malinconia scrivendo testi,
racconti, cantando delle miserie umane che non ho mai
vissuto, ma alle quali ho sempre sentito di appartenere.
A volte, quando raggiungo le spiagge vuote d'inverno,
mi sento come la Berté quando cantava: mare, mare...
qui non viene mai nessuno a trascinarmi via... Ecco,
mi sento proprio così”.
Queste sensazioni le esprimi anche dal vivo?
“Suono molto raramente dal vivo. Una data ad aprile
scorso, la prossima a settembre, al mare. In Italia
funziona che se vuoi suonare devi andare nei locali,
farti vedere in giro, uscire con i musicisti. Io preferisco
la pizza e la coca cola in un ristorante di periferia. Lo
faccio per davvero e un po’ mi autoescludo. Pazienza.
'Alla lunga una verità che ferisce è meglio di una bugia
di comodo', diceva Thomas Mann”.
Questione di carattere o ti infastidisce il mondo
musicale attuale?
“Diciamo che non amo la scena 'milanese'. Nei locali
trovi sempre quei quattro o cinque musicisti che non
ce l'hanno fatta e sono lì a darsi gran pacche sulle
spalle o a organizzare le solite serate paracule tipo
'cantiamo Lou Reed al barettino'. Ecco, penso sia
davvero inutile. Preferisco Young Signorino, almeno è
molto più punk e sincero di loro. Così mi ritiro in una
vita da non musicista. La trovo più confortante. Nelle
mie canzoni sono spesso citati gli hotel, fonte massima
d'ispirazione. L'Hotel Silver, L'Hotel Karim, l'Hotel
RUMOREMAG.COM | 47
 ITALIAN RIVIERA IL LUNGO ADDIO
Baltic. Tutti posti dove ho alloggiato e in qualche modo
vissuto. A Milano frequento una pizzeria minuscola, da
Biagio, quattro tavoli e la pizza più buona del mondo.
Ma non è citata da nessuna parte! AhAh”.
Sbaglio o il presente non ti affascina un
granché? Modern life is rubbish?
“Il presente attuale non mi affascina perché trattasi
esattamente di 'quel futuro che ci inquietava un
tempo' oggi trasformatosi in presente. C'è un senso
di spaesamento, soprattutto nei giovani, davvero
tremendo. Figlio non solo della situazione politica
raccapricciante ma anche dell'inadeguatezza verso
il 'nuovo' futuro che oggi si fatica a intravedere. Un
tempo le persone, tra i '50 e i '60, erano affascinate dal
futuro. Lo vedevano come qualche cosa di superbo,
elegante, avvincente. Poi la società si è evoluta nel
peggio (gli anni di piombo, la leggerezza frivola
degli anni 80, il disagio dei '90), trasformando quel
futuro incantato nel qualcosa inquietante che è il
nostro presente. L'uso dei social, del telefonino come
"IL PRESENTE AT TUALE NON MI
AFFASCINA PERCHÉ TRAT TASI
ESAT TAMENTE DI 'QUEL FUTURO
CHE CI INQUIETAVA UN TEMPO'
OGGI TRASFORMATOSI IN
P R E S E N T E ".
appendice del nostro braccio e della nostra mente,
il voler apparire sempre e comunque e il dover
dimostrare di essere 'qualcosa o qualcuno' a ogni costo,
mi infastidisce e incupisce molto. Pazienza, siamo figli
di questi tempi moderni”.
Veniamo al disco nuovo. Tutti Nuotammo A
Stento è un titolo geniale quanto emblematico.
E il De André evocato in battigia risuona
anche nella presenza della tromba in molte
canzoni, con quella epicità uggiosa degna degli
arrangiamenti di Gian Piero Reverberi. Anche
se devo dirti che il tono della tua voce e una
certa precarietà pop mi hanno ricordato Calvin
Johnson e la K Records.
“Il titolo è nato per caso. Stavo ascoltando il disco di
De André è mi è venuto in mente questo! La tromba,
con il suo suono triste e rarefatto, mi riporta a certe
freschezze anni 50. Nell'ultimo disco c'è una canzone,
Hotel Baltic, che è forse la più adatta per raccontare
48 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I M AU R I Z I O B L AT TO
quegli anni spensierati dove non si ipotizzava la fine
di tutto, come accade ora, quanto piuttosto l’arrivo
un radioso avvenire. All'Hotel Baltic di Riccione è
ambientato il film L'Ombrellone di Dino Risi con
Enrico Maria Salerno. Il mio modo di cantare forse è
straniante rispetto al mio modo di parlare perché sono
convinto che un musicista, come un teatrante o un
attore, debba calarsi in un personaggio e in un qualche
modo recitare. Con sincerità, però recitare. Sono
sempre rimasto colpito dal lavoro che fece Carmelo
Bene sulla voce, quella specie di estensione del parlato
che amplificava con l'utilizzo del microfono. Ecco, ho
cercato di fare la stessa cosa. I riferimenti sono Death
In June, Smog, Leonard Cohen. Ho sempre amato
molto le loro voci catacombali”.
C’è una canzone dedicata alla Marina di
Ravenna dove le parli come fosse una donna
reale. E citi con dovizia di particolari l’Hana-Bi,
locale e persone. Il tuo rapporto con il luogo?
“La prima volta che capitai a Marina fu nel 2006.
Io avevo sempre frequentato Cesenatico, Pinarella,
Cervia, Lido di Classe, Misano. Non mi ero mai spinto
oltre. Poi trovai un volantino che segnalava una serata
musicale alternativa allo stabilimento balneare Hana-
Bi e così decisi di fare un salto. Ricordo che sbagliai
strada più volte, ma alla fine riuscii a trovarlo. Da
quel giorno mi innamorai dell'Hana-Bi e del luogo.
Infatti ho immaginato Marina (di Ravenna) come una
bellezza locale che giunge all'Hana-Bi per bere una
bibita durante la calura di agosto. Ci sono tutti gli
elementi del caso. La cittadina missata con il nome
di persona (che significa appartenente al mare), il
mio stabilimento balenare preferito, ecc... La voce
femminile è di Francesca Amati dei Comaneci e degli
Amycanbe, una delle voci italiane più belle degli ultimi
anni”.
E il flusso di (in)coscienza al termine di
Graffiante Desiderio? Vengono citati Foppa
e Pedretti, Cofferati, Corrado Tedeschi,
Calipari e Mirko Setaro dei Trettrè!! Che cos’è
esattamente? Giuseppe Genna in vacanza o
I bellissimi di Rete 4 in versione nightmare?
“Ahahah, quello è Alessandro Gori (aka Lo
Sgargabonzi, nda), uno dei comici più bravi in Italia,
il nuovo Lenny Bruce secondo me. Dovresti vederlo
dal vivo per capirlo al meglio. Siamo amici e ci siamo
conosciuti a Lido di Savio, perché anche lui è un fan
della Riviera, e così gli ho chiesto un suo tributo come
ghost track. In realtà non ha nulla a che vedere con
l'ultima canzone. L'ho agganciata solo nel finale”.
Sbaglio o anche Astrid, cui dedichi la canzone
omonima, si era già affacciata nella tua
cosmogonia rivierasca?
"IL MIO MODO DI CANTARE FORSE
È STRANIANTE RISPETTO AL MIO
MODO DI PARL ARE PERCHÉ SONO
CONVINTO CHE UN MUSICISTA,
COME UN TEATRANTE O UN
AT TORE, DEBBA CAL ARSI IN UN
PERSONAGGIO E IN UN QUALCHE
M O D O R E C I T A R E ".
“Giusto. Era la ragazza che beveva la Pepsi alle terme
in Fuori Stagione. Mentre lì era solo accennata, qui
invece è la protagonista assoluta. Forse nel prossimo
disco parlerò ancora di lei. È una ragazza immaginaria
perché immaginata. In realtà io non conosco nessuna
Astrid”.
Cosa mi dici dei Lidi Ferraresi? Non mi sembra
emergano nelle tue canzoni. Sarà perché io ho
passato parte della mia adolescenza al Lido
degli Scacchi, ma penso che lì ci siano dei
paesaggi “terminali”, tra orizzonti senza la
minima increspatura, zanzare ovunque
e La Casa Dalle Finestre Che Ridono.
“Adoro i Lidi Ferraresi. Nelle mie canzoni sono poco
presenti, ma nel mio libro La Fine Del Mondo sono
ampiamente spolpati. Ho attraversato in un febbraio
carico di nebbia Lido degli Scacchi, Lido degli Estensi
e Lido delle Nazioni. Paesaggi che sembrano i set di
film western o parafuturisti. Posti incredibili, assurdi.
Pupi Avati ha girato molto da quelle parti: Le Strelle
Nel Fosso ambientato a Comacchio, La Casa Dalle
Finestre Che Ridono a Ferrara e dintorni, Zeder a
Milano Marittima. Logicamente è uno dei miei cineasti
preferiti. Ricordo poi quando andai a mangiare
l'anguilla a Porto Garibaldi in un piccolo ristorante in
zona Canalino. Esperienza mistica cui ripenso ancora
con affetto. In generale molti aneddoti sono raccontati
nel romanzo La Fine Del Mondo, e comunque tutti
portano sempre e solo a una conclusione, triste o
allegra che sia: la visione del luogo, il viaggio, l'amicizia
e l'attraversamento come metafora della solitudine.
In fondo si fa di tutto per scacciarla, anche se spesso
ci ritroviamo sempre soli. E, come diceva Pasolini,
bisogna essere molto forti per amarla davvero”.
Nella canzone d’apertura, Il Mare D’Inverno,
canti: “Il mare d’inverno è la copertina di un
disco new wave”. Ma quale disco?
“Nella fattispecie Heaven Up Here di Echo & The
Bunnymen, uno dei miei gruppi preferiti”.
IL LUNGO ADDIO
TUTTI NUOTAMMO A STENTO
TROPICO
“Nulla dice addio come
una pallottola” sentenziava
Philip Marlowe ne (appunto)
Il Lungo Addio, ma nulla
dice godi come la Romagna.
Fabrizio Testa aka Il Lungo
Addio torna sulla sua
magnifica ossessione per
la terra dei pedalò e delle
risacche malinconiche. Atto
terzo di un concept che ha
in partenza un blues secco e
potente, con una ritmica da
Nightclubbing tribalizzata
e un testo che chiama subito in causa piscine abbandonate
e una raccolta di lacrime differenziata. Ha il coraggio di
intitolarsi (come quell’altra) Il Mare D’Inverno e di introdurci
al dark side of the spiaggia che sfocia nel pop con controcanto
femminile e precarietà pop di Astrid. Rimini a gennaio e per
giunta di lunedì, su un’architettura calvinista alla K Records.
Fino a quando spunta la tromba di Sergio Montemagno a
ricordarci che il calembour del titolo ha una sua ragion d’essere
nel deandreismo più maudit e per nulla santificabile. Tutti
nuotammo a stento, forse sì in direzione ostinata e contraria,
ma giusto per raggiungere sdraio e straniere non proteggibili
da creme solari. La title track è una ballata da licantropi
in infradito, che si ritrae davanti a Marina Di Ravenna,
bellissima cartolina dall’Hana-Bi, sensualmente triste grazie al
controcanto di Francesca Amati. Fa Freddo Anche D’Estate è il
boom (economico) ormai silenziato che, nel suo minimalismo
evocativo, è la piccola storia di un impiegato balneare che
ascolta i primi Baustelle da una radio lontana. E assicuratevi la
prima edizione, con bonus track fatte di voce, chitarra e fiati.
Cartoline Da Gabicce, il Mississippi Adriatico di Vu Cumprà e
un monologo “visionario” in coda. È tutto cinema e letteratura,
sceneggiature acustiche vissute mentalmente e sulla pelle,
sapore di mare cui si offrono le spalle, sapore di sale che brucia
sulle ferite.
MAURIZIO BLATTO
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 SCAVIDARE*
LA CRISI
“NON REGALATE TERRE PROMESSE
A CHI NON LE MANTIENE”
(FA B R IZ I O D E A N D R É , R IM IN I)
T E S T O D I F R A N C E S C O FA R A B E G O L I - F O T O D I A D R I A N O Z A N N I
È l’idea alla base ad essere sbagliata. L’idea di ferie
che avevano le persone che venivano qui una volta ad
animare queste città, presente? Ecco, quell’idea lì non
va bene, è sbagliata. Il progetto. Prenotare l’albergo e
l’ombrellone in seconda fila, uscire dal lavoro un venerdì
sera, macinare le ore d’auto che servono e iniziare la vita
in vacanza – pranzo leggero, cena di pesce, shortini,
discoteca, tresca amorosa. Il giorno dopo si ricomincia,
stessa spiaggia stesso mare, altro ristorante, altro bar,
altra discoteca, altra tresca. Tutte le sere ne accompagna
a casa una diversa. Dopo due settimane torni a casa:
partenza alle sei del pomeriggio la domenica con code in
A14 di prammatica, così si sfrutta appieno anche l’ultimo
giorno. Henry Rollins a rovescio: sottoporre il corpo a
uno stress insostenibile aiuta a calmare la mente. I lati
negativi: costa soldi, e a dire il vero non funziona. La
verità vera è che il corpo umano, semplicemente, non è
costruito per tollerare quella quantità di cocktail fruttati,
e quel monte di ore non dormite, e quell’esposizione
massiccia e repentina ai raggi solari. Un paradosso:
i più agguerriti villeggiatori della Riviera migliorano la
performance preparandosi durante l’inverno – aperitivo
cubano a febbraio, ticket Groupon per tre sedute al
solarium con depilazione caviglie omaggio. La chiamano
prova costume, ma se ci pensate è una pratica religiosa
– ci priviamo del cibo in inverno e primavera per essere
degni dell'estate.
Le città della riviera sono costruite a fisarmonica. La loro
capacità produttiva garantisce vitto e alloggio al decuplo
delle persone che le abitano nel resto dell'anno. Chi arriva
da fuori ha tutte le possibilità di inventarsi da principio,
vivere il proprio sogno middle class e tornare a casa
TAG: #berlino #nograzieilcaffemirendenervoso #jamessenese #fabianamartone
stremato, in tempo per timbrare il cartellino. Le persone
che ci vivono devono imparare l'arte in una maniera più
sottile: sospendere il giudizio, entrare nell'ecosistema
e sopravvivere all'onda di riflusso che arriva a fine
estate. Le persone che ci vivono devono imparare due
ritmi circadiani. Le città dell'entroterra garantiscono
un cuscinetto emotivo fatto di sagre autunnali e feste
dello street food; nei mesi estivi continuano a provare a
fornire un'alternativa surrogata per i local che cercano lo
sciallo estivo e non riescono più ad accettare la vista del
mare. Nel conto dei miei privilegi: sono nato a Cesena,
l'unica città romagnola di terra che tra luglio e agosto
continua ad avere una qualche ragion d'essere. Forlì
sembra invasa dagli zombi, i ravennati frammentano
democraticamente la loro invasione lungo i chilometri di
costa tra Casalborsetti e Lido di Savio. Le città della costa,
invece, ognuno ha la sua preferita.
Noi siamo sempre qui. È un ergastolo autoinflitto che ha
lati positivi: puoi farti un’ora di spiaggia in pausa pranzo,
puoi mangiare il pesce sul canale in tutte le stagioni,
da qualche anno a questa parte puoi perfino vedere un
bel concerto coi piedi nella sabbia. La riviera ha una
certa onestà di fondo, non discrimina tra chi è qui e chi
arriva qui. Se vi capita di girare Venezia assieme a un
veneziano, siete costretti a conoscere una realtà semi-
invisibile di posti che danno da mangiare e da bere ai
local – certi bacari incredibili, certi bar tossici che fanno
lo spritz buono a pochi soldi, quelle cose lì. In riviera
è diverso. In riviera, fino a poco tempo fa, le orchestre
da ballo suonavano musica che fuori dai confini della
Romagna non è mai stata suonata con continuità. Il liscio
nasce perché qui la gente non aveva un soldo e nel fine
ONLINE: facebook.com/NuGuinea
 ITALIAN RIVIERA SCAVIDARE* L A CRISI
IL TURISMO BALNEARE
ROMAGNOLO È DEMOCRATICO:
NON ESISTONO VERE E PROPRIE
ROCCAFORTI DEL CAPITALISMO
IN CUI I MILIARDARI POSSONO
PASCOL ARE LIBERI SENZA VENIR
DISTURBATI DAI COMUNI MORTALI,
A PARTE FORSE CERTE ZONE DI
MILANO MARITTIMA. I SINGLE
BAZZICANO LE STESSE SPIAGGE
DELLE FAMIGLIE, TUTTE LE
NAZIONALITÀ SONO BENVENUTE.
settimana voleva ballare. Tutto quel che è arrivato dopo
l’abbiamo accettato sorridendo. Dice che il romagnolo
si sente obbligato a farsi in quattro per i propri ospiti: la
presenza più o meno massiccia di turisti o autoctoni in
un certo bar o ristorante di Rimini ha più a che fare con
il caso che con le scelte di marketing. Che poi, in riviera,
si dice ancora “ha il senso del marketing” di qualunque
gestore metta due belle donne dietro al banco del bar.
Il turismo balneare romagnolo è democratico: non
esistono vere e proprie roccaforti del capitalismo in cui i
miliardari possono pascolare liberi senza venir disturbati
dai comuni mortali, a parte forse certe zone di Milano
Marittima. I single bazzicano le stesse spiagge delle
famiglie, tutte le nazionalità sono benvenute.
La principale differenza è che noi la riviera la vediamo
nascere e morire ogni anno, un dubbio privilegio che agli
alloctoni è precluso. Il primo sole di aprile sembra quasi
di vederli uscire dal letargo: le arterie di scorrimento
tra le città dell’entroterra e il mare s’intasano, i cesenati
invadono il porto canale di Cesenatico e Cervia. Gli
stabilimenti balneari mettono fuori le sedie e spianano
le dune di sabbia. A maggio arrivano i primi tedeschi
e poi si comincia a bere. Quando iniziai a frequentare
Ravenna, quasi 20 anni fa, nei mesi invernali sembrava
che in città ci fosse la legge marziale – coprifuoco alle
23, discoteche inesistenti, pochissimi pub. L’inizio della
stagione riversava ravennati sul lungomare di marine a
decine di migliaia, una sera dietro l’altra, con esplosioni
infernali nei fine settimana. L’apice è sempre la vigilia di
ferragosto, la festa più grossa, quella che va avanti per
più tempo e in cui ci si ubriaca di più. Dal 16 la riviera
diventa improvvisamente un deserto. Smaltito il bulirone
dei turisti si indugia per una settimana per coprire il
culo a qualche ritardatario, ma è finita. Le persone da
52 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I F R A N C E S C O FA R A B E G O L I
fuori non lo capiscono bene, a loro basta tornare a casa
e presentarsi al lavoro con la pelle scottata. Le città
balneari si contraggono di colpo e tornano in letargo.
Nessuno ci bada poi tanto. Siamo abituati a vivere nello
scheletro invernale di quelle città sventrate, tagliando
fuori dal campo visivo dei chilometri quadrati di niente
e concentrandoci su certe piazzette nascoste alla vista
dell’acqua, che d’inverno sembrano funzionare meglio.
Certi animali prosperano in certi ecosistemi. Un tale di
nome Francesco Senni ha scritto la canzone definitiva
su questa cosa, si chiama Cesenatico, il gruppo che la
suona si chiama Caffè Sport Orchestra. È un pezzo cheesy
di quel cheesy romantico/poetico/triste alla Capossela,
a riprova che niente è davvero orribile se lo metti nel
giusto contesto. Francesco Senni di lavoro manda avanti
un eccezionale ristorantino self-service a strapiombo sul
molo di Cesenatico.
Negli anni passati credo fosse più traumatico. La riviera
romagnola è stata un concetto forte che ha determinato
l’immaginario italiano fino alla fine degli anni 80: c’è
Fellini, c’è un disco di De André che ha quel titolo lì, ci
sono i Rimini Rimini. Nell’immaginario cecchettiano
del primo Jovanotti si fa esplicitamente riferimento a
Riccione come a un paradiso estivo della gioventù italica
(Scappa Con Me, su La Mia Moto). Poi qualcosa s’è
interrotto. Altre zone d’Italia hanno provato a surrogare
in vitro un certo tipo di turismo estatico che era proprio
della riviera, magari facendo leva su condizioni oggettive
più interessanti – il Salento è l’esperimento più riuscito,
direi. Dopo i ’90 la riviera ha conosciuto la sua brava
parte di crisi, forse anche più di altre zone. Il turismo
rivierasco si costruiva per gran parte sull’assunto che
con abbastanza vino bianco in circolo le persone non
si rendessero conto di quanto facesse schifo il mare in
Romagna, specie se confrontato con qualsiasi altro punto
della costa italiana. L’idea che si potesse lavorare a rotta
di collo per tre mesi l’anno e incassare abbastanza da
potersene stare in panciolle per tutto l’inverno è stata
sradicata a calci in culo. Gli stabilimenti balneari hanno
smesso di essere oasi di benessere con un baretto in cui i
contanti mulinavano a rotta di collo: per tirare a campare
hanno dovuto introdurre concetti precedentemente
sconosciuti –ristorazione vegan, aperitivo & DJ set, festa
over 30 una volta a settimana. Questo ha imposto una
flessione a ristoranti, baretti e discoteche che operano
sull’altro lato del lungomare. La statale Adriatica da
Rimini a Ravenna è un viaggio nel tempo che fa paura:
sul ciglio della strada è ancora possibile vedere i ruderi di
parchi acquatici di seconda e terza importanza costruiti
nei tardi anni 80 sull’onda del successo di Acquafan, i
condomini-alveare della cintura esterna incrostati dal
tempo e quasi del tutto sfitti, gli scheletri di complessi
commerciali in crisi ormai perenne. I local si sono dovuti
inventare un nuovo ritmo circadiano. I gestori dei bagni
fanno le macumbe perché non piova il fine settimana,
 ITALIAN RIVIERA SCAVIDARE* L A CRISI
L A STATALE ADRIATICA DA RIMINI
A RAVENNA È UN VIAGGIO NEL
TEMPO CHE FA PAURA: SUL
CIGLIO DELLA STRADA È ANCORA
POSSIBILE VEDERE I RUDERI DI
PARCHI ACQUATICI DI SECONDA
E TERZA IMPORTANZA COSTRUITI
NEI TARDI ANNI 80 SULL’ONDA
DEL SUCCESSO DI ACQUAFAN,
I C O N D O M I N I - A LV E A R E D E L L A
CINTURA ESTERNA INCROSTATI DAL
TEMPO E QUASI DEL TUTTO SFITTI,
GLI SCHELETRI DI COMPLESSI
COMMERCIALI IN CRISI ORMAI
PERENNE. I LOCAL SI SONO DOVUTI
INVENTARE UN NUOVO RITMO
CIRCADIANO.
T E S T O D I F R A N C E S C O FA R A B E G O L I
che la gente viene tutta da qui attorno; la gente smette
d’affannarsi per affittare l’appartamento del nonno a
Pinarella a prezzi esosi; le orchestre di liscio hanno da
tempo ceduto alle cover band anni 80 lo slot principale
alle sagre di paese. Ravenna ha messo le ordinanze per
far sì che la gente smettesse di morire per strada dopo
gli happy hour del fine settimana. Le persone qui si
lamentano sempre, ma hanno una capacità sovraumana
di godersi tutto quel che arriva. Così si è venuto a creare
un nuovo ecosistema che fa un po’ i conti col passato
in quel modo pecoreccio che piace alla gente di qui. È
un ecosistema che cerca di trasformare lo spleen della
decadenza di un universo in un prodotto di marketing,
magari con una bella donna dietro al bancone. Di questo
ecosistema fanno parte tanto le orchestrine di liscio
ricicciate in salsa più o meno indie quanto le trattorie
romagnole vintage chic da 40 euro a coperto; l’esegesi
slow food della romagnolità, gli sciucarèn coi costumi
tipici che coesistono con gli insegnanti di valzer ormai
reinventatisi insegnanti di salsa e merengue, un po’ per la
pagnotta e un po’ per via di un atteggiamento mondialista
che non ci scorre nel sangue da sempre. Sopravviveremo
a tutto.
(*Scavidare = in italiano-di-Romagna qualcosa che sta tra
“evitare”, “superare con l'inganno” e “sfangare”, nda)
RUMOREMAG.COM | 53
 DISTORSIONI

ANCIENT LIGHTS
OPIATE SONIC BOOM
TESTO DICL AUDIO SORGE
 DISTORSIONI ANCIENT LIGHTS
Adam Richardson è una delle figure più
sfuggenti e allo stesso tempo interessanti di quello
che potremmo ancora chiamare underground
inglese. Qualunque cosa questo voglia dire. Ma
sappiamo che qualcosa vuol dire. Un luogo dove
la storia carsica della psichedelia non si è mai
interrotta; si è intrecciata ad altri percorsi di ricerca
musicale e - cosa forse disdicevole per alcuni - si è
progressivamente contaminata con la bestia metal.
Certo disdicevole non lo fu per il giovane Adam,
che iniziò i suoi primi passi da musicista sotto l’ala
cavernosa del primo movimento grindcore, verso
la fine degli anni 80. Passato via via dal primo
progetto dei Lord Of Putrefaction con Jus Oborn
- dai quali sarebbero nati gli Electric Wizard – poi
con gli Hexed e i Ramesses (uno dei gruppi preferiti
di tale Julian Cope) Richardson è oggi pienamente
coinvolto negli 11 Paranoias e soprattutto
concentrato sul suo nuovo progetto, gli Ancient
Lights. Il cui album d’esordio pubblicato in questi
giorni dalla Ritual Productions rivela una strada -
tortuosa direbbe lo stesso Adam – che porta a nuove
illuminanti mete sonore.
“Gli Ancient Lights sono un progetto di esplorazione
sonica a lunga gittata, che parte da molto lontano;
tra me, Ben Carr degli INTRCPTR/5ive (USA) e
Tim Bertilsson degli Switchblade (Svezia). Ci venne
quest’idea 13 anni fa, quando per la prima volta i
5ive fecero un tour con i Ramesses. La nostra prima
jam risale a un anno fa. È la prova che quando dico
che farò una cosa, questa cosa accade. C’è voluto un
decennio o due...”
Per quanto riguarda l’altro tuo gruppo, gli 11
Paranoias, che cosa fanno, continuano? Ho
visto che avete in programma dei concerti a
giugno e luglio.
“Certo, gli 11 Paranoias continueranno. Abbiamo
appena finito di registrare il nostro quinto album,
che verrà pubblicato più in là quest’anno dalla
Ritual Productions. Siamo nel momento più solido
della nostra esistenza; abbiamo in programma
diversi concerti fino alla fine dell’anno. Siamo molto
soddisfatti dei risultati del nuovo album e di come si
stanno muovendo le cose”.
Come vi è capitato di scegliere questo nome,
Ancient Lights, c’è un significato particolare?
TAG: #ramesses #juliancope #11paranoias #ritualproductions #adamrichardson
T E S T O D I C L AU D I O S O R G E
“Mi piace molto come nome, mi ci sono sentito
subito a mio agio. Penso sia stato Ben a venirsene
fuori con questa idea. Può avere molteplici
significati - dalla vecchia legge inglese che impedisce
la costruzione di nuovi edifici che oscurino
l'illuminazione di quelli preesistenti, alla qualità
della luce che riceviamo dalle stelle e dai pianeti che
si muovono intorno a noi... In più, ha a che fare con
una serie di immagini che hanno a che fare con il
nostro sound – delle immagini mortalmente cool”.
Quali sono le principali differenze tra gli 11
Paranoias e gli Ancient Lights? Voglio dire,
lavorate in modo diverso, seguite ispirazioni
differenti?
“Si, Ancient Lights e 11 Paranoias sono due
bestie differenti, ritagliate dal nostro Canovaccio
Omniversale, ma i risultati sono di tipo diverso.
Entrambe le band si basano sull’improvvisazione,
ma la direzione delle jam va in sfere differenti. Gli
Ancient Lights sono più dreamy e dub, mentre i
Paranoias sono più selvaggi e heavy - generi diversi
dalla stessa scatola spettrale di belle e terrificanti
meraviglie...”
Un flashback da 30 anni fa. Quando hai
formato il tuo primo gruppo, la tua passione
per i mondi e le arti occulte era parallela al
tuo interesse per la musica? Mi chiedo se
una cosa influenzi l’altra e viceversa, fin da
allora.
“Staccarsi da quel tipo di persone che odiavo - ed
erano molte - è stato un importante catalizzatore
per la mia esplorazione dell’altro: trovare la tua
personale gioia - e miseria - non con una mentalità
da nerd. Se hai scelto una passione, per quanto a
lungo tu la percorra i mondi irreali che hai sognato
appariranno...All’inizio è più facile con una gang o
una band di sperimentatori artistici o esploratori
sonici simili a te, ma man mano che il tempo passa
mi rendo conto che le migliori creazioni sono
arrivate solo dalla mia mente”.
Quali erano le tue principali ispirazioni
e influenze quando hai cominciato a fare
musica? Ho letto che, tra gli altri, hai
espresso una ammirazione sconfinata per gli
Attack di John Du Cann, gruppo freakbeat, in
un certo senso pre hard, di fine 60’s.
ONLINE: facebook.com/ancientlightsband
 DISTORSIONI ANCIENT LIGHTS
"ANCIENT LIGHTS E 11 PARANOIAS
SONO DUE BESTIE DIFFERENTI,
RITAGLIATE DAL NOSTRO
CANOVACCIO OMNIVERSALE, MA I
RISULTATI SONO DI TIPO DIVERSO.
ENTRAMBE LE BAND SI BASANO
SULL’IMPROVVISAZIONE, MA L A
DIREZIONE DELLE JAM VA IN SFERE
DIFFERENTI. GLI ANCIENT LIGHTS
SONO PIÙ DREAMY E DUB, MENTRE
I P A R A N O I A S S O N O P I Ù S E LVA G G I
E HEAV Y - GENERI DIVERSI DALL A
STESSA SCATOL A SPET TRALE
DI BELLE E TERRIFICANTI
MERAVIGLIE...”
“Le mie prime ispirazioni, arrivate quando a 15
anni ho incominciato a suonare la chitarra, sono
state Black Sabbath, David Bowie, Iron Maiden,
Adam and The Ants, Slayer, Carpenters, Hawkwind,
Killing Joke, Bathory, molta psichedelia random dei
70’s e easy listening. Ho scoperto gli Attack molto
tempo dopo, ma che scoperta! Pazzi com’erano,
erano più grandi dei Rolling Stones! Strange House
degli Attack è un classico”.
Com’era la prima band che hai formato
insieme a Justin Oborn, i Lord Of
Putrefaction?
“Qui andiamo veramente indietro! Justin aveva un
gruppo chiamato Morbicus, quando l’ho incontrato
e abbiamo deciso di dar vita a un’altra band, che
abbiamo chiamato Putrefaction. Ma c’erano altri tre
gruppi con lo stesso nome. Allora abbiamo cercato
di cambiare il sound e la direzione e darci il pieno
titolo di Lord Of Putrefaction – che è un riferimento
a un tipo di insetto, un piccolo, sgradevole verme
portatore della peste animale. C’erano Dave Gedge
al basso (non quello dei Wedding Present!) - che
di lì a poco fondò un’etichetta che si chiamava
Nuclear Gore, ed era anche una fanzine, con cui
ha pubblicato il nostro split con I Mortal Remains
- e Gareth Brundson alla batteria. Questa è stata
la migliore formazione del gruppo. Poi si sono
succeduti diversi batteristi, in modalità Spinal
Tap...”
I Lord Of Putrefaction erano una band
innovativa, influenzata dal grindcore,
56 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I C L AU D I O S O R G E
ma anche dai Melvins e dai Winter - come
scrive Lee Dorrian nelle note di copertina
dell’album retrospettivo della Rise Above
(1989 – 1994).
“È così. Eravamo ossessionati da Winter, Carcass,
Melvins, Bolt Thrower, Nihilist, così come da
Sabbath, Hawkwind, Cream. La definizione che
ricordo allora ci davano era hippy death metal -
selvaggi riff doom, t-shirt paisley luminescenti e
furiosi blast beats!”
Perchè te ne andasti?
“Volevo espandere i miei orizzonti musicali e a
Justin piacevano band che fossero solo sue. Io mi
vedevo a collaborare anche con altri gruppi e questo
è stato causa di frizione, così ho lasciato. Quasi
subito lui ha dato vita agli Eternal con Gereth e
Gavin e quella era la sua nuova direzione”.
Che cosa hai fatto tra lo scioglimento dei
Lord Of Putrefaction nel 1992 e la nascita dei
Ramesses nel 2003? A che tipo di musica hai
lavorato in quel periodo?
“Gli Hexed! Dal ‘92 al 2002. Hexed erano una
formazione a due, con me alla chitarra, un muro
di amplificatori e vokills, e Gareth Brunsdon, ex
dei LOP, alla batteria. Era una sorta di crushing
funeral doom con elementi psichedelici. Abbiamo
registrato un sacco di roba negli anni, ma mai
pubblicato niente – era realmente una cosa per
noi. Riflettendoci era un suono perfettamente
compiuto, lo era in modo impressionante, a tratti
terrificante. Abbiamo fatto un demo autoprodotto,
The Torture Of The Fiery Rain, che non abbiamo
mai pubblicato. Interrompemmo gli Hexed solo
quando si formarono i Ramesses. In realtà non ci
siamo mai sciolti – più meno siamo sempre esistiti,
contemporaneamente agli altri progetti – e quello è
stato uno dei nostril progetti più a fuoco. Provavamo
ogni settimana, accanto a un coro gospel di cui poi
siamo diventati fan”.
Come giudichi retrospettivamente
l’esperienza dei Ramesses? So che Julian
Cope era un vostro grande fan.
“Be', sono anch’io un grande fan di Julian Cope
e scoprire che lui è un grande fan dei Ramesses è
stato un momento di grande emozione. Leggemmo
la sua recensione di The Tomb sul suo sito Head
Heritage (una recensione di sette pagine!), ai tempi
eravamo su Invada, la label di Geoff Barrow dei
Portishead e dei Beak, e loro ci misero in contatto
con Julian. Lui ci invitò a fare da supporto in una
delle date del suo tour inglese. È stato, e ancora lo
è, un grande onore. Ti dico, quel concerto generò
una specie di pazzia! Quello che più o meno
succedeva sempre nei Ramesses, un mobile lunatico
 DISTORSIONI ANCIENT LIGHTS
manicomio dell’occulto, riff killer e abiette formule
e incantesimi, la nostra lista di prescrizioni che
poteva uccidere un corpo o una mente debole. Un
dannata grandissima band. Sono un grande fan dei
Ramesses”.
La tua estetica ha sempre avuto una grande
controparte visuale, penso ad esempio alle
cover dei tuoi album. Puoi dirmi di questa
tua sperienza come artista visivo? Hai mai
fatto delle mostre?
“Bella domanda. La mia esperienza come artista
visivo è simile a quella di musicista – una seduta
spiritica outré/esterna/divina/istantanea/
automatica. Una seduta, o stati di trance. È un
viaggio multiplo obbligato, e naturalmente è il
trip il vero punto – il risultato di un’intuizione e
nessuna indecisione; bellezza brutale, tortuosità
mentale...Ho usato molte mie composizioni visuali
per gli show dei gruppi, negli anni, ma non ho
mai fatto una mostra dei miei lavori. Di solito
sono troppo occupato con l’artwork di una mia
prossima realizzazione sonora. Come risultato
questo ha portato la mia casa a essere una sorta di
spazio-mostra permanente di buona parte dei miei
quadri”.
Mi incuriosisce conoscere la tua personale
concezione di psichedelia. Penso a brani
come Reliquary For A Dreamed Of World
degli 11 Paranoias, o Decaying Lotus degli
Ancient Lights.
“Penso che qualsiasi cosa sia psichedelia. È una
visione, un punto di vista, una way of life che
ho mantenuto dal mio primo iniziatico viaggio
lisergico da teenager. Quando avevo un’età tra i tre
e i sette anni avevo vivide esperienze cosmiche ogni
notte, ma non erano sogni e nemmeno sogni a occhi
aperti, erano quello che gli antichi sufi definiscono
‘scopi meditazionali’: essere capaci di visualizzare
perfettamente in un senso reale, ridurre il sè alla
misura di particella subatomica, e poi procedere
fino a passare attraverso la materia oscura e negli
infiniti spazi oscuri di cui ancora nessun scienzato
ha supposto l’esistenza...Il modo in cui ho vissuto
la mia vita è una sorta di caos magico, peripheral
metamorphosis e esperienza psichedelica, se sei
sintonizzato su questi elementi, che poi portano
ad altri, allora puoi vivere mentalmente la tua vita
da uomo libero e folle. Sono sicuro che i contenuti
della mia mente annienterebbero molte persone.
Titoli come Reliquary For A Dreamed Of World
e Decaying Lotus sono piccoli quadri di questo
fiorire di pensieri e delle mie esperienze di sogno
omniversale...Tu puoi, se vuoi, in qualche modo
tracciare il percorso variopinto della mia mente
leggendo cronologicamente i testi delle mie canzoni
T E S T O D I C L AU D I O S O R G E
"LEGGEMMO LA RECENSIONE DI
JULIAN COPE DI THE TOMB SUL
SUO SITO HEAD HERITAGE (UNA
RECENSIONE DI SET TE PAGINE!),
AI TEMPI ERAVAMO SU INVADA,
LA LABEL DI GEOFF BARROW DEI
PORTISHEAD E DEI BEAK, E LORO CI
MISERO IN CONTAT TO CON JULIAN.
LUI CI INVITÒ A FARE DA SUPPORTO
IN UNA DELLE DATE DEL SUO TOUR
INGLESE. È STATO, E ANCORA LO È,
UN GRANDE ONORE. TI DICO, QUEL
CONCERTO GENERÒ UNA SPECIE DI
PAZZIA! QUELLO CHE PIÙ O MENO
SUCCEDEVA SEMPRE NEI RAMESSES,
UN MOBILE LUNATICO MANICOMIO
D E L L’ O C C U LTO, R I F F KI L L E R E
ABIETTE FORMULE E INCANTESIMI,
L A NOSTRA LISTA DI PRESCRIZIONI
CHE POTEVA UCCIDERE UN CORPO
O UNA MENTE DEBOLE. UN DANNATA
GRANDISSIMA BAND. SONO UN
G R A N D E F A N D E I R A M E S S E S ".
(a prescindere dal gruppo). Potrebbe essere una
spaventosa, diffusa, prismatica fioritura parassitaria
che si nutre direttamente delle tue fibre e del tuo
cervello...un destino del quale non avere paura
perchè rivela visioni sublimi di quello che il tuo
stesso in-sè potrebbe essere diventato...Mi fermo
qui perché potrei continuare a rispondere a questa
domanda per un allarmante lasso di tempo...”
Possiamo dire che gli Ancient Lights sono
l’esperienza psichedelica più astratta,
tra le band con cui sei stato? Per come la
percepisco, questa musica sembra condurre
verso una sorta di oblio...
“Penso che gli Ancient Lights siano un perfetto
esempio della mia ultima risposta, diciamo
un’incarnazione, nella fattispecie gli ultimi capitoli
della mia mente sono i primi capitoli degli Ancient
Lights, l’ultimo report dal bordo della coscienza,
un bombastico tormentato e statico silenzio, che
pullula di vita arbitraria accecata dalla luce del peso
di dover vivere....e sì, verso una sorta di oblio”.
RUMOREMAG.COM | 57
 DISTORSIONI ANCIENT LIGHTS
"PENSO CHE QUALSIASI COSA SIA
PSICHEDELIA. È UNA VISIONE,
UN PUNTO DI VISTA, UNA WAY OF
LIFE CHE HO MANTENUTO DAL
MIO PRIMO INIZIATICO VIAGGIO
LISERGICO DA TEENAGER. QUANDO
AVEVO UN’ETÀ TRA I TRE E I SET TE
ANNI AVEVO VIVIDE ESPERIENZE
COSMICHE OGNI NOTTE, MA NON
ERANO SOGNI E NEMMENO SOGNI A
OCCHI APERTI, ERANO QUELLO CHE
GLI ANTICHI SUFI DEFINISCONO
‘ S C O P I M E D I T A Z I O N A L I ' ".
Puoi immaginare quale direzione possano
prendere gli Ancient Lights nell'immediato
futuro?
“Penso che quello che puoi ascoltare e percepire da
ANCIENT LIGHTS
RITUAL PRODUCTIONS
ANCIENT LIGHTS
Echi di arcaici rituali tibetani si riverberano sulle onde soniche
fluttuanti di Decaying Lotus: il passaggio di entrata nel mondo
degli Ancient Lights, che apre il loro primo monumentale album.
Gli Ancient Lights suonano in un mondo di ovatta. Liberano forze
inconsce partendo da una superficie rock psichedelica senza
porsi limiti. In Temple Ghost auscultano le voci fantasmatiche
dei morti che risalgono da un fondo che non si può misurare. La
condensazione sale di calore fuzz in Orichalcum Eater, che sembra
agitare lo spettro dei Joy Division in un tempio asiatico. Su un
versante più heavy, Asakai Kasa è un riferimento ai Boris più
oscuri. Così come Against Nature pompa il cuore nero e il respiro
dei Dark Buddha Rising. Proseguendo nelle tenebre, Fallow Year
vive di rifrazioni psichedeliche, che appaiono e scompaiono,
mentre si manifesta una malinconia da Cure in dub. E come una
sorta di contrasto aspro e contundente, Vessel Of Inevitabily
58 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I C L AU D I O S O R G E
noi è ciò con cui faremo jam nell’immediato futuro,
in qualunque modo abbiamo la gioia di poter
diventare qualunque cosa vogliamo, dovunque
vogliamo, e non preoccuparti, sarà così”.
L’album termina con questa canzone, Slow
Breath. Un pezzo grandioso. Mi fa pensare a
dei Bong oscuri. Che cosa lo ha ispirato?
“Non i Bong! Amo moltissimo i Bong, ma non
hanno ispirato Slow Breath. È una canzone che
significa questo: non voglio alterare l’avventura
di nessuno! Tutti gli indizi e i segnali di cui hai
bisogno sono i titoli delle canzoni e i testi – tutto il
resto lo devi fare da solo... nelle immortali parole
degli Hawkwind: 'if you want to get into it you’ve
got to get out of it if you want to get into it you’ve
got to get out of it if you want to get into it you’ve
got to get out of it if you want to get into it you’ve
got to get out of it if you want to get into it you’ve
got to get out of it if you want to get into it you’ve
got to get out of it if you want to get into it you’ve
got to get out of it if you want to get into it you’ve
got to get out of it if you want to get into it you’ve
got to get out of it if you want to get into it you’ve
got to get out of it if you want to get into it you’ve
got to get out of it'”.
riconvoglia ancora una nuova marea fuzz alla Dark Buddha Rising.
Chiude l’interminabile rituale degli AL Slow Breath, che convoca
tutti gli echi dei morti, i fantasmi urlanti, le preghiere pagane, in
una gigantesca fornace che brucia e purifica ogni cosa: il brano
più incredibile e suggestivo dell’intero album. Gli Ancient Lights
stanno uscendo dall’orbita doom ed entrando in una nebulosa
dark ancora poco conosciuta; dove una narcotizzante spinta
psichedelica attraversa spettralmente un mondo oltretombale. La
loro musica passa in questa nuova dimensione come un oppiaceo
sonico, verso l’oblio. Dovendo fare dei riferimenti concreti,
pensate a un lento narcoviaggio dagli Electric Wizard ai Loop agli
Om, trascinandosi dietro riti e detriti. Un’astratta forma di doom/
psichedelia.
CLAUDIO SORGE
82/100
Buy or
rental
P U S H A T K A N Y E W E S T B L A C K S P I R I T U A L S K R Y S TA L K L E A R Z U 9 3 A N Y W H E R E

D EAF HE AVE N
62

BATU LUCIANO CHESSA THE CELIBATE RIFLES BUFFALO SPRINGFIELD

R E C E N S I O N I
26 0 DISCH I TRAT TATI ESTATE 2018 ru m o re m a ga z i n e

R O SS FR O M FR IEND S A$AP ROCK Y

71 69

ALIEN ARMY TUYO JORJA SMITH GNOD DOS SANTOS YOB KHALAB
DISCO DEL MESE ESTATE 2018
TI URLO IL MIO AMORE
DEAFHEAVEN
ORDINARY CORRUPT HUMAN LOVE
ANTI-
“Non sono più in pace. Voglio lui come
ai vecchi tempi. Sono stanca e non
voglio più dolore. Voglio un ordinario
corrotto amore umano”. Fine Di Una
Storia di Graham Greene è un romanzo
sull’ossessione, e sul malsano piacere
d’assaporarla. Attraverso tutti quei
piccoli momenti che renderebbero un
amore, appunto, ordinariamente umano.
You Without End, con le sue cascate di
pianoforte gonfio di sentimento, apre
alla voce di Nadia Kury che recita una
62 | RUMOREMAG.COM
DEA FHEAVEN
poesia di Tom McElravey, autore di
Oakland. I piccoli momenti della vita
come istantanee di qualcosa che non
si riesce a trattenere. Gli Smashing
Pumpkins avrebbero bombardato
una luna sentimentale su queste note,
che aprono il quarto disco della band
californiana. Da sempre enigma mai
completamente risolto. L’infezione
shoegaze del verbo doom come abile
trucco di sdoganamento, per i puristi del
rumore. Il rantolo di George Clarke e le
chitarre apocalittiche di Kerry McCoy
come salvacondotto per il metallo,
per eserciti di appassionati indie kids.
La teoria della contaminazione dolce,
deflagrata con Sunbather, e perfezionata
fra i vuoti/pieni tossici del successivo
New Bermuda, porta dritti fino a qui,
senza sancire verdetti. Affidato ancora
una volta alla produzione fidata di
Jack Shirley e alla cura grafica del
solito Nick Steinhardt, il nuovo album
prende spunto dal libro di Greene, per
rivendicare dolcezza dalla rabbia. Se
nei dischi precedenti era una carezza
cartavetrata ai toni elusivi dell’indie
rock (post rock e shoegaze) ad allargare
lo sguardo, qui si scala l’Olimpo del
romanticismo malato. Strutture
e ritmiche che sfidano il barocco,
uscendone vincitrici. Impossibile
non pensare al fantasma dei Cure,
DI MAURO FENOGLIO
nella chitarra wah wah all’inizio di
Canary Yellow, un attimo prima di
una cavalcata in accelerazione alla Kirk
Hammett (Metallica). Lo screamo di
Clarke (con parole che sono puro atto di
fede) s’interroga sul linguaggio dei fiori,
mentre il cuore esplode. Come se l’ansia
di sintesi dei cinque di San Francisco
avesse consciamente lasciato ogni
sponda, raggiungendo le vette d’epica
di Billy Corgan e Robert Smith. Che
dire di Honeycomb, che brucia il film di
un’estate californiana, in una sinfonia
d’ardori anni 90. Come non ripensare ai
Red House Painters, nell’incipit dolente
di Glint, che collassa fra le braccia dei
God Machine. La riflessione vampiresca
di Night People, affidata alle voci di
Chelsea Wolfe e Ben Chisolm, introduce
l’esorcismo finale di Worthless Animal.
Rantoli di disperazione, annegati in un
mare di chitarre, che non nascondono
più ambizioni di malinconia corale.
Quando l’abbandonarsi all’ossessione
trova ancora un affascinante senso
morboso. Con un disco di chitarre e urla,
nel 2018, in piena estate.
85/100
RECENSIONI GLI ALBUM ESTATE 2018
1968
BALLADS OF THE GODLESS
HEVISIKE
A dispetto del monicker, i 1968
non hanno influenze musicali
che riconducono direttamente
al 1968. Che rimane però un
riferimento ideale nei testi, che
parlano dello spirito di rivolta
e cambiamento di quegli anni,
ma anche del suo lato dark (le
vicende della Manson Family).
Gli inglesi 1968 incarnano tutto
questo in un suono rock classico,
vorremmo dire grunge, ma aperto
a nuove intuizioni. Ad esempio
l’opening track Devilswine ha
qualcosa del feeling sinistro degli
Alice In Chains, ma si allarga in
un groove più lento e ipnotico.
Così come Screaming Sun collide
con certi Soundgarden psichedeli-
ci, ma esibendo uno stile origina-
le, maledettamente ossessivo. Su
tutto stanno brani come Temple
Of The Acidwolf e Chemitrail
Blues, proto grunge psichedelici,
ma non heavy psych.
CLAUDIO SORGE
75/100
ALBAITIL ASHWAI
NUUN
MOSTAKELL
Da una delle etichette indi-
pendenti più interessanti della
ribollente scena cairota, arriva
il debutto di un sorprendente
quintetto giordano. Con impian-
to rock standard integrato da
percussioni, fisarmonica e synth,
gli Albaitil Ashwai suonano come
una versione moderna del pop
mediorientale classico: da un
lato le mitragliate di percussioni
e le melodie epiche del cantato,
dall’altro uno sferragliare di
chitarre che sa di psichedelia
turca anni 60/70 e di varie cose
venute dopo, dal punk al suo post
e oltre, fino al reggae. Prevalgono
ritmi sostenuti ed energia, ma c’è
anche spazio per momenti più
spirituali e legati alla tradizione
araba. Il tutto è filtrato con gusto
e originalità, anche se qualche
passaggio molto scolastico stona,
pur senza intaccare la buona im-
pressione generale.
ANDREA POMINI
75/100
CHANTAL ACDA
& BILL FRISELL
LIVE AT JAZZ MIDDELHEIM
GLITTERHOUSE
La cantautrice belga e l’eclettico
luminare della chitarra jazz ave-
vano già collaborato in occasio-
ne dell’ultimo lavoro della Acda,
Bounce Back, ma in questa
mezz’ora registrata dal vivo lo
scorso anno al Jazz Middelheim
l’integrazione tra i due mondi ol-
trepassa di gran lunga, se parlia-
mo di risultati, quella pur felice
incursione in studio. Le rifinitu-
re mai invadenti della sei corde
di Frisell si mettono al servizio
della scrittura crepuscolare della
Acda, avvolgendo ulteriormente
la sua voce tentata da rarefazioni
dream pop e il passo slowcore
dei brani con una un’atmosferica
densità emotiva, generando una
carrellata di traslucidi miraggi e
sottili rifrazioni, in un equilibrio
giocato sul filo della sottrazione,
e di una tensione verso l’essen-
ziale ricchissima di accenti.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
75/100
LILY ALLEN
NO SHAME
PARLOPHONE
C’è sempre un po’ di diffidenza
attorno alla londinese, quasi non
le si perdoni lo status di popstar
fra le più paparazzate di sempre.
Non che No Shame dribbli le
rotative dei tabloid: Come On
Then vale da sfogo per una che
si racconta come pessima madre
e pessima moglie. Ma il quarto
disco della Allen riesce laddove il
suo secondo lavoro (It’s Not Me,
It’s You del 2009) falliva, ovvero
portare la ragazzaccia caustica e
tagliente di Myspace a linguag-
gi più ponderati. Così che per
ogni Trigger Bang (ancora con
one foot in the rave, canta lei)
ci sono spaccati di un divorzio
troppo pubblico, fra Lorde (What
Are You Waiting For?), Adele
(Family Man) e una schiettezza
brutale per questi livelli (Apples).
Un po’ come azzeccare il disco
della maturità quando nessuno te
lo chiede.
FRANCESCO VIGNANI
70/100
THE ADVISORY CIRCLE
WAYS OF SEEING
GHOST BOX
Il tema di Ways Of Seeing è
quello dell’ingannevole rapporto
tra fotografia e realtà, che scorre
parallelo a una musica, quella
dell’universo Ghost Box, sempre
più affascinata dalla library
music degli anni 80 e dai suoi
contorni asettici e geometrici.
Jon Brooks porta avanti le sugge-
stioni già assimilate nel progetto
collettivo Pattern Forms (qui
intervengono, ciascuno in un
brano, Ed Macfarlane e Edd Gib-
son); asciugandole ulteriormente
e disinnescando la fama ambigua
di una musica apparentemente
monolitica, senz’anima, patinata
e inscalfibile. Le pastorali me-
lodie del musicista britannico e
la sua capacità di lavorare sulle
sfumature timbriche infondono
ai circuiti sintetici un soffio vitale
e un’emotività che, come insegna
Blade Runner, contempla malin-
conie e riflessioni sulla mortalità.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
76/100
ANYWHERE
ANYWHERE II
ORG MUSIC
Christian Eric Beaulieu (fonda-
tore dei Triclops!) e Cedric Bixler
Zavala (At The Drive-In ed ex
Mars Volta) nel 2012 decidono
di fondare questo collettivo mu-
sicale. Non una semplice summa
di nomi, non un semplice super
gruppo, ma un vero e proprio
Frankestein di sperimentazione
extrasensoriale, drogata e cosmi-
ca. Cedric (batteria), Christian
(chitarra, organo e quant’altro).
Si aggiungono Mike Watt (minu-
temen, fIREHOSE etc.) e poi Dale
Crover (batterista dei Melvins),
l’ex Nirvana Krist Novoselic e altri
ancora. Una totale pazzia lisergica
mette assieme hard/desert rock e
folk ipnotico: dove i Led Zeppelin
di metà carriera incontrano i Fleet
Foxes sotto effetto di mescalina.
Sciamaniche paure, chitarre fla-
menco (Flamenco Youth) e deliri
prog (Delta Of Venus) a chiudere
il viaggio.
NICHOLAS DAVID ALTEA
73/100
AGE OF TAURUS
THE COLONY SLAIN
RISE ABOVE
Non è un caso che gli Age Of
Taurus abbiano legato la loro
storia e la loro piccola fortuna
alla Rise Above di Lee Dorian.
Perché per chi ha inclusa
dentro di sé la tradizione del
concetto di heavy metal non c’è
migliore casa (discografica) che
l’etichetta del maestro del metal
moderno. Dal 2009 a oggi non è
cambiato nulla nella loro archi-
tettura fatta (e figlia) di progetti
come Trouble, Candlemass e
Judas Priest. Solo, la formula si
è perfezionata. Questo è il credo
di The Colony Slain: heavy
metal nelle sue armoniche più
profonde. Un heavy metal cupo,
roccioso, subdolamente maligno
e trascinato da alcuni passaggi
chitarristici veramente preziosi.
Gli Age Of Taurus sono una
band in crescita verticale.
MARIO RUGGERI
75/100
ARCHIE AND
THE BUNKERS
SONGS FROM THE LODGE
DIRTY WATER
Che i fratelli(ni) O’Connor siano
dei fenomeni se ne sono accorti
Jack White, che ha pubblicato loro
un 7” su Third Man, la gloriosa
Norton Records e la In The Red
che ha appena dato alle stampe
l’EP Archie And The Bunkers Play
The Damned. La ricetta dei ragaz-
zi di Cleveland non è cambiata.
Sempre mid-fi organ punk nudo e
crudo, viscerale e profondamente
urbano. Bandite le minchiate
roots, al massimo sono rivisitate
attraverso la lente distorta dei
Suicide, degli Screamers e del post
punk britannico che i due ricor-
dano soprattutto nelle linee vocali
(Lost In Today). Cullen, il più
giovane, con l’organo ci fa proprio
all’amore: lo maltratta (Riot City) e
lo accarezza (Fire Walk With Me);
Emmett sbatte la batteria e ringhia
con la mascella di un bulldog. Un
disco dalla maturità sbalorditiva.
MANUEL GRAZIANI
75/100
RUMOREMAG.COM | 63
RECENSIONI GLI ALBUM ESTATE 2018
ARP
“ / - “ (PRONOUNCED ZEBRA)
MEXICAN SUMMER
Nella produzione di Alex Geor-
gopoulos si trova di tutto, dagli
omaggi al Brian Eno pop alla clas-
sica contemporanea, dal minima-
lismo alla dance. Il nuovo lavoro
del compositore greco trapiantato
a Brooklyn costruisce intorno alle
elementari linee melodiche di un
sintetizzatore vintage una pigra
e luminescente library music
in salsa exotica, intrecciando
percussioni quartomondiste e
muzak gentile, gamelan e folklori
immaginari, spiritual jazz e prati
bagnati del Monte Analogo. Atti-
tudine che culmina nell’irresisti-
bile viaggio verso l’oblio e la beati-
tudine di Reading A Wave, cerchi
concentrici che s’irradiano dallo
sciabordio di un piano elettrico.
Una danza cerebrale e sincretica
che scorre con sorprendente flui-
dità, dipingendo un mondo fittizio
da cui si sfugge a fatica.
Bello, e ci vivrei.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
80/100
BC CAMPLIGHT
DEPORTATION BLUES
BELLA UNION
Avventurarsi nei cunicoli della
psiche di Brian Christinzio non
è semplice. Il nostro è un loser
coi fiocchi, con una situazione
aggravata da depressione, disagi
mentali e dipendenze. Clamoroso
come tutto questo disagio si tra-
sformi in un cantautorato deli-
cato e ironico, ma assolutamente
scomposto nel sovrapporre
elementi che sulla carta fareb-
bero a pugni. La title track, ad
esempio, mescola Alan Parsons,
Beach Boys e Leningrad Cowboys
in un montare di epicità che non
ne intacca l’appeal melodico. In
un certo senso è proprio questo
a distinguerlo dal cantautorato
freak di Ariel Pink. Nei suoi brani
la melodia vince sempre. Poco
importa che la nuova veste sin-
tetica accentui il senso della crisi
al punto da fare di ballate come
Until You Kiss Me intriganti
esemplari di pop apocalittico.
DIEGO BALLANI
80/100
64 | RUMOREMAG.COM
ASG
SURVIVE SUNRISE
RELAPSE
A volte le cartelle stampa la di-
cono giusta: Survive Sunrise è
un dichiarato album hard rock
estivo e la definizione non po-
trebbe essere più calzante. Stoner
dal sapore southern, sparato in
faccia con melodie cristalline da
cantare tramonto in faccia, un
po’ una versione meno robusta
(e anche molto meno riuscita,
diciamolo pure) degli ultimi,
strepitosi Torche. Il meglio lo
danno quando lasciano da parte
le asperità e danno libero sfogo al
cazzeggio: Up From My Dreams
è il brano simbolo di questo con-
cetto: le parti urlate e più sludgy
sembrano fuori luogo e posticce,
la coda strumentale e il ritornello
hanno invece un groove con-
vincente e più naturale. Scorre
come acqua fresca e probabil-
mente non lo ricorderemo più di
uno schiocco di dita, ma come
sottofondo della bella stagione
funziona.
STEFANO FANTI
69/100
BEECHWOOD
IN THE FLESH HOTEL
ALIVE NATURALSOUND
Forse i Beechwood si sono fatti
tradire dalla voglia di bruciare
i tempi (Too Much Too Soon
dicevano i New York Dolls).
Quindi, dopo il sorprendente
successo di critica del primo
album Songs From The Land Of
Nod, uscito appena sei mesi fa,
hanno deciso di battere il ferro
finché era caldo: subito un tour
europeo, nei posti più prestigiosi,
e subito anche un altro disco. In
The Flesh Hotel è certo permeato
del fascino glam rock decadente
del formidabile debutto, ma
pare scritto un po’ di furia, poco
approfondito in alcune canzoni,
anche un po’ sbadato. Però non è
un brutto album. Probabilmente
reclama ascolti più attenti, per-
ché è più raffinato ed etereo, in
molti momenti. E con gioielli na-
scosti come la title track, la ange-
lica e zuccherosa Amy o la super
glam Bigot In My Bedroom.
CLAUDIO SORGE
64/100
ASH
ISLANDS
INFECTIOUS
Vale un paio di brividi gratis
lungo la schiena scoprire che Tim
Wheeler ha 41 anni, un’attacca-
tura dei capelli in retromarcia e
una vita trascorsa per ben più di
metà sui palchi. A inscenare sera
dopo sera la propria adolescenza
senza mai poterla problema-
tizzare: patto chiaro, quello fra
pubblico e gli Ash, guai a cam-
biare. Tanto che lo stesso settimo
LP della band va in affanno solo
quando alla band scappa la mano
come nel blues rock di Did Your
Love Burn Out o l’electropop di
Confessions In The Pool. Per-
ché il resto, preso con lo spirito
giusto, regge ancora: Buzzkill è
ovviamente puro Buzzcoks e c’è
una grazia innegabile in ballate
festivaliere come It’s A Trap o
All That I Have Left. Mai stato
un Albarn e neppure un Cocker,
Wheeler. Ma il diritto di non cre-
scere se l’è guadagnato eccome.
FRANCESCO VIGNANI
71/100
BELLINI
BEFORE THE DAY HAS HAS GONE
TEMPORARY RESIDENCE LTD.
Dapprima un interpunto tra le
ultime uscite degli Uzeda, l’en-
tità Bellini è diventata e rimane
attualmente la più viva e contem-
poranea incarnazione di Giovan-
na Cacciola e Agostino Tilotta.
Ormai stabilizzati dalla presenza
di Matthew Taylor (basso; Mono-
trope, Paramount Styles) e Alexis
Fleisig (batteria; Girls Against
Boys), i Bellini si muovono con
maestria tra muscolari brani
“jesuslizardiani” (Clementine
Peels), ostinate figure modulari
(la pressoché perfetta Whales In
Space) e ribollenti flussi sonori
di coscienza (i sette minuti di
Il Maestro/If I Could Say). Per
chi ha vissuto “quella” Chicago e
“quella” Catania Before The Day
Has Gone - in realtà nato nel
2012 e parcheggiato agli Electri-
cal Audio di Steve Albini in attesa
di tempi migliori - è un capitolo
irrinunciabile.
ANDREA PREVIGNANO
80/100
RAYLAND BAXTER
WIDE AWAKE
ATO/PIAS
Baxter è un cognome che potreb-
be farvi venire in mente un musi-
cista dotato, soprattutto nell’uso
del pedal steel: William “Bucky”
Baxter, attualmente di casa a
Nashville, che è apparso in dischi
di R.E.M., Bob Dylan, Steve Earle
e Ryan Adams. Il figlio Rayland
sta facendo il suo percorso alt
country/folk da qualche anno. In
Wide Wake si trova a fare delle
scelte prettamente d’inclinazione
sonora: più vicine all’alt folk con-
temporaneo, passando per una
ruralità di fondo e una capacità
melodica strutturata come in
Angelina e nelle aperture di Hey
Larocco. Capace d’intense ballate
desert folk (Amelia Baker) o leg-
geri arpeggi da tramonto da Casa
Nella Prateria (Without Me).
Predisposizione al ritornello faci-
le, qualche incursione nell’indie
folk moderno catchy e da sing-a-
long. Furbo.
NICHOLAS DAVID ALTEA
67/100
BELLY
DOVE
PLEDGE MUSIC
Facile fino a un certo punto,
essere Tanya Donelly nei ‘90. Ov-
vero: che succede quando scrivi
solo grandi canzoni indie pop
nel periodo di maggior gloria del
genere? Che dopo un gran disco
(e mezzo) implodi, passi 23 anni
a trovare i tuoi CD a prezzi strac-
ciati sulle bancarelle e a un certo
punto ritorni con un album eccel-
lente oltre le più rosee previsioni.
Perché, se sempre ariosissima è la
scrittura dell’ex Throwing Muses,
Dove ha quello che spesso manca
a ritorni del genere. Il senso del
tempo passato: immacolata la
melodia vocale di Suffer The
Fools, ma a restare è la storia
della separazione alle spalle, così
come sa di rabbia trattenuta lo
sfogarsi del coro di Shiny One.
Con l’acustica Earthstrings a
spiegare dal titolo il senso del
disco: un ritorno per e con amore,
una volta tanto.
FRANCESCO VIGNANI
81/100

THE BETHS
FUTURE ME HATES ME
CARPARK
È assodato che l’indie rock da
chitarre sghembe, quello di figlia-
zione Pavement per intenderci,
sia un po’ in difficolta nel pro-
porre immaginari freschi, in un
mondo assediato dai superlativi
del mainstream e dall’immedia-
tezza verbale dell’hip hop. I mezzi
toni e lo sguardo rivolto alle pro-
prie ordinarie ferite non sono più
argomento da prima pagina. Alla
neozelandese Elizabeth Stokes
non sembra fregare molto.
L’esordio della sua band è una
collezione dolcemente obliqua in
agrodolce, che pesca nello stesso
terreno fertile di Sunflower Bean
e Alvvays (per citare gli ultimi ca-
piscuola del genere). E poi quan-
do arriva una perla da primavere
a piedi nudi sull’erba come Little
Death, o una River Run Lvl 1,
piccolo miracolo fra Flying Nun e
rock femminile ‘90, non frega più
nulla neppure a noi.
MAURO FENOGLIO
74/100
BLACK SPIRITUALS
BLACK ACCESS/BLACK AXES
SIGE
La prima cosa che mi viene
in mente all’ascolto dei Black
Spirituals è la Star Spangled
Banner di Jimi Hendrix. Da cui
può idealmente partire il viaggio
dei Black Spirituals ai confini del
rumore. Zachary James Watkins
e Marshall Trammell sono due
musicisti neri che Aaron Turner
ha prodotto per la sua nuova eti-
chetta Sige. Un duo che improvvi-
sa free music con uso di chitarre,
effetti di iperamplificazione e
percussioni. Modellano una sorta
di free jazz elettrico, bombastico e
straziato, dove la chitarra trascen-
de se stessa in campi rumoristici
e ambient, mai completamente
disgiunta da un’astratta idea di
psichedelia. Un disco pazzesco.
Sentite Reconciliation, impasto
lecerante di fuzz e feedback, dove
semicancellate tracce “frippiane”
fluttuano in uno scuro fondo di
tribalità afro.
CLAUDIO SORGE
83/100
BIFFY CLYRO
MTV UNPLUGGED
(LIVE AT ROUNDHOUSE, LONDON)
WARNER
Il format MTV Unplugged è
ormai un punto fermo dal 1991 e
ha visto decine di artisti reinter-
pretarsi in questa versione. The
Roundhouse, ex edificio indu-
striale londinese diventato sala
da concerti, è la sede del live degli
scozzesi Biffy Clyro. L’unplugged
sfrutta al meglio la spiccata incli-
nazione folk pop della band, che
trova equilibri e dinamiche soste-
nute. Re-arrange, estratta da El-
lipsis (2016) funziona benissimo,
molto meno la cover di God Only
Knows dei Beach Boys. Il punto
più alto – e anche più ruvido – è
Bubbles, brano di transizione
della loro carriera che ancora
riesce a unire l’anima alternativa
e quella pop in egual misura. Una
session che farà gola ai fan più
accaniti, ma che non avvicinerà
certo nuovi ascoltatori al gruppo
dell’Ayrshire.
NICHOLAS DAVID ALTEA
58/100
BODY/HEAD
THE SWITCH
MATADOR
L’effetto è quello di una versione
di Frankie Teardrop estesa a 39
minuti. E probabilmente Kim
Gordon e Bill Nace – le due metà
di Body/Head, decidete voi il
corpo e la testa – non avrebbero
nulla da ridire in merito all’acco-
stamento con i Suicide. D’altron-
de i Sonic Youth, che furono di
Kim, recavano in sé quell’eredità
ingombrante e newyorchese,
depositari di una tradizione di
rumore, ribellione e rivoluzione.
Sulla via del noise Body/Head
sembra quindi l’approdo natura-
le, il punto d’arrivo nichilista di
un percorso di destrutturazione
iniziato con Coming Apart e
proseguito con il live No Waves,
esplosione contagiosa di improv-
visazione free form. The Switch
estremizza il concetto, si separa
dal mondo in una monade riot-
tosa, rifiuta ogni compromesso.
Fino a rifugiarsi nell’ermetismo.
EMANUELE SACCHI
68/100
PSYCH
PSYCH
SATORI JUNK
THE GOLDEN DWARF
ENDLESS WINTER
Spettrali, selvaggi, decadenti, pieni di una grazia
malata. Suonano blues, ma diverso da qualunque
altro in giro. Dove un fuoco esplosivo fuzz unito
a una derelitta lamentazione sono convogliati
in un angosciato estenuato martellamento.
All Gods Live è il pezzo che ci introduce al
sophomore dei Satori Junk: un blues noir, dove sembra di sentire
lo Screamin’ Jay Hawkins di I Put A Spell On You. Così anche
nell’headbanging Cosmic Prison. In più, i Satori hanno dalla loro
una tastiera vintage, simile a un Farfisa, che dà un tocco speciale
a questo fuzz/doom/blues da tregenda. Terminano con il funerale
di Light My Fire dei Doors, come avrebbero potuto celebrarla
degli EyeHateGod con una minima cognizione blues. Ipnotici,
fulminanti.
83/100
A CURA DI CLAUDIO SORGE
FRIENDSHIP RUFF MAJIK
AIN’T NO SHAME SEASONS
KOZMIK ARTIFACTZ PLUG MUSIC
Canzoni briose Da Pretoria,
e dinamiche Sud Africa,
cariche di arriva questo
funk blues e gruppo che
heavy groove merita una certa
spesso scanditi attenzione. Un
da percussioni afro, che trio dallo stile stoner eclettico.
sembrano venire dalla Le basi sono in un classico
prima parte degli anni 70. I combinato Sabbath/Zeppelin,
Friendship sono una band potenziato e convogliato in una
norvegese che s’ispira ai dimensione stoner psichedelica
Grand Funk e fabbrica un grandiosa. Inframmezzato a
sound a tratti così sincopato e tratti da un percussionismo
funk da assomigliare a un mix afro/funky/psych e da spunti
di Spin Doctors e Little Feat. blues, molto più spesso il
C’è anche qualche momento suono è concentrato su un
troppo easy, diciamolo, e fuzz invasivo allucinato e post
poca verve psichedelica, ma la sabbathiano. Notevoli.
musica è cool.
73/100
67/100
LANDING
THE AGE OF TRUTH BELLS IN NEW TOWNS
TRESHOLD EL PARAISO
KOZMIK ARTIFACTZ I bardi
Originalmente psichedelici
uscito nel (del
Connecticut)
2017 e ora
pubblicato in Landing sono
in pista da una
vinile, Treshold
degli Age Of ventina d’anni. Tutti spesi
sulla via lattea del krautrock
Truth esplora le zone più
inaccessibili del grunge. Dove (aggiungiamo: analogico).
Nel loro secondo album per
il suono si colora di un blues
denso e scuro, in una forma la El Paraiso allargano ancora
di più i loro orizzonti, che
heavy stoner. Il cantante ha
una sua dolorosa espressività, oscillano da un motorik sound
a esplorazioni tra ambient
pur scadendo a tratti in una
certa melodrammaticità. Ma e dream/drone. Taluno li
accosta anche alla psichedelia
direi che complessivamente ci
sanno fare. dei Bardo Pond. Con oasi
dream pop (Fallen Name).
63/100 Molto interessanti.
75/100
RUMOREMAG.COM | 65
RECENSIONI GLI ALBUM ESTATE 2018
THE BRIAN JONESTOWN
MASSACRE
SOMETHING ELSE
A RECORDINGS
Negli ultimi tempi la produzione
dei Brian Jonestown Massacre ha
trovato una certa regolarità, dal
punto di vista quantitativo e qua-
litativo. Non che la qualità abbia
mai difettato a Mr. Newcombe,
ma va detto che una certa sre-
golatezza è emersa a più riprese
nel corso della sua carriera,
ormai quasi trentennale. Il nuovo
album si apre con un numero di
alta scuola che assolve in pieno il
compito di spalancare le finestre
e dare aria a un suono vecchio
quanto noi, per poi chiudersi
– otto canzoni dopo – con una
psichedelica poesia narcolettica
che somiglia molto a un tributo
ai Velvet altezza All Tomorrow’s
Parties. In mezzo c’è tutto quello
che dovrebbe esserci in un album
che riassume quanto la musica
rock è stata e ancora oggi è: dagli
Stones ai 13th Floor Elevators
fino ai giorni nostri.
ARTURO COMPAGNONI
69/100
CONFUSION MASTER
AWAKEN
EXILE ON MAINSTREAM
Dalla violenta città tedesca di Ro-
stock arriva questa crew di deva-
stati freak. Il cui immane sound
può apparentemente ricordare
gli Electric Wizard. Ma è qualco-
sa di irriducibilmente magico e
grandioso. Crust doom? Wizard-
sleep alla teutonica? Una grumo-
sa pulsazione lenta/estenuante
che alimenta rituali para “wizar-
diani” sfregiati di acido. Witch
Pollution e Northern Midnight
Ghost Dance sono due brani di
oltre 20 minuti di asfittica marcia
infernale tra rovine doom. L’ini-
zio di uno straziato percorso che
sfocia nell’ipno/gigantesca, dub
industrial doom, Goner Colony,
focus dell’intero album. E cul-
mina con la title track Awaken,
definitiva dissoluzione spaziale di
un mantra black, dove vibra una
sorta di disperata finale solitudi-
ne, in mezzo a un acre odore di
ampli bruciati. Una rivelazione.
CLAUDIO SORGE
83/100
66 | RUMOREMAG.COM
JENNIFER CASTLE
ANGELS OF DEATH
PARADISE OF BACHELORS
Il lessico utilizzato dalla cantau-
trice di Toronto per affrontare
in questo terzo album lutti fami-
gliari, fantasmi e riflessioni sulla
mortalità è un country folk dalle
aperture gospel (i cori di Texas,
dolcissima e rassicurante contro-
parte a un testo di rara efficacia:
“Scendo in Texas per dare a mia
nonna il bacio dell’addio /Lei
dimentica le cose / Ma quando
la guardo negli occhi / Vedo
mio padre”) e dagli ampi oriz-
zonti stilistici. Rose Waterfall,
immersa in un bagno di cosmic
american music, la cameristica
The Grim Reaper che riconduce
a radici profonde dall’altro lato
dell’Atlantico, il crescendo or-
chestrale travolgente di Tonight
The Evening: tutto contribuisce
a irrobustire un disco ispirato e
denso. Uno di quegli oggetti che
Paradise Of Bachelors si ostina a
non sbagliare neppure volendo.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
77/100
SHIRLEY DAVIS
& THE SILVERBACKS
WISHES & WANTS
TUCXONE
Giamaicana d’origine, londinese
di nascita e australiana d’adozio-
ne, Shirley Davis ha alle spalle
collaborazioni e gavetta fra soul
(i giapponesi Osaka Monaurail) e
house, prima della notte del 2016
che cambia la sua carriera. Sha-
ron Jones suona a Madrid, la tira
su dal pubblico e canta un paio di
pezzi con lei: il giro della Tucxone
è in sala e la ingaggia immediata-
mente, aggregandola ai già rodati
Silverbacks. Black Rose è il de-
buttto che esce poco dopo, Wishes
& Wants un seguito fatto di dieci
tracce originali scritte bene e suo-
nate benissimo, leggere nel tocco
ma profonde nei contenuti, con
una vena di riscatto femminile
come filo conduttore. Certo, spic-
care in un genere fatto sostanzial-
mente di fotocopie in serie è dura,
ma l’intensità di Shirley e il valore
del materiale meritano.
ANDREA POMINI
70/100
CHANCHA VIA CIRCUITO
BIENAVENTURANZA
WONDERWHEEL
Se si parla di cumbia digitale,
pochi vantano il curriculum di
Pedro Canale: sono lui e i com-
pagni di strada del collettivo/eti-
chetta ZZK ad avere l’intuizione
e a seguirla, nella Buenos Aires
di una dozzina d’anni fa; sono
loro i primi a ripendere folklore
delle Ande, cumbia colombiana
(e Giamaica, via reggaeton) per
sistemarli su beat elettronici,
rendendoli il suono più fresco e
dominante del Sudamerica da
quel momento in poi. Ciò detto,
Bienaventuranza non vive di
rendita e non cerca scorciatoie
per capitalizzare sul boom globa-
le del genere, ma conferma il ta-
lento del suo autore con 12 tracce
tanto acessibili e ballabili quanto
profonde. In cui la miscela di
strumenti acustici e computer
è perfezionata ad alti livelli, e
prevale un clima di serenità quasi
mistica che avvolge e conquista.
ANDREA POMINI
81/100
DICK STUSSO
IN HEAVEN
HARDLY ART
Personaggio surreale, Nick
Russo: originario della Bay Area
californiana (Oakland), faccia da
attore caratterista e un passato
con un po’ di dipendenze (alcol).
L’esordio idealizzava Nashville,
il country e il blues in Nashville
Dreams/Sings The Blues (2016)
su Vacant Stare. Basterebbe que-
sto per crearci una serie TV, ma
l’animo da bluesman alternativo
e malconcio calza a pennello
senza dover fingere. Per non
farsi mancare nulla, poco prima
di registrare In Heaven, gli viene
rubato tutto (o quasi) il mate-
riale, ma ciò non lo intimorisce.
Tra ballate acustiche, blues
minimali (Addendum), sottile
e lezioso quando serve (Terror
Management), Dick Stusso è un
Mac DeMarco dell’alt blues che
flirta coi T. Rex senza accorger-
sene. Spavaldo, autoironico, ma
capace di un intimismo estremo
inaspettato.
NICHOLAS DAVID ALTEA
73/100
CHURCH OF THE
COSMIC SKULL
SCIENCE FICTION
KOZMIK ARTIFACTZ
I COTCS rivitalizzano un certo
post “beatlesianismo” anni 70,
con particolare riferimento alla
baroquerie luccicante degli ELO.
E con tratti cosmic rock un po’,
come dire, da operetta. Quella
patina di freschezza che ancora
sembra preservarli dalle incipien-
ti insidie dell’involuzione si sta
però assottigliando album dopo
album. La loro potenza heavy si
sublima in un qualcosa di trionfa-
le, che non ha molto a che vedere
con lo spirito del r’n’r. Il pezzo
forte del nuovo album, Evil In
Your Eye, ha un inizio alla Abba
e tutto il resto è francamente un
trionfo della pacchianeria, tra
cori angelici e stucchevolezze
pop retro. D’altra parte se hanno
successo i Ghost, anche i COTCS
possono avere la via spianata per
le grandi masse. Con quali risul-
tati artistici, però, sarà tutto da
vedere...
CLAUDIO SORGE
59/100
DIRTY PROJECTORS
LAMP LIT PROSE
DOMINO
Lamp Lit Prose, senza i testi,
sarebbe un ottimo album. Da
quando si è messo a fare il
rocker del futuro, applicando
autotune ed elettronicate varie
all’indie da strambone che ha
definito la sua carriera, Dave
Longstreth è più accessibile
che mai. La chitarra di That’s
A Lifestyle e Break-Thru sono
prog-evoluto-in-AOR per i no-
stri tempi, Zombie Conqueror
è hard rock epicheggiante da
filodiffusione in caffetterie a
catena. Tra svisate e arpeggioni
tanto intricati quanto melodiosi,
quest’album è una gioia per le
orecchie. Peccato che da quelle
atmosfere Dave riprenda anche
la pomposità testuale: a tratti
sembra il profeta dell’apocalisse,
ad altri l’innamorato da panchi-
na tra sole e uccellini, il tutto
con riferimenti pop e complica-
zioni gratuite. Il che rende LLP
solo bello, non bellissimo.
ELIA ALOVISI
72/100
DOPETHRONE
TRANSCANADIAN ANGER
TOTEM CAT
Di cosa parla Transcanadian
Anger? Di violenza, droghe,
miseria, gente tossica, cattive
decisioni. Questo è quanto dicono
i Dopethrone. Una band che esi-
steva ancora prima che gli Electric
Wizard chiamassero Dopethrone
il loro album (2000). Influenzati
agli inizi dai Darkthrone e da
massicce dosi di marijuana, pur
non essendo diversi per molti
versi dagli Electric Wizard, nel
loro nuovo album i canadesi di
Montréal esplorano una loro via.
Questo groove soffocante, questo
suono irredimibilmente sporco
e fuzz, questa vertigine ipnotica,
questo atteggiamento sarcastico,
portano ai limiti uno stile che loro
chiamano slutch metal, che fa
largo uso di nastri preregistrati e
groove larghi e tossici; dove la ri-
petizione è uno scavare instanca-
bile in una primitiva idea di black
metal americano.
CLAUDIO SORGE
79/100
SIMONE FELICE
THE PROJECTOR
NEW YORK PRO
A sentire i fan, l’ex Felice
Brothers è a volte un Kozelek con
un po’ di rispetto per la propria
vena artistica, altre uno scrittore
all’altezza di certe cose di Dylan
e altre ancora uno dei più grandi
misteri (in)felici dell’ultimo
ventennio. Vero quasi tutto,
probabilmente. Di sicuro poco
in giro suona plumbeo come The
Projectors: “Ho visto troppo per
credere all’aldilà”, canta a un
certo punto in The Fawn. Frase
che fa un effetto diverso in bocca
a uno passato per un aneurisma
e un infarto, però. E, se tocca
aspettare la coda per vedere un
briciolo di luce (la compassione-
vole To Be You, To Be Me o la te-
nerezza di War Movie), arrivarci
significa scollinare minuti dolo-
rosamente eccellenti. Ospiti Four
Tet, Bat For Lashes e Lumineers:
che quasi non si notino spiega
molto del valore del disco.
FRANCESCO VIGNANI
78/100
DOS SANTOS
LOGOS
INTERNATIONAL ANTHEM
Già si apprezza International
Anthem come il più ricco snodo
jazz attuale, per la capacità di
portare avanti l’essenza del
genere ibridandolo e catapultan-
dolo nel presente, ma Logos alza
ulteriormente il tiro. In super-
ficie, il debutto del quintetto di
Chicago è un eccellente esercizio
di neo cumbia psichedelica. Ma
basta un briciolo di attenzione
per ritrovarsi in qualcosa di
molto meno definibile, e più
raro. L’unione di puntini sparsi
per la città, dal post rock illumi-
nato dei Tortoise a un pop di ta-
glio vintage, dal jazz al soul funk
alle varie scene latinoamericane.
Con testi in spagnolo, e ospiti
come il poeta Roger Reeves, la
sezione fiati degli Antibalas, lo
stesso Gay. 11 tracce che aprono
strade nuove con controllo inau-
dito, arrangiamenti e scrittura
pazzeschi, visione nitidissima.
ANDREA POMINI
88/100
GIRLS NAMES
STAINS ON SILENCE
TOUGH LOVE
Disco dalla gestazione non sem-
plice, il quarto dei Girls Names.
Pronto già un anno fa, poi na-
scosto in un cassetto mentre
attorno a loro si dipanava la vita
quotidiana fatta di impegni di
famiglia e lavoro (extra musi-
cali, perché con la musica sola
in pochi campano, ça va sans
dire), ripescato e rivisto in toto
prima di finire alla stampa. Il
risultato finale non pare risentir-
ne, a partire dal pattern ritmico
che fa da canovaccio e tratto d’u-
nione: affidato prevalentemente
alla drum machine che scandi-
sce tempi secchi e tendenti alla
trance. Un amalgama d’insieme
che funziona, regalando coesio-
ne, ma facendo anche mancare
quello scarto in avanti che di-
stingue un disco piacevole da
uno buono sul serio.
ARTURO COMPAGNONI
67/100
DAVID EUGENE EDWARDS
& ALEXANDER HACKE
RISHA
GLITTERHOUSE
Si sono annusati a lungo David
Eugene Edwards e Alexander
Hecke, reciproci fan e in tempi
più recenti entrambi coinvolti
nella reunion dei Crime & The
City Solution, prima di scrivere
e registrare musica insieme. Ora
esce il primo frutto del sodalizio,
Risha, album in cui i compiti sono
equamente ripartiti: a Edwards
voci, parole e strumenti a corda,
al fondatore degli Einstürzende
Neubauten tastiere, basso, bat-
teria ed elettronica. Il risultato
si avvicina con nuovi mezzi alla
spoglia espressività dei primi Wo-
venhand, tra incursioni medio-
rientali (Helios, la drone music di
Akhal) e ricorrenti ossessioni rit-
miche (All In The Palm, The Tell,
lo shuffle di scuola Suicide che
conduce Parish Chief): se il ma-
gnetismo sciamanico di Edwards
funziona a pieno regime, Hecke è
un complice perfetto.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
75/100
GNOD
CHAPEL PERILOUS
ROCKET
La comune (di questo si tratta) di
Salford (Manchester), bastione
eretto a difesa di quanto rimane
del noise. Attraverso opere
vibranti di spunti creativi, che
sono vita per la psichedelia,
quando accetta la sfida del
rumore. Il nuovo album è stato
registrato in Olanda, sommando
l’urgenza d’attacco del prece-
dente e le ansie ambientali del
mastodonte Infinity Machines.
Cinque tracce, in cui la fogna dub
di Raikes Parade immerge l’in-
vettiva vocale del rientrante Neil
Francis. Donovan’s Dughters e
Uncle Frank Says Turn It Down
già maestosamente rodate dal
vivo, Voice From Nowhere fra
tribalismi e industria, Europa e
A Body spiragli nel buco nero dei
Wolf Eyes. Per orfani del turpi-
loquio dei Fall, della sperimenta-
zione fredda dei This Heat o del
cascame dei Sightings. Insomma,
una garanzia.
MAURO FENOGLIO
83/100
ESSEX GREEN
HARDLY ELECTRONIC
MERGE
A volte i percorsi si dividono per-
ché le vite reclamano attenzioni
e alimentano nuovi sogni. Poi
magari ci si ritrova e si rinco-
mincia esattamente dal punto
in cui ci si era lasciati. È il caso
di Jeff Baron, Sasha Bell e Chris
Ziter, che riattivano la sigla Essex
Green a 12 anni da Cannibal Sea
e a tre dalla decisione di far ri-
partire un meccanismo pop che,
scopriamo, in tutto questo tempo
non si è minimamente arruggini-
to. Il trio di songwriter continua
a sembrare cugino di Belle And
Sebastian e New Pornographers e
nipote dei Left Banke, escogitan-
do canzoni che sanno essere al
contempo barocche e minimali,
ritagliandosi spazio per qualche
svisata power pop (Catatonic
e i suoi impeccabili riff) e per
una In The Key Of Me avvolta in
lussureggianti arrangiamenti per
piano e oboe. Bentornati!
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
78/100
GORILLAZ
THE NOW NOW
PARLOPHONE
Non c’è dubbio che Damon Al-
barn si diverta a mescolare le
carte. Per anni mette a tacere
un progetto, poi lo rianima e lo
trasforma, fino a renderlo irri-
conoscibile. Registrato in tutta
fretta, The Now Now è il sesto
album della band virtuale e in
buona sostanza un album solista
di Albarn sotto mentite spoglie.
Dove il precedente era tutto ospiti
e duetti, qui la sola Hollywood è
una passerella per Snoop e Jamie
Principle, mentre George Benson
regala all’apertura di Humility
un tocco inconfondibile di soul
jazz. Per il resto è questione di
Damon e una drum machine, con
i Simian Mobile Disco dietro il
mixer. Quasi un sequel di Every-
day Robots, in cui la pregnanza
da pietra miliare è sostituita dalla
(tipica) effimera effervescenza
Gorillaz: una sequela di suoni
perfetti, scritti sulla sabbia.
EMANUELE SACCHI
74/100
RUMOREMAG.COM | 67
HIP HOP

HIP HOP

FRODE HALTLI HOLY ESQUE

AVANT FOLK TELEVISION/SWEET
HUBRO BEYOND THE FREQUENCY
MOHA LA SQUALE
BENDERO Accattivante esercizio d’ibrida- Certo, provenire dallo stesso
ELEKTRA zione, Avant Folk mantiene fede quartiere periferico di Glasgow
Ecco il disco della grande promessa del rap alle promesse del titolo e pro- dove sono cresciuti i J&MC
francese, venuta alla ribalta improvvisamente pone una serie di composizioni rappresenta già di per sé una ro-
grazie a una serie di freestyle. Moha La Squale, in felice equilibrio tra improvvi- gnosa responsabilità. Eppure gli
parigino di origine algerina, magari non conserva sazione, folk, free jazz e musica Holy Esque riescono a non tradi-
tutta l’urgenza delle prime rime pubbliche, ma da camera. L’accento va natu- re il loro pedigree territoriale, af-
l’entusiasmo sì; d’altronde è stato arruolato in una ralmente sulla componente folk, finando quanto di buono avevano
major in meno di sei mesi dagli esordi. Poco più che ventenne, il che qui va intesa in senso molto già realizzato nel 2016 con At Ho-
rapper qui si dà a racconti personali anche introspettivi. A fronte di largo ma tradizionale, con chiari pe’s Ravine. La band scozzese si
un’immagine molto forte (il Nostro è attore teatrale e conteso dalla riferimenti all’Est Europa klez- affranca in parte dai tanto amati
moda) la proposta musicale potrebbe venire affossata; ma il flow, mer e gitana, ma anche all’Africa riferimenti epico-curiani per as-
anche se un po’ monocorde, regge grazie all’energia di un ventenne sahariana (si ascolti la chitarra secondare più altalenanti umori
dal passato difficile. E le produzioni musicali dall’ampio respiro desertica di Kingo). A garantire elettronici soft industriali, figli di
(come spesso accade in Francia) rendono le 24 tracce varie. un’identità di suono all’interno quel cortocircuito generazionale
70/100 delle tante suggestioni evocate che nella voce claudicante di Pat
ci pensa la fisarmonica di Frode, Hynes trova ideale incarnazione
vero e proprio filo rosso che lega (Image Of Man). Le dicotomie
A CURA DI LUCA GRICINELLA i cinque lunghi brani dell’album. bagliori/oscurità e synth/chitar-
Gli assoli di violino, chitarra e la re rimangono dorsale stilistica
CABALLERO & stessa fisarmonica fanno sfoggio di un post punk tanto familiare
MC PAUL BARMAN JEANJASS di un virtuosismo a volte ecces- quanto visceralmente aggrappa-
(((ECHO CHAMBER))) DOUBLE HÉLICE 3 sivo, ma nel complesso si tratta to alla contemporaneità, senza
MELLO MUSIC GROUP MELLO MUSIC GROUP di un lavoro anticonvenzionale paraculate radiofoniche e sterili
Superati i 40, Caballero e riuscito. citazionismi.
Barman torna è di origine LUIGI MUTARELLI ANTONIO BELMONTE
dopo quasi catalana, 72/100
dieci anni dal Jeanjass
70/100
precedente marocchina,
album e rappa ma la loro base
su produzioni di ?uestlove, è Bruxelles (e tra i produttori
MF Doom e Mark Ronson, tra di questo disco spicca il
gli altri. Penna e microfono concittadino Stromae).
per il newyorchese sono Formatisi su classici del rap
sempre un modo per giocare underground, i due se la
con il dizionario, ma il tono cavano anche con le nuove
scanzonato non gli impedisce tendenze ritmiche/sonore
di affrontare temi come il urban (trap e affini) e il terzo HORSE FEATHERS BEN HOWARD
razzismo e di tirare in ballo capitolo della saga Double APPRECIATION NOONDAY DREAM
la religione. Il mercato però è Hélice lo dimostra. L’approccio KILL ROCK STARS ISLAND
spietato e fa suonare tutto un semiserio porta a perdonargli
po’ anacronistico. qualche passaggio a vuoto. Justin Ringle non sarà mai Il percorso di Ben Howard verso
un fuoriclasse dell’indie folk. un cantautorato raccolto ed emo-
60/100 65/100 tivo si arricchisce del capitolo arti-
La storia del suo gruppo si è
sviluppata in cinque album, un sticamente più rilevante. Howard
piccolo segreto per pochi. Una è sempre stato abile a sviluppare
MNDSGN YAGI quiete epiche su gigantesche di-
SNAX HAVE A NICE MONDAY
carrellata sempre in bilico, fra
RINGGO ACORN TAPES tradizione, disperazione lirica stese di silenzio, soprattutto per
e ambizioni orchestrali. Senza merito di produzioni che apriva-
Mixtape in Beat tape no ampi spazi fra gli strumenti
mai il guizzo definitivo. Col sesto
digitale e vinile pubblicato e davano risalto al suo intimo
capitolo, il cantautore di Port-
per il DJ e in digitale e
land, dà continuità ai concetti melodismo. Oggi abbandona gli
produttore cassetta da
introdotti con So It Is With Us, ultimi residui di stadium rock
cresciuto nel Yagi tramite
del 2014. Un approccio più da per abbracciare un terso minima-
New Jersey, la piccola
band, che privilegi coralità e lismo elettroacustico che suona
ma di stanza a Los Angeles. etichetta inglese Acorn Tapes.
passo più dinamico. Ai fidi Na- come una versione aggiornata dei
Rap, soul e jazz rimaneggiati 13 tracce che si muovono
da Ringgo Ancheta (suo tra hip hop e soul e in cui than Crockett (violino) e Dustin deliqui ambientali di Mark Hollis.
vero nome) con verve e il producer giapponese Dybvig (tastiere), si uniscono Il risultato è un pop lunare, addi-
un’attitudine da genietto che dimostra sia di avere gusto nuovi strumentisti e la cantante rittura spettrale quando Howard
forse gli rimarrà appiccicata e idee sia di conoscere non r&b Joslyn Hampton. Without altera la sua voce con un vocoder
per sempre. In confronto al solo la musica urban. Tra i Applause e Don’t Mean To Pry appena percettibile, distribuendo
bel disco che ha prodotto di tanti campionamenti vocali gli avamposti country pop anni sparsi disturbi digitali ed esili
recente per Prophet (Wanna immersi in una dimensione 70. Best To Leave ed Evictions le orchestrazioni. Come segni di
Be Your Man), qui si avverte jazz, infatti, ci sono sprazzi di delizie quasi northern soul. Born mondo esterno che filtrano a
chiaramente la dimensione pop e, addirittura, di folk. Ora In Love, l’aggancio d’archi col malapena nella sua bolla di umori
ludica, ma è piacevole. un vero album, però! passato. Resilienza alt country. “nickdrakeiani”.
64/100 78/100 MAURO FENOGLIO DIEGO BALLANI
69/100 79/100
68 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM ESTATE 2018

THE INNOCENCE THE JACK CADES

MISSION
SUN ON THE SQUARE
BELLA UNION
In giro da 30 anni, con una dozzi-
na di dischi a loro nome, i coniugi
Peris continuano a non essere
proprio delle celebrità. Anche per
forza, se Simon Raymonde rac-
conta di aver faticato come poche
volte per averli in Bella Union. E
malgrado ad adorarli sia Sufjan
Stevens, e facile è capirne il moti-
vo davanti a Sun On The Square.
Ovvero la stessa ricerca di purezza
sonora, in un disco di folk bucolico
talmente spartano da parere regi-
strato in presa diretta, eppure tal-
THE JACK CADES
DIRTY WATER
Una sera del 1963, in un angusto
club di Soho, Londra, sentii un
gruppo che potevano essere i
Jack Cades. Un’aspra, angolosa
versione di It’s All Over Now, alla
maniera degli esordienti Rolling
Stones. Cover come Fortune
Teller. Uno stile che imitava
Chuck Berry e bastonava crudo
r&b... Be’, in realtà i Jack Cades
sono qui e ora. Arrivano da una
costola degli Embrooks (Mole,
il batterista), e dall’incontro di
Mike dei Baron Four ed Elsa dei
Galileo 7. Un nuovo esperimento

mente incontaminato da sembra-
re uscito da uno scaffale rimasto
chiuso per mezzo secolo. Poco o
nulla, dentro: una voce femminile
quasi trasparente, una chitarra
acustica e degli archi. Nessun altro
artifizio, solo la sempre più rara
sensazione di stare invadendo l’al-
trui sfera privata: disco toccante,
tutt’altro che facile.
FRANCESCO VIGNANI
74/100
KRYSTAL KLEAR
THE DIVISION
RUNNING BACK
“Resident Advisor” ha parlato di
The Division come di un lavoro
che perfeziona l’arte del goofy
banger, a mia interpretazione
rendibile in italiano come “il pez-
zone in maggiore che spacca, ma
si fa anche prendere un po’ dalla
stupidera”. Non so fare meglio di
così. Un solo riferimento: il Todd
Terje di It’s Album Time! Neu-
tron Dance e Moonshake Miner
si prendono davvero poco sul
serio nella loro allegria melodica
da cinque (perfette) note in croce,
Divison Ave è musica da passeg-
giata all’alba, perfetta per mon-
taggi motivazionali, Shockzoid un
trip disco alla Moroder con tanto
di cowbell. Per Krystal Klear gli
‘80 sono il decennio migliore di
sempre, le colonne sonore dei
film d’azione americani sono me-
glio di Morricone e l’unico scopo
della serata è svoltare il broncio
che hai sul viso.
ELIA ALOVISI
90/100
60’s punk. Tutte canzoni loro.
Let Them Being You Down è un
condensato di Goo Goo Muck e
Fortune Teller: Cramps, Allen
Toussaint e Leiber And Stoller, in
uno stile secco ed elettrizzante.
Head In Sand, Identity Crisis,
Big Fish sono veri gioielli garage
primi Stones. Che vi devo dire,
grazie di esistere Jack Cades.
CLAUDIO SORGE
80/100
LA LUZ
FLOATING FEATURES
HARDLY ART
Verissimo, un disco come FF in
un periodo denso come quello
estivo rischia la fine del gatto
sull’A4. E il finale sarebbe maga-
ri simile anche in altri frangenti,
se – interrogati su uno dei mix
più improbabili e spassosi in
giro – lo stesso quartetto al fem-
minile di LA racconta di show
in cui la gente non sa se ballare
il limbo o fare crowdsurfing. Se
non altro il terzo album prova
almeno a rendere l’enigma più
decifrabile: in un angolo il solito
twang di chitarre surf accordate
dal fantasma di Dick Dale e le
solite badilate di melodie alla
Ronettes. E in quello opposto
una vena di romanticismo ruvida
come l’asfalto e non lontana da
quella degli X: solo che, per non
smentirsi e appena trovato un
equilibrio, l’album imbarca ritmi
latini e garage alla Vivian Girls.
Appuntatevelo, per l’estate.
FRANCESCO VIGNANI
73/100
A$AP ROCKY
TESTING
ASAP WORLDWIDE/POLO GROUNDS/RCA
Testing è, per Rocky, quello
che Blonde è stato per Frank
Ocean. Cioè un’opera totale
le cui canzoni sono come
pecorelle che trovano un
modo per saltare dal recinto
che di solito circonda
gli album di genere e si
disperdono, obbligando il
povero pastore/ascoltatore
a costruire un recinto un po’
più grande e dai confini più
irregolari del precedente.
Purity, si chiama il pezzo
con Ocean. Su un arpeggio eterno, le loro voci - effortless nel
dipingere vorticose strofe in cui l’autobiografia si confonde
con puro gusto per la ricerca sonora - si intrecciano e
confondono a cori disperati e lontani e vocalizzi di Lauryn
Hill tagliuzzati. Come riapplicando in chiave minimalista le
tecniche del Chopped & Screwed di Houston che ha formato
il rap di Rocky tanto quanto quello della sua New York. Il
primo sta nella fanga di Gunz N Butter, nel parquet affumicato
del suggerimento lounge che è Brotha Man. Il secondo
nell’anfetaminica Buck Shots, punteggiata dai gioiosi vocalizzi
nonsense di Playboi Carti; e si rende conto di non essere così
lontano dalla black music onnivora di Dev Hynes, che produce
e spennella di voce Hun43rd. Ma una volta saltato il recinto,
non ci sono più regole: e allora si va oltreoceano con Praise
The Lord, filastrocca andino/londinese con Skepta. Si va nel
passato con A$AP Forever, che si approccia a Porcelain di
Moby come un cane rabbioso pronto ad ammazzarla e invece
la ricopre di leccate salivose. Ogni singolo pezzo di Testing
gocciola riferimenti, significato e geografie. E ogni singolo
testo di Rocky sprizza confessioni, giochi di parole e immagini
che non raccontano nulla, se non la loro stessa bellezza. Ha
perso un mentore per la codeina, Rocky, ma non ha mai perso
la forza di dimostrare la sua fondamentalità per la storia
dell’hip hop e della musica tutta.
ELIA ALOVISI
95/100
RUMOREMAG.COM | 69
 INDIE
INDIE

THE LAST POETS LET’S EAT GRANDMA

UNDERSTAND WHAT BLACK IS I’M ALL EARS
STUDIO ROCKERS TRANSGRESSIVE
BODEGA
ENDLESS SCROLL Nei giorni della morte di Jalal Per una mezz’ora buona alle due
WHAT’S YOUR RUPTURE? Mansur Nuriddin, che ne fu fon- ragazzine inglesi verrebbe da
Che i Fall siano un punto di riferimento per datore qualcosa come 50 anni condonare di tutto, incluso un
un’area di nuove band americane uscite negli fa, e a ben 21 anni di distanza debutto inspiegabilmente ben
ultimi anni è un dato di fatto incontrovertibile. dall’ultima uscita discografica, considerato due anni fa e un
Sulla scia di Parquet Courts e Protomartyr torna lo storico gruppo newyor- nome che col tempo non miglio-
arrivano ora da New York - sponda Williamsburg - kese. Gli inventori del rap, la ra. Finalmente a regime, le due
i Bodega. Voce di lui che scandisce proclami, voce storia è nota. I soli Umar Bin amiche d’infanzia. O a stecchetto,
di lei che doppia le parole costruendo un effetto dialogo molto Hassan e Abiodun Ayewole in almeno. Ganci melodici uno via
post punk, risultato di genere che risulta peraltro amplificato questo caso, Jalal nel disco non l’altro, cori a presa immediata e
quando i ruoli vocali si invertono (Margot). Il suono viaggia in c’è, ma c’è invece una direzione soprattutto nulla dell’irritante in-
orizzontale, chiudendosi a cappio tra chitarra e batteria, creando musicale inedita. Per la prima fantilismo degli esordi: qualcosa
così un effetto del tutto familiare (Wire?), per poi aprirsi su ritmi volta, infatti, i testi dei Last Poets di simile persino a dei Chvrches
improvvisamente accattivanti, stipati di ganci a dir poco attraenti poggiano su ritmi reggae, varian- prodotti da Fever Ray, in brani
(il singolo Jack In Titanic è una delle cose migliori ascoltate negli te roots profonda e militante, come It’s Just Me. Ottimismo
ultimi tempi). con tocchi dub e jazz, e densità che crolla nel finale, però. I nove
86/100 di percussioni. Un’idea dei pro- minuti di Cool & Collected, bal-
duttori britannici Ben Lamdin lata ipnotica solo nell’incollare
A CURA DI ARTURO COMPAGNONI (Nostalgia 77) e Prince Fatty, che lo sguardo ai secondi che (non)
stendono ritmi di prim’ordine sui passano. O peggio ancora i 12’ di
quali le voci dei due si trovano a Donnie Darko, pletorici come le
RVG THE LOVE LANGUAGE meraviglia, come se il levare e gli discussioni online sul film omo-
A QUALITY OF MERCY BABY GRAND echi fossero il loro territorio da nimo. Ci sono dischi ambiziosi e
FAT POSSUM MERGE sempre. Inalterato il messaggio, ci sono dischi arroganti: I’m All
Gli australiani A un lustro di più attuale che mai. Ears riesce a essere entrambi.
RVG, spalla distanza dal suo ANDREA POMINI FRANCESCO VIGNANI
agli Shame in predecessore, 80/100
apertura della il quarto
64/100
loro unica album dei
data italiana lo Love Language
scorso maggio, pubblicano un conferma la formazione di
disco dove governano senza Raleigh (North Carolina),
colpo ferire una materia non come uno dei migliori esempi
semplicissima: il suono rock di bedroom pop esportabile
degli anni 80. Da Patti Smith – almeno in teoria – dalla
ai Simple Minds, passando cameretta lo-fi all’arena di uno
per Waterboys e Cure. Curioso stadio. Che è come dire i Pains
lo facciano mantenendo Of Being Pure At Heart che LIMB ROBERT LIPPOK
una cadenza che pare provano a fare gli Arcade Fire SABOTEURS OF THE SUN APPLIED AUTONOMY
costantemente sintonizzata per un giorno. Le canzoni ci DNHS RASTER-MEDIA
sulle metriche di See No Evil sono, l’entusiasmo anche.
dei Television. Non si direbbe, 67/100 “Per questo terzo disco, abbiamo Dalle velleità dada industriali
ma funzionano. voluto allargare lo spettro delle degli Ornament Und Verbrechen,
68/100 nostre influenze; ricercare una e dal post rock ipnotico e geome-
più vasta varietà di temi”. Rob trico dei To Rococo Rot insieme a
SPIDER BAGS
CHASTITY SOMEDAY EVERYTHING
Hoey parla a nome dei Limb Stefan Schneider, Robert Lippok
DEATH LUST WILL BE FINE che, insieme ai Black Moth, sono è giunto a una carriera solista
CAPTURED TRACKS MERGE (stati, nel caso dei BM, passati tetragona, inattaccabile, solida-
alla Spinefarm) la punta di dia- mente ancorata a un’idea ada-
Dopo un paio Gli Spider Bags
mante dell’etichetta dei Nuovi mantina e binaria di elettronica,
di singoli ar- - band di casa,
Suoni Heavy (NHS). L’idea di un che non a caso ha trovato rifugio
riva l’album dimorando a
di debutto Chapel Hill nuovo metal, che esplora le risul- presso la Raster di Alva Noto. As-
per i Chastity, come tutta la tanze di un post punk che a sua sente in proprio da sette anni, ri-
in realtà one famiglia Merge volta metabolizza le più feroci torna con Applied Autonomy, un
man project facente capo a - pubblicano l’ennesimo disco istanze di certo punk. Potremmo lavoro che è una combinazione
Brandon Williams, ragazzo di con cui danno fondo al proprio parlare anche dei Mammoth d’idee approntate da Lippok per
base a Whitby (sobborgo di repertorio rock and roll, con Weed Wizard Bastard. Al cui live set e poi assemblate più or-
Toronto). Ad ascoltarlo pare il un ispirazione che viaggia a modello punk/prog, per questo ganicamente, secondo una logica
disco di una band bella piena corrente alternata tra arte e terzo lavoro, i Limb sembrano di autonomia applicata a vari pa-
di musicisti di scuola punk con mestiere. Quando spingono guardare. Potrei anche esagerare, rametri. Beat rettilinei, ritardi di
derivazioni grunge. Una fac- sull’acceleratore virando verso ma provate a pensare a un mix fase, screziature glitch, frammen-
cenda che a prima vista pare garage e punk funzionano di Pantera, Killing Joke e Ozric ti ambientali, nel caleidoscopio
avere molto a che fare con un bene, dove prevale il classi- Tentacles. Il corpo brutale; la sonoro di Lippok c’è spazio anche
periodo ben preciso dei 90’s. cismo da manuale si perde in meccanicità e marzialità del per una collaborazione “telepa-
Niente di particolarmente gusto e incisività. suono; l’estemporanea fuga spa- tica” con Klara Lewis, figlia di
ispirato, purtroppo. 61/100 ziale. Meno profondi dei MWWB, Graham Lewis (Wire).
57/100 ma più immediati. ANDREA PREVIGNANO
CLAUDIO SORGE 65/100
68/100
70 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM ESTATE 2018
LITHICS
MATHING SURFACES
KILL ROCK STARS
C’è qualcosa nella musica dei
Lithics, nei groove spastici e nella
ricerca disperata della atonalità
che disturba e affascina. Sono
una delle band più chiacchierate
di Portland, autori di un post
punk pieno di spigoli che paga
pegno a decine di band minori,
per lo più britanniche, come Fire
Engines o Ludus (per via della
smaccata vena artsy). Mathing
Surface è un album arso da un
fuoco glaciale. Si espande in ogni
direzione sulle traiettorie di un
sound dinamico e anaffettivo, se-
gnato dall’intonazione ostentata-
mente piatta di Aubrey Hornor:
cantante, chitarrista e immagine
spiritata della band, al cui con-
fronto la voce di Siri assomiglia
a quella di una chat erotica. Il
consiglio è di superare l’impatto
iniziale e lasciarsi trasportare
dalla loro violenza chirurgica e
impassibile.
DIEGO BALLANI
78/100
LUCIFER
LUCIFER II
CENTURY MEDIA
Avendo iniziato con gli Oath alla
corte di Lee Dorrian, Johanna
Sadonis ha poi trasformato
la band in Lucifer, incidendo
un bel disco per la Rise Above
di Lee nel 2015. In seguito è
entrato Nicke Anderson e da
una dimensione heavy doom i
Lucifer sono passati a una sorta
di hard rock moderno con larghe
influenze 70’s. La qualità delle
nuove canzoni è salita di livello
rispetto al passato, e in questo
l’apporto di Nicke è stato de-
cisivo. Diciamo che la Sadonis
non possiede molte varianti nel
suo stile vocale, ma rimane pur
sempre una buona cantante,
dalle ieratiche sfumature dark.
Dancing With Mr D e Reeper On
Your Heels stanno tra lirismo
pop metal alla Heart e potenti
strutture rock blues alla Cream;
mentre in Aton i Lucifer paiono
dei Mountain al loro picco lirico.
CLAUDIO SORGE
73/100
LOJII
LOFEYE
YOUNGBLOODS
Non cercate gli abbellimenti e
i trucchi della trap nelle tracce
del rapper di Filadelfia. Il primo
album ufficiale, dopo la dichiara-
zione di precariato di Due Rent,
continua la missione. Lavorare
con risorse limitate, producen-
do qualità col cazzo di poco che
hai, come dice lui. Tradizione
attualizzata, in battuta lenta e
narcotica e flusso stradaiolo, con
la crew che appoggia e sostiene.
Qualcosa fra la prima Anticon
e la colonna sonora di Ghost
Dog. Pochi fidi produttori (Nice-
ROSS
guyxwinny, Heaprice e Thook) a
elaborare la pece e i vapori. No
Ebola è trip hop scuro, lo In The
FROM FRIENDS
Jungle fumosa giungla in dub e
Cause & Effect sfiora l’astrazione
degli Antipop Consortium. Una
colomba che vola via dagli agi
dell’autotune. Tasche vuote e FAMILY PORTRAIT
ispirazione a mille, fra le mura BRAINFEEDER
scrostate di Filadelfia.
MAURO FENOGLIO
75/100 Solo un paio di mesi fa
si celebrava su queste
pagine l’arrivo in scuderia
Brainfeeder del giovane e
versatile produttore inglese
con l’EP Aphelion, dal quale
qui viene ripresa Don’t Wake
Dad. Prima c’erano stati altri
quattro EP attraverso i quali
il 24enne di South London
si era fatto notare - oltre che
THE MAGIC NUMBERS per il ridicolo nome d’arte -
OUTSIDERS per un’attitudine peculiare
BLACK CANDY
nell’attingere all’arte del
La bellezza dei Magic Numbers campionamento hip hop come all’elettronica sperimentale,
sta tutta in una frase delle note all’estetica lo-fi come ai ritmi in quattro quarti. La melodia
di questo Outsiders: “Non siamo bizzarra e tratteggiata di Project Cybersin, che poggia su una
struttura densa e rifinita nei dettagli, ha invece accompagnato
mai stati davvero all’altezza”. Altri
di recente l’annuncio dell’album di debutto, frutto di quasi
incolperebbero la discografia, il
due anni di lavoro in studio. Lo stesso titolo, Family Portrait,
pubblico, il mondo tutto. I quattro
fa riferimento all’analoga - ma meno fortunate - carriera del
londinesi invece sanno di non
padre, che fu DJ di stile hi-nrg e proto techno tre decenni fa.
avere mai dato un vero seguito
Wear Me Down è esemplare della capacità di Felix Clary
all’omonimo debutto del 2005, Weatherall nello stratificare suoni e influenze, fra ambient,
probabilmente. Anche se quello house, beat astratti e field recordings. È solo uno degli episodi
che più vi si avvicina – malgrado di spicco in un disco capace di offrire frequenti invenzioni:
non se ne sia accorto nessuno – è come nel groove prima metallico e poi sempre più caldo di
questo Outsiders. Titolo emble- Thank God I’m A Lizard; oppure in una R.A.T.S. che reinventa
matico, se l’album corre dall’ur- l’immaginario rave in chiave morbida quanto surreale.
genza di chi sa di essere all’ultima Colpisce la naturalezza nell’immaginare strutture instabili
chance (il glam di Shotgun Wed- e in movimento, vedi quella Parallel Sequence affine a certe
ding o di The Keeper) alla rilassa- cose del primo Aphex Twin; e la magia melodica di The Knife,
tezza appena rassegnata di ballate a riecheggiare John Cage, traccia di punta del precedente
sixties come Dreamer, toccante EP qui colpevolmente non inclusa. A chiudere la sequenza è
come l’epica tutto meno che trat- ovviamente The Beginning, che riassume nei suoi sei minuti di
tenuta di Sing Me A Rebel Song. continua evoluzione un suggestivo e marziano campionario di
E, se mai come ora certa fragilità invenzioni vocali e sonore. Forse toccherà prenderlo sul serio
sembra fuori moda, quanto a GIORGIO VALLETTA
cause perse poche paiono più sen- 85/100
sate della loro.
FRANCESCO VIGNANI
76/100
RUMOREMAG.COM | 71
GOTICA

GOTICA

MATTIEL AIDAN MOFFAT

MATTIEL & RM HUBBERT
HEAVENLY/BURGER HERE LIES THE BODY
KONTINUUM ROCK ACTION
NO NEED TO REASON Contrasti. Come il giorno e la
SEASON OF MIST notte. Il vento freddo in una La poesia umbratile e alcolica
La fascinazione dark di No Need To Reason spicca giornata di sole. Il deserto e le dell’ex (?) cantante degli Arab
all’indomani del fuoco di Earth Blood Magic e onde del mare. Screamin ‘Jay Strap si unisce ai ricami di chi-
dell’espressionismo wave di Kyrr, suggellando Hawkins e Stelvio Cipriani. Cher tarra post rock dell’amico RM
idealmente una triade sorta dall’incontro tra il e PJ Harvey. Mattiel Brown è Hubbert (El Hombre Trajeado).
radicalismo scandinavo e l’eleganza crepuscolare una disegnatrice pubblicitaria e Con l’ausilio delle punteggiature
albionico/teutonica. Il tratto non a caso è algido, illustratrice di MailChimp. Una al pianoforte di Rachel Grimes
celeste: e rimarca il laccio col crepuscolare “katatoniano” (forza nuova professione che contrasta (Rachel’s), i fiati discreti di John
in bilico tra Tonight’s Decision e Brave Murder Day) e la visione con le origini rurali che l’hanno Burgess e minimi abbellimenti
gotica “lovelikebloodiana”, amalgamando al meglio le folgori post vista crescere in una fattoria della percussivi, un agrodolce diario
punk (il gioco ritmico di Lifelust o la calata dai refrain alla Billy Georgia. La stura a fare la “can- sentimentale di mezza età. Per-
Idol di Warm Blood). Persiste negli islandesi un afflato roman- tantessa” gliel’ha data l’incontro ché “ora ci vuole di più, persino
tico che li rende incredibilmente originali, un sentimento che con l’esperto Randy Michael e con a sentirsi bene”, bofonchia
nasce dalla purezza e dalla spontaneità del solco emotivo. Jonah Swilley (fratello di Jared Moffat, dialogando con la dolce
90/100 dei Black Lips). È venuto fuori un Siobhan Wilson, nell’intima
album di r&b polveroso, riverbe- Cockcrow. Due amanti di lungo
rato, sensuale, marklaneganiano. corso, fra addii al celibato a
A CURA DI STEFANO MORELLI Pubblicato in origine dalla Burger, Blackpool. Declinazioni dell’a-
ora vede nuova luce su Heavenly more (corrisposto o meno), fra
che di talenti femminili se ne in- i misteri del multiverso (Quan-
ISENORDAL KHÔRADA tende (dai Saint Etienne a Bettina tum Theory Love Song), elegie
SPECTRAL EMBRACE SALT Orton) e non poteva star lì a rimi- dolenti (Keeing For A Dead
ETERNAL WARFARE PROPHECY rare da lontano questo miracolino Love), carnevali improvvisati
L’esordio su Del progetto della Swinging Atlanta. sull’abisso (Party On).
album modi- madre, tre MANUEL GRAZIANI MAURO FENOGLIO
fica i colori quarti dell’act 79/100
dell’ensemble, provengono
76/100
esaltandone dagli Agalloch,
gli aspetti più colgono i
intimisti/cameristici e neo riflessi espressionistici e
folk medievali. Peccato solo avant black mutuandoli a
per la matrice black espressio- ridosso di un quadro bizzarro
nista mirabilmente disegnata che abbraccia il post punk, il
nell’EP antecedente, ora cir- doom, la neopsichedelia e una
coscritta al piano vocale. Ciò formula rock alla Tool. Un
però non svilisce la classe del eclettismo verificabile in brani
progetto, capace di cogliere come Water Rights o Wave MONTERO MOURN
temi da Ordo Equitum Solis, State, abilissimi nel ricondursi PERFORMER SORPRESA FAMILIA
Ataraxia, Arcana e dal folk psi- all’occorrenza verso Killing CHAPTER MUSIC CAPTURED TRACKS
chedelico albionico dei ‘70. Joke, Bad Seeds e Gun Club.
80/100 80/100 Sul suo sito bjennymontero.com Arrivate ancora giovanissime
ci sono due opzioni fra cui sceglie- al traguardo del terzo album,
re: art o music. Ben Montero le dopo una sanguinosa querelle
affronta tutte e due con la natura- – secondo quanto riferiscono le
SIEBEN VOID OF SILENCE lezza disincantata di un bambino cronache – con la label che le ha
CRUMBS THE SKY OVER pronto a esplorare con tanta viste nascere in patria, le Mourn
REDROOM AVANTGARDE curiosità e una buona dose d’inge- non arretrano di nulla il proprio
nuità. Senza freni, senza il rischio raggio d’azione. Il taglio delle
Estro e genialità Per Conforti il
di dover compiacere. Vi ricordate canzoni, 12 in poco meno di
di Howden non doom è veicolo
la copertina dell’album dei Pond, mezz’ora, evidenzia una matrice
si smentiscono del viaggio,
anche in di confini che Man, It Feels Like Space Again post punk ancora più accentuata
quest’occasione, non risultano (2015)? Opera sua. Nel 2013 che in passato. Chitarre spedite
luogo in cui solo armonici esordì con un troppo leggerino a New York, direzione Sonic
la procedura Sieben si fa ma espletano un senso e volatile The Loving Gaze. Jay Youth, voce che accentua voluta-
più spigolosa e futuristica. attitudinale. L’opera, Watson aka GUM (Pond e Tame mente la sua cadenza stentorea
Crumbs fotografa una sorta sostenuta dal lirismo vocale Impala) gli ha prodotto quest’ul- e mono tono, sezione ritmica
d’immaginario steampunk di Luca Soi degli Arcana timo. Tutto in famiglia, come av- appuntita e a tratti virata all’e-
wildeiano, con le inevitabili Coelestia, riconduce a esempi viene da un po’ di tempo in questa pico (Strange Ones). Il coraggio
distanze ironiche sull’odierno, storici di tali avanguardie australian invasion. L’attitudine alle ragazze di certo non manca
distinto in atipiche trame e trascende oltremodo il coglie dai Tame Impala, ma con e la strada che le allontana da
sonore electro dark e noir suo acume psichedelico un’inflessione synth pop, fino a qualunque tentazione ruffiana
cabaret. Paesaggio surrealista progressivo, affiancandosi con scorribande beatlesiane figlie di pare ormai imboccata con de-
e claustrofobico, neo Suicide, più rigore al cinematico: My Sgt. Pepper’s e derive sinfoniche cisione: a trovare la quadratura
dove permane il retaggio pop Dying Bride e primi Paradise da Electric Light Orchestra (De- del cerchio manca solo qualche
di Bowie e Soft Cell. Lost incontrano Vangelis. stiny). Estroso. dettaglio.
85/100 85/100 NICHOLAS DAVID ALTEA ARTURO COMPAGNONI
73/100 67/100
72 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM ESTATE 2018
ALI SHAHEED MUHAM-
MAD & ADRIAN YOUNGE
THE MIDNIGHT HOUR
LINEAR LABS
Due pesi massimi del suono
americano degli ultimi decenni:
Muhammad è stato elemento
fondamentale degli A Tribe Cal-
led Quest, mentre Younge è fra i
produttori chiave di questi ultimi
anni, grazie a un’attitudine soul
psichedelica che ha conquistato
DJ Shadow come Ghostface Kil-
lah. I due si erano già incontrati
per lavorare sul Kendrick Lamar
di Untitled 06 con ospite Cee Lo
Green. Quest’ultimo qui offre
un giocoso cameo a tempo di
bossanova in Questions, simbo-
lica dell’atmosfera vintage del
disco. Tempi dispari e sincopati
(la magnifica Do It Together con
Bilal), orchestrazioni degne di
Isaac Hayes, elegantissimo soul -
sottolineato da voci come quelle
di Marsha Ambrosius e Laetitia
Sadier – e jazz funk sono gli in-
gredienti principali.
GIORGIO VALLETTA
78/100
ORCHESTRE TOUT PUIS-
SANT MARCEL DUCHAMP
SAUVAGE FORMES
BONGO JOE/RED WIG
Quando questa schermata sarà
carta potrebbe essere tutto un
ricordo, o potrebbe invece anda-
re ancora peggio. Ma scriviamo
queste righe mentre il governo
antepone la sua truce campagna
elettorale permanente ai diritti
umani, ed è come se non ci fosse
disco migliore per dare corpo
ai nostri stati d’animo. Rabbia,
agitazione, comunione, energia,
determinazione. Un’orchestra di
14 elementi – base elettrica, due
batterie, due marimba, archi,
fiati – che fa sua la lezione degli
Ex più espansivi e ritmici, e la
moltiplica. Rendendola al con-
tempo più accessibile, intreccian-
do i groove ipnotici di partenza
con melodie fra folk e indie pop,
frasi incalzanti di ottoni, funk
corale, crescendo potentissimi.
Forme selvagge, benvenute.
Nous avançons, nous avançons,
le front comme un delta.
ANDREA POMINI
89/100
DANA MURRAY
NEGRO MANIFESTO
ROPEADOPE
“Non c’è ‘tu’, ma c’è solo quello
che io voglio tu sia”. La voce
robot di The System introduce
un rap incendiario, trafitto da un
sax dissonante e una voce quasi
spiritual. Il Pop Group, fra le
strade dell’hood. Dana Murray,
percussionista jazz, mette assie-
me un ensemble di voci e fiati
per un documento sullo stato
delle cose. Hip hop, gospel, jazz e
controcultura per riflettere. Col-
pisce la suite in tre parti dedicata
a Colin Kaepernick. Giocatore
di football americano che, un
anno fa, diede il via alla protesta
contro gli abusi di polizia, ingi-
nocchiandosi all’inno americano
suonato prima di ogni sua partita
nella NFL. Oggi Kaepernick è
ancora senza lavoro, e la compo-
sizione finisce cosmica e amara,
sulle note virate free di Welcome
To The Machine dei Pink Floyd.
Messaggio forte e chiaro.
MAURO FENOGLIO
70/100
JUDITH OWEN
REDISCOVERED
TWANKY
Per una da 20 anni nelle grazie
della critica, la gallese non ha mai
fatto molto per superare i confini
della scena jazz. Un matrimonio
con Harry Shearer, suo collabora-
tore ma ben più celebre di lei come
doppiatore dei Simpsons o qual-
che disco con Richard Thompson,
magari. Non una storia alla Norah
Jones, insomma. Ma sicuramente
più interessante di un disco di
cover altalenanti prima ancora
che illogiche. Una Hotline Bling
di Drake ridotta a una manciata di
note prima di una Black Hole Sun
da pianobar aziendale. O una sen-
tita Ladies’ Man di Joni Mitchell
(questa sì, scelta da appassionata
vera) sopra una Blackbird prolissa
e fiacca. Scontato che la Owen si
sia divertita a registrarlo, molto
meno che capiti altrettanto all’a-
scoltatore alle prese con l’ennesi-
ma cover di Smoke On The Water.
FRANCESCO VIGNANI
62/100
ONYX COLLECTIVE
LOWER EAST SUITE PART THREE
BIG DADA
Un concept album di jazz con-
temporaneo, che utilizza le po-
tenzialità realiste del linguaggio
per calarsi nella realtà sociale e
politica. Una riflessione sulla vita
in una metropoli come New York
e sulle sfide continue a cui si è
sottoposti, fra sfratti e gentrifica-
zione, potere economico e sacche
di resistenza. Atto finale di una
trilogia aperta da due EP digitali,
il primo album dell’ensemble
guidato dal sax alto e tenore di
Isaiah Barr (e completato da
batteria, contrabbasso e basso
elettrico) è denso di riferimenti
al tema nei titoli, e ruvido e non
pacificato nel trasformarli in
suoni, spesso con precisione. Per
la prima volta quasi tutto compo-
sto e non improvvisato, guarda al
fertile periodo di passaggio fra be
bop e free jazz, e non dispiacerà
a chi segue la International
Anthem.
ANDREA POMINI
77/100
PAPA M
A BROKE MOON RISES (MUSIC
FOR FOUR ACOUSTIC GUITARS)
DRAG CITY
Si riconosce tra mille una qualsiasi
progenie musicale di David Pajo:
cambiano gli assetti attorno a lui,
cambiano i musicisti, cambiano
strumenti e timbri, cambia la
dimensione, elettrica o acustica,
eppure quella traccia tensiva, ma-
linconica, in tonalità minore, che
sale impetuosa e non esplode, non
si esaurisce. La musica degli Slint
è memorabile perché ha rischiara-
to i cuori neri di una generazione
di post rocker, con un bagliore
struggente. Non si sottrae a questo
disegno neppure A Break Moon
Rises, quarto lavoro dei suoi Papa
M (senza contare l’alias Aerial M),
anche se forse l’intensità, complice
il tempo, è diminuita. Ma quel
sentimento è intatto, che sia smos-
so dalla saggezza alt country dal
passo lento e dagli arpeggi di Walt
o dalla ghost lullaby di Spiegel Im
Spiegel.
ANDREA PREVIGNANO
65/100
ORB
NO SOUNDS ARE OUT OF BOUNDS
COOKING VINYL
Due punti per inquadrare il
nuovo Orb. Un disco adulto e, nel
bene e nel male, è quanto dice il
titolo. Dietro non vi sono teenager
e mostra una solidità sonora qua-
si neoclassica (gli Orb esistono
dalla fine degli ’80, quando inven-
tarono l’ambient house, un suono
che mostrava nella sua astrattezza
il lato psichedelico della superno-
va acid house). Ospiti (non solo
Fehlmann, anche Roger Eno, il
basso pneumatico di Jah Wobble,
Youth dei Killing Joke, Andy Cai-
ne), bass oriented, più inglese che
tedesco. In cui girano ambient
house, dub, post punk, Manuel
Göttsching, i Massive Attack e
Bristol, reggae, Basic Channel/
Chain Reaction, Corrieri Cosmici.
Grande classe, ma risultato altale-
nante, poco centrato, più vicino a
ciò che sarebbe un bellissimo live
che alla misura di un disco.
GIANLUCA RUNZA
60/100
PETYR
SMOLYK
OUTER BATTERY
Ritorno a tambur battente del
gruppo del chitarrista/skater di
San Diego Riley Hawk con il se-
condo album. Tutto gira attorno
al pezzo Smolyk, una mini suite
hard/surf/psichedelica che, da
come parte, sembra abbracciare
la monoliticità degli Sleep, ma
la infrange ben presto in mille
direzioni heavy psych. Il modello
è quello di band strumentali
60’s come Davie Allan And The
Arrows, ibridato con una furia
hard psych blues com’era quella
dei Flower Travelling Band. Chi-
tarre fuzz che s’imbizzarriscono
in corse a perdifiato, supportate
da percussioni mobili e veloci, in
continui cambiamenti di climax e
atmosfere. Il pezzo più lungo, Di-
stant Shores, riverbera scintille
di Ozric Tentacles. Ma il più bello
è Zero Time Dark, freakbeat
selvaggio e visionario, come degli
Open Mind fuori di testa.
CLAUDIO SORGE
76/100
RUMOREMAG.COM | 73
OUTERCORE

OUTERCORE

PHANTASTIC FERNITURE PINKSHINYULTRABLAST

PHANTASTIC FERNITURE MISERABLE MIRACLES
TRANSGRESSIVE/PIAS CLUB AC30
KALI MALONE
CAST OF MIND Si narra sia nato tutto in un se- Per gli shoegazer russi la formula
HALLOW GROUND minterrato di una pizzeria di Sid- è ancora quella di un dreampop
Giovane americana di base in Svezia e già al fianco ney dopo aver alzato troppo il go- boreale, pervaso da una luce
di Caterina Barbieri nel progetto Upper Glossa, mito ed essersi fatti una promes- accecante, basato sull’intensa
Kali Malone ha già fatto parlare di sé grazie a un sa al compleanno di Julia Jacklin. vocalità di Lyubov Soloveva e
approccio alla composizione che si espone con pari Chi se ne è ricordato dal 2014 fa sull’alto tasso di finimenti elet-
padronanza in territorio elettronico e classico. Il parte dei Phantastic Ferniture: tronici. Rispetto ad Everything
nuovo Cast Of Mind mette in fila quattro lunghi per l’esattezza, oltre a Julia ci Else Matters, però, in cui le can-
brani eseguiti su sintetizzatore (Buchla 200, per i cultori della sono Elizabeth Hughes, Ryan K zoni sembravano abbozzate per
materia) e strumenti a fiato tra cui si riconosce il trombone, il Brennan and Tom Stephens, già lasciare spazio a una psichedelia
clarinetto e il sassofono. L’interpretazione di nuove forme classi- artisti solisti. Solo a distanza di più free form, tutto in Miserable
co contemporanee è declinata qui in chiave minimalista, attraver- quattro anni si materializza un Miracles appare più rifinito, a
so un suono statico e dilatato che procede a ondate: che rivelano disco a nome di una band che partire dalle corpose melodie
tutta la loro intensità emotiva nel momento in cui si ritirano. Un sembra una stortura di “fantastic che fanno di Taleidoscope una
altro nome da appuntare nell’eccellente gruppo della composizio- furniture”. Suona tutt’altro che canzone electro pop ad alta defi-
ne al femminile. un esordio. Un suono già formato nizione. La voce della Soloveva,
80/100 che si delinea in nove tracce tra rifratta prismaticamente da loop
garage pop e psych, con melodie e campionamenti, si stratifica
A CURA DI LUIGI MUTARELLI solide (Gap Year) e una voce so- sull’elettronica “kraftwerkiana”,
gnante. Fuckin ’N’ Rollin potreb- architrave su cui si regge il sound
MARK VAN HOEN KATE NV be ricordarvi le Those Dancing del gruppo. Gli elementi più
CAST OF MIND для FOR Days più dilatate. Dark Corner sperimentali, confinati per lo più
TOUCH RVNG INTL. Dance Floor è il coronamento di in miniature ambient, servono a
Capitano di Va dato atto una promessa fattasi ora realtà. dare profondità a un album dalle
lungo corso all’etichetta di Phantastic. alte aspirazioni pop.
nell’ambiente New York della NICHOLAS DAVID ALTEA DIEGO BALLANI
della pervicacia con 74/100 75/100
composizione cui scovano
elettronica, il produttori
produttore britannico con in ogni parte del globo.
questo ultimo lavoro ha voluto Soprattutto se come Kate NV
pagare tributo ai musicisti portano avanti un’estetica del
con cui ha suonato insieme suono affine alla loro: new
nel tour degli ultimi anni. age futuristica, ricca di spunti
Sono quei legami invisibili neoclassici e minimalismo
a cui si riferisce nel titolo e analogico/digitale. Kate
che qui vogliono riconoscere è di Mosca e ha messo in
l’influenza sotterranea di musica il suon contesto PLAYBOI CARTI PLAZA FRANCIA
autori quali Pye Corner Audio, urbano lasciandone da DIE LIT ORCHESTRA
Kara Lis-Coverdale e Philip parte la retorica celebrativa. AWGE PLAZA FRANCIA ORCHESTRA
BECAUSE
Jeck tra gli altri. Affascinante.
Inutile pretendere profondità e
73/100 75/100 coscienza quando si entra nella Progetto e disco post Gotan
stanza dei giochi di Jordan Ter- Project, con i due capi Makaroff
rell Carter. Il rapper cresciuto e Müller a dirigere le operazio-
fra quella banda di guasconi ni e a mettere in pista un’idea
THEM ARE US TOO HILDE MARIE HOLSEN complessa: rinnovare il tango
AMENDS LAZULI della Awful Records, è uno degli
DAIS HUBRO esempi del lato più ironico e fre- nuovo. Trucco vincente: conse-
sco del southern rap di Atlanta. gnare il microfono a Catherine
Album postumo Trombettista
Rime che badano più all’im- Ringer, una vita con la fanta-
per la coppia norvegese all’e-
mediatezza verbale del flusso, stica esperienza wave Les Rita
californiana sordio, Hilde
piuttosto che alla sostanza degli Mitsouko, per una massacrante
dopo la tragica Marie Holsen
argomenti. Il suo primo album Barbara Monica. Prendiamo
scomparsa di applica una
ufficiale (lasciando stare i mix- intanto spunto: chi si fosse perso
Cash Askew, rigorosa ricerca
rimasto vittima nell’incendio sul suono del proprio stru- tape precedenti) pulsa di beat Les Rita corra a sentirli, geniali
della Ghost Ship di Oakland mento. Tra improvvisazione minimali, plasmati ancora da synth french primi ‘80. Poi, nel
nel 2016. Idee e abbozzi di e rielaborazione digitale in Pi’erre Bourne in regia, e ricchi complesso, un po’ di confusione
registrazione vengono qui tempo reale, i brani sembrano ospiti. Love Hurts s’infiamma emerge. Il funk latino di La Plaza
ripresi dalla sola Kennedy prendere forma in maniera in- col prodigio Travis Scott, Lean Francia medesima piacerebbe a
Ashlyn con la collaborazione decifrabile, passando dal caos 4 Real vira grime con Skepta, Grandmaster Flash come a Mara-
di parenti di Cash e l’amico alla struttura con una natura- Poke It Out trova le gommosità dona, ma di Cabala si poteva fare
Joshua Eustis di Telefon Tel lezza che ha dell’ineluttabile. di Nicki Minaj e Choppa Won’t a meno; bellissima e ben gestita
Aviv. Album tributo sentito Tra avanguardia elettronica Miss le birichinate del compa- l’idea di coinvolgere Lura in due
e ricco di spunti notevoli, tra e free jazz futuristico, Lazuli gno di merende Young Thug. tracce, lei rappresenta l’Africa
Cocteau Twins e Julee Cruise. lascia intendere interessanti Parole come calembour, per un con un portamento cosmopolita
72/100 sviluppi divertimento energetico, senza esemplare e dona a Un Lugar e
70/100 particolari ambizioni. Arrebato un portamento dub di
MAURO FENOGLIO luce nera vera.
68/100 PAOLO FERRARI
74 | RUMOREMAG.COM 72/100
RECENSIONI GLI ALBUM ESTATE 2018
PRAM
ACROSS THE MERIDIAN
DOMINO
È dal 2007 che il gruppo di Bir-
mingham manca dalle scene,
ma è difficile leggere Across The
Meridian come molto di più di
un modo per celebrare i 30 anni
della band. Ritorno da non far
sentire a chi ha sempre visto i
Pram come degli Stereolab di
seconda fascia e più kraut, so-
prattutto. Shimmer And Disap-
pear ha più false partenze che
vero groove exotico e, visti gli
interpreti, fin troppo ordinaria è
la virata swing di The Midnight
Room. Qualcosa della vecchia
grazia rimane, come la voce fem-
minile che finalmente riporta un
po’ di sangue in Electra o in una
Mayfly a cui almeno viene dato
margine per svilupparsi. Non
per nulla due fra gli episodi più
intimisti del disco: la sensazione
è quella di una band ancora alla
ricerca di fiato dopo la sosta.
Disco (fin troppo) interlocutorio.
FRANCESCO VIGNANI
64/100
REX ORANGE COUNTY
APRICOT PRINCESS
AWAL
Alexander O’Connor è di un altro
pianeta. Lo stesso di pochissimi
altri dotati di quella musicalità
vocale calda e rassicurante,
messa a dialogare con una flui-
dità compositiva estremamente
raffinata e carica di groove –
quando serve – di chi ha amato
Channel Orange di Frank Ocean.
A lui potremmo affiancare per
intenzioni Yellow Days, ma con
attitudine più chitarristica. L’e-
sordio Bcos U Will Never B Free
(2016) si muoveva in una rein-
terpretazione evoluta di un Just
Jack modernizzato. In questo se-
condo disco (che arriva in Italia
con mesi di ritardo) subentra il
lounge/jazz dei BadBadNotGo-
od, accelerazioni alt pop (Televi-
sion/So Far So Good), il nu soul
contemporaneo (Waiting Room)
e la versatilità di chi è abituato
a fare tutto da solo. Rex Orange
County è già certezza.
NICHOLAS DAVID ALTEA
78/100
PUSHA T
DAYTONA
G.O.O.D. MUSIC
Se uno arriva a 40 anni rappando
ancora quasi solo della coca che
ha spacciato da ragazzo deve farlo
davvero bene per non rompere i
coglioni. Si è evoluto assieme al
suo mentore, Pusha, e Daytona li
vede entrambi al massimo delle
loro capacità. Kanye, ispirato
alla produzione, lavora materiale
chitarristico e pianistico con una
semplicità che ricorda i suoi esor-
di. Pusha affastella skill testuali
e spacconeria vecchio stile, cul-
minando in un attacco diretto a
Drake - Infrared, guantata che ha
poi prodotto uno dei migliori dis-
sing del nuovo millennio. Il con-
cetto è semplice: “Io sono come
Kendrick e Cole, tu ti fai scrivere
i pezzi. La mia roba è seria, la tua
è artificiale”. Anche a voler bene a
Drizzy, questo album rende diffi-
cile non dare un po’ di credito alle
parole di Push.
ELIA ALOVISI
88/100
SHADOWPARTY
SHADOWPARTY
MUTE
Barare bassamente sul proprio
curriculum è diventata faccenda
popolare in questi giorni. Ma
forse annunciarsi come membri
di New Order e Devo, quando in
effetti ti sei unito a loro solo in
questo secolo, non pare una gran-
de idea. Josh Hager, Tom Chap-
man, Jeff Friedl e Phil Cunnin-
gham sono nomi che dicono poco
persino ai fan dei gruppi suddetti.
Le sonorità new wave apparten-
gono all’omonimo debutto del
quartetto, ma nella più becera
espressione anni 80, del tipo pre-
diletto da terroristi del sintetizza-
tore neo prog come gli Asia (Even
So). L’operazione nostalgia brit si
spinge fino al recupero della voce
di Denise Johnson: la gioia di
risentirla e di ripensare alle notti
screamadeliche in sua compagnia
però si scontra con la malinconia
per il contesto in cui questo avvie-
ne (Present Tense).
EMANUELE SACCHI
44/100
BEATS
BEATS
RP BOO
I’LL TELL YOU WHAT!
PLANET MU
Per Kavain Space è il primo album di inediti, dopo
la raccolta Legacy, che ne aveva introdotto il ta-
lento a molti dopo oltre 20 anni di percorso sotter-
raneo, e il disco ibrido Fingers, Bank Pads & Shoe
Prints. Il torrido incedere dei suoi beat si alterna
alle sincopi di episodi come la scurissima Bounty e
la minacciosa atmosfera hardcore di Cloudy Back Yard. Oppure vi
si sovrappongono di volta in volta i toni gospel di No Body, lo Ste-
vie Wonder in loop di U-Don’t No, il solare funky soul di Deep Sole.
Flight 1235 è un’inconsueta celebrazione delle sue recenti avven-
ture intercontinentali, ora che la fama di RP Boo pare essere uscita
definitivamente dai ghetti di Chicago. C’è da scommettere che non
sarà un fuoco di paglia.
87/100
A CURA DI GIORGIO VALLETTA
AA.VV. ÂME
PATINA ECHOES DREAM HOUSE
TIMEDANCE INNERVISIONS
Dopo una Non potrebbe
dozzina di EP, A 14 anni dal
l’etichetta fon- loro primo
data da Batu album (passato
assembla una pressoché
collezione di inosservato)
inediti firmati da altrettanti e dopo i fasti che la loro tech
produttori nuovi o emergenti, house emotiva raggiunse
capaci di spingere verso fron- nello scorso decennio grazie
tiere sempre più imprevedibili a brani come Rej, Frank
l’evoluzione dei ritmi origina- Wiedemann e Kristian Beyer
tisi dalle rivoluzioni techno, appaiono scarichi e privi di
jungle e dubstep. Dal francese una qualsiasi energia creativa.
rRoxymore al messicano Nico A poco servono i contributi di
fino alla surreale ghetto house Herbert o Roedelius quando
di Metrist, inventiva e varietà per aggirare la carenza di idee
stilistica abbondano. si abbozzano esperimenti poco
83/100 ispirati.
41/100
TOSHIO
MATSUURA GROUP
JAZZANOVA
THE POOL LOVEPLAYDANCE: 8 SCENES
SONAR KOLLEKTIV FROM THE FLOOR
BROWNSWOOD
Il collettivo te-
Co-fondatore
desco mancava
degli United
da un decennio
esatto all’ap- Future Orga-
nisation nei
puntamento
lontani anni 90,
con l’album e
Toshio Matsuu-
si ripresenta qui in versione
ra rilegge in chiave jazz classi-
discretamente aggiornata. Ad
ci da dancefloor “alternativo”
esempio grazie al divertente
hip hop di No. 9, complice di quel decennio, e non solo.
KPTN, oppure nell’originale Il risultato è avvincente, ad
contributo della cantante esempio quando lo spirito di
scozzese Rachel Sermanni nel improvvisazione tocca il Carl
nervoso singolo Rain Makes Craig di At Les o addirittura
The River. Per il resto, la clas- Flying Lotus. Fra gli ospiti,
se nell’attraversare r&b, pop e Tom Skinner (Sons Of Kemet,
jazz resta inalterata. Owiny Sigoma Band) e la can-
tante Daymé Arocena.
71/100
81/100
RUMOREMAG.COM | 75
AVA N T

AVA N T

SHANNON SHAW SKEE MASK

SHANNON IN NASHVILLE COMPRO
NONESUCH ILIAN TAPE
CONTROLLED DEATH
SYMPHONY FOR THE BLACK MURDER Non serve tirare in ballo nuova- Due anni fa il debutto Shred si
URASHIMA mente Simon Reynolds per rac- era fatto notare per l’abilità nel
Yamazaki Takushi, noto al mondo del japanoizu contare il paradosso retromaniaco plasmare la materia breakbeat a
come Masonna, manca con quest’ultimo moniker in cui siamo immersi. Il fenomeno suo piacimento. Ora Bryan Müller
da più di 15 anni, da 13 con la sua creatura cosmica ci circonda in un abbraccio mor- approfondisce il discorso allar-
Space Machine, da una decina con i South Saturn tale, in cui le ristampe superano gando la visuale ad atmosfere più
Delta: a testimonianza di una non impellente le nuove uscite per quantità oltre dilatate, trattate con analoga per-
necessità di presenziare sempre e comunque. che per qualità. È in questo con- sonalità. Le riflessive tracce am-
Quando cala l’asso però Takushi prende tutto. Controlled Death testo che quella vecchia volpe di bient VLI e Cerroverb alludono a
è la sigla con la quale fonde le intemperanze acrobatiche e le col- Dan Auerbach confeziona un’im- modo loro all’energia che altrove
tellate vibrate negli anni 90 a suon di feedback con Mademoiselle peccabile operazione vintage sul è in totale evidenza.
Anne Sanglante..., e la sua propensione psichedelica e acida già corpo generoso di Shannon Shaw, La sintesi fra i due elementi
liberata nel 2011 con Acid Maso Temple (Masonna e componenti ex frontwoman di Shannon And raggiunge un equilibrio perfetto
di Acid Mother Temple). Perfetto per chi ama a un tempo ultra- The Clams. Shannon In Nashville in Via Sub Mids e nella trasci-
violenza e trascendenza. è la celebrazione di un’America nante trama di Soundboy Ext,
80/100 presente solo nei nostri sogni, in- con synth corali e dilatati a fare
trappolata in un diner in cui l’epo- da contrappunto alla tessitura
ca di Dusty Springfield e Tammy jungle, mentre Flyby VFR vol-
A CURA DI ANDREA PREVIGNANO Wynette non è mai tramontata teggia con eleganza su affini ritmi
e il nome Adele non è immedia- spezzati. In Compro il musicista
PETER EVANS AND CRISTIANO tamente associato a una famosa bavarese - attivo anche con l’alias
WEASEL WALTER CALCAGNILE cantante. Tutto cesellato, al posto SCNTST - affronta queste forme
POISONOUS ST()MA giusto. Ma dopo Amy e le sue senza ricorrere a facili nostalgie,
UG EXPLODES WE INSIST! ma proponendone una profonda
emule di belle speranze si tratta
Il trombettista Cristiano solo di purissimo artigianato. reinvenzione di forte impatto.
e polistru- Calcagnile, EMANUELE SACCHI GIORGIO VALLETTA
mentista Peter compositore, 82/100
Evans (Evan notevole
61/100
Parker, Mats interprete
Gustafsson) e free impro,
il fiammeggiante batterista torna con la suite in sei
Weasel Walters (Flying movimenti st()ma, per batteria,
Luttenbachers, Lydia Lunch percussioni, drumtable guitar,
Retrovirus) hanno creato effetti, glockenspiel, aerofoni e
un mercuriale album neo lastra elettrificata. Un approccio
free jazz che ricorda la gioia panico alle percussioni, un
timbrica dell’A.E.O.C. e la no dosaggio sapiente di rumore
wave più sfrontata. Un lavoro e silenzio che suona come JORJA SMITH SOPHIE
divertente, pieno di trovate “la sublimazione in un atto LOST & FOUND OIL OF EVERY PEARL’S UN-INSIDES
percussive, di impennate catartico di un’esperienza di FAMM TRANSGRESSIVE
dinamiche, di discese negli perdita”. DVD curato da Bruno
inferi più rumorosi. Pulici. Era dai tempi di Amy Winehouse Dopo la compilation Product,
80/100 80/100 che non capitava di ascoltare il primo album vero e proprio
dall’Inghilterra un debutto così dell’artista transgender ne ce-
convincente e risplendente. Con lebra le peculiarità musicali,
RED BRUT TUNNELS OF ĀH la sua vocalità incredibilmente peraltro ribadite nei più recenti
RED BRUT CHARNEL TRANSMISSIONS appassionata e moderna, Jorja singoli pubblicati, come i qui
(K-RAA-K)³ COLD SPRING Smith attraversa con disinvoltura inclusi It’s OK To Cry, Ponyboy
l’r&b classico e contemporaneo, e Faceshopping. È quest’ultimo,
Più vicina, Stephen
come lei stessa Reuben ritmi dancehall, raffinatezze jazz, con il suo stridente rumorismo
ammette, Burroughs, riferimenti trip hop, il rap del digitale d’ultima generazione, a
alla ricerca cantante degli freestyle Lifeboats come la magia rappresentare l’aspetto maggior-
in campo industrial/ acustica di Goodbyes o il gospel mente di rottura in un linguaggio
elettronico technometal di Tomorrow. Nonostante l’età che attinge talvolta a forme pop
di Daphne Oram e Delia inglesi Head Of David (Justin (è da poche settimane 21enne), kitsch, come nell’avventura PC
Derbishire che non alla recente Broadrick nella prima line la consistenza e maturità compo- Music che talvolta ha coinvolto
nuova onda dell’elettronica up), si muove per la quarta sitiva dei 12 brani qui in mostra la stessa Sophie. Ma qui l’enfasi è
femminile, Marijn Verbiesen volta come solista con un è superlativa. Non solo canzoni piuttosto sulla concezione speri-
(Sweat Tongue, JSCA) ha lavoro che si rifà alla seconda d’amore o introspettive: ad esem- mentale di un modello futuristico
composto una piccola sinfonia generazione industriale dei pio la monumentale Blue Lights di “canzone” elettronica, surreale
in sette movimenti di musica Controlled Bleeding: sheet e è un toccante manifesto contro e provocatoria, anche quando
concreta elaborata su field droni di rumore minaccioso. le brutalità poliziesche. Dopo la prende la forma di ballata (vedi il
recordings, tape loop, cheap Ispirato al fenomeno recente collaborazione con Kali crescendo di Infatuation). Ope-
electronics assemblati in un inquietante dei messaggi Uchis, una conferma che supera razione riuscita, ma la sensazione
collage sonoro astratto, ma numerici delle stazioni radio a le attese in scioltezza. Il mondo è è che da qui sia difficile immagi-
profondamente descrittivo. onde corte durante la Guerra suo, questione di mesi. nare nuovi sbocchi.
65/100 Fredda. GIORGIO VALLETTA GIORGIO VALLETTA
60/100 90/100 75/100
76 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM ESTATE 2018
STRAFE F.R.
THE BIRD WAS STOLEN
TOUCH
Attivi come Strafe Für Rebellion
fin dai primi anni 80, la coppia
formata dai tedeschi Bernd
Kastner e S. M. Syniuga non si
è mai ufficialmente ritirata, ma
ha continuato a manifestarsi con
regolari, per quanto rare, uscite.
Rimane intatta la voglia di spe-
rimentare con strumentazione
tradizionale (piano, chitarra,
percussioni e voce) elaborandone
la fonte sonora e introducendo
elementi di casualità nella com-
posizione; così come rimane
ugualmente intatta la voglia di
graffiare, di colpire l’ascoltatore
attraverso un suono spesso che si
lascia andare a subitanee esplo-
sioni, e che turba anche quando
si presenta attraverso le ricono-
scibili sembianze del kraut o del
dub. Avanguardia contempora-
nea che profuma di reminiscenze
vintage, ma senza indulgere in
tentazioni nostalgiche.
LUIGI MUTARELLI
72/100
TY SEGALL
& WHITE FENCE
JOY
DRAG CITY
Che Ty Segall sia uno che fermo
proprio non riesce a stare è fac-
cenda nota. Per mantenersi vivo e
sul pezzo utilizza da sempre ogni
mezzo a sua disposizione. Uno
di questi è l’appoggio degli amici
con cui si diletta a spartire dischi.
In questa occasione torna a far
ballotta col compare Tim Presley,
aka White Fence, con cui già
aveva collaborato un abbondante
quinquennio addietro. In coppia
esplorano il lato più psichedeli-
co e a tratti sperimentale delle
rispettive personalità, infilando
stralunate filastrocche lo fi (Tom-
my’s Place), intermezzi di gioioso
rumore, ma anche brillanti nu-
meri proto pop 60’s (A Nod e Do
Your Hair) e ballate “dylaniane”
(My Friend). Canzoni, queste,
che da sole giustificano in ogni
caso l’ascolto dell’opera, se non
proprio il suo acquisto.
ARTURO COMPAGNONI
63/100
TV HAZE
CIRCLE THE SUN
POISON CITY
Partiamo dalla fine. Circle The
Sun è stato registrato e mis-
sato da Matt Chow, al lavoro
anche coi promettenti Rolling
Blackouts Coastal Fever, e ma-
sterizzato dal sommo Mikey
Young. Un bel tuffo nei ’90
dell’indie storto, ma neanche
troppo. Il trio di Melbourne è la
cosa più vicina ai Buffalo Tom
vi sia mai capitato di ascoltare.
Nove fotografie con quei tipici
colorini accesi degli anni 70,
intrise di melodie che dondolano
nella malinconia, chitarre 12
corde, riff uggiosi (Sunny Side
Up), una voce alla J Mascis che
ha preso la pasticca della sera
in compagnia di Eddie Vedder,
tagli e rattoppi di country, col-
lege e classic rock. Peccato solo
per l’eccessiva mestizia, ma in
fondo ci sta. Di recente hanno
aperto per i Lemonheads e il cer-
chio si chiude. Nostalgici della
flanella, gioite.
MANUEL GRAZIANI
69/100
μ-ZIQ
CHALLENGE ME FOOLISH
PLANET MU
μ-Ziq è uno degli alias di Mike
Paradinas (come Jake Slazenger,
Kid Spatula, Gary Moscheles;
Mike & Rich, con Aphex Twin, e
Slag Boom Van Loon, con Speedy
J). Figura centrale di un’elettro-
nica che dalla metà dei ’90 a oggi
non ha smesso di stimolare, come
artista e discografico – con Planet
Mu, solo negli ultimi anni, ha
pubblicato Jlin e Bangs & Works,
la compilation con cui presentò il
footwork. Challenge Me Foolish
assembla in modo coerente e or-
ganico tracce del periodo ‘98/’99,
il medesimo dell’acclamato Royal
Astronomy, di cui rappresenta
l’altra faccia della medaglia, quel-
la meno inquieta e più bucolica.
Vignette elettroniche, familiari
quanto eversive, in cui le galop-
pate drill’n’bass sono un ricordo
oppiaceo servito su melodie pa-
storali e hi-hat ipercinetici, archi e
ritmi spezzati.
GIANLUCA RUNZA
70/100
KANYE WEST /
KIDS SEE GHOST
(KANYE WEST
& KID CUDI)
YE
BRAINFEEDER
KIDS SEE GHOST
(KANYE WEST & KID CUDI)
BRAINFEEDER
Il principale punto di forza
del blacktivism odierno è
essere riuscito ad appoggiarsi
su un’idea narrativa, propria
di tutta la black music ma
dell’hip hop in particolare,
che tende ad autogiustificarsi
a prescindere dalle singole
interpretazioni. In altre
parole l’esistenza di un
contenitore di tensioni
individualiste, e l’accordo
sull’utilizzo dello stesso,
crea una dinamica in cui
ogni solidarietà interna
diventa antagonismo verso
l’esterno e viceversa. Ma
cosa succede se una delle
(se non la) popstar più in vista della black music statunitense
decide di uscire dal contenitore e/o testarne i limiti cognitivi?
Lo scopriremo, immagino. L’endorsement a Trump ha generato
il più violento backlash anti-Kanye West di sempre, ma Ye e
Kids See Ghost sono due dischi eccezionali: concepiti su un
archetipo simile a quello di Endless/Blonde (Ye è la cosa più
scheletrica a cui West abbia mai messo mano, KSG abbastanza
chiassoso e barocco da richiamare certe cose di Watch The
Throne), raccontano soprattutto un’idea di coscienza del sé
al di fuori della coscienza narrativa. Lo fanno indirettamente:
messaggi contraddittori, quasi sempre fuori misura, spesso
di dubbia veridicità – confessioni intime, richieste d’aiuto,
smargiassate fastidiosissime. Uno stato d’animazione sospesa
del pop contemporaneo, un’escrescenza della black music di
oggi. Nemmeno l’impalcatura generale è ancora intuibile: entro
fine giugno dovrebbero arrivare altri due dischi (Nas e Teyana
Taylor) prodotti da West. Forse allora sarà possibile fare una
biopsia culturale di questo scorcio della vita di Kanye West, forse
no. In un caso o nell’altro, alla fine di Ye e KSG, ogni altra musica
odierna sembra suonare piatta, insincera, calcolata, fredda. Se
uno cerca musica da ascoltare, questa è l’unica cosa importante.
FRANCESCO FARABEGOLI
87/100
89/100
RUMOREMAG.COM | 77
WEIRD RNR

WEIRD RNR

WARM THOUGHTS WARMDUSCHER

I WENT SWIMMING ALONE WHALE CITY
ASIAN MAN LEAF
GEE TEE
GEE TEE Non è un caso se i Touché Amoré Al primo ascolto Whale City fa
GOODBYE BOOZY sono la band post HC più im- venire in mente i Pere Ubu di
portante di questi anni, perché Dub Housing catapultati in un
Dopo due potentissimi EP torna lo strambo ragaz-
quando il batterista Elliot Babin film di Tarantino. Oppure dei TV
zo australiano di Gold Coast con un album vero,
ancora su vinile. Gee Tee è Kel Mason, folletto (nel riesce a tirare fuori un gioiellino On The Radio più sensibili alle
senso di aspirapolvere) del weird garage odierno di pop punk come I Went Swim- lusinghe del vintage, ma contem-
che, per non saper né leggere né scrivere, ha fatto ming Alone, suonandolo tutto poraneamente più brutti, sporchi
sua la lezione di Brian Eno per poi imbastardirla da solo, significa che l’apporto di e cattivi. E tuttavia il DNA che
con l’ultimo, oscuro gruppo delle compilation Killed By Death. ogni singolo elemento è di altissi- salta fuori in I Got Friends è
Pensate anche a un Jay Reatard retro futurista, ma ancora più ma qualità. Ci troviamo di fronte inequivocabilmente post punk: ci
lo-fi e più melodico. Synth coagulanti (Cops N’ Robbers), chi- a un disco solare, con linee vocali troviamo, in quel caso, dalle parti
tarre robotiche e anaffettive (Glam Dagger), slackerismo di cristalline e ritornelli da cantare dei Fall. La band di Londra Sud,
riporto (Hot Rod Juice), voci frullate (Studs & Leather), riverberi col finestrino abbassato. Il pro- frutto di un patto inizialmente
electropunk (Muscle World), hit andate a male e via di questo getto è spesso accostato ai Joyce estemporaneo tra componenti
passo. Di Hangin At Caltex c’è un video in rete. Cercatelo e capi- Manor per capirci, ma lo spettro di Fat White Family, Paranoid
rete. va dal pop malinconico di Intan- London e Insecure Men, arriva al
82/100 gible al quasi hc melodico Your secondo disco con le idee chiaris-
Haircut Man. Niente di nuovo sime: una formula compatta che
A CURA DI MANUEL GRAZIANI sul piatto: si torna dritti dritti inghiotte riferimenti risputandoli
KINGS OF THE BEACH ai primi anni ‘00, ma è molto propri, insaporendo il tutto con
DIRTY TRAINLOAD SUPER AWKWARD, difficile oggi ascoltare pezzi del spezie elettroniche, hard boiled,
REVOLUTION AND CRIME FUCKING AWESOME genere con delle buone idee. Se funk e soul e producendo 27
SIDE 4 CIUDAD OASIS stavate cercando il vostro disco minuti in cui non si spreca una
Il trio barese I galiziani per l’estate fermatevi qui, perché nota. Fermate le rotative, come si
guidato da Bob ci sparano l’avete trovato. dice in questi casi.
Cillo sporca il in faccia 10 LUCA DOLDI ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
blues di garage, bombette di 71/100 78/100
punk, angoscia weird garage
e anarchia. Non gonfio di
per niente in copertina c’è un testosterone pop (Goats,
disegno che ritrae Gaetano Wasted/Young, Surfin’) come
Bresci. Vanno a segno le navigati cecchini. Saranno
scintille di psichedelia rotante, le correnti dell’Atlantico a
il theremin in lontananza e renderli così dannatamente
la voce di Livia Monteleone, East Coast, chissà. Incipit
un po’ PJ Harvey e un po’ indie da Weezer smembrati
hardcore (End Of The Welfare (Creisi Or What), un passo
State), che allontana dalle psych punk simile ai nostri
THE WAVE PICTURES THE WHIFFS
BRUSHES WITH HAPPYNESS TAKE A WHIFF!
inevitabili derive roots. Un Bee Bee Sea (Empty Bodies). MOSHI MOSHI DRUNKEN SAILOR
disco di blues degenere. Tanta roba, e pure buona, su
70/100 cassetta e vinile splatter color. Basterebbe The Little Window Il nome della band sparato a
75/100 per spiegare perché da anni qua tutta copertina ricalca paro paro
ci si spenda per i Wave Pictu- il logo della Stiff Records. Il che
res: un testo che cita Jerry Lee è più di un indizio. Il power pop
Lewis, uno di quei cori adorabili fatto come cristo comanda è il
PEACH KELLI POP THE SUEVES proprio perché laconici e alle
WHICH WITCH R.I.P. CLEARANCE EVENT miglior antidoto per affrontare
MINT HOZAC
spalle il più fotocopiato dei giri giornate di merda. È il raggio di
di chitarra di Jonathan Rich- sole che scalda l’anima e dopa
Peach Kelli I Big Black for- man. E tocca farsela bastare, es- l’umore. I Whiffs suonano robe
Pop è il titolo mato rhythm sendo praticamente l’unica cosa sentite e risentite, dai Rubinoos
di un pezzo dei and blues. La da segnalare del diciassettesimo
Redd Kross che Touch & Go di- ai Teenage Fanclub, ma lo fanno
disco degli inglesi. Non brillan- da paura: allo stesso livello degli
la losangelina rimpettaia del
tissima l’idea di partenza, anche irlandesi The #1s. Che si tratti di
d’adozione CBGB’s. I Tar
per degli amici di Billy Childish: pigiare l’acceleratore come degli
Allie Hanlon ha scelto come lacerati dal r’n’r. I Functio-
chiudersi ubriachi in studio per Undertones discoli (She Lies),
monicker per mostrarsi in nal Blackouts: chi li ricorda?
una notte intera, suonare (alla rockeroleggiare in melodiosa
tutta la sua grazia garage pop. Nervi tesi, soul oscuro (Slam-
lontana) blues senza alcun ca- bassa fedeltà (Baby Tonight) o
È tornata nella sua cameretta mer), groove contorto, nichi-
di Ottawa per registrare sei lismo, mosche da bar (What novaccio e vedere cosa ne viene titillare le corde della malinco-
canzoni intime di un minuto They Did), fratture del garage fuori. Ovvero pezzi che appena nia (Never Be Free) gli spavaldi
scarso, tra overdrive, fuzz punk scomposto della Chicago iniziano a promettere s’incarta- giovani di Kansas City ne escono
delicato, voci e cori sognanti. di ieri e di oggi. Questo sono no in infinite (e intercambiabili) sempre alla grande. Un plauso
C’è una sensazione di i Sueves. Un gruppo enorme code strumentali, in un insieme all’inglese Drunken Sailor che si
vulnerabilità che spande amore, nella sua completa perifericità via via più raffazzonato. E, cosa è presa la briga di ristampare in
con lei che fa l’ape e noi il fiore. rispetto a ciò che gira oggi. più grave, per la prima volta con vinile la cassetta uscita su High
i Wave Pictures ci si annoia. Dive Records.
72/100 78/100
FRANCESCO VIGNANI MANUEL GRAZIANI
56/100 73/100
78 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM ESTATE 2018
PAUL WHITE
REJUVENATE
R&S
A quattro anni dall’ultimo album
e dopo aver firmato la scura pro-
duzione per il Danny Brown di
Atrocity Exhibition, il musicista
londinese torna con un approccio
rigenerato - come suggerisce il
titolo di questo lavoro - e che trae
linfa vitale dai contributi vocali in
stile r&b e non solo. Ad esempio
Denai Moore e soprattutto Shun-
gudzo, artista zimbawese già al
fianco di Santigold, le cui rime
illuminano l’onirica Ice Cream
Man. White fa anche tesoro della
sua esperienza sampledelica per
approdare a un suono organico
e dall’estetica psichedelica an-
ziché banalmente chillwave, sia
nella forma pop di See Through
che nei riferimenti al blues del
deserto nell’emozionante Retur-
ning. Il risultato è un disco che
trae il meglio dalle sue numerose
influenze, riuscendo a suonare
decisamente personale.
GIORGIO VALLETTA
76/100
YOB
OUR RAW HEART
RELAPSE
Annata di grandi ritorni questo
2018 - pensiamo a Sleep o Ear-
thless - anche se non sempre
entusiasmanti; il trio dell’Oregon
saprà dopo quattro anni bissare
l’ottimo Clearing The Path To
Ascend, uscito per Neurot? Certo
che sì, confermandosi una delle
band più concrete e continue del
panorama doom, decisamente
affollato. L’intensa drammati-
cità di Pallbearer e Neurosis si
sposa al terrore degli Electric
Wizard (di qualche disco fa in
particolare) e al viaggio cosmico
dei già citati Sleep, creando un
unicum granitico che mette figli e
figliastri al loro posto sui banchi
di scuola. È un disco oscuro, ma
pieno di speranza, sentimenti che
emergono dal recente passato del
leader Mike Scheidt, caratteriz-
zato da gravi problemi di salute.
Una delle poche certezze ancora
in circolazione.
STEFANO FANTI
80/100
WHITE RING
GATE OF GRIEF
ROCKET GIRL
I generi musicali dagli stilemi
molto rigidi e codificati fanno
più fatica a sopravvivere alla mo-
mentanea popolarità. L’assioma
è discutibile, ma esce in qualche
modo rafforzato nel momento in
cui ci si approccia a Gate Of Grief
di White Ring. I più attenti li ricor-
deranno al fianco degli altrettanto
temibili oOoOO come esponenti di
punta del fenomeno witch house.
L’album cominciato nel 2010 (mo-
mento di esplosione e massima
auge del genere) è stato ultimato
solo recentemente. Fosse uscito
al tempo avrebbe avuto forse un
altro sapore, ma ascoltare adesso
quei synth taglienti con le casse
dritte e le voci spettrali suscita più
nostalgia che inquietudine. Pecca-
to, perché non mancano dei buoni
episodi e un lavoro che voleva
magari rilanciare il genere rischia
di scriverne l’epitaffio.
LUIGI MUTARELLI
60/100
YUNO
MOODIE
SUB POP
Yuno è un musicista di stanza a
Jacksonville (Florida) già attivo
da alcuni anni e arrivato al con-
tratto con Sub Pop grazie all’in-
tercessione di Ish Butler degli
Shabazz Palaces. Con le sue solari
suggestioni esotiche, questo suo
primo EP di sei pezzi rappresenta
un curioso punto d’incontro fra
alcune delle tendenze che si sono
alternate nel corso del decennio.
Immerse in una produzione
carica di riverberi ci sono infatti
le melodie agrodolci degli Shins,
un’hip hop romantico declinato
su basi chillwave, originali ibridi
fra synth pop e dub, e antemiche
canzoni fuzz pop alla maniera dei
mai dimenticati WU LYF. A con-
quistare è soprattutto l’attitudine
inveteratamente indie e l’otti-
mismo contagioso del progetto.
Difficile intuirne l’evoluzione, ma
per il momento la promozione è
piena.
DIEGO BALLANI
77/100
WILKO JOHNSON
BLOW YOUR MIND
CHESS
Difficile non essere retorici quan-
do si parla di Wilko Johnson,
uno che ha sconfitto la morte a
suon di rock. Già il fatto di tro-
varcelo qui, con il primo mate-
riale inedito dopo 30 anni e dopo
essersi lasciato un cancro in fase
terminale alle spalle è una no-
tizia che andrebbe celebrata. Ci
saremmo accontentati di sentirlo
riciclare qualcuno dei riff killer
dei Dr. Feelgood, ma lui ci serve
un portentoso e anfetaminico
album rock blues. Blow Your
Mind stupisce innanzitutto per la
freschezza della produzione che
fa risaltare la perniciosità di ogni
accordo. C’è poi il songwriting
fiero e divertito con cui Johnson
ha saputo elaborare i momenti
più difficili. Alle sue spalle, infi-
ne, due numeri uno come Nor-
man Watt-Roy e Dylan Howe: ne
assecondano il frenetico staccato
con potenza e creatività.
DIEGO BALLANI
73/100
MALENA ZAVALA
ALISO
YUCATAN
Malena Zavala ha la delicatezza
incantata di Hope Sandoval
(Broken By Two) che si va a me-
scolare con la psichedelia fluida e
sognante, pizzicata e armoniz-
zata. Nata in Argentina, ma
trasferitasi successivamente in
Inghilterra con la famiglia, man-
tiene quella radice sudamericana
presente come una sorta di filtro
dal quale permea la composizio-
ne sinuosa (Aliso). Ci si avvolge
nel calore dissipato lentamente
dai fremiti pop (Could You Stay).
Il titolo dell’album è stato ispi-
rato da un viaggio in California
– ad Aliso Viejo – per incontra-
re il fratello. Ma non è l’unica
figura familiare presente: buona
parte dell’album è uno spaccato
personale dove emergono le
figure femminili a lei care, come
la nonna e la madre. Esordio
lucente, spontaneo e caloroso per
annullare le distanze.
NICHOLAS DAVID ALTEA
81/100
WITCH MOUNTAIN
WITCH MOUNTAIN
SVART
Non è stato semplice sostituire la
cantante Uta Plotkin. A tre anni
dalla sua uscita dai Witch Moun-
tain, Nate Carson, batterista e
capo del gruppo, dichiara che
con Kayla Dixon non potevano
trovare una sostituta miglio-
re. Il nuovo album ha queste
ieratiche, stravolte ballate blues
che sembrano risucchiate in una
dimensione trance metal onirica,
dove Kayla spicca per la sua po-
tenza e duttilità vocale. Tra voli
lirici e sprofondamenti infernali,
il nuovo disco dei WM vive di
una grande varietà di temi e
atmosfere. Certo, doom. Ci sono
oasi di pura pace dark come Hel-
lfire. Ci sono heavy dark blues
post Zeppelin, come Mechani-
cal World. Ma c’è soprattutto
Nighthawk, che nella sua lunga,
lenta declamazione si avvicina
alla più nostalgica e inaccessibile
Jex Thoth. Convincente ritorno.
CLAUDIO SORGE
78/100
ZU93
MIRROR EMPEROR
HOUSE OF MYTHOLOGY
Perché Zu93? Perché è la somma
di due elementi. Gli Zu, una delle
migliori espressioni mondiali di
heavy traslato e futuribile. E poi i
Current 93 di David Tibet, che ha
scritto Mirror Emperor proprio
volendo fortemente gli Zu. Massi-
mo Pupillo e David Tibet insieme
dipingono uno dei più sorpren-
denti viaggi musicali nell’incon-
scio dell’uomo. Impegnativo,
particolare, molto più vicino a
un romanzo narrato in musica, a
una colonna sonora, con grande
apertura alla scuola sperimentale
contemporanea, teatrale, oscuro,
immaginario. Mirror Emperor,
avulso dal tempo e dalle mode, è
una piccola opera d’arte di pro-
fondità umana, prima che sonica.
Un disco nel quale immergersi,
da immaginare, un mondo da
poter vivere con un’esperienza
che diventa a volte quasi fisica.
Meraviglioso.
MARIO RUGGERI
85/100
RUMOREMAG.COM | 79
RECENSIONI IN BREVE ESTATE 2018

77:78 ALMS EARTHEATER GIANT SAND

JELLIES ACT ONE IRISIRI RETURNS TO VALLEY OF RAIN
HEAVENLY SHADOW KINGDOM PAN FIRE

Si scrive Gli Alms Newyorkese Vero, senti-

77:78 ma si
legge The
Bees. Per
l’anagrafe,
trattandosi
di un duo
formato da
Aaron Fletcher e Tim Parkin
della band dell’isola di Wight.
E per immaginario, se Jellies
nuota sempre in zona: qualcosa
degli Alt-J meno eliofobici, un
po’ dei Beach Boys epoca Sun-
flower e la solita psichedelia
brit a mantecare il tutto. Estivo,
ma sufficientemente imprevedi-
bile da sopravvivere alla data di
scadenza.
FRANCESCO VIGNANI
71/100
potrebbero
diventare
una band
importante.
Descrit-
ti come
continua-
tori della tradizione doom del
Maryland - si citano gli Obsessed
- nel loro debutto assomiglia-
no, come dire, a una sorta di
versione economica dei Blood
Ceremony: doom rock prog, ma
neanche tanto prog, vista la sem-
plicità e potenza grezza del loro
suono. Che potrà crescere e arti-
colarsi ulteriormente. La buona
ispirazione e il talento ci sono.
CLAUDIO SORGE
70/100
di Queens,
Alexandra
Drewchin
esplora
l’elettro-
nica più
visionaria,
romantica e instabile fino alle
sue conseguenze più provoca-
torie (Inhale Baby o il balbettio
digitale di MTTM), avvalendosi
di una voce che tocca tre ottave.
È tale visceralità a rendere inte-
ressante buona parte di questo
suo terzo album, un manifesto di
liberazione femminile non privo
di una salutare dose d’ironia.
GIORGIO VALLETTA
72/100
re Gelb suo-
nare queste
canzoni con
un ampli
valvolare
e non con
un Roland
a transistor non è male. Anche
il registrare nuovamente in un
giorno e mezzo con i membri
originali è un bel gesto, e l’e-
sperienza accumulata nel frat-
tempo si sente. Ma c’era proprio
bisogno di rifare da capo il pro-
prio debutto, 33 anni dopo? E
fareste cambio con l’adrenalina,
l’urgenza, la disperazione da
qui-e-ora di un tale capolavoro
di roots rock tagliato punk?
ANDREA POMINI
70/100

ISAAC GRACIE INFINITE MUSIC JIM JAMES JAMIE SAFT QUARTET

ISAAC GRACIE A TRIBUTE TO LA MONTE YOUNG UNIFORM DISTORTION BLUE DREAM
VIRGIN/EMI FIRE ATO RARENOISE

Chiac- I paesaggi Sempre Agguerrito

chierata
promessa
cantautora-
le inglese,
il 23enne di
Ealing arri-
va al primo
album con una produzione un
po’ troppo leccata e prudente
(ad opera di Marcus Dravs,
già con Coldplay e Mumford &
Sons) che finisce col togliere
intensità ed emozione alle sue
belle canzoni, persino a quella
Last Words che aveva conqui-
stato molti. Peccato, ma la cara-
tura artistica non si discute e si
spera in un riscatto.
GIORGIO VALLETTA
64/100
elettronici
costruiti
con sinte-
tizzatori
analogici
e manipo-
lazioni da
Sonic Boom (Spacemen 3) ed
Etienne Jaumet (Zombie Zom-
bie), il sax e la voce dello stesso
Jaumet, il liuto tanpura e il
canto dhrupad di Celinn Wa-
dier, maestra di musica classica
indiana. Tre tracce e 48 minuti
registrati dal vivo, per omag-
giare a dovere il padre di tutti i
droni infiniti. Che apprezzerà,
ne siamo certi.
ANDREA POMINI
70/100
uguali le
riserve con
il frontman
dei My
Morning
Jacket,
terzo disco
incluso. Che gli abbia fatto male
l’inclusione fra i 20 guitar gods
dei Duemila di “Rolling Stone”,
magari, se questo disco scappa
di nuovo da tutte le parti e la
qualità con lui. Una prima parte
di puro qualunquismo blues, e a
salvarsi giusto qualche momen-
to soft rock o le routinarie bal-
late alla Neil Young. Urgerebbe
ordine.
FRANCESCO VIGNANI
57/100
quartetto
guidato dal
piano di
Jamie Saft,
l’ensemble
newyor-
chese esor-
disce con un lavoro che alterna
momenti intensi ad altri più
di maniera. Contrabbasso, sax
e batteria dialogano col piano
secondo stilemi jazz consolidati,
che raramente osano avventu-
rarsi fuori dai sentieri battuti. La
tecnica sopraffina, ma mai fine a
se stessa, come alcune aperture
melodiche di commovente bellez-
za i punti forti dell’album.
LUIGI MUTARELLI
68/100

KRRUM LANA DEL RABIES LICE ALBIN LEE MELDAU

HONEYMOON SHADOW WORLD IT ALL WORKED OUT GREAT ABOUT YOU
37 ADVENTURES DEATHBOMB ARC VOL. I & II CAROLINE
BALLEY
Le nervatu- Il curioso Forte di
re elettroni- nome nato Raccolta dei un’espressi-
che che at- dalle cove- primi EP va vocalità
traversano rizzazioni (con l’ag- blueseg-
le canzoni della Del giunta di al- giante, il
dell’ingle- Rey in cuni bonus cantautore
se Alex ambiente da versioni di Göteborg
Carrie ne industrial. demo) del tenta la
sottolineano il posizionamento Oggi la terrorista digitale di quartetto scalata al mainstream con un
discretamente insolito nel pa- Phoenix mette in scena tutto il bristoliano Lice, It All Worked album di debutto che strizza ri-
norama di quel che oggi sta fra disagio per un’America ottu- Out Great suona come una petutamente l’occhio ai modelli
r&b e pop. Honeymoon sconta samente conservatrice. E lo fa versione brit di Jesus Lizard e radiofonici dominanti (come
però una forte monotonia nelle immergendo la sua femminilità Butthole Surfers. Il range sonoro nella leggera patina elettronica
strutture ritmiche, oltre ai limiti in un oceano di droni abrasivi e corre dal post punk al noise rock di The Weight Is Gone e I Need
vocali del suo interprete: e arri- rumore, appena sfiorati dall’i- inglese, in un ideale percorso Your Love). Il tentativo è con-
vare alla sua dodicesima canzo- dea di melodia. Affascinante che va dai Fall ai McClusky, pas- dotto con sufficiente astuzia,
ne senza andare sullo skip può manifesto femminista nell’era sando per Terminal Cheesecake ma il fatto è che dei Rag’n’Bone
risultare abbastanza difficoltoso. Trump. Produce la Deathbomb e Milk. Se l’intenzione era quel- Man e Sam Smith la scena pop è
GIORGIO VALLETTA Arc (clipping., JPEGMAFIA). la, “tutto ha funzionato bene”. ormai satura.
57/100 MAURO FENOGLIO ANDREA PREVIGNANO GIORGIO VALLETTA
70/100 60/100 48/100
80 | RUMOREMAG.COM
 SUONA ANCORA
IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI

MICK’S JAGUAR MOS GENERATOR OBSCURA

FAME AND FORTUNE SHADOWLANDS DILUVIUM
RIDING EASY LISTENABLE RELAPSE

Chi li ama Vita nuova Non sono

dice che sem-
brano una
cover band
dei Rolling
Stones che
cerca(va)
un’audizione
al Max Kansas’ City nel 1972.
Be’, può essere. Mi vengono in
mente i Dictators e depravati
come i Brats. Ma, se devo essere
più “moderno”, dico Apache, e
certo uno come Luca Frazzi mi
capirà. Apache, cioè rock‘n’roll
vizioso proto glam punk. Un
pezzo come Pay To Pay i Mick’s
Jaguar gliel’hanno proprio ru-
bato dal repertorio.
CLAUDIO SORGE
75/100
per una
delle band
storiche
dello stoner
rock. Che
poi sono
da sem-
pre Tony Reed, mastermind e
autore di tutte le canzoni del
gruppo. Ora con lui ci sono Jon
Garrett (batteria) e Sean Booth
(basso) a far da cuore pulsante
ritmico; e contribuiscono a
dare più equilibrio ai Mos, il cui
stile è ora più variegato, forse
anche più prog e più 70’s hard
rock; ma in una veste moderna.
(Quasi) 20 anni e non sentirli.
CLAUDIO SORGE
75/100
mai stati
noti per
l’innova-
zione o la
fantasia,
quanto per
la tecnica
superba e l’atmosfera epica dei
loro dischi. Diluvium non si di- AUTECHRE
scosta da queste direttive, man- NTS SESSIONS 1-4
tenendo i tedeschi al top nel WARP
death progressivo, ma tenendo
ben alla larga tutti i non amanti L’elettronica al limiti
del sottogenere. È infatti ai dell’universo dei due ex
limiti dell’estenuante stare die- graffitari di Manchester
tro alle trame eterne dei brani, è un quadro monocolore
spesso troppo cervellotiche e di Rothko. L’ascoltatore è
poco coinvolgenti. chiamato a trovarne il senso
STEFANO FANTI
da sé.
55/100

J. PETER SCHWALM SHY LAYERS SONS OF ALPHA

HOW WE FALL MIDNIGHT MARKER CENTAURI
RARENOISE BEATS IN SPACE CONTINUUM
H42
How We Leggerezza
Fall - com- che si ac- Alt rock at-
mentario in compagna mosferico e
musica di alla sostan- strumentale
una vicenda za. Così si dal forte
privata, potrebbe impatto
quella di riassumere progressivo
Schwalm, in breve il per questo
e della storia cronaca di questi punto di forza di JD Walsh, che secondo
anni disagevoli - è un album anche in questo secondo lavora disco dei britannici, ben suonato SLEEP
strumentale complesso, che conferma il gusto e l’ispirazione e rifinito, ma privo di slanci e THE SCIENCES
interpola post rock, elettronica dell’esordio. Strizza l’occhio al identificabile prettamente come THIRD MAN
di ricerca, gli esperimenti più dancefloor, guarda ai tropici, mero sottofondo, più che altro.
rischiosi di certi Radiohead, un gioca con la library music e si I brani scorrono e non mancano C’è quel senso profondo del
approccio obliquo in stile Eno lascia andare a inaspettati mo- passaggi più roboanti stile Peli- battere sempre sulla stessa
(non è un caso che Schwalm e menti soul. Tutti elementi che can, il tutto però senza identità. nota, come il Martello degli
Eno abbiano a lungo collabora- il produttore americano riesce Alla produzione, invero fin Dei. Un suono convogliato
to). La tensione drammatica a a tenere insieme con grazia ed troppo pulita, Aaron Harris, ex verso un OM che si espande
tratti cattura. eleganza. batterista degli Isis. e non finisce mai.
ANDREA PREVIGNANO LUIGI MUTARELLI STEFANO FANTI
65/100 75/100 55/100

VICKTOR TAIWÒ CHIP WICKHAM WITCHSKULL

JOY COMES IN SPIRIT SHAMAL WIND COVEN’S WILL
INNOVATIVE LEISURE LOVEMONK RISE ABOVE

Londinese Bella, bel- Viaggia-

d’origine
nigeriana,
nel suo
album di
debutto
Taiwò
esprime
emozioni intense e viscerali at-
traverso un soul dal sapore con-
temporaneo, tinto di hip hop
(Shovel Moonlight), funk digi-
tale (la splendida Supernatural
Women) o misticismo (Sub-
ducta/Psalm 69). Frank Ocean
e il Bon Iver più sperimentale
sono fra i riferimenti più vicini,
ma qui ci sono canzoni superla-
tive e personalità notevole.
GIORGIO VALLETTA
83/100
lissima mu-
sica. Nulla
di nuovo,
ma un go-
dibilissimo
viaggio
strumen-
tale fra jazz spirituale e funk da
colonna sonora. A condurre le
danze c’è Wickham, flautista (e
sassofonista) che sul comodino
dovrebbe avere la foto di Yusef
Lateef, per dirne uno. Con quin-
tetto fatto da vibrafono, batteria,
contrabbasso, piano e percussio-
ni che gira a mille, sia nelle trac-
ce più meditative, sia in gioielli
da ballo come Barrio 71.
ANDREA POMINI
78/100
no sulle
ali della
pazzia, i
Witchskull.
Con un
sound che
riverbera
echi di antico metal alla Dio,
ma nella forma di un poderoso SERPENTWITHFEET
wall of sound alla High On Fire. SOIL
La band è l’ultimo progetto SECRETLY CANADIAN
dell’esperto chitarrista Marcus
De Pasquale, che qualcuno Josiah Wise riprende
ricorderà a lungo leader degli ed espande il suo gospel
australiani Looking Glass, un pagano e viscerale attraverso
buon gruppo stoner psych. 11 brani che aiutano ad
CLAUDIO SORGE
addentrarsi nel suo mondo
melodrammatico e occulto.
65/100
RUMOREMAG.COM | 81
TREECOLORE DISCO DEL MESE

LUCIANO CHESSA

LA SOTTRAZIONE POETICA
DEL CANTAUTORATO LO-FI
LUCIANO CHESSA
CANTI FELICE
SKANK BLOC
Non è semplice raccontare in
poche righe Luciano Chessa. L’ellepì
d’esordio del ’97 su Destination X,
la partecipazione alla compilation
manifesto marchiata Gamma Pop,
Metal Machine Muzak, nell’estate del
’98 il distacco da Bologna, sua città
d’adozione, destinazione California
per un dottorato di ricerca. Da quel
dì l’artista sardo si dedica alla musica
classico/contemporanea e sperimentale
in ambito accademico. Ha collaborato
con Vinicio Capossela per il suo tour
in California, ha diretto la New World
Symphony insieme a Lee Ranaldo, ha
fondato l’Orchestra Of Futurist Noise
Intoners (un doppio LP nel 2013 su Sub
Rosa) tirando dentro Blixa Bargeld,
Mike Patton, Ellen Fullman, Teho
Teardo e altri. “Compositore, direttore
d’orchestra, pianista, saggista, solista
di musical saw e di dan bau vietnamita,
chitarrista e suonatore di banjo”, dicono
le note biografiche. Aggiungiamo
che è docente al conservatorio di San
Francisco, che mamma Rai e che la TV di
Stato vietnamita gli hanno dedicato dei
documentari.
Chessa è un artista colto, multiforme,
che non ha mai fatto mistero della
passione per la canzone d’autore italiana,
fin dagli anni indie quando rileggeva
Ulisse Coperto Di Sale di Lucio Dalla.
Oggi torna sui luoghi della gioventù,
riprendendo il filo del cantautorato lo-fi
ridotto all’osso, fatto di rumore bianco,
fruscii, mare lunare, una voce fragile,
una chitarra altrettanto fragile, sonagli
titillanti e un sintetizzatore Aardvark che
gioca a fare il disturbatore con un garbo
d’altri tempi: lo stesso garbo di Pasquale
Panella che gli rispose per lettera: “Si
figuri: canti felice”. Da qui il titolo
dell’album che del poeta bianco ha molto.
Sue le parole dell’ottovolante urban
freak, Certe Volte, dedicato proprio a
Chessa. Suoi i testi di Gabbianone scritta
per Battisti e Vocazione per Enzo Carella:
due delle cinque cover che occupano il
lato B della cassetta. Sì, musicassetta,
avete letto bene. Anche se, fatevelo
dire, ad alzare la pelle sono la cover de
Il Tuffatore di Flavio Giurato, che pare
registrata nelle cascate di Lequarci, e
il tropicalismo inappetente di Fiori Di
Plastica scritta con Marco Pinna, a cui
si deve anche l’intensa trasposizione in
sassarese di La Spendula di D’Annunzio.
“La scommessa era registrare Canti
Felice utilizzando lo stesso identico setup
che negli anni 90 usai per registrare
il mio primo disco, Humus. Stesso
registratore 4 piste a cassetta, stessa
chitarra, stesso microfono. È facile
nascondersi dietro effetti e produzioni.
Ora come allora ho pensato: se questi
brani valgono qualcosa, lo si potrà
verificare soltanto se si azzerano i valori
voluttuari di disturbo”. Scommessa vinta.
Questi brani valgono ben più di qualcosa.
78/100

TESTO DI MANUEL GRAZIANI - FOTO DI MELESIO NUÑEZ

82 | RUMOREMAG.COM
TREECOLORE GLI ALBUM ESTATE 2018
ALIEN ARMY
GOODMORNING WORLDWIDE
THIS PLAY MUSIC!
Grazie per l’attenzione, e buon
volo. Gli acrobati del giradischi
scelgono le istruzioni da pista di
decollo per introdurre un viag-
gio in dieci tracce carico d’or-
goglio e di consapevolezza del
loro esser unici nel panorama
dell’hip hop europeo. Il primo
passeggero è Davide Shorty, ta-
gliente nel saluto che dà il titolo
all’album. Le cinture di sicurez-
za emotive si allacciano sul soul
senza spazio – tempo di Moving
On, portata in cielo dalla voce
di Nasia Alzahnova, cui segue,
inatteso, l’atterraggio dancehall
reggae di Come Fi Murder;
sarà il sangue salentino ormai
acquisito dal maestro sardo DJ
Gruff. Il beat più grasso cola in
Tempo, che gronda la cultura
sonora accumulata, sommata,
moltiplicata in 22 anni di lavoro
dalla squadra di fuoriclasse ca-
pitanata da Dj Skizo. Traccia 8:
Promossi.
PAOLO FERRARI
75/100
BUGO
ROCKBUGO
1DAY
Esausto di certi meccanismi
discografici e reduce da un accu-
mulo di pensieri, Bugo ha deciso
di liberarsi e tornare alle origini,
spogliandosi e spogliando le
sue canzoni degli orpelli. E se si
pensa ai classici del nostro, Io Mi
Rompo I Coglioni, Casalingo, Me
La Godo, Ggeell, non si fatica a
immaginarseli in abito rock. Del
resto, cosa c’è di più immediato e
diretto del rock? E di quei pezzi?
Riarrangiati per l’occasione dallo
stralunato cantautore novarese,
ai quali si aggiunge la versione
in concerto di Vado Ma Non So,
quella acustica di Comunque Io
Voglio Te e una cover di Bolli-
cine. Caratteristiche del nostro
sono sempre state l’energia con-
tagiosa e la capacità di scrivere
canzoni surreali ma immediate,
pop, che centrano l’obiettivo:
alcune di queste tradotte qui in
chiave rock.
BARBARA SANTI
70/100
BELIZE
GRAFFITI
GHOST
Partire dal pianerottolo di casa
per declinare l’universale e riu-
scirci. Con discrezione, sobrietà
e delicatezza. Quella dei Belize
è una scrittura visionaria, pun-
tuale, efficace. In effetti l’EP
di cui si parlò qualche mese fa
meritava un approfondimento
e ben hanno fatto a integrare i
nove inediti con le precedenti
Pianosequenza, Iride e Super-
man. Valeva la pena ampliare
il cammino intrapreso: intriso
di anni 90, che siano quelli del
pop sintetico nazionale di nic-
chia di allora, dell’elettronica
o del trip hop, si diceva. Il loro
comunque è un suono che non
guarda a ciò che oggi va per la
maggiore, ma solo a se stesso e
al messaggio che reca. L’identi-
tà è consolidata, ma lo sguardo
è aperto a ogni prospettiva, tra
pruriti strumentali e collabo-
razioni; ospiti Mecna e Generic
Animal.
BARBARA SANTI
75/100
FRANCESCO CAMIN
PALINDROMI
LADY LOVELY LABEL
C’è un buon lavoro dietro ai testi
dell’esordio in lungo di France-
sco Camin. Otto tracce in giusto
equilibrio tra fruibilità e profon-
dità. È un linguaggio ricercata-
mente semplice, diretto, pop, cu-
rato in ogni dettaglio, nonostante
qualche ingenuità. Quello del
cantautore trentino laureato in
Scienze Forestali e Ambientali è
un linguaggio che sa essere anche
poetico. Comunque sobrio. Al
centro ci sono la natura e la sua
passione per gli alberi. Il suono
si direbbe trarre ispirazione tra
gli altri da Sinigallia e sodali
capitolini, ma pure dai loro pre-
decessori e non solo. C’è anche
quel pop sottile e intelligente à
la Cremonini, per dire. Un pop
colto arricchito di fiati, sinte-
tizzatori, archi, orchestrazioni
interessanti e soluzioni affatto
semplici. La voce ha personalità.
Discreta prima.
BARBARA SANTI
68/100
BLACK ELEPHANT
COSMIC BLUES
SMALL STONE
Incendiario psychedelic blues
per questa band savonese che,
al terzo disco, approda alla pre-
stigiosa e storica Small Stone.
Muovendosi su una linea ideale
che va da Hendrix ai Radio Mo-
scow, l’Elefante Nero bombarda
con un carico di riff ipnotici
e spossanti, wah wah e fuzz a
manetta. Si concede pezzi stru-
mentali come Chase, quasi afro
psych. E si rilassa, si fa per dire,
in un bagno di heavy blues sini-
stro come Baby Eroina, lungo,
trascinato excursus cantato in
italiano, immagino, su vizi e
virtù di ciò cui il titolo del brano
allude. Bè, poi Cosmic Blues
For Solitary Moose mi ricorda
i gloriosi Roachpowder - roba
tipo Vejo Diablo - blues psiche-
delico devastante, e solo per
questo sono loro grato. Chiude
Inno, brutale e scassatutto. Sì,
l’Elefante Nero è davvero un
bell’animale.
CLAUDIO SORGE
74/100
CANADIANS
MITCH
BELLO
A un certo punto sembrava che i
Canadians dovessero diventare
grossi – facevano dischi e con-
certi, se ne parlava in giro, mi
pare che qualcuno si fosse mosso
per farli registrare a modo. Poi
le cose non hanno quagliato, per
un motivo o per l’altro. Hanno
smesso, qualcuno ha portato
avanti altre cose – ricordo un
disco di Lava Lava Love con due
ex membri. Ora hanno ripreso,
in maniera un po’ informale – la
vita va avanti, ci sono lavori più
seri e famiglie da tirar su e città
diverse. A che pro registrare un
disco nuovo? Ipotesi: la passione
per certa musica, certi accordi a
volume altissimo, certe canzonci-
ne pop con le melodie zucchero-
sissime e i cori intonati, il santino
di Rivers Cuomo sul comò. Roba
semplice, orgogliosamente fuori
moda, che funziona sempre e
continua ad avere un senso.
FRANCESCO FARABEGOLI
70/100
BONETTI
DOPO LA GUERRA
COSTELLO’S/LABELLASCHEGGIA
Lo sfondo è cambiato, rispetto
all’esordio: aleggia la presenza
di Battisti questa volta. Se ne
può comunque percepire la cre-
scita, di Bonetti, specialmente
per quanto riguarda arran-
giamenti e intonazione. È una
guerra privata la sua, è quella
della vita che ultimamente non
gli ha risparmiato traumi. An-
cora una volta autobiografico,
dunque, ma con lo sguardo
aperto a una visione più ampia,
universale. Alcune ingenuità
hanno lasciato spazio a una
scrittura più puntuale, profon-
da ma al tempo stesso efficace,
analitica ma insieme leggera,
sottile e mai seriosa. Non si è
persa una certa ariosità del pop
(sintetico o meno), ma si scava
più a fondo, caratterizzandola,
aggiungendo valore. All’album
il cantautore torinese ha lavo-
rato con Fabio Grande, che lo
ha pure prodotto, registrato e
missato.
BARBARA SANTI
68/100
DEGRINPIPOL
ELEPHANTS
AUTOPRODUZIONE
La storia è quantomeno impres-
sionante. Nonostante il nome
di certo non conosciutissimo in
patria, nella loro vita i Degrin-
pipol hanno diviso il palco con
Marc Almond, Giant Sand, Julian
Cope. Non solo: apprezzamento
particolare ricevuto da Paolo
Fresu che li ha voluti sul palco
del Time In Jazz Festival. Cosa
non da poco, per una band che
ha nell’architettura musicale
il suo vero scopo. Progressive?
Hard? Indie? Forse un insieme
di tutto questo. Il pensiero torna
alla fine degli anni 90, quando
l’indie americano diventava im-
provvisamente colto, elaborato,
imprevedibile. E i Degrinpipol lo
sono. Costruiscono la loro musica
per immagini, e la fortificano con
un’impalcatura rock veramente
molto fine, potente e pensata. Un
disco di grande maturità artistica.
MARIO RUGGERI
75/100
RUMOREMAG.COM | 83
 RADICI ESTATE 2018 / PEPPE SERVILLO

10 CANZONI PER
PEPPE SERVILLO
A tre lustri dall’ultimo in studio, tornano gli Avion Travel con il nuovo disco. “Privé è il
risultato di una piccola dispensa in cui abbiamo conservato le canzoni scritte in questi anni,
quelle di Fausto, Mario, Ferro, Peppe, alcune di Pacifico, e il tempo le ha fatte crescere come
il pane prima del forno”, racconta Servillo. “I brani intonano e invocano una speranza,
quella che le parole, con il valore aggiunto della musica, siano ancora un modo preciso e
affidabile di narrare noi e il mondo. Spesso le vicende di un’umanità minore riflettono una
storia che è di tutti, e la canzone popolare, per quanto sofisticata, distrutta e ricomposta,
fa ancora questo mestiere. Tra di noi la complicità, radicata nel modo di fare musica ed
eseguirla, è riemersa subito dando vita a un album che è un privilegio. Il privilegio di
chiedere ascolto, di prestarlo, rimandando a ciò che le canzoni suggeriscono a prescindere
da noi, con la loro natura di piccoli oggetti da sentire e ritrovare”.

TAG S: #AV IO NT RAV EL, #PRIV E ONLINE: FACEBOOK.COM/AVION-TRAVEL-PAGINA-UFFICIALE

GEORGE DON MC LEAN DOMENICO FABRIZIO RUSSO-COSTA

HARRISON VINCENT MODUGNO DE ANDRÉ SCETATE
MY SWEET LORD DIO COME TI AMO LA BALLATA DEL MICHÉ (versione di SERGIO BRUNI)

“Sigla di uno sceneggia-

“È il mio giardino to, dopo la narrazione il “È un mito fondante. “Il De André francese “Napoli araba canta il
d’infanzia, il paradiso ritorno alla quotidianità. La virilità del suo can- che coniuga una storia tradimento d’amore con
perduto, il richia- Scorre come la vita, con tare l’amore con parole tragica con una musica sentimento struggente,
mo delle giostre nei un tono che include semplici e difficili è la lieve, assecondando la perché chiuso nel segreto
pomeriggi d’estate, ricordo e speranza. Un pietra angolare della legge del teatro, il e senza futuro. Le finestre
l’attraversamento di un film TV che raccontava nostra canzone popo- contrasto. Un brano non si apriranno, recita il
campo polveroso verso una vicenda dolorosa lare. Facile banalizzare che cantava di un sui- brano che ho avuto la for-
e inquietante, mitigata dicendo ‘ti amo’, difficile cidio con una distanza
PLAYLIST

un ritornello suadente e tuna di ascoltare durante

sognatore”. nel finale dalla soavità dirlo in maniera poeti- che rendeva il dramma le incisioni per un film
di un brano dolce ed camente convincente”. sopportabile”. interpretato da una stre-
DA ALL THINGS evocativo”. pitosa Sofia Loren”.
MUST PASS DA AMERICAN PIE 7” DA VOLUME III 7”

PINO DANIELE DAVID BOWIE LED ZEPPELIN ANTÔNIO CARLOS BEATLES

E CERCA ‘E ME CAPÌ LIFE ON MARS? IMMIGRANT SONG JOBIM GOOD NIGHT
LUIZA

“Ho pianto riascoltan- “Un brano che coincide “Energia pura, forza “Grande orchestrazione
dolo alla radio molti con la cronaca in manie- giovane tradotta in “Un trattato di armonia, di George Martin. La
anni dopo, ripensando ra epica, come la grande musica con una perfor- pezzo che ognuno vor- ninna nanna è un ge-
a un amico: l’amicizia poesia, con un inciso mance straordinaria rebbe cantare all’amata, nere, una sfida con cui
cantata in modo tenero che più liberatorio non annunciata dalla scrit- tra le prime nella galleria misurarsi, qui i Beatles
e mitico. Esistono brani si può, nel canto e nel tura. Uno dei più grandi delle canzoni femmine; è vincono come sempre
che ti sorprendono senso. Un brano gioioso, gruppi del rock a mio rivolto a una donna nella alla grande e l’interpre-
mentre stai guidando e ti felice nonché potente, parere che posso ancora forma e nella sostanza, tazione di Ringo è quella
costringono ad accostare che trasformava la mia ascoltare senza forzatu- immaginando che anche di un giovane padre che
e ad alzare il volume. E stanza di ragazzo in una re in compagnia di mio la musica sia nella natura a tratti passa per il figlio
Cerca ‘E Me Capì è uno piccola astronave”. figlio”. di femmina una nostra a cui la sta cantando”.
di questi”. amante”
DA PINO DANIELE DA HUNKY DORY DA LED ZEPPELIN III DA JOBIM DA THE BEATLES
(WHITE ALBUM)

A CURA DI BARBARA SANTI - FOTO DI GIOVANNI CANITANO

84 | RUMOREMAG.COM
TREECOLORE GLI ALBUM ESTATE 2018
DSORDNE
GRAFIO RICERCA 010
ASBESTOS DIGIT
Attivo fin dagli ‘80, Marco Mila-
nesio con la sua sigla DsorDNE
è divenuto un nome storico
dell’industrial italiano. Pur non
essendo mai sparito del tutto,
le sue uscite si son fatte molto
rade dopo la fine dei ‘90. Si
saluta dunque con gioia il suo
ritorno con un album di lunga
durata dopo oltre 20 anni. In-
teressante l’approccio sinfonico
al suono, che tende a virare il
freddo clangore industriale in
risonanze dai timbri caldi che
non disdegnano la melodia. Ef-
fetto ottenuto con un sapiente
equilibrio tra input analogico
ed elaborazione digitale. Si
direbbe che è proprio il gioco
tra l’elemento sintetico e quello
umano (abbondante il ricorso a
strumentazione tradizionale) a
consentire quell’alternanza tra
forti contrasti emotivi, indub-
biamente punto forte dell’al-
bum. Ottimo ritorno.
LUIGI MUTARELLI
75/100
HDADD
BLACK MOTHER
QUEEN SPECTRA
C’è il rischio di ripetersi, ma dav-
vero il percorso di un’etichetta
come la nostra Queen Spectra
è raro in quanto a visione d’in-
sieme, qualità, perseveranza.
E lo stesso si può dire della
discografia di Marco Acquaviva
in arte HDADD, titolare e forza
motrice del marchio, giunto con
Black Mother all’ottavo album
e sempre più immerso nel suo
viaggio psichedelico/elettronico.
Rispetto alle sue ultime uscite,
però, l’aria si è fatta molto più
tesa. Dove c’erano distese solari e
pacifiche c’è ora un terreno acci-
dentato, irrequieto, fatto di beat
afro obliqui e funk jazz sintetico
spezzettato, sinistre arie mediter-
ranee e arpeggi al limite della dis-
sonanza. Quello che era astratto
si è fatto più narrativo, meditato.
Con il piglio cinematografico e
la cura sonora a cui siamo felice-
mente abituati.
ANDREA POMINI
78/100
EMPTY SET
EMPTY SET
TUNA
Dietro il progetto Empty Set
si celano Alessandro Vagnoni
(batterista di Bologna Violenta)
ed Enrico Tiberi (The Shell Col-
lector), i quali, traendo spunto
dalle stranianti suggestioni cine-
matografiche della storica serie
Ai Confini Della Realtà, provano
a rimodulare i canonici registri
del progressive rock su ben più
visionarie frequenze post grun-
ge/psichedeliche. Tra i sei atti
senza titolo è V a deflagrare al
meglio la carica allucinatoria
che impregna l’intero lavoro, tra
“orde di parassiti mordaci, aridi
oceani di argilla e spirali rotanti
di dragoni”, in un tripudio di
accelerazioni scalene e rilasci
decongestionanti (non da meno
il quarto d’ora schizofrenico del
dittico III/IV). Tra Tool e A Per-
fect Circle, ma più improvvisa-
tivi e meno chirurgici sulle parti
strumentali.
ANTONIO BELMONTE
71/100
KETAMA126
REHAB
ASIAN FAKE
Un anno fa Oh Madonna mostra-
va un’alternativa al nuovo rap ita-
liano; l’influenza della trap statu-
nitense veniva sostituita dal cloud
rap di Yung Lean, i testi piatti à
la DPG diventavano più cupi e
sinceri. Ora Ketama126 è torna-
to con la prima parte di Rehab
(la seconda esce in autunno),
che rispetto al precedente è un
album più compatto e con un’idea
sonora ancora più chiara: tutte
le tracce sono scritte e prodotte
dallo stesso rapper con giusto l’a-
iuto di Generic Animal (Rehab e
Lucciole), Pretty Solero (S.Q.C.S.)
e Franco126 (Sporco). Gli am-
miccamenti all’emo e al grunge
hanno reso ancora più crudo l’im-
maginario della sua musica, sia
nei momenti più ignoranti sia in
quelli più melodici, confermando
quanto sospettato lo scorso anno:
Ketama126 è il rapper più interes-
sante del nostro paese.
TOMMASO TECCHI
83/100
FANGO
GEA
DEGUSTIBUS
Avevamo lasciato il produttore
veneziano fra la techno tribale e
incalzante del monolitico Tuono,
uno dei migliori album del 2015.
Lo ritroviamo in forma altret-
tanto smagliante nelle dieci
tracce di GEA, prova di forza an-
cora più significativa che lo vede
applicare la stessa inventiva
superiore alla media, e le stesse
capacità produttive, a un suono
assai più vario e sfaccettato. Che
poggia sulle solide fondamenta
in 4/4 di cui sopra, ma che vira
verso una sorta di disco psiche-
delica molto originale, in cui
atmosfere tese e cupe convivono
con aperture solari, passaggi
ambient, elastici groove balea-
rici, echi rock. E in cui non suc-
cede mai né quello che ti aspetti,
né quello che ti aspetti come
seconda possibilità, ma invece di
trovarti spiazzato ti senti a casa,
in ottima compagnia.
ANDREA POMINI
84/100
KHALAB
BLACK NOISE 2084
ON THE CORNER
Adottato dalla londinese On The
Corner, Khalab firma il primo
album in proprio tre anni dopo
quello con Baba Sissoko, e fissa
gerarchie nette. Se parliamo di
materia folk esotica e sua riela-
borazione in un contesto elet-
tronico, infatti, l’uomo svetta.
Tutto pare pensato e costruito a
un livello superiore di consape-
volezza, e sfocia in musica ricca,
stimolante, spiritata. Ballabile,
ma con strutture non scontate.
Fatta di voci antiche e ricami
poliritmici, bassi poderosi e
squarci sintetici, con attitudine
da jazzista più che da produtto-
re dance. Si parte dagli archivi
di field recordings dell’Africa
Museum di Bruxelles; collabo-
rano la poetessa Tenesha The
Wordsmith e l’asso Shabaka
Hutchings, Clap! Clap! e Gabin
Dabiré dei Futuro Antico fra gli
altri. Perfetto.
ANDREA POMINI
84/100
FRANCESS
SUBMERGE
SONIC FACTORY
Papà giamaicano, mamma ita-
liana (di Vercelli), una nonna
che “mi cantava le ninna nanne
gospel”. A tre anni il grande
viaggio da New York a Torino,
poi l’Accademia di Belle Arti
a studiare scultura e infine la
vocazione vera: la musica. Fran-
cesca English, in arte Francess,
ha una voce soul calda come
cioccolato fuso e un piglio tra
lo sfacciato e il remissivo che
molto ricorda Lauryn Hill, “il
mio idolo in assoluto”. Divisa
nel sangue fra italiano e inglese,
eppure la prova migliore la dà
quando mischia i due idiomi.
Follow Me Nel Vento recita il
singolo che ha fatto da apripista
a Submerge: bell’incrocio di lin-
gue, ritmi caraibici e sporcature
electro. Ironico, lieve, liberato
come non lo sono le più stan-
dardizzate intersezioni (fra trip
hop, blues e funk) dei rimanenti
brani del disco.
CLAUDIA BONADONNA
69/100
KILLER KLOWN
CRAPPY CIRCUS
AREA PIRATA
Quando il r’n’r è la tua vita puoi
temporeggiare, deviare, finanche
cadere, ma poi ti rialzi e torni sul
luogo del delitto. A sette anni dal
precedente album, guarda caso
intitolato Born To Rock!!!, si
rifanno vivi i nostri Lux Interior
e Poison Ivy, Fausto e Piera: la
coppia più bella del punk’n’roll
italiano, altro che circo schifoso.
Gente affine a Dwarves, Nashville
Pussy, Lazy Cowgirls che col r’n’r
ci palleggia di tacco senza bisogno
di scomodare la punta (Do The
Scooby-Do). Crappy Circus è un
disco circolare, di una melodia
straziante, che ruota tutto intorno
all’organo ipnotico di Piera e alla
voce da crooner vizioso di Fausto.
Garage freak punk col chiodo
fisso dei b-movies, dei primi
Rolling Stones, della coolness
perdente di zio Tom Waits vs
Beasts Of Bourbon (Hungry Dog
Drama).
MANUEL GRAZIANI
73/100
RUMOREMAG.COM | 85

CERCO UN PO’ DI SCONTI DI CIVILITÀ -
NON LUOGHI A PROCEDERE TRA
L’OLEANDRO E IL KEBAB
n questo eterno presente
che capire non sappiamo
I è più facile cogliere
lo zeitgaids (quindi
un retrovirus) che lo
zeitgeist aiutandosi
con l’abuso di Jägermeister. E non a
caso ho citato un amaro nel cui nome c’è
una dieresi/umlaut come in Hüsker Dü.
E non a caso la dieresi/umlaut indica,
nella metrica e nella metafonia, una
separazione che allo Stato attuale ha perso
totalmente di significato e di significante.
In attesa quindi di trasformare
questa pagina inizialmente nata come
ARABIA SAUDADE
AMERIC
LEPERS PRODUCTION
Che sia vero che è solo l’antropofagia
di andradeiana teorizzazione che può
unire le civiltà? L’attualizzazione sonora
di questa attitudine altromondista
è racchiusa dentro una scatola
della pizzeria Americ di Milano.
L’immaginario musicale degli Arabia
Saudade vede come rimedio alla
perdita dell’edge sollevata da James
Murphy cantare sguaiatamente You’re
Livingstone all over me. Post punk
ritmico di matrice Last night I dreamt
of San Pedro, trance mediorientale,
linee vocali figlie di SM (nel senso di
Santa Monica e S. Malkmus) e testi in
portoghese tradotti con Google Translate:
gli A.S vanno nell’Ovest più umido
rimpiangendo quasi immediatamente di
non aver scelto il più secco e ventoso Est.
Una miscela talmente improbabile che
funziona perfettamente.
73/100
86 | RUMOREMAG.COM
IN ITALIA
avanguardia in una rubrica retroguardista
di segnalazioni di ristampe di dischi
mai segnalati nella loro prima stampa
puntiamo la rotta astrale verso l’infinito
ed oltre entrando in rotta di collisione
coi Meteor (meteortheband.
bandcamp.com). Dopo un 7” e un
12” registrato solo su un lato il duo fa
finalmente uscire un disco sulla “lunga
distanza”. Virgolette d’obbligo: dei dieci
brani di Magic Pandemonio nessuno
raggiunge i due minuti di durata (per un
totale di 13). Esaurito l’effetto blitzkrieg
i Meteor decidono di combattere la loro
guerra lampo (marxianamente intesa,
con buona pace per il riferimento ai
Lighting Bolt) costruendo canzoni invece
che destrutturarle. Pur rimanendo
nei confini di un genere “estremo”
(sempre che “genere” ed “estremo”
abbiano ancora un significato nel 2017,
ho scritto intenzionalmente 2017 e
non 2018) riescono a con-fonderlo
con un’anima progressive, arrivando
a delineare un Hell Of Patchinko
bresciano immaginando dei luoghi in
cui, per citare il duo, siamo arrivati
cercando di razionalizzare l’umore e
il rumore generato. Atterraggio nei
boschi perugini (ma ci saranno dei
boschi a Perugia? Sicuramente c’è un
paese chiamato Bosco) coi Northwoods
(northwoods1.bandcamp.com),
che per samplificare il discorso sono un
trio devoto alla triade-trinità Converge
A CURA DI MARCO PECORARI
(o Botch)-Breach-Refused che in Italia
ha fatto proseliti ma con numeri ed
esposizione sempre limitati al culto dei
figli di un d(i)o minore, rendendo sempre
disgrazie a Licio Agnelli e alla gioventù
sonica così come è stata declinata dai suoi
figliastri treecolori. Fedele allo stigma
del genere i nove brani di Wastelands (in
copertina una rarissima foto di repertorio
concessa dall’archivio della NASA) sono
l’espressione in musica di uno sguardo
inevitabilmente nichilista che, come in un
eterno presente che capire non sappiamo,
esplora da est (gli incubi radioattivi
sovietici di City 40) a ovest (il nome
stesso del gruppo fa riferimento ad una
operazione di propaganda sulla pubblica
opinione statunitense del 1962, anni e
anni prima che l’aggettivo “distopico”
fosse cool) i desolati e desolanti luoghi
e scenari “post” del declino della civiltà.
Abbandoniamo il campo del realismo
reale per tornare nei luoghi immaginati
e immaginari di Marco Bernacchia
(con Johnny Mox anche nel progetto
Stregoni) e il progetto Virtual Forest
(yerevantapes.bandcamp.com):
Telling The Bones sposta il grandangolo
sonoro “etnico” fatto di campionamenti
tribali e aspirazioni world music post-
post-moderne per avvicinarsi ad altri
fields più vicini e affini alla musica
concreta, con uno sguardo volutamente
più sfocato, nel senso positivo del
termine, dei precedenti lavori.
TREECOLORE GLI ALBUM ESTATE 2018
KINT
STONED.IMMACULATE
SMALL POND/TO LOSE LA TRACK
Concepiti per via di una feconda-
zione tra Death Of Anna Karina e
RedlineSeason, i modenesi Kint
(Raffaele Marchetti; chitarra,
voce; Andrea Ghiacci, basso;
Adriano Pratissoli, batteria) sono
l’ennesima scheggia impazzita di
un panorama noise rock italiano
che non si è mai arreso e che
continua a produrre spettri ter-
rificanti e rumorosissimi. I Kint
scelgono di coniugare l’indubi-
tabile matrice noise rock con un
approccio più maturo, meditato,
psichedelico, ossessivo (chi si ri-
corda i primi fumiganti Monster
Magnet, quelli del primo singolo
Murder, immagini quel suono
rinnovato e potenziato), coniu-
gando stoner e post core, odio e
ampli sotto stress. Come nella
traccia di apertura Snakeboot-
skin, o come nella “unsaneana”
Blonde, passo lento e ferocia, uno
degli episodi migliori dell’album.
ANDREA PREVIGNANO
75/100
MUON
GOBI DOMOG
KARMA CONSPIRACY
Un immane, spettrale lamento
doom, quello dei Muon. Insieme
dal 2016, le loro origini datano
ben più indietro, ma solo ora è
venuta a maturazione la chimica
che li lega. Gobi Domog è qualco-
sa d’indicibilmente poderoso, di
quasi incontenibile. Una massa
doom che scivola lentamente e
sradica tutto, mentre un canto
rabbioso e trascinato si divincola.
C’è da pensare agli Sleep, in un
brano come The Second Great
Flood, per quel suo salmodiare
psichedelico sulle rovine della
Sacra Montagna sabbathica,
tra sventagliate di acido e prog
occulto. I Muon mantengono
un perfetto controllo di questa
materia così difficile da maneg-
giare, portandoci a contatto con
visioni di pessimismo cosmico.
Un suono che arriva dalle viscere
più profonde, sludge in un certo
senso, ma che vibra di un anelito
superiore.
CLAUDIO SORGE
68/100
LABRADORS
FUTURE GHOSTS
TO LOSE LA TRACK/FATTY LIVER
Con quasi dieci anni di attività
sulle spalle e un’imperturbabile
e coerente continuità qualitativa,
band come i lombardi Labradors
meriterebbero qualche attenzio-
ne in più. Riprendendo in mano
i primi lavori si sentiva già il
percorso intrapreso, col tempo
affinatosi, arrivando fino a oggi.
Future Ghosts ridisegna in modo
diverso il college rock tardo anni
90 del gruppo. Dancing In The
Street sembra preso da un disco
dei Face To Face, dove la voce
sfiora Trever Keith del gruppo
emo originario della Victor
Valley californiana. E ancora: il
college rock emozionale (A Ton
of Friends) e la devozione a un
altro super trio come i Nada Surf
(Dirty). Tentano anche – con
buoni risultati – la deflagrazione
riverberata (Meet Me At The
Ermitage). L’importante è prose-
guire con onestà.
NICHOLAS DAVID ALTEA
76/100
LEO PARI
HOTEL CALIFANO
FOOLICA
Leo Pari va inquadrato nel corto-
circuito Itpop, le cui radici invo-
lontarie sono in quel momento
dei ’90 in cui ragazzi cresciuti a
Cave, Velvet ed Einstürzende, nel
disprezzo della musica leggera,
scoprirono Tenco e Ciampi. Ta-
stierista per Thegiornalisti, autore
per altri, il Pari cantante ha nel
mestiere la sua migliore qualità e
il suo limite. La cifra della scrit-
tura è nel pastiche, rimandi e
citazioni, da Battisti a Baglioni, De
Gregori o Graziani. Qui Paradiso
si confonde con gli Stadio, Bat-
tiato coi Baustelle e Califano con
gli Eagles. Il precedente Spazio,
che raccomandiamo, traghettava
negli ’80 il folk pop ’70 di Rèsina
e Sirèna. Il synthpop di HC striz-
za l’occhio agli attuali standard
pop italiani, dai Thegiornalisti a
Cosmo, Carl Brave e Colapesce.
Tutto preciso, tutto perfetto.
GIANLUCA RUNZA
50/100
LECHUCK
DOVRESTI FARLO ADESSO
DOTTO/SCATTI VORTICOSI/
DREAMINGORILLA
Al solo nome Lechuck, un mil-
lennial pensa immediatamente
al “pirata non-morto“ della
fortunata saga di videogiochi
Monkey Island e alle ore spese a
giocarci in adolescenza. La band
torinese (ex Sdeghede) cambia
appunto nome e riprende tutti
gli stilemi dell’alternative/post
qualcosa italiano degli ultimi
anni che passano dai Gazebo
Penguins e assorbe il meglio
dei primi Ministri – ogni tanto
troppo evidenti (Stilema). La
scrittura, soprattutto delle
parti strumentali, segue spunti
d’oltreoceano con incastri post/
math e riff affilati. L’esperimen-
to riverberato in Mattonella
riesce a meraviglia. L’equilibrio
dell’album sta nella capacità di
alzare i ritmi, rallentare drasti-
camente (Truffa Semantica),
dando fiato a canzoni corredate
da testi viscerali (Tubo) o viaggi
introspettivi. Solidi.
NICHOLAS DAVID ALTEA
69/100
SANTII
S01
SUGAR
Gli M+A dimostrarono che si po-
teva fare musica pop convincen-
te e un po’ fuori dai giochi anche
partendo dalle nostre coste.
Santii, loro nuova incarnazione,
fa la stessa cosa con l’r&b e l’hip
hop super orecchiabile d’oltreo-
ceano. Il che ha senso, dato che
S01 è foderato di gente che quel
suono l’ha definito: da Supah
Mario, producer di Young Thug
e Drake fissato coi beat caraibici,
a Uli K, figura iper weird e ultra
underground del SoundCloud
Rap da sad boy fissato coi meme
(su BODIES impegnato a mette-
re la voce su un divertente pop
da giostraio). Ma S01 non è un
buon disco per gli ospiti che ha
sopra, anzi: la splendida OUTSI-
DER non peggiorerebbe senza la
strofa di Rejjie Snow, featuring
di punta dell’album, da quanta è
la qualità del lavoro di Michele e
Alessandro. Vorrà dire qualcosa.
ELIA ALOVISI
80/100
LOSFUOCOS
FUOCOMATIC
BLACK DINGO
Li ho visti dal vivo, prima dei
Lords Of Altamont e devo dire
che hanno conquistato tutti. I
Losfuocos non sono parvenu
del rock and roll. Hanno le loro
radici nella fine dei ‘90, il pe-
riodo dell’esplosione dei Green
Day, con i quali sono cresciuti.
Oggi, al loro terzo album, di-
mostrano di avere uno spettro
variegato di ispirazioni. Loro si
definiscono hi energy rock and
roll; un’attitudine che guarda a
Detroit, agli MC5, ma pure ri-
evoca certi Hellacopters. Brani
come My Lord e My Way sono
l’evoluzione dei Green Day e
What The love Is degli Hella-
copters. Ma non è solo questo.
Si viaggia su un power pop
duro, e non di rado vengono in
mente i migliori Foo Fighters.
Un album di classe internazio-
nale, con una cover di Kick Out
The Jams strepitosa. Certo,
puro hi energy rock and roll.
CLAUDIO SORGE
80/100
SKRIMA
TAPES
DISASTER BY CHOICE
La copertina in resina bianca
mischiata a vero lapillo lavico
anticipa graficamente l’attrazione
di Skrima verso i vagiti di madre
Terra e le frequenze più o meno
disturbanti della quotidianità
in genere. Il musicista siciliano,
in un impeto di nostalgia, dis-
sotterra dall’oblio alcuni field
recordings dei primi ‘80 che si
cibavano di natura e vita reale
per riconsegnarli alla contempo-
raneità, ripuliti e masterizzati ex
novo. Gorgoglii vulcanici, ululati
di vento, brusii urbani, ronzii di
frigoriferi e lucine natalizie diven-
tano suono grazie all’azione com-
binata di un quattro piste, una
tastierina Casio, un vecchio basso
Hofner e un Eko Multitone. Con
un piglio kraut cinematografico a
fungere da collante tra Eno, Cage
e Schaeffer che rende il tutto at-
mosfericamente intrigante (Diva,
Eetna).
ANTONIO BELMONTE
71/100
RUMOREMAG.COM | 87
TREECOLORE IN BREVE ESTATE 2018

EMOTU LA CHIAVE DI GIUGNO LA COLPA MAC AND THE BEE

MECCANISMI IMPERFETTI K MEA MAXIMA CULPA ONE OF THE TWO
MARTELABEL CIMICE TOTEN SCHWAN AUTOPRODUZIONE

Le Orme Giancarlo Incedere I fondatori

più melodi-
che e vapo-
rose di metà
’80 fanno
capolino
nel terzo
album degli
Emotu, per quanto stravolte da
turbolente tossine electro wave.
La band parmense lavora di fino
su dinamiche e atmosfere, per
incastrare le contemporanee
distorsioni sociali e individuali
dentro una cornice sonora pia-
cevolmente disturbante e not-
turna, all’insegna di una disto-
pica radiofonia (Eva Su Marte,
Senza Luce).
ANTONIO BELMONTE
67/100
Sabatti Fau-
sti, artista
poliedrico e
impegnato,
sforna un
disco pop
maturo e
focalizzato, corredato da ar-
rangiamenti curati e precisi.
Un lavoro in controtendenza in
cui l’elettronica, quasi messa al
bando, lascia, alle chitarre acu-
stiche, padrone indiscusse, il
compito di ammorbidire accat-
tivanti melodie. Piacevole nei
suoni, nostalgico nello stile, alla
riscoperta di un cantautorato
targato ‘90.
SIMONA VENTRELLA
60/100
lento e im-
penetrabile
quello dei
La Colpa,
che con i
tre lunghi
brani di
questo MMC riescono a far
convergere black metal e noise,
sludge e brutal death, i suoni
estremi di ieri e quelli di do-
mani. C’è una glaciale tensione
sotterranea che cristallizza la
devastazione intorno, esaltando
un suono lacerante e minu-
ziosamente lavorato in fase di
produzione. Un disco di livello
internazionale.
STEFANO FANTI
75/100
dei Mac
And The
Bee arri-
vano da
esperienze
diverse
(metal,
grunge, elettronica, jazz, stoner,
fusion e funky) e cercano di
trovare un denominatore comu-
ne. Bellezza e limite attuale del
gruppo. La gioia è ascoltare un
suono nascente che, dalla fusio-
ne degli elementi, trova una for-
mula quasi inedita. Il limite sta
nel trovare il collante per creare
un corpo che al momento non
è ancora collettivo. Nel mentre,
bravi.
MARIO RUGGERI
65/100

MAKAI MANOVALANZA MED FREE ORKESTRA NOIR AND THE DIRTY

THE COMFORT ZONE LAST LIVE AT TERRAZZA SUL LAGO L’ISOLA DI GULLIVER CRAYONS
INRI IMPACTO GOODFELLAS PARATECHNICOLOR
AUTOPRODUZIONE
Quella di Della se- Nuovo ca-
Dario Tatoli conda gene- pitolo nella Giovani,
è un’elet- razione di lunga storia da poco
tronica gruppi ska delle big costituiti,
morbida, punk, i Ma- band mul- figli della
malinconica novalanza ticulturali loro gene-
e dal suono sono tra i nostrane, razione e
caldo - ide- più longevi il quarto del river-
almente fra Bonobo e Apparat e lucidi. 12 anni di attività e ora album dell’ensemble romano ha bero di ciò
- in sintonia con il tema dell’al- Last Live At Terrazza Sul Lago, pregi e difetti tipici del genere. I che è stato prima di loro, i
bum, che concerne la ricerca concerto di chiusura del locale primi stanno nel Mediterraneo bergamaschi Noir And The
di una stabilità emotiva e il aretino. Formula chiara, buon attuale come tema del disco, Dirty Crayons debuttano con
suo rifiuto. Per il produttore e equilibrio tra fiati e chitarre nella potenza dei fiati e dell’in- un buon disco di pop rock mo-
polistrumentista pugliese un punk, ottimi stacchi ska. Volen- sieme, nelle cover inattese di derno. Approccio punk, cuore
debutto sulla lunga distanza do tracciare un perimetro, tra Art Ensemble Of Chicago e Don indie e ballabilità/dance delle
promettente, anche per la sinte- Voodoo Glow Skull e Link 80. Cherry. I secondi nella troppa ritmiche sono la loro formula,
si fra suoni sintetici e acustici, Qualche piccolo cedimento vo- carne al fuoco e in qualche am- non nuova ma sicuramente
con chitarre “staccate” spesso in cale, ma fa parte dell’approccio miccamento pop eccessivo. Bi- piacevole.
primo piano. estremo e senza sosta del punk. lancio positivo, comunque. MARIO RUGGERI
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 SUONA ANCORA
IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI

OZMOTIC POSTINO PRAINO

ELUSIVE BALANCE LATTE DI SOIA IL DISCO DI PRAINO
TOUCH LABELLA STUDIO REC DISCHI INDIPENDENTI

Dopo la Indie pop Francesco

collabora-
zione con
Christian
Fennesz in
AirEffect
e il più
recente Li-
quid Times, il duo torinese
approda al prestigioso marchio
sperimentale londinese (vedi
Biosphere o Mika Vainio) per
un lavoro che esplora il concetto
di equilibrio nella sua provvi-
sorietà. Fra tappeti ambient e
pungenti pulsazioni digitali,
episodi come Hum e Whisper
sono fra i più riusciti e coerenti
della sequenza.
GIORGIO VALLETTA
69/100
romantica-
mente ma-
linconico,
che affoga i
propri ma-
lesseri da
cameretta
in lunghi assoli di synth, tastie-
re, beat sintetici e una voce lan-
guida ricca di effetti. Un tuffo
senza tempo in un universo in-
timo e contemporaneo colorato
di blu: che tenta di esorcizzare
timori e dolori filtrandoli attra-
verso melodie candidamente
zuccherose dal gusto retrò e
facili ritornelli potenzialmente
killer.
SIMONA VENTRELLA
55/100
Di Praino
racconta di
sé e della
generazione
di trentenni
con ironia
e schiettez-
za, attraverso brani originali e
ricchi di verve. Un cantautorato FATHER MURPHY
smaliziato, diretto e verace, che RISING. A REQUIEM
fa della spontaneità la chiave FOR FATHER MURPHY
per essere fresco e divertente. I AVANT!
ritmi energici, le chitarre acu-
stiche, i testi sagaci supportati Voci che si fanno coro, ritmi
da arrangiamenti leggeri, ricor- ridotti alla meccanicità,
dano il mondo scanzonato di fragore dei silenzi che si
autori come Rino Gaetano e il aprono tra field recordings
primo Brunori Sas. e riverberi dissonanti.
SIMONA VENTRELLA
60/100

RADICI NEL CEMENTO RADIOLONDRA SABBIA

FUEGO Y CORAZÓN SLURP KALIJOMBRE
RNC/GOODFELLAS IMM2 KONO DISCHI/LA MANSARDA

Ottavo Esordio In presa di-

album in
studio della
band roma-
na, fedele
alla linea
fatta di
suono roots
giamaicano e contenuti combat
stabilita ormai più di 20 anni fa.
Da lì non si scappa, fra inni al
lavoro e dichiarazioni d’amore
al reggae, quadretti capitolini e
puntate in Kurdistan e Donbass,
su musica che spazia fra le varie
declinazioni del genere e melo-
die che devono anche al soul e
alla canzone italiana. Tutto un
po’ banale e legnoso.
ANDREA POMINI
60/100
dal sapore
indie pop
per i Ra-
diolondra,
capitanati
da France-
sco Piccia-
no. Lo stile è quello dettato dal
capolista Calcutta: suoni mor-
bidi e ruffiani, che sviluppano
melodie lineari e orecchiabili
che si arricchiscono di ritmate
sfumature elettroniche vaga-
mente anni 80. Un set sonoro
che avvolge e sostiene racconti
di vita quotidiana, che non si
vergognano delle propria fragile
e spontanea normalità.
SIMONA VENTRELLA
60/100
retta nuda
e cruda, fra
jam infinite
e sostanze
stupefa-
centi, Kali-
jombre è un
tuffo nella psichedelia più pura,
dove il sax è assoluto protago- LAY LLAMAS
nista. Ci si discosta dallo stoner THUBAN
del precedente EP con la neces- ROCKET
sità di allargare i confini, in una
visione coraggiosa e consapevo- A quattro anni dall’eccellente
le della propria musica. Lunghe Østrø, i Lay Llamas firmano
suite e viaggi lisergici che con- un altro album di rock
fermano la band come una delle cosmico senza tempo.
migliori nel suo genere.
LUCA DOLDI
74/100

SIMONE SPIRITO WALKYRYA ZATARRA

EPPUR SIMONE THE INVISIBLE GUEST BAMBINO
POLOSUD TIME TO KILL L’UNTORE

Simone Inseriti nel Bambino,

è un can-
tautore
partenopeo,
con una
formazione
musicale
ampia e
variegata che si riflette in uno
stile di scrittura classico e fami-
liare. Fortemente influenzato
dagli anni 90, la tradizione e i
suoni acustici s’incontrano con
la verve e i ritmi più caldi della
musica popolare. La voce chia-
ra e pulita unita alle melodie
lineari e delicate costruiscono
un disco gradevole e facile da
ascoltare.
SIMONA VENTRELLA
55/100
filone post
thrash che
ha dato
origine a
una parte
di nu metal
nei ’90, i
molisani Walkyrya dimostrano
ottima tecnica e pulizia nell’e-
secuzione di un metal di chiara
ispirazione Machine Head. Tec-
nica, riverberi e aperture arriva-
no dai Metallica e dai Megadeth.
La somma degli elementi è po-
sitiva. Non proprio dei futuristi
del metal, ma di certo il loro
approccio è concreto, duro e so-
prattutto preciso. Consistenti.
MARIO RUGGERI
72/100
quinto
album
dell’artista
senese, è
una fenice:
la rinascita
dopo la
(non) morte. Dopo essersi visto
diagnosticare un malaccio di LAME
quelli brutti, il rapper toscano ALONE AND ALRIGHT
ALIEN SNATCH!
di nascita, ma marsigliese d’a-
dozione, sceglie di ripartire da Atmosfere noir e melodie
semplicità e intuito, quasi fosse
affusolate come gocce
un pargolo della doppia h, inve-
sulla pietra che scavano in
ce che un veterano della scena.
profondità, senza impeto,
Un disco onesto, sincero e tra-
lasciando scorrere il tempo
sparente come chi lo ha scritto.
al suo ritmo naturale.
DAVIDE AGAZZI
65/100
RUMOREMAG.COM | 89
 ALIEN NOSEJOB CONFUSIONAL QUAR-
PANEL BEAT TET/FEAT. ESSERELÀ
AUTOPRODUZIONE ALESSANDRIA/IL NOSTRO BATTE-
RISTA HA UN BUCO NELLA GAMBA
In ogni 7” SONDACLUB
c’è una foto
diversa stam- Per la Son-
pata su carta daclub esce
fotografica. il 7” tutto
Nella mia strumentale
copia, Jake in vinile
Robertson fa blu (per gli
le corna con le mani incrociate. Skiantos
Il nostro Frankenstein segali- un mese fa
gno è a dir poco prolifico: Au- dominava il rosso, stessa label)
smuteants, Hierophants, Lea- condiviso tra Confusional Quar-
ther Towel, etc. non gli bastano, tet - che riprendono un brano
così ha messo su un progetto già presente nel loro disco di
solista a buon mercato, auto- reunion Play Demetrio Stratos
producendosi un EP con quattro - e i bolognesi feat. Esserelà: ar-

BATU
schegge di post punk synthetico tefici di una partitura dal taglio
che vanno dritte al punto. Tutto progressive che scala in veloci-
qui, e non è poco. tà, denotando una tecnica sugli
MANUEL GRAZIANI strumenti niente affatto banale.
73/100 ARTURO COMPAGNONI
60/100

REBUILT DIR EN GREY DISCLOSURE FEAT.

XL
NINGEN WO KABURU FATOUMATA DIAWARA
GAN-SHIN ULTIMATUM
ISLAND
Da cinque anni agitatore della scena Il rialli-
elettronica sotterranea d’Oltremanica, sia neamento Un cam-
con le numerose uscite per Hessle Audio, è chiaro, pione vo-
Mistry e Livity Sound sia in quanto fon- l’antipasto cale della
datore dell’etichetta Timedance (della cui dell’im- cantante
compilation Patina Echoes si parla nel minente maliana
box Beats in questo stesso numero), ora Vestige Of Fatoumata
il bristoliano Omar McCutcheon approda Scratches Diawara
alla XL per quattro tracce che ne ribadi- rintraccia nei suoi tre atti quel offre ai
scono l’approccio innovativo. Batu coglie l’occasione nel migliore parossismo crossover nu metal fratelli Lawrence lo spunto
dei modi, innanzitutto aprendo la sequenza con il groove spezza- dai contorni gotici che tanto ha per tornare a farsi vivi dopo
to, futuristico e inclassificabile del brano che intitola l’EP, a cui reso centrale la seconda stagio- due anni di silenzio assoluto.
segue il liquido e furtivo dub di Pillars. Ai due rarefatti episodi ne dei nipponici, quella inter- Ultimatum sovrappone un sofi-
succede una Flash React che reinventa letteralmente la jungle, ri- corsa tra Vulgar e Withering sticato beat house dei loro, una
vedendone l’architettura ritmica, prima che i beat raddoppiati di To Death. L’unica eccezione è trama di synth funkeggiante e
Tuff Cookie spingano in direzioni ancora più avventurose. Musica data dall’incedere progressivo l’estemporanea apparizione di
per i club del prossimo decennio. e HC punk di Ash, capace di una chitarra jazzy. Il risultato
GIORGIO VALLETTA ripristinare nei suoi frammenti è ancora una volta superiore ai
91/100 coloriture visual kei. singoli fattori, ma per l’album
STEFANO MORELLI bisognerà attendere il 2019.
80/100 GIORGIO VALLETTA
77/100

DJ SEINFELD NILS FRAHM FURTHERSET GOAT

SAKURA ENCORES 1 TO ALTER AND AFFECT LET IT BURN
DEEP SEA FREQUENCY ERASED TAPES -OUS ROCKET

Reduce È sempre Oggi Davanti, sei

dall’incerto bello sen- 23enne, minuti di
album Time tire i tasti da qualche ritmo triba-
Spent Away del piano di anno Tom- le rotolante
From U, Nils Frahm maso Pan- e distorto,
lo svedese stoccare e dolfi è un con voce
Armand sfrusciare sempre più da sacer-
Jakobsson contro su- acclamato dotessa
torna al formato EP che ne aveva perfici legnose, esporsi ai fiati “ragazzo prodigio” dell’elettro- in acido e ruggiti di wah wah,
fatto uno dei nomi più chiac- sintetici in cui sembra buttare nica italiana. Questo EP pubbli- break sognanti di flauto e finale
chierati nell’ambito della house dentro l’aria di un enorme pol- cato in cassetta testimonia della sostenuto dagli archi. Forse non
lo-fi. Ma qui la title track apre mone. Encores 1 questo fa - to- sua progressiva maturazione, la migliore canzone dei Goat
sorprendentemente in chiave glie gli innovativi ammennicoli oggi caratterizzata da un suono fino a qui, come dichiara l’eti-
electro vecchia scuola, prima che che avevano definito All Melody visionario, fra deraglianti me- chetta, ma siamo nelle zone alte
Seinfeld si cimenti nelle forme e, con una collezione di piace- lodie a cascata e consapevoli della classifica. Dietro, quattro
wonky, trance fino a toccare i voli outtake, ci riporta in modo echi shoegaze. Come nella sug- minuti molto delicati che non ti
confini della techno con la con- tanto piacevole quanto trascu- gestiva The Arc Of Imaginary o aspetti, estrapolati da una jam
clusiva Battery. Un’uscita di rabile alle sonorità del suo pic- nell’inno rumoristico Ask Your di studio fra jazz spirituale e
transizione. colo capolavoro Wintermusik. Existential Core. minimalismo.
GIORGIO VALLETTA ELIA ALOVISI GIORGIO VALLETTA ANDREA POMINI
61/100 72/100 80/100 78/100
90 | RUMOREMAG.COM
SINGOL ARE L A LUNGHEZZA NON È TUTTO ESTATE 2018

J HUS MORON’S MORONS THE NEGATIVE BIAS / PERFUME GENIUS

BIG SPANG EP INDECENT EXPOSURE GOLDEN DAWN RESHAPED
BLACK BUTTER/SONY SLOVENLY SPLIT EP MATADOR
SEANCE
J Hus non Sono polac- Rielabora-
ha sfondato chi e non si Da queste zioni per
oltre i con- capisce nulla parti si re- il pluri-
fini inglesi, di quello che spira astral celebrato
tradendo la cantano in atmosphe- No Shape.
promessa inglese, ma ric black Le cime
dell’ec- si va a naso e metal. O, tempestose
citante ci si fida dei declinata in di Mike
grime mondialista di The 15th titoli Vibrator Violator, Devils altro modo, Hadreas in trattamento digitale
Day. Ma a casa sua Hus è di- Sucks My Cock And Swallows, black psychedelia. Avventure d’ordinanza. Il tango per an-
ventato espressione del lato SS Girls. Il primo è un rullo tra gli sconfinati spazi oscuri droidi, che i Jam City mettono
più colorato e spensierato delle punk alla New Bomb Turks astrali. I due gruppi coinvolti in scena per Just Like Love, e
comunità afrocaraibiche; e Big affogato nel trash distorto, il nello split fanno parte dello il madrigale sintetico con cui
Spang per due terzi non fa che resto pure. Fa un po’ eccezione stesso ceppo originario, ricon- Blake Mills riveste Every Night,
rafforzare l’impressione. Pec- la pericardica melodia di Rate ducibili entrambi al nome di le note di pregio. Più di routine
cato che Scene indulga in un Your Teacher: fa pensare al Stefan Traunmüller, un tempo la cesellatura da techno cubista
“faccio-brutto” sonoro che non giovane elettricista Lech Wałęsa con i temibili blackrocker occul- di Laurel Halo per Die 4 You.
rende onore alla capacità fu- buttato fuori dal sindacato per ti Alastor. Rabbrividenti fibril- Una collezione che omaggia
nambolica di Hus al microfono. alcolismo. lazioni prog, nei Golden Dawn. senza troppo aggiungere.
ELIA ALOVISI MANUEL GRAZIANI Più atmosferici i Negative Bias. MAURO FENOGLIO
66/100 74/100 CLAUDIO SORGE 64/100
76/100

PUSHA-T DANIEL ROSSEN THE SHOWBIZ SUBDUER

THE STORY OF ADIDON DEERSLAYER / DO THE ROCK’N’ROLL DEATH MONOLITH EP
AUTOPRODUZIONE YOU ARE CROSSING A RIVER TONGUE DUNKELHEIT PRODUCTIONS
WARP
Fai il rapper. Lo vado Shem-
Un tuo colle- Un brano dicendo da Hamforash
ga si fa scri- originale e un po’ che (batteria)
vere i testi. una cover a Salerno e Az-Zaba-
Tu gli fai di Golden col r’n’r ci niyya (chi-
notare che Suits già pazziano tarra e un
la cosa non suo com- bene. Per incredibile
è ok e che tu plice nei dire, i Wild gamma di
sei più bravo a scrivere rime. Lui Department Weekend sono una macchina rumori) sono i due fuori di testa
risponde. E allora tu prendi The Of Eagles. Tanto basta a Daniel da guerra. Gian Paolo dei WW è che compongono questi auten-
Story Of O.J. di JAY-Z e ci rappi Rossen per riaffermare le sue anche la chitarra molesta degli tici terroristi noise, i Subduer.
sopra le “barre” più violente che indubbie qualità di musicista Showbiz che, senza andare trop- Sopra blast furiosi di batteria
la memoria collettiva recente e soprattutto arrangiatore po per il sottile, riportano al si abbatte una tempesta di
possa ricordare, tirando fuori sopraffino. La leggerezza pop centro il r’n’r (t)umido di Chuck suoni distorti e voci gutturali/
figli nascosti con attrici porno e dal profumo vagamente retro, Berry in chiave punk (All The oltretombali in prossimità con il
malattie degenerative. Il tuo col- l’equilibrio sottile tra folk e Girls), il pub rock dei Dr. Feel- black metal più estremo. Ma c’è
lega non risponde. Fine. rock, conferiscono alle canzoni good (Do The RnR) e roba così. molto di più. Deve passare un
ELIA ALOVISI del chitarrista di Grizzly Bear il Questo 7” EP in edizione limita- po’ di tempo prima che uno si
89/100 tono e il movimento dei classici. ta è un oggetto salvifico. riprenda dall’ascolto di questa
Ottimo. MANUEL GRAZIANI roba.
LUIGI MUTARELLI 72/100 CLAUDIO SORGE
78/100 70/100

LUCA TARANTINO THE TRIP TAKERS TUYO WORSHIPPER

NO FIGHT JUMPER BLUES PRA DOER EP MIRAGE DAZE
AUTOPRODUZIONE AREA PIRATA/RETRONOUVEAU AUTOPRODUZIONE TEE PEE

Arriva Attraverso Lio, Lay e I Wor-

l’estate e
le spiagge
iniziano a
popolarsi
di persone
in vena di
fare festa,
quale periodo migliore per Luca
Tarantino, DJ salentino, per
uscire con il suo No Fight? Un
disco ritmato, veloce, a tratti
magnetico; la sua natura pop
è accompagnata da una forte
componente black che si intrec-
cia con quella elettronica, un
richiamo forte ad artisti come
Skrillex e Daft Punk.
MATTEO PASINI
70/100
il crow-
dfunding
il quintetto
siciliano ha
pubblicato
un 45 giri
col buco
grande da juke box, con dentro
due pezzi di delicato e tentaco-
lare 60’s folk fatto di organi, ar-
moniche, armonie cristalline e
tutto l’ambaradan del caso. Una
roba completamente fuori dal
tempo e dallo spazio, che farà
venire l’acquolina in bocca a
vecchi e nuovi beatnik di mezza
Europa. Via di qua se siete at-
tratti dall’attualità.
MANUEL GRAZIANI
70/100
Machado shipper
sono un trio reinterpre-
brasiliano tano quattro
che riattua- canzoni
lizza il folk dei 70’s, a
pop locale e loro modo
lo evolve in importanti.
nuove forme. Conselho Do Bom Easy Livin degli Uriah Heep è
Senso gioca su equilibri fluidi e praticamente uguale all’origina-
crea trame vocali sovrapposte le. Nigh Child degli Oak è così e
e traslate tra di loro, per poi così. Julia Dream dei Pink Floyd
rituffarsi nel pathos sonoro. Ri- ha poco di psichedelico e sembra
attualizzazione e tradizione folk suonata dagli... Uriah Heep.
che passa da Caetano Veloso Infine, Heaven And Hell degli
(Candura) e amplifica le pulsa- Who non è male. Onestamente
zioni avant pop (Amadurece e non si vedeva l’utilità di un disco
Apodrece). Pura maravilha. del genere.
NICHOLAS DAVID ALTEA CLAUDIO SORGE
85/100 60/100
RUMOREMAG.COM | 91
FL ASHBACK THE CELIBATE RIFLES
THE CELIBATE RIFLES
CANGURI A TORVAIANICA,
SENZA TASTIERE
THE CELIBATE RIFLES
ROMAN BEACH PARTY
AREA PIRATA
I Celibate Rifles si sono formati a Sydney
nel 1979, durante le scuole superiori, ma le
cose hanno iniziato a prendere una piega
seria un paio d’anni dopo con l’ingresso
del chitarrista Dave Morris e soprattutto
del cantante Damien Lovelock, l’unico
a rispondere all’annuncio della band.
Damo era un rugbista professionista,
surfista e calciatore: non a caso poi si è
dedicato a insegnare yoga e a commentare
lo sport in TV. Aveva una decina d’anni
92 | RUMOREMAG.COM
più degli altri - e questa è solo la prima
analogia con Rob Tyner e gli MC5 -
ciononostante l’intesa con il lungocrinito
chitarrista Kent Steedman e compagni
sarà tanto immediata quanto efficace.
Una combinazione perfetta di fregole
adolescenziali, punk r’n’r urbano a volumi
esplosivi e testi più maturi della media,
finanche politici, come ha fatto notare
David Fricke di Rolling Stone. Un esempio
su tutti è Thank You America, dal secondo
album del 1984, che riprende il testo di
una poesia pacifista di Ferlinghetti.
Nel 1986 i Rifles hanno già dato alle
stampe tre album apprezzati da critica
e pubblico, che vedono in loro la
continuazione dell’aussie rock furibondo
di Saints e Radio Birdman. Nella
primavera del 1987, in una pausa del tour
mondiale, entrano in studio per registrare
il quarto album con una nuova sezione
ritmica. Memori del travolgente concerto
del 14 luglio sulla spiaggia di Torvaianica,
decidono di intitolarlo Roman Beach
Party. Nel retrocopertina campeggia la
scritta no keyboards used on this record
che la dice lunga su come la pensano gli
australiani. L’album è una delle vette più
alte raggiunte dalla band che passa come
nulla fosse dal punk sonico di Jesus On
TESTO DI MANUEL GRAZIANI
TV, pezzo sugli ingannevoli predicatori
catodici, alla psichedelia al fosforo di
Ocean Shore: una lunga litania nata
durante i primi, roventi giorni del tour del
1987.
A 31 anni dalla sua pubblicazione il long
playing viene ristampato per la prima volta
su vinile (180 grammi) in una strepitosa
edizione gatefold che contiene le note e
una doppia intervista a Kent e Damien di
Roberto Calabrò, uno dei massimi esperti
italiani di Oz Rock. Damien racconta
che quello fu un anno straordinario con
il gruppo sempre in tour tra Australia,
USA, Regno Unito, Europa e che Roman
Beach Party rappresentò l’inizio di una
nuova fase della band. Kent, co-produttore
dell’album, ricorda invece quanto fosse
grande, professionale e attrezzato lo studio
di registrazione in Olanda dove, tra le altre
cose, erano stati registrati tutti gli album
de I Puffi. Per la cronaca il party romano
avrà un seguito. È del 1989 il primo 12”
degli Yage, il piccolo gruppo di culto che
Kent Steedman ha messo su assieme ai
romanissimi fratelli Pasquini degli A-10.
Ma questa è un’altra storia..
83/100 DISCO
ZERO EXTRA
RETROPOLIS ESTATE 2018

THE 4TH MOVEMENT AA.VV. AA.VV. AA.VV.

THE 4TH MOVEMENT C89 GUMBA FIRE NAPOLI SEGRETA VOLUME 1
DRAG CITY CHERRY RED SOUNDWAY EARLY SOUNDS/NG

La storia dei Death, proto punk
band di Detroit dei ‘70, l’abbiamo
raccontata su “Rumore” n. 267.
Quel che accadde dopo ebbe il
nome di The 4th Movement. Era
un trio e sempre con i fratelli
Hackney. Dal crudo soul punk
detroitiano si passava a una forma
evolutiva dello stesso - possiamo
chiamarlo hard rock - influenzato
da Jimi Hendrix e Who. I 4th Mo-
vement avevano superato la visio-
ne politica ribellistica dei Death
per approdare alla religione cri-
stiana. Il primo esempio di metal
cristiano della storia. Incisero
due album. Il primo, nel 1980,
pubblicato per la propria etichetta
Tryangle; un fulgido esempio di
afro heavy rock, molto più raffi-
nato e complicato dei precedenti
come Death, e comunque pieno
di soul e distorsioni. Qualcuno ha
scritto: una punk/christian opera.
CLAUDIO SORGE
83/100 DISCO
Nell’89, in Gran Bretagna, il guitar
pop indipendente si era frantu-
mato in una varietà multicolore
di stili, e per ogni band come gli
House Of Love, ancora votata a
un romanticismo post Smiths, ce
n’erano altre come Telescopes e
Wonder Stuff che avresti potuto
scambiare per rumorosissime for-
mazioni alternative americane. Gli
Stone Roses guidavano la scalata
della generazione indie alle clas-
sifiche e le major saccheggiavano
l’underground, lasciando a eti-
chette come la Sarah il predominio
sugli outsider e sui colori pastello.
Questa, in sintesi, la trama dell’en-
nesima scorribanda nell’indie rock
targata Cherry Red. Per chi scrive,
la più varia e stimolante delle rac-
colte inaugurate dalla ristampa di
C86. Non fosse altro perché è quel-
la con il più alto numero di oscure
e imperdibili pepite.
DIEGO BALLANI
80/100 DISCO
Gli anni 80 furono un decennio
difficilissimo per l’allora Repub-
blica Sudafricana, sotto le pre-
sidenze dei boeri Marais Viljoen
e Pieter Willem Botha. La fine
dell’Apartheid è un sogno lon-
tano e le disuguaglianze interne
sono a livelli inumani. La raccolta
curata da Miles Cleret e DJ Okapi
fa il paio con Doing it In Lagos:
Boogie, Pop & Disco in 1980s
Nigeria (2016). Si posiziona
cronologicamente tra la fine della
disco 70’s e prima dell’avvento
house dei ‘90. La scena musicale
bubblegum è un pop africano
mid-80’s che incontra la post
disco piena di synth, tastiere e
batterie elettroniche. Brani che
risentono di un certo funk/Mo-
town (Selallane dei Black Five)
o inclini all’afro synth pop come
Survivals e Ashiko. Contamina-
zioni preziose per una compila-
tion incredibile.
NICHOLAS DAVID ALTEA
Ancora Nu Guinea, questa volta in
veste di curatori insieme a DNA-
poli e Famiglia Discocristiana
di una compilation incredibile.
Come osservatori incantati di una
delle loro spedizioni di digging,
ci ritroviamo in pieno sottobosco
disco/funk partenopeo anni 70
e 80, e recuperiamo nove Hid-
den Gems From The Bowels Of
Vesuvius. Roba mai sentita fuori
Napoli e forse pure dentro, vista
l’abbondanza storica della pro-
duzione locale. Roba spesso mai
nemmeno arrivata su Discogs, e
che quando c’è raggiunge prezzi
folli. Roba caldissima: groove
puri, echi di melodia autoctona e
dance internazionale coeva, lezio-
ne black penetrata nel DNA. Il rap
di Donn’Anna, Giancarlo D’Auria
come uno Zero sul Golfo, bombe
afro/cosmic come Stop The War
degli Oro. La sensazione è di aver
solo grattato la superficie.
ANDREA POMINI

ZERO EXTRA ZERO EXTRA 88/100 DISCO 83/100 DISCO

ZERO EXTRA ZERO EXTRA

WHAT’S THAT
BUFFALO SPRINGFIELD SOUND?
RHINO

Se c’è una canzone che rappresenta il disagio e i prodromi del
cambiamento in America negli anni 60, in piena guerra del
Vietnam, questa è For What’s Worth dei Buffalo Springfield.
Scritta da Stephen Stills dopo i riot sul Sunset Strip di Los Angeles
e diventata inno pacifista che ha segnato un’epoca, è una delle più
belle canzoni in assoluto mai scritte nei ’60. I Buffalo Springfield
(Stills, Palmer, Martin, Young, Furay) avevano un incredibile
talento, che impiegavano più a lottare l’uno contro l’altro che a
scrivere musica assieme. Le due personalità di Steve Stills e Neil
Young si attraevano, ma non si integravano. Ciononostante, nei tre
album pubblicati per la ATCO tra il 1966 e il 1968, ci hanno regalato
alcune tra le più belle canzoni che il rock abbia mai espresso. Per
commemorare l’ultimo concerto della band nell’anno in cui si
sciolse, il 1968, ecco arrivare un altro omaggio alla memoria degli
Springfield. Un box con i tre dischi in entrambe le versioni mono e
stereo, ricavate dai nastri analogici originali. A cura di Neil Young.
Provenienti dal retroterra del folk americano, Steve Stills e Richie
Furay s’incontrano con l’arcigno Neil Young e mettono mano a un
progetto di band che insieme ai Byrds riscriverà le regole del rock,
coniugando rock and roll, r&b, pop, folk e country con la stessa
genialità che, mutatis mutandis, in Inghilterra avevano avuto i
Beatles. Dal primo album, pura eccitazione 60’s pop, a Buffalo
Springfield Again, più psichedelico, gli Springfield, sapendo già che
sarebbe stato il passo d’addio, nel 1968 concludono la loro parabola
con Last Time Around, in cui si già intravedono chiaramente le
strade che ciascuno di loro prenderà da solista o con altri progetti.
La fine di un qualcosa che avrebbe potuto essere molto di più.
CLAUDIO SORGE
88/100 DISCO
96/100 EXTRA
RUMOREMAG.COM | 93
 SUONA ANCORA
IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI
CANZONIERE
DEL LAZIO
LASSA STA’ LA ME CREATURA
FONÈ
Il linguaggio è nuovo, in-
fluenzato dall’aria inebrian-
te che si respira, e quindi da
jazz, rock progressivo, psi-
chedelia, improvvisazione,
spinte etniche.
WIRE
PINK FLAG / CHAIRS MISSING
/ 154
PINKFLAG
Dischi vertiginosi per la loro
alterità rispetto alle norme,
per la quantità mostruosa di
idee e di spunti, per il rigore
logico delle intuizioni.
BRIAN ENO
MUSIC FOR INSTALLATIONS
OPAL
Sei CD (e un booklet di 64
pagine) con brani inediti e
di difficile reperibilità che
Eno ha usato in parte delle
sue installazioni dal 1986
a oggi.
94 | RUMOREMAG.COM
AA.VV.
PARIS IN THE SPRING
ACE
Bob Stanley e Pete Wiggs ap-
plicano la loro collaudatissima
scienza di curatori al Maggio
Francese di 50 anni fa e alle
sue ripercussioni sul pop d’Ol-
tralpe post yé-yé. Soliti noti
(Gainsbourg interprete - lo stru-
mentale Evelyne - e autore per
Mireille Darc e Jane Birkin, in
quest’ultimo caso in combutta
con Jean-Claude Vannier, altra
presenza ricorrente in scaletta),
chicche, propaggini folk e prog,
library music, postgainsbour-
ghiani di talento (Bernard La-
villiers), icone (Hardy, Dutronc,
Polnareff), eretici (Brigitte Fon-
taine), outsider immeritatamente
tali (Nino Ferrer): tralasciando
il livello eccellente delle tracce,
il talento dei curatori risiede
nella capacità di fare emergere
la ricerca condivisa, variamente
psichedelica, di una proverbiale
spiaggia sotto i sampietrini.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
85/100 DISCO
ZERO EXTRA
DAVE EVANS
THE WORDS IN BETWEEN
EARTH
Le parole nel mezzo del titolo
sono quelle che il gallese Dave
Evans incastona tra gli intarsi
acustici delle sue canzoni. Opera
di un fingerpicker dotatissimo e
originale, la cui tecnica emerge
tersa e nitida dai nastri del
registratore Revox piazzato in
un appartamento del Greenwich
Village nel 1971, a catturarne
la primissima produzione.
Tecnica che va a braccetto con
la maturità e la propensione
melodica di songwriter e
interprete, incontro tra l’ispida
e scabra vocalità di Bert Jansch,
l’errante magnetismo di Mike
Heron e i ritrosi mondi interiori
di Nick Drake. The Words In
Between è il piccolo gioiello non
troppo acerbo di un autore che,
nonostante recenti endorsement,
come quello di Steve Gunn, è
ancora considerato un minore.
Questa ristampa potrebbe
invertire la tendenza.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
78/100 DISCHI
ZERO EXTRA
AA.VV.
TECHNICOLOR PARADISE
NUMERO
Un’immersione completa, di
quelle che solo Numero sa orga-
nizzare, nell’ammaliante e pecca-
minoso mondo exotica. Ovvero,
in uno dei suoni che più hanno
segnato la generazione del boom
postbellico negli USA, battezzato
da un album di Martin Denny
del ‘57 e fatto su misura per un
pubblico con voglia di viaggiare
stando in poltrona. Una rappre-
sentazione un po’ mitologica e
massimalista di mondi altri, dal
Pacifico all’Africa, dall’Oriente al
Sud-est Asiatico. Un surrogato a
base di immaginazione e luoghi
comuni, isole misteriose e danze
voodoo, ma tremendamente ecci-
tante nel suo cocktail (ops!) feb-
brile di jazz e easy listening, surf
rock strumentale e percussioni,
cori senza parole e citazioni geo-
grafiche sparse. 48 brani su triplo
vinile, 54 su triplo CD, pochi big
e moltissimi sconosciuti.
ANDREA POMINI
80/100 DISCO
ZERO EXTRA
GOLDFRAPP
SILVER EYE – DELUXE EDITION
MUTE
Silver Eye sembrava l’album
riepilogativo di una carriera,
quello destinato a riaffermare,
non a entusiasmare o dividere.
Due gemme electro come
Anymore e Supermagic,
molto mestiere e, su tutto, la
rivendicazione di uno stile che ha
influenzato nomi insospettabili.
L’uscita di una Deluxe Edition
a così rapida distanza lascia
qualche perplessità, a parte
il chiaro intento di cavalcare
l’ospitata di Dave Gahan,
presente in voce nella nuova
versione di Ocean. Il disco
supplementare aggiunge
essenzialmente remix di brani
dell’album (di tre brani, per la
precisione), con prevalenza di
derive deep e nomi come Ralphi
Rosario o Joe Goddard. Nessun
inedito vero. Insomma un’uscita
riservata ai completisti o a chi ha
mancato il primo giro.
EMANUELE SACCHI
78/100 DISCO
58/100 EXTRA
JULEE CRUISE
THREE DEMOS
SACRED BONES
Qualche mese prima che
divenissero Twin Peaks e
segnassero la storia della TV, tre
versioni embrionali di Floating,
Falling e The World Spins. Un
inestricabile groviglio di ricordi,
sogni, sensazioni e illusioni,
alimentate dall’esperienza recente
della terza stagione della serie. E
se lì si racconta di riscrittura della
storia e di un nuovo inizio (e se
Laura Palmer non fosse morta?) è
inevitabile pensare a cosa sarebbe
avvenuto se David Lynch avesse
ottenuto i diritti di Song To The
Siren di This Mortal Coil (senza
fare la conoscenza di Julee).
Quante vite sarebbero differenti?
Quanti generi musicali, segnati
indelebilmente dal binomio voce
eterea/synth? Passa tutto da qui,
da tre grezze demo. Una voce
esile come un giunco, un pattern
di tastiere che può durare per
sempre. E una cascata.
EMANUELE SACCHI
90/100 DISCO
ZERO EXTRA
GOMEZ
BRING IT ON
20th ANNIVERSARY EDITION
UNIVERSAL
O Bring It The F**k On, sugge-
risce Guy Garvey degli Elbow
nel sottolinearne la natura di
spartiacque dei ‘90 inglesi. Basta
interpretare l’elenco degli scon-
fitti al Mercury Prize del 1998,
in fondo: la tradizione (Urban
Hymns dei Verve) come il futu-
ribile (Mezzanine dei Massive
Attack). I ragazzi di Southport
lo vinsero standovi esattamente
a cavallo, quasi accompagnando
la scena inglese dal Britpop ai
2000: del blues ripassato dalla
psichedelia da un lato e lo spleen
di quelli che oggi paiono timidi
innesti elettronici dall’altro.
Disco denso come spontaneo,
due aggettivi che di loro valgono
vita lunga. Resta da vedere quan-
ti acquirenti di quella del decen-
nale passeranno anche di qua, se
276 minuti la rendono definitiva
(fra live, demo e lati b) ma anche
altrettanto piena di doppioni.
FRANCESCO VIGNANI
75/100 DISCO
70/100 EXTRA

RETROPOLIS ESTATE 2018
THE NATIONAL
BOXER (LIVE IN BRUSSELS)
4AD UNIVERSAL
Matt Berninger pensava ad
altro nello scrivere per Brainy
un verso come “potresti avere
più bisogno di me di quanto
credi”. Solo che 11 anni dopo la
tentazione di trascinare le parole
su Boxer c’è tutta. Perché, se è
facilotto fare le pulci ai National
di oggi, fra concerti frequentati
pure da Nanni Moretti e dischi
non sempre spumeggianti, ri-
tornare da dove tutto è partito
ha del salutare. Tutto Boxer, di
fila, per una sera sola: Fake Em-
pire ritorna timida nel suo farsi
intro, con gli anni di esperienze
trasversali dei gemelli Dessner a
ribaltarsi in molti arrangiamenti,
dal gigantismo di Guest Room
alle interlinee via via aggiunte a
Slow Show. Un capolavoro rilet-
to da una band che nel mentre si
è fatta macchina da guerra live:
pur con i limiti di queste opera-
zioni, può bastare.
FRANCESCO VIGNANI
73/100 DISCO
ZERO EXTRA
SHADOWS OF KNIGHT
ALIVE IN ‘65
SUNDAZED
Gli Shadows Of Knight si
formarono nel 1964 per iniziativa
di Warren Rogers. Joe Kelley
e Jim Sohns sarebbero venuti
dopo e in quest’album registrato
al Cellar di Chicago nel 1965 non
ci sono ancora. Oltre al blues di
Chicago, che vivevano sul campo,
essendo originari di quella città,
gli Shadows erano, come gli
Stones, soprattutto influenzati
da Chuck Berry; poi ovviamente
furono travolti dalla british
invasion: Stones, Kinks, Them,
ed esplosero con quel primo
leggendario album del 1966, pieno
di cover di Muddy Waters, Willie
Dixon e Them. Questo inedito live
preannuncia la loro futura gloria.
Tra le canzoni migliori: Its’ All
Right, un selvaggio mersey beat
alla Do You Love Me, e I’m A King
Bee, pura arroganza punk blues.
Peggio - ed è un complimento - di
quella degli Stones.
CLAUDIO SORGE
80/100 DISCO
ZERO EXTRA
PROZAC+
ACIDO ACIDA
Tutti rinnegano la nostalgia, ep-
pure il revival va eccome e con lui
le ristampe, poche storie. Certo
non poteva sfuggire l’occasione
del ventennale di un disco crucia-
le per i fine ‘90 italiani di ambito
pop. Colla, Piove, Acida, quanti
tormentoni in un solo album. Le
loro erano intramuscolo, brani
brevi e incisivi, che sapevano co-
niugare discretamente profondità
e leggerezza. Oggi i nostri hanno
deciso di ristamparlo in vinile
e CD, corredando quest’ultimo
delle versioni in inglese di Acida,
Ics, GM e Colla, del praticamente
inedito Sognare e della cover di
What Do I Get dei Buzzcocks. Sca-
letta originale per un lavoro di cui
Gian Maria Accusani, Elisabetta
Imelio ed Eva Poles hanno deciso
di condensare i festeggiamenti
live in due date: al Miami di Mila-
no e all’Home Festival di Treviso.
BARBARA SANTI
80/100 DISCO
60/100 EXTRA
ALAN SORRENTI
THE PROG YEARS
UNIVERSAL
C’era una volta il progressive
italiano. E un capellone che non
aveva paura di rappresentare
la versione nostrana di Peter
Hammill, con un pizzico di Tim
Buckley e Greg Lake. Quel ca-
pellone era Alan Sorrenti, Aria il
suo capolavoro del 1972, impre-
ziosito dal violino di Jean-Luc
Ponty. Ma prima di diventare un
fenomeno disco music con Figli
Delle Stelle, Alan regala altri tre
dischi in area prog, in cui emerge
la sua origine partenopea – Di-
citencello Vuje nell’omonimo
album del 1974 – prima e la sua
inclinazione verso i groove della
disco che verranno – Sienteme
– poi. Rispetto alle ristampe se-
parate The Prog Years offre una
versione in box quintuplo, con i
quattro album e un bonus disc di
rarità e inediti: perlopiù versioni
in inglese dei cavalli di battaglia
sorrentiani.
EMANUELE SACCHI
80/100 DISCO
64/100 EXTRA
JOHN RENBOURN
LIVE IN KYOTO 1978
DRAG CITY
C’era anche Masaki Batoh dei
Ghost nel pubblico di quel gior-
no, a Kyoto, nel 1978. E le sue
note di copertina sono una delle
ragioni sufficienti per accaparrar-
si l’uscita di un prezioso tassello
mancante e inedito nella disco-
grafia di John Renbourn. Un live
registrato con ottima fedeltà da
Satoro Fujii, che restituisce il fe-
eling della mostruosa abilità nel
fingerpicking di Renbourn e la
magica atmosfera creatasi quella
sera. E se suona strana l’idea di
ascoltare laggiù un folk profon-
damente britannico (anche quan-
do rielabora il blues di Missis-
sippi Fred McDowell o Reverend
Gary Davis), basta poco all’ex
Pentangle per convertire ogni
cosa in un mondo di menestrelli
e poveri Yorick. E se ancora la
sigla “Bert and John” non vi dice
nulla, cominciate pure da qui.
Purché cominciate.
EMANUELE SACCHI
79/100 DISCO
ZERO EXTRA
THE VISITORS
THE VISITORS
WILD HONEY
Colpo della bergamasca Wild
Honey, che ristampa in vinile
tutto il Deniz Tek post-Radio
Birdman, e inaugura la serie con
l’unico LP della band che per
prima raccolse quell’eredità. Per
ragioni di formazione (in ballo
anche il tastierista Pip Hoyle e il
batterista Ron Keeley, a cantare
il roadie Mark Sisto), ma soprat-
tutto di suono. Perché il grosso
del repertorio era comunque
sempre stato firmato Tek, e non
basta un quoziente doorsiano
più alto del solito per non pensa-
re a questo come al virtuale terzo
album della band originaria. Più
lirico e meno legato ai numi tu-
telari di Detroit, senza la doppia
chitarra ma con il medesimo,
inconfondibile assalto. Al livello
stellare dei suoi predecessori
anche senza l’inedita Skimp The
Pimp, frenetico bonus di questa
ristampa indispensabile.
ANDREA POMINI
88/100 DISCO
75/100 EXTRA
CAMPIONI
LA MUSICA
AL MICROSCOPIO
A CURA DI ANDREA POMINI
RADICAL DANCE
FACTION
BABYLON (1991)
DA: 0’43” – 1’07”
Già il nome, se ci pensate, dice
di altri tempi e sentimenti:
Radical Dance Faction, o RDF.
Sigla da guerriglia virata in
musica, aria da Crass in giro
per free festival da mesi, i
Chumbawamba non ancora in
classifica e Glastonbury ancora
alternativa, un ritmo steppers
come viatico per la rivoluzio-
ne. Tutto dalla piccolissima
Hungerford, 6000 abitanti a
metà fra Londra e Bristol, dove
nel 1986 si formano i Military
Surplus. Il cuore e il suono
sono tanto anarco punk quanto
reggae, il passaggio al nuovo
nome del 1989 porta con sé
un poderoso upgrade sonoro.
Sono gli anni d’oro della On-U
Sound, e il gruppo muove verso
quella combinazione di profon-
dità dub e tensione post-punk
senza indugio, con impeto crust
e lampi di poesia sociale. Lo
caratterizza l’intreccio delle due
voci, il cantato malinconico dai
toni folk di Linda Goodman, e il
toasting con accento pesante di
Chris Bowsher, bianchissimo e
allampanato, dreadlock e faccia
di chi non ha molta voglia di
scherzare. Babylon, che apre il
lato B del secondo album Wa-
steland, è l’apice. Coinvolgente
nella forma, cupa e dimessa
nella sostanza. “Mi trascino fino
a un altro bar / Vorrei che i miei
sogni non fossero così distanti /
Le luci della città schizzano da
una parte all’altra della piazza
/ Mi trovano ovunque io vada”,
canta lei mentre il pezzo parte
lento e sospeso. L’entrata di
lui conferma la tristezza dello
scenario, con quel thiiiiiiiis
allungato che introduce una
strofa da brividi, su riddim
perfetto nella sua propulsione
militante. “Questa vita a Babi-
lonia / Provare così a lungo / A
tenersi a galla nella corrente /
Momenti di ansia, seduti / Ci
hanno trovati / Arriva! Cosa
arriva? Il colpo alla porta”. È un
incubo squatter, uno sgombero
in diretta, il Criminal Justice
Act letto nel futuro. “Babilonia
è un posto / Dove perdere il
proprio volto / Dove diventare
nessuno / Non so nulla / Su
nulla / Non sono l’uomo che
state cercando”, continua Bow-
sher. Il sogno escapista è finito,
non c’è reazione, la ritirata è
furtiva. Babilonia ha vinto, e
quando nella strofa finale arriva
un immotivato “Babilonia sta
bruciando / Babilonia cadrà”,
non ci crede più nessuno.
RUMOREMAG.COM | 95
 IL CHIARO DI LUNA È SOLO UN FILTRO BLU
APPLICATO ALLA LUCE DEL GIORNO
T E S T O D I A L E S S A N D R O B E S S E LVA AV E R A M E

I Thi n Wh i t e Rop e d a Da v is , Ca lifo rnia, si sc i og li e vano ne l 1 992, sal utando i f an c o n

un i n c an de sc ente d o p p io liv e, The One Th a t Go t Awa y. 8 anni di atti vi tà, 5 al bum
( Exp l o r i n g Th e Axis, Moonhead, In The Sp a n i s h Ca ve, Sa ck Fu l l Of Si l ver, Th e Ru b y Se a) ,
3 EP ( Bo t t o m Feeders, Red Sun, Squatt er s' Ri g h t s ), e un c ul to sotte r r ane o atte c c hi to
c o n v e e me n z a i n Eu ro p a e nel no s tro pae se i n par ti c olare . In oc c asi one de l la r i stam p a
de i primi d u e a lb u m a b b ia mo f atto una lung a c hi ac c hi e r ata c on
Gu y Kyse r e Rog e r Kunke l
 RETROPOLIS THIN WHITE ROPE
Il germe dei Television trapiantato in un metafisico
e lunare deserto attraversato da suggestioni
psichedeliche e scheletri country e blues. La voce
magnetica di Guy Kyser, chitarre in feedback come
colate laviche. Un immaginario evocativo e sfuggente
difficile da ricondurre a schemi preesistenti. Una
discografia senza crepe, che ora la Frontier ha deciso
di ristampare rimasterizzata in CD e vinile, con i
primi due titoli già disponibili e gli altri in arrivo tra
l'autunno e inverno prossimi. Nessun rimpianto, in
questa vicenda: Kyser, di formazione geologo, ha
proseguito la carriera universitaria dedicandosi alla
botanica, i suoi compari hanno percorso altre strade.
Nessuna reunion in vista, ma la soddisfazione di
aver lasciato il segno prima di ripetersi e di aver fatto
tutto ciò che andava fatto è palpabile nella nostra
chiacchierata, nove ore di fuso orario annullate nello
spazio neutro di una videoconferenza.
Roger, in una intervista anni fa hai detto che
il vostro esordio, Exploring The Axis, non è
uno dei migliori album dei Thin White Rope,
ma è raro trovare un gruppo esordiente con
un universo sonoro già così ben delineato.
Nei dischi successivi la formula verrà
perfezionata, ma, appunto, lì avevate le idee
già piuttosto chiare. Prima di formare la
band avete entrambi avuto varie esperienze
musicali, ma sembra quasi che sapeste
cosa fare ancor prima di imbracciare gli
strumenti...
Guy: “Be', direi che siamo finiti nella stessa band ed
entrambi volevamo suonare un sacco la chitarra, per
cui dovevamo trovare un modo per riuscirci”.
Roger: “Prima del gruppo Guy scriveva già canzoni
e suonava, in un'altra band. Io incontrai Joe Becker
e Kevin Staydohar, il nostro bassista prima che
registrassimo Exploring The Axis. In seguito lui entrò
nei True West, mentre Joe aveva già suonato con Guy.
Ci trovammo e iniziammo immediatamente a provare
alcuni pezzi che Guy aveva scritto in precedenza. Ci
volle un po' per mettere insieme il suono della band”.
G.: “Inizialmente non ero il cantante, ma ero l'unico....
be' insomma, qualcuno doveva farlo, e così mi misi a
cantare”.
R.: “Ho frequentato le scuole superiori qui vicino, a
Vacaville, poi sono andato al college a Sacramento.
Joe non era al college all'epoca, mi pare...”
G.: “... però registrava musica fin dal liceo, con Scott
Miller dei Game Theory. Incontrai Joe a un concerto
di Iggy Pop, durante il quale si azzuffò con Iggy, la
cosa mi impressionò moltissimo (risata, nda)”.
TAG: #exploringtheaxis #moonhead #downinthedesert
T E S T O D I A L E S S A N D R O B E S S E LVA AV E R A M E
"N E L L E VA R I E C A S E D I S S E M I N AT E I N
C I T TÀ V E D E M M O I R E P L A C E M E N T S
E A LT R E B A N D. E J E F F R E Y D E I G U N
C LU B, P U R E LO R O V E N I VA N O S P E S S O
A D AV I S E F I N I VA N O P E R S U O N A R E
NEL SOGGIORNO DI QUALCUNO.
G R A Z I E A Q U E S TA S I T UA Z I O N E
RIUSCIMMO FIN DA SUBITO A
OTTENERE DEGLI INGAGGI. POI
C'ERANO ANCHE ALCUNI POSTI UN
PO' BIZZARRI DOVE SUONAMMO A
SACRAMENTO, IN PARTICOL ARE UN
FA S T F O O D ( R I S ATA , N D A ) . U N A D E L L E
P R I M E V O LT E A P R I M M O P E R I L O R D S
O F T H E N E W C H U R C H. E R AVA M O I N
QUALCHE MODO AI MARGINI DELLA
SCENA PUNK DI SACRAMENTO. L A
G E N T E P E N S AVA F O S S I M O T R O P P O
L E N T I ( R I S A T A , N D A ) ".
R.: “E a Davis, pure essendo una piccola città, c'era
moltissimo fermento, c'era una comunità musicale
molto attiva. Il college aveva una sua radio, la KDVS,
per un certo periodo Guy ebbe una sua trasmissione se
non ricordo male, e pure Steve Wynn. Inoltre c'erano
moltissimi house concerts. Da qui passavano un sacco
di band, e all'interno del campus c'era un piccolo
spazio per i concerti dove si esibirono Iggy Pop, i Gang
Of Four, i Ramones”.
G.: “Nelle varie case disseminate in città vedemmo i
Replacements e altre band. E Jeffrey dei Gun Club,
pure loro venivano spesso a Davis e finivano per
suonare nel soggiorno di qualcuno. Grazie a questa
situazione riuscimmo fin da subito a ottenere degli
ingaggi. Poi c'erano anche alcuni posti un po' bizzarri
dove suonammo a Sacramento, in particolare un fast
food (risata, nda). Una delle prime volte aprimmo
per i Lords Of The New Church. Eravamo in qualche
modo ai margini della scena punk di Sacramento. La
gente pensava fossimo troppo lenti (risata, nda)”.
La vostra intenzione iniziale mi pare fosse di
andare al di là della classica suddivisione dei
compiti: la chitarra ritmica da una parte e
ONLINE: frontierrecords-thinwhiterope.bandcamp.com
RUMOREMAG.COM | 97
 RETROPOLIS THIN WHITE ROPE
quella solista dall'altra. Era più interessante
mescolare le carte.
G.: “Be', se avessimo utilizzato altri strumenti la
nostra avrebbe potuto essere musica da camera”.
R.: “Credo che, come diceva Guy, entrambi fossimo
particolarmente interessati a suonare la chitarra
solista, cosa che facemmo (risata, nda)”.
G.: “Però alla fine saltò fuori che Roger suonava in
maniera più precisa le parti ritmiche, mentre io mi
occupavo soprattutto delle note lunghe in feedback,
dunque c'era spazio per entrambi”.
R.: “C'era comunque una buona percentuale di
chitarre ritmiche e soliste suonate in maniera
tradizionale. Però lavoravamo molto sul suono.
Usavamo molto il fuzz. Guy usava un Big Muff, e a un
certo punto mi sembra che mi avesse regalato un fuzz
della Maestro per il mio compleanno, non ricordo
bene...”
G.: “Credo fosse un più banale Uni-Fuzz”.
R.: “Ed entrambi trovammo il modo di produrre
feedback. Mi sa che finimmo per abusarne (risata,
nda)”.
In un primissimo momento siete stati
associati al Paisley Underground, anche per
ragioni strettamente geografiche. Ma il vostro
approccio era diverso, meno vintage, più
asciutto, aspro, scheletrico. Pure nel vostro
caso, però, in qualche modo si finiva per
mescolare radici sixties e new wave.
G.: “Penso tu abbia ragione, io ascoltavo un sacco di
musica sixties, ma più il versante punk e garage di
quello 'pulito' a cui si rifacevano molte band Paisley.
Noi facevamo riferimento a un filone più grungey,
loro a uno più pop”.
R.: “Inoltre ci mettevamo dentro pure degli ascolti
antecedenti, country e blues. Avevamo un parco
di influenze molto ampio, ma credo di poter dire
che all'epoca la scena musicale fosse nel complesso
piuttosto sorprendente. Andavi a un concerto e ti
trovavi davanti un gruppo hardcore, poi una band
psichedelica, poi qualcuno che suonava come i Black
Sabbath, tutto nella stessa serata e nello stesso club!
Sembrava che la cosa più importante fosse cercare
di essere originali, non conformi, e poco importava
quali fossero le influenze. Quel che importava era
ritrovarsi in uno spazio mentale che ti spingesse a
fare qualcosa di interessante, di underground, di
anti mainstream. Di nuovo e di diverso. C'era molto
questa componente, a volte era quasi una forma
di performance art, non sapevi mai a che tipo di
spettacolo avresti assistito”.
G.: “C'erano anche band che si formavano per un solo
show, poi si scioglievano dopo un altro paio di date.
E magari avevano una sola buona idea, che però
piaceva a tutti. La gente aveva una mente molto
aperta, era quello il punto”.
98 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I A L E S S A N D R O B E S S E LVA AV E R A M E
E ora l'inevitabile domanda sul deserto! Che
è protagonista della prima traccia del vostro
primo album, Down In The Desert, e tornerà a
più riprese come suggestione. Immagino che
ad un certo punto non ne poteste più di sentirvi
far domande sull'argomento, ma l'aspetto
più interessante è che non si trattava di uno
spazio geografico in senso letterale. Era un
luogo metafisico, anche interiore, esistenziale,
una metafora. Quella dell'uomo circondato
da una natura, più che maligna, totalmente
indifferente.
G.: “Credo che sia diventata una metafora
dell'isolamento, ma non era iniziata affatto così!
Scrissi semplicemente una canzone sul deserto, e
altri in seguito ne diedero una loro interpretazione.
Alla fine direi comunque che funziona come chiave
di lettura. Come dici tu, quella associazione col
tempo diventò un po' un fardello. C'erano sempre
domande sul deserto nelle interviste, negli ultimi tour
incominciammo a scansarle, 'oh no, ancora, parliamo
piuttosto degli amplificatori!'”
Mi incuriosiva il fatto che tra le tue influenze
tu abbia sempre citato lo spaghetti western,
Morricone, Leone. Sergio Leone è uno che ha
costruito un West “immaginario”, toccando
tuttavia corde profonde nell'immaginario
americano. La sua è per certi versi una
ricostruzione fantastica, onirica. Un po' come
la tua del deserto californiano...
G.: “Be', sì, è vero, ci piacevano quei film, e anche altri
lavori di Morricone, che è un grande compositore...”
C'era qualcosa della tua formazione scientifica
nelle canzoni che scrivevi?
G.: “Non so, non credo di aver mai affrontato
la scrittura con l'attitudine fredda di uno
scienziato. Tendenzialmente scrivevo testi basati
sull'osservazione. Magari osservavo le formiche e ci
scrivevo su una canzone. Spero però di non aver scritto
pezzi che sembrassero freddi, credo di averci sempre
messo un elemento umano”.
R.: “A me piacevano molto i riferimenti geografici, li
usavi in molti brani, aiutavano a visualizzare i testi
durante l'ascolto, a creare uno stato emotivo, una
immagine mentale”.
G.: “Ho sempre pensato che non avesse senso scrivere
canzoni dove si dice 'ti amo, mi ami, mi manchi' e cose
del genere. Meglio parlare della luna, delle stelle, dei
posti, è più interessante. A volte poi parlavo di malattie
e di varie faccende biologiche (risata, nda), ma sempre
in maniera simpatetica per così dire”.
Ciò che ti impediva di scrivere canzoni
“fredde” era anche una certa propensione per
il mistero, il vago, il non detto. Ci dobbiamo
 RETROPOLIS THIN WHITE ROPE
mettere del nostro per immaginare che
cosa accada al protagonista di Down In
The Desert, “qualcosa lo afflisse laggiù nel
deserto”, “una influenza messicana lo seguì
a casa nell'autunno”, “se lo guardi da vicino
c'è ancora uno sguardo spaventato nei suoi
occhi”... Più Picnic A Hanging Rock che John
Ford, insomma...
G.: “Sì, lasciare molte cose aperte all'interpretazione.
Magari tu, ascoltatore, incominci a vederci delle cose,
nelle canzoni, che io non ci avevo messo. Ma siccome
le vedi allora probabilmente ci sono davvero!”
In Moonhead il vostro sound diventa più
compatto, un blocco unico, stratificato, se
mi concedete la metafora geologica. Avevate
trovato una formula ancora più stabile, con
meno spazio per le digressioni...
G.: “Questo in parte è perché nel nostro primo album
non sapevamo nulla, non avevamo idea di quello che
stavamo facendo. Eravamo completamente alla mercé
dell'ingegnere del suono, del produttore, non sapevamo
davvero bene in che direzione spingere e quali punti
discutere. Infatti il primo mix dell'album era un disastro.
Incominciavamo a imparare”.
R.: “All'inizio hai detto che non mi piaceva Exploring
The Axis, ma non è esatto, il punto è che tutto il processo
di registrazione fu particolarmente faticoso. Io inoltre
ero molto acerbo e non sapevo proprio come stare in uno
studio. Non potevo fare quel che volevo e mi sentivo...
insomma non mi trovavo a mio agio. In quel primo mix
c'era troppo riverbero, c'era troppo chorus. Per farla
breve, riascoltandoci non sembravamo noi, la nostra
reazione fu pessima. Retrospettivamente mi piace, ha
una qualità molto distinta, una sua personalità. Arrivati
al secondo disco però la band era più matura, eravamo
andati in tour, eravamo più a nostro agio nella nostra
T E S T O D I A L E S S A N D R O B E S S E LVA AV E R A M E
pelle di musicisti”.
G.: “E anche il tipo di canzoni era diverso. In Exploring
The Axis c'erano pezzi che suonavamo fin dagli inizi.
Moonhead è una collezione più compatta, canzoni
elaborate da tutti i componenti della band nel corso
dei due anni precedenti. E finalmente stavo riuscendo
a ottenere il suono di chitarra che avevo in mente, cosa
che non mi era riuscito di fare su Axis”
Forse sul primo album lavoravate con
qualcuno che non capiva fino in fondo le vostre
esigenze, cosa che non accadde su Moonhead.
G.: “Paul McCanner, non so se è ancora attivo, era un
ingegnere del suono molto professionale ed esperto,
lavorava per la A&M. Prese il nostro secondo album
come una sorta di side project perché gli piaceva la
nostra musica. E registrammo in quello che era il
suo studio personale, molto piccolo ma molto bello,
attrezzatissimo. Lui era super tranquillo. Sul primo
disco c'erano Jeff Eyrich e Dennis Dragon, che
volevano davvero produrre il disco in senso stretto,
modellarlo con la loro impronta. Ma li avevamo voluti
noi, non potevamo lamentarci più di tanto”.
R.: “Paul probabilmente intendeva soprattutto aiutarci
a trovare il suono che volevamo, ad avvicinarci a quella
idea. Con lui ci siamo riusciti”.
G.: “Mi ricordo che ad un certo punto ero seduto dietro
al mixer e gli dicevo, 'sai, la mia chitarra non suona
come vorrei, non riesco a capire quale sia il problema'.
Lui allora spostò un cursore di mezzo pollice e la
risolse. Ci aiutò a ottenere il suono che volevamo, non
si mise troppo in mezzo”.
Forse il vostro disco a cui sono più affezionato
è una compilation postuma, When The Worlds
Collides, perché copre tutto lo spettro della
vostra produzione, cover incluse. Avete avuto
RUMOREMAG.COM | 99
 RETROPOLIS THIN WHITE ROPE
sempre un rapporto molto particolare con
le cover, ne avete incise parecchie. Un indice
dell'ampiezza dei vostri ascolti, dai Can a
Roky Erickson, ma anche una palestra per
sperimentare, immagino, per testare nuove
idee. Sono versioni spesso radicalmente
diverse dagli originali, tracce da seguire per
arrivare da qualche altra parte.
G.: “Penso tu abbia ragione. Non saper suonare un
pezzo blues, né scriverlo, ma poterne fare una cover
per vedere che cosa saltava fuori. Abbiamo attraversato
diverse fasi, ma in fondo era così che era nata la band:
suonavamo un sacco di canzoni dei Troggs e pure degli
Stones, che poi man mano che scrivevamo le nostre
le toglievamo dalla scaletta. In seguito abbiamo fatto
delle cover perché era divertente farle (risata, nda)".
R.: “Molte delle cover che abbiamo fatto sono tra le
mie registrazioni preferite dei TWR, soprattutto le
session con Tom Mallon (gli EP Red Sun e Squatter's
Rights, nda), hanno un gran suono, They're Hanging
Me Tonight è una delle mie preferite. Anche se mi
piacciono moltissimo le canzoni di Guy, le cover sono
tra le nostre migliori cose di sempre”.
G.: “Qualcuno potrebbe pensare che una band
cresciuta, matura, non abbia bisogno di fare cover, ma
pensa a gruppi come gli Stones o i Led Zeppelin, questi
ultimi arrivavano a suonare un secondo set in cui
facevano solo pezzi altrui”
Per poco non partecipaste alla rivoluzione
musicale dei primi anni 90. Non eravate
un gruppo grunge, ma forse avreste potuto
avere più successo se non vi foste sciolti.
Eravate troppo in anticipo sui tempi, anche
se proprio come i gruppi di Seattle avevate
trovato un modo originale di coniugare
passato e presente. Però suonavate da otto
anni, e immagino fosse difficile, a quel punto,
continuare a restare a metà del guado. Non
credo sia stata una decisione facile, anche se
mi pare di capire che non abbiate rimpianti...
R.: “Qualcuno negli anni ci ha detto, be', se aveste
insistito, forse... Credo che il successo dei Nirvana
abbia aperto molte porte, un paio di anni dopo il
nostro scioglimento sentii i Butthole Surfers su
qualche radio commerciale e per me fu uno shock,
anche se non penso che a noi sarebbe mai potuto
accadere. Ma credo che la nostra esperienza sul campo
ci abbia fatto capire una cosa: abbiamo fatto amicizia
con gente incredibilmente talentuosa scoprendo che
faceva fatica tanto quanto noi, parlo di alcune delle
migliori band dell'epoca tipo gli American Music Club.
Mi sembrò chiaro che il music business non solo fosse
ingiusto ma era pure incredibilmente arbitrario. Non
basta lavorare duro per essere ricompensati. Magari
la mia attitudine non è proprio la più salutare, di certo
non ti aiuta se vuoi diventare un musicista a tempo
100 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I A L E S S A N D R O B E S S E LVA AV E R A M E
pieno, ma io la vedo così”.
G.: “Aggiungi il fatto che avevamo anche altri
interessi, altre potenzialità. Era evidente a quel punto
che la band non sarebbe esplosa, che non sarebbe
decollata da un giorno all'altro, e che non avremmo
potuto camparci. Ed eravamo ancora abbastanza
giovani da intraprendere nuove carriere, la tempistica
era perfetta in questo senso”.
R.: “Io volevo continuare a fare musica ma avevo
la sensazione che avrei voluto farla solo alle mie
condizioni. Quando firmi un contratto, incidi un disco
e poi vai in tour la parte migliore resta la possibilità
di viaggiare, ma uno dei maggiori inconvenienti è
che non hai alcun controllo sula tua vita o sulle tua
attività, aspetti costantemente e qualcuno ti dica che
cosa devi fare. Ho formato una band negli anni 90,
totalmente DIY, facevamo tutto da noi, comprai un
registratore otto tracce e registrai tutto io, abbiamo
fatto dei CD ma non abbiamo suonato in giro perché
non ci interessava, però è stata una gran cosa, ci siamo
divertiti davvero moltissimo senza essere costretti a
essere professionali, professionali in quel senso. Al
momento non suono tantissimo, ma i miei ragazzi
hanno ormai quasi l'età per andarsene al college e
credo che potrò trascorrere più tempo con la chitarra.
L'industria musicale, però, continua a rimanere un
totale mistero per me”.
Forse è una vita per la quale occorre essere
portati. O essere Mick Jagger.
G.: “Be', ho sentito una storia quando eravamo in tour.
I Pixies, che si trovavano in Europa quando c'eravamo
anche noi, avevano comprato questo fantastico tour
bus che però ad un certo punto si ruppe, lasciandoli
a piedi, e qualcuno della band disse, 'non doveva più
capitare una cosa del genere!' (risata, nda)”.
Ora avete altre vite, e non credo che abbiate
alcuna intenzione di tornare insieme. Vi chiedo
lo stesso se vi è mai passato per la mente di
farlo, se non siete mai stati neppure tentati...
G.: “Personalmente cerco di non rivivere le cose, penso
che se uno cerca di duplicare una esperienza non potrà
che restare deluso. Sono andato a vedere Iggy Pop solo
una volta, perché quella volta fu così immenso che non
volevo restare deluso le volte successive. Io la penso
così”.
R.: “Sì, preferisco l'idea di avere sempre qualcosa di
nuovo da fare, non voglio metterla giù troppo pesante
ma credo che mi sentirei come se fingessi di essere
qualcuno che non sono più. I Pixies sono un esempio
un po' anomalo, sono stati per gran parte del tempo
un gruppo underground, e il loro tour della reunion è
stato un grandissimo successo. Hanno suonato anche
qui a Davis all'epoca, qualcuno mi disse che i biglietti
andarono esauriti in 40 secondi. Insomma, se fosse
qualcosa di così esplosivo sarebbe anche divertente,
ma avrebbe senso per un periodo limitato di tempo.
Però non sono sicuro che per me rappresenterebbe una
crescita personale, un progresso”.

Credo che sia stata una idea magnifica,

commovente, celebrare l'addio con un doppio
live che documenta il vostro ultimo concerto.
Un finale col botto.
G.: “The One That Goes Away è una delle cose migliori
che abbiamo mai fatto, un doppio album, una roba così
anni 70 (risate, nda)”.
R.: “Sono molto felice di quel disco, cattura alla
perfezione la band, rende perfettamente l'idea di come
fossimo dal vivo in quel momento. Ogni gruppo cerca
di catturare l'energia dei concerti, e pure noi, come
molti altri, avevamo sempre avuto grossi problemi nel
farlo. Quell'album invece è un documento perfetto!”
G.: “Due ore di pura energia, e senza neanche troppi
errori (risata, nda)”.

THIN WHITE ROPE

R.: “Sono molto contento anche di queste ristampe,
soprattutto del vinile di alta qualità, è sorprendente,
ora dovrò recuperare un piatto! I dettagli sono
più chiari. Alcune registrazioni possono essere
sconvolgenti, e non credo sia il nostro caso, non ci
sono suoni rimasti sepolti nel mix all'epoca, ma è bello
sentire i dettagli così nitidi. A quanto pare le persone EXPLORING THE AXIS
che oggi ascoltano la musica con equipaggiamenti MOONHEAD
FRONTIER
adeguati sono pochissime, magari ascoltano le cose
sul laptop, o sul cellulare, e anche io confesso di essere
rimasto un po' intrappolato in queste dinamiche. Non In un primissimo momento
ho più l'impianto che avevo anni fa”. rubricati alla voce Paisley
Underground per mere
ragioni temporali e geografi-
Vi siete mai chiesti il perché del vostro successo che (Davis, California, il cen-
in Italia, e in Europa? Forse eravate lievemente tro della deflagrazione, come
per i Dream Syndicate), i
più esotici di molti gruppi della vostra epoca... Thin White Rope sono stati
R.: “È vero, il nostro primo viaggio in Europa fu il classico esempio di gruppo
una settimana in Italia, il vostro fu il primo paese a fuor di sesto, per questo mo-
tivo destinati ad alimentare
esprimere apprezzamento e a contattarci per venire a un circoscritto culto – ma
suonare. Eravamo sorpresi che Moonhead passasse in tenacissimo e adorante –
radio. Ho davvero dei bei ricordi, abbiamo suonato in senza mai raggiungere vasti
consensi. Troppo classici
posti bellissimi, il cibo era meraviglioso. È buffo, prima per suscitare l'entusiasmo
hai citato Morricone, e all'epoca pensavo, fantastico, generazionale che avrebbe
20 anni dopo lo spaghetti western gli italiani originato di lì a poco l'onda grunge, troppo alieni per essere
accolti a braccia aperte dall'underground indie degli '80. Ma
continuano a subire il fascino del Sudovest americano, anche troppo moderni per solleticare le retromanie neopsiche-
il deserto, quel genere ci cose... per cui deve esserci deliche della loro epoca, e precursori inconsapevoli di durezze
per forza un qualche genere di connessione, qualche e ipnosi stoner. Forse, soprattutto, troppo poco assimilabili
ad alcunché. I Thin White Rope sono stati un gruppo che ha
risonanza. Difficile capirlo, immagino ci avranno mantenuto un livello sempre elevato nelle uscite, esprimendo il
anche fatto delle tesi di laurea. Ma anche un sacco di proprio universo (visione, suono, voce) con chiarezza cristallina
band che per noi rappresentavano una forte influenza, fin dal primo istante. Ora la Frontier ristampa – rimasterizzan-
doli, finalmente - i primi due album del quartetto californiano,
come i Velvet Underground o gli Stooges, sembravano Exploring The Axis del 1985 e Moonhead del 1987, e chiunque
essere particolarmente amati dalle vostre sottoculture abbia scolpita nel cuore un'idea mesmerica e visionaria di rock
musicali, chissà perché. Anche se c'erano dei focolai di dovrebbe metterseli in casa. Il modo in cui il carisma ispido
della voce di Guy Kyser visualizza un deserto metafisico gene-
interesse in Inghilterra, ci impiegammo un ulteriore ratore di suggestioni, e il modo in cui la sua chitarra e quella
anno per essere accettati lì, nonostante la buona di Roger Kunkel imbastiscono duelli à la Television sempre
stampa. In Francia, ad esempio, non siamo mai riusciti sull'orlo del feedback appoggiandoli su geometrie di asciuttezza
new wave e su desertiche, scheletriche intelaiature country,
a conquistare il pubblico. In Francia ci odiavano, una resta un mistero. Di quelli che, più che svelare, è probabilmen-
reazione opposta a quella italiana”. te il caso di abbracciare, lasciandosi risucchiare dal vortice
magnetico che l'ha generato.
87/100 DISCHI
ZERO EXTRA

RUMOREMAG.COM | 101
 CHE FINE HAI FATTO? FATUR
FATUR
IERI (1984 – 1990)
“Giovanni e Massimo si conobbero a
Berlino. Poi, tornati a Reggio, fondarono
i CCCP con Umberto, nell’82. Io entrai
nell’84. Andò così: loro frequentavano e
suonavano al Tuwat, un club di Carpi in cui
tra l’altro lavoravo. Io ballavo nei locali da
quando avevo 14 anni e mi ero inventato uno
striptease maschile nel giro punk anarchico
nazionale, a nome Josè Lopez Macho
Frasquelo. I tre mi notarono e mi chiamarono
a performare durante i loro concerti. Sono
cresciuto in un istituto religioso con mio
fratello maggiore, ché siamo sette figli e mia
madre da sola non ha avuto le possibilità di
mantenerci tutti. Mi sono diplomato, poi
ho fatto l’operaio e il benzinaio. Quando
incontrai i CCCP facevo il facchino e il
traslocatore. Convivevo con Sandrina, una
punk di Carpi. Entrai in estate, quando
Ortodossia I spopolava. Poi Annarella.
Lei interpretava la parte della modella e
soubrette, seguendo l’abbigliamento del
gruppo, soprattutto quello di Giovanni. C’è un
forte legame tra i CCCP e la moda. Uno stile
tra l’abbigliamento dei militari sovietici della
DDR e la tendenza partigiana, filoislamica,
che contagiava anche il pubblico. Fashion
punk. Curavamo ogni dettaglio, studiavamo
ogni mossa. Era un bel duello artistico, tra
Annarella e me. Poi uscirono Ortodossia II
e Affinità-Divergenze. Fu un turbine e in tre
anni passammo da una notorietà circoscritta a
veder crescere il pubblico esponenzialmente,
e così le date e le vendite. Tant’è che dall’87 al
’90 sono riuscito a vivere solo di CCCP”.
102 | RUMOREMAG.COM
OGGI (DAL 1990)
“Le cose son cambiate dall’incontro coi
Litfiba. Ci siamo conosciuti nell’89 durante il
tour in Russia, e lì si sono mischiate le carte,
tant’è che in Etica Epica suonano anche loro.
Durante la lavorazione era chiaro che la parte
musicale aveva preso il sopravvento. Avevo
NEL 1984 ENTRA preparato i miei costumi e tutto, ma sentivo
NEI CCCP COME che l’esperienza teatrale era esaurita, ché la
PERFORMER E musica non era più in stile CCCP, quasi fosse
CON LORO CON-
il primo dei CSI. Svolta totale di atmosfere
DIVIDE SEI ANNI
DI CARRIERA, e suono. Ci siamo allontanati perché non
QUATTRO ALBUM c’era più sintonia artistica ma anche per
(AFFINITÀ-DIV- stanchezza. Dall’85 all’89 abbiamo lavorato
ERGENZE..., tanto e sul palco l’attività fisica è pesante: la
SOCIALISMO performance è dura, devi essere concentrato,
E BARBARIE, veritiero. La società CCCP Fedeli Alla Linea
CANZONI PRE-
è finita bene, ma son rimasto senza lavoro.
GHIERE..., EPICA
ETICA ETNICA Intanto mi son trasferito sull’Appennino,
PATHOS) E DUE ho sposato Anna, avuto un figlio e lavorato
EP (ORTODOSSIA come boscaiolo, non abbandonando la
II E COMPAGNI, musica. Del ’93 è il mio primo Fatur & Fax.
CITTADINI...). DA Nel ’97, continuando a fare il manovale
SOLO, DAL ‘93 A edile, il boscaiolo, il bracciante agricolo, ho
OGGI, PUBBLICA incontrato Enrico Degli Esposti e con lui è
CINQUE DISCHI.
L’ULTIMO È STRA-
nata la collaborazione che ci ha portato al
FATUR, DEL 2017. disco L’Amour. Poi, nel 2001, Faturismo, e
nel 2012 Cesso 2012. Intanto Zamboni mi
chiama per Ortodossia, progetto che porta
in tour, durante il quale conosco Cristiano
Roversi ed Eric Montanari, con cui partorisco
Strafatur. Questa estate dovremmo girare con
I Soviet + L’Elettricità, l’ultima proposta di
Massimo. Intanto faccio il giardiniere, ma non
ho un lavoro fisso. Ogni tanto faccio qualche
scultura e qualche quadro”.
TESTO DI BARBARA SANTI
 IDENTITÀ DI GENERE VIAGGIO TRA I GENERI SCOMPARSI
CA S O : 010
NOM E D E L S O G G E T TO :
FOLK
PERUVIANO
PE RI O D O : in questa accezione “street”, dalla fine degli anni 80
PARO L E C H I AVE : Eh Ande, eh oye Ande, eh oye Ande eh eh oh
Tanto per chiarirci: non sto parlando del recupero
della cumbia e di tutto quanto abbiamo raccontato
nel numero di maggio (1). Chiarito questo, andiamo
avanti. Ogni Paese ha il suo folk, ci mancherebbe (2).
Ma la musica popolare ha questo problema: uno va
al mercato che magari si è svegliato con una voglia
pazzesca di broccoli (3) e chi ti trova?
I peruviani che suonano (4). O, come accade spesso
ultimamente, i peruviani che fanno girare un loro
CD (5). Io non so come ci riescano, ma tu sei lì con
le tue buste piene di broccoli e, comunque, ti fermi
almeno venti secondi ad ascoltarli. A casa senti
abitualmente Alva Noto o i Pissed Jeans, ma lì,
misteriosamente, ti blocchi. Ci sono queste leggere
svisate di flauto di pan o di siku (6) che, niente da
fare, ti ipnotizzano. Io ho un parente che ogni volta
rimane mesmerizzato e compra immancabilmente
CD o cassetta (7) immaginando di veleggiare come
NOT E :
(1) Perché io lo so che poi arriva uno e dice “bravo stronzo, ti piace fare
lo snob, non leggi la tua stessa rivista, ma guardati che hai la faccia
di un Gonghi Bagonghi”. E allora metto le mani avanti. Sono un tipo
coraggioso io, si sarà capito.
(2) Tanto per non scontentare nessuno, mi preme dire che a me non ne
piace manco uno.
(3) Non sono certissimo che accada. Forse brioche con la marmellata
sarebbe stato più consono, ma l’idea che ci si desti con questo
voluttuoso desiderio di broccoli mi sembrava più calzante. Scrivete in
redazione se vi è successo realmente, mi gratificherebbe sapere che è
capitato davvero a qualcuno di voi.
(4) Spiace dirlo, ma non sembrano contentissimi di essere lì. Sorridono
poco. Forse condividere il proprio spazio con uno che ha un banco di
pigiami acrilici non aiuta.
(5) I peruviani stanno diventando pigri. Può essere.
(6) È uno strumento musicale appartenente agli aerofoni labiali,
PR ES O I N CARICO DA :
MAURIZIO B L AT TO
R APPR ES ENTANTI: Leo Rojas, Taki Wayra
ER EDI: Los Infatigables Grillers del Domingo
un’aquila andina nel suo tinello dove purtroppo,
ogni santa volta, deve ammettere che “là, in strada,
era meglio” (8). Una volta, mentre stava perdendo
i sensi, si è persuaso di aver bisogno di acquistare
anche un poncho caratteristico (9), pagato come
un impermeabile Burberry e dimenticato poche ore
dopo (e per sempre) su una cyclette (a sua volta
abbandonata da tempo) nello sgabuzzino. Com’è
possibile? Cosa può convincere noi che tracciamo
durissimi distinguo sulla produzione solista di
John Cale a vagheggiare su musica andina declinata
in chiave new age con profili del Machu Picchu a
colori vivaci sulla copertina? E come mai Simon &
Garfunkel reinterpretarono El Condor Pasa?
E perché ricorda Il Dono Del Cervo di Branduardi?
E di già che scendo a comprare i broccoli, qualcuno
ne vuole mezzo chilo? (10).
famiglia flauti diritti. Citofonare forte, ogni tanto è difettoso.
(7) I peruviani sono dei veri hipster. Hanno sempre creduto nella
cassetta, prima ancora degli Heroin In Tahiti di Canicola.
(8) Non è tanto un problema di street culture, quanto che quel tipo
di ipnosi tra le mura domestiche svanisce. Questo mio parente non se
ne fa una ragione. Vederlo su una sedia di fòrmica verde chiaro con la
testa tra le mani, credetemi, è uno spettacolo angosciante. [e magari
sullo sfondo c’è pure uno schermo televisivo con Travaglio che ride.
Fate un po’ voi...]
(9) Sappiatelo, spesso sono di una lana cartonata che, se sfregata
con altro tessuto, può provocare scintille a catena e bruciarvi l’intero
appartamento.
(10) Tre domande di fila sono troppe anche per me. Io vado, mandate
una mail per i broccoli, che magari, se mettiamo su un gruppo di
acquisto solidale, finisce che ci fanno lo sconto.
RUMOREMAG.COM | 103
VISIONI SPECIALE CANNES 71 FILM DEL MESE
Libro di immagini
LE LIVRE D’IMAGE
REGIA DI REGIA JEAN-LUC GODARD
FRANCIA, SVIZZERA, LIBANO, 2018
Altro che film testamentario, come pure hanno detto e scritto.
Con Le Livre D’Image Godard riformula il suo Ici Et Ailleurs.
JLG ha chiaro in testa che il cinema appartiene al secolo scorso;
che il cinema, così come lo abbiamo conosciuto, è una faccenda
che pur appartenendo al passato non è ancora... passato. La
domanda che ha occupato tutto il lavoro del cineasta a partire
da Week-End, ossia come è stato possibile che il cinema non
abbia visto, o, meglio, saputo vedere la morte di sei milioni di
persone ad Auschwitz, ha trovato la sua formulazione più radicale
nelle Histoire(s) Du Cinéma. Le Livre D’Image arriva dopo.
Quando il cinema è “finito” e bisogna iniziare a pensare “con
le proprie mani”. Non meravigli dunque che tutte le immagini
che compongono il mosaico mobile godardiano siano ridotte
al minimo visibile ipotizzabile. Il discorso di Godard è oltre le
immagini stesse. Si tratta di pensare un nuovo contratto sociale. E
A CURA DI GIONA A. NAZZARO
UN COUTEAU DANS LE
COEUR (KNIFE + HEART)
REGIA DI YANN GONZALEZ
FRANCIA, MESSICO, SVIZZERA, 2018
Il film più gioiosamente anarchico,
folle, insurrezionale di tutto il
concorso. Ovviamente non è piaciuto
quasi a nessuno, ma fa niente.
Yann Gonzalez, dopo il magnifico
e ancora inedito Les Rencontres
D'Après Minuit, si conferma
cineasta di razza. Il suo film va al di
là delle innumerevoli citazioni che
lo compongono (Deliria, Vestito
Per Uccidere, Joe D’Amato, Jean-Daniel Cadinot, Dario
Argento, Cruising e via elencando...). Un Couteau Dans
Le Coeur è il sogno di un mondo – il tempo che precede i
cosiddetti années sida – quando le sale porno erano dei
vestiboli del piacere e del possibile, quando il godimento
e la seduzione esaltavano la circolazione libera dei corpi e
dei sogni. Gonzalez non ricrea un mondo, lo evoca come
in un rituale di Kenneth Anger o di Jean Cocteau. Nel film
circola una felicità addirittura tangibile, fisica. L’invenzione
rutilante, inarrestabile del regista, rifiuta di cedere anche
ai titoli di coda, dove il film continua a svilupparsi fra
una partouze e sguardi incantati. Un film imprendibile,
generoso e immenso. Proprio come dovrebbe essere
tutto il cinema al di là di calcoli e opportunismi. Un vero
capolavoro. Di quelli che dividono, per fortuna.
97/100
104 | RUMOREMAG.COM
andare oltre i tre libri monoteisti. Pensare con/oltre le immagini.
Perché pur essendo gli arabi (i palestinesi...) “condannati al
documentario”, “non li abbiamo visti”. Ecco il vuoto intorno al
quale JLG pensa la sua tela. E non è un caso che la prima parte
del suo film sia attraversata da treni, treni di cui Godard chiedeva
ragione a Truffaut (che compare fulmineamente in una magnifica
foto in bianco e nero) dove fossero diretti prima della loro rottura.
I treni della storia e dello sterminio. E oggi JLG si chiede: “Gli
arabi possono parlare?” E una voce femminile risponde, nel
magnifico mix audio, “A mezza voce”. Le Livre D’Image è il film
che interroga come le immagini abbiano negato l’immagine
degli arabi e di conseguenza il cinema – così come lo abbiamo
conosciuto – sia solo una parte del cinema.
100/100
@GIONANAZZARO
DOGMAN
REGIA DI MATTEO GARRONE
ITALIA, FRANCIA, 2018
Matteo Garrone, dopo Il Racconto
Dei Racconti, ritorna ai suoi territori
familiari come in un perfetto run for
cover hitchcockiano (mentre sullo
sfondo continua la preparazione del
suo Pinocchio...). Dogman, però,
non è semplice riproposizione. Il
mondo messo in scena dal regista è
un luogo che ormai si può iniziare a
definire “garroniano” senza timore
di smentita, dove la Grazia è persa
per sempre: la discarica degli angeli
caduti del mondo. Garrone organizza il suo racconto con
uno spirito arcaico, come se la storia della vendetta del
mite uomo-cane fosse stata rivenuta in un brogliaccio
di Boccaccio. Il fatto di cronaca resta sullo sfondo. È il
mondo l’elemento portante del film. Un mondo giunto alla
fine dei suoi giorni. Un attimo prima del nulla. È questa
la grande intuizione del film. Garrone ha collocato i suoi
corpi in un orizzonte nel quale la politica è completamente
assente. Uno scenario da terra desolata, dove i lampi
dell’illusione del benessere illuminano torvi ciò che
resta della speranza degli Ultimi. Dogman è un film
impressionante. Che osa essere feroce perché alimentato
da un amore potente. Un film che probabilmente farà da
spartiacque nel cinema italiano.
86/100
 LAZZARO FELICE
REGIA DI ALICE ROHRWACHER
ITALIA, SVIZZERA, FRANCIA, GERMANIA, 2018
Una favola gentile, eppure aspra.
Come colta dall’albero delle fole di
Ermanno Olmi. Con uno sguardo che
ritrova le ragioni di un realismo non
banale, acutamente cittiano. Rispetto
al precedente Le Meraviglie, Alice
Rohrwacher compie un vero e proprio
salto quantico in avanti. Il tocco si è
fatto più lieve e sfumato. Lo sguardo
colloca con grande precisione i corpi
nello spazio che li circonda creando
una coerenza favolistica senza mai
sbagliare nel bilanciare gli elementi dello stupore e del
racconto. Il rimosso di un mondo contadino che riemerge fra
le pieghe del tessuto urbano come la proverbiale erba cattiva,
la “santità” come scandalo e segno di un “sacro” dimenticato.
Fra resurrezioni e arte dell’arrangiarsi, la regista celebra
ciò che resta di un mondo troppo facilmente dimenticato,
tentando di scorgere nei corpi di oggi un possibile riscatto
nel quale persino la realtà – a volte – si rifiuta di cedere il
passo all’ingiustizia. Lazzaro Felice è l’opera di una regista
in crescita esponenziale, che crea le possibilità di ulteriori
fughe in avanti. E offre il piacere di vedere il farsi di una
poetica in movimento. Uno dei film italiani più sorprendenti
degli ultimi anni.
89/100
Extravisioni FUORI CONCORSO
THE HOUSE THAT
JACK BUILT
REGIA DI LARS VON TRIER
DANIMARCA, FRANCIA,
GERMANIA, SVEZIA, 2018
BURNING
REGIA DI LEE CHANG-DONG
COREA DEL SUD, 2018
Un film portentoso portato da un
maestro del cinema contemporaneo.
Un film con soli tre attori in scena
dall’inizio alla fine ma calati in
un quadro ampio che riesce a
conferire all’immagine un carattere
vertiginoso. Lee Chang-dong riesce a
derealizzare l’immagine della Corea
del Sud contemporanea per farne
emergere il precipitato dei fantasmi
e delle ossessioni. Adattando un
racconto breve di Murakami, il
regista crea un improbabile triangolo sentimentale nel
quale il principio di realtà e di percezione dell’allucinato
protagonista viene progressivamente meno. Di ritorno
a Cannes a otto anni dal suo film precedente, il regista
coreano dimostra non solo di non avere perso il suo tocco
ma di avere conquistato una ancora più impressionante
densità formale. E anche se il finale cede un po’ nei
confronti delle tentazioni del genere, il regista riesce
pur sempre a conservare il film in una zona di purissima
indecidibilità, restando in una sospensione assoluta. Nulla
si spiega, niente si risolve. Il mondo resta opaco e ostile.
Soli sulla terra, in attesa di qualcosa che non ci sarà.
Burning è Lee Chang-dong al suo meglio. Un cineasta
ancora troppo poco conosciuto dalle nostre parti.
84/100
BLACKKKLANSMAN
REGIA DI SPIKE LEE
USA, 2018
Spike Lee è sempre più
interessante quando affronta
a testa bassa la sua comunità:
la dialettica scoppia e le
contraddizioni vengono
portate a fior di pelle. Chi-
Raq, per quanto squinternato
e slabbrato, aveva l'energia
incontrollabile di chi decide
di prendere di petto la
propria gente e cantargliele.
Blackkklansman, invece, è
un film più tranquillo e prevedibile nonostante si ispiri a
una cosiddetta storia vera che ha davvero dell’incredibile.
E francamente presenta anche elementi poco risolti (il
protagonista che accetta di infiltrare senza battere ciglio un
comizio delle Pantere Nere per spiare Stokely Carmichael...).
Tutto il film riflette l’animo più massimalista di Spike, che
ha perso un po’ la problematicità dei suoi film più noti. Tutto
è presentato in maniera grossolana, manichea (chissà che
fine hanno fatto le contraddizioni che facevano saltare il
banco di Fa’ La Cosa Giusta e che nelle scene nella centrale
di polizia sarebbero state interessanti...). Certo i tempi sono
preoccupanti e inquietanti. L’urgenza avrà convinto Spike
a gettare il cuore oltre l’ostacolo e andare allo scontro. Se
ne apprezza la generosità, la furia e la rabbia. Ma è come se
mancasse qualcosa.
65/100
THE MAN WHO
SOLO: A STAR KILLED DON
WARS STORY
QUIXOTE
REGIA DI RON HOWARD REGIA DI TERRY GILLIAM
USA, 2018
SPAGNA, BELGIO, PORTOGALLO,
UK, 2018
UNDER THE
SILVER LAKE
REGIA DI DAVID ROBERT
MITCHELL
USA, 2018
Osannato eccessivamente
per il pur interessante It
Follows, il suo precedente
horror, David Robert Mitchell
si trova nella condizione
di essere legnato da una
critica che non ne tollera il
tentativo di laurearsi autore
con tutti i crismi. In realtà, se
si accetta che Mitchell è un
cineasta “piccolo”, “minore”, si riesce a godere di quel che
ha da offrire, anche se da parte sua tirare in gioco pezzi da
novanta come Chinatown o Velluto Blu è autolesionistico.
Ciò detto, restando nella prospettiva del film piccolo e
derivativo, l’opera terza del regista è un oggetto divertente
nonostante la coolness esibita senza troppa modestia.
Inno alla flanerie losangelina, variazione hitchcockiana
e rielaborazione su ossessioni mansoniane, Under The
Silver Lake è in realtà un divertissement che si illude di
essere una Weltanschauung. Niente di grave, capita, anche
perché il film si vede senza troppi problemi e diverte il
giusto. Se c’è da essere severi, non è certo da Mitchell che
si inizia a legnare. Resta un film che avrebbe potuto essere
un disastro e che invece, come si diceva una volta, è solo
“di transizione”. Si resta dunque in attesa del suo prossimo
film, anche se senza troppi fremiti.
62/100
RUMOREMAG.COM | 105
VISIONI SPECIALE CANNES 71 QUINZAINE DES REALISATEURS
Atto d'accusa
TERET – THE LOAD
REGIA DI OGNJEN GLAVONIĆ
SERBIA, FRANCIA, CROAZIA, IRAN, QATAR, 2018
Ognjen Glavonić e il suo produttore e complice Stefan Ivancic
erano poco più che adolescenti quando la comunità europea,
la Nato e il mondo decisero, dopo non avere fatto nulla per
impedire l’assedio di Sarajevo, che era giunto il momento
di bombardare Belgrado per costringere Milošević alla resa.
Mentre gli aerei passavano sopra i cieli italiani (senza chiedere
a nessuno che osa ne pensassero gli italiani...), e mentre notte
dopo notte un crimine tentava di passare un colpo di spugna
sull’ignavia della comunità internazionale incapace di salvare
Sarajevo e i bosniaci, una generazione di serbi che nulla aveva
a che spartire con la dirigenza nazionalista ha rischiato di non
vedere la luce. Il primo film di finzione di Glavonić, senz’altro
una delle esperienze più forti di tutto il festival di Cannes, è
CLIMAX
REGIA DI GASPAR NOÉ
FRANCIA, 2018
Gaspar Noé non si aspettava certo di
essere accolto dalla critica con tutti gli
onori del caso dopo i massacri subiti
in passato. Non a caso il situazionisti-
co poster del film è un guanto di sfida
lanciato alla critica di ogni latitudine
(la migliore trovata pubblicitaria
del festival...). E paradossalmente
– nonostante Climax sia il film più
“noéiano” immaginabile – la critica
ci ha letto una radiografia dello stato
dell’unione francese post-Bataclan. Noé procede come uno
schiacciasassi. Piani sequenza infiniti e ultraviolenza. Il
tutto messo in scena con uno sguardo attento al minimo
dettaglio e un’energia da maratoneta. Immaginate un’au-
dizione al fulmicotone dalla De Filippi portata ai limiti
della sostenibilità fisica da Moroder e dai Daft Punk che
sprofonda in un maëlström psichedelico senza fondo. Noé
filma la sua fine del mondo – in un film “francese e fiero di
esserlo” – chiamando a raccolta tutti i suoi feticci: Argento,
Cioran, Zulawski, Fassbinder e via discorrendo. Climax
è una dichiarazione di cinema assoluta e totale. E se poi
si pensa che le riprese del film sono durate solo 15 giorni,
allora sorge davvero il sospetto che Noé sia un supereroe
prestato al cinema.
74/100
106 | RUMOREMAG.COM
un atto di accusa senza pari e senza alcuna retorica portato nei
confronti della generazione che si è macchiata di crimini contro
l’umanità dei quali Srebrenica è il simbolo più atroce. Teret –
The Load è un film non solo superbamente composto e diretto,
magistrale nell’uso dello spazio e del tempo, ma soprattutto un
atto di accusa indiscutibile nei confronti della generazione dei
padri serbi; un rifiuto totale e radicale. E non è un caso che il
regista sia stato accusato dai reazionari nazionalisti (gli stessi
che hanno contribuito a nascondere i responsabili delle stragi...)
di “tradimento” e altre amenità. Il film di Ognjen Glavonić è
un atto di potenza filmica inusitata, un chiamare in causa i
responsabili e inchiodarli alle loro responsabilità. Teret – The
Load è un film di commozione trattenuta e di indignazione
altissima che evita qualsiasi retorica. Asciutto e rivolto al futuro.
Un’autentica rivelazione.
93/100
MANDY
REGIA DI PANOS COSMATOS
USA, 2018
Otto anni dopo il sorprendente
Beyond The Black Rainbow, Panos
Cosmatos ritorna con Mandy, un altro
film psichedelico e allucinato al cui
confronto il suo esordio sembra il film
di un ragazzino ben educato. Se c’è mai
stato un caso in cui un film doves-
se essere ascoltato a tutto volume,
questo è senz’altro il caso di Mandy.
Letteralmente immerso nelle musiche
di Jóhann Jóhannsson, maestosamen-
te doom e vintage, con sintetizzatori
settanteschi spinti oltre la soglia della tolleranza auditiva
e inserti di drone metal folli tali da evocare i Sunn O))),
Mandy è uno slasher movie sui generis che mette insieme
satanismo, fantascienza, action, biker movie e chissà cos’al-
tro. Saturato da colori vividi e da una grana dell’immagine
volutamente porosa e in bassa definizione, il film delira
come se un folle avesse affidato a Kenneth Anger uno dei
remake di Non Aprite Quella Porta, pensando inoltre che
fosse una buona idea convocare Nicolas Cage. Inutile dire
che il film è una delle cose visivamente più sorprendenti
degli ultimi anni. Una riuscita totale e devastante. Di quelle
che non ti aspetti e che in fondo nel cinema di oggi sono
totalmente impensabili. C’è di che essere felici.
76/100
 Cannes
VISIONI SPECIALE CANNES 71 SEMAINE DE LA CRITIQUE

un bilancio

Ultra Pulpe
Era partita sotto i peggiori auspici
l’edizione numero 71 del festival di
Dopo il trionfo di Les Garçons Sauvages, Bertrand Mandico diventa anche profeta in Cannes. Lo scontro con Netflix, il
patria e presenta alla Semaine De La Critique un mediometraggio di una quarantina di minuti cambiamento della griglia oraria
che infiamma immediatamente la retina dei cinefili. Ultra Pulpe è la storia d’amore fra una presentato come una “punizione”
regista, Joy D’Amato (la magnifica Elina Löwensohn), e la sua attrice Apocalypse. Anche se nei confronti dei giornalisti che
il riferimento a Joe D’Amato (con citazioni letterali di suoi film) e addirittura a Necron sono decretavano la “morte” di un film
evidenti, Mandico, in realtà, sembra avere compreso la lezione di Carmelo Bene e si muove prima della presentazione di gala,
in un regno di pure sottrazioni che si manifestano per eccesso. Non a caso sono convocati la guerra ai selfie, la battaglia legale
nel film anche Jean Cocteau e Max Ophüls. Le falloforie del regista francese sono il segno di fra Terry Gilliam e il suo produttore
un continuo rovesciamento di fronte del desiderio, sospeso fra sogno e seduzione. Girato in Paulo Branco... Insomma: come
35mm, il film è probabilmente l’apice della poesia visionaria di Mandico, il quale progetta di se la grandeur di Cannes avesse
lanciarsi nella commedia (!) e nel film d’azione (!!). Ultra Pulpe per il momento è la conferma preso il sopravvento su tutto.
più generosa di un talento imprendibile che pensa e respira cinema a 360°. Chi non ha Alla resa dei conti, invece, giunti
ancora capito non capirà nemmeno questa volta. Ma noi Bertrand Mandico ce lo teniamo alla fine di un’edizione lunga e
strettissimo. complessa, stremati ma contenti
97/100 per la globale tenuta qualitativa del
cinema italiano (al di là dei premi
pur meritati la Rohrwacher doveva
prendere qualcosa di più...), ci si
ritrova con un’edizione dignitosa e
con molti buoni film da custodire
nella memoria. Certo, le sciocche
puntualizzazioni di Owen Gleiberman
di “Variety” nei confronti del festival
confermano quanto il mondo
anglosassone nelle sue articolazioni
maggioritarie continui a essere
distante dall’idea che il cinema
non si limiti ai soli Stati Uniti. Lo
scontro con Netflix se non altro ha
avuto l’effetto positivo di aprire il
concorso a nomi nuovi e a opere
prime provenienti da paesi di solito

Sauvage
relegati nelle sezioni collaterali.
Una scelta inconsueta che se non
altro ha avuto il merito di scrollare
dalla selezione l’idea che il concorso
fosse affidato saldamente ai soliti
noti. In questo senso, nonostante le
Un’immersione nella vita della strada affidata al corpo straordinario di Felix Maritaud. (in)evitabili (?) cadute, il festival si
Un melò potente e rigoroso che forse cede solo nel finale alle tentazioni di una conclusione presentato combattivo e interessante,
scritta. Esordio di Camille Vidal-Naquet, Sauvage è un film potente e oscuro attraversato da e anche lo spostamento della griglia
una fisicità non artefatta che il regista coglie in forme immediate e sconcertanti. Il sesso nel oraria è stato assorbito senza traumi
film non è mai occultato e anche le derive più hard sono messe in scena con una frontalità eccessivi (mentre gli accreditati più
documentaria davvero sorprendente. In fondo fra il corpo e il mondo resta il ponte del desi- svantaggiati ne hanno tratto un vero
derio e dello sguardo. Tutto il film è costruito tenendo in equilibrio ciò che può essere toccato e proprio miglioramento della vita
e quanto invece non si riesce a raggiungere. Pur muovendosi in un territorio ampiamente festivaliera). Un anno di transizione,
esplorato, il film di Vidal-Naquet riesce a trovare accenti di verità e bagliori di commozione come si diceva una volta, e che offre
davvero sorprendenti. Muovendosi in simbiosi con il protagonista – un agnello sacrificale molta materia sulla quale riflettere
che potrebbe essere emerso dalle pagine di Jean Genet – il film trova una sua grazia che a per correre ai ripari e affrontare
tratti tocchi momenti addirittura trascendentali. Si resta in fiduciosa attesa del secondo film riflessioni che ormai non sono più
Camille Vidal-Naquet, da cui, a fronte di questo Sauvage, è legittimo aspettarsi molto. procrastinabili.
74/100 GIONA A. NAZZARO

RUMOREMAG.COM | 107
 LETTURE ESTATE 2018
GREIL MARCUS
LIPSTICK TRACES – STORIA SEGRETA DEL XX SECOLO
IL SAGGIATORE
Tracce di rossetto. Nell’aria tetra le bombe
dadaiste e le molotov descrivono con le loro
scie un arco luminoso. Lo schianto impresso
sul ‘900 fa esplodere la norma e le schegge
volano fino a noi. I coltelli surrealisti si
accaniscono contro gli occhi, le orecchie e
le abitudini: le urla echeggiano ancora oggi
mentre le lame continuano imperterrite il
loro eccidio. Sid Vicious blatera blasfemie
nell’eternità con Guy Debord, incespicando
sbavante con gli occhi fissi nel nulla.
Tra i Grandi Antichi della critica rock
annoveriamo invece Greil Marcus, la cui
penna è altrettanto immortale. I suoi scritti
hanno avuto l’enorme merito di sintetizzare e
rimescolare l’accademia, il letterario spicciolo
e il fanatismo musicale. In particolare, con
Lipstick Traces, di cui esce un’agognata ri-
edizione ad opera de Il Saggiatore, cerca di
ritrovare le redini di quel fil rouge che lega il
punk all’avanguardia artistica del ‘900. E nel
processo, di fatto, si ritrova tra le mani uno
studio a tutto tondo dell’esistente.
Il sociale si rispecchia qui nella produzione
culturale, il gesto puramente artistico trova il
suo senso nelle prese di posizione politiche e
ideologiche. Marcus opera così un’analisi che
mette in luce la sensualità di quella negazione,
la parodia vivente, la preziosa caricatura
sonica che ebbe il nome di punk. Lo fa in un
libro al contempo coeso e frammentato, a
sottolineare il portato filosofico ed esistenziale
di quelle musiche. Quasi che si trattasse di
un correlativo oggettivo di centinaia d’anni
di eresie e tentativi mirati a scardinare
la banalità, per far divampare di vitalità
l’esistenza. L’autore si spinge fino allo spunto
biografico, eppure si dimostra sempre in
grado di allargare l’orizzonte sino alla Storia
o alla fulminante riflessione antropologica.
Un tripudio di leggibilità e di stimoli, nonché
uno dei capisaldi della critica musicale di ogni
tempo.
DANIELE FERRIERO
84/100
108 | RUMOREMAG.COM
AARON COMETBUS
ADD TONER - A COMETBUS COLLECTION
NO FUN CITY
Pensare che una volta si mandavano dei soldi in busta e
dopo alcune settimane si sarebbe ricevuta una fanzine, è
qualcosa di surreale ora. Eppure non parliamo di secoli
fa. Siamo ancora tra gli anni 80 e i primissimi 2000:
un resistente filo di fiducia tra lettore e imperterriti
appassionati che ciclostilavano e fotocopiavano la propria
passione da tramandare e divulgare. Aaron Cometbus
è uno di questi: ha dato il nome alla zine dell’East Bay
californiano: “Cometbus”. Il suo era (ed è) un modo per
raccontare il punk tramite la gente, utilizzare le storie delle persone che
conosceva, mescolare normalità e problemi comuni: “Il punk era folclore,
mito, tradizione orale”. Lui che nel giro di Berkeley ci ha sguazzato, suonando
anche per tre concerti alla batteria dei Green Day nel lontano 1990 dopo
l’abbandono di Al Sobrante aka John Kiffmeyer. La giovane casa editrice
italiana No Fun City ha fatto un lavoro importante raccogliendo, traducendo
e re-impaginando racconti, concerti, storie, interviste e aneddoti di questa
fanzine nata prima di “Maximum Rock’n’Roll” da un 13enne intraprendente.
Antropologia punk allo stato puro.
NICHOLAS DAVID ALTEA
84/100
EPISCH PORZIONI
CHRIS CORNELL
LA VITA E LA MUSICA DELL’ULTIMO MARTIRE DEL GRUNGE
CHINASKI
Episch Porzioni è un nickname che chi bazzica i reparti
musicali delle librerie ha sicuramente presente. Dietro
questo nom de plum si cela un autore sicuramente
prolifico, con la tendenza a un eclettismo esasperato
(ha scritto di tutto, da Amy Winehouse a GG Allin,
Dalla, Cobain, Fabri Fibra, Kiss...) e una passione per
i lati più noir e torbidi delle storie legate alla musica.
Con questo volume non si smentisce, assemblando una
biografia di Cornell grazie a un lavoro di ricerca e patchwork su varie fonti
– principalmente in Rete – che traccia un ritratto della vita, della carriera e
della prematura morte dell’artista. Il tutto punteggiato dalle considerazioni
personali di Porzioni, a tratti taglienti e senza peli sulla lingua, ma che poco
aggiungono a un onesto lavoro di raccolta e organizzazione di materiali
esistenti (per intenderci: non ci sono interventi originali raccolti dall’autore).
È un libro, questo, più adatto a chi ha una conoscenza superficiale del
personaggio, visto che fornisce una fotografia dettagliata musicale e umana. I
fan di vecchia data, senza dubbio, già sapranno tutto.
ANDREA VALENTINI
65/100
BRIAN “HEAD” WELCH
SALVAMI DA ME STESSO
CHINASKI
I Korn, che piacciano o no, sono una delle colonne
di un genere che ha cambiato il corso del metal
contemporaneo, insieme a gente tipo Deftones: quello
che viene comunemente chiamato groove metal o nu
metal. Questo volume edito dai genovesi Chinaski è la
traduzione dell’autobiografia di Welch, che è nella band
fin dal principio – fatto salvo un periodo di otto anni
di pausa in cui si è dedicato a trovare Dio. Ed è qui che
arriviamo all’argomento centrale della faccenda, perché
tutto il volume è più che altro una cronaca – chissà quanto romanzata – del
percorso di Welch verso la fede: dal successo e gli eccessi al dialogo diretto
con il Padreterno. Già, perché lui ci parla, riceve ordini direttamente dal
CEO del Paradiso e li esegue. C’è chi è finito in psichiatria per cose simili, ma
evidentemente non Welch, che ci sguazza e – anzi – scrive libri, dischi (anche
solisti), ha un’etichetta e sembra passarsela benone. Se non v’infastidisce
una dose di santità che manco nella discografia degli Stryper, e siete fan della
band, potrebbe essere una buona lettura. Interessante, se non altro, a livello
antropologico.
ANDREA VALENTINI
60/100
 LETTURE EXTRA ESTATE 2018
JESMYN WARD
SALVARE LE OSSA
NN EDITORE
Wetlands. Terre Bagnate. O Terre Fradice.
Il grande estuario del Mississippi è un
gigantesco intrico di canali, paludi, foreste
di palme e alligatori che s’insinua fino in
Louisiana. Bayou, il nome creolo delle
Wetlands, vuol dire appunto “tortuoso”.
Jesmyn Ward – 40 anni appena, una cattedra
di scrittura creativa alla Tulane University
e due National Book Award all'attivo, prima
donna a raggiungere il traguardo che già
fu di Faulkner, Cheever, Bellow e Updike -
viene da lì. Da un Sud deprivato, umido e
rurale, dove "la vita stessa è un uragano".
E lì era nell'agosto del 2005 quando arrivò
la devastazione di Katrina: "Per i due anni
successivi non sono riuscita a scrivere - dice
-, quel trauma mi aveva tolto ogni voce. Poi,
la superficialità con cui sono stati trattati i
sopravvissuti ha incendiato una nuova furia
in me. Sono tornata a raccontare storie,
le loro storie. Da allora non mi sono più
fermata". Primo capitolo della Trilogia di
Bois Sauvage, Salvare Le Ossa mette in scena
proprio il tempo carico e sospeso dell'attesa
dell'uragano. Nell'avvallamento del bayou
chiamato la Fossa, un quartiere per poveri
fatto di baracche, rottami e vegetazione
marcescente, Esch Batiste, i suoi tre fratelli, il
padre alcolizzato e il pitbull da combattimento
China aspettano il disastro armati di ramen
e brocche d'acqua sporca. Esch ha solo 15
anni, un figlio in arrivo e la vaga conoscenza
del mondo appresa dalla lettura del mito di
Medea e dal sesso occasionale con gli amici
dei fratelli. Ma il suo racconto è lucido, lo
sguardo inesorabile, le parole cariche di carne,
desiderio, dolore. Jesmyn Ward è bravissima
a creare una lingua che gronda sangue, ma
tende sempre alla rarefazione lirica. Ad abitare
l'ombra "fra l'idea e la realtà, fra il movimento
e l'atto" che tanto piaceva a Eliot. A darle una
nuova vischiosa consistenza.
CLAUDIA BONADONNA
84/100
SILVIO BERNELLI
IL BIOGRAFO DI BOTTO & BRUNO
EFFIGIE
"A Botto & Bruno per l’uso raffinato delle tecnologie
d’ambito fotografico che evoca in chiave lirica una visione
critica della città industriale”, recita la motivazione di
uno dei premi conseguiti dal duo artistico torinese, il
Suzzara. A parlare in prima persona e stilarne la biografia
romanzata, in bilico tra realtà e fantasia, è il narratore,
Max Attardi. Anch’esso torinese, racconta la storia di
un’amicizia a tre, del “sodalizio asimmetrico” tra lui,
Roberta Bruno e Gianfranco Botto, nato tra i banchi
dell’Accademia delle Belle Arti. Duo in arte e coppia nella
vita; di cui la voce narrante ripercorre le fasi salienti, tra le fatiche quotidiane
nella bottega di restauro, una casa/laboratorio da inventarsi, la passione che
li induce a continuare a produrre arte, fino a unirli sotto un’unica ragione
sociale. Poi le personali, i successi, sino alla partecipazione alla Biennale di
Venezia. I ricordi di Attardi s’intrecciano ai loro in una danza, tra riferimenti
musicali, pittorici, cinematografici e artistici in genere, come in un flusso di
coscienza che lascia con il fiato sospeso.
BARBARA SANTI
70/100
JAMES GLEICK
VIAGGI NEL TEMPO
CODICE
L’autore è tra i principali divulgatori scientifici del
contemporaneo. Con il suo Caos ha dato in pasto al
grande pubblico la nozione di “effetto farfalla”, offrendo
nel frattempo un utile bigino di fisica relativa ai sistemi
complessi. Ne L’Informazione ha approfondito il concetto
in sé, ragionando sulle premesse ed esplicitando gli esiti
dell’overdose informativa che tutti oggi sperimentiamo,
tra i media vari e nel quotidiano. Ha persino scritto una
biografia dedicata a R. Feynman. Ora, con Viaggi Nel
Tempo, rilancia la sfida occupandosi di... quello che bene immaginate. La
prospettiva, questa volta, è ancora più popolare del solito. Anzi, puramente
pop. Partendo infatti dai libri di H.G. Wells, l’autore parla di crononauti
intervallando il discorso con riferimenti di ogni tipo, si tratti di Terminator,
R.Heinlein, Proust, Joyce, William Gibson con Inverso, La Jetée di C. Marker,
Interstellar, Martin Amis e via di questo passo. Ne risulta un libro che tratta
spesso e volentieri di letteratura e fantascienza prima di arrivare ai consueti,
bellissimi, tratti di divulgazione scientifica.
DANIELE FERRIERO
71/100
PIERPAOLO VETTORI
LANTERNA PER ILLUSIONISTI
BOMPIANI
Per il suo quarto romanzo lo scrittore torinese accantona
per un attimo le cornici gotiche di opere come Le Sorelle
Soffici. Inevitabilmente forse, visto lo scenario di fondo:
poco o nessuno spazio alla fantasia lasciavano gli anni
30 di una Germania dove i busti di Hitler lentamente
rimpiazzavano quelli di Goethe nelle scuole. Quelle
frequentate da Hans, giovane adolescente tedesco che
in un solo pomeriggio incontra i tre cardini della sua
adolescenza. Max, ragazzo figlio di un'agiata famiglia
ebrea che lo prenderà sotto la sua ala, la sorella Kitty oggetto del più classico
dei primi amori e soprattutto il jazz. Elemento di connessione di un racconto
che, dalla dolcezza, precipita nei toni crudi della tragedia di vite straziate
dai passi in avanti di un nazismo che ribalterà per sempre ruoli, gerarchie
e abitudini. Con la scelta eccellente di narrarle attraverso le parole di
Hans, ancora troppo giovane per capire le contraddizioni fra il frequentare
manifestazioni naziste e amicizia e amore per i due, quasi proiettando su di
lui la scelta di una nazione di guardare dall'altra parte.
FRANCESCO VIGNANI
78/100
RUMOREMAG.COM | 109
 FUMETTI ESTATE 2018

COLVILLE
DI STEVEN GILBERT
COCONINO PRESS

Opera iconica di un maestro del fumetto contemporaneo,

Le storie nere dalla provincia hanno sempre un fascino
particolare: quotidianità e abitudine che si lacerano tra
delinquenza annoiata e sfogo illegale, una tradizione
dura a morire che mostra quanto il male sia a portata di
sguardo. Negli ultimi tempi siamo passati dal Canada di
Jeff Lemire con Niente Da Perdere all’Alabama di Jason
Aaron con Southern Bastards, per ritornare in Canada
con questo Colville: tre opere diverse ma comuni per
spirito ed efficacia, in cui le piccole cose diventano troppo grandi per essere
contenute. I personaggi di Gilbert, che cesella un bianco e nero profondo
e feroce, sono sull’orlo dell’oblio, annientati tra perversioni e mancanza di
stimoli, incapaci di redenzione o semplicemente non abbastanza fortunati per
farcela. C’è molto Charles Burns – oltre a una buona dose di Twin Peaks – in
questa storia, dove la sconfitta è perenne e la vita troppo stretta per fluire
senza implodere, lasciando a terra giovani inerti e sogni infranti.
STEFANO FANTI
LOOP 75/100
DI SIMON STǺLENHAG
MONDADORI INK

Il lavoro dello svedesissimo autore sembra

provenire dalle stesse sfere celesti da
cui muoveva Syd Mead. Entrambi sono
visionari, concept artists, progettisti di
mondi che procedono per immagini ed
estetica, affrancandosi dalla realtà con un
agile balzo dell’immaginazione. Simon, in
particolare, la nutre a partire dai residuati
della cultura pop. Come altri prima di lui,
in questo eterno presente fantasmatico
che viviamo, si è abbeverato alle fonti
dell’hauntology per creare la sua opera.
Che è bizzarramente malinconica, ricolma
di assenza e fantasmi, spesso incline a
descrivere un mondo inquietante che traduce
i panorami metamorfici de L’Europa Dopo
La Pioggia di Max Ernst con l’iperrealismo di
Norman Rockwell. Infradiciando però il tutto
a forza di dinosauri, fantascienza vintage e
macchine decrepite abbandonate tra i campi.
Spesso si tratta infatti di testimoniare scene
di campagna o avamposti urbani dispersi
all’orizzonte, dove sopravvivono elementi
perturbanti e provenienti da una dimensione
alternativa, spostata solo un poco più in là
dalla norma. Quanto è nato come illustrazione
spicciola, per quanto elaborata a furia di un
digitale che assomiglia ad acquerello e pittura
ad olio, è poi diventato in un secondo tempo
la base concettuale dal quale germinare un
vero e proprio universo narrativo: un’opera
anomala di speculative fiction. È a questo
punto che l’autore ha creato un nucleo di
storie che popola i suoi quadri: racconti
sparsi, personaggi, compagnie; in pratica, un
universo condiviso. In questa maniera Loop
è diventato un’opera inedita, che rasenta a
tratti i lidi del racconto coming-of-age (tra
Stephen King e Stranger Things), l’artbook
puro e l’ipotesi ucronica e fantascientifica
fatta e finita. Il revenant nella macchina, un
retrofuturo da gustare. In attesa del seguito.
Una meraviglia.
DANIELE FERRIERO
81/100
THE WICKED + THE DIVINE VOL.3
DI K. GILLEN, J. McKELVIE, M. WILSON
BAO PUBLISHING
Se finora abbiamo promosso con riserva questa serie
Image, aspettando di capire quale strada avrebbe preso,
arrivati al terzo volume – praticamente immobile in
quanto a trama ma con una focalizzazione maggiore sui
personaggi – possiamo dire che l’attesa sta diventando
uno spreco di tempo. Sia chiaro: artisticamente
l’opera è di alto livello con gli ammirevoli disegni di
McKelvie (e di altri validi artisti in questo volume) e
una caratterizzazione riuscita, inoltre lo scontro tra
contemporaneità estrema (i social e tutto ciò che gli gira
intorno) e mitologia (Dei sulla Terra in battaglia tra loro) è potenzialmente
un bomba (anche se Terry Moore fece di meglio con Rachel Rising), ma
il risultato è talvolta frustrante per vacuità. Probabilmente ci attende
un’accelerata della trama e una definizione maggiore della narrazione, ma
abbiamo voglia di aspettare ancora? Riusciremo a vedere il tutto come puro
divertissement e basta? Il prossimo volume sarà senza dubbio quello del
dentro o fuori.
STEFANO FANTI
60/100
MOTOR GIRL
DI TERRY MOORE
BAO PUBLISHING
L’arte di Terry Moore ha un’aura di incantesimo fiabesco
qualsiasi sia il tema della storia: che sia più in salsa
fantascientifica come questo Motor Girl o Echo o a tinte
horror come Rachel Rising (Strangers In Paradise è un
discorso a sé stante), incantesimo che però non intacca la
natura profondamente umana delle sue opere. La vicenda
qui narra un frammento della vita di Samantha, reduce
da un trauma parecchio pesante avvenuto in guerra, tra
l’isolamento dello sfasciacarrozze in mezzo al deserto
dove vive e le complesse dinamiche interiori che la animano. Mike il gorilla
e due fanciulleschi extraterrestri si scontrano con una realtà fatta di soldi e
secondi fini, in un quadro su più livelli che porterà la bella Sam al punto di
svolta. Leggera ma profonda, fantasiosa ma toccante, questa nuova opera
di Moore ha tutto del suo autore e non fa retrocedere di un passo la sua arte
così magicamente personale e allo stesso tempo universale.
Una vera e propria certezza.
STEFANO FANTI
75/100

110 | RUMOREMAG.COM
FUMETTI POSTER-I DI ALESSANDRO BARONCIANI
DAL VIVO BEACHES BREW
Beaches Brew
Partiamo da un assunto semplice:
il Beaches Brew - un evento prima
ancora che un festival - non può essere
raccontato. È una di quelle situazioni in
cui vale solo esserci. Non perché conti il
presenzialismo fine a se stesso e la tacca
virtuale sul proprio curriculum, anzi,
tutto il contrario, considerato il contesto
dove si mescolano – metaforicamente
e non – costumi da bagno e abiti
in lungo, infradito e tacchi alti. La
bellezza dell’insieme sta soprattutto
in quel flusso di energia positiva che
la musica crea e che lo spazio tra
dune, sabbia e mare fa rimbalzare
in circolo senza alcuna soluzione di
continuità, originando dieci, cento,
mille particolari che ognuno vede e
sente come vuol vedere e sentire. Cose
che vanno vissute per essere comprese,
situazioni che sbucano fuori da ogni
angolo e che ancora oggi, a sette anni di
distanza dalla prima volta, sorprendono
i veterani e sbalordiscono i neofiti.
Come quel palco ammirato da dietro,
in piedi sopra la duna di sabbia, che si
specchia dritto nell’acqua dove i ragazzi
si tuffano mentre i Comet Is Coming
tirano letteralmente giù tutto. Un set di
strepitosa funkadelia cosmica il loro, che
azzera le distanze tra passato, presente e
futuro e dà un senso di vittoria tangibile
alla scommessa con cui quest’anno la
macchina del festival si è messa in gioco.
TESTO DI ARTURO COMPAGNONI – FOTO DI FRANCESCA SARA CAULI
112 | RUMOREMAG.COM
La ricerca di nuove strade che
incrociano generi e suoni, facendo
assumere alla gente del Beaches
Brew il ruolo di educatori oltre che
di intrattenitori, secondo la dottrina
mcluhaniana dell’edutainment, da
queste parti fatta propria più che in
ogni altro luogo. E così se le conferme
arrivano dal funk bianco di marca
A Certain Ratio degli Omni, dalla
wave scura degli Havah, dalla deriva
hardcore chicana degli irresistibili
Downtown Boys e da uno scatenato
ancorché tenerissimo Ezra Furman,
le sorprese non mancano a cercarle
soprattutto là dove latita il suono delle
HANA-BI, MARINA DI RAVENNA chitarre. Che detto da uno che ha la
4-7 GIUGNO 2018 chitarra avvinghiata al cervello non è
roba di poco conto. Accanto ai Comet
Is Coming (tastiere, batteria e sax), su
un immaginario podio a quattro posti
salgono l’anglonigeriana Flohio che
traduce in metriche e linguaggio hip
hop il medesimo entusiasmo hardcore
generato dai Downtown Boys la sera
prima, il r&b ispirato da voce e violino di
Sudan Archives e il funk psichedelico dei
texani Khruangbin, un bizzarro flusso
immaginario, sonoro e ritmico prossimo
al porno newyorchese dei 70’s (non so
bene cosa significhi ma questo mi viene
in mente) in cui una volta entrati non si
esce più.
 DAL VIVO IN ARRIVO

Se avete comprato “Rumore” di giugno vi sarete studiati lo speciale festival per organizzare la vostra estate. Ma l’estate non
è fatta solo di festival, la nostra penisola è disseminata di piccoli eventi e concerti che troverete in questa pagina, poiché
spesso valgono tanto quanto i grandi eventi, se non di più. Soprattutto se si svolgono in luoghi unici come il Castello
De’ Monti a Corigliano D’Otranto o la Corte Degli Agostiniani a Rimini. Luoghi (non solo questi due nello specifico) che
andrebbero sfruttati maggiormente in tutta Italia e che valorizzerebbero l’offerta turistica e culturale.

A CURA DI LUCA DOLDI

3/4 LUGLIO 4/5 LUGLIO

CURTIS HARDING
BOLOGNA / CORIGLIANO D’OTRANTO (LE)
Se si parla di soul nel 2018 è perché ci sono artisti come
Curtis Harding. Vederlo in un luogo come il Castello de’
Monti, poi, sarà un’esperienza indimenticabile.
GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR
MAGNOLIA (MILANO) / VILLA ADA (ROMA)
Già da soli i GY!BE sono una band da non perdere, ma
quando insieme a loro ci sono anche i This Will Destroy
You, come a Villa Ada, l'evento diventa imprescindibile.

10 LUGLIO 11 LUGLIO
PREOCCUPATIONS ALBERT HAMMOND JR
HANA-BI (RAVENNA) MAGNOLIA (MILANO)
I Preoccupations in spiaggia sono un ossimoro vivente, "I just wanted to be one of the Strokes", dice Alex Turner
perché in spiaggia ci si va per dimenticarsi delle in apertura dell’ultimo Artic Monkeys: vi consiglio di non
preoccupazioni. Ma fossi in voi non li perderei gratis. perdervi una colonna della band di New York.

16 LUGLIO 17 LUGLIO
SON LUX JUSTICE + MGMT
EREMO CLUB (MOLFETTA - BA) MILANO SUMMER FESTIVAL
Son Lux vuol dire performance live di altissimo livello, dove Due pesi massimi nei loro rispettivi generi e due live set
elettronica e strumenti convivono alla perfezione e creano da fuoriclasse. Justice e MGMT nella stessa serata faranno
insieme qualcosa di unico. saltare in aria l’ippodromo di Milano.

18 LUGLIO 18/19 LUGLIO

ANDERSON .PAAK & THE FREE NATIONALS
CARROPONTE (MILANO)
Sì è parlato tanto di Childish Gambino negli ultimi tempi,
ma anche Anderson .Paak non è da meno, questo è uno di
quei concerti che capitano una volta nella vita.
BENJAMIN CLEMENTINE
ARENA SANTA GIULIANA (PERUGIA) / MAGNOLIA (MILANO)
La magia del piano e della voce di Clementine, la sua
personalità strabordante sul palco. Fra teatralità e
vocalizzi, Benjamin vi accompagnerà nel suo mondo.

23 LUGLIO 30/31 LUGLIO

FATOUMATA DIAWARA
CARROPONTE (MILANO)
Per una sera sarete trasportati in Africa, precisamente in
Mali. Fatoumata vi trascinerà con la sua musica e con la sua
presenza, non riuscirete a stare fermi.
ANNA CALVI
GARDONE RIVIERA (BS) / CORTE DEGLI AGOSTINIANI (RIMINI)
Ad Anna Calvi sono riservati due luoghi unici che saprà
valorizzare con il suo indie rock cantautorale, regalando al
pubblico due serate davvero speciali.

13/14/15 AGOSTO 22 AGOSTO

UNSANE
PISA / CARAMAGNA (CN) / BOLOGNA
Una band che sul palco scarica una potenza impressionan-
te, pur essendo “solo” un trio. Approfittate di queste date
fuori dai soliti giri per farvi investire dagli Unsane.
NICK MURPHY
MAGNOLIA (MILANO)
Il fu Chet Faker in Italia per un’unica data in piena
estate. Per chi rimarrà in città è un regalo che non si può
rifiutare: vi rinfrescherà come una bagno nel mare.

RUMOREMAG.COM | 113

BANDALARGA A COSA SERVE LA MUSICA?
A cosa serve
la musica?
Della buona musica ho sempre
apprezzato due aspetti, separati e
distinti ma ugualmente importanti.
Innanzitutto come suona, cosa dice,
come mi fa stare, quanta voglia ho di
riascoltarla. E poi a cosa serve, che
funzione ha, quali sono i suoi effetti
sul mondo. Che non è un aspetto
secondario, a meno che tu non sia un
fan di Jamiroquai (che purtroppo sono
tra noi). Ma perfino per quelli di Taylor
Swift questo lato è rilevante. Figurarsi
per chi ama generi più estremi: uno
dei (nobilissimi) motivi per cui il
metal, in tutte le sue forme, è stato
così importante nelle province meno
battute d'Europa, è perché svolgeva
bene la sua funzione: mandare un
messaggio chiaro a tutti. Alla scuola,
la famiglia, gli amici d'infanzia, il
vicinato, la polizia locale: io sono
diverso da voi. In questa dinamica
c'è un risvolto importante, quello
generazionale. I nuovi generi servono
da spartiacque: se ti piacciono, li
capisci e ne capisci il senso, allora
appartieni a una generazione;
altrimenti no. È stato così per il
jazz, il rock'n'roll, il punk, il grunge,
house & techno, ecc. E chi non coglie,
talvolta per motivi di età, ha sempre
le stesse reazioni: sufficienza, ridicolo,
irritazione, riduzione di fenomeni
culturali a "mode", insofferenza verso
l'aspetto, il linguaggio, il suono della
musica, i temi trattati. Sempre uguale,
da quando esiste la Cultura Pop.
114 | RUMOREMAG.COM
Quando ero guaglione pure c'era
della musica pesante: In The Court
Of The Crimson King non è un album
ascoltabile a volume basso. Già quel
suono diceva molto di un teenager che
l'ascoltava: non è un caso che la prima
volta che mia madre si lamentò per la
qualità della musica fu con quel disco.
Per me quindicenne fu un'enorme
soddisfazione: non solo i King
Crimson erano fantastici, ma il loro
suono agli adulti sembrava rumore.
Io avevo già altri strumenti coi quali
irritarli. I capelli, che mi hanno
creato problemi con gli insegnanti a
scuola, e poi anche con mia madre,
la quale li giudicava prima troppo
lunghi, e poi troppo strani. Il vestiario,
che compero usato dall'inizio del
liceo, con profondo orrore della mia
famiglia. Intorno ai 18 incontro il
punk. Del quale la musica mi piaceva
ma l'attitudine, lo stile, il messaggio
e l'effetto sul mondo mi sembravano
meravigliosi. Le mie prime sortite
punk ottennero un effetto strabiliante:
grida per la strada, scompiglio tra gli
amici, perplessità della polizia. Quello
stile irritava assai, proprio come i
"capelloni" disturbavano la quiete
delle città italiane negli anni 60. Oggi
lo sappiamo: mentre la moda domani
passa, gli stili si accumulano. Essere
punk oggi naturalmente ha un senso
completamente diverso. In Italia. In
Thailandia i punk li rastrellano, li
tosano a zero e gli fanno la predica,
A CURA DI
S ERG IO MES S IN A
letto ri@sergio m essina . c om
segno evidente che perfino nel 2018,
da qualche parte nel mondo, il punk
sta facendo egregiamente il suo lavoro.
Si potrebbe pensare che oramai in
Italia questo meccanismo non funzioni
più tanto bene. Specialmente per i
genitori che ci sono passati a loro
volta. Come ci si regola con un padre
che era punk? Con una professoressa
che andava ai rave? E con la mamma
cool che ha visto dal vivo sia i Clash
che i Nirvana? Semplicissimo: basta
Young Signorino. Da quando è
emerso, ha catalizzato l'attenzione
di moltissimi miei coetanei, con un
risultato esilarante: gente perfino
sensata che scrive lunghi post per
argomentare puntigliosamente quanto
faccia schifo, sia irritante, brutto,
tatuato male, vestito peggio, drogato,
strafottente, forse perfino illecito.
Madri che chiedono disperatamente
aiuto su Facebook: "Oddio, mio figlio
ascolta la trap". Dotti articoli della
serie "Dove andremo a finire". Tutto
perfetto, tutto proprio esattamente
come allora: insofferenza, miopia,
senilità. E di botto un pezzo di una
generazione, la mia e quelle intorno, si
trasforma nel clone della loro mamma,
nella voce di mia nonna: "Questa è
immondizia: vuoi mettere ai miei
tempi?" Delizioso e davvero perfetto:
bravo Signorino. La tua musica non mi
interessa, ma di tutto il resto sono un
grande fan.
 V edizione
1-12 agosto 2018
melpignano (LE)

29 luglio @ kum beach club - roca (le) start 21.00 FREE ENTRY

official preview with go dugong

1 - 5 AGOSTO @ Parco della Pace start 21.30 FREE ENTRY

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AN INSIGNIFICANT MAN - India 1/8 BOUNDLESS SKA PROJECT
BOILING POINT - Finlandia 2/8 LE SCIMMIE SULLA LUNA
JAHA’S PROMISE - Gambia 3/8 CRISTIANA VERARDO
ENTRE OS HOMENS DE BEM - Brasile 4/8 FLOAT A FLOW
STRANGER IN PARADISE - Paesi Bassi 5/8 NO FINGER NAILS
Installazioni di PRAVDA ART COLLECTIVE Esposizione di ROBERTO GENTILI
Inaugurazione opera murale a cura di CHEKOS ART

8 AGOSTO @ Piazza S. Giorgio start 22.00

THE ZEN CIRCUS + i botanici

9 AGOSTO @ Ex Convento degli Agostiniani start 22.00
WU MING CONTINGENT +
In “LA TERAPIA DEL FULMINE”
(Reading-concerto su elettroshock e follia
a quarant'anni dalla Legge Basaglia)

11 AGOSTO @ Ex Convento degli Agostiniani start 22.00

NINOS DU BRAsIL + yAKAMOTO KOTZUGA + INUDE dj set

12 AGOSTO @ Ex Convento degli Agostiniani start 22.00

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Evento organizzato da Ass. Culturale Altatensione e patrocinato dal comune di Melpignano.

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todaysfestival.com

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sponsor in collaborazione con media partners

GAGLIARDI E DOMKE
 DIEGO BALLANI

.
I TA L I A
S OT T E R R A N E A
C L A S S I C I DA S CO P R I R E
PRIMA PARTE: ANNI 60 E 70

SUPPLEMENTO AL NUMERO 318 / 319

(LUGLIO / AGOSTO 2018)
DEL MENSILE RUMORE
Volume 4
 50 + 50 ITALIA SOTTERRANEA - PRIMA PARTE
LE GUIDE PRATICHE DI RUMORE

6 P REFAZ I ONE

9 50 + 50: I DI SCHI

6 3 EX T R A: GLI A LT RI 50

77 B IB LI OGRA FI A

50 + 50 ITALIA SOTTERRANEA - PRIMA PARTE

è un supplemento al numero 318/319 (Luglio/Agosto 2018) del mensile RUMORE
Autorizzazione del tribunale di Torino n. 21 del 25/07/2013

PER RUMORE:
Direttore responsabile: Marco De Crescenzo
Direttore editoriale: Rossano Lo Mele
Coordinamento redazionale: Alessandro Besselva Averame
Direttore artistico: Stefano Manzi

PER LA GUIDA:
Concept: Rossano Lo Mele
Progetto grafico: Stefano Manzi
Prestampa: Michela Marcelli
Editing: Alessandro Besselva Averame
Copertina: Steuso, 2018

DIEGO BALLANI (La Spezia, 1973) è stato redattore e collaboratore di numerosi magazine musicali
come “Freak Out”, “Zero”, “MusicBoom”, “SentireAscoltare”, “Sottoterra”. Da circa 12 anni scrive per
“Rumore”, per il quale ha curato tre guide (Guida Pratica Agli Smiths, 50x00 e 50x50 Dischi Live).
Nel 2013 Arcana ha pubblicato il suo libro The Smiths. A Murderous Desire.
 “Per dire come eravamo messi in quanto a musica”, scrive Cesare
Rizzi nell’appendice del libro La Nascita Del Nuovo Rock, “il singolo
più venduto del 1965 fu Il Silenzio, con la tromba di Nini Rosso”.
Sono passati oltre 50 anni e la tentazione di pensare alla musica
P R EFAZ IO NE
italiana come a una realtà liminare, che vivacchia con logiche
autoctone nell’indifferenza del resto del globo, è sempre forte.
Tranquillizziamoci, non era così un tempo e probabilmente non lo è
oggi. Oggi come allora le cose accadono. Che poi le migliori e le più
originali scaturiscano dalle interpretazioni “sbagliate” di intuizioni
altrui non fa che rendere il tutto ancora più interessante.

Provate a pensare cosa sarebbe stata la scuola genovese senza i chansonnier francesi o i
cantautori barbuti con l’acustica senza Dylan e Cohen. E ancora, i nostri “urlatori”, in forme più
o meno rassicuranti, sarebbero esistiti senza i rocker americani? Questo solo per dire che, anche
prima dell’arrivo del “bitt” (secondo una celebre definizione di Bertoncelli), c’era chi si ribellava ai
codici consunti della canzonetta, al retaggio operistico di melismi e alla dittatura del bel canto.
Poi, però, arrivarono “i complessi” e iniziò tutta un’altra storia. Quella di giovani che sull’onda dei
successi di Equipe 84 e Nomadi, del mito del Piper e degli inarrivabili idoli inglesi, maturava la
consapevolezza di far parte di una cultura differente da quella dei propri genitori. Un nuovo sistema
valoriale improntato al “qui e ora”, per la prima volta al centro di riviste e trasmissioni radiofoniche
e televisive che ne celebravano la solare stravaganza.

Fu un fenomeno pervasivo, per quanto ruspante. La tendenza di noi Italiani a concentrarci sugli
aspetti più folkloristici di Merseybeat e garage rock generò una pletora di band dal look e nomi
suggestivi, che pur armeggiando in modo più o meno impacciato con chitarre ed effetti non
avrebbero visto di cattivo occhio il palco dell’Ariston. In mezzo al ribellismo di maniera e alle
decine di cover raffazzonate iniziava tuttavia a serpeggiare subdolamente l’idea che quello a cui si
stava assistendo non fosse solo intrattenimento, ma la manifestazione di un comune sentire che
legava persone della stessa generazione, indipendentemente da luogo di nascita ed estrazione
sociale. Una sensibilità che se correttamente canalizzata avrebbe potuto condurre a qualcosa
di più grande, a un futuro meno grigio di quello toccato ai rispettivi padri. Stava nascendo quel
circuito alternativo che avrebbe svolto un ruolo cruciale negli anni della Controcultura. Già verso
la fine del decennio, parallelamente all’abbattimento delle rigide strutture dei brani, i ragazzi dello
Stivale fantasticavano di pace e amore, con l’ottimismo di chi si sentiva pronto a entrare nell’Era
dell’Acquario. Ciò che sarebbe stato difficile prevedere, almeno fino alla strage di Piazza Fontana,
era come quello italiano fosse destinato a diventare uno degli scenari politici più complessi dello
scacchiere occidentale.

La specificità degli anni 70 italiani in larga parte sta proprio qui. Nel modo in cui la politica ha
saputo insinuarsi negli anfratti più insospettabili della cultura pop. L’acuirsi del conflitto sociale e
la successiva scissione fra i gruppi politici e un movimento giovanile consapevole e creativo creò il
contesto ideale per lo sviluppo del rock progressivo. Un genere che per la prima parte del decennio
avrebbe monopolizzato il panorama musicale della penisola. Il “Pop italiano” (come allora veniva
comunemente chiamato) prendeva le mosse dal rock sinfonico inglese, dalla scuola di Canterbury e
dal jazz rock, ma a differenza dei cugini anglosassoni, attecchiti per lo più nelle scuole d’arte e negli
•| 6 |•
strati borghesi, si diffuse in modo molto più capillare, spinto da singolari condizioni politico sociali.
A questo si aggiunga la situazione di relativo isolamento vissuta dal nostro paese a causa del
clima politico incendiario, da cui gli artisti stranieri si tennero lontani per buona parte degli
anni 70. Dovremmo così avere un’idea di come l’ecosistema musicale italiano fosse ideale per
la proliferazione di specie del tutto peculiari. “Pop italiano” divenne un termine passe-partout
per definire una musica dalle velleità artistiche, che poteva contaminarsi con la tradizione
folkloristiche più antiche e con le forme più estreme di rock, con l’avanguardia neoclassica e
il minimalismo più radicale, producendo stili sempre nuovi in cui l’anima mediterranea restava
comunque ben impressa in superficie. Sono gli anni della Controcultura e dei festival itineranti,
un periodo straordinario da punto di vista della ricerca musicale e di quella umana che avrà come
output la nascita di spazi di ricreazione e confronto senza precedenti. Culturalmente furono anni
di grande fermento e sperimentazione, in cui si pensava, forse ingenuamente, che anche da parte
degli strati popolari fosse necessario confrontarsi con linguaggi “complessi”. Un periodo destinato
tuttavia a lasciare spazio a forme espressive sempre più intransigenti, in concomitanza con la
radicalizzazione del confronto politico e la conseguente fine delle utopie comunitarie della prima
parte del decennio.

Nel ’76, parallelamente alla “crisi della militanza”, la fine del movimento era già in fase conclamata.
C’è una data simbolica a tal proposito: il 29 giugno 1976, l’ultimo giorno della sesta festa del
Proletariato Giovanile al Parco Lambro di Milano. In quell’occasione
il movimento appariva lacerato e incapace di ricomporre le proprie contraddizioni interne. Fu un
traumatico risveglio, al termine del quale l’idea dei grandi raduni collettivi, dei dibattiti e della
musica prog che ne aveva rappresentato la colonna sonora, apparve improvvisamente obsoleta.
Lo slogan “il personale è politico” sanciva il rompete le righe all’interno della galassia alternativa,
fra le maglie della quale si stava già imponendo una nuova sensibilità: una specie di cinica e
disperata ironia, che non avrebbe risparmiato sberleffi alle gerarchie che avevano dominato fino a
quel momento l’arco rivoluzionario. Sono gli ultimi fuochi di un’avanguardia sempre più impegnata
nella destrutturazione dei linguaggi espressivi, e di una nuova generazione smarrita che guarderà
con simpatia a forme musicali più dirette, come la disco, o provocatorie, come il punk.

Una storia così intensa non poteva che lasciare in eredità un patrimonio vastissimo di oscuri
capolavori, progetti visionari e amene curiosità che meritava di essere scandagliato con le modalità
ormai note ai lettori di “Rumore”. Ovvero privilegiando album di culto talvolta dimenticati che oggi
vengono riscoperti da appassionati di tutto il mondo, attratti da quella che il tempo ha trasformato
in una patina affascinante ed esoterica.

Buona Lettura!
Diego Ballani

PS: Ancora una volta il mio ringraziamento va a Rossano Lo Mele per avermi coinvolto in questo
progetto e ad Alessandro Besselva Averame per l’attento lavoro di editing. Fondamentale è stato
poi il confronto e il consiglio di amici come Carlo Bordone, Salvatore “Ursus” D’Urso, Gian Paolo
Ragnoli, Diego Sanlazzaro e Claudio Sorge. A tutti loro va il mio grazie sincero.

•| 7 |•
I CINQUANTA DISCHI
 AA.VV. 60’s Beat Italiano Vol. 1 1989

AA.VV.
60’s Beat Italiano Vol. 1
DIRECT HITS, 1989 / GET HIP, 1997

F
ra il ’66 e il ‘68 il beat raggiunge le province più remote dello Stivale. I gruppi che lo
suonano hanno nomi fantasiosi e look bizzarri, i residui regionalisti si confondono con
il vagheggiamento di un background angloamericano che spesso si limita ai Beatles e
agli Stones. Per l’Italia si tratta del primo fenomeno giovanile di massa, documentato in
una infinita scia di 45 giri tramandati fin qui da raccolte che, sulle orme di Nuggets e Pebbles, vanno
alla ricerca delle gemme nascoste del “bitt”. Paradossalmente è l’americana Direct Hits a dare inizio
alla riscoperta del nostro patrimonio nazionale, con questa storica raccolta che, grattando appena
la superficie, lascia affiorare il lato più selvaggio e sovversivo del movimento. Emergono così piccoli
oggetti di culto locali come i fiorentini Chewing Gum, straordinari autori di uno dei rari esempi di
freakbeat nostrano (Senti Questa Chitarra) o i sardi Barrittas, che con Dusu Amigusu portavano a
segno il più riuscito esperimento di garage dialettale. Dal Merseybeat angolare dei Noi Tre, all’acida
rilettura di Evil Hearted You operata dai Jaguars, passando per la Somebody To Love dei Jefferson
Airplane trasformata dai baresi Hugu Tugu nell’ululato proto punk Fino A Ieri, è tutto un trionfo di
fuzz arcigni e pastiche psichedelici. Il pregio maggiore della raccolta però consiste nel recupero di
due delle più grandi cult songs che il bitt abbia prodotto. La prima è La Quindicesima Frustata dei
milanesi New Dada: un rhythm’n’blues sadomaso, dall’acre odore di pelle e vinile. Con Atto Di Forza
N.10 dei torinesi I Ragazzi Del Sole, invece, si sconfina nel mito. Non tanto per l’aggressività del
pezzo (che ai tempi si guadagnò la censura di Mamma RAI), ma perché in quella cinica descrizione
di scontri fra gang rivali c’è una lucidità nel raccontare lo scontro generazionale che non ha nulla
da invidiare ai cugini anglofoni.

Un brano: I Ragazzi Del Sole – Atto Di Forza n.10

• | 11 | •
1973 AKTUALA Aktuala

AKTUALA
AKTUALA
BLA BLA, 1973/2015

P
iù che un gruppo musicale, gli Aktuala sono stati il simbolo di un’idea di libertà e
autodeterminazione che nella prima metà degli anni 70 trovava ancora spazio fra le frange
più utopiste del movimento giovanile. Un’esperienza che ebbe inizio come semplice trio
jazz (gli Aktuala Trio) composto dall’armonicista Walter Maioli, dal percussionista Lino
“Capra” Vaccina e dal chitarrista Antonio Cerantola. Dalle rispettive ricerche in campo etnomusicale
prese piede un progetto che professava l’unione delle culture attraverso un suono in grado di fondere
espressioni africane, indiane e mediorientali con uno stile di vita comunitario ed eticamente rigoroso.
Nel ’72 gli Aktuala erano una comune stanziata in via Ripamonti a Milano, solita esibirsi al di fuori dei
circuiti pop. Per lo più stendevano i loro tappeti nelle vie o nelle piazze cittadine, dove, fra una session
improvvisata e un tè offerto ai passanti, venivano abbattute le barriere che separavano i musicisti dal
pubblico. Allo stesso modo, il primo album del collettivo non mostrava tracce di virtuosismo. Aktuala
usciva nel ’73 per la Bla Bla di Pino Massara, e subito apparve come un’opera con cui era impossibile
non confrontarsi; anche a costo di denigrare la musica del gruppo, come fece Demetrio Stratos quando
definì i suoi membri “suonatori di pifferi”, interpretando così il pensiero di una parte del Movimento. In
realtà furono in molti a restare affascinati da quelle meditazioni che recuperavano le radici misteriche
della musica folklorica. Un insieme di mantra dilatati, raga ipnotici, echeggiare di legni e ottoni che,
fondendosi con i suoni della natura e con violenti sprazzi free, assumevano la forma di qualcosa che
stava fra la jam e il rito divinatorio. Un’esperienza vicina a quella della Third Ear Band, cui gli Aktuala
furono sempre accostati. Ma anche un album che azzardava una idea di world music destinata a
trasformarsi velocemente in parodia.

Un brano: When The Light Began

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 ALBERGO INTERGALATTICO SPAZIALE Albergo Intergalattico Spaziale 1978

ALBERGO INTERGALATTICO SPAZIALE

Albergo Intergalattico Spaziale
LUGLIO, 1978 / MARKUEE, 2011

S
e intorno alla metà degli anni 70 aveste fatto un giro per Trastevere alla ricerca
di stimoli ludico culturali vi sareste imbattuti nell’Albergo Intergalattico Spaziale,
il locale dell’ex componente dei Giganti Mino Di Martino e di sua moglie Terra Di
Benedetto. Dall’inizio del decennio i due costituivano un’affiatata coppia artistica,
veicolo ideale per le sperimentazioni in odor di kosmische musik di Di Martino, che da tempo
si era addentrato in ascolti minimalisti e appassionato alle composizioni di Steve Reich, La
Monte Young e dell’avanguardia tedesca. Nel ’75, dopo aver preso parte alla tournée del Telaio
Magnetico (il supergruppo formato insieme a Franco Battiato e Juri Camisasca, impegnato in
esibizioni dal vivo costruite su materiale largamente improvvisato) i due mettevano a punto i brani
che una lungimirante EMI avrebbero dovuto pubblicare l’anno successivo. Difficile immaginare
cosa si aspettassero ai piani alti dell’etichetta dall’ex alfiere del “bitt”. Di certo non quei cupi
bordoni elettronici privi di ritmo, su cui la Di Benedetto si lanciava in ieratici esperimenti vocali
soppesando il colore di ogni sillaba e di ogni allitterazione. Oltretutto il disco verteva su esplicite
tematiche ecologiste che metteva in scena con un sound fantascientifico ma tutt’altro che
ottimista, fatto di lividi scenari postatomici e momenti di escapismo cosmico. Alla fine l’album
dell’Albergo Intergalattico Spaziale venne pubblicato privatamente, nel ’78, in un numero limitato
di copie e con note interne in cui Di Martino e Di Benedetto si schieravano contro il Piano
Energetico Nazionale e il previsto potenziamento del comparto nucleare. Musicalmente in quei
due anni era successo di tutto, ma la musica del duo manteneva ancora la sua attualità, forte di
una componente futuristica e distopica che trovava assonanze con il plumbeo clima del post punk
europeo più che col pop italiano di fine ’70.

Un brano: Live Pistoia

• | 13 | •
1974 AREA Caution Radiation Area

AREA
Caution Radiation Area
CRAMPS, 1974 / SONY, 2015

I
l disco che fece pronunciare a Franco Maimone, braccio destro di Gianni Sassi alla Cramps,
le immortali parole: “Ragazzi, sono cazzi vostri”. In effetti una band con appena meno
carattere di Stratos e compagni avrebbe rischiato di rimanere travolta da quell’intransigenza
indisponente. L’anno precedente Arbeit Macht Frei aveva fatto degli Area il gruppo del
Movimento, in virtù di un’alchimia unica, del carisma di Demetrio Stratos e della supervisione
artistica di Sassi, sempre attento a fornire ai musicisti il supporto ideologico necessario a spingersi
costantemente oltre. L’entrata in organico di Ares Tavolazzi completava, infine, la formazione storica
della band. A quel punto gli Area erano un ensemble di virtuosi che poteva permettersi di chiudere
l’album con tre minuti e mezzo di sibili elettronici, sbuffi industriali e rumori statici. Lobotomia era
il punto di non ritorno del gruppo in territori noise. Un gesto che segnava il definitivo abbandono
dei lidi del prog. Non che ciò che lo precedeva fosse meno radicale. Ad aprire le danze ci pensava
Cometa Rossa, una versione infuocata del loro jazz etnico che, fra scale orientali e acrobazie di
tastiera, lasciava spazio agli esperimenti vocali di Stratos, lanciato nella versione trasfigurata di un
canto popolare cretese. Subito dopo, introdotto da un rumorismo elettronico sci-fi, ZYG catapultava
l’ascoltatore in un inferno di tempi dispari e improvvisazione free, sparati a velocità vertiginosa e con
precisione struggente. Brujo introduceva qualche elemento fusion, ma poi frustrava l’ascoltatore con
un finale alienante. MIRage? Mirage! spingeva ancora di più sul versante delle elucubrazioni avant-
garde, fra urla e spasmi di musica concreta, cacofonie elettroniche e oasi jazz rock. Infine, Lobotomia
misurava la distanza degli Area dalle band italiane di allora, grazie a un mix di situazionismo,
guerriglia culturale e ostinato rifiuto dei cliché del rock.

Un brano: Cometa Rossa

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 AUTOMAT Automat 1978

AUTOMAT
Automat
EMI, 1978/2009

I
‘70 volgevano al termine e, in un’Italia ancora immersa negli anni di piombo, la passione
per la fantascienza e un certo tipo di escapismo futuribile trovavano fertile terreno. In
ambito musicale si immaginava il ventunesimo secolo con un mix kubrikiano di ansia
e mistero, sulle note della disco e del prog più electro oriented, ma anche su quelle di
certa sperimentazione sintetica, praticata negli studi di Milano e Roma. Non stupisce che uno
dei progetti d’ispirazione fantascientifica più curiosi nasca come campagna pubblicitaria per il
sequencer monofonico MCS70, il primo sintetizzatore completamente programmabile ideato
dall’ingegnere Mario Maggi. Maggi chiese all’amico Romano Musumarra, già sotto contratto per
la EMI, di realizzare un album suonato interamente con il suo strumento. Presentato il progetto
all’etichetta, quest’ultima accettò a patto che al lavoro prendesse parte anche Claudio Gizzi.
Automat veniva così diviso fra i due musicisti. Da una parte c’era Gizzi, impegnato con la title
track: una monumentale suite in tre movimenti le cui sonorità spaziali guardavano a Jean Michel
Jarre e ai Kraftwerk con la leggerezza dell’italo disco. Dall’altra Musumarra, il quale diversificava
ritmi e atmosfere con tre brani che passavano dalle fanfare alla Vangelis di Droid (brano che
finirà a sonorizzare decine di spot e sigle dell’epoca) all’ambient cosmica dei Tangerine Dream
(Ultraviolet). Protagonista assoluto era però il sound dell’MCS70, i cui timbri avveniristici ne
avrebbero fatto un successo planetario se dall’altra parte dell’oceano non fosse stato costruito,
quasi in contemporanea, il Prophet 5. Quest’ultimo finì per oscurare completamente il synth
italiano, al punto da convincere Maggi ad abbandonare il progetto. Quello suonato su Automat
rimarrà così l’unico esemplare di MCS70 prodotto, destinato a finire nelle mani di Patrizio Fariselli,
il quale lo utilizzerà su Tic&Tac degli Area.

Un brano: Droid
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1979 BAFFO BANFI Ma, Dolce Vita

BAFFO BANFI
Ma, Dolce Vita
INNOVATIVE COMMUNICATION, 1979/1982

L
a via italiana alla kosmische musik, se mai è esistita, passava dalle parti di personaggi
della galassia progressive come Giuseppe “Baffo” Banfi, che alla metà degli anni 70,
parallelamente all’attività di tastierista per i Biglietto Per L’Inferno, sperimentava con
i primi sintetizzatori programmabili, sempre attento a quello che stava accadendo dalle
parti di Berlino. Nel ’75, durante una tournée in Belgio, Banfi conobbe l’ex Tangerine Dream Klaus
Schulze, il quale avrebbe dovuto produrre il secondo album del Biglietto, Il Tempo Della Semina.
Il fallimento della Trident fece naufragare il progetto, aprendo però alla collaborazione fra i due
musicisti, che portò Banfi alla pubblicazione di tre album per la Innovative Communication, la label
di Schulze. Se sul primo, Galaxy My Dear (1978), a dominare era una ambient fantascientifica e
una narrativa spacey fatta di scenari cosmici minimali, pulsazioni elettroniche e modulazioni di
frequenze che suggerivano l’attraversamento di nebulose lontanissime, sul secondo Ma, Dolce
Vita il discorso si faceva più personale. In brani come Oye Cosmos Va Banfi tratteggiava seducenti
scenari futuribili in cui loop ed effetti si stratificavano su melodie mediterranee di accecante nitore.
Astralunato era cocktail music per aperitivi su Venere; Vino, Donne E Una Tastiera suonava come
Vangelis alle prese con uno spaghetti western e aveva il calore del tramonto osservato da qualche
luna lontana. Un orizzonte ottimista e affascinante il suo, che virava improvvisamente su immaginari
carpenteriani con i 17 minuti di Fantasia Di Un Pianeta Sconosciuto, magniloquente tour de force che
occupava il secondo lato in un crescendo ritmico di assoluta suggestione. Banfi fece ancora in tempo
a pubblicare il successivo Heart (1981) prima dedicarsi interamente alla produzione video. Tornando
sporadicamente sulle scene in veste di musicista, a rivendicare il proprio ruolo di visionario pioniere.

Un brano: Oye Cosmos Va

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 GUIDO BOLZONI Happening 1969

GUIDO BOLZONI
Happening
LUV, 1969

A
lla fine degli anni 60 Guido Bolzoni fu fra i pochi in grado di percorrere un sentiero
artistico del tutto personale che non fosse compreso nei circuiti del tardo beat e del
cantautorato tout court. Nativo di Lecco, si era trasferito a Pavia per intraprendere
gli studi di medicina, e all’attività di medico ritornerà una volta abbandonato il
mondo dello spettacolo. L’intelligenza onnivora e la naturale predisposizione alla socialità lo
spinsero a trasformare la propria casa in un laboratorio culturale frequentato da artisti e poeti e
a intraprendere una carriera di musicista che, fra le altre cose, lo avrebbe portato a una tournée
svedese con Dario Fo e a comporre brani per Mina. Nel ’69, prima di diventare il leader del gruppo
pop pavese I Numi, ebbe il tempo di incidere un album diventato negli anni oggetto di culto carbonaro.
Happening usciva per la Luv, l’etichetta personale di Bruno Lauzi, ed era un lavoro diviso fra elegante
musica d’autore e visionarie deviazioni lisergiche. Guidato da una continua tensione poetica e dal
gusto raffinato di Bolzoni, per il quale fare poesia significava mettere in musica scenette pastorali e
vignette allegramente nonsense, l’album nascondeva un asciutto pessimismo interpretato attraverso
gli occhi trasognati dell’artista. Musicalmente consapevole di quello che accadeva fuori dai confini
italiani, in particolare nel mondo anglosassone, Bolzoni affrontava le canzoni come un Dylan
mediterraneo, affastellando citazioni colte con uno stile colloquiale e farsesco che conferiva ai brani
un tocco popolare e naif. Gli arrangiamenti, minimali e spigliati, andavano dal R&B euforicamente
screziato di lounge (quello della canzone che dava il titolo all’album) alle ballate folk ipnotiche e
stralunate (come nel caso della dolcissima Girotondo), a cui organo e flauto donavano un tocco di
caldo esotismo psichedelico.

Un brano: Il Solitario Ritorno Di Valentino

• | 17 | •
1970 SANDRO BRUGNOLINI Underground

SANDRO BRUGNOLINI
Underground
RECORD TV DISCOGRAFICA, 1970 / SONOR MUSIC EDITIONS, 2014

Q
uello delle sonorizzazioni (la musica di accompagnamento per documentari,
servizi giornalistici e sceneggiati) è un universo di suoni e colori solo parzialmente
esplorato. A quei dischi, realizzati in pochissime copie e non destinati al mercato
tradizionale, per molto tempo non fu attribuita neppure dignità artistica. La loro
riscoperta ebbe inizio nei primi anni 2000 ad opera di etichette come Ghost Box, che incorporavano
alcuni di quei frammenti all’interno di un contesto retrofuturista. Per i musicisti coinvolti il compito
di creare musica applicata poteva essere svolto come mera commissione, assemblando in fretta
e furia qualche banalità jazz o qualche generica suggestione etnica, oppure in modo creativo,
realizzando musica che difficilmente avrebbe potuto trovare sbocco sul mercato ordinario. È il caso
di Brugnolini, jazzista e compositore che aveva esordito con la Modern Jazz Gang e che sin dal ’63
si dedicava con successo alle colonne sonore. Verso la fine del decennio aveva iniziato a incorporare
all’interno della sua musica le sonorità metropolitane del prog e della psichedelia, per un sound
sempre più complesso e stratificato che raggiunse la sua massima definizione nella doppietta di
album Overground/Underground. Quest’ultimo si articola in 13 frammenti dai titoli curiosi e, a
partire dall’iniziale Psichefreelico, rappresenta uno dei più innovativi contributi dell’Italia alla causa
psichedelica. Un entusiasmante viaggio in cui deliri etno jazz (con wah wah voraci, sfarfallii di organo
e fuzz) si alternano ad atmosfere misteriosamente sci-fi costruite su sonorità protoelettroniche e
sui ritmi sudati del funk, in un sofisticato mix di violenza e sensualità. L’album, diventato negli anni
oggetto di culto, è stato recentemente ristampato, dando così il giusto risalto a brani che sarebbe
stato criminale relegare a mero commento sonoro.

Un brano: Reiteratòico

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 ALBERTO CAMERINI Cenerentola E Il Pane Quotidiano 1976

ALBERTO CAMERINI
Cenerentola E Il Pane Quotidiano
CRAMPS, 1976 / CBS, 1990

L
asciamo da parte per un momento l’Arlecchino elettronico che ad un certo punto si
è impossessato di Alberto Camerini e concentriamoci sul cantautore italobrasiliano
degli anni 70. Ad appena 25 anni, Camerini poteva già vantare un pedigree di tutto
rispetto. Un artista cresciuto nell’alveo del movimento e un habitué dei festival di Re
Nudo che aveva condiviso esperienze con tutta la Milano alternativa. Da chitarrista, poi, brillante
e fantasioso qual era, era finito perfino a calcare il palco di Sanremo. Come cantautore, infine,
pubblicava nel ’76 il suo esordio per la Cramps, prodotto dall’amico Eugenio Finardi (già con lui nel
gruppo Il Pacco) che con l’etichetta di Gianni Sassi aveva esordito l’anno precedente. Con Finardi,
Camerini condivideva l’estraneità al prog rock e un cantautorato sanguigno e informale, ma finiva
per differenziarsi per via delle ritmiche inarrestabili e delle nuances latine con cui rivendicava le
radici sudamericane. Ad accompagnarlo una specie di dream team del pop milanese (da Fariselli
a Tofani, passando per Lucio Fabbri e Pepè Gagliardi) che dava vita a un suono ricchissimo;
una contaminazione fra rock, funk e musica popolare dominata dalla personalità febbricitante
dell’autore. Nell’anno in cui il Parco Lambro metteva in luce le crepe del movimento giovanile,
Camerini cercava un modo nuovo per descrivere la metropoli e le sue contraddizioni. La difficoltà
dei giovani a rapportarsi ad una realtà alienante trovava dignità poetica nello stupore fiabesco
con cui venivano trattati i temi della dipendenza, delle tribù metropolitane e dell’invasività del
mezzo televisivo. Il tutto culminava con il brano Cenerentola: un tour de force musical-narrativo
che seguiva le vicende di una ragazza qualunque fra le spire di un sabato sera metropolitano,
dove Camerini, come un Lewis Carroll sotto Mandrax, riusciva a mescolare Area e Lou Reed e ad
anticipare la vena dissacrante degli Skiantos.

Un brano: Cenerentola
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1974 JURI CAMISASCA La finestra dentro

JURI CAMISASCA
La finestra dentro
BLA BLA, 1974 / GDR, 2011

S
e il nome di Juri Camisasca è indissolubilmente legato a quello di Franco Battiato
i motivi sono molteplici. Tanto per cominciare è il maestro siciliano a scoprirlo nei
primi anni 70. All’epoca, poco più che ventenne, Camisasca è una persona schiva, non
riconducibile ad alcuna formazione politica e sociale della galassia giovanile. Battiato
lo introduce alla Bla Bla, ne produce il primo album e lo coinvolge nei suoi progetti. Dopodiché
Camisasca scompare dalle scene per farsi monaco benedettino e tornare alla musica solo nell’88
con un album (Te Deum) ispirato ai canti gregoriani. Questo solo per inquadrare un lavoro come
La Finestra Dentro, album attraversato da un estremo senso di disagio umano e spirituale che si
risolve in liriche esistenzialiste e pervase da un senso del grottesco, ai limiti della crudeltà. Un
excursus visionario su incubi kafkiani (Metamorfosi) e inferni boschiani (Scavando Col Badile)
che avrebbero fornito materiale di prim’ordine a schiere di psicologi, ma che, in tempi in cui lo
slogan “il privato è politico” furoreggiava, costituivano l’analisi spietata e pessimistica di una
realtà che tendeva a schiacciare l’individuo. Oltretutto quei brani Camisasca non si limitava a
cantarli, ma li interpretava con un uso spregiudicato della voce, passando da una certa fierezza
tardo beat ai barbagli agonizzanti di Un Galantuomo. Su tutto dominava una specie di tensione
primigenia a cui contribuiva un comparto musicale (costituito dalle percussioni ancestrali di Lino
Capra Vaccina e dall’elettronica organica del VCS3 suonato da Battiato) impegnato in un folk
esoterico e minimale, brutalizzato da improvvise impennate di violenza. I vibrati misticheggianti
de Il Regno Dell’Eden chiudevano l’album con un ottimismo posticcio che, se possibile, suonava
ancora più disturbante nel suo lasciar presagire un percorso spirituale di cui il disco rappresentava
solo il primo e necessario passo.

Un brano: Un Galantuomo
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 CANZONIERE DEL LAZIO Miradas 1977

CANZONIERE DEL LAZIO

Miradas
CRAMPS, 1977 / MERCURY, 1994

L
a ricerca di una canzone politica che esulasse dai cliché della musica commerciale
passò anche in Italia dalla riscoperta del patrimonio popolare e rurale. Studi
etnomusicali ed ensemble folk come la Nuova Compagnia Di Canto Popolare di
Eugenio Bennato e Roberto De Simone e il Gruppo Folk Internazionale di Moni
Ovadia furono protagonisti della stagione dei festival itineranti, in un clima di contestazione della
massificazione dei linguaggi angloamericani. A interpretare questa tendenza in modo originale
c’erano anche i romani Canzoniere Del Lazio, che alla militanza politica avevano regalato l’inno
Su Comunisti Della Capitale, ma che ben presto avevano contaminato il loro repertorio di stornelli e
tarantelle dell’Italia centromeridionale con i suoni del jazz e del rock. In questo senso il loro album
del ’74, Lassa Stà La Me Creatura, rompeva gli schemi della canzone tradizionale per dar vita a una
psichedelia etnica ed esoterica che testimoniava la trasformazione in atto nella cultura contadina.
Negli anni seguenti il collettivo si rendeva protagonista di scorribande sempre più profonde nei
territori dell’avanguardia e di importanti esperienze artistiche che culminarono in una tournée
africana sponsorizzata dal Ministero degli Esteri. A quel punto il gruppo si era plasmato attorno
al polistrumentista Carlo Siliotto, unico superstite della formazione originaria, ed era approdato
dalle parti di un sound panetnico in cui flauti e mandolini flirtavano con strumenti della tradizione
africana e mediorientale. Le voci contadine si erano trasformate in un frenetico e chiassoso vociare
metropolitano e il folk di tutti gli angoli del globo si mescolava a colori gitani, aperture free jazz
e oasi minimaliste. Era la musica di Miradas, capolavoro prodotto da Paolo Tofani degli Area e
uscito per la Cramps nel ’77. Il punto di arrivo di una ricerca che rispondeva alle contraddizioni
della modernità con l’idea di un’unione delle periferie del mondo.

Un brano: Nu Gatto Come Nu Lione

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1977 ENZO CARELLA Vocazione

ENZO CARELLA
Vocazione
IT, 1977

V
ocazione rappresenta in realtà un doppio esordio. Da una parte quello di Enzo
Carella, cantautore originale e raffinato, vissuto ai margini del successo salvo
la breve incursione ottenuta con il brano Barbara, che gli valse il secondo posto
al festival di Sanremo del ’79. L’esordio, però, in questo caso è anche quello di
Pasquale Panella, poeta e paroliere controverso, affabulatore di vignette ermetiche fino alla
pedanteria che legherà il proprio nome a quello di Lucio Battisti. I due si conobbero alla metà
degli anni 70 grazie al produttore Alfonso Bettini e scoprirono di intendersi subito alla grande,
anche se, ammetterà il musicista, “dei testi di Panella non si capiva un granché”. Eppure quel
modo elegante di scrivere, di giocare in maniera irriverente con metafore a calembour lessicali
si sposava perfettamente con gli arrangiamenti di Carella, leggeri e giocosi come la sua voce.
Ricchissimi di spunti ritmici e melodici che pure faticavano a ritagliarsi uno spazio nella scena
progressive. Si arrivò così a Vocazione: un album che guardava al futuro quasi inconsapevolmente.
Nel ’76 in Italia si sapeva poco di new wave, ma le contaminazioni fra rock, jazz e funk, i suoni puliti
e gli arrangiamenti inusuali parlavano esattamente quel linguaggio, seppur privi di prosopopea
artistica. Carella guidava una formazione stellare (di cui facevano parte il tastierista Paolo
Rustichelli e Fabio Pignatelli dei Goblin) e la conduceva in una sequenza irripetibile di gemme pop
in cui gli arrangiamenti morbidi scorrevano via con una fluidità che nascondeva la complessità
delle trame musicali. Poco più di 30 minuti di puro surrealismo in cui i vagheggiamenti panelliani
trovavano posto fra le architetture asimmetriche; in cui dominavano i colori pastello, ma non
mancavano le oasi di sensualità e di languida acidità psichedelica. Un album di incredibile
modernità che proiettava il pop italiano già negli anni 80.

Un brano: Malamore
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 CHRISMA Chinese Restaurant 1977

CHRISMA
Chinese Restaurant
POLYDOR, 1977 / SPITTLE, 2014

F
orse sono stati davvero la cosa più vicina al punk accaduta allo Stivale. Di certo, del
punk hanno saputo interpretare lo spirito teatrale e decadente, il focus sul presente
e la propensione al gesto eclatante. Come nel caso della famosa automutilazione di
Maurizio Arcieri di fronte a un pubblico ostile e ancora fortemente ideologizzato.
E pensare che il bel Maurizio, con i New Dada, era stato uno dei protagonisti della gloriosa
stagione del “bitt”. Poi era arrivata lei: Christina Moser, sua giovane fan di origini svizzere,
a fungere da detonatore artistico e sentimentale, al punto che era difficile distinguere l’uno
dall’altro. Negli anni 70 i due si erano trasferiti a Londra, restando così esposti ai suoni di una
generazione che non era più la loro ma che avevano abbracciato con entusiasmo critico. Rispetto
a quello che avveniva in Italia nel ’77 i Chrisma si muovevano a un’altra velocità. Il primo album,
registrato a Londra nei Nemo Studios di Vangelis, superava il punk a sinistra, puntando piuttosto
al glam fantascientifico degli Ultravox!, al krautrock più meccanico e alla fascinazione per il Bowie
berlinese. Un lavoro che si apriva fra sbuffi protoelettronici che sarebbero potuti uscire da qualche
cantina di Sheffield e sviluppava la propri poetica fra cabaret sintetici di decadenza weimariana,
tappeti di ritmiche motorik e anticipazioni di quell’electropop che li avrebbe resi famosi al volgere
del nuovo decennio. Tanto vale dirlo: poche volte, almeno fino a quel momento, il pop italiano
era stato proiettato così consapevolmente verso il futuro. Spiritualmente ed esteticamente. In
quell’appropriarsi dei modelli anglofoni e mitteleuropei fino a fonderli con una maliziosa sensibilità
mediterranea. Ma anche in quella messinscena, così misurata nel suscitare un accettabile livello
di oltraggio, che li proponeva come nuovo e credibile modello di rockstar.

Un brano: Black Silk Stocking

• | 23 | •
1963 PIERO CIAMPI Piero Litaliano

PIERO CIAMPI
Piero Litaliano
CGD, 1963/1990

N
el documento d’identità, alla voce professione, Piero Ciampi aveva scritto
“poeta”. È stato l’unico vezzo di un artista votato alla contestazione dei formalismi
sociali, del conformismo piccolo borghese e della riverenza nei confronti degli
intellettuali. Aveva sempre preferito farsi voce di quelle vite ai margini della
società, assecondando un’ispirazione che lo avrebbe portato a frequentare i luoghi più oscuri
dell’animo umano. Alla fine degli anni 50 Ciampi tiene il suo praticantato esistenzialista proprio in
Francia, dove per un po’ vive di espedienti, beve molto, frequenta scrittori, poeti e musicisti. Alla
fine torna con il titolo dell’album già pronto: Litaliano, com’era conosciuto per le bettole di Parigi,
ma senza l’apostrofo. Con la sua Livorno nel cuore si trasferisce a Milano, dove l’amico Gianfranco
Reverberi lo introduce in CGD e inizia a musicarne i testi. Nel ’63 esce così il suo primo album.
Passeranno otto anni prima di avere un seguito e non è difficile capire il perché. Le 12 canzoni che
lo compongono parlano d’amore, ma piuttosto che cantarne l’ebrezza si soffermano su dolore e
sofferenza. Va da sé, lo fanno con versi di sommessa e assoluta disperazione, immersi in un trionfo
di archi che per contrasto ne esalta misura ed eleganza. In realtà le parole di Ciampi di musica non
avrebbero neppure bisogno. I suoi sono versi che celebrano il ricordo di amori sfioriti o relazioni in
procinto di esalare l’ultimo respiro; parlano di congedi, abbandoni, solitudini e, inesorabilmente,
morte. Senza recriminazioni ma con la consapevolezza che aggrapparsi a un sentimento può
essere un rimedio alla caducità delle cose preziose. Non ci sono e non ci saranno brani tanto
fantasticamente dolorosi come L’Ultimo Minuto, ma l’Italia ottimista del boom economico non è
pronta a tributare successo a quel giovane uomo che sembra già pronto a congedarsi, dopo aver
conosciuto tutto il male che l’amore può fare.

Un brano: L’Ultimo Minuto

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 LUCIANO CILIO Dialoghi Del Presente 1977

LUCIANO CILIO
Dialoghi Del Presente
EMI, 1977 / DIE SCHACHTEL, 2013

D
ura appena mezz’ora il testamento musicale di Luciano Cilio. Mezz’ora in cui
bellezza e stupore si fondono a una sommessa malinconia che risalta per
contrasto rispetto ai progetti più colorati e vitali del pop partenopeo di cui è stato
protagonista. Singolare figura di intellettuale multidisciplinare, Cilio ha saputo
coniugare la sua intensa attività musicale con gli studi di architettura, la passione per cinema e
teatro e in generale con l’esplorazione del rapporto fra musica e immagine. La sua preparazione
musicale aveva radici classiche ma si era contaminata con il nuovo pop, portandolo a collaborare
con una famiglia allargata di musicisti che di cui facevano parte Alan Sorrenti e la sorella Jenny,
Tony Esposito e Armando Piazza. Come compositore aveva abbracciato gli studi di John Cage ma
se n’era distaccato per andare alla ricerca di una musica che non fosse ancora stata ascoltata.
È così che nascono questi frammenti, scandagliando nient’altro che l’universo interiore del loro
autore. Una parabola di solitudine divisa fra pragmatismo neoclassico e misticismo etnico. Ma
anche un affresco minimalista di tersa bellezza, fatto di soliloqui per chitarra acustica, droni di
voci femminili e rarefatte meditazioni pianistiche che si coagulano quasi per necessità in melodie
umbratili. L’anima partenopea dell’autore fa capolino con immagini di un subconscio agreste: un
precipitato spirituale che riaffiora avvicinando le atmosfere dell’album a quelle degli Aktuala.
Composti nel ’69, questi quattro movimenti (più un interludio) vennero pubblicati solo nel ’77.
Per Cilio, morto suicida nel 1983, resteranno l’unica testimonianza di un talento innato. Almeno
fino alla riscoperta di sei frammenti inediti, inclusi nelle ultime ristampe. In quella del 2004 a
scrivere le note di copertina sarà Jim O’Rourke, che paragonerà il “testamento emotivo” di Cilio
a quelli di Bill Fay e Nick Drake.

Un brano: Primo Quadro “Della Conoscenza”

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1977 ALFREDO COHEN Come Barchette Dentro Un Tram

ALFREDO COHEN
Come Barchette Dentro Un Tram
IT, 1977 / M. P., 1998

F
ernanda Pivano, che di quest’album curò la presentazione, scriveva che era stato un
fatto di cronaca (“due omosessuali ammanettati dalla polizia in un cinema”) a scatenare
nell’autore il desiderio di comporre canzoni. Fino a quel momento Alfredo D’Aloisio (questo
il nome all’anagrafe) era stato attore teatrale, poeta, attivista LGBT. A guidarlo in ogni sua
veste era il desiderio di combattere l’ipocrisia raccontando l’universo omosessuale senza filtri e senza
clamori. Allo stesso modo, come cantautore, metteva in scena il suo mondo con la sola concessione di una
composta ironia e di un virtuosismo recitativo che lo avvicinava alla forma del “teatro canzone”. Un caso
unico nel panorama della canzone italiana, che pure in quegli anni portava allo scoperto sacche di società
civile di cui si era sempre pensato fosse poco opportuno parlare. Il suo unico album Cohen lo pubblicò
nel ’77, grazie a un Franco Battiato che ne riconobbe il talento e che per lui curò arrangiamenti sospesi
fra compite orchestrazioni e fiero minimalismo. Il resto era frutto dell’istrionico Cohen che, in appena 12
pezzi, riusciva a fornire un quadro multidimensionale di che cosa significasse amare una persona dello
stesso sesso nell’Italia di quegli anni. Nessuna rivendicazione orgogliosa, solo un bisogno cronachistico
di raccontare situazioni di emarginazione e violenza, di denunciare bigottismo e ignoranza con un disco
carico di compassione ma tutt’altro che contrito. Non mancano infatti gli spunti ironici (Il Signor Pudore),
gli sberleffi satirici (Signor Tenente) e gli scampoli di poesia surreale (Dolce Ragazzo Vai Componi Prati)
nei quali era ancora più evidente come il Cohen cantante fosse diretta emanazione dell’attore. Appena
due anni più tardi la sua carriera musicale giungeva all’epilogo con il singolo Valery, brano ispirato a un
transessuale bolognese che Battiato riadattò per Milva poco tempo dopo con il titolo di Alexander Platz.

Un brano: Tremila Lire

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 FRANCESCO CURRÀ Rapsodia Meccanica 1977

FRANCESCO CURRÀ
Rapsodia Meccanica
ULTIMA SPIAGGIA, 1977 / GIALLO, 2015

I
l clima di conflitto e vivacità culturale instaurato nel corso delle lotte operaie susseguitesi
in Italia dalla fine degli anni 60 aveva permesso la nascita di figure come Francesco
Currà, il ventinovenne poeta, musicista e sperimentatore che nel ’77 incise uno dei primi
album “industriali” mai prodotti in Italia. E attenzione, per “industriale” si intende un
disco costruito davvero con i suoni della fabbrica. Tutti rumori che Currà, in qualità di fresatore
all’Ansaldo di Genova, conosceva bene. Nasceva così uno degli album più incredibili fra quelli
pubblicati dall’Ultima Spiaggia di Ricky Gianco e Nanni Ricordi, etichetta che in quanto a stranezze
non temeva confronti. Nell’intento di superarsi la label metteva a disposizione dell’artista una
schiera di musicisti alle prese con veri arnesi da lavoro, guidati da Roberto Colombo che per
l’occasione allestiva una musica d’ambiente ferocemente atonale, un flusso continuo di pattern
metallici e carillon siderurgici. A dirla tutta l’operazione non era del tutto nuova. L’intento di Currà
era infatti quello di trasmettere il senso di spersonalizzazione e di allucinata ripetitività del luogo
in cui lavorava. Il mezzo scelto, la violenza espressiva e la poetica nichilista fotografavano il senso
di spaesamento in modo documentaristico. In quel rapporto velenoso fra l’uomo e la macchina
al primo non restava che restarne sopraffatto e rinunciare alle proprie virtù. Ecco perché in testi
come Non Mi Parlare Di Rivoluzione e Quanto Dura Il Mio Minuto (che Currà intonava in modo
scomposto, animato da autentico risentimento) c’era ben poco della fiducia e del fiero senso di
appartenenza alla classe operaia. Ad emergere era piuttosto un ritratto amaro, in cui la fabbrica
appariva come il luogo in cui si infrangono i sogni di unità e l’unico orizzonte realistico è quello
della busta paga, esibita come un feticcio sulla copertina del disco.

Un brano: Non Mi Parlare Di Rivoluzione

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1974 DEDALUS Materiale Per Tre Esecutori E Nastro Magnetico

DEDALUS
Materiale Per Tre Esecutori E Nastro Magnetico
TRIDENT, 1974 / AMS, 2014

I
Dedalus furono fra i protagonisti della terza edizione del Festival di Musica d’Avanguardia
e di Nuove Tendenze tenutasi a Napoli nel ’73. Il collettivo di Pinerolo, costituito dai fratelli
Di Castri, Marco e Furio, Fiorenzo Bonansone ed Enrico Grotto, si era formato agli albori
della sbornia jazz rock nel tentativo di fondere ricerca musicale e militanza, ma aveva
incontrato difficoltà a rapportarsi con le case discografiche, che consideravano il progetto troppo
concettuale. Dal contratto con la Trident, arrivato grazie al clamore del Festival, scaturirono due
album che tentavano di smarcarsi dai canoni anglosassoni. Prima un lavoro omonimo che seguiva
in modo funambolico la strada tracciata dal Miles di Bitches Brew ma poi virava verso un sound
sperimentale fatto di incursioni elettroniche e microinnesti di materiale alieno. Quindi un secondo
album in cui questo “materiale” viveva di vita propria, naturale output dell’impegno politico in
occasione del referendum sul divorzio e della radicalizzazione intrapresa dal progetto tramite
l’assimilazione dei linguaggi d’avanguardia dell’epoca. In questo senso i Dedalus cercavano
davvero di creare musica mai sentita e per farlo bisognava necessariamente ridurre le forme
conosciute in poltiglia, destrutturarle ed estrapolarne gli elementi primari per costruire qualcosa
di nuovo. Tutto questo portava ad un album ferocemente antimusicale, programmaticamente
diverso anche da ciò che circolava in ambito underground. Un campionario di acquerelli dadaisti,
free jazz in caduta libera, assemblaggi aleatori di sonorità concrete e recitati che affondavano
in drones d’archi ed elettronica spastica. Per come lavorava apertamente su formati conosciuti
(e riconoscibili) della canzone popolare, l’album non aveva nulla di freddo e museale. Tanto che,
ancora oggi, in occasione delle ultime ristampe, continua ad offrire spunti a nuove generazioni
di sperimentatori sonori.

Un brano: Spazio Di Sei Note

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 EASY GOING Easy Going 1978

EASY GOING
Easy Going
BANANA, 1978

C’
è un filo rosso che lega l’horror gotico di Dario Argento alla spensieratezza
ipersessualizzata dell’italo disco. Un filo che passa dalle dita di Claudio
Simonetti e da quel funk che il musicista aveva già sperimentato con i Goblin.
Nel ’78 l’Italia era letteralmente invasa dai ritmi della disco music che Roma
celebrava al Mais e all’Easy Going, i club storici regolarmente frequentati da vip come Bianca
Jagger e Gerard Depardieu e da produttori discografici come Giancarlo Meo. Fu quest’ultimo
a reclutare Simonetti (che aveva appena messo in soffitta i Goblin) per un progetto dance dal
respiro internazionale. Individuato l’uomo immagine nel DJ dell’Easy Going, Paolo Micioni, non
restava che dare al gruppo il nome del locale di Via della Purificazione. Fra il ’78 e l’82 gli Easy
Going produssero quattro dischi in cui il funk “suonato” veniva progressivamente sostituito da
un’elettronica moroderiana, ma fu il primo album a determinare la profondità storica del progetto.
Con una copertina che cavalcava senza troppi tabù l’estetica LGBT del club, Easy Going conteneva
solo quattro lunghe tracce. Quattro brani che avrebbero fatto scuola nel loro modo esemplare di
far flirtare solarità soul funk e percussioni esotiche, visioni futuribili e falsetti isterici. Una ricetta
ad alto tasso kitsch rappresentata in purezza dalla traccia Baby I Love You, che con il suo incedere
implacabile, i fiati sintetici e la voce di Simonetti resa irriconoscibile dall’uso del vocoder finì
per irrompere prepotentemente nelle discoteche di mezzo mondo. Grazie alle oltre 100mila copie
vendute ed endorsement pesanti come quello del DJ newyorkese David Mancuso, Easy Going
mostrava a tutti che una via italiana alla dance non solo era possibile, ma era anche vincente.
A perseguirla con successo peraltro fu lo stesso Simonetti, che negli anni 80 (è il caso di Gioca
Jouer) continuò sulla strada di una dance meno coraggiosa ma altrettanto redditizia.

Un brano: Baby I Love You

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1973 FABIO CELI E GLI INFERMIERI Follia

FABIO CELI E GLI INFERMIERI

Follia
STUDIO 7, 1973 / MELLOW, 1996

N
el ’68, con la sbornia bitt ormai al lumicino, il napoletano Antonio Cavallaro e la
sua band (Fabio Celi E Il Pop) registravano il singolo T’Ho Vista Piangere che, vuoi
per il timbro potente del cantante, vuoi per gli arrangiamenti soft, si situava più nel
territorio degli urlatori che in quello dei giovani capelloni. Passato appena un anno il
progetto prendeva tutt’altra direzione. Non solo Cavallaro ribattezzava il gruppo, ma lo trasformava
in un quintetto dotato di ben due organi: un Hammond e un Farfisa modificato in modo da suonare
come un Moog. Era solo il ’69, ma la musica della band preconizzava già la stagione del prog italiano,
oltretutto con il tiro hard dei Deep Purple e una maturità da far invidia ai maestri britannici. Peccato
che l’album, registrato per una piccola etichetta locale e snobbato dalla RAI, non trovò distribuzione
fino al ’73, rendendone di fatto dubbia la reale datazione. Davvero Follia è stato inciso nel ’69? Ci
sono indizi che farebbero pensare agli Infermieri come a un seme maligno dei tardi 60s. Le trovate
teatrali e la violenza psicotica, ad esempio, più che rimandare al beat, sembravano anticipare il
disagio del punk. A conti fatti, se davvero la RAI si fosse rifiutata di programmare l’album, qualche
ragione l’avrebbe pur avuta. Sulla title track, ad esempio, Fabio si scagliava contro la corruzione
e il degrado della società inveendo in modo disturbante: “Aumenta il pane, aumenta la benzina,
aumentano le armi... questa è follia”, e giù una risata isterica. Una roba che agli smaliziati ascoltatori
d’oggi strapperebbe un sorriso, ma che ai burocrati delle radio nazionale avrebbe fatto accapponare
la pelle. Il tutto poi è nulla se paragonato alla crudeltà esibita nel testo de L’Artista Sadico, al termine
della quale, durante i concerti, Cavallaro usciva di scena chiuso in un sarcofago, una trovata che, per
quanto inconsapevolmente, bruciava sul tempo Alice Cooper e il suo shock rock.

Un brano: Capestro

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 FRANCO FANIGLIULO Io E Me 1979

FRANCO FANIGLIULO
Io E Me
ASCOLTO, 1979

Q
uando lo spezzino Franco Fanigliulo fece la sua apparizione sul palco dell’Ariston,
nel Sanremo del ’79, sembrò davvero un alieno. Quel tipo dall’aria spiritata
che cantava di “voler vivere alla grande” con mimica e gestualità appariscenti
rimase l’immagine simbolo del Festival di quell’anno. Fu il momento di massima
esposizione per Fanigliulo che, in quel momento, stava perfezionando il suo particolare connubio
fra cantautorato e teatro canzone. Uno stile che aveva entusiasmato la critica al tempo del
primo album (Mi Ero Scordato Di Me), la cui poetica intimista, spesso giocata sui sentimenti di
inadeguatezza e nostalgia, era cantata con una verve istrionica costantemente sopra le righe.
Se ne accorse anche una parte del pubblico che in quel ’79 aveva adottato la sua A Me Mi Piace
Vivere Alla Grande come ironico commentario alla fine degli anni 70 e di uno dei periodi più
travagliati della storia italiana. Il singolo avrebbe dovuto fungere da traino all’album Io E Me,
pubblicato quello stesso anno. Peccato che all’interno ci fossero poche di quelle estroverse trovate
circensi. C’era piuttosto un’umanità messa a nudo con angoscia sommessa (Con Te), bonarie
istantanee di vite ordinarie (La Giovanna) e riflessioni sconsolate alle tre del mattino, con il fumo
di sigaretta che anneriva il soffitto (Marco E Giuditta). L’ironia più dissacrante, però, Fanigliulo
la riservava a sé stesso e ai suoi colleghi quando, in brani come Buffone e L’Artista, li dipingeva
come giullari costretti a guardare gli altri dietro a una maschera, destinati a spacciare al mondo
le sue tristissime verità. Una poetica che, all’alba del nuovo decennio, non avrebbe aiutato a
vendere dischi. Non è un caso che ancora oggi ci sia chi, esaltandone la semplicità, lo ricorda
come “il poeta contadino”. Il portavoce di una sensibilità popolare che faceva a pugni con l’ansia
di modernità propria degli imminenti anni 80.

Un brano: Marco E Giuditta

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1978 FAUST’O Suicidio

FAUST’O
Suicidio
CGD, 1978/2013

N
el ’78 il ventitreenne Fausto Rossi pubblicava Suicidio, un lavoro con cui marcava
subito la sua estraneità da ciò che si poteva ascoltare nell’Italia di quegli anni.
Rossi, cresciuto in una famiglia dell’alta borghesia friulana ricollocata a Milano,
guardava con insofferenza alla generazione del progressive e dei cantautori, avendo
affinato la propria educazione musicale sui dischi di Velvet Underground e Roxy Music piuttosto
che su quelli di Dylan e dei Pink Floyd. Il suo primo album, prodotto da Alberto Radius, provocò
un certo scompiglio fra chi cercava termini di paragone per misurarne la statura. Provarono ad
accostarlo a Renato Zero. Ma Faust’O era quello che Zero avrebbe potuto essere se sotto la scorza
glam non ci fosse stata, in filigrana, la canzonetta. Un provocatore bello e buono, insomma. Uno
che giocava con Eros e Thanatos servendosi di versi velenosi e di arrangiamenti che rimandavano
al vaudeville isterico degli Sparks. C’era, poi, l’ombra di Bowie. La copertina di Suicidio rimandava
direttamente a quella di “Heroes”, ma con quell’atteggiamento scollegato e sopra le righe Faust’O
era portatore di una nuova sensibilità, più vicina al punk d’Oltremanica che all’intellettualismo art
rock. Ogni brano sembrava scritto apposta per infrangere un tabù. Si parlava di sesso (Godi), morte
(Suicidio) e famiglia (Piccolo Lord) fustigando moralismo e inibizioni; esibendo un linguaggio duro,
che assestava stoccate al sistema di valori borghesi senza scadere mai nel turpiloquio. Sull’album
aleggiava un umore sinistro e decadente, figlio di rock mitteleuropeo e dell’algido futurismo degli
Ultravox!, ma anche del funk squadrato dei Talking Heads. Era solo il primo capitolo di una delle
discografie più originali e riverite dell’underground italiano, ma già capace di settare lo standard
con cui avrebbero dovuto confrontarsi i futuri alfieri della new wave tricolore.

Un brano: Godi

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 THE FEED-BACK The Feed-Back 1970

THE FEED-BACK
The Feed-Back
RCA ITALIANA, 1970 / SCHEMA, 2014

C
om’è che un gruppo di colti musicisti di mezza età, con la testa ancora occupata da
teorie dodecafoniche e musica seriale, arrivò a concepire uno dei più conturbanti
album psichedelici pubblicati nel nostro paese? È il mistero che si cela dietro a
quelle trame sotterranee che univano avanguardia, musica applicata e cultura
pop, e che in molti casi finivano per condurre al maestro Ennio Morricone. Dietro alla sigla The
Feed-Back si cela infatti il Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza, il collettivo fondato nel
’64 da Franco Evangelisti, pioniere della musica elettronica in Italia, il quale, invaghitosi delle
teorie di Cage e Stockhausen, tentò di approfondire lo studio di una musica improvvisata in cui
l’esecutore fosse anche compositore. Ai tempi delle prime registrazioni il gruppo vantava musicisti
come Frederic Rzewski (già con il collettivo Musica Elettronica Viva), il pianista Mario Bertoncini
e, naturalmente, Morricone, che con il GINC tornava a cimentarsi in un contesto più sperimentale
dopo i successi ottenuti nel mondo delle sonorizzazioni e del pop. Nel clima estremamente
ricettivo di fine ‘60, gli studi del gruppo finirono per contaminarsi con i semi di quella generazione
psichedelica che a sua volta aveva fatto tesoro dei concetti di improvvisazione e aleatorietà.
Nel 1970, dopo vari cambi d’organico, fu lo stesso Evangelisti a scegliere di introdurre chitarra
e batteria per sviluppare un sound che potesse far proseliti fra i giovani. A quel punto il peso
specifico di Morricone era aumentato tanto da influenzare le composizioni, sempre più in linea con
i sui lavori per il cinema. Il risultato è un album singolare che ingloba grumi di musica concreta e
brani tesi come thriller dall’alto tasso lisergico. Tre lunghe tracce che si muovono fra frammenti
di jazz visionario, tardo beat d’avanguardia ed esotismi spastici, fino a divagazioni kraut condotte
su ritmiche motorik che non avrebbero sfigurato sugli album di Can e Neu!

Un brano: Kumalo
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1972 GARYBALDI Nuda

GARYBALDI
Nuda
CGD, 1972 / VINYL MAGIC, 2017

P
er Pier Niccolò Fossati, detto “Bambi”, la vita rimase segnata il 23 maggio 1968,
la sera in cui Jimi Hendrix si esibì al Piper. Poco prima della morte, avvenuta nel
2014 a 65 anni, vantava ancora di possedere la sigaretta che si era scambiato in
quell’occasione con il chitarrista di Seattle. Ma, a parte questo, l’eredità di Hendrix
fu molto più pesante. La suggestione di quella scienza istintiva plasmò la visione del giovane
genovese al punto da farne uno dei veri geni italiani dello strumento. All’epoca, nei tardi 60, Bambi
Fossati suonava ancora con i Gleemen, con i quali avrebbe traghettato il “bitt” dalle parti della
psichedelia. Con loro incise un album in cui, fra organi floydiani e frammenti di beat lisergico, a
passare in secondo piano era proprio la sua chitarra. Poco dopo la band cambiava nome, iniziava a
comporre pezzi che assecondavano il suo estro funambolico e realizzava uno dei capolavori del nostro
prog apocrifo. Nuda (per cui Guido Crepax disegnò una delle copertine più belle del rock italiano)
è infatti una magniloquente scorribanda hard blues, inevitabilmente scossa da fremiti hendrixiani,
a cui però Fossati donava un tocco personale, dovuto al particolare feeling con lo strumento.
Ad accomunare lo stile di entrambi i guitar heroes era il fatto che nessuno dei due fosse un musicista
troppo tecnico. Nei frammenti strumentali, Fossati (come Hendrix) faceva gemere la chitarra con
suoni mai sentiti. La sua ritmica era feroce e debordante, spezzata da scale e assoli che fluivano in
mille rivoli luminosi senza mai intaccare il groove. A suonare moderno era persino quel suo crooning
“black”, che nell’iniziale Maya Desnuda lo faceva sembrare un James Brown alle prese con una
cavalcata dei Deep Purple. Sul secondo lato faceva capolino il rock sinfonico tout court, riscattato
però da quel chitarrismo istintivo e selvaggio, che faceva di Nuda un diamante grezzo da contrapporre
all’accademia fiabesca del prog.

Un brano: Maya Desnuda

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 GAZNEVADA Gaznevada 1979

GAZNEVADA
Gaznevada
HARPO’S MUSIC, 1979 / SHAKE EDIZIONI, 2009

G
li anni 70 italiani vennero archiviati idealmente dai bolognesi Gaznevada. Un gruppo
nato in seno al movimento, ma che con quest’ultimo era destinato a chiudere i conti.
Nel ’77, quando per la prima volta salivano sul palco per suonare Mamma Dammi
La Benza, si chiamavano ancora Centro D’Urlo Metropolitano. Un nome così calato
nella realtà della controcultura di metà decennio da richiedere un cambio repentino non appena la
questione del punk aveva iniziato a farsi seria. Appena un anno dopo, infatti, il gruppo si esibiva in tre
serate intitolate programmaticamente Gaznevada Play Ramones. In quell’occasione venivano eseguiti
anche i primi brani originali, che del punk avevano lo spirito e il tiro diretto come una martellata sulle
dita ma già risentivano degli ascolti bulimici con cui i membri del gruppo si nutrivano, attingendo
alle ultime novità angloamericane. Quando arrivò il momento di mettere su nastro il frutto di quei
primi e intensissimi mesi i Gaznevada realizzarono il manifesto più entusiasmante del nuovo rock
italiano. Già, perché in quel preciso istante, il sound del gruppo non era punk, non era No wave e
neppure electro. O meglio, era tutto questo insieme, ma in una forma più violenta e radicale. E non
tanto per la brutale abrasività di pezzi come Bestiola e Criminale. A spiazzare maggiormente erano i
frammenti in cui il tiro misurato mascherava un’alienazione psicotica. Le claustrofobiche Nevadagaz
e Donna Di Gomma erano istantanee di un mondo in frantumi, pervase da una demenzialità spastica
che molti, sbagliando, paragonarono agli Skiantos, ma che si ricollegava alla Akron dei Devo o alla
New York dei Contortions. La cassetta usciva per la Harpo’s Music di Oderso Rubini, dopodiché
sarebbe arrivato l’LP Sick Soundtrack e il lento fluttuare verso un sound più commestibile. Ma a quel
punto gli anni 80 erano già iniziati e le ossessioni distopiche di Mamma Dammi La Benza avevano
già prodotto agguerriti proseliti.

Un brano: Donna Di Gomma

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1971 I GIGANTI Terra In Bocca

I GIGANTI
Terra In Bocca
RIFI, 1971/2015

C
he sia il frutto di un titanico atto di coraggio o di un maldestro slancio di presunzione,
l’ultimo capitolo della carriera dei Giganti resta uno degli album più incompresi dei
primi anni 70. Al momento della sua pubblicazione, infatti, Terra In Bocca viene
deliberatamente ignorato da radio e TV. Il panorama pop in quel momento era diverso
da quello spensierato degli anni 60, nel quale la band di Mino Di Martino imperversava fra Festival
di Sanremo e Cantagiro come portavoce della spensierata generazione “bitt”. Gli Anni di Piombo
erano iniziati, portandosi dietro una nuova consapevolezza e gruppi decisi a confrontarsi con
formati artistici diversi da quello della canzonetta. Pochi erano disposti a filarsi una band data già
per sciolta, che per stare al passo con il nascente evo prog allestiva uno sfarzoso concept album
facendosi aiutare da artisti del calibro di Vince Tempera, Ellade Bandini, Ares Tavolazzi e Marcello
Della Casa. Eppure il disco rappresentava il più evidente missing link fra gli intrecci vocali del beat
(reparto in cui i Giganti erano maestri indiscussi), la profondità del cantautorato e l’ambizione lirica
della nuova generazione del ’68. Una vera e propria opera rock che racconta la storia di un giovane
contadino siciliano ucciso dopo essersi ribellato al racket dell’acqua. Si parla di mafia dunque, senza
metafore ma con un impianto drammatico dal prepotente impatto visivo, che più che alle coeve opere
prog rimanda a musical come Jesus Christ Superstar. La storia prosegue con la vendetta del padre
del ragazzo ucciso e un finale dal romantico slancio utopista che oggi può sembrare inopinatamente
ingenuo. Eppure l’opera andò incontro a un sistematico boicottaggio dei media, che ne decretava
l’insuccesso e sanciva la fine del gruppo. Verrà riscoperta solo molti anni dopo e apprezzata come
una delle più sincere storie di ribellione giovanile partorite nell’Italia di quegli anni.

Un brano: Largo Iniziale

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 IL BALLETTO DI BRONZO Sirio 2222 1970

IL BALLETTO DI BRONZO
Sirio 2222
RCA 1970 / SONY, 2011

N
on ce ne voglia Gianni Leone, leader della seconda formazione del Balletto Di Bronzo,
nonché autore del visionario capolavoro prog Ys, ma qui c’è da celebrare la band
che più di ogni altra raccolse i frutti del “bitt” e lo traghettò dalle parti del nuovo
Pop. La prima line up del Balletto, quella marchiata dalla voce sferzante di Marco
Cecioni, nasceva dalle ceneri dei Battitori Selvaggi, complesso che nella Napoli degli anni 60
era cresciuto suonando di fronte ad un pubblico esigente costituito dai militari delle basi NATO.
Al termine del decennio, tracce beat permeavano ancora gli impasti vocali del gruppo. A rendere il
tutto più eccitante c’era però il chitarrismo selvaggio di Lino Ajello, una sezione ritmica che fungeva
da propellente e un songwriting heavy blues capace di improvvise zampate melodiche. Con queste
premesse il Balletto esordiva pubblicando un singolo che suonava come una versione appena più
grezza e manesca di Communication Breakdown degli Zeppelin: in quanto a violenza Neve Calda
aveva ben pochi termini di paragone nell’Italia del ’69. Così come Sirio 2222, l’album d’esordio
pubblicato appena pochi mesi dopo. Un’opera dalle suggestive atmosfere sci-fi e circondata da
un alone di mistero circa la reale composizione della band, visti i nomi fittizi riportati nei credits in
copertina. Negli anni l’album si è guadagnato la fama di lavoro più importante che bello, forse per
via della scarsa coesione che intercorreva fra le evoluzioni space rock di Missione Sirio e gli slanci
orchestrali con cui, in Meditazione, si tentavano i primi esperimenti di rock sinfonico. Resta un’opera
cruciale per il modo in cui dilatava le strutture del beat arrivando a produrre sonorità più dense e
cerebrali, aprendo di fatto la stagione del prog. Ma è anche un lavoro di grande modernità, che in
brani come Eh Eh Ah Ah e Girotondo celebrava la fusione fra l’heavy rock britannico e un modo tutto
partenopeo di intendere il blues.

Un brano: Neve Calda

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1972 JACULA Tardo Pede In Magiam Versus

JACULA
Tardo Pede In Magiam Versus
THE ROGERS, 1972 / BLACK WIDOW, 2007

I
Il polistrumentista Antonio Bartoccetti, anche noto come Anthonius Rex, ha solcato con la sua
figura pittoresca 50 anni di musica underground, restando fedele alla passione per l’occulto
coltivata sin dall’incontro, giovanissimo, con tale Franz Parthenzy, mistico. Con queste
premesse gli esordi della sua prima band, gli Jacula, si tingono di leggenda. Un album dal
titolo In Cauda Semper Stat Venenum, sarebbe stato registrato nel ’69 in Inghilterra, in una chiesa
sconsacrata, e stampato in appena 300 copie, distribuite fra i membri di una fantomatica setta
religiosa. Assai più probabile è che il vero esordio sia questo lavoro del ’72, allegato inizialmente
all’omonimo fumetto erotico e circondato da una mitologia altrettanto curiosa. Bartoccetti avrebbe
allestito la band intorno all’anziano Charles Tiring, un organista settantenne consigliatogli da Alvin
Lee dei Ten Years After(!). Completavano la line up la tastierista Fiamma Dallo Spirito (aka Doris
Norton, sua compagna e collaboratrice fino al 2009) e Franz Parthenzy, che avrebbe preso parte alle
registrazioni in qualità di medium (!!). Da una simile formazione non poteva che scaturire una musica
dalla disturbante aura esoterica. Gli accordi monolitici di Tiring guidavano il gruppo in un viaggio
nelle tenebre costituito da solenni invocazioni in latino, agghiaccianti rumorismi protosintetici e
morbose elucubrazioni horror, che qualcuno considera un esempio di doom ante litteram. Per dire, i
Black Sabbath avevano esordito appena due anni prima con canzoni che, rispetto al sound soffocante
degli Jacula, suonavano come fresca brezza primaverile. La band si sciolse poco dopo a causa delle
scarse vendite, lasciando spazio al progetto solista di Anthonius Rex. Bartoccetti sarebbe tornato agli
Jacula solo con l’arrivo del nuovo millennio (questa volta, ahinoi, senza il buon Tiring), concedendosi
ad un culto germogliato nel frattempo da una parte all’altra del globo.

Il brano: Jacula Walzer

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 LE STELLE DI MARIO SCHIFANO Dedicato A... 1967

LE STELLE DI MARIO SCHIFANO

Dedicato A...
BDS, 1967 / AKARMA, 1999

A
utentica bizzarria all’interno di un panorama italico che stava mutando il proprio
approccio al rock, Dedicato A... è uno di quegli album fatti per dividere critica e
pubblico. A fronte di una tiratura originaria di appena 500 copie sono molti quelli
che dagli anni 90 (a seguito di ristampe semiufficiali) hanno ceduto alla sua aura
di mistero. D’altra parte, Le Stelle avrebbero dovuto essere tutto tranne che un progetto per le
masse. Piuttosto l’emanazione di una esuberante scena capitolina che non accettava di perdere
terreno rispetto a Londra e New York. Il gruppo nasceva dal sodalizio fra il chitarrista Giandomenico
Crescentini e il bassista Urbano Orlandi, ma non c’è dubbio che fu Schifano (il quale per mondanità
era la cosa più vicina a una rockstar che ci fosse in Italia) a fornire la visione e la libertà artistica nel
quale si sarebbero sviluppate le loro canzoni. Le Stelle, per come le conosciamo, nascono per animare
Grande Angolo, Sogni Stelle, equivalente “piperino” dell’Exploding Plastic Inevitable warholiano.
Da qui la musica (visionaria e caleidoscopica) e un album che non ebbe un seguito, visto che la band
non seppe riprendersi dal repentino disinteresse del suo mecenate. Negli anni Dedicato A... è stato
spesso oggetto di giudizi ingenerosi dovuti per lo più alla lunga suite free form, Le Ultime Parole Di
Brandimarte..., che occupa il primo lato, dove il gruppo dilata all’estremo il minutaggio al pari di
tante band angloamericane dell’epoca. Il resto del disco rappresenta, tuttavia, quanto di meglio il
rock italiano di fine 60 potesse offrire. Partendo dai fuzz che irroravano l’ipnotico tappeto ritmico in
Molto Alto, fino al folk lisergico di Susan Song, i cui droni di organo e le melodie felpate ricordavano
davvero una versione nostrana dei Velvet Underground. In Molto Lontano, infine, si intravedevano le
prime avvisaglie di quel romanticismo che avrebbe condotto i gruppi della penisola, di lì a breve, sui
sentieri del rock sinfonico.

Un brano: Susan Song

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1977 GIORGIO LO CASCIO Cent’Anni Ancora

GIORGIO LO CASCIO
Cent’Anni Ancora
DIVERGO, 1977

A
Roma, alle pendici del Gianicolo, c’era il Folkstudio, leggendaria fucina di aneddoti
e di cantautori capitolini, in cui si dice che ad un certo punto avesse fatto la sua
timida comparsa persino un Dylan ancora sconosciuto. È qui che a cavallo fra
‘60 e ‘70 iniziarono ad esibirsi giovani artisti come Antonello Venditti, Ernesto
Bassignano, Francesco De Gregori e Giorgio Lo Cascio (i “quattro ragazzi con la chitarra e un
pianoforte sulla spalla” mitizzati anni dopo dall’Antonello nazionale). Gli ultimi due, in particolare,
avevano esordito come duo alla maniera di Simon & Garfunkel, con il nome Giorgio e Francesco.
Ma nel ‘71, appena firmato un contratto con la It, avevano interrotto bruscamente il sodalizio
per un presunto tradimento artistico di De Gregori, che finì a condividere l’esordio discografico,
Theorius Campus, con Venditti. La carriera solista di Lo Cascio partì dunque in sordina, e da
quell’universo sommerso, legato indissolubilmente all’immaginario del Folkstudio, dei cantautori
impegnati e tristanzuoli, non ebbe modo di emanciparsi. Questo nonostante almeno due dei cinque
album registrati fino all’89 andrebbero assolutamente recuperati. Il primo è Il Poeta Urbano, disco
con cui Lo Cascio abbracciava la canzone politica, forte di una poetica personale e forbita. Poco
tempo dopo, nel ’77, quando il movimento giovanile si erano ormai frantumato in mille rivoli,
arrivava questo Cent’Anni Ancora, album che grazie ai numerosi collaboratori (fra cui vale la
pena citare almeno i fiati esotici di Pablo Romero e Roberto Colombo a piano e Hammond) godeva
di un impianto sonoro più ricco e melodioso. Una sorta di dolcissimo folk pastorale, pervaso da
un’amarezza impenetrabile appena stemperata da quadretti classicheggianti come Marco E Luisa
e inni consolatori come Saremo Liberi. Manifesto di una generazione che malgrado le sconfitte
non poteva fare a meno di sperare in un mondo più giusto.

Un brano: Saremo Liberi

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 MAMMA NON PIANGERE N.1 (Musica Bestiame E Benessere) 1979

MAMMA NON PIANGERE

N.1 (Musica Bestiame E Benessere)
L’ORCHESTRA, 1979

A
un certo punto, intorno al ’78, il termine RIO smise di evocare mete esotiche e
iniziò a essere letto come acronimo di Rock In Opposition, movimento fondato
dagli inglesi Henry Cow per promuovere un tipo di musica deliberatamente
anticommerciale. Di quella specie di Europa League dell’avant prog l’Italia fu
protagonista grazie ai milanesi Stormy Six, punta dell’iceberg di una galassia artistica più
complessa che già dal ’73 si era radunata attorno alla cooperativa L’Orchestra. È da quell’humus
artistico milanese e dal connubio inscindibile fra militanza e anticonformismo che i Mamma Non
Piangere iniziarono a mettere in scena il loro cabaret patafisico. Se dal vivo il loro era una sorta
di esilarante spettacolo nonsense a base di sketch, musica e rumori assortiti, il primo album del
’79 ne era una fedele trasposizione. Musica Bestiame E Benessere era il frutto dell’attitudine
goliardica di un collettivo di colti polistrumentisti guidato da Lorenzo Leddi (fratello minore di
Tommaso degli Stormy Six). Un album folle suonato da un’orchestra sgangherata che prendeva
spunti da Zappa, Kurt Weill e dagli stessi Henry Cow e li applicava alle forme della musica
tradizionale e dei canti popolari. Il risultato era decisamente più accessibile (e forse anche più
divertente) di ciò che normalmente si definisce RIO. Un susseguirsi di marcette ubriache, walzer
claudicanti e assurde filastrocche folkloristiche inframezzate da siparietti isterici, sprazzi di
rumorismo acustico e teatrini dadaisti. Forse era troppo per pensare che una formula del genere
potesse avere successo nell’Italia del ’79, ma questo non impedì a Leddi di dare un seguito al
disco. Un anno più tardi, infatti, una formazione totalmente rimaneggiata registrava un album dal
vivo in Sardegna. Un canto del cigno prima dello scioglimento e un incredibile ritorno nel 2016 con
N.3, in cui la vena surreale e geniale del progetto pare non essere stata intaccata.

Un brano: Catarro Cosmico

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1978 ENZO MAOLUCCI Barbari E Bar

ENZO MAOLUCCI
Barbari E Bar
I DISCHI DELLO ZODIACO, 1978

P
er ogni ’68 c’è un Enzo Maolucci. Una voce fuori dal coro che tasta il polso alla
protesta e mostra, a chi ha voglia di ascoltarla, come sia stata in larga parte tradita.
Nel ’78 Maolucci, insegnante trentaduenne con la passione per il rock, la rivoluzione
l’aveva vista sfumare da un pezzo. Dai bar di Torino vedeva le cariche della polizia e
la gente incazzata, quella che si faceva ammazzare e quella che si ammazzava a colpi di eroina.
E scriveva canzoni ferocemente sarcastiche come Chi Ha Interrotto Stockhausen, che fra savoir
fair jazz e frenesia rock’n’roll raccontava un aneddoto realmente accaduto. Era stato lui stesso,
irritato dall’ossequioso codazzo di intellettuali ortodossi che affollavano la platea, a farsi cacciare
dal concerto del maestro tedesco. Sta tutto lì, fra sberleffi e spurghi di bile, con una scrittura di un
realismo spietato e una voce che reclama attenzione. Quella poetica Maolucci l’aveva coltivata
col tempo. Le prime composizioni risalivano al periodo beat, dopodiché aveva sempre gravitato
nell’ambiente musicale, fra scrittura di saggi e conduzioni radiofoniche. Nel ’76 era arrivato il
primo album, L’Industria Dell’Obbligo, cinico affresco su una realtà scolastica che produceva
“catene di ubbidienti che intasano il mercato”. Con Barbari E Bar alzava il tiro. L’obbiettivo questa
volta era la Torino di quegli anni: una metropoli violenta e abbruttita dal grigiore di polveri e
smog, ma non priva di slanci poetici e manifestazioni d’amore; una realtà affollata di personaggi
pittoreschi, artisti decaduti, attivisti disillusi e derelitti di varia natura. Erano i “barbari” del Bar
Elena, disposti a uccidere per una dose, o gli avventori che Al Bar Di Vasco conducevano vite tristi
e banali dopo aver abiurato le utopie giovanili. Era la cronaca di una “Torino che non è New York”
ma che ugualmente aveva le sue odissee quotidiane meritevoli di essere raccontate.

Un brano: Torino Che Non È New York

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 MARGOT Canzoni Di Una Coppia 1963

MARGOT
Canzoni Di Una Coppia
RICORDI, 1963

Q
uando Margot ci ha lasciati, nel 2017, aveva già pronto il suo epitaffio racchiuso
nel brano Per Cosa Dovrei Esser Ricordata. Una canzonetta struggente e leggera,
come tante ne aveva scritte, che ad un certo punto recita: “per qualche amore
senza conclusione / per qualche conclusione senza amore”. Che poi è un po’
il tema dell’album in questione. Intendiamoci, sono molti i motivi per ricordare Margherita
Galante Garrone. Su tutti quello di aver fatto parte di quei Cantacronache che rappresentano
un’esperienza cruciale per l’evoluzione della canzone italiana. Di lei Italo Calvino, autore delle
note di copertina di questo Canzoni Di Una Coppia, diceva avesse due anime. Quella barricadera,
esibita sin dagli esordi a fianco di Sergio Liberovici e Michele L. Straniero, e quella più romantica
e intimista, esplorata nel suo esordio solista. Un lavoro importante sotto vari aspetti: il primo
album pubblicato da una cantautrice (l’esordio di Giovanna Marini arriverà solo qualche mese
più tardi), nonché uno dei primi concept italiani. Al centro di questi otto brani c’è infatti la storia
di una relazione sentimentale, dalla luna di miele all’incerto prosieguo. Nessuna concessione
alle stucchevolezze da canzonetta, né voli pindarici di passionale poesia, solo un rigore estetico
toccante. Da ammiratrice di Brassens, Margot descriveva scenette pittoriche, concentrandosi sui
dettagli ordinari della vita quotidiana (“i sentimenti degli affetti semplici”), entrando in profondità
nell’analisi della “psicologia coniugale” e cogliendo gli istanti di malinconia che costellano una
relazione amorosa. Il tutto con la grazia surreale degli arrangiamenti di Liberovici e una voce tenera
e pungente. Specie quando, su Le Nostre Domande, scritta insieme a Franco Fortini, chiudeva il
disco con un’accesa nota polemica (“Forse una donna vuol sapere troppo, ma anche tu vuoi sapere
e non lo chiedi”) che ne avrebbe fatto uno dei primi casi di canzone femminista.

Un brano: Le Nostre Domande

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1974 MARIA MONTI Il Bestiario

MARIA MONTI
Il Bestiario
RIFI, 1974 / UNSEEN WORLDS 2018

A
scoltate l’incanto che provoca Il Pavone, brano che apre questo incredibile album
e dite se la voce della Monti, così elegante e mesmerica, dilatata in una sorta di
drone ellittico, non rimanda alla Nico di Desertshore. L’accostamento alla musa
warholiana però finisce qui. Sarebbe poco generoso nei confronti della complessa
personalità artistica di Maria Monticelli. Classe ’35, sempre in bilico fra cinema, teatro e musica,
la Monti comincia la propria carriera negli anni 50 andando alla riscoperta del patrimonio dialettale
milanese e collaborando con Gaber (di cui all’epoca è anche compagna e con cui si presenta perfino
al Sanremo del ‘61). Fra i ‘60 e i ‘70 veste senza sosta i panni di attrice e quelli di musicista. Recita
al cinema per Bertolucci e Sergio Leone, si esibisce in teatro con Carmelo Bene e sviluppa uno
stile canoro sempre più sperimentale, naturale evoluzione della sua maestria recitativa. Quando
ricomincia a pubblicare album gli arrangiamenti si fanno più coraggiosi e nelle canzoni introduce
tematiche politiche e femministe. Arriviamo così a Il Bestiario, album che la Monti incide con due
pezzi da novanta come Alvin Curran (sperimentatore statunitense già attivo con il collettivo Musica
Elettronica Viva) e Steve Lacy (sassofonista per Thelonius Monk e Cecil Taylor tra i tanti), costituito
da un peculiare ecosistema sonoro. Su un sottofondo fatto di minimalismo acustico, ciottoli di
musica concreta, disturbi elettronici ed eleganti siparietti jazzy, l’artista interpreta testi composti per
l’occasione dal poeta libertario Aldo Braibanti. Parabole radicali sotto forma di allegorie zoologiche,
cantate con uno stile che mescola crooning struggente e scarti recitativi, per un risultato che va
dalla concitazione colloquiale alla declamazione elegiaca. Il tutto suona spiazzante ma talmente
misurato ed elegante da rappresentare, nel panorama musicale di quegli anni, uno dei più fortunati
connubi fra avanguardia e gusto pop.

Un brano: Dove
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 N.A.D.M.A. Uno Zingaro In Atlante Con Un Fiore A New York 1973

N.A.D.M.A.
Uno Zingaro In Atlante Con Un Fiore A New York
RCA, 1973

Q
uella dei N.A.D.M.A. fu una incursione fulminea nell’arcipelago italo pop di
metà 70s: appena una manciata di mesi trascorsero fra la formazione, l’incisione
dell’unico album per la RCA e una breve ma intensa attività live. Alla fine ognuno
per la sua strada, che peraltro passava solo tangenzialmente da sentieri musicali.
Le cacofonie etniche di Uno Zingaro... erano opera di un gruppo di intellettuali affermati nel campo
delle arti figurative. Il fotografo milanese Davide Mosconi, ideatore del progetto, era stato allievo
di Richard Avedon e vantava frequentazioni come John Coltrane e Salvador Dalì, Bruno Munari e
Cecil Taylor. Nel ’60 si era diplomato al conservatorio e da pianista aveva dato vita all’ensemble
free jazz Il Quartetto. I N.A.D.M.A. erano la naturale evoluzione di quel progetto. Un gruppo di
otto elementi ancora centrato sull’asse piano/tromba, le cui trame improvvisate si tingevano delle
musiche del mondo grazie all’utilizzo di strumenti esotici e al canto arcano e senza parole di Mino
Ceretti. Il tutto era calato nella fase di passaggio fra la fine del sogno comunitario e la nascita
di una controcultura militante, motivo per cui all’etno jazz naturalista degli Aktuala i N.A.D.M.A.
rispondevano con la brutale esplosione rumorista di Homage To Amilcar Cabral ed Energia: violente
improvvisazioni che univano il Coltrane di Ascension e il Don Cherry etnico di Mu ad un’attitudine
spontaneista e primitivista da fine della civiltà. Un sound al tempo stesso catartico e concettuale
che dava il meglio di sé quando lasciava depositare il pulviscolo dell’assalto sonoro, facendo
intravedere un paesaggio di macerie millenarie nel quale gli strumenti sembravano galleggiare alla
maniera del Miles di Bitches Brew. Un musica tesa e trascendentale, percorsa longitudinalmente
da drones di archi e scosse di tromba, che indugiava con fare voyeuristico nella contemplazione
dei resti delle civiltà conosciute.

Un brano: Homage To Amilcar Cabral

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1978 NASCITA DELLA SFERA Per Una Scultura Di Ceschia

NASCITA DELLA SFERA

Per Una Scultura Di Ceschia
AUTOPRODUZIONE, 1978 / AMS, 2008

D
ietro a questo moniker altisonante si cela in realtà l’opera del compositore veneto
Carlo Barbiera, il quale nel ’78, invaghitosi delle prime sperimentazioni con i
sintetizzatori, allestì un progetto ispirato alla vita dello scultore Luciano Ceschia.
Una scelta dettata probabilmente dal fatto che entrambi venivano dalla zona di
Udine, ma assolutamente curiosa, non solo perché l’album (che pure contiene lamenti vocali e
brevi frammenti recitati) può considerarsi un’opera strumentale, ma anche perché Ceschia era uno
scultore votato alle radici ancestrali della propria terra, apparentemente lontano dalla tensione
cosmica e futuribile che risuona in questi solchi. Ad ogni modo l’artista scrisse anche una breve
introduzione all’album, che venne stampato solo in poche copie distribuite privatamente, e che
per questo motivo a lungo ebbe fama di opera leggendaria. Un lavoro spesso impropriamente
inserito nell’alveo del progressive, talvolta in quello della library music. In realtà quello di
Barbiera era un lavoro sfaccettato, caratterizzato da un diffuso utilizzo dell’elettronica con cui
disegnava arie drammatiche e solenni, punteggiate da disturbi digitali, interpolazioni acustiche
ed effetti di varia natura che conferivano al disco una patina di retrofuturismo ingiallito, arcano
e crepitante. Fra i 19 brevi frammenti trovavano spazio curiose divagazioni cosmiche (che non
si dilungavano mai in autoindulgenza meditativa) e miniature che ricordavano la psichedelia
sinfonica di Ummagumma e Atom Heart Mother. Ma la verità è che, col senno di poi, l’album
possiede una patina hauntologica che non lo farebbe sfigurare all’interno del catalogo Ghost Box.
Nel 2007 il disco veniva finalmente stampato ufficialmente (ne esiste persino una versione con
ben 13 bonus tracks, che a dirla tutta ne incrinano l’armonico svolgimento) facendone, al cospetto
degli appassionati, un classico istantaneo.

Ascolta anche: Stelle Cadenti

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 GIANNI NEBBIOSI E Ti Chiamaron Matta 1971

GIANNI NEBBIOSI
E Ti Chiamaron Matta
I DISCHI DEL SOLE, 1971

U
n disco perduto, mai ristampato, dimenticato. Un’eresia di cui la memoria collettiva
ha preferito fare a meno, fino a quando nel 2008, il cantautore Alessio Lega non
sceglieva di celebrare i 30 anni della legge Basaglia reincidendolo integralmente.
In qualche occasione, dal vivo, ad accompagnarlo c’era anche Gianni Nebbiosi,
psichiatra di fama internazionale. Negli anni 70, quand’era ancora studente di medicina, il suo
interesse per la psichiatria e il suo impegno politico facevano tutt’uno con l’attività di musicista
(tra le fila, fra gli atri, del Canzoniere Del Lazio) e di cantautore. Una produzione esigua la sua: una
quindicina di canzoni in tutto suddivise in due dischi. L’album Mentre La Gente Se Crede Che Vola
(del ’74), cantato in romanesco mettendo in scena una serie di vignette naturalistiche cariche di
nostalgia, e questo EP di sei pezzi, prodotto da Giovanna Marini, con cui esordiva nel ‘71. La scelta
tematica non era casuale. Negli anni successivi Nebbiosi sarà impegnato nelle battaglie per una
psichiatria democratica che condurranno all’approvazione della legge Basaglia. Sembra però che
l’ispirazione per questi sei brani sul disagio mentale venisse da un’esperienza vissuta in prima
persona, che Nebbiosi seppe tradurre in testi di crudi e dolorosi. Va da sé, si tratta di un disco che
trasuda sommessa disperazione da qualunque parte lo si guardi. Quella che viene messa in scena
è una storia di anime perdute, destinate all’oblio; consapevoli del dramma in cui si dibattono come
animali nelle sabbie mobili, affondando ogni giorno di più. Eppure, a fronte di frammenti difficilmente
digeribili, in cui le pratiche terapeutiche vengono descritte in tutta la loro crudeltà, il disco ripaga
con momenti di tersa poesia. Nei quali la follia è descritta come manifestazione di una sensibilità
incomprensibile ai più e la malattia è la reazione a una società che condanna gli elementi più deboli
all’emarginazione.

Un brano: E Qualcuno Poi Disse

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1973 OSANNA Palepoli

OSANNA
Palepoli
FONIT CETRA, 1973 / BTF 2010

L
a Napoli degli Osanna è una città ricca di contrasti. Uno dei luoghi che in Italia ha
vissuto per primo l’avvento del rock’n’roll (importato in tempo reale dai militari della
base NATO), ma che ancora nel ’73 deve fare i conti con una epidemia di colera.
È in questo contesto che nasce uno degli album più compiuti del nuovo pop italiano.
All’interno di quel composito panorama la band di Elio d’Anna e Danilo Rustici era conosciuta
come entità sui generis. Fra i primi gruppi in Italia ad adottare una dimensione teatrale, grazie
all’utilizzo di un look ricco di suggestioni (volto dipinto e sai colorati), gli Osanna avevano già
pubblicato un album, L’Uomo, che interpretava in modo originale le sonorità del progressive inglese.
Nel ’73, al vertice dello slancio creativo, inscrivono il proprio nome fra i grandi del prog grazie a
un concept in cui il romanticismo dei King Crimson e il folk blues dei Jethro Tull fanno tutt’uno
con tammurriate e stornelli, fino ad impregnarsi di esuberante melodismo partenopeo. Palepoli
(“città antica” che si oppone a Neapoli, la “città nuova”) è una metropoli metafisica il cui profilo
avveniristico (rappresentato dalle forme più avanguardistiche di rock sinfonico) convive con un
passato vivace e colorato, forse mai realmente esistito, ma che risuona nei colori e nei ritmi della
musica popolare. L’affresco di una società arcaica non ancora corrotta dai disvalori contemporanei,
la cui straordinarietà risiede proprio nella sua modernità: nell’utilizzo del Mellotron e delle tecniche
da studio, nonché nella straordinaria fusione fra passaggi hard e delicatezze acustiche. Un tour de
force di etno rock futuristico che culmina nei 21 minuti di Animale Senza Respiro, laddove l’“animale”
è l’uomo nuovo, dedito al culto dell’ego e destinato alla dissoluzione, che la band disegna con cupi
umori alla Van Der Graaf Generator e una musica carica di misticismo e mistero.

Un brano: Animale Senza Respiro

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 MAURO PELOSI Mauro Pelosi 1977

MAURO PELOSI
Mauro Pelosi
POLYDOR, 1977

P
remesso che tutti gli album del cantautore romano meriterebbero di essere riscoperti,
scegliamo il terzo per via del livido nichilismo di Ho Fatto La Cacca, invettiva
scatologica figlia del ’77 italiano. Ma come era arrivato Pelosi a quel punto? Nei primi
anni 70 si era affacciato sulla scena romana esordendo con un singolo (Vent’Anni Di
Galera/Suicidio) che ne dichiarava la vena profondamente pessimistica, ancorché temprata striduli
slanci di ironia. Gli arrangiamenti tutt’altro che minimali (sul primo album lo accompagnavano Stinga
e Leone del Balletto Di Bronzo) contribuirono all’equivoco che lo voleva legato alla scena progressive.
In realtà il suo era un cantautorato di razza che nel corso degli anni era stato accostato a quello
di Gino Paoli (per il romanticismo contrito e poetico) e di Battisti (per le generose melodie e una
tendenza ad evitare accuratamente l’impegno politico e le frequentazioni romane del Folkstudio).
Nel ’77, dopo due album e quattro anni di silenzio, Pelosi tornava con un lavoro senza titolo in cui
le tematiche esistenzialiste venivano sostituite da una dialettica più profonda e moderna. Più che
canzoni, La Bottiglia e Luna Park sembravano sedute di psicoanalisi collettiva da cui trasparivano
la nostalgia e la solitudine dell’autore. La tiepida fiducia nell’amore veniva affidata a brani che
avevano come protagonisti omosessuali (Claudio E Francesco) e terroristi (Alle 4 Di Mattina).
Ad accompagnarlo ancora una volta personaggi sui generis come Edoardo Bennato, Bambi Fossati
e un Pinuccio Pirazzoli che gli ricamava su misura arrangiamenti fra il pop barocco e il cabaret
dell’assurdo. Un disco, insomma, che dissacrava senza deridere e che si concludeva con quel brano
controverso, il cui titolo avrebbe fatto pensare a una robaccia demenziale e sbracata. In realtà si
trattava di un doloroso spurgo di bile che gli arrangiamenti avant-garde di Pirazzoli facevano suonare
come un requiem per la fine delle utopie.

Un brano: Ho Fatto La Cacca

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1976 PICCHIO DAL POZZO Picchio Dal Pozzo

PICCHIO DAL POZZO

Picchio Dal Pozzo
GROG, 1976 / GOODFELLAS, 2011

N
ella seconda metà degli anni 70 Genova diventava una succursale di Canterbury. I
Picchio Dal Pozzo (con un nome che avrebbe dovuto suggerire quello di un nobile
cavaliere) piombavano nel frastagliato ecosistema del tardo progressive senza
affiliazioni, se non quella che si deduceva dalla copertina del loro straordinario
esordio. La dedica al fantomatico Roberto Viatti rivelava la devozione a Robert Wyatt che, con
la sua musica, aveva fissato le coordinate estetiche del gruppo. Costituitosi nel ’73 intorno ad
Andrea Beccari, Paolo Griguolo, Giorgio Karaghiosoff e Aldo De Scalzi (fratello di Vittorio dei New
Trolls), il gruppo aveva poco in comune con gli eccessi tecnici e narrativi in cui si era avviluppato
il prog italiano. Il loro primo album, pubblicato nel ’76 dall’etichetta Grog (di proprietà dello
stesso De Scalzi) presentava composizioni relativamente brevi, con titoli curiosi come Merta
e Cocomelastico: sketch colorati che conferivano l’idea di qualcosa di antico e surreale, e che
suonavano come versioni mediterranee delle favole patafisiche dei Gong. Mandando a memoria
i dischi di Hatfield And The North e Henry Cow, e utilizzando metodi di composizione aleatori, il
gruppo aveva elaborato una musica fatta di sbilenche miniature jazz, scampoli di minimalismo
acustico e interludi cosmici, avvolta in un nonsense fanciullesco di futurismi protoelettronici,
folk polveroso e filastrocche infantili che corroboravano il clima misterioso e giocoso. Resterà un
momento di lucida follia, non solo all’interno del panorama nazionale ma perfino nella discografia
del gruppo. Passeranno quattro anni (e una breve incursione dalle parti di Rock In Opposition)
prima che i Picchio Dal Pozzo si decidano a tornare con un album (Abbiamo Tutti I Suoi Problemi)
che ne esalterà l’anima jazz rock e l’estro zappiano; gestito con medesima classe ed ironia, ma
privo di quella malinconica naïveté che ne aveva caratterizzato l’esordio.

Un brano: Cocomelastico
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 PIERROT LUNAIRE Gudrun 1977

PIERROT LUNAIRE
Gudrun
IT, 1977 / RCA, 2017

N
el ’74, ai tempi dell’esordio dei Pierrot Lunaire, l’abbuffata prog era ormai alle
battute finali, arroccata in un manierismo autoindulgente fatto di concept sempre
più magniloquenti ed esasperati virtuosismi. In questo senso l’omonimo album
della band di Arturo Stalteri e Gaio Chiocchio rappresentava un punto di non
ritorno, in virtù di un suono elettroacustico su cui spirava una misteriosa brezza barocca, nel quale
clavicembali e spinette facevano la loro bella figura accanto a Moog e Mellotron. Paradossalmente
quegli stessi elementi stavano alla base del loro secondo lavoro, ma a quel punto la visione era
cambiata, nel tentativo di adeguarsi allo spirito sperimentale di quell’Arnold Schönberg che
aveva ispirato il nome del gruppo. Nel frattempo, anche la formazione era stata rimaneggiata.
Con il soprano gallese Jaqueline Darby stabilmente in organico, Stalteri e Chiocchio erano pronti a
sferrare il loro attacco alla tradizione progressive. Sul seguente Gudrun, infatti, i canoni venivano
stravolti, frantumati in un puzzle postmoderno che posizionava i singoli e riconoscibili frammenti
in una dimensione avant-garde. La band premeva sull’acceleratore della sperimentazione
elettronica allestendo un complesso ecosistema di field recordings, loop e distorsioni brutali da
cui affioravano quadretti rinascimentali e inserti neoclassici. L’effetto era straniante e, col senno
di poi, vagamente hauntologico. Soprattutto nell’interpretazione della celebre romanza Plaisir
D’Amour, in cui i vocalizzi trasfigurati della Darby sdrucciolavano fra ronzii di elettronica statica,
chiazze di rumori sintetici e recitazioni astratte. Ancor meglio riusciva a fare la radicale title track,
un affresco steampunk di 11 minuti in cui la band faceva flirtare Vivaldi con il krautrock, indicando
strade che pochi sarebbero stati in grado di percorrere.

Un brano: Gudrun

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1978 RANCID X Voices

RANCID X
Voices
POLYDOR, 1978 / SPITTLE, 2014

Q
uando i primi servizi televisivi sul punk mostravano agli italiani che c’era un modo
creativo di manifestare la insofferenza e inadeguatezza, l’ondata di entusiasmo
che ne scaturì finì per trascinare con sé sonorità e suggestioni unite solo da nemici
comuni quali il prog e la canzonetta. Il punk italiano tentò di colmare il gap con i
cugini anglosassoni senza curarsi troppo di distinguere fra movenze bowiane, suggestioni berlinesi,
prodromi sintetici e tamarraggine hard rock. Spesso tutto confluiva in un’attitudine goliardica, cinica
e nichilista, con risultati ai limiti del parodistico. Ma naturalmente esistevano eccezioni. Su tutti i
Rancid X, autori di uno degli album più intimamente punk, quanto meno per attitudine, uscito nel
biennio ’78-79. Difficile dire se fossero l’unica band della penisola a fondere il rock stonesiano
all’immaginario newyorkese dei mid-70s. Con canzoni che avevano il passo glam dei New York Dolls,
il tiro degli Stooges e le aspirazioni artsy dei Voidoids. Di certo furono i soli ad arrivere al traguardo
dell’LP (l’unico prima dello scioglimento), facendo del loro Voices un caso isolato all’interno del
panorama italo rock del tempo. La band nasceva a Torino, ma si era ricollocata a Milano in tempo
per suscitare l’interesse di una major (la Polydor) ed entrare in studio con il fratello di Vangelis,
Nico Papathanassiou, come produttore. Voices veniva anticipato dal singolo Intoxication, assalto
stoogesiano di incontaminata purezza che surclassava per urgenza e carica innodica quasi tutto
quello che circolava al tempo nel Bel Paese. L’album recuperava solo in parte la violenza del singolo,
più spesso procedeva sinuoso per i vicoli del vizio e del degrado metropolitano con brani dalla poetica
delinquenziale e un rifferama che pareva rubato a Johnny Thunder. Anche per questo, seppur non
privo di qualche ingenuità, resta uno dei lavori più apprezzati ed esportati del nostro primo punk.

Un brano: Old Sex Queen

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 CLAUDIO ROCCHI Volo Magico N.1 1971

CLAUDIO ROCCHI
Volo Magico N.1
ARISTON, 1971 / SONY, 2017

I
I più grande torto che si possa fare a Claudio Rocchi è quello di accostare il suo capolavoro
del ’71 al progressive rock. Rocchi è stato molte cose (agitatore culturale, artista
cosmopolita, menestrello psichedelico e mistico) ma non un musicista prog, genere per il
quale aveva spesso confessato insofferenza. Certo, c’era quel minutaggio imponente dei
brani che arrivava a sfiorare le vette del rock sinfonico, ma questo perché il manifesto italiano
dell’Era dell’Acquario richiedeva un oceano di sonorità elettroacustiche positive in cui sciogliere le
individualità e innalzare preghiere laiche. Questo è Volo Magico N.1. Un punto d’arrivo per Rocchi,
che a 20 anni poteva già vantare esperienze importanti come quella con gli Stormy Six, dai quali
si era separato al momento della svolta politica. E poi i continui viaggi all’estero a intercettare le
tendenze culturali da riproporre nell’ambito dell’underground milanese e di una realtà che stava
introiettando le istanze più violente dello scontro sociale. Chi lo ha conosciuto ne parla come di
un talento naturale, che per il secondo album aveva radunato un ricco ensemble di musicisti, fra
cui spiccava un giovane Camerini e il fraterno amico Mauro Pagani. Miracolosamente i 18 minuti
di Volo Magico non si esaurivano in un misticismo kraut di seconda mano, ma intessevano una
poesia folk che univa la West Coast alle sponde del Gange, passando per le acque del Lambro.
Un gentile tour de force costruito su un songwriting ferreo e ispirato, che si rifletteva nei ritmi
di tablas e tamburi, nei cori visionari, negli arzigogoli di sitar e negli assoli acidi, come in un
continuo rimando fra Oriente e Occidente. A dare un senso al tutto c’era un’irresistibile melodia
e un messaggio perentorio, quello per cui l’amore è destinato a vincere, che lo si voglia o meno.
Cantato con una tale convinzione che per una volta non si poteva fare a meno di crederci.

Un brano: Volo Magico

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1977 STEFANO ROSSO Una Storia Disonesta

STEFANO ROSSO
Una Storia Disonesta
RCA, 1977 / BMG, 2002

U
na decina di album all’attivo, una partecipazione al Festival di Sanremo e omaggi
da tutto l’arco costituzionale del cantautorato italiano, ma per tutti Stefano Rosso
rimaneva quello dei “due amici una chitarra e uno spinello”. Complice il brano che
lo aveva reso famoso, Una Storia Disonesta: ritratto di gioventù post sessantottina
scambiato per un inno alla liberalizzazione delle droghe leggere. D’altronde era facile perdersi
nell’ironia malinconica dei suoi testi. Così quando Stefano Rosso (Rossi, all’anagrafe) è scomparso,
nel 2008, sono stati in molti ad accorgersi di avergli voluto bene, a dispetto di un carattere poco
addomesticabile che dagli anni 80 lo aveva spinto ai margini della scena musicale, e a scorgere
nella semplicità di quelle canzoni le tracce di una romanità colta e libertaria. Quella qualità Rosso
l’aveva coltivata con nonchalance, la faceva vibrare con gentile raffinatezza e la metteva in note
facendo appello alla tradizione degli stornelli popolari e a quella del folk d’oltreoceano, con uno
stile che collegava Nashville alla Tiburtina. Nel ’77, quando pubblicava il suo primo album, fuori
volavano pallottole e lacrimogeni, ma la rabbia delle frange popolari non abitava la sua musica,
dove la gioventù alternativa faceva capolino solo negli aspetti più folkloristici (quelli della title
track e del gruppo di vagabondi de La Banda Degli Zulù). Ok la contestazione, ma Rosso era più
interessato a raccontare la sua Roma vista dalla parte dei poveri e degli sconfitti; sia che dovesse
ricorrere ad una sorta di realismo magico (quando nella splendida Il Circo descriveva la variopinta
umanità che popolava Piazza Santa Maria in Trastevere), sia che ricordasse la sua umile infanzia
con fiero spirito anarchico (Pane E Latte) o con divertita malinconia (Letto 26). L’importante era
mostrare come, anche in tempi difficili, le radici popolari potessero essere rivendicate con poesia
e leggerezza.

Un brano: Letto 26
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 CLEM SACCO Twisted!!! 2011

CLEM SACCO
Twisted!!!
CRYPT, 2011

S
e c’è un filo che unisce tutti i titoli di questo libro è possibile che cominci proprio
da qui. Da quella fisicità scalmanata e da canzoni come Baciami La Vena Varicosa,
simbolo di un’Italia istintivamente lungimirante, che colmava il gap nei confronti
dei modelli stranieri con audacia e fantasia. Ecco allora Clemente Sacco, uno che
avrebbe voluto fare il cantante lirico ma si era imbattuto nel rock. E che più che dalla musica rimase
affascinato da quei corpi in movimento. Magari vi intravide scampoli di una libertà espressiva
fin lì solo anelata e vi si buttò. Anima e corpo. Alla fine degli anni 50, in una Milano sedotta dei
miti di Elvis e di James Dean, Clem si inventava pioniere del rock tricolore. Poco importa che non
fosse più un teenager e che sfoggiasse uno dei ciuffi più improbabili della penisola. Esibirsi per
lui significava spostare ogni volta l’asticella del comune senso del pudore con autentiche follie
come L’Uovo Alla Coque o show deliranti come quello al Teatro Smeraldo costatogli un contratto
con la Durium, in cui Sacco (da culturista e appassionato di peplum) si era presentato sul palco
in mutande leopardate. Con gli anni 60 arrivava il momento di massima visibilità. Prima grazie
al Clan di Celentano, nel quale gli fu chiesto di sostituire il Molleggiato, al tempo in servizio di
leva. Poi con la formazione dei Califfi, la partecipazione a qualche musicarello e la composizione
di canzoni sempre più bizzarre e tarantolate, registrate con la consapevolezza che il tempo dei
passaggi in radio era ormai andato. Fu necessario attendere gli anni 2000 perché si tornasse a
parlare di Clem Sacco, grazie a video che ce lo mostravano nelle sue dirompenti vesti di performer
e che lo avrebbero portato a esibirsi a 70 anni suonati, con la solita divertita furia. Una fama
tardiva giunta anche Oltreoceano, con questa compilation pubblicata nel 2011 dalla Crypt, che
individuava in Sacco uno degli shouter più dotati e originali.

Un brano: L’Uovo Alla Coque

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1973 SAINT JUST Saint Just

SAINT JUST
Saint Just
HARVEST, 1973 / VINYL MAGIC, 2016

N
el panorama del nuovo pop partenopeo dei primi anni 70, i fratelli Jenny e Alan
Sorrenti portavano un tocco cosmopolita. I due, figli di madre gallese, erano
cresciuti coltivando i legami con la cultura anglosassone e una peculiare vocalità
tutta giocata su registri altissimi, dal timbro nitido e ricco di melismi. Assecondando
tale dote, Jenny aveva costituito i Saint Just nel ’73 assieme ai musicisti Toni Verde e Roberto Fix.
In una scena come quella napoletana, in cui si contavano già forme di rock teatrale come quelle
degli Osanna e del Balletto Di Bronzo, i Saint Just sembravano usciti da un diorama ottocentesco
o da un teatrino di bambole vittoriane. Più che prog tout court, il loro era uno sperimentalismo
barocco, per lo più acustico, che rimandava al folk acido di Pentangle e Fairport Convention. Una
musica mistica ed esoterica, che univa Londra e la West Coast alla Positano hippie dei primi ‘70.
Il primo album (cui presero parte il fratello Alan e amici come Tony Esposito e Luciano Cilio), ha
ben pochi termini di paragone con quello che musicalmente stava accadendo nello Stivale. In
brani come Il Fiume Inondò la vocalità della Sorrenti è come una presenza incorporea che guida
l’ascoltatore in un florilegio di soli chitarristici, sgangherati pianoforti fantasma, carillon medievali
e interludi free form. Il tutto si adagia sugli arpeggi fatati di un folk ancestrale, ponte ideale fra la
tradizione celtica e quella mediterranea. Dopo un secondo album con i Saint Just, decisamente
più virato verso il pop, la cantante inaugurava una carriera solista d’alto profilo, addentrandosi
sempre di più nello studio della musica medievale e della tradizione folklorica di tutti gli angoli del
globo. Solo per tornare, nei tempi più recenti, a sfoderare nuovamente il vecchio vecchio moniker
in compagnia del fratello, forte di una nuova e matura consapevolezza.

Un brano: Il Fiume Inondò

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 ANTONIO VIRGILIO SAVONA È Lunga La Strada 1972

ANTONIO VIRGILIO SAVONA

È Lunga La Strada
I DISCHI DELLO ZODIACO, 1972

G
ià dalla seconda metà degli anni 60 Antonio Virgilio Savona, fondatore del Quartetto
Cetra, aveva inaugurato una produzione parallela a quella del gruppo, mosso da
passione civile e fiero attivismo politico. Per promuovere la sua musica aveva fondato
l’etichetta I Dischi Dello Zodiaco, con cui aveva pubblicato, insieme a Gaber, un
curioso adattamento di testi latini (Sexus Et Politica), e riscoperto un autentico patrimonio di canzoni
popolari a sfondo politico. Nel ’72, infine, incideva questo album dallo stile piuttosto vicino alle prime
produzioni di De André, fatto di testi colti, metrica inscalfibile e ironia corrosiva usata per mettere
alla berlina le storture su cui si regge da sempre la società degli uomini. Come il Faber si ispirava
alla tradizione della ballata popolare ma le sue canzoni, benché dotate di maggiore musicalità, si
risolvevano in violenti j’accuse cantati con il tono irriverente della filastrocca. È il caso di Qualcosa
In Cui Credere Ancora, in cui non esitava a parlare dei “nostri in catene e loro amnistiati”, oppure
della caustica La Merda, in cui esortava a non offendere le umane deiezioni paragonandole a politici
e potenti. Al centro dell’opera stava un profondo anticlericalismo che sfociava ne Il Testamento Del
Parroco Meslier. Per l’occasione Savona prendeva in prestito uno scritto del ‘700 con cui il prete
francese Jean Meslier accusava le gerarchie ecclesiastiche di giustificare le diseguaglianze a
danno dei più deboli. Insomma, quello che per molti rappresentava ancora il volto rassicurante della
tradizione era in realtà un artista poco incline ad accettare soprusi e prevaricazioni. A dimostrarlo, se
ancora ce ne fosse stato bisogno, c’era la canzone Sono Cose Delicate, scritta da Savona in seguito
alle minacce ricevute dopo che il Quartetto Cetra aveva eseguito in RAI la canzone Angela, dedicata
all’attivista afroamericana Angela Davis.

Un brano: Il Testamento Del Parroco Meslier

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1974 SENSATIONS’ FIX Portable Madness

SENSATIONS’ FIX
Portable Madness
POLYDOR, 1974 / SENSATIONS FIX, 2014

I
n 50 anni di attività Franco Falsini si è cimentato con più generi musicali di quanti questo
esiguo spazio ci permetta di elencare e ha vissuto da protagonista passaggi culturali che molti
dei suoi coetanei si sono rifiutati di accettare. Il tutto restando fedele solo alla sua originaria
ispirazione lisergica e a una naturale predisposizione per le tecnologie d’avanguardia. Un
amore che nasce alla fine degli anni 60 quando Falsini allestisce il suo primo studio casalingo
ad Arlington, in Virginia. È qui che entra in possesso di uno dei primi Minimoog e si avventura in
composizioni ispirate a pionieri dell’elettronica come Beaver & Krause e Mort Garson. Poco tempo
dopo rientra a Firenze, recupera gli amici Keith Edwards e Richard Ursillo e forma i Sensations’
Fix, con cui nel solo ’74 pubblica tre album per la Polydor. Se con i primi due lavori Falsini punta a
sviluppare un suono equidistante dal prog nostrano e dal krautrock, è con Portable Madness che
l’astronave prende letteralmente quota. Con un mix di sperimentazione DIY e fantasie psycho rock, il
gruppo perfeziona l’iterazione fra elementi elettrici, acustici ed elettronici aprendo strade che molti
si azzarderanno a battere solo nei decenni successivi. Nove tracce strumentali in cui gli arabeschi
floydiani e le escursioni elettriche degli Hawkwind convivono con rarefatti passaggi in odor di post
rock. La produzione asciutta e il basso strangleriano di Ursillo anticipavano la modernità della new
wave, ma altrove si preconizza, grazie all’innovativo utilizzo di fuzz ed Echoplex, anche il garage
isolazionista degli Spacemen 3 e l’ambient chitarristico dei Durutti Column. Non è un caso che,
a partire dalla fine dei ‘90, la produzione dei Sensations’ Fix sia stata riscoperta e omaggiata da
schiere di giovani musicisti e produttori che ancora oggi (ne è un esempio la recente collaborazione
tra Falsini e Ariel Pink) cercano di comprenderne la straordinaria modernità.

Ascolta anche: Leave My Chemistry Alone

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 ULTIMA SPIAGGIA Il Disco Dell’Angoscia 1975

ULTIMA SPIAGGIA
Il Disco Dell’Angoscia
ULTIMA SPIAGGIA, 1975

I
l progetto Ultima Spiaggia era un parto della mente di Ricky Gianco, al secolo Riccardo
Sanna, lodigiano trentaduenne che nei primi ‘70 aveva già alle spalle una carriera di rocker
di tutto rispetto, prima come chitarrista dei Dik Dik e in seguito come membro del Clan
di Celentano. Nel ’74, dopo aver dato vita a una sua prima casa discografica (la Intingo),
iniziava ad interessarsi a “materiale di grande valenza sociale” che avrebbe pubblicato con l’altra
sua etichetta, Ultima Spiaggia, fondata insieme a Nanni Ricordi. Con quest’ultima avrebbero visto
la luce i primi lavori di Ivan Cattaneo e uno dei migliori dischi di Jannacci (Quelli Che...), ma anche
alcuni degli album più allucinati del decennio, fra cui quello attribuito, non a caso, al fantomatico
collettivo Ultima Spiaggia. A registrare l’album fu in realtà lo stesso Gianco, accompagnato dal
cantautore e scrittore Gianfranco Manfredi e da una formazione all star di cui facevano parte anche
Ricordi, Cattaneo e Tullio De Piscopo. Il Disco Dell’Angoscia si presentava come una sorta di concept
album: la storia di un uomo caduto in coma e intrappolato in un vortice di sogni e ricordi. Il tutto
aveva inizio con i rumori dell’incidente capitato al protagonista e si sviluppava come un flusso di
coscienza in cui confluivano rumori d’ambiente in distorsione onirica e mozziconi di ballate gotiche,
echi di samba e recitati luciferini, pozzanghere di musica concreta e finti comizi. Nel caos generale
si scorgevano persino canzoni da cui emergeva il genuino spirito rock di Gianco. Il tutto, poi, era
stipato con poco senso della misura in tracce dai titoli altisonanti (tipo Samba Della Tortura E Della
Guerra) tenute insieme da un’ironia grottesca e spiazzante. Un’attitudine che interpretava il cambio
di sensibilità che stava avvenendo in seno al movimento giovanile, un caustico nonsense che di lì a
breve sarebbe stato usato come arma di contestazione.

Ascolta anche: Canto Delle Streghe E Del Demonio

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1978 LINO “CAPRA” VACCINA Antico Adagio

LINO “CAPRA” VACCINA

Antico Adagio
NŌ, 1978 / DIE SCHACHTEL, 2017

D
opo aver lasciato gli Aktuala, un attimo prima che il loro etno folk esoterico si
trasformasse in maniera, Lino Capra Vaccina iniziava a sviluppare un percorso di
ricerca musicale personalissimo largamente influenzato dal minimalismo americano di
Steve Reich e Philip Glass, dai drones infiniti di Terry Riley e dagli esperimenti di John
Cage. Dopodiché collaborava al primo album di Juri Camisasca e, insieme a quest’ultimo, prendeva
parte al Telaio Magnetico: il progetto dal vivo organizzato da Battiato e a cui parteciparono anche
Mino Di Martino, Terra Di Benedetto e Roberto Mazza. Bisognerà attendere il 1978 perché il suo primo
album solista venga finalmente pubblicato. Peraltro Antico Adagio sarà autoprodotto e stampato a
tiratura limitata, ma riuscirà ugualmente a destare l’attenzione dalla stampa specializzata, la quale
ne sottolineerà la straordinaria modernità. I due anni che separano l’album dall’esperienza del Telaio
Magnetico sono serviti al musicista a sviscerare l’universo delle percussioni, lo studio dei timbri e
della loro iterazione con l’ambiente. Il suo arsenale di tamburi e sonagli, campane e metallofoni,
legni e ottoni si è esponenzialmente ampliato rispetto ai tempi degli Aktuala. Nell’economia della
sua musica ogni strumento viene slegato dal contesto originario, oppure (come in Canti Delle Sfere)
i suoni isolati per studiarne modulazioni e riverberi, concentrandosi sul differente impatto emotivo.
Altrove si lavora su stratificazioni e geometrie, secondo un concetto rigoroso di musica aleatoria in
cui i pattern ritmici si ripetono in modo simile ma mai identico. È la sinfonia di un suono che va dritto
all’origine della civiltà e cerca di definire le forme immutabili che hanno accompagnato l’uomo nel
corso delle sue espressioni sonore. Ma è anche un’opera di incredibile contemporaneità, fonte di
ispirazione quanto mai attuale per le avanguardie di ogni epoca.

Ascolta anche: Voce In XY

• | 60 | •
E X T RA: GL I ALT R I C INQUAN TA
 EXTRA Gli altri 50

ALLUMINOGENI
Scolopendra
FONIT, 1972 / VINYL MAGIC, 2008

Ancora sospeso fra le melodie del tardo beat, oscuri groove d’organo e
sperimentalismi in chiave kraut, Scolopendra resta uno degli album più
anomali e meno compresi dell’intensa stagione del prog italiano.

ANNA ARAZZINI
Vola, Vola In Alto Amore Mio
VARIETY, 1970

Personalità complessa quella della Arazzini. Interprete ed attrice di rara

espressività, riuscì a incidere solo questo prezioso album prima di dedicarsi
al teatro e alla scrittura di pezzi per Iva Zanicchi e Ornella Vanoni.

MARIO BARBAJA
Megh
ARISTON PROGRESSIVE, 1972

Finardi, Camerini, Fabbri e De Piscopo sono solo alcuni degli ospiti del
secondo album di Mario Barbaja, cantautore spesso accostato a Rocchi
per le atmosfere sognanti e le suggestioni esotiche.

UMBERTO BINDI
Umberto Bindi
RICORDI, 1961

Il più classico dei cantautori genovesi, ma anche quello più ingiustamente

ostracizzato. Il suo secondo album conteneva il brano Il Nostro Concerto,
con cui si attestava fra i maggiori autori ed interpreti della canzone italiana.

ROBERTO CACCIAPAGLIA
Sei Note In Logica
PHILIPS, 1979 / MIRUMIR, 2013

A dispetto degli evidenti debiti con i lavori di Philip Glass e Steve Reich,
Cacciapaglia costruiva il suo capolavoro minimalista sulle spericolate
iterazioni fra elettronica e geometrie orchestrali.
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EXTRA Gli altri 50

CARNASCIALIA
Carnascialia
MIRTO, 1979 / BTF.IT, 2014

Vivaldi e Minieri riprendevano il discorso laddove era stato interrotto dal

Canzoniere Del Lazio. Coinvolgendo membri degli Area e PFM e spingendo
ancora di più sul connubio fra folk e sperimentazione.

IVAN CATTANEO
UOAEI
ULTIMA SPIAGGIA, 1975

Folle e sperimentale. L’esordio di Cattaneo era un’opera inclassificabile

che, con eclettismo musicale e per mezzo dell’utilizzo spregiudicato della
voce, cercava di spingersi oltre i limiti del pop fino ad allora conosciuto.

ANDREA CENTAZZO
Ictus
PDU, 1974 / WAH WAH, 2015

Percussionista, collaboratore di Steve Lacy e Giorgio Gaslini, Centazzo

esordisce come solista con questo misterioso manufatto in cui il jazz
espressionista si impregna di sonorità elettroniche e suggestioni cosmiche.

CINCINNATO
Cincinnato
PDU, 1974 / AMS, 2012

Unico gruppo jazz rock a essere stato pubblicato su PDU (specializzata in

kosmiche musik), i Cinicinnato si sono congedati dopo appena un album di
freschissimo jazz elettrico, ricco di sonorità avant-garde e rimasto a lungo
un segreto per appassionati.

CIRCUS 2000
Circus 2000
RIFI, 1970 / BTF.IT, 2013

Quando il prog ancora non era all’orizzonte, i torinesi Circus 2000

davano lezioni di psichedelia. Con un’attitudine (e una cantante) che li
avrebbe fatti conoscere come i Jefferson Airplane dello Stivale.
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 EXTRA Gli altri 50

ROBERTO COLOMBO
Sfogatevi Bestie
ULTIMA SPIAGGIA, 1976 / SONY, 2014

Tastierista, arrangiatore (e collaboratore della PFM), Colombo esordiva

con un disco di jazz funk dinamico che per eclettismo e trovate surreali gli
sarebbe valso l’accostamento a Frank Zappa.

DECIBEL
Punk
SPAGHETTI, 1978

Per molti furono solo opportunisti o divulgatori del verbo punk, ma il primo
album di Ruggeri e co. poteva vantare un sound granitico e testi provocatori
(ma non demenziali) che non lesinavano sberleffi a destra e sinistra.

GINO D’ELISO
Ti Ricordi Vienna?
RCA, 1977

Pur essendo ancora legato alla tradizione cantautorale, il secondo album del
triestino, con le sue suggestioni mitteleuropee e l’asciutto tiro funk, è uno
dei segreti meglio custoditi della wave italiana.

ENZO DEL RE
Il Banditore
CP, 1974

Con Del Re musica, teatro e arte di strada si fondevano in un lamento popolare

e politico. In questo senso Il Banditore è un album unico, che avrebbe potuto
nascere dai circoli dell’avanguardia come da un mercato rionale.

ELECTRIC FRANKENSTEIN
What Me Worry?
CRAMPS, 1976 / 2006

Il moniker horrorifico nasconde le escursioni solitarie di Paolo Tofani

degli Area nei territori dell’acid rock e della sperimentazione elettronica,
nella terra di confine che separa i Moody Blues dai Tangerine Dream.
• | 67 | •
EXTRA Gli altri 50

ELEKTROSHOCK
Asylum
NUMERO UNO, 1979 / SONY, 2012

La testimonianza discografica della prima scena punk capitolina è in realtà

un album di malsane ballate metropolitane e sordide atmosfere velvetiane,
dal fascino oscuro e decadente.

FRANCO FALSINI
Cold Nose
POLYDOR, 1975 / SPECTRUM SPOOLS, 2012

Dopo i primi tre album dei Sensations’ Fix, Falsini si dedica alla colonna
sonora di un film sulla cocaina, per il quale compone questa elegia dark
a base di synth onirici e laceranti strati di chitarre.

FLASHMEN
Pensando
KANSAS, 1972 / MELLOW, 1994

Partito come gruppo beat e dopo aver rimodulato il proprio sound in chiave
pop, il quartetto cremonese trova il capolavoro al quarto album, virando
decisamente su sonorità più hard e gotiche.

GLEEMEN
Gleemen
CGD, 1970 / BTF.IT, 2008

Benché la chitarra di Bambi Fossati non fosse ancora protagonista

indiscussa, i genovesi Gleemen abbattevano le strutture del beat con
brani a base di prepotente rythm’n’blues lisergico.

GROSSO AUTUNNO
Almanacco
EMI, 1977

Indebitamente inseriti nel filone prog, i romani erano in realtà interpreti di

un romanticismo West Coast che personalizzavano con un tocco onirico e
un grande senso della melodia.
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 EXTRA Gli altri 50

GRUPPO FOLK INTERNAZIONALE

Daloy Politzei
L’ORCHESTRA, 1977

Nella riscoperta del patrimonio popolare in chiave politica, i gruppo

fondato da Moni Ovadia era quello con il repertorio più eclettico e pugnace.
In qualche modo antesignano della stagione del combat folk.

I GUFI
Non Spingete Scappiamo Anche Noi
COLUMBIA, 1968

Di quella Milano che negli anni 60 Milano riscopriva il cabaret, il dialetto

e le canzoni di Brassens, Nanni Svampa e Lino Patruno erano gli interpreti
più colti. Con il loro spettacolo del ’68 firmarono la loro opera più politica.

JUMBO
Vietato Ai Minori Di 18 Anni?
PHILIPS, 1973 / VINYL MAGIC, 2017

Dopo il capolavoro prog DNA, la band guidata dal carismatico Alvaro

Fella prendeva lidi sperimentali per un album che, trattando di sessualità,
religione ed emarginazione, si guadagnava il bando dalle radio.

FRANCO LEPRINO
Integrati... Disintegrati
ELEVEN, 1977 / WAH WAH, 2015

Nel suo unico album Leprino crea un’unica commistione di sonorità

acustiche ed elettroniche che richiamano quelle del Battiato minimalista,
con accentuate inflessioni neoclassiche.

LIVING MUSIC
To Allen Ginsberg
RCA, 1973 / BMG RICORDI, 2003

Il collettivo aperto guidato da Umberto Santucci e Gianfranca Montedoro

mescolava jazz, rock e musica orientale in un sound elettroacustico e
profondamente spirituale.
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EXTRA Gli altri 50

MIMMO LOCASCIULLI
Non Rimanere Là
FOLKSTUDIO, 1975 / RCA, 1986

Il medico-cantautore abruzzese è uno dei prodotti più autentici del Folkstudio.

Il suo primo album esce per l’etichetta del locale romano e mescola folk dalle
radici americane con dolcissime melodie mediterranee.

EMILIO LOCURCIO
L’Eliogabalo
UNA SORS CONIUNXIT, 1977 / RCA, 2011

Più che prog, il primo e unico album di Locurcio è una specie di grande
opera metropolitana, impreziosita da ospiti illustri (Dalla, Ron, Claudio
Lolli, Teresa De Sio) e costruita sull’amore per il teatro e per la politica.

CLAUDIO LOLLI
Disoccupate Le Strade Dai Sogni
ULTIMA SPIAGGIA, 1977 / RCA, 1994

Nel suo quinto lavoro (ispirato alla morte di Francesco Lorusso) Lolli
interpreta le tensioni del ’77 con poetica amarezza e un impianto sonoro
che non è mai stato così fresco e moderno.

RAUL LOVISONI/FRANCESCO MESSINA

Prati Bagnati Del Monte Analogo
CRAMPS, 1979 / DIE SCHACHTEL, 2013

I due compositori, prodotti da Battiato, suggellano idealmente l’opera

incompiuta dello scrittore francese René Daumal, con un saggio di
minimalismo ambient proto new age a base di synth traslucidi, suoni
d’arpa e glasspiel.

LOY E ALTOMARE
Portobello
CBS, 1973 / CGD, 1988

Francesco Loy e Massimo Altomare si conoscono a Londra e costituiscono un

duo alla maniera di Simon & Garfunkel. Portobello (dal luogo del loro primo
incontro) è il primo e il più ispirato dei tre album che realizzeranno insieme.
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 EXTRA Gli altri 50

GIANFRANCO MANFREDI
Zombie Di Tutto Il Mondo Unitevi
ULTIMA SPIAGGIA, 1977 / BMG, 2004

Dal musical composto insieme a Ricky Gianco, nasce uno dei più rabbiosi
manifesti realizzati dall’ala creativa del Movimento. La fine di un’epoca per
chi aveva creduto nella rivoluzione e ora si sentiva smarrito.

PEPE MAINA
Canto Dell’Arpa E Del Flauto
ASCOLTO, 1977 / BFT.IT, 2011

La musica di Maina rappresentava una delle possibili evoluzioni del

discorso degli Aktuala. Una ambient dalle influenze etniche che,
contaminandosi con l’elettronica, si fermava a un passo dalla new age.

GIOVANNA MARINI
Vi Parlo Dell’America
I DISCHI DEL SOLE, 1967/1989

La tradizione popolare italiana incontra il folk e il talkin’ blues

nordamericano nelle parole e nella voce di Giovanna Marini: inimitabile
regina della nostra canzone politica.

MAURIZIO MONTI
L’amore
RCA, 1974 / BMG, 2004

Più conosciuto come autore per Patty Pravo e Gianni Morandi, Monti
esordiva con un lavoro decadente che ne metteva in risalto le doti di fine
conoscitore delle meccaniche sentimentali.

NAPOLI CENTRALE
Napoli Centrale
RICORDI, 1975 / SONY, 2016

Rappresentanti di quel “Napoli Power” che negli anni 70 stava rivoluzionando

la musica italiana, Senese e la sua band erano autori di un jazz elettrico
dalla complessa struttura ritmica e dallo spirito ruvidamente popolare.
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EXTRA Gli altri 50

NUOVA COMPAGNIA DI CANTO POPOLARE

Cicerenella
RARE, 1972 / LUCKY PLANETS, 2008

In epoca di folk revival, la NCCP di Eugenio Bennato, Roberto De

Simone e Beppe Barra compie un recupero filologico della tradizione,
avventurandosi nello spirito pagano della musica popolare napoletana.

OPUS AVANTRA
Introspezione
TRIDENT, 1974 / CRAMPS 2011

Insieme ai Pierrot Lunaire hanno rappresentato l’avanguardia del prog

italiano. Soprattutto per merito di questo album che, pur con qualche
leggerezza, passa con ispirazione dalla musica concreta al pop orchestrale.

OSAGE TRIBE
Arrow Head
BLA BLA, 1972 / VINYL MAGIC, 2014

Creato ed abbandonato da Battiato prima dell’esordio su LP, il trio genovese

ebbe il tempo di incidere questo album a base di jazz rock dai suoni tribali e
destrutturati e intuizioni sui generis come quella di introdurre una sorta di
proto rap sul brano iniziale.

PHOLAS DACTYLUS
Concerto Delle Menti
MAGMA, 1973 / AMS, 2018

Considerato, insieme a Ys del Balletto Di Bronzo, uno dei dischi più

estremi del prog italiano, Concerto rappresenta in realtà un anomalo
manufatto di rock schizofrenico dalla spiccata vena teatrale.

ARMANDO PIAZZA
Suàn
B.B.B., 1972 / GDR, 2016

Il chitarrista Shawn Phillips (all’epoca di stanza a Positano) accompagna

il cantautore napoletano in questa raccolta di brani acid folk cantata in
inglese e rimasta per anni un oggetto misterioso.
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 EXTRA Gli altri 50

GIAN PIERETTI
Il Vestito Rosa Del Mio Amico Piero
RICORDI, 1973

Fra cantautorato e tentazioni progressive Gian Pieretti compone insieme

a Ricky Gianco il primo concept album a tema omosessuale. Un’eresia
pagata con l’ostracismo di radio e televisione.

PRIMA MATERIA
La Coda Della Tigre
ANANDA, 1977 / DIE SCHACHTEL, 2005

Nel tentativo di raggiungere il “suono primordiale” l’ensemble di Roberto

Laneri dava vita a un sound immersivo a base di cupi drones vocali, che si
inscriveva nell’ala più esoterica dell’esperienza minimalista.

PROCESSION
Frontiera
HELP, 1972 / VINYL MAGIC, 2007

Quello del gruppo torinese era un hard rock con venature prog e
socialmente consapevole. Nel disco d’esordio affrontavano il delicato tema
dell’immigrazione con spirito lirico e un groove incandescente.

REVOLVER
Revolver
PHILIPS, 1979 / SPITTLE, 2015

Punk più nell’attitudine che nei suoni, il disco della band triestina
(prodotto da Gino D’Eliso) era in realtà un album di rock asciutto dalle
geometrie wave e ricco di intuizioni melodiche.

TITO SCHIPA JR.

Orfeo 9
CETRA, 1973 / BTF.IT, 2013

Al figlio del tenore Tito Schipa si deve la prima opera rock italiana. Una
rilettura del mito di Orfeo ed Euridice sull’onda di Tommy e Hair, che
annoverava nel cast dei giovanissimi Renato Zero e Loredana Berté.
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EXTRA Gli altri 50

SORELLA MALDESTRA
Cadavere
HARPO’S MUSIC, 1979 / FLOWERS OF GRAIN, 1997

Synth macilenti, chitarre abrasive, demenzialità e cinismo a profusione.

Con i vercellesi Sorella Maldestra la Harpo’s Bazar scriveva un’altra
pagina di storia del primo punk italiano.

ALAN SORRENTI
Aria
HARVEST, 1972 / EMI, 2009

Sperimentazioni vocali, atmosfere oniriche e folk etereo: l’esordio di Alan

Sorrenti resta uno dei misteri del pop italiano dei 70s. Un viaggio fra
tradizione celtica e mediterranea che ancora irradia stupore.

SPIRALE
Spirale
KING UNIVERSAL, 1974

Scoperti dal sassofonista Mario Schiano, i romani Spirale incisero un solo

album prima di sciogliersi. Resterà uno dei migliori esempi di jazz rock
romantico del biennio d’oro 74-75.

STORMY SIX
Le Idee Di Oggi Per La Musica Di Domani
FIRST, 1969 / VINYL MAGIC, 1994

Prima della svolta politica, e con Claudio Rocchi ancora in formazione,

i milanesi esordivano con un lavoro in cui cantautorato e (tardo) beat si
impregnavano di aromi psych e spezie orientali.

THE TRIP
The Trip
RCA, 1970/2011

Prima di comporre un classico del prog italiano (Caronte) il combo

angloitaliano esordiva con un album hard blues psichedelico, impreziosito
dall’organo lisergico del tastierista Joe Vescovi.
• | 74 | •
 BI BL I O GRA F IA

Riccardo Bertoncelli
1965-1966: La Nascita Del Nuovo Rock
Giunti, 2011

Enrico Deregibus
Dizionario Completo Della Canzone Italiana
Giunti, 2006

Stefano Gilardino
La Storia Del Punk
Hoepli, 2017

Domenico Giordano
30 Dischi Italiani... Per Parlare Di Anni ‘70
Città Del Sole Edizioni, 2013

Matteo Guarnaccia
Re Nudo Pop & Altri Festival: Il Sogno Di Woodstock In Italia. 1968-1976
Vololibero, 2010

Valerio Mattioli
Superonda. Storia Segreta Della Musica Italiana
Baldini & Castoldi, 2016

Marco Philopat
Lumi Di Punk: La Scena Italiana Raccontata Dai Protagonisti
Agenzia X, 2006

Cesare Rizzi
Enciclopedia Del Rock Italiano (1964-1993)
Arcana, 1993

Cesare Rizzi
Progressive & Underground In Gran Bretagna Ed Europa: 1967-1976
Giunti, 2003
 B IB LI OGRA F IA

Diego Sanlazzaro
Rock, Ribelli E Avanguardie. Musiche E Culture Giovanili Alla Spezia (1965-1990)
Giacché Edizioni, 2015

Tiziano Tarli
Beat Italiano. Dai Capelloni A Bandiera Gialla
Castelvecchi, 2005

Donato Zoppo
Caution Radiation Area. Alle Fonti Della Musica Radioattiva
Aereostella, 2016

RIVISTE:
Blow Up, Mucchio Selvaggio, Rockerilla, Rumore

WEB:
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Il Golpe E L’Uva (ilgolpeeluva.blogspot.com)
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rumoremag.com
 Classici minori, cantautori eretici,

sperimentazioni e mutazioni ai

C
margini del rock e del pop
M
nascosti tra le pieghe della
Y

CM musica italiana dal boom

MY

CY
economico agli anni di piombo
CMY

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"50+50 ITALIA SOTTERRANEA - PRIMA PARTE"

è un supplemento al numero 318/319 (Luglio/Agosto 2018) del mensile
Autorizzazione del tribunale di Torino n. 506-00
Stampato nel mese di Giugno 2018

Copertina di Steuso