N° 336 | MENSILE - GENNAIO 2020 | PRIMA IMMISSIONE 02/01/2020 | EURO 9,00

LITURGY SAULT THE DINING ROOMS LANKUM THE PROMISE RING BURIAL
THEO PARRISH PALE SAINTS CALIBRO 35 ALGIERS KAZU MAKINO KIM DEAL

DENTRO E FUORI I SOCIAL: LUCIO CORSI: OLTRE 400 RECENSIONI

LA REPUBBLICA DEGLI COSA FARÒ DA GRANDE TRA DISCHI, LIBRI, FILM
(IN)VISIBILI SERIE E FUMETTI

40 ANNI DI

R.E.M.

TUTTA LA MUSICA DI CUI HAI BISOGNO

POSTE ITALIANE SPA - SPED. IN A.P. - D.L. 353/2003 (CONV. IN L. 27/02/2004 N.46) ART. 1, COMM A 1, NO / TORINO - ISSN 1591-4062 - N.1 ANNO 2020
 IL NUOVO ALBUM DEL FONDATORE DEGLI AIR

dal 24 Gennaio 2020

CD / LP & CD / DIGITALE
www.universalmusic.it

GEORGIA YORKSTON / DAN

Seeking THORNE / DEACON
Thrills KHAN Mystic
Finalmente il nuovo album della Navarasa: Familiar
formidabile sensazione inglese Nine Il Nuovo Album
Dal vivo in italia: Emotions Dal 31 Gennaio
27 Febbraio
Milano Magnolia Il terzo album del collettivo
di James Yorkston, Jon Thorne
e Suhail Yusuf Khan.
Dal 24 Gennaio

dominomusic.com
 A BB O N ATI
A RU MO RE
11 NUMERI L’ANNO PIÙ LE GUIDE PRATICHE
SPEDIZIONE CON SERVIZIO PREMIUM PRESS
IN OMAGGIO 100 CD PER RINNOVO O NUOVI ABBONATI,
IN COLL ABORAZIONE CON SPIN-GO

60,00 €
DISPONIBILE L'ABBONAMENTO CON SPEDIZIONE
IN TUT TA EUROPA (110,00€) E TUT TO IL MONDO (160,00€)

RUMORE ESISTE ANCHE IN VERSIONE DIGITALE

PER TUT TI I DISPOSITIVI APPLE E ANDROID
11 NUMERI + DUE GUIDE PRATICHE
24,99 €
NUMERO SINGOLO € 2,99 | NUMERO SINGOLO CON GUIDA PRATICA € 3,99

ABBONATI ORA SU RUMOREMAG.COM

OPPURE EFFET TUA IL TUO VERSAMENTO QUI: IBAN: IT 15 P 02008 30414 000102685732
 EDI TOR I ALE
VOTA ANTON
DI ROSSANO LO MELE
La storia comincia così: “Ero timido e la musica
rappresentava tutto per me. Un giorno spunta fuori
un concerto, musica locale, niente di che. Avevo 16
anni e mi ero appena trasferito in città. Eravamo du-
rante le vacanze, non c’era scuola e nella mia nuova
zona non avevo amici. Decisi di andarci da solo e sic-
come era giorno ed ero timido cercai un diversivo: mi
portai appresso la macchina fotografica di mio padre,
in modo da scattare delle foto durante il concerto.
Quando sei timido pensi che la gente passi tutto il
tempo a parlare di te, del tipo: ‘Ma cosa ci fa quel tizio
lì con una macchina fotografica?’ Insomma, fare delle
foto pensavo mi desse una buona ragione per essere
lì. Portai poi il rullino a sviluppare al negozio dietro
l’angolo di casa e mandai le foto a un giornale. Che
le pubblicò! Pensai allora: ‘Wow, questo mi avvicina
alla musica’. E siccome la musica era la mia più gran-
de passione ritenni automatico che dovesse diventare
anche il soggetto principale delle fotografie. Soltanto
ADV
molto tempo dopo, cominciando a considerare la
fotografia come una forma d’arte, ho imparato ad
allargare i miei orizzonti”. Così parlò Anton Corbijn
(l’intervista completa sta sul magazine on line heyu-
guys.com) poco più di un anno fa, in occasione di una
mostra italiana (a Lucca) dedicata alla sua opera.
La storia della cultura pop e rock è stata spesso edi-
ficata da non musicisti tout court. Peter Grant, Vi-
vienne Westwood, Malcolm McLaren, Gianni Sassi,
Richard Branson e via dicendo. Persone che hanno
tuttavia costruito e nominato mondi. Fra questi c’è il
timido olandese Anton. Di lui potremmo banalmente
dire che ha inventato un’iconografia, un logotipo del
rock in bianco e nero. Nasce fotografo, cresce come
designer e si sviluppa dapprima come regista di
videoclip e in seguito di film. Di sé dice: “Non sono
un designer ufficiale, infatti molti se la prendono
con me per come creo le mie copertine, perché non
faccio le cose nel modo giusto, ma per me questo è
un segno di personalità”. Anton è la mente dietro
le cover di The Joshua Tree degli U2, di Violator e
molto altro dei Depeche Mode. Entrambi i gruppi
hanno beneficiato della sua cura e – nella delicata
fase di passaggio da band di culto a gruppi da arena
rock – quel suo stile chiaroscurale (che pure a tratti
li ha resi così simili se non sovrapponibili) ha fornito
un nuovo taglio alle due formazioni. Il gruppo che
si affaccia sulla prima pagina di “Rumore” questo
mese, poi: i R.E.M. Corbijn è autore della copertina
Tutti i diritti di riproduzione degli articoli pubblicati sono riservati. Manoscritti e foto, anche se non pubblicati, non saranno restituiti
Il loro invio implica il consenso alla pubblicazione da parte dell’autore. È vietata la riproduzione anche parziale di testi, documenti e fotografie.
La responsabilità dei testi e delle immagini pubblicate è imputabile ai soli autori.
L’editore dichiara di aver ottenuto l’autorizzazione alla pubblicazione dei dati riportati nella rivista.
di Automatic For The People e di una serie di servizi
fotografici del periodo, da cui arrivano alcuni degli
scatti usati questo mese. Intimo di Michael Stipe – “è
sempre un amico”, ha dichiarato – proprio perché
condivide con lui la famosa timidezza di cui sopra,
Corbijn fu chiamato all’opera pure dai Nirvana. Da
storiografia rock l’aneddoto legato al videoclip di Pen-
nyroyal Tea, girato proprio da lui: “Ero al telefono
con Kurt e continuavo a spiegargli che c’erano delle
cose che andavano fatte diversamente. Dovremmo
fare in questo modo e in quest’altro. Ma dall’altro lato
non sentivo alcun feedback da parte sua. Dopo 20
minuti di telefonata pensai che si fosse offeso e quindi
avesse deciso di non replicare. Solo il giorno dopo ho
scoperto che si era addormentato al telefono”.
Chi ci legge da tempo non avrà certo dimenticato che
Anton si è seduto dietro la cinepresa di Control, il
film del 2007 che raccontava la vita di Ian Curtis dei
Joy Division. Bianco e nero vecchia Gran Bretagna,
come al solito: asciutto, disturbante, doloroso.
Se parliamo di Corbijn oggi è però soprattutto per
un’altra ragione. Questo nordico allampanato che a
breve compirà 65 anni è il regista di Spirits In The
Forest, il film dedicato all’ultimo tour dei Depeche
Mode. Entrando in sala per la visione ho pregato che
non si trattasse del consueto documento live agio-
grafico. Ma Anton è evidentemente molto oltre. E ha
ideato una pellicola che, se parliamo di racconti per
immagini, casca dritta dentro i capolavori del rock.
Partendo da sei storie di vite estreme – estreme pro-
prio nel senso letterale: malattia, geografia, isolamen-
to fisico e mentale, oblio e rinascita – Corbijn raccon-
ta una cosa semplice e forse per molti ormai obsoleta:
cosa può fare la musica. Sulle vite umane. Non è
retorica e, se avete perso il film, da poche settimane
lo trovate in vendita. Un uomo che ha saputo creare
valore dove il consumo divora l’arte. “Non diamo alle
immagini il tempo di svilupparsi nel nostro subcon-
scio. Una volta i giornali stavano in edicola un mese
e nel soggiorno dei genitori. Se dentro c’era una bella
foto la memorizzavi, mentre ora si scrolla subito. È
un bene che ognuno possa scattare foto e mandarle
in giro per il mondo, ma allo stesso tempo questo ha
reso la fotografia un’arte talvolta senza significato.
Ciò premesso, va detto che oggi un sacco di musei
mostrano fotografie. Quando sono cresciuto sarebbe
stato impensabile. Oggi invece le grandi fotografie
diventano tali anche in termine di valore”.
 336CO N T E N U T I

92

COV E R S TO R Y

R.E .M .

26 Lucio Corsi A CURA DI BARBARA SANTI

32
DI LETIZIA BOGNANNI,
Dentro e fuori i social: la Repubblica degli Invisibili N I C H O L A S D AV I D A LT E A ;
M AU R O F E N O G L I O
E G I O R G I O VA L L E T TA

48 Liturgy A C U R A D I A N D R E A VA L E N T I N I

54 Playlist 2019: le classifiche della redazione A CUR A DELL A REDA ZIONE

D I C A R LO B O R D O N E ,

92 Retropolis: R.E.M. LETIZIA BOGNANNI E

FR ANCESCO VIGNANI
 NUMER O: 336
ANNO: 2 9
G ENNAI O 2 02 0

DI R ET TOR E R ESPONS ABI LE

Marco De Crescenzo

DI R ET TOR E EDI TOR I ALE

Rossano Lo Mele

COOR DI NAMENTO R EDAZI ONAL E

Alessandro Besselva Averame

R E DA Z I O N E E WE B Nicholas David Altea,

Letizia Bognanni

LUCIO COR S I CONSULENTI ALL A R EDAZI ONE

Maurizio Blatto, Giona A. Nazzaro,
P. 2 6 Claudio Sorge, Giorgio Valletta

R UBR I CH E Alessandro Baronciani, Carlo

Bordone, Luca Doldi, Francesco Farabegoli,
Luca Frazzi, Sergio Messina, Marco Pecorari,
Andrea Pomini, Barbara Santi

COLL ABOR ATOR I

Davide Agazzi, Diego Ballani, Antonio
Belmonte, Paolo Bogo, Claudia Bonadonna,
Daniele Cianfriglia, Arturo Compagnoni,
Stefano D'Elia, Stefano Fanti, Mauro Fenoglio,
Paolo Ferrari, Daniele Ferriero, Manuel
Graziani, Luca Gricinella, Stefano Morelli,
Luigi Mutarelli, Andrea Prevignano, Fernando
Rennis, Mario Ruggeri, Gianluca Runza, Fabio
Striani, Doriana Tozzi, Andrea Valentini,
Simona Ventrella, Francesco Vignani

DI R EZI ONE AR TI STI CA

E PR OG ET TO G R AF I CO
Stefano Manzi

L IT UR G Y F OTOG R AF I Stefano “Star Fooker” Brambilla,

Francesca Sara Cauli, Luigi De Palma
P. 4 8
MAR KETI NG E PUBBLI CI TÀ
Francesco Sassi - promorumore@gmail.com

RUMOREMAG.COM AMMI NI S TR AZI ONE

DI F F US I ONE E COR R I S PONDEN Z A
HOMEWORK EDIZIONI
Corso Einaudi 53, 10129 - Torino
redazione@rumoremag.com
rumo remag r u mo remag az i ne ru m o re m a ga z i n e
DISTRIBUTORE ESCLUSIVO PER L’ITALIA
MEPE Distribuzione Editoriale
Via Ettore Bugatti 15 - 20142 Milano (MI)

S TAMPA Reggiani S.p.A. - Brezzo di Dedero (VA)

5 Editoriale 88 Flashback
Pubblicità a carattere musicale
8 News 89 Retropolis direttamente presso l’editore

14 Privé 100 Che fine hai fatto? Autorizzazione del tribunale di Torino n. 21
del 25/07/2013
18 My Tunes 101 Identità di genere ISCRIZIONE AL ROC N° 23733
20 Futura 102 Visioni
Questo periodico è associato
CONTEN ITOR I 59 Recensioni 106 Letture all’Unione Stampa Periodica Italiana

60 Disco Del Mese 108 Fumetti Finito di stampare nel mese di Dicembre 2019

76 Treecolore 109 Poster-i

78 Radici 110 Dal Vivo
80 In Italia 114 Banda Larga
86 Singolare
GRACE JONES STORMZY LLOYD WATSON TALKING HEADS THE ORB

A CU RA DELL A RE DA Z I ONE GENNAIO 2020 @ ru m o re m a ga z i n e

CARIBOU ST.VINCENT FONTAINES D.C. GENIUS HYPERDUB

INDICE: NEWS p. 08 — FACCIAMO I CONTI p.09 — SOCIAL p.10 — IN ARRIVO p.10

GLI ORB E LA
CORONA BRITANNICA

Gli Orb pubblicheranno il

loro diciassettesimo album,
Abolition Of The Royal Fa-
milia, il prossimo 27 marzo.
Il poco accomodante titolo,
che suggerisce un parallelo
tra criminalità organiz-
zata e Corona Britannica,
rappresenta una “protesta
retrospettiva” nei confronti
della famiglia reale inglese,
colpevole di aver sostenuto
ai tempi dell'Impero il com-
mercio di oppio da parte
della Compagnia delle Indie
Orientali, mossa che avrebbe
in seguito condotto, tra le
altre cose, a un disastroso
conflitto con la Cina. A col-
laborare con Alex Paterson
alla scrittura dei brani il già
rodato Michael Rendall, ma ST. VINCENT E CARRIE BROWNSTEIN AL CINEMA
anche questa volta il numero
di ospiti è imponente, e com-
prende, tra gli altri, Steve
ra i 118 film che verranno corso di una serie di finte interviste legate
Hillage e Miquette Giraudy,
Roger Eno, Youth, Gaudi e il presentanti in anteprima alla promozione di Masseduction, è una
DJ trance Andy Cain. Il disco T al Sundance Festival sorta di meta-docu-fiction che mostra
è stato anticipato dal singolo 2020, in programma a la Clark impegnata a sua volta a girare
Pervitin, e conterrà anche fine mese a Salt Lake un documentario dietro le quinte la cui
un omaggio allo scomparso City, c'è anche The intenzione è quella di “rivelare, facendo
Stephen Hawking, la lunga Nowhere Inn, film a quattro mani realizzato baldoria, la verità disadorna” intorno
Hawk Kings. da Annie Clark aka St. Vincent e Carrie al personaggio pubblico St. Vincent. Un
Brownstein delle Sleater-Kinney. Il duo lungometraggio di difficile definizione in
I PHOENIX IN STUDIO ha fatto tutto in completa autarchia – cui, citiamo la sinossi, “i concetti di realtà,
scritto la sceneggiatura, prodotto, recitato, identità e autenticità si fanno via via sempre
girato – e il lungometraggio, che era già più distorti e bizzarri”.
La band francese ha fatto stato in qualche modo anticipato nel
sapere, attraverso una foto-
grafia pubblicata sul proprio

8 | RUMOREMAG.COM
 profilo Instagram, di essere
al lavoro su un nuovo album.
FACCIAMO I CONTI Le registrazioni stanno
avendo luogo presso gli studi
parigini Motorbass fondati
da Philippe Zdar dei Cassius,

9
storico collaboratore del
ORE DI SONNO PER NOT TE: L A QUANTITÀ gruppo tragicamente scom-
DI RIPOSO NECESSARIA A ROBERT parso lo scorso anno.
FORSTER DEI GO-BETWEENS
GRACE JONES
VS. JAMES BOND

3 MASSIMO 4 ORE A NOTTE LE DORME

INVECE DALL'ETÀ DI 6 ANNI NILE
RODGERS DEGLI CHIC
Cary Fukunaga, regista del
prossimo film di James
Bond, Not Time To Die, ha
rivelato al sito “Total Film”
di aver cercato di coinvolge-
re nuovamente Grace Jones,

21
al debutto attoriale nella
MILLIGRAMMI: L A QUANTITÀ DI NICOTINA saga con 007 Bersaglio Mo-
DEL PRIMO CEROTTO MESSO DA BRIAN bile del 1985, nel franchise
WILSON PER SMETTERE DI FUMARE cinematografico. L'avvicina-
mento è avvenuto in occa-
sione delle riprese del film,
la scorsa estate in Giamaica,
ma a quanto pare l'accordo
: ANNO E TOUR DI RIFERIMENTO PER

1986
è sfumato nel momento in
I SUNN O))), CHE SI RIFANNO ALLA cui i rappresentanti della
RUMOROSA INTENSITÀ LIVE DEGLI SWANS cantante hanno capito che la
DI QUEL PERIODO sua apparizione nel film si
sarebbe risolta in poco più di
un cameo.

250
MIL A DOLL ARI: UN ASSEGNO DI QUESTO IM- LA CONSOLE HYPERDUB
P O R TO F U D I M E N T I C ATO D A S C OT T A S H E TO N
NEL FURGONE DEGLI STOOGES PER SEI MESI.
IGGY POP DIXIT... Per le celebrazioni dei suoi
15 anni di attività, tra le altre
cose la Hyperdub ha realiz-
zato, in partnership con Ana-

10%
logue, azienda statunitense
: L A PERCENTUALE DI SUCCESSO LEGATA
che si occupa di hardware per
ALLE IDEE DI PARTENZA, SECONDO DEBBIE
videogame, una edizione li-
HARRY. IL RESTANTE 90% È DURO L AVORO
mitata del Mega Sg, versione
aftermarket della Sega Mega
Drive. La versione “Hyper-
dub” della console si chiama

50
Konsolation e ha comprende
ANNI ABBONDANTI CON LO STESSO LOOK: una compilation – in formato
QUESTO IL SEGRETO DEL SUCCESSO PER cartuccia - di tracce esclusive
RONNIE SPECTOR DELLE RONETTES incise da artisti dell'etichetta
londinese come Burial, Iko-
nika, Jessy Lanza, Jeremy
Greenspan e Kode 9. Il rema-

13
ke targato Hyperdub è stato
ORE DI BUS: SE LE SONO FAT TE I CRAZY prodotto in un migliaio di
HORSE PER RAGGIUNGERE DI RECENTE esemplari, di cui 150 destina-
NEIL YOUNG PER UN PAIO DI CONCERTI, ti al mercato.
DAL SOUTH DAKOTA A WINNIPEG
NUOVO SITO/ARCHIVIO
STORICO PER FELA KUTI

RUMORE È DISPONIBLE OGNI MESE ANCHE IN VERSIONE DIGITALE

SCARICA SUBITO LA NOSTRA APP! In coincidenza con la ristam-

DISPONIBILE PER SMARTPHONE E TABLET APPLE E ANDROID pa dell'album di Music Of

RUMOREMAG.COM | 9
N E W S! D I C E M B R E 2 0 19

Many Colours, attribuito a

Fela Anikulapo Kuti & Africa RUMORE PER IL SOCIAL
'70, il 29 novembre scorso,
Partisan e Knitting Factory SF O G H I, CO N FE S S IO N I E CA Z Z EGGI CAT TUR ATI IN RE TE
hanno lanciato un nuovo sito
dedicato al musicista nigeria-
no, felakuti.com. Si tratta del
primo sito ufficiale incentrato
sul musicista scomparso nel
I DON'T HAVE TO GROW UP
1997, con tanto di materiali
storici sulla vita e l'attività
dell'artista di Lagos raccolti
B I L L Tom Waits has finally reached the age he has
anche grazie all'aiuto della JANOVITZ always been. Happy 70th to the bard.
@ B I L L . J A N O V I T Z
famiglia. Tra i vari materiali (Tom Waits ha finalmente raggiunto l'età che ha sempre
di approfondimento un lungo avuto. Felice settantesimo, bardo)
scritto di Chris May, storico
dell'Afrobeat. Il sito com-
prende foto rare, filmati dal
vivo e una discografia detta-
gliata, oltre che una sezione
aggiornata in tempo reale e
destinata a notizie, annunci
di ristampe e segnalazione PEPPA GRIME
eventi.
Let's collab. How we gonna do this?
GENIUS CONTRO GOOGLE STORMZY (Collaboriamo. Come possiamo fare?)
@ S T O R M Z Y
Stormzy che risponde a @peppapig, profilo ufficiale di
Al principio dello scorso Peppa Pig, dopo essere stato taggato in uno status che
anno Genius.com, sito che dice: “Bing Bong Christmas is happening”
raccoglie, commenta e ana-
lizza testi di canzoni, aveva
accusato Google di essersi ap-
propriato di alcuni suoi con-
tenuti senza permesso. A fine
2019 lo stesso Genius ha fatto
causa al colosso statunitense
– e al sito canadese LyricFind
IN ARRIVO
– per una cifra minima di 50
milioni di dollari, lo riporta
“Pitchfork”. Genius sostiene
che Google e LyricFind (che
ha una licence partnership
con il motore di ricerca) sono
stati “sorpresi nell'etto di
appropriarsi di contenuti non
CARIBOU
loro prelevandoli dal sito,
sfruttandoli – per il loro tor-
naconto economico – a disca-
SUDDENLY
CITY SLANG
pito di Genius”, e che, dopo
che è stata fatta notare loro la
cosa, avrebbero continuato a
farlo. Le proteste da parte di Primo album in quasi sei anni per Dan Snaith, Suddenly è stato anticipato lo scorso ottobre
Genius erano già emerse in dal singolo Home, costruito intorno a un campionamento di Gloria Barnes, un brano
un trafiletto apparso lo scorso
che sembrava suggerire un ritorno a una attitudine più indietronica e meno orientata al
giugno sul “Wall Street Jour-
dancefloor. Della scaletta, elaborata a partire da “oltre 900 abbozzi sonori”, farà parte
nal”, e i responsabili del sito
sostenevano di aver indivi- anche You And I, diffuso sul finire dello scorso anno, più vicino alle atmosfere di Our
duato il furto di testi attraver- Love ma anche al synth pop, con una spiazzante coda strumentale, il primo brano iniziato
so un particolare segno gra- e l'ultimo a essere completato. A proposito di You And I, Snaith ha dichiarato a “Fact
fico distintivo: “traducendo” Magazine”: “Cattura parecchio di ciò di cui il disco, e il titolo dell'album, trattano. La traccia
gli apostrofi utilizzati in punti cambia improvvisamente, senza alcun preavviso, e parla di un cambiamento avvenuto
e trattini appariva la scritta improvvisamente nella mia vita, di punto in bianco”.
“red handed”. Il chief execu-
tive della società canadese, CA R I B O U.L N K .TO C IT Y S L A NG .C O M
Darryl Ballantyne, ha negato
per l'ennesima volta, sempre
sulle pagine del “Wall Street FUORI IL 28 FEBBRAIO 2020
Journal”, qualsiasi accusa.

10 | RUMOREMAG.COM

THE REVENGEFUL BYRD BROTHER
Wow! @thedavidcrosby blocked me!
(Wow! @thedavidcrosby mi ha bloccato!)
R O G E R
MCGUINN
@ROGERMCGUINN
r u mo remag
I FONTAINES D.C. HANNO GIÀ PRONTO
UN NUOVO ALBUM
esordio dei dublinesi,
Dogrel, è stato uno degli
L' album rivelazione dello
scorso anno (piazzatosi
piuttosto in alto pure nella
nostra playlist), ma la band
ha già fatto sapere di avere pronto il seguito,
registrato lo scorso ottobre a Los Angeles.
Il chitarrista Carlos O'Connell ne ha parlato
in una intervista al magazine “Long Live
Vinyl”, spiegando che registrare le nuove
canzoni è stato il momento più bello del suo
2019. Nel corso dell'intervista O'Connell ha
I TALKING HEADS
APPRODANO SU
INSTAGRAM E...
I Talking Heads hanno aperto
un profilo ufficiale su Insta-
gram, atto che ha inevitabil-
mente fatto partire le spe-
culazioni dei fan sull'even-
tualità di qualche clamoroso
annuncio in arrivo, di cui nel
momento in cui scriviamo
non c'è però alcun riscontro.
Ovviamente la speranza è
quella di una possibile reu-
nion della band, che si è esi-
bita per l'ultima volta al gran
completo nel 2002, in occa-
sione dell'ingresso nella Rock
r u m o re m a ga z i n e 'N' Roll Hall Of Fame, a circa
un decennio dalla cessazione
delle attività. Nel 2017 David
Byrne, interpellato proprio
su questa eventualità, aveva
ASCOLTA
QUESTO
NUMERO SU
SPOTIFY
L'ESPERIENZA
DI RUMORE
SI AMPLIFICA
OGNI MESE UNA NUOVA
PLAYLIST DEDICATA
dichiarato: “Non so come siamo riusciti a AL NUMERO IN USCITA
trovare il tempo per farlo, ma ce l'abbiamo
fatta. Lo abbiamo registrato a L.A., visto che PER VIVERE IL MAGAZINE
rispetto al precedente è molto più influenzato IN MANIERA TUTTA NUOVA
dai Beach Boys. Queste nuove canzoni sono
molto più meditate per quanto concerne
dettagli e arrangiamenti”. Il chitarrista
ha parlato di un disco differente sia nelle
musiche che nei testi, aggiungendo: “È come
un sogno che a volte si fa incubo e a volte
fiaba. È stato un anno di alti e bassi, a tratti
è stato folle, e ci siamo sentiti perduti. Ma è
stato anche magico” ru m o re m a ga z ine
RUMOREMAG.COM | 11
N E W S! D I C E M B R E 2 0 19
dichiarato che per arrivare a
una reunion ci sarebbe voluto
“un buon numero di passi
indietro” da parte di tutti i
componenti. Tra i follower
del nuovo profilo Instagram è
apparso anche quello di Jerry
Harrison, che quest'anno si
esibirà, insieme ad Adrian
Belew e alla band funk Tur-
kuaz, in una serie di concerti
per il quarantennale di Re-
main In Light. Contempora-
neamente Chris Frantz ha an-
nunciato la prossima uscita di
un suo libro, Remain In Love,
che racconta gli anni con i
Talking Heads, la relazione
con la moglie Tina Weymouth
e la band fondata dai due al
di fuori dei TH, i Tom Tom
Club.
ERRATA CORRIGE N. 335
Nell'editoriale si fa riferimen-
to al 2018: si parla ovviamen-
te del 2019. Nello speciale
dedicato ai dischi del 2019,
l'intervista ai Big Thief è stata
erroneamente attribuita a
Mauro Fenoglio: l'autrice,
con la quale ci scusiamo, è in
realtà Stefania Ianne.
IN USCITA
Isobel Campbell There Is
No Other (31 gennaio) Squa-
repusher Be Up A Hello (31
gennaio) Ásgeir Bury The
Moon (7 febbraio) Makaya
McCraven Gil Scott-He-
ron, We're New Again. A
Reimagining From Makaya
McCraven (7 febbraio) Nada
Surf Never Not Together (7
febbraio) Tame Impala The
Slow Rush (14 febbraio) Greg
Dulli Random Desire (21
febbraio) Grimes Miss_An-
thropOcene (21 febbraio) Lee
Ranaldo And Raül Refree
Names Of North End Women
(21 febbraio) Gigi Masin
Calypso (28 febbraio).
12 | RUMOREMAG.COM
LLOYD WATSON
Lloyd Watson appartiene alla schiera di eroi minori
che hanno dato un contributo defilato ma signifi-
cativo al rock inglese degli anni 70, muovendosi sul
confine tra folk, rock, blues e art rock. Figlio di padre
giamaicano e madre britannica, il chitarrista del Cam-
bridgeshire aveva fondato la sua prima band, Lloyd
Watson And The Soul Mates, sul finire dei '60. Nel
1972 era stato nominato miglior chitarrista solista
nella competition annuale del “Melody Maker”, ca-
tegoria “folk e rock”, esibendosi in TV all'Old Gray
Whistle Test; in seguito aveva aperto tour per David
Bowie e King Crimson, prendendo parte, nel 1973, alle
session dell'esordio solista di Brian Eno, Here Comes
The Warm Jets, e a quelle di In Search Of Eddie Riff
di Andy Mackay dei Roxy Music. Queste esperienze
gli valevano la convocazione di Phil Manzanera negli
801, effimero supergruppo in cui lui e Eno riunivano
i rispettivi repertori solisti: in 801 Live, registrato
dal vivo nel 1976, il contributo di Lloyd è essenziale.
Proprio quell'anno un incidente sul palco – rimaneva
folgorato, con gravi ustioni alle mani – lo aveva quasi
(19 49 -201 9) costretto ad abbandonare l'attività, continuata poi in
seguito al di fuori dei grandi circuiti.
DOUG LUBAHN
Bassista in tre album dei Doors (Strange Days, Wai-
ting For The Sun e – in misura minore - The Soft Pa-
rade), Doug Lubahn per un attimo era quasi entrato a
far parte della band - la cui particolarità dal vivo era
proprio l'assenza di un bassista, ruolo ricoperto dai
bass pedals dell'organo Vox di Ray Manzarek – rifiu-
tando l'offerta fattagli durante le session di Strange
Days, non volendo abbandonare i suoi Clear Light,
che tuttavia si sarebbero sciolti poco dopo. In seguito
si sarebbe unito alla band jazz rock Dreams, fondan-
do poi Riff Raff e Pierce Arrow e collaborando, tra gli
(19 47 -201 9) altri, con Ted Nugent.
ROY LONEY
Fondatore nel 1965 dei Flamin' Groovies con il compa-
gno di scuola Tim Lynch, il bassista George Alexander,
il batterista Ron Greco (ingresso che segnò il passag-
gio dal folk a un rock stonesiano) e il chitarrista Cyril
Jordan, Roy Loney abbandonava la band dopo il terzo
album, Teenage Head (1971). Nella seconda metà dei
'70 i FG raggiungevano una inattesa popolarità con la
loro svolta power pop, mentre Loney fondava i Phan-
tom Movers con altri ex Groovies. Lo scorso anno era
stato ospite delle date americane del “Teenage Head
(19 46 -2019) Tour” dei FG, ma una caduta gli aveva impedito di par-
tecipare al tour europeo.
A B B O N A T I
SPECIALE HESTETIKA 2020: 4 NUMERI 38 EURO

Per informazioni: hestetika.It/abbonamentiarretrati


PRIVÈ / PANZANE IN ITALIA NON C’È NESSUN RITARDO CULTURALE
In Italia non c’è nessun
ritardo culturale
A fine 2017 usciva su “Noisey”
un pezzo intitolato Perché I
Rapper Americani Non Fanno
Concerti In Italia?. Il casus belli:
un imminente tour europeo
di Kendrick Lamar senza date
italiane. Pezzo ben fatto e non
banale, interpellava diversi
promoter in merito, dava risposte.
Tra le varie ragioni veniva citata
la relativa difficoltà a organizzare
grossi festival musicali in Italia:
problemi burocratici, ritardi
culturali eccetera. E poi il pezzo
passava oltre in tranquillità come
se i “ritardi culturali” dell’Italia
rispetto all’Occidente fossero fatto
accertato e condiviso da chiunque.
Se ne parla tutti gli anni, del resto:
a fine anno si annunciano i tour
estivi, qualche nome à la page non
suonerà qui, qualche pensionato
del rock chiuderà un grosso
festival. Credo succeda ovunque,
noi la viviamo solo peggio. Vien da
chiedersi ovviamente come possa
14 | RUMOREMAG.COM
PANZANE
essere indicativo a qualsiasi titolo
del nostro livello culturale il fatto
che Angel Olsen o Anderson .Paak
suonino o meno sul nostro suolo,
trattandosi tra l’altro, in entrambi
i casi, di imprese a scopo di lucro.
Sbaglieremmo però a pensare
che il nostro senso di arretratezza
culturale si manifesti in un
semplice bilancio di appuntamenti
estivi che paccheremmo in ogni
caso: è radicato in noi, permea
ogni fibra del nostro corpo, arriva
ovunque. Riaffiora ad ogni flop di
pubblico di un artista straniero,
ad ogni classifica FIMI con Il
Volo in top 10, a ogni festival
cancellato per qualsivoglia
motivo. In molti casi la citiamo
come causa unica dei disastri
economici di imprese e club: In
Italia, a voler fare qualcosa di
nuovo, etc. Stanis LaRochelle
state of mind. Respiriamo
questo handicap culturale a
pieni polmoni in ogni rivista
che compriamo in edicola, in
ogni sito che spulciamo e in ogni
conversazione che teniamo con i
nostri pari. Piangiamo il cadavere
di avanguardie del passato di cui
non abbiamo esperienza diretta, o
sorridiamo con amarezza di fronte
all’impietosa disfatta dei nostri
impresari compatrioti. Diamo
per scontato il nostro cronico
ritardo a ogni conversazione,
a ogni articolo. Scoreggiamo
con sufficienza addosso ai
bonzi palestrati che comprano
TESTO DI
F RANCES CO FARAB EG O LI
il biglietto dei Deep Purple in
prevendita.
Non so quando sia nato questo
complesso di inferiorità culturale,
quest’idea che l’avanguardia
accada in altri paesi e che noi
ci s’adatti alla meno peggio.
Esiste da quando esisto o
comunque da quando esisto
come consumatore. Nel 95% è
spazzatura filoamericana del
tutto impermeabile all’idea che
il nostro “ritardo culturale”
sia conseguenza dei pochi
brandelli di quello che, prima
di farci fagocitare da un sistema
culturale egemone, poteva
perfino passare per identità:
non necessariamente quel che
tira negli USA tira qui. Anche
solo questa semplice ipotesi fa
nascere sospetti di criptofascismo,
mentre rimpiangiamo con timore
reverenziale le ultime avvisaglie
tracciabili di quell’identità
(cantautori, library music,
italo dance e simili). Propongo
in questa sede una narrazione
alternativa: in un Occidente con
così pochi controlli doganali e
con così tanto accesso all’Internet
degli altri paesi possiamo smettere
di preoccuparci della nostra
posizione nella classifica culturale
globale e pagare i biglietti dei
concerti che ci va di vedere.

PRIVÈ / BLOG'N'ROLL C E L E B R AT I O N DAY S
Celebration days
Allora, come si sta negli anni
20? Esattamente come prima,
giusto? Comunque sia, buon
inizio di decennio. Tranne ai
seguaci della teoria per cui i
decenni si iniziano a contare dagli
anni con l’1 alla fine e finiscono
con quelli con lo 0. Dal punto di
vista matematico probabilmente
hanno ragione loro, ma l’idea che
alla fine del 2020 avremo ancora
dei precisini ritardatari che ci
rifileranno i loro “dischi degli
anni 10” è talmente angosciante
che se per voi è uguale salterei
direttamente al 2021. D’altra
parte, se si guarda alla storia
della musica pop si capisce che
le convenzioni cronologiche
hanno un loro senso non solo
retroattivo. In fondo è come
se i musicisti tarassero le loro
creazioni sulle aspettative
di futuro che un cambio di
decennio si porta inevitabilmente
appresso. Non tutti ci riescono,
BLOG'N'ROLL
ovviamente, e la maggior parte
finisce per fare le solite cagate
che faceva prima, ma è comunque
la minoranza virtuosa e forward
thinking a fissare la percezione a
posteriori di un periodo storico-
musicale. Voglio dire: il 1980 lo
ricordiamo per Remain In Light
o per Malice In Wonderland
dei Nazareth? (Non l’ho mai
sentito, come non ho mai sentito
nessun altro disco dei Nazareth,
ma è solo per fare un esempio
assurdo). E sempre per negare
la teoria di cui sopra, potremmo
mai pensare all’esordio dei Black
Sabbath come a un disco degli
anni 60? A tal proposito: il mezzo
secolo di quest’ultimo scocca
il 13 febbraio (ho controllato:
non è un venerdì), i 40 anni di
Remain In Light invece l’8 di
ottobre (c’è tempo). Non esiste
comunque il pericolo che vi
sfuggiranno, se siete sui social
media. Più passa il tempo – per
l’appunto – più ci si rende conto
che il discorso collettivo sulla
musica (presumo valga anche per
altri ambiti artistici, ma non così
tanto) è ormai inesorabilmente
schiavo del calendario (oltre
che del necrologio del giorno,
ma di quello in un’altra
puntata). Viviamo di ricorrenze,
compleanni, anniversari. E mica
solo di quelli che hanno a che fare
con la cifra tonda: ho visto gente
celebrare i 17 anni e mezzo del
disco X, per dire. Di un artista
TESTO DI
CARLO B O RD ON E
si festeggia l’anniversario della
nascita e si piange quello della
morte, e fin lì ancora tutto bene.
Ma pensate, non so, a David
Bowie. Oggi sono 44 anni in fila
per due da quando si è trasferito
a Berlino. 51 da quando ha
conosciuto Angie. 59 da quando
si è preso il cartone che gli ha
cambiato il colore di un occhio. E
via così, con tanto di foto o video
allegato, perché la dimensione
passatista e rassicurante della
celebrazione sembra essere
l’unica nella quale tutti (nessuno
escluso) ci sentiamo a nostro
agio. Eppure non è sempre stato
così. Cerco di ricordarmi se nel
1990 facessimo giri di telefonate
per festeggiare i venticinque anni
di My Generation o i quindici di
Neu 75!, ma non credo. Penso
non solo non lo sapessimo, ma
neanche ce ne sarebbe fregato
qualcosa. Forse dovremmo
celebrare con una faccina che
piange anche l’anniversario della
morte del presente: avete una
data precisa?
RUMOREMAG.COM | 15

PRIVÈ / ZIGZAG PER GUARDARLI NEGLI OCCHI
Per guardarli negli occhi
Di recente ho visto dal vivo Echo
& The Bunnymen, Stranglers,
Ruts DC e Cabaret Voltaire.
Gerontofilo? Non direi: ho visto
anche Education, Cavemen,
Pscience, Buck Biloxi, Proto Idiot,
e li ho apprezzati molto di più. O
meglio, ho assistito a eventi che
non hanno più nulla in comune,
realtà lontane (qualche veterano
come me che va a vedere band
di ventenni c'è, e – assai più
preoccupante – qualche ventenne
al concerto dei Bunnymen pure,
ma si tratta di eccezioni) che
convivono sotto il cappello del
termine più vuoto che esista:
“rock alternativo”. Sappiamo tutti
che di alternativo nei Bunnymen
non c'è più nulla e che il loro è
solo mestiere, per non parlare
dell'imbarazzo che si prova
davanti a un Jean Jacques Burnel
quasi settantenne che zompa
e brandisce il basso come una
sega elettrica, manco fossimo al
16 | RUMOREMAG.COM
ZIGZAG
Roxy nel '77, salvo poi viaggiare
a infiltrazioni e acqua minerale
come ogni anziano che si rispetti.
Ho visto copertine di riviste con
Neil Young oggi, David Thomas
oggi, Van Morrison oggi: le
fanno per spaventare i bambini,
andrebbero vietate per legge,
su questo spero saremo tutti
d'accordo. Bene. Il discorso è un
altro, più angoscioso: possibile
che qualcuno oggi vada a vedere
i Bunnymen o gli Stranglers per
poi dare un giudizio sul concerto
come se fosse normale andare a
uno show di “rock alternativo”
suonato da gente che ha più di
35 anni? Da una parte mi sento
dire “Si sono riuniti gli Skids
e vengono in tour, tu non puoi
mancare..” (posso, invece, eccome
se posso) e dall'altra “Mica andrai
a vedere quei pensionati, vero?
Dai, sono patetici...”. Pensate non
lo sappia, che certe band della mia
adolescenza al terzo o quarto “last
tour” hanno rinunciato da tempo
agli ultimi scampoli di dignità?
A 15 anni ero un ultrà di Echo &
The Bunnymen. Oggi, alla soglia
dei 54, lo sono ancora. Ma di quei
Bunnymen, sino a Ocean Rain
compreso: parliamo del 1984,
sette lustri fa, di quello che hanno
fatto dopo mi interessa zero. Se
oggi vado a un loro concerto è
solo per guardarli negli occhi e
ringraziarli perché c'è stato un
TESTO DI
LU CA F RAZ Z I
momento in cui mi hanno fatto
stare molto bene. Fine. All'uscita
invece sento pronunciare frasi
inquietanti come “Il giro di
basso di With A Hip è ancora
attualissimo”, e mi incazzo.
Ian McCulloch e Will Sergeant
sul palco interpretano (male)
se stessi, fanno il compitino e
intanto pensano al check-in o
alla prossima di campionato del
Liverpool, gli altri sono come
Bonini nella Juve di Trapattoni:
operai che timbrano il cartellino e
tengono in piedi la baracca.
Se nel rock cerco qualcosa (e io,
stupido, mi ostino a farlo) lo cerco
altrove, nelle band di ragazzi dalle
strategie che non vanno più in
là di fine mese. Istinto, urgenza,
talento: gente che suona, e basta.
E mi meraviglio che ci sia chi non
lo capisce, chi si chiede perché
una persona dotata di raziocinio
e un minimo di competenza nel
2019 possa andare a un concerto
degli Stranglers. Per l'ennesima
volta, l'ultima: per guardarli negli
occhi.
Il problema non sono gli
Stranglers, ma chi ancora si sforza
di giudicarli. L'underground è
un'altra cosa, basta saperlo.

PRIVÈ / GLOBO SE FAMO DU' SPAGHI
Se famo du' spaghi
Restiamo sul tema del mese
scorso, cibo e identità. È o non
è, d'altronde, uno dei campi di
battaglia principali del discorso
nazionalista, non solo odierno?
Qualcuno ricorda gli adesivi "Più
polenta, meno cuscus" della Lega
negli anni 90? Non sentiamo
forse ripetere alla nausea che "la
cucina italiana è la migliore al
mondo"? Per carità, qui si mangia
benissimo. Ma siamo sicuri che
ciò che consideriamo italiano®
sia davvero così italiano? Che lo
sia così tanto, e da così tanto?
Che sia sempre stato uguale?
"Radici e identità sono parole
pericolose, da maneggiare
con cura. Le radici abitano il
passato: sulla linea del tempo
stanno all'inizio, e nello spazio
si allargano per trarre alimento
da ogni fonte raggiungibile.
All'altro capo stanno le identità,
che invece abitano il presente.
GLOBO
In qualsiasi punto della linea
cronologica, le identità sono un
punto d'arrivo: spazi mentali
e materiali ben delimitati le
caratterizzano, ma sempre
instabili e mutevoli, come è
proprio di tutto ciò che vive.
Perdere di vista questa vitalità
significa precludersi uno sguardo
veramente storico attorno al
tema delle identità e delle radici
da cui esse provengono. Significa
pensarle immutabili rispetto al
futuro, preoccupandosi non di
tenerle in vita - con gli opportuni
adattamenti - ma di congelarle,
codificarle, musealizzarle.
Significa pensarle immutate
rispetto al passato - un passato
che a questo punto diventa puro
mito e colossale mistificazione".
Parole di Massimo
Montanari, docente di storia
dell'alimentazione, tratte dal
suo recente Il Mito Delle Origini
- Breve Storia Degli Spaghetti
Al Pomodoro (Laterza). Lettura
illuminante, che osa indagare
su un'istituzione dell'italianità
a tavola, data per scontata e
addirittura distintiva in un noi-
contro-loro spietato, per scoprire
varie cose interessanti. È solo dal
1891 ad esempio, da La Scienza
In Cucina E L'Arte Di Mangiar
Bene di Pellegrino Artusi, che
si diffonde nel resto del paese
l'usanza napoletana di condire gli
spaghetti con sugo di pomodoro.
TESTO DI
AN D REA PO M I N I
Usanza tutt'ora giovane rispetto
a quella precedente e secolare di
farlo con tonnellate di burro e
formaggio. Ma mai giovane come
quella di usare l'olio d'oliva come
grasso, roba di metà '900. Sugo
che, fra l'altro, è stato inventato
in Messico e portato in Europa
dagli spagnoli, che gli hanno
dato il nome a lungo. È solo alla
fine del Medioevo, inoltre che
anche noi, dopo cinesi e arabi,
cominciamo a considerare la
pasta "non come manufatto fra
i tanti, semplice ingrediente
da utilizzare in ricette di vario
genere, ma come genere essa
stessa".
Ah, fra l'altro: quell'orrenda pasta
scotta usata come contorno da
tedeschi, francesi e altri barbari
che così ci disgusta, be', è uguale
a quella che cucinavamo anche
noi. Prima di farla diventare (a
Napoli nel tardo XVII secolo,
altrove dopo il solito Artusi),
per ragioni economiche e
produttive approfondite nel
libro, un alimento base e dunque
volerla al dente, per assaporarla
più a lungo in bocca dovendola
masticare. Non loro che provano
a imitarci senza riuscirci, dunque,
ma noi che cambiamo mentre
loro restano uguali. Fateci caso:
hanno conservato la loro identità,
senza contaminarla con influenze
straniere. Ops.
RUMOREMAG.COM | 17

MAKE ME A MIXTAPE
THE PROMISE RING
GENNAIO 2020
ull’arte sopraffina
del mixtape ab-
S biamo già scritto
e detto molto, è
vero. Ma è talmen-
te divertente che,
come dire, vi tocca
di nuovo. Pur avendo buttato durante
l’ultimo trasloco qualcosa come 4000
cassette, ordinatamente stipate dentro
le scatole delle camicie che mio padre
comprava per andare in ufficio, ne ho
ancora una scorta praticamente ugua-
le nascosta in un luogo segreto. Ho
tenuto tutte le miste, le compilation
prodotte personalmente e ricevute. Di-
ciamo che la percentuale è sostanzial-
mente questa: per ognuna regalatami,
ne ho 37 fatte da me. Drammaticamen-
te, per me. Per poco più di 30 anni ho
regolarmente fatto un mixtape al quale
abbinavo un titolo inerente a quello
che mi stava succedendo. Diaristica in
note, forse soppiantata ormai proprio
da questa rubrica. È sempre stata una
18 | RUMOREMAG.COM
MY TUNES
DI MAURIZIO BL AT TO
goduria assoluta, non passava gior-
no in cui non pensassi alla sequenza
dei brani, all’uso degli strumentali, a
come sfruttare il jolly delle versioni
acustiche. Invecchiando, i consuntivi
diventano più numerosi e, pochi giorni
fa, mi ha attanagliato una voglia im-
provvisa di imbarcarmi in una sorta
di operazione alla Redford/Streisand
The Way We Were, stile “mi riascolto
dall’inizio”. Quindi ho messo mano ai
mixtape.
Avevo iniziato la primissima casset-
ta con una di Costello, Pump It Up,
giusto? E quando mi ero laureato
l’apertura era Mrs. Robinson versione
Lemonheads, e il titolo I Would Have
Chosen Anne Bancroft For Sure, no? E
poi sì, il mese del matrimonio di sicuro
la prima era Wedding Bell Blues di
Laura Nyro, questa me la ricordo bene.
Sono un secchione della matita, ma
gli ultimi titoli li avevo scritti con un
tratto clip verde. Scelta avventata, sono
quasi spariti con il tempo. Non un bel
segnale, mi è sembrato che fosse passa-
ta una gomma su parte del mio codice
genetico. Così ho faticato a riconoscere
The Difficult Choice Between Califor-
nian Orange And English Teal, straor-
dinario mistone giocato back to back
tra solarità chitarristiche West Coast e
pop songs britanniche uggiose (in real-
tà dettato da un derby decisionale sulla
tinteggiatura di una camera del vecchio
appartamento. Per la cronaca vinse ai
rigori l’ottanio inglese). Ma alla fine
sono partito con il mio programmone
e, devo dire, me la sto godendo alla
grande perché in fatto di compilation,
scusate, mi definirei un motherfucker
assoluto. Negli anni sono passato dal
nastro al CD e, parallelamente al sup-
porto, si è evoluta anche la mia mista
più storica, il Festivalblat, 42 anni di
selezioni pre estive con alcune conces-
sioni pop, regalata verso fine luglio in
un numero di esemplari buono per il
disco di platino. Saltuariamente elabo-

MY TUNES MAKE ME A MIXTAPE THE PROMISE RING
“TU N O N M O L L I MAI…”
(ROBERT REDFORD, T HE WAY WE WE R E , SYD NE Y P O L L AC K, 1 97 3)
ro anche l’Alternative Festivalblat, con
scelte più rigorose e incompromissorie,
giusto per prendere le distanze da me
stesso. A pochi intimi elargisco invece
il Pacco Sorpresa (sempre gente foto-
grafata in spiaggia con il pacco bene in
evidenza in copertina, da Paolo Bonolis
a Gian Piero Ventura), caratterizza-
ta da scelte al limite della denuncia
(Pompo Nelle Casse o Numero Uno
[Luca Toni] di Matze Knop…) e la cui
tracklist corretta viene comunicata via
mail a ferragosto. Sono quel genere di
idiota lì, ma i miei amici mi vogliono
bene lo stesso e ascoltano con entusia-
smo i miei mixtape a tema. Quelle sexy
(La Segretaria Nell’Ufficio Del Diret-
tore), le dolcemente tristi (Una Lieve
Pettinata) o le chill out estive (Passami
Il Doposole). Ne produco un’infinità, è
una meraviglia infilarsi là dentro. Per-
ché è questo che abbiamo sempre fatto,
no? Definirci attraverso le nostre scelte
musicali. Ho messo quella perché
pensavo che tu. L’ultima è esattamente
piazzata lì così quando la ascolteremo
insieme noi. Il gioco è dichiarato.
Quindi, nel 2000, ho colto con una
sciarpata da curva il primo ascolto di
Make Me A Mixtape dei Promise Ring.
Attacco secco per ricordarci all’istante
che siamo tutti figli di Bob Mould e il
cantante, Davey Von Bohlen, che dice
a qualcuno di scrivergli una lettera, di
dirgli dov’è, di fargli un bel mixtape
con qualcosa di vecchio e qualcosa di
nuovo. Scelte che abbiano un legame
con qualcosa che ha detto o che abbia-
no fatto insieme. Che li ricordi. Fammi
una bella cassetta e non dimenticarti di
metterci dentro gli Hüsker Dü, qualco-
sa che hanno fatto i Cars nel 1982 e poi
(con abile gioco di parole sulla ripeti-
zione di ‘round ‘round) Duran Duran
e U2. La canzone finisce dicendo,
con la giusta enfasi del caso, make a
mixtape that brings me closer to you.
Puoi non volere bene a una band che
canta una cosa simile? Che si dimostra
tanto dalla tua parte, esattamente al
tuo fianco mentre eri inginocchiato
I Promise Ring nascono a Milwaukee nel 1995, a lato dei Cap’n’Jazz (mitologia emo). Quattro album e cinque EP,
tra cui Electric Pink (Jade Tree, 2000). Si sono sciolti e riformati diverse volte, ma per me sono sempre rimasti lì.
Certe volte hai bisogno di una bella botta, ma non di essere picchiato. Quindi è tempo di mettere un loro disco.
sullo stereo con le gocce di sudore sulla
fronte e la mano stretta alla manopola,
pronto a sfumare se “non ci stesse tutta
alla fine del lato A”? I tre minuti della
canzone sono puro Hüsker Dü ultimo
periodo, con un po’ di sana solarità
emo degli esordi, di cui i Promise Ring
sono stati una delle migliori espressio-
ni in assoluto.
Tutta la gente che ha mimato Bob
Mould con in cuffia un disco della Jade
Tree avrebbe dovuto vederlo quest’e-
state insieme a me. Proprio lui, Bob,
con barba e la sola elettrica in mano,
sorridente e senza pause tra una can-
zone e l’altra. Tutto tirato allo spasmo,
come un ventenne nella sua cameretta
che ascolta le canzoni che lo rappre-
sentano e gli danno le extrasistole. Le
ha sparate una dietro l’altra e aveva il
sole in faccia, primo della prima serata
di un festival, rilassato e pronto a mon-
tare e smontare quanto gli fosse neces-
sario sul palco. Che uomo, che attitudi-
ne. Make me a mixtape, don’t leave out
Hüsker Dü. Quando uscì Electric Pink,
l’EP che conteneva l’elegia dei mixtape,
l’eminente “Pitchfork” gli diede 0.7. La
recensione diceva che qualsiasi cosa,
qualsiasi, era più importante di que-
sto disco. Si domandava se fosse tutto
qui quello che la musica indipendente
aveva da offrire e sottolineava il fatto
che, ironia della sorte, Make Me A
Mixtape non sarebbe entrata nei mix-
tape di nessuno. Errore. Mi presi una
rivincita immediata ed elaborai una
scintillante compilation che terminava
con la seguente sequenza: Standing In
The Rain ( Hüsker Dü), Let’s Go (The
Cars, ok, è del 1979, ma hanno fatto
davvero qualcosa nel 1982?), Rejoice
(U2) e, ovviamente, gran finale proprio
con Make Me A Mixtape dei Promise
Ring. I Duran Duran erano rimasti
fuori, sono cresciuto negli anni 80 e
ho ancora alcune rigidità legate all’e-
poca, i Duran Duran: no. Un’ulteriore
precisazione è arrivata qualche mese fa
quando sempre l’eminente “Pitchfork”
ha pubblicato la lista Best of 2010, con
TESTO DI
MAU RIZIO B L AT TO
un’abboffata di hip hop nero e divette
pop. Tra quattro dischi di Solange e
Kanye West, e uno di Sky Ferreira,
ho inquadrato meglio lo 0.7 di allora.
Probabilmente la musica indipendente
non aveva davvero più nulla da offrire
a loro, sin dal 2000 dell’EP rosa.
I tempi cambiamo, le categorie si im-
pongono, ognuno preserva ciò ritiene
sia più opportuno, ma gli attacchi delle
canzoni dei Promise Ring scintillano
ancora e io credo sia un bene essere
rimasto closer a quello piuttosto che
al tempo perso dietro alla decifrazione
degli abiti di Lady Gaga. Ma non smet-
tete di fare i vostri mixtape, ovunque
e di qualsiasi tipo. Se sono fisici, come
mi auguro, dedicatevi alle copertine,
disegnate, attaccate cose, infilate stra-
nezze. Riscoprirle un domani, fidatevi,
sarà un tuffo carpiato al cuore. L’altra
sera ho fatto girare The Crossed Me-
taphysical Circus 72 e non riuscivo
a capire cosa fosse il brusio costante
che partiva immediatamente dopo una
pregiata sequela di scelte flower pop
psych. Poi mi sono ricordato che ero
stato 60 minuti con un microfono fuori
dalla finestra di casa mia a registrare il
traffico e che il crossed 72 del titolo era
un tributo all’autobus 72 sbarrato, niti-
damente distinguibile con una frenata
al termine di Comin’ Back To Me dei
Jefferson Airplane. Piccole capsule del
tempo. Allora ero Young And Stupid,
per dirla alla Josef K. O, siccome non
ho ancora smesso l’arte del mixtape,
forse ero molto più anziano allora e
sono molto più giovane adesso. È My
Back Pages di Dylan, chiaro. Tutto
sommato potrei cominciare una mista
con la versione dei Byrds, per prose-
guire sul sottile filo jingle jangle con
Sunflower degli adorabili Springfields,
di cui ho appena comprato la raccolta
pubblicata dalla Slumberland. Può
funzionare, mi sembra. Il titolo? Direi
It’s Kinda Funny, visto che abbiamo
citato i Josef K. È (ancora) piuttosto
divertente. Altroché.
RUMOREMAG.COM | 19
 RUMOREMAGAZINE G EN N AI O 2 02 0

20 | RUMOREMAG.COM
 DOVE:
Dublino,
Irlanda
COSA:
Folk irlandese 2.0
IL DISCO:
THE LIVELONG DAY
ROUGH TRADE, 2019
a fuori, i
dublinesi Lankum
D sembrano un
gruppo heavy
psichedelico fatto
e finito: tatuaggi,
piercing, abbigliamento, grafica
del disco, nome del gruppo. E
in un certo senso lo sono pure,
heavy e psichedelici, ma per
l'attitudine con cui affrontano
un genere codificato da secoli,
più che per immediate analogie
sonore. Che genere? Il folk
irlandese. Era da tempo, a naso
dal terremoto che fu l'irruzione
sulla scena dei Pogues, che non
veniva spinto oltre in maniera
così netta. Arrivando proprio da
quella tradizione, costruendo
magnifiche armonie vocali
a quattro voci, usando quasi
solo strumenti acustici ma non
limitandosi alla dotazione locale
di chitarra e banjo, violino e
concertina, uilleann pipes e
tin whistle. Anzi, è proprio
lo straniero harmonium a
caratterizzare più del resto la
propensione verso le atmosfere
scure del gruppo, il suo
sfiorare drones e suoni pesanti
d'avanguardia. Dando forma
concreta a quanto si poteva solo
intuire nei due album precedenti,
Cold Old Fire del 2014 (uscito
autoprodotto con il vecchio nome
Lynched) e Between The Earth
And The Sky del 2017, debutto
per la storica indipendente
londinese Rough Trade.
LANKUM
"Suoniamo folk, ma abbiamo
molte altre influenze", ci dice
al telefono la polistrumentista
Radie Peat, "compresi drones e
krautrock. Ian e Daragh vengono
dal punk, ma ascoltano anche
Eno, Pink Floyd, metal, di tutto.
Io e Cormac ci conosciamo
dalla scuola, e abbiamo sempre
suonato folk. Per arrivare
al suono di The Livelong
Day è stata fondamentale la
collaborazione con John 'Spud'
Murphy, che ha registrato,
mixato e prodotto il disco, e
viene dal rock. Non usiamo solo
strumenti tradizionali irlandesi:
la viola viene dalla classica,
l'harmonium dall'India, il bayan
è una fisarmonica russa. John
elabora il loro suono in modo
inusuale, e crea un amalgama
molto più ricco del solito".
Quando si parla di folk, però, i
quattro si comportano da veri
puristi, accompagnando ogni
brano con note dettagliate sul
suo percorso storico e il suo
significato. "Perché siamo anche
dei puristi! Io ho cominciato a
suonare a cinque anni, Cormac
a sette, frequentiamo da sempre
le sessions nei pub. Non è che
vogliamo elaborare qualcosa che
non conosciamo: facciamo folk
da anni e capiamo il genere in cui
ci muoviamo, ma abbiamo anche
altre voglie musicali, vogliamo
sentire qualcosa di più pesante, di
più... inquietante".
QUANDO:
dal 2014
ONLINE:
lankumdublin.com
Del folk, i Lankum fanno propria
anche la natura spesso politica
di cronaca popolare, socialmente
accorta e senza padroni. Sia
spendendosi personalmente per
diverse cause, sia reinterpretando
o scrivendo testi di denuncia.
Cosa può dare il folk al presente?
Come risuonano canzoni così
antiche nel mondo di oggi? "Il
folk è una forma di musica molto
onesta", conclude Radie, "le
canzoni sono quasi sempre senza
autore, non si sa esattamente
da dove vengano ma lasciano
una traccia, tantissime persone
le hanno imparate per portarle
avanti. In più, a differenza di altri
generi politici come il punk, in cui
i gruppi quasi sempre suonano
in locali punk per persone che
sono già della stessa idea, il folk
può andare in qualsiasi ambiente.
Se vuoi dire qualcosa è un buon
veicolo, perché lo puoi portare
in più luoghi. Il messaggio forse
è più nascosto, ma arriva anche
alla gente comune, e ovunque.
In Irlanda soprattutto abbiamo
un pubblico misto, fantastico
da guardare, di gente che in
teoria non dovrebbe stare nella
stessa stanza: puristi folk, punk,
settantenni e oltre, bambini. C'è
veramente di tutto, e ne siamo
molto fieri".
TESTO DI Andrea Pomini
RUMOREMAG.COM | 21
 DOVE: QUANDO:

Manchester,
UK LEECHED dal 2017

COSA:

Extreme grind/hardcore/noise

IL DISCO: ONLINE:

O DULL THE BLADES OF YOUR ABUSE facebook.com/Leechedmhc

PROSTHETIC, 2019

Pare che la scena estrema di
Manchester sia sempre molto
movimentata. “Sì, la scena
heavy di Manchester è in grande
salute”, conferma Laurie, “con
show regolari e nuove band che
si affacciano costantemente”.
Laurie suona in una di
queste, che sta letteralmente
bruciando le tappe, i Leeched.
Un trio che non fa prigionieri,
uno streetcleaner dallo
stile nevrotico, compulsivo.
Totalmente catartico. “Tom
(batteria) e io (basso) ci
conoscevano da tempo per
via telematica. A Manchester
tutti sono connessi. Abbiamo
cominciato noi due e poi si è
aggiunto Judd alla chitarra.
In realtà volevamo smettere
come duo, ma Judd ci ha fatto
capire che, provenendo tutti
noi da band nelle quali non
eravamo riusciti ad esprimere
quello che veramente volevamo
fare, dovevamo andare avanti.
Ora ci stiamo riuscendo con i
Leeched. I temi che trattiamo
sono depravazione e miseria: le
condizioni della vita intorno a
noi”.
Tom: “Musicalmente, vogliano
essere i più pesanti possibile.
La gente che ci vede suonare
si immerge nella nostra
performance, sente l’atmosfera
che stiamo creando, senza
fare caso a quello che stiamo
suonando”. I Leeched hanno
inciso un primo album, You
Took The Sun When You Left
(2018), accolto benissimo
dalla critica, e ora cercano di
rilanciare con il sophomore To
Dull The Blades Of Your Abuse,
ancora più viscerale, estremo ed
evoluto. Tom: “Il nostro scopo
è vedere fin quanto lontano
riusciamo a portare la nostra
influenza nella musica dark e
heavy. Vogliamo fare musica
orribile e farla ascoltare al
mondo. Se non ti piace questa
roba, vogliamo comunque che tu
la sperimenti”.

TESTO DI Claudio Sorge

22 | RUMOREMAG.COM
 DOVE:
Minsk,
Bielorussia MOLCHAT DOMA
COSA:
Techno pop plumbeo e cemento armato
IL DISCO:
ETAZHI
DETRITI, 2018
Provengono da un paese post
sovietico, e questo influenza il
loro modo di fare musica. “In
tour in Europa abbiamo visitato
paesi come Francia e Spagna, e
ci siamo chiesti come si potesse
scrivere qualcosa di cupo in
posti così, erano semplicemente
troppo belli e luminosi. Per
noi invece è naturale”. Il loro
secondo album Etazhi, uscito a
fine 2018 per la berlinese Detriti,
è alla quinta ristampa ed è già un
piccolo caso. I Molchat Doma (“le
case in silenzio”) non puntano
certo sull'immagine: Egor
Shkutko, Roman Komogortsev
e Pavel Kozlov sono il prototipo
dei pusher d'oltrecortina pre
caduta del Muro. Affascinati
dall'architettura brutalista di
regime e suonano un techno
pop dai toni cupi con richiami
ai primi New Order, nell'uso
monocorde della voce e in quello
del basso, palesemente Hook
oriented.
“Ascoltiamo i classici, New
Order, Cure, Human League,
ma anche cose contemporanee
come Buzz Kull, She Past Away,
Viagra Boys, Xarah Dion, Qual,
Ploho. Durante l'ultimo tour
abbiamo ascoltato Doors, xx e
God Is An Astronaut”. I Molchat
Doma però non sono solo una
band esotica buona per aperitivi
QUANDO:
dal 2017
ONLINE:
molchatdoma.com
hipster di livello, tutt'altro.
Sono calati nel proprio mondo,
sanno scrivere, e la loro musica
trasmette disagio. “Non possiamo
parlare di nostalgia, negli anni
80 non eravamo nati. Chiunque
sia cresciuto in una scatola di
cemento di una qualsiasi città
post sovietica sa cos'è la luce di
un inverno nevoso visto dalla
finestra, ed è lì che ha lasciato
una parte del proprio cuore, in
quel grande, freddo e alto grigio
edificio di cemento”. Riempiono
già i club del nord Europa, a
febbraio saranno in Italia per tre
date.
TESTO DI Luca Frazzi
RUMOREMAG.COM | 23
 AOIFE NESSA
FRANCES
DOVE: QUANDO:
Dublino, Irlanda dal 2019
ONLINE: aoifenessafrances.bandcamp.com
COSA:
Chitarre e archi, fra sogno
e realtà
IL DISCO:
LAND OF NO JUNCTION
BASIN ROCK, 2020
Un’infanzia spesa a guardare l’infinità del mare,
dalla costa sud dell’Irlanda. La madre (attrice) e il
padre (liutaio) la spingono da piccola alla musica. A 11
anni imbraccia la prima chitarra, iniziando a prendere
impegnative lezioni di flamenco. Subito abbandonate
dopo un’incidente alla mano: “Mi ha spezzato il
cuore non poter più esercitarmi, ma la limitazione
ha plasmato il mio modo di suonare. E cosi mi sono
applicata al fingerpicking”.
Anni a scrivere ballate alla chitarra, per poi ricamarle
con archi, percussioni e tastiere, fra ricordi liquidi,
accenni sperimentali e un’oscurità dolce, quasi
accarezzata, che riporta tanto ad Aldous Harding
quanto al fantasma di Nico. “Quando scrivo non voglio
portare la canzone in nessuna direzione. La melodia
cresce istintivamente e poi viene fuori la struttura”.
Composizioni che vivono in una dimensione fra
sogno e realtà, alimentata dagli studi cinematografici
universitari di Aoife. Una sensibilità che, ancora una
volta, scopre la delicatezza come arma. “Blow Up e Less
Is More sono state composte prima che il referendum
sull’aborto passasse in Irlanda, nel 2018. Parlano di
come le donne possano trovare la forza, in un mondo
che cambia di continuo”.
TESTO DI Mauro Fenoglio
24 | RUMOREMAG.COM
HUGE MOLASSES
TANK EXPLODES
DOVE: QUANDO:
Milano, Italia dal 2013
ONLINE: hmte.bandcamp.com
COSA:
Attitudine punk applicata al
krautrock e alla psichedelia
IL DISCO:
II
RETRO VOX, 2020
La scena milanese non è solo trap e hip hop, ci sono
ancora tantissime band che suonano negli scantinati e
sui palchi più sudati della città. Gli Huge Molasses Tank
Explodes sono una di queste, e se vi state chiedendo
cosa cavolo voglia dire quel nome, è il titolo apparso in
prima pagina sul “Boston Post” nel gennaio del 1919,
dopo un incidente assurdo. Ma la band milanese è
tutto fuorché melassa, il loro secondo album in uscita
a gennaio per Retro Vox, intitolato semplicemente II, è
un morbido monolite krautrock, foderato da uno spesso
strato di riverberi e avvolto da fumi psichedelici.
Me ne parlano proprio fuori da uno dei suddetti locali,
il Ligera, dopo un live a supporto degli Gnoomes: “Il
primo album era frutto di una band formata da poco e
con la necessità di arrivare a registrare un LP in poco
tempo (anche se poi è uscito dopo 4 anni). Per questo
invece ci siamo presi i nostri tempi, volevamo creare
un disco che fosse omogeneo e che ci soddisfacesse
pienamente, tanto da prenderci la libertà di scartare
alcuni pezzi”. È esattamente la sensazione che si ha
ascoltandolo: un disco omogeneo, convincente, senza
punti deboli e con quell’attitudine (post) punk che non
guasta mai.
TESTO DI Luca Doldi
 PUFULETI
DOVE: QUANDO:
Saarbrücken, Germania dal 2018
ONLINE: facebook.com/finilamisere
COSA:
Rap sospeso nel tempo
IL DISCO:
TUMBULATA
VINDIG, 2019
Quante volte gli artisti, magari per posa o
provocazione, dichiarano di non ascoltare i colleghi,
specie se connazionali? Pufuleti, vero nome Giuseppe
Licata, nato in Sicilia ma cresciuto in Germania e
scoperto qui da noi pochi mesi fa, quasi non conosce la
scena rap italiana. Eppure, dopo tre album in tedesco
con l’alias Joe Space, ha provato a usare la madrelingua
e sembra godere dell'influenza inconscia, quasi magica,
di due colossi del rap italiano: Joe Cassano e Lou X. Il
fatto che, invece, dichiari di ispirarsi a Piero Ciampi dà
l’idea della sua indipendenza artistica.
Anche perché, allora, spiazzano ancora di più la foga
con cui tira fuori i versi - spesso oscuri, anche se non
mancano frecciate a razzismi e leghismi – e le varie
citazioni pop (“sparo come Jigen”, "incazzato come
Aron Winter", “Bergoglio extravergine”). A completare il
quadro ci si mette il suono sporco, lo-fi, delle produzioni
musicali di Wun Two, che non sfigurerebbero nei
cataloghi di etichette come Mo’ Wax e Jazz Fudge. Tanti
riferimenti al passato, insomma, soprattutto agli anni
90. Musica datata? No, sospesa nel tempo e arrivata, del
tutto inaspettatamente, su un mercato italiano sempre
più allineato.
TESTO DI Luca Gricinella
SAM FENDER
DOVE: QUANDO:
North Shields, UK dal 2014
ONLINE: samfender.com
COSA:
Heartland pop rock
IL DISCO:
HYPERSONICS MISSILES
POLYDOR, 2019
Dal suo sito costellato di reinterpretazioni di loghi di
birra Newcastle, capiamo che il ragazzo arriva da quelle
zone: North Shields, nella contea di Tyne And Wear, non
lontano dalla città bianconera. Dopo essere stato notato
dal manager di Ben Howard alla Lowlights Tavern, la sua
vita è cambiata, racconta all’“Independent”: “Devo avere
un po’ di sicurezza, perché non c'è niente di peggio di
non averla. Non voglio mai più sentire questa sensazione.
Non voglio mai essere in un posto dove io e mia mamma
lottiamo per pagare l'affitto come facevamo una volta”.
Prima ancora ha sofferto di una malattia che non vuole
rivelare: “La paura della morte ti fa fare molte cose”.
Nel 2019, davanti a Lewis Capaldi e Mahalia, vince
il un Critics Choice ai Brit Awards. Sarà un po’ meno
fortunato quando, dopo un tour lungo due anni,
nel momento decisivo, ossia la presenza sul palco
di Glastonbury, salta tutto. Causa? Emorragia alle
corde vocali e data ovviamente cancellata. Si rifarà
sicuramente. Nel suo suono scorrono i muscoli di
Bruce Springsteen, nemmeno troppo nascosti (in Rete
gira la cover di Dancing In the Dark), e i ritmi più
contemporanei dei War On Drugs, passando per Tom
Petty. Ci auguriamo un futuro dorato per Sam.
TESTO DI Nicholas David Altea
RUMOREMAG.COM | 25
LUCIO
CORSI
 NEMMENO DA
VECCHI SI SA COSA
FAREMO DA GRANDI
L
o si tiene d’occhio da tempo, ché già nel precedente
Bestiario Musicale aveva dimostrato fantasia, carattere
e talento. A questo si aggiunga un fitto e puntuale lavoro
di arrangiamento e i consigli di Francesco Bianconi, che
lo ha prodotto insieme ad Antonio “Cooper” Cupertino,
e si ottiene Cosa Faremo Da Grandi. Il disco esce in
vinile e digitale il 17 di questo mese per Sugar, etichetta
che da sempre dà spazio a certa canzone d’autore più
sottile, più sensibile, più colta. Lui, 26 anni, capelli lisci
al vento, negli occhi truccati la determinazione di chi sa
di essere sulla giusta strada e di avere il vento in poppa.
E, fatalità, i fenomeni naturali sono i protagonisti di
questo disco. Corsi ha la genuinità di chi canta se stesso,
riuscendo alla fine a cogliere l’universale e a esternarlo,
a farlo arrivare a chi ascolta. Tra margherite e glitter.
Dipinti e motori. Val Di Campo in Maremma e Milano.
TAG: #maremma #milano #pittura #26anni #glamrock
TESTO DI BARBAR A SANTI
F O T O D I TO M M A S O OT TO M A N O
Saggezza e follia. Dopo il video della traccia che intitola
l’album, che farà parte di un cortometraggio, ora tocca a
lui raccontarsi. Signore e signori, Lucio Corsi.
Chi è la ballerina disegnata in copertina?
Che cosa rappresenta?
“È un quadro che è sempre stato a casa nostra, lo
dipinse mia madre quand’ero piccolo. Cercavo la
copertina per il disco, guardandomi intorno ho notato
quel dipinto e nella figura ritratta ho ritrovato un po’
tutti i pezzi del disco, partendo dal mare in tempesta
dentro al cerchio in cui ci sono le Onde della canzone,
o il vento di Trieste. Il cerchio nero della ballerina mi
attirava e dentro ci ho visto L’Orologio, ma pure la buca
di Bigbuca. E una mano della ballerina sparisce dietro
al cerchio, perciò c’è anche La Ragazza Trasparente”.
L’ha dipinto Nicoletta Rabiti, tua madre.
È una pittrice? Che tipo di rapporto c’è tra voi?
Vi contagiate a vicenda, quando lavorate alle
vostre opere?
“Mamma dipinge per passione, ma lavora nel ristorante
di nonna. Comunque i suoi quadri per me sono stati
importanti, hanno influenzato sicuramente la mia
musica, perché mi circondano dacché son piccolo,
nell’ambiente in cui vivo in Maremma. Però non ci
capita di lavorare insieme. Anzi, le canzoni dei dischi
gliele faccio sentire quando sono pronte, anche perché
mi imbarazza farlo prima. Abbiamo un bel rapporto,
sono fortunato. Da quando la mia famiglia ha capito che
ONLINE: facebook.com/Lucio-Corsi-695292530493208
RUMOREMAG.COM | 27
 LUCIO CORSI
«L A PIT TURA IN GENERE MI AFFASCINA
E INFLUENZA L A MIA SCRIT TURA. AMO
A N C H E I C A N TA U T O R I PA E S A G G I S T I -
CI, COME PAOLO CONTE. CI SI SENTE
SEMPRE DIRE CHE NELL A CANZONE
L’ A S C O LTAT O R E C I S I D E V E R I V E D E R E E
L A S I A S S O C I A A U N O S P E C C H I O, M A I O
CREDO CHE, SE PROPRIO DOBBIAMO
A P P E N D E R L A A L M U R O, P U Ò E D E V E
E S S E R E U N Q U A D R O, N O N U N O S P E C-
C H I O. Q U A L C O S A D A G U A R D A R E E I N
C U I P E R D E R S I , N O N R I T R O VA R S I »
mi impegnavo a fare le cose con metodo e passione, mi
ha sempre appoggiato”.
E tu che rapporto hai con la pittura? Il tuo
primo video, che poi so essere la prima parte di
un cortometraggio, sembra un quadro per certi
versi.
“La pittura in genere mi affascina e influenza la mia
scrittura. Amo anche i cantautori paesaggistici, come
Paolo Conte. Ci si sente sempre dire che nella canzone
l’ascoltatore ci si deve rivedere e la si associa a uno
specchio, ma io credo che, se proprio dobbiamo
appenderla al muro, può e deve essere un quadro, non
uno specchio. Qualcosa da guardare e in cui perdersi,
non ritrovarsi”.
Hai un forte legame con la natura e la tua
Maremma. Nel penultimo lavoro, Bestiario
Musicale, declinavi la vita e la società
attraverso il bosco e gli animali di Val Di Campo
Di Vetulonia. Questa volta racconti la nostra
società attraverso il tuo mare e le sue creature?
“La verità è che non volevo ripetere la formula che
ho usato in quel disco. È vero che il mare è al centro,
ma questo nuovo lavoro non nasce come concept, è
una procedura di scrittura diversa. Alcune canzoni
sono più recenti, altre più vecchie, e si sono trovate a
vivere insieme. Mentre ritrovo il concept nella forma
narrativa, in effetti: molte canzoni del disco raccontano
la storia di qualcuno. Ci sono vari personaggi, che
possono essere il vento, le onde, il treno, quello spirito
indiano che risale la penisola. Storie ambientate in
un’Italia un po’ surreale”.
Il pezzo che intitola l’album ne è un po’ il
manifesto, e in questa frase trovo ci sia tutto:
28 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI BARBAR A SANTI
“perché nemmeno da vecchi si sa cosa faremo
da grandi”. C’è la continuità della vita, c’è il
fatto che per vivere al meglio non ci si può
fermare mai, bisogna continuare a reinventarsi,
per non spegnersi, per non invecchiare male. E
c’è la speranza, c’è un orizzonte in prospettiva,
per tutta la vita. Ma c’è anche l’incertezza. C’è
saggezza dietro a questa frase, se si considera
che hai 26 anni. Qual è la prospettiva di un
giovane uomo come te?
“Sì, è tutto questo. La frase è nata da un concetto che
ho ereditato dai miei. Parla di ‘grandi imprese mandate
in fumo con l’animo in pace’, cioè un possibile modo
di vivere in cui non si festeggiano i traguardi ma le
partenze. Per essere felici non occorre smaniare per
essere ricordati, perché tanto tutto prima o poi verrà
dimenticato, e si può vivere bene anche buttando
all’aria ciò che si è fatto, e ripartendo da zero. Mio
padre ha cambiato mille mestieri in vita sua ed è da lui
che arriva questa frase”.
Tu cosa farai da grande? Pensi che farai altro o
ti vedi sempre nel ruolo di cantautore?
“Come dice la canzone, alla domanda non c'è risposta”.
E qual è il “mistero in ogni giorno che comincia,
dopo una notte che finisce”? Credi esista
qualcosa che regola l’Universo e la vita delle
creature che lo abitano? Credi in Dio?
“È un discorso complesso. Magari poi un giorno ci
crederò, per ora no, e penso che dipenda tutto da noi,
dalle nostre scelte”.
Declini la realtà attraverso le favole che scrivi.
Penso a Cosa Faremo Da Grandi e al video, in
cui siamo tra un episodio di Pippi Calzelunghe,
il Pinocchio di Comencini e Le Avventure Del
Barone Di Munchausen. E focalizzandosi sui
testi non capita di rado che la memoria vada
a Calvino, a Rodari. Che rapporto hai con le
favole? Ne leggi? Romanzi di fantasia? Chi
leggi?
“Sì, ne ho lette di favole e quegli scrittori mi
sono arrivati dai miei. Comunque vado a periodi,
approfondisco ciò di cui poi parlo nelle canzoni.
Ultimamente sto leggendo libri sul brigantaggio in
Maremma. E mi sto appassionando alle poesie di Emily
Dickinson, che trovo molto vicina a Nick Drake, come
tipo di scrittura”.
In tema di letteratura, so che una cosa che
accomuna te e Francesco Bianconi, che ha
prodotto quest’album: l’amore per il tuo
conterraneo Luciano Bianciardi.
“Sì, ma non solo. Bianciardi è di Grosseto, quindi
riguarda anche il luogo in cui sono cresciuto. In ogni
caso mi affascina, mi incuriosisce”.
Hai solo 26 anni ma sei in pista
discograficamente dal 2014, scrivi da quando eri
bambino e hai sempre fatto tutto da te. Ora ti sei
affidato a Bianconi, con cui avevi già collaborato
con e senza Baustelle. Lo avete inciso tra
gennaio e giugno, ma prima avete fatto un
lavoro di preproduzione? Bianconi lo ha “solo”
prodotto o ti ha accompagnato durante l’intera
gestazione?
“Io ho realizzato i provini l’anno precedente in
Maremma, poi, avendo già una linea di arrangiamento,
con Francesco abbiamo cominciato a lavorarci nella
sua casa di Milano. Con lui abbiamo curato soprattutto
gli archi, ha sistemato le linee che poi ha suonato
il quartetto. E poi gli ho chiesto consigli su testi,
arrangiamento, composizione. Ho scelto lui anche
perché ci accomunano una serie di ascolti e il gusto in
genere, siamo sulla stessa lunghezza d’onda”.
In termini musicali è un disco molto più
eterogeneo del precedente. Il pianoforte e
le chitarre acustiche hanno ancora un ruolo
centrale, ma c’è spazio anche per le elettriche,
per l’orchestra d’archi e per una ricercatezza di
suono che è maturata.
“Questo è un disco che necessita di un certo tipo di
suono, a differenza del Bestiario. Ci sono riferimenti
al glam rock, con quel tipo di chitarra distorta,
arrangiamenti di archi; è più complesso e articolato, sì”.
Glam sì, ma proprio per le chitarre distorte di
cui parli, e per la complessità e la coralità di
alcuni brani, per certe orchestrazioni e per la
struttura, mi vengono in mente i musical. Ti
piacciono? Ne hai visti?
“Il musical è una forma di espressione che amo. Non
ne ho visti molti ma mi intrigano per la libertà che si
portano dietro. Mi piace pensare ai dischi non solo
come a una somma di canzoni, ma anche considerando
tutto ciò che le circonda. Dalla copertina al modo in cui
le porterò sul palco, a cosa dirò prima di ciascuna. Il
musical è interessante per questo: è un arricchimento,
proprio perché di una canzone è importante anche ciò
che la circonda”.
“Sentirsi soli in una grande città è più dura
che nella mia terra. Ci sono troppe pareti
troppi muri dove sbattere la testa…”, dici in
Freccia Bianca. Racconti di te, di come vivi
una metropoli come Milano, in cui abiti per
RUMOREMAG.COM | 29

LUCIO CORSI
COSA FAREMO DA GRANDI
SUGAR
Meriti una carriera lunga
e ricca, Lucio. Ricca
di incontri, passioni,
soddisfazioni. Sii
lungimirante e rimani
naturale anche negli eccessi.
Selvatico. Qualcosa che sta
tra Legolas e Ziggy Stardust.
Tra il De Gregori di Piccola
Mela, Dalla e Branduardi.
Tra un episodio di Pippi
Calzelunghe, il Barone di
Münchhausen e Pinocchio.
L’alieno Ziggy che atterra
sul lago della casa della Fata Turchina del film di Comencini.
Tra gli ulivi e le acque della tua Toscana. Legato alla terra,
proiettato nello spazio. Pianoforti. Chitarre elettriche in
dialogo con le acustiche. Aperture, psichedelia e sontuose
orchestrazioni d’archi classicheggianti degne del Duca Bianco.
Ma anche di Sir Elton John. Qualche legame coi Beatles. Glam.
Funambolo, tra il musical e la favola cantata. Un cantastorie
a spasso nel surreale. Si intravvede Calvino. Rodari. Perso
tra le onde del mare o dei campi, come in un Renoir. Con un
Magritte in fronte e la scintilla negli occhi. Una voce profonda
e leggera. Una pronuncia che tradisce le origini e un timbro
che rivela l’età, con tutte le sue preziose imprecisioni. Con
eleganza e una cifra tua. Hai talento. Hai la fantasia che si può
avere solo a 26 anni, ma che non bisogna dimenticare mai;
occorre preservarla per sempre, questione di vita o di morte
cerebrale. Perché “nemmeno da vecchi si sa cosa faremo da
grandi”. Alimentala, dà retta. Insieme a sensibilità, fragilità
e caparbietà. Ma anche all’intelligenza che hai dimostrato
intuendo che era tempo di farsi consigliare da un orecchio
esterno. Così capita che Francesco Bianconi riesca pure a non
snaturarti ma ad amplificare le tue doti. Infine cerca di non
perderti troppo. E quando ti perderai, ricordati com’eri. Tutti
ci si perde. Conta ritrovarsi. Ti si augura il meglio, giovane elfo
dei boschi della Maremma. Maiala, s’intende.
88/100
30 | RUMOREMAG.COM
questioni lavorative, confrontandola con il tuo
piccolo paese, o in generale della solitudine che
generano le città?
“Parlo di me, del mio modo di vivere la città in genere.
È anche questione di abitudine: essendo nato e
cresciuto in un podere in mezzo ai campi in Maremma
ho imparato ad apprezzare alcune cose, tipo non avere
pareti dove sbattere la testa. Preferisco il nulla che
circonda la mia casa alle mille cose che ci sono da fare a
Milano. È più concreta”.
I fenomeni naturali, così come gli animali, nelle
tue canzoni-favole diventano umani, assumono
le caratteristiche e le sembianze della nostra
specie. Proprio come accade al vento in Trieste.
“Ora lo trovi senza labbra e senza denti e senza
lingua. Sul lungo mare a rovinare i silenzi. Da
solo che fischia”…
“È un modo di scrivere che mi diverte, perché
suggerisce certe riflessioni che si possono applicare alla
vita. C’è un cambio di prospettiva. Il vento, dopo esser
passato in televisione e poi defenestrato per mancanza
di immagine, viene rivalutato. Da freno a spinta”.
A proposito del tuo legame con l’ambiente,
che pensi di Greta Thunberg e di questo
giovanissimo movimento ecologista? Ti ci
riconosci?
“È un bene che esista, ed è giusto che se ne parli. Poi
nelle canzoni non mi piace parlare direttamente di
politica. Alle spalle non ho un impegno sociale attivo,
non voglio né posso permettermi di parlare di questioni
politiche o di lotte ambientali e sociali in modo dritto,
perché potrebbe suonare come un tentativo di farsi
della pubblicità alle spalle delle persone che le vivono
davvero, del loro lavoro. Cerco altre vie, per indurre a
riflettere, credo che possano essere ‘di protesta’ anche
canzoni che parlano di onde e di vento, in questo
momento storico”.
E a proposito di movimenti, restando in
assonanza col mare, cosa pensi delle Sardine?
Credi sia importante l'arrivo di questo
movimento, in un momento in cui alcune forze
politiche istigano all’odio facendo leva sulle
paure delle persone?
“Preferisco non esprimermi in merito alle questioni
politiche, perché lo faccio nelle canzoni in altro modo.
Dando un altro possibile sguardo sul mondo. Portando
avanti una mia linea di pensiero”.
Eppure quando ascolto “salite non ce n’è,
semmai discese sotto l’acqua, poi risalendo
punti dritto alla pancia di una barca” non
riesco a non pensare in questi anni a quante
persone sono annegate in quel mare che
descrivi in Onde.
 LUCIO CORSI TESTO DI BARBAR A SANTI

“E io sono felice che tu lo dica, perché è importante

che passi, e quella canzone serve anche a questo. Però
io lo descrivo usando certe parole, perché parlare di « I C A N TA U T O R I C H E A M O D I P I Ù H A N N O
questioni tipo l’immigrazione in maniera più diretta S E M P R E FAT T O U N U S O I N T E L L I G E N-
per me sarebbe un errore, non ho un ruolo attivo, come
T E D E L L’ I R O N I A P E R PA R L A R E A N C H E
dicevo. Ci tengo a parlare di certi argomenti tramite le
canzoni ma non in modo diretto, anche se è più difficile D I C O S E M O LT O P R O F O N D E . P E N S O A
e non sempre magari arriva”. C O N T E , O D A L L A . È E S S E N Z I A L E T R O VA-
R E L A G I U S TA G R A D A Z I O N E D E L L E PA-
Passando alle frivolezze, sembra che tu
abbia una passione per la moda e che coltivi R O L E , I L M O D O G I U S T O P E R T R AT TA R E
particolarmente il tuo look, tanto da aver A N C H E A R G O M E N T I I M P O R TA N T I , P E-
collaborato con Gucci insieme a Bianconi.
SANTI E SERI. ED È L A VIA PIÙ DIFFICILE,
Da un lato la natura, dall’altro il glam. Val Di
Campo VS Milano. MA ANCHE L A PIÙ INTELLIGENTE»
“Non è una vera passione, è più un gusto formato
durante l’infanzia. Credo che tutti si sia molto attenti
a ciò che ci si mette addosso. L’unica differenza è il
tipo di gusto. Io da piccolo mi sono innamorato di
Però mi sembra che la nuova attenzione delle
tutto quello che era il glam rock degli anni 70, i T. Rex,
major nei confronti di certa canzone d'autore
Brian Eno, Roxy Music, David Bowie. Guardavo le foto
sia un buon segno. Penso a Truppi con Virgin,
di Mick Rock e il mio gusto si è formato così. E poi,
a Motta e te con Sugar, ma non solo. Credi che
tornando al discorso che non guardo solo le canzoni
ci possa essere margine, oggi, per una canzone
ma anche ciò che ruota loro intorno, anche come ci
d'autore più ricercata?
si veste è importante. Conte in Alle Prese Con Una
“Non so se ci sia ancora margine o meno per un certo
Verde Milonga dice: ‘Il musicista si prepara al meglio
tipo di canzone d’autore, la cosa che mi interessa è
per salire sul palco, perché lì incontra la musica, la
procedere con il mio percorso, trovando situazioni
canzone’. Come fosse un appuntamento. A me piace
nelle quali io non debba scendere a compromessi, cosa
vederla così. Anche per questo ci tengo al modo in cui
assurda a ben vedere se si parla di forme d’espressione.
arrivo vestito a suonare”.
Sono felice di aver trovato una struttura grande che si
interessa e ci tiene ad avere anche progetti di questo
Una foto ti ritrae su un sidecar e so che hai una
tipo, non è scontato e mi rende felice. Che poi fa
passione per i motori. Hai mai gareggiato?
parte della storia della Sugar, basti pensare a Lucio
“No, ma mi sarebbe piaciuto. Me l’ha tramandata mio
Quarantotto o Pierangelo Bertoli”.
padre sin da piccolo, guardavamo insieme i Gran Premi
delle moto; è l’unico sport, l’unica passione al di fuori
Tornando al tuo album, penso a quel surreale
della musica che ho. Mi è rimasta”.
viaggio al centro della Terra che è Bigbuca, in
cui attraversi il pianeta per spuntare in Cina.
Parlando di tuoi colleghi coetanei, invece, cosa
Ci sono una leggerezza, un senso dell’ironia,
pensi del giro della trap, e di ciò che oggi si
un modo di non prendersi troppo sul serio
identifica nel termine indie? Salvi qualcosa?
nella tua scrittura che, oltre a esser saggi, sono
“Parlando del momento storico, siamo
invidiabili.
all’appiattimento generale dei contenuti e della qualità.
“I cantautori che amo di più hanno sempre fatto un uso
Ma non solo in musica: nella poetica, nei video,
intelligente dell’ironia per parlare anche di cose molto
nelle foto. E più ciò che si propone vola via come un
profonde. Penso a Conte, o Dalla. È essenziale trovare
sacchetto di plastica, più leggero ed esplicito e banale
la giusta gradazione delle parole, il modo giusto per
è, e meglio è. Più è specchio, dicevo. La cosa che mi
trattare anche argomenti importanti, pesanti e seri. Ed
preoccupa di oggi è l’abitudine. Vedo persone che
è la via più difficile, ma anche la più intelligente”.
hanno una cultura musicale notevole trovare del bene
comunque anche in certa musica. E secondo me non
Anche la luna, lo spazio, spesso, vengono
bisogna abituarsi, bisogna ribellarsi, e procedere in
ritratti nelle tue canzoni.
altre direzioni senza punti di contatto. Si parla sempre
“Per quanto riguarda lo spazio e tutto ciò che c’è
del fatto che il mainstream si sia aperto all’indie, ma
sopra di noi sono fortunato e abituato bene, perché,
secondo me è il contrario, ovvero ciò che era indie,
crescendo in campagna, quando guardi il cielo lo vedi
la proposta differente, si è adeguata al mainstream.
per davvero”.
E non va bene. Non dovremmo scendere a troppi
compromessi”.

RUMOREMAG.COM | 31
DENTRO
E FUORI I
SOCIAL. LA
REPUBBLI-
CA DEGLI
INV ISIBILI
TESTO DI LE TIZIA BOGNANNI,
N I C H O L A S D AV I D A LT E A ,
M AU R O F E N O G L I O
E G I O R G I O VA L L E T TA
LA DIALETTICA PRESENZA/ASSENZA AI TEMPI DEI SOCIAL: CAMPO DA GIOCO RELATIVA-

MENTE NUOVO, CON NUOVI TERMINI DI PARAGONE E PARAMETRI, CHE ABBIAMO MES-
SO AL CENTRO DELLA NOSTRA INCHIESTA, RACCOGLIENDO PARERI AD AMPIO RAGGIO,
ANALIZZANDO, TRA LE ALTRE COSE, L'ESEMPIO DELLA COMUNITÀ SOCIAL DEI FAN DEGLI

IDLES. METTENDOLA CONTEMPORANEAMENTE IN RELAZIONE, QUESTA DIALETTICA,

CON CHI, IN UN PASSATO ANCHE LONTANO, HA FATTO DELLA FUGA DALLA VISIBILITÀ

UNA STRATEGIA VINCENTE. E CON L'INVISIBILE PER ANTONOMASIA DEL DECENNIO

SCORSO, BURIAL, IN USCITA CON UNA RACCOLTA CHE ANTOLOGIZZA I SUOI ANNI 10 AL
DI FUORI DEI PRIMI DUE EPOCALI ALBUM. UNO CHE, PUR SENZA ESSERCI, QUESTI TEMPI
LI HA SEGNATI IN MANIERA DECISIVA.
 L A RE PU B B LI C A DEGLI I N V ISI B I LI
IL SACRO E
L'(UN-POSTED
“Il potere è sempre stato definito come l'abilità
di influenzare gli altri, di plasmare le menti,
influenzare le culture, orientare le mode. Ma i
social media hanno democratizzato questo potere,
perché il fatto di avere uno smartphone e poter
accedere ai social media significa che le persone
che in passato non avevano voce ora ce l'hanno, e
avere una cassa di risonanza significa poter avere
un impatto globale ed essere l'ago della bilancia
in campo economico o industriale in un modo che
prima non era ipotizzabile. Attraverso i social media
hai la possibilità di far parte della vita di qualcuno
in maniera molto intima”. Se proviamo a riportare
al campo della musica quello che dice Moira Forbes,
vice presidente esecutivo di Forbes, nel documentario
Chiara Ferragni Unposted, possiamo interpretarlo
in due modi: uno fa pensare quasi al punk, un “puoi
farlo anche tu” portato all'estremo, ossia chi ha
bisogno della gavetta quando puoi diventare una star
con un video home made su Tik Tok? Dall'altro lato
la democraticizzazione estrema del mondo dei social
network può togliere sacralità alla figura dell'artista:
se, come spiega ancora nel film David Craig, docente
di social media e comunicazione presso la University
Of Southern California, “non c'è più distinzione tra
«NON NE HO MAI SENTITO L A NECESSITÀ.
20 ANNI FA VIVEVO COME UN INCUBO
GIÀ L A SEGRETERIA TELEFONICA. NON
HO BISOGNO DI ALTRI CANALI DI COMU-
NICAZIONE. NON HO NULL A DI IMPOR-
TANTE DA DIRE AL MONDO, TANTOMENO
QUOTIDIANAMENTE» EMIDIO CLEMENTI
TAG: #democraticizzazione #resistenza #superficialità #nientemediatori #takeover
34 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI LE TIZIA BOGNANNI
film e spettatori, televisione e pubblico, musicisti e
fan”, non stupisce che molti dei musicisti non nativi
digitali non facciano un grande uso dei social per
condividere la propria intimità: se ci si fa un giro tra
le pagine di quelle che possiamo ancora chiamare
rockstar, ci si rende conto che probabilmente l'unico
che ne fa un uso moderno, quasi da influencer, è
Iggy Pop, mentre finanche Ozzy Osbourne, che pure
era stato un precursore nel far entrare i fan in casa
con l'indimenticato reality The Osbournes, si limita
a un uso promozionale. Nel frattempo, i fratelli
Gallagher hanno solo trasferito le loro risse dal palco
a Twitter, e per farsi un po' gli affari di famiglia di
Eddie Vedder, Damon Albarn o Nick Cave – che
pure è uno che della condivisione ha fatto un'arte
– tocca seguire i profili di mogli e figli. Non che sia
così per tutti, e lungi da noi l'intenzione di giudicare
la realtà – perché è questo che sono oggi i social:
la realtà, quella in cui viviamo e che non possiamo
semplicemente stare a guardare tirandocene fuori
– e le sue implicazioni sul panorama musicale
senza interpellare chi da tutto questo è toccato più
direttamente. Abbiamo quindi chiesto ad alcuni
artisti non nativi digitali di spiegarci perché hanno
deciso di essere o non essere presenti sui social, e
com'è cambiato il rapporto col pubblico nell'era della
“non distinzione tra musicisti e fan”.
Emidio Clementi dei Massimo Volume è uno
di quelli che ha deciso di non esserci: “Non ne ho
mai sentito la necessità. 20 anni fa vivevo come
un incubo già la segreteria telefonica. Non ho
bisogno di altri canali di comunicazione. Non ho
nulla di importante da dire al mondo, tantomeno
quotidianamente”, e sembra vivere con un certo
fastidio la sensazione che “la preparazione
dell’evento, il suo annuncio, abbia sostituito l’evento
stesso. Dì che vai a suonare in Indonesia e poi anche
in Giappone. Mostra le foto di te in viaggio e con una
 IL SACRO E L'UN-POSTED TESTO DI LE TIZIA BOGNANNI

possa essere anche in un certo senso “educativo”,

una sorta di resistenza alla superficialità imperante,
come sostiene ad esempio Michael Stipe, che dopo un
rapporto fugace con Instagram ha deciso di eclissarsi
e che però dice di apprezzare l'uso da divulgatrice
culturale che ne fa Patti Smith, Fiumani si fa scettico:
“Mah, faccio un esempio: io amo da sempre un poeta
che si chiama Roberto Roversi. Ecco, quando leggo
una sua poesia su un social smetto subito. Per me
non è la situazione adatta. Non si possono mischiare
le due cose, secondo me”.

chitarra in mano. Ecco cosa è importante oggi. Come

Su quest'ultimo punto sembra pensarla in maniera
poi sono andate quelle date, quanta gente c’era,
simile Giorgio Canali: “La resistenza va fatta
quanti applausi hai ricevuto, quanto sei stato bravo,
nella vita reale, le citazioni 'alte' le lascio agli
pare non abbia più molta rilevanza. Fra un po’ (o
altri... non devo dimostrare a nessuno di avere
forse per qualcuno è già così) scomparire diventerà
un animo nobile. Per quello che riguarda l'uso
probabilmente una mossa promozionale. ‘L’artista
promozionale dei social, ho un principio che ritengo
che non ha mai postato un pensiero su Facebook,
validissimo: se devo pubblicizzare un evento non
l’artista di cui non si conosce il volto'. Cose del
lo faccio mai direttamente usando una mailing
genere. Non so se è un problema di contenuti. A me
list... c'è già troppa merda spam in giro, pubblico
va bene che uno posti le proprie foto delle vacanze o
semplicemente le notizie sui miei profili e sulle mie
il suo profilo migliore. Basta che non mi obblighi a
pagine”. Sul modo in cui è cambiato il rapporto
guardarlo”.
con i fan, invece, dice: “Prima di tutto c'è da dire
che, visto che non sono poi un soggetto super
popolare, conosco di persona almeno il cinquanta
per cento del mio pubblico... la restante metà
la frequento attraverso Facebook e Instagram;
mi diverte leggere le stronzate che gli altri
scrivono o rimpallano per ingannare il tempo, sto
aggiornato su quello che succede intorno, visto che
i miei contatti hanno quasi tutti una particolare
predisposizione all'impegno sociale e delle idee
etico/politiche non troppo distanti dalle mie (gli
altri li depenno immediatamente dalle mie liste...),
cerco di rispondere ai messaggi di chi mi scrive,
tutto sommato credo che i social siano un buon
Che non si tratti però (solo) di una questione
modo per stare in contatto con chi apprezza quello
generazionale sembrano dirci artisti che, pur non
che fai. Spesso i social di un artista sono gestiti dal
essendo nati nell'epoca dei social, li frequentano
suo ufficio stampa, nel mio caso cerco di essere me
attivamente. Fra questi, Federico Fiumani: “Sì,
stesso, con tutti i limiti del caso... se pubblico una
li frequento abbastanza, soprattutto per la parte
citazione o una canzone è perché in quel momento mi
musicale. Iscrivendomi a dei gruppi specifici ho
va di condividere un'emozione con chi mi segue”.
accesso a foto e informazioni su musicisti che ho
amato in gioventù. Nel mio caso non è cambiato
moltissimo. Già 30 anni fa facevo delle campagne
che poi erano esattamente quelle di Musicraiser,
cioè: tu mi finanzi il disco che sto per fare e io
stabilisco con te ascoltatore un rapporto diretto.
Ho sempre puntato su questo aspetto. Quando
ho iniziato io i social non esistevano, a un certo
punto mi ci sono trovato in mezzo e la cosa è stata
anche divertente, ecco: i social mi divertono! E poi
mi facilitano il rapporto con gli organizzatori di
concerti”. Quando gli domandiamo se l'uso dei social

RUMOREMAG.COM | 35
 IL SACRO E L'UN-POSTED
«PER UN CERTO PERIODO AD ESEMPIO
HO VISSUTO IN INDIA, E I SOCIAL ERANO
UN MODO PER RACCONTARE QUELLO
CHE MI SUCCEDEVA, MI PIACE COMUNI-
CARE, CON I FAN E NON, MI SCRIVONO
ANCHE QUELLI A CUI NON PIACCIO. IL
MIO UTILIZZO NON È FUNZIONALE SOLO
ALL A PROMOZIONE DI UN DISCO, ANCHE
SE CERTAMENTE ESISTE PURE QUESTO
ASPET TO» BUGO
Non si affida a uffici stampa, manager e mediatori
nemmeno Bugo, uno che a suo modo ha precorso i
tempi: “Io li uso, certo, ho scritto anche una canzone
nel 2008 che si intitola Nel Giro Giusto, che in
modo trasversale tratta quell'argomento: 'fammi
entrare per favore nel tuo giro giusto, ho bisogno
di socializzare, di uscire dal mio guscio', dice il
ritornello. L'ho scritta quando c'era ancora MySpace
e aprii il mio primo profilo Facebook, e cominciava
a esserci questa ossessione, giusta, sbagliata, non è
quello il punto, per la promozione - perché poi alla
fine il social è quello, un modo per promuoverti.
Quella canzone quindi in un certo senso è stata un
po' premonitrice. Il mio rapporto coi social è sempre
stato molto libero e spontaneo, ho aperto FB, poi
Twitter... ho provato anche a chiuderli e riaprirli,
non ho l'ossessione di avere per forza un milione di
follower, l'obiettivo secondo me è comunicare quello
che sei come artista, altrimenti diventi uguale a
tutti gli altri. Quando ho deciso di chiuderli era più
che altro una prova, per vedere come reagiscono le
persone, mi piace andare e venire, farmi vedere e
36 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI LE TIZIA BOGNANNI
non farmi vedere, non mi interessa avere un profilo
aperto senza pubblicare niente se non ho niente
da dire in quel momento. Per un certo periodo ad
esempio ho vissuto in India, e i social erano un
modo per raccontare quello che mi succedeva, mi
piace comunicare, con i fan e non, mi scrivono
anche quelli a cui non piaccio. Il mio utilizzo non è
funzionale solo alla promozione di un disco, anche
se certamente esiste pure questo aspetto”. Bugo è un
ultraquarantenne che “usa i social da quarantenne”,
ma guarda con curiosità e nessun senso di spocchia
alle nuove generazioni: “Io non mi sento di criticare
le strategie social dei giovani, è normale che chi
è nato 20 anni dopo di me abbia una sensibilità
diversa in questo senso. Non sono uno che critica
qualcosa solo perché la usano i diciottenni. Poi
penso che ogni epoca storica abbia le sue situazioni
in cui musica e promozione si possono confondere.
Non credo che negli anni 70 quelli che andavano
sempre sulle riviste lo facessero perché la musica era
brutta, dipende sempre dall'artista e da come vuole
gestire la propria immagine. Una cosa è vera, che
i giovanissimi sono bravissimi ad esempio a usare
Instagram, e la musica può diventare un accessorio.
Allora mi chiedo, quanto dureranno questi ragazzi
se poi non hanno una cosa bella da raccontare? Ma
se ce l'hai, alla fine viene fuori. Ho visto il film della
Ferragni, che è stato molto criticato, io invece penso
che, anche se non stiamo parlando di musica, lei
sia una che usa i social in modo fantastico e che ne
venga fuori bene, a me affascinano i personaggi che
usano bene i social. Fra i musicisti mi piacciono quei
personaggi che mostrano anche la persona che c'è
dietro, ad esempio Jovanotti mi piace, anche Vasco,
mentre Ligabue mi sembra un po' freddino, ma non
è assolutamente un giudizio di merito. I ragazzini
che fanno trap li usano bene, l'unico rischio è che
diventi un circolo in cui ci si danno i like e ci si segue
a vicenda senza aprirsi ad altri mondi. Il che mi
sembra una cosa anche un po' italiana, il circolino
da cui quelli che sono un po' più cani sciolti, come
posso essere io, rimangono esclusi”.
Un po' cane sciolto è anche Cristiano Godano, che
si ripromette però di vincere la pigrizia ed essere più
presente: “Le pagine social dei Marlene in verità
sono piuttosto attive. E credo di poter dire che
fummo fra gli antesignani dell'interazione social:
già nel 2001 inaugurammo un sito da noi gestito,
e una comunità virtuale (un vero e proprio forum
a noi dedicato) nacque e si sviluppò anche grazie
a esso. Forse fummo i primi. Di certo fra i primi.
Le mie pagine personali, è vero, per ora non sono
molto vivaci: mi limito ad avvisare il mio pubblico
dei miei eventi live in buona sostanza. O delle mie
 IL SACRO E L'UN-POSTED
uscite, come è stato il caso del mio libro Nuotando
Nell'Aria. Non è una scelta programmatica: è
che non mi viene molto spontaneo offrire la mia
quotidianità con le storie. E non è nemmeno, per
contro, per via del riserbo. Semmai qualcosa della
mia più intima essenza è connesso con l'ormai
vecchia idea del distacco dei musicisti dal pubblico:
non per altezzosità, ma per mantenere vivo il senso
del mistero. Era bello, secondo me, non sapere
nulla dei nostri idoli una volta finito il ciclo di
vita del loro ultimo disco con annessa tournée.
Scomparivano fino al successivo, e in quel lasso di
tempo la nostra immaginazione aveva modo di farsi
i suoi viaggi in attesa del nuovo lavoro. Le stesse
fotografie che ne accompagnavano la promozione
ce li restituivano rinnovati e diversi, e questo era
assai eccitante, molto più che vederli tutti i giorni.
L'abitudine attenua fino a uccidere il senso della
sorpresa. Ma il mondo è cambiato, e una volta che
avrò vinto la mia pigrizia mi adeguerò cercando
di essere più presente sui social: se gestita bene è
un'attività che conviene anzi che no. E in ogni caso
mi piace avere un rapporto diretto e lealmente
amichevole con chi mi ammira e mi segue. Non sono
così sicuro”, riflette quando gli domandiamo se le
nuove generazioni di musicisti rischiano di anteporre
la popolarità social alla credibilità artistica, “che la
credibilità di questi tempi sia un valore da inseguire
e da consigliare: se già in genere 'credibilità' fa
un po' rima, non sempre ma spesso, con 'minor
remuneratività', con Internet è tutto gratis (a meno
di non diventare mainstream, molto mainstream),
e conviene inseguire il successo rapido, se vuoi
incassare qualcosa e provare a vivere di musica
(o diventare particolarmente benestante, se sai
cavalcare l'onda giusta... ). Le nuove generazioni
lo hanno istintivamente capito. Poi certo, se si è
idealisti è ovvio che la credibilità è al primo posto...
(Lo è di certo per i Marlene, che provengono da
un'altra epoca). Ma ammetto di non sapere che
tipo di correlazione ci sia, nel bene o nel male,
con l'attività social. Non so, in buona sostanza,
se essere personaggio social mini la credibilità:
TESTO DI LE TIZIA BOGNANNI
verrebbe da dire di sì, ma potrebbe essere una
visione antiquata, da vecchi valori ormai in disuso”.
E quando nominiamo anche a lui Patti Smith e il
suo utilizzo colto di Instagram, dice: “Anche i miei
post, i pochi per i miei social o i tanti per MK,
non si precludono la possibilità di mantenere il
contatto con la riflessività, le citazioni 'alte', il
tempo necessario alla metabolizzazione di concetti
espressi in modo non affrettato eccetera... è più
che altro l'unico modo che conosco di interagire in
Rete”. Per finire, sul cambiamento del rapporto con
il pubblico: “Sì, ritengo che il rapporto fra pubblico
e artista sia cambiato. Come? Fra le tante cose
è cambiata l'attitudine del pubblico nei riguardi
degli artisti: preferivo essere deferente nei riguardi
dei miei 'idoli', e considerarli 'irraggiungibili'.
Oltre alla perdita di mistero di cui ho detto prima,
con la Rete il pubblico si è preso molto in fretta
la liceità di portare sul suo stesso piano i suoi
beniamini (e fin qui vada), attribuendosi il diritto
di deriderli, snobbarli facendoglielo platealmente
notare, addirittura insultarli. Non tutto il pubblico
certamente è così, però quello che ho detto non è
nemmeno una eccezione rarissima. Su queste cose
già riflettevo col nostro disco Ricoveri Virtuali E
Sexy Solitudini, perché mi hanno sempre infastidito.
Parlavo di insensibilità. Poco meno di una decina
di anni fa. E, allargandomi a considerazioni più
generali e di natura sociale, ora è evidente a tutti
che questa assenza di sensibilità (una definizione
che ormai appare come un eufemismo edulcorato),
« N O N M I V I E N E M O LT O S P O N TA N E O
O F F R I R E L A M I A Q U O T I D I A N I TÀ C O N L E
S T O R I E . E N O N È N E M M E N O, P E R C O N-
T R O, P E R V I A D E L R I S E R B O. S E M M A I
QUALCOSA DELL A MIA PIÙ INTIMA ES-
S E N Z A È C O N N E S S O C O N L' O R M A I V E C-
C H I A I D E A D E L D I S TA C C O D E I M U S I C I S T I
D A L P U B B L I C O : N O N P E R A LT E Z Z O S I TÀ ,
MA PER MANTENERE VIVO IL SENSO DEL
M I S T E R O. E R A B E L L O, S E C O N D O M E ,
NON SAPERE NULLA DEI NOSTRI IDOLI
U N A V O LTA F I N I T O I L C I C L O D I V I TA D E L
L O R O U LT I M O D I S C O C O N A N N E S S A
TOURNÉE» CRISTIANO GODANO
RUMOREMAG.COM | 37
 IL SACRO E L'UN-POSTED
è diventata un problema di enorme importanza:
le forze maligne si sono impossessate della Rete,
e sovranismi e populismi si stanno facendo largo
a suon di aggressività programmatica e letale,
fomentando la gente. Personalmente ne sono
atterrito, perché guerre e regimi non sono così
lontani o impossibili come ci piacerebbe credere, e
a poco serve vantarmi di aver prefigurato anni fa
questa deriva penosa”.
Con Godano siamo tornati alla parola “sacralità”,
e con questa chiudiamo il cerchio tornando
all'avvicinamento fra artisti e fan da cui siamo
partiti: una delle band storiche che conserva più
intatte la propria aura di sacro – i fan si definiscono
“devoti” - e una certa dose di mistero, i Depeche
Mode, sono stati di contro gli ideatori di un
esperimento social che ha messo i fan al centro
della scena: per un anno, ogni giorno, un differente
“devoto” ha potuto gestire le pagine social del
gruppo. Persone “normali” (a parte qualche fan
d'eccezione come Trent Reznor, i Linkin Park o Tony
Hawk) a cui è stata data la possibilità di partecipare
ufficialmente a quel “processo di co-creazione
culturale” di cui parla David Craig. Ci siamo fatti
raccontare l'esperienza da una di loro, Angela
Spadola in arte DJ Freeangel: “Il takeover DM
aveva lo scopo di coinvolgere un fan al giorno per
365 giorni raccontando in quattro o cinque parti la
propria esperienza con la band. I fan son stati scelti
in base a una certa storicità o storie che potessero
risultare interessanti. Sono stata contattata
dai webmaster del sito ufficiale americano, mi
conoscono dal 2003 per il mio sito e per il supporto
promozionale che ho dato in Italia attraverso
il mio sito freeangel.it. Sotto data, mi contatta
l’agenzia di comunicazione americana che gestiva
la pubblicazione dei post su Facebook. Non è stato
facile far coincidere il fuso orario californiano col
mio, mi son ritrovata a chattare alle 3 di notte per
mandare loro gli aggiornamenti richiesti.
Gli argomenti scelti furono questi:
'1) Me, DM and my website
2) Meet the band and anecdotes (including pic with
the band, Anton Corbjin included)
3) My friends and trips I shared with them (incl. pics
+ Youtube video )
4) More about me: my passion for music, my DM
collection and djing at DM party Milano (incl. pics
and videos)
5) DM music to run to NYC marathon 2016 (incl.
pics)'.
Questa esperienza mi ha messa di fronte al fatto
38 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI LE TIZIA BOGNANNI
che mi sento davvero parte del mondo dei Depeche
Mode, della loro vita, nel bene o nel male, e della
vita di molti fan che vivono questa passione
come me e si rivedono nella mia storia. Internet
e i social network hanno annullato le distanze e
questo mi ha permesso di conoscere moltissime
persone, alcune delle quali sono tra i miei migliori
amici. Internet mi ha permesso di lavorare con
Alan Wilder e il suo progetto Recoil, per il quale
collaboro tuttora, e conoscere più da vicino la band
e i suoi collaboratori. Mi sento davvero fortunata in
questo. In generale il takeover ha mostrato chi sono
i 'devoti' dei Depeche Mode, persone normali ma
allo stesso tempo con le loro storie legate alla band,
che solo un fan riesce a comprendere. Sono riusciti a
mostrare al mondo quanto siano speciali i loro fan
e quanto siano amati, quanto loro abbiano influito
sulla nostra vita e quanto ci abbiano dato in termini
di esperienze, passione e amicizie. Indra Amarjagal
(Mongolia), Daniel Cassús (Brasile, residente a
Berlino), Liz Dwyer (USA), Christian Flueraru
(Romania), Carine Puzenat (Francia) e Dicken
Schrader (Colombia) sono i sei fan scelti da Anton
Corbijn per la realizzazione di Spirits In The Forest,
proiettato nei cinema mondiali poche settimane
fa. Le loro storie sono davvero commoventi e
rappresentative di tutti noi fan e questa scelta
da parte di Anton e della band è come un enorme
‘GRAZIE’ che la band ha voluto rivolgere a tutti
noi, che da una vita li supportiamo”. Chiediamo
ad Angela cosa pensa delle lamentele di alcuni fan
sulla scarsa (nulla nel caso dei singoli componenti)
presenza della band sui social: “Apprezzo molto il
loro modo di essere e il loro modo di proteggere
la vita privata in una società dove il gossip sugli
artisti è alla mercé di tutti i social network. Sono
felice che i membri della band non diano in pasto ai
media i fatti loro. Non hanno mai amato il gossip
e hanno sempre lottato per l’ufficialità delle news.
Questo li rende ‘sacri’ e rispettosi nei confronti di
chi li segue per la loro musica e non certo perché
indossano una giacca di D-Squared”.
L'impressione, dopo aver “studiato” i profili
più diversi e ascoltato vari punti di vista, è
che il mondo della musica non abbia ancora
codificato una modalità con cui partecipare alla
rivoluzione social, come è successo nell'ambito
della moda col fenomeno degli influencer, e che la
democraticizzazione non abbia ancora portato alla
“non distinzione” totale. Se e quando succederà,
se e quando il “sacro” non esisterà più, forse allora
potremo dare ragione alle cassandre che parlano
di morte della musica. O forse no, e invece staremo
sul prossimo social a difendere i Ferragnez di turno
dall'accusa di aver ucciso l'arte.
 L A RE PU B B LI C A DEGLI I N V ISI B I LI
SOCI AL
DISTO RTION
LINGUAGGI, FORMATI, GENERI, COMPETENZE E CONTINUI CAMBIAMENTI RIDISEGNANO I
CONFINI DI UNO SCENARIO PER NULLA FACILE DA DEFINIRE NÉ TANTO MENO DA GESTIRE,
TANTO PER LE BAND QUANTO PER I MUSICISTI.
In fin dei conti è tutta (o quasi) una questione
di capacità di adattamento e di volontà. Parliamo
di social network, di nuovi modi di comunicare
e interagire. Condividi, posta, tagga, menziona,
ricondividi. E poi scrolla o muori, “scroll or die”,
parafrasando lo “skate or die” degli skater hardcore
anni 80 scritta e tatuata ovunque. Insomma, non puoi
fermati, devi scrollare. Andando avanti fino a quando
la timeline della piattaforma non diventa la scansione
temporale della vita e della carriera artistica. Con la
FOMO (“Fear Of Missing Out”, la paura di restare
fuori, di essere esclusi da un certo ambito sociale)
che fiata sul collo. “Ci sei su Tik Tok?”, presto
qualcuno ve lo chiederà. Ma Tik Tok, per ora, lo
lasciamo fuori. Jaron Lanier, pioniere della realtà
virtuale nella Silicon Valley, vi snocciolerebbe Dieci
Ragioni Per Cancellare Subito I Tuoi Account Social
(questo il titolo del suo libro pubblicato in Italia da
Il Saggiatore), ma a questo punto ormai non siamo
più qui per capire se sia giusto esserci o no. Ci siamo
dentro fino al collo e cerchiamo di non affogare.
O N ST A G E
ì O N LI N E
Negli ultimi dieci anni i musicisti, oltre a cercare di
ripensare le modalità di distribuzione della propria
opera (con loro le etichette, ovviamente), hanno
dovuto cercare di rimettere mano al racconto di loro
stessi, riposizionandosi in quelli che chiamiamo
social network. Chi aveva già un blog ha fatto
TAG: #socialnetwork #natividigitali #bigdata #instagram #facebook #twitter
T E S T O D I N I C H O L A S D AV I D A LT E A
meno fatica, ma i codici cambiano, le tempistiche
sfuggono e il pubblico(?) è mutevole. Per i social
si parla sempre di engagment social (interazioni
e coinvolgimento in una rete sociale), e il primo
ragionamento che ha senso fare parte da più lontano,
ma ha sempre a che fare con l’interazione e il
coinvolgimento. Si inizia da qualcosa di “analogico”,
di vivo: un palco, un concerto, un luogo di scambio
tra artisti e pubblico. C’è chi a malapena saluta o è
totalmente concentrato su se stesso, vedi Bob Dylan;
c'è chi non si lascia andare troppo ma in qualche
IN FIN DEI CONTI È TUT TA (O QUASI)
UNA QUESTIONE DI CAPACITÀ DI ADAT-
TAMENTO E DI VOLONTÀ. PARLIAMO DI
SOCIAL NETWORK, DI NUOVI MODI DI
COMUNICARE E INTERAGIRE. CONDIVIDI,
POSTA, TAGGA, MENZIONA, RICONDIVI-
DI. E POI SCROLL A O MUORI, “SCROLL
OR DIE”, PARAFRASANDO LO “SKATE OR
DIE” DEGLI SKATER HARDCORE ANNI 80
SCRIT TA E TATUATA OVUNQUE. INSOMMA,
NON PUOI FERMATI, DEVI SCROLL ARE.
ANDANDO AVANTI FINO A QUANDO L A
TIMELINE DELL A PIAT TAFORMA NON DI-
VENTA L A SCANSIONE TEMPORALE DELL A
VITA E DELL A CARRIERA ARTISTICA
RUMOREMAG.COM | 39
 SOCIAL DISTORTION
«ARTISTI DAGLI EGO IPERTROFICI CHE
HANNO BISOGNO DI ESSERE ASCOLTA-
TI, COME LIAM GALL AGHER SU TWIT TER,
OPPURE BAND CHE SONO IN GRADO DI
CREARE UN COMUNITÀ COME GLI IDLES,
PIÙ RARI TUT TAVIA. QUESTE PAGINE RAP-
PRESENTANO AGGREGAZIONI DI PUB-
BLICI, ALCUNE VOLTE EFFIMERI, ALTRE
VOLTE CAPACI DI CREARE PARTECIPAZIO-
NE, CONFRONTO, INTERAZIONE, TENEN-
DO INSIEME CHI CI STA DENTRO O CHI
LE SEGUE. SECONDO ME SI NOTA MOLTO
QUESTA DISTANZA TRA GENERAZIONI DI
ARTISTI, PERÒ ESISTONO DIFFERENZE
TRA SOCIAL E SOCIAL» ALESSANDRO GANDINI
modo ha un buon rapporto col proprio pubblico pur
mantenendo qualche barriera, vedi Noel Gallagher.
Dall'altro lato trovi Johnny Marr o, sfiorando la
trance agonistica, Nick Cave, che chiama tutti sul
palco per la sua messa cantata. Ipotizziamo dunque
quattro macrolivelli d’interazione differenti, che a
loro volta ricadono in vari modi sui fan.
Partendo da lontano, analizziamo la proiezione
in terza persona di Dylan, dal palco ai social
network: zero interazioni col pubblico, post quasi
esclusivamente a fini promozionali, qualche foto
d’epoca. Su Twitter la denominazione del suo profilo
è addirittura bobdylan.com. Un classico utilizzo
istituzionale, per nulla personalizzato, ma che, vista
la caratura dell’artista, funziona comunque. Certo,
forse funzionerebbe di più se scrivesse un post in
prima persona, ma è Bob Dylan, ci siamo capiti.
Gallagher non si distanzia troppo da Dylan: non cade
nel “tranello” di rispondere al fratello su Twitter, e
non cerca di annullare le distanze con i fan. I profili
Facebook, Twitter e Instagram sono gestiti dalla
Sour Mash Records ma, a differenza di Dylan, la sua
attività social è quotidiana e puntuale.
E poi, come dicevamo, c’è Johnny Marr: post in
prima persona in cui ringrazia per gli auguri, in cui
ringrazia per il concerto, in cui si fa le foto in studio.
Insomma, gestione perfetta, soprattutto su Twitter,
dove, nel 2010, si rivolgeva al primo ministro
40 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I N I C H O L A S D AV I D A LT E A
britannico così: “David Cameron, smettila di dire
che ti piacciono gli Smiths, non puoi. Ti proibisco
di farteli piacere”. O, recentemente, commentava
con un laconico “alla chitarra Nigel Farage” in
riferimento alle voci di reunion degli Smiths e alla
svolta reazionaria di Morrissey. Infine c’è Nick Cave,
dicevamo: sciamano sul palco, amico di penna di
tutti. Tanto che invece di utilizzare i social network
ne ha creato uno tutto suo, sulla falsariga di AskFM
(servizio di rete sociale basato sull'interazione
domanda-risposta, creato nel 2010, nda). The Red
Hand Files, così si chiama, non rappresenta una
novità ma rappresenta una forma di interazione
pura. Se lo fa Nick Cave, magari dispensando
consigli di vita a un ragazzino di dieci anni, è una
notizia. Una vera e propria modalità di connessione
che dalla dimensione on line è passata a quella on
stage con il tour Conversations.
Si tratta di tentativi di definire modelli di profilo,
anche se esistono casi estremi e difficilmente
catalogabili, da Tyler, The Creator a Grimes, fino a
Kanye West o Slowthai: con loro, animali social che
amano polemiche e provocazioni, non ci si annoia.
TA NTE
INTE R A ZIO N I
TA NTI '
D AT I
Per provare a capire meglio qualche dinamica
social, abbiamo interpellato Alessandro Gandini,
docente di sociologia digitale all’Università Statale
di Milano. Come prima cosa abbiamo cercato di farci
spiegare come i cambiamenti social degli ultimi anni
abbiano modificato l’approccio di alcuni artisti a
determinate dinamiche.
“Colpiscono le dinamiche di adattamento al nuovo
mezzo, soprattutto da parte di artisti che erano già
affermati prima, i quali hanno dovuto adattarsi
e quindi vivono di logiche diverse da quelle di chi
è nato e cresciuto all’interno del contesto social.
Un artista come Calcutta magari si rapporta
con modalità più dirette con i suoi fan, cosa che
Depeche Mode o Noel Gallagher non fanno. Due
usi della pagina Facebook (o dei social network
SOCIAL DISTORTION
in genere) completamente diversi. C’è magari chi
utilizza la pagina più come un forum, mentre gli
artisti meno giovani la utilizzano come se fosse
un sito, annunciando un nuovo brano, un tour, le
informazioni per comprare i biglietti…”
Ovviamente non è solo una questione di carta
d'identità, in molti casi è determinante essere nativi
digitali oppure immigrati digitali (e quindi nati in
un mondo analogico ma adattatisi al nuovo scenario
tecnologico), però c’è dell'altro: “Artisti dagli ego
ipertrofici che hanno bisogno di essere ascoltati,
come Liam Gallagher su Twitter, oppure band che
sono in grado di creare un comunità come gli Idles,
più rari tuttavia. Queste pagine rappresentano
aggregazioni di pubblici, alcune volte effimeri, altre
volte capaci di creare partecipazione, confronto,
interazione, tenendo insieme chi ci sta dentro o chi
le segue. Secondo me si nota molto questa distanza
tra generazioni di artisti, però esistono differenze
tra social e social”. Poi arriva Matt Berninger dei
National e diventa un mezzo idolo di Instagram
rivelando una delle sue più grandi passioni, il ballo,
ma questo caso nasconde una verità: “È il valore
dell’autenticità che ti premia, come Calcutta che
fa una story su Instagram, tagga Metroman e tu
senti di poterti relazionare con lui. Mentre un Noel
Gallagher non ha alcun interesse a farlo. Roland
Barthes, nel suo libro Miti D'Oggi, parlava di figure
mitologiche irraggiungibili, mentre ora è tutto più
livellato nella percezione”.
Tornando a Noel Gallagher, c’è uno stupendo format
di GQ.com su YouTube: si chiama Actually Me
ed è tanto semplice quanto geniale. Si prende un
personaggio del mondo dello spettacolo e gli si fanno
registrare nuovi profili social con cui rispondere ai
fan su varie piattaforme (Twitter, Reddit, YouTube,
Instagram). Vedendo le risposte di Noel, capiamo
quanto ci si perda a non poterlo avere impegnato a
gestire direttamente i suoi profili social. Passiamo
poi a un livello più approfondito del discorso:
“L’artista oggi è come un brand, o, perlomeno,
deve funzionare come se lo fosse. Il brand Noel
Gallagher è il classico che non passa mai di moda e
non ha bisogno di grandi stravolgimenti. I Depeche
Mode possono non scrivere nulla sui social per sei
mesi, annunciare delle date e andare sold out in
12 ore. Un artista nato nel contesto social non può
comportarsi nello stesso modo: deve essere sempre
attivo e pronto. In quest'ultima categoria troviamo
gli artisti trap, che rappresentano un outlier,
un valore anomalo: qualcosa di più accelerato e
veloce, con i propri piani di comprensione, i propri
codici radicati in alcuni social network, con le
T E S T O D I N I C H O L A S D AV I D A LT E A
«L’ARTISTA OGGI È COME UN BRAND, O,
PERLOMENO, DEVE FUNZIONARE COME
SE LO FOSSE. IL BRAND NOEL GALL A-
GHER È IL CL ASSICO CHE NON PASSA MAI
DI MODA E NON HA BISOGNO DI GRANDI
STRAVOLGIMENTI. I DEPECHE MODE POS-
SONO NON SCRIVERE NULL A SUI SOCIAL
PER SEI MESI, ANNUNCIARE DELLE DATE E
ANDARE SOLD OUT IN 12 ORE. UN ARTISTA
NATO NEL CONTESTO SOCIAL NON PUÒ
COMPORTARSI NELLO STESSO MODO:
DEVE ESSERE SEMPRE AT TIVO E PRONTO»
proprie forme di monetizzazione”. Poi un giorno
Instagram ha iniziato non rendere visibili i like
sotto le foto: “La demetrication, o meglio, la scelta
di premiare i contenuti nascondendo il numero
di like, ha sicuramente influito, ma chi sta dentro
quell’ecosistema può comunque fare delle verifiche
tramite l'analisi dei dati”.
Se si tratta l’argomento social network è inevitabile
arrivare a parlare di dati: “Nel contesto della
music industry le varie piattaforme (Spotify,
Facebook, YouTube, Instagram…) sono grandi
contenitori di dati in grado di fornirti più o
meno accuratamente dei pattern di consumo. Il
prodotto artista viene completamente datificato
(i dati vengono inseriti in enormi database e poi
se ne traggono informazioni), ed è necessario
che l’interazione venga mantenuta per avere un
costante aggiornamento, per avere un numero
sempre maggiore di informazioni allo scopo di
ottimizzare le mosse dell’artista, di pianificare
tour e promozioni”. I dati raccolti – legalmente –
esistono, saperli analizzare è un vantaggio, per cui
non sfruttarli sarebbe assurdo. I social network sono
ancora un animale in evoluzione, non perfettamente
gestibile o controllabile ma comunque utile. Pensarli
solo come azzeramento delle barriere tra artista
e pubblico è romantico ma alquanto ingenuo e
limitante. Musica, social network e dati ormai
stanno lì, fianco a fianco, e si parlano. Ascoltiamoli.
Oltre ai dischi, ovviamente.
RUMOREMAG.COM | 41
 L A RE PU B B LI C A DEGLI I N V ISI B I LI

ALL IS LOVE
AF GANG IL MIGLIORE
DEI GRUPPI POSSIBILI

IDLES T E S T O D I N I C H O L A S D AV I D A LT E A

Sei i codici e dei metodi di comunicazione social “Lindsay, Louise e io abbiamo tutti e tre partecipato
tra artista e pubblico si sono modificati, chi ha subito al nostro primo concerto degli Idles al Moth Club di
questo cambiamento sono stati senza dubbio i fan. Vi Londra, il 10 marzo 2017, il giorno della pubblicazione
ricordate i vecchi fanclub, i forum, i siti dedicati alle di Brutalism. Non ci conoscevamo al momento. Alcune
band, e via dicendo? Esistono ancora, certo, ma si sono settimane dopo, alla Rough Trade di Londra, Lindsay
ridimensionati e hanno traslocato digitalmente (magari ha riconosciuto Louise e le ha detto che avrebbe voluto
anche solo in parte) su Facebook. È tutto molto più facile creare un gruppo Facebook, dato che sembrava ci fossero
lì. Ci si ritrova, si aggiunge un amico, si condividono più o meno sempre le stesse facce a tutti i loro show.
pensieri o articoli sulla band in questione. Esistono tre L'hanno chiamato ALL IS LOVE (Idles Community). Io
tipologie di gruppo: pubblico, chiuso e segreto. Il primo è mi sono iscritto circa tre giorni dopo, penso di essere
visibile a tutti e i contenuti sono pubblici, di quello chiuso stato il dodicesimo, e le prime discussioni erano solo
è necessario fare parte per vedere i post, quello privato sugli incontri. Condividevamo le prime, strane interviste
(o segreto) non è rintracciabile dal motore di ricerca di della band on line”.
Facebook e non sono visibili all’esterno nomi, membri,
post e documenti. Tra i gruppi dedicati alla musica ce n’è E il termine AF Gang quando è stato aggiunto?
uno che, più di altri, sembra essere una terra promessa “Dopo che Joe Talbot (cantante della band, nda) aveva
in cui le persone si rispettano, si aiutano, si confidano, ribattezzato così alcuni fan spostatisi dal Regno Unito a
raccontano storie personali. Nonostante l'aria che tira
sui social, esiste un gruppo Facebook dedicato a una
band che sembra aver generato una fanbase eticamente
perfetta, rispettosa, umana, i cui componenti si vogliono
bene davvero. Parliamo degli Idles, da Bristol, portatori
sani dell’heavy post punk più nervoso in circolazione.
I quali, con il loro ultimo album, Joy As An Act Of
Resistance del 2018, hanno di fatto rilanciato un modo
di fare musica all'interno del quale trovano spazio temi
come immigrazione e maschilismo tossico.

Abbiamo contattato uno dei fondatori della comunità di

fan del gruppo inglese, la AF Gang, Brian Mimpress, al
momento dell’intervista reduce dalla data sold out del
gruppo all’Alexandra Palace di Londra. Ci siamo fatti
raccontare questo piccolo paradiso social.

Come è nata l’idea del gruppo dedicato agli Idles?

TAG: #facebookgroup #troll #idles #afgang #humans ONLINE:afgang.co.uk

42 | RUMOREMAG.COM
 ALL IS LOVE/AF GANG (IDLES) T E S T O D I N I C H O L A S D AV I D A LT E A

Berlino per un concerto. AF sta per 'As Fuck'. Sembrava

perfetto per il gruppo. All'inizio ero uno dei membri più
attivi, mi ha fatto piacere quando Lindsay mi ha chiesto
di unirmi al team degli amministratori. In quel momento
i membri erano poche centinaia”.
Quali sono le regole e quali i pilastri
fondamentali per vivere al meglio questa
community?
“Le regole del gruppo sono molto poche. Nessun post
politico: siamo consapevoli che gli Idles abbiano un
messaggio politico, ma è molto difficile per noi moderare
conversazioni di quel genere all'interno del gruppo, visto
quanto appassiona. Noi tre che lo gestiamo abbiamo
famiglie e lavori, l'AFG è sempre stata portata avanti
senza nessun fine economico e solo nel tempo libero.
Insistiamo sul fatto che i membri possano pubblicare ciò
che vogliono senza timore di essere giudicati o sentirsi
ridicoli. È incredibile che un gruppo così attivo (più di
24mila iscritti, con un’attività giornaliera media di oltre
20mila utenti) sia davvero privo di troll. Non ho una
regola per le teste di cazzo, ma se ti comporti in quel
modo sei fuori. Non abbiamo tempo per lusingare l'ego
dei troll, gli iscritti meritano il meglio”.
La particolarità che salta subito all’occhio
è lo spirito positivo che accomuna i post. Vi
aspettavate una risposta del genere dai fan?
“La positività è cresciuta coi membri stessi. Non avevamo
idea di che cosa sarebbe diventato questo gruppo, e
nemmeno di come sarebbe cresciuto organicamente.
Amare se stessi e sostenersi a vicenda sono concetti
fondamentali per gli Idles, ed è esattamente così che
il gruppo è cresciuto. Parliamo molto di loro, di altra
musica e altre band, ma quando qualcuno ha qualcosa
da dire perché forse ha avuto una giornata di merda il
supporto che riceve dagli altri mi lascia tuttora senza
fiato. A volte tutto ciò di cui abbiamo bisogno è sentirci
dire, da un essere umano, ‘va bene non sentirsi a posto,
non sei il solo, è normale e noi siamo con te’. Le amicizie
che sono nate all'interno dell'AFG, sia attraverso incontri
individuali sia tramite gli incontri organizzati dalla
community, sono fantastiche”.
«È INCREDIBILE CHE UN GRUPPO COSÌ
AT T I V O ( P I Ù D I 2 4 M I L A I S C R I T T I , C O N
U N ’ AT T I V I TÀ G I O R N A L I E R A M E D I A D I
O LT R E 2 0 M I L A U T E N T I ) S I A D AV V E R O
PRIVO DI TROLL. NON HO UNA REGO-
L A PER LE TESTE DI CAZZO, MA SE TI
COMPORTI IN QUEL MODO SEI FUORI.
NON ABBIAMO TEMPO PER LUSINGARE
L' E G O D E I T R O L L , G L I I S C R I T T I M E R I TA -
NO IL MEGLIO» BRIAN MIMPRESS
Possiamo considerare il vostro gruppo una
evoluzione dei fanclub?
“I forum sembrano appartenere al passato, soprattutto
se si parla di musica. So che Lindsay è stata molto attiva
nel forum dei Libertines, negli anni 2000. Le persone
hanno bisogno di fare comunità, per quanto governi e
classi dirigenti cerchino di farci tacere e di separarci”.
Come spieghi questo grande affetto tra gli Idles
e i loro fan?
“Gli Idles sono molto legati alla loro fanbase e credo
che questo sia dovuto alla loro onestà. Guarda qualsiasi
intervista a Joe Talbot: è onesto in modo quasi doloroso.
Le persone rispettano e accolgono questo genere di cose
a braccia aperte. L'AFG è solo un'estensione di questa
attitudine. Inoltre, se li incontri prima o dopo i concerti,
scopri che sono una delle band più umili in cui tu ri
possa imbattere. Stanno vivendo un sogno e lo fanno
anche per noi, e tutto questo è bellissimo”.

Gli Idles collaborano in qualche modo alla

gestione del gruppo?
“Il gruppo è nostro e gestito solo da noi tre
amministratori, in modo completamente indipendente
dalla band. Lindsay ha chiesto a Joe Talbot che ne
pensasse fin dall'inizio, e lui credeva fosse un'ottima
idea. Non penso che la band potrà mai avere qualche
tipo di coinvolgimento su base quotidiana, ma supporta
totalmente quello che facciamo, tanto che circa un anno
dopo l'avvio del gruppo ci hanno hanno chiesto il link per
metterlo sul loro sito. Questo ci ha davvero resi felici”.

RUMOREMAG.COM | 43
 L A RE PU B B LI C A DEGLI I N V ISI B I LI
UN GIORNO
IO VERRO'’
RILASCIATO
Che poi, alla fine, forse inizia tutto all’imbocco di
una curva, controsole, in una strada qualsiasi delle
Catskill Mountains vicino a Woodstock, nell’estate
del 1966. Bob Dylan è all’apice del successo. Pochi
mesi prima ha mandato in soffitta il menestrello
folk e svoltato elettrico con Highway 61 Revisited.
Ha appena pubblicato Blonde On Blonde e finito un
mastodontico tour fra Stati Uniti, Australia ed Europa.
Una sorta di “viaggio della morte”, condito da stress
presenzialista e lenito da droghe di sostegno. Al
suo agognato ritorno a casa, a Woodstock appunto,
sale in sella alla sua motocicletta Triumph, cadendo
all’imbocco di una curva, incrinandosi una vertebra.
Non esistono rapporti ufficiali della polizia, né troppi
testimoni che assistano all’accaduto. Tanto che
l’incidente diventa presto leggenda. Dylan è in fin di
vita, Dylan si è inventato tutto per uscire di scena,
Dylan si sta riprendendo dalla tossicodipendenza.
Fioccano le interpretazioni, crescono le storie, spesso
bellamente inventate. Sta di fatto che quel tranquillo
giorno di luglio diventa lo spartiacque della carriera
del bardo del rock. Da allora ci sarà sempre un Dylan
pre e post incidente. Lui se ne starà per otto anni
lontano dai palchi (salvo le storiche apparizioni al
festival dell’Isola di Wight e al Concert For Bangladesh
MANUALE DELL’INVISIBILITA’ – 10 TITOLI PER SPARIRE
SYD BARRETT BOB DYLAN STEELY DAN
THE MADCAP LAUGHS AND THE BAND GAUCHO
(HARVEST, 1970) THE BASEMENT TAPES (MCA, 1980)
(COLUMBIA, 1975)
44 | RUMOREMAG.COM
STRATEGIA DELL'INVISIBILITÀ,
DA DYLAN A BURIAL
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
di George Harrison), e il 1967 diventerà il suo anno
più prolifico. Quello delle Basement Tapes, scritte e
suonate con gli amici della Band, al riparo da tutto
e da tutti, nel rifugio di Big Pink. Il sole in faccia,
forse una macchia d’olio sull’asfalto e la conseguente
caduta, una come tante, che diventa scatto epocale. Ed
è Dylan stesso a svelare il senso dell’accaduto, nella
sua autobiografia Chronicles: “Ho avuto un incidente
in moto, mi sono fatto male e sono guarito. Il fatto è
che volevo tirarmi fuori dalla corsa dei topi. Diventare
padre mi ha segregato da tutto quanto girava intorno
a me. Al di fuori della mia famiglia, nulla suscitava più
interesse per me”. Tutto molto semplice, ordinario,
prevedibile. Ma anche affascinante per chi vive quel
momento: uscire dalla porta di servizio, da una vita
diventata una corsa a perdifiato, sotto riflettori che
non si spengono mai. Quasi una richiesta di rilascio,
lanciata come invocazione, al mondo dorato del rock,
da un’anonima strada vicino a Woodstock, mentre
il sole acceca e la moto striscia sull’asfalto. “Un
giorno verrò rilasciato”, come canta lui stesso in I
Shall Be Released, uno dei brani iconici composti in
quell’indimenticabile 1967. Questo il vero desiderio
d’invisibilità, nell’era dorata del rock corporativo. Un
riprendersi frammenti del proprio tempo privato e di
A CUR A DI M AURO FENOGLIO
JANDEK XTC
CHAIR BESIDE A WINDOW ENGLISH SETTLEMENT
(CORWOOD (VIRGIN, 1982)
INDUSTRIES, 1982)
 U N G I O R N O I O V E R R O ’ R I L A S C I ATO
ispirazione da un mondo che barattava gloria eterna
con l’ansia obbligata da esposizione continua. Provare
a uscire di scena, per sopravvivere a sé stessi, o a ciò
che si rischiava di diventare. Come ha fatto Andy
Partridge degli XTC, stremato dagli attacchi di panico
sul palco, per far davvero partire il suo avvincente
laboratorio di artigianato pop. Come hanno fatto gli
Steely Dan, per potersi dedicare alla cura maniacale
dell’arrangiamento, isolati nel loro studio. Come hanno
fatto pure i Beatles, per partorire i loro capolavori dal
1966 in poi. L’invisibilità era un traguardo agognato,
che veniva identificato con la rinuncia ai due capisaldi
della vita da rockstar: il palco e le interviste. Solo il
raggiungimento di uno status stellare permetteva
di negoziare quella invisibilità col mondo ufficiale e
vampiresco del rock corporativo. Il diritto a sparire
come conferma ufficiale del proprio innegabile
successo. La musica pop italiana ha in due invisibili le
sue pietre angolari. Da una parte Battisti, dall’altra
Mina, cristallizzati insieme nei nove minuti della loro
memorabile (e unica) apparizione televisiva in coppia
nel 1972. Fantasmi, per ragioni diverse (ma forse
non troppo), per costruire la propria leggenda, dopo.
Lontani da tutto e tutti, esistenti solo nella loro musica.
Ma tutto questo accadeva più di 40 anni fa. Nel
(nuovo) mondo non esiste più una scena corporativa
che detti ritmi e regole - disco nuovo, interviste,
tour, disco nuovo - ogni due o tre anni, fino allo
sfinimento. L’artista ridiventa padrone di se stesso,
supportato da piattaforme sociali, che danno la
libertà di condivider(si) con il mondo, senza filtri
o senza regole, anche l’invisibilità cambia pelle e
necessità. All’inizio, il territorio inesplorato della Rete
diventa terreno fertile per germogliare prime uscite
(Arctic Monkeys) o addirittura per formare band
(Brockhampton). Scemata la spinta primordiale
propulsiva, anche il nuovo mondo digitale si erge
come riferimento di nuove dinamiche comunicative,
nuove regole d’ingaggio perverse da eludere. E allora
l’artista che vuole sfuggire il nuovo ovvio si adatta.
Prima di tutto, cambia il modo in cui il musicista si
manifesta. La maschera e l’anonimato. Due soluzioni
SCOTT WALKER MARK HOLLIS NEUTRAL
CLIMATE OF HUNTER MARK HOLLIS MILK HOTEL
(VIRGIN, 1984) (POLYDOR, 1998) IN THE AEROPLANE
OVER THE SEA
(MERGE, 1998)
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
UN RIPRENDERSI FRAMMENTI DEL PRO-
P R I O T E M P O P R I VAT O E D I I S P I R A Z I O N E
D A U N M O N D O C H E B A R AT TAVA G L O R I A
E T E R N A C O N L’ A N S I A O B B L I G ATA D A
E S P O S I Z I O N E C O N T I N U A . P R O VA R E A
U S C I R E D I S C E N A , P E R S O P R AV V I V E R E
A S É S T E S S I , O A C I Ò C H E S I R I S C H I AVA
D I D I V E N TA R E
per navigare inermi il nuovo mondo orizzontale di
domanda e offerta musicale, dove le distanze fra
artista e ascoltatore spesso si annullano nello spazio
delle parole di un post, senza che ci sia più un ente
altro (la famigerata corporazione rock) a dettare
distanza e regole del gioco. Dagli anni 90, la maschera
come escamotage per celare l’identità, scindendo
l’essere umano reale dalla sua rappresentazione,
diventa strumento sempre più utilizzato. I Daft
Punk trasformati ufficialmente in robot nel 1999,
per sparire definitivamente come persone, il casco
dorato di MF Doom e il cartone animato beffardo
di DeadMau5. E in Italia? il velo facciale di M¥SS
KETA, strumento di una narrativa che va alla Milano
da bere degli anni 80 alle dark room più torbide
dei club contemporanei. The André che cela il
viso dietro ad un telo o a occhiali da sole, regalando
alla modernità solo la voce iconica di Fabrizio De
André, senza diventare macchietta. L’anonimato
trasformato in geniale veicolo promozionale del
progetto Liberato, che fa dell’elemento visuale (o
della negazione di esso), uno dei motori della proposta.
È tutto un nascondersi per reinventarsi, un marcare
distanza fra l’autore e la rappresentazione, quasi fosse
l’unico modo possibile per mettere (ancora) al centro
l’oggetto musicale. Le piattaforme social diventano
BURIAL LIBERATO
UNTRUE LIBERATO
(HYPERDUB, 2007) (LIBERATO, 2019)
RUMOREMAG.COM | 45

BURIAL
TUNES 2011 TO 2019
HYPERDUB
A coronare il quindicesimo
compleanno di casa
Hyperdub, proprio sul
finire del 2019 è arrivata
questa preziosa collezione,
che racchiude quasi tutto il
materiale pubblicato negli
ultimi anni sotto forma di
EP o singoli da Will Bevan
(oltre alle collaborazioni
con Four Tet, Thom Yorke
e Zomby qui mancano i
singoli estemporaneamente
pubblicati su Keysound
e Nonplus, e stranamente l'ottima Rodent). Nonostante si
parli di un artista piuttosto celebrato, forse non si dice mai
abbastanza quanto la cifra principale di Burial resti quella
di saper emozionare, al di là delle sorprendenti variazioni
stilistiche con le quali la sua musica dell'ultimo decennio ci ha
deliziati. Anche per questo motivo la sequenza della scaletta
risulta particolarmente indovinata, con gli episodi più rarefatti
(Beachfires, Subtemple) in apertura. Tocca agli evocativi synth
di Nightmarket aprire il primo spiraglio di luce dopo una
mezz'ora abbondante di umori riflessivi e plumbei.
Una costante pioggia digitale prosegue a punteggiare le
lievi melodie di Come Down To Us, prima di svelare il
cuore euforico, altrettanto londinese e stranito, di questo
viaggio, con la sublime elaborazione UK garage di Claustro e
l'esplosione rave in Rival Dealer. Dopo gli 11 minuti cangianti
di Ashtray Wasp - letteralmente tre brani in uno - il mood
torna a essere profondamente malinconico nello stop-and-
go di Rough Sleeper, tra fuochi d'artificio ormai sullo sfondo
e avvolgenti melodie d'organo in primo piano. Mentre la
medesima modalità narrativa fa del laconico garage dub di
Truant qualcosa che sette anni dopo suona ancora struggente
e straordinario. 150 minuti che sottolineano l'unicità creativa
di un percorso tutt'altro che compiuto, per un artista già
entrato nella storia della musica di questi anni.
GIORGIO VALLETTA
93/100
46 | RUMOREMAG.COM
territorio di personaggi feticcio, veicoli dietro i
quali si celano persone vere, che non conosceremo
mai. Comunque, la necessità di sentirsi rilasciati,
qualsiasi essa sia, ritorna, inesorabile. Il produttore
e compositore tedesco Nils Frahm, che ha da poco
annunciato la rinuncia definitiva ai social network.
Mitski che decide di scendere dal palco per sempre,
per ritrovare un barlume di normalità. O ancora, il
fenomeno trap, Tha Supreme, che esce di scena
nel 2018 (con un’intervista a “Vice”), per tagliare
qualsiasi ponte comunicativo con chiunque, etichetta
discografica compresa, ed esprimersi solo con video
e musica. Nonostante tutto, il suo recente esordio
discografico, 23 6451, alla sua uscita è l’album più
ascoltato in Italia. Allora l’invisibilità è solo necessità
privata o può essere strategia commerciale? Chissà.
Non tutti hanno la resilienza di Grimes, che prova ad
aprire un interessante dibattito sulla sparizione del
concetto di live come futuro strumento d’espressione,
prendendosi della “fascista privilegiata” dalla collega
Zola Jesus. In un mondo che si autoillude con le sue
moltitudini di possibilità e le sue infinità di scelte, ma
diventa spietato a colpi di tastiera, non tutti sono cosi
audaci e sgamati, per continuare a partecipare al gioco
24 ore al giorno senza bruciarsi. Persino uno come
Michael Stipe ha gettato la spugna. Dalla sua recente
conferenza stampa: “Un mio amico dice che stare su
Instagram è un lavoro a tempo pieno, e io mi sono
licenziato. Non mi piace stare sui social e non mi piace
il modo in cui vengo fuori sui social”. Rappresentazione
contro verità.
E se si parla d’invisibilità recente, il campione rimane
William Emmanuel Bevan, in arte Burial. Uno che
della non partecipazione ha fatto una ragione di vita
(artistica), senza mai renderla orgoglioso vessillo
politico. Figlio della stessa generazione britannica che
ha generato un altro alfiere invisibile (più situazionista,
in questo caso), Banksy. Burial, magnifico evocatore
di memorie recenti (il rave, l’estetica sci fi, ecc.), reo
confesso (senza rimorso) di non avervi mai preso
attivamente parte. Burial che costruisce il proprio
percorso sulla rinuncia pratica, a tutto quello che non
sia l’oggetto della sua capacità artistica. A un’identità
(solo svelata attraverso una fotografia nel 2008),
ai live, al concetto di album. Senza mai rivendicare
significati eroici, anzi. Basti la sua risposta a Mark
Fisher in una intervista per “Wire” nel 2007, ai tempi
del suo secondo album Untrue: “Sono una persona
ordinaria. Voglio rimanere sconosciuto, perché
preferisco stare con gli amici e la famiglia. Ma non
c’è troppo bisogno di focalizzarsi. Preferisco essere
dentro ad una traccia, nel titolo di una canzone.
Non è una cosa nuova. È una delle vecchie strade
dell’underground ed è più facile”. Semplice, ordinario,
prevedibile. Quasi come cadere in motocicletta,
abbagliati dal sole.
Le tue riviste, con te sempre ovunque
www.cafeyn.co
LITURGY
T E S T O D I A N D R E A VA L E N T I N I
LA LITURGIA
DI HUNTER
HUNT-HENDRIX
IL BLACK METAL TRASCENDENTALE, L’AMERICAN WAY AL METALLO NERO, MA ANCHE
L’HIPSTER BLACK METAL. IL CULTO DEL CORAGGIO E DEL SOLE, IL COSMOPOLITISMO,
IL RUOLO DELLA CULTURA NELLA SOCIETÀ ATTUALE. E LA FILOSOFIA. CONFUSI? È
N
GIUSTO ESSERLO. BENVENUTI NEL MONDO DEI LITURGY.
on è semplicissimo districarsi nei fitti e profondi
meandri del metallo nero mondiale contemporaneo. Le
scene sono a frotte, le sfumature quasi fuori controllo e
la voglia di semplificare il tutto, riducendolo ai minimi
termini di fine anni 80/primi '90 è spesso in agguato.
Poi, però, ci si può imbattere in realtà come i Liturgy,
che sparigliano le carte sul tavolo… e la sensazione di
noia confusa si tramuta in curiosità. Perché la band
capeggiata da Hunter Hunt-Hendrix (con un nome
così, che rievoca al contempo Hunter Thompson e Jimi
Hendrix, fra l’altro, cosa vuoi dirgli?) – che piaccia o
meno – ha una personalità e un sound difficili da non
notare.
Pur avendo poca dimestichezza con il corpus musicale
dei Liturgy, dal primo ascolto del nuovo album (uscito
TAG: #liturgy #transcendentalblackmetal #filosofia #postblackmetal
da poco e rigorosamente autoprodotto) H.A.Q.Q. è
chiaro che Hunt-Hendrix e i suoi sodali stanno se non
altro provando a costruire nuove strade all’insegna di
un’ispirazione black metal che viene, però, rielaborata
in chiave peculiare, per cui le contaminazioni sono
tante, bizzarre e imprevedibili.
Se poi anche l’impianto teorico a corredo di tutto ciò
abbia qualche validità lo lascio decidere a ognuno, in
coscienza e secondo le proprie inclinazioni… certo è che
questo pensiero in cui marxismo anticapitalista, ricerca
del divino, perseguimento di ideali utopici e suggestioni
direttamente prelevate dalle teorie di Guattari e
Deleuze (deterritorializzazione, accelerazionismo) è
sfizioso, a tratti inafferrabile e oscillante fra estremi a
tratti opposti. Esattamente come la musica dei Liturgy.
A fronte di tutto ciò, era quasi d’uopo una chiacchierata
col disponibilissimo Hunter…
Nei Liturgy ci sono stati alcuni cambi di
formazione dall'uscita del disco precedente.
Credi che questo abbia influenzato, in qualche
modo, la nuova musica della band?
“Credo che quella attuale sia la line-up più compatta
e solida di tutte quelle che i Liturgy hanno avuto fino
a ora. Anche i live, adesso, sprigionano un livello di
energia pura e incontaminata molto più elevato, o,
almeno, questo è ciò che chi ha assistito ai concerti mi
ha detto. Ma anch’io ho la stessa netta sensazione. Poi
ogni incarnazione dei Liturgy è stata speciale a modo
proprio, ma questa è la più godibile e agile”.
ONLINE: liturgy.bandcamp.com
 LITURGY
«CREDO CHE L A FILOSOFIA POSSA E
D E B B A E S S E R E D I V I S A I N Q U AT T R O
A R E E , D A P R E N D E R E I N E S A M E N E L L’ O R-
D I N E E S AT T O. 'A S S I O L O G I A' È L’ I N D A G I-
N E S U L L A N AT U R A D E L B E N E . 'M E TA F I S I-
C A' I N D A G A L A N AT U R A D E L L A R E A LTÀ ,
'C O S M O G O N I A' S I C H I E D E Q U A L E S I A L A
N AT U R A D E L T E M P O O D E L L A S T O R I A E D
'E S C AT O L O G I A' È L’ O R I E N TA M E N T O F I-
N A L E , L A V I S I O N E D I P O L I T I C A E D E C O-
NOMIA, DI COME DOVREBBE ESSERE UN
M O N D O P E R F E T T O, I D E A L E »
Come funziona la scrittura dei pezzi nei
Liturgy? Porti brani già definiti al resto della
band?
“Sì, me ne occupo io, è esatto. Di solito porto dei
demo finiti oppure delle partiture scritte, soprattutto
quando i brani includono delle sezioni complesse e
intricate. Poi tutti insieme facciamo qualche modifica
qua e là, aggiustiamo un po’ le cose. Ma la maggior
parte delle partiture degli strumenti la scrivo io, da
solo”.
Sono molto curioso, che cosa indica
l’acronimo che hai usato per il titolo del nuovo
album: H.A.Q.Q.?
“Significa 'Haelegen Above Quality and Quantity' e
indica uno degli aspetti più oscuri dell’essenza di Dio.
Haelegen è anche un termine utilizzato nella teologia
islamica che significa qualcosa tra 'il più reale' e
'l’autorità suprema'”.
Ci sono altri due termini, anzi due titoli,
nel disco. che mi paiono acronimi: HAJJ ed
EXACO… cosa vogliono dire?
“Non sono acronimi, questi.'Hajj' è un altro vocabolo
islamico, significa pellegrinaggio e, nello specifico, si
riferisce al viaggio che si intraprende verso la Kaaba.
'Exaco', ed è una cosa abbastanza interessante, invece
non ha alcun significato. Ho un grande archivio di
nomi e termini che tengo da parte per gli album e la
musica dei Liturgy: 'Exaco' era uno di questi, ma non
ho ancora idea di che cosa voglia dire”.
Parliamo ora della copertina del disco:
è una specie di diagramma di flusso,
una rappresentazione schematica di una
costruzione filosofico-concettuale. Puoi
50 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I A N D R E A VA L E N T I N I
spiegarla, almeno a grandi linee, per i non
iniziati come me?
“Credo che la filosofia possa e debba essere divisa
in quattro aree, da prendere in esame nell’ordine
esatto. 'Assiologia' è l’indagine sulla natura del
bene. 'Metafisica' indaga la natura della realtà,
'Cosmogonia' si chiede quale sia la natura del tempo
o della storia ed 'Escatologia' è l’orientamento finale,
la visione di politica ed economia, di come dovrebbe
essere un mondo perfetto, ideale, ed è una visione a
cui si arriva solo dando risposta ai tre interrogativi
precedenti. Non desidero approfondire troppo e
andare nel dettaglio delle risposte alle domande
che pongo. E in ogni caso sarebbero provvisorie
e speculative. Ma io credo fermamente che sia
davvero importante intraprendere questo percorso
di pensiero, prima di giungere ad abbracciare
qualunque tipo di orientamento politico, ad
esempio. Credo moltissimo nel libero pensiero,
quello indipendente, e vorrei usare la musica per
incoraggiare il più possibile a ragionare con la
propria testa: è per questo che ho deciso di illustrare
la copertina del disco con un diagramma filosofico.
So che qualcuno – forse molti, in realtà, lo faranno
– penserà che è una cosa 'pretenziosa', ma in tutta
onestà mi sembra lo stesso atteggiamento diffuso,
di disprezzo bigotto, nei confronti del pensiero
indipendente, e la cosa mi rende molto sospettoso e
scettico”.
Nel tuo pamphlet Transcendental Black Metal
Manifesto scrivi: “Nell’era dell’informazione,
la cultura si è spostata dalla sovrastruttura
alla base. Liberata dalle coercizioni molto
tempo fa, la cultura ora gode di un potere
economico mai visto prima, che rafforza
il suo potere spirituale, su menti e cuori.
Resta aperta la questione su quale dovrebbe
essere la sua funzione”. Hai una risposta alla
domanda ora? Oggigiorno qual è la funzione
della cultura?
“Penso che la funzione principale della cultura,
ora come ora, sia distrarre e distogliere la massa,
confondendola, in modo da evitare che entri in
connessione col divino. O, almeno, questa è la
funzione della cultura ideologicamente concepita
e strumentalizzata: una cosa che dovrebbe essere
riconosciuta e rigettata del tutto. Credo che un
ruolo migliore per la cultura sarebbe aiutare a
riconnettere le persone con i loro impulsi creativi,
in modo da essere tutti più saggi e liberi. Per farlo,
però, dobbiamo usare i modelli culturali di cui
disponiamo ora, piuttosto che tornare ad altri,
vecchi, oppure crearne di nuovi da zero. Quindi
parte dei miei interessi è volta a pescare da un
ampio ventaglio di stili e discipline, perché sono
convinto che il modo migliore di creare una libertà
attiva sia l’interdisciplinarità. La libertà richiede
un uso simultaneo di volontà, immaginazione e
intelletto, e gli strumenti per sviluppare queste «IL POTERE EMOTIVO DELL A MUSICA
facoltà sono la musica, il teatro e la filosofia. Penso P U Ò E S S E R E S F R U T TAT O P E R R I S V E G L I A-
anche che sia importante riunire insieme diverse
R E L E C O S C I E N Z E E R I S O LV E R E I P R O-
modalità espressive predominanti in differenti
epoche storiche, e in parte questo è il motivo per B L E M I. L’ O B I E T T I V O, P E R Ò, N O N D E V E
cui mi interessa contaminare il sound dei Liturgy ESSERE CREARE SEMPLICEMENTE UNA
con la musica sacra e quella classica, così come
C O N T R O C U LT U R A , B E N S Ì D A R E V I TA A
voglio trovare un ponte fra la filosofia europea
contemporanea e la teologia medievale”. U N A N U O VA C U LT U R A »

Sempre nel tuo Manifesto leggo: “La

morte di Dead (il cantante dei Mayhem,
nda) segretamente inaugura la nascita del
black metal e segna anche la morte della
controcultura in quanto tale”. Esattamente
cosa intendi?
“Negli anni 90 la controcultura ha perso ogni
speranza di creare un mondo migliore e anche solo
di esistere come alternativa duratura al mainstream.
Parte della fascinazione che da sempre provo per il
black metal deriva dal fatto che ha un’energia punk,
intrinsecamente insurrezionalista, eppure non ha la
minima aspirazione di dare il via a un cambiamento
di qualsiasi tipo, ed è un approccio molto più onesto
di ogni altra sottocultura o enclave musicale di

RUMOREMAG.COM | 51
 cui io abbia mai fatto parte durante i miei anni
alle superiori o al college. Mark Fisher definisce
tutto ciò pre corporazionismo: a partire dagli anni
90, le energie apparentemente trasgressive sono
state informate e plasmate dal Capitale in modo
da divenire prodotti ed essere consumate. Tutto è
stato inglobato. È una visione disperata, ma credo
anche che sia un’opportunità per concepire progetti
selvaggi e consapevoli, che tengano conto dello stato
delle cose e tentino di superarlo. Il mio contributo
personale è cercare di essere molto interdisciplinare
e, in particolare, combinare la critica e la
costruzione filosofica con un certo tipo di creatività
e di messaggio musicale, perché il potere emotivo
della musica può essere sfruttato per risvegliare
le coscienze e risolvere i problemi. L’obiettivo,
però, non deve essere creare semplicemente una
controcultura, bensì dare vita a una nuova cultura”.

Hai avuto modo di vedere il film tratto dal

LITURGY libro Lords Of Chaos? Cosa pensi della
pellicola e di tutta l’operazione collegata?
“Sì, l’ho visto. E devo dire che mi è piaciuto
sicuramente più di quanto non sia piaciuto alla
maggior parte delle persone che l’hanno guardato
H.A.Q.Q. e ne hanno parlato. Mi è sembrato interessante il
YLYLCYN
fatto che abbiano descritto tutti i protagonisti come
giovanissimi e innocenti, ragazzi ingenui”.
Difficile capire in che
modo, secondo la versione Hai dichiarato: “Il transcendental black metal
accreditata da Hunter
Hunt-Hendrix, chitarrista è solare”. Questo è un approccio singolare,
e principale compositore, soprattutto se paragonato a quello classico
il nuovo album dei black metal, fatto di oscurità, cupezza, gelo,
Liturgy rappresenti
“l’interpretazione marxista odio, satanismo… sei convinto che “black
psicoanalitica di Dio”. metal” sia una definizione corretta per il
Ci vorrebbe uno come genere che proponi, visto anche il background
Recalcati. Ma va da sé, fa
tutto parte della visione concettuale che si porta dietro?
trascendentale del black “Onestamente, penso che solo degli idioti integrali
metal teorizzata dal potrebbero non rendersi conto del fatto che
Nostro. Il quarto album dei Liturgy è come sempre un affare
esplosivo, neuronico. Fluttuanti in un mare nero di burst beats qualunque tipo di riferimento occulto o filosofico,
si alternano contratte abrasioni elettroniche, strumenti etnici, combinato con il metal, è profondamente congruente
free solo di pianoforte (Cecil Taylor?) e arpa. Se uno dei pezzi al genere black metal. E solo degli idioti possono
più incredibili è l’iniziale HAJJ, un lucido delirio dissonante
in cui esplodono blast bursts e tutt’intorno mordono urla
ferine e cori - si potrà dire? - dodecafonici, e il tutto stride
con una violenza inaudita, già il successivo brano lancia un
pianoforte preparato che va per conto suo: free jazz filtrato
elettronicamente. Dopodiché si ritorna allo stridio total black
di Virginity, peraltro introdotta da una dolcissima arpa. Mentre «INSTILLO NELL A MIA MUSICA UNA
la violenza romantica di Pasaqalia sembra chiudere la prima
parte del disco. Che riparte con Exaqo II, elettronica pura, C E R TA D O S E D I Q U E E R N E S S E C O S M O-
musica classica moderna: cesura netta con tutto il resto che si
è ascoltato finora. E ancora God Of Love, metà black metal e POLITISMO, SIA A LIVELLO DI RIFERI-
metà avant jazz, pencola tra due direzioni e non si capisce che
strana bestia sia. E dopo il puro esercizio pianistico di Texaco M E N T I C H E V I S I V O, E D È T U T TA R O B A
III siamo infine a HAQQ, la title track, che inizia sulle note
mantriche di una pianola devozionale e va a scontrarsi con
D A C U I I M E TA L L A R I P I Ù A G G R E S S I V I,
fratturate chitarre black noise e urla da capogiro. Troppa carne MACHO-MASCHILISTI O NAZIONALISTI
al fuoco? Probabilmente. E questo fuoco spesso non sembra
essere adeguatamente dosato. Il tipo di post black metal che FUGGONO»
esce dalla fucina dei Liturgy è qualcosa di affascinante ma
ancora non si è capito che direzione voglia prendere.
CLAUDIO SORGE
76/100

52 | RUMOREMAG.COM
 LITURGY
non capire che il termine 'solare' è parte dello
stesso linguaggio oscuro e spirituale che include la
parola 'lunare'. Nello schema generale delle cose,
qualunque riferimento pagano, quello al sole ad
esempio, è molto distante dall’universo estetico a cui
fa riferimento roba come il synth pop, l’indie rock e
cose così. Sono anche convinto che il motivo per cui
il mio progetto è percepito come 'diverso' è che io
instillo nella mia musica una certa dose di queerness
e cosmopolitismo, sia a livello di riferimenti
che visivo, ed è tutta roba da cui i metallari più
aggressivi, macho-maschilisti o nazionalisti
fuggono”.
Pensi che i Liturgy siano gli unici paladini
del transcendental black metal oppure ci
sono altre band e altri artisti che secondo te
condividono le stesse coordinate musicale e
ideali? E, se sì, chi sono?
“È una domanda interessante questa. Ovviamente
siamo stati la prima band a suonare quello che ora
tutti chiamano 'hipster black metal', anche se – ed
è una cosa che trovo bizzarra – nessuno ci ha mai
riconosciuto questo 'merito'. Il fatto che arriviamo
tutti da un background legato all’art punk non mi
sembra particolarmente importante per l’essenza
del transcendental black metal. In realtà tendo a
credere che il nostro genere sia suonato da una sola
band: noi. Anzi, forse non è neppure un genere, ma
un linguaggio musicale che io continuo a sviluppare,
ampliare ed estendere”.
Nel tuo Manifesto definisci il transcendental
black metal un fenomeno culturale
americano, una sorta di “american way” al
black metal. Pensi che qualche band o artista
europeo potrebbe abbracciare questo genere?
Oppure lo trovi impossibile?
“I Liturgy sono una band americana e il fatto di
vivere a New York ha un grosso impatto su ciò che
suoniamo. Certo, è possibile che qualche musicista
nordeuropeo possa mettersi a suonare questo genere,
proprio come abbiamo fatto noi rielaborando un
genere nordeuropeo. Forse lo stile cambierebbe
un po’ nel processo, anche se in effetti ormai
la geografia, oggigiorno, a livello culturale, sta
divenendo sempre meno importante… per cui chi può
dirlo?”
È palese che tu abbia una grossa cultura e
interessi nel campo della filosofia. Hai seguito
un percorso di studi accademici tradizionali
in questa disciplina, oppure sei uno studioso
autodidatta?
“Ho una laurea in filosofia, ma la maggior parte
dei miei studi e dei miei scritti sono stati di natura
indipendente e frutto di un percorso da autodidatta,
T E S T O D I A N D R E A VA L E N T I N I
«TENDO A CREDERE CHE IL NOSTRO
G E N E R E S I A S U O N ATO D A U N A S O L A
B A N D: N O I. A N Z I, F O R S E N O N È N E P-
PURE UN GENERE, MA UN LINGUAGGIO
MUSICALE CHE IO CONTINUO A SVI-
LUPPARE, AMPLIARE ED ESTENDERE»
a partire dal momento in cui ho terminato
l’università. Mi confronto spesso con altri filosofi
che si muovono nell’ambito legato alle teorie para
accademiche. In particolare mi interessa il dibattito
sul tema dell’accelerazionismo e in generale tutti i
pensatori influenzati da Gilles Deleuze”.
Hunter, tu come ti definiresti… un filosofo,
un artista, un musicista?
“Ho creato un ampio corpus di lavori che
abbracciano tutte e tre le discipline che citi. Il mio
obiettivo è creare una risonanza, riverberare le une
nelle altre, con il fine di creare qualcosa che alla fine
sia più vicino alla politica”.
Come si svolge una giornata tipo di Hunter
Hunt-Hendrix?
“Dipende molto dai momenti e dagli impegni. Ad
esempio quando sono in tour le cose sono molto
diverse rispetto a quando sono a casa. Cerco sempre
di fare yoga, quotidianamente, almeno nei periodi
in cui non sono in giro: è un momento in cui metto
ordine nei pensieri e trovo la quiete necessaria,
perché, a parte quella parentesi, di solito la mia
routine è molto caotica, piena di prove, riunioni,
meeting. Poi suono molti concerti con altri progetti.
Ad esempio, quest’anno ho impegnato una quantità
di tempo enorme per curare la logistica della mia
performance operistica a Los Angeles. La mia vita
sociale – escluso il lavoro – si svolge sempre più
su Internet piuttosto che nella vita reale. In parte
perché ho davvero pochissimo tempo libero, ma
anche perché on line trovo molte più persone che
condividono i miei stessi interessi e le cose che mi
appassionano, il che non accade se mi guardo intorno
uscendo di casa”.
RUMOREMAG.COM | 53
P L A
Y L I
S T 2
0 1 9
LE CL ASSIFICHE
DELL A REDAZIONE
2019 LE CLASSIFICHE DELLA REDAZIONE
NICHOLAS DAVID ALTEA
1 · DIIV DECEIVER
2 · SLOWTHAI NOTHING GREAT ABOUT BRITAIN
3 · BLACK MIDI SCHLAGENHEIM
4 · PURPLE MOUNTAINS PURPLE MOUNTAINS
5 · CATERINA BARBIERI ECSTATIC
COMPUTATION
6 · CLIPPING. THERE EXISTED AN ADDICTION...
7 · FONTAINES D.C. DOGREL
8 · QUERCIA DI TUTTE LE COSE CHE ABBIAMO...
9 · URALI GHOSTOLOGY
10 · ALESSANDRO CORTINI VOLUME MASSIMO
ANTONIO BELMONTE
1 · FONTAINES D.C. DOGREL
2 · YANN TIERSEN ALL
3 · NICK CAVE AND THE BAD SEEDS GHOSTEEN
4 · EVI VINE BLACK LIGHT WHITE DARK
5 · WEYES BLOOD TITANIC RISING
6 · TINDERSTICKS NO TREASURE BUT HOPE
7 · THE TWILIGHT SAD I WON’T BE LIKE THIS...
8 · UMBERTO MARIA GIARDINI FORMA MENTIS
9 · STILLE VOLK MILHARIS
10 · BE FOREST KNOCTURNE
LETIZIA BOGNANNI
1 · NICK CAVE AND THE BAD SEEDS GHOSTEEN
2 · THE NATIONAL I AM EASY TO FIND
3 · THE MURDER CAPITAL WHEN I HAVE FEARS
4 · FONTAINES D.C. DOGREL
5 · DIIV DECEIVER
6 · BIG THIEF TWO HANDS
7 · PURPLE MOUNTAINS PURPLE MOUNTAINS
8 · ANGEL OLSEN ALL MIRRORS
9 · BON IVER I,I
10 · CHELSEA WOLFE BIRTH OF VIOLENCE
ARTURO COMPAGNONI
1 · COMET GAIN FIRERAISERS FOREVER!
2 · ORVILLE PECK PONY
3 · FONTAINES D.C. DOGREL
4 · MASSIMO VOLUME IL NUOTATORE
5 · SLEATER-KINNEY THE CENTER WON'T HOLD
6 · STROPPIES WHOOSH
7 · JULIE'S HAIRCUT IN THE SILENCE ELECTRIC
8 · ROYAL TRUX WHITE STUFF
9 · FERRO SOLO ALMOST MINE...
10 · BIG THIEF TWO HANDS
DIEGO BALLANI
1 · FONTAINES D.C. DOGREL
2 · DIIV DECEIVER
3 · TOY HAPPY IN THE HOLLOW
4 · EX HEX IT’S REAL
5 · GIRL BAND THE TALKIES
6 · LOWER DENS THE COMPETITION
7 · JENNY HVAL THE PRACTICE OF LOVE
8 · DRAB MAJESTY MODERN MIRROR
9 · TIM PRESLEY'S WHITE FENCE I HAVE TO
FEED LARRY’S HAWK
10 · SWERVEDRIVER FUTURE RUINS
ALESSANDRO
BESSELVA AVERAME
1 · VANISHING TWIN THE AGE OF IMMUNOLOGY
2 · CHARLES HAYWARD BEGIN ANYWHERE
3 · SANDRO PERRI SOFT LANDING
4 · JUSTIN HOPPER & SHARRON KRAUS...
CHANCTONBURY RINGS
5 · DANIEL THORNE LINES OF SIGHT
6 · LAND OF KUSH SAND ENIGMA
7 · RUSTIN MAN DRIFT CODE
8 · 75 DOLLAR BILL I WAS REAL
9 · IFRIQIYYA ELECTRIQUE LAYLET EL BOOREE
10 · FIRE! ORCHESTRA ARRIVAL
CLAUDIA BONADONNA
1 · C'MON TIGRE RACINES
2 · NILÜFER YANYA MISS UNIVERSE
3 · THESE NEW PURITANS INSIDE THE ROSE
4 · VAMPIRE WEEKEND FATHER OF THE BRIDE
5 · COMA_COSE HYPE AURA
6 · PIXIES BENEATH THE EYRIE
7 · LA BATTERIA LA BATTERIA II
8 · APPARAT LP5
9 · SLEAFORD MODS ETON ALIVE
10 · ALDOUS HARDING DESIGNER
STEFANO D'ELIA
1 · THE MURDER CAPITAL WHEN I HAVE FEARS
2 · THOM YORKE ANIMA
3 · THE NATIONAL I AM EASY TO FIND
4 · BON IVER I,I
5 · THE CINEMATIC ORCHESTRA TO BELIEVE
6 · FONTAINES D.C. DOGREL
7 · FLYING LOTUS FLAMAGRA
8 · LIBERATO LIBERATO
9 · CHEMICAL BROTHERS NO GEOGRAPHY
10 · JAMES BLAKE ASSUME FORM
@ ru m o re m agaz i ne
ALESSANDRO BARONCIANI
1 · PIXIES BENEATH THE EYRIE
2 · GOMMA SACROSANTO
3 · LITURGY H.A.Q.Q.
4 · BE FOREST KNOCTURNE
5 · KING GIZZARD... INFEST THE RATS' NEST
6 · TRE ALLEGRI RAGAZZI MORTI SINDACATO
DEI SOGNI
7 · MASSIMO VOLUME IL NUOTATORE
8 · STORM(O) FINIS TERRAE
9 · COMA_COSE HYPE AURA
10 · METRONOMY FOREVER
MAURIZIO BLATTO
1 · KEVIN MORBY OH MY GOD
2 · PURPLE MOUNTAINS PURPLE MOUNTAINS
3 · MASSIMO VOLUME IL NUOTATORE
4 · DIIV DECEIVER
5 · WILLIAM BASINSKI ON TIME OUT OF TIME
6 · PAOLO SPACCAMONTI VOLUME QUATTRO
7 · BELLE AND SEBASTIAN DAYS OF THE
BAGNOLD SUMMER
8 · CARLA DAL FORNO LOOK US SHARP
9 · MYSTERY LIGHTS TOO MUCH TENSION!
10 · THE SPECIALS ENCORE
CARLO BORDONE
1 · KATE TEMPEST THE BOOK OF TRAPS...
2 · WEYES BLOOD TITANIC RISING
3 · PURPLE MOUNTAINS PURPLE MOUNTAINS
4 · TROPICAL FUCK STORM BRAINDROPS
5 · MOURNING [A] BLKSTAR RECKONING
6 · BRITTANY HOWARD JAIME
7 · BILL CALLAHAN SHEPHERD IN A SHEEPSKIN...
8 · MEGA BOG DOLPHINE
9 · ANGEL BAT DAWID - THE ORACLE
10 · BCUC – THE HEALING
STEFANO FANTI
1 · NICK CAVE AND THE BAD SEEDS GHOSTEEN
2 · LINGUA IGNOTA CALIGULA
3 · ALEXANDER TUCKER GUILD OF...
4 · TORCHE ADMISSION
5 · CHELSEA WOLFE BIRTH OF VIOLENCE
6 · FULL OF HELL WEEPING CHOIR
7 · NIVHEK AFTER ITS OWN DEATH...
8 · OOZING WOUND HIGH ANXIETY
9 · PURPLE MOUNTAINS PURPLE MOUNTAINS
10 · KING GIZZARD... INFEST THE RATS' NEST
RUMOREMAG.COM | 55
 2019 LE CLASSIFICHE DELLA REDAZIONE
MAURO FENOGLIO
1 · BIG THIEF U.F.O.F.
2 · SOLANGE WHEN I GET HOME
3 · NICK CAVE AND THE BAD SEEDS GHOSTEEN
4 · TYLER, THE CREATOR IGOR
5 · DIIV DECEIVER
6 · THE CARETAKER EVERYWHERE AT THE END...
7 · PAOLO SPACCAMONTI VOLUME QUATTRO
8 · CHROMATICS CLOSER TO GREY
9 · KATE TEMPEST THE BOOK OF TRAPS...
10 · LIBERATO LIBERATO
FRANCESCO FARABEGOLI
1 · PURPLE MOUNTAINS PURPLE MOUNTAINS
2 · THE AUSTERITY PROGRAM BIBLE SONGS I
3 · ANGIE MCMAHON SALT
4 · ANGEL OLSEN ALL MIRRORS
5 · USA NAILS LIFE CINEMA
6 · CLEVER SQUARE CLEVER SQUARE
7 · BLACK MIDI SCHLAGENHEIM
8 · LINGUA IGNOTA CALIGULA
9 · TRIGGER CUT BUSTER
10 · FIRE! ORCHESTRA ARRIVAL
LUCA GRICINELLA
1 · SOLANGE WHEN I GET HOME
2 · FLYING LOTUS FLAMAGRA
3 · FONTAINES D.C. DOGREL
4 · BLU & OH NO A LONG RED HOT LOS ANGE-
LES SUMMER NIGHT
5 · PHOET BROKEN SYMMETRY
6 · GREYHAT TENS
7 · SHUNGU A BLACK MARKET ALBUM
8 · LENZMAN BOBBY
9 · FREDDIE GIBBS & MADLIB BANDANA
10 · JAMILA WOODS LEGACY! LEGACY!
STEFANO MORELLI
1 · JAZ COLEMAN MAGNA INVOCATIO
2 · TOOL FEAR INOCULUM
3 · LINGUA IGNOTA CALIGULA
4 · VINCENZO ZITELLO ARCANA–ANIMA MUNDI
5 · PENCEY SLOE DON'T BELIEVE, WATCH OUT
6 · AMBER ASYLUM/VOLUR BREAKER OF RINGS...
7 · NICK CAVE AND THE BAD SEEDS GHOSTEEN
8 · STALINGRAD VALKYRIE MARTYRIUM...
9 · JAMBINAI ONDA
10 · SWANS LEAVING MEANING
56 | RUMOREMAG.COM
PAOLO FERRARI
1 · J.P. BIMENI & THE BLACK BELTS FREE ME
2 · KOKOKO! FONGOLA
3 · BURNA BOY AFRICAN GIANT
4 · COMBO CHINGUITA AHOMALE
5 · COMA_COSE HYPE AURA
6 · SOLANGE WHEN I GET HOME
7 · JOE ARMON-JONES TURN TO CLEAR VIEW
8 · THE GOOD ONES RWANDA, YOU SHALL BE...
9 · PAOLO SPACCAMONTI - VOLUME QUATTRO
10 · RAPHAEL SAADIQ - JIMMY LEE
LUCA FRAZZI
1 · MOLCHAT DOMA ETAZHI
2 · PROTO IDIOT FIND OUT FOR THEMSELVES
3 · ALLAH-LAS LAHS
4 · MOOON SAFARI
5 · PSCIENCE PSCIENCE
6 · BACKDOOR SOCIETY THE BACKDOOR...
7 · TOY SONGS OF CONSUMPTION
8 · MAURIZIO CURADI PHONORAMA
9 · THE WINSTONS SMITH
10 · ZAC ZAC
ROSSANO LO MELE
1 · MICHELE BITOSSI A NOI DUE
2 · UNLOVED HEARTBREAK
3 · NICK CAVE AND THE BAD SEEDS GHOSTEEN
4 · LANA DEL REY NORMAN FUCKING...
5 · THESE NEW PURITANS INSIDE THE ROSE
6 · BIG THIEF U.F.O.F.
7 · THE NATIONAL I AM EASY TO FIND
8 · EX HEX IT'S REAL
9 · PURPLE MOUNTAINS PURPLE MOUNTAINS
10 · COMA_COSE HYPE AURA
LUIGI MUTARELLI
1 · LINGUA IGNOTA CALIGULA
2 · NICK CAVE AND THE BAD SEEDS GHOSTEEN
3 · HOUSEWIVES TWILIGHT SPLENDOUR
4 · HELADO NEGRO THIS IS HOW YOU SMILE
5 · PURPLE MOUNTAINS PURPLE MOUNTAINS
6 · TIM PRESLEY'S WHITE FENCE I HAVE TO...
7 · KYLE BOBBY DUNN FROM HERE...
8 · CATERINA BARBIERI ECSTATIC...
9 · BIG THIEF TWO HANDS
10 · DEERHUNTER WHY HASN'T EVERYTHING...
@ ru m o re m a ga z ine
DANIELE FERRIERO
1 · ZONAL WRECKED
2 · GNOOMES MU!
3 · DTHED HYPERBEATZ VOL.1
4 · JOEY LABEIJA TEARS IN MY HENNESSY
5 · CONSUMER ELECTRONICS AIRLESS SPACE
6 · FIRE-TOOLZ FIELD WHISPERS (INTO THE
CRYSTAL PALACE)
7 · LAFAWNDAH ANCESTOR BOY
8 · SLIKBACK TOMO
9 · MOA PILLAR WELL-BALANCED ROLLBACK
10 · KABLAM CONFUSÍA
MANUEL GRAZIANI
1 · PIST IDIOTS TICKER
2 · AMYL AND THE SNIFFERS AMYL AND THE...
3 · TROPICAL FUCK STORM BRAINDROPS
4 · URANIUM CLUB THE COSMO CLEANERS
5 · DOTS WEEKEND OFFENDER
6 · WIVES SO REMOVED
7 · THE STROPPIES WHOOSH!
8 · ET EXPLORE ME SHINE
9 · JEREMY TUPLIN PINK MIRROR
10 · WOLFMANHATTAN PROJECT BLUE GENE...
STEFANO MANZI
1 · NICK CAVE AND THE BAD SEEDS GHOSTEEN
2 · BON IVER I,I
3 · PAOLO SPACCAMONTI VOLUME QUATTRO
4 · TORCHE ADMISSION
5 · SUNN O))) LIFE METAL
6 · CHELSEA WOLFE BIRTH OF VIOLENCE
7 · RACONTEURS HELP US STRANGER
8 · ZU TERMINALIA AMAZONIA
9 · APPARAT LP5
10 · SWANS LEAVING MEANING
GIONA A. NAZZARO
1 · THE COMET IS COMING TRUST IN THE
LIFEFORCE OF THE DEEP MYSTERY
2 · BRITTANY HOWARD JAIME
3 · SOLANGE WHEN I GET HOME
4 · TYLER, THE CREATOR IGOR
5 · THOM YORKE ANIMA
6 · WEYES BLOOD TITANIC RISING
7 · BLACK MIDI SCHLAGENHEIM
8 · LIBERATO LIBERATO
9 · RACHID TAHA JE SUIS AFRICAIN
10 · VAMPIRE WEEKEND FATHER OF THE...
2019 LE CLASSIFICHE DELLA REDAZIONE
MARCO PECORARI
1 · PAOLO SPACCAMONTI VOLUME QUATTRO
2 · DJ CEFFO BRUTTI CEFFI MIXTAPE
3 · YONIC SOUTH WILD COBS
4 · MURUBUTU TENEBRA È LA NOTTE
5 · ADRIANO ZANNI RICORDO QUASI TUTTO
6 · LA BATTERIA LA BATTERIA II
7) MAI MAI MAI NEL SUD
8) ZU TERMINALIA AMAZONIA
9) JULINKO NÉKTAR
10) LIBERATO LIBERATO
FERNANDO RENNIS
1 · FOALS EVERYTHING NOT ...
2 · ANGEL OLSEN ALL MIRRORS
3 · FONTAINES D.C. DOGREL
4 · THE NATIONAL I AM EASY TO FIND
5 · NICK CAVE AND THE BAD SEEDS GHOSTEEN
6 · JAMES BLAKE ASSUME FORM
7 · KATE TEMPEST THE BOOK OF TRAPS...
8 · DAVE PSYCHODRAMA
9 · SLOWTHAI NOTHING GREAT ABOUT BRITAIN
10 · THOM YORKE ANIMA
CLAUDIO SORGE
1 · LINGUA IGNOTA CALIGULA
2 · MAMMOTH WEED... YN OI I ANNWN
3 · ROYAL TRUX WHITE STUFF
4 · THE COMET IS COMING TRUST IN THE...
5 · TOY HAPPY IN THE HOLLOW
6 · WITCHERS CREED AWAKENED FROM...
7 · CHELSEA WOLFE BIRTH OF VIOLENCE
8 · TOOL FEAR INOCULUM
9 · NEBULA HOLY SHIT
10 · DEAFKIDS METAPROGRAMAÇÃO
GIORGIO VALLETTA
1 · SOLANGE WHEN I GET HOME
2 · THE COMET IS COMING TRUST IN THE...
3 · TYLER, THE CREATOR IGOR
4 · JPEGMAFIA ALL MY HEROES ARE CORNBALLS
5 · MOODYMANN SINNER
6 · RAPHAEL SAADIQ JIMMY LEE
7 · BRITTANY HOWARD JAIME
8 · FKA TWIGS MAGDALENE
9 · SLOWTHAI NOTHING GREAT ABOUT BRITAIN
10 · LIBERATO LIBERATO
ANDREA POMINI
1 · JAIMIE BRANCH FLY OR DIE II...
2 · DAMON LOCKS BLACK MONUMENT
ENSEMBLE WHERE FUTURE UNFOLDS
3 · BCUC THE HEALING
4 · SARATHY KORWAR MORE ARRIVING
5 · THE COMET IS COMING TRUST IN THE...
6 · LIBERATO LIBERATO
7 · MASSIMO VOLUME IL NUOTATORE
8 · MAURICE LOUCA ELEPHANTINE
9 · THE ART ENSEMBLE OF CHICAGO WE ARE...
10 · TRIBE OF COLIN AGE OF AQUARIUS
MARIO RUGGERI
1 · CLUTCH BOOK OF BAD DECISIONS
2 · SPIDERGAWD V
3 · DEAFKIDS METAPROGRAMAÇÃO
4 · THE PILGRIM WALKING INTO THE FOREST
5 · CAVE IN FINAL TRANSMISSION
6 · OPETH IN CAUDA VENENUM
7 · AIRBOURNE BONESHAKER
8 · TOOL FEAR INOCULUM
9 · GREEN LUNG WOODLAND RITES
10 · VENOM PRISON SAMSARA
DORIANA TOZZI
1 · IGGY POP FREE
2 · THE NATIONAL I AM EASY TO FIND
3 · NICK CAVE AND THE BAD SEEDS GHOSTEEN
4 · DIIV DECEIVER
5 · TOOL FEAR INOCULUM
6 · MILLENCOLIN SOS
7 · WILCO ODE TO JOY
8 · ANGEL OLSEN ALL MIRRORS
9 · MOTORPSYCHO THE CRUCIBLE
10 · RACONTEURS HELP US STRANGER
SIMONA VENTRELLA
1 · VAMPIRE WEEKEND FATHER OF THE BRIDE
2 · BIG THIEF U.F.O.F.
3 · DIIV DECEIVER
4 · WILCO ODE TO JOY
5 · ANGEL OLSEN ALL MIRRORS
6 · ALDOUS HARDING DESIGNER
7 · PALACE LIFE AFTER
8 · PURPLE MOUNTAINS PURPLE MOUNTAINS
9 · VIRGINIANA MILLER THE UNREAL MCCOY
10 · THE NATIONAL I AM EASY TO FIND
@ ru m o re m agaz i ne
ANDREA PREVIGNANO
1 · SAINT ABDULLAH MECHANICAL FLIRTATIONS
2 · KUKANGENDAI PALM
3 · DTHED HYPERBEATZ VOL.1
4 · KIM GORDON NO HOME RECORD
5 · BIG STICK LP
6 · CHARLES HAYWARD BEGIN ANYWHERE
7 · ZONAL WRECKED
8 · PHARMAKON DEVOUR
9 · AA.VV. BC 35 VOLUME TWO
10 · BLACK TO COMM SEVEN HORSES...
BARBARA SANTI
1 · GIOVANNI TRUPPI POESIA E CIVILTÀ
2 · MASSIMO VOLUME IL NUOTATORE
3 · SUCCI CARNE CRUDA A COLAZIONE
4 · COMA_COSE HYPE AURA
5 · MICHELE BITOSSI A NOI DUE
6 · UMBERTO MARIA GIARDINI FORMA MENTIS
7 · EDDA FRU FRU
8 · CESARE BASILE CUMMEDDIA
9 · NADA È UN MOMENTO DIFFICILE, TESORO
10 · PARANOIA GODARD CONCEZIONE
ANDREA VALENTINI
1 · RACONTEURS HELP US STRANGER
2 · MEAT PUPPETS DUSTY NOTES
3 · BOB MOULD SUNSHINE ROCK
4 · THE WATERBOYS WHERE THE ACTION IS
5 · IMPERIAL WAX GASTWERK SABOTEURS
6 · PERE UBU THE LONG GOODBYE
7 · CRAIG FINN I NEED A NEW WAR
8 · PIXIES BENEATH THE EYRIE
9 · IGGY POP FREE
10 · TOOL FEAR INOCULUM
FRANCESCO VIGNANI
1 · PURPLE MOUNTAINS PURPLE MOUNTAINS
2 · THE COMET IS COMING TRUST IN THE...
3 · BIG THIEF TWO HANDS
4 · VAMPIRE WEEKEND FATHER OF THE BRIDE
5 · JAMES BLAKE ASSUME FORM
6 · WEYES BLOOD TITANIC RISING
7 · SLOWTHAI NOTHING GREAT ABOUT BRITAIN
8 · KOKOKO! FONGOLA
9 · THE MOUNTAIN GOATS IN LEAGUE...
10 · SANDRO PERRI SOFT LANDING
RUMOREMAG.COM | 57
 DA SEMPRE TI ACCOMPAGNANO ALLA SCOPERTA
DI TUTTO CIÒ CHE RUOTA ATTORNO AL NOSTRO MONDO

DISCHI DIMENTICATI, CINEMA, COLONNE SONORE, RISTAMPE

A GENNAIO E A LUGLIO IN SUPPLEMENTO AL NUMERO

80 PAGINE TUTTE DA LEGGERE!

SE TI SEI PERSO QUALCUNA DELLE USCITE HAI ANCORA LA POSSIBILITÀ

DI RECUPERARLE, TUTTI I NUMERI ARRETRATI E LE GUIDE PRATICHE
SONO DISPONIBILI NEL NOSTRO STORE:

RUMOREMAG.COM
CALIBRO 35 KAZU MAKINO IDLES THE BLACK LIPS THE GAME MORTIIS

SAULT
60

PA L E S A I N T S A LG I E R S T E R R Y A L L E N T H E D I N I N G R O O M S T H E O PA R R I S H

R E C E N S I O N I
219 DIS CH I TRAT TATI GENNAIO 2020 ru m o re m a ga z i n e

T HE O R WELLS BE N WAT T

65 61

M AS S I M O VOLU ME T HE CAV E M E N STORMZ Y SQ UADRA O MEGA PRI NCE MOT TA

DISCO DEL MESE GENNAIO 2020
IL NUMERO PERFETTO
SAULT
7 Time), questa nuova sequenza di dieci
FOREVER LIVING ORIGINALS
Dell’album di debutto di questa entità
musicale britannica - 5, inizialmente
pubblicato in digitale nello scorso
maggio, prima dell’edizione in vinile
- aveva parlato in termini positivi
qualche mese fa sulle nostre pagine
Mauro Fenoglio. Non soltanto (e non
prevalentemente) i contorni misteriosi
del progetto, ma le peculiarità musicali
associate all’effetto passaparola
hanno fatto dei Sault uno dei nomi più
chiacchierati fra le novità della scena
60 | RUMOREMAG.COM
SAULT
sotterranea d’Oltremanica nell’anno
appena concluso. A incrementarne la
visibilità ci ha poi pensato un secondo
album, inopinatamente uscito prima
ancora che finisse il 2019, e in grado
di fornire ulteriori dettagli sulle
caleidoscopiche influenze di quello che
secondo i bene informati sarebbe un
trio. Di cui farebbe parte il musicista
londinese Dean “Inflo” Josiah Cover,
già stretto collaboratore dei Jungle e
coproduttore degli ultimi due album di
Michael Kiwanuka.
Se in 5 l’apertura era affidata a una
coppia di brani killer (il bizzarro post
punk tropicale di Up All Night e il
groove afro funk di Don’t Waste My
pezzi è introdotta dal trascinante
incedere percussivo di Over,
reminiscente del Beck anni 90 più beat,
svagato e surreale. Nelle successive No
Bullshit e Smile And Go emerge con
decisione uno degli aspetti principali
del suono dei Sault, ovvero l’esplosiva
combinazione fra contagiose linee
di basso, beat funkeggianti, melodie
infantili cantate in distorsione ed
elementi R&B. Al contrario, l’umore
cupo di Living In America è espresso
attraverso un basso alla Joy Division e
umori dub: non a caso gruppi seminali
DI GIORGIO VALLETTA
come Liquid Liquid e ESG sono fra
quelli citati più spesso quando si cerca
di descrivere lo stile di questa band.
Il tutto è sempre espresso con una
nitidezza e un minimalismo negli
elementi musicali che vengono
assemblati (l’esempio più estremo è
Smile And Go), in maniera da ottenere
un risultato perfettamente funzionale
all’urgenza comunicativa del progetto.
Dopo la melodia arabeggiante di Tip
Toe, la seconda parte del disco è tutta
in crescendo. L’intenso e toccante blues
suburbano di Threats rappresenta
un altro momento spiazzante, prima
che Red Lights si metta a giocare di
rimbalzi vocali sopra un’avvincente e
fitta trama di ritmi elettronici spezzati.
E la conclusiva Waterfalls fa del suo
concentrico loop armonico magnifica
virtù, proponendosi sorprendentemente
come un’ideale variazione sul tema dello
spleen di casa Portishead. Nell’attesa
di un segnale che li faccia finalmente
uscire dall’ombra e li sottragga all’unica
(per ora) dimensione di “progetto da
studio di registrazione”, 7 conferma
le formidabili qualità e la visionaria
versatilità dei Sault.
90/100
RECENSIONI GLI ALBUM GENNAIO 2020

AA.VV. AA.VV.
DJ-KICKS: KAMAAL WILLIAMS KINSHASA 1978
!K7 MUSIC CRAMMED

La nuova scena jazz inglese Era il 1978 quando Bernard Tre-

ribadisce di avere un legame
stretto con la club culture tra-
mite questo nuovo capitolo di
Dj Kicks, serie in pista dal ’95 e
sempre attenta alle evoluzioni.
Il polistrumentista Kamaal Wil-
liams mixa, senza virtuosismi,
jazz, soul e funk con i ritmi
elettronici, pescando soprattutto
nell’underground londinese.
Broken beat, house, hip hop,
drum’n’bass e altri ritmi sono
per lo più rappresentati da brani
che hanno quasi sempre un ele-
ton andò a Kinshasa e registrò
quattro gruppi che incrociavano
tradizione e futuro, con mezzi di
fortuna e potenza psichedelica
enorme. Nel 1986 ne uscì un
album, Zaïre: Musiques Urbai-
nes À Kinshasa, oggi storico per-
ché uno dei gruppi si chiamava
Konono N°1, e sarebbe diventato
un caso mondiale 18 anni dopo.
Ma Congotronics era tutto già
lì, e in queste quattro outtake
dell’epoca, una per gruppo: abra-
sivi e ipnotici come una Sister

mento antitradizionalista. Come
testimoniano anche i tre pezzi
che firma con il suo altro nome
Henry Wu, Williams è uno dei
portavoce di un fermento artisti-
co aperto a ogni contaminazione
culturale e di genere. Così, si
ha l’impressione che dietro i 29
brani di questo mix ci sia sempre
un artista con una visione aperta
della musica.
LUCA GRICINELLA
75/100
ACID MAMMOTH
UNDER ACID HOOF
HEAVY PSYCH SOUNDS
Cosa ci può essere di nuovo an-
cora in un gruppo che si ispira ai
Black Sabbath? Be’, dipende. Nel
caso dei greci Acid Mammoth -
nei quali militano padre e figlio,
Chris Babalis Jr. e Chris Babalis
Sr. - ci sono una freschezza e
una potenza inusitate, e tutto,
badate, fatto nella massima (mo-
numentale) semplicità di ispi-
razione. In questo loro secondo
album ogni canzone pare stare
incredibilmente dentro i due ac-
cordi che inaugurarono un‘epo-
ca: quelli di Black Sabbath. Ov-
viamente lo stile è riconoscibile
come Acid Mammoth sound:
Chris Jr. canta con tagliente e
monotono livore, mentre le due
mammoth guitars di Chris Jr. e
Sr. inanellano cupi e bombastici
riff sull’orlo di un precipizio go-
tico. Tutto ti avvolge in una lenta
spira mega fuzzdoom, tra spazi
di silenzi e tenebre.
CLAUDIO SORGE
79/100
Ray tropicale, i 28’10” di Min-
giedi e soci si stagliano sul resto
(Sankayi, Orchestre Bambala,
Orchestre Bana Luya), molto
bello ma inevitabilmente più
normale. Non solo: per le quat-
tro reconstructions in chiave
dance torna in pista addirittura
un produttore e DJ storico come
Martin Meissonnier, in gran
forma, e la festa è completa.
ANDREA POMINI
83/100
ANIMAL COLLECTIVE
BALLET SLIPPERS
DOMINO
Una band fotografata all’apice
del suo gioco. Per i dieci anni
del classico Merriwheater Post
Pavilion, Panda Bear ripropone
quell’epopea nella sua forma più
esaltante. È lui che cura perso-
nalmente la ricostruzione di un
concerto, con brani catturati da
varie date del tour americano di
quell’indimenticabile 2009. Tre
postazioni per macchine, oscil-
latori e tastierine, come totem di
un’esperienza mistica e lisergica.
In cui estratti dal periodo d’oro
(dagli album Sung Tongs, Straw-
berry Jam, Feels, oltre a MPP),
diventano passaggi rituali di
un’esperienza iniziatica. Un blob
tecnoancestrale, che si alimenta
di glitch, voci rubate alla foresta
e basse frequenze. I 20 minuti di
Lablakely Dress / Fireworks, la
monumentale apoteosi di un’av-
ventura avant, che non ha ancora
trovato eredi plausibili.
MAURO FENOGLIO
80/100
BEN WATT
STORM DAMAGE
UNMADE ROAD/CAROLINE
A completare idealmente
la trilogia aperta nel 2014
da Hendra e proseguita
un paio d’anni dopo con
Fever Dream, suona
particolarmente ispirato
il nuovo lavoro solista del
56enne musicista londinese,
tuttora soprattutto noto
per esser stato metà degli
Everything But The Girl.
A precederlo e in qualche
modo influenzarlo sono stati
un lutto personale (la morte
improvvisa del fratellastro) e i recenti eventi britannici che
Watt stesso descrive come fonte della sua “rabbia politica”.
I due aspetti sembrano mescolarsi nei toni dolenti e
profondamente malinconici di Summer Ghosts, mentre Retreat
To Find si rifà egregiamente a certo folk rock britannico. Non
è un mistero che John Martyn sia una delle sue influenze
dichiarate, e il corposo, nuovo suono che veste queste canzoni
pare a tratti reminiscente - nonostante la sottile combinazione
fra suoni acustici ed elettronici - degli arrangiamenti di alcuni
dei più celebrati lavori di quest’ultimo. Ma in queste dieci
canzoni non c’è soltanto la descrizione del travaglio emotivo
affrontato per superare i danni causati dalla tempesta a cui
allude il titolo. Pubblicata come anticipazione verso la fine del
2019, Irene è una vera gemma dall’atmosfera unica e carica
di magia, complici la chitarra e le armonie vocali di Alan
Sparhawk (dei Low). Una canzone sulla forza della nostalgia
e sul rapporto fra artista e pubblico, oltre a rappresentare
una fotografia della brutalità del cambiamento sociale,
anche nel modo in cui investe le scene musicali. La segue
opportunamente in scaletta la liberatoria e altrettanto toccante
Sunlight Follows The Night. Mentre in chiusura ci sono solo
il pianoforte e un violoncello ad accompagnare la voce di Ben
quando canta dell’eterno potere taumaturgico della musica
nella splendida e commovente Festival Songs.
GIORGIO VALLETTA
87/100
RUMOREMAG.COM | 61
 APOCALYPTICA
CELL-0
SILVER LINING
Il quartetto finlandese non
manca di ammaliare anche in
quest’occasione. Difatti, l’ele-
ganza in cui convergono stilemi
neo classici e metal rintraccia
una singolare definizione came-
ristico/cinematica. Cell-0 espri-
me addirittura un’urgenza più
ampia, che ben si traduce nella
scelta di omettere il contributo
vocale lasciando così libero spa-
zio al solo registro strumentale.
Come in un classico quadro sin-
fonico o neo progressivo, a ben
vedere. Troviamo soprattutto
ALGIERS
la volontà di tratteggiare, su di
un piano simbolico espressivo,
un orizzonte che è avvisaglia
rispetto al decadimento attuale
e incita verso armonizzazioni
“fortissime”, in termini di li-
rismo e potenza formale (da
THERE IS NO YEAR Ashes To The Modern World a
MATADOR Fire & Ice, passando per Rise e
Catharsis).
STEFANO MORELLI
Di pessimismo ce n’è quanto 90/100
basta in giro, ma ascoltando
gli Algiers sale l’ottimismo:
affrontare la musica e vivere
senza troppi eccessi, perché
poi alla fine è il messaggio
che conta. L’attacco
martellante della title track
riposiziona al centro di
tutto un beat addensato di
drum machine, contornato
da atmosfere primordiali BEAT CITY TUBEWORKS
rafforzate da un rigoglioso I JUST CANNOT BELIEVE
gospel contemporaneo. Il IT’S THE INCREDIBLE
THE SIGN
lavoro maggiore è stato fatto proprio su quel fronte, la parte
umana e gospel/soul, che dondola sulle note di Dispossession, La prima impressione è di tro-
mettendo in contatto Sud degli Stati Uniti e frantumazioni
varci di fronte a un clone degli
gotiche con l’ospitata di Mourning [A] BLKstar, band di
Hellacopters. Ma continuando
Cleveland. Si abbassano i giri ma senza perdere il groove con
ad ascoltare questi sciamannati
Hour Of The Furnaces, che si erge a manifesto globale citando
svedesi mi accorgo che c’è qual-
nel titolo uno storico film di puro attivismo sudamericano.
cosa di più. Che mi piace. Una
L’ex Bloc Party Matt Tong, alla batteria, ripensa lo strumento
in maniera intelligente, un percorso, il suo, che già si iniziava revisione totale, straordinaria-
a intuire in The Underside Of Power (2017). Losing Is Ours mente ben fatta di certo boogie
mette in campo tutta l’accresciuta sensibilità compositiva r’n’r marcato anni 70. Dove tutto
della band. Un rito di iniziazione che vola alto: sulla lunga parte dai riff di Chuck Berry (il
distanza le qualità di una band con le idee chiarissime già in primo brano Gravy Days ne è un
partenza appaiono ancor più palesi, ci si sfida su nuovi terreni. indiscutibile omaggio) e si evolve
Unoccupied riprende il suono più classico della band, per e passa per gli Stones, il Max’s
così dire, correndo su una base ritmica distorta. Con Chaka Kansas City di NY, la Sonic’s
entra in gioco il soul funk e Michael Jackson è vicino, prima Rendezvous Band di Detroit e
dell’incursione di fiati tutt’altro che gentili. Gli Algiers non ha una forza e uno swing tra-
strizzano mai l’occhio a chi vorrebbe che rendessero meno volgenti e arriva ad esser questa
destrutturato il loro suono. Un mezzo requiem/confessione nuova autonoma proposta: i
(Nothing Bloomed) e l’hardcore di Void chiudono il tutto. Gli Beat City Tubeworks, ennesimi
Algiers sono andati molto oltre, anche se probabilmente ci svedesi sulla strada infinita del
vorrà del tempo per accorgersene. rock’n’roll. Alla fine si può dire
NICHOLAS DAVID ALTEA che non di cloni si tratti, ma sì,
83/100 dei veri eredi degli Hellacopters.
Beat (City Tubeworks) goes on.
CLAUDIO SORGE
78/100
62 | RUMOREMAG.COM
A WINGED VICTORY
FOR THE SULLEN
THE UNDIVIDED FIVE
NINJA TUNE
L’accoppiata Dustin O’Halloran e
Adam Wiltzie si ripresenta dopo
cinque anni con un disco dove
il numero dispari ha una certa
importanza. Il titolo riprende la
“quinta giusta”, ossia l’intervallo
esistente tra due note, ovvero
sette semitoni. Il risultato è la
consonanza perfetta, che è un po’
il fil rouge che unisce da sempre
i due artisti classici americani. E
poi c’è l’astrattismo non solo so-
noro ma anche di riferimenti pit-
torici e spiritualisti che conver-
gono in Hilma Af Klint, pittrice
svedese, pioniera per l’appunto
della scuola spiritualista scandi-
nava. A Minor Fifth Is Made Of
Phantoms ne diviene l’esempio
lampante. Intrecci tra classica
moderna e ambient, che sfrutta-
no le influenze impressioniste di
Debussy palesate con Our Lord
Debussy. Gli AWVFTS son sem-
pre più vicini al divino.
NICHOLAS DAVID ALTEA
75/100
BIG SCENIC NOWHERE
VISION BEYOND HORIZON
HEAVY PSYCH SOUNDS
Gary Arce degli Yawning Man e
Bob Balch dei Fu Manchu sono i
due chitarristi che hanno messo
in piedi questo bel progetto. Il
loro scorrazzare in lungo e in
largo per i luoghi degli anni 90
stoner grunge psichedelici tra-
sforma questa loro ricognizione
in un racconto avvincente. Dai
QOTSA agli Screamin Trees, dai
Kyuss, ai Fu Manchu e ai Sound-
garden. La libertà e la creatività
nell’esplorare un suono che
diventa inafferrabile: ellittica-
mente psichedelico, eterogenea-
mente heavy. E poi i BSN sanno
scrivere canzoni intriganti. The
Glim è la bellissima apertura
(un incontro tra Mark Lanegan
e i QOTSA), ma pure seducono
l’acida visione pinkfloydiana ap-
pannata da vapori desertici di En
Las Sombres e la crepuscolare
eterea War Years. Sto già aspet-
tando il loro prossimo album.
CLAUDIO SORGE
80/100
RECENSIONI GLI ALBUM GENNAIO 2020
THE BLACK LIPS
SING... IN A WORLD THAT’S
FALLING APART
FIRE
Prima o poi ci arrivano quasi
tutti, al country. Da qui è facile
ridere dei suoi aspetti più pac-
chiani, ma su chi è cresciuto negli
Stati Uniti, integrato o ribelle
che sia, un potere di qualche tipo
deve esercitarlo per forza. Deve
essere comunque una presenza.
Anche reietti conclamati come
i Black Lips ci hanno flirtato
da sempre, ma in questo nono
album il genere diventa il canone
di riferimento, la fonte purifica-
trice dalla quale ripartire dopo
anni di eccessi, cambi di forma-
zione, ispirazione in lento decli-
no. Lì troviamo Cole Alexander,
Jared Swilley e soci, che nell’anno
del ventennale firmano canzoni
fresche e scorrevoli come non ca-
pitava loro da tempo. Più formali
forse, meno sbracate, ma dove
fra le pieghe - e fra echi punk,
rock’n’roll, garage e power pop -
si riconosce la mano di sempre.
ANDREA POMINI
78/100
BOMBAY BICYCLE CLUB
EVERYTHING ELSE
HAS GONE WRONG
CAROLINE INTERNATIONAL/ISLAND
Alcuni avevano pensato al peggio
dopo che, a inizio 2016, Jack
Steadman e soci avevano salu-
tato i fan prendendosi una poco
rassicurante “pausa a tempo in-
determinato”. A distanza di poco
tempo uscirono anche i lavori so-
listi di Steadman (con l’alter ego
di Mr Jukes) e del bassista Ed
Nash (con il progetto Toothless)
e tutto sembrava confermare i
timori. Invece a circa sei anni
di distanza da So Long, See You
Tomorrow i BBC sono tornati
con questo lavoro smentendo le
voci di uno scioglimento e mo-
strandosi anzi più in forma che
mai. La band non ha mutuato la
propria freschezza, che ancora
trasuda dalle melodie luminose e
dirette, ma con questo quinto LP
propone un songwriting più ma-
turo e definito, suggellato dalla
notevole produzione di John
Congleton.
DORIANA TOZZI
71/100
BOBKAT’65
BACK OFF ME
GET HIP
Per questo secondo album, ci
poteva essere il timore di una
mancanza di ispirazione, perché
era difficile riuscire a rimanere
sul pezzo, dopo un disco come
This Lonely Road: quella splen-
dida e struggente solitudine 60’s
punk; innocenza e totale incom-
petenza come uscivano magica-
mente da serie di compilation
come i Teenage Shutdown. E
invece i Bobkat’65 continuano
il sogno. Prodotto dal guru di
Detroit Jim Diamond, Back Off
Me è una collezione di canzoni
forse leggermente meno ingenue
e più decise e incisive nell’ap-
proccio, ma il mondo incantato
del Teenage Shutdown è ancora
tutto lì. Ci sono i pezzi jangle
tipici delle nostre come Snowing
In My Heart e quelli più attack
fuzz come Cry With Me. Dulcis
in fundo, un garage punk eterno
come Why (cover che rifecero
anche gli Outta Place).
CLAUDIO SORGE
80/100
BUFIMAN
ALBUMSI
DEKMANTEL
Noto anche come Wolf Müller e
con il suo vero nome (ad esem-
pio come compilatore due anni
fa della brillante raccolta Tro-
pical Drums Of Deutschland),
Jan Schulte debutta su album
anche con l’alias Bufiman, quello
che più guarda verso la pista da
ballo. Restano i riferimenti eso-
tico/percussivi, ma inseriti in un
contesto caleidoscopico e molto
balearico fatto di strumentazio-
ne, computer e campioni, in cui
reagiscono insieme a disco co-
smica, electro, synth pop, italo,
house, dub, arpeggi acidi, brea-
kbeat, psichedelia krauta e varie
altre cose. Sovente, anche dentro
la stessa traccia, ma senza che
l’insieme risulti dispersivo o
pasticciato. Anzi, al contrario:
c’è sempre una sorpresa ad at-
tenderci, in un viaggio di ben 81
minuti che parte da Düsseldorf
e arriva non si sa bene dove, ma
assai divertente.
ANDREA POMINI
80/100
PSYCH
PSYCH
TARABAN
HOW THE EAST WAS LOST
AUTOPRODUZIONE
Quello dei polacchi Taraban è un grandioso affresco
heavy psych fatto di atmosfere tempestose e dolci
ascensioni verso rarefatti empirei, grazie alla
versatilità dei singoli musicisti capaci di costruire
fantasmagorie barocche, ora eteree ora veicolate
da riff enfaticamente heavy. Per dare una vaga
idea: immaginate un fluire di eastern doom, Zeppelin cimiteriali
e Kadavar (vedi The Plague), in una sorta di aristocratico
struggimento che vibra sulle ali di un heavy blues denso e scuro.
Su cui si muove l’altrettanto versatile voce di Daniel Suder,
ipotetico anello di congiunzione tra (il primo) Bono Vox e Robert
Plant, quando intona il suo blues melodico dai riverberi liturgici e
ossianici. Forse a volte il tutto sembra un poco tracimare, ma per
ora è ancora splendidamente sotto controllo.
80/100
A CURA DI CLAUDIO SORGE
DESERT SUNS RAINBOWS ARE FREE
CARRY ON HEAD PAINS
ELECTRIC VALLEY ARGONAUTA
I Desert Suns Un vago
di San Diego approccio
sono una sorta canoro alla
di ipotetico Layne Staley
Blue Cheer (Alice In
meets Brant Chains),
Bjork calato nel nuovo inquieto e drammatizzato
millennio. Passano dal fuzz (con qualche eccesso in
rock più ipnotico ad atmosfere cadenze un po’ grottesche) è
psichedeliche da California ciò che caratterizza il sound
acida 60’s, a poderosi electric heavy blues psych di questa
blues (con harmonica). Spesso interessante formazione
trascinandosi in lunghi, dell’Oklahoma, che si infila,
ieratici excursus. Bravi, ma il a tratti, in tunnel dark
cantante si dovrebbe togliere echeggianti in alcuni momenti
quella traccia di Axl Rose… persino certi… Bauhaus
74/100 (Shapeshifter). Aulica (e
comunque non male) la cover di
The Nile Song dei Pink Floyd.
73/100
MOS GENERATOR AA.VV.
SPONTANEOUS COMBUSTIONS TURNED TO STONE CHPT. ONE
KOZMIK ARTIFACTZ RIPPLE MUSIC
Approfittando Split ad alto
di un momento livello tra gli
di pausa per le italiani Mr.
prove del loro Bison e gli
imminente tour americani
americano, i Spacetrucker.
Mos Generator registrano Tumultuosi psychonauti
“live in studio” alcuni wah wah i Mr. Bison, ma già
dei loro pezzi, lasciando conoscevano la loro valentia:
briglia sciolta alla fantasia e At The Gates Of Time è da
all’improvvisazione. Ne esce paura, tanto è bella nel suo
questo inaspettato album, che delirante post kyussismo. Più
getta una luce diversa sul loro spigolosi e fuzz dipendenti
usuale monolithic sound, che gli Spacetrucker, anche
ora appare meno monolitico, nei momenti più space,
grazie appunto a questa vedi Distant Earth. Devo
libertà di improvvisare in ammettere che le due band si
modalità space psych blues. completano perfettamente.
75/100 78/100
RUMOREMAG.COM | 63
HIP HOP

HIP HOP

COLDPLAY WILLIAM PATRICK

EVERYDAY LIFE CORGAN
PARLOPHONE COTILLIONS
THE GAME BMG
BORN 2 RAP Analogamente alla vicenda della
ENTERTAINMENT ONE “band da stadio” che hanno Vero, a freddo l’idea di un disco
Annunciato come l’ultimo album della carriera idealmente sostituito negli di pura Americana da parte di
(spoiler: mai credere ad un artista che annuncia ultimi decenni (ovviamente gli Corgan può sembrare al massi-
il ritiro) e della durata di 90 minuti esatti, Born U2), anche i più recenti dischi mo carne per macelleria social o
2 Rap è quasi più un film che un disco: una di Chris Martin e compagnia interessare quanto i gossip sulla
pellicola in due atti dove il rapper di Compton hanno via via perso la residua line-up degli Smashing Pum-
si racconta. Un grande disco, in più di un senso: rilevanza creativa. Vagamente pkins. Tanto più se il suo autore
moltissimi gli ospiti (Ed Sheeran, Anderson .Paak nel singolone ispirato dalle vicende mondiali come sempre affronta la faccenda
Stainless, lo scomparso Nipsey Hussle e 21 Savage, tra gli altri), di questi anni, Everyday Life con la febbre del convertito, fra i
innumerabili i produttori, ma quello che colpisce è la visione prova faticosamente a vincere la violini cajun di Jubilee o la pre-
che emana questo disco: lucidità, presa di coscienza, senso di diffidenza, con canzoni dall’u- messa che al disco hanno parteci-
appartenenza, orgoglio. “Chi lo fa meglio di me? Chi rappa more più raccolto nonostante pato alcuni dei migliori musicisti
meglio di me?” si domanda il nostro nella title track. C’è ancora la persistente vacuità dei testi, di Nashville. Senza indicarne il
tanta voglia di dimostrare di essere il migliore: l’hip hop è e con occasionali episodi fuori nome - sia mai che faccia ombra
proprio questo. dallo standard, come il gospel a quello in copertina - ma Cotil-
88/100 di Broken e l’intermezzo lo-fi di lions è in fondo il nipote trad del
WOTW/POTP. Ospiti quali Femi buon Ogilala del 2017: stessa la
A CURA DI DAVIDE AGAZZI Kuti e Stromae - nella coraggio- vena artistica, altrettanto asciutta
sa Arabesque - sostituiscono i nel lasciare brillare ballate col ta-
SMOKE DZA vari Avicii e Chainsmokers che glio del classico come Colosseum
X CURREN$Y DAVE EAST di recente avevano ulteriormen- o Like Lambs e altrettanto fertile,
PRESTIGE WORLDWIDE SURVIVAL te banalizzato il loro pop per le fortunatamente. Peccato solo per
RFC/JET LIFE/CINEMATIC MUSIC DEF JAM masse, ma il risultato comples- la scelta di allungare oltre l’ora
Disco che con- Classico disco sivo resta ancorato a una visione un disco che non ne sentiva il
ferma ma non che vuole musicale edulcorata e desueta. bisogno.
stupisce: in accontentare GIORGIO VALLETTA FRANCESCO VIGNANI
questo nuovo tutti, finendo 41/100 69/100
mixtape, che poi per non
vede il duo di emergere
nuovo assieme dopo il The realmente in niente: Dave
Stage EP del 2013, c’è tutto East confeziona un album
quello che vi sareste immagi- stracolmo di ospiti sia ai mi-
nati senza, forse, quel valore crofoni (Nas, Rick Ross) che
aggiunto che pure era lecito alle produzioni, finendone poi
attendersi. Resta un gran bel sommerso. Il tanto atteso de-
lavoro, tra due dei migliori butto lascia l’amaro in bocca,
della scena, sospeso fra accen- facendo intravedere quello che DOUGLAS DARE DISTANTIA
ni trap e fumose produzioni al poteva essere ma non è stato. MILKTEETH DISSIDENTE
sapore di kush, 25 minuti la Una sforbiciata al minutaggio ERASED TAPES INSURGENTES
durata del “viaggio”. Buono. (80’) non avrebbe fatto male.
78/100 60/100 Il terzo LP dell’artista inglese si Etichetta di Medellín, Colombia.
compone di 11 tracce di art pop Musica di un duo brasiliano mai
introspettivo dalle soffuse tinte conosciutosi di persona nei due
AA.VV. barocche in cui l’attitudine po- anni di lavorazione dell’album,
QUEEN & SLIM: GRISELDA etica e malinconica di Dare, pur diviso appunto dalla distanza di
THE SOUNDTRACK WWCD non abbandonando mai l’amato 3000 km che separa São Paulo
MOTOWN SHADY/INTERSCOPE pianoforte, sperimenta più da e Belém. Nella metropoli meri-
vicino anche i linguaggi di altri dionale agisce, anche come DJ
Fantastica L’approdo su
strumenti, come la chitarra o del noto party queer Mamba
colonna sono- major della
ra dal sapore crew più l’autoharp. Arricchite inoltre da Negra, Mariana Herzer; nella
assolutamente chiacchierata un approccio più cantautorale, le capitale del Pará, estremo nord,
soul, pensata del momento nuove composizioni dipingono il misterioso Blaming Waves. Ed
per andare ad è indolore: trame di chiaroscuri tra ambienti è incredibile come tutto suoni
accompagnare le immagini del Eminem sceglie di non rifare intimi, come la delicata Hea- fresco, intenso, perfettamente
debutto cinematografico di il trucco al trio di Buffalo, venly Bodies o l’impalpabile Silly cesellato e figlio di una visione
Melina Matsoukas: assoluta- che suona hardcore come ha Games, e composizioni più vicine nitidissima, come se dietro a
mente da segnalare il ritorno sempre fatto, rendendo quasi al precedente Aforger, come i Dissidente ci fosse una persona
su disco di Lauryn Hill con la impercettibile il passaggio a ricami rétro di The Joy In Sa- sola, a Londra. Perché la lingua
splendida Guarding The Gates una realtà mainstream. Bene rah’s Eyes o la zampillante The è quella urbana e militante,
e impossibile non citare la anche gli ospiti, col biondino Playground. Più di qualche eco fattasi passaparola globale, di
versione di Blood Orange del di Detroit che, curiosamen- chamber pop vive poi nel canone jungle e drum’n’bass, incrociata
classico dei Pharcyde (griffato te, risulta il più fuori posto: a due voci di una Red Arrows con grime e IDM, urgenza rit-
J Dilla) Runnin’. Davvero un amanti della New York di metà dal sapor di filastrocca o negli in- mica e melodie malinconiche
ottimo prodotto, fatelo vostro. anni 90 fatevi sotto, questo è termezzi strumentali The Piano burialiane, impeto e poesia, in
80/100 per voi. Room e The Window. Un disco sei tracce una più bella e creati-
75/100 che tocca l’anima. va dell’altra.
DORIANA TOZZI ANDREA POMINI
79/100 81/100
64 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM GENNAIO 2020

EMMA DJ BILL FAY FIELD MUSIC AOIFE NESSA FRANCES

KINGDOM ERA COUNTLESS BRANCHES MAKING A NEW WORLD LAND OF NO JUNCTION
LAVIBE DEAD OCEANS MEMPHIS INDUSTRIES BASIN ROCK

Al terzo album nel corso del
solo 2019, il produttore parigino
completa con Kingdom Era
una trilogia di debutto tanto
imperfetta e caotica quanto
intrigante. Il suono è esuberante,
volutamente senza punti di rife-
rimento, riconducibile tanto alla
techno più astratta e trasfigurata
quanto a certa IDM sognante. Le
11 brevi tracce, quasi tutte intor-
no ai tre minuti di durata, com-
binano atmosfere tese e cupezze
industriali, melodie sognanti e
schemi ritmici intricati, ora spez-
zati (la sospesa e quasi calorosa
Bidon) ora frenetici e martellanti
(Miguel Destroy, Riding Moby
In Brisbi), distorsione (Montser-
rat Hospitalities) e morbidezze
sintetiche (Harmonica Steel,
Zoos Chord). Con spazio anche
per momenti quasi ballabili nel
funk alieno di Moonrise Cépage,
e nello shuffle più dritto e incal-
zante di Surf Dog.
ANDREA POMINI
75/100
Il ritorno di Bill Fay, otto anni
fa, ha rappresentato una sorta
di simbolica rivincita per tutti i
Nick Drake vittime in vita di un
crudele oblio. A volte il tempo
è galantuomo, lo è stato pure
con l’empatica musa pervasa di
cosmica gentilezza del Nostro, e
qui, nel terzo capitolo della sua
seconda vita, che esce a 50 anni
dall’esordio, lo ritroviamo nelle
vesti più essenziali e spoglie di
sempre. Pochi strumenti oltre al
piano (produce ancora Joshua
Henry, alla chitarra il fidato
Matt Deighton), e una voce che
si è fatta più fragile ma continua
a risplendere regalando ac-
querelli stupefatti (Filled With
Wonder Once Again) e dialoghi
col silenzio (In Human Hands).
C’è anche una edizione deluxe
con versioni alternative e ripe-
scaggi live in studio. Love will
remain when knowledge has
passed away.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
85/100
Il problema con i fratelli David e
Peter Brewis è sempre lo stesso.
La loro musica avrebbe tutti i
presupposti per essere perfetta.
L’angolarità pop degli XTC che
incontra l’essenzialità sintetica
del primo Peter Gabriel. Insom-
ma, ingredienti ottimi, a cui
manca sempre il tocco d’autore,
che li leghi in una ricetta memo-
rabile. Il primo concept del duo
non fa la differenza. Il progetto
è ambizioso: la descrizione re-
trofuturistica degli effetti della
Prima Guerra Mondiale sulla so-
cietà novecentesca, attraverso le
innovazioni tecnologiche che la
seguirono. Dalle prime chirurgie
per il cambio di sesso, all’inven-
zione degli assorbenti. Compo-
sizioni più algide e marziali che
in passato, per tematiche anche
affascinanti, che però, ancora
una volta, privilegiano la forma
alla sostanza (musicale).
MAURO FENOGLIO
64/100
La circolarità quasi psichedelica
degli arpeggi di Geranium è l’ac-
cesso al mondo dei sogni della
cantautrice irlandese. Un esordio
dove le coordinate si perdono
nell’abbraccio fra la sei corde, la
voce ipnotica dell’autrice, archi
e tastiere, che entrano a sotto-
lineare intensità solo quando
necessita. Canzoni scritte lungo
gli anni. L’irrequietezza di certo
cantautorato contemporaneo
(Aldous Harding e Cate Le Bon).
La rugiada delle settimane astra-
li, che bagna il mistero vintage
dei Broadcast. Come la delicata
e aerea Blow Up, inno all’auto
determinazione femminile, ispi-
rata dal film di Antonioni. O la
dolcemente crepuscolare Here In
The Dark, che rivela il lavoro d’e-
quilibrio di Brendan Jenkinson
alle tastiere. Less Is More. Più
che un titolo per una canzone,
una dichiarazione d’intenti.
MAURO FENOGLIO
73/100

THE ORWELLS THE ORWELLS

AUTOPRODUZIONE

“I’ve played for thousands I’ve paid for thousands/And look at
me now/Same face you trusted/The same face you spit on/That
brought you around… Don’t talk to me/My song is playing/I
fucked up and I can’t fake it”, canta Mario Cuomo in No Apologies.
Parole che pesano come piombo, alla luce della valanga che ha
travolto il gruppo di Chicago a fine estate 2018: Cuomo e i fratelli
Henry e Grant Brinner (rispettivamente batterista e bassista)
sono stati accusati da alcune fan di abusi sessuali. A nulla è
valso rigettare le terribili accuse, che peraltro ad oggi non hanno
avuto alcuno sviluppo legale. Appena 48 ore dopo è arrivato il
laconico messaggio sui canali social del gruppo: “Gli Orwells si
sono sciolti”. Fine della corsa e silenzio totale per poco meno di
un anno. Nell’estate del 2019, senza preavviso, gli Orwells si sono
autoprodotti il nuovo album pubblicandolo su Reddit e YouTube. A
sei mesi di distanza, del suo contenuto non ne ha scritto nessuno,
nemmeno i blogger di quartiere. Si è assistito soltanto a una
selvaggia polarizzazione nei commenti. “Merde e stupratori” da una
parte, “Grandi… bentornati!” dall’altra. Non essendo io un giudice,
mi limito a dire che si tratta di un bell’album sotto l’aspetto
musicale e che i testi fanno davvero riflettere, fossero anche
un’ammissione di colpevolezza. La melodia dolente di Nightclub,
il delicato doo-wop esotico di Last Days In August, la tastiera a
metronomo dell’anima di All Cleaned Up, gli arpeggi trasognati
di Parade Of Legs segnano un netto distacco dai tempi del r’n’r
ormonale e degli eccessi. E questo è un fatto. A fine ottobre Mario
Cuomo ha annunciato il suo progetto solista, Villan., e l’uscita
imminente dell’album Dark Days For Rock & Roll di cui è possibile
ascoltare tre pezzi sulla sua pagina di YouTube.
MANUEL GRAZIANI
77/100
RUMOREMAG.COM | 65
GOTICA

GOTICA

GEORGIA NICOLAS GODIN

SEEKING THRILLS CONCRETE AND GLASS
DOMINO BECAUSE MUSIC
MORTIIS
SPIRIT OF REBELLION Al contrario del tipico figlio d’ar- Se gli Air mancano dagli studi
OMNIPRESENCE/DEAD SEED te (suo padre è Neil Barnes, tut- da ormai otto anni (con i ricordi
tora a capo della sigla Leftfield), degli ultimi album non pro-
L’inattesa veste di Spirit Of Rebellion altro non
è se non un’accurata reinterpretazione dei due da qualche tempo la ventino- prio causa di grossi attacchi di
brani contenuti nello storico Ånden Som Gjorde venne Georgia, polistrumentista nostalgia), Nicolas Godin non
Opprør. Album cardine della cosiddetta fase dun- - ha suonato la batteria per Kate pare passarsela troppo male.
geon synth. Quel tracciato era figlio dell’esigenza Tempest -, produttrice e autrice O annoiarsi, per il resto: se era
spirituale verso l’avanguardia teutonica dei ‘70, di se stessa, sta meticolosamente Bach la scintilla dietro Contre-
mirava a sanare le corrive incrostazioni black in una veste epica costruendo un suo percorso per- point, esordio solista del 2015,
capace di astrarre, dal e nel suono, una storia. Un luogo mitico e sonale. A quasi cinque anni dal qua è l’architettura studiata fra
arcano, letterario, di suggestione palesemente nordica, tale che primo album, qui si propone in Mosca, LA e Barcellona. Non
divenne tra i centrali nella scuderia Cold Meat Industry. Qui, con una consapevole dimensione pop che traspaia da questi 45 minu-
una certa sorpresa formale ma senza rinnegarne i principi armo- alternativa, inanellando intuizio- ti, spesi fra il cerebrale (la voce
nici, Mortiis estrapola un calco che evidenzia (di)segni lirici, neo ni come Started Out, singolo che robotica del brano omonimo o
classici e industrial ambient marziali. proietta nel presente l’estetica The Border) e la consueta sen-
87/100 house fine anni 80, o lo strano sualità del matrimonio fra soul
ibrido indie dancehall di Feel It. e exotica. E movimentati da una
Altrove, l’introspezione di Ulti- serie di ospiti noti (meglio la
A CURA DI STEFANO MORELLI mate Sailor fa da contrappeso stellina Kadhja Bonet rispetto
al disinvolto dialogo con il rap ad un Alexis Taylor poco nel
di Shygirl in Mellow. Ora non le groove, a fare classifiche) e
A PROJECTION DESERTA resta che vincere la difficile sfida molto meno, come la moscovita
SECTION BLACK AURA MY SUN col mercato discografico, di que- Kate NV nel pop ‘80 di Back To
METROPOLIS FELTE sti tempi meno ricettivo verso Your Heart. Il solito immagi-
Raggiungono Ha buon gioco proposte di questo genere. nario, ma a lungo la penna ha le
quota tre gli il sentimento GIORGIO VALLETTA cartucce dei giorni felici.
svedesi, dopo simbolico di 75/100 FRANCESCO VIGNANI
diversi smotta- Matthew Doty. 71/100
menti interni Già reduce
ma con una dalle esperien-
visione estetica che si conferma ze sonore con Midnight Faces
estremamente lucida. Section e Saxon Shore, in Black Aura
riattiva la tipica visione post My Sun il nostro rielabora
punk iniettandola di colori con estro il linguaggio synth
goth wave, seguendo in qual- wave decadente degli ‘80
che modo il flusso teutonico (specie nelle sue inclinazio-
e francese dei ‘90. Quadruplo ni romantico glaciali e post
il rimando: primi Love Like 4AD) e lo shoegaze riadattato GRIN HAWKWIND
Blood e Corpus Delicti, nell’o- nell’epica post rock (restan- TRANSLUCENT BLADES ALL ABOARD THE SKYLARK
rizzonte eroico di Sound e Red do permanente in bilico tra CRAZYSANE/BROKEN SILENCE CHERRY RED
Lorry Yellow Lorry. Slowdive, Cocteau Twins,
90/100 Gary Numan e Sigur Rós). Da È sorprendente come una Un ritorno alle loro origini space
seguire attentamente. line-up a due riesca ad amal- rock: così viene presentato il
87/100 gamare stili così diversi. Sono 32esimo album degli Hawkwind.
una bella scoperta, i berlinesi Quasi mezzo secolo dopo, l’a-
Grin di Jan e Sabine Osberg, stronave continua a volare o è
LOTUS THIEF SYLVAINE & UNREQVITED
ORESTEIA TIME WITHOUT END
(chitarra e batteria). Pur da un atterrata, forse addirittura inca-
PROPHECY PROPHECY formato così limitato e esclusi- gliata, sulla Terra, come illustra
vo riescono a inventarsi nuovi la copertina di questo loro nuovo
Nell’ispirarsi Che lo si viva
percorsi heavy. La loro “com- disco? Be’, chi da sempre ama gli
alla tragedia nel suo accento
patta eterogeneità” consiste nel Hawkwind dirà che in realtà con-
di Eschilo, neo classico/
coniugare un’attitudine sludge tinuano a volare. Personalmente
il combo cameristico
americano o nella con un approccio che definirei ho qualche dubbio. La materia è
tratteggia in dinamica folk grunge psichedelico. Che ap- sempre fluida e vibrante - ampie,
questo terzo atto l’episodio post black psichedelica, il proda a varie stazioni heavy. fluttuanti ballate astrali e corse
più avvincente e suggestivo in tema di Time Without End Dalla mastodontica post mel- da Silver Machine - ma appare
senso cinematico. La struttura si arricchisce, e si addentra vinsiana Helix a Husk, persa in sempre più come uno stanco ri-
sonora ha un deciso accento esteticamente, in un profondo astrali spazi psichedelici, alla facimento delle vecchie originali
operistico e, dall’esperienza del legame col sentimento narcotica Electric Eye che sem- intuizioni psichedeliche, che
metal estremo sperimentale, agreste e neo pagano. Sono bra riverberare alla lontana il diventa a tratti persino rarefatto,
estrae i codici più lirici. Un quattro acquerelli figli del mondo degli Sleep. In generale quasi al limite dell’inconsistenza
capitolo suggestivo, che ha il sentire femminino, analoghi i Grin sono qualcosa che sta tra (vedi la title track). E dico quasi
coraggio di aggiornare, con ai cenni di Tori Amos, gli Electric Wizard, gli Sleep perché riconosco ancora il talen-
ferma personalità, il tracciato Alcest e Dead Can Dance, e il grunge, e vaga nello space to e una voglia di andare sempre
indicato da 3rd And The Mortal, abilmente circoscritti in ideali rock. Quel che più interessa è avanti che, pur con fatica, non
Gathering e My Dying Bride. preraffaelliti . A Interwoven che gli esiti di questo mix sono viene mai meno.
92/100 spetta il ruolo guida. confortanti. CLAUDIO SORGE

86/100 CLAUDIO SORGE 61/100

79/100
66 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM GENNAIO 2020

HOLY FUCK BRITTANY HOWARD HUMAN IMPACT IDLES

DELETER
LAST GANG
Per il quinto album la forma-
zione canadese sceglie una
manciata di ospiti illustri i cui
nomi facilitano da subito l’inter-
pretazione dell’opera, fornendo
un prospetto piuttosto fedele
del percorso scelto. Una strada
che converge verso un unico
punto di arrivo che è quello di
una sorta di mappatura della
modern dance odierna, poggiata
su di una sezione ritmica che
come d’abitudine si sintonizza
sui tempi medi di scansione
kraut. Si parte con la visatura
pop degli Hot Chip (alla voce
Alexis Taylor) per attraversare
i territori visionari dei Liars (il
contributo è quello di Angus
Andrew, ça va sans dire) per
lambire infine la psichedelia
ariosa e aperta di una certa
America due punto zero con
Free Gloss, il pezzo migliore del
lotto che trova Nicholas Allbrook
dei Pond al cantato.
ARTURO COMPAGNONI
71/100
JAIME
SONY
Prima il passo indietro, con la
Howard a lamentare un blocco
creativo e mettere in freezer
gli Alabama Shakes. E subito
dopo due avanti, in un album
consigliato forse soprattutto a
chi non digerisce la casa madre.
Biografico fin dal titolo, omaggio
a una sorella morta giovanissima
di cancro dopo averla avvicinata
alla musica. O nel racconto delle
discriminazioni toccate al padre
nel soul sfumato Solange di Goat
Head ma il segreto di Jaime è
tutto nel vocabolario usato per
raccontare la donna che ne è
nata. Inedito e sorprendente:
di 13th Century Metal (e delle
tastiere di Robert Glasper) spie-
ga tutto il titolo, con dei timbri
apocalittici a scuoiare Run To
Me e funk e hip hop ad accaval-
larsi alle ballate in soluzioni non
così lontane dall’ultima Jamila
Woods. E con risultati altrettan-
to folgoranti.
FRANCESCO VIGNANI
79/100
HUMAN IMPACT
IPECAC
È New York. La notte di New
York. Nella periferia di New
York. La somma delle parti di
una teoria musicale che fa anco-
ra paura. Sì perché gli Human
Impact sono in realtà il sodali-
zio fra Unsane (Chris Spencer),
Cop Shoot Cop (Jim Coleman
e Phil Puleo) e Swans (Chris
Pravdica) e ne sono la perfetta
fusione. Perfetta sia nello stile
che nella musica. Il loro “de-
butto” è francamente impres-
sionante. Musica che piomba
dalla fine degli anni 90 e porta
con se la nevrastenia violenta
dei sobborghi di New York. Ju-
dgment Night ancora una volta.
Il Corvo. Suoni cupi, tesi, rez-
noriani, proto industriali, e poi
tutte le deformazioni di Seattle.
Insieme in un disco veramente
impressionante.
MARIO RUGGERI
87/100
A BEAUTIFUL THING: IDLES LIVE
AT LE BATACLAN
PARTISAN
Forse, dopo i risultati delle ele-
zioni inglesi, riascoltare gli Idles
sarà ancora più necessario. Addi-
rittura curativo, che tu sia ingle-
se, italiano o francese. L’ascolto
del loro disco live non fa che
fomentare rabbia e voglia di un
concerto sudato di Joe Talbot e
soci. Per registrarlo dal vivo scel-
gono un luogo importante per la
musica: il Bataclan, locale pari-
gino divenuto tristemente noto
per gli attentati del 2015 durante
il concerto degli Eagles Of Death
Metal. Il messaggio degli Idles è
sempre diretto e immediato, e di
quel concerto non è stato tagliato
nulla, tranne la cover natalizia
All I Want For Christmas Is You
di Mariah Carey. “This song is
antifascist song”: chiude così Joe
annunciando Rottweiler. Aspet-
tiamo il terzo album, mentre
risuona ancora nella nostra testa
Mother… Fucker…
NICHOLAS DAVID ALTEA
82/100

TERRY ALLEN AND THE PAN- JUST LIKE

HANDLE MYSTERY BAND MOBY DICK
PARADISE OF BACHELORS

Dopo l’ambizioso Lubbock (On Everything), pubblicato quattro
decenni fa, il settantasettenne Terry Allen si è concentrato sulla
carriera di pittore e artista concettuale, ma non ha mai smesso di
pubblicare dischi. E tuttavia la ristampa in anni recenti di quel
suo perduto classico outlaw country (definizione comunque
limitante e vaga, rifiuto dell’istituzionalizzazione del country a
parte) deve aver spinto il musicista texano a rispolverare quel
bisogno di raccontare il mondo attraverso personaggi memorabili,
romanzeschi nel senso più ampio del termine. Just Like Moby
Dick, titolo che ha a che fare più con l’elusività della Balena Bianca
che con Melville, possiede quel taglio, e Allen veste ancora una
volta i panni di un Van Dyke Parks meno erudito a capo di una
orchestra low budget (la Panhandle Mystery Band, che include
figli, esperti professionisti come Charlie Sexton e Glenn Fukunaga
e la folksinger Shannon McNally). Oppure quelli di un Randy
Newman meno cinico e spietato, che racconta Houdini scettico
oppositore dello spiritualismo con nel cuore la speranza di una
vita post mortem, e la solitudine disperata e mortale – mitigata
dall’empatico narratore - di The Last Stripper In Town. Ma ci sono
pure circhi infestati da vampiri (City Of The Vampires), appendici
apocrife al canzoniere Brecht-Weill (Pirate Jenny) e suite tripartite
sulla democrazia esportata con le bombe (American Childhood).
Ci si muove tra forme classiche (All That’s Left Is Fare-Thee-Well,
ospite Joe Ely, che sfiora la grazia di una Wichita Lineman, la
meraviglia à la Tin Pan Alley di Harmony Two) e incursioni più
movimentate (il già citato trittico di American Childhood, che
strizza l’occhio a vaudeville e novelty songs), e il risultato finale è il
maturo capolavoro démodé di un songwriter atipico.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
80/100
RUMOREMAG.COM | 67
 RECENSIONI GLI ALBUM GENNAIO 2020
OUTERCORE

OUTERCORE

THE INNOCENCE LORAINE JAMES

MISSION FOR YOU AND I
SEE YOU TOMORROW HYPERDUB
AA.VV. BELLA UNION
A SHORT ILLNESS FROM WHICH HE NEVER RECOVERED Uscito nella parte finale del
BLACKEST EVER BLACK A un anno e mezzo di distanza 2019, il secondo album dell’ar-
Blackest Ever Black chiude i battenti dopo dieci dall’uscita di Sun On The Square tista londinese (a due anni
anni di attività, e lo fa con una raccolta di artisti i coniugi Karen Mc Cullogh e Don dall’autoprodotto Detail) ha
semisconosciuti. Nella sua esperienza breve ma in- Peris insieme al bassista Mike conquistato meritatamente l’at-
tensa, equamente divisa tra Londra e Berlino, l’eti- Bitts ci donano 11 nuove raffinate tenzione di molti non solo per
chetta avrebbe potuto vincere facile con una compi- perle sonore che vanno a com- l’etichetta che lo pubblica o per
lation celebrativa dei nomi più importanti usciti dal porre il loro dodicesimo lavoro la capacità di prendere ispirazio-
roster: Raime, Tropic Of Cancer, Ossia. Invece, a parte Carla Dal sulla lunga distanza. L’amore, la ne dalle complessità della vita
Forno, per questa pubblicazione finale troviamo solo nomi nuovi, a cura per gli affetti, la positività e queer di relazione nel contesto
ribadire la vocazione all’oscurità della label nonché la sua pulsione la fiducia sono alla base di queste multiculturale londinese. Par-
a proiettarsi nel futuro fino all’ultimo. Bridget Hayden, Hypnotic nuove canzoni (di cui una, Mary tendo da presupposti conosciuti
Sleep, Ian Martin tra i progetti da segnalare per un album che ha la Margaret In Mid-Air, vede Don come grime, jungle e breaks, la
freschezza del manifesto programmatico più che la perentorietà di in veste di voce solista), dove gli James disegna un suono nuovo,
un testamento. L’eredità è comunque destinata a restare. strumenti acustici allestiscono vibrante e destabilizzante. Ad
80/100 costruzioni sonore vellutate, con esempio nell’esplosiva e distorta
avvolgenti chitarre, mellotron, London Ting/Dark As Fuck, o
tastiere, pianoforti e organi su cui nell’incedere sincopato ma co-
A CURA DI LUIGI MUTARELLI si crogiolano le candide carezze stantemente instabile di So Sca-
vocali di Karen. Le liriche poeti- red. Più avanti, l’emozionante
che, delicate e intime, giungono voce di Theo accentua il contra-
WHISTLING ARROW BENOÎT PIOULARD al cuore come un abbraccio sto con i beat di Sensual.
S/T SYLVA Ma è l’intero disco a vivere
rassicurante. D’altra parte la
GOD UNKNOWN MORR
“missione” della coppia della di un’impareggiabile energia
Risultato di Thomas Meluch, Pennsylvania è da sempre quella grezza e senza filtri, in un vitale
nove ore di im- nome al secolo di portare amore nel mondo. limbo fra euforia ed ansia.
provvisazione di Pioulard, DORIANA TOZZI GIORGIO VALLETTA
con minimi ri- esordisce per 69/100 89/100
tocchi in studio, l’etichetta
i 40 minuti di tedesca con
musica dell’album suonano in un album audiovisivo, dove
realtà in modo estremamente i dieci brani accompagnano
organizzato e coerente. Del un libro fotografico, risultato
resto tutti i musicisti coinvolti di nove mesi di esplorazioni
hanno camminato sul sottile naturalistiche. La musica non
confine tra ordine e caos musi- si discosta dal suono a cui ci
cale per tutta la loro carriera: ha abituato il compositore
Laura Cannell, Ex-Easter del Michigan: drones dilatati KAMCHATKA BEN LEE
Island Head e l’infaticabile alternati a ineccepibili melodie HOODOO LIGHTNING QUARTER CENTURY CLASSIX
Charles Hayward. Glenn che non hanno paura di BORDER MUSIC NEW WEST
Branca e Tony Conrad appro- assumere forme pop. Talento
verebbero. sottovalutato. Per il timbro heavy che battezza Ben Lee è una di quelle perso-
questo scintillante sound rock ne talmente buone da rendere
70/100 75/100
delta blues anni 90 - comunque quasi impossibile il parlarne
vicino al metal ma certo non male. Uno che per protesta con-
ANDREW PEKLER assorbito da esso - i Kamchatka tro Trump scrive un album per
POD BLOTZ SOUNDS FROM PHANTOM
TRANSDIMENSIONAL SYSTEM ISLANDS
ci fanno venire in mente gente spiegare l’Islam ai bambini o che
DAIS FAITICHE come i Pride And Glory di Zakk rilegge interi lavori degli Against
Wylde. Anche se Thomas An- Me!, solo per fare gli ultimi
Suzy Poling Una cartografia
dersson non è Zakk Wylde. E esempi. E che dopo Breathing
ha guidato sonica di isole
comunque non si tratta solo di Tornadoes (21 anni ora, e nes-
il progetto mai esistite, ep-
anni 90. Rock blues (anche) alla suno che lo abbia festeggiato)
Pod Blotz per pure mappate
oltre 15 anni da esploratori Ted Nugent (Fool) o vicino ai ha sposato la figlia di Donovan
sia da sola in tempi di Montrose (Monster) ma, compli- e continuato a fare ottimi dischi
che in collaborazione con tecnologie approssimative. I ce una produzione asciutta e di- di pop educato, forse pettinato,
altri musicisti. Produttrice suoni del produttore berlinese namica, senza che suoni in alcun che nel disinteresse di molti han
piuttosto prolifica, in questo tracciano percorsi tra etno- modo retro. Nel sophomore dei continuato a vendere. Magari
debutto per Dais ripropone grafia e finzione, disegnando Kamchakta sono riconoscibili più di questa raccolta acustica
suoni in equilibrio tra cold panorami sospesi tra ambient (anche) modalità hendrixiane, o poco più di cover di grosso
wave e industrial concedendo ed esotismi new age. Sottofon- ma sono ben utilizzate dal power calibro: Fugazi, Dinosaur Jr.
poco alla melodia ma anche do ideale per accompagnare trio svedese che le fa conflu- (una Get Me tutta zucchero),
saggiamente evitando derive la lettura di un Borges, i dieci ire, nel caso, in un hard rock GBV o l’amico Daniel Johnston.
noise estreme fini a se stesse. brani della raccolta spiazzano tutto strappi e morsi (Rainbow Come dei padrini Sonic Youth e
Ne esce un album di genere, e ammaliano. Esercizio di stile Ridge). L’atmosfera complessiva la loro Sugar Kane in un tributo
e come tale prevedibile, ma forse, ma pur sempre eccel- dell’album rievoca un passato trasparente come il suo autore:
comunque efficace. lente. americano che, da quello che si molto amore, molto artigianato
65/100 74/100 sente, sta ancora molto bene. e grazie a Dio nessuna ironia.
CLAUDIO SORGE FRANCESCO VIGNANI
75/100 69/100
68 | RUMOREMAG.COM
 THE GUARDIAN
“LA FORMULA
SEMPLICE E S P I E TATA”
LA REPUBBLICA
8.9 BEST NEW
PITCHFORK
MONÊTRE
“MONÊTRE”
Libellula
“Monêtre” è l’album d’esordio dell’omo-
nima band ligure, registrato e mixato da
Nicola Sannino al Tabasco Studio di Sori
(GE) e in uscita il 6 dicembre 2019 per Li-
bellula Music/OuZeL/Marsiglia, distribuito
da Believe/Audioglobe. I Monêtre si ispira-
no all’alt-rock degli anni Novanta e Duemila
e al contempo, grazie alla magnetica voce
di Federica, strizzano l’occhio all’indie-pop
più moderno, per una resa finale omogenea
ed equilibrata, seppur influenzata da diver-
se esperienze e gusti musicali. Un disco
nostalgico e riflessivo, talvolta energico,
altre volte drammatico o rabbioso. Monêtre
suona in modo volutamente simile a come
sarebbe dal vivo: in studio, infatti, si è lavo-
rato proprio cercando un bilanciamento tra
il restare fedeli al sound naturale della band,
e l’esplorare le possibilità concesse dalla
registrazione in studio.
instagram.monetre.music
MOJO
OLSEN
MUSIC
LATLETA
“Miraggi”
Labellascheggia
“Miraggi” è il disco d’esordio de LATLETA,
Claudio Cosimato, già noto come Vittorio
Cane, “il poeta delle cose semplici”. Registra-
to e mixato da LATLETA e masterizzato da
Gianluca Patrito al G-effectstudio di Torino,
uscirà il 12 dicembre per Labellascheggia,
etichetta che ha pubblicato il primo disco in
vinile di Cosmo e prodotto artisti come Effe
Punto, Camillas e Bonetti. La copertina è
stata curata da Labellascheggia in collabo-
razione con Emiliano Ponzi, uno dei più im-
portanti disegnatori mondiali contemporanei.
“Miraggi” ha dentro una drum machine, un ar-
peggiatore, diversi sintetizzatori, qualche chi-
tarra elettrica e tante cose da dire, cose che
camminano sulle nostre vite in punta di piedi
e le guardano dall’alto col sorriso. Si inizia ad
aver bisogno di dischi così: sussurrati, sinceri,
scritti vivendo il momento e non pensando al
dopo, alle strategie per venderli meglio.
instagram.com/latleta
WWW.LIBELLULAMUSIC.IT
ALEPHANT
“WHOLE.”
Libellula
“WHOLE.” è il primo disco della alternative
rock band torinese Alephant, in uscita il 17
dicembre 2019 per Libellula. Registrato e
mixato da Andrea De Carlo, con il master
di Giovanni Versari, l’album è un percorso,
un viaggio spirituale scritto a distanza, tra la
Francia e la California: i primi brani raccon-
tano l’insoddisfazione nei confronti di una
condizione esistenziale monotona, la relativa
presa di coscienza, la volontà e il coraggio di
fuggire. Verso la metà del disco, il viaggio co-
mincia ad essere visto come atto liberatorio,
a tratti doloroso e crudele, ma fondamentale
in un percorso di vita autentico. Sul finale
tutto si fa più leggero e rarefatto, sia musical-
mente che nei contenuti, a simboleggiare un
punto d’arrivo che consiste nel compimento
stesso del cambiamento: la metamorfosi è
completa e diventa il significato del “tutto”:
WHOLE, il tutto, intatto, pieno e mutevole.
instagram.com/alephantofficia
BEATS

BEATS
LEECHED LINA AND RAÜL REFREE
TO DULL THE BLADES LINA_ RAÜL REFREE
OF YOUR ABUSE GLITTERBEAT
ANDY STOTT PROSTHETIC
IT SHOULD BE US Raül Refree deve essersi ormai
MODERN LOVE Attenuare le lame dei vostri convinto che le intuizioni più
abusi vuol dire per i Leeched semplici sono spesso le migliori.
Ufficialmente un doppio EP, ma composto da nove
esprimere esecrazione e dispe- Tra i responsabili del successo
brani per 46 minuti complessivi. Tracce apparente-
mente destinate ai club sebbene si muovano spesso razione, catarticamente. In una della superstar Rosalía (di cui
su ritmi bassi e comunichino atmosfere catacomba- maniera che va al di là della produceva l’esordio Los Ángel-
li. Qui più che mai, il produttore mancuniano si ci- sopportazione fisica. Al limite del es), recentemente al lavoro con
menta nel destrutturare la techno di carattere dub, puro abrasivo, schizzato rumore. Lee Ranaldo, lo spagnolo ha
rallentando il tempo fino allo spasmo (vedi Promises) e disvelando Per la totale revulsione grindco- scelto di sottoporre il fado a un
nel dettaglio le imperfezioni sonore, l’errore nella macchina, come re e per l’uso di un vocabolario processo di rinnovamento simile
nella title track di qualità pari a un mp3 in bassissima definizione. anatomico/chirurgico e di descri- a quello riservato al flamenco:
Alludendo dunque alla disfatta dell’utopia tecnologica, in una sca- zioni crude e desolate, mi hanno da un lato la voce di Lina, super-
letta che fa a meno dei momenti di umanità trasmessi dalla voce ricordato una (sorta di) versione ba interprete del repertorio di
Alison Skidmore in Luxury Problems e Faith In Strangers. Pre- noise dei Carcass. I primi Car- Amalia Rodrigues, che ha dato
messe interessanti per l’album già previsto nei prossimi mesi. cass. Un suono che è totale obnu- la spinta iniziale al progetto,
83/100 bilamento. Una frenetica marcia dall’altra gli strumenti – piano,
dark death scandita da disso- synth analogici sottoposti a
nanze, feedback e urla da pelle trattamenti sonori più o meno
A CURA DI GIORGIO VALLETTA scuoiata, paura, disgusto e anti- radicali ma mai invasivi - a
chi rifiuti triturati carcassiani. fornire un contrappunto che de-
Sentite la stratosferica The Grey finire minimale è un eufemismo.
BELLA BOO GIANT SWAN Tide, schiacciata su varie fasi di Tanto che in Destino è sufficien-
ONCE UPON A PASSION GIANT SWAN indicibile ferocia: non avrebbero te un ronzio di fondo scosso da
STUDIO BARNHUS KECK potuto, i primi Swans, suonare lievi pulsazioni ad alimentare
Nel suo primo Attraverso una una roba del genere se fossero il potente contrasto che rende
album, la DJ/ serie di EP, stati un gruppo grindcore? questo disco così avvincente.
producer i bristoliani CLAUDIO SORGE ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
svedese si di- Robin Stewart 80/100 80/100
mostra a suo e Harry Wright
perfetto agio hanno messo
nel giostrarsi con competenza a punto una
fra house obliqua, elettronica forma techno innovativa,
pop, momenti soul e ambient. spigolosa e dall’irruenza punk,
Dall’estatica e magnifica Stars che in quest’album raggiunge
al liquido e mutevole flusso un equilibrio sonoro capace
sonoro della pulsante Hotel di esaltarne le peculiarità.
Europa fino alle peculiari Spesso industriali, talvolta
movenze dub in quattro quarti di vulnerabile tenebrosità LINDEMANN OOIOO
di Do The Right Thing, è evi- (‘I’ As Proof), quasi sempre F&M NIJIMUSI
dente come Gabriella Borbély di durezza sufficiente ad UNIVERSAL THRILL JOCKEY
abbia personalità ed eleganza. alimentare le energie di futuri
81/100 e distopici rave. L’approdo metal industriale di Sei anni dopo la loro ultima
80/100 Lindemann non si distanzia più prova in studio gli OOIOO di
di tanto dal progetto madre, YoshimiO (storica componente
contiene sì la coloritura metal- dei maestri dell’oblio rumoroso
lica e sperimentale mutuata da giapponese Boredoms) tornano
GRANT BLINKY
FANTASY BLUES SYNCRO
Tätgtgren ma nella consapevo- con un album dritto al punto,
LOBSTER THEREMIN BLINKY lezza di un necessario e familiare ben distante dalle suggestioni
accento stilistico. Si alternano del sudest asiatico di Gamel
Da almeno Quattro brani
non a caso momenti ben modu- (2014). In Nijimusi – origina-
cinque anni, nel biglietto da
lati sul fronte dell’impatto rit- riamente pubblicato pochi mesi
chi cerca deep visita per il duo
mico e crossoveristico, la stessa fa in tiratura limitato dall’eti-
house calda sa formato dai mi-
di non poter lanesi Andrea Steh Auf o Allesfresser, così chetta del gruppo, Shochy – il
essere deluso Bernardi (voce come nelle rifiniture melodiche quartetto torna all’assetto rock
dal produttore recentemente e drum machine) e Francesco neo gotiche (le risonanze acu- (doppia chitarra, basso, batteria
svelatosi come Anthony Chiamulera (chitarra e synth). stiche di Blut, che sanno nuo- ed electronics) e mette in scena
Collins, la cui impronta è A metà strada fra house in vamente di Umbra Et Imago, con grande maestria quello che
immediatamente riconoscibile bassa fedeltà e visioni psi- o l’intenzionale spinta folk di sa meglio fare: cacofonie japa-
anche qui. Si aggiungono chedeliche in Lies Overdose, Knebel). A rendere più suggesti- noizu (la traccia di apertura che
escursioni fluo rave nella mentre I Can’t Get Lost spinge vo l’album sono senza dubbio gli dà il titolo all’album), boutade
suggestiva Amaranthine sulla techno ed Enjoy This accenti atipici, come il tango di psichedeliche (Walk For 345
Profundity e in una Blurred Trip inserisce dell’electro Ach So Gern o la coloritura sin- Minutes…), follie progressive
Harmony degna dei migliori kraftwerkiana nel suo ener- fonica di Schlaf Ein. I seguaci di (una sorta di zeuhl giapponese
808 State, oltre alla voce soul getico miscuglio. Sufficiente- Rammstein e KMFDM avranno in Jibun), no wave nevrotica (la
di Jenifa Mayanja nell’acida mente imprevedibili. di che gioirne. prima parte di Tisou). La più
The Road In Front Of Me. 76/100 STEFANO MORELLI credibile reincarnazione moder-
78/100 87/100 na dei Taj Mahal Travellers.
ANDREA PREVIGNANO
75/100
70 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM GENNAIO 2020
LEE “SCRATCH” PERRY
HEAVY RAIN
ON-U SOUND
Cioè il gemello dub di Rainford,
il riuscito album che nel 2019 ha
riportato al centro dell’attenzio-
ne l’ottuagenario e instancabile
guru del suono giamaicano. Ol-
tre a contenere due inediti, He-
avy Rain è più di una versione
rimissata di un album già uscito,
anche in virtù della lista dei
collaboratori. Se il tocco sui na-
stri del sempre prezioso Adrian
Sherwood è proverbialmente
magico, in scaletta compare il
nome prestigioso di Brian Eno.
Nelle sue mani, Makumba Rock
si trasforma in una psichedelica
Here Come The Warm Dreads
i cui filtri e frequenze alterate
ben si accompagnano all’autoi-
ronia del titolo. Altrove appare
il trombone di Kim Gordon -già
con i Wailers negli anni 70 - e
in quattro brani si aggiunge
il competente contributo del
nostro Gaudi.
GIORGIO VALLETTA
77/100
POLIÇA
WHEN WE STAY ALIVE
MEMPHIS INDUSTRIES
Presentato come l’album più
intimista del gruppo, When We
Stay Alive prende ispirazione
da un serio incidente occorso
alla cantante Channy Leaneagh
e dal percorso di riabilitazione
che ne è seguito. Dal punto di
vista squisitamente musicale il
contesto non pare avere influen-
zato significativamente il suono
della band di Minneapolis. Si
tratta di synth pop rotondo, ben
prodotto, incline al groove quel
tanto che basta a non inficiarne
la malinconia generale che ne fa
da sfondo, dove la voce di Chan-
ny ha buon gioco a disegnare
armonie soul. Il risultato è asso-
lutamente godibile, ben scritto,
a tratti ispirato, ma tutto som-
mato innocuo nel suo scorrere
senza lasciare traccia durevole
(eccezion fatta per l’ottimo sin-
golo Forget Me Now), ed è ine-
vitabile rimpianger la capacità di
graffiare dei loro esordi.
LUIGI MUTARELLI
62/100
PET SHOP BOYS
HOTSPOT
X2
Era il 1985 quando West End
Girls scalava le classifiche, nel
pieno dell’era thatcheriana.
L’inossidabile sarcasmo del duo
londinese è certamente adatto a
commentare anche questi tempi,
come prova l’ottimo singolo
Dreamland, firmato con il trio
Years & Years e biglietto da visita
per questo loro quattordicesimo
album, registrato fra Los Angeles
e gli Hansa Studios di Berlino.
Messo a lucido come da recente
abitudine con il contributo del
produttore Stuart Price, il loro
electro pop ad alta energia dance
sembra ormai esser divenuto
una forma classica e senza
tempo, nelle loro mani. Per
altri versi, restano convincenti
le loro intense ballate: ad
esempio Hoping For A Miracle
e soprattutto una Burning The
Heather con Bernard Butler alla
chitarra acustica.
GIORGIO VALLETTA
72/100
GAVILÁN
RAYNA RUSSOM
THE ENVOY
ECSTATIC
Ha sempre fatto musica interes-
sante, Gavin Russom. Da solo
(anche come Black Meteoric
Star) o in compagnia (Delia
Gonzales, Crystal Ark, LCD
Soundsystem). Ma è come se il
suo coming out del 2017, oggi è
una donna transgender, avesse
sbloccato il livello successivo,
liberandola anche come artista
e portandola al suo lavoro più
compiuto e maturo. Un album
ispirato da La Mano Sinistra
Delle Tenebre di Ursula K. Le
Guin, e dai suoi discorsi sul ge-
nere in un contesto fantascien-
tifico. Tre quarti d’ora senza
beat, lirici e fisici insieme, in cui
si conferma la sua eccellenza ai
sintetizzatori e anni di esperien-
za fra club e avanguardia danno
frutti saporitissimi. Graditi ospi-
ti, Cosey Fanni Tutti (voce in
Kemmer) e Peter Zummo (fiati
in Discipline Of Presence).
ANDREA POMINI
83/100
INDIE
INDIE
EDDY CURRENT SUPPRESSION RING
ALL IN GOOD TIMES
CASTLE FACE
Aveva fatto perdere le proprie tracce da quasi un
decennio la famiglia Current. Tre album in area
Goner nel fazzoletto temporale di fine anni zero e
una raccolta di singoli e facezie assortite a sigillare
il tutto, prima di cominciare a distrarsi con una
serie di altre idee (Total Control la più nota alle
cronache) che hanno portato la band dei fratelli Young a silen-
ziare il progetto principale fino ai nostri giorni. Il loro garage di
matrice prettamente australiana sbarca oggi in casa Dwyer, dopo
aver subito una sostanziale opera di assestamento: alle ormai
tradizionali sgroppate di stampo rock’n’roll si affiancano distra-
zioni slacker e vaghe allusioni wave (Our Quiet Whisper pare un
omaggio ai Magazine di Howard Devoto). Dieci anni spesi bene,
stando al risultato.
80/100
A CURA DI ARTURO COMPAGNONI
EN ATTENDANT ANA WOOLEN MEN
JUILLET HUMAN TO HUMAN
TROUBLE IN MIND DOG’S TABLE
Hanno lavorato Al ritmo metro-
di cutter e ce- nomico di un
sello i parigini disco all’anno
En Attendant è ormai da un
Ana per dare decennio che
un seguito familiarizziamo
all’ottimo Lost And Found, con il pop sghembo e minima-
disco con cui la sempre valida le dei ragazzi di Portland. Il
TIM ce li aveva presentati 18 loro nuovo album segue la scia
mesi addietro. A metà strada dei precedenti: canzoni brevi
tra i compatrioti Limiñanas e i (difficilmente si scavallano i
primi Stereolab i nostri hanno tre minuti) col nocciolo sco-
affinato la scrittura e lavorato perto da subito, che sia la rei-
di buona lena in studio uscen- terazione circolare di matrice
done con dieci canzoni che cosmica o il contro tempo in-
non perdendo irruenza accen- calzante di stampo post punk.
tuano la loro vena pop. 64/100
79/100
SCOTT & CHARLENE’S
WEDDING THE WHIFFS
WHEN IN ROME, CARPE DIEM ANOTHER WHIFF
BEDROOM SUCK DIG! RECORDS
Volevano suo- Arriva da
nare come i Kansas City il
power pop mi-
Go-Betweens
gliore del mese.
ma hanno finito
con l’assomi- Il rimando ai
gliare ai Pave- ‘70 giunge già
ment, questo potrebbe essere dalla grafica di copertina, cui
l’epitaffio scritto sulla tomba va dietro un suono che sale e
degli autraliani S&CW. Che scende ai 1000 all’ora tra diva-
morti non sono affatto stan- gazioni surf degne dei Barra-
do all’ascolto di questo loro cudas e attacchi rock’n’roll che
nuovo mini LP che mischia paiono usciti da qualche vec-
amabilmente ritmi e attitudi- chio disco dei Replacements.
ne della sempre benemerita Tutto datato, ci mancherebbe,
Flying Nun con decelerazioni ma sempre gradevolissimo,
totalmente velvetiane guidate anzi a tratti irresistibile.
da una voce che omaggia aper- 68/100
tamente Lou Reed.
71/100
RUMOREMAG.COM | 71
WEIRD RNR

WEIRD RNR

AKAI SOLO & PINK SIIFU STORMZY

BLACK SAND HEAVY IS THE HEAD
FIELD-LEFT MERKY
THE CAVEMEN
NIGHT AFTER NIGHT Sulle basi fumose, notturne, Pubblicato all’indomani delle
SLOVENLY dilatate e spesso ammalianti del ultime elezioni britanniche,
Come suonerebbe un gruppo r’n’r dei primi losangelino Pink Siifu (anche buona parte del secondo album
anni 60 completamente sfatto alla festa di una conosciuto come iiye), il newyor- del rapper di Croydon - divenuto
confraternita studentesca incline a iniziazioni chese Akai Solo ha un approccio nel frattempo opinion leader
violente? Semplice: come i 13 pezzi del quarto da oratore improvvisatore, dando ascoltatissimo dai più giovani -
album dei selvaggi neozelandesi. Ovvero alter- l’impressione di restare spesso ruota invece attorno al peso del
nando canzoni al cardiopalma come Snakeskin, in bilico tra spoken word e rap/ successo conseguito. Così nella
Can’t Resist e Got My Eye On You, con tanto di soli chitarri- flusso di coscienza. 15 tracce su vulnerabile Crown a cui allude
stici della durata di una scoreggia, a mezze ballate tremolanti cui Siifu non mette la sua voce - la copertina oppure nel toccante
tipo Don’t Know Why e Belgian Holiday. La novità, per così come invece ha fatto nel notevole racconto su ansia e aspettative
dire, sta nei cori e nelle armonizzazioni vocali di una elemen- album del 2018, Ensley – ma il di Do Better: Michael Omari
tarità commovente: roba di cui i nostri abusano allegramente risultato in ogni caso è più che rende pubblico il suo diario nei
e che fanno di un paio di pezzi (la title track, Boyfriend) delle buono. Solo, con le sue modula- 16 brani di un lavoro che anche
potenziali hit da airplay radiofonico. Chiude il gran roots zioni, dà varie facce a un disco dal punto di vista musicale si ri-
punk alla Gun Club, Death Will Never Change. che, soprattutto all’inizio, sembra vela accessibile ma non banale.
81/100 quasi una versione più lineare e Più avanti è la travolgente Wiley
vocale dell’hip hop astratto, con Flow (tributo a quel Wiley che
A CURA DI MANUEL GRAZIANI un rap del tutto distensivo, ma si può considerare il padre della
poi batte anche strade più calde, scena grime) a sottolineare il
con più soul e rime emesse con cambio di registro del disco,
THE GOOCH PALMS THE HECK una foga maggiore. Solo e Siifu, che attraversa la dichiarazione
III WHO? insomma, propongono un rap d’orgoglio di Superheroes prima
RATBAG DIRTY WATER d’atmosfera assolutamente origi- del finale con Vossi Bop, singolo
Il duo austra- A dispetto nale e piuttosto ispirato. capace di sfondare al numero
liano prosegue dell’immagine LUCA GRICINELLA uno in patria.
nell’operazione da professore 81/100 GIORGIO VALLETTA
melodia. Leroy universitario 81/100
e Kat, alter- Henri Sulmann,
nandosi alla dai Miracle
voce, dai White Stripes si sono Men ai De Keefmen, ha sempre
spostati in zona Weezer. In portato avanti un’idea di
mezzo a cafonatine FM (Busy garage punk sonico e affilato
Bleeding) e facili numeri pop così lontano così vicino dai
punk (Coast To Coast), emer- padri del genere. Non arretra
gono del buon power pop (Are con gli Heck dove continua
We Wasted?) ballate roots in a tirare il collo a voce e
punta d’acustica (Yeh Nah) e amplificatori, potendosi TENNIS SYSTEM TEST DEPT
sprazzi electro (Marfa Lights, permettere passaggi ecumenici LOVESICK DISTURBANCE DISORDERED
GRAVEFACE ONE LITTLE INDIAN
Summertime). Il tutto molto e tremolanti di gran classe: I
90’s, nel bene e nel male. Won’t Change, Turn Me Loose,
Nel profondo mare del revival Il 2019 ha segnato il ritorno
69/100 Do You Love Me?.
shoegaze dove tutto sembra bel- dei Test Dept dopo 22 anni di
78/100 lissimo ma – stringi stringi – in silenzio discografico. La rino-
tempo zero buona parte delle mata One Little Indian ha infatti
band viene dimenticato, qua c’è pubblicato a marzo dello scorso
PHONE JERKS THE RECALLS
10x10 FEEDBACK
gente che sa come non svanire anno l’album Disturbance,
ALIEN SNATCH! BICKERTON nel nulla. Matt Taylor porta con cui Graham Cunnington e
avanti dal 2008 il progetto Ten- Paul Jamrozy si sono rifatti vivi
Dieci pezzi di I cileni trapian-
nis System, figlio diretto di My riaffermando quello che appar-
punk garage tati a Berlino
Bloody Valentine e Sonic Youth, teneva loro da tempo: il primato
lo-fi dentro un tengono fede al
per dirne due. Washington europeo nella scena EBM/indu-
vinile 10”. Tre titolo del loro
tizi alle chitarre secondo album. D.C. è il punto di partenza con strial militante. Ora è la volta dei
e al basso, una Delicate onde l’etica punk diy a far da guida. remix di quel lavoro. I Test Dept
tipa dietro alla batteria. Niente di feedback (Maybe) bagnano Non solo riverberi ma anche hanno affidato i loro nuovi brani
di più, niente di meno. Cantano gli scogli di una psichedelia muscoli dove un cantato 90’s a un pugno di remixatori eccel-
tutti, i quattro canadesi. Oddio, 60’s sostenuta da chitarre acido si fonde con distorsioni lenti. Il lavoro migliore lo svolge
urlano o biascicano con una garage a giri lenti e riff floreali fuzz esasperate (Cut). Esoteric è la quota giapponese del lotto:
vaga idea melodica di fondo che (Half Of The Way). Qui e lì brillante indie rock riverberato Dowser (Nagashima Hiroyuki)
li colloca di diritto nel catalogo (Tonight, Lost) pare d’ascolta- e Third Time utilizza la vecchia che congela e reitera una frase di
Rip Off della seconda metà re i Church più meditabondi, scuola Swervedriver di shoega- Two Flames Burn, e KK Null (il
dei ’90 tra Statics, Motards e anche per via della voce che ze muscolare per ricontestua- signor Zeni Geva) che dissezio-
Chinese Millionaires. Tutto si riecheggia quella di Steve Kil- lizzarsi all’oggi. La cosa più na e sottopone terribili stretch
risolve in 20 minuti scarsi. bey. Déjà vu a parte, una bella interessante è che c’è sempre un l’orchestrale Speak Truth To
74/100 sensazione. minimo di contaminazione anni Power. Tra gli altri all’opera
73/100 90 modellata sui suoni recenti. Shelley Parker, JD Twitch e Im-
Game. Set. Match. perial Black Unit.
NICHOLAS DAVID ALTEA ANDREA PREVIGNANO
82/100 65/100
72 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM GENNAIO 2020
WIKI
OOFIE
WIKSET
Antwon, Lil Ugly Mane e Wiki
formavano fino al 2018 il
gruppo rap The Secret Circle.
Poi la fine tumultuosa a colpi
di tweet e post su Instagram,
aveva rivelato la rottura: da
una parte Lil Ugly Mane e Wiki,
dall’altra Antwon con accuse di
violenza nei confronti di alcune
donne. Il rapper newyorkese aka
Wiki, torna dopo aver lasciato
la XL per pubblicare con la sua
etichetta indipendente. Oofie è
un flusso contratto, che mostra
il flow agilissimo. Le collabora-
zioni sono di qualità, da Grim
con Lil Ugly Mane e Denzel
Curry, fino a Dame Aquí con
Princess Nokia. Tra i singoli
che più avevano convinto, c’era
sicuramente Pesto, non proprio
un’ode alla salsa genovese, forse
solo un riferimento ai “verdoni”
o a un mix di headies (parte
nobile di cannabis sativa) e olio
di marijuana. Verdissimo.
NICHOLAS DAVID ALTEA
77/100
WOLF PARADE
THIN MIND
SUB POP
Non che Thin Mind sia un disco
prevedibile, anzi. Semplicemen-
te è il disco che ci si attendeva
dai canadesi dopo una reunion
a tratti sotto le attese. Vale ov-
viamente ancora la regola dei
due autori separati, con Dan
Boeckner a continuare a imma-
ginare possibile uno Springsteen
depurato dalla retorica in brani
come The Static Age. E Spencer
Krug a rimarcare la statura di
autore più complesso, di quelli
in grado di portare al pettine
nodi spessissimi come i bolli
wave di Julia Take Your Name o
i ribaltamenti di ballate come As
Kind As You Can. Comune a en-
trambi è semmai questa volta un
nervosismo strano, penzolante
fra l’ansia della pagina vuota e il
non saper dire basta in deflagra-
zioni troppo spesso sclerotiche
e ampollose: umanissime ansie
per un gruppo persino in questo
di un’altra categoria.
FRANCESCO VIGNANI
72/100
WIRE
MIND HIVE
PINK FLAG
Il titolo del nuovo disco degli
Wire, il diciassettesimo in studio
e il sesto di un decennio che li ha
visti più produttivi che mai, si
può forse tradurre come “alveare
mentale” e trasmette bene l’idea
di un trust di cervelli brulicante
di idee. Quello che sono sempre
stati. Qui basta poco più di
mezz’ora per piazzare l’ennesima
zampata di post punk (non usate
mai il termine davanti a loro,
è solo per capirci) cerebrale e
opprimente ma anche qua e là
morbosamente melodico, come
nel singolo Cactused o in Off
The Beach. Il tono è simile a
quello degli ultimi due lavori, e
curiosamente richiama le prove
electro pop noir a cavallo tra
anni 80 e 90. Pezzi come Be Like
Them e Unrepentant sono pietre
preziose e oscure da aggiungere
al forziere di una delle più grandi
band degli ultimi 40 anni.
CARLO BORDONE
79/100
YORKSTON/THORNE/
KHAN
NAVARASA: NINE EMOTIONS
DOMINO
Il terzo album del trio composto
da James Yorkston, Jon Thorne
e Suhail Yusuf Khan è un viaggio
ipnotico dentro le profondità
abissali delle emozioni che la
musica può provocare nel corpo
umano attraverso le vibrazioni.
Il titolo del disco fa esplicita-
mente riferimento all’antico
principio indiano del Nava
(nove) Rasa (emozioni), con cui
i diversi stati emotivi generati
dalla musica vengono organiz-
zati per suscitare specifici senti-
menti in chi ascolta. Così i nove
brani di questo disco ci traspor-
tano dall’amore all’allegria, dalla
rabbia al dolore, dal ribrezzo al
terrore, fino al coraggio e alla
meraviglia per giungere infine
alla pace. Un viaggio anche emo-
zionale tra i suoni dell’India e il
folk scozzese, tra oscure ballate
e lisergici strumentali.
DORIANA TOZZI
75/100
AVA N T
AVA N T
DEISON + KK NULL
YUGEN
ST.AN.DA
Cristiano Deison (titolare della label Silentes, già
nei Meathead e collaboratore di artisti come Sshe
Retina Stimulants, Scanner e Lasse Marhaug, per
dirne solo alcuni) e KK Null (Kazuyuki Kishino, lea-
der degli Zeni Geva) si riincontrano. Era già succes-
so nel 2009 per Into, un album fatto della materia
dei quasar, tessuto di un’elettronica nero pece, come nella tradizio-
ne dei coinvolti. Dieci anni dopo, quel discorso riprende ancora più
pulsante e misterioso: e non è un caso che il titolo, Yugen, chiami il
termine giapponese per “ineffabile”. “Un’esplorazione dell’oscurità
e del caos controllato”, recitano le note a commento. Vero, c’è tutto
questo, e anche un eccezionale interplay che sottolinea le affinità
della tavolozza sonora dei due.
85/100
A CURA DI ANDREA PREVIGNANO
JUNKIE FLAMINGOS ADAM BASANTA
LEMEGETON PARTY CIRCULAR ARGUMENTS
HELEN SCARSDALE 901 EDITIONS
La dimensio- La fragile tes-
ne romantica situra di fee-
dell’Iperione dback alla base
di Hölderlin e della ricerca
quella esoterica del composi-
del testo magi- tore israeliano
co secentesco Lemegeton ispi- Adam Basanta ha un proprio
rano il debutto dei Junkie Fla- fascino in ambito acusmatico.
mingos: Alice Kundalini (She Lo stesso Basanta si interroga
Spread Sorrow), Luca Sigurtà sulla cristallizzazione di questi
(Luminance Ratio) e Daniele suoni su supporto. La risposta
Delogu (Barbarian Pipe Band). sta nella capacità dell’ascol-
Lemegeton Party offre un ver- tatore di cedere al fascino del
tiginoso nonché irresistibile suono puro, delle sinusoidi
compendio per cultori di mu- che lo rappresentano. E qui
sica rituale, dark electronics, e il fascino delle ur-frequenze
synth wave anni 80. rimane intatto.
80/100 80/100
ECKER & MEULYZER MAGDA DROZD
CARBON SONGS FOR PLANTS
SUBTEXT RECORDINGS PRÄSENS EDITIONEN
Koenraad Ecker Da tempo la
e Frederik scienza delle
fonti sonore
Meulyzer (Stray
è al corrente
Dogs) debutta-
no su Subtext della possibilità
con Carbon. La di captare va-
mente va a Cabaret Voltaire riazioni elettriche dell’attività
e Clock DVA, arricchiti da vitale dei vegetali e di trasfor-
field recordings ripresi allo marne i segnali digitalmente.
Svalbard Global Seed Vault, La compositrice polacca
deposito per la conservazione Magda Drozd, rilocata in Sviz-
di semi ideato per fronteggiare zera, sfrutta questa tecnologia
crisi alimentari su larga scala. e l’accompagna con synth,
Il “carbone” è quello delle vici- field recordings, chitarra, vio-
ne miniere in disuso. Convita- lino e voce, fondendo elettro-
to incomodo, lo scioglimento nica e natura in uno spazioso
del permafrost. affresco ambientale.
70/100 65/100
RUMOREMAG.COM | 73
3TM AA.VV. BASK THE BIG MOON
LAKE FORM IS VISION III WALKING LIKE WE DO
WE JAZZ GIFTED CULTURE AUTOPRODUZIONE FICTION

Jazz acu- Curata dagli Interes- Il quartetto

stico ed
elettronica,
nel secon-
do album
del trio
finlandese
guidato dal
batterista/produttore Teppo
Mäkynen, e completato da sax
tenore e basso. Idea già vista,
ma svolgimento personale: le
macchine sono quasi sempre
dietro, eppure spostano le nove
tracce su un terreno poco bat-
tuto, un beat qui e un effetto lì.
Fino a che Model Two non ci
manda a casa euforici, con 4/4
sinuoso e arie da alba all’after.
ANDREA POMINI
77/100
italiani
Two Thou
e Autre,
che contri-
buiscono
anche alla
scaletta con
una traccia a testa, una piccola
ma affascinante raccolta tenuta
appunto insieme - nelle inten-
zioni e nei fatti - da una visione
comune. Che comprende jazz
evoluto ed elettronica non con-
venzionale, ambient e ventate
kosmische. In ballo anche gli
assi Juju & Jordash, con Afrikan
Sciences e Where Is Mr. R?!.
ANDREA POMINI
78/100
sante quel
che fanno i
Bask, band
americana
del North
Carolina
che per
questo risente di non infrequen-
ti accenti southern, ma il loro
principale intento è di costruire
un affresco sonico prog folk
zeppeliniano e doom accorato
(un po’ alla Pallbearer). Que-
sto loro terzo disco ha qualche
pausa, ripetizioni e un tono un
po’ troppo aulico, ma la potenza
evocativa della band rimane
magnetica.
CLAUDIO SORGE
70/100
londinese
giunge al
secondo
episodio
sulla lunga
distanza e
comincia a
sciogliere ancora di più le bri-
glie levigando le creste alt rock
dell’esordio per spingere mag-
giormente sul pedale dell’indie
pop, con liriche che affrontano
le paure e insicurezze dell’era
moderna. Costante tra i due
lavori è la voce profonda e
suadente di Juliette Jackson
che si libra su melodie briose e
raggianti.
DORIANA TOZZI
68/100

THE EMINENT STARS JAVVA KMFDM LOCAL PRODUCT

BUMPIN’ ON BALANCE OF DECAY PARADISE DOLORES DEL RIO
TRAMP ANTENA KRZYKU METROPOLIS RADIO BONGO EDITION

Secondo Esordio fol- Dietro l’i- Stephan

album per
il quintetto
di Amster-
dam, che
al consueto
canone
retro soul
dei giorni nostri unisce l’amore
per il suono classico di New
Orleans. Un unicum nella storia
del genere, un sapore incon-
fondibile che caratterizza varie
tracce e rende il tutto più inte-
ressante della media. Anzi, es-
sendo i ragazzi bravi e affiatati,
con un bel suono caldo e vinta-
ge, perché non spingere ancora
di più in quella direzione?
ANDREA POMINI
74/100
gorante per
un gruppo
di musicisti
polacchi
che fanno
confluire
l’afrobeat al
noise rock psichedelico. Ritmi-
che saltellanti che incontrano
i suoni della Touch And Go. Le
frontiere sono solo uno stato
mentale e i Javva riescono
a frantumarle in mille pezzi
dall’oscura Ancaman alla prodi-
giosa Sentinel dai ricordi lo-fi.
Synth e chitarre si scambiano i
ruoli. Primordiale felicità.
NICHOLAS DAVID ALTEA
79/100
ronia del
titolo si cela
in realtà
l’ennesi-
mo invito
alla lotta,
nonché la
narrazione sulle contraddizioni
terribili dell’odierna società.
L’impatto sonoro si mantiene
elastico, esplosivo, solido e
dinamico, in una veste metal
industriale abilmente disegna-
ta a ridosso dell’electro goth
teutonico. Konietzko e Cifarelli
tengono alto lo stendardo della
speranza, in una civiltà più
che mai addossata al distopico
madmaxiano.
STEFANO MORELLI
85/100
Stephensen,
fondatore
dei GusGus
e solista
come Presi-
dent Bongo,
qui insieme
al connazionale Sveinbjörn
Bjarki Jónsson in un concept
dedicato alla diva messicana.
Ma non aspettatevi nulla latino:
le sei tracce di Dolores Del Rio
si inseriscono senza traumi (ma
anche senza lasciare molta trac-
cia) nell’opera elettronica del
Presidente, sempre pulsanti ed
emozionali, giusto un po’ meno
dritte e più contemplative.
ANDREA POMINI
70/100

DANIEL LOPATIN KALI MALONE THE MIGHTY MNRVA

UNCUT GEMS THE SACRIFICIAL CODE MOCAMBOS BLACK SKY
WARP IDEAL RECORDINGS 2066 NINE CIRCLES
MOCAMBO
La colonna Un disco Questo po-
sonora del di due ore, Il quarto deroso trio,
nuovo film al giorno album i MNRVA,
dei fratelli d’oggi, è della band ci invita
Safdie un azzardo tedesca a scalare
(un crime non da prosegue montagne
thriller che poco, se poi nell’offrire fuzzdoom,
vede prota- è suonato una ricetta reinterpre-
gonista Adam Sandler) è firmata con un organo a canne, il livello a base di tando ancora una volta i passi
- come per il precedente Good di difficoltà cresce. Però non c’è funk, soul e ritmi hip hop, senza più oscuri dei Sabbath rivisti
Time - dal musicista meglio noto da spaventarsi, l’americana Kali particolari pretese ma con inat- però in chiave melvinsiana. Il
come Oneohtrix Point Never. Malone, che ora vive in Svezia, taccabile gusto nell’esecuzione. che vuol dire da una parte mini-
Oltre ai momenti strettamente sfrutta un approccio chirurgico, Come di consueto, è il parterre malismo e ricombinazione degli
funzionali alla pellicola, spic- minimizzando e purificando il di ospiti a fare la differenza su elementi, e dall’altra un’incredi-
cano nella scaletta di 17 brani suono. Non ci sono battiti ov- alcuni brani: oltre alla ricorrente bile, ipnotica, feroce intensità.
la minacciosa tessitura techno viamente: ci sono lunghe rotaie presenza di Gizelle Smith, qui a CLAUDIO SORGE
di School Play e gli esotismi sonore infinite e senza pause, prendersi la scena sono l’inten- 69/100
percussivi in bella mostra su capaci di alterare le percezioni sità vocale di Lee Fields e l’origi-
Windows. sensoriali. Salvifico. nal gangster Ice-T.
GIORGIO VALLETTA NICHOLAS DAVID ALTEA GIORGIO VALLETTA
70/100 71/100 69/100
74 | RUMOREMAG.COM
 SUONA ANCORA
RECENSIONI IN BREVE GENNAIO 2020 IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI

MOUNTAIN BIRD PINEGROVE QUAYDE LAHÜE

DEAR BRAIN LET ME SLEEP MARIGOLD LOVE OUT OF DARKNESS
NETTWERK/BERTUS ROUGH TRADE K/ ADULT FANTASY

Il grigiore, Debutto Un profu-

non sempre
intrigante,
di Berlino
e una de-
vastante
rottura
sentimen-
tale (“I was really close to the
edge”) alimentano in eguale
misura la depressione e la cre-
atività del producer svedese,
tanto da indirizzarlo verso un
aritmico dream pop elettronico
dal companatico lirico che più
nero non si può (Hiding Under
Water); ma che sa concedersi
provvidenziali filamenti melo-
dici (Quit, 5years).
ANTONIO BELMONTE
71/100
con la label
inglese per
la band del
New Jersey
che tira
fuori dal
cappello
11 nuove canzoni agrodolci dal
morbido corpo alt country ve-
stito con abiti indie. Il quarto
album in studio di Hall e soci
scorre dolcemente tra le chi-
tarre dai tratti inquieti e dagli
arpeggi avvolgenti e i ritmi
vivaci e pulsanti che sorreggono
le melodie vocali delicate e ma-
linconiche dal fascino tardoado-
lescenziale.
DORIANA TOZZI
73/100
mo forte di
fine anni 70
- quando è
già scoppia-
to il punk e
la new wave
avanza e i
reduci dell’heavy metal danno
vita a band NWOBHM - avvolge JOSH ROUSE
gli ex Christian Mistress Quay- THE HOLYDAY SOUNDS
de Lahüe. Sembrano in tutto e OF JOSH ROUSE
per tutto una band di quel pe- YOUNG TURKS
riodo, con un tocco americano
Questo disco è un balsamo
però, che significa una somi-
di grazia, mettetelo su e
glianza - forse solo perché la
prendetevi il vostro tempo:
cantante si chiama Jenna Fitton
make american xmas great
- con le Runaways in fase metal-
again.
lara. Grezzi, ma niente male.
CLAUDIO SORGE
72/100

SASSY 009 ANDY SHAUF TIMELOST

KILL SASSY 009 THE NEON SKYLINE DON’T REMEMBER ME FOR THIS
LUFT RECORDINGS ANTI- GOLDEN ANTENNA

Nato come L’inizio Con l’aiuto

trio ma
ora esclu-
sivamente
nelle mani
di Sunniva
Lindgård,
il progetto
scandinavo potrebbe ideal-
mente essere classificato fra le
sperimentazioni delle Smerz e
un approccio più pop, come qui
prova l’ottima e spedita Maybe
In The Summer. Ma gli svolgi-
menti fra electro e ambient di
questo album conoscono talvol-
ta soluzioni avventurose, come
nella deriva noise di Thrasher.
Da seguire.
GIORGIO VALLETTA
79/100
è dei più
promet-
tenti, con
il brano a
dare il titolo
all’album
a provare
a mettere insieme una linea
vocale dylaniana e qualche
sofisticatezza da High Llamas.
Buona idea e non l’unica, e
l’esperienza del canadese nel
costruire folk alla Elliott Smith
resta di riguardo: tanta delica-
tezza e buoni sentimenti, ma al
quinto disco solista un po’ di
imprevedibilità in più sarebbe
stata apprezzata.
FRANCESCO VIGNANI
65/100
Jeff Zeigler,
l’engineer
di War On
Drugs e
Kurt Vile,
i Timelost
danno un
assetto decisivo alle proprie
canzoni. Che sono (anche) in- JAZ COLEMAN
fluenzate da un remoto sound MAGNA INVOCATIO
metal e dai Lush, ma scorrono MUTE
come una poderosa cascata di
suoni shoegaze. La sensazione Magna Invocatio risolve
è che il sound sembri essere il la propria visione in un al-
punto di arrivo e non di par- lineamento operistico che
tenza per i Timelost. Nausea aggiorna le altezze roman-
Curtains è il titolo di una loro tiche, neo pagane e risorgi-
informe canzone che descrive mentali.
bene quello che stanno facendo.
CLAUDIO SORGE
61/100

TUSKS UNE MISÈRE YAMANEKO

AVALANCHE - THE REMIXES SERMON SPIRALS HEAVEN WIDE
ONE LITTLE INDIAN NUCLEAR BLAST LOCAL ACTION

Accomuna- L’esordio Grazie ai

ta a James
Blake per il
suo electro
pop crepu-
scolare, la
produttrice
e musici-
sta Emily Underhill/Tusks ha
sottoposto una manciata di
canzoni del suo secondo album
Avalanche (2019) a giovani
remixer della scena inglese:
Wovoka Gentle, Anna Vr, Babii,
e artisti più paludati come i
postrockers Vessels e Throwing
Snow. Quest’ultimo fonde l’a-
nima wavish di Tusks e le sue
inquietudini da dancefloor.
ANDREA PREVIGNANO
65/100
degli islan-
desi è un
mix di mar-
zialità rigi-
da e slanci
hardcore
metal, blast
beats imperterriti e oscure
atmosfere post metal che pren-
dono la forma più viva in Over-
looked - Disregarded. In Fallen
Eyes il cantato pulito è uno
squarcio di luce che si trasforma
immediatamente in tenebra.
Una mutevolezza brutale che si
sprigiona come colate laviche e
fiotti incandescenti. Occhio che
bruciano.
NICHOLAS DAVID ALTEA
74/100
tre album
già pub-
blicati, il
produttore
londinese
è ormai un
nome di
culto per gli appassionati del
suono elettronico più sotter- HAZEMAZE
raneo. In questo nuovo disco HYMNS OF THE DAMNED
scritto alla vigilia del suo trasfe- RIPPLE MUSIC/CURSED
rimento a Tokyo, agli elementi
grime e techno si sostituiscono Gli Hazemaze sono il
atmosfere evocative ed emozio- trionfo postumo dei Black
nanti, come nella malinconica Sabbath, di cui hanno
Hikikomori o in una cosmica saputo vivisezionare ogni
Fall Control dall’intensità cine- possibile implicazione, riff,
matografica. passaggio, climax.
GIORGIO VALLETTA
80/100
RUMOREMAG.COM | 75
TREECOLORE DISCO DEL MESE
THE DINING ROOMS
PER FORTUNA, È (ANCORA)
UNA QUESTIONE DI STILE
THE DINING ROOMS
ART IS A CAT
SCHEMA
L’elaborazione della malinconia per pic-
coli passi, senza cedere mai all’impeto di
risolvere tutto con un colpo di scena me-
lodrammatico. Suggerire con delicatezza
e stile, piuttosto che svelare a gran voce
il sentimento. Un artigianato elegante
della composizione misurata, che ha
poco a che fare con l’ossessione per il su-
perlativo di molto pop italiano recente.
Dal 1998, il sodalizio milanese fra Ste-
76 | RUMOREMAG.COM
fano Ghittoni e Cesare Malfatti applica
la lezione del gusto dell’era dorata delle
colonne sonore degli anni 70 alle nuove
dinamiche di ritmo ed elettronica. Con
un codice genetico alimentato da jazz,
battuta lenta del trip hop ed elettronica
ricamata da filigrane acustiche. Un abito
(spesso) strumentale, che abbiamo chia-
mato downtempo per pigrizia di sintesi
all’ora dell’aperitivo. Ma che ha sempre
nascosto di più. Il nuovo album spinge la
cura dell’arrangiamento verso il formato
canzone, in modo più deciso rispetto
al passato. “Avevamo esperimenti che
sarebbero rimasti strumentali. In altri,
il mio tentativo di trovare alcune varia-
zioni sul campione ha portato Stefano a
trovare una melodia cantabile”. Quasi
una sintesi di un universo sonoro defi-
lato, che chiude il cerchio. “Sulla scia
di Experiments In Ambient Soul e Ink,
ballate soul e folk e strumentali cinema-
tici, a volte anche scuri e sperimentali”.
Stefano ai loop di base e Cesare al vesti-
to strumentale, secondo metodo conso-
lidato, con una schiera di cantanti, mai
cosi nutrita. I collaboratori usuali Sean
Martin (fra le sinuosità acustiche di Two
Thousand Parts) e Georgeanne Kalweit
(nel manuale indietronico di No Frame).
E poi le scoperte. L’italo tunisina Rahma
Hafsi offre brividi world alla toccante
DI MAURO FENOGLIO
ballata Little Girl, cantata in inglese e
arabo. La voce dell’italo salvadoregna
Beatrice Velasco Moreno (“Un’amica di
mio figlio maggiore. L’ho scoperta ca-
sualmente, mentre stava cantando una
canzone nel salotto di casa nostra”.) si
scioglie nel meraviglioso folk orchestrale
della title track, e regala spiritualità al
crepuscolare affaccio sul mare (lounge)
di Sweet Love. Ma il cortocircuito arriva
con la voce di Lola Kola (una delle ani-
matrici della scena indie del Pigneto)
regalata al primo brano in italiano della
storia del duo. “Ho pensato di far di-
ventare un sample di un frammento di
voce in una ballad. Uno dei miei brani
preferiti di sempre è What Does Your
Soul Look Like (Part 1) di DJ Shadow,
quello con il sample di Gianni Nazzaro”.
Parole che fluttuano fra le corde della
chitarra in Nella Sua Loca Realtà, im-
maginando la grazia di Edda Dell’Orso,
fra i velluti di un qualche maestro di
composizione. Una malinconia sempre
suggerita, mai imposta. La lezione aurea
di un disco che è un punto d’arrivo.
81/100
TREECOLORE GLI ALBUM GENNAIO 2020
A COPY FOR COLLAPSE
YOUR IMAGINARY WORLD
WHITE FOREST
Daniele Raguso fa un passo
deciso verso il mondo synth pop
e wave. E se nel mondo più sin-
tetico non è la “nuova via”, poco
importa. Abbandonati i mondi
chill wave ne esce uno tutt’altro
che immaginario. L’iperdefini-
zione dell’obiettivo del produ-
cer è chiara, definita, oseremmo
dire cristallina. Fine insieme
alle Lilies On Mars ci fa riassa-
porare la commistione che esal-
ta entrambi, mentre su Polaroid
con Happy Skeleton gli echi di
Dave Gahan risuonano ampi e
invadenti. La marziale apertura
80’s di This Is Not A Blue Mon-
day con The Hand gioca sul
citazionismo spinto del classico
dei New Order. I caleidoscopi
sonori di Metamorphosis e She
Dreams aumentano al livello
successivo la dinamicità. La
voglia nostalgica di quel suono
e di quelle pulsazioni supera
l’idea di esercizio di stile.
NICHOLAS DAVID ALTEA
67/100
CALENDULA
HIVEMINDS - DE BREVITATE VITAE
AUTOPRODUZIONE
Cambiati e rigenerati, ritornano
i parmensi Calendula, che
esordirono nel 2012 con
Aftermaths per la Lo-Fi
Creatures. Il nuovo album
si chiama Hiveminds - De
Brevitate Vitae, e qui ne viene
presentata la prima parte.
Influenzati nel corso del tempo
da un certo post rock/hardcore
di band come Slint e Cult Of
Luna, i Calendula ambientano
ora le loro riflessioni sulla brevità
della vita in un panorama post
metal psichedelico che fonde
varie ispirazioni in un qualcosa
di unico e nuovo, con molti
momenti di fascino occulto e
pause cupamente monastiche.
La loro musica è tutt’altro che
statica e si sviluppa a tratti in
modo imprevedibile. Ferrei riff
di antica potenza 70’s metal
fortificano strati di abbandono
post rock, proiettandoli in una
esaltante nuova dimensione.
CLAUDIO SORGE
80/100
MARTINA BERTONI
ALL THE GHOSTS ARE GONE
FALK
Musicista friulana di base a
Berlino, Martina Bertoni è stata
per molti anni collaboratrice di
fiducia di Teho Teardo prima
di trasferirsi in Germania e in-
traprendere la carriera solista.
Dopo due EP giunge finalmente
all’esordio di lunga durata per
l’etichetta islandese con un
album che parte dal suo stru-
mento d’elezione, il violoncello,
per esplorare territori sonori
all’insegna di un’elettronica al-
gida e scintillante. Un po’ sulla
scia della recente tradizione
di violoncellisti come Oliver
Coates e Hildur Guðnadóttir,
anche Martina approccia il pro-
prio strumento per indagarne
tutte le potenzialità in senso
compositivo più ampio e libe-
ro. Ne risultano brani dall’alto
tasso cinematico, costruiti su
strati di suono spesso ma non
privo di raffinatezza nella felice
alternanza tra pieni e vuoti.
Evocativo.
LUIGI MUTARELLI
75/100
ANDREA LASZLO
DE SIMONE
IMMENSITÁ
42
Archiviato il successo di Uomo
Donna, il nuovo progetto di An-
drea si sposta inaspettatamente
dalla canzone d’autore anni 60
e dalla psichedelia battistiana,
per abbracciare un mondo ricco
di orchestrazioni e minute stra-
tificazioni. Un cambio di rotta
esplorativo alla ricerca di nuove
modalità espressive più affini
al mondo delle colonne sonore.
Nasce così una composizione
musicale fluttuante, delicata,
quasi epica, fortemente melo-
dica, in cui il concetto dell’im-
mensità viene spacchettato in
quattro momenti fondamentali:
il sogno, la realtà, lo spazio e il
tempo. Il gusto per il classico si
fa largo, spazzando via l’impeto
passionale, e il carnale si fa d’un
tratto impalpabile e sfuggevole.
Un poetico e ambizioso lungo-
metraggio sonoro.
SIMONA VENTRELLA
72/100
FABRIZIO BOSSO
SOMEDAY
AUTOPRODUZIONE
Il trombettista torinese Fabrizio
Bosso festeggia i dieci anni di
iperattiva carriera con il terzo
disco, di uno dei suoi progetti
più affascinanti, insieme ad
Alberto Marsico (organo) e
Alessandro Minetto (batteria). Il
mood di Someday è un omaggio
alla musica black dei gospel
di Harlem, interpretata con
maestria e pathos, attraverso
una visione moderna e jazzistica
dello spiritual. Un approccio
capace di valorizzare il vir-
tuosismo e l’espressività della
carismatica tromba di Bosso,
in un incontro tra repertorio
classico e brani inediti. Lo stile
legato all’improvvisazione, la
personalità swing e la fluida
energia vitale, che intercorre tra
gli strumenti, rendono il soul
jazz del trio accessibile anche ai
neofiti del genere, per un ascolto
denso di calde emozioni e legge-
ro divertimento.
SIMONA VENTRELLA
80/100
DOOMRAISER
THE DARK SIDE OF OLD EUROPA
TIME TO KILL
I Doomraiser suonano doom
e lo fanno in modo molto pe-
sante. Lo affermano loro stessi
del resto con orgoglio. Doom
debitore di una tradizione
italiana mélo, per quelle dense
e avvolgenti melodie che si
avvinghiano a massicce costru-
zioni di riff, che lasciano a trat-
ti il passo a pause meditative
dal fascino monastico. Come
illustra uno dei brani più varie-
gati e suggestivi di questo loro
nuovo album, screziato di luci e
ombre, Terminal Dusk. Album
che non è edito come i prece-
denti dalla Bloodrock e, da un
certo punto di vista, inaugura
un nuovo cammino, più ambi-
zioso, per la band romana (più
progressive?). Notevole anche
Loathsome Explorer Interpo-
lation, ispirata alla lontana dai
Danzig.
CLAUDIO SORGE
79/100
BUZZY LAO
UNIVERSO/RIFLESSO
INRI/BUNYA
Buzzy Lao è un cantautore to-
rinese nato col blues e il folk
sottopelle, contraddistinto da
una scrittura carica di empatia,
grinta e spiritualità. Per il suo
secondo disco si ritrova a sonda-
re le possibilità di in un universo
parallelo, in cui mescolare al
proprio dna d’oltremanica per-
cussioni e melodie tribali, che
profumano d’Africa e d’oriente e
suoni sintetici e carichi di effetti
provenienti dal futuro. Un gioco
sottile di equilibri tra acustico ed
elettrico, tra suggestioni antiche
e melodie moderne, che danno
vita a un intenso e struggente
dialogo tra il mondo interiore e
quello esteriore. Un disco denso
di idee e di qualità, sia nella re-
alizzazione che nelle intenzioni.
Buzzy Lao riesce a distinguersi
con piacevolezza in un mare
magnum cantautorale che gioca
troppo spesso al ribasso.
SIMONA VENTRELLA
75/100
EDUCATION
CULTURE
SYMPHONY OF DESTRUCTION/
IMMINENT DESTRUCTION
Ultimamente sento parlare spes-
so e a sproposito di post punk,
accade quando non si sa come
descrivere il suono di band che
usano bassi cupi e chitarre affila-
te. Non basta. Prendiamo il caso
degli Education, romani, giova-
nissimi: se ci si ferma alle chitar-
re spettrali (molto Batcave ‘84),
alla voce minacciosa e alla ritmi-
ca tribale, è un attimo liquidare
il tutto come l’ennesima pallida
copia dei Killing Joke. In realtà,
in Culture c’è di più. C’è un ap-
proccio tutt’altro che didascalico
alla materia, c’è tanto hardcore
ma, soprattutto, una disperazio-
ne di fondo che è tipica di questi
giorni senza prospettiva. Culture
trasmette disagio. È un disco
cattivo che fa di una musica anti-
ca uno strumento d’offesa.
LUCA FRAZZI
80/100
RUMOREMAG.COM | 77
 RADICI GENNAIO 2020 / KAZU MAKINO

10 CANZONI PER
KAZU MAKINO
Bella sorpresa, il suo esordio solista scritto in ritiro all’Elba. “Ho trascorso alcune estati
lì anni fa e ho collezionato solo bei ricordi, così in un momento in cui mi sentivo stanca
e stressata volli tornarci. Ma di recente sull’isola ho vissuto anche delle esperienze
dolorose, quindi vedremo come la vivrò adesso”. L’album si intitola Adult Baby e ci
hanno lavorato grandi musicisti e produttori: Sam Griffin Owens, Ryūichi Sakamoto,
Mauro Refosco, Ian Chang. “Spero di potermi considerare amica di tutti loro. Persone
che entrano nella vita per diversi motivi, e quelle speciali si ha la sensazione di
conoscerle da tempo”. Intanto i Blonde Redhead sono al lavoro. “Siamo al 70% del
disco. Ho nuove canzoni, ma da quando sono concentrata su Adult Baby Amedeo
ha assunto più peso, ed è un bene. Non vedo l’ora di sentire che cosa combinerà”. E
aggiunge: “Dear Barbara, I just got back from tour and my brain is ‘quasi morto’. …
Let me know if I need to elaborate more. Kazu x”.

TAG S: #KAZU #BLONDEREDHEAD ONLINE: FACEBOOK.COM/KAZUMAKINOOFFICIAL

TOM, ZECA, CAE- MOTTA RYUICHI ENNIO MORRICO- PUSHA T

TANO E MORENO DEL TEMPO CHE PASSA SAKAMOTO NE & JOAN BAEZ INTRO
VELOSO LA FELICITÀ ELEPHANTISM THEME HERE’S TO YOU
TODO HOMEM

“Amo l’hip hop e questo

“L’ho ascoltata quest’e- “Penso che siano il suo- “Me l’ha fatto ascoltare pezzo mi fa capire che
“È la mia colonna state al Fandango, no e l’armonia a com- Matteo del Fandango cosa stia succedendo.
sonora del 2019, ho all’Elba, ed è stato come muovermi così. Nella questa estate. L’ho L’innovazione paga.
diversi ricordi legati a se si accendesse una sua musica c’è sempre imparato di notte e Immagino che sia
questo pezzo. Amo il lampadina. Mi piace- ritmo, sebbene non ci cantato la mattina attratto da cose simili
fatto che Caetano stia rebbe collaborare con siano batterie: i suoi dopo. Altro esempio di a quelle che piacciono
suonando con i suoi figli lui. È buffo ma è stato il crescendo compensano artisti di paesi e culture a me. Sarebbe bello se
e tutto sembri naturale. primo artista italiano il groove. Questo non diversi che lavorano potesse campionare
PLAYLIST

C’è qualcosa di forte in che mi è sembrato è l’unico suo pezzo che bene insieme”. qualcosa di mio”.
questa canzone, la di capire davvero. metterei in lista”. DA KING PUSH - DARKEST
adoro. È pura”. DA LA FINE DA SACCO E VANZETTI BEFORE DAWN: THE PRE-
DA OFERTÒRIO DEI VENT’ANNI DA ELEPHANTISM (OST) LUDE

H.E.R. BIG THIEF RYUICHI KANYE WEST THOM YORKE

FOCUS OPEN DESERT SAKAMOTO I THOUGHT ABOUT DAWN CHORUS
SOLARI KILLING YOU

“Non so procedere dopo “Me l’ha fatto ascoltare “Non elogio mai aperta-
questo brano. Il testo, Sam Evian, il mio nuovo “Mi si chiude la gola e “Amo molti suoi brani, mente il suo lavoro, né i
l’arpeggio, la voce e il bandmate, che li cono- gli occhi si riempiono di la sua musica mi eleva. Radiohead, perché pen-
basso sono così fichi, sce bene. Il suo canto lacrime. Canzone cata- Quando ami un artista so abbia già abbastanza
missati da un incredi- è così bello e sembra strofica. Musica troppo devi riconoscerlo, anche fan. Ma amo molto
bile artista giapponese francese, ma è una band bella da gestire. C’ero se il suo atteggiamento questa canzone, devo
(Miki Tsutsumi). Sono americanissima. A volte quando uscì il disco e per te è eccessivo. Alcuni ammetterlo. Ha fatto
stata felice di incon- mi sento distante da lui suonò per due notti mostrano le negatività di così bene da solo. Il
trarlo, è una persona certo rock americano, a N.Y.: era in mezzo alla questo mondo, ma è la modo in cui si è lasciato
gentile, umile, e lavora però con loro mi sba- sala, con gli altoparlanti loro musica la cosa più andare a un nuovo
a un isolato da casa mia. gliavo. Sono dei grandi”. dietro. Intenso. Mi ha potente, al di là delle po- inizio è bellissimo. Ben
Questa è N.Y.”. cambiata per sempre”. sizioni personali”. fatto!”

DA H.E.R. – VOLUME 1 DA U.F.O.F. DA ASYNC DA YE DA ANIMA

A CURA DI BARBARA SANTI - FOTO DI EVA MICHON

78 | RUMOREMAG.COM
TREECOLORE GLI ALBUM GENNAIO 2020
FUNK SHUI PROJECT
& DAVIDE SHORTY
LA SOLUZIONE
TOTALLY IMPORTED
Continua il sodalizio tra una
delle voci black più interessanti
d’Italia e la band che anni fa ha
dato vita a questo progetto più
unico che raro. Nel disco si me-
scolano la versatilità del gruppo
con quella dell’artista siciliano
(che non a caso è anche rapper
e producer), in otto tracce nelle
quali tutto sembra essere al pro-
prio posto. Seppur l’album abbia
inevitabilmente sonorità funk,
sia a livello lirico che musicale,
il lavoro attinge molto anche dal
rap e dal jazz. La Soluzione ci
appare come un album più com-
patto rispetto al capitolo pre-
cedente, probabilmente anche
più adatto a essere portato sui
palchi. Su una cosa però siamo
certi: l’attitudine e la conoscenza
musicale di questi ragazzi meri-
terebbero una maggiore consi-
derazione.
MATTEO DA FERMO
75/100
KING OF THE OPERA
NOWHERE BLUES
A BUZZ SUPREME
Alberto Mariotti è uno di quegli
artisti in grado di reinventarsi
e mutare forma più volte pur
rimanendo sempre se stesso nel
profondo. La sua prima anima
musicale, Samuel Katarro, si
può dire non l’abbia mai abban-
donato, tornando ad affacciarsi
in modi diversi tra le nuove
produzioni che comunque pro-
cedevano per la loro strada. Nel
caso di questo disco, l’artista ha
rivelato che l’idea da cui sono
nati i brani era quella di tornare
a frugare nel vuoto cosmico la-
sciato dalla dipartita di Katarro
per rivisitare quel “non luogo”,
un po’ come quando si torna in
una vecchia casa abbandonata
e piena di ricordi. Lì Mariotti
ha trovato un posto intimo, in
cui le fedeli chitarre sembrano
liquefarsi e la voce farsi onirica
nell’abbraccio dell’elettronica
che proietta i brani in una di-
mensione galattica.
DORIANA TOZZI
75/100
HANDSHAKE
AN ICE CREAM MAN
ON THE MOON
URTOVOX
È la versatilità la cifra di lettura
di questa band toscana, una
caratteristica che, unita alla
capacità di captare e inglobare
gli stimoli provenienti da oltre
i confini nazionali, contribuisce
a rendere la loro musica uno
scoppiettante caleidoscopio di
generi e sonorità. Un pop rock
attuale e diretto (Human Skills),
con alcuni episodi davvero note-
voli (The Importance Of Being
A Penguin), ricco di momenti
in cui le atmosfere si fanno più
dilatate, incappando felicemen-
te in una giocosa psichedelia,
come nel caso della pinkfloy-
diana Stuck; oppure capace di
centrifugare in un effervescente
cocktail Beck e i Tame Impala,
come accade in Bold//Brash.
Un esordio ambizioso, in grado
di seguire traiettorie poco orto-
dosse.
STEFANO D’ELIA
72/100
THE LU SILVER
STRING BAND
ROCK’N’ROLL IS HERE TO STAY
GO DOWN
Mettersi sulle tracce dei Lu
Silver String è come ritrova-
re la vecchia strada di casa.
Quella che porta al più classico
e immarcescibile dei rock’n’roll.
E del resto loro lo dicono fin
da subito, titolando in questo
modo il loro album. Una bella
collezione di canzoni dallo stile
crudo e affilato, che avrebbe
potuto scrivere gente come
i Count Bishops, una delle
dimenticate band dei fine ‘70
che facevano un pub rock pre
punk iper trascinante. I Lu Siver
String hanno quella vena che li
fa assomigliare a tratti anche a
una versione garage degli AC/
DC. Ovviamente sono quelli di
Chuck Berry e Stones i riff che
saccheggiano. Con digressioni
R&B southern, vedi ad esempio
un brano come I Got You. E qui
vengono fuori i Black Crowes.
CLAUDIO SORGE
76/100
IL CORPO DOCENTI
POVERE BESTIE
VOODOO DISCHI
Nonostante ci sia Milano nella
loro vita, e nel loro debutto
operino le mani di Divi Auteli-
tano dei Ministri, ammiriamo la
grande personalità de Il Corpo
Docenti, il cui debutto lascia il
segno. Sono vicini ai Ministri
sì, a volte, soprattutto nelle
metriche vocali, ma il punto di
contatto può essere il penultimo
disco dei Ministri stessi. Il resto
è espressione di una band che
ha molto, moltissimo da dire.
Chi vive a Milano sa che questo
è il suono di Milano che scappa
da se stessa. Dentro c’è il suono
dell’istante prima l’alienazione.
Tradotta con un linguaggio mu-
sicale che arriva chiaramente
dall’esperienza berlinese. Pove-
re Bestie è un bellissimo punto
di partenza e Il Corpo Docenti
una bellissima band.
MARIO RUGGERI
83/100
LUCA MADONIA
LA PIRAMIDE
VICEVERSA
Decimo disco di inediti per
il cantautore catanese Luca
Madonia, che in questa nuova
avventura decide di avvalersi
della collaborazione degli amici
di sempre come Mario Venuti,
Enrico Ruggeri, Carmen Consoli
e l’immancabile maestro Franco
Battiato. Lo stile beatlesiano
dell’ex Denovo ci riporta
indietro nel tempo, partorendo
nove duetti classicamente
pop, pieni di melodie rotonde,
sostenute da morbide orchestra-
zioni che avvolgono i brani
indietro nel tempo. Lo stile
raffinato e sofisticato di Luca
si camuffa amabilmente con
l’intelligenza e il gusto per la mi-
sura, rendendo il disco un pezzo
di modernariato musicale piace-
vole e immediato. Una prova di
maturità che si prende il tempo
di riflettere sulla vita, sui biso-
gni, sul tempo e sulla musica in
un mondo tutto a colori.
SIMONA VENTRELLA
65/100
IL TRIANGOLO
FACCIO UN CINEMA
GHOST
Nel terzo disco del duo milanese
la nostalgia ha fatto spazio a un
suono più attuale, pur essendo
ancora legato alla tradizione, nel
quale convivono motivi d’antan
e arrangiamenti pop rock di ulti-
ma generazione. Marco Ulcirai e
Thomas Paganini in questi cin-
que anni sono cresciuti, e tor-
nano con un album più fruibile,
efficace, banalmente più pop,
dopo quella che parrebbe essere
stata una puntuale operazione
di sottrazione e svuotamento, di
rimozione di fronzoli e certe in-
genuità ancora presenti nel pre-
cedente. Senza contare l’attento
lavoro di produzione artistica,
condiviso dai due con Riccardo
Montanari e Giacomo Carlone,
che con loro hanno qui suonato.
In tutto nove canzoni, in una
scaletta ben pensata ed equili-
brata, che brillano per scrittura
e che si lasciano ascoltare con
piacere.
BARBARA SANTI
77/100
MAI STATO ALTROVE
RAGAZZI STUPENDI
BRAVO DISCHI
Un passato come turnista dei
Thegiornalisti e un presente
come cantautore itpop; l’enne-
simo direte voi, eppure la cifra
stilistica di Gabriele Blanda-
mura diverge in maniera so-
stanziale da quella di molti dei
suoi colleghi. Gli otto brani di
Ragazzi Stupendi confermano
quanto di buono avevamo già
ascoltato nel precedente Hip
Hop, giovandosi di una capacità
di scrittura interessante, intima
ma non tediosa e scontata (I Di-
schi, Dentro Un Ricordo), ben
assecondata da un minimalismo
che non scade mai nel sempli-
cismo, e che si arricchisce degli
elementi gospel e dei beat con
cui Gabriele ama giocare un po’
alla maniera del Damon Albarn
dei Gorillaz, a cui non nasconde
di guardare di tanto in tanto.
STEFANO D’ELIA
65/100
RUMOREMAG.COM | 79

I STREAM, YOU STREAM, WE ALL STREAM
FOR AN ICE STREAM
rovato un titolo brillante
dopo 60 minuti di blocco
T creativo, ora fatta In
Italia bisogna fare gli
in italiani: sovranismo
o barbarie? 12-5-87
aprite i vostri occhi o 17 re? Ius soli, ius
sanguinis o ius culturae? Chi siamo, da
dove veniamo, dove andiamo? La risposta
come diceva quelo è uno streaming of
consciousness, ma è quella sbagliata:
dentro il nostro carrello Amazon® in
attesa di un friday bloody friday che mai
arriverà, nella nostra chiave USB persa
sotto il sedile della macchina o dentro
STRANACREMA
STRANACREMA
SOUNDCLOUD.COM/STRANACREMA
Gli esordi del romagnolo Giuseppe
Coluccelli li possiamo ascoltare su
MySpace, alla pagina ancora esistente
dei post rockers Venezia. Era il 2008
e Giuseppe aveva 19 anni. Poi vennero
i Raein. Qualche anno di silenzio e lo
ritroviamo in 47100, l’ottimo debutto
solista dell’amico Matteo Vallicelli,
uscito per Captured Tracks. Il progetto
Stranacrema da lì riparte: estetica e
titoli di canzoni che rimandano ad
un immaginario “post” virato verso
l’elettronica (anche se chitarra e voce
fanno capolino ogni tanto), suggestioni
liquide e atmosfere dilatate ed eteree
ma meno gelide di quelle delineate
dall’amico emigrato a Berlino. Il
debutto solista di Coluccelli in un certo
senso segue la rotta adriatica, e, visto
Giuseppe nella vita fa lo skipper, direi
c’è da fidarsi.
74/100
80 | RUMOREMAG.COM
IN ITALIA
il nostro account Spotify® (che cito
nella speranza di vedermi regalato un
abbonamento premium a vita mentre
vivo sperando che torni presto l’era del
vinile bianco). In attesa della nuova onda
affidiamoci a dischi che fungano da beni
rifugio a scopo non speculativo, che ci
proteggano da questo periodo di crisi e
di forte instabilità. Visto che in questo
momento storico il ruock e il cantautorato
sono populisti e noi non vogliamo fare il
loro gioco iniziamo coi generi che colgono
lo spirito di questi tempi, ossia la trap e
l’hip hop (ho letto che è trap nell’Internet).
Essendo noi boomer scegliamo
Dellamorte Dellemone, disco che come
al solito esce solo in formato digitale e
come al solito è scaricabile gratuitamente,
che celebra il ventennale del progetto
Aggettivo Sette (mortecattiva.
bandcamp.com), nato nel 1999 da
Mortecattiva e DJ Panino dopo aver
ascoltato su Geocities un gruppo di
rapper sfigati di Bolzano. Il Soavi (inteso
come il regista Michele) titolo è un
manifesto programmatico del pensiero
e della musica del rapper trentino, per
il resto ha già detto tutto la conclusione
della recensione comparsa in rete l’11
novembre 2019: la sensazione è che ci sia
più hip hop in questo che in tantissimi
dischi recenti di pseudo rap da classifica.
In moto avverso e contrario rispetto a
quello che fecero Neffa&soci negli anni 90
A CURA DI MARCO PECORARI
arrocchiamoci in dischi rifugio passando
dalla doppia h all’hc, in attesa che il cielo
su Roma volga al sereno: i Greve (greve.
bandcamp.com) sono nati come gruppo
per accompagnare Michele Barox nelle
date di presentazione della ristampa
del 7” Tutti Pazzi dei Negazione (di cui
Barox è stato primo batterista: e tutto
torna, visto che non perdiamo occasione
di ricordare che invece l’ultimo batterista
del gruppo è stato Neffa e che ora alla
batteria nei Greve c’è un noto rapper). Nel
loro 7” di debutto Allo Specchio riflettono
di luce propria: sei pezzi originali per
poco più di otto minuti di durata, pochi
fronzoli, no bullshit, testi introspettivi e
rabbiosi impreziositi dall’artwork a cura
di Nicola Peressoni anche conosciuto
come Speaker Deemo, quello di Sfida Il
Buio e Questione Di Stile che al momento
su Discogs viaggia solo a 120€. Visto
che oramai è noto che questa rubrica è
finanziata da Soros e dal piano Kalergi
prendiamo un Flixbus® in partenza da
Torino stazione Commando Vanessa
(commandovanessa.bandcamp.
com) ed esuliamo in Belgio in compagnia
dell’italianissimo Christophe Clébard.
SSS è l’ultimo disco che uscirà sotto
questo nom de plume: un epitaffio
synth punk su ritmi turbolenti cantando
seminudo di amore, odio e morte,
accompagnandosi a un synth arrugginito.
Il segreto meglio custodito della stazione
di Bruxelles?
TREECOLORE GLI ALBUM GENNAIO 2020
MARIPOSA
LISCIO GELLI
SANTERIA
La Storia occulta italiana e il
più leggendario dei suoi grandi
vecchi raccontati attraverso
musiche da ballo che vanno dal
desueto – polka, galop, liscio
- al vintage (il Brasile jazz rock
da universo parallelo di Pura
Vida, Dittatura!), mediate da
uno sguardo avant e art rock
genuinamente ludico, e testi
tra l’onirico e il surreale. Una
operazione fuori da ogni logica
e contemporaneamente lucidis-
sima che poteva riuscire solo a
uno dei gruppi più sguscianti e
spiazzanti dell’intero panorama
indie italiano post 2000, il quale
finalizza un progetto iniziato
nel 2013 e, ritornando in gran
forma, spiega due o tre cose su
che cos’è il talento. La line-up è
quella storica, senza Alessandro
Fiori e con le voci già collaudate
in passato di Daniele Calandra e
Serena Altavilla. Ci mancavano.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
80/100
SALMO
PLAYLIST LIVE
SONY
L’exploit di Playlist merita una
festa, e il rapper sardo la cele-
bra a modo suo. Aggiunge due
inediti al programma originale,
una strenna sull’orlo del sata-
nismo intitolata Charles Man-
son (Buon Natale 2) e basata
su suoni tribali post folk, e un
Salmo 23 autobiografico e clau-
strofobico, che cita pure la no-
tizia di quello che sarà il primo
concerto di un MC italiano in
uno stadio. L’altro contributo
inedito è il live, 11 tracce prese
in diretta su piazze importanti
come Roma e Milano. Non un’o-
perazione qualsiasi, perché il
tour con la band al completo ha
dato nuovo spessore e impatto
alle già pur fortunate canzoni
dell’album uscito lo scorso anno.
Da 90MIN alla ballata Il Cielo
In Una Stanza piovono energia
metal, ospiti e vibra hard funk,
tracima spirito punk e l’intera-
zione col pubblico, tra botta e
risposta e ritornelli, è continuo.
PAOLO FERRARI
70/100
GIANNI MAROCCOLO
ALONE – VOL. III
CONTEMPO
Il terzo episodio del “disco per-
petuo” di Marok riflette su un
tema di cui sembra assurdo
dover parlare ancora all’alba
degli anni 20 del terzo millen-
nio: il tema della violenza su
donne e bambini. Marok me-
dita e descrive con il suo fedele
basso – declinandolo in ruoli e
sfumature spesso atipiche per
lo strumento eppure perfetta-
mente confacenti al suo timbro
scuro ed evocativo – e intreccia
intorno ad esso le altrettanto
cupe linee dei synth e le rare
voci (tra cui quella di Luca
Swanz Andriolo che recita i
versi di Nina, sorella di Marok).
L’animale simbolo di questo
episodio è la libellula, che
nasce negli stagni fangosi ma
poi vola libera nell’aria, come
le suite The Slash e Catene e la
più breve Storia Di Loletta, che
nascono nel tormento cercando
redenzione.
DORIANA TOZZI
77/100
SELFIMPERFECTIONIST
LIFE IN SQUARE BRACKETS
AUTOPRODUZIONE
In accordo con la bella coper-
tina, la vita tra le parentesi
quadre di Selfimperfectionist, è
un chiaroscuro sull’architettura
moderna, sonora e strutturale.
Un lavoro che va accolto nella
sua interezza, dal pieno tech-
noide iniziale fino alla sua quasi
dissoluzione, con un carico
digitale che si svuota progressi-
vamente, al pari di un riflesso di
luce su una cattedrale urbana. I
primi bagliori elettronici di Pur-
ple Wheeze si stemperano nella
gravità zero di Ocean Lines, ma
in mezzo sfiorano buie rotative
ritmiche (Lost And Shattered
V.0.2, quasi un requiem per la
Blackest Ever Black), Inghilterra
lucente (i mini Underworld di
Lichen) e notturni Carpenter
(Balance Increase). Chiude la
rifrazione di So Long George,
bonus track dell’edizione in cas-
setta rispetto al digitale. L’un-
derground è ancora vivo.
MAURIZIO BLATTO
79/100
MINNIE’S
EVVIVA MANIFESTO
LA VALIGETTA
Non è rimasto più nulla del
punk e del post hc dei Minnie’s,
ma siamo abituati alle loro evo-
luzioni coerenti nella scrittura
e nella visuale della band. Ci-
cale, gelida e asciutta apertura
dall’intro post punk, viaggia
verso “l’adorazione” degli Stone
Roses. Pop alternativo lo chia-
meremmo senza troppi giri di
parole. Rifinito nei particolari,
levigato dove serve, una visione
fluida di un mondo che si era
un po’ perso dove si è persa la
via di mezzo da un po’ di anni.
Tra Volare, Fenice e Dovunque
ci trovate pure Enrico Gabrielli
(Calibro 35, P J Harvey) e Tatè
Nsongan (cofondatore dei Mau
Mau). Ogni brano vuol provare
a raccontare una storia diversa,
lavorando su vari piani, che sia
la visione più contemporanea
(Che Segreti Hai) o con i giusti
carichi di tensione leggera (Fe-
nice). Evviva i Minnie’s.
NICHOLAS DAVID ALTEA 75/100
74/100
SENZABENZA
GODZILLA KISS!
BAD MAN/STRIPED
Il nostro miglior gruppo punk
festeggia 30 anni di carriera
con il settimo album in studio. I
padri del flower punk rock non
si sono mai inflazionati, tenendo
sempre un livello alto: anche
ai tempi della svolta italiana di
Vol. 4. Con Godzilla Kiss! rag-
giungono l’apice. Un mix perfet-
to di freschezza ed esperienza,
Ramones da una parte e Beatles
dall’altra. I primi omaggiati sin
da The Curse Of The Ramones
nel ricordo di Joey che missò
il loro Deluxe del ’96. I secondi
saccheggiati con garbo nelle
fantastiche linee melodiche di
A Different Model…, Godzilla
Kiss! e Julie’s Chasing Butter-
flies. Un suono derivativo ma
così riconoscibile, anche nella
voce di Nando, da essere un
marchio di fabbrica. Come can-
tano in We Never Get Played On
The Radio, un mistero che siano
rimasti solo un gruppo di culto.
MANUEL GRAZIANI
80/100
MOTTA
MOTTA DAL VIVO
SUGAR
Un concerto giocato in bilico tra
i suoi due album, in cui la prima
parte è perlopiù dedicata a La
Fine Dei Vent’Anni e la seconda
a Vivere O Morire, eccezion fatta
per l’inedita versione di Cambio
La Faccia dei suoi Criminal
Jokers e di Dov’è L’Italia?, pezzo
uscito mesi dopo il secondo
album e presentato al Festival di
Sanremo. Motta mai come sul
palco sa essere intenso, ché se
c’è una cosa che gli riesce bene è
calcarlo, mettersi a nudo e darsi
completamente al suo pubblico.
E questo emerge anche in disco,
per esempio nella versione ac-
corata, acustica e notturna di
una Vivere O Morire suonata al
pianoforte. 16 canzoni ripensate
per la data conclusiva del tour,
poi incise all’Auditorium Parco
Della Musica di Roma, con tanto
di sezione d’archi e due ospiti: la
sorella Alice Motta e Nada.
BARBARA SANTI
SQUADRA OMEGA
ANTITERRA
MACINADISCHI
In dieci anni di carriera, la Squa-
dra ci ha abituato a tutto. Tenen-
do fissi i membri chiave Omega-
Matt e OmegaG8, è passata con
naturalezza attraverso cambi di
formazione e strumentazione,
e ne ha tirato fuori una serie di
album tanto stilisticamente ete-
rogenea quanto basata su temi
ricorrenti, l’improvvisazione
innanzitutto. Mancava ancora
l’album di sola elettronica ana-
logica però, e Antiterra rimedia
con 75 minuti (in CD o doppia
cassetta) di musica fra le più
belle e intense mai firmate dal
collettivo veneto, nel quale rien-
tra per l’occasione il vecchio col-
laboratore OmegaInvisible, ov-
vero Von Tesla. Cinque tracce in
cui l’amore dichiarato per ogni
cosa kosmische incrocia droni
e minimalismo, solennità me-
lodiche e grumi IDM, ambient
tropicale e poliritmi. Con i quasi
17’ di Part IV come apice.
ANDREA POMINI
83/100
RUMOREMAG.COM | 81
C O L O R
C L A S S I C B L U E 1 9 - 4 0 5 2

20
TREECOLORE GLI ALBUM GENNAIO 2020

SUBMEET THA SUPREME

TERMINAL 23 6451
LADY SOMETIMES EPIC/SONY

L’aeroporto come un limbo Il diciottenne romano Davide

in cui restare imprigionati,
sperando prima o poi di par-
tire verso la meta desiderata
o nel quale vagare all’infinito
come un’anima alla deriva. A
differenza però di Tom Hanks
in un famoso film, questo trio
mantovano invece di arredare
la propria prigione per abitar-
la decide di urlare il proprio
disagio, scuotendo le pareti di
questo non luogo fino alle fon-
damenta. Terminal è un lavoro
urticante, ricco di demoni che si
Mattei è l’ultimo in ordine di
tempo a dare uno scossone al
panorama mainstream italia-
no. Dopo aver prodotto brani
per Salmo, Nitro e Dani Faiv, il
suo album di debutto - capace
di entrare al primo posto della
classifica ufficiale - mette in
luce un talento originale e ati-
pico rispetto agli stereotipi che
pigramente si associano all’hip
hop e alla trap di casa nostra.
All’identità invisibile e rap-
presentata da un cartoon

agitano sullo sfondo di una so-
lida impalcatura sonica fatta di
post punk e rumorismo noise:
più spigolosi dei Soviet Soviet, i
Submeet guardano a band ame-
ricane come i Preoccupations,
costruendo in questo modo
brani dalla struttura articolata,
dove tribalismi post industriali
e melodie scorticate concorrono
a creare brani dall’impatto de-
vastante.
STEFANO D’ELIA
78/100
TS BLUESONE
‘NA SPIRANZA
I DISCHI DEL MINOLLO/CASETTA/
BRIGANTE/DELPHIC/TESCHIO DISCHI
Che cos’è il blues? Qual è il
linguaggio del blues? La sua
essenza? Ne potremmo parlare
per mesi. Ma una cosa è certa:
il blues è un linguaggio popola-
re. E popolarmente si adatta a
meraviglia alle tradizioni locali.
Penso allo straordinario blues
di Pino Daniele. Voce di Napoli
attraverso la radice nera. Ecco,
Ts BluesOne un po’ la ricorda.
La sua voce parte da Catania,
racconta la Sicilia, assorbe la
tradizione popolare sicula (ed è
qui la straordinaria permeabi-
lità del blues) e racconta, come
un autentico e moderno canta-
storie, la strada. La sua è la voce
degli ultimi che resistono, in
una terra la cui vita sconfigge la
morte sociale. Un disco molto
importante, e non solo per il
mercato indipendente italiano.
MARIO RUGGERI
85/100
corrisponde una coloratissima
creatività musicale, forse para-
gonabile al primo Mura Masa e
opportunamente accompagnata
da testi ricchi di invenzioni
linguistiche, come nella con-
tagiosa Blun7 A Swishland o
nella vertiginosa ed esilarante
Scuol4, capaci di eclissare molti
degli ospiti in scaletta. Una boc-
cata d’aria fresca e un ascolto
consigliatissimo.
GIORGIO VALLETTA
84/100
VIRTUAL TIME
PICTURES
GO DOWN
Se volete cogliere l’essenza dei
Virtual Time, dovete sentire
Pictures. L’LP. Collezione che
tiene assieme le canzoni scelte
da loro tra quelle dei cinque CD
incisi che vanno a costituire il
progetto con lo stesso nome.
Derubricato come alternative
rock, il loro lo definirei alter-
native hard R&B, per quella
propensione ad ariose ballate
rock influenzate dal R&B; e in
molti momenti da certo alt rock
folk. Molto spesso portato su bi-
nari hard. Mi vengono in mente
gruppi post grunge come i Blind
Melon, in alcune cose che fanno,
tipo un pezzo come Beyond The
Sun. Molto più spesso, in brani
come High Class Woman o The
Adventure Of Funky Boy, be’,
impossibile non collegarli ai Led
Zeppelin. Peraltro loro lo fanno
con il loro stile elegante ed ela-
borato. Sentiteli, ne vale la pena.
CLAUDIO SORGE
75/100
CALIBRO 35
MOMENTUM
RECORD KICKS
I Calibro 35 decidono di
guardare avanti. Questa è
la dichiarazione di intenti,
concentrarsi non su una
sezione sonora passata
con il preciso intento di
reinventarla, ma cogliere
al volo il sign o’times,
contribuire a edificarlo.
Cambiare le Directions,
per dirla alla Miles Davis,
ampliare a raggio la
prospettiva. Ed è così?
Soltanto in parte, per
fortuna. Nulla contro la modernità, ma stravolgere o smarrire
il bagaglio di cultura sonora limato al Calibro sarebbe stato un
errore. Il balzo in avanti è evidente soprattutto nei due brani
cantati: Stan Lee e Black Moon. Il primo beneficia dell’hip hop
soul di IIla J e si avvicina curiosamente a certo acid jazz di metà
anni 90, mentre nel secondo è MEI a tagliare la tensione black
notturna (Ghostpoet?) che l’avvolge. Intorno ci sono le mille
sfaccettature del groove, declinate con la consueta padronanza
soprattutto nel finale. Le tastiere di 4x4 (una ricorda lo Steve
Winwood anni 80), il jazz inglese vagamente Mike Westbrook
della conclusiva One Nation Under A Format e la portentosa
Fail It Till You Make It, gonfiata su un giro fenomenale,
moderna e profumata d’Italia lounge (quei cori sfuggenti tra
le chitarre e i fiati). Dovendo indicare un filo conduttore per
la prima parte, invece, affiora una certa Britannia alla John
Barry declinata al presente. Thrilling malinconico, scene finali,
tutti che hanno perso qualcosa. Suggestioni, sia chiaro, ma sui
quei titoli di coda potrebbero sfilare elegantemente sia Death
Of Storytelling che Tom Down. Già, ma l’odierno? Più netto
nella lucida trama d’apertura di Glory-Fake-Nation o nei synth
vincenti sulle incursioni jazz di Thunderstorms And Data.
Probabilmente il (vero) futuro pieno può attendere, di fronte a
questa maestria del passato.
MAURIZIO BLATTO
78/100
RUMOREMAG.COM | 83
TREECOLORE IN BREVE GENNAIO 2020

ANTHONY BAMBINO ALBERTO GIAN MARCO CASTRO DADE CITY DAYS

WALKING ON TOMORROW ASILO FOREVER OUT OF THE PAST FREE DRINK
AUTOPRODUZIONE BARLUMEN INRI CLASSIC AUTOPRODUZIONE

Un disco Giochi me- Gian Marco A fine

d’esordio
dalla storia
travagliata,
a cui que-
sto rocker
milanese
ha iniziato
a lavorare addirittura nel 2013.
Giunto alla sua forma definiti-
va, WOT si dimostra come un
buon compendio di brani metal
e hard rock dal sapore classico,
che nulla toglie e nulla aggiunge
al genere, ma che consta persi-
no di una piacevole power bal-
lad (The Old Witch). Gli amanti
del genere apprezzeranno.
STEFANO D’ELIA
60/100
talinguistici
(Sdruccio-
le) e infan-
zia come
metafora di
tempi in-
fantili, per
voce di un pupazzo radiofonico
– courtesy of Gaetano Cappa e
Marco Drago, quest’ultimo au-
tore dei testi - politically uncor-
rect ma mai greve: operazione
a rischio autoreferenzialità ma
di fatto riuscita, anche per l’e-
clettismo di - e la cura riservata
a - musiche e arrangiamenti.
Guide spirituali: Frank Zappa e
Franco Godi.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
70/100
Castro
(compo-
sitore e
pianista) è
stato lette-
ralmente
fulminato
dal musicista britannico Max
Richter, ma soprattutto dall’i-
dea di un viaggio interiore,
malgrado i suoi 24 anni. Già nel
2016, in Perspectives, si intuiva
la direzione. Ora è nel pieno
del neoclassicismo minimalista
delicatissimo: con dedica al
compianto Jóhann Jóhannsson
(Fyrir Jóhann) fino alla cre-
scente epica di A Moment Befo-
re Happiness.
NICHOLAS DAVID ALTEA
69/100
ascolto sarà
un po’ come
aver intra-
visto obli-
quamente
le luci di
Manchester
dai tetti di Bologna. Perché
l’opera seconda del combo
felsineo sa intrecciare sospen-
sioni dreamy shoegaze (Old
Fashioned), scintillii new wave
(l’asse Chameleons/Interpol
sulla sei corde di Long Island,
Manhattan, French 75), pulsa-
zioni elettroniche, accattivanti
fregole disco (Hi-Fi) e testi ri-
gorosamente in italiano.
ANTONIO BELMONTE
67/100

THE ELECTRIC PINK ELEPHANT BRAIN ASIA GHERGO GIONATA

MOON PROJECT NIENTE DI SPECIALE BAMBINI ELETTRICI L’AMERICA
THE ELECTRIC PINK MOON LIBELLULA GHERGO DISCHI/VOLUME! PHONARCHIA DISCHI
PROJECT
FONOARTE/REVENGE Gli Ele- La doman- L’America come metafora di
phant Brain da è: senza un agogna-
A Luciano con il loro le cover su to futuro
Margorani esordio ge- Youtube senza nu-
(La 1919) nuinamente staremmo vole e di
frullava in punk, sono qui a par- un altrove
testa da come una lare di Asia auspica-
decenni fragorosa Ghergo? bilmente
l’idea di ventata di vitalità che ti scompi- Forse no, ma bisogna farlo per lontano
elettrificare glia la testa. Con i perugini Fask non beccarsi un bell’Ok Boomer dalla provincia ristagnante.
con la propria chitarra il Pink condividono non solo l’origine, sui social. Se interpretando Cal- Nell’attesa, intanto, il cantau-
Moon drakeiano. Con Federico ma anche la spontaneità e la cutta o Pop X la ragazza poteva tore toscano prova a chiudere i
Zenoni alla batteria e gli ame- scrosciante carica di energia. anche suscitare simpatia, in conti col presente e coi ricordi,
ricani Deborah Perry (voce) e Impetuosi, assordanti e diretti, questi brani riesce al massimo impaginandoli dentro il suo
Dave Willey (basso) il progetto raccontano spaccati di giovani a strapparci uno sbadiglio, ac- Itpop nostalgico che imparenta
prende infine forma. Fedele vite quotidiane, con generose compagnato dall’impressione la malinconia leggera di un
alle strutture originali – a tratti chitarre, ritmi compatti e serra- che più che l’itpop la sua ispira- Giorgio Poi con l’ironia garbata
pure troppo, eccezione evidente ti tra stoner e alternative rock. zione affondi le radici in Ambra di un Jocelyn Pulsar (Frigori-
una droneggiante Which Will – SIMONA VENTRELLA Angiolini. fero, 2009, Dinosauri).
ma comunque inventiva. 60/100 STEFANO D’ELIA ANTONIO BELMONTE
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME 50/100 63/100
68/100
 SUONA ANCORA
IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI

ENRICO INTRA LATLETA ESTEL LUZ

SOUNDPLANETS MIRAGGI QUEENS
TASTE LABELLASCHEGGIA ESTEL LUZ

Dall’in- Latleta è il L’artista

contro tra
il pianista
Enrico
Intra, vete-
rano (classe
1935!) del
jazz italico
ed europeo con un curriculum
sconfinato, e il sound designer
Alex Stangoni, responsabile di
ambienti sonori, ritmi ed elet-
tronica, nasce un album a tema
sci-fi in perenne equilibrio tra
costruzione e decostruzione,
tra improvvisazione e lirismo.
Vario nelle soluzioni, convince
soprattutto nei momenti più
rarefatti. Esperimento affasci-
nante e coraggioso.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
70/100
nuovo mo-
niker die-
tro al quale
si cela
Claudio
Cosimato,
artista già
noto al pubblico per i lavori
firmati con il nome Vittorio
Cane. Dieci canzoni dal tono
surreale e sarcastico, canta-
te con l’ormai consueto stile
stropicciato (Io Ti Conosco, La
Confusione): Gazzelle, prendi
nota e impara! A questo giro ci
sono i synth a far la parte del
leone, ma il risultato non cam-
bia, bentornato.
STEFANO D’ELIA
70/100
italoco-
lombiana
di casa a
Londra
pubblica
in proprio
un album
denso di spunti, dall’R&B dis-
sonante di By Heart ai beat in VIVA VIVA
evoluzione di Longtime No See, MALAGIUNTA
dallo scuro dub che accompa- DESANDAR
gna la sua voce in pitch su Dem LA TEMPESTA SUR
Walls alla luminosità spirituale
della title track in chiusura di 14 tracce che raccontano un
scaletta. Contribuisce alla pro- lungo viaggio nel subcon-
duzione Davide Vizio, mentre tinente latinoamericano,
Ezra collabora ad alcune tracce costruendo una mappa di
oltre a missare il tutto. quanto visto, ascoltato, vis-
GIORGIO VALLETTA suto, respirato.
78/100

PIKKOLOMINI GARRY PITCAIRN PLEASE DIANA

PERFETTI THE GOSPEL POLLYANNA
BLU MUSIC INTERNATIONAL DANSZA JAP

Alessandro Garry Pi- Terzo

Perfetti
vanta una
discreta
carriera di
attore cine-
matografi-
co, al quale
affianca quella di musicista.
Perfetti è il suo esordio solista,
ed è un disco smaccatamente
pop, nel quale si alternano
vibrazioni sintetiche (Troppo
Facile, Con Quello Che Mi Dici,
E Mi Gira La Testa), e canzoni
dal gusto più classico (Come Ti
Odierei). Tante buone inten-
zioni, ma il risultato finale è
altalenante.
STEFANO D’ELIA
60/100
tcairn è
l’alias di
Gabriele
Maruti, mu-
sicista della
provincia di
Milano che
di provinciale non ha nulla. A
partire da quell’Alain Johannes
(collaboratore di P J Harvey,
Lanegan, Homme) che ha mixa-
to il tutto nel suo studio di Los
Angeles. Canzoni sorprendenti,
melodicamente articolate, ar-
rangiate in modo eccellente e
cantate in un inglese credibile.
Tra Jennifer Gentle e dEUS, A
Toys Orchestra e il deserto.
CARLO BORDONE
77/100
album per
questa gio-
vane band
umbra che
fin dalle
prime bat-
tute dà l’i-
dea di non voler fare prigionie-
ri: assalti all’arma bianca come ZAC
Radici, la title track e Solo Una ZAC
Canzone rappresentano delle DAMAGED GOODS
belle rasoiate rock capaci di
lasciare il segno. Non solo mu- Una sfida virtuale tra ABBA
scoli, ma anche tanta delicatez- e Count Bishops all’Eurofe-
za, espressa in maniera intima stival ‘76, col valore aggiun-
e accorata dalla voce graffiante to di un songwriting e di una
di Gloria Bianconi (Giugno, Io produzione superbi.
Starò Bene).
STEFANO D’ELIA
70/100

STATALE 66 ROBERTO VENTIMIGLIA  YODAMAN

ROCK-A-MY-HEAD RAW GIOCO SPORCO
AUTOPRODUZIONE GUSVILLE DISCHI ANTISTANDARD

Il trio Ascolti Al netto del

“beat &
rock’n’roll”
romano
(Alessan-
dro e Giulia
Meozzi,
Mary Di
Tommaso) mette la propria
passione per l’artigianato vin-
tage al servizio di una mezz’ora
densa di spunti e ben scritta,
percorrendo un personalissimo
passaggio a nord ovest che
unisce i ‘50 alla Beatlemania e
va oltre, apice in chiusura una
Lump In Throat che quasi lam-
bisce gli XTC e il più raffinato
power pop.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
73/100
2081 e la
sua melodia
sbarazzina
e piacevol-
mente pop
non ti si
stacca più
dalle orecchie. Un’immedia-
tezza che troviamo in più di un
episodio di Raw, un disco che
si muove sulle traiettorie dise-
gnate da band come Belle And
Sebastian, Pernice Brothers e
Pavement (Recollection): un
felice esordio, in cui delicate
armonie e attitudine lo-fi si
incontrano alla perfezione. Da
seguire attentamente.
STEFANO D’ELIA
72/100
successo
planetario,
il grime
resta un
genere pro-
fondamente
inglese. C’è
chi sceglie di farlo – con tecnica
e passione – anche da noi, come EUGENIA POST
il napoletano Yodaman, che MERIDIEM
in questo suo esordio mette in IN HER BONES
FACTORY FLAWS
mostra tutte le sfumature del ge-
nere. A volte la voglia di impatto
Il vantaggio degli Eugenia
toglie qualcosa allo spessore dei
Post Meridiem è quello di
testi, ma il debutto è prometten-
non essere limitati da tre o
te e certificato da veterani come
quattro punti fermi.
Ninjaz e Ganji Killah.
DAVIDE “DEIV” AGAZZI
70/100
RUMOREMAG.COM | 85
 ALESSANDRO C.O.F.F.I.N.
ALESSANDRONI BE GONE
AFRO DISCOTECA REWORKED BARGAIN BIN
AND RELOVED
FOUR FLIES Definisco-
no la loro
Non solo musica
lavoro d’ar- skate punk
chivio per psicotico
l’etichetta e Aussie
romana, pub thra-
che dopo sh. Non fa
aver scova- una piega. I cinque di Sydney
to quattro partono come dei canguri sel-
inediti del 1978 del maestro vatici montati dai Motörhead
romano e averne fatto un 12”, con l’anfetaminica Drug Baby,
passa le tracce a quattro nomi sterzano dalle parti dei Radio
contemporanei per un rework Birdman più muscolari e punk
altrettanto godibile. Bene i con Back In The Red, cover dei
Calibro 35, che rallentano su Celibate Rifles, infine si lancia-

THEO PARRISH
cadenze a loro consone Afro Vo- no senza paracadute vomitando
odoo, e bene anche pAd e Jolly bile e verbosità elettrica in Be
Mare. Benissimo L.U.C.A., che Gone. Randellate a destra e a
vira Afro Darkness in chiave dub manca, mica no.
tribale e psichedelica. MANUEL GRAZIANI
ANDREA POMINI 77/100
80/100
THIS IS FOR YOU C.Y.M. COMA_COSE
SOUND SIGNATURE
C.Y.M. FONDAMENTA
PHANTASY ASIAN FAKE

Sono passati più di cinque anni dal suo La sigla
più recente album American Intelli- nasconde
gence e, a pochi mesi dall’ottima What la collabo-
You Gonna Ask For - complice il nucleo razione fra
degli australiani Hiatus Kaiyote -, il più Chris Baio
recente singolo del fuoriclasse detroitia- dei Vampire
no coincide con l’atteso annuncio di un Weekend e
nuovo lavoro che si intitolerà Wuddaji. Mike Gre-
Ad affiancarlo qui c’è di Maurissa Rose ene, DJ/produttore britannico
(già protagonista di rare apparizioni per produzioni di suoi meglio conosciuto come Fort
colleghi concittadini come Eddie “Flashin” Fowlkes e Alton Romeau. Il tema è quello di un
Miller). Nell’intima This Is For You la sua voce soul aggiunge suono imbevuto di suggestioni
ulteriore calore a uno svolgimento organico e in continua evolu- kosmische, come esemplifica
zione, dove anche i dettagli e le rifiniture percussive esprimono l’inaugurale Capra, fra chitarre
eleganza e dinamica. Un episodio esemplare di come la migliore post punk e filtri sulla voce. Alla
house possa essere ancora significativa e di estrema attualità. lieve elettricità di Super Cannes
GIORGIO VALLETTA risponde il groove balearico di
90/100 Far Gone. Pare non sia un epi-
sodio isolato.
GIORGIO VALLETTA
80/100
Era ora,
che racco-
gliessero il
materiale
antecedente
ad Hype
Aura e lo
pubblicas-
sero. Ché già da quei pezzi se
ne poteva riconoscere la forza.
Perché Fausto Zanardelli non
è saltato fuori dal cilindro ieri,
ma è da anni che scrive. Lo sa
fare bene, non è una novità. E
California ha una voce capace
di convincere persino quando
canta Battisti, assurdo. Perciò,
nell’attesa di un nuovo capitolo,
ecco le loro radici.
BARBARA SANTI
80/100

DELTA SLEEP ELL3 GARUDA GNARCISSISTS

YOUNGER YEARS LOTUS GARUDA CAUGHT IN THE WEBB
BIG SCARY MONSTERS TAINTED MUSIC BARMA GOOD THINGS MUDDGUTS

Abbiamo A due anni Garuda è L’EP si apre

ascoltato
gli inglesi
Delta Sleep
in momenti
sicuramen-
te migliori,
come nella
profonda evoluzione di Ghost
City (2018). Li ritroviamo su
un buon livello ma senza troppi
strappi e una quiete poco dina-
mica. Meglio con Constant Dre-
amer, ma ci si impantana an-
cora in Three Ghosts. Qualche
incastro math rock/post hc più
serrato scuote ma non convince.
Ci hanno viziato troppo, ora non
ci accontentiamo.
NICHOLAS DAVID ALTEA
67/100
86 | RUMOREMAG.COM
da Ca-
mouflage,
il secondo
e meditato
EP per il
progetto di
Flaminia
Gallo testimonia di una visione
sonora personale e di respiro
internazionale. Ad esempio
lo scuro R&B dell’inaugurale
Damn si muove su coordinate
affini a Tirzah e xx, e la produ-
zione di Davide Zanierato ne
esalta le peculiarità melodiche
(vedi Hey Ma) e l’espressività
vocale, come nel fluire di My
Body On You.
GIORGIO VALLETTA
78/100
il nome di
un essere
mitologico,
metà uomo
e metà
aquila, le
canzoni del
duo formato da Emma Lercari
e Sandro Donda faticano però a
spiccare il volo. Il loro è un one-
sto rock blues con chiare vena-
ture funky (Illusione Magica, Il
Viaggiatore), su cui si stagliano
brani con un discreto appeal
pop, che cercano di elargire
messaggi positivi all’insegna
di un vaga spiritualità (Passo
Passo).
STEFANO D’ELIA
60/100
con Cele-
brity, gara-
ge fuzz che
pare uscito
fresco fre-
sco dalle
session di
Emerge dei Morlocks. E prose-
gue con un altro impazzimen-
to: Suffocate, folle hardcore
garage punk, tipo i Gravedigger
V che diventano i Germs. Sono
ritornati i Gnarcissists di New
York, con il loro nuovo doppio
EP, letteralmente sommerso
di melma fuzz e urlato sino
allo sfiancamento. Otto brani,
uno più devastato dell’altro. E
guardate la copertina.
CLAUDIO SORGE
79/100
SINGOLARE LA LUNGHEZZA NON È TUTTO GENNAIO 2020

HUMAN COLONIES IANVA L’ALBERO THE LIVING EYES

CLOUD CHASER AND OLD SONGS 1919 CENERE PEAK HOUR TRAFFIC
MIA CAMERETTA/LADY SOMETIMES IL LEVRIERO SANTERIA ANTI FADE/EPISODE SOUNDS

Lo dice Sarà pure Nell’attesa Tour giap-

il titolo:
un nuovo
brano e
altre can-
zoni che
erano pre-
senti in pre-
cedenti demo. Il trio suona ben
equilibrato, tra fuzz riverberato
e muscoli shoegaze. I brani ri-
arrangiati tornano a nuova vita.
Siamo in zona Dinosaur Jr/
Pains Of Being Pure At Heart
(Body), dream pop rumoroso
(S.J.) e via, verso maggiori dosi
psichedeliche (Hey You!). Puro
fuzz gaze in attesa del terzo
album.
NICHOLAS DAVID ALTEA
77/100
una “nevro-
si da eroi”,
ma quanta
bellezza
ancora.
Il singolo
nasce per
commemorare il centenario
dell’impresa dannunziana di
Fiume e la title track ne è tango
maestoso e morriconiano, che
riconduce alle origini ma con-
tiene ambizioni formali alla
Cave. Disobbedisco!, col suo
incedere più torvo, spettrale
e DIJuneiano, cesella un post
punk marziale e cinematico,
nel contributo interpretativo di
Edoardo Sylos Labini.
STEFANO MORELLI
80/100
del secondo
album, è
uscito que-
sto primo
singolo.
Il pezzo è
accompa-
gnato da un video di Beatrice
Cassarini, che ritrae l’ex Vickers
Andrea “L’Albero” Mastropie-
tro in viaggio sul cassone di un
pick up. Ed è proprio il viaggio
il protagonista di Cenere, il
percorso di vita così ben tratteg-
giato dal Nostro. Musicalmente
sembra non voler seguire la cor-
rente, e si veste di un pop perso-
nale, intelligente e fruibile.
BARBARA SANTI
70/100
ponese
e nuovo
singolo in
vinile per
uno dei mi-
gliori grup-
pi modern
punk della scena australiana di
Geelong. I Living Eyes li ave-
vamo lasciati al bell’album del
2017 Modern Living. Si rifanno
vivi con impetuoso entusiasmo,
sfornando due pezzoni ritmici,
più leggeri del loro solito, ma
sempre abrasivi e in odor lo-fi
come la title track. Sorpren-
denti le ritmiche in levare aro-
matizzate Franz Ferdinand di
Almanac.
MANUEL GRAZIANI
82/100

LOS MOFONGOS MEGAHEADPHONEBOY SERGIO MESSINA PENANCE HALL

PUERTO RICO MEETS THE CULT OF & THE FOUR TWENTIES COVERED IN SHIT
BAD MAN FREE LOVE MUSIC FOR UPLIFTING NECK CHOP
SUBSTANCE GORMANDIZERS
Tre musici- 1Q84 HELL YEAH Il synth
sti italiani di punk deve
Barsexuals e The Cult Of Quattro essere
Cogs parto- Free Love tracce inso- sinistro e
no alla volta (dal nord lite, sia per urticante,
di Puerto del Galles) un marchio c’è poco
Rico per il ci mettono dedito a da fare. È
Festival lo-fi la dose suoni elet- proprio
punk Debauch-A-Rico. Al ritor- di baggy tronici e nu questo l’approccio della super-
no si fermano a NY, s’imbattono rallentato disco, sia band della Louisiana che nella
nel mastrone Matt Verta-Ray, e psichedelia. Megaheadpho- per il nostro collaboratore, che di title track ci trascina in una
entrano nel suo studio e al volo neboy la parte elettronica e la musica ne ha fatta tanta ma così terra arida, desolata, buia, ac-
registrano due pezzi con Matt al synth wave scuola New Order. no. “Così” come? Difficile dirlo. cerchiata dallo smog. Qualche
basso e sua moglie Roxy all’or- Il risultato è un viaggio ai limiti Strumentale, balearica in senso lampo di luce arriva con Take
gano nella vellutata title track. dei confini sensoriali, in un rave lato per attitudine e atmosfere, Me To The Bar Fight (titolo
Fantastico! Chissà che avrà al rallentatore che smussa le fra arpeggi acustici e assoli elet- favoloso!) dove quel che resta
pensato Matt mentre Valentino sfaccettature. Un flusso che sva- trici, groove lenti con echi coun- dell’umanità pare si sia dato
cantava Non Giudicare alla nisce lentamente deflagrandosi try blues. E cover bizzarre come appuntamento nell’unico bar
Ghigo meets Freak Antoni? e distruggendosi come se non Perfidia di Alberto Domínguez, o rimasto sulla faccia della terra.
MANUEL GRAZIANI fosse mai esistito nulla. il Bolero di Ravel (!). MANUEL GRAZIANI
77/100 NICHOLAS DAVID ALTEA ANDREA POMINI 75/100
73/100 78/100

PSICOLOGI RUBINO SILVERLIGHT SHADOWS/ SPIELBERGS

1002 RUBINO MONARCHUS RUNNING ALL THE WAY HOME
BOMBA DISCHI/UNIVERSAL AUTOPRODUZIONE SILVERLIGHT SHADOWS/ BY THE TIME IT GETS DARK
MONARCHUS
1002 è il Solido EP AUTOPRODUZIONE Questi
secondo EP all’insegna norvegesi
della più di un sound Rara pepita arrivano
giovane e genuina- dall’ancor da Oslo e
interessan- mente in poco cono- uniscono
te coppia stile Virgin sciuta scena college rock
dell’indie Radio; under- lucido e
rap italia- tanta forma ground di riflessivo,
no. Potremmo definirlo un lavo- e poca sostanza per un pugno di Melbourne. sporcando e sfrangiando il
ro fresco e morbido, un viaggio brani che piaceranno ai puristi I SS sono suono quando serve. Il brano
nell’introspezione, la disillu- del rock FM. Tra brani hard una band post stoogesiana, che This Is Not The End rende l’i-
sione e la spensieratezza di due rock tendenti a un pop alla ha incrociato i propri destini dea, oltre a esser anche il titolo
diciottenni come tanti. Guai a Ryan Adams (Why Don’t You con i Magic Dirt dell’ex Bored! dell’album uscito a inizio anno.
definirli una boy band però: in Think About Love?, Between David Thomas. Il nuovo singo- Quel pop punk poco ruffiano,
questi mesi gli Psicologi hanno My Arms) e un’incursione nel lo è in split con un’altra band un po’ urlato, scuola Hot Water
dimostrato di essere più maturi glam metal (Don’t Eat Me Don’t di Melbourne, i Monarchus, Music e dintorni emo core
della loro età, attirando l’atten- Kill Me), Rubino è un disco ben guidati da un’arcaica e gentile senza mai farne parte. Fake A
zione di molti. suonato e prodotto ma essen- vocalist psichedelica. Reaction la cantiamo già tutta a
MATTEO DA FERMO zialmente innocuo. CLAUDIO SORGE memoria.
78/100 STEFANO D’ELIA 80/100 NICHOLAS DAVID ALTEA
60/100 75/100
RUMOREMAG.COM | 87
FLASHBACK PALE SAINTS
OCEANO DI SUONO
PALE SAINTS
THE COMFORTS OF MADNESS
4AD
Nonostante la riscoperta del dream
pop abbia riportato a galla band che
si credevano scomparse fra le pieghe
della discografia indie, quello dei Pale
Saints resta un nome ancora troppo
poco celebrato. La ristampa con cui
4AD festeggia il trentennale del loro
esordio (due CD che alla tracklist
originaria aggiungono demo e BBC
sessions) cercano di dissipare almeno
88 | RUMOREMAG.COM
PALE SAINTS
parzialmente quel velo di mistero che
avvolge la band di Ian Masters, figura di
culto nel passaggio fra il sound degli anni
80 e la psichedelia chitarristica dei primi
‘90. La magia dei Pale Saints la si deve
soprattutto al suo songwriting astratto,
alla voce diafana e a quel modo di gestire
gli spazi servendosi della penombra
che fanno di The Comforts Of Madness
un capolavoro perduto dell’art pop.
Fra le band della 4AD quei Pale Saints
sono stati la più 4AD di tutte. Quella in
grado di raccogliere l’anima celtica dei
Cocteau Twins e quella più sonica dei
Pixies. Molto dipendeva dal background
di Masters, che nel 1987 aveva reclutato
il chitarrista Graeme Naysmith e il
batterista Chris Cooper con un annuncio
in cui diceva di essere alla ricerca fan di
Dead Can Dance, Television e 13th Floor
Elevators, indipendentemente da quale
fosse lo strumento suonato. La prima
incarnazione dei Pale Saints era dunque
un terzetto ancora compromesso con
l’estetica goth, ma dotato di un tocco
visionario ereditato dai 60’s che già lo
proiettava verso il futuro. Dopo appena
due demo e un tour di supporto ai Lush, il
gruppo aveva già in tasca il contratto con
l’etichetta di Ivo Watts-Russell. Le tre
canzoni dell’EP d’esordio (Barging Into
DI DIEGO BALLANI
The Presence Of God) contenevano già
tutte le anime della band e culminavano
nel soffuso guitar pop di Sight Of You,
capolavoro della prima produzione che
avrebbe trovato posto anche sul primo
LP, nascosto in mezzo all’oceanico
deliquio lisergico di Sea Of Sound e a
delicatezze noise pop dai bordi taglienti
come You Tear The World In Two. A
dispetto del supporto incondizionato di
John Peel, il disco faticò a capitalizzare
l’interesse dei giovani inglesi per la
nuova psichedelia chitarristica. L’album
successivo, lo splendido In Ribbons
(’91), era un altro centro pieno che
abbracciava in maniera più decisa le
sonorità shoegaze ma perdeva per strada
le sfumature wave. Era anche il primo
LP in cui compariva Meriel Barham, ex
cantante dei Lush che avrebbe svolto il
ruolo di voce solista nell’ultimo, incolore
Slow Buildings (’94). A quel tempo Ian
Masters aveva già abbandonato il gruppo,
lamentando l’inaridimento del progetto.
Il futuro gli avrebbe riservato una serie
di progetti minori, incentrati su un pop
sperimentale che poco avrebbe aggiunto
alla straordinarie intuizioni dei Pale
Saints.
80/100 DISCO
75/100 EXTRA
RETROPOLIS GENNAIO 2020

AA.VV. GARY LEE CONNER

STRICTLY RHYTHM
THE DEFINITIVE 30
STRICTLY RHYTHM
30 pezzi scelti da un catalogo
sterminato, come 30 sono le
candeline che spegne in questi
giorni la leggendaria etichetta
newyorkese, fondata da Mark
Finkelstein e Gladys Pizarro nel
1989. Una colonna portante del
suono e del mondo house, non-
ché del suo lento ma inesorabile
lavoro ai fianchi del mainstre-
am, fino alla vittoria. C’è di tutto
dunque, all’interno dei confini
del genere: cose underground
acidelle (Phuture) e primordi
THE MICRODOT GNOME
VINCEBUS ERUPTUM
Scritto negli anni e pubblicato
autonomamente nel 2014, The
Microdot Gnome è la dichiara-
zione ufficiale di indipendenza
psichedelica di Gary Lee Conner,
dopo lo scioglimento degli Scre-
aming Trees. Ripubblicato oggi
dalla valente Vincebus Eruptum,
Microdot è uno sfolgorante
viaggio a ritroso tra le meravi-
glie della psichedelia inglese
circa ‘67/’68. Riscritta ex novo
da Gary Lee. Il quale si muove a
meraviglia tra pop psych, frea-
kbeat, pre prog psichedelico e ci

deep house (Logic, Kerri Chand-
ler, eredità disco impossibili da
bypassare (South Street Player,
l’omaggio ad Arthur Russell di
Underground Solution) e cantati
soul (Barbara Tucker, Black
Magic), hit planetarie da rave
(Josh Wink, Armand Van Hel-
den, Todd Terry).
ANDREA POMINI
80/100 DISCO
ZERO EXTRA
EMINEM
THE SLIM SHADY LP
EXPANDED VERSION
UNIVERSAL
Cosa resta dopo 20 anni di
un cataclisma come TSSLP?
Chiazze vuote nelle foreste,
visto l’infinito numero di articoli
circa omofobia e misoginia nei
testi o le cause legali – tuttora
insuperabile quella della madre,
accusata di drogarsi più di lui
– a seguire l’uscita. O, ad alzare
il tiro, un album che rimesso su
ora resta un mezzo miracolo.
Tuttora stordente il modo in
cui il ghigno nasale del pupillo
di Dre buca i campioni G-funk
sottostanti in questa serie di
vignette, ad esempio. Sguaiate,
improbabili, se non oltre? Forse,
e 97 Bonnie & Clyde resta affare
da brividi freddi anche adesso.
Ma spassosissime e sempre a
fuoco, se i pochi extra (un po’ di
versioni a cappella e l’introva-
bile Get You Mad) aumentano
solo la nostalgia per un Eminem
ormai lontanissimo.
FRANCESCO VIGNANI
consegna uno scrigno di nuovi
gioielli tra i più preziosi della
sua collezione di musicista. Sia
che rivisiti gli Small Faces con
quel retrogusto vittoriano, in
Stained Rainbow, o i Pink Floyd
di See Emily Play, i Pretty Thin-
gs di S.F. Sorrow e i Tomorrow,
in Sadie’s Golden Mirror, o nella
retrofuturistica Julian Hades.
CLAUDIO SORGE
80/100 DISCO
ZERO EXTRA
EUCLID
HEAVY EQUIPMENT
MAGIC BOX
Una tumultuosa evoluzione
verso l’hard rock caratterizzò gli
Euclid, i cui membri proveniva-
no tutti da garage band dell’E-
ast Coast: Massachusetts e New
England. Garage band famose
per il loro sound pop jangle
dalle armonie vocali curatissi-
me. Caratteristica quest’ultima
che mantennero gli Euclid pur
nella loro potente trasformazio-
ne hard. Il loro primo e unico
disco del 1970 è un piccolo
capolavoro di riff convulsi alla
Budgie e freakbeat estrogenato
(First Time Last Time e la cover
hard di Gimme Some Lovin’,
che riprende anche I’m A Man,
di Spencer Davis Group). Enne-
sima ristampa di un disco che
continua a essere apprezzato
da nuove generazioni di fan
dell’hard rock ed è particolare
perché coglie il passaggio tra il
60’s freakbeat e l’hard rock in
maniera perfetta.
CLAUDIO SORGE
AA.VV.
TARANTISMO: ODISSEA DI
UN RITUALE ITALIANO
FLEE
Il progetto è parecchio
ambizioso: un libro illustrato
bilingue (italiano/inglese),
con approfonditi saggi
e testimonianze affidati
a studiosi, fotografi,
parroci (!), registi teatrali
e organizzatori culturali,
accompagnato da un doppio
vinile che documenta
il passato e lo proietta
contemporaneamente su
presente e futuro. Due
facce, quella cartacea
e quella sonora, di una
medesima spinta ideale: cercare di raccontare taranta,
pizzica e manifestazioni culturali annesse al di fuori di una
istituzionalizzazione mainstream che le ha inevitabilmente
inghiottite. Utilizzando una impostazione multidisciplinare
da cultural studies che non teme le contaminazioni e anzi
le incoraggia e le rivendica. L’esito strettamente musicale
dell’operazione, quello che in questa sede ci riguarda
maggiormente, è assai interessante. Il primo vinile recupera
estratti da registrazioni sul campo effettuate da Alan Lomax
e Diego Carpitella negli anni 50, una musica tanto essenziale
quanto magnetica, capace di toccare corde profonde anche –
soprattutto? - pre culturali. Tanto raw da far inorridire all’epoca
certa intellighenzia che sperava la ricerca etnomusicologica
fruttasse molto più spendibili canti di protesta. Il secondo vinile
affida il grezzo materiale di partenza a un ampio ventaglio di
producer, tra i quali il nostro Bottin, il danese Uffe e il keniota
KMRU: il “tema” viene svolto in totale libertà, ciascuno estraendo
frammenti congeniali alla propria visione e alla propria geografia
(mentale e non). Prevale una sensibilità house, anche se in una
gran varietà di declinazioni. Forse da questo punto di vista si
poteva osare di più, con un ventaglio più ampio di approcci. E
tuttavia, considerando l’oggetto in questione più una porta di
accesso che uno statement, ci si può ritenere più che soddisfatti.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME

80/100 DISCO 82/00 DISCO 75/100 DISCO

70/100 EXTRA ZERO EXTRA ZERO EXTRA
RUMOREMAG.COM | 89
RETROPOLIS GENNAIO 2020

JOSEPHINE FOSTER THE FOX JASON ISBELL ISENORDAL

AND THE SUPPOSED
ALL THE LEAVES ARE GONE
FIRE
Acerbo ma prezioso gioiello acid
folk uscito nel 2004, quando la
parola d’ordine prewar folk era
sulla bocca di chiunque, il primo
serio tentativo discografico di Jo-
sephine Foster dopo il disco con
The Children’s Hour (SOS JFK,
2003), registrato con il chitar-
rista Brian Goodman (un dera-
gliante Richard Thompson lo-fi) e
il batterista Rusty Peterson, è un
disco che nella sua scombicchera-
ta esuberanza può ricordare Fa-
rewell Alebaran, capolavoro cult
di Judy Henske e Jerry Jester. La
matrice vocale, amplificata dalle
doti canore non comuni della Fo-
ster, è quello di una Shirley Col-
lins che incontra sulla sua strada
Grace Slick, e tuttavia l’intensità
della performance consente a
queste canzoni di liberarsi dalla
confortante ma ahimè limitante
morsa del passato.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
73/100 DISCO
ZERO EXTRA
FOR FOX SAKE
SOMMOR
Formatisi a Brighton nel 1968
con esperienze passate in band
mod della prima ora (tra gli altri
Gary Farr And The T- Bones), i
Fox giungono al loro album nel
1970, un po’ in ritardo rispetto ai
tempi che corrono. La loro pop
psichedelia melodica sembra
provenire dai sogni del 1967/68:
Small Faces in evoluzione, Ko-
obas, Herd, Zombies. Eppure le
loro canzoni hanno una nuova
ampiezza, quasi da ballad rock,
pur risentendo ovviamente
dell’eredità psichedelica, con
timidi accenni progressive. Se
Glad I Could richiama sfac-
ciatamente gli Small Faces più
lambiccati, Butterfly con il suo
arpeggiato barocco psych fa pen-
sare a un potente mix tra Lady
Jane e If I Were A Carpenter, e il
freakbeat bachiano Look At The
Sky ai primi Deep Purple.
CLAUDIO SORGE
78/100 DISCO
ZERO EXTRA
AND THE 400 UNIT
JASON ISBELL AND THE 400 UNIT
SOUTHEASTERN
Sei anni di country rock sudista
con i Drive-By Truckers, prima
di avviare una carriera solista
votata anch’essa al suono ame-
ricano più classico, e in parte
condivisa con una band, i 400
Unit. Il disco omonimo del 2009
è il primo insieme, e vede il chi-
tarrista e cantante dell’Alabama
impegnato su tutte le sfaccet-
tature del genere: la ballata
acustica di autocommiserazione
(Cigarettes And Wine) e quella
elettrica di speranza (The Last
Song I Will Write), il rock spedi-
to con chitarre al vento (Good) e
il midtempo d’impatto (Soldiers
Get Strange, However Long), il
soul lento con piano e fiati (No
Choice In The Matter) e il power
pop da tempi andati (When My
Baby’s Beside Me). Tutto ben
fatto e stereotipato il giusto.
ANDREA POMINI
60/100 DISCO
ZERO EXTRA
SHORES OF MOURNING
PROPHECY
Rintraccia una rapida e utile
ricollocazione, la prima edizione
risale a due anni fa, quello che è
da considerarsi il momento più
suggestivo concepito dagli Ise-
nordal, soprattutto nei termini
di un’adeguata e intelligente sin-
tesi tra il viaggio folk psichede-
lico e il black metal d’estrazione
neo pagana. Si tratta in effetti di
una fedele istantanea rispetto
a uno stile epico, orchestrale e
apocalittico, figlio di 3rd And
The Mortal, Amber Asylum, In
The Woods e Enslaved, nonché
degli Ancient primigeni, quelli
non ancora condizionati dalle
formalità gotiche del genere.
Trattandosi del loro album d’e-
sordio, la scelta in casa Prophecy
potrebbe far pensare a un recu-
pero, da parte dell’act america-
no, rispetto alla sintesi formale
in causa. Staremo a vedere.
STEFANO MORELLI
80/100 DISCO
ZERO EXTRA

STANZE
42 MASSIMO VOLUME
Se state leggendo queste pagine, sui 38 minuti di Stanze non
dovrebbe esserci bisogno di dirvi molto. L’impatto alieno e
devastante che il disco ebbe alla fine del 1993 pare intatto, mentre
a ogni ascolto proviamo ancora oggi a decifrare fino in fondo
le ragioni di quel bruciare così puro, violento, commovente. La
sua musica aspra e potente, declinazione personale coltivata in
autonomia del grande suono post hardcore americano, già piena di
segnali che indicano ciò che verrà in seguito. Le sue parole, capaci di
aprire squarci su mondi che paiono lontani e invece sono lì vicino a
te, flash narrativi micidiali per nitidezza e capacità evocativa. La sue
parole, e il modo in cui vengono pronunciate in mezzo una tempesta
di elettricità e tamburi, certo non cantate ma nemmeno esattamente
recitate, o declamate. Stanze mancava da allora, se si esclude una
ristampa in CD venduta brevemente dal gruppo durante il tour di
Cattive Abitudini, e aveva raggiunto prezzi discreti sul mercato
90 | RUMOREMAG.COM
dei collezionisti. Non mancavano le sue canzoni, arrivate fin qui
grazie all’amore della gente e ai concerti del gruppo, ma mancava
fisicamente, e ora è tornato. Rimasterizzato dai nastri originali,
per la prima volta anche in digitale e sulle varie piattaforme di
streaming. O in versione limitata, box con un inserto fotografico
struggente e un album inedito, Bootleg, concerto a Rimini del 26
febbraio 1994. Ora, cosa fosse vedere i Massimo Volume dal vivo nel
1994 non è riproducibile, però aiuta: c’è praticamente tutto Stanze,
ma soprattutto ci sono quattro brani che l’anno dopo saranno su
Lungo I Bordi, probabilmente alle prime uscite pubbliche. Tre sono
Fuoco Fatuo, La Notte Dell’11 Ottobre e una Per Farcela ancora
strumentale e non riportata in scaletta. La quarta è Ravenna, e non
serve aggiungere altro.
ANDREA POMINI
99/100 DISCO
85/100 EXTRA

LUCIFER WAS
UNDERGROUND AND BEYOND
SOMMOR WEWANTSOUNDS
I norvegesi Lucifer Was scrissero
i brani del loro primo e mai
uscito LP tra il 1971 e il 1972,
influenzati da un prog rock
europeo che prediligeva antiche
leggende folk e toni “occulti”,
flauti e chitarre paniche pre hard
(Black Widow, Jethro Tull). Ma
successe che la band si sciolse
senza incidere nulla e solo 25
anni dopo sarebbe ritornata in
uno studio per registrare quelle
stesse canzoni. Credetemi,
non si coglie alcuna differenza
tra il 1972 e quello che invece
fu realizzato nel 1995. Suoni
vintage compresi. Nel senso che
Underground And Beyond pare
in tutto e per tutto un disco del
1972. Tra tutte, si staglia Green
Pearl, occult heavy prog tra
Jethro Tull e… Blood Ceremony.
Peraltro è bene precisare che i
Lucifer Was non erano certo i
Black Widow.
CLAUDIO SORGE
72/100 DISCO
ZERO EXTRA
THE ROLLING STONES
LET IT BLEED
(50TH ANNIVERSARY EDITION)
ABKCO
Tocca anche a Let It Bleed il
tagliando del mezzo secolo,
per quanto alla vigilia di un
cambio di decennio infinita-
mente più facile di quello dopo
il 1969. Drammi prima – la
morte di Brian Jones – e subito
dopo l’uscita, con il disastro di
Altamont a seguire di giorni la
pubblicazione, com’è noto. E
LIB a somatizzare le prime om-
bre dei ‘70: di rottura ideologica
col passato era ai tempi Gimme
Shelter, mentre le fondamenta
blues si fanno gonfie e minaccio-
se come mai prima alternandosi
con una serie di ballate che una
vita dopo avrebbero spiegato
a Kurt Vile l’uso degli spazi.
L’ultimo grande capolavoro dei
‘60 e per molti il loro vero canto
del cigno: peccato che oltre ai
mix mono, stereo e Super Audio
CD il box non aggiunga nulla di
inedito.
FRANCESCO VIGNANI
84/100 DISCO
65/100 EXTRA
DONNA McGHEE
MAKE IT LAST FOREVER
L’unico album di Donna Mc-
Ghee è un piccolo culto della
disco newyorkese di fine anni
70, già ristampato una manciata
di volte e ora nuovamente dispo-
nibile, rimasterizzato e riconfe-
zionato dal un marchio d’eccel-
lenza come Wewantsounds. Il
giro è quello di Patrick Adams
e Greg Carmichael (menti di
progetti quali Phreek, Universal
Robot Band, Inner Life e altri,
per i quali McGhee aveva can-
tato e canterà), che scrivono e
producono anche queste cinque
tracce con tocco inconfondibile.
Pezzi anche lunghi o lunghissimi
(8’26” la title track, 10’20” la
seguente Do As I Do), puro soul
ballabile fatto di bassi gommosi
e rantoli vietati ai minori, trame
funk e archi. Mai uscita su sin-
golo, la conclusiva I’m A Love
Bug è l’arma segreta per DJ di
ieri e di oggi.
ANDREA POMINI
80/100 DISCO
ZERO EXTRA
ARTHUR RUSSELL
IOWA DREAM
AUDIKA
Prosegue l’eterna attività di
Il titolo del nuovo volume
di inediti postumi firmati fa
opportunamente riferimento
alla provenienza del geniale e
compianto artista, newyorkese
adottivo ma nato nella piccola
città mineraria di Oskaloosa.
Scritti soprattutto attorno alla
metà degli anni 70, i 19 brani o
demo qui inclusi evidenziano le
sue capacità compositive, che
si tratti di ballate dal romanti-
cismo senza filtri (In Love With
You For The Last Time, come
anche l’agrodolce poema queer
di Words Of Love) o di minia-
ture folk pop talvolta rafforzate
da un approccio naïf affine a
Jonathan Richman. Risale in-
vece al 1985 la perla funk wave
You Did It Yourself, imbevuta
delle sue successive e numerose
esperienze musicali. Peter Gor-
don e David Van Tieghem fra i
musicisti coinvolti.
GIORGIO VALLETTA
80/100 DISCO
ZERO EXTRA
SUONA ANCORA
IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI
PRINCE
1999
WARNER
Difficile sintetizzare in poche
parole il valore musicale e sto-
rico del disco che per l’artista di
BEAT HAPPENING
WE ARE BEAT HAPPENING
Minneapolis avviò una sequen- DOMINO
za di cinque album impeccabili.
Inossidabili sebbene perfet- Il perfetto incrocio tra il
tamente datati, i 72 minuti di chitarrismo primitivo di
1999 aggiornano le coordinate Velvet e Cramps e il post
musicali di quel che si intende punk intimista britannico
per funk, spostano i confini di Vaselines, Young Marble
della musica pop e anticipano Giants e Marine Girls.
molte successive evoluzioni
della musica elettronica. La
voluminosa riedizione Super
Deluxe aggiunge un concerto a
Detroit del novembre ‘82 (con
una band, prossima a chiamarsi
The Revolution, già perfetta-
mente oliata) e una ventina di
inediti. “Scarti” di alta qualità,
fra i quali la frenetica Purple
Music e una visionaria ballata
come Moonbeam Levels non
avrebbero certo sfigurato in un
suo album di quell’epoca.
GIORGIO VALLETTA
96/100 DISCO
90/100 EXTRA
MINERAL
THE POWER OF FAILING/
ENDSERENADING
ARENA ROCK
Con il loro suono grezzo e
slabbrato, i Mineral rap-
presentano la naturale
STONE HARBOUR evoluzione dell’attitudine
EMERGES hardcore definita dai Sunny
OUT-SIDER Day Real Estate.
1974. Rick Ballas e Dave Mc-
Carty sono due freak stonati
dell’Ohio che si trovano in un
garage e danno fondo a tutta la
loro esperienza rock’n’roll. Ma
essendo, appunto, freak stonati
della provincia americana lo
fanno in modo anarchico, scon-
volto e, nei suoni, totalmente
lo-fi. Ne esce un album che
viene pubblicato privatamente
in quell’anno e che, nel corso del
tempo, è diventato un piccolo
oggetto di culto. L’ultima ri-
stampa è questa della Out-sider.
Potete sentire i nostri con le loro
chitarre acustiche e elettriche GENE CLARK
magramente amplificate dise- NO OTHER
gnare traiettorie tra Pink Floyd 4AD
e Grateful Dead di periferia,
Roky Erickson fuzz e incanti Uno dei massimi capolavori
folk bucolici con effetti space da del cantautorato anni 70. Se
cantina. Un piccolo gioiello post mai la definizione cosmic
psichedelico di un’America in american music ha avuto
mutamento. un senso, è qui che si deve
CLAUDIO SORGE
cercare.
80/100 DISCO
ZERO EXTRA
RUMOREMAG.COM | 91
 40 ANNI DI

R.E.M. (E 26 DA MONSTER)
I R.E.M. NASCEVANO 40 ANNI FA. NOVE ANNI

FA SI SCIOGLIEVANO, ABBONDANTEMENTE IN

ATTIVO SE PARLIAMO DI EREDITÀ CONSEGNATA

AI POSTERI, E LO FACEVANO CON RARA LIMPI-

DEZZA E ONESTÀ. 26 ANNI FA PUBBLICAVANO

MONSTER, CONTROVERSO ALL'EPOCA MA ALLA

CONTA DEI FATTI CRUCIALE NEL DEFINIRE LA

SUA EPOCA. A PARTIRE DA QUEST'ULTIMA RICOR-

RENZA, SOPPESIAMO LA LORO PRESENZA/AS-

SENZA, RACCONTANDO LO STIPE RECENTE PRO-

TAGONISTA DI UNA CONFERENZA ROMANA E

L'UNICITÀ DEL LORO ESPERIMENTO ATTRAVERSO

LA NOSTRA PERSONALE MAPPA LEGGENDARIA.

T E S T O D I C A R LO B O R D O N E , L E T I Z I A B O G N A N N I
E FR ANCESCO VIGNANI
 RETROPOLIS R.E.M.
OLD
ADVENTURES
IN HI-FI
T E S T O D I C A R LO B O R D O N E
FOTO DI JEM COHEN , KEITH C ARTER E FR ANK OCKENFEL S
“Abbiamo iniziato con un grande disco, abbiamo
finito con un grande disco, siamo ancora amici, ci
vediamo spesso. Non proprio tutti possono dire la
stessa cosa”.
(Peter Buck)
No, in effetti no. Se uno guarda alla storia dei R.E.M.
sono davvero pochi quelli che possono dire di essere
stati la stessa cosa. Perché una “cosa” come i R.E.M.
non c’era stata prima, non c’è stata dopo e molto
probabilmente non ci sarà mai più. Adesso, magari
sul fatto di aver chiuso con un grande disco se ne può
discutere (sorry, Pete), ma che questi quattro vecchi
ragazzi georgiani abbiano tutto il diritto di essere
soddisfatti della loro vicenda umana e artistica, di
sbattersene dei milioni di fan che bramerebbero una
reunion (padre John Peel allontana da noi questo
calice) e di crogiolarsi in una accidiosa pigrizia da
prepensionamento (in otto anni dallo scioglimento, a
parte poche e trascurabili eccezioni – i dischi dei Filthy
Friends? Il singolo di Michael Stipe? vabbe’, dai… - non
hanno fatto praticamente niente), beh insomma, questo
nessuno può metterlo in dubbio. L’ultimo regalo che
ci hanno fatto è stato quello di non essere diventati
gli U2, e anche solo per questo dovremmo essere loro
infinitamente grati. Poi, chiaro, ci sarebbe anche tutto il
resto.
La prima volta che vidi i R.E.M. avevo 16 anni, era il
1984 e volevo una musica che fosse solo mia. Non lo
era quella degli anni 60 e 70, che mi piaceva ma non
mi apparteneva generazionalmente, e non lo era quella
contemporanea (almeno quella che sentivo per radio o
guardavo in TV, l’idea che ne esistesse una alternativa
non mi aveva ancora sfiorato) per il semplice fatto che
non volevo averci niente a che fare tanto mi faceva
schifo. Poi un pomeriggio su Videomusic passa questo
live in studio preso da una trasmissione televisiva
inglese (The Tube, forse) e spuntano quattro tizi con i
capelli lunghi, vestiti come potevo vestirmi io (cioè male,
ma nella loro sciattezza quantomeno normali), con uno
TAG: #linguaarcana #mappeeleggende #indierockavenire #thoreau #reveal
94 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I C A R LO B O R D O N E , L E T I Z I A B O G N A N N I E F R A N C E S C O V I G N A N I
“THE NEW LP FROM US MOST EXCI-
T I N G B A N D ”, S T R I L L AVA U N O S T I C K E R
IN COPERTINA. E NON ERA PER IN-
G E N U I TÀ A D O L E S C E N Z I A L E O I G N O-
RANZA DEGLI ACRONIMI IN INGLESE
C H E Q U E L L’ ” U S ” D ’ I S T I N T O N O N L O
L E G G E S S I C O M E “U N I T E D S TAT E S” M A
COME “NOI”. ERA FINALMENTE ARRI-
V A T O Q U A L C U N O C H E M I ( C I ) P A R L A VA
CON UNA MUSICA E UN IMMAGINARIO
C H E N O N A P P A R T E N E V A N O A L L A R E-
A LT À C H E M I ( C I ) C I R C O N D A VA E C H E
F O R S E , C H I LO S A , P OT E VA A N C H E E S-
SERE IL FUTURO
che – oh, celestiale visione - suona una Rickenbacker.
Ai miei occhi da sedicenne che avrebbe voluto avere 16
anni in qualunque periodo storico purché non fossero gli
anni 80, furono uno shock. Non ero preparato all’idea
che esistessero delle band formate da gente che non si
conciava come comparse sfigate del Casanova di Fellini
e non faceva scoreggiare dei synth mentre innescava il
cambiamento climatico sparandosi tonnellate di lacca
in testa. E poi ovviamente c’era la musica. Non ricordo
quali fossero le canzoni che suonarono davanti a quel
pubblico di teenager inglesi che probabilmente era lì per
le Bananarama, forse Radio Free Europe e qualcosa da
Reckoning. Comunque era qualcosa di diverso. Alieno
e antico (che è una cosa diversa da “vintage”, anche
perché forse allora manco esisteva il concetto) allo
stesso tempo. Qualcosa che ti risucchiava gentilmente
ma inesorabilmente dentro un mondo di cui non avresti
ONLINE: remhq.com
mai sospettato l’esistenza, ma che in fondo era lì da
sempre. Una sensazione che qualche mese dopo si
sarebbe rafforzata all’ennesima potenza quando comprai
il mio primo album dei R.E.M. in tempo reale, Fables Of
The Reconstruction. “The new LP from US most exciting
band”, strillava uno sticker in copertina. E non era per
ingenuità adolescenziale o ignoranza degli acronimi
in inglese che quell’”US” d’istinto non lo leggessi
come “United States” ma come “NOI”. Era finalmente
arrivato qualcuno che mi (ci) parlava con una musica e
un immaginario che non appartenevano alla realtà che
mi (ci) circondava e che forse, chi lo sa, poteva anche
essere il futuro. Non potevo neanche lontanamente
immaginarmi cosa sarebbero diventati i R.E.M. , ma
sentivo che valeva la pena seguire le indicazioni di quel
muezzin che cantava in modo assurdo testi di cui non si
capiva niente, di quelle chitarre che suonavano strane e
sbilenche ancorché inspiegabilmente e armoniosamente
famigliari – “i Byrds mescolati ai Gang of Four” era
la definizione più gettonata all’epoca: io conoscevo
superficialmente i primi e per niente i secondi, ma ero
comunque d’accordo – e soprattutto di quella lingua
arcana che introduceva a una geografia straniante. Maps
and legends, come diceva il titolo di una delle canzoni.
Tutto era misterioso, lontano e affascinante in Fables Of
The Reconstruction. I volti sfocati e il libro che bruciava
in copertina, il collage di immagini sulla busta interna,
i brandelli di frasi e i nomi che riuscivi a captare in
quel magma indistinto che era il cantato di Stipe (dove
accidenti si trova Pylomath? Chi o cosa è Kohoutek? E
l’Old Man Kensey?). Persino i nomi delle violiniste nei
credits ti portavano in un’altra dimensione narrativa, là
dove il Southern Gothic incrociava la new wave: Philippa
Ibbotson e Camilla Brunt, che fine avete fatto? In quel
momento non sapevo niente della storia tormentata
dietro le registrazioni di quel disco, di Joe Boyd, di loro
quattro spersi nel freddo glaciale di Londra e a un passo
dallo scioglimento. Tutto ciò sarebbe poi diventato
parte dell’epica remiana, e tuttavia ripensandoci adesso
fa effetto: se davvero si fossero salutati in quel gelido
inverno londinese dell’85, cosa sarebbe stato dell’indie
rock a venire? Cosa sarebbe stato dei futuri Nirvana,
Radiohead, Pavement e compagnia alternative? Cosa
sarebbe stato della cultura pop degli anni 80 e 90? Ma
più che altro, cosa sarebbe stato di noi? Per quel poco
che conta, di sicuro io oggi non sarei qui a scriverne. Né
dei R.E.M., né di nessun altro.
Mi si perdoni la divagazione autobiografica e l’eccesso di
“io, io, io”. Oltre che fastidiosamente autoreferenziale,
è anche un po’ egoistico. Se mai è esistita una band che
ha rappresentato un bene comune per persone dall’età
diversa che li hanno scoperti (in diretta, intendo) in
momenti diversi, quella si chiama R.E.M. Non mi
vengono in mente altri esempi di gruppi rock capaci
di mettere il proprio sigillo su due decenni, per di più
RUMOREMAG.COM | 95
antitetici come lo sono stati gli anni 80 e 90. Di riuscire
a essere rilevanti e identitari in contesti così diversi,
prima dalla trincea indipendente e poi come superstar
del mainstream, con la stessa grazia e senza flessioni
né in qualità (almeno fino a un certo punto) né nella
fedeltà dei fan che si sono aggiunti man mano in una
progressione logaritmica che non ha praticamente
eguali e che oggi, semplicemente, non è più possibile.
Ecco, ci sono arrivato. Il punto da cui partire, alla fine
di un decennio orrendo dal quale si sono elegantemente
defilati, per ragionare sul ruolo storico e l’eredità della
band di Athens forse è proprio questo. Oggi un romanzo
novecentesco come è stato quello dei R.E.M. non è
forse neppure più pensabile, oltre che scrivibile. Non
è necessariamente un bene o un male in sé, quel che è
certo è che l’assenza dei R.E.M. non si limita al loro non
esserci più come band. Sta anche nel fatto che i R.E.M
hanno lasciato dietro di loro tanti bellissimi dischi e
tanti ricordi con cui struggersi davanti al caminetto, ma
FILES UNDER WATER – 10 CL ASSICI MINORI DEI R.E . M . A CUR A DI C ARLO BORDONE
CARNIVAL OF WEST OF CAMERA
SORTS (BOXCARS) THE FIELDS DA RECKONING
DA CHRONIC TOWN DA MURMUR (I.R.S., 1984)
(I.R.S., 1982) (I.R.S., 1983)
96 | RUMOREMAG.COM
non un modello spendibile in questo inizio di millennio.
E infatti, se ci si fa caso, non sono un’influenza per
(quasi) nessuno. Nel 1986 spuntavano fuori una ventina
di nuovi gruppi alla R.E.M. ogni settimana, oggi? E non
c’entra la faccenda peraltro innegabile del rock diventato
un paese per vecchi e delle chitarre che hanno lo stesso
fascino per la generazione Z di quello che aveva per noi
il mandolino (tra l’altro riportato in auge proprio dai
R.E.M.). Credo invece che tutto sia legato alla parabola
stessa del gruppo, talmente esemplare nel suo aver
rispecchiato la parabola del rock (indie o meno, fate voi)
negli ultimi 40 anni da far pensare che dell’(indie) rock i
R.E.M. siano stati in ultima istanza gli estremi untori, o
i curatori fallimentari. Oltre che, va da sé, quelli che ne
hanno scritto alcune delle canzoni migliori.
Il mistero. Tutto nasce da lì. La storia dei R.E.M., così
come quella del rock e in sottordine dell’indie rock, è un
lento, progressivo e inesorabile allontanarsi dal mistero.
MAPS AND ODDFELLOWS
LEGENDS LOCAL 151
DA FABLES OF THE DA DOCUMENT
RECONSTRUCTION (I.R.S., 1987)
(I.R.S., 1985)
 RETROPOLIS R.E.M.
Da quel nucleo di segnali in codice, di non detto, di
vaghezza, per l’appunto di arcano (o texarkano), di cui
l’estetica R.E.M. è stata un esempio sublime. Detto in
altri termini: è stato un processo di secolarizzazione.
Ed è ironico pensare che coloro che lo hanno incarnato
sono stati quattro ragazzi che agli inizi provavano in
una chiesa sconsacrata alla periferia di Athens, e il cui
pezzo più universalmente famoso si chiama Losing My
Religion. Michael Azerrad nel suo Our Band Could Be
Your Life (nel quale i R.E.M. non vengono trattati nello
specifico ma sono inevitabilmente citati in molteplici
occasioni) richiamando il Walden di Thoreau definiva
il rock indipendente americano degli anni 80 “una vita
nei boschi”. Ed è proprio da lì che sembravano arrivare
i R.E.M., da qualche luogo immaginario e non urbano, o
forse pre urbano, popolato da moral kiosk, harborcoat,
Wendell Gee, fiumi che prendono fuoco, fratelli cinesi,
hyenas e tutto il resto del bestiario, o della commedia
umana, che si poteva vagamente captare nel murmur
di Stipe. Un mugugno che con il tempo si è fatto sempre
più chiaro (grazie anche agli scazzi epocali con Don
Gehman, il produttore di Lifes’ Rich Pageant, che per la
prima volta impose di alzare la traccia vocale nel mix),
così come si sono fatte più lineari (non sempre, Stipe
è rimasto un virtuoso nell’indossare delle maschere)
le storie raccontate, più espliciti, comprensibili e
chiaramente “liberal” i riferimenti politici, più dichiarata
l’appartenenza culturale, più da arena rock i riff di Buck
e più da classifica le melodie di Mills. Il che ovviamente
non ha significato svendersi. Su concetti come onestà
e integrità, riguardo ai R.E.M., si è insistito persino
troppo, ma rimane il fatto che, a parte i lamenti dei
soliti rompicoglioni, per tutti noi sono rimasti, nella
percezione, un gruppo “indipendente” nonostante i
contratti ultramilionari firmati con la Warner. Forse ci
si è dimenticati di quanto hanno venduto i R.E.M. dagli
anni 90 in poi: tutti i dischi a partire da Out Of Time,
con l’esclusione di Up e Collapse Into Now, sono andati
al numero 1 in UK e/o negli Stati Uniti. Nei loro anni da
jet set hanno giocato il gioco delle rockstar con estrema
intelligenza, assumendosi il compito di fare da ricettori e
ritrasmettitori delle pulsioni pop più o meno alternative
loro contemporanee. Hanno sostenuto band e musicisti,
THE WRONG LOW TONGUE
CHILD DA OUT OF TIME DA MONSTER
DA GREEN (WARNER, 1991) (WARNER, 1994)
(WARNER, 1988)
T E S T O D I C A R LO B O R D O N E , L E T I Z I A B O G N A N N I E F R A N C E S C O V I G N A N I
appoggiato cause progressiste e ecologiche, rimesso in
circolo nomi quasi dimenticati dello show business. Con
la lista dei personaggi frequentati, rivitalizzati o citati
dai R.E.M. ci si potrebbe riscrivere il testo di It’s The
End Of The World As We Know It: “River Phoenix-Kurt
Cobain-Vic Chesnutt-Andy Kaufman-Jimmy Dean-
Marlon Brando-Patti Smith-William Burroughs-Thom
Yorke-LEONARD BERNSTEIN!”
E in tutto questo rimanevano “dei nostri”, qualunque
cosa volesse dire. La ragione forse stava anche
nell’aver mantenuto, per quanto possibile ai livelli di
popolarità raggiunti, quella mistica e quel mistero che
li contraddistinguevano fin dagli inizi. Il problema è
che col passare del tempo e dei primi posti in classifica
il processo di disvelamento e di normalizzazione ha
accelerato sempre più, come del resto era umano che
accadesse. Ed è una significativa coincidenza che il
declino sia cominciato davvero da un album intitolato
Reveal. Alla fine le ultime ambiguità, gli ultimi confini
a rimanere sfumati avevano a che fare con la sessualità
di Stipe, che nel suo rappresentare orgogliosamente
un modello fluido e refrattario alle definizioni ha
lasciato forse l’eredità politica più significativa. Il resto
è diventato tutto perfettamente leggibile, esposto,
normale. Non c’era più niente di misterioso. E se togli il
mistero cosa rimane? Vale per i R.E.M., ma anche per il
rock. Quella narrazione che nel 1980 si poteva costruire
un pezzo alla volta oggi non è più possibile. Perché le
distanze si sono annullate e le geografie immaginarie
non esistono più, perché la comunicazione è istantanea,
perché la musica si consuma in modo diverso, perché
tutto è alla luce del sole, perché puoi fantasticare su
Cuyahoga, Rockville, i fiori del Guatemala, Bertis Downs
IV e Philippa Ibbotson giusto il tempo di digitarne i
nomi su Google. I R.E.M. adesso non avrebbero senso.
Sarebbero una buona guitar band come tante altre,
a simple prop to occupy our time. E quindi no, non
vorrei mai che si riformassero. Anche se poi, pensando a
quanto avremmo bisogno di mappe e leggende nuove di
questi tempi, un po’ mi mancano. Anzi no: mi mancano
proprio. Mi mancano maledettamente. “Jefferson, I
think we’re lost…”
HOPE MAN-SIZED
DA UP WREATH
(WARNER, 1998) DA ACCELERATE
(WARNER, 2008)
RUMOREMAG.COM | 97
 RETROPOLIS R.E.M.
OUR REBELLION
TIMES
IL MONDO SECONDO MICHAEL STIPE
TESTO DI LE TIZIA BOGNANNI
F O T O D I A N TO N C O R B I J N
C'è qualcosa di sbagliato nel chiamare le scienze
naturali discipline “non umanistiche”. Come se tutto
quello che ci circonda, la Terra, l'Universo, la natura,
fossero altro da noi, come se l'uomo non ne facesse
parte. E come se lo sguardo dell'“umanista” - l'artista,
lo scrittore, il fotografo – osservasse qualcosa di
diverso da ciò che studia lo scienziato. Sembra
pensarla così anche Michael Stipe quando spiega le
origini della sua passione per la fotografia: “Questo
viaggio è cominciato nel 1974, quando ho avuto
la possibilità di frequentare un corso di un anno,
il corso di scienze ambientali, in cui si parlava di
combustibili fossili, di ambiente, di inquinamento...
diciamo che rappresentava un momento di raccordo
tra la fine degli anni 70 e l'inizio degli anni 80. Vi
lascio immaginare i miei insegnanti, erano tutti
hippie, erano giovani e non vedevano l'ora di
insegnare ai loro studenti i valori in cui credevano,
e penso che quegli hippie ci siano riusciti, adesso
possiamo dirlo, perché tutto quello che ci hanno
insegnato lo ritroviamo nelle nostre vite di oggi.
Tutto questo è successo nello stesso anno in cui ho
preso la Canon e ho incominciato a scattare le mie
fotografie”.
Our Interference Times – A Visual Record è il
secondo libro di fotografie realizzato da Michael
Stipe (che ha scelto la casa editrice italiana Damiani
per pubblicarlo e il Maxxi di Roma per presentarlo),
e mentre il primo “era più un album di famiglia, se
così si può dire, una raccolta di scatti accumulati nel
corso degli anni, che ritraggono amici, familiari ma
soprattutto persone a cui tengo molto, il nuovo libro
può essere visto invece come un'idea di famiglia
allargata, allargata nel senso che riguarda il mondo
che ci circonda”.
Con sguardo scientifico, Stipe scandaglia il mondo
che lo (e ci) circonda per trovare e documentare
particolari, dettagli, interferenze, pattern nascosti
nelle esperienze quotidiane, che “forgiano ciò
98 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I C A R LO B O R D O N E , L E T I Z I A B O G N A N N I E F R A N C E S C O V I G N A N I
che ognuno di noi è all'interno del mondo”, e lo
cambiano: “Il libro esplora quello che è avvenuto
negli ultimi dieci anni, ossia due mondi che si
incontrano - il mondo dell'analogico e quello del
digitale – e che non sempre riescono a parlarsi, a
utilizzare le parole giuste per farlo. Molte persone
temono il cambiamento e la tecnologia, ma io sono
ottimista, sono convinto che possano entrambi
portare a conseguenze positive. È un incontro, quello
fra analogico e digitale, che ci aiuta a vedere in un
altro modo tutto ciò che ci circonda. Il digitale ci
avvicina alla natura, ci aiuta a comprendere più da
vicino, e ad apprezzare, il meraviglioso mondo della
natura in cui siamo immersi”.
Per tornare alla questione scienziati vs artisti
allora, la domanda diventa: può l'artista non
limitarsi a osservare e a descrivere il mondo, ma
essere a sua volta partecipe del cambiamento?
La risposta è, molto semplicemente, sì, e Stipe
lo sottolinea a più riprese. Arriva accompagnato
da un gruppo di rappresentanti di Extinction
Rebellion, l'organizzazione in prima linea nella lotta
al cambiamento climatico a cui verranno devoluti
per un anno tutti gli introiti derivanti dalle vendite
del libro e del singolo Your Capricious Soul, e non
perde occasione per ringraziarli e apprezzare il loro
impegno: “Il cambiamento che stiamo testimoniando
e affrontando è un cambiamento molto importante
e di natura generazionale, e mette in collegamento,
ad esempio, il mondo dei giovani e quello delle
persone più adulte. Sono davvero orgoglioso
di poter indossare qui sul cuore l'adesivo di
Extinction Rebellion. E.R. non è un'organizzazione,
è una comunità filosofica che si muove verso il
cambiamento. Questo libro è una raccolta che
comprende decenni dedicati alla fotografia, ma è
molto di più: rappresenta la mia visione del mondo,
una visione che ci accomuna tutti, e rappresenta
anche la mia più profonda preoccupazione, pure
questa comune a tutti: in che modo l'umanità si
«V I L A S C I O I M M A G I N A R E I M I E I I N S E-
GNANTI, ERANO TUT TI HIPPIE, ERANO
G I O VA N I E N O N V E D E VA N O L' O R A D I
I N S E G N A R E A I L O R O S T U D E N T I I VA -
L O R I I N C U I C R E D E VA N O , E P E N S O
CHE QUEGLI HIPPIE CI SIANO RIUSCI-
T I, A D E S S O P O S S I A M O D I R LO, P E R C H É
T U T T O Q U E L L O C H E C I H A N N O I N S E-
G N ATO LO R I T R O V I A M O N E L L E N O S T R E
V I T E D I O G G I . T U T T O Q U E S T O È S U C-
CESSO NELLO STESSO ANNO IN CUI HO
PRESO L A CANON E HO INCOMINCIA-
TO A S C AT TA R E L E M I E F OTO G R A F I E »

R.E.M.
posiziona nei confronti dei cambiamenti che stanno
avvenendo, e soprattutto nei confronti di quello che
possiamo offrire alle generazioni future. A che cosa
porterà questo cambiamento, che cosa offriremo a
MONSTER
chi verrà dopo di noi?”. (25TH ANNIVERSARY EDITION)
CRAFT RECORDINGS

Cambiamento è la parola che ricorre più spesso,

ma, nonostante la presenza degli attivisti, o forse
proprio per questo, non c'è catastrofismo, c'è un
grande senso di speranza, e di fiducia nei confronti
delle nuove generazioni, che sapranno usare il loro
sguardo e i loro mezzi per essere gli artefici di quel
cambio di direzione: “In che senso il cambiamento è
generazionale? Diciamo che attraverso questo libro
la mia intenzione è trasmettere il modo in cui si
vede oggi il mondo, un modo diverso. Ad esempio la
nostra generazione lo vedeva attraverso analogico,
mentre in questo momento il cambiamento ha
appunto a che fare con il digitale. È interessante
quindi vedere, all'interno del libro. come anche
lo stesso approccio al cambiamento sia mutato
nel corso degli anni, e come i modi in cui noi lo
approcciamo siano mutati, a livello generazionale
ma, soprattutto, a livello di percezione individuale.
Io ho capito, ad esempio, che a livello politico non ci
servono piccoli cambiamenti graduali, ci serve un
dramatic change, un cambiamento radicale. Quando
dico che ciò che illustro nel libro è la vicinanza tra il
mondo analogico e quello digitale, sto usando anche
una metafora: in questo momento ci troviamo a
vivere fra due mondi, e i cambiamento da apportare
non sono facili da mettere in pratica”.
Eppure è inevitabile, se vogliamo ribellarci all'estinzione:
e cambiare il modo in cui guardiamo il mondo è,
probabilmente, il primo passo per cambiarlo.
Strano mostro anche a
distanza di 25 anni, il nono
album del gruppo di Athens.
Arrivato dopo le 20 milioni di
copie di due album precedenti
mai portati in tour, così che
comprensibile era il desiderio
di un disco che tenesse la
strada una volta messo su
palco. E non che poi nei tre
anni fra Out Of Time e questo
Monster non fosse successo
nulla, con il grunge a invadere
i vecchi spazi, un clima non
proprio da shiny happy
people e il suicidio di Kurt Cobain, amico personale di Stipe. A
cui è notoriamente dedicata Let Me In, magari non la ballata
invecchiata meglio dei R.E.M. ma a suo modo specchio del disco:
dove due anni prima in Automatic... avremmo trovato mandolini
e pianoforte ora c'è solo una chitarra compressa come mai prima
(e dopo) in un disco dei quattro. Perché Monster è faccenda di
Peter Buck, quello che più di tutti mordeva il freno per tornare a
suonare “loud rock music”. Oltre che la sua replica alla scena di
Seattle, spostando Iggy Pop nella casella dei Black Sabbath (Crush
With Eyeliner o I Took Your Name) e sciogliendo il rischio della
monotonia risalendo su fino al glam. Quello dei momenti migliori
– Tongue su tutti – di un disco non troppo capito ai tempi, fin da
quella What's The Frequency, Kenneth? che davvero spiazzò tanti
all'uscita. Troppo poco ricordava i R.E.M. appena antecedenti,
forse solo una ballata come Strange Currencies. E non aiuta a
capire se sarebbe potuta andare diversamente il materiale extra:
più dinamico e rotondo il nuovo mix di Scott Litt, ma a pochissimi
interesseranno i 15 strumentali inediti, così come l'ennesimo live
del periodo, per quanto piacevole. Resta curioso semmai che il
(travagliatissimo) tour di un album di personalità tanto robusta
abbia partorito nemmeno un anno dopo un capolavoro fragile e
meditabondo come New Adventures In Hi-Fi.
FRANCESCO VIGNANI
76/100 DISCO
68/100 EXTRA

RUMOREMAG.COM | 99
 CHE FINE HAI FATTO? ALEX CREMONESI
ALEX CREMONESI
IERI (1993 AL 2008)
“Conosco Joe e Cesare da metà anni 80,
frequentavamo il giro che avrebbe originato
la Vox Pop. Un giorno proposi a Joe di
cantare un mio pezzo e venne così bene che
continuammo. Quando chiuse lo studio dove
incidevamo finimmo in quello di Cesare
al Jungle SS, e cominciammo a pensare
a scrivere in italiano, anziché in inglese.
1992, 29 anni, sposato, un figlio. Priorità,
rispetto alla musica. Non mi interessava la
vita on the road, anzi. L’apporto di Cesare ai
campionatori dette hype al lavoro. Quando
uscì il primo album fu eccitante, piovevano
lodi e premi, io facevo il ‘Pete Sinfield’: amavo
il ruolo di autore, potevo occuparmi di ciò
che avevo a cuore, la famiglia, mantenendo
un legame con la creatività. E questo
mi ha aiutato ad avere un certo sguardo
artistico, sobrio e lontano dal compromesso.
Intanto ho approfondito la mia fede, sono
entrato nell’Ordine Francescano Secolare.
Nella spiritualità ho trovato il modo per
confrontarmi con Dio. Sul piano professionale
lavoro già dall’87 nella filiale italiana di
un’importante società tedesca, e sono ancora
lì. Grazie alle mie competenze da ragioniere,
seguivo pure gli aspetti burocratici e fiscali
dei La Crus. Quando ci sciogliemmo ne uscii
bene; per quanto importante, quell’esperienza
non mi definiva come persona e la sua
mancanza non mi toglieva nulla. Fu una
decisione condivisa, ci lasciammo perché
vedevamo il rischio di ripeterci. Restammo in
ottimi rapporti, scrissi due pezzi per l’esordio
solistico di Joe e tutto quello di Cesare”.
DI BARBARA SANTI - FOTO DI SIMONE CARGNONI
100 | RUMOREMAG.COM
OGGI (DAL 2009)
“A quel punto mi sono preso la libertà di
fare cose in cui potevo mettere la follia che
derivava dalla mia formazione e curiosità
giovanile: a 13 anni attraverso Barrett e i
primi Floyd avevo scoperto come con la
musica fosse possibile fare davvero tutto. A
CON MAU- 16, uno spettacolo della compagnia di Merce
RO ERMANNO Cunningham con John Cage che mandava i
GIOVANARDI E suoi nastri dal vivo mi aveva convinto che con
CESARE MALFATTI
FONDA I LA CRUS,
la musica e la scrittura fosse lecito sfidare
E CONTINUA A ogni legge. Ho avuto la fortuna di incontrare
LAVORARE AI TESTI sempre persone di spessore umano e costruire
E A COLLABORA- con loro esperienze in cui spendermi con
RE PER LA LORO libertà, un’anarchia creativa che poi viene
INTERA VITA, APPA- incanalata in risultati sorprendenti. Accade
RENDO DI RADO collaborando sia con Lagash (e con il
PUBBLICAMENTE.
Collettivo OP) sia con i Masbedo. E anche il
OGGI, OLTRE A
LAVORARE PER recente disco a mio nome è frutto di questo.
UN’IMPORTANTE Non scrivo più canzoni nel senso canonico
SOCIETÀ TEDESCA, del termine, non mi corrisponde più, troppo
FA INSTALLAZIONI, restrittivo. Sono più attratto dalle modalità
PERFORMANCE, dell’arte contemporanea, dove c’è più spazio.
COLLABORA CON Mi piace sviluppare i lavori su più piani. La
MASBEDO, LAGASH,
Prosecuzione Della Poesia Con Altri Mezzi,
DEPRODUCERS ED
È AUTORE DI SPET-
che ha avuto modalità di costruzione affini
TACOLI E DISCHI. a quelle dell’arte contemporanea, diventerà
un’installazione, in mostra da febbraio
alla Galleria Costantini di Torino, e una
performance nella stessa città, al MEF. Uscirà
poi il vinile della performance in edizione
speciale. Intanto vivo sempre nella stessa
casa, a Milano. Ho tre figli, ormai grandi.
Sono grato per tutto questo. I doni ricevuti
dalla vita sono di gran lunga maggiori dei
dolori e delle fatiche”.
 GENTE SOL A (MA NON TROPPO) STORIA MINIMA DEI DISCHI DEFIL ATI
LOIS - Strumpet (K, 1993)
Il problema è che non sai se andare al college,
trovarti un lavoro o entrare in una rock’n’roll band.
Questo si domanda Lois Maffeo. E lo fa sostanzialmente
su pochi accordi di chitarra elettrica, che sembrano
potenzialmente dei Fugazi disidratati. Forse post rock?
Anche, su quella direttiva June Of 44–Dischord, certo.
Ma Lois è pur sempre una songwriter intimista, una
di quelle che ti cantano vicino, come gli Young Marble
Giants o le Marine Girls, con i capelli scarmigliati dal
vento inglese. Lois Maffeo è puro suono di Olympia,
intensità minimale del Northwest (che è un po’ la Scozia
degli USA per attitudine e dipendenza dal pop DIY di
Glasgow), affreschi Gozzano rock di Jonathan Richman,
primitivismo Calvin Johnson e l’idea di suonare le
melodie indie come si andasse in battaglia. Siamo in
missione per conto Mio. Ovvero infiliamo nei testi la
letteratura “femminile” di Sylvia Plath e la trasparenza
tipica degli anni 90 (“io sono così, guardami”) e, certo,
sappiamo bene cos’è successo a Bristol con la Sarah.
Non siamo carini (Twee As Fuck!), siamo veri. Fanculo
il machismo punk. La prima band di Lois si chiamava
Courtney Love, esattamente come la Maria Antonietta
del grunge, ha pubblicato tre singoli in un anno
(1990/91) e poi ha lasciato il passo a Lois (“un progetto
solista, ma anche una band. A Madonna, se suona con
una band, qualcuno chiede – siete i Madonna?-“).
Esordio, ovviamente su K, nel 1992 con Butterfly Kiss
e poi Strumpet, un anno dopo. Il disco esprime alla
perfezione l’idea di “rifugio” della K, un riparo solido
dalle mega produzioni, bassa fedeltà che non è incapacità
stracciona, enorme influenza pop inglese. Molly Neuman
delle Bratmobile (grrrl!) alla batteria, Donna Dresch
delle Team Dresch (queercore!) al basso, Calvin Johnson
che produce: tutto in famiglia. La partenza di Evening
In Paris è la classica ballata da fine disco, ma qui apre e
spiega che sarà tutto così, nessuna sferzata, ma un’idea di
songwriting teso e dolce in contemporanea. Poco e ancor
meno, come nel manifesto piccolo di The Trouble With
Me (“Il problema con me è che sono nei guai”), che parla
DI MAURIZIO BLATTO
di dormire sui pavimenti e desideri soffiati via. Quasi
un Billy Bragg esordiente, ma con una dolcezza e una
“sospensione” nuova. C’è lo stop and don’t go di molto
post punk americano, ma anche il solco preciso dell’indie
che collega Tibi Lubin a Look Blue Go Purple, piccole
leggende del sottosuolo musicale senza tirannia maschile,
perfettamente espresso in From A Heart. O la splendida
Danger UXB, più “suonata” e con batteria immobile,
contro cori e melodie in riverbero che chiamano a
raccolta band affini come Spinanes, Grenadine, Softies,
Tiger Trap o Blake Babies. Strumpet è il simbolo di una
grande stagione musicale non celebrata a sufficienza,
ad assoluta predominanza femminile. All’epoca Lois
aveva affermato: “Penso che il femminismo e l'essere
femminista siano ancora più importanti che mai.
Ricordo, anche prima del movimento Riot Grrrl, che
quando stavo facendo il mio programma radiofonico
per ragazze all'Evergreen College speravo davvero che
ci sarebbe stato un giorno in cui le donne potessero
essere riconosciute nel rock'n’roll per il loro potere e il
loro potenziale, un giorno in cui le persone sarebbero
state costrette a fare i conti con le donne come musiciste
professioniste e persone che sapevano cosa volevano fare,
che stavano progettando i loro album”. È andata così?
Dopo Strumpet sono usciti ancora due dischi a nome
Lois (Bet The Sky, 1995 e Infinity Plus, 1996, entrambi
su K), uno, The Union Themes (Kill Rock Stars, 2000),
firmato insieme a Brendan Canty dei Fugazi, e uno
targato Owl & The Pussycat (omonimo, Kill Rock Stars,
2003) con Greg Moore dei Moore Brothers. Qualche
comparsata a fianco del fido Calvin Johnson nei Dub
Narcotic Sound System e poi una carriera da giornalista.
Non dimenticavi di lei, della 2nd most beautiful girl in
the world (ultimo brano sul lato b del primo singolo delle
Courtney Love) e dell’attacco di chitarra di Strumpet, la
canzone. Non si è giovani, convinti del proprio mondo
e felici da bruciare per molto tempo. Purtroppo. Quindi
siete autorizzati a esserlo nuovamente e a fare air guitar
mentre la ascoltate.
RUMOREMAG.COM | 101
VISIONI GENNAIO 2020
Dolemite power!
DOLEMITE IS MY NAME
REGIA DI CRAIG BREWER
USA, 2019
Chi era Rudy Ray Moore e perché, adesso…, si parla tanto bene
di lui? Considerato unanimemente, da Snoop Dogg in giù, come
il padrino del rap, Rudy Ray Moore ha esercitato un’influenza
duratura sulla musica e la cultura afroamericana mentre i
soloni bianchi del buon gusto non gli concedevano nemmeno il
beneficio del dubbio elargito a volte persino a un Ted Mikels.
Moore, nelle sue routine stand up, ha avuto l’intuizione geniale,
di recuperare storie degli afroamericani che risalivano al tempo
della schiavitù tramandate oralmente, e che la le generazioni
successive hanno tentato di dimenticare. L’impatto di un
turpiloquio barocco e fuori dal tempo, ricontestualizzato nel
gergo degli anni 70, ha avuto il pregio di creare quella che
sarebbe poi diventata di fatto la lingua delle strade e dell’hip
A CURA DI GIONA A. NAZZARO
WESTERN STARS
REGIA DI THOM ZIMNEY
E BRUCE SPRINGSTEEN
USA, 2019
“È stata commessa la giusta quantità
di errori”. Nel realizzare la sua
opera prima da regista (con l’amico
Thom Zimney), Springsteen sceglie
l’esperimento ambizioso. Western
Stars, il film concerto che ricrea live
l’album omonimo dello scorso giugno,
è una liturgia di chiaroscuri, umana,
(im)perfetta, a tratti naïf, che trascina
il pubblico, letteralmente, nell'intimità
del vecchio granaio di casa, preferendo
la sala cinematografica allo stadio. I brani, eseguiti con
un’orchestra di 30 elementi e la fedele Patti Scialfa, si
alternano a note di copertina trasformate in sequenze
onirico-paesaggistiche e istantanee di vita per raccontare
l’american character e le sue infinite incarnazioni: il cowboy
attempato che affronta deserti su pick-up impolverati, lo
stuntman alle prese con bilanci e rimpianti, il “fratello di
sventure amorose” con il cuore a pezzi chiuso in un sacchetto
di carta. Tutti sempre in bilico tra istinto pionieristico,
desiderio di libertà e senso di comunità. Tutti già a Ovest,
la nuova frontiera geografica e anagrafica, sotto cieli stellati
ancora carichi di promesse. E tutti destinati a confluire negli
occhi del Boss, dove lo storyteller e l'uomo si sovrappongono.
DANIELA LIUCCI
100/100
102 | RUMOREMAG.COM
hop. Eddie Murphy, raramente geniale e ispirato come in questo
film, ritrae Moore non come un fenomeno da baraccone ma
come un imprenditore che da zero s’inventa un personaggio e,
soprattutto, si ritaglia un posto nel cinema ancora (e sempre)
saldamente nelle mani dei bianchi negli anni 70. Murphy, in
fondo è lui il vero regista e artefice del progetto, più che lasciarsi
andare alla celebrazione del vintage celebra in Moore, e nelle sue
strategie pauperiste, lo spirito e la forza di chi non si fa stringere
in un angolo dalle condizioni truccate dai bianchi. Moore
inventa nuove regole del gioco e riesce a parlare a chi come lui si
sente escluso. Dolemite Is My Name, che vanta anche un Wesley
Snipes a dir poco sublime, è un film irresistibile. Eddie Murphy
non poteva vantare un ritorno più clamoroso. Ovviamente Rudy
Ray Moore, dall’altra parte, se la starà ridendo alla grande: il suo
lascito politico e artistico in Eddie Murphy vivrà per sempre.
GIONA A. NAZZARO
93/100
@GIONANAZZARO
LE MANS ‘66
REGIA DI JAMES MANGOLD
USA, 2019
Il titolo originale di Le Mans ‘66 è
Ford Vs. Ferrari, e in qualche modo
il film centra l’obiettivo di presentare
la storia narrata come un duello: in
effetti la celebre 24 Ore è stata, nel
1966, un testa a testa fra la scuderia
Ford, capitanata dal pilota Ken Miles
e orchestrata dal progettista Carroll
Shelby, e quella di Enzo Ferrari.
Ma nel film di Mangold il raffronto
non è tanto fra squadre, quanto fra
mentalità divergenti: da un lato Miles e Shelby, creativi,
coraggiosi e refrattari alle regole tanto quanto Ferrari;
dall’altro Henry Ford II, ben lontano dalla lungimiranza
del padre, e il suo team di dirigenti preoccupati solo
della loro poltrona. In mezzo Lee Iacocca, che avrebbero
poi rivelato lo stesso piglio progettuale di Shelby e lo
stesso intuito di Miles diventando poi l’illuminato ad
della Chrysler. Le Mans ’66, in fondo, racconta una
contrapposizione ancora più netta, che riguarda la natura
profonda degli Stati Uniti: quella fra i self made men
animati dallo slancio pionieristico dei Padri Fondatori,
e quella dei burocrati e dei businessmen votati al calcolo
più che all’avventura. E la domanda che il film pone al
pubblico yankee è: “Tu, a quale America appartieni?”
PAOLA CASELLA
81/100
 UN GIORNO DI PIOGGIA JOJO RABBIT
A NEW YORK REGIA DI TAIKA WAITITI
REGIA DI WOODY ALLEN USA, 2019
USA, 2018
Nazismo e commedia, due parole
Gatsby Welles, protagonista di Un che non dovrebbero nemmeno
Giorno Di Pioggia A New York stare nella medesima frase, è un
(l’ultimo film di Allen uscito lo scorso connubio possibile se ci si chiama
dicembre, a più di due anni dalla Chaplin, Lubitsch. Anche Mel
realizzazione, per via delle accuse Brooks. Tutti gli altri, invece,
di molestie sessuali nei confronti dovrebbero andarci cauti. Taika
del regista), pensa, dice e ama le Waititi è senz’altro uno dei talenti
cose che di Manhattan pensa, dice più interessanti emersi negli
e ama Woody Allen, ma non è il suo ultimi anni e, inevitabilmente,
ennesimo alter ego. In Timothée ci si attendeva molto da un film
Chalamet, che interpreta uno studente dell’alta borghesia che si basa su una premessa
newyorchese tornato in città per un weekend, Allen ha davvero interessante. Eppure, nel raccontare il rapporto
trovato un erede, un testimone del suo mondo ideale. E di un bambino della gioventù hitleriana con il suo amico
nella coppia che Gatsby forma con la fidanzata Ashleigh, immaginario Adolf che si nutre di unicorni, Waititi è come
ragazzotta dell’Arizona ammaliata dalla metropoli e dallo se lui per primo si fosse spaventato da tutte le implicazioni
show business a cui Elle Fanning si presta perfettamente, del progetto. Tutte le gag è come se fossero sempre ovattate e
ha intravisto una speranza. Non per la loro relazione, che presentate con le modalità d’uso. L’aspetto più interessante
finisce nell’arco di una perturbazione autunnale, ma per del film è senz’altro il rapporto che il piccolo protagonista
il racconto che il cinema può ancora fare di una città, dei intrattiene con la ragazza che la madre ha nascosto in casa (e
suoi spazi, della sua luce e degli amori che in essa possono che nel finale subisce numerosi rovesciamenti di posizione).
nascere. Si tratta solo di togliere il trucco alle illusioni della Eppure, nonostante gli evidenti limiti del film, Jojo Rabbit,
memoria e dei sogni, aprendosi ai colori e agli umori di se non altro, ci ricorda una verità banale ed elementare: non
una vita imprevedibile. Accadeva nei film più malinconici si può essere nazisti e pretendere di essere giusti o innocenti.
di Allen, in Hannah E Le Sue Sorelle o Un’Altra Donna, e Di questi tempi non è affatto poco.
accade nuovamente in questo inatteso capolavoro. GIONA A. NAZZARO
ROBERTO MANASSERO 67/100
95/100

Extravisioni GLI ALTRI FILM DA NON PERDERE

CATS BIRDS OF PREY DARK WATERS

REGIA DI TOM HOOPER REGIA DI CATHY YAN REGIA DI TODD HAYNES
USA, 2019 USA, 2020 USA, 2020

BEANPOLE DIO È DONNA E SI

REGIA DI KANTEMIR BALAGOV CHIAMA PETRUNYA
RUSSIA, 2019 REGIA DI TEONA STRUGAR
MITEVSKA
Rispetto al precedente Tesnota, REPUBBLICA DELLA MACEDONIA
ruvido e completamente libero DEL NORD, BELGIO, FRANCIA,
CROAZIA, SLOVENIA, 2019
dalle convenzioni del “cinema fatto
bene”, vincitore del premio Fipresci
Presentato nell’ambito
a Cannes, il nuovo film del giovane
dell’ultimo festival di Berlino,
Kantemir Balagov sembrerebbe
questo piccolo film macedone
accettare le categorie del cinema
è riuscito a imporsi grazie al
storico russo contemporaneo dietro
suo testardo anticonformismo
le cui sembianze, in fondo, si cela
e, soprattutto, grazie alla sua
l’apologia del grande capo Putin.
notevole energia e capacità di
Eppure basta anche uno sguardo
invenzione formale. Il modo in
superficiale per comprendere come
cui la regista riesce a mettere
Balagov appartenga a un’altra scuola. Un cinema arcaico,
in discussione un intero ecosistema maschile, manovrando
proveniente da un universo formale e politico alieno
abilmente umorismo, ferocia, femminismo e critica ai valori
rispetto alle modalità narrative dominati. Nella vicenda
religiosi ortodossi è assolutamente degno di attenzione.
di due donne sopravvissute all’assedio di Leningrado
Petrunya, giovane donna sovrappeso, nel corso di un rito
(tragica storia di resistenza antinazista della quale si è
religioso recupera dalle acque una croce di legno sperando
impadronito prima Stalin e poi la retorica ufficiale) il
così di potere finalmente far girare meglio la sua scarsissima
regista è come se si ricollegasse a un cinema russo ormai
fortuna. Il problema, però, è che gli uomini del villaggio
dimenticato. Sin dalle primissime immagini si avverte
ritengono che il rito in questione sia diretto solo a loro e
la presenza di Gherman padre, con la dissociazione fra
che l’intervento della ragazza sia blasfemo e da punire.
suono e immagine e la macchina da presa che è colta come
La giovane regista controlla la materia grazie a un’abile
se fosse sospesa nel vuoto. Un film impegnativo, ma anche
capacità di assecondare registri espressivi diversificati,
fortemente bello e totalmente fuori dagli schemi.
creando anche notevolissimi momenti di tensione. Un
GIONA A. NAZZARO
esordio notevole che va senz’altro sostenuto, nonostante
98/100 alcune inevitabili fragilità.
GIONA A. NAZZARO
75/100
RUMOREMAG.COM | 103
VISIONI SERIE TV
Chi controlla i controllori?
WATCHMEN
PRODUZIONE: WHITE RABBIT, DC ENTERTAINMENT, WARNER
BROS. TELEVISION
PIATTAFORMA: SKY ATLANTIC
E venne il giorno del calamaro gigante. Il finto attentato alieno
ordito da Ozymandias fa strage della popolazione di New York;
Rorschach muore nel tentativo di svelare il piano perverso che
vuole spingere l’umanità alla pace ed evitare una guerra nucleare
fra Stati Uniti e Unione Sovietica, il Doctor Manhattan si esilia su
Marte. Finiva così Watchmen, il fumetto capitale creato nel 1986
da Alan Moore e Dave Gibbons. 30 anni e un brutto film dopo, il
controverso sceneggiatore di Lost Damon Lindelof tenta l'impresa
impossibile: riprendere l'incandescente materia e trasporla in
una serie TV che traghetti il pubblico di HBO, orfano di Game
Of Thrones, verso un nuovo innamoramento globale. "Non un
adattamento ma un remix“, dice lui preventivamente, “perché
non mi sembrava un sequel, anche se segue cronologicamente
8 GIORNI ALLA FINE
PRODUZIONE: NEUESUPER, SKY
DEUTSCHLAND, MEDIENBOARD, FFF
BAYERN
PIATTAFORMA: SKY ATLANTIC
192 sono le ore che dividono l’uma-
nità dall’apocalisse, otto giorni allo
schianto del meteorite Horus sulla
Terra. L’impatto è prossimo e sullo
schermo incalzano le storie e le vite
di personaggi intenti a sfuggire alla
catastrofe. La Kill Zone, la zona in cui
precipiterà l’asteroide, è l’Europa cen-
trale; le possibilità di sopravvivere per
i residenti sono pari allo zero. Una famiglia berlinese, Uli,
sua moglie Susanne e i due figli Jonas e Leonie, tra varie
peripezie, fuggono da Berlino e si dirigono verso la Russia;
Hermann, membro del Bundestag, e la sua compagna,
Marion, all’ottavo mese di gravidanza, tentano di volare
via verso gli Stati Uniti; Klaus rinchiude la figlia Nora
in un bunker sotterraneo, nel tentativo di proteggerla;
Egon, l’anziano padre di Susanne e Hermann, non cerca di
sfuggire alla fine, ormai certa e prossima, ma si rinchiude
in casa, in solitudine, ad attendere l’epilogo di una vita di
rimpianti e tristezza. 8 Giorni Alla Fine è uno spaccato
umano, forse troppo umano, per dirla alla Nietzsche; c’è
chi aspetta il giorno del giudizio tra sesso e orge, chi ritrova
la preghiera in cerca di redenzione e salvezza. L’uomo nel
bene e nel male, i suoi vizi e le sue virtù.
MARIANGELA SANSONE
76/100
104 | RUMOREMAG.COM
l’originale". In un presente ucronico in cui il presidente degli
Stati Uniti è Robert Redford, dunque, la seconda Spettro Di
Seta è diventata la spiccia agente dell'FBI Laurie Blake; un
ormai invecchiato Ozymandias (l'elegantissimo Jeremy Irons)
è prigioniero in un fastoso maniero inglese ed elabora strategie
di fuga sottoponendo il suo esercito di domestici-cloni a surreali
esperimenti scientifici; il fantasma di Rorschach ha ispirato un
gruppo di suprematisti bianchi che, sostituito il cappuccio bianco
del Klan con la sua maschera, ha dichiarato guerra alla polizia
di Tulsa; ora gli agenti girano con una maschera gialla che copre
loro il volto, alcuni indossano un costume. Lindelof decostruisce il
canone, o meglio lo usa come volano per introdurre i grandi temi
del nostro presente: razzismo, retaggio culturale, informazione...
Tutta l'immaginazione malata di Moore (e l'inquietante colonna
sonora di Trent Reznor) in un racconto coraggiosamente non
mainstream.
CLAUDIA BONADONNA
82/100
THE MANDALORIAN
PRODUZIONE: LUCASFILM,
WALT DISNEY STUDIOS
PIATTAFORMA: DISNEY+
Dopo aver acquisito Marvel, Fox,
Lucasfilm e moltissimo altro, il super-
colosso Disney debutta senza badare
a spese (a cominciare da Stagecraft, la
nuova tecnologia 3D capace di creare
un set virtuale dinamico già durante
le riprese) nel mondo delle piattafor-
me streaming. Il colpo finisce dritto
al cuore dell'immaginario collettivo
con una Star Wars story piena di
rigore classico: un ritorno alle origini
orchestrato con abilità artigianale
da Jon Favreau e Dave Filoni che omaggia senza alcuna
ironia postmoderna, ma anzi con sincera passione vintage,
le atmosfere e i codici narrativi della trilogia originale. La
storia si svolge cinque anni dopo le vicende de Il Ritorno
Dello Jedi, con l'Impero in disfatta che tenta debolmente di
sopravvivere sull'orlo esterno della galassia e un sottobosco
criminale che brulica di rinnovata libertà. Sotto l'elmo che
non toglie mai, Pedro Pascal è efficacissimo nell'interpre-
tare il ruolo del cacciatore di taglie mandaloriano (una
stirpe di umanoidi consacrata alla guerra) pieno di cinismo
e solitudine ma già avviato verso un fulgido (seppur mal
sopportato) destino da eroe. Saga di fantascienza, spaghetti
western o semplicemente un'ibridazione ben riuscita?
CLAUDIA BONADONNA
80/100

VISIONI ESPANSE
Cineobituary
ROBERT EVANS
19 3 0 – 2019
Robert Evans (al secolo Robert J. Shapera) è la personificazione della materia di cui
sono fatti i sogni e gli incubi di Hollywood. Responsabile, direttamente o indirettamente,
di film che hanno lasciato il segno nella cosiddetta Hollywood Renaissance (Il
Maratoneta, Chinatown, Cotton Club, Il Padrino, Harold & Maude, Serpico,
Rosemary’s Baby) ha avuto una vita nel segno del sensazionalismo più folle. Droga,
cocaina, persino omicidi, fallimenti epocali e successi stellari: eppure, dietro tutto il
caos, la follia e la violenza, si celava un uomo dal fiuto inaudito, dal gusto personalissimo
e idiosincratico, in grado di assumersi in prima persona rischi tremendi, forte solo delle
proprie convinzioni. I suoi due libri di memorie – The Kid Stays In The Picture e The
Fat Lady Sang – probabilmente non diventeranno mai libri di testo universitari, ma
sono essenziali per capire in che temperie umana, finanziaria, politica e culturale sono
stati prodotti certi film. Francis F. Coppola ha lottato con le unghie e con i denti con lui:
prima per Il Padrino (Coppola voleva Pacino, Evans no), poi nel corso della lavorazione
omerica di The Cotton Club. Chi l’ha detto che i capolavori sono prodotti nella pace della
serenità? Evans è stato il principe del caos e di “produttori” come lui s’è perso il calco.
GIONA A. NAZZARO
D E L ME S E
MYSTIFY: MICHAEL HUTCHENCE
REGIA DI RICHARD LOWENSTEIN (DOGWOOF)
Presentato nell’ambito dell’ultimo festival
di Roma, il film di Lowenstein tenta di
tratteggiare un ritratto di Michael Hutchence,
il carismatico frontman degli INXS, band che
a cavallo fra la fine degli anni 80 e l’inizio del
decennio successivo ha conosciuto un successo
globale. Sempre guardati con diffidenza
dal popolo del rock e dell’indie, gli INXS
conoscono una fine violenta e tragica quando
Hutchence decide di togliersi la vita. Rispetto
ad altre band che hanno conosciuto un destino
analogo, gli INXS non sono mai riusciti a
essere riscattati criticamente nemmeno dopo,
ma la figura del loro cantante ha continuato
a essere oggetto di indagine e studio. Il film
di Lowenstein si segnala per la qualità degli
interventi e per il tentativo di non assecondare
gli aspetti più sensazionalisti o sordidi della
vita del cantante australiano. Ne viene fuori
così il ritratto chiaroscurale di una persona
fragile e segreta, piena di contraddizioni,
ma anche di slanci di generosità. Un film
malinconico ma giusto.
GIONA A. NAZZARO
Musica
per gli occhi
M83
TEMPLE OF SORROW
REGIA: BERTRAND MANDICO
LABEL: MUTE
Fra Bertrand Mandico, il talentuoso
e visionario regista di Les Garçons
Sauvages, presentato alla Settimana
Internazionale della critica di Venezia,
e i fratelli Gonzalez esiste un fitto
reticolo di affinità sentimentali. Con
Yann, fratello di Anthony ed eminenza
grigia degli M83, il regista condivide
in parte le coordinate di un universo
cinematografico onirico e surreale,
improntato a un immaginario erotico
transgender e postfemminista. Non
sorprende quindi la decisione di
Anthony di affidare proprio a Mandico
il compito di strutturare visivamente
i sogni e le ossessioni che si annidano
nelle tessiture di DSVII, il secondo
volume di architetture ambient
degli M83. Per Temple Of Sorrow,
Lune De Fiel e A Word Of Wisdom
Mandico ha creato un vero e proprio
mini film diviso in tre capitoli. La
storia ruota intorno a Extazus, uno
scrittore interpretato da Sam Louwyck,
abbigliato come un membro della
Sun Ra Arkestra ma legato alla sua
macchina da scrivere attraverso una
spina dorsale memore degli incubi
di Burroughs e Cronenberg. Extazus
sta terminando il nuovo capitolo
delle imprese e avventure di Nirvana
Queen (Anne-Lise Maulin, cui presta
la voce Elina Löwensohn, compagna di
Mandico) ma questa volta le sue eroine
chiedono all’”autore” qualcosa in più e
quel “qualcosa” cambierà per sempre
nell’equilibrio fra Extazus e la sua
scrittura. Mandico porta alle estreme
conseguenze l’universo di Ultra Pulpe
e crea un mondo senza precedenti,
sospeso fra innumerevoli citazioni
e omaggi che risulta però sempre
intimo e segreto. Le ondate di synth
e lo sciabordio analogico di Gonzalez
s’intrecciano sensuali alle immagini,
e già dopo i primi secondi si fatica a
comprendere quale degli elementi –
fra musica e immagini – esista l’uno
in supporto dell’altro. Un risultato
assolutamente sorprendente, che
conferma sia l’ispirazione di Gonzalez
che il talento di Bertrand Mandico.
GIONA A. NAZZARO
RUMOREMAG.COM | 105
 LETTURE GENNAIO 2020
PIETRO SCARAMUZZO
TOM ZÉ - L'ULTIMO TROPICALISTA
ADD
Incredibile ma vero: tolto un libro
autobiografico uscito solo in Brasile nel 2003
(Tropicalista Lenta Luta), la vita e le opere di
Tom Zé non erano mai state raccontate prima
su carta. Complimenti all'editore torinese
dunque, che affida a un esperto come Pietro
Scaramuzzo - lucano a Lisbona, giornalista
specializzato in musica e cultura brasiliana,
creatore del portale dedicato nabocadopovo.
it - il compito di addentrarsi nelle vicende
di un uomo e artista come ce ne sono pochi.
Nato Antônio José Santana Martins a Irará,
entroterra rurale dello stato di Bahia, Tom Zé
è in un certo senso l'unico vero tropicalista,
quello che non ha mai dimenticato la spinta
rivoluzionaria di quei giorni del '68, e anzi
l'ha sempre più radicalizzata, giungendo a una
sintesi unica di pop, tradizione e avanguardia.
È stata dura, i riflettori sono stati spenti a
lungo e c'è voluto il solito americano accorto
(David Byrne in questo caso) per riaccenderli
definitivamente (o quasi: gli ultimi album
sono pazzeschi, ma escono autoprodotti e solo
là...). È tutto qui, in un'esclusiva mondiale
scritta a stretto contatto con l'artista. Che
ne racconta i successi e gli insuccessi, le
cadute e le rinascite, la mente sempre
attiva e l'attitudine umile e costruttiva, mai
pretenziosa. Che ne documenta le intuizioni
geniali (l'uso musicale di lucidatrici e
smerigliatrici, l'invenzione di campionatori
ante litteram come il buzinório o l'hertzé)
e l'approccio tanto iconoclasta quanto
amorevole alla tradizione brasiliana, anche
quella meno celebrata (sempre presente
nei suoi dischi, ma esplicito nella trilogia
di album Estudando...). Che ne analizza a
fondo la poetica con competenza e acume,
mostrando come l'aspetto lirico della sua
opera abbia pari importanza e creatività. Una
biografia forse troppo scandita dalle uscite
discografiche per un personaggio del genere,
ma preziosa comunque.
ANDREA POMINI
80/100
106 | RUMOREMAG.COM
JACOPO GHILARDOTTI
RIBELLI ALL'ANGOLO. UNA STORIA DEI CLASH A CINQUE
ARCANA
Per molti devoti dei Clash, me compreso, Cut The Crap
resta disco di una bruttezza indicibile. Costa fatica dirlo,
in fondo dietro ci sono sempre Joe Strummer, Paul
Simonon e Bernie Rhodes. Anche per questo il libro di
Ghilardotti merita una lettura attenta: perché affronta
l'argomento più scomodo per noi clashiani, il classico
“scheletro nell'armadio”, quei tre anni scarsi nel quali
“the only band that matters” ingaggia una lotta (impari)
col proprio passato e ne rimane schiacciata. Vince White,
Nick Sheppard e Pete Howard, i tre comprimari che “fanno i Clash” con
impegno e dedizione nonostante i deliri di Rhodes e uno Strummer a mezzo
servizio, tengono in vita una creatura clinicamente già morta in anni sofferti
nei quali la band si imbarca in tour massacranti e scrive qualche buona
canzone vanificata dall'uscita di un album che nasce vecchio, alla costante
ricerca di una resurrezione che non arriverà mai. Un libro scritto da chi si
è dato un obiettivo: riempire un vuoto storico, a prescindere da tante cose.
Quegli anni andavano raccontati e Ghilardotti lo fa benissimo.
LUCA FRAZZI
75/100
ALESSIA MASINI
SIAMO NATI DA SOLI. PUNK, ROCK E POLITICA IN ITALIA
E IN GRAN BRETAGNA (1977-1984)
PACINI
Tre buoni motivi per leggere questo libro: 1) perché l'ha
scritto una storica, col metodo che solo una storica sa
applicare 2) perché è opera di una ragazza giovane che
non ha vissuto in prima persona gli eventi descritti,
garanzia questa di rigore e obiettività 3) perché è un
tentativo tutto sommato riuscito di contestualizzare
otto anni di storia del punk: come nasce, perché nasce,
cosa sottende e perché, a conti fatti, resta l'ultima vera
rivoluzione culturale degna di tale nome, capace di toccare ambiti anche
molto lontani da quello musicale (il punk è una cosa, il punk rock un'altra).
L'analisi delle fonti è scientifica, la passione per l'argomento a stento
contenuta. Il sottotitolo non nasconde l'ambizione di “dire tanto”, non
mancano i refusi (la storica prima volta dei Clash in Italia risale al primo
giugno 1980, non al 2, e “Syd Viscious” è da rosso diretto) e le note a fine
testo invece che a piè di pagina rendono la lettura tecnicamente faticosa, ma
l'onestà dell'approccio, la mole del lavoro e il quadro che configura valgono
lo sforzo. Da questo punto di vista, un libro utilissimo.
LUCA FRAZZI
75/100
CAETANO VELOSO
VERITÀ TROPICALE. MUSICA E RIVOLUZIONE NEL MIO BRASILE
SUR
Già uscito a inizio millennio per Feltrinelli, il corposo
memoir di Caetano Veloso ritorna revisionato nella
traduzione (a tratti sembra un altro libro), con una lunga
introduzione in cui l'autore risponde puntualmente
a critiche e osservazioni inerenti la prima edizione
brasiliana del 1997. La biografia è strettamente
intrecciata alla vicenda tropicalista (dopo la metà
dei '70 tutto si fa carrellata velocissima), densa di
riflessioni, e Veloso utilizza la propria scrittura mai
lineare e spesso parentetica, anarchica nell'incedere
tra aneddoti, ricordi, nomi, piani temporali, movimenti culturali e politici,
razionalità ed emotività (struggente in tal senso il racconto della prigionia
che precede l'esilio imposto dalla dittatura militare nel 1968), una prosa
di primo acchito disorientante, per disegnare la mappa in filigrana di una
personalità curiosa e lucidissima. Che non fa sconti alla propria vicenda e
neppure alla rivoluzione musicale e culturale di cui è stato fra i protagonisti,
soppesandone errori e utopiche ingenuità ma anche, a decenni di distanza,
la portata autenticamente eversiva.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
80/100
 LETTURE EXTRA GENNAIO 2020
WILLY VLAUTIN
THE FREE
JIMENEZ
Un anno fa scrivevamo dello straordinario Io
Sarò Qualcuno. Il songwriter di Richmond
Fontaine e Delines torna in Italia, lo ha
fatto anche fisicamente a novembre, con
The Free, pubblicato negli Stati Uniti nel
2014. Un altro romanzo straordinario
che mette sotto la lente d’ingrandimento
esseri umani assolutamente ordinari su cui
incombono piccole grandi tragedie personali.
Tre personaggi oppressi dai sensi di colpa,
impegnati quotidianamente a non affogare
nei propri fallimenti. Un reduce della
guerra in Iraq ridotto allo stato vegetativo,
un’infermiera dall’umanità grande quanto il
Canada e un uomo abbandonato dalla moglie
e dalle figlie, costretto dalle circostanze a
fare due lavori (diciamo anche tre). Leroy,
Pauline, Freddie. Per sopravvivere ognuno di
loro mette in atto, consapevolmente o meno,
la propria strategia tra sogni, piccole illegalità
e un sano egoismo dei sentimenti. Comune
denominatore è la compassione umana:
nell’accezione letterale di immedesimarsi
nella sofferenza altrui con il desiderio di
alleviarla. Nelle storie minime di Vlautin
non c’è mai lieto fine, le piccole vittorie sono
frutto di sacrificio e abnegazione, come nella
vita del resto. La sua narrazione pulita, solo
in apparenza distaccata, tradisce un’empatia
strabordante e trasuda verità - “costa
parecchio diventare vecchi” - anche nei
dialoghi che modellano una (in)credibile epica
del quotidiano. In proposito va detto che il
Nostro riesce a smontare 60 anni di retorica
letteraria sugli eroinomani in una mezza
paginetta appena. Un altro grande romanzo
americano su coloro che sono relegati
nell’ombra dove Vlautin, con una delicatezza
quasi poetica e attraverso l’espediente
narrativo del sogno, per la prima volta attacca
la società odierna convinta che la libertà si
conquisti a discapito dei più deboli.
MANUEL GRAZIANI
88/100
MARK Z. DANIELEWSKI
CASA DI FOGLIE
66THAND2ND
Monolite ultratecnico e metaletterario, Casa Di Foglie
mancava dalle librerie italiane da quasi tre lustri.
L’edizione precedente, pubblicata nella collana Strade
Blu di Mondadori, è diventata negli anni un’introvabile
chicca da collezionisti, relegando il libro in sé in una
nicchia tetra d’ossessione e culto letterario. Il che,
paradossalmente, non solo ha giovato alle sorti in terra
italica, ma si è dimostrato quantomai adatto alla sostanza
letteraria di quest’opera. Che, per l’appunto, è una
surreale buia discesa in un labirinto orrorifico, surreale
e tesissimo. Un’opera multidimensionale coraggiosamente ripubblicata
e ritradotta, che esorbita letteralmente dalle pagine, dall’impaginazione
consueta, dalle forme normali della letteratura “classica”. È, per molti versi,
un libro affine alle frange sperimentali del postmoderno, magari da inserire
nel lascito di OuLiPo e del roman nouveau. Una selvaggia e virtuosistica
escursione in una casa dalle dimensioni impossibili, inscritta appieno nelle
stesse vertigini di Nabokov e Foster Wallace, Plath e Borges, Cortázar e
Calvino, Perec e Sterne.
DANIELE FERRIERO
82/100
NELSON GEORGE
FUNK E MORTE A L.A. – UN MISTERY CON D HUNTER
JIMENEZ
In una Los Angeles gentrificata in cui Compton è meno
nera, il soul food è minacciato da cibi salutari e il gap
generazionale è attenuato solo dalla presenza del funk
nel rap, da Brooklyn arriva D Hunter, protagonista
per la quarta volta di un romanzo poliziesco di George.
Il richiamo all’avventura è l’omicidio di suo nonno,
e la necessità di scoprire il colpevole lo immergerà
in una vera giungla metropolitana. Lo studioso,
filmmaker e scrittore newyorchese sciorina la sua
cultura musicale: quasi in ogni pagina parla con stile di funk, rap, jazz,
soul, trap fino, addirittura, ad ambientare una vicenda serale in un party
della Stones Throw. In un intreccio da autore cinematografico (non a caso
cita Chinatown di Polanski), il suo eroe rincorre Dr. Funk, misteriosa
star decaduta e personaggio chiave del libro, e per farlo vive situazioni di
tensione con le comunità messicana e coreana. Sullo sfondo, anche se il
presente è condizionato dai social network, il passato resiste: Bloods e Crips
sono vegeti e Koreatown di certo non è arretrata dopo essersi armata a
difesa delle proprie attività commerciali durante la rivolta del ’92…
LUCA GRICINELLA
78/100
LUCA MARCHESI
UN LINGOTTO ROSSO SANGUE
BOOKROAD
È abbastanza sorprendente, il thriller del giornalista
e scrittore della Bassa modenese. Sorprendente per la
capacità dell’autore di creare suspence, di descrivere
i personaggi che animano queste pagine con crudo
realismo, e anche di fantasticare. Sa lasciare col fiato
sospeso il lettore, attraverso descrizioni asciutte ma
esaustive, puntuali, partendo dagli antefatti, dalla vita dei
personaggi. La scena si svolge proprio nella Bassa durante
il terribile terremoto del 2012, e lo spavento e i problemi
generati dal sisma, quella vita fatta di fatiche e paure
quotidiane, fanno da sfondo e si mescolano alla trama, tra colpi di scena e un
racconto che ha ritmo ed estro. Una giovane donna viene ritrovata assassinata
sul ciglio di una strada, e toccherà al maresciallo dei carabinieri Salvatore
Milano indagare. Con passione, puntiglio e competenza cercherà il colpevole,
finendo per scoprire gli altarini degli abitanti di zona e anche gli oscuri misteri
legati a un enigmatico tesoro. Una fantasia fervida, si diceva, e una penna
allenata e incisiva per un giallo da leggere d’un fiato.
BARBARA SANTI
76/100
RUMOREMAG.COM | 107
 FUMETTI GENNAIO 2020
CELESTIA (LIBRO 1/2)
DI MANUELE FIOR
OBLOMOV
A ben cinque anni da L’Intervista,
ritorna Manuele Fior con un lavoro che è
contemporaneamente sia una conferma
che una reinvenzione della sua poetica. Sin
dalla prima lettura emerge un’economia del
tratto e dello spazio sulla e nella pagina che
sembra rimandare con grande precisione al
lavoro di De Chirico. Si respira una tensione
fortemente metafisica in questa storia di
un’invasione che non viene mai esplicitata
come tale e che resta occultata fra le guglie,
i campanili e i profili di una città lagunare,
Celestia, che evoca Venezia. Il tratto,
lievissimo, che si raccoglie intorno a pochi
elementi, reinventa lo spazio fra le tavole
creando equilibri ed effetti sempre nuovi,
sorprendenti. Come se l’autore intendesse
nascondere la propria sapienza piuttosto che
rivelarla. In questo modo si attraversano le
pagine del primo volume di Celestia come
trasportati da un soffio creativo inusitato.
Le modalità attraverso le quali l’autore
reinventa un paesaggio schiettamente
italiano evoca Mercurio Loi, nel caso fossero
necessari riferimenti immediati, accentuando
ulteriormente il versante astratto e pittorico.
Con Celestia ci ritroviamo in una terra che
evoca i fantasmi del Delta del Po, le fôle
padane di Pupi Avati e le città invisibili
di Calvino. Tutti questi riferimenti che si
affollano nella testa del lettore non sono
mai dichiarati, restano come sognati sullo
sfondo, celati dalla materia del colore e delle
forme. Impossibile sottrarsi alla fascinazione
esercitata da queste pagine che si chiudono
su un cliffhanger degno di Stephen King. Si
spera solo di non dovere attendere troppo
tempo per scoprire il seguito delle avventure
di Pierrot e delle sue compagne e compagni.
In ogni caso, Celestia è uno di quei libri che si
leggono a ripetizione.
GIONA A. NAZZARO
97/100
108 | RUMOREMAG.COM
GHETTO BROTHER
UNA LEGGENDA DEL BRONX
DI JULIAN VOLOJ & CLAUDIA AHLERING
ADD EDITORE
L’hip hop è nato da un complesso di vicende artistiche,
sociali ma anche umane, come quelle di Benjamin
“Yellow Benjy” Melendez, leader della gang Ghetto
Brothers. Voloj e Ahlering li raccontano senza ricami:
di origine portoricana, nel ’63 Benjy approda nel Bronx
e nei primi anni 70 contribuisce a interrompere la
legge violenta della strada disinnescando la possibile
catena sanguinolenta dopo l’omicidio di un suo fratello
mandato in missione di pace. Grazie alla tragedia, le gang fanno davvero
pace e si uniscono in svaghi che si trasformano in discipline hip hop (Afrika
Bambaataa trasforma i Black Spades in Universal Zulu Nation). Al raduno
di pace di Hoe Avenue, organizzato nella realtà dai Ghetto Brothers, è
ispirata, in parte, la sequenza iniziale de I Guerrieri Della Notte ma Benjy,
rispetto a Swan, è un eroe più genuino, che possiamo seguire fino all’età
adulta, quando riscopre le sue radici religiose. Come dice Jeff Chang nella
postfazione, “una storia di identità, speranza e redenzione”.
LUCA GRICINELLA
78/100
ROYAL CITY 1
DI JEFF LEMIRE
BAO PUBLISHING
Jeff Lemire è sempre al lavoro e tra una sua opera che
diventerà serie TV – Sweet Tooth per esempio, ma anche
l’ottima Black Hammer; che pare rivedremo sia come
film che come serie, opzionata com’è da Legendary
Pictures – ecco Royal City, un racconto suburbano
che per atmosfere e temi si avvicina molto più alla sua
graphic novel Niente Da Perdere che alla fantascienza
di Descender, creata insieme a Dustin Nguyen. Parliamo
di un ritratto famigliare nella provincia profonda,
tra traumi e drammi quotidiani (forse troppi tutti
insieme, ecco il punto debole della storia, che rischia di risultare poco
credibile) a caratterizzare la malinconica natura di una realtà canonica ma
estremamente complessa. A fare da filo conduttore tra le storie dei genitori
e dei fratelli c’è un lutto molto grave che segnerà le vite di tutti. La partenza
è in sordina per questa serie, ma ci attendiamo che il talento narrativo del
canadese emerga volume dopo volume. Ne riparleremo senza dubbio.
STEFANO FANTI
68/100
BLACK SCIENCE 6 e 7
DI R. REMENDER, M. SCALERA, M. DINISIO
BAO PUBLISHING
Quell’enorme calderone ribollente che è Black Science
inizia ad avviarsi verso la sua conclusione, tirando le fila
di un discorso a tratti molto caotico se non confusionario
ma altrettanto ricco di spunti e universi narrativi, dalla
fantascienza al fantasy fino al genere supereroistico e
al racconto famigliare. Lo sappiamo, Remender è un
grande talento ma spesso esagera nella densità della
narrazione, per questo BS ha subito alcuni contraccolpi
nel suo scorrere: questi due volumi rischiarano la storia,
muovendosi verso i personaggi e i loro rapporti e verso il nucleo di questo
multiverso schizofrenico. Se il volume 6 ci mostra il figlio del protagonista
in versione supereroe in lotta con esseri pazzeschi, il 7 ci riporta alla base
con tutti i componenti della famiglia McKay riuniti per sconfiggere la
minaccia finale. Sarà interessate vedere la conclusione per capire se tutto
torna o sono state aperte troppe parentesi. Come sempre, i disegni di
Scalera hanno dell’incredibile per dinamicità e fantasia.
STEFANO FANTI
73/100
F U M E T T I P O S T E R-I D I A L E S S A N D R O B A R O N C I A N I E A L E S S A N D R O B E S S E LVA AV E R A M E

RUMOREMAG.COM | 109
DAL VIVO TRANS MUSICALES 2019
Trans Musicales 2019
Nuovo da 41 anni è il sottotitolo,
spiritoso ma davvero condivisibile,
del festival bretone che combatte una
battaglia non da poco: lo sciopero
generale che paralizza i trasporti incide
sull’affluenza, ma comunque si gira a
56.000 spettatori contro i 60.000 dello
scorso anno, è già un mezzo miracolo di
resistenza.
La direzione artistica allarga di continuo
i propri orizzonti geografici. A debuttare
questa volta in cartellone è Taiwan
con la Go Go Machine Orchestra,
promossa a pieni voti nella grande
Hall 8 grazie e un prezioso cocktail
di post rock, dub, ossessioni ritmiche
e chirurgici interventi di theremin.
Il suono liquido colma laghi che
puntualmente traboccano in cascate di
benefico fragore elettrico e giustificano
l’ingombrante paragone con i Tortoise
evocato dalla direzione della kermesse.
Nella tribuna delle emozioni forti trova
ampio spazio anche Ácido Pantera,
band colombiana a doppia leadership
che accende subito un’atmosfera di
festa tra cumbia, hip hop, house e fughe
psichedeliche. Divertente, ma anche
colta nei riferimenti, con omaggi espliciti
a Fela Kuti, allusioni a Grandmaster
Flash e sintetizzatori scatenati, tutto
con giubbotti concepiti come caricatura
di quelli smanicati che recano i simboli
TESTO DI PAOLO FERRARI – FOTO DI NICOLAS JOUBARD
110 | RUMOREMAG.COM
delle vere gang latine. Un’altra bomba
arriva da Barcellona con la potenza
hip hop delle Tribade, tre ragazze
molto giovani la cui ragione sociale
allude esplicitamente alla militanza
GLBT. Partono incappucciate da corteo
hardcore, poi si svelano e liberano rabbia
su ritmi serrati, senza farsi mancare un
elegante base electro dub al momento di
Vamos P’Al Mar, dedicata ai migranti
in balia delle onde. Sempre in area hip
hop, Rennes propone un gioiello del
suo vivaio, dal momento che la folta
squadra Groove Control racconta
di essersi formata proprio nel corso
dell’edizione 2009 dell’happening.
RENNES (FRANCIA) Lo show è elettrizzante, i riferimenti
04/08 DICEMBRE 2019 alla vecchia scuola americana fioccano
con cognizione di causa e numeri
da capogiro. Il beatbox è perfetto,
riempie tutte le frequenze, diventa
orchestra o espressione minimale
sempre sotto controllo. Lo scratch e
gli interventi break dei ballerini sono
lezioni importanti per chi segue con
superficialità la trap. Sono 8 in tutto
a riempire il palco con uno show
trasversale a rimandare all’era d’oro
di NTM e IAM. Tellurico inoltre il live
set di Acid Arab, ormai una certezza
anche per il pubblico italiano. Qui
fanno le cose in grande, ai tre in alto
sull’altare, incaricati di confezionare
quel sound così naturale nel far entrare
le melodie maghrebine sul mélange di
bassi da manicomio e cassa in quattro, si
aggiungono ospiti di rango, al top Sofiane
Saidi, l’erede più credibile della grande
scuola del raï algerino.
Detto della tribuna, ecco i distinti.
Settore dove prende posto Gilberto
Rodriguez con i suoi Los Intocables.
Il chitarrista di Los Angeles ha le vene
piene di blues e jazz, il cuore votato alla
musica latina di famiglia e tra le mani
una terza via a quest’ultima materia.
Né elettronica né soluzioni afrocubane
acustiche, bensì un’espansione elettrica
che viaggia a anche in direzione funk
e country. Detto così sembra un gran
casino, invece funziona e ti porta
dentro un viaggio elegante che potrebbe
però suonare più sporco. Ancora una
menzione per il jazz, cui spettano
le quote di maggioranza dello show
di Cochemea Gastelum e del suo
combo. Il sassofonista e capobanda
di Brooklyn ha un palmares da urlo,
guidato dalle collaborazioni con Arche
Shepp, Antibalas, Quincy Jones e
Amy Winehouse. Soluzioni valvolari,
escursioni funky, free jazz, spiritualità
africana e assolo di sax sontuosi sono
trattati con maestria, manca però il sale
dell’originalità.
Proseguiamo il giro dello stadio virtuale
per entrare nella curva rivelazioni.
Convince per equilibrio tra la new wave
d’epoca a l’attualità indie pop il suono
degli Stats, in arrivo da Londra con
la sicurezza dei veterani. I margini di
crescita riguardano a questo punto
soltanto la sfera compositiva. Frizzanti,
cosmopolite, cariche d’energia, le
giovanissime Los Bitchos si sono a loro
volta formate nella capitale britannica,
ma sfruttano con intelligenza le radici
latine (Uruguay) di due delle cinque
componenti. I pezzi sono strumentali,
le chitarre garage psichedeliche giocano
con le sensazioni stile chicha del
Perù la temperatura sale. Il livello di
maturazione del frutto è molto avanzata
se si tiene conto del fatto che fin qui le
ragazze hanno pubblicato solo tre singoli.
Eccoci nell’emiciclo delle delusioni.
Stravince una band russa, Shortparis.
Si vestono a metà strada tra i Devo
e Kraftwerk, propongono un electro
pop per niente originale, salvato solo
dalle qualità di intrattenitore del
tastierista, performer con le stimmate
dell’animale da palco. Brucia di più non
sentir decollare la miscela di Chouk
Bwa & The Ǻngstromers, da cui
ci si attendeva francamente di più.
L’orchestra haitiana fa il suo dovere, ma
i due produttori belgi le ruotano intorno
con turbolenze digitali; pertinenti senza
mai alzare l’asticella del progetto.
RUMOREMAG.COM | 111
DAL VIVO TRANSMISSIONS FESTIVAL XII
TRANSMISSIONS
FESTIVAL XII
C’è questo luogo comune che vuole
la Romagna terra inclusiva in cui chi
arriva da fuori viene trattato in un
modo che lo spinge a tornare. Vale tanto
per certi settantenni che continuano a
frequentare la spiaggia in cui andavano
da bambini quanto per i musicisti di
area avant (Martin Bisi e Jerusalem In
My Heart, nel caso di specie), chiamati
a suonare al Transmissions e tornati
in veste di curatori l'anno successivo.
Volendo si possono mettere dentro i
rapporti di amicizia che si creano tra
gli ospiti che tornano sempre in riviera:
milanesi e torinesi che per un anno
non si sentono, ma che in quei giorni di
agosto sono come fratelli e sorelle.
Uno se li immagina così, Martin Bisi e
Radwan Ghazi Moumneh: esperienze
musicali diverse, sottoculture che
diresti impermeabili una all’altra, si
trovano a curare insieme il bill di un
festival di musica. Le basi concettuali
sono le stesse: una esperienza condivisa
nel passato, la capacità di ripartire da
lì. In un mondo perfetto le musiche e le
culture di ogni luogo si parlano, ognuna
ha un suo spazio e un suo tempo,
passato presente e futuro. In questo
mondo, per metterle in comunicazione,
ci si affida a episodi fortuiti. Nello
spazio fisico dell’Almagià di Ravenna la
dodicesima edizione di Transmissions
TESTO DI GIACOMO SACCHETTI e FRANCESCO FARABEGOLI
112 | RUMOREMAG.COM
RAVENNA, ARTIFICERIE
ALMAGIÀ
21-23 NOVEMBRE 2019
FOTO DI ANDREA FIUMANA
mette in scena un incontro credibile
tra due modi di fare le cose: due serate
curate da Bisi con piccole incursioni
di JIMH (Oren Ambarchi e Sote), la
terza tutta Jerusalem. Il contesto serve
a fare da contenitore e miscelatore,
annullare contrapposizioni che sulla
carta si sarebbero supposte esistere,
a uso e consumo di un pubblico di
affezionati che non fa discrimini. Nel
complesso, un’edizione più avventurosa
e meno scontata del solito. La prima
sera apre col furioso noise metal dei
Solaris e si chiude con gli ultra glam
White Hills. Spicca il post punk arty dei
Parlor Walls. Bisi suona con BC35 e col
suo gruppo: le chitarre disegnano un
futuro oscuro. La sera dopo la scarica
psyco dei Live Skull mette sotto scacco
l'Almagià, mentre Oiseaux-Tempête e
GW Sok fanno rifiorire il post rock con
un set impetuoso. Tidal Channel danno
il loro contributo synth poetry e RYF
è una parentesi sadcore. Nella terza
serata giganteggiano Nadah El Shazly,
che nella sua più recente incarnazione
live è una specie di Patty Waters impro
noise, e le batterie avventurose di Jim
White che frammentano la lira cretese
di Giorgos Xylouris. Il prossimo anno
Transmissions arriva all’edizione
numero 13, si accettano scommesse
su chi tornerà a villeggiare suonare e
curare.
 DAL VIVO IN ARRIVO

Per essere gennaio non c’è male sul fronte calendario concerti. Già la sola presenza di Sinéad O’Connor basta per
alzare l’asticella, ma come al solito i live si concentreranno sul prossimo mese. Così per una volta possiamo dare
spazio a un po’ di band e artisti di casa nostra che ne meriterebbero di più. Perché a volte con i soldi che spendiamo
per andare a vedere un concerto in un palazzetto ne potremmo vedere almeno tre in un piccolo club o circolo: sono i
concerti migliori, quelli che ti fanno scoprire qualcosa di nuovo. È questa la filosofia su cui si fonda questa rubrica
e il suo corrispettivo online.

A CURA DI LUCA DOLDI

11/25 GENNAIO 14 GENNAIO

/HANDLOGIC
OHIBÒ (MILANO) / SCUGNIZZO LIBERATO (NAPOLI)
Indie ed elettronica mischiati con eleganza e gusto. Senza
alcun dubbio una delle band italiane più interessanti che
potete trovare sui palchi dei piccoli club.
ANTI FLAG
HT FACTORY (SEREGNO - MB)
Il punk nella sua essenza anni 90 più pura. Gli Anti Flag
hanno attraversato gli ultimi 20 anni con la loro musica e
il loro impegno sociale, sempre in prima linea.

13 GENNAIO
MURCOF
INNER SPACES, AUDITORIUM SAN FEDELE (MILANO)
Questo potrebbe essere l'ultimo anno di Inner Spaces,
un rassegna che dovrebbe essere nominata patrimonio
dell'umanità. Vi conviene non perdervi neanche una serata.
16 GENNAIO
ZU
CINEMA MASSIMO (TORINO)
La seconda vita degli Zu passa da Torino, per una
data dedicata a Terminalia Amazonia, il loro ultimo
incredibile album. Esperienza sensoriale più che concerto.

16 GENNAIO 16/18/19 GENNAIO

ZU
CINEMA MASSIMO (TORINO)
La seconda vita degli Zu passa da Torino, per una
data dedicata a Terminalia Amazonia, il loro ultimo
incredibile album. Esperienza sensoriale più che concerto.
SINEAD O’CONNOR
PORDENONE / PARMA / TORINO
La sua esibizione lo scorso settembre alla trasmissione
irlandese The Late Show è arrivata a due milioni di
visualizzazioni, e lei che credeva di non avere più pubblico...

17 GENNAIO 18/31 GENNAIO / 1 FEBBRAIO

CANNIBAL CORPSE
FREAKOUT (BOLOGNA)
La storia del death metal, forse la band più famosa del ge-
nere con una lista infinita di leggende metropolitane che
la vedono protagonista. Fondamentali.
THE BLOODY BEETROOTS
MAGAZZINI GENERALI (MILANO) / FREAKOUT (BOLOGNA)
Sir Bob Rifo torna in Italia per riportare un po’ di
attitudine punk elettronica. Con una band alle spalle o
senza, i suoi live sono sempre una palla infuocata.

21 GENNAIO 24/25/26 GENNAIO

THE SPYRALS
BLAH BLAH (TORINO)
Gli Spyrals sono una band psichedelica e arrivano dalla
California (poteva andare diversamente?) Il loro suono vi
riporterà dritti dritti negli anni 70.
SUNN O)))
ROMA / BOLOGNA / MILANO
Se non li avete mai visti proverete sensazioni mai provate
prima a un concerto, se li avete già visti saprete a cosa
andate incontro. Un terremoto sonoro.

28 GENNAIO 29/31 GENNAIO

SUM 41
LORENZINI DISTRICT (MILANO)
Altra band che ha traghettato la nuova ondata del punk
dagli anni 90 agli anni Zero, sul palco insieme agli Ze-
brahead. Questi ultimi saranno (da soli) anche a Bologna.
TAMARYN
BLAH BLAH (TORINO) / COVO (BOLOGNA)
Fra synth pop e shoegaze, Tamaryn prende alcune
sonorità elettroniche tipiche degli anni 80 e le nasconde
fra una nebbia di reverberi. Artista da non perdere.

RUMOREMAG.COM | 113

BANDALARGA AMARCI MEGLIO
AMARCI
MEGLIO
Su una cosa dovremmo essere
tutti d'accordo: la quantità di
donne assassinate dai partner o
dagli ex in Italia è intollerabile. Poi
certo, esiste gentaccia dimenticata
dall'evoluzione che dice cose
tipo "chissà lei che aveva fatto",
ma è destinata a estinguersi. Il
problema invece riguarda gli altri
maschi, inclusi tutti noi. Io non
credo che questi assassini siano
pazzi o persone particolarmente
violente. Sono uomini (e qualche
volta anche donne) che coltivano
una visione assurda dell'amore.
Assurda ma non sconosciuta,
esotica o folle. Le loro dichiarazioni
non sono mai farneticazioni
sconnesse assimilabili alla follia,
non gliel'ha fatto fare il demonio.
Sono parole, a volte perfino di
pentimento, che però si appellano
sempre a un sentire collettivo;
magari loro hanno esagerato ma
la logica, il pensiero dietro alle
loro azioni sarebbe comune a
tutti noi, e forse perfino nobile.
L'amore, la gelosia, il possesso
dell'oggetto amato, la difesa del
nucleo familiare, l'intollerabilità
dell'idea che lei abbia qualcun
altro. Sensazioni che secondo loro
dovremmo provare tutti, ma che nel
loro caso sono talmente intense da
indurli a gesti estremi. Terribile,
anche se in Italia fino a pochissimi
anni fa questo tipo di violenza era
perfino regolata dalla legge, come
nell'adulterio o il delitto d'onore.
Logiche così oggi non sono più
114 | RUMOREMAG.COM
immaginabili, anche se persistono
sacche di sottosviluppo. Quindi
la causa degli omicidi di donne
non è la follia bensì questa idea
irreale di relazione tra sessi che in
soggetti sensibili scatena reazioni
abnormi. Magari allora ha senso
chiedersi dove si apprendano questi
comportamenti. Sui libri? I film?
Le serie TV? Non mi pare. Anche
a scuola non direi. Forse dalle
canzoni, i cui testi hanno spesso
descritto gelosie e gesti estremi?
Francamente non credo: la musica
pop racconta sempre un sentire
comune. Magari è la natura che
scalpita, il ricordo Neanderthal del
maschio che protegge il focolare?
Non diciamo fesserie: sono le donne
che fanno i figli. E allora dove si
imparano questi sentimenti?
La risposta mi pare una sola,
brutta e sconsolante: nella
società e nei suoi nuclei fondativi,
innanzitutto la famiglia. Se un
genitore è possessivo col partner
è possibile che i figli lo diventino.
Se una femmina viene educata in
maniera diversa, è prevedibile che
il fratello ne deduca una regola. Se,
magari per amor di pace, la madre
accetta comportamenti sbagliati
del padre, mi pare plausibile
che i figli memorizzino questa
dinamica. È uno dei mille motivi
per cui sono favorevole a famiglie
di ogni gender: se l'obiettivo è
scardinare queste logiche sessiste
certamente funzionano meglio
A CURA DI
S ERG IO MES S IN A
letto ri@sergio m essina . c om
di quelle tradizionali. C'è poi un
altro posto dove si assorbe questa
oggettificazione delle donne e cioè
la comunità dei maschi, inclusi voi
e io. E chi tace è complice. Si va dal
commento stradale evidentemente
molesto all'occhiata non richiesta
che lascia la bava sul culo della
malcapitata, fino alla gomitata
complice tra maschi in ufficio.
Abbiamo tutti un amico così, e
qualche volta quell'amico siamo noi.
Non c'è niente di male a capirlo e
cambiare, anzi. Viceversa, c'è tutto
di male.
Infine c'è un aspetto di educazione
all'amore che riguarda ognuno,
e che mi pare insieme difficile e
urgentissimo. Non è vero che "in
amore, come in guerra, tutto è
permesso". Nemmeno in guerra
è più permesso tutto, figuriamoci
in amore. Eppure questa logica
continua a governare le azioni
di molti. Insieme a un'altra idea
comunissima, oscena e velenosa:
che l'amore si misuri a peso, che
la quantità sia un valore e che
l'intensità (variamente intesa)
sia proporzionale alla bontà del
sentimento. Un'idea terribile, che
spalanca la porta a mille infamie,
abusi e violenze fatte e subite in
nome dell'amore. Mentre è chiaro
che in amore l'importante è la
qualità. Non mi interessa sapere
quanto mi ami, ma come. Fatto
questo passo forse saremo un
pezzetto avanti.
 NEWS, RUBRICHE, CURIOSITÀ, ANTEPRIME, LIVE REPORT, GALLERIES,
INTERVISTE, SPECIALI, IL MEGLIO DELL,INFORMAZIONE MUSICALE MONDIALE
TRADOTTA, CALENDARIO SEMPRE AGGIORNATO DEI CONCERTI, CONTEST,
BIGLIETTI, DISCHI OMAGGIO, SHOP ONLINE E MOLTO ALTRO. SEGUICI...

SIAMO APERTI, COME SEMPRE

 RIEHEN / BASILEA
26. 1. – 17. 5. 2020
FONDATION BEYELER

Edward Hopper, Cape Cod Morning, 1950 (Detail), Oil on canvas, 86,7 × 102,3 cm, Smithsonian American Art Museum, Gift of the Sara Roby Foundation, © Heirs of Josephine Hopper / 2019, ProLitteris, Zurich, Photo: Smithsonian American Art Museum, Gene Young
SUPPLEMENTO AL NUMERO 336 (GENNAIO 2020) DEL MENSILE RUMORE

X E
P
R
C I
CINNQ
Q

01
UUA
ANNT
TA
DIEGO BALLANI

A
Volume 6
 DICE
IN CINQUANTA PER ‘10 | LE GUIDE PRATICHE DI RUMORE

9 I NT ROD UZ I ONE

11 C I N Q UA NTA PE R ‘1 0: I D I SCHI

6 5 E XT R A: G LI ALT RI 50

7 9 B I BLI OGR AFI A

CINQUANTA PER ‘10 è un supplemento al numero 336 (gennaio 2020)

del mensile RUMORE - Autorizzazione del tribunale di Torino n. 21 del 25/07/2013

PER RUMORE:
Direttore responsabile: Marco De Crescenzo
Direttore editoriale: Rossano Lo Mele
Coordinamento redazionale: Alessandro Besselva Averame
Direttore artistico: Stefano Manzi

PER LA GUIDA:
Concept: Rossano Lo Mele
Progetto grafico: Stefano Manzi
Editing: Alessandro Besselva Averame

DIEGO BALLANI (La Spezia, 1973).

È stato redattore e collaboratore di numerosi magazine musicali come “Freak Out”, “Zero”, “MusicBoom”,
“SentireAscoltare”, “Sottoterra”. Da circa 14 anni scrive per “Rumore”, per il quale ha curato cinque guide.
Nel 2013 Arcana ha pubblicato il suo libro The Smiths. A Murderous Desire.
 N E
Z IO
D U
R O
I NT

H
a ancora senso, riferendosi al decennio appena trascorso, parlare dei “migliori
album”? È un dubbio che, se siete fra coloro i quali amano indagare sull’evoluzione
della musica pop, vi sarete posti più di una volta. Quesiti analoghi ci perseguitano
quotidianamente. Tutti in qualche modo innescati dall’evoluzione tecnologica e
dall’impressionante stravolgimento che Internet ha impresso ai rapporti fra la musica, chi la crea
e chi ne usufruisce. I metodi di fruizione, distribuzione e promozione sono cambiati in cosi tanti
e tali modi che sarebbe inutile provare ad approfondirli in uno spazio così succinto. Quel che ci
interessa in questo frangente (e che in qualche modo emergerà nelle prossime pagine) è il modo
in cui l’evoluzione del mezzo ha finito per influenzare l’opera stessa, favorendo alcune sonorità a
scapito di altre, sovvertendo paradigmi consolidati e dando vita, in ultima analisi, a una ipotesi di
“musica del futuro” proprio quando si credeva che la cosa non fosse più possibile. Sono temi che
ritorneranno spesso nel corso di questa guida, ma intanto vogliamo anticiparne alcuni.

Era il 2010 quando Jay-Z, riferendosi a gruppi indie come Grizzly Bear e Dirty Projectors, affermava
di considerarli una grande fonte di ispirazione. Non pago, auspicava che i loro dischi potessero
spingere i rapper a fare musica migliore. In pratica, l’artista più rappresentativo dell’industria
multimilionaria americana stava dando il suo benestare a un processo iniziato già da qualche anno.
Da lì in poi abbiamo assistito alla nascita di legami sempre più stretti fra una parte dell’universo
indie e quel pop che un tempo avremmo definito mainstream. Una rete di collaborazioni artistiche,
featuring e reciproci attestati di stima sotto forma di cover o semplici omaggi che ha finito per
elidere i confini fra i due mondi.

Naturalmente dobbiamo chiarirci su cosa intendiamo per “indie”. Già verso la fine degli anni
Zero, con la ritirata delle chitarre, l’estetica indipendente stava cambiando. Oggi il termine
“indie rock” evoca prevalentemente un mondo impegnato a preservare con minimi aggiustamenti
un immaginario (garage, folk o post punk) cristallizzato nel tempo. Si tratta di una galassia
estremamente frammentata, in affanno, con evidenti problemi a racimolare numeri significativi che
le permettano di imprimere la propria impronta sull’immaginario collettivo. Se pensiamo invece a
una musica underground che funga da avanguardia, liberandosi da vincoli e prospettando scenari
innovativi, ci accorgiamo non solo che l’indie non è morto, ma che per certi versi ha contaminato
il pop più di quanto non ne sia stato influenzato. “Indie” è il James Blake, che rivoluziona le
produzioni electro e R&B con il suo downtempo glaciale. “Indie” sono i Tame Impala con la loro
psichedelia che sconfina nel dancefloor e Bon Iver, impegnato in una ridefinizione del cantautorato
intimista. “Indie”, infine, sono campionesse del genre bending come Grimes e Sophie.
•| 6 |•
A proposito di generi: la smaterializzazione della musica e l’irruzione sulla scena di una
generazione di artisti portatori di sensibilità sempre più contaminate ha visto dissolversi
qualsiasi logica di appartenenza. Il risultato è che oggi si parla sempre meno di “genere
musicale” nel senso in cui lo si intendeva, ad esempio, negli anni 80. A dare omogeneità alle
playlist sulle piattaforme di streaming sono piuttosto i mood (“Sad Indie”, “Positive Vibes”) o le
situazioni (“Afternoon Acoustic”, “Happy Workout”). Non mancano gli artisti che credono ancora
nell’album come mezzo espressivo e cercano di proporlo con nuove formule (ad esempio quella
del visual album). Ma anche in questo caso la volata è tirata da chi ha i mezzi e i numeri per
forzare il “medium”, tentando approcci più sperimentali e fantasiosi. A farlo sono soprattutto
coloro che hanno il polso della narrazione collettiva. Mi riferisco a molti esponenti della black
music, che hanno saputo intercettare le mutazioni in corso all’interno della società, si sono
fatti cassa di risonanza di un malessere sociale e in qualche occasione (il caso più evidente è
quello di Kendrick Lamar) sono diventati veicolo di lotte e cambiamenti.

Il senso di tutto ciò è che, mentre il rock si è chiuso nella ripetizione di una ritualità tutta ispirata
all’età dell’oro (individuabile grosso modo fra la seconda metà degli anni 60 e i primi ‘80) la
musica nera ha vissuto, proprio in quel momento, la sua età dell’oro. Artisti come Frank Ocean,
Kanye e Beyoncé hanno definito il loro “genere” e il loro tempo proprio come in passato hanno
fatto Dylan, Led Zeppelin e Clash.

Queste sono solo alcune considerazioni e chiavi di lettura. Molte altre se ne potrebbero
intavolare: potremmo ad esempio discutere del ruolo della nostalgia nella definizione estetica
del decennio; della nascita e della morte di generi web based come witch house e glo-fi o
del modo in cui la morte (quella vera) è entra a gamba tesa nella storia del pop. Ci sarebbe
da analizzare il ruolo che la Brexit ha avuto nelle ultime produzioni britanniche e quello che
ha rivestito la psichedelia nelle più recenti produzioni dance. Ci sarebbe, infine, da parlare
della nascita di un’elettronica concettuale che, nel flirtare con il dancefloor, ha finito per
rappresentare la musica più schiettamente innovativa partorita negli ultimi anni. Sono tutti
temi eccitanti, alcuni dei quali destinati a cambiare il concetto di musica pop per come eravamo
soliti intenderlo fino a pochi anni fa. Una vera e propria rivoluzione che per buona parte passa
attraverso questi 100 lavori.

Intendiamoci, definirli non è stato semplice. L’elenco dei titoli è il frutto di un serrato confronto,
senza esclusione di colpi, intercorso fra tutta la redazione e i collaboratori di Rumore. Giorni
e giorni di violenti rimpalli, di “questo non può assolutamente mancare” e di “se escludiamo
quello rischiamo di incorrere in un errore storico”, ma alla fine a emergere è stata la grande
competenza e l’ampio ventaglio di sensibilità che da sempre caratterizza la nostra rivista. Per
questo mi sento di ringraziare tutti coloro che hanno preso parte a quello che, alla fine, resta
sempre il più divertente dei dibattiti.

Buona lettura!
Diego Ballani

•| 7 |•
 H I
D I SC
N T A
U A
I N Q
I C
 DAMON ALBARN - Everyday Robots 2014

DAMON ALBARN
Everyday Robots (Parlophone, 2014)

D
opo quasi un quarto di secolo di onorata presenza nel music business, il 25 aprile
2014 Damon Albarn pubblicava il suo primo album solista. È vero che c’erano stati
divertissement come l’album Democrazy e colonne sonore come Journey To The
West, ma in generale Albarn aveva sempre dimostrato di funzionare meglio quando
contagiava gli altri con la propria creatività, senza farsi troppi problemi a scomparire dietro le quinte
qualora lo spettacolo lo richiedesse. La differenza, questa volta, era che Damon aveva in mano la
raccolta di canzoni più personale della sua carriera. Per realizzarla aveva scelto di abbandonare
ogni sovrastruttura, per mettersi a nudo e mostrarsi come uno dei più grandi balladeer d’Albione.
Sebbene il titolo l’album faccia riferimento all’alienazione provocata dalla gabbia ipertecnologica
che ci circonda, la solitudine è il vero perno narrativo di Everyday Robots. D’altronde il raccolto
ecosistema sonoro allestito insieme a Richard Russel (con un composto uso di campionamenti e
timbri elettronici, appena umanizzati da una lieve brezza esotica) fa sistema con la copertina che lo
rappresenta in una sorta di isolamento digitale, alla maniera di un personaggio di Black Mirror. Al
netto di collaborazioni eccellenti, Albarn ci mette tutto se stesso, non esitando a fare appello alle
memorie giovanili e non lesinando su particolari poco edificanti, come i passati rendez vous con
l’eroina. Ancora più interessante è il fatto che il tutto avvenga con la leggerezza di una pacificata
maturità, quella di chi torna a visitare i luoghi natii dopo aver girato il globo. Ammantando le proprie
elucubrazioni della scioltezza del reggae, della malinconia agrodolce del soul e dei vividi colori
dell’afro pop. Una sintesi, quella fra il conforto della tradizione e il calore delle musiche del mondo,
che gli permette di trovare rifugio dall’angoscia della modernità.
Una canzone: You & Me

• | 11 | •
2016 ANDERSON .PAAK - Malibu

ANDERSON .PAAK
Malibu (Steel Wool/OBE/Art Club, 2016)

I
n attesa che qualcuno realizzi un film sulla vita di Brandon Anderson Paak (una favola fatta di
disastri familiari, difficoltà sociali e una rinascita avvenuta attraverso la musica) celebriamo
il suo secondo album autografo come espressione più compiuta di quella fusione fra
tradizione e innovazione che permette alla black music di guardare al futuro con ottimismo.
Venice, il primo lavoro a suo nome, arrivava nel 2014, dopo anni passati dietro le quinte a costruirsi
una inossidabile credibilità artistica e una carriera solista iniziata in sordina con il moniker Breezy
Lovejoy. Dopo che nel 2015 Dr. Dre lo aveva voluto in ben sei brani del suo comeback album
(Compton), Paak coglieva l’occasione al volo e con un mix di talento e tempismo pubblicava
l’opera con cui rivelava al mondo le sue raffinate qualità di produttore, musicista e songwriter.
Al pari dei grandi della musica nera, Paak sa bene come si fa a intrattenere sperimentando. Come
D’Angelo e Prince subisce il fascino di jazz e rock, pertanto i suoi arrangiamenti si mantengono in
bilico fra calore vintage e modernità espressiva, per via di groove costruiti sulla strumentazione
live e di ritmi imperfetti in cui l’improvvisazione jazzy si fonde con le scansioni old school. Da
crooner estremamente versatile, infine, è in grado di sfiorare il timbro pulito di Curtis Mayfield e
di cimentarsi con il flow contemporaneo di Kendrick Lamar. Tutto questo talento trova sbocco in
un’opera matura e brillante, una celebrazione della vita officiata in brani che si sviluppano come
sermoni di musica popolare. 60’s soul, hip hop anni 90 ed eclettismo dance confluiscono in una
sorta di enciclopedia della black music dai colori sgargianti e dall’afflato ecumenico che proietta
il suo autore nel ristretto circolo dei fuoriclasse.

Una canzone: The Bird

• | 12 | •
 ARCADE FIRE - The Suburbs 2011

ARCADE FIRE
The Suburbs (Merge, 2011)

P
rima che Everything Now mettesse in discussione il teorema dell’infallibilità degli
Arcade Fire, il gruppo canadese sembrava destinato a ridefinire l’estetica dell’indie-goes-
mainstream a ogni sua uscita. Con i primi due album aveva creato il template su cui le
band del cosiddetto “modern alternative” (gente come Imagine Dragons, Of Monsters
And Men, tutta tamburi e cori solenni) avrebbero costruito le proprie fortune, mentre Reflektor sarebbe
stato sufficientemente furbo da guidare la volata al revivalismo disco. In mezzo, un terzo album che
ampliava il range del loro rock cinematico. Servendo un concept sull’espansione delle periferie, The
Suburbs si sviluppa come un saggio sulla musica popolare del secolo scorso. Ispirandosi ai ricordi
dell’infanzia nelle Woodlands, Win Butler recupera frammenti blue collar e new wave, memorie
indie e vaudeville kinksiano (che da sempre fornisce una colonna sonora a storie di vite ordinarie)
per costruire un affresco al centro del quale sta il senso di nostalgia per i luoghi di appartenenza. La
periferia, in questo senso, è più di una realtà sociale messa a repentaglio dalla gentrificazione; è un
luogo della mente, idealizzato nell’infanzia, subito nell’adolescenza e anelato nella maturità. Tutto
questo viene condito con concetti come “disordine” e “guerra suburbana”, con colpi di malinconia
folk rock, barocchismi orchestrali e levigatezza synth pop. Un menù abbondante (per qualcuno troppo)
a cui fa gioco una narrativa densa di metafore e cambi di prospettiva. Dopo aver celebrato il funerale
dell’indie rock con un esordio che riannodava i fili di 20 anni di musica underground e settava le regole
per l’arena rock del terzo millennio, gli Arcade Fire compongono il commiato definitivo a un’epoca
che si sta chiudendo definitivamente. Il romanzo di formazione di The Suburbs rappresenta la perdita
dell’innocenza del pop, celebrata in tutta la sua ebbrezza drammatica e in tutta la sua grandiosità.
Una canzone: Suburban War

• | 13 | •
2013 ARCTIC MONKEYS - AM

ARCTIC MONKEYS
AM (Domino, 2013)

P
arlare dei Monkeys ci costringe a menzionare la ritirata dell’indie rock britannico
degli anni Zero e la sua congenita incapacità di produrre band e lunga gittata. Fanno
eccezione i Kasabian (gli unici a rivaleggiare col mito degli Oasis per popolarità e
massimalismo british) e naturalmente gli Arctic Monkeys, che con il disco del 2013 si
slegavano da ogni coordinata geografica e temporale. Un passaggio, quello da poster boys dell’indie
a rockers tout court, che aveva avuto le sue prime avvisaglie con il ciuffo rockabilly di Alex Turner
e con il singolo R U Mine?, un pezzo che suonava più blues, massiccio e sexy di tutto ciò che la
band aveva prodotto fino a quel momento. Per registrare il quinto album i Monkeys si trasferivano
a Los Angeles, dove allestivano il loro studio, e ci restavano tre mesi a sperimentare e a lasciarsi
influenzare dal sole californiano. Nel frattempo prendevano consigli da Josh Homme, l’artista
maggiormente impegnato, insieme a Dave Grohl, ad aggiornare il concetto di classic rock. Il risultato
è un disco micidiale, che mescola i riff sulfurei del rock desertico con il groove delle produzioni hip
hop, e che inizia a mietere consensi ancor prima dell’uscita, quando nell’estate del 2013 i Monkeys
trionfano sul Pyramid Stage di Glastonbury con un set composto in larga parte da nuovi pezzi. Il resto
è storia. Con Turner che per la prima volta assume la fisionomia della star matura e consapevole e
con una musica destinata a diventare standard rock degli anni 10. AM parla d’amore e delusione ma
lo fa con una coolness tutta stretta nella sua giacca di pelle. Abbandona la frenetica concitazione
da novellini indie rock per un songwriting esperto e ricco di effetti drammatici, stomp assassini e
riff imbonitori. Un sound che permetterà alla band di dominare le folle dei festival e che farà di Alex
Turner la rockstar britannica più importante del decennio.
Una canzone: R U Mine?

• | 14 | •
 BADBADNOTGOOD - IV 2016

BADBADNOTGOOD
IV (Innovative Leisure, 2016)

S
e negli ultimi anni il jazz è tornato a essere oggetto di attualità musicale lo si deve anche
a ensemble come i BBNG, la cui opera ha avvicinato al genere nuovi ascoltatori grazie a
un sound che incorpora elettronica, drum machine, elementi di library music e krautrock.
Il gruppo si era costituito nel 2010 all’Humber College di Toronto e aveva iniziato a farsi
notare caricando su YouTube versioni jazz di brani targati Odd Future. Da subito era entrato nel giro di
Tyler, The Creator e aveva inaugurato una serie di collaborazioni culminate con l’ambizioso Sour Soul,
l’album realizzato insieme a Ghostface Killah. Nel 2016, quando ormai erano considerati un punto
di contatto con il mondo dell’hip hop, i BadBadNotGood arruolavano stabilmente il polistrumentista
Leland Whitty e si apprestavano a realizzare il loro capolavoro. Su IV l’ensemble reprime il suo
istinto da jam band e consolida un approccio obliquo, fatto di atmosfere smooth, sonorità noir e
psichedelia metropolitana. Una serie di fantasie notturne a cui prendono parte ospiti che sembrano
selezionati dalla rubrica Best New Music di “Pitchfork”, contribuendo ad allargare il range stilistico
dei quattro. Fra i contributi più memorabili, quello di Samuel T. Herring dei Future Island, che dona
a Time Moves Slow eleganza e malinconia. Oppure il sax di Colin Stetson, che con Whitty ingaggia
un indimenticabile duello su Confession Pt. II. A far la differenza, però, è l’abilità che ha il gruppo di
mantenere una tensione costante. Un’energia che scaturisce dal versatile drumming di Alexander
Sowinski e da una fantasia che consente alla band di addentrarsi in improvvisazioni virtuosistiche,
sfoderare lisergici temi lounge e spingersi (insieme a Kaytranada) in territori electro futuribili nei
quali viene meno ogni legame con la tradizione.

Una canzone: Lavender

• | 15 | •
2015 COURTNEY BARNETT - Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit

COURTNEY BARNETT
Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit (Marathon Artists, 2015)

Q
uando scrive i versi delle canzoni che finiscono sui primi preziosi EP, Courtney
Barnett lavora ancora in una caffetteria di Melbourne, appuntando pensieri e
rime sul suo cellulare. Un punto di vista tutto sommato privilegiato per quelle che
sembrano meditazioni surreali di una slacker appena uscita dagli anni 90 e che per
un po’ fanno parlare di lei come di una risposta australiana a Beck. Il tutto è destinato a cambiare
al traguardo del primo album. Certo, nell’economia passivo aggressiva di brani come Pedestrian At
Best gli anni 90 hanno un ruolo, ma non meno delle affabulazioni strampalate di Jonathan Richman
e dello sguardo poetico di Dylan. Quello che Sometimes I Sit And Think… palesa in tutta la sua
varietà espressiva è una cura del dettaglio sonoro che lascia intendere parecchie ore passate
in studio a limare i suoni e che pone Courtney Barnett su un livello di consapevolezza differente
rispetto alla cantautrice naif degli esordi, impegnata a mettere in musica le pagine del proprio diario
personale. La sua originalità non sta tanto nello stile o nell’oggetto delle sue elucubrazioni, quanto
nell’operazione con cui storicizza la sensibilità della Generazione X, assimilandola in un racconto
globale che parte dal monotòno errante di Bring It All Back Home e arriva fino a noi. In questo modo
intercetta uno spleen trasversale alle epoche e alle latitudini, una poetica delle piccole cose che
si concentra sulla granularità del dettaglio e sulla meraviglia che permea la quotidianità. Talvolta,
osservando le crepe sul soffitto come in An Illustration Of Loneliness, o frugando fra i ricordi di una
casa in vendita come in Depreston, affiora il senso del tragico che si cela sotto la calma immota
della periferia. È questo spessore narrativo, questa ricchezza di significati il tratto che più avvicina
Barnett a Dylan, e che fa sì che le sue canzoni si prestino così bene ad essere mandate a memoria.
Una canzone: Depreston

• | 16 | •
 BEACH HOUSE - Bloom 2012

BEACH HOUSE
Bloom (Sub Pop, 2012)

D
opo anni passati a farsi strada fra le nebbie di un sound lo-fi, a eliminare scorie per
far emergere la purezza delle loro melodie incontaminate, Bloom porta a compimento
la fioritura dei Beach House con dieci petali che profumano di delicata esplorazione
interiore. È quello in cui si è specializzato il duo di Baltimora: una moderna ninna
nanna per meditazioni profonde sui temi del distacco e della rinascita. Il tutto grazie alla creazione
di paesaggi immersivi in cui perdersi. Niente male per quello che era iniziato come bedroom project,
uno dei tanti che il revival del dream pop aveva prodotto all’inizio del millennio. La differenza fra la
creatura di Alex Scally e quelle di molti suoi colleghi sta nel fatto che i Beach House hanno iniziato
da subito a sviluppare uno stile peculiare fatto di arpeggi scintillanti, loop elettronici e armonie
circolari che si innalzano come preghiere al dio del pop, spinte dalla vocalità immacolata di Victoria
Legrand. Tutto questo in Bloom trova compimento grazie a una forma impeccabile. La formula è quella
perfezionata con il precedente Teen Dream, ma ora il duo può finalmente vantare una padronanza
dello studio di registrazione che esibisce con un’infinità di particolari disseminati per tutto l’album,
e pronti ad affiorare dopo ripetuti ascolti. L’afflato dreamy scaturisce infatti dallo straordinario
nitore e dalla stordente cura per il dettaglio. Il problema, semmai, è riuscire a scorgerli, i dettagli,
sotto l’accecante potenza di melodie che arrivano a coprire tutto lo spettro sensoriale. La poderosa
produzione dona ai testi della Legrand una dimensione epica, di fronte alla quale l’assioma del
dream pop, che vuole i musicisti impegnati a elaborare un sound figlio della loro natura introversa,
svanisce insieme a ogni residuo di oscurità.

Una canzone: Lazuli

• | 17 | •
2016 BEYONCÉ - Lemonade

BEYONCÉ
Lemonade (Columbia/Parkwood, 2016)

M
entre la maggior parte degli artisti si è limitata ad assecondare una narrativa
collettiva caratterizzata dall’esplosione dei social media, da imprevedibili
pubblicazioni discografiche, dalla morte dei generi musicali e dell’album come
mezzo espressivo, in pochi hanno dominato questi trend con la stessa potenza
di Beyoncé. Il culmine di questo processo arriva il 23 aprile del 2016, quando HBO trasmette il suo
nuovo visual album. Non è la prima volta per la Knowles: nel 2013 i 14 brani dell’album omonimo
erano stati accompagnati da altrettanti video. Lemonade, però, è tutt’altra cosa: un film di un’ora
che, partendo dai problemi personali dell’autrice, finisce per generare discussioni sui concetti di
famiglia, monogamia e femminismo all’interno della comunità afroamericana. Il tutto con la stessa
consapevolezza mostrata durante la storica esibizione all’halftime show del Super Bowl 2016, quando,
con l’esecuzione del brano Formation, Beyoncé si è di fatto allineata alle posizioni del movimento
Black Lives Matter. Come se non bastasse, il nuovo lavoro ribadisce la centralità dell’album inteso
come opera d’ingegno degna di essere difesa dal dilagare dello streaming, e rappresenta l’incontro
definitivo tra l’artista simbolo del pop moderno e la musica alternativa. In quei 45 minuti, infatti, la
Knowles si avventura tra world music, hard rock, trap e downtempo grazie a collaborazioni con Jack
White, Kendrick Lamar, James Blake e campionamenti da brani di Led Zeppelin, Yeah Yeah Yeahs,
Animal Collective e OutKast. In questo modo dimostra la sua superiore versatilità e dà spessore alla
narrazione grazie a una varietà di atmosfere che ne corroborano l’effetto drammatico. Lo spettacolare
impatto mediatico dell’album farà il resto, trasformando l’accuratezza con cui Beyoncé indaga sui temi
razziali e di genere in un momento di maturazione per lei e per la musica pop tutta.
Una canzone: Formation

• | 18 | •
 JAMES BLAKE - James Blake 2011

JAMES BLAKE
James Blake (Atlas, 2011)

B
enché la prospettiva temporale non ci permetta di formulare analisi troppo accurate,
alcune cose possiamo già affermarle con sicurezza. Ad esempio il fatto che James
Blake, con il suo album di debutto del 2011, sia stato determinante per definire
quell’R&B atmosferico e downtempo che nel resto del decennio verrà adottato da
chiunque, contribuendo ad annullare la differenza fra estetica indie e mainstream. Tutto questo
ha permesso a Blake di collaborare con artisti multimilionari come Jay-Z, Beyoncé e Frank Ocean
senza peraltro recidere il cordone ombelicale con quell’underground che gli aveva dato i natali. Aver
ascoltato musica negli ultimi anni significa essersi imbattuti, direttamente o meno, nelle sue intuizioni.
Tuttavia, anche se quel sound lo abbiamo ritrovato nella gran parte delle grosse produzioni, nessuna
appare strana e originale come questo straordinario esordio. Quando l’artista inglese si affacciò sulla
scena con un EP che tradiva la sua preparazione classica e la passione per la club music berlinese,
fu subito chiaro che il suo obbiettivo era abbattere i confini. In particolare quelli che dividevano l’hip
hop (nella sua accezione più introversa), la dubstep più spettrale e l’elettronica nelle sue forme più
glaciali. Nel suo esordio tutto questo converge verso un nuovo tipo di linguaggio, uno dei più peculiari
partoriti nel corso degli ultimi dieci anni. Una combinazione di minimalismo digitale e soul diafano
che esteticamente trova un corrispettivo nell’immagine sfocata di copertina. A dare più spessore al
tutto c’è poi il fatto che, ancor prima di rappresentare un template di soluzioni sonore innovative,
l’album sia una raccolta di melodie terse e canzoni straordinariamente intense, il cui solido songwriting
costituisce una delle esperienze narrative più intriganti del decennio.

Una canzone: Unluck

• | 19 | •
2011 BON IVER - Bon Iver

BON IVER
Bon Iver (4AD, 2011)

N
el 2009, dopo un primo album il cui sound e la cui mitologia avevano catturato lo
zeitgeist del cantautorato indie anni Zero, Justin Vernon era la personificazione di
quell’estetica hipster fatta di barbe, camicie di flanella e letali struggimenti amorosi.
In quello stesso periodo l’artista pubblicava l’EP Blood Bank, la cui traccia conclusiva
(la spiritata Woods), con il pesante autotune applicato ad un languido falsetto, avrebbe innescato
una reazione a catena destinata a cambiare i rapporti di forza all’interno del mercato discografico. Per
farla breve, quel brano piacque così tanto a Kanye West che quest’ultimo invitò Vernon a prendere
parte all’epocale My Beautiful Dark Twisted Fantasy. Il resto è storia: quella dei rapporti sempre più
fitti tra major e indie, che finiranno per elidere le differenze fra le due sensibilità, e quella di un artista
che diventerà il simbolo di questa transizione dalle camerette ai palchi del Coachella. A posteriori, il
punto di passaggio fra queste due realtà possiamo individuarlo nell’omonimo album del 2011, la cui
scaletta, con titoli ispirati a luoghi reali e altri immaginari, testimonia un passaggio dalla vulnerabilità
degli esordi all’acquisita confidenza in qualità di autore e produttore. Questa volta i sentimenti privati
di For Emma... esplodono in un sound meticcio; i malesseri vengono elaborati in uno spleen che fonde
rarefazioni folk e futurismi R&B, settando i nuovi standard su cui si cimenterà una nuova generazione
di epigoni. Dalle percussioni marziali di Perth al drammatico uso dei synth in Minnesota, WI, dalle
ibridazioni fra jazz e ambient in Michicant al sentimentalismo 80’s di Beth/Rest, quella di Bon Iver è
una musica che non si interroga più sulla natura della propria ispirazione ma preferisce puntare con
autorevolezza al cuore dell’ascoltatore. Un sentimento inclusivo che contaminerà gran parte delle
produzioni degli ultimi anni, senza mai suonare altrettanto convincente.
Una canzone: Holocene

• | 20 | •
 DAVID BOWIE - Blackstar 2016

DAVID BOWIE
Blackstar (ISO, 2016)

A
un certo punto, intorno al 2016, le pop star hanno iniziato a morire. Con drammatica
regolarità, oltretutto. Un fatto naturale per gli affiliati a un club che esiste da più di 60
anni. Ma è come se questa ineluttabile realtà si fosse manifestata gelidamente solo
il 10 gennaio di quell’anno, quando tutti avevano nelle orecchie le sinistre trame di
Blackstar e cercavano di decrittarne gli scomodi presagi. Dopo The Next Day era facile intuire quanto
l’idea della morte incombesse sulla coscienza di Bowie; secondo alcuni (ad esempio il critico Simon
Reynolds) tutta la sua carriera ne era pervasa. Ma oggi è chiaro come quegli ultimi mesi fossero
serviti all’artista per mettere in scena la propria dipartita, una volta raggiunta la consapevolezza che
la sua stella stava esaurendo il proprio ciclo naturale. Un progetto ambizioso che lo ha assorbito nel
momento più difficile, in un cortocircuito fra finzione e realtà che ne rappresenta il perno tematico
di tutta la produzione. Nella sua ultima trasformazione, Bowie immagina se stesso come un angelo
sofferente, una figura al tempo stessa aliena e cristologica, impegnata a elaborare i suoi ultimi istanti
sulla Terra. Certo, caricando l’album di metafore si rischia di tralasciare la grandiosità di una musica
che, per la prima volta dopo più di 20 anni, torna a essere selvaggiamente sperimentale; canzoni che
nel disprezzo della forma abbracciano un jazz cibernetico dall’afflato apocalittico, con pochi termini
di paragone nel pop di ieri e di oggi. Ma è grazie ai testi che quella torbida e intricata massa oscura
assume unità tematica. Ecco allora che il valore di Blackstar non può essere scisso dalla biografia del
suo autore, il quale, giocando di rimando con il musical Lazarus e con la vita di David Jones, crea un
artefatto multidimensionale, in cui i livelli di lettura si stratificano e finiscono per parlare direttamente
di ognuno di noi, del nostro rapporto con l’arte e la morte.
Una canzone: Blackstar

• | 21 | •
2010 CARIBOU - Swim

CARIBOU
Swim (City Slang, 2010)

F
orse non doveva andare così per Dan Snaith: canadese, con un dottorato in matematica,
che a un certo punto si è ritrovato a riempire i dancefloor europei con una musica
insulare e dalla forte componente psicotropa. In mezzo c’era stata una serie di dischi,
alcuni dei quali realizzati con il moniker Manitoba, che lo avevano visto fuggire ad
ogni classificazione (folktronica? IDM?). Tutti accomunati da un utilizzo sempre più preponderante
della tecnologia e dalla propensione a rocamboleschi viaggi interiori. Nel 2010, quando in molti si
aspettavano un’evoluzione dal precedente Andorra in una direzione più sperimentale e kraut, il suo
interesse si spostava quasi casualmente sulla musica da club. Nel tentativo di realizzare, per dirla con
le sue parole, “musica dance che sembra fatta di acqua”, assemblava una serie di tracce composte da
lussuriosi pattern sintetico-organici, in cui il ritmo filtrava pudicamente e in cui i riferimenti balearici
arrivavano diluiti in un tiepido flusso di psichedelia amniotica. A partire dal funk gommoso dell’opener
Odessa, i brani di Swim godono di una serie di elementi normalmente estranei alla dance: ritmiche
complesse, melodie sofisticate, improvvise puntate nei generi più disparati dell’arco istituzionale pop,
come shoegaze e free jazz. Per non parlare dei testi problematici con cui Snaith riesce a far passare
temi come separazione, solitudine e decadimento fisico fra le spire di uno degli album più divertenti
di quell’anno. Anche per questo Swim rappresenta un’opera più unica che rara, in grado di saldare
la frattura fra indie pop e musica dance grazie a un feeling notturno, intimamente cantautorale e
sinceramente sperimentale. Una raccolta di canzoni da ballare e ascoltare nello spirito lisergico
utopista della musica psichedelica dei ‘60, realizzato da un artista il cui approccio colto alla materia
dance ricorda quella di un Arthur Russell del terzo millennio.
Una canzone: Odessa

• | 22 | •
 NICK CAVE AND THE BAD SEEDS - Skeleton Tree 2016

NICK CAVE AND THE BAD SEEDS

Skeleton Tree (Bad Seed Ltd., 2016)

Q
uando la scomparsa di David Bowie, Lou Reed e Leonard Cohen hanno iniziato a far
circolare il dubbio su chi sarebbe stato in grado di reggerne sulle spalle la pesante
eredità, Nick Cave è parso l’unico a possedere il carisma, lo spessore poetico e il
vissuto adeguato. Una cosa che risultava particolarmente evidente nelle esibizioni
dal vivo, con concerti che si trasformavano in autentiche cerimonie laiche e il cantautore che, con le
sue fragili pose e le sue preghiere, sembrava caricare su di sé tutte le angosce di una platea di fedeli.
Curiosamente, ma non troppo, tutto questo coincideva con il suo album più minimale, oscuro e doloroso.
La tragedia che lo ha privato del figlio quindicenne proprio durante la realizzazione di Skeleton Tree ha
pesantemente influenzato il significato del disco. Il lavoro di Nick Cave è sempre stato ossessionato
dalla spiritualità e dal rapporto con la religione, ma mai era stato pervaso da un immaginario così
cupamente cristiano. Invocazioni come quelle di Jesus Alone, appena poggiate su uno scabro tappeto di
elettronica ambient e sulfurei rintocchi di piano, si spingono nei recessi più profondi dell’animo umano,
cercandovi tracce di speranza sotto forma di fede religiosa o di poetica redentrice. Brani come Magneto
e Anthrocene evocano fantasmi e devastazioni emotive con testi ricchi di riferimenti biblici, spesso
obliqui, frammentati, ossessionanti e profondamente inquietanti. Costruito attorno ai loop elettronici
di Warren Ellis, che sostituisce il suono dei Bad Seeds con una foschia elettronica, Skeleton Tree è una
meditazione sul distacco e la caducità che l’esperienza del lutto trasforma in uno slancio creativo fra i
più commoventi e profondamente umani che si possa chiedere a un artista. Se un materiale così intimo
ha potuto funzionare nelle arene è solo perché la musica, così come la religione, può rappresentare
una valida via di fuga dal dolore.
Una canzone: Anthrocene

• | 23 | •
2016 CHILDISH GAMBINO - Awaken, My Love!

CHILDISH GAMBINO
Awaken, My Love! (Glassnote, 2016)

N
essuno ha mai veramente dubitato del talento comico di Donald Glover, ma c’è
voluta quasi una decina d’anni per convincere pubblico e critica che la sua musica
meritava lo stesso tipo di rispetto. Prima del 2016 Glover era conosciuto come un
giovane attore con promettenti velleità da sceneggiatore e regista, e altre un po’
meno solide come artista hip hop. Quest’idea era destinata a modificarsi nel giro di pochi mesi. Prima
grazie ad Atlanta, la serie sulla scena rap dell’omonima città creata, recitata e diretta da lui stesso,
vincitrice di un Emmy e considerata da subito uno degli show più importanti degli ultimi anni. Quindi
è arrivato l’album Awaken, My Love! che lo ha visto abbandonare l’hip hop drakeiano per un sound
che valorizza i pezzi più pregiati del patrimonio musicale afroamericano. In un solo colpo Glover
recupera il soul liquefatto di There’s A Riot Goin’ On, la sensualità di Prince e i groove cosmici dei
Funkadelic con risultati elogiati dallo stesso George Clinton. Ovviamente non si tratta di un semplice
operazione revivalistica. La moderna produzione, la sofisticatezza degli arrangiamenti e tendenza
a ibridarli con surf, rock, soul e psichedelia tradiscono il desiderio di creare qualcosa di nuovo nel
rispetto della tradizione, e la voglia di portare nel pop tutta la complessità della musica nera per fare
a pezzi i preconcetti che la circondano. Contestualmente inizia l’interesse di Glover per l’esperienza
dei neri in America. Pur non affrontando apertamente il tema, la musica di Awaken, My Love! finisce
per fare sistema con l’horror politico di Jordan Peel e con la vena blaxplotation inaugurata dal Marvel
Cinematic Universe. Sia il film Get Out che Black Panter hanno utilizzato il brano Redbone, caricando
i versi “stay woke / niggas creepin’” di un significato politico che ha ridefinito il ruolo di Childish
Gambino all’interno della comunità resistente all’America trumpiana.
Una canzone: Redbone

• | 24 | •
 CLOUD NOTHINGS - Here And Nowhere Else 2014

CLOUD NOTHINGS
Here And Nowhere Else (Wichita, 2014)

A
tenere alta la bandiera dell’angst giovanile declinato su chitarre febbricitanti ci ha
pensato Dylan Baldi. Non è stato l’unico (basti pensare a un altro enfant prodige con
l’hobby del DIY come Will Toledo), ma è certamente quello che più di ogni altro si può
fregiare del termine “generazionale”. Baldi incarna l’American Dream dei millennials
che fanno musica grazie ad un iter artistico esemplare, che lo ha visto passare dalle pagine di MySpace
ai palchi internazionali, restando sempre fedele a un sound istintivo e primordiale. È anche l’ultimo
di una lunga tradizione di artisti che cerca il riscatto da una vita ordinaria attraverso la musica. La
differenza rispetto ai modelli del passato è quel suo modo di intercettare i tratti estetici dell’emocore e
dell’alternative rock senza fare ricorso all’ethos punk. Una specie di DIY 2.0 in cui le ansie della provincia
e la confusione della maggiore età trovano sfogo in un rock violento e introverso. Le cose hanno iniziato
a cambiare quando il progetto Cloud Nothings si è trasformato in una band vera e propria. A quel
punto, poggiando su solide basi tecniche, le qualità di Baldi come songwriter sono emerse in modo
inequivocabile. La naturale vena pop ha trovato spazio fra le trame attillatissime di un suono saturo e
propulsivo, spinto dal feroce drumming del batterista Jason Gerycz. A garantire l’immediatezza degli
esordi c’è la genesi di brani: composti on the road nelle poche pause del fittissimo tour di Attack On
Memory. Anche per questo, su Here And Nowhere Else, tutto è frenetico ed emotivo. Ogni brano è una
corsa a perdifiato di precisione millimetrica, dove la tensione crescente trova sfogo in chorus liberatori.
Un tour de force di parossistico pop chitarristico che culmina nel melodramma di Pattern Walks: sette
minuti e mezzo di pura esaltazione sonica che rappresentano la summa di tutta la poetica “baldiana”,
e uno dei vertici del rock degli ultimi dieci anni.
Una canzone: Pattern Walks

• | 25 | •
2013 DAFT PUNK - Random Access Memories

DAFT PUNK
Random Access Memories (Columbia, 2013)

A
un certo punto, nel bel mezzo del dibattito retromaniaco, i Daft Punk calavano il
carico. “Volevamo riprodurre ciò che eravamo soliti fare con macchine e campionatori,
ma questa volta con le persone”, dirà in seguito Thomas Bangalter. Ecco spiegato
quello sguardo nostalgico al sound soul, funk e protoelettronico con cui il duo
francese era cresciuto e del quale ora si serviva per reagire all’EDM che esso stesso aveva contribuito
a definire (incagliandosi dalle parti dell’opaco Human After All). Col tempo il languore retrospettivo
era arrivato a coinvolgere figure di culto della club music e ricalibrare l’estetica robotica del progetto
Daft Punk su un retrofuturismo tardo ‘70. Per mesi il duo aveva dettato l’agenda alle riviste musicali,
lasciandole a discutere di ospiti, stili e suggestioni. Un hype febbrile con pochi termini di paragone nel
ventunesimo secolo. Quando tutti erano pronti ad azzannare al collo la nuova creatura, il groove di Get
Lucky planava così dolcemente nelle nostre playlist che ogni resistenza si dimostrò vana. Il risultato
non era soltanto un giochetto nostalgico, ma la dimostrazione di come quelle ingenue sonorità e quelle
intuizioni (il click moroderiano, il riff highlife di Nile Rodgers) risuonassero ancora in buona parte nelle
produzioni dance di oggi. I francesi qui si limitano a rimettere le cose in prospettiva, rendendo omaggio
esplicito a un’epoca pionieristica, raccogliendone la purezza di intenti e porgendola a una nuova platea
nel formato più allettante possibile. Con una produzione talmente sofisticata che non avrebbe potuto
essere che figlia del terzo millennio e citazioni come “Once you free your mind about the concept of
harmony and music being correct, you can do whatever you want”, RAM solleticherà l’immaginazione
di ogni cratedigger degno di tal nome, finendo per raccontare la storia delle storie a chi crede nel
potere del dancefloor e nell’arte di far sognare le persone per tutto il tempo in cui lo abitano.
Una canzone: Get Lucky

• | 26 | •
 D’ANGELO AND THE VANGUARD - Black Messiah 2014

D’ANGELO AND THE VANGUARD

Black Messiah (RCA, 2014)

L
e notizie che circolavano su Michael Eugene Archer all’inizio del secolo e che parlavano
di una star prostrata da alcol e depressione lasciavano poco spazio all’ottimismo di
coloro che avevano amato Voodoo. Le cose erano destinate a cambiare repentinamente
nel 2010, quando un brano dal titolo 1000 Deaths (un funk militante destinato e
infiammare gli animi con ritmi meccanici e chitarre acide) fece fugace apparizione in Rete. La
velocità con cui fu rimosso fece sorgere il dubbio che si fosse trattato di una allucinazione collettiva,
ma poi la star riprese ad esibirsi presentando i brani che avrebbero fatto parte di un nuovo album.
Ci vollero altri quattro anni per poter ascoltare Black Messiah, che a quel punto era atteso come
il dispaccio definitivo sullo stato della musica nera. Dal canto suo D’Angelo era più interessato a
parlare della propria rinascita umana ed artistica, ma il sound crudo e teso dell’album (insieme a
quel titolo ambiguo) finivano per intercettare il mood di un’America ancora sconvolta dall’assassinio
del diciottenne Michael Brown e dai disordini di Ferguson. È la maledizione dei capolavori della
black music: non possono fare a meno di esprimere consapevolezza, denunciare diseguaglianze e
auspicare unità. Ed è quello che lega Black Messiah alle opere di Sly Stone, Marvin Gaye e George
Clinton. Persino nel sound (analogico fino al midollo, con le chitarre abrasive, i groove devastanti e le
strutture labirintiche) Black Messiah non ha nulla a che vedere con l’aura futuristica delle moderne
produzioni R&B. La sua musica è un’articolazione di ciò che lo ha preceduto (dal soul lisergico e
inclusivo di What’s Going On ai groove di Prince), secondo un processo che ne stravolge metrica e
melodia, lasciando inalterati fisicità e spiritualità. Un capolavoro che non esita a confrontarsi con i
grandi rivendicando, senza alcuna remora, il medesimo lignaggio.
Una canzone: The Charade

• | 27 | •
2013 DEAFHEAVEN - Sunbather

DEAFHEAVEN
Sunbather (Deathwish Inc., 2013)

I
I metal (ma più in generale, la musica estrema fatta con le chitarre) resta uno degli ultimi
laboratori culturali del rock. Un’oasi di creatività al cui interno il black metal è il genere che ha
mostrato maggiore duttilità e capacità di ibridarsi con altre forme sonore, dando vita a qualcosa
di nuovo e vitale. Ovviamente non tutto è stato pacifico. I fan del metal (fra i pochi che ancora
possono definirsi in modo tale) sono tanto aperti alle contaminazioni quanto sospettosi verso tutto
ciò che possa adombrare dubbi di autenticità. È naturale dunque che per i Deafheaven, il cui look
spezzava i legami con l’estetica catacombale del black, e che i maligni avevano iniziato a tacciare di
hipsterismo, le critiche avessero sempre fatto parte del gioco. Non avrebbe potuto essere altrimenti.
L’intuizione del gruppo di far flirtare il genere con lo shoegaze non era neanche troppo innovativa,
ma ancora nessuno l’aveva realizzata con tale passione, sapienza e coesione. Una rivoluzione
copernicana in senso attitudinale, ancor prima che estetico, e che può essere riassunta con il
tentativo di portare la complessità sonora e spirituale del black metal verso una luce accecante. Una
musica umorale, positiva e dal respiro ampissimo, capace di coniugare l’aggressività primigenia con il
rock più malinconico e introverso (senza peraltro tralasciare l’afflato sperimentale del post punk). Una
formula colta immediatamente da una schiera di epigoni che, nei casi migliori, hanno saputo costruire
sulle solide fondamenta gettate dai Deafheaven. Per questo Sunbather è il disco metal più importante
dello scorso decennio. Non solo ha drenato verso il rock estremo nuova linfa, avvicinandovi anche
chi ha sempre mal sopportato growl e doppia cassa, ma ha mostrato come il metal sia materia
viva e pulsante, in grado di adattarsi e sopravvivere anche nei momenti più difficili. Dando vita, nel
frattempo, a nuovi capolavori.
Una canzone: Dream House

• | 28 | •
 DEATH GRIPS - The Money Store 2012

DEATH GRIPS
The Money Store (Epic, 2012)

N
el 2012 tutte le contraddizioni e le ansie dell’era digitale si manifestavano sotto le
sembianze dei Death Grips. Nel giro di pochi mesi i tre energumeni di Sacramento
firmavano per la Epic, pianificavano un tour mondiale e preparavano due album che
avrebbero polverizzato i confini fra rap, punk ed elettronica radicale. Prima della fine
dell’anno, il tour sarebbe saltato e, dopo aver caricato gratuitamente in Rete il nuovo album, il gruppo
sarebbe stato repentinamente scaricato dall’etichetta. Nel frattempo la band era sparita dai social e
diventata praticamente irraggiungibile dalla stampa. Nel momento di massima esposizione mediatica
era come se i Death Grips avessero deciso di farsi invisibili, mostrando che c’era ancora possibilità di
manifestare la propria “rabbia contro la sistema” al tempo della totale trasparenza pubblica. Per farlo era
necessario aderire ad un ferreo codice etico, ridicolizzando i piagnistei delle star che quotidianamente
lamentano l’intrusione dei media nelle proprie vite, per dar vita ad una narrativa assolutamente
personale che da allora non si è mai arrestata (a dispetto di un falso scioglimento annunciato nel 2014).
Naturalmente una simile condotta refrattaria al compromesso sarebbe stata irrilevante se la loro
musica non fosse stata la cosa più eccitante del momento. Un concentrato adrenalinico di rabbia, paura
e sovrastimolazione sensoriale che catturava tutta l’imprevedibilità e l’asperità dell’Internet culture. Il
punto è che sotto un sound che sembrava fatto apposta per oltraggiare, con un mix di iperrealismo e
brutalità, c’era un ensemble dall’appeal pazzesco, capace di creare groove violentemente irresistibili e
darli in pasto a un universo pop affamato di novità. All’indomani della sua pubblicazione tutti i più grandi
artisti avrebbero fatto a gara a esprimere stima e ammirazione per quell’incredibile miscela di hip hop
sperimentale e punk industriale che nessuno avrebbe saputo replicare con tanta intensità.
Una canzone: I’ve Seen Footage

• | 29 | •
2010 DEERHUNTER - Halcyon Digest

DEERHUNTER
Halcyon Digest (4AD, 2010)

L
a carriera di Bradford Cox può essere definita dalla costante tensione dialettica
fra il fluente, istintivo estro pop e il perfezionismo certosino del lavoro in studio.
Quello che in Microcastle apriva microuniversi sonori finemente testurali e che
fino a oggi ha fatto di ogni lavoro un’opera originale e perfettamente riconoscibile
all’interno della discografia del musicista. In questo senso Halcyon Digest (che arriva in un anno
spartiacque per la musica, l’ultimo in cui il pop gioca secondo regole sedimentate nel corso di
decenni) ne porta a compimento la sperimentazione sonora, operando sul rimosso. Vi ricordate?
Era il periodo in cui il glo-fi instillava nostalgia per memorie sfocate costruite a tavolino. In quegli
stessi mesi il musicista si impegnava in una riflessione sull’amore per il pop e sui fantasmi che
ne infestano i ricordi. Quanto c’è di reale nell’ingenuità anni 50 di un brano come Revival, il
cui testo fornisce una versione disturbante del sentimento religioso? È tutta una questione di
prospettiva nell’universo coxiano, pertanto l’album inanella una sequenza di melodie memorabili
che cambiano prospettiva a seconda della distanza da cui si intende approcciarle. Dal ruvido doo
wop di Don’t Cry, alle diafane ruminazioni elettroacustiche di Sailing, Cox costruisce una versione
hauntologica dell’indie rock, abitata da spettri reali (quello dell’amico Jay Reatard, a cui viene
dedicata He Would Have Laughed) e immaginari (le sonorità concrete e crepitanti che affiorano
un po’ ovunque in filigrana). Tutti questi elementi finiscono per disinnescare l’emotività naturale
delle melodie e ne costruiscono una nuova, più complessa, che viene messa a fuoco brano dopo
brano. Dopo sarebbe arrivata una musica non più in grado di beneficiare del candore di un tempo,
ma capace di lasciare un segno a livello più intimo.
Una canzone: Desire Lines

• | 30 | •
 FKA TWIGS - Lp 1 2014

FKA TWIGS
Lp 1 (Young Turks, 2014)

D
opo circa 15 anni in cui la musica è parsa sostanzialmente ripetere se stessa, verso
la metà del decennio hanno iniziato a manifestarsi segnali di novità. Stiamo parlando
di nuove sonorità non assimilabili a quelle dei passato. Elettroniche e sperimentali
ma dal cuore pop. Dotate di un innovativo approccio al ritmo e di textures originali.
Nel caso di FKA Twigs, ad esempio, finivano per coesistere R&B e detriti dubstep, neo soul e
afrofuturismo. Il tutto avvolto in un guscio di ritmiche disgregate, synth acquosi e rumorismo digitale.
Per Tahliah Barnett, peraltro, non si è mai trattato di una mera questione sonora. Il suo progetto è
radicato negli esordi come ballerina: da lì è partita per plasmare un universo estetico di cui la musica
è solo una componente. Sin dai primi passi come cantante, musicista e produttrice, la Barnett ha
accompagnato ogni suo brano con video che la ritraevano come portatrice di un nuova forma di
sensualità, distaccata ed estetizzante. Un naturale supporto figurativo per canzoni che sezionavano i
ritmi e le melodie della black music e che facevano del suo primo album la perfetta rappresentazione
della sensibilità “post genere”: un luogo sonoro in divenire in cui le dinamiche sessuali vengono
sovvertite (oppure ridicolizzate) grazie alla fluidità di timbri e ritmi. Il suo è un ecosistema urbano
dall’afflato futurista, composto da passaggi minimali accuratamente scolpiti, voci manipolate e
brusche decelerazioni. In mezzo a tutto questo, canzoni come Two Weeks la vedono impegnata a
sussurrare testi di un romanticismo anticonvenzionale che colpiscono con il loro precario equilibrio
tra erotismo e vulnerabilità. Racchiuso tra questi due estremi sta il fulcro di una lavoro fra i più
affascinanti e dolorosamente umani degli ultimi anni.

Una canzone: Two Weeks

• | 31 | •
2010 FLYING LOTUS - Cosmogramma

FLYING LOTUS
Cosmogramma (Warp, 2010)

L’
album che ha trasformato producer Steven Ellison da promettente beatmaker ad
avventuriero cosmico è un lavoro che recupera la lezione dello spiritual jazz della
prozia Alice Coltrane e la trasporta nel terzo millennio, deformandola secondo una
grottesca estetica retrofuturistica che punta alle ritmiche di J Dilla e alle colonne
sonore dei videogame anni 80. Una miscela caotica e avveniristica di soul, hip hop e groove
elettronici che avrebbe segnato la scena di L.A. negli anni a venire. Le avvisaglie peraltro c’erano
già state con il precedente Los Angeles. In quell’album Ellison omaggiava i pionieri della sua città
con un sound che possedeva tutte le caratteristiche dell’afrofuturismo. Il primo pezzo pubblicato
subito dopo, Computer Face//Pure Being era un’esplorazione electro jazz che decollava su un
beat frenetico, trainata da raffiche di effetti e synth alieni. È da quel brano che Flying Lotus parte
per costruire l’epica di Cosmogramma: una sinfonia psichedelica in cui la differenza fra “outer
space” e “inner space” si assottiglia fino a scomparire. Ellison trova finalmente la strada verso
un’elettronica dal volto umano e grazie a musicisti quali Thundercat e Miguel Atwood-Ferguson,
all’arpa di Rebekah Raff e al sassofono di Ravi Coltrane incorpora scatti di improvvisazione in un
flusso folle e magmatico. Al suo interno vengono assimilati frammenti di vita reale che danno
un’anima a quella specie di cyborg sonoro fatto di silicio e circuiti integrati, tendini e sangue. Il
suono metallico di un colpo di tosse e quello angosciante dei macchinari ospedalieri che fino a
poco prima hanno tenuto in vita la madre di Ellison trovano posto all’interno di pattern ritmici di
precisione infinitesimale, avviluppati in un’atmosfera allucinatoria che trasforma il dramma in una
catartica esperienza di esplorazione interiore.
Una canzone: Galaxy In Janaki

• | 32 | •
 GRIMES - Visions 2012

GRIMES
Visions (4AD, 2012)

“L
a musica della mia infanzia”, raccontava Claire Boucher ai tempi del suo primo album,
“era molto varia perché [grazie a Internet] avevo accesso a tutto”. La sua resta la migliore
definizione della specificità artistica di questi ultimi anni, quelli in cui la generazione
dei nativi digitali ha iniziato sistematicamente a fondere sonorità e stili in un blend
da cui ogni oltranzismo novecentesco viene bandito. Da questo punto di vista la Boucher è l’artista
più significativa, per il modo con cui ha saputo sfruttare i mezzi di comunicazione più all’avanguardia
(ma anche quelli tradizionali) creando un personaggio in cui medium e output creativo si fondono
senza soluzione di continuità. “Post Internet” (il termine che la ragazza si è ritagliata su misura) è un
neologismo tutto sommato azzeccato per un sound onnivoro, in cui i riferimenti vengono stratificati in
una soluzione amniotica di suoni alieni, col rischio di lasciare stordito chi ancora è abituato a orientarsi
secondo i vecchi paradigmi. All’epoca si scatenò una gara fra stampa specializzata e fan a riconoscere
e isolare la influenze originarie all’interno di quel pulviscolo sonoro. Un giochino che la stessa Boucher
si divertì a smontare con i suoi tweet. Ad esempio quello in cui negava di aver mai ascoltato Kate Bush.
Peccato che nel mondo post Internet (e post pop ipnagogico) i riferimenti assorbiti in modo inconscio
valgano quanto e più di quelli intenzionali. Ecco perché il sound di Grimes è figlio della Bush quanto di
Beyoncé e di Elizabeth Frazer. Quello di Visions è un electro pop alimentato da ascolti bulimici di (weird)
pop e R&B multimilionario, psichedelia post Animal Collective ed esoterismo goth. Nel suo rutilante
alternarsi di stilizzazioni K-pop, trance crepitante ed esotismi trasfigurati l’album gioca di sponda con
l’estetica consolidata della 4AD, fungendo da ponte fra gli eccentrici esordi e quell’Art Angels che farà
della Boucher la producer più ammirata della sua generazione.
Una canzone: Oblivion

• | 33 | •
2015 JULIA HOLTER - Have You In My Wilderness

JULIA HOLTER
Have You In My Wilderness (Domino, 2015)

A
scoltare un disco di Julia Holter significa addentrarsi in una narrativa normalmente
refrattaria all’universo pop. Con una preparazione classica e una passione per
le sonorità minimaliste e per John Cage, la polistrumentista californiana è stata
capace di sciorinare un ventaglio di riferimenti culturali che vanno dalla tragedia
greca al folk medievale occitano, in una sorta di ricerca ossessiva dei confini del pop, compiuta
con gli strumenti della contaminazione fra jazz, classica ed elettronica. Have You In My Wilderness
arriva dopo quel Loud City Song con cui era culminato il suo avvicinamento alla forma canzone.
L’album del 2013 rispondeva a tutta quella specificità fatta di sperimentazione acustica e rimandi
letterari, ma era ancora avviluppato in una fascinazione noir a base di jazz tenebroso e goticismi
avant. Wilderness, al contrario, si concede sin dai primi ascolti. Tematicamente meno coeso dei
precedenti lavori, elabora un tessuto sonoro rigoglioso, in cui le melodie vocali (centrali in tutte
le composizioni) sdrucciolano su partiture cameristiche asimmetriche, pattern ritmici asincroni
e imperfezioni acustiche di ogni tipo. Non esistono regole predefinite nella struttura dei brani.
La Holter lascia entrare la luce assemblando ogni pezzo con un senso pittorico dell’equilibrio.
Un impressionismo musicale che si sviluppa fra tocchi di clavicembalo e punteggiature di basso,
campiture sintetiche e pennellate d’archi. Una costruzione minuziosa che si fa tanto più sfocata
quanto più si cerca di isolarne i singoli elementi. Al risultato finale, esteticamente appagante sin
dal primo ascolto, concorrono anche alcuni strumenti tipici del suo background sperimentale, come
improvvisazioni e field recordings, ma è tutto talmente organico alla sua personale visione pop da
far scomodare per lei paragoni eccellenti con Laurie Anderson e Kate Bush.
Una canzone: Silhouette

• | 34 | •
 IDLES - Joy As An Act Of Resistance 2018

IDLES
Joy As An Act Of Resistance (Partisan, 2018)

Q
uando sembrava che il rock fosse incapace di catalizzare forme di opposizione
alla deriva del cinismo tossico, sono arrivati gli IDLES. Il gruppo di Bristol è la
prova del fatto che esistano ancora sacche di resistenza a quel livore che i social
media, la crisi economica e il degrado del dibattito pubblico hanno alimentato
fino a far sembrare irreversibile. Già con il precedente Brutalism, Joe Talbot aveva dimostrato di
saper trasformare i drammi personali in sermoni politici capaci di infiammare anche gli ascoltatori
più scettici. Con il brano Mother aveva convertito l’angoscia per la morte della madre in un inno
rabbioso contro i tagli al servizio sanitario nazionale imposti dall’austerity. Joy lo vede andare
ancora più a fondo nei temi personali e pubblici, sia che si tratti di affrontare i problemi irrisolti
con il padre, sia che si facciano i conti con la piaga dell’intolleranza e del distorto concetto di
mascolinità che mina i rapporti sociali. Riesce persino elaborare il dramma di una figlia nata
morta per trarre dal dolore un messaggio universale di autenticità. È significativo il fatto che
questo cambio di sensibilità arrivi da un gruppo inglese, autore di musica aggressiva e catartica.
Immaginare le vene di Joe Talbot che si gonfiano mentre canta “You look like a walking thyroid
/ You’re not a man, you’re a gland” equivale a scrollarsi di dosso un po’ di tossine accumulate
durante un anno di dibattiti televisivi e polemiche sui social. Per questo motivo oggi gli IDLES sono
il gruppo che più di ogni altro merita di raccogliere la pesante eredità politica dei Clash: perché
centrano il problema e lo fanno scatenando un’euforia violenta e positiva. La gioia, la compassione
e l’amore rappresentano oggi una nuova forma di controcultura, e quella degli IDLES è la colonna
sonora ideale per tutti coloro che desiderano prenderne consapevolezza.
Una canzone: Samaritans

• | 35 | •
2015 JAMIE XX - In Colour

JAMIE XX
In Colour (Young Turks, 2015)

B
enché il calendario non ci consenta di includere l’esordio degli xx in questo volume,
è durante gli anni 10 che la forza evocativa di quelle tracce inizia a dare i primi frutti.
Le atmosfere electro organiche, il minimalismo e il rigore di quella visione già ben
definita avevano fatto scuola, rivelando al mondo le doti da producer di Jamie Smith.
Un cosa evidente già nel 2011, quando il terzetto era ancora un’entità relativamente misteriosa. È in
quell’anno che il remix di NY Is Killing Me anticipa We’re New Here, ultimo album del padre dello
spoken word Gil Scott-Heron affidato alle giovani ma già sapienti mani di Jamie xx. Da quel momento
in poi le collaborazioni si moltiplicheranno e l’attività della band inizierà a confondersi con quella del
produttore, dando vita a un universo sonoro suggestivo e avvolgente che finirà per contaminare il pop
a tutti i livelli. Se i successivi lavori degli xx non sono mai riusciti a rivoluzionare le intuizioni originarie,
è stato Jamie con il suo primo album solista ad applicare la propria estetica, fatta di composizioni
minimali, bassi profondi e musicali, al materiale policromo e seducente della rave culture. Essendo
troppo giovane per averla vissuta in prima persona, il suo recupero si inserisce in quella narrazione
retrospettiva che caratterizza lo scorso decennio, ma si distingue per assenza di nostalgia. Introverso
per natura, Smith innalza il suo peana per mezzo di una sorta di house da cameretta con influenze
ipnagogiche. Un party album intimista, per ospiti e amici selezionati, che si spinge a interpretare
dancehall e ritmi balearici attraverso pattern fitti e rilassati, e che trova la sua specificità in brani come
SeeSaw, in cui la voce della bandmate Romy Madley-Croft affiora fra synth vaporosi e groove di feste
lontane. È in quel frangente che avviene la magia: una musica spesso percepita come fonte di piaceri
effimeri si trasforma in un’esperienza interiore dalle sfumature esistenziali.
Una canzone: SeeSaw

• | 36 | •
 KATE TEMPEST- Let Them Eat Chaos 2016

KATE TEMPEST
Let Them Eat Chaos (Fiction/Lex, 2016)

S
e i posteri avessero qualche dubbio sullo stato delle cose nell’Inghilterra di inizio millennio,
potrebbero leggere saggi, spulciare filmati d’archivio, oppure, più semplicemente,
ascoltare questo disco. Poetessa e perfomer, la cui discografia rappresenta solo parte
della generosa produzione, Kate Tempest (al secolo Kate Esther Calvert) è figlia della punk
poetry di John Cooper Clarke, dell’hip hop urbano di Mike Skinner e della consapevolezza di Billy Bragg.
All’interno della discografia britannica degli ultimi anni il suo Let Them Eat Chaos svetta come opera
ambiziosa e complessa. Una novella in versi che ha per protagonisti sette personaggi umanamente
desolati, imprigionati nella propria solitudine. Alle 4.18 del mattino ognuno di loro si abbandona a
un monologo interiore in cui angosce universali si mescolano a catastrofi sociali e drammi personali
tradiscono una dimensione pubblica. Sul fitto reticolo ritmico del produttore Dan Carey, che le ritaglia
su misura un tappeto sonoro di elettronica oscura dai lineamenti vintage, Kate dà loro voce con un
flow virulento e convulso, una cascata di parole dolorose che si conficcano nella carne come schegge.
L’album esce nel 2016 e, grazie alla sua narrativa concitata, coglie tutta la confusione, il risentimento
e la disillusione di un paese sull’orlo della Brexit. Uno schiaffo assestato a una Londra vista come
fortezza murata per ricchi. Un gesto estremo con cui provare a svegliarsi dall’incubo. A questo dramma
la Calvert dona la dignità di una grande opera corale, in cui non mancano i riferimenti alla tragedia
greca, alla Bibbia e ai classici della letteratura inglese. Alla fine i personaggi sono destinati a incontrarsi
sotto la tempesta, sentire la vicinanza e ricordare l’esperienza come una delle più importanti della loro
vita. Segno che se c’è qualcosa che può mettere fine a questo inferno è l’empatia, ancor prima della
solidarietà. Il desiderio di guardarsi in faccia e scoprirsi tutti ugualmente perduti.
Una canzone: Ketamine For Breakfast

• | 37 | •
2013 KING KRULE - 6 Feet Beneath The Moon

KING KRULE
6 Feet Beneath The Moon (True Panther Sounds, 2013)

L
a prima cosa che colpiva era la voce, quel crooning profondo e spiazzante che le prime
foto ci mostravano appartenere a un imberbe ragazzino dai lineamenti androgini.
All’epoca si faceva ancora chiamare Zoo Kid. Aveva 16 anni. La biografia di Archie
Marshall non è mai stata quella di un qualunque adolescente londinese degli anni
10. Figlio di musicisti, cresciuto in una casa in cui campeggiava il ritratto di Fela Kuti e in cui si
ascoltavano massicce dosi di jazz e reggae, all’età di 11 anni (quando la maggior parte dei suoi
coetanei ha più dimestichezza con la Playstation) registrava già le sue canzoni su un mixer a otto
canali. Eppure, qualcosa ha reso la sua scrittura generazionale. Una delle poche composte da un
bianco negli ultimi tempi in grado di fregiarsi di questo attributo. Sarà perché, proprio come lui, la
sua musica ha i tratti appena abbozzati e non è inquadrabile in alcun genere. Il suo è sicuramente
un cantautorato urbano, perché urbano è il romanticismo e urbano è il disagio che affiora dalle esili
trame di Easy Easy e Out Getting Ribs. O forse perché in quel contesto minimale convergono 30 anni
di musiche che hanno raccontato e infiammato i quartieri popolari di Londra. Basta il baluginare di una
chitarra riverberata e un beat pigro per vedere stilizzati in uno sbuffo di fumo trip hop e drum’n’bass
gli accordi taglienti di Billy Bragg e il fantasma di Joe Strummer, evocato dagli scatti irruenti e dalla
rabbia trattenuta. Le canzoni sono fogli neri su cui scarabocchiare parole, tratteggiare scene che
talvolta cedono alla lusinga dell’impianto cinematografico, ma talaltra prendono la forma di intime
confessioni. È su questa dicotomia che Marshall entra in connessione con millennials di tutto il
mondo, prendendoli per mano portandoli a spasso fra i vicoli di South East London. Raccontando la
città senza miti, con gli occhi ben puntati sulla strada e il cuore a sei piedi dalla Luna.
Una canzone: Easy Easy

• | 38 | •
 KENDRICK LAMAR - To Pimp A Butterfly 2015

KENDRICK LAMAR
To Pimp A Butterfly (Top Dawg/Aftermath Entertainment/Interscope, 2015)

U
n attimo prima che siti e riviste si riempiano di classifiche sui dischi del decennio,
azzardiamo una previsione: To Pimp A Butterfly sarà nella shortlist di ognuna di esse.
È doveroso che sia così. Stiamo parlando dell’album che meglio di ogni altro racconta
gli Stati Uniti di questi anni. Un disco che riassume in modo inconfutabile lo stato delle
relazioni interrazziali in un paese in cui i neri continuano a morire per mano della polizia e in cui il KKK
ha avuto un ruolo non secondario nella scelta del presidente. Tutto questo Lamar lo affronta dalla
prospettiva di un ragazzo di Compton sopravvissuto alla violenza delle gang e a quella delle istituzioni.
Se di questo però c’era già traccia nel precedente album, To Pimp racconta un’altra storia: quella di un
rapper di successo, che impara a combattere le tentazioni connaturate a fama e ricchezza, che vince
i sensi di colpa per aver lasciato la sua gente e sfrutta la propria influenza per portare un messaggio
di consapevolezza e di unità. Nel farlo penetra fino alle radici della cultura afroamericana, grazie a
una narrazione intricata e ambiziosa e a un sound che ne celebra la vitalità. Un blend di tradizione e
avanguardia, all’interno del quale Flying Lotus, Thundercat e Kamasi Washington contribuiscono a
modo loro a un flusso sonoro in cui si mescolano jazz, soul e funk clintoniano. Una musica talmente
ispirata e visionaria che finirà per influenzare chiunque, compreso il Bowie di Blackstar. Si racconta
che alcuni insegnanti usino i testi dell’album per aiutare i loro studenti a comprendere il dramma dello
sfruttamento e della discriminazione. Di certo il movimento Black Lives Matter ha fatto del brano Alright
il proprio inno. Per tutte queste ragioni il valore storico di To Pimp A Buttefly va calcolato nella misura
in cui Lamar ha saputo farsi vessillo all’interno della comunità nera, non limitandosi a celebrare la
propria gente ma donandogli un vero e proprio strumento di lotta.
Una canzone: Alright

• | 39 | •
2010 LCD SOUNDSYSTEM - This Is Happening

LCD SOUNDSYSTEM
This Is Happening (DFA/EMI, 2010)

C
iò che James Murphy ha perseguito per tutti gli anni Zero è un’attitudine prima
ancora che uno stile. È l’idea che nella tentacolare notte newyorkese, se dotati della
giusta predisposizione e della necessaria creatività, si possa far accadere di tutto.
Un’esigenza che nasceva dalla tentazione di perdersi nella storia della città che
aveva dato origine al punk e alla disco, di crogiolarsi nel suo reticolo subculturale e recuperare un
po’ di quella voglia di sperimentare, divertendosi. Nel 2010 Murphy sceglieva di mettere fine al suo
progetto prima che quella degli LCD Soundystem diventasse una formula logora. In qualche modo il
suo desiderio si allineava a uno slittamento di sensibilità che avrebbe visto spegnersi i riflettori sugli
eccessi newyorkesi di inizio millennio. È così che This Is Happening, registrato con Rick Rubin a Los
Angeles, finisce ancora una volta per incarnare lo zeitgeist del momento e lo fa con una musica che
si ispira al Bowie berlinese e all’Iggy di The Idiot ma che svela costantemente se stessa, grazie a un
livello di consapevolezza dei meccanismi del pop che le permettono di rubare gli effetti di Eno e le
sonorità proto electro dei Kraftwerk o di imbastire metacanzoni come You Wanted The Hit. Se l’arte
di Murphy ha sempre occupato quell’interstizio che sta fra l’edonistico abbandono della dance e il
colto costrutto dell’art rock, qui il gioco si fa palese, al punto che tutto l’album può essere inteso come
un manuale sul modo di rivoluzionare la musica da ballo servendosi di una solida cultura musicale. Il
segreto sta in un sound fatto di lunghe scorribande kraut pop, verbosi mantra mutant disco, ipnotici
costrutti electro funk e un cantautorato in bilico fra l’ironico e il confessionale. Un rituale corale e
inclusivo come quel grande concerto tenutosi al Madison Square Garden il 2 aprile 2011, con il gruppo
che salutava il suo pubblico e un’epoca che sembrava in procinto di chiudersi.
Una canzone: Dance Yrself Clean

• | 40 | •
 LOW - Double Negative 2018

LOW
Double Negative (Sub Pop, 2018)

P
ochi album sono stati divisivi come Double Negative. Un lavoro che suona avventuroso
persino per una band abituata a cambiare abito a ogni occasione, ma che sembrava
avviata a sottoporre il proprio sound a una mera operazione di maquillage elettronico.
Il dodicesimo album del trio di Duluth arriva al crepuscolo di un decennio ossessionato
dalla memoria. Apertosi con i ricordi ipnagogici di un passato analogico idealizzato, in cui tubi catodici
sfrigolanti si confondevano con la nostalgia per materiali sonori minori. Nessuno si sarebbe aspettato
che un gruppo attivo da 25 anni fosse in grado di immaginare il futuro. O meglio, la futura nostalgia
per l’attuale, oscuro presente. Il crepitio statico che apre l’album è l’immagine tangibile di mondo di
macerie, mentre l’ectoplasma melodico di Quorum sembra il tentativo di estrarre frammenti armonici da
hard disk in frantumi. Qualcosa che, con i debiti distinguo, rimanda ai Disintegration Loops. Ma mentre il
lavoro di William Basinski finiva per documentare la decadenza dell’America all’alba dell’11 settembre,
quella di Double Negative è la liturgia di una società allo sfacelo. Per raccontarla è necessaria una
narrativa spezzata, da cui si evincono considerazioni su un mondo che sembra andare alla rovescia e
che in poco tempo ha incenerito aspettative costruite nel corso di decenni. Alan Sparhawk non ha fatto
mistero sul fatto che le canzoni siano state assemblate immediatamente dopo le elezioni del 2016, ma,
piuttosto che suonare come mere risposte emotive a quel senso di spaesamento, segnano una veemente
richiesta di giustizia. Nondimeno l’umore plumbeo si coagula in una mucillagine sonora, in cui dentro
finisce di tutto: dubstep, industrial, club music, drones solidi come assi da stiro, glitch impazziti e tutto
lo spettro di rumoristica digitale. Una sorta di test di Rorschach sonoro che mette ogni ascoltatore nella
condizione di immaginare la propria pessimistica idea di futuro.
Una canzone: Dancing And Blood

• | 41 | •
2011 M83 - Hurry Up, We’re Dreaming

M83
Hurry Up, We’re Dreaming (Naïve, 2011)

C
he si tratti di rivoluzione o di restaurazione lo lasceremo decidere ai posteri. Quel
che a noi interessa è capire fino a che punto il sound e l’estetica forgiata da Anthony
Gonzalez si siano spinti a caratterizzare questi ultimi anni. Spoiler: moltissimo.
Saccheggiato da cinema, serie televisive e spot pubblicitari il suono di Hurry Up,
si è insinuato subdolamente nel nostro immaginario, si è fatto strada nei ricordi recenti e ci si è
stabilito pervicacemente. Per il musicista francese il successo è arrivato dopo anni di gavetta che
lo avevano visto lasciare sul terreno capolavori come Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts, tenere
alta la fiaccola del dream pop e distinguersi dal recupero calligrafico dei gruppi nu-gaze. Il cambio
di passo avviene con un album massimalista sotto ogni punto di vista. Un disco doppio, saturo di
beat squassanti, synth aggressivi e melodie frontali che creano un wall of sound tridimensionale,
ipercromato e retrofuturista. Un album che intercetta il synth pop in chiave psichedelica del glo-fi
ma gli restituisce una accecante definizione. È interessante notare come, a dispetto della svolta pop,
quello di Gonzalez resti un sound sperimentale. In mezzo alle melodie iperglicemiche si nascondono
frammenti ambient che sembrano rubati al Vangelis di Blade Runner, residui di shoegaze digitale e
interludi strumentali. Il suo successo planetario è spiegabile con la contaminazione fra pop e indie
che ha caratterizzato l’ultimo decennio, e che ha spinto in classifica alcune delle composizioni più
eccentriche ascoltate da diversi lustri. Il cinema ha fatto il resto, portando il sound di Midnight City
a far sistema con gli anni 80 idealizzati di Stranger Things e quelli stilizzati delle colonne sonore di
Cliff Martinez. A Gonzalez non è restato che fondere il languore del dream pop e i neon fluorescenti
nell’estasi retrospettiva di una notte infinita carica di eccitazione.
Una canzone: Midnight City

• | 42 | •
 JANELLE MONÁE - Dirty Computer 2018

JANELLE MONÁE
Dirty Computer (Atlantic, 2018)

J
anelle Monáe ha trascorso buona parte del decennio a costruire il suo alter ego pop:
quello dell’androide Cindi Mayweather, un personaggio finemente elaborato e non
troppo lontano da una moderna versione (nera e al femminile) di Ziggy Stardust. Con la
solita meticolosità ha prodotto due concept album che correvano il rischio di suonare
tanto perfetti quanto freddi nel loro blend di afrofuturismo, R&B e pop. Poi, nel 2018, è arrivato Dirty
Computer, un lavoro in cui il suo consueto immaginario veniva ricalibrato su una sensualità umana
e gioiosa. Nei giorni che ne anticipavano la pubblicazione, la Monáe parlava apertamente della sua
pansessualità, e fin dal primo ascolto Dirty Computer appare come la trasposizione estetica di tutto
ciò. Come artista dai molti talenti, la Monáe balla, canta, scrive e dirige con un’autorevolezza che le
permette di infondere nella sua musica l’attivismo mostrato a sostegno dei diritti delle donne, della
comunità nera e di quella LGBT. La sua è una consapevolezza portata anche sullo schermo da attrice,
in due film simbolo del moderno black power come Hidden Figures e Moonlight. Dirty Computer arriva
dunque al termine di un percorso che l’ha vista diventare un punto di riferimento culturale. Ancora
un concept, ma questa volta sulla diversità, realizzato da un’artista con profilo politico adeguato e la
consapevolezza di intrattenitrice. Fondamentale la lezione di Prince (che con lei aveva lavorato sul funk
pop di Make Me Feel, al punto da farla sembrare una versione aggiornata di Kiss). Ma anche la voracità
intellettuale che la porta a collaborare con un parterre assortito di ospiti, da Grimes a Brian Wilson,
e a incorporare in scaletta tutto lo spettro emotivo. In questi 48 minuti si piange e si balla, ci si eccita
e ci si indigna. La visione artistica di Janelle Monáe è quanto di più completo il pop contemporaneo
possa offrire, e Dirty Computer un’opera musical-narrativa che descrive un amore toccante e inclusivo.
Una canzone: Pynk

• | 43 | •
2010 THE NATIONAL - High Violet

THE NATIONAL
High Violet (4AD, 2010)

C
ome si può sopravvivere alla morte dell’indie con canzoni infuse di tristezza
e rassegnazione? Ad esempio alla maniera dei National, elevando il proprio
malessere a dimensione universale. Tanto più che all’uscita di High Violet, quinto
LP della formazione di Cincinnati, il momento era quanto mai propizio. Il plumbeo
clima della recessione aveva creato l’ecosistema ideale per il romanticismo di Matt Berninger e
soci, che ora potevano sviluppare mantra desolati per una classe media rassegnata. Il tutto grazie
a testi che indugiavano sobriamente sull’osservazione dei demoni interiori, tra una constatazione
di precarietà sociale e una frustrazione composta, pronta a trovare sfogo negli assoli di Aaron
Dessner. Nel 2010 il gruppo era strutturalmente pronto per pubblicare il suo capolavoro: i dischi
precedenti avevano visto i quattro maturare sia singolarmente che come ensemble. L’età aveva
fatto il resto. Soprattutto nel caso di Matt Berninger, la cui propensione per un realismo cupo
trovava ora riscontro in un crooning profondo e affettato. D’altronde, sin dal primo album, i
National non erano mai davvero appartenuti alla gioventù. La scabra disillusione che da sempre
permeava la loro musica aspettava solo di essere indossata da musicisti con il giusto livello
di consapevolezza e la giusta quantità di rughe sul volto. Quando il momento si è presentato,
la band ha barattato l’irregolarità degli esordi con un’eleganza innata, sfoderando brani come
Bloodbuzz Ohio, in cui i rimorsi tipici della crisi di mezza età assumono proporzioni epiche. In
questo senso High Violet trova un’aurea quadratura fra understatement e magniloquenza, grazie
ad arrangiamenti che si caricano di intensità e una produzione finalmente adeguata a traslare gli
ordinari struggimenti della band su una scala più grande.
Una canzone: Bloodbuzz Ohio

• | 44 | •
 FRANK OCEAN - Blonde 2016

FRANK OCEAN
Blonde (Boys Don’t Cry, 2016)

C
ome si passa dall’essere un elemento minore di un collettivo hip hop ad artista in grado
di rivoluzionare il genere? Con una musica inclusiva che ne percorre tutte le anime e testi
che ne smontano i paradigmi finendo per essere i più citati nelle captions di Instagram
(ecco che significa essere generazionali negli anni Dieci, bellezza). La forza di Blonde si
misura anche da questo, dal livello di penetrazione presso un pubblico giovane e la capacità di offrirgli
riparo da sciovinismo e revanscismo sociale. Tutti concetti che Frank Ocean aveva già ribaltato con il
precedente channel ORANGE, pubblicato all’indomani del toccante post sul suo Tumblr con cui faceva
coming out. Era il 3 luglio del 2012 e, appena due settimane dopo, l’uscita di quell’album cambiava
tutto. In un genere ancora largamente dominato dall’omofobia, brani come Bad Religion e Forrest Gump,
con il loro poetico vagheggiare di amori maschili, detonavano come bombe atomiche. Troppo astuto
per lasciarsi etichettare con il tag monodimensionale di “icona gay”, Ocean riusciva a dar voce ad uno
spaesamento più profondo grazie al successivo Blonde. Qui la narrativa diventa ancora più complessa,
intima e politica, per via di un songwriting raffinato e di un inestricabile mix di finzione e biografia
che finisce per avvolgere dolcemente l’ascoltatore. Analogamente il sound dell’album è immersivo e
in continua mutazione: un soul impressionistico e minimale che sembra frutto di un soliloquio in una
stanza buia, a cui gli elementi non strettamente musicali donano un tocco di mistero. Un variegato team
di produttori, fra cui Pharrell Williams, James Blake e Rostam Batmanglij, elabora uno stile diverso
per ogni brano, reinventando in chiave futuristica quasi 50 anni di musica pop. Mentre le sonorità neo
psichedeliche, la natura confessionale e la destabilizzante serenità lo rendono il compagno ideale per
una generazione fragile, che aspettava solo una voce fuori dal coro in grado di offrirle conforto.
Una canzone: Nikes

• | 45 | •
2013 PARQUET COURTS - Light Up Gold

PARQUET COURTS
Light Up Gold (What’s Your Rupture?, 2013)

N
on è un mistero che l’indie rock non se le sia passata troppo bene negli ultimi dieci
anni. A fronte di una mole imponente di dischi, concerti, novità più meno effimere
e nonostante il numero di gruppi proliferati nel DIY più selvaggio senza eguali nella
storia della musica popolare, ben poco resta da tramandare. Problemi di visibilità?
Forse. Autoreferenzialità? Quasi sicuramente. Più probabilmente è mancata la capacità (o la voglia) di
interrogarsi sul presente, senza cui anche l’urgenza espressiva si trasforma in una forma di eccitazione
a breve termine. Il gruppo dei fratelli Savage è stato fra i pochi in grado di parlare e far parlare di sé,
influenzando band su entrambe le sponde dell’oceano. Texani, trapiantati a Brooklyn, i Parquet Courts
sono riusciti a imbastire una delle più intelligenti versioni del DIY punk ascoltata da molto tempo a
questa parte. Una roba così nervosa e stralunata che suonava come il minimo comune denominatore
del rock più sconnesso degli ultimi 40 anni. Nelle canzoni di Ligh Up Gold c’è la stessa smania artsy
dei Voidoids, l’alienazione post punk dei Wire e la tracotanza dei Fall. C’è anche l’inevitabile eredità
dei ‘90, con tutto il suo precipitato di slackness. Anzi, con buona pace di tutti i cloni dei Pavement
apparsi negli ultimi anni, se c’è un gruppo che ha saputo incarnare quell’epopea fatta di slanci
inconsulti, stridule riflessioni e un rinfrancante senso del “buona la prima” sono stati proprio loro.
Con quel grado zero di virtuosismo che pone le basi per successive evoluzioni, il gruppo ha portato
la poetica dell’indolenza nel nuovo millennio e le ha donato spessore politico grazie a canzoni che
incarnano tutta la difficoltà e lo stress del barcamenarsi in una società capitalistica sempre più vorace
e ipertecnologica. Uscito in sordina per la minuscola What’s Your Rupture?, l’album è stato ristampato
da Rough Trade, generando un entusiasmo sotterraneo ma pervasivo che lo ha reso un classico.
Una canzone: Stoned And Starving

• | 46 | •
 P J HARVEY - Let England Shake 2011

P J HARVEY
Let England Shake (Universal, 2011)

I
l suono della cetra e dell’autoharp, la voce trasfigurata, l’incedere militaresco degli ottoni:
l’ottavo album della cantautrice inglese si presenta in tutto e per tutto come un disco anti
rock. Simile piuttosto a una raccolta di ballate vittoriane in cui si magnificano le gesta di eroi
caduti, si fa appello un immaginario arcaico e a un certo punto vengono evocate le rive del
Tamigi e le bianche scogliere di Dover. Solo che non ci sono eroi nelle canzoni di Let England Shake,
e neppure vittorie da celebrare. Ci sono le polveri della battaglia ancora non posate e corpi ancora
caldi sul terreno. C’è soprattutto la fatalistica constatazione che la grandezza degli stati si costruisce
sul sangue dei popoli. Per comporne le canzoni Polly Jean ha impiegato tre anni e un rigore che le
ha imposto di sedersi ogni giorno al tavolo a scrivere, nel tentativo di ricavare brani nei quali ogni
parola fosse carica di uno specifico peso emotivo. Attingendo alle canzoni vernacolari e all’opera di
scrittori come T. S. Eliot, W. B. Yeats, John Burnside (ma anche ai racconti dei soldati che avevano
combattuto nella guerra coloniale e in quelle di Iraq e Afghanistan) ha così finito col distillare testi
che indugiano sull’oscurità della guerra in quanto concetto metastorico che risuona nelle vicende
britanniche di tutte le epoche. Il disco è stato registrato in una chiesa del diciannovesimo secolo
situata nel Dorset, con un risultato così poetico e pastorale che per certi versi ha più a che fare con
la tradizione pittorica e letteraria d’Albione che con il pop. Peraltro il già potente impianto figurativo
di ciascun brano è corroborato dai video realizzati dal fotografo di guerra Seamus Murphy, che ha
tradotto in immagini le parole prive di retorica e paternalismo con cui la Harvey ha elaborato la sua
lettera d’amore indirizzata alla storia violenta e travagliata dell’Inghilterra.

Una canzone: The Glorious Land

• | 47 | •
2014 RUN THE JEWELS - Run The Jewels 2

RUN THE JEWELS

Run The Jewels 2 (Mass Appeal, 2014)

C
hi ancora è solito affermare che la creatività sia appannaggio dei giovani, da qualche
anno è costretto a scontrarsi con una serie di ritorni che hanno portato esperienza e
consapevolezza nel modo hip hop. A Tribe Called Quest, Ghostface Killah e Madlib
hanno pubblicato alcuni tra i migliori lavori delle loro carriera. Nessuno però ha
saputo fare meglio dei Run The Jewels: El-P e Killer Mike sono artisti di lungo corso, nonché attivisti
consci del peso di ogni loro parola. Quando nel 2014 pubblicavano il loro secondo album (ennesimo
capitolo di una collaborazione nata all’inizio del decennio), era come se 20 anni passati a infondere
un senso di ribellione nella loro musica fossero stati propedeutici a quegli 11 brani. Dall’alchimia fra
l’attitudine insulare di El-P e la rabbia di Killer Mike scaturisce un disco che unisce una produzione
elettronica livida ed esplosiva a versi affilati come pugnali. Un lavoro oscuro, cinico ma anche
divertente, animato in ogni sua strofa da fervore rivoluzionario. Tanto che quando Zack De La Rocha
fa la sua comparsa in Close Your Eyes, sotto una raffica di bassi distorti, le sue parole suonano
come le più eccitanti dai tempi di Bullet In Your Head. Il resto dell’album è una lunga rappresaglia
contro corruzione e iniquità, realizzata attraverso una violenza liberatoria e parole di unità. Ma
si tratta anche di un’operazione artistica trasversale, in grado di radunare ospiti e fan dal mondo
rock e dall’indie. A rendere imperdibile il tutto ci pensano i due, in grado di scambiarsi rime con la
coordinazione di una coppia di wrestler, forti di un’autorevolezza dettata dall’esperienza e dal vissuto.
La stessa che permette a Killer Mike di scagliarsi contro la brutalità della polizia, la condizione
carceraria e la violenza quotidiana con parole che non promettono risposte ma suggeriscono una
ricerca più profonda tra i meccanismi che regolano politica e società.
Una canzone: Close Your Eyes (And Count To Fuck)

• | 48 | •
 SLEAFORD MODS - Divide And Exit 2014

SLEAFORD MODS
Divide And Exit (Harbinger Sound, 2014)

C
on gli Sleaford Mods c’è sempre stato l’equivoco che li vuole unici veri punk
nell’Inghilterra degli anni 10. Come se essere incazzati significhi necessariamente
essere punk. Il punk ha sempre celebrato obbiettivi massimalisti, con una messa in
scena che, di fronte ai pezzi di Divide And Exit, verrebbe da definire barocca: la musica
degli Sleaford Mods abita l’understatement più radicale. Quando l’album veniva pubblicato, i due
non erano giovani, né belli. Né tanto meno interessati a compiacere qualcuno. A Divide And Exit
erano arrivati dopo una serie di dischi autoprodotti e tentativi maldestri di scampare a un lavoro non
specializzato e sottopagato. Inutile chiedere loro di dire qualcosa di generazionale. A 40 anni suonati
avevano poca voglia di rappresentare altro che non fosse la loro frustrazione e il desiderio di arrivare
dignitosamente a fine mese. Divide And Exit riduce al grado zero la retorica del pop. Come quello di
un Mike Skinner politicizzato o di un John Cooper Clarke dei bassifondi, il flow di Jason Williamson si
situa a metà strada fra la rissa verbale e il tazebao punk: un profluvio di parolacce, battute nello slang
di Nottingham e altre parolacce. Di Andrew Fearn e di quelle basi elettroniche poco più elaborate di
un preset la cosa migliore che si può dire è che posseggono un approccio minimale. Oppure che ci
sta prendendo per il culo, ma fino ad ora abbiamo preferito lasciargli il beneficio del dubbio. Divide
And Exit è un album grandioso nella misura in cui intercetta la rabbia delle periferie un attimo prima
che il populismo organizzato la canalizzi in una guerra fra poveri. No future in tutti i sensi: impossibile
chiedere a un album come questo di fare scuola o di rappresentare l’inizio di qualcosa. Più in là di così
non si sarebbe potuti andare. Neppure gli Sleaford Mods lo hanno fatto, visto che dopo il successo del
disco hanno perso un po’ di quella rabbia che fino a quel momento era stata la loro arma più acuminata.
Una canzone: Tied Up In Nottz

• | 49 | •
2019 SOLANGE - When I Get Home

SOLANGE
When I Get Home (Columbia, 2019)

I
n A Seat At The Table (2016) Solange Knowles smetteva i panni della “sorella di Beyoncé” e
dimostrava di avere la forza espressiva, la tempra e la consapevolezza politica necessaria per
intraprendere una strada in grado di segnare la musica del nuovo millennio. Quell’album si
presentava come un’osservazione sofisticata e sfaccettata sulle lotte contro la discriminazione
di razza e di genere. Fra rimandi storici e letterari, dichiarava il proprio amore per i classici della black
music, che omaggiava in un caldo abbraccio riconciliatorio. Tre anni dopo, chiuso il capitolo sull’eredità
culturale, è tempo di spostare un po’ più in alto l’asticella e iniziare a immaginarne il futuro. When
I Get Home è stato pubblicato improvvisamente la notte del 1° marzo 2019 (simbolicamente nel
giorno in cui il Black History Month sfumava nel National History Women’s Month), ma, piuttosto
che rappresentare il ritorno ai luoghi familiari suggeriti dal titolo, si posiziona sul versante più artsy
del moderno R&B. Il ritorno a Houston è inteso come momento di ricerca personale; un percorso di
autodeterminazione che si fonde con la celebrazione cittadina (attraverso una rielaborazione del
suono chopped and screw) e l’auspicio di un avvenire futuristico e seducente. Anche la variopinta
squadra di collaboratori (tra gli altri Gucci Mane, Tyler, The Creator e il solito Pharrell) sembra fatta
su misura per un album sperimentale, costituito da frammenti che suonano come un work in progress
e in cui convergono spiritual jazz, soul d’avanguardia e rarefazioni electro funk. All’interno di questo
panorama sintetico e geometrico, Solange si impegna a ridefinire il profilo della moderna chanteuse,
con un’interpretazione misurata e minimale, fatta per lo più da ripetizioni di brevi frammenti melodici
e scomposizioni vocali. Grazie a lei un decennio cruciale per la storia della cultura e della musica
afroamericana si chiude con una delle scommesse artistiche fra le più luminose e ottimistiche.
Una canzone: Stay Flo

• | 50 | •
 SUFJAN STEVENS - Carrie & Lowell 2015

SUFJAN STEVENS
Carrie & Lowell (Asthmatic Kitty, 2015)

V
i ricordate la prima volta che avete ascoltato Carrie & Lowell? Dico ascoltato davvero.
Vi ricordate la prima volta che ne avete soppesato le parole, che avete avuto voglia di
decrittarne le metafore, mettendole in relazione con il pacifico cordoglio della musica
e alla fine, inesorabilmente, avete pensato alle persone che avete amato e che avete
perso? Sono esperienze che la musica concede raramente. Non è neppure necessario che un’opera sia
artisticamente compiuta per farlo accadere, ma solo se l’opera è di grande valore se ne esce arricchiti.
Ecco, il più autobiografico album di Sufjan Stevens è una di quelle opere. Un lavoro che, concentrandosi
sulla morte (ma anche sul disagio psichico, la dipendenza e l’abbandono), finisce per celebrare la vita,
con un mix di delicatezza e spietata autoanalisi. Il compositore di Brooklyn ci arriva dopo aver realizzato
le fantasie in technicolor di Illinoise e sinfonie elettroniche come The Age Of Adz. Per farlo si spoglia
di tutto, tirando fuori dal cilindro gli arrangiamenti più fragili, i sussurri più accorati e le melodie più
immacolate. Leggenda vuole che le tracce dei brani siano state registrate in tour, nella solitudine di
stanze d’albergo. In quei momenti Stevens si lascia guidare dal sentimento per la scomparsa della madre,
morta di cancro tre anni prima, con la quale aveva sempre avuto un rapporto complicato. Intraprendendo
una seduta psicanalitica in cui i ricordi più dolorosi si mescolano a figure criptiche e riferimenti biblici e
mitologici, dando vita a una narrazione universale. Carrie & Lowell è un disco raccolto, confessionale,
che pone domande difficili su come comportarsi nei momenti di profondo dolore. Liberandosi di tutte le
sovrastrutture estetiche e concettuali, Stevens non ha più alcun artificio dietro cui nascondersi. Il risultato
è straziante ma anche catartico, e indica la possibilità di arrivare dolcemente, ma inesorabilmente,
all’accettazione della morte e delle situazioni dolorose annesse.
Una canzone: Fourth Of July

• | 51 | •
2014 ST. VINCENT - St. Vincent

ST. VINCENT
St. Vincent (Loma Vista/Republic, 2014)

P
iù che il disco della consacrazione, l’album omonimo del 2014 è quello della
reinvenzione. Il lavoro in cui St. Vincent abbandona definitivamente il suo lato umano
e si fa opera d’arte vivente. Il tutto con un piccolo aiuto da parte di amici come il
designer Willo Perron (che ne cura l’immagine da regina futuristica) e del produttore
John Congleton (che ne rende flessuosi i groove robotici). Il resto è tutta farina del sacco di Annie
Clark, la cui sicurezza nei propri mezzi le permette di compiere un balzo e guardare dall’alto i
cantautori della sua generazione. Liricamente centrato sui concetti di nascita, morte e resurrezione,
St. Vincent è uno degli album che ha contribuito ad affossare la definizione di “genere”. Il tutto
per via di una stilizzazione che fa convergere i sorpassati concetti di rock, pop, R&B in una specie
di laboratorio sonoro dove ogni elemento estetico viene rielaborato per suonare in modo diverso
da come appare “in natura”. In questo modo i campionamenti vocali, le chitarre e i fiati diventano
elementi del ritmo, segni di interpunzione di una sintassi sonora che preconizza la fusione fra
(indie) rock e black music. Di fronte a un simile processo il rischio di trasformare il tutto in un freddo
giochino cervellotico è evidente, tanto più che Perron le ritaglia addosso un personaggio altero e
dominatore, vera e propria leader postmoderna. A fare dell’album qualcosa che possa soddisfare i
sensi e l’intelletto è l’innato talento della Clark, e il continuo gioco di rimandi fra l’estetica e i testi,
teso a definire una nuova e moderna femminilità: ironica, consapevole e ricca di contrasti. Tutto
questo trova riscontro in una musica che mette in campo spigolosi vaudeville, ballate seducenti e
sofisticati meccanismi pop, in una alternanza tra fragilità e padronanza a cui è impossibile resistere.

Una canzone: Rattlesnake

• | 52 | •
 TAME IMPALA - Lonerism 2012

TAME IMPALA
Lonerism (Modular, 2012)

C’
è un fil rouge che unisce Oracular Spectacular dei MGMT al secondo lavoro dei
Tame Impala. Un mondo di riflessioni interiori che si espandono all’infinito, un
panorama di synth traslucidi e melodie stupite. Si tratta di una sensibilità che
ha portato la psichedelia alle masse e ha fatto degli australiani uno dei gruppi
(se di gruppo si può parlare) più influenti del decennio. Il che è piuttosto singolare se riferito a un
album che sin dal titolo suona come l’elogio del solipsismo, oltretutto realizzato in uno dei luoghi più
isolati del mondo, da un genietto con tendenze autoreclusive. Kevin Parker aveva iniziato a lavorarci
subito dopo l’uscita di Innerspeaker, l’album che aveva rivelato al mondo la sua propensione per
voli pindarici ancora costruiti su solide fondamenta heavy. Nel corso dei due anni successivi era
maturato in lui il desiderio di un lavoro che ne preservasse le avvincenti linee melodiche, limandone
le asperità e focalizzandosi in modo espressionista su ritmo e stratificazioni analogiche. Il risultato è
qualcosa di ben diverso da quello psycho rock che pure gli ha permesso di essere fra i protagonisti
dell’underground. È un album che mantiene la libertà artistica di capolavori visionari degli anni
60 e 70, senza sembrare un animale preistorico intrappolato nei ghiacci. Alternando con cura jam
immaginifiche, odissee spacey e armonie cheesy alla E.L.O, o alla Supertramp (benché in molti
continuassero a scomodare i Beatles), canzoni come Keep On Lying si dedicano all’esplorazione
dello spazio che intercorre fra pop e weird music, finendo per suonare come un artefatto fuori dal
tempo ma indiscutibilmente figlio degli anni 10. Forse è per questo che un po’ di quella luce dorata
ha iniziato a irrorare le maggiori produzioni degli ultimi anni. Un universo di synth sgranati e suoni
saturi, che ha fatto di Kevin Parker, suo malgrado, una superstar.
Una canzone: Keep On Lying

• | 53 | •
2013 THESE NEW PURITANS - Field Of Reeds

THESE NEW PURITANS

Field Of Reeds (Infectious Music, 2013)

I
n un’intervista del 2013 Jack Barnett raccontava al “NME” di essersi reso conto di odiare il
pop. Il suo avrebbe potuto essere l’eccesso di zelo di una pop star annoiata, ma riferendosi ai
These New Puritans l’affermazione costringeva a ripensare i precedenti lavori sotto una nuova
luce. Così facendo, sotto l’aggressione ipercinetica si scorgevano tracce di un’ispirazione più
obliqua e avant. Specie nel precedente Hidden, dove gli elementi neoclassici facevano capolino fra
beat distruttivi e groove minacciosi. Con Field Of Reeds la voglia di sperimentare può finalmente
palesarsi. Tanto per cominciare, il ritmo diventa uno strumento accessorio: le batterie vengono
registrate per ultime e nell’economia dell’album rappresentano un colore utile a campire con
parsimonia gli spazi vuoti. Prodotto insieme a Graham Sutton, ex Bark Psychosis, il terzo lavoro
di Barnett e soci suona come un grande affresco di minimalismo pastorale, nel quale i musicisti
(si arriva a contarne 25) sembrano impegnati in guerra di posizione contro il silenzio, e in cui è
facile scorgere l’eredità di Mark Hollis e del David Sylvian più rarefatto. Le partiture astratte si
intersecano geometricamente con un’elettronica color pastello, coagulandosi quasi per caso in arie
bacharachiane, mentre un variopinto armamentario di legni, archi e fiati si unisce al timbro argenteo
del magnetic resonator piano per dar vita a strutture circolari che rimandano a quelle di Philip
Glass e Steve Reich. Anche la scelta di arruolare in formazione una cantante di fado è coerente con
l’immaginario arcaico futurista dell’opera e a conti fatti rappresenta il senso più intimo di tutta la
produzione dei These New Puritans: un gruppo così disinteressato al futuro del pop da finire per
realizzare uno dei capolavori più singolari (e col senno di poi meno imitati) di tutto il decennio.

Una canzone: Fragment Two

• | 54 | •
 THE WAR ON DRUGS - Lost In The Dream 2014

THE WAR ON DRUGS

Lost In The Dream (Secretly Canadian, 2014)

L
ost In The Dream è l’album che traghetta negli anni 10 la tradizione del classic rock
americano, quello in cui il mito a stelle e strisce degli spazi sconfinati assume forma
tridimensionale. Il che è abbastanza curioso considerando gli esordi lo-fi di Adam
Granduciel. Quando nel 2005, insieme al collega Kurt Vile, aveva dato vita ai War On
Drugs, il suo era ancora il suono intimo della Middle America, nel quale gli evidenti riferimenti a
Dylan e Neil Young si mescolavano a scampoli elettronici e suggestioni shoegaze. Poi ognuno aveva
proseguito per la propria strada: Kurt verso un cantautorato più raccolto e ombelicale, mentre Adam
si era riscoperto figlio degli anni 80, dello Springsteen di Born In The USA, di Don Henley e dei Dire
Straits. In generale di quegli eroi in jeans delle stazioni FM che una parte dell’universo indie tacciava
ancora di grossolanità, ma di cui Lost In The Dream raccoglieva le vestigia, gestendole con grazia
e modernità. Granduciel scrive epiche canzoni in cui un folk cromato e crepuscolare si dipana per
lunghe autostrade motorik, e i dieci minuti di An Ocean In Between The Waves sono l’equivalente
musicale di una corsa su una Mustang verso il tramonto, senza alcuna idea di dove la strada ti
condurrà. Una musica che potrebbe durare per sempre, sospinta da un beat metronomico, con folate
di synth e progressioni chitarristiche che assecondano gli sbalzi d’umore. Adam ha confessato che
il disco era nato in un momento di solitudine e depressione. Il che, se in qualche modo ne giustifica
i vagheggiamenti romantici, rende ancora più straordinario il senso di eccitamento che lo pervade.
Anche nei suoi momenti più epici, infatti, Lost In The Dream resta un’opera proiettata verso l’interno.
60 minuti di epico escapismo musicale con cui Granduciel affronta i propri demoni e grazie ai quali
il moderno rock americano si riconcilia con una parte importante della propria storia.
Una canzone: An Ocean In Between The Waves

• | 55 | •
2017 THUNDERCAT - Drunk

THUNDERCAT
Drunk (Brainfeeder, 2017)

N
on è un mistero che negli ultimi anni le sonorità più fresche e innovative siano
state prodotte da una compagine relativamente esigua di musicisti dal background
assortito ma ugualmente impegnati a definire la propria identità artistica tramite
una fusione di stili che utilizza il jazz come fil rouge e molla creativa. I lavori di
Kendrick Lamar, Kamasi Washington e Flying Lotus attingono alla tradizione ma la interpretano
con una libertà che permette loro di farsi avanguardia musicale e culturale. In tutti questi casi a
prestare il basso c’è Stephen Bruner, in arte Thundercat, musicista dall’inebriante eclettismo, la
cui carriera (iniziata nei primi anni 2000) lo ha visto passare dalle file dei Suicidal Tendencies alla
corte di Erykah Badu. Lo stile istrionico e divertito con cui affronta lo strumento lo aveva portato sin
dall’inizio del decennio a pubblicare per la Brainfeeder di Fly Lo, ma nei primi due lavori il suo modo
giocoso di mescolare i linguaggi doveva scontrarsi con il senso di perdita dovuto alla scomparsa,
nel 2012, dell’amico e collega Austin Peralta. Liberatosi finalmente dei propri fantasmi, Bruner
lascia flirtare la vena malinconica con quella più surreale e zappiana grazie a un terzo album in
cui figurano ospiti come Kendrick Lamar, Pharrell e Kenny Loggins (!). Su Drunk le strutture jazz
più dinamiche e futuristiche si scontrano con pop e yacht rock, mentre funk, soul ed elettronica da
videogame orbitano l’uno intorno all’altro in una sorta di flusso cosmico nel quale convergono temi
universali come violenza, sessismo e mortalità, ma anche miagolii, sbadigli e sonori rumori corporei.
È chiaro che ci troviamo nel lato weird della black music moderna, ma è grazie alla leggerezza e al
romanticismo un po’ stonato che la fitta matassa tematica e musicale riesce a penetrare nel cuore
della “generazione Coachella”.
Una canzone: A Fan’s Mail (Tron Song Suite II)

• | 56 | •
 TIRZAH - Devotion 2018

TIRZAH
Devotion (Domino, 2018)

M
entre dalle nostre parti c’è ancora chi pensa che i talent show, con la loro
esaltazione ginnica della tecnica e del manierismo sonoro, possano rappresentare
una forma sana di approccio alla musica, dall’altra parte della Manica c’è qualcuno
che tenta di ribadire come la bellezza sia un’alchimia talvolta inspiegabile e
difficilmente circoscrivibile a formule e ricette. Sia la producer Mica Levi (aka Micachu) che la
giovane compositrice Tirzah Mastin sono portatrici di una sensibilità prodigiosa, che rifugge dalla
bella calligrafia del mainstream e si forgia in un’estetica fatta di asimmetria e imperfezione. Ciò
non ha impedito alla prima di guadagnarsi una nomination all’Oscar per lo score del film Under The
Skin e alla seconda di realizzare, con il contributo della Levi, uno degli album più innovativi degli
ultimi anni. Un lavoro che dal punto di vista squisitamente sonoro si posiziona fra elettronica, R&B
e trip hop. Più spesso però, a fare la differenza sono gli interstizi fra i tre generi, gli spazi vuoti,
o, meglio, quella terra di nessuno in cui il silenzio e l’emotività giocano un ruolo fondamentale.
La vocalità di Tirzah è naturale e disadorna, ricca di sbavature e priva di qualsiasi ipotesi di
virtuosismo ma capace di comunicare il massimo con il minimo sforzo. Il resto lo fa una produzione
che fra droni di Moog, beat asincroni, rintocchi di piano e campioni lasciati galleggiare nel vuoto
pneumatico sembra coagularsi quasi per caso. Un paesaggio sonoro astratto e ricco di fascino, in
cui il groove viene frantumato segnando la rivincita di chi non sa ballare e il romanticismo viene
privato di tutta la sua prosopopea. Quelli che per Tirzah sono “straight up love songs” sono brani
destinati a cambiare le regole del gioco quasi senza volerlo, realizzati da una coppia di artiste
che mostrano già una straordinaria autorevolezza.
Una canzone: Gladly

• | 57 | •
2013 VAMPIRE WEEKEND - Modern Vampires Of The City

VAMPIRE WEEKEND
Modern Vampires Of The City (XL Recordings, 2013)

S
e fino a quel momento i Vampire Weekend avevano riconvertito le intuizioni world di Paul
Simon e David Byrne nel suono indie geek di inizio millennio, con il loro lavoro del 2013
abbandonavano lo status di novelty band e si guadagnavano un ruolo di tutto rispetto
nel panorama pop, per via di un linguaggio fresco, minuzioso e ricco di fantasia con cui
sfidavano le regole del mainstream. A livello sonoro il loro terzo album rappresenta uno straordinario
balzo in avanti. Il merito è soprattutto di Rostam Batmanglij e di quel modo di far convivere la sua
preparazione classica con una visione avveniristica, trasformando ogni strumento (il clavicembalo di
Step, gli ottoni isterici di Diane Young) in qualcosa di nuovo e moderno. A quel tripudio di organi, archi
e cori gospel, Ezra Koenig aggiunge la sua profondità emotiva e le sue metafore. Resta da capire come
abbia fatto un disco così pieno di riferimenti alla teologia ebraica e così preoccupato dello scorrere
del tempo a vendere quasi un milione di copie arrivando al primo posto delle charts negli USA e nel
Regno Unito. È il dono di Koenig e soci: la capacità di affrontare i temi più profondi con un sorriso
arguto e arrangiamenti che attingono all’estetica più spensierata della musica popolare. Assieme a
Win Butler, Koenig è uno dei grandi narratori del pop contemporaneo. Ancora più del canadese ha la
capacità, sulla distanza dei tre minuti, di sviscerare i piccoli drammi della generazione dei trentenni,
quella che guarda alla saggezza come a un dono ma non esiterebbe un secondo a scambiarla con la
gioventù. Laddove Butler trae spunto dall’esperienza della periferia, Koenig fa appello alla tradizione
ebraica, che evoca con allusioni religiose e simboliche, con sfoggio di cinismo e colta ironia. Non
risparmiandosi neppure il beneficio del dubbio, tanto da suggerire l’idea di una ricerca spirituale che
(stando alla nebbia raffigurata in copertina) si preannuncia quanto mai difficoltosa.
Una canzone: Unbelievers

• | 58 | •
 KAMASI WASHINGHTON - The Epic 2015

KAMASI WASHINGHTON
The Epic (Brainfeeder, 2015)

T
he Epic è il disco da far ascoltare a chi pensa che il jazz consista in un mero
dispiegamento di tecnica onanistica. Anche se al banchetto allestito da Kamasi
Washington il jazz è solo una delle portate utili a definirne la statura artistica. La cosa
incredibile è il modo in cui il sassofonista sia riuscito a dargli modernità nel modo più
naturale: fondendolo con il funk (nella sua versione più carnale) e recuperando la spiritualità delle
radici, infondendogli l’appetibilità dell’R&B e un po’ sana follia. All’appuntamento più importante di
una carriera improntata al massimalismo, Washington arriva ben rodato, dopo anni di jam nei cortili
di Inglewood, collaborazioni con miti della black music di ieri e di oggi (da Wayne Shorter a Kendrick
Lamar) e tre album autoprodotti. Ci arriva soprattutto con talmente tante idee in testa che il suo
unico problema è quello di trovare un supporto adatto a contenerle. Tutte quelle esperienze avevano
fatto maturare in lui la propensione ad una musica totale, fisica e spirituale, in grado di catturare
l’anima e i sensi in un afflato inclusivo. Uno slancio artistico che assume la fisionomia di un balzo
verso l’infinito propulso da un ensemble di 10 elementi, un’orchestra di 32 e un coro di 20. Qualcosa
che nell’opener Change Of The Guard prende le sembianze di uno sfoggio di potenza wagneriana,
e che si dipana per 173 minuti in cui ogni stato d’animo finisce per trovare asilo. Quasi tre ore di
iterazioni fantasmagoriche e groove cosmici che rimandano a Pharoah Sanders e Weather Report,
alla musica ascensionale di John Coltrane e alla mistica spaziale di Sun Ra. Un’opera monumentale
che al termine del 2015 finirà sia in testa alle classifiche pop che a quelle jazz e R&B, segnalandosi
come pietra miliare dei generi più vitali del ventunesimo secolo, e rappresentando, in fin dei conti,
il modo in cui la musica ribadisce il proprio essere linguaggio universale.
Una canzone: Change Of The Guard

• | 59 | •
2010 KANYE WEST - My Beautiful Dark Twisted Fantasy

KANYE WEST
My Beautiful Dark Twisted Fantasy (Def Jam, 2010)

E
pico è forse l’aggettivo che più si adatta a un album e a un artista che hanno tracciato
un solco profondissimo nella cultura popolare dell’ultimo decennio. Concepito in
un momento in cui la carriera di Kanye si era avviluppata in un esplosivo mix di
controversie, problemi legali e sovraccarico emotivo, My Beautiful Dark Twisted
Fantasy finiva per rappresentare il più spettacolare dei colpi di reni. Epico, si diceva, per via
dello sforzo produttivo (costato qualcosa come 3 milioni di dollari), i talenti mobilitati e lo spirito
massimalista che lo percorre in ogni secondo. Esiste una vasta letteratura che circonda l’album e che
solitamente si concentra sulle session di registrazione, affrontate come una preparazione di squadra
a uno sport estremo. Altrove si evidenzia che il disco è in fondo la più voluttuosa affermazione di
autobiasimo che si ricordi. Kanye mette in scena l’irrefrenabile tendenza all’eccesso e l’egotismo
autodistruttivo con un cura meticolosa, versi di straordinario acume e l’ambizione di occupare tutto
lo spettro del pop contemporaneo. All’inizio di un decennio in cui il concetto di genere musicale
avrebbe perso consistenza, West scrive il manifesto della rockstar anni 10. Quello in cui convergono
la magniloquenza dello stadium rock, il fascino della disco, la trivialità sessualizzata del funk e
persino campionamenti prog. Il tutto in un continuo flirt fra materiale alto e basso, fra conservatorio
e strip club, che spinge l’asticella un po’ più in alto, tentando quello che altri avrebbero trovato
semplicemente folle: epiche da nove minuti, archi spectoriani, citazioni da Gil Scott-Heron, King
Crimson e Black Sabbath. Persino contributi di icone del passato, come Elton John, e del presente,
come Bon Iver. Una magmatica opulenza che finisce per raccogliersi in una montagna talvolta difficile
da scalare, ma che rappresenta un punto di vista privilegiato da cui osservare la musica del futuro.
Una canzone: All Of The Lights

• | 60 | •
 N T A
U A
I N Q
I C
L T R
L I A
: G
TR A

N TA
U A
IN Q
I C
A L TR
G LI
A :
X T R
E
 EXTRA - Gli altri 50

ALGIERS
Algiers
Matador, 2015

Gospel, punk, soul, electro: gli Algiers spuntano fuori dal nulla con un
album frontale, carico di furore politico, che pretende di essere ascoltato e
dissezionato nei suoi molteplici riferimenti culturali.

ANOHNI
Hopelessness
Secretly Canadian/Rough Trade, 2016

Come Antony Hegarty aveva già dimostrato di saper toccare profonde corde
emotive. Gli arrangiamenti elettronici e la rabbia di Hopelessness fanno di
Anohni una delle artiste più politiche e innovative della sua generazione.

ARCA
Xen
Mute, 2014

Con il suo esordio Alejandro Ghersi, in arte Arca, manipola IDM e hip hop
strumentale per dar vita ad un nuovo tipo di elettronica, in grado di proporre
un concetto di “genere” fluido come le sue sonorità.

ARIEL PINK
Before Today
4AD, 2010

Il suo classico. La produzione rimane sempre la più schizofrenica in

circolazione, ma la sua capacità di trasformare materiale di riciclo in
straordinari pezzi pop diventa arte.

AUTECHRE
Elseq 1-5
Warp, 2016

Una mossa destinata a lasciare interdetti anche i fan più accaniti del
duo. Un artefatto post umano di oltre quattro ore, la cui freddezza viene
mitigata dall’improvvisazione e dal feeling live.
• | 65 | •
EXTRA - Gli altri 50

BIG THIEF
U.F.O.F.
4AD, 2019

Intimo, delicato ed enigmatico. Il terzo album dei Big Thief è un classico

istantaneo. Adrianne Lenker perfeziona le sue filastrocche emotive con testi
che accompagnano i fragili arrangiamenti verso profondi percorsi interiori.

BLOOD ORANGE
Negro Swan
Domino, 2018

La voce narrante dell’attivista transgender Janet Mock è il filo conduttore

di un album che recupera suoni e suggestioni di 40 anni di cultura black e
queer newyorchese, restituendola in un flusso sonoro del tutto originale.

JAIMIE BRANCH
Fly Or Die
International Anthem Recording Co., 2017

Quello della Branch è un esordio che nasce nel cuore di Chicago, trae linfa
vitale dalle sue passate esperienze nel giro dell’indie rock, dell’hip hop
e del punk e stravolge i luoghi comuni sul jazz.

BILL CALLAHAN
Shepherd In A Sheepskin Vest
Drag City, 2019

Shepherd… rispolvera i fasti del folk rock più intimista e drakeiano grazie
a un songwriting asciutto e disarmante. Un invito a riflettere sul proprio
rapporto con lo scorrere del tempo.

CAR SEAT HEADREST

Teens Of Denial
Matador, 2016

Come un Brian Wilson dell’indie rock, Will Toledo organizza i flussi di

coscienza in piccole sinfonie chitarristiche, mettendo sempre al centro
le ansie e i problemi connessi a crescita e maturazione.
• | 66 | •
 EXTRA - Gli altri 50

NENEH CHERRY AND THE THING

The Cherry Thing
Smalltown Supersound, 2012

Il risultato di quattro giorni di jam fra la Cherry e il trio jazzcore svedese

è una musica che fa convivere dinamiche free, blues e suggestioni world
all’interno di un amalgama eccitante e metropolitano.

CHROMATICS
Kill For Love
Italians Do It Better, 2012

Con i suoi synth sgranati, l’allure dreamy e le sue voluttuose melodie,

Kill For Love contende a Hurry Up, We’re Dreaming la palma di album
notturno più intenso e suggestivo del decennio.

DANNY BROWN
Atrocity Exhibition
Warp, 2016

Estremo, tossico, oscuro. Per descrivere le paranoie sonore di Danny

Brown sono stati scomodati post punk e noise, ma siamo ancora in ambito
hip hop. Quello più avveniristico e sperimentale.

DESTROYER
Kaputt
Merge, 2011

Dan Bejar reinventa se stesso recuperando l’eleganza del soft rock anni
80 e rinchiudendosi in una bolla di lisergica malinconia in cui convergono
pop, jazz e un songwriting curato e meticoloso.

DIIV
Oshin
Captured Tracks, 2012

Con Oshin i DIIV guidano l’assalto delle band jangle pop di casa Captured
Tracks alle vestigia dell’indie rock. Lo fanno con un romanticismo tossico
e narcolettico che rappresenta una nuova e oscura via al dream pop.
• | 67 | •
EXTRA - Gli altri 50

DIRTY PROJECTORS
Dirty Projectors
Domino, 2017

All’indomani della rottura sentimentale e artistica con Amber Coffman,

David Longstreth compone il suo disco più soulful. Quello che, abbandonate
le chitarre, contribuirà ad annullare le distanze fra indie e R&B.

DOWNTOWN BOYS
Full Communism
Don Giovanni, 2015

Nel 2015 il gruppo di Rhode Island ha dato una bella rinfrescata alle
stanze dell’hardcore con questa manciata di pezzi arrabbiati e divertiti che
recuperano il sound degli X-Ray Spex e l’etica dei Fugazi.

JAMES FERRARO
Far Side Virtual
Hippos In Tanks, 2011

Con retromaniache sonorità sintetiche anni 80, Ferraro costruisce una

mappa tecnologica che dai videogame a 8-bit arriva fino ai social network,
inserendo il recupero del passato in una narrativa colorata e moderna.

FONTAINES D.C.
Dogrel
Partisan, 2019

A fine decennio, Dublino è una città di frontiera in cui le condizioni

sociali favoriscono la rinascita di un rock d’assalto politico e poetico. Un
movimento spontaneo di band di cui i Fontaines D.C. sono ideali portavoce.

FOUR TET
There Is Love In You
Domino, 2010

Il quinto album di Kieran Hebden a nome Four Tet si presenta come frutto
dei suoi molteplici interessi (dance, ambient, world) e insieme moltitudine
di percorsi ancora da esplorare.
• | 68 | •
 EXTRA - Gli altri 50

GOAT
World Music
Rocket Recordings, 2012

World Music offre esattamente quello che promette: la “musica del

mondo” suonata dai Goat va alla ricerca delle origini misteriche che
uniscono le tradizioni tribali da una parte all’altra del globo.

TIM HECKER
Ravedeath, 1972
Kranky, 2011

Hecker qui si basa sul timbro processato di un organo a canne per costruire
la sua ambient orchestrale, ruvida e avvolgente. Imbastendo così un’oscura
parabola sul decadimento, da cui filtrano sporadici, toccanti raggi di luce.

HOLLY HERNDON
PROTO
4AD, 2019

La Herndon è artefice di una ricerca sonora con pochi termini di paragone.

Il suo modo di far flirtare club music, sperimentalismi pop e musica sacra
ha radici antiche ma guarda dritto verso il futuro.

LONNIE HOLLEY
MITH
Jagjaguwar, 2018

Jazz, blues e musica cosmica si fondono in un lavoro politico che affronta

le contraddizioni dell’America di ieri e di oggi da un punto di vista esterno.
Quasi extraterrestre.

JON HOPKINS
Immunity
Domino, 2013

Post rave testurale e cinematico. La cronaca di una notte fra i locali della
città, tra scampoli di eccitazione e profonde riflessioni che confermano
Jon Hopkins come uno dei più intelligenti sound designers della sua epoca.
• | 69 | •
EXTRA - Gli altri 50

JLIN
Dark Energy
Planet Mu, 2015

L’esordio di Jerrilynn Patton utilizza i ritmi della house e li accelera

in modo da infondergli tensione e terrore. Il risultato è inquietante e
accattivante e suona come l’ipotesi più probabile di musica del futuro.

THE KNIFE
Shaking The Habitual
Mute, 2013

Con un titolo mutuato dal filosofo Michael Foucault, l’ultimo album dei
Knife è una miscela unica di teoria politica e pop d’avanguardia, dove le
sperimentazioni elettroniche sconfinano nel dancefloor.

LORDE
Pure Heroine
Republic/Lava, 2017

Dave Grohl e David Bowie sono solo due degli artisti che hanno espresso
ammirazione per l’elegante pop intimista con cui la neozelandese, qui
ventunenne, cattura lo spleen della sua generazione.

MBONGWANA STAR
From Kinshasa
World Circuit, 2015

Una psichedelia liquida e carica di groove, che assimila i ritmi della

rumba da strada congolese e dell’afrobeat a quelli metropolitani di trip
hop e hip hop, con un risultato che punta direttamente alla Luna.

MOUNT EERIE
A Crow Looked At Me
P.W. Elverum & Sun, 2017

Scritto subito dopo la morte per cancro della moglie musicista, e suonato
nella sua stanza, con i suoi strumenti, A Crow… è una meditazione senza
tempo sulla perdita, che si rifiuta di offrire alcun senso di sollievo.
• | 70 | •
 EXTRA - Gli altri 50

MY BLOODY VALENTINE
mbv
My Bloody Valentine, 2013

22 anni dopo l’epocale Loveless, Kevin Shields rivendica la paternità dello

shoegaze e si conferma portatore di una visione estetica meticolosa e
senza compromessi, che non teme imitazioni.

JOANNA NEWSOM
Have One on Me
Drag City, 2010

Tre dischi per due ore di durata: un ascolto che può sembrare sfidante, ma
una volta entrati nell’intricata narrativa e dipanata l’affascinante matassa
stilistica la voce della Newsom conduce verso un’esperienza unica.

ONEOHTRIX POINT NEVER

Replica
Mexican Summer/Software, 2011

Costruito in buona parte su samples di spot anni 80, Replica è il

manifesto retromaniaco di Daniel Lopatin. Un disco di memorie astratte
e frammentate diverso da qualunque altra cosa lo abbia preceduto.

PALLBEARER
Foundations Of Burden
Profound Lore, 2014

Come i Deafheaven, i Pallbearer sono una band metal fuori categoria. Il

loro modo di approcciare il doom parte dai Sabbath ma si fa carico di un
ampissimo spettro sonoro, risultando sempre potente e regale.

JOSH T. PEARSON
Last Of The Country Gentlemen
Mute, 2011

A dieci anni dai Lift To Experience, Pearson torna senza più fede e con
parecchi fallimenti umani alle spalle. Nel suo primo disco solista suona
come uno Springsteen gotico incapace di trovare una via di redenzione.
• | 71 | •
EXTRA - Gli altri 50

PROTOMARTYR
The Agent Intellect
Hardly Art, 2015

Che si tratti di descrivere paranoie urbane o dilaniarsi con interrogativi

universali, sono pochi a poter vantare il talento lirico di Joe Casey e
il furore apocalittico della band che lo accompagna.

PURPLE MOUNTAINS
Purple Mountains
Drag City, 2019

L’ultimo album di David Berman ce lo aveva riconsegnato in uno stato

di grazia. Il suo songwriting era così sincero, ironico e disperato che
ascoltarlo non fa che riaprire la ferita della sua scomparsa.

RAIME
Quarter Turns Over A Living Line
Blackest Ever Black, 2012

Il duo londinese esordisce con quella che pare una naturale evoluzione
del dubstep. Un flusso di gelide pulsazioni e bassi plumbei che si situano
nell’anfratto più oscuro della club music.

GIL SCOTT- HERON

I’m New Here
XL Recordings, 2010

Un ritorno alle origini: uno spoken word che questa volta sa di saggezza e di
orgogliosa rassegnazione. Appena mezz’ora con cui l’artista ribadisce il suo
inestimabile impatto sulla popular culture.

SAVAGES
Silence Yourself
Matador, 2013

Benché in ritardo sul revival del post punk, il suono delle Savages è
talmente urgente e sicuro della propria visione politica da diventare un
punto di riferimento per tutto il rock meno allineato.
• | 72 | •
 EXTRA - Gli altri 50

SONS OF KEMET
Your Queen Is A Reptile
Impulse!, 2018

Un sound fiero e violento che recupera l’afflato politico del jazz e lo carica
di memorie tribali: l’ensemble del sassofonista Shabaka Hutchings scrive un
manifesto afrocentrico eticamente ed esteticamente immacolato.

SOPHIE
Oil Of Every Pearl’s Un-Insides
Transgressive/PIAS, 2018

La produttrice scozzese riassume in sé tutta la complessità dell’electro

anni 10, attraverso brani che rivitalizzano il concetto di EDM e sonorità
astratte che sovvertono ogni genere fin qui conosciuto.

ANDY STOTT
Luxury Problems
Modern Love, 2012

Nel 2012, Stott reinventa se stesso mescolando il dub più profondo

e la techno più notturna e seducente. Il risultato è un passo oltre le
atmosfere più sexy e inquietanti di Portishead e Massive Attack.

SUN KIL MOON

Benji
Caldo Verde, 2014

Kozelek imbastisce una narrazione fatta di tragedie familiari e cari scomparsi,

ma l’audacia e la vulnerabilità delle sue riflessioni parlano a ognuno di noi in
un modo che è difficilmente riscontrabile nella popular music.

SWANS
The Seer
Young God, 2011

Un’opera massimalista per grandiosità, durata e numero di ospiti. Una

musica dura, magniloquente e nera come una notte senza stelle, che
sconvolge il concetto di folk in senso metafisico.
• | 73 | •
EXTRA - Gli altri 50

STORMZY
Gang Signs & Prayer
Warner, 2017

Capolavoro del grime e blockbuster in grado di rendere Stormzy la voce di

una generazione, Gangs… è un album acuto e riflessivo, dotato di una prosa
viscerale e vivida che converte il dolore in rabbia costruttiva.

TOOL
Fear Inoculum
Sony Music, 2019

La loro inclusione in questa lista non era scontata. Ma anche se il nuovo

lavoro fatica a ritrovare la potenza del passato resta un’opera visionaria
che porta il metal in territori concettuali preclusi a chiunque altro.

THE WEEKND
House Of Balloons
Universal Republic, 2011

Pochi artisti hanno definito una narrazione così chiara in così breve tempo.
Merito di un album che riunisce le tante anime dell’underground in un post
dubstep capace di incantare ancora oggi per originalità.

YVES TUMOR
Safe In The Hands Of Love
Warp, 2018

I materiali sonori maneggiati dal misterioso produttore sono fra i più

disparati (R&B, post punk, ambient) ma trovano coesione grazie all’attitudine
anticonvenzionale, al mood metropolitano e al superbo songwriting pop.

ZOLA JESUS
Okovi
Sacred Bones, 2017

Dagli esordi lo-fi a un habitat sonoro che mescola pop e avanguardia.

Quello di Nika Danilova è un percorso esemplare, valorizzato da una
preparazione classica con la quale aggiorna 40 anni di suggestioni gotiche.
• | 74 | •
 AFIA
OGR
IBLI
B
RIVISTE:
Blow Up, Il Mucchio Selvaggio, Rockerilla, Rumore

WEBZINE:
Billboard (billboard.com)
Brooklyn Vegan (brooklynvegan.com)
B-Sides & Badlands (bsidesbadlands.com)
Consequence Of Sound (consequenceofsound.net)
Complex (complex.com)
Crack (crackmagazine.com)
Daily Review (dailyreview.com.au)
Diffuser (diffuser.com)
DIY (diymag.com)
DJ Booth (djbooth.net)
Esquire (esquire.com)
Everything Is Noise (everythingisnoise.net)
Frieze (frieze.com)
Glide (glidemagazine.com)
Gorilla Vs. Bear (gorillavsbear.net)
GQ (gq.com)
The Guardian (guardian.co.uk)
The Independent (independent.co.uk)
Indiehoy (indiehoy.com)
Louder Than War (louderthanwar.com)
Medium (medium.com)
Music OMH (musicomh.com)
NBHAP (nbhap.com)
NME (nme.com)
Noisey (noisey.vice.com)
Ondarock (ondarock.it)
Paste Magazine (pastemagazine.com)
Pitchfork (pitchfork.com)
Resident Advisor (residentadvisor.net)
SentireAscoltare (sentireascoltare.com)
Soul In Stereo (soulinstereo.com)
Spectrum Culture (spectrumculture.com)
Spin (spin.com)
Stereogum (stereogum.com)
Study Breaks (studybreaks.com)
The Line Of Best Fit (thelineofthebestfit.com)
Treblezine (treblezine.com)
Uproxx (uproxx.com)
Vulture (vulture.com)
The Young Folks (theyoungfolks.com)
• | 77 | •
 OTE
N
rumoremag.com
 C

CM

MY

CY

CMY

"Cinquanta per '10"

è un supplemento al numero 336 (gennaio 2020) del mensile
Autorizzazione del tribunale di Torino n. 506-00
Stampato nel mese di dicembre 2019

Copertina di Steuso