N° 340 | MENSILE - MAGGIO 2020 | PRIMA IMMISSIONE 30/04/2020 | EURO 6,00

MOSES SUMNEY VIVIANKRIST LORENZO SENNI NEIL YOUNG WITCHCRAFT

BLACKLAB NICK HAKIM TALKING HEADS EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN POLE

ARCA, TUMOR, JAAR RETROPOLIS OLTRE 280 RECENSIONI

GOSPEL PER LA FINE BUZZCOCKS TRA DISCHI, LIBRI, FILM
DEL MONDO SERIE E FUMETTI

THE 1975
L’ENCICLOPEDIA DEL POP

TUTTA LA MUSICA DI CUI HAI BISOGNO

POSTE ITALIANE SPA - SPED. IN A.P. - D.L. 353/2003 (CONV. IN L. 27/02/2004 N.46) ART. 1, COMM A 1, NO / TORINO - ISSN 1591-4062 - N.5 ANNO 2020
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 EDI TOR I ALE
LA MUSICA DELL’ISOLAMENTO
DI ROSSANO LO MELE
Per parlare dell’isolamento che tutti stiamo viven-
do, il filosofo sloveno Slavoj Žižek ha scritto l’e-book
Virus e ha tirato fuori la vecchia battuta di Ninotchka,
il film classico di Ernest Lubitsch: “Cameriere! Un
caffè senza panna, per favore”. Risposta: “Mi dispiace,
signore, non abbiamo panna, solo latte, va bene anche
un caffè senza latte?”. Il significato è piuttosto espli-
cito, come spiega il filosofo stesso: “Rispetto al mio
isolamento non è la stessa cosa? Prima della crisi era
un isolamento ‘senza latte’. Sarei potuto uscire, ma
sceglievo di non farlo. Ora è il semplice caffè dell’iso-
lamento senza possibilità di una negazione implicita”.
Trasferendoci alla musica non va dimenticato che il
caffè senza panna, nei decenni, ha creato molta della
roba che più amiamo. L’isolamento giovanile sta alla
base delle scelte di vita di Tracey Thorn, per dire. L’ex
voce degli Everything But The Girl ha infatti chiama-
to Bedsit Disco Queen la sua autobiografia. Oppure
ADV
pensiamo a tutta la corrente intimista generata dalla
scrittura degli Smiths nei pieni anni 80, riassunta
sapientemente da Maurizio Blatto su “Rumore” n.
309. Una narrazione fatta tutta d’interni, oggetti ap-
parentemente insignificanti che di colpo diventavano
universali perché comuni a tante case, a tante vite.
Una tendenza che – complice soprattutto la digitaliz-
zazione della musica e della nostra quotidianità – è
ben lontana dallo sfarinarsi. Anzi. Così scopriamo che
la tradizione del bedroom pop, ossia il pop da came-
retta, è più fertile che mai. Tipo la ventunenne Claire
E. Cottrill, da Boston - in arte Clairo, ne abbiamo
scritto qui nella sezione “Futura” del numero 333 - è
ormai diventata da circa un paio d’anni la regina della
musica da cameretta. Il brano Pretty Girl è un inno
generazionale contro la tossicità dell’amore e i suoi
luoghi comuni. Una volta questo tipo di musica non
brillava per la professionalità della produzione, ma
oggi tutto è cambiato, tanto da suonare bene e pieno
dentro gli smartphone o i monitor dei tablet. Una fac-
cenda privata che diventa pubblica, potendo compete-
re col resto del mondo anche in termini di resa. Il pop
da cameretta ha fatto strada, divora visualizzazioni e
streaming. Una questione generazionale, si dirà.
Sul tema ha però scritto un longform piuttosto in-
teressante l’americano Will Leitch. Leitch viene in
realtà dal mondo della cronaca sportiva, ma il suo
pezzo dal titolo “Gen X Was Born For This Shit” (lo
trovate su medium.com) non necessita di traduzioni.
Tutti i diritti di riproduzione degli articoli pubblicati sono riservati. Manoscritti e foto, anche se non pubblicati, non saranno restituiti
Il loro invio implica il consenso alla pubblicazione da parte dell’autore. È vietata la riproduzione anche parziale di testi, documenti e fotografie.
La responsabilità dei testi e delle immagini pubblicate è imputabile ai soli autori.
L’editore dichiara di aver ottenuto l’autorizzazione alla pubblicazione dei dati riportati nella rivista.
Leitch s’impegna a spiegare come mai la generazione
dei quarantenni di oggi sia a suo dire quella che me-
glio di tutte ha saputo reagire all’isolamento. Perché
dentro a quell’isolamento c’è cresciuta. Figli dei baby
boomers sempre troppo impegnati a lavorare, produr-
re, divorziare, stare fuori casa. Abituati a trascorrere
in casa larghe porzioni di giornata davanti alla TV.
Ascoltando musica ben presto dimenticata dalle masse
e quindi destinata all’anonimato: c’è stato un periodo
in cui si pensava che Built To Spill, Douglas Coupland
e Richard Linklater potessero diventare mainstream.
E invece. Una fetta di popolazione che ha inventato
l’odio generazionale, scrive Leitch, quantomeno dalla
sua prospettiva americana. Che si trova giusto nel
mezzo fra i baby boomers – i genitori, ancora sani e
detentori della ricchezza – e la generazioni successive
(i millennials o la generazione Z di cui parliamo que-
sto mese nel servizio di copertina su The 1975): quelle
prese di mira davvero in modo ossessivo dalle grandi
companies statunitensi. La generazione X si è svilup-
pata a rilento, anche per colpe e pigrizie tutte sue. Figli
e indipendenza fuori tempo massimo, certo, ma anche
l’abitudine - chiosa Leitch - a una forma di marginalità
sociale che oggi gli permette di stare a casa senza sof-
frire più di tanto. Meno dei genitori e dei figli. Leitch
enuclea tutto ciò con leggerezza e senza nessuna par-
venza d’invidia sociale “all’italiana”, per capirsi.
La premessa a tutte queste storie ci dice in realtà che
nel tempo tanti ventenni occidentali hanno masticato
la loro forma d’isolamento, provando a trasformar-
la in arte. I piovigginosi inglesi degli ’80 prima, gli
slackers americani dai ’90 in poi: gli hikikomori
giapponesi, anche loro figli degli ’80, sopravvedono
nel frattempo a tutto il paesaggio. Così oggi, in questa
epoca di solitudine prolungata è lecito domandarsi
- tralasciando le cantate sui balconi, gli appelli ac-
corati, le canzoni a tema (giuro che in redazione ne
arriva almeno una al giorno, saranno una cinquantina
ormai) e le dirette Instagram: tanta musica è nata
senza l’obbligo della reclusione, quando si poteva
ordinare un caffè senza panna. Ma oggi, anzi domani:
che musica verrà generata da questo caffè senza latte,
dalla gabbia domestica come obbligo e non scelta? Lo
scopriremo forse nei prossimi mesi. Intanto è bene
sapere che il padre di Clairo è stato a lungo manager
di multinazionali come Coca Cola, Converse, Procter
& Gamble. E che il suo disco di debutto si chiama Im-
munity. Addio ingenuità.
 340
CO N T E N U T I

26

COV E R S TO R Y

THE 1975

26 The 1975 & Moses Sumney D I M AU R O F E N O G L I O

40 Arca, Yves Tumor, Nicolas Jaar D I M AU R O F E N O G L I O

54 Distorsioni: Japanese Black Girls D I C L AU D I O S O R G E

98 Retropolis: Buzzcocks DI DIEGO BALL ANI

 NUMER O 34 0
ANNO 2 9
MAG G I O 2 02 0

DI R ET TOR E R ESPONS ABI LE

Marco De Crescenzo

DI R ET TOR E EDI TOR I ALE

Rossano Lo Mele

COOR DI NAMENTO R EDAZI ONAL E

Alessandro Besselva Averame

R E DA Z I O N E E WE B Nicholas David Altea,

Letizia Bognanni

A R CA CONSULENTI ALL A R EDAZI ONE

Maurizio Blatto, Giona A. Nazzaro,
P. 4 0 Claudio Sorge, Giorgio Valletta

R UBR I CH E Alessandro Baronciani, Carlo

Bordone, Luca Doldi, Francesco Farabegoli,
Luca Frazzi, Sergio Messina, Marco Pecorari,
Andrea Pomini, Barbara Santi

COLL ABOR ATOR I

Davide Agazzi, Diego Ballani, Antonio
Belmonte, Paolo Bogo, Claudia Bonadonna,
Antonio Briozzo, Arturo Compagnoni, Matteo
Da Fermo, Stefano D'Elia, Stefano Fanti,
Mauro Fenoglio, Paolo Ferrari, Daniele
Ferriero, Manuel Graziani, Luca Gricinella,
Stefano Morelli, Andrea Prevignano, Fernando
Rennis, Mario Ruggeri, Gianluca Runza, Fabio
Striani, Doriana Tozzi, Andrea Valentini,
Simona Ventrella, Francesco Vignani

DI R ET TOR E AR TI STI CO Stefano Manzi

PR OG ET TO G R AF I CO
E I MPAG I NAZI ONE Sericraft Lab snc

B UZ ZCOCK S F OTOG R AF I Stefano “Star Fooker” Brambilla,

Francesca Sara Cauli, Luigi De Palma
P. 9 8
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RUMOREMAG.COM AMMI NI S TR AZI ONE

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DISTRIBUTORE ESCLUSIVO PER L’ITALIA
MEPE Distribuzione Editoriale
Via Ettore Bugatti 15 - 20142 Milano (MI)

STAMPA Reggiani Print srl - Brezzo di Bedero (VA)

5 Editoriale 92 Flashback Pubblicità a carattere musicale

direttamente presso l’editore
8 News 93 Retropolis
14 Privé 102 Che fine hai fatto? Autorizzazione del tribunale di Torino n. 21
del 25/07/2013
18 My Tunes 103 Gente Sola ISCRIZIONE AL ROC N° 23733

20 Futura (Ma Non Troppo) Questo periodico è associato

all’Unione Stampa Periodica Italiana
CONTEN ITOR I 61 Recensioni 104 Visioni
Finito di stampare nel mese di Aprile 2020
62 Disco Del Mese 108 Letture
80 Treecolore 110 Fumetti
82 Radici 111 Poster-i
84 In Italia 114 Banda Larga
90 Singolare
DAVID BOWIE THE LEMON TWIGS ARCADE FIRE HAL WILLNER

A CU RA DELL A RE DA Z I ONE MAG G I O 2020 @ ru m o re m a ga z i n e

BOB DYLAN BILL WITHERS IGGY POP TRACEY THORN TOOL

INDICE: NEWS p. 08 — FACCIAMO I CONTI p.09 — SOCIAL p.10 — IN ARRIVO p.10

BOX DI IGGY POP

SUGLI ANNI BERLINESI

Anche gli album berlinesi di

Iggy Pop, The Idiot e Lust For
Life, avranno finalmente un
trattamento filologico di tutto
rispetto. A fine mese usciranno
infatti, targate UMG, versioni
spalmate su 2 CD degli album,
che includono, oltre alla rima-
sterizzazione del disco origina-
le, materiale live: Live At The
Rainbow Theatre, registrato
a Finsbury Park, Londra, nel
1977, e TV Eye Live. Non solo:
uscirà anche un box più esteso,
comprendente 7 CD e inti-
tolato The Bowie Years, che
contiene, oltre ai due album
espansi, altre registrazioni
dal vivo dell’epoca, outtakes,
demo e quant’altro.

MUSICISTI SCOMPARSI FILM SU BOWIE

L’ultimo mese è stato funesta-
to da un gran numero di lutti,
alcuni dei quali riconducibili
al Covid-19. Ci hanno lasciati
Detto Mariano (1937-2020),
primo tastierista dei Ribelli
(quando questi ultimi erano
la backing band di Celentano,
che Mariano aveva conosciuto
durante il servizio militare),
poi arrangiatore per il Clan
ma anche per Don Backy,
Camaleonti e Battisti, infine
autore di colonne sonore, tra
cui quella pionieristica ed
elettronica per Amore Tossico
ono state diffuse le
prime foto di scena di
S Stardust, lungometraggio
ispirato alla prima fase
della carriera di David
Bowie. L’operazione
non è stata approvata ufficialmente dagli
eredi dell’artista, e i produttori negano
si tratti di un vero e proprio biopic, ma
la pellicola è incentrata sulla nascita e
l’evoluzione dell’alter ego Ziggy Stardust:
sullo sfondo, l’esordio americano di Bowie
nei primi ‘70. Il ruolo del protagonista è
stato affidato al folksinger Johnny Flynn,
il cast comprende Jena Malone (Hunger
Games) nel ruolo della prima moglie di
Bowie, Angela, e il comico statunitense
Marc Maron in quello dell’addetto stampa
dell’artista. Stardust avrebbe dovuto essere
presentato in anteprima al Tribeca Film
Festival, inevitabilmente rimandato a causa
del Covid-19, e non ha al momento una
data di uscita. Il regista, Gabriel Range, ha
dichiarato: “Mi sono prefissato di fare un
film su ciò che rende tale un artista, su che
cosa lo guidi davvero nella realizzazione
della sua arte”.

8 | RUMOREMAG.COM
 di Claudio Caligari; il compo-
sitore e direttore d’orchesta
FACCIAMO I CONTI polacco Krzysztof Penderecki
(1933-2020): sua la direzione
nella recente riproposizione
discografica della Symphony

80
n. 3 di Henryck Gorecki, con
CENTESIMI: IL VALORE DI CIASCUNA Beth Gibbons voce solista; il
CASSA USATA DA BRIAN ENO NEL SUO sassofonista camerunenense
STUDIO Manu Dibango (1933-2020),
gigante della musica africana e
autore di quella Soul Makossa
che influenzerà una buona

10
parte della musica da ballo,
DECIMI: IN UNA IDEALE SCALA DI disco music in testa, dalla
VALORE DEI CERVELLONI, SECONDO GLI metà dei ‘70 in poi; Cristina
UNDERWORLD, LI AVREBBE PROPRIO Monet-Palaci (1956-2020),
BRIAN ENO autrice di due album di culto
– usciti a nome Cristina - per
la newyorchese ZE, all’insegna
di un crossover dall’attitudine

200
COPIE APPENA DELLE SUE CASSETTE punk tra mutant disco e pop;
MEMORIES. IL GIAPPONESE AKI ONDA LE il pittore svizzero Walter Weg-
HA APPENA RISTAMPATE IN BLOCCO: SU müller (1933-2010), titolare
CASSET TA di uno dei più bizzarri oggetti
discografici prodotti dall’epo-
pea krautrock, Tarot; Matthew
Seligman (1955-2000), storico

50
bassista dei Soft Boys di Robyn
ANNI: KAMASI WASHINGTON LI Hitchcock e poi a fianco di
DIMOSTRAVA GIÀ DA RAGAZZO, molti nomi del rock e del pop
SECONDO IL SUO AMICO THUNDERCAT come Thomas Dolby, Alex
Chilton e i Thompson Twins;
Ellis Marsalis (1933-2020),
pianista modern jazz padre
di Branford e Wynton nonché

100
P E R S O N E I N T U T TA L A S U A V I TA . TA N T E S O- collaboratore di Cannonball
S T I E N E N E AV R E B B E C O N O S C I U T E I L P R O D U T- Adderley; Travis Nelsen, bat-
TORE ELETTRONICO VEGYN SE FOSSE VISSUTO terista degli Okkervil River dal
NEL MEDIOEVO 2003 al 2010; il sassofonista
Lee Koonitz (1927-2020), pro-
tagonista tra le altre cose delle

18
session che fruttarono l’epo-
ANNI: LI AVEVA IL RAPPER JPEGMAFIA cale Birth Of The Cool di Miles
QUANDO È ENTRATO NELL'ESERCITO AME- Davis (1949); Larry Sherman,
RICANO (CON CUI È STATO IN KUWAIT, fondatore della chicagoana
GIAPPONE, IRAQ, AFGHANISTAN) Trax Records, tra le prime e
più importanti etichette house;
il compositore Richard Tei-
telbaum, già componente dei

5
GIORNI DI PAUSA SENZA SUONARE O pionieri dell’improvvisazione
P R O VA R E - S E C O N D O H E N R Y C A R LY L E Musica Elettronica Viva; Ryo
WADE, CHITARRISTA DEGLI ORIELLES - TI Kawasaki (1947-2020), chitar-
FANNO DISIMPARARE TUT TO rista giapponese di area jazz
fusion, nonché collaboratore
di Korg e Roland per lo svilup-
po del guitar synthesizer, ma

2
anche presenza di spicco nel
ANNI: TANTO CI HA MESSO GUY GARVEY
celebre The Gil Evans Orche-
(ELBOW) A SCRIVERE L'ULTIMO ALBUM,
stra Plays The Music Of Jimi
GIANTS OF ALL SIZES. MA APPENA PRIMA DI
Hendrix (1974); e infine due
INCIDERLO VOLEVA BUT TARE VIA TUT TO
protagonisti della stagione
free jazz anni 60, accomunati
da analoghe e curiose vicende
artistiche, caratterizzate da
RUMORE È DISPONIBLE OGNI MESE ANCHE IN VERSIONE DIGITALE
decenni di oblio seguiti da una
SCARICA SUBITO LA NOSTRA APP! inaspettata e feconda ripresa
DISPONIBILE PER SMARTPHONE E TABLET APPLE E ANDROID dell’attivita: il sassofonista
Giuseppi Logan (1935-2020),

RUMOREMAG.COM | 9
 N E W S! M AGG I O 2 02 0

che ha pubblicato su ESP-Disk

e suonato Patty Waters, e il RUMORE PER IL SOCIAL
contrabbassista Henry Grimes
(1935-2020), al fianco di Ar- SF O G H I, CO N FE S S IO N I E CA Z Z EGGI CAT TUR ATI IN RE TE
chie Shepp, Pharoah Sanders e
Albert Ayler.

SUPERGRUPPO CON PAUL

BANKS DEGLI INTERPOL
LILY, ROSEMARY AND THE JACK OF HASHTAGS

#today and #tomorrow,

I Muzz, nuovo “supergruppo” #skeletons and #nudes,
di cui fanno parte Paul Banks #sparkle and #flash,
(Interpol), il produttore Josh #AnneFrank and #IndianaJones,
Kaufman (anche componente #fastcars and #fastfood,
dei Bonny Light Horseman) e #bluejeans and #queens,
il batterista Matt Barrick (già
B O B #Beethoven and #Chopin,
nei seminali Jonathan Fire*E- D Y L A N #life and #death
ater, in seguito con The Walk- @ b o b d y l a n
men e, dal vivo, con i Fleet (#oggi e #domani,
Foxes), hanno inciso il loro #scheletri e #nudi,
#scintilla e #lampo,
album di debutto, omonimo, la
#AnnaFrank e #IndianaJones,
cui uscita è al momento previ- #autoveloci e #ciboveloce,
sta per il mese di giugno, tar- #bluejeans e #regine,
gato Matador. Le prime notizie #Beethoven e #Chopin,
certe sul progetto e sul suo #vita e #morte)
esito discografico erano tra-
pelate appena un paio di mesi
fa, quando una loro traccia era
stata diffusa anonimamente su
Soundcloud. Nel frattempo il ru m o re m a g ru m o re m a ga z i n e
trio ha pubblicato per vie uffi-
ciali un paio di singoli, Broken
Tambourine e Red Western
Sky, e, interpellato da “NME”,
ha raccontato un po’ di parti-
colari sul progetto, decollato IN ARRIVO
ormai cinque anni fa e radicato
in una preesistente amicizia
tra Banks e Kaufman: è un
album dalle sonorità piuttosto
classiche e “americane”, che
ha come tema principale l’im-

THE LEMON TWIGS

patto della salute mentale sulle
vite quotidiane di ciascuno.

NUOVO EP DEI TOOL?

Il lockdown ha rivoluzionato
la quotidianità di chiunque.
Pure dei Tool i quali, dopo aver
fatto attendere ben 13 anni il
seguito di 10,000 Days, Fear
Inoculum, e dopo l’inevitabile
congelamento del tour in corso,
sembrano intenzionati a lavo-
rare su del nuovo materiale, o
quantomeno è ciò che ha dato
a intendere il batterista Danny
Carey parlando delle attività
del gruppo in queste settima-
ne. “Spero, durante questa
pausa, non appena saremo in
grado di farlo, che ci potremo
incontrare, almeno Justin, io
e Adam, per discutere della
registrazione, nel frattempo, di
SONGS FOR THE GENERAL PUBLIC
4AD
A due anni esatti da Go To School, i fratelli D’Addario danno alle stampe il loro quarto
album, la cui pubblicazione era inizialmente prevista per questo mese. Poche le indiscrezioni
sulle session e sui contenuti trapelate al momento, se non che il disco è stato registrato
nello studio casalingo del duo a Long Island, con puntate ai Sonora di Los Angeles e agli
Electric Lady di New York. Il mese scorso è stato diffuso il singolo The One, con tanto di
video diretto da Michael Hini. Al posto del classico comunicato stampa, l’entusiasmo sopra
le righe dell’amico Sam France (Foxygen): “I Twigs hanno vissuto 26 vite feline da qui al
Giappone, permettendo a genuini e autentici esseri umani di usufruire di quell’arte pagana
che risponde al nome di Magica Cocaina Pop. […] I Twigs sono più grandi della vostra band
preferita, sono un fenomeno”.
TH EL EM O N TW I G S.C O M 4 A D.C O M
FUORI IL 21 AGOSTO 2020

10 | RUMOREMAG.COM
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 nostro nuovo materiale. Magari
WALKING WANDED potremmo metterci al lavoro
su un EP, visto che siamo fermi
T R A C E Y Latest update from the world gone mad: I have e non siamo in grado di fare
nient’altro”.
T H O R N been thinking about buying a sanitising wand
@TRACEY_THORN
(Ultimo aggiornamento dal mondo impazzito: pensavo di ERRATA CORRIGE N. 339
comprare una bacchetta igienizzante)

Nella recensione dell’album

dei Body Count, Carnivore, a
firma Mario Ruggeri, il voto
finale corretto è 80/100 e non,
come riportato erroneamente,
BOB HOPE 50/100
ROBERT
F R I P P But, Hope remains… IN USCITA
@ROBERT.FRIPP.96
(Ma la speranza resta...)
Sondre Lerche Patience
(5 giugno) Sonic Boom All
Things Being Equal (5 giugno)
Paul Weller On Sunset (12
giugno) Jehnny Beth To
Love Is To Live (16 giugno)

ASCOLTA
QUESTO
NUMERO SU
SPOTIFY

ARCADE FIRE AL LAVORO
in Butler ha diffuso sui
suoi profili social una
W nota scritta a mano in
cui spiega ai fan che
la band è al lavoro sul
seguito di Everything
Now. Il disco, scrive, uscirà “non si sa bene
quando, sicuramente non presto”, ma ha
aggiunto che la stesura dei nuovi brani,
iniziata un paio di anni fa, si è intensificata
durante il lockdown: “abbiamo esplorato
un sacco di temi che paiono legati in modo
quasi sinistro a ciò che sta accadendo”, in
riferimento, tra le altre cose, a una canzone
L'ESPERIENZA
DI RUMORE
SI AMPLIFICA
OGNI MESE UNA NUOVA
intitolata Age Of Anxiety, scritta un anno
PLAYLIST DEDICATA
fa. Butler si è dilungato inoltre sulla attuale AL NUMERO IN USCITA
pandemia. “Anche se questa crisi potrà
modificare o distruggere alcuni aspetti PER VIVERE IL MAGAZINE
dell’industria musicale, credo non farà che IN MANIERA TUTTA NUOVA
rafforzare la musica come forma d’arte.
Non è mai stata così essenziale, spirituale e
insostituibile… una chiesa che vive nell’aria
tra la fonte sonora e le vostre orecchie…
Voglio solo che sappiate, cari lettori, che
non siete stati dimenticati”.
ru m o re m a ga z ine

RUMOREMAG.COM | 11
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 R.I.P. M AGG I O 2 02 0

BILL WITHERS
Bill Withers è stato molto di più dell’autore di Ain’t No Sunshine, uno dei brani più
ascoltati, trasmessi, campionati e coverizzati di sempre. Il musicista del West Virgi-
nia (originario di Stab Fork, piccola città mineraria) ha seguito un percorso piuttosto
atipico: arruolatosi in marina per sfuggire ai ristretti orizzonti che i natali gli avevano
riservato, si congedava ventisettenne e, trasferitosi in California, veniva assunto alla
Boeing. Musicista autodidatta, Withers passerà gli anni successivi ad assemblare gabi-
netti destinati ai Boeing 747, esibendosi la sera nei locali di Los Angeles e registrando
provini. Uno dei quali finirà nelle mani di Clarence Avant, boss della Sussex, che gli
farà registrare, affidando la produzione a Booker T. Jones (leader di Booker T. & The
M.G.’s, la leggendaria house band della Stax), l’esordio Just As I Am del 1971, all’età
di 33 anni. Il disco, inciso con il contributo, tra gli altri, della chitarra di Stephen Stil-
ls, mischiava con grande originalità folk e soul e conteneva, oltre alla già citata Ain’t
No Sunshine, una Grandma’s Hands anch’essa riproposta in seguito da altri artisti
(Gil Scott-Heron la inserirà nel suo Reflections, 1981). Inizialmente poco propenso,
nonostante il successo immediato di Ain’t’ No Sunshine, a lasciare il posto fisso, con
il procedere degli anni 70 Withers si dedicherà totalmente alla carriera di musicista,
incidendo album (Still Bill, che contiene l’ennesimo hit, Lean On Me, +’Justments, che
segna la rottura con la Sussex), scrivendo e producendo canzoni per Gladys Knight e
firmando a un certo punto un contratto con la Columbia, i cui tentativi di ingerenza
nella scelta del repertorio dell’artista – una delle ragioni per cui passeranno ben sette
(193 8 -2 02 0) anni tra gli ultimi due album di Withers, ‘Bout Love e Watching You, Watching Me -
provocheranno, a metà anni 80, un abbandono delle scene privo di rimpianti.

BILL RIEFLIN
Bill Rieflin è stato un batterista – e occasionalmente polistrumentista - eclettico,
che ha lavorato in contesti assai eterogenei, sempre portando con sé il proprio per-
sonalissimo approccio allo strumento, dopo un esordio nella sua Seattle risalente al
1975 con i Telepaths. Lunga la sua militanza nei Ministry di Al Jourgensen a cavallo
tra anni 80 e 90 (con più sporadiche presenze in altri progetti di area industrial
come Revolting Cocks e Pigface, ma anche negli Swans durante i ‘90), pur non es-
sendone mai diventato un componente ufficiale, ruolo defilato ma decisivo simile a
quello ricoperto nei R.E.M. a partire dal nuovo millennio (tra i progetti in qualche
modo legati alla band di Athens, ricordiamo anche il suo contributo ai Minus 5 di
Scott McCaughey). A partire dal 2013, però, è stato soprattutto una colonna por-
(1960 -2 02 0) tante dell’ultima incarnazione dei King Crimson, ricoprendo il ruolo di batterista/
tastierista nella formazione guidata da Robert Fripp.

ADAM SCHLESINGER
Cantante, autore, produttore, bassista, chitarrista, tastierista, batterista: Adam Sch-
lesinger era il classico esempio di musicista “americano”, nel senso di artista/profes-
sionista completo e in grado di muoversi senza imbarazzi e snobismi fra il mondo del
rock e quello dei musical, del cinema e della televisione. Fondatore dei Fountains Of
Wayne - che vengono ricordati dai più per la hit del 2003 Stacy's Mom, ma con loro
aveva pubblicato cinque album - e di altre due band, Ivy e Tinted Windows (questi
ultimi con James Iha degli Smashing Pumpkins), aveva messo la sua sapienza di
songwriter anche al servizio di storie per teatro e piccolo e grande schermo, scriven-
do musiche che gli sono valse varie nomination a Emmy, Grammy, Golden Globe e
Oscar, per il musical Cry-Baby e per film come Music Graffiti, Tutti Pazzi Per Mary,
(1967 -2 02 0) Io, Me & Irene, Amore A Prima Svista e molti altri. Negli ultimi anni si era occupato
come autore e produttore musicale della serie TV Crazy Ex-Girlfriend.

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 HAL WILLNER
Figura atipica e unica all’interno del panorama musicale statunitense, ad Hal Willner
la definizione di produttore andava piuttosto stretta. Tra le sue prime esperienze signi-
ficative, quella televisiva come sketch music producer del Saturday Night Live: grazie
a lui il più trasgressivo degli scrittori Beat, William S. Burroughs (di cui anni dopo
Willner curerà un album, Dead City Radio), finirà nelle case di milioni di americani
leggendo un grottesco quanto comico estratto dal suo classico Il Pasto Nudo. A partire
dagli anni 80 incomincerà a produrre album per Marianne Faithfull, Lou Reed, Gavin
Friday, Lucinda Williams, Laurie Anderson e Allen Ginsberg, ma sarà anche responsa-
bile dei primi passi nel mondo della musica di Jeff Buckley, esordiente proprio in occa-
sione di un tributo al padre Tim organizzato da Willner. Più di tutto, sarà l’ideazione e
la produzione di una serie di originali tribute albums dal cast eterogeneo a esprimerne
in pieno il talento di assemblatore creativo: Amarcord Nino Rota del 1981 (tra gli in-
terpreti delle musiche tratte dai film di Fellini, Carla Bley, Bill Frisell, Steve Lacy e Deb-
bie Harry), Lost In The Stars: The Music Of Kurt Weill (1985, primo di due tributi al
compositore tedesco, con Sting, Lou Reed e Charlie Haden tra gli altri), i due volumi di
Rogue’s Gallery (2006 e 2013 rispettivamente, con nomi come Nick Cave, Bono, Bryan
Ferry, Robyn Hitchcock, Shane McGowan, Iggy Pop e Van Dyke Parks impegnati nella
rilettura di canti marinareschi tradizionali), ma soprattutto Stay Awake (1988), corag-
giosa e godibilissima riproposizione di temi musicali disneyani affidati a nomi come
Tom Waits (che fa sua la celebre Heigh Ho, la marcia dei Sette Nani di Biancaneve),
(195 6-2 02 0) Los Lobos, Michael Stipe, i Replacements e Sun Ra con la sua Arkestra. Nel 1998 era
uscito l’unico album a suo nome, il bizzarro e collagistico Whoops, I’m An Indian.

MIRKO BERTUCCIOLI
In troppi l'hanno ricordato solo per la partecipazione con i Camillas a Italia's Got
Talent, ma la carriera di Mirko “Zagor” Bertuccioli andava molto oltre quella appa-
rizione in TV: fondatore insieme a Vittorio “Ruben” Ondedei della band nel 2004
nella sua Pesaro, con loro aveva pubblicato quattro album – dall'esordio nel 2009
con Le Politiche Del Prato all'ultimo Discoteca Rock, pubblicato nel 2018 –, oltre al
primo EP Everybody In The Palco!, split, live, collaborazioni e anche un libro, La Ri-
volta Dello Zuccherificio, che avevano fatto diventare I Camillas un piccolo culto nel
mondo indie italiano soprattutto grazie ai live coinvolgenti, folli, eclettici e inclassi-
ficabili come la loro musica, mai uguali dall’uno all'altro. L'amore per la musica Ber-
tuccioli l'aveva portato anche fuori dal palco e dalla sala di registrazione, gestendo lo
(197 3 -2 02 0) storico negozio di dischi Plastic Music Dispenser. La band lo ha ricordato con queste
parole: “Sono sempre lì a dire e fare e cantare e rovesciarvi e sorridervi”.

JOHN PRINE
Johnny Cash, Bon Iver, Bright Eyes, Ben Harper, Michael Stipe, Bruce Springsteen,
Billy Bragg... sono solo alcuni degli artisti che negli anni hanno reinterpretato brani
di John Prine. Non un nome famosissimo, almeno per il cosiddetto grande pubblico,
ma un artista che ha influenzato generazioni di colleghi con il suo songwriting capa-
ce di attualizzare e rendere universale un linguaggio classico e tradizionalmente a
stelle e strisce come il country. 50 anni di carriera, 18 album, riconoscimenti ufficiali
(fra cui tre Grammy) e altri “ufficiosi” ma non meno rilevanti, come le parole di Bob
Dylan: “La roba di Prine è puro esistenzialismo proustiano. Viaggi mentali del Mi-
dwest all'ennesima potenza. Ricordo la prima volta in cui Kris Kristofferson l'ha
portato sulle scene. Sam Stone aveva al suo interno un verso meravigliosamente
(194 6-2 02 0) evocativo: 'There’s a hole in daddy's arm where all the money goes, and Jesus Christ
died for nothing I suppose'. Solo Prine avrebbe potuto scrivere in quel modo”.

RUMOREMAG.COM | 13
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PRIVÈ / PANZANE NON È VERO CHE UNA VOLTA C’ERA PIÙ SELEZIONE ALL’INGRESSO
Non è vero che una
volta c’era più selezione
all’ingresso
Oggi è molto più facile registrare
un disco di quanto lo fosse 30
anni fa. Le apparecchiature sono
molto migliori, ci sono software
discreti e gratuiti per registrare,
programmi freeware o craccabili
per creare musica elettronica che
suoni bene, senza spendere un
soldo e senza spostarsi da casa
propria. Questo ha fatto sì che
nel corso degli anni qualunque
idiota con un briciolo d’autostima
si senta in diritto di fare ascoltare
la propria musica al resto del
mondo, senza prima sincerarsi
del valore della musica stessa.
Il che ovviamente ha portato ad
un’orda di mediocri e di mezze
pippe che infestano il mondo
della musica facendo scendere
drasticamente la qualità media e
togliendo ossigeno alle poche cose
di valore, che rischiano di passare
inosservate e di vedersi negare un
futuro di gloria e grandezza. Una
volta, naturalmente, questo non
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PANZANE
succedeva. Le apparecchiature
costavano molti più soldi e toccava
rivolgersi a dei professionisti.
Far uscire i dischi comportava
un rapporto con un distributore
e un’etichetta, la promozione
costava soldi, tenere in vita la
band costava soldi. Questo creava
in maniera naturale dei circoli
virtuosi in cui le grandi etichette
investivano grosse somme di
denaro per tenere in vita un
gruppo, ricevendo in cambio
musica di qualità assoluta.
Capisco perché la gente fa questi
discorsi. Abbassare la soglia
di accesso porta a un mondo
in cui qualcuno è capace di
pensare i Foo Fighters come
io pensavo i Nirvana, e come
tutti gli appassionati di un certo
tipo anche io ho un gigantesco
problema con l’esistenza della
musica di merda. Come tutti
gli appassionati tendo a reagire
molto male quando ascolto un
disco brutto, ad ingigantire il
problema e considerare l’idea di
sterminare tutti i musicisti per far
sì che nessuno debba più soffrire
l’ascolto di un singolo disco
brutto. È una reazione emotiva,
dopo un minuto passa. Quel che
trovo pazzesco, personalmente,
è che questo tipo di reazione
emotiva sia per qualcuno la base
di una teoria molto complessa
e ramificata che alcuni critici -
anche molto in gamba - trovano
TESTO DI
F RANCES CO FARAB EG O LI
assolutamente inattaccabile. Sono
persone che hanno iniziato ad
ascoltare la musica ai tempi degli
Skid Row, dei Queen, di Vanilla
Ice e di Riccardo Fogli; hanno
superato indenne dieci anni di
musica in cui migliaia di gruppi
da cantina cercava di riprodurre
il suono di El Diablo dei Litfiba;
hanno processato sommariamente
certi artisti alternative sulle
testate che ospitavano le loro
elucubrazioni per aver firmato con
una multinazionale. Hanno deriso
nei primi anni 90 i residuati bellici
che rimpiangevano i gloriosi
tempi dei Led Zeppelin, e poi si
sono trasformati in loro. Magari
parlando di Chris Cornell invece
che di Robert Plant. Continuano
ancora a parlarne, la gente li
ascolta con interesse, considera
le loro ragioni e le sostiene.
Enunciano senza alcun problema
teorie estetiche secondo cui la
musica va protetta dalla gente
che si sente in diritto di farla.
Suppongo siano gli stessi che
rimpiangono la qualità audio del
loro mangianastri ogni volta che
avviano il diffusore bluetooth, ma
non ne ho la certezza assoluta.

PRIVÈ / BLOG'N'ROLL
Parto da un'immagine. Una
delle tante, e tutte desolanti, che
si possono scegliere per fissare
iconicamente questo periodo, che
ha a che fare con un luogo che
già di suo è uno dei più iconici
nella storia della musica: gli
studi di Abbey Road. Per la prima
volta hanno chiuso le porte in 90
anni. Non era successo neanche
sotto le bombe della Luftwaffe.
Nessuno a registrare, nessuno
a rischiare di farsi investire da
un autobus a due piani mentre
si fa fotografare su quelle strisce
pedonali che in questi giorni
sono state riciclate in fin troppi
meme. Un po' come le porte del
tempio di Giano chiuse in tempo
di pace, ma in senso opposto,
Abbey Road in lockdown
simboleggia l'eccezionalità
catastrofica e l'interruzione di
un tempo che nella sua ciclicità
(soprattutto produttiva) si
pensava eterno. Ma appunto: è
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HOUSE MUSIC
House music
BLOG'N'ROLL
solo un'immagine retorica, forse
anche un po' scontata. Oltre la
quale, sinceramente, non saprei
cosa scrivere. Anche le rubriche
su un mensile sono paralizzate da
quello che stiamo vivendo (dubito
che quando leggerete si potrà
usare il passato prossimo), e dal
senso di inutilità di qualunque
considerazione o previsione
sul futuro. Ho perso il conto
degli articoli che ho letto con
lo stesso titolo: “Come sarà la
musica dopo il corona virus”. Che
siano apocalittici o timidamente
speranzosi, che facciano prevalere
l'ottimismo della volontà o il
pessimismo della ragione, sono
viziati tutti da un bug di fondo:
nessuno sa quando sarà questo
dopo. Nel frattempo, ciascuno
deve pensare a sopravvivere.
Anche in una filiera tra le più
colpite in assoluto, peraltro,
c'è chi sta su una scialuppa di
salvataggio, chi su una zattera
e chi in mezzo al mare. Inutile
specificare dove stia la musica
indipendente, quella che campa
quasi esclusivamente su live,
festival, merchandising, dischi
venduti ai concerti ecc. “Gig
economy” nel senso letterale. Al
di là delle iniziative di sostegno
di governi o di brand, nel
secondo caso a volte encomiabili
(Bandcamp che si taglia per un
giorno le commissioni) in altri un
po' pelose (il fondo di 50 milioni
di dollari creato da Apple Music
TESTO DI
CARLO B O RD ON E
per aiutare le realtà indipendenti
distribuite sulla piattaforma,
ma – attenzione - solo quelle
che raggiungono i 10mila
dollari di guadagni trimestrali:
pensate come sarà felice chi ne
fa 9900...), l'unica risorsa per
migliaia di musicisti chiusi in
casa è produrre e diffondere
musica nuova. L'unica. C'è un
dato che colpisce, e che voglio
sforzarmi di interpretare in senso
positivo: negli Stati Uniti, gli
upload di canzoni prodotte da
musicisti indipendenti sulle varie
piattaforme di streaming nel
mese di marzo è aumentato del
300%. A fronte, in ambito major,
di una infinità di dischi posposti
sine die (comprensibilmente,
anche). Potrebbe significare,
chissà, una maggior esposizione,
ma soprattutto si tratta di una
richiesta di aiuto ai fan. Si diceva
già in epoca pre-pandemia che
alla base della sopravvivenza
dell'ecosistema indipendente ci
fosse il concetto di “community”:
mai come ora è il momento di
dimostrarlo.
RUMOREMAG.COM | 15

PRIVÈ / ZIGZAG #STATEINCASA (E NON ROMPETE I COGLIONI)
#stateincasa
(e non rompete i coglioni)
Terza settimana di coprifuoco.
Tralasciamo i problemi personali,
quelli li abbiamo tutti, chi più chi
meno. Disagi tecnici, logistici ma
soprattutto emotivi, regali del
simpatico Coronavirus. Drammi,
in molti casi, e vite cambiate da
così a così, come vi raccontano
ogni mattino, pomeriggio e
sera speciali televisivi che tanto
speciali non sono, se vanno in
onda tutti i giorni. Vi dico cose che
sapete già. Ma c'è un dramma nel
dramma: la presunzione. Pensate
che quello che fate o scrivete,
chissà perché, adesso più di prima
interessi davvero a qualcuno.
Come molti di voi bazzico sui
social e, dopo tre settimane ai
domiciliari in vostra compagnia
telematica, devo constatare che i
filtri sono caduti tutti: di salvare la
faccia non ve ne frega più niente.
Non ho mai capito i blog ma
vabbe', siete maggiorenni e
16 | RUMOREMAG.COM
ZIGZAG
vaccinati (termine inopportuno?),
figuriamoci la sublimazione
dell'ego a cui si assiste in questo
periodo: catene di S. Antonio a
tema musicale (la più inquietante:
“Scrivi una band o artista che
hai visto dal vivo per ogni
lettera dell'alfabeto”), DJ set
in streaming, live acustici dal
salotto, aperitivi al cesso, eccetera.
E ancora playlist personali,
panoramiche su scaffali con
dischi, riviste, libri, ritrovamenti
di biglietti di concerti vecchi di 30
anni, flyers e memorabilia varie.
Cose vostre che volete condividere
a tutti i costi, come i filmini delle
vacanze. Nostro malgrado.
Quella latrina che sa essere
Facebook, al netto di tutto (è utile,
funzionale, democratico e bla bla
bla) ci ha cambiati in peggio. Ci
fa presumere di essere importanti
e dimenticare cos'è il riserbo.
Quello che facciamo e possediamo
devono saperlo tutti: un effetto
domino devastante. Diamo per
scontato che a tutti interessi che
c'eravamo, al primo concerto
italiano dei Ramones in Italia o
al Bloom per i Nirvana quando “i
Nirvana ce li cagavamo in tre. Se
non ci credete, ecco il biglietto”
(foto, post, a seguire “like” come
se piovesse e gli immancabili
“come ti invidio”).
In questi giorni di quarantena,
l'incontinenza social ha toccato
TESTO DI
LU CA F RAZ Z I
livelli da psicanalisi. E se qualcuno
pensa di essere simpatico (o
peggio: di piacere) solo perchè
strimpella Redemption Song in
ciabatte e tuta da spacciatore, be',
arrivederci. Abbiamo imparato
che avete fantastiche collezioni di
dischi e libri. Bene. Che ne direste
di ascoltarli e leggerli, invece di
fotografarli e postarli? Aggiungo:
vi ha mai sfiorato il pensiero
che delle vostre prime rarissime
stampe Factory originali possa
non fregarcene un cazzo?
Sino a un mese fa eravate tutti
animali rock'n'roll che popolavano
i club (ma quando mai?), ora vi
sentite in gabbia e non sapete
come contenere il vostro spirito
libero e selvaggio. Siete indecisi se
indossare una t-shirt dei Fugazi o
una dei Pavement per la prossima
diretta? Tranquilli, per Facebook
siete sufficientemente punk e
fotogenici, avete passato l'esame.
Peccato per quella cosa chiamata
pudore.
Finirà, questo periodo di merda,
passeranno gli inni di Mameli dai
balconi, i bollettini di guerra e le
code ai supermercati. Rimarranno
i vostri post, e ci dovrete fare i
conti.

PRIVÈ / GLOBO BALLA E DIFENDI
Balla e difendi
Certo, in tempi di pandemia
il ricorso alle identità locali
pare quanto di più lontano dal
buonsenso, e il puntuale riflesso
condizionato del tricolore inutile
sul balcone lo conferma. In che
cosa esattamente il riconoscerci
come italiani può darci forza,
in un mondo che è tutto sotto
attacco? Non potrebbe essere
invece una buona occasione per
riconoscersi finalmente come
fratelli, ovunque? In questa
direzione vanno ad esempio
cose come WorldWideWindow,
mastodontica compilation
digitale: 56 tracce inedite per
oltre sei ore di musica, alla quale
è stato richiesto dal compilatore
- il romano Neel, produttore in
proprio e metà dei Voices From
The Lake con Donato Dozzy - di
"riflettere i tempi che stiamo
vivendo". Con una scaletta
impressionante di elettronica
italiana e internazionale, da Adiel
GLOBO
a Wata Igarashi passando per
Caterina Barbieri e Alessandro
Cortini, e proventi interamente
devoluti alla Croce Rossa. In
direzione solo apparentemente
opposta va invece Place: Music
And Activism, serie di raccolte
della newyorkese Air Texture
dedicate a scene nazionali, o
ancora più ristrette. Il tema è
locale, vero, ma il cuore e la
mente sono quelli di chi vuole
"contribuire a spostare il modo
in cui pensiamo alla musica
elettronica e dance, non solo
party ma piattaforma che si
attiva socialmente", citando
come esempio le tradizioni di
Detroit e Berlino, e il movimento
squatter globale. Vale il vecchio
motto "think globally, act locally"
dunque: ogni uscita è curata
da una figura di spicco della
scena del posto, e i ricavi sono
devoluti a organizzazioni che lì
si occupano di cause politiche e
sociali, con ampio spazio dedicato
all'informazione sulla loro attività.
Il tutto per "celebrare la musica
elettronica come forma d'arte
egualitaria e aclassista".
Molto bene, ma la qualità? C'ha
rotto er cazzo? Tutt'altro. In
barba al luogo comune che la
vuole inversamente proporzionale
alla serietà del pippone, la qualità
c'era eccome nei primi tre volumi
della serie - Colombia, Olanda e
Georgia, usciti a partire dal giugno
TESTO DI
AN D REA PO M I N I
dello scorso anno - e c'è nei due
in uscita ora, dedicati all'Ecuador
e all'area di Vancouver, entrambi
assai più corposi (19 e 20 tracce
rispettivamente) dei predecessori.
Il primo finanzia la ONG Amazon
Frontlines, al fianco delle
popolazioni indigene nella difesa
di terra e cultura, minacciate da
interessi minerari e petroliferi.
Lo cura Quixosis, che indaga un
underground tanto eterogeneo
quanto libero di creare senza
l'assillo del denaro, che non
c'è. Il dialogo fra suoni di tutti
e radici proprie è fresco, non
convenzionale; la reinvenzione è
continua, nutrita dall'ambiente
andino e dai ritmi del suo
folklore, senza che scorciatoie
etniche abbiano il sopravvento.
La raccolta canadese, anche lei
molto eterogenea nel passare in
rassegna quasi l'intero spettro dei
suoni elettronici contemporanei,
anche lei fatta di nomi poco
noti nonostante la collocazione
(geografica e culturale)
decisamente meno periferica,
è compilata invece da Kuma.
Racconta una città da sempre
attraversata da tensioni musicali
peculiari, e dona i proventi a
Pacific Wild, organizzazione
ambientalista attenta in particolar
modo ai diritti delle First Nations
indigene del posto.
RUMOREMAG.COM | 17

THE GREAT CURVE
MAGGIO 2020
omplicato scrivere
oggi qualcosa che
C verrà letto in un do-
mani ancora difficile
da decifrare. Ma
ci sono parole che
rimangono, rivestite
di nuovi significati. Ne scelgo una.
Curva.
Antico sinonimo di ammasso umano
calcistico, ormai inimmaginabile. Pallida
descrizione parageometrica di tragitto
automobilistico da maneggiare con cura
e non più percorso dalla maggior parte
di noi, ferma. Ormai implacabile tra-
sposizione cartesiana di quanto siamo
ammalati, di quando lo saremo meno,
se non lo saremo più. Siamo su quella
curva.
Ma 40 anni fa, per me, il concetto pri-
mario di curva era uno solo: The Great
Curve dei Talking Heads. A seguire
c’erano la Curva Maratona del Toro,
18 | RUMOREMAG.COM
MY TUNES
TALKING HEADS
DI MAURIZIO BL AT TO
la curva di una donna desiderata e, al
fondo, molto al fondo, la Curva delle
Acque Minerali dell’Autodromo di
Imola. Ero ossessionato da quella can-
zone e, ovviamente dai Talking Heads.
La loro magrezza newyorchese, per me
inarrivabile, era un sinonimo di purezza
estetica e morale. Veneravo l’intelligenza
misurata a scatti psicotici delle movenze
di David Byrne, il caschetto platino e
lo sguardo astuto a labbra fisse di Tina
Weymouth. L’Africa urbana, la potenza
“nera” di percussioni e cori, Brian Eno
nelle retrovie (ancora oggi vorrei Brian
Eno a produrmi la vita. Tutta, ogni gior-
no. Maurizio Blatto, produced by Brian
Eno, che meraviglia utopica). Tutto mi
azzannava alle caviglie dei desideri.
Così, quando venni a sapere che avreb-
bero suonato a Roma, come da pro-
gramma, persi il controllo. Tutti, per
obiettivi diversi, abbiamo intrapreso
quella processione dilaniante da camera
nostra verso l’altare dei genitori con una
richiesta che, in cuor nostro, sapevamo
fin dall’inizio non sarebbe stata accolta.
Ma ci abbiamo provato ugualmente,
vittime sacrificali della nostra stessa, e
incomprensibile al potere ecclesiastico
e politico domestico, religione. Mentre
misuravamo i passi, una scritta al neon
carminio si illuminava sempre più netta-
mente di fronte a noi. Prima che potessi-
mo domandare, giustificare, genufletter-
ci e pietire. “La risposta è NO”.
La lista dei concerti ai quali non abbiamo
potuto assistere è oggi un triste annotare
dettato dalle cancellazioni degli eventi.
Ma allora. Allora era diverso, gli “altri”
ci andavano. E tu? A casa. Affine, ma
più doloroso rispetto al calendario del
mondo sul tasto “pause” attuale. Ognuno
di noi sa a quali live ha dovuto rinuncia-
re, per leggerne poi come eventi epocali,
svolte di massa, godimenti collettivi.
E morirne quindi appassito, come una
pianta da ufficio mortificata dai veti del
codice illibertario familiare.

MY TUNES THE GREAT CURVE TALKING HEADS
“U N A  C UR VA  PUÒ E S S E RE P E NS ATA IN T U ITIVA M E NTE COM E L A  TRA IE T TORIA  DE SCRIT TA DA UN
O GG ET TO PUN TIFORME C H E S I MU OV E CO N CONTINUITÀ IN QUA LCH E SPA Z IO. . . ”
("C U RVA MATEMAT I CA" , WI KI P E D I A )
Decisi di rimediare come avevo fatto
(e avrei replicato) spesso. Mettendo in
scena il mio teatro personale, immedesi-
mandomi totalmente in uno spazio fisico
e mentale delineato dagli aggettivi com-
movente e patetico. Non conoscevamo
nessuno a Roma (a dirla tutta non co-
noscevamo nessuno oltre la provincia di
Torino, eravamo un’enclave piemontese
rafforzata da una chiusura atemporale
degna di una tribù amazzonica) che, in
linea del tutto teorica, avrebbe potuto
ospitarmi e accompagnarmi al Palaeur.
Non presi nemmeno in considerazione
una fuga (poca stoffa, nessun coraggio,
disastro probabile, smarrimento ferro-
viario, morte per inedia alle pendici degli
Appennini), quindi mi arresi alla rap-
presentazione interna. La sera del con-
certo (lo trasmisero per radio, almeno
parzialmente? Forse. Non lo seppi mai)
ebbi la fortuna di essere da solo in casa
e quindi, in omaggio a una pratica da
Actors Studio due tacche sotto l’approc-
cio da compagnia teatrale parrocchiale,
preparai in cucina due panini prosciutto
e formaggio e riempii la mia borraccia da
avventuriero alpestre (sono stato Greta
prima di te) di acqua frizzante ghiaccia-
ta. Che mai si scaldasse nel tragitto che
mi separava dalla cucina alla porta in
legno bianco dopoguerra e vetri smaltati
di camera mia. Lì di fronte, in attesa che
aprissero i cancelli, consumai la mia
cena seduto a gambe incrociate. Stava
succedendo lo stesso a Roma? La gente
spingeva, eccitata? Terminati i miei pa-
nini, arricchiti di frivola maionese, entrai
cercando di essere in sincrono con gli
orari del Palaeur e corsi i due metri che
mi separavano dal mio palco. Ovvero lo
stereo, addobbato in maniera sacrale con
i vinili davanti e un paio di “Rockerilla”
dell’epoca aperti con le foto dei Talking
Heads in bella vista. Curiosamente gua-
dagnai un posto d’onore, attaccato alle
mie transenne immaginarie. Chi era con
me? Chi era lì? Immaginai maschi con
gli occhiali, capelli con la riga in mezzo,
facce da extraparlamentari, sopravvis-
suti all’eroina, esagitati che reclamavano
slogan ritenuti legittimi come “la musica
non si paga”, velleità indirizzate a ipote-
Non posso pensare di dovervi spiegare che cosa siano stati i Talking Heads e Remain In Light, ma vi condanno
amorevolemente a guardare l’intero concerto su YouTube. Che Fela Kuti, la new wave, il funk e il punk possano
benedire Cesare Pierleoni, artefice delle riprese RAI di quell’epocale 18 dicembre 1980.
tici avversari politici alle quali avrebbero
risposto decenni più tardi mp3 e Spotify.
Perché loro? Perché erano i fenotipi in-
crociati durante le mie parche esperienze
e perché l’idea che potessi avere a stretto
contatto ragazze con capelli corti vestite
di nero che ballavano durante, che so,
Cities, mi avrebbe spinto volontaria-
mente fuori dalla finestra, appiattito sul
cortile, a fianco dell’utilitaria di mio zio
Egidio. Diedi il via alla Rappresentazione
e scommisi su Psycho Killer come aper-
tura. Puntina sul disco e alè. Urlai, pazzo
demente indemoniato sconfitto, in un
condominio indifferente alla Storia che
si compiva nella Capitale. A posteriori,
azzeccai.
Anni dopo le benemerite riprese RAI
furono gloriosamente trasmesse e
l’intero live pubblicato (i bootleg come
ricompensa di assenze tanto insanabili).
Avrò rivisto quelle immagini centinaia
di volte e ho comprato quel concerto in
ogni formato. Iniziarono davvero con
Psycho Killer. In mezzo le nostre scalette
differirono parzialmente, ma sul finale,
incredibilmente, tornammo allineati.
Chiusero, ed io con loro, con The Great
Curve.
La canzone, come quasi tutto Remain
In Light, è ritmo puro. Afrobeat in New
York. Pochi cambi d’accordi, sovrappo-
sizioni, entrata secca e globale. La geo-
metria, in musica, può essere esaltante.
In The Great Curve ci sono almeno sei
canzoni una sopra l’altra. Non molla mai,
la crescita è esponenziale, aggiunge un
livello di funk cerebrale ed epidermico
ogni dieci secondi.
Quando arrivò il suo momento sul mio
vinile, certo che fosse ora di chiudere (i
miei genitori sarebbero arrivati da lì a
poco ed io non avrei potuto interrom-
pere) alzai al massimo consentito per
un’unità abitativa e cominciai a roteare
le braccia, invasato sufi di me stesso.
Cascai per terra almeno un paio di volte.
Avessi potuto scegliere, mi sarei fatto
esplodere in aria con il tritolo.
TESTO DI
MAU RIZIO B L AT TO
A Roma, The Great Curve fu il massimo
possibile raggiungibile da una band
sul palco. Gli assoli di Adrian Belew
(letteralmente in brache di pigiama,
sul palco), che tagliano le sezioni della
canzone, sembrano una chitarra tra-
sformata nel barrito di un elefante, un
boato soverchiante. Dolette McDonald
ai cori, vestito esile con spillette, un
incanto. Busta Jones danza nervoso e
picchia un secondo basso. Il pubblico
è, letteralmente, una bolgia di calore
grigioazzurra. Bernie Worrell dei Fun-
kadelic, le percussioni di Steven Scales.
Quando pensi stia per finire, The Great
Curve aumenta. Jerry Harrison im-
perturbabile alle tastiere, Chris Frantz
una macchina. A volte il mondo ha un
sacco di domande. Il mondo è vicino,
ma è fuori portata. La notte deve ca-
dere adesso, sempre più buia. Pensate
a queste parole oggi. Ma immaginatele
allora, cantate da David Byrne. Tutti si
muovono con una simmetria convulsa
che nessun art director avrebbe potuto
immaginare migliore. E poi Tina Wey-
mouth, abito bianco lungo con spacco
laterale e top, algida e fatale, che alla
fine, leggerissima, sale sulle casse e
punta il suo basso verso Roma, dritto
nel cuore del ritmo. Io forse devo rin-
graziare di non averlo visto sul serio di
persona, perché, ne sono certo, sarei
morto all’instante. Non avrei retto.
Il mondo si muove sui fianchi di una
donna, il mondo si muove e rimbalza
e salta. E io franai sulle piastrelle di
camera mia e confusi il fruscio della
puntina sul limitare della prima faccia-
ta di Remain In Light con il vociare del
pubblico. Era finita. Per quanto possa
sembrare scontato, in quel momento
ero “posseduto”. Ma poi mi ripresi e,
sudato e con gli occhi amaranto, pensai
a chi era stato davvero là. E quindi sap-
piate, voi romani privilegiati presenti
allora, che vi amo e invidierò per tutta
la mia vita. Lo penso oggi e lo pensai
allora, mentre uscivo dai miei due metri
di Palaeur casalingo, sciamando fuori
dalla camera dove avevo stipato inge-
nuamente e senza freni la mia fede e i
miei desideri più selvaggi.
RUMOREMAG.COM | 19
 RUMOREMAGAZINE MAG G I O 2 02 0

20 | RUMOREMAG.COM
 DOVE:
New York,
USA THE WANTS
COSA:
Chitarra, basso, batteria e nevrosi metropolitane
IL DISCO:
CONTAINER
COUNCIL, 2020
a noi ancora
sconosciuti,
D all'estero in
costante ascesa:
sono The Wants,
newyorchesi
di Brooklyn, trio di post punk
angolare che paga un tributo al
passato senza perdere di vista
il calendario che dice 2020.
È appena uscito il loro atteso
album di debutto, Container.
Contatto Madison Velding-
VanDam, il cantante/chitarrista,
in lockdown nel suo trilocale
di Bushwick. Mi racconta che
lui e Jason Gates, il batterista,
hanno iniziato a suonare insieme
alcuni anni fa, dopo esseresi
conosciuti frequentando la scena
di Brooklyn. The Wants sono nati
quando si è unita a loro Heather
Elle, la bassista, poco più di un
anno fa.
The Wants sono figli della loro
città. “Siamo indissolubilmente
legati alla scena musicale di
New York. Heather e io abbiamo
trascorso l'ultimo decennio
immersi nella scena di Brooklyn,
inevitabile rifletterne la cultura.
Jason è di Brooklyn, è nel suo
DNA. Gruppi come i Liars sono
stati una fonte d'ispirazione,
Container però ha preso forma
solo quando ho ripreso a tornare
nel Michigan, a Detroit, dove vive
mia madre. L'influenza esercitata
da Detroit è pari a quella di New
York: la Motown, certa musica
elettronica e il proto punk sono
cose che abbiamo assorbito. La
New York anni 70, quella del
CBGB's e del Max's, deve essere
stata un luogo fantastico e non
posso negare che c'è qualcosa dei
Talking Heads e dei Television
in quello che facciamo ma, per
capirci, Leeds e il Brudenell Social
Club, dove hanno mosso i primi
passi Gang Of Four e Mekons, per
noi sono altrettanto importanti”.
Difficile connotare la scena della
città, nel 2020: “I musicisti
emergenti di New York oggi
devono lottare contro canoni di
locazione altissimi che rendono
impossibile l'insediamento in
certe zone. Ci sono buone band
garage rock e punk, sono generi
radicati nella cultura alternativa
della città, ma The Wants si
muovono in un altro ambito. In
città penso che la Wharf Cat sia la
migliore etichetta del momento,
con gruppi come Bambara, P.E.
e Palberta. Anche i club hanno
parecchie restrizioni. Pagano
licenze molto costose per la
vendita di alcolici, se sgarri la
polizia ti fa chiudere e questo
incide sulla loro sopravvivenza.
Uno dei locali migliori al
momento è il Market Hotel, tra
Williamsburg e Bushwick, dietro
il palco c'è una vetrata dalla quale
si vedono i treni delle linee J-M-Z.
Lì ho visto Laurie Anderson col
suo trio jazz mentre sullo sfondo
sfilavano i treni, assolutamente
magico”.
QUANDO:
dal 2018
ONLINE:
facebook.com/thewantsband
Quale sia, l'ambito in cui si
muovono The Wants, non lo
chiarisce nemmeno Container,
il loro album d'esordio, frutto di
un lungo scambio (tre anni) di
idee e registrazioni tra Madison
e Jason nei rispettivi studi
approntati in casa e nella loro
sala prove “Hanjin”, un container
per i trasporti navali cinese
abbandonato in un parcheggio
a Brooklyn. Però il loro suono
funziona, in studio come dal
vivo (testimonianza diretta,
li ho visti a Londra) anche se
assume connotati “europei”,
come conferma Madison: “Siamo
stati sicuramente ispirati dai
gruppi post punk inglesi fine
70, Gang Of Four e Wire su
tutti, ma anche David Byrne
è un'influenza nell'approccio
ai live e nel songwriting. Però
vorrei si capisse che da questi
esempi siamo partiti per
sviluppare il nostro suono. Non
nascondiamo le nostre influenze
ma aspiriamo a svincolarci
da generi così circoscritti. In
Container c'è anche techno,
industrial, elettronica e accenni
alle sonorizzazioni per film, e per
noi sono altrettanto importanti,
penso diano un'idea più completa
della nostra identità di gruppo”.
Giusta rivendicazione, supportata
dai fatti.
TESTO DI Luca Frazzi
RUMOREMAG.COM | 21
 DOVE:
Catania,
Italia
COSA:
Psych pop, funk ed elettronica bucolici made in Sicilia
IL DISCO:
GREEN
URTOVOX, 2020
A Lemon è il nome d’arte del
polistrumentista Alessandro
Moncada. “L’ho scelto perché
mi piacciono i giochi di parole.
Amo pronunciarlo, è come se
fosse il mio vero nome”, spiega.
È appena uscito il suo album di
esordio. “Green è un riferimento
al mio attaccamento alla natura.
Le canzoni mi trasmettono
le sensazioni che mi dà ‘il
verde’. Provo un sentimento di
purificazione e libertà quando
mi trovo in mezzo alle piante”.
Moncada scrive in inglese. “Ho
amici all’estero e mi piacerebbe
far proseliti oltre confine, ma
non è questo. Non è una scelta,
è che ho sempre avuto a che fare
22 | RUMOREMAG.COM
A LEMON
con musica straniera, cantata
in inglese. Per anni ho ascoltato
quasi solo quella, oggi non è più
così, ci sono tanti artisti italiani
che amo. Il pensiero di trasferirmi
all’estero mi stuzzica, ma non so,
cambio spesso idea”.
Del resto ha vissuto per un po’
negli USA. “Ero circondato da
musicisti, suonavo tanto. Ma,
rincasato, ho smesso per un po’,
ero saturo, e mi sono dedicato ad
altro. Così mi sono rigenerato”. E
poi Green, disco scritto, suonato,
prodotto e inciso perlopiù in
solitudine. “L’ho registrato nel mio
home studio, tranne la batteria,
incisa nella casa di campagna di
QUANDO:
dal 2016
ONLINE:
facebook.com/
alemonalemonalemon
un’amica. Talora ci sono flauto
traverso e violino, suonati da
Matteo Puglisi e Giorgia Reitano”.
E poi il Covid e le difficoltà che
ne conseguono. “Il virus è stato
un duro colpo, però viviamo in
un’epoca in cui si può lavorare a
distanza. Ho alle spalle un team
fenomenale e la promozione non
ne ha risentito. Ciò che ne ha
risentito di più è il live. Avevamo
in programma un tour, che è stato
rinviato. Non vediamo l’ora di
salire sul palco”.
TESTO DI Barbara Santi
 DOVE:
Caserta/
Napoli, Italia
COSA:
Post emo gaze introspettivo
IL DISCO:
FILTRO
V4V, 2020
Sono piombati quasi dal
nulla i Tenue, una manciata di
singoli dal 2018 al 2019 e poi
Filtro, primo album denso di
riferimenti precisi e un’immagine
a fuoco, per quanto riverberata
e sognante: “La maggior parte
delle band di riferimento sono
del panorama americano recente:
Sorority Noise, Movements,
Citizen, Hundredth, Teenage
Wrist. Siamo partiti dall’ascolto
dei loro ultimi album per dare
un’impostazione di partenza
al nostro modo di suonare
insieme, al nostro modo di
scrivere”. Questo è uno dei
dettagli più evidenti della band
campana, l’altro emerge dalla
TENUE
scelta di affrontare il genere in
italiano: “La voce e i testi sono
gli aspetti che hanno richiesto
più tempo. All’inizio scrivevamo
solo musica, poi si è fatto avanti
Antimo, che ha provato a scrivere
i testi e cantare. Non ci siamo
chiesti se si sposasse al genere
che stavamo suonando, la
priorità era esprimere concetti
e sensazioni che non avrebbero
avuto il giusto respiro in una
lingua che non fosse la nostra”.
Un primo lavoro che li vede
affondare il processo compositivo
nelle derealizzazione, disturbo
della sfera psichica caratterizzato
dalla perdita di senso della
QUANDO:
dal 2018
ONLINE:
facebook.com/tenueband
realtà: “L’autoreferenzialità
ci ha spronati all’inizio, poi
abbiamo voluto trattare il tema
della derealizzazone da un punto
di vista più generale, sociale:
è la condizione che vive chi si
sente alienato dalla realtà che
lo circonda, dubitando della sua
esistenza e provando paura e
ansia che possono portare alla
somatizzazione, all’apatia”. I
Tenue scavano in profondità,
cercando di abbattere paure
trasparenti ma infrangibili.
TESTO DI Nicholas David Altea
RUMOREMAG.COM | 23
 AVEC
DOVE: QUANDO:
Vöcklabruck, Austria dal 2015
ONLINE: facebook.com/officialAVEC
COSA:
Intimità folk rivestita
di elettronica
IL DISCO:
HOMESICK
EARCANDY RECORDINGS, 2020
Miriam Hufnagl, vero nome di AVEC, ha mosso presto
i primi passi nel mondo della musica inizialmente
imparando a suonare il violino e poi dedicandosi, appena
dodicenne, alla composizione dei primi pezzi in inglese.
È stato un continuo e graduale processo di crescita
artistica e personale per la cantautrice austriaca, che,
poco più che ventenne, nel 2016, raggiunge un primo
traguardo importante con il brano Granny, dedicato
alla nonna malata di Alzheimer e contenuto nel primo
album, What If We Never Forget, con cui si aggiudica
pure numerosi premi.
Il segreto di AVEC è essere se stessa fino in fondo, senza
temere di affrontare argomenti scomodi o delicati.
“Scrivo delle mie esperienze, dei miei problemi e i miei
metodi per uscirne. Voglio che la gente non si senta sola
quando si trova in certe situazioni”. Homesick, il suo
terzo LP, è nato nelle campagne austriache: “Mi lascio
ispirare molto dalla natura, dalla quiete e dal silenzio.
Quando scrivo ho bisogno di essere sola per riuscire a
scavare in profondità dentro me stessa”. In questo lavoro
l’artista veste di elettronica le proprie composizioni
indie folk, perfezionando la scrittura e rifinendo
interpretazioni vocali sussurrate e leggere.
TESTO DI Doriana Tozzi
24 | RUMOREMAG.COM
CHOW
DOVE: QUANDO:
Bologna, Italia dal 2013
ONLINE: facebook.com/chowregaz
COSA:
Chitarre di 30 anni fa
e ruvido talento
IL DISCO:
ANCIENT GENTLE TOWER
SLACK, 2020
Prima c'erano i Tunas, altre pecore nere dell'under-
ground italiano. Due di loro, Riccardo Frabetti e Davide
Montevecchi, nel 2013 iniziano a provare con Stefano
Zuccato, batterista dei Classmates: è così che nascono i
Chow (da pronunciarsi ciao), band fieramente fuori dal
giro. In sette anni pubblicano una cassetta, un singolo e
suonano dove, quando e con chi capita. Nel 2018 entrano
allo studio Bunker di Rubiera per registrare il loro primo
album, Ancient Gentle Tower. Impiegano più di un anno
e, quando sta per uscire, l'Italia entra in quarantena.
Uscirà comunque su CD per Slack e su vinile con una co-
produzione Slack/Ansaldi/Starvation/Oh Dear Records.
Prima o poi.
Ancient Gentle Tower è un album a suo modo classico.
Il riferimento è il suono del North West americano fine
80/primi 90, Screaming Trees su tutti: ruggente ed
evocativo, grunge fuori tempo massimo (o in anticipo sui
tempi, dipende da quello che sarà il prossimo revival).
Etichette e catalogazioni sono l'ultimo dei problemi per
Frabetti (talento pigro e spigoloso) e soci: nell'ombra
erano e nell'ombra rimarranno, ma con un album in più
all'attivo che spicca per ispirazione. Nessuno oggi suona
come i Chow, la band lo sa e se ne vanta. Giustamente.
TESTO DI Luca Frazzi
 FADI
DOVE: QUANDO:
Rimini, Italia dal 2017
ONLINE: picicca.it/fadi
COSA:
“Dai cantautori italiani, passando
per l’afrobeat, la Motown e il soul”
IL DISCO:
FADI
SONY MUSIC ITALY, 2020
Partiamo dalle sue radici, fondamentali per
comprendere un suono tanto peculiare. “Mio padre
arrivò dalla Nigeria negli ’80, per imparare dai migliori
come si mettono le mani nei motori”, dice. “Mamma è
figlia di albergatori della Riviera. Nell’autoradio di papà
suonava Fela Kuti, in casa ascoltavo i cantautori. Essere
cresciuto avendo due culture diverse da cui attingere mi
ha condizionato negli ascolti, nell’approccio. Mi sono
divertito a mescolarle. Ho cercato di rivalorizzare le
sonorità più vicine a me”.
Suoni che sono confluiti nell’omonimo esordio, declinato
in italiano. “Il minimo comune denominatore del disco
sono io, la mia storia, è una raccolta di esperienze
personali. Una frase che amo è orientarsi con il mare.
Sono canzoni che nascono dalla realtà, rielaborata a mio
modo. Che puoi suonare in faccia al mare con e per chi
vuoi”. Un disco cui hanno partecipato musicisti quali
Fabio Rondanini, Roberto Dell’Era, Daniel Bestonzo
e Antonio Filippelli, che lo ha pure prodotto e inciso.
“È stato un onore collaborare con Antonio e gli artisti
che hanno lavorato ai miei miei brani durante le
registrazioni. Tra l’altro al Festival di Sanremo Daniel
dirigeva l’orchestra, grande emozione”.
TESTO DI Barbara Santi
UNOAUNO
DOVE: QUANDO:
Rimini/Molfetta, Italia dal 2016
ONLINE: unoauno.bandcamp.com
COSA:
Il noise declamatorio
della costa adriatica
IL DISCO:
BARAFONDA
RIBÉSS, 2019
“Mauri e Rocco si sono conosciuti a un concerto dei
Cosmetic. Rocco sapeva della mia passione per certa
musica italiana e così…”. A rispondere è Giangi, un
Tony Dallara postmoderno, l’urlatore pensante degli
Unoauno: tre studenti venticinquenni, fuorisede a
Milano. “All’inizio io e Rocco abitavamo assieme in una
quintupla, a fare la vita da idealisti falliti. Mauri stava
in collegio e aveva la possibilità di usare un garage come
sala prove che ci ha salvato la vita. Da tre anni viviamo
assieme. Rocco si sta laureando, Mauri e io speriamo
quest’estate”.
A fine 2019 l’atipico trio noise punk senza chitarra
è tornato con l’album della conferma, ed ha appena
girato l’Europa: “Abbiamo toccato Croazia, Ungheria,
Repubblica Ceca, Germania e Francia. Temevamo la
barriera linguistica, di fatto non cantiamo al massimo
salmodiamo in italiano. Il feedback ci ha sorpreso.
Non è facile da spiegare ma se uno riflette su cosa gli
accade quando ascolta musica straniera lo capisce: il
suono delle parole, la cadenza e soprattutto l’energia del
palco arrivano subito. Anzi, spesso le orecchie straniere
riescono a cogliere quella musica incredibile dell’italiano,
a cui noi per abitudine siamo diventati sordi”.
TESTO DI Manuel Graziani
RUMOREMAG.COM | 25
THE
1975
UNA BAND E UN SOLISTA ALLE PRESE CON DUE PERCORSI DISCOGRAFICI PER COSÌ DIRE GEMELLARI. NEL
CASO DEI BRITANNICI 1975 IL PIÙ VOLTE RIMANDATO NOTES ON A CONDITIONAL FORM CHIUDE IL CERCHIO
APERTO DA A BRIEF INQUIRY INTO ONLINE RELATIONSHIPS NEL 2018. NEL CASO DI MOSES SUMNEY PARLIAMO
DI UN DISCO, GRAE, USCITO IN DUE PARTI, TRA FEBBRAIO E MAGGIO, PER PERMETTERE AGLI ASCOLTATORI DI
ASSIMILARNE LA DENSA NARRAZIONE. COME A DIRE: LA REALTÀ - SOCIALE, POLITICA, MA ANCHE EMOTIVA E
SENTIMENTALE - È COSÌ COMPLESSA CHE PER SPIEGARVELA DOBBIAMO ORGANIZZARE IL RACCONTO IN DUE
FASI, COMPLEMENTARI. IN ENTRAMBI I CASI L’IMPRESSIONANTE SINTONIA CON I TEMPI CHE STIAMO VIVEN-
DO CI È PARSA TROPPO POTENTE PER NON ESSERE INDAGATA.
TESTO DI M AURO FENOGLIO - FOTO DI J ORDAN CURTIS HUGHES

POP MULTI-
DIMENSIONALE
PER LA
GENERAZIONE Z
“LA GENERAZIONE Z (TALVOLTA ABBREVIATA IN GEN Z) È IL GRUPPO DEMOGRAFICO
CHE VIENE DOPO I MILLENNIALS E PRECEDE LA GENERAZIONE ALFA. RICERCATORI
E MEDIA COLLOCANO L'INTERVALLO DELLE NASCITE TRA LA SECONDA METÀ DEGLI
ANNI 90 E I PRIMI ANNI 10. CHI APPARTIENE ALLA GENERAZIONE Z UTILIZZA LA TEC-
NOLOGIA DIGITALE FIN DALLA PIÙ TENERA ETÀ E HA UNA ESTREMA DIMESTICHEZZA
CON INTERNET E I SOCIAL MEDIA, MA NON È NECESSARIAMENTE ALFABETIZZATO A
LIVELLO DIGITALE. MOLTI APPARTENENTI ALLA GENERAZIONE Z SONO FIGLI DELLA

I
GENERAZIONE X” (WIKIPEDIA.ORG)

di creare brutte copie su carta carbone del passato.

l pop è un sublime e azzardato gioco di specchi. Vive
della capacità di accendere sensazioni, dietro la
riproduzione infinita di idee musicali del passato che
rivelano memorie di vita universalmente condivisibili.
Il magico meccanismo del “riportarti a casa” con i tre
minuti di una canzone memorabile, il vero obbiettivo
aureo della musica pop tutta. Attivare i recettori
della commozione della memoria, evitando il rischio
Così è stato per Elvis Presley, per Paul McCartney
e John Lennon, ma anche per Prince o Kanye West.
Tutti, nel loro tempo e con la loro creatività, estrosi
fuoriclasse del gioco di sintesi del ricordo. Maestri
nel plasmarne i materiali disponibili in pillole
(canzoni) dal potere salvifico, che diventano essi
stessi riferimenti per il futuro. I 1975 nascono nelle
aule di un liceo di Wilmslow, in Inghilterra, nel 2002,
facendo cover di gruppi punk e suonando in piccoli
festival organizzati dalla municipalità. Hanno tra i 13
e i 15 anni quando iniziano. Il loro esordio omonimo
del 2012 è un acerbo laboratorio di idee in divenire,
che sceglie di attingere al suono sintetico e gommoso
degli anni 80 accontentandosi di mostrare un lato più
linearmente derivativo. I Like It When You Sleep, For
You Are So Beautiful Yet So Unaware Of It, quattro
anni dopo, rivela al mondo un’urgenza onnivora che
guarda oltre la pedissequa e comoda riproduzione di
uno stile. Le architetture musicali ardite e cangianti,
imbastite da George Daniel e dal cantante Matt Healy,
mettono in fila i Sigur Rós e i Boards Of Canada con
Kim Carnes, Roberta Flack con gli Scritti Politti.

TAG: #multidimensionale #internet #emocore #burial #mente ONLINE: The1975.com

RUMOREMAG.COM | 27
 THE 1975
«SONO CRESCIUTO CON IL PUNK E
L’ H A R D C O R E . M O LT O C O N S A P E V O L E
D I U N C O N C E T T O C H E A V E VA O R I G I N E
NEGLI ANNI 80: SE VUOI CAMBIARE IL
MONDO DEVI PARTIRE DALL A TUA ESI-
STENZA E SPERARE CHE QUESTO SPIN-
GA IL MONDO INTORNO A CAMBIARE
CON TE»
In uno zibaldone multicolore che diventa manuale
di vita, in grado di dialogare con il presente nel
successivo A Brief Inquiry Into Online Relationships
del 2018. Un disco già pensato come esperienza
totale, dalla strategia promozionale all’ambizione di
attingere al passato per informare il presente. Frank
Sinatra, Justin Timberlake, Prefab Sprout e Blue Nile
declinati in un paradiso contemporaneo multicolore,
fra suggestioni jazz, R&B e sofismi pop. Per la
miglior rappresentazione pop di tutte le pulsioni dei
millennials (la famosa Generazione Z), in un mondo
trasfigurato dalle traiettorie della condivisione on
line e dalle pressioni del consumo, ma anche dagli
ultimatum non negoziabili del clima che cambia e
della salute mentale che diventa un problema sociale.
Healy attraversa (e condivide) l’esperienza della
tossicodipendenza, superandola, per arrivare a parlare
a tutti con Love It If We Made It. Forse la canzone pop
definitiva per raccontare le fragilità nervose e le ansie
dell’oggi, dietro lo scudo iconografico di un passato
recente che (per fortuna) non ci abbandona. Una Sign
‘O’ The Times lasciata, con l’eco di The Downtown
Lights dei Blue Nile, alla Generazione Z. Il nuovo
Notes On A Conditional Form, in uscita a maggio,
è la prosecuzione naturale di Inquiry… Un album
pensato ancora una volta come progetto d’indagine
postmoderna sul presente. Che alla coralità adult pop
del precedente sostituisce memorie ritmiche figlie
dell’hardcore continuum britannico anni 90 e del
diario adolescenziale emocore americano. Ancora una
volta si dialoga con il mondo là fuori, condividendo
il privato di paure e speranze mentre imperversa la
minaccia del cigno nero, del virus. Healy e compagni
rispondono, invitando i fan a condividere i video
delle loro esperienze, dei loro momenti di vita,
istantaneamente e senza inutili precostruzioni. È il
loro modo di mantenere quella connessione col mondo
esterno, con quella generazione che vive il presente
subendo sulla propria pelle conseguenze (causate da
altri prima di loro) che ne determineranno il futuro
prossimo. E mentre continuiamo ad illuderci di star
28 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
solo parlando di musica pop, raggiungiamo Matt Healy
in piena quarantena, in attesa dell’uscita del disco.
Ciao Matt. Iniziamo con la più ovvia delle
domande. Dove ti trovi in questo momento?
“Sono in Inghilterra, in campagna. Stavo andando in
vacanza quando la situazione ha iniziato a diventare
critica e mi sono fermato qui”.
Come stai vivendo la pandemia?
“Come ogni essere umano. Sono molto ansioso e
vorrei fare quello che posso per dare una mano,
ma ovviamente mi sento limitato dall’impossibilità
di agire. A essere onesti, ogni volta che faccio una
intervista mi sento a disagio nel mettere me stesso
al centro mentre fatti più importanti riguardano
il mondo attorno a me. In questo momento sono
particolarmente sensibile allìesposizione a media o
mezzi d’informazione che finiscono per farti sembrare
interessato solo a te stesso. So che abbiamo un disco
in uscita, ma in questo momento è il mondo ad avere
la precedenza. È tutto così strano. Da una parte sono
eccitato per l’album nuovo, dall’altra paralizzato da ciò
che accade”.
Le parole di Greta Thunberg in The 1975,
canzone che apre il disco, sembrano quasi
profetiche visto quello che sta succedendo
all’umanità. Come è stato collaborare con lei?
“Sono andato in studio con lei a registrare. È una
persona molto seria e mi ha instillato una grande
speranza, nei modi più strani. Credo che i nostri
album ambiscano sempre di più a riflettere i tempi
che viviamo. Che cosa c'è in gioco da un punto di
vista sociale e culturale. Questo disco, in particolare,
parla delle mie paure, dei miei desideri e delle mie
aspirazioni. Che possono condividere tutti quelli che
ascoltano, visto quanto siamo interconnessi oggi. La
voce di Greta era l’unico modo possibile per avviare
quella condivisione. Una sorta di dichiarazione
d'apertura necessaria, anche se il disco non tratta solo
di temi legati all’ambiente e di riscaldamento globale.
Era molto importante iniziare così”.
Quando finisce il suo testo, che incita alla
ribellione, inizia People, una esplosione
di rumore. Il testo descrive una battaglia
tra chi detiene il potere e la Generazione Z
che reclama una visione per il futuro. Era
quello lo scontro generazionale che volevi
rappresentare?
“People è la mia personale visione dell’urgenza
adolescenziale, quella che trovi in certe cose dei
Clash o dei Sonic Youth. Sono cresciuto con il punk e
l’hardcore. Molto consapevole di un concetto che aveva
origine negli anni 80: se vuoi cambiare il mondo devi
partire dalla tua esistenza e sperare che questo spinga
il mondo intorno a cambiare con te. Un impulso tipico
delle culture giovanili. C’è sempre stata una battaglia
generazionale. Prima i mod, poi gli hippie. Oggi si
è trasformata in uno scontro fra chi ha le redini del
potere e chi non le ha”.
I detrattori liquidano la vostra narrativa
musicale fermandosi all’apparenza della sua
superficie pop. Io trovo interessante il modo
in cui riuscite a rappresentare la naturale
capacità di abbattere le barriere propria della
Generazione Z. Si può parlare di filosofia e di
Minecraft, guardare un film di Godard o un
blockbuster della Marvel senza essere obbligati
a sentirsi in colpa. Quanto sentite vostro questo
ruolo?
“Ci sentiamo senz'altro rappresentativi della cultura
in cui viviamo. È una cultura in streaming. È l'accesso
illimitato ai contenuti offerto da Internet che finisce
per definirci. Ci identifichiamo con la condivisione di
quei contenuti, il loro continuo riciclo. Acquisendo
una mentalità per cui non esistono più regole culturali
precostituite. Il modo in cui facciamo musica è
esattamente lo stesso con cui la consumiamo. Spotify
non ti impone nessuna regola per l’ascolto. In un
« O G G I I 1 9 7 5 S O N O M O LT O P I Ù S Q U I -
S I T A M E N T E P U N K D I A LT R E B A N D P I Ù
RUMOROSE E RIGOROSE. PERCHÉ LA
NOSTRA MUSICA SI BASA SU UNA LI-
B E R T À D ’ E S P R E S S I O N E C H E N O N P R E-
TENDE DI APPARTENERE A UN TEMPO
CHE NON SIA IL PRESENTE, DI SEGUIRE
U N U N I C O C O D I C E , N O N V U O L E E S S E-
R E A C C A D E M I C A O I N T E R E S S ATA S O LO
A CERTI AMBITI SPECIFICI»
certo senso noi riproduciamo quella carenza di linee
guida prestabilite. Quello che amo della musica pop
è la sua capacità di veicolare idee, idee che uno si
aspetterebbe di trovare in contesti differenti. Ciò che
molti dimenticano a proposito dei 1975 è proprio
questo. Per spiegare il concetto potrei farti l'esempio
di molte band citandole per nome, ma non voglio
RUMOREMAG.COM | 29
apparire negativo proprio in un momento come
questo. Non credo che ci sia spazio per la negatività.
Soffermandomi su di noi, posso dirti che i 1975 sono
stati una band felice e spensierata, un po’ alla 'ragazzi,
suoniamo e spassiamocela'. Sono stati anche una
band indie (che cerca di non essere un 'libro aperto
dei sentimenti' come invece spesso viene percepita).
Oggi i 1975 sono molto più squisitamente punk di
altre band più rumorose e rigorose. Perché la nostra
musica si basa su una libertà d’espressione che non
pretende di appartenere a un tempo che non sia il
presente, di seguire un unico codice, non vuole essere
accademica o interessata solo a certi ambiti specifici.
Fuori dalle definizioni prettamente musicali siamo
assolutamente punk, anche se non rientriamo nella
definizione tradizionale. L’etica e l’energia degli esordi
è immutata”.
So che non ti piace considerare il nuovo album
come parte di un ciclo, ma in fondo sei stato
tu a inserirlo (col precedente) sotto l’ombrello
di un'era che hai chiamato Music For Cars. Ci
spieghi il concetto che ci sta dietro?
“Volevo un contesto che spiegasse ciò che stavo
tentando di fare. La cultura e la società cambiano
così velocemente che diventava complicato per
30 | RUMOREMAG.COM
me intercettarne i movimenti in un solo album.
Originariamente volevo pubblicare due album in
due anni e coprire cosi un’era. Non c’è molto altro
da spiegare. Non volevo realizzare un doppio album,
né tantomeno un primo disco con un sequel. Volevo
semplicemente condensare le idee che normalmente
si sviluppano in quattro o cinque anni in un biennio.
Solitamente sono i nostri fan ad essere più affezionati
a questa idea concettuale dell’era, come se fosse un
espediente nostalgico”.
A Brief Inquiry…. e Notes On A Conditional
Form vivono di riferimenti musicali al passato
recente. Il sofisti pop anni 80 nel primo e le
memorie anni 90 nel secondo. Quanto c’è di
progettuale nel vostro approccio pop?
“Non credo che le nostre intenzioni vadano oltre l'idea
di catturare sensazioni. Certo, si tratta di musiche per
noi preziose a livello emotivo, molto evocative. Che
sia l’adult pop degli anni 80 o la musica house con cui
sono cresciuto. Questo album, in particolare, è un po’
come un ritorno a casa per noi. Il disco precedente ha
più a che fare con il modo in cui comunichiamo con gli
altri, in una società interconnessa. Notes è come una
mosca nella mia stanza che finisce per ascoltare le mie
preoccupazioni. E, certo, continuo a preoccuparmi di
 THE 1975
«CREDO CHE UNA SCRIT TURA PIÙ VI-
SIONARIA E VELOCE SIA FIGLIA DELLA
R E A LTÀ I N C U I V I V I A M O M A D A L
P U N TO D I V I S TA D E L L A T E C N I C A D E L
RAP NON MI SENTO APPARTENENTE
A NESSUNA SCUOL A, LO SVILUPPO
DI UN MODO CHE SIA SOLO MIO È AL
CENTRO DEL MIO FARE MUSICA»
come vanno le cose nel mondo, ma il tutto avviene a
un livello più intimo. Ci sono più cuore e ferite, e una
nostalgia più personale che culturale. Sono andato
indietro nel tempo, agli ascolti con cui sono cresciuto.
Sostanzialmente musica dance. Negli anni 90 in
Inghilterra non c’erano più di quattro o cinque stazioni
radio principali. Dopo le sette di sera, quando finivano
le trasmissioni, rimaneva solo la musica dance. Era il
suono della notte, quando guidavo nelle ore piccole.
Da adolescente ero legato alla cultura hardcore. Avevo
messo in piedi una band emocore, ma tra i 18 e i 21
anni ci siamo messi a suonare musica house. E a 23
anni, quando siamo partiti con i 1975, tutte quelle idee
elettroniche e quei ritmi che avevamo in testa sin dagli
anni 90 sono venuti fuori”.
Con Notes avete voluto realizzare una
fotografia del “momento che state vivendo”.
In realtà è qualcosa a cui arrivate utilizzando
brandelli di passato recente. Mi ricorda, in un
contesto completamente diverso, quello che
ha fatto l’ipnagogia a inizio secolo (Oneohtrix
Point Never, James Ferraro, Dean Blunt). Cosa
ne pensi?
“Mi piace pensare a noi stessi come alla versione
musicale dei fratelli Safdie (i registi del film Uncut
Gems, nda). Lo prendo come un complimento”.
Da dove viene questa urgenza di muovervi da
uno stile musicale all’altro all’interno dello
stesso disco?
“È la stessa urgenza che hai nell’ascoltare diversi
tipi di musica. È molto semplice. Cerco anche di
smitizzare questa cosa, perché credo che la gente tenda
a proiettarci significati che vanno al di là di quelli
necessari. C’è questa idea di voler costruire prospettive
multiple. In realtà siamo quattro tizi che sono stati
insieme in una band per 17 anni, provando a fare
musica. Per farlo ancora in modo convincente ti devi
divertire. Se continui sullo stesso stile c’è il rischio
che il processo diventi noioso. Mentre chi ci ascolta
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
pensa che il nostro sia uno sfoggio di coraggio noi
proviamo semplicemente a non annoiarci. E poi perché
dovrei limitare il modo in cui mi esprimo, il modo
in cui vivo? C’è questa persistente angoscia legata a
un concetto di autenticità che in realtà non significa
nulla. Gruppi punk che suonano punk, si vestono da
punk, sono riconoscibili come punk. Mi viene in mente
il concetto di cosplay, il musicista diventa quasi il
personaggio di un videogame tipo Halo. Ogni modalità
espressiva troppo lineare risulta vecchia e superata,
mentre Internet ha svelato che le persone sono ormai
multidimensionali”.
Se ascolto pezzi come People, Then Because
She Goes o Me And You Together Song, mi
immagino disteso sul cofano di una macchina
nel parcheggio di un mall deserto, in una città
qualsiasi del Midwest americano. Quanto è
stato importante per voi l’emocore americano
degli anni 90?
“A voler essere onesto, ho iniziato ad ascoltare l’emo a
13 anni, nel 2002. I Braid e i Cap’n Jazz erano già quasi
spariti e Internet era ancora agli albori. Ero interessato
alla scena alternativa ma prima dell’emocore avevo
l'impressione di non aver ancora trovato la mia
musica. L’emocore mi aprì un mondo: quelle band
erano melodiche in modo strano, fratturate e in un
certo senso insicure. Non certo conflittuali come
quello che avevo ascoltato fino ad allora, ma capaci di
ispirarmi. Essendo anche dischi difficili da reperire,
diventarono quasi il mio unicorno, la mia chimera.
Arrivarono all’età giusta per me. Mineral, Joan Of
Arc, American Football e in seguito Bright Eyes, tutti
fondamentali. In Notes ci sono tanti di quei riferimenti
alla mia adolescenza che non sarei riuscito ad
esprimerli appieno senza quelle canzoni”.
D’altro canto è evidente nell’album l’influenza
della musica elettronica britannica e della
scena dance anni 90. Quasi un contraltare pop
della malinconia da hardcore continuum di
Burial.
“Giusto. Burial è uno dei vertici della nostra sacra
Trinità. A volte gli altri elementi cambiano, ma Burial
è sempre presente lassù in alto. Insieme a Four
Tet e Jon Hopkins ha creato la musica elettronica
più emozionale che io abbia mai sentito. Con suoni
che rimandano al passato recente, come l’utilizzo
di campioni dal videogame Metal Gear Solid per
Archangel. Ha ispirato moltissimo George, che è
essenzialmente il 50% dei 1975 a livello compositivo.
Non parla, non rilascia interviste, ma si esprime
attraverso gli arrangiamenti e la parte musicale. Ecco
perché il suono dei nostri dischi è così dettagliato”.
Com’è stato collaborare con FKA Twigs?
“È all’inizio di un pezzo (If You’re Too Shy…).
RUMOREMAG.COM | 31

THE 1975
NOTES ON A CONDITIONAL FORM
DIRTY HIT
Le ambizioni di A
Brief Inquiry… portate
all’estremo. Il nuovo
e conclusivo capitolo
dell’“era” Music For
Cars è un esperimento
postmoderno pop nell’era
della condivisione virtuale
e delle emergenze globali.
Il monito lanciato da Greta
Thunberg nella iniziale The
1975 sfocia nello scontro
generazionale di People, che
regala la rabbia di Song 2 dei
Blur alla Generazione Z. Non
c’è un pezzo definitivo come Love It If We Made It, ma la trama
che lega le 23 tracce è la trasposizione musicale dell’approdo
a San Junipero (l’arcadia nostalgica della serie TV Black
Mirror). Con il Midwest americano emocore di Then Because
She Goes e Me And You Together Song, oppure con l’alt
country purificatore di The Birthday Party. Con la gentilezza
vocale di Phoebe Bridgers nell’America country di Jesus Christ
2005 God Bless America e lungo i sentieri polverosi della
ruspante Roadkill. L’espediente iconografico come motore
per una narrativa sempre più attuale. Concetto portato al suo
apice dalla premiata ditta Healy & Daniel, che sposta la bussola
sugli anni 90. Trovando il fantasma hauntologico di Burial
fra le sponde orchestrali di Bagsy Not In Net o nell’anthem
narcotizzato, per menti sotto scacco, di Frail State Of Mind.
Accarezzando Four Tet, nella linea di pianoforte su beat
celestiali di I Think There’s Something You Should Know. E
se il rischio sta fra gli angoli sintetici di If You’re Too Shy (Let
Me Know), cosi vicini ad Abacab dei Genesis, il conforto di un
tempo sospeso è fra gli accordi sparsi di Having No Head o
nell’epifania gospel di Nothing Revealed/Everything Denied.
Un diario denso di significati, che si placa solo con la voce del
padre di Healy, Tim, nella ballata da lui scritta Don’t Worry,
e nell’apoteosi per amicizie eterne di Guys. Lezione di pop
onnivoro per un mondo al crocevia.
87/100
32 | RUMOREMAG.COM
È capitato per caso. Mi serviva una voce particolare.
Inoltre è la mia fidanzata”.
La salute mentale è un altro argomento che i
tuoi testi toccano spesso. Frail State Of Mind
sembra un manifesto in tal senso. Ci dici perché
la fragilità mentale ti interessa così tanto?
“Banalmente, parlo della mia esperienza personale.
Per me amore, paura, sesso e morte hanno tutti quanti
a che vedere con la sanità mentale. Sono consapevole
che le emozioni sono spesso il frutto di differenti stati
mentali. E io tento di esprimermi in funzione dello
stato mentale del momento. E come se la mia mente
fosse sempre presente al momento della stesura dei
testi”.
Anche l’aspetto promozionale dei vostri dischi
è curato minuziosamente. Ci parli del sito,
Mindshower, utilizzato per lanciare Notes?
“Lo abbiamo creato per lanciare The Birthday Party
e il suo video. Doveva essere una sorta di stanza per
disintossicarsi ed è diventato quasi uno scherzo.
Si basava su alcune nostre riflessioni sul rapporto
che abbiamo con i social media e su quanto tempo
dedichiamo a restare connessi. È la stanza virtuale
in cui entro all’inizio del video. Una specie di centro
salute con un sacco di informazioni sul disco, ma
anche sul coronavirus e su temi legati al riscaldamento
globale”.
Com’e nata la partecipazione di tuo padre in
Don’t Worry?
“È stata la prima canzone che ho ascoltato nella
mia vita. Mio padre l’ha scritta quando sono nato,
dedicandola a mia madre che soffriva di depressione
post parto. Nel nostro secondo album c’è una mia
canzone che ho dedicato a mia madre, a quello che
aveva provato all'epoca. La mia versione di Don’t
Worry, in un certo senso. Quando stavamo preparando
Notes provavo nostalgia e pensavo a casa. Mi è venuto
in mente quel pezzo e mi sono ricordato di quanto fosse
brillante. Una delle poche canzoni scritte da mio padre.
E qui la canta e la suona lui. È stato un momento molto
tenero”.
Guys, il pezzo finale, è dedicato agli altri
componenti dei 1975. Non è per caso anche un
commiato?
“No, assolutamente, tantopiù in questo momento.
Qualsiasi cosa decideremo di fare, non spariremo.
Ci sono molte canzoni sull’amore di coppia, ma sono
molte meno quelle che celebrano l’amicizia. Guys è
la mia lettera d’amore rivolta alla band e agli amici
su cui posso contare. Ed è perfetto che sia alla fine
del percorso, perché nonostante gli alti e bassi di un
rapporto lungo come il nostro ci piace ancora quello
che facciamo e ci piace farlo insieme”.
TESTO DI M AURO FENOGLIO
F O T O D I E R I C G YA M F I
MOSES
SUMNEY
LE GRIGIE
SFUMATURE
DELL’ISOLAMENTO
L
a narrativa musicale di Moses Sumney si nutre, sin
dagli esordi, di temi legati alla solitudine. Figlio
americano di genitori originari del Ghana, cresciuto
in California, sempre in difficoltà nel trovare il
proprio posto all’interno delle caselle che la società
in cui si trova a vivere ha preparato per lui. Impara
a suonare tardi, tanto che le sue prime composizioni
sono essenzialmente vocali. E cosi che inizia ad
allenare la voce: profonda e vellutata sulle note basse,
coraggiosa e quasi inumana sugli acuti (che decide
di sfidare continuamente nei suoi pezzi). Esordisce
TAG: #isolamento #genere #scatole #oneohtrixpointnever #voce
con un EP nel 2014 (Mid-City Island), facendo poi
da spalla a nuovi eroi del pop deviato come Dirty
Projectors e St. Vincent. Apparendo in album di
Beck e Thundercat. Aromanticism, il suo esordio
in lungo del 2017, è il diario della fuga da un amore
non corrisposto. La solitudine come rifugio. Ma è
anche un tesoro di pop lunare e notturno, in cui
soul, jazz e folk sono stratificazioni di una scrittura
ipermoderna e minimale, ancorché curata in ogni
piccolo dettaglio. Sumney pubblica il denso seguito
Grae in due parti, la prima uscita a marzo, la seconda
a fine maggio. 20 passi per elevare la solitudine
a simbolo e approdo. Fa da contraltare la nutrita
squadra di collaboratori, una quarantina. Fra questi,
alcuni dei più illuminati interpreti di quella musica
contemporanea che oggi guarda al futuro (Oneohtrix
Point Never e Shabaka Hutchings), chiamati ad
elaborare un percorso orgogliosamente indefinibile,
fra tradizione e ipermodernismo. Un’opera che
supera le intenzioni dell’esordio per dichiarare una
nuova filosofia d’esistenza che si nutre d’isolamento
ed elogia fragilità e complessità, libera da qualsiasi
definizione preconfezionata. Ne parliamo direttamente
con l’autore, in piena quarantena per la pandemia.
Ci risponde dalla sua casa californiana, con voce
profondissima, avvolto nel suo isolamento. Condizione
ONLINE: mosessumney.com
RUMOREMAG.COM | 33
che conosce e coltiva da sempre. Nonostante la
reclusione autoimposta Moses è di buon umore,
paradossalmente rilassato e solare. Quasi come se
si trattasse del suo stato naturale. Come declama la
scrittrice anglonigeriana Taiye Selasi nell’incipit – il
brano omonimo - di Grae: “Isolation comes from
‘insula’, which means island. Here we go into the
grey”.
Ciao Moses, come stai vivendo la quarantena?
“Bene, sì. Sono a casa e faccio le solite cose che faccio
quando sono a casa. Insomma, tutto normale per me.
Tutti i miei appuntamenti di lavoro sono stati cancellati
e così per una volta cerco di godermi il tempo qui, per
conto mio”.
La prima traccia di Grae è introdotta da
una spiegazione: che cosa significa la parola
“isolamento”. È evidente che quello che stiamo
vivendo rende questa parola attualissima. Qual
era la tua idea originale?
“Molta della mia musica ha a che vedere con il concetto
di isolamento, con l’essere da soli per vocazione. Col
nuovo album volevo esplorare l’esistenza fra gli spazi,
poiché credo che quando rappresenti una singolarità e
lo fai per scelta finisci per restare ancora più isolato”.
34 | RUMOREMAG.COM
Sei sempre stato interessato alle modalità di
relazione fra gli esseri umani. Cosa pensi che
l’umanità possa imparare da una situazione
come quella che stiamo vivendo?
“Credo che l’aspetto più importante, la cosa più
importante che possiamo imparare sia quanto i sistemi
sociali possano aiutare la collettività e non solamente
gli individui. Soprattutto qui, negli Stati Uniti, anche
seguendo l’esempio dell’Italia. Una bella lezione su
come i sistemi assistenziali possano aiutare tutti, non
solo i privilegiati. E, a livello interpersonale, non lo so,
credo che le persone debbano stare più da sole! (ride,
nda). In questo periodo ognuno di noi ha più tempo per
conoscersi meglio”.
Confrontando Grae con Aromanticism, la
prima parte di Grae mi sembra più legata alla
tradizione della musica nera (anche se calata
in un contesto modernissimo). So che non
sopporti di essere codificato come artista R&B
e di certo starò alla larga dalle definizioni, ma
la riconosci anche tu questa diversità fra i due
dischi?
“Cerco di fare quello che mi piace. E di farlo senza
sentirmi in dovere di confermare o contestare le
possibili definizioni. I suoni nei due dischi sono quelli
 MOSES SUMNEY
«M O LTA D E L L A M I A M U S I C A H A A C H E
VEDERE CON IL CONCET TO DI ISOL A-
M E N TO, C O N L’E S S E R E D A S O L I P E R
VOCAZIONE. COL NUOVO ALBUM VO-
L E V O E S P L O R A R E L’E S I S T E N Z A F R A
GLI SPAZI, POICHÉ CREDO CHE QUAN-
D O R A P P R E S E N T I U N A S I N G O L A R I TÀ
E L O FA I P E R S C E LTA F I N I S C I P E R R E-
S TA R E A N C O R A P I Ù I S O L ATO»
che più mi interessano. Per questo mi risulta difficile
rispondere. È vero che una canzone come Cut Me è
il mio tentativo di fare un pezzo soul vecchio stile,
con una piega futurista. Con Gagarin volevo invece
un pezzo jazz con una piega futurista. A volte le cose
accadono anche in funzione di chi collabora con te.
Per Colouour ho lavorato col produttore francese FKJ
(French Kiwi Juice), molto attivo in ambito neo soul.
In realtà non è che non voglia essere codificato come
autore R&B, o che non voglia scrivere pezzi R&B,
preferisco essere considerato uno che affronta tutti
gli stili che lo interessano. Ad esempio in Grae c’è un
pezzo come Polly che è quasi folk, e tracce come Virile
e Conveyor hanno un tono più rock. Sono tutti aspetti
diversi di ciò che io sono”.
Infatti, il tuo approccio musicale sembra
sempre sfidare qualsiasi tentativo di
incapsularti in un genere specifico. Quanto è
importante per te evitare che avvenga?
“Mi viene naturale. Sarebbe innaturale per me
dichiarare formalmente: ‘adesso faccio qualcosa per
dimostrare che non appartengo a nessun genere’.
Io ascolto il mio istinto, mi fido di lui e lo seguo. E
non lascio che il mio cammino venga interrotto dalla
percezione sociale. Come per molti artisti della mia
generazione, tutto questo è assai naturale, perché
siamo cresciuti circondati da musiche molto diverse,
che coesistono nelle nostre playlist. Alla fine è la cosa
più onesta che io possa fare”.
Pezzi come In Bloom o Me In 20 Years
esplorano il dolore che deriva da relazioni non
corrisposte. Da dove arriva questo tuo interesse
per le maggiori manifestazioni di fragilità nelle
relazioni interpersonali?
“Non lo so (fa una lunga pausa, nda). Sono sempre
stato uno che guarda agli aspetti della socialità tra le
persone. Credo che, in questo caso, si tratti di un mix
fra le mie osservazioni e la mia esperienza personale.
Credo che la fragilità sia forza. Il modo migliore
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
per dimostrare di essere forti è essere vulnerabile e
permettere a chi ti circonda di vedere la tua tristezza, o
i tratti di ciò che può essere giudicato come debolezza”.
In Boxes Taye Selasi parla di: “costruire un
nuovo edificio di scatole in cui infilare le
persone”. È un po’ il messaggio che offri anche
in Virile. Pensi che il mondo sia pronto per
superare gli stereotipi di genere?
“Ci vorranno molti anni e molti sforzi. Siamo ancora
lontani. Il mio obbiettivo non è la distruzione di ogni
urgenza di classificazione, perché non credo che sarà
mai possibile. Mi interessa che le persone si accorgano
di questo: ci sono individui che già vivono fuori da
scatole preconfezionate. Che abbiano la conferma del
fatto che già esistono persone impegnate a sfidare
le classificazioni. Magari in questo modo riescono a
riconoscere uno spettro d’umanità più ampio di quello
a cui sono abituati”.
Hai subito molti pregiudizi durante la tua vita?
“A ogni livello. D’altra parte non rientro in nessuna
delle scatole di cui parlavamo prima. Sono molto alto,
ma non ho mai fatto sport da ragazzo. Ho una voce
molto profonda quando parlo, ma generalmente canto
in una tonalità molto alta. Sono cresciuto fra Stati
Uniti e Ghana, e in nessuno dei due paesi rientravo
nei parametri della normalità, nelle regole di una
definizione”.
Torni spesso in Ghana?
“Regolarmente. Ero lì a gennaio, per le foto di
copertina e l’artwork di Grae”.
Pensi che collaborerai con musicisti ghanesi in
futuro?
“Non l’ho ancora fatto, ma lo farò sicuramente in
futuro. Però al disco prende parte un musicista
africano, Tunde Jegede. Suona la kora in Neither/Nor.
Con quel pezzo volevo provare a combinare tradizione
americana e tradizione africana. Mi sono accorto
di quanto il suono della kora assomigli a quello del
banjo”.
Perché Grae è stato concepito in due parti
separate, con date di pubblicazione diverse?
“È un disco talmente lungo e denso, con parti di
sperimentazione estrema, che volevo dare tempo
alle persone di assimilare la prima parte prima che si
immergessero nella seconda”.
Seconda parte del disco che sembra molto più
minimale e intima rispetto alla prima, corale e
diretta. È qualcosa che avevi in mente già nella
fase progettuale?
“Avevo molti pezzi per il disco. Con Aromanticism le
limitazioni derivavano anche dalla totale mancanza di
RUMOREMAG.COM | 35
 MOSES SUMNEY
«PER GRAE, VOLEVO ESPLORARE OGNI
P O S S I B I L I TÀ , S E N Z A P O R M I L I M I T I.
Q U A N D O H O D E C I S O L A S C A L E T TA , M I
SONO RESO CONTO CHE ALCUNI PEZZI
E R A N O P I Ù A S C I U T T I , A LT R I P I Ù P I E N I .
HO DIVISO LE DUE PARTI, NEL PUNTO
I N C U I I L PA S S A G G I O D A U N O S TATO
D ’ A N I M O A L L’ A LT R O M I S E M B R A VA P I Ù
N AT U R A L E »
soldi (ride, nda). Inoltre, per il disco precedente volevo
ottenere un risultato minimale, e ho lavorato molto
nel rimuovere eccessi di produzione e orpelli. Per Grae
volevo esplorare ogni possibilità, senza pormi limiti.
Quando ho deciso la scaletta, mi sono reso conto che
alcuni pezzi erano più asciutti, altri più pieni. Ho diviso
le due parti, nel punto in cui il passaggio da uno stato
d’animo all’altro mi sembrava più naturale. Mentre
non era del tutto intenzionale l’aspetto più spoglio
della seconda, era invece chiaro che l’avrei pubblicata
dopo. Ma tu quale pensi sia la parte più intensa?”
Trovo le prime 12 tracce più corali e dirette,
pur nella loro complessità e nelle loro
stratificazioni. Le restanti otto sono certamente
più intime e nude. Un loro ascolto continuato
rivela sempre nuove sfumature.
“Ecco la ragione per cui volevo separare il disco in
due parti. Per me l’ascolto del disco tutto d’un fiato è
eccessivo, anche dal punto di vista emotivo”.
Metti spesso la tua voce alla prova, inseguendo
10 DISCHI PLURIGEMELL ARI
JOHN LENNON FRANK ZAPPA
& PLASTIC ONO JOE’S GARAGE PART I
BAND / YOKO JOE’S GARAGE PART II & III
(ZAPPA RECORDS, 1979)
ONO & PLASTIC
ONO BAND
S/T - S/T
(APPLE, 1970)
36 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
note al limite. Come alleni la tua ugola?
“Non eseguo particolari esercizi. Mi spaventa dirlo,
perché non so quanto la mia voce potrà durare. Canto
moltissimo, tanto che a volte non mi accorgo che lo
sto facendo. Forse è la ragione per cui non mi alleno:
in buona sostanza canto continuamente. Pur non
avendo mai esercitato la mia voce in senso scolastico
crescendo, ho sempre cercato di insegnare a me stesso,
sperimentando in solitudine”.
Come è andata la collaborazione con Daniel
Lopatin (Oneohtrix Point Never)? Che cosa ha
apportato al tuo progetto?
“A parte Ben Baptie che ha mixato l’album, Daniel è
stato il collaboratore principale per Grae. Ha lavorato
su 12 delle 20 canzoni. L’ho incontrato la prima
volta quando si è esibito come MYRIAD alla Walt
Disney Concert Hall di Los Angeles, ottobre 2018.
Una esperienza decisamente immersiva. Ci siamo
incontrati in ascensore, mentre lasciavamo l’arena.
C’è stato un momento iniziale di sorpresa, in cui
ci siamo riconosciuti. Poi lui ha detto, ‘dovremmo
lavorare insieme’, e io, ‘ma certo!’ È stato divertente,
perché non conoscevo i suoi lavori, però quel concerto
è stato impressionante. Quando abbiamo iniziato a
lavorare al nuovo album, il primo pezzo che gli ho fatto
ascoltare è stato Me In 20 Years. Ci stavo lavorando
e mi pareva che mancasse qualcosa. Ascoltandolo,
mi ha detto che gli faceva venire in mente una donna
anziana che urlava in un supermercato. Ho capito
subito che avevo trovato la mia anima gemella! Mi ha
detto che stavo spingendo la mia voce oltre i limiti e
che se il disco doveva andare in quella direzione, la
produzione e i beat avrebbero dovuto seguire la sfida,
forzando i limiti. È stata quella la vera ragione del suo
coinvolgimento. I pezzi erano in gran parte già scritti,
ma il suo intervento li ha portati al livello successivo,
aggiungendo strati e complessità”.
THEE TOM WAITS OUTKAST
MILKSHAKES ALICE / BLOOD MONEY SPEAKERBOXXX /
NOTHING CAN STOP THESE (ANTI-, 2002) THE LOVE BELOW
(ARISTA, 2003)
MEN / THEY CAME THEY SAW
THEY CONQUERED / THEE
KNIGHTS OF TRASHE
(BIG BEAT/MILKSHAKES, 1984)
E cosa mi dici di Shabaka Hutchings? Ho
trovato peculiare che abbia deciso di utilizzare
il suo sax in una traccia delicata come
Colouour.
“Io amo il sassofono e soprattutto il modo in cui lo
suona Shabaka. Your Queen Is A Reptile dei Sons Of
Kemet è und disco straordinario. L’ho incontrato nel
2014, all’inizio della mia carriera, a un festival nel nord
della Francia. Sono rimasto molto colpito da come
suonava. Ho scritto Colouour con FKJ, che ha suonato
anche le prime tracce di sassofono. Mi sembrava
troppo bella, cosi perfetta che quasi mi annoiava. Ho
coinvolto Shabaka perché a quel punto avevo bisogno
di qualcuno che mi colpisse con un pugno. Con lui
nel pezzo, il sassofono si evolve in modo violento e
aggressivo, per poi placarsi e tornare a essere bello e
delicato. Shabaka lo suona come stesse parlando in un
nuovo linguaggio. È la seconda volta che suona con me.

MOUNT EERIE BRIGHT EYES DEERHUNTER BORIS FRANK OCEAN

NO FLASHLIGHT (SONGS I’M WIDE AWAKE, IT’S MOR- MICROCASTLE HEAVY ROCKS BLOND / ENDLESS
OF THE FULFILLED NIGHT) / NING / DIGITAL ASH IN A WEIRD ERA INC. ATTENTION PLEASE (BOYS DON’T CRY/DEF
“SINGERS” DIGITAL URN (KRANKY, 2008) (DAYMARE, 2011) JAM, 2016)
(P. W. ELVERUM & SUN (SADDLE CREEK, 2005)
LTD., 2005)

RUMOREMAG.COM | 37

MOSES SUMNEY
GRAE
JAGJAGUWAR
Una torre d’avorio dove
l’isolamento diventa
filosofia. Costruita con
l’ausilio di collaboratori
scelti, fra I migliori che
la musica contemporanea
possa offrire. A partire da
Daniel Lopatin (Oneohtrix
Point Never), che arricchisce
d ’elettronica avant il volo
vocale al limite dell’’ignoto
di Sumney. Un’opera
densissima, divisa in due
parti. Quasi la versione
crepuscolare di Black
Messiah di D’Angelo, dove l’elogio della solitudine è il non
sentirsi addosso un codice scritto da altri. Le prime 12 tracce
hanno un tono più corale e immediato (pur nella loro ricca
complessità): muovendo dal simulacro neo soul di Cut Me,
passando per le scure rivendicazioni di singolarità della dura
Virile (con Thundercat al basso pulsante) e della fratturata
Conveyor. Lo splendido allunaggio jazz di Gagarin (che
omaggia un pezzo dell’Esbjorn Svensson Trio) e il saliscendi
emotivo tradotto dal sax di Shabaka Hutchings in Colouour
parlano di un talento vulcanico e debordante, pur nella sua
manifesta eleganza. La sequenza delle otto tracce finali è una
discesa progressiva negli inferi dell’anima. Gli arrangiamenti
si fanno più sparsi e minimali, l’intensità cresce con gli
ascolti e lo stupore. Bystanders è un’elegia alla Frank Ocean
proiettata su Saturno, Lucky Me un minuetto nudo, scritto con
James Blake, cucito dagli archi e sporcato appena da Lopatin
sullo sfondo. Keeps Me Alive una bossa notturna, affidata ad
un falsetto ultraterreno che diventa esso stesso strumento,
sfidando note sconosciute agli umani. Me In 20 Years e Bless
Me, fantasmi dannati di possibili inni da stadio. Sumney si
muove fra amori non corrisposti e un’esistenza negli spazi
lasciati dalla linearità delle definizioni. Oltre le già mirabili
stanze del precedente Aromanticism, Grae è un manifesto di
sublime e potente modernità.
88 /100
38 | RUMOREMAG.COM
Nel mio EP Black In Deep Red, 2014 il meraviglioso
assolo di Call-To-Arms è suo”.
Grae sta per grigiore. Una condizione che tu
hai definito fra gli estremi. Cosa ti affascina di
quello stato d’indeterminatezza?
“È il ciclo naturale della vita e l’ordine dell’universo.
Le persone sono complesse e complicate. È vero in
special modo per la mia vita. Riconosco facilmente le
sfumature di grigio dentro di me. La parola è il simbolo
grammaticale che mi permette di spiegarmi al mondo”.
In Gagarin (pezzo che ospita i jazzisti dello
Svensson Trio), c’è quasi una chiamata a
elevarsi, si parla dell’ambizione a fare qualcosa
di più grande. Di che si tratta?
“Si tratta di offrire un contributo all’umanità che non
metta me al centro. Vorrei lasciare al mondo qualcosa
di meraviglioso, qualcosa che non si limiti a rendere
migliore la mia esistenza”.
Ti ho visto suonare due volte. Una di
supporto a Sufjan Stevens, una per il tour di
Aromanticism. In entrambi i casi eri da solo,
alle prese con gli strati sonori creati dalla tua
loop station. Che cosa hai in mente per il live di
Grae?
“Se mai torneremo a suonare (risata amara, nda), lo
scorso anno ho lavorato con una band per portare sul
palco qualcosa di grandioso dal punto di vista sonoro.
C’è Ian Chang (che suona anche con i Son Lux), un
batterista geniale, poi un violinista, un chitarrista con
un sacco di effetti che suona anche il clarinetto e un
bassista che suona pure le tastiere. Io suono chitarra
e tastiere e uso i miei soliti effetti vocali, faccio i miei
mugolii. Abbiamo fatto una residenza a Los Angeles,
set da due ore in due tempi ogni sera. Andiamo molto
in profondità con i suoni, vogliamo portare il pubblico
su un altro pianeta. Vogliamo anche suonare i pezzi in
modo diverso rispetto all’album”.
Com’e stato suonare alla notte degli Oscar
con Sufjan Stevens e St. Vincent due anni
fa (Mystery Of Love, pezzo trainante della
colonna sonora di Call Me By Your Name)?
“Molto divertente. Assurdo che ci si prepari tanto e si
facciano tutte quelle prove per neanche un minuto e
mezzo di performance. Eravamo molti piani sotto il
palco, e siamo usciti fuori da una piattaforma rialzata.
Mi sembrava di suonare al Super Bowl, e poi mi sono
detto, guarda che forse sei agli Oscar, e infatti era lì che
mi trovavo. È stato facile, perché Sufjan è un amico di
lunga data, e fare musica con gli amici è sempre la cosa
migliore”.
 DECIMA
EDIZIONE

WORKSHOP

SCRIVERE
DI MUSICA
A CURA DI ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
CAPOREDATTORE DEL MENSILE

13-14 GIUGNO 2020

STUDIO SPAZIALE
BOLOGNA

IN COLLABORAZIONE CON
 ARCA
YVES TUMOR
NICOLAS JAAR
 DI QUESTO PIANETA
TRA LE CENERI
(MUTANTI)
T E S TO D I M A U R O F E N O G L I O

S U L L' O R L O D I U N P R E C I P I Z I O D A L L E
T I N T E D I S TO P I C H E , O C O M U N Q U E D I
U N C A M B I O D I PA R A D I G M A C H E C I
R I G U A R D A T U T T I , D I V E N TA S E M P R E P I Ù
D I F F I C I L E R A C C O N TA R E I L M O N D O
AT T R AV E R S O L A M U S I C A . N U O V E F O R M E ,
M U TA N T I , E L E T T R O N I C H E , O R G A N I C H E ,
I N T R A N S I Z I O N E, C I S E M B R A S T I A N O
R I U S C E N D O A FA R L O , L A S C I A N D O C I U N O
SPIR AGLIO DI LUCE: APPROFONDIA MO I
RECENTI PERCORSI MUSIC ALI DI ARC A ,
Y VES TUMOR E NICOL A S JA AR
 KRULE
KING
ARCA
& YVES TUMOR
 IL GOSPEL
DELLA NUOVA
SPECIE ALLA FINE
DEL MONDO
MUSICA E PERFORMANCE
IN UN MONDO CHE CAMBIA
C
on l’arrivo di Donald Trump e Brexit, e il dilagare di
paranoia e rigurgiti xenofobi nelle società occidentali,
parte della comunità musicale ha, in qualche modo,
riscoperto la necessità di abbandonare le camerette
creative e la sfera del privato per tornare ad affrontare
temi universali. Offrendo manifesti di resistenza verso
una realtà sempre più distante dal concetto di mondo
migliore per tutti, sempre più insofferente verso le
istanze degli esclusi, sempre più impaurita dal diverso,
di qualunque genere. La rabbia giovane di Idles,
Algiers, Sleaford Mods ma anche il documentarismo
illuminato e dolente di Kate Tempest o P J Harvey,
solo per citare alcuni dei lucidi esempi di questi ultimi
anni. Tutti a imbracciare armi che ogni musicista
degli ultimi 50 anni ha sempre avuto a disposizione,
all'occorrenza, per parlare ad un mondo storto. Chitarre
abrasive che lanciano ugole scartavetrate dall’urgenza
TAG: #antropocene #nuovaspecie #avantpop #warp #gospel
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
F O T O D I H A R T+ L” S H K I N A
del furore o orchestrazioni essenziali e plumbee che
sorreggono parole dolorose a cercare una minima luce
nel buio. Minimalismo punk o rivendicazione di radici
alte, soul, jazz o blues, utilizzate come motore creativo
contemporaneo. Con l’implicito rifiuto categorico di
allinearsi a qualsiasi edulcorazione illusoria. Rock
(sempre che il termine abbia ancora un senso) in
opposizione, per provare a dire che le cose non vanno
bene. Una ricetta che nei decenni ha alimentato i temi
sociali della musica popolare, quando le ragioni del
malessere stanno all’interno del sistema di valori e
della socialità delle persone. Quando il nemico è la
deformazione consumistica del capitalismo, l’interesse
corporativo di pochi a discapito di tutti gli altri, l'ombra
di fascismo e razzismo, la musica sa sempre come
NON SONO PIÙ LE FORZE OSCURE
D E L L A R E A Z I O N E , L E S T R AT E G I E D E L L A
T E N S I O N E D I P O T E N T I L O G G E S E G R E-
T E , L E D I T TAT U R E E L E D E S T R E A D A L I-
M E N TA R E L A P R OT E S TA , M A L A N AT U R A
S T E S S A E L E C O N S E G U E N Z E D E G L I E C-
C E S S I D E L L’ A N T R O P O C E N E S U D I E S S A
A P R E S E N TA R C I I L C O N TO, A L I M E N-
TA N D O L E N O S T R E N U O V E PA U R E
ONLINE: arca1000000.com - howidlearnedtolovetheindiestry.com
 ARCA & YVES TUMOR
SE GRIMES È IL PIÙ PROVERBIALE
E S E M P I O L U D I C O D I Q U E S T A N U O VA
SPECIE, EROINA DI UN VIDEOGIOCO
A VA N T P O P D O V E L’ A P O C A L I S S E D I -
V E N TA I L G A M E O V E R D A A F F R O N TA-
RE COME FOSSE UNA BURLA, ARCA E
YVES TUMOR SONO I SUOI ESEMPI PIÙ
COMPLETI, RIUSCENDO AD UNIRE DO-
LORE, PIACERE, MODA E MUSICA IN UN
C O R P O N U O V O D ’A R T I S TA C H E N O N
T E M E L’ A P O C A L I S S E E R I N U N C I A A L L A
P R O P R I A I D E N T I TÀ U M A N A .
rispondere. Fino a quando lo stesso mondo non è
diventato una minaccia.
Il 2020 marca in modo inequivocabile una differenza
in tal senso. Non sono più le forze oscure della
reazione, le strategie della tensione di potenti logge
segrete, le dittature e le destre ad alimentare la
protesta, ma la natura stessa e le conseguenze degli
eccessi dell’Antropocene su di essa a presentarci
il conto, alimentando le nostre nuove paure. Gli
incendi in Australia, la superficie dell’Antartide
senza ghiaccio e neve a causa del riscaldamento
globale e, alla fine, il famigerato cigno nero sempre
evocato ma mai manifestatosi. Il virus che mette in
ginocchio il mondo e fa crollare tutte le certezze e le
abitudini accumulate nel ventesimo secolo. Dall’inizio
di quest’anno, musicisti e cantautori mainstream o
alternativi fotografano una realtà per loro inedita,
approcciandola con album (tanti in questo primo
scorcio d’anno) che si cibano di ansia e paura per
il futuro, senza necessariamente avere risposte
pronte. Rock e pop tradizionale utilizzano gli stessi
VISTA SULL A FINE DEL MONDO IN 10 TITOLI
BLACK SABBATH THROBBING GARY NUMAN /
PARANOID GRISTLE TUBEWAY ARMY
(VERTIGO, 1970) 2ND ANNUAL REPORT REPLICAS
(INDUSTRIAL, 1977) (BEGGARS BANQUET, 1979)
44 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
strumenti di sempre, sostituendo alla rabbia rivolta a
un nemico identificabile il senso di smarrimento per
un mondo, alla fine, non più decodificabile secondo
chiavi di lettura note, e quindi ancora più inquietante.
D’altra parte, per poter interpretarlo in prima linea
questo mondo nuovo, per poterci stare in mezzo
senza rinunciare necessariamente a capirlo, forse
non è più il rock (ancora per semplificare) come lo
abbiamo conosciuto fino a oggi la sola ed unica fonte
primordiale d’ispirazione. Forse ci vuole un nuovo
modello d’artista, che abbia famigliarità con nuovi
strumenti del mestiere, nuove forme d’espressione.
Chi ha passato la vita a subire sulla propria pelle ferite
e gioie del non allineamento a una precisa identità di
genere, chi continua ad interrogarsi sul concetto di
post umano attraverso la frequentazione profonda
della tecnologia (intelligenza artificiale, videogiochi,
ecc.), chi si apre al concetto di creazione artistica su più
livelli, visuale, musicale, anche attenta a trend e mode.
Chi rinuncia alla propria identità, creandone una ad hoc
per la rappresentazione. Questa nuova specie di artisti
può trovare narrative plausibili, per documentare il
senso cambiamento di un mondo che muta col rischio
della fine sempre all’orizzonte, senza per questo cedere
necessariamente all’angoscia.
Parliamo di artisti che, spesso, provengono
dall’elettronica evoluta o dalla terra franca del clubbing
e della sperimentazione, alimentando il loro approccio
attraverso cinema, letteratura, conoscenza degli
sviluppi tecnologici, filosofia, secondo dinamiche che
non sono più quelle di una tipica contrapposizione
ideologica novecentesca. In questo senso, se Grimes
è il più proverbiale esempio ludico di questa nuova
specie, eroina di un videogioco avant pop dove
l’apocalisse diventa il game over da affrontare come
fosse una burla, Arca e Yves Tumor sono i suoi
esempi più completi, riuscendo ad unire dolore, piacere,
moda e musica in un corpo nuovo d’artista che non
teme l’apocalisse e rinuncia alla propria identità umana.
Osservando le mosse di entrambi non è azzardato
pensare a Genesis P-Orridge e ai suoi Throbbing
Gristle, alla loro necessità di demolire le certezze di un
THIS HEAT PEYR
DECEIT AS ABOVE…
(ROUGH TRADE, 1981) (SHOUT, 1982)
mondo in transizione dalle illusioni negate degli anni
60 alla desolazione thatcheriana dei primi anni 80. Lo
stesso Tumor confessava qualche anno fa a “Editorial”:
“Sono cresciuto a Knoxville, in Tennessee, e mio fratello
maggiore mi ha introdotto all’elettronica. I Throbbing
Gristle sono stati una grande ispirazione per me. C’è
qualcosa di ipnotico nella loro musica. Quando mi sono
trasferito a Los Angeles per il college, un mio amico
d’allora metteva su sempre Chris & Cosey, ed è li che
ho iniziato a leggere di Genesis P-Orridge e del suo
movimento. È diventata un’ossessione”.

Per quanto riguarda Arca, basta immergersi in una

delle sue installazioni coinvolgenti ed estreme, nelle
quali la musica è solo uno dei motori. Confrontate
degradazione biologica e cascame tecnologico, fluidi
amniotici, cavi di ogni foggia che intersecano un
corpo rivestito di latex con una delle rare immagini
tratte dalle performance di COUM Transmissions (il
progetto che precede i Throbbing Gristle), a metà anni
70. C’è un’identità d’intenti nel fotografare il corpo in
trasformazione, abbattere definitivamente le barriere
di genere e gli inutili limiti del senso del pudore, per
offrirsi ad un futurismo oscuro e misterico. Ma laddove
Orridge cercava l’oltraggio per svegliare le coscienze
e abbattere le illusioni del perbenismo borghese, le
rappresentazioni plastiche su tacchi a spillo e spasmi
elettronici di Arca sembrano il monito di un mutante,
che dichiara (oltre le parole) la sua alterità a un mondo
non ancora pronto ad abbracciarla in toto, ma che in
qualche modo riesce a intercettarla emotivamente. Ai
tempi della sua performance Tormenta per SSENSE,
un retailer on line con un negozio fisico a Montréal
in Canada, nella quale si muoveva fra spazi post
industriali seguita ossessivamente da telecamere,
per gettare il suo corpo fisico in un incubo alieno di
Gyger, intrappolata fra tubi medicali, laser e materiale
di scarto da computer, Arca dichiarava: “Ci sono
elementi autobiografici e universali. Quando scavi nel
profondo e nel personale, tocchi quello che ti rende
umano. Io lotto contro qualcosa dentro di me che
mi fa credere di non appartenere a questo mondo.
Dopo le mie performance le persone vengono da me

GODSPEED RADIOHEAD BOARDS CHINO AMOBI JAMES

YOU! BLACK KID A OF CANADA PARADISO FERRARO
EMPEROR (PARLOPHONE, 2000) TOMORROW’S HARVEST (NON, 2017) REQUIEM FOR
F♯ A♯ ∞ (WARP, 2013) RECYCLED EARTH
(CONSTELLATION, 1997) (JAMES FERRARO, 2019)

RUMOREMAG.COM | 45

YVES TUMOR
HEAVEN TO A TORTURED MIND
WARP
Due anni dopo il riuscito
Safe In The Hands Of
Love, che segnava il suo
meritato approdo alla
Warp, Sean Bowie rilancia
la scommessa di una chiave
di lettura relativamente
più accessibile al suo
inquietante immaginario.
Assistito da Justin Raisen
(vedi Kim Gordon, Ariel
Pink e Sky Ferreira) alla
coproduzione, l'artista
originario di Miami è qui
ancora più a fuoco nel definire una forma mutante tra soul,
art rock e pop sperimentale, in un quarto album che spesso
suona come se Prince avesse incontrato i Sonic Youth in una
dimensione parallela. Così nell'insistente loop di fiati dai toni
apocalittici eppure “pop” della strepitosa Gospel For A New
Century, o nel caotico rumorismo che avvolge buona parte
di Medicine Burn, giusto per restare alle battute iniziali del
disco. È una melodia malata quella in cui si consumano i due
minuti di Identity Trade, mentre a cercar di sfuggire alla
struttura claustrofobica di Kerosene! è un improbabile quanto
efficace assolo di chitarra elettrica, campionato da Weep In
Silence, reperto hard rock datato 1976 e firmato dai dinosauri
Uriah Heep (!). Julia Cumming dei Sunflower Bean aggiunge
l'urgenza della sua voce alla disperata Dream Palette (e più
avanti all'atmosfera wave sospesa di Strawberry Privilege),
mentre Hirakish – ex modello poi divenuto esponente
di spicco dei Pink Room Project, eccentrico collettivo di
New Orleans - si prende il ruolo di protagonista vocale per
una Super Stars che suona come un assoluto omaggio al
sopracitato e compianto genio di Minneapolis. Yves e Hirakish
duettano poi nei tre minuti finali di A Greater Love, che,
fra contemporanee visioni soft pop ed escursioni inattese,
confermano lo spirito contraddittorio di questo disco. Forse il
più accurato, finora, nel fotografare la complessa personalità
del suo autore.
GIORGIO VALLETTA
87/100
46 | RUMOREMAG.COM
TUMOR GESTISCE TUT TO CON INTEN-
S I TÀ E S E N Z A F E R M A R S I M A I. C O R R E
I M P R O V V I S A M E N T E A L M I X E R A I M P A R-
T I R E O R D I N I, S U O N A L A C H I TA R R A ,
ACCAREZZA TORREGGIANTE CHI È IN
P R I M A F I L A , S I B U T TA F R A I L P U B B L I C O
D A N Z A N D O C O N LO R O, I N V I TA N D O A L
C O N T A T T O O C H I E D E N D O D I T R O V A R-
S I U N P A R T N E R C O N C U I A B B R A C C I A R-
SI, SUI PEZZI PIÙ INTIMI. SEMBRA DI
VEDERE BOBBY GILLESPIE CON I SUOI
P R I M A L S C R E A M , P R O VA N D O A P R O-
I E T TA R E L E R A D I C I D E L B LU E S E D E L
SOUL IN UN FUTURO IGNOTO E SPA-
VENTOSO
e mi confessano di aver trovato una connessione,
nonostante io manifesti aspetti che mi fanno sentire
diversa da loro. Credo che questo succeda con molte
aree di espressione diverse dal linguaggio. Gli spazi fra
le parole e i gesti fisici o i suoni che seguono un ritmo
o una frequenza particolare possono creare ponti
più solidi di qualsiasi linguaggio. È una cosa che mi
eccita quando mi esibisco. Non ci sono solo i miei testi,
ma un milione di altre cose che non si possono dire a
parole”. Una messinscena dolorosamente terapeutica
e catartica, che evoca l’unione fra uomo e macchina
del Crash di Cronenberg, proiettandola in una
desolazione cyberpunk senza ritorno. Come nell’ultimo
allestimento per il recentissimo mixtape @@@@@.
Arca è Diva Experimental, una creatura senziente
che vive in una molteplicità di corpi, sfuggendo ad
un regime autoritario per trasmettere messaggi di
speranza. Il video d’accompagnamento la vede distesa
sulla carcassa di un’automobile, il petto trafitto da
cavi di collegamento, come un Cristo post umano
collegato a un PC, chiamato a salvare un mondo in
decomposizione. Sembra una tavola disegnata da Barry
Windsor-Smith per il fumetto Marvel sulle origini di
Weapon X (Wolverine). Macchina e umano finalmente
uniti in un’apocalisse che non è più solo evocata ma
vissuta dall’interno. Note di piano dolenti e schegge
d’elettronica futuristica ad accompagnarla. L’artista
che scompare nella rappresentazione, abbracciando
il dolore e il piacere della mutazione sul palcoscenico.
La sua identità reale non significa più nulla, conta solo
quelle che va in scena. Poche interviste, spesso concesse
a riviste non prettamente musicali (moda, videogames).
Se Alejandra (l’alter ego reale di Arca) si concede ai
fan con video di Instagram, pur se centellinati, Yves
Tumor è volutamente elusivo riguardo alla sua vera
identità. Potrebbe chiamarsi Sean Bowie, potrebbe
vivere fra Berlino e Torino, non si sa. Come dichiarava
a “Pitchfork” nel 2017: “Non mi piace che i giornalisti
conoscano il mio nome e dove vivo. Uno posta cose
personali on line, aumentando il numero di fan,
che a quel punto sono convinti di conoscerlo anche
se non l’hanno mai incontrato. Io non voglio che
nessuno passi quella linea di demarcazione, e quindi
ho iniziato a tirarmi indietro”. È una Houston che
al momento è stata appena lambita dall’emergenza
Coronavirus che lo ospita per un live del suo tour
americano, a supporto del nuovo Heaven To A Torture
Mind. Si presenta con una band a quattro: bassista
(molto funky), batterista giovanissimo ma sul pezzo,
chitarra glam e un supporto a consolle e campioni.
Lui mette i panni di un Isaac Hayes ai tempi di Shaft:
basco, giacca leopardata, jeans a zampa. Il set è un
incendiario attacco funk, dove Tumor è maestro di
cerimonie e protagonista delle danze. Come dichiarava
sempre a “Pitchfork”: “Voglio che il pubblico
interagisca con me, mi succede di tutto: caviglie
slogate, pugni in faccia, labbra gonfie. Una volta ho
spaccato il naso a due ad un concerto, dimenandomi.
E nessuno è andato all’ospedale. Sono poi venuti
con i loro nasi sanguinanti a dirmi quanto gli fosse
piaciuto”. E sarà cosi durante tutto il concerto. Che
spazia fra Serpent Music e Safe In The Hands Of
Love, con incursioni calibrate sul nuovo non ancora
pubblicato (Gospel For A New Century, Kerosene!,
Dream Palette). Tumor gestisce tutto con intensità
e senza fermarsi mai. Corre improvvisamente al
mixer a impartire ordini, suona la chitarra, accarezza
torreggiante chi è in prima fila, si butta fra il pubblico
danzando con loro, invitando al contatto o chiedendo
di trovarsi un partner con cui abbracciarsi, sui pezzi
più intimi. Sembra di vedere Bobby Gillespie con i
suoi Primal Scream, provando a proiettare le radici
del blues e del soul in un futuro ignoto e spaventoso.
Tutto diventa torrido, elegantemente selvaggio. La
morbidezza di Lifetime un inno corale che fa esplodere
la sala. Nessun bis. Alla fine del set, alla domanda se
sia mai veramente vissuto a Torino, sorride guascone
e sibila “non si può mai sapere…”, prima di girarsi
incurante e firmare le scarpe di un ragazzo sudato (e a
piedi nudi), che lo guarda incantato. Inutile chiedersi
di più, darsi altre coordinate. Conta che sia lui sia
stato qui, ora, mentre tutto è sul punto di crollare.
Tanto, come dice lui: “Siamo condannati. Il mondo
è fottuto. È cosi. Non voglio che la gente sia triste o
felice quando mi ascolta. Voglio che abbia speranza.
Per una fine gioiosa. Con un meteorite che distrugge
la terra e c’è il più bel tramonto che abbiamo mai
visto, prima dello schianto. Magari con la mia musica
in sottofondo”.
ARCA
@@@@@
XL
La prima uscita di Alejandra
Ghersi dopo l'omonimo
album del 2017 è un
simbolico atto di resistenza,
sotto forma di “singolo” di
62 minuti. In realtà verrebbe
da considerarlo un mixtape,
ideale seguito di &&&&&
(pubblicato nel 2013 per la
piccola Hippos In Tanks),
dato lo svolgimento senza
soluzione di continuità.
La sequenza è suddivisa
in 30 episodi - Arca li
chiama "quantum" e li ha
intitolati e delimitati con specifici timestamps – nonostante sia
impossibile separarli nella fruizione sulle piattaforme digitali
più popolari. Lei stessa usa queste parole per introdurlo:
“@@@@@ è stato trasmesso nel mondo da un universo
ipotetico e immaginario in cui il format analogico delle
radio FM pirata rimane uno dei pochi modi per evadere la
sorveglianza autoritaria personificata da una coscienza presa in
ostaggio e nutrita da un’intelligenza artificiale post singolarità”.
Insomma, nulla di più attuale nella realtà distopica che
stiamo già vivendo, e ad esprimerlo dal punto di vista del
suono, già dalle prime battute, è l'assalto sonoro contenente
frammenti provocatori quali Devastation e Recursion, oppure
il singhiozzante noise reggaeton di Chipilina, e passano quasi
20 minuti prima che arrivi il primo momento epico e riflessivo,
nella melodia desolata di Predator. Sono prevalenti gli umori
oppressivi, non solo nelle martellanti Apuro e Saintly Pride ma
anche quando talvolta Arca, oltre a recitare la parte della fittizia
conduttrice del programma radiofonico sotto lo pseudonimo
di Diva Experimental, appare in voce: ad esempio nel finale
di Murciélaga o quando il suo canto, nella drammatica No Lo
Digas, cerca di sfuggire alle morse della macchina. Un canto
che sembra poi trovare un'apparente serenità solo nel dolce
svolgimento di Form, a farsi spazio tra frequenze disturbate.
GIORGIO VALLETTA
86/100
RUMOREMAG.COM | 47
NICOLAS
JAAR

N
icolas Jaar, compositore e sound designer molto
apprezzato per album come Space Is Only Noise
e Sirens e le sue innumerevoli collaborazioni, ha
recentemente pubblicato un nuovo album a nome
Against All Logic, il suo alter ego più legato all’estetica
da club, e ha appena diffuso il suo ultimo – bellissimo -
lavoro a proprio nome. Con lui parliamo di tutto questo,
e di molto altro.
Ciao Nicolas, puoi dirci dove ti trovi in questo
momento?
“Al momento sono a Palermo, nella cucina di una
strana casa in cui vivono molte persone. Oggi abbiamo
festeggiato il compleanno di uno di loro, e abbiamo
mangiato un sacco di cassata. Sembra che io rischi
di restare bloccato in Sicilia per un po’ a causa del
coronavirus”.
Ci parli dei giorni che il tuo paese (il Cile) ha
vissuto ultimamente?
“Ho appena trascorso due mesi in Cile. Vado ogni anno
a visitare la mia famiglia in questo periodo dell'anno,
quando è estate. Al momento il centro di Santiago è
in uno stato mai visto. Non ho mai visto una città in
quello stato prima d’ora. Il centro delle proteste è una
piazza che ora è diventata 'Plaza De La Dignidad', nome
datogli dai manifestanti negli ultimi mesi. Una volta
si chiamava Plaza Italia, per via di un monumento
TAG: #cile #aal #betlemme #ceneri #telas
CENERI
E SETA
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
che gli italiani donarono ai cileni in occasione dei 100
anni della nostra 'indipendenza'. Nel 1928, il dittatore
militare Carlos Ibáñez Del Campo posizionò di fronte al
dono italiano la statua di un militare chiamato Manuel
Baquedano, che aveva combattuto contro il popolo
Mapuche, uno dei più importanti popoli indigeni del
Cile, e contro i peruviani. Questo stesso dittatore ha
anche creato l'attuale forza di polizia, al fine di fermare
le rivolte dei lavoratori e altre proteste dal basso. Nel
corso del ventesimo secolo Plaza Italia è diventata un
importante centro di aggregazione, sia per le partite di
calcio che per le proteste di ogni genere. Il 18 ottobre
2019 le proteste contro l'aumento delle tariffe della
metropolitana hanno subito una escalation, arrivando
alla distruzione di intere stazioni della metropolitana
vicino alla piazza. Il monumento a Baquedano è stato
preso dai manifestanti. Naturalmente la protesta
per i prezzi dei trasporti, come molti sanno, è solo
la punta dell'iceberg: i cileni protestano perché da
30 anni vivono sotto un violento regime neoliberista
instaurato dalla dittatura di Pinochet e dai 'Chicago
Boys', normalizzatosi sotto l’egida del progresso. Questo
sistema, nato in America, ha creato enormi disparità
in Cile, e ha avuto effetti sulla vita di tutti. Un piccolo
esempio, che non conoscevo prima di trascorrere un
po' di tempo nel nord: la metà del paese viene data
in concessione all'industria mineraria. Naturalmente
molte di queste terre coincidono con aree di importanza
archeologica, e spesso la questione riguarda le comunità
che vivono nelle vicinanze. Ad esempio attraversando
in macchina la cittadina di Quillagua si notano ovunque
bandiere nere che simboleggiano la morte e segni
che dicono 'tengo sed' (ho sete), una allusione al fatto
che la società mineraria si appropria dell'acqua dalle
falde acquifere, lasciandone i residenti privi. I casi
analoghi sono numerosi, e la maggior parte delle volte
queste ingiustizie sono dovute al fatto che le politiche
in atto sono il lascito di un governo neoliberista
militare fascista finanziato dagli americani. La statua
di Baquedano è in un certo senso un monumento al
complesso militare-industriale e alla repressione dei
diritti dei lavoratori e degli indigeni. Baquedano siede
ONLINE: nicolasjaar.net
RUMOREMAG.COM | 49

« M O LT I A L B E R I O R A S O N O P R I V I D E I
L O R O S U P P O R T I D I C E M E N T O , C I R-
C O N D AT I D A M A C E R I E E V E T R I R OT T I.
ANZIANI, UOMINI E DONNE, COLPI-
S C O N O I L A T I M E T A L L I C I D E L L A F E R-
M A T A D E L L'A U T O B U S V I C I N O A L M O -
N U M E N TO, C R E A N D O U N R I TM O C H E
S I D I F F O N D E I N T U T T A L'A R E A . A L C U N E
P E R S O N E I N S T A L L A N O U N A LT O P A R-
LANTE AL PIANO SUPERIORE DI UN
EDIFICIO E SUONANO CANZONI RIVO-
LUZIONARIE AL CUI SUONO L A GENTE
C A N TA E B A L L A , M E N T R E A U N I S O L A-
TO D I D I S TA N Z A I C A M I O N M I L I TA R I
A VA N Z A N O P E R C E R C A R E D I D I S P E R-
D E R E I M A N I F E S TA N T I »
comodamente su un cavallo e guarda la piazza dall'alto.
Una delle immagini più forti delle proteste di ottobre
mostra un manifestante che sta in piedi sopra la statua
sventolando una bandiera Mapuche, con migliaia
di altri manifestanti intorno a lui. È una immagine
molto potente indipendentemente dal contesto, ma
trasmette un grande senso di dignità se si conosce
la storia del monumento. Ogni venerdì ci sono delle
proteste nei pressi della statua. I bambini con indosso
maschere da sci e guanti da forno ributtano indietro
i gas lacrimogeni lanciati dalla polizia che custodisce
la propria chiesa (letteralmente, è una chiesa della
polizia …), la quale si trova a pochi isolati da Plaza De
La Dignidad. Nel frattempo, altre persone spaccano le
strade e i marciapiedi a colpi di picconi e martelli per
lanciare le pietre agli sbirri. Molti alberi ora sono privi
dei loro supporti di cemento, circondati da macerie
e vetri rotti. Anziani, uomini e donne, colpiscono
i lati metallici della fermata dell'autobus vicino al
monumento, creando un ritmo che si diffonde in tutta
l'area. Alcune persone installano un altoparlante
al piano superiore di un edificio e suonano canzoni
rivoluzionarie al cui suono la gente canta e balla,
mentre a un isolato di distanza i camion militari
avanzano per cercare di disperdere i manifestanti. Ci
sono anche delle band punk, e persone che suonano il
corno e altri strumenti improvvisati. Poco più in là si
vendono panini e birra, vicino a barricate e fuochi che
bloccano il traffico. Nel raggio di venti isolati intorno al
monumento di Baquedano è tutto ricoperto di graffiti
50 | RUMOREMAG.COM
a tema politico, i muri sono colmi di frasi di denuncia
sociale. All'inizio è stato difficile non guardare a queste
scene attraverso una lente romantica, sembra di
immergersi nei sogni della sinistra: una vera rivolta dal
basso, nella quale l'arte e la musica diventano strumenti
per combattere oppressione e ingiustizia (parlando in
termini estremamente generali). È difficile non lasciarsi
prendere dal clima di solidarietà che emerge tra le
diverse tipologie di persone che partecipano a queste
proteste: bambini piccoli, donne anziane, persone di
discendenza Mapuche, operai in divisa, musicisti, poeti,
tutta gente che appartiene a classi sociali diverse. Ma
ovviamente è tutto molto più complicato di così. Senza
cercare di sminuire l'incredibile potere che hanno le
manifestazioni di massa, e la speranza che infondono,
una volta dissipato l´alone di romanticismo non posso
fare a meno di pormi delle domande su queste nuove
ondate di protesta (che abbiamo visto non solo in Cile,
ma anche in Libano, a Hong Kong, ecc .). Valvole di
sfogo del tardo capitalismo? Non sono proprio questi
episodi che, per un momento, soddisfano il nostro
desiderio di 'giustizia' a consentire al sistema di andare
avanti? In che modo possono trasformarsi in legittime
richieste di un effettivo cambiamento all'interno del
sistema politico? Il fascino esercitato dalla rivoluzione e
dall'empowerment – soprattutto nelle attuali modalità
di produzione culturale - ci fa credere che le cose stiano
davvero cambiando, ma forse il cambiamento continua
ad avvenire solo all'interno di una piccola bolla, quella
del mondo della cultura, sospesa all'interno di una bolla
molto, molto più grande che comprende il progetto
politico che riguarda un intero popolo. A volte temo che
la 'sinistra' e il mondo della 'cultura' vivano all'interno di
un set teatrale e che le 'sorprese fasciste' continueranno
a esserci se non rompiamo i muri di questo teatro e
guardiamo che cosa c’è fuori. Non possiamo lasciare che
i nostri ideali diventino egemonici (anche se in qualche
modo già lo sono). Dobbiamo mettere in discussione
tutto, sempre. Le conversazioni che ho avuto con amici
e sconosciuti in Cile mi hanno fatto pensare al genere
di dibattito che la poesia di Pasolini, Il PCI Ai Giovani,
ha suscitato al momento della pubblicazione. Credo che
discorsi così complessi in questo momento siano più
importanti che mai”.
La tua attività di composizione e sound
designer non si ferma mai, lavorando da solo o
collaborando con altri. In questa prima parte di
2020 hai pubblicato due album e un EP. Inoltre
è previsto un altro album, più avanti. Come mai
sei così attivo ultimamente?
“Ho lasciato il mio appartamento di New York nel 2017 e
mi sono trasferito in un posto molto più economico, che
mi ha permesso di girare molto meno e fare più musica”.
Parliamo del nuovo album come Against All Logic
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C O N VA N M O R R I S O N...»

(A.A.L.). Il tono generale dell’album sembra

molto più diretto e duro rispetto a quanto fatto
da te precedentemente con questa sigla. Perfino
il logo del soldato con il telefono cellulare
che caratterizza le uscite del progetto diventa
l'elemento principale della copertina. Era tutto
programmato?
“È solo musica che faccio per i ‘DJ’ set, non hanno dietro
dei concetti. Quando suono, suono solo i miei edits, o
faccio edits in tempo reale. La prima nuova musica di
A.A.L che ho fatto, dopo il 2012-2017, è stata per uno
spettacolo presso The Kitchen, spazio dedicato all'arte
sperimentale di New York, dove mi è stato chiesto di
suonare in onore di Lydia Lunch e Nan Golden. La serata
è stata fantastica, c'erano Bush Tetras, James Chance,
JG Thirwell, Veronica Vasicka. Se non ricordo male, è
la prima volta che ho riprodotto suoni HD di cani che
abbaiano in un mio DJ set. Un paio delle nuove canzoni
di A.A.L. provengono dalla musica che ho fatto per quella
occasione. Poi ho composto altra musica per una piccola
festa a cui ho suonato a Ramallah, e anche una parte di
quel materiale è confluito nell’album. Quando ho suonato
al Rewire, un festival che si è tenuto all’Aia, abbiamo
deciso di stravolgere il concetto di palcoscenico, lasciando
che le persone lo occupassero mentre io ero nascosto
(lo spettacolo si chiamava Free 2 Move e speravamo di
mettere in discussione i confini interni/esterni in cui
siamo immersi). Anche per questo show ho composto
della 'musica A.A.L.'. All'inizio del 2019 mi sono reso
conto, mentre preparavo il mio primo live come A.A.L.
in Tasmania, che avevo abbastanza materiale per un
nuovo album, e che si trattava di materiale abbastanza
distopico. Persino canzoni divertenti come Fantasy hanno
una energia che evoca la rottura di un uovo fluorescente.
Così ho capito che lì dietro c'era una storia, e ho deciso
di mettere insieme due album. Uno di questi è diventato
2017-2019 e l'altro è diventato A.A.L. MIX, che è uscito su

RUMOREMAG.COM | 51

«U N M O N D O FAT TO D I C E N E R I È U N
MONDO CHE FISICAMENTE SEMBRA
A N C O R A AV E R E U N A S UA C O E R E N Z A,
M A U N A V O LTA C H E L O S I T O C C A S I
D I S S O LV E . Q U E S T O È I L P A R A D O S S O
DELLE CENERI, SONO I RESTI DELL A
D I S T R U Z I O N E C H E AT T E N D O N O D I
DISSIPARSI»
NTS e che pubblicheranno come CD”.
Ho sempre visto A.A.L. come un progetto che
rivela la parte più ludica del tuo lavoro. La vedi
cosi anche tu? Quali differenze percepisci fra
A.A.L. e i lavori a tuo nome?
“Sì, tutta la musica A.A.L. viene prodotta in poche ore
con l'entusiasmo di chi sa che la suonerà ad alto volume,
per le persone. È un processo estroverso. Con il mio
nome è un po’ più complicato”.
Per Cenizas collabori con Patrick Higgins, tuo
compagno nel duo AEAEA. Quali sono le cose
che apprezzi di più del lavoro con Patrick?
“È stato coinvolto dopo che ho finito l'album. Avevo
finito di scrivere le canzoni e di produrre, ma volevo un
po’ più di profondità in alcuni spazi, quindi ho portato
alcune delle canzoni allo studio di Patrick, una grande
chiesa nell'Upstate New York, e abbiamo riamplificato
alcuni dei suoni. Poi siamo andati agli Electric Lady
Studios di New York e abbiamo mixato il disco su un
mixer SSL viola”.
Nella title track canti “En las cenizas vamos
a armar, no saber nada es mejor”. Cenizas
significa cenere e sembri suggerire che stiamo
già vivendo in un mondo di ceneri, nel quale
meno sappiamo e meglio è. Considerando ciò
che sta succedendo ora, ho trovato il testo
particolarmente attuale. Quali sono le ceneri a
cui ti riferisci?
“Un mondo fatto di ceneri è un mondo che fisicamente
sembra ancora avere una sua coerenza, ma una volta che
lo si tocca si dissolve. Questo è il paradosso delle ceneri,
sono i resti della distruzione che attendono di dissiparsi.
Questo potrebbe avvenire tramite una folata di vento o
il tocco leggero di una mano. Qualsiasi interazione con
un sistema fatto di ceneri è potenzialmente distruttiva,
poiché il fuoco in ogni caso ha (già) distrutto. Le ceneri
sono un agente intermediario, una sorta di forma
transitoria. La fragilità di un mondo in rovina è difficile
52 | RUMOREMAG.COM
da comprendere, ma penso che ci troviamo di fronte a
qualcosa del genere e il percorso più pericoloso è quello
in cui ci costringiamo a credere che le ceneri siano una
massa solida”.
Sembra che abbiamo raggiunto il punto di non
ritorno, in cui lo sviluppo della civiltà umana
e l’illusione di una crescita senza fine deve
essere rimodellata. In che misura i cambiamenti
climatici influenzano il tuo lavoro come
compositore?
“Non riesco davvero a vedere l'ecocidio come qualcosa
di distinto dal resto. Ad esempio in alcune parti del
Nord America abitate da popolazioni native americane
la crescita delle industrie minerarie è andata di
pari passo con l'aumento del tasso di femminicidio.
Queste operazioni minerarie riguardano non solo
l'inquinamento idrico ma anche la vita spirituale
delle comunità che per secoli hanno abitato quelle
terre. È tutto così connesso che isolare un problema
comporta quasi sempre una dannosa semplificazione
degli effetti corrosivi in gioco. Non voglio pensare al
'riscaldamento globale' come a un 'risarcimento': è un
po’ hollywoodiano. La nostra situazione attuale è un
profondo disequilibrio che si manifesta in ogni aspetto
della vita contemporanea. Le crisi sono intrecciate e
siamo sospesi al loro interno”.
Ho apprezzato molto la capacità di trasmettere
sensazioni lavorando per sottrazione (rispetto
al tono più “”corale” di Sirens, ad esempio). Ci
parli del processo di composizione di Cenizas?
“Penso che con Sirens sentissi il bisogno di dover
dimostrare certe cose. Non artisticamente, ma più da
un punto di vista personale. Volevo far conoscere alla
gente la mia eredità palestinese, la mia eredità cilena,
la mia rabbia contro lo stato delle cose, ecc. Lo trovo
abbastanza banale ora ma era lì che mi trovavo in quel
momento, mi sentivo frainteso e ricoperto da una specie
di vomito deep house neoliberale. Inoltre, la maggior
parte del disco è stata realizzata molto prima che Trump
fosse eletto, e quindi anche se adesso sembra un disco
su Trump/Salvini/Brexit, in realtà è molto precedente.
Cenizas non è stato creato pensando a queste cose. È
nato organicamente, come le ceneri che si formano dopo
il fuoco”.
L’ultima traccia dell’album, Faith Made Of
Silk, sembra quasi una creatura a sé stante,
con i suoi toni e le sue ritmiche IDM. Mi ha
riportato ai primi anni della Warp. Come mai il
pezzo è apparentemente così diverso dal resto
dell’album?
“È una via d'uscita dal mondo delle ceneri, e alla fine è
anche una via per accedervi. Le ceneri ti costringono a
guardarti intorno e non davanti, poiché davanti ci sono
soltanto raffiche e turbinii mentre intorno si vede tutto
«VEDO TUT TO SOT TO FORMA DI MUSI-
CA. IL SUONO, NEL BENE E NEL MALE,
È L'U N I C O M O D O C H E C O N O S C O P E R
A F F R O N TA R E L E R A F F I C H E D I V E N TO»

quello che ancora c´è. È un luogo silenzioso, fragile,

dove devi aggirare i tumuli di rovine sperando che non
cadano, anche se sai che è già tutto morto. C'è ancora
qualcosa da imparare da ciò che sta per scomparire per
sempre. La seta viene prodotta dalle larve di insetti
sottoposti a metamorfosi completa e la consistenza del
tessuto è simile a un prisma, motivo per cui rifrange i
colori. Ho fiducia negli stati transitori”.

Ci puoi parlare della tua residenza artistica

a Betlemme? Che cosa ti ha lasciato come
persona e come musicista?
NICOLAS JAAR
“La residenza è nata dalla mia amicizia con l'artista
palestinese Emily Jacir. Emily mi ha permesso di
trasformare questo piccolo magazzino destinato al
cibo in un sound studio. Finora ho invitato due artisti CENIZAS / TELAS
OTHER PEOPLE
e quest'anno ne avremo un altro paio. Sebastian
Jatz Rawicz è stato il primo residente. È un artista
cileno, ricercatore e musicista. E dopo di lui è venuto Cenizas come l‘implosione
Rolando Hernandez, artista messicano, ricercatore e del gioco d’incastri di Space
Is The Noise e di Sirens.
curatore. Sono artisti geniali, concepiscono il suono In Vanish, il sintetizzatore
come qualcosa da passare attraverso la lente della si muove su spazi vuoti,
ricerca, indagano la realtà in modi davvero unici. tuffandosi nel madrigale
alieno di Menysid, in cui
Quando avremo avuto altri residenti, spero di riuscire il simulacro di percussioni
a pubblicare tutti i lavori realizzati nello studio con sullo sfondo è un’illusione
la mia etichetta Other People. Questo è un progetto a estrema di vita. È un mondo
di ceneri, come afferma
lungo termine, parallelo alla ricerca che sto facendo in la splendida title track. Il
Palestina”. canto ancestrale di Nicolas
Jaar (in spagnolo), che dice
di qualcosa che fugge via,
Un altro aspetto della tua attività creativa è la mutando inesorabilmente.
tua multidisciplinarietà. C’è la composizione, Il compositore cileno-
che però si può legare alla letteratura, alla americano ha lavorato alle
tracce dal 2017, in qualche
danza, al cinema o all’architettura. Che cosa modo isolato dal mondo ufficiale, ascoltando l’eco di una realtà
ti spinge ad aprirti così spesso ad altre forme in dissoluzione. Con Patrick Higgins (compagno d’avventura
espressive? nel duo acustico digitale AEAEA) in post produzione, a curare
la natura abissale dei suoni sparsi fra gli spazi. Gli strumenti
“Vedo tutto sotto forma di musica. Il suono, nel bene e tradizionali ricamano un tessuto, che diventa sudario
nel male, è l'unico modo che conosco per affrontare le ambientale. Una pioggia di piano preparato s’arrampica su
raffiche di vento”. carambole di ritmica tribale e basso in Gocce. La monumentale
Mud s’avventura scura in quelle stesse terre desolate esplorate
in passato da David Sylvian. “Un ubriaco è al comando, i cieli
Sta per uscire un secondo album a tuo nome, sanguinano, e nessuno ascolta il pianto dalla terra”, monito e
Telas. Ce ne puoi parlare? sentenza per un mondo al punto di non ritorno. Il sassofono
solitario di Rubble apre alla melodia sulle reiterazioni
“Telas è un album di musica strumentale. Immagino pianistiche di Garden, ultima oasi. Una sequenza di ritmiche
potresti dire che è più 'sperimentale' di altri. C'è poca quasi jungle, anima la conclusiva (e sorprendente) Faith Made
voce umana, nessuna lingua. Telas significa 'veli'. Of Silk. “Guardati intorno, non avanti. Un picco è solo l’inizio
di una discesa”, come sentiero verso la luce. Agghiacciante e
Dopo la violenza del fuoco arriva la precarietà delle mirabile. E Telas ne è contraltare astratto e contemplativo.
ceneri. E dopo le ceneri arriva il mondo dei veli, nel Quattro lunghe composizioni, che vengono abbinate ad
quale devi imparare a vivere tra le opacità”. immagini o a oggetti fisici. Il giardino magnetico di Alvin
Curran riaperto per l’autore di Pomegranates (di cui Telas è
proseguimento). Sculture di suono che rivelano malinconica
grazia, fra le interferenze.
MAURO FENOGLIO
87-80/100
RUMOREMAG.COM | 53
 DISTORSIONI

T E S T O D I C L AU D I O S O R G E

VIVIANKRIST

JAPANESE
BLACK
GIRLS
BLACKLAB
G I A P P O N E , E S T R E M O O R I E N T E . T O K YO , 1 9 9 7: U N A G I O VA N I S S I M A E R I I S A K A D À V I TA A L S U O P R I M O

P R O G E T T O A R T I S T I C O : V I V I A N K R I S T , U N D U O A N A R C O I N D U S T R I A L N O I S E . 2 0 0 3 : I N F L U E N Z ATA D A U N A

C O R R E N T E M E TA L E S T R E M A , F O R M A C O N M I K A P E N E T R AT O R E L I S A R E A P E R U N T R I O B L A C K / D O O M C H E

S A R À A P P R E Z Z AT O I N P R I M I S D A G E N T E C O M E N O C T U R N O C U LT O D E I D A R K T H R O N E : L E G A L L H A M M E R

( C H E S I S C I O G L I E R A N N O N E L 2 0 1 0) . O G G I E R I , A K A V I V I A N K R I S T ( Q U E S TA V O LTA T U T T O AT TA C C AT O , N D A ) ,

S U O N A U N E C L E T T I C O I N D U S T R I A L E L E C T R O N O I S E E V O L U T O V E R S O N U O V E P R O S P E T T I V E . O S A K A , 2 0 1 7:

N A S C E U N D U O B L A C K D O O M N O N M O LT O D I S S I M I L E D A C I Ò C H E E R A N O L E G A L L H A M M E R , F O R M AT O

D A Y U KO M O R I N O E C H I A S H I R A I S H I : B L A C K L A B . I N O C C A S I O N E D E I N U O V I L AV O R I D I Q U E S T E J A P A N E S E

B L A C K G I R L S , C R O S S M O D U L AT I O N ( B O O T L E G R E M I X E S ) D I V I V I A N K R I S T E A B Y S S D E L L E B L A C K L A B , A B B I A M O

P E N S AT O D I R I U N I R L E I N U N A D O P P I A I N T E R V I S TA .
VIVIANKRIST
L̕
origine di Vivian Krist è datata fine anni 90,
giusto?
“Sì. Era una cosa molto diversa da quello che sto
facendo ora come Viviankrist. Avevo 18 anni nel
1997. Suonavo il sassofono e cantavo. Non ero solo
io, l’altro componente del gruppo suonava la chitarra
noise. Usavamo anche un campionatore e una batteria
elettronica. Lo stile musicale era una sorta di noise
mixato con il digital hardcore. Suonavamo spesso in
piccoli club di Tokyo. Eravamo abbastanza violenti sul
palco. Avevamo un demotape, ma ora non ce l’ho più”.
Che cosa volevate fare realmente?
“All’epoca ascoltavamo Atari Teenage Riot, Aphex
Twin, Autechre, Whitehouse, Mortician, Napalm
Death, Painkiller, Naked City. Il digital hardcore di
band come gli Atari Teenage Riot era molto popolare
all’epoca, così come la gabber”.
TAG: #vivianslaughter #digitalhardcore #gallhammer #justinbroadrick #oslo
Quando quell’esperienza finì, entrasti nelle
Gallhammer.
“Le Gallhammer iniziarono nel 2003. Io cantavo
in vari gruppi grindcore e fast punk. Ma ero stanca
di cantare o urlare per la band di qualcun altro.
Volevo dare vita a qualcosa come una band estrema
di tre ragazze, di cui mi sentissi parte integrante.
Come influenza principale avevo gli Hellhammer
e i Celtic Frost ed ero anche una fan del black
metal: Burzum, Von, Beherit. Ma ero anche molto
influenzata dall’hardcore punk, dall'anarcho punk e
dalla dark wave inglese, e anche dai primi hardcore
e hard punk giapponesi. E naturalmente seguivo
qualcosa di doom, sludge e stoner. Gruppi? Amebix,
Antisect, Dirt, Crass, Joy Division, Bauhaus, Crow,
Corrupted, Aburadako, Masturbation, Sleep, Worship
etc. Probabilmente le persone possono agilmente
« A L L’ E P O C A A S C O LT A V A M O A T A R I T E-
E N A G E R I OT, A P H E X T W I N, A U T E C H R E ,
WHITEHOUSE, MORTICIAN, NAPALM
D E A T H , P A I N K I L L E R , N A K E D C I T Y. I L
D I G I TA L H A R D C O R E D I B A N D C O M E
G L I A T A R I T E E N A G E R I O T E R A M O LT O
P O P O L A R E A L L’ E P O C A , C O S Ì C O M E L A
GABBER»
ONLINE: facebook.com/viviankrist
RUMOREMAG.COM | 55
 DISTORSIONI VIVIANKRIST
«OSLO È UNA CIT TÀ PICCOL A E BELL A.
TOKYO È MOLTO PIÙ GRANDE E UN PO’
PIÙ ECCITANTE, SUCCEDE DI TUT TO
CONTINUAMENTE. MA SONO FELICE A
OSLO ADESSO. UN BEL POSTO PER FAR
CRESCERE UN FIGLIO, UNO DEI PIÙ SICU-
RI AL MONDO, CREDO»
trovare alcune di queste influenze negli album delle
Gallhammer”.
Come entraste in contatto con la Peaceville
inglese, che ha pubblicato i vostri dischi?
“Credo che siano stati loro a contattarci. Ma prima
avevo incontrato Nocturno Culto, il chitarrista dei
Darkthrone, a una mostra di fotografie di Peter Best
a Tokyo. Lui venne a qualche nostro concerto e fece
alcune riprese delle Gallhammer per un suo DVD
uscito su Peaceville. Forse è stato quello il punto
partenza”.
Retrospettivamente pensi che le Galhammer
abbiano espresso tutto il loro potenziale?
“Abbiamo terminato le nostre attività non molto
tempo dopo aver firmato per la Peaceville. C’erano
molti problemi personali e stress. Ma sono molto
soddisfatta degli album. La band si sciolse per prima
cosa perché la nostra chitarrista Mika Penetrator
aveva lasciato il gruppo. Avevo dei problemi a
continuare con loro. Oggi con Internet è tutto molto
più facile e veloce di quanto non fosse dieci anni fa,
ma è anche tutto molto distante, credo”.
Pensi che il processo di dissoluzione finale
delle Gallhammer abbia contribuito a
cambiare la tua visione musicale e la tua
personalità, da Vivian Slaughter, come ti
facevi chiamare, a Viviankrist?
“Non sono sicura di questo, ma il mio stile di vita
è totalmente cambiato. Adesso sono sposata, sono
madre e sono una immigrata che vive e lavora
in Svezia. È totalmente diverso. Non avevo mai
immaginato nulla del genere in passato, ma la mia
vita ora è molto più stabile. Questo ha cambiato il mio
stile e l’approccio alla musica. Sono molto contenta di
comporre musica a casa da sola. Sarebbe difficile con
un gruppo. Le band hanno bisogno di tempo e spazio
per provare, per comporre canzoni assieme”.
Che tipo di suoni e di modus operandi hai
utilizzarto per comporre Morgenrøde, primo
56 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I C L AU D I O S O R G E
album di Viviankrist (non Vivian Krist,
giusto?) e come è “rinato” questo progetto?
“Sì, Viviankrist, corretto. Morgenrøde inizia come
dark noise. Rumoroso, ma allo stesso tempo c’è molta
elettronica retro. Iniziai cercando di mettere in piedi
un progetto noise con il mio basso, nell’estate del
2017. Ma non andò troppo bene. Allora ho usato il
Korg MS-10 e il MicroKorg di mio marito. Questo
è stato il punto di partenza del nuovo progetto
Viviankrist. Ho registrato il mio primo album in
formato digitale, che si trova su Bandcamp, in tre
giorni. Ho usato un po’ più di effetti, synth e batterie
elettroniche in Morgenrøde. Sostanzialmente sono
strati di improvvisazioni. Non scrivo canzoni, come
dire, 'in anticipo'”.
Quali sono le differenze tra Morgenrøde e
Cross Modulation, il nuovo album?
“Hanno entrambi un background nel noise, ma Cross
Modulation è più ritmico. Mi è capitato all’epoca di
avere, e me ne sono innamorata, un synth Moog con
percussioni, da quel momento mi sono spinta verso
uno stile noise più ritmico. Devo dire che gli strumenti
mi ispirano molto. Lo facevano in particolar modo
allora. Adesso sto usando Modular Synths, ho bisogno
di pensare molto a come costruire i suoni e i pattern
ritmici nella mia testa, ma alcuni synth mi espirano
attraverso le dita. Davvero divertente”.
Come sei arrivata alla Ritual Productions?
“Li conoscevo dai tempi delle Gallhammer ed ero
rimasta in contatto con loro dopo lo scioglimento
della band. Erano ben disposti e interessati al mio
nuovo progetto, e così hanno contattato la Diagonal,
che aveva pubblicato Morgenrøde. Cross Modulation
è nato come una collaborazione tra le due etichette”.
Come è nata l’idea di remixare Cross
Modulation?
“È stata una cosa naturale. Parlandone con la Ritual
Productions mi hanno suggerito che un remix potesse
essere interessante. Così abbiamo chiesto ad alcuni
artisti se fossero interessati. Abbiamo lavorato con
molta gente eccitante. Io stessa ne sono rimasta
davvero impressionata. Pensavo che sarebbe stato
divertente, ma non credevo che sarebbe diventato
l'album fantastico che è diventato”.
Con quali criteri hai scelto la gente che doveva
occuparsi dei remix? So che è una domanda a
cui è difficile dare una risposta, ma quali sono
i tuoi preferiti?
“Senz'altro abbiamo scelto persone interessate alla
cosa e che lavorassero bene. Mi piacciono tutti i
remix, è difficile sceglierne uno o l’altro. Ogni brano
mostra il background dei singoli remixers e i loro
gusti. Tutti i brani hanno un suono molto dark,
probabilmente influenzati dalla Ritual Productions. Il
remix di Tucan, ad esempio, è molto più doom e heavy
delle cose che fa con i Superorganism. Hanno fatto
tutti un grandissimo lavoro”.
Che musica ascolti che ti ispira ultimamente?
“Negli ultimi anni ho ascoltato molti generi diversi
di musica, dalla classica alla techno. E naturalmente
sempre rock, metal, jazz, come in passato. Mi
piace ascoltare tutti i generi di elettronica noise,
sperimentale e da club. Ho sempre amato Justin
Broadrick (JK Flesh, Zonal) e Mick Harris (Scorn,
Fret). Mi piace anche il lavoro di Pete Swanson. Mi
interessa il sintetizzatore modulare in parte perché
lui lo usa. Ultimamente mi piace ascoltare hip hop/
trap rap russo, witch house/witch trap, ma anche
pop music. Questa roba mi ispira nei miei remix. La
Sinfonia n. 11 di Shostakovich ha ispirato Eleventh,
il brano di apertura di Cross Modulation. Amo le sue
opere”.
Sei una musicista iperattiva, hai già nuove idee
per il prossimo album?
“Ne ho già uno stock. Attualmente ho completato due
nuovi album. Non so quando usciranno ma lo stile è
quello di Cross Modulation. Uno è un po’ più, come
dire, allegro, e l’altro è un po’ più dark. Ho pianificato
la registrazione di qualcosa con il synth modulare
quest’anno, e vorrei usare più computer. Non ho mai
usato il computer per registrare gli album precedenti,
ma sto imparando a usare certi programmi. Al
momento lavoro sull'iPhone quando faccio un remix.
Spero di riuscire a combinare Modular e PC. Sarà
qualcosa di nuovo per me”.
Vivi a Oslo adesso. Ti manca il Giappone?
“Sì. Oslo è una città piccola e bella. Tokyo è molto
più grande e un po’ più eccitante, succede di tutto
continuamente. Ma sono felice a Oslo adesso. Un bel
posto per far crescere un figlio, uno dei più sicuri al
mondo, credo. Mi piace anche la natura norvegese”.
RUMOREMAG.COM | 57
58 | RUMOREMAG.COM
BLACKLAB
P
arlando con Chang Chang degli Hibushibire mi
diceva che la scena di Osaka è generalmente più
heavy di quella di Tokyo, se vogliamo metterla
così. Che cosa potete dirmi, visto che venite da
lì?
Yuko: “Si dice che la scena underground di Osaka
sia più sperimentale e particolare rispetto a quella
di Tokyo. Effettivamente la penso anch'io così. Negli
anni 80 e 90 c’erano molte ottime band a Osaka:
Hanadensha, Subvert Blaze, Auschwitz, U., Boredoms,
Solmania, Corrupted, Rise From The Dead, e molte
altre ancora. Altri gruppi che seguivano queste band
sono attualmente attivi a Osaka. Ad esempio Afrirampo,
Birshanah, Hibushibire, KK Manga, Cyberne, Sleep City,
Otoboke Beaver (Kyoto). Quando si paragona la scena di
Osaka con quella di Tokyo, la differenza la sento di più a
livello di stranezza che di pesantezza”.
In che modo ritieni che la scena di Osaka ti abbia
influenzata?
Yuko: “Andavo ai concerti di questi gruppi negli anni 90.
In particolare mi piacevano gli Hanadensha. Guardarli
suonare mi fece venir voglia di formare un gruppo.
Così fondai una band che faceva cover di Stooges,
Velvet Underground e Hanadensha. Dopo ho formato
un gruppo che si chiamava Depth, più focalizzato
TAG: #osaka #stereolab #blackdoom #whitestripes #abyss
sull’hardcore e sul grunge, influenzato da U. e Rise
From The Dead. La band esiste ancora ma va a rilento.
Anche Chia fa parte di questo progetto. Naturalmente
le BlackLab sono devote al doom dei Black Sabbath
e agli Sleep, ma la scena heavy rock di Osaka è stata
fondamentale per me”.
Qual è la vostra storia? Da quali esperienze
provenivate, nel 2012, quando iniziaste come
duo?
Yuko: “Eravamo in tre all’inizio, ma poi la bassista
lasciò, così cercai di capire in che modo si potesse
riunire chitarra e basso in un solo strumento. I White
Stripes sono un modello conosciuto di band a due, ma
ce ne sono anche in Giappone e intorno a me, ho subito
compreso il potenziale del formato. Ad esempio Tsuka
Maro e Birshanah (band di Osaka). Allora abbiamo
deciso di continuare come duo senza cercare bassisti. Il
risultato, credo, è che il gruppo è più originale”.
Ma voi cosa volevate fare esattamente?
Yuko: “Quando cominciammo con le BlackLab, il
concetto era: ‘una band femminile come i Black
Sabbath’. Penso che una band del genere sia qualcosa
di raro e che possa attrarre interesse nel mondo metal.
Qui in Giappone ci sono le Baby Metal. Ma a differenza
di ciò che fanno loro, io volevo esprimere un metal più
classico e più doom. Fin dall'inizio influenzato in modo
consistente dalla musica di Black Sabbath, Sleep, Acid
King e altri ancora”.
Come nascono le vostre canzoni?
Yuko: Come prima cosa mi vengono in mente i riff. Poi
li arrangio, li sviluppo, cerco una configurazione più
generale. Successivamente in sala prove facciamo delle
jam con Chia, per sistemare il pezzo. Dopo diverse prove
decido lo schema della batteria. Completiamo il tutto e
poi cerchiamo una melodia vocale. Infine ci applichiamo
sopra i testi”.
Chia: “Ascolto ripetutamente i riff di Yuko ed esploro
quello che lei immagina. Sento le scene e i colori. Creo
ONLINE: facebook.com/blacklabmoon
RUMOREMAG.COM | 59
uno schema di batteria allo stesso modo in cui un
danzatore immagina una coreografia. Poi creo lo stile
della canzone durante la session. Noi due abbiamo
una sensibilità musicale simile. Prima di completare
la canzone siamo già sulla stessa lunghezza d'onda.
‘Wow, questa canzone è cool’. È un momento molto
divertente”.
Perché il nome BlackLab?
Yuko: “Il nome del gruppo è una combinazione di Black
Sabbath e Stereolab. Magari potrà sorprendere che io
citi gli Stereolab, ho molti loro CD e mi piace la loro
musica. Ma non è solo questo, ho sempre pensato che
avessero un nome molto cool. Be', per prima cosa invitai
una bassista a far parte del mio nuovo gruppo. Era una
cantante di bossa nova e scriveva canzoni. Ma le piaceva
anche il metal. La sua presenza mi aveva fatto venire in
mente gli Stereolab. Donne delicate che suonano metal
come i Black Sabbath: pensando a questo mi è venuta
l’idea di un nome che mettesse insieme Black Sabbath e
Stereolab. Anche se non si può dire che ci siano elementi
degli Stereolab nel nostro approccio musicale, a volte le
nostre canzoni hanno beat matematici e melodie gentili.
Penso che siamo una cosa distinta dal classico, fiero
gruppo doom metal. Ancora una cosa: se non altro non
sono una cantante sconvolta (be', insomma, nda)”.
Quali sono state le vostre principali influenze
musicali e culturali?
Yuko: “Sai, ero una ragazza piuttosto ordinaria da
adolescente. Mi piacevano le canzoni pop giapponesi e
la Top 20 di MTV. Non avevo mai ascoltato rock. Un mio
amico suonava in una band metal quando ero al liceo,
60 | RUMOREMAG.COM
e così cominciai ad ascoltare band giapponesi metal,
influenzata da lui. Ma non posso dire che ne andassi
pazza. Più tardi, superati i miei 20 anni, incontrai un
amico che mi consigliò di ascoltare Jimi Hendrix, Janis
Joplin, Velvet Underground, Stooges etc. Questo ebbe
una grande influenza sulla mia crescita musicale e sul
mio gusto. Penso che un po’ tutto questo sia alla base
delle mie attuali attività creative”.
In generale il metal è un mondo in cui le donne
rischiano di essere un po' discriminate?
Yuko: “No, non direi. Piuttosto ci sono molti vantaggi
nell'essere una donna nel mondo del metal. Il fatto che
delle donne suonino metal può essere percepito dalla
gente come qualcosa di eretico e unico. In aggiunta
c’è un certo numero di seguaci in entrambi i generi.
E inoltre gli amplificatori molto pesanti li possono
spostare gli uomini (ride, nda). Non mi interessano
queste cose, ma sono la nostra forza. Per come la vedo
io, ogni genere ha la sua forza e la sua debolezza, e penso
che nel nostro caso siano ben bilanciati. Ma è vero che
ci sono persone che soffrono per la discriminazione di
genere”.
Chia: “Personalmente non l’ho mai sentita questa
discriminazione. Quando avevo 20 anni qualche volta mi
capitava di sentirmi perdente nella competizione con gli
uomini. Ma non era discriminazione, erano solo pensieri
immaturi i miei. Possiamo gioire della libertà di fare la
musica che preferiamo, nello stile che più ci piace”.
Quando avete cominciato a pensare al nuovo
album Abyss e in che modo volevate fosse
diverso da Under The Strawberry Moon?
«QUANDO COMINCIAMMO CON LE
BL ACKL AB, IL CONCET TO ERA: ‘UNA
BAND FEMMINILE COME I BL ACK SAB-
B AT H’. P E N S O C H E U N A B A N D D E L
GENERE SIA QUALCOSA DI RARO E
C H E P O S S A AT T R A R R E I N T E R E S S E N E L
M O N D O M E TA L. Q U I I N G I A P P O N E C I
S O N O L E B A B Y M E TA L . M A A D I F F E-
RENZA DI CIÒ CHE FANNO LORO, IO
V O L E V O E S P R I M E R E U N M E TA L P I Ù
C L A S S I C O E P I Ù D O O M . F I N D A L L'I-
N I Z I O I N F LU E N Z ATO I N M O D O C O N-
SISTENTE DALLA MUSICA DI BLACK
S A B B A T H , S L E E P, A C I D K I N G E A L T R I
ANCORA»
Yuko: “Dopo che è stato pubblicato Strawberry, poco
alla volta ho incominciato a comporre canzoni per
il secondo. All’epoca non ne avevo di pronte. Ne ho
scritte otto nel giro di dieci mesi. Non so come sia per
gli altri, ma per i miei standard sono stata molto veloce.
L’etichetta, d’accordo con noi, aveva pensato di farlo
uscire in concomitanza con il Deserfest di Londra. In
Strawberry sembra che il sabbathismo domini tutto,
ma questo aspetto è molto ridotto in Abyss. Volevo una
maggiore varietà, che ci fosse anche dello speed desert
rock, e poi canzoni con un mood orientaleggiante e
altre con un approccio più hardcore, etc. E il gusto per
il grunge è cresciuto. Ci sono canzoni in giapponese, ma
la stessa cosa capitava in Strawberry. Un’altra marcata
differenza è che il sound della chitarra è più prominente
e feroce. Voglio che ci sia più gente che lo ascolta”.
Che cosa state ascoltando al momento?
Yuko: “Di recente ho apprezzato molto il nuovo album
degli Slipknot, il nuovo dei Tool e quello degli High
On Fire. Poi Elephant’s Of Acid dei Cypress Hill, che
è uscito un po’ di tempo fa, ma è ottimo. In generale
non ascolto molta musica nuova. Tendo ad ascoltare
la musica che ho sempre ascoltato. Black Sabbath
(quelli dell'era Ozzy), Led Zeppelin, Mötley Crüe (i
primi), Sleep, The Dead Weather, Stooges, Velvet
Underground, etc. Di solito ascolto musica su Internet.
Ho CD e vinili ma non li ascolto spesso. In ogni caso
l’album che ascolto di più in questo momento è Abyss”.
Chia: “Mi interessando gli Heilung. Ho visto il loro
concerto su YouTube e il loro charme mi ha catturato.
Mi piace tutto di loro, compresi i suoni primitivi e
i costumi. Mi piacciono il folk e gli strumenti folk.
Adesso mi sto costruendo la mia percussione nativa
americana. Un giorno la useremo nelle nostre canzoni
(ride, nda)”.
BLACKLAB
ABYSS
NEW HEAVY SOUNDS
Un album grezzo, immediato,
ma di non facile lettura.
Attraversato da diverse e
fors’anche contraddittorie
pulsioni. Certamente:
bombasticamente doom,
Abyss è l’album - come
dicono in NHS - di una
band che non ha perso la
sua attitudine lo-fi e Riot
Grrrl. Bisogna provvedersi
di acutezza e pazienza per
decodificare il dark witch
doom delle BlackLab.
Loro ti mettono già subito
in una condizione di ascolto difficile. Perché cuciono uno
di seguito all’altro tutti gli otto brani di Abyss. Un ascolto
senza respiro, dall’inizio alla fine. Quasi in apnea. Occorre
dividere lentamente, brano dopo brano, tutto l’album. Darsi
un minimo di pausa tra un pezzo e l’altro. Se all’inizio sembra
tutto ammassato e caotico, ascolto dopo ascolto si riescono a
individuare le differenze, le strutture delle singole canzoni, i
mood eterogenei che le impregnano. Un’instabilità/mobilità
di apocalittici momenti doom (Insanity). Pause shoegaze
monastiche, che flirtano con il vuoto e si alternano a discese in
inferni fuzz: dicotomia alla Boris (Fade And Melt). Trascinati
sbandamenti, tra ferocia, caos, nausea (Weed Dream e
Amusement Part Of Terror). Nelle BlackLab un certo wizard-
sabbathismo è più che mai caotico e discontinuo: state dietro
se riuscite a Forked Road. E c’è spazio per lo stoner abissale,
vagamente ispirato alle più devastanti Runaways con un tocco
glam noir, di Sleepless Nights. La conclusiva Sun è totale
allucinazione psichedelica vestita di disperato nero-sabba.
Nel suo eclettismo, uno dei brani più interessanti dell’album.
L’appoggio bombastico/rotolante costante della martellante
percussione di Chia fa da contraltare alla divorante dimensione
rituale post doom di Yuko. Apocalisse nichilistica loro la
definiscono. Sapete, mi fanno venire i brivid queste ragazze.
80/100
RUMOREMAG.COM | 61
 IL NUOVO ALBUM
D E L L’A R T I S TA ,
PRODUTTRICE E PERFORMER
K AT I E A U S T R A S T E L M A N I S

DAL 1 MAGGIO
DISPONIBILE IN CD,
L P E D I G I TA L E
M AT T H E W TAVA R E S M O V I N G O O S B L AC K R A I N B OW S N I N A S I M O N E

NI CK HAKIM
64

EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN WYLDE RAT T TZ WITCHCRAFT THE CHATS

R E C E N S I O N I
243 DISCH I TRAT TATI MAG G I O 2020 ru m o re m a ga z i n e

T HE WA NTS LORENZO SENNI

78 66

VIAGRA BOYS POLE RUFUS WAINWRIGHT 3PHAZ AGITATE

DISCO DEL MESE MAGGIO 2020
SARÀ LA GENTILEZZA A SALVARCI
NICK HAKIM
WILL THIS MAKE ME GOOD
ATO
“Sento che le persone stanno ribollendo.
C’è solo follia intorno a noi, e il mondo
può sembrare un posto freddo. Diventa
difficile ricordarsi perché ne valga
comunque la pena. Le persone intorno a
me e la musica che amo, forse”. Le parole
con cui il cantautore polistrumentista
americano introduce il nuovo album,
quasi come un presagio involontario,
per un mondo di infinite individualità
alla ricerca di una risposta, qualsiasi.
“Spero che questa musica porti coscienza
64 | RUMOREMAG.COM
NICK HAKIM
su come viviamo su questo pianeta.
Su come trattiamo i nostri vicini. Su
comunità e depressione. Cosa ci possa
curare e cosa no”. Un disco che arriva
al momento giusto. Scritto e registrato
nello studio loft a Ridgewood, sobborgo
del Queens a New York, anelando
quel senso di comunità respirato da
bambino a Washington, con i genitori
immigrati dal Perù. Protetto dalla
musica popolare delle radici, il soul del
ghetto e l’hardcore. Un disco che arriva
dopo le stranianti canzoni dell’esordio
Green Twins del 2017, di cui il nostro
Giorgio Valletta scriveva su queste
pagine: “Non letteralmente R&B anche
se interpretate con intenso trasporto
soul, apparentemente a bassa fedeltà ma
frutto di visionarie scelte di produzione”.
Hakim perde gli appunti per il seguito,
dopo un viaggio in Europa, e non riesce
più a scrivere nulla. Fino a quando non
scopre che l’amico d’infanzia è morto.
Nasce qui la meraviglia narcotica di
Qadir, un’ipnotica elegia soul per il
compagno di sempre, che galleggia su un
coro di amici e collaboratori. E diventa
idea centrale, per un percorso che cerca
la cura nella complessità della gentilezza,
la riscoperta degli altri, l’empatia
famigliare del hood. Le intuizioni
dell’esordio diventano motore d’anima
per suoni che filtrano il soul urbano
DI MAURO FENOGLIO - FOTO DI JACK MCKAIN
della tradizione, attraverso una lente
di psichedelia narcolettica. Funk pigro,
lezione aurea dei maestri e indolenza da
cameretta. L’immagine di Marvin Gaye
aberrata dalla lente di Connan Mockasin.
Inspiration/Information di Shuggie
Otis non è mai stato così vicino. Nel
magnifico gospel storto per un pianeta
allo stremo di All These Changes (“tutti
gli arti stanno cambiando / dolore che
cresce, speranza che sfuma / possiamo
far tornare il suo amore in salute”). Nei
sudori del funk fratturato di WTMMG,
dove la cura farmacologica si rivela vacua
illusione. La voce diventa strumento,
su arrangiamenti che non trovano
mai quiete. Un sussurro processato
nella notte insonne di Bouncing, nuda
e intima nel conforto acustico di All
These Instruments (scritta col fratello
Danny), selvaggia e princeiana fra i
bassi profondi di Drum Thing. Evitando
d’illudersi che tutto andrà bene, un invito
(quanto mai attuale) a trovare ciò che
davvero possa renderci migliori.
86/100
RECENSIONI GLI ALBUM MAGGIO 2020

RIZ AHMED TONY ALLEN

THE LONG GOODBYE
MONGREL
Coprotagonista di una delle mi-
gliori serie tv degli ultimi dieci
anni, The Night Of, l’artista lon-
dinese pubblica il suo secondo
disco, un concept album sui rap-
porti tra il Regno Unito, l’Asia
& HUGH MASEKELA
REJOICE
WORLD CIRCUIT/BMG
Il batterista nigeriano e il trom-
bettista sudafricano incisero
un po’ di materiale a Londra
quando le loro tournée si in-
crociarono lì nel 2010. Alla

MATTHEW
del sud e gli angloasiatici (lui ha scomparsa di Masekela, nel
origini pakistane) nel momento 2018, e con l’approvazione dei
in cui il Paese è in ballo con l’af- suoi eredi, Allen e Nick Gold si

TAVARES &
fermazione della destra sovra- sono chiusi nello stesso studio
nista e la Brexit. Una volta, non di allora per completare, otti-
senza etnocentrismo, si parlava mizzare e trasformare quelle

LELAND WHITTY /
di asian underground, ma i sessioni in un album compiuto.
riferimenti di Ahmed sono più Ne valeva la pena. La simbiosi
complessi: si va dallo spoken artistica tra i due pesi massimi

word all’hip hop passando per
dancehall e samples del patri-
monio delle sue origini, dunque,
in definitiva, un quadro sonoro
rappresentativo di global city
come Londra, appunto, o New
York, al limite. Molto suggestivi
i brani “parlati” perché fanno
emergere il bagaglio da attore,
la capacità di interpretare solo
con la voce.
LUCA GRICINELLA
73/100
MULATU ASTATKE
+ BLACK JESUS
EXPERIENCE
TO KNOW WITHOUT KNOWING
AGOGO
Un sodalizio rodato in anni di
concerti, quello fra l’anziano
vibrafonista etiope e il colletti-
vo multiculturale australiano,
che bissa anche su disco due
anni dopo il pregevole Cradle
Of Humanity. Profondamente
influenzato dal suono ethiojazz
che Astatke ha creato negli anni
60 e 70, l’album non si limità
però a omaggiare l’uomo met-
tendolo a proprio agio. Certo,
si ripescano traditional (stre-
pitose Ambassa Lemdi e Kulun
Mankwaleshi) e classici di quei
tempi come Mascaram Setaba
e il manifesto Mulatu, ma li si
rinfresca con energia e stimoli
nuovi, aggiungendo ad esempio
in questi ultimi convincenti
parti rap, e altrove toccando
reggae, jazz, funk. Anche ai limi-
ti della propria sofisticata zona
di comfort, Mulatu non sbanda.
ANDREA POMINI
79/100
è palpabile in ogni tappa del
viaggio in otto tracce. Non può
essere un capolavoro, va da sé:
è tuttavia un disco fresco e at-
tuale, da cui traspare una gran
voglia di divertire divertendo
prima ancora se stessi, con la
fisicità dell’afrobeat e la libertà
mentale del jazz.
PAOLO FERRARI
72/100
AUSTRA
HIRUDIN
DOMINO
A più di tre anni da Future
Politics, Katie Stelmanis volge il
suo sguardo alla sfera personale,
senza che ciò tolga nulla all’uni-
versalità dei temi trattati.
L’identità queer, il bisogno di
una rigenerazione, la necessità
della fine di una relazione dive-
nuta velenosa, che fa da sfondo
alla contagiosa Anywayz.
Quest’ultima come anche Risk It
è da annoverarsi fra gli episodi
più immediati di un disco a cui
per la prima volta – per quanto
riguarda il progetto Austra -
hanno collaborato coproduttori
esperti come David Wrench e
Rodaidh McDonald. Sembra di
scorgere una nuova consapevo-
lezza nell’artista lettone/canade-
se, la cui leggiadra voce risulta
essere a proprio agio sia in can-
zoni celestiali interpretate con
naturalezza (vedi It’s Amazing)
che nel funk pop elettronico di I
Am Not Waiting.
GIORGIO VALLETTA
78/100
MATTHEW TAVARES
VISIONS / RICHARD DRY
MR. BONGO/ VOICE RECORDINGS
Se i BadBadNotGood sono
divenuti una meravigliosa
anomalia dello scorso
decennio, capaci di
reinventare il rapporto
fra jazz e hip hop in tempi
non sospetti, è merito
almeno in parte di Matthew
Tavares. Il tastierista del
quartetto di Toronto ha
deciso nello scorso autunno
l’abbandono della band di cui
è stato cofondatore, e dopo
l’interlocutorio esperimento
solista Dejavu (firmato come
Matty e uscito in punta di
piedi nell’estate 2018) ora
pubblica simultaneamente
due album. In Visions è
coadiuvato da Leland Whitty,
che della stessa band è tuttora sassofonista, oltre che dal basso
di Julian Anderson-Bowes e da Matthew Chalmers alla batteria:
inevitabile che il materiale qui contenuto si ricolleghi almeno in
parte alla produzione precedente. Ma sono numerose le deviazioni
di percorso, ad esempio nella sezione centrale di Woah, che allude
a certa musica classica impressionista, o nell’inattesa evoluzione
di Visions Of You. Ciò che colpisce soprattutto è la fluidità del
dialogo fra Whitty, con il sax o al flauto, e Tavares, che alterna
pianoforte e chitarra acustica. Da veri coprotagonisti di un
dinamico lavoro registrato in una sola take, frutto di composizione
e improvvisazione, con frequenti picchi emotivi come nell’onirica
Heat Of The Moon, nell’ambizioso tentativo di trovare un
linguaggio davvero originale. Uscito pochi giorni dopo in
streaming e apparentemente autoprodotto, Richard Dry è invece
un’altra escursione in proprio per l’eclettico musicista 29enne,
qui prevalentemente alle prese con ballate acustiche spoglie e
in pronunciato riverbero (vedi Anymore), episodi psichedelici
dal sapore vintage e in bassa fedeltà (Hot On The Heels of Love,
Smack Dab In The Face Of Midnight), incantevoli paesaggi
introspettivi come quelli suggeriti dalla stralunata I Need Her So.
GIORGIO VALLETTA
87-76/100
RUMOREMAG.COM | 65
 BASALT
SILÊNCIO COMO RESPIRAÇÃO
RITUAL PRODUCTIONS
Dall’hardcore death massic-
cio e primordiale del primo
album Coração Negro Da
Terra, emerge in questo se-
condo lavoro una lenta e più
chiara definizione del suono
dei brasiliani Basalt. La linea
ideologica rimane ben tracciata
e incompromissoria: una critica
all’arma bianca contro la poli-
tica del reazionario Bolsonaro.
La sapienza – uso questo ter-
mine – dei Basalt sta nel saper
modulare doom, black metal,
hardcore e death metal - come
3PHAZ
dire, tutte le sfumature del
nero - in un formato tenebro-
samente dark e monolitico. Pur
con visibili differenziazioni. Se
Dasein è hardcore apocalittico,
Melancolia è una litania scura
e struggente, permeata da un
THREE PHASE senso di ancestrale blackma-
100 COPIES gick; così come la title track. E
il finale, Simulacro Bin Ria, è
pura tregenda dark latina.
Si sa pochissimo: è un CLAUDIO SORGE
musicista e produttore 80/100
del Cairo, e pubblica
per una delle istituzioni
dell’underground elettronico
e sperimentale locale, la
100 Copies di Mahmoud
Refat. Ci sono alcune foto,
in bianco e nero, con lui
tutto scuro e incappucciato
che compare a capo chino
fra snodi ferroviari, BEN LUKAS BOYSEN
casermoni incompiuti, MIRAGE
ERASED TAPES
cantieri abbandonati,
rampe, reti metalliche. E c’è la musica di Three Phase, album Il confine tra elettronica e
con cui debutta apparentemente dal nulla. Nove tracce che,
piccola neo classica è pericoloso.
proprio come quelle foto, offrono un punto di vista dal basso
Tutto si gioca sulle tastiere e il
della capitale egiziana negli anni della controrivoluzione, del
rischio di einaudismo o piano
suo lato più quotidiano e popolare, di un’essenza febbrile e
bar di gran classe va calcolato.
ribelle che cova comunque. Siamo a una mutazione ulteriore
Troppa enfasi? Nessuna traccia
dello shaabi, musica che sotto apparenze festive (la si suona
ai matrimoni) nasconde temi di strada e ironie proletarie. Un di quella traccia? Ben Lukas
passaggio che va oltre il suo diventare mahraganat, negli ultimi Boysen è, in questo ambito, uno
15 anni, venendo a contatto con stili electro altrettanto popolari degli autori più personali, iscri-
come rap, EDM e reggaeton. Lo sfondo è quello, e la carica vibile soprattutto alla compagine
ballabile di un buon numero di brani (Drill, Siren e Phase 5 i elettronica. Inevitabilmente la
più immediatamente riconoscibili, tutti micidiali) lo conferma, leva del romanticismo ogni tanto
ma il lavoro di decostruzione è più profondo, sostanziale. 3Phaz va sul rosso (Clarion), ma negli
lavora sulle strutture ritmiche facendole respirare, rendendole episodi meno “vaghi” affiorano le
meno veloci e ossessive ma raddoppiandone parti costituenti cose migliori. Come nell’aper-
e particolari, aggiungendo una cura sonora meticolosa (che tura di Empyrean, dove la voce
bassi!) che certo non è quella dei CD-R di mahraganat puro di Lisa Morgenstern è utilizzata
delle bancarelle, e un’ampiezza di sguardo inedita. Dai tetti come un accordo alla Laurie
della metropoli si vede lontano: la Londra iper percussiva della Anderson o in Medela, affine a
microscena hard drum innanzitutto, e delle varie filiazioni bass Jon Hopkins (considerabile il
dal dubstep e dal grime in poi; la Chicago sotterranea di juke e suo “mentore”) e arricchita dal
footwork; la forza transnazionale della techno. Con risultati di violoncello di Anne Muller e dal
enorme potenza, evocativa e reale. sax di Daniel Thorne. Altrove,
ANDREA POMINI tasti rigidi berlinesi e parecchi
84/100 synth Uncut Gems/Lopatin/
Tangerine Dream.
MAURIZIO BLATTO
72/100
66 | RUMOREMAG.COM
BEST COAST
ALWAYS TOMORROW
CONCORD RECORDS
Bethany Cosentino torna con il
suo power pop problematico e
con quelle eccitanti armonie che
nascondono storie di dipenden-
za e disagio. Nel suo ecosistema
sonoro non è cambiato molto,
ma in qualche modo la tavoloz-
za si è ampliata. Il merito può
essere ascritto in gran parte al
coinvolgimento di Bobb Bruno
(l’altra metà del progetto Best
Coast) nella scrittura dei pezzi.
Always Tomorrow punta così in
modo esplicito a quegli anni 80
che i dischi precedenti vagheg-
giavano, ma che poi sommer-
gevano di feedback e riverberi.
Il pop metal di Everything Has
Changed e la ballata electroacu-
stica For The First Time abbrac-
ciano in maniera ortodossa i
suoni delle radio FM, garanten-
do alle melodie sempre avvin-
centi una varietà che mancava ai
precedenti lavori.
DIEGO BALLANI
69/100
TIM BURGESS
I LOVE THE NEW SKY
BELLA UNION
In I Love The New Sky c’è lo
stesso entusiasmo di quei Twit-
ter listening parties con cui
Burgess ha intrattenuto i fol-
lowers durante il lockdown. Ora
il musicista si fa collettore delle
tendenze artistiche più sane del
pop inglese di ieri e di oggi, che
rielabora con classe e dispendio
di mezzi. È quello che succede
con Empathy For The Devil con
cui mescola la fragranza folk dei
primi Belle & Sebastian con i
Kinks più vittoriani; ma anche
in quella Sweetheart Mercury
che rimanda ai Blur più sintetici
o in una Comme D-Habitude
con cui mette in scena un vau-
deville romantico e decadente.
Il ricchissimo tessuto sonoro
sorprende anche dopo ascolti,
così come quell’ecletticità che gli
permette di passare da minimali
costruzioni kraut a sofisticate or-
chestrazioni, senza perdere mai
l’afflato pop.
DIEGO BALLANI
79/100
RECENSIONI GLI ALBUM MAGGIO 2020
BUSCABULLA
REGRESA
RIBBON MUSIC/DOMINO
Un paio di EP sono bastati al
duo portoricano per attirare su
di sé l’attenzione di una larga
fetta degli Stati Uniti facendo
crescere un po’ ovunque l’attesa
per il primo lavoro sulla lunga
distanza, che giunge puntual-
mente a tre anni di distanza dal
suo predecessore. Con questo
disco Raquel Berrios e Luis Al-
fredo Del Valle non deludono le
aspettative inanellando 11 tracce
di elettronica in salsa latin in cui
si alternano momenti più sospe-
si (la psichedelica Mìo e l’eva-
nescente No Sabemos) e sfoghi
ipnotici destinati a infiammare i
dancefloor (il singolo Vàmono e
la travolgente El Aprieto). I testi
guardano con lucidità e spirito
critico la realtà sociale e politica
soprattutto di Portorico tradu-
cendone in note le riflessioni e
le ansie ed esorcizzandole infine
attraverso i ritmi caraibici.
DORIANA TOZZI
79/100
CASSOWARY
CASSOWARY
FAT POSSUM
Il suono di una Los Angeles da
cartolina, assolata e stilosa. Un
blend afroamericano di prima
qualità, in cui si ritrovano senza
sforzo linguaggi d’archivio (boo-
gie, funk, soul, jazz sconfinante
nella fusion) e approccio fresco
e molto hip nel recuperarli.
Qualcosa che sa di Brainfeeder
e Stones Throw in parti uguali,
con l’hip hop della Costa Ovest
come sottofondo, opera prima
del talentuoso Miles Shannon.
24enne, sassofonista diplomato
e oggi polistrumentista, cantan-
te e produttore in proprio. Pog-
giato su una suite jazz funk divi-
sa in tre parti (114°), Cassowary
è ugualmente convincente con
la disco gommosa (She Funked
Me) e il soul languido da voco-
der (Starlight), addomestica la
fusion in scioltezza (Belt Notch,
Superhiro, Moth) e si concede
pure il rap (Cyclical, con rime di
Tyler Cole).
ANDREA POMINI
80/100
CAR SEAT HEADREST
MAKING A DOOR LESS OPEN
MATADOR
Proviamo a farla semplice: Will
Toledo registra due volte il
nuovo album, una in versione
puramente CSH e la seconda
con l’alter ego elettronico 1 Trait
Danger, salvo poi mixarle assie-
me per ottenere il disco finito.
E fine delle complicazioni, se
poco in MADLO lascia intuire un
innesto simile. Vero, le chitarre
finiscono in minoranza e passa-
no per le macchine ed è un’elet-
tronica lo-fi, da GarageBand in
epoca new wave, a prendersi la
ribalta. Molto racconta però del
lavoro più sorprendente di To-
ledo fin qua. Quasi un secondo
(terzo?) esordio: il solito inchino
agli ascolti dell’adolescenza
(i Grandaddy dell’eccellente
Martin), ma anche momenti più
slabbrati (una parte centrale che
tracima in Hymn) o Famous,
con le due anime a litigare fino
a un equilibrio tanto stralunato
quanto irresistibile.
FRANCESCO VIGNANI
81/100
CHICANO BATMAN
INVISIBLE PEOPLE
ATO
Una Los Angeles non distante
da quella del sorprendente
Cassowary, recensito su questo
stesso numero: pigra, sensuale,
rosolata dal sole, persa in una
sogno soul psichedelico senza
tempo. Da parte loro, i Chicano
Batman - che sono un quartet-
to di chicanos californiani sul
serio - aggiungono un’impronta
maggiormente rock e latina, l’a-
more per i tropicalisti brasiliani
e l’ampiezza di soluzioni che
solo un lavoro di gruppo può
dare. Prodotto da un genio neo
soul come Leon Michels (Sha-
ron Jones, Lee Fields, Charles
Bradley, Menahan Street Band),
Invisible People sprizza positi-
vità e calore da ogni solco. Ele-
gante nella sua veste in bassa
fedeltà, conquista a suon di fuzz
e falsetti, linee di basso funk e
chitarre riverberate, e un mes-
saggio di fratellanza universale
mai così attuale.
ANDREA POMINI
80/100
PSYCH
PSYCH
AUNT CYNTHIA’S CABIN
MISTY WOMAN
NASONI
Esplodono con tutto il loro variopinto bagaglio
California 60’s questi tre freak di San Diego senza
orario e senza bandiera, con un debut album che
non si può ignorare. Le loro lunghe, sinuose, acide
ballate riverberate di antiche eco surf possono
essere traslate in un tempo mitico del rock’n’roll,
quando in California John Cipollina e Gary Duncan componevano
le loro prime canzoni psichedeliche. Vintage garage (Misty
Woman) e fuzz laceranti alla Blue Cheer (Rider In The Desert
Sun). Senza dimenticare l’accorato blues dei Love di Arthur Lee
(Grains Of Sand). There’s No Saving Cass poi pare una rendition
acida e devastata di un anthem folk americano come Morning
Dew. Alla fine, tutto questo gli AC’sC lo chiamano drugged-out
heavy desert blues.
80/100
A CURA DI CLAUDIO SORGE
GAUPA LORD BUFFALO
FEBERDRÖM TOHU WA BOHU
KOZMIK ARTIFACTZ BLUES FUNERAL
Gli svedesi Nebbia e misteri
Gaupa creano sui selvaggi
un proprio prog Appalachi
psichedelico americani.
avvolto da Atmospheric
effetti e doom folk
sottili arrangiamenti che propagato attraverso un
conferiscono alla loro musica ridondante e cupo battito
un alone magico. Se per la percussivo. I Lord Buffalo
splendida voce di Emma vengono da Austin, Texas (il
Näslund e, in generale, per lato oscuro di Austin) e offrono
quel luccicante barocchismo le loro canzoni come un dono
e certi crepuscolarismi tribale. Le rullano come fossero
rievocano i Curved Air di un richiamo arcano della
Sonja Kristina (Vakuum), foresta e le infarciscono di
dall’altra sono ben saldi in un fuzz. Potete pensare a un mix
hard rock blues simile a quello narcotico di Chelsea Wolfe, 16
dei Blues Pills (Alfahonan). Horsepower e Dead Meadow.
Bella promessa.
78/100
79/100
THE HEADS KUNGENS MÄN
REVERBERATIONS HÅRT SOM BEN
CARDINAL FUZZ RIOT SEASON
C’era Freak svedesi
anche Dave con tempo
Cambridge a illimitato a loro
quei rehearsals disposizione.
del 16 febbraio Freeform
2005, quando psychedelia
con un solo microfono gli diluita in spazi liquidi
Heads di Paul Allen e Simon interminabili. Nell’album
Price, cantori minori di una che segue l’acclamato Chef, i
UK psichedelia post Stooges/ Kungens Män ritornano con
Hawkwind/Spacemen 3, una serie di improvvisazioni
registrarono una copiosa che mixano etereamente
serie di brani (tra cui Quad), krautrock, meditazioni
poi finiti nei loro archivi. Ora mediorientali, tablas, synth
quei brani/impro sono stati spaziali. Un sound come se i
dissotterrati dalla Cardinal Pink Floyd avessero scritto la
Fuzz dello stesso Dave colonna sonora di Twin Peaks.
Cambridge, e l’antico furore Anche se un po’ prolisso,
riesplode! onestamente.
80/100 71/100
RUMOREMAG.COM | 67
RECENSIONI GLI ALBUM MAGGIO 2020

CHILDISH GAMBINO CODE ORANGE THE COOL DERADOORIAN

3.15.20
WOLF+ROTHSTEIN/RCA
A più di tre anni dal celebrato
Awaken, My Love! e dopo il
deflagrante impatto del singolo
This Is America (qui non conte-
nuto), Donald Glover torna con
un album quasi completamente
privo di titoli – sostituiti dalle
cifre che indicato il minutaggio
via via trascorso – e che ne rias-
sume pregi e debolezze. Affianca-
to dal fedele Ludwig Göransson
e da DJ Dahi, qui esplora con
sapienza i paradigmi musicali
di Prince (vedi 19.10), Outkast
(12.38) e Sly Stone. Perde quota
e sostanza nella dimenticabilis-
sima sezione mediana del disco,
per poi recuperare con i tre epi-
sodi finali. L’accattivante 42.26,
già nota come Feels Like Sum-
mer, il groove con cui tratteggia
la denuncia sociale di 47.48 e il
calore della conclusiva 53.49. Il
Lenny Kravitz di questa genera-
zione, mentre i veri fuoriclasse
sono altrove.
GIORGIO VALLETTA
69/100
UNDERNEATH
ROADRUNNER
Pur essendosi imposti come
una delle next big thing della
scena hardcore moderna, i Code
Orange di Underneath rivela-
no il difetto che un po’ tutte le
band di nuova generazione, non
appartenenti alla scuola “pura”,
hanno mostrato in questi ultimi
anni: l’indecisione. Troppe scel-
te musicali e troppo accavallate
l’un l’altra: ben strutturate,
ottimamente concepite, ma che
nascondono la vera identità di
una band. I Code Orange pas-
sano dal modern core al post
core, con suoni spesso vicino al
futurismo dei Meshuggah, salvo
poi aprire a melodie improvvise,
per poi tornare a riff squadrati
vicini ai primi Slipknot. Che
suonano bene, incidono, ma non
lasciano emergere la personalità
del gruppo.
MARIO RUGGERI
64/100
GREENHOUSE
THE COOL GREENHOUSE
MELODIC
Musica essenziale ed esistenzia-
le quella di Tom Greenhouse, un
Jason Williamson degli Sleaford
Mods afflitto dal suo stesso sple-
en, o che ha solo letto troppo
Sartre e Nietzsche. Con quella
chitarra crisantemo, gli inquie-
tanti rintocchi di campanaccio e
le note elementari di una tastie-
ra, Gum ipnotizza più di Giucas
Casella. Il riff acustico su cui si
trascina lenta la voce in 4Chan
è sporcato da interferenze dal
sapore analogico. Ha un che di
epifanico questo salmodiare in-
vettive sociali, umorismo british
e sentimentalismo pop su un
suono algido e ripetitivo dagli
ingranaggi Motorik. Merito dei
testi arguti di Tom, dei musicisti
di cui si è circondato e della set-
timana trascorsa a Nottingham
con Phil Booth nello studio dove
gli Sleaford Mods hanno regi-
strato Eton Alive.
MANUEL GRAZIANI
82/100
FIND THE SUN
ANTI-
Ci sarà sempre della simpatia,
a occhio e croce quella riservata
ai turnisti dei Fall, per le ex col-
laboratrici di David Longstreth,
il non proprio accomodante
fondatore dei Dirty Projectors.
E questo malgrado Angel Dera-
doorian sia scappata dal gruppo
ormai otto anni fa, imbastendo
nel mentre una carriera solista
di tutto rispetto. Oltre che im-
prevedibile persino per il gene-
re, per quanto a tirare le prime
somme certe costanti inizino ad
affiorare. I puntelli kraut a tene-
re a stecchetto materiale ben più
variopinto, ad esempio, quasi a
guardia di vocalizzi da Stereolab,
saliscendi su scale mediorientali
e strumenti che passano da flauti
a campane. Disco labirintico, ov-
viamente. Ma, ed è ormai la cifra
della sua autrice, né ridondante
né sterilizzato per compiacere
chissà quale avanguardia.
FRANCESCO VIGNANI
70/100

MADE
FROM SINS
CRISPIN GLOVER MOVING OOS
Chi ha seguito la crescita artistica esponenziale degli Spidergawd,
ha rilevato in loro un progressivo cambiamento. Una sensibilità
melodica senza pari, quella della scrittura di Per Borten, che a
poco a poco ha guidato un certo modo di suonare hard (acid)
verso un concetto di classic rock globale. Eppure, quell’approccio
melodico era quasi estraneo alle vicissitudini hard. Arrivava dal
rock americano, ma da altro ancora. La risposta è nei Moving Oos,
storicamente la band di Per Borten, dopo i Cadillac e prima degli
Spidergawd. La sua creatura più nascosta che oggi finalmente
riprende la sua storia. I Moving Oos hanno alle spalle molti album
a partire dall’inizio del nuovo secolo: dischi dalle alterne fortune,
ma con tanti spunti interessanti. Ma serviva il loro capolavoro,
che arriva oggi con Made From Sins. In cui accade di tutto. Funk
e soul si adagiano su un letto di pop rock evoluto degli anni 70
(Solidarity Union) in cui i Lynyrd Skynyrd abbracciano la Sun
Records, in cui certo rock fusion si scontra con i Fundakelic e i
Parliament, scanditi dai passaggi più funk dei Toto degli anni 70
(U.O.Me.). In cui s’intravedono bagliori di Spidergawd ma scanditi
da una coralità che appartiene di diritto all’arena rock americano:
il cuore di Two Times More sembra quello dei Grand Funk
Railroad. E quello di Made From Sins, quello dei Deep Purple di
Perfect Stranger, dei Rainbow di Difficult To Cure e della Allman
Brothers Band. E, ancora una volta, Per Borten dimostra la sua
incredibile capacità di scrivere canzoni che, pur appartenendo
culturalmente al passato, riescono a rinascere sotto la potenza dei
suoni contemporanei. La classe stilistica di Borten è francamente
stupefacente. Un meraviglioso esempio di come il rock, anche oggi,
possa essere una musica globale fatta di anima e melodia.
MARIO RUGGERI
80/100

68 | RUMOREMAG.COM

DUMAMA + KECHOU
BUFFERING JUJU
MUSHROOM HOUR HALF HOUR
Debutto sorprendente da Johan-
nesburg. Dumama è sudafricana
e alterna registri vocali con rara
naturalezza, perfetta per la sto-
ria che Buffering Juju racconta,
fra realismo magico e leggende
popolari. Kechou è algerino/
tedesco, è sceso a sud per
studiare e ci è rimasto, e fonde
tradizione (corde che sanno
di Africa del nord, percussioni
locali) e tecnologia (loop ritmici,
field recordings). Insieme, i due
creano un’atmosfera insieme
ancestrale e futurista, jazz folk
spirituale versione 2020. Otto
canzoni intricate e aperte, fatte
di melodiosi strati cantati e
groove ipnotici, e interventi
ospiti mirati: piano, trombone,
contrabbasso, i sintetizzatori e
la produzione di Dion Monti, il
clarinetto della splendida Angel
Bat Dawid nelle volute cicliche
di Uveni, lato più accessibile di
un disco che guarisce.
ANDREA POMINI
83/100
ELLIS
BORN AGAIN
FAT POSSUM
La prossima figura femminile
di cui invaghirsi a prima vista
arriva dal Canada e ha un nome
da segnare in agenda per quan-
to desueto: Linnea Siggelkow.
Più semplice da memorizzare è
lo pseudonimo che si è scelta,
Ellis, collage delle due lettere
iniziali di nome e cognome di
battesimo di cui sopra. Il suo
disco di debutto mette in risalto
una voce capace di far inna-
morare anche il più convinto
dei misogini, voce che utilizza
per costruire versi da teenager
emo a presa rapida, del tipo:
“I’m trying to remember a time
when I wasn’t sad”. Le musiche
che l’accompagnano viaggiano
su registri vagamente dream
pop con qualche impennata
che ne irrobustisce la struttura.
Tutto facile, quasi troppo.
ARTURO COMPAGNONI
68/100
WARREN ELLIS
THIS TRAIN I RIDE
INVADA
This Train I Ride si aggiunge
alle musiche per film realizzate
da Warren Ellis, qui orfano
di Nick Cave. Il musicista
australiano sonorizza un
documentario di Arno Bitschy,
incentrato su storie di donne ai
margini di un’America vissuta a
bordo di treni merci. Ispirato da
Brian Eno, che aveva viaggiato
in treno senza meta negli anni
80, Ellis registra voci e invia
spunti a Bitschy direttamente
da Eurostar e metro parigine.
I drones di This Train I Ride,
The Rules Concerning.. e I’ll
Hop Trains.., l’incalzante
quasi dub di Because I Was
A Girl, l’ambient meditativa
di Westbound, l’elettronica
fiabesca di Freight e Airport
Train e la sognante Mystery
Train rendono magistralmente
l’idea dell’impotenza umana di
fronte all’inevitabile scorrere
del tempo.
ANTONIO BRIOZZO
85/100
ROGER ENO
& BRIAN ENO
MIXING COLOURS
DEUTSCHE GRAMMOPHON
Nonostante abbiano spesso
collaborato e scritto materiale
insieme, a partire da Apollo
(1983), i fratelli Eno non aveva-
no mai inciso un album insieme.
Mixing Colours arriva dopo 15
anni di materiale accumulato e
lasciato decantare, approdan-
do alla prestigiosa Deutsche
Grammophon. Il disco è ciò che
si può immaginare possa venire
fuori dal connubio: gli asciutti
e sospesi fraseggi del piano di
Roger, all’insegna di quello che
potremmo definire una sorta
di minimalismo schubertiano,
e Brian che cuce su misura in-
torno alle note una ragnatela di
echi, riverberi, permutazioni, di-
storsioni amniotiche e fantasmi
di orchestre sintetiche. Con una
Desert Sand che fa convivere
l’Aphex Twin di SAW2 con rare-
fazioni modern classical.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
75/100
CONFINI
CONFINI
STEPHEN O’MALLEY
AUFLÖSUNG DER ZEIT
EDITIONS MEGO
La sensazione è che Stephen O’Malley sia tra i più
geniali musicisti degli ultimi 20 anni. Nel mezzo di
una sterminata produzione, si colloca Auflösung
Der Zeit, performance eseguita dal vivo a Parigi
nel 2018, animata da Iancu Dumitrescu, e nata
sulle pagine di The Guidebook Of Church Burners,
un libro sull’iconografia e la storia del black metal. Il leader dei
Sunn 0))) parte da qui, esplorando la musica a lui più cara attra-
verso un suono tentacolare e obliquo tra medie e basse frequenze.
Prende forma un unico e spettrale rituale chitarristico di 45 mi-
nuti, al limite tra dilatazione e claustrofobica potenza. La visione
evocata, indissociabile dall’ascolto, è forse il lato migliore di ADZ:
una misteriosa creatura possibile da incontrare al fondo di un
oceano o di una grotta oscura.
78/100
A CURA DI ANTONIO BRIOZZO
THE ALVARET
ENSEMBLE MICHAEL VALLERA
EA WINDOW IN
LAAPS DENOVALI
Haines (piano- Window In,
forte), Jan Kle- terzo album di
efstra (voce), Michael Val-
Romke Kleef- lera, dopo All
stra (chitarra, Perfect Days
basso, effetti) (2018) e Vivid
e Sytze Pruiksma (percussio- Flu (2017), si articola in quat-
ni) costituiscono The Alvaret tro lente e rarefatte tracce, ot-
Ensemble, con Olga Wojcie- tenute da basi di chitarra elet-
chowska (viola) e Joana Guer- trica prima manipolata, per
ra (violoncello) in aggiunta. cancellarne il suono iniziale, e
Ea, registrato in tre notti in quindi campionata. Il suono,
una chiesetta nei Paesi Bassi, mai banale, è dilatato, quasi
è il loro terzo album. L’habitat immobile, privo di sussulti e
perfetto per l’ascolto è l’inver- progressivamente sempre più
no: spoken word in apnea su denso. L’album della maturità
introspettivo minimalismo. per il chitarrista di Chicago.
78/100 75/100
LAVORAZIONI
CARNI ROSSE JACASZEK
GIANO MUSIC FOR FILM
ARTISTI DEL 900 GHOSTLY INTERNATIONAL
Tiziano Doria Michal Ja-
(suoni, rumori), caszek è un
compositore
Sergio Monte-
polacco, con 20
magno (trom-
ba), Andrea anni di carriera
Reali (voce, alle spalle, la
distorsioni), Paolo Romano cui musica ha sempre avuto
(contrabbasso) sembrano la peculiarità di essere spon-
catapultati sulla Terra da un taneamente cinematografica.
altro pianeta. Giano, il secon- Music For Film nasce, in dieci
do album di Lavorazioni Carni anni di registrazioni, per un
Rosse, esce da un bosco ani- oscuro film fantasy sull’amore,
mato, solo di notte, da esseri ambientato in Estonia. Non
deformi o da un fumoso night ci sono colori, ma intense
nel quale si intravedono grot- pennellate di toni scuri per
tesche ballerine. I LCR sono un malinconico incontro tra
sordida, distorta e visionaria neoclassicismo, elettronica e
improvvisazione. minimalismo.
82/100 80/100
RUMOREMAG.COM | 69
HIP HOP

HIP HOP

FOUR TET GAYTHEIST

SIXTEEN OCEANS HOW LONG HAVE I BEEN ON FIRE
TEXT HEX
BADGE AND TALKALOT
FRAGMENTS OF THE SOUL Potrebbe sembrare una con- Se l’ultimo Let’s Jam Again
ROPEADOPE traddizione, ma è attraverso la Soon, si poteva definire un
Dietro al nome anglofono, che rimanda al De crescente fascinazione per le album a metà fra il noise e il post
Niro de Gli Intoccabili, c’è l’italiano Gilberto atmosfere ambient che Kieran hardcore, in questo nuovo capi-
Caleffi, attivo dal 2009 con questo pseudonimo. Hebden ha trovato la chiave per tolo si inserisce una componente
Le chiacchiere stanno a zero, mentre il distintivo è innovare ulteriormente il suo melodica più marcata, senza
fatto di classe e soul. Tanto soul. Il progetto, inutile suono elettronico, accentuando- perdere la schizofrenia che li ha
girarci attorno, guarda al mercato internazionale ne la profondità ma senza rinun- sempre contraddistinti. Jason
più che a quello domestico: i pezzi sono tutti in inglese, ma data ciare a renderlo ballabile. Ancor Rivera infatti abbandona quasi
la qualità degli attori coinvolti è davvero difficile lamentarsene. più che nel precedente New del tutto la componente scream,
Menzione speciale, inevitabile, per la bravissima Georgia Ann Energy, e in maniera convincen- mantenendo la sua vocalità sui
Muldrow, che non a caso compare in due episodi, The Situation, te sia nei singoli uptempo quali registri alti: questo però non li
funkeggiante e solare, e Showdown, più intima. Il rap di One School e Baby che negli episodi rende più “commerciali”, anzi,
Nation, gli echi da club evaporato di The Wire, il groove di Can’t relativamente più rilassati come li fa sembrare ancora più insen-
Find Your Love, il gospel della conclusiva Giving Up Your Ghost: quella Teenage Birdsong che sati. Possono sembrare sempre
ecco i frammenti dell’anima. Eterogeneo ma coeso. sottolinea lo spirito naturalistico i soliti Gaytheist a un orecchio
80/100 del disco. Spirito che diviene distratto, ma ascoltando con
letteralmente contemplativo attenzione si nota un’apertura
A CURA DI DAVIDE AGAZZI nella sequenza finale che culmi- inedita verso altri generi. Questo
na nei ricordi di Mama Teaches nuovo album potrebbe essere
Sanskrit, in una successione un antipasto dei Gaytheist che
CHINESE MAN SWED disegnata quasi come per una verranno, una maturazione per
GROOVE SESSIONS VOL. 5 BORDER WALL sala chillout da ore piccolissime. i prossimi dieci anni di carriera;
CHINESE MAN DO YOUR THANG Di quelle che appartengono a o forse è solo un modo per pren-
Dal 2004, anno Se Guru ai un’epoca ormai remota. derci in giro, cosa che fanno dal
di uscita del tempi di Ja- GIORGIO VALLETTA 2011 con ottimi risultati.
primo vinile, zzmatazz, 80/100 LUCA DOLDI
a oggi, sono fusione tra 78/100
cambiate molte jazz e rap fatta
cose: il collet- con campioni
tivo francese Chinese Man e strumenti suonati, si fosse
è diventato una potenza di preso un acido andato a male,
fuoco, un cannone di groove avrebbe probabilmente fatto
che spara scratch, rime multi- un disco così. Assolutamente
lingue e grasse linee di basso. lo-fi, è una piccola perla per
Questo quinto volume funge le cuffie, lontanissima dai
da vetrina per fare il punto moderni cliché rappusi. La
della situazione, mettendo in voce storta e pitchata di Swed GEEZER GHOSTPOET
mostra ultimi arrivati (Asm, è accompagnata da Penny GROOVY I GROW TIRED BUT DARE
Baja Frequencia) e volti noti (Damn Bro) e il Danno (Gang HEAVY PSYCH SOUNDS NOT FALL ASLEEP
(Scratch Bandits, Taiwan Mc). Lord) negli episodi migliori PIAS
70/100 del lavoro. Trio biker rock blues – sono
77/100 queste le origini – in mutazione. “Abbiamo infinite possibilità di
Veterani che hanno assorbito scelta ma sembriamo pietrificati,
nel loro dna gli Stones e il blues congelati, condannati ad affron-
KNXWLEDGE ENEMY RADIO e, dopo anni di militanza un- tare la tempesta che si sta avvi-
1988 LOUD IS NOT ENOUGH derground, stanno lentamente cinando”, dice Obaro Ejimiwe
STONES THROW SPITSLAM cambiando il loro stile. Groovy, parlando del suo quinto album.
il titolo del nuovo album su HPS, Forse non si riferiva esattamen-
Voci improba- Il presunto
dice tutto. Un uso pluridecenna- te a questo, ma sono parole che
bili, frammenti scazzo tra
le di erba ha inoltre contribuito risuonano comunque, e danno
di jazz, soul Chuck D e Fla-
scaduto, rap vor Flav, un’im- a diluire aggressività e conci- il senso di quanto conti il senso
da basement di probabile quan- tazione. E ora i loro riff sono nel lavoro del produttore e vo-
chi vive ancora to irrealistica qualcosa di molto più rilassato calist londinese. Ogni pezzo è
con la mamma. Tutto questo e mossa di marketing, rischia di e, appunto, groovy, e spesso si una riflessione sugli scenari cupi
molto altro compongono l’u- diventare un boomerang, ed è scivola verso una sorta di space del presente, sempre lucida e
niverso sonoro di Knxwledge, un peccato, perché si tratta del jam (Slide Mountain). Sentite realista. Il problema, semmai,
infaticabile e richiestissimo miglior disco realizzato dalla brani come Atlas Electra, la title è che per vivere non scrive libri
produttore, già visto al fianco band da anni a questa parte. track e Awake. Dall’altro lato di poesie o saggi, ma fa dischi.
di big come Kendrick Lamar e Le produzioni rimandano agli ci sono anche arrangiamenti E seppure abbia trovato una
Anderson Paak (nel progetto esordi incendiari degli anni un po’ sintetici (anni 80?) che sintesi bella e personale fra post
condiviso NxWorries). Diffi- 80, e anche se il mercato e la pur non “rovinando” la purezza punk, trip hop e canzone d’au-
cile trovare un miglior alfiere scena vanno in altre direzioni, rock blues, ne sciupano un po’ tore (Nowhere To Hide Now ad
per rappresentare il sound è bello vederli nuovamente l’impatto (vedi la stessa Awake). esempio è notevole), il cantato/
della Stones Throw. così in forma. Come dicono loro stessi: heavy, recitato suona piatto e annoiato
75/100 72/100 trippy and groovy. più che solenne, e ascoltare un
CLAUDIO SORGE suo disco dall’inizio alla fine la-
73/100 scia esausti.
ANDREA POMINI
70 | RUMOREMAG.COM 65/100
RECENSIONI GLI ALBUM MAGGIO 2020

GODEN HORISONT HUMAN IMPACT THE JACK CADES

BEYOND DARKNESS SUDDEN DEATH HUMAN IMPACT PERFECT VIEW
SVART CENTURY MEDIA IPECAC BICKERTON

Si riaffaccia ai portali di un me-
tal cosmico Stephen Flams, fon-
datore dei cataclismici Winter,
autori del tonitruante Into The
Darkness (1990). La sua iden-
tità è ora quella di Spacewinds,
alla guida del nuovo progetto:
Goden. Del nebbioso passato
rimangono quei riff doom ra-
refatti e liturgici, al liminare di
una collisione con una visione
dark/space. Cambia il contesto:
dal cupo death hardcore, simile
a quello di band come gli Obi-
tuary, si avanza verso una più
vasta costellazione space prog.
Vedi il maestoso scenario con
cui si apre l’album: Glowing
Red Sun. Sospeso e intervallato
da brevi racconti sci-fi dark,
Beyond Darkness è un viaggio
negli anfratti più inaccessibili
di mondi ultraterreni dark/de-
ath prog. Anche se non sempre
così agevole da seguire per via
di una certa rigida monoliticità.
CLAUDIO SORGE
76/100
Non ci sono molti gruppi che,
nell’arco di sei album, facendo
più o meno sempre la stessa
cosa, riescono a migliorarsi; e
sembra sempre che sia l’ultimo
l’album il più riuscito ma poi ne
esce un altro e ti accorgi che ha
qualcosa in più. Il beatlesismo
anni 70 (Badfinger etc.), che
potremmo tradurre con melodie
pop un po’ zuccherose, per lo più
squadernate da un piano (Revo-
lution, Gra Dagar) è solo una
delle influenze degli Horisont
di Sudden Death. Free Riding e
Runaway vivono di sciabolate
rock alla Who ’70, in un con-
testo neo prog elaborato, ma
dinamico. E se Pushin The Line
è una Detroit hard ballad alla
Hellacopters, Archaeopter è una
sinfonia pomp prog dai tratti
barocchi, ma fatta bene, anzi
benissimo, con un appeal rock e
persino qualcosa di innovativo.
CLAUDIO SORGE
81/100
Nell’incestuosa famiglia del noise
rock newyorkese sono frequenti
i rimescolamenti di band, le col-
laborazioni incrociate. Certo ha
fatto brillare gli occhi a molti fan
del genere la notizia, nell’agosto
del 2019, della nascita di un
supergruppo composto da Chris
Spencer (Unsane, UXO), Chris
Pravdica (Swans, Flux Infor-
mation Sciences), Jim Coleman
(Cop Shoot Cop, Phylr) e Phil
Puleo (Cop Shoot Cop, Swans).
Le dieci canzoni sono la crasi per-
fetta tra gli apporti musicali dei
quattro: il noise rock della bruta-
lità urbana degli Unsane, quello
tribale e sardonico dei Cop Shoot
Cop, quello ostinato e violento
degli Swans. E l’amore per certa
wave inglese (Joy Division, Gang
Of Four, Killing Joke) traspare
negli arrangiamenti di Coleman,
vero protagonista dell’operazio-
ne, maestro del sampling.
ANDREA PREVIGNANO
85/100
Vecchie conoscenze, i Jack
Cades (c’è Mole, che suona
anche con gli Embrooks).
Flemmatici e stilosi inglesi, po-
trebbero fare da modelli per un
happening di Mary Quant del
1965, se avessimo una macchina
del tempo che funziona. Giunti
al secondo album, definiscono
meglio la loro personalità e il
loro stile. Sì, questi di Perfect
View possono essere solo i Jack
Cades. Su una base 60’s pop,
hanno creato un groovin’ sound
affilato e dinamico, a tratti
persino ipnotico, con lontane
influenze di Flamin’ Groovies
(Where To Go) e San Franci-
scan jangle folk; e, come per i
Groovies, in certe armonie si
sente forte l’impronta di quei
ragazzini che si chiamavano
Beatles (Mrs Voyant è puro
Rubber Soul). Jangly garage,
potremmo sintetizzare.
CLAUDIO SORGE
78/100

EINSTÜRZENDE
NEUBAUTEN ALLES IN ALLEM
POTOMAK

Nell’essenza, Alles In Allem fotografa una formazione che in 40
anni non ha mai spento o esaurito il suo spirito propulsivo di
ricerca. Perpetuum Mobile che oltre ad accogliere e progredire
tout court il panorama eclettico del loro percorso estetico,
quella tensione interiore e culturale che li ha condotti a varcare
sia i confini dell’estrema decostruzione (leggi rumore, tracollo
emotivo/lirico/simbolico, nella dadamorfosi del suono) sia
quelli della ricostruzione e dell’abbraccio (leggi melodia, nelle
sue forme più aggraziate e sinuose, se non addirittura cageiane
nell’esaltazione erotica del silenzio); diviene paradossalmente
nuovo specchio analitico della vecchia Europa e del suo centro:
Berlino. I tempi, intendiamoci, sono totalmente diversi da quelli
post caduta del muro di Tabula Rasa o dalle effusioni (techno)
grafiche di Ende Neu, ma l’attitudine, o forse la necessità dei
ricorsi esperienziali e storici, ne colgono ulteriori segni formali:
le corrosioni foniche di Zivilisatorisches Missgeschick, l’eleganza
wave/kraut di Möbliertes Lied, l’eco teatral nipponico (come in un
ritratto neo Halber Mensch) della sinfonica Taschen, l’andatura
melancolica e brechtiana della title track, le escursioni pop di
Wedding e Seven Screws, il lucido minimalismo d’avanguardia
di Tempelhof. Ecco, questi graffiti sono anzitutto affermazioni
attitudinali e spirituali, di cui la Musik è medium (in alternativa
non ci sarebbe mai stato un Lament o un Die Hamletmaschine
col compianto Müller). Crediamo che l’invito “politico” di Blixa
e soci sia quello di attuare, nell’odierna culla del continente, lo
scatto sociale non agito nel post ‘89. “Tutto Sommato”, per dirla
nuovamente con Brecht, “l’arte è un martello con cui dare forma
alla realtà”. Si Takka Lumi, quindi.
STEFANO MORELLI
85/100
RUMOREMAG.COM | 71
METAL

METAL

THOMAS V JÄGER JAY ELECTRONICA

A SOLITARY PLAN A WRITTEN TESTIMONY
RIDING EASY ROC NATION
TRIPTYKON
REQUIEM L’energia emozionale trattenuta, Ormai 43enne, a più di un decen-
CENTURY MEDIA fors’anche imprigionata, nelle nio dal primo mixtape pubblica-
Un cerchio che si chiude 30 anni dopo la sua na- monolitiche ripetizioni dei Mo- to, il produttore/rapper di New
scita: Tom Gabriel Warrior lavorava a Requiem, nolord, sfonda le barriere ed esce Orleans è finalmente giunto al
requiem metal, già all’epoca dei Celtic Frost. La copiosa in questo lavoro acustico sospirato album di debutto. Non
conclude con i Triptykon e la celebra al Roadburn del solista Thomas Jäger. Le il capolavoro che si sperava, ma
Festival, la culla delle sperimentazioni estreme. sue sono liquide e nude ballate all’altezza della reputazione e del
Un’esecuzione affascinante supportata dalla Me- acustiche irradiate di un’arcana carisma del personaggio, che in
tropol Orkestra. Un’opera metal fatta di tutta la materia oscura dolcezza cosmica. Permeate di questi anni ha centellinato sin-
che da sempre nutre la musica di Tom G. Warrior. Un’opera cre- una nostalgia 60’s, diciamo anche goli, mixtape e rare ospitate. Ad
dibile, densissima e meravigliosamente gotica. 30 anni di attesa psichedelica, vedi certe sottoli- affiancarlo quasi ovunque – seb-
abbondantemente ripagati. neature space/synth (Creatures bene non accreditato – è il suo
85/100 Of The Deep). L’impianto delle discografico Jay-Z: più efficace
canzoni è classico. The Drone, nell’arte del rap, ma ciò che pre-
a dispetto del titolo, parrebbe vale e fa la differenza è il gusto
uscita da una session fine ‘60 dei del (controverso?) discepolo
Beatles o, se volete, da una ispira- della Nation Of Islam. Capace di
zione isolata di George Harrison. mantenere un’invidiabile coeren-
A CURA DI MARIO RUGGERI La luce solare della title track è za mentre campiona Fripp & Eno
l’apertura a una nuova vita. So- oppure Rihanna, e di collaborare
BLUE ÖYSTER CULT prattutto nello struggente finale con Travis Scott come con James
AGENTS OF FORTUNE KHYMERA di The Bitter End, in cui Jäger Blake. E di trasformare la cita-
40th ANNIVERSARY MASTER OF ILLUSION squaderna tutti i suoi rimpianti e zione progressive dell’argentino
FRONTIERS FRONTIERS
la sua solitudine. Litto Nebbia nel perno della ma-
La formazione Nati come so- CLAUDIO SORGE gnifica The Neverending Story.
classica dei Blue dalizio tra Steve 80/100 GIORGIO VALLETTA
Öyster Cult an- Walsh dei Kan- 79/100
cora in attività, sans e Dennis
si riunisce per Ward dei Pink
celebrare uno Cream 69, oggi
dei capolavori della storia i Khymera sono la creatura di
dell’hard rock: il loro Agents Ward nonché uno dei migliori
Of Fortune. 40 anni dopo la gruppi di hard melodico anni
sua uscita, sicuramente perde 80 in circolazione. Ricordano
di tensione ma non di fascino. molto da vicino alcune cose
È un rito commemorativo e dei King Kobra. Molto bravi e
per tale va preso. convincenti.
68/100 78/100 JOAN AS POLICE DAMIEN JURADO
WOMAN WHAT’S NEW, TOMBOY?
COVER TWO LOOSE
SWEET POLICE
Non è affatto un brutto disco,
A distanza di dieci anni da il nuovo di Damien Jurado.
Cover, la cantautrice di Bro- Ma va detto: col senno di poi,
oklyn seleziona dieci nuovi brani e senza sminuire un talento
di altrettanti artisti reinterpre- comunque innegabile, ciò che
REVOLUTION SAINTS BONFIRE
RISE FISTFUL OF FIRE tandoli con il suo tocco raffinato più ci ha incantato nei suoi 25
FRONTIERS AFM e sorprendente. Nonostante le anni di carriera è stata una fase.
differenze stilistiche tra i vari Un’anomalia, un momento di
In ambito hard Per anni i
pezzi, Joan ne rilegge comple- miracolosa comunione con un
rock melodico, Bonfire furono
tamente l’essenza armonizzan- fuoriclasse, durato sei anni e
obbligatorio visti come gli
doli con il suo personale filtro purtroppo finito per sempre.
il passaggio eredi degli
con il nuovo Scorpions emotivo. Gli strumenti classici Perché Richard Swift - molto
album dei nonostante si sposano così con effetti e più che un produttore per Saint
Revolution Saints, trio di una più marcata inclinazione strumenti elettronici dando vita Bartlett e la successiva “trilogia
leggende (Jack Blades, Deen verso le melodie dokkeniane. a rielaborazioni imprevedibili, di Maraqopa”) - è morto nel
Castronovo e Dough Alrdrich). Gruppo di grandi doti, torna che spesso stravolgono gli ori- 2018, e l’uomo di Seattle pare
La loro storia di musicisti con un album che è l’insieme ginali – si pensi alla stupenda tornato a qualcosa di più nor-
ha portato l’hard rock sulle di Judas Priest, Scorpions, versione di Spread degli Outkast male. Alle sue canzoni intime
spalle per almeno 30 anni, Accept e, appunto, Dokken. con la collaborazione di Meshell e familiari, qui più riuscite e
e il risultato è tutto in una Epico il giusto, roccioso a Ndegeocello, all’intensa e oscura coinvolgenti rispetto a quelle
perfetta combinazione di riff e oltranza, un ottimo rientro! Out Of Time dei Blur o al blues del precedente The Horizon
melodie. 79/100 psichedelico di On The Beach Just Laughed, primo dell’era
85/100 di Neil Young – e altre volte ri- post Swift. Perlopiù acustiche
spettano la forma originale pur e con un basso molto presente,
rilucidandone gli arrangiamenti, profondo e quasi solista, con
come nel caso di Life’s What You sprazzi di quel suono psichede-
Make It dei Talk Talk. lico e cangiante.
DORIANA TOZZI ANDREA POMINI
72 | RUMOREMAG.COM 84/100 75/100
RECENSIONI GLI ALBUM MAGGIO 2020
KOOL KEITH X THETAN
SPACE GORETEX
ANTI-CORPORATE MUSIC
Kool Keith non si ferma più:
questo è il suo quarto album
pubblicato in nove mesi! Stavol-
ta però c’è un valore aggiunto
non da poco: il disco è firmato
anche dai Thetan, duo metal
punk hardcore di Nashville. In
ogni caso, il suono, per quanto
oscuro, è abbastanza scarno e
quasi mai pestato, con un predo-
minio di basso e batteria mentre
synth e theremin definiscono le
sfumature. In questo scenario,
il flow riconoscibile di Keith si
evolve sfoggiando una grande
esperienza. A condire tutto ci
sono gli ospiti più vicini all’am-
biente dei Thetan che non passa-
no inosservati, come Blag Dahlia
(Dwarves) o Casey Orr (Gwar,
X-Cops) nei panni di Sheriff
Tubb Tucker. Ma questi incroci
tra mondi e immaginari distanti
non entrano mai realmente in
un fruttuoso conflitto e questo
sembra il difetto del disco.
LUCA GRICINELLA
63/100
MALAKOFF KOWALSKI
ONOMATOPOETIKA
MPS
“Al piano trovo il modo di dire
cose per le quali non ci sono pa-
role”, afferma lo stesso Kowal-
ski. Infatti nello stile classico
infiammato dalla libertà del jazz
che il compositore di origini
persiane sfoggia in questo suo
sesto episodio solista su lunga
distanza si disegnano scenari in-
trospettivi che, rievocando Erik
Satie, Sibelius, Grieg, Skrjabin e
momenti nostalgici vicini a Cho-
pin, sono in grado di esprimere
concetti astratti che solo con il
linguaggio della musica e l’en-
fasi del pianoforte è possibile
trasmettere. Tra le dieci tracce
di questo lavoro, prodotto da
Chilly Gonzales e Nils Frahm,
il poeta degli 88 tasti suggeri-
sce emozioni contrastanti che
vogliono imitare, con questa
“onomatopea poetica” di note, le
diverse esperienze emotive che
caratterizzano la complessità
interiore degli esseri umani.
DORIANA TOZZI
77/100
KING BUZZO WITH
TREVOR DUNN
GIFT OF SACRIFICE
IPECAC
Amici fraterni e tra i più grandi
sperimentatori di un metal i cui
confini hanno contribuito ad
ampliare (e forse distruggere),
King Buzzo e Trevor Dunn si
ritrovano per celebrare il secondo
album solista del leader e
fondatore dei Melvins. Un disco,
non è una sorpresa, che torna
alle radici del blues. Perché se il
metal nasce dal blues (e questo è
un assunto storico) King Buzzo lo
rilegge a suo modo, sintetizzando
un percorso di evoluzione
musicale lungo almeno 25 anni.
Suoni acustici scarni, essenziali,
stridenti, sui quali appoggia tutta
la malinconia del post grunge,
arrivando a scrivere qualcosa di
molti vicino agli Alice In Chains
di Jar Of Flies, ma approfonditi
dall’esperienza di Lanegan
(Whiskey For The Holy Ghost) e
dall’oscurità dei Melvins.
MARIO RUGGERI
71/100
CALEB LANDRY JONES
THE MOTHER STONE
SACRED BONES
Da Cronenberg ai fratelli Coen,
fino a Jim Jarmusch, Caleb
Landry Jones ha lavorato in
passato come attore con alcuni
tra più noti registi americani.
Ed è stato proprio Jarmusch
che lo ha indirizzato alla Sacred
Bones, per la quale lui stesso
aveva inciso alcune cose. Non
poteva credere alle sue orecchie,
Jim, quando Caleb gli ha fatto
ascoltare le sue canzoni, compo-
ste e messe da parte nell’arco di
una decina d’anni. The Mother
Stone è una raccolta di sogni
bizzarri, un teatro di strada
glam psichedelico fatto di pas-
saggi repentini e capricciosi:
musical newyorchesi 70’s, fan-
fare spanish pop, zuccherosi e
psichedelici Beatles. Il tutto im-
merso in un clima pomposo, si-
nistro e caramelloso alla Lemon
Twigs, con un gusto per la suite.
Un po’ troppo di tutto, forse. Ma
assolutamente delizioso.
CLAUDIO SORGE
78/100
INDUSTRIALE
INDUSTRIALE
VANESSA SKANTZE
WRITHING TREASURE FEAST
SCRY RECORDINGS
Parafrasando Jodorowsky potremmo parlare di
psicomagia rituale in veste organico naturalista.
Aspetto affine al corredo biografico di Vanessa
Skantze, danzatrice Butoh e insegnante di Yoga
nonché cofondatrice, in quel di Seattle, del Teatro
de la Psychomachia. Qui è il sonus della natura a
imporsi, nel suo spazio, nel suo respiro, nel suo grido, intervallato
con abile riguardo ritmico da canti e intrecci sonori minimalisti.
Il fine della danza è ricondurre al centro del vortice la spiritualità
e la tradizioni delle culture americane originarie, schiacciate dalla
grettezza bianca. Una messa del principio, che riserva codici co-
muni con le lamentazioni radicali di Diamanda Galás (Vena Cava
e Schrei X), il dodecafonico di Ligeti, e le sperimentazioni ambient
post industriali di Jarboe, Brian Williams e Z’EV.
87/100
A CURA DI STEFANO MORELLI
FM EINHEIT/
ANDREAS AMMER KHOST
HAMMERSCHLAG BURIED STEEL
COLD SPRING COLD SPRING
Rilettura di un Una colata al-
punto di par- gida e urticante
tenza, connesso allo stesso
al concetto di tempo, figlia
suono/parola, delle cadenze
alla sua deco- oppressive
struzione, e basato sulle teorie del death doom e delle clau-
del futurista russo Aleksej strofobie semantiche tipiche
Kapitonovič Gastev. Presen- del post industrial. Tra i
tato in anteprima al Diaghilev protagonisti: Damian Bennet
Festival di Perm lo scorso dei Techno Animal, Stephen
anno, l’opera incarna il senso Mallinder dei Cabaret Voltai-
del tema concreto/materico/ re e l’incubo post atomico di
meccanico propugnato dalla una torva marcia technoide.
continuità industriale. Certe Immaginate l’incontro tra
propaggini del post punk sono Evoken, Neurosis, primi TON
state, nei fatti, confini estremi e lo spiritual black sezionato
dell’avanguardia post dada. in matrici industriali.
86/100 85/100
NERATERRÆ NEW RISEN THRONE
SCENES FROM THE SUBLIME THE OUTSIDE
CYCLIC LAW CYCLIC LAW
Due istanze Prosegue la
permangono narrazione
distopica e
centrali nella
postapocalit-
cattedrale
di Antoni: la tica di Stielh,
capacità di giunta qui al
cooperare con sodali del pa- suo quarto episodio. Dopo
norama ambient industriale secoli di isolamento, gli umani
odierno, da un lato, e dall’altro sopravvissuti escono alla ri-
il concepire la sutura sonora cerca delle cause del crollo e
come viaggio e rivelazione nel rintracciano all’esterno nuove
simbolo (delineando una tra- forme di vita. Se l’incipit fa un
smutazione del codice Raison po’ Mad Max condito alla The
D’Ètre). Il sublime come arte Day After, il coronamento am-
radicale, come orizzonte os- bient/death industriale regala
servabile ma non raggiungibi- un valevole e raggelante esem-
le. Tra i pittori di riferimento pio di cinematica del giudizio
troviamo Bosch, Dalì, Goya, finale. Non finiremo mai di
Böcklin, Füssli e Bekinski. ringraziare Dick e Burroughs.
86/100 76/100
RUMOREMAG.COM | 73
BEATS

BEATS

MARK LANEGAN HAMILTON LEITHAUSER

STRAIGHT SONGS OF SORROW THE LOVES OF YOUR LIFE
HEAVENLY GLASSNOTE
DAVE + SAM
NO SHADE I soliti sospetti ci sono tutti: il Con i Walkmen in pausa indefi-
CLASSIC consueto esercito di ospiti, versi nita dal 2014, Hamilton Leithau-
Difficile definirli secondo le consuete categorie, e come “la morte è il mio destino” ser è giunge al secondo album
il loro nome d’arte sembra canzonare quello scelto o “chiamate un dottore, sto mo- solista, dopo un esordio nel
sei decenni fa dallo storico duo di Soul Man. Di rendo” e un titolo che chissà se 2014 (Black Hours) e due dischi
soul qui ce n’è pure, ma combinato a rap, funk e prevede dell’ironia. Logico forse, collaborativi: con il compagno
groove in quattro quarti, con un’attitudine ecletti- essendo il disco il compendio di band Paul Maroon e con l’ex
ca che il vocalist Dave Giles II e il produttore Sam dell’autobiografia di Lanegan. Vampire Weekend Rostam Bat-
O.B. hanno sviluppato in quel di Brooklyn. Nei 13 episodi di No Da cui questo ci si attende, in manglij. Leithauser suona quasi
Shade convivono lo spirito della house di Chicago - non a caso è fondo: solo che se ormai i suoi tutto quello che può. Passa dalle
stato il veterano Derrick Carter a scritturarli per la sua etichetta album si pesano in base a quan- finiture vocali profonde di Tom
-, l’acume di rime ispirate dalla realtà contemporanea quanto da to aggiunto al ricco catalogo, Waits fino alle declinazioni baro-
maestri come Mos Def, ingredienti afro (Sauce) e un manifesto poco sarà il raccolto da queste que folk con trame più orchestra-
contro le diseguaglianze quale Facts. Fra gli ospiti, una leggenda canzoni di dolore. Inizio e fine, te, che sembrano piene di gente
vivente dell’universo house qual è Mike Dunn. magari, dove personaggio e e di vita (Til Your Ship Come In).
80/100 drammaticità rimano con lucidi- Ogni canzone è una persona, in
tà. È quanto in mezzo (neanche alcuni casi conosciuta, in altri
poco, sforando il disco l’ora) a sconosciuta. È un disco libero,
A CURA DI GIORGIO VALLETTA suonare semmai raffazzonato, dove il meglio fuoriesce senza
persino vocalmente svogliato. forzature. Isabella, ad esempio,
Forse per la prima volta e so- parla di una ragazza i cui genitori
DEMUJA MR. SCRUFF prattutto in ballate sempre più ne impediscono la crescita. Sto-
ATLANTIC AVENUE DJ KICKS uguali, con un pezzo come Ske- rie, nulla di più, ma Hamilton è
MUJA S!K7 leton Key a impuntarsi su troppi un eccellente narratore, ed è li la
Fra i produttori Il proverbiale cliché da oligarca del dolore per differenza con gli altri.
europei più gusto del suonare credibile. NICHOLAS DAVID ALTEA
prolifici (una mancuniano FRANCESCO VIGNANI 77/100
quindicina di Andrew Carthy 65/100
EP solo negli - la cui carriera
ultimi tre anni) è ormai quasi
e versatili in circolazione, l’au- trentennale - garantisce
striaco amplia lo spettro stili- l’alto livello lungo tutte le 31
stico nel secondo album, che selezioni che compongono
abbraccia tutto ciò che va dalla questo viaggio fra dancehall
house al breakbeat, dal funk reggae, afro, soul, jazz e
al drum’n’bass. La passione breaks, attraverso scelte
per gli anni 90 è forse troppo ricercate (Equiknoxx, DJ
marcata e mancano riferimen- Nervoso, Emilio Santiago, MAGDALENA BAY THE MAGNETIC FIELDS
ti al mondo sonoro odierno, Fats Comet, fino al folle A LITTLE RHYTHM AND QUICKIES
ma comunque il disco scorre Errorsmith di My Party) e con A WICKED FEELING NONESUCH
piacevolmente. lo scintillante inedito 3001: A LUMINELLE

67/100 Space Disco Remix. Che cosa si sarà inventato

80/100 Il gioco impostato da Mica Stephin Merritt questa volta?
Tenenbaum (autrice e voce) Per essere uno che ha sempre
e Matthew Lewin (ai cori e considerato il pop un gigantesco
AA.VV. alla produzione) può apparire campo da gioco dove perfezio-
SPACE GHOST SHOUTS: 5 YEARS OF RHYTHM
inizialmente poco più di uno
FREE 2 B SECTION INTL
nare brillanti esercizi di stile
APRON RHYTHM SECTION scherzo gustoso. Provare a (69 variazioni sulla canzone
interpretare i principi del pop d’amore, una autobiografia in 50
Dopo i due Fra le realtà
mainstream senza avere né brani, uno per ogni anno di vita),
riusciti album più attendibili
fisico né mezzi a disposizione, a questo giro se la cava con poco:
per la Tartelet nel documen-
rischiando come referenze Bri- 28 sveltine che vanno dai 13 se-
- Endless Light tare ciò che di
tney Spears o Gwen Stefani. In condi a poco più di due minuti,
e Aquarium buono si muove
Nightclub, fra nei sotterra- realtà, il duo di Miami muove con testi lunghi un paio di strofe
electro boogie e deep house -, nei, senza mai confinarsi a da quegli stessi principi cari scritti su minuscoli quaderni.
in questo lavoro interlocuto- uno stile musicale, l’etichetta alla PC music, nel rimescolare il Essendo un genio, ne esce come
rio e poco oltre la mezz’ora il fondata dal DJ Bradley Zero passato per proiettare il futuro. sempre trionfante: i complici
produttore di Oakland si con- sulla scia dell’omonimo show Creando un arcobaleno pop sono più o meno i soliti, a volte
cede qualche escursione verso radiofonico celebra i suoi che s’alimenta di un approccio basta un ukulele e poco altro, le
l’R&B più sofisticato. Così in cinque anni di attività assem- produttivo fresco e intrigante, intuizioni memorabili non man-
Prayer For U e Feelin’ Real blando 36 brani inediti. Fra i senza temere il confronto con cano (per dire: “siamo come i
Good), mentre l’inaugurale contributi di spicco, quelli di pesi massimi più attrezzati. Kraftwerk durante un blackout,
Juno Fantasy propone sugge- Neue Grafik ed Emma-Jean L’entusiasmo vitaminico di non andiamo da nessuna parte
stioni altrettanto “leccate” ma Thackray e di promesse come Charli XCX e Carly Rae Jepsen come l’Enterprise senza Sulu”),
ancor più eteree. l’etiope/statunitense Dawit. non è così lontano. Il micidiale le melodie fuoriescono con irri-
78/100 79/100 richiamo bubble gum dell’autoi- tante facilità. Tocca arrendersi
ronica How To Get Physical e la anche questa volta.
maturità della ballata Airplane, ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
autocertificazioni di stile. 80/100
74 | RUMOREMAG.COM MAURO FENOGLIO
74/100
RECENSIONI GLI ALBUM MAGGIO 2020

LAURA MARLING SCOTT MATTHEW BLAKE MILLS NAZAR

SONG FOR OUR DAUGHTER ADORNED MUTABLE SET GUERRILLA
CHRYSALIS GLITTERHOUSE NEW DEAL HYPERDUB

Servissero altri motivi per stare
nella squadra della reginetta del
folk britannico, l’idea di antici-
pare (e non l’opposto) l’uscita
del suo settimo disco a causa
della pandemia sarebbe fra
quelli. Tanto più se nulla qua
parla di disco domestico o tirato
via. E nemmeno di attualità, per
quanto sollievo possano offri-
re i versi di Only The Strong.
SFOD è invece una dedica a
una figlia immaginaria, recitata
dal punto di vista di una madre
piena di remore. Con alcune
delle migliori e più ricche can-
zoni messe su disco dalla Mar-
ling, su tutte i cori e gli archi di
Held Down ad ammorbidirne la
piega dylaniana, la solita Joni
Mitchell nella strepitosa Fortu-
ne o i soffi acustici di Hope We
Meet Again. Farina di un’artista
che non solo continua a miglio-
rare ma che a soli 30 anni ragio-
na già da veterana.
FRANCESCO VIGNANI
79/100
Sembra passato un secolo da
Shortbus, film del 2016 che rese
l’australiano un mezzo caso per
qualche mese. Come lampante
è il fatto che Scott Matthew non
sia riuscito a capitalizzare le
promesse da Antony in divenire
lì contenute, sebbene Adorned
provi a fare l’appello di quanti
rimasti indietro. Classica rac-
colta di riletture pescate un po’
in tutti i sei album in studio, in
pratica. Meno ordinaria l’idea
di metterle in mano a Jens Gad,
ex degli Enigma (esatto: quegli
Enigma). Anche se non si direb-
be dall’elettronica downtempo
da FM notturna di 30 anni
fa: morbida e rotonda quindi,
ma anche troppo sussiegosa e
insicura nel suo ondeggiare fra
soul patinato e R&B davanti ai
movimenti cameristici amati da
Matthew. Strana pensata, ma
ben venga se serve a (ri)scoprir-
ne la produzione più recente.
FRANCESCO VIGNANI
68/100
Money Is The One True God. A
leggere un titolo come questo
ci si aspetterebbe qualcosa alla
Rage Against The Machine, o al
limite un classico folk anticapi-
talista di scuola dylaniana. Nien-
te di tutto questo. Nel suo quarto
lavoro, il cantautore/produtto-
re/chitarrista americano sembra
più rassegnato che arrabbiato.
La sua è un’osservazione quieta
– ma coi suoi momenti di ner-
vosismo – della vita moderna
e delle sue contraddizioni. Una
colonna sonora forte e materica
che disegna lo scenario mutevole
di un film “da camera” dove con-
templazioni strumentali (Mirror
Box) ed evanescenze intellettuali
radioheadiane si alternano a
cupi crescendo (Never Forever),
tetri “valzer” (May Later), ma-
linconie vagamente latineggianti
(Window Facing A Window)
e un cantato dall’espressività
quasi attoriale.
LETIZIA BOGNANNI
75/100
Un concept album sulla guerra
civile, vista da un 26enne pro-
duttore angolano, che ne ha
potuto testimoniare gli orrori
attraverso la memoria collettiva
della sua famiglia. Cresciuto in
Belgio e ora residente a Man-
chester, attraverso uno stile pe-
culiare che lui stesso ha definito
rough kuduro, Nazar evoca con
notevole efficacia quei dram-
matici scenari. Attraverso l’in-
cedere nervoso di Diverted, o
mentre la voce atonale di Shan-
nen SP si fa largo fra le pale di
elicottero di Bunker, prima che
il caos sonoro divenga quasi in-
decifrabile con UN Sanctions. È
altrettanto forte l’immediatezza
dei rari episodi “di tregua”,
come nell’acuto contrasto rea-
lizzato dalla marimba di FIM-
92 Stinger. Tutt’altro che un
ascolto facile, ma sicuramente
uno dei dischi più significativi
di questa prima parte del 2020.
GIORGIO VALLETTA
87/100

WYLDE RATTTZ WYLDE RATTTZ

THE RON ASHETON FOUNDATION

Nel 1997, un irripetibile cast di rockstar underground prese
parte alla realizzazione della colonna sonora di Velvet Goldmine,
il film che celebrava la golden era del glam inglese (1972/73):
Ron Asheton, Thurston Moore, Steve Shelley, Mark Arm, Mike
Watt, Don Fleming e Sean Ono Lennon. Tre generazioni che si
cimentavano con la band simbolo dell’oltraggio di quell’era, che
nel 1973 terrorizzò Londra, chiamata lì da David Bowie e Tony
Visconti (anche) perché usciva un album che avrebbe fatto da
spartiacque nel rock’n’ roll: Raw Power degli Stooges. Ribattezzatisi
Wylde Ratttz, Asheton e compagnia incisero una serie di cover
degli Stooges, destinate alla soundtrack, ma pure una session di
brani originali, che solo ora si è deciso di far uscire. Pezzi che non
sono propriamente un puro remake degli Stooges, ma qualcosa di
diverso. Hanno sì il sapore aspro e decadente degli Stooges a fine
corsa (quali erano quelli di Raw Power) ma sono fusi con l’indie
rock grunge degli anni 90: il noise dei Sonic Youth, la punkitudine
grunge dei Mudhoney. Certo, con al centro Ron Asheton, che di lì
a qualche anno (2003), lo sapete, avrebbe riformato gli Stooges
originali con Iggy, Mike Watt e suo fratello Scott. Alcuni sono brani
pazzeschi. Come l’apertura grezza e sbarellata di Hollow; o I’m Not
Screwin’ Around, che riecheggia il caos e il frastuono di canzoni
come Your Pretty Face Is Going To Hell, quel tipo di sound. E ci
sono anche due cover dei Pretty Things, band favorita di Asheton,
tra cui una Rosalyn, sfregiata da Mark Arm, canzone che pure
Bowie aveva ripreso nel suo Pin Ups, a proposito di glam. Ma è la
conclusiva Be My Unclean il momento topico; ricorda una ballata
acre e disperata di Peter Laughner, come Ain’t It Fun. Chiamatela se
volete pura classicità rock’n’roll.
CLAUDIO SORGE
82/100
RUMOREMAG.COM | 75
 NINE INCH NAILS
GHOSTS V: TOGETHER
GHOSTS VI: LOCUSTS
THE NULL CORPORATION
Ore di tappeti sonori di invidia-
bile sobrietà, soluzioni minimali
senza mai scadere nel caciarone,
musica che va giù come un sorso
d’acqua. L’onestà intellettuale
ci impone di rilevare che 1) gli
episodi V e VI confermano l’en-
tusiasmo di Reznor e Ross nei
confronti della serie Ghosts, e
che questa serie contenga sen-
z’altro la miglior roba uscita a
nome Nine Inch Nails dal 2001
ad oggi; 2) che se questa roba
venisse pubblicata identica da
WITCHCRAFT
qualsiasi altro residuato bellico
dell’industrial metal di quegli
anni - che so, Gravity Kills o
gente simile - la tratteremmo
come ciarpame di bassa lega
licenziato da qualche cariatide
costretta a riciclarsi autore di
BLACK METAL colonne sonore dystopian chic
NUCLEAR BLAST da supermercato e/o riletture
farlocche di Satie per ingrassare
le playlist chillout di Spotify.
Non è mai stato un FRANCESCO FARABEGOLI
campione di empatia, 60/100
Magnus Pelander. Testa
pensante e cuore freddo
dei Witchcraft, sempre
piuttosto scostante, raccolto
e isolato nel suo mondo,
nei suoi precedenti lavori
in acustico, prima un
EP su Svart e poi Time
per Nuclear Blast, si era
presentato con il suo nome: OKKULTOKRATI
Magnus Pelander. Ora LA LYDEN LYSE
SOUTHERN LORD
bisogna capire se questo
Black Metal, accreditato ai Witchcraft, ma nel quale in realtà Definito un “atto di manteni-
figura solo lui con le sue canzoni e la sua chitarra acustica, in
mento del fuoco che brucia”, il
qualche modo significhi la fine della band, visto che Witchcraft
nuovo album degli Okkultokrati
e Pelander sono a questo punto praticamente la stessa cosa.
sembra apparentemente se-
Queste nuove canzoni sono simili a trame cristallizzate in un
gnare il passo rispetto ai prece-
vasto repertorio di antiche influenze northern folk. Non molto
denti. Questo non significa che
differenti dalla natura delle precedenti, del resto. L’impegno di
Pelander è semmai di chiudere questi delicati e fragili requiem la band non abbia più frecce al
monacali in una struttura ancora più basilare. Fino all’essenza proprio arco. Intendo solo dire
di un arpeggio appena sfiorato e ipnotico e una voce pura che tutto quel che si conosceva
che rimbomba nel vuoto assoluto. Cosa che si materializza di loro ritorna uguale; magari
perfettamente in uno dei brani più malinconici e tetri, Sad diversamente ricombinato, ma
People. Dovendo del resto dare una configurazione a tutto con immutata forza. Del resto
questo, non posso che riprendere il titolo della canzone che la bestia non si può cambiare.
apre l’album: Elegantly Expressed Depression. I titoli delle Autori maniacali di basici e
altre non si discostano da questo avvolgente mood depressivo. gelidi black punk cadenzati
Sad People, Sad Dog, Take Him Away. Canzoni in cui la come in una sinistra parata, gli
Morte è il convitato di pietra. Per la prima volta ci sono anche Okkultokrati sono un branco
inflessioni che portano a spiragli di luce “americani”, come di lupi che ulula un rock‘n’roll
A Boy And A Girl, che può suggerire paragoni con la quieta trionfalmente malato. Tra Cold
dolcezza di un Elliott Smith. È l’unico spiraglio, in un album And Cruel, hardcore punk come
che stringe e rende rarefatta ogni emozione e trasversalmente se a suonarlo fosse una band
ti obbliga a guardare in faccia questo mondo in lenta e black metal di ragazzini usciti
inarrestabile decadenza. da un racconto horror di Anders
CLAUDIO SORGE Fager, e un’obnubilante mar-
83/100 cia nichilista come The Dying
Grass Moon. Di certo, unici.
CLAUDIO SORGE
80/100
76 | RUMOREMAG.COM
CHRIS OBEHI
OBEHI
800A
La storia seduce subito, Chris
partì dalla Nigeria, arrivò al
Mediterraneo in qualche modo,
lo attraversò su un barcone e
approdò prima a Lampedusa
poi a Palermo, dove si è immer-
so nella musica. Il disco gira a
corrente alterna. L’afrobeat di
Mr. Oga e il funky magnetico di
Without You sono tracce bril-
lanti, ha la forza del testacoda
geoemotivo la cover scelta con
un colpo di genio, Cu Ti Lu Dissi
di Rosa Balistreri, un omaggio
alla grande sciantosa folk e alla
Sicilia tutta. In altri passaggi
le soluzioni sono meno efficaci,
per quanto sia comprensibile la
scelta di 100% Amore come sin-
golo grazie al refrain orecchiabi-
le. Un po’ di zavorra di troppo si
avverte in Fly Away e Voice Of
The Wind, così come è ancora
troppo naif l’unico passaggio in
italiano, Non Siamo Pesci. Cre-
scerà, ci crede.
PAOLO FERRARI
55/100
KELLY LEE OWENS
INNER SONG
SMALLTOWN SUPERSOUND
A metà fra produttrice techno e
songwriter tanto dolce quanto
introspettiva, la gallese Owens
aveva destato impressioni più
che buone con l’omonimo debut-
to del 2017. Oggi, con un bis che
prende titolo e ispirazione da un
album free jazz di Alan Silva (e
forza da tre anni molto duri dal
punto di vista personale), arri-
vano le conferme. Le dieci tracce
di Inner Song suonano infatti
più mature e focalizzate, gonfie
di bassi e dritte al punto: sia
quando prevale la botta in 4/4
pura (Melt!, Night, Jeanette) o
in forma di canzone (la seconda
parte di On dopo avvio sognan-
te), sia quando si rallenta e
ammorbidisce (Wake-Up, Flow,
Re-Wild). O si stupisce, vedi
cover per soli synth di Arpeggi
(Radiohead), o John Cale che
canta e recita in inglese e gallese
fra sfondi ambient, nei 7’28” di
Corner Of My Sky.
ANDREA POMINI
80/100
RECENSIONI GLI ALBUM MAGGIO 2020
PEAKING LIGHTS
ESCAPE
DEKMANTEL
Dopo anni di militanza indie,
Aaron Coyes e Indra Dunis
consolidano il passaggio a un
pilastro dance come l’olandese
Dekmantel (inaugurato a fine
2018 con l’EP Sea Of Sand), ma
sembrano non cambiare mai.
Ovvero: pare di sentire sempre
la stessa canzone. Pulsazione co-
smic abbastanza sonnolenta, con
più o meno accentuata inten-
zione dub, strutture e melodie
da pop elettronico ampiamente
codificato, voce sussurrata e
inespressiva, un vago retrogu-
sto kraut che emerge qua e là.
Musica che suona benissimo, va
detto, il lavoro ai sintetizzatori
analogici di Coyes è pregevole.
Ma che presa a dosi singole può
conquistare, ma che diventa
letale se ripetuta all’infinito per
una carriera intera, lasciando
che a farsi notare siano piuttosto
le rare deviazioni dalla norma, o
qualche dettaglio sparso.
ANDREA POMINI
64/100
PEARL JAM
GIGATON
REPUBLIC
Quando i Pearl Jam sono passati
da intoccabile simbolo di auten-
ticità a fossili di un’altra era?
Deve essere successo durante la
loro prolungata assenza, mentre
una nuova generazione di ascol-
tatori iniziava a percepire il rock
come un esercizio retorico. Per
tutta risposta loro tornano con
un album politico, ma anziché
che giocarsela su un sound
d’assalto preferiscono imbastire
una serie di inni alla resilienza.
Più che nei brani muscolari
ispirati a forme di primitivismo
rock che il gruppo calza sempre
di meno, Gigaton punta infatti
su un arena rock impreziosito
dalla tecnica e dall’affiatamento.
I risultati convincono soprattut-
to in quei brani dove si riscontra
un’attenta costruzione del
pathos e grazie a cui i Pearl Jam
finiscono a fare quello sporco
lavoro che U2 e R.E.M. ormai
non fanno più.
DIEGO BALLANI
66/100
PERFUME GENIUS
SET MY HEART ON FIRE
IMMEDIATELY
MATADOR
“Half of my whole life has
gone”. La constatazione con cui
si apre Set My Heart On Fire
Immediately sembra preludere
a un lavoro dai toni nostalgici
e malinconici. E un po’ è vero.
Ma è una malinconia bella,
avvolgente, che si apre in sprazzi
di puro amore per la vita, quella
che abbiamo già vissuto e quella
che verrà. Mike Hadreas ha il
raro talento di comunicare gioia
anche nei momenti più elegiaci,
come appunto Whole Life, o in
quelli più cupi (Leave) o che
strizzano l’occhio allo shoegaze
(Describe) e non soltanto nei
brani più pop – su tutti una
Without You da ascoltare
preferibilmente d’estate al
tramonto –, oltre a quello di
essere teatrale senza scadere nel
kitsch, tanto flamboyant quanto
elegante, e questo disco è una
nuova brillante conferma.
LETIZIA BOGNANNI
79/100
LYRA PRAMUK
FOUNTAIN
BEDROOM COMMUNITY
“Fontana”, come nella tradu-
zione dal ceco del suo cognome.
Nata in Pennsylvania e berlinese
d’adozione, Lyra Pramuk si è
fatta inizialmente conoscere
per collaborazioni come quelle
con Ben Frost e Holly Herndon,
e con quest’ultima condivide
l’interesse alla sperimentazione
sulla voce umana. Nel suo affa-
scinante album di debutto, ogni
elemento sonoro deriva dalla
manipolazione del suo canto
senza parole, con effetti polifo-
nici e spettacolari già nell’intro-
duttiva Witness. La rinuncia a
ogni elemento percussivo enfa-
tizza la ricchezza delle melodie
elaborate e che sembrano prove-
nire da molteplici identità senza
sesso, come in canti religiosi o
folk situati in un lontano futuro.
Ed è prodigiosa la perizia nel
cambiare registro, fra gli estremi
“pop” di Tendril e l’atmosfera
solenne di Cradle.
GIORGIO VALLETTA
81/100
INDIE
INDIE
DOGLEG
MELEE
TRIPLE CROWN
Sulla superficie piatta e immobile del rock 2020,
il sasso lanciato col proprio debutto dai detroi-
tiani Dogleg potrebbe avere l’effetto di un piccolo
terremoto destinato a procurare uno tsunami in
miniatura nei cuori di quei quattro gatti ancora in-
teressati all’argomento. Il primo, e probabilmente
unico, riferimento attuale a livello di grandezza media è quello dei
Cloud Nothings, cui i Dogleg forniscono solida spalla con una ver-
sione similmente passionale, uptempo e costantemente sopra le
righe. Voce raschiata via dalla gola con la carta vetro, chitarre che
incidono come cutter e ritmica che viaggia come un treno folle e
ubriaco nella notte, verso il nulla. Con materiale del genere per le
mani dal vivo dovrebbero essere sfracelli, attendiamo fiduciosi.
80/100
A CURA DI ARTURO COMPAGNONI
THE LAVENDER FLU THE COWBOYS
BARBARIAN DUST ROOM OF CLONS
IN THE RED FEEL IT
Dentro i La- Da Bloomin-
vender Flu gton, Indiana
stanno due arrivano i Cow-
ex Hunches, boys, colpevol-
Ben Spencer mente ignorati
e Chris Gunn dal sottoscritto
(quest’ultimo anche anima di fino alla pubblicazione del loro
Hospitals, giusto a rincarare quinto (!!) album. 13 schegge,
la dose). Se le referenze di cui durata media a occhio sotto
sopra vi sono note quei nomi i due minuti, di rock’n’roll
dovrebbero bastarvi, viceversa spastico come si fosse capitati
per cominciare dal principio nel primo album dei Devo
dovremmo scrivere un’en- dimenticando a casa tastiere e
ciclopedia, quindi lasciamo synth, con improvvise e spiaz-
stare. Limitiamoci a segnalare zanti aperture pop (The Biege
un bel disco tra psichedelia e Collection pare una traccia or-
garage, il primo in cui regna chestrale britpop anni 90).
un minimo di ordine in studio. 75/100
72/100
COUNTRY WESTERNS HANNI EL KHATIB
GENTLE SOUL ENTER THE MIRROR
FAT POSSUM INNOVATIVE LEISURE
Con un nome Una volta il
del genere “Guardian”
scrisse che se
e una carta
Joe Strummer
d’identità che
decreta una avesse avuto
provenienza natali palesti-
doc (Nashville) poco spazio noamericani anziché nascere
è lasciato alle sorprese. Che figlio di un diplomatico inglese
però arrivano comunque stan- in Turchia, allora si sarebbe
te il fatto che i ragazzi vantano chiamato Hanni El Khatib.
trascorsi nei Silver Jews, Wei- Paragone certo ingombrante
ght e State Champion, nonché ma che serve a rendere l’idea
curriculum cinematografici di dell’attitudine, più che dei
un certo peso (Trash Humpers suoni, prodotti da Khatib. Una
di Harmony Korine). In ogni miscela di hip hop, soul e blues
caso siamo dalle parti dell’A- condita da una vena psichede-
merica perdente di springstee- lica che avvolge ogni traccia.
niana memoria. 67/100
64/100
RUMOREMAG.COM | 77
RECENSIONI GLI ALBUM MAGGIO 2020

PUBLIC PRACTICE ROTTING OUT RVG KAITLYN AURELIA SMITH

GENTLE GRIP RONIN FERAL MOSAIC OF TRANSFORMATION
WHARF CAT PURE NOISE FIRE GHOSTLY INTERNATIONAL

La dirty disco messa in piedi dai
newyorchesi Public Practice è di
quelle con tutte le carte in regola
per catturare l’attenzione di chi
ha piantato stabilmente le tende
nella loro città tra fine anni 70 e
primi spiccioli del decennio suc-
cessivo. L’incipit del disco è un
devoto omaggio ai Suicide, rapi-
damente in transizione verso un
funky con attitudine punk che
palleggia ispirazione tra Talking
Heads e ESG, infilando una se-
quenza che fornisce filo condut-
tore alla maggior parte dell’ope-
ra. Quando si recupera linearità
pop (il singolo Compromised)
il raggio d’azione scala verso
B52’s e soprattutto Blondie per
il registro vocale utilizzato, ma è
giusto un attimo prima di ripri-
stinare angoli e spigoli.
ARTURO COMPAGNONI
71/100
Sette anni da The Wrong Way,
nove dall’esordio folgorante di
Street Prowl. 18 mesi in carcere
per traffico di droghe leggere,
scioglimenti, momenti di gran-
de riflessione. È tutto vissuto
nei Rotting Out, probabilmente
la miglior espressione ameri-
cana della tradizione hardcore,
proiettata nel nuovo millennio.
Ronin non ha la forza espressi-
va di Street Prowl (impossibile
ripetere quella stagione) ma è
un album vissuto, nato da un’e-
sperienza personale, liberatorio
in qualche modo. Quadratissi-
mo, e non poteva essere altri-
menti, in cui Walter Delgado
(l’anima del gruppo) tira fuori
tutto. in cui attacca frontalmen-
te, come da anni non riusciva.
Il risultato è un disco di puro
hardcore, con i muscoli a New
York e il cuore a Boston, come
da tempo non sentivamo.
MARIO RUGGERI
74/100
RVG, ovvero Romy Vager
Group, dove Romy Vager è la
frontwoman dall’androgina voce
nonché l’autrice di testi e mu-
siche della band di Melbourne.
Che qui è al secondo disco e se
l’esordio, uscito tre anni fa con
il titolo A Quality Of Mercy, lo
registrava in presa diretta, ora
va in studio con Victor Van Vugt
(PJ Harvey, Nick Cave tra gli
altri). Senza smussare l’energia
dei live ma facendo piuttosto
risaltare certe sottigliezze jingle
jangle le quali, fiorite su un
background post punk, oltre a
suggerire familiarità con nomi
come Go-Betweens e Echo & The
Bunnymen, evidenziano la sta-
tura dell’autrice. Che racconta
sentimenti e semiautobiografie
con cruda poesia e ganci melo-
dici a presa rapida, in affilatis-
sime e micidiali canzoni come
Alexandra, Christian Neurosur-
geon, I Used To Love You.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
78/100
“La mia espressione d’amore
verso l’elettricità”. Così la com-
positrice delle isole Orcas defi-
nisce il suo nuovo lavoro. Amore
trasmesso dalle onde sonore dei
suoi movimenti improvvisati,
tradotti in suono dal sintetizza-
tore Buchla 100. Un linguaggio
visivo che coglie le vibrazioni del
plesso solare, come concetto am-
bientale. Suoni che flirtano con
la serenità vacua di certa new
age, eludendone la tentazione
con una scrittura che comunque
non s’accontenta. Nel Michael
Nyman per robot di Remembe-
ring, nella rincorsa di voci di
The Steady Heart, negli oltre
dieci minuti della sinfonia per
terminali umani e cori espres-
sionisti di Expanding Electricity.
Se la narrativa risulta meno po-
tente rispetto al magistrale The
Kid di quattro anni fa, non par-
liamo comunque di sottofondo
per rilassanti pratiche zen.
MAURO FENOGLIO
70/100

CONTAINER
COUNCIL
THE WANTS
Quando usiamo la definizione post punk, inevitabilmente
concentriamo l’obiettivo su anni, immagini e suoni definiti. Più o
meno: l’Inghilterra del ‘79, tonalità che variano dal grigio al grigio,
la rivincita dei bassi sulle chitarre. Da allora il post punk è un ciclo
che ricorre a intervalli di una decina d’anni rimarcando il proprio
status di genere colto, snob e un filo artefatto. The Wants spezzano
questo ciclo. Con loro, quello che chiamiamo post punk riacquista
fisicità, potenza evocativa e ragion d’essere. Possibile, nel 2020?
Sì, se la forma è al servizio di un bisogno espressivo che travalica il
calendario. Quello di The Wants è il suono di questi anni asettici.
Non l’unico, certo, ma nemmeno un soprammobile da teca dei
ricordi. I suoi spigoli, le sue melodie nervose, pur pagando un
evidente tributo alla Leeds dei Gang Of Four (quelli che a ogni
slappata di basso ti facevano risalire il pasto), sono la colonna
sonora della Brooklyn di oggi, di una New York che ha fatto il giro
completo e riparte dal via. Container è un esordio massiccio. La
musica, nonostante faccia ballare e sudare, non rassicura. Nella
lista dei richiami è d’obbligo aggiungere i primi Talking Heads,
i Bush Tetras, la No wave più accessibile. C’è il rock, il kraut, la
dance cibernetica, l’intelletto. Suoni semplici e spietati, che anche
quando flirtano col pop (Fear My Society) lo fanno sul filo della
tensione. Brani come la title track, The Motor e Nuclear Party ci
impongono una considerazione: 40 anni fa il futuro era più vicino.
Ma The Wants sono giovani, questo non lo sanno. Non siamo di
fronte all’ennesimo revival ma a una band che interpreta il proprio
tempo, e poco conta che per farlo usi lo strumento del passato.
Perché non c’è un disegno, non una scelta, solo istinto.
LUCA FRAZZI
88/100

78 | RUMOREMAG.COM

SOFT PINK TRUTH
SHALL WE GO ON SINNING SO
THAT GRACE MAY INCREASE?
THRILL JOCKEY
Soft Pink Truth è l’alias che
Drew Daniel dei Matmos ha
scelto da 20 anni a questa parte
per dare libero sfogo alle sue
pulsioni funk, hardcore punk e
black metal in chiave elettro-
nica. Qui la sterzata è decisa,
verso un electro pop ambien-
tale, sognante, con frequenti
interventi vocali astratti, molto
vicino all’estetica placidamente
allucinatoria del pop ipnagogico
di una decina di anni fa. Manca
del tutto la verve graffiante e
ironica di Daniel, più attratto in
questo frangente dallo spirito
dei tempi che giudica preoccu-
pante. Lo stesso Daniel parla di
un ripiegamento verso una rete
affettiva e musicale come scudo
contro le avversità, il pallido
rifugio dell’arte ai tempi della
ferocia sociale.
ANDREA PREVIGNANO
65/100
STRFKR
FUTURE PAST LIFE
POLYVINYL
È nato da una situazione fortu-
ita - il leader Josh Hodges, in
vacanza in Olanda, conosce i
musicisti locali Mathias Janmat
e David Hoogerheide, e con loro
comincia a scrivere - e si sente, il
sesto album in studio degli sta-
tunitensi Starfucker, o STRFKR.
Scritto alla chitarra acustica e
non ai sintetizzatori, tanto per
cominciare, l’album suona deci-
samente meno levigato rispetto
ai suoi predecessori, avvolgendo
le sue canzoni fra indie, pop psi-
chedelico ed elettronica rétro in
un suono sognante e leggermen-
te dopato. L’abito più spontaneo
e a bassa fedeltà dona freschezza
alle dieci tracce, che prese una
ad una sono godibili (e oltre,
vedi l’Elliott Smith versione fine
‘60 della doppietta inziale Dear
Stranger/Never The Same),
ma tutte insieme passano via
innocue, senza molto altro da
annotare.
ANDREA POMINI
69/100
SPARKS
A STEADY DRIP, DRIP, DRIP
BMG
Camp inteso come uso deliberato
e sofisticato di elementi kitsch,
aggettivo naturale ed eterno
marchio di fabbrica, per la
creatura musicale dei fratelli Ron
e Russel Mael. Fin dallo storico
Kimono My House, a inizio anni
70, in piena era glam, il loro è un
continuo rompicapo di generi
e significati connessi, in chiave
pop. Culto d’eccezione per addetti
ai lavori (chiedere a New Order,
Pet Shop Boys e Franz Ferdinand
fra i tanti), troppo cerebrali
per il consenso universale. Il
nuovo album (quattro anni
dopo Hippopotamus) conferma
che l’ecclettismo del duo è
ancora in grado di leggere i vizi
del mondo. Fra espedienti da
cartolina tropicalista (Left Out In
The Cold), millenarismo synth
pop (One For The Ages) e tanto
teatro, per sfidare l’apocalisse dei
costumi. Il buon senso espresso
come burla.
MAURO FENOGLIO
73/100
THAO & THE GET
DOWN STAY DOWN
TEMPLE
DOMINO
Da sempre originale nel suo traf-
ficare con materia pop di taglio
indie e influenze eterogenee,
Thao Nguyen potrebbe compiere
con questo quinto album il suo
grande balzo in avanti. A livello
personale, e dunque a livello
artistico. È infatti un coming out
rimandato a lungo il punto di
svolta, la variabile che dà vita a
un lavoro destinato a non uscire,
che invece vibra con urgenza e
sicurezza nuove. Prodotto da
Thao stessa, Temple vira deciso
verso un soul moderno con tanto
groove, al quale il mixaggio di
Mikaelin “Blue” Bluespruce -
uno che la sa lunga nel genere,
avendo lavorato con Solange,
Blood Orange e pure Mariah
Carey - dona un suono caldo e
pastoso, che ben si addice alla
scrittura della statunitense di
origine vietnamita. Sia quando
calca sul funk, sia quando pren-
de forma di canzone arty.
ANDREA POMINI
78/100
AVA N T
AVA N T
MARJA AHTI
THE CURRENT INSIDE
HALLOW GROUND
Marja Ahti, giovane musicista svedese da molti anni
di stanza in Finlandia, si sta affermando come una
delle più credibili interpreti della musica elettro-
nica e concreta odierna. Un filo robusto unisce le
sue composizioni ricche di field recordings e sintesi
analogica e digitale a quelle dei pionieri del GRM,
in un’affinità elettroacustica che ricorda l’autorevolezza di Beatriz
Ferreyra, eppure con una grazia più materica. L’elettricità, le rota-
zioni planetarie, le discrasie delle propagazioni del suono nell’ete-
re, la musica come infinito esperimento fisico: queste le coordinate
dell’arte lucida di Ahti. Nel mezzo Fluctuating Stream, un aum
elettronico mistico e freddo, unica evasione emotiva di una raccolta
di brani dal grande rigore acustico.
80/100
A CURA DI ANDREA PREVIGNANO
BERNARD
PARMEGIANI SILVIA CIGNOLI
VIOLOSTRIES THE WHARMERALL
RECOLLECTION GRM PITCH THE NOISE
La collana di Con chitarra
Editions Mego, elettrica, tastie-
dedicata alle re e DSP, Silvia
riproposizioni Cignoli, chitar-
del GRM, ri- rista milanese
pubblica alcuni di estrazione
dei lavori più lungimiranti accademica, dà vita a tessiture
della musica elettroacustica. diverse tra loro: come quelle
Tocca qui a ViolostrIes (1963) rarefatte, al ralenti, liquide
di Parmegiani, capolavoro della traccia iniziale L’Acqua
della musica acusmatica per Non Ricorda; o come quel-
violino (Devy Erlih) e nastro le dalle frequenze puntute,
magnetico, vertiginosa inter- dall’elettronica glitchy di
sezione tra gesto umano e edi- Nioto. E tutto rimane inscritto
ting analogico. Presenti anche in una sound art coerente, tra
Capture Éphémère (1967, post rock e sperimentazione
1988) e La Roue Ferris (1971). ambientale.
80/100 80/100
KASSEL JAEGER
DORF/PHILL NIBLOCK & JIM O’ROURKE
BAOBAB & ECHOES IN COBALT AURA SLEEPS
UMLAND EDITIONS MEGO
La massa sono- La coppia già
ra imponente di nota formata
da Kassel Ja-
Baobab (2011),
eger (ovvero
composizione
del musicista François Bon-
massimalista net, direttore
americano Phill Niblock, e le artistico del Groupe De Re-
sue variazioni microtonali, cherches Musicales) e Jim
entrano nel repertorio live O’Rourke torna a distanza di
dell’orchestra free/avant- due anni da Wakes On Cerule-
garde tedesca Dorf, per l’oc- an con due lunghi movimenti
casione estesa a 35 elementi. totalmente improvvisati per
L’opera tripartita Echoes (live) chitarre ed electronics. Tra
qui aggiunta, spazia tra free droni cosmici e silenzi, inter-
jazz, minimalismo e geometrie venti repentini rumorosi, si
kraut, in un tripudio di so- dipanano le due lunghissime
vrapposizioni strumentali. tracce che sanno di Illusion Of
70/100 Safety.
65/100
RUMOREMAG.COM | 79
GOTICA

GOTICA

THROWING MUSES TOPS

SUN RACKET I FEEL ALIVE
FIRE MUSIQUE TOPS
PARADISE LOST
OBSIDIAN Un disco che mancava da sette Più puliti, più rifiniti, vestiti con
NUCLEAR BLAST anni, dall’atipico mosaico in l’abito bello della domenica. I
forma di disco e libro di Purga- canadesi TOPS, però, vantava-
Coerenza, ispirazione, sintesi estetica e formale,
onestà lirica. Sono questi elementi attitudinali che tory/Paradise, o se vogliamo no già quell’inclinazione in un
rendono stimolante e credibile la saga artistica addirittura da 17, da quel disco secondo meraviglioso album
dei Paradise Lost. Obsidian è ulteriore canto, il omonimo che sancì la riunione indie pop come Picture You Sta-
16esimo per l’esattezza, nei corridoi claustrofo- della band nel 2003. Un album ring (2014). Il revival pop 80s
bici del contemporaneo e al contempo simbolica classico, compatto, dieci pezzi giaceva già lì, ai piedi della voce
trascendenza nello sguardo visionario del viaggiatore romantico. e 35 minuti, con la formazione accomodante di Jane Penny e
Holmes, Mackintosh e soci, proseguono spediti nel loro periodo a trio ormai consueta (Hersh/ dei riff di chitarra di David Car-
di radiosa rinascenza, assestando i registri formali nell’incavo Narcizo/Georges) e tutto quello riere. Feel Alive è una versione
sabbathiano degli antecedenti Tragic Idols e Medusa, ma propu- che ha reso il gruppo uno dei più migliore di Sugar At The Gate
gnando con maestria un valevole bilanciamento tra le pose death amati da quando esiste il concet- (2017) e prende una posizione
doom post Icon e le cadenze crepuscolari di Ghosts, Forsaken e to di indie rock. Due le modalità: decisa verso il pop anni 80; e
Hope Dies Young (un trittico che rilegge, con estro inatteso, la chitarra satura e distorta che non rinnega nemmeno il soft
matrice gothic rock psichedelica dei Fields Of The Nephilim e sferraglia su cadenze hard (Dark rock tra le componenti più evi-
quella più dark dei tedeschi Love Like Blood). Blue, St. Charles, la stupenda denti (Ballads & Sad Movies e
87/100 Frosting), oppure ballata con Colder & Closer). Con l’arrivo
A CURA DI STEFANO MORELLI arpeggio e melodia scura da di Marta Cikojevic alle tastiere,
murder ballad, o da filastrocca Jane ha potuto concentrarsi sul
(più o meno tutto il resto, con flauto sfruttandolo per molte
...AND OCEANS ATARAXIA picchi in Bywater, Sue’s e Kay sfumature. Con Piroutte si cari-
COSMIC WORLD MOTHER QUASAR Catherine). Solo Bo Diddley Bri- ca l’atmosfera mentre Feel Alive
SEASON OF MIST ANNAPURNA dge mescola le carte, con prima è già un classico di TOPS. Alla
Il ritorno che Astrale, psiche- parte heavy blues e coda strug- fine questi abiti beige tutti pre-
non ti aspet- delico, arcaico, gente di pianoforte e cori. cisini gli stanno bene.
ti, a 18 anni sinuoso, abilis- ANDREA POMINI NICHOLAS DAVID ALTEA
di distanza simo nella sua 79/100 75/100
da Cypher, inusitata capa-
e si crea una cità di condurre
certa nostalgia nel ritrovare a convergenza il
quell’intreccio estetico tra percorso alchemico filosofico
black metal scandinavo e atti- con quello sonoro. Quasar ri-
tudine astrale nel calco sinfo- cava con ulteriore rigore la via
nico avanguardista. Certo, non interiore del sentiero Ataraxia,
è un ritorno a The Symmetry sia quando coglie il sentiero
Of I, The Circle Of O, ma la folk classico neo medievale
caratura estetica resta intatta (Nebula) sia quando ascende TRACE MOUNTAINS THE USED
e soprattutto evocativa. Dischi verso coloriture più electro/ LOST IN THE COUNTRY HEARTWORK
con questa sintesi spirituale mistiche (Oneness e Radiance, LAME-O HASSLE
non se ne trovano più. affini ai Qvntal). Poi arriva
80/100 Beyondness e l’animo corre Chi si fosse perso i LVL UP, Dobbiamo riconoscere agli Used
verso i Cocteau Twins. preziosa band indie rock/lo fi la leadership di quell’emo hard
83/100 newyorkese di qualche anno fa, è radiofonico che ha fatto molti
ancora in tempo per recuperare danni sui musicisti millenials,
SECRETS OF i tre dischi della ex band di Dave ma che tra le loro mani era ed è
THE MOON SIEBEN
BLACK HOUSE 2020 VISION
Benton. Lui oggi si rifà vivo con una cifra stilistica riconoscibile.
PROPHECY REDROOM il suo progetto solista (c’è anche I The Used hanno esordito pro-
l’ex batterista Greg Rutkin) con prio al debutto del nuovo secolo
Qualitativa- Inimitabile
una terza uscita umilmente su- portando l’emo a essere qualcosa
mente, il rien- Matt Howden.
perba. È la risolutezza di un disco di vendibile anche al popolo del
tro dei teutonici Questa veste,
così che fa dire queste parole. pop rock, trasformando l’emo
è omologo a oltre al suo
quello dei Pa- inguaribile Un indie rock sottile che sfila stesso in una sorta di arena rock
radise Lost. La situazionismo in direzione War On Drugs ma moderno: lo hanno fatto molto
differenza è data specialmente lirico/sonoro che non manca denudato dalle inclinazioni più bene. Heartwork non sfugge
dall’approccio estetico più di ironizzare sulle catastrofi classic rock (Rock & Roll). Poi ri- alle logiche chiare (per citare i
rock cinematico, doom noir attuali, ricava inattesa, in prende le infatuazioni sporche di loro tempi recenti) di Imaginary
e post punk; in un corredo parte grazie al nuovo e fido chitarra di Sebadoh e Dinosaur Enemy, anche se Heartwork
formale che naviga con estro violino Kev(lar), spunti più Jr (Copper’s Dream) per ingra- sembra più predisposto ad un
tra Alice In Chains, Type 0 Ne- drastici dal suo corredo folk ziarle. La voce di Dave si insinua “ritorno” al rock. Meno radio,
gative, Sisters Of Mercy e gli psych sinfonico ed elettro negli spazi, e le costruzioni sono- più sostanza, per un album che
Swans più folk wave (molti gli wave espressionista, giocando re si sviluppano con ardita pre- scorre bene.
ospiti, tra cui Jarboe ed Em- all’occorrenza con cenni mura, citofonare “Ben Gibbard” MARIO RUGGERI
pyrium). La versione artbook sabbathiani/purpleiani e neo tra una Benji e Fallin’ Rain. Dave 70/100
include anche un DVD che jazz in samba dadaista. “Voted non perde mai la bussola, cono-
ospita i nove videoclip asso- it now eat it”, buona visione sce luoghi, suoni e sensazioni.
ciati a ogni singolo brano. nel domino. NICHOLAS DAVID ALTEA

86/100 83/100 83/100

80 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM MAGGIO 2020

WASTED SHIRT CHIP WICKHAM LUCINDA WILLIAMS WITCHSKULL

FUNGUS II BLUE TO RED GOOD SOULS BETTER ANGELS A DRIFTWOOD CROSS
FAMOUS CLASS LOVEMONK HIGHWAY 20/THIRTY TIGERS RISE ABOVE

Voce e batteria dei Lightning
Bolt uno (Brian Chippendale),
Ty Segall l’altro, nome che no-
toriamente fa ormai genere a sé
stante. Se riuscite a immaginare
quel che ne può uscire e quel che
immaginate è una roba che vi
piace, per una volta, garantiamo,
il risultato non tradirà le attese.
Un caos (apparentemente)
organizzato in cui la ferocia della
ritmica di Chippendale sposa
la chitarra di Segall decisa a
mettersi di taglio per far male
a livelli di guardia. Predisporsi
all’ascolto di un disco del genere
significa mettere in animo un
po’ di sana cattiveria e porre in
conto una mezz’ora abbondante
di headbanging e air guitar a
livelli di guardia, pronti a rice-
vere mazzate sui denti, gomiti
ficcati in mezzo ai fianchi e zero
occasioni per prendere fiato.
ARTURO COMPAGNONI
73/100
Mentre si fa un gran parlare,
a ragione, dell’ormai esplosa
nuova scena jazz londinese, l’e-
sule Chip Wickham continua a
sfornare eccellente jazz spiritua-
le. Da tempo di base a Madrid, il
flautista torna in patria e con un
quintetto di connazionali - in cui
spiccano la batteria di Jon Scott,
giro Sons Of Kemet, e l’arpa di
Amanda Whiting - registra tre
quarti d’ora di stile e sostanza.
Legati alla tradizione decennale
del genere nel suono molto co-
smico e nelle tematiche ecologi-
ste di connessione profonda con
la natura (il succo: Marte era blu
e ora è rosso, vogliamo fare la
stessa fine?), ma filtrati dal gusto
di chi ha visto e vissuto il suo
tempo. Lasciando un bel pezzo
di cuore al Dingwalls dei primi
anni 90, ad esempio, con Gilles
Peterson ai piatti e chicche dance
come Double Cross in pista.
ANDREA POMINI
79/100
A 67 anni, Lucinda Williams
mantiene sempre il suo piglio
da bad girl. Quello di chi si
smazza ancora concerti nei più
infimi bar del Midwest e se le
dici la cosa sbagliata ti rovescia
la birra in testa. L’avevamo
lasciata con il travelogue di
The Ghosts Of Highway 20,
uno dei punti più alti della sua
discografia. Good Souls Better
Angels ce la ripresenta in for-
mato decisamente più rock e
blues: meno finezza narrativa
e molta più incazzatura nei
confronti del mondo (da chi-sa-
pete-voi alla violenza domestica
passando per la tossicità dei
media). Chitarre che pestano e
sferragliano al limite del punk
(!), ritmi sostenuti, voce come
sempre aspra e marinata nell’al-
col eppure straordinariamente
espressiva. Una roccia.
CARLO BORDONE
77/100
Quando gli avranno fatto sen-
tire Black Cathedrals, che apre
il nuovo album dei Witchskull,
Lee Dorrian avrà avuto un
capogiro. Una cavalcata a rotta
di collo, ma ben controllata, tra
potenza High On Fire e folle
melodia vocale. Non c’è alcun
dubbio, i Witchskull sono total-
mente doom. Il destriero su cui
corrono è la chitarra bazooka di
Marcus De Pasquale, che giun-
ge così al suo settimo album, se
consideriamo anche i preceden-
ti quattro con i Looking Glass
(band con un’allure più stoner).
I Witchskull spianano tutto con
riff cupi/plumbei heavy doom.
E del resto si vedono solo due
patches sul giubbino di Marcus:
Saint Vitus e Black Sabbath.
Oltre a Black Cathedrals,
ascoltate anche The Red Altar
e la title track. Quest’ultima
avrebbero potuto scriverla degli
High On Fire in trance.
CLAUDIO SORGE
75/100

HIGH RISK
THE CHATS BEHAVIOUR
BARGAIN BIN/COOKING VINYL

“Spingo io la robba che / Nu je la fai a spigne te” cantava il Piotta.
Be’, qui i Chats li spingiamo da che facevano dischetti autoprodotti
e la piccola Bubca raccoglieva i primi due EP su un CDR homemade.
Cos’altro avremmo dovuto fare dopo aver visto il video di Smoko?
L’ex cassiere di supermarket Eamon Sandwith, col suo mullet
biondo fragola, in tenuta da bagnino che urla: “Sono in pausa
sigaretta, lasciami in pace!” mentre una tipa viene ingoiata dalle
onde dell’oceano, è il massimo della vita. Era solo due anni fa ma
pare passato un secolo. Nel frattempo Iggy Pop, Dave Grohl e Josh
Homme sono diventati fan sfegatati dei ragazzini della Sunshine
Coast e su YouTube il video di Smoko ha superato dieci milioni di
visualizzazioni. I tre hanno preso la ragione sociale dal sobborgo
di Sydney chiamato Chatswood e da that chat, espressione gergale
usata per descrivere qualcosa di terribile Per il dominio hanno
scelto “thechatslovebeer.com”. Non fa una piega. Il punk basico
mischiato al pub rock, o shed rock come amano definirlo, dei Chats
è l’equivalente di una terribile sbronza di birra. Giunti all’atteso
album d’esordio fanno la loro cosa al meglio, rollando cartoni sin
dalla fetente Stinker. La chitarra aguzza, l’handclapping e i coretti
recintano il racconto di uno che s’è beccato la clamidia di The Clap,
finché in Dine And Dash non sfoderano un tiraccio da Clash in
rivolta bianca. Identity Theft e Pub Feed, uscite come singoli lo
scorso anno, ci portano in zona Eddy Current Suppression Ring con
tanto di hooligans al seguito. In chiusura rispolverano la melodia
aspra dal ritornello killer di Do What I Want e la ballata sciogli cuore
Better Than You. Un grande disco di tre meravigliosi perdenti che
suonano un po’ alla Buzzcocks e un po’ alla Wire come lo farebbero i
loro eroi Cosmic Psychos.
MANUEL GRAZIANI
85/100
RUMOREMAG.COM | 81
WEIRD RNR

WEIRD RNR
DIMMA NATHAN FAKE
IMORGON BÖRJAR ALTING OM BLIZZARDS
TRANSUBSTANCE CAMBRIA INSTRUMENTS

Provenien- Nel suo

te da una quinto
band svede- album, il
se chiamata produttore
Mugwumps inglese
(garage ritorna al
rock’n’roll suono ruvi-
FATAL FIGURES tra Hella- do e all’at-
X MINUS ONE copters, Stooges e Who), Rikard titudine spontanea che lo rese
BIG NECK
Jennische formò i Dimma nel piuttosto noto ai tempi dei suoi
Tra la fine dei ‘90 e i primi anni Zero Blowtops, 2000, autori ad oggi di due primi passi per la Border Com-
Gimmicks, Blow Up hanno fatto la storia (mino- album. Questo è il terzo. Il munity di James Holden. La-
re) del garage blues imbastardito dal noise, sup- sound è ora più heavy rispetto sciando scorrere libero il flusso
portati da etichette culto come Estrus, Empty e ai Mugwumps - influenze di di improvvisazione che rende
l’ancora attiva Big Neck. I chitarristi e urlatori Sabbath, November, Graveyard sufficientemente imprevedibile
Aaron Adduci e Traci Volker vengono da lì, e che - e lo stile più asciutto, con la sua elettronica. E pescando
siano rimasti piantati lì s’intuisce dall’attacco torcibudella di ombre occulte nordiche heavy e qualche jolly: vedi la nervosa
Pegasus Kid. Per essere più chiari il trio di Buffalo, NY, guarda uno stringente senso di malin- Stepping Stone oppure l’acida e
con occhi fuori dalle orbite a Flesh Eaters, Red Cross, Chrome conia che lievita. surreale Vectra.
Cranks, Sonic Youth e Jesus Lizard. E ci travolge con il suono CLAUDIO SORGEt GIORGIO VALLETTA
metallurgico ferito nell’onore di Lucky Acid, l’impennata
violenta Jodie Foster, la marcia della morte Suit Of Skin e la
76/100 78/100
psichedelia martoriata di Oxytocin Overload, con Tracy peri-
colosamente prossima a Kim Gordon.
78/100
FINK HALLOWS
BLOOM INNOCENT: ACOUSTIC SUBTLE
R’COUP’D HALLOWS/PHAGE TAPES
A CURA DI MANUEL GRAZIANI
Il più re- Il processo
cente album estetico
ELECTRIC DEAF FORBIDDEN WIZARDS dell’artista degli Hal-
ELECTRIC DEAF REHEATED CABBAGE
inglese lows è anco-
ROTTEN BABUINO SPAZZ
recupera ra in corso
Sconvolgente Nel 2019 il trio consistenza e Subtle
intrattenimento di Rotterdam nella sua appare, in
lo-fi sull’asse ha pubblicato rilettura più ascolti,
Venezia Lucera. due EP su in versione acustica. Spogliati come un territorio di prova per
Alla regia, chi- cassetta con dagli arrangiamenti di Flood e una definizione più lucida di
tarra e batteria 20 pezzi tirati
riportati a stesure più concise, un’identità. Il sentiero è quello
Wasted Pido (Hormonas, De- allo spasimo, 14 dei quali finiti
gli otto brani qui reinterpretati dell’electro dark wave intel-
stroy All Gondolas, ecc.) con su questo 10” in 300 copie
da Fin Greenall con il solo ac- lettuale e minimalista, per il
quel gran crooner di Valentino numerate. Un’impressionante
compagnamento di Tim Thor- momento non sempre a fuoco
alla voce e Salvo al sax: en- raffica di fulmini HC, con la
nton (chitarra acustica, piano ma che saprà dare prospettive
trambi nei turgidi Barsexuals. voce della chitarrista Amber
che oltrepassa il confine e percussioni) e Guy Whittaker interessanti se terrà un bilancia-
Sei pezzi su cassetta tra il
primo Nick Cave e la No wave, marcato dal movimento riot (basso acustico) brillano di es- mento estetico tra Die Selektion,
i Cramps e un calcio negli ze- grrrl (Polk VS. Onassis, Toe senziale espressività, a partire Kirlian Camera e la formula oni-
bedei. Tutto ok, inclusi i synth Knife). C’è persino una cover di da Out Loud. rico futurista di scuola 4AD.
GIORGIO VALLETTA STEFANO MORELLI
ipnotici di Black Sagaan in Satisfaction, tipo Minutemen
Geliyor Sonbahar. che si fan beffe dei Devo. 78/100 68/100
76/100 70/100
WE HATE YOU HEAD OF THE DEMON LORD FOWL
PLEASE DIE DEADLY BLACK DOOM GLORIOUS BABYLON
NEW PRIMALS KIDS ARE LO-FI AJNA OFFENSIVE/INVICTUS SMALL STONE
HORSE GIRL ENERGY HOWLIN’ BANANA/LE CÈPE/
LEARNING CURVE KIDS ARE LO-FI Nei loro Ascoltavo il
Appena leggo Dalla Norman- lunghi e ip- (mai usci-
Minneapolis dia ci fanno notici brani to) album
penso agli sapere che i si respira del 1970
Hüsker Dü, in ragazzi, se non il climax degli Ice,
subordine a proprio a posto doom av- un’oscura
Replacements e (Alright), di volgente e formazione
Babes In Toyland. Da nostalgico certo son lo-fi. I quattro di oppressivo hard rock
avrei voluto ritrovarceli tutti, Rouen ce lo dicevano nel 2018 che permea certe canzoni di soul americana, che la Riding
nella musica del giovane trio e ora che l’album è stato (ri) Sabbath Assembly e Mansion. Easy ha recentemente ristampa-
cittadino. Qualcosa c’è, ma stampato ufficialmente da un La sensazione è di essere come to. Poi mi è capitato questo disco
in mezzo a badilate di post pool di etichette possiamo al centro di un rito occulto, dei Lord Fowl del 2020. Calore e
HC e noise contemporaneo godere del loro post punk scandito da una fanfara fu- selvaggeria hard rock convergo-
centrifugato con groove dal tagliente e caotico, intriso di nebre, con in più il carico di no verso lo stesso nome: Grand
sapore industrial. Un prova weird garage e melodia. I chitarre heavy che gli HOTD Funk Railroad. Sebbene i Lord
muscolare e disperata che sette minuti di Figure It Out ci mettono. Al terzo album, gli Fowl se ne distacchino in diverse
nella title track fa intravedere sono una splendida anomalia svedesi danno il loro meglio. Un occasioni, cercando di moder-
qualche barlume di epica di dolcezza sciolta nell’acido brano come En To Pan sembra nizzarlo con uno stile a tratti
tenerezza. fuzz. l’anello mancante tra i Black metal ’80. Commistione peraltro
72/100 73/100 Sabbath e i Sisters Of Mercy. un po’ debole.
CLAUDIO SORGE CLAUDIO SORGE
75/100 62/100
82 | RUMOREMAG.COM
 SUONA ANCORA
RECENSIONI IN BREVE MAGGIO 2020 IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI

METAL PREYERS MODERN STUDIES PINTY

METAL PREYERS THE WEIGHT OF THE SUN MIDNIGHT MOODS
NYEGE NYEGE FIRE WINGED FEET

Jesse Le armo- Torna

Hackett
(collabo-
ratore dei
Gorillaz)
è un ap-
passionato
di musica
africana. Convince il produtto-
re londinese Lord Tusk a tra-
sferirsi con lui a Kampala, per
suonare con una piccola élite di
musicisti ugandesi. Il risultato,
fra fumi d’alcol e scorribande
nella scena notturna della città,
è un convincente esperimento
d’oscuro post punk tribale, fra
Cut Hands e Rainforest Spiri-
tual Enslavement.
MAURO FENOGLIO
71/100
nie folk
delle voci
di Emily
Scott e Rob
St. John,
su un im-
pianto pop
psichedelico calmo e riflessivo
che tradisce spinte kosmische,
timide pulsazioni disco (sentire
e godersi i quattro minuti di
Spaces) e altre citazioni sparse.
Caldo e ovattato, il terzo album
del quartetto scozzese realizza
le ambizioni adulte dei suoi au-
tori, senza negarsi però momen-
ti giocosi e piccole bizzarrie.
ANDREA POMINI
73/100
Pinty, MC
londinese
con nome
d’arte da
lad definiti-
vo e almeno
un produt-
tore d’eccezione (King Krule nei
panni di DJ JD Sports) per la SHABAKA &
riedizione del suo primo oscuro THE ANCESTORS
mixtape del 2015. Compattato a WE ARE SENT HERE
soli sei pezzi, Midnight Moods BY HISTORY
IMPULSE!
tiene fede al titolo, con beat
creativi fra house e breaks ja-
Registrato a Johannesburg
zzati a sostenere le rime veloci
e Cape Town, il nuovo disco
del ragazzo (The Streets misto
vira la collaudata impronta
Snoop?), e l’umore di chi la
afrofuturista e free jazz della
notte non dorme soltanto.
band su tinte decisamente
ANDREA POMINI
più fosche.
75/100

PORTABLE RATGRAVE RIDE/PÊTR ALEKSÄNDER

THE TRANSIT OF MERCURY ROCK CLOUDS IN THE MIRROR
KHOIKHOI BLACK FOCUS WHICHITA

È curioso Il secondo Spin off

constatare
come in
parecchi
brani con-
tenuti nel
sesto album
di Alan
Abrahams, a convivere con
ritmi tech/house o svolgimenti
percussivi siano melodie ina-
cidite o misteriose. Ne risulta
un disco che elabora elementi
noti in maniera discretamente
sperimentale e coraggiosamente
fuori dai sentieri elettronici più
battuti, per trovare relativa pace
soltanto nella parentesi ambient
di One Earth.
GIORGIO VALLETTA
79/100
album per il
duo formato
dai berlinesi
Max Graef
e Julius
Conrad ne
ribadisce
l’interesse per gli anni 80 meno
“alla moda”, quelli di certo jazz
rock, funk ed elettronica desue-
ta. Fra l’ultimo Frank Zappa e
Herbie Hancock, esotismi assor-
titi e il mondo delle serie tv di
quell’epoca, i 13 episodi di Rock
rievocano con perfida e sublime
raffinatezza un immaginario fa-
miliare quanto distante.
GIORGIO VALLETTA
79/100
del sesto
fortunato
lavoro della
band ingle-
se è questo
remix
album af-
fidato al duo formato da Tom
Hobden dei Noah & The Whale DREAM SYNDICATE
ed Eliot James dei Two Door Ci- THE UNIVERSE INSIDE
nema Club. Del disco originario ANTI-
rimangono solo le tracce vocali
opportunamente immerse in ge- Qui si va in orbita davvero,
ometrie neoclassiche e paesaggi e il Paisley è solo un puntino
minimalistici. A beneficiarne colorato laggiù sulla Terra.
è il candore delle melodie per O nel passato.
un curioso risultato che sa di
dream pop cameristico.
DIEGO BALLANI
62/100

SPEEDOMETER WAR CLOUD WILD NOTHING

OUR KIND OF MOVEMENT EARHAMMER LAUGHING GAS
FREESTYLE RIPPLE MUSIC CAPTURED TRACK

Un pezzo di Ispirazione È cambiato

storia del southern/ molto, du-
soul funk NWOBHM? rante que-
britannico, Meglio, sto decen-
sia come NWOU- nio appena
band alle SAHM, concluso,
spalle di datata negli il modo di
voci ameri- stessi anni fare musica
cane, sia come garanzia di otti- 1979/1981. Non hair metal o di Jack Tatum. Farsi trasporta-
mo groove in proprio. Insieme pop metal del cazzo. Molto re da Gemini (2010) e Nocturne DANIEL AVERY
dall’inizio del millennio, Leigh Motörhead, su tutto (ascoltate era ed è un qualcosa che ancora & ALESSANDRO
Gracie e soci (e tre cantanti solo Speed Demon), attraversati oggi scuote gli animi gentili. CORTINI
ospiti) festeggiano i 20 anni da sciabolate southern (Molly Queste cinque tracce nascono ILLUSION OF TIME
con una godibile passerella di Hatchet). Come si sente benis- dalle sessioni dell’ultimo Indigo PHANTASY/PIAS

influenze: afrobeat soprattutto,
ma pure cose cinematiche da
blaxploitation, beat psichedeli-
co indiano, northern soul, jazz
etiopico.
ANDREA POMINI
70/100
simo in Give’r. E White Light-
ning sembra un pezzo mooolto
veloce di Ted Nugent. Mentre
Tomahawk ricalca in modo un
po’ più scandito certi accenti dei
Metallica prima maniera.
CLAUDIO SORGE
72/100
(2019), che ha un’altra forma,
un’altra brillantezza mai piena-
mente raggiunta. Il jangle pop
diventato troppo sintetico ha
perso umanità.
NICHOLAS DAVID ALTEA
63/100
Avery è fra i produttori
elettronici più lucidi
dell’ultima generazione
britannica, Cortini è
un artista sempre più
autorevole, trasversale e
personale.
RUMOREMAG.COM | 83
TREECOLORE DISCO DEL MESE
LORENZO SENNI
CUBI DI IERI SUL NOSTRO
DOMANI ODIERNO
LORENZO SENNI
SCACCO MATTO
WARP
Sono passati otto anni da Quantum Jelly
e stiamo ancora cercando di capire cosa
sia di preciso questa cosa che stiamo
ascoltando. Musica, certo, ma poi? L’i-
potesi più plausibile è che l’aspirazione
di Lorenzo Senni fosse quella di con-
cepire una sorta di lingua franca, per
mettere in comunicazione due mondi
che per decenni si sono annusati il culo
come animali, cercando di non collassa-
DI FRANCESCO FARABEGOLI - FOTO DI SAMUEL GEHRKE E CHRIS SHONTING
84 | RUMOREMAG.COM
re uno sull’altro. Una specie di ambiente
sonoro/cuscinetto. La presenza di ele-
menti e contesti avant e di richiami così
brutali a un immaginario così definito
e inconfondibile (la trance degli anni
90, ma anche e soprattutto le parentele
etiche/estetiche ad essa associate) intro-
duce nei suoi dischi elementi di qualcosa
che in seguito avremmo (ri)cominciato
a chiamare nostalgia del futuro. Ma
esposti con una genuinità espressiva,
un’apparente ingenuità, che sembra
negare le mille riletture di Derrida che
stanno tenendo così banco nei discorsi
sulla musica che tutti ci sentiamo in ob-
bligo di fare da un lustro a questa parte.
Due considerazioni, però. La prima:
ogni lingua franca aumenta di com-
prensibilità, per sua natura, quanto più
tempo si è speso a parlarla ed ascoltarla.
La seconda: la fotografia e il cinema, se
hanno insegnato qualcosa, è che ogni
forma di voyeurismo (compreso quello
rave) è destinata a cambiare in maniera
irreversibile ciò che si pone l’obiettivo
di limitarsi a osservare. Il tutto, nelle
dichiarazioni d’apertura di Lorenzo, si
riduce a una faticosissima partita a scac-
chi con se stesso. Scacco Matto, pertan-
to. Per i motivi di cui sopra, il disco che
sembra più voler comunicare col mondo
e avere su di esso un impatto concreto.
Al contempo, quello che sembra più ra-
dicalmente staccarsi dall’immaginario
di cui sembra sempre meno una forma
parassitaria e sempre più un salvatore in
extremis. Volgarizzando, techno/trance
senza la cassa. Specificando un pochino:
strutture ricorsive trasfigurate che si
sfaldano e si ricompongono nella testa
dell’ascoltatore, e un genuino senso del
pericolo che l’orecchio allenato fa sem-
pre più fatica a rintracciare nel presente.
Citando un singolo di pochi anni fa, The
Shape Of Trance To Come. La sintesi
perfetta di tutta la faccenda è Canone
Infinito: trasfigurata e quasi angelica nei
toni, ma con addosso il puzzo di fumo
stantio che ti s’attaccava ai vestiti prima
che lo vietassero nei locali. A contorno
micropartiture con titoli enigmatici che
citano spesso il passato punk di Lorenzo
Senni (The Power Of Failing, Dance
Tonight Revolution Tomorrow), giusto
l’ennesimo gancio per un futuro che si
preannuncia pieno di possibilità, per
uno dei più lucidi pensatori del nostro
presente.
89/100
TREECOLORE GLI ALBUM MAGGIO 2020
BLACK FLOWERS CAFE
FLOW
LA LUMACA DISCHI
L’ultimo lavoro di questo
quartetto cosentino conferma
quanto di buono dimostrato
nelle passate uscite sulla breve
distanza: Flow è infatti un disco
composto da materiale di recen-
te composizione e da alcuni re-
cuperi dal precedente EP. Quel-
la proposta dai BFC è una new
wave che ha mutuato dall’indie
pop strutture ariose e dotate di
una piacevole luminosità (Who,
brano per cui i Two Door Cine-
ma Club ucciderebbero), che si
alternano ad altrettanto riuscite
fascinazioni esotiche (Caribe,
Kinshasa). Ed è proprio per la
sua capacità di risultare coeso e
allo stesso tempo ricco di solu-
zioni diverse tra loro che questo
album appare estremamente
piacevole e dotato di episodi
che sfiorano la perfezione
(Stage One), anche quando fa
capolino qualche chitarra alla
U2 di troppo (Keep It Up).
STEFANO D’ELIA
76/100
DEAD VISIONS
A SEA OF TROUBLES
SLIMER
Conosciamo Francesco Mandelli
per la sua storia di attore,
conduttore, comico, regista. Ma
anche per la sua passione per
il rock. E con lui i Dead Visions
che raccolgono membri dei Not
Right, dei Seed’n’Feed e dei Los
Dragos. Insieme, scrivono uno
stupefacente disco di garage
punk. Veramente sorprendente.
In A Sea Of Troubles c’è
tutto: si parte dai Love e
dagli Animals per arrivare
a Jon Spencer, attraverso
gli Stooges, il blues punk, il
garage scandinavo, la SFTRI,
alcune cose della Fat Possum
e soprattutto della In The Red.
Insomma, un’immersione totale
nell’indimenticabile nevrastenia
della Bassa Fedeltà. I Dead
Visions riportano il tempo negli
anni 90 quando questo era il
genere (ri)emergente. Produce
Alberto Ferrari dei Verdena.
MARIO RUGGERI
80/100
BLIND RIDE
TOO FAST FOR A SICK DOG
AUTOPRODUZIONE
C’è ancora chi ha il coraggio
(fondamentale) di aggredire la
storia del punk hardcore ita-
liano, di viverla come se fosse
l’unica scelta possibile. Lo fa da
Campobasso, è il caso dei Blind
Ride, con una convinzione
senza pari. Magari con alcuni
difetti di esecuzione, ma non è
questo il punto. Too Fast For
A Sick Dog è, a suo modo, un
piccolo gioiello di continuazio-
ne della stirpe. Come se i Blind
Ride appartenessero di diritto
alla tradizione degli anni 80 e di
lì non si volessero muovere. C’è
tutto quell’humus che divenne
poi hardcore e, successivamen-
te, la base del grindcore. Un
album acidissimo, duro, spigo-
loso e a tratti quasi post punk
nella sua visione. Veramente
un’ottima prova. Bravi.
MARIO RUGGERI
76/100
THE GIGAHERTZ
QUEEN OF BLOW
MAXY SOUND
Di primo acchito questo disco
potrebbe sembrare un revival
dell’hard rock anni 70, visto che
con i primi due brani si parte a
razzo a bordo dell’AC/DC Air-
lines, invece già dal terzo pezzo
le sonorità iniziano a spaziare
planando sul continente dell’he-
avy metal anni 80 e sfiorando
le lande dell’alt rock dei ‘90.
Resta insomma un disco d’altri
tempi, che prende volutamente
le distanze da quanto è avve-
nuto nel mondo della musica
negli ultimi 25 anni, ma la sua
varietà di stimoli gli permette di
evitare la semplice “operazione
nostalgia”. Gli arrangiamenti
non amano uscire troppo fuori
dai canoni ma non lesinano sor-
prese interessanti (soprattutto
lungo i sette minuti della title
track). Forse cantare in italiano
avrebbe reso più originale la
proposta, tuttavia… it’s only
rock’n’roll but we like it.
DORIANA TOZZI
65/100
BOLOGNA VIOLENTA
BANCAROTTA MORALE
OVERDRIVE/DISCHI BERVISTI/
TRUE BYPASS
Bancarotta Morale è un disco
che va prima di tutto letto. Un
concept fatto di cinque storie
vere e moralmente inaccettabili,
partendo da un prologo e arri-
vando fino all’Oasi Morale. In
mezzo c’è Il Truffatore, La Ban-
da Przyssawka, La Famiglia
Subiot e La Becchina. Una sorta
di Antologia Di Spoon River
(sonora e scritta) dell’immora-
lità. 14 brani brevissimi (tranne
uno) e un outro finale di 19 mi-
nuti per Oasi Morale, dal titolo
Fuga, Consapevolezza, Reden-
zione. Pillole schizofreniche di
grind hardcore senza distor-
sioni e musica classica. Addio
chitarre. Solo violino, batteria,
bass pedals e armonium per
la prima parte. Organo, archi,
sintetizzatore, ancora armonium
e campionamenti che portano
in una dimensione ambient/
neoclassica, nell’ultima tranche.
Piacevolmente immorali.
NICHOLAS DAVID ALTEA
78/100
FLAVIO GIURATO
NUOVO MARCO POLO
AUTOPRODUZIONE
Un fiume carsico, come definito
dal suo amico Carlo Massarini.
Il cantautore più sfuggente ed
enigmatico della musica italia-
na riemerge dal rifugio d’iso-
lamento volontario (pandemia
o meno), ritrovando la figura
(metaforica) dell’esploratore
veneziano, già cantata nell’al-
bum pubblicato nel 1984, prima
di sparire per anni. Due tracce.
La prima un lungo audio libro
su rumori d’ambiente e minima
orchestrazione, che ripercorre
lo sceneggiato del 1982 di Giu-
liano Montaldo. Il mondo di
Kublai Khan visto dallo stupore
favolistico di Marco. Il mistero
di viaggio, numeri e usanze, le
chimere di gondolone e freccio-
ne, che respirano nello scandire
pastoso del racconto. La secon-
da, Caravan, storia di Marco e
Monica declinata in dolente fi-
lastrocca per elettrica e batteria.
Laterale ma sempre intrigante.
MAURO FENOGLIO
72/100
BRUNO BELISSIMO
TUCKER
VULCANO
Non potrebbe esserci forma
musicale migliore della disco,
per realizzare l’escapismo più
efficace di questi tempi. Sembra
capitare all’uopo l’uscita del
terzo album firmato dal perso-
naggio creato da Giorgetto Mac-
carinelli, che oltre ad attribuire
maggior definizione sonora alla
sua cifra italo/funk/disco, si
concede anche qualche altro in-
teressante tentativo stilistico. Ad
esempio nell’andamento hip hop
di Telelaser, o nei riferimenti fra
indie pop e R&B di Orfeo, op-
pure ancora nel febbrile groove
acid di Mi Dica Stronzo. Forse
aiutato anche dal filo conduttore
che lega i vari episodi del disco
(Tucker è l’ideale prototipo del
festaiolo superficiale per eccel-
lenza), qui Bruno Belissimo si
cimenta spesso anche nel canto,
come nella riuscitissima Il Pia-
cere e nella conclusiva I’m Not
That Guy.
GIORGIO VALLETTA
78/100
GOLDEN SHOWER
DILDO PARTY
AREA PIRATA
Ragione sociale, titolo e co-
pertina strizzano l’occhio alla
goliardia sboccata di Porky’s.
Non siamo in un liceo della
Florida ma in Valdinievole e
questi sono quattro musicisti
di lungo corso che hanno scelto
di fare gli scemi per non pagare
le tasse. Il terzo album dei GS
colpisce per una scrittura po-
tentissima, per la scelta dei due
chitarristi (Paolo e Marcello)
di alternarsi alla voce e per la
cura negli arrangiamenti, con
gli innesti di sax, piano, armo-
nica e cori femminili a dare
colore e calore: tanto che con
quel sax spernacchiante King
Of The Lovers fa pensare ai So-
nics intenti a demolire James
Brown. Sembra di ascoltare del
grande aussie rock, mordace e
nostalgico, che si abbandona in
un infuocato party R&B.
MANUEL GRAZIANI
77/100
RUMOREMAG.COM | 85
 RADICI MAGGIO 2020 / RUFUS WAINWRIGHT

10 CANZONI PER
RUFUS WAINWRIGHT
L’incubo del virus ha cambiato le sorti di tutti. Non fanno eccezione i musicisti, che
hanno dovuto posticipare le uscite degli album, data l’impossibilità di suonarli sui
palchi e venderli nei negozi. È il caso di Unfollow The Rules di Rufus Wainwright, la
cui pubblicazione è slittata a luglio. Lui ha dichiarato a “Billboard” che ha pensato al
titolo dopo una frase di sua figlia Viva. Ma non seguire le regole in questo momento è
molto pericoloso. Eppure dipende da quali regole. Forse quelle del non piegarsi a certo
perbenismo, di non uniformarsi, pur avendo dovuto farvi ricorso in passato. Forse
dell’aver la personalità e la solidità per dare un seguito, otto anni dopo, a Out Of The
Game. Forse quelle del non arrendersi e, in questo frangente di isolamento mondiale,
continuare a suonare dai suoi canali social, vedi le sue Quarantunes. Ma anche i giornali
non si fermano, tantomeno le rubriche, e lui si è gentilmente prestato al giochino della
nostra playlist.

TAG S: #UNFOLLOWTHERULES #QUARANTUNES ONLINE: RUFUSWAINWRIGHT.COM

JUDY GARLAND NINA SIMONE FRANZ SCHUBERT ELLA FITZGERALD RANDY NEWMAN
SOMEWHERE OVER MY BABY JUST CARES DU BIST DIE RUH EVERY TIME WE SAY I’LL BE HOME
THE RAINBOW FOR ME GOODBYE

“Franz Schubert è “La semplicità di

“Penso che Somewhere “Nina Simone è una un compositore così “Questa per me è una questo brano mi fa let-
Over The Rainbow sia delle più grandi pianiste straordinario. Du Bist canzone decisamente teralmente impazzire,
la più grande canzone e cantanti della sua ge- Die Ruh è una romanza sentimentale. Compo- vorrei averlo scritto io.
mai scritta. La com- nerazione. Questa ver- assai semplice e allo sta da Cole Porter nel Incluso nell’album Live
posizione è di Harold sione di My Baby Just stesso tempo mi colpi- 1944, Every Time We inciso nel 1970, è così
Arlen, le parole di Yip Cares For Me ha un sce come una canzone Say Goodbye illustra semplice e chiaro, che
Harburg, e per me rap- posto speciale nel mio riflessiva e molto pro- alla perfezione il tradi- poi è sempre la cosa più
presenta la lotta della cuore per via di Nina, fonda”. mento dell’entangle- difficile da fare”.
PLAYLIST

vita e la ricerca della ed è anche fantastica da ment romantico”.

pace”. ballare”.

DA IL MAGO DI OZ OST DA LITTLE GIRL BLUE LIED SINGOLO DA LIVE

KATE & ANNA MINA BOB DYLAN GIUSEPPE VERDI KATE & ANNA
MCGARRIGLE E POI… A HARD RAIN’S DI PROVENZA IL MAR, MCGARRIGLE
FIRST BORN A-GONNA FALL IL SUOL (TALK TO ME OF)
MENDOCINO

“E Poi…, scritta da
“Mia madre Kate ha Andrea Lo Vecchio e “A Hard Rain’s A-Gon- “Quest’aria, tratta dall’o- “(Talk To Me Of) Men-
scritto questa canzone Shel Shapiro e conte- na Fall è un brano che pera in tre atti di Giusep- docino è una canzone
sui figli primogeniti, nuta nell’LP Frutta E illustra perfettamente la pe Verdi La Traviata, è incredibile che racconta
uscita nel duo secondo Verdura del 1973, è una tristezza dell’esistenza una grande aria cantata di un viaggio simile a
album del 1977. È un canzone che non manca umana. Amo questa da un padre. La trovo quello che mia madre
ordine dall’alto e spero mai di farmi sognare a canzone perché moltis- toccante perché anch’io Kate ha fatto quando
di soddisfarlo come si occhi aperti la bellezza sime emozioni al suo oggi vivo l’esperienza di era giovane attraverso
deve. È vicino e caro al del Mediterraneo”. interno”. essere padre”. gli Stati Uniti. È tratta
mio cuore, però”. dal disco di esordio di
mamma e zia”.
DA DANCER WITH DA THE FREEWHEELIN’ DA KATE & ANNA
BRUISED KNEES DA FRUTTA E VERDURA BOB DYLAN DA LA TRAVIATA MCGARRIGLE

A CURA DI BARBARA SANTI - FOTO DI TONY HAUSER

86 | RUMOREMAG.COM
TREECOLORE GLI ALBUM MAGGIO 2020
XABIER IRIONDO/
SNARE DRUM EXORCISM
TIERRA/MAREE
DISCHI BERVISTI/WALLACE/DIO DRONE/
TRUEBYPASS
Xabier Iriondo e Franz Valente
si dividono tra palcoscenici
rock (rispettivamente negli
Afterhours e nel Teatro Degli
Orrori), riuniti nell’esperienza
Buñuel. Quando corrono da soli
amano il rischio dei linguaggi
inconsueti e si spingono su
territori impervi tra post rock e
ricerca sonora. In questo split
Iriondo manipola la sua tavola
sonora d’elezione, il più volte
collaudato cordofono mahai
metak, traendone momenti
elettroacustici meditativi e
furiosi; mentre Valente dietro
l’alias Snare Drum Exorcism
crea un maelstrom sfruttando
le proprietà di rullanti, molle
e oggetti metallici secondo un
assetto industriale, lasciando
fluire una sinfonia rumorosa
non priva di una sua intima
narrazione.
ANDREA PREVIGNANO
75/100
PARTINICO ROSE
SONGS FOR SAD
AND ANGRY PEOPLE
AUTOPRODUZIONE
Una rosa che estende il proprio
fuoco dalle radici mediterranee.
Attivo dal 2015, il quartetto
siciliano si fa portavoce di una
rilettura post punk e gotica che
trae spunto soprattutto dalle
linee guida albioniche. Il taglio
estetico deve molto alla filiazione
originaria di Cure, primi And
Also The Trees e Joy Division,
sebbene sia il canto enfatico
di Cannizzo a colorare i codici
nell’evoluzione gothic rock
cara a Fields Of The Nephilim e
House Of Usher (l’accentuazione
psichedelica e cameristica,
associata a un più deciso
parossismo ritmico, potrebbe
offrire spunti interessanti in
futuro). Un valevole biglietto
da visita, ma è riempiendo con
maggiore lucidità certe visioni
che potranno considerarsi
gli eredi formali di acts come
Burning Gates.
STEFANO MORELLI
70/100
LIBERATO
ULTRAS
AUTOPRODUZIONE
Come per ogni cosa, dopo
l’irreale doppietta iniziale,
Nove Maggio e Tu T’è Scurdat’
‘E Me, ci vuole pacienza.
Si comincia con diffidenza,
niente pare all’altezza. Ma si
insiste, e si cede. Anche per
uscite atipiche - lavoro su
commissione, assai corposo
per chi si è sempre centellinato
- come la colonna sonora di
Ultras, lungometraggio del
sodale Francesco Lettieri. Le
canzoni vere e proprie sono solo
quattro, e coprono bene sia il
lato melodico di Liberato (Vien’
Ccà - Part II, uno dei due mix di
O Core Nun Tene Padrone) sia
quello house (We Come From
Napoli, con bella strofa di Gaika,
‘A Mamm’ E Chi ‘Nnallùcc’,
l’altro mix di O Core...). Il resto
sono strumentali sognanti
oppure tesi e incalzanti, nelle
stesse proporzioni, e c’è anche
3D dei Massive Attack, ma chi lo
sente è bravo.
ANDREA POMINI
79/100
PRE-COG IN
THE BUNKER
WHAT IF?
SISTER RAYGUN
Restare fuori dal giro aiuta a di-
stinguersi. È il caso dei Pre-Cog
In The Bunker che, dopo anni
di gavetta e produzioni di ultra-
nicchia, pubblicano un album
per un’etichetta americana
forti di una maturità acquisita
sul campo. E in Abruzzo, mica
a Manhattan, con tutti i pro e
i contro che la cosa comporta.
What If? è figlio di ascolti spal-
mati nel tempo. Se devo trovare
dei riferimenti opto per i suoni
americani più aspri dei medi
‘90: Cows, Hammerhead, Unsa-
ne e dintorni. Non così estremi
nella forma, ma su quei binari.
Poi tanta acqua è passata sotto
i ponti e i PCITB hanno assor-
bito le istanze successive ma
la rabbia controllata, il suono
asciutto e l’indifferenza verso
i cliché dell’underground sono
gli stessi.
LUCA FRAZZI
75/100
LOWLOW
DOGMA 93
SONY
Non cadiamo nella tentazione di
arricciare il naso quando inciam-
piamo nel nuovo rap italiano.
Questo album dell’MC romano,
per esempio, è una voce fuori
dal coro. Lowlow sa uscire con
maturità inattesa dalla prima
persona, fare un passo laterale e
raccontare vite scovate nel seco-
lo passato, Un gioiello su tutti,
Bobby: è una storia, poetica e
non didascalica, di Fischer, il
fuoriclasse americano maledetto
degli scacchi. Jones Town fruga
nella personalità killer di James
Jones, reverendo che massacrò
gli adepti della sua stessa setta
nel 1978. In La Ragazza Nello
Specchio l’argomento è in sali-
ta, l’anoressia, ma anche qui la
banalità sta alla larga. La stessa
profondità e lucidità vale per
i pezzi in cui il rapper guarda
dentro se stesso. C’è dentro qual-
cosa di Bianconi, Murubutu e
Cremonini.
PAOLO FERRARI
74/100
RITMO TRIBALE
LA RIVOLUZIONE
DEL GIORNO PRIMA
BAGANA
Esplode ancor di più nel nostro
silenzio il ritorno dei Ritmo Tri-
bale. Esplode e fa male, perché
ora che il nostro isolamento
forzato ci porta a riflettere, il
loro ritorno non è uno stimolo
ma un acceleratore di rimpianti,
rabbia e voglia di reagire. Le
parole hanno un peso, anche
nella musica, e il dettato dei
Ritmo Tribale ancor oggi non è
solo efficace ma, a tratti, rige-
nerato. Forse nessuno di noi si
sarebbe mai atteso un ritorno
così pieno, vibrante, nervoso,
arrabbiato, ma è chiaro che
essere parte della storia del
rock italiano non era un titolo
gratuito, ma il riconoscimento
di classe e stile. Proprio ciò che
esce ancora una volta dalla mu-
sica dei Ritmo Tribale, tornati
a essere un grande patrimonio
della nostra musica.
MARIO RUGGERI
88/100
MOTHER ISLAND
MOTEL ROOMS
GO DOWN
Per questa ottima band vicen-
tina il gioco delle influenze è
molto vario. Influenze a tratti
riconoscibili, a tratti no. Vengo-
no in mente gli Shocking Blue
per una certa giocosità 60’s
pop; più spesso band come Jess
And The Ancient Ones per il
modo a tratti ieratico e rarefatto
con cui cantano e suonano (sen-
tite la stupenda ballata Lustful
Lovers). E poi West Coast 60’s
folk rock (ad esempio Till The
Morning Comes), un pizzico
di acidi 13th Floor Elevators,
momenti di folk pop spagno-
leggiante e paesaggi cinemato-
grafici western (Santa Cruz).
Pensate a tutto questo come ben
assemblato in uno stile comun-
que distintivo. Amalgamato in
un jangle sound, a tratti twang:
il marchio dei Mother Island.
Una band che ha saputo rivisi-
tare il passato pop psichedelico
in modo brillante e inedito.
CLAUDIO SORGE
75/100
THE STRANGE FLOWERS
SONGS FOR IMAGINARY MOVIES
AREA PIRATA
Le celebrazioni per il 30esimo
anno di attività degli Strange
Flowers hanno portato Michele
Marinò a ricongiungersi con al-
cuni vecchi compagni di viaggio.
La formazione è infatti per i 3/4
la stessa che diede vita alla band,
al termine degli anni 80. Il risul-
tato, a giudicare dalla magia che
percorre queste tracce, è quello
di una ritrovata alchimia in
grado di procurare al gruppo pi-
sano uno dei lavori più riusciti di
sempre, con brani in cui l’ispira-
zione barrettiana si mescola alle
sonorità del Britpop più psych
oriented. Un grande ritorno, in-
somma, anche per merito di una
produzione moderna che valo-
rizza tutti i colori delle distorsio-
ni chitarristiche con momenti
entusiasmanti negli arabeschi
elettrici di Heal e nell’effettistica
psicotropa di Apocalypse.
DIEGO BALLANI
80/100
RUMOREMAG.COM | 87

TIE GOES TO THE RUNNER
he questi siano strani
giorni per fare o non fare
C cose come ascoltare e
scrivere di musica non
c’è bisogno che ve lo dica
quel tale che scrive sul
giornale, e intanto le solite citazioni di
Vasco Rossi e Battiato le abbiamo piazzate.
Di sicuro però è straniante aver ricevuto
dieci volte tanto il volume ordinario di
musica da ascoltare da quando misurano la
musica in giga. E come dice sempre quello
dissato dalla Murgia mentre ascoltavo
ieri sera un cantante in diretta dalla sua
cameretta avevo gli occhi gonfi di stupore
AGITATE
JAILHOUSE SESSIONS
AGITATED666.BANDCAMP.COM
Claudio Zucca è l’anima dei Rippers,
5 dischi usciti fra il 2003 e il 2017 uno
più bello dell’altro. Il suo ritorno per
ora assume le forme di un progetto
nato nella cattività della quarantena
da Covid-19 ed esiste “solo” sul suo
Bandcamp, esempio più lampante
di cosa voglia dire trasformare la
necessità in virtù. Quale momento
migliore per tirare fuori dal cassetto
delle tracce strumentali lì da 15 anni
e chiedere agli amici di cantarle? E
quando i compagni di prigionia sono
tipi come Krano, Stefano Isaia
dei Movie Star Junkies o una Maria
Violenza posseduta simultaneamente
dal Fantasma di Sant’Avendrace e da
quello di Rosa Balistreri il cielo sopra
le nostre di anime non può che essere
sempre più blues: insomma, puro soul
food Daunbailò.
82/100
88 | RUMOREMAG.COM
IN ITALIA
nel sentire Il cielo azzurro appare limpido
e regale: perché si sa che il cielo a volte
invece ha qualche cosa di infernale. Ecco
perché il primo gruppo che ha catturato
la mia attenzione in questo strani giorni
sono stati gli Skulld (skulldband.
bandcamp.com), gruppo 80% emiliano-
romagnolo e 20% Lombarda (L maiuscola
da Dave, A finale perché la cantante
Pamela abita a Milano), a cui il chitarrista
Enrico Monti ha idealmente tirato la
volata mediatica: avendo Enrico la fortuna
di aver il balcone di casa di fronte alla
Boutique Della Piadina della Ines
a Bertinoro (una azdora di 80 anni che
non ha paura di usare seitan e tofu) le ha
dedicato Raining Blood invece che Nel
Blu Dipinto Di Blu. Esaurita l’involontaria
carica virale della cover degli Slayer mi
sono ascoltato Reinventing Darkness,
un disco di death metal genuino con
suggestioni esoteriche, attitudine da
vendere e una forte centratura sul
femminile che va aldilà della voce: sempre
aria fresca in a man’s world. L’arrivo
a casa di Incomplete, CD dei toscani
Nudist (nudistnudist.bandcamp.
com) lo colgo come un segno dei tempi:
uscito il 28 febbraio scorso è infatti l’unico
supporto fisico che è stato recapitato
nella mia buchetta della posta prima del
lockdown, tra l’altro sempre a proposito
di titoli profetici di canzoni dei Fugazi. Nei
40 minuti del disco, impreziositi dai camei
A CURA DI MARCO PECORARI
di Xabier Iriondo e della cantautrice queer
folk Francesca Morello/RYF il trio
chitarre/batteria/Basso e synth conferma
di essere oramai rodatissimo e capace
di padroneggiare le volatili materie post
metal, sludge, noise, doom e ambient. In
chiusura più che inevitabile è doveroso
chiudere il mese segnalando due iniziative
benefit con base nel capoluogo lombardo:
Killed By Boredom - 27 Songs By Lock-
Down Survivors della One Chord
Wonder (ocwrecords.bandcamp.
com) è una compilation digitale su
coordinate power pop i cui proventi
andranno per intero al Policlinico di
Milano. Dentro ci trovate brani di singoli
membri di gruppi come Senzabenza,
Leeches e Anna&The Psychomen. La
reazione al possibile worst case scenario
distopico invece ce la delinea Vivi Nel
2020 - Benefit Brigate Volontarie,
compilation del collettivo Occult Punk
Gang (occultpunkgang.bandcamp.
com). Testualmente: 17 tracce, per ora si
può pre-ordinare una cassetta che sarà
disponibile una volta che sarà di nuovo
possibile produrre e spedire cassette in
sicurezza. Tutti i ricavi dalla vendita delle
cassette e dei download digitali saranno
donati alle Brigate Volontarie per
finanziare le loro attività di assistenza
durante la crisi: per la solidarietà, la
cura e la comunità, contro chi nel 2020
vorrebbe che nelle strade girassero solo
sbirri e morti.
TREECOLORE GLI ALBUM MAGGIO 2020

FABRIZIO TAVERNELLI VOSSA WELLWORN BANANA XÙ

HOMO DISTOPIENS VOSSA ANYTIME WHO THE FUCK IS BOBBY PERÙ?
LO SCAFANDRO/MATERIALI MUSICALI TIP OFF LAMIACAMERETTA/LADYSOMETIMES AUTOPRODUZIONE

Forse non sono questi i giorni
migliori per interrogarsi sul
futuro dell’umanità, ma certi
dischi hanno la straordinaria
capacità di essere in sintonia con
il corso degli eventi: è il caso di
questo nuovo lavoro di Fabrizio
Tavernelli, il nomade psichico
che, dopo aver rappresentato con
numerosi progetti l’ala più spe-
rimentatrice e coraggiosa della
musica indipendente italiana,
cerca di interpretare in presa di-
retta il nostro tribolato presente.
Fa un certo effetto ascoltare di
virus che si svegliano dal loro
sonno millenario in seguito allo
scioglimento dei ghiacciai (Cose
Sull’Orlo), o anche sentir cantare
di regioni lontane divenute re-
centemente famose (Lune Cine-
si); canzoni in cui alla vena mi-
stica e psichedelica dell’ex AFA si
vanno ad aggiungere inebrianti
elementi di world music.
STEFANO D’ELIA
73/100
Dietro il nome portoghese
(“vostra”), ecco un palermitano
intero e uno mezzo inglese, e un
debutto che mostra personalità
e gusto. Non una sorpresa, visto
che Gaetano Dragotta ha anni di
esperienza nel giro elettronico
come Go-Dratta, e Sergio
Beercock si è già fatto notare
come cantante, polistrumentista,
attore e regista teatrale. Ma
insieme i due trovano una
formula vincente, unendo i
propri talenti in un album che
per una buona metà è eccellente:
gli intrecci di voci trattate e le
sequenze sintetiche di una Cima
che sa di Caribou; i tagli soul
e la pompa techno midtempo
distorta di Change; i poliritmi
metallici e le nacchere della
filastrocca Bastard; il groove
acustico maliano, il batitto deep e
gli arpeggi prog di Nisba. Il resto
è meno a fuoco nonostante varie
buone intuizioni, ma regge.
ANDREA POMINI
77/100
L’esordio di Ettore Pistolesi
(voce, chitarra, tra le espe-
rienze pregresse Flying Vagi-
nas e Shout!) con il moniker
Wellworn Banana è il classico
album che tenta di distillare
l’essenza di una lunga militan-
za in vari gruppi e allo stesso
tempo una propria biografia
musical/emotiva. Ci riesce
benissimo, al di là del fatto che
gli omaggi agli idoli di gioventù
(su tutti gli Yo La Tengo, ma
sono visibili pure certe vena-
ture Sonic Youth e My Bloody
Valentine, e molto altro, a voler
cercare, della gloriosa stagione
indie nineties) sono credibili e
mai puramente emulativi. Ed è
una diffusa urgenza da teenage
angst (e chissenefrega della
carta d’identità), ma anche epi-
sodi come la fragile e vulnera-
bile Slow Time, a far decollare
una mezz’ora bella fitta di croc-
cante indie rock chitarristico.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
72/100
Willem Dafoe in Cuore Selvag-
gio di David Lynch, ok. Ma chi
cazzo è Xù, piuttosto? Cultori
dell’underground cagliaritano e
fisionomisti vari avranno rico-
nosciuto nel ritratto di copertina
Andrea Pilleri, uno di quei ma-
ledetti che riescono a suonare
solo in gruppi fighi (nel suo
caso Rippers, Oops, Love Boat e
Talky Nerds), e che dopo anni di
rock’n’roll in compagnia debutta
da solo. Cambiando genere, an-
cora una volta: le otto canzoni di
Who The Fuck Is Bobby Perù?
durano tutte dai quatto minuti
in su, e lo mostrano alle prese
con un post punk da cameretta
fatto egregiamente. Ritmi ro-
botici di drum machine, suono
riempito da sintetizzatori e chi-
tarra, ora distorto e ora invece
in fuga su arpeggi gotici, voce ef-
fettata e melodie che tradiscono
confidenza con tanto rock mar-
ginale di ieri e di oggi. Bravo.
ANDREA POMINI
77/100

COSMIC RITUAL
BLACK RAINBOWS SUPERTRIP
HEAVY PSYCH SOUNDS

Si riaccende la macchina del fuzz/riff dei Black Rainbows. Non
un ingranaggio fuori posto, tutto funziona alla perfezione. Più
solido e “scolpito” di Pandaemonium, fin dal titolo Cosmic Ritual
Supertrip sembra un esplicito riferimento ai Monster Magnet. E
un brano come Radio 666 ne è l’omaggio più evidente: rovinato
e torrenziale space junk fuzz (che poi gratta gratta sotto ci trovi
sempre gli Stooges). Meno ieratici e più “killer” della band di
Dave Wyndorf, i Black Rainbows sono un tipo di gruppo raro, che
riesce sempre a fare un nuovo album migliore del precedente. Ogni
volta c’è un motivo per cui puoi affermare questo. Nel loro caso
però è sempre lo stesso: Gabriel “idrovora” Fiori, il chitarrista/
compositore, che riesce di volta in volta ad amalgamare in
progress ogni possibile influenza, dal presente e dal passato, in
un formato essenziale/compatto, ma non per questo povero di
contenuti. La chiamano capacità di sintesi. Il brano di apertura
At Midnight You Cry ti sferza e ti mette subito in riga, citando
apertamente gli Stooges. Universal Phase manipola gli Sleep
saturandoli di fuzz. Hypnotize By The Solenoid e Glittereyezed
hanno l’andamento di mantra psichedelici firmati Spacemen 3
invasi da una marea montante di fuzz e wah wah. Mentre con The
Great Design e Searching For Satellites la tensione si allenta:
remote ballate space psichedeliche tra Sam Gopal e Hawkwind.
Master Power Blast torna a mordere: una versione blast stoner
dei Frijid Pink di Detroit! Per non farsi (e non farci) mancare
niente, i BR scodellano alla fine due fuzz blues micidiali come
Snowball e Sacred Graal (alla Nebula), e ci volevano proprio due
pezzi così. Ammetto che non ero sicuro di essere preparato a dirlo
un’altra volta, ma questo è il miglior album dei Black Rainbows.
CLAUDIO SORGE
84/100
RUMOREMAG.COM | 89
TREECOLORE IN BREVE MAGGIO 2020

10 HP ANTICORPI ASPIC BOULEVARD BROKEN UP

MANTIDE VOTA ESTINZIONE MEMORY RECALL OF SOUL VICTIM
AUTOPRODUZIONE CAZZIMMA DISCHI A REPLICANT DREAM SHADES OF SOUND/WAVE
BLOW UP
Pop rock Benvenuti Niente
semplice all’ultimo I fratelli “novità”
e diretto: party dell’u- siciliani nel debutto
basso, manità: Marco e di Dedo
batteria, l’accesso Alessandro Panzera e
chitarra è solo per Barrano Max Caselli
e tanta chi ha svi- approdano (Intelligen-
energia luppato le alla londi- ce Dept.,
per questo trio siciliano che dovute difese contro razzismo, nese Blow Go Flamingo!) con Chiara
fa dell’essenzialità e della fre- sessismo, omofobia e tutti i mali Up con una godibile formula Boldrini eTom Lampronti, ma
schezza le proprie carte miglio- dell’anima che ci hanno condot- pop a base di sintetiche e ana- tanta sapienza nel ricreare gli
ri. Tra accorate riflessioni sulla ti alla fine del mondo. In scena logiche chincaglierie vintage, ‘80 del glamour giocato sulle
propria terra d’origine (Il Sogno gli Anticorpi, trio agit pop sui la cui futuribilità curatissima sfumature di nero, dei riff post
D’Ulisse), e serrate sventagliate cui brani si innestano elettriche e minuziosamente dettagliata punk, dell’elettropop da disco
rock (Figli Della Luna, Hai Già nervature di synth rock situa- potremmo situare da qualche dark. Con riferimenti culturali
Venduto L’Anima?), Mantide è zionista; sette pezzi che rischia- parte tra gli strumentali al – Long Long Long è ispirata a
un lavoro genuino, che scorre no di acquisire valore innodico Moog di Mort Garson, gli Air, la Ferlinghetti – e divagazioni (la
tutto d’un fiato senza concedere per i figli dell’apocalisse. nostra library music più exotica psichedelica Govinda Gopala)
pause. STEFANO D’ELIA e un pizzico di psych pop. Im- che mostrano orizzonti artistici
STEFANO D’ELIA 70/100 peccabili e ispirati. più ampi.
65/100 ALESSANDRO BESSELVA AVERAME LETIZIA BOGNANNI
77/100 70/100

CALTIKI DARMA BEPPE DETTORI EAR

AMAZZONI VERTIGINE & RAOUL MORETTI EXOUSIA
AREA PIRATA BRUTTURE MODERNE (IN) CANTO RITUALE - OMAGGIO PMS STUDIO
A MARIA CARTA
Forza mo- La pro- RUBBER SOUL Un’anima
trice del duzione e folk acu-
trio roma- gli arran- Ascoltare stica, una
no solo la giamenti, questo la- moderna
voglia di a cura di voro è come sensibilità
divertirsi Francesco entrare cantautora-
e far muo- Giampaoli, all’inter- le, una mi-
vere i culi, sono una no di una surata ge-
senza per questo scadere nel garanzia: dettagliatissime e fu- cattedrale stualità post rock e qualche tos-
prototipo di band da veglione turibili atmosfere moderniste da durante sina elettronica in libero volo
di capodanno. Tutt’altro: dieci universo parallelo, tra twanging una funzione religiosa, si rimane orchestrano uno slow listening
brani – dedicati ad altrettante e balera space age. Le canzoni incantati dalla maestosità e dalla cangiante che, per vis intro-
figure femminili – agili e mai dell’esordiente Darma, dal canto spiritualità che pervadono queste spettiva, potrebbe incarnare la
banali nel loro mix di garage loro, sono fresche e ispirate, con sentite reinterpretazioni. Dettori colonna sonora di una curativa
rock spassoso, beat italiano voce appropriatamente catchy e e Moretti omaggiano l’indimen- aspettativa dal mondo (su tutto
anni 60, surf a grana grossa e scrittura incisiva. A confondere ticabile Maria Carta con sette le suggestioni radioheadiane di
cantautorato nostrano dalla chi- proficuamente le acque, il featu- brani storici e l’inedito Ombre, 453 gr.: per il duo forlivese una
tarra facile (Bennato e Graziani ring di Moder su due brani. composizione che mette in mu- sorta di personalissima High
in primis). ALESSANDRO BESSELVA AVERAME sica una suggestiva poesia della And Dry).
ANTONIO BELMONTE 73/100 straordinaria cantante sarda. ANTONIO BELMONTE
68/100 STEFANO D’ELIA 73/100
75/100
 SUONA ANCORA
IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI

FIORI DI CADILLAC DINO FUMARETTO IRON MAIS

FUORI DALLA STORIA COMA LIVE WOODCOCK
INRI TROVAROBATO MANINALTO!

Si parla di Inciso Adorabili

relazioni in-
terpersona-
li, perlopiù
autobiogra-
fiche, nel
secondo
lavoro del
trio salernitano. Prodotto e
inciso da Giulio Favero, che lo
ha arrangiato insieme a loro, il
disco si muove in territori pop
sintetici, tra un uso equilibrato
dell’elettronica e impulsi dance.
Pop nell’accezione buona del
termine, quello che coniuga un
suono rassicurante, ritornelli ac-
cattivanti e la giusta profondità.
BARBARA SANTI
70/100
durante il
tour che ha
seguito la
pubblica-
zione del
suo ultimo
album,
raccoglie tre pezzi tratti dallo
stesso, due dal precedente e uno
dall’EP Sotto Assedio. Sei tracce
suonate dallo stesso Billoni,
insieme a IOSONOUNCANE,
Rocco Marchi, Francesca Bac-
colini, che con lui produssero
Coma, e a Simone Cavina. Una
sorta di bootleg che, a causa del
virus, anziché in cassetta esce
solo in digitale.
BARBARA SANTI
72/100
sin dalle
audition a
X Factor e
padroni in-
contrastati
del cow
punk italia-
no, hanno impostato la carriera
sulle cover ma non sono una CLAVER GOLD
cover band: fanno loro le canzo- MURUBUTU
ni, le trasformano. Basta ascol- INFERNUM
tare Thriller (M.Jackson) e King GLORY HOLE/WOODWORM
Of Metal (Manowar), che acqui-
siscono una forma rurale quanto Il disco si evolve tra cita-
volete, ma nuova. Un inedito e zioni originali, temi ispirati
dieci cover tra cui gli Offspring, al testo dantesco, beat sia
con una versione psycho mex di classici sia contemporanei,
Come Out And Play. spunti melodici e filotti di
MARIO RUGGERI rime.
88/100

ALBERTO NEMO OVERLOGIC FABRIZIO PATERLINI

AMORE ETERNO ODIO DELIFE TRANSITIONS II
MAYDAY URTOVOX MEMORY RECORDINGS

Amore. Gli Over- Secondo

Eterno.
Odio. Tre
semplici
parole che
al loro
interno
contengono
innumerevoli significati, tanti
quanti sono gli stati d’animo
che possono ospitarli. Alberto
Nemo erige intorno a questi tre
termini dalla valenza univer-
sale quattro celebrazioni litur-
giche, composizioni dall’ince-
dere severo, attraversate da un
devoto sentimento religioso.
File under: colonna sonora per
indulgenze plenarie.
STEFANO D’ELIA
65/100
logic non
inventano
nulla di
nuovo, né
apportano
particolari
novità a
un genere ormai datato come il
synth pop, tuttavia questo duo
bolognese ha il dono di saper
dare un tocco personale a dei
brani ben strutturati. Pezzi
come Gaslighting, Skate e Pick,
Click, Shit, hanno un tiro e
un brio che di rado si trovano
presso la nutrita concorrenza,
aspetto su cui i ragazzi devono
insistere.
STEFANO D’ELIA
67/100
capitolo
della trilo-
gia dedicata
alle micro-
storie di
solo piano
della durata
di un minuto. Il lievito madre
rimane quello di uno struggen- MODER
te minimalismo neoclassico CI SENTIAMO POI
alimentato da einaudiani rista- GLORY HOLE
gni atmosferici (That Feeling,
Though) e una malinconia Un disco spesso acustico,
cinematografica che, da par verrebbe da dire quasi can-
suo, non poteva che deflagrare tautorale: un rapper per cui
al meglio nella dolente melodia spingere tutto fino al limite
di Autumn Theme, ideale com- è condizione necessaria.
mento sonoro di un addio.
ANTONIO BELMONTE
71/100

RENÀRA TRAVELLING SOUTH  THE YOUNG NOPE

RENÀRA
DREAMINGORILLA/MARSIGLIA/GENE-
RAL SORENESS/DISCHI DECENTI/1 A 0
Un di-
schetto che
nel 2012
avrebbe
fatto faville.
Oggi molto
meno, ma
non per
demeriti dei Renàra, band ibrida
che vede membri di Do Nasci-
miento, Son e June Miller. Post
HC ed emo deviati dal math rock
schizofrenico. Qualche richiamo
generazionale ai Verme (RIP) e
in alcuni frangenti gli attacchi
hardcore melodici dei Satanic
Surfers. “Ma vuoi mettere / la
bellezza / di aiutare una vecchia
al supermercato?”
NICHOLAS DAVID ALTEA
70/100
WE PLAY F*CKIN’ DIRTY BLUES
FILIBUSTA
“Suoniamo
del cazzo
di sporco
blues” dice
più o meno
il titolo
di questo
disco della
formazione romana. Dedizione
totale al genere e poche conces-
sioni all’individualismo: a tratti
forse un po’ troppo funambolici
per i gusti di chi scrive, ma senza
dubbio trascinanti nello sposare
un versante hard con padri pu-
tativi gli ZZ Top anziché certe
declinazioni puramente virtuosi-
stiche delle 12 battute.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
67/100
GULP
AUTOPRODUZIONE
Buone
notizie:
nonostante
la giovane
età dei tre,
niente indie
pop sin-
tetico per
adolescenti sfiniti. Piuttosto un
disco suonato bene, fatto di un ALFIO ANTICO
rock esplicito, d’impatto imme- TREMA LA TERRA
AL-KEMI/ALA BIANCA
diato, talora incendiario. Chitar-
re sature, poi funkeggianti, un
Il suono è meno cupo e
piglio prog e un’attitudine blues
la sperimentazione meno
che talvolta fa capolino. Qual-
ardita, ma la scrittura
cosa che sta tra il musical dei
compie un passo in avanti,
primi ‘70 e gli Afterhours, pur
più legata alla canzone e a
distinguendosi per personalità.
BARBARA SANTI
un’attitudine quasi rock.
70/100
RUMOREMAG.COM | 91
 ABORTED TORTOISE THE AVALANCHES
SCALE MODEL SUBSISTENCE RUNNING RED LIGHTS
VENDOR UNIVERSAL
GOODBYE BOOZY
La dedica
Le quattro al compian-
pallottole to David
caricate Berman
su questo dall’eccen-
7” sono la trica band
dimostra- australiana.
zione che Un gioielli-
l’hardcore no pop psichedelico, interpre-
ha più di sette vite. Giovanis- tato da Rivers Cuomo (Weezer),
simi, australiani di Perth, gli prima che sul finale arrivi l’inci-
Aborted Tortoise suonano come so recitato in punta di piedi dal
i primi Meat Puppets. Forse rapper Pink Siifu. “The light in
meno anarchici, ma come loro my life is going out tonight wi-
dediti a un punk che asfissia: thout a flicker of regret”: sono
alte velocità, rullate come raf- versi tratti dal brano di Purple

VIAGRA BOYS
fiche di mitra, riff secchissimi, Mountains Darkness And Cold,
voce folle e monocorde, cambi ed è difficile trattenere la com-
di tempo e, di fondo, una certa mozione.
paranoia. Bel singolo. GIORGIO VALLETTA
LUCA FRAZZI 89/100
75/100

COMMON SENSE THE BLACK WIZARDS COMA_COSE

YEAR0001
ENDLESS VIBING JAMS DUE
AUTOPRODUZIONE ASIAN FAKE

Il sospetto che Street Worms, primo Due brani Due brani

album di Viagra Boys, aveva fatto aleg- tratti dalle
giare qualche tempo fa, diviene certezza sessions di
con l’ascolto del nuovo EP: i ragazzi sono Reflections,
l’avamposto svedese di quel manipolo abbastan-
di band che negli ultimi anni hanno za diversi
riportato linfa e vigore a un genere che dallo stile
andava arenandosi. Utilizzando due dell’album.
aggettivi ormai desueti definiamolo rock Molto più rivolti al glorioso
del proletariato, una mescolanza di punk, blues, hip hop, poe- passato blues psichedelico dei
tica di strada costruita su discussioni da pub alla quinta pinta ‘60. The Great Escape è un
dell’una del mattino. Le quattro canzoni di questo 12” racconta- dark blues rock da sabbathisti
no tutto in un quarto d’ora: l’inno ai perdenti in forma di ballata allucinati. Mentre Track 6 è un
orchestrale della title track, la cavalcata post punk tutta spigoli lentissimo blues acido dove le
e adrenalina (Lick The Bag), il blues storto alla Bad Seeds con chitarre sembrano quelle lanci-
contrappunto di sax (Sentinel) e la chiusura in formato white nanti di un James Gurley (Hol-
hip hop jazzato, tra The Streets e King Krule. ding Co.), e tutto il resto pare
ARTURO COMPAGNONI un blues di Aynsley Dumbar Re-
82/100 taliation. Ma con il timbro dei
Black Wizards. Grande band.
CLAUDIO SORGE
80/100
scritti nello
scorso au-
tunno 2019
ed entrambi
prodotti da
Stabber (già
all’opera
con artisti come Salmo e Nitro).
Guerre Fredde è una tempestiva
e rassegnata riflessione sulla
solitudine, degna delle migliori
cose pubblicate dal duo mila-
nese finora. Ne La Rabbia, Ca-
lifornia rappa di “corpi neri nel
mare e anime perse coi domici-
liari”, mentre è a Fausto Lama
che tocca la parte melodica.
GIORGIO VALLETTA
75/100

FIDDLEHEAD GREENTEA PENG THE HECK HOFAME

GET MY MIND RIGHT GHOST TOWN MOVE! TEMPUS TEMPORIS
RUN FOR COVER DIFFERENT SOUR BOMB I LOW YOU/MANGIAREBENE

Nel caso Accompa- Se c’è un Tre tracce di

non vi
siano pas-
sati sotto
il naso con
Springtime
And Blind
(2018),
vivamente consigliato, c’è modo
per recuperare partendo anche
da queste due tracce tra punk e
post HC che ricadono perfetta-
mente in quella mega famiglia
che riparte dal punk rock e lo
amplia e lo ingrandisce a livello
sonoro. I bostoniani Fiddlehead
sono tra i migliori, e pure la più
dimessa B side (Stay In The
Room) ha ottime potenzialità.
NICHOLAS DAVID ALTEA
80/100
92 | RUMOREMAG.COM
gnata da
una lettera
aperta sulla
gentrifi-
cazione
di Londra
e sulle
crescenti difficoltà della clas-
se operaia in Gran Bretagna,
Ghost Town è dichiaratamente
ispirata dall’omonimo classico
degli Specials. Ma l’approccio
musicale della promettente arti-
sta 24enne aggiunge neo soul e
jazz ai ritmi d’origine giamaica-
na, ed è ammirevole la determi-
nazione con cui canta “you can’t
take my city from me”.
GIORGIO VALLETTA
86/100
gruppo
europeo
che prende
a calci il
garage dei
Sixties pur
rispettan-
dolo profondamente, be’ eccolo.
Il nuovo 7” del trio olandese gui-
dato da Henri Soulmann parte
dritto alla giugulare con Move!
dove pare di ascoltare Screamin’
Jay Hawkins sodomizzato dai
Motörhead mentre delle Ro-
nettes accelerate chimicamente
armonizzano ai cori. Burnout
inizia più traballante, poi è tutto
un singhiozzo garage punk.
MANUEL GRAZIANI
79/100
Un Istante,
ultimo disco
di Hofame,
prelevate
da tre di-
versi DJ/
produttori
(Earthquake Island, Durmast e
Medicamentosa) per fornire tre
differenti visioni di migrazione
della forma canzone da pop a
elettronica. Dall’ambient orien-
taleggiante di Un Filo D’Erba, al
tormentone elettro (Un Colpo Di
Nausea) fino alla deriva tribal-
glinch (L’Autodidatta). Esperi-
mento riuscito e interessante.
ARTURO COMPAGNONI
67/100
SINGOLARE LA LUNGHEZZA NON È TUTTO MAGGIO 2020

JASSS L’ALBERO LE MARINA MÄSH

WHITIES 027 ALLEGRIA LIBERA I DON’T WANT YOU
WHITIES SANTERIA THE SOUND OF EVERYTHING WANDA

Già prota- Aspettando Un interes- Operano a

gonista del
convincente
album di
debutto
Weightless
tre anni fa,
la spagnola
Silvia Jiménez Alvarez riemerge
con due brani inediti e ancor
più personali. Nella prodigiosa
combinazione fra breakbeat
e melodie di synth Turbo Olé
aggiunge epica gravità al suo
potente omaggio al suono rave,
mentre il drammatico dubstep
di We Solve This Talking sfocia
in una straordinaria progressio-
ne emotiva.
GIORGIO VALLETTA
92/100
che “tutto
vada bene”
e tempi più
clementi
per pubbli-
care il suo
secondo
album, l’ex Vickers ha raccolto
nell’EP Allegria gli ultimi due
singoli usciti, l’omonimo ine-
dito e la rilettura acustica di un
pezzo tratto dall’esordio. Il suo
è un folk pop dai testi intelli-
genti e raffinati, declinati in ita-
liano da un timbro particolare e
debitori tanto al Battisti dei ’70
quanto al rock psichedelico.
BARBARA SANTI
76/100
sante EP
di debutto
per l’artista
toscana
oggi di casa
a Londra,
che rispec-
chia nello pseudonimo scelto
la propria bipolare personalità
artistica. Fra riferimenti trip
hop e l’espressione di un’evi-
dente ammirazione per FKA
Twigs (vedi Say It Sad), affiora
un’ispirazione sonora peculia-
re, come nell’evoluzione di I’ll
Never Love You o nelle insolite
sperimentazioni ritmiche di
Trauma.
GIORGIO VALLETTA
77/100
Berlino ma
due sono
spagnoli e
tre italiani.
E che ita-
liani: i chi-
tarristi Ste-
fano e Andrea hanno 25 anni
buoni di punk’n’roll nella testa
e nelle mani. Passione, back-
ground, e direi anche mestiere,
sgorgano nei due pezzi del 7” in
cui il proto punk e il pub rock
dei ’70 invadono il pop punk
dei ’90. Un’invasione decisa ma
allegra, fatta di melodia conta-
giosa e riff a presa rapidissima.
Ottimo nel suo genere.
MANUEL GRAZIANI
77/100

FRANK OCEAN PALMER GENERATOR/ PURPLE HEART PARADE SMILE

DEAR APRIL/CAYENDO THE GREAT SAUNITES DESOLATION ANGEL EVERY NEW MISTAKE
BLONDED PGTGS CLUB AC30 DOTTO
BLOODY SOUND FUCKTORY/
L’ennesima BRIGADISCO/IL VERSO DEL CINGHIALE Pensi a Il debutto
anticipa- Manchester degli Smile,
zione di un Il filo con- e diresti quartetto
album che duttore britpop, ma torinese i
sarà (quan- dello split la risposta cui mem-
do?) consi- fra i già è giusta bri hanno
ste in due da noi co- in parte. comunque
singoli dif- nosciuti I Purple un buon
fusi contemporaneamente: Dear The Great Heart Parade riuniscono sia curriculum musicale alle spalle,
April è una ballata rarefatta e in- Saunites, quella matrice pop mancuniana inalbera orgogliosamente un
terpretata con il suo inimitabile duo basso/tastiere e tamburi/ fieramente psichedelica, sia i inequivocabile senso di appar-
pathos, mentre Cayendo utilizza elettronica, e il trio padre/figlio/ codici del dream pop, per scal- tenenza. Sentimentale, se non
alcuni versi in spagnolo per de- zio sono le trame psichedeliche fire le melodie con le chitarre proprio biografico. L’humus
scrivere un amore non corrispo- tessute dai due gruppi: a essere shoegaze (Red Rose Country). cui attinge la frenesia jangle
sto. Nelle edizioni limitate in 7”, spudoratamente sinceri prefe- Ci riportano al momento più dell’eccellente Every New Mi-
sono rispettivamente i Justice e riamo quelle free e freak dei 20 riverberato dei Verve, A Storm stake è quello dell’indie ameri-
Sango – emergente produttore minuti della traccia dei TGS alle In Heaven (1993) frutto anche cano degli anni belli: dai R.E.M.
di Seattle - a firmare i remix. seppur godibili due canzoni, più di un cantato acidissimo. Idee giovani chez I.R.S. ai Mission Of
GIORGIO VALLETTA canonicamente orientate sul buone ma la scrittura è a tratti Burma. Promettente.
82/100 versante post rock e math, dei dispersiva e la tensione calante. CARLO BORDONE
Palmer Generator. NICHOLAS DAVID ALTEA 78/100
MARCO PECORARI 63/100
66/100
SQUID SUBURBAN NOISE VANITY VUUR & ZIJDE/IMPAVIDA
SLUDGE NOW/HERE ANTICLIMAX VUUR & ZIJDE/IMPAVIDA
WARP LOYAL TO YOUR DREAM FEEL IT PROPHECY

Bene, direi La band Il quintetto Ricordate

che siamo
in pieno
revival LCD
Soundsy-
stem primo
periodo.
Percussioni,
verticale funk, djismo wave,
voce isterica che Mark E. Smith
buonanima e John Lydon sem-
pre sia lodato, chitarre Gang Of
Four che Andy Gill buonanima
anche lui, break tastieristico
prog e bomba spazzatutto psi-
chedelica alè. C’è tutto. Diverte,
fa muovere. Sono in cinque, da
Brighton. Post Punk Is Playing
At My House.
MAURIZIO BLATTO
73/100
formatasi
a Campi
Salentina
(Lecce), tra-
sferitasi poi
a Pesaro,
era ferma
da circa 20 anni ed è stata un
tassello importante per la scena
punk italiana di fine anni 90.
L’occasione del ritorno è stata
quella di un augurio di pronta
guarigione per l’amico Marco
Morosini (Eversor, The Miles
Apart). Dall’agile emo core anni
Zero (Our Simple Song) fino al
brano in italiano che è un moni-
to diretto Ora Qui. Rieccoli.
NICHOLAS DAVID ALTEA
72/100
di Brooklyn
ha tutto ciò
che serve
per far pro-
seliti, basta
ascoltare i
due album
del 2016 e 2018. Eppure non si
schiodano dalla nicchia della
nicchia. Un peccato, ché anche
in questo bel singolo vinilico
l’effervescenza Sixties della title
track lucida con pennellate di
power pop contemporaneo la
meravigliosa ruggine di Stones
e Big Star. Il lato B A Seat At
The Table sposta l’asticella an-
cora più in là. Ottimi.
MANUEL GRAZIANI
78/100
la metodica
al canto di
Alison Shaw
nei Cranes
originari,
così quanto
quello della
Frazer coi Cocteau Twins? Bene,
i Vuur & Zijde nella loro traspo-
sizione post black emozionale
colgono quell’incisione onirica
e la situano in una rivisitazione
del pagano promulgata da In The
Woods e Ulver. Decisamente dar-
kthroneiani, di contro, gli Impavi-
da, fautori di due brani circoscritti
in una connotazione spiritual di
Under A Funeral Moon.
STEFANO MORELLI
77/100
RUMOREMAG.COM | 93
FLASHBACK POLE
DUB TEUTONICO
POLE
1/2/3
MUTE/PIAS
Dub take the voodoo out of reggae.
Nel 1996, quando il dub scavallava il
suo quarto di secolo, Mad Professor
e Lee Perry, due giganti del genere,
pubblicavano un album di onesto dub
riaggiornato ai tempi allora correnti con
un titolo che subito suonò come sentenza
retroattiva: il dub tira fuori il voodoo
dal reggae. Come a dire che ne enuclea
lo spettro misterioso, abbandonando il
94 | RUMOREMAG.COM
POLE
reggae ai suoi languori caraibici e al suo
allegro ritmo ondeggiante. Ecco perché
ai bianchi europei il dub piace, perché
vi ritrovano una vibrazione fredda più
consona al clima continentale, perché non
nasce al sole nei sound system di Kingston,
ma nella penombra degli studi di
registrazione, come un golem minaccioso.
Ne è stata affascinata la generazione punk
e post punk, quella industriale, quella
trip hop, e alla fine degli anni 90 la nuova
scena elettronica tedesca, incluso Stefan
Betke, in arte Pole. Racconta Betke che
furono due musicisti della Neue Deutsche
Welle, Gudrun Gut (Malaria!) e Thomas
Fehlmann (Palais Schaumburg), a
regalargli un filtro analogico, il Waldorf
4-Pole (da qui il monicker scelto da
Betke) con il quale decise di sperimentare
su alcune idee. Quel modulo cadde e si
danneggiò. Quando Betke lo riesumò dopo
molto tempo notò che quel suono pieno di
fruscii e piccole scariche elettrostatiche si
adattava perfettamente alla sua sensibilità
minimal techno e alla sua recente passione
per dub e reggae. Munito di eco, reverberi
e delay applicati agli electronics in sua
dotazione iniziò a sperimentare sulle sue
ossessioni espungendo ogni elemento
consonante e melodico e concentrandosi
sulla tessitura sonora, sull’elaborazione
DI ANDREA PREVIGNANO
di brevi loop. Fu così che in poco più di
due anni nacque il trittico composto da
1 (1998), 2 (1999) e 3 (2000) che ora, a
distanza di 20 anni dalla chiusura del
progetto e a 12 dalla prima ristampa su
~scape, Mute e PIAS ripropongono in
versione rimasterizzata con l’aggiunta
di un EP, Raum (1998), propedeutico
alle sperimentazioni iniziate quell’anno.
1, ma soprattutto 2 e 3, costruirono
un reticolo di scoppiettanti crackles,
atmosfere ambient e dub spogliate da
ogni melodia, poggiato su una techno
minimale e fratturata, studiato, come
ricorda lo stesso Pole in una bella
intervista a “Fact”, per un ascolto in cuffia,
mentre si è in metropolitana, a casa, nella
dimensione del club, addirittura come
sottofondo funzionale a un set techno con
pulsazione regolare. Un ascolto urbano,
insomma, legato alla fruizione negli spazi
contenuti della quotidianità cittadina,
secondo un’estetica glitch e minimale che
parallelamente veniva coltivata da nomi
come Thomas Brinkmann e Oval. Dopo
quasi un quarto di secolo uno spettro
ancora si aggira per i cieli di Düsseldorf, lo
spettro del dub.
90/100 DISCO
ZERO0 EXTRA
RETROPOLIS MAGGIO 2020
AA.VV.
391 EMILIA ROMAGNA VOL. 7/8
SPITTLE
Il progetto 391 è il più serio e
strutturato tra quelli votati al
recupero della prima new wave
italiana. Intanto, per l’imposta-
zione rigorosa (doppi CD, uno
per regione, con bio dettagliate e
una linea grafica riconoscibile),
poi per la qualità delle scelte, che
privilegiano formazioni spesso
mai arrivate a incidere, a testi-
monianza di un sottobosco vivis-
simo. In particolar modo in Emi-
lia Romagna, alla quale sono de-
dicati ben due volumi (‘80/’84 e
‘85/’89, quattro CD per un totale
di 80 gruppi) dai quali emerge la
consapevolezza del proprio es-
sere alternativi a quell’Italia “da
bere” e in qualche caso proposte
musicali di assoluto rispetto. Per
capire di cosa parlo procuratevi
questi due volumi e, se sposate la
causa, anche quelli che li hanno
preceduti.
LUCA FRAZZI
80/100 DISCO
ZERO EXTRA
RUTH ANDERSON
HERE
ARC LIGHT EDITIONS
Nata nel 1928 e mai troppo
considerata in vita, Ruth An-
derson è stata una pioniera
della composizione elettronica
ed elettroacustica americana.
E suona crudele che non abbia
potuto vedere il suo unico album
solista, uscito pochi mesi dopo la
sua morte (nello scorso novem-
bre) e chiamato a renderle i giu-
sti onori. Cinque tracce in tutto,
di cui due inedite, registrate fra
1968 e 1979: le onde sintetiche
pure di Points, il recitato dell’i-
niziale The Pregnant Dream, i
minacciosi oscillatori effettati di
So What, il provocatorio collage
radiofonico da plunderphonics
15 anni prima di Sum (State Of
The Union Message). Sull’intero
secondo lato del vinile invece,
i 23’33” di I Come Out Of Your
Sleep, costruiti solo su lunghe
vocali sussurrate ed effetti, me-
ditazione infinita.
ANDREA POMINI
78/100 DISCO
ZERO EXTRA
AA.VV.
BEHIND THE WALL
SPITTLE
Negli anni 80 la guerra fredda
toccava l’apice della tensione e
la città simbolo di quello scontro
(ideologico, politico, militare) era
ovviamente Berlino. In Germania
Est esisteva una scena musicale
underground che nessuno cono-
sceva al di fuori dei confini na-
zionali, più nascosta e coraggiosa
della controparte occidentale.
Lo scopriamo grazie a Behind
The Wall, raccolta che mette in
fila nomi sconosciuti e suoni che
cristallizzano un’era, su tutti i Die
Art col loro post punk alla Wire, i
Kriminelle Tanzkapelle (al limite
dell’industriale) e i Die Vision,
dei Byrds cinetici in parata mili-
tare. Per il resto, è un trionfo di
percussioni tribali, bassi cupis-
simi e grigiore honeckeriano. La
foto di un luogo e di un’epoca, in
tutte le sue contraddizioni.
LUCA FRAZZI
75/100 DISCO
ZERO EXTRA
BELFAST GYPSIES
THEM BELFAST GYPSIES
CHERRY RED
Questa è la band nata dall’ab-
bandono dei Them da parte di
Pat e Jackie McAuley, nel 1965.
Con tanto di disputa legale per
l’utilizzo del nome, persa dai
McAuley, e gran casino a corre-
do. Il produttore Jim Fowley li
ribattezzò Belfast Gypsies, ma
loro volevano chiamarsi Them
lo stesso, anche se in UK erano
obbligati a chiamarsi The Other
Them. Incisero questo disco di
ruvidissimo garage/R&B rin-
ghiante alla Them (ehm) in cui
rifanno i Them senza Morrison
(ehm bis) e con tanta incazza-
tura. Questa ristampa include
l’album uscito (postumo e con
il logo dei Them: paraculata!)
nel ‘67 per la svedese Sonet, dei
demo, singoli e un EP francese
dello stesso anno. Un ottimo do-
cumento per un gruppo dimen-
ticato: non epocale, ma perfetto
per gli amanti del genere.
ANDREA VALENTINI
75/100 DISCO
78/100 EXTRA
AA.VV.
MAGHREB K7 CLUB
SOFA/BONGO JOE
A prima vista, una semplice
raccolta di musica maghrebi-
na: Synth Raï, Chaoui & Staifi
1985-1997 dice il sottotitolo, e
ci si immagina polverosi nego-
zietti di Orano pieni di cassette
con le copertine sbiadite dal
sole. In realtà, qualcosa di più
ibrido e intrigante: 11 tracce
prodotte da musicisti della co-
munità nordafricana di Lione,
anch’esse circolate fino ad ora
solo su nastro, ma figlie di una
contaminazione inevitabile con
stili e soluzioni pop francesi ed
europee. Favorita dall’acces-
sibilità di tecnologie nuove e
dalla facilità di circolazione del
formato. Entrano allora in ballo
disco e funk, chitarre elettriche
e suoni sintetizzati di fisarmo-
nica, sovraincisioni e citazioni
(Salah El Annabi con Oxygène
del concittadino Jean-Michel
Jarre!), con risultati mirabili.
ANDREA POMINI
80/100 DISCO
ZERO EXTRA
DAVID BOWIE
CHANGESNOWBOWIE
PARLOPHONE
Facile, visti i ritmi fordisti della
fabbrica di ristampe di Bowie,
passare sopra un lavoro come
ChangesNowBowie. Potrebbe
frenare la data di registrazione,
quel 1996 che lo vedeva in tran-
sito da Outside a Earthling, non
proprio i suoi due dischi ricor-
dati con maggiore affetto. Ma
se queste registrazioni in larga
misura acustiche non arrivano
dai ‘70, la scaletta scelta per
celebrare negli studi della BBC
i 50 anni del Duca Bianco pesca
quasi tutto da lì. The Man Who
Sold The World post rinasci-
mento nirvaniano, ad esempio.
In testa a un live minore ma non
per questo meno sublime: una
Lady Stardust che da sola vale
la ristampa e scelte meno imme-
diate come The Supermen, Qui-
cksand o l’amata cover di White
Light/White Heat. E sì, persino
un recupero dai Tin Machine.
FRANCESCO VIGNANI
82/100 DISCO
ZERO EXTRA
AA.VV.
TIDBEATS
CINEVOX/AMS
Tempo di celebrazioni con il
doppio zero per una delle voci del
cinema più famose al mondo. È
infatti passato un secolo da quan-
do Cesare Andrea Bixio decise
di fondare la sua casa di edizioni
musicali, scegliendo poi nel 1960
di specializzarsi in colonne so-
nore e cambiando il nome dell’e-
tichetta in Cinevox. Tidbeats è
risultato di una full immersion di
12 mesi negli archivi da parte del
curatore Alessio Santoni, che ha
colto questo oneroso privilegio
per arrivare a condividere con
gli appassionati il bottino di 161
pepite assemblate in una sorta
di partitura lineare unica inediti
di Stelvio Cipriani, Francesco
De Masi, Piero Umiliani, Riz
Ortolani, Armando Trovajoli,
Piero Piccioni e tanti altri grandi
maestri della colonna sonora ita-
liana. Disponibile in doppio CD o
quadruplo vinile.
MARCO PECORARI
73/100 DISCO
ZERO EXTRA
ESPERS
ESPERS/THE WEED TREE
DRAG CITY
Gli Espers rappresentano un
caso singolare nell’ambito del
pop di inizio millennio. In un
periodo in cui si dava nuovo
lustro a forme tradizionali di
musica acustica, il loro era un
droning sound arcano e dalle
fattezze misticheggianti; ispira-
to all’acid folk di Fairport Con-
vention e Pentangle, ma ricco di
elementi dissonanti, incursioni
analogiche e richiami alla tra-
dizione pagana anglosassone.
Il loro primo omonimo album,
uscito nel 2003 e da tempo
fuori catalogo, viene ora ristam-
pato insieme a The Weed Tree,
disco di cover del 2005 che,
fatti salvi un paio di brani tra-
dizionali, andava a pescare da
un repertorio variegato (Black
Sabbath, Durutti Column, Nico,
Blue Öyster Cult), lasciando
intravvedere tutta la complessa
gamma di influenze del gruppo.
DIEGO BALLANI
79-75/100 DISCHI
ZERO EXTRA
RUMOREMAG.COM | 95
RETROPOLIS MAGGIO 2020

THE FALL THE GROUPIES HACKENSACK NO TREND

REFORMATION POST TLC PRIMITIVE UP THE HARDWAY TOO MANY HUMANS/TEEN LOVE
CHERRY RED BEAT ROCKET/SUNDAZED SOMMOR DRAG CITY

Durante un burrascoso tour
americano dell’aprile 2006, Ben
Pritchard, Spencer Birtwistle
e Steve Trafford abbandonano
all’improvviso la band: vengono
sostituiti al volo dagli statuni-
tensi Tim Presley, Rob Barbato e
Orpheo McCord. Con loro Mark
E. Smith, la sua compagna Elena
Poulou e Dave Spurr assembla-
no questo album – pubblicato
l’anno seguente. Non è certo un
disco epocale e forse è il primo in
cui Smith mostra i segni dell’età
che avanza e degli abusi. Ma è
pur sempre Fall al 100%, nel
bene e nel male, con non pochi
echi dell’era d’oro della band
(fine anni 70, primi ‘80): quindi
post punk, motorik e immagina-
rio delirante frullati assieme. La
ristampa è anche corredata da
due CD di demo e alternate ver-
sions, più un live del 2007.
ANDREA VALENTINI
70/100 DISCO
74/100 EXTRA
Lo aspettavamo da tanto questo
LP retrospettivo dei Groupies.
Garage band culto dei ‘60 alla
quale si può tranquillamente
accostare la parola “punk” e che
incise un solo singolo (Primiti-
ve). Si può dire che fossero una
versione più “sporca” degli Sha-
dows Of Knight. Nel senso che
masticavano il blues di Chicago
di Muddy Waters, Howlin’ Wolf
e Willie Dixon (You Can Judge A
Book By The Cover) con una rab-
bia al limite dell’isterismo; e gli
R&B più trasandati (I’m Gonna
Work It Fine) come gli Stones di
December’s Children. I’m A Man
poi dovete sentirla. Certo Cooker
non era Jim Sohns, ma un teppi-
sta che non sapeva tanto cantare:
sentite come “rovina” Gloria. Il
“clou” è naturalmente Primitive,
inno underground del garage di
ogni tempo. Tassello fondamen-
tale per il 60’s punk.
CLAUDIO SORGE
85/100 DISCO
ZERO EXTRA
Dicono che nei primi anni 70
in Inghilterra uno dei migliori
chitarristi in giro fosse Nicky
Moore. Nel 1973, la sua band,
gli Hackensack, esordì con un
album di torrido blues/gospel
rock americano, ora appena
ripubblicato, che ci troviamo a
raccomandarvi. Gli Hackensack
avevano uno stile non molto dis-
simile da quello degli Humble Pie
di Steve Marriott e, se vogliamo,
anche dei Free di Paul Rodgers.
Gloriose canzoni nutrite di blues,
r’n’r originale e southern rock,
con questo chitarrista padrone
assoluto della scena, a volte fin
troppo (vedi l’iniziale, comunque
devastante, title track). Mentre
brani come A Long Way To Go
avrebbero potuto benissimo
essere nel repertorio di un Joe
Cocker. E Lazy Cow è un pasti-
che bubble gum basato sugli in-
confondibili riff di Chuck Berry.
CLAUDIO SORGE
73/100 DISCO
ZERO EXTRA
Mentre Minor Threat, Void e
Faith pontificavano sui capisaldi
hardcore della East Coast, i No
Trend (Ashton, Maryland) pren-
devano a schiaffi le convenzioni,
che fossero quelle della borghesia
reaganiana o quelle non meno
ferree e sacrali della scena un-
derground di Washington D.C.
Stilisticamente più vicina alle
pesantezze sonore dei Flipper o
degli Urinals, o alla sguaiatezza
postcore degli Scratch Acid, la
band pubblicò nel 1983 un di-
rompente album tra hardcore e
post punk, Too Many Humans,
e un EP (in versione 7” e 12” con
diverse tracklist), Teen Love, che
diventarono oggetti di culto. Con
merito Drag City li ripresenta
nella loro completezza, resti-
tuendo la band nel suo momento
meno addomesticato.
ANDREA PREVIGNANO
80/100 DISCO
ZERO EXTRA

FODDER ON
MY WINGS
VERVE NINA SIMONE
Quasi sempre l’autore cerca di delineare se stesso, di chiarire cosa
provi e perché e, mentre lo fa, sa di essere il primo destinatario di
tale sforzo. Nina Simone è sopravvissuta a molto, ma mai al fatto
di essere Nina Simone. In questo disco del 1982, da tempo fuori
catalogo e qui arricchito, decide, per quanto possibile, di uscire
dal proprio personaggio, di prendersi una pausa dalle colazioni coi
demoni, di sfuggire persino ai consueti canoni sonori. Ma non ce
la fa del tutto, si ostina, prova. E la domanda che dobbiamo porci
da ascoltatori è: quand’è che davvero noi la apprezziamo di più? I
Sing Just To Know That I’m Alive è dichiarazione d’intenti oltre
il titolo, esplosione corale da musical tropicalista: sono Nina, ma
non la solita, una chiave d’ingresso per un disco anomalo. Il che è
disatteso immediatamente da Fodder In Her Wings, ballata sofferta
in cui è facile riconoscere la Simone nell’uccello condannato a non
volare per camminare in un mondo dove tutti sembrano indifferenti.
Il contraltare prosegue con i gospel da chiesa nella foresta di Color
Is A Beautiful Thing e Vous Etes Seuls… opposti a Le Peuple En
Suisse (gli anni passati in Svizzera) resa jazz da un inserto di tromba
e Alone Again Naturally. Quest’ultima, cover di Gilbert O’Sullivan,
subisce un cambio nel testo, con riferimenti espliciti e durissimi alla
morte del padre della Simone, avvenuta dieci anni prima. Il cantato
in francese è un tributo a una nazione stimata e ritenuta un pezzo
d’Europa dove poter ricreare un’Africa immaginaria e idealizzata.
Fodder On My Wings, più ancora che un disco, è un segmento
imprevisto in una grande biografia. Il disperato e cieco desiderio di
essere felici, arrancando in un modo diverso. Cercando di togliere
con il soffio dell’arte “la polvere dal proprio cervello”.
MAURIZIO BLATTO
75/100 DISCO
72/100 EXTRA

96 | RUMOREMAG.COM

PENNY RIMBAUD
CHRIST’S REALITY ASYLUM
A CATHARSIS
ONE LITTLE INDIAN
Andiamo al sodo: non è un disco
dei Crass, ma uno spoken word
del loro leader Penny Rimbaud.
Intravedo i primi sguardi al-
larmati. E non a torto. Perché
questo doppio reading con sot-
tofondo di musica sperimental/
minimalista non è una passeg-
giata da assimilare. Rimbaud
scrisse The Veil Of Mother e The
Veil Of Father nel ‘77 gettando
i semi dei Crass e del pensiero
anarchopunk, per poi inciderli
e pubblicarli su nastro nel 1992
con l’aiuto del poeta dada Hugh
Metcalfe ed Eve Libertine. Il
disco ora rivede la luce rima-
sterizzato, ma se non siete fan
delle sonorità weird o non siete
interessati alle idee di Rimbaud,
il tutto risulterà assolutamente
indigesto– si tratta comunque di
un documento storico di valore.
ANDREA VALENTINI
60/100 DISCO
ZERO EXTRA
TRIP TAKERS
THE TRIP TAKERS COLLECTION
AREA PIRATA
Sono insieme da soli cinque
anni ma tra gli appassionati
del suono sixties sono già un
piccolo culto. I Trip Takers,
siciliani, un mini LP, un 7” e
un album all’attivo, si sono
fatti le ossa suonando parecchio
dal vivo (anche all’estero, con
responsi lusinghieri), e insieme
a Backdoor Society e pochi altri
rappresentano il meglio della
nostra scena neo sixties (di nic-
chia, ma in buona salute). Par-
liamo di gruppi ai margini del
mercato e di cifre risibili, come
sempre. Nonostante questo, i
Trip Takers vanno dritti per la
loro strada fatta di garage folk
psichedelico alla Dovers/Leaves,
imperterriti. Vista la tiratura
limitata dei loro dischi, Area
Pirata ha pensato di radunarli in
un unico CD: un’occasione per
rimettersi in pari con gli ascolti,
nell’attesa della prossima uscita
firmata Trip Takers.
LUCA FRAZZI
75/100 DISCO
ZERO EXTRA
PERE UBU
BY ORDER OF MAYOR PAWLICKI
(LIVE IN JARONCIN)
CHERRY RED
“We play the show to loosen
wallets and purses”. “We tour
in order to merchandise”. “We
don’t do encores”. “We sell
soul”. Già questi slogan ben
strillati nel libretto del box in
oggetto sarebbero sufficienti a
giustificarne l’acquisto. Ma il
disco è ottimo, comunque: regi-
strazioni live dal Coed Jail Tour
2017 con registrazioni prese a
Jarocin e Marsiglia, a base di
pezzi esclusivamente del periodo
1975/1982. In più, per buona
pesa – proprio per contraddire il
motto “we don’t do encores” – è
presente un disco bonus con tre
canzoni eseguite come bis a Hei-
delberg (Dead Boys, MC5 e Final
Solution) e tre estratti dal tour
Visions Of The Moon a Zagabria,
nel 2013.
ANDREA VALENTINI
82/100 DISCO
80/100 EXTRA
WYTCHERY
RESTLESS AND DEAD
DEAD, HOT AND READY
WITCHBURNER EP
SYMPHONY FOR THE DEVIL
CENTURY MEDIA
A 20 anni di distanza dal loro
esordio, questa è una celebra-
zione. Un remaster che abbrac-
cia i primi quattro capitali lavori
dei Wytchery ovvero l’unica
band svedese in grado di ripren-
dere e sviluppare, in forma più
metal, l’arte degli Entombed. Il
loro obiettivo era unire Death
Metal, Motörhead e Heavy
Metal Classico e i primi due
dischi hanno dimostrato che,
in questo, erano perfetti. Velo-
ci, potenti eppure puramente
metallici come dimostrerà la
raccolta di cover Witchburner,
in grado di transitare il metal
in una forma quasi speed e
rock’n’roll. Il risultato, lo riba-
diamo, è una manciata di dischi
importantissimi e una canzone
devastante come The Storm. Da
riscoprire assolutamente.
MARIO RUGGERI
87/100 DISCO
ZERO EXTRA
SUONA ANCORA
IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI
SQUIRE
GET READY TO GO
HI-LO
Continua a esserci, il Mod’s May
Day. Raduno di gruppi, feste e ACRIMONY
cultura mod. Quest’anno c’è per- CHRONICLES OF WODE – BOX
sino Kenney Jones degli Small BURNING WORLD
Faces. E ci saranno anche loro,
gli Squire. Una band se vogliamo Per l’intero decennio dei
minore dell’ondata che invase 90 gli Acrimony hanno
Brigthon con migliaia di lambret- rappresentato un baluardo
te nel ’79, ma che è ancora qui. dello stoner inglese. L’alter
12 dei 14 brani di questa reissue ego dei Kyuss.
erano in realtà del repertorio dei
Numbers (1977), che poi diventa-
rono Squire. C’è molto R&B/beat
60’s in questi brani. Un pizzico di
Pretty Things (City Breakdown),
Who a manetta, e sì, punk rock.
Ingenuità e ribellione pre ‘67 e
rabbia punk (tra Clash e Jam)
con un filo di bubblegum ad ad-
dolcire il tutto. Ribadisco, erano
un gruppo minore, ma freschi
e pieni di energia. Forse l’unico
esempio di band mod tra R&B e
punk (be’, a parte i Jam).
CLAUDIO SORGE
70/100 DISCO
70/100 EXTRA
STEVE PICCOLO
DOMESTIC EXILE
MENTAL EXPERIENCE/GUERNSSEN
Un prontuario di miniature
pop screziate di rumore e
dissonanze, paradossi e alie-
nazioni. La versione lo-fi di
FRANK ZAPPA Music For A New Society di
THE HOT RATS SESSIONS John Cale.
ZAPPA
Hot Rats, riproposto nel mis-
saggio del 1987 curato dallo
stesso Zappa, è il capolavoro
che conosciamo: il primo
lavoro senza Mothers, l’esplo-
razione di territori jazz rock,
quella pastiera di ludiche
malinconie che è Peaches En
Regalia, il cameo di “Capitan
Cuordibue” in Willie The Pimp
e via dicendo. Il reale motivo
d’interesse questa volta risiede
nella documentazione – a tratti
illuminante, a tratti impegnati-
va materia per esegeti e filologi
– del work in progress che con-
duce all’album. Una sterminata COCTEAU TWINS
collezione, spalmata su sei CD, GARLANDS / VICTORIALAND
di spunti, appunti, false parten- 4AD
ze e idee in seguito ricollocate
altrove (Aybe Sea è una sezione Un caos calmo e
del primo abbozzo al piano di impalpabile, che unito a un
Peaches; Toads Of The Short canto appena intellegibile
Forest nasce qui): la continuità dai tratti sovrumani abbatte
concettuale zappiana catturata il confine fra sogno e realtà.
nel suo quagliare.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
90/100 DISCO
75/100 EXTRA
RUMOREMAG.COM | 97
T E S T O D I D I E G O B A L L A N I - F O T O D I I A N R O O K E F I N C O S T E L LO

“TUTTI AMANO
I BUZZCOCKS!”
INTERVISTA A STEVE DIGGLE
S
RETROPOLIS BUZZCOCKS
teve Diggle lo aveva già annunciato lo scorso anno. I
Buzzcocks andranno avanti, perché è così che avrebbe
voluto Pete Shelley. Difficile pensare che le cose
rimarranno le stesse, a dispetto di un nuovo singolo
(Gotta Get Better) estremamente meticoloso nel
replicare le dinamiche pop punk che hanno fatto la
fortuna del gruppo di Manchester. Il problema è che
Pete era molto di più della voce (e principale songwriter)
dei Buzzcoks. La sua era l’anima romantica del gruppo,
il volto intellettuale ed esistenzialista (laddove Diggle
era quello più solare e politico) senza il quale quel mix
di aggressione e melodia rischia di perdere anima e
spessore.
Diggle resta l’ultimo legame con la mitica formazione
originaria. Quella che esordì il 20 luglio 1976 alla Lesser
Free Trade Hall di spalla ai Sex Pistols. Un concerto
storico che avrebbe innescato la miccia per la rinascita
economica e culturale di Manchester e lanciato il
gruppo nel pantheon del primo punk britannico, a
fianco di Pistols e Clash. All’epoca dei Buzzcocks faceva
parte anche Howard Devoto, il quale appena dopo la
pubblicazione dell’EP d’esordio (Spiral Scratch) avrebbe
lasciato una formazione lanciatissima per dar vita ai
Magazine. È esattamente in quel momento, con Diggle
che abbandona il basso e imbraccia la chitarra, che inizia
la storia dei Buzzcocks per come molti, ancora oggi,
la conoscono. Quella che avrebbe fruttato tre album e
una serie di singoli seminali, immortalati nella raccolta
Singles Going Steady. La pubblicazione in patria di
quest’ultima, nel 1981, arrivava a gruppo ormai sciolto.
Gli anni 80 sarebbero stati testimoni della carriera
solista di Shelley e della modesta parabola dei Flag Of
Convenience di Diggle. Questo almeno fino a quando
una nuova generazione di band, da entrambe le sponde
dell’oceano, non riconobbe l’enorme debito nei confronti
della più brillante fra le formazioni del primo punk. Fu a
quel punto che l’inevitabile reunion si concretizzò. Era il
1989. Iniziava la seconda fase della storia dei Buzzcocks.
TAG: #poppunk, #singlesgoingsteady, #manchester, #peteshelley, #flagofconvenience
TESTO DI DIEGO BALL ANI
Quella che ora è oggetto di un cofanetto pubblicato da
Cherry Red, il cui compito è dimostrare ai più scettici
come fino al 2014 (ovvero fino al momento della
pubblicazione dell’ultimo The Way) i Buzzcocks siano
stati in grado di forgiare virulente e personalissime
canzoni pop che vale la pena riascoltare.
È stata l’occasione per raggiungere Steve Diggle,
impegnato in una tranquilla passeggiata per una Londra
in pieno lockdown, e rivolgergli alcune domande sul
passato e sul futuro della band.
Avevate qualcosa in programma prima del
lockdown?
“Sì, eravamo gli headliner di un festival che si sarebbe
dovuto tenere a Parigi. Subito dopo avremmo dovuto
partire per la West Coast, il programma era suonare a
Las Vegas e Los Angeles. Ma è stato tutto cancellato per
colpa del maledetto virus. Speriamo di poter riprendere
il tutto dopo l'estate, ma chi può dirlo”.
Venendo al nuovo box set, contiene parecchi
bonus. Di che si tratta?
“Insieme a quelli della Cherry Red abbiamo trovato
diverse takes dei brani, registrate in studi differenti e
alcune canzoni che nel corso degli anni sono rimaste
fuori da quelle sessioni. Molti sono demo perché quando
ci offrivano di fare un album prima registravamo i demo,
poi passava un po' di tempo, ce le dimenticavamo e ne
scrivevamo delle altre. Abbiamo trovato canzoni con una
qualità audio fantastica e a quel punto ci siamo chiesti:
‘come abbiamo fatto a non usarle prima?’ A essere
onesto di recente ho trovato molte altre registrazioni ma
ormai era troppo tardi per includerle nel box”.
Che effetto ti fa vedere una parte così grande
della tua carriera racchiusa in un unico box?
“È strano! C'è tanto materiale e tanto lavoro dietro
questi dischi. Ma penso che sia importante recuperarli,
perché credo che molti dei nostri fan alcuni di questi
lavori se li siano persi. Abbiamo fan devoti che ci
seguono fin dai nostri primi singoli. Ma anche molte
persone che conoscono solo i primi tre album. Credo
che questo box sia indirizzato soprattutto a loro. In un
solo colpo possono vedere quello che è successo nella
seconda parte della nostra carriera. Un sacco di gente
si accorgerà che abbiamo prodotto parecchie cose
interessanti anche in quel periodo”.
Peraltro la vostra carriera negli anni 90 è stata
molto intensa. Dal Britpop più chitarristico al
punk revival il nome dei Buzzcocks ritornava
spesso come influenza.
“Sì, questo ce lo dissero anche i Blur, erano grandi fan
ONLINE: buzzcocks.com
RUMOREMAG.COM | 99
dei Buzzcocks. Così come gli Oasis. Gli Oasis erano di
Manchester, noi eravamo fra i gruppi della generazione
che precedeva la loro. Per quanto riguarda gli americani,
all'epoca partecipammo all'ultimo tour dei Nirvana. Ci
vollero con loro dopo averci visti in concerto negli Stati
Uniti. Li accompagnammo nella loro ultima tournee
in Europa. Un sacco di gente ci considera un modello
perché nel nostro suono abbiamo sempre miscelato rock
e melodia”.
Proprio per via del fatto che avete influenzato
band così differenti tra loro, non pensi che fosse
riduttivo definirvi un gruppo punk?
“Be’, fra i nostri brani c’è sicuramente qualche classico
pezzo punk, ma credo che sia sempre stato molto difficile
etichettarci. Che cosa diresti dei Beatles? Sono una band
pop? Un gruppo d’avanguardia? Quando avevamo pezzi
più catchy ci consideravano una band pop, ma avevamo
anche pezzi più rock, soprattutto dal vivo. In realtà non
ci siamo mai preoccupati di questo aspetto, abbiamo
sempre cercato di coprire un territorio molto vasto”.
Qual è il tuo disco preferito fra quelli pubblicati
in questa seconda parte della vostra storia?
“Per me ognuno è grande a suo modo. Modern (il disco
del '99) è speciale perché in quel momento stavamo
sperimentando con l'elettronica e stavamo provando
a fare qualcosa di diverso dal solito. Alcune persone,
compreso me, considerano Trade Test Trasmission
100 | RUMOREMAG.COM
uno dei nostri album migliori. Poi c'è il black album del
2003, che contiene la mia canzone preferita: Sick City
Sometimes. In Flat Pack Philosophy ci sono echi delle
nostre prime cose, con grandi melodie, backing vocals
e cose del genere. Sono tutti ottimi dischi e poterli
ascoltare tutti insieme rende loro giustizia, mostra
quanto siano diversi l'uno dall'altro”.
In questa seconda fase tu hai scritto più canzoni,
e sei stato più spesso davanti al microfono.
“In realtà molti singoli del primo periodo erano miei
ma li cantava Pete. Promises ad esempio, o Love Is Lies.
Fast Cars la scrivemmo insieme. Nel periodo successivo
arrivai a scrivere anche metà album. Con Pete avevamo
molti punti in comune e ci sentivamo molto vicini, ma
per certi versi eravamo anche persone molto diverse,
e questo aveva un suo senso all’interno dei Buzzcocks.
Era l’elemento che dava più profondità al tutto.
Personalmente ad un certo punto ho cercato di fare
anche cose molto diverse, se ascolti Modern c'è anche
una canzone rap”.
In che cosa differiva il tuo songwriting da quello
di Pete Shelley?
“Per molti versi io e lui eravamo complementari. Se
fossimo stati persone identiche sarebbe stata una
follia. Invece se ascolti i pezzi della band ti accorgi di
quali sono le sue canzoni e quali le mie. È come avere
un punto di vista differente sul mondo. Sia io che lui
 RETROPOLIS BUZZCOCKS
scrivevamo con il cuore e con l'anima, parlavamo
di argomenti intellettuali, di chi eravamo e di cosa
saremmo diventati. Ci sentivamo come filosofi a Parigi.
Parlavamo del significato della vita, solo che lo facevamo
a Manchester! Quella era la nostra Parigi. E quelle
conversazioni che c’erano tra noi diventavano canzoni.
Come se stessimo parlando con delle persone in un
pub o da qualche altra parte. Sapevamo come parlare
alla gente in modo semplice. Uno dei motivi per cui
ho iniziato a cantare di più è che, in un certo senso, in
quel momento avevo incominciato a scrivere da una
prospettiva più politica e sociale. Pete invece scriveva
di faccende più umane. Parlava di rapporti umani e di
cose del genere. Quindi ci sono stati momenti in cui
ho preferito fare tutto da solo. Si può dire che io fossi
la parte logica mentre lui era quella irrazionale del
gruppo”.
In questa fase poteva passare molto tempo fra
un album e l'altro. Di solito quando decidevate
che era arrivato il momento per incidere un
nuovo disco?
“Dipendeva molto dal fatto che andavamo spesso in
tour. Ci sono stati tour durati anche due anni. Siamo
andati spesso negli Stati Uniti e in Australia, per questo
ci mettevamo molto tempo prima di ritornare in studio.
E a essere onesti verso la fine Pete non aveva più voglia
di fare dei dischi. Era diventato molto lento a scrivere i
pezzi. Ma continuavamo comunque ad andare in giro per
il mondo a suonare”.
Stai preparando i pezzi per un nuovo album.
Perché hai deciso di portare avanti il nome dei
Buzzcocks piuttosto che proseguire con la tua
carriera solista?
“Quando Pete era ancora vivo mi disse in un paio di
occasioni che voleva abbandonare il gruppo. Ne ricordo
una in particolare, eravamo in tour, venne nella mia
stanza e mi disse: 'Vado in pensione'. E io: 'Non vai
proprio da nessuna parte'. Lui mi disse che sarebbe
stato felice se avessi proseguito con il gruppo, e che
avrei avuto la sua benedizione. Me lo disse per due volte.
In passato ho fatto alcuni dischi solisti e avrei potuto
continuare in quel modo, ma ci tenevo a continuare con
il nome Buzzcocks, volevo tenere in vita le mie canzoni e
quelle di Pete. Dopotutto i Buzzcocks hanno attraversato
varie fasi. All'inizio era Howard Devoto a cantare, poi
Pete, ora ci sono io. A dicembre abbiamo fatto un piccolo
tour e le cose sono andate bene. Così abbiamo deciso di
proseguire”.
Senti, una delle mie storie preferite della
storia del pop è tutto ciò che è accaduto a
Manchester fra il ’76 e gli anni 90. Una rinascita
cittadina strettamente legata alla musica. Una
storia che parte con i due concerti dei Sex
Pistols alla Lesser Free Trade Hall. Il primo lo
organizzarono Pete Shelley e Howard Devoto,
TESTO DI DIEGO BALL ANI
nel secondo suonaste come Buzzcocks. Pensi
che in tutta questa vicenda il vostro ruolo sia
stato sottostimato?
“Non credo, in molti sanno che è grazie ai Buzzcocks
che Manchester è finita sulla mappa. Abbiamo ispirato
molte persone perché non c'erano molte band punk
all'epoca. C'erano i Pistols, i Clash, i Damned, i Jam e
i Buzzcocks. Tutte le band che sono uscite fuori dopo a
Manchester, come i Joy Division e gli Stone Roses, erano
in mezzo al nostro pubblico. Tutto è iniziato da quel
primo concerto alla Lesser Free Trade Hall, a giugno. Io
avevo appeno iniziato a suonare con una band e avrei
dovuto incontrare un tizio proprio lì, un tale che avevo
contattato grazie all’annuncio su un giornale. Malcolm
McLaren era fuori dal locale e pensava fossi il bassista
che gli altri avrebbero dovuto incontrare. Fu davvero un
caso. Fu lui a presentarmi a Pete, che stava vendendo
i biglietti alla cassa, e a Howard Devoto, che si stava
occupando delle luci. Il giorno dopo feci una breve prova
dopodiché entrai ufficialmente a far parte della band.
All'epoca avevo già scritto Fast Cars, anche se era un po'
più lenta di quella che sarebbe poi finita su disco. Alcune
settimane dopo portammo nuovamente i Sex Pistols alla
Lesser Free Trade Hall, e a quel punto aprimmo per loro.
Fu il nostro primo concerto”.
Si può dire che i veri Buzzcocks nacquero
quando Howard Devoto abbandonò il gruppo?
“Sì, assolutamente. Howard lasciò appena sei mesi
dopo. Ovviamente Spiral Scratch è un gran disco, che
ha ispirato un sacco di persone. Ma andando avanti non
credo che le cose avrebbero funzionato. Se ne accorse
lo stesso Howard, che infatti se ne andò. A ripensarci è
stata una cosa positiva sia per noi che per lui, anche se
in quel momento ne fummo scioccati. I veri Buzzcocks
partirono quando abbandonai il basso e passai alla
chitarra. La band acquisì un sound più melodico e
diretto”.
Anche più sixties...
“Sì ma non solo. Sia io che Pete siamo cresciuti
ascoltando diverse cose: Velvet Underground, MC5,
Stooges. E poi le cose dei ‘70 come David Bowie e Brian
Eno. La musica psichedelica tedesca è stata molto
importante. Pensa a pezzi come Real Life. Tutto questo
lo legavamo a canzoni che trattavano della condizione
umana da un punto di vista filosofico. Cercavamo di
farlo attraverso melodie solari, perché anche così puoi
risultare vulnerabile. Da un certo punto di vista il nostro
sound era più futuristico di quello di Pistols e Clash. Era
più spaziale. Credo che a contraddistinguerci fossero
proprio i riff di chitarra, nessuno all'epoca li suonava
così. Non sembravano riff del passato. Puntavano al
futuro”.
Quando fondaste la vostra etichetta (la New
Hormones) per pubblicare Spiral Scratch, di
fatto inauguraste l’era delle moderne etichette
RUMOREMAG.COM | 101

BUZZCOCKS
SELL YOU EVERYTHING 1991-2014
CHERRY RED
La seconda parte della
carriera dei Buzzcocks
li aveva visti divisi tra
il rapporto con il loro
stesso mito e il tentativo
di stare al passo con una
contemporaneità che
avrebbero sempre più fatto
fatica a comprendere. A
salvarli, in ogni situazione,
l’innato senso di Pete Shelley
per un pop sdrucciolevole,
fatto di melodie non banali
e liriche esistenzialiste, e
l’angst rock cui stava stretta
la propria comfort zone di Steve Diggle. Il risultato è un pugno
di album agili, freschi e rispettosi del passato. I Buzzcocks che
riemergevano dalla lunga pausa degli ‘80 erano professionisti
decisi a riprendere il discorso da dove era stato bruscamente
interrotto ai tempi di A Different Kind Of Tension. Da Trade
Test Transmission (del ’93, ma che per sonorità e ispirazione
avrebbe pure potuto risalire a 15 anni prima) all’ultimo The
Way il flusso di riff potenti, ritmiche attillate e armonie
vincenti non si è mai arrestato. Tuttavia, pur nel rispetto di
uno stile forgiato nei primi anni di vita, il gruppo ha saputo
innescare una evoluzione interna che ha dotato ogni lavoro
di una propria identità, rivendicandone ogni volta il ruolo
pionieristico. Sell You Everything è un’occasione ghiotta
per godere della ritrovata verve pop punk di All Set, delle
sperimentazioni elettroniche di Modern, di un album nero
dall’oscura vena psichedelica e del power pop di Flat Pack
Philosophy. Ma è anche l’occasione per riscoprire gemme
sepolte. In questo senso, più delle numerose bonus track e
del CD intitolato A Different Compilation (dove il gruppo
si impegnava a rileggere i propri classici) è giusto riservare
un’attenzione particolare all’album di demo del 1991. Uno
scrigno nello scrigno, realizzato da una band in procinto
di riaffermare la propria superiorità nell’ambito del pop
chitarristico.
80/100 DISCO
90/100 EXTRA
102 | RUMOREMAG.COM
indie. Quindi, di fatto, l’indie rock.
“Sì, ma più che un colpo di genio fu una questione
di necessità. Pensavamo di suonare la musica meno
commerciale del mondo, se l'avessimo proposta a una
qualsiasi casa discografica probabilmente ci avrebbero
riso dietro. Per 500 sterline potevamo stampare un
migliaio di copie del nostro singolo, e così facemmo. Non
appena registrato il disco fummo contattati da sei tra le
principali case discografiche. Sembra molto semplice
ora, ma in quel momento non lo era per niente”.
Col senno di poi che cosa pensi del punk?
“Inizialmente era molto interessante. Ti parlo del ’76,
quando il nucleo del movimento era formato dalle band
che ho menzionato. Questo perché ciascuna di loro
aveva qualcosa di unico. C'era una energia giovanile, la
voglia di muoversi verso qualcosa di nuovo. E se ascolti
i primi album di quelle band li trovi ancora tutti a loro
modo unici. Il problema è che il tutto è diventato molto
in fretta un cliché. Le cose successive sembravano
meno intelligenti e meno originali. Ma il suo merito è
stato quello di ispirare molta gente a essere se stessa, a
cercare la propria voce. Riascoltando adesso quelle cose
trovo sempre la stessa forza. Erano canzoni con poche
parole, più simili a poesie”.
Cosa pensi del fatto che il disco più famoso
dei Buzzcocks sia una raccolta di singoli? Per
quanto mi riguarda questo faceva di voi la
perfetta band pop, erede del vero spirito dei 60s.
“Penso che Singles Going Steady sia un gran disco. Il
motivo per cui venne pubblicato fu questo: fin dai primi
tempi ci avevano chiesto di suonare negli Stati Uniti,
ma in quel momento eravamo molto impegnati in Gran
Bretagna e in Europa. Quando fu il momento di andare
in tour in America, la I.R.S. decise di pubblicare questa
raccolta perché fino a quel momento negli USA non era
uscito nessun nostro album, mentre qui ne avevamo
già pubblicati due. Così misero insieme tutti i nostri
singoli, come una specie di greatest hits. Il fatto che
non sia costruito come un album ha fatto sì che ci siano
finite dentro tutte le nostre canzoni più pop e questo, in
un certo senso, è il segreto del suo successo. Ma credo
comunque che sia una grande raccolta”.
Per quale ragione decideste di sciogliervi nel
1981?
“All'epoca suonavamo insieme già da cinque anni e
avevamo fatto uscire tre dischi. Avevamo suonato un po’
ovunque. Stava diventando tutto parecchio folle. Erano
gli anni della gioventù, erano tempi molto politicizzati
e il punk aveva generato un bel po’ di vanità. Inoltre
bevevamo molto e c'erano sicuramente troppe droghe in
giro. Come ti dicevo, erano tempi folli. Avevamo fatto un
tour in America, che come sai è un posto molto grande da
girare. Penso che fu quello a consumarci. Così decidemmo
che avremmo dovuto fermarci per un po'. Ma questa cosa
di fatto poi si tramutò in un vero e proprio scioglimento,
visto che nel frattempo Pete pubblicò i suoi album e io
diedi vita ai Flag Of Convenience”.
In quel periodo ti mancavano i Buzzcocks?
“Sì, mi mancavano. Però è stato bello realizzare
qualcosa con altre persone. Con i Flag Of Convenience
pubblicammo due album, uno più punk rispetto alla
musica che facevo con i Buzzcocks, l’altro più jangly.
È stato bello sperimentare nuove cose, ma mi ha
fatto comprendere che quello che c’era con Pete era
qualcosa di unico. Mi sono divertito molto con i Flag Of
Convenience, ma non sono stato io a decidere di mettere
fine ai Buzzcocks, è stato Pete. Personalmente sapevo
che prima o poi il gruppo si sarebbe riformato, e infatti
le cose andarono proprio così”.
A tal proposito, quale fu la molla che vi spinse
a tornare insieme nel 1989? Era cambiato
qualcosa a livello di chimica fra te e Pete?
“A un certo punto suonai al Locomotive, a Parigi,
con i Flag Of Convenience. Solo che a quel punto ci
chiamavamo FoC, anzi Buzzcocks FoC. Come dire,
‘questi sono gli FoC di Steve Diggle dei Buzzcocks’,
anche se all'epoca non suonavo nessuna delle vecchie
canzoni. La stessa cosa accadde in Germania, quando
suonai al Metropole. Erano tutti posti grandi, da
migliaia di persone. Il nostro agente americano se ne
rese conto e allora telefonò a me e a Pete chiedendoci
di fare un tour negli States come Buzzcocks. Fu lui il
catalizzatore della reunion. All'inizio avrebbe dovuto
esserci solo il tour americano, ma poi ne arrivò anche
uno australiano e uno in Giappone. A quel punto ci
accorgemmo di quanto fossimo ancora in gamba e di
quanto ci piacesse fare quello che facevamo. Così le cose
sono andate avanti”.
Quanto sono cambiati i fan dei Buzzcocks nel
corso degli anni?
“Abbiamo la fortuna di avere sempre nuovi fan.
Ovviamente ci sono le persone della mia età. Ma ai
nostri show abbiamo sempre avuto anche ragazzi di 14
o 20 anni. Nel corso del tempo la musica dei Buzzcocks
è cambiata molto. Il fatto che sempre nuove persone
abbiano trovato il modo di relazionarcisi per me è una
cosa incredibile ma è anche una testimonianza di quanto
siano buone le nostre canzoni. Ci sono i die hard fans
ma, soprattutto fra i più giovani, c'è gente che si imbatte
per caso nei nostri pezzi e li ama. Una volta Alan McGee
ha detto 'tutti amano i Buzzcococks’. Al tempo facevo
fatica a crederci, ma oggi penso che avesse ragione”.
Ultima domanda. C’è qualcosa che più di ogni
altra ti manca di Pete Shelley?
“Molte cose, ma soprattutto la sua amicizia. Ricorda che
abbiamo passato insieme più di 40 anni. Avevo 20 anni
quando lo conobbi. Lui era più anziano di me di sole
tre settimane. Mi manca anche solo il fatto di potergli
parlare. E ovviamente tutto il resto”.
RUMOREMAG.COM | 103
 CHE FINE HAI FATTO? FRANCESCO CALÌ
FRANCESCO CALI
IERI (1993 AL 1999)
“Sono nato a Milano nel ‘73. Dopo la
maturità classica, scelsi giurisprudenza. Ma
poi ci fu la Milano della prima metà dei ‘90.
Nel ‘91 vidi i Nirvana al Bloom di Mezzago
e l’anno dopo andai al mio primo Reading
Festival. Al liceo già strimpellavo. I Soon
nacquero in quel contesto. Incontrammo il
duo di Divinazione nel ‘93, nell'ambito di
Rock Targato Italia, durante la nostra seconda
esibizione. Diventarono i nostri manager e a
inizio ‘95 ci fu la svolta, suonammo di fronte
ad alcuni discografici che avevano invitato,
ed entrammo in studio a registrare Scintille
per la Black Out/Polygram. Cominciò la
vita on the road, una routine gratificante
ma massacrante, e la mia vita cambiò. Mi
separai dalla mia fidanzata di allora. I Soon
sono stati il mio primo lavoro. Eravamo
cinque teste pensanti con un ego notevole.
Passammo il ‘96 a suonare tanto e a scrivere
nuove canzoni. Poi pre-producemmo il
secondo album, lo incidemmo, e facemmo
un altro centinaio di date. Partecipammo al
Festivalbar e a Sanremo Giovani. La mia vita
era continua ricerca; allora era complicato,
niente era a portata di click. Ero sempre
fuori di casa, vita personale e musicale
coincidevano. Poi la storia dei Soon finì. Ne
uscii umanamente integro. Nessuno di noi
aveva una formazione classica, la nostra
musica poteva avere rilevanza solo in quanto
sintesi dell'alta tensione comunicativa interna
al gruppo, mutuata da un contesto affidabile
che stava all'esterno. Ci sciogliemmo per la
degenerazione di questi presupposti”.
104 | RUMOREMAG.COM
OGGI (DAL 2000)
“Dal 2000 al 2007 ho cazzeggiato, fatto il
servizio militare, mi sono rimesso a studiare,
poi ho capito che non volevo fare l'avvocato.
Ho vissuto a Milano fino al 2009, dopo a
Barcellona e dal 2010 a Londra. Tra il ‘94 e
il ‘99 la vita sulla strada mi aveva permesso
CALÌ FONDA I di provare tutte le cucine regionali italiane
SOON E SUONA e tanti vini: il seme della passione per cibo e
LA CHITARRA CON vino, piantato allora, è cresciuto pian piano.
LORO TRA IL ’93 È il 2007 quando capisco cosa voglio fare. Mi
E IL ’99, ANNO IN iscrivo al corso Sommelier A.I.S di Milano,
CUI SI SCIOLGO- mi diplomo a pieni voti, e mi incoraggiano a
NO. DELLA BAND seguire la strada del vino. Così parto. Dopo
la parentesi a Barcellona, volo a Londra e
SONO USCITI DUE
comincio a fare il sommelier in alcuni locali.
ALBUM, SCINTILLE
Nel 2013 smetto le vesti del sommelier
NEL ’96 E SPIRALE
e inizio a lavorare per un importatore di
NEL ’97. NEL 2007, vino, imparando i segreti della mia attuale
POI, TROVA LA SUA occupazione. Tre anni fa ho fondato con
NUOVA MISSIO- l'amico Giuseppe Mascoli la Dogma Wines
NE, DIVENTA Ltd., un business to business di importazione
SOMMELIER, E NEL e distribuzione di vini naturali italiani in
2010 SI TRASFE- UK. Ora vivo tra Londra e Milano. Intanto
RISCE A LONDRA, nel 2010 ho ricominciato a scrivere musica,
DOVE ORA VIVE E fatto un paio di remix, e qualche DJ set. Le
LAVORA. piattaforme digitali hanno appiattito tutto, ma
dato anche la possibilità ai più di aprirsi un
home studio. Chitarre a parte, mi interesso a
synth, batterie elettroniche e basse frequenze.
Leggo perlopiù in inglese (Banville e Orwell su
tutti), frequento la National Gallery, il British
Museum, la Tate, la Dulwich Picture. Adoro la
stand up comedy e mi piace cucinare. Ho una
compagna. Non ho rimpianti, solo rimorsi”.
DI BARBARA SANTI
 GENTE SOL A (MA NON TROPPO) STORIA MINIMA DEI DISCHI DEFIL ATI
WILLIE WRIGHT-Telling The Truth
(Hotel, 1977)
Mai stati a Nantucket? È un’isola a 50 km circa da
Cape Cod, nello Stato del Massachussetts. Ha sempre
goduto di un turismo prevalentemente bianco e ricco.
Nelle sue acque naufragò nel 1956 il transatlantico
italiano Andrea Doria e, da qui, salpò il Pequod, la nave
di Moby Dick di Melville. Dev’essere splendida.
Willie Wright nasce a Bayland, Mississippi, nel 1933,
da una madre zingara di discendenza Cherokee,
ma si sposta continuamente, fino ad arrivare a New
York dove, negli anni 50, si esibisce nella scena dei
gruppi doo-wop di Harlem, frequenta la scena del
Greenwich Village, va in giro con Dylan e suona il
flauto con i Three Deegres, band piuttosto nota di
Philly soul. Qualcuno lo nota e arrivano le prime
offerte di contratto, ma lui rifiuta seccamente
dicendo di preferire la libertà artistica a un impiego
da “mezzadro”, com’era toccato a molti talenti della
sua generazione. Si trasferisce a Boston ed entra in
contatto con la controcultura locale. Incide un album,
Lack Of Education, nel 1971, sulla propria etichetta,
la Hotel, ma passa inosservato. Un’agenzia lo ingaggia
per una serie di esibizioni nei club, nei ristoranti o,
addirittura, sopra gli yacht stessi di una clientela
ricca (e bianca). Dove? A Nantucket, ovviamente.
Una relativa solidità economica e la rilassatezza
paradisiaca del luogo ispirano le canzoni di Wright
che, approfittando della pausa imposta dalla stagione
invernale, torna a New York per incidere il suo primo
disco composto interamente da materiale originale.
Lo fa nei Variety Studios, i meno cari della città, e
ottiene anche uno sconto sulla tariffa, autorizzando un
messaggio pubblicitario degli studi stessi di 11 secondi,
posto in apertura al disco. Con lui ci sono anche George
"Buzzy" Bragg e Herry Jensen (rispettivamente negli
Skull Snaps e nel Jimmy Castor Bunch). Registrano
DI MAURIZIO BLATTO
in meno di un giorno, con pochissime sovraincisioni.
Il disco è una miscela perfetta di minimalismo folk
soul, tra l’esordio (The New Folk Sound Of) di Terry
Callier, Astral Weeks di Van Morrison, il lirismo puro
di Tim Buckley e persino il white deep soul di Duane
Allman. L’apertura dell’esplicita Nantucket Island,
tributo all’Eden che lo ospita, è un manifesto allo
spirito laidback che oggi amiamo: rilassatezza pop e
tropicalismo intimista. Ma tutto il disco brilla della sua
impalcatura per sottrazione, definito da pochi dettagli
e, per questo, attualissimo. Il jazz cosmico interno
di Lady Of The Year e In The Beauty Of The Night,
la rotondità soul di Love Is Expensive (Paul Weller
in prima fila), le radici tra accordi elettrici di Indian
Reservation e la fragilità alla Goodbye And Hello di
Dressing For The Occasion. Tutte eccellenti, con testi
sulle sue donne e i figli che ha abbandonato, su chi si
è davvero. Ma chi le ascolterà? Mille copie di Telling
The Truth, il secondo album di Willie Wright, ancora
autoprodotto dalla Hotel, viaggiano da New York a
Boston su un bus Greyhound, dopodichè saranno
vendute da Willie stesso dopo i live, alla fine delle cene
nei ristoranti, ai ricchi ascoltatori (distratti?) sugli
yacht e, per la maggior parte, direttamente dal bagaglio
della macchina. Interessa? Volete il mio disco? Chissà
quanti Telling The Truth abbandonati nei garage o
dentro le stive di Nantucket, dispersi tra cocktail e tuffi
pomeridiani. Dopo qualche anno Wright si trasferisce
a Rhode Island, si esibisce come Brother Bill e apre un
negozio di dischi con lo stesso nome. Dura un attimo. Si
mantiene vendendo gioielli per strada. Nel 2012 esce un
suo CD, This Is Not A Dream. Telling The Truth è stato
ristampato un anno prima dalla benemerita Numero
Group, con tanto di 7” e note accurate. È ancora oggi
bellissimo, un assoluto “Nantucket dell’anima”.
RUMOREMAG.COM | 105
VISIONI (DALLA QUARANTENA) MAGGIO 2020
“lo sguardo nascosto”
L’UOMO INVISIBILE
REGIA DI LEIGH WHANNELL
USA, 2020
Che Leigh Whannell potesse avere in sé un film come L’Uomo
Invisibile non era scontato. Che avesse invece un fiuto per
l’horror seriale e le sue derivazioni era evidente. Co-artefice
della serie Saw, munta sino allo stremo delle sue esigue
possibilità, e co-responsabile della franchise Insidious,
Whannell non ha mai brillato per intuizioni filmiche. E l’esordio
dietro la macchina da presa, Insidious 3 – L’Inizio, per quanto
divertente, non rischiava certo di entrare a far parte del canone
horror, e Upgrade è stato uno scarto in avanti ma niente più.
Per cui trovarsi di fronte a un esercizio di stile così compiuto
come L’Uomo Invisibile è davvero sorprendente. Whannell
crea un kammerspiel claustrofobico retto quasi interamente
dalla notevolissima interpretazione di Elisabeth Moss che,
soprattutto nella prima parte, è tanto preciso e attento da
A CURA DI GIONA A. NAZZARO
THE HUNT
REGIA DI CRAIG ZOBEL
USA, 2020
Jason Blum non sarà Roger Corman,
ma certo ha appreso le strategie
imprenditoriali del maestro. Come lui
non teme di mettere in gioco le sue
convinzioni politiche trasformandole
in distopici pamphlet. The Hunt,
però, è ancora più velenoso del solito.
Parafrasando La Pericolosa Partita di
Ernest B. Schoedsack e Irving Pichel,
aggiunge una nota acida: questa volta
è l’élite liberal di senzadio descritta
da Fox News e dai media reazionari
USA a dichiarare aperta la stagione
della caccia contro razzisti, redneck e cospirazionisti
assortiti. Un rovesciamento di fronte geniale che rende
tangibile l’incubo propagandato da fascisti come Rush
Limbaugh, cui Trump ha concesso la Medaglia della
Libertà. Zobel, ovviamente, non perde l’occasione per
saldare qualche conto anche a sinistra, alla maniera di un
Bret Easton Ellis, ma non si prende mai molto sul serio.
E invece sul film sono piovute accuse violentissime di
ogni tipo, che hanno costretto il film a spostare la data di
uscita in seguito all’ennesima strage scolastica. Cosa che
ovviamente non fa altro che accentuare l’evidenza che The
Hunt – purtroppo – è il più attendibile discorso sugli Stati
Uniti e il suo stato dell’unione oggi.
78/100
106 | RUMOREMAG.COM
sembrare un saggio su sguardo e messinscena. La premessa
dell’invisibilità è risolta – acutamente – come risultato della
ricerca scientifica sulle ottiche fotografiche. Lo stalking di cui
la protagonista è vittima deve evidentemente qualcosa a Entity
di Sidney J. Furie, ma rielabora correttamente il sottotesto del
film di Paul Verhoeven dove invisibilità e sguardo maschile
si facevano portatori dei fantasmi dello stupro. In tutta la
prima parte Whannell crea una tensione magistrale, giocando
ottimamente la carta del controcampo assente (invisibile) e della
semisoggettiva (vediamo la traiettoria dello sguardo di chi sta
guardando ma non chi guarda). In questa dialettica elementare
ma risolta efficacemente grazie a un montaggio mai banale,
e a inquadrature di chiarezza geometrica, Whannell fonda la
credibilità emotiva ed etica del suo film. Un ottimo thriller che
offre anche spunti interessanti per (ri)pensare il desiderio e le
sue manifestazioni.
94/100
@GIONANAZZARO
THE BEACH BUM
REGIA DI HARMONY KORINE
USA, 2019
Ad Harmony non si può non volere
bene. Lui fa di tutto per non indurre
sospetti che le sue cose le pensi in
ogni dettaglio e che tutto sia molto
meno caotico e casuale di quanto
le immagini dichiarino. The Beach
Bum, interpretato da un Matthew
McConaughey meravigliosamente
sopra le righe, è un’appendice light
di Spring Breakers, con il quale
condivide in parte ambientazione e
gusto per i colori acidi e al neon, una parabola libertaria
che si esalta soprattutto nella leggerezza e nella libertà
di gesto di Korine, il quale gira e monta con la scioltezza
di un jazzista all’apice di una jam session. La prima parte
del film appartiene di diritto alle migliori cose del nostro.
Poi il film abbraccia un po’ troppo la solita retorica
del poeta maudit che per scrivere deve abbracciare
sconsideratamente l’ebbrezza e rischia di arenarsi.
Korine, però, sa bene che la bellezza “è lo spreco delle
risorse utili”, e il falò finale ci dice che forse nemmeno
lui crede più di tanto alla retorica hemingwayana/
bukowskiana del suo film. A rendere il tutto più
esilarante, Snoop Dogg nel ruolo di un trafficante di
marijuana di nome Lingerie. E il nome del protagonista,
Moondog, è un omaggio a “quel” Moondog.
78/100
 ULTRAS
REGIA DI FRANCESCO LETTIERI
ITALIA, 2020
Francesco Lettieri non ha bisogno
di presentazioni. I suoi video per
Liberato, Calcutta, Noyz Narcos
e altri hanno creato un modello
nel rapporto fra nuova musica
italiana e le immagini chiamata
a raccontarla. Per cui intorno a
Ultras, suo esordio alla riegia,
l’attesa era legittimamente molto
alta. E, alla prova della visione,
il film non delude. Scendendo sul terreno minato
del tifo organizzato, unico precedente Ultrà di Ricky
Tognazzi, Lettieri dirige con mano ferma – e sovente
molto convincente – un teso romanzo di formazione
urbano, interpretato con prepotente convinzione da
Aniello Arena, all’apice di un’intensità impressionante e
dolente. Dimostrando una conoscenza del territorio – e
del terreno – inusitata, riesce a girare un intero film a
Napoli senza mai utilizzare scorci già visti, rivelando la
potenzialità di luoghi come la stazione di Torregaveta.
Altro elemento fondamentale del film, la costellazione
di volti e corpi che ruotano intorno al protagonista. Fra
questi spiccano il feroce Daniele Vicorito (Gabbiano), il
minaccioso Simone Borrelli (Pequeño) e l’impressionante
Salvatore Pelliccia (Barabba). Ultras è uno degli esordi
italiani più densi degli ultimi anni.
87/100
Extravisioni GLI ALTRI FILM DA NON PERDERE
IL BUCO
REGIA DI GALDER
GAZTELU-URRUTIA
SPAGNA, 2019
JESSICA FOREVER
REGIA DI CAROLINE POGGI,
JONATHAN VINEL
FRANCIA, 2019
Poggi e Vinel sono probabilmente
la cosa più affascinante prodotta
dal cinema francese dopo Bertrand
Mandico. Autori di un pugno di
cortometraggi memorabili per
impatto visivo e ferocia, sono stati in
grado di creare un cinema altamente
personale e mai derivativo. Jessica
Forever, presentato al festival di
Toronto e a Berlino, è il loro esordio
nel lungometraggio. Rielaborando
alcune tensioni dei loro corti precedenti come Tant Qu'Il
Nous Reste Des Fusils À Pompe e After School Knife
Fight hanno dato vita a un lavoro sensuale e visionario.
Come un incrocio fra Il Signore Delle Mosche, gli X-Men
e un manga, Poggi e Vinel celebrano la chanson de geste
di una banda di rinnegati gender fluid braccati dalle
forze dell’ordine ma guidati dalla magnifica Jessica,
interpretata dalla fiammeggiante e glaciale Aomi Muyock.
Ci sono più idee e cinema in Jessica Forever che nel
90% del cinema che circola in streaming o altrove.
Film perturbante, erotico e glam, zeppo di invenzioni
folgoranti e intuizioni poetiche fuori dal comune,
rilancia il primato dell’insurrezione e della bellezza.
Inevitabilmente Jessica Forever risulta essere un film
politico vero. Di quelli che lasciano il segno.
94/100
SPENSER CONFIDENTIAL
REGIA DI PETER BERG
USA, 2020
Peter Berg non è un cineasta
pessimo, nonostante abbia
progressivamente abbracciato
posizioni sempre più
destrorse; persino in un film
come Lone Survivor riusciva
miracolosamente a conservare un
notevole margine di ambiguità.
Regista tutto al maschile, riesce
a offrire il meglio quando è
chiamato a dare corpo alle
alchimie del testosterone declinato
in apologia della lealtà virile, del dovere e del lavoro ben
fatto. Profondamente statunitense, come una specie di
Andrew McLaglen di una volta, ha trovato in Mark Wahlberg
il suo interprete d’elezione. Purtroppo questa nuova
collaborazione fra i due non sarà certo ricordata come una
delle più memorabili. Reinvenzione della serie televisiva
Spenser della ABC, tratta dai romanzi di Robert B. Parker
e interpretata da Robert Urich, vede Wahlberg nei panni
di uno sbirro appena uscito di galera dopo cinque anni per
avere preso a pugni il suo superiore. Tutto quel che di buono
Berg aveva sin qui evidenziato sembra svanire in favore
di una regia anonima. Persino un eccellente interprete
come Alan Arkin non riesce a sollevarsi al di sopra della
sconcertante mediocrità del film. Al termine di quasi due
ore, una sgradevolissima sensazione di tempo perso.
34/100
SEBERG
THE EDGE OF
NEL MIRINO DEMOCRACY
REGIA DI BENEDICT
REGIA DI PETRA COSTA
ANDREWS BRASILE, 2019
USA, 2019
DIAMANTI GREZZI
REGIA DI BENNY
E JOSH SAFDIE
USA, 2019
I fratellini Safdie non
sbagliano un colpo. E
Diamanti Grezzi potrebbe
senz’altro essere il miglior
lavoro della loro giovanissima
carriera. Interpretato da un
Adam Sandler spiritato e
incontenibile, il film è una
perifrasi dostojevskiana dove
il protagonista rigetta sempre
al vento la possibilità della
salvezza appena conquistata. In questo senso il gioco,
così centrale nel film, evidenzia la volontà di sottrarsi alla
redenzione per continuare a giocare il gioco della vita alle
proprie condizioni. Il denaro è di conseguenza un attestato
di esistenza richiesto e voluto, un’affermazione continua
di un’altra possibilità ma sempre sprecata con dionisiaca
passione. Lo scarto fra le aspirazioni e il margine imposto
invece dalla realtà è lo spazio drammatico nel quale i
Safdie fanno esistere il loro film, creando intorno a Sandler
uno spazio di manovra limitatissimo. Neo noir frenetico
e adrenalinico, Diamanti Grezzi ci riporta a un cinema
schiettamente statunitense che ormai pochi continuano
a praticare. Anche per questo motivo Diamanti Grezzi
andrebbe celebrato con tutto il rispetto che merita. Si
tratta di cinema ormai fuori del tempo, ma la cui esistenza
oggi più che mai è fondamentale.
96/100
RUMOREMAG.COM | 107
VISIONI SERIE TV
“La tragedia semiseria
dell’essere ricchi”
SUCCESSION
PRODUZIONE: PROJECT ZEUS, HBO
PIATTAFORMA: SKY ATLANTIC, NOW TV
"Sai qual è il bello di essere ricchi? Che è fottutamente
straordinario. È come essere un supereroe, solo meglio. Puoi
fare quello che vuoi. Le autorità non ti possono toccare. Vesti
un costume, ma è disegnato da Armani”. Tom Wambsgans
(Matthew Macfadyen), genero con ambizioni di rivalsa sociale,
istruisce il giovane e ingenuo cugino Greg alle regole sfacciate
e crudeli della dinastia Roy e del mondo occidentale che ama
i supermiliardari. In cima alla catena alimentare l'irascibile
patriarca Logan (Brian Cox, fresco di Golden Globe), fondatore e
capo indiscusso della Waystar Royco, colosso dell'informazione
e dell'intrattenimento. Poco sotto, i quattro figli combattono
con assetti molto variabili per la conquista del potere: in un
ranch in mezzo al deserto del New Mexico, il maggiore Connor
STAR TREK: PICARD
PRODUZIONE: AMAZON PRIME VIDEO
PIATTAFORMA: AMAZON PRIME VIDEO
Diario del Capitano, data astrale
2020, Jean-Luc Picard capitano
dell’Enterprise per le sette stagioni
di Star Trek: The Next Generation
e 20 anni dopo gli eventi narrati
in Star Trek - La Nemesi, film del
2002, torna nei dieci episodi di Star
Trek: Picard, serie Amazon Prime
Video totalmente dedicata al perso-
naggio interpretato dall’attore Patri-
ck Stewart. Tra i vigneti francesi, nel suo Chateau Picard,
Jean-Luc non è più il comandante della flotta stellare, ma
si è ritirato a vita privata, in compagnia dell’amato Nu-
mero Uno, un pitbull che lo accompagna quotidianamen-
te. Ma cosa è successo al capitano Picard per spingerlo
ad abbandonare lo spazio? Nel film del 2002, durante lo
scontro finale per salvare la Terra, il tenente comandante
Data aveva perso la vita. Il primo episodio della serie si
apre con una scena tra il sogno e il ricordo, Data e Picard
stanno giocando a poker, “perché tergiversa, capitano?”,
“Non voglio che la partita finisca, Data”; sullo sfondo un
pianeta in fiamme. La costruzione narrativa della serie
permette ai neofiti di ambientarsi, si arricchisce di nuovi
personaggi originali e segna il ritorno di altri beniamini
dei seguaci di vecchia data.
MARIANGELA SANSONE
78/100
108 | RUMOREMAG.COM
coltiva strampalate velleità presidenziali; il secondogenito e
aspirante erede designato Kendall si dibatte tra la cocaina e una
vita privata in mille pezzi; la determinata spin doctor in carriera
Shiv attacca ai lati l'ingombrante genitore favorendo l'ascesa dei
suoi nemici politici; il piccolo di casa, Roman (Kieran Culkin,
fratello di Macaulay), è l'agente del caos alla disperata ricerca
di approvazione. I Roy sono spiacevoli, cinici e volubili. Si
torturano con dispetti inutili o con soprusi eclatanti solo perché
nessuno può fermarli (neanche la coscienza). Sopravvivono
con o contro gli altri a seconda alle necessità del momento. I
Roy, spassosissimi, sono come una perenne messinscena del
Re Lear. La dramedy del pluripremiato Jesse Armstrong (tra le
molte medaglie all'attivo, The Entire History Of You, apprezzato
episodio di Black Mirror) sta tutta qui: una soap opera dalla
raffinata struttura metatestuale che chiama lo spettatore a
giocare costantemente coi toni della tragedia e della parodia.
CLAUDIA BONADONNA
79/100
THE RANCH
PRODUZIONE: RANCH HAND
PRODUCTIONS
PIATTAFORMA: NETFLIX
Dopo dieci stagioni The Ranch
è giunta al capolinea. Al prolo-
go segue la bellissima cover di
Mammas Don’t Let Your Babies
Grow Up to Be Cowboys eseguita
dai figli di Willie Nelson e Waylon
Jennings, con la sigla che fa da
establishing shot di tutta la serie: la
cittadina di 512 abitanti, le facce dei
personaggi principali in vari stadi
della loro vita e una manciata di
oggetti emblematici fra cui camperos e Levis. Per dire che
The Ranch è effettivamente più una sitcom classica che una
serie innovativa al pari di quelle con cui era partita Netflix,
ma non priva di aspetti interessanti quando si guarda allo
svolgimento del tema redneck/heartland, famiglia e Ameri-
ca reazionaria. Quest’ultima è rappresentata soprattutto dal
personaggio più centrato della serie, quello di Sam Elliott
(candidato agli Oscar per A Star Is Born), esilarante bur-
bero rancher dalla proverbiale postura e parlata strascicata
per cui non esiste aggettivo più ingiurioso di “european”.
The Ranch sfida le convenzioni sitcom con una notevole
quantità di situazioni e battute sessiste, machiste, politically
incorrect, ma non sono solo i maschi a farle: le donne (che
coprono tutte le fasce di età) sono altrettanto smarcate.
CARLA SCURA
72/100

VISIONI ESPANSE
Cineobituary
LUCIA BOSÉ
19 3 1 – 2020
Lucia Bosè è un pezzo fondamentale della storia del cinema italiano. La sua bellezza
– pari solo al suo talento – è materia di leggenda. Vince il primo premio di Miss Italia
nel 1947. E dire che la concorrenza era a dir poco impressionante. Dietro di lei si
collocano Gianna Maria Canale (futura moglie di Riccardo Freda), Gina Lollobrigida,
Silvana Mangano ed Eleonora Rossi Drago. Rifiuta il ruolo che poi sarà della Mangano
in Riso Amaro di Giuseppe De Santis ma accetterà l’altro film che il regista le offrirà,
il brechtiano Non C’è Pace Fra Gli Ulivi. Nello stesso Michelangelo Antonioni le offre
il ruolo di protagonista di Cronaca Di Un Amore. Il film entra da subito nella storia
del cinema italiano e così l’interpretazione di Lucia Bosè. Registrata all’anagrafe
come Borlani, diventa nelle mani di Luciano Emmer una delle Ragazze Di Piazza
Di Spagna. In una carriera segnata da storia d’amore fulminanti, scelte dolorose, e
ritorni folgoranti nei quali l’attrice non ha mai seguito il calcolo, ricordiamo ancora il
suo lavoro con Fellini per Satyricon, Equinozio di Maurizio Ponzi che letteralmente
l’adorava e il cultissimo Arcana di Giulio Questi. Più che un’attrice, una vera e propria
leggenda del cinema italiano.
GIONA A. NAZZARO
WATERMELON MAN
D E L ME S E INDICATOR
Nonostante occupi una posizione centrale
nella storia del cinema statunitense, Melvin
Van Peebles continua a essere citato solo per
Sweet Sweetback's Baadasssss Song, film visto
tutto sommato da pochi ma bizzarramente
dato universalmente come capostipite della
blaxploitation con la quale non ha nulla a
che vedere. Watermelon Man, precedente di
un anno, distribuito in Italia come L’Uomo
Caffelatte (sic!), è un film assolutamente da
riscoprire. Interpretato dal geniale Godfrey
Cambridge, il film rovescia lo stereotipo razzista
del blackface e anticipa, in un sol colpo, tutte
le tematiche, politiche, formali e produttive
che più di dieci anni dopo dovranno affrontare
Spike Lee e compagni. Commedia amarissima,
anche se a tratti irresistibile, ci costringe a
ridere a denti strettissimi. Un vero e proprio
film chiave del cinema afroamericano che
invece è stato condannato a essere poco più che
una nota a pie’ di pagina. La Indicator, che si
sta segnalando come la label che riscopre film
americani e britannici poco noti, continua nel
suo eccellente lavoro che riporta a nuova vita
film ingiustamente dimenticati, corredati da
interessanti supporti extra.
GIONA A. NAZZARO
Musica
per gli occhi
BOYCYCLE
(FEAT. SÉBASTIEN TELLIER)
REGIA: VEDRAN RUPIC
LABEL: OWSLA
Vedran Rupic, membro del collettivo
Business Club Royale di Göteborg, ha
creato un notevole scalpore con i suoi
video realizzati per promuovere alcuni
brani di Salvatore Ganacci, produttore
techno svedese di origini bosniache. Il
videomaker ci aveva fornito un anticipo
del suo savoir faire con l’allucinato
videoclip per Horse, che procedeva
secondo una logica ultraminimalista
accumulando effetti e trovate
totalmente assurde, assecondando il
beat instancabile e super squadrato del
pezzo. Con Boycycle, Rupic si spinge
ancora più in là. Nel video Ganacci è
un centauro biomeccanico il cui corpo
umano è innestato senza soluzione di
continuità in quello di una motocicletta
da corsa. Il brano, cui la presenza di
Sébastien Tellier conferisce un sapore
french touch d’antan, è irresistibile
quanto basta e la sua malinconia tecno
diventa lo spleen di un corpo che
non riesce a trovare la sua pienezza
espressiva. Zeppo di accenti à la Jarry,
reiventa la poesia biomeccanica di
H.R. Giger omaggiando ironicamente
gli innumerevoli romances USA e gli
immancabili biker movies. Ritrovato
in mezzo a una discarica di rottami,
il ragazzo-motocicletta è accolto
amorevolmente e rimesso in sesto
dal premuroso padre adottivo. Lui
però scalpita. Vuole l’amore. Non
pensa di essere diverso dagli altri e
si mette in viaggio per cercare la sua
anima gemella. Si fatica a credere alla
quantità di idee stipata da Vedran
Rupic in poco più di tre minuti super
gender fluid. Ogni inquadratura
permette alla storia di avanzare sino
alla sorpresa finale che in realtà si
apre – si spera – su una seconda
puntata delle avventure del ragazzo-
motocicletta. Scartabellando fra gli
altri video di Ganacci si scopre che il
nostro possiede uno spiccato gusto
visivo e che questo Boycycle è solo
il punto provvisorio di una ricerca
formale estremamente avanzata. E un
video come Heartbass dimostra che
anche le sue “provocazioni” sono di un
livello assolutamente superiore.
GIONA A. NAZZARO
RUMOREMAG.COM | 109
 LETTURE MAGGIO 2020
PHILIPPE MARCADÉ
OLTRE L’AVENUE D
AGENZIA X
Il ciuffo ribelle da teddy boy, la lunga sigaretta
che pende all'angolo della bocca, il cipiglio
blasé, la vistosa benda bianca sull'occhio
- che sembra una dichiarazione d'intenti
pirateschi ma è solo frutto di un incidente:
mentre attacca manifesti per pubblicizzare i
concerti della sua band, il giovane Philippe,
“Flipper” per gli amici, si stropiccia l'occhio
con la mano sporca di colla e finisce di corsa
in ospedale. Flipper è Philippe Marcadé,
fondatore e cantante dei Senders, un gruppo di
blues bianco alla Dr. Feelgood che ha vissuto
i suoi giorni di gloria alla fine degli anni 70
intorno al circuito dei club newyorkesi (al
Max’s Kansas City servivano un hamburger
col loro nome) per scomparire poi nel gorgo
dell'eroina: "Eravamo una generazione che si
divertiva e per certe cose era molto ingenua",
dice. Dei quattro membri originari Philippe,
che oggi è un (quasi) splendido 60enne e ha
trasferito la sua residenza in Italia, è l'unico
sopravvissuto. Nella Grande Mela è arrivato in
pieno ciclone punk, nel 1975, quando ancora
non aveva 18 anni, una specie di Forrest Gump
perennemente strafatto, con un affascinate
accento francese, un certo stile nel vestire e
l'inconsapevole capacità di intercettare tutti i
nomi che contano. Alla festa d'inaugurazione
del suo primo appartamento invita i Ramones
al loro debutto sulla scena; Johnny Thunders
e Wayne Kramer lo chiamano a suonare la
batteria nei loro Gang War; Sid Vicious gli
chiede consigli sull'uso dell'aspirapolvere,
Nancy Spungen gli affida il suo ferocissimo
gatto eroinomane, Madonna tenta un'avance,
Bob Marley divide una canna con lui…
Marcadé è torrenziale, ridicolo e sfrenato
come la New York che ricorda: un'ultima
grande onda, in cui eccesso e malinconia si
intrecciano indissolubilmente, prima della
risacca degli anni 80 e dell'AIDS. "La fine di
un’epoca in cui eravamo stati liberi come non
lo saremmo stati mai più”.
CLAUDIA BONADONNA
76/100
110 | RUMOREMAG.COM
ALBERTO CASTELLI
SOUL TO SOUL. STORIE DI MUSICA VERA
CHINASKI
Occhio al sottotitolo, più raffinato di quanto non appaia.
Storie Di Musica Vera: una dichiarazione inconfutabile
(tanto più dopo averle lette, quelle storie), e un'assonanza
che racchiude un universo intero. Se c'è un suono da
sempre connesso a un ancestrale senso di autenticità,
spontaneità e – sì, anche – verità, è proprio quello della
musica nera. La musica dell'anima, ma attenzione perché
qui “soul” è un termine da intendere nella sua accezione
più ampia: R&B, blues, funk, reggae, rocksteady, hip
hop, dub e pure Muhammad Alì e Kareem Abdul-Jabbar.
Per tenere assieme tutti i tranches de vie in nero che sfilano in Soul To Soul
ci voleva una voce capace di raccontarli con il tono e lo spirito adeguati.
Devi essere un po' studioso, un po' memorialista, un po' griot del villaggio
e un po' DJ di qualche radio della periferia di Detroit. Nessuno meglio di
Alberto Castelli, quindi, firma (e - appunto - voce) storica del giornalismo
musicale italiano, nonché tra i massimi conoscitori di black nel nostro paese.
Ci si perde, nella sua appassionata narrazione. Ed è un exodus dal quale si
potrebbe anche non far ritorno.
CARLO BORDONE
85/100
ROBERTO GUSCELLI
I SATELLITI DI RICKY GIANCO. I RAGAZZI DI VIA BENGASI
SALOMONE BELFORTE
I primi Levi’s al mercatino di piazza XX settembre, gli
strumenti Framus e Hofner acquistati con le cambiali:
inizia qui la storia. Livorno, 1958. Roberto Guscelli ha 14
anni, prende lezioni di canto e s’innamora sempre più del
r’n’r. Nel 1962 con gli amici del cortile e della scuola forma
i Criker’s. La città pullula di gruppi beat, i Fossi di Livorno
come il fiume Mersey di Liverpool. Nell’Italia di Carosello,
Lascia O Raddoppia?, dell’omicidio Mattei, i Criker’s
suonano nei luoghi di villeggiatura più in voga. Ingranano
e se la godono con le turiste nordeuropee. Quando
incappano in un impresario che scappa col malloppo incontrano Ricky
Gianco, già nell’olimpo della canzone italiana, e diventano i suoi Satelliti. Tra
il 1965 e il 1968, sotto l’egida di Gianco, pubblicano cinque 45 giri e suonano
ovunque conquistando il Piper di Roma al cospetto dei Rolling Stones. Ma
con l’arrivo del ’68 non c’è più spazio per l’allegria beat, e le divergenze
musicali fanno il resto: fine della corsa. Un racconto avvincente, mai sopra le
righe, scritto benissimo, sull’irripetibile avventura musicale di ragazzi comuni
nell’Italia del boom.
MANUEL GRAZIANI
77/100
FRANCESCO "KENTO" CARLO
TE LO DICO IN RAP
IL CASTORO
Parliamoci chiaro: anche se a noi piacerebbe molto che
fosse il contrario, e cioè che ci leggesse in massa la mitica
fascia dei giovani, la maggior parte di voi ha figli. E nel
2020 i figli, piaccia o no, ascoltano anche e soprattutto
rap. Ora, data per scontata la premessa, che tipo di rap
vogliamo che ascoltino? Con che grado di consapevolezza?
Come? Il consiglio è di regalare loro Te Lo Dico In Rap. Un
simpatico manuale teorico/pratico sulla cultura hip hop,
destinato suppergiù a ragazzi in età da fine elementari o
medie. Scritto da un rapper di comprovata credibilità - sia
come microfono conscious, sia come depositario di tradizioni e sapienza da
B-boy puro - quale Francesco "Kento" Carlo, e illustrato con gusto appropriato
da Albhey Longo, autore Bao. C'è tutto: le nozioni storiche e sociali sull'origine
e la peculiarità delle varie arti; le lezioni tecniche su rime, metrica, stili e
modi di sviluppare ed esprimere la propria creatività lirica; un sito dedicato
con un po' di pezzi scritti e rappati apposta da Kento, e relative strumentali
per esercitarsi. Ci sono glossario, FAQ e playlist consigliata, ed è tutto chiaro,
semplice e accattivante.
ANDREA POMINI
80/100
 LETTURE EXTRA MAGGIO 2020
ROBERT COOVER
LA BABYSITTER E ALTRE STORIE
NN
Jump cut, sequenze in soggettiva, dissolvenze
allucinate. Leggere un racconto di Robert Coover
è come guardare un montaggio pazzo tra Buñuel
e… Guy Ritchie. D'altronde è lui stesso a dire (in
una celebre intervista condotta da Hari Kunzru
per il “Guardian” nel 2011) che il cinema è il
linguaggio che più ha influenzato la costruzione
narrativa degli scrittori del '900. Una
costruzione che nel caso dell'autore statunitense
- decano della Brown University e fondatore
dell'International Writers Project, "quinto
moschettiere del postmoderno insieme a John
Barth, Donald Barthelme, Thomas Pynchon e
William Gass", scrive ancora Kunzru - implode in
un'entropia frattale di generi e trame. Vecchi miti
(dalla Bibbia alle fiabe classiche) che diventano
cinema, fumetto, videogioco... Reinvenzione,
riscrittura. Che moltiplicano i significati in
un gioco di specchi, di svolte, di possibilità,
di… paradossi di Schrödinger. Nel racconto
Ascensore un grigio impiegato potrebbe o non
potrebbe scegliere di prendere un ascensore, che
potrebbe o non potrebbe schiantarsi al suolo,
entro le pareti del quale potrebbe o non potrebbe
finalmente conquistare la collega dei suoi sogni.
In You Must Remember This! la passione
sospesa tra Ilsa e Rick di Casablanca è sciolta
in un'esilarante e altamente acrobatica scena di
pornografia. Nella Casa Di Marzapane la lotta
di Hansel e Gretel contro le trappole di zucchero
della strega cattiva diventa un percorso di crescita
psichedelico e ambiguamente sensuale. La realtà
è ineffabile, sembra dire Coover, l'idea stessa di
narrarla un'inutile blandizia. Il virtuosismo con
cui la destruttura non è un mero sfoggio di stile,
ma una vera e propria indagine epistemologica.
“Il mio realismo l’ho imparato da Kafka”, dice.
30 racconti scritti tra il 1962 e il 2016 per
30 traduttori diversi, "per rispecchiare la
molteplicità dei mondi in essi contenuti", scrive
nella postfazione la curatrice Serena Daniele. Un
volume semplicemente imprescindibile.
CLAUDIA BONADONNA
96/100
PAUL BEATTY
TUFF E LA SUA BANDA
FAZI
150 chili per quasi due metri d'altezza. La propensione
a menar le mani e svenire alla vista delle armi da fuoco.
Winston Foshay, in arte Tuff, è l'agente di recupero
crediti degli spacciatori di East Harlem. "La descrizione
del lavoro di Winston era molto semplice; dalle quattro
alle dieci, cinque giorni alla settimana, aprire la porta
con aria truce e strillare 'Paga subito, bastardo' ai
clienti recalcitranti". Un giorno, dietro una di quelle
porte, c'è una sparatoria in corso e Tuff sopravvive per
miracolo. Sarà l'epifania che lo convince a dare una
svolta alla sua vita e iniziare un'improbabile carriera
politica sotto il patrocinio di Spencer Throckmorton, un nero convertito
all’ebraismo e diventato rabbino. Il vincitore del Booker Prize Paul Beatty
racconta la vicenda con la sua prosa funambolica così caratteristica
e irresistibile. Tuff è brutale ma candidamente sincero, East Harlem
lontanissima dalla confortante gentrificazione di oggi (il romanzo è del
2000): "È un bene che sia diventata un zona sicura”, dice Beatty, “ma ora
tutto sembra più piccolo". Il romanzo è il tributo scanzonato alla memoria
di quella brulicante enormità perduta.
CLAUDIA BONADONNA
81/100
MATTEO GRILLI
CROCEVIA DI PUNTI MORTI
EFFEQU
La genesi del libro è, spesso, indice del percorso
dell’autore e della sua opera. In questo caso, poi, è
quantomai opportuno sottolinearne il contesto. Grilli,
difatti, ha fatto breccia in un pubblico piuttosto folto
in forza di due prerogative principali. La prima, quella
del critico culturale che s’immerge nei prodotti pop,
soprattutto se deviati e/o devianti: ad esempio, JoJo’s
Bizarre Adventures, il nu metal o IT; la seconda,
reinventando il rigurgito linguistico e semantico nella sua forma shit/
textposting, sulla pagina FB di “Pagliare hhhhpostijng”. Da queste due
esperienze deriva il libro, un condensato della provincia nostrana reale,
quella abbruttita ma normalissima, che si dà come spazio psichico e
dell’immaginazione prima ancora di quello materiale e quotidiano. È qui
che si celano portali e immaginari altri, tra cui un’ulteriore rivisitazione del
template del già citato IT. Tutto raccontato con una penna viva e vivace,
colloquiale ma mai banale, di quelle proprie ai grandi narratori, persino
quando ancora un poco acerbi. Inchiodato alla pagina, devi cogliere il fondo
sino all’ultimo respiro.
DANIELE FERRIERO
70/100
MASSIMILIANO NUZZOLO
L'ULTIMO DISCO DEI CURE
ARCANA
Prendete un esordio italiano “giovane” – Brizzi, De
Carlo, Culicchia, Ballestra, fate voi –, e togliete ogni
barlume di peculiarità stilistica e tri(ma anche bi)
dimensionalità dei personaggi: Pietro ha 30 anni ed è in
crisi. Perché? Ma perché ha 30 anni! È un'anima eletta
in virtù di un raffinato gusto musicale (“raffinato”: Cure)
che si scontra con il buzzurrismo di parenti, amici e
fidanzate, le quali, oltre ad ascoltare Vasco, sono delle
rompicoglioni da manuale che si sistemeranno con
uno “che lavora in banca e ha la Mercedes” - l'unico amico degno di lui
muore (perché serve sempre l'amico che muore) dopo la vana ricerca di un
essere di sesso femminile che apprezzi Einstürzende Neubauten e N.I.N.,
“come cercare un ago in un pagliaio”. Ok. Alice ha 30 anni e, indovinate?
è in crisi, perché è la megamanager galattica di una casa discografica e ha
perso l'anima nel suo “bilocale splendidamente arredato sui Navigli”, con
“favoloso divano di pelle nera e impianto hi-fi ultrasofisticato”. Per non
infierire oltre concederò le attenuanti visto che è, appunto, un esordio. Ma
la domanda è: c'era bisogno di ristamparlo?
LETIZIA BOGNANNI
45/100
RUMOREMAG.COM | 111
 FUMETTI MAGGIO 2020
IL MURO – VOL. 1
HOMO HOMINI LUPUS
DI MARIO ALBERTI (DALL’OPERA DI ANTOINE
CHARREYRON)
EDIZIONI STAR COMICS
Nella prefazione Antoine Charreyron
rievoca la lunghissima genesi di The Wall,
soggetto pensato inizialmente come progetto
cinematografico. L’idea gli era venuta
ascoltando un discorso dell’ex presidente
della repubblica francese Nicolas Sarkozy,
il quale evocava l’idea di un muro che
circondasse l’Europa per metterla al riparo
dei flussi migratori. A lungo Charreyron tenta
di condurre in porto il suo sogno che finisce
invece in quello che gli americani chiamano
development hell, ossia l’anticamera dei
progetti la cui data di realizzazione è fissata
in un punto lontanissimo del futuro. Ossia
rimandati a data da destinarsi. Cercando
un’altra sponda per The Wall, tramite
Olivier Jalabert Charreyron incontra Mario
Alberti e ne resta folgorato. A questo punto
The Wall diventa Il Muro. Alberti, artista
che i lettori di Nathan Never e Dragonero
conoscono bene, diventa autore totale con il
materiale di Charreyron. Responsabile della
sceneggiatura, dei disegni e dei colori, crea
un universo distopico brulicante di dettagli
e di invenzioni visive che si susseguono
instancabilmente. In un futuro imprecisato,
il mondo come lo conosciamo non esiste più.
In uno scenario memore di Mad Max e dei
peggiori incubi di Go Nagai bande di predoni
tentano di oltrepassare “il muro”. Diviso
in tre volumi cartonati, stampati su una
carta lucida che permette ai colori di Alberti
di vivere in tutta la loro forza, Il Muro,
il cui primo capitolo si conclude con un
cliffhanger inquietante, è la prova definitiva
della straordinaria maturazione artistica di
Alberti e dello spettro notevolissimo delle sue
possibilità. In attesa dei prossimi due volumi
non si può che salutare con grande favore
Il Muro, anche se di questi tempi il tutto
assume un’aria sinistramente documentaria
più che fantascientifica.
GIONA A. NAZZARO
88/100
112 | RUMOREMAG.COM
NEGRI GIALLI E ALTRE CREATURE
IMMAGINARIE
DI Y. ALAGBÉ
CANICOLA
Opera di culto in Francia, arriva in Italia grazie a
Canicola questo volume profondo, che parla dell'oggi
con concretezza priva di compromessi, mostrando
senza artifizi di sorta la realtà dell’immigrazione,
dell’emarginazione, del razzismo, dell’integrazione
con un bianco e nero ruvido e lacerante. C’è un che di
pasoliniano nel racconto centrale dell’opera (composta
da più storie): le vicende di Claire, ragazza francese
bianca di buona famiglia, e del compagno Alain, immigrato irregolare del
Benin che vive con la sorella Martine, la quale si guadagna da vivere facendo
i lavori di casa di famiglie benestanti, si intrecciano alla realtà di Mario,
un algerino ormai anziano ed ex militare costretto ad emigrare in Francia,
che cerca di comprare la loro compagnia in ogni modo, in un percorso
di solitudine e miseria perturbante. Lo stile poetico e spiccatamente
espressionista di Alagbé racconta vicende umane con onestà, convincendo
dalla prima all’ultima tavola.
STEFANO FANTI
70/100
RUBENS
DI CAMMELLO, AKAB, SPUNGA
ERIS/STIGMA
Doppia storia, triplo autore, doppio editore: psichedelia
in bianco e nero e paranoia lisergica vivono ed emergono
in Rubens, opera a sei mani dei sempre ottimi Pablo
Cammello, Akab (R.I.P.) e Spugna. Due storie dicevamo:
la prima, L’Ultima Tentazione Di Rubens, è scritta da
Akab, disegnata da Cammello e inframmezzata dalle
devastanti tavole di Spugna, che raccontano le gesta di
un clown in un campo di concentramento nazista: puro
malessere. La vicenda principale è un divagare etereo tra
noia giovanile, viaggi mentali e sperimentazione pura,
dove le leggi della fisica si squagliano per portarci in un altrove alterato.
Con La Leggenda Di Rubens (scritto e disegnato da Cammello) scopriamo
invece le origini di questo eroe allucinato, “immortale” senza un perché e
impegnato in gesta epiche e incontri alienanti. Il fumetto underground -
distinzione che in realtà non ha più molto senso - italiano lotta insieme a
noi, creando storie su storie convincenti. Dedicato a un artista scomparso
troppo presto.
STEFANO FANTI
70/100
GLI SPRECATI
DI M. SETOLA
CANICOLA
Le tavole di Michelangelo Setola e la musica di
Jonathan Clancy (già Settlefish, His Clancyness e A
Classic Education) sono gli elementi che danno vita a
Gli Sprecati, opera transmediale nata dallo scambio
di bozze – in forma di disegno o canzone – che i due
artisti si sono rimpallati per un anno, influenzandosi
reciprocamente e creando un immaginario riproposto
anche in esibizioni live (oltre che su disco, per Maple
Death Records). Il volume, presentato in formato gigante
(ma veramente gigante!), mostra al meglio gli infiniti dettagli dei disegni,
brutalmente d’impatto nel contesto industriale alienante che raccontano.
Lavoro disumano, città-industrie in cui non scorre il tempo, lo sguardo
incessante del padrone – e del capitale – in un percorso di disumanizzazione
che stordisce ma che riesce a esprimere anche un sentimento liberatorio.
Un’opera in cui perdersi tra le pagine come tra le pieghe di un’umanità
disperata.
STEFANO FANTI
73/100
F U M E T T I P O S T E R-I D I A L E S S A N D R O B A R O N C I A N I E A L E S S A N D R O B E S S E LVA AV E R A M E

RUMOREMAG.COM | 113

BANDALARGA FOTO VS PHOTOSHOP
FOTO VS
PHOTOSHOP
Un momento importante della
storia della musica pop è stato
l'introduzione della registrazione
multitraccia, che consente di
registrare la musica uno strumento
alla volta. Il 99% della musica dai
tardi anni 60 in poi è realizzata in
questo modo, dai Beatles a Ultimo.
Naturalmente questa tecnologia
offre degli immensi vantaggi: si
ottiene una performance "ideale",
per esempio di una traccia vocale
difficile, che un cantante può
eseguire frase per frase. Inoltre
c'è la separazione acustica dei
vari strumenti, consentendo
grande precisione nel missaggio.
Una musica può anche essere
"ottimizzata" suono per suono,
aggiungendo e togliendo. Il
risultato finale sarà l'immagine più
"perfetta" possibile di quel brano,
ottenuta attraverso la registrazione
delle tracce, e la post produzione
- che è dove accade la magia. Ecco
perché oggi il produttore è una
figura così importante.
Il procedimento antico, tutt'ora
utilizzato da alcuni artisti,
consiste nel posizionare i
microfoni (anticamente solo
uno, poi via via sempre di più),
far partire il registratore (non
multitraccia) e riprendere una
scena sonora già completa che,
salvo alcune correzioni, sarà
quella che troviamo sul disco. Se
uno dei musicisti sbaglia, devono
ricominciare tutti. Il risultato
114 | RUMOREMAG.COM
finale è profondamente diverso.
Da un lato è certamente un
compromesso tra la qualità della
performance, il posizionamento
dei microfoni e il missaggio, che
avviene in tempo reale. Dall'altro
però si tratta della "fotografia" di
una performance, dell'effettivo
svolgimento di un evento sonoro,
e dentro questo svolgimento c'è
un'altra magia. Niente come una
registrazione sonora è in grado
di trasportarci in un altro luogo.
Quindi quando ascoltiamo le
sublimi canzoni blues registrate
da Alan Lomax nelle prigioni
americane del sud durante gli
anni 40, per quel tempo noi ci
troviamo in quel luogo. Idem
quando ascoltiamo That'll Be The
Day di Buddy Holly. Naturalmente
in ambedue i casi c'è la mediazione
del microfono, e la consapevolezza
che si sta registrando. Però in
molti casi la differenza si sente
bene. Uno dei tratti attraenti dei
bootleg (registrazioni live fatte dal
pubblico, talvolta di qualità infima)
è proprio l'effetto "fotografia".
Naturalmente gli ibridi sono
infiniti, e molte delle parti
significative della storia del r'n'r
sono state registrate in "one
take", cioè dall'inizio alla fine
senza interruzioni. Su questa
storia del "one take" esiste una
variegata mitologia pop. Nel
primo sfortunato album solista di
Grace Slick, Manhole (1974), c'è
A CURA DI
S ERG IO MES S IN A
letto ri@sergio m essina . c om
un pezzo di oltre 15 minuti, una
specie di maratona vocale, che
si narra lei abbia cantato tutto
in una volta. Poi c'è la bellissima
storia su Cobain raccontata da
Butch Vig: "Abbiamo provato a
registrare Something In The Way
(su Nevermind)  tutti insieme,
ma non riusciva. Così una sera
ho chiesto a Kurt come avrebbe
dovuto essere secondo lui. Si è
sdraiato sul divano e ha iniziato a
suonarla sull'acustica, cantandola
sussurrando. L'ho fermato, ho
piazzato due microfoni, e quella è
la versione che sta sul disco: più
tardi abbiamo aggiunto gli altri
strumenti". Quindi ascoltando
Something In The Way c'è un
doppio livello: una canzone dei
Nirvana, e una fotografia sonora
di Kurt steso sul divano che
sussurra.
A B B O N A T I
SPECIALE HESTETIKA 2020: 4 NUMERI 38 EURO

Per informazioni: hestetika.It/abbonamentiarretrati