N° 339 | MENSILE - APRILE 2020 | PRIMA IMMISSIONE 28/03/2020 | EURO 6,00

ORANSSI PAZUZU JULIA BARDO FRANCESCO BIANCONI JOHN CALE HOMESICK

ALFIO ANTICO ACRIMONY SHABAKA & THE ANCESTORS TODAY IS THE DAY

NON SOLO TRAP RETROPOLIS OLTRE 335 RECENSIONI

CLAVER GOLD, COCTEAU TWINS TRA DISCHI, LIBRI, FILM
MURUBUTU, MODER SERIE E FUMETTI

FUGAZI
LA BAND AL COMPLETO SI RACCONTA

TUTTA LA MUSICA DI CUI HAI BISOGNO

POSTE ITALIANE SPA - SPED. IN A.P. - D.L. 353/2003 (CONV. IN L. 27/02/2004 N.46) ART. 1, COMM A 1, NO / TORINO - ISSN 1591-4062 - N.4 ANNO 2020
 IL NUOVO ALBUM
D E L L’A R T I S TA ,
PRODUTTRICE E PERFORMER
K AT I E A U S T R A S T E L M A N I S

DAL 1 MAGGIO
DISPONIBILE IN CD,
L P E D I G I TA L E

EVERYTHING IS RECORDED
FRIDAY FOREVER

IL NUOVO ALBUM DEL

PROGETTO COLLABORATIVO DI
RICHARD RUSSELL CON
FLOHIO
JAMES MASSIAH
AITCH
BERWYN
MARIA SOMERVILLE
KEAN KAVANAGH
GHOSTFACE KILLAH
INFINITE COLES
A. K. PAUL
PENNY RIMBAUD
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 EDI TOR I ALE
LA RESA DICHIARATA
DI ROSSANO LO MELE
Che fine fanno le anatre di Central Park in inver-
no? Era quanto si chiedeva in una frase ormai leg-
gendaria quanto abusata Jerome Dave Salinger ne
Il Giovane Holden. Parafrasando lo schivo scrittore
statunitense potremmo chiederci: che fine fanno i
giornali, quando scade il loro periodo in edicola? In
una circolare di metà febbraio 2020, il distributore
di questo e tantissimi altri giornali ci scrive: l’asso-
ciazione nazionale dei Distributori Locali segnala
un’impennata al ribasso del valore della carta da
macero. Tanto che le imprese che si occupano del
ritiro e della macerazione della carta chiedono ora
un compenso per il ritiro e lo smaltimento. Di più: la
Camera di Commercio di Milano, da sempre punto di
riferimento obbligato sul tema, non quota neanche
più il prodotto. Il che significa che gli editori dovran-
no pagare di tasca propria per il ritiro della carta.
Prima volta nella storia dell’editoria. Ma facciamo un
passo indietro.
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Quando i giornali vengono distribuiti, nelle varie
edicole vengono lasciate tutte le copie stampate. Ma
non tutte le copie stampate vengono certo vendute.
La tiratura distribuita è sempre superiore al ven-
duto. L’indomani (per i quotidiani), la settimana
successiva (per i settimanali) o il mese dopo (per i
mensili) il vecchio prodotto viene ritirato e sostituto
dal numero nuovo. A questo punto scatta la domanda
sulle anatre a Central Park: che fine fanno le copie
invendute? Qui si pone una doppia opzione. Questo
è il momento della cosiddetta resa. La restituzione
del prodotto, cioè dell’invenduto. La resa viene chia-
mata in gergo in due modi: dichiarata oppure fisica
(quest’ultima nota anche come accertata). Ecco spie-
gate le due modalità: la resa fisica/accertata prevede
che l’editore si faccia appunto fisicamente carico
dell’invenduto. Ossia che prenda un mezzo - dal ca-
rico sufficiente - che gli permetta di andare a recupe-
rare presso la sede centrale del distributore tutte le
copie invendute. Dipende dai giornali, possono esse-
re anche decine di migliaia (centinaia di migliaia nel
caso dei quotidiani) di copie avanzate: immaginate il
peso e il volume. Oltre alla disponibilità di qualcuno
che si occupi, appunto, di questo recupero materiale.
Poi, una volta recuperate, sarà cura dell’editore capi-
re cosa farne: macerarle? Rivenderle? Archiviarle?
Chi (come noi, ma siamo la maggior parte) non opta
per la resa fisica/accertata, aderisce invece alla resa
dichiarata. Dichiarata significa che il distributore si
Tutti i diritti di riproduzione degli articoli pubblicati sono riservati. Manoscritti e foto, anche se non pubblicati, non saranno restituiti
Il loro invio implica il consenso alla pubblicazione da parte dell’autore. È vietata la riproduzione anche parziale di testi, documenti e fotografie.
La responsabilità dei testi e delle immagini pubblicate è imputabile ai soli autori.
L’editore dichiara di aver ottenuto l’autorizzazione alla pubblicazione dei dati riportati nella rivista.
fa carico delle copie invendute e le gestisce (mandan-
dole al macero, cioè distruggendole) senza coinvol-
gere l’editore. Ma quali sono le ulteriori differenze? E
perché uno dovrebbe optare per una soluzione invece
di scegliere l’altra? La resa dichiarata implica un patto
di fiducia tra chi produce e vende il giornale e chi lo
distribuisce. Se chi lo distribuisce, in base ai suoi si-
stemi di controllo e rendicontazione ti dice che tu hai
venduto tot copie mentre tot altre sono avanzate, non
hai altro modo di verificare se non quello di fidarti (i
moderni sistemi di controllo, se adoperati corretta-
mente, sono assai efficaci). Un patto di fiducia. Io ti
affido il giornale e sono così certo della bontà del tuo
lavoro che quando mi fornirai i dati sulle copie effet-
tivamente vendute, io mi fiderò di te. Le altre copie
avanzate saranno di fatto considerate copie “morte”:
con conseguente spreco di carta e inquinamento,
certo, ma per essere distribuiti su tutto il territorio
nazionale - che conta poco meno di 20mila punti ven-
dita a oggi - va messo in preventivo che è difficile elu-
dere questo meccanismo. La resa fisica/accertata po-
tremmo invece definirla come l’opzione dei diffidenti:
ossia di quelli che vogliono controllare di persona
(legittimo diritto peraltro, ci mancherebbe). Esempio:
io ti ho affidato 2mila copie del mio giornale da distri-
buire dopo un mese, tu, distributore, mi dici che ne ho
vendute mille. Benissimo, vengo a prendermi le mille
copie in esubero, verificando di persona.
Proviamo a unire questi elementi per trarne un senso:
il valore della carta crollato. Le copie invendute che
viaggiano spedite in migliaia verso l’autodistruzione.
Metaforicamente il significato pare chiaro: i giornali
non ci servono più. Eppure mai come in questo pe-
riodo funesto verrebbe da dire il contrario. Le edicole
aperte hanno un ruolo simbolico altissimo. Molte
sopravvivono - è la verità, bella o brutta che sia - ven-
dendo giocattoli che sono allegati di varie testate.
Prodotti che arrivano dalla Cina. La chiusura forzata
delle fabbriche a Wuhan e dintorni ha bloccato la
produzione, fenomeno che colpirà le forniture alle
edicole dalla metà di aprile alla metà di maggio. Fino
ad adesso nessun problema, nonostante il Coronavi-
rus, perché si trattava di stock già inviati dalla Cina
tra fine 2019 e inizio 2020. Proviamo a dare tutti una
mano alle edicole e ai giornali indipendenti: entrambi
presidio di civiltà, pluralismo e democrazia. Sarebbe
davvero una ferita culturale irricucibile l’estinzione
delle anatre.
 339 CO N T E N U T I

26

COV E R S TO R Y

F U G AZI

26 Fugazi DI ANDREA POMINI

34 Claver Gold, Murubutu & Moder D I M AT T I A C A S S A G H I

48 Distorsioni: Oranssi Pazuzu D I A N D R E A VA L E N T I N I

94 Retropolis: Cocteau Twins DI DIEGO BALL ANI

 NUMER O 339
ANNO 2 9
APR I LE 2 02 0

DI R ET TOR E R ESPONS ABI LE

Marco De Crescenzo

DI R ET TOR E EDI TOR I ALE

Rossano Lo Mele

COOR DI NAMENTO R EDAZI ONAL E

Alessandro Besselva Averame

R E DA Z I O N E E WE B Nicholas David Altea,

Letizia Bognanni

CL AVE R G OLD & M U R U B U T U CONSULENTI ALL A R EDAZI ONE

Maurizio Blatto, Giona A. Nazzaro,
P. 3 4 Claudio Sorge, Giorgio Valletta

R UBR I CH E Alessandro Baronciani, Carlo

Bordone, Luca Doldi, Francesco Farabegoli,
Luca Frazzi, Sergio Messina, Marco Pecorari,
Andrea Pomini, Barbara Santi

COLL ABOR ATOR I

Davide Agazzi, Diego Ballani, Antonio
Belmonte, Paolo Bogo, Claudia Bonadonna,
Arturo Compagnoni, Matteo Da Fermo,
Stefano D'Elia, Stefano Fanti, Mauro Fenoglio,
Paolo Ferrari, Daniele Ferriero, Manuel
Graziani, Luca Gricinella, Stefano Morelli,
Andrea Prevignano, Fernando Rennis, Mario
Ruggeri, Gianluca Runza, Fabio Striani,
Doriana Tozzi, Andrea Valentini, Simona
Ventrella, Francesco Vignani

DI R ET TOR E AR TI STI CO Stefano Manzi

PR OG ET TO G R AF I CO
E I MPAG I NAZI ONE Sericraft Lab snc
COCT EAU T WI N S F OTOG R AF I Stefano “Star Fooker” Brambilla,
P. 9 4 Francesca Sara Cauli, Luigi De Palma

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STAMPA Reggiani Print srl - Brezzo di Bedero (VA)

5 Editoriale 90 Flashback
Pubblicità a carattere musicale
8 News 91 Retropolis direttamente presso l’editore

14 Privé 102 Che fine hai fatto? Autorizzazione del tribunale di Torino n. 21
del 25/07/2013
18 My Tunes
103 Gente Sola ISCRIZIONE AL ROC N° 23733
20 Futura
(Ma Non Troppo) Questo periodico è associato
CONTEN ITOR I 55 Recensioni all’Unione Stampa Periodica Italiana
104 Visioni
56 Disco Del Mese Finito di stampare nel mese di Marzo 2020
108 Letture
80 Treecolore
82 Radici 111 Fumetti

84 In Italia 112 Poster-i

88 Singolare 114 Banda Larga
BL ACK SABBATH CAR SEAT HEADREST KEVIN MORBY NEIL YOUNG

A CU RA DELL A RE DA Z I ONE A PRI LE 2020 @ ru m o re m a ga z i n e

GENESIS BREYER P-ORRIDGE PROTOMARTYR ST. VINCENT

INDICE: NEWS p. 08 — FACCIAMO I CONTI p.09 — SOCIAL p.10 — IN ARRIVO p.10

IL NUOVO ALBUM
DI FIONA APPLE

La lunghissima attesa a cui

Fiona Apple ha costretto i suoi
fan sembra essere terminata: il
nuovo album della cantautrice
statunitense sarebbe pronto,
anche se non sono ancora state
comunicati né data di uscita
né titolo. Il precedente The
Idler Wheel Is Wiser Than
The Driver Of The Screw
And Whipping Cords Will
Serve You More Than Ropes
Will Ever Do risale ormai al
2012, anche se negli ultimi
anni l'attività della musicista
si è intensificata. Tra le altre
cose, lo scorso dicembre la
Apple aveva inciso, con Matt
Berninger dei National e
Phoebe Bridgers, una cover di
7 O'Clock News/Silent Night
di Simon & Garfunkel, allo MICHAEL BOLTON E I BLACK SABBATH
scopo di raccogliere fondi
per l'associazione benefica
Planned Parenthood.
è una leggenda ma costui aveva appena messo in piedi
metropolitana che circola gli Whitesnake e non era disponibile. A
LA SCOMPARSA
DI KEITH OLSEN C' da anni: un non ancora quanto pare Bolton, uno dei vari candidati,
famosissimo Michael all'epoca già attivo da quasi un decennio ma
Bolton avrebbe fatto non ancora idolo conclamato delle massaie
una audizione per i di tutto il mondo, venne pure preso in
I più lo ricordano, e lo hanno
Black Sabbath. Leggenda metropolitana considerazione, ma la band decise infine di
ricordato in queste settimane,
per il ruolo di produttore a sempre smentita da Bolton, ma confermata andare sul sicuro, ingaggiando Ian Gillan. Il
fianco di grandi nomi, dagli da Toni Iommi durante una recente frontman dei Deep Purple registrerà un solo
anni 70 in poi: tra i tanti Fle- intervista rilasciata a GibsonTV. Il tutto album con il gruppo, Born Again, nel 1983,
etwood Mac (per i quali ha sarebbe avvenuto alla fine del 1982, dopo prima di abbandonare a sua volta.
prodotto l'album omonimo l'abbandono del gruppo da parte di Ronnie
del 1975, l'album destinato James Dio. Iommi si era inizialmente
a lanciarli definitivamente rivolto a David Coverdale per sostituirlo,
nell'olimpo mainstream) e

8 | RUMOREMAG.COM
 Pat Benatar. Ma Olsen aveva
anche fatto parte, come bassi-
FACCIAMO I CONTI sta, dei Music Machine (la cui
unica hit, Talk Talk, ispirerà
il nome alla band di Mark
Hollis), cult band autrice di
un originalissimo garage rock
CANZONI E PIÙ: LE HA SCRITTE LÅPSLEY

100
dalle tinte dark, militanza che
PER IL SUO ULTIMO ALBUM, THROUGH lo avrebbe messo in contatto
WATER. AMMETTE PERÒ CHE NON TUTTE con il produttore di riferi-
SONO HIT mento del sunshine pop Kurt
Boettcher, introducendolo alla
produzione.

40
LE NOTTI DI FILA TRASCORSE AL
NEIL YOUNG PER
PRESTIGIOSO STANDARD HOTEL DI LOS
BERNIE SANDERS
A N G E L E S A I N I Z I O M I L L E N N I O D A B A D LY
DRAWN BOY, AL PICCO DELL A SUA
POPOL ARITÀ
Neil Young, che da poco è di-
ventato cittadino americano,

6
ha scritto un lungo post sul
DEL MAT TINO: QUANDO È IN HOTEL, proprio sito nel quale spiega
MEG REMY (U.S. GIRLS) NON RIESCE A i motivi del suo supporto a
DORMIRE FINO A QUELL'ORA, E SI PERDE Bernie Sanders: “Suppor-
NEL WEB to Bernie Sanders perché
ascolto quello che dice. Tutti
i punti del suo programma

1
sono cose in cui credo. Tutti.
MILIONE DI BAMBINI DI CUI SI DICHIARA Se nel 2016 il candidato de-
ZIA: NADINE SHAH SVOLGE QUESTO mocratico fosse stato lui an-
RUOLO PER I FIGLI DEI SUOI AMICI. LEI ziché Hillary Clinton, credo
CHE FIGLI NON NE HA che adesso non ci sarebbe
tutto questo casino gestito
da incompetenti”. Young ci
va giù pesante con il partito

6
democratico, accusandolo
O R E A L G I O R N O D I P R O V E P E R L E G I R L R AY di aver fatto di tutto per far
N E I P E R I O D I D I M A G G I O R E I N T E N S I TÀ . P R I M A naufragare la candidatura di
DI UN TOUR. SENZA LITIGARE MAI Sanders, sia nel 2016 che in
occasione della nuova campa-
gna, arrivando a specificare:
“Fuori dal tribunale, non

35
A N N I A L M E N O D I F E D E LTÀ P E R T H E M E R C Y appena sono stato naturaliz-
SEAT (PUBBLICATA A FINE '80). NICK CAVE zato cittadino statunitense,
L A ESEGUE DA SEMPRE, OGNI CONCER- c'era una cabina per la regi-
TO, MA DICE CHE L A SCRISSE SENZA QUEL strazione del Partito Demo-
PROPOSITO cratico, e io l'ho fatto, mi
sono registrato. Il mio primo
errore commesso da cittadino

2
americano, che adesso verrà
ESTATI: LE HA TRASCORSE FINORA A corretto. Mi registrerò da in-
LOS ANGELES KEVIN PARKER DEI TAME dipendente. Non mi fido del
IMPAL A, CHE TORNA A FREEMANTLE, Partito Democratico perché
AUSTRALIA, ORMAI SOLO PER L'INVERNO non credo che il Democratic
National Committee persegua
un programma che coincide
con il bene della nazione”.

18°
SECOLO: A QUELL'EPOCA RISALE IL Young ha anche aggiunto:
MISTERIOSO UNGHERESE LORD SABRE, “Gli USA sono a pezzi, così
NOME PRESO POI IN PRESTITO DAL come la nostra sacra demo-
COMPIANTO ANDREW WEATHERALL PER crazia. Ricerca della verità.
UNO DEI SUOI PROGETTI Abbiamo già il socialismo
negli Stati Uniti, con il sal-
vataggio di Wall Street e dei
super ricchi. Come la mettia-
RUMORE È DISPONIBLE OGNI MESE ANCHE IN VERSIONE DIGITALE
mo con la classe lavoratrice
SCARICA SUBITO LA NOSTRA APP! e gli studenti che vogliono
DISPONIBILE PER SMARTPHONE E TABLET APPLE E ANDROID poter contare su un vero fu-
turo senza debiti?”

RUMOREMAG.COM | 9
N E W S! AP R I L E 202 0

ST. VINCENT IN STUDIO

RUMORE PER IL SOCIAL
Secondo Jack Antonoff, lui e SF O G H I, CO N FE S S IO N I E CA Z Z EGGI CAT TUR ATI IN RE TE
Annie Clark aka St. Vincent
sono di nuovo al lavoro in
studio. Antonoff aveva preso
parte alla produzione di Mas- THE BAD INTENTIONS, THE BAD MANNERS....
seduction, ultimo album della
musicista. La notizia è venuta What's Happening?
fuori per via di una intervista
al “New York Times”, inter-
L I A M (Che succede?)

rotta per l'appunto dall'arrivo GALLAGHER Risposta di Bugo (@BugattiCristian)

della Clark nello studio del @LIAMGALLAGHER

produttore. Nulla di definito Here I am Liam, there we were now here we are
al momento: “Stiamo solo eheheh
cazzeggiando un po', Annie (Eccomi Liam, eravamo lì e adesso siamo qui eheheheh)
è una di quelle persone che,
ogni volta che se ne presenta
la possibilità, ha un po' que-
sta attitudine, 'vediamo se
c'è qualcosa con cui si può
pasticciare un po''”.
ARE YOU READY TO BE HEARTBLOCKED?
RAYNA RUSSOM DEGLI
LCD SOUNDSYSTEM L L O Y D I'm a 59 year old man. Address me as bro & you're
APRE UN'ETICHETTA C O L E automatically blocked
@ L L O Y D _ C O L E
(Sono un uomo di 59 anni. Rivolgetevi a me chiamandomi
“bro” e siete bloccati in automatico)
Il secondo album solista dell/
la componente della band
newyorchese, Secret Passa-
ge, è uscito per la sua nuova
etichetta, Voluminous Arts.
Il disco è un omaggio all'East
Side Rail Tunnel di Providen-
ce, Rhode Island, città in cui IN ARRIVO
l'artista ha conosciuto molti
amici e collaboratori, e ognuna
delle cinque tracce è dedicata,
per l'appunto, a uno di questi
amici, ma è il tunnel il vero
fulcro del disco. “Scorrendo
per quasi un miglio al di sotto
delle strade cittadine, il tun- CAR SEAT HEADREST
nel e l'adiacente Crook Point
Bridge erano zone autonome
non sorvegliate, dove ho MAKING A DOOR LESS OPEN
hassaggiato le possibilità che MATADOR
poteva offrire un mondo privo
di sorveglianza”, dice Russom,
aggiungendo: “Il tunnel è stato
particolarmente importante Quarto album targato Matador (su 13 in totale, in appena un decennio di attività!) per
per il mio sviluppo creativo il progetto di Will Toledo e Andrew Katz, il secondo di materiale inedito pubblicato
perché non solo si trattava di dall'etichetta, a due anni dalla versione reincisa di Twin Fantasy del 2016: l'inarrestabile
una zona marginale, lontana prolificità di Car Seat Headrest sembrerebbe aver prodotto un disco sempre più lontano
dagli spazi monetizzati del dall'estetica lo-fi che ne ha caratterizzato la produzione finora. Stando alle parole di Toledo,
consumo creativo, ma aveva le canzoni del nuovo album “contengono elementi di EDM, hip hop, futurismo, doo-wop,
anche specifiche proprietà
soul e ovviamente rock and roll. Ma sotto tutte queste cose credo che possano essere
esperienziali. Quando eri in
considerate delle canzoni folk, perché si possono suonare e cantare in molti modi diversi, e
mezzo al tunnel ti trovavi in
uno stato di completa oscurità, parlano di cose che sono importanti per molte persone: rabbia nei confronti della società,
e ho imparato molto in fretta malessere, solitudine, amore”.
che quando trascorri un tempo
sufficiente in una situazione CA R SEATH EAD R EST.C O M M ATA D O RRE C O RD S .C O M
di totale oscurità incominci ad
avere delle allucinazioni, cosa
che apprezzavo molto. E pure FUORI L'1 MAGGIO 2020
l'acustica era notevole”.

10 | RUMOREMAG.COM
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 DONALD GLOVER FA
CAPOLINO E SCOMPARE

K E V I N
M O R B Y FILL IN THE BLINKS Il nuovo album di Donald
Glover, che tre anni fa aveva
@ K E V I N M O R B Y
Letter I wrote to @blink182 in 7th grade and annunciato la “morte” del
apparently never sent. Please read this hole proprio alter ego Childish
letter. Thanks mom for unearthing! Gambino, è stato reso
disponibile lo scorso 15
(Lettera che ho scritto ai @blink182 in seconda media marzo in streaming per
e che a quanto pare non ho mai spedito. Vi prego poche ore, attraverso un
leggete questa sacra lettera. Grazie mamma per averla profilo ritwittato dallo stesso
disseppellita!) management dell'artista
statunitense che linkava il
sito donaldgloverpresents.
com, successivamente
chiuso. Nella breve finestra
temporale si è potuto
ascoltare in anteprima il
r u mo remag r u mo re m a ga z i n e nuovo lavoro di Glover,
intitolato presumibilmente
Donald Glover Presents,
un album di 12 tracce con

ASCOLTA
QUESTO
NUMERO SU
SPOTIFY

NUOVO PROTOMARTYR
Protomartyr hanno pronto
un nuovo album, Ultimate
I Success Today, la cui
pubblicazione è prevista
il prossimo 29 maggio
su Domino. Il gruppo
ha pubblicato al momento un singolo,
Processed By The Boys, e l'annuncio
dell'uscita, a tre anni di distanza dal lavoro
precedente, Relatives In Descent, e a due
dall'EP Consolation, è accompagnato da
una biografia della band opera della fan Ana
Da Silva (Raincoats), che descrive il nuovo
materiale della band in questi termini:
L'ESPERIENZA
DI RUMORE
SI AMPLIFICA
“C'è oscurità nella poetica di Ultimate OGNI MESE UNA NUOVA
Success Today [...] Il tema delle cose che PLAYLIST DEDICATA
finiscono, sopra ogni altra cosa l'esistenza AL NUMERO IN USCITA
dell'uomo, è molto presente e fa venire in
mente La Strada di Cormac McCarthy. Il PER VIVERE IL MAGAZINE
nostro mondo ha raggiundo un punto che IN MANIERA TUTTA NUOVA
ci fa molta paura: incendi, inondazioni,
terremoti, fame, guerre, intolleranza...Ci
sono delle grida disperate. C'è speranza?
L'avidità è il male che mette la vita in
pericolo”.
ru m o re m a ga z ine

RUMOREMAG.COM | 11
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N E W S! AP R I L E 202 0
vari ospiti tra cui Ariana
Grande e 21 Savage, con
una scaletta che include un
paio di brani già circolati
precedentemente: il singolo
Feels Like Summer, già
diffuso a suo tempo come
Childish Gambino, e
Algorhythm dello scorso
anno. Ma c'è anche quella
Warlords che l'artista di
Atlanta aveva eseguito
di fronte al pubblico del
Coachella lo scorso anno. Ad
accompagnare lo streaming,
un artwork comprendente
una illustrazione in quattro
parti del mondo in fiamme.
Nessuna dichiarazione
successiva al “ritiro” del
link ha fatto chiarezza
sull'episodio, quantomeno
al momento di andare in
stampa.
ERRATA CORRIGE N. 338
Nella recensione dell'album di
Stephen Malkmus, il titolo è
sbagliato: Traditional Techni-
ques, non Tecniques.
Nel box dei Primitives, manca
il voto degli “extra”: 90/100.
IN USCITA
Built To Spill Built To Spill
Plays The Songs Of Daniel
Johnston (1 maggio) Damien
Jurado What's New, Tom-
boy? (1 maggio) JARV IS
Beyond The Pale (1 maggio)
The Lemon Twigs Songs For
The General Public (1 maggio)
The Psychedelic Furs Made
Of Rain (1 maggio) The Soft
Pink Truth Shall We Go On
Sinning So That Grace May
Increase? (1 maggio) Jehn-
ny Beth To Love Is To Live
(8 maggio) Mark Lanegan
Straight Songs Of Sorrow (8
maggio) King Buzzo Gift
Of Sacrifice (15 maggio) Ma-
gnetic Fields Quickies (15
maggio) Moses Sumney Græ
(15 maggio) Perfume Genius
Set My Heart (15 maggio)
Sparks A Steady Drip, Drip,
Drip (15 maggio) Weezer Van
Weezer (15 maggio) Steve
Earle & The Dukes Ghosts
Of West Virginia (22 maggio)
Throwing Muses Sun Racket
(22 maggio) Woods Strange
To Explain (22 maggio)
12 | RUMOREMAG.COM
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GENESIS BREYER
P-ORRIDGE
Genesis P-Orridge si identificava come third gender
(utilizzando alternativamente i pronomi “h/er” o “s/
he” per indicare sé stesso/stessa), esito di un percorso
individuale inaugurato nel 1993 dopo il matrimonio con
la seconda moglie Lady Jaye, scomparsa nel 2007, con
la quale aveva voluto mettere in pratica la pandrogenia:
entrambi i componenti della coppia avevano effettuato
operazioni chirurgiche e modificazioni corporee per
diventare le due parti identiche di un unico “essere”, di
nome Breyer P-Orridge. Al di fuori delle regole di genere
e non solo, abbattendo steccati e confini, come del resto
il/la Nostro/a aveva sempre fatto. Musicista, poeta, per-
formance artist, P-Orridge è stato/a un/a dei personag-
gi più importanti dell'arte estrema novecentesca: prima
con il gruppo chiave della prima ondata industrial, i
Throbbing Gristle, nato tra le fila del collettivo multime-
diale d'avanguardia COUM Transmissions, e poi, chiu-
sa quella capitale esperienza, con la fondazione degli
Psychic TV e del Temple Ov Psychick Youth, due realtà
che elaboravano a differenti livelli – più strettamente
(19 5 0-2020) musicali i primi - un originalissimo percorso tra occulti-
smo, pensiero antagonista e cultura underground.
DAVID
ROBACK
David Roback ha avuto tre vite musicali, tutte fonda-
mentali, tutte caratterizzate dalla sua inconfondibile
chitarra: la prima con i Rain Parade, tra i gruppi del
Paisley Underground quello probabilmente più stret-
tamente psichedelico; la seconda, dopo aver transitato
nei Rainy Day, “supergruppo” Paisley, con gli Opal,
uno dei segreti meglio custoditi dell'underground ei-
ghties, complice Kendra Smith; infine con quei Mazzy
Star che, grazie anche alla presenza vocale di Hope
(19 5 8-2020) Sandoval, negli anni 90 hanno creato una inconfondi-
bile via americana al dream pop.
MCCOY
TYNER
Basterebbe la partecipazione a uno dei pilastri della
musica novecentesca, A Love Supreme di John Coltra-
ne, il suo pianoforte elemento chiave del leggendario e
storico quartetto che accompagnava il sassofonista, a
eleggere McCoy Tyner tra i grandi del jazz e non solo.
Dopo aver abbandonato per divergenze artistiche
Coltrane nel 1965, poco sintonizzato sulle vertiginose
sperimentazioni dell'ultimo periodo del sassofonista,
Tyner aveva proseguito il proprio percorso pubblican-
(19 3 8-2020) do una serie di album post bop sempre in dialogo con
il mondo musicale circostante.
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PRIVÈ / PANZANE NON TUT TA L A PUBBLICITÀ È BUONA PUBBLICITÀ
Non tutta la pubblicità
è buona pubblicità
Ai vecchi tempi era un’eccezione
che poteva darsi, ma i tempi di
reazione di internet l'hanno resa
una consuetudine piuttosto trita:
sbrocco in pubblico, polemica,
debunking, memificazione,
rebranding, ripartire daccapo.
Uno dei più chiassosi esempi
del passato prossimo è quello
che ha trasformato la modesta
passerella sanremese di Bugo
e Morgan in un pamphlet
interattivo su cui ognuno ha
sentito il dovere di schierarsi e/o
aggiungere il proprio contributo
semantico, dipingendo addosso
ai due protagonisti una faccia
nuova di zecca e spendibile nei
più agghiaccianti salotti buoni
della TV generalista italiana.
Sono caroselli della cui capacità
elastica siamo ben coscienti: all
publicity is good publicity, per
dirla come gli yuppie. Tutto si
regge sull'accettazione acritica
del principio secondo cui parlare
14 | RUMOREMAG.COM
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PANZANE
di una cosa ne aiuta la diffusione,
a prescindere che se ne parli
bene o male. Ha un suo senso,
naturalmente. La veridicità di
questo assunto è certificata da
numerose analisi di settore, dalla
posizione in classifica del singolo
e dal numero di hit su YouTube
della performance. I più cinici
magari si siedono col sacchetto
di popcorn e mollano qualche
estemporanea lezione di vita, ma il
meccanismo generale è così oliato
e funzionante da dover impiegare
qualche hater e garantire un
corretto funzionamento degli
scarichi
La pubblicità, nel senso lato di
essere pubblici, è certamente
considerata un valore in se
stesso, e certamente non da
oggi. Quel che fa la differenza
oggigiorno è l'adolescenza dei
canali di informazione da cui
ci abbeveriamo: non abbiamo
ancora capito bene come
muoverci online, forse, e tutte
queste puttanate sono parte di
un acritico patrimonio culturale
condiviso che ciucciamo senza
farci troppe domande – e, già che
ci siamo, ognuno butta dentro un
generoso contributo alla causa.
La devozione religiosa verso i
grandi numeri fa sì che il mercato
del patetico e della sfiga non sia
mai andato così a gonfie vele. Un
caso umano del rap a trimestre,
un caso umano fuoriuscito dai
TESTO DI
F RANCES CO FARAB EG O LI
talent a trimestre, un caso umano-
youtuber a trimestre. Il numero di
persone che spendono tempo ed
energia per rider dietro a questa
gente è talmente impressionante
da convincere diversi produttori/
executive di livello a farsi
coinvolgere nei progetti, dar
loro una patina di rispettabilità
e contribuire a normalizzarli.
La domanda ovvia: fino a che
punto ci crediamo davvero? C’è
davvero in giro qualche musicista
squattrinato che scambierebbe la
sua vita grama con la possibilità di
diventare un meme, o un rapper
sfottuto da chiunque o (peggio
ancora) Morgan? Voglio dire,
orsù, la vita fa già abbastanza
cacare così com'è. Proponiamo
un'alternativa solidale a costo
zero: non tutta la pubblicità è
buona pubblicità. Una polemica
del cazzo è una polemica del
cazzo. L'energia e il tempo che
dedichiamo dietro a questa roba
sono buttati.

PRIVÈ / BLOG'N'ROLL FUTURE NOW
Future Now
Su Soundcharts.com è stato
recentemente pubblicato un
report che prova ad azzardare,
tramite interviste a vari operatori
ed esperti del settore, alcune
delle evoluzioni che definiranno il
panorama dell'industria musicale
nel 2020. Ve ne sintetizzo qui
alcune. 1) L'Intelligenza Artificiale
cambierà radicalmente i modi
di produzione e distribuzione
della musica, portando a una
maggiore democratizzazione.
Grazie a software e strumenti
AI-assisted sarà sempre più
facile per chiunque creare
musica in modo professionale
dal proprio smartphone, che si
viva a New York o in un villaggio
in Tanzania. In un contesto
sempre più affollato permetterà
anche, d'altro canto, una migliore
profilazione del proprio pubblico,
con auspicabili maggiori ricavi
per chi crea musica. Il marketing
diventerà sempre più essenziale
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BLOG'N'ROLL
ma per la prima volta totalmente
in mano agli artisti. Everybody's
in showbiz, everybody's a star. 2)
Gi smart-speaker cambieranno
il modo in cui scegliamo e
consumiamo musica. Be', magari
non esattamente il nostro,
essendo qui tutti reperti del secolo
scorso, ma pensate a un dodicenne
che quando vuole sentirsi una
canzone non solo non legge prima
recensioni o articoli (e vabbe',
fin qua...), ma neanche spulcia
playlist sui servizi di streaming.
Quello che fa è chiedere ad
Alexa. Come si arriverà a questi
consumatori, come li si tagga,
come li si coinvolge? In ogni caso,
il prossimo Lester Bangs sarà
un cono con la voce della tipa di
Google Maps. 3) La diffusione
capillare e universale dello
streaming nel mondo sposterà
gli equilibri: dalla musica
maintream, urbana, occidentale
alla produzione decentrata, locale,
in gran parte rurale di continenti
come Africa, Asia e America
Latina. 4) L'era dell'album è
finita, mettiamoci il cuore in
pace. La canzone diventa LA cosa,
matrice per infinite variazioni sul
tema (remix, versioni acustiche,
dance, new age, in lingue diverse
ecc.). Ciò ovviamente non solo
nelle abitudini dell'ascoltatore
ma soprattutto in quelle dei
musicisti, che dal ciclo produttivo
tarato sugli album (due-tre anni
di lavoro su un prodotto che
TESTO DI
CARLO B O RD ON E
al 90% viene dimenticato una
settimana dopo essere pubblicato)
passeranno sempre più a una
produzione continuativa di
contenuti multimedia, nei quali
tra l'altro si riprende il centro
della scena il “video”, format che
pensavamo morto più o meno
dal 2002. 5) La musica diventa
parte di un circuito più vasto in
cui si sviluppa una nuova forma di
entertainment globale. E quindi:
crossover con i videogiochi e
la fusione dei generi grazie a
pratiche collettive come i meme
musicali (qualcuno lancia un
abbozzo di canzone e chiunque
nella community di riferimento
può editarla o ricrearla a suo
piacere). Ci sarebbe molto altro,
ma mi fermo qua. Che intrighino
o spaventino, questi trend
indicano comunque il futuro
prossimo. E dal bunker in cui sto
scrivendo ora, non c'è idea più
confortante di quella di “futuro”.
Persino se sarà un best dei Queen
remixato in video autogenerati
da un'intelligenza artificiale su
TikTok.
RUMOREMAG.COM | 15

PRIVÈ / ZIGZAG SCRIVERE (ANCORA) DI MUSICA
Scrivere (ancora)
di musica
Di recente il nostro direttore
ha pubblicato un bel libro
intitolato Scrivere Di Musica.
L'ho comprato, l'ho letto, ho
pensato a quello che faccio da
40 anni a questa parte. Come
riporta Rossano, per qualcuno
“scrivere di musica è come ballare
di architettura”. Il luogo comune
del critico rock musicista mancato
però non sempre corrisponde al
vero. Io suonavo la batteria con tre
miei amici, facevamo pezzi nostri
e cover dei Clash ma non so se fa
curriculum, parliamo di ere fa. E
ho smesso presto: tecnicamente
scarso, senza talento. Questo tra
i 14 e i 16 anni. Ma c'è un “però”:
contemporaneamente, scrivevo
già di musica (biro, Olivetti
Lettera 25, bianchetto, fax) e lo
facevo dignitosamente. Tradotto:
per me non si è mai trattato
di un ripiego. Oggi continuo a
farlo. Stessi presupposti “etici”,
approccio a metà tra il fan
16 | RUMOREMAG.COM
ZIGZAG
quindicenne e il veterano delle
guerre puniche, sono solo cambiati
i mezzi ed è maturata la capacità
di soprassedere a polemiche,
contrasti e barricate varie: si vive
una volta sola, le risse tra quattro
gatti (perché questo siamo) le
lascio ad altri. Ma se vedo dal vivo
una band di ventenni che suona
Blitzkrieg Bop come se non ci fosse
un domani, sento ancora il bisogno
di scriverlo.
Poi ognuno ha le sue stronzissime
manie di protagonismo, certo.
Io per esempio pretendo che
ogni cosa che scrivo non circoli
in Rete, se prima non è uscita su
carta. Ridicolo e antiecologico,
lo so. È qualcosa che ha a che
fare con concetti come peso,
volume, conservazione, memoria,
eccetera. Voglio toccare quello
che scrivo, fine. Scrivo cose a
volte interessanti, altre banali,
e provo un entusiasmo infantile
quando qualcuno mi dice di avere
scoperto una band leggendo una
mia recensione. Faccio il classico
“lavoro sporco”, quello che molti
per pudore non fanno, e sono un
cronista, non un critico. Racconto
il rock, la più “antiestetica” delle
scelte. Nell'iconografia classica il
backstage di un concerto è fatto di
bottiglie di superalcolici, musicisti
sfatti e drogatissimi gettati sui
divanetti, pacchetti di sigarette
e panini rancidi lasciati a metà.
E in un angolo, con taccuino
TESTO DI
LU CA F RAZ Z I
e registratore, il giornalistino
impaurito che attende speranzoso
di raccogliere una dichiarazione
che sia qualcosa di più di un
grugnito dalla star underground
di turno. Ho descritto un cliché
forse anche superato, ma il
ruolo di chi “documenta” resta
comunque quello del nerd sfigato,
il “meno punk” in assoluto.
Quello ricopro, da molti anni. Con
immutato entusiasmo, peraltro.
Perché scrivere di musica è
oggettivamente bello.
Appartengo a una generazione
per la quale il critico musicale era
un solido punto di riferimento.
Oggi non è più così, tutti possono
scrivere di tutto. Il filtro delle
riviste, come spiega Rossano,
è garanzia di autorevolezza o
quantomeno di competenza, sono
sostanzialmente d'accordo, ma
il problema per me non si pone.
Scrivo di musica perché mi piace,
a prescindere, conscio del fatto che
di Lester Bangs ne nasce uno ogni
Champions della Juve. Scrivo per
descrivere quello che mi emoziona.
Di conseguenza, non ballo di
architettura ma (purtroppo? Per
fortuna?) racconto me stesso, e
a farne le spese siete voi. Portate
pazienza.

PRIVÈ / GLOBO I AM A PATIENT BOY
I am a patient boy
Ce lo stiamo augurando tutti:
che l'emergenza, quando andrete
in edicola a comprare questo
numero di “Rumore” nei primi
giorni di aprile, sia passata, e che
possiate sedervi a sfogliarlo nel
vostro bar preferito, in mezzo a
un sacco di gente. Nella migliore
delle ipotesi, tutti quegli articoli e
quei post con i film da tre ore e le
serie TV in otto stagioni da vedere
assolutamente, approfittando
della quarantena, saranno un
ricordo, e le nostre vite saranno
tornate all'asfissiante tran tran di
sempre. Anche allora, in ogni caso,
mezz'oretta di tempo per Teranga
dovrebbe comunque saltare fuori.
Cos'è Teranga? È innanzitutto una
parola in wolof, lingua principale
del Senegal parlata anche in
parti di Gambia e Mauritania.
Letteralmente significa ospitalità,
ma nella pratica il termine
sintetizza un concetto più ampio
GLOBO
che include anche rispetto,
solidarietà, condivisione, amicizia,
altruismo. È il modo in cui
trattiamo l'ospite, in poche parole.
Poi c'è il Teranga Worldwide
Pub, locale di Napoli gestito da
immigrati africani. Un ristorante
e caffè letterario, ma soprattutto
un club che funziona come un
approdo sicuro per numerosi altri
migranti, che lì possono ritrovarsi,
ballare e fare la musica che si
ascolta nei loro paesi, provando ad
avvicinare ad essa gli italiani più
curiosi.
Infine, c'è Teranga - Life In The
Waiting Room, documentario
prodotto dal “Guardian” e diretto
da un trio di registe, la francese
Lou Marillier e le britanniche
Sophia Rose Seymour e Daisy
Squires. In 34 minuti semplici ed
efficaci, i tre Teranga si ritrovano
nel raccontare le vicende di due
giovani gambiani in attesa eterna
di documenti, Fata e Yankuba.
Il primo studiava biochimica in
patria, e vorrebbe continuare
a farlo qui, dove è fuggito dalla
repressione che attende gli attivisti
d'opposizione come lui; il secondo
si arrangiava in Gambia come
qui, oggi vende ombrelli e altro
per la strada, e vuole a tutti i costi
diventare un DJ ben oltre i confini
partenopei.
Entrambi convergono su Napoli
da centri di accoglienza distanti
TESTO DI
AN D REA PO M I N I
anche molti chilometri, per
scendere le scale del Teranga in
Vicoletto Costantinopoli, e in quel
club scordare per una notte le loro
storie passate e presenti, il loro
trauma personale e collettivo. Il
deserto, la Libia, la schiavitù, la
morte degli amici in mare, quella
di altri amici qui nella civile Italia,
per una semplice appendicite non
curata. La devastante altalena di
emozioni, dubbi e gioie che è la
loro vita ora. Il livellarsi verso il
basso delle priorità: "Quando sono
arrivato qui", dice Yankuba a un
certo punto, "la mia priorità era
andare all'università, laurearmi,
trovare un lavoro. Ora, in
sostanza, è sopravvivere". Per una
notte, sentirsi vivi e degni come i
loro coetanei italiani.
E allora si balla e si rappa, si
ride e si twerka, fra dancehall e
afrobeats. Ma i documenti non
ci sono, e allora si torna ogni
notte a firmare alla struttura
della quale si è ospiti, pena la
perdita del posto, con tutte le
conseguenze immaginabili. Come
capita a Yankuba, che per fortuna,
intelligenza e testardaggine riesce
a farsi dare una borsa di studio
da un'università in Galles, e ci
lascia qui. A lavorare sulla nostra
Teranga.
RUMOREMAG.COM | 17

APRILE 2020
ATTENZIONE, QUESTO ARTICOLO
È PIENO DI CITAZIONI, ESPLICITE
O NASCOSTE, DI KURT VONNE-
GUT. PERDONATEMI, PER ME È
COME UN VIRUS
lzate le mani, per
favore: quanti di
voi hanno avuto
una canzone, in
qualunque fase
della propria vita,
da quando vostra
nonna vi cantava Gianni Morandi a
quando eravate già stufi dell’esordio
degli Unseen Corners, che vi ha resi
più felici di essere al mondo, più fieri
di essere al mondo, di quanto crede-
vate possibile fino a quel momento?
Bene! Adesso dite il titolo di quella
canzone a chi sta seduto o in piedi
vicino a voi, Ci siamo? Grazie. Fatto?
Bene. La mia, per chi mi ha sentito,
è Ship Of Fools di John Cale. E visto
che è il momento delle rivelazioni e
18 | RUMOREMAG.COM
MY TUNES
SHIP OF FOOLS
JOHN CALE
DI MAURIZIO BL AT TO
che ognuno crede in ciò che preferi-
sce, è bene che si sappia che io credo
in Kurt Vonnegut. E Kurt Vonnegut
in che cosa crede? Nell’umanità,
sostanzialmente. Nel comportarsi
in maniera dignitosa e onesta senza
aspettarci nessuna ricompensa o
punizione in una vita dopo la morte.
Nel fare del proprio meglio a servire
la più grande astrazione che si possa
arrivare a comprendere: la nostra
comunità. Scriverlo e rileggerlo, in
questi giorni, appare folle. Ma sem-
pre Vonnegut diceva, “una persona
sana di mente in una società folle
deve per forza apparire folle”. Quin-
di? Fate partire la canzone di John
Cale, e pensateci sopra. È un eserci-
zio semplice, perché Ship Of Fools è
una ballata distesa, quasi un’elegia
all’andare avanti, ma tutti insieme, e
richiede una serena consapevolezza
del disastro, e del solcarlo abbrac-
ciati, soprattutto con chi in genere
rimarrebbe fuori. La Nave dei Folli è
un’allegoria mutuata da Sesto libro
della Repubblica di Platone. L’equi-
paggio è, ovviamente, meno che di-
sfunzionale, ed evidenzia le difficoltà
di un governo non democratico, privo
di qualsiasi conoscenza specialistica.
John Cale ci mette pianoforte, delle
specie di campanelli e una di quelle
batterie con un minimo di eco tipiche
degli anni 70. Ma La Nave Dei Folli
è anche un’opera del 1494 di Seba-
stian Brant, giurista e poeta satirico
alsaziano. Una nave parte da Basilea
diretta verso il Paradiso dei Folli,
con Saint Grobian, il “santo patrono
dei volgari e degli screanzati”. È una
parodia dell’Arca della Salvezza con-
cepita dalla Chiesa Cattolica, risente
dell’opera di Erasmo da Rotterdam e
ispira il dipinto di Hieronymus Bosch
dello stesso anno e con lo stesso
titolo. Sono andato a guardarmelo,
ingrandendo la parte bassa si vede
un musicista (o è una suora?) con
un simil banjo. Di fronte a lui, di
 TESTO DI
MY TUNES SHIP OF FOOLS JOHN CALE MAU RIZIO B L AT TO

“S E M A I D OV ES S I MORIRE – DIO NON VOG L IA – VORRE I CH E SUL L A M IA L A P IDE CI F OSSE SCRI T TO:
L’ UNI C A PR OVA CH E G LI S E RV IVA DE LL’E S I STE NZ A DI DIO E RA L A M USICA” .
(QU AN DO SIETE FEL I C I, FAT E C I C ASO , KURT VONN EG U T )

profilo, un monaco. Be', assomiglia
a John Cale. Che non ha mai avuto
la chierica, però ha sempre sfoggiato
pettinature di gran classe. Me ne
accorsi l’ultima volta che lo vidi a
Torino, sotto un improbabile tendone
da circo piazzato dietro il più grande
mercato aperto d’Europa. Ero piutto-
sto ubriaco di birra cinese (l’azzardo
dei tempi passati…), in compagnia di
una firma storica di questa rivista,
e continuavo a ridere e a far notare
a tutti che John Cale e io avevamo
la stessa pettinatura, una specie di
doppio taglio anni 90. Amavo lui e le
sue canzoni e, come sempre quando
sei piuttosto ubriaco, molestavo i
molti che conoscevo e glielo facevo
notare. Kurt Vonnegut dice, “quando
siete felici, fateci caso”. Glielo inse-
gnò suo zio Alex, che interrompeva le
conversazioni e diceva, “cosa c’è più
bello di questo?” Io gli fui fedele per-
sino un po’ troppo e, come sempre,
mi sopportarono tutti con gentilezza,
ma davvero, inquadrate la situazione
e pensateci, non andava fatto? Sulla
Nave dei Folli, nonostante soffra di
mal di mare anche sul pedalò, mi
pare di esserci saltato sopra fin da
subito. C’mon John, canta per noi.
Cosa possiamo chiederti ancora dopo
tutto quello che hai già fatto per noi?
Dopo i Velvet, Nick Drake, gli Sto-
oges, Patti Smith, i Modern Lovers,
che altro possiamo desiderare da te?
Di darci la rotta, di essere il nostro
Saint Grobian in questa scialuppa
disgraziata che veleggia incurante.
Qual è la Nuova Società? Quale la
sua Musica? Ship Of Fools dai no-
stri altoparlanti, a volume medio
e senza sosta. Le note scivolano, il
testo parla di speranze irrequiete di
un pilota cristiano, di quando rac-
colsero Dracula a Memphis, di fame
spietata e di quando raggiunsero
Swansea mentre faceva buio. Tutti
erano abbastanza contenti di vederli
arrivare. Abbastanza. Il coro, un vero
dolcissimo coro di chiamata, dice,
“quindi resisti, non ci vorrà molto”.
Nella sua Storia Della Follia, Michel
Focault parla della Stultifera Navis e
di come fosse una pratica piuttosto
comune affidare i “matti” a un battel-
liere, in modo che li allontanasse dai
“normali”. A Francoforte, nel 1939,
dei marinai imbarcarono un folle che
amava girare nudo in città. Successe
anche a Magonza, evidentemente era
una passione del momento, la gente
si sfilava le mutande e, alè, faceva
un giretto in centro. Li caricavano
sulle barche e li portavano altrove.
E chi abitava in questi altrove, ogni
tanto avvistava le navi dei folli che
tentavano di approdare e pensava,
“oh cazzo…”. Quindi è arrivato il mo-
mento di dircelo, le similitudini con
i tempi che stiamo vivendo sono dav-
vero troppe anche per un analfabeta
critico certificato. E mentre pochi
giorni fa, con quasi 28 gradi a febbra-
io in una città del Nord, entravo in un
vagone della metropolitana deserta
nell’ora di punta e guardavo un ra-
gazzo con la mascherina protettiva
che scrutava il nulla, mi sono detto:
La Nave dei Folli è partita, e tutto
quello che dobbiamo fare è resistere,
non ci vorrà molto. Fate un salto
sopra anche voi? John Cale a prua,
noi ubriachi di birra cinese. Tutte
quelle canzoni meravigliose, ma una
volta Cale sorrise a un giornalista
e gli disse, “ok, grazie, comunque
Walk On The Wild Side avrei voluto
scriverla io”. Cito a memoria e potrei
sbagliarmi, ma qui è tutto un rollio e
la birra cinese inizia a darci alla testa.
South to give the sign, così si chiude
la canzone. Che è una frase che dà un
segno, anch’essa. Una volta John Cale
ha cantato Ship Of Fools per la BBC, e
per introdurla ha raccontato di come
sua figlia, all’epoca teenager, si fosse
perdutamente innamorata di Leonar-
do Di Caprio in Titanic. Di come non
parlasse d’altro e di quanto ne fosse
ossessionata. Alla fine Cale trovò
l’antidoto perfetto al South Seaport
di Manhattan. Vendevano delle ma-
gliette con scritto sopra, “è affondato,
non pensarci più”. Il pubblico ride e
l’immagine si apre sul palco: di fian-
co a John Cale, acustica in braccio e
pronta al controcanto, c’è Chrissie
Hynde. Al pianoforte c’è Nick Cave.
Gradirei ripeterlo: John Cale, Chris-
sie Hynde e Nick Cave. “Cosa c’è più
bello di questo?” Quindi preparatevi
a salpare e ricordate che Kurt Von-
negut diceva che “la disperazione è la
madre dell’originalità”, quindi ci sarà
da divertirsi. Dove andiamo? E chi lo
sa. Ma “siamo animali fatti per dan-
zare” (sempre Kurt) e quindi speria-
mo ci sia spazio per farlo mentre Ship
Of Fools echeggia di sottofondo. La
mia sensazione è che, a questo giro,
tocchi a noi sperare che qualcuno ci
faccia approdare in qualche altrove.
Che guardandoci barcollare sul ritmo
dei tasti di John Cale, con le lattine
di birra cinese dappertutto, dica sol-
tanto “oh cazzo”, ma che poi non ci
spari, non ci meni, ci tratti bene. Kurt
Vonnegut diceva, “di regola ne cono-
sco una sola: bisogna essere buoni,
cazzo”. Loro lo sapranno, saranno
d’accordo? Chissà. Ma se c’è una
lezione da imparare, è che la Nave
dei Folli prima o poi salpa per tutti
e quindi tanto varrebbe starci sopra
con dolcezza e una buona canzone
di sottofondo. E se le cose andranno
male? Pazienza. It sank, fuggheda-
boutit.

John Cale, come dire, uno che ha fatto tutte le cose migliori del Rock. Tra cui Ship Of Fools, che chiude il primo
lato di Fear (Island, 1974). Nel disco suonano anche Brian Eno, Phil Manzanera e Richard Thompson. La prima
canzone dell’album è Fear Is A Man’s Best Friend. Suona vagamente attuale?

RUMOREMAG.COM | 19
 RUMOREMAGAZINE A P RI LE 2 02 0

20 | RUMOREMAG.COM
 DOVE:
Brescia,
Italia /
Manchester,
JULIA BARDO
UK
COSA:
Canzoni d'amore per se stessi
IL DISCO:
PHASES
WICHITA, 2020
i sono
persone che,
C semplicemente,
nascono nel
posto sbagliato.
Ma per fortuna
siamo esseri dotati della facoltà
di muoverci, e di decidere
dove (e se) piantarle, le nostre
fantomatiche radici. Julia Bardo
sentiva di non appartenere
all'Italia, cosa che non suona
strana a chi ha ascoltato gli Own
Boo, la band indie shoegazer
bresciana con cui ha iniziato
il suo percorso, così è partita
verso un posto da chiamare casa,
dove iniziare una nuova fase
esistenziale e artistica. Phase è il
titolo dell'EP con cui inaugura la
carriera solista: “Direi che la fase
attuale è quella della scoperta
di me stessa, la scoperta del
mio suono. La prossima sarà di
accettazione e affermazione di me
stessa, di chi sono”. La ricerca è
in corso a Manchester, un po' per
scelta un po' per caso: “Ho deciso
di andare via molto tempo prima
di andarmene davvero. La prima
volta che sono stata a Londra
avevo 13 anni e me ne innamorai,
mi sembrava di far parte del
mondo per la prima volta e
quindi ricordo di essermi detta
'quando hai 18 anni vai!' Ma poi a
18 anni incontrai le persone con
cui formai gli Own Boo, quindi
decisi di rimanere, ma avevo
sempre quel sentimento che
mi portava a pensare di andare
via. Non mi sono mai sentita 'a
casa', sono sempre andata alla
ricerca di questo sentimento
di appartenenza a qualcosa, a
qualcuno, senza mai trovarlo in
Italia. Manchester è capitata.
Tre anni fa scelsi tre posti dove
potermi trasferire, dove la scena
musicale secondo me era ampia
e varia: Londra, Manchester e
Bristol. Passai una settimana a
Manchester e una a Londra, il
treno per Bristol non partì e lo
colsi come un segno. Londra era
troppo grande per me quindi
scelsi Manchester”.
Qui si unisce ai Working Men’s
Club, ma l'esigenza di esprimere
se stessa al 100% è più forte della
sicurezza data dall'appartenenza
a un gruppo: “Essere in una
band che sta avendo successo
è una bella sensazione, ma allo
stesso tempo avevo e ho bisogno
di esprimere me stessa al 100%.
Volevo mettermi alla prova, usare
la mia voce, vedere dove potevo
arrivare. Per me è importante
essere sincera con me stessa, non
c’è successo senza autenticità”.
Oltre alla consapevolezza, però,
l'esperienza con la band porta a
un incontro importante, quello
con Henry Carlyle Wade degli
Orielles: “C’è sempre stata intesa
tra noi due. Un anno dopo esserci
incontrati ci siamo innamorati
e siamo andati a vivere insieme.
Mi ha sempre supportata, sia
quando ero nella band, sia
QUANDO:
dal 2014
ONLINE:
facebook.com/juliabardomusic
quando ho scelto di diventare
solista. Gli ho fatto sentire le mie
canzoni e se ne è appassionato,
così mi ha chiesto di poterle
produrre. È stato un processo
molto intimo e personale, che
riflette l'influenzarci nella musica
come nella vita. Please Don’t Tell
Me è stata la prima canzone che
abbiamo prodotto insieme. È nato
tutto in un pomeriggio. Eravamo
a casa sua e mi chiese se potevo
fargli sentire delle mie canzoni,
io tirai fuori questa. Decidemmo
di registrare un demo il giorno
stesso perché per la prima volta
qualcuno mi stava capendo
musicalmente ed eravamo sulla
stessa onda. Un mese dopo
eravamo in studio a registrarla”.
Certo, non tutti hanno la
stessa lungimiranza del suo
coproduttore, e la difficoltà
dell'essere donna in un mondo
che, sulle questioni di genere,
sembra sempre fare un passo
avanti e due indietro, non le
è estranea: “Mi fa piuttosto
ridere il fatto che alcuni festival
directors dicano che non ci sono
abbastanza donne nell’industria
musicale. È così facile trovare
artiste donne, basta togliersi il
paraocchi”. E togliamocelo.
TESTO DI Letizia Bognanni
RUMOREMAG.COM | 21
 THE BACKDOOR
DOVE: QUANDO:

Piacenza, dal 2017

SOCIETY
Italia

COSA:

R&B caustico, biciclette e mulini a vento

IL DISCO: ONLINE:

THE BACKDOOR SOCIETY facebook.com/backdoorsociety

AREA PIRATA, 2019

Totale astrazione: è quella
che occorre per suonare
nederbeat negli anni 20 del
2000. E i Backdoor Society,
piacentini per l'anagrafe ma
col cuore nell'Olanda dei mid
Sixties, in questo senso non
temono confronti: il classico
gruppo cristallizzato in
una bolla spazio-temporale
che nulla ha da spartire col
post postmodernismo che ci
circonda. Nati dalle ceneri dei
Rookies, i Backdoor Society
fanno piazza pulita di ogni
ingiustificato pudore: nessuna
concessione al presente, spazio
solo al R&B targato Outsiders/
Q65/Birds (quelli con la “i”
del giovane Ron Wood). Beat
incendiario alternato a ballate
con echi Stones e arabeschi folk
rock, un singolo per l'americana
Hidden Volume (fortemente
sponsorizzato dal guru Lenny
Helsing), un album per la
nostra Area Pirata e la ferma
convinzione che per andare
avanti sia necessario guardarsi
indietro.
Perché il beat olandese? Lo
spiega Giovanni, il cantante:
“...negli anni 80 ho scoperto
gruppi come Lyres e Tell Tale
Hearts. Tra le loro canzoni
c'erano cover di due autori a
me sconosciuti: Splinter e Tax.
Chi erano questi due personaggi
capaci di scrivere capolavori
come That’s Your Problem o
Touch? Il mistero si è svelato
quando un amico mi registrò
una cassetta degli Outsiders:
da lì si è aperto un mondo
nuovo”. Il suono dei loro dischi?
Rigorosamente mono perché,
dice ancora Giovanni “...dopo
un po' mi stufano tutti quegli
strumenti che rimbalzano da
una cassa all’altra!” Come a
dire: “Tenetevelo pure, il suono
del 2020”. Per i Backdoor
Society, passatisti senza
rimorsi, si prospetta un radioso
futuro: perdonate l'ossimoro e
appuntatevi il nome.

TESTO DI Luca Frazzi

22 | RUMOREMAG.COM
 DOVE:
Woodstock,
USA THE BOBBY LEES
COSA:
Rock'n'roll
IL DISCO:
SKIN SUIT
ALIVE NATURAL SOUND, 2020
Fuori dal tempo e fuori dalle
mode, capita che il rock'n'roll
assuma forme classicamente
indistruttibili. Come i Bobby
Lees. Una tizia di Brooklyn, Sam
Quartin, la quale dichiara che la
voglia di fare musica le è venuta
guardando un concerto di Little
Richard. Dopodiché comincia a
scrivere canzoni e si trasferisce
poco lontano, in provincia,
a Woodstock. Dove trova dei
ragazzini che si aggregano al suo
progetto rock'n'roll senza tempo.
Sam vuole incidere un album ma
ha bisogno di una band. Eccola:
Kendall Wind, basso, Nick
Casa, chitarra, Macky Bowman,
batteria. Compresi tutti in un’età
tra i 17 e i 25 anni. La chimica
funziona. Il gruppo comincia
a girare portandosi appresso il
proprio anarchico show r’n’r.
Suonano con Black Lips, Boss
Hog, Shannon And The Cams.
Sono un nome che comincia a
farsi notare, i Bobby Lees.
Scritte da Sam, le canzoni del
loro primo album autoprodotto,
Beauty Pageant, rivelano a un
pubblico sempre crescente il loro
selvaggio talento. Anche uno
come Jon Spencer se ne accorge,
e, dopo aver loro chiesto di
aprire un suo concerto, si offre
di produrre il loro nuovo album,
Skin Suit. “Siamo stati veramente
QUANDO:
dal 2018
ONLINE:
facebook.com/TheBobbyLees
fortunati a incontrarlo”, mi dice
Sam. “In questo secondo disco
abbiamo scritto i brani tutti
insieme, ci rappresenta appieno
e di fatto è il nostro primo
vero album”. Particolare non
secondario: Skin Suit esce per la
Alive Natural Sound, etichetta
storica del rock americano, blues
e rock'n'roll più o meno punk,
fondata da Greg Shaw, da sempre
garanzia di pura autenticità (tra
le scoperte, basterebbe fare solo
due nomi: Black Keys e Black
Lips).
TESTO DI Claudio Sorge
RUMOREMAG.COM | 23
 HONEY HARPER
DOVE: QUANDO:
Atlanta, USA dal 2013
ONLINE: honeyharpermusic.com
COSA:
Country interstellare
per le nuove generazioni
IL DISCO:
STARMAKER
ATO, 2020
Dopo Kacey Musgraves, arriva il biondissimo William
Fussell ad addolcire le radici del country con una
sensibilità pop contemporanea. Nato in una riserva
indiana in Georgia e cresciuto ad Atlanta, educato alla
musica da una bizzarra coppia di genitori: “Ascoltavo
il country, in macchina con i miei. Con mia madre
guardavo Grease e mio padre era un sosia di Elvis, nelle
sue differenti versioni”. Imparata la chitarra sulle note
di Sweet Child O' Mine, il giovane William muove i primi
passi con i locali Mood Rings (esordio nel 2013), per
poi trasferirsi a Londra e scoprire il dream pop come
Promise Keeper, con una cassetta autoprodotta nel 2017.
Da qui, il ritorno in patria, canzoni strimpellate
nell’intimità alla compagna Alana, e la creazione di
Honey Harper. Cowboy efebico, che sveste il country
di qualsiasi legnosità maschile, proiettando le melodie
a sei corde su un’astronave a propulsione d’archi e
sintetizzatori. Starmaker è l’album che segue il primo
EP Universal Country, del 2017. Il verbo cosmico di
Gram Parsons ricontestualizzato per la generazione Z.
Come dichiarato a “Fader”: “Country per chi non ama
il country. Per svelare la bellezza al di là della tipica
connotazione geografica”.
TESTO DI Mauro Fenoglio
24 | RUMOREMAG.COM
OCTOBER DRIFT
DOVE: QUANDO:
Taunton, UK dal 2015
ONLINE: octoberdrift.com
COSA:
Muro di chitarre indie rock come
non se ne sentivano da un po’
IL DISCO:
FOREVER WHATEVER
PHYSICAL EDUCATION RECORDINGS, 2020
Se c’è una cosa che ho imparato negli ultimi anni è che
se gli Editors si portano in tour una band non bisogna
perdersela, perché non è mai per caso. Non lo è stato
infatti per Maccabees e Balthazar. Nel 2018 questo
onere e onore è capitato agli October Drift: band di
Taunton, umido capoluogo del Somerset (dove si trova
Glastonbury), nel Sud dell’Inghilterra.
Il loro disco d’esordio, Forever Whatever, uscito a
gennaio per l’etichetta di Justin Lockey (chitarrista
degli Editors), è il frutto di un lungo percorso. La band
è in giro dal 2015 e in questi cinque anni ha macinato
moltissimi chilometri e calcato numerosi palchi,
oltre ad aver pubblicato diversi singoli ed EP. Questo
avvicinamento lento all’appuntamento con il primo
album ci ha regalato una band già matura e con le idee
chiare. Un indie rock molto diverso da quello a cui
siamo abituati negli ultimi anni: chitarre, molte chitarre
e molta distorsione: basta sentire il muro di suono del
pezzo di apertura (Loosing My Touch) per capire. Gli
October Drift ripescano le sonorità anni 90 rendendole
attuali e fresche. In più possono contare sulla voce
intensa di Kiran Roy, che nei prossimi anni diventerà
certamente un punto di riferimento.
TESTO DI Luca Doldi
 RAREŞ
DOVE: QUANDO:
Birlad, Romania / Marghera e Bologna, Italia dal 2018
ONLINE: facebook.com/raresraresk
COSA:
“Soul lagunare. Con i Carpazi in lon-
tananza a guardare il delta del Po”
IL DISCO:
CURRICULUM VITAE
NEEDN’T, 2020
Nato in Romania, cresciuto a Marghera e trapiantato a
Bologna. “Sono arrivato in Italia coi miei nel 2005”, dice.
“Ricordo la casa di campagna, nonno, i giochi, la messa
a digiuno per ricevere la comunione, il cane che dormiva
sul tetto e i quaderni che papà mi mandava dall'Italia.
La Romania geografica ha poco a che vedere con la
mia, fatta di casa e famiglia: non ho perso né lingua, né
cucina, né tradizioni. L'Italia è bella, ma non mi sentirò
mai totalmente italiano, forse mio figlio...”
Studia elettronica al Conservatorio, a dispetto di
un esordio suonato, analogico. “Quest’album è la
coronazione di un sogno: fare un disco come i primi
Beatles. Le basi c'erano: niente click, né griglia, presa
diretta e poche takes. Vivo un periodo d’indecisione,
volevo un disco concreto, piantato in un momento più
stabile del presente, il passato”. L’album, prodotto da
Marco Giudici, suonato con Giuseppe Vio, Marcello
Della Puppa e Novecento, è una raccolta di canzoni.
“Curriculum Vitae mi è venuto mentre stavo smettendo
di fare il cameriere. È una sorta di compilation delle cose
migliori scritte nell'ultimo anno e mezzo. Racchiude una
parte di percorso. Si sente che ci sono diversi pezzi di
vita dentro”.
TESTO DI Barbara Santi
RICARDO RICHAID
DOVE: QUANDO:
Rio De Janeiro, Brasile dal 2018
ONLINE: faroutrecordings.com
COSA:
Post tropicalismo
IL DISCO:
TRAVESSEIRO FELIZ
FAROUT RECORDINGS, 2020
Lui ci provoca, noi ci caschiamo. Gioca sul filo di un
tropicalismo assorbito ben bene, certo. Anche perché ha
avuto tempo, con i suoi 30 anni ai tempi della Rete è un
debuttante senior. Però dal tropicalismo, di cui sostiene
di fornire una lettura industriale, schizza sempre un
po’ più in là, e poi torna indietro e non sai dove vuole
portarti. Semplice: da nessuna parte che non siano le sue
storte latitudini, la vita promiscua tra elettrico e asettico,
l’esistenza in bilico di canzoni o brevissime o lunghe, ma
soltanto perché divise in due atti.
Ti arrivano addosso cose fuori luogo, come i passaggi
all’apparenza melensi e easy listening della traccia finale,
ma dimentichi la sana vendetta punk e li accetti perché
hanno davvero un senso messi così. La personalità
straripa, per un disco di debutto. Fin troppo, e infatti se
la tira alla grande, ne ha ben donde, però una pettinata
elargita con fare paterno da uno come David Byrne non
gli farebbe male. Noi lo tifiamo per il talento disinibito
e onnivoro che si percepisce fin dal primo ascolto e,
soprattutto, si apprezza ancor più con i successivi. A Rio
De Janeiro, oltretutto, lo circonda una bella squadra di
musicisti e produttori.
TESTO DI Paolo Ferrari
RUMOREMAG.COM | 25
FUGAZI

REPEATER
CANTY, LALLY, MACKAYE E PICCIOTTO
RACCONTANO I TRE DECENNI DEL LORO
(PRIMO) CAPOLAVORO
N
onostante fossero in quattro, il gruppo pareva formare
un insieme composito: un organismo più grande. Le due
chitarre erano le braccia di questa creatura, mentre i
tamburi erano le gambe e il basso era la spinta pelvica":
difficile trovare parole più immaginifiche e al contempo
precise di quelle di Ian Svenonius, per sintetizzare i
Fugazi. Ma i Fugazi non nascono già così. In questa
creatura spaventosa e magnifica si trasformano
lentamente, passo dopo passo, come piace a loro. Un
passo più lungo degli altri però lo fanno, nell'aprile del
1990, con l'album in cui per la prima volta offrono al
mondo la loro versione finale. Repeater è in molti sensi
il primo, vero album dei Fugazi.
Dura, come tale, 35 minuti e 11 canzoni. Arriva dopo
i due EP che li presentarono a chi aveva amato Minor
Threat, Embrace e Rites Of Spring (i colossi del punk
TAG: #marginwalker #flavorflav #enterguy #tedniceley #queen
1, 2, 30...
TESTO DI ANDRE A POMINI
F O T O D I J O H N FA L L S
di Washington, D.C. dalle cui ceneri nascevano), ma
che probabilmente non era preparato a una new thing
di tale potenza, così diversa musicalmente eppure così
del tutto plausibile. Suona come l'avvio definitivo della
loro avventura, con Guy Picciotto finalmente anche
chitarrista dopo qualche anno a mezzo servizio come
cantante di supporto e improvvisato ballerino, e tutte le
conseguenze musicali che questo comporta.
Sulla musica a volte ci si è soffermati troppo poco,
parlando dei Fugazi. La portata delle loro scelte etiche
- il rifiuto del music business e delle sue convenzioni, il
do it yourself reso pratica fattibile anche per un gruppo
grosso, i concerti a prezzo imposto e basso - talvolta
finiva per oscurare il resto, facendo un torto a una
band composta innanzitutto da ascoltatori voraci e
musicisti di rara creatività. Che hanno scritto e suonato
alcune delle migliori cose sentite dalla fine degli anni
80 in qua, definendo uno stile unico e spigoloso che
combinava post punk, noise, hard, avanguardia e
cori punk rock, insieme a dosi massicce - più o meno
intelligibili - di cose black: reggae, funk, hip hop, go-go
autoctono. Un ciclone di energia e coraggio. "Mentre
i Fugazi suonavano", continua Svenonius, "questo
golem correva per la sala e mangiava tutti. Ma invece di
gridare terrorizzato il pubblico era complice, come una
pianta che si fa masticare volentieri da un coniglio".
I quattro non amano troppo anniversari e festeggia-
menti, sono abituati a guardare al presente – ad esem-
pio il debutto dei Coriky, mezza formazione coinvolta,
recensito in queste pagine - e al futuro, ma i 30 anni di
Repeater - che continua ad aggiungere copie al mezzo
milione abbondante già venduto - meritavano un ap-
ONLINE: fugazi.bandcamp.com
 FUGAZI
« L A C O S A C H E A P P R E Z Z A I F I N D A L L’ I -
N I Z I O F U L’ I N C L I N A Z I O N E A L L AV O R O
C H E J O E , I A N E B R E N D A N AV E VA N O.
F U S O P R AT T U T T O Q U E L L A A D AT T R A R-
MI: ERANO TUT TI E TRE SERI E CON-
C E N T R AT I . D O P O AV E R S U O N AT O I N
UN SACCO DI BAND CHE NON ERANO
S TAT E A L L'A LT E Z Z A D E L L O R O P O T E N -
Z I A L E , E R A I M P O R TA N T E P E R M E S TA R E
CON GENTE CHE SI IMPEGNASSE, CHE
L O T TA S S E P E R D A R E F O R M A A U N
SUONO E A UN’ETICA» G U Y P I C C I OT TO
profondimento. Per questo abbiamo deciso di farci rac-
contare il disco da tutti e quattro: Brendan Canty, Joe
Lally, Ian MacKaye e Guy Picciotto (più Ted Niceley,
che dell'album fu il produttore). Dal 2003, anno in cui
la band è entrata in una pausa che non ha l'aria di voler
cessare, potrebbe non essere mai successo.
Cominciamo un po' più indietro nel tempo. Il
vostro vero primo album avrebbe dovuto essere
Margin Walker, circa un anno prima. Ma non
venne come volevate e diventò un EP con sole
sei canzoni: cosa successe?
Joe Lally: "Volevamo registrare per documentare
quel periodo. Con Guy a cantare solo le seconde voci,
probabilmente sentivamo tutti che un cambiamento
stava arrivando, e le canzoni scritte durante quella fase
avrebbero dovuto essere registrate. Ci fu la possibilità
di farlo alla fine di un tour europeo, con il nostro amico
John Loder ai Southern Studios di Londra".
Guy Picciotto: "Il problema principale fu che fummo
costretti a registrare le parti di batteria separatamente
dal resto, per questioni di spazio. Brendan registrò, e a
seguire Joe e Ian sovraincisero basso e chitarra. Parte
del materiale risultava quindi slegato e poco organico,
suonava male, e non ci sbattemmo a completarlo.
Per un gruppo come il nostro, basato soprattutto sul
suonare dal vivo e sulla comunicazione spontanea, non
era un buon modo di lavorare, e non lo usammo mai
più".
J.L.: "Non eravamo abituati a lavorare così, di solito
registravamo live tutti insieme direttamente su nastro,
per poi aggiungere eventuali sovraincisioni e infine le
voci. Ma a John piaceva così".
Ian MacKaye: "Registrammo una dozzina di canzoni,
ma ne scartammo più o meno la metà. Ho qua il nastro:
Provisional, Promises, Burning Too, Margin Walker,
28 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI ANDRE A POMINI
And The Same, Lockdown, The Word, Furniture,
Merchandise, Song#1… le abbiamo quasi tutte riprese
in seguito. Non ha funzionato, semplicemente, ma
siamo riusciti a mettere insieme sei pezzi. Quando
siamo tornati a casa stavamo cambiando, Guy voleva
suonare la chitarra, era chiaro. Era ora di procedere".
Era l'ultimo arrivato, e il suo ingresso nel
gruppo era stato graduale...
I.M.: "Nel settembre del 1986 Joe e io abbiamo
cominciato a suonare con Colin Sears, già batterista dei
Dag Nasty. Né Joe né Colin scrivevano musica, me ne
occupavo io. Merchandise, Furniture, Waiting Room e
un po’ di altre canzoni dei primi tempi sono state scritte
da me e provate con Colin. Nel gennaio 1987 Colin
tornò con i Dag Nasty, e a noi serviva un batterista.
Brendan provava alla Dischord House con gli Happy
Go Licky, aveva una batteria ed eravamo ottimi amici.
Gli chiesi se gli andasse di suonare con me e Joe, non
per formare una band, solo per suonare, e accettò. Ci
mettemmo al lavoro sullo stesso gruppo di canzoni,
che non avevamo suonato troppe volte nemmeno
noi. Colin non aveva molte idee di arrangiamento o
scrittura, mentre Brendan era un musicista brillante,
che cominciò immediatamente a contribuire. Guy era lì
in giro, provavamo a fargli fare qualcosa con noi ma era
reticente, per lui eravamo già un pacchetto completo.
Alla fine lo prendemmo per le seconde voci, poi per
cantare un po’ di più, poi la cosa si sviluppò".
G.P.: "Ero disperato, senza sapere che fare della mia
vita. Suonavo con Brendan da più di sei anni, da quando
ne avevo 16: quando lui entrò nei Fugazi, mentre
il nostro gruppo dell’epoca, gli Happy Go Licky, si
sfaldava, mi sentii perso. Vendetti l'amplificatore e me
ne andai, pensando che fosse tutto finito. Presi un bus
per il Texas, incontrai degli amici e ce ne andammo in
giro in macchina per il Sud per un po’, ma alla fine mi
ritrovai di nuovo a D.C, prima del previsto. Di lì a poco
i Fugazi fecero il loro primo concerto, l’unico come
trio senza di me, e subito dopo mi offrirono un ruolo
secondario. Sarei stato la voce solista in Break-In, e la
seconda voce nel resto delle canzoni. Includermi era
figo da parte loro, e mi divertivo, ma non mi sentivo
esattamente parte del gruppo. Non andavo a tutte le
prove, e non è che la cosa avesse molto senso, ma i
Fugazi dei primissimi tempi funzionavano con una
certa rilassatezza, avevano un’organizzazione molto
particolare: c’era sempre gente che saliva a suonare le
percussioni, la tromba o l’organo, e avevano anche un
ballerino di nome Charley, che ballava su un lato del
palco, cose così. Vedevo la mia partecipazione come una
estensione di questa politica.
Un giorno però - suonavamo a Richmond, Virginia - il
nostro fonico Joey Picuri mi prese da parte e mi disse
che dovevo decidere se ero dentro o fuori, e se ero
dentro dovevo prendere la cosa sul serio ed esserci al
100%. La cosa mi colpì, e da quel momento in poi ci
fui dentro definitivamente anche con la testa. La cosa
che apprezzai fin dall’inizio fu l’inclinazione al lavoro
che Joe, Ian e Brendan avevano. Fu soprattutto quella
ad attrarmi: erano tutti e tre seri e concentrati. Dopo
aver suonato in un sacco di band che non erano state
all'altezza del loro potenziale, era importante per me
stare con gente che si impegnasse, che lottasse per
dare forma a un suono e a un’etica. Eppure, nonostante
fossimo amici, non mi sono mai sentito del tutto a mio
agio fino a che non è passato qualche anno di lavoro
insieme, e non si è plasmata un’intesa reciproca più
profonda. Sono stati quei primi anni di prove e tour
senza sosta a unirci con una mentalità profondamente
collaborativa, lì finalmente sentii che eravamo tutti
allo stesso livello. È stata un’evoluzione insolita, me ne
rendo conto, e anche se in qualche modo pare inevitabile
così, di certo sarebbe potuta andare diversamente. Ci
deve essere una Terra parallela, da qualche parte, dove
i Fugazi sono rimasti un trio. Sarebbe stata una storia
parecchio diversa, ma a suo modo altrettanto fantastica".
Hai citato spesso il ruolo da hype man di Flavor
Flav nei Public Enemy come ispirazione per
ciò che facevi inizialmente nei Fugazi. Cosa ti
piaceva di lui?
G.P.: "Ascoltavamo molto hip hop della prima ora:
Run DMC, Boogie Down Productions, Schoolly D.
Lo sentivamo molto vicino al punk, per il suo potere
destabilizzante e per le sue radici al di fuori del music
business convenzionale. Amavamo i Public Enemy, i
loro primi due album ci hanno influenzato moltissimo,
suonavano radicali e stimolanti da ogni punto di vista:
musicale, sonoro, politico. Quello che mi piaceva di
Flavor Flav in particolare era il modo in cui forniva un
complemento a Chuck D, un’energia e un suono diversi.
Creava una dialettica interna alla band che era davvero
unica. Dava humour e sollievo, e una complessità che
spingeva il tutto su un altro livello".
Tornate a Washington dunque, e succede
qualcosa che cambierà la musica dei Fugazi per
sempre: Guy comincia a suonare la chitarra, e a
partecipare attivamente alla scrittura dei pezzi.
J.L.: "Doveva succedere. Guy aveva sempre suonato
la chitarra e cantato in vari gruppi con Brendan. Era
fantastico nel suo ruolo di backing vocalist e ballerino,
ma non c’era motivo perché le cose restassero così".
G.P.: "In ogni mia band precedente sono stato un
chitarrista. Ma i Fugazi mi parevano già completi,
per come Ian e Joe si incastravano, e non riuscivo
RUMOREMAG.COM | 29
a immaginare come avrei potuto inserirmi
musicalmente. Gli altri però volevano che trovassi un
posto nel gruppo, e così inizialmente fui solo cantante
e performer. Non ci volle molto, però, perché quel
ruolo cominciasse a starmi stretto; volevo essere più
coinvolto nel dare forma alle canzoni. Durante il tour
europeo prima di Margin Walker arrivai al limite,
sentivo che le cose dovevano cambiare. Gli altri lo
capirono".
Brendan Canty: "Non lasciare che Guy suonasse
la chitarra e contribuisse alla scrittura al 100%
sarebbe stato un disastro per il gruppo, e in quel
caso probabilmente saremmo rimasti insieme ancora
per poco. O piuttosto, Ian e Joe avrebbero potuto
continuare senza Guy e me. Avevo deciso che avrei
suonato con Guy a qualsiasi costo, e lui era sempre
più frustrato dal non poter contribuire musicalmente
alla band. La band, allo stesso modo, aveva bisogno
del suo input per raggiungere la stabilità. Due chitarre
sono meglio di una, dal punto di vista della scrittura e
della performance".
I.M.: "Il primo concerto con Guy alla chitarra fu il
29 dicembre 1988, appena tornati dal primo tour
europeo. Ironia della sorte, l'amplificatore si fuse e
30 | RUMOREMAG.COM
non potè suonare".
G.P.: "Il primo pezzo che suonammo dal vivo con due
chitarre fu Reprovisional, ma la mia parte non è che
fosse granché, solo un rumore improvvisato a volume
altissimo verso la fine".
Come cambiò il gruppo? Repeater suona come
se voi quattro stiate cominciando a suonare
insieme sul serio, ascoltandovi l'un l'altro...
G.P.: "Penso sia vero. Avevamo tutti numerose idee
musicali da condividere, e portavamo alle prove vari
elementi sui quali il gruppo si metteva al lavoro,
ristrutturando e cazzeggiando, fino a quando non
diventavano canzoni. Facevamo anche delle jam, ma
il meglio veniva fuori quando qualcuno portava una
sezione di base, tipo una linea di basso o una frase
di chitarra, e questa funzionava come una calamita
che tirava fuori ulteriori idee. A volte qualcuno ha
portato canzoni già complete, ma era raro. La maggior
parte dei nostri brani dopo Margin Walker è nata dal
gruppo al completo, che ne veniva a capo con il lavoro
di squadra".
J.L.: "Diventammo una band diversa, con due
chitarristi che contribuiscono. A quel punto tutti
scrivevano parti, per basso o chitarra. Prima di quel
 FUGAZI
momento eravamo Ian ed io ad aver speso più tempo
nella scrittura delle canzoni".
I.M.: "Cominciammo a svilupparci in modo diverso.
Ma era anche vero che io e Joe ormai suonavamo
insieme dal 1986, e Brendan da poco dopo. Stavamo
crescendo come band. Quindi sì, il fatto che Guy
abbia cominciato a suonare la chitarra ha avuto
un grande effetto, ma anche il fatto che stessimo
suonando insieme ormai da anni. È vero però che
Guy è un musicista brillante, con un sacco di idee
eccezionali, ed è fuori questione che da quando
abbiamo cominciato a evolverci in quattro le cose
siano cambiate".
B.C.: "Non ricordo quale fu il primo pezzo che venne
fuori per il disco, ma ricordo che la maggior parte di
Turnover fu scritta da Guy e me prima di entrare nel
gruppo. Quindi forse quella fu la prima che provammo
con due chitarre".
G.P.: "La prima vera canzone con due chitarre fu
Sieve-Fisted Find: fu lei a farmi capire come due
chitarre potessero lavorare insieme, trovare tonalità
e accordi diversi con cui muoversi nella scienza dura
del suono predominante".
Ted Niceley: "L'aggiunta di Guy come ulteriore
chitarrista rese il loro suono più angolare. Guy
suonava una Rickenbacker a doppio pickup con un
amplificatore testata e cassa Hi-Watt, ottenendo un
suono acuto e ispido che aggiungeva qualcosa di molto
diverso al gruppo, rendendolo unico. Come songwriter
aggiungeva altri toni, altre atmosfere. Canzoni come
Blueprint e Reprovisional, o quel riff tipo artiglio
gigante in Repeater? Sono totalmente Guy".
La nuova formazione si adattava perfettamente
al vostro modo di suonare dal vivo: niente
scalette e molto spazio per l'improvvisazione.
Come faceva a funzionare tutto così bene?
I.M.: "Guy e io eravamo i cantanti principali, e ci
alternavamo. Se io cantavo una canzone, lui cantava la
seguente, e questa era la griglia di base".
B.C.: "Decidevamo soltanto quali sarebbero state le
prime due canzoni. Da lì in avanti, all'inizio di ogni
altra, chi fra Ian e Guy non cantava mi gridava che
cosa avrebbe voluto suonare dopo. Così avremmo
potuto arrivarci senza interruzione, in modo agevole e
creativo".
I.M.: "C'erano anche segnali che col tempo imparavi,
potevano essere di chitarra, o urli in certi punti.
Niente mani. Quando provi in quel modo lo impari, e
noi provavamo così, senza parlare molto".
J.L.: "L’improvvisazione viene naturale quando suoni
insieme sera dopo sera, se sei aperto all’idea. Non è
qualcosa di cui hai bisogno di parlare, ed è questo il
bello. Non usare una scaletta mantiene le cose vive e
spontanee. Devi mettere la massima attenzione nella
musica, che peraltro è dove dovrebbe stare in ogni
caso se suoni".
TESTO DI ANDRE A POMINI
«IL PROCESSO DI REGISTRAZIONE
CAMBIA PER SEMPRE IL MODO IN CUI
SUONI DEI BRANI. ANCHE SE NON
PENSO CHE IL NOSTRO OBBIETTIVO
F O S S E I L R E P L I C A R L I P E R F E T TA M E N-
T E I N CO N C E R TO, Q UA N TO P I U T TO-
S T O L' U S A R L I C O M E T R A M P O L I N O P E R
U N ' E S I B I Z I O N E P I Ù C R E A T I VA . È I M -
P O R TA N T E S C R I V E R E C A N ZO N I C H E T I
C O N S E N TA N O D I R A G G I U N G E R E U N
C L I M A X O G N I V O LT A C H E L E S U O N I »
BRENDAN CANT Y
Che effetto fa fotografare le canzoni una volta
per tutte registrandole, mentre ogni notte sul
palco continuano a essere diverse e a evolversi?
I.M.: "Tutti i nostri dischi sono belli da sentire,
interessanti, ma quando metti su le canzoni… prendi
Shut The Door, ad esempio: abbiamo suonato oltre
1000 concerti e così tante versioni diverse di quel pezzo,
nella mia mente ce ne sono moltissime di più epiche, è
come se fossero maturate. Quando registri una canzone,
magari un po’ è già cresciuta ma è ancora giovane, e se
devi suonarla per altri 10 o 12 anni crescerà ancora".
B.C.: "Il processo di registrazione cambia per sempre
il modo in cui suoni dei brani. Anche se non penso che
il nostro obbiettivo fosse il replicarli perfettamente in
concerto, quanto piuttosto l'usarli come trampolino
per un'esibizione più creativa. È importante scrivere
canzoni che ti consentano di raggiungere un climax ogni
volta che le suoni".
G.P.: "Per quanto riguarda il lavoro di studio, ogni
gruppo ha la sua curva di apprendimento. All’inizio
non capisci quasi nulla dei suoi meccanismi, e il tuo
istinto quindi è quello di non fidarti di nulla. Sei così
affezionato al suono che produci in una stanza o su
un palco che ti sembra strano provare a ricrearlo in
condizioni più asettiche. Sentire il suono nella sua
lavorazione può essere straniante, perché non hai idea
di come il tutto funzioni, ma abbiamo avuto la fortuna
di lavorare con gente come Don Zientara (fonico e
proprietario degli Inner Ear Studios, dove Repeater è
stato registrato, nda) e Ted Niceley, che ci hanno aiutato
a demistificare l’esperienza e ci hanno offerto una
guida".
J.L.: "Essere in studio è un altro paio di maniche
rispetto ai concerti. Eravamo prima di tutto una live
band, e andare in studio è sempre stata una cosa
travagliata. C’è voluto un certo numero di album perché
RUMOREMAG.COM | 31
 FUGAZI
imparassimo qualcosa sulle tecniche di registrazione".
Come siete arrivati alle registrazioni di
Repeater?
G.P.: "La maggior parte delle canzoni di Repeater le
scrivemmo nei mesi appena precedenti le registrazioni,
tranne Merchandise che era in ballo dai primissimi
tempi, già registrata anche per il nostro demo e nelle
sessioni di Margin Walker. La aggiornammo con
una seconda chitarra, ed era pronta. La modalità
era quella standard, qualcuno portava un riff e il
resto del gruppo aggiungeva idee. Quando avevamo
qualcosa grossomodo in forma di canzone, io o Ian lo
prendevamo e cominciavamo a scrivere linea vocale
e testo. Di solito andava bene al primo colpo, ma non
sempre. Ad esempio, Turnover avrebbe dovuto cantarla
Ian, e la suonammo anche dal vivo così una volta, ma
non funzionava. La presi io e la finii".
B.C.: "Ci trovavamo tre volte alla settimana, per
quattro o cinque ore alla volta, e ognuno di noi
portava qualunque cosa su cui stesse lavorando a casa.
Registravamo su un boombox e provavamo a tenere
traccia di tutto quello che veniva fuori. In seguito portai
il mio quattro piste, e alla fine comprammo un otto
piste con nastro da 1" per registrarci".
J.L.: "Abbiamo sempre suonato le varie parti a oltranza,
fino a che non diventavano qualcosa che piacesse a tutti
e quattro. Abbiamo sempre lavorato prima sulla musica,
le voci venivano in un secondo momento. Le canzoni
non sono state scritte pacatamente".
T.N.: "Erano determinati. Venivano da Margin
Walker, un disco fantastico ma un'esperienza che per
loro non era stata ideale. Erano risoluti a registrare
nel modo che preferivano, seppure la registrazione
in sé fosse comunque un mezzo di comunicazione
che, quantomeno all'epoca, trovavano ancora un po'
esasperante".
Come avete registrato?
I.M.: "All'Inner Ear, nel seminterrato della casa di
Don Zientara, su un 16 piste. Suonavamo dal vivo
tutti e quattro insieme, in una stanza molto piccola
GAL ASSIA FUGA ZI IN 10 TAPPE - NON SOLO MINOR THREAT, RITES OF SPRING , EMBRACE ,
HAPPY GO LICKY PAILHEAD BRIEF WEEDS
HAPPY GO LICKY TRAIT A VERY GENEROUS
(LP PETERBILT, 1988) (CD WAX TRAX!, 1988) (7" K, 1991)
32 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI ANDRE A POMINI
piena di giocattoli dei suoi bimbi, mentre Don e Ted
Niceley stavano in regia nella stanza della caldaia,
minuscola, piena di tubi. Lavoravamo principalmente di
mattina, perché Ted faceva la scuola di pasticceria nel
pomeriggio. Arrivavamo verso le 10 e registravamo fino
all’una o le due. Era frustrante, perché eravamo abituati
ad arrivare a mezzogiorno e andare avanti fino all’una di
notte. Stavolta invece erano finestre piccole, veloci. Ci
avremo messo 15 o 20 ore in tutto, non di più. Qualcosa
fu sovrainciso, delle chitarre e un pezzo di basso che Joe
tornò ad aggiustare, ma le basi sono tutte live".
G.P.: "Fu molto semplice e diretto: noi quattro stipati
nella sala di ripresa degli Inner Ear, piena di animali
di pezza. Avere Ted e Don con noi rese tutto molto
divertente, sono entrambi spassosi e fu un bel periodo.
Dopo la depressione del fare Margin Walker lontani
da casa sembrò tutto più facile, e i risultati furono più
fedeli a quello che pensavamo fosse il nostro suono".
B.C.: "Le canzoni erano abbastanza formate al momento
di entrare in studio, non ricordo molta scrittura una
volta dentro. Ci impegnammo molto nel suonarle, e
facemmo un bel po' di sovraincisioni. Molte parti vocali
vennero finalizzate lì, quasi sempre come ultima cosa".
T.N.: "Ogni volta che ho lavorato con i Fugazi, le
canzoni sono sempre state pronte. Per quanto riguarda
la musica, il loro istinto ha sempre avuto ragione. Per
le voci anche, ma Ian e Guy saranno d'accordo se dico
che cantare in studio non li ha mai messi a loro agio. Il
mio ruolo è stato quello di spiegare che potevano urlare
senza urlare, ad esempio: non è obbligatorio gridare
ogni cosa per risultare emotivi ed efficaci. Il confine è
labile, ma penso abbia funzionato. Adoro il modo in cui
entrambi hanno cantato".
J.L.: "Le canzoni erano praticamente finite prima che
entrassimo in studio, e mi pare sia sempre stato così per
tutta la nostra discografia. A volte poteva capitare che
per caso uscisse qualcosa di interessante in studio, e lo
tenessimo se suonava bene. Mi pare ad esempio che The
Kill, su The Argument, sia nata abbastanza velocemente
in studio. Ma non mi fiderei troppo della mia memoria".
I.M.: "Le cose andarono abbastanza lisce. Ted è molto
scrupoloso, molto pignolo e meticoloso. Quando
ALL SCARS ONE LAST WISH
EARLY AMBIENT 1986
(LP/CD SLOWDIME/ (CD DISCHORD/
DISCHORD, 1997) PETERBILT, 1999)
 FUGAZI
produco non sono così, per me è difficile… ricordo che
lavoravamo cercando di fare tutto giusto".
T.N.: "Ogni volta che ho lavorato con loro, sono sempre
stati molto ben preparati. Non abbiamo mai rifatto e
sostituito delle singole parti. Magari un punch in con il
basso, o cose del genere. Una o due volte al massimo,
piccolezze. Dopo aver registrato la base facevamo le
sovrincisioni, molto minimali, e poi cominciavamo con
le voci appena possibile, principalmente perché non
mi piace lavorare tipo catena di montaggio, arrivare al
punto in cui è tutto fatto tranne le voci. Se il cantante
prende il raffreddore o perde la voce non hai altro da
fare e sei bloccato. Se invece le registra una dopo l'altra
si annoia, e andare avanti diventa una faticaccia. In più,
cantarla subito dà un bel feeling alla canzone, e di cosa
hai bisogno alla fine se non di quello?".
Aneddoti particolari?
T.N.: "Uno. La chitarra di Guy in Repeater, la parte
stridente che chiamammo l'artiglio gigante, perché ci
ricordava il suono che faceva il mostro nel film horror/
sci-fi di fine anni 50 The Giant Claw (in italiano Il
Mostro Dei Cieli, di Fred F. Sears, 1957, nda). Guy
era così deciso a ottenere quel suono terrificante che
a un certo punto stava per spaccare a metà la sua
Rickenbacker! Due. I Fugazi non rifanno - ripeto: non
rifanno - singole tracce già registrate! Un giorno, io
e Joe lo scoprimmo grazie a Shut The Door, il pezzo
magistrale che chiude Repeater, con un drop di basso
cazzutissimo a cura dello stesso signor Lally. Ian era
a fare una commissione, gli altri non so dove fossero;
io e Joe stavamo controllando il pezzo, e Joe sentiva
di non averlo suonato bene come avrebbe potuto. Non
riuscivo ad afferrare cosa secondo lui non andasse,
ma non me la sentivo di dirgli che si sbagliava o che
non poteva farlo. Avevamo una traccia ancora aperta,
e cominciò a rifare la sua parte. A un certo punto però
tornò Ian, e fu lì che capii che non era stata una grande
idea. Ian fu molto, ehm... espressivo sull'argomento. Fu
un bel momento, divertente ma serio. Tre. Sapevamo
di aver bisogno di qualcosa di originale per il suono di
batteria di Repeater, la canzone. Brendan e io stavamo
EVENS... E CORIK Y
LOIS MAFFEO THE BLACK SEA JOE LALLY
& BRENDAN THE BLACK SEA WHY SHOULD I GET USED TO IT
CANTY (10"/CD LOVITT, 2002) (LP/CD TOLOTTA/DISCHORD,
2011)
THE UNION THEMES
(CD KILL ROCK STARS,
2000)
TESTO DI ANDRE A POMINI
« B R E N D A N E I O S T A VA M O C A Z Z E G -
GIANDO CON CAMPIONI DEI PUBLIC
E N E M Y E A LT R A R O B A S P A R S A . V I D I
C H E I A N C O M I N C I A VA A S C O R A G G I A R-
S I, E C H I E S I S E Q U A LC U N O AV E S S E
DELLE IDEE. 'SÌ', DISSE. TIRÒ FUORI
U N A S C ATO L A D I L AT TA P E R B I S C OT T I,
E C I M I S E D E N T R O U N P I C C O L O A L-
TOPARL ANTE DA RADIOLINA E UN MI-
C R O F O N O . P O M P A M M O C A S S A E R U L-
L A N T E A T U T T O V O L U M E D A L L'A LT O -
PARL ANTE, E MANDAMMO IL SEGNALE
DEL MICROFONO A UN PROCESSORE
P E R C H I TA R R A R O C K M A N, AT T I VA N-
DONE L A DISTORSIONE... E VOIL A, IL
S U O N O D I B AT T E R I A !» TED NICELEY
cazzeggiando con campioni dei Public Enemy e altra
roba sparsa. Vidi che Ian cominciava a scoraggiarsi,
e chiesi se qualcuno avesse delle idee. 'Sì', disse.
Tirò fuori una scatola di latta per biscotti, e ci mise
dentro un piccolo altoparlante da radiolina e un
microfono. Pompammo cassa e rullante a tutto volume
dall'altoparlante, e mandammo il segnale del microfono
a un processore per chitarra Rockman, attivandone la
distorsione... e voila, il suono di batteria! Silenziai tutti
gli altri microfoni di Brendan, lasciando forse solo un
po' di cassa e rullante puliti, fino allo stacco quando si
riapre tutto".
L'album venne come volevate?
T.N.: "Il lato A è un capolavoro. Il lato B ha
DEATHFIX THE
DEATHFIX MESSTHETICS
(LP/CD DISCHORD, 2013) ANTHROPOCOSMIC NEST
(LP/CD DISCHORD, 2019)
RUMOREMAG.COM | 33
 FUGAZI
«ARBITRO? FORSE, MA NON HANNO
M A I B I S T I C C I ATO I N M I A P R E S E N Z A .
PROBABILMENTE LA RAGIONE PER
C U I M I È S T A T O C H I E S T O D I P R O D U R-
RE ALCUNI DISCHI DEI FUGAZI È CHE
IL GRUPPO È/ERA UNA DEMOCRAZIA,
MA L A DEMOCRAZIA, SE PARLIAMO DI
MUSICA, NON È SEMPRE UNA BUONA
I D E A . È P I Ù FA C I L E AV E R E Q U A LC U-
N O C H E FACC I A DA S C H E R M O, CO N
C U I E S P R I M E R E P E N S I E R I E P R E O C-
CUPAZIONI INVECE DI ANNACQUARE
T U T T O P E R ' N O N F E R I R E N E S S U N O '. O ,
P E G G I O , D I R I T R O VA R S I I N U N A S I T U A -
ZIONE IN CUI NESSUNO È A PROPRIO
A G I O N E L L' E S P R I M E R E U N P A R E R E »
TED NICELEY
un'atmosfera diversa, ma a suo modo è altrettanto
importante. Suona come se stessero forzando i
loro limiti, sperimentando. Two Beats Off e Sieve-
Fisted Find, ad esempio. Reprovisional è fantastica,
l'esplosione di chitarre a metà pezzo è di un altro livello,
e ho potuto vederla in diretta. E poi c'è Shut The Door,
una delle migliori canzoni dei Fugazi in assoluto. Il
cantato di Ian è sublime, il break di basso perfetto, il
pezzo tutto è bello da far paura".
I.M.: "Solo su Shut The Door avevo dei dubbi: era
troppo veloce, ma capita, è normale quando in studio
suoni un pezzo tante volte, finisci per accelerarlo. In
linea di massima però eravamo contenti di avercela
fatta, e pensavamo di aver fatto un buon disco.
Repeater, la canzone, è venuta benissimo, Blueprint
anche. Ma di nuovo, eravamo concentrati sui concerti".
T.N.: "Ho ascoltato il disco pochi giorni fa, e mi è
piaciuta anche l'unica cosa che mi lasciava leggermente
perplesso: la batteria di Sieve-Fisted Find, che mi è
sempre sembrata un po' in anticipo. È l'unica canzone
dei Fugazi in cui abbia provato a mettere un metronomo
al batterista, ma alla fine veniva a mancare tutto ciò
che rende Brendan Brendan. Ho sempre pensato che
fosse il Tony Williams dei batteristi rock, e continuo a
pensarlo".
B.C.: "Sono molto orgoglioso di quel disco. È uno dei
migliori dei Fugazi, se non il migliore. La maggior parte
delle sue canzoni si è fatta strada nelle nostre scalette
sera dopo sera, per tutta la nostra carriera. Penso fosse
34 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI ANDRE A POMINI
la prima volta che, finalmente, la band aveva raggiunto
il suo obbiettivo. È partendo da lì che ci siamo evoluti.
Nella mia mente è il suono Fugazi definitivo".
J.L.: "Fui molto felice di come suonava. Pensai che
avessimo scritto delle buone canzoni e che le avessimo
ben presentate sull’album, e resto della stessa opinione.
È questa la forza di Repeater: il songwriting e il fatto
che suoni come suonavamo noi".
I.M.: "Non paragono i nostri album fra loro, ma si tratta
sicuramente di un buon gruppo di canzoni. Lo sono
tutti però. Prendi Steady Diet Of Nothing, che è un po'
il nostro disco sleeper: molti dicono 'Ok, non è male',
ma se guardi le scalette dei concerti siamo tornati a
quelle canzoni quasi piu che a quelle di ogni altro disco.
Guy ha avuto un impatto enorme su Repeater, non si
discute. Fu davvero centrale, scrisse un sacco di roba.
Ma era un disco di transizione. Sotto diversi aspetti,
Steady Diet Of Nothing è il primo vero album che
abbiamo interamente scritto in quattro, tutti insieme".
Come vi trovaste con Ted?
B.C.: "Amavo lavorare con lui. È sempre meglio avere
un paio di orecchie extra, e le sue sono preziose. Ha
un grande senso della storia della musica, sentivo che
avrei potuto parlare di produzione con lui, ricavandone
buone informazioni e suggerimenti utili. Sapeva come
fare dischi che suonassero benissimo. Dopo Repeater
non lavorammo quasi più con lui, soprattutto per
questioni di calendario. Era molto occupato, e noi
stavamo imparando sempre meglio a fare da soli. Ma
penso che i dischi a cui ha lavorato siano fra i migliori
della nostra discografia".
I.M.: "Ted era un amico, ed era molto abile in studio.
In molti sensi è stato come un arbitro. Ha un’ottima
comprensione della musica, e per fortuna c’era lui che
riusciva a dire se una certa cosa era buona o no. Don è
eccezionale, ma un po’ meno deciso".
T.N.: "Arbitro? Forse, ma non hanno mai bisticciato
in mia presenza. Probabilmente la ragione per cui mi
è stato chiesto di produrre alcuni dischi dei Fugazi è
che il gruppo è/era una democrazia, ma la democrazia,
se parliamo di musica, non è sempre una buona idea.
È più facile avere qualcuno che faccia da schermo,
con cui esprimere pensieri e preoccupazioni invece di
annacquare tutto per 'non ferire nessuno'. O, peggio, di
ritrovarsi in una situazione in cui nessuno è a proprio
agio nell'esprimere un parere. Inoltre, sono abbastanza
noto per non essere un contaballe. Faccio del mio
meglio per non offendere nessuno, ma se sento che
qualcosa non è al livello degli standard di un artista,
sono il primo a dire che non va bene e che va rifatto".
G.P.: "Fummo contentissimi del lavoro di Ted, era un
maestro del controllo qualità e riuscì a farci suonare
ottime versioni dei pezzi. Volevamo che lavorasse
anche a Steady Diet Of Nothing, ma ci fu un problema
di pianificazione, e quindi provammo a farcela da
soli. Nessuno di noi fu particolarmente felice di come
venne, lo trovammo piuttosto piatto, e quando toccò a
In On The Kill Taker richiamammo Ted ad aiutarci. Fu
l’ultimo album a non essere prodotto esclusivamente
da noi: da lì cominciammo finalmente a sentirci più
a nostro agio in studio, e da Red Medicine in poi ci
producemmo da soli, con i risultati che volevamo".
I.M.: "All’inizio siamo stati una band che provava, poi
una band che suonava dal vivo, e abbiamo imparato a
fare entrambe le cose molto bene. Ma andare in studio
è sempre stato strano. Non riuscivamo a capire come
approcciare lo stesso modo creativo di lavorare che
usavamo in prova o in concerto. Penso però che arrivati
a Red Medicine avessimo capito come fare un disco
nello stesso spirito".
Allarghiamo l'inquadratura. Washington a
quei tempi non era certo una città facile, fra
guerre di gang, violenza, droga. Quanto ne fu
influenzato l'album?
B.C.: "Repeater è un disco sulla città in cui vivevamo.
Una risposta all'impotenza che può provare chi si trova
a vivere sulla propria pelle un'ondata di criminalità.
Eravamo noi, che ci concedevamo la possibilità di
parlare di ingiustizia economica e violenza. Era un
modo per contribuire a una scena musicale già vivace,
che ci aveva dato tanto. Una grande e stramba famiglia
dove ci si supportava enormemente a vicenda. Ma in
fondo eravamo pronti a metterci in strada, scappare da
D.C. e suonare per il mondo. E più cose vedevamo del
mondo, più la disuguaglianza quando tornavamo a D.C.
ci sembrava folle".
I.M.: "La canzone Repeater parla proprio di quello.
Ho 57 anni e ho vissuto a D.C. tutta la vita, l’ho vista
cambiare immensamente negli anni, ho visto alti e bassi,
e i tardi '80 erano anni molto violenti, cupi. La canzone
parla di come i media trattavano questa cosa, come se
avessero a che fare con dei numeri, mentre io pensavo
che ognuno di questi numeri avesse una persona e una
storia dietro. Quando mi chiedono di quanto la città
fosse tetra e violenta, è come se questo disumanizzasse
le persone. Certo, è una delle cose che ha influenzato il
disco, ma non c’era solo quello. In tutte le mie canzoni
si riflette il mondo che vedo, in cui esisto, sono cronaca
di quello che succede, e quello era un modo per provare
a sviluppare una prospettiva su una situazione che
pensavo fosse più sana di come veniva rappresentata.
I media amano queste cose, e lo stesso succede adesso
con gli instant media: per quanto la gente possa odiare
i propri leader, loro li adorano perché portano piu
attenzione. Prendi Berlusconi, o chi avete adesso: la
RUMOREMAG.COM | 35
 FUGAZI
«WA S H I N G TO N È S E M P R E S TATA U N A
C I T TÀ A M A G G I O R A N Z A N E R A : È I M-
P O S S I B I L E C H E Q U E S T A R E A LT À N O N
A B B I A AV U TO U N P E S O. I N C O R P O R I A-
M O I N F L U E N Z E D A C I Ò C H E C I C I R-
CONDA, COME TUT TI. I BAD BRAINS
S O N O S T A T I L’ I N F L U E N Z A P I Ù G R A N D E
S U L L A S C E N A D I C U I E R A VA M O P A R T E ,
MA DI CERTO LO FU PURE IL GO-GO.
T U T T I A S C O LT A VA M O R A R E E S S E N C E ,
J U N K YA R D , E X P E R I E N C E U N L I M I T E D
E T R O U B L E F U N K , E A P P R E Z Z A VA M O
I L FAT TO C H E S I T R AT TA S S E D I U N A
SCENA INCONFONDIBILMENTE LOCA-
LE COME LA NOSTRA» G U Y P I C C I OT TO
gente dice 'chissà quello stronzo cosa sta facendo ora?',
e click click click. Per questo ho cercato di resistere
all’idea che la D.C. dei tempi fosse una sorta di sfondo
per me o il mio lavoro. È dove vivo, punto".
In modo radicalmente diverso dai gruppi allora
definiti crossover, anche i Fugazi hanno unito
suoni convenzionalmente considerati bianchi
con altri invece neri. Quanto ha contato sotto
questo aspetto crescere a Washington?
I.M.: "Tutti e quattro veniamo decisamente da basi
piu soul, funk, reggae e go-go rispetto ad altri. Ci sono
città dove i gruppi hanno radici più rock'n'roll o metal,
ma se ascolti gruppi come Rites Of Spring, Embrace o
anche Minor Threat, hanno una componente soul. Se
guardi alla storia delle band in cui abbiamo suonato,
c’è decisamente poco metal. I Public Enemy piuttosto,
la produzione della Bomb Squad su quei primi dischi
era sconvolgente, non credevamo alle nostre orecchie,
avevano idee geniali, visionarie. Siamo entrati in
studio per giocare col suono, specialmente in una
canzone come Repeater, che abbiamo provato ad
approcciare quasi come un pezzo rap. Ma era quello che
ascoltavamo: a casa ho un’intera parete di cassette go-
go, rap e simili. Le studiavamo continuamente. Quando
io e Joe abbiamo iniziato a suonare i riferimenti erano
James Brown, Funkadelic, MC5 e Obsessed, e un sacco
di reggae. Gli Obsessed sono di Rockville come Joe,
che ha anche abitato con il loro cantante e chitarrista
Wino, ed era fra coloro che li seguivano in giro. Mi
piacevano molto, e la prima volta che io e Joe abbiamo
parlato di musica fu una delle band su cui ci trovammo.
36 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI ANDRE A POMINI
Con i Fugazi ascoltavamo musica continuamente, di
tutti i tipi. Ci sono citazioni musicali e testuali sparse
letteralmente dappertutto nei nostri dischi".
J.L.: "Sono cresciuto a Rockville, Maryland, un
sobborgo di Washington. Anche se non c’erano molti
afroamericani intorno a me, da quando avevo più o
meno nove anni mi sono appassionato a rhythm’n’blues,
funk, soul. Ascoltavo solo le stazioni radio nere. Il mio
migliore amico aveva dei fratelli maggiori che non
solo compravano tutti i dischi che mi piacevano, ma ci
portavano ai concerti pomeridiani di gente come Isley
Brothers, Spinners, O’Jays, Jackson 5. Ho avuto la
grande fortuna di vederli tutti da giovanissimo. Per me
James Brown, Ohio Players e Parliament/Funkadelic
sono tutti venuti prima del rock classico, e solo più
tardi, alle superiori, mi sono fatto prendere dal punk".
I Bad Brains sono stati da esempio per questa
fusione di generi?
J.L.: "Vedere i Bad Brains mi ha soltanto chiarito il fatto
che gli afroamericani potessero creare non solo tutto
quello, ma anche musica punk fra la migliore del genere”.
E il go-go, suono funk indigeno di Washington?
La sindaca Muriel Bowser lo ha appena
dichiarato musica ufficiale di D.C. Molti di noi
connettono automaticamente la città con la
scena punk, ma il go-go è qualcosa di ancora
più intrecciato con il suo tessuto sociale.
G.P.: "Washington è sempre stata una città a
maggioranza nera: è impossibile che questa realtà
non abbia avuto un peso. Incorporiamo influenze da
ciò che ci circonda, come tutti. I Bad Brains sono stati
l’influenza più grande sulla scena di cui eravamo parte,
ma di certo lo fu pure il go-go. Tutti ascoltavamo Rare
Essence, Junkyard, Experience Unlimited e Trouble
Funk, e apprezzavamo il fatto che si trattasse di una
scena inconfondibilmente locale come la nostra. Ma
oltre a quello ascoltavamo anche un sacco di soul e
dub. Joe è cresciuto ascoltando gruppi come i Graham
Central Station, e questo probabilmente ha avuto
qualche influenza sul suo modo di suonare. Per quanto
riguarda le canzoni dell'album, penso ci sia dentro un
bel po’ di James Brown, ma non solo: Brendan #1 ha
una breve introduzione di batteria presa di peso da
Life Could Be So Nice di Prince, e Repeater ricorda il
caos delle produzioni della Bomb Squad".
I.M.: "Ascolto go-go dalla fine degli anni 70, è la
vera linfa vitale della città. Internazionalmente, è la
scena punk ad essere più associata con D.C., è lei ad
aver portato attenzione verso la città, ma per chi vive
qui il go-go ha avuto un impatto assai maggiore. Ti
faccio un esempio: c’era questo tipo, Little Benny,
trombettista e cantante di Rare Essence, Little Benny
& The Masters e altri. Una decina di anni fa è morto,
ed è stata organizzata una veglia al Convention Center,
che è lungo tre isolati, enorme. Vado in bici fino a là,
entro in questo atrio gigantesco e mi metto in coda
per entrare nella sala e vedere la sua bara. Mi ritrovo
a circa 400 metri dall’entrata della sala, in una fila
larga cinque persone. C'è di tutto: avvocati, poliziotti,
netturbini, autisti, musicisti, tutti lì in coda che
chiacchierano. Nessuno mi conosce, sono solo un tizio
in coda. Sto lì un’ora e mezza, e la coda non si muove.
Decido di andarmene, ho un figlio e ho da fare a casa, e
mentre mi avvio vedo un’altra coda dalla parte opposta
dell'edificio, lunga come la mia, per entrare da un altro
ingresso. Per Little Benny, uno che la maggior parte
della gente al mondo non ha letteralmente idea di chi
sia! Quando è morto Chuck Brown… uff! Sono arrivato
in ritardo, la gente se ne stava già andando, ed era
come guardare uno stadio alla fine della partita".
In mezzo a così tanti ascolti diversi, chi vi
metteva d'accordo? Chi ascoltavate nello stereo
del furgone per fare tutti contenti?
I.M.: "In uno dei nostri primi tour, era il gennaio del
1988, stavamo guidando verso il Michigan. Faceva
freddo e nevicava, un tempo avvilente, e non eravamo
dell’umore migliore. A un certo punto Guy tira fuori
una cassetta intitolata Queen Bee, era una compilation
dei Queen e ci ha immediatamente sollevato.
Adoravamo i Queen, sono stati parecchio importanti
per noi! Sono anche la prima band in assoluto che ho
visto dal vivo! Nel gennaio del 1977, con i Thin Lizzy.
Avevo 14 anni, mi ci portò mia sorella".
Ecco una cosa che uno non si aspetta dai
Fugazi!
I.M.: "Ascoltavamo di tutto, anche Fela Kuti, Black
Flag, Ruts. Ascoltavamo, ascoltavamo, ascoltavamo.
Studiavamo, studiavamo, studiavamo. Eravamo una
band che predatava i device di ascolto personale,
in giro c’era solo il walkman a cassette, ma non
ascoltavamo musica in quel modo. Avevamo solo
lo stereo del furgone o dell’auto, e ci mettevamo le
cassette, che tenevamo in quei classici portacassette
da auto pieni di roba che ascoltavamo in tour.
Solitamente, compilation fatte da noi o da nostri
amici, a tema. Ne avevamo milioni".
C'è stato un momento in cui, individualmente
o in gruppo, vi siete detti 'Ok, è cominciata
semplicemente come una band, ma è
diventata una cosa più grande di quanto
immaginassimo'?
(JL) "Siamo andati in posti più lontani da casa di
quanto avrei mai immaginato, ma siamo sempre stati
una band che suonava per la gente. E ci siamo sempre
sentiti in controllo della situazione in cui stavamo
suonando".
L'autore ringrazia Paul Beauchamp
per l'aiuto prezioso nella traduzione.
CORIKY
CORIKY
DISCHORD
Otto anni fa, parlando del
terzo album degli Evens,
chiudevamo con una specie
di augurio a margine, senza
molte speranze. Disco bello
e gruppo forte abbastanza
per camminare sulle proprie
gambe, ma la voce di Ian
MacKaye su quel genere
di progressioni e melodie,
inevitabile, fa desiderare
che a un certo punto entri
Joe Lally. Ecco, è successo:
Lally è entrato. Non per
un improbabile ritorno
dei Fugazi, ma unendosi proprio a Ian e Amy Farina in una
nuova band. Nata nel 2015, in giro dal 2018, ora al debutto
discografico. MacKaye e Farina portano in dote la formula
collaudata in duo, le loro canzoni tanto scarne quanto calde e
comunicative. Lally la pasta solenne del suo basso, linee che
sanno di reggae, funk e rock duro, e una scrittura maturata in
tre begli album solisti. Ma non è solo una somma: Ian posa la
chitarra baritono e torna alla diavoletto Gibson di una volta,
alzando talvolta il volume come non faceva da tempo; Amy
trova con Joe incastri ritmici inediti, pure lei picchiando più
del solito quando serve. L'effetto è quanto di più fugaziano
si sia sentito dalla pausa dei quattro in qua. L'ultimo periodo
soprattutto, i momenti meno urlanti e sperimentali di End Hits
e The Argument, le loro ipotesi pop oblique, rivisti appunto alla
luce degli Evens e del Lally solista. Strofe ombrose e ritornelli
melodici, esplosioni controllate e trame sincopate, rimandi
a varie forme psichedeliche (il pop di Inauguration Day, i
'60 californiani di Last Thing, il proto heavy brit di Hard To
Explain, il dub Have A Cup Of Tea, BQM, Jack Says e della
splendida Shedileebop). Le tre voci si intrecciano su testi mai
espliciti (Inauguration Day a parte) ma del tutto consci del
presente, e in linea con la tradizione. Apre la sintesi perfetta
di Clean Kill, chiude il gospel dilatato di Woulda Coulda.
Bentornati.
82/100
RUMOREMAG.COM | 37
CLAVER GOLD
MURUBUTU T E S T O D I M AT T I A C A S S A G H I

NON È UN RAP
PER SIGNORINI
MODER
T R E R A P P E R C H E I N C I D O N O P E R L A S T E S S A E T I C H E T TA , G L O R Y H O L E , E C O N D I V I D O N O L A PA S S I O N E P E R
L A L E T T E R AT U R A , H A N N O P U B B L I C AT O D U E D I S C H I A D I S TA N Z A R AV V I C I N ATA : P O C H E S E T T I M A N E D O P O
L’ U S C I TA D I C I S E N T I A M O P O I D I M O D E R , I N FAT T I , È A R R I VAT O I N F E R N U M D I C L AV E R E M U R U B U T U . I L O R O
A L B U M T E N D O N O U N A M A N O A C H I , A R C H I V I ATA L’A D O L E S C E N Z A , FAT I C A - O P R O P R I O R I F I U TA D I -
I D E N T I F I C A R S I C O N L’ I M M A G I N A R I O D E L L A T R A P.
Vivono tutti e tre in provincia, il loro rap per lo più
è narrativo, non fanno parte né della vecchia né della
nuova scuola, non seguono le dinamiche e le tendenze
odierne del mercato discografico e, quel che più conta,
rappresentano, con tutte le sfumature dei singoli casi,
un profilo di rapper indipendente che oggi riesce ad
avere un pubblico anche al di fuori degli under 25 e
dei fan indiscriminati del genere. Alessio Mariani aka
Murubutu (1975) viene da Reggio Emilia, Lanfranco
Vicari aka Moder (1983) da Ravenna e Daycol Orsini
aka Claver Gold (1986) da Ascoli Piceno. Il primo e
l’ultimo hanno appena pubblicato un album insieme,
Infernum, ed entrambi figurano come ospiti in Ci
Sentiamo Poi di Moder, che ha preceduto la loro uscita
di qualche settimana. Tutti e tre fanno parte di una
piccola etichetta indipendente marchigiana, Glory
Hole Records, che nonostante non abbia un roster
particolarmente nutrito ha concentrato queste due
uscite nello stesso mese; tanto per oltrepassare una
volta di più le logiche imperanti del mercato e magari
proporre un’alternativa. Alla domanda se questa scelta
sia stata fatta in previsione di un tour in trio, per ora
non hanno dato risposta. Quello che è certo è che se
Claver e Murubutu hanno prodotto un concept album
sulla Divina Commedia, Moder da tempo dichiara
che John Fante è una delle sue principali fonti di
ispirazione e, nel nuovo disco, omaggia Melville e il
suo Bartleby in Preferirei Di No e cita La Ballata Delle
Madri di Pasolini in Assassini.
In questi anni si è parlato molto del lavoro di
Murubutu, insegnante liceale di storia e filosofia,
e della sua conseguente attenzione alle parole e al
messaggio, ci si è confrontati a più riprese con la
sensibilità unica di Claver Gold e, in parallelo, è emerso
il lato autoriale di Moder che, per fare un esempio
significativo, nel 2017 ha dato anche voce alle musiche
composte da Francesco Giampaoli per uno spettacolo
teatrale - Il Volo - La Ballata Dei Picchettini di Luigi
Dadina, Laura Gambi e Tahar Lamri - che parla di
morti sul lavoro basandosi su fatti realmente accaduti.
Sì, stiamo sempre parlando di rap, ma sembra di
essere finiti su un pianeta diverso se si ripercorre la
discografia urban italiana degli ultimi cinque anni.
Chuck D ad agosto compirà 60 anni e Jay Z ha da
poco superato i 50: il primo, coi suoi Public Enemy,
coinvolge un pubblico per lo più adulto, il secondo
un mix di ventenni e quarantenni. Il rap, insomma,
nel paese in cui è nato, è entrato stabilmente nell’età
adulta e ha dimostrato di non essere più solo musica
per teenager. In Italia, a parte un caso sui generis come
quello degli Assalti Frontali – che hanno creato un
“mercato” tutto loro – o l’underground che si rivolge
quasi esclusivamente ai puristi dell’hip hop – compresi
i pilastri Gruff, Kaos e Colle Der Fomento -, si punta
con decisione sui minorenni. La generazione di Ghali,
Tedua e Sfera Ebbasta ha dimostrato di essere viva,
unita, determinata e, complici una provenienza dal
basso e la crisi economica che li ha cresciuti, tanto
affamata da aver metabolizzato un codice molto
pragmatico e, in alcuni casi (quelli più chiacchierati
dai mass media) sfrontato e avventato. Il pubblico più
adulto, come vuole la naturale evoluzione, non si può
identificare nel loro linguaggio, spesso proprio non
lo decodifica o lo rifiuta senza volerne neanche capire
la genesi, quindi in molti casi ha un giudizio negativo
in toto del loro messaggio e, di conseguenza, di tutto
il rap. Qualcuno però, ora, gli sta tendendo una mano
e il successo di un album assennato che ha aggiunto
complessità alla narrazione del rap mainstream e ha
convinto e coinvolto più generazioni come Persona
di Marracash sembra significativo in questo senso.
Anche perché, se esiste un rap per i più giovani, non
esiste un rap solo per quarantenni: il fatto di essere
riflessivi e non spocchiosi, di ponderare il messaggio e
di trattare questioni più a(du)lte non esclude nessuno
a priori. Gli artisti citati hanno continui contatti con
le nuove generazioni, a partire dai tre intervistati
(Moder fa laboratori con i ragazzi, Murubutu, appunto,
insegna in un liceo e Claver fa tantissimi live), e c’è
la consapevolezza che questo dialogo e confronto sia
vitale. La questione si complica quando tutto si limita
a un giudizio negativo e ad accuse reciproche. Senza
riflessioni, appunto…
CLAVER GOLD
MURUBUTU
L'INFERNO IN RIME
A TEMPO
Vorrei partire chiedendovi cosa significa
per voi essere indipendenti nel mercato
discografico di oggi?
Claver: “Essere indipendente per me è la normalità,
oggi come ieri. Con Andrea Gazzoli abbiamo cominciato
insieme il percorso di Glory Hole Records e, anche
se abbiamo avuto approcci con etichette più grandi,
ho sempre vissuto con piacere il fatto di sentirmi in
una famiglia, come è la nostra realtà. Sono libero di
fare la musica che voglio senza cambiamenti imposti,
ascoltando i consigli ma mantenendo la parola finale, e
per me questo è molto importante”.
Murubutu: “L’esperienza da indipendente ha
caratterizzato anche la mia carriera, ho sempre vissuto
la musica così e non ho un termine di paragone per
sapere cosa voglia dire lavorare con una major”.
Ma, rispetto ai vostri esordi, oggi il rap domina
le classifiche e, anche se voi lo fate diversamente
da chi si piazza al primo posto, qualcosa è
cambiato. La comparsa anche in Italia del
rap mainstream, per esempio, di riflesso,
pensate che porti giovamento anche a quello
indipendente?
C.: “Si tratta di due mondi diversi: è difficile che un
ragazzo che ascolta la roba trap di adesso arrivi a noi.
Magari facendo un percorso selettivo può arrivarci ma,
di certo, a noi non fa gioco, non rende più grande il
nostro riflettore”.
M.: “La penso diversamente: secondo me c’è un
rapporto dialettico tra underground e mainstream
che porta ossigeno a tutti. Il mainstream si nutre
dell’underground, anche se, nel tragitto verso la
visibilità, chiaramente, lo modifica, ma allo stesso
tempo l’underground vive anche grazie al mainstream.
La trap fa sì che molti si avvicinino al genere e alcuni si
incuriosiscano e vadano a ricercare le radici, quindi alla
fine c’è più pubblico anche per noi”.
TAG: #indipendenti #gloryholerecords #dante
Per esempio, che impressione vi ha fatto vedere
un rapper con un percorso che si può definire
vicino al vostro, come Rancore, sul palco di
Sanremo?
M.: “Io sono contentissimo di quello che è riuscito
a fare Tarek perché ha dimostrato sia grandissima
coerenza sia che il rap di qualità può arrivare
anche al grande pubblico e stare sotto i riflettori di
una manifestazione così tradizionale. Il fatto che
abbia vinto il premio per il miglior testo è molto
significativo e, come ha detto anche lui, è una forma di
emancipazione per il rap: non solo i numeri, non solo i
grandi riflettori ma anche la qualità”.
C.: “Finalmente un rapper con un percorso su cui
nessuno nell’underground può permettersi di dire
nulla e che ha portato il rap come dio comanda anche
su quel palco senza snaturarsi. Questo per il rap
italiano è solo un grande pregio”.
«I L M A I N S T R E A M S I N U T R E D E L L’U N-
D E R G R O U N D, A N C H E S E , N E L T R A G I T-
TO V E R S O L A V I S I B I L I TÀ, C H I A R A M E N-
TE, LO MODIFICA, MA ALLO STESSO
T E M P O L’U N D E R G R O U N D V I V E A N C H E
GRAZIE AL MAINSTREAM. L A TRAP FA
S Ì C H E M O LT I S I AV V I C I N I N O A L G E-
NERE E ALCUNI SI INCURIOSISCANO
E VA D A N O A R I C E R C A R E L E R A D I C I,
QUINDI ALL A FINE C’È PIÙ PUBBLICO
ANCHE PER NOI» MURUBUTU
ONLINE: facebook.com/clavergoldofficial - facebook.com/MURUBUTU
RUMOREMAG.COM | 41
M.: “Ecco, questo dipende anche dalla diffusione
che il rap sta avendo in questi anni, dal fatto che è
stato sdoganato una volta per tutte presso il grande
pubblico. Già Rocco Hunt con Nu Juorno Buono ha
rappresentato un passaggio cruciale verso quello che
è successo in questi ultimi anni. Il rap, d’altronde, a
differenza di altri generi, ha nel suo DNA il fatto di
colloquiare con il mainstream”.
L’approdo nel mainstream ha creato anche
l’infinito dibattito sull’influenza del rap sui
più giovani con la mozione che bolla certi testi
come diseducativi sostenuta dalla maggioranza.
Voi pensate che gli artisti che fanno musica
debbano essere dei modelli dal punto di vista
etico?
C.: “Sì, credo che molti ragazzi vedano cantanti e
IL RAP "ADULTO" AI TEMPI DELL A TRAP IN 10 TITOLI
WILLIE PEYOTE HYST MODER
NON È IL MIO GENERE, MANTRA 8 DICEMBRE
IL GENERE UMANO
(CRAMPS, 2014)
(MACRO BEATS, 2014) (GLORY HOLE, 2016)
42 | RUMOREMAG.COM
rapper come modelli, anche perché ora li usano per
brandizzare tutto, quindi se un trapper indossa quella
felpa il fan la compra perché vuole vestirsi e atteggiarsi
come lui. Il messaggio dei testi, quindi, è importante,
non puoi darlo sbagliato sapendo che c’è un pubblico
che ti ascolta e prova in qualche modo a emularti.
Veicolare un messaggio giusto è importante nei
confronti dei ragazzini e, più in generale, di tutti. Non
dico che debba essere un messaggio per forza positivo
ma credo si debba dare almeno qualcosa in più a livello
emotivo”.
M.: “Anche secondo me c’è una responsabilità etica
nel fatto di essere artista e, dunque, un modello
identificativo. Si tratta di una questione che, in qualche
modo, ha a che fare con la libertà artistica, ma non
svincola completamente l’artista dal fatto di avere delle
responsabilità sull’ascoltatore. Più un artista è esposto,
KENTO AND MURUBUTU
THE VOODOO L'UOMO CHE VIAGGIAVA
BROTHERS NEL VENTO E ALTRI
RACCONTI DI BREZZE E
DA SUD
CORRENTI
(GOODFELLAS, 2016)
(IRMA, 2016)
più ha responsabilità sui messaggi, sui testi e sugli
atteggiamenti”.
Per esempio, a te, Claver, è capitato spesso di
parlare di tossicodipendenza. Come tratti il
tema?
C.: “In maniera molto accurata da diversi punti di
vista, e soprattutto senza mai dare un giudizio positivo
sulla droga: non me ne vanto mai, anzi, la maggior
parte delle volte ne parlo come un male che ho vissuto
io e che hanno vissuto i miei amici del quartiere,
che ti cambia la vita in negativo. Mi sembra assurdo
inneggiare alle droghe più diffuse oggi, e mi riferisco
a quelle tipo codeina, non a quelle leggere come i
cannabinoidi. Da un punto di vista soggettivo bisogna
comunicare ai ragazzi la realtà dei fatti e non vantarsi
di cose simili”.
Invece, a te, Murubutu, pesa nella carriera
musicale l’etichetta di professore che ti porti
dietro dal tuo lavoro? Non ti viene mai voglia di
scrivere testi senza senso o sboccati?
M.: “Mi è capitato di scrivere testi leggeri e ironici
ma sempre con un carattere narrativo, dunque, in
linea di massima, direi di no, perché ce ne sono già
tanti in giro che fanno così e quel tipo di scrittura non
mi rappresenta. Poi ho fatto dei freestyle in cui ho
detto cose molto superficiali ma finché si resta in un
recinto simile – che in fin dei conti è un allenamento
più leggero dal punto di vista dei contenuti – può
starci. Quando, invece, vado a scrivere, mi sento
responsabile prima di tutto nei confronti di me stesso
e, quindi, riesco ad affrontare degli argomenti che mi
rispecchiano”.
Restando sulla la scrittura: mi pare che
vi accomuni la predilezione di una forma
narrativa di rap. È anche per questo che avete
deciso di lavorare a un disco di questo tipo
insieme?
C.: “Oltre all’amicizia che ci lega, ho una stima nei
confronti di Alessio a livello personale e professionale.
Siamo molto simili ma le differenze ci sono perché
CLAVER GOLD DARGEN RANCORE
REQUIEM D’AMICO MUSICA PER BAMBINI
(GLORY HOLE, 2017) VARIAZIONI (HERMETIC, 2018)
(GIADA MESI, 2017)
«C R E D O C H E M O LT I R A G A Z Z I V E D A-
N O C A N TA N T I E R A P P E R C O M E M O-
DELLI, ANCHE PERCHÉ ORA LI USANO
PER BRANDIZZARE TUT TO, QUINDI SE
UN TRAPPER INDOSSA QUELL A FELPA
IL FAN L A COMPRA PERCHÉ VUOLE
V E S T I R S I E AT T E G G I A R S I C O M E LU I.
IL MESSAGGIO DEI TESTI, QUINDI, È
I M P O R TA N T E, N O N P U O I D A R LO S B A-
G L I ATO S A P E N D O C H E C’È U N P U B-
B L I C O C H E T I A S C O LTA E P R O VA I N
QUALCHE MODO A EMULARTI» MURUBUTU
scriviamo in maniera 'raffinata' però in modi
completamente diversi, quindi per noi è stato anche
un esercizio di stile unire le due forme per tirare fuori
qualcosa di magico insieme”.
M.: “Confermo tutto, a partire dall’amicizia, visto che
Daycol è una persona con cui è bello stare insieme
e dunque anche lavorare. Oltre all’attenzione al
linguaggio e una certa tensione letteraria c’è anche
la cifra della sensibilità che ci accomuna: siamo due
rapper che hanno una sensibilità accentuata nei
confronti dei vissuti umani e ci piace raccontarlo e
commuoverci”.
In ogni caso i vostri rispettivi pubblici sono
un po’ diversi, mi pare. Quello di Claver è più
strettamente hip hop e quello di Murubutu mi
sembra sia più misto. Che reazioni vi aspettate
dall’una e dall’altra parte dopo l’ascolto del
disco?
C.: “Probabilmente io sono più hip hop anche per come
mi presento esteticamente e perché parlo più di rap,
JOHNNY MARRACASH
MARSIGLIA PERSONA
MEMORY (ISLAND, 2019)
(STO, 2018)
RUMOREMAG.COM | 43

CLAVER GOLD
MURUBUTU
INFERNUM
GLORY HOLE/WOODWORM
Considerando i pregiudizi
di cui è vittima il rap,
alla notizia che la Divina
Commedia è stata
trasposta in un disco
di “rime a tempo”, i
detrattori rabbrividiranno.
Aggiungere che, per
penetrare sempre più in
profondità nell’immaginario
di Infernum, non sarebbe
male riprendere in mano la
prima cantica dell’opera e
fare molta attenzione ai testi
dei due autori, Claver Gold
e Murubutu, magari per scovare gli incroci meno evidenti,
potrebbe far ravvedere qualcuno… forse. Il disco si evolve tra
citazioni originali, temi o personaggi ispirati al testo e calati
nell’attualità (in questo ambito spicca il ritratto di Taide), beat
sia classici sia contemporanei, spunti melodici e filotti di rime:
un’alternanza naturale tra passato, presente e vari umori,
non solo quelli più oscuri, come si potrebbe immaginare.
L’esperimento è ambizioso e, senza dubbio, a rischio di aspre
critiche, ma va inteso prima di tutto come un atto d’amore:
verso la scrittura, la poesia (presente in più passaggi) e la
narrativa, verso il rap e, in particolare, il pubblico. Sia quello
più giovane, composto magari da studenti che possono avere
pregiudizi sull’opera di Dante per trascorsi scolastici negativi,
sia quello più adulto che fatica a trovare un senso al linguaggio
urban predominante. Ben vengano due rapper, capaci anche a
livello tecnico, che si mettono in gioco con intenti nobili, senza
spinte egocentriche o fame di riflettori, che si dividono le
strofe in completa armonia, al netto dei timbri vocali (originali
e quindi) differenti, e riescono a condividere con l’ascoltatore
le loro emozioni. Questo album arriva come un totale outsider
nella scena odierna e crea un precedente per il rap italiano
che rimarrà nel tempo. Si dice che il rap rappresenti meglio di
altre espressioni artistiche la società in cui nasce: magari…
82/100
44 | RUMOREMAG.COM
«C I P I A C E VA R I P E R C O R R E R E A LC U-
N I PA S S A G G I M O LT O S U G G E S T I V I
D E L L’O P E R A E C I S E M B R AVA C H E C A-
LARE DANTE IN CERTE SITUAZIONI
CONTEMPORANEE FOSSE PARTICO-
L A R M E N T E E V O C AT I V O. R I P R E N D E N-
D O U N’O P E R A C O S Ì I M P O R TA N T E I N
C H I AV E R A P P U O I S T I M O L A R E I P I Ù
G I O VA N I» MURUBUTU
però anche Alessio viene dalle Posse e si è fatto tutto il
tragitto del rap. Anche se adesso ha un pubblico diverso
non ha cambiato pagina per allargarlo, è rimasto rap. Il
disco potrebbe piacere sia ai puristi del rap che a quelli
più 'indie'”.
M.: “Abbiamo un’ampia fetta di pubblico in comune e
chi si chiederà come mai abbiamo scelto questo tipo
di concept penserà che ho tirato io per la giacchetta
Daycol, invece il bello è che è stata una sua proposta.
Abbiamo trovato un punto di incontro su un interesse
comune mantenendo sonorità hip hop su un tema
'alto'”.
Ecco, appunto, da dove nasce un concept
ambizioso come Infernum?
C.: “Siamo partiti dal viaggio all’Inferno di Dante e
Virgilio e, nel nostro piccolo, ci siamo immedesimati in
quel racconto per trattare degli argomenti della Divina
Commedia, alcuni in chiave più moderna, trasponendo
dei personaggi ai giorni nostri, e altri invece sotto
forma di storytelling più aderenti all’opera”.
M.: “Ci piaceva ripercorrere alcuni passaggi molto
suggestivi dell’opera e ci sembrava che calare Dante in
certe situazioni contemporanee fosse particolarmente
evocativo. Riprendendo un’opera così importante in
chiave rap puoi stimolare i più giovani, tanti studenti
non a caso mi hanno già contattato diversi insegnanti
che vogliono venire ai concerti e sono molto curiosi di
vedere quello che combineremo perché sanno che può
essere speso anche in classe”.
C.: “Tutto con sonorità molto rap, sia classiche sia
moderne (non trap, ma neanche anni 90). Scegliere i
beat è stata la parte più difficile…”
M.: “Sì, Claver mi ha portato a scrivere su batterie
con cui non avrei mai avuto a che fare e questo mi ha
stimolato molto. All’inizio ho fatto un po’ di resistenza
ma poi è stata l’occasione per confrontarmi su cose
un po’ diverse dal mio suono prediletto. Lui è più
proiettato verso il futuro mentre io tendo a essere più
conservatore in questo senso”.
MODER
UNA PIADA
AL CRUDO NELLA
POSIZIONE ESATTA
Sei musicista e gestore di un centro culturale,
il CISIM, che ha un occhio di riguardo per
la musica. Partendo dalla tua esperienza
personale, quali possibilità pensi che ci siano,
oggi, di vivere di solo rap da indipendenti
senza fare trap e avere meno di 20 anni?
“Credo che vivere di sola musica, di per sé, sia
difficile. A volte mi sento un miracolato perché, pur
non prendendo stipendi milionari, riesco a campare
delle mie passioni. Vivere di musica o di arte in
generale in Italia è un salto nel vuoto, occorre avere
forti motivazioni ed essere pronti a tutto. Dispiace
vedere che spesso, in quest’ambiente, sopravvive chi
ha risorse economiche proprie o chi trova l’investitore
giusto. Insomma, senza girarci intorno, sono anni
in cui si parla più di soldi che di musica. Questa
ossessione per i numeri e il denaro sta permeando
TAG: #cisim #frammenti #duna #scenaindipendente #illatooscurodellacosta
F O T O D I M A R C O PA R O L LO
tutto e portando a svilire ogni altro tema. Ormai
questo tipo di dinamiche ha infettato ogni settore,
pensa al caso Bugo/Morgan: si è parlato per giorni di
sfruttamento dell’immagine e di denaro… ormai non
se ne esce. Per fortuna esistono eccezioni, in una certa
maniera io lo sono, ma è durissima”.
Proseguendo questo confronto tra stili e
generazioni: la cartella stampa definisce il tuo
disco "una raccolta di frammenti". Pensi che la
tua scrittura sia in qualche modo influenzata
dal linguaggio contemporaneo, quello che,
per intendersi, mette in fila immagini slegate
tra loro, senza rime e con molta meno fluidità
rispetto alla vecchia scuola?
“Io sono a metà tra due scuole, la mia scrittura ha
sempre seguito il concatenarsi di immagini spesso
ONLINE: facebook.com/MODER.LODC
RUMOREMAG.COM | 45
anche slegate tra loro, ma la mia formazione si
rifà al rap tecnico, ho studiato molte varietà di
flow e delivery per essere il più possibile 'armato'.
Approfondire continuamente è una cosa che ho
imparato da chi mi ha preceduto, lo studio predicato
nei dischi che mi hanno cresciuto. Della nuova scuola
apprezzo l’abbattimento dei tabù e la ricerca della
musicalità: provo a imparare da ogni approccio
mantenendo il mio stile. Credo che una scrittura più
visionaria e veloce sia figlia della realtà in cui viviamo
ma dal punto di vista della tecnica del rap non mi
sento appartenente a nessuna scuola, lo sviluppo
di un modo che sia solo mio è al centro del mio fare
musica”.
Nel disco si sente la tua propensione a voler
fondere ritmo e melodia senza allontanarti dal
tuo background. Come sei arrivato a questo
risultato? Quanto ha influito il modo in cui hai
curato la produzione artistica insieme a Duna
e quella musicale con i vari produttori?
“Questo disco è frutto del percorso di una vita:
da sempre collaboro con musicisti, attori e artisti
lontani dal rap, adoro deviare in territori sconosciuti.
In questo disco ho frullato tutte le mie influenze
cercando di scrivere 'canzoni', non strofe. E senza
Duna questo disco non esisterebbe: è suo al 50%. Il
lavoro di arrangiamento e postproduzione è stato
fondamentale per concretizzare questo mio intento.
Poi ogni collaboratore, che fosse musicista, rapper o
produttore, ha aggiunto una sfaccettatura al lavoro
che, in qualche caso, ci ha fatto ricostruire da capo i
brani. Sono felice che questa ricerca si senta”.
46 | RUMOREMAG.COM
Come sono andate le collaborazioni con i tuoi
compagni di etichetta Claver e Murubutu?
“Loro due sono tra i miei migliori amici in questa scena
e tra i miei rapper preferiti, quindi è stato naturale
chiamarli per questo album, che considero il più
importante della mia vita. Lavorare con talenti come
loro ti costringe a migliorare. Con Claver ho passato
momenti incredibili all’inizio della mia avventura
solista: ricordo il periodo dei live collettivi, le nottate
alcoliche… in quei momenti stavamo costruendo
ciò che sarebbe venuto dopo. Ci ha sempre legati la
provincia e, forse, i nostri caratteri agli opposti: io
casinaro e caciarone, lui più riflessivo e silenzioso.
Alessio è stato uno dei primi rapper più grandi di
me a farmi i complimenti, ha aperto una strada
importantissima al rap di “scrittura” e pezzi come
Quando Venne Lei hanno segnato profondamente la
mia crescita. Misurarsi con lui su uno storytelling è
stato un percorso lungo, volevo sentirmi pronto, sono
felicissimo del pezzo che abbiamo fatto insieme”.
A parte loro due, quali altri rapper italiani
senti vicino alla tua sensibilità artistica? Te lo
chiedo anche perché la generazione dei trapper
esplosa nel 2016 è piuttosto unita, quindi vorrei
anche capire com’è la situazione nella scena
indipendente.
“In Glory Hole ho trovato una famiglia ma ho rapporti
stretti con molti artisti della scena, con alcuni
ho proprio sviluppato rapporti umani e artistici
importanti, penso a Kenzie, Max Penombra, Zampa.
Tra gli artisti che sento più vicini artisticamente
metterei sicuramente Johnny Marsiglia, Hyst,
«CREDO CHE UNA SCRIT TURA PIÙ VI-
SIONARIA E VELOCE SIA FIGLIA DELLA
R E A LTÀ I N C U I V I V I A M O M A D A L
P U N TO D I V I S TA D E L L A T E C N I C A D E L
RAP NON MI SENTO APPARTENENTE
A NESSUNA SCUOL A, LO SVILUPPO
DI UN MODO CHE SIA SOLO MIO È AL
CENTRO DEL MIO FARE MUSICA»
MadBuddy, Dutch Nazari, Willie Peyote, Marracash,
Shorty, Frank Siciliano, ma apprezzo anche approcci
distanti dal mio come Guè (King), Ernia e mille altri.
Mi piacerebbe che Glory Hole diventasse una sorta di
Dreamville (la crew di J Cole) con mixtape collettivi che
mescolino innovazione e tradizione: spero di aiutare a
far sì che accada questo sogno. Aggiungo, però, che non
sempre è tutto rose e fiori, e nella scena indipendente
c’è molta ipocrisia: spesso ho visto gente stare insieme
più per calcolo personale che per stima reciproca, ma
tanto i fake prima o poi li sgami”.
E quali altre realtà italiane senti vicine a Glory
Hole? Non necessariamente etichette intendo,
anche crew o scene locali specifiche…
“Vado in ordine sparso: Unlimited Struggle, Do Your
Tang, Strongvilla, Kaliblack, Make Rap Great Again
(la crew di Gionni Gioielli), Street Art Academy ecc.
Ma devo dire che 'Gaz', il presidente di Glory Hole,
ha messo insieme artisti distanti fisicamente tra di
loro, favorendo però un’unità di fondo a mio parere
unica in Italia: non gli viene sempre riconosciuto ma,
conoscendolo, non gli importa molto”.
Tra l’altro tu sei cresciuto in un gruppo nutrito,
Il Lato Oscuro Della Costa, definito collettivo
anche grazie a qualche side project, mentre da
qualche anno stai seguendo il percorso solista.
Come hai vissuto questo passaggio? Pensi sia
una conseguenza naturale dell’età, nel tuo caso
anche del diventare padre (come racconti nei
testi) o c’è dell’altro? Anche perché i gruppi rap
sono sempre meno…
“Il rap ha un lato autoriale individuale imprescindibile.
Detto questo, se fosse durata, al progetto Lato Oscuro
avrei dedicato la vita, e quando si è concluso ho
vissuto momenti molto complessi. Avevo investito
molte energie umane e artistiche in quel progetto,
e non avevo un piano B. Purtroppo non siamo stati
abbastanza forti per salvarci da noi stessi, l’ego ci
ha un po’ schiacciati, insieme a incontri infelici, ad
aspettative assurde e a dei non detti che ci siamo
trascinati per troppo tempo. Vado ancora molto fiero
di quei cinque ragazzini di provincia. Per fortuna ho
ancora ottimi rapporti con tutti, ma non tornerei mai a
una dimensione di gruppo, mi ha fatto troppo male”.
MODER
CI SENTIAMO POI
GLORY HOLE
Una cabina del telefono
pittata in mezzo a una laguna
con il profilo delle fabbriche
che compare in mezzo alle
nebbie - se qualcuno ha mai
disegnato un paesaggio più
ravennate, io non me ne
sono accorto. Ma il sangue
romagnolo del rap di Moder
non va cercato tanto tanto
nel fatto che nelle sue rime
ci possa finire una piada
al crudo, quanto nel suo
essere in grado di collocare
una piada al crudo nella
posizione esatta di un immaginario che ai non romagnoli è
precluso - stando a Birre In Lattina, poco prima della chiusura,
con una fame boia, probabilmente alla fine della notte. Di tutto
quel che c’è stato prima il pezzo non accenna, ma la testa di chi
ascolta si sente obbligata a riempire i buchi. In questo aspetto
Ci Sentiamo Poi non è poi troppo diverso da 8 Dicembre, il
suo predecessore. La principale differenza è probabilmente
l’ampiezza di sguardo: dove 8 Dicembre seguiva un devastante
percorso autobiografico, Ci Sentiamo Poi sembra inseguire
l’ambizione di raccontare un microcosmo di esseri umani. I
dettagli danno una localizzazione geografica casuale ma molto
specifica: spiagge semideserte, città spettrali, bar e baretti;
l’impressione di un disco pochissima fiction e tanti ricordi.
A volte non è molto diverso dal ciondolare sconclusionato
di certi personaggi raccontati da Bukowski, a volte i ritratti
sono talmente intensi da associarsi quasi automaticamente a
persone in carne e ossa che affiorano in maniera imprevista
dal nostro passato - l’indice di quanto Moder sia ormai in
grado di entrare nella testa di chi lo ascolta. Un disco composto
quasi solo d’immagini, spesso acustico, verrebbe da dire quasi
cantautorale - a dispetto dell’atteggiamento ostinatamente old
skool di Lanfi, un rapper per cui spingere tutto fino al limite è
condizione necessaria. Meraviglioso.
FRANCESCO FARABEGOLI
90/100
RUMOREMAG.COM | 47
 DISTORSIONI

ORANSSI
PAZUZU
T E S T O D I A N D R E A VA L E N T I N I
F O T O D I T E K L A VÀ LY
TUTTI I COLORI
DI PAZUZU
CANZONI PENSATE COME SORTILEGI, PSICHEDELIA, BLACK METAL, PROG ED
ELECTRO: QUESTI SONO GLI INGREDIENTI DEL NUOVO PAESAGGIO SONORO CREA-
TO DAGLI ORANSSI PAZUZU. LA RICETTA CE L’HA SPIEGATA JUN-HIS, IL CANTANTE E
H
CHITARRISTA DELLA BAND
a un viso simpatico e un’aria arguta, Jun-His.
Sorseggia acqua da una bottiglietta e noto subito
– chissà perché – che alla sua sobrissima felpa
porpora si è staccato il cordino per stringere il
cappuccio (come accade anche a tutti noi, persone
comuni, quando non facciamo i nodini alle due
estremità). Insomma, temevo di trovarmi di fronte
alla progenie del demone assiro-babilonese Pazuzu,
invece ho trovato un musicista affabile, preparato,
gentile e soprattutto davvero interessato a spiegare
profusamente il suo punto di vista.
Partiamo dal significato del titolo di questo
nuovo album, Mestarin Kynsi…
“Vuol dire ‘l’artiglio del padrone’ e il disco è, in un
certo senso, tenuto insieme da un tema di fondo,
TAG: #pazuzu #psychedelicblackmetal #lfinlandia #lovecraft #chemicalbrothers
anche se non è necessariamente un concept album
con una storia che si dipana dal primo all’ultimo
brano. Però c’è appunto un tema comune. È questo
personaggio oscuro, che prende il potere e inizia a
controllare l’intera società servendosi di incantesimi
e strumenti legati alla magia nera, arrivando a
manipolare le menti delle persone con strumenti quasi
religiosi. Diffonde anche la paranoia e il terrore fra le
persone, e usa il timore per controllarle e comandare.
Diciamo che è una visione da incubo, una storia
distopica, anche se nelle tematiche trattate è possibile
trovare elementi che ricordano la situazione mondiale
reale e attuale. Però non si parla di nessun attore
politico esistente: abbiamo creato una costruzione
più di stampo lovecraftiano. Il personaggio negativo è
molto più potente, spaventoso e cattivo di qualunque
entità reale… ma in tutto questo si può anche trovare
un livello di narrazione che riflette i tempi in cui
viviamo. Ad esempio il terzo brano è decisamente
paranoico e parla dell’intelligenza artificiale, di come i
computer ti ascoltino e possano arrivare a controllare
ogni aspetto della tua vita, spiandoti. Ma, nonostante
questi riferimenti, l’album più che altro racconta una
storia di fantasia”.
Ma come è andata quindi: avevate un tema in
mente, a priori, oppure avete scritto i pezzi e
poi avete trovato un elemento che li potesse
collegare?
“Di solito creiamo prima la musica e poi, dopo,
cerchiamo di scrivere i testi, discutendo dei temi e
ONLINE: oranssipazuzu.site
RUMOREMAG.COM | 49
 DISTORSIONI ORANSSI PAZUZU
«A LIVELLO DI ISPIRAZIONE, PER FARTI
UN ESEMPIO, PER NOI SONO FONDA-
MENTALI I CHEMICAL BROTHERS DEGLI
ANNI 90. CI PIACE DA SEMPRE L A MUSI-
CA ELET TRONICA, PERCHÉ ANCHE NOI
UTILIZZIAMO RITMI IPNOTICI E PARTI RI-
PETITIVE, DUE ELEMENTI MOLTO PRESEN-
TI NELL’ELET TRONICA. QUESTA VOLTA,
PERÒ, ABBIAMO DECISO DI SPINGERCI
UN PO’ PIÙ IN L À E CI SIAMO MESSI IN
TESTA DI NON FARE SOLO UN ALTRO
ALBUM INCENTRATO SULLE CHITARRE»
degli argomenti. Diciamo che in pratica ogni album
ha un tema di massima a sé, distinto. Questa volta
abbiamo iniziato partendo dalla suggestione che ogni
canzone dovesse essere quasi come un incantesimo,
un sortilegio di qualche tipo oppure – se vogliamo
– una maledizione. Poi, dopo, abbiamo iniziato a
interrogarci su quali avrebbero potuto essere gli
argomenti possibili per legare l’atmosfera dei brani e
ci è venuta l’idea di quel personaggio che ho descritto
prima, che manipola e controlla le persone. Un altro
elemento è che per questo disco ci siamo prefissi
l’obiettivo di trattare delle tematiche che avessero
una connessione con l’universo religioso o magico:
è qualcosa che abbiamo evitato per molto tempo.
Abbiamo pensato che fosse giunto il momento di
farlo, ma a modo nostro, secondo il nostro punto di
vista. Noi abbiamo una prospettiva piuttosto atea, ma
proprio per questo ci interessava l’idea di confrontarci
con elementi legati a una dimensione, diciamo così,
mistica. Da qui il desiderio di creare canzoni che
sembrassero appunto sortilegi. Speriamo tutto ciò
traspaia dall’ascolto…”
La copertina è molto inquietante: è il dettaglio
di un’opera più grande? Di cosa si tratta
esattamente?
“Sì: è molto cool. È un collage tipo scrapbook,
realizzato usando parti di fotografie differenti.
L’artista che l’ha creato è partito dall’ascolto dei
nuovi pezzi e ha cercato di interpretarne le atmosfere
e l’umore, traducendo visivamente il tutto. Ci piace
moltissimo il risultato”.
Ascoltando i nuovi brani si resta colpiti dalla
presenza di elementi legati all’elettronica:
come nasce questa nuova direzione?
50 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I A N D R E A VA L E N T I N I
“A livello di ispirazione, per farti un esempio, per noi
sono fondamentali i Chemical Brothers degli anni
90. Ci piace da sempre la musica elettronica, perché
anche noi utilizziamo ritmi ipnotici e parti ripetitive,
due elementi molto presenti nell’elettronica. Questa
volta, però, abbiamo deciso di spingerci un po’
più in là e ci siamo messi in testa di non fare solo
un altro album incentrato sulle chitarre. Certo, le
chitarre sono ben presenti, ma spesso hanno ruoli
diversi nell’economia dei pezzi. L’idea di base era di
adottare un sound più elettronico e, di conseguenza,
utilizzare più tecnologia e campionamenti in studio
rispetto al passato, ma allo stesso tempo volevamo
che tutto fosse suonabile dal vivo. Abbiamo quindi
cercato di fare in modo che non fossero i samplers
a ‘comandare’: in un certo senso noi reagiamo ai
campionamenti e Ikon, l’altro chitarrista, agisce in
tempo reale sui samplers adattandoli a ciò che stiamo
suonando live. È come se le parti elettroniche fossero
un componente del gruppo e non solo suoni digitali
creati da una macchina”.
Come scrivete i pezzi? Lavorate insieme o
qualcuno porta i brani già finiti, da imparare?
“È sempre, in qualche modo, un lavoro collettivo. Ad
esempio nell’album precedente, Värähtelijä, c’erano
parti volutamente nate in studio, da jam improvvisate:
avevamo questo desiderio di spontaneità. Per il
nuovo disco, invece, abbiamo lavorato in modo
più tradizionale, incidendo dei demo e degli spunti
preliminari. Poi il materiale veniva portato in sala
prove da chi l’aveva ideato e ci si lavorava tutti
insieme. Facendo così abbiamo accumulato molte
tracce e abbozzi, prima di cominciare a lavorare sul
serio al disco. Comunque in questa band ci piace fare
le cose collettivamente… e poi di solito, quando porti
una parte o una canzone in sala prove, sai già che alla
fine non suonerà esattamente come l’avevi pensata
nella tua testa, perché ognuno dà il proprio contributo
e la musica cambia, si evolve. Quando suoniamo
insieme cerchiamo sempre di arrivare al momento in
cui sentiamo scattare qualcosa, una specie di magia,
qualcosa che evochi mistero e sia interessante… e se
quel qualcosa non scatta, semplicemente evitiamo di
continuare a lavorare su un pezzo e passiamo oltre.
Per comporre così, però, è importantissimo che
ognuno di noi abbia un’immagine mentale definita
a cui aggrapparsi per creare il feeling giusto nella
musica, in modo da visualizzare un’emozione, un
concetto, e poi poter tradurre tutto ciò in suono. E per
farlo è fondamentale uno scambio di idee continuo fra
tutti noi, una grandissima interazione”.
Ma lavorare così prende molto tempo? Quanto
avete impiegato, per esempio, a scrivere i pezzi
del nuovo disco?
“Sì, ci vuole abbastanza, ma suoniamo insieme da
diversi anni per cui abbiamo un buon affiatamento.
Di solito le cose iniziano a girare rapidamente una
volta che ci mettiamo a suonare e a fare jam insieme.
Ci conosciamo bene. Diciamo che è un procedimento
che richiede poco tempo a livello di arrangiamenti e
maquillage, ma necessita di molte ore passate tutti
insieme in sala prove. Penso che, nel caso del nuovo
album, abbiamo impiegato un po’ meno di un anno
per completare la scrittura di tutti i pezzi”.
La scelta di cantare in finlandese è molto
particolare. Perché questa decisione? Non
credi che l’inglese vi aiuterebbe ad arrivare a
un pubblico più ampio?
“Vedi, per noi, qualunque cosa facciamo – singoli
pezzi, album interi, concerti – la cosa più importante
è l’atmosfera che riusciamo a creare. E io credo
fermamente che se facessimo qualcosa in inglese
andrebbe bene come suono, ma noi non riusciremmo
a ‘sentire’ profondamente le parole, quindi non
potremmo arrivare a entrare in sintonia con i
concetti e le immagini che esprimono. Cosa che
invece possiamo fare cantando nella nostra lingua. Il
finlandese ci consente di plasmare un’atmosfera più
forte e intensa, perché riusciamo a penetrare i testi
a più livelli, possiamo percepirli anche fisicamente
e come immagini mentali, quindi il panorama
sonoro che tratteggiamo diventa più vivido, preciso.
L’inglese va bene, lo parlo piuttosto bene, ma non
ho lo stesso livello di profondità di pensiero con
l’inglese, quindi il finlandese è la soluzione migliore
per l’atmosfera. A pensarci bene, credo che nessuno
ci abbia mai nemmeno chiesto di fare una canzone
o un disco in inglese, quindi non c’è domanda per
una cosa del genere, nel nostro caso. Aggiungo anche
che non avrei nulla in contrario a fare qualcosa in
inglese, ma davvero non ne vedo il motivo, almeno
in questo momento: raggiungere un pubblico vasto
non è mai stato un nostro obiettivo. Tanto per darti
un’idea, quando abbiamo inciso il nostro primo
RUMOREMAG.COM | 51
 DISTORSIONI ORANSSI PAZUZU
album pensavamo che nessuna etichetta l’avrebbe
mai pubblicato, ma l’abbiamo fatto ugualmente: ci
piace fare le cose spontaneamente, senza porci troppi
problemi”.
Gli Oranssi Pazuzu sono solitamente accostati al
black metal, a livello generale. Tu cosa pensi di
questa associazione?
“In realtà non siamo mai stati un gruppo black metal e
non abbiamo mai voluto esserlo. Il black metal è solo
una delle influenze presenti nella nostra musica. Sai,
a ogni modo sono davvero poco capace di giudicare e
categorizzare la mia musica, mi imbarazza, preferisco
lasciarlo fare ad altri se proprio è necessario. Quello
che posso dire è che, alla fine della fiera, quando metti
un disco sul piatto, tutte queste cose – le etichette,
i generi – si dissolvono di fronte alla musica e alla
percezione che ognuno ha, mentalmente, dei suoni che
sta sentendo. A pensarci bene direi che il black metal ha
avuto una grande parte nella nostra musica a livello di
strutture armoniche, soprattutto nei primi dischi, ma
d’altro canto un’importanza ancora maggiore l’hanno
avuta i King Crimson, per noi. Noi scriviamo senza porci
limiti, usiamo le sonorità e le soluzioni che ci vengono
spontanee, senza necessariamente pensarci troppo”.
Il concetto di psichedelia è ovviamente uno
dei cardini della musica della band. Ma c’entra
MESTARIN KYNSI
NUCLEAR BLAST
ORANSSI PAZUZU
Si può dire che le black arts of psychedelia nacquero in un circolo,
quasi simile a una setta, in Finlandia, circa una quindicina di
anni fa. Questa setta praticamente erano i Dark Buddha Rising.
Da lì inizia a propagarsi un’esoterica proliferazione di gruppi e
collaborazioni, la cui ultima manifestazione sono stati i Waste
Of Space Orchestra, comprendente musicisti di vari gruppi
black psichedelici. Tra questi gli Oranssi Pazuzu. Semplificando:
per black arts of psychedelia – ma per i Pazuzu si parla di
kosmische metal – si intende un approccio black metal temperato
da un’influenza psichedelica e kraut/cosmica. Ma dove nei
Dark Buddha Rising questa potente commistione si basa tutta
su un impatto feroce, negli Oranssi Pazuzu, l’altro polo black
psychedelico finnico, è il frutto di una visione più larga, dilatata,
che declina la pura esecrazione black metal con supporti che
oscillano tra ritmi electro, forme prog occulte ed esplorazioni
52 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I A N D R E A VA L E N T I N I
anche l’aspetto psicotropo di alcune droghe nel
panorama sonoro degli Oranssi Pazuzu?
“Sì… e no. La psichedelia, secondo me, è molto legata
a certi aspetti ‘psicologici’ della musica. Penso anche
che, a volte, la sola musica possa trasportarci in quella
dimensione superiore, di espansione della coscienza
e della percezione, che è strettamente connessa al
mondo della psichedelia. L’idea per me è di riuscire a
vedere con distacco, come dall’esterno, i percorsi di
pensiero che utilizzo normalmente… ed è un risultato
che si può facilmente raggiungere con la musica, con
la meditazione ma anche ovviamente con le droghe. Ci
sono molte vie per arrivarci. L’importante è riuscire a
identificare quei processi mentali in cui normalmente
ci troviamo intrappolati, rinchiusi come in una cella.
Delle droghe penso che per certo non siano in grado di
risolvere i problemi delle persone a livello psicologico,
ma possono aiutarti – almeno per un po’ di tempo –
a uscire dal loop del meccanismo di pensiero che ti
attanaglia, così da farti identificare dove si trovano
i tuoi snodi interiori, l’origine dei tuoi problemi. Le
droghe, come la musica, certe forme d’arte (la pittura,
per esempio) e la meditazione possono essere la chiave
mancante per aprire una porta interiore che altrimenti
terresti chiusa. Ma una volta spalancata, non ti servono
più: devi entrare nella tua mente ed esplorarla tu, con
le tue facoltà. Quelle cose sono soltanto un aiuto per
compiere il primo passo”.
astrali kosmische. È vero quello che dice Jun-His dei Pazuzu sul
loro nuovo album: “Volevamo definitivamente guardare a nuovi
orizzonti, ma dall’altro lato continuare ciò che avevamo iniziato
con Värähtelijä. Una grande influenza sono stati gli album electro,
ci hanno ispirato l’idea di avere canzoni che viaggiassero attraverso
una vasta serie di portali e che venissero modificate e mutilate dal
nuovo ambiente”. Dietro tutto questo, l’idea di diffondere la paura
in una società permeata da un controllo di massa delle opinioni,
nella quale le voci eretiche vengono silenziate. Da questo punto
di vista, ma anche per via della sua morbosa duttilità post prog, il
brano chiave dell’album è Uusi Teknokratia, fluttuante e barocco,
impenetrabilmente scuro, certamente uno dei pezzi più heavy che i
Pazuzu abbiano mai scritto.
CLAUDIO SORGE
78/100 DISCO
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L’UOMO CHE BRUCIA
SHABAKA
& THE ANCESTORS
WE ARE SENT HERE BY HISTORY
IMPULSE!
Più o meno un anno fa, Claudio
Sorge scriveva su queste pagine della
“meravigliosa, commovente potenza”
di Trust In The Lifeforce Of The Deep
Mystery, lo straordinario, brutale,
travolgente secondo album firmato
dal trio The Comet Is Coming, di cui
Shabaka Hutchings è figura centrale.
Oltre a essere coinvolto da tempo nei
Sons Of Kemet, nella sua fitta carriera il
DI GIORGIO VALLETTA - FOTO DI TJASA GNEZDA E MZWANDILE BUTHELEZI
56 | RUMOREMAG.COM
35enne sassofonista londinese - ormai
meritatamente considerato figura
leader della vivacissima scena jazz
d’Oltremanica - ha anche collezionato
esperienze con artisti diversissimi
come Mulatu Astatke, Polar Bear,
Heliocentrics, Jonny Greenwood e
Floating Points. Ma stavolta lo ritroviamo
a capo del progetto fondato nel 2016,
quando vide la luce Wisdom Of Elders,
primo album che ne documentava le
sessions con musicisti jazz sudafricani fra
i quali Mandla Mlangeni degli Amandla
Freedom Ensemble. Annunciato come
frutto della “meditazione sulla nostra
prossima estinzione come specie. Una
riflessione dalle rovine, dall’incendio”,
We Are Sent Here By History è anche
una forte dichiarazione politica, nella
desolata constatazione del veleno sparso
allo stesso tempo sul continente africano
e sul pianeta intero dal capitalismo e
dall’espansionismo occidentale.
Registrato a Johannesburg e Cape Town
con gli stessi musicisti della precedente
esperienza, il nuovo disco vira la
collaudata impronta afrofuturista e free
jazz della band su tinte decisamente più
fosche, come è evidente già dall’inquieta
They Who Must Die oppure nella
profonda spiritualità di Go My Heart,
Go To Heaven. Il sax alto di Mthunzi
Mvubu e il pulsante contrabbasso di
Ariel Zamonsky, oltre ai testi cantati e
declamati da Siyabonga Mthembu nel
ruolo di vero e proprio griot moderno,
sono fra gli elementi che sottolineano
adeguatamente la disperata urgenza di
episodi come Run, The Darkness Will
Pass e la strumentale The Coming Of The
Strange Ones. “Indoda ayikhali, Indoda
ayizile”, cioè “un uomo non piange,
un uomo non si affligge”, ripetono
ossessivamente i versi introduttivi,
implicitamente sarcastici, di We Will
Work (On Redefining Manhood): è un
mondo finito e da ricostruire anche per
quanto riguarda la mascolinità tossica,
incapace di permettere fragilità e
sensibilità. Non a caso, dopo l’omaggio
all’essenza del rastafarianesimo della
torrida ‘Til The Freedom Comes Home,
con Finally, The Man Cried si compie
un passaggio che sembra alludere a
molto di più che al pericoloso rito di
iniziazione degli Xhosa a cui si riferisce
il testo, come a riferirsi all’imminente,
inevitabile morte dell’uomo come
l’abbiamo conosciuto. “Vuleka umhlaba
bo, Vulekizulu bo, Kwasha iboma bo”:
“La terra si è aperta, Il cielo si è aperto,
La sua capanna bruciata”.
92/100
RECENSIONI GLI ALBUM APRILE 2020
AA.VV.
VELVET DESERT MUSIC VOL. 2
KOMPAKT
Bella serie Kompakt, curata
da un produttore d’esperienza
come Jörg Burger e caratteriz-
zata da un tema non comune per
la musica elettronica: il western.
Del quale si recuperano soprat-
tutto le derive acide e visionarie
degli anni 60 e 70, l’ampiezza
maestosa degli scenari, le po-
tenzialità psichedeliche. Lì si
muovono le 14 tracce di questo
secondo volume, composte
per l’occasione da un cast va-
riegato in cui coesistono nomi
forti della casa (Sascha Funke,
Michael Mayer, Rebolledo, Su-
perpitcher), ripescati di rango
(Novotones, Pluramon) e novità
(Mount Obsidian, Fantastic
Twins, Gen Pop, Paulor). Me-
scolando in modo più o meno
aderente al tema pezzi di down-
tempo e pop sognante, krau-
trock e techno, rock lisergico e,
naturalmente, ricordi di colonne
sonore western.
ANDREA POMINI
79/100
BAUWAVES
U R EVERYTHING
SALINAS
C’è una foto del cantante e chi-
tarrista Lew Houston: occhiali
alla Milo Aukerman dei Descen-
dents, pallone da basket stretto
al petto con la mano destra,
microfono impugnato con la
sinistra e una posa alla Jarvis
Cocker, con tanto di polso in-
clinato. “Austin, gennaio 2020.
Coach della squadra di palla-
canestro della Westlake High
School minaccia di bucare il pal-
lone se non spunta fuori chi ha
dato fuoco alla sua collezione di
vinili della SST”, sarebbe la di-
dascalia di “Fotografie Segnan-
ti”. E in fondo questa è anche la
mia recensione. Indolenza carica
di tensione, (mal)umori elettrici,
il casino di fondo su cui s’inne-
sta una voce tendenzialmente
lagnosa, il profluvio di “I don’t
mind” e “I don’t care”: tutto
porta da quelle parti lì. Molto
bella la ballata acustica in fili-
grana Early Morning Summer.
MANUEL GRAZIANI
70/100
ANGEL-HO
WOMAN CALL
AUTOPRODUZIONE
Dei fondatori del collettivo
NON, l’artista sudafricana è
sempre stata quella più interes-
sata ad armeggiare col giocatto-
lo pop. Pur da una prospettiva
ancora sperimentale, il suo
esordio di un anno fa (Death
Becomes Her) era più che un
indizio. Il seguito autopro-
dotto spinge ancora di più sul
quel tasto. Suoni e intenzioni
si fanno più diretti. Muscoli
electro pop gonfiano tracce
come Fame o il singolo Kisses
Taste Like Honey, aria di festa
R&B anima l’effimera Golden,
robotiche accelerazioni dettano
marzialità a Woman Call. Il
messaggio di autocertificazione
femminile da una prospettiva
umana in transizione arriva
forte e chiaro. Il problema è
che, questa volta, l’ansia di co-
municazione non è supportata
da una produzione che metta a
fuoco toni e vocalità.
MAURO FENOGLIO
55/100
BRANT BJORK
BRANT BJORK
HEAVY PSYCH SOUNDS
Instancabile, sempre ispirato e
carico, ritorna il freak di Palm
Springs, Brant Bjork. Definito
anche “l’ambasciatore del desert
rock”. A 20 anni dal suo esordio
solista, Jalamanta, Bjork lavora
ancora a Joshua Tree. L’hanno
aiutato in questo suo 13esimo
album Yosef Sanborn e John Mc
Bain (ex Monster Magnet). Le
nuove canzoni non hanno perso
quell’aspro fascino desert punk
delle sue prime cose. Temperate
da un approccio mai violento,
semmai ipnotico, caratterizza-
to da un appeal da storyteller
quasi confidenziale. Mai rinun-
ciando a un blues ossificato e
spruzzato di funk, vivificante
come un’oasi in un deserto
californiano. Dall’iniziale Jungle
In The Sound al rock blues alla
Cream di Jack Bruce, Shitkickin
Now. Avventurandosi talvolta in
autojam, come in Cleaning Out
The Ashtray.
CLAUDIO SORGE
79/100
AVEC
HOMESICK
EARCANDY RECORDINGS
Terzo lavoro sulla lunga distanza
per la 25enne austriaca, che con
questo disco stringe un patto
con l’elettronica concedendole di
abbigliare di tutto punto le sue
composizioni indie folk con stra-
ti di tessuto sintetico che si infila
fino alle trame vocali per otte-
nere brani più patinati ma mai
troppo plastici, pulsanti nei ritmi
ma sempre ammalianti nelle loro
melodie malinconiche. Una doz-
zina di pezzi (dieci inediti e due
bonus track) per dimostrare che
Miriam Hufnagl è cresciuta e che
la sua sperimentazione è alimen-
tata da una fervente curiosità che
le permette di sfornare dischi
sempre diversi nelle sonorità,
sebbene riconoscibili per l’ele-
ganza della scrittura, per la voce
sussurrata e leggera dell’artista
e per le liriche intime e intro-
spettive quasi fossero prese dalle
pagine di un diario.
DORIANA TOZZI
73/100
BODY COUNT
CARNIVORE
CENTURY MEDIA
Tutto si può dire, tranne che Ice
T non ci abbia sempre creduto.
Sempre. E che sia stato in grado
di portare se stesso nella musica.
A ogni costo. E come ogni uomo
che crede in ciò che fa, la verità
nei suoi gesti si sente. Proprio per
questo i Body Count sono ancora
maledettamente credibili. Perché
sono veri. Grezzi, slabbrati, ma
duri come la strada. Proprio per
questo Carnivore è un ottimo
disco. Perché assorbe dalla strada
e dai musicisti che l’hanno vissu-
ta (in questo disco, ad esempio,
Riley Gale dei Power Trip e Dave
Lombardo) quella rabbia che in
Ice T non si è mai sopita nemme-
no un giorno. Ottimo il remake di
Colors (usata da Ice T per la co-
lonna sonora dell’omonimo film,
tra i primi a raccontare le gang di
strada) e bello il tributo a Lemmy
in Ace Of Spades. Ma è proprio
il disco che funziona. Crossover
ante litteram. E così sia.
MARIO RUGGERI
50/100
COURTNEY BARNETT
MTV UNPLUGGED
MOM + POP
Se l’idea di un unplugged di
MTV nel 2020 non è proprio
uno schiaffo di attualità, almeno
azzeccata è quella di provare a
mettere il formato a confronto
con un’autrice del peso e dell’età
dell’australiana. Che lo gira in
salsa local, fin dalla scelta di Mel-
bourne come teatro del concerto
e dalla (molto nirvaniana) volon-
tà di fare da vetrina a talenti loca-
li, magari qua sconosciuti come
Paul Kelly (lineare ma toccante
la loro cover di Charcoal Lane di
Archie Roach) o poco più, come
Evelyn Eva Morris. Ritoccando
negli spazi liberi un pugno di suoi
brani, con Avant Gardener a ba-
gnarsi nei violini e il piano a fare
lo stesso per Nameless, Faceless,
prima di finire in gloria con una
corale So Long, Marianne di
Cohen. Scaletta da EP allungato,
con scelte ed esecuzione a essere
tutto meno che ovvie.
FRANCESCO VIGNANI
70/100
BASIA BULAT
ARE YOU IN LOVE?
SECRET CITY
Domanda importante quella in
copertina del quinto album della
canadese, e argomenti
altrettanto solidi nei primi
minuti del disco, con il brano
omonimo a indovinare contrap-
pesi morbidissimi fra i dubbi del
caso, archi e brillamenti soul.
Un po’ come entrare in una casa
passando dalla sauna, volendo.
Con quel che ne consegue sulla
tenuta delle altre stanze: gustoso
il disimpegno tutto vintage pop
di Your Girl, e la conferma al
mixer per Jim James paga per-
sino negli angoli più folk come
Homesick. Solo che non tutti gli
argomenti reggono, se il disco ha
l’ambizione di raccontare tanto
l’inizio di una storia quanto un
grave lutto in famiglia: quando
la mano non trema nel mirino
c’è Weyes Blood, certe nuvole in
coda al disco minacciano più che
altro grandinate alla Florence
And The Machine.
FRANCESCO VIGNANI
70/100
RUMOREMAG.COM | 57
 ANNA BURCH
IF YOU’RE DREAMING
HEAVENLY RECORDINGS
Secondo disco per la cantautri-
ce americana, giunto a distanza
di un paio d’anni dal debutto
Quit The Curse ma da cui già
prende le distanze evidenziando
il lato più intimo e malinconico
dell’artista di Detroit, che nel
primo LP era stato nascosto
sotto strati di chitarre elettriche
e batterie energiche. L’anima
cantautorale assume così nuova
forma: la scrittura semplice e
HENRIK
diretta si ravviva con arrangia-
menti più avvolgenti, si resta
nel territorio di confine tra soft
LINDSTRAND
rock e pop rock, con ispirazioni
ereditate soprattutto dagli anni
90 (e con le trame vocali che
in più occasioni riportano alla
mente l’indimenticabile Dolo-
res O’Riordan), ma le chitarre
depongono le armi lasciando
BUILDER’S JOURNEY spazio ad ambientazioni sonore
ORIGINAL SOUNDTRACK più delicate e introspettive.
DORIANA TOZZI
ONE LITTLE INDIAN
73/100
Interessante pensare a come
il mondo dei videogames
abbia stabilito un rapporto
artistico e affettivo nei
confronti di artisti nati sotto
l’egida del rock. Artisti che,
a loro volta, hanno avuto
un passato d’amore nei
confronti sia della musica
classica che della musica CITIZEN BOY
progressive e del krautrock. & MAFIA BOYZ
Dimostrazione empirica FROM AVOCA HILLS
di quanto queste musiche TO THE WORLD
fossero cinematiche e capaci GQOM OH!
di produrre immagini
attraverso il processo neurobiologico dell’uomo. Musiche Esce per l’etichetta fondata
narrative e poetiche. Esattamente come il game design dal romano Nan Kolé con Le-
indipendente di stirpe giapponese. Così è stato per Steven rato Phiri – capaci di puntare
Wilson e la colonna sonora del videogame Last Days Of June. sul suono Gqom in tempi non
Così per Henrik Lindstrand, la cui storia merita di essere sospetti – una raccolta che ne
raccontata. Sconosciuto ai più, ma tra i più famosi e celebrati descrive l’evoluzione fin da un
musicisti del Nord Europa, Lindstrand ha vissuto gli studi di acerbo esperimento datato 2013:
pianoforte (classico e jazz) al conservatorio di Copenhagen Uhuru contiene le intuizioni
e per 15 anni ha militato nei Kashmir, autentica leggenda sonore di un adolescente che
danese, band nata sulla scia del prog rock ed evolutasi in una sembra sperimentare con i beat
forma elegantissima di pop moderno; bravi al punto da aver sotto il suono di un güiro e di un
fatto innamorare David Bowie che ha voluto partecipare alle minaccioso drone. Oggi 21enne,
registrazioni di No Balance Palace, insieme a Lou Reed e a Citizen Boy (fondatore della crew
Tony Visconti. Poi la sua storia solista come compositore di Mafia Boyz) è fra gli esponenti
colonne sonore, e raffinatissimo autore di due album solisti principali del suono nato nelle
tra cui il suo piccolo capolavoro Nattlestran. Un disco che ha township di Durban e che ha
convinto la Lego a volerlo come autore della colonna sonora rivoluzionato la scena elettronica
del videogame Builder’s Journey. Che riprende le tematiche africana, fino a provocarne un
trasparenti, cristalline, liquide di Nattlestran, le fonde con notevole impatto globale. Suono
minimalismi jazz, le avvolge nella musica contemporanea e le che combatte contro la sua ine-
trasforma in un film senza immagini. Delicato, sognante, lieve, vitabile monotonia attraverso
a volte quasi immateriale. Profondamente spirituale e toccante la varietà percussiva di episodi
e straordinariamente leggero in ogni sua rappresentazione. come Ndanda (2014) o la nuova
MARIO RUGGERI Mzansi, in cui le voci di ANT The
80/100 Artist e Simore contribuiscono
alla sua drammatica tensione.
58 | RUMOREMAG.COM GIORGIO VALLETTA
78/100
BURZUM
THULÊAN MYSTERIES
BYELOBOG PRODUCTIONS
Vikernes, con il suo survivali-
smo, un passato da omicida e
idee da processo di Norimber-
ga, lo ami o lo odi. A dire il vero
ormai è una macchietta. E non
spreca l’occasione di dimostrar-
lo, dicendo che di fare un disco
non gli fregava nulla (aveva di-
chiarato di essersi ritirato dalla
musica), perché la sua passione
è il gioco di ruolo che ha inven-
tato, MYFAROG. Così questa
raccolta di pezzi, nati spora-
dicamente nell’arco di cinque
anni, per lui è idealmente una
colonna sonora per le session di
gaming. Morale: un’accozzaglia
di 23 brani di ambient/elettro-
nica minimalista con accenni
folk, ma molto ripetitivi e – mi
si perdoni – sostanzialmente
banali. Il classico caso in cui il
nome è l’unico selling point di
un disco altrimenti evitabile.
Varg, riprovaci: sarai più fortu-
nato. O anche no.
ANDREA VALENTINI
48/100
COLLOCUTOR
CONTINUATION
ON THE CORNER
Dopo un 7” breve e impetuoso
come The Angry One, i Collo-
cutor che ritroviamo nel 2020
sono qualcosa di più calmo e ri-
flessivo, almeno apparentemen-
te. Guidato dal sax baritono (più
flauto e clarinetto basso) della
leader Tamar Osborn, e comple-
tato da batteria, basso, chitarra
e sax tenore, il collettivo jazz
londinese la prende in modo
meditabondo e introspettivo,
soprattutto nella prima metà; la
rarefatta Deep Peace, l’intricata
Continuation, la pacifica Pause
e il suo basso solenne. Il singolo
citato apre il lato B e lascia tese
scorie free anche nel passo lento
ma ossessivo della seguente
Lost And Found, prima che una
ripresa più cupa di Pause chiu-
da le danze. A conti fatti, più
dosata e ragionata, la potenza
è intatta e forse maggiore. E i
Collocutor una certezza nell’o-
dierna sbornia jazz.
ANDREA POMINI
80/100
RECENSIONI GLI ALBUM APRILE 2020
CORNERSHOP
ENGLAND IS A GARDEN
AMPLE PLAY
Sì, Everywhere That Wog Army
Road suona proprio come Gim-
mie Hope Jo’Anna, il pezzo che
negli anni è diventato il bench-
mark della cantilena esotica.
Nel bene e nel male è questo il
tono del nono album targato
Cornershop: un ottimistico
quadretto in cui i ‘60 britannici
sfumano nelle sgargianti colo-
razioni delle commedie di Bol-
lywood. Almeno, Tijnder Singh
sembra crederci. Nel corso degli
anni le sue canzoni hanno perso
ogni aggancio con l’attualità
ed è rimasto solo un rock’n’roll
dal tiro stonesiano alternato a
simpatici motivetti bhangra
soul arrangiati con un florilegio
di sitar, tablas e flauti. Si inizia
l’ascolto deliziati, ma si finisce
presto col detestare quei brani
che sembrano srotolarsi sempre
uguali a se stessi, fino a che il
minutaggio (o il buon senso)
non ne impone la chiusura.
DIEGO BALLANI
56/100
THE DISTRICTS
YOU KNOW I’M NOT
GOING ANYWHERE
FAT POSSUM
Sono passati cinque anni
dall’album A Flourish And A
Spoil e da quel singolo (Pea-
ches) che a dispetto del debito
nei confronti dei Kings Of Leon,
mostrava l’alta qualità del son-
gwriting di Rob Grote e compa-
gni. Nel frattempo, il tentativo
di portare la band verso terri-
tori più personali ha condotto
i Districts dalle parti del sound
indie di metà anni Zero. Tanto
che oggi il loro è un synth rock
che si fregia della drammaticità
di Killers e Arcade Fire, ma sa
imbastire groove dance punk
come quelli degli LCD Sound-
system. Il meglio arriva quando
Grote applica un trattamento
lo-fi a ballate intense come Hey
Joe o in quei brani dove synth
e bassi gommosi convivono con
i residui dell’epica Americana.
Tutto materiale che Grote tratta
con grande sapienza. Per l’ori-
ginalità c’è ancora tempo.
DIEGO BALLANI
71/100
DATURA4
WEST COAST HIGHWAY COSMIC
ALIVE NATURAL SOUND
Bello e prevedibile il nuovo
album dei Datura4 di Dom
Mariani e dell’ex Drones War-
ren Hall. Bello perché i ragazzi
hanno una tale classe e cono-
scono così bene tutti i segreti
del blues e del rock boogie, e
per di più in questo nuovo lavo-
ro c’è molto organo Hammond
a creare potenti groove e alcune
incredibili performance all’har-
monica di Howie Smallman, che
l’album si ascolta con assoluto
piacere. Prevedibile perché mi
sembra che rispetto ai prece-
denti LP la band si sia un po’
seduta, intendo dire composi-
tivamente parlando. I riff sono
un tantino logori, non ci sono
alzate di ingegno, la scintilla
sembra non scattare mai. E se
in apertura la title track è uno
hard R&B spaccatutto, il resto a
seguire si affloscia un po’, asse-
standosi su un 70s boogie rock
ben fatto ma di maniera.
CLAUDIO SORGE
69/100
EERIE FAMILY
EERIE FAMILY
ALIEN SNATCH!
Nonostante il suo nome dica
poco a molti, e molto a pochi,
Alex Cuervo è una figura cen-
trale nel garage punk sblusato
degli ultimi 25 anni. Negli Hex
Dispensers era già evidente la
vena scura, quasi gotica, ma
sempre di r’n’r chitarristico si
trattava. Qui Alex (voce e ta-
stiere), assieme alla batterista e
cantante Alyse Mervosh, gioca a
carte scoperte e sforna un vinile
di gloom pop che si fatica a tirar
via dal piatto. Everybody Disap-
pear e la più eterea A Ghost Who
Lives Inside Your Hearth, piaz-
zate in apertura, portano Joy
Division e Cu re nel deserto di
Chihuahua. La ritmica calibrata
e potente con i synth che satura-
no l’aria rendendola minacciosa,
creano una rete protettiva at-
torno a due voci perfettamente
coese che si aprono la strada tra
la nebbia con un machete (I Am
Tarantula, Bloodless).
MANUEL GRAZIANI
78/100
PSYCH
PSYCH
MAYA MOUNTAINS
ERA
GO DOWN
I Maya Mountains bordeggiano l’abisso con le
loro cupe danze stoner. Obnubilati da visioni dark
allucinogene, spingono con una potenza bombastica
inaudita, sorvolando paesaggi preistorici irreali
persi in galassie lontane. Una folle corsa in cui i
motori heavy psichedelici si bruciano e vaporizzano
in un’atmosfera plumbea quasi irrespirabile. Erano 12 anni che
li aspettavamo con un nuovo disco. Musicalmente più compatto
e travolgente di quanto non sia stato il loro esordio Hash And
Pornography. Le chitarre di Emanuele Poletto esplodono come
serbatoi incendiati; la sezione ritmica tambureggiante canta
una canzone scura e ossessiva, supportando con ipnotico furore
l’incessante frastuono stoner, mentre qualche eco di Kyuss, Sleep e
Stooges si riverbera su questo fuoco divampante.
81/100
A CURA DI CLAUDIO SORGE
PSYCHONAUT GREAT ELECTRIC QUEST
UNFOLD THE GOD MAN LIVE AT FREAK VALLEY
PELAGIC RIPPLE MUSIC
Non immedia- Psych nella
tamente acco- dilatazione
stabili al termi- protospace di
ne “psichede- certi assoli.
lia”, gli Psycho- Heavy nella
naut sono un potente
trio che pur nella propria struttura innervata da high
ricerca post metallica possiede octane rock blues americano
sotto traccia effettivamente e con un pizzico di J.Priest.
qualcosa di psichedelico: nella Immaginateli come una
dilatazione introspettiva di fusione tutta americana tra
certe atmosfere, ad esempio. Duel e Mos Generator. Dal vivo
Che vivono costantemente di i GEQ sono nel loro elemento
una tensione spasmodica alla naturale. Coinvolgenti al
Tool; mentre un’ispirazione massimo. Of Earth è il loro
prog liturgica avvolge molti picco heavy metal prog.
tratti dei loro intricati brani. Batterista monstre.
Ermetici e sofferti. 78/100
76/100
HAYVANLAR ALEMI
PSYCHEDELIA IN TIMES EARTH DRIVE
OF TURBULENCE HELIX NEBULA
SUBSOUND RAGING PLANET
Da 20 anni Cherchez la
gli Hayvanlar femme. In
Alemi di Ankara questo caso si
sperimentano chiama Sara
questa strana Antunes e
miscela canta meravi-
etnopsichedelica, che gliosamente in questa band
ha cadenze da fanfara portoghese, per molti versi
greco/turca, un’enfasi simile agli heavy psych Black
surf, un approccio a tratti Wizards. Forse con in più un
heavy stoner, un afflato liquido tocco post punk che
dub. Sono affascinanti e caratterizza i loro excursus tra
imprevedibili, e liberi nelle lo psichedelico e lo shoegaze.
loro improvvisazioni. Swans Ancora acerbi, ma hanno mo-
Of St Haartus ad esempio menti meditativo/ritualistici
è un liturgico viaggio prog interessanti.
psichedelico dai tratti occulti 71/100
mediorientali, con un tocco
remoto di Toni Iommi.
80/100
RUMOREMAG.COM | 59
 ELDER
OMENS
STICKMAN
Band come gli Elder bisognereb-
be tenerle in un posto speciale o
un taschino a portata di mano,
perché quando c’è bisogno di cer-
tezze nella vita, loro ci sono sem-
pre. Questo Omens è un trattato
di eleganza e di consapevolezza,
applicato a quel suono che li con-
traddistingue da sempre e che
utilizza parti uguali di doom, psi-
chedelia e progressive. Qui però
lasciano nelle retrovie le loro
radici stoner per raggiungere un
nuovo equilibrio (di cui ci hanno
dato un assaggio nell’EP del
TODAY IS THE DAY
2019), grazie anche all’uso paca-
to e ben amalgamato dei synth.
Nessun bisogno di strafare, anzi
una “semplicità” quasi floydiana
nel mettere insieme i cinque
lunghi pezzi che lo compongono.
Unico neo, la voce sembra non
NO GOOD TO ANYONE trovare una sua chiave all’interno
BMG di questa nuova veste: funziona
tutto meravigliosamente senza.
LUCA DOLDI
Il dolore. Quello fisico. 80/100
Quello mentale. La
sofferenza. La paura di
morire, quella di vivere
morendo. La luce in fondo al
tunnel che spesso si spegne.
Le speranze infrante. Gli
ultimi sei anni dell’esistenza
di Steve Austin. Un grave
incidente di ritorno da un
suo concerto, alcune ossa
rotte, poi l’inizio della EMILE
discesa all’inferno. Processi THE BLACK SPIDER/
infiammatori incontrollati, DET COLLECTIVE SELVMORD
HEAVY PSYCH SOUNDS
sfociati in una fibromialgia, mesi d’isolamento, un figlio che si
ammala, più volte ai confini della morte. Guardare le sue foto Onestamente non mi pare un
prima e dopo l’incidente è un’esperienza dolorosa. Sei anni in
genio, Emile, il frontman degli
cui Steve Austin ha sofferto incredibilmente. Sei anni in cui
psiche kraut Sonic Dawn. Ma,
Steve ha riscoperto l’amore. Sei anni in cui Steve ha deciso di
primo, trovatemi un genio che
liberarsi di questo indicibile dolore, trasformandolo in musica.
scriva canzoni geniali oggi e,
Not Good To Anyone è esattamente questo. Ed è il simbolo di
secondo, il suo album solista è
una grandezza artistica e umana che trascende i generi: quella
di avere la forza e il coraggio di raccontare anche i lati più comunque molto semplicemen-
intimi della propria esperienza. Bastano i primi 40 secondi te un buon album. Armato di
di Not Good To Anyone per capire che Steve vuole e riuscirà a chitarra acustica e di una voce
portarci con lui. Laggiù, in fondo. Un lento riff slayeriano che morbida e rilassata, Emile si
diventa una sforbiciata post core scarnificante. La violenza del ritaglia ricami e arpeggiati, cul-
dolore. In musica. Ma Steve Austin va ben oltre. Perché No lato da una accattivante pigrizia
Good To Anyone attraversa ogni stadio del sentimento umano: tra lo psichedelico californiano
non solo il dolore fisico, ma la malinconia, la tristezza, anche e il blandamente visionario.
qualche timida luce all’orizzonte. E riesce a trasformarlo in Che lo porta a rivisitare puri
ballate acustico/psichedeliche (Callie) che stanno tra i Pink country blues come The Black
Floyd, Mark Lanegan e Scott Walker. Perché la sofferenza Spider, che sembra un offshoot
può avere molte facce. E Steve Austin le racconta tutte. Un dei Canned Heat di Bob Wilson
disco che non è solo un grande affresco umano, ma anche un a, per lo più, acoustic folk un
album artisticamente eccezionale: eclettico, imprevedibile ed po’ diluiti e qualche spunto di
esplosivo. pura sensibilità latin rock. Con
MARIO RUGGERI un tentativo finale di imitazio-
80/100 ne di Blackbird dei Beatles, in
Krystalkuglens Skaer. Inevi-
tabilmente restando anni luce
lontano dall’originale.
CLAUDIO SORGE
60 | RUMOREMAG.COM 71/100
MATT ELLIOTT
FAREWELL TO ALL WE KNOW
ICI D’AILLEURS
Anche e soprattutto noto per es-
sere il titolare unico del progetto
elettronico Third Eye Founda-
tion, collaboratore dei Flying
Saucer Attack e animatore della
scena avant rock bristoliana,
Matt Elliot ha un cuore dark
folk che da sempre batte nel
petto. Negli ultimi 17 anni, ac-
colto dall’etichetta francese Ici
D’Ailleurs, Elliott ha elaborato
una canzone d’autore delicata,
dolorosa, esistenziale, che ri-
manda al primissimo e solitario
Leonard Cohen o a certe prove
intime dei Tindersticks più
romantici e desolati, dove la tra-
dizione mitteleuropea si salda a
quella sassone. Un pianoforte,
un violoncello e un contrab-
basso intersecano la direzione
di queste canzoni sussurrate,
senza gualcirne la magia. Can’t
Find Undo scivola in un luogo
onirico dal quale è difficile non
farsi attrarre.
ANDREA PREVIGNANO
70/100
EVERYTHING
IS RECORDED
FRIDAY FOREVER
XL
Dunque non un progetto estem-
poraneo quello di Richard Rus-
sell, boss di casa XL, nella veste
di artista protagonista. Anche
qui, come nell’ottimo precedente
album, a coordinare un’assortita
squadra di collaboratori, fra i
quali il trinidadiano Berwyn - in
vista nella tesa 10:51pm/The
Night, che campiona addirittura
gli Smog di Hollow Out Cakes –
e la promettente rapper anglo/
nigeriana Flohio, a cimentarsi
sul loop dancehall di 02:56am/I
Dont Want This Feeling To
Stop. Oltre al prestigioso cameo
di Ghostface Killah, colpisce la
presenza in due brani dell’altri-
menti inafferrabile A. K. Paul,
che veste di mistero 05:10am/
Dream I Never Had. E nell’ulti-
ma delle 12 concise vignette che
contribuiscono al racconto di un
lungo venerdì notte, un poema
recitato dal leggendario Penny
Rimbaud dei Crass.
GIORGIO VALLETTA
75/100
RECENSIONI GLI ALBUM APRILE 2020

BRIAN FALLON SIMON FISHER TURNER FLORE EZRA FURMAN

LOCAL HONEY
LESSER KNOWN
Nella seconda parte degli anni
Zero i Gaslight Anthem hanno
rappresentato un’interessante
variazione sul tema per la musica
indipendente americana: un
gruppo, quello del New Jersey,
in grado di tirar fuori un sound
energico e fortemente passiona-
le, che centrifuga al suo interno
tanto Replacements, Clash,
Ramones, quanto autori come
Tom Petty e Bruce Springsteen;
proprio il Boss elesse i GA tra le
sue band preferite, data la stessa
predilezione per quell’epica blue
collar fatta di disperate corse in
auto e sfrenata vitalità. Alla terza
prova solista, Fallon pubblica un
album di accorate ballate folk
rock cariche di sentimento, che
grazie alla produzione di Peter
Katis (vedi la sezione ritmica
in controtempo stile National
di Horses) riescono a risultare
attuali ed emotivamente intense.
STEFANO D’ELIA
72/100
& EDMUND DE WAAL
A QUIET CORNER IN TIME
MUTE
In un angolo l’inglese Fisher
Turner, per un periodo membro
dei primi The The e soprattutto
autore delle musiche di alcuni
dei più celebrati film di Jarman.
E nell’altro De Waal, ceramista
(oltre che collaboratore di Ai
WeiWei), scrittore e nome di
quelli non proprio soliti su que-
ste pagine, e AQCIT a riassume-
re due giorni insieme trascorsi
a cercare materiale con cui
sonorizzare la Schindler House
di Los Angeles. Con il primo ad
applicare strategie da guerriglia
ai field recordings, stando a note
di cui tocca fidarsi: una partenza
fra droni al vento e scalpiccii rit-
mici, una parte centrale costru-
ita su sfasature di synth alla Ba-
sinski e un finale che si sviluppa
fra ansie scomposte, dissonanze
e una coda persino solenne, con-
siderando il materiale (e relativo
scopo) a disposizione.
FRANCESCO VIGNANI
72/100
RITUALS
POLAAR
Forse non è proprio il momento
per il “ritratto di un universo
minacciato che guarisce attra-
verso sarabande collettive”, ma
che musica. Dieci anni dopo il
suo primo album, con singoli
e attività live in mezzo, Flore
Morfin firma un bis di potenza e
fascino superiori. Le solide basi
dancehall della produttrice e DJ
di Lione diventano ricerca senza
scordare la pista, incorporando
breaks, techno, ambient e tetri
beat sudafricani, e sintetizzando
un suono cupo e industriale come
la colonna sonora di un rave dei
sogni. Un sabba selvatico e inar-
restabile - il titolo è decisamente
appropriato - diretto a cervello e
corpo in parti uguali, sintetizzato
in dieci tracce una più bella e sor-
prendente dell’altra. Piene tanto
di rivelazioni minuscole quanto
di momenti da pugni in aria. Vedi
alla voce: stato di grazia.
ANDREA POMINI
88/100
SEX EDUCATION OST
BELLA UNION
Talmente sensata l’accoppiata
fra Furman e la pluripremiata
serie di Netflix da far pensare che
il gigante dello streaming non
pensasse ad altri, avendogli dato
carta bianca fin dalla prima delle
due stagioni. Il problema è come
collocare quanto qua offerto dal
talento di Chicago, dato come
molto di già edito passi per i
19 episodi in scaletta. Più della
metà, in pratica, anche se pochi
conosceranno la sempre strepito-
sa versione folk di I Can Change
degli LCD Soundsystem. Così che
a portare a casa questo greatest
hits sui generis pensano ballate
glam per cuori adolescenti come
Every Feeling, una Amateur
dylaniana d’adozione e il passo
lento di Care più che una stirac-
chiata If Only The Wind. Tutta
farina del Furman più intimo, e
materiale che forse sarebbe stato
il caso di valorizzare meglio.
FRANCESCO VIGNANI
71/100

DANIEL AVERY
& ALESSANDRO CORTINI ILLUSION OF TIME
PHANTASY/PIAS

Cioè l’album che è frutto della sorprendente collaborazione
nata a distanza e poi consolidatasi durante il tour condiviso
con i Nine Inch Nails (di cui Alessandro Cortini è tastierista)
un paio d’anni fa. Se Avery è fra i produttori elettronici più
lucidi dell’ultima generazione britannica, come testimoniato dal
più recente Song For Alpha, Cortini – globetrotter di origine
italiana oggi di casa a Berlino - si è imposto con sempre maggior
autorevolezza quale artista traversale quanto personale nella sua
estetica emotiva, in un percorso che l’ha portato al magistrale
Volume Massimo, pubblicato nella parte finale dello scorso anno.
D’altra parte, non può che esser definita emotiva la fragile e
poetica natura della traccia che intitola questo disco, che arriva
subito dopo l’abbagliante irradiazione introduttiva di Sun e
poco prima dell’incedere lugubre di Inside The Ruins, sulla cui
consistenza granulosa si sviluppa una sottile progressione intensa
e drammatica. Uno spiraglio luminoso sembra farsi largo fra le
nubi digitali di At First Sight, come a voler ristabilire un equilibrio
sul quale si inserisce Enter Exit, che vede la sua dolce melodia
metallica evolversi caoticamente tra feedback e ulteriori impurità
sonore. A riprova di come sia posta proprio sulla consistenza del
suono l’enfasi del meticoloso lavoro svolto dai due musicisti. Come
racconta lo stesso Avery, alcuni di questi brani sono nati da spunti
o frammenti microscopici, poi elaborati senza eccessive rifiniture,
in modo da non perdere la loro spontaneità. Sicuramente degni
di nota anche gli oltre otto minuti di Water (fra i primi brani
realizzati dal duo), dove piccoli impulsi elettrici si aggiungono
ai suoi ipnotici droni, e l’epica chiusura di Stills con quelli che
sembrerebbero essere fuochi d’artificio.
GIORGIO VALLETTA
85/100
RUMOREMAG.COM | 61
HIP HOP

HIP HOP

GERMAN ARMY GIRLATONES

ANIMALS REMEMBER HUMAN HORN IF YOU’RE HONKY
ARTETETRA/CRASH SYMBOLS MERITORIO/LOST AND LONESOME
MINK (MUSAB & INK WELL)
DECONSTRUCTION Prima uscita del 2020 (in casset- Soffice garage rock mescolato
RHYMESAYERS ENTERTAINMENT ta e digitale) per l’iperprolifico col pop stravagante e instabile,
Le parole ben scandite da Musab (cofondatore di duo californiano, e prima per il wonky pop: roba leggera,
Rhymesayers) insieme al composito paesaggio il marchio Artetetra, collettivo accattivante e credibile. Questo
sonoro creato da Ink Well dimostrano come sia nostrano fra i più originali e fa il gruppo di Melbourne gui-
ancora possibile fare rap impegnato e consapevole visionari in circolazione, qui dato dalla coppia di cantanti e
e, al netto dei riferimenti classici (soul e blues), affiancato alla produzione dai chitarristi Jesse Williams e Leah
suonare moderni. Musab definisce il disco “un colleghi statunitensi della Crash Senior. Aggiungiamoci della
seminario audio” per mettere in luce i lati oscuri della società Symbols. Si parte da un archivio tenera malinconia e il quadro è
contemporanea che stanno spianando la strada alle “ideologie di field recordings e vinili e cas- completo. In 2 Young 2 Forget
della menzogna”, così analizza alcuni conflitti emblematici in sette dimenticati, preferibilmen- sono i Felt il termine di parago-
atto, per esempio quello tra l’industria farmaceutica e quella della te oscuri e provenienti da ogni ne; in To Sing i Go-Beetwens,
cannabis. Il duo statunitense sembra assolvere al meglio una parte del mondo. Da lì i German anche per via del violino in
delle missioni del rap underground: quella di proporre pensieri Army scelgono una serie di primo piano. Ma i paragoni, si
e considerazioni almeno in apparenza non immediati senza spunti, che passano attraverso sa, lasciano il tempo che tro-
rinunciare a tecnica e stile. il filtro della casa - cold wave e vano. Piuttosto pensate a una
76/100 industriale della primissima ora, villetta in collina che si affaccia
ambient ed elettronica, collage sull’Oceano, a dei puntini in lon-
A CURA DI LUCA GRICINELLA sonori e manipolazione in bassa tananza che planano sulle onde,
fedeltà - e diventano le 18 tracce a un bel bagno caldo in una
ELAQUENT di Animals Remember Human. vasca idromassaggio e alla radio
YUZMV FOREVER IS A PRETTY Mai troppo lunghe, piene di voci che trasmette jangle pop chitar-
YUZMV LONG TIME misteriose e frammenti alieni, ristico (Pop Stars) alternandolo
PLAY TWO MELLO MUSIC GROUP ritmi scoppiettanti e cantilene a rivisitazioni beatlesiane piene
Il rap nuova Il producer melodiche, più gradevoli del di grazia e armonizzazioni vocali
scuola (o urban dell’Ontario previsto. (If Only We Could See).
pop) dell’autore chiama a rac- ANDREA POMINI MANUEL GRAZIANI
di Perpignan colta una serie 78/100 75/100
classe ’97 suona di MC under-
sentimentale ground affer-
e autentico, arriva diretto mati come Oddisee, Blu e Guil-
all’ascoltatore. Con uno stile ty Simpson, altri più in ascesa,
già definito sad rap, il rapper, come Chester Watson e Cava-
compositore e danzatore (ha lier, e cantanti di formazione
anche questo background) soul. Intervallate da qualche
sfrutta molto il tpianoforte interludio (tra cui emerge Jol-
(suonato da lui) e ama le me- lof per il sapore afro), tutte le
lodie malinconiche. Il fatto voci brillano per lo stile origi- GUIDED BY VOICES THE GURU GURU
che non si conosca la sua fac- nale e vanno a impreziosire un SURRENDER YOUR POPPY FIELD POINT FINGERS
cia, che appare bendata, non disco di rap morbido intriso di GBV INC. LUIK/GRABuGE
toglie e aggiunge nulla. atmosfere jazz.
70/100 74/100 La sola cosa che preme sapere Tirano in ballo Pere Ubu, Sonic
ai fan dei Guided By Voices che Youth, Deerhoof, Jesus Lizard,
due o tre volte all’anno si ap- Mars Volta ma come parte il
prestano a ricevere la loro dose primo pezzo, Mache, viene da
SHAFIQ HUSAYN TENGO JOHN di “lo-fi power pop” dal profes- pensare a dei Kolors bullizzati
THE LOOP (INSTRUMENTALS) TEMPORADA sor Pollard, è se la raccolta sia dagli Amici di Maria. Citando
NATURE SOUNDS TURQUOISE PRODUCTIONS una di quelle buone o meno. il sommo maestro Renè Ferret-
La risposta in questo caso è sì. ti: “La modernità c’ha rotto il
Dopo i buoni Nella trap fran-
Decisamente. Una delle migliori cazzo”: è solo questo il (mio e
riscontri otte- cese l’influenza
nuti, un anno di un colosso imbastite nel nuovo millennio. nostro) problema con il grup-
fa, da un disco come Booba Anche perché il buon Robert po belga che arriva dalla zona
pieno di ospiti pare inevita- sembra averci messo una cura orientale delle Fiandre, in bilico
da urlo come bile. È il caso del dettaglio che non si sentiva tra l’essere orgogliosamente
The Loop, Husayn (membro di questo 23enne neolaureato dai tempi dei dischi su major. alternativo e timidamente
dei Sa-Ra Creative Partners) con un nome ispirato a un per- In più è stata smussata quella mainstream. Indicativi i quat-
ne pubblica anche la versione sonaggio di Murakami e una tendenza a complicare la strut- tro minuti di giostra dal titolo
strumentale. Il mix di hip hop, buona personalità. Il suo mix- tura dei brani, che aveva fatto Ex-Alexander, la miglior grazia
jazz, soul e funk con inserti tape va anche oltre l’influenza impropriamente parlare di prog pop rock coldplayiana esibita in
elettronici funziona anche citata ma spesso, complice rock. Al contrario, melodie come Know Do seguita a ruota dall’at-
senza voci, assumendo, a trat- l’accento della banlieue parigi- quelle di Cul De Sac Kids vanno tacco electro noise di Skidoo, la
ti, le sembianze di una colonna na, l’impronta è quella. Tengo dritte nel repertorio maggiore, nuda e fugace delicatezza acusti-
sonora che esalta gli umori John, in ogni caso, dimostra così come i riff whoiani di Physi- ca di And I’m Singing Aren’t I,
di un film blaxploitation am- di saper cambiare toni e ha cian, e il tutto viene coronato da l’indiata sfuggita di mano di This
bientato ai giorni nostri. buone potenzialità. un Pollard che con la voce riesce Knee On Ice e il groove col botto,
73/100 65/100 persino ad azzeccare qualche vagamente alla Minutemen,
nota. Bene così! della conclusiva Poverbrigade.
DIEGO BALLANI MANUEL GRAZIANI
74/100 67/100
62 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM APRILE 2020

HALF WAIF REN HARVIEU HEAVY EYES HEXVESSEL

THE CARETAKER REVEL IN THE DRAMA LOVE LIKE MACHINES KINDRED
ANTI- BELLA UNION KOZMIC ARTIFACTZ SVART

Nandi Rose Plunkett è cittadina
di un mondo che si ostina a dirsi
globale, anche quando tutti i
muri si alzano. Di Brooklyn, ma
con cromosomi indiani, svizzeri
e irlandesi, con il suo celebrato
Lavender (2018) ha raccontato
la natura felicemente ibrida
delle sue origini. Qui crea un
personaggio che deve prendersi
cura della sua ordinaria umanità,
in equilibrio fra isolamento e
condivisione. Insieme al suo par-
tner, il batterista dei Pinegrove
Zack Levine, riapre il suo diario
di confessioni synth pop a cuore
aperto. Un romanticismo che a
volte s’incaponisce con il barocco
(la Tori Amos di Brace o Blinking
Light), ma funziona quando sce-
glie gli abiti più contemporanei (e
vicini alla prima Bat For Lashes)
di Siren o My Best Self, o si
rifugia nell’essenza indietronica
di Lapsing o In August.
MAURO FENOGLIO
68/100
Una seconda chance per la can-
tautrice inglese, dopo il grave
incidente che la bloccò per mesi
poco dopo l’uscita di Through
The Night, il suo debut album,
impedendole di promuoverlo
adeguatamente. Nonostante ciò,
il primo LP non passò inosser-
vato e questa nuova prova sulla
lunga distanza, giunta a circa
sette anni di distanza, conferma
finalmente le sue preziose doti.
Con maggior sicurezza, l’ele-
gante penna dell’artista disegna
12 nuovi pezzi dai lineamenti
morbidi, con melodie vocali raf-
finate impreziosite da arrangia-
menti che guardano al passato
rendendo i suoi brani dei veri e
propri diamanti pop dalle orche-
strazioni vintage, tra le cui mille
facce si riesce a scorgere i diversi
profili della Harvieu che in que-
sto disco si libera del dolore del
passato e decide di ripartire da
se stessa con coraggio.
DORIANA TOZZI
77/100
La notizia è che gli Heavy Eyes
sono tornati ma soprattutto che
al loro tripudio fuzz hanno in-
telligentemente aggiunto piccoli
nuovi elementi. Love Like Ma-
chines a cinque anni di distan-
za da He Dreams Of Lions rac-
conta di una band che ha saputo
fermarsi, riflettere sul proprio
percorso e dare più profondità
alle canzoni. Come se qualcosa
dei tardi ‘60, anziché alleggerir-
ne la struttura, ne avesse dato
ancor di più il senso di guttura-
lità. Prendete due canzoni come
Anabasis e Late Night, in cui
la materia durissima dei riff in
realtà nasconde andamenti che
sembrano arrivare dai lati più
scuri di Nuggets. Non avevano
bisogno di dimostrare nulla,
eppure gli Heavy Eyes sono
tornati con una prova di grande
maturità artistica. Una gran
bella notizia.
MARIO RUGGERI
81/100
Dopo gli album con Century
Media, gli Hexvessel ritornano
alla finlandese Svart, da dove
tutto è partito. E rinascono a
nuova vita. Mat McNerney recita
le sue nuove canzoni con un’am-
bigua eleganza da cabaret mitte-
leuropeo; ma le sue canzoni non
sono da cabaret mitteleuropeo;
sono invocazioni folk dal più
profondo spirito delle foreste
nordiche. Che la band abbellisce
e impreziosisce con pennellate
di rock’n’roll, come si diceva una
volta, decadente (Demian). Più
precisamente, in questa ricerca
di una pace folk piena di misteri,
paiono influenzati da certi oscuri
King Crimson (Billion Year Old
Being; Bog Bodies), con ombre
espressioniste che danzano tra i
suoni (Sic Luceat), a rimarcare
che non è fuori luogo dopotutto
parlare di prog rock. Preziosa
la cover di Fire Of The Mind dei
Coil.
CLAUDIO SORGE
80/100

PORRIDGE RADIO EVERY BAD

SECRETLY CANADIAN

Le città di mare sono da sempre i posti che meglio interpretano
la dicotomia emotiva tra esaltazione e tristezza. Nessun altro
luogo è in grado di figurare al tempo stesso l’opulenta euforia
in progressiva crescita tra primavera ed estate e il successivo
scivolamento verso la malinconia autunnale e la mesta
introspezione invernale. I Porridge Radio arrivano proprio da lì
(Brighton) e sono capaci di mettere in musica esattamente quella
graduale scala di stati d’animo. Un approccio emo regolato sulla
voce di Dana Margolin, appassionata e vulnerabile, in questo
e per questo ideologicamente accostabile a quella di Adrianne
Lenker dei Big Thief, che snocciola parole e frasi spedite in circoli
concentrici. Versi destinati a scolpirsi presto nella memoria: la
“I don’t want to get bitter / I want us to get better / I want us to
be kinder to ourselves and to each other” che esplode in fondo
a Lilac è già consegnata alla memoria collettiva dei singalong
di fine concerto. La musica arriva di conseguenza, mettendo in
scala i medesimi saliscendi emotivi con l’innesco di continui corto
circuiti tra raffinate strutture melodiche, a tratti vicine al dream
pop, ed esplosioni corali chitarra/basso/batteria che capovolgono
la prospettiva conferendole un taglio ai confini del punk. Ottimo
disco dotato di almeno un poker di canzoni da circoletto rosso
(Born Confused, Sweet, Give/Take e Lilac) che immaginiamo
siano terremoto nelle versioni da palco.
ARTURO COMPAGNONI
83/100

RUMOREMAG.COM | 63
RECENSIONI GLI ALBUM APRILE 2020

HIGH PRIESTESS HINDS JACKIE LYNN JAGA JAZZIST

CASTING THE CIRCLE THE PRETTIEST CURSE JACQUELINE PYRAMID
RIPPLE MUSIC LUCKY NUMBER DRAG CITY BRAINFEEDER

Dalla città della perdizione
rock, L.A., un tuffo in un passa-
to anni 70 fatto di produzioni B
di telefilm sull’occulto, sette ur-
bane e hard rock di importazio-
ne alla Black Sabbath. Le High
Priestess sono queste sciccose
ragazze tappezzate di scialli neri
psych e borchie che suonano
heavy occult con un’influenza
sabbathiana e un appeal califor-
niano psichedelico da San Fran-
cisco che ha ormai superato e
inghiottito il flower power. In
questo secondo album sfoggia-
no abilità e precisione nel mo-
dulare cori satanico/chiesastici
e armonie californiane e riff di
grave lentezza. Come nella ma-
gnifica Erebus. Per non parlare
della prog occulta Invocation,
soundtrack per party anni 70 e
messe nere, con tanto di organo
Hammond. Vengono alla mente
i Coven, in una versione molto
più heavy, a dire il vero.
CLAUDIO SORGE
82/100
Nelle premesse delle Hinds
qualche promessa l’avevamo in-
travista, tra echi di zompettante
garage pop e rimembranze di
vecchi singoli Elefant Records.
Scegliere ora di suonare pop
nella maniera più semplice e
orecchiabile possibile non è di
per sé un male, è solo che deci-
dendo di percorrere quella stra-
da, tanto vale provare a farlo
alla grande scegliendo punti di
riferimento facilmente ricono-
scibili, un’estetica obbligato-
riamente ruffiana e soprattutto
canzoni che funzionino: presa
rapida e zero intoppi. Insomma
tutto deve essere funzionale al
raggiungimento della fascia di
pubblico più ampia possibile. E
qui gli ingredienti di cui sopra
paiono un poco latitare. Loro
sono simpatiche, ma per l’enne-
sima band inutilmente graziosa
poco tempo e zero voglia.
ARTURO COMPAGNONI
51/100
Secondo album per Jackie Lynn,
ovvero l’alter ego “estroverso”
di Haley Fohr aka Circuit Des
Yeux. Dopo un album d’esor-
dio autarchico, a questo giro il
progetto si trasforma in vero
e proprio quartetto, compren-
dente gli amici Bitchin’ Bajas.
La tavolozza approntata è varia
ma ruota sempre intorno alla
voce profonda, un po’ Nico un
po’ Alison Moyet, della Fohr,
nucleo magnetico di canzoni che
seguono in maniera piuttosto
libera un canovaccio synth pop
immerso in un bagno di psiche-
delia in grado di inglobare molto
altro: Casino Queen, anthem
scuoticulo in apertura, una
Odessa che si tinge di krautrock
viaggiando implacabile e infinita
su autobahn al neon, ma anche
la rituale ed esoterica Traveler’s
Code Of Conduct o il funk glacia-
le/appiccicoso di Diamond Glue.
Be’ ci si diverte parecchio.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
75/100
In quella marca di confine dove
si muovono i migliori gruppi
della fusione tra jazz e post rock
(tra le regioni del Nord Europa
e le aree del Mid East america-
no solo per citarne alcuni: Ele-
phant9, Exploding Star Orche-
stra, Fire! Orchestra), da ormai
25 anni abitano, vivono e si
muovono i norvegesi Jaga Jaz-
zist del sassofonista e clarinetti-
sta Lars Horntveth. Cinque anni
dopo Starfire l’ottetto torna con
un nuovo album di ardito cros-
sover tra avant jazz, post rock e
suggestioni synthetiche (prezio-
sissimi gli interventi di Øystein
Moen all’elettronica, synth e
clavinet), compresse in quattro
lunghi brani. Non mancano
gli omaggi ai numi Isao Tomi-
ta (Tomita) e Fela Kuti (The
Shrine, il quartier generale del
musicista a Lagos). Si apprezza
la volontà di uscire dagli schemi
post fusion del passato.
ANDREA PREVIGNANO
65/100

THREE
NORTHERN SPY
THE NECKS
I Necks sono riusciti nella non facile impresa di declinare jazz
e avanguardia, passando per kraut e progressive, e risultando
sempre di difficile catalogazione. Three è la 21esima tappa del
viaggio musicale in cui Tony Buck (batteria e percussioni), Chris
Abrahams (pianoforte e tastiere) e Lloyd Swanton (basso elettrico
e contrabbasso) abbandonano la consueta improvvisazione e
si esibiscono in tre pezzi strutturati, paragonabili a movimenti
distinti di 22 minuti circa ciascuno. Bloom apre l’album e parte
subito dritta, nervosa, incendiaria e prepotente. La sua struttura
ricorda addirittura i vecchi Bad Seeds di Nick Cave. Il cuore del
brano è costituito dal rincorrersi e sovrapporsi di percussioni e
contrabbasso il cui ritmo, ossessivo e frenetico, è impreziosito dalle
note del pianoforte di Abrahams. Segue la scura Lovelock, dedicato
alla memoria di Damien Lovelock (fondatore dei Celibate Rifles)
e probabilmente il pezzo migliore dell’album. Il trio si spinge in
ambiti inusuali, facendo emergere un lato dark sconosciuto, con
inserti di cupa e colta elettronica unita a processioni minimaliste.
Qui, tensione e angoscia si mischiano magistralmente, non
lasciando mai respiro all’ascolto e dando l’impressione di esplodere
in qualsiasi momento, pur rimanendo sempre misurate al limite
dell’implosione. Further, che chiude il disco, nasce in territori
modern jazz più consueti, grazie a un groove di fondo incalzante, in
cui le note di pianoforte diventano quelle dell’Hammond, donando
al brano sfumature luminose. Un grande lavoro, con i limiti di un
packaging troppo minimale, seppur conforme allo stile della band,
attenta da sempre più alla sostanza che alla forma e del supporto
(CD), che mai come in questo caso avrebbe meritato il vinile, data la
presenza di tre tracce distinte.
ANTONIO BRIOZZO
85/100

64 | RUMOREMAG.COM

MATT KARMIL
STS371
SMALLTOWN SUPERSOUND
Capita anche nelle migliori fa-
miglie. In questo caso, quella di
un’etichetta che è quasi sempre
stata garanzia di musica almeno
interessante, se non eccellente.
Invece, il quinto album del pro-
duttore britannico (secondo per
il marchio norvegese, dopo Will
del 2018) pare trascinarsi per
50 minuti appoggiato alle stesse
due o tre idee: loop piatti fra
deep house e risacca minimale,
beat dritti mai troppo in primo
piano, sfondi melodici un po’
balearici, qualche fraseggio sem-
plice di sintetizzatore. Roba da
non meglio identificata etichetta
techno tedesca di retrovia,
appunto, più che da Smalltown
Supersound. Un paio di puntate
più decise verso un suono da
pista (l’acido di SR/WB e PB, le
arie Kompakt della conclusiva
210) movimentano la situazione,
ma non bastano a scrollarsi di
dosso la stanchezza.
ANDREA POMINI
58/100
LAS KELLIES
SUCK THIS TANGERINE
FIRE
C’è sempre un enorme elefante
nella stanza che il duo argentino
(Cecilia Kelly, voce, chitarra,
basso; Silvina Costa, voce, bat-
teria) si porta dietro: le ESG. La
loro vicinanza al sound escogi-
tato 40 anni fa dalla band del
Bronx è un omaggio che sfiora il
calco. Stessa matrice punk funk,
stessi riverberi, stesso approccio
al canto. Per cui la domanda di-
venta: si può fare un buon disco
anche se è in tutto e per tutto
derivativo, molto derivativo? La
risposta è: tutto sommato sì. Per-
chè nella scrittura ridotta all’os-
so e nei giri di basso elementari
di queste canzoni c’è anche
moltissima ispirazione. In parti-
colare in una Matrixland a rotta
di collo, con chitarre che paiono
graffi sui muri e una perfetta ge-
stione di tensione e suspense, o
una White Paradise che swinga e
culla con dolcezza.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
72/100
LA PRIEST
GENE
DOMINO
Sam Dust è uno che da
anni scappa da tutto e tutti.
Dall’anagrafe, se fino a poco
fa rispondeva al nome Samuel
Eastgate. Dai più che ottimi
Late Of The Pier, abbandonati
dopo un solo album buono per
spiegare come il nu rave potesse
essere molto di più di una
bolla. E, molto più terra terra,
dalla logica. Uno che molto
probabilmente si sente l’Ariel
Pink inglese e che per il suo
secondo disco in proprio non
perde le vecchie inclinazioni:
un attimo pensare di averlo
inscatolato con pezzi da
demo perduto di Prince come
Beginning o quel paio di ballate
sabbiose e suggestivamente sci-
fi come Open My Eyes o Sudden
Thing. Salvo passare al lato B
e finire in un altro disco, per
lo più strumentale: la vecchia
storia di chi nasce e muore
tondo, in pratica.
FRANCESCO VIGNANI
75/100
LINKWOOD & FOAT
LINKWOOD & FOAT
ATHENS OF THE NORTH
Archiviato un 2019 fertilissi-
mo - due album da solo, uno
con Warren Hampshire e uno
con James Thorpe - il pianista/
tastierista jazz britannico non
perde il ritmo, e inaugura l’anno
nuovo insieme al produttore
house e techno Linkwood. La-
sciati liberi di creare nei nuovi
studi dell’etichetta, i due ne
escono con tre quarti d’ora di
gran classe, eleganti il giusto
senza perdere in calore e sponta-
neità, molto pacifici e notturni.
Più che le battute house abba-
stanza canoniche di Pressure e
soprattutto Push It, a convincere
sono i momenti in cui le cose si
complicano, e i confini fra club
e brezza estiva sfumano: la friz-
zante Es Vedra in apertura, la
maestosità balearica di Sa Tala-
ia (che infatti è la montagna più
alta di Ibiza...), gli andamenti
più nervosi di Neutrino, Bentley
101 e Mysterious Richie.
ANDREA POMINI
74/100
AVA N T
AVA N T
LUCA T. MAI
HEAVENLY GUIDE
TROST
A memoria d’uomo solo Hamlet Bluiett (World
Saxophone Quartet) e più recentemente Mats Gu-
stafsson hanno tentato la via non agevole dell’al-
bum per sax baritono solo. Ripercorre quella strada
Luca T. Mai, “bari” sax extraordinaire degli Zu. La
sua voce potentissima non rimane certamente pe-
nalizzata dal vuoto intorno a lui. Ci sono i riverberi mistici di Bahr
Atla, il fraseggio mercuriale e spavaldo di Gazzelloni, e Manum
Ad Ferrum, il cui riff in staccato, quasi chitarristico, e i cui stridori
sembrano usciti da Carboniferous degli Zu; e Celestial Nile, di
sapore ambientale, il sax rallentato e infine trattato con un synth
granulator. Un sax, una selezione stretta di effetti, l’ambiente. Non
ha bisogno di altro Mai per compiere il miracolo.
85/100
A CURA DI ANDREA PREVIGNANO
ALTIERI | FAVARON MATHIANS
TO FOUND MATHIANS, VOL. 1
ST.AN.DA. IMPROSHIT
St.An.Da., Il mondo psych
sussidiaria doom del
dell’avant label supergruppo
italiana Silen- Mathians viene
tes, pubblica alla luce dieci
la terza colla- anni dopo le
borazione di Corrado Altieri sessioni di registrazione nella
e Gianluca Favaron dal 2013 tiratura limitata offerta dalla
a oggi. Il lavoro è costruito mail art label Improshit di
con field recordings e mate- Daniele Veronese. Ne hanno
riali elaborati in precedenza e preso parte componenti di Lu-
ricontestualizzati. Si va dalle minance Ratio, Airchamber,
micropulsazioni ai glitch One Fine Day e Anatrofobia,
di Replica Di Una Notte ai tra gli altri. Tre lunghi mo-
clangori industriali di Rappre- menti febbricitanti tra chitarre
sentazione Errata, a un uso droniche, Om e SubArachnoid
vainiano del beat elettronico. Space. A tratti davvero feroce.
80/100 75/100
FABIO ORSI
TRE NOTTI E UN MATTINO LF58
D’ESTATE ALTERAZIONE
ST.AN.DA. ASTRAL INDUSTRIES
L’elettronica Giuseppe Tillie-
psichedelica ci (anche noto
come Neel) e Fi-
e kosmische
lippo Scorcuc-
di Fabio Orsi,
compositore chi tornano con
valentissimo la sigla LF58
delle avanguardie italiane (dopo Late Night Innominate,
degli ultimi 15 anni, ha parten- Volume Two, due anni fa su
ze languide e cresce maestosa, Auxiliary) con il debutto sulla
occupando tutti gli spazi dello londinese Astral Industries.
spettro sonoro. Un’estetica La loro musica aeriforme,
massimalista, schulzeiana, nella quale le molecole dell’e-
tentacolare, imbrigliata a forza lettronica modulare possono
nelle griglie inesorabili del muoversi liberamente come
sequencing, apprezzabile in microsinusoidi sonore che si
particolare nella terza traccia, dipanano nell’ambiente, richie-
Restiamo Ancora. de un ascolto meditativo.
70/100 65/100
RUMOREMAG.COM | 65
GOTICA

GOTICA

LITTLE DRAGON LUCIFER STAR

NEW ME, SAME US MACHINE
NINJA TUNE THE DEVIL’S BREATH
RASKOLNIKOV THE SIGN
LAZY PEOPLE WILL DESTROY YOU Occorrerebbe un po’ più di atten-
MANIC DEPRESSION zione prima di buttarsi su titoli C’è un ricordo nostalgico nel
Uno dei grandi padri della letteratura e della “socio- del genere, probabilmente. Nes- quarto album dei Lucifer Star
logia” europea, Fedor Dostoevskij, diviene motore sun motivo per contraddire la Machine: quello di un’epoca che
ispirativo e concettuale dell’act svizzero (Rodion sempre ottima Yukimi Nagano, oggi non esiste più. Quello della
Raskolnikov è infatti il protagonista principale del cantante la cui voce più o meno stagione del rock’n’roll iperso-
romanzo Delitto E Castigo), già balzato alle cronache tutti ricordano nei dischi dei nico, rilanciata dallo strapotere
nel 2017 con l’esordio Hochmut Kommt Vor Dem Gorillaz come dei BADBADNOT- degli Hellacopters ma sostenuta
Fall. Pur non rinunciando al profilo espressionistico e lirico/teatra- GOOD, visto come il rotondo da band micidiali come i Mobile
le, l’affresco in causa ospita un approccio formale più drastico e post groove di pura scuola Ninja Tune Mob Freakshow e i Peter Pan
punk, dove convergono sia le plumbee visioni dello shoegaze e della di Hold On sottolinea il rimet- Speedrock, ad esempio. Quella
neo psichedelia sia l’elettronica algida dell’originario calco 4AD. tersi in gioco dopo la fine di una dell’incrocio tra Motörhead,
Intreccio carismatico, sintomo di romantiche sospensioni emotive e storia. É più quell’accenno all’es- Social Distortion e punk rock.
di virulenti esplosioni poetiche (tra cui Montauk Point Lighthouse sere rimasti sempre loro a lascia- Ecco, Devil’s Breath è esatta-
e Sysyphos), nell’ideale abbraccio tra primi Clan Of Xymox, Danse re perplessi, nel caso. Perché gli mente il punto d’incontro tra
Society, Joy Division, Alien Sex Fiend e Sisters Of Mercy. svedesi dopo l’exploit e il Gram- queste coordinate. Oggi che
80/100 my per Nabuma Rubberband dall’Inghilterra si sono trasfe-
del 2014 paiono essersi smarriti, riti in Germania, ricordano per
A CURA DI STEFANO MORELLI specialmente nel vedere discorsi suono e attitudine le migliori
downtempo ripetersi lungo tutto band della People Like You. Un
il disco senza la sensualità dei ottimo disco di punk rock’n’roll
DOOL KATATONIA bei tempi o un finale di trip hop in un mondo che, di questo ge-
SUMMERLAND CITY BURIALS pastorale non proprio coraggio- nere, non sa più cosa farsene.
PROPHECY PEACEVILLE sissimo. Un po’ come un lavoro Purtroppo.
La grandez- Pur nella coe- insolitamente incorporeo, quasi MARIO RUGGERI
za dei Dool renza stilistica, sovrappensiero. 70/100
è deducibile ogni capitolo FRANCESCO VIGNANI
soprattutto degli svedesi è 63/100
nella capacità un enigma ca-
di rinverdi- rico di simboli
re, con ferma personalità, il e codici sonori
luogo estetico dell’hard rock e quantomai ispirati. La linea
dell’heavy doom anni Settanta progressiva si affina, diviene
(leggi Sabbath/Osbourne) a oltremodo cinematica in un
ridosso delle coloriture dark colore gotico a dir poco nobile
wave. Summerland, in tal (le visioni eccelse di Rein o
senso, si presenta al contempo Behind The Blood, estensioni
più lucido e classico mirando del dark metal originario). MALIA TOM MISCH
con garbo alle visioni folk. Sul piano electro melodico THE GARDEN OF EVE & YUSSEF DAYES
Nelle intuizioni più alte sono permangono le attinenze post MPS/EARMUSIC WHAT KINDA MUSIC
Cult Of Youth (God Particle), rock e DModiane ma occhio a BLUE NOTE
Patti Smith e R.E.M., a essere Lacquer, gesto dove le conver- La voce calda e ammaliante
evocati. genze portano a Peter Gabriel. dell’artista malawiana scorre Oltre ad approdare su un mar-
80/100 80/100 densa e sinuosa come il miele chio discografico prestigioso, la
lungo le 12 tracce del suo nuovo collaborazione fra due artisti dif-
lavoro, in cui vengono costruite ferenti come Tom Misch e Yussef
LÛV RITUAL DICTATES
I GIORNI DELLA BALENA GIVEN IN TO DESPAIR
palpitanti storie blues dalle at- Dayes - al di là dell’amicizia che
LÛV ARTOFFACT mosfere notturne e fuligginose. li unisce da tempo - è simbolica
Le trame strumentali attingono del sempre più intenso intreccio
Il senso È una credibile
principalmente dai classici e fra i due ambiti musicali che rap-
principale di istantanea
intorno a loro vaga libera l’ugo- presentano rispettivamente. Se il
questo viaggio sull’odierno
la intensa di Malia, mai prima primo si è fatto conoscere per un
in musica è sociale,
l’altrove; un sull’aspetto d’ora così ardente e selvaggia. linguaggio che porta elettronica
invito non tragico e folle Le linee vocali diventano prota- e hip hop su un piano pop, l’ex
solo spirituale, ma anche dell’umano contemporaneo. goniste indiscusse dei brani go- batterista dei Yussef Kamaal è
fisico, a solcare l’orizzonte Nel tratteggiare tale abisso vernando maliziose i ritmi tre- da alcuni anni fra le forze pro-
inesplorato. Slancio folk verso i Ritual Dictates adoperano pidanti, i groove scuri e magne- pulsive del panorama jazz con-
la Terra Incognita con i codici due codici radicali. Da un tici e gli scambi di battute con temporaneo d’Oltremanica. Una
di Omero, Melville, Conrad, lato la matrice metal estrema, gli altri strumenti, alternando combinazione che risulta virtuo-
Stevenson e Bernardo di quella death/black e thrash voluttà e frivolezza, sospiri e sa quando rende relativamente
Clairvaux, nel cuore. Artefice noir, che rintraccia nel solco introspezioni, graffi e carezze, più accessibili le intuizioni spe-
ne è Carlo Baja Guarienti, dei Behemoth il riferimento e colorando le vibrazioni di rimentali del Dayes produttore,
noto per la sua militanza primigenio, dall’altro il matrice blues con l’eleganza del come nella jam di Lift Off o nel
negli Albireon e custode della post punk viscerale e gotico soul e l’imprevedibilità del jazz. groove libero di I Did It For You,
medesima sensibilità poetica dei Killing Joke, specie Un disco viscerale che riporta un po’ meno nei passaggi più
e fiabesca, sebbene virata e nelle rifiniture armoniche. in vita sonorità del passato in prevedibilmente soul pop quali
centrata nel cuore di De André. Suggestivi. chiave moderna. le blande The Real e Last 100.
78/100 83/100 DORIANA TOZZI GIORGIO VALLETTA
80/100 62/100
66 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM APRILE 2020

MOANING MOBY MORRISSEY MYRKUR

UNEASY LAUGHTER ALL VISIBLE OBJECTS I AM NOT A DOG ON A CHAIN FOLKESANGE
SUB POP LITTLE IDIOT/MUTE BMG RELAPSE

Sean Solomon, voce e chitarra
della band di Los Angeles,
ha ammesso che durante le
registrazioni di questo secondo
disco ha festeggiato un anno
di sobrietà. L’allontanamento
dall’alcol e alcune letture di
Mark Fisher e Alain De Botton
hanno indirizzato Uneasy Lau-
ghter. Ha messo in gioco vul-
nerabilità e parlato degli errori
commessi, come in Ego, dove
canta “I wanna be anybody but
myself / I wanna love anybody
but myself”. La brillantezza di
un disco che di post punk ha sì
alcune ritmiche asciutte (Stran-
ger), ma con l’innesto di synth
viaggia in modo più ampio
senza lesinarli, abbandonan-
do i vecchi riverberi. Si pensa
ovviamente a New York, primi
anni Zero e tutte quelle band
tipo Interpol, Stellastarr.
NICHOLAS DAVID ALTEA
82/100
Se tratteggiassimo con una linea
il percorso artistico di Moby
realizzeremmo una parabola più
oscillante delle increspature so-
nore disegnate dai suoi beat. Più
bassi che alti prima dell’exploit
di Play, poi di nuovo scivoloni
(Destroyed) e risalite (Innocents)
che caratterizzano l’andamento
di chi, come il nostro, non ama
ripetersi e preferisce sperimen-
tare, recuperare materiali sonori
inconsueti, giocare con generi,
samples e loop, correndo tutti
i rischi che ciò comporta. Con
questo LP Richard Melville Hall
concepisce 11 pezzi che si alter-
nano tra techno glaciale, ambient
evasiva e parentesi jazz e modern
classic di cui alla fine rimane ben
poco. Più del singolo Power Is
Taken è Rise Up In Love a regge-
re l’intero lavoro che comunque
è ben lontano dai picchi più alti
raggiunti dall’artista.
DORIANA TOZZI
60/100
L’apertura electro funk di Jim
Jim Falls sarà il boccone più dif-
ficile da digerire per i fan della
prima ora, che se rinunciassero
a godersi il nuovo Morrissey
farebbero peccato. A dispetto
di tutto, infatti, l’album funzio-
na. Lo so, è brutto a dirsi. Ma
fidatevi, è così! Funzionano le
melodie, funziona la struttura
dei pezzi, che (escludendo gli
otto, inesplicabili minuti di The
Secret Of Music) procedono
senza tentennamenti. Funzio-
nano le escursioni nel soul,
già sperimentate con successo
nel disco di cover. Funzionano
meno certe scelte di produzione,
che nell’amalgama di archi, fiati
e elementi sintetici finisce per
suonare datata. In compenso si
rivedono tracce di sagace ironia,
proprio quando sembrava che
l’età avesse trasformato il famo-
so miserabilismo di Morrissey
in un vittimismo old style.
DIEGO BALLANI
72/100
Sin dallo splendido canto alla
Madre Natura di Ella, che ne
è naturale e necessario pro-
logo attitudinale, Folkesange
sancisce il naturale e vigoroso
passo oltre il “metal” e presso
i confini gaelico sinfonici del
volto tradizionale. Persiste una
raffinata ricerca del sacro nei
solchi di Folkesange, rintraccia-
bile sia nell’impostazione vocale
di Amalie Bruun sia nella sua
mirata ricerca dello strumento
acustico e dell’anima del suo
suono. La Edda di Snorri ispira
la carezza maestosa di Leaves
Of Yggdrasil, ma non si tratta
dell’unico gioiello armonico:
Svea, Tor I Helheim, Guder-
nes Vilje, hanno dalla loro la
capacità di integrare e rimo-
dellare l’arcaico trasmesso da
Nebelhexe, Lisa Gerrard, Enya,
Tori Amos e Freya Aswynn. La
Algiz di Myrkur è più che mai
sigla di cinematica spiritualità.
STEFANO MORELLI
80/100

HOMESICK THE BIG EXERCISE

SUB POP

Ho scoperto questo disco per caso. Non conoscevo la band, non
l’avevo mai nemmeno sentita nominare. Ero in un negozio,
stavo impolverandomi le dita facendo passare gli usati quando
il commesso l’ha piazzato nel lettore e ha fatto partire la terza
traccia, I Celebrate My Fantasy. Il classico colpo di fulmine:
un brano lo-fi ma, come dire, “barocco”, tra il freakbeat pop dei
Move e i Pavement di Crooked Rain, Crooked Rain. Chiedo lumi
al commesso, mi dice che si tratta degli Homesick, che il disco si
intitola The Big Exercise ed è il loro secondo album. Intanto in
sottofondo scorrono altri brani (e che brani: Leap Year, la title
track e Focus On The Beach tolgono il fiato) e la mia curiosità
iniziale diventa stupore. Incroci vocali complessi, un suono asciutto
e profondo, quasi solenne: fatico a inquadrarlo, mi ricorda certe
uscite marginali SST o (non a caso) Sub Pop, e i pezzi hanno
qualcosa di contagioso. La copertina è brutta e impersonale ma
ho già deciso. Lo compro, me lo riascolto a casa e capisco che non
si tratta solo di un “buon disco”: c’è qualità, talento, un approccio
acerbo che in questi casi è un valore aggiunto. Scopro che sono un
trio e vengono dall’Olanda. Non l’avrei detto, pensavo più a una
cosa tipo Providence, Columbus, al limite Portland. Intanto gli
ascolti si sommano e ogni volta è una conferma. The Big Exercise
potrebbe non piacere perché disomogeneo e non allineato, ma sono
gli stessi motivi per cui potrebbe piacere molto. Con me è andata
così. Forse perché certe chitarre di 30 anni fa mi mancano, specie
se innestate su trame così pop e discordanti in un esercizio che non
è mai ricerca affannosa dell’effetto vintage. A distanza di un mese
(e di ripetuti, ossessivi ascolti) il mio giudizio non cambia: gran bel
disco. E grazie al commesso.
LUCA FRAZZI
85/100
RUMOREMAG.COM | 67
 DECIMA
EDIZIONE

WORKSHOP

SCRIVERE
DI MUSICA
A CURA DI ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
CAPOREDATTORE DEL MENSILE

13-14 GIUGNO 2020

STUDIO SPAZIALE
BOLOGNA

IN COLLABORAZIONE CON
RECENSIONI GLI ALBUM APRILE 2020
BILL NACE
BOTH
DRAG CITY
Noto al pubblico dell’indie
rock americano come il partner
musicale di Kim Gordon nel
duo d’improvvisazione Body/
Head, ai conoscitori dell’area
avantgarde dell’East Coast come
collaboratore di Chris Corsano
e Paul Flaherty, e agli utenti più
smaliziati di Instagram come
uno dei bersagli favoriti del pro-
filo Inzane Johnny (John Olson
dei Wolf Eyes), Bill Nace è figlio
della tradizione guitar noise
newyorkese di Lee Ranaldo,
Rudolph Grey, Alan Licht, e sicu-
ramente dell’estetica dissonante
dei Sonic Youth più incompro-
messi. Both, debutto per sola
chitarra elettrica, si compone di
otto brani strumentali, ciascuno
chiuso perfettamente in un’idea
semplice: un feedback, un
sustain, un grappolo di note, pic-
cole allucinazioni sonore in bassa
fedeltà immerse in riverberi e
vibrati. Semplice, efficace.
ANDREA PREVIGNANO
75/100
ROGER O’DONNELL
2 RAVENS
CAROLINE
Lo ricordiamo anzitutto per il
laccio con Thompson Twins e
The Cure, meglio ancora per
la stagione d’oro (in termini
di risonanza e riconoscimento
internazionale) dei Cure; quella
post Kiss Me Kiss Me Kiss Me e
concomitante con la monumen-
tale costruzione romantica di
Disintegration (dove le tastiere
permangono centrali). Qui però
O’Donnell afferma, con estro
e sensibilità, l’amore per le
rifiniture classico cameristiche
e la poesia cinematica condotta
dagli intimi ricami/rintocchi di
pianoforte, archi e voci (per la
precisione, quella di Jennifer
Pague). La propensione, meglio
la spinta, verso la costruzione
“imagica” del suono, delle sue
armonie sentimentali (On The
Wing, The Hears Fall o The
Haunt), lo conducono soprat-
tutto lungo le rive nobili del
minimalismo d’avanguardia.
STEFANO MORELLI
83/100
NIIA
II: LA BELLA VITA
NIIAROCCO LLC
Cantautrice americana di origini
italiane classe 1988, Niia in
questo secondo album canta
le emozioni legate alla fine
di una relazione e al periodo
d’assestamento successivo. La
ballata d’apertura è jazz con
un’atmosfera da club notturno, la
seconda - primo singolo del disco,
Whatever You Got, con video
girato nella periferia romana - si
sposta in territori più R&B/pop
d’autore: due anime del disco che
si ritrovano, anche in forme più
stemperate, nelle altre canzoni.
Niia ha prodotto l’album insieme
a Robin Hannibal, in passato
membro dei Rhye, gruppo già
accostato al suono di Sade,
artista che può venire in mente
ascoltando questi 13 brani.
L’album esce da indipendente
anche perché Niia vuole curare
in prima persona la definizione
estetica dei vari aspetti legati alla
sua musica.
LUCA GRICINELLA
70/100
ORKESTA MENDOZA
CURANDERO
GLITTERBEAT
Indie mambo da Tucson, Arizo-
na: questa la definizione ipersin-
tentica che si è data la formazio-
ne guidata da Sergio Mendoza
(già nella line-up dei Calexico, e
pure nei Mexrissey), nata inizial-
mente per omaggiare la leggenda
del mambo cubano Pérez Prado,
progetto rivelatosi “troppo di-
vertente per fermarsi lì”. E il
senso del divertimento pervade
ogni istante del quinto album del
gruppo, ricco di ospiti (tra i tanti
Joey Burns dei Calexico, Nick
Urata dei Devotchka, la spagnola
Amparo Sanchez, impegnata
in una efficacissima Boogaloo
Arizona), inglobando ranchera
e cumbia e mitigando l’effetto
“assembramento di ospiti” con
un fronte sonoro coesivo e com-
patto, al tempo stesso sfaccettato
nei suoi accenti, con momenti di
pura gioia orchestrale screziati
di exotica e chitarre twanging
come Me Dejo Llevar.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
70/100
INDIE
INDIE
CABLE TIES
FAR ENOUGH
MERGE
Band di quelle che spuntano fuori dal nulla, ma se
quel nulla è il territorio senza confini della magni-
fica Australia punk rock ecco che il nulla diventa
un gigantesco tutto. Il trio di Melbourne per il se-
condo disco trova sponda ideale nella Merge di Su-
perchunk e Bob Mould, nomi selezionati per nulla
casualmente nel vasto e ottimo catalogo della label di Chapel Hill,
per sparare una manciata di canzoni che arrivano dritte in mezzo
ai denti. La formazione a triangolo amplifica l’immediatezza e la
voce femminile rinvia in automatico il pensiero a Bikini Kill e alle
Sleater-Kinney più agitate e spigolose, mentre quando si cala la
carta del ritmo (il basso tondo e grasso di Lani) scatta l’automati-
smo Gossip.
79/100
A CURA DI ARTURO COMPAGNONI
COLD MEAT THE GREAT DIVIDES
HOT AND FLUSTERED FACE THE WORLD, AGAIN
STATIC SHOCK SPOILSPORT
Ancora Austra- A completare il
lia (Perth in tris di assi au-
questo caso), straliani arriva
ancora punk, la cassetta dei
ma con le lan- Great Divides,
cette spostate che se solo
più indietro rispetto a quelle fosse capitata sulla mia scri-
dei Cable Ties di cui sopra. vania in un momento meno
I Cold Meat esordiscono su negativo e pessimista di que-
album con dieci canzoni stiva- sto avrebbe di certo scippato
te in 23 minuti e spedite nelle la scelta del mese ai compa-
casse alla velocità di 45 giri trioti Cable Ties col suo jangle
al minuto per amplificarne se pop minimale e sotto traccia
possibile potenza e volume spartito tra Beat Happening
di fuoco. Punk del ‘77 a tratti e gli interi cataloghi di Sarah
declinato in chiave hardcore, Records e Flying Nun. A fine
roba che non stancherà mai. maggio arriva l’album.
67/100 75/100
THE LOVELY EGGS MASERATI
I AM MORON ENTER THE MIRROR
EGG TEMPORARY RESIDENCE LTD.
Sono solo in Giusto a fe-
due ma riesco- steggiare i due
decenni di
no comunque a
attività arriva
organizzare una
festa di quelle il nuovo album
che il giorno dei Maserati
dopo lasciano cerchi alla testa con la produzione di John
e vuoti di memoria. Lui dietro Congleton, vecchio pirata del
ai tamburi, lei ci mette voce post rock. Partendo dalle coor-
e chitarra, arrivano da Lan- dinate del genere i Maserati ne
caster e già sono transitati da mettono in piedi una interpre-
queste parti con l’album dello tazione riveduta e corretta che
scorso anno, This Is Eggland. per certi versi rimanda a una
Velocità di crociera costante- versione punk delle evoluzioni
mente sopra la media, incrocio electro moroderiane o a una
impossibile tra Yeah Yeah rivisitazione attuale di una
Yeahs e Carter The Unstop- soundtrack di Carpenter.
pable Sex Machine. 67/100
66/100
RUMOREMAG.COM | 69
RECENSIONI GLI ALBUM APRILE 2020

PANTHA DU PRINCE PASTOR PEEL DREAM MAGAZINE PHANTOGRAM

CONFERENCE OF TREES UNVEIL AGITPROP ALTERNA CEREMONY
MODERN RECORDINGS AUTOPRODUZIONE TOUGH LOVE CAROLINE

L’approccio “umano” ed emozio-
nante all’elettronica compiuto
dal musicista tedesco non viene
meno neanche in questo sesto
lavoro, che coglie lo spunto della
capacità di comunicazione fra
alberi per sperimentare con suoni
percussivi di strumenti in legno
(vedi Transparent Tickle Shining
Glace) o soluzioni ambient parti-
colarmente rarefatte. Quasi come
se il progressivo allontanarsi dal
computer per esplorare invece
le possibilità degli strumenti
acustici - qui anche xilofono e vio-
loncello - rappresentasse inoltre
per Hendrik Weber un’implicita
affermazione di attenzione per
l’ecosistema. Il beat si fa più insi-
stente solo in una Roots Making
Family che gioca con elementi
dub, prima di giungere alla strut-
tura complessa di The Crown
Territory e all’avvolgente melo-
dia minimalista di Pius In Tacet.
GIORGIO VALLETTA
78/100
L’omonimo debut album uscito
per la WCYT era un piccolo gio-
iello di reviviscenza Pentagram
occult doom. Poi Arik e Shardik
avevano scelto di tentare un’e-
splorazione nuova (tra Magma
e Earthless, semplifico brutal-
mente) con i Ryte. E ne è uscito
uno splendido disco per HPS.
Ma dopo questo, i Pastor non si
sono sciolti. Rieccoli infatti con
il nuovo album, che mostra una
consapevolezza molto più heavy
rispetto al precedente. E la co-
niuga con il meglio del rock blues
hard ’70, diciamo anche pre
heavy metal. Brani che ti inchio-
dano con il martellante riffera-
ma dei Judas Priest (Bone Dag-
ger, Obey) e i lancinanti heavy
blues dei Leaf Hound (Chaos Of
Age Rises). Ma il meglio non è
un loro brano originale, bensì la
cover dei texani ex Josefus Stone
Axe, Slave Of Fear (1971): puro
acid nightmare!
CLAUDIO SORGE
80/100
Il disco più stereolabico degli
ultimi tempi (se non di tutti i
tempi) lo pubblica Joe Stevens,
che alla seconda uscita in lungo
raccoglie per la prima volta una
vera e propria band sotto l’om-
brello Peel Dream Magazine,
conferendo respiro più ampio
e completo alle escursioni da
tinello del suo primo lavoro.
Gli Stereolab citati in forma e
spirito sono quelli di Peng! e
Switched On, quando ancora la
struttura lasciava trasparire in
controluce gli effetti indie pop
targati McCarthy, tra luccichii
di chitarre e voci diluite a volu-
me shoegaze, pressoché pari a
quello degli strumenti. In questo
contesto non paiono distanti
nemmeno certe cose dei Pale
Saints o le reiterazioni kraut pop
degli ultimi Spacemen 3: per
amanti del genere, genere che
del resto conta sempre estimato-
ri numerosi e fedeli.
ARTURO COMPAGNONI
72/100
Seguendo una traiettoria tutta
loro, piano piano i Phantogram
sono riusciti a mettere nella
stessa scatola l’impegnativissi-
ma etichetta di band sperimen-
tale newyorchese e il pop elet-
tronico più classico. Perdendo
via via le sovrastrutture trip hop
e andando ad abitare un mondo
dove i Chvrches imparano a
ballare come i Knife: un oscuro
campione sixties rimasticato alla
J Dilla apre Dear God, ad esem-
pio, come ricca di dinamicissime
storture è la base che Pedestal
lascia alla voce di Sarah Bartel.
Voce mai tanto malinconica
come qua, e d’altronde il richia-
mo del titolo dell’album al primo
singolo dei New Order fa il paio
con versi come “renderesti
amabile un ospedale”. Eppure,
e al netto di qualche passaggio
a vuoto, la drammatizzazione
del suono dei due è di quelle in
grado di garantire longevità.
FRANCESCO VIGNANI
69/100

THE UNIVERSE
INSIDE
ANTI- DREAM SYNDICATE
Il primo nome che viene in mente, all’ascolto di questo terzo
disco dei Dream Syndicate reloaded, è quello degli Wire. Non
per affinità sonore, anche se la band di Colin Newman è tra i
grandi amori di Steve Wynn. No, banalmente è che la reunion del
Sindacato ormai se la gioca con quella degli inglesi per il titolo
di miglior comeback di sempre. Perché tornare dovrebbe dire
soprattutto reinventarsi, scommettere su se stessi, dare un senso
positivo alla parola “invecchiare” (che implica varie cose tremende
ma anche il fatto di essere diventati musicisti migliori e dagli
orizzonti più ampi). Le carezze ai boomer con la lacrima pronta
appena parte Merritville le si tiene da parte per i concerti, che
alla luce di questo nuovo episodio immaginiamo saranno sempre
più free e dilatati. Ma se nuova musica deve essere, che lo sia sul
serio. Alcuni segnali erano rintracciabili sui due album precedenti,
ma qui si apre del tutto l’obbiettivo, si aumenta la profondità di
campo e si capisce che titoli come Put Some Miles On (Miles con
la maiuscola) non erano casuali. Un’ora di musica estratta da
una lunga jam in studio, quasi nessuna postproduzione e viaggi
assicurati. Chi avrebbe mai pensato di usare per i Syndicate
riferimenti come Sun Ra, Can, Fela Kuti, Heliocentrics, jazz
elettrico, afrobeat, avantgarde? Volendo citare un nome più in
zona Wynn si potrebbe dire Dirtmusic, ma qui si va pure oltre. Il
fatto è che questo non è un disco di “pezzi di Steve Wynn + band”
ma un vero lavoro di gruppo, con le tastiere di Chris Cacavas e i
fiati di Marcus Tenney decisivi tanto quanto le chitarre di Wynn e
di Jason Victor o la ritmica mai così compatta e motorik di Dennis
Duck e Mark Walton. Qui si va in orbita davvero, e il Paisley è solo
un puntino colorato laggiù sulla Terra. O nel passato.
CARLO BORDONE
90/100

70 | RUMOREMAG.COM

WAYNE PHOENIX
SOARING WAYNE PHOENIX
STORY THE EARTH
HALCYON VEIL
La trasfigurazione elettronica
di Mood introduce una voce
profonda e riflessiva. “Stanotte
canto la storia della mia vita
fino a qui”. Una delle uscite più
stranianti per l’etichetta di Rabit.
Brevi schegge di manipolazioni
ambientali, intrusioni di rumore
bianco, vocalismi processati
o brevi brandelli di racconto.
Come un diario di foto ingiallite
guardate attraverso l’occhio
incerto della memoria. D’altra
parte, dietro all’autore si cela un
misterioso pianista di formazio-
ne classica e produttore, che pare
abbia tenuto queste tracce nasco-
ste in un cassetto per una decina
d’anni. Come se l’abbandono
malinconico di Leyland Kirby
fosse calato fra gli abissi trip hop
del simulacro diafano di Tricky.
Fra i ritmi asincroni di Burn
False Messages e il commiato su
pianoforte terminale di Reserve.
MAURO FENOGLIO
73/100
LIDO PIMIENTA
MISS COLOMBIA
ANTI-
Lido Maria Pimienta Paz è nata
a Barraquilla, Colombia, quarta
città del paese e affaccio sul Mar
dei Caraibi, ma Toronto è la sua
attuale dimora. Il titolo è ispira-
to dalla gaffe di Steve Harley a
Miss Universo che premiò erro-
neamente invece di Miss Filip-
pine. La musicista e cantautrice
ha già da parte un Polaris Music
Prize (gli awards canadesi) come
miglior disco nel 2017 per La
Papessa. Questo terzo album
è un ibrido di storia, radici e
contaminazioni, dove la musica
della diaspora africana (Nigeria
e Congo) si insedia nelle zone
caraibiche della Colombia. L’a-
pertura a cappella cresce coi fiati
(Para Transcribir) e poi entrano
ritmiche sincopate insieme a
Li Saumet dei Bomba Estereo
(Nada). Un viaggio afrolatino
tra cumbia e champeta della
Colombia nera che guarda alla
contemporaneità sintetica.
NICHOLAS DAVID ALTEA
77/100
PIGS PIGS PIGS PIGS
PIGS PIGS PIGS
VISCERALS
ROCKET RECORDINGS
All’intersezione del trivio tra
Black Sabbath, Melvins e Cows
stanni i PigsX7 di Newcastle,
quintetto noise rock giunto al
suo terzo album con formula
pressoché invariata: un heavy
rock urlato e suonato con
estrema violenza e ottima
padronanza. Il prodotto è
ben confezionato e piacerà
tanto ai fan dei suoni AmRep,
quanto ai seguaci di certo
stoner rumoroso o ai cultori
di certi suoni britannici off di
molti anni fa (Milk, Terminal
Cheesecake). Ma questa sintesi
tra pigfuck e hard rock è
diventata nel corso degli ultimi
dieci anni troppo ricorrente.
Particolare curioso: il cantante
Matt Baty e il bassista John-
Michael Hedley suonano nella
band del genio avant folk
Richard Dawson.
ANDREA PREVIGNANO
60/100
PLONE
PUZZLEWOOD
GHOST BOX
Della scena retrofuturista fio-
rita a Birmingham negli anni
90 facevano parte nomi come
Broadcast e Pram ma anche i
Plone, autori di un album su
Warp nel 1999 e di un secondo
disco mai pubblicato. Il ritorno
del duo, Billy Bainbridge e Mike
Johnson, viene celebrato in
seno a quella Ghost Box che nel
suo DNA racchiude, spesso ben
visibile in catalogo, molto del
loro approccio strumentale gio-
cosamente pop, qualcosa a metà
strada tra i Cluster caramellati
di Zuckerzeit e Pop Corn di
Gershon Kinsley nella versione
degli Hot Butter. I nuovi brani,
registrati in momenti diversi
della lunga assenza, posseggono
tutti quanti un identico, infal-
libile istinto melodico, capace
di sagomare con miniaturistica
precisione, ricorrendo ad antichi
synth e gommosi groove, formi-
dabili gelatine di frutta musicali.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
80/100
BRAZIL
BRAZIL
ELZA SOARES
PLANETA FOME
DECK
Quando oltre 60 anni fa, vedova, povera e mal
vestita, partecipò a un concorso radiofonico e il
perplesso presentatore (il leggendario Ary Barroso)
le chiese da dove arrivava, rispose: “Dal pianeta
Fame”. Pochi minuti dopo era nata una stella. Ora,
giunta al 34esimo album, Elza ha ancora fame ma
di giustizia, rispetto, libertà e democrazia. Parole che non suonano
retoriche nel Brasile di oggi. L’album, prodotto da Rafael Ramos,
è musicalmente meno abrasivo del capolavoro del 2015 (A Mulher
Do Fim Do Mundo) e lascia più spazio a samba, soul, rap e rock. Un
manifesto politico rabbioso (i testi sono fondamentali) che la con-
ferma, in età da pensione, come il numero uno della musica brasi-
liana di oggi. Ospiti: BaianaSystem, BNegão e Virginia Rodriguez.
90/100
A CURA DI PAOLO BOGO
KIKO DINUCCI JALOO
RASTILHO FT (PT.1)
TRATORE ELEMESS
Con una chitar- Il cantautore/
ra acustica sfer- produttore
zante, il musici- paraense torna
sta (Metá Metá, con un album
Passo Torto) che, come sug-
omaggia Baden gerisce il titolo,
Powell, candomblé (Olodé in nasce del dialogo (anche sti-
lingua iorubá), samba e per- listico) con altri artisti. Ecco,
sonaggi scomodi del passato quindi, tra i tanti, la star del
(la cangaceira Dadá, il guerri- tecnobrega Gaby Amarantos,
gliero Marquito). Soprattutto, Céu e Diogo Strausz, Lucas
però, con ospiti come Ava Santtana (una cover stupenda
Rocha e Juçara Marçal, si di Cira, Regina e Nana), la
confronta col Brasile di Bol- drag queen Lia Clark e la dj
sonaro, in putrefazione come Badsista. Molte facce del pop
la frutta della copertina. Un accomunate da una profonda
album (“Miccia”) esplosivo. malinconia. Da applauso.
90/100 85/100
PÉLICO LIA DE ITAMACARÁ
QUEM ME VIU, QUEM ME VÊ CIRANDA SEM FIM
TRATORE SOMAX
Frutto di un Abbiamo ini-
crowdfunding ziato con una
che prometteva 89enne, finia-
anche camicie e mo con una
calze colorate, 76enne. Lia è la
serate in birre- “Regina della
ria e serenate, ecco il quinto ciranda”, la musica e la danza
album del cantautore di São del Pernambuco che avrebbe-
Paulo. Prodotti da Dudinha ro creato le donne in attesa del
e Régis Damasceno (Cidadão ritorno dei mariti pescatori.
Instigado), i dieci brani hanno Qua, prodotta da DJ Dolores
toni agrodolci e testi decisa- (tra i protagonisti del movi-
mente autobiografici, intrec- mento Manguebeat negli anni
ciati ad un pop romantico (e a 90), mescola tradizione e pre-
tratti psichedelico) e/o a mo- sente con freschezza, energia e
menti rock anni 70 che ricor- senza forzature. Come in Lua
dano Raul Seixas e Belchior. Ciranda o Desde Menina.
80 /100 80/100
RUMOREMAG.COM | 71
METAL

METAL

PORCHES POTTERY
RICKY MUSIC WELCOME TO BOBBY’S MOTEL
DOMINO PARTISAN
OZZY OSBOURNE
ORDINARY MAN È incidentalmente intonato I Pottery vengono da Montreal,
SONY all’assurda situazione che vivia- ma sono cresciuti con il mito
A suo modo, Ozzy si è inventato qualcosa di nuovo. mo da queste parti nei giorni in della New York di Television e
Come aver scelto sorprendentemente Post Malone cui viene pubblicato, il nuovo Talking Heads. Lo si intuì da
come produttore. Come aver chiesto a Elton John album di Porches: un lavoro tutto quando, lo scorso anno, lo stri-
di partecipare al disco. Come essersi portato Chad costruito – non incidentalmente dulo riff di Lady Solinas imitava
Smith nella sezione ritmica (che, per inciso, dà alla – su sentimenti contraddittori. la chitarra stralunata di Tom
musica di Ozzy una prospettiva più aperta). Per il È strano e appropriato ascoltarlo Verlaine. Lo si intuisce anche
resto ha scritto un ottimo disco di Heavy Metal ma su questo non mentre, dopo una vita passata oggi, con buona parte dei brani
avevamo dubbi. Un disco sincero, una lunga confessione ai fans, a decantare le meraviglie dell’a- che sembrano scossi dallo stesso
che sembra quasi un addio (ci auguriamo di no) ma che rimane socialità e dello “stare in casa is furore che faceva vibrare i pezzi
un ritorno molto lucido, che francamente non ci aspettavamo. the new uscire”, ci ritroviamo di Fear Of Music. Nel frattempo
78/100 costretti, e passiamo il tempo c’è stato il tour con i Parquet
tra euforia e protodepressione: Courts, dai quali hanno appreso
Ricky Music oscilla scientemen- la lezione di un art rock frenetico
te fra melodie malinconiche e attillato, su cui innestare la
appoggiate su ritmi ballabili e propria formula. Il risultato è un
viceversa, fra estasi e sonnolenza, album centrato sul ritmo. Un ge-
A CURA DI MARIO RUGGERI fra la sensazione di quando fai neratore di groove inarrestabili,
tappezzeria a una festa che aspet- micidiali percussioni esotiche e
tavi da mesi e quella di quando ti funky funambolici. Il tutto a ser-
CLOVEN HOOF H.E.A.T diverti da pazzi a una serata a cui vizio di anthems eleganti e sexy
AGE OF STEEL II non volevi proprio andare. Detto escursioni nella disco music più
PURE STEEL EAR MUSIC
con un verso (da Do U Wanna): psichedelica. Un lavoro che lascia
Classe di ferro. Appartengono “I’m so happy I could cry”. senza fiato, ma con grande stile.
È il caso di dirlo, di diritto a quel LETIZIA BOGNANNI DIEGO BALLANI
se pensiamo suono melo- 75/100 80/100
che i Cloven dic hard rock
Hoof sono in che, non mi
circolazione dal stancherò mai
1979 e che il loro The Opening di dirlo, è uno dei patrimoni
Ritual appartiene alla storia più importanti della storia
della NWOBHM. E dobbiamo hard rock degli ultimi 40
ammettere che, nonostante il anni. Nonostante i detrattori.
genere ormai calligrafico, la Gli H.E.A.T da sempre, ma
classe si sente ed emerge per soprattutto oggi, sono formi-
tutta la durata del disco. Puro dabili. Canzoni perfette e con
heavy metal antologico. un retaggio che va dai White- THE PROPER PURITY RING
70/100 snake ai Journey. ORNAMENTS WOMB
4AD
88/100 MISSION BELLS
TAPETE
C’era attesa per il ritorno del
Qualcosa si è insinuato nel duo electro pop canadese, come
progetto di James Hoare e Max in fondo è lecito che sia se trat-
Claps, una nube che aggiunge tiamo di gente il cui debutto
THE WILD! (Shrines, 2012) non è mai trop-
ECLIPSE STILL BELIEVE IN ROCK nuance oscure al loro songwri-
PARADIGM AND ROLL ting. Qualcosa che fa sfumare po citato quanto a evoluzione
FRONTIERS EONE le solari melodie di Waiting del genere nello scorso decen-
For The Summer e lo squillante nio. E Womb, arrivato a cinque
Se gli H.E.A.T Sanno come
jangle pop del classico Wooden anni dall’ultimo lavoro e dopo
rappresentano suonare e
Head in una caliginosa amal- una lunga collaborazione con
un vertice sanno come
gama di armonie West Coast in Katy Perry, è un po’ quello che
dell’hard rendere al
melodico, gli meglio il salsa wave. Mission Bells arriva capita quando i Chvrches ti han
Eclipse vanno rock’n’roll nove mesi dopo l’interlocuto- rubato il posto in fila alla cassa.
ben oltre. Perché all’hard di strada. Non sarebbero rio Six Lenins; nel frattempo Un lavoro complesso da digerire
melodico aggiungono stralci di diventati idoli incontrastati al gruppo si è unita Nathalie in un paio di ascolti: c’è l’ansia
heavy metal, a volte scorie di degli amanti del Classic Rock, Bruno, il cui profondo suono di del non riuscire a comunicare
sleaze d’autore e una capacità altrimenti. Tra AC/DC, Guns basso trasforma Downtown e (Rubyinsides), il volersi fare av-
autoriale meravigliosa. Viva N’ Roses, Nashville Pussy (a Broken Insect in plumbee rifles- volgere dalla luce in una cristal-
La Victoria è un brano epic/ tratti), Airbourne, ma con sioni metropolitane. Per il resto lina e soave Peacefall e momenti
hard melodico straordinario. una libertà nel suonare tre il nuovo lavoro riesce laddove il in cui i mattoncini cascano alla
Senza preconcetti: Paradigm accordi, che fa la differenza. precedente falliva, nel tentativo perfezione, come nella lucida
è un disco bellissimo. Suonano e graffiano. Tutto ciò di costruire un immaginario melodia vocale di Megan James
80/100 che il rock’n’roll chiede ai suoi sixties globale, in cui Barrett va per Vehemence. Pagando sem-
devoti. a braccetto con il folk di Crosby mai altrove la voglia di sovrac-
80/100 Stills & Nash e le ballate dei Vel- caricare, in inciampi di puro
vet Undergound si ammantano eccesso di ambizione.
di rarefatti tocchi cameristici. FRANCESCO VIGNANI
DIEGO BALLANI 74/100
72 | RUMOREMAG.COM 76/100
RECENSIONI GLI ALBUM APRILE 2020
NADIA REID
OUT OF MY PROVINCE
CAROLINE
C’è sempre bisogno di dischi
da viaggio come questo nuovo
lavoro della cantautrice ne-
ozelandese. Che abbiamo in
programma un coast to coast
capelli al vento in decappottabi-
le, o un giro del mondo virtuale
dal divano di casa, il morbido
e ricco folk della Reid saprà
accompagnarci come il migliore
dei compagni d’avventura: ami-
chevoli ma non invadenti, que-
sti dieci brani hanno il respiro
profondo e lo sguardo aperto
di chi ha il coraggio di lasciarsi
alle spalle le strade già battute
e le comfort zones per esplorare
nuovi – anche quando sono
ammantati di una piacevole
patina di antico – paesaggi mu-
sicali. Fuori dalla provincia c’è
tutto un mondo che vuol essere
esplorato. E certe volte non
è importante tanto il mezzo,
quanto la colonna sonora.
LETIZIA BOGNANNI
70/100
RON SEXSMITH
HERMITAGE
COOKING VINYL
Nuovo giro – siamo al 14esimo
in 25 anni – e stesso ritornello:
se in copertina di Hermitage ci
fosse un ragazzetto ben vestito
e non la zazzera spettinata del
canadese la corsa a gridare al
miracolo sarebbe da morti e
feriti. Lo sa anche lui, se pochi
anni fa si diceva stufo delle di-
namiche del settore. Ma almeno
qualcosa è rimasto, come la villa
alla Downton Abbey nell’Onta-
rio comprata coi risparmi di una
vita. E altro migliora ancora,
come l’abilità di scrivere quei
dischi in grado di chiuder fuori
i guai del mondo, solo adesso
con un po’ di grandeur in più e
qualche vena di malinconia in
meno. Con il Costello più ba-
charachiano e adulto a spingere
le consuete ballate per piano e
voce: il primo che dice che il pop
non è faccenda di artigianato gli
citofoni, una stanza ci dovrebbe
essere.
FRANCESCO VIGNANI
76/100
EXTREMA
EXTREMA
RUMER
NASHVILLE TEARS
COOKING VINYL
TETEMA
A 40 anni, la carriera di Rumer NECROSCAPE
non ha preso una piega ben IPECAC
definita. Dotata di una delle Compositore minimalista, ricercatore del suono,
voci più belle in assoluto del visionario dei campionamenti: Anthony Pateras.
pop contemporaneo, ha avuto Folle indagatore della musica, trasversale sino
successo ma non tanto quanto all’isteria, tra i pochi veri promotori di un’evolu-
meriterebbe, continuando zione concreta del metal moderno: Mike Patton.
a rimanere a mezza via tra Insieme, portano il progetto dei Tetema alla sua
l’ipotesi di diventare una Adele seconda fase. Necroscape è tanto interessante quanto difficile,
alternativa e lo stereotipo della pericoloso, a volte forse confusionario. Ma è un lavoro pieno di
Karen Carpenter 2.0. Il nuovo idee e di spunti. Il tema di fondo è la visione, l’applicazione è un
album conferma le qualità collage di canzoni che passano dalla deflagrazione di Paganini
della cantante inglese offrendo alla frammentazione di Madlib, dalla musica etno in sala horror
implicitamente anche una al country western schiacciato da tonnellate di Mr. Bungle. Affa-
possibile spiegazione di questa scinante e decisamente non per tutti.
incapacità di spiccare il volo. 74/100
Nel senso che le interpretazioni
vocali sono di altissima classe,
ma appunto quelle sono: A CURA DI MARIO RUGGERI
interpretazioni. In questo caso
di brani estratti dal repertorio di
Hugh Prestwood, autore di culto NAPALM DEATH WARBRINGER
a Nashville. Tre dischi di cover LOGIC RAVAGED BY FULL FORCE WEAPONS OF TOMORROW
su cinque in discografia non CENTURY MEDIA NAPALM
sono un po’ troppi, per quanto Annunciano Continuo a
piacevolissimi? il loro nuovo pensare che
CARLO BORDONE disco con un EP i Warbringer
68/100 che lascia intra- siano tra le mi-
vedere meravi- gliori espressio-
glie. Sì, perché ni della scena
i Napalm Death con Logic Ra- neo thrash che negli ultimi
vaged dimostrano di aprirsi anni non si sta risparmiando
ulteriormente, incanalando un colpo. Californiani (e si
anche strutture vicine ai Sonic sente) hanno una lucidità
Youth (seppur tradotte nel nel raccogliere l’eredità del
consueto diluvio sonoro). Dei primo thrash metal, che lascia
quali, non a caso, interpretano stupiti. Ancora una volta, bra-
SHABAZZ PALACES White Kross. Aspettiamoci un vissimi.
THE DON OF DIAMOND DREAMS
grande album. 83/100
SUB POP
79/100
Due anni dopo il colossal in
due volumi Quazarz, il duo di
Seattle torna nello spazio con
la sua astronave afro futurista.
La potenza del motore sca-
EGESTAS TESTAMENT
turisce da una combinazione OLTRE LE ROVINE TITANS OF CREATION
killer, il perfetto equilibrio tra TERAPIA INTENSIVA NUCLEAR BLAST
la tendenza a volare nel cosmo
Da Bologna, la Dovendo spie-
con sintetizzatori, voce, testi e
prova evidente gare parte del
portamento à la Sun Ra e la mi- thrash america-
che in ambito
cidiale aderenza al suolo garan- no, dovremmo
hardcore (ed
tita da bassi, groove, funk, trip evoluzioni har- necessariamen-
hop, batteria di impatto fisico dcore) l’Italia te partire dal
e diretto. Immaginate il fisico è da 40 anni uno dei paesi di suono e dalla struttura musi-
di Kobe Bryant governato dalla riferimento. Un incrocio di cale dei Testament che anche
mente di Jean-Michel Basquiat, hardcore, crust, punk, spesso in Titans Of Creation dimo-
con la differenza che il genio ai confini con il grind, asso- strano non solo di aver contri-
trasversale di Ishmael Butler lutamente entusiasmante. buito a inventare un genere,
e la versatilità strumentale e Quadratissimi ma soprattutto ma anche di saperlo tenere in
digitale di Tendai Maraire sono, implacabili e feroci. vita splendidamente.
almeno loro, vivi e vegeti. Le 80/100 82/100
dieci tracce meritano di essere
ascoltate tutte in fila, a com-
porre un itinerario che sfocia
nella lunga Reg Walks By The
Looking Glass, quasi soul.
PAOLO FERRARI
83/100
RUMOREMAG.COM | 73
BEATS

BEATS

SHOPPING SKY VALLEY MISTRESS

ALL OR NOTHING FAITHLESS RITUALS
FAT CAT NEW HEAVY SOUNDS
JAMIE 3:26
A TASTE OF CHICAGO Gli Shopping non hanno perso I quattro teppisti punk di
BBE la loro affilata lama post punk. Blackburn guidati dalla instabile
Con sette edit da lui firmati, Jamie Watson realizza Sono sempre ligi al loro dovere Kailey “Hell Kitten” Davies sono
un preziosissimo tributo alla nativa Chicago e alla sua ma, a differenza del loro passa- andati ad incidere fino ai Rancho
scena dance, attraversando ben cinque decenni di to, c’è un’intenzione diversa. Lo De La luna, dove Dave Catching
produzioni underground. La scaletta di questa raccol- dice perfino il titolo: “Tutto o ha disposto per loro le cose. E
ta di rielaborazioni infatti abbraccia un arco tempo- niente”. Era arrivato il momento infatti tutti a parlare di stoner e
rale che parte dal funk anni 70 dei Calendar, oscura di rischiare maggiormente, di desert rock. In realtà non è pro-
band del New Jersey la cui Comin’ On Strong qui inclusa divenne un aprire i suoni per cercare di fare prio così. Per attitudine glam,
classico di culto nei club di Chi-Town. Per attraversare l’electro metà un passo avanti col rischio di es- e per una certa provocazione
anni 80 di Quest, la protohouse minimale di Chip E e del duo Jungle sere la brutta copia di loro stessi. punk, direi che quest’album può
Wonz, di cui faceva parte il pioniere Marshall Jefferson. Fino a giun- L’asciutto post punk minimale essere paragonato a una ver-
gere al recente e spettacolare groove jazzy del collettivo BSTC – non sfuma mantenendo una sua sione un filo più selvaggia degli
sorpende che la travolgente quanto raffinata Venus & Mars sia posta marzialità tipica, tanto che torna Starcrawler dell’efebica Arrow
in apertura - e al curioso ibrido afro/tech house di Mighty Science, a in mente una misconosciuta De Wilde. Senza troppi giri di
provare come il circuito dei club della città sia ancora vitale. band neozelandese del periodo parole: rock’n’roll pesantemente
84/100 NME anni Zero: gli Operator influenzato dagli Stooges (You
Please. Il trio angloscozzese, Got Nothin’ è una semi TV Eye
A CURA DI GIORGIO VALLETTA sempre fedele a B-52s e figli mi- svillaneggiata). Lost In Shock
nori, incorpora la componente e Punk Song sono altri titoli si-
THE EMPEROR disco punk che aiuta a rifiatare gnificativi. Ma c’è anche onesta-
EARTH TRAX MACHINE dai ritmi iper serrati (Follow mente l’impronta desert. Meglio,
LP1 MUSIC NOT SAFARI Me). Riff appuntiti scandiscono blues: ad esempio in un brano
SHALL NOT FADE SKINT le direzioni per spingere verso il come Blue Desert. E questa cosa
Il polacco Bar- I detrattori synth post punk (For Your Plea- andrà approfondita in futuro.
tosz Kruczyński potrebbero sure). Operazione riuscita. CLAUDIO SORGE
si distingue per sostenere che NICHOLAS DAVID ALTEA 77/100
la malinconica fa sempre la 74/100
eleganza che stessa cosa, ma
applica ai suoi Andy Meecham
groove, che si tratti di break- la fa sempre
beat, acid, ambient, techno o bene e con personalità, sin
deep house. Esemplare l’eu- dai tempi dei Chicken Lips.
foria trance virata in spleen Nel quinto album sotto questo
in Adhocracy, e se a fare da alias, è incontestabile la sua
estemporaneo contrappeso c’è competenza nel confezionare
l’energico incedere da rave di groove fra electro e disco,
Full Throttle, la robotica Co- con un utilizzo creativo SMOKE MOUNTAIN SONIKKU
pies Of Copies arriva a riferirsi dei synth nel disegnarne le QUEEN OF SIN JOYFUL DEATH
esplicitamente a certa cold melodie, talvolta “cosmiche” ARGONAUTA BELLA UNION
wave d’epoca. e psichedeliche, come qui
80/100 accade in House Des Lowe. Da un umido garage della Gli intrecci elettronici da dan-
70/100 Florida arriva questa band cefloor fortemente impregnati
al suo debutto discografico. di pop che allestiscono le trame
Capitanata dalla “regina del di questo nuovo lavoro su lunga
peccato” Sarah Pitt, che mugola distanza del DJ e produttore
OMAR-S YUKSEK
YOU WANT NOSSO RITMO
frustando l’ascoltatore tra noia inglese mostrano le intenzioni
FXHE PARTYFINE e disgusto, gli Smoke Mountain dell’artista di distaccarsi in
hanno un tiro grossolanamente parte da quanto fatto fino a
Ormai da un I toni spensie-
fuzz, dall’andamento ipnotico. questo momento, cercando con-
paio di decenni rati del quarto
Stoner doom fuzz allo stato forto in una dimensione quasi
solida e affida- album di Pier-
brado. Alla fine: rovinoso cantautorale, come dimostra il
bile realtà della re-Alexandre
house music Busson appaio- rock’n’roll vintage. Tipo che singolo Remember To Forget
detroitiana, no nettamente brani come Touch Of The Sun Me, interpretato dal cantante e
Alex “Omar” Smith firma in contrasto con il clima e Devil Woman sembrano ten- attore Chester Lockhart e scritto
un sesto album senza picchi generale, ma ciò non vuol dire tativi di adolescenti alle prime con Douglas Dare, che lo rein-
particolari ma che conferma che al produttore francese non armi di imitare i Black Sabbath terpreta in chiusura del disco in
l’ottimo livello medio della sua vada riconosciuta la capacità in un garage. Roba a prima versione piano e voce, metten-
produzione, fra le escursioni di realizzare tracce funzionali vista dilettantesca, ma i riff e do così a nudo la scrittura più
soul di brani come Second al dancefloor e di discreta la voce sono molto particolari introspettiva tentata da Tony
Life, il gustoso pianoforte fantasia. Con un’attenzione e invasivi, compenetrandosi Donson tra queste tracce. Se lo
di Ian Finkelstein in That’s speciale ai colori del Brasile: magnificamente in un’atmosfe- scheletro dei pezzi nasce quindi
Lil’ Boy e l’omaggio a French vedi l’inaugurale e morbida ra rock’n’roll/blues decadente. da più morbide idee pop e i testi
Kiss – classico di Lil’ Louis - in Do Bejio o il divertente svolgi- Midnight Woman sembra esse- da riflessioni più personali, le
This Love Is 4 Real. mento acid di Mais Kriola. re stata scritta nel 1971; I Walk musiche restano fortemente
82/100 72/100 Alone dai primi Stooges in ver- ballabili e ispirate soprattutto
sione... liturgica. E Deathproof, all’estetica disco degli anni 80.
pensate, ha l’handclapping! DORIANA TOZZI
CLAUDIO SORGE 70/100
74 | RUMOREMAG.COM 80/100
RECENSIONI GLI ALBUM APRILE 2020

SOPOR AETERNUS SORRY STEVE SPACEK THE STROKES

& THE ENSEMBLE 925 HOUSES THE NEW ABNORMAL
OF SHADOWS DOMINO BLACK FOCUS SONY

ISLAND OF THE DEAD

TRISOL
È indubbio che la parentesi, o
meglio la rilettura, in chiave post
punk e deathrock del precedente
Death & Flamingos, permette
oggi alla cara Anna-Varney Can-
todea di riadattare e aggiornare,
con più ampia e libera ispirazio-
ne, il tema gotico neoclassico del
suo originario incedere romanti-
co e cinematico. In quest’ultimo
aspetto infatti, Island Of The
Dead accede nuovamente alla
coloritura tragica che tanto fece
grande l’epopea poeiana di Dead
Lovers’ Sarabande (lo s’intenda
anche rispetto alla rifinitura
armonica degli archi). Brani
come DeathHouse, Nightbreed
o Poison, poi, proseguono con
estro e ispirazione nel solco
electro dark wave ricavato dalle
sinergie produttive con John A.
Rivers.
STEFANO MORELLI
78/100
Olismo: “Teoria biologica gene-
rale secondo la quale le manife-
stazioni vitali degli organismi
devono essere interpretate sulla
base delle interrelazioni e delle
interdipendenze funzionali tra
le parti che compongono l’indi-
viduo, il quale nel suo complesso
presenta caratteristiche proprie,
non riconducibili alla somma
delle sue parti”. Il “pop olistico”,
così amano definire la loro musi-
ca Asha Lorenz e Louis O’Bryen,
cuore e cervello dei Sorry, do-
vrebbe essere dunque un’entità
non riducibile alla mera somma
dei suoi elementi. Ed è proprio
così: si può provare a smontare
questo debutto per isolarne le
componenti indie, lo-fi, brit, ga-
rage, neo grunge, electro, dream
pop, shoegaze, urban, nu soul,
punk, ma a che pro? È nel suo
complesso che 925 diventa un
organismo vivo e vitale.
LETIZIA BOGNANNI
80/100
Come già accaduto in occasione
di alcuni suoi recenti capitoli
discografici, anche il nuovo
album del veterano della scena
underground britannica è stato
composto esclusivamente per
mezzo di app sull’iPhone e iPad.
La resa sonora non ne risente
affatto, come del resto la sua
vena creativa, sempre eccentrica
rispetto ai sentieri più battuti
dall’elettronica da ballo odier-
na. Già, perché sono i ritmi da
ballare a essere il fulcro dell’at-
tenzione di Houses, a partire
dal future soul proposto nella
sincopata Rawl Aredo. Per pro-
seguire con la più classica deep
house di scuola Larry Heard,
evocata sulla pulsante linea di
basso di Waiting 4 You, mentre
Where We Go allude al suono
broken beat di inizio millennio.
Forse manca la vera sorpresa,
ma anche qui la sua bravura non
è mai in discussione.
GIORGIO VALLETTA
74/100
Che questo fosse un buon anno
per gli Strokes lo si poteva in-
tuire da tanti fattori, alcuni dei
quali non dipendono neppure
dallo stato di salute dei newyor-
kesi. I (quasi) 20 anni dall’e-
sordio e la prolungata assenza
dalle scene hanno fatto in modo
che per loro ci fosse un pubbli-
co in attesa. Per capitalizzare
questa attenzione non hanno
dovuto fare molto. È bastato
riagguantare qualche riff dei
tempi di Room On Fire e met-
tere in bella calligrafia la solita
passione di Casablancas per il
synth pop degli ‘80. Tutto que-
sto, insieme a melodie vincenti
come quella di Brooklyn Bridge
To Chorus e al romanticismo
maturo di Selfless, garantiscono
alla band l’album più solido da
almeno tre lustri. Peccato solo
che la rivoluzione retrofuturista
prefigurata dal singolo To The
Door resti in larga parte tradita.
DIEGO BALLANI
75/100

THE BOBBY LEES SKIN SUIT

ALIVE NATURALSOUND

Non c’è da stupirsi che uno come Jon Spencer sia andato fuori
di testa per i Bobby Lees. Gli hanno ricordato probabilmente
l’anarchia selvaggia dei Pussy Galore. È successo infatti che i Lees
suonassero una sera prima di lui per convincerlo subito a produrre
il loro secondo album. E così è stato. Il primo, Beauty Pageant,
uscito autoprodotto l’anno scorso, non se l’era filato nessuno. Una
perfetta fusione di roots/r’n’r e punk rock. Tipo che ci sono almeno
due brani dove si può immaginare una Janis Joplin di 17 anni che
canta negli Avengers al posto di Penelope Houston. Ora siamo al
secondo capitolo con Jon Spencer dietro le quinte. E non abbiamo
ancora parlato di Sam Quartin, la snodata, selvaggia vocalist che
scrive i brani dei Bobby Lees e si agita e strepita come un’invasata.
I personaggi delle loro canzoni sono tipi psichicamente instabili,
che si spostano di qui e di là per un’America rurale, e attraverso il
deserto, e fanno cose che è un eufemismo definire strane. Ranch
Baby, Riddle Daddy, Russell: davvero un’infame galleria di
depressi natural born killers. La musica è roba da due riff. Accordi
punk rock stremati e blues primitivo. Rispetto al precedente
album, grazie anche a Jon Spencer, i Bobby Lees danno una spinta
ulteriore alla loro folle energia. Tipo che Move e Redroom sono
le più ispide e taglienti, le più vicine ai Pussy Galore. E me ne
accorgo ora: hanno anche un batterista, Macky Bowman, che è
un vero fenomeno. Skin Suit si chiude con uno straziante R&B da
border, The Last Song. Ma c’è una doppia chiusura, in realtà, che
riassume tutto quello che sono i Bobby Lees: due cover, Blank
Generation di Richard Hell e I’m A Man di Muddy Waters.
E con questo è detto tutto.
CLAUDIO SORGE
81/100

RUMOREMAG.COM | 75
WEIRD RNR

WEIRD RNR

TAMIKREST MARIA TERIAEVA

TAMOTAÏT CONSERVATORY OF FLOWERS
GLITTERBEAT HIDDEN HARMONY
FLAT WORMS
ANTARCTICA In lingua Tamasheq Tamotaït Sembra davvero di sentire i fiori
GOD?/DRAG CITY significa all’incirca “speranza che sbocciano, ancor prima di
Tim Hellman viene dal giro giusto di Sic Alps e di un cambiamento positivo” sapere che Conservatory Of
Oh Sees. Non per niente il primo album dei suoi e quello è esattamente ciò che Flowers è stato composto d’e-
Flat Worms è stato pubblicato dalla Castle Face esprime la musica contenuta state in una dacia fuori Mosca,
di John Dwyer. Per il bis entra in un altro giro all’interno di questo disco, nel evidentemente influenzato
giust(issim)o, quello di Ty Segall che assieme quale la radicata e persistente dall’ambiente circostante. Un po’
Steve Albini ha registrato e missato Antarcti- malinconia dell’esilio si apre al colonna sonora di un documen-
ca. Con Tim ci sono il nervoso batterista Justin Sullivan e il mondo, ariosa e corale, come tario sulla natura e un po’ diver-
chitarrista (nonché cantante in capo) Will Ivy, titolare di un mai in precedenza. In termini tissement pop minimalista, il
delizioso album solista indie rock. Il post punk e la psichedelia strettamente musicali Tamotaït secondo album della produttrice
disfunzionale del trio di Los Angeles rispecchiano l’alienazione è probabilmente l’album più siberiana è una gioia per le orec-
dei nostri tempi, tipo quella da social media sfiorata nei testi. maturo e completo della band chie. Fondato sull’uso percussivo
Musicalmente vanno come una slitta trainata sulla neve da tuareg, perfetta sintesi di intimi- di microsuoni da sintetizzatore
husky siberiani. Dritti e sicuri, anche quando rallentano nella smo e desert rock sahariano, con modulare, con interventi di
title track. Da vedere live. apici di suggestione in Timtarin, tromba, sax, violoncello, flauto e
75/100 i cui circolari disegni di chitarra voci, ha la forma di otto (quasi)
levitano alimentati dal pathos canzoni dolci e giocose, tanto
A CURA DI MANUEL GRAZIANI vocale dell’ospite Hindi Zahra, spontanee quanto curate nella
e nel finale della droneggiante scrittura: il cantato straniante di
Tabsit, registrata con musicisti Spritz, la melodia struggente di
FOSTER CARE GINO AND THE GOONS – e strumenti tradizionali – giap- How Are You Feeling, le palpi-
EL ABUSO OFF THE RAILS ponesi. Un’ascensione che passa tazioni di Paris Texas e A Sunlit
TOTAL PUNK PBIG NECK però anche dai terrigni riff dell’i- Room. La nona è un bel remix
Dell’hardcore Il quinto album naugurale Awnafin e di Ahna house obliquo di Spritz, a cura
si parla, e si del gruppo di Achal Wad Nambda. della giapponese Sapphire Slows.
scrive, sempre Gino Bambino ALESSANDRO BESSELVA AVERAME ANDREA POMINI
meno eppure è il solito 80/100 81/100
sono interes- polpettone di
santi le derive primitive r’n’r
r’n’r lo-fi machismo free che rosolato nella bassa fedeltà.
arrivano dagli States. Pren- Il pallido Chuck Berry di
diamo questi newyorkesi, Tampa gode, e ci fa godere,
non così distanti dai vecchi e sputacchiando punk sul
dimenticati concittadini Sur- rolling blues degli anni 50
gery, che corrono a perdifiato e 60. I Goons non sono solo
nel grigiore buio della Subway una party band (Ratrod) ma
della Grande Mela. Nei pezzi anche l’anello di congiunzione THUNDERCAT TIME IS FIRE
più lenti e noise come Staring tra la cazzonaggine dei IT IS WHAT IT IS IN PIECES
BRAINFEEDER ELECTRIC COWBELL
At The Bag sono in tutto e per Supercharger e la ferocia dei
tutto Amphetamine Reptile. primi Mudhoney (On My Way,
Quarta tappa di Thundercat Un tuffo nel funk punk di inizio
71/100 Walk The Hog).
nel suo viaggio partito dalla millennio, versione Washin-
73/100 galassia jazz/soul/funk per ap- gton, DC. Senza parentele con
prodare a un mix assolutamente il giro Dischord (il batterista
originale e contemporaneo già Jim Thomson negli anni 80 ha
OUTTACONTROLLER WHITE PAGODA
SURE THING DOOM SAFARI
diventato un marchio. Dal fal- suonato con Gwar e Alter Nati-
ALIEN SNATCH! SCATTI VORTICOSI setto etereo all’approccio afro- ves, oscura band SST, mentre il
futurista passando per alcuni chitarrista Jeff Barsky è attivo
Bastano i Non conosco
assoli esaltanti, It Is What It Is anche come Insect Factory) ma
tre minuti di altri gruppi che
conferma che il losangelino è un prodotto da Brendan Canty, il
Operator per citano i Mar-
talento unico che sta segnando quintetto della capitale impres-
capire che oltre ked Men tra le
le gambe e i loro influenze. un’epoca. Al suo fianco c’è sem- siona per energia, coesione e
Ramones c’è Solo per questo pre Flying Lotus e non mancano chiarezza di intenti. Sa andare
di più. Hüsker Dü e Cloud ai WP va stretta la mano. Le ospiti di assoluto rilievo, su spedito fra chitarre affilate
Nothings, tipo. Il nuovo album armonizzazioni vocali e la ri- tutti Louis Cole e la sua batteria e casse dritte, ma sa anche
dei canadesi è il foulard che cerca del ritornello killer sono irrequieta nel “chiaroscuro” accartocciarsi su ritmi stortis-
stringi al collo per la cervicale. apprezzabili tanto quanto frenetico di I Love Louis Cole e simi (Didn’t See It Coming),
Il power pop autunnale, e per pericolosi per chi suona power Ty Dolla $ign che alza il livello combinare tempi medi e dub
certi versi emo (Hurry Up pop punk. Gli aretini si spin- di eleganza in Fair Chance. implacabile (l’ottima Rivers),
And Wait), nuota agile nella gono fino al limite, ma sanno Ma stiamo sorvolando su Steve sudare nervoso art rock e anche
placenta della media fedeltà. fermarsi sempre prima che Arrington e Childish Gambino, rilassarsi, ma mai del tutto.
Forse non ce n’era ‘sto gran sia troppo tardi. Ariosi e orec- per dire... Più che un “semplice” L’approccio un po’ teatrale e
bisogno (Don’t Need It) ma è chiabili. Fossimo nel 1980 Girl virtuoso del basso, Thundercat istrionico del cantante irania-
un piacere, come metter su un You Want sarebbe una hit. è un artista che sta innovando no Kamyar Arsani alla lunga
foulard. 72/100 l’universo sonoro black in ma- appesantisce, ma i suoi testi di
74/100 niera elettrizzante. protesta e antiautoritarismo
LUCA GRICINELLA compensano.
89/100 ANDREA POMINI
76 | RUMOREMAG.COM 78/100
RECENSIONI GLI ALBUM APRILE 2020
TOKIMONSTA
OASIS NOCTURNO
YOUNG ART
Dopo il recupero dalla rara ma-
lattia che le ha fatto rischiare la
vita, torna Jennifer Lee. Prima
produttrice donna del vivaio di
Flying Lotus e collaboratrice di
tanti, da Anderson Paak a Jessie
Ware. Il suo quarto album (se-
condo autoprodotto) è un inno
alla notte, come rifugio dalle
ansie del giorno. Una vetrina di
confidente e patinata eleganza,
che viaggia di crociera con con-
tributi vocali vari. Dal pop di
One Day, insieme alle compagne
di giochi, Bibi Bourelly e Jean
Deaux, ai velluti house spruzzati
acid di Get Me Some, con Drew
Love e Dumfoundead. L’incur-
sione urban di Fried For The
Night, con gli Earthgang e quel-
la latina di Phases con Sunni
Colón. La didascalia downtempo
di Come And Go e la riuscita ca-
rezza neo soul di Higher Hopes
(con la voce di Rosehardt) ren-
dono tenera la notte.
MAURO FENOGLIO
64/100
WAX MACHINE
EARTHSONG OF SILENCE
BEYOND BEYOND IS BEYOND
Un nuovo tassello nell’impecca-
bile percorso psichedelico della
newyorkese Beyond Beyond Is
Beyond (nome programmatico
se mai ce n’è stato uno), a cura
stavolta di una tipica combric-
cola freak britannica, che pare
uscita dalla macchina del tempo.
Due uomini e due donne, fondati
e guidati dal chitarrista e can-
tante di origini brasiliano/ita-
liane Lau Ro, i Wax Machine ar-
rivano da una lunga serie di file
e CD autoprodotti, dove hanno
perfezionato la loro pozione a
base di folk stralunato, jazz/funk
spirituale, spensieratezza tropi-
calista e solido rock psichedelico
con piedi da entrambe le parti
dell’Atlantico. Nei 40 minuti di
Earthsong Of Silence quella po-
zione sale, lenta e senza scampo,
fra melodie di flauto e groove
da capelli al vento, stordente:
sentire roba come Sun Dance e
Turiya per credere.
ANDREA POMINI
84/100
TRICOT
MAKKURO (真っ黒, BLACK)
CUTTING EDGE
Partiamo dalla cover: non ci
siamo sbagliati, è proprio un
quadrato nero, tanto che il titolo
del disco, Makkuro, significa
esattamente “buio pesto” o
“completamente buio”. Le Tri-
cot sono una band math rock
giapponese di Kyoto formata da
quattro ragazze con all’attivo
tre album e un’etichetta fondata
da loro, la Bakuretsu. Non sono
nuove in Europa, già nel 2017 il
loro album 3 uscì per Big Scary
Monster nel nostro continente e
Topshelf oltreoceano. Alternati-
ve post hc nell’attacco dell’aper-
tura del disco, fino a un math pop
che gioca sulla voce pulitissima
di Ikumi “Ikkyu” Nakajima, per
esplodere in ritmiche isteriche.
Un’idea di rock millimetrico,
sincopato che guarda all’indie
pop rock totalmente non lineare,
frammentato e incontenibile. Un
poco straniante, ma col calma si
entra nel loro mondo.
NICHOLAS DAVID ALTEA
71/100
WILSEN
RUINER
SECRETLY CANADIAN/DALLIANCE
Dopo la calma controllata di I
Go Missing In My Sleep (2017)
qualcuno si sarebbe aspettato
un grande salto. Vedremo.
Intanto Ruiner mette in gioco
anche i muscoli affusolati della
band di Brooklyn. La natura-
lezza sprigionata è miele per
i golosi di belle sensazioni di
folk sognante. Feeling Fancy
scivola verso il dream pop
etereo, solido e ammaliante
come la voce di Tamsin Wilson.
Atmosfere perfettamente equi-
librate (Align), senza strappi
ma con esperti giochi di suoni
pieni e vuoti come in Fuse. È
un peccato che dalla scia della
popolarità dei Daughter non
siano stati travolti anche i
Wilsen. Ci sono vincitori e non
vincitori, ma nessun perden-
te. Un disco così dovrebbero
prescriverlo i dottori: due volte
al giorno, appena svegli e prima
di andare a dormire. Staremmo
tutti meglio.
NICHOLAS DAVID ALTEA
83/100
VIVIANKRIST
CROSS MODULATION
BOOTLEG REMIXES
RITUAL PRODUCTIONS
Ho sempre pensato che il fascino
claustrofobico delle Galhammer
fosse racchiuso nel sintetico,
bombastico, minimale suono del
basso. Come se dentro quello
si riassumesse il tutto del trio
giapponese. E il basso lo suona-
va Vivian Slaughter. Dopo un
lungo periodo di silenzio seguito
allo scioglimento delle Galham-
mer, Vivian si è trasmutata in
Viviankrist esordendo con un
proprio album per RP, Cross
Modulation. Di cui questo nuovo
rimixaggio, Bootleg Remixes, ne
ritrasforma totalmente i suoni
e i connotati. Composizioni su
impro electro analogiche. Di-
stese di ghiaccio. Illuminazioni
accecanti. E un invisibile manto
abstract doom a calare su tutto.
Ai remix ci ha lavorato gente
come Justin Broadrick, Adam
Richardson, Andrew Liles, Ri-
chard Russell, Robert Hampson.
CLAUDIO SORGE
81/100
WINDY & CARL
ALLEGIANCE AND CONVICTION
KRANKY
Raggiunti i massimi livelli
evanescenza del loro post rock
rarefatto con l’album We Will
Always Be (2012), ultimo lavoro
su Kranky prima di un periodo
di riflessione e sporadiche uscite
indipendenti su Blue Flea, Carl
Hultgren e Windy Weber, espo-
nenti autorevolissimi dell’am-
bient estremo, tornano con un
lavoro che segna vette altissime
di estasi rumorosa. Ben più as-
sertiva - fin dal titolo: Allegiance
And Conviction (fedeltà e con-
vinzione) - rispetto a ogni altra
loro prova, questa raccolta di
canzoni aggredisce fin da subito.
I ben dosati interventi vocali di
Weber hanno dignità narrativa
e fanno da credibile contraltare
all’oceano di distorsione, crack-
le, riverberi, e arpeggi affioranti
di Hultgren, in un ideale incon-
tro tra la musica evocativa di
Caretaker e la vibrante poesia
dei Low.
ANDREA PREVIGNANO
80/100
M. WARD
MIGRATION STORIES
ANTI-
Dice Ward di essersi trovato
in tour fra USA ed Europa a
fine 2018 e aver passato ore a
interessarsi e leggere articoli
sui racconti dei migranti fino a
trovarvi delle linee comuni. “Le
uniche cose che cambiano sono
i nomi dei potenti e di quelli
senza potere”, tanto per usare
la sua sintesi. La stessa di un
disco dove tutto pare muoversi
al rallentatore, all’ombra di lune
tutto meno che benedicenti, per
quanto brani come Heaven’s
Nail And Hammer richiamino
il Neil Young di Harvest Moon.
Con la solitudine da Roy Orbi-
son di Indipendent Man a far da
contraltare all’attimo di pace di
Unreal City, perso fra ricordi di
famiglia, camminate all’ombra
di muri insuperabili e tanto, tan-
tissimo Real Silence: disco tutto
di lima, tanto dal punto di vista
sonoro quanto di quello della
costruzione retorica.
FRANCESCO VIGNANI
80/100
WUW
RÉTABLIR L’ETERNITÉ
PROSTHETIC
È stato l’incontro tra i fratelli
parigini Benjamin e Guillame
Colin e Bruce Lamont degli
Yakuza a dare vita ad uno dei
più importanti episodi di spe-
rimentazione drone partoriti
in Francia. Parigi che brucia.
Parigi che s’immerge nella notte
e immagina l’abisso. Parigi che
guarda in alto e cerca l’eternità.
La sperimentazione dei WuW è
tutta rivolta alla ricostruzione
di suoni eterni, con strumenti
“rubati” alle tradizioni sacre
antiche. Tutto ovviamente
tradotto con un linguaggio che
oggi potremmo chiamare post
drone. Anche se i WuW dimo-
strano a tratti una sensibilità
cosmic psycho. Vaga. Leggera.
Rarefatta. Ma c’è. Un disco de-
cisamente interessante il loro.
MARIO RUGGERI
78/100
RUMOREMAG.COM | 77
RECENSIONI IN BREVE APRILE 2020

AA.VV. AD INFINITUM BRASS OWL CROWD COMPANY

ATHENS UHD CHAPTER 1 STATE OF MIND LOWDOWN
TRIAL & ERROR NAPALM BRASS OWL MUSIC VINTAGE LEAGUE MUSIC

In 15 brani, Ci sarebbe Da Cincin- La band

un’interes- da porre un nati, rock britannica,
sante rico- freno (o un blues ame- ora al terzo
gnizione sui definitivo ricano doc. album, ha
sotterranei taglio) all’e- Brass Owl è un approc-
techno ate- sondazione un trio che cio tradi-
niesi. Scena di gruppi suona in zionalista al
vivissima, a gotico me- modo suda- suono soul/
giudicare dai 70 minuti in que- lodici che prima ancora degli to e pesante, attingendo a varie funk, rielaborandone anche
stione; animata da personalità Evanescence, ma soprattutto fonti, meglio, assomigliando, qui le forme più prevedibili del
distinte, ma unita da affinità dopo, hanno fatto parecchi non attingendo - che si chiama- periodo fra i tardi anni 60 e i
sonore evidenti. Una pulsazione danni. Gli Ad Infinitum non no di volta in volta Gov’t Mule, ‘70. Fiati, chitarre scattanti e
molto scura e contemporanea hanno veramente ragione di esi- per un certo accento southern avvolgenti Hammond orche-
che traffica con ritmi spezza- stere. Sembrano la brutta copia e, sempre per un certo southern strati in maniera senza dubbio
ti, attitudine dub, influenze di un gothic metal venuto male. flavor, ma da un’angolazione ineccepibile da questo punto
orientali e trame ambient spe- MARIO RUGGERI più hardcore, Corrosion Of di vista, ma con tutto quel che
rimentali. Bonebrokk, Dervisis, 40/100 Conformity. Talvolta si ingarbu- sta uscendo dischi come questo
NatCase e MarcelDune alcuni gliano un po’, ma il feeling deep corrono il rischio di risultare
dei nomi da segnare. south è autentico. superflui.
ANDREA POMINI CLAUDIO SORGE GIORGIO VALLETTA
79/100 71/100 60/100

DÄTCHA MANDALA MANU DELAGO VLADISLAV DELAY THE DEVONNS

HARA NIGHTLINER RAKKA THE DEVONNS
MRS RED SOUND (DELTA SLEEP REWORKS) COSMO RHYTHMATIC RECORD KICKS
ONE LITTLE INDIAN
Qualche bel Anche Sasu Un tocco
riff nervoso Il pioniere Ripatti - moderno
alla Jimmy dell’hang musicista c’è, ma è
Page di non riesce a elettronico soprattutto
Physical stare fermo finlandese all’epoca
Graffiti a lungo. noto anche d’oro del
(Mother A quat- per le pro- soul degli
God; Who tro mesi duzioni con anni 70 che
You Are); o in stile Immigrant dall’uscita l’alias Luomo - dedica un album rimanda il debutto dei giovani
Song virata glam (Sick Ma- di Circadian l’artista austriaco al disastro ambientale in corso. Devonns. Quello tutto archi e
chine); un’armonica rurale e i ne riprende il brano più lungo, Reduce dal rinnovamento della melodie di seta, groove rilassati
piedi che battono, con un po’ di Delta Sleep, nei cui circa 20 sua strumentazione e ispira- e romanticismo a pacchi da 12,
Muddy Waters (Missing Blues); minuti vengono riassunte le to dal tempo recentemente con spazio sia per l’occasionale
dolci canti psichedelici tribali diverse fasi del sonno, ripro- trascorso nell’area del circolo accelerata, sia per la ballata col
che scivolano su tablas india- ponendolo in ben 23 versioni polare artico, Rakka traduce cuore in mano che sa più di ‘60.
neggianti (Moha). Un disco di diverse, quasi tutte arricchite in cacofonie, distorsioni e mi- Tutto scritto, prodotto e arran-
glam/blues un po’ pomposetto, da featuring (tra cui quelli con nacciose strutture industrial giato benissimo. Crescere in un
ma comunque crudo nei suoni. Kelly Moran, Hidden Orchestra l’osservazione di un paesaggio epicentro soul come Chicago
Non è una contraddizione. e Daniel Thorne), per circa sette divenuto inospitale. evidentemente conta.
Bravi. ore e mezza di ipnosi. GIORGIO VALLETTA ANDREA POMINI
CLAUDIO SORGE DORIANA TOZZI 75/100 77/100
78/100 75/100

DIRT WOMAN IZO FITZROY FREEWAYS J.ROCC

THE GLASS RIFF HOW THE MIGHTY FALL TRUE BEARINGS TRIBUTE TO SUN RA(S) G
GRIMOIRE JALAPENO TEMPLE OF MYSTERY HIT+RUN

Una decla- Fra tante Arrivano Cinque

mazione uscite neo
sludge soul molto
blues dai simili, oc-
riverberi chio a non
cimiteriali farsi sfug-
southern - gire chi ha
un po’ come le carte in
i Windhand, e vengono in mente regola per elevarsi. Tipo questa
anche i Cough - perpetrata con londinese, formazione gospel
la ieraticità degli Sleep. Ma che e lavoro da vocal coach nei
rimane terrena e impastata di musical del West End. Potente
fuzz carnale e decadente violen- e versatile nella voce, non solo
za sudista. A orchestrare questi autobiografica nei testi, forte
demolitori spirituali, la gelida di un suono molto disco/funk
cantante/bassista Zoe Coch (per forgiato da produttori di rango
la cronaca: Dirt Woman è una come Colin Elliott, Shawn Lee
figura della scena alternativa di e - nel giubilante singolo I Want
Richmond). Magic - Dimitri From Paris.
CLAUDIO SORGE ANDREA POMINI
78/100 79/100
78 | RUMOREMAG.COM
dall’Onta-
rio, Canada.
Come molte
band metal
canadesi
soffrono di
nostalgia
per la NWOBHM. Nostalgia che
possiamo anche retrodatare
all’hard rock anni 70. Da questo
duplice punto di partenza l’al-
bum dei canadesi è molto ben
fatto. Le parti vocali non eccedo-
no mai in virtuosismi esagerati,
il sound è un mix di UFO, Thin
Lizzy, Status Quo con qualcosa
dei Wishbone Ash, corroborato
da un’energia motörheadiana.
CLAUDIO SORGE
75/100
mesi dopo
la prematu-
ra scompar-
sa del DJ e
producer
losangelino
Ras G, un
virtuoso del giradischi come
il suo concittadino J.Rocc lo
celebra facendolo convivere con
il riferimento artistico più alto
che aveva, Sun Ra. Un omaggio
di cuore che si evolve tra brea-
kbeat e campionamenti (molti
anche vocali) per 27 suggestivi
minuti divisi in due parti. Un
intenso colloquio familiare tra
hip hop e jazz.
LUCA GRICINELLA
77/100
 SUONA ANCORA
IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI

KARMASOUND SAMUEL ROHRER STARMEN

LA BUSQUEDA CONTINUAL DECENTERING WELCOME TO MY WORLD
PHUTURE SHOCK MUSIK ARJUNAMUSIC BLACK LODGE

La piccola Batterista C’è modo e

etichetta di jazz che modo di pa-
Bristol dà da tempo gare il pro-
alle stampe flirta con prio tributo
il primo l’elettroni- al rock. Gli
album di ca, Rohrer Svedesi
Damián pare aver Starmen
Botigué, aggiustato il lo fanno
produttore e musicista di Bar- tiro. Laddove infatti il preceden- arrivando al calligrafismo senza
cellona dallo spiccato gusto te Range Of Regularity suonava senso. Amano i Kiss, Malmste- KING KRULE
jazzy nel vestire le sue piace- soprattutto noioso, Continual een, i Deep Purple, i Def Lep- MAN ALIVE!
volissime composizioni. Che Decentering declina le mede- pard, insomma tutto. E cercano XL
spaziano fra broken beat, ritmi sime atmosfere meditabonde di copiare. Con risultati abba-
afrolatini, hip hop, soul, house - ambient, improvvisazione e stanza inutili. Insomma, senza Riferimenti ricercati, e un
e morbida elettronica con un un po’ di dub, synth e rumorini, alcun senso. intimismo capace talvolta di
risultato complessivo di asso- sfondi spaziosi e batteria fusa al MARIO RUGGERI
riferirsi anche all’immenso
luta armonia e coerenza, oltre a resto, mai solista - in maniera Robert Wyatt, soprattutto
50/100 nella seconda metà del
metterne in luce la non indiffe- più convincente, leggera, ispira-
rente bravura. ta. E concisa, che non guasta. disco.
GIORGIO VALLETTA ANDREA POMINI
80/100 70/100

DAVID WALTERS THE WHITE BUFFALO KIRK WINDSTEIN

SOLEIL KREYOL ON THE WIDOW’S WALK DREAM IN MOTION
HEAVENLY SWEETNESS SNAKEFARM ENTERTAINEMENT ONE

Polistru- Dura pen- L’uomo

mentista,
composi-
tore e DJ,
Walters
mette in
risalto le
sue radici
creole in un disco dalla visione
globale, in grado di passare
dal sofisticato boogie di Kryé
Mwen alle suggestive collabo-
razioni con Seun Kuti e il musi-
cista libanese Ibrahim Maalouf.
E se il pop di Muzik è un mezzo
passo falso, nell’ibrido fra afro-
beat, jazz e deep house di Mési
Bondyé il francese va decisa-
mente a segno.
GIORGIO VALLETTA
78/100
sare un
compendio
migliore dei
peggiori tic
del country
del nuovo
LP di Jake
Smith. Una copertina da ritratto
di Willie Nelson fatto da un ma-
donnaro, magari. Una scrittura
tanto sciatta da essere irritante
poi, con qualche punta di di-
storsione perché, ehi!, l’animo
è punk. Oltre a immagini da
bigiotteria del genere: meglio
non provocare, ma manca solo
la foto al tramonto con falò e
cavallo.
FRANCESCO VIGNANI
45/100
simbolo del
Southern
Discomfort,
incredi-
bilmente
rinasce
nuovamen-
te sotto spoglie leggermente
diverse, scrivendo un disco di IRREVERSIBLE
sogni sludge. Dove il metal è ENTANGLEMENTS
una struttura ma non un suono WHO SENT YOU?
determinante. Dove l’incedere INTERNATIONAL ANTHEM
doom diventa a volte impal-
pabile, pur conservando tutta Free jazz stradaiolo, liriche
la sua durezza. E ottima la sua militanti, sax alto e tromba,
personale versione di Aqualung tutti alle percussioni, i testi
dei Jethro Tull. Un disco forse della poetessa/MC Moor
troppo lineare, ma sicuramente Mother, il tutto sempre più
interessante. a fuoco.
MARIO RUGGERI
70/100

WOLF MAIKE ZAZIE ZOPELAR

FEEDING THE MACHINE SEISMOPSYCHOLLAGE JOY OF MISSING OUT
CENTURY MEDIA 7K! APRON

Al culmine Nel suo Esce esclu-

dell’epopea secondo sivamente
prog metal, album, la in cassetta e
furono i pianista e digitale, per
Wolf a rein- compositri- la sempre
trodurre il ce berlinese interessante
concetto aggiunge le etichetta
di heavy sue poesie di Steven
metal, sottratto all’ipertecnici- e altre letture (da Michael Ende Julien, il terzo album del pro-
smo e riportato alla sua essenza. a Paolo Cognetti) al canto e allo duttore, musicista e DJ di San PIERRE
Era il 1995. Gli svedesi oggi stile neoclassico già in evidenza Paolo del Brasile. Attraverso 15 DAVEN-KELLER
sono ancora l’esempio di come in Fragmente, il suo debutto tracce, Joy Of Missing Out trac- KINO MUSIC
possa coesistere un rapporto di due anni fa. Se il recitato il cia un percorso che aggiorna il KWAIDAN
credibile (e incredibile) tra lingua madre ne limita inevita- linguaggio elettronico compreso
Iron Maiden e Judas Priest. Il bilmente l’accessibilità, prati- fra downtempo, funk digitale, Bacharach, Air, Morricone
risultato è un grandissimo disco camente sono solo gli accenni chillwave e beat astratti e futu- e Gainsbourg. Ancora?
heavy metal come Feeding The rumoristici di Erdbeben a spez- ristici, dalle asperità di Phobia Perché, qualcuno vorrebbe
Machine. zarne la prevalente monotonia. alla godibile Brasilidade. sinceramente smettere?
MARIO RUGGERI GIORGIO VALLETTA GIORGIO VALLETTA
86/100 55/100 78/100

RUMOREMAG.COM | 79
TREECOLORE DISCO DEL MESE
ALFIO ANTICO
ALFIOFUTURISMO
ALFIO ANTICO
TREMA LA TERRA
AL-KEMI/ALA BIANCA
Ci deve essere un ufficio, da qualche
parte, che delibera su questo genere
di cose. Un dipartimento dell’anagra-
fe che, in certi casi, ritiene sussistano
motivazioni sufficienti per assegnare
a una persona un nome e un cognome
fatti apposta, che lo vestono meglio di
un nome d’arte. Un ufficio che decide,
ad esempio, che Alfio Antico debba
chiamarsi proprio così: Alfio Antico.
80 | RUMOREMAG.COM
Alfio come il patrono della sua Lentini,
nome dal sapore siciliano millenario. E
Antico, come decisamente antiche sono
le sensazioni che evoca la sua musica. Il
63enne maestro del tamburo a cornice,
però, non sembra tipo da nomi d’arte.
Lui che fino ai 18 anni ha vissuto e lavo-
rato in campagna, con la nonna che gli
insegnava l’arte del tamburo e dei canti
per la benedizione del frumento. Lui che
nell’ultimo lustro si è dimostrato ben più
moderno, perdonate il gioco di parole, di
tanti giovani colleghi.
È nel 2016, infatti, che inizia la fase più
recente della sua carriera, quella che
lo ha avvicinato a musicisti e sonorità
familiari a chi legge questa rivista, per
semplificare. In quell’anno esce Antico,
prodotto artisticamente e materialmente
da Colapesce, album che proietta Antico
in uno scenario ancestrale e futurista
insieme, di tradizione non oleografica ri-
vista con l’ausilio di elettronica, rumori,
strutture sperimentali. Trema La Terra,
prodotto da un altro conterraneo illustre
come Cesare Basile, continua su quel
solco e rilancia. Il suono è meno cupo
e la sperimentazione meno ardita, ma
la scrittura compie un passo in avanti,
più legata com’è alla forma canzone e a
un’attitudine quasi rock.
DI ANDREA POMINI - FOTO DI GIACOMO BRINI
La doppietta iniziale, ad esempio, sa di
Bad Seeds e di quell’approccio elegante
e viscerale insieme: lento e delicato in
Trema La Terra, sostenuta da organo
elettrico e corde pizzicate; malefico e
sferragliante in Pancali Cucina, con
botta e risposta vocali su un groove so-
lenne di scacciapensieri (o così pare),
chitarre e tamburi. Idem le cadenzate
Menza Sira e Lettu Letu. Convincente
è anche la scelta di puntare non solo
sulle mani di Antico, ma anche sulla sua
voce unica, sui suoi testi in dialetto, sul
suo modo di interpretarli che unisce il
cantastorie e il contadino, l’attore e il
rapper. In Pani E Cipudda ad esempio,
l’episodio più pop del disco, dove la per-
cussione fa un passo indietro al cospetto
di una prestazione vocale straordinaria.
O nelle dolci trame acustiche di Rija-
nedda. Gli impulsi più avventurosi sono
messi via per Me Figghiu, su sfondo di
soli drones, fruscii e rumori. E poi c’è
Nun N’Aju Sonnu, un mantra che comin-
cia con voce e suoni lontani, si ingrossa
fra ululati e rintocchi d’orologio, narra
di “gran signori sfruttatori di carne
umana” e sfocia in una intensa coda co-
rale. Cinque minuti tondi di perfezione.
85/100
TREECOLORE GLI ALBUM APRILE 2020
A LEMON
GREEN
URTOVOX
Non siamo di fronte a una band
vera e propria, come la ragione
sociale potrebbe far pensare,
ma a un progetto solista: Green
è infatti il disco d’esordio del
polistrumentista catanese
Alessandro Moncada. Per l’a-
scoltatore sarà facile associare
i nove brani di questo lavoro
agli ultimi dei Tame Impala, sia
per quanto riguarda le sonorità,
sia – soprattutto - per quello
che concerne la voce del nostro:
quello che però va sottolineato
è che in alcuni episodi (A Little
Longer, The Way Things Are) è
possibile trovare quel gusto per
una melodia di marca squisita-
mente pop che pare essersi in
qualche modo persa nell’ultimo
disco firmato da Kevin Parker.
Green è un lavoro dagli accesi
toni fluorescenti, in cui la psi-
chedelia si colora di morbidi
languori soul (I Don’t Wanna) e
funky (High).
STEFANO D’ELIA
75/100
PAOLO BENVEGNÙ
DELL’ODIO DELL’INNOCENZA
LAPIDARIE INCISIONI
Riecco quel suono
metropolitano, eppure così
legato alla terra. Elettrico
ma intimo. Odora di smog e
di fiori, di nebbia e rugiada.
Riverberi psichedelici, wave,
chitarre acide o arpeggiate,
synth, vibrafoni, bassi,
tromboni e tutta la bellezza
cui ci ha abituati. Tuttavia
questa volta è più essenziale,
svuotata, musicalmente meno
macchinosa. Un disco intriso
d’amore e di denuncia. Amore
per la sua compagna e per la
loro piccola Anna: “A noi tre” si
legge. Non Torniamo Più parla
magnificamente di quell’amore.
Un album permeato anche dal
suo consueto senso critico e
profondità. Canzoni di denuncia,
ambientalista, politica, sociale:
per esempio Pietre o Infinito
1 o Animali Di Superficie. Del
legame dell’uomo con la natura,
le altre specie, l’universo. Dei
limiti e della miopia ingorda del
genere umano.
BARBARA SANTI
84/100
ANDREA
RITORNO
ILIAN TAPE
Produttore e DJ torinese, da
tempo uno dei nomi di punta
della tedesca Ilian Tape, Andrea
arriva finalmente all’album di
debutto con le 12 tracce di Ritor-
no. Quasi un’ora di musica, che
si inserisce a meraviglia nel di-
scorso sonoro dell’etichetta dei
fratelli Zenker: techno cosmica,
breakbeat di nuova generazione,
IDM sostenibile di taglio roman-
tico, intenzione dub evidente nei
ritmi e negli effetti. Tutto fatto
bene, con personalità e gran
cura dei dettagli, costruendo
un’atmosfera densa, vibrante,
emotivamente intensa e fonda-
mentalmente positiva. Ascoltato
in un colpo solo può risultare
lungo, ma le armi a disposi-
zione sono tante: i poliritmi su
andamento dubstep di Reinf, la
tensione sintetica di Drumzzy, i
colori quasi trip hop di Twin Fo-
rests e le onde melodiche della
conclusiva Lana su tutte.
ANDREA POMINI
79/100
FRANCESCO BIANCONI
FOREVER
BMG
“Volevo un disco ‘ultraitaliano’,
in cui tutto fosse così sospeso,
minimale, lontano dalle mode
da essere compreso anche
all’estero. E in cui contassero
le canzoni più che la lingua”, ci
diceva. Tant’è che ospiti sono
le voci di Rufus Wainwright,
Eleanor Friedberger, Kazu Ma-
kino, Hindi Zahra, quest’ultime
autrici di due brani in inglese
e arabo. Prodotto da Amedeo
Pace, è un lavoro eterogeneo,
nonostante la ritmica sia affi-
data solo al canto, adagiato sui
pianoforti di Thomas Bartlett e
Michele Fedrigotti e gli archi del
Quartetto Balanescu. Si va dalla
deandreiana L’Abisso, al piglio
lirico di Andante, alla rarefa-
zione acida di Go!, alla romanza
Fàika Llìl Wnhàr, sospesi tra
classica, folk, ricerca e tradi-
zione, in dieci canzoni in cui il
nostro si è messo a nudo, in una
sorta di “seduta psicoanalitica”.
BARBARA SANTI
80/100
APOCALYPSE LOUNGE
APOCALYPSE LOUNGE
TANNEN
Un “taglia e cuci” di pregevole
sartoria musicale (e concettuale)
quello confezionato da Riccardo
Orlandi della Tannen Records
col fattivo contributo di alcuni
artisti affezionati alla sua label
(Giovanni Succi, Massimo Mar-
tellotta, Nicola Manzan, Fran-
cesca Amati, tra gli altri). Tutti
insieme per concertare una sof-
fusa apocalisse dei nostri tempi,
assemblata con frattaglie di co-
lonne sonore italiane ‘60/’70 mi-
nuziosamente campionate e poi
corredate da un ironico spoken
word hip hop oriented (su tutte
Happy 1942, che snocciola in
salsa pop lounge le birbonate
di quell’“istrionico bonaccione”
del Duce). A suo modo il più
naturale epilogo del decennale
dell’etichetta veronese, non a
caso nobilitato per l’occasione
dall’impagabile cameo dei Kill
The Vultures in chiusura disco
(I’m Going Under).
ANTONIO BELMONTE
73/100
CAMARADES BRETON
CAMARADES BRETON
GANG OF DUCKS
Non c’è spiegazione migliore
della frase di Jean-Luc Godard,
evocata dall’artista stesso, per
delineare il modus operandi:
“Devi mettere insieme due
immagini per far succedere le
cose”. Loop, frammenti sonori,
suggestioni ritmiche accorpate
talvolta in apparente contrasto,
asperità post punk, echi del
primo James Ferraro, Inghilter-
ra dopo Burial, digital reggae
virato Rema Rema, briciole te-
chno, tribalismo, manipolazioni
Old English Spelling Bee/Tri
Angle e ambient che si tinge di
perimetri politici (il ‘68 france-
se, la resistenza No Tav). Il fa-
scino, cospicuo, risiede proprio
nel mistero dell’accostamento
e del fluido unico. Glorioso ap-
proccio DIY, nella pratica tec-
nica, estetica e nella scelta delle
fonti (dischi dimenticati dal dio
del consumo e dagli uomini):
cassetta e digitale.
MAURIZIO BLATTO
80/100
ASTRAL TRAVEL
IF YOU SAY YOU ARE FROM THIS
PLANET, WHY DO YOU TREAT IT LIKE
YOU DO?
HYPERJAZZ
Dopo il bel Butterflying, Cap-
pellato rinnova la vecchia sigla
Astral Travel e firma un album
che deve genesi e temi a Sun Ra.
Allo scrittore, più che al musi-
cista: tutto nasce dalla lettura
di This Planet Is Doomed, libro
di poesie che ispira riflessioni
quantomai attuali su Terra,
uomo e società. A interpretare
i testi sono Dwight Trible e
Camilla Battaglia, mentre Cap-
pellato improvvisa alla batteria
con piano, contrabbasso, ance
ed elettronica. Le quattro ore
registrate sono quindi affidate
a Rabih Beaini, che smonta,
rimonta e compatta fino alle sei
tracce finali. Ne esce un’ipotesi
moderna di free jazz spirituale,
ora teso e quasi groovy (You Are
From This Planet, Time), ora
invece rarefatto e visionario (In-
finity, gli 11’51” di The End), ora
più tradizionale.
ANDREA POMINI
79/100
CHOW
ANCIENT GENTLE TOWER
SLACK
I Chow, da Bologna, sono la clas-
sica band destinata a culto futu-
ro ma oggi cagata da tre persone.
In cinque anni hanno messo in
circolo solo una cassetta, un sin-
golo e questo album di debutto,
ma è valsa la pena attendere.
Riccardo, il cantante/chitarrista,
ha un gran talento e sa di averlo.
Se la scena va in una direzione,
lui va in quella opposta: cosa
c’è di più fuori moda, nel 2020,
di una produzione che si ispira
alla Seattle del 1990? Ecco allora
servito Ancient Gentle Tower,
15 tracce più o meno grunge
idealmente rubate alle session
di Buzz Factory degli Screaming
Trees: ruvide cavalcate psiche-
deliche, chitarra 100% north
west e una voce evocativa che fa
pensare a folte chiome contro-
vento. Un disco che è di per sé
un’anomalia, tanto suona antico
e “fuori sincrono”.
LUCA FRAZZI
80/100
RUMOREMAG.COM | 81
 RADICI APRILE 2020 / FRANCESCO BIANCONI

10 CANZONI PER
FRANCESCO BIANCONI
“Forever vuol dire tutto e niente, per questo mi convince”, dice del suo esordio
individuale. “Suona bene, è positivo. È una sorta di augurio che queste canzoni durino
nel tempo. Parla di me in modo diretto. È una seduta psicanalitica. Uso pochi artifici
retorici, poca ironia e meno distacco. Esco pure dalla metrica, vomito parole”. Nel disco,
prodotto da Amedeo Pace dei Blonde Redhead, è bandita la ritmica, le fondamenta sono
piuttosto i pianoforti di Bartlett e Fedrigotti e gli archi del Balanescu Quartet. “Volevo un
disco slegato dal tempo in genere, sia storico sia musicale. Arrangiamenti scarni e niente
ritmica basso-chitarra-batteria. Una forma indefinita di lied moderno, immaginarie folk
songs per piano, harmonium e voce. Ho ascoltato tanto Desertshore di Nico: pezzi sospesi,
fluttuanti, la voce come solo elemento percussivo. Poi ci voleva una persona che mi curasse
in questo percorso bizzarro; ho conosciuto Amedeo in Italia, ha ascoltato e accettato.
È stato più di incontrare un ottimo produttore, è stato trovare un fratello grande”.

TAG S: #BAUSTELLE, #FOREVER ONLINE: facebook.com/francescobianconiofficial

LAURIE BATTIATO THE VELVET SMOG JOHN LENNON

ANDERSON L’OCEANO DI SILENZIO UNDERGROUND FEATHER BY FEATHER MOTHER
O SUPERMAN & NICO
ALL TOMORROW’S PARTIES

“Da Fisiognomica, disco “Adoro Callahan, mi “Qui si capisce come

“Pop sperimentale di in cui tolse le maschere fa stare bene. Questa, Lennon sia il più gran-
quelli che non si riesce e i trucchi postmoderni “Questo pezzo del in particolare, è una de cantante rock mai
a capire quanti codici e ritornò a parlare di capolavoro velvetiano è perfetta canzone ‘pacca esistito. Per come met-
mandi in frantumi in sé e della sua ricerca il mio favorito, una folk sulla spalla’. È in quella te in scena la propria
un colpo solo. Senza interiore. Melodia song drogata. È passata categoria di canzoni nudità, e perché mostra
rendermene conto, è mahleriana e arrangia- in radio come un’illu- che hanno il potere di la lacerazione (dell’ani-
forse uno dei pezzi che mento magistrali, ma minazione mentre gui- tirarti su il morale. E ma, delle corde vocali)
ho ascoltato di più nella anche il testo - elogio davo un mattino a L.A. funziona. Quando dice senza nessun tipo di
PLAYLIST

vita. Disturba e rassi- mistico della fuga dal con la mia compagna”. ‘It’s Ali versus Clay’ filtro, di compromesso,
cura insieme, e resiste reale – non è da meno e capisci che ce la puoi di abbellimento”.
benissimo al tempo”. commuove”. DA DA THE VELVET UN- fare anche tu”. DA JOHN LENNON /
SINGOLO DA FISIOGNOMICA DERGROUND & NICO DA SUPPER PLASTIC ONO BAND

ROY ORBISON SCOTT WALKER ROBERTO ROXY MUSIC KATE TEMPEST

RUNNING SCARED FARMER IN THE CITY MUROLO IN EVERY DREAM HOME PEOPLE’S FACES
CATARÌ A HEARTACHE

“Mi piace la voce di “Un altro esempio di
Roy Orbison: il timbro, forzatura dei codi-
l’estensione. E il suo ci della cosiddetta
senso del dramma. È in- forma canzone, e una
credibile come riesca a sua deviazione verso
trasformare due minuti territori inesplorati.
e mezzo di semplice Molto cinematografica e
teen rock and roll song orchestrale, è tratta da
in piccola sceneggia- Tilt, per il sottoscritto
tura, in operetta, e uno dei dischi più belli e
spezzarti il cuore”. sperimentali del leggen-
dario Scott”.
SINGOLO DA TILT
“Un vero talento, è una
“Anche la versione dal “Inarrivabile vetta di delle più belle scoperte
vivo di Fausto Cigliano avanguardia per le di quest’anno. Le sue
nel film Passione di masse. Il testo è geniale, parole hanno senso
Turturro è meravigliosa così come geniale è e suono, anche senza
e fortemente consiglia- l’enunciazione, con Brian bisogno di ricorrere
ta. Un classico, parti- Ferry che canta con la alle rime e agli stilemi
colarmente moderno freddezza affascinante del rap. È una poetessa
dal punto di vista della di un immaginario Elvis giovane e sincera,
scrittura musicale, con morto, sepolto e rianima- questo mi arriva dagli
struttura ciclica e armo- to con la scossa elettrica. altoparlanti”.
nie spagnoleggianti”. Super sexy”. DA THE BOOK OF TRAPS
DA NAPOLETANA – DA FOR YOUR PLEASURE AND LESSONSH
QUARTO VOLUME

A CURA DI BARBARA SANTI - FOTO DI LAURA VILLA BARONCELLI

82 | RUMOREMAG.COM
TREECOLORE GLI ALBUM APRILE 2020
COLOMBRE
CORALLO
BOMBA DISCHI
Colombre, alias Giovanni Im-
parato, si è preso del tempo,
lavorando come chitarrista
per Calcutta e produttore per
Maria Antonietta, per raffinare
la propria penna e lasciarsi alle
spalle un po’ di quella ingenua
spensieratezza e minimalismo
compositivo, che percorreva il
precedente Pulviscolo. Tra le
ramificazioni che definiscono
l’esoscheletro di questa nuova
creatura e del cantautorato di
Giovanni ritroviamo lo stile di
Giorgio Tuma e il piglio per le
melodie figlie degli anni 70 e di
Battisti, uniti in una scrittura
elegante e composta. Piccole
canzoni in cui predomina il
gusto per la misura tra spunti
soul e fragili equilibri, nel sottile
racconto, personale e intimo, dei
rapporti umani. Un disco pen-
sato e curato, che si muove tra le
pieghe dell’esistenza leggero e al
tempo stesso con passo deciso.
SIMONA VENTRELLA
72/100
GRAVE T
SILENT WATER
SEAHORSE RECORDINGS
Sorprendente è ciò che spiazza,
ciò che non ti aspetti. E non
ci si aspettava da una band
italiana una visione così aperta,
trasversale e moderna di una
musica che non si può definire
neppure metal. I Grave T da
Torino è come se avessero
scritto Silent Water (che ha
avuto una gestazione di quattro
anni) partendo dai Mastodon
ma sviluppando tutto secondo
traiettorie multiformi: Faith No
More, NWOBHM, Neurosis,
Hard Rock, tracce di blues,
addirittura decadenza pura
alla Alice In Chains. Ma ciò
che li rende terribilmente
affascinanti è l’aver trovato un
linguaggio comune a generi
apparentemente distanti fra
loro. Segno di grande maturità
artistica, questo. Silent Water
è un disco prezioso, che a ogni
riascolto svela piccoli particolari
di grande valore.
MARIO RUGGERI
88/100
CORDE OBLIQUE
THE MOON IS A DRY BONE
DARK VINYL
Una title track dall’aura
luciferina e un’immaginifica
cover dark/neoclassica di
Temporary Peace degli
Anathema certificano la
sterzata delle Corde Oblique del
compositore Riccardo Prencipe
verso ben più elettrici e umorali
registri, rispetto all’etereo
neofolk mediterraneo dei lavori
precedenti, qui comunque
preservato nei chiaroscuri di
alcuni episodi (Le Grandi Anime,
Il Figlio Dei Vergini). L’andatura
faberiana de La Strada, rievocata
da Andrea Chimenti, l’avant folk
cangiante de Il Terzo Suono,
assecondato mirabilmente da
Miro Sassolini, e la viscerale
teatralità di Maddalena Crippa
ne La Casa Del Ponte nobilitano
un disco che pur nella sua
ambivalenza stilistica ammalia
per riferimenti artistici e
letterari, nonché per la coesione
musiva di chitarre, piano,
violino, fisarmonica e voci.
ANTONIO BELMONTE
76/100
JACARÀNDA PICCOLA
ORCHESTRA GIOVANILE
JACARÀNDA PICCOLA
ORCHESTRA GIOVANILE (UNO)
VICEVERSA
La musica come mezzo di ri-
scatto e come esperienza collet-
tiva da cui possa sbocciare una
nuova speranza: così nasce il
disco d’esordio dei Jacarànda,
un progetto sviluppatosi
all’interno dell’istituto Penale
per i Minorenni di Acireale,
operazione che ha portato
alla composizione di questi 12
sorprendenti brani. La band
siciliana ha raccolto pensieri e
parole dei giovani ospiti della
struttura, dando musica e co-
lori alle paure e alle aspettative
di chi vive chiuso tra le mura
del carcere, e i risultati in molti
casi sono davvero notevoli. Il
punto di partenza è la world
music, ma nell’accezione che
gli Ardecore e Cesare Basile
hanno saputo conferire a que-
sta etichetta.
STEFANO D’ELIA
72/100
DADAR
TO TAKE OUT OR EAT IN
LO-FI LO-LIFE/BUDGET LIVING
I parmigiano/trentini Dadar
suonano un punk demente con
discreti picchi di caos controlla-
to. È gente che suona bene ma fa
di tutto per mascherarlo, che non
piace né ai punk col chiodo né
ai talebani dell’hardcore. Sono
senza divisa, apparentemente
disinteressati alla “forma”,
alla classificazione in generi,
all’immagine. E randellano. To
Take Out Or Eat In, il loro LP
in formato cassetta, è un blister
di dieci supposte infilate senza
lubrificante, il tutto all’insegna
di velocità medio/alte e di un
certo sfascio. Più Circle Jerks che
Fugazi, con richiami alle produ-
zioni Rip Off fine ‘90 e almeno
un paio di pezzi che ti mettono
in ginocchio. Geniale la grafica
di copertina, né più né meno che
il menù bisunto di un cinese da
asporto. Musica di strada a tutti
gli effetti: il punk oggi è anche e
soprattutto questo.
LUCA FRAZZI
75/100
MOVIE STAR JUNKIES
SHADOW OF A ROSE
TEENAGE MENOPAUSE
Dopo quasi 15 anni passati in
studio e sui palchi di mezza
Europa, i Movie Star Jun-
kies ripassano dal via con un
album che suona un pò come
una ripartenza. La proposta è
quella che conosciamo: garage
blues viscerale. Ogni pezzo una
confessione, musica che viene
dalla pancia e dal cuore con
annessi e connessi, e che evoca
immagini forti. Ma in Shadow
Of A Rose è palese la volontà
di riportare in luce lo scheletro
di un suono. Alleggerito dei
chiaroscuri goth che avevano
caratterizzato le ultime produ-
zioni, questo nuovo album dei
Movie Star Junkies è un’onesta
dichiarazione di intenti: questo
eravamo, questo siamo. Una
band che suona blues passando
per i Birthday Party, con un
sarcasmo e una competenza che
hanno pochi eguali.
LUCA FRAZZI
80/100
FREEZ
ALWAYS FRIENDS
WILD HONEY
In Italia o stai da una parte o
dall’altra. Non fa eccezione la
nostra musica. Per la giovane
età, che quantomeno non dà
tempo di edificare sovrastruttu-
re, i vicentini guidati da Michele
Bellinaso surfano senza farsi
troppi problemi tra le onde del
garage in media fedeltà, con
la schiettezza delle band indie
pop di nuova generazione. Alla
mente vengono subito i Wavves
di King Of The Beach e i Cloud
Nothings. Dai primi hanno pre-
so la freschezza contagiosa, dai
secondi il contegno nel tenere
le chitarre in linea, giusto con
minimi spostamenti, spalman-
doci sopra melodie struggenti
dalla presa malinconica. I cori
più che cantati sono ululati,
vedi Uuh Uuh, Probblems e
Basement. Questa è la loro cifra
più evidente: croce e delizia di
una California interiore portata
a spasso nell’operoso Nordest.
MANUEL GRAZIANI
73/100
ORANGE COMBUTTA
VOL.PE I
IRMA
Partiamo dall’orizzonte musi-
cale vastissimo che l’ambizioso
progetto contempla, buttando
giù qualche linea guida: David
Axelrod, psichedelie hip hop,
la nostra celebrata tradizione
soundtrack, varie ed eventuali
incursioni nella modernità. Un
plauso a Giovanni Minguzzi,
batterista ravennate di prove-
nienza jazz da cui è partito il
tutto, a Davide Tardozzi (chitar-
ra) e Lorenzo Serasini (basso),
trio alla base di un edificio
complesso, per avere creato
fondamenta solide, al produtto-
re Mattia Dallara per aver for-
nito il collante, e ai vari ospiti,
tra cui l’ex M+A Michele Ducci
voce ricorrente e Vincenzo Vasi
(theremin, in modalità mor-
riconiana su Into The Woods)
per essere stati all’altezza della
sfida: senza strabordare, in una
densa mezz’ora.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
80/100
RUMOREMAG.COM | 83

ARIA DI DEVOLUZIONE
er scrivere questa pagina
per me è sempre stato
P fondamentale dover
essere prima di tutto
lettore del magazine
che state leggendo.
Nel caso dei massimalisti della musica
come il sottoscritto poi, oltre che per
vedere se Andrea Pomini ti ha “fregato”
la recensione di Stupidamutaforma di
Fera, si devono sempre cercare degli
spunti e delle motivazioni. Questi spunti,
nonostante ci sia ancora qualcuno che
ti regala un boxset deluxe di 4 vinili che
su Amazon® sta a 85,64 € è da un po’ di
RAINBOW ISLAND
ILLMATRIX
ARTETETRA
Cozzi stellari e cattivi viaggi oltre la 5°
dimensione: il disco uscito il 02022020
anche solo per il geniale titolo crossover
che fonde Nas e le sorelle Wachowski
meriterebbe di essere già fra i meglio
del 2020. Il concept della formazione
con base nella Capitale, a Taiwan e nel
Regno Unito è ispirato ad un viaggio
in una dimensione mentale post
contemporanea in cui le informazioni
sonore si accumulano non linearmente,
sovrapponendosi e sovrapponendosi
e sovrapponendosi: Artetetra che ha
pubblicato l’album la descrive come
un’odissea tropical-futurista di dub
gorgogliante e riddim aleatori.
Questa volta però la vocazione esotico-
visionaria dei romani va in para dura,
delineando un futuro che appare molto
più scuro e meno confortevole.
81/100
84 | RUMOREMAG.COM
IN ITALIA
tempo che mancano, e non capire il perché
mi consuma. Poi sul numero scorso leggo
il toccante ricordo di Andrea Guagneli
fatto dall’amico Arturo Compagnoni e
verso la fine leggo: tra noi parlavamo
spesso di come la musica avesse in
qualche modo salvato le nostre vite. Ma
ultimamente ci capitava di prendere in
considerazione anche l’ipotesi opposta.
Si rifletteva di quanto la musica, come
in una sorta di patto mefistofelico, ci
avesse chiesto in cambio. Non ho letto
altro e sono andato al parco con mio figlio.
Di solito scrivo di 4 progetti al mese:
prendo anche come un segnale karmico il
fatto che In Italia del numero scorso sia
stato scritto a inizio gennaio e mi ritrovo
davanti allo schermo una cartella di file
IN ITALIA APRILE 2020, con 9 dischi che
sto per ascoltare senza riuscirci, da due
mesi. Ci provo: il primo è The Greatest
Nots di Stefano Di Trapani e il diamante
pazzo della new wave italiana Maurizio
Marsico, già disco del mese di “Bxxw
Ux” (cit. Post Punk). Esce per Plastica
Marella (plasticamarella.bandcamp.
com), una etichetta che ha pubblicato
un disco di Stefano Tamburini, dovrebbe
bastare: se non bastasse vi basti sapere che
è un disco gattopardescamente nutopico
che quindi coglie assolutamente lo spirito
di questi tempi. Il secondo disco che
ascolterò è quello di Brighèla (brighela.
bandcamp.com), che miscela
A CURA DI MARCO PECORARI
cantautorato con sonorità mediterranee,
tropicali e psichedeliche, risultato di un
viaggio di un mese in un baglio siciliano in
provincia di Agrigento. Brighèla, livornese
di nascita e spezzino d’adozione, suona la
chitarra e il cavaquinho, alle percussioni
lo accompagna Marselo. Dovendo tener
fede alla fama di rubrica ostica e agnostica
terzo verrà il noise dello split tape diviso
tra Leather Parisi (leatherparisi.
bandcamp.com) e La Furnasetta
(lafurnasetta.bandcamp.com),
descritto dalla inglese Industrial Coast che
produce come blackened disco, termine
che rende assolutamente. Orientandosi
verso il ritiro in amena località comincio
ad ascoltare No Hablo Ladino, primo
disco di Felix Lalù (felixlalu.
bandcamp.com) cantato in nones,
ossia la lingua parlata in Val Di Non: dieci
canzoni pop declinate in generi diversi.
dal punk al folk, dalla ballad al tango
d’amore col piano al pezzo psichedelico.
Per accompagnare il cd e i testi delle
canzoni il buon Felix ha curato un libro
di racconti, fotografie e illustrazioni
creati da 40 artisti locali. Chiudiamo con
il piano di Giovanni Di Domenico
(cantimagnetici.bandcamp.com) e il
suo Isasolo!, registrato con Jim O’Rourke
e capace di confondere l’eredità del
minimalismo italiano di Battiato e Cilio
con l’avanguardia contemporanea di Otte
e Charlemagne Palestine e il jazz.
TREECOLORE GLI ALBUM APRILE 2020

SMALLTOWN TIGERS TENUE VOID OF SLEEP ZOLLE

FIVE THINGS FILTRO METAPHORA MACELLO
AREA PIRATA V4V AURAL MUSIC SUBSOUND

A dischi così ci arrivi preparato,
rodato da 40 anni di ascolti più o
meno “in linea” e quasi assuefat-
to, però succede che certe band
talvolta risveglino sopiti ardori.
È il caso delle Smalltown Tigers,
tre ragazze romagnole che,
molto semplicemente, suonano
rock’n’roll alla velocità dei Ra-
mones col piglio delle Runaways.
L’anacronismo di un disco come
Five Things (otto pezzi che sono
l’ABC del power pop tendente
al punk) è anche la sua forza.
Se le Smalltown Tigers non
pretenderanno di essere quello
che non sono e si limiteranno a
fare quello che già fanno (bene),
sarà un piacere ascoltarle anche
in futuro (in auto a volume alto
o dal vivo in set mordi e fuggi),
scomodando di nuovo i fantasmi
di un genere che, dicono, non
esiste più. Nel frattempo, senza
porci troppi problemi, godiamoci
questo Five Things.
LUCA FRAZZI
70/100
L’italiano è una lingua ostica
da utilizzare in alcuni generi
musicali. Cosmetic e Stella
Diana, giusto per citare i primi
due che vengono in mente,
sono le band che meglio hanno
saputo cucire il nostro idioma
sullo shoegaze. I Tenue tentano
pure loro la via riverberata
italiana per nulla facile; intensi
e a tratti urgenti nei loro risvolti
fortemente emotivi. L’apertura è
un flusso onirico contemporaneo
con voce fortemente effettata
(Tenue). Le distorsioni si aprono
e si fanno ampie in direzione nu
gaze (Annegare), con riferimenti
ai ‘90 (Terza persona). Ci sono i
My Vitriol e i Silversun Pickups
dei tempi migliori bilanciati col
concetto di emo etereo o emo
gaze (ricordate i Pity Sex?). Una
consapevolezza compositiva
solida che crea una forma
ben definita e (quasi) sempre
equilibrata. Vorticosi.
NICHOLAS DAVID ALTEA
78/100
C’è un sorso di classico in più
rispetto alle cavalcate superhe-
avy alla Baroness di New World
Order, ma niente di troppo
sconvolgente. È più una sensa-
zione di sobrietà diffusa, proba-
bilmente dovuta alla ricerca di
una nuova identità, di un nuovo
equilibrio basico dopo i recenti
cambi di formazione del gruppo.
Ne viene fuori un disco meno
calligrafico rispetto al passato
del gruppo, più cristallino,
verrebbe quasi da dire più con-
trollato e pacificato - poi, ecco,
in realtà no, è un disco molto
heavy, non necessariamente
scannato nelle voci, una cosa si-
mile ai Cave In di White Silence,
qualcosa che permetta alle fughe
strumentali di respirare. Un
disco che sembra molto entusia-
sta, molto contento di esistere, e
la felicità è una cosa molto con-
tagiosa - anche nel post metal
apocalittico, insomma.
FRANCESCO FARABEGOLI
69/100
Perfetto per la situazione di caos
che stiamo vivendo, il quarto
parto discografico degli Zolle.
Macello. Un grottesco ritratto
in filigrana della nostra società
impazzita e contraddittoria.
Non è uno spettacolo gradevole.
Sebbene intrigante. Loro musi-
calmente hanno uno stile molto
originale. Anche la titolazione
dell’album è particolare con
quei loro calembour. S’Offre
è un titolo geniale. E anche
il brano a seguire D’Io. In un
certo senso vengono in mente
i Melvins e certe loro bizzarrie.
Ma il sound sembra più sludge.
Mentre in M’Io i riff sono maturi
riff zeppeliniani. E M’Accetta ha
una specie di vocoder! Hanno
una carica corrosiva gli Zolle -
sono solo in due - che ti trita.
Soprattutto vanno ascoltati
e riascoltati, per capire certe
sfumature che al primo ascolto
possono sfuggire.
CLAUDIO SORGE
78/100

ROCK THESE
AA.VV. ANCIENT RUINS
AREA PIRATA/SURFIN’ KI

Le due edizioni del Raw Rock’n’Roll Festival del 2017 e 2018
hanno fatto coagulare di nuovo la scena romana. I promotori
Lorenzo Canevacci (ex Bloody Riot ora nei Wendy?!) e Simone
Lucciola dei Blood ’77 si sono dannati l’anima per realizzare un
bel vestitino vinilico affinché non rimanesse solo un ricordo
annebbiato dai fumi dell’alcol. Alla stampa hanno pensato due
belle etichette toscane, confezionando quello che può essere
considerato il seguito della seminale (non l’avrei mai detto ma ho
scritto proprio seminale) compilation First Italian Punk Contest,
pubblicata dalla Hate nel 1998. L’unica differenza è che in questi
solchi ci sono solo vecchi e giovani pischelli di Mamma Roma.
L’iconica copertina dada pop di Paulette Du dei Plutonium Baby
e Alex Vargiu (Bloody Riot, Bingo, Dissuaders), con una stentorea
Anna Magnani che porta al guinzaglio un porco tra la monnezza
della città eterna, è fin troppo chiara. Apertura e chiusura sono
affidate a due tra i migliori gruppi di punk cantato in italiano (cosa
complicata, peraltro) come Alieni e Ferox. Molti gli inediti tra i
14 pezzi, dall’ottimo power pop punk di Alex Dissuader che ci fa
scendere una lacrimuccia al ricordo di Pete Shelley, al r’n’r senza
tempo dei Wendy?!, dal post garage devoluto dei Plutonium Baby,
al punk rock muscolare dei Blood ’77 e alla melodia arrembante dei
Queen Kong. Di fianco ai vecchi e gloriosi Taxi (pre Giuda) e allo
psychobilly dei Cyclone, sgomitano le nuove leve col testosterone a
mille tipo Tigers In Furs e Mad Rollers col loro pub rock in denim;
senza dimenticare il punk granitico degli Human Race e lo street
r’n’r dal respiro internazionale degli Idol Lips. L’ultima lacrima
ce la fa scendere Third Age Lobotomy dei Beats Me cantata da
Umberto “Il Guru” D’Agostino, che ci ha lasciato troppo presto.
MANUEL GRAZIANI
82/100
RUMOREMAG.COM | 85
TREECOLORE IN BREVE APRILE 2020

BEESUS BISCA BJM MARIO BAJARDI BUSHI

3EESUS STATO DI GRAZIA IN SILENCE THE FLAWLESS AVENGER
GO DOWN SOUNDFLY ONDE/ITER RESEARCH INFINITY ENTERTEINMENT

In un pa- Lo stato Violinista Il pregevole

norama
italiano let-
teralmente
invaso di
band fuzz
stoner, i Be-
esus sono
riusciti sin dall’esordio a dotarsi
di una cifra personale basata su
un sottile gioco di equilibri, di
momenti che si sovrappongono,
si scindono e ritornano, e su più
dialoghi: quello dei Mudhoney
che si fonde con i Sabbath, che
flirta con la psichedelia, che si
immerge in un diluvio di Fuzz e
che torna alla Seattle più acida.
MARIO RUGGERI
84/100
di grazia è
quello dei
Bisca, che
pur con
40 anni di
carriera
non hanno
perso la cazzimma, e tornano
con un disco di materiale nuovo
e qualche recupero (Cildren Ov
Babilon, inserito nel film L’Im-
mortale). Se ne L’Ultimo Volo e
Che Senso Ha viene riproposta
la militanza senza compromessi
che ne ha fatto le fortune, è
ne Il Piano Di Monk e Il Black
Sciamano che il sound si arric-
chisce, e il funk trasfigura in un
trascinante nonsense free jazz.
STEFANO D’ELIA
75/100
e abile ma-
nipolatore
elettronico,
Mario Baja-
rdi passa
con estrema
sicurezza
dalla realizzazione di musiche
per film e documentari alla re-
alizzazione di dischi in proprio.
IDM conscia delle lezioni di
Clark, Jon Hopkins e Four Tet:
In Silence è un lavoro sugge-
stivo, fatto di episodi di ampio
respiro; tracce che procedono
per accumulo (God Is Burning),
culminando in un climax
catartico.
STEFANO D’ELIA
70/100
artwork di
Francesco
Farneselli
spoilera l’e-
levata cara-
tura tecnica
del ritorno
del combo capitanato dal bat-
terista Alessandro Vagnoni, in
veste di chitarrista e autore. Lo
stesso impianto concettuale del
debutto del 2017 (liricamente
ispirato all’epopea dei samu-
rai – i testi sono haiku ispirati
al libro Hagakure) fortificato
nella sua carica straniante dal
sax di Sergio Pomante e dal
violino di Nicola Manzan.
ANTONIO BELMONTE
74/100

FABIO CINTI EGREEN ROSALBA GUASTELLA LUCIO LEONI

AL BLU MI MUOVO FINE PRIMO TEMPO MY LITTLE SONGS DOVE SEI PT. 1
PRIVATE STANZE SONY RUBBER SOUL LAPIDARIE INCISIONI/BLACK CANDY

Una spi- Ritorno Saranno Leoni con

ritualità
che lo ha
sempre
contraddi-
stinto e che
mai come
oggi è pale-
se, unita a un tratto visionario
e poetico. Un disco scritto, in-
terpretato, arrangiato, prodotto
e inciso in solitudine: uniche
eccezioni, i consigli dell’amico
Lele Battista e il missaggio e
la postproduzione di Raffaele
Stefani. Otto canti d’amore
dolente, ma vivo e innamorato
della bellezza, di “ogni cosa che
fiorisce”.
BARBARA SANTI
74/100
in grande
stile con
un album
solido, che
ha il sapore
delle rime
alle quali
ci ha abituato, ma in una vena
diversa: Egreen si è scrollato
di dosso tante convinzioni,
rappando in alcuni casi su
strumentali che in pochi
avrebbero pronosticato. Sembra
l’album che voleva fare da
sempre, dove nulla è lasciato al
caso, nemmeno le collaborazioni
apparentemente azzardate come
quella con Highsnob.
MATTEO DA FERMO
75/100
“piccole
canzoni”,
quelle di
Rosalba
Guastella,
ma l’umiltà
dell’approc-
cio non ridimensiona la qualità
di questo esordio. L’autrice, ex
No Strange, presenta la sua ne-
verland fatta di panorami folk
blues (a dare un mano in studio
l’esperienza di Thomas Guiduc-
ci) e oasi psichedeliche, con un
cantato in inglese credibilissimo
i cui riverberi fanno venire in
mente Paula Frazier dei Tarna-
tion. Eccellente.
CARLO BORDONE
75/100
la voce
canta,
parla, recita
ed è sempre
autentico,
riconoscibi-
le, eloquen-
te, efficace. In questo terzo la-
voro è sicuro, versatile. Padrone
della tecnica e del pathos. Delle
parole e della musica. Scuote
con immagini forti e racconti
fitti, serrati, pescando nell’inti-
mo per declinare l’attualità, l’u-
niversale, per indagare l’animo
umano. Storie, visioni, rifles-
sioni, tra ispirazioni musicali e
letterarie, tra teatro e pop.
BARBARA SANTI
84/100
 SUONA ANCORA
IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI

MEGANOIDI ALBERTO NEMO OUR PLACE IN SPACE

MESCLA IO DIO NO OUR PLACE IN SPACE
AUTOPRODUZIONE AUTOPRODUZIONE AUTOPRODUZIONE

A due anni Alberto È all’ine-

di distanza Nemo è sauribile
dalla loro un autore immagina-
ultima coraggioso, rio cosmico
fatica, in grado di che il duo
tornano i battere per- di Reggio
Meganoidi, corsi poco Emilia
nati come canonici, attinge
piccola leggenda dello ska punk la cui musica è attraversata da spudoratamente per distillare
di fine anni 90. Negli anni sono arcaiche venature dark. I suoi la propria trasversalità elettro- TEHO TEARDO
cambiati, sino ad assumere sono brani avvolgenti, percorsi nica ad alta gradazione pop: ELLIPSES DANS L’HARMONIE
una forma di alternative rock da un sottile ma persistente quello di Gary Numan, dei Daft SPECULA
italiano a base funky. Non male afflato religioso, fatti di un mi- Punk, dei NIN più smutandati
Mescla, anche se qualche pic- nimalismo sintetico che diventa e, nell’unico brano in italiano, La migliore espressione
colo calo di tensione non rende il perfetto tappeto sonoro su cui quello dell’asse Bluvertigo/So- della sintassi massimalista
completa giustizia. si adagiano le sue composizioni erba. Talmente pop da risultare di Teardo, compositore eu-
MARIO RUGGERI poetiche. Un disco a tratti pre- oltremodo conciliante persino ropeo, musicista illuminista.
67/100 tenzioso, ma interessante. nei frangenti più spigolosi
STEFANO D’ELIA (Alien, Sad, No More).
65/100 ANTONIO BELMONTE
62/100

PAY ANDREA SENATORE GIANLUCA TESTA

VA PROPRIO TUTTO BENE HÈRITAGE NOMADE DIGITALE
PUNKROCKERS ONDE ELECTRONIC CONTENTS AUTOPRODUZIONE

Appar- New wave Attore di

tengono ed elettro- scialbe
al nostro pop sono fiction e di
patrimo- territori film non
nio punk, largamente proprio
Quello della esplorati, indimen-
fine degli ma se tutto ticabili,
anni 90. Da pare esse- Gianluca
quel fermento i Pay emersero re stato già scritto c’è sempre Testa si cimenta con la musica,
per la loro attitudine scanzo- spazio per chi sa trattare la e non è che qui le cose migliori- AA.VV.
nata. Anche se un po’ usciti dai materia con la dovuta maestria. no più di tanto. Un po’ di frasi FROM TURIN TO AUSTIN. A
radar, non hanno mai smesso Nove episodi che tratteggiano fatte mutuate dal linguaggio TRIBUTE TO THE LATE GREAT
di lavorare e Va Proprio Tutto abilmente sconfinati orizzonti dei social (Zu), alcune sonorità DANIEL JOHNSTON
Bene è l’ennesima dimostrazio- sintetici, composizioni calde a presa rapida presa in presti- DOTTO
ne del loro talento di genere. e avvolgenti in cui i Japan to da Rino Gaetano (Licenza
Convincenti e lucidi, belli roc- (Deep Blue) incontrano gli M83 Bambino), un po’ di rock in Un tributo a Daniel John-
ciosi, taglienti nei testi e mu- (Dusty Tapes). File under: OST stile Comunione e Liberazione ston ispirato, equilibrato tra
scolari nei suoni. per romantici viandanti dimen- (Mondo Buffo) e pochissimo devozione e divertimento,
MARIO RUGGERI sionali. altro ancora. e frutto di una scena forte-
mente figlia dell’indie rock
84/100 STEFANO D’ELIA STEFANO D’ELIA
72/100 50/100 americano.

UNFAITHFULL UTVEGGI  YOSONU

AEON CANZONI D’UMORE NAMASTEREO
AUTOPRODOTTO ALMENDRA LA LUMACA DISCHI

Nulla da I paler- Giuseppe

dire: il terzo
disco degl
Unfaithfull
è perfetto.
Fosse uscito
dieci anni
fa oggi
ne parleremmo in un contesto
internazionale. A volte sembra
di sentire i Dream Theater cata-
pultati nel mondo del post metal
industriale. Puliti, precisi, pieni
di fantasia, distopici, evocativi,
tecnicamente ineccepibili: ma
la differenza la fa il cuore che
rende le canzoni piene e non
asettiche. Una band della quale
dovremmo andare molto fieri.
MARIO RUGGERI
86/100
mitani Costa è
mescolano un ottimo
alternative polistru-
rock chi- mentista,
tarristico, in possesso
folk e prog, un’idea
guidati di musica
dall’istrionismo sopra le righe totale, che coinvolge anima e
dei testi (Confessioni Di Settem- corpo, l’impressione però è che GIGI MASIN
bre è un divertente gioco degli non sia riuscito a comunicare in CALYPSO
APOLLO
equivoci sui nomi della scena toto questa sua idea. Tra fremiti
indie italiana). Le idee non man- industrial e tribalismi robotici,
Il maestro veneziano
cano, l’energia neppure, tuttavia alla fine a spiccare sono i Japan
dell’ambient approda (è il
l’impianto ironico/sarcastico su sospesi in un suggestivo vuoto
caso di dirlo) al vero seguito
cui si basa il tutto è paradossal- sintetico di This Journey e la
del leggendario Wind.
mente sia il punto di forza che il trasposizione di Briganti Se
punto debole del progetto, e alla More di See More.
lunga mostra un poco la corda. STEFANO D’ELIA
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME 67/100
60/100
RUMOREMAG.COM | 87
 JULIA BARDO BUCKFAST
PHASE BUCKFAST
WICHITA KAFADAN KONTAK

Da Brescia “Abbiamo
a Manche- provato a
ster, per suonare
avvicinarsi r’n’r a velo-
anche fisi- cità punk”,
camente a così m’ha
quel sound detto il can-
tutto bri- tante del
tannico – ma anche con un oc- gruppo di Seremban, costa occi-
chio alla provincia indie ameri- dentale della Malesia. Be’, non
cana – che è il linguaggio usato c’è ombra di parodia o scim-
da Julia Bardo per raccontare miottamento in questi quattro
le emozioni contrastanti di una pezzi che ci riportano al blues

CHRISTINE
giovane donna, di una giovane noise punk dei ’90 di scuola
artista sensibile e talentuosa di Crypt e In The Red, con Witches
cui se continua così potremo si- Gaze e Miracle Plan a foderare

AND THE QUEENS

stemare i dischi nella stessa se-
zione delle Angel Olsen, Weyes
Blood, Sharon Van Etten.
LETIZIA BOGNANNI
78/100
il cuore con una pesante guaina
lo-fi. Ha fatto proprio bene l’eti-
chetta turca a tirarli a bordo.
MANUEL GRAZIANI
76/100

LA VITA NUOVA CHEVEL FEVER DOG

BECAUSE MUSIC
ELVINE UNLOCKED SOLID GROUND
ENKLAV INTERSTELLAR OVERLORD

Già Gone con Charli XCX l’anno scorso, Nei sei Dalla rivi-
aveva detto di un talento pop potenzial- brani del sitazione di
mente debordante. Oggi Héloïse Letis- suo nuovo uno space/
sier si prende tutto con un’opera in sei EP, il trevi- prog hard
atti, in cui la musica (scintillante di vita) giano Dario rock i ca-
è solo uno dei motori. Colonna sonora Tronchin - liforniani
di un mini film girato da Colin Solal già all’opera Fever sono
Cardo al Palais Garnier, in cui la nostra per etichet- ora passati
eroina danza con un fauno fra i tetti di te come la britannica Different a un glam rock tra vintage e
Parigi, tuffandosi poi in un’epifania vampiresca. Il fantasma Circles – affina l’arte del chiaro- novità che fa largo uso di synth,
dell’Opera, i coriandoli di Baz Luhrmann, la coralità anni 70 di scuro e di uno stile che attinge ritmi r’n’r alla Marc Bolan,
Bob Fosse, ma anche Leos Carax e Abel Ferrara, in una giostra da bass e techno diventando effetti space analogici e di un
travolgente. Lo struggimento di Dante che idealizza la figura di sempre più personale. Dal beat organo Hammond grooving.
Beatrice esplode nel meraviglioso abbraccio fetish di Caroline obliquo della title track, con le La loro angolazione non è alla
Polachek, amazzone e Virgilio nell’incanto perverso della title sue voci aliene, ai suoni abra- Lemon Twigs, cioè pop, ma
track. L’amore ai tempi della peste. Oltre, solo l’Olimpo. sivi di Cut, mentre Swamped più zeppeliniana. Il risultato?
MAURO FENOGLIO trasforma mirabilmente la sua Brillante, per non dire quasi…
85/100 tensione in un crescendo trance. stupefacente.
GIORGIO VALLETTA CLAUDIO SORGE
83/100 80/100

FONTANABLU IL CLORO JANAKI’S PALACE LATENTE

FONTANABLU SPONGA EVERYTHING IS TEMPORARY LE COSE IMPORTANTI
MARJUCHA SOUND UR SUONI COSTELLO’S YOU CAN’T RECORDS YCR

Tre ragazze Sei tracce Essere così Se ricordate

e un ragaz- impazzi- risoluti e di- i suoni po-
zo, musici- te in cui retti in so- tenti, i ritmi
sti giovani succede di lamente tre scatenati e
ma con tutto: strut- brani soul, le urla la-
alle spalle ture aper- psych e pop ceranti dei
diverse te, ritmi è possibile. precedenti
esperienze elettronici Gli Janaki’s dischi della
in campo musicale, le quali con- quasi regolari, voci e percussio- Palace maneggiano materiale band lombarda, questo nuovo
fluiscono in questo piacevole ni di vario genere e provenien- umano caldo, saggiamente do- EP vi sorprenderà. Le chitarre
progetto che sa di falò in spiag- za, campionatori, qualche stru- sato, infilandosi sotto la pelle si sono ammorbidite, le melo-
gia accompagnati da canzoni mento. Una sorta di orchestra senza forzare la mano. CPH Ø1 die emo sono state travolte da
ironiche e surreali. Amanti del gamelan filtrata attraverso un esalta la voce e le strutture non un’appassionata liaison con il
cantautorato classico italiano, videogioco, 20 minuti di musica semplificate. August rifiata un pop e le interpretazioni vocali
i Fontanablu sono capaci di che il duo ravennate dichiara po’ per ricadere su Reflections sono più corpose e meno ado-
evocare la giocosità di Conte e pensata addirittura come una dove ogni strumento è educata- lescenziali così come i temi af-
Gaber (Ansia Da Lavoro, Co- sonorizzazione di Twin Peaks. mente funzionale alla canzone. frontati, più maturi e introspet-
perta Rossa), aggiungendo un E chi siamo noi per non fidarci? Idee chiare e compattezza da tivi. Insomma meno energia ma
tocco lo-fi. ANDREA POMINI veterani. più sostanza.
STEFANO D’ELIA 72/100 NICHOLAS DAVID ALTEA DORIANA TOZZI
70/100 74/100 68/100
88 | RUMOREMAG.COM
SINGOLARE LA LUNGHEZZA NON È TUTTO APRILE 2020

LORENZO BITW LOW DÉRIVE LUCY AND THE RATS MAREE

SALTO DON’T BELONG DARK CLOUDS VERSILIA
SECRET SONGS/LA TEMPESTA NO REASON/FLAMINGO DIRTY WATER SUPERNOVA DISCHI

Sulla scia Breakup Nuovissimo È un rock

dell’al-
bum Love
Junction,
nell’ultimo
paio d’anni
la reputa-
zione del
produttore romano è cresciuta
esponenzialmente grazie anche
alla capacità di forgiare tracce
da club di peculiarità non co-
muni. Così anche per il primo
singolo che sembra annunciare
un progetto corposo: fra electro
e afrobeat, dove il contributo
di Drumcello alle percussioni,
basso e balafon aggiunge ulte-
riore freschezza.
GIORGIO VALLETTA
81/100
(2017)
era stato
il primo
album della
band mi-
lanese, ma
ascoltando
ora l’EP Don’t Belong sembra
passato tantissimo tempo. L’a-
pertura con Problems è l’apice.
È proprio il modo di concepire
i nuovi pezzi, la scrittura, il
suono meno standardizzato
verso la California pop punk che
gli fa fare il cambio di passo. Un
ingombro sonoro pieno e idea
di punk rock più contempora-
neo ma sempre vero.
NICHOLAS DAVID ALTEA
72/100
singolo genuino e
per gli au- pieno d’e-
straliani, nergia quel-
che danno lo proposto
un’altra di- da questi
mostrazio- ragazzi to-
ne del loro scani, brani
talento 70’s punk (con tutto con una forte carica emozionale
quello che si porta dietro). che si muovono attraverso
Dark Clouds ha un certo sapore una convincente alternanza di
jangle pop da colonna sonora rabbia e melodia (Versilia, In-
di Friends (la serie TV). Mentre frangersi). Canzoni che anche
Get Down rievoca qualcosa di quando i volumi vengono ab-
Leader Of The Pack del 1965. bassati, sanno coinvolgere ed
Carinissimo 60’s power pop, se emozionare (Apnea): un EP che
così possiamo definirlo. rappresenta un buon biglietto
CLAUDIO SORGE da visita e che fa ben sperare
78/100 per il futuro.
STEFANO D’ELIA
68/100

MEMES THE MYSTERY OF THE NAN KOLÉ X DJ TESS THE SCANERS

BLAH BLAH BLAH
SIX TONNES DE CHAIR
John e Paul
McLinden
sono due
cugini di
Glasgow
che hanno
deciso di
formare un
duo armati solo di un laptop.
Qualcuno ha detto Sleaford
Mods? Ok, ma questi scozzesi
con in braccio basso e chitarra
hanno trovato in cantina uno
scatolone di vecchi album dei
Carter The Unstoppable Sex
Machine. Tanto valeva fare del
rock, no? Blah Blah Blah è una
fottuta hit martellante, Happy
Shopper e Funny Man seguono
a ruota. Grande singolo.
MANUEL GRAZIANI
80/100
BULGARIAN VOICES HOMEMADE ALIEN BOY
FEAT. LISA GERRARD IDENTITIES ADRENALIN FIX MUSIC/GHOST
SHANDAI YA/STANKA HIGHWAY/DANGERHOUSE SKYLAB
PROPHECY Roma e
Pescara si Nell’imma-
EP che a uniscono ginario sci-
tutti gli a Lon- fi questa è
effetti è dra: Nan musica che
valevole e Kolè (DJ t’immagini
avvincente romano, provenga
compendio fondatore dalla cabina
dell’album dell’etichetta Gqom Oh!) e DJ di una na-
BooCheeMi- TESS (produttrice/dj abruzze- vicella spaziale. Con quei synth
sh, centrale nella sua veste col- se). A Londra sono anche sotto così ‘80, le chitarre singhioz-
laborativa con Lisa Gerrard e di lo stesso tetto e Homemade zanti e le linee melodiche robo-
cui rielabora alcune tracce signi- EP ne è il naturale risultato. tiche puoi pensare che X-Ray
ficative, tra cui Mome Malenko Quattro tracce fatte di rivisitate Glasses: On l’hai ascoltata da
e Rano Ranila. Due i momenti pulsazioni primordiali, UK funk ragazzo su Deejay Television:
prettamente inediti, Zaida Slun- e grime rieditato con qualche tanto gradevole quanto preve-
tse (che vede la cooperazione special guest come MC Jakhal dibile. Per fortuna il gruppo di
vocale di SkilleR) e la versione Beeley, produttore Agostino e Lione perde il controllo e spara
dal vivo di Rite Of Passage. MC NyNy. Delizie di tamburi i due razzi synth punk Alien Boy
STEFANO MORELLI sordi e colate di groove. e I Really Wanna Know.
75/100 NICHOLAS DAVID ALTEA MANUEL GRAZIANI
77/100 72/100

SQUAREPUSHER TROPEA VALENTE WICKED LADY

LAMENTAL YOUR WONDERFUL LIFE CONTROLLO RUN THE NIGHT
WARP AUTOPRODUZIONE DISCHI SOVIET STUDIO GUERSSEN

Lamental L’immagine A un anno Singolo po-

è la prima
uscita di
Tom Jen-
kinson/
Squarepu-
sher dopo
l’album
pubblicato in gennaio, Be Up A
Hello. Robinson sta sviluppando
una propensione melodica che
ormai sposa con disinvoltura e
con saggezza sui suoi leggendari
breakbeat, come dimostrano
Midi Sans Frontieres (traccia
per remixatori volenterosi), i
synth malinconici di Detroit
People Mover e la sua versione
iperattiva The Paris Track.
ANDREA PREVIGNANO
70/100
che si crea circa dal stumo per
nella mente precedente una band
è quella di lavoro, Va- hard under-
un qualcosa lente pre- ground dei
di estivo e senta questi più oscuri
disincanta- cinque ’70. Modello
to. Collapse nuovi brani per futuri
è esattamente così e si infrange che ne rappresentano una sorta freak neo hard come i Dzjen-
col pop acustico di My Girl. Con di completamento. Un EP con ghis Khan, i Wicked Lady di
Who May si ritrovano le pola- al centro il tema del controllo L.A. erano questa band sleazy
roid scolorite dell’hypnagogic a fare da trait d’union tra pezzi rock’n’roll ante litteram. Run
pop 2009/2010. La forza evoca- che si muovono tra una new The Night è del 1969, puro acid
tiva dei milanesi Tropea esonda wave dotata di sferzante elettri- nightmare, diciamo un po’
à gogo e si forma sull’ultimo cità (la title track) e atmosfere più dolce. Mentre I’m A Freak
War On Drugs nella traccia July notturne e avvolgenti (Ultima (1972) è proto Motörhead, rock
o allo slacker pop sussurrato Cena,Tokyo Night), attualiz- pre punk sciatto ed eccitante.
e magnetico di Erotic Movie zando così la lezione di Fiumani CLAUDIO SORGE
Soundtrack. (Oggi). 78/100
NICHOLAS DAVID ALTEA STEFANO D’ELIA
74/100 68/100
RUMOREMAG.COM | 89
FLASHBACK ACRIMONY
STONER HYMNS
ACRIMONY
CHRONICLES OF WODE - BOX
BURNING WORLD
Per l’intero decennio dei 90 gli Acrimony
hanno rappresentato un baluardo dello
stoner inglese. L’alter ego dei Kyuss.
Anche se questa non è una definizione
completamente corretta. La band può
essere considerata l’erede di antiche
tradizioni celtiche, i cui riti sciamanici
hanno più di una connessione con l’uso
di funghi allucinogeni. Da un punto di
vista puramente musicale, gli Acrimony
90 | RUMOREMAG.COM
ACRIMONY
sono una poderosa macchina da guerra
che combina il classico rifferama doom
anni 70 dei Black Sabbath con la visione
metal astrale degli Hawkwind e un
pachidermico tocco acid fuzz rock alla
Blue Cheer, con un’evidente ipnotica
angolazione stoner, alimentata da un
uso massiccio di cannabis ad allargarne/
deformarne la già potente visione,
maturata anche ai primi rave, ai quali
gli Acrimony partecipano tra il ‘91 e il
‘92. La band si forma a Swansea, Galles,
nel 1990, con Dorrian Walters (voce),
Stu O’Hara (chitarra), Matthew Davis
(chitarra), Paul Bidmead (basso) e
Darren Ikey (batteria). Quando suonano è
impossibile arrestare la loro incontenibile
energia espansiva. Paul Bidmead
spiegherà che è la cannabis il motore
di tutto. “Come un altro strumento, dà
un feeling extra alla nostra vibrazione”.
Per una serie di motivi anche casuali, il
loro primo album Hymns To The Stone
(1994) esce per l’etichetta Godhead,
emanazione dell’italiana Flying. Mentre
il secondo Tumuli Shomaroom non
riuscirà a vedere la luce per via della crisi
che travolgerà l’etichetta napoletana.
Con un brano come Motherlug, una vera
tempesta rituale cosmic stoner, Tumuli
è l’apice creativo degli Acrimony. La
DI CLAUDIO SORGE
licenza dell’album verrà poi rilevata nel
1997 dalla Peaceville. Qualche paragone
viene fatto (ancora) in favore dei Kyuss
– dei british Kyuss, si dice – ma Mead,
sebbene si dica onorato, puntualizza
che i Kyuss sono più classic rock USA
rispetto a loro. ”Noi siamo una sorta
di shamanic mushroom metal band.
Cerchiamo di portare una vibrazione
Hawkwind/Motörhead più “sporca”. Nel
2001 la band si scioglie e ciascuno dei
componenti prenderà strade differenti.
Nel 2008 Darren, Dorrian, Stu e Mead
rispolverano le loro armi acid stoner
per formare a Swansea i Sigiriya, che
riprendono vecchie tematiche esoteriche
celtiche in un nuovo progetto che, a
questo punto, suona come una evoluzione
degli Acrimony. Dei quali sul finire del
2019 viene infine pubblicato un box con i
due dischi incisi in carriera, più un terzo,
Bong On Live On! con inediti, demo e
live. Il box si chiama The Chronicles of
Wode, dove Wode è un pianeta parallelo
alla Terra attraverso il quale i Celti hanno
portato la Pietra e il Riff. Parallelamente,
gli antichi spiriti “lisergici” dei celti
continuano a vivere oggi nei Sigiriya.
83/100 DISCO
81/100 EXTRA
RETROPOLIS APRILE 2020
24 GRANA
A RACCOLTA
LA CANZONETTA
Dopo una pausa rigeneratrice
durata sette anni, torna la band
napoletana con un compendio
della carriera discografica, in-
trodotto dall’omonimo inedito
inciso negli Abbey Road Studios
di Londra, in cui Di Bella dia-
loga con il flow di Clementino.
Partendo da ‘O Cardillo e Intro-
dub, dal disco di esordio Loop,
per chiudere con Accireme e
Luntano, tratti dal penultimo
Ghostwriters, in un’antologia
che condensa la loro storia in
11 tracce. Un bagaglio raccolto
in quasi 20 anni di vita e una
nuova canzone, la scintilla che
li ha portati a riunirsi. L’intento
è calcare presto il palco, in for-
mazione originale, in tournée:
del resto tutto è ricominciato
nel 2019 dalla necessità di ri-
trovarsi a suonare in sala prove,
chiamati giusto a raccolta.
BARBARA SANTI
70/100 DISCO
ZERO EXTRA
AA.VV.
INTENTA
DÉCALÉ/BONGO JOE
Non solo Yello, ma una scena
vivissima di alieni fra new wave,
pop sintetico, primi segnali tech-
no/house, esotismi e avanguar-
dia. L’effetto, ascoltando queste
17 tracce di Experimental &
Electronic Music From Switzer-
land datate 1981/1993, è simile a
quello che deve aver provato uno
straniero ascoltando Mutazione,
dedicata all’Italia dalla Strut
nel 2013: quello di affacciarsi
su un mondo segreto, creativo,
autosufficiente, sviluppatosi
fuori dalle mappe musicali
note, quando i primi strumenti
elettronici entrano in gioco sul
serio. Cose mai sentite dunque,
da gente che per la maggior
parte ha all’attivo qualche singo-
lo e un album, o giù di lì. Si entra
con una Untitled di Andreas
Hofer da trasformare immedia-
tamente nel miglior beat hip hop
dell’anno, il resto sorpresa.
ANDREA POMINI
82/100 DISCO
ZERO EXTRA
AA.VV.
TERROR FROM THE UNIVERSE
RIGHTEOUS
Benvenuti nel mondo della sci-fi
cinematografica supervintage,
quella che evoca immagini da
drive in affollati, adolescenti che
limonano avvinghiati sui sedili,
vassoi di fast food agganciati ai
finestrini e pellicole in bianco e
nero ingenue. Questi 26 brani di
rock’n’roll, pop bizzarro, there-
min sound e space surf (con nomi
del calibro di Sun Ra Arkestra,
Les Paul, Skeeter Davis e Moon-
dog) sono tratti da colonne sonore
presenti nell’archivio di Poison
Ivy e Lux Interior dei Cramps, in-
framezzati da schegge di dialoghi
di film oscuri. L’effetto è un mix
di divertimento, nostalgia alla
Happy Days e un tocco di Joe
Lansdale a condire il tutto con
un filo di sano brivido: l’accom-
pagnamento perfetto per feste a
tema – da Halloween agli anni 50.
ANDREA VALENTINI
77/100 DISCO
ZERO EXTRA
DAVID BOWIE
IS IT ANY WONDER?
PARLOPHONE
Come ideale antipasto all’immi-
nente uscita di ChangesNow-
Bowie (album che documenta
una session acustica realizzata
nel 1996 per la BBC), è uscito da
poco questo EP di rarità e ine-
diti. Ad aprirlo nella versione
digitale è proprio la versione di
The Man Who Sold The World
registrata in quell’occasione,
sostituita invece nel formato
fisico da Fun (Clownboy Mix),
brano curiosamente nato come
versione di Fame per il tour di
Earthling prima di divenire
qualcosa di ancor più scuro.
Sempre da quel periodo arriva-
no le rivisitazioni del periodo
Tin Machine (ad esempio la
rarefatta versione di I Can’t
Read), del magistrale Station
To Station – l’aggiornamento in
modalità jam di Stay – e l’inedi-
ta Nuts, “scarto” drum’n’bass a
dire il vero non irresistibile.
GIORGIO VALLETTA
71/100 DISCO
ZERO EXTRA
AA.VV.
BLACK RIOT - EARLY JUNGLE RAVE
& HARDCORE
SOUL JAZZ
Un’altra preziosa raccolta
tematica a cura della sempre
affidabile etichetta di Stuart
Baker. Il soggetto è quella
scena britannica, e soprattutto
londinese, che nei primi anni
90 realizzava la transizione dal
suono hardcore techno da rave
alle prime forme jungle. Dalla
travolgente Durban Poison
dei Babylon Timewarp ai ritmi
frenetici accompagnati da bleep
e frequenze infrasoniche di DJ
Dubplate. In scaletta ci sono
anche alcuni dei protagonisti
del suono drum’n’bass degli
anni successivi, come Ray Keith
– qui sotto l’alias The Terrorist
– oppure Jumping Jack Frost,
che nel ‘94 con lo pseudonimo
Leviticus realizzava il classico
di culto Burial.
GIORGIO VALLETTA
85/100 DISCO
ZERO EXTRA
FAN MODINE
SLOW ROAD TO TINY EMPIRE
RHINO
Uscito autoprodotto in vinile
nel 1997, e ristampato in CD
da Rykodisc l’anno seguente, il
primo album di Gordon Zacha-
rias è uno di quei dischi usciti
forse al momento sbagliato, e
diventati nel tempo dei mini
classici per pochi devoti. Suo-
nato, cantato e registrato in
proprio e in vari modi, dal
quattro tracce a cassette fino
al computer, segue una via
personale rispetto al suono e
all’estetica indie dominanti,
preferendo le imperfezioni e i
salti stilistici, unendo distor-
sione e sintetizzatori, suoni
d’ambiente e beta casalinghi,
cantautorato lo-fi e strania-
mento psichedelico, gentilezza
e desolazione di fondo. Come
un tassello mancante del cata-
logo Elephant Six, introspet-
tivo e poco interessato a cosa
succede fuori dalla finestra.
ANDREA POMINI
69/100 DISCO
ZERO EXTRA
AA.VV.
BROWN ACID THE 10TH TRIP
RIDING EASY
Che anno il 1969 americano!
Hendrix rivoluziona il rock e il
blues, Altamont è dietro l’angolo,
Woodstock è già dietro le spal-
le, i Blue Cheer esplodono. Dal
garage beat e dalla psichedelia
più o meno pop si esce con un’ag-
gressività e allo stesso tempo una
voglia di rompere le barriere, in
rotta di collisione verso un hard
rock fuzz tanto ingenuo quanto
fibrillante di novità e follia. Sono
molte le band nel decimo Brown
Acid Trip che arrivano dal 1969
con brani tra i più acidi, abrasivi
e superfuzz. Garage hard rock
come quello di Frozen Sun, Bitter
Creek (sorta di Yardbirds cresciu-
ti a fuzz estrogenato), Brood, e i
Conception che fanno una cover
di Babylon dei Blue Cheer. Puro
american hard Nuggets from the
vaults. E non finisce qui.
CLAUDIO SORGE
79/100 DISCO
ZERO EXTRA
THE FRANTICS
BIRTH
LOST SOUNDS MONTANA
Formatisi a Billings, nel Mon-
tana, nel 1964, i Frantics sono
stati per anni il segreto meglio
nascosto della psichedelia
americana. Fino a che nel 2018,
esattamente 50 anni dopo, è
stato pubblicato il loro primo
album, inciso nel 1968 e mai
uscito. I Frantics erano una
via originale e misterica alla
garage/psichedelia USA. Le
loro canzoni, inni di protesta e
ricordi di vecchie leggende folk
americane, potevano riferirsi
a band come Amboy Dukes, o
Litter quando si esaltavano in
certe ballate acide e visionarie.
Kim Sherman e Dennis Devlin
erano i due principali compo-
sitori, influenzati dalla british
invasion (Yardbirds) ma con un
vasto repertorio folk rock alle
spalle; e, in brani come Relax
Your Mind, da un uso naïf di
droghe artificiali.
CLAUDIO SORGE
83/100 DISCHI
ZERO EXTRA
RUMOREMAG.COM | 91
RETROPOLIS APRILE 2020

GORILLA HAWKWIND LEVEE CAMP MOAN LYCANTROPI

ROCK OUR SOULS ROADHAWKS LEVEE CAMP MOAN LYCANTROPI / SPIRITUOSA
GO DOWN ESOTERIC/ATOMHENGE SOMMOR DESPOTZ

C’è chi considera il terzo disco
dei Gorilla come il loro punto
di perfezione. Forse non è così.
Il loro esordio, seppur ancora
grezzo e non perfettamente
definito, fu la vera esplosione.
Eppure Rock Our Souls, uscito
originariamente nel 2007, è
una gemma di genere. Una
sintesi perfetta tra il rock di
Detroit (su tutti gli Up!) e l’a-
cid blues ipersonico dei Blue
Cheer e il ground hard rock dei
Grand Funk Railroad. Un disco
insieme viscerale, magmatico e
nevrastenico, calmato solo da
alcuni passaggi di doom Sabba-
thiano. Un gruppo che dall’In-
ghilterra riuscì ad imporsi nel
periodo post stoner, quello che
stava meravigliosamente sfo-
ciando nel ritorno dell’Heavy
Psych. Da riscoprire assoluta-
mente.
MARIO RUGGERI
88/100 DISCO
ZERO EXTRA
Da tempo fuori catalogo, questa
compilation del 1976 raggrup-
pa il meglio della produzione
della band risalente al periodo
1970/75. Otto brani in ordine
cronologico, di cui uno (You
Shouldn’t Do That) dal vivo, per
mostrare i gioielli più scintil-
lanti dello space rock di Dave
Brock e soci: e la selezione delle
tracce è vincente, come l’apprez-
zamento del pubblico mostrò
già all’epoca (era uno degli LP
da avere in casa). In alcune
canzoni sentiamo anche il basso
di Lemmy nella sua vita pre
Motörhead – per buona pesa.
Tutto è stato, come da manuale,
rimasterizzato presso gli studi di
Abbey Road dai nastri originali
appartenuti alla United Artists.
Bello il lavoro dell’etichetta, che
correda il disco del poster origi-
nale allegato alla prima stampa.
ANDREA VALENTINI
75/100 DISCO
ZERO EXTRA
A metà degli anni 60 in Inghilter-
ra, tra i giovani bianchi cresciuti
con il r’n’r, scoppia una sorta
di febbre per il blues originale
americano. John Mayall e Alexis
Korner sono i diffusori di questo
nuovo purismo, trasmettendo
questa passione a una nuova
generazione di musicisti. Una
miriade di band esaltano il
blues come la loro stella polare:
Fleetwood Mac, Savoy Brown,
Chicken Shack, Ten Years After.
Come questi, i Levee Camp
Moan di Brackell sono giovani
ed entusiasti. Il loro blues è un
po’ scolastico, ma animato da
una passione ingenua e feroce.
Questo è un album che editarono
privatamente nel 1969: da Skip
James e Muddy Waters a forme
più rurali di country blues, è un
gioiello di purezza british blues
che merita di ritornare alla luce.
CLAUDIO SORGE
80/100 DISCO
ZERO EXTRA
Le vastità musicali rock anni 70
sono a tutt’oggi territori di caccia
per giovani formazioni che, come
nel caso dei Lycantropi, traggono
linfa vitale per ricreare qualcosa
di inedito e di fresco. Parliamo
di una band dal tocco dolce,
armonico, che pur ispirandosi a
fonti diverse, dalla vocalità per-
fetta folk rock dei Mamas And
The Papas al rock’n’roll occulto
dei Blue Öyster Cult, con sfu-
mature noir che fanno pensare
ai Coven, riesce a creare nuove
canzoni che hanno questa sottile
vena malinconica scandinava
che le rende uniche. Rispetto al
primo omonimo album (2017),
Spirituosa (2019) sembra più a
fuoco e dark: ci sono brani come
Wild Flower che sintetizzano al
meglio questa armonia folk nor-
dica con rock di San Francisco e
gentili riff heavy.
CLAUDIO SORGE
79-80/100 DISCO
79-80/100 EXTRA

DOMESTIC
EXILE
MENTAL EXPERIENCE/GUERNSSEN STEVE PICCOLO
Domestic Exile, a voler ben vedere, qualche parentela coeva ce l’ha,
soprattutto dall’altro lato dell’Atlantico: la rilettura art brut del
classico Motown Money, opera dei Flying Lizards, certo stortissimo
art punk autoprodotto su cassetta, o ancora gli Young Marble Giants
e il loro spinoff The Gist. Eppure l’esordio solista di Steve Piccolo,
in libera uscita dai Lounge Lizards un anno dopo l’esordio su disco
del loro fake jazz d’avanguardia, è senza dubbio un pezzo unico, un
oggetto non identificato che fa storia a sé. Ristampata per la prima
volta – e per la prima volta anche in CD – dai tempi dell’uscita
sulla nostrana Materiali Sonori (era il 1982, le vicissitudini che
portarono il disco nel nostro paese le racconta l’autore nel ricco
booklet), questa collezione di polaroid urbane, approntata dal
musicista newyorchese – voce, basso e chitarre sbilenche – con
l’aiuto del bandmate Evan Lurie (tastiere cheap) e di G. Lindahl
(synth autocostruito), è un prontuario di miniature pop screziate
di rumore e dissonanze. Che racconta paradossi e alienazioni
trasfigurando la contraddittoria quotidianità dell’autore (analista
informatico a Wall Street di giorno, frequentatore di spazi d’arte e
circuiti avant – nonché bassista dei Lizards - la notte) in quella che
qualcuno ha definito la versione lo-fi di Music For A New Society
di John Cale. Una definizione troppo bella per non farla nostra,
ma l’esilio domestico di Steve Piccolo è molto di più: una lezione di
minimalismo applicata a varie ipotesi alternative di pop obliquo, che
genera formidabili canzoni tascabili come quella I Don’t Want To
Join A Cult che per poco non inciderà Debbie Harry, o una Young
And Ambitious tutta nervosismi punk e sardonici flussi di coscienza
che raccontano lo yuppismo con il distacco di un entomologo.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
85/100 DISCO
ZERO EXTRA

92 | RUMOREMAG.COM

METAL CHURCH
FROM THE VAULT
REAPER ENTERTAINMENT
L’ondata di thrash metal made
in the USA di Metallica, Exo-
dus, Slayer e Anthrax cagionò
l’emersione di una miriade di
formazioni: andarono a creare
un sottobosco fitto, che fece
da incubatrice per molte band
passate alla storia come “mino-
ri”, magari anche a torto. Una
di queste sono i Metal Church
(nati a San Francisco, ma poi
trasferitisi ad Aberdeen – la città
di Kurt Cobain), che addirittura
sono considerati fra i padri del
thrash avendo iniziato nel 1980,
ma non hanno mai conquistato
uno status elevatissimo. Questa
raccolta si focalizza su incisioni
con il secondo – e attuale – can-
tante Mike Howe, fra materiale
d’archivio, inediti, cover e qual-
che primizia fresca d’incisione.
Nulla per cui urlare al miracolo,
ma i fan true apprezzeranno.
ANDREA VALENTINI
70/100 DISCO
ZERO EXTRA
CAT STEVENS
BACK TO EARTH (SUPER DELUXE)
CAT-O-LOG/BMG
Nel 1978, dopo aver rischiato
di morire affogato a Malibù
ed essersi convertito all’Islam,
Cat Stevens pubblica questo
disco (la Natura al centro, Wild
World), adotta il nome di Yusuf
Islam e si ritira per quasi 30
anni. Contiene Just Another
Night, molto pop ‘70, qualche
ballata mielosa, sottili tentazioni
prog, funk/fusion, aggiorna-
mento generazionale (Father,
senza Son) e preoccupanti
accenni da Broadway (New York
Times). Dispensabile? In parte
sì, ma va segnalato un arricchi-
mento enorme nella versione
deluxe: nuove masterizzazioni
stereo, live, demo, inediti, il
musical Alpha Omega (con la
sua Child For A Day) e il live,
concepito all’epoca come addio
alle scene, di beneficenza per
l’UNICEF tenutosi alla Wembley
Arena di Londra nel 1979.
MAURIZIO BLATTO
64/100 DISCO
72/100 EXTRA
REVILLOS
STRATOPLAY
CHERRY RED
I Rezillos si sciolgono a dicem-
bre del 1978 e, pochi mesi dopo,
nascono i Revillos: il cambio di
consonante è per evitare grane
con l’etichetta (Sire), ma la so-
stanza è la stessa. Un punk molto
pop e commerciale, che mescola
melodie Sixties a suggestioni
più glam, rock’n’roll e beat. In-
somma, una sorta di distillato di
Ramones e Blondie con melodie
che si arpionano al cervello e un
uno-due pugilistico offerto dalle
voci di Fay Fife ed Eugene Rey-
nolds. Questo bel box da sei CD
comprende i due album in stu-
dio, il remix del secondo targato
2002 e una caterva di materiale
extra fra registrazioni live, BBC
sessions e pezzi da singoli –
B Sides comprese. Una bella
chicca per chi ama il punk più
leggero e scanzonato, senza cat-
tiveria e pose da duri.
ANDREA VALENTINI
82/100 DISCO
75/100 EXTRA
THERAPY?
GREATEST HITS
(THE ABBEY ROAD SESSION)
PARLOPHONE
Un’operazione del genere, sulla
carta, non è molto allettante:
tutti i 12 singoloni da classifica
UK dei Therapy? riregistrati
agli Abbey Road Studios, con
l’aggiunta di un disco di mate-
riale bonus dal vivo (un pezzo
per ogni album della band). Alla
fine però i singoli si riascolta-
no volentieri, suonano freschi
e piacevoli, anche un filo più
ruvidi rispetto alle versioni
originali... e a Screameager è
sempre difficile resistere. Si
segnala, peraltro, una versio-
ne rimaneggiata della famosa
Diane (la cover degli Hüsker Dü
pubblicata nel 1995) e un cameo
di James Dean Bradfield (Manic
Street Preachers) in Die Lau-
ghing. Insomma, se il pretesto
era un tour per il trentennale
della band, la mossa è riuscita e
facilmente ci vedremo dal vivo.
ANDREA VALENTINI
75/100 DISCO
70/100 EXTRA
SUONA ANCORA
IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI
SEPULTURA
BENEATH THE REMAINS
DELUXE EDITION
RHINO
Anno Domini 1989: esce il POLVO
primo album dei Sepultura con TODAY’S ACTIVE LIFESTYLE
distribuzione internazionale (i MERGE
primi due erano su Cogumelo) e
per la band dei Cavalera si spa- Pop? Forse, ma di un nuovo
lancano i cancelli del successo tipo, con melodie e canzoni
mondiale. La ristampa ora sul nate dallo scontro delle
mercato celebra i 30 anni (31 a distorsioni e dal caos.
onor del vero) di questa pietra
miliare del thrash virato death
di stampo slayeriano, ma ricco
di personalità, tanto da schiac-
ciare con disinvoltura le accuse
di essere dei cloni di Tom Araya
e soci. Il risultato è semplice: il
disco, con audio rimasterizzato,
spacca ora come allora. Gli extra
– outtakes, versioni “mixdown”
(mah…) e una decina di pezzi
live del settembre 1989 registrati
alla Zeppelinhalle di Kaufbeuren
(Germania Ovest di allora).
ANDREA VALENTINI
90/100 DISCO
70/100 EXTRA
AA.VV.
ROCK & METROPOLI
FRA.GILE
Venerdì 23 novembre 1979.
A Milano va in scena il fe-
stival “Rock & Metropoli”
in un Palalido strapieno,
SONNY VINCENT carico di tensione e voglia
DIAMOND DISTANCE & LIQUID di watt.
FURY – SONNY VINCENT: PRIMITI-
VE 1969-1976
HOZAC
All’outsider newyorkese classe
‘52 Robert Ventura, alias Sonny
Vincent, abbiamo dedicato
un vecchio “Flashback” dove
ricordavamo che era attivo ben
prima dei Testors. Dal 1969
al 1971 coi Distance, nel 1972
con i Fury e dal 1973 al 1975
alla testa dei Liquid Diamonds.
Ecco spiegato perché Joey Ra-
mone era un suo grande fan. La
HoZac mette insieme un vinile
con il meglio delle prime tre
band di Sonny e subito salta
all’orecchio la buona qualità JON HASSELL/
sonora degli 11 pezzi. Nei Di- FARAFINA
stance c’è il grunge prima del FLASH OF THE SPIRIT
grunge. Gli assoli si fanno più TAK:TIL/GLITTERBEAT
secchi e rarefatti nei Fury che
in 100% Proof mitragliano Il compositore statunitense
grande proto punk. incontra la formazione di
MANUEL GRAZIANI
percussionisti del Burkina
Faso, complici due mostri
75/100 DISCO sacri della produzione come
ZERO EXTRA Brian Eno e Daniel Lanois.
RUMOREMAG.COM | 93
COCTEAU
TWINS
LA MATERIA
DEI SOGNI

TESTO DI DIEGO BALL ANI - FOTO DI CHRIS G ARNHA M

A
RETROPOLIS COCTEAU TWINS
parte Smiths e New Order, è probabile che non
esista gruppo britannico degli anni 80 più seminale
dei Cocteau Twins. E sia chiaro che per una volta il
brutto termine “seminale” può essere pronunciato
senza timore o ironia. Un termine che salta fuori
quando, per necessità o per virtù, si inventa qualcosa
che prima non c’era. Quel qualcosa, nel caso del
gruppo scozzese, è un sound pittorico e impalpabile,
artificioso e naturalista, frutto dell'immaginazione
di Robin Guthrie. La sua relazione artistica e
sentimentale con Elizabeth Fraser è stata il motore
di una delle storie più belle della discografia
indipendente degli ultimi 40 anni. Nove album,
un numero infinito di EP e un lascito artistico che
negli ultimi anni (ovvero da quando i tratti estetici
del dream pop sono stati inglobati nella discografia
“maggiore”) si è dimostrato quanto mai pervasivo ed
ecumenico. Più che un chitarrista, Robin Guthrie è
un collettore di suggestioni che ha saputo applicare
con coerenza la propria visione ai numerosi progetti
imbastiti dalla fine dei Twins, nei tardi 90. Oggi vive
in Francia con la famiglia, si dedica alla fotografia e
a sporadiche collaborazioni in qualità di musicista
o produttore. Raramente (molto raramente) si fa
convincere a parlare di quello che è successo in quegli
anni e di quella pesante eredità. Per noi l’occasione
si è presentata grazie alla ristampa 4AD in vinile di
Garlands e Victorialand.
Tanto per cominciare, mi piacerebbe sapere se
hai avuto un ruolo in queste reissues.
“A dire il vero no, anche se mi sarebbe piaciuto. In
realtà ho scoperto che avrebbero ristampato questi due
album solo ieri quando mi hanno scritto dalla 4AD per
dirmi che avresti chiamato. È un peccato, sarei stato
la persona più adatta a occuparsene. Ma non c'è più
nessuno alla 4AD delle persone che conoscevo e quelle
che la gestiscono ora le cose sono tutti giovani ed
entusiasti. Questo è l'importante”.
TAG: #ivowatts-russell #dreampop #philspector #inventare #noreunion
TESTO DI DIEGO BALL ANI
Dunque non l'hai ancora sentito.
“No, ma sono molto curioso. Penso soprattutto a
Victorialand. È stato un album molto difficile da
realizzare in vinile. È un disco molto delicato. All’epoca
eravamo solo agli inizi delle registrazioni digitali.
Ricordo che portai in studio il mio lettore CD, ma ci
accorgemmo che non suonava allo stesso modo del
vinile. L'unica soluzione fu di pubblicare il disco a 45
giri. Per cui non so che tecnica abbiano utilizzato per
fare il vinile a 33 giri”.
Mi parli degli inizi? So che a spingerti a
imbracciare la chitarra, come molti della tua
generazione, fu il punk.
“Sì c'erano band fantastiche in Scozia che ebbero una
grande influenza su di me, come gli Scars. Ma quando
sei un teenager entusiasta assorbi tutto quello che
ascolti. Noi venivamo da un piccola città, non eravamo
di Glasgow o Edimburgo. In più non eravamo molto
cool, non venivamo dalle scuole d'arte. Il nostro
successo in Scozia arrivò quando ci trasferimmo a
Londra, iniziammo a incidere per un'etichetta inglese.
A quel punto gli Scozzesi iniziarono a conoscerci”.
Tu e Will Heggie eravate già una band quando
conoscesti Elizabeth?
“No, non ho mai suonato in una band prima di
conoscere Liz. Avevo solo provato in un garage o
suonavamo di fronte ai vicini, ma nulla che potesse
definirsi un vero concerto. Io e Liz ci conoscemmo a
scuola, quando avevo 15 anni, e lei è sempre stata con
me sin da quando abbiamo iniziato”.
So che ci fu una specie di falsa partenza...
“Se si può chiamare così. Suonammo insieme per
alcune settimane poi decidemmo di lasciar perdere.
Fu un nostro amico a insistere affinché ci esibissimo,
ma noi decidemmo di comporre prima nuove canzoni.
Eravamo molto giovani. Io e Liz stavamo insieme,
eravamo molto innamorati e tutto ci sembrava
eccitante. Non volevamo un lavoro, non avevamo
piani. Volevamo solo fare musica. Volevamo fare tutte
quelle cose che direi ai miei figli di non fare. Il nostro
è stato un viaggio stupendo che ha prodotto cose
fantastiche. Ovviamente il nostro rapporto è stato la
forza trainante, nulla ha influenzato le nostre canzoni
più di questo”.
Come siete entrati in contatti con Ivo Watts-
Russell della 4AD?
“Un giorno, io, Liz e Will abbiamo preso il bus (perché
era l'unico mezzo che potevamo permetterci) e siamo
andati a Londra con due cassette in mano. Una
era per John Peel e l'altra per la 4AD. Il bello che è
ONLINE: cocteautwins.com
RUMOREMAG.COM | 95
che per ognuna delle due cassette abbiamo dovuto
risuonare i brani, avevamo solo un registratore e non
c'era modo di copiare la stessa cassetta. Dopodiché
siamo tornati a casa e abbiamo aspettato le risposte.
Entrambe furono positive. Non ci rendemmo neanche
conto di quanto fossimo fortunati, perché eravamo
totalmente incoscienti. Non avevamo idea di quanto
fosse difficile far parte di un’etichetta. All’epoca 4AD
era famosa per i Bauhaus e i Birthday Party. Ma poi
c'erano cose interessantissime come i Dif Juz e Matt
Johnson, il futuro The The. In quel periodo pubblicò
il bellissimo Burning Blue Soul, ma faceva già parte
dell'etichetta dal ’79. Fu proprio ascoltando le sue cose
che pensammo a quanto ci sarebbe piaciuto avere un
contratto con 4AD”.
Peraltro voi siete stati una delle band che ha
plasmato l’estetica 4AD per tutti gli anni 80.
Forse insieme ai Dead Can Dance ne siete stati la
band simbolo.
“In realtà penso che sia stata l'industria musicale a
96 | RUMOREMAG.COM
influenzare la mia estetica. I Dead Can Dance arrivarono
leggermente dopo, nel 1984, e avevano un’immagine un
po' diversa dalla nostra. Ma capisco quello che intendi.
Penso che a plasmare l'immaginario dell'etichetta siano
state soprattutto le copertine di Vaughan Oliver e Nigel
Grierson. La nostra caratteristica principale era quella
di fare una musica introspettiva, in un periodo in cui
la musica consisteva nell'urlare: 'me me me'. Eravamo
veramente molto timidi, insicuri e disinteressati al
successo. Non volevamo apparire sulle copertine, ma a
parte questo l'artwork e l'idea di come la band avrebbe
dovuto presentarsi non fu nostra. Noi fornimmo solo
qualche input, sulla base di quello che ci mostravano. Il
motivo per cui ad un certo punto, ai tempi di Heaven Or
Las Vegas, decidemmo di non affidarci più a Vaughan,
era che l'etichetta stava diventando più importante
delle band. La sua identità ormai era troppo definita.
Se noi avessimo rifiutato un artwork che ci veniva
proposto, sarebbe finito sulla copertina di un disco dei
Lush o dei Modern English (come in effetti accadde).
Questo succedeva a ogni band e a me non piaceva, avrei
 RETROPOLIS COCTEAU TWINS
voluto essere considerato individualmente. Ma Ivo ha
sempre voluto che l'etichetta fosse più importante delle
singole band, me lo disse sin dalla prima volta che ci
incontrammo. Era la sua ambizione. Dal mio punto di
vista era come se qualcuno ti stesse dicendo che non
esisti. Era frustrante. Vedi, quando si ripensa a quel
periodo, la gente tende a credere che fosse una scena
compatta, con band che andavano d'accordo.
Ma non era così”.
Dopo pochi giorni dalla firma con 4AD vi
ritrovaste in studio a registrare il primo album,
Garlands. Cosa imparasti da quelle prime
session?
“Imparai che non volevo più fare un disco in quel
modo. Capii anche che mi sarebbe piaciuto diventare
ingegnere del suono e produttore, perché mi
interessava molto tutta quell'elettronica, quei pedali
e quelle apparecchiature. A parte suonare, non fui
molto coinvolto nella realizzazione del disco. Avevo
17 anni e per me tutti quelli nella stanza a parte noi
erano adulti. Io ero entusiasta, avrei voluto toccare il
banco del mixer, ma mi dissero che non potevo farlo.
Mi trattavano come un bambino, dicendo che non
potevo fare questo o quello. Ma io mi diedi da fare per
imparare molto velocemente e prima di Head Over
Heels avevo già il mio studio. C'è sempre un problema
di comunicazione quando lavori con altri. È sempre
difficile spiegare agli altri il suono che hai in testa ed
è per questo che preferisco fare le cose per conto mio.
Non appena ci sono riuscito ho iniziato a essere più
felice e a suonare cose più avventurose”.
Dunque fu con Head Over Heels che arrivaste al
tipico sound dei Cocteau Twins?
“Non proprio. Quello fu più che altro il mio primo
tentativo come ingegnere del suono. Sono stato molto
fortunato perché avevo un amico che possedeva uno
studio. Era un tizio un po' più grande di me e in un
certo senso fu il mio mentore. È stata la prima persona
che mi ha fatto sedere dietro a un mixer e premere
i bottoni. Tutti gli altri mi dicevano di non farlo.
Ripensandoci, mi sentii subito a mio agio. Penso che
Head Over Heels sia stato il primo disco realizzato
esattamente come lo avevo in testa. Prima di allora era
musica che suonavamo dal vivo e che poi registravamo.
Facevamo Peel Sessions, concerti e poi registravamo le
canzoni. Head Over Heels è stato il primo disco fatto di
canzoni che prima di entrare in studio non esistevano.
Ivo venne da me e mi disse: ‘Abbiamo bisogno di pezzi
per un nuovo album’. Non avevamo nulla di pronto.
Io e Liz andammo in studio, preparammo i brani e io
li registrai. Fu un grande momento per me. Quello fu
il primo disco 'puro' dei Cocteau Twins, nel senso che
nessuno sarebbe stato responsabile della sua riuscita
o del suo fallimento tranne Liz e me. Al contrario,
mi sento frustrato da Garlands perché non suona
come avremmo voluto. La batteria è completamente
TESTO DI DIEGO BALL ANI
« C E R T E V O LT E S E N T O U N A M U S I C A
A L L A T V O A L L A R A D I O, A L ZO I L VO LU-
M E P E R C H É P E N S O C H E S I T R AT T I D I
M E E I N V E C E È Q U A L C U N A LT R O . O G G I
È M O LT O S E M P L I C E A C Q U I S T A R E U N
PEDALE DA 30 EURO E SUONARE COME
S U O N AV O I O. M A S T I A M O PA R L A N D O
D I Q U A S I 4 0 A N N I F A . M O LT E C O S E
N O N E S I S T E VA N O, I N S T U D I O N O N
C'ERANO COMPUTER. IO HO DOVUTO
C R E A R M I U N'I D E N T I TÀ C O N Q U E L LO
C H E AV E V O, T E N E N D O A N C H E C O N TO
D E L FAT TO C H E N O N S O N O U N G R A N-
D E C H I TA R R I S TA »
sbagliata. Io avrei voluto far passare la drum machine
attraverso i pedali della distorsione, come facevamo dal
vivo, ma non me lo permisero”.
Quel sound che creasti al tempo di Head Over
Heels divenne poi il punto di partenza per il
dream pop. Da una decina d’anni quel suono
è stato riscoperto e ora lo sentiamo un po’
ovunque, anche nelle grandi produzioni.
“Vedi, il mio sound dell'epoca forse non era
necessariamente unico, ma era il mio sound.
Oggi questo suono è diventato in tutto e per tutto
mainstream. Fa parte della nostra cultura. Certe volte
sento una musica alla TV o alla radio, alzo il volume
perché penso che si tratti di me e invece è qualcun
altro. Oggi è molto semplice acquistare un pedale da 30
euro e suonare come suonavo io. Ma stiamo parlando
di quasi 40 anni fa. Molte cose non esistevano, in
studio non c'erano computer. Io ho dovuto crearmi
un'identità con quello che avevo, tenendo anche conto
del fatto che non sono un grande chitarrista. Non lo
sono mai stato. Non ho mai fatto assoli o suonato in
maniera strettamente rock. Però ho imparato a suonare
in modo molto personale. Il punto è che chiunque
sappia suonare la chitarra può riprodurre quel sound
istantaneamente. Per Elizabeth è diverso, il suo stile
era unico 40 anni fa e lo è ancora oggi. Nessuno riesce
a copiarla. Ma chiunque con una chitarra può copiare
il mio stile. Tornando alla tua domanda, penso che i
musicisti di gruppi come Lush e My Bloody Valentine
fossero venuti ai nostri concerti, si fossero messi nelle
prime file e avessero visto i miei pedali. Ci conosciamo,
sono un po’ più giovani di me e so di averli influenzati,
RUMOREMAG.COM | 97
 RETROPOLIS COCTEAU TWINS
« U N G I O R N O, I O, L I Z E W I L L A B B I A M O
P R E S O I L B U S ( P E R C H É E R A L' U N I C O
M E Z Z O C H E P O T E VA M O P E R M E T T E R-
C I ) E S I A M O A N D AT I A L O N D R A C O N
D U E C A S S E T T E I N M A N O. U N A E R A P E R
J O H N P E E L E L'A LT R A P E R L A 4 A D. I L
BELLO CHE È CHE PER OGNUNA DELLE
D U E C A S S E T T E A B B I A M O D O V U T O R I-
S U O N A R E I B R A N I , AV E VA M O S O L O U N
R E G I S T R AT O R E E N O N C 'E R A M O D O D I
C O P I A R E L A S T E S S A C A S S E T TA . D O P O -
D I C H É S I A M O T O R N AT I A C A S A E A B B I A-
M O A S P E T TAT O L E R I S P O S T E . E N T R A M B E
FURONO POSITIVE. NON CI RENDEMMO
NEANCHE CONTO DI QUANTO FOSSIMO
F O R T U N AT I , P E R C H É E R AVA M O T O TA L-
MENTE INCOSCIENTI»
ma anche loro hanno saputo fare cose altrettanto
influenti. È la naturale evoluzione delle cose”.
Nel 1986 è arrivato Victorialand. All'epoca
della band faceva parte anche Simon
Raymonde, ma quel disco lo registraste solo tu
e Liz.
“Prima di quel disco ci fu Treasure: un disco difficile
che non mi soddisfece molto. Probabilmente se
avessimo avuto più tempo sarebbe venuto meglio. Ma
era anche la prima volta che lavoravamo con Simon.
Come persona era fantastica, ma c'era qualcosa,
musicalmente, che ancora non ci convinceva. Il disco
successivo avrebbe dovuto essere un EP, avrebbe
dovuto essere acustico e avremmo dovuto inciderlo
solo Liz e io. Le prime canzoni che creammo ci
piacquero così tanto che ne facemmo altre e l'EP
divenne un album. L'idea dietro a tutto era di fare un
passo indietro. A quel punto parecchie persone erano
state coinvolte nel progetto. Stavamo iniziando ad
avere un certo successo. All'inizio, con la 4AD, eravamo
solo noi e Ivo. Nel caso di Treasure c'erano sei o sette
persone a lavorare con noi, ognuno diceva la sua e dava
degli input. Era tutto un ‘dovresti cambiare questo,
dovresti cambiare quello’, c'era davvero troppa gente.
Inoltre volevamo recuperare il grande sound di Head
Over Heels. Alcune cose di Treasure erano fantastiche,
ma altre non ci sembravano complete. Volevamo
tornare a essere solo noi due, senza batteria e basso.
98 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI DIEGO BALL ANI
Solo chitarra e voce. Entrai in studio con una chitarra
acustica. L'elettrica venne usata solo in un paio di
pezzi, il 90% dell'album è fatto con la chitarra acustica,
la voce di Elizabeth e tanti tanti tanti effetti”.
Credo che Victorialand abbia un suono
fantastico. Quali furono i produttori a cui ti
ispirasti? Te lo chiedo perché certe sonorità mi
ricordano quelle che Martin Hannett utilizzò
per i Durutti Column.
“La cosa interessante è che non conoscevo i Durutti
Column. È stata mia moglie a farmeli conoscere alcuni
anni fa. Sono una delle band del periodo che mi sono
perso. Ma penso che come produttore il mio modello
fosse soprattutto Phil Spector, o George Shadow
Morton. Adoravo tutte quelle produzioni anni 50 e
60. Mi piaceva l'idea di avere qualcosa di rumoroso,
calmo e bellissimo. Qualcosa con un sound che fosse
più interessante del contenuto. Non era un concetto
musicalmente nuovo, ma lo era in quel periodo.
All'epoca i musicisti venivano giudicati dall'abilità
di suonare il loro strumento. C'erano troppi accordi,
troppe note. La mia idea di musica era qualcosa di più
essenziale e rilassato”.
Secondo te quale album dei Cocteau Twins è
invecchiato meglio?
“È difficile da dire. Mi sento personalmente legato
ad ognuno di essi, perché ognuno rappresenta una
parte della mia vita. Quando ero nei Cocteau Twins
ero completamente preso dalla cosa, non avrei fatto
nient’altro, tanto meno un disco solista. Gli album mi
piacciono tutti, a parte un paio. Sono molto felice di
Head Over Heels, perché mi rappresentava mentre
cercavo di camminare sulle mie gambe. Sono molto
contento anche di Heaven Or Las Vegas e Blue Bell
Knoll. Anche Victorialand sta là in cima, fra i migliori.
Solo verso la fine ci furono alcuni EP che penso non
avessero una vera e propria direzione. In quel momento
la mia depressione era davvero grande. Inoltre tutti
intorno a me (l’etichetta, il management, perfino
Liz e Simon) spingevano perché facessimo qualcosa
di diverso, di più pop. Avrebbero voluto un disco
orchestrale, ma io no. A parte questo, persino l'ultimo
Milk & Kisses credo che sia un buon album”.
Mi piace il fatto che ogni fan abbia un’opinione
diversa su quale sia il vostro album migliore.
“Perché è soggettivo. Se mi chiedi qual è quello di cui
sono più fiero, oggi tendo a dire tutti. Un tempo ero
solito preferirne uno anziché un altro. Credo che fosse
difficile essere critici verso noi stessi quando la stampa
si accorse di noi, nei tardi anni 80. Ogni volta che ci
recensivano erano sempre cinque stelle, nessuno diceva
mai nulla di negativo. Era come se ci avessero messo su
un piedistallo. Prova a chiedere a Kevin dei My Bloody
Valentine come ci si sente quando qualcuno ti incensa
mentre tu pensi che potresti fare di meglio. È quello
che succede quando ascolti le altre persone. In quanto
giovani artisti avevamo l'ambizione di piacere agli altri
ma volevamo anche crescere, altrimenti non ci saremmo
sentiti una vera band. Da parte della 4AD c'era invece
una grande pressione per avere una hit. Volevano
arrivare alle charts, a Top Of The Pops. Ma io non mi
sentivo capace di dare loro una cosa del genere”.
Di fatto, però, voi il vostro hit album lo aveste
con Heaven Or Las Vegas. Fu anche il vostro
ultimo lavoro con 4AD. Può essere considerato
l’inizio della fine per i Cocteau Twins?
“Non esattamente. Heaven Or Las Vegas fu un album
semplice da realizzare perché a quel punto io e Simon
lavoravamo bene assieme. Liz era incinta, per cui era
totalmente lucida. Questo per lei fu molto duro, perché
tutti noi facevamo uso di droghe. La faccenda delle
droghe divenne di dominio pubblico quando andai in
riabilitazione, dopo la pubblicazione del disco, e mi
ripulii. Sono sempre stato pulito da quel momento
in poi. Il problema era che nei successivi cinque anni
passati con la band sarei stato l'unico, e questo per me fu
davvero difficile. L'inizio della fine per i Cocteau Twins
arrivò con Milk & Kisses. Sentivamo che era arrivato
il momento di prenderci una vacanza di un anno per
fare altre cose, ma c'era troppa pressione da parte della
casa discografica. Volevano che facessimo nuovi dischi
e nuovi tour. A quel punto erano quasi 20 anni che
suonavamo come gruppo, e per me essere l'unico sobrio
in tour era veramente una sfida. Se le persone intorno a
noi ci avessero dato la possibilità di prenderci sei mesi di
pausa forse la storia sarebbe andata diversamente, ma
ci sentivamo schiacciati. A quel punto non riuscivo più
« C I H A N N O FAT T O U N P O ’ D I P R O P O S T E ,
M A AV R E B B E AV U T O S E N S O S E T U T T I
Q U A N T I F O S S I M O S TAT I D 'A C C O R D O.
Q U A L C H E A N N O FA M I S A R E B B E P I A-
C I U T O, M A L I Z N O N P O T E VA . V E D I , A
19 A N N I FA C E V O M U S I C A , L A P R O D U-
C E V O E M I S E N T I V O C O M P L E TA M E N T E
I N C O N T R O L L O D E L P R O G E T T O. U N
P R O G E T T O C H E H A AV U T O U N B U O N
S U C C E S S O M A L A C U I F I N E È S TATA U N
D I S A S T R O, C A U S A N D O M O LTA A N G O -
S C I A A M E E A G L I A LT R I . C R E D O D I N O N
AV E R L A M A I S U P E R ATA Q U E L L'A N G O -
S C I A , E N O N H O M O LTA V O G L I A D I R I-
METTERMI IN QUELL A POSIZIONE»
RUMOREMAG.COM | 99
 RETROPOLIS COCTEAU TWINS
a fare musica che mi ispirasse, che fosse e utile per me.
Come dicevo prima, c'erano troppe persone coinvolte
e la musica dei Cocteau Twins iniziava ad allontanarsi
troppo dalla mia visione”.
Inoltre il mondo della musica stava cambiando...
“Certo, la gente stava iniziando a fare musica con i
computer. Tutti i dischi dei Cocteau Twins sono stati
fatti senza utilizzarli. Questa è una cosa che ci tengo
a dire ai giovani. Registravamo tutto su nastro e
non c'era alcun cut’n’paste o roba del genere. Oggi il
tutto è diventato più democratico, perché è più facile
fare musica e registrarla, ma la sfida tecnologica di
realizzare dischi come Garlands o Victorialand era
immensa. Quello che utilizzavo per produrre quei
suoni non era mai esistito prima. Ora puoi scaricartele
tranquillamente sullo smartphone. C'è qualcosa di
arcano in quella antica sapienza tecnologica che ancora
adesso mi capita di applicare. Era come aver appreso
le regole di un mondo che a un certo punto smise di
esistere. Nel passaggio qualcosa si è perso e ora la gente
ricomincia ad apprezzare i vinili. Non necessariamente
perché suonino meglio, ma perché offrono un'esperienza
differente”.
So che nel 2012 arrivaste quasi alla reunion,
sul palco del Coachella. Vi è stato chiesto altre
volte di rimettere insieme i Cocteu Twins?
GARLANDS
VICTORIALAND
4AD COCTEAU TWINS
In termini di consistenza e grana sonora, Garlands e Victorialand
rappresentano i due estremi della produzione del gruppo. All’alba
degli anni 80, i Cocteau Twins emergevano dalle nebbie del post
punk con una personalità già ben definita, ma ancora con i piedi
ben piantati nel goth rock. A pochi giorni dalla firma del contratto,
Ivo Watts-Russell li portava in studio per catturare l’urgenza di
un sound diviso fra oscura abrasività ed eleganza vittoriana. Il
timbro mesmerico di Liz Fraser (già straordinario ma ancora
legato agli stilemi dark punk fissati da Siouxsie Sioux), i flussi
chitarristici di Robin Guthrie e il basso profondo di Will Heggie
erano sufficienti a catturare l’attenzione di John Peel e a procurare
al gruppo classici come Wax And Wane. A tratti si intravedevano
scampoli di un’alchimia che di lì a breve avrebbe portato a risultati
di straordinaria intensità. Passarono tre anni, Will Heggie venne
rimpiazzato da Simon Raymonde e con due album come Head
100 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI DIEGO BALL ANI
“Sì, ci hanno fatto un po’ di proposte, ma avrebbe avuto
senso se tutti quanti fossimo stati d'accordo. Qualche
anno fa mi sarebbe piaciuto, ma Liz non poteva. Vedi,
a 19 anni facevo musica, la producevo e mi sentivo
completamente in controllo del progetto. Un progetto
che ha avuto un buon successo ma la cui fine è stata
un disastro, causando molta angoscia a me e agli altri.
Credo di non averla mai superata quell'angoscia, e non
ho molta voglia di rimettermi in quella posizione”.
Da quando i Cocteau Twins si sono sciolti hai
fondato Bella Union, pubblicato degli album
solisti e a nome Violet Indiana, realizzato
colonne sonore, partecipato a vari progetti in
qualità di musicista e produttore. Adesso hai
qualcosa in programma?
“Sono circa tre anni che non pubblico nulla. Ho diverse
cose pronte ma non ho tutta questa urgenza. Negli
ultimi anni ho dedicato meno tempo alla musica.
Preferisco passare il tempo con i miei figli o fare altre
cose creative, tipo fotografare. Abito in campagna e
non vedo molto spesso persone dell'industria musicale.
Sì, ogni tanto faccio dei remix o suono la chitarre
in questo o quel disco. Ma non ho più l'esigenza di
vendermi come facevo un tempo. Ero felice di farlo a
19 anni perché ero un giovane artista che cercava di
piacere alla gente. Ma a questo punto non ne sento più
la necessità”.
Over Heels e Treasure il gruppo codificò i tratti estetici del dream
pop. Un caos calmo e impalpabile, che unito a un canto appena
intellegibile dai tratti sovrumani abbatteva il confine fra sogno e
realtà. È il sound che arriverà pieno compimento con Victorialand,
l’album che Guthrie e la Fraser incisero nel 1985. Approfittando
dell’assenza di Raymonde (impegnato con This Mortal Coil) i due
si ritirarono in studio, con una chitarra acustica, una montagna di
effetti e gli sporadici interventi di Richard Thomas dei Dif Juz. Era a
questo punto che i Cocteau Twins abbandonavano definitivamente
l’universo rock per abbracciare un afflato ambientale e naturalista
in cui folate acustiche e voci celesti si impastavano con tocchi jazzy
di sax e tablas, raggiungendo luoghi inesplorati e aggiungendo alla
tavolozza del pop sfumature sconosciute.
78-88/100 DISCO
ZERO EXTRA
FONDATION BEYELER
26. 1. – 17. 5. 2020
RIEHEN / BASILEA
 CHE FINE HAI FATTO? PAOLO “GEP” CUCCO
PAOLO “GEP” CUCCO
IERI (1989 AL 2005)
“Mi trasferii da Biella a Torino a 19 anni
per studiare cinema all’università e perché
avevo conosciuto Marco Baccino, con cui
fondai i Jeremy’s Joke; era un momento di
gran fermento musicale in città, tutto ruotava
intorno alla scena indipendente. Firmammo
con un’etichetta, ci fecero incidere il disco
con Pippo Monaro, che entrò nel gruppo, ma
dopo l’album e poche date ci sciogliemmo. La
fucina musicale del periodo era Giancarlo,
ai Murazzi. Il punto di svolta è stato fare
amicizia con Max Casacci, che conobbi
nell’ambiente e che mi propose di sostituire
per alcune date all’estero il batterista degli
Africa Unite. Da lì poi sono arrivati i Mau
Mau. In seguito è nata l’amicizia con Mao e
l’idea di fondare una band di pop elettronico.
Max ci produsse l’esordio, Sale, che uscì nel
’96 per Mescal/Virgin. Andai a vivere nella
casa di piazza Vittorio di Josh Sanfelici, un
covo di musicisti. Insieme abbiamo lavorato
ad alcune produzioni, e son tornato coi
suoi Mau Mau. Poi è venuto il periodo della
maturità, ho fatto un percorso di musica
elettronica e video (T:own) e ho lavorato
con Meg: i tour del suo primo album hanno
impegnato il mio ultimo periodo da musicista,
fu Carlo Rossi a coinvolgermi. Nel ’95 ho
conosciuto Irene e nel 2000 abbiamo avuto
il nostro primo figlio Francesco: è stata la
svolta, ho incominciato a pensare a ‘cosa fare
da grandi’. Ho capito che o facevo il salto
uscendo a mio nome, oppure fare il batterista
e lavorare sulle produzioni altrui diventava
complicato”.
102 | RUMOREMAG.COM
OGGI (DAL 2007)
“Ma già coi Mau Mau quello che preferivo
erano i progetti speciali. La preparazione dello
show mi è sempre piaciuta, mentre i tour alla
lunga li pativo, erano ripetitivi, stimolavano
poco la mia creatività. Tant’è che già durante
l’ultimo periodo con Meg ho aperto una
NASCE COME BAT- piccola realtà che si occupava di video, e poi
TERISTA A TORINO, nel 2008 una società che si chiama D-Wok e
DOVE CON MARCO fa entertainment design. Così ho cominciato
BACCINO E PIPPO a dedicarmi solo a questo, anche perché sono
MONARO FONDA pure diventato direttore creativo di Prodea
I JEREMY’S JOKE, Group, che si occupa di eventi e ha sedi, oltre
E POI, INSIEME A che a Torino, a Dubai, Mosca, ecc. Dunque da
MAURO GURLINO, una parte seguivo le regie e la creatività dei
MAO E LA RIVO- grandi eventi, tipo l’opening del Dubai Water
LUZIONE. NEGLI
Canal, o l’inaugurazione della metro, ed eventi
ANNI FA PARTE DEI
in giro per il mondo, e intanto mi occupavo
MAU MAU E SUONA
di entertainment design per gli spettacoli.
CON MANU CHAO,
Tra cui l’opera lirica, che si è rivelata
MEG, MADASKI.
particolarmente stimolante. Ho curato la
INTANTO SVILUPPA
parte dei video design per i più grandi teatri al
LA PASSIONE PER I
VIDEO, CHE LO HA
mondo, perché ho cominciato a lavorare con
PORTATO A DIVEN-
Davide Livermore, un altro torinese, uno dei
TARE DIRETTORE registi di lirica più noti del pianeta: Sidney,
CREATIVO DELLA due prime della Scala, Bol'šoj. Sono molto
PRODEA. più creativo ora di quando facevo il musicista
e ho lavorato anche per altri: ho curato la
regia e i contenuti del tour negli stadi di
Tiziano Ferro, di Mengoni, di Cremonini, per
cui seguirò anche il nuovo tour. In quanto
a sperimentazione abbiamo fatto di tutto.
Intanto Ines, la nostra secondogenita, oggi
ha 9 anni, Francesco 20 e io e Irene siamo
sempre insieme ”.
DI BARBARA SANTI
 GENTE SOL A (MA NON TROPPO) STORIA MINIMA DEI DISCHI DEFIL ATI
PATTY WATERS-You Thrill Me
(A Musical Odyssey 1960-1979)
(Waters, 2004)
Piccolo esercizio di visualizzazione, non soltanto
sonora. Immaginate il buio più totale, nero.
Sovrapponete il silenzio, nessun fruscio, nulla.
Poi tracciate una piccola linea: quella è la voce
di Patty Waters. Nata nel 1946 nell’Iowa rurale e
cresciuta ascoltando Billie Holiday, Patty Waters
si trasferisce a New York nei primi anni 60. Il suo
è un approccio semi professionale, ma si esibisce
con frequenza nei jazz club. Una sera Albert Ayler
la sente e decide di segnalarla a Bernard Stollman,
il proprietario della ESP-Disk, etichetta che abbina
free jazz a Fugs e Pearl Before Swine e che, nel 1965,
pubblicherà il suo esordio: Sings. Proprio lì c’è una
versione di 14 minuti di Black Is The Colour Of My
True Love’s Hair. Il classico non è stravolto, ma
“vissuto diversamente”, pulsa di un’interpretazione
talmente aliena da diventare la pietra miliare del
vocalismo femminile a venire. Non è Patty ma la
canzone a sembrare posseduta. Un anno dopo
pubblica College Tour, e lo stacco estetico dei suoi
primi piani in copertina viene descritto pressappoco
come “la ragazza della porta accanto che si tramuta
in una della famiglia Manson”. Nel 1969 si ritira
per crescere suo figlio e poi, a sorpresa, ricompare
discograficamente e dal vivo, nel 1996. You Thrill
Me è una raccolta di inediti ed è, meravigliosamente,
Patty Waters al suo meglio. Non c’è la folgorante
asperità di Sings e nemmeno la semplice classe
cristallina degli standard, ma una inarrivabile
capacità di controllare, anzi quasi di sedare, tutta la
dolcezza, ma anche il dolore, delle jazz ballads. Patty
Waters le rende ambient, eco di se stesse. For All You
Know, Georgia e Lover Man: fuori le foglie autunnali
di New York, Woody Allen e Diane Keaton in silenzio.
Ogni canzone ha la trasparenza pura delle richieste
DI MAURIZIO BLATTO
d’amore che contiene, come Please Make Love To Me,
neanche due minuti di preghiera sensuale, doppiata
dal minuto di At Last I Know (I Belong To You), il
significato di una vita che scivola nella confessione
parlata. Patty Waters che una sera torna a casa con
Miles Davis e lui, per una volta, parla e si comporta
con gentilezza. Patty Waters che va a vedere i film di
Antonioni, incrocia Lenny Bruce allo Swiss American
Hotel e poi accetta un invito di Keith Jarrett. Patty
Waters che vede l’eroina spazzare via i migliori nomi
del jazz e che saprà subito del cadavere di Albert Ayler
ritrovato fra le acque dell’East River. Patty Waters
che si ricorda di tutto questo e un giorno del 1970,
a San Francisco, si mette al pianoforte e suona (di
nuovo) per 14 inarrivabili minuti. Touched By Rodin
In A Paris Museum è uno dei momenti più alti che la
Musica abbia mai saputo regalarci. Un flusso di note
tra il Bill Evans più Satie e l’ambient che saprà lenire
il nostro oggi. Ascoltatela e poi abbinatele Scene
From A French Zoo di Tim Hecker e Daniel Lopatin,
da Instrumental Tourist, il nesso d’intensità vi
apparirà lampante. Libretto con note di Byron Coley,
Masaki Batoh dei Ghost e di Patty Waters stessa,
arricchito da alcune bellissime foto tra cui una in cui
Patty è completamente nuda di fianco al suo stereo,
manifesto estetico perfetto (se è concesso che possa
oggi stabilirlo un maschio) di dolce liberazione e
conquista artistica femminile dell’epoca. La maggior
parte delle canzoni miracolosamente raccolte qui è
stata scritta e provata all’Hollywood Studio Club di
Los Angeles, dove per un po’ visse anche Marylin
Monroe. In copertina Patti Waters chiude gli occhi
e lascia che il vento le spettini i capelli. Raccoglie
il mondo e pensa che possa avere un sospiro jazz
differente. E quindi lo canta.
RUMOREMAG.COM | 103
VISIONI SPECIALE BERLINALE 70
“Una nuova Berlinale”
SHEYTAN VOJUD NADARAD – THERE IS NO EVIL
REGIA DI MOHAMMAD RASOULOF
GERMANIA, IRAN, REPUBBLICA CECA, 2020
Per il primo anno della direzione artistica di Carlo Chatrian –
Mariette Rissenbeek si occupa della direzione commerciale e
finanziaria – l’esordio non poteva essere dei migliori, e questo
ovviamente al netto delle divergenze d’opinione sui singoli film
delle varie sezioni. Per la prima volta, da molti anni a questa
parte, si aveva finalmente la consapevolezza di un programma
del festival rispondente a un criterio curatoriale forte e non
improvvisato, occasionale o meramente rispondente alle logiche
ambientali (venditori, distributori o film esclusi altrove che
a Berlino trovavano il loro ultimo rifugio). Senza contare una
sezione nuova come “Encounters” e la ricchissima diversità di
titoli disseminati lungo il palinsesto festivaliero. In un concorso
globalmente audace e pieno di sorprese, il film di Mohammad
A CURA DI GIONA A. NAZZARO
FAVOLACCE
REGIA DI FABIO E DAMIANO
D’INNOCENZO
ITALIA, SVIZZERA, 2020
Rispetto al pur ottimo La Terra
Dell’Abbondanza, sempre presentato
a Berlino, il nuovo Favolacce
rappresenta un autentico salto
quantico per i fratelli D’Innocenzo.
Sembra che siano trascorsi decenni in
termini di maturità e consapevolezza
filmica ma siamo solo al secondo
film. Se poniamo in prospettiva una
tale esponenziale maturazione, non
ci sono limiti al livello qualitativo
che potranno raggiungere i due fratelli. Con uno sguardo
attentissimo alle mille crudeltà quotidiane che costellano
le nostre relazioni sociali, il film è una nerissima
immersione nel cuore di un’umanità raramente portata
al cinema con tanta amorevole ferocia. L’attenzione ai
corpi e ai dettagli ambientali contribuisce a creare, nel suo
allucinato realismo, un mondo che sembra sfuggito a uno
Swift sottoproletario. L’attenzione con cui i due registi
articolano fantastico e realismo non può non evocare il
cinema di Sergio Citti, regista purtroppo dimenticato.
E poi c’è una qualità morale nella violenza di Favolacce
che è segno di uno sguardo non conciliato, forte, una
discontinuità valoriale di grande importanza rispetto alle
cose del cinema italiano. Favolacce è un film importante e
lascerà un segno decisivo.
GIONA A. NAZZARO
98/100
104 | RUMOREMAG.COM
Rasoulof si è rivelato essere uno dei titoli più forti di tutta la
competizione, nonostante la sospetta aura “festivaliera” che
lo circondava alla vigilia. Il regista iraniano, uno di quelli che
tenta consapevolmente di agire al di fuori del perimetro estetico
e formale delineato da maestri come Kiarostami o Panahi, ha
presentato un film diviso in quattro episodi, tutti centrati sulla
pena di morte e le sue nefaste conseguenze. Opera complessa e
mai banalmente predicatoria, un ventaglio di aporie etiche che
il regista affronta dialetticamente attingendo alla sua esperienza
personale. Ovviamente, come purtroppo è triste consuetudine
per i registi iraniani, Rasoulof non ha potuto raggiungere
Berlino e – nel momento in cui leggerete – probabilmente starà
scontando una pena carceraria (ma ci auguriamo vivamente di
no). Tuttavia la premiazione che lo ha visto assente dal podio ha
confermato ancora una volta la tradizione della Berlinale come
festival schierato.
GIONA A. NAZZARO
96/100
@GIONANAZZARO
DOMANGCHIN YEOJA
THE WOMAN WHO RAN
REGIA DI HONG SANGSOO
COREA DEL SUD, 2020
Si pronuncia il nome di Hong
Sangsoo e gli occhi si alzano al cielo
come per dire “Ancora!?!” Proprio
come accadeva con i film di Eric
Rohmer, per dire, quando ancora
venivano distribuiti in Italia. E
invece il regista sudcoreano continua
non solo a non essere prevedibile,
ma quasi impercettibilmente a
spostare i tasselli del suo universo
con la grazia e la precisione di un amanuense, seguitando
a spogliare un cinema che muove verso una totale e
leggiadra impalpabilità. The Woman Who Ran in maniera
addirittura misteriosa, verrebbe da dire, non solo
conferma l’eccellente livello qualitativo del regista, ma lo
sposta ulteriormente in avanti. Hong Sangsoo ha elevato il
cinema a una specie immaterialità eterea paradossalmente
del tutto ancorata alle cose del mondo, e filma con
una schiettezza che si può solo definire rosselliniana,
o al limite rohmeriana. La sua ironia, il suo umorismo
rendono le tribolazioni sentimentali delle protagoniste
delle miniature esistenzialiste. Ci si commuove e si ride
insieme a loro di questo magnifico film che a stento
raggiunge gli 80 minuti ma ci fa conoscere il gatto più
simpatico mai apparso sul grande schermo.
GIONA A. NAZZARO
95/100
 SIBERIA LE SEL DES LARMES
REGIA DI ABEL FERRARA THE SALT OF TEARS
ITALIA, GERMANIA, MESSICO, 2020 REGIA DI PHILIPPE GARREL
FRANCIA, 2020
Abel Ferrara potrebbe girare un film
ormai solo utilizzando una lampadina Incompreso a Berlino, Garrel
e un cellulare. Affidandosi ancora raccoglie in sé la tradizione
una volta al sodale Willem Dafoe, il di Renoir, Godard, Straub,
regista americano autoesiliatosi in Truffaut, Rozier, Rivette,
Italia torna a collaborare in fase di Akerman. Un cinema fatto
scrittura con Christ Zois (Welcome con una sapienza antica e che
To New York, New Rose Hotel) e risulta straordinariamente
tesse una complessa tela autoanalitica contemporaneo. Un film
caratterizzata da una straordinaria realizzato con sapienza artigianale
libertà e fluidità. Clint, recluso nella e lucidità politica. Affidandosi
sua baita in Siberia (come ci è arrivato?), intraprende ancora una volta al bianco e nero
un viaggio che lo conduce nel cuore della sua vita e dei dell’eccellente Renato Berta, il regista tesse nella filigrana
suoi incubi. Ferrara trascolora da una situazione all’altra delle avventure sentimentali del protagonista il racconto
con fluidità impressionante e inciampa solo sui dialoghi della stagione del suo cinema, incarnato da altrettante
altisonanti, da bignami della psicanalisi, di Zois. Siberia è donne. Il rapporto con il padre Maurice riverbera nella
il film di un cineasta che ha conquistato a durissimo prezzo magnifica prova di Andrè Wilms. Garrel gira come il cinema
la sua libertà e che solo immergendosi continuamente fosse stato inventato appena l’altro ieri dai fratelli Lumière.
nel lavoro trova la dimensione più autentica. Non teme E un momento come la sequenza del ballo sulle note di
il ridicolo, potrà non piacere a quanti cercano un lavoro Fleur De Ma Ville dei Téléphone è da antologia. Adriano
controllato e “ben scritto”, eppure non ce ne sono poi tanti Aprà, nell’ultima conversazione con Daney prima della
di film liberi e spericolati come questo magnifico Siberia. In sua morte, ragionava del magistero dell’arte e tentava di
poco più di 90 minuti ci sono più idee che nelle filmografie tracciare le linee di un cinema genuinamente modernista.
di cineasti ben più blasonati. E se il prezzo di questa libertà Le Sel Des Larmes è l’esemplificazione perfetta di un
è qualche imperfezione, che sia. cinema che ormai non si fa più, da difendere a ogni costo.
GIONA A. NAZZARO GIONA A. NAZZARO
78/100 94/100

Extravisioni GLI ALTRI FILM DA NON PERDERE

VOLEVO
FIRST COW RIZI – DAYS
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JEKATERINA QERTEL REGIA DI ELIZA HITMAN
GERMANIA, UCRAINA, REGNO UNITO, USA, 2020
RUSSIA, 2020
Dopo avere esordito al
Più che un film, un’esperienza limite Sundance, il nuovo film
che si abbattuta sul pubblico della di Eliza Hitman, il cui
Berlinale con la potenza di un maglio. precedente Beach Rats si
Emanazione ed estensione del può considerare uno dei film
progetto Dau, una sorta di Truman statunitensi indipendenti
Show dell’arte contemporanea più interessanti degli ultimi
nel quale si tenta di ricreare le tempi, viene presentato in
condizioni di un lontano esperimento prima internazionale in
tentato in una base sovietica e che concorso a Berlino, dove si
ha visto interpreti e autori vivere segnala come una delle opere
in condizioni “totalitarie”, il film è più convincenti della selezione ufficiale e finisce anche nel
probabilmente un’esperienza sensoriale limite, andata Palmares. Storia di due ragazze della Pennsylvania che si
incontro a un’accoglienza a dir poco controversa. recano a New York in seguito a una gravidanza inattesa, il
Il film, lungo più di due ore, è incentrato sulle due film è caratterizzato dalle luci della straordinaria direttrice
cameriere della cantina sociale dove giorno dopo giorno della fotografia Hélène Louvart, che in Italia ha lavorato
si riuniscono gli scienziati e gli ufficiali del governo che con Alice Rohrwacher e Leonardo Di Costanzo. L’assenza
gestiscono il progetto. Dotato di uno stile che si richiama di qualsiasi tesi precostituita e lo sguardo della regista che
a un certo classicismo del cinema russo senza disdegnare sembra come sospeso fra la tenerezza di Agnès Varda e
di guardare al Von Trier più crudele, il film è una riuscita la tensione di Chantal Akerman fanno del film un’opera
assoluta, caratterizzato da momenti di puro disagio assolutamente imperdibile, in grado di riallacciarsi alla
(l’interrogatorio infinito) e persino una lunghissima scena grande stagione del nuovo cinema hollywoodiano degli anni
di sesso esplicito. Un lavoro come Dau. Natasha rilancia 70. Fra gli altri elementi da sottolineare, l’efficace e preciso
l’idea che il cinema possa essere anche una faccenda montaggio di Scott Cummings, già autore del controverso
pericolosa, che mette in gioco i corpi e lo sguardo di chi lo mediometraggio documentario Buffalo Juggalos. Speriamo
fa. E dopo niente sarà più come prima. solo che qualche distributore compri questo magnifico film
GIONA A. NAZZARO anche per l’Italia.
92/100 GIONA A. NAZZARO
85/100 RUMOREMAG.COM | 105
VISIONI SERIE TV
La vera storia di Hillary
Rodham Clinton
HILLARY
PRODUZIONE: ISABEL SAN VARGAS, TAL BEN-DAVID,
TIMOTHY MORAN
PIATTAFORMA: HULU
Presentato prima al Sundance e poi come evento speciale alla
70esima edizione della Berlinale, il documentario, strutturato
come una miniserie e diretto da Nanette Burstein, appartiene alla
categoria di film che sorprendono, non permettono distrazioni e
– soprattutto – si presentano come oggetti sanamente revisionisti
(nel senso etimologico, puro, di “rivedere”, e non banalmente
reazionario, nostalgico). Chi è in realtà Hillary Rodham Clinton? I
quattro episodi del documentario, di poco più di un’ora ciascuno,
rievocano l’ascesa pubblica di una donna che da ragazza è stata
addirittura sostenitrice di Barry Goldwater prima di passare
al campo dei Democrat con grande orrore della sua famiglia
conservatrice. Il film della Burstein è dichiaratamente parziale,
ci mancherebbe (e sostenere – come fa una collaboratrice – che
THE LOUDEST VOICE
SESSO E POTERE
PRODUZIONE: 3DOT PRODUCTIONS,
SLOW PONY, BLUMHOUSE TELEVISION
PIATTAFORMA: SKY ATLANTIC
New York, 1995. Sono le 4 del mattino
nella redazione in allestimento di
quella che il mondo conoscerà di
lì a poco come Fox News. Il feroce
neopresidente Roger Ailes (già emi-
nenza grigia di certa destra del partito
repubblicano) urla le sue direttive
agli assonnati collaboratori: i media
americani sono troppo equilibrati e
liberal, bisogna parlare ai conservatori che non si sentono
rappresentati e rassicurarli con un flusso costante di paura
e disgusto: “La gente non vuole essere informata, vuole
sentirsi informata”. Fox dev'essere come lui in quel mo-
mento: "the loudest voice in the room", la voce più gridata
della stanza. Sotto chili di trucco prostetico, Russell Crowe
(Golden Globe come miglior attore in una miniserie) riesce
a dare vivacità, possanza e il giusto grado di viscidume al
suo personaggio debordante e definitivo. Un mix perfetto
di megalomania, paranoia e patetismo nella parabola iper-
bolica e molto americana di un potente cinico e ingordo che
infine muore in disgrazia, travolto da molteplici accuse di
molestie sessuali e corruzione. Con lui Naomi Watts, Seth
MacFarlane, Sienna Miller e, fra i registi dei sette episodi,
Stephen Frears.
CLAUDIA BONADONNA
77/100
106 | RUMOREMAG.COM
Clinton sia stato forse il primo presidente “nero” è oltraggioso),
ma mette in luce il temperamento e le passioni della protagonista
con una precisione ammirevole. Hillary si concede generosamente
alla Burstein cogliendo, con l’acume politico di sempre,
l’opportunità di raccontare la sua versione delle cose. Animale
politico purosangue, è incapace di rispondere al grido sandersiano
“College gratuito per tutti!” con uno slogan altrettanto attraente,
ma tenta di spiegare, e perde. Gli avversari l’accusano di
centrismo. Lei ribatte che il sistema è complesso. Lo scandalo
Lewinsky è affrontato in ogni dettaglio. Le 11 ore di interrogatorio
sul caso Bengasi inchiodano i Repubblicani, che non trovano capi
d’accusa per incriminarla. E poi Trump. Ecco: piace immaginare
che in fondo il film sia dedicato – indirettamente – a quanti prima
delle elezioni ma anche subito dopo sostenevano che fra Trump e
Hillary non ci fosse differenza. Le differenze ci sono, eccome.
GIONA A. NAZZARO
95/100
THE OUTSIDER
PRODUZIONE: HBO, AGGREGATE
FILMS, TEMPLE HILLE ENTERTAIN-
MENT, MRC
PIATTAFORMA: SKY ATLANTIC
Adattamento per il piccolo schermo
dell’omonimo romanzo di Stephen
King, un autentico pageturner come
si dice in gergo, definita dallo stesso re
del brivido al momento del lancio pro-
mozionale “una delle migliori trasposi-
zioni filmiche di un suo libro”, la serie
è scritta dal solidissimo Richard Price,
già autore della celebrata The Night Of
(e Clockers di Spike Lee fra gli altri).
La vicenda, incentrata – apparente-
mente – su un paradosso legale (come
può una persona trovarsi in due posti
diversi e commettere un crimine orrendo) è anche una let-
tura polemica nei confronti di un uso giustizialista e perse-
cutorio dei media. Con un occhio rivolto al lato emozionale
dei vari protagonisti della vicenda, i cui trascorsi personali
- soprattutto quelli più dolorosi - sono profondamente
scandagliati, The Outsider, coerente con l’opera kinghiana,
rispetta la caratterizzazione dei personaggi e maneggia con
grande cura e intelligenza la materia stratificata originale, le
cui molteplici sfaccettature vanno dal crime, al legal-thriller
e all’horror, in maniera equilibrata e accattivante, con altis-
simi livelli di suspense. E nel buio si nasconde l’indefinibile,
tanto caro a King, sempre in agguato.
MARIANGELA SANSONE
84/100

VISIONI ESPANSE
Cineobituary
MAX VON SYDOW
19 29 – 2020
Max von Sydow sembrava occupare quella bolla di atemporalità nella quale solo
pochissimi attori riescono a vivere. Lui e il cinema sembravano avere la stessa età. Si
pensa a Ingmar Bergman, ovviamente, insieme al quale ha scritto pagine fondamentali
della storia del cinema. Il Settimo Sigillo, per citare solo il titolo più noto (ma che dire
di capolavori assoluti come L’Ora Del Lupo e La Vergogna?). Poi si va con la mente al
cinema americano degli anni 70 e Von Sydow appare in produzioni come L’Esorcista e
I Tre Giorni Del Condor. Limitandosi solo ai titoli più celebri. Inarrestabile, con oltre
163 film e episodi TV a suo nome, ha partecipato in Italia a film come Gran Bollito di
Bolognini, Il Deserto Dei Tartari di Valerio Zurlini e Cadaveri Eccellenti di Rosi. In anni
più recenti lo abbiamo visto al fianco di Tom Cruise in Minority Report di Spielberg, in
Guerre Stellari, ne Il Trono Di Spade e perfino nei Simpson. Perversamente, però, non
si può non citare una delle sue interpretazioni più memorabili: quella del cattivissimo
imperatore Ming in Flash Gordon di Mike Hodges, un magnifico disastro kitsch targato
De Laurentiis. Max Von Sydow era tutto il cinema possibile.
GIONA A. NAZZARO
D E L ME S E
ZU WARRIORS FROM
THE MAGIC MOUNTAIN
EUREKA!
La britannica Eureka! si sta distinguendo
per l’impegno profuso nel portare a nuova
luce il patrimonio del cinema di Hong Kong
degli anni 70 e 80. Zu Warriors From The
Magic Mountain, diretto dall’inesauribile e
instancabile Tsui Hark, è il capostipite del
fantasy made in Hong Kong. Il film che sta
all’origine di quella stagione entusiasmante
del rinnovo del cinema dell’ex colonia
britannica, conclusasi nel 1997 con l’Handover
e il ritorno alla Cina. Restaurato per
l’occasione in uno splendido 2K (più di tanto
dato lo stato di conservazione dei materiali
non era possibile) il film risorge a nuova vita
in blu-ray, permettendo così di mandare in
pensione il DVD hongkonghese della Universe
Laser & Video. Chi non ha mai visto il film
in questione non può assolutamente perdere
l’occasione. Gli adepti al culto di Tsui Hark,
invece, non aspettavano altro. Un capolavoro
è di nuovo fra di noi, in un’edizione all’altezza
della sua gloria.
GIONA A. NAZZARO
Musica
per gli occhi
PEREZ
EL SUEÑO
REGIA: ALEXIS LANGLOIS
LABEL: ETOILE DISTANTE
Nulla di meglio eccitare la curiosità
per il nuovo album di Perez, quel
Surex apparso il 14 febbraio scorso,
del video El Sueño commissionato ad
Alexis Langlois. Nuovissimo enfant
sauvage del cinema francese che si era
fatto notare con De La Terreur Mes
Sœurs e già da tempo sui radar degli
esperti di clip e di cinema francese che
si muove ai margini, Langlois, che si
presenta con un cognome che evoca e
omaggia Henri, il patron della cineteca
francese nonché angelo custode e
padre spirituale della Nouvelle Vague,
firma un clip che, pur inchinandosi a
numerosi mentori si, presenta come
altamente personale. Il piccolo film in
questione che accompagna il brano (un
groove sincopato, oscuro e minimale)
vede il nostro che si fa sedurre in
discoteca da un quartetto di bellissime
donne. Il malcapitato scopre presto
e a sue spese che le donne non sono
esattamente quel che sembrano. In linea
con la sua poetica militante transgender,
Langlois crea un vertiginoso labirinto
di immagini psichedeliche che giocano
consapevolmente con il kitsch. I
riferimenti filmici di Langlois sono
esibiti senza pudore. Dal Dracula di
Francis Ford Coppola passando per
il cinema di Jean Rollin, il regista
saccheggia senza ritegno alcuno
l’immaginario horror degli ultimi
30 anni e oltre creando un film
spudorato, aggressivo, volutamente
trash e disperatamente sensuale che
gioca a rimpattino con le citazioni
colte della clip (“El sueño de un sueño.
Estoy soñando en un tunnel pero no
encuentro la salida”). Il gore abbonda,
per essere un clip, e il sangue scorre
copioso. Gli effetti stroboscopici
funzionano come messaggi d’amore
per Gaspar Noè e Langlois non esita
nemmeno a gettare nella mischia un
riferimento preciso ad Eyes Wide Shut.
Interpretato dalle attrici preferite
del regista, Dustin Muchuvitz, Raya
Martigny, Justine Langlois (alle quali si
aggiunge Héléna de Laurens). El Sueño
è la celebrazione del sesso senza paura e
della maschera.
GIONA A. NAZZARO
RUMOREMAG.COM | 107
 LETTURE APRILE 2020
ROSSANO LO MELE
SCRIVERE DI MUSICA
UNA GUIDA PRATICA E INTIMA
MINIMUM FAX
Scrivere di musica? Per me è questo:
domenica sera, il resto della famiglia decide
di andare a mangiare una pizza con degli
amici, ma tu non puoi perché devi ancora
ascoltare il progetto solista del bassista degli
Absolute Incompetent. Non sembra male,
e domani si consegna, purtroppo rimani
in casa. Un mestiere (?) che è un misto di
piacere e sottile fatica, e che va quasi sempre
in contrasto con il “mondo normale”. A
spiegarlo, molto meglio, è il Nostro Direttore.
E lo fa con precisione, ma soprattutto con
una dolcezza che traspare limpida e ricorda
bene (a tutti, soprattutto a noi) perché ci
siamo impegolati anni fa in questa “cosa”.
Una Guida Pratica E Intima, verissimo.
Intima perché la prima parte, più narrativa e
autobiografica, ha alcuni passaggi memorabili
(il mio preferito: il coinvolgimento del padre
nel meccanismo di consegna e “pesatura”
delle copie di "Rumore") e traccia con passo
da romanzo di formazione le linee del proprio
percorso formativo. Pratica perché davvero
non è possibile immaginare nulla di più
efficace di “vuoi sul serio farlo? Allora devi
assolutamente leggere questo libro”. Ogni
sezione è sottoscrivibile e illuminante: come
scrivere una recensione, l’analisi dei live,
il fatidico “sbobinamento” di un’intervista
ben preparata, come proporsi a una testata
giornalistica (carta e online). Accurate le
differenze tra vecchio mestiere e attualità
mutata dal web, tra pezzo d’opinione e
longform, su come gestire le news (anche
quelle fake) e come dosare le stroncature. Il
tutto corredato da esempi di firme illustri,
straniere e nostrane, e da un’analisi storica
del giornalismo musicale dalle origini all’oggi,
con bella inquadratura italiana.
A memoria un libro simile non c’era. E serviva.
Anche perché, alla fine, il progetto solista
del bassista degli Absolute Incompetent si è
rivelato al di sopra delle aspettative.
Chi lo vuole recensire?
MAURIZIO BLATTO
80/100
108 | RUMOREMAG.COM
MICHAEL ERIC DYSON
JAY-Z. LA VITA, LE CANZONI, GLI AMORI
SPERLING & KUPFER
Nel vivo di questo saggio si parla del conflitto Tupac/
Biggie anche per gioire del lieto fine di quello tra Jay-Z e
Nas, che ci ha permesso di assistere a una crescita umana
e artistica notevole. Jay-Z si è ingegnato per sopravvivere
e ha vissuto la strada senza mai perdere ambizioni.
Rielaborando con acume questi trascorsi, è arrivato in
alto e non ha dimenticato le sue origini. Una storia che
il sociologo Dyson ripercorre analizzando il contesto
sociale in cui si è sviluppata e i testi dei brani di questa
incarnazione del sogno e mito (afro)americano. Se spacci
crack e pensi alle rime, magari perché sei un lettore appassionato, se dopo
dieci anni diventi milionario con il rap ed entri con onore alla Casa Bianca, se
nel primo periodo scrivi un pezzo da duro pappone e nel secondo uno in cui ti
scusi con la tua compagna, sei una persona che si mette in discussione. Anche
se in alcuni passaggi è agiografico, Dyson dimostra davvero come Jay-Z, oltre
a essere rapper, talent scout, autodidatta, self made man, imprenditore e
attivista, abbia “trasformato la cultura bassa in arte elevata”.
LUCA GRICINELLA
68/100
FEDERICO FIUMANI
NEOGRIGIO
LACERBA
C'è tutto un mondo fra il nero e il bianco, fra il buio e
la luce: un mondo di sfumature di grigio, quello che il
giovane Federico Fiumani scandagliava nel 1983 con
Neogrigio, che oggi Lacerba ripropone in una bella
edizione limitata, arricchita da un'interessante intervista
di Paolo Cesaretti e dal 7'' contenente una nuova versione
dell'omonimo brano oltre che D’Improvviso e Dai Vetri,
due delle 30 poesie presenti nel libro sonorizzate e
recitate. Poesie in cui le sfumature prendono corpo come
foto in bianco e nero di una realtà osservata sempre attraverso un filtro:
vetri, distanze – fisiche, emotive, temporali -, schermi, si frappongono fra
il narratore e la scena, ma c'è un elemento che più di tutto crea l'effetto di
estraneità, ed è la giovinezza. L'età in cui si è ancora tanto concentrati su se
stessi, sulla propria crescita, sulle proprie emozioni, sul proprio rapporto
con il mondo piuttosto che sul mondo stesso, è il filtro che fa somigliare
queste istantanee, come nota Cesaretti, a quadri di Hopper, “figure distanti,
anonime, in un'assenza di dimensione temporale”. In un profondo neogrigio.
LETIZIA BOGNANNI
77/100
DEBBIE HARRY
FACE IT
HARPER COLLINS
E la piccola Angela Trimble, dopo qualche settimana,
diventa una love child, con il nome di Debbie. Da lei
erompono caleidoscopici desideri e una sfrenata voglia
di visitare e abitare il mondo intorno e fuori. Che vuol
dire, per una ragazza americana di talento, abbracciare
New York come fosse respiro vitale. L’autobiografia di
Debbie Harry viaggia come testimonianza viva di un
intero microcosmo, nel quale fare infiniti incontri e
costantemente cambiarsi, offrire e ricevere, distruggere e
(ri)costruire. Incontreremo Debbie nelle sue peripezie di
giovane donna che s’imbatte in gente come Muhammad Alì o Timothy Leary e
via via evolvendosi come corista di un gruppo prog, cameriera per Miles Davis,
autista per i NewYork Dolls, coniglietta e protocantante punk fino all’incontro
con Chris Stein e l’ascesa al successo dei Blondie. Il racconto, è fatale, perde
intensità negli ultimi capitoli, ma è un atto di devozione per l’arte in ogni sua
espressione: ne sono traccia i pregevoli inserti fotografici che inframezzano i
vari passaggi di vita, in particolare i ritratti realizzati dai fan di ogni epoca. A
celebrare un’icona vera.
FABIO STRIANI
77/100
 LETTURE APRILE 2020
HOLLY GEORGE-WARREN
ALEX CHILTON. UN UOMO CHIAMATO DISTRUZIONE
JIMENEZ
Quando incontrò la prima volta Alex Chilton,
la 25enne Holly George-Warren gli vomitò
nel lavandino della sua casa di New Orleans.
“Essendo in confidenza con Lux Interior,
penso che Alex non se la prese”. Tra la fanatica
dei Big Star, allora giovane promessa del
giornalismo musicale americano (di cui è
diventata negli ultimi 30 anni una colonna)
e quel gentiluomo del sud “elegantemente
devastato” nacque una sincera amicizia, che
avrebbe dovuto concretizzarsi in un libro a
quattro mani sulle avventure on the road di
Chilton. Il protagonista aveva già pronto il
titolo: “Ho Dormito Con Charles Manson”.
Fantastico. Purtroppo il progetto non andò
mai in porto per gli impegni e le lune storte
dell'erratico Alex, fino a quando l'infarto
del 17 marzo 2010 chiuse definitivamente la
questione. È quindi toccato a Holly raccontare
la storia di uno dei più grandi perdenti del
rock'n'roll, e che lavoro meraviglioso ha
fatto. Un Uomo Chiamato Distruzione,
uscito nel 2014 e ora finalmente pubblicato
in Italia nel prezioso catalogo Jimenez, è
tante cose insieme. Una biografia scritta
secondo i canoni del miglior giornalismo
anglosassone (precisione filologica, ricerca sul
campo, testimonianze di prima mano tratte
da un centinaio di interviste con chiunque
abbia avuto a che fare con Chilton oltre che,
l'abbiamo già detto, la conoscenza diretta del
soggetto), ma pure uno spaccato dell'industria
musicale americana tra anni 60 e 80, una
polaroid ingiallita eppure ancora vivida di
Memphis e di quella famiglia disfunzionale
che era la Ardent, un lungo viaggio al termine
della notte (il racconto delle session del
terzo dei Big Star è un vortice di squallore e
romanticismo assoluti), e infine una lettera
d'amore di 400 pagine che tanti di noi
avrebbero sognato scrivere. Se avete mai detto
a vostro padre cosa pensate di Paint It Black,
“come inside where it's ok”. Libro stupendo.
CARLO BORDONE
95/100
GABRIELE MERLINI
NO MUSIC ON WEEKENDS
EFFEQU
Di libri dedicati agli anni 80 e alla New Wave siamo
così pieni da farci mancare il fiato. Viene la vertigine e
l’abisso retromaniaco rischia di farci perdere conoscenza.
Eppure, Merlini, se anche in teoria si dedica al medesimo
tema, lo scartavetra per benino con la forza della sua
penna. Motivo per il quale la coscienza resta attiva e
arzilla e la lettura prosegue. A far la differenza: la prosa.
Una lingua ricca, complessa, stratificata, che s’appiglia
all’esperienza personale per disegnare un quadro che
non ha nessuna pretesa d’essere omnicomprensivo, storico o storiografico,
precisino e musicologico. Anzi, ha l’intelligenza pratica di farsi letteratura
fatta e finita, cronaca di un’esperienza rivista con la lente della scrittura.
Non che manchino fatti, dati, riferimenti, analisi o critiche culturali.
Semplicemente, mancano la spocchia e la didascalica propensione all’editto
pedagogico. Si legge, si portano impresse nelle sinapsi la vita dell’autore e
dei suoi “personaggi”, le sue storie e informazioni. Ci si ritrova ben felici
della lettura. E sì, ritiro tutto: più edotti. Vivissimi complimenti all’autore.
DANIELE FERRIERO
71/100
DOMENICO MUNGO
WITH LOVE
MIRAGGI
Sono più di 8000 i chilometri che dividono Seattle
da Torino, eppure in queste pagine Domenico Mungo
riesce nell'immane impresa di annullare questa enorme
distanza fisica, unendo idealmente la capitale del grunge
e il capoluogo piemontese sotto le insegne sanguinanti
del punk e della lotta al sistema. La storia, si sa, la
scrivono i vincitori, e allora l'autore di Il Suono Di Torino
decide di dare voce ai Beautiful Losers che negli anni
della lotta operaia riempiono di furore anarcoide le grigie
vie dalla città della Fiat, sinistro Moloch che si staglia con
la sua ombra su tutto il racconto. Anni di occupazioni e concerti clandestini,
radio libere e band seminali (Franti, Fluxus, Negazione), ma soprattutto
di epifanie improvvise capaci di cambiare intere esistenze; come l'incontro
con la musica di un angelo tossico martoriato dalla fama, ansioso di trovare
una via di fuga dal proprio violento male di vivere. Mungo in queste pagine
cuce nella carne viva della storia italiana un patchwork pulsante di dolore e
nostalgia, fatto di passioni irrefrenabili, rock'n'roll e militanza estrema.
STEFANO D'ELIA
75/100
SAMUEL
COME RESPIRARE. DISCORSO SULLA MUSICA E LA SUA ANIMA
MONDADORI
Scritto insieme a Mauro Garofalo, è una lunga riflessione
del nostro sulla musica, in bilico tra l’esperienza diretta
- prima, durante e senza Subsonica – e una sorta di
saggio su di essa in base a questa. Pagine cui affida
considerazioni e memorie. Si passa dal racconto dei
primi approcci al microfono, a un discorso sull’armonia
e la melodia, alla prospettiva di un “orecchio armonico/
melodico”. Un viaggio all’interno di sé stesso e della
musica, chiacchierando anche d’ambiente, di vita.
Comunque alla ricerca della sincerità. “Fare musica
è un processo legato al concetto assoluto dell’essere.
Il tentativo di essere veri”, dice. Con onestà, ripercorre le difficoltà che
si affrontano facendo il suo mestiere, e relative fasi, lui che è in quella di
chi resiste, quando le nuove leve entrano in scena e fanno proseliti. In un
lavoro in cui bisogna sempre conservare il candore, l’istinto ha un ruolo
importante. Ponendo l’accento sulle emozioni che la musica evoca, sul
suo potere salvifico, nella consapevolezza che debba innanzitutto essere
indispensabile per chi la fa, che sia Come Respirare.
BARBARA SANTI
70/100
RUMOREMAG.COM | 109
 LETTURE EXTRA APRILE 2020
TIBOR FISCHER
LA GANG DEL PENSIERO
MARCOS Y MARCOS
A 50 anni suonati, dopo aver sperperato borse
di studio e fondi di ricerca, il professore di
filosofia Eddie Coffin - un amore smodato
per sesso, alcol e lusso non supportato da
reddito e fisico adeguati - fugge da Cambridge
alla volta della Francia, perché "tutto è più
interessante all’estero, perfino la morte".
In un albergo scalcinato di Montpellier ("la
Francia ha alcuni tra i migliori alberghi
scalcinati del mondo") subisce un tentativo di
rapina da parte del ex galeotto Hubert, "forte
in scalogna, debole in anatomia funzionante",
con la sua gamba e la sua mano artificiali,
l'occhio di vetro, l'apparecchio acustico e la
pistola a credito. I soldi scarseggiano: ne nasce
un'amicizia e la volontà di svaligiare banche. Il
primo improbabile tentativo scivola via facile
ed elegante. Incolto, violento e profondamente
romantico, Hube si appassiona al sapere
filosofico di Eddie e all'ironia blasé con
cui affronta il mondo. Telefona ai giornali
annunciando la nascita della Gang del
Pensiero: "facciamo rapine filosofiche". Il duo
attira le attenzioni un po' sconclusionate del
commissario Versini; per chiudere in bellezza,
progetta la rapina del secolo a Marsiglia:
in gioco c’è la morte o l’immortalità. Può la
filosofia presocratica governare l'entropia
dell'esistenza? O, più semplicemente, esiste
un qualsiasi principio in grado di ordinare
la vita? La risposta di Tibor Fischer è
straordinariamente simile a quelle già messe
in scena in altri tempi e in altre latitudini da
John Kennedy Toole e dai Cosmic Bandidos
di Allan Weisbecker, che commettevano
efferatezze secondo le leggi della meccanica
quantistica. Stessa dinamica ambiziosa e
scombiccherata, stesso stralunato, disastroso
ma irresistibile candore nei confronti del
mondo. Si ride moltissimo anche in Tibor
Fischer, si apprezza l'arguzia sottile di certe
costruzioni, l'understatement tutto britannico
del suo umorismo…
CLAUDIA BONADONNA
78/100
110 | RUMOREMAG.COM
ALICE DIACONO
IL NOSTRO DESIDERIO È SENZA NOME
BATTAGLIA
Pare brutto descriverla a partire da un paragone, ma si
vuole tributarle un onore: Diacono potrebbe suonare
come una Kate Tempest nostrana. Ovviamente, non
è una questione di genere. Né di vicinanza stilistica.
Ma la testimonianza di una continuità d'intenti, una
simmetria fiammeggiante della forza vitale e dell'impeto
dei suoi scritti. Ne Il Nostro Desiderio È Senza Nome,
si susseguono parole che sono la sostanza di una
prosa eretica. Una prassi linguistica che nasce per
essere ritmata dal vivo, probabilmente. Che si nutre e
cannibalizza l’oralità quotidiana, tra microracconti e sensazioni della strada.
E come una performance dovrebbe essere letta e/o vissuta. Possibilmente,
anche esperita dal vivo. Non a caso parte di questi materiali sono stati
portati in luoghi o eventi quali Zuma, il compianto XM24 o Macao. Non è
un libro perfetto, questo no, ma è vivo, vitale, divertito, divertente e sincero
come pochi. Vale la pena di appoggiare l’opera poetica e l’autrice con tutto
il cuore. Il tomo è comprensivo delle illustrazioni di Agnese Ugolini, d’un
primitivismo minimale che s’adatta a perfezione.
DANIELE FERRIERO
66/100
ESPÉRANCE HAKUZWIMANA RIPANTI
E POI BASTA
PEOPLE
Giovane donna nera, colta e parlante: se giocassimo a
ordinare in una classifica questi elementi biografici,
quale sarebbe la sequenza più “fastidiosa” nel contesto
italiano odierno? Espérance Ripanti, che piaccia o no,
è tutto questo: e lo racconta nel suo manifesto, con la
rara urgenza che proviene dal vissuto diretto e non dalla
fiction. Un’adozione nata da un genocidio evitato per
miracolo (quello del Ruanda), un’adolescenza tra libri e
amici nel Bresciano, una progressiva presa di coscienza
di sé e del mondo intorno nell’approdo torinese. Il filo
conduttore, è pur vero, è quello razziale, e non si contano gli episodi di aperta
intolleranza vissuti dalla scrittrice in prima persona. È però indubitabile
riconoscere nelle pagine della Ripanti l’evolversi di uno stile, che non è scevro
da ostacoli dei quali, al contrario, si nutre per essere un po’ meglio se stesso.
Restare in piedi a caro prezzo, non per distinguersi ma per dispiegarsi, e
magari anche muovere verso altrove, quando raccontare il livore non ci serve
più. Con Coates, Schmitt, Rankine, Thuram, Leogrande, Benini, Barontini e
tanti altri amici nello zaino.
FABIO STRIANI
75/100
MATTEO TREVISANI
LIBRO DEL SOLE
ATLANTIDE
Libro profondamente suggestivo, quello di Trevisani
s’inserisce in un’opera più ampia e un percorso ben più
profondo di quanto non appaia dalla semplice sinossi o dal
riassunto. Il suo lavoro, difatti, è pienamente colmo di un
significato denso e antico. Perché strutturato intorno agli
snodi fondamentali della teoretica e della pratica occulta.
In particolare, del cosmo esoterico Trevisani rilancia
in questo suo Libro Del Sole i concetti, le impressioni e
la fascinazione per l’alchimia e l’astronomia. Vi riesce
immergendosi del tutto in un romanzo intimo e sentimentale, una storia
d’amore anomala e materica. Dove la sostanza principale è quella, semplice
eppur complessa, della vita qualunque. Nonché dell’amore fondo per la Città
Eterna, quella Roma la cui decadenza è adeguatamente specchiata dalla
voragine di storia e storie che la costituiscono e consumano. Nel libro si
nasconde una narrazione densa di simboli, significati, riferimenti magici e
sguardo nella psiche, nonché una scrittura ricca d’immagini e ambizione, ma
scorrevole e leggera. Da seguire.
DANIELE FERRIERO
73/100
 FUMETTI APRILE 2020
THE WALKING DEAD VOL. 32
RIPOSA IN PACE
DI R. KIRKMAN, C. ADLARD, S. GAUDIANO,
C. RATHBURN
SALDAPRESS
This is the end, per dirla con Jim Morrison.
Piuttosto che tirare avanti sino all’infinito e
oltre, Kirkman stacca la spina alla sua creatura
più famosa, famigerata e apprezzata assieme
a Invincible. Tempo fa, in un’intervista,
Kirkman si chiedeva: se in futuro The Walking
Dead fosse passato ad altri sceneggiatori, che
cosa avrebbe fatto al posto loro? La risposta
è evidente. In tempi in cui tutto muore e
rinasce all’infinito (il ciclo della produzione
e del consumo è intoccabile), a Kirkman
va riconosciuta una grande coerenza e un
rispetto del lettore/consumatore davvero
unico. The Walking Dead ha rappresentato
una scommessa editoriale da parte della
Saldapress che è riuscita, grazie al fumetto
di Kirkman, a farsi apprezzare anche da un
pubblico più ampio, esposto a un’offerta
qualitativa davvero inconsueta. Come dire:
c’è (ancora) vita al di là dei supereroi e
degli albi da edicola. Chi ha seguito sino
a ora le vicende dei sopravvissuti alla più
grande pandemia zombi della cultura pop,
non potrà non commuoversi di fronte alla
conclusione della saga. Kirkman, consapevole
della portata epocale della sua impresa, un
finale di stagione, riserva ai lettori una serie
di sorprese clamorose. L’aspetto emotivo e
politico della vicenda è messo in scena con
una lucidità assoluta. Attraverso più di 200
pagine, Kirkman riflette a voce alta sul futuro
degli Stati Uniti e purtroppo, nel frattempo,
le sue preoccupazioni ci riguardano molto
più di quanto avremmo mai immaginato.
Sono trascorsi quasi tre lustri da quando
The Walking Dead è apparso in Italia grazie
all’acume di Andrea G. Ciccarelli e soci: una
scommessa editoriale che ha cambiato il
panorama del fumetto italiano. Dove altri si
sarebbero seduti sugli allori, la Saldapress ha
sempre tenuto alta la barra della qualità.
Ad maiora!
GIONA A. NAZZARO
100/100
IL FUTURO NEI DENTI
GIANGOFF
CANE
Un libro diretto e fuori dal coro, sin dall’esergo
coattissimo ma implacabilmente vero: “Dedicato a
me stesso, senza il quale la realizzazione di questo
libro sarebbe stata impossibile”. Come intro, davvero
niente male. E quel segue è anche meglio. Il Futuro Nei
Denti non è solo un fumetto, o forse non lo è affatto.
È un romanzo, di quelli che idealmente si potrebbero
collocare fra Andrea Pazienza e Tondelli. Giangoff
coglie un senso di smarrimento che il suo tratto, attento
e preciso nella sua leggerezza lo-fi, riesce a tratti a trasformare in un
sussurro confessionale minimale. Anche attraverso il formato del libro, più
simile ad un albetto di Alan Ford e Diabolik che al “classico” volume da
libreria, Il Futuro Nei Denti sembra voler sfuggire alla categoria autoriale,
riportando la lettura nella zona di un incontro quasi fisico, corpo a corpo,
con il potenziale interlocutore. Davvero una sorpresa, che permette di
scommettere sul futuro artistico di Giangoff, ossia Gianluca Giovannini,
classe 1996.
GIONA A. NAZZARO
84/100
CROCE SUL CUORE
DI WALLIE
FELTRINELLI COMICS
Wallie, ossia Walter Petrone, si è fatto notare su
Instagram. Autore di Solo Un Altro Giorno, si presenta
con un tratto chiaro e rotondo, fumettoso verrebbe
voglia di dire. Croce Sul Cuore si legge come un romanzo
sentimentale un po’ ambient e un po’ metafisico,
grazie alla leggerezza con cui l’autore tratta questioni
drammatiche come l’anomia delle fasce giovanili
metropolitane, proiettandole su uno sfondo metafisico
che – a ben vedere – è una rielaborazione di Il Paradiso
Può Attendere. Una storia d’amore, quindi, di quelle
che intrecciano personale e cosmico con la malinconia scintillante di
una canzone degli Üstmamò dei bei tempi. Una riflessione sull’annoso
problema dell’anima gemella che, nonostante gli evidenti rimandi all’opera
di Zerocalcare (peraltro omaggiato insieme a Spiegelman), conserva una
sua autonomia espressiva che permette di ipotizzare che in futuro Wallie/
Petrone possa esplorare con maggiore libertà i margini del suo talento e
poetica e della sua poetica.
GIONA A. NAZZAROI
73/100
LA SOCIETÀ DEI DRAGHI E DEL TÈ
DI KATIE O’NEILL
SALDAPRESS
Cosa significa, esattamente, un libro per bambini o
per tutte le età? Per farsi un’idea più precisa, niente
di meglio che il capolavoro (di questo si tratta) di
Katie O’Neill, La Società Dei Draghi Del Tè. La storia
è semplice quanto basta per permettere all’autrice
di creare un romanzo di formazione ricchissimo di
implicazioni e notazioni agrodolci. Con un tratto che
si potrebbe descrivere – forzando un po’ – come un
incontro fra Aubrey Beardsley e Miyazaki Hayao,
l’autrice riesce a dare forma a un universo incantato
che vive sulla pagina grazie a colori morbidissimi e a una linea sinuosa
e sensuale. Un libro che si ammira per la compiutezza grafica prima
ancora di immergersi nei meandri di una narrazione libera e sognante.
Un volume prezioso e intimo, dunque, come il rito del tè e gli scones in un
pomeriggio britannico uggioso, mentre in sottofondo suona qualche classico
di Canterbury. Un libro da gustare e centellinare, per assaporarne tutti i
dettagli e le piccole bellezze nascoste.
GIONA A. NAZZARO
92/100
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BANDALARGA ABITARE L A MUSICA
ABITARE
LA MUSICA
“Scrivere di musica è come ballare
di architettura”. Una frase spesso
ripetuta ai giornalisti musicali
perfino da personaggi famosissimi
come Zappa, anche se Internet dice
che per primo l'ha inventata l'attore
e musicista Martin Mull. Di solito
viene utilizzata per sottolineare
l'assurdità, l'impossibilità dello
scrivere di musica, che viene
messo in relazione con un'altra
attività evidentemente delirante e
insensata: ballare di architettura.
Ho sempre trovato questa parte
meravigliosamente profonda, e
talmente ricca di spunti che non so
da dove iniziare.
Cominciamo dal ballare, che come
l'architettura ha a che fare con
lo spazio, abitarlo e utilizzarlo
come oggetto di espressione a
volte creativa. Spesso lo spazio
architettonico nel quale si balla
caratterizza il tipo di ballo, a tal
punto che alcuni generi hanno
l'architettura adatta nel nome:
street (o urban) dance, ma anche
disco(teque) dance. Ogni luogo ha la
musica che si merita, e ascoltare la
canzone giusta nel posto sbagliato
o viceversa può essere straniante,
a volte anche troppo. È quello che
dico a chi obietta che la techno è
sempre uguale: se stai seduto a
casa è vero. Vai a ballare, e prova
a sentire il luogo e la musica col
corpo. Anche ascoltare la Pastorale
di Beethoven al Berghain o al
CBGBs sarebbe insensato: nella
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musica è tutta una questione di
architettura. Inoltre molti brani
musicali hanno la capacità di
trasportarci altrove, e in diversi
casi delle esperienze musicali sono
state descritte come viaggi mentali
architettonici. I fan di Bach, la cui
musica è spesso stata messa in
relazione con l'architettura del suo
tempo, sanno di cosa parlo. Ma
anche quelli di Brian Eno.
C'è un altra analogia piuttosto
eclatante: ormai da oltre 30 anni
esistono generi diversi di musica
fatta col computer da una o due
persone. Tanti generi diversi, che
a volte si detestano a vicenda,
tutti basati sull'uso del PC per la
composizione, l'esecuzione e spesso
anche il missaggio. Gran parte
delle applicazioni che si usano
per produrre musica si basano sul
principio della ripetizione: si crea un
nucleo ritmico e armonico, talvolta
detto groove, che si ripete per
tutto il pezzo con delle alterazioni,
l'arrangiamento appunto. Quindi
spesso si parte da un giro, un nucleo,
un loop con delle proporzioni
gradevoli, che si ripetono e sul quale
si tesse la trama del brano, decorata
di variazioni musicali, momenti di
pieno e vuoto, passaggi più subdoli
o sospensioni della tensione ritmica,
che comunque rimane uguale per
tutta la traccia. Succede nella dance
(è uno dei modi di fare musica
emersi con l'adozione dei PC, negli
anni '80) ma anche nella musica
A CURA DI
S ERG IO MES S IN A
letto ri@sergio m essina . c om
africana, che è uno dei mondi da cui
ci viene questa mentalità musicale.
Se guardate la facciata di un palazzo
(costruito diciamo prima del 1950),
è composta esattamente allo stesso
modo: le finestre tutte uguali così
come i piani, magari alternati, il
portone nello stesso stile, con le
stesse proporzioni che si ripetono
più o meno armoniosamente in tutta
la costruzione. La progettazione di
una facciata, o di un pezzo house,
parte da un nucleo che si ripete per
tutto lo spazio/il tempo, con delle
variazioni, dei vuoti simmetrici,
delle parti ornamentali, funzionali
all'armonia - altro termine chiave di
ambedue le discipline.
Ma l'aspetto più simile delle
attività di musicista e architetto
è che ambedue lavorano sullo
spazio in relazione al nostro corpo.
Uno spazio che le persone poi
abiteranno, trascorrendoci dentro
del tempo. La musica ha l'abilità di
caratterizzare un luogo, e comporre
musica (dalla dance alle sinfonie)
vuol dire rivestire lo spazio di chi
ascolta per un determinato tempo.
E se l'ascoltatore si trova a proprio
agio in quello spazio per quel tempo
vorrà ripetere l'esperienza (da cui la
magica funzione "repeat", che rende
interattiva la ripetizione). Perché,
come sa benissimo chiunque la ami,
la musica si abita. Esattamente
come l'architettura.
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