N° 345 | MENSILE - OTTOBRE 2020 | PRIMA IMMISSIONE 29/09/2020 | EURO 7,00

KEATON HENSON MARCO PARENTE LES BAXTER KEVIN MORBY BEABADOOBEE

MATT BERNINGER BLACK HELIUM THURSTON MOORE SUFJAN STEVENS DOVES

DERIVE RETROPOLIS OLTRE 280 RECENSIONI

PSICHEDELICHE STEFANO TAMBURINI: TRA DISCHI, LIBRI, FILM
2020 DA RANXEROX A RED VINYLE SERIE E FUMETTI

CCCP
EPICA ETICA STORIA PATHOS

TUTTA LA MUSICA DI CUI HAI BISOGNO

POSTE ITALIANE SPA - SPED. IN A.P. - D.L. 353/2003 (CONV. IN L. 27/02/2004 N.46) ART. 1, COMM A 1, NO / TORINO - ISSN 1591-4062 - N.9 ANNO 2020
M AT T B E R N I N G E R S E R P E N T I N E P R I S O N

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 EDI TOR I ALE
SEMPRE (IR)REPERIBILE
DI ROSSANO LO MELE
John Loder. Un nome così inglese e così anonimo
da assomigliare a un Marco Rossi qualsiasi. John
Loder: solo omonimo del celeberrimo attore britan-
nico che imperversò tra cronaca e pellicole negli anni
30/40 del secolo scorso. Quella del “nostro” John
Loder è invece tutta un’altra storia. Chi già lo cono-
sce può agevolmente passare oltre. Gli altri invece,
magari anagraficamente meno esperti, ci concedano
qualche minuto. Morto 15 anni fa per un atroce tumo-
re al cervello che se lo divorò nell’arco di un anno ap-
pena, Loder è stato un rivoluzionario del rock e della
musica. Per certi versi, e per sommi capi, potremmo
definirlo un Brian Eno del punk.
Nato vicino a Plymouth nel 1946 e spostatosi a
Londra per studiare ingegneria, Loder era un gran-
de fan di Jimi Hendrix. Venticinquenne, decise
di finanziarsi un innovativo (per l’epoca) sistema
di registrazione multitraccia facendo per un po’ il
tassista. Al principio degli anni 70 conobbe Jeremy
Ratter, con cui fondò il gruppo d’avanguardia Exit.
Durò solo due anni, ma fu sufficiente a gettare le
basi per una carriera e una lunga amicizia. Ratter
si ribattezzò Penny Rimbaud e di lì a poco avrebbe
fondato i Crass assieme a Steve Ignorant, una delle
leggende della storia del punk mondiale. Nel frat-
tempo Loder aveva individuato un garage nella zona
sud di Londra e aveva deciso di aprire lì i Southern
Studios. Siamo a metà degli anni 70 e, nonostante il
successo e l’ingrandimento del business che sarebbe-
ro poi arrivati, il fondatore decide che non sposterà
mai da lì la sede delle sue operazioni come fonico
e produttore. Già perché l’ondata punk iniziava a
esondare e Loder divenne il principale fiancheggia-
tore dei Crass, il manager in pratica. La band decise
di vendere il primo singolo sottocosto (45 penny!?)
contro il volere proprio del manager: Loder temeva
che così facendo i Crass avrebbero perso soldi (tre
penny a copia per l’esattezza) invece di guadagnarne.
Ma il successo della band su larga scala e gli ingaggi
dal vivo diedero ragione a Penny Rimbaud. Pro-
prio quest’ultimo, nel ricordo di Loder scritto per il
“Guardian” subito dopo la sua morte, ricorda come
il produttore fosse un uomo che – pur avendo un
grande intuito commerciale – anteponeva sempre il
bello al grande. Nel 1979 nacque la Crass Records e
i Southern Studios divennero il punto di riferimento
per tutti gli aspiranti musicisti formatisi col punk. I
Crass vendevano un sacco di dischi e nel 1985 Loder
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La responsabilità dei testi e delle immagini pubblicate è imputabile ai soli autori.
L’editore dichiara di aver ottenuto l’autorizzazione alla pubblicazione dei dati riportati nella rivista.
inaugurò una catena distributiva per aiutare una serie
di gruppi statunitensi in Europa. Mentre nel 1990, 30
anni fa, decise di aprire la filiale discografica dei suoi
studi: nacque così la Southern Records. Operando una
breve ricognizione dei nomi con cui ha lavorato c’è da
rimanere ammutoliti. Chi solo a livello distributivo,
chi produttivo, chi discografico, chi manageriale, dalle
sua mani sono passati progetti come Shellac, Chum-
bawamba, Therapy?, Babes In Toyland, Minor Threat,
Björk, Silverfish etc. Ma non solo: la Southern divenne
il polo distributivo europeo di realtà editoriali come
Touch&Go, Constellation, Ipecac, Dischord, Simple
Machines, Wax Trax e via dicendo. Loder è stato il
silenzioso artefice di un impero indipendente che non
ha mai ceduto alle lusinghe del mercato, soprattutto
multinazionale. E tutto questo quando non era più un
ragazzino, ma un cinquantenne con una visione degna
dei tecnocrati di cui sono piene le cronache. Anche
la Southern divenne a suo modo una multinazionale,
aprendo sedi in Francia e Stati Uniti. Ma la crisi degli
anni Zero pian piano ha finito con l’asfissiare anche
lei. Il ridimensionamento aziendale non ha però fatto
in tempo a compiersi, giacché, come detto, a metà anni
Zero Loder è scomparso.
Perché facciamo riemergere questa vicenda dagli
archivi, e perché proprio oggi? Perché di recente un
articolo del “Chicago Reader” si è soffermato su un
pezzo di eredità della Southern Records. Rispondente
al nome di Karate. La band che fu di Geoff Farina –
amata con tutta probabilità in Italia come in nessun
altro paese al mondo: ricordo un’esibizione proprio
a Chicago di fronte a una dozzina di persone appena,
negli anni d’oro – è come se non esistesse più. Anzi, è
come se non fosse mai esistita. E stiamo parlando di un
gruppo pionieristico nel mescolare jazz, post rock, emo
e slowcore. Non solo non si trova traccia del loro archi-
vio sulle piattaforme digitali (Apple Music a parte), ma
i dischi non vengono ristampati da tempo immemore.
Così, nell’era dell’accesso totale e della reperibilità
h24, se non fosse per qualche fondamentalista su You-
Tube queste canzoni non avrebbero diritto di domici-
lio. Non tutta la musica del mondo è disponibile, falso
storico. Tanta si perde, speso la migliore. Superfluo do-
mandarsi: ma se Loder - che mise sotto contatto i Ka-
rate - fosse ancora vivo, questo decesso sonoro sarebbe
accaduto? Non lo sapremo mai: ma resta il sospetto
che la morte di chi ha amplificato quella musica si porti
nella fossa anche la musica stessa.
 345CO N T E N U T I

26

COV E R S TO R Y

CCCP

26 CCCP DI FR ANCESCO VIGNANI

E BARBARA SANTI

46 Matt Berninger DI LETIZIA BOGNANNI

50 Derive Post Psichedeliche Anni 20 D I C L AU D I O S O R G E

94 Retropolis: Stefano Tamburini D I LU C A F R A Z Z I

 NUMER O 34 5
ANNO 2 9
OT TOBR E 2 02 0

DI R ET TOR E R ESPONS ABI LE

Marco De Crescenzo

DI R ET TOR E EDI TOR I ALE

Rossano Lo Mele

COOR DI NAMENTO R EDAZI ONAL E

Alessandro Besselva Averame

R E DA Z I O N E E WE B Nicholas David Altea,

Letizia Bognanni

MAT T B ER N IN G E R CONSULENTI ALL A R EDAZI ONE

Maurizio Blatto, Giona A. Nazzaro,
P. 4 6 Claudio Sorge, Giorgio Valletta

R UBR I CH E Alessandro Baronciani, Carlo

Bordone, Luca Doldi, Francesco Farabegoli,
Luca Frazzi, Sergio Messina, Marco Pecorari,
Andrea Pomini, Barbara Santi

COLL ABOR ATOR I

Davide Agazzi, Diego Ballani, Antonio
Belmonte, Paolo Bogo, Claudia Bonadonna,
Antonio Briozzo, Arturo Compagnoni, Matteo
Da Fermo, Stefano D'Elia, Stefano Fanti,
Mauro Fenoglio, Paolo Ferrari, Daniele
Ferriero, Manuel Graziani, Luca Gricinella,
Stefano Morelli, Andrea Prevignano, Fernando
Rennis, Mario Ruggeri, Gianluca Runza, Fabio
Striani, Doriana Tozzi, Andrea Valentini,
Simona Ventrella, Francesco Vignani

DI R ET TOR E AR TI STI CO Stefano Manzi

PR OG ET TO G R AF I CO
E I MPAG I NAZI ONE Sericraft Lab snc

B L ACK HELIU M F OTOG R AF I Stefano “Star Fooker” Brambilla,

Francesca Sara Cauli, Luigi De Palma
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Brezzo di Bedero (VA)
5 Editoriale 90 Flashback
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8 News 91 Retropolis direttamente presso l’editore
14 Privé 104 Che fine hai fatto? Autorizzazione del tribunale di Torino n. 21
18 My Tunes 105 Gente Sola del 25/07/2013
ISCRIZIONE AL ROC N° 23733
20 Futura (Ma Non Troppo)
Questo periodico è associato
CONTEN ITOR I 59 Recensioni 106 Visioni all’Unione Stampa Periodica Italiana

60 Disco Del Mese 110 Letture Finito di stampare nel mese di Settembre 2020
82 Treecolore 111 Fumetti
84 Radici 112 Poster-i
86 In Italia 114 Banda Larga
88 Singolare
A R A B S T R A P R Y L E Y WA L K E R S I M E O N C O X E J A S O N I S B E L L J O H N F O G E R T Y

A CU RA DELL A RE DA Z I ONE OT TOBRE 2020 @ ru m o re m a ga z i n e

GORILLAZ GRANDADDY PETER GREEN MARK MOTHERSBAUGH

INDICE: NEWS p. 08 — FACCIAMO I CONTI p.09 — SOCIAL p.10 — IN ARRIVO p.10

I 20 ANNI DI THE SOFTWARE

SLUMP DEI GRANDADDY

In occasione dei 20 anni

dall’uscita di The Software
Slump, i Grandaddy pub-
blicheranno una versione
ampliata del disco molto
particolare, comprendente
anche una “piano version”
(The Software Slump… On
A Wooden Piano) cantata
e suonata in solitaria da
Jason Lytle. L’uscita è pre-
vista in vinile e, oltre alle
due versioni dell’album,
ci saranno altri due LP
contenenti rarità assortite
e gli EP Signal To Snow
e Frosty Plate Glass. Il
chitarrista della band cali-
forniana, Jim Fairchild, ha
dichiarato: “Tenendo conto
dell’ampiezza di quel che
i Grandaddy hanno fatto e IL RITORNO DEGLI ARAB STRAP
di quello che Jason ha fatto
nel corso della sua carriera,
ho sempre pensato che oc-
o ha ufficializzato il video un sortilegio vodoo per resuscitare i
corresse riservare maggiore
attenzione all’aspetto che di The Turning Of Our morti, ispirato al rito del Famadihana in
per me è quello più impor- L Bones, diffuso ai primi Madagascar, nel quale i malgasci danzano
tante della sua arte, quello di settembre: gli Arab con i cadaveri dei loro cari: tutto ha a che
di songwriter”. Strap sono tornati. Il duo fare con la resurrezione e con lo scopare”,
scozzese si era sciolto nel attraversato da lampi di black humour e
SEMPRE PIÙ DIFFICILE 2006, fine corsa sancita dalla pubblicazione integrato da spassosi sottotitoli, sarà il
SUONARE NEGLI STATI UNITI dell’antologia Ten Years Of Tears: An Audio preludio a qualcosa di più corposo. Quel che
Documentary!, ma a partire dal 2011 si è certo è che la canzone esce il 23 di questo
era occasionalmente riunito per concerti mese sotto forma di 7”, con un altro brano
Un incremento del 50% nel sporadici, ad esempio suonando all’Iceland inedito, The Jump, sulla seconda facciata.
costo dei permessi di lavo- Airwaves del novembre 2017. Al momento
ro per l’ingresso negli Stati non si sa se il nuovo brano, descritto da
Uniti rischia di rendere Aidan Moffatt come “un incantesimo,
sempre più difficile suona-

8 | RUMOREMAG.COM
 re oltroceano per i gruppi
britannici (e non solo).
FACCIAMO I CONTI Questo lo scenario com-
mentato da Dave Webster,
coordinatore nazionale
per l’attività concertistica

10
presso la Musicians’ Union
STELLE: QUESTO IL VOTO CHE DA inglese: “Si tratta di un
SPET TATORE MOSES SUMNEY AT TRIBUISCE ulteriore chiodo nella bara
ALL A SERIE DELL A BBC I MAY DESTROY YOU per quanto riguarda la
possibilità che i musicisti
britannici siano in grado
di andare in tour, e un ter-
ribile colpo per gli scambi

180
GRADI DI MUTAZIONE UMORALE IN POCHI culturali in generale”.
M I N U T I: L'A S CO LTO D I WAY N E S H O R T E R Webster ha sollecitato la
SORTISCE QUESTO EFFETTO SU DON WAS creazione di una task force
per discutere le modifiche
legislative statunitensi,
effettive a partire da que-
sto 2 ottobre. Le nuove

78
GIRI: SU UN VECCHIO DISCO IN QUESTO tariffe sono di 705 dollari
FORMATO DI MUDDY WATERS, PETER per poter ottenere un “o
GREEN INCOMINCIÒ A SUONARE LA visa”, destinato ai singoli
CHITARRA A 10 ANNI!? artisti “di straordinaria
abilità”, e 695 dollari per
un “p visa”, destinato prin-
cipalmente ai “gruppi dalla

10
MILA ORE DI MUSICA: SECONDO BILL consistente notorietà in-
CALL AHAN UN MUSICISTA NON DEVE ternazionale”. Fino ad oggi
NEANCHE COMINCIARE A SUONARE SE il costo era lo stesso per
PRIMA NON LE HA ASCOLTATE entrambe le opzioni, 460
dollari. Si allungano anche
i tempi, seppure di poco,
per ottenere i visti: non più
15 giorni bensì 15 giorni
lavorativi. Con la Brexit e

2500
S T E R L I N E . Q U E S TO, N E L 1 9 74 , I L C O S TO D I
REALIZZAZIONE DI I WANT TO SEE THE BRIGHT la pandemia, la situazione
LIGHTS… DI RICHARD & LINDA THOMPSON rischia di diventare dram-
matica. Tom Kiehl, CEO di
UK Music, ha dichiarato a
“Pitchfork”: “È fondamen-

50
tale che i gruppi e artisti
DISCHI, IL FOLLE PROGETTO DI DEDICARNE britannici riescano a suo-
UNO PER OGNI STATO NORDAMERICANO: nare in America, il mercato
S U FJ A N S T E V E N S H A A M M E S S O C H E E R A musicale più grande del
SOLO AUTOPROMOZIONE mondo, ma l’incremento
dei costi per ottenere i visti
rende il tutto molto più dif-
ficile. Per molti è durissi-

15
ma riuscire a non andare in
MA ANCHE 20MILA COPIE PER OGNI passivo esibendosi oltreo-
ALBUM: QUESTE LE VENDITE DEI FALL ceano. E oggi c’è un rischio
A INIZIO CARRIERA reale che questi incrementi
rendano i tour negli Stati
Uniti inattuabili, nel con-
testo di quello che è già

10
di per sé un momento im-
PERSONE ASSIEME: CI CONVIVE MAGNUS mensamente difficile per
MARTIN DEGLI HAWKWIND, IN UNA l’industria musicale bri-
FAT TORIA DEL GALLES tannica. Il governo inglese
deve avere come priorità
l’eliminazione delle bar-
riere commerciali per i
musicisti in tour nell’ottica
RUMORE È DISPONIBLE OGNI MESE ANCHE IN VERSIONE DIGITALE
di un futuro patto tra i due
SCARICA SUBITO LA NOSTRA APP! paesi. Il presidente Trump
DISPONIBILE PER SMARTPHONE E TABLET APPLE E ANDROID deve ripensarci”.

RUMOREMAG.COM | 9
N E W S! OT TO B R E 2 02 0

RUMORE PER IL SOCIAL

COMPILATION PER BEIRUT

La rivista online in lingua SF O G H I, CO N FE S S IO N I E CA Z Z EGGI CAT TUR ATI IN RE TE

araba Ma3azef ha pubblicato
una compilation destinata
a raccogliere fondi per gli
artisti di Beirut e per alcune
associazione umanitarie at- AEDIPUS VOX
tive in Libano, una iniziativa
benefica a seguito dell’esplo- R Y L E Y When you’re not home, your stepdad fucks your
sione che lo scorso 4 agosto WALKER mum while listening to “elevation” by U2
ha messo in ginocchio la @ R Y L E Y W A L K E R
(Quando non siete in casa, il vostro patrigno scopa
capitale di paese già marto-
vostra mamma ascoltando “elevation” degli U2)
riato da una profonda crisi
economica. Nisf Madeena
il titolo, curato dallo stesso
sito in collaborazione con il
mastering engineer Heba
Kadry. All’interno tracce ine-
dite offerte da artisti di varia
nazionalità tra cui Nicolás
Jaar e Fatima Al Qadiri. DUNE MOSSE

JOHN FOGERTY E ERIC J A S O N That Dune trailer looks pretty great and this is
BURDON VS TRUMP I S B E L L coming from somebody who’s had sex
@ J A S O N I S B E L L
(Quel trailer di Dune sembra davvero fantastico e questo
ve lo dice qualcuno che ha fatto sesso)
L’elenco ormai consistente
di artisti che prendono le
distanze dall’utilizzo di loro
brani da parte di Donald
Trump si allunga. Dopo John
Fogerty, il quale ha commen-
tato l’utilizzo da parte del
Presidente degli Stati Uniti
di Fortunate Son dei Cre- IN ARRIVO
edence Clearwater Revival
manifestando la propria con-
fusione, in riferimento anche
al fatto che Trump fosse
riuscito a non farsi spedire in
Vietnam (“la canzone parla
più di della ingiustizia di GORILLAZ
classe che della guerra in sé,
insomma, il vecchio detto per
cui i ricchi fanno le guerre e ONG MACHINE: SEASON ONE
i poveri poi devono combat- STRANGE TIMEZ
tere per loro”), anche Eric PARLOPHONE
Burdon – il presidente ame-
ricano ha utilizzato House Of
The Rising Sun degli Animals
in un recente comizio – ha L’ipotesi che sarebbe uscito un nuovo album dei Gorillaz nel 2020 aveva incominciato a
detto la sua, commentando diffondersi a gennaio di quest’anno, con i primi episodi del progetto Song Machine, una
così su Instagram, a corredo serie di episodi musicali animati con vari ospiti musicali come protagonisti. Song Machine:
di una foto in cui indossa una Season One – Strange Timez raccoglie 11 brani in tutto (17 nella versione vinilica deluxe),
mascherina con su scritto con il coinvolgimento di una lunga lista di guests che definire eterogenea è un eufemismo
“vote”: “Anche se nessuno (al contrario di quanto accadeva nel precedente The Now Now, spoglio e minimale, quasi
mi ha chiesto il permesso,
un disco solista di Damon Albarn), comprendente tra gli altri Beck, Elton John, Robert
non mi ha sorpreso scoprire
Smith, Fatoumata Diawara, Peter Hook, Slowthai, St. Vincent, JPEGmafia, Joan As A
che Trump abbia utilizzato
House Of The Rising Sun Police Woman, Unknown Mortal Orchestra e lo scomparso Tony Allen. Il 12 e 13 dicembre il
per il suo comizio dell’altro progetto prenderà dal vivo con Song Machine Live, trasmesso da LiveNow.
giorno. Una storia di peccato
e miseria ambientata in un G O R I L L A Z.CO M PA RLO P H O NE .C O M
bordello gli si adatta alla
perfezione! E in questo mo-
mento storico è ancora più FUORI IL 23 OT TOBRE 2020
appropriata”.

10 | RUMOREMAG.COM
 ALTRI LUTTI

I SHOT THE SHERIFF

Tra gli artisti che ci hanno
lasciato in queste settimane:
I challenge all dads to a duel to the death because
TRAITOR JOE I am correct
il musicista elettronico Tom
(PHOEBE Relleen (1978-2020), metà
dei Tomaga, duo sperimenta-
BRIDGERS) (Sfido tutti i papà a duello fino all’ultimo sangue perché
sono una persona corretta) le con base a Londra fondato
@PHOEBEBRIDGERS
insieme alla batterista Va-
(Phoebe Bridgers risponde alle polemiche inerenti il suo lentina Magaletti (Vanishing
“dissing” su Eric Clapton, nda) Twin, Bat For Lashes, Nicola
Jaar), protagonista della
scena avant londinese anche
con altri progetti tra cui The
Oscillation e Autotelia; Pete
Way (1951-2020), bassista
degli hard rockers britan-
nici UFO; Justin Townes
r u mo remag r u more m a ga z i n e Earle (1982-2020), figlio di
Steve e apprezzato protago-
nista della scena alt country;
Walter Lure (1949-2020),
chitarrista degli Heartbre-

ASCOLTA
QUESTO
NUMERO SU
SPOTIFY

MARK MOTHERSBAUGH E IL COVID-19
ntervistato dal “Los
Angeles Times”, Mark
I Mothersbaugh dei Devo
ha raccontato la sua
drammatica esperienza
con il Covid-19, i mesi
di ricovero in ospedale a seguito della
diagnosi di inizio giugno. “Sono passato
dal ‘non mi sento bene’ il martedì
all’ambulanza che mi portava al Cedars il
sabato”. Paziente ventilato, Mothersbaugh
ha raccontato di aver trascorso parecchio
tempo in uno stato allucinatorio durante
il quale si era convinto di essere stato
L'ESPERIENZA
DI RUMORE
SI AMPLIFICA
OGNI MESE UNA NUOVA
aggredito e rapito da una banda di ragazzini
PLAYLIST DEDICATA
“che mi avevano venduto a una compagnia
AL NUMERO IN USCITA
privata di ambulanze, cui fornivano
pazienti COVID dietro pagamento”. Le PER VIVERE IL MAGAZINE
allucinazioni non si sono fermate lì: “in IN MANIERA TUTTA NUOVA
questa mia allucinazione avevo scritto
un intero album dei Devo, e preparato un
nuovo live show”. I musicista dice di essere
andato molto vicino alla morte e che a
impedirgli di “lasciarsi scivolare” è stata
una telefonata della moglie e della figlia.
Ancora convalescente, Mothersbaugh è
comunque già tornato al lavoro sui suoi
progetti musicali. ru m o re m a ga z ine

RUMOREMAG.COM | 11
N E W S! OT TO B R E 2 02 0
akers; Mike Noga (1978-
2020), batterista cofondatore
degli australiani Drones; Ian
Mitchell (1958-2020), chi-
tarrista dei Bay City Rollers;
Steve Grossman (1951-
2020), sassofonista fusion e
hard bop, tra i protagonisti
di Live At The Fillmore di
Miles Davis (1970); Ronald
“Khalis” Bell (1951-2020),
sassofonista, autore e cantan-
te di Kool & The Gang; il DJ
e producer house Erick Mo-
rillo (1971-2020); Sidney
“Sid” McCray, co-fondatore
e primo cantante dei Bad
Brains.
Durante la lavorazione del
numero è venuto a mancare
Mario Pomini, padre del
nostro Andrea. La redazione
è vicina ad Andrea e alla sua
famiglia, a cui pone le più
sentite condoglianze.
ERRATA N. 344
Nella recensione boxata di
Kairon;Irse! e Polymoon per
un nostro errore sembra che
Kairon;IRSE! sia il nome della
band e Polymoon/Caterpillars
Of Creation il titolo del disco.
Si tratta in realtà di due album
distinti, Polysomn dei Kai-
ron;IRSE! e Caterpillars Of
Creation dei Polymoon.
Nella recensione di Then Play
On dei Fleetwood Mac c’è una
"r" di troppo davanti al nome
dell’etichetta discografica,
BMG.
IN USCITA
Elvis Costello Hey Clockfa-
ce (30 ottobre) Mr. Bungle
The Wraging Wrath Of The
Easter Bunny Demo (30 ot-
tobre) Guided By Voices
Styles We Paid For (novem-
bre) Heather Trost Petri-
chor (2 novembre) Tunng
Dead Club (9 novembre)
William Basinski Lamen-
tations (13 novembre) The
Cribs Night Network (13
novembre) Cabaret Vol-
taire Shadow Of Fear (20
novembre) Nick Cave Idiot
Prayer: Nick Cave Alone At
Alexandra Palace (20 no-
vembre)
12 | RUMOREMAG.COM
SIMEON COXE
Insieme al batterista Dan Taylor, Simeon Coxe aveva
fondato i Silver Apples (nome tratto da un poema di
W.B. Yeats) nel 1967, dopo che gli altri componenti
della Overland Stage Electric Band, presenza fissa
al newyorchese Cafe Wha? di cui entrambi facevano
parte, avevano abbandonato il progetto, poco sintoniz-
zati sulle crescenti sperimentazioni di Coxe, cantante
che si era messo a trafficare sul palco con un set di
oscillatori sempre più ingombrante. Classico esempio
di gruppo più avanti del proprio tempo, i Silver Apples
avevano esordito con l’omonimo album nel 1968: i
ritmi pulsanti e le melodie elettroniche (generate da
un sistema di nove oscillatori controllati attraverso
mani, piedi e gomiti) anticipavano il futuro più o meno
immediato (White Noise, Can, Suicide) e quello più
lontano (Stereolab, Portishead). Dopo lo sfortunato
Contact, nel 1969, funestato da una causa con la Pan
Am per la foto di copertina, i due scomparivano nel
nulla riemergendo 20 anni dopo con un nuovo album,
questa volta nella veste di venerati pionieri. Dopo la
morte di Taylor, nel 2005, Coxe si era esibito dal vivo
(19 3 8-2020) fino al 2016, anno in cui pubblicava un ultimo album a
nome Silver Apples, Clinging To A Dream.
GARY
PEACOCK
Contrabbassista eclettico e dalla carriera lunghissima
e articolata Gary Peacock, oltre ad aver inciso una ven-
tina di album con Keith Jarrett a partire dai primi anni
80 (a completare il collaudato trio la batteria di Jack
DeJohnette), già nel 1964, oltre a un breve passaggio nel
quintetto di Miles Davis, aveva all’attivo le session dell’e-
pocale Spiritual Unity di Albert Ayler e quelle di Life
Time, debutto solista del batterista Tony Williams. Nel
suo portfolio, collaborazioni con Paul Bley, Bill Evans,
(19 3 5 -202 0) Don Ellis ma anche Ravi Shankar, oltre che una dozzina
di album in proprio dal 1970 al 2017.
TOOTS
HIBBERT
Inizialmente gruppo vocale ska e rocksteady, nel 1968
Toots And The Maytals pubblicavano il singolo Do The
Reggay, prima apparizione nel titolo di una canzone di
un genere, il reggae appunto, che il gruppo contribuirà a
rendere popolare all’inizio del decennio successivo. Nel
1970 il singolo Monkey Man – poi ripreso nel 1979 dagli
Specials, rinnovando la popolarità della band - diventerà
uno dei loro primi successi internazionali, portandoli
a firmare nel 1971 un contratto con la Island di Chris
(19 42-2020) Blackwell. Nel 2006 il cantante e la band parteciperanno
a Radiodread, originale tributo ai Radiohead.
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PRIVÈ / PANZANE NON È VERO CHE BOICOT TARE NON SERVE
Non è vero che boicottare
non serve
“Boycotting Spotify won’t help
musicians on there”, dice Mike
Mills su Twitter. È il 2 agosto e
sta rispondendo a qualcuno che
ha proposto una campagna di
boicottaggio nei confronti del
più grande portale di streaming
musicale in attività. Mike Mills
è il bassista dei REM, lo dico per
sicurezza, e lo scambio segue
una polemica scoppiata qualche
giorno prima, a seguito di certe
aberranti dichiarazioni di Daniel
Ek di cui ha detto molto bene
Carlo Bordone sul Blog&Roll
del mese scorso. La cosa un po’
paradossale è che la polemica in
oggetto è scoppiata in gran parte
a seguito di un tweet precedente
di Mills, in cui - linkando
l’intervista - manda apertamente
affanculo il CEO di Spotify per
aver equiparato la musica a un
prodotto qualsiasi. Tornando
al tweet in apertura, immagino
che l’opinione di Mills sia il
14 | RUMOREMAG.COM
PANZANE
frutto di un ragionamento molto
complesso e sofferto, che - vista
anche la statura dell’uomo e la sua
produzione artistica - ci sentiamo
obbligati a rispettare. Accettarla,
insomma, è un pochino più dura.
Nell’ultimo periodo della storia
occidentale questo pensiero è
diventato sempre più di moda.
Parole come boicottaggio o
sciopero servono più a descrivere
pratiche che nel passato si
supponevano di uso comune,
diversamente da oggi (tipo
defrag o maniscalco, per capirci).
È ampiamente accettato ad
esempio che una persona famosa
possa criticare pubblicamente
un’azienda da cui è pagata. In
effetti è ampiamente accettato
che se queste cose ti danno
fastidio è per colpa di un tuo
limite mentale, perché tutti i dati
in nostro possesso dimostrano
che non si combatte il sistema
isolandosi in una bolla e bla bla
bla (e ad essere onesti fino in
fondo il boicottaggio è pratica
da sfigati). L’assunto su cui si
regge questa ideologia della
partecipazione ad ogni costo è
che il danno provocato all’azienda
dalla tua critica sia molto più
ingente del ritorno economico che
arriva all’azienda per via della tua
collaborazione. Questo danno è
sia economico che d’immagine:
gente che smette di comprare
i prodotti per via della critica
TESTO DI
F RANCES CO FARAB EG O LI
della persona famosa, gente che
ti bestemmia contro sui social,
e simili. Tutte cose che alla
popstar non costano una lira,
perché nel concreto sono i suoi
ascoltatori/fan/seguaci/adepti
a combattere la battaglia al suo
posto. In certi casi, diciamo un
ottimistico 4% del totale, queste
dinamiche portano a qualcosa
di buono. Nel restante 96% dei
casi è una stronzata priva di
senso che permette a Spotify di
portare avanti le sue pratiche
predatorie, permette ai musicisti
di incassare royalties che in un
sistema più equo e solidale (non
so, Bandcamp) non arriverebbero,
permette ai consumatori di
criticare Amazon e comprare
su Amazon, permette a tutti di
criticare Facebook su Facebook,
eccetera. La facile previsione del
futuro: lamentarsi sempre più
forte di un sistema sempre più
accentratore e iniquo da cui sarà
sempre più difficile (nel senso
di sconveniente) eclissarsi. Però
no, boicottare Spotify non aiuta
nessuno.

PRIVÈ / BLOG'N'ROLL FIRST ANNUAL REPORT
First Annual Report
All'inizio di settembre la RIAA
(Recording Industry Associate
Of America) ha pubblicato il suo
report semestrale sull'andamento
del business musicale. Volete
prima la buona notizia o quella
cattiva? Ok, vi conosco, partiamo
da quella buona. Le cifre dicono
che, nonostante la pandemia
e tutto il casino che sappiamo,
c'è stata una modesta ma
significativa crescita dei ricavi
legati alla “musica registrata”
(quasi un + 6%). La notizia
cattiva non è tanto quella che ci
dice che più dell'80 per cento
di questi ricavi derivano dallo
streaming, e neanche che le
vendite dei supporti fisici sono
calate di quasi il venticinque
percento (e qui il Covid c'entra,
ovviamente), o che il mercato del
digital download ha perso 200
milioni nel giro di due anni. Tutte
cose che si potevano immaginare,
e che rendono teneri anacronismi
BLOG'N'ROLL
quei titoli trionfalistici sul
vinile che sorpassa il CD nelle
vendite (capirai: tra due o tre
anni il secondo verrà superato
pure dalle vendite delle cassette
delle audiofiabe, sempre che
rimanga in circolazione). Il
dato veramente inquietante,
anche se pure questo per niente
sorprendente, lo si legge non nel
rapporto della RIAA ma in una
ricerca di Alpha Data: il 90% di
tutti gli ascolti in streaming nel
mondo sono appannaggio dell'1%
dei musicisti presenti sulle
piattaforme. Cioè circa 16mila
artisti sul totale di quelli vivi,
morti o x. Artisti, specifichiamo,
tipo Tones & I, il cui ballo della
scimmia gli ha fatto guadagnare
quasi cinque milioni e mezzo
di dollari (calcolare che la
mancetta di Spotify, per esempio,
va da 0,03 a 0,005 dollari per
singolo ascolto). Cosa dedurre
da tutto ciò? Mah, niente di
particolarmente interessante,
se non che forse (ma forse, eh)
per l'”altro 90%” stare sulle
piattaforme streaming non serve
assolutamente a niente, non solo
a livello economico ma neppure
di visibilità. A meno di non voler
dare ragione al sciur padrone
Daniel Ek e buttare lì una
canzone al giorno sperando nella
botta di culo, con statisticamente
le stesse probabilità di chi si
compra il biglietto della lotteria.
Qualcuno potrà dire che in fondo
TESTO DI
CARLO B O RD ON E
nei bei tempi analogici delle case
discografiche non era poi tanto
diverso (il che non è vero, proprio
a livello numerico), ma anche gli
ultimi giapponesi che cinguettano
le magnifiche sorti e progressive
(nel senso del genere musicale,
forse) della “rivoluzione liquida”
saranno quanto meno perplessi
davanti a questa situazione
neo feudale, che peraltro
replica fedelmente le identiche
sperequazioni economiche
del mondo in generale. Ah, a
proposito dei tempi eroici di
Napster: nell'1% di cui sopra
figurano anche i Metallica. Nel
primo semestre del 2020 hanno
tirato su tre milioni di dollari,
grazie al miliardo di streaming
delle loro canzoni. Non possiamo
che esserne felici per Lars Ulrich,
che ora potrà andare a giocare
a tennis sereno, ricordando
quando se le dava in tribunale
con Shawn Fanning. Lo vedi,
Lars, che non c'era davvero di che
preoccuparsi?
RUMOREMAG.COM | 15

PRIVÈ / ZIGZAG CHRISSIE TI AMO
Chrissie ti amo
Assodato che parlare bene
del nuovo album dei Pretenders
è diventato sport nazionale,
oltre che “trasversale” (ho visto
insospettabili sperticarsi in lodi
per Hate For Sale), e premesso
che chi vi scrive a) sui primi due
LP della band ha costruito parte
della sua adolescenza e b) ritiene
un brano come Back On The
Chain Gang qualcosa di molto
vicino alla perfezione pop, credo
sia opportuno fermarsi un attimo
a riflettere, prima di sbilanciarsi
a certi livelli. Realismo: Chrissie
Hynde ha 69 anni e il ritrovato
Martin Chambers (drummer
degli esordi), tecnicamente
inappuntabile (e vorrei vedere
che non lo fosse, dopo più di 40
anni a picchiare sui tamburi),
sembra l’ospite di una struttura
per anziani che le animatrici a
Carnevale vestono da rocker. A
69 anni, con uno vestito così alla
batteria, è impossibile fare dischi
16 | RUMOREMAG.COM
ZIGZAG
anche solo dignitosi. Si fanno
dischi ben suonati, ben prodotti,
che fanno leva sulla nostalgia dei
50/60enni, ma non dignitosi.
Si fanno dischi che 40 anni fa
un adolescente dai sani principi
avrebbe giustamente deriso. Ma il
processo di invecchiamento corre
parallelo e alla stessa velocità per
musicisti e fan, e da qui a parlare
bene di Hate For Sale è un attimo.
Io ovviamente l’ho comprato (in
vinile, perché fare le cazzate a
metà non ha senso): è ancora lì,
sigillato. Mint. L’ha comprato il
Luca quindicenne e non lo ascolta
per non rovinarsi la festa, tanto
in Rete c’è tutto e non credo valga
la pena dirvi com’è. Il termine
più benevolo (e imbarazzante)
è “carino”. Ne conoscete uno
peggiore per descrivere un disco
rock? Ecco, Hate For Sale è un
disco carino nel quale quattro
musicisti (due anziani e due ex
giovani che tengono su la baracca)
mettono in fila dieci pezzi che tra
due settimane non ricorderemo
più. A partire dal singolo, che tra
le righe ti dice “ricordi quando
avevi 15 anni?” e nei fatti brilla
per la sua perfetta inutilità. Bene.
Poi mi concentro su Chrissie e il
raziocinio evapora.
Perché Chrissie, oltre ad essere
(eternamente) bellissima, è
qualcosa a cui aggrapparsi per
non annegare nel cinismo. Da
TESTO DI
LU CA F RAZ Z I
adolescente dovevi conciliare
ormoni e nuovo rock? Ecco
Chrissie: bella, giovane, giusta.
I tre minuti di Brass In Pocket,
le camicie a sbuffo di Talk Of
The Town, le chitarre in levare
di Private Life (obbligatorie
nel 1980), il beat semplice di
Message Of Love, la new wave
alla portata di tutti: l’adolescenza,
pacchetto completo confezionato
dalla divina Chrissie, una che ha
fatto perdere parecchie diottrie
a quelli della mia generazione
che odiavano i Bee Gees. Chrissie
col suo sguardo affilato, gli
occhi scuri, la Telecaster e una
giovinezza che non l’ha mai
abbandonata. Per questo, seppur
inibito dalla sua prorompente
personalità, mi dichiaro: ti amo
Chrissie, resta sempre così, non
cambiare mai, ogni cinque anni
sforna un dischetto con due
riff decenti (che comprerò di
default) e il mondo continuerà
a sorridermi. Non chiedo molto,
rivoglio solo i miei 15 anni e
Chrissie sa come si fa.
P.S.: dall’adolescenza mi trascino
due occhiaie modello Panda e
senza occhiali ormai leggere
un giornale è pura utopia. Le
conseguenze dell’amore.

PRIVÈ / GLOBO IRONHILL
Forse sarà il libro che sto
leggendo, ma dell'omicidio
di Colleferro mi colpisce
soprattutto una cosa. Non
tanto la connotazione razzista,
molto probabilmente presente
e attiva come bonus, ma forse
non decisiva. Se Willy Monteiro
Duarte non fosse intervenuto, o
se al posto suo fosse intervenuto
uno dalla pelle più chiara, a
occhio e croce non sarebbe
andata tanto diversamente. Non
tanto l'abisso antropologico
italiano corrente, raffigurato in
maniera quasi espressionista
dagli aggressori - Marco Ezechia
Lombroso detto Cesare stai buono,
non risulta che Gué Pequeno
abbia mai ammazzato qualcuno
(© Fabio Nirta) - e lascito del
ventennio berlusconiano, ormai
tracimato oltre ogni argine.
Non tanto, dunque, la correità
lampante di un humus culturale
purtroppo egemone, fatto di
Ironhill
GLOBO
criminali poppizzati nelle serie
TV e cantanti pop che fanno i
criminali in decine di video girati
fra i palazzi, con quaranta truci
intorno e nemmeno una donna
(troia, scusate) nel raggio di un
chilometro. Correità nascosta
anche da noi buoni dietro righe e
righe di "è scritta benissimo", "la
sceneggiatura è da americani",
"eh ma senti che produzione",
"non dobbiamo giudicare, canta
solo quello che vede" e simili. Non
tanto, infine, la consueta corsa dei
media nostrani a criminalizzare
il dito e lasciare in pace la luna,
a dilungarsi in spiegoni sulle arti
marziali piuttosto di usare anche
solo di striscio la parola con la F
(della quale potremmo fra l'altro
dare per prevalente una più
ampia connotazione attitudinale,
rispetto alla mera definizione di
un credo politico che gli stessi
omicidi di Colleferro conoscono
probabilmente poco e male, ma
mettono di fatto all'opera).
Quello che mi colpisce è piuttosto
un parallelo, una suggestione.
Quanto una spedizione punitiva
come questa evochi le tragiche
modalità dei linciaggi nel Sud
degli Stati Uniti, in epoca di
segregazione. Basta una cosa
minuscola, ma fatta da qualcuno
a cui non è concesso di fare
nemmeno quella, e scatta la
rappresaglia di chi controlla il
territorio per leggi scritte e non,
TESTO DI
AN D REA PO M I N I
e smania per farle rispettare.
Una cosa cieca, sporporzionata,
che siamo abituati a pensare
come istintiva, poco razionale,
gonfiata dall'onda degli eventi.
E invece no, quei linciaggi erano
spesso programmati, i giornali
ne segnalavano giorno e ora, la
stessa ora era fissata nel tardo
pomeriggio per permettere ai padri
di uscire dal lavoro e portarci i
bambini, e se lo sceriffo arrivava
prima si assaltava la prigione dove
il malcapitato era custodito, e lo
spettacolo di torture e mutilazioni
davanti a migliaia di persone aveva
inizio. Googlate Claude Neal, se
ve la sentite. E cercate il libro che
sto leggendo. Si chiama Al Calore
Di Soli Lontani e lo ha scritto nel
2010 Isabel Wilkerson, prima
donna afroamericana a vincere
il Pulitzer. Parla della Grande
Migrazione degli afroamericani
dal sud al nord degli Usa nel
XX secolo, 60 anni di esodo che
hanno segnato profondamente la
società statunitense, raccontati
magistralmente con testimonianze
personali e fonti storiche. Pagine
fondamentali per rinfrescarsi la
memoria o scoprire cose nuove,
e capire molto meglio l'attualità.
Trovare il pelo nell'uovo ed
eccepire sui modi della protesta,
dopo, sarà molto più difficile.
RUMOREMAG.COM | 17

THE QUIET VILLAGE
OTTOBRE 2020
ssendo un tipico
prodotto urbano
E umanoide privo di
radici, ho compreso
ben presto un’asso-
luta verità persona-
le. La realtà mi di-
sgusta. O meglio, al reale preferisco, di
grande, grandissima lunga, la sua rico-
struzione artistica. Il falso ben archi-
tettato mi pare sempre superiore al
suo originale. La verità è davvero un
metro oggettivo di valutazione? Non
per me. L’accettazione di tutto ciò,
oltre al disprezzo generale da parte di
moltissimi miei conoscenti, mi ha fatto
col tempo preferire le piscine al mare,
l’immobilismo ai viaggi, le serie televi-
sive al neorealismo, il condizionatore
alle finestre, qualsiasi cosa a Pasolini e
un prodotto alimentare industriale a
caso rispetto al temibilissimo “fatto in
casa”. E, di conseguenza, una passione
insana per la musica exotica e i tiki
bar. Questi ultimi, preferibilmente se
18 | RUMOREMAG.COM
MY TUNES
LES BAXTER
DI MAURIZIO BL AT TO
situati in luoghi chiusi e bui, rappre-
sentano per me dei veri paradisi. Sono
un habitat canzone. Voglio dire, ascolti
Lou Reed e Sonic Youth e senti il fumo
che esce dai tombini di New York
anche se sei spalmato sul divano in
boxer in una qualunque città a caso.
Avverti il profumo della vegetazione di
Laurel Canyon mentre gira uno dei
primi di Joni Mitchell, ma con il van-
taggio di poterti alzare e sapere esatta-
mente dove hai i torcetti al burro in di-
spensa. La musica fa questo, ti teletra-
sporta, e senza obbligarti a dividere il
tuo sedile con un idiota che spara foto-
grafie a raffica su un bus col semiasse
rotto, per giunta. Puoi stare lì, dove ti
piace. Se hai dischi buoni, muoversi è
una seccatura aggravata da insetti non
mappati o stanze d’albergo dagli odori
equivoci. Solo un pazzo può nutrire in-
teressi simili. Ma la vita è un compro-
messo e una volta mi trovai in una na-
zione del Centro America dove nessu-
na crema solare o copricapo in vimini
sembrava riuscire a proteggere il mio
umore. Chiesi una tregua e, chi era con
me, felice di sbarazzarsi di un compa-
gno limitrofo all’imbalsamazione sen-
soriale, fu ben lieto di concedermela
per dirigersi senza esitazione verso la
spiaggia. Io invece, grazie a un taxi già
oltre il bonus rottamazione, mi infilai
in un fatiscente centro commerciale al-
lestito senza alcuna passione architet-
tonica all’interno di un hangar abban-
donato. L’offerta era avvilente, abbi-
gliamento che puzzava di pneumatico,
souvenir già sbeccati, manicure con
prezzi scritti a biro su cartone, ma
anche un incessante rumore di percus-
sioni sul fondo. Ipnotizzato lo seguii e,
giusto dietro un tipo che (forse) avreb-
be inciso il tuo nome su orologi sicura-
mente non funzionanti, ebbi una folgo-
razione: il tiki bar. Teste alla Isola di
Pasqua riprodotte in truciolato, ana-
nas ovunque, neon azzurri coperti da
palmizi sicuramente infiammabili,
felci di plastica, tucani di peluche,
 TESTO DI
MY TUNES THE QUIET VILLAGE LES BAXTER MAU RIZIO B L AT TO

“H I G G I N S : ‘A VO LT E MI S T U P IS C I, MAG N U M , DAVVE RO.

L A TUA CO M PR EN S IONE INT U IT IVA DE LL A NATURA UM A NA È COSÌ . . . COSÌ . . . ’
M AG N UM : ‘PER C E T T IVA? ’
HI G G I N S : ‘PR E-AD OLE S C E N ZIALE ’”
(MAGN UM P.I., KIIS D ON’T L I E , T ER ZO EP I SO DI O, T E R Z A S TAG ION E )

ghiaccio secco violetto, cascatelle sotto
lampadine blu cobalto, collane di fiori
in terital, poster di film con Chico
Marx, sdraio a strisce su sabbia ripor-
tata, tavole da surf farlocche: non
mancava nulla. Avevo le lacrime agli
occhi. Presi posizione su uno sdraio e
chiesi un Mai Tai, sperando di rimane-
re lì dentro per almeno un semestre.
La musica era ineccepibile, Yma
Sumac tuonava il suo Babalu, Martin
Denny ci portava dritti nella giungla e
tutto intorno percussioni, chitarre surf
rallentate, uccelli, gong, jazz coloniali-
sta, scimmie (molte scimmie, fonda-
mentale per il genere). Buttai giù il
Mai Tai come un alpino di Bora Bora,
in un colpo solo. Al mio fianco, uno che
sembrava il nonno di Magnum P.I.
sorrise e mi gratificò di un confortante
“good job”. Chi stava meglio di noi?
Mentre cercavo con lo sguardo il profi-
lo di almeno un gibbone finto tra i can-
neti finti di uno spicchio di Polinesia
finta, riconobbi Les Baxter di sottofon-
do. Era sicuramente lui, con Quiet Vil-
lage, e allora festeggiai ordinando un
altro Mai Tai. Pensai a chi si trovava in
questo momento sotto il sole, con la
sabbia infilata laddove non dovrebbe e
trovai meravigliosa la mia epidermide
asciutta e levigata dall’aria condiziona-
ta unita al pianoforte roboante di Les
Baxter. Guardai il nonno di Magnum
P.I. e la riproduzione di un idolo giava-
nese con la testa in fiamme, entrambi
sembravano essere d’accordo con me.
Les Baxter lavorò per il cinema (anche
per Gianni e Pinotto, beato lui), arran-
giò swing bands, formò un gruppo folk
con un giovanissimo David Crosby e
compose musica space age (il suo
Music Out Of The Moon fu ascoltato
nello spazio dagli astronauti dell’Apol-
lo 11 durante l’allunaggio) e a tema per
parchi acquatici. Ma, soprattutto, fu
uno dei maestri indiscussi dell’Exotica.
Secondo l’esimio David Toop, “Les Ba-
xter offriva tour musicali organizzati,
vendendo biglietti a turisti sedentari
che desideravano qualche emozione
taboo dopo pranzo, vedere una ceri-
monia pagana, scatenarsi sotto il sole o
congiurare con il demonio, e il tutto
senza lasciare i comfort dello stereo e
della loro periferia bianca”. Be’, come
resistere a una simile meraviglia? In-
fatti non ci pensai minimamente e ini-
ziai a indicare in ordine sparso tutti i
cocktail dai nomi più improbabili pre-
senti sul menu. Noci di cocco, divinità
dal volto squadrato, boccali di lava,
pagode in miniatura, ogni bicchiere
era diverso e all’interno offriva colora-
zioni da evidenziatore, bollicine, fumi
da circo, olive giganti, frutti esotici che
sputavo sul pavimento, di tutto. Persi
il controllo ben presto, al ritmo di
“aquí para usted, señor” del mio ca-
meriere, impeccabile in camicia hawa-
iana sgargiante (con cartellino non
asportato dalla manica destra) e disin-
teresse più totale. Mi fissai su Les Bax-
ter e chiesi qualcosa come “se potria
de riascoltar esta cancion, por
favor?”, il classico gramelot veneto/
messicano tipico dell’italiano fuori po-
sizione. Ficcai una mancia e Les Baxter
andò in repeat secco. Non se ne accor-
se nessuno, eravamo atolli umani ab-
bandonati a noi stessi, questo pensai,
con un Haitian Grog in mano e la vista
ormai obnubilata: fuori la vita scorreva
secondo canoni di buon senso e godi-
bilità condivisa, mentre noi stavamo al
buio con un sorriso ebete e i mocassini
nella sabbia. La musica exotica è il pa-
radigma assoluto dell’escapismo sen-
soriale, come altro si potrebbe giustifi-
care la bellezza estrema del bolero ra-
veliano che affiora tra i mini vulcani a
metà di Quiet Village? E poi, un villag-
gio può esser davvero quieto soltanto
se è finto, rimodellato, artefatto. Feci
dono delle mie elucubrazioni al came-
riere di fiducia che mi parve indossare
due sandali dalla fattura differente e
probabilmente non colse a fondo la
profondità di una riflessione come “el
mundo mejor està aqui, donde nos
otros quieremo de restar e de biber,
non como en quella maldida playa in-
fuocatas donde la nostra cabeza vien
bastonada dal sol e da musica de
mierda latinoamericanas”. Cercai ap-
provazione nel nonno di Magnum P.I.,
ma mi resi conto che aveva ormai
perso conoscenza da tempo, scivolan-
do sempre più disperatamente lungo il
suo sdraio, tutto coperto di patacche di
rhum lungo il suo misero abbigliamen-
to. Alla ottocentesima replica di Quiet
Village affondai nel nulla ovattato di
ballerine sorridenti con caschetto nero
e fiori rossi tra i capelli, viali d’ingresso
a lagune segnati da torce ai lati e pal-
mizi ovunque. Les Baxter aveva vinto.
Ripresi un vago controllo in hotel ore
dopo, con la ritmica dei Mari del Sud
nelle orecchie, ma anche con la mia
t-shirt blu in un sacchetto di plastica e
una camicia hawaiana addosso, con il
cartellino del prezzo sulla manica sini-
stra. Quantomeno non avevo comprato
quella del barista, ma non volli comun-
que approfondire la sua provenienza e
promisi che non avrei fatto mai più
una simile idiozia. Ma le cose andaro-
no diversamente, perché se c’è un tiki
bar nelle vicinanze almeno un’oretta
me la concedo e ho un buon numero di
dischi di exotica a casa. Li metto sul
piatto e veleggio felice tra archi cine-
matografici e scimmie e tucani (adora-
bili), ebbro della mia possibilità di
viaggiare in salotto. Immagino di esse-
re un dirigente di qualche azienda di
Portland negli anni 50, con il futuro
solido e una vita sicura, elegante e sti-
lizzato in modo impeccabile. Tutta la
musica in fondo è exotica, magari non
sappiamo da cosa scappiamo, ma sap-
piamo di sicuro dove possiamo andare.
In che luogo, in quale periodo, per
quanto tempo. E quindi soltanto un
tonto podría subestimar una maravil-
la como esta.

The Quiet Village è stata composta da Les Baxter nel 1951 e così descritta dal suo autore “La giungla diventa più
fitta mentre la barca fluviale si fa strada lentamente verso l'interno. Un serpente scivola nell'acqua, spruzzando un
uccello dalle piume scintillanti che vola nella radura sopra un tranquillo villaggio. È il ritratto musicale di un villaggio
tropicale deserto nel caldo di mezzogiorno”. Notevole la versione di Martin Denny, riconoscibile per l’apporto delle rane
(molte, moltissime, delirio di rane) e di volatili di varia natura. Scenario meno edificante per Boyd Rice che, sotto lo
pseudonimo di The Tards, inciderà, nel 1993, Quiet Village Idiot. Del nonno di Magnum P.I. nessuna notizia.

RUMOREMAG.COM | 19
 RUMOREMAGAZINE OT TOB RE 2 02 0

20 | RUMOREMAG.COM
 DOVE:
Londra,
UK BEABADOOBEE
COSA:
Melodie oblique e rugginose per la generazione Z
IL DISCO:
FAKE IT FLOWERS
DIRTY HIT, 2020
i faccia avanti
l’ultraquarantenne
S che non
pagherebbe per
avere una figlia
che intitola un
pezzo I Wish I Was Stephen
Malkmus, riuscendo (grazie
a Dio) a essere convincente.
Immaginando ventenni che
dissertano su Hegel nei loro pezzi
pop, dimentichiamo cosa contasse
per noi quando eravamo come
loro. Che non si possa archiviare
la svagata anglo filippina dai
capelli blu, Bea Kristi, come
furba copista, lo dimostra la sua
evoluzione lungo tre EP. Come se
la ricetta slacker dello zucchero
aspro e dello sguardo di sbieco
aspettasse solo qualcuno che
osasse scavalcare il filo spinato.
La sua storia sembra davvero
uscita dalla sceneggiatura di Juno,
ci racconta lei stessa a cavallo di
due videoconferenze in cui spiega,
ad altri potenziali talenti in erba,
le gioie e i dolori dello scrivere
musica: “Ho iniziato col violino,
classica bimba spinta da famiglia
asiatica. Non è durato molto. Mio
padre mi ha regalato una chitarra
a 17 anni perché ero annoiata e
depressa, e ho scritto Coffee”. Un
limbo che per Bea arriva dopo
essere stata cacciata da un liceo
femminile, proverbiale pesce fuor
d‘acqua. “Mi hanno buttata fuori
da scuola e per un anno o poco più
ho cercato di capire cosa volessi
fare. Ho scritto Coffee, mi sono
iscritta ad un’altra scuola e ho
fallito miseramente i test”.
Il pezzo (un’atipica ballata da
cameretta, arruffata, alla Kimya
Dawson) sfonda su TikTok grazie
al rapper Powfu. L’incontro con
gli onnivori pop della Dirty Hit
e un tour americano con Clairo
sono le premesse al Brit Award
come artista emergente nel 2019.
“Uso i social naturalmente per
parlare con gli amici e far vedere
musica ai fan. Non mi preoccupo
troppo. Il mio nome viene dal
mio nickname finsta. Non
pensavo potesse succedere nulla
di eclatante quando l’ho scelto”.
Mezzi di comunicazione moderni
per una ispirazione che guarda
indietro, informando il presente.
“La mia testa è nei ’90. Dischi,
film, moda. Tutto contribuisce
al mio mondo. Pavement, Sonic
Youth, Smashing Pumpkins,
Daniel Johnston, i film di Tom
Hanks. Mia mamma ascoltava
Alanis Morrisette e i Cardigans.
Da lì ho scoperto Juliana Hatfield,
Veruca Salt e Sundays. Oggi ci
sono infiniti generi a disposizione,
puoi scorrere 100 playlist
influenzandoti così velocemente
che la tua scrittura ne risente
senz’altro”.
Il cerchio si chiude nel 2019 con
l’EP Space Cadet, vera palestra
sonora per l’album fresco d’uscita,
dove Bea esce dalla cameretta,
attacca la spina e inizia davvero
QUANDO:
dal 2017
ONLINE:
beabadoobee.co.uk
a fregarsene. Bubblegum grunge
lo definiscono, “musica felice e
rabbiosa”, risponde lei. “Fake It
Flowers ha il tocco di alcuni pezzi
del mio primo EP Patched Up,
ma il rumore è quello di Space
Cadet. Volevo mostrare la mia
crescita come autrice”. E se si
cercano certificazioni, si chieda a
Stephen Malkmus, che è andato
di persona a trovarla per farle i
complimenti. “Abbiamo passato
qualche ora insieme sul mio tour
bus. Sono diventata amica dei suoi
figli, dei veri fan. Mi piacerebbe
che suonasse la chitarra in un
mio pezzo un giorno”. Per ora
l’importante è l’autenticità, senza
rivendicazioni. “Abbracciare la
mia vulnerabilità, con onestà.
Sperando di riuscire ad arrivare
a chi sente le stesse cose. Non ho
nulla da recriminare a chi è venuto
prima di me. C’è una manciata
di autori che mi rappresenta.
Se riesco a fare qualcosa che
s’avvicini anche lontanamente
a loro sono felice”. Altrimenti
c’è sempre l’alternativa. “Mi
piacerebbe essere una maestra
d’asilo. La mia frase preferita
di Juno è quella in cui la
protagonista incinta dice ‘sono un
pianeta’”. Ecco qui.
TESTO DI Mauro Fenoglio
RUMOREMAG.COM | 21
 DOVE: QUANDO:

Londra, UK
OSCAR JEROME dal 2016

COSA:

Il jazz londinese goes pop

IL DISCO: ONLINE:

BREATHE DEEP oscarjerome.com

CAROLINE, 2020

Ci sono pezzi corposi di
geografia musicale londinese,
di quella che di storia ne ha
vista passare, dietro l'esordio di
Oscar Jerome. Il Trinity Laban
Conservatoire, struttura da 150
anni fra le più ostiche e prestigiose
d'Europa, ad esempio. Un allievo
a caso? Fela Kuti. “Amare il jazz
mi ha aperto le porte di generi
molto differenti. È musica molto
complessa, ingloba elementi
che arrivano da tutti gli angoli
del mondo. Ma non c'era molto
supporto fra gli insegnanti per
i miei primi progetti. Anzi:
nell'ambiente si tende sempre a
definire pop tutto quello che non
è jazz, è un atteggiamento molto
chiuso”. Soprattutto quando uno
degli allievi alla voce influenze
sciorina nomi come Coltrane,
John Martyn, Gil Scott-Heron e
MF Doom.
La fortuna, tanto per tornare a
una ipotetica geografia londinese,
arriva con l'ingresso nella scena
locale un secondo prima della
sua esplosione. Nell'ordine:
anni in giro con i KOKOROKO
a imparare l'afrobeat, progetti
cresciuti all'ombra di J Dilla
come i SumoChief, e in ultimo
collaborazioni coi pesi massimi
cittadini Shabaka Hutchings e
Moses Boyd. Così come denso di
ospiti locali (dagli Ezra Collective
ai Sons Of Kemet) è un debutto
in cui, a sorpresa e al netto di un
livello tecnico stellare, a brillare
sono le canzoni: “Quello che fa
la differenza è che molte delle
persone nella scena londinese non
sono cresciute ascoltando jazz.
Dentro infatti senti di tutto, dai
ritmi spezzati dell'elettronica o
dell'hip hop a sonorità caraibiche.
E soprattutto, rispetto ad altre
città, qua c'è davvero un grosso
supporto reciproco. È semplice: ci
divertiamo”.

TESTO DI Francesco Vignani

22 | RUMOREMAG.COM
 DOVE:
New Orleans,
USA SPECIAL INTEREST
COSA:
POC punk
IL DISCO:
THE PASSION OF
THRILLING LIVING/NIGHT SCHOOL, 2020
Sulla relazione direttamente
proporzionale tra oscurità dei
tempi ed estro artistico hanno
pubblicato intere enciclopedie.
Oggi la cadenza al decadimento
UK post Brexit la dettano
Sleaford Mods, Idles e Fontaines
D.C., e ora tocca all’America
socialmente (e non solo) in
fiamme trovare la propria
colonna sonora. Tra le diverse
opzioni disponibili una delle più
interessanti pare essere quella
proposta dagli Special Interest,
quartetto di New Orleans che
porta avanti istanze allo stesso
tempo queer e black: “Siamo
tutti e 4 gay ma non lo riteniamo
un fattore che ci definisce.
Se dovessimo scegliere tra il
suonare con una band queer
o una di colore sceglieremmo
quest’ultima, nonostante solo
due di noi siano neri. Questa è la
nostra priorità”.
Da qui la definizione POC punk,
dove l’acronimo sta per people
of colour, movimento che
dalle periferie delle metropoli
trumpiane rischia di dilagare
ovunque al motto di Young,
Gifted, Black, In Leather, titolo
della canzone simbolo degli
Special Interest: “Le nostre
influenze sono l’hardcore, il
rock’n’roll e il glam, i video live
dei Bad Brains e la teatralità di
QUANDO:
dal 2016
ONLINE:
specialinterestno.bandcamp.com
Jello Biafra, il nostro bassista è
in fissa con Your Turn To Run,
una canzone delle Malaria”. Una
cantante spettacolare, basso,
chitarra e uno scompiglio di
beat elettronici mitragliati da
un minimale Casio collegato a
una foresta di pedali low cost.
La No wave dei Teenage Jesus
filtrata dai synth di Screamers e
Suicide, dopata dalle ritmiche dei
Revolting Cocks sparate fuori a
una velocità spropositata. Scuro,
frenetico, industriale: il suono
giusto per soffocare le vostre
ansie. O farle definitivamente
esplodere.
TESTO DI Arturo Compagnoni
RUMOREMAG.COM | 23
 BILLY NOMATES
DOVE: QUANDO:
Bristol, UK dal 2019
ONLINE: iambillynomates.com
COSA:
Un tumultuoso mix di rap, pop e
post punk post whatever
IL DISCO:
BILLY NOMATES
INVADA, 2020
Pare che sia stato un concerto degli Sleaford Mods
a mettere Tor Maries sulla giusta strada, dopo anni
trascorsi a militare in band senza sbocco: “Non ci sono
molte persone della classe operaia nel mondo dell'arte”,
racconta. “Tuttavia trovarle è semplice, hanno un tono
nella loro voce che non sentivi da parecchio tempo”.
Non che oggi manchino artisti provocatori dalle taglienti
sonorità post punk. Ciò che distingue Billy Nomates
è la capacità di creare grande sconquasso emotivo
con una musica quintessenziale. Un minimalismo
esasperato e verboso, che ha rilanciato l'asse con il duo
di Nottingham, non fosse altro perché Jason Williamson
(suo fiero supporter) compare nel brano Supermarket
Sweep.
Il primo album (registrato con GarageBand e laptop e
prodotto da Geoff Barrow dei Portishead) è una raccolta
canzoni scheletriche dall'astuto tiro pop: un coinvolgente
mix di rabbia e storytelling, cantato con il furore di
una moderna Patti Smith. Il disco era pronto ad uscire
in primavera, ma poi ci si è messo di mezzo il Covid,
costringendo l’etichetta a rimandare il tutto. Cosa che ha
generato un rapporto simbiotico fra clima post pandemia
e canzoni capaci di canalizzare in modo positivo senso
d’ansia e frustrazione.
TESTO DI Diego Ballani
24 | RUMOREMAG.COM
BRISTON MARONEY
DOVE: QUANDO:
Knoxville, USA dal 2015
ONLINE: bristonmaroney.com
COSA:
Indie rock
IL DISCO:
DEEP SEA DIVER
CANVASBACK, 2020
Spulciando fra i video (purtroppo non più disponibili)
del Lollapalooza 2020 in streaming, fra una performance
rilassata di Josh Homme e un ottimo live dei Janes
Addiction, colpiva la performance di questo ragazzo di
23 anni da Knoxville, Tennesse. Come spesso accade
per artisti che si affacciano sul mercato in questi anni,
Briston Maroney non ha ancora pubblicato album
(debutto previsto nel 2021), ma dal 2018 ad oggi sono
usciti una serie di singoli ed EP che non lasciano dubbi
sulle sue qualità. Indie rock di stampo chitarristico, che
ricorda a tratti i primi Kings Of Leon, con un grande
gusto pop.
Ascoltandoli in ordine temporale non si può non notare
la grande crescita che il Maroney ha avuto dai suoi primi
pezzi ad oggi, fino ad arrivare al recente Deep Sea Diver,
ballata folk quasi perfetta. Un cantautore ancora acerbo,
puro, con una grande attitudine dal vivo e una grande
capacità di scrittura. Se due indizi fanno una prova, ma
ne abbiamo anche di più, c’è una nuova generazione di
artisti “con la chitarra in mano” (perdonate la citazione)
pronta a farsi strada: insieme a Sam Fender, Ten Tonnes
e Del Water Gap, Briston Maroney è certamente uno dei
nomi da tenere d’occhio.
TESTO DI Luca Doldi
 JESTER IN JAIL
DOVE: QUANDO:
Pesaro, Italia dal 2018
ONLINE: jesterinjailhome.wixsite.com
COSA:
Rock per cuori infranti
IL DISCO:
MEMORIES FADED & BROKEN HEARTS
SEAHORSE RECORDINGS, 2019
“Pesaro è una donna intelligente”, cantava qualcuno;
una donna dal fascino indecifrabile, il cui viso è
avvolto da un velo di malinconia, con i fianchi distesi
sull'Adriatico e i morbidi seni adagiati in Emilia-
Romagna. La città di Rossini è una madre amorosa, che
ha svezzato decine di band le quali hanno marchiato
indelebilmente la scena indie nazionale: ed è forse per
questo che i JIJ faticano a inserirsi nella scena locale.
Branco, Matthew e Thom hanno poco più di 20 anni e
dopo un EP autoprodotto hanno trovato nella Seahorse
l'etichetta giusta per iniziare la loro avventura; l’esordio
arriva a fine 2019, ma conosce l'infausto destino
condiviso da tutti quei dischi che hanno iniziato a
muovere i primi passi insieme all'incipiente pandemia.
Se spesso la bellezza degli esordi dimora nella freschezza
della gioventù mista all'inevitabile ingenuità, MF&BH
vive di episodi di vivida e sprezzante elettricità
(Repulsion), misti a delicatezze Brit (la morriseyana
Now We Are...) e pregevoli esempi di pop rock in cui gli
Strokes incontrano i RHCP con reciproco piacere (When
I'm Alone), per finire con quella vibrante rasoiata in
stile Franz Ferdinand che corrisponde al titolo di Oh,
Feelings.
TESTO DI Stefano D’Elia
LAZY EYES
DOVE: QUANDO:
Sydney, Australia dal 2015
ONLINE: facebook.com/thelazyeyesband
COSA:
Open prog pop
IL DISCO:
EP-1
AUTOPRODUZIONE, 2020
Nonostante sia appena uscito, i Lazy Eyes parlano
del loro EP-1 come di un qualcosa che appartiene
ormai al passato. “Abbiamo cominciato a lavorarci
quando eravamo ancora al liceo artistico di Newtown,
Sydney. Tangerine è probabilmente la prima canzone
che abbiamo scritto. In un certo senso questa uscita
ha il sapore della nostalgia per noi. Le registrazioni le
abbiamo fatto durante un periodo di vacanza dal liceo”.
Stiamo parlando dei loro inizi, del biennio 2016/17.
Erano talmente giovani che in certi club non li facevano
neppure suonare. Harvey Geraghty, piano, chitarra
e voce e Itay Stackar, chitarra e voce, sono i due che
scrivono le canzoni, le quali vengono poi arrangiate dagli
altri, Blake Wise, basso Rickenbacker, e Neal Martin,
batteria.
“La nostra musica è stata etichettata fin dall’inizio come
psych rock, ed effettivamente è così (riferimenti ai primi
Tame Impala e a King Gizzard), ma ora siamo progrediti
in una direzione più complessa, potremmo dire prog
pop”. Musica che comunque trasmette un grande
ottimismo, ideale colonna sonora per il post Covid. “Lo
spero”, dice Harvey. “Penso che, qualunque cosa accadrà
dopo il Covid, sarà tutto molto più etico”.
TESTO DI Claudio Sorge
RUMOREMAG.COM | 25
CCCP
FEDELI
ALLA
LINEA TESTO DI FR ANCESCO VIGNANI E BARBAR A SANTI
F O T O D I V I T TO R I O C AT T I

TEMPI (POST?)MODERNI
NUOVI FORTI E INTERES-
SANTI: 1990-2020
C
i sono sei piani quinquennali (e molta poca stabilità)
fra il comunicato sulla fine dei CCCP e l'oggi.
Settembre del 1990, quindi. Poco più su la Germania si
riunisce, nelle intenzioni consegnando al passato parte
consistente dell'immaginario filosovietico tritato e
reimmaginato da Ferretti e Zamboni. E l'Italia, anche
a guardarla dall'Emilia, è in fase di trasformazione
radicale, con la fine degli anni 80 e l'inizio di un
decennio diversissimo. “Finiscono i CCCP, godendo
il privilegio di scrivere il proprio necrologio e di
essere presenti al proprio funerale portando la cassa,
con un'ultima colonna sonora che non è una marcia
funebre, ma un disco – Epica Etica Etnica Pathos –
con il quale sondare il valore di alcuni vocaboli un
tempo di senso comune ed ora di pura definizione
intellettuale individuale”, recitava l'annuncio. È
soprattutto l'ultima frase a dare senso al tempismo di
una fine che, se procrastinata, avrebbe forse ridotto
il peso di una delle vicende più incredibili dell'intera
storia della musica italiana. Il paese non era più quello
di Ortodossia, EP di debutto del 1985: e se Ferretti
non è già più quello del primo incontro con Zamboni
a Berlino o di Punk Islam, nemmeno il gruppo lo è
più da un po', fra cambi di formazione e slittamenti di
orizzonti musicali. È l'anniversario a dare l'occasione
di provare a raccontare quegli anni coinvolgendo il
maggior numero di protagonisti possibili. Ferretti
in testa, in una delle rarissime interviste concesse a
una rivista specializzata negli ultimi anni, con uno
scambio di email che parte da Non Invano, suo ultimo
saggio pubblicato in questi mesi, e risale fino ai CCCP
e alle sensazioni di uno ormai considerato eretico da
parte dei fan della prima ora. Oltre che ovviamente
a Massimo Zamboni, geniale motore musicale del
gruppo e fresco di pubblicazione de La Macchia
Mongolica, libro (oltre che disco e documentario) a
quattro mani con la figlia Caterina dedicato al suo
ritorno in Mongolia, tappa fondamentale per i destini
dei CSI e dei rapporti umani con il cofondatore dei
CCCP. Oltre che a Fatur, ballerino per mancanza
di migliori definizioni del gruppo, e, stante
l'impossibilità di parlare con la soubrette del popolo
Annarella (da anni ritiratasi a vita privata), la parola a
due il cui ingresso ne farà la fortuna come CSI, ovvero
Giorgio Canali e Gianni Maroccolo, che qua provano
a raccontare cosa si provasse a entrare sul finale della
storia degli autori di Affinità-Divergenze.

RUMOREMAG.COM | 27
TESTO DI FR ANCESCO VIGNANI
PORTARE IL FUOCO
GIOVANNI
LINDO
FERRETTI
Cominciando dalle primissime pagine, mi
ha colpito la citazione de La Strada di Corman
McCarthy in apertura. Che cosa lega (se
qualcosa le lega) le due opere? L'insistenza sul
fatto che i due protagonisti “portino il fuoco”
in un mondo post-apocalittico ha una valenza
anche religiosa, volendo, così come la tua
visione della natura nel mondo moderno ha
dei paralleli con quella del romanzo. Sbaglio?
“La Strada è tra i pochi libri che hanno segnato
l’immaginario di questi miei ultimi anni. Un padre
e un figlio in cammino verso il sole. Una religiosità
cosmica, naturale e vitale, in uno scenario post
apocalittico. Se c’è un rapporto tra i due libri
è temporale, Non Invano si colloca nel tempo
antecedente, prima della fine, e, sì, noi portiamo il
fuoco. La citazione è l’omaggio a un pensiero che si fa
scrittura e mi lascia col fiato sospeso. Riconoscente”.
TAG: #lastrada #eremita #berlinmonamour #imbrunire #senzarimpianti
28 | RUMOREMAG.COM
Ho provato a trarre dal libro un senso al titolo,
anche perché il concetto di “non invano” solo in
un paio di occasioni è affrontato testualmente:
lo intendi come un paradigma in base al quale
giudicare le proprie azioni? Una sorta di
minimo dell'operato umano?
“Faticherei a definirlo ‘minimo’, tendo a identificarlo
come un possibile traguardo. Un giorno ‘non invano’
è un giorno per cui ringraziare. Né usuale né ovvio di
questi tempi”.
Già in apertura di libro scrivi “da anni mi
scontro con questa parola: eremita”. Non pensi
che questa percezione sia figlia della rigidità
dell'idea che moltissimi hanno di te? Tu sei
ormai fuori da meccanismi discografici e simili,
eppure la lente con cui ti si guarda resta quella
della cultura pop(olare). “Cosa ci si aspetta da
me, resta un mistero, seppure di quelli piccoli”
ONLINE: facebook.com/GiovanniLindoFerretti
 C C C P G I OVA N N I L I N D O F E R R E T T I
è d'altronde un tuo verso di pochi anni fa.
“È anche la dimostrazione che CCCP e CSI non sono
passati invano, hanno toccato un nervo scoperto del
loro pubblico e c’è chi continua a schiacciare il tasto
repeat ben oltre il tempo massimo. Sarebbe ora di
lasciarmi andare”.
Se anni fa cantavi un pezzo come Curami, ora
– tanto nel libro quanto nel brano Mal'aria
– una materia su cui insisti è quella della
tecnologia e della ricerca medica: qua sottolinei
l'assenza di “categorie morali, etiche, in grado
di impedirne e nemmeno arginarne la corsa”.
È una riflessione a cui ti hanno portato anche
le tue esperienze personali, da malato in prima
persona o da persona che nella sua vita ha
dovuto badare ai parenti?
“La ricerca medica è la testa d’ariete che la scienza usa
con maggior profitto e grande successo per costruire
una società a propria immagine. Può farlo perché la
malattia, la sofferenza, la vecchiaia sono componenti
essenziali del vivere e il solo lenirli è già un’azione
meritevole. Ma la vita, nella sua complessità, non
è riducibile all’esser sani e magari giovani e qui
cominciano i problemi. C’è di più e d’altro e fa la
differenza. Non è la scienza ad aver creato la vita e
la vita che la scienza sta ricreando in laboratorio è
l’incubo a cui siamo avviati. Non si torna indietro,
ci tocca la traversata. Sì, sono le mie degenze post
operatorie, i giorni d’attesa prima degli interventi
ma anche le cure prodigate ai miei vecchi, i reparti di
medicina nucleare e le RSA, a fomentare un pensiero
che non può non interrogarsi. L’acquiescenza alle
risposte senza mai porsi domande è propizio alla
superstizione che è il lato oscuro della scienza, non il
suo contrario”.
Scrivi che il tuo sguardo sul mondo è cambiato
dalla dissoluzione della Jugoslavia: è corretto
ritenere Linea Gotica come il vero punto di
svolta della tua poetica, anche più del salto
da CCCP a CSI? Un brano come Millenni è
molto indicativo di un certo pessimismo che ti
avrebbe portato sulle posizioni di questi anni,
ad esempio.
“Siamo passati dai CCCP ai CSI così: vivendo. Un
viaggio in URSS con i Litfiba poi Maroccolo e Magnelli
in studio per Epica Etica Etnica Pathos, Canali al
mixer e ogni tanto la sua chitarra di disturbo, la
batteria di Ringo. Doveva essere solo un disco ma alla
fine CCCP implode e, imprevisto, affiora CSI. Linea
Gotica è la traccia profonda di un cambiamento in
atto, nel quotidiano prima che sul palco. Un casolare
in Val d’Orcia, una calda estate tra amici a suonare,
registrare, e sull’altra sponda dell’Adriatico una guerra
feroce e fratricida si consumava nell’indifferenza o
nella rimozione. Giorno dopo giorno aumentava il
TESTO DI FR ANCESCO VIGNANI
«C C C P E C S I N O N S O N O PA S S AT I I N-
VA N O, H A N N O TO C C ATO U N N E R V O
SCOPERTO DEL LORO PUBBLICO E
C’È CHI CONTINUA A SCHIACCIARE IL
TA S T O R E P E AT B E N O LT R E I L T E M P O
M A S S I M O. S A R E B B E O R A D I L A S C I A R-
MI ANDARE»
mio disagio, il nervosismo. Un mondo vicinissimo,
quasi familiare, mutava radicalmente e a me i conti
non tornavano. Niente di ciò che credevo mi aiutava
a capire, bisognava ricominciare da un’altra parte e
servivano occhi nuovi, poi la scoperta che erano occhi
antichi quelli davvero interessanti. Linea Gotica ha
generato Materiale Resistente e La Terra, La Guerra,
Una Questione Privata. Ha innescato un processo
che avrebbe portato me e Massimo in Mongolia, un
viaggio che avrebbe prima segnato poi separato le
nostre esistenze. Universal, a un primo ascolto allibito
e incredulo, l’aveva ribattezzata: Fuori Catalogo.
Lì i CSI dimostrarono, a se stessi prima che al loro
pubblico, che non sarebbe stata la costruzione di una
carriera a sostenere il loro far musica”.
Accenni sovente anche all'importanza del
silenzio, e non è la prima volta: non hai trovato
involontariamente comica la retorica circa
l'assenza di suoni e rumori da parte dei media
durante il lockdown?
“Non frequento i media, guardo il telegiornale mentre
pranzo e ceno per rispetto a Francesco con cui vivo,
95 anni, che così preferisce, ma ben poco di ciò che
passa sullo schermo attrae la mia attenzione. Ciò che
davvero mi ha colpito è stata la pochezza intellettuale,
la tristezza amplificata dai fondali domestici di quella
che si presenta come l’intellighenzia di questo nostro
paese. Non siamo messi bene”.
Avevi avvertito per tempo circa la tua non
vocazione a farti megafono, ma non potevi
prevedere i social network. Il tuo disprezzo
nei loro confronti è risaputo, ma mi chiedo
se a volte qualcuno ti racconta la ferocia delle
reazioni online a ogni tua intervista o presa
di posizione. È una cosa che ti urta o lascia
indifferente? Ed è qualcosa con cui hai avuto a
che fare anche nel mondo reale, ai concerti o
agli incontri pubblici?
“Qualcuno ci ha provato ma ha dovuto desistere: non
sono interessato. Non riguarda solo me, è un giudizio
RUMOREMAG.COM | 29
 C C C P G I OVA N N I L I N D O F E R R E T T I
complessivo sulla società, sui media e la funzione che
svolgono. Di mio poi non ho grande considerazione
del genere umano ed è difficile stupirmi in negativo.
Ho buona memoria e grande considerazione della
Storia. Ho visto un po’ e so di molto altro. Il mondo
reale e il mondo virtuale non sono sovrapponibili,
la realtà è materica corposa soggetta a molte forze,
lo spazio dell’operare con la parola è minuscolo
seppur indispensabile. Nel mondo virtuale, il mondo
delle solitudini connesse, il digitare assume valenze
eroiche, messianiche, perfino erotiche, ma si riduce
al tocco di una tastiera. Per molti il livello più alto
dell’eccitazione vitale. È vero che tutto sta mutando
travolgente ma nulla è definitivo, non ancora, almeno.
Ciò che è non appare, ciò che appare non è. Nei
concerti percepisco l’affetto, in giro per lo più mi
allieta un senso di stima, di rispetto. Che qualcuno
mi disprezzi fino al limite dell’odio ci sta, vale per
tutti. L’odio è uno dei grandi motori dell’esistente,
stupirsene è da sciocchi oppure è una tattica che mira
a colpire tutt’altro”.
Avendo visto i tuoi live solisti, il libro conferma
l'opinione che mi ero fatto circa la tua
“profonda serenità” nello stare su un palco. È
stata una conquista di questi anni? È quasi un
patto col tuo pubblico il pubblicare la scaletta
della serata in anteprima, no?
“Tornare su un palco senza avere alle spalle CCCP e
CSI non è semplice, non lo avrei voluto, avrei preferito
dedicarmi ad altro ma la realtà è più complessa e
contraddittoria della volontà dei singoli e spesso
sono le persone che si incontrano a fare la differenza.
Ambrogio Sparagna, la riscoperta della musica
popolare e degli strumenti tradizionali, ha segnato
una prima svolta a cui ha fatto seguito l’esperienza di
Bottega in Bologna, laboratorio artigianale di musica
e comunicazione di cui sono stato ideatore e maestro
accettando suggestioni e supporto dell’esimio Angelo
Varni, vero nume tutelare, con Ero Righi altro nume,
di un periodo travolgente per quantità e qualità di
esperienze. Bologna, la Fondazione del Monte, l’Alma
Mater, l’ERT, la provincia di Reggio Emilia, il teatro
di Barberio Corsetti, fino al Kwa Zulù Natal poi nel
cuore della musica etnica euroasiatica, tanta roba, non
potevo non modificare lo sguardo e le attitudini. Ma
ciò che mi ha riportato sui palchi di pochi e selezionati
club, qualche teatro e qualche festival è stato il
sodalizio con Sergio, il mio borbonico manager a cui
ho affidato in toto ogni mio rapporto con il mondo
della musica e dintorni. Pochi limiti ben definiti e ben
concordati: io entro in scena, di persona, sul palco ed
esco dopo i bis, non mi interesso di nient’altro che è
affar suo. E sì, ne è derivata una profonda serenità.
Lui gestisce ogni rapporto io saluto sorrido concordo.
Lui ha deciso di pubblicare le scalette, e molte altre
cose, io compiaciuto ringrazio”.
30 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI FR ANCESCO VIGNANI
Fra i posti che mancano nel libro c'è Berlino,
città che ha visto nascere i CCCP, una
riunificazione della Germania negli stessi
giorni dell'uscita di Epica Etica Etnica Pathos e
la fine del rapporto umano fra te e Zamboni. Ci
sei più tornato da allora? Quanto ti sembrano
distanti la Berlino e la Germania di oggi?
“A parte la mia faccia, se c’è un posto che può
raccontare il mutamento del mio mondo negli anni
della mia esistenza è quella città. Berlin mon amour.
Niente è come era ma ciò che è non è dato sapere. Non
la vedo da 15 anni e il libro è il resoconto degli ultimi
dieci. Ora vivo come fossi agli arresti domiciliari,
fatico a salire in macchina per andare a far spesa in
valle, ma un po’ ho invidiato Grazia che proprio ieri da
Berlino mi ha scritto: ‘estate nordica, vuota di turisti
e di eventi, piena di cantieri come al solito e ancora
generosa di spazi nuovi da scoprire’. Ci tornerò? Non
so. In una quotidianità ormai sedentaria Berlino,
Mosca, Ulan Bator meriterebbero un ultimo viaggio,
così come Gerusalemme e Visoki Dečani, per altre
destinazioni non è più tempo”.
Visto che vi abbiamo appena accennato:
ricorrono in questi giorni i 30 anni dalla
pubblicazione di Epica Etica Etnica Pathos. Ai
tempi lo definisti, in modo che a me parse molto
duro, come il disco in cui i CCCP non c'erano
più e al loro posto arrivava la musica: cosa
intendevi di preciso?
“Esattamente quello che ho detto: i CCCP, mentre
stavamo registrando, sparivano ogni giorno un
po’ e alla fine, col disco in mano, bisognava solo
prenderne atto. I CCCP mettevano in scena una sorta
di teatro selvaggio, primitivo, usavano la musica, la
strapazzavano. I CSI nacquero al servizio della musica,
per qualcuno un sogno realizzato per altri un incubo in
potenza poi, ahimè, in atto”.
Proprio nel parlare della fine dei CCCP dici che
allora si parlava di “mancanza d'aria”, mentre
ora scrivi che “mancanza basta e avanza”. Io
ricordo anni fa una tua dichiarazione per cui
a quel punto “non funzionavano più i CCCP,
funzionava la loro apparenza”. È cambiato
qualcosa nella tua analisi di quella fine?
“No, ma è aumentato l’affetto, la considerazione, per i
protagonisti”.
Nota è la proposta (rifiutata) di aprire per
i Sex Pistols negli anni 90, ma una decina
abbondante di anni fa circolarono per un po'
insistenti voci di contatti per riformare anche
solo per una sera i CCCP al completo. Puoi
confermarla? È una cosa che col senno di poi
sei contento non sia accaduta?
“Il concerto è una ritualità con valenze economiche
ma non può essere ridotto ad economia, pena
l’insignificanza. Nello specifico dei CCCP la presenza
di Annarella e Fatur, un corpo femminile e uno
maschile nel loro incontenibile fulgore esistenziale,
ne impediscono qualsiasi riesumazione. A meno di
non immaginare una riscossa della terza età, pantere
grigie? RSA Tour/Emilia Paranoica al tempo del Covid?
Il senno di poi rinvigorisce quello di allora”.
Avresti mai immaginato da giovane punkettone
di vedere i vostri dischi diventare parte
integrante della tradizione musicale e culturale
italiana? Io credo che in parte dipenda anche
dal fatto che continuino a essere suonati
dal vivo non solo da te ma anche dai tuoi ex
compagni. Continui a seguire le loro carriere e i
loro lavori?
“Mai immaginato il mio futuro per esser troppo
interessato al presente. I CCCP avevano fatto della
precarietà, nel senso più nobile e ampio del termine,
la loro scelta di vita. ‘No future’ do you remember? I
CCCP sono l’origine e il motivo della mia dimensione
pubblica, tutto il resto è conseguenza e le persone
- proprio quelle - sono imprescindibili, occupano
lo spazio fondante. Massimo e Umberto (Negri,
primo bassista stabile del gruppo, nda) per esistere,
focalizzare l’idea, poi Fatur e Annarella per dargli
corpo. E qualcun altro, in marcia, per sostenerlo.
Una presenza che, non fosse pacificata, risulterebbe
ingombrante e gravosa. Non ho rapporti che non siano
buona memoria, so che stanno bene per quel che si
può, li penso volentieri e con affetto ma così vanno le
cose così devono andare. Il libro che Massimo ha scritto
raccontando della sua famiglia e della nostra città mi
è piaciuto oltremodo, e l’ultimo, sulla Mongolia, mi
ha messo di buon umore: mi è arrivato mentre stavo
finendo l’ultima stesura del mio paragrafo ‘Mongolia
Eterna’. Mi piace la sua scrittura mi è sempre piaciuta,
che noi dovessimo incontrarci sta nell’ordine delle
cose. Con Annarella è diverso, ci lega la terra, la nostra
montagna, qualcosa che va al di là di noi stessi. Non
posso pensarla senza ‘vedere’ Elido, suo padre, la Pia,
sua nonna, Zeo, suo fratello e tutta Vallisnera, il suo
paese di fianco al mio. È un pensiero che mi consola.
Fatur è stato l’irruzione dell’estraneo, il più lontano
possibile, e il riconoscerlo indispensabile, stupendo:
José Lopez Macho Frasquelo”.
Negli anni ho letto tantissime tue interviste,
eppure è da molto che non ne ricordo una con
RUMOREMAG.COM | 31

NON INVANO
DI GIOVANNI LINDO FERRETTI
MONDADORI
Citazione ormai abusata, però merita
sempre un recupero la sintesi di Giorgio
Canali nel rispondere alle polemiche che
inevitabilmente sbucano a ogni uscita dell'ex
voce dei CCCP: “È sempre stato così, solo che
ci siamo fatti ingannare dal buco nero dei
suoi occhi”. Perché certe posizioni hanno ben
più dei 30 anni trascorsi dalla fine dei CCCP,
come sa chi si è sforzato di capirne i testi da
(mettiamo) Canzoni Preghiere Danze... in
poi. Piacciano o meno, siano condivisibili
o molto più a fatica e siano reazionarie o
ultrareazionarie, come non di rado capita
in Non Invano. E se un box da 1800 battute
non è il posto più comodo per discutere di
cancel culture, si tratta di prendere atto di
come gli anni e le vicissitudini personali
abbiano semmai inasprito certi punti di
partenza. In primo luogo nei libri, visto
come Ferretti spesso tratta le interviste
al massimo come dita negli occhi di chi
una vita fa stava sotto il suo palco. Vale la
partenza, fra la citazione de La Strada di
Corman McCarthy e le mani avanti di una
frase come “tragicità e meraviglia hanno
segnato le mie stagioni”. Stagioni che qua
bene o male scorrono tutte, fra CCCP (per i
quali, come traspare dall'intervista, sbuca
dell'affetto misto a fatalismo), CSI, teatro
barbarico e ritorno sui palchi da solista. Così
come le riflessioni di uno che chiede di non
essere definito un eremita, ma che in più
momenti ricorda quanto per lui il silenzio e
il radicamento siano argomenti cruciali di
questi anni. Insieme ad altri ben più scomodi,
e per puro numero di pagine si segnala quello
della ricerca medica e i suoi limiti. Di pari
passo con altri ancora ben più politicamente
scorretti dei mille virgolettati a uso social
che rimbalzano in Rete: sovente difficili
da digerire ma indiscutibilmente frutto di
fedeltà a una linea.
71/100
32 | RUMOREMAG.COM
un giornale come “Rumore”. Ovviamente si scherza, ma
colpa tua o nostra, nel senso dell'editoria di settore?
“Non c’è colpa, sta nell’ordine delle cose. L’editoria di settore
scandaglia il settore e io ne sono fuori, non conosco niente di ciò
che è successo in questo secolo inizio millennio. La musica è ora
totalmente assente dalle mie giornate e, peggio, non ne sento il
bisogno. Non posseggo un impianto stereo, rotto il lettore CD, è
il mio tempo del silenzio e tendo al selvatico”.
I CSI primi in classifica con Tabula Rasa Elettrificata
nel 1997 assunsero un po' il valore di una rivincita
della musica indipendente italiana nel suo complesso,
mentre oggi è normale vedere artisti “di area” o quasi
finire a riempire i palazzetti nel giro di pochissimo:
segui, anche alla lontana, la scena italiana di oggi? Cosa
ne pensi e qualcosa ti incuriosisce, nel bene o nel male?
“La musica come dinamica sociale, così l’ho conosciuta e
praticata, nasce col beat negli anni 60 e muore col grunge, muore
giovane, la considero l’ultima avanguardia culturale del secolo
breve. Ora la musica ristagna, è intrattenimento, pur restando
una necessità e un piacere occasionale. In questo ho una malsana
passione per il neomelodico napoletano e le sue contaminazioni
alla moda ma dipende dalla musicalità della lingua, dalla
passionalità del canto, dall’esistenza stessa di Napoli”.
Mi ha colpito il fatto che tu sia tornato, in pieno
lockdown, con due pezzi, Ora e Mal'aria. Soprattutto
il secondo ha una struttura complessa, da canzone
vera e propria: come sono nati e come mai hai sentito
il bisogno di farli uscire proprio in quel periodo, dopo
tanto tempo?
“È stata una necessità. Vivevo uno stato di agitazione interiore
intrappolato in cappa paradisiaca che potevo infrangere,
dargli senso, solo trasformandolo in un testo - so che funziona,
ha funzionato per tutta la mia vita - e poi declamarlo, dargli
voce. Quello che sta succedendo: l’insorgere tumultuoso
di una nuova era, imposta per DPCM, connubio del virale
col virtuale, mi allerta mi obbliga ad uno sguardo ad ampio
spettro, ne va della mia salute, del mio spirito e del mio cuore
prima ancora del corpo che alla fine si adegua a tutto. L’uomo
animale è il più adattabile alle circostanze. Triste, vero? Ma
ha una sua ragionevolezza e una sua grandezza. C’è un terzo
pezzo, L’Imbrunire, a cui sto lavorando con Martina (la data
dell'intervista è anteriore alla pubblicazione del brano, nda).
Pensati e realizzati come video: parola/immagine la musica a
supporto, Ora - Mal’aria - L’imbrunire, dovrebbero comporre
una riflessione a lato su questo ultimo periodo: la stagione
picchia duro”.
Dicevi che i CCCP avevano la pesantezza della
giovinezza e i CSI la pesantezza della maturità: nel caso
queste canzoni facessero da viatico a un tuo nuovo
lavoro che tipo di pesantezza potrebbe avere secondo
te?
“Nonostante l’apparenza, anzi proprio in virtù di una pesantezza
che è propria delle cose, avrebbero/hanno/dovrebbero avere la
leggerezza della vecchiaia. Solo la vecchiaia senza rimpianti può
permettersi uno sguardo leggero sul mondo. E rifarei tutto”.
TESTO DI FR ANCESCO VIGNANI
FRATTURE E CONTINUITÀ
MASSIMO
ZAMBONI
Ti ricordi cosa stavi facendo esattamente 30
anni fa in questi giorni?
“Era il settembre del 1990 e sì, lo ricordo
perfettamente. Ero appena tornato da un viaggio di
due mesi in Thailandia dopo aver finito le registrazioni
di Epica Etica Etnica Pathos e lì avevo maturato la
decisione di chiudere con i CCCP. Perché quell'album –
che poi è un disco glorioso, molto importante anche per
noi allora come oggi – aveva palesato chiaramente che
non aveva più senso continuare quella storia. C'erano
delle divergenze troppo forti fra di noi, diciamo fra me
e Giovanni da una parte e Annarella e Fatur dall'altra.
Era una formula che cominciava a mostrare la corda,
sapevamo che stavamo perdendo di vista quello che
avevamo in mente all'inizio”.
Anche perché diverse erano le persone
coinvolte, a quel punto.
“L'irruzione di Maroccolo, Canali e Magnelli e della
TAG: #villapirondini #macistecontrotutti #punkettonefilosovietico #lietofine #fedelta
loro fantastica capacità musicale ci aveva spiazzato
completamente. Abbiamo lavorato in quei tre mesi a
Villa Pirondini con molta sorpresa e molta cattiveria
da una parte e molto amore dall'altra, credo che tutti
questi sentimenti trovino un riflesso nell'album. Però
sapevamo che la storia come l'avevamo in mente noi
quattro CCCP era finita. Quindi io torno dal viaggio,
comunico la mia decisione agli altri e ricordo una
riunione molto triste: Annarella era abbastanza
incredula, Giovanni in qualche maniera aveva accettato
abbastanza velocemente la mia decisione, Fatur molto
meno ovviamente. Paradossale è che la nostra etichetta
discografica, la Virgin, fosse entusiasta dell'album.
Ricordo benissimo il loro direttore dire che finalmente
avevamo trovato dei musicisti con cui suonare e noi
invece sapevamo che la cosa era finita”.
Torniamo alla genesi del disco: Canali racconta
di registrazioni molto tese.
ONLINE: massimozamboni.it
RUMOREMAG.COM | 33
“Guarda, dipende dai momenti. Quando convivi
per tre mesi hai campo per tutti i possibili
stati d'animo, dall'odio più totale, alla noia,
all'insofferenza, all'affetto e all'amore per quelli
con cui stai suonando. Eravamo molto contenti di
quello che stava venendo fuori, al di là di tutti i
problemi. C'erano persone nuove: è arrivato Ringo
De Palma che se ne è andato subito nella maniera
più drammatica, girava tantissime gente. La cosa
più importante era questa idea che aveva portato
Maroccolo, quella di piantarla con un modo di
registrare che per noi era un'autentica tortura e di
svelarci che bastava trovare l'attrezzatura giusta e
si poteva incidere ovunque. Questa per noi è stata
una sorpresa enorme, la nostra incapacità tecnica
non ce l'avrebbe mai potuto rivelare. Invece Gianni
con la massima naturalezza ha tirato fuori i pregi
di ognuno di noi e la bellezza di vivere insieme
un'avventura artistica così forte, così creativa”.
Tu credi che quasi inconsapevolmente, nel
momento in cui avete deciso di coinvolgerli
nel gruppo, lo stavate facendo anche per dare
una cesura rispetto a quanto successo fin lì?
“In realtà no, perché il nuovo ingresso doveva essere
34 | RUMOREMAG.COM
solo Maroccolo. Ci siamo conosciuti in Unione
Sovietica, abbiamo fatto un piacevole viaggio di
ritorno insieme e gli abbiamo proposto di produrre
il nostro prossimo album. In effetti non sapevamo
nulla di Canali che ci era stato presentato come
fonico. Fonico con chitarra, per la precisione, e
infatti poi ci ha dimostrato cosa sapeva fare con
lo strumento. E non conoscevamo più di tanto
Magnelli, che era arrangiatore e tastierista. Non
c'era nessun calcolo. Ma non c'è mai stato nessun
calcolo in quello che abbiamo fatto come CCCP.
Abbiamo sempre vissuto e… la vita vissuta ha
sempre rivelato quello che portava con sé”.
È un disco che era quasi una provocazione
per chi vi vedeva come gruppo punk. Ci sono
tre pezzi attorno ai dieci minuti, l'album dura
un'ora e sette minuti e molte scelte stilistiche
sono lontanissime da quelle degli esordi. Era
voluta?
“L'idea della provocazione non c'era e non ci ha mai
accompagnato. È un'idea un po' misera, diciamo,
appartiene a chi ha dei problemi che non riesce a
risolvere altrimenti. E noi non avevamo intenzione
di risolvere quelli che erano i nostri problemi in
 CCCP MASSIMO ZAMBONI
provocazione, li abbiamo trasformati in tanti altri
modi, dai libri alle canzoni, ma non in quello. È stato
un percorso assolutamente naturale. Per suonare del
punkettone filosovietico occorre essere in due o in
tre, arrabbiati, con una batteria elettronica. Avendo
attorno fior di musicisti come Maroccolo e gli altri
sarebbe stato davvero sciocco non approfittarne.
Io credo che brani come Maciste Contro Tutti non
si siano mai sentiti in Italia, tanto prima quanto
dopo. Per la capacità compositiva, per la carica che
portano con sé, per la profondità dei testi. Questa è
musica estrema, il problema non è alzare il livello
delle chitarre o suonare più veloce degli altri”.
Ti piaceva la definizione che del disco dava
Giovanni, “tutto lo sporco degli anni Novanta
con la tecnologia degli anni Settanta”?
“Sì, anche perché è mia! Ma non è un problema, ci
siamo sempre scambiati le parole (risate, nda)”.
Qual era stata la reazione della stampa ai
tempi, se te la ricordi?
“Eravamo già così disuniti fra di noi che non credo
che neanche abbiamo letto più di tanto le recensioni.
Ne ricordo poche, sinceramente, credo fosse difficile
farne per un album del genere. La stampa, ahivoi,
è sempre molto conforme. Difficile trovare un
giornalista che abbia anche capacità di scrittura
profonde, in grado di indagare cosa c'è nel profondo
di un disco al di là della lista delle canzoni o del
primo acchito. Occorrerebbe, credo, per ogni album
che si tratta, scrivere dieci pagine, quasi un saggio.
Anche tutto in negativo, intendiamoci. E un album
complesso come EEEP forse si sarebbe meritato
tutto quello spazio”.
In copertina ci sono gli strumenti, non i
musicisti. Per riportarti la definizione di
Ferretti, a quel punto erano usciti i CCCP ed
era entrata la musica.
“Vero. E poi era arrivato Luigi Ghirri, l'autore
dello scatto di copertina: lui fotografava l'assenza
e un'idea della grafica musicale molto diversa da
quella comune, quella con il cantante in primo piano
o il gruppo in posa. Diceva che la cifra di quell'album
erano i muri e le stanze di quella casa e grazie a lui
EEEP ha trovato una veste eccellente”.
Provando a entrare un po' più nel dettaglio:
nella tua scelta di chiudere con i CCCP
c'entrava anche un limite intrinseco al
gruppo? Ne vedevi uno in particolare?
“Credo noi non avessimo una cognizione così chiara
del limite dei CCCP. Un po' tutto parte dalla fine
delle registrazioni di Canzoni Preghiere Danze:
quell'album in fin dei conti non ci appartiene in
profondità se non come compositori. Abbiamo
TESTO DI FR ANCESCO VIGNANI
«IO CREDO CHE BRANI COME MACISTE
CONTRO TUT TI NON SI SIANO MAI SEN-
T I T I I N I TA L I A , TA N TO P R I M A Q U A N TO
D O P O. P E R L A C A PA C I TÀ C O M P O S I-
T I VA , P E R L A C A R I C A C H E P O R T A N O
C O N S É , P E R L A P R O F O N D I TÀ D E I
T E S T I. Q U E S TA È M U S I C A E S T R E M A , I L
PROBLEMA NON È ALZARE IL LIVELLO
D E L L E C H I T A R R E O S U O N A R E P I Ù V E-
L O C E D E G L I A LT R I »
sbagliato decisamente ad arrangiarlo e registrarlo in
quel modo, ad inseguire non tanto una moda quanto
un'idea di fruizione della musica che non era nostra.
Questo paradossalmente ha fatto di quell'album –
che pure ha delle canzoni bellissime – il nostro meno
venduto, proprio mentre noi cercavamo di allargare
il nostro pubblico. E quindi già lì c'era una prima
frattura. Che poi noi siamo sempre stati fratturati,
dal primo giorno di CCCP abbiamo rischiato di
scioglierci tutti i giorni. Questa specifica frattura era
quasi un segno di continuità, volendo”.
Per chiederti come tu avessi preso a livello
umano la fine del gruppo viene in aiuto
uno dei primissimi vostri comunicati in
cui proprio tu scrivevi: “CCCP è una storia
d'amore ed è la storia dei nostri sentimenti”.
“Noi avevamo tutti dei nervi scoperti, avevamo
deciso di mettere in gioco la nostra vita con questa
storia. Senza mediazioni durante e senza paracadute
nel dopo. Mentre tutti i nostri amici in qualche modo
trovavano la loro strada, noi invece ne abbiamo
percorso una senza nessuna certezza. Come dice una
nostra canzone: osando perdere. Questo abbiamo
fatto: abbiamo osato questa sconfitta, questo buttare
via così tanti anni, ed è proprio questo elemento
che ha reso le canzoni tanto viscerali, che la nostra
difesa di esse fosse altrettanto viscerale e che
sempre viscerale fosse l'attacco che ognuno di noi
compiva nei confronti degli altri”.
Viscerale era anche il rapporto con la scena
cosiddetta punk del periodo: con i gruppi
del giro hardcore l'amore non scoppiò mai,
mentre frequenti erano le complicazioni con i
centri sociali, dal Leoncavallo in giù.
“Viscerali erano loro, nel senso che noi non abbiamo
mai appartenuto a quella scena, facevamo parte di
RUMOREMAG.COM | 35
 CCCP MASSIMO ZAMBONI
«L E C A N ZO N I S O N O F I G L I, VA N N O I N
GIRO SULLE LORO GAMBE. HANNO I
LO R O A M I C I, L E LO R O F R E Q U E N TA-
Z I O N I, I L O R O C O V I. È M O LT O B E L L O
P E N S A R E C H E S I A C O S Ì, N O N A P PA R-
TENGONO A NOI»
mondi diversi. E questo si è visto in seguito, dato
che sia io che Giovanni abitiamo isolati in mezzo alle
montagne, non abbiamo legami con nessuna scena
cittadina. Non c'era nessuna possibilità di agganci:
è stato un equivoco ma non lo abbiamo commesso
noi”.
Nel tuo recentissimo libro La Macchia
Mongolica dici che in Mongolia le parole
conservano ancora il loro vero significato.
Cosa pensi di chi in Rete a volte rilegge o
rinnega la storia del gruppo, soprattutto se
alla luce delle posizioni di Giovanni?
“Io sono ateo da questo punto di vista. Non
frequento, non pratico. Non leggo e non ascolto
mai niente e quindi non ho modo di sapere nulla.
E questa è una bella difesa, perché credo che sia
questa la vera informazione, sapere solo ciò che
accade nella vita. Le cose fondamentali, quelle che
devi sapere davvero, le sai già: io ho 63 anni, molte
cose le ho sperimentate, le ho assestate nella mia
testa. Non ho bisogno di sapere tutto quello che
capita attorno a me e che magari mi riguarda pure,
per quanto io rimanga molto curioso”.
Chiedo anche a te un commento circa le voci
di una reunion dei CCCP qualche anno fa.
Nessun rimpianto per il fatto che non sia mai
avvenuta?
“Io sono abbastanza sentimentale, quindi un lieto
fine me lo concederei volentieri. Ma deve succedere
prima nella nostra vita che dal vivo. Ci dev'essere un
avvicinamento, dopo di che sarebbe davvero sciocco
non esternare questo avvicinamento su un palco. Io
sono qua, lo dico sempre: sono assolutamente aperto
e sereno, non ho problemi su questa cosa”.
Come vedi anche tu il fatto che i CCCP in
tempi estremamente rapidi siano diventati
parte del bagaglio musicale italiano? Non
dico come un Battisti, ma poco ci manca.
“Le canzoni sono figli, vanno in giro sulle loro
gambe. Hanno i loro amici, le loro frequentazioni,
i loro covi. È molto bello pensare che sia così, non
36 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI FR ANCESCO VIGNANI
appartengono a noi. Mi fa piacere sentire Gianna
Nannini che canta Amandoti, così come l'altro
giorno ho ascoltato una giovane ragazza americana
che fa una cover di Curami: capisci e ti ricordi
che passionalità hanno questi brani, e ti fa molto
piacere”.
Senza entrare nel merito dei rapporti fra te e
Giovanni, tu hai mantenuto ottime relazioni
con tutti gli altri, giusto?
“A me spiace perdere i miei punti di riferimento.
So qual è il valore degli altri, il che non vuol dire
che li sopporti sempre, anzi spesso non li reggo
proprio perché li conosco così bene. È bello potersi
concedere dei momenti in cui stare assieme, ogni
tanto vengo invitato, ogni tanto invito. Siamo
sempre persone che, nel bene o nel male, si tengono
presenti e si guardano di sottecchi”.
In Tempi Moderni, unico documentario
ufficiale realizzato sul gruppo durante la
sua esistenza, tu dici una frase che sintetizza
bene cosa dovessero essere i live del gruppo:
“il palco dei CCCP è la rappresentazione
del mondo”. Quanto veniva allenato questo
mondo?
“C'era fatica, quella del pensare insieme le cose
e portarle poi sul palco, così come quella delle
difficoltà logistiche di organizzare dei concerti
senza strutture. Non c'era mai improvvisazione
anche perché abbiamo sempre avuto una batteria
elettronica a comandare i nostri tempi e le nostre
scalette. Questo era molto sovietico, credo, e ci ha
fatto un gran bene questa disciplina”.
A pescare nel mare di luoghi comuni che
a volte han contornato gli ultimi anni di
racconto del gruppo, ti chiederei conto di
uno che torna spesso: ti senti quello rimasto
fedele alla linea?
“Lo sento dire e lo vedo scritto sovente e mi fa un
po' sorridere. Credo che forse sono quello che, più
degli altri, è rimasto in carreggiata su quel mondo.
Non per motivi ideologici, sarei piuttosto ottuso nel
caso. È una fascinazione più profonda, la mia: mi
piace l'Est, i suoi popoli, i loro occhi, il loro fisico.
C'è qualcosa che mi attira in questo rigore che tante
volte va a braccetto con il disfacimento. Mi piacciono
le strutture che decadono, la natura fredda che li
sommerge. Non sono una persona tropicale e quindi
mi ci ritrovo sotto tanti tanti aspetti: ho scritto
libri in materia e ne sto terminando uno adesso che
parla dell'Emilia comunista, della sua fine e dei suoi
rapporti con l'Unione Sovietica. Non un saggio ma
un lungo racconto: è un mondo che mi fa riflettere
molto... poi decidi tu della mia fedeltà!”
UNO SGUARDO SUI CCCP
TRA AFFINITÀ E DIVERGENZE
CANALI &
MAROCCOLO
Che dire? Parliamo di due esponenti di una delle
più grandi e particolari band dei ‘90 italiani, i CSI. E
parliamo del trentesimo anniversario, lo avrete capito,
dell’ultimo album dei CCCP, Epica Etica Etnica Pathos;
che in qualche modo un po’ è stato anche il primo dei
CSI, proprio per via del suono e per la formazione che lo
ha pensato, sudato, prodotto, inciso. Accade che nell’89
CCCP e Litfiba condividano un tour in Unione Sovietica.
E accade che i CCCP propongano a Gianni Maroccolo di
curare la produzione di quello che sarebbe stato EEEP,
e che lui accetti, portando con sé in squadra Francesco
Magnelli, Ringo De Palma e Giorgio Canali, già tra l’altro
fonico dei Litfiba. Ci interessava la loro visione dei CCCP.
La loro versione. Quella di Gianni e Giorgio. Giusto nel
momento in cui quella storia era in procinto di finire per
generarne un’altra.
Sei lustri da Epica Etica Etnica Pathos, ultimo
album dei CCCP dopo otto anni di militanza,
TAG: #moscaleningrado #caratterifumini ONLINE: facebook.com/Giorgio-Canali-40923321642 - giannimaroccolo.com
TESTO DI BARBAR A SANTI
F O T O D I A N TO N I O V I S C I D O
disco cui collaboraste entrambi. Che percezione,
che idea avevate dei CCCP negli anni precedenti
alla vostra collaborazione? Vi conoscevate già?
Come li vedevate?
Giorgio Canali: “I CCCP concettualmente mi facevano
incazzare. Non tanto perché mi facesse cagare quello
che facevano, i testi di Giovanni erano spettacolari e
dal punto di vista musicale non erano poi così terribili,
semplicemente non sopportavo tutto il blaterare
mediatico su di loro come ‘alfieri del punk’, come se
bastasse una cresta o il gilet in pelle borchiata di Fatur
per essere punk. Il punk era un’altra cosa e in Italia c’era
chi lo viveva in maniera meno estetica e più essenziale, mi
vengono in mente Kina e Franti, per esempio, anche Not
Moving… Ma ammetto di essere un fighetto di merda: per
me il punk erano i Crass, poche seghe e tanta creatività”.
Gianni Maroccolo: “Mi piacevano i CCCP. Ascoltavo
i dischi e andavo ai concerti. Sinceramente non mi
emozionava l’iconografia, né ero affascinato dal lato
RUMOREMAG.COM | 37
performativo e teatrale dei concerti. Ero ammaliato da
Giovanni soprattutto. Dal suo modo di stare sul palco,
da quel suo modo (mai sentito prima) di cantare, urlare,
salmodiare. Poi mi innamorai della sua voce e della sua
(presunta) non musicalità, del chitarrismo pazzesco
di Massimo e della sua capacità di comporre riff che ti
trapanano il cervello. E Umberto Negri, bassista unico,
tra i migliori. In quegli anni non ero attratto molto dai
testi; avevo bisogno di energia, di adrenalina e credo di
avere vissuto i CCCP più dal punto di vista musicale che
da quello concettuale. Ho scoperto anni dopo la bellezza e
la profondità della scrittura di Giovanni e il significato di
quei suoi testi”.
Che anni erano quegli ’80? Con chi suonavate,
prima dell’esperienza di Epica? Suonavate solo
o facevate anche altro?
G.M.: “Gli ‘80 furono anni intensi e inconsapevoli.
Tra crisi economica, terrorismo e ristagno culturale
fu miracoloso svegliarsi e di punto in bianco vedere
nascere nuovi gruppi, radio private, locali, etichette
indipendenti, negozi di dischi, fanzine, festival, tutto
era possibile per tutti finalmente. Nacquero compagnie
di teatro sperimentale, attori, stilisti di moda. Ogni
giorno a Firenze potevi scegliere se andare a vedere
38 | RUMOREMAG.COM
un concerto, una perfomance, una rassegna di video
d’arte o magari Patti Smith o Iggy Pop allo stadio o i
Tuxedomoon all’Aleph. Un grande fermento. In quel
periodo fondammo i Litfiba passando giorno e notte
nella cantina di Ghigo a suonare. Da lì a poco il primo
concerto alla Rokkoteca Brighton, il 6 dicembre 1980,
e nel giro di un anno ci ritrovammo a suonare in giro
per l’Italia e all’estero. Furono le esperienze all’estero
a farmi capire che tutto sommato eravamo un buon
gruppo e che avremmo potuto provare a vivere di
musica. Tra l’uscita di Desaparecido e 17 Re decisi di
smettere di lavorare, facevo il cuoco, e da allora mi
sono dedicato solo alla musica”.
G.C.: “A quell’epoca ero un animale tecnologico,
con Politrio facevamo una specie di rock con tanta
elettronica dentro, contaminato dai miei gusti che
andavano dal punk alla new wave e da quelli di Bob
Zoli che adorava il rock americano e il jazz elettrico.
Lavorando così in studio e dal vivo imparavamo a
usare ogni tipo di strumentazione e tecnologia e, per
campare, entrambi facevamo i tecnici del suono.
Lui incominciò a collaborare con i Litfiba, io mi feci
un paio di tour con la PFM, poi nell’87 lo rimpiazzai
come fonico con la band di Pelù, Maroccolo e soci, di
lì è partito tutto”.
 CCCP GIORGIO CANALI & GIANNI MAROCCOLO
Nell’89 un tour che vede i Litfiba e i CCCP
insieme in Unione Sovietica. Ci raccontate
quell’esperienza? Entraste subito in empatia con
i CCCP? E come vedevate Giovanni, Massimo,
Fatur e Annarella? Con chi di loro entraste in
sintonia per primi e che rapporti c’erano? Che
aria si respirava?
G.C.: “C’erano solo rapporti cordiali… Un po’ di diffidenza
reciproca, credo, o forse è meglio dire che mi sono sempre
fatto i cazzi miei”.
G.M.: “Mi era già capitato di dividere il palco con i CCCP
quando suonavo nei Litfiba. A dire il vero all’ epoca non
legammo molto. Non dico che fossimo in competizione
o che ci si stesse sul cazzo, ma ci snobbavamo a vicenda.
Altra storia fu l’esperienza in Russia. Appena arrivati a
Mosca ci rendemmo conto che era necessario sbatterci
per poter riuscire a suonare e così mi ritrovai con
Ferretti a cercare camion a noleggio, strumentazione e
persino a contrattare con una capostazione terribile per
poter organizzare il trasporto degli strumenti da Mosca
a Leningrado. Forse fu la necessità a farci ricredere
gli uni degli altri. Quando suonammo al Palazzetto
di Mosca, gremito di soldati, durante il concerto dei
Litfiba, Giovanni rimase sdraiato tutto il tempo vicino
a Ringo per tenergli fermi la cassa e il charleston. Da
non crederci. Ricordo che la notte del viaggio verso
Leningrado avevano blindato in un unico vagone noi
musicisti e gli accompagnatori. Rimanemmo isolati
dal resto del treno dalla partenza all’arrivo la mattina
seguente. Unica fonte di sostentamento un gigantesco
samovar di tè nero. Ma qualcuno si era organizzato e
aveva garantito alla comitiva vodka e altre cosette. Nel
giro di qualche ora ci ritrovammo immersi nel fumo… E
durante la notte Giovanni mi fece ascoltare la cassetta di
Canzoni Preghiere Danze Del II Millennio che sarebbe
uscito da lì a poco. Mi emozionai e credo di avere pianto
ascoltando Madre. Giovanni mi disse che, pur amando
testi e musiche, non era soddisfatto di quel disco.
Secondo lui era freddo e plasticoso e aveva un suono
troppo radiofonico. Mi misi nella cuccetta sotto la sua e
parlammo per ore. Lui del futuro incerto dei CCCP e io
del mio, altrettanto incerto, nei Litfiba. Con Massimo
iniziammo a scoprirci durante il viaggio di ritorno. È
un po’ taciturno all’inizio e quindi indecifrabili i suoi
pensieri, per di più non beve e non fuma come me, ma
alla fine ci sciogliamo e mi dice che è contento e che
avremmo dovuto risentirci presto. Di Fatur e Annarella
non so. Ho sempre avuto l’impressione di non rimanere
simpatico a nessuno dei due”.
Leggenda che mi incuriosisce: è vero che
Ferretti a Mosca si è prostrato a terra davanti al
mausoleo di Lenin?
G.M.: “Si dice, ma se accadde io non c’ero”.
G.C.: “Non ne ho idea, ero sempre in giro con Ringo,
mio compagno di stanza fisso in tour, e probabilmente
non ce ne fregava nulla del ‘turismo’. Eravamo più
TESTO DI BARBAR A SANTI
«M I E R A G I À C A P I TATO D I D I V I D E R E I L
PALCO CON I CCCP QUANDO SUONA-
V O N E I L I T F I B A . A D I R E I L V E R O A L L’
E P O C A N O N L E G A M M O M O LT O . N O N
DICO CHE FOSSIMO IN COMPETIZIONE
O C H E C I S I S T E S S E S U L C A Z ZO, M A C I
S N O B B A V A M O A V I C E N D A . A LT R A S T O -
R I A F U L’ E S P E R I E N Z A I N R U S S I A . A P P E-
N A A R R I VAT I A M O S C A C I R E N D E M M O
C O N T O C H E E R A N E C E S S A R I O S B A T-
TERCI PER POTER RIUSCIRE A SUONA-
R E E C O S Ì M I R I T R O VA I C O N F E R R E T T I
A C E R C A R E C A M I O N A N O L EG G I O,
S T R U M E N TA Z I O N E E P E R S I N O A C O N-
T R AT TA R E C O N U N A C A P O S TA Z I O N E
TERRIBILE PER POTER ORGANIZZARE
IL TRASPORTO DEGLI STRUMENTI DA
M O S C A A L E N I N G R A D O. F O R S E F U L A
N E C E S S I TÀ A FA R C I R I C R E D E R E G L I
U N I D E G L I A LT R I » G I A N N I M A R O C C O LO
interessati alla vodka”.
Nella circostanza del tour sovietico in qualche
modo Cupido scoccò la freccia: come e quando
cominciaste a lavorare insieme a loro? Robe
anche di scambi di rose e bigliettini tra Ferretti
e Maroccolo, si vociferava. Come andò? Come
iniziò tutto ciò che col disco successivo mutò
nome e forma evolvendosi nei CSI?
G.M.: “Nel novembre del 1989 lasciai i Litfiba. Qualche
mese dopo ricevetti, inaspettata, una telefonata di
Massimo che mi chiedeva se mi sarebbe piaciuto
occuparmi della produzione artistica del nuovo disco dei
CCCP. Fu brevilineo come sempre; aggiunse: ‘Maroccolo,
pensaci e, se ti va di parlarne, vediamoci presto a
Reggio’. Fu un’emozione fortissima. Lui e Giovanni mi
portarono in una trattoria e parlammo per un paio di ore.
Desideravano fare un disco più musicale, più suonato; che
rispettasse la loro creatività e il loro modo di fare canzoni.
Senza fronzoli né plastica. Gli proposi di prendere una
casa in affitto per un mese e mezzo e lì creare e registrare
il disco. Si improvvisa, si suona, si canta e, quando il
risultato ci convince, si registra. Una sorta di comunità
che avrebbe condiviso vita e musica in full immersion.
A loro l’idea piacque perché non amavano gli studi di
RUMOREMAG.COM | 39
 CCCP GIORGIO CANALI & GIANNI MAROCCOLO
«G I O VA N N I I N I Z I Ò A C A Z Z E G G I A R E
SUL R’N’R E IN EFFETTI RICORDO CHE
MI REGALÒ A FINE CENA UNA ROSA, E
IO PRIMA DI ANDARE VIA GLI SCRISSI
S U U N TO VA G L I O LO : A R E Y O U R E A DY
F O R R ’N ’R ? C I R I T R O VA M M O L A S E T-
TIMANA DOPO A CASA DI MASSIMO,
CHE SUONÒ IL GIRO DI CAMPESTRE E
IL RIFF DI PAXO DE JERUSALEM. GIO-
V A N N I T I M I D A M E N T E C A N T Ò D I S P A L-
LE AGHIA SOPHIA. RIMASI DI SASSO! LA
CANTÒ FACENDO LE PAUSE, I CAMBI
DI TONO E DI MELODIA, L A PIZZA A
POZZUOLI, IL FINALONE. QUANDO CI
R I T R O VA M M O A V I L L A P I R O N D I N I L A
M U S I C A M M O S E G U E N D O A L L A L E T T E-
R A L A S T R U T T U R A O R I G I N A L E C A N TA-
TA D A G I O VA N N I.» G I A N N I M A R O C C O LO
registrazione. Giovanni iniziò a cazzeggiare sul r’n’r e
in effetti ricordo che mi regalò a fine cena una rosa, e
io prima di andare via gli scrissi su un tovagliolo: are
you ready for r’n’r? Ci ritrovammo la settimana dopo a
casa di Massimo, che suonò il giro di Campestre e il riff
di Paxo De Jerusalem. Giovanni timidamente cantò di
spalle Aghia Sophia. Rimasi di sasso! La cantò facendo
le pause, i cambi di tono e di melodia, la pizza a Pozzuoli,
il finalone. Quando ci ritrovammo a Villa Pirondini la
musicammo seguendo alla lettera la struttura originale
cantata da Giovanni. Salutandoli chiesi loro se potevo
coinvolgere altri musicisti nella produzione del disco e
lasciarono a me la decisione. Arrivato a Firenze chiamai
Giorgio per proporgli di registrare, missare e suonare
nel disco. E poi Francesco per suonare le tastiere e co-
arrangiare il lavoro. Dopo poco risultò evidente a tutti
l’alchimia che si era creata e decidemmo di comporre e
suonare tutti insieme quasi tutte le canzoni. In quella casa
era nata una nuova storia; quella dei CSI”.
G.C.: “Ricordo che Massimo e Giovanni ci fecero sentire,
durante un viaggio in treno per Leningrad (si chiamava
ancora così), l’album Canzoni Preghiere Danze Del II
Millennio che avevano appena finito di mixare. Credo che
nacque su quel treno l'idea di fare un album diverso da
come erano sempre stati fatti gli album dei CCCP”.
Nei CSI i ruoli mi sembravano netti, ben
40 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI BARBAR A SANTI
definiti, forse perché eravate frutto dell’unione
di personalità molto diverse l’una dall’altra.
Quale fu, invece, il vostro ruolo in Epica Etica
Etnica Pathos?
G.C.: “Arrivai armato di tutto punto per allestire uno
studio estemporaneo e registrare l’album, con tutto il
mio bagaglio di tecnologia audio e MIDI, poi Gianni saltò
fuori con l’idea di limitare al minimo l’uso dell’elettronica
e mi disse di prendere su la chitarra. Da fonico/assistente
alla produzione a chitarrista in un attimo”.
G.M.: “Non credo che nei CSI ci fossero ruoli netti
e circoscritti. Ognuno, oltre a comporre, metteva in
circolo le proprie caratteristiche peculiari. In Epica
Etica, oltre a suonare e a comporre con gli altri, io mi
occupai della produzione artistica e successivamente
dei concerti. Che poi è quello che ho continuato a fare
anche nei CSI e nei PGR”.
Musicalmente e politicamente che anni erano
quelli, l’89 e il ‘90? Che cosa vi girava intorno?
Che momento era per il mondo e per i CCCP?
C’era aria di cambiamento, di rottura o di
evoluzione possibile? E per voi?
G.C.: “Mah, io da un po’ di tempo avevo cominciato
a frequentare la Francia e musicalmente scoprivo un
universo alternativo e molto più stimolante di quello
italiano. Politicamente era appena caduto il muro di
Berlino e non potevi non pensare alla famosa battuta di
Mauriac, rubata poi da Andreotti: ‘Mi piace talmente la
Germania che sono contentissimo ce ne siano due’. Per
quello che riguarda i CCCP, credo che sia Giovanni sia
Massimo avessero già deciso che sarebbe stato l’ultimo
album per il gruppo, almeno in quella forma”.
G.M.: “Per me è stato un periodo di ‘rinascita’. EEEP.
prima, i CSI dopo, mi hanno costretto a crescere. A
riflettere. Giovanni mi ha aiutato ad aprire gli occhi, a
guardare la vita e il mondo da prospettive diverse. Anche
l’esperienza di gruppo è stata potente. E faticosa. Per
anni ho fatto da ‘collante’ tra persone meravigliose ma
assai complesse. Ne è valsa la pena. In quel periodo, tra
CCCP, CSI e CPI, non avevo desiderio di comprendere
cosa mi/ci girasse intorno. Spesso bastava leggere e
comprendere un testo di Giovanni per rendersene conto
e capire dove eravamo, cosa accadeva e dove stavamo
andando. Credo che Giovanni e Massimo non fossero
soddisfatti e volessero cambiare. Paradossalmente, non
volevano inventarsi qualcosa che non c’era ma piuttosto
ripartire da un approccio simile a quello dei primi anni.
Immagino che tra loro quattro stesse venendo a mancare
l’unità di intenti sulle scelte che avevano contraddistinto
il loro primo periodo. Il concetto di evoluzione è ambiguo.
Un cambiamento non rappresenta necessariamente
un’ evoluzione e credo che non tutti volessero cambiare
allo stesso modo. Fu triste assistere alla lunga riunione
avvenuta a metà della lavorazione di EEEP dove decisero
di sciogliersi. Non ho mai capito perché Giovanni chiese
a me, Giorgio e Francesco di presenziare a quell’incontro.
 CCCP GIORGIO CANALI & GIANNI MAROCCOLO
Ricordo la sofferenza di tutti loro, i pianti, le parole dure.
Fu chiaro che quel disco sarebbe stato l’addio del gruppo.
Giorni densi di emozioni forti. Avevo appena lasciato i
Litfiba e mi ritrovavo a vivere una situazione simile. Poi
Zamboni mi propose di far parte del gruppo in pianta
stabile, ma ero confuso e credevo che la cosa più saggia
da fare fosse pensare solo al disco, concentrarsi. Non
ricordo dove stesse andando il mondo… Sì, il crollo del
muro, Baggio alla Juventus e poco altro. Ero assorbito
da quell’esperienza. Andavo a letto quando albeggiava e
soffrivo il peso della responsabilità che mi ero assunto nei
confronti di tutti, Virgin compresa. Il flusso creativo era
sorprendente, non finiva mai. Così come le complessità e
i problemi. Dopo un mese avevamo materiale sufficiente
ma sarebbe stato folle interrompere il ‘flusso’ e proposi
di pensare a un doppio album. La mattina seguente
Giovanni aveva già trovato il titolo, Epica Etica Etnica
Pathos. Se non avessimo preteso dalla Virgin di
pubblicare un doppio, una canzone come Annarella non
sarebbe mai nata, per esempio”.
Come andarono le registrazioni? Ci parlate della
band, del luogo e contesto che sceglieste per
inciderlo, dei vostri rapporti, delle difficoltà,
delle soddisfazioni? C’erano anche Francesco
Magnelli e Ringo De Palma…
G.M.: “Massimo aveva trovato una location pazzesca:
Villa Pirondini, a Rio Saliceto. Facemmo un sopralluogo,
e pensando al suono gli dissi che andava bene. Avrebbe
pensato lui a pulirla e arredarla e io al resto. Con
Giorgio si decise di montare lo studio nella cappella
adiacente, mettendo il mixer sull’altare. Attaccai
una coperta al muro scrivendo il numero dei giorni a
disposizione. Ognuno si prese una camera. Io condivisi
un materassone con Francesco al piano terra, coperto
da sacchi a pelo. Ci si addormentava all’alba, più o
meno quando nel semibuio sentivamo arrivare Giorgio
scalzo, in pigiamino leggerissimo, che con la paglia
accesa andava nella cappella dove, a volume bassissimo,
riascoltava il lavoro del giorno prima. Massimo poi
ci spiegò che intorno a Rio Saliceto erano nati alcuni
dei film di Maciste, che lì abitava Luigi Ghirri e che
avrebbero cercato di convincerlo a occuparsi delle foto
e dell’artwork. Anche se Giovanni si inventò lo slogan
‘tutto lo sporco degli anni 90 con la tecnologia degli anni
70’, EEEP deve molto a Giorgio. Registrare e mixare
in quelle condizioni non fu semplice e tutto si può dire
tranne che il disco non abbia un gran bel suono. Tra alti
e bassi umorali si procedeva. Francesco era sempre di
ottimo umore e ispirato. Seguiva lui Giovanni quando
cantava proponendo armonizzazioni, controcanti, cori.
Giorgio pensava ai suoni, poi tirò fuori la chitarra synth
e iniziò a suonare con noi. Quando si trattò di pensare a
un batterista, Giovanni propose di chiedere a Ringo di
unirsi a noi. L’ultima canzone composta fu Annarella. E
fu anche l’ultima che suonò Ringo. Il disco era finito. Era
domenica. Il giorno dopo Ringo morì”.
TESTO DI BARBAR A SANTI
G.C.: “Uno psicodramma in piena regola, tanto stress,
tante scenate, tensioni, quelle normali che ci sono in un
gruppo eterogeneo e stranamente assortito di persone,
ognuna con le proprie turbe mentali, che decidono di
andare in vacanza insieme. Solo che non eravamo in
vacanza, ahimè. Annarella e i suoi capricci, Fatur che ha
rotto i coglioni finché Gianni non ha deciso di lasciargli
cantare un pezzo, Ringo che se ne è andato e non è più
tornato, i litigi fra me e Gianni per un riverbero più alto
o più basso di mezzo decibel durante il mix… Problemi
minuscoli che diventavano enormi e sofferenze enormi
che cercavamo di cancellare”.
Che idea avevate l’uno dell’altro all’epoca?
Eravate amici, oltre a lavorare insieme?
G.C.: “Eravamo amici. Quando lui se ne andò dai Litfiba
li mollai anch’io. Ma non era una persona facile, era
un maniaco del controllo, come la maggior parte dei
bassisti (eheh). Alla fine della produzione di EEEP
gli dissi che sarebbe stata l’ultima volta che si faceva
qualcosa assieme, che se ne andasse a cagare, e scappai
a Bruxelles a registrare il primo album dei Corman &
Tuscadu. Fu la prima di tante volte. Nella nostra vita
musicale assieme ci siamo mandati a cagare ‘per sempre’
almeno altre due o tre volte (ride, nda)”.
G.M.: “Conosco Giorgio da una vita. A metà anni 80
iniziò a collaborare con i Litfiba. Era il nostro fonico dal
vivo e si occupava della preproduzione dei dischi. C’è
voluto tempo per conoscerci ma siamo diventati amici,
anche se i nostri caratteri fumini hanno provocato alcuni
malintesi, sclerate, tensioni. Ma invecchiando ci siamo
ammorbiditi entrambi”.
E che idea Giorgio ha di Gianni e Gianni di
Giorgio, oggi? Vi sentite? Vi vedete? Vi volete
bene? Capita che suoniate insieme?
G.M.: “Be’, è diventato un Artista di razza. È stato un
lungo percorso partito da lontano fino alle sue undici
canzoni di merda: una Meraviglia! Ci sentiamo spesso. Ci
mandiamo i dischi che facciamo prima di pubblicarli per
scambiarci opinioni. E capita che si suoni insieme sia dal
vivo sia nei nostri dischi. Nel mio ultimo Alone, per dire,
ci sono tre suoi bellissimi camei. Se non ci si volesse bene
non saremo mai riusciti a suonare insieme”.
G.C.: “Credo che lui sia una persona migliore di 30 anni
fa e io pure, fare robe insieme è sempre un piacere e,
sorprendentemente, negli ultimi otto/nove anni andiamo
d’accordo su quasi tutto, ogni tanto mi stupisce che
abbiamo reazioni assolutamente simili rispetto alla
musica, all’etica e, ancor più sorprendente, alla politica”.
Sentite o vedete ancora Massimo, Lindo, Fatur
e Annarella? Con chi siete rimasti in contatto e
di chi invece avete perso le tracce?
G.C.: “Capita di incrociare Massimo o Fatur,
Annarella non la vedo da secoli, con Giovanni ci
vediamo a ogni morte di papa, ci si manda a salutare
RUMOREMAG.COM | 41
 CCCP GIORGIO CANALI – GIANNI MAROCCOLO
per interposta persona”.
G.M.: “Sì. Li sento spesso e ogni tanto vedo sia
Massimo sia Giovanni. E ovviamente anche Giorgio,
Francesco e Ginevra”.
Con quale CCCP in quel 1990 eri più in sintonia
e con quale, se c’è, lo eri di meno? C’erano
contrasti, incomprensioni, o tutto filò liscio?
G.M.: “Credo con Giovanni. Per quanto all’inizio vivessi
una sorta di timore reverenziale verso di lui, parlavamo
molto e ci si confrontava su tutto. Con Massimo l’intesa
musicale è nata subito, ma ci è voluto più tempo per
scioglierci a livello umano. Durante EEEP non vi furono
incomprensioni né contrasti. Rispettavano il mio ruolo di
produttore e io il loro, senza mai cercare di impormi né di
condizionare le loro scelte”.
G.C.: “Obiettivamente non ci ho mai pensato, ti ho già
detto che è stato uno psicodramma di quasi due mesi,
altro che ‘tutto liscio’”.
C’è oggi, secondo voi, qualcosa che abbia
un’indole davvero punk tra la nuova musica, tra
i nuovi musicisti, rapper o trapper? E, se c’è, chi
o che cos’è? In che cosa la identificheresti? Si è
sentito recentemente più d’uno sostenere che la
trap e il nuovo rap rappresentino quello che il
punk rappresentava negli ’80 qui in Italia…
G.M.: “Sono un un rockettaro. Mi piace sperimentare,
incontrare artisti, condividere musica e progetti, sono
ancora curioso, ma in fondo sono e rimango un musicista.
L’indole rock riguarda più il mio modo di vivere e
di approcciarmi alla vita. Non amo le definizioni, le
categorie, le divisioni in generi. Nei primi ‘80 ascoltavo
Talking Heads, Dead Kennedys, Philippe Glass, Frank
Zappa, Residents, Wyatt, Neu!, Stratos, Cage, Eno, Bach,
Battiato. Non so se tra i nuovi musicisti vi sia attitudine
punk, così come non avrei saputo dirtelo allora. Vivo la
musica in modo viscerale ignorando questi aspetti. Non
riesco a definire il genere musicale di Iosonouncane né
la sua attitudine, so solo che mi emoziona tanto e che fa
della musica pazzesca e di alto spessore”.
G.C.: “Ma voi giornalisti scrivete sempre un mucchio di
cazzate, a partire dalla definizione di punk per i CCCP…
(ride, nda)”.
Ultimamente Ferretti è stato preso di mira a più
riprese, specialmente sui social. L’abbraccio con
la Meloni e il dichiarato amore per Ratzinger,
tra le altre cose, non sono andati giù ai fan dei
CCCP. Che ne pensi? Anche la critica ha mal
digerito l’ultimo suo singolo, L’Imbrunire,
perlopiù stroncandolo e forse fraintendendone
pure il testo, ma sto divagando. Che ne pensate
di lui, delle sue ultime mosse e delle critiche che
gli son state rivolte? Lo trovate così incoerente?
E critiche così decise e impietose, se fossero
esistiti i social ai tempi dei CCCP, secondo voi ci
42 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI BARBAR A SANTI
sarebbero state anche allora?
G.C.: “I fan di Giovanni si dividono in ‘incondizionali’
e ‘profondamente delusi’, secondo me hanno problemi
psichici sia gli uni sia gli altri, poi c’è qualcuno ogni
tanto che lo apprezza per come scrive e non pende dalle
sue labbra, nell’amore o nell’odio”.
G.M.: “Il consenso uccide ogni forma di libera
espressione e svilisce la creatività. Credo di conoscere
Giovanni e, tutto sommato, non mi pare così cambiato
in questi ultimi anni. Forse hai ragione, molti hanno
frainteso il testo de L’Imbrunire, ma sono certo che lui lo
abbia considerato se non addirittura voluto. Oggi ci sono
i social, ma negli ‘80 c’erano le bottiglie di birra (spesso
piene) che piovevano sul palco. Ti sputavano addosso e
ti urlavano a volte le peggiori cose. In varie occasioni, sia
con i Litfiba, sia con CCCP e CSI, abbiamo rischiato di
prendere botte, di essere coinvolti in risse. I social sono
molto più soft. Poi che un fan di Giovanni possa sentirsi
tradito ci può stare. D’altronde non è pensabile che un
personaggio pubblico non sia consapevole delle sue
scelte e delle conseguenze. Giovanni non si è mai ritirato
realmente. Non ha smesso di scrivere né di cantare
in pubblico e sa che ogni suo pensiero, sua canzone,
sua parola saranno sempre divisivi. Le sue posizioni
politiche e religiose spesso non sono affini al mio
sentire, eppure di lui ammiro ciò che molti non riescono
a godersi: la voce, il modo di cantare, il magnetismo,
la poetica, l’innegabile capacità di scrittura e la forza
con cui inchioda e costringe a riflettere. Di un amico e
Artista come Giovanni non posso che pensare bene”.
Giorgio, tre aggettivi per descrivere Gianni.
Gianni, tre aggettivi per descrivere Giorgio.
G.M.: “Cativo (con una T) - onesto – dolce”.
G.C.: “Cocciuto, passionale e pasticcione. Qualche anno fa
ci avrei aggiunto anche ‘decisionista’, ora è assolutamente
più aperto all’opinione degli altri”.
Che cosa pensate l’uno della musica dell’altro?
Che cosa vi è piaciuto di più tra i dischi che ha
fatto per conto suo e cosa di meno? E che cosa
non avreste fatto voi musicalmente, cosa avreste
evitato, se foste stati nei panni dell’altro?
G.C.: “Gianni fa esperimenti, tutti molto coraggiosi,
mi piace ciò che fa e quando mi tira in ballo sono
felicissimo. Mi piacerebbe che cominciasse a scrivere i
testi e mi piacerebbe sentirlo anche cantare quei testi,
ma non lo farà mai… troppo pudore”.
G.M.: “Credo sia stato l’unico a rinascere
artisticamente dopo i CSI. Mi è piaciuta la sua costanza,
il procedere a testa bassa, la volontà ferrea. Il desiderio
di costruirsi una vita e uno stile di fare musica a sua
immagine e somiglianza. Disco dopo disco. Testo dopo
testo. Un crescendo inarrestabile e una poetica unica.
Piaccia o meno, nessuno in Italia scrive e canta come
lui. Però se fossi stato in lui non avrei optato per il gin.
Meglio il rhum”.
TESTO DI BARBAR A SANTI
ARTISTA DEL POPOLO
FATUR
Chi fossero Fatur, “Artista Del Popolo”, e Annarella,
“Benemerita Soubrette”, lo sanno anche i sassi. Quali
fossero invece i rapporti, i ruoli, le intese, i legami tra
i componenti dei CCCP è sempre piacevole riscoprirlo.
O sorridere rammentando quali fossero i costumi di
scena scelti e discettare a proposito del loro legame
con la moda. Meno, quando si parla della crisi e della
fine, per le quali il Nostro ha sofferto parecchio. Si
chiacchiera naturalmente di CCCP, poi di storia e vita,
con Fatur. A voi la sua prospettiva.
Chi eri e che periodo era, quello in cui
ti avvicinasti alla musica, all’arte, allo
spettacolo?
“Ero Josè Lopez ‘Macho’ Frasquelo, stripteaser e
barista del Tuwat, centro culturale anarchico di
Carpi, vicino a Modena. Era il 1983, e dopo gli anni
di piombo e la disco per noi proletari era, come al
solito, ‘dura’. Lavorando in un Pronto Moda di Carpi
TAG: #tuwat #striptease #fashionpunkband #tramoscaeleningrado
ho conosciuto Sandrina e Mirka, che andavano al
Tuwat. Io ero stato sbattuto fuori dall’istituto dei preti
perché avevo delle mensilità della retta non pagate.
Dormivo in camere d’affitto, avevo una bicicletta, un
paio di jeans, uno di scarpe da tennis e un cappotto:
in pratica mi si prospettava, a 22 anni, una vita da
barbone. Cominciai a frequentare il Tuwat e a volte
facevo il barista. I CCCP erano soliti venire a vedere
i concerti e ballare. Io e Sandrina andammo a vivere
insieme, la Mirka suonava in un gruppo che provava
al Tuwat, luogo in cui avevo capito che si poteva fare
arte. Fu allora che mi inventai il nome Josè Lopez
‘Macho’ Frasquelo, striptease maschile. Feci persino
un volantino”.
Come ti avvicinasti al mondo dello spettacolo?
“Ho iniziato nel 1973 , quando vidi Le Orme in teatro
a Modena. Cominciai a comprare dischi dei gruppi
progressive italiani e stranieri e ad andare ai concerti
ONLINE: facebook.com/Fatur-ODV-316556525291
RUMOREMAG.COM | 43
di Genesis, PFM, Lou Reed , King Crimson. Poi il punk
mi fulminò con Clash e Sex Pistols, Ian Dury e poi il
dark dei Joy Division, dei Bauhaus. Il reggae di Bob
Marley. Cominciai a ballare la disco a 14 anni e poi
piano piano il rock nelle serate di Mondoradio Rock
Station”.
Quando, come e dove conoscesti i CCCP e come
cominciasti a collaborare con loro?
“Ho conosciuto i CCCP al Tuwat. Io facevo appunto il
barista e loro suonavano spesso lì. I CCCP videro il mio
striptease, lanciai loro delle rose e mi chiamarono a
fare le performance durante i loro concerti. 1984”.
Lo sappiamo, ma ridicci qual era il tuo ruolo nei
CCCP e quale quello di Annarella.
“Io ero il performer quasi sempre nudo. Annarella era
la modella/ballerina che cambiava tanti abiti. Eravamo
la parte teatrale dei CCCP. Partivo da Carpi con la 500
per andare a Fellegara, dove abitava Giovanni e dove
c’era la nostra la sala prove, ricavata in una camera di
una vecchia casa colonica immersa nella campagna
reggiana. Alle prove c’erano anche Annarella e Silvia,
due punk che facevano la performance con me. Si
vestivano da militari russe durante Live In Pankow,
CCCP e Spara Jurij. Col chador in Punk Islam, Radio
Kabul… Io entravo in scena su Stati Di Agitazione, con
corna da vacca, anfibi, pelato, truccato, quasi sadomaso,
mi muovevo come un pazzo su Curami. Poi Silvia se ne
andò, rimase Annarella. I CCCP erano molto teatrali:
Giovanni era il leader estetico con la cresta colorata,
Massimo un ufficiale dell’Armata Rossa, Umberto un bel
militare della DDR. La musica era scandita dalla batteria
elettronica, quasi una marcia veloce dell’Armata Rossa.
Il clima del concerto era irreale, violento, e spesso c’era
un filo spinato a dividere i CCCP dal pubblico”.
44 | RUMOREMAG.COM
Che rapporto c’era tra te e lei?
“Ci incontravamo alle prove, si decidevano le uscite,
poi, come due scintille impazzite, ci si incontrava sul
palco, con la musica ultraveloce dei CCCP”.
E che rapporto c’era tra voi quattro? Con chi eri
più a tuo agio, con chi c’era maggior sintonia?
Incomprensioni?
“Un rapporto di amicizia molto serio e professionale.
Tutti noi volevamo i CCCP al top. Con Umberto Negri
mi sentivo molto in sintonia. Eravamo dei punk
incazzati col mondo. Io personalmente non ho mai
avuto scazzi con nessuno”.
Che cosa vi circondava?
Che cosa succedeva nel mondo?
“Sentivamo che il blocco sovietico stava cedendo.
Avevamo fretta di portare in giro il punk filosovietico
perché la storia stava cambiando sotto i nostri anfibi...”.
Raccontaci delle vostre performance, intendo
tue e di Annarella. Come ci lavoravate? Come
sceglievate gli abiti e gli oggetti di scena?
Quanto tempo dedicavate alla cosa, tra ricerca,
prove e spettacoli?
“Il lavoro, tra ricerca dei miei materiali e degli abiti
di Annarella, richiedeva un impegno continuo e
costante. Alle prove si decidevano le uscite: a volte
usciva solo Annarella, a volte solo io, a volte tutti e due
assieme. La performance avveniva direttamente sul
palco. Prima dei concerti, mentre i CCCP provavano,
Annarella e io dovevamo crearci il camerino,
addobbare il palco con bandiere rosse e altro materiale
e trovare uno spazio sul palco dove esercitare la
performance. A Berlino presero fuoco dei vestiti
incautamente appoggiati su un faro”.
 CCC P FAT U R
Il legame tra i CCCP e la moda è sempre stato
forte…
“I CCCP erano una fashion punk band. I look di
Giovanni, Massimo, Umberto e Annarella erano
copiatissimi dai fan. Lo stile punk filosovietico era
fondamentale per il culto della band. I CCCP hanno
lanciato molte mode. Io ero più sul look partigiano-
punk-padano-slavo. Annarella era la nostra modella, lei
e Giovanni decidevano i colori e le uscite”.
Di recente Gucci ha fatto sfilare Francesco
Bianconi e Lucio Corsi. Dici che all’epoca
sarebbe potuto accadere a voi?
“Sì, se la moda italiana fosse stata più all'avanguardia”.
Tra l’86, ‘87 (da Affinità E Divergenze, dico)
e il ‘90 i CCCP sono all’apice. Ci racconti di
quel momento, come lo vivesti, cosa accadde?
Aneddoti?
“Ho vissuto felicemente il successo dei CCCP ma, allo
stesso tempo, il lavoro diventava sempre più stressante.
Ricordo il video di Madre a Londra, prodotto dalla
Virgin. I concerti ad Amsterdam e la tournée in Russia
con i Litfiba e i Rats di Modena. Bei tempi”.
Prima che cominciaste a lavorare a Epica Etica
Etnica Pathos, si respirava già aria di crisi?
Quando cominciò la crisi dei CCCP, sino a portarli
all’evoluzione in CSI? Le cose cambiarono allora
o prima? Che cosa successe in quel momento ai
CCCP e a te? E cosa vi accadeva intorno?
“I CCCP sono arrivati a Epica Etica Etnica Pathos uniti.
Ma, durante la lavorazione del disco, si capiva che la
parte teatrale non era più gradita dal nuovo collettivo,
che poi si sarebbe chiamato CSI, Dopo la caduta del
muro e la fine del comunismo non aveva molto senso
chiamarsi CCCP Fedeli Alla Linea. Il progetto andava,
storicamente e umanamente, esaurendosi”.
Com’è finita? E come l’hai vissuta?
“La fine dei CCCP è stata lunga e sofferta. È stato un
periodo molto doloroso. Io, manco a dirlo, l'ho presa
male. Ma così va il mondo... Durante la lavorazione di
Epica Etica Etnica Pathos morì il batterista Ringo De
Palma, ci si era conosciuti durante il tour sovietico.
Un episodio drammatico che ci ha segnati tutti. Io da
buon soldato aspettavo un ordine per fare un eventuale
tour, avevo preparato diverso materiale, ma non se ne
fece nulla. Ero giunto alla fine del viaggio con i CCCP e
scendere al capolinea è stata dura, ma nella mia mente
sono ancora su quel treno tra Mosca e Leningrado”.
Cosa ti manca di più di loro e cosa di meno?
E chi ti manca di più?
“Dei CCCP mi manca tutto, e tutti in egual misura”.
Che cosa ascolti oggi? Ascolti anche musica
TESTO DI BARBAR A SANTI
«I CCCP ERANO UNA FASHION PUNK
B A N D. I LO O K D I G I O VA N N I, M A S S I-
M O, U M B E R TO E A N N A R E L L A E R A N O
C O P I AT I S S I M I D A I FA N. LO S T I L E P U N K
F I LO S O V I E T I C O E R A F O N D A M E N TA-
L E P E R I L C U LT O D E L L A B A N D . I C C C P
H A N N O L A N C I A T O M O LT E M O D E . I O
ERO PIÙ SUL LOOK PARTIGIANO-PUN-
K- P A D A N O -S L A V O . A N N A R E L L A E R A
L A N O S T R A M O D E L L A , L E I E G I O VA N N I
D E C I D E VA N O I C O LO R I E L E U S C I T E »
recente?
“Ascolto Virgin Radio, musica ambient e quello che
passa il convento sonoro della RAI”.
C’è qualcosa dell’attitudine punk, secondo te,
in giro attualmente? Molti hanno paragonato
certo rap e la trap recente al punk italiano
degli anni 80…
“Si, penso che il trap sia un nuovo punk. Mi piace molto
Young Signorino”.
Chiedevo anche a Giorgio e Gianni cosa ne
pensassero di questo linciaggio sui social a
Ferretti, disamore nato sostanzialmente da
alcune sue mosse, tra cui l’abbraccio con la
Meloni e la dichiarata stima per Ratzinger. Di
recente poi è stato criticato anche dalla stampa
per l’ultimo suo singolo uscito, L’Imbrunire, forse
travisando anche il significato del testo, ma questa
è un’altra storia. Tu che ne pensi? Che pensi di lui,
di quelle sue mosse e di questi attacchi?
“Penso che Giovanni Lindo Ferretti sia un guru del punk
italiano. Per me rimane sempre il mitico cantante dei
CCCP. C'è sui social un processo facile e veloce per tutti.
Gli 'internati’ di Internet urlano dalle loro celle virtuali
offese contro tutto e tutti”.
Motivo per il quale non bazzichi i social?
“No. Non sono sui social perché lascio alla produzione
dei miei dischi il compito di rappresentarmi. Inoltre
tengo molto alla mia privacy”.
E questi attacchi, se fossero esistiti i social ai
tempi dei CCCP, secondo te ci sarebbero stati
anche allora?
“Sì, allora c'erano i giornali che parlavano male dei
CCCP, oggi i social”.
RUMOREMAG.COM | 45
 MATT
BERNINGER

DIRE LA VERITÀ
IN MANIERA
DIVERTENTE
C
i sono band che dopo un periodo di lavoro intenso si
godono il meritato riposo e spariscono per un po' (o
per molto). I National non appartengono decisamente
a questa categoria: fra un album/tour e l'altro infatti
i membri del gruppo continuano a vedersi in giro
impegnati in progetti paralleli, lavori teatrali, colonne
sonore, collaborazioni, varie ed eventuali. Matt
Berninger non fa eccezione: fra il duo El Vy con Brent
Knopf, partecipazioni a compilation benefiche, duetti
e musical il frontman non va mai in vacanza. Mancava
solo un disco solista, una mancanza ora colmata.
Serpentine Prison, nato quasi per caso dall'idea
di realizzare un disco di cover, è stato prodotto da
Booker T. Jones e vede il contributo di componenti
e collaboratori dei National, fra cui il bassista Scott
Devendorf, e di artisti come, fra gli altri, Gail Ann
Dorsey, Andrew Bird, Matt Barrick (The Walkmen,
Jonathan Fire*Eater), Mike Brewer, Hayden Desser,
Teddy Jones, Brent Knopf e Sean O'Brien. I brani
di Serpentine Prison sono pieni di parole, come ci
si poteva facilmente attendere dall'autore dei testi
di una delle band più colte degli ultimi anni. Parole
TAG: bookert #drseuss #dollyparton #ohio #mascolinitatossica
TESTO DI LE TIZIA BOGNANNI
FOTO DI JEFF SALEM
che Berninger non ha risparmiato nemmeno quando
l'abbiamo raggiunto al telefono per farci raccontare del
disco, e non solo.
Quando e perché hai deciso di fare un album
solista?
“In realtà l'intenzione originaria era fare un album
di cover, ci pensavo da una decina d'anni ma ho
cominciato a lavorarci solo due anni fa: ho mandato
delle cover a Booker T. Jones - l'ho contattato perché
volevo un tipo di suono alla Stardust, il disco di Willie
Nelson - e alcuni inediti, fra cui Distant Axis, Loved
So Little e Let It Be, che non è una cover e si trova
nell'edizione deluxe. A lui sono piaciuti e alla fine ci
siamo ritrovati con 12 brani nuovi”.
Quando scrivi una canzone sai già se sarà per i
National o per qualche altro progetto, e nel caso
di duetti e collaborazioni hai già idea della voce
che ti piacerebbe la interpretasse?
“No, quando scrivo sono abituato a pensare solo a me
stesso e non ho un metodo, mi capita di scrivere la
mattina appena sveglio, o mentre vado in bicicletta, o
guardando fuori dalla finestra... Oppure mi capita di
ascoltare delle playlist mentre lavoro, o di scrivere versi
per canzoni che voglio assomiglino a quelle di Willie
Nelson, o di Dolly Parton, o di Roberta Flack... E poi mi
mando tutto via e-mail. Ho e-mail inviate a me stesso
con fiumi di versi. Ad esempio per il musical Cyrano
De Bergerac io e mia moglie Carin abbiamo scritto
25/26 testi – fra l'altro adesso diventerà un film, credo
inizieranno girarlo tra qualche settimana. In questo caso
ho scritto per dei personaggi, mentre per il film di Mike
Mills I Am Easy To Find era più un insieme di pensieri.
Ci è capitato anche di costruire una canzone partendo
da due brani, cuciti insieme tipo Frankenstein”.
ONLINE: facebook.com/mattberninger
RUMOREMAG.COM | 47
 MAT T BERNINGER
A questo proposito, hai detto che One More
Second è “l'altro lato del dialogo di I Will
Always Love You di Dolly Parton”.
“Be', pare che quella canzone... aspetta, voglio essere
più preciso, cerco una cosa su Internet... ecco! Allora,
Dolly era nel Porter Wagoner Show con il suo ex
partner e mentore, lui dipendeva dalla presenza di
lei, per il successo e gli ascolti. Quindi Dolly, quando
decise di lasciare il programma, scrisse questa
canzone per spiegare di voler andare avanti da sola. Io
ho scritto partendo dal punto di vista di Wagoner, poi
ovviamente parlo anche di me”.
In generale l'album mi sembra molto diretto
e immediato, sono canzoni che “arrivano”
subito, era questa l'intenzione?
“Sì, volevo fare un album che suonasse intimo, caldo,
luminoso, volevo che fosse pieno di emozioni, ma
anche divertente. Sai, volevo che suonasse bene alla
radio, volevo che suonasse bene in macchina, in taxi,
su YouTube, in una radio pirata o in una college radio,
o nelle cuffie di qualcuno che ti passa accanto uscendo
dalla metropolitana, ovunque. Volevo fare un disco
che potesse piacere anche a mia figlia e a mio padre, e
che potessimo ascoltare insieme”.
Un brano meno semplice, almeno dal punto di
vista dei testi, è la title track, mi ha ricordato
un brano dei National che io definisco
postmoderno, Not In Kansas.
“In effetti è così, l'ho scritta molto velocemente, ed
era molto più lunga, un lungo flusso di coscienza.
Io le definisco canzoni alla Dr. Seuss, o alla Maurice
Sendak, autori che usano le paure per dire la verità
in maniera divertente. Una cosa fondamentale del
Dr. Seuss è che dice cose brillanti e progressiste
attraverso le rime, e le rime ti fanno prestare
attenzione”.
Quel tipo di scrittura, uno stream of
consciousness, mi fa pensare anche allo stile
di Michael Stipe.
“Si, è uno dei miei autori preferiti. Adoro il modo
astratto in cui scrive, emotivo ma capace allo stesso
tempo di raccontare la sua storia, il suo paese, il
mondo, tutto filtrato attraverso il suo prisma. Da lui
ho imparato moltissimo, parlandoci ho capito tante
cose anche sul modo in cui far parte di una band.
Non solo da lui, in verità: una mattina ad esempio
ho parlato con Steve Perry dei Journey, davanti a un
piatto di pancakes, mi ha dato degli ottimi consigli,
così come Booker T.: non è semplicemente come a
un musicista, è un paroliere, scrive versi, suoni, linee
vocali. Se ascolti Melting Pot di Booker T. & The
M.G.'s, ci sono versi ovunque, anche non in inglese,
sono suoni che parlano”.
48 | RUMOREMAG.COM
TESTO DI LE TIZIA BOGNANNI
Hai letto Ohio di Stephen Markley?
“No, non lo conosco. Ma io l'ho vissuto, non ho bisogno
di leggerlo. È bello?”
Sì, è un bellissimo romanzo. Te lo chiedevo
perché mi ha fatto pensare a Bloodbuzz Ohio,
per il modo in cui ritrae quei luoghi come una
sorta di emblema dell'America profonda, con
tutte le sue contraddizioni, e le ragioni per
fuggire. Anche tu lo vedi in questo modo?
“In realtà l'ho amato, da piccolo, mio zio aveva una
fattoria vicino a Cincinnati dove ho trascorso gran parte
dell'infanzia, con tutti i miei cugini e mia sorella Rachel,
e poi nove anni dopo è arrivato anche mio fratello Tom.
Facevamo passeggiate, giocavamo nei boschi, c'erano
tante cose belle da fare per un bambino. All'università
ho vissuto un Ohio diverso, quello di molte prime volte,
delle esperienze. Poi come succede spesso mi sono
stancato e sono andato a New York. Ci sono rimasto per
quasi 18 anni, però un certo punto anche lì ha iniziato a
diventare tutto bianco e nero, proprio come in Ohio, e
così mi sono trasferito a Los Angeles. Comunque scrivo
sempre di casa, ma non è necessariamente un luogo
fisico, è più un'idea del passato e del futuro”.
Una cosa che manca nel disco è la politica.
“Sì, non mi piace scriverne... Penso che i notiziari
veicolino paura, i network, i giornali... questi canali
della paura sono come zucchero, come eroina. Alla
gente piace Ritorno Al Futuro e non vede l'ora che
Michael J. Fox prenda a botte Biff, però poi lo elegge,
Biff. Penso che gli americani dovrebbero smettere di
creare i propri incubi”.
Per il video di Distant Axis sei tornato a
lavorare con tuo fratello. Io ho sempre pensato
che dev'essere difficilissimo lavorare con i
familiari, soprattutto in ambito creativo.
“È sempre molto, molto, molto, molto dura lavorare
con le persone a cui vuoi più bene, c'è troppa emotività:
fai arte sulla persona con cui la stai facendo, è quello
che succede con Tom, che faceva arte prendendo me
come soggetto, e viceversa. Lui, che considero un genio,
e mia moglie sono le persone con cui amo collaborare,
e funziona, però mi rendo conto che è difficile. Penso
ai Beatles quando hanno cominciato a scrivere dei
rapporti fra di loro e sono venute fuori delle cose belle
ma anche colpi bassi, frecciatine, cattiverie. A dire
il vero anch'io ho scritto delle canzoni cattivissime,
su ex fidanzate, su Dio, su me stesso, che ora non mi
va più nemmeno di cantare perché non sono più così
arrabbiato con nessuno, neanche con me stesso. Ma
a loro modo sono tonificanti e ogni tanto mi diverto a
cantarle, perché ritorno al mio io torturato e arrabbiato
dei 25 anni per tre minuti. Ma non di più, perché
fondamentalmente preferisco cantare una canzone più
matura e meno egoista”.
 MAT T BERNINGER
Ultimamente sono venute fuori storie poco
piacevoli dal mondo dell'indie americano,
vicende di presunte molestie. Tu da uomo,
e da uomo che lavora spesso con donne, hai
mai visto, o intuito, qualcosa che ti abbia
dato l'impressione di un ambiente tossico,
maschilista?
“Certo, ho visto un sacco di maschilismo in
ogni ambiente in cui mi sono trovato, a partire
dall'università – le confraternite sono la fabbrica
della mascolinità tossica. Quando sono arrivato a New
York alla fine degli anni 90 era il momento delle dot.
com e giravano un sacco di soldi, c'erano feste piene
di droga ed edonismo, c'era di tutto. Io all'epoca
non fumavo nemmeno, bevevo sì, cioè bevo troppo,
anche se il mio peggior vizio è il fumo. Ma è ovunque,
nel cinema, nella politica, anche nella religione. Io
ho avuto un'educazione cattolica, e il simbolo per
antonomasia di questa religione è un uomo di 33
anni torturato a morte, circondato da persone che
avevano paura delle donne e di loro stessi, e la sua
storia è raccontata in un libro scritto da uomini
bianchi che avevano paura di tutto. Ti dirò che per
quanto riguarda l'industria musicale non ne ho
viste troppe di queste cose, probabilmente perché ci
siamo sempre circondati di persone come noi, gente
relativamente quadrata del Midwest. Abbiamo anche
sempre assunto donne, la nostra prima manager era
MATT BERNINGER
Un giorno uno scrittore/critico musicale mi ha detto che sperava
che l'assegnazione del Nobel per la letteratura a Bob Dylan (e
forse potremmo aggiungere il Pulitzer a Kendrick Lamar) avrebbe
tirato fuori la Canzone dall'immeritato ghetto della cultura di
serie B. In realtà non sembra che la considerazione nei confronti
della cultura pop(olare) da parte di chi ha sempre suddiviso
l'arte in classi sia cambiata più di tanto, eppure basterebbe un
pizzico di attenzione in più per accorgersi di quanto anche certi
dischi, canzoni e autori spesso siano in grado di raccontare – non
solo con le parole – la natura umana, le relazioni, il mondo, non
meno efficacemente di un romanzo o di un film. Se pensiamo
agli artisti delle ultime generazioni dotati di una poetica, visione
e sensibilità autoriale personale, i National non si possono
sicuramente tralasciare, e con questo primo lavoro solista Matt
Berninger conferma di esserne senza dubbio l'anima letteraria.
TESTO DI LE TIZIA BOGNANNI
una donna, per noi è importante perché non abbiamo
mai voluto essere una dude band. C'è questo libro
che parla della scena newyorkese di inizio millennio,
Meet Me In The Bathroom, io in quei bagni non ci
sono mai stato, la gente sapeva che la regola era
'non portate questa merda ai National'. Forse perché
sono più vecchio sono una specie di figura paterna,
anche se non mi piace a volte mi comporto come tale.
Voglio dire, anch'io mi sono ubriacato e ho detto
cose orribili, quelle pessime battute da maschio cis
cresciuto a Cincinnati, e non voglio giustificarmi
ma spesso non riesci a controllarlo. Il maschilismo,
l'ego, sono una presunzione di autorità e potere che
gli uomini cercano di mostrare quando in realtà
hanno paura delle donne, anche se non vogliono
ammetterlo e la esorcizzano ad esempio attraverso
la spiegazione, il mansplaining... lo faccio anch'io,
lo sto facendo anche adesso con te, ed è una cosa che
fa schifo... Ma per quanto riguarda la mia esperienza
non ho assistito a vere e proprie aggressioni, be'
ho visto Post Malone fare lo stronzo, ho visto band
stronze, ma a noi non piace stare in compagnia di
persone così... In un club di New York trovavo sempre
Julian Casablancas che cercava di rimorchiare
la mia ragazza. Io non ho mai fatto una cosa del
genere, certo a volte non sono stato il massimo della
correttezza, però non tradisco e non dico bugie, e
nella band cerchiamo di essere tutti così”.
SERPENTINE
PRISON
BOOK'S/CONCORD/CAROLINE
Anche senza i musicisti puri della band – ma coadiuvato da
un'ottima squadra produttiva, capitanata da un Booker T. Jones
che arricchisce senza appesantire – il frontman ci consegna
altri dieci capitoli di un romanzo work in progress che da 20
anni indaga tutte le facce, soprattutto quelle oscure, dell'animo
umano, dell'amore, dei rapporti familiari e interpersonali in
genere. E proprio come nei migliori romanzi “popolari” - quelli
che raccontano una grande storia senza volerla snobisticamente
nascondere dietro a inutili intellettualismi - i capitoli si lasciano
leggere – ascoltare - uno dopo l'altro, e speri che non finiscano
mai. Perché, checché se ne dica, di canzoni d'amore (amore in
senso lato) semplici, belle, intelligenti, emozionanti ed eleganti
non ce ne saranno mai troppe.
78/100
RUMOREMAG.COM | 49
DERIVE POST PSICHEDELICHE ANNI 20
D E N T R O I L P E R I M E T R O D I Q U AT T R O D I S C H I U S C I T I I N Q U E S TO S T R A N O E D I S C O N T I N U O 2 0 2 0 , TH E W H O L LY
OTH E R D E I B L A C K H E L I U M , P O LY S O M N D E I K A I R O N ; I R S E ! , C ATE R P I L L A R S O F C R E ATI O N D E I P O LYM O O N , I I I
D E G L I S LO AT H , È P O S S I B I L E R I N V E N I R E A LT R E T TA N T I P E R C O R S I C H E S E G N A N O L’ I N I Z I O D I N U O V E E I N E D I T E
DERIVE POS T PSICHEDELICHE

TESTO DI CL AUDIO SORGE - FOTO DI EMM A S TEELE

ONE WAY TRIP

BLACK
HELIUM
La prima cosa che vorrei chiedervi è come
vi sentite dopo questo periodo di pandemia.
Come tutto questo ha cambiato la vostra vita di
musicisti, lavoratori, esseri umani.
Stuart: “Non so quanto mi abbia cambiato, ma ha
definitivamente riaffermato un sacco di cosa che sapevo
già, e probabilmente avevo bisogno di ricordarle. Sono
stato veramente fortunato, so di persone cui è andata
peggio. Immagino di essere grato per le cose che ho, e la
musica ha giocato una grande parte a farmi attraversare
tutto questo. Sono scuro che, quando tutto sarà finito,
le persone usciranno e torneranno a divertirsi. Sarà
probabilmente il momento migliore per essere in una
band”.
Beck: “È certo cosa sia importante nella vita e cosa non
lo sia. Essere vivi, amare i tuoi cari, il tempo libero, fare
musica e attaccare il tuo dito sui social media…”
Davey Mulka: “Il 2019 è stato un grande anno per noi,
creativamente e produttivamente. Abbiamo registrato
Wholly Other con Wayne Adams ed è stata una
rivelazione registrare qualcosa di veramente complesso in
vari posti, live, e in un così breve lasso di tempo. Qualcosa
di veramente fresco e eccitante per noi, e il tutto è finito
on the road con i PigsX7 per testare il nuovo materiale
davanti ad una audience che non era completamente
nostra. La risposta è stata molto migliore di quel che
avremmo pensato e andavamo verso il 2020 con fame
nell’anima e fuoco nella pancia… Questo virus del
cazzo ha cambiato tutto. Ha sconvolto l’intera industria
musicale. Tutti soffrono. Nessun artista può uscire e dire
quel che prova, il che è opprimente. Il club hanno chiuso.
I support teams e i network per le registrazioni e gli artisti
in tour sono collassati. Siamo tutti dentro un abisso in
questo momento. È preoccupante e ci vuole un’immensa
dose di immaginazione e forza per vedere oltre. Ma io
penso che ne usciremo. La fenice risorgerà ancora”.

TAG: #southlondon #deathpop #megatransformer #riotseason #droghe ONLINE: blackheliumband.bandcamp.com

50 | RUMOREMAG.COM
 DERIVE POST PSICHEDELICHE ANNI 20 BLACK HELIUM
Ripercorrete la vostra storia.
S.: “La prima incarnazione dei Black Helium ebbe
inizio a South London nel 2005, con me e Becky, fino
a quando il sodalizio non si è interrotto nel 2011. Era
più un progetto di band heavy garage psych che non
quello attuale. Facevamo tutti allo stesso tempo cose
differenti. È stato solo quando abbiamo ricominciato
cinque anni fa con Ben Davies alla batteria e Dave
Mulka alla chitarra che effettivamente siamo diventati
una vera band. Provenire da un background heavy
garage psych ha giocato una gran parte in ciò che
siamo diventati adesso. Decisamente non abbiamo più
paura di un ritornello pop, solo che lo mixiamo con un
sacco di roba freeform freak out”.
B.: “Si, siamo stati in una moltitudine di band, Ma
i Black Helium sono sempre stati per noi quella più
vera e sperimentale. Con questa line up, io, Stuart
Gray, Diego Gomes e Davey ‘Mulka’ Mulqueen
possiamo spingerci oltre i confini… Penso sia una
cosa importante, insieme possiamo tenere il portale
aperto…”
Penso di avere ancora un EP 4 tracks della
Death Pop – c’erano i Vinyl Stitches che mi
piacevano molto – mentre un altro brano era
di questa band che si chiamava Black Helium,
immagino foste voi.
S.: “Stuart Cooper degli Atomic Suplex, band della
Death Pop, registrò Consumed With Doom in una
sala prove di South London. C’era un sacco di roba
interessante su quell’etichetta. Era una bizzarra
comunità di misfits e dropouts che cercavano di
arrivare in cima alle chart con singoli pazzeschi.
Commercialmente fu un grande flop, ma creativamente
inestimabile”.
B.: “Nel 2006/7 la scena musicale era molto differente.
Registrare dal computer era ormai quasi accessibile,
ed essere messi sotto contratto da una label era ancora
fattibile, se volevi far uscire un disco. I Black Helium,
che nel 2007 erano Stuart e me con una line up diversa,
sapevano di essere troppo strani per essere scritturati.
Così con l’aiuto di alcuni amici, in quella situazione,
abbiamo dato vita alla Death Pop…Con il motto ‘nessun
errore dovuto a nessuno di noi’… gli amici della Death
Pop sono finiti, al culmine di una dannata sfortuna e di
cattive circostanze, in un angolo. E tuttavia, in quella
disperazione frastornata e contro ogni logica hanno
creato il pop più vitale dei tempi moderni! Il nostro
lavoro instancabile alla Death Pop è stato preservare
quei rassicuranti pezzi di obliterazione sonica per il
benessere del genere umano! Se conosci qualcuno che
vuole un singolo, ne ho ancora un po’ sotto il letto…”
Siete stati influenzati da molte band del
passato, dal folk rock alla psichedelia heavy
degli Hawkwind, ai Groundhogs: come lavorate
per trasformare tutto questo in qualcosa che
T E S T O D I C L AU D I O S O R G E
«QUESTO VIRUS DEL CAZZO HA CAM-
B I A T O T U T T O . H A S C O N V O LT O L’ I N T E-
RA INDUSTRIA MUSICALE. TUT TI SOF-
F R O N O. N E S S U N A R T I S TA P U Ò U S C I R E
E D I R E Q U E L C H E P R O VA , I L C H E È
O P P R I M E N T E. I L C LU B H A N N O C H I U S O.
I SUPPORT TEAMS E I NETWORK PER LE
REGISTRAZIONI E GLI ARTISTI IN TOUR
S O N O C O L L A S S AT I. S I A M O T U T T I D E N-
TRO UN ABISSO IN QUESTO MOMENTO»
D AV E Y M U L K A
non si è mai ascoltato prima?
B.: “Per me personalmente la musica arriva come
un’onda che fluisce tra il conosciuto e lo sconosciuto…
Voglio dire, ascolti qualcosa che ti smuove dentro…
suona forse nostalgico e simile a qualcosa che
riconosci, ma tuttavia suona come una cosa che non
hai mai ascoltato prima…Con i Black Helium siamo al
culmine delle nostre singole parti…Tutti noi portiamo
differenti influenze all’interno del gruppo e come un
mega transformer diventiamo qualcosa di più grande
di noi stessi…Così tutta la musica in tutti i suoi generi
è parte delle nostre esperienze e il tutto può funzionare
insieme…Ci piace molto fare jam”.
D.M.: “Apprezziamo tutti cose differenti. Ci sono senza
dubbio arrangiamenti e tocchi collettivi. Ma essendo
tutti così diversi nei gusti, c’è freschezza nel processo. È
interessante esplorare e incorporare vibrazioni pesanti,
con suoni e influenze ai poli opposti. Tanto quanto
sono nell’essere grezzo e senza compromessi, lo yang
di tutto questo risiede nella bellezza sonica circolare e
questo per me è eccitante allo stesso modo. Certo, non
sempre funziona come la nostra logica vorrebbe, ma
quando capita è qualcosa di speciale, come quando crei
qualcosa di nuovo che non è il fac-simile del lavoro di
qualcun altro. Viviamo per quei momenti.”
Come siete arrivati alla Riot Season?
Vi piacciono le loro produzioni
ultrapsichedeliche?
S.: “In realtà non ho mai incontrato Andy, ma quello
che so è che è un tipo che si dedica veramente a quello
che fa ed è un grande appassionato di musica. È molto
di supporto con noi. È una etichetta con un catalogo
molto vario. C’è del misticismo in tutto ciò”.
B.: “I Black Helium si sono finanziati il loro primo
disco, Primitive Fuck. Il nostro batterista è sparito in
circostanze curiose. Come band ci sentivamo a pezzi,
RUMOREMAG.COM | 51
 DERIVE POST PSICHEDELICHE ANNI 20 BLACK HELIUM
tristi e anche un po’ inutili. … Abbiamo spedito l’LP
a varie etichette, ma non abbiamo avuto risposta…
Avevamo pensato di farlo uscire in cassetta… poi
Andy e la Rot Season hanno detto che il nostro brano
Curtains At The Mausoleum era al primo posto della
loro playlist, lo adorava e voleva pubblicare il nostro
LP. Siiii! La Riot Season è brillante. È una grande
etichetta, grandi uscite e grande attitudine. Da non
perdere”.
D.M.: “Andy è un bravo ragazzo. Fa tutto da casa
e pubblica la musica in cui crede. Non so quante
etichette ci avrebbero dato una chance, ma è stato il
primo con il quale abbiamo parlato, essendo riusciti
a lavorare insieme facilmente. Non conosco molte
altre band dell’etichetta ad essere onesto. Trovo
sorprendenti i Blown Out. Abbiamo suonato con loro
al Brave Exhibitions Festival due anni fa: dei feroci
geni freeform. Mi piacciono anche i Mummise Guns,
totalmente originali”.
Come dice il suo titolo, Primitive Fuck è brutale
e diretto. The Wholly Other sembra avere una
migliore produzione, una visione più ampia e
idee più chiare su quello che il gruppo vuole
fare. Quali differenze ci sono tra i due album
secondo voi?
S.: “Be’, il primo disco è sempre così, dato che si tratta
di canzoni che stai facendo da anni. Alcune erano
vecchie al punto che avevamo persino scordato il
THE WHOLLY
OTHER
RIOT SEASON BLACK HELIUM
Decisamente Wholly Other dei Black Helium è qualcosa di
eterogeneamente psichedelico. Anzi, heavy psichedelico. Partiamo
ovviamente dal primo brano, Hippie On The Slab, una vera
bomba: una “metallizzazione” di Final Solution dei Pere Ubu,
attraversata da cupi lampi di psichedelia UK, e, se faccio ancor
di più funzionare la memoria, tutto quel caos pulsante mi ha
ricordato persino certi Deviants, quelli di Ptoof! Davvero un inizio
al fulmicotone per questa band che rinnova e riscrive molto dello
scibile heavy psichedelico. Nel secondo brano, Two Masters, ci
troviamo immersi in un paranoico sabba, come se si trattasse di
un mix tra Electric Wizard e Pretty Things (che poi le due cose
stanno perfettamente insieme, anche se non è così evidente: me lo
spiegò una volta Jus Oborrn degli EW, ma questa è un’altra storia).
Ritornano ancora gli Electric Wizard in un pezzo come One Way
52 | RUMOREMAG.COM
T E S T O D I C L AU D I O S O R G E
momento in cui le avevamo scritte. Ma la più grande
canzone dell’album è Curtains At The Mausoleum: è
stata la più facile da scrivere, si suonava da sola.”
B.: “La registrazione del primo album è stata
un’avventura difficile. Abbiamo imparato molto su
ciò che volevamo fare e su ciò che avremo voluto
fare dopo. Per l’LP numero due abbiamo trovato il
produttore Wayne Adams dei Bear Bite Horse Studios.
Ci ha raggiunto anche il nostro nuovo batterista Diego
Gomes. Questa combinazione tra la produzione di
Wayne, l’hard hitting groove di Diego e la registrazione
in due soli giorni ci hanno portato al raw live sound
che abbiamo avuto dopo”.
D.: “Primitive Fuck è stato un disco difficile da fare.
Abbiamo perso Ben (il nostro vecchio batterista) tre
giorni prima di registrare. Abbiamo perso il cuore
pulsante della band prima ancora di registrare le
chitarre, la voce o qualunque altra cosa! È stata
una faticata fare il disco. Ma sono orgoglioso che
lo abbiamo fatto, per me ci sono dei momenti
straordinari. Mi piace sempre suonare quelle canzoni
dal vivo ed è stata un’esperienza fondamentale per il
nostro secondo lavoro in studio. Stuart e Beck avevano
scritto le canzoni da molto tempo senza l’obbiettivo
di incidere un album. The Wholly Other è stata una
visione sonica pura e focalizzata, scritta in uno spazio
di tempo relativamente breve, con tutti noi in sincronia
l’uno con l’altro. Sentivamo il bisogno di registrare con
Wayne e quello di essere registrati live. Quel tipo di
Trip. O, detto in altro modo: immaginate gli 11 Paranoias uscire
da una supernova dei Deviants. Di nuovo ecco un collegamento tra
passato e presente, una sorta di ipnotica ascensione, dalle tracce
perdute di un remoto trip acido 60’s alle galassie heavy, scure e
caotiche del presente. E non dimentichiamo un altro caposaldo
dell’album, Death Station Of The Goddess, un fluttuare di cupi e
lisergici panorami post pinkfloydiani, con quell’esplosione finale
rievocante certi momenti dark degli Stooges del primo album,
quando lavoravano con John Cale. Sulla via d’uscita dal trip, ecco
il brano più lungo ed ipnotico dell’album, Pink Bolt, inquieta,
narcotica tranquillità post Saucerful Of Secrets. Crack on!
83/100
 DERIVE POST PSICHEDELICHE ANNI 20 BLACK HELIUM
vibrazione tesa ma libera e fluttuante che salta fuori
quando suoniamo insieme è la nostra arma, e il nostro
potere, il nostro alimentarci a vicenda. Ci siamo trovati
dentro l’uragano, in quegli ultimi giorni d’estate, e con
Wayne c’è stata pura gioia!”
Mi piace molto il primo brano, Hippie On A
Slab. Ci trovo qualcosa di Final Solution dei
Pere Ubu. Di cosa parla?
S,: “Il titolo arriva da Becky che cerca di descrivere la
disturbante scena di un delitto che visse quando era
una ragazzina. Quando l’ha raccontato per la prima
volta non riuscivo a smettere di ridere, che è sempre un
buon segno. Ma poi questo è entrato in un ritornello ed
è diventato tutt’altra cosa. Molto di quello che facciamo
ha origine in qualche forma di humour assurdo, la
cosa è evidente anche nell’artwork e nel video che
abbiamo girato. Il paragone con i Pere Ubu ha senso
dinamicamente. La dinamica ha un grosso ruolo nel
sound dei Black Helium”.
B.: “Il backstage al funerale della controcultura 60’s!”
Penso che sia quasi impossibile scrivere
musica come la vostra senza… aiuti chimici.
Qual è la vostra opinione in generale sulle
droghe, siete per una totale legalizzazione?
S.: “Ho lavorato per sei mesi in una prigione categoria
B ed è stato ovvio rendersi conto molto presto di
quante persone fossero lì per problemi di droga, e
il loro uso non si acquietava in carcere, se non altro
perché lì dentro c’è molta cultura della droga. Per
questa ragione sono al 100% per una legalizzazione
totale. Per quanto riguarda la nostra esperienza con le
sostanze, Becky e io abbiamo i nostri ‘riti settimanali’,
che sono utili. Syd Barrett, Roky Erickson e Peter
Green sono quasi dei messia in quanto in un certo
senso si sono beccati la pallottola al posto nostro”.
B.: “Se vuoi fare musica psichedelica penso sia meglio
che tu sappia che cosa sia la psichedelia… E devi
anche verificare che la musica che fai passi il test…”
D.: “Non bevo e non prendo nessun tipo di droga
o altro che alteri la mia mente o ottenebri il mio
giudizio quando creo musica. Ho imparato la lezione
tanto tempo fa. Trovo che i risultati siano comunque
negativi. È solo un cliché, non ho proprio bisogno
di fottermi per volare. È un’esperienza molto più
profonda per me chiudermi a chiave con i ragazzi
e lasciare che la musica si prenda quegli spazi. A
ognuno il suo e se tu vedi che funziona la creatività
grazie alla chimica, crack on, non ho problemi!”
Ricordate l’esperienza del concerto più freak
al quale avete assistito?
S.: “La prima volta che vidi i Flaming Lips 20 anni fa
fu sconvolgente. Sembrava una disneyizzazione dei
Butthole Surfers. C’era un filmato di persone a cui
avevano sparato in testa proiettato alle loro spalle,
T E S T O D I C L AU D I O S O R G E
«H O L AV O R ATO P E R S E I M E S I I N U N A
P R I G I O N E C AT E G O R I A B E D È S TATO
O V V I O R E N D E R S I C O N T O M O LT O P R E-
STO DI QUANTE PERSONE FOSSERO LÌ
PER PROBLEMI DI DROGA, E IL LORO
U S O N O N S I A C Q U I E TAVA I N C A R C E R E ,
S E N O N A LT R O P E R C H É L Ì D E N T R O C ’ È
M O LT A C U LT U R A D E L L A D R O G A . P E R
Q U E S TA R A G I O N E S O N O A L 100% P E R
U N A L E G A L I Z Z A Z I O N E TOTA L E »
STUART
mentre spargevano confetti e sorridevano al pubblico.
Super carico”.
B.: “I Loop, al Portsmouth Polytechnic, dicembre
1989… Un drago per metà nero, heavy heavy heavy
noise, questo è stato l’inizio per me… e recentemente
Robyn WIlliamson (Incredible String Band) in una
chiesa a Glastonbury…Ho lasciato il mio corpo…
trasportata via… il tipo è magico…”
D.: “I My Bloody Valentine all’Hammersmith
Odeon, durante You Made Me Realise. Il volume
con cui suonavano era così immenso che mi ha quasi
ribaltato. Le orecchie si erano chiuse e il mio corpo
si è talmente indebolito che sto ancora riverberando
adesso. Sono stato alterato da quell’esperienza in
modo profondo. Immensi!”
Qual è la vostra discografia perfetta?
STUART: “Jimi Hendrix, Electric Ladyland; The
Beach Boys, Pet Sounds; Can, Future Days; Butthole
Surfers, Locust Abortion Technician, Black Sabbath,
Masters Of Reality; The Pretty Things SF Sorrow;
The Groundhogs, Split; Amon Düüul II, Yeti; Love,
Forever Changes; Sleep, Dopesmoker; AC/DC,
Powerage; Dion, Born To Be With You. Cambia
probabilmente ogni settimana, ma alcuni rimangono”.
B.: “Miles Davis, On The Corner; John Coltrane, Love
Supreme; Mudhoney, Superfuzz Bigmuff; Royal Trux,
The Accelerator; Love, Forever Changes; Satori,
Flower Travellin’ Band; Comus, First Utterance;
Lightning Bolt, Ride The Skies,… cambiano sempre…
mi piace anche qualcosa dei Megadeth, Peace Sells
But Who’s Buying”.
D.: “Hah! Cambia di settimana in settimana. In questo
momento: Stooges, Fun House; The Doors, L.A.
Woman; Sonic Youth, Murray St.; Metallica, Master
Of Puppets; Wu Tang Clan, Enter The 36 Chambers;
Mudhoney, Superfuzz Bigmuff”.
RUMOREMAG.COM | 53
THE SUBLIME EXPERIENCE
KAIRON;
IRSE!
I Kairon; Irse! sono forse il nome emergente del
nuovo corso psichedelico finlandese (meglio: post
psichedelico). Si formano nel 2009 e c’è voluto un po’
di tempo perché le loro qualità venissero riconosciute
dalla critica più attenta e, diciamolo pure, legiferante.
Come il “Guardian” inglese, che ha definito la loro
musica “rinvigorente come una profonda immersione
in un lago finlandese, con un senso per il visionario
e il sublime”. Più specificamente musicale invece è
stato il pronunciamento di “The Wire”: “un velenoso
cocktail di space rock, King Crimson periodo Greg
Lake e free jazz”. Riferendosi al loro primo album del
2014, Ujubasajuba (che poi primo non era, perché
era uscito un mini dal titolo The Defect In That One
Is Bleach/We’re Hunting Wolverines). Le modalità
TAG: #thewire #mybloodyvalentine #oranssipazuzu #finlandia #tagomago
54 | RUMOREMAG.COM
specifiche dei Kairon; Irse! sono la saturazione dei
suoni, in (leggermente) sfasata, vorticosa e continua
collisione/sovrapposizione tra loro; come accade nei
My Bloody Valentine (da cui il senso del sublime).
Il tutto è governato da una dinamica inflessibile e
precisa. Un brano come Altaãr Descends, dall’ultimo
album Polysomn, illustra perfettamente questa
definizione. “All’inizio era una specie di scherzo”,
dice Nico Lehdontie (chitarra e synth), rievocando
com’è nato lo strano nome della band, “volevamo
infastidire la gente, trovare un nome che fosse
veramente difficile da scrivere. Il classico caso in
cui c’era il nome della band prima ancora di aver
suonato una sola nota… Abbiamo i cominciato a
fare jam assieme dai tempi della scuola. Lasse e io
ONLINE: kaironirse.bandcamp.com
 DERIVE POST PSICHEDELICHE ANNI 20 KAIRON; IRSE!
ci conosciamo da quando siamo bambini, vivevamo
nella stessa città, Seinajoke. Quando Lasse si è
spostato a Kaustinen per studiare - il secondo ciclo
di scuole superiori - l’ho seguito e lì ho incontrato
Dmitri e Johannes. La scuola dava grandissime
opportunità per chi voleva suonare e così abbiamo
cominciato a fare delle jam ed è successo tutto
molto naturalmente. Ben presto abbiamo scoperto
di condividere la stessa estetica musicale. Abbiamo
così deciso di formare un gruppo. Siamo sempre
stati interessati dai suoni pesanti e fuzz, il noise pop
e il weird prog. E ci sono sempre piaciuti i concept
album ambiziosi. È quello che abbiamo cercato
di fare con Ruination (il secondo album, che li ha
rivelati al mondo). “Ci abbiamo messo più di due
anni comporre e definire le canzoni”, spiega Nico,
“Le idee arrivavano dall’improvvisazione, ma è stato
tutto attentamente pianificato… Non suonavamo
live da nessuna parte, ci siamo concentrati solo
sull’album. Quando suoni continuamente le tue
canzoni diventi quasi insensibile alle canzoni stesse,
fortunatamente è intervenuto il nostro produttore,
Juho Vanhanen (cantante degli Oranssi Pazuzu)”.
Come nasce il loro particolare e inconfondibile stile?
“È stata una evoluzione naturale. Quando abbiamo
iniziato, la nostra estetica era orientata verso le jam
e il post rock. L’ampiezza delle nostre dinamiche
deriva da questo. A noi è sempre piaciuto muoverci
da acque fangose in direzione di enormi muri sonici
e di tempeste di colori. Oggi come oggi preferiamo
scrivere canzoni più strutturate, ma quegli elementi
fondanti sono ancora lì”. Come nel vostro nuovo
album, Polysomn. “Le canzoni descrivono vari stati
di alterazione e sequenze di sogni, in modo che ci
sia una comunicazione sciolta tra le varie atmosfere
delle canzoni. Ma Polysomn non è comunque un
concept album, nulla del genere… Si può dire che
noi enfatizziamo il caos psichedelico”. (Vengono
in mente le parole che usarono gli stessi Nico e
Dmitri, intervistati da noi un po’ di anni fa, quando
suonavano con i Domovoyd: “La pace nel caos”,
dissero, riferendosi alla musica del gruppo finlandese
che ha preceduto i Kairon; Irse!). E comunque, per
nessuno di loro, i Kairon;Irse! sono stata la prima
band.
Le precedenti esperienze, oltre ai Domovoyd,
portano i nomi di Oranssi Pazuzu, Horte, Hornbeam.
Chi scrive la maggior parte il materiale dei
Kairon; Irse!? “Collaboriamo per ogni canzone”,
dice Nico, “Il nostro songwriting si basa sullo
scrivere singolarmente dei demo e poi arrangiarli
collaborando tutti assieme. Nell’ultimo disco ad
esempio io ho fatto parecchi demo delle canzoni,
trasformati nella loro forma finale da tutti”. Si
è molto parlato in questi anni della cosiddetta
T E S T O D I C L AU D I O S O R G E
«Q UA N D O A B B I A M O I N I Z I ATO, L A
N O S T R A E S T E T I C A E R A O R I E N TATA
VERSO LE JAM E IL POST ROCK.
L’A M P I E Z Z A D E L L E N O S T R E
D I N A M I C H E D E R I VA D A Q U E S TO.
A NOI È SEMPRE PIACIUTO MUOVERCI
DA ACQUE FANGOSE IN DIREZIONE DI
ENORMI MURI SONICI E DI TEMPESTE
DI COLORI. OGGI COME OGGI
PREFERIAMO SCRIVERE CANZONI PIÙ
S T R U T T U R AT E, M A Q U E G L I E L E M E N T I
FONDANTI SONO ANCORA LÌ»
J U H O VA N H A N E N
“scena finlandese” psichedelica, black o meno che
fosse. “La Finlandia è un piccolo paese dai circoli
veramente ristretti. Ma non la chiamerei ‘una
scena’”, puntualizza Nico, “spesso molti musicisti
indie/underground si conoscono e hanno un mutuo
rispetto l’uno per i progetti dell’altro”. Inevitabile
parlare del Covid come fattore condizionante.
“Dovremmo sperabilmente andare in tour il prossimo
anno. La pandemia ha cancellato il nostro tour plan.
Il che è un peccato, ma questa è la realtà… Direi
che la nostra dimensione preferita resta lo studio.
È la ragione per cui esistiamo. Puoi letteralmente
creare mondi, avere un maggiore controllo su ciò
che rappresenti in musica, e quando qualcosa di
veramente magico accade nel processo creativo la
vertigine che si crea è la migliore sensazione del
mondo. Suonare di fronte a un pubblico è il modo
migliore per celebrare un album, ma stare in tour è
probabilmente una spada a doppia lama. Pianificare
un tour per una band piccola come la nostra è un
compito difficile: è rischioso e costoso”. Quali sono
le vostre definitive influenze musicali? “È difficile da
stabilire. Seguiamo lo stesso pathos degli anni 60:
essere molto pop, heavy e sperimentali allo stesso
tempo. Non vogliamo ridurre le nostre influenze
a pochi nomi, dal momento che cerchiamo di far
evolvere la nostra musica e noi stessi trovando nuove
e fresche angolature nella nostra proposta creativa.
Guardiamo a band che hanno mantenuto la loro
unicità attraverso gli anni… In questo momento
posso dire che i miei dischi preferiti sono gli EP, dal
1988 al 1991, dei My Bloody Valentine, Volume 2 dei
Soft Machine e Tago Mago dei Can”.
RUMOREMAG.COM | 55
TESTO DI CL AUDIO SORGE
CLEAR LIGHT PSYCHEDELIA
POLYMOON
Se per gli Oranssi Pazuzu è stata coniata la definizione
“black psychedelia”, per i conterranei Polymoon,
finlandesi di Tampere, vale il concetto opposto: una
psichedelia, come potremmo dire, “trasparente”.
Infiniti riverberi sonici in un cielo notturno, chitarre
crushing fuzz e synth ondulatori. Un’accecante,
continua esplorazione di suoni eterei, tra euforia e
malanconia. Tanto quanto scure e impenetrabili sono
invece le atmosfere black psych degli Oranssi Pazuzu.
È proprio il cantante dei Pazuzu, Juho Vanhanen,
co-produttore del loro primo album, a descriverne in
maniera accurata lo stile: “I Polymoon sono i nuovi
giovani maghi di un’esplosiva scena psychedelic rock
uscita da Tampere e dalla Finlandia in questi ultimi
anni. Il loro sound ricco e colorato rivela idee belle e
fresche, servite con una tale passione da farti pensare
ai giorni in cui la musica annunciava la rivoluzione.
E questo non in modo nostalgico, ma tale da farti
sperimentare qualcosa di importante, qui e ora”. I
Polymoon iniziano nel 2018 con Jesse e Juuno Valli.
Nel dicembre dello stesso anno, il chitarrista Otto
Kontio si aggiunge per delle session, e un paio di
mesi più tardi arriva il batterista Tuomas Heikura.
“Avevamo a quel punto già pronte un paio di canzoni di
Caterpilllars Of Creation (il primo album)”, dice Juuno,
“quando Jesse ha chiamato Kalle-Erik per chiedergli
se era interessato a far parte di questa nuova band
space prog di Tampere”. Alla fine del 2019 i Polymoon
TAG: #psichedeliatrasparente #tampere #pinkfloyd #kalle #ivancattaneo
56 | RUMOREMAG.COM
erano definitivamente formati. “Il nome, dice Juuno”,
dà questa sensazione soft space. Abbiamo sempre
pensato ai Polymoon come ad un insieme di molte
lune in rotazione attorno al nostro universo”. L’album
viene registrato negli ultimi mesi del 2019. Dopo alcuni
demo, interviene il produttore Juho Vanhanen a dare
la fisionomia ultima al lavoro. I Polymoon hanno anche
una forte componente visuale. Se ne occupa per lo più
Kalle-Erik. Kalle ha l’idea di far suonare il gruppo in
uno spazio pieno di riferimenti sognanti e psichedelici.
C’è la palpabile influenza di certi visual shows televisivi
degli anni 60 con materiali liquidi, ma l’idea originale
è quella di creare questo spazio onirico dove la band
suona (il video di Malamalama). Il tutto fa parte di
un ventaglio più vasto di influenze psichedeliche che
la band rivendica. “Certamente i primi Pink Floyd”,
dice Jesse, “Roger Waters che fuma una sigaretta e
urla durante Careful That Axe Eugene, mentre David
Gilmour slitta con la sua delayed guitar attraverso
questi sorprendenti suoni psichedelici. Dev’essere
stato un momento molto intenso”. Kalle-Erik invece
ha gusti musicali più particolari, glam. “Avrei voluto
vedere i Queen al Live Aid del 1985. 20 minuti di puro
sesso magico… E sono assolutamente innamorato di
Ivan Cattaneo. Una sorta di versione italo disco dei
‘60 (l’album è Italian Graffiati, nda). Forse qualcuno
non se lo aspetta, ma l’ampiezza della musica di Ivan è
talmente vasta da lasciare senza parole”.
ONLINE: polymoon.bandcamp.com
TESTO DI CL AUDIO SORGE
RAW POWER
SLOATH
Reclusi e inaccessibili. Gli Sloath sono una band che
incarna tutti i “peccati” e le virtù di una band crustpunk.
Gente che vive nell’underground per scelta e non ha
alcuna velleità di raggiungere una qualsivoglia forma di
successo o notorietà, totalmente consegnata com’è a una
sorta di incompromissoria integrità. In un certo senso
sono dei punk freak della “vecchia scuola” anarchica
adattati ai tempi nuovi. Certamente, musicalmente, più
evoluti. La loro musica è definita come una sintesi di
classic rock, minimalismo e volume estremo, almeno
quella che ci hanno consegnato i loro tre LP, incisi
per la Riot Season. La band esiste dal 2007, formatasi
nominalmente a Brighton, ma i suoi componenti hanno
attualmente provenienze e residenze diverse: Kent,
Londra, Berlino, Saragozza. Fin dall’inizio l’idea è
quella di sfondare tutti i muri sonici esistenti. Gli Sloath
registrano il primo omonimo album agli Electric Studios
di Brighton nel 2010. I loro concerti sono contrassegnati
da un pubblico totalmente assordato dal loro rumore,
amplificatori fusi e indicibili risse con i promoter locali.
La trascinata lentezza del loro modo di suonare arriva
da band come i Melvins e gli Harvey Milk. Con il passare
del tempo, attraverso un lento processo di evoluzione,
tutto questo sfocerà parzialmente in una sorta di
claustrofobico psychedelic dub. Nel 2014 sono pronti
per fare uscire il sophomore, Deep Mountain, sempre
per la Riot Season, album che supportano sui palchi
insieme a Acid Mother Temple, Part Chimp, OM, Burial
TAG: #crustpunk #psychedelicdub #sludge #rawpower #popgroup
Ex, White Mice, Bardo Pond. Band che definiscono
ellitticamente lo stile degli Sloath: una sorta di sludge
psichedelico elevato all’ennesima potenza rumorista. E
comunque, in luogo degli spazi noise psichedelici aperti
da Sloath, Deep Mountain contiene canzoni più brevi
e compatte. La band ammette influenze “classiche” di
Creedence, ZZ Top e Groundhogs, consegnandoci il loro
album più convenzionale (be’, si fa per dire). Un anno
più tardi sono tra i protagonisti al Festival underground
Raw Power di Londra, dove creano un vero e proprio
caos tra il pubblico, nonostante (o forse proprio per
quello) debbano suonare con un equipaggiamento
deficitario. III arriva nel 2020, ma le canzoni erano
state scritte quattro anni prima e anche registrate
con Tim Cedar (Part Chimps) ai Dropout Studios di
Camberwell. Solo nel 2019 la band decide metterci
mano, remixando il tutto ed entrando definitivamente
nell’idea che quelle canzoni potranno costituire il
contenuto di un nuovo album. Praticamente, avendole
lasciate maturare come whisky in una botte di quercia
(paragone questo molto adatto al lifestyle degli Sloath).
III è un deciso passo in avanti rispetto ai precedenti.
Si diceva di queste influenze dub (Revengue) con
riminiscenze di Pop Group, ma pure tese ed estenuanti
maratone sludge/northern folk, come The Whistler.
Prospettive nuove che si aprono. Come se i Melvins si
fossero scontrati con gli Acid Mother Temple su un
territorio neutrale inglese.
ONLINE: riotseasonrecords.bandcamp.com
RUMOREMAG.COM | 57
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15.09.20 09:17
S U FJ A N S T E V E N S D O V E S K E V I N M O R B Y N O G A E R E Z F U Z Z T H E O B S E S S E D

KEATON HENSON
60

YO LA TENGO HYMN HELENA DELAND DEFTONES SONGHOY BLUES

R E C E N S I O N I
244 DIS CH I TRAT TATI OT TOBRE 2020 ru m o re m a ga z i n e

M A R CO PA R ENTE THURSTON MOORE

82 74

E N S L AV E D A D R I A N N E L E N K E R W AY N E C O U N T Y & T H E E L E C T R I C C H A I R S
DISCO DEL MESE OTTOBRE 2020
KEATON HENSON
IL MONUMENTO DEL TORMENTO
KEATON HENSON
MONUMENT
PIAS
L’artista tormentato, che immola le gioie
della sua vita reale all’arte è un’icona
ineludibile per la storia della musica
moderna. Dopo i fasti degli anni 90,
anche una figura cosi insindacabile
diventa ostaggio delle esigenze di
promozione. In sostanza, fra malattie
mentali, crolli nervosi e identità sempre
in discussione, è diventato complicato
discernere il disagio autentico fra tutti
gli autolesionismi su chitarra e falsetto,
60 | RUMOREMAG.COM
evaporati dall’ultima bevanda di grido al
caffè. L’elusivo cantautore (e fumettista)
londinese (di cui abbiamo tentato un
ritratto il mese scorso) è talmente
ostaggio del suo tormento e delle sue
paure, da averci dedicato (suo malgrado,
forse) un’intera carriera. Dall’isolamento
acustico di Dear.., fino agli studi
orchestrali sull’ansia di Six Lethargies.
Rischiando anche di trasformare
quell’autentico mal di vivere, rivendicato
su un filo di voce, in paradigmatico
biglietto da visita. Il momento della
verità (come spesso accade nella vita),
arriva quando l’autoflagellazione si deve
confrontare con il dolore reale. Che si
materializza col lungo calvario che porta
alla morte del padre (l’attore inglese
Nick Henson) alla fine del 2019. Una
fuga in Canada, per ritrovare il senso
di una vita che comunque prosegue,
dopo la perdita. Per la prima volta, la
narrazione del dolore rivolge lo sguardo
ad altri, il percorso di tenebra diventa
riflessione e le istanze dell’esordio
trovano piena maturità narrativa. La
lievità di Parade è il riassunto di sé,
prima di sprofondare fra gli abissi
di Self Portrait, dove acustica e voce
sembrano sempre sul punto di cedere,
per ritrovarsi in una partitura notturna
di Sparklehorse, con le sole percussioni
DI MAURO FENOGLIO
discrete di Philip Selway dei Radiohead
e i cori di Danielle Fricke a sostenere
una disperazione che non chiede sconti.
Ma che trova ossigeno nel panorama
immacolato di Ontario, con un organo
ad abbracciare sventolii d’elettronica e la
marzialità di Selway. “Sono carta sottile /
spezzami semplicemente” è il preambolo
di vulnerabilità, fra gli accordi circolari
alla Kozelek di Career Day. Per arrivare
al memoriale da far tremare i polsi di
Prayer. Accordi sparsi al pianoforte, per
l’estremo saluto al genitore. Sullo sfondo,
solo i rumori estratti da un VHS casalingo
e gli archi del London 12 Ensemble, ad
alimentare la ferita del ricordo. Oltre, si
può solo provare a venire a patti con quel
che rimane. Con l’inno post grunge di
While I Can o facendo tappa nella foresta
di Bon Iver, nell’intensa Bed. È il folk di
Bygones a indicare, in qualche modo,
una direzione. “Mi arrendo / vivrò anche
se respirare mi uccide”. Se all’artista
rimane il tormento, forse l’uomo ha
trovato una ragione per tirare avanti.
85/100
RECENSIONI GLI ALBUM OTTOBRE 2020
AA.VV.
A GUIDE TO THE BIRDSONG OF
MEXICO, CENTRAL AMERICA &
THE CARIBBEAN
SHIKA SHIKA
Pensato e voluto come il suo
predecessore del 2015 (dedicato
all’America del sud) dal produt-
tore britannico Robin Perkins
alias El Búho, un progetto
benefico in crowdfunding per
salvaguardare uccelli a rischio
di estinzione, minacciati da
cambiamento climatico e defore-
stazione. Registrati i suddetti sul
campo, Perkins passa il materia-
le a colleghi connazionali di cia-
scun volatile, che lo incorporano
in tracce elettroniche prodotte
per l’occasione. Si scopre gente
interessante come il dominicano
DJ Laif e i costaricensi Mara-
cuyá, o ritrovare in forma facce
note come i beliziani del Garifu-
na Collective, il messicano Siete
Catorce e il giamaicano Time
Cow degli Equiknoxx, con la sua
tesa e rarefatta Jamaican Black-
bird. Favolose le illustrazioni.
ANDREA POMINI
78/100
AUTECHRE
SIGN
WARP
Non voglio dire deludente, ma
forse sarò costretto - insomma,
è come minimo il primo disco
degli Autechre dai tempi di
Oversteps a non aver superato di
tre o quattro volte le aspettative.
65 minuti di musica, perlopiù
costruita su progressioni ar-
moniche di sapore vagamente
retrofuturista, clamorosamente
ricorsive se ci riferiamo al pas-
sato recente del gruppo: il loro
“disco ambient”, forse, ma molto
meno complesso e stratificato
del quarto volume delle NTS
Sessions. Defatigante, come mi-
nimo. Non voglio dire deluden-
te, ma forse sì. È colpa loro, in
ogni caso: ultimi due capolavori
a nome Autechre hanno settato
uno standard qualitativo insen-
sato, da rendere quasi imperdo-
nabile un’opera che ha tutto il
diritto di essere, come minimo,
interlocutoria. Forse lo dico:
deludente.
FRANCESCO FARABEGOLI
55/100
A CERTAIN RATIO
ACR LOCO
MUTE/PIAS
Gli eroi del punk funk sono stati
assai parchi negli ultimi tempi,
ma un tour e una serie di ri-
stampe hanno infuso loro nuova
linfa. Lo smalto non può essere
quello di To Each… o Sextet,
per citare i capolavori targati
anni 80, ma la classe cristalli-
na infila in ogni traccia motivi
d’interesse. L’eco new wave
del periodo Factory si avverte
nell’iniziale Friends Around
Us e in una What’s Wrong
all’occorrenza sussurrata; una
polpetta avvelenata, che magari
all’inizio si sottovaluta ma poi
torna e ritorna. Ed è una delizia
il finale da Casio vecchia scuola
di Get A Grip. Specialità della
casa, il sabba finale: è l’ipnotica
Taxi Guy, che da sola giustifi-
ca l’allusione latina di Loco e,
benché duri la metà, si incarica
di chiudere il cerchio aperto nel
1981 con gli oltre 12 minuti di
Winter Hill.
PAOLO FERRARI
73/100
BALL
LIKE YOU ARE… I ONCE WAS… LIKE
I AM – YOU WILL NEVER BE
SUBLIMINAL
Il funk punk degli Stooges di
Funhouse (Black Magic); un
r’n’r degenerato di ibrida marca
detroitiana sovraccarico di ef-
fetti electro/psichedelici vintage
(Death Deals A Hand); il tocco
e la pesantezza del groove psych
che fa pensare ai Frijid Pink
(sempre Detroit…); mid tempo
hard rock luciferino denso al
calor bianco soul tra wah wah
sommergenti (Have You Even
Been Dead, che potrebbe essere
un outfit da un Brown Acid
Trip, fuzz funk brutale alla Iron
Butterfly con quel tocco occulto
che ne fa un piccolo gioiello
hard rock). Il tutto che si sposa
a un approccio vocale depravato
da “Iggy nero”. “This is hard
rock from hell” è il loro motto.
I Ball sono tornati. Nulla si sa
di loro, se non che sono al terzo
disco e nessuno li ha mai visti
in faccia.
CLAUDIO SORGE
79/100
ALL THEM WITCHES
NOTHING AS THE IDEAL
NEW WEST
Perentorio ritorno della band
di Nashville di Ben McLeod e
Robby Staebler. Puro rock ame-
ricano fatto alla loro maniera, in
questo che è il loro sesto disco.
E la loro maniera è circondarsi
di un’atmosfera tenebrosa e
raccontare storie di un’Ame-
rica profonda e leggende della
folk music. Con uno stile che
affonda le sue radici nel rock
americano doc dei Black Keys
da una parte e in certi aulici Led
Zeppelin dall’altra. Vedi brani
come Saturnine And Iron Jaw,
e la super ipnotica Enemy Of My
Enemy; tra interludi acustici di
chitarre semi jazzati (Everest)
e nudi e aspri folk acustici delle
montagne come The Children Of
Coyote Woman. Per ultimo, il
voluttuoso country grunge Rats
In Ruin, sordida storia racconta-
ta con toni elegiaci. Ah, il disco è
stato registrato agli Abbey Road
di Londra.
CLAUDIO SORGE
79/100
JULIANNA BARWICK
HEALING IS A MIRACLE
NINJA TUNE
The Magic Place, esordio del
2011 della cantante/composi-
trice di Brooklyn, sorprendeva
per le sue stratificazioni vocali,
quasi una quadratura del cer-
chio fra le tecniche di Panda
Bear e il fascino di Liz Fraser.
Negli anni, l’addizione di stru-
menti e soluzioni è andata di
pari passo con la normalizzazio-
ne delle intenzioni, perdendo
l’avventurosità iniziale. Il quar-
to album è conferma del trend.
Il fascino ancestrale dell’Islan-
da come motore per una scor-
ribanda di droni aerei e voci in
passionali crescendo, per fan
verticali dei Sigur Rós. C’è pro-
prio Jónsi in In Light, mentre
Mary Lattimore l’affianca in Oh
Memory e Nosaj Thing in Nod.
La sensazione di una Grouper
per indie kids che rinuncia all’i-
gnoto, permea l’intero percorso.
Viste le potenzialità dell’autrice,
è giusto attendersi di più.
MAURO FENOGLIO
63/100
ALOE BLACC
ALL LOVE EVERYTHING
BMG
Di questo passo Aloe Blacc ri-
marrà sempre soltanto quello
del botto di I Need A Dollar.
Non sarà comunque questo per
lo più insipido viaggio in dieci
tracce ad alzare il profilo del
cantautore soul californiano.
L’autobiografica Family d’aper-
tura farebbe anche sperare bene,
poi però la bussola si smarrisce
e non si capisce il senso del
progetto. Ballate con eccessi di
falsetto come My Way, passag-
gi piacioni come Glory Days
e l’innocua soluzione acustica
scelta per la conclusiva Harvard
stanno in fondo alla classifica.
Graduatoria corta, che comun-
que ha le sue leader: Corner ha
un appeal e una profondità che
alzano l’asticella, Hold On Tight
osa un po’ di più in materia di
arrangiamento e spinte gospel,
All Love Everything giustifica
con un refrain adeguato lo status
di capofila dell’album.
PAOLO FERRARI
44/100
BEABADOOBEE
FAKE IT FLOWERS
DIRTY HIT
Ci si dovrà pur mettere d’accor-
do. Cosa aspettarsi da chi a 20
anni scrive musica e la interpre-
ta nel 2020? Esiste uno spazio
possibile fra il farsi preconfe-
zionare l’anima dai reality o il
battere coperchi e chincaglieria
per quattro gatti nel proprio
scantinato? La giovanissima Bea
Kristi non dà risposte, facendo il
suo. Di certo il suo esordio farà
molto più parlare per la lunga
lista di nomi a cui le sue fresche
e dinoccolate canzoni riman-
dano, che per il loro appurato
potenziale. Che è quello della
melodia di sbieco che si fa strada
fra la cartavetro delle chitarre.
Tutti i santini indie anni 90 sul
davanzale a guidare un talento
che ne rende credibile (anche
oggi) la lezione. Senza gravarle
le spalle dell’eredità di Stephen
Malkmus o di Juliana Hatfield.
Bea balla (bene) da sola.
MAURO FENOGLIO
75/100
RUMOREMAG.COM | 61
 BELBURY POLY
THE GONE AWAY
GHOST BOX
“Gli scomparsi” del titolo sono
le creature soprannaturali che
hanno smesso di frequentare il
nostro mondo, esiliate in angoli
dimenticati dell’immaginario.
Più che fate e folletti dell’era
vittoriana, in senso più ampio
quelle inspiegabili discontinu-
ità nel tessuto della realtà che
percepiamo con la coda dell’oc-
chio. Suggestione che Jim Jupp
materializza riprendendo certe
soluzioni minimali degli esordi,
filtrate dall’orecchio della ma-
turità. Producendo una musica
SUFJAN STEVENS
al tempo stesso sottilmente
inquietante (Copse l’apice hor-
ror, tra suoni di rami spezzati
nel sottobosco e flauti sinistri),
elettronicamente naïf (i consue-
ti timbri analogici dei synth) e
ludicamente rassicurante nel
THE ASCENSION suo appartenere a quel “conti-
ASTHMATIC KITTY nuum anglo/surrealista” in cui
Simon Reynolds inserisce l’hau-
ntology di marca Ghost Box.
Esattamente 40 anni fa i ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
Depeche Mode pubblicavano 78/100
il loro primo album e
dovevano spiegare al mondo
di essere un “normale”
gruppo pop che al posto di
chitarre e batterie suonava
synth e drum machine.
Cosa c’entra questo con
il nuovo album di Sufjan
Stevens? C’entra perché
il singolo Video Game si JAMES DEAN
apre con il verso “I don’t BRADFIELD
EVEN IN EXILE
wanna be your Personal
DELWARE
Jesus” e prosegue su una
base che potrebbe sembrare uscita proprio da Speak & Spell,
Solo due, fra gli anni 90 e oggi,
e, soprattutto, c’entra perché spesso ancora oggi sembra che
le vacanze in solitaria del com-
si debbano in qualche modo trovare giustificazioni quando un
pagno Bradfield. Ma anche qua
artista ripone la chitarra e tira fuori il synth, e si leggono in
si resta sotto la cortina di ferro
giro cose come “elettronica usata con moderazione”, nemmeno
dei Manics, partendo tutto da
fosse una sostanza proibita. Ebbene qui l’elettronica non
è usata con moderazione, dispiace per gli integralisti delle una serie di poesie e scritti fir-
chitarrine - dalla memoria corta (The Age Of Adz?) -, e The mati dal fratello del socio Nicky
Ascension è un altro “normale” disco di Sufjan Stevens: vale a Wire e dedicati a Victor Jara,
dire il disco di un artista che si esprime da sempre con forme, cantautore e attivista cileno
strumenti e mezzi diversi. Con delle costanti: l’intensità, che ucciso dal regime di Pinochet.
ritroviamo qui tanto nell’inno antipop - e paradossalmente il Attorno a cui, pezzo a pezzo e
pezzo più pop di tutti - Video Game, quanto nella supplicante con il gruppo in (serena, pare)
Run Away With Me, nell’apparatiana Make Me An Offer, pausa, Bradfield costruisce un
nell’ipnotica I Wanna Die Happy – immancabile in ogni album mai troppo lontano dalla
album l’esorcismo dell’ossessione per il tema della morte. E la casa madre, al netto di qualche
capacità di ritrarre l’America, e la metodica distruzione del suo chitarra latineggiante. Tonal-
sogno, con pennellate feroci sfumate da voci e melodie gentili: mente perfetto per le sue corde
come uno Springsteen più introverso e meno binary, Stevens però: drammatica la storia e
ci porta (di nuovo) per mano nel cuore di un Paese sempre più (melo)drammatica l’interpre-
ferito e confuso e sempre meno innocente, che brandisce la tazione, fra l’epica di The Boy
fede come un’arma mortale, in difesa da nemici inesistenti per From The Plantation, il coro
non affrontare la realtà di essersi sconfitto da solo. per polmoni di ferro di The Last
LETIZIA BOGNANNI Song e la cover di La Partida,
80/100 strumentale proprio a firma
Jara. Pop socialista firmato da
un veterano del genere.
FRANCESCO VIGNANI
62 | RUMOREMAG.COM 72/100
BLACK TO COMM
A C OF M
CELLULE 75
In tempi di totale lockdown
molti musicisti hanno trovato
difficoltà anche solo a pensare
alla musica, presi da afasia ar-
tistica; altri ne hanno prodotta
a profusione, per vincere la
paura. Il compositore tedesco
elettronico acusmatico Marc
Richter ha atteso qualche
settimana in aprile prima di
mettersi all’opera, dopo aver
raccolto frammenti di suono
captati dalla sua abitazione,
conversazioni in strada, audio
feed di Twitter, rumori assortiti
dalla città paralizzata, musicisti
improvvisati nei propri appar-
tamenti, fondendo tutto questo
piccolo tesoro estemporaneo a
materiale d’archivio inutilizzato.
Ciò che ne è conseguito, ricco di
sample decontestualizzati e seg-
menti elettronici esplosivi, sta a
cavallo tra collagismo e musica
concreta. Come in ipotetico in-
contro tra NWW e Cluster.
ANDREA PREVIGNANO
70/100
PETER BRODERICK
BLACKBERRY
ERASED TAPES
Peter Broderick (ex Horse
Feathers) dal nativo Oregon è
approdato in Europa, facendosi
conoscere come prezioso poli-
strumentista e arrangiatore. Ha
suonato live negli indie popsters
danesi Efterklang, ha incrociato
la sua musica cangiante con
quella elettroacustica dell’olan-
dese Machinefabriek, ma rimane
uno dei più sottili autori alt folk
moderni (si vedano le sue colla-
borazioni con M. Ward). Nella
solitudine della sua nuova base
londinese Broderick ha registrato
un bedroom album di delicato
folk pop con derive doo-wop, fra-
gili novelty songs come un mo-
derno Tiny Tim, ma anche brani
più ripiegati e scuri, tra Drake
e Martyn. Tornato dopo cinque
anni alla forma cantautorale
(tanti ne sono passati da Colours
Of The Night), sicuramente a lui
congeniale, Broderick mostra di
non avere perso smalto.
ANDREA PREVIGNANO
65/100
RECENSIONI GLI ALBUM OTTOBRE 2020
COACH PARTY
PARTY FOOD
CHESS CLUB
Indie rock e isola di Wight
fanno un po’ a cazzotti, ma
è proprio da lì che arriva la
doppia coppia formata da due
biondine ossigenate e due
giovani ragazzi dall’incipiente
stempiatura. Ganci melodici a
go go, l’estate che sfiorisce, una
nostalgia strisciante combinata
a una leggerezza non (s)forza-
ta. La cantante e bassista Jess
Eastwood è credibile con quegli
occhioni a cocomero incastonati
su un naso a patata lunga di San
Biase e le mani grosse che piz-
zicano le corde di un accecante
Musicmaster Squier rosa: prego
vedere il video dell’irresistibile
Oh, Lola che apre il maxi EP,
come si diceva una volta. Inno-
cente freschezza e anacronismo
britpop alla massima potenza in
sei pezzi di tre minuti e rotti che
stendono un’allegra pennellata
glitter sui poster sgualciti di
Elastica ed Echobelly.
MANUEL GRAZIANI
75/100
LOREN CONNORS
BEAUTIFUL DREAMER
FAMILY VINEYARD
C’è qualcosa che non conoscia-
mo di Loren Connors? Di lui
sappiamo anche che è da sem-
pre un instancabile sostenitore
di ogni forma d’arte, purchè sia
d’avanguardia. Quasi scontato
che, nel corso delle sue frequen-
tazioni artistiche, sia diventato
amico di Steve Dalachinsky,
poeta e artista newyorkese,
deceduto a settembre 2020.
A lui viene dedicato Beautiful
Dreamer, costituito da due mini
composizioni di improvvisazio-
ne chitarristica, successivamen-
te postprodotti e resi eterei. Si
percepisce un modo differente
di suonare, rispetto al consueto,
forse a causa del Morbo di
Parkinson che lo affligge da
tempo. Alte e basse frequenze si
alternano continuamente, quasi
sospese, all’interno di una strut-
tura sonora rarefatta e quasi
liquida, sempre vicina al blues
patibolare che lo reso unico e
inimitabile.
ANTONIO BRIOZZO
70/100
COCKTAILS
CATASTROPHIC ENTERTAINMENT
ALIEN SNATCH!/WIZARD+POTIONS
Una dichiarazione d’intenti
iniziare con Bun E. Carlos, che
porta il nome del batterista dei
Cheap Trick. Difficile immagi-
nare qualcosa di più estivo del
power pop con la maglia a righe
indie del gruppo di Frisco. La
voce di Patrick Clos è avvolta dai
sintetizzatori e dai cori carezze-
voli di Lauren Matsui. È sempre
l’armonia - friabile e mai sopra
le righe - quella che comanda:
che le chitarra di Joel Cusumano
alzi il livello (Waiting On The
Summer), la voce di Lauren si
prenda la scena (Love Is Gone),
che irrompa brina acustica (Bu-
ried Alive) o classic rock (Wa-
shoe County), che le melodie
avvolgenti dei Teenage Fanclub
si appiccichino sulla cute (Never
Be Alone). È l’armonia a segnare
la strada: anche quando questa
finisce, avvolta dalla nostalgia
gassosa dei Weezer era Pinker-
ton (Take It Back).
MANUEL GRAZIANI
77/100
JOACHIM COODER
OVER THAT ROAD I’M BOUND
NONESUCH
Uncle Dave Macon tra la fine
del XIX e soprattutto nei primi
due decenni del XX secolo fece
un’importante operazione di re-
cupero di brani della tradizione,
occupandosi poi di riscriverli e
reinterpretarli con il suo banjo
per avvicinarli ai gusti musicali
dell’epoca, facendoli così arri-
vare a un pubblico più ampio.
Di un’operazione simile si fa
promotore oggi il figlio e col-
laboratore di Ry Cooder dando
vita al suo secondo episodio
su lunga distanza tra folklore
e modernità. In questo lavoro
infatti il figlio d’arte riprende
i brani dell’antesignano della
country music americana e li ri-
visita con la sua mbira elettrica,
accompagnato da un organico
strumentale acustico tra cui è
presente anche l’illustre genito-
re. Così, dopo circa 100 anni, le
canzoni dello “zio Dave” suona-
no di nuovo attuali.
DORIANA TOZZI
78/100
PSYCH
PSYCH
TURTLE SKULL
MONOLITHS
KOZMIK ARTIFACTZ
Si apre con la fanfara astrale di Leaves, che
enfatizza il lato più kosmico degli Sleep, il
secondo album di questa eclettica formazione post
psichedelica australiana, giunta al suo secondo
album. Ed è l’entrata perfetta per una band che
sembra porsi al centro esatto tra rievocazioni
psych anglo/kraut anni 70 e potenti e ipnotiche dinamiche heavy
psych, come detto, alla Sleep. Detto altrimenti: tra visceralità di
suoni rock heavy e armonie psichedeliche rarefatte. Un approccio
che li avvicina a band moderne che si costituiscono su questa
ambivalenza, come i White Manna. E se The Clock Strikes Forever
è un grandioso masterplan heavy krautrock, appunto, alla White
Manna, Halcyon con la sua eterea dolcezza li avvicina allo spirito
di Jason Pierce.
79/100
A CURA DI CLAUDIO SORGE
ELECTRIC MOON WHITE MANNA
YOU CAN SEE THE SOUND OF ARC
SULATRON CARDINAL FUZZ
Non un nuovo Al settimo LP,
album per i i White Manna
mercuriali spiccano
Electric Moon, definitivamente
ma la riedizione il volo. Le loro
dell’ottimo composizioni
10” EP uscito per Sulatron si fanno sempre più rarefatte
nel 2012. Con in più tre e turbinose, alimentate da
bonus che ne definiscono un massiccio impiego di
ulteriormente la fisionomia; elettronica vintage, per lo
vagando in nuove nascoste più ricavata da strumenti
traiettorie astral rock, tipo in tradizionali, tastiere synth e
Windhovers. Brano che non ipnotiche percussioni electro.
sfigura accanto all’originale, E anche brani più “rock” come
ispirata ai Can, Your Own Pilgrim’s Progress e Zossar
Truth, punto di forza dell’EP sono trattati come luminosi
del 2012. Kraut psychedelia, viaggi ascensionali space. Alla
tra vintage e nuovi orizzonti. lunga, leggermente pallosi.
78/100 72/100
MOS GENERATOR/
TEMPLE FANG DI’AUL
LIVE AT MARLEYN SPLIT
AUTOPRODUZIONE ARGONAUTA
Radicale cambio Falcidiante
di direzione per split
alcuni membri italoamericano
dei proto hard stoner – 20
rockers Death anni di Mos
Alley, che Generator e
danno vita a questa nuova sono sempre sulla breccia.
formazione assolutamente L’impressione è di sentire
neopsichedelica, dedita a Ozzy che canta con i Fu
lunghe improvvisazioni. Il Manchu e ogni tanto va fuori
loro primo parto discografico giri. Fanno anche una cover
sono due lunghe suite che dei Pink Floyd, Fearless. I
spaziano da territori neo Di’Aul invece sono milanesi,
western desert psych a una esistono da dieci anni, e
rivisitazione di certo hard propugnano uno stoner sludge
rock 70’s alimentato da un allucinato e ruggente. Come
blando soul rock. In certi una decomposizione dei
momenti un po’ prolissi e Down. Ottimi.
ridondanti. 79/100
65/100
RUMOREMAG.COM | 63
HIP HOP

HIP HOP

SAMANTHA CRAIN CRIPPLED BLACK

A SMALL DEATH PHOENIX
CAROLINE ELLENGAEST
BIG SEAN SEASON OF MIST
DETROIT 2 Al di là della vicenda umana
GOOD/DEF JAM dietro il titolo di questo disco – Il nuovo album dei Crippled
Era uno dei dischi più attesi dell’anno e Crain è reduce da una malattia Black Phoenix è un funerale folk
fortunatamente, per una volta, l’attesa è valsa la che rischiava di non farle tenere dai mesti colori dark/psiche-
pena. Il quinto album del rapper di Detroit è il una chitarra in mano –, A Small delici, che si dipana tra oscure
seguito spirituale di un suo fortunatissimo mixtape Death è una schietta (“But then cavalcate percussive, remote
uscito quasi dieci anni fa. Big Sean è bravo e le became the summer when my suggestioni western e rimandi a
ottime produzioni che lo accompagnano per oltre hands appeared so useless”) e un british folk dall’aura magica,
70 minuti (ma qualcosa si poteva tagliare) sono di spessore in intima variante di un chamber persino esoterica. Nei mo-
termini di qualità e pulizia. Il disco è una lettera d’amore alla città pop emotivo e non necessaria- menti più accessibili, c’è forse
dei motori: semplicemente impressionante la lista degli ospiti mente sommesso. Sassofoni e un’eccessiva pomposità che ne
(dai concittadini Eminem e Royce da 5’ 9’’ nella jam Friday Night pedal steel, clarinetti e fisar- appesantisce le atmosfere. Un
Cypher passando per Anderson Paak, Travis Scott e lo scomparso moniche: l’indie folk di brani lasciarsi andare alla ridondan-
Nipsey Hussle) per quanto la scelta di relegarne alcuni (Stevie come When We Remain o High za, che i CBP hanno se vogliamo
Wonder ed Erykah Badu) in semplici skit lasci un po’ l’amaro in Horse disegna traiettorie ma- sempre avuto e hanno cercato
bocca. Contemporaneo, ma rispettoso della tradizione. linconiche mai stucchevoli e in negli anni progressivamente
78/100 perfetto equilibrio tra ambizioni di convogliare in composizioni
d’arrangiamento e il bisogno di dalla trama più eterea e sofisti-
A CURA DI DAVIDE AGAZZI immediatezza. Ma c’è una sensa- cata. “Una cosa che non faremo
zione che accomuna gli 11 brani mai”, dice Justin Greaves, “è
di A Small Death; si tratta di un stare in un recinto”. E da que-
TONI BRAXTON DAVE EAST armonioso sentimento pacifico sto punto di vista, il nuovo dei
SPELL MY NAME KARMA 3 che emerge con insistenza in The CBP non delude, perché cerca di
ISLAND DEF JAM Echo o Little Bits. Bisognerebbe esplorare nuove direzioni.
Sono Do It e Mixtape di ringraziare Crain per questo mo- CLAUDIO SORGE
Gotta Move rara qualità mento di sereno escapismo. 75/100
On i due pezzi per il lancia- FERNANDO RENNIS
felicemente tissimo Dave 72/100
dissonanti in un East, reduce
album altrimen- dal successo
ti assolutamente prevedibile ottenuto prima in classifica
e povero di scossoni o idee. col suo album di debutto e poi
Nella prima (presente in ben sul piccolo schermo, dove ha
due versioni) la diva mondiale interpretato il ruolo di Method
dell’R&B si diverte a duettare Man nella serie tv dedicata al
con Missy Elliott, nella secon- Wu-Tang Clan. Moltissimi gli
da, invece, c’è H.E.R. a farle ospiti di rilievo (Popcaan, Trey
da dirimpettaia al microfono. Songz) ma i riflettori sono ine- CROATIAN AMOR THE CULT
Il resto è zucchero e cuoricini, vitabilmente puntati su Mary ALL IN THE SAME BREATH OF FREE LOVE
come da copione, nel bene e J. Blige, protagonista nell’otti- POSH ISOLATION VISIONS
nel male. ma Know How I Feel. NORTHERN STAR
60/100 70/100 Croatian Amor è una delle
multiple vite di Loke Rahbek, Torniamo volentieri a parlare
artista danese immerso anche di The Cult Of Free Love, collet-
nel mondo post punk come tivo del Galles il cui amore per
BOLDY JAMES THE LOX Vår, Lust For Youth e Sexdrome la dance e l’elettronica poggia
THE VERSACE TAPE LIVING OFF XPERIENCE per citarne alcuni, oltre ad altri saldamente su quello spirito psi-
GRISELDA D BLOCK/ROC NATION progetti solisti: stakanovismo chedelico e comunitario che ren-
produttivo da boom economico. deva le notti dell’Haçienda hap-
Terzo lavoro Dopo i perdu-
Loke ha la sensibilità di uti- pening irripetibili. Scott Causer
in un anno, il ranti successi
primo in casa personali, i The lizzare suoni rarefatti con una e compagni hanno raccolto tutto
Griselda, per LOX provano sensibilità non frequente. Dalle quanto prodotto dopo il debutto
il rapper di a riprendersi pulsioni ambientali (New Mor- di quattro anni fa per un album
Detroit: gran spazio sul palco ning) ai breakbeat sognanti im- che profuma di notti acide e spe-
bel mixtape, tutto costruito su come collettivo artistico: ope- mersi nelle multiple voci lontane zie orientali, in cui i suoni liquidi
beat polverosi e strafumati, razione riuscita a metà, con un (Yoyogi Park). Young sfiora le del sitar addolciscono i freddi
dal sapore nostalgico, una disco che non guarda al futuro flessioni ritmiche di Four Tet 4/4 techno e in cui si respira
sorta di Amarcord in salsa ma non è neanche capace di poi l’intermezzo drone pop di l’utopia che univa la generazione
retro jazz. I numerosi skit pre- tornare ai fasti del passato. Gli A Name For Afternoon fino a della Swinging London a quella
senti tra una traccia e l’altra ospiti in alcuni casi (Westside Jonathan in cui lavoro di rifini- dei ravers. Più vario, sfaccettato
abbassano ulteriormente il Gunn & Benny The Butcher ture, di movimenti millimetrici. e pop dell’esordio, Visions è un
ritmo di un disco già non esat- in Think Of The LOX) molto Distanze abissali da Love Means album che si crogiola in una
tamente upbeat, ma si tratta meno in altri (DMX in Bout Taking Action perché prende in bolla temporale tutta sua, si di-
di un dettaglio stonato in un Shit e T-Pain nella terribile mano tutte e due le anime e non sinteressa del presente e nutre la
ritorno altrimenti ottimo. Miss You). Mediocre. si posiziona in modo definito, col desueta aspirazione di iniettare
74/100 50/100 rischio molto alto di finire tra gli amore e ottimismo a chiunque
ignavi dell’elettronica ibrida. avrà voglia di dedicarvisi.
NICHOLAS DAVID ALTEA DIEGO BALLANI
68/100 74/100
64 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM OTTOBRE 2020

CULTS MARIE DAVIDSON DEATH VALLEY GIRLS DEFTONES

HOST
SINDERLYN
La direzione del quarto album
del duo originario di San Diego,
ma ormai newyorkese da tem-
po, forse non l’avevano nemme-
no loro in testa. Madeline Follin
(voce) e Brian Oblivion (chitar-
ra) reinterpretano il bedroom
pop che si è fatto grande e sfac-
cettato dai synth (Spit You Out)
ma tenacemente 60s sulle orme
di un basso a definirne la strada
(8th Avenue). Alla batteria tro-
viamo Loren Shane Humphrey
(Last Shadow Puppets, Florence
And The Machine, Guards). È
tutto molto più umano e rétro
rispetto al precedente Offering
(2017). Qualche magniloquente
arrangiamento (Monolith), la
leggiadria vocale di Madeline
(Working It Over) e qualche al-
tro synth vintage portano nelle
lande dream di Julee Cruise (A
Purgatory).
NICHOLAS DAVID ALTEA
68/100
& ŒIL NU
RENEGADE BREAKDOWN
NINJA TUNE
Bella carriera in crescendo,
quella di Marie Davidson. Da
giovane promessa dell’energica
comunità sperimentale canade-
se (in coppia col marito Pierre
Guerineau nel duo minimal
wave Essaie Pas, poi con David
Kristian nel divertissement hor-
ror disco DKMD, infine da sola)
è diventata un artista complessa,
capace di coniugare smaliziate
architetture elettroniche a sot-
tili introspezioni della psiche.
Renegade Breakdown (scritto e
prodotto con Pierre Guerineau
e Asaël R. Robitaille nella nuova
incarnazione degli Œil Nu) rac-
conta molto lo spaesamento del
successo e dei lunghi anni tra-
scorsi in viaggio tra club e festi-
val, dice lei. Tanti e distanti i ri-
ferimenti musicali, resi coerenti
da una visione che impressiona
per potenza e determinazione.
CLAUDIA BONADONNA
81/100
UNDER THE SPELL OF JOY
SUICIDE SQUEEZE
In uno sforzo creativo più unico
che raro, il gruppo californiano
riesce nel doppio obiettivo di
rilanciare le proprie quotazioni
artistiche e realizzare un album
gustosamente bilanciato fra
deliqui space e concisione pop.
La ricetta è semplice (almeno
sulla carta) e consiste nel diluire
il loro garage psych in una colo-
rata soluzione di jazz spirituale
e gospel cosmico. È in questo
modo che la forma canzone si
sfilaccia e lascia spazio a com-
posizioni aperte, dalla struttura
minimale percorsa longitudinal-
mente da drones d’organo, sax
fluttuanti e cori incantati come
quelli della magniloquente The
Universe. Altrove la struttura
garage pop resta preponderante,
ma il tutto è illuminato da una
luce accecante che dona a brani
come 10 Day Miracle Challenge
e I’d Rather Be Dreaming una
grazia salvifica.  distanziati, ovviamente.
DIEGO BALLANI
80/100
OHMS
REPRISE
Era dai tempi di Eros, album
registrato nel 2008 ma che non
vide la luce dopo l’incidente al
bassista Chi Cheng (scomparso
poi nel 2013) che i Deftones
non lavoravano col produttore
Terry Date. Genesis è un’aper-
tura intensissima, bilanciata
tra i fendenti urlati e quelli più
melodici di Chino Moreno. È
da Pompeji e This Link Is Dead
che c’è una spaccatura nel disco,
il vero balzo oltre. La prima
riequilibra le parti dilatate fino
alla coda post rock ambient; la
seconda prende in mano il caos
controllato e porta il suono su un
livello superiore. Poi c’è Radiant
City: pezzo potente e riverbe-
rato, con l’apertura vocale che
squarcia tutto. Un brano tanto
epico quanto supremo che cerca
di stabilire un contatto con il pe-
riodo White Pony, e ci riesce. Si
torna a scuola dai Deftones, ben
NICHOLAS DAVID ALTEA
78/100

ENSLAVED UTGARD
NUCLEAR BLAST

È un corredo estetico che si mantiene a dir poco magistrale, quello
degli scandinavi. L’algida narrazione di Utgard contiene non solo
i colori formali e progressivi della molteplicità compositiva a cui
ci hanno abituati da tempo, ma oltrepassa, ed è qui il segreto, il
limite simbolico dei segni sonori e immaginifici. Armonia e furore
si compenetrano, occhio e spada s’intrecciano, acquisiscono
nuovamente folgori dalle coloriture psichedeliche tradizionali di
Emerson Lake & Palmer, primi Genesis e King Crimson (in chiave
pop, il Bowie di Space Oddity e della “memoria”), condensandole
nella poesia folk black norvegese. Ispirazione arcaica che evoca a
sé i suoi fasti (Vikingligr Veldi, Eld, Monumension, Isa, Axioma
Ethica Odini), per rilanciarli nel caos emotivo della creazione.
Come corvi di Odino elogiati dal canto di Snorri, fasi come
Flight Of Thought And Memory o Storms Of Utgard incarnano
e declinano una fervida cinematica del progressivo; posizione
che deve molto anche al nuovo contributo dietro le pelli, e nel
sentimento vocale (basta la sola Homebound per capirlo), di Iver
Sandøy, nonché alla sinergia epica tra la sei corde di Arve Isdal
e le tastiere di Håkon Vinje. Questo per dire quanto il codice
romantico sappia estendersi in un eclettismo noir avvincente, a
tratti triptykoniano nelle ascensioni doom (il prologo di Fires In
The Dark), dove spuntano a sorpresa argute coloriture katatoniane
e cureiane (la conclusiva Distant Seasons e l’ulteriore singolo
Urjotun, che reca in sé pure il minimalismo electro stile DAF).
STEFANO MORELLI
80/100

RUMOREMAG.COM | 65
GOTICA

GOTICA

EMMY THE GREAT JAMES FERRARO

APRIL/月音 NEUROGEIST
BELLA UNION AUTOPRODUZIONE
LUCIDVOX
WE ARE Durante il Mid Autumn Festival Continua l’epopea apocalittica e
GLITTERBEAT del 2017, Emma-Lee Moss si è distopica del produttore newyor-
fatta travolgere dalle brulicanti kese. Il secondo capitolo dell’o-
Un flusso sonico intermittente ed espressionistico,
dove convergono pulsioni graffianti care alla stagio- e intense suggestioni in cui pera (in quattro parti) Four
ne del post punk più radicale (Killing Joke, Siouxsie Hong Kong, sua patria d’origi- Pieces For Mirai, che descrive
And The Banshees e Cure in primis) ma definito se- ne, la stava inaspettatamente l’avvento di un’era oscura tecno-
condo i crismi della visione rock cosmico progressi- avvolgendo. In quell’occasione logica per l’umanità, approda a
va e heavy doom, in particolare quella occulta e tel- l’artista, lasciandosi riconqui- quello che lui chiama “umanesi-
lurica che vide negli Amon Düül II (Sirin) e nei Black Sabbath (vedi stare dalle sue radici cinesi, ha mo cibernetico”. A parte la forte
i ricorsi neurosisiani di Body) gli artefici principali. Il graffio di We assorbito i colori, gli odori, i sa- connotazione narrativa offerta
Are sorge dall’esperienza di quattro ragazze russe giunte qui al loro pori ma soprattutto i suoni della alle composizioni, rimane il
primo episodio di rilevanza internazionale. Un collettivo sperimen- città e ha deciso di rielaborarli continuum musicale dell’autore.
tale in realtà, saldamente ancorato alla logica situazionista e post con sensibilità, sotto la luce Una lunga elegia terminale di
dada del DIY che alterna il fuoco wave noise col sentimento folk, a lieve della luna piena, in grado sintetizzatori vintage, scratch
tal punto che nelle loro rincorse di segno paiono ricordare attitudi- di mostrare limpida la bellezza digitali e cori orfici per un nuovo
nalmente le Miranda Sex Garden e le Amber Asylum. che si nasconde dietro le piccole medioevo. Fra le scorribande
80/100 cose. In poco tempo la cantau- astrali dei Tangerine Dream, il
trice ha così scritto queste dieci futurismo anni 80 di Vangelis
A CURA DI STEFANO MORELLI canzoni in cui il suo cantauto- e la fascinazione di videogiochi
rato indie folk danza leggero e e anime giapponesi. Tracce
SERENA GABRIEL sublime tra afflati pop tinti di individuate con numeri romani
MINT FIELD FEAT. STEVE ROACH nostalgia dal sapore sixties rie- che nascono per vaporizzarsi
SENTIMIENTO MUNDIAL INANNA’S DREAM vocando le passeggiate tra le vie l’una nell’altra, come capitoli di
FELTE PROJEKT di una città piena di vita e im- un’unica saga che non stufa mai
Si avverte il Innestato nel mortalando un momento intimo i cultori, ma difficilmente attrae
retaggio psi- percorso sono- tra passato e futuro. nuovi adepti.
chedelico della ro meditativo DORIANA TOZZI MAURO FENOGLIO
Creation e della di scuola roa- 75/100 72/100
4AD, anche se chiana, questo
la produzione si canto alla dea
avvale di un vo- Inanna con-
luto assetto lo-fi che li colloca cepito dalla Gabriel si allinea
tra Velvet Underground e un perfettamente, nell’estetica e
bizzarro beat wave dinoccolato nei suoni, al tema interiore e
e scarno, con inediti graffi fuzz rivelatore del viaggio. Il sogno
jazz all’occorrenza (geniale è qui appunto un percorso di
Natural, così quanto il kraut vita, disvelante e terapeutico
di Contingencia). Hanno buon al contempo, collocato nella FRANKIE AND THE FUTURE ISLANDS
gioco i messicani, spingono corrente esotica del mantra WITCH FINGERS AS LONG AS YOU ARE
sui ‘70 pur evocando il fatali- ambientale e del minimalismo MONSTER EATING 4AD
smo di Echo & The Bunnymen etnico. Integrazione tra cielo PEOPLE EATING MONSTER
e Cocteau Twins. esterno e interno. RAS/GREENWAY The Far Field (2017) non era
80/100 77/100 stato così infiammante come i
I 13th Floor Elevators più sono Singles (2014). Però ai Future
sempre la stella polare, ma nel Islands non si può dire di non
SUMMER OF essere un band sincera. Anzi,
SEVENTEEN VOUS AUTRES frattempo il sound di Dylan Si-
SUMMER OF SEVENTEEN SEL DE PIERRE zemore e compagni si è fatto più sono tremendamente sinceri nel
KARLRECORDS SEASON OF MIST moderno. Un’affermazione che godersi le vittorie e accettare le
può suonare ironica se riferita sconfitte, se così possiamo dire.
Collettivo L’act d’oltralpe
a un gruppo che pare uscire dai Hanno le spalle grosse e Samuel
di natura giunge alla
fumi dei 60s più trippy, ma non T. Herring ha una personalità
dodecafonico sua seconda
c’è dubbio che la pulizia sonora, vitale e umana. È un disco sulla
industriale, prova, dopo il
dedito a una valido riscontro unita a una maggiore discipli- rinascita e sul cercare di sapersi
decostruzione ottenuto na, fornisca ai brani dei Witch conoscere meglio (Glada). Gli
del suono in chiave noise, giusto lo scorso anno con Fingers inedite colorazioni math ultimi tre anni di Herring pas-
ambient, dark noir e Champ Du Sang. Il dettame rock. Meno fumettistico e grot- sati in Svezia con la nuova com-
jazz espressionista. Tra i black persiste anche in tesco rispetto al classico Brain pagna hanno sicuramente cam-
protagonisti si segnalano questo profilo, sebbene sia Telephone, Monster è il disco di biato alcune visuali, influenzato
Monika Khot (Nordra), accentuato più nelle sue una band che decide di fare sul sensazioni e disegnato nuovi pa-
William Collins, Faith Coloccia rifiniture doom tribali e neo serio. Un tour de force psiche- esaggi emotivi. Di relazioni mal-
(Mamiffer) e Aaron Turner ambient apocalittiche, quindi delico in cui ai soliti riferimenti sane e nuove speranze (City’s
dei Cranium. Summer Of a favore di un colore più dark della cultura trash e stoner, si Face). Un lavoro meno scarno
Seventeen fende l’aria, ha natali cinematico che industriale. aggiungono acide evoluzioni chi- con For Sure e Plastic Beach che
sinfonico/minimalisti ma nel Emergono echi degli Axis Of tarristiche rinchiuse fra ritmiche elevano la scrittura, pur sempre
solco tragico e rappresentativo Perdition, seppur mediati solide e spietate. Il tutto finaliz- 80s col synth pop ipercontrolla-
di E. Neubauten, KDE, nell’accento gotico alla Type O zato a fantasmagorici voli spa- to e la voce ardente. Onestissimi
Nordvargr e Diamanda Galás. Negative. cey. Per i californiani si tratta e col cuore in mano.
72/100 75/100 dell’inizio di un nuovo viaggio. NICHOLAS DAVID ALTEA
DIEGO BALLANI 80/100
66 | RUMOREMAG.COM 78/100
RECENSIONI GLI ALBUM OTTOBRE 2020

FUZZ NUBYA GARCIA GHOST LIOTTA BEVERLY

III
IN THE RED
Come un tatuaggio sulla pelle,
sulla musica dei Fuzz c’è stampa-
to il marchio dei Blue Cheer.
Impossibile rimuoverlo. Al terzo
album arriva però molto altro ad
abbellire questo tatuaggio. In-
nanzitutto c’è un Ty Segall dispo-
sto a osare; che sa come variare
i temi e lasciar irrompere nuove
suggestioni e idee. Se il brano
che apre III, Returning - eterno
ritorno ai Blue Cheer - sembra
un outfit da Outside Inside, già
Nothing People mischia le carte
e Spit è veramente intrigante:
un contorto e trascinato indie
blues. E non parliamo di Time
Collapse, un collasso di post
Blue Cheer acid prog blues e
robaccia scardinante alla Blues
Explosion: isterica e un minuto
dopo placata e poi ancora selvag-
gia e incontrollata. Moderno acid
rock. Un passo avanti rispetto ai
precedenti dischi.
CLAUDIO SORGE
81/100
SOURCE
CONCORD JAZZ
Dopo due EP, ecco finalmente
l’album d’esordio della la tenor-
sassofonista londinese, espo-
nente di punta della nuova scena
jazz inglese. A parte il prezioso
contributo di Kwes - coprodut-
tore del disco che, negli ultimi
dieci anni, ha collaborato con
artiste come Solange o Speech
Debelle -, Nubya Garcia si è cir-
condata di ospiti femminili (Ms
Maurice, Akenya ecc). Nel suo
jazz moderno si trovano tracce
di hard bop e soul ma anche di
reggae/dub, cumbia (tradiziona-
le) e - come spesso rivendicato
da questa generazione di jazzisti
inglesi - di ritmi elettronici ur-
bani indigeni (meno evidenti del
resto ma, in ogni caso, parte del
composito bagaglio musicale).
Source è un disco intenso con un
suono coeso che ben rappresen-
ta Londra ma gode anche del ca-
lore caraibico/latino del sangue
della sua autrice.
LUCA GRICINELLA
79/100
GHOST LIOTTA
AUTOPRODUZIONE
Dietro al nome Ghost Liotta si
celano James McAlister (bat-
terista aggiunto e polistrumen-
tista nei National, ma anche
collaboratore di lunga data di
Sufjan Stevens e Bon Iver), Zac
Rae (tastierista dei Death Cab
For Cutie), Christopher Wray
(chitarrista e polistrumentista
già con Weezer, Son Lux e molti
altri) e John Spiker (bassista nei
Tenacious D). Mondi differenti
che si incontrano in un campo
neutro, quello dell’ambient post
rock. L’album è infatti un flusso
di pattern di batteria, tappeti di
synth, bassi pulsanti, e melodie
scure, avvolgenti. Notturno,
sinuoso e sinistro, un mondo
dove la piena luce non esiste,
colonna sonora perfetta di un
ritorno a casa prima dell’alba o
di un film sci-fi. Una collabora-
zione sorprendente che speria-
mo sia solo l’inizio di un nuovo
percorso artistico.
LUCA DOLDI
76/100
GLENN-COPELAND
TRANSMISSIONS: THE MUSIC
OF BEVERLY GLENN-COPELAND
TRANSGRESSIVE
“Nella mia vita devo affrontare
tre sfide. La prima è quella di
essere nero in una comunità
bianca. La seconda è quella di
essere transgender in una società
etero normativa. La terza è quella
di essere un artista in un mondo
imprenditoriale”. Il percorso
dell’artista canadese è fra i più
peculiari. Partita a inizio anni
70 come voce femminile jazz, si
trasferisce in Canada, reiventan-
dosi in un corpo maschile. Il suo
Keyboard Fantasies del 1986
(originariamente distribuito in
poche cassette) è un tesoro di
new age artigianale per voce e
sintetizzatori. Volto noto della TV
canadese (ha anche collaborato a
Sesame Street), pubblica ora una
collezione di vecchie composizio-
ni (Ever New e Sunset Village dal
suo capolavoro), inediti e live.
MAURO FENOGLIO
73/100

THE UNIVERSAL
DOVES WANT
UNIVERSAL

Erano in silenzio (discografico: l’anno scorso si erano rivisti
in giro con una serie di live) da 11 anni i Doves, e adesso che
li risentiamo ci accorgiamo che ci erano mancati. In tanti, nel
tempo, ne hanno seguito le orme, più o meno consapevolmente
– e quasi mai dichiaratamente: sarà a causa dell’apparenza
schiva, quasi dimessa, ma tanto spesso quanto ingiustamente
ci si dimentica di citarli, quando si parla di cose Brit. In tanti
sì, però in pochi(ssimi) sono riusciti a riprodurne l’epicità, la
maestosità del sound senza cadere nel pomposo. Perciò, diamo
ai fratelli Williams e alla voce sempre evocativa di Jimi Goodwin
un bentornato caldo come questi dieci pezzi di universale
fascino e solenne bellezza. Riprendendo il discorso musicale da
dove l’avevano lasciato - ma senza per questo suonare superati,
piuttosto classici, grazie all’ulteriore sapienza acquisita con la
maturità -, i tre si muovono ancora in equilibrio fra alternative
ballad e inno emo/radiofonico, senza tralasciare di movimentare
il tutto con sporadiche reminescenze degli inizi danzerecci
come Sub Sub. E mettono in fila dieci riflessioni struggenti e
luminose su amore, vita e morte: il disco si apre con Carousels,
giustamente scelta anche come primo singolo, impreziosita da
un sample di Tony Allen, mentre al centro troviamo un ricordo
di David Bowie in Cathedrals Of The Mind. Maestri che rendono
omaggio ad altri maestri: la forza dell’umiltà, quella vera.
LETIZIA BOGNANNI
75/100

RUMOREMAG.COM | 67
WEIRD RNR

WEIRD RNR

GROOVE ARMADA GUIDED BY VOICES

EDGE OF THE HORIZON MIRRORED AZTEC
BMG GUIDED BY VOICES INC.
COLD MEAT
HOT AND FLUSTERED Che Tony Findlay e Andy Cato Comprensibili le ansie dei
HELTA SKELTA/STATIC SHOCK abbiano mestiere da vendere, è completisti in lockdown al
Caldo e agitato dall’inizio alla fine l’esordio lungo un dato assodato. Maturato con pensiero di un Pollard chiuso
del gruppo di Perth che sfodera dieci pezzi di la loro lunga militanza nel ten- in una casa con studio annesso.
“punk allegramente altezzoso” dopo una sana tra- done della dance da happening. Se il diluvio è dietro l’angolo,
fila di cassette e 7”: una roba alla vecchia, in tutti S’alimenta (certo) di svagato Mirrored Aztec rientra nell’or-
i sensi. Background 77ino, irruenza hardcorica e ottimismo da aperitivo, tenendo dine delle cose, essendo solo
la vena sardonica di certo post punk alla Slits. La sempre e comunque d’occhio il secondo lavoro del 2020 del
cantante Ashley Ramsey spinge impetuosa come una Christina eleganza e gusto. A una decina gruppo. Oltre che prova di come
Halladay (Sheer Mag) con le doti vocali di Ari Up, sputando testi d’anni dall’ultimo album d’ine- ormai per Pollard il difficile
corrosivi e mai retorici che parlano di astri e casalinghe incazzate diti (Black Light), i due scelgono venga quando deve inventarsi
(Women’s Work), della merda dell’industria discografica (Indu- le sicurezze di un suono acco- un titolo per gli album, vista la
stry Sleaze), degli ZZ Top e dei negazionisti del cambiamento gliente e massimalista, pregno di ritrovata naturalezza di questi
climatico (Beach Photography). Un album sfrontato, catartico, riferimenti. I richiami alla festa 40 minuti per 18 brani. Forse
fragoroso, indignato, beffardo. In una sola parola: punk. di Get Out On The Dancefloor i migliori dell’ultima fase del
78/100 (con la voce di Nick Littlemore), gruppo, quella post 2016: privi
la guasconeria alla LCD Sound- di complicazioni inutili (da certi
system di Tripwire fra i numeri flirt con lo stadium rock in giù),
A CURA DI MANUEL GRAZIANI d’ordinanza. Il tocco italo di più ispirati e soprattutto effica-
Lover For Now con quel micione cissimi. Vale ad esempio mezzo
(garage) di Todd Edwards alla classico Thank You Jane, con
BLACKLISTERS voce, l’esercizio Hall&Oates di I Show Of Hands a soffiare sul so-
FANTASTIC MAN CLAVICULE Can Only Miss You e l’apoteosi lito lo-fi, Math Rock a strappare
À TANT RÊVER DU ROI/BUZZHOWL GARAGE IS DEAD house di Dance Our Hurt Away una risata e l’ottimismo di molti
Un sibilo di BEAST/OPEN UP AND BLEED (con l’iconica Paris Brightledge), passaggi a drenare un po’ della
chitarre soni- Garage rock dal fra le delizie. consueta monotonia.
che anticipa la passo hard rive- MAURO FENOGLIO FRANCESCO VIGNANI
partenza a mar- stito da leggeri 64/100 71/100
tello della se- strati di psiche-
zione ritmica. È delia. Nulla di
Sports Drinks che apre il terzo nuovo ma fatto
album del massiccio gruppo bene, con furiose esplosioni
di Leeds. La registrazione live d’energia che i quattro di Ren-
in studio esalta l’iper fisicità e nes sprigionano praticamente
l’astrattismo noise degli ingle- in tutti i dieci pezzi dell’album:
si, con un frontman nevraste- da Special Trip a My Time e
nico come Billy Mason Wood CAB che germogliano nella
maestoso nel devastante post quiete nebbiosa. A dirla tutta è ERIK HALL DARREN HAYMAN
hc Strange Face e piuttosto proprio questo schema quiete/ MUSIC FOR 18 MUSICIANS HOME TIME
WESTERN VINYL FIKA RECORDINGS
abile nell’assecondare il groo- tempesta a mostrare un po’ la
ve sinuoso in White Piano. corda. E comunque no, il gara- La sfida era duplice: da un lato Spezzate il cuore a Darren Hay-
72/100 ge non è morto. registrare in completa soli- man e avrete un buon disco,
69/100 tudine la più celebre opera di pare di capire. Capitava con
Steve Reich, pietra miliare del The Fidelity Wars degli Hefner
minimalismo, scritta per un en- (1999), ad esempio. E lo confer-
THE GHIBLIS LEWSBERG
DOMINO IN THIS HOUSE
semble di (almeno) 18 musicisti. ma Home Time, album numero
AREA PIRATA 12XU Dall’altra, con mezzi ridotti e 14 (in 15 anni via via più lontani
strumentazione variata (muted dalla ribalta) per l’ex voce degli
Pubblicare oggi Una distesa di
piano anziché metallofoni, inglesi, oltre che raro caso di
un album stru- cemento ingri-
chitarre al posto dei violini), ritorno a temi personali dopo
mentale di surf gito dal sole
restituire il mirabile equilibrio lavori dedicati alle piscine all’a-
ed exotica su con qualche
CD è come scri- erbaccia spon- tra fissità e fluidità del phasing perto e ai villaggi inglesi. Altra
vere questa ru- tanea ai lati. La reichiano. Se la prima sfida ri- costante l’assenza di svolazzi re-
brichetta con una Olivetti Let- musica del gruppo di Rotter- entrava in qualche modo nella torici, fra titoli come I Love You,
tera 22 e inviarla in redazione dam è cinica, ripetitiva, fode- sfera dell’abilità tecnica, la I Miss You, Come Back o I Want
via fax. Una follia anacroni- rata dall’eleganza decrepita seconda era molto più insidio- To Get Drunk e la crudezza dei
stica. Il cortocircuito sta nel dei Velvet Underground e dal sa. Ma Erik Hall, già attivo sui dettagli nei testi, prima di un
fatto che ho ascoltato i pezzi jangle pop degli Orange Juice. palchi con His Name Is Alive finale in cui si finisce per fare il
del gruppo piacentino sul mio Tra lo spoken word affiorano e compositore in proprio in tifo per il povero Hayman. Come
smartphone sotto l’ombrello- schegge di Dunedin sound vari campi, vince su entrambi i per le otto tracce di un registra-
ne. Onestamente non potevo (From Never To Once) ed esi- fronti, consentendo alle infinite tore casalingo che alla lunga
chiedere una migliore colonna stenzialismo umanista nella possibilità suggerite dall’opera paiono quasi autostrade, visto
sonora per la fine di questa grazia sussurrata di The Door, reichiana di addensarsi e cicli- un autore che a tratti inventa
strana estate mascherata. At Launch e Jacob’s Ladder. camente dissolversi, respirando un Daniel Johnston innamorato
73/100 75/100 come un organismo vivente. di Ray Davies prima ancora che
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME dei Beatles.
78/100 FRANCESCO VIGNANI
72/100
68 | RUMOREMAG.COM
RECENSIONI GLI ALBUM OTTOBRE 2020
HELLO FOREVER
WHATEVER IT IS
ROUGH TRADE
Aspettino un attimo fuori i fan
dei Discharge: Samuel Joseph
ha scelto il nome del suo col-
lettivo ispirandosi al suo saluto
preferito (“ciao per il resto
della nostra vita”, spiega per
agevolarne il senso di eternità
e comunanza), la residenza
in una ex colonia nudista
californiana e ispirazioni come
“il cielo e l’universo”. Non la
solita roba per cui impazzireb-
be il cinismo inglese targato
Rough Trade. Ma il periodo è
quello che è, e anche ripescare
un disco uscito a inizio anno e
dargli visibilità può aiutare a
migliorare l’umore. Che è quello
che WIS – ingrassato di un
paio di inediti – fa benissimo: il
miele selvatico dei Beach Boys
degli anni 60 come collante e la
modernità intesa come somma
dei Dirty Projectors di Swing Lo
Magellan e i Grizzly Bear. Disco
estivo per estati stranissime.
FRANCESCO VIGNANI
77/100
HUDSON MOHAWKE
B.B.H.E/POOM GEMS
WARP
Come per tutte le cose, c’è modo
e modo di riordinare i cassetti.
Quello degli appassionati delle
riorganizzazioni zen alla Marie
Kondo, ad esempio. O quello,
caoticamente e programmati-
camente disordinato (proprio
come dischi quali Lantern del
2015) dello scozzese. Che, trova-
tosi forzatamente chiuso in casa
come tutti, decide di passare le
ore a resuscitare pezzi usati solo
nei live, scarti e bozzetti anche
vecchissimi ristrutturandoli in
due mixtape. A B.B.H.E. vanno
i movimenti più brevi di brani
spesso attorno al minuto, per
quanto a restare sia un brano
come Tar e i suoi tempi da am-
bient documentaristica. Con
Poom Gems a spostare il consue-
to calderone elettronico su bina-
ri leggermente più sperimentali
prima di una coda praticamente
hardcore: godibili entrambi, in
attesa di novità più corpose.
FRANCESCO VIGNANI
70/100
LUKE HOWARD TRIO
THE SHADOW
LUKKTONE
The Shadow è la colonna sonora
commissionata per The Shadow
Whose Prey The Hunter Become
di Geelong (Australia), un’opera
teatrale totalmente incentrata
sul mondo delle persone
affette da disabilità intellettiva
e sull’influenza negativa
dell’intelligenza artificiale,
utilizzata per “normalizzare” le
loro vite. È un lavoro in punta
di piedi, concettualmente
profondo, ispirato e intimo, in
continuo movimento ai confini
del jazz contemporaneo e del
neoclassicismo. Il delicato
pointillisme pianistico di Luke
Howard, tra Chris Abrams dei
Necks e Michael Nyman, il
ritmo dapprima in chiaroscuro
poi improvvisamente deciso
e sincopato delle percussioni
di Daniel Farrugia, e lo scarno
contrabbasso di Jonathan Zion
evocano paesaggi malinconici e
solitari, ma bellissimi.
ANTONIO BRIOZZO
82/100
ALEX IZENBERG
CARAVAN CHÂTEAU
WEIRD WORLD
Tutt’altro che strano trovare
Jonathan Rado nei credits di
un disco simile, quasi vedesse
in Izenberg molto di quello che
sarebbe potuto capitare se i
Foxygen non fossero esplosi e il
mestiere di produttore non ri-
chiedesse una certa lucidità. Un
autore perso nella propria testa
e nelle proprie manie, meglio
ancora se legate alla California
degli anni 70, in sintesi. E anco-
ra più paranoiche e disturbate
di quelle che resero il debutto
del losangelino del 2016 prima
un mezzo caso e poi un guaio a
cui dare un seguito, con tanto di
depressioni profonde a dettarne
i tempi. Dentro chitarre acusti-
che sfasate, voce impastata e a
volte, quasi come lampi, esempi
di pop perfetto come December
30th: musica da camera per
case dalle pareti scrostate e
inquilini troppo pigri per chia-
mare il proprietario.
FRANCESCO VIGNANI
74/100
INDIE
INDIE
BULLY
SUGAREGG
SUB POP
Al terzo disco la 29enne Alicia Bognanno azzera la
propria band reinventandosi assieme al maestro
John Congleton e ripartendo sostanzialmente
dalle origini. Ne esce un disco inquieto e potente
con le proprie fondamenta poggiate sul quadrato
delle chitarre e sull’impeto della voce, mai così
energica e aggressiva. Diretto e senza spazi per decorazioni che
ne compromettano l’urgenza, Sugaregg non abbassa mai la ten-
sione, concedendo giusto un paio di pause per respirare (Come
Down e Hours And Hours) e calando alcuni assi che lasciano il
segno: i Sonic Youth periodo Goo evocati in Let You, il basso che
irrobustisce Where To Start e arrotonda Stuck In Your Head,
la pura elettricità di Add It On, giusta a ricordarci in apertura il
padre putativo: sua maestà Bob Mould.
77/100
A CURA DI ARTURO COMPAGNONI
GIRL FRIDAY HOLY MOTORS
ANDROGYNOUS MARY HORSE
HARDLY ART WHARF CAT
Debutto in Non è la prima
lungo per i volta che la
losangelini capitale dell’E-
Girl Friday al stonia capita
seguito di un sulle mappe del
paio di EP che rock. Teatro di
lasciavano intravedere spazi una scena indie consolidata e
di crescita effettivamente ri- di un paio di festival di tutto
scontrabili tra le dieci tracce rispetto, Tallinn sforna ora
di Androgynus Mary. Solido una band che attorno alla
indie rock anni Zero (Yeah bella voce della giovanissima
Yeah Yeah’s) che affonda radi- Eliann Tulve costruisce una
ci agli albori del genere e non versione shoegaze del classico
disdegna di sporcarsi le mani suono da autostrada america-
con qualche giro di chitarra na. Tra Mazzy Star, chiamati
preso in prestito dalla Seattle in causa proprio dalla voce,
degli anni 90. e Orville Peck per restare ai
67/100 giorni nostri.
65/100
CUT WORMS I LIKE TRAINS
NOBODY LIVES HERE KOMPROMAT
JAGJAGUWAR ATLANTIC CURVE
Per il suo nuovo Chi ricorda gli
album, primo I Like Trains
per Jagjaguwar, come avampo-
il newyorkese sto brit all’e-
Max Clarke sercito del post
fa le cose in rock potrebbe
grande servendosi di una big sorprendersi non poco all’a-
band country e mettendo in scolto del quinto album della
pista una trentina di canzoni formazione di Leeds: ritmiche
in fase di scrittura, ridotte poi dritte come la cassa che le
a 17 in sede di registrazione. guida, voce che mastica post
Abbastanza da riempirci un punk e chitarre che tendono le
doppio album per un’ottantina loro corde su di una valle che
di minuti di musica che suona collega Interpol e Bloc Party
come una moderna rilettura da una parte e una qualunque
orchestrale del country folk band inglese di inizio ‘80
matrice tardi ‘60. dall’altra.
65/100 73/100
RUMOREMAG.COM | 69
RECENSIONI GLI ALBUM OTTOBRE 2020

JOSIAH JOHNSON THE KILLERS PIOTR KUREK LANA DEL REY

EVERY FEELING ON A LOOP
ANTI-
Dopo aver pazientemente rimes-
so insieme i cocci frantumati
della sua esistenza, l’ex frontman
e cofondatore dei The Head And
The Heart pubblica il suo primo
album solista in cui mette a nudo
tutte le sue incertezze, ammette
le cadute, trova la forza di andare
in fondo alla dipendenza che lo
aveva travolto dopo i primi tempi
con la sua band e di uscirne ri-
nato e pronto a riprendere il suo
cammino. Johnson ha dichiarato
di aver imparato prima di tutto
ad accettare la sua fragilità e
questo gli ha permesso di dare
infatti alla luce le canzoni più
intime e sincere della sua carrie-
ra. Pur senza troppo distaccarsi
dalle sonorità della sua vecchia
band, il cantautore di Seattle
trova una sua peculiare dimen-
sione nel tepore del folk pop can-
tautorale, tra strumenti acustici
e melodie delicate e preziose.
DORIANA TOZZI
77/100
IMPLODING THE MIRAGE
ISLAND
La ragione per cui non riuscia-
mo a fare con i Killers quello
che ad esempio riusciamo a
fare con gruppi a loro affini,
tipo Muse o Panic! At The Disco
(fingere che non esistano, sop-
portare i loro frequenti passaggi
in filodiffusione, disertare i
loro concerti) è che riusciamo
a tracciare un percorso storio-
grafico a ritroso che li collega in
qualche modo il loro arena rock
anabolizzato in cassa dritta a
un certo post punk - Joy Divi-
sion, Wire e roba simile. Questo
significa che percepiamo nei
Killers una specie di peccato
originale, un irrisolto ancestra-
le, forse persino un certo senso
di correità: li abbiamo lasciati
succedere, esistono da quasi
20 anni, sono in formissima,
sempre più barocchi, squillan-
ti, glassati ed enciclopedici. È
colpa nostra. Scusateci tutti.
FRANCESCO FARABEGOLI
32/100
A SACRIFICE SHALL BE MADE/
ALL THE WICKED SCENES
MONDOJ
Piotr Kurek è un compositore e
polistrumentista polacco, nato
a Varsavia. A Sacrifice Shall Be
Made/All The Wicked Scenes,
suo sesto album, è un’opera mi-
steriosa e contaminata costituita
da brani appositamente compo-
sti per diverse rappresentazioni
teatrali. L’influenza di culture
distanti tra loro (asiatiche e eu-
ropee) e l’uso di strumenti non
convenzionali, caratterizzano
in maniera significativa la sua
musica. Tutti i brani sono domi-
nati da statici drones tra cui si
alternano emotivi canti maschili
e femminili, percussioni in co-
stante progressione, dissonanti
strumenti asiatici a corda, archi
e fiati. Il risultato finale è un la-
voro a tratti spiazzante, occulto
e disturbante, difficilmente eti-
chettabile per sonorità che origi-
nano dall’asian folk e scivolano
lentamente in territori ambient.
ANTONIO BRIOZZO
78/100
VIOLET BENT BACKWARDS
OVER THE GRASS
INTERSCOPE
Le poesie della cantautrice di
NYC vivono in un tempo sospe-
so, in cui presente fragile e un
passato mitologico si rincorrono.
Vulnerabilità che si specchia
nell’idea di uomini come angeli e
mostri, che vengono per andar-
sene via subito dopo. Il fido Jack
Antonoff offre penombra am-
bientale alla vellutata voce nar-
rante. LA Who Am I To Love You
è geografia del cuore, che apre il
sipario. Fra violette, aranceti e
un’estate che tramonta all’infini-
to sulla spiaggia. Lezioni di volo
o di vela, fra Malibu e Marina
Del Rey, come sessioni d’autoco-
scienza. Per risvegliarsi sul preci-
pizio. Jim Morrison all’Hollywo-
od Bowl nel ’68 e Sylvia Plath
evocati mentre la California va in
fiamme. In un affascinante non
luogo dell’anima, fra le pagine di
un romanzo di Ellroy e il mistero
perverso di Mullholand Drive.
MAURO FENOGLIO
72/100

BREACH US
FYSISK FORMAT
HYMN
Una volta, molti e molti anni fa, un fantasioso critico musicale
paragonò il canto di Dave Byron degli Uriah Heep all’urlo di una
persona che precipita a capofitto in un fiordo norvegese. E viene
alla mente anche L’Urlo di Edward Munch, pittore norvegese che
visse la sua vita sempre sull’orlo del precipizio. Ebbene, sempre
a proposito di norvegesi, il duo degli Hymn, Ole Ulvik Rokseth al
canto e chitarra e il mega batterista Markus Støle, suscita un tale
bombastico e tenebroso impatto da ricordare in modo traslato
tali sensazioni di “sparizione” nei fiordi norvegesi. Ma gli Uriah
Heep beninteso non c’entrano niente con la musica degli Hymn.
Un composto metallico ipercompatto di potenza inaudita; oscuro
sludge martoriato da un indicibile sofferenza. A cominciare
dall’estenuato, allucinato, terminale modo di urlare/cantare di
Ulvik. Un impatto suono/voce di una tensione letteralmente
insostenibile. Come una forza oscura magnetizzante che ti stritola
fino a farti esplodere. Partiti anni fa con l’esperienza doom occulta
dei Tombstones, i due hanno poi dato vita al progetto Saver e hanno
inciso un primo album, Perish, come Hymn per la Svart, mentre
per questo secondo hanno raggiunto gli Okkultokrati alla Fysisk
Format. E ora ritornano sulle tracce di Perish con questa seconda
offerta, se possibile ancora più feroce e incompromissoria. “Back
to the bone”, la descrivono loro. Brandelli di apocaliptyc doom e
brividi occulti (Can I Carry You) si saldano a abrasive deiezioni
sludgecore (Breach Us), in rotta di collisione verso la catarsi. Sarà
per la tensione spasmodica che questa musica infligge, ma non è
azzardato pensare agli Hymn come a una delle band più heavy che
abbiano mai calcato questo pianeta. Mostruosi, è dire poco.
CLAUDIO SORGE
82/100

70 | RUMOREMAG.COM

LANDOWNER
CONSULTANT
BORN YESTERDAY
I Landowner sono una band
del Massachusetts al secondo
album che con Consultant si in-
serisce perfettamente nel con-
testo dell’attuale underground
chitarristico, galleggiando tra
Wire, Fall, Meat Puppets, Fu-
gazi e Protomartyr ma su solide
basi hardcore. Questo suono
è tornato in auge da tempo,
l’unica differenza è che oggi ha
trovato un nome. E se il post
punk è visto come qualcosa di
attuale, allora possiamo consi-
derare Consultant (12 tracce di
geometrie nervose, alcune delle
quali – Phantom Vibration,
Confrontation e Ordinance - di
assoluto livello) un buon disco,
un “usato sicuro” che funziona.
Manca del tutto l’elemento sor-
presa, ma questa temo sia or-
mai una pretesa fuori luogo, o
quasi. Accontentiamoci di suoni
solidi, nervosi e senza sorrisi,
sbagliato chiedere di più.
LUCA FRAZZI
70/100
LITHICS
TOWER OF AGE
TROUBLE IN MIND
L’art rock è troppo bizzarro
e difficile per i tempi liquidi
che ci tocca vivere. Eppure le
asimmetrie dada dei Lithics
non riescono a celare del tutto
un dinamismo pop, persino
quando il gruppo di Portland
ci butta dentro un clarinetto
free come in Victim’s Jacket o
nel singolo Hands con quelle
chitarre a singhiozzar stridule
distopie minimaliste, mentre
il basso imperioso di Bob De-
saulniers pompa sangue. Lui,
Bob, vorrebbe trascinarci in un
dancefloor per disadattati (An
Island) dalle teste da struzzo
(Tower Of Age). Nell’apatica
ripetitività, sottolineata dalla
voce glaciale di Aubrey Hornor,
un album a suo modo fisico e
muscolare. Come una corsa in
New Balance fresh foam in un
padiglione vuoto della Biennale
di Berlino o in un capannone
dismesso dell’industria siderur-
gica di Piombino.
MANUEL GRAZIANI
74/100
THE LAWRENCE ARMS
SKELETON COAST
EPITAPH
Nel roster storico della Fat Wreck
di inizio anni Zero i Lawrence
Arms ci erano arrivati tardi,
quando l’ondata punk rock/
HC melodica stava piano piano
affievolendosi. Negli anni si sono
ritagliati uno spazio importante
mantenendo coerenza e non
facendosi ammaliare da facili
mode passeggere. Il settimo
album del trio di Chicago,
registrato a El Paso, in Texas,
ha l’equilibrio punk rock e HC
melodico ormai rodato e solido,
dove le due voci si alternano
con registri differenti. “There is
no past, there is no future, I’m
free to live at last” è l’apertura
dell’album con Quiet Storm. Last
Last Words lascia il giusto spazio
alla parte melodica che, come
Ghostwriter, privilegia la voce
del chitarrista Chris McCaughan.
Una tensione ardente e una
risolutezza compositiva senza
quasi falle. Una certezza.
NICHOLAS DAVID ALTEA
76/100
LIV.E
COULDN’T WAIT TO TELL YOU...
REAL LIFE MUSIC
Nata a Los Angeles e cresciuta
a Dallas, la 22enne cantante,
autrice e produttrice può van-
tare l’endorsement pubblico
di Erykah Badu, e si potrebbe
quasi pensare che si accinga a
raccoglierne l’eredità. Nei 20
brevi episodi del suo album di
debutto, concepiti come altret-
tante pagine di un suo diario,
è in evidenza una visione for-
temente psichedelica, contem-
poranea e sperimentale dello
stile R&B. Come nel doppio
svolgimento di Lessons From
My Mistakes…But I Lost Your
Number, nell’incanto di It’ll
Be Okay e nel dialogo fra le ar-
monie e il beat di I Been Livin,
a testimoniare della sua pas-
sione per l’hip hop più astratto
dell’ultima generazione. Infatti
ad assisterla nella produzione
c’è anche il polistrumentista
Daoud Anthony, già al fianco
di Saba. E il risultato è davvero
promettente.
GIORGIO VALLETTA
85/100
AVA N T
AVA N T
ALSO
LIVE IN CELOVEC
TROST
Katharina Ernst (batteria, percussioni, parte del
quartetto elettronico Ventil) e Martin Siewert (chi-
tarra, electronics, parte dei post rockers Radian dal
2011), sono coppia artistica dal 2015 con il nome di
Also. La loro musica è ben nota ai seguaci dell’im-
provvisazione radicale austriaca ed europea e di
quella marca di confine tra noise rock, elettronica e free jazz. Re-
gistrato dal vivo al festival New Adits Festival di Celovec, Austria,
questo album mette in scena un furioso scontro di percussioni e
guitar noise, temperato da un notevole controllo individuale e da
una rodata intesa. Si va dai momenti più esplosivi come Seven, che
ricordano le intemperanze di Stefan Jaworzyn o Rudolph Grey, a
Eight, maggiormente costruito su tessiture sonore.
75/100
A CURA DI ANDREA PREVIGNANO
BEEQUEEN CONTROLLED DEATH/
WINTER RUDOLF EB.ER
A COLOURFUL STORM DEATH CEREMONIES
Il duo olandese COLD SPRING
composto da Rudolf Eb.er
Frans de Waard (Schimpflu-
(Kapotte Mu- ch-Gruppe) e
ziek, titolare Maso Yamazaki
dell’avant label (Masonna, Con-
Korm Plastics) e Freek Kinke- trolled Death)
laar (Brunnen) torna con un da anni a Osaka animano la
album composto da due tracce scena avant/noise giapponese.
ispirate all’inverno, stagione Death Ceremonies è uno split
di “quiete e inquietudine”. sospeso tra musica industriale,
Astrazione elettronica, scom- japanoizu e musica rituale sulla
posizione e ricombinazione morte e il suo mistero: Eb.er
di pattern melodici e field re-
crea un’immaginaria colon-
cordings per una musica della na sonora da mondo horror;
memoria oscillante, tra Care- Yamazaki brutalizza un Korg
taker e Nurse With Wound. MS-20 e porta la sua voce a li-
70/100 velli di distorsione parossistica.
75/100
MERZBOW
MATS GUSTAFSSON
BALÁS PÁNDI MARTIN TAXT
CUTS OPEN FIRST ROOM
RARENOISE SOFA
Giunti alla Pensato come
quarta colla- prima parte
borazione, il di una serie di
noise demon futuri lavori
sulle possibili
Masami Akita,
relazioni tra
il sassofonista
Mats Gustafsson e il batterista architettura e musica, First
Balás Pándi hanno dato vita Room (dedicata alle sale da
al più maturo dei loro lavori, tè giapponesi) vede la colla-
per lo più improntati a un borazione tra Martin Taxt,
serrato confronto rumoroso. suonatore di tuba microtona-
C’è il flauto (o shakuachi) di le, e della contrabbassista e
Gustafsson e il delicato (per violista Inga Margrethe Aas.
una volta) lavoro percussivo di Combinato disposto di live e
Pándi. Lo stesso Merzbow con- suoni registrati, First Room è
tiene la sua forza dirompente una quieta meditazione che si
al servizio dell’ensemble. regge su fragilissimi bordoni.
65/100 60/100
RUMOREMAG.COM | 71
BRAZIL

BRAZIL
THE MAGIC GANG MAGIK MARKERS
DEATH OF THE PARTY 2020
WARNER DRAG CITY
JOANA QUEIROZ
TEMPO SEM TEMPO Ci aveva visto lungo Felix White Dovremmo sempre ricordarci
YB MUSIC (ex The Maccabees) con la sua che, ben prima del Covid, le can-
Yala Records quando nel 2018 tine erano già rifugio sicuro dal
Speriamo che quando leggerete questa rubrica la si-
ha prodotto il loro primo album. mondo là fuori. Dove con chitar-
tuazione della pandemia in Brasile non sia più così
drammatica come nel momento in cui scriviamo. Ora la band, passata alla ben ra, basso, batteria e benedette
Impossibile non pensarci ascoltando lo splendido più blasonata Warner, timbra il dosi di follia, nascevano universi
quarto album della clarinettista di Rio. Concepito secondo album senza perdere un alternativi. Elisa Ambrogio e
in solitudine in una casa vicino al fiume Paraná, grammo della freschezza dell’e- Pete Nolan si sono chiusi nel
esplora le possibilità create dalla loop station, muovendosi tra jazz, sordio, ma aggiungendo consa- loro sotterraneo dal 2001,
musica contemporanea, elettronica e nova MPB. Tra sonorità e ri- pevolezza delle proprie qualità. immersi in un magma caotico,
ferimenti naturali (acqua, mare, vento, flora e fauna), anche i brani Si staccano un po’ dai loro rife- dall’ansia decostruzionista.
cantati (quattro su otto) si adattano al clima circolare e ciclico rimenti (Weezer su tutti), per Neanche l’abbandono di Leah
del lavoro. Lo fanno anche le originali (e bellissime) cover di Seu costruire un suono un po’ più Quimby li ha fermati. Riemergo-
Olhar di Gilberto Gil e Jóia di Caetano Veloso, le cui percussioni personale e spingere l’accele- no ora, con John Shaw al basso,
sono di Domenico Lancellotti. Eccezione: l’angolosa Cidade. ratore su una costruzione pop dopo sette anni dall’ultima
90/100 raffinata, mai banale, ma sempre missiva. L’alienante (e profeti-
con le melodie giuste al posto ca) Hymn For 2020, scritta nel
giusto. Senza cercare di com- 2016, è manifesto d’intenzioni.
A CURA DI PAOLO BOGO plicarsi la vita per dimostrare I magnifici otto minuti di Surf’s
qualcosa, cosa che fa la maggior Up un impossibile incontro
PESSOAS QUE parte delle band con il secondo fra le brume dei Young Marble
ARTHUR MELO EU CONHEÇO album. Basterebbe ascoltare il Giants e Robert Smith che con-
ADEUS IDEOLOGIA CHINESA ritornello di Just A Minute per fessa un improvviso amore per
SENTINELA DISCOS 40% FODA/MANEIRÍSSIMO capire che i Magic Gang hanno la Flying Nun. Tutt’intorno, una
Omonimo del Fa impressione un tocco magico che pochi altri messa pagana fuori fuoco.
neo giocatore leggere nella possono vantare. MAURO FENOGLIO
della Juventus, presentazione LUCA DOLDI 77/100
il cantautore che “tutto qui è 74/100
22enne del discotecabile”
Minas Gerais con club e bo-
giunge al terzo album. Com- ates chiusi in tutto il Brasile.
posto e registrato in solitudine Ma il progetto del noto produ-
tra gennaio e marzo (prima del cer Luca de Paiva, cofondatore
Covid quindi), omaggia Caeta- dell’etichetta carioca 40%
no Veloso, Tom Zé e soprattut- Foda-Maneiríssimo, ci conqui-
to l’amato Devendra Banhart. sta con un album dove deep
Intimi, irregolari, malinconici house, downtempo e garage si
e notturni, i 14 pezzi alternano mescolano allegramente con MARILYN MANSON KEVIN RICHARD MARTIN
samba, bossa nova, folk e psi- accattivante raffinatezza. In WE ARE CHAOS FREQUENCIES FOR LEAVING
chedelia. Da vedere il video- House Aprovado Pelo Gover- LOMA VISTA/CAROLINE EARTH VOL.1, 2 AND 3
clip di 2012, o Ano Bege. no fa capolino James Brown. INTERCRANIAL

85/100 80/100 Quando Marilyn Manson era la

principale minaccia al mondo è L’uomo dietro a una delle più
stato accusato di essere insince- avvincenti evoluzioni del dub
ro, profittatore, furbo, arrivista, di marca britannica, attraverso
FABIANO DO plagiaro, burattino, posticcio, la sua incarnazione The Bug e
NASCIMENTO JUP DO BAIRRO la sua regia per il King Midas
PRELÚDIO CORPO SEM JUÍZO
sensazionalista, tamarro, de-
NOW-AGAIN TRATORE rivativo, caciarone, trash, già Sound, s’avventura in solitudine
visto, già sentito, volgare, blan- in intriganti territori ambientali.
È pure lui di Rapper, at- L’occasione è il lockdown e il
do, finto, idiota, porco, vuoto,
Rio ma vive a trice, artista suo trasferimento da Londra
dozzinale, sempliciotto, sgrade-
L.A. Nel terzo militante “nera, a Berlino. Dopo il bellissimo
vole, buzzurro, Satana, troppo
album solista la grassa e peri-
macho, troppo androgino, un Sirens dello scorso anno, la
sua fantastica ferica”, Jup Do
pagliaccio, un ladro. A 26 anni trilogia si spinge ancora oltre. Il
chitarra acusti- Bairro, trans di
da Portrait Of An American Fa- primo volume composto da tre
ca dialoga con le percussioni Saõ Paulo, presenta un EP di
mily abbiamo capito perlomeno lunghi movimenti, in cui la teo-
di Ricardo Pasillas, creando grande potenza: protagonista
che se anche Marilyn Manson ria dei bassi svuotata del ritmo,
paesaggi sonori quasi solo assoluto il suo corpo “non con-
strumentali di rara bellezza. forme”. La produzione, molto non fosse la musica che suona avvolge l’ombra di una colonna
Echeggia il passato (Baden abrasiva, è di Badsista. Ob- al 100%, è quantomeno riuscito sonora per un film inedito di
Powell, Hermeto Pascoal, Tom bligatoria anche la visione dei a tenere in piedi un personaggio Tarkovskij. Il secondo è un’au-
Jobim) ma riuscendo a esplo- video visionari dei pezzi Pelo pazzesco per un quarto di seco- stera creatura aliena, avvinghia-
rare nuovi territori tra jazz, Amor De Deixe (con Deixe lo, che a differenza di tanti altri ta alle volute di una scala She-
samba, choro e bossa nova. Tigrona, star del funk carioca) nemici pubblici non ha fatto pard. Il commovente terzo rivela
Producono Luther Russell e il e All You Need Is Love (con una fine barbina, e che un suo correnti melodiche sotterranee,
Mario C. dei Beastie Boys. Linn da Quebrada). nuovo disco è ancora in grado scaldate dal conforto di orga-
di metterti a disagio in più di un ni da chiesa. La chiosa di For
82/100 80/100
momento. Onore al merito. Those I Left Behind il requiem
FRANCESCO FARABEGOLI definitivo. Impressionante.
79/100 MAURO FENOGLIO
72 | RUMOREMAG.COM 78/100
RECENSIONI GLI ALBUM OTTOBRE 2020
METALLICA
S&M2
UNIVERSAL
Non ho mai compreso la smania
di certe frange metal di cerca-
re una sorta di legittimazione
avvicinandosi al mondo della
musica classica e orchestrale:
come le persone che vogliono
a tutti i costi mettere il titolo
“Dottore” davanti al nome, per
sentirsi stimati membri della
società. Detto ciò, il nuovo live
dei Metallica con l’orchestra
San Francisco Symphony (tenu-
to il 6 e 8 settembre 2019) ha un
certo appeal: i pezzi riarrangiati
in questa chiave funzionano
senza grossi problemi e a tratti
sorprendono – soprattutto gli
strumentali lunghi e articolati.
Restano però un paio di ostacoli
da superare: la lunghezza (oltre
due ore e 30 minuti) e il fatto
che alcuni brani sono troppo ra-
dicati, nel nostro immaginario,
nella loro forma originale, e in
questa veste fanno un “effetto
muzak” straniante.
ANDREA VALENTINI
71/100
THE MOUNTAIN GOATS
GETTING INTO KNIVES
MERGE
Sono trascorsi solo sei mesi da
Songs For Pierre Chuvin e i
Mountain Goats di John Dar-
nielle sono già pronti con un
nuovo disco (il 19esimo della
loro carriera quasi trentennale),
registrato in una settimana al
Sam Phillips Recording Studio
di Memphis nella sala in cui
Elvis organizzava i suoi concerti.
E se la domanda è quanto la
vicinanza al Delta del Blues può
aver influenzato un album “co-
struito di getto e con rinnovato
spirito cameratesco”, la risposta
di Darnielle è: “moltissimo” - a
partire dal bell’organo Ham-
mond suonato dal superveterano
Charles Hodges. Folk blues
tradizionale e placido, dunque,
con quel vago retrogusto lo-fi
che è la cifra tipica del gruppo.
Darnielle canta con voce soave di
lupi che sognano bagni di sangue
e di piccole onde che ti uccidono
poco a poco. Dopotutto, dice lui,
“ci sono molti modi in cui puoi
trovare te stesso sott’acqua”.
CLAUDIA BONADONNA
67/100
MOTHER’S CAKE
CYBERFUNK!
MEMBRAN
Sulla scena da una dozzina
d’anni, i Mother’s Cake giun-
gono al loro quinto lavoro sulla
lunga distanza, che contiene
12 tracce (più una intro di 20
secondi) di solido stoner rock
imbevuto di psichedelia, proto
metal sabbathiano, heavy folk e
blues desertico. E sapete cosa?
Nel mischione ci mettiamo
anche un po’ di funk acido e di
space rock. Certo pensare che
questo trio è austriaco (tirolese
di Gnadenwald, a pochi km da
Innsbruck) fa un certo effetto,
perché le sonorità proposte non
evocano di sicuro montagne
stile Heidi, cime innevate e
verdi pascoli con stelle alpine.
Eppure il tutto è valido. Nulla di
rivoluzionario, ma chi ama certi
suoni e mood vintage al sapore
di LSD e psilocibina troverà una
valida colonna sonora in questo
disco (inciso in un’unica session
ininterrotta di 72 ore).
ANDREA VALENTINI
72/100
MOVEMENTS
NO GOOD LEFT TO GIVE
FEARLESS
Il secondo album dei Move-
ments certifica una crescita
importante della band califor-
niana e un cambio di direzione
non rivoluzionario ma molto
significativo. Lo si nota subito
nei suoni, più puliti, con alcuni
elementi inediti (Skin To Skin),
e nella produzione molto più
curata. Ma lo si nota anche
nei pezzi, dove l’elemento emo
ora è predominante rispetto
all’hardcore e la voce melodica
di Patrick Miranda diventa
ancora di più una colonna
portante della loro musica, a
discapito di spoken word e
scream. Il risultato è un disco
solido, convincente, dove però
mancano due cose: un pezzo
che faccia davvero la differenza
e un elemento che li caratterizzi
maggiormente nel mare dell’e-
mocore. Nonostante ciò, hanno
la carte in regola per diventare
una band importante, dentro e
fuori i confini del genere.
LUCA DOLDI
68/100
METAL
METAL
CARCASS
DESPICABLE
NUCLEAR BLAST
Il “gran ritorno” dei Carcass, silenti discografica-
mente dal 2014 – quando uscì l’EP Surgical Remis-
sion/Surplus Steel. Per l’occasione i violentissimi
quattro di Liverpool si riaffacciano sulla scena con
un altro EP contenente un bouquet di quattro brani
nuovi di pacca che costituiscono un antipasto de-
cisamente strong in preparazione dell’album Torn Arteries (pre-
visto per l’agosto 2020, ma rimandato al prossimo anno a causa
della pandemia da Covid-19). I Carcass sono un piatto per palati
forti, amanti delle sensazioni estreme – e lo ribadiscono nelle
nuove composizioni. Buon materiale in pieno stile death metal con
inserti melodici, ma non mancano momenti di shredding e tocchi
di twin guitars “alla vecchia” (come nei sei minuti di The Living
Dead At The Manchester Morgue, in notevole pezzo d’apertura).
77/100
A CURA DI ANDREA VALENTINI
BELPHEGOR
NECRODAEMON HEATHEN
TERRORSATHAN EMPIRE OF THE BLIND
NUCLEAR BLAST NUCLEAR BLAST
Ristampone Quattro album
commemora- in 36 anni non
tivo per i 20 sono certo una
anni del terzo valanga di usci-
lavoro firmato te, anche tenen-
dalla band di do conto di una
blackened death metal con pausa/limbo di otto anni fra il
quartier generale nella ba- 1993 e il 2001. A ogni modo,
rocca Salisburgo (Austria). il nuovo lavoro di questi ca-
Tutto resta come era: cattivo, liforniani è un buon ritorno
nero, ignorante, esagerato, alle origini di Breaking The
grufolante, feroce. E, nono- Silence (1987), con un sound
stante i quattro lustri, il tutto che meticcia Bay Area spe-
regge ancora bene. Menzione ed’n’thrash con la NWOBHM.
per l’opener Necrodeamon Onesti, ma non fulminanti…
Terrorsathan, riregistrata per proprio come sono sempre
l’occasione (ma forse non ce stati (anche nella golden age).
n’era bisogno). 69/100
70/100
HENRIK PALM KATAKLYSM
POVERTY METAL UNCONQUERED
SVART NUCLEAR BLAST
Lo svedese Bordate di
Henrik Palm violenza cieca
che ottundono i
a 33 anni ha
sensi. Questo è
un curriculum
da veterano il core business,
(Ghost, In Soli- per dirla “alla
tude, Pig Eyes, Gösta Berlings manager”, dei canadesi Ka-
Saga, Isotope Soap, Södra taklysm, giunti al loro album
Sverige…). Questo nuovo numero 14 dopo 29 anni di
album – dal titolo intrigan- militanza death metal. Fortu-
te – è curioso davvero: qui il natamente qualche concessio-
metal è una sorta di fil rouge ne più melodica fa capolino
in un caleidoscopio d’influen- in questo campo di battaglia
ze che vanno dal pop raffinato truce, altrimenti si rischiereb-
al punk sanguigno, dall’hard be lo stordimento per shock
rock al doom, dal post punk uditivo. Sopra le righe… ma
al prog e all’alt rock. Confusi? impazzire, ogni tanto, fa bene.
Giusto così. Certo è che spiaz- 73/100
zare come fa lui è difficile:
bravo davvero.
75/100
RUMOREMAG.COM | 73
 RÓISÍN MURPHY
RÓISÍN MURPHY
SKINT/BMG
47 anni, una decina di dischi
all’attivo, una visione molto
libera e avantgarde della
moda iconizzata tanto nelle
scatenate esibizioni live quan-
to nelle seguitissime dirette
Instagram. Eppure, a ben sen-
tire, Róisín Murphy è rimasta
la ragazza giocosamente scar-
migliata immortalata da Elai-
ne Constantine nella celebre
copertina di Statues, l’ultimo
THURSTON
album dei Moloko. Something
More, il singolo che apre il
nuovo album sembra ripartire
MOORE
proprio da questo sentimento
di rivalsa e di… hangover.Si
balla molto fra queste tracce
eleganti e sornione. Ritmi per-
fetti che riecheggiano la disco
anni 70 ma sanno anche pren-
dersi in giro facendo il verso ai
BY THE FIRE Daft Punk.
DAYDREAM LIBRARY SERIES CLAUDIA BONADONNA
69/100
Un esercizio di stile può
essere sterile soltanto se lo
stile non è nobile. Vogliamo
definire l’importanza
dello stile alla chitarra
di Thurston Moore? Che
cosa ha rappresentato per
noi e il Rock tutto? Già, il
rock. Perché questo è, dopo
le porte sfondate, i sibili
assassini, il caos concreto,
gli amplificatori in fumo. NO AGE
Rock, oggi. E la strada era GOONS BE GONE
DRAG CITY
già ben chiara negli ultimi
e sottostimati dischi dei Uno dei difetti dei No Age,
Sonic Youth: quelle chitarre, distese in ballate e diluite fuori
probabilmente l’unico difetto a
dal caos, non erano altro che il filo riannodato di Velvet e
parere di chi scrive, è la mono
Grateful Dead, il grande e speculare chitarrismo americano.
tonicità. Nel senso che il loro
By The Fire riparte da laggiù, dalla fine dell’eterna giovinezza
suono, già di per sé limitato
sonica, inserendo (con parsimonia, grazie) pericolosità
quanto a sbocchi di fantasia
avanguardista, furore krauto e dolcezza acustica. L’attacco
(in Teen Age Riot we trust) programmatico di Hashish, transitando esclusivamente
irrobustito dalla successiva Cantaloupe, power psichedelico da una chitarra e una batteria,
quasi Hawkwind, lascia spazio alla bellezza pura di Breath, lo diviene ancor di più nel
dieci minuti in cui le impennate elettriche sono anticipate da momento in cui i due strumenti
accordi melodici (i primi due minuti!) e intervallati da passaggi sono tarati esclusivamente su
indie, battuta in eleganza soltanto dalla simmetria melodica due uniche lunghezze d’onda:
di Siren, dodici minuti di memento cristallino su quanto quella del divertissement pseu-
magnifici fossero i Sonic Youth. Effetto nostalgia? Affatto, dosperimentale (A Sigh Clicks
perché se Thurston Moore è il più fedele depositario di quella e Toes In The Water a questo
“invenzione sonora”, qui c’è anche molto del suo percorso giro) e quella della sgroppata
solista. Ci si immerga in Dreamers Work, intimismo elettrico indie punk à la Dinosaur Jr.,
erede di Demolished Thoughts, o in Locomotives, sedici minuti episodi fortunatamente molto
(sforbiciabili, in verità) di percussioni e schizofrenia elettrica. più frequenti questi ultimi, che
Ciò che conoscevamo, ma leggermente oltre. Per l’indicazione trascinano spirito e umore oltre
novità, valga l’imperioso finale, con il tornado all’orizzonte ogni ostacolo, travolgendo tutto
dell’ambient minacciosa (14 minuti) di Venus, nube elettrica di e tutti. Esempi in questo senso
rara potenza. Verrebbe da dire ben tornato, ma Thurston Sonic ce ne sono tanti, basti puntare
Moore non è mai andato via da qui. la coppia di canzoni in apertura
MAURIZIO BLATTO di disco o il tris che lo chiude
80/100 con il botto.
ARTURO COMPAGNONI
74/100
74 | RUMOREMAG.COM
NAS
KING’S DISEASE
MASS APPEAL
Dopo il fiasco di Nasir (prodot-
to da Kanye West), lo storico
rapper di NYC prova l’ennesimo
rilancio. Chiama Hit-Boy (Sick
Mode di Travis Scott e Niggas
In Paris di Jay Z e Kanye a cer-
tificare) a fornire beat e fresche
punteggiature. A completare il
restyling: Anderson.Paak, Big
Sean, l’autotune di Don Tolliver
nella sciapa Replace Me e di Lil
Durk in Til The War Is Won (con
27 Summers, pezzo più riuscito
della collezione). A corredo,
tanta nostalgia (che culmina
nella riunione dei compagni di
The Firm, con Dr. Dre incluso,
per Full Circle), un superficiale
tentativo di redimersi col Mee
Too (visto il suo burrascoso
passato con Kelis), per poi con-
cedere comunque strali a una
giornalista di colore. I malanni
del re, mai curati dai tempi di
Illmatic. Era il 1994 e oggi il
mondo è un’altra cosa.
MAURO FENOGLIO
50/100
NO HOME
FUCKING HELL
AUTOPRODUZIONE
Charlie Valentine, da Londra,
è il nome dell’artista che opera
come No Home, e che dopo una
serie di interessanti EP arriva al
debutto sulla lunga distanza con
un album dal titolo forte quanto
il contenuto. Rigettando gli
stereotipi, tanto di genere – usa
il pronome “they”, proprio come
ha scelto di fare di recente Kae
Tempest, alla cui poetica peraltro
si può per alcuni versi assimila-
re – quanto musicali, Fucking
Hell è una bruciante (come da
copertina) accusa a una società
che disorienta e deumanizza,
soprattutto le nuove generazioni,
lanciata con una schizofreni-
ca, disorientante (appunto)
sequela di brani destrutturati,
genderless, punk nel senso più
primordiale del termine, noisy
black, stream of consciousness
industrial che contengono
manifesti artistici millennial:
“Therapy is too expensive, so I’ll
have to sing along”.
LETIZIA BOGNANNI
78/100
RECENSIONI GLI ALBUM OTTOBRE 2020
THE OBSESSED
LIE AT BIG DIPPER
BLUES FUNERAL
Quello al Big Dipper club del
Maryland è stato forse l’ultimo
concerto della prima formazione
degli Obsessed. Nemmeno Wino
se lo ricorda bene. C’erano lui,
Dave Floor alla batteria e Mark
Aue al basso. L’anno era il 1983,
gli Obsessed si erano formati a
Washington DC tre anni prima.
Ian Mc Kaye era un loro fan, così
come Henry Rollins e Pepper
Keenan. E non dimentichiamo
Phil Anselmo e Dave Grohl. Gli
Obsessed dividevano palchi con
Dead Boys, Blue Cheer, Scream,
Iron Cross. Una registrazione,
questa del Big Dipper, sporca,
cruda, che diffonde uno stile
ibrido tra punk e metal che in
quegli anni avrebbe avvicinato
molta gente dell’una e dell’altra
parte. Wino con quella sua voce
roca, lamentosa, impregnata di
soul, e il sound della band così
aspro e doom/rock, avrebbero
fatto scuola.
CLAUDIO SORGE
80/100
GRANT-LEE PHILLIPS
LIGHTNING, SHOW US
YOUR STUFF
YEP ROC
Per il nuovo album Grant-Lee
Phillips raccoglie alcune delle
sue ballate più intime, per dar
vita a un lavoro che lo vede
andare alla radice della sua ispi-
razione blues. In questo modo
tira fuori alcuni standard folk
rock che sarebbero potuti appar-
tenere a qualsiasi delle epoche
che ci separano dagli anni 60.
A fare la differenza sono la sua
naturale predisposizione alla
melodia drammatica e il gusto
per le dissertazioni personali
che in questo caso lo vedono
ribadire il proprio senso di insi-
curezza (Lowest Low) e contare
le cicatrici lasciate dalle vicende
più disperate (Coming To). Lo
fa sempre con un tocco gentile
che finisce per addolcire anche
la riflessione più amara e che fa
della sua musica un’ancora di
salvezza per chi ama scorrazzare
fra gli anfratti più oscuri dell’a-
nimo umano.
DIEGO BALLANI
79/100
OXP
SWING CONVENTION
NBN
Il francese Onra e il belga
Pomrad, grazie al contributo di
vari cantanti, hanno prodotto
questo omaggio all’hip hop e
all’R&B anni 90 (sia East che
West Coast) rivisitandolo con
suoni contemporanei. Tra gli
ospiti più noti ci sono Grand
Puba e Pudgee The Phat Bastard,
poi alcuni nomi emergenti e altri
più underground. Nel 2018 Onra
aveva coinvolto proprio Pomrad
in un brano del suo Nobody Has
To Know, disco con ispirazioni
sonore simili ma meno parti
vocali. Con questo Swing Con-
vention, i due rimandano un po’
ai dancefloor dei club urban di
circa 25 anni fa – con l’imman-
cabile deviazione verso sapori
giamaicani - un po’ a certe ballate
statunitensi della stessa epoca
che spopolavano su MTV. Ormai
inizia a essere davvero lungo il
revival anni 90 ma questo disco è
comunque piacevole.
LUCA GRICINELLA
70/100
THE PRETTY THINGS
BARE AS BONE, BRIGHT AS BLOOD
MADFISH MUSIC
Il blues della storica band in-
glese non era stato mai così ru-
vido e autentico. La dimensione
acustica, del tutto insolita per
Phil May e Dick Taylor, spoglia
i brani mettendone a nudo
l’anima travagliata, solcata da
cicatrici eppure ancora vigorosa
e viva. In questo 16esimo lavoro
in studio, la voce di May vibra
e graffia con audacia e stile,
accompagnata quasi esclusi-
vamente dall’ebbro canto delle
chitarre acustiche, riportando
indietro nel tempo fino al blues
delle origini, dove la storia
è stata scritta. Completato a
pochi giorni dalla scomparsa
di May per le complicazioni di
un’operazione all’anca in se-
guito a un incidente, questo LP
probabilmente era già destinato
a diventare il testamento sono-
ro e morale dei due rocker che
avevano dato il loro addio alle
scene dopo l’ultimo concerto,
nel 2018.
DORIANA TOZZI
78/100
CONFINI
CONFINI
SENYAWA & STEPHEN O’MALLEY
BIMA SAKTI
IDEAL
Bima è il nome di un potente dio indù dalla pelle
nera, Sakti significa in giavanese “oltre il potente”.
Bima Sakti è il risultato dell’incontro tra la sacrali-
tà dell’avanguardia indonesiana di Wukir Suryadi
(qui nel duo Senyawa) e la potenza del doom metal
di Stephen O’Malley dei Sunn O))), che nel 2017
si recò in viaggio in Indonesia con la coreografa Gisèle Vienne.
I grevi riff di chitarra elettrica e di basso delle sei tracce, semi
improvvisate e registrate durante un concerto al Kaaitheatre di
Bruxelles nel gennaio 2018, vengono letteralmente dilaniati dalla
voce subumana e demoniaca di Suryadi, resa surreale dal bam-
buwukir e da altri strumenti di sua ideazione. Un lavoro, estremo,
che richiama alla memoria le atmosfere evocative e ultraterrene
di alcuni album di Keiji Haino e dei Nazoranai.
78/100
A CURA DI ANTONIO BRIOZZO
MACHINEFABRIEK
& BERLINDE DEMAN KASSEL JAEGER
LUCHTWEZEN SWAMPS/THINGS
SØVN SHELTER PRESS
La musica di Kassel Jaeger
Rutger Zuy- (François J.
dervelt (qui Bonnet) è il
Machinefabriek direttore del
con Berlinde GRM, luogo
Deman) è ricca di culto della
di contaminazioni. Luchtwezen sperimentazione sonora. La
è una sorta di ipnotico viaggio capacità narrativa della musica
tra elettronica minimalista, concreta lo porta a comporre
ambient e sperimentazione. Swamps/Things, un’opera di
Le note d’organo di Zuydervelt oscura elettronica incentrata
si sovrappongono alla voce di sul senso di isolamento e di av-
Deman e alle scale cromatiche ventura provato da bambino,
a tratti orientaleggianti del quando si recava in una palu-
serpente, strumento a fiato da de. Drones cavernosi sembra-
lui suonato, donando all’album no inghiottiti dai fanghi della
sembianze quasi cerimoniali. campagna da lui tanto amata.
73/100 76/100
THE TRANSCENDENCE
IN CAMERA ORCHESTRA
LOST IN SPICE FEELING THE SPIRIT
LA SCIE DORÉE EDITIONS MEGO
Lost In Spice è A due anni
il nuovo album dall’album di
di In Camera, esordio, An-
sodalizio tra il thony Child e
tedesco Chri- Daniel Bean
stoph Heemann proseguono la
e il belga Timo van Luijk. Lo personale ricerca su speri-
schema riproposto è quello mentazione e minimalismo. Il
della libera composizione, tra rischio principale di Feeling
improvvisazione, elettronica The Spirit è quello di essere
e musica elettroacustica, con sottovalutato ed etichettato
inaspettati e improvvisi ac- superficialmente come enne-
cenni alla kosmische musik. Si simo lavoro di elettronica e
percepiscono stratificazioni di ambient. Emergono, invece, le
organo e tastiere, rielaborate, influenze di La Monte Young,
a costituire minacciosi drones Stockhausen e, inaspettata-
e sinistre atmosfere. mente, del krautrock di fine
68/100 anni 70. Colto e raffinato.
70/100
RUMOREMAG.COM | 75
 RAVI SHAVI
SPECIAL HAZARDS
ALMOST READY
È la quarta volta che scrivo dei
ragazzi di Providence ma prova-
te a digitare sulle pagine italiane
di google il nome del gruppo,
seguito da uno dei loro album, e
troverete il deserto. Ci riprovo,
ché la prolifica band del front-
man di origini pakistane Rafay
Rashid continua a shakerare
un’eccellente miscela di garage
pop e indie rock. Qui la malinco-
nia sottotraccia supera in curva
ADRIANNE
lo slackerismo e gli ardori punk
del passato, oggi diluiti in favo-
re di vampate da Libertines in
LENKER
palla (Company), modernariato
doo-wop (Absent Minded Fool,
Is It True), vaporose ballate elet-
triche spacca cuore (Violence,
Magdalena) e avant wave ul-
tramelodica (Masquerader, Ca-
sino). Al di là dei generi, i Ravi
SONGS/INSTRUMENTALS Shavi sanno scrivere canzoni
4AD con ritornelli appiccicosissimi e
un frontman come Rafay fa una
gran differenza.
Per Adrianne Lenker il MANUEL GRAZIANI
metodo è integrale alla 80/100
sostanza della creazione,
anche quando diventa
necessità. Cancellato il tour
primaverile dei Big Thief per
la pandemia, si perde fra i
boschi del Massachusetts.
Trovando rifugio in una baita
che “sembra l’interno di una
chitarra acustica”. Chiamato
l’amico Phil Weinrobe a SATANIC TOGAS
condividere registrazioni, X-RAY VISION
GOODBYE BOOZY
bagni nel ruscello vicino e
cene improvvisate, raccatta Se il punk rock oggi ha ancora
un otto piste Otari per le sovraincisioni e il metodo è deciso. Un
una ragione d’essere è perché
doppio album, tutto in analogico dal ventre della casa/chitarra,
esistono gruppi come i Satanic
con la natura che diventa strumento e cura. Le 11 composizioni
Togas, che resettano non tanto
vocali appartengono allo stesso mondo di tenebra di Abysskiss.
la storia quanto i suoi strascichi
Nomi, luoghi e convenzioni svaniscono in un universo di
(citazionismo, conservazione,
fragili metafore. La chitarra ricerca una lingua ancestrale
nella natura intorno a sé. Fatta di legno, umidità, silenzi, eccetera). Con gruppi così non si
imbrunire e risvegli. Trasformando il presente sospeso in un corrono questi rischi. Per loro il
tuffo nell’ignoto. L’amato Elliott Smith e la maestra d’intensità punk è un linguaggio possibile,
Joni Mitchell non sono stati mai stati così vicini. Nelle al momento il più efficace. La
accordature aperte che diventano coralità intima sulla tensione tradizione per i Satanic Togas
degli arpeggi, sul ritmo degli strimpellii. Il rumore della conta fino a che non si oppone
pioggia sul legno, che avvolge la magnifica Come, crepuscolo all’istinto. Suonano punk com-
umano che affonda calmo nel terreno. Il calore dei Kings Of presso a bassa fedeltà (anche
Convenience nella circolarità di Ingydar. Il codice di una nella copertina, solito artwork
rinascita nelle parole di Zombie Girl, fra il canto degli uccelli: Goodbye Boozy fatto con forbici
“Oh vuoto / dimmi della tua natura / forse non ti ho capito”. e colla in dieci minuti) forte di
Music For Indigo (primo strumentale), nasce da quotidiane una tastierina Devo disso-
improvvisazioni. L’innocenza pura del fingerpicking astratto nante, con tanta convinzione
di Jim O’Rourke, dove ragione e istinto diventano mistero. Alla e freschezza da spazzare via
fine, rimangono solo il rumore di campane a vento e di passi nel ogni dogma. Pezzi come Chain
bosco in Mostly Chimes. La natura/madre ha vinto. Per uno dei Reaction e Itchin’ ci fanno capire
dischi medicina di questo disgraziato 2020. perché certe cose non sono “il
MAURO FENOGLIO passato”. Sono in tre, australiani
87-82/100 di Sydney, e il loro X-Ray Vision
è davvero un bel disco.
LUCA FRAZZI
75/100
76 | RUMOREMAG.COM
ROME
THE LONE FURROW
TRISOL
È indubbio, Jerome Reuter coi
suoi Rome incarna una sorta di
maturità estetica e cinematica
dell’originario neofolk. Ne ha
saputo smussare i codici radica-
li, connettendoli a una sensibi-
lità pop e autoriale in grado di
preservarne le peculiarità epico
narrative e neo sinfoniche (con-
siderate Palmyra). The Lone
Furrow sancisce un intelligente
riassestamento corale delle
folgori antimoderne; ecco allora
che Tyriat Sig Tyrias prosegue
nel solco di Sol Invictus e Death
In June, Achtung, Baby! e The
Twain rileggono i primi Ostara,
mentre l’ottima The Angry Cup
riadatta Morricone seguendo il
piglio caveiano (quello alla Jack
The Ripper). Tra gli ospiti si se-
gnalano Nergal dei Behemoth,
Averill dei Primordial e Le Pru-
nenec dei Rïcïnn.
STEFANO MORELLI
83/100
SCREECHING WEASEL
SOME FREAKS OF ATAVISM
MONONA
Ormai il conto degli album di
Ben Weasel e dei suoi Scree-
ching Weasel lo abbiamo perso,
ma poco importa. Gli standard
punk rock della band sono sem-
pre alti e anzi, in Some Freaks
Of Atavism, la cui cover è realiz-
zata dall’italiano Riccardo Buc-
chioni, funziona tutto meglio
del solito in un contemporaneo
2020. Non gli si può insegnare
nulla, al massimo sono loro
ad essere stati mentori di un
certo punk rock dal 1986 a oggi
con qualche stop di mezzo. Per
informazioni citofonare a Green
Day (Mike Dirnt suonò anche il
basso nel 1994) e ai Blink-182.
La tripletta God Help Us, To
Hell With You e Settle In è il
marchio di fabbrica. Fare le cose
semplici ma farle bene, intorno
ai due minuti o poco più, esclusa
la chiusura Bleed Through Me
che va addirittura oltre i 240
secondi. Sono storia.
NICHOLAS DAVID ALTEA
72/100
RECENSIONI GLI ALBUM OTTOBRE 2020
SERPENT OMEGA
II
ICONS CREATING EVIL ART
Sono passati sette anni
dall’esordio di questi adepti
svedesi del doom sludge:
un sacco di tempo. Ad ogni
modo, i fan non potranno dire
di avere atteso invano, visto
che l’album è un’onestissima
collezione di pezzi di genere –
con qualche piccolo tocco che
spazia dal d-beat al death alla
NWOBHM… e, su tutto, come a
dare il tocco finale c’è la voce di
Pia Stjärnvind, alias Urskogr:
abrasiva, urticante, disperata
e gutturale. In questo contesto
estremo, fatto di pesantezza
plumbea e atmosfere soffocanti,
trovano spazio anche schizzi di
melodia che movimentano un
panorama sonoro monolitico,
a rischio di schiacciare
l’ascoltatore che non sia “della
setta”. Se visioni apocalittiche,
cieli atri e scenari nero pece
sono il vostro pane, qui troverete
di che saziare ogni voglia.
ANDREA VALENTINI
69/100
SILK SAW
NOTHING IS FINISHED/
EVERYTHING STARTS
SUB ROSA
Fractured electronics, elementi
di sintesi granulare, un ambien-
te magmatico e oscuro estre-
mamente cangiante, cortine di
elettronica atonale solcate da
intersezioni di drum machine. È
un bombardamento sensoriale
che il duo belga Silk Saw (Marc
Medea e Gabriel Séverin) mette
in piedi per Nothing Is Fini-
shed/Everything Starts, primo
lavoro totalmente prodotto per
l’etichetta di casa Sub Rosa, da
35 anni covo di sedizione elet-
tronica. Sotto la cappa della loro
elettronica plumbea scorrono
influenze piuttosto nette: spe-
rimentazioni elettroacustiche,
suggestioni cosmiche, sci-fi. Una
versione meno addomesticata e
ritmicamente meno lineare della
darktronics degli Iszoloscope, i
Silk Saw da 15 anni sono passati
da un illbient distopico a forme
più ambiziose, che confinano
con l’elettronica colta.
ANDREA PREVIGNANO
70/100
SHADOW SHOW
SILHOUETTES
BURGER/STOLEN BODY
Già suonavano assieme come
Deadly Vipers, poi hanno perso
per strada un pezzo e si sono
ribattezzate Shadow Show. La
combinazione in chiave pop del
garage e della psichedelia dei
Sixties, unita alle armonizzazio-
ni vocali (Contessa), porta le tre
ragazze di Detroit a creare un in-
teressante spettacolo di ombre.
Ho letto che la loro musica “rap-
presenta l’amore di un tempo
perduto e la volontà di un tempo
non ancora scoperto” che è un
po’ una supercazzola, ma rende
l’idea. Possiamo girarci attorno,
illuderci, abbassare le serrande
per creare atmosfera mentre sci-
volano i cinque minuti e rotti di
The Machine. Ma questa musica
sospesa e fortemente nostal-
gica è buona per chi, a furia di
leggere “Shinding!”, ha ripreso
a coprirsi la fronte alta con in-
guardabili flat cap. Revival: e
come tale va preso.
MANUEL GRAZIANI
68/100
SONGHOY BLUES
OPTIMISME
TRANSGRESSIVE
La copertina, intanto: i quattro
poggiano i piedi su una terra
desertificata, riarsa, che indur-
rebbe al pessimismo. Invece no,
se l’hai scampata da rifugiato
tendi sempre a guardare in alto
come un foulard mosso dal
vento. Così dopo la musica in
esilio e la resistenza, titoli dei
precedenti album, ecco l’ottimi-
smo. Più rock’n’roll che blues:
si parte con quattro tracce drit-
te, tutte sotto i tre minuti, d’ur-
genza quasi desert punk. Il vero
snodo è Pour Toi, in cui l’Africa
si ripresenta in prima fila ma
con un break interno che vale
una dichiarazione d’intenti: mai
le strutture erano state così raf-
finate e al tempo stesso fisiche.
Con Worry, che potrebbe stare
in Combat Rock, con Dournia
e nel finale acustico di Kouma
piovono gioielli. Intanto in Mali
il 18 agosto c’è stato un golpe.
Optimisme, dai.
PAOLO FERRARI
82/100
INDUSTRIALE
INDUSTRIALE
THE ORACLE
HYPOGEUM
REPOSE
Il sentiero d’esordio trae direttamente spunto
dal retaggio preistorico del nome, ossia l’Ipogeo
di Safileni: cava situata a Paola, nella Repubblica
di Malta, e utilizzata come tempio nell’antichità.
Questo per sottolineare quanto il tema energetico
e vibrazionale, insito nel cardine semiotico del
terrain vague, sia presente negli Oracle come classica tradizione
postindustriale impone. Una materica ed eterica emanazione del
luogo e del tempo, capace di definire un equilibrio estetico costante
tra la matrice originaria del calco albionico, con ampi rimandi al
paganesimo ambientale dei Coil, quella algido/sepolcrale di scuola
scandinava (MZ.412 originari e Puissance, specie su Akeldama), e
il cinematico psichedelico dai ricavi neo kraut e cosmico futuristi
(sulla falsariga di Faust, Tangerine Dream e Type O Negative).
85/100
A CURA DI STEFANO MORELLI
AA.VV. DESIDERII MARGINIS
RELATIVES SCHOENSEIN DEPARTED
ADVENTUROUS MUSIC CYCLIC LAW
Un book che I toni perman-
celebra il gono funerei e
trionfo del ancestrali, in
simbolismo, quello che è da
direttamente considerarsi
dalla fucina il progetto più
teutonica dell’Ant-zen. Esem- autorevole dell’ambient indu-
pio perfetto dell’incontro tra striale sinfonico all’indomani
voce e immagine, colore e dei Raison D’ètre. Departed
graffio; tra gesto interiore ed affronta concettualmente il
esteriore. Esempio collettivo tema del distacco, senza risul-
no profit che raccoglie più di tare tedioso ma con stile e pro-
40 artisti cyber provenienti fondità, al punto che passaggi
da tutto il mondo, propensi come Eternity Shuddred At
a tradurre gli sguardi dada/ The Image Of Death evocano
concreti della street art con- nitidamente DCD e Elend.
temporanea. 80/100
86/100
LLYN Y CWN NORDRA
DINORWIC PYLON III
COLD SPRING SIGE
Dinorwic po- Genera una
trebbe quasi certa impres-
essere descritta sione notare
come un’idea, come Monika
uno spazio Khot abbia
incontaminato imparato a
di autunnale sentimento mi- manipolare apocalitticamente
stico. Il graffio di una natura l’ambient sintetico, l’IDM e il
ancora memore del suo pri- power noise, introducendoli
mato sull’uomo e di cui custo- in un’originalissima sede ci-
disce i segreti più intimi. La nematica e polifonica dove la
voce ricorre a uno dei più alti caratura muta intimamente
esempi di questa traduzione nel cyber industriale sinfo-
post industriale: le Aghast. nico. Si rincorrono le vesti
La metodica di raccolta è sì crepuscolari di Lustmord, In
concreta, ma cova nell’animo Slaughter Natives, Klinik, in
il mistero di nascita. una regia gotico vangelisiana
73/100 memore dei racconti dilatati
di Frichte e Sylvian.
87/100
RUMOREMAG.COM | 77
RECENSIONI GLI ALBUM OTTOBRE 2020Z
SPORTS TEAM
DEEP DOWN HAPPY
ISLAND
Frettolosamente gli Sports
Team verranno buttati nel
nuovo calderone post post punk
UK. Non è totalmente sbagliato
ma sono già molto più defilati di
tutta la truppa Idles, Fontaines
D.C. e altri. L’album è stato am-
piamente anticipato dai singoli
dove sono evidenti le influenze
dell’ormai inflazionato Mark E.
Smith, ma qui appare anche e
soprattutto altro: Going Soft che
guarda ai Libertines e Long Hot
Summer che riprende dal brit
rock 2005/2010 alcune peculi-
rità e Here It Comes Again più
contratta verso il revival post
punk. Si perde però la scrittura,
buttando spesso in caciara e
non osando quando dovrebbe-
ro. Proprio loro che sembrano
incontenibili e casinari poi si
rivelano un po’ pigri, o chissà.
Ti aspetti lo strappo, il gesto del
campione o della squadra ma
non arriva quasi mai.
NICHOLAS DAVID ALTEA
67/100
ANNA
VON HAUSSWOLFF
ALL THROUGH FLY
SOUTHERN LORD
Da un’immensa caverna in cui
c’è un antico organo a canne
pre bachiano, ci parla la dolce
svedese Anna Von Hausswolff.
Tutto il suo disco, All Through
Fly, è suonato solo con l’orga-
no a canne. Ed elaborazioni
elettroniche ad esso correlate.
E nient’altro. Il brano più
sperimentale e sinistramente
struggente, Sacro Bosco, si basa
su strati elettronici funzionali al
suono dell’organo ed è ispirato
a un’antica leggenda italica post
rinascimentale che vuole che
Sacro Bosco sia il giardino, fitto
di vegetazione e decorato da
grottesche statue, voluto dal si-
gnore Pier Francesco Orsini nel
1500 per onorare la morte della
moglie Giulia Farnese. Bella e
travolgente anche All Through
Fly, che rievoca antiche varia-
zioni di Terry Riley.
CLAUDIO SORGE
84/100
78 | RUMOREMAG.COM
SYLVAN ESSO
FREE LOVE
CAROLINE
Che n’è stato dell’indietronica?
Di quel ponte fra l’understate-
ment sentimentale della post
adolescenza indie e le possibilità
sintetiche delle consolle? L’im-
pressione (da un po’ di tempo) è
che lo slancio primigenio si sia
esaurito nel dolce crogiolarsi per
l’ennesimo elegante calembour,
piazzato sulla matematica dei
beat. L’assalto al futuro del pop
oramai delegato alla più corag-
giosa PC music. Il terzo album
di Amelia Meath (il rapimento
e il gioco) e Nick Samborn (il
rigore dei ritmi) non inverte
la tendenza. Nella quiete del
nuovo studio a Durham (North
Carolina), fra accenni al gancio
da estate tropicale alla Lean On
(Ferris Wheel) e la ripetizione a
memoria dell’abbecedario Postal
Service (Numb). L’eloquente
“cool” esclamato con soddisfa-
zione alla fine, chiarisce bene le
intenzioni.
MAURO FENOGLIO
59/100
WALDECK
GRAND CASINO HOTEL
DOPE NOIR
Un quarto di secolo dopo il fol-
gorante debutto con Northern
Lights l’ispirazione del composi-
tore e produttore austriaco con-
tinua a procedere secondo una
curva rivolta verso il basso. Non
è una caduta libera, la classe lo
esclude, ma alla resa dei conti
anche il Gran Paradiso di quat-
tro anni fa suonava più fresco e
vario. Legate tra loro dall’im-
maginario del viaggio e della
strada, le 12 tracce scorrono
con retrogusto cinematografico.
Patrizia Ferrara, con quattro
titoli, è la voce più gettonata,
che si spinga verso il boogie di
Run Run Run o si impugni il
banjo per Look At Me Joe. A Joy
Malcom tocca una Where Do
We Go From Here un po’ di ma-
niera, e va a finire che in sede di
bilancio i due pezzi più intensi
siano Lost In Nevada e Una
Promessa (Mescalino Dub): gli
unici strumentali del mazzo.
PAOLO FERRARI
55/100
COREY TAYLOR
CMFT
ROADRUNNER
Taylor non ha bisogno di pre-
sentazioni, in quanto frontman
di Slipknot e Stone Sour (oltre
che attore e scrittore). Nel suo
debutto da solista mette sul
piatto pezzi più recenti mesco-
lati a composizioni risalenti a
diversi anni fa. Quello che ci
troviamo in mano è una specie
di Zibaldone di suoni 100%
made in America, con ingre-
dienti che spaziano – di conti-
nuo – dall’hard rock al punk,
passando per il metal (diverse
sono le affinità coi Metallica di
Load e Reload) e il rock più tra-
dizionale. Tutto molto patinato
e professionale, spesso catchy,
con un feeling da stazione FM
su cui sintonizzarsi durante un
passaggio sulla Route 61. In-
somma: talento, mestiere, melo-
die, riffoni e tanto – ma tanto –
Sidol per lucidare bene il tutto,
a beneficio anche della tribù del
“ruock” (sì, proprio quella…).
ANDREA VALENTINI
70/100
WHITE DOG
WHITE DOG
RISE ABOVE
A volte la musica ha il suo signi-
ficato più autentico nella qualità
del suono. Per i texani di Austin
White Dog, ad esempio, è fon-
damentale suonare con chitarre
Fender e Les Paul, basso Gretsch
e un drumkit Ludwig anni 60.
E le canzoni che hanno voluto
registrare con questo equipment
le hanno incise nello studio ana-
logico di Gion Ortiz degli Ampli-
fied Heat, altra band texana che
vive e respira puro rock’n’roll,
così come i loro amici Crypt
Trip. C’è una grande varietà di
temi southern in questo debutto
dei White Dog. Sinuose guitar
harmonies che si intrecciano a
solidi riff heavy prog impregnati
di ficcanti profumi border. Una
citazione di Sultans Of Swing
dei Dire Straits, in Lanterns. E
poi le splendenti Snapdragons,
heavy south alla Crypt Trip con
un mix di Allman e Dead, e l’epi-
ca conclusiva Verus Cultus.
CLAUDIO SORGE
76/100
TRAVIS
10 SONGS
BMG
C’è stato un pre e un post Bri-
tpop, e gli scozzesi Travis si
sono formati nel 1995 quando
iniziava a scricchiolare qualcosa
del mondo Brit apparentemente
inaffondabile. Dopo di loro Col-
dplay e Keane ne hanno seguito
le tracce: i primi sono diventati
– che piacciano o meno gli ul-
timi dischi – popstar mondiali;
i secondi sono implosi su se
stessi per poi riformarsi. Fran
Healy (lui tifa Celtic Glasgow) e
i soci della band (tutti tifosi dei
Rangers Glasgow) possono dar
lezioni di brit pop a tutti. Non
hanno nulla da chiedere: la scrit-
tura sapiente rimane scolpita
nella roccia, l’incedere crescente
di Waving At The Window, la
perfetta collaborazione con Su-
sanna Hoffs delle Bangles (The
Only Thing), gli archi di Kissing
The Wind e le trame più spinte
di Valentine. Troppo spesso ci
dimentichiamo di loro.
NICHOLAS DAVID ALTEA
72/100
WIDOWSPEAK
PLUM
CAPTURED TRACKS
Al quinto disco in poco meno
di dieci anni di attività, dai
Widowspeak non era lecito
attendersi grandi cambiamenti
o flussi di energia tali da scom-
paginare non dico la gerarchia
degli ascolti mensili ma nem-
meno l’umore di una giornata.
Invece la coppia Thomas/
Hamilton sfodera la forma dei
giorni migliori, e anche qualcosa
di più, per mettere fuori quello
che a tutti gli effetti è il miglior
disco del loro lotto: la sempre
splendida voce di lei tira la vo-
lata ad una collezioni di canzoni
che rimandano ai giorni migliori
di Mazzy Star e Beach House,
pietre di paragone impegnative
ma niente affatto fuorvianti.
Un dream pop che non evapora
dietro tentazioni smodatamente
escapiste, abbinato alla rivisi-
tazione di certi suoni west coast
anni 60, a metà strada tra psi-
chedelia e pop.
ARTURO COMPAGNONI
79/100
WOODKID ADRIAN YOUNGE & ALI YUSUF/CAT STEVENS MALENA ZAVALA
S16 SHAHEED MUHAMMAD TEA FOR THE TILLERMAN² LA YARARÁ
ISLAND WITH MARCOS VALLE UNIVERSAL YUCATAN

JAZZ IS DEAD 003

Arduo compito quello di Wo-
odkid. Ripetersi dopo uno dei
debutti più sorprendenti del
decennio scorso (The Golden
Age) era impossibile, con S16
infatti ha cercato una nuova
chiave di lettura, più vicina alle
sue esperienze nella scrittura di
colonne sonore che al suo prece-
dente album. Non ci sono singoli
che colpiscono al primo ascolto
e le percussioni che hanno fatto
la sua fortuna sono ridotte al mi-
nimo. Ci sono comunque pezzi
notevoli, Reactor e Minus Sixty
One per esempio (in entrambi
è presente un coro di voci bian-
che) sono intensi e sontuosi, ma
è un lavoro che richiede pazienza
nell’ascolto e forse alla lunga
manca un cambio di passo. In
fin dei conti un buon disco, nel
quale forse l’artista ha preteso
troppo, cercando di avvicinarsi
alla classica contemporanea
senza però riuscirci a pieno.
LUCA DOLDI
65/100
JAZZ IS DEAD
E siamo a tre. La collana Jazz
Is Dead prosegue e il “dialogo”
intergenerazionale questa volta
è con Marcos Valle, classe 1943.
Bossa jazz, dunque, arricchita
dall’originale vocalese del bra-
siliano - percussivo o melodico
che sia - e da una certa grazia
che rende piuttosto accessibile
un disco che ben trasmette la
naturalezza delle sessions da cui
è nato. Younge (1978) e Muham-
mad (1970) incontrano un altro
dei loro padri artistici e, in un
colpo solo, presentano al loro
pubblico gli autori della musica
che li ha formati e appassionati
dimostrando come si possa
puntare con decisione sulla
qualità anche tenendo il ritmo
delle uscite prodotte dalle nuove
generazioni (comprese quelle
dedite ad altri generi).
LUCA GRICINELLA
75/100
A distanza di 50 anni dalla sua
uscita il capolavoro di Cat Ste-
vens è ancora attuale per le te-
matiche, e il suo intimo cantau-
torato dall’anima folk lo rende
un album immortale, non solo
per la presenza della celebre
Father And Son. Per onorarne
la ricorrenza l’artista inglese
ha reinciso tutti i brani, rinfre-
scando così alcuni dei suoi più
grandi successi grazie a un ap-
proccio completamente nuovo
(a guadagnarci in questo senso
è soprattutto Wild World, che
nella nuova veste si lascia ridi-
segnare sotto un profilo jazzato
diventando Wild World Rag) e
all’utilizzo di nuovi strumenti
anche quando gli arrangiamenti
sono più fedeli all’originale.
Rivisitata (sempre ad opera
dello stesso Yusuf) anche la
copertina, con la tecnologia che
subentra alla natura.
DORIANA TOZZI
77/100
È il momento giusto per Malena
Zavala, cantante e polistrumen-
tista argentina residente a Lon-
dra, che con il suo nuovo lavoro
può inserirsi in questa nuova
giovinezza del latin pop alterna-
tivo. Se nel suo precedente disco
Aliso (2018) le visioni pop latine
viravano verso la psichedelia
folk, ora si addentrano alle radi-
ci di cumbia, funk afro cubano
e folk argentino. L’inglese è
alternato questa volta allo spa-
gnolo: vi sono momenti tenui
che portano verso la reinterpre-
tazione del folk andino (What
If) o ritmiche afrobeat miscelate
al Sud America (En La Noche).
Lei suona quasi tutto: chitarra,
synth, basso, pianoforte e per-
fino un ronroco (strumento a
corda della Ande Boliviane) e il
guitalele (un ibrido tra chitarra
e ukuele). Talento cristallino
raro e incantevole estasi sonora.
NICHOLAS DAVID ALTEA
81/100

KEVIN MORBY SUNDOWNER

DEAD OCEANS

Nel calendario Neil Young della nostra vita, siamo in piena doom
trilogy. Superfluo spiegare perché. Ma dischi come Sundowner
riflettono come stavamo qualche mese fa, in che maniera ne
stiamo uscendo, cosa non ci soffieremo mai via di dosso. E la cosa
bizzarra è che forse lo fanno del tutto involontariamente, perché
questo non è un disco sul lockdown e in parte soltanto ne è stato
condizionato (in termini di registrazioni). Ma c’è un senso di
perdita forte, abbondano domande, testi su amici persi e il tono
generale indica una misura e un’intimità che abbiamo imparato a
riconoscere come “giuste”. Josh Rouse, David Blumberg e Kevin
Morby sono i tre migliori interpreti delle possibilità del songwriting
odierno. Il precedente Oh My God era un capolavoro assoluto e
Sundowner ne è la versione Coney Island Baby, ma declinata fuori
dall’urbano, con tramonti (appunto) infuocati sotto i quali danzare
con la compagna Kate “Waxahatchee” Crutchfield. Un disco di
ballate, spesso minimali, con architettura acustica, soppesate con
misura e intensità a piccolo rilascio. Si ronza intorno a Cohen, per
le parole appoggiate in quel modo nella title track e l’eco Suzanne,
ma anche al Lou Reed arresosi alla vita di A Night At The Little
Los Angeles. Ci sono l’orientalismo sottilmente psych di Brother,
Sister (Jonathan Richman?), l’elegia per gli smarriti di Jamie,
esaltata dal rimpianto e da un’unica manciata di note di pianoforte
in mezzo all’acustica. E spicca Campfire, rilassata e dolente (“where
have all my friends gone?”), con il break di field recording della
propria vita (fuoco e il canto indiano di Waxahatchee) a due minuti
dall’arrendevolezza finale. Registrato con un quattro piste nella
solitudine che stiamo imparando non solo a indossare, ma spesso a
proteggere, Sundowner richiede tempo: il nostro.
MAURIZIO BLATTO
85/100
RUMOREMAG.COM | 79
 GENEVIEVE ARTADI THE ATOMIC BITCHWAX
DIZZY STRANGE SUMMER SCORPIO
BRAINFEEDER TEE PEE

Da dieci Negli ulti-

anni a ca-
valcioni fra
sperimen-
tazione e
accessibilità
con pro-
getti come
KNOWER e Pollyn, la losange-
lina prova con il suo secondo
disco solista a darne sintesi.
Electropop declinato sull’a-
vanguardia, con le linee vocali
a strizzarsi su solchi ritmici
strettissimi, insieme a qualche
ballata per rompere la corsa:
più (volutamente) strano che
vertiginoso, per rubarle gli ag-
gettivi del titolo.
FRANCESCO VIGNANI
67/100
mi album
gli AB mi
sembravano
un po’ in-
cartati in un
viluppo di
riff a tratti
un po’ cervellotici. E con poca
attenzione per la composizione.
Invece Scorpio li porta agli an-
tichi splendori. Hanno resettato
un po’ tutto ed ora sono una
formazione nuova, che scrive
potenti, semplici e classiche
canzoni heavy, alimentate da
una dinamica che può riportare
a Fu Manchu/Nebula (Hope
You Die) con un fugace tocco
glam (Energy). Bienvenidos.
CLAUDIO SORGE
79/100

HELENA DELAND ASAF AVIDAN

ANAGNORISIS
ARTIST FIRST
BILL FRISELL
VALENTINE
BLUE NOTE

Anticipato
da tre sin-
SOMEONE NEW goli, esce
il settimo
LUMINELLE
album del
cantautore
israeliano
Il dream pop contemporaneo dalla voce
ha trovato casa (geografica) personale, versatile, intensa
nel Quebec e megafono nel e subito riconoscibile. Dieci
curatissimo blog “Gorilla vs nuove canzoni cresciute tra i si-
Bear” di Chris Cantalini. È lenzi di una pausa di riflessione
proprio la sua Luminelle a voluta e gli ulivi di una tenuta
pubblicare l’esordio lungo del centro Italia. Un disco pop
di una delle autrici più
a celebrare i suoi primi otto
interessanti di quell’universo
lustri, suonato e cantato da solo
postmoderno di ritrosia. Il
(ha inciso alcune voci sino a 12
motore, un inconciliabile
volte per sovrapporle), rimugi-
senso d’inadeguatezza (fisica
nando circa l’esistenza.
o mentale), che diventa
rivolta privata al giudizio
BARBARA SANTI
del mondo, su sospiri vocali. 72/100
La voce, appunto, riverberata su multitraccia, come l’eco di un
sogno che non si riesce a trattenere la mattina dopo. La chitarra
è quasi una coperta di Linus da pizzicare con arpeggi lievi, GAZPACHO
scarabocchi fra le pagine del diario delle confessioni più segrete. FIREWORKER
Composto e arricchito con arrangiamenti insieme all’amico KSCOPE
di sempre Valentin Ignat in 24 mesi, registrato a Montreal e
finito da Gabe Vax a New York. Diventa un inno concettuale Concept
a quell’oscurità accogliente e uterina, che i primi ottimi EP album dalle
suggerivano. Come per la sagoma dell’autrice in copertina, accese tinte
le melodie sembrano emergere dal buio, rivelando i dettagli socio psico-
(il basso minaccioso, i sintetizzatori mai in primo piano, le analitiche,
percussioni sparse) con pazienza. Un metodo che muove dalla l’undicesi-
precarietà dell’ipnagogia e riconosce l’oscurità domestica di mo disco
Carla Del Forno. Con le prime brume di Cat Power e il letto della band
sfatto di Connan Mockasin come compagni d’avventura. Truth norvegese è un ricco affresco
Nugget e Lylz si stendono su quella stessa riva placida, che prog costituito da cinque movi-
ha visto crescere i Beach House. Dog è un ritratto pallido e menti distinti che prendono il la
incerto di un singolo pop, immaginato davanti allo specchio dall’opulento brano d’apertura.
della cameretta. Ma la timidezza osa anche su ritmiche sghembe Se da un lato la narrazione di un
(figliate dalle passate collaborazioni con JPEGMafia). Pale universo dominato da un’enig-
accenna un’andatura trip hop, prima di lasciare la scena a matica entità stile Matrix affasci-
Comfort Edge, che s’inietta il dolce veleno dei Portishead. na, dall’altro i toni costantemen-
Quando l’insicurezza diventa vessillo. te epici rimandano ai Muse più
MAURO FENOGLIO barocchi e cervellotici.
81/100 STEFANO D’ELIA
68/100
80 | RUMOREMAG.COM
Esordio su
disco di un
trio spesso
usato live
da Frisell,
tanto per
complicare
una di-
scografia sterminata. Non una
sorpresa l’amalgama e la fluidità
di esecuzione, quindi. E nem-
meno una scelta di scaletta che
passa da tradizionali (dolorosa
e attualissima We Shall Overco-
me), cover pop – qua si ritorna
da Bacharach – a inediti, con la
chitarra di Frisell a sfumare di
ambient gli schemi avant jazz.
FRANCESCO VIGNANI
70/100
HELVETIA
THIS DEVASTATING MAP
JOYFUL NOISE
Jason
Albertini
(ex Built
To Spill)
dopo aver
riattivato
i Duster
lo scorso
anno pubblicando un disco
dopo 19 anni, con gli Helvetia
fa doppietta nel 2020: prima
con Fantastic Life a gennaio, e
in estate con This Devastating
Map. Nei deliri lo-fi qualcosa
gira bene (Devastating Map), le
melodie si aprono (3 Boys) ma
ci si perde anche troppo facil-
mente in psichedelici capogiri
distorti (Echo Location). Estro
e sregolatezza.
NICHOLAS DAVID ALTEA
68/100
 SUONA ANCORA
RECENSIONI IN BREVE OTTOBRE 2020 IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI

HEN OGLEDD THE JERRY KING GORM

FREE HUMANS GRANELLI TRIO KING GORM
DOMINO PLAYS VINCE GUARALDI AUTOPRODUZIONE
AND MOSE ALLISON
La delu- RARENOISE Brillante
sione per esordio.
un’umanità Jerry Gra- Lo stile va-
che danneg- nelli, batte- riegato ma
gia il nostro rista nel trio omogeneo
pianeta e la jazz di Vince dei King
necessaria Guaraldi Gorm, che
e vitale (Charlie ingloba il
speranza per un futuro diverso Brown progressive dei tardi ’70, ma ne
animano il ritorno della band Christmas, amplia la visione modificando- IDLES
scozzese, qui alle prese con sug- fortunata soundtrack dello spe- ne schemi armonici e strutture, ULTRA MONO
gestioni che vanno dagli ABBA cial natalizio dei Peanuts, 1965), ci consegna una band che se da PARTISAN
alla filosofia, passando per pittu- ritorna alle origini alla soglia degli una parte è incontestabilmente
ra, documentaristica e opere me- 80 anni, accompagnato dal piano figlia del passato (indubbie le Gli Idles si evolvono senza
dievali. Nel disco convivono mo- di Jamie Saft e dal contrabbasso suggestioni che arrivano dai perdere punti, occupando
menti melodici (Trouble) e pas- di Bradley Cristopher Jones. In Rainbow di Ritchie Blackmore tutte le frequenze sonore
saggi sperimentali (Earworm), scaletta Guaraldi e un’altra sua e, in parte, dai Beggar’s Opera), possibili, più ingombranti
segnando un continuum con il frequentazione di lunga data, il per bravura e spigliatezza è che mai.
precedente lavoro Mogic. pianista Mose Allison. Classico perfettamente proiettata in un
FERNANDO RENNIS ma non antico moderno space prog.
71/100 ALESSANDRO BESSELVA AVERAME CLAUDIO SORGE
73/100 78/100

KATIE MELUA ELA MINUS THE PERSIAN LEAPS

ALBUM NO. 8 ACTS OF REBELLION SMILING LESSONS
BMG DOMINO LAND SKI

Un disco Il debutto Torna il duo

in cui le
sciabolate
a vuoto dei
desideri
tagliano
l’aria soffice
mentre il
tocco delicato e deciso della real-
tà raggiunge il cuore mostrando
la diversa bellezza della quoti-
dianità e dei suoi difetti perfetti.
L’ottavo lavoro in studio della
cantautrice georgiana ferma così
il tempo sussurrando verità con
la soave voce dell’artista traspor-
tandoci in una dimensione oniri-
ca ancora ignota ai nostri sogni.
DORIANA TOZZI
73/100
dell’artista
colombia-
na parte
dall’elet-
tronica da
club della
compagna
di etichetta Georgia per lasciarsi
cadere in un minimalismo spe-
rimentale. Le ribellioni di Minus
si intrecciano con scorie techno
(Megapunk), brani dall’appeal
pop (El Cielo No Es De Nadie)
e suggestioni ambient, spesso
strumentali come nel caso di Let
Them Have The Internet. Un
disco ridondante per colpire, ma
pur sempre efficace.
FERNANDO RENNIS
67/100
di Minne-
apolis con
una chicca
power pop
ad alta con-
centrazione
di colestero-
lo jangle sulla sei corde. Siamo
sempre dalle parti di Teenage ETHAN P. FLYNN
Fanclub e Lemonheads (Lost B-SIDES & RARITIES: VOL. 1
Cause), ma con qualche provvi- YOUNG TURKS
da aderenza ai R.E.M. più datati
(Patience) e una maggiore scal- La sensazione è quella di
trezza nella curvatura dei testi una sorta di Beck d’Albione,
alle linee melodiche dei ritornel- per la capacità di navigare
li, per ottimizzarne al meglio la fra nostalgia da tardo impe-
forza deflagrante (Spoon-Fed). ro e modernità svagata.
ANTONIO BELMONTE
69/100

PRINCESS THAILAND R.I.P. GRAHAM REYNOLDS

AND WE SHINE DEAD END THE LODGER
A TANT REVER DU ROI/LUIK RIDING EASY FIRE

Oscurità wave, pulsazioni post Non si Terza

punk e
distorsioni
noise pop:
diciamo che
sono questi
i principali
pilastri
sonori su
cui si poggiano i francesi Prin-
cess Thailand nati tra Parigi e
Tolosa. L’altro nodo cruciale
è la voce di Aniela, capace di
cambiare sfumature oscure per
adattarsi: a tratti violenta (First
Time), a tratti sognante (In This
Room). Un buon dinamismo
e un armamentario post wave
sfruttato al massimo.
NICHOLAS DAVID ALTEA
70/100
può dire
che non
si sia mai
ascoltata la
musica dei
californiani
R.I.P. Ma
scrivono canzoni che si fanno
ricordare. Sono una metal band
cresciuta con il bay area thrash
e l’hardcore ’80, ma si possono
sentire nei loro riff anche Alice
Cooper e gli Stooges, con un
pizzico di horror prog metal
anni 70. Il loro secondo album è
compatto e stilisticamente im-
peccabile. Super hardcore (Ju-
dgement Night) e dark thrash
(One Foot In The Grave).
CLAUDIO SORGE
76/100
soundtrack
reimmagi-
nata del ca-
talogo Fire
dopo quelle
di Fenella
e Death In
Vanilla. Questa volta interagi-
scono The Lodger (1927), clas- AA.VV.
sico del primo Alfred Hitchcock, KALEIDOSCOPE. NEW SPIRITS
e le arti sincretiche dello spe- KNOWN AND UNKNOWN
cialista Graham Reynolds (suo SOUL JAZZ
lo score di A Scanner Darkly
di Linklater), il quale passa Il panorama jazz britannico
dall’orchestrale, all’elettronico, dell’ultimo lustro, fra
al bombastico, al noir, all’ele- autoproduzioni e piccole
giaco con gusto e non scontato etichette, con in primo piano
senso della misura. innanzitutto la forte etica do
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME it yourself della scena.
73/100
RUMOREMAG.COM | 81
TREECOLORE DISCO DEL MESE
MARCO PARENTE
LA VITA DI MARCO PARENTE
MARCO PARENTE
LIFE
BLACK CANDY
“Al contrario di quanto si possa credere,
dietro il titolo LIFE non si nasconde
nessun concept. LIFE è una parola dalle
linee perfette, sufficientemente uni-
versale da comprendere tutto ciò che
ognuno ci vuol vedere dentro. Io per
esempio ci ho visto delle buone canzoni,
il cui unico scopo era diventare un bel
disco”, così ci dice a proposito di questo
lavoro che esce a sette anni dall’ultimo
82 | RUMOREMAG.COM
Sweet Love. E ci è riuscito. I tempi di
Parente sono sempre stati dilatati, ma è
condizione imprescindibile per chiunque
voglia scrivere un buon album. Perché
la qualità necessita di tempo, pazienza,
esperienza, oltre che di talento. Doti che
non mancano al nostro che torna con un
disco personale, quasi notturno, certa-
mente ispirato. Ha preso respiro per non
trascurare dettagli, spargere uncini nei
punti giusti, disegnare linee armoniche
eteree, particolari, sperimentali, vertigi-
nose, ritmi sincopati, melodie surreali,
angeliche, suggestive.
Cantate con quella voce di testa. Assorto,
intenso, libero, concentrato, partendo
dall’R&B contemporaneo del singolo che
apre l’album, Nella Giungla. Intenso
anche quando la musica si fa pop, intrisa
di jangle britannico ’80, In Mezzo Al
Buio, o di pop sintetico, Il Gusto Della
Via. Poi la domanda ricorrente Ma
Quand’è Che Si Ricomincia Da Capo?,
tra disturbi elettronici ipnotici, acusti-
ca jazz, archi pulsanti, che si fanno più
cupi e tribali in Avventura Molecolare.
Si torna al pop nelle ballate Vita e Mai
Solo, entrambe da cantare a cuor legge-
ro. La sua voce plana sul magnifico quar-
tetto d’archi curato da Enrico Gabrielli
nella bella Lo Spazio Tra I Personaggi,
DI BARBARA SANTI
per chiudersi con i ritmi mediterranei di
OK Panico! e la dolcezza privata di Bar
90, una di quelle canzoni che restano.
Che partono dal pianerottolo per ab-
bracciare l’universo. I testi di Life sono
essenziali, contagiosi, visionari, giocati
sul filo sottile del surreale, del contrasto,
dell’ossimoro, della fantasia, dell’intel-
ligenza. Poche parole, perlopiù d’amore,
che sottendono indagini esistenziali.
Ma Marco non si è fermato in questi
sette anni, e testimoni, oltre a Life, ne
sono American Buffet (con lo pseudoni-
mo di Buly Pank) e I Passi Della Come-
ta, ovvero Marco Parente Suona Dino
Campana, usciti entrambi quest’estate.
“A un certo punto ho iniziato una lenta e
silenziosa sottrazione, fino a confonder-
mi con il quotidiano, anche subendolo,
tanto quanto bastava però per poi usarlo
e tradurlo in commozione”, spiega anco-
ra. “A 51 anni mi rendo conto che Ameri-
can Buffet, prima, I Passi Della Cometa
durante e LIFE oggi, altro non sono che
‘la scatola nera’ della mia vita, ciò che
è accaduto davvero, al di là delle mie
convinzioni e convenzioni. In una sola
parola rubata: ab joi”.
84/100
TREECOLORE GLI ALBUM OTTOBRE 2020
GIANLUCA BECUZZI
IN BETWEEN
STANDA
Gianluca Becuzzi non è mai
stato, non è e non sarà mai Nel
Mezzo. Anzi, nel nuovo doppio
album, probabilmente, oltrepas-
sa il punto più estremo del suo
lungo percorso musicale. Negli
ultimi due anni, infatti, l’eretico
musicista toscano ha prodotto
diversi lavori quasi totalmente
incentrati su quello che è diven-
tato un nuovo, personalissimo
strumento: la voce. Ci sono
richiami ai Phurpa, rispetto ai
quali però Becuzzi non cade
nella ripetitività. Qui riesce nel
difficile compito di declinare
il suo concetto di elettronica,
rendendola ancor più materica,
monolitica e claustrofobica e, a
tratti, inaspettatamente visiona-
ria grazie all’elemento vocale. I
pezzi, che scorrono senza soste
e cali di tensione, assumono,
al declamare della sua voce da
sciamano elettrico, i connotati di
un occulto sacerdozio.
ANTONIO BRIOZZO
78/100
ERNIA
GEMELLI
ISLAND/UNIVERSAL
Gemelli portava con sé grandi
aspettative, dettate dal nome
dell’artista ─ considerato una
delle migliori penne del rap
italiano ─ e dall’eccezionale
promo che ne ha preceduto
l’uscita. A qualche settimana
dalla stessa le critiche emerse
sono state davvero poche, per
un progetto che sembra aver
messo d’accordo davvero tutti.
Ernia è riuscito a dare vita ad
un ottimo disco per un grande
pubblico senza snaturarsi
troppo, cristallizzando il suo
modo di fare musica in quello
che per un bel po’ sarà il suo
miglior progetto. I nomi giusti
alle produzioni e al microfono
─ Madame, Fabri Fibra,
Luché e tanti altri ─ hanno
conferito all’album delle precise
sfumature, dirette perlopiù a
una dimensione di maturità, con
qualche sprazzo di leggerezza.
MATTEO DA FERMO
81/100
CHALET PEACH
AETHEREAL WIND
COYPU
Le componenti di Chalet Peach
tendono alle tinte quiete e oscu-
re, immerse nel folk sperimen-
tale e nelle incursioni distorte.
Tutto è attorniato da qualcosa
che rende il disco allo stesso
tempo caldo e sfuocato. Da una
parte la confortante fiducia
(Song For Martha) o la disso-
nante spiritualità (L.O.V.E.),
dall’altra tetre presenze che
segmentano la tensione. Come
se da un momento all’altro
dovesse succedere qualcosa di
preoccupante. Aethereal Wind
pensa ai mai dimenticati Girls
ma più cupi e lo-fi (The Who Do-
esn’t Sleep) e li tuffa in un film
di Lucio Fulci nei suoi viaggi
mentali disturbanti, senza dive-
nirne una colonna sonora. Cha-
let Peach, all’anagrafe Jacopo
Sacrato, si muove in modo non
lineare con pochi punti di riferi-
mento per destabilizzarti prima
ancora di spaventarti.
NICHOLAS DAVID ALTEA
74/100
FORSE
HARMONY
DISCHI AMICI
Più che un disco, uno scherzo
tra amici. Ascoltando questi
13 pezzi pubblicati su cassetta
viene da pensare a un tipo che
si porta chitarra e pianola alla
festa di 40 anni dell’amico cool
della compagnia, mettendosi
in testa di emulare Jonathan
Richman. Parte con l’idea di
fare il simpatico ma il fantasma
depresso di Enzo Carella lo
perseguita insinuandosi nello
spazio dei due incisivi centrali
mandibolari (Mac DeMarco?).
Gli amici presenti nella taverna
dove si tiene la festa sbottano di-
vertiti battendo le mani a tempo
quando il tipo canta I’m Looking
For A Job e I Wanna Dance
With You Tonight. Altrettanto
velocemente il chiacchiericcio
sovrasta la nenia Primitive
Harmony e la delicata Flowers
In Your Pocket.Uno scherzo tra
amici riuscito a metà.
MANUEL GRAZIANI
69/100
GIANLUCA DE RUBERTIS
LA VIOLENZA DELLA LUCE
SONY MUSIC
De Andrè. Sì. Battisti? Pure ma
non solo e non è questo il pun-
to. Perché a un lustro da L’U-
niverso Elegante De Rubertis
sembra cresciuto, più profondo,
di una profondità che combacia
con un’autenticità acquisita.
Con una maggiore libertà.
Meno artifici, più pathos. Seb-
bene il nostro non nasconda la
sua vena dandy, l’amore per l’e-
stetica, curando ogni dettaglio
in termini di aspetto, ma anche
di musica. Immagine e melodia
sono inscindibili. È qualcosa
che unisce la freschezza del
pop all’intensità delle parole e
a un’interpretazione personale,
quasi solenne, aristocratica.
Assorto, cantando d’amore
privato che diventa universa-
le. Otto canzoni in tutto, non
una superflua, tra possibili hit
(Versateci Del Vino, Che Ci
Facciamo Noi), il romanticismo
del singolo Pantelleria e la
dolcezza di Nel Cuore.
BARBARA SANTI
76/100
BRENNO ITANI
LA PROMESSA NON MANTENUTA
THAURUS/UNIVERSAL
Brenno Itani è un nome abba-
stanza noto nella scena musi-
cale bolognese e La Promessa
Non Mantenuta è la sua prima
vera chance per arrivare a un
pubblico più ampio. Thaurus ha
deciso infatti di scommetterci
e il rapper ha risposto con un
album pregno di contenuti.
Grazie anche a qualche fea-
turing di livello (come Keta-
ma126, Franco126 e persino un
campionamento autorizzato di
Calcutta), Brenno si è sfogato
sul beat di tante emozioni ne-
gative, non dimenticando mai
di omaggiare la sua Bologna e
il suo quartiere (Mascarella),
seppur con un po’ di amaro
in bocca per un amore forse
non corrisposto fino in fondo
con la città delle Due Torri. La
Promessa Non Mantenuta non
sarà disco d’oro ma potrà esse-
re il primo passo per un percor-
so musicale di tutto rispetto.
MATTEO DA FERMO
75/100
DONATO DOZZY
& EVA GEIST
IL QUADRO DI TROISI
RASTER
I DJ e producer romani Donato
Scaramuzzi (Donato Dozzy) e
Andrea Noce (Eva Geist) debut-
tano insieme (“una collaborazio-
ne ermetica”, l’hanno definita)
con un album synth pop che
combina la voce traslucida di lei,
il minimalismo cosmico di lui e
la comune passione per i surreali
monologhi cinematografici di…
Massimo Troisi. Il rimando alla
tradizione musicale italiana è
forte e dichiarato (a partire dagli
arrangiamenti di Pietro Micioni,
tra i fondatori dell’etichetta di
revival e recupero storico Twili-
ght Music) e anche inconsueto
per due artisti dall’afflato così
internazionale (unica concessio-
ne il violino di Fiona Brice, già al
servizio di Placebo, Boy George
e Kanye West). Molta elettroni-
ca à la Battiato, un certo gusto
dreamy e testi destrutturati che
occhieggiano ai giochi poetici di
Pasquale Panella.
CLAUDIA BONADONNA
68/100
JAHBULONG
ECLECTIC POISON TONES
GO DOWN
Fuochi d’artificio per l’esordio
full length dei veronesi Jahbu-
long. Trio super stonato che si
muove meravigliosamente in
uno spazio sludge lisergico trac-
ciato dalla triade Sleep/Electric
Wizard/Sabbath (dove al verti-
ce della piramide stanno natu-
ralmente questi ultimi). Fretta
e spigliatezza non sono proprio
le caratteristiche dei Jahbulong.
Tutt’altro. Le loro pesanti e op-
piacee atmosfere stoner/doom
sono rilasciate con malefica e
quieta spossatezza. Vibrano di
insana follia psichedelica, che
si appoggia a montagne insca-
labili di fuzz dementia. Possono
sommergerti di volume (Under
The Influence Of The Fool) o
avvelenarti tra spire lisergiche
evocatrici di sconosciuti riti
occulti (The Tower Of The
Broken Bones). Incredibilmente
pregnanti.
CLAUDIO SORGE
82/100
RUMOREMAG.COM | 83
 RADICI OTTOBRE 2020 / NOGA EREZ

10 CANZONI PER
NOGA EREZ
Dovrebbe essere ormai ufficiale: è annunciata per il prossimo febbraio la pubblicazione
del secondo album della giovane e talentuosa cantautrice/produttrice israeliana.
Intanto quest’inverno è uscito Views, brano prodotto dal conterraneo Ori Rousso,
insieme a lui suonato e poi riletto in versione acustica per la serie Kids Against
The Machine ai primi di aprile. Proprio in quei giorni Noga sui social lo descriveva
pressappoco così: “Ori è un genio. Ha un orecchio incredibile per gli hook, il ritmo e
il suono. È l’amore della mia vita, mio fratello spirituale e migliore amico. È il miglior
partner che avrei mai potuto desiderare, perché capace di portarmi al di fuori della mia
comfort zone”. Tant’è che con lui, durante l’isolamento, ha scritto il secondo singolo, No
News On TV, del quale a luglio è uscita un’altra versione acustica con tanto di videoclip,
e poi ancora un terzo, edito a fine agosto, che si intitola You So Done, di cui in Rete si
trova un magnifico video.

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LITTLE DRAGON BJÖRK MASSIVE ATTACK EVIATAR BANAI NADIA ROSE

TWICE ARMY OF ME SATURDAY COME SLOW YESH LI SIKUI SKWOD

“Yukimi Nagano è una “Una delle mie prime “In questa traccia “È uno dei più grandi “Uso molto questa
delle mie cantanti pre- canzoni ‘empower- collaborano con talenti d’Israele. Un canzone nelle playlist.
ferite. Suonavo Twice ment’. Non so nem- Damon Albarn. Quasi cantautore incredibile, È una canzone d’amore
spesso finché non mi meno se ho letto i testi ogni volta che provo a con una voce che suona di band femminile
sono stancata. Poi un inizialmente, ma la scrivere una canzo- come quella di un così bella. È un pezzo
giorno, mentre ero in ascoltavo spesso e mi ne d’amore penso a angelo. Sono cresciu- particolarmente sti-
tour in Germania, ho dà una sensazione di Saturday Come Slow. ta ascoltando la sua molante per il modo in
ascoltato questa canzone forza. Mi ha ispirato È la canzone definitiva musica, quindi, anche cui esegue il ritornello,
in un bar. Ero così felice forza specialmente nei sull’attesa, la mancan- se può sembrare strano così giocoso e ricco di
PLAYLIST

di sentirla e ricordare momenti in cui ne ave- za e il desiderio”. per via della lingua, personalità”.
quanto l’ho amata. Ora vo davvero bisogno”. non posso escluderlo
la suono di nuovo”. da questa lista”.
DA LITTLE DRAGON DA POST DA HELIGOLAND DA EVIATAR BANAI DA HIGHLY FLAMMABLE

N.E.R.D. SIR ACTION BROCKHAMPTON D FINE US FEAT.

LEMON D’EVILS BRONSON HEAT NOGA EREZ
BABY BLUE (FEAT. CHANCE
& BIG T
THE RAPPER)
THE FOX

“Amo tutto di questa “Il meglio che c’è, nella “Adoro questi ragazzi.
canzone. La produzio- produzione di ritmi!” Questa canzone è così
ne, i testi. Ma adoro “Ok, c’è un pezzo nel dura! Inoltre, c’è un “Ho coprodotto The
specialmente la per- mio nuovo album che verso che recita ‘I’ll Fox con D Fine Us e Ori
formance di Rihanna. si ispira fortemente break your neck so you Rousso, quindi sono di
Amo dannatamente a questo. Anche se can watch your back’, il parte. Sono pure ospite,
la sua voce e la sua preferirei che ti godessi quale ha ispirato un ver- insieme a Big T. Il
attitudine”. solo questa canzone e so del mio brano Views: processo lavorativo di
dimenticassi che ti ho ‘And watch your back, questa canzone è stato
detto del collegamento I’ll break your neck’” molto soddisfacente e
con la mia”. divertente, adoro ciò
DA NO ONE EVER
che è diventata e voglio
REALLY DIES DA NOVEMBER DA MR. WONDERFUL DA SATURATION
che tutti lo sappiano”.
SINGOLO

A CURA DI BARBARA SANTI - FOTO DI TONJE THILESEN

84 | RUMOREMAG.COM
TREECOLORE GLI ALBUM OTTOBRE 2020
LUCIO LEONI
DOVE SEI PT. 2
LAPIDARIE INCISIONI/BLACKCANDY
Secondo atto del suo disco usci-
to a maggio, scritto allora ma
edito in due tempi. Gran perso-
nalità, si diceva a proposito del
precedente, e una voce versatile
che sa parlare, sussurrare, re-
citare, cantare a pari intensità.
Naturale ed efficace nel declina-
re la realtà per immagini. Qui il
nostro si direbbe più ombroso,
pensieroso e analitico rispetto
a prima, tra cronache di vite
spezzate in Francesca (la strage
di Capaci) e ispirate riflessioni
circa la fede e la scienza ne
L’archivio Segreto Di Galileo.
Si parla di sentimenti. D’amore.
Di rapporti interpersonali. Di
umanità. E lo si fa con quello
sguardo visionario che lo con-
traddistingue. Ospiti in Nastro
Magnetico i Mokadelic, collet-
tivo di compositori di colonne
sonore, autori pure di questa
“sceneggiatura da ascoltare”
che chiude l’album.
BARBARA SANTI
78/100
OVERLAPS
IN YOUR ROOM
TIME TO KILL
Già con il debut album la band
veneto/friulana aveva tirato
fuori le unghie ma è con questo
secondo LP che mostra quanto
può graffiare, grazie alla calda
e potente voce di Gloria Picci-
nin sguinzagliata su melodie
più rotonde rispetto a quelle
dell’esordio ma anche grazie a
una scrittura più matura che
inquadra meglio l’obiettivo e
infiamma le influenze alt rock
con fiamme ossidriche nu metal
governate da un moderno uso
dell’elettronica. Probabilmente
le importanti esperienze ma-
turate su palchi internazionali
hanno contribuito a rendere più
potente e aggressivo il sound
della band, che non faticherà
a farsi apprezzare all’estero,
anche se ancora si sente la
mancanza di quell’ingrediente
peculiare in grado di rendere
originale e riconoscibile la pro-
posta distinguendola dalle altre
dello stesso genere.
DORIANA TOZZI
73/100
MAD DOGS
WE ARE READY TO TESTIFY
GO DOWN
È sempre un piacere ascolta-
re i Mad Dogs. Perché il loro
rock’n’roll è immarcescibile.
Lo urla ancora una volta il loro
nuovo album, il terzo. Sapete
com’è la ricetta: MC5, Stooges,
Radio Birdman. Il sempiterno
trittico. High energy rock’n’roll.
Ma bisogna crederci, sentirselo
nelle ossa, viverlo intensamen-
te per essere all’altezza della
situazione. E i Mad Dogs lo
sono, hanno tutte le credenziali
giuste. E nessun rimpianto. No
Regrets, come dicono loro, che
tra parentesi è una gran bella
canzone, un puro outfit di Ra-
dios Appear. E a ben pensarci
anche Take The Time. Ma poi
non c’è solo Detroit, beninte-
so. Furiosi r’n’r come Hard
Fight e I Believe In Rock’n’roll.
Non manca infine una ballata
dall’eco western come Postcard
From Nowhere (Fourgiven?),
una bellissima chiusura.
CLAUDIO SORGE
80/100
SCOLOPENDRA
THOSE OF THE CATACOMBS
NUCLEAR WAR NOW
Periodicamente la Nuclear
War Now pubblica musica
(!?) talmente underground,
rumorosa e inclassificabile
da risultare interessante. Ad
esempio gli italiani Scolopendra
sono una bella sorpresa. Band
formatasi un paio d’anni
fa e circondata da mistero.
Diremmo che il loro stile è
death metal old school, ma
pieno di rimandi a una horror/
zombie B movie subculture
da renderlo totalmente
eccitante. A cominciare dalla
voce stregonesca e piatta del
cantante, che striscia e si dibatte
come un rettile velenoso, fino
ad arrivare ai suoni fuzz death
che nella loro arcana semplicità
e devastante ripetitività mi
hanno evocato lo stile dei primi
Asphyx: death metal primale
o, per parafrasare il titolo di
quest’album, catacombale. Su
tutto Zombie Feasting.
CLAUDIO SORGE
75/100
MOUSE
AND SEQUENCERS
DIDACTIC MUSIC
BACKWARDS
Progetto sporadico di Nicola
Giunta (Lay Llamas), Mouse
And Sequencers aveva prodotto
poco fino a oggi: una cassetta
per la portoghese Cakes & Tapes
(2011) e un contributo alla
serie Po Box 52 di Wallace nel
lontano 2003. Questo nuovo
lavoro manifesta fin dal titolo
una organicità progettuale ben
definita, omaggiando la library
music “di servizio” e mettendo in
fila una serie di frammenti che,
a dispetto della loro apparente
evanescenza elettrostatica,
mostrano una forte personalità.
Giunta ha un talento speciale
nel tradurre in delicata e
malinconica poesia sonora
ronzii di tecnologie vintage,
cut’n’paste, chitarre solleticate e
tastierame analogico, occupando
autorevolmente una zona grigia
tra musique concréte e spettri
hauntologici, tra ambient e post
rock rarefatto.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
80/100
TEDUA
VITA VERA – MIXTAPE, ASPETTAN-
DO LA DIVINA COMMEDIA
EPIC/SONY
Proprio quando i mixtape nel
rap italiano sembravano esser
passati di moda per tutti (o
quasi), l’eccentrico artista di
casa Sony ha pubblicato un
doppio da 22 tracce, quasi a
sorpresa, con all’interno il me-
glio del rap italiano. Massimo
Pericolo, Capo Plaza, Rkomi,
Ernia e Dargen D’Amico sono
solo alcuni tra i nomi presenti
nel disco, che, registrando nu-
meri da record, ha spinto anche
altri artisti a ripensare a questo
tipo di pubblicazione. Guai,
tuttavia, a considerarla un’u-
scita leggera: complici le leggi
dell’industria e delle piattafor-
me di streaming, ogni traccia
ha una strumentale originale,
sorpassando quindi l’idea che
i mixtape siano realizzati sola-
mente con produzioni già edite.
MATTEO DA FERMO
83/100
MR. BISON
SEAWARD
SUBSOUND
In un clima di inafferrabili e
cristalline atmosfere vive e pal-
pita questo secondo album dei
Mr. Bison. Potremmo rubricarlo
come “nuovo progressive”, ma
anche “heavy psych” centra il
bersaglio. Perché la band suona
heavy, ma il focus sta da un’al-
tra parte. Un brano come From
The Abyss ne è un esempio;
mutante e certamente heavy
psych, ma ricco di sfumature
cromatiche sofisticate, come il
cantato, che riadatta armonie
byrdsiane e alla CSNY ad un
contesto più heavy. Il risultato è
inedito e affascinante. E un po’
tutto l’album è così. Non a caso
il produttore è Jordan Andreen,
che ha lavorato con Earthless e
Sacri Monti. Soprattutto a que-
sti ultimi i Mr. Bison sembrano
assomigliare nell’approccio:
massima libertà di riferimenti,
grazie anche all’uso non infre-
quente di aeree tastiere.
CLAUDIO SORGE
80/100
TONNO
QUANDO ERO SATANISTA
WOODWORM
Il primo disco del quartetto
fiorentino Tonno è un fugace e
determinato elogio alla bellezza
dell’inadeguatezza sociale, che
nelle vesti di un eterno adole-
scente sguazza, senza prendersi
troppo sul serio, nella sua
naturale imperfezione. Una
morale leggera, alla portata
di tutti, raccontata con spirito
autobiografico, che trova la sua
espressione in ritmiche lineari
e cassa dritta (Tvtb4e, Calen-
dario Muore), su cui far girare
chitarre distorte e riverberate
(Sovrappensiero, Credevo Di
Averti Vista), supportate da un
basso autorevole e importante
(Venditti, La Notte Mi Parla di
Te). La voce grintosa, a volte ti-
rata al limite, si sposa agilmen-
te con il rock grezzo, sporco e
poco raffinato della band.
SIMONA VENTRELLA
60/100
RUMOREMAG.COM | 85

TABULA RASA AUTOCERTIFICATA
he In Italia è pesante
/ pesante da portare /
C è bassa troppo bassa /
preme e schiaccia / preme
compatta e schiaccia
(burocratica casta): con
questo mese fanno 13 anni alla conduzione
della rubrica che state leggendo. Oramai è
assodato che in questi tempi post-moderni
forti nuovi e interessanti tiri aria di
devoluzione e di Bedtime For Demokrazia,
ma se LVI che ho citato nell’oramai classico
intro (ovviamente montanelli) continua
a fare uscire singoli, perché io non posso
continuare a fare supercazzole per grazia
KARITI
COVERED MIRRORS
AURAL MUSIC
Visto che tanto sappiamo che
i nostalgici ex lettori alfieri
dell’ortodossia che ogni tanto fanno
capolino sulle pagine social di
“Rumore” non comprano più la rivista
da quando abbiamo messo Ghali in
copertina alziamo l’asticella Kalergi
e diciamo sì allo ius soli anche In
Italia, dando cittadinanza alle ballate
di morte e pianto rituale nel mondo
antico di Kariti. Nata in Russia (che il
più delle volte significa aver studiato
musica classica, canto e composizione
poetica) ma di base nel belpaese da
anni, esce per l’italiana Aural Music
e al suo disco contribuiscono Marco
Matta (Grime) e Lorenzo Stecconi
(Lento, Ufomammut, Zu): otto poetici
e sacrali lamenti funebri folk/doom
voce e chitarra acustica che arrivano
dritti all’anima.
75/100
86 | RUMOREMAG.COM
IN ITALIA
ricevuta spingendo il mio consorzio di
suonatori indiependenti, come un novello
aretino Pietro con l’energy dome al posto
della chierica e con un orecchio teso in
avanti e l’altro dietro? Vedemmo Capovilla
e la rivoluzione, ci disse non è morta ci
sono nuove idee: iniziamo salutando gli
anacronistici futuristici futuritmi dei
LinguaSerpente (linguaserpente.
bandcamp.com), un gioioso carrarmato
noise-ruock guidato da tre veneti e un
friulano (questo mese regione hotspot:
sicuramente è uno small complotto dei
poteri forti). Gente che ha suonato in
Smart Cops, With Love, Bluid, Captain
Mantell (solo per nominarne alcuni) e che
affronta la crisi di mezza età tornando a
fare rumore invece che rincoglionendosi:
sei tracce che pestano più duro di quella
volta che Mario Giordano ha preso a
mazzate le zucche di Halloween, un
titolo come Anachronistic Futuristic che
sposa assolutamente la linea cotica di In
Italia…che aspettate a salvare la musica
suonata accaparrandovi una delle 300
copie del loro 12” picture registrato su un
solo lato e inciso dall’altro? Dopo il colpo
alla botte passiamo al cerchio tentando
di cogliere lo zeitgeist ricitando Piero
Pelù, perché oramai siamo sotto l’effetto
bomba boomer: vi diciamo che Litania,
primo album del romano Arssalendo
(whiteforestrecords.bandcamp.
com) ci è piaciuto tantissimo, con
A CURA DI MARCO PECORARI
buona pace dei soli 519 mi piace su fb,
fatto per noi inspiegabile visto anche la
relativa fama di cui gode l’etichetta che lo
pubblica. Melodie saturate digitalmente,
componenti bass e svisate dancefloor che
delineano scenari sonori post-apocalittici
verso un eterno ritorno non a un eterno
presente che capire non sappiamo ma
allo stato primordiale, come salmodia
nella conclusiva Animale. Anche in questo
caso quello che ci piace dell’elettronica
fatta da artisti come Arssalendo è
quella componente emozionale e fisica
che riesce a fare emergere mediante le
macchine: qualcuno l’ha definito emo in
HD, sposiamo in toto tale definizione.
Torniamo in Friuli con gli Affliction
Vector, nati come progetto solista
di Antonio Strain nel 2018 dopo il
dissolvimento degli Ooze e la sua uscita
dai Grime (band fil rouge di questo mese
se ci fate caso). L’anno dopo si unisce
a lui il batterista Christian Musich,
già con Antonio nei Grime, alzando
ulteriormente il livello di ferocia delle
composizioni. L’EP di debutto di Death
Comes Supreme, uscito per la Argento
Records (argentorecords.bancamp.
com) del sodale Michael Bertoldini (The
Secret), nelle sue cinque magmatiche
tracce di miscela death e black ispirata
dai capiscuola Mayhem e Bolt Thrower
ci conferma che, se si padroneggia la
materia, è ancora possibile tirare fuori
qualcosa di nuovo e godibile dal genere.
 SUONA ANCORA
TREECOLORE IN BREVE OTTOBRE 2020 IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI

AN EARLY BIRD C+C=MAXIGROSS EKYNOXX

ECHOES OF UNSPOKEN WORDS IL LABIRINTO, IL MATTO GRAVITÀ ZERO
ARTIST FIRST E IL MONDO AUTOPRODUZIONE
AUTOPRODUZIONE
La creatura Electropop
di Stefano Il labirinto è con l’accen-
De Stefano il più gran- to calcato
torna con de d’Italia, sul lato
11 brani di quello della pop della
etereo folk Masone, musica
spruzzato vicino a elettronica,
di indie- Parma, dove il nuovo
tronica, sospesi e caliginosi lo scorso album di questa band veneta
come la luce del primo mattino, agosto si tenne un loro concerto soffre di una certa plasticosità MANA
gravidi di promesse come la cui sono molto legati. Quella che penalizza le valide intuizio- ASA NISI MASA
terra nutrita da una pioggia data fu fermata su nastro e oggi ni presenti all’interno di queste HYPERDUB
benevola, come le parole che la- vede la luce in forma di disco in 14 tracce. I synth sono utilizzati
sciano l’eco anche quando non vendita sul Bandcamp del col- a profusione come d’ordinanza, Una ricerca sonora asso-
vengono dette. Fra Americana lettivo veronese. Dieci tracce in ma il risultato risulta piatto e lutamente peculiare, che
e Brit, una “declaration of life” tutto, nove tratte dal proprio re- a tratti confusionario, finendo accenna e propone melodie
malinconica ed elegante. Bello pertorio e la rilettura di Abbrac- per annacquare gli importanti impalpabili e celestiali in
il featuring di Old Fashioned ciala Abbracciali Abbracciati da messaggi contenuti nei testi. un contesto onirico oppure
Lover Boy. Anima Latina di Battisti. STEFANO D’ELIA esotico.
LETIZIA BOGNANNI BARBARA SANTI 53/100
72/100 70/100

DANIELE FORTUNATO FULVIO EFFE IRAN

QUEL FILO SOTTILE PUNTO AEMILIA
AUTOPRODUZIONE EFFE MUSIC AAGOO

È possibile A Fulvio Iran è un

comporre
canzoni folk
pop capaci
di risultare
raffinate e
al contempo
dotate di
appeal radiofonico? Sì, se si ha
le bravura di questo cantauto-
re piemontese, all’interno del
quale coesistono il disincantato
romanticismo di Concato (Le
Prime Pagine) e la scrittura sot-
tilmente visionaria di De Grego-
ri e Ivan Graziani (Aurora). Un
ascolto rinfrancante, tra sapori
jazz e ritmi latini.
STEFANO D’ELIA
75/100
Effe non
fa difetto
una certa
urgenza
espressiva
che lo porta
a scrivere
pregevoli pezzi pop rock dotati
di un ottimismo contagioso
(Rimani Come Sei), il pro-
blema purtroppo risiede nei
restanti capitoli del lotto, nei
quali non si va mai oltre una
bolsa medietà sanremese. Un
insipido cocktail che mischia
Gabbani (Bla Bla Bla), Ligabue
(Splendido) e qualche goccia di
Negrita (Trasparente).
STEFANO D’ELIA
52/100
trio: Nazim
Comunale
(Caboto e
Nazeem,
tastiere
analogiche),
Andrea
Silvestri (Taras Bul’ba, chitarra)
e Rodolfo Villani (batteria). Che MANIAXXX
intreccia con meticolosa energia THE LAST NIGHTMARE
tappeti etno/cosmici e ondiva- OF CAPTAIN MISSION
ghe ossessioni ritmiche, evocan- BEAST/ANNIBALE
do echi di Oneida, Suuns e Sava-
ge Republic pur restando fedele Come immaginare i Violent
a sé stesso. Ottimo esordio che Femmes su una tavola da
ospita anche Francesco Massaro surf psichedelica, e inciam-
al clarinetto e Alessandro Carto- pare su un cartello con la
lari (Anatrofobia) al sax. scritta In fuzz we trust.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
75/100

PANKOW SONNY & THE STORK VESTA

DER DOCTOR SCHNABEL NIHIL DIFFICILE VOLENTI ODYSSEY
VON ROM PIRAMES INTERNATIONAL ARGONAUTA
ARTOFFACT
Il duo pie- Secondo
Don’t montese lavoro per
Falling torna con questi tre
Love With un secondo toscani de-
Death, LP tra spe- diti al culto
nel suo rimentazio- della musi-
requiem ne sonora e ca strumen-
ambientale, improvvi- tale al 100%
aggiorna sazione, in cui i testi in italiano, e votati all’arte di evocare atmo-
con grazia l’espressionismo dei semplici e diretti, costituiscono sfere dense, scure, opprimenti, OTTONE PESANTE
Virgin Prunes, mentre le pul- un condimento in più su una rabbiose. Le coordinate sonore DOOMOOD
AURAL
sioni di Ecocalypse e Australia pietanza che funziona già bene sono inquadrabili nel post rock
Is Burning connettono la ma- a livello strumentale, grazie alle metallico, con punte di psiche-
Batteria e ottoni rumorosi:
trice cybernetica originaria col narrazioni dei riff granitici e agli delia e progressive rock. Fra riff
basta poco alla “brass
cinematico di Project Pitchfork accesi dialoghi tra gli strumenti. granitici e loop ipnotici, il trip è
metal band” di Faenza per
e Laibach. L’epilogo By The Le basi sono infatti il vero punto assicurato: non è un viaggio ras-
prendersi uno spazio non
River è coscienza in suono: una di forza della band e il vero sicurante, ma l’intento del trio è
indifferente nell’ambito
carezza del vento adornata dai regno della loro creatività. proprio questo.
strumentale estremo.
rintocchi di piano. DORIANA TOZZI ANDREA VALENTINI
STEFANO MORELLI 68/100 70/100
87/100
RUMOREMAG.COM | 87
 AISHA BADRU DEVENDRA BANHART
TRANSCENDENCE VAST OVOID
NETTWERK NONESUCH

In lon-
tananza
senti suoni
e rumori
d’ambienti,
un vociare
di persone
felici in un
spazio aperto. Poi parte Aisha
Badru, con la voce nuda, come
se cantasse sottovoce senza arti-
fici, quasi dimessa, e l’immagine
si completa. La quiete soul della
newyorkese è abbinata al calore
degli arpeggi leggerissimi. Il
trasferimento in una parte di
A meno di
un anno di
distanza
dall’uscita
del suo
decimo
LP, Ma, il
cantautore
americano torna con un breve
EP contenente tre brani nati
contemporaneamente a quelli
del precedente disco ma diffe-
renti per tematiche. Qui infatti
non si parla di maternità bensì
di quanto la disillusione possa
spalancare le porte della libertà,

YO LA TENGO
Florida incontaminata ne ha al contrario della delusione. In
elevato la delicatezza innata. chiusura ritroviamo Love Song
Immersiva. remixata da Helado Negro.
NICHOLAS DAVID ALTEA DORIANA TOZZI
72/100 85/100

SLEEPLESS NIGHT CHRISTINE DISCO JUNK/

MATADOR
AND THE QUEENS COLLECTIVE HARDCORE
LA VITA NUOVA (REMIXES EP) SPLIT
BECAUSE GOODBYE BOOZY
Sapete cosa non ci è mancato durante il
lockdown? Le cover. Ne abbiamo sentite A qualche La Goodbye
per tutti i gusti e abbiamo capito che è mese dall’u- Boozy ulti-
meglio lasciarle fare a chi con parole e scita dell’o- mamente
musiche altrui riesce a dire qualcosa di riginale, scava pa-
interessante. Della cover Ira Kaplan e Héloïse recchio nel
soci hanno fatto da tempo un’arte, specie Letissier sottobosco
quando, come in questo caso, riescono concede il australiano,
ad alternare interpretazioni assoluta- brano dan- e fa bene.
mente originali a un inedito di spessore. Scelti per accompagna- tesco cantato in coppia con Ca- Vengono da Melbourne sia i
re la retrospettiva losangelina dell’artista giapponese Yoshitomo roline Polachek alla rivisitazio- Disco Junk, titolari di un hc che
Nara, i sei brani in questione costituiscono un oggetto artistico ne di vari produttori. Dai picchi quando parte per la tangente
indipendente, una partita giocata sul filo del minimalismo che cristallini di AG Cook ai bassi diventa caos, che i Collective
(più che nella fedele rilettura dei Byrds) raggiunge picchi di morbidi di Daniele Baldelli, Hardcore, più coraggiosi e spe-
intensità nel blues dylaniano spianato in drone music estatica e dal french touch dei Palazo alle rimentali ma sempre nei binari
in quella Bleeding che avrebbe fatto bella figura su And Nothing astrazioni di Planningtorock. del punk più disperato. Altri
Turned Itself Inside-Out. Con le percussioni liquide di due nomi da tenere d’occhio. La
DIEGO BALLANI Populous che cedono al tramon- Terra di Oz da alcuni anni ne
85/100 to post rave di Tiger & Woods. Il sforna in abbondanza, nell’in-
dolce stil novo. differenza generale.
MAURO FENOGLIO LUCA FRAZZI
70/100 68/100

HANDS LIKE HOUSES MERCURY CIRCLE ALISON MOSSHART THE NOTWIST

HANDS LIKE HOUSES THE DAWN OF VITRIOL RISE SHIP
UNFD NOBLE DEMON DOMINO MORR MUSIC

Ci sono Tutto sta a Se c’è una I primi

dieci giorni
di snervanti
tensioni
creative in
studio river-
sati dentro
l’omonimo
EP degli Hands Like Houses,
tanto da farne il loro disco più
sofferto e personale. I consueti
squarci pop nella ricetta emocore
della band australiana si fanno
ancora più marcati all’interno di
un quadro elettrico che rimane
comunque affezionato alle tur-
bolenze di Thrice e My Chemical
Romance (Space, Wired).
ANTONIO BELMONTE
68/100
88 | RUMOREMAG.COM
vedere sino
a quando i
finlandesi
riusciranno
a mantene-
re questo
equilibrio
estetico, non inedito rispetto
alle vesti doom electro dark ma
di indubbio fascino. Fautori ne
sono membri di Swallow Of The
Sun, To Die For e Iconcrash, che
con mestiere mettono in campo
un universo sinfonico decaden-
te non dissimile da Diary Of
Dreams, Type O Negative e My
Dying Bride (rivisti in una chiave
pop melodica più accentuata, a
tratti katatoniana).
STEFANO MORELLI
73/100
persona nel
mondo che
rappresenta
l’incarna-
zione odier-
na dell’atti-
tudine rock
quella è Alison Mosshart. Rise,
insieme al suo lato B It Ain’t
Water, sono come l’orgasmo e
la sigaretta subito dopo, chitar-
ra distorta prima e acustica poi,
The Kills senza testosterone e
una sinuosa ballata country.
Nulla di nuovo, ma davvero esi-
ste qualcuno che vorrebbe una
Alison diversa da quella che è?
LUCA DOLDI
67/100
2000 dei
fratelli
Acker
hanno dato
un suono
a quel pe-
riodo. Quel
plinkerpop minimalista, autun-
nale, elettronico, introverso,
romantico e inquinato dal rock
di cui Neon Golden era la sinte-
si. Eccoli a sei anni dall’ultimo
lavoro, con tre tracce che ne
anticipano uno nuovo: la ver-
tiginosa Ship che vede insolite
percussioni e Saya, dei giap-
ponesi Tenniscoats, alla voce,
la più classica Loose Ends e lo
strumentale Avalanche.
BARBARA SANTI
74/100
SINGOLARE LA LUNGHEZZA NON È TUTTO OTTOBRE 2020

ONE TRUE PAIRING R.M.F.C. REPTILIANS FROM THE RIVEN

ZERO VULNERABILITY READER ANDROMEDA / MOVING ON
DOMINO ANTI FADE BANG BANG BABIES THE SIGN
SPLIT
Tom Fle- Buz Cla- MANDINGA In diretta
ming è os- tworthy ha competi-
sessionato avviato il Che il r’n’r zione con i
dalla ma- progetto sia cosmo- Blues Pills,
scolinità, Rock Music polita è un vuoi per la
concetto già Fan Club fatto, ma è travolgente
ampliato nel 2018, singolare presenza
nei Wild non ancora trovare su femminile
Beasts e ancora presente nel 18enne, facendosi subito nota- un lato di vocale di Totta Ekelbergh, vuoi
suo percorso solista. La vulne- re per la sensibilità dance del un 45 giri per il sound rock hard america-
rabilità azzerata di questo EP è, suo bedroom post punk. L’au- un gruppo turco e sull’altro uno neggiante, più o meno simile,
in realtà, una riproposizione di straliano ha affilato la scrittura brasiliano. Entrambi cantano in vuoi soprattutto perché le due
alcuni brani dell’esordio solita- e inspessito il suono con chi- inglese. I Reptilians di Istanbul, band si danno battaglia sul loro
rio in chiave acustica e intima, tarre più aguzze. Ma è sempre guidati dalla conturbante voce mercato di riferimento, quello
un qualcosa che rende Blank oscuramente iper ritmico come di Aybike Celik Ozbey, pigiano tedesco, i Riven tornano a farsi
Walls più profonda o Dawn At nel martellante synth punk sul punk sonico dei ’90 snodati sentire con un nuovo 45. Che
The Factory meno spigolosa. Faux Freaks che ha il poten- tra L7 e Garbage. I Bang Bang suona sì come i Blues Pills, ma
Un buon intermezzo, insomma, ziale di riempire i dancefloor Babies scendono nelle catacom- ha uno slancio, come dire, epico.
in attesa di novità. più in di Berlino. Ne sentiremo be psych garage e ne risalgono E non si dica che li copiano.
FERNANDO RENNIS delle belle. a testa alta come dei novelli CLAUDIO SORGE
67/100 MANUEL GRAZIANI Cramps delle favelas. 79/100
85/100 MANUEL GRAZIANI
71/100
SUPERGRASS THE TANGRAM TIM TIMEBOMB WYLDE RATTTZ
ALRIGHT/TIME 25 AWESOME LIFE’S FOR LIVING SMOKE
BMG IRMA WILD HONEY AUTOPRODUZIONE

Quel “25” Languide Tim Arm- Ritornano

vuol dire
proprio
quello che
immagina-
te: 25 anni
dalla pub-
blicazione
di Alright, il singolo più singolo
della band di Oxford, nonché
quinto estratto da I Should
Coco (1995). Oltre al suddetto,
troverete quello live al T In The
Park (2000) e a Glastonbury
(1997) che vi faranno saltare
sul divano. E poi Time dal vivo,
la cover di Condition di Mickey
Newbury e la strumentale Je
Suis Votre Papa Sucre. Insom-
ma, feel alright!
NICHOLAS DAVID ALTEA
76/100
atmosfere
rétro che
presto
sfociano in
un refrain
trascinante:
il primo
singolo di questo quartetto
abruzzese fa sua la lezione di
band neo soul come Jungle e
Parcels, aggiungendo un piz-
zico di space funk. Awesome
nei suoi quattro minuti appena
coniuga intimismo e vitalità,
invitando a scrollarsi di dosso
tristezza e inquietudini, come
ben espresso dal videoclip che
accompagna il pezzo.
STEFANO D’ELIA
78/100
strong aka
Tim Time-
bomb, voce
e chitarra
dei Rancid,
ha donato
un suo
brano pubblicato nel 2013 per
la raccolta dei fondi che saran-
no devoluti per supportare un
ospedale da campo di Bergamo
dopo l’emergenza coronavirus.
Oltre alla acustica Life’s For Li-
ving per la prima volta in vinile,
ci sono le cover da vero crooner
di It’s Quite Alright dei Rancid
(2000) e The Times They Are
A-Changin’ di Bob Dylan. Gra-
zie, Tim.
NICHOLAS DAVID ALTEA
74/100
dal passato
Ron Ashe-
ton, James
Williamson,
Thurston
Moore and
co. per
un’altra dose di Topi Selvaggi.
Brani incisi all’epoca di Velvet
Goldmine, sapete la storia.
Smoke è un’impro su registri
quasi jazz rock psichedelici;
mentre Stiff fa un po’ il verso a
Loose degli Stooges, ma anche
questa è un’impro, no vocals.
Non roba indispensabile, co-
munque necessaria per cultori
all’ultimo stadio di cose stoo-
gesiane.
CLAUDIO SORGE
75/100
FL ASHBACK WAYNE COUNT Y & THE ELECTRIC CHAIRS
WAYNE COUNT Y
& THE ELECTRIC CHAIRS
POLVERE DI STELLE
WAYNE COUNTY
& THE ELECTRIC CHAIRS
THE SAFARI YEARS
CHERRY RED
Fu all’inizio del ‘77, quando la capitale
inglese sembrava il posto più cool e
pericoloso della Terra, che quei balordi
degli Heartbreakers si ritrovarono a
sguazzare nella Londra del punk, in uno
dei tour più leggendari di sempre. Spesso
però si dimentica che con loro c’era anche
Wayne County, al secolo Wayne Rogers,
deciso a prendersi quello che per troppo
90 | RUMOREMAG.COM
tempo gli era stato negato in patria.
Partito dalla maschissima Dallas, Rogers
era entrato in contatto con l’universo
drag ad Atlanta, dove aveva imparato
a vivere la sua natura come una gioiosa
lotta per la sopravvivenza (“Eravamo
costantemente in fuga”, ricorderà. “Una
volta passeggiavo insieme a due queen [...]
e qualcuno ci sparò addosso”). Qui capì
anche che al soul delle Supremes preferiva
il rock’n’roll, meglio se sudicio e triviale.
Trasferitosi nella Grande Mela finì per
diventare il punto di congiunzione fra il
protopunk delle Dolls e il demi monde del
travestitismo newyorkese. Fondamentali
i contributi degli allora coinquilini Leee
Childers (fotografo della corte warholiana)
e la superstar Jackie Curtis. Grazie a
quest’ultima iniziò a esibirsi nella scena
drag con il Theatre Of The Ridiculous:
mix di trash e glamour che giocava sulla
sottile linea di demarcazione che separa
l’avanguardia dal pattume.
Un po’ quello che succedeva quando
Wayne, vestito come una Jean Harlow
malandata, arringava i club cittadini alla
guida dei Queen Elizabeth (prima) e dei
Backstreet Boys (poi). Fra vibratori, finte
eiaculazioni e blasfemie assortite, metteva
in scena boogie rock osceni come (If You
Don’t Wanna Fuck With Me, Baby) Fuck
DI DIEGO BALLANI
Off, in una sorta di wrecking (l’abitudine
queer di scioccare, demolire con scenate
e volgarità assortite) applicato al rock.
Nel ’73 arriva persino la copertina del
“Melody Maker”, ma anche un momento
di impasse, dove Wayne è invischiato in
un contratto senza sbocco con la MainMan
di Bowie. È a quel punto che si ritrova a
Londra al seguito di Johnny Thunders e
compagni. Qui arruola una nuova band (gli
Electric Chairs) e la guida nell’ecosistema
del punk inglese come una corazzata
aliena. Sono gli anni su cui si concentra il
box della Cherry Red: quelli dell’omonimo
album (diretta prosecuzione del trash
rock newyorkese), del barocco Storm The
Gates Of Heaven (i cui archi lo avvicinano
più al glam del Rocky Horror che a quello
di Bowie) e dell’eccentrico Things Your
Mother Never Told You (che modera gli
eccessi glam con le fredde suggestioni
di Low e The Idiot). Il live Rock’n’Roll
Resurrection chiude idealmente un ciclo.
All’epoca infatti Wayne è già diventato
Jayne County e ha abbandonato gli
Electric Chairs, lasciando in dote una
manciata di canzoni capaci di incarnare il
volto meno rassicurante del rock’n’roll.
85/100 DISCO
87/100 EXTRA
RETROPOLIS OTTOBRE 2020
AA.VV.
LA LOCURA DE MACHUCA
ANALOG TAPES FROM AFRICA
La storia, o quantomeno la sua
versione stampata, è questa: una
sera del 1975 il fiscalista colom-
biano Rafael Machuca decide
di mollare la sicurezza del suo
impiego statale per fondare un’e-
tichetta discografica che resterà
attiva per i sei anni successivi,
Discos Machuca. La scintilla di
quella piccola, personale rivolu-
zione? Gli LP africani d’impor-
tazione che in quel momento
animavano i picos, artigianali
sound system attivi lungo la costa
caraibica del paese. Analog Tapes
From Africa raduna 17 brani dal
catalogo, varianti afropsiche-
deliche di cumbia e champela
tanto essenziali quando incisive,
puntellate da drum machine,
synth primitivisti, organetti cin-
guettanti e chitarre elettriche più
o meno effettate e/o distorte.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
75/100 DISCO
ZERO EXTRA
THE BOYS
ON SAFARI
CAPTAIN OI!
Una ristampa o una cornuco-
pia? Questo box comprende ben
cinque CD che coprono l’arco
1979/1981 (il periodo con la
label Safari), per cui il piatto
forte è l’album To Hell With The
Boys – una gemma di power
pop tirato e mai troppo mieloso,
forse l’apice della formazione
londinese che nei primi due la-
vori aveva un piglio lievemente
più punk. Segue lo scintillante,
e ancora più pop, Boys Only
del 1981 (chi sa resistere alla
botta di Weekend in apertura?).
Completano il quadro un CD di
rarità varie (in forma di demo,
mix originali e pezzi da singoli),
un live alla BBC del 1980 e il
primo famigerato e zozzo disco
di Natale inciso con la ragione
sociale The Yobs nel 1980. Il
libretto contiene annotazioni
storiche per ogni singolo brano:
una goduria.
ANDREA VALENTINI
77/100 DISCO
70/100 EXTRA
AA.VV.
NO FUTURE COMPLETE SINGLES
COLLECTION – THE SOUND OF UK 82
CHERRY RED
Creste e skins, squat e una retori-
ca working class naïf, alimentata
dalla benzina del thatcherismo.
Il secondo punk (conosciuto
anche come UK 82) viene spesso
ricordato come il fratellino pesti-
fero e irriducibile del punk ’77. È
stata anche un’epoca di grande
fioritura DIY. Un fitto ecosistema
in cui label come la No Future
potevano permettersi di strin-
gere accordi verbali con le band
(il classico 50/50) e pubblicare
singoli capaci di vendere migliaia
di copie. I 45 giri di Blitz, Pete &
The Test Tube Babes, Screaming
Dead, Partisans e molti altri
vengono ora raccolti in questi
quattro CD. 112 brani che rifug-
gono da ogni intellettualismo e
raccontano la realtà della strada
nell’Inghilterra degli anni 80,
meglio di un film di Ken Loach.
DIEGO BALLANI
78/100 DISCO
ZERO EXTRA
ENZO CARELLA
VOCAZIONE
ON SALE MUSIC
“I cantanti sono parecchi. Enzo
Carella è il meno parecchio di
tutti”: also sprach Pasquale
Panella, che grazie all’incontro
col musicista romano scopriva
la sua vocazione di paroliere.
Ma, al di là della perfezione
con cui la voce sorniona e
oppiacea di Carella respira sin-
tonizzata sulle immaginifiche
costruzioni panelliane, 43 anni
dopo di questo esordio alieno,
oltre alla scrittura brillante,
obliqua, gaudente, colpisce la
sofisticatezza di timbri e arran-
giamenti - complici i Goblin
quasi al completo - che sosten-
gono un inaudito cantautorato
funk. Prima edizione su CD,
dopo il carbonaro vinile rosa di
mesi fa, con due bonus, Fosse
Vero versione singolo e il retro
Si Rivede Ragazza. Certo, se
qualcuno riuscisse a ritrovare i
master originali...
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
85/100 DISCO
75/100 EXTRA
BEASTIE BOYS
BEASTIE BOYS MUSIC
UNIVERSAL
Quando si ama l’intera disco-
grafia di un gruppo, è dura
apprezzare fino in fondo una
raccolta, a meno che compren-
da inediti, remix o versioni
alternative di pezzi noti. Le 20
tracce (edite) di questa uscita -
in CD, digitale e doppio vinile
180g - danno vita a una panora-
mica abbastanza completa sulla
storia dei Beastie Boys in cui
gli assenti ingiustificati sono le
esplosioni punk di Heart Attack
Man o Time For Livin’ e le stru-
mentali piene di groove come
Funky Boss o Futterman’s Rule.
Ma, va detto, per il grande pub-
blico si tratta di “sottotrame” e
questa raccolta vuole ripercor-
rere i 30 anni di carriera della
band tramite i suoi classici. Si
è privilegiato il rap strizzando
l’occhio ai neofiti ma fa comun-
que bene riascoltare MCA, Ad-
Rock e Mike D.
LUCA GRICINELLA
80/100 DISCO
ZERO EXTRA
JOHNNY CASH
VAULT 45 – JOHNNY CASH:
A NIGHT TO REMEMBER
THIRD MAN
Leggenda racconta che le re-
gistrazioni del live di Johnny
Cash, che viene pubblicato per
la prima volta dall’etichetta di
Jack White, siano state ritro-
vate in soffitta. Vero o no, mai
titolo fu più indicato: una notte
da ricordare. Si tratta di quella
del 5 maggio 1973, all’Ahman-
son Theater di Los Angeles,
evento finale della settimana di
concerti voluta da Clive Davis,
chiamata proprio A Week To
Remember. La Vault 45 della
Third Man è un lungo singa-
long che vede un man in black
in stato di grazia affaccendato
con medley e ospiti (June Car-
ter Cash e Carl Perkins su tutti).
Attenzione anche alle chicche
nascoste nei DVD e 7”.
FERNANDO RENNIS
71/100 DISCO
71/100 EXTRA
BOLOGNA VIOLENTA
IL NUOVISSIMO MONDO
DISCHI BERVISTI
Il Nuovissimo Mondo è stato
per il progetto di Nicola Man-
zan una conferma e una consa-
crazione; da un lato per la qua-
lità espressa con questo album,
dall’altro per il fatto che nessu-
no avrebbe scommesso un euro
sul fatto che in Italia si potesse
portare avanti una carriera mu-
sicale facendo dischi grindcore.
Invece dieci anni dopo Bologna
Violenta, nonostante quella
copertina mortuaria, è ancora
vivo e pulsante. Non si possono
non citare (anche a memoria)
le clip audio nel bel mezzo delle
digressioni di chitarre distorte
e ritmiche claustrofobiche,
spesso di una violenza inaudita,
una su tutte “Adesso ci scopia-
mo la tua donna, proletari di
merda!”. Il disco torna alla luce
in vinile con copertina attua-
lizzata e quattro inediti: forse è
l’anno migliore per ascoltarlo.
LUCA DOLDI
72/100 DISCO
64/100 EXTRA
ENDLESS BOOGIE
THE GATHERED AND SCATTERED
AUTOPRODUZIONE
Da queste registrazioni da can-
tina, riesumate perché volevano
fare qualcosa durante la pan-
demia, gli Endless Boogie ne
escono come una band che eter-
na gli Stones e gli Stooges: le
fondamenta del rock così come
lo conosciamo. Un pezzo come
Basement Ritual III si basa su
un razor riff di Ron Asheton
piallato e sottilmente modifica-
to da una spasmodica improv-
visazione, potrebbero persino
essere gli Stooges catturati in
un garage, nel 1970, mentre
Iggy in quel momento è fuori
a farsi. Ben Ratliff ha definito
queste registrazioni “un’idea di
eternità dalle basse e soffocanti
aspettative”. Brani iterati, che
sembrano non finire mai anche
se durano tre minuti. Blues
asfissianti come Crude Truth,
che ne dura in realtà quasi
sette. L’eternità del rock‘n’roll.
CLAUDIO SORGE
80/100 DISCO
ZERO EXTRA
RUMOREMAG.COM | 91
RETROPOLIS OTTOBRE 2020
GENE
YOURS FOR THE TAKING:
THE BEST OF GENE
DEMON
Nel ‘95, al tempo del debutto
Olympian, Martin Rossiter e
Steve Mason costituivano un
asse artistico in grado di fare del
Britpop qualcosa di più di un
semplice trastullo per ragazzini.
L’approccio letterario e neotra-
dizionalista del primo e il jangly
sound del secondo, ne evidenzia-
vano le discendenze smithsiane
e di fronte a turgide ballate come
Be My Light, Be My Guide c’era
ben poco da obiettare. Poi i ri-
flettori si sono spenti, a dispetto
di un Rossiter che si era fatto
songwriter più raffinato e di un
Mason che aveva notevolmente
ampliato la tavolozza sonora.
Oggi le gemme di un repertorio
con ben pochi passi falsi vengo-
no raccolte su un doppio vinile
blu che, pur mancando di ine-
diti, costituisce un manifesto di
guitar pop colto e romantico.
DIEGO BALLANI
75/100 DISCO
ZERO EXTRA
RED LIGHTS
RED LIGHTS
IN THE RED/SPACECASE
Non avevo mai pensato a
Jeffrey Lee Pierce come a un
potenziale cantante power
pop. Per questo, quando la
In The Red ha dissotterrato i
nastri della sua band pre Gun
Club, la sorpresa è stata tanta.
Anche perché nel contesto della
Los Angeles del 1978 i Red
Lights ci stanno alla grande,
col loro amore per i sixties
che convive con le istanze del
punk. Ne scaturisce un ibrido
di buona fattura, pop robusto
con una tastiera a scandire i
tempi, melodie acerbe e furore
controllato. Jungle Book verrà
incisa e pubblicata dalla cult
band dei Last due anni dopo, e
in Debbie By The Tree si scor-
gono i primi segnali del futuro
suono disperato del Club del
Fucile, i restanti tre brani sono
sana esuberanza teen, né più né
meno. Un documento prezioso.
LUCA FRAZZI
72/100 DISCO
ZERO EXTRA
92 | RUMOREMAG.COM
THE IN OUT
LIVE ON WHRB 6/6/95
SCRAWNY RECORDINGS LTD
Lo-fi garage da Boston, profon-
di anni 90. Chi erano gli In Out?
Una sorta di Modern Lovers to-
talmente sbarellati. Adrenalina
velvettiana e suoni stridenti e
sfasati di una band sull’orlo del
collasso nervoso. Un’ispirazio-
ne 60’s punk che si fonde con
ritmi vintage electro tipo Caba-
ret Voltaire di Nag Nag Nag.
Un caos di flussi proto punk
60’s e new wave lo-fi, vintage
junk guitars, drum machine e
confuse pulsazioni r’n’r. Todd
Nudelman e David Pierce sono
i due degli In Out, meteora di
un’età in cui l’essenzialità un-
derground del r’n’r tendeva a
scomparire. Incisero tre singoli
e fecero qualche concerto con
Cheater Slicks e Chrome Cran-
ks. Poi il silenzio. E oggi ecco
questo mix di live cuts e dialo-
ghi su Nietzsche e Unabomber.
CLAUDIO SORGE
75/100 DISCO
ZERO EXTRA
KEVIN ROWLAND
MY BEAUTY
CHERRY RED
Uscito originariamente nel ‘99,
in pieno boom del lad rock, My
Beauty rappresenta uno dei
più spettacolari suicidi artistici
della storia. Un album di cover,
composto per lo più da canzoni
ultraromantiche fra cui spicca-
va una The Greatest Love Of All
di Withney Houston, realizzata
con un dispiegamento specto-
riano di archi e fiati. Fra una
commovente Long And Win-
ding Road e una You’ll Never
Walk Alone sobria come un
abito di Liberace, avrebbe dovu-
to trovar posto in scaletta anche
una barocca interpretazione di
Thunder Road eliminata all’ul-
timo minuto, ma recuperata in
questa bella ristampa. All’epoca
si trattò del peggior incasso di
casa Creation. In prospettiva, se
ne possono godere lo sguardo
sincero e i momenti di assoluta
squisitezza pop.
DIEGO BALLANI
78/100 DISCO
75/100 EXTRA
MOONSPELL
THE BUTTERFLY EFFECT
NAPALM
The Butterfly Effect non solo ha
definito per i portoghesi il con-
fine ultimo della sperimentazio-
ne gotico/elettronica all’interno
di un sentiero classicamente
metal, iniziata anni prima coi
ricorsi depechemodiani di Sin/
Pecado e virata qui su toni in-
dustriali filo nineinchnailsiani/
mansoniani e neo crossoveri-
stici (Can’t Bee arriva dai Faith
No More), ma si istituì pure
a fianco della parentesi neo
black del progetto Daemonarch.
Un’opera che incarna ancora
oggi quel “ponte estetico” ne-
cessario a ridefinire i confini
formali di una pelle prossima a
ulteriori capolavori, basti solo
pensare al poker circoscritto tra
i successivi Darkness And Hope
e Night Eternal.
STEFANO MORELLI
77/100 DISCO
ZERO EXTRA
SIGUE SIGUE SPUTNIK
FLAUNT IT
CHERRY RED
A metà anni 80, l’ex Generation
X Tony James, dava un nuovo
senso al concetto di rock’n’roll
swindle con un gruppo che
raccoglieva tutti i cliché del pop
(dalle creste punk, al futurismo
cartoonesco) e li usava per
shockare chi non aveva dimesti-
chezza con nessuno di essi. Il ri-
sultato era una pop band basata
su un’unica idea (temi rocka-
billy, bassline moroderiana e
provocazione spiccia), ma che
grazie al glamour malato arrivò
persino al nostrano Festivalbar.
Immancabile presenza nel ce-
stone dei forati, Flaunt It è riu-
scito negli anni a imporsi come
classico grazie all’inserimento
del singolo Love Missile F1-11
in tutte le playlist dei club rock.
Oggi ritorna in un quadruplo
CD di cui, più di tutto, si fa ap-
prezzare l’esauriente booklet.
DIEGO BALLANI
70/100 DISCO
85/100 EXTRA
NEW ORDER
POWER CORRUPTION
AND LIES (DEFINITIVE EDITION)
WARNER MUSIC UK
Nel biennio ‘83/’84 Bernard
Sumner e soci hanno smesso
di essere i Joy Division e sono
diventati uno dei gruppi più
celebrati del pop britannico. Per
seppellire il ricordo di Ian Curtis
c’è voluto l’ingresso dei quattro
nella club culture dell’epoca:
fra una Haçienda da costruire e
foraggiare economicamente, hit
planetari da scrivere e uno spi-
rito (post) punk ancora in grado
di dettare l’agenda artistica (a
fronte di inconcepibili scelte
commerciali). Una storia che
non si smetterebbe mai di farsi
raccontare e che questo cofanet-
to (graficamente curato da Peter
Saville) documenta minuziosa-
mente con demo, Peel Sessions
e live; allargando lo sguardo ai
singoli non inclusi nell’edizione
originale e contribuendo a corro-
borarne la leggenda.
DIEGO BALLANI
85/100 DISCO
95/100 EXTRA
SLAUGHTER & THE DOGS
DO IT DOG STYLE
CAPTAIN OI!
Prime mover della scena punk
mancuniana, gli Slaughter &
The Dogs hanno nel medagliere
un paio di album e una mancia-
ta di singoli fra il 1978 e il 1980.
Poi una carriera di reunion
nel nome della passata gloria.
Nonostante questo, l’album di
debutto è ancora incendiario
e vale un posto nel gotha del
punk rock. Quest’edizione
expanded è completata da un
bel disco di b-sides, outtakes e
singoli sparsi, a cui si aggiunge
un live del maggio 1977 già noto
col titolo di Live Slaughter
Rabid Dogs. Interessante il
booklet con copertine, testi,
memorabilia, note: un’ottima
lezione di storia (il gruppo si
è sciolto definitivamente nel
2019). Nel caso qualcuno avesse
dubbi: persino Morrissey fece
un’audizione per entrare nella
band nel ’79… può bastare?
ANDREA VALENTINI
79/100 DISCO
75/100 EXTRA

SPOON
TELEPHONO / A SERIES OF SNE-
AKS / GIRLS CAN TELL / KILL THE
MOONLIGHT / GIMME FICTION /
GA GA GA GA GA / TRANSFERENCE
MATADOR
Gli Spoon rendono per la prima
volta disponibile in vinile e
CD tutti i loro album fino a
Trasference (del 2010). Sono
sette lavori che rappresentano
un punto di vista privilegiato
sull’evoluzione dell’indie rock
americano fra mid 90s e i primi
anni del nuovo millennio. Un
periodo cruciale che ha visto
la band di Britt Daniel passare
dal sound dissonante, ancora di
matrice post hardcore, di Tele-
phono, al pop adulto di Kill The
Moonlight e Gimme Fiction.
Queste ultime, in particolare,
sono le opere più significative
di un periodo in cui band dalla
solida reputazione underground
riuscivano a imporsi a un vasto
pubblico in nome di un sound
coraggioso e appetibile.
DIEGO BALLANI
80/100 DISCO
ZERO EXTRA
WARLOCK
ANOS ANTE
SOMMOR
Continua l’opera di scavo alla ri-
cerca di nuggets dell’hard rock.
Qui abbiamo questa formazio-
ne madrilena di fine anni 70,
un’epoca di restart dell’hard,
inevitabilmente influenzato
dalla grezzezza e dinamicità
del punk rock. Brillantemente
dilettanteschi, carichi di stra-
bordante entusiasmo, i Warlock
si ispiravano per il loro hard oc-
culto a gente come Pentagram e
Lucifer’s Friend, con inevitabili
remote eco dei Sabbath (vedi la
versione di Paranoid). Guidati
dal criptico Victor Ramos,
alcuni di loro facevano parte dei
prime movers Necrophagus,
formatisi nel 1974. Fan dell’oc-
cult sound psichedelico (esploso
anni dopo con gli Electric
Wizard), fatevi avanti. Incisioni
da cantina, ma è già un miracolo
aver recuperato la memoria di
questa sconosciuta band.
CLAUDIO SORGE
78/100 DISCO
ZERO EXTRA
THE STOOGES
LIVE AT GOOSE LAKE
AUGUST 8TH, 1970
THIRD MAN
Il Goose Lake voleva essere la
risposta al peace & love di Wo-
odstock, un anno dopo: 200.000
persone, caldo torrido, più dro-
ghe cattive, meno sogni. Gli Sto-
oges suonano di fronte alla più
vasta audience della loro storia
l’ultimo concerto nella forma-
zione originale: il bassista Dave
Alexander, più fatto e angosciato
del solito, sbaglierà lo sbagliabi-
le e Iggy non lo perdonerà. È un
concerto nel quale regnano ten-
sione e rancori incrociati, tecni-
camente imperfetto ma pazzesco
perché gli Stooges erano paz-
zeschi, un’eterna garage band
che nel caos di quella sera, con
Iggy che paradossalmente è il
più sano del gruppo, oscura co-
munque il resto del cartellone. È
l’atto finale della Fase Uno della
band. Soprattutto, è un live vero.
Nel bene e nel male.
LUCA FRAZZI
80/100 DISCO
ZERO EXTRA
ROBERT WYATT
HIS GREATEST MISSES
DOMINO
Disponibile per la prima volta
in vinile (usciva una prima
volta su CD nel 2004 per il
mercato giapponese, e nel 2010
su Domino), questa raccolta di
Robert Wyatt dall’autoironico
titolo assembla 17 tracce in or-
dine non cronologico, pescate
qua e là lungo l’ultraquaran-
tennale carriera del Nostro.
Come si dice in questi casi,
dove peschi peschi bene, ma
l’assenza di inediti – Shipbu-
ilding, scritta per lui da Elvis
Costello e Clive Langer, e la
cover di I’m A Believer di Neil
Diamond si trovano anche sul
box EPs - e l’esiguità del pro-
gramma fanno di His Greatest
Misses un lavoro destinato ai
neofiti (ai quali consigliamo
tuttavia il doppio Different
Every Time, più corposo, tra-
sversale e approfondito) oppu-
re ai completisti.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
70/100 DISCO
ZERO EXTRA
SUONA ANCORA
IL MEGLIO
DEI MESI PASSATI
PETER ULRICH
PATHWAYS AND DAWNS
INFINITE FOG
L’esordio di Ulrich, prodotto e
arrangiato da Brendan Perry e SIR LORD BALTIMORE
ora riproposto fedelmente in THE COMPLETE
vinile dalla russa Infinite Fog, RECORDINGS 1970-2006
resta un capitolo importante CHERRY RED
nella lettura del linguaggio
etno sinfonico contemporaneo. Hard rock visionario, dal
Non solo nelle prospettive della sound frenetico e spiritato.
world music più nobile (sotto Una perla che ancora oggi
molti aspetti è complementare risplende di luce propria.
ai sentieri di Into The Labyrinth
e Spiritchaser), ma soprattutto
nel retaggio spirituale che deter-
minò, e determina tutt’oggi, tale
ricerca. Pathways And Dawns
però non è solo questo, contiene
gioielli di ulteriore e rara bellezza
compositiva, capaci di circoscri-
vere magistralmente e cinemati-
camente il luogo neo medievale e
folk tradizionale (quello di radice
irlandese e albionica), senza
tralasciare il progressivo negli
accenti arcaici (Nocturne).
STEFANO MORELLI
80/100 DISCO
ZERO EXTRA
RICHARD & LINDA
THOMPSON
HARD LUCK STORIES (1972-1982)
UNIVERSAL MUSIC
Questa retrospettiva rende
omaggio al periodo di
massimo splendore dei
FRANK ZAPPA due ormai ex coniugi, una
HALLOWEEN 1981 “mappa” per riscoprire i
ZAPPA loro antichi tesori artistici.
Sei CD, tre serate (la residency
di Halloween al Palladium di
New York, nel 1981 ormai un
appuntamento fisso) fino a oggi
documentate solo parzialmente
sui volumi di You Can’t Do That
On Stage Anymore e più ge-
nerosamente in formato video
(The Dub Room Special e The
Torture Never Stops). Oltre 70,
nel complesso, i brani inediti,
il tutto suonato da un ottetto
comprendente Steve Vai al suo
secondo tour con Zappa, com-
patto e agile nell’attraversare la
produzione del compositore dai
primi 70 in poi, e ampio spazio FLEETWOOD MAC
riservato al disco di quell’anno, THEN PLAY ON
You Are What You Is. Tra i BMG
momenti memorabili, la suite
King Kong ripensata in levare Per i Fleetwood Mac, da
senza perdere maestosità e una una parte, l’album più
intensa cover – più devota che coraggioso e sperimentale.
iconoclasta - di Whipping Post Dall’altra, l’ultima tappa
della Allman Brothers Band. prima del grande e radicale
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
cambiamento.
75/100 DISCO
75/100 EXTRA
RUMOREMAG.COM | 93
DIVENTARE RICCHI
SENZA SPORCARSI
COL LAVORO
STEFANO TAMBURINI
GENIO DI 30 ANNI
I
T E S T O D I LU C A F R A Z Z I
ILLUSTR A ZIONE DI GRIECO
l motto di Stefano la dice lunga sul distacco dal
contesto in cui era cresciuto, artisticamente e
non solo: negli anni della lotta politica e sociale,
Tamburini ostenta un disimpegno che cozza con la
realtà plumbea del tempo. Provocazione? Una sfida?
Di certo una scossa. Trauma e cambiamento, nel
bene e nel male, più o meno correttamente: è questo
che Tamburini ricerca con ostinazione lungo tutto
l’arco della sua vicenda umana e artistica. Troppo
breve.
Stefano Tamburini nasce a Roma, quartiere Talenti,
periferia nord est, il 18 agosto del 1955, e muore
per overdose sempre a Roma nel suo appartamento
al Trionfale nell’aprile del 1986. Il giorno esatto
del decesso non viene mai appurato, e a ritrovare
il cadavere, allertati dai vicini insospettiti da
una puzza che col passare del tempo si era fatta
insopportabile, è suo padre, accompagnato da
Sparagna, Vincino, Scozzari e Pazienza, dopo che
da settimane nessuno aveva più avuto sue notizie.
L’eroina, regina incontrastata di quegli anni (il
“riflusso” ha fatto vittime, tante), se lo porta via
TAG: #ranxerox #snakeagent #frigidaire #devo #redvinyle
in circostanze tristissime. Due anni dopo, il quasi
coetaneo (era del ’56) e fratello di sangue Andrea
Pazienza l’avrebbe seguito in questo percorso. Non
aveva compiuto 31 anni, Tamburini. Per 13 anni
(dalle prime, acerbe produzioni ultraunderground
del ’73 ai sontuosi progetti grafici di metà anni 80)
aveva generato scompiglio non solo con i fumetti,
ma lavorando sull’immagine, sul segno dei tempi che
stavano cambiando. Tamburini è il padre di Rank
Xerox (ribattezzato Ranxerox per non incappare
in problemi di copyright con la nota azienda che
produceva fotocopiatrici), il “coatto sintetico” che
ha fatto il giro del mondo abbattendo tabù su più
livelli (violenza, etica, linguaggio), passato poi per
le matite di Pazienza e soprattutto di Liberatore, che
ne hanno amplificato i tratti nichilisti nello scenario
di una Roma deumanizzata dall’incubo nucleare, tra
Blade Runner e il tribalismo di borgata. Tamburini,
però, è anche l’autore dello psicotico Snake Agent
(ambientazione noir chandleriana, dadaismo,
effetti stranianti ottenuti fotocopiando soggetti in
movimento), dell’impianto grafico di “Frigidaire”
(la copertina del primo numero, novembre 1980,
chiaro riferimento ai Devo, resta qualcosa di
inarrivabile) e delle recensioni discografiche a
firma Red Vinyle, critico a metà tra Lester Bangs
e un extraterrestre punk atterrato a Centocelle.
Tamburini è tutto questo e (concedetemi il luogo
comune) “molto altro”. È il nuovo (quello vero) che
avanza. È Roma a cavallo tra i ‘70 e gli ‘80. Sì, perché
la sua storia viaggia parallela a quella di Pazienza,
Scozzari e compagni di merende, incrocia Bologna, la
Traumfabrik, il ’77 turbolento della “città più libera
del mondo”, ma rispecchia Roma, in tutto e per tutto.
E a Roma si chiude mestamente in quell’aprile del
1986, quando la droga mette la parola “fine” a un
percorso abbagliante e mai scontato.
ONLINE: musclesedizioniunderground.bigcartel.com
RUMOREMAG.COM | 95
In Rete, nella pagina dell’archivio di Radio Radicale, si
trova la registrazione audio di un programma andato
in onda su Tele Roma 56 pochi giorni dopo la sua
morte (la cita anche Michele Mordente nell'intervista
che segue). La conduce Carlo Romeo, in studio
sono presenti Vincenzo Sparagna (direttore de “Il
Male” e di “Frigidaire”), Andrea Pazienza e (come lo
definisce lo stesso Paz) la “vipera” Filippo Scozzari,
invitati a ricordare l’amico scomparso. Dura un’ora.
È una trasmissione bellissima, prendetevi il tempo
per ascoltarla, ne vale la pena. Il tono e il linguaggio
appartengono a un’altra epoca. C’è cinismo (Scozzari:
“Ranxerox non mi è mai piaciuto…Stefano era un magro
nel corpo di un grasso…”), tenerezza (Pazienza: “Era
un ragazzone con i capelli molto lunghi, un ‘boccolone’
che gli scendeva sulla fronte quasi a coprirgli un occhio,
96 | RUMOREMAG.COM
capelli nerissimi, mani piccole con le unghie corte,
e l’incredibile agilità che solo le persone corpulente
riescono ad avere… non aveva una lira, io meno di lui…”),
ammirazione vera (Pazienza: “Stefano ha sempre rifiutato
di prostituirsi. Non ha mai rincorso le mode che lui stesso
aveva provveduto a creare. Non era nemmeno in grado di
comprarsi una camicia da solo…”), realismo (Sparagna:
“A un certo punto, convinto di non poter competere con
gente come Pazienza, Scozzari e Mattioli, Stefano ha
deciso di deporre le matite e ha agitato il cervello…”).
E alla fine l’aria in studio è permeata di un dolore vero,
palpabile, perché quel ragazzone di 30 anni non c’è più.
Un genio che aveva scelto di non crescere, Tamburini,
perché la gioventù delle idee non ha prezzo. Missione
compiuta.
MUSCOLI, FORBICI
E UNA MISSIONE
INTERVISTA A MICHELE MORDENTE, CURATORE DELLA COLLANA TUTTO TAMBURO
Nessuna ricorrenza particolare, meglio chiarirlo. Ma la
dedizione di Michele Mordente alla causa (la salvaguardia
della memoria di Stefano Tamburini e la sua opera) ha
un che di romantico e non passa inosservata. A maggior
ragione oggi che la collana antologica Tutto Tamburo,
curata da Mordente con rigore filologico e una passione
smisurata che – detto con affetto – sfocia nel patologico
(ignorando ogni logica commerciale), è arrivata al suo
quinto volume, se vogliamo quello più affine a “Rumore”
e al suo target. Nel libro si parla infatti delle connessioni
con la musica, verso la quale il nostro nutriva un interesse
che travalicava (e di molto) l’aspetto giornalistico. Sotto
lo pseudonimo di Red Vinyle, Tamburini rompeva gli
schemi della critica musicale “istituzionale” mettendo
in campo cattiveria e fantasia. Stefano era avido di
novità, amava il rock non scontato e guardava al futuro.
Era proiettato (con cuore, spirito e cervello) nel nuovo
millennio, ma non ci è mai arrivato. O forse sì. Di questo e
altro parliamo con Michele Mordente.
Perché hai deciso di votarti alla missione di
raccogliere, catalogare e far conoscere l’opera di
Stefano Tamburini?
“Sono sempre stato un appassionato di fumetti, sin
da bambino, e crescendo ho attraversato i vari generi,
approdando alla satira e all’underground. Quando ho
letto della morte di Andrea Pazienza, su un numero del
‘Be Bop A Lula’ di Red Ronnie e Bonvi, sono rimasto
incuriosito dal modo in cui descrivevano l’autore, ho
cercato le poche cose che erano disponibili sul mercato
librario e in quello dell’usato. Inevitabilmente sono
incappato nei lavori di Stefano Tamburini e ne sono
rimasto folgorato. Anche lui era scomparso da poco
e alcune delle sue opere principali (da Rank Xerox a
Snake Agent) erano state ristampate da Sparagna e
Scozzari su ‘Frigidaire’ e su ‘Tempi Supplementari’. Lette
quelle, decidere di andare oltre e di cercare le altre sue
opere è stato immediato. All’inizio con le mie piccole
scoperte ho realizzato tre numeri di una fanzine dedicata
interamente alle sue opere introvabili. Tamburini era ed
è il mio autore preferito e, sicuramente, sarebbe stato
dimenticato del tutto o trattato marginalmente. Per
questo ho iniziato a occuparmene e me ne occupo tuttora,
grazie alla fiducia che mi ha sempre accordato la sorella
Alessandra. Dopo 30 anni, con Tutto Tamburo chiudo
quasi un cerchio, iniziato con quelle prime modeste
fanzine fotocopiate”.
Per farlo, sei passato attraverso collaborazioni
con diverse case editrici come Coniglio e
Coconino. Perché, a un certo punto, hai sentito
l’esigenza di fondarne una tua, la Muscles?
“Hai dimenticato la casa editrice forse per me più
importante, perché è stata la prima a darmi fiducia e
quella con cui ho avuto la collaborazione più lunga.
Con Stampa Alternativa ho realizzato la mia prima
produzione, Mostri Italiani, le figurine dei serial killer
italiani, poi alcuni ‘millelire’, e ho curato e tradotto alcuni
libri di fumetti su Tamburini e non solo. Poi ci sono stati
Francesco Coniglio e di recente Igort, fondatore della
Coconino, che mi hanno chiesto di realizzare dei libri su
di lui. Devo dire che essendo un curatore e non un autore
non ho partecipato con queste mie produzioni a fiere di
libri e a mostre mercato del fumetto, né a presentazioni
in librerie. In qualche modo mi mancava il rapporto con i
lettori, con i destinatari dei libri che ideavo e curavo. Per
questo ho deciso prima di creare l’Associazione Culturale
Muscles, dedicata a Tamburini, nel 2006, e poi, nel 2014,
di dedicarmi all’autoproduzione con il marchio Muscles
Edizioni Underground. Le produzioni Muscles sono quasi
delle fanzine, la casa editrice è una one man band. Io mi
occupo di tutti i passaggi, dall’ideazione e costruzione
del libro, seguo la stampa in tipografia e gestisco gli
ordini e le vendite, fino alle spedizioni alle Poste. Ho
un’unica fondamentale collaboratrice, Daisy Jacuzzi,
una splendida grafica che fa il miracolo di rendere vivi e
visibili i miei progetti e le mie idee. Con lei collaboro sin
dai miei esordi con Stampa Alternativa, è ormai la grafica
ufficiale della Muscles”.
Generazionalmente, Tamburini ti appartiene?
Quanti anni hai?
“Sono più giovane di Tamburini di una dozzina d’anni.
Quando Tamburini ha esordito con ‘Cannibale’ ero alle
elementari e le mie letture erano ‘Il Corriere Dei Piccoli’
e ‘Topolino’. Ho recuperato solo alla fine degli anni 80
quelle letture”.
Sei un’autorità in materia: come descriveresti
Tamburini a una persona che non sa di chi stiamo
parlando?
“Ho sempre preferito raccontare l’autore con le sue
parole e i suoi segni, cioè attraverso la pubblicazione delle
sue opere. Se devo però usare delle parole per descriverlo,
posso dire, in breve, che era un genio schivo, un narratore
di talento che usava tutti i media, dal fumetto alla
musica, e che riusciva ad aggregare altri autori di talento,
esaltando le potenzialità di quanti gli stavano accanto.
Un autore che ancora non aveva sviluppato tutte le sue
potenzialità, ma che con le sue creazioni grafiche e le sue
RUMOREMAG.COM | 97
riviste ha tracciato il solco per più di una generazione”.

Pensi che una figura come la sua sia (consentimi il luogo

comune) “trasversale”, che possa avere un appeal per il
pubblico di oggi?
“Le opere di Tamburini appartengono fortemente al tempo in cui
furono realizzate, possono apparire in un primo momento datate ma
sono lavori d’avanguardia e possono essere considerate dei ‘classici’.
Come tutti i classici travalicano i loro tempi e possono essere
apprezzati dai lettori di ogni epoca”.

Oggi uno come Stefano che ruolo avrebbe nella

controcultura italiana?
“Esiste una controcultura italiana? I social hanno livellato un
po’ i ruoli e le possibilità. Hanno un po’ abbattuto la costruzione
verticale della cultura e allo stesso tempo diluito l’impatto che azioni
artistiche e di altro tipo possono avere”.

A chi si rivolge una collana come Tutto Tamburo? Ad

appassionati di fumetti, grafica, musica? A completisti
nerd? A neofiti?
“Con Tutto Tamburo, che ha distribuzione diretta e vien
pubblicizzato solo attraverso i social, ho un’idea molto chiara dei
lettori della collana. Tutto Tamburo raggiunge fondamentalmente
un pubblico appassionato di un certo tipo di cultura degli anni 70
e 80. Molti dei lettori sono coetanei di Tamburini che hanno letto
le sue opere quando uscivano all’epoca, ma ci sono anche lettori
più giovani e giovanissimi, amanti e fruitori di arte off e di fumetto
‘alternativo’”.

Per molti, Tamburini è “quello di Ranxerox”. Tu quale

ritieni sia il momento più alto della sua produzione, e
perché?
“È vero, ‘quello di Ranxerox’… Ranxerox è forse il suo personaggio
che ha tenuto di più nel tempo, ma io ritengo che la sua opera più
geniale, anche se di più difficile lettura, sia Snake Agent, un fumetto
situazionista realizzato decostruendo un classico degli anni 50 con
ironia e grande abilità. Con Snake Agent Tamburini ha agito nel
fumetto operando come certi musicisti che campionavano pezzi di
musica altrui per riutilizzarla. Chi vede in quest’operazione il voler
sopperire a scarse doti artistiche ha una visione miope e distorta.
Non comprende che dietro la costruzione del fumetto c’è prima la
creazione della storia e la sceneggiatura. Solo alla fine venivano
realizzate sul piatto della fotocopiatrice le distorsioni funzionali
alla singola vignetta. Era un lavoro lungo. Realizzare le ‘strisciate’
cinetiche del movimento col semplice disegno non avrebbe reso
quello che Tamburini voleva rappresentare nel suo fumetto, cioè
una società accelerata e quel senso di straniamento, di perdita di
adesione dalla realtà che la caratterizza, quasi un’alterazione dei
sensi lisergica”.

Parliamo di 13 anni di produzione (dal ’73 all’86) da parte

di un ragazzo che quando è morto non aveva compiuto
31 anni. In quale direzione ritieni sarebbe andato il suo
lavoro se l’eroina non ce l’avesse portato via?
“Nelle agende di lavoro che ha lasciato si leggono spunti per racconti
di narrativa e di performance artistiche. Avrebbe battuto nuove
 RETROPOLIS STEFANO TAMBURINI
strade e nuove forme di comunicazioni, visuali e sonore…
audiovisivi, soprattutto, e poi magari avrebbe ibridato
diversi media. E ci avrebbe raccontato la realtà futura”.
Tamburini ha operato esattamente a cavallo
di due decenni, ‘70 e ‘80, in un’Italia molto
diversa da quella di oggi, e la sua opera è figlia di
quel contesto. Questo significa che oggi appare
“superata” o pensi che conservi elementi di
attualità?
“Io definisco quella di Tamburini la poetica
dell’accelerazione, con i fumetti e con le sue grafiche ci
affacciamo sulla società alienata e alienante che viviamo.
Fa sempre bene rispecchiarci nella sua opera e vederci dal
di fuori”.
Associ Tamburini più agli anni 70 o agli ‘80?
“Amo di più il Tamburini degli anni 70, ma trovo che
il suo apice creativo lo abbia raggiunto negli ‘80 con
Ranxerox, La grafica di ‘Frigidaire’ e Snake Agent.
È sempre stato pienamente aderente al momento vissuto,
anzi un passo avanti”.
La generazione di Tamburini, Pazienza, Mattioli
(che per comodità e affinità di intenti associamo
ai vari Sparagna, Scozzari, Liberatore, anche
se c’era qualche anno di differenza) trova dei
corrispettivi nella scena attuale?
“È tutto molto cambiato, Tamburini e soci erano parte
di un’avanguardia del fumetto (e Tamburini non solo
del fumetto) che oggi non trova corrispettivi. Esistono
di certo autori capaci e innovativi, il web ce li mostra
ogni giorno, ma è cambiato il contesto sociale e non è
più possibile che questi abbiano un’incidenza nel gusto
e nella società come è stato per quelli del gruppo di
‘Frigidaire’”.
T E S T O D I LU C A F R A Z Z I
CON FRANK ZAPPA
Il linguaggio di quella generazione è invecchiato
bene o male? Un ventenne del 2020 cosa può
ricavare dalla lettura di un episodio di Ranxerox
o di Zanardi?
“Ranxerox e Zanardi raffigurano e anticipano la
disgregazione del tessuto sociale e urbano e un certo
tipo di cinismo oggi imperante. Questi due fumetti, che
all’epoca erano un’estremizzazione, purtroppo descrivono
pienamente la società odierna, ma forse non siamo ancora
arrivati a quelle distopie. Forse un ventenne ci può leggere
un monito”.
Tamburini aveva un’attenzione particolare per la
musica, soprattutto quella del dopo ‘77 (penso per
esempio alla sua grande passione per i Devo) più
sperimentale e coraggiosa. Non trovi che questo
lo proiettasse nel futuro più di Pazienza e soci?
“Tamburini era un grande esperto di musica, come lo
erano anche Liberatore e Mattioli. Ha iniziato ascoltando
le sperimentazioni di Zappa per approdare ai Pere Ubu
e ai Devo. Questi ultimi anche da un punto di vista
iconografico sono stati di ispirazione per lui. Tamburini
era sempre alla ricerca di novità culturali di qualsiasi tipo,
anche musicali. Questo certamente lo differenzia da altri
del gruppo”.
La sua cassetta a nome Mongoholy-Nazy uscita
nell’80 (allegata in formato CD a questo nuovo
volume di Tutto Tamburo) era una sorta di
“dichiarazione di intenti”: inizia un nuovo
decennio che sarà l’esatto contrario di quello che
l’ha preceduto. È un’opera fortemente simbolica.
Al suo interno ci trovi i Throbbing Gristle (e di
conseguenza Burroughs), la wave più estrema e,
su tutto, un profondo senso di “nuovo”. Nasceva
come uno scherzo, una provocazione o cos’altro?
RUMOREMAG.COM | 99

TUTTO TAMBURO VOL. 5
(LA MUSICA: SUONI, SEGNI
E PAROLE 1977-1982)
DI STEFANO TAMBURINI
MUSCLES EDIZIONI UNDERGROUND
Tutto Tamburo è la collana creata da
Muscles Edizioni Underground per
consegnare alla storia l'opera omnia di
Stefano Tamburini, e che nonostante la
mole di materiale già pubblicato è arrivata
solo a metà strada. Questo ci dà la misura di
quale vulcano di idee fosse l'artista romano.
Il quinto volume si occupa delle multiple
connessioni tra Tamburini e la musica,
dal travolgente amore giovanile per Frank
Zappa alla scoperta del punk e della new
wave (non dimentichiamoci che Stefano
nel '77 aveva 22 anni) nei suoi aspetti meno
canonici. Quindi Pere Ubu, John Lurie, Arto
Lindsay, James White, Throbbing Gristle
approcciati non solo sul piano grafico
ma anche su quello critico/letterario con
articoli comparsi su “Cannibale”, “Il Male”,
la splendida “Musica 80” e soprattutto la
rivista più scomoda e geniale dell'epoca
(di sempre?), ovvero “Frigidaire”, che
Tamburini aveva fondato dandole il taglio
cinico e innovativo che l'avrebbe resa
unica. È su “Frigidaire” che trova spazio il
critico musicale Red Vinyle, pseudonimo
col quale Stefano provoca anche i lettori
più illuminati, ed è su “Frigidaire” che dà
sfogo alle sue pulsioni dadaiste. A partire
dalla copertina giallo choc del numero 1
ispirata ai Devo, altra sua passione viscerale
(ricordo lo sconcerto degli edicolanti,
quando uscì: non sapevano se piazzarla
tra le riviste musicali, zozze o di costume).
In questo volume (in allegato un CD che
contiene la cassetta di sperimentazione
industrial Thalidomusic For Young Babies
pubblicata all'epoca sotto lo pseudonimo
Mongoholy-Nazy, con l’aggiunta di tre
tracce musicate da Maurizio Marsico/
Monofonic Orchestra) c'è la tensione di un
artista verso la provocazione e lo stimolo,
una guerra alla noia che Tamburini ha
condotto sino all'ultimo dei suoi giorni. Un
uncontrollable urge, più che mai.
85/100
100 | RUMOREMAG.COM
“Thalidomusic For Young Babies era un esperimento post punk
dal sapore industriale, nato come una provocazione del cinico
critico musicale Red Vinyle, interpretato da Tamburini sulle
pagine di ‘Frigidaire’. L’opera del fantomatico musicista ungherese
Mongoholy-Nazy era stata creata mescolando assieme delle
registrazioni fatte con il walkman dallo stesso Tamburini. Si va
da frammenti di Silver Surfin’ di Maurizio Marsico/Monofonic
Orchesta, registrata live durante un concerto tenuto dal musicista
milanese a New York, fino a rumori d’ambiente, tra cui la corsa di
un treno. Il lato B era semplicemente il riversamento del nastro
al contrario. Una sorta di industrial tape poi proposta nella sua
rubrica su ‘Frigidaire’ come unica novità musicale degna di nota
degli ultimi tempi. E il critico Red Vinyle si offriva di farne una
copia a pagamento a chi ne avesse fatto richiesta. Inutile dire che le
richieste piovvero numerose. Tamburini si rese conto che tanti non
avevano capito si trattasse di un gioco, e anche per questo decise di
dare un taglio alla rubrica di critica”.
Le sue recensioni di dischi con lo pseudonimo di Red
Vinyle sono un altro ponte spezzato col passato, un
cambio di rotta radicale rispetto allo stile della critica
musicale anni 70 stile “Muzak”/“Gong” di Bertoncelli e
soci, così forbita, intrisa di ideologia e “corretta”…
“Red Vinyle era un esperimento di fiction musicale. Il tono era
provocatorio e aggressivo, in linea con lo stile dell’autore, volto ad
‘accelerare’ ogni sua azione e situazione artistica. Il ruolo del critico
era portato all’eccesso e bandita ogni mezza misura. Per questo Red
Vinyle era tanto amato quanto detestato. Immagino che Tamburini
si divertisse a ricevere le lettere furenti dei fan dei gruppi che
aveva stroncato nel numero precedente. Tutto era comunque volto
in quell’ottica di spingere al massimo ogni azione e situazione
artistica. Era narrativa anche quella, una sorta di fumetto”.
Tamburini soffriva di un complesso di inferiorità rispetto
a Pazienza, Liberatore e Scozzari? Non era convinto delle
sue capacità tecniche?
“Tamburini non era semplicemente un autore di fumetti, ma un
comunicatore multidisciplinare. Non avrebbe dovuto paragonare
le sue capacità di disegnatore con quelle degli altri membri del
gruppo, alcuni dei quali erano dei virtuosi del disegno e con una
solida formazione accademica. Oggi il discorso del bel segno del
fumetto è superato, anzi sembra che ci sia una rincorsa ai disegni
brutti e diversi (vedi il successo di Fumettibrutti, Maicol & Mirco e il
Dottor Pira su tutti). Tamburini ha tracciato una strada utilizzando
magistralmente tecniche miste, dai collage ridipinti di Jena Press
alle tecniche della copy art di Snake Agent. Personalmente amo il
disegno underground di Tamburini, ma all’epoca l’autore di fumetti
doveva mostrare doti artistiche e di costruzione anatomica quasi
accademiche, e credo che questo lo abbia messo in crisi”.
Prima Tamburini, due anni dopo Pazienza: gli anni 80,
l’eroina. Quanto e come la droga ha influenzato l’opera di
queste due figure? Nel bene o nel male?
“Le droghe di ogni tipo hanno accompagnato la vita di questi autori
e ne hanno tragicamente causato la morte, ma negli anni in cui
hanno vissuto e operato erano parte dell’universo dei giovani e di
chi contestava il sistema. Non c’era ancora l’idea che abbiamo oggi
 RETROPOLIS STEFANO TAMBURINI
del tossico junkie. Inevitabilmente sono entrate anche
nell’opera di Tamburini e Pazienza, influenzandole.
Paz mostra in Zanardi l’uso spavaldo anche delle
sostanze pesanti, mentre in Pompeo vi è l’altra faccia,
la distruzione, la solitudine e la morte. Pompeo è un
fumetto catartico, Pazienza uccise la parte negativa di
sé, volle allontanare lo spettro della droga ma senza
risultati, come si è purtroppo visto pochi anni dopo.
Con Ranxerox, invece, Tamburini crea un supereroe,
un robot invincibile che si pera di Vinavil senza
conseguenze, ma anche Lubna, la ragazzina tredicenne
che lui ama, gestisce senza problemi apparenti la sua
tossicodipendenza. C’è chi dice che Tamburini sia
stato assorbito dai suoi problemi personali (di droga
e non solo) latitando – dopo un primo momento – da
‘Frigidaire’. Guardando le opere prodotte nell’ultimo
suo periodo di vita questo non si avverte, anzi, troviamo
alcune delle sue cose più interessanti, come si potrà
scoprire nei prossimi volumi di Tutto Tamburo, che
proporrà per la prima volta anche dei gustosi inediti”.
Quelli di Tamburini erano anni di forte tensione
sociale e politica. La politica però sembra entrare
solo di striscio nel suo lavoro. Mi sbaglio?
“Tutta la produzione anni 70 dell’autore è fortemente
politica, sin dalle produzioni super underground del
giornalino di strada ‘Combinazioni’. La produzione per
Stampa Alternativa supportava le battaglie per i diritti
civili della comune urbana romana e nei fumetti su
‘Cannibale’ e ‘Zut’ Tamburini mostra la sua vicinanza
all’area dell’Autonomia. Il Rank Xerox in bianco e
nero su ‘Cannibale’ offriva un ritratto distopico della
situazione sociale e politica degli anni in cui fu creato.
La carica politica di Tamburini si è poi smorzata con la
nascita di ‘Frigidaire’. Erano già gli anni 80, gli anni del
riflusso, e i tempi erano decisamente cambiati”.
T E S T O D I LU C A F R A Z Z I
C O N L I B E R ATO R E, S C OZ Z A R I E PA Z I E N Z A
Tre degli elementi sempre presenti nella proposta
artistica di Tamburini (e di tutto il gruppo
di “Cannibale”/“Il Male”/“Frigidaire” sono
l’urgenza, il dinamismo e l’ironia (che quasi
sempre sfociava nel sarcasmo). Non trovi che
siano elementi assenti nell’avanguardia grafica e
del fumetto di oggi? Come vivrebbe un Tamburini
nel mondo delle graphic novel?
“Azzarderei che Tamburini avrebbe frequentato il mondo
del fumetto solo marginalmente o per niente. Come ho già
detto, Stefano era essenzialmente un comunicatore, sia
attraverso immagini statiche, il fumetto e le illustrazioni
editoriali, sia attraverso i suoni, come attesta il CD
allegato a Tutto Tamburo 5 (che contiene anche dei brani
scritti da lui e musicati da Maurizio Marsico), e attraverso
la scrittura, ad esempio la fiction musicale di Red Vinyle e
i suoi brevi racconti pubblicati su ‘Frigidaire’. Per questo
immagino che avrebbe battuto nuove e diverse strade e
mezzi di comunicazione: il cinema, il web, e azzardo che
forse avrebbe creato e percorso strade ibride tra diversi
generi. Questa rimane, purtroppo, solo una sensazione”.
Tamburini è morto nel 1986. Perché dopo 34
anni siamo qui a parlare di lui e a studiare il suo
lavoro?
“Ritengo che sia sempre necessario leggere e studiare
gli autori e gli artisti che hanno aperto nuove strade e
innovato le arti e i media. Io penso che Stefano Tamburini
faccia parte di questi. Ho semplicemente fatto mia la
dichiarazione di Pazienza quando a Tele Roma 56, in una
trasmissione dedicata alla scomparsa dell’autore, disse:
‘In un futuro bisognerà cercare di ordinare quella che è
stata la sua opera, la sua produzione, in modo che non
si faccia riferimento solo a Ranxerox per definire il suo
livello di genialità, ma si vada a riscoprire tutte quelle cose
anche minimali, che avevano un’incidenza profonda’”.
RUMOREMAG.COM | 101
 CHE FINE HAI FATTO? ROBERTA VICINELLI
ROBERTA VICINELLI
IERI (1983 AL 2000)
“Sono nata a Bologna. La musica mi attrae
da quando ero bambina: cantavo, suonavo la
chitarra, l’armonica, ho persino frequentato il
conservatorio, dove tentarono di insegnarmi
a solfeggiare. Poi è arrivato il punk e nei primi
‘80 ho militato in gruppi dove ho cominciato
a suonare il basso, lo strumento che mi calza a
pennello. Me ne sono andata da casa dei miei
a 19 anni, per mantenermi lavoravo. All’epoca
a Bologna c’era un humus musicale creativo
e vario, e mi ci sono buttata. ‘Ne volevo a
pacchi’, suonavo in più gruppi, sfrecciavo in
motorino da una sala all’altra con il basso a
tracolla. Poi nel ‘91 un’amica mi dice che una
band chiamata Disciplinatha è rimasta senza
bassista ed eccomi arruolata. Intanto entro
nelle Mumble Rumble e comincia un periodo
intenso di concerti, prove, registrazioni,
dischi, interviste, video, servizi fotografici che
si protrae fino al ‘97, quando lascio le Mumble
e i Disciplinatha si sciolgono. L’album
Primigenia segna l’inizio della fine, i rapporti
con il Consorzio si incrinano, ‘Disciplinatha
non sta bene’ e la musica ne risente. E, visto
che niente migliora, decidiamo di ‘suicidarci’.
Memorabile l’ultimo concerto, sofferto, lo
ricordo bene. Però mi si libera del tempo
che decido di impiegare cimentandomi
con batterie elettroniche, campionatori e
programmi, per fare musica senza dover
militare in una band. Poi mi travolge la voglia
di allontanarmi dalla città e di ridefinire
bisogni e priorità: mangiare sano e respirare
aria pulita, fondamentalmente”.
102 | RUMOREMAG.COM
OGGI (DAL 2000)
“Lascio casa, lavoro, amici e parenti e
parto, per stimolare nuovi interessi. Viaggio
soprattutto in Spagna e Africa e realizzo che
un’alta qualità del cibo è la cura più efficace
per mantenersi in salute. Così decido di
imparare a fare l’orto biologico, all’inizio
NEL ’91 ENTRA AL con risultati scarsi, ma ogni volta migliori.
BASSO NEI DISCI- Lavoro come wwoofer e giardiniera, e
PLINATHA, CON I seguo corsi di permacultura. Mi stabilisco
QUALI INCIDE UN a Formentera, lavoro molto d’estate e
SINGOLO E DUE poco d’inverno, così posso tornare per un
ALBUM, TUTTI USCI- paio di mesi in Italia a salutare gli affetti.
TI PER I DISCHI Nel 2009 un grave problema familiare mi
DEL MULO (C.P.I.). costringe a tornare a Bologna. Nel 2012 mi
INTANTO NEL ’92 chiamano i Disciplinatha per un concerto di
RAGGIUNGE LE presentazione del documentario sulla storia
MUMBLE RUMBLE del gruppo e del box contenente la nostra
CON LE QUALI discografia. La data va bene e torniamo a
CONDIVIDE PAL- coagularci. Poi nascono i Dish Is Nein, col
CHI E UN ALBUM, vecchio bassista, e pubblicano un EP. Nel
PER POI ABBAN- 2019 lo rimpiazzo (come nel ‘91) e prepariamo
DONARLE NEL ’97, il live che parte a gennaio. Dopo tre date ci
ANNO IN CUI SI interrompe il lockdown. Nei due mesi di
CONCLUDE ANCHE clausura ho scritto pezzi nuovi. A proposito
LA STORIA DEI di lavoro, l’ultimo che ho fatto è stato
DISCIPLINATHA. soddisfacente: eravamo in due e dovevamo
avviare un orto biologico in un terreno quasi
desertico. Individuata la tecnica giusta, ci
siamo impegnati a seguire i progressi e a
intervenire in caso di problemi (molti), ma
poi l’orto ha prodotto e sono cresciuti anche
i cocomeri. Non ho più voglia di viaggiare,
vorrei trovare casa sugli Appennini bolognesi
e vivere vicino al bosco. Ma chissà, potrebbe
di nuovo cambiare tutto”.
DI BARBARA SANTI
 GENTE SOL A (MA NON TROPPO) STORIA MINIMA DEI DISCHI DEFIL ATI
PAUL PENA
New Train (Hybrid, 1973/2000)
È un po’ l’effetto Rodriguez, ma davvero dietro
a ogni musicista c’è una storia incredibile. Paul
Pena (Hyannis, Massachusetts, 26 gennaio 1950
- San Francisco, 2005) ha origini capoverdiane
(isole di Brava e Fogo, per la precisione) e si
appassiona, tramite padre e nonno, entrambi
musicisti professionisti, alla morna, il blues di Capo
Verde fatto anche di violini e fisarmonica. Passa
un’estate in Portogallo e Spagna, dove studia e
suona il flamenco. Ma ha anche gravi problemi di
salute, un raro glaucoma congenito, e la condanna
di diventare cieco prima ancora di compiere 20
anni. Nel 1969 forma una band e si esibisce prima
di Grateful Dead e Mothers Of Invention, suona
con la T-Bone Walker Blues Band e collabora con
Bonnie Raitt. Nel 1971 pubblica un album solista per
la Capitol, ma sono le canzoni del successivo, New
Train, a destare interesse. Jerry Garcia collabora alle
registrazioni, si porta dietro il fido tastierista Merl
Saunders, e la miscela di blues e West Coast funk
rock talvolta hendrixiano dell’album pare perfetta
per gli ascolti dell’epoca. A produrre il disco c’è Ben
Sidran, tastierista della Steve Miller Band. Ma le cose
non vanno per il verso giusto e Albert Grossman,
manager di Dylan e proprietario della Bearsville,
congela l’album. Dispute contrattuali, soprattutto,
ma New Train non viene pubblicato, e Paul Pena
rimane comunque “imprigionato” dalla sua etichetta.
Ben Sidran, però, invita Steve Miller ad ascoltare i
nastri e la Steve Miller Band decide di pubblicare
sul suo Book Of Dreams del 1977 una versione di Jet
Airliner, canzone numero tre dell’album fantasma
di Pena. Il brano, che è il resoconto del viaggio in
aereo da Boston a Montreal intrapreso da Pena
per partecipare al suo primo live con la T-Bone
Walker Band, raggiunge la posizione numero 8 nelle
classifiche di “Billboard” e consente al suo autore,
grazie al pagamento delle royalties, di condurre una
DI MAURIZIO BLATTO
vita comunque difficile e sfortunata. Una moglie
prematuramente scomparsa per insufficienza renale
e la sua salute aggravata da diabete e pancreatite e,
come se non bastasse, dalle complicazioni respiratorie
subite a causa di un incendio nella camera da letto.
Ma in tante avversità, anche la insolita soddisfazione
di una rinascita artistica dovuta alle doti di Pena nel
canto armonico tuvano, scoperto per caso su Radio
Mosca durante un ascolto radiofonico occasionale.
La Repubblica di Tuva, Siberia centromeridionale, è
“nota” per il suo affascinante canto vocale, quasi una
versione asiatica di certo pre war folk americano.
Paul Pena se ne innamora e inizia da autodidatta,
ascoltando incessantemente un disco trovato a fatica
(Voices From The Center Of Asia), studiando la
lingua tuvana grazie a un dizionario Tuvano-Russo-
Inglese convertito tenacemente in una sorta di braille.
Fatica titanica premiata dall’invito a partecipare,
unico occidentale, al simposio Khoomai tenutosi nel
1995 a Kyzyl (Tuva). Lì fu premiato, acclamato dal
pubblico e insignito del soprannome di Cher Shimjer
("Terremoto") per l’estrema profondità del suo
canto. Nel 2000, dopo qualche negoziazione legale,
fu finalmente pubblicato New Train, caldissimo
fin dall’apertura di Gonna Move, con i Persuasions
a fare i cori ed esaltata dalle seguenti New Train
(ballata alla Tony Joe White sotto caldi raggi soul)
e dalla benemerita Jet Airliner (grande classico da
highway rock e vento caldo dai finestrini). Notevoli
la super hendrixiana Cosmic Mirror, quasi sei minuti
funkadelici, la rilassatezza gospel della cover di Let’s
Move And Groove Together di Johnny Nash e il pop
lieve per archi e Terry Callier di Indian Boy. Chiude
la dolce e quasi acustica Taking Your Love Down,
neanche tre minuti perfetti a inquadrare la golden
hour dei primi anni 70, tramonto nostalgico su un
certo modo (e mondo) rock. Paul Pena: Genghis Blues
forever.
RUMOREMAG.COM | 103
VISIONI SPECIALE VENEZIA 77
Eredi di John Steinbeck
e Jack Kerouac
NOMADLAND
REGIA DI CHLOÉ ZHAO
USA, 2020
Non era scontato che Venezia 77 andasse in scena. Nell’anno della
pandemia Covid-19, già a marzo giravano voci di cancellazione.
E invece no. Alberto Barbera e il neodirettore della Biennale
Roberto Cicutto hanno tenuto ferma la barra della necessità di
realizzare un’edizione che ci auguriamo resterà “unica” per dare
un segno importante di ripartenza a un’industria in sofferenza e
offrire così un modello agli altri festival. Una scommessa vinta
su tutti i fronti. Gli occhi di tutto il mondo erano puntati su
Venezia. E, a partire da “Variety” in giù, la stampa e l’industria
hanno potuto verificare come realizzare un festival rispettando
tutte le norme igienico-sanitarie fosse possibile, risultato di cui
andare orgogliosi. E nonostante le polemiche relative al palmares
– cosa che in fondo significa, notava Cicutto, che siamo tornati
A CURA DI GIONA A. NAZZARO
MISS MARX
REGIA DI SUSANNA NICCHIARELLI
ITALIA, BELGIO, 2020
E se la figlia di Carlo Marx fosse
stata una femminista proto punk
ante litteram? Una riot girl, come
si suol dire? Susanna Nicchiarelli
ripercorre la vita di Eleanor Marx,
rimasta sempre nell’ombra del padre.
Interpretata con una convinzione
fisica impressionante da Romola
Garai, Eleanor Marx emerge come un
personaggio non conciliato stretto fra
le maglie della Storia, proprio quella
che lei vorrebbe contribuire a cambiare. La Nicchiarelli,
invece di capitalizzare pigramente sui risultati del film
precedente, nel celebrare la storia della figlia di Marx
si mette in discussione con coraggio ammirevole. Ne
risulta un film arrabbiato e teso, malinconico e riflessivo,
che ci concede notevoli esplosioni di frustrazione,
sovente nel segno delle schitarrate punk dei Downtown
Boys. Prodotto dalla Vivo Film, che si conferma società
italiana dalla vocazione europea, Miss Marx è un film
polemicamente sbilenco e fieramente ambizioso. Un film
italiano che consapevolmente accetta la sfida offerta dal
resto della produzione europea. Probabilmente il racconto
poteva essere più condensato e qualche lungaggine
asciugata dal montaggio, ma la furia generosa di Miss
Marx resta negli occhi e non è affatto poco.
GIONA A. NAZZARO
77/100
104 | RUMOREMAG.COM
alla “normalità” – i film c’erano, i cinefili pure. Ed è questo quel
che conta. Con il Leone d’Oro a Chloé Zhao, peraltro meritato,
Venezia si rimette subito in pista come piattaforma di lancio
per la stagione degli Oscar. Il film, realizzato nei brevi intervalli
de Gli Eterni, prossimo blockbuster del MCU, è un riuscito
omaggio a coloro i quali sono stati letteralmente messi sulla
strada da una devastante crisi economica. La Zhao conferma
l'abilità nell’intrecciare documentario e accenni minimi di
finzione, integrando nel suo film autentici nomadi nei titoli di
coda presentati con i nomi da strada. Il film riprende elementi
della narrativa di John Steinbeck e Jack Kerouac ed è un evidente
atto d'accusa nei confronti della politica trumpiana. Frances
McDormand non ha bisogno di altri elogi, ma si conferma
interprete di intuizione superiore. Per Venezia 77 non ci poteva
essere viatico migliore di Nomadland. See you down the road.
GIONA A. NAZZARO
94/100
@GIONANAZZARO
NOTTURNO
REGIA DI GIANFRANCO ROSI
ITALIA, FRANCIA, GERMANIA, 2020
Gianfranco Rosi coglie immagini del
Medio Oriente per l’ultima volta. Il
suo è l’ultimo film che osserva luoghi
d’ora in avanti cancellati e ridisegnati
dal tragico accordo trumpiano che
ha messo intorno a un tavolo Israele
ed Emirati Arabi. Sorgeranno nuove
frontiere e la Palestina scomparirà
definitivamente. Rosi, invece, filma
quei luoghi come se non ci fossero
frontiere, e tutta la regione fosse
un altro reale. Invece che piegarsi ai dettati della Storia,
penetra fra le sue pieghe minime, auscultando ciò che
non si riesce nemmeno a vedere. Rosi, con straordinaria
intuizione, non crede all’immagine strappata alla
cosiddetta vita come feticcio di una verità intoccabile. Sa
che la realtà va esplorata nel corpo a corpo che il cineasta
ingaggia con l’immagine che non si vuole rivelare. Ed è
dal rapporto che questa saprà costruire con lo sguardo
dell’interlocutore che scaturirà un pensiero e un discorso.
Film profondamente commovente, Notturno sogna ponti
fra Siria e Libano, Iraq e Kurdistan. Rosi mette in scena
un’erranza nel “resto di niente” della Storia, viaggiando
lungo sentieri mai esplorati. Offrendo ai corpi e ai luoghi
la bellezza che la violenza della Storia ha portato via.
GIONA A. NAZZARO
100/100
 THE WORLD TO COME
REGIA DI MONA FASTVOLD
USA, 2020
Frettolosamente definito un I
Segreti Di Brokeback Mountain al
femminile, il film di Mona Fastvold
è in realtà il tassello mancante della
conquista del West da parte di quella
che sarà poi l’aristocrazia terriera
nordamericana. Il film, avvolto nei
colori lividi di un inverno spietato, è
un melodramma severo che non cede
mai al sentimentalismo. Prodotto
da Casey Affleck, che si ritaglia una
parte dolente da testimone impotente, il film si regge sulle
spalle delle due magnifiche protagoniste, Vanessa Kirby
e Katherine Waterston, le quali intrecciano una relazione
tutta nutrita di assenze e mancanze. Lo sguardo della
regista evoca un territorio fantasmatico fatto di proiezioni
e desideri, sullo sfondo vaste terre ancora libere dalle
recinzioni del denaro; un’intuizione politica forte che trova
un corrispettivo emotivo nei corpi delle protagoniste.
Essere prigioniere nel carcere più vasto del mondo, che
non necessita sbarre. La regista controlla l’emozione sino
alla fine, quando si lascia andare a un crescendo gestito
sapientemente. Le pagine del diario diventano immagini
del film e i confini fra realtà e desiderio si abbracciano
sensuali. Peccato non essersi ricordati di questo film per il
Palmares.
GIONA A. NAZZARO
81/100
Extravisioni GLI ALTRI FILM DA NON PERDERE
NIGHT
IN PARADISE
REGIA DI HOON-JUNG
PARK
COREA DEL SUD, 2020
ONE NIGHT IN MIAMI
REGIA DI REGINA KING
USA, 2020
Tratto dalla pièce di Kemp Powers,
One Night In Miami è un film
irresistibile. Di fronte al quale non
ci sono difese possibili. Nel febbraio
del 1964, nella notte in cui Cassius
Clay batte Sonny Liston il pugile,
non ancora Muhammad Ali, si
ritrova in un motel con Malcolm
X, Sam Cooke e Jim Brown. Malcolm ha rotto con la
Elijah Muhammad e teme ritorsioni. Hoover lo pedina.
Jim Brown, campione di football, sta per diventare una
star del cinema e Sam Cooke è la voce soul più amata.
Malcolm vuole trasformarli in campioni e modelli della
sua gente, per la sua gente. Nel corso di una lunga notte
i quattro si confrontano e si affrontano sino alle prime
luci dell’alba. Regina King, la regista, è entrata nella
storia per essere la prima afroamericana presente al
festival di Venezia. Film che avrebbe meritato il concorso,
evidenzia una messinscena precisa e mai teatrale, e gli
interpreti sono tutti superbi. Elegia e apologia di alcuni
dei più carismatici alfieri dei diritti civili per la causa
afroamericana, il film risplende di una bellezza senza
tempo. E anche se il finale può risultare annunciato,
quando finalmente giunge non c’è scampo: le lacrime
scorrono incontenibili. Un film magnifico.
GIONA A. NAZZARO
100/100
MANDIBULES
REGIA DI QUENTIN DUPIEUX
FRANCIA, 2020
Un film genuinamente surreale e
irresistibile. Un umorismo lunare
e genialmente stupido (si pensa
a The Stupids di John Landis).
Un road movie senza coordinate
guidato dall’idea folle di
addestrare una mosca gigante per
mettere a segno delle rapine in
banca. Dupieux si inventa una gag
per inquadratura e almeno due
o tre battute fulminanti a scena.
Con una naturalezza mai forzata, cosa che permette al film
di non risultare stucchevole nonostante un fuoco di fila di
trovate che sfida la comprensione umana. Probabilmente,
come sempre in Dupieux, da qualche parte c’è anche un
discorso super politico sulla condizione della gettatezza
postmoderna, ma sarebbe come soffiare sulla miccia
delle sue invenzioni per spegnere i possibili cortocircuiti
di senso che invece a volte è bene lasciare bollire nella
loro assurdità logica. Non si può non ammirare infatti la
magistrale leggerezza con la quale Dupieux sembra ormai
avere trovato quella che si potrebbe addirittura definire la
sua cifra “classica”. Perché dietro il nonsense si cela una
comprensione davvero audace della macchina cinema.
Senza contare che la precisione ritmica con la quale sono
costruite le gag non ha eguali oggi.
GIONA A. NAZZARO
92/100
HOPPER/WELLES CITY HALL
REGIA DI ORSON REGIA DI FREDERICK
WELLES WISEMAN
USA, 2020 USA, 2020
IN BETWEEN DYING
REGIA DI HILAL BAYDAROV
AZERBAIJAN, MESSICO, USA, 2020
La sorpresa del concorso
di Venezia 77 è un regista
fuori dal tempo rivelato da
Visions Du Rèel, dove aveva
presentato il suo magnifico
documentario When The
Persimmons Grew che a
sorpresa aveva anche vinto.
Azero, esperto informatico
che un giorno decide di
frequentare la scuola di Bela
Tarr a Sarajevo, affatto cinefilo, anzi attraversato da una
sana diffidenza nei confronti dell’immagine, è “la” cosa
nuova del cinema mondiale. Dotato di uno sguardo arcaico
(Tarkovskij, Anghelopoulos, ma anche Paradjanov…) vanta
un fare completamente al di fuori delle norme festivaliere.
Baydarov firma un road movie visionario in cui un uomo,
uscito di casa per comprare farmaci alla madre, uccide o
aiuta a uccidere (per una serie di bizzarre combinazioni di
eventi) uomini che tormentano le loro donne. Le immagini
di Baydarov non hanno eguali oggi. Il mondo sembra
rivelarsi per la prima volta. Il tempo si contrae e si dilata. E,
nonostante la cifra stilistica sembri ossequiare il realismo,
in realtà il film è una costruzione visionaria e lirica. Un
film segreto, da scoprire sul grande schermo, per perdersi
meglio nelle volute dei suoi innumerevoli passaggi segreti.
Un regista di cui sentiremo parlare ancora.
GIONA A. NAZZARO
93/100
RUMOREMAG.COM | 105
VISIONI SERIE TV
Nel segno della Bestia
30 MONEDAS
PRODUZIONE: HBO EUROPE
PIATTAFORMA: TBC
Che piacere ritrovare Alex De La Iglesia al meglio della sua
follia e creatività! 30 Monedas/30 Coins è un progetto al quale
il regista ha lavorato – stando alle sue dichiarazioni – per tutta
la vita. Un sogno che si realizza, insomma. A Venezia è stato
presentato il primo episodio della durata di 75 minuti. I restanti
episodi sono annunciati della durata di un’ora. Il film, di questo
si tratta, si apre con una micidiale e violentissima rapina ai
danni di un caveau ginevrino. Poi si passa ai titoli di testa: la
più sanguinaria crocefissione dai tempi di La Passione Di Cristo
si svolge in slow motion come una danza macabra. Stacco e si
passa a un piccolo villaggio spagnolo dove un neonato è partorito
da una mucca. Il prete della comunità è un pugile e in sagrestia
tiene un vero arsenale. E non sono trascorsi nemmeno dieci
THE BOYS
PRODUZIONE: SONY PICTURES TE-
LEVISION, AMAZON STUDIOS, POINT
GREY PICTURES, ORIGINAL FILM
PIATTAFORMA: AMAZON PRIME VIDEO
Che fare se sei ricercato come terro-
rista, scappi a bordo di un motoscafo
e la tua unica via di fuga è sbarrata
da un enorme capodoglio guidato
da Abisso? Ci passi attraverso in un
profluvio di sangue e viscere, è ovvio.
Provocatoria, spassosa, chiassona -
ma anche stratificata, intelligente e a
suo modo consapevolmente politica
- è tornata in tutto il suo oltraggioso splendore la serie –
siamo alla seconda stagione - che Eric Kripke ha tratto dai
fumetti di Garth Ennis. Patriota è ancora pazzo e cattivo
come un bambino viziato a cui il mondo non può dire
di no, ma l'arrivo della nuova supereroina Stormfront,
capace di controllare la furia degli elementi e il consenso
sui social, apre nuovi fronti di lotta all'interno dei Sette. Il
rude Billy Butcher continua a (di)battersi tra la spinta alla
vendetta e il sentimento per Becca, l'amata moglie ritro-
vata nel finale della scorsa stagione. Tutti gli altri - umani
più o meno danneggiati e super in preda a deliri religiosi
e risvegli morali - proseguono il racconto parodistico (e
terribilmente familiare) di un mondo in cui il potere è
soprattutto manipolazione della pubblica opinione.
CLAUDIA BONADONNA
79/100
106 | RUMOREMAG.COM
minuti! Il riferimento, ovviamente, è a El Dia De La Bestia e altri
classici del regista. Il passo, però, è diverso. Si capisce subito
che in questa folle vicenda che ruota intorno al recuperare i 30
denari guadagnati da Giuda Iscariota per tradire Gesù Cristo,
De La Iglesia (nomen omen, verrebbe voglia di dire) vuole dare
vita alla sua personalissima opera omnia. Accadono più cose in
questo “pilot” che in uno qualsiasi dei film in circolazione oggi.
Coltissimo manipolatore di forme e stilemi del cinema di genere,
dotato di un’ironia raffinatissima, senza contare il suo gusto per
l’oltraggio ai danni dei canoni del buon gusto, 30 Monedas si
annuncia come imperdibile. Dopo questi 75 minuti tutti fuoco e
fiamme, sturm und drang, si fatica un po’ a conservare la calma in
attesa del resto degli episodi. Ma, se questo è il buongiorno, cosa
accadrà quando caleranno le tenebre? Che Dio – o chi per lui –
abbia in gloria Alex De La Iglesia!
GIONA A. NAZZARO
89/100
HOMELAND – STAGIONE 8
PRODUZIONE:TEAKWOOD LANE
PRODUCTIONS, CHERRY PIE PRO-
DUCTIONS, KESHET MEDIA GROUP,
FOX 21 TELEVISION STUDIOS
PIATTAFORMA: SKY
Purtroppo tutte le cose belle
giungono al termine. Si abbassa il
sipario su Homeland, serie che ha
conservato un invidiabile livello
qualitativo, mantenendo il passo
con l’attualità politica statunitense
e internazionale. L’ottava stagione
ricrea la nascita di Da’ech da una
costola di Al Qaida (basta unire i puntini…) e ancora una
volta mena fendenti all’idiozia dei falchi e tira in ballo i
tentativi di destabilizzazione di Putin. Che il tutto si con-
cluda con un’apologia jazz (tramite Kamasi Washington)
dei whistle blowers e che la nostra eroina segua i passi di
Snowden la dice lunga sul posizionamento politico degli
autori. La tristezza per la fine è parzialmente compensata
da un sottofinalino che forse potrebbe in futuro dare vita a
qualcosa d’altro. Un po’ come accade anche con 24. Certo,
qualcuno fra i fedelissimi avrebbe voluto sapere qualche
altra cosetta su Dar Adal, che invece risulta scomparso.
Peccato. Eppure, anche a riandare con la testa alle altre
stagioni, l’ottava sembra possedere davvero una marcia in
più. Se l’avete persa è davvero il caso. Di serie come Home-
land se ne fanno davvero poche.
GIONA A. NAZZARO
90/100

VISIONI ESPANSE
Cineobituary
DIANA RIGG
19 3 8 – 2020
Diana Rigg non era solo Emma Peel, ossia la magnifica spia della serie televisiva
britannica Agente Speciale che tanto ci faceva sognare a occhi aperti da piccini. Eppure,
appena si pronuncia il suo nome la si immagina immediatamente al fianco di Patrick
Macnee. Certo: lei è stata anche Tracy Draco in Agente 007 – Al Servizio Segreto
Di Sua Maestà, il più ingiustamente dimenticato dei Bond classici. Legata più alla
televisione che al cinema, dove appare in film di culto come Oscar Insanguinato di
Douglas Hickox, è apparsa anche ne Il Trono Di Spade nel ruolo di Lady Olenna Tyrell,
anche se in pochissimi avranno riconosciuto l’icona fetish della Swinging London. In
realtà, a guardare sotto la superficie dell’iconografia, c’era un’attrice formatasi presso
la Royal Shakespeare Company che con un’apparizione nuda sulle scene in Abelard And
Heloise aveva provocato le ire moraliste del critico John Simon, il quale si espresse con
malagrazia nei confronti del suo corpo. La Rigg si prese poi negli anni una magnifica
vendetta compilando nel libro No Turn Unstoned le peggiori recensioni teatrali della
“storia”. Fra le sue ultimissime apparizioni televisive, va segnalata anche Dr. Who.
Il teatro, però, era e sarebbe restato la sua più grande passione.
GIONA A. NAZZARO
D E L ME S E
VITALINA VARELA
SECOND RUN
In Italia Pedro Costa gode dell’affetto di
un manipolo di cinefili devoti. Nel resto
del mondo il suo lavoro viene premiato e
omaggiato nei festival internazionali e in
alcuni paesi come l’Inghilterra è regolarmente
presentato in DVD e blu ray. La Second Run
si distingue per fedeltà nei confronti del
regista portoghese. A un anno di distanza
dalla presentazione locarnese, dove ha vinto
il Pardo d’Oro, Vitalina Varela vede la luce
in una magnifica edizione blu ray. Introdotto
da una presentazione del critico Chris
Fujiwara (grande studioso di Otto Preminger,
Jacques Tourneur e Jerry Lewis), il disco si
presenta con un ricco comparto di extra e
un booklet estremamente dettagliato. Così
si può penetrare nel mondo di Costa e dei
suoi fantasmi nel modo più filologicamente
corretto possibile. E mentre in Italia si
dichiara la morte del supporto fisico in nome
dell’immaterialità, nel resto del mondo i
dischetti resistono alla grande. La differenza –
come al solito – la fa solo la qualità.
GIONA A. NAZZARO
82/100
Musica
per gli occhi
LAFAWNDAH
LE MALENTENDU
FEAT. LALA &CE
REGIA: CAROLINE POGGI,
JONATHAN VINEL
LABEL: LATENCY
Tratto The Fifth Season, il nuovo disco
di Lafawndah, il brano Le Malentendu
è stato messo in immagini dai
talentuosissimi Caroline Poggi e
Jonathan Vinel, registi del magnifico
Jessica Forever e di corti memorabili
come After School Knife Fight e Tant
Qu'il Nous Reste Des Fusils À Pompe.
Della musicista di origini iraniane,
che ha collaborato anche con Tirzah,
serpentwithfeet e Kelsey Lu, per la
quale sono state scomodate etichette
come avant pop ed elettroglobalismo,
si attendevano con curiosità notizie
dopo Ancestor Boy. Il breve film
realizzato dalla coppia per la musicista
riprende le atmosfere di alcuni dei
loro precedenti lavori ma procede
nella direzione di un incanto sensuale
e magico. Degli sconosciuti penetrano
in una casa e ne spengono tutte le luci.
Delle forme femminili si muovono
negli ambienti domestici. Una ragazza
africana dagli occhi vertiginosi
appare. In giardino, la magnifica
Aomi Muyock è legata a un albero con
mille lacci multicolori. Una lama le
spunta dalla bocca. E poi ancora altri
coltelli. Il clip si dilata. La musica si
ferma. Aomi si libera dai lacci. Una
guerriera con un carapace appare
in casa. Forse è una maga. Poggi e
Vinel fanno del cinema. Rinunciano
a tutti gli artifici dei clip e semmai
guardano alla poesia analogica di un
Jean Cocteau. Ciò che risulta è una
magnifica danza segreta tessuta sotto
la pelle di seduzioni e desideri, dove la
superficie dell’immagine evoca quella
dei corpi. Un lavoro davvero notevole,
che si affianca d’autorità ai precedenti
cortometraggi della coppia. Non resta
che sperare di vedere Poggi&Vinel
presto al lavoro sul loro secondo
lungometraggio. A quando pare i due
sono pieni di idee. Buon per noi.
GIONA A. NAZZARO
RUMOREMAG.COM | 107
 LETTURE OTTOBRE 2020
GIACOMO BOTTÀ
DEINDUSTRIALISATION AND POPULAR MUSIC
ROWMAN & LITTLEFIELD PUBLISHERS
In tempi in cui è facile ritrarsi nella propria
(presunta) formazione culturale e chiudersi
occhi e orizzonti, la ricerca portata a
compimento da Giacomo Bottà vale come
esempio da seguire. Sfidarsi nel viaggio oltre
confine e nel confronto. Soprattutto saper
ritrovare empatie e corrispondenze in ambiti
apparentemente distanti, e talvolta in aperto
contrasto. L’autore è uno studioso italiano
presso l’università di Helsinki, che dopo oltre
due anni di lavoro ci racconta quattro realtà
urbane europee. Seppure geograficamente
disseminate, Tampere, Torino, Düsseldorf
e Manchester comunicano affinità. E le loro
playlist segnano con evidenza il passaggio
comune verso una civiltà postindustriale. In
questi contesti la musica agisce prima come
una sorta di medium di transizione tra due
realtà storiche in conflitto, quella della città
industriale in senso stretto e quella, appunto,
deindustrializzata. Successivamente fare
musica vuol dire diventare catalizzatore sociale
e lasciare una sorta di eredità rappresentativa
di un luogo. La lettura dei singoli capitoli
dedicati ci conduce immediatamente verso
raffronti ancor più specifici, non sempre
incrociati ma anche e soprattutto riverberati
nell’esperienza urbana di ognuno. Per questo
non è affatto improbabile il confronto con una
città apparentemente opaca come Düsseldorf,
e sorprendente come siano vicine certe
dinamiche creative tra Italia e Finlandia.
Anche il naturale godimento che ci viene dalle
pagine sull’Hacienda, o la partecipazione
diretta dei musicisti torinesi alle vicende degli
anni di piombo si trasfigurano dunque in un
racconto ancor più aperto, attraverso il quale
il lettore può riconoscere il cambiamento
avvenuto nel proprio ambiente, e idealmente
condividerlo. Un’opera attenta che merita di
uscire dall’ambito accademico, per diventare
valida testimonianza storica e, perché no,
piacevole diario di viaggio.
FABIO STRIANI
83/100
108 | RUMOREMAG.COM
CARMINE AYMONE
YES I KNOW... PINO DANIELE
HOEPLI
Google Maps è fuori luogo se provi a raggiungere con
vista artificiale angoli, suoni e profumi di una città come
Napoli, soprattutto se è raccontata con dedizione e
competenza in un libro. Un posto così può essere inteso
al massimo solo da chi ci è nato e vissuto: uno come
Giuseppe Daniele, per esempio, che la sua chitarra la
tiene ferma con l’Attak, gliel’hanno regalata le amatissime
zie, mica Amazon. Carmine Aymone ha seguito il suo
musicista preferito per molti anni, e per la sua bio ha
chiamato a raccolta decine di amici: musicisti e non, perché il mosaico fosse
davvero completo. Trovi Murolo e Jim Kerr, per dire, a estendere quella
limitata mitologia TV che dipingeva un uomo chiuso in se stesso. Per Pino
Daniele parlano e parleranno Terra Mia e Schizzechea, Bella ‘Mbriana e
Yes I Know My Way. Sarà pur vero che capire P.D. non è cosa per tutti, ma
ascoltarlo può muovere il mondo: come in una piccola festa di compleanno,
dove la tua mano pesca con indolenza il solito vecchio CD nella custodia e,
come per magia, lo trasforma nello stereo in un disco nuovo. Lei solleva lo
sguardo con impercettibile sorpresa, bellissima, “Che c’è di male?”
FABIO STRIANI
80/100
K.K. DOWNING & MARK EGLINTON
HEAVY DUTY – LA MIA VITA NEI JUDAS PRIEST
TSUNAMI
Ai Priest, prime movers del look cuoio e borchie, si deve
buona parte dell’immaginario legato all’idea generica
di heavy metal. La loro importanza è fuori discussione
(anche nell’ambito dell’ondata di popolarità del genere
di metà anni 80 circa), per cui questo libro/autobiografia
è una ghiotta chance per fan, metal kids e “studiosi
del rock”. Il fatto è che, a fronte di una lettura agile e
scorrevole, l’entusiasmo si affievolisce man mano per
via di narrazione un filo “parrocchiale”: la lordura della
vita da rockstar del metal viene smussata, celata dietro
paraventi eretti nel nome della privacy e del rispetto per le parti coinvolte.
Così sesso, droga, liti ed eccessi vengono appena sfiorati in un dolce planare
stile documentario pomeridiano dai contorni un po’ sfumati. Non manca
qualche aneddoto divertente (il no alla colonna sonora di Top Gun perché “il
film sarà un flop”, oppure le disgrazie sul palco) e le parti più interessanti
sono quelle sul processo per istigazione al suicidio e sulle dinamiche interne
alla band – specialmente a ridosso dell’abbandono di Halford nei primi ’90.
ANDREA VALENTINI
69/100
WALTER LURE & DAVE THOMPSON
TO HELL AND BACK
BACKBEAT
Questo libro, in qualche modo, completa in extremis
la bibliografia legata a Johnny Thunders e agli
Heartbreakers. Lure, chitarrista della leggendaria
band, era infatti l’ultimo vivente dei quattro e in pieno
lockdown (sfiga…) ha pubblicato questo memoir.
Giusto il tempo di vederlo circolare un po’ ed è finito in
ospedale. La diagnosi purtroppo è stata terribile: cancro.
Quel maledetto cancro che se l’è portato via il 21 agosto
2020, all’improvviso. To Hell And Back (sottotitolo: My
Life In Johnny Thunders’ Heartbreakers, In The Words
Of The Last Man Standing) è dunque un testamento,
purtroppo, e ripercorre la storia della sua vita e della sua musica con quel
tocco ironico per cui Walter era ben noto – tanto che nel leggerlo spesso
si immagina il suo sorriso sardonico mentre racconta alcune storie. Le
gesta con gli Heartbreakers sono narrate in maniera leggera e a tratti
lasciano trasparire quasi una noia perenne che sembrava permeare le loro
esistenze… ma le sezioni più curiose sono quelle in cui si accenna alla sua
vita extramusicale: prima come chimico, poi come uomo di Wall Street.
ANDREA VALENTINI
72/100
 LETTURE EXTRA OTTOBRE 2020
FRANCESCO BERLINGIERI
PALLONE, ASFALTO E BETONIERE
AUTOPUBBLICAZIONE
Memoir, saggio sportivo di provincia, romanzo
di formazione, trattato di sociologia (sotto)
culturale, narrativa degli spalti. Con una
scrittura portentosa e straordinariamente
fluida Francesco Berlingieri disegna una città,
e una tifoseria, che non soffre con dignità:
s’abbatte proprio. La malinconia incazzosa
dei foggiani (la seconda provincia più estesa
d’Italia, che non produce utile) è il fulcro
ma anche l’escamotage per raccontare gioie
e dolori di chi è schiavo di una passione
“irriducibile e non perimetrabile”. Una
passione irrazionale, diciamo una iattura
proprio, capace ti farti stare in ansia sia che
s’affronti la Juventus, che il Gualdo Tadino.
Perché è proprio vero che da nord a sud,
dalla piccola provincia caciarona all’altera
metropoli dalle facciate albertine come Torino
o alla Milano coi suoi colori verdi da Totip,
il calcio è l’unico fattore accomunante “che
riesce laddove falliscono miseramente la
Religione, lo Stato e l’antiStato”. Come è
vero, in un certo senso, che “la curva è l’unico
ambito meritocratico in un capitalismo che si
vanta di esserlo ma non lo è”. Pallone, Asfalto
E Betoniere, titolo che omaggia un verso di
Red Rose dei romani Gli Ultimi, esalta le
piccole gesta quotidiane dei senza fissa dimora
del tifo, non cadendo nella trappola dell’epica
trita del mondo ultras e nella retorica del tifo
organizzato. Un libro verace come chi che
andava al campo quando in curva c’erano
ancora i tubi Innocenti, come le guance rosse
da contadino del rumeno Dan Petrescu, come
il tempo in levare dell’indimenticato portiere
Franco Mancini quando, dopo aver fatto
sgolare migliaia di persone allo Zaccaria, la
domenica sera si sedeva dietro la batteria
al servizio di un gruppetto reggae in un pub
di Foggia. Un libro che avrebbe meritato
l’attenzione di un editore medio grande. Ma
in fondo è giusto così. Autoproduzione a
oltranza. Cercatelo.
MANUEL GRAZIANI
80/100
GIANLUCA DIDINO
ESSERE SENZA CASA
MINIMUM FAX
Tra le più importanti entità e divinità un tempo preposte
alla guida delle italiche fortune, stava, spaccato in
due, Giano. La sua raffigurazione, o almeno quella più
conosciuta, lo vede ritratto con due volti, a mo' di Giano
Bifronte appunto, e con questo appellativo suggella
anche la sua sostanza più vera: quella di chi sta sulla
soglia, di una casa o di un cammino, fa lo stesso. Un
occhio lanciato al futuro e l'altro che scatta verso il
passato. Allo stesso modo, il titolo completo di questo
libro recita: Essere Senza Casa (Sulla Condizione Di
Vivere In Tempi Strani), e vuole proprio superare la soglia di Casa per
riflettere sulle minacce che toccano il senso stesso dell'"abitare", sia sotto
il profilo pratico e reale, e quindi economico, sociale, politico, sia sotto
quello simbolico e culturale, e quindi ricco di suggestioni metaforiche. Si
guarda insomma a due spazi, l'uno interno e l'altro esterno, tra narrazione
personale e saggio, correlati discorsivi e intrecci al di là di ogni facile genere
e definizione. Ma sempre col piglio del dio benevolo e lungimirante.
DANIELE FERRIERO
77/100
ROBERT V. HORVATH
RADIO BUDAPEST
PLAYGROUND/SYNCRO/EUROPA
Il protagonista del romanzo è un ragazzo gay con “la
barba del classico biondo scuro americano di un biondo
ragazzo del Midwest”, dalle radici magiare, che punta
in aereo un bel ragazzo tedesco. Nell’iPad una playlist di
rock ungherese in onore dello Sziget Festival del 2018.
Una partenza leggera per un libro, dall’edizione curata ed
elegante, che di leggero ha lo stile e il contorno ma non
il tema di fondo. In un Paese dove la libertà di amare è
negata, in mezzo a “ungheresi che non distinguono un
vecchio mod da un hipster” e accettano in silenzio l’omofobia dell’ultradestra
di Orbán, un gruppetto di coraggiosi attivisti LGBT lotta per cambiare le
cose. Con il suo fascino esotico - “non sono carino, sono semplicemente
americano” - Bob scardina il muro delle “velate”: i ricchi e famosi gay non
dichiarati, prigionieri delle proprie (non) scelte. János, il carismatico DJ della
radio di Stato, fa coming out pagandone le conseguenze. Tibor, l’affascinante
politico del Fidesz, rimane all’ombra per la brama di potere: cambierebbe
qualcosa se diventasse primo ministro, come si dice in giro?
MANUEL GRAZIANI
73/100
HAO JINGFANG
PECHINO PIEGHEVOLE
ADD EDITORE
C'è stato un tempo in cui dichiararsi frequentatori dei
territori della science fiction equivaleva a dirsi reietti:
fragili, sfigati e sognatori, tutta una frangia di lettori e
appassionati che non aveva ancora subito il beneplacito
della cultura pop e di massa, e non sapeva ancora cosa
volesse dire sentirsi accettati dalla società. Probabilmente,
tuttavia, questa capacità (col)laterale di sedere ai
margini dei tavoli migliori, e dei posti più esclusivi, ha
permesso a lungo alla sci-fi e generi associati di sfornare
penne visionarie, sperimentali e di sublime potenza
immaginativa. Ha dato il via, insomma, a proposte del tutto originali e
personali, irrintracciabili altrove; a futuri impossibili. Oggi, invece, il futuro
si costruisce interamente sul presente. È il caso di questo interessantissimo e
importante insieme di 11 racconti che ricostruiscono il contemporaneo della
Cina secondo la lente delle sue storture sociali e della vita vera e quotidiana,
l'angoscia che si diffonde in mondi "paralleli" o in alternative mai così vicine.
A riprova del fatto che tutta la fantascienza è paese.
DANIELE FERRIERO
74/100
RUMOREMAG.COM | 109
 LETTURE EXTRA OTTOBRE 2020
SYLVAIN PRUDHOMME
I PIÙ GRANDI
66THAND2ND
"Pabia li ki no tchom. Perché è la nostra
terra". I Super Mama Djombo (dal nome dello
spirito invocato dai guerriglieri durante la
guerra d'indipendenza contro il Portogallo)
sono stati il più celebre gruppo di musica
creola della Guinea-Bissau. Dal 1974 fino
allo scioglimento nel 1986, sotto la guida
politicamente consapevole del frontman
Adriano Atchutchi, hanno rappresentato la
memoria storica del Paese ed esportato nel
mondo il nuovo corso del presidente Luís
Cabral. La band si è riunita nel 2012 per un
tour europeo con la speranza di dimostrare
che, malgrado i molti rovesci e colpi di stato
che si sono succeduti nella giovane storia
della Repubblica, "il suono più forte della
Guinea-Bissau non è quello degli spari
ma della musica". Il recente vincitore del
Prix Femina Sylvain Prudhomme (nato in
Francia nel 1979 ma cresciuto tra Camerun,
Burundi, Niger e Mauritius, già noto per i suoi
reportage narrativi dall'Africa) ricostruisce
una storia immaginaria e simbolica del gruppo
intrecciando vere memorie, occasioni fittizie
(la morte di Dulce, cantante dalla "voce di
bambina guerriera e ridente" che ha lasciato
la compagnia per sposare un generale) e
personaggi di fantasia (il vecchio Couto,
"chitarrista delle note in maggiore", voce
narrante e antico amore di lei). Mentre la
vecchia banda si riunisce dopo oltre 20 anni
di assenza per un nuovo concerto; mentre il
giorno precipita inesorabile verso la possibilità
di un golpe militare, Couto resiste al dolore
della perdita e ricorda. Ricorda gli anni lontani
della gioventù, anni terribili e bellissimi di
musica, guerriglia, identità e passione. Ricorda
l'ebbrezza di appartenere a un ideale, il brivido
comunitario della lotta e del pubblico che
canta le tue canzoni. Il ritmo è veloce, ellittico
e spezzato come il creolo in cui Prudhomme
ama indugiare. Il sentimento è malinconico, la
speranza combattuta…
CLAUDIA BONADONNA
79/100
110 | RUMOREMAG.COM
MIEKO KAWAKAMI
SENI E UOVA
E/O
Diventare madre con l'inseminazione artificiale,
rifarsi il seno a prezzi popolari, passare indenne gli
sconvolgimenti corporei dell'adolescenza. Nel Giappone
contemporaneo, scisso tra severa formalità sociale e
un bizzarro sottobosco pornografico, Mieko Kawakami
- ex diva Kpop, poetessa, infine autrice di romanzi che
portano l'imprinting di Sua Istituzione Haruki Murakami
- mette in scena con crudezza, ironia e ampie concessioni
all’Osaka-ben (il colorito dialetto della sua città natale) il
corpo pubblico delle donne. La scrittrice in carriera Natsu
reclama il suo desiderio di maternità al di sopra della mancanza di interesse
nei confronti del sesso e di una relazione stabile; la sorella maggiore Makiko
sfida il ricordo della madre morta di cancro al seno e la miseria in cui versa
(sì, a sorpresa esiste un Giappone povero, periferico, inefficiente) osando il
sogno di modificare il proprio corpo. La figlia dodicenne Midoriko le oppone
un caparbio silenzio scrivendo alla se stessa futura lettere sul trauma della
mestruazioni. Il testo è carnale, l'afflato poetico, il risultato politico. Un
equilibrio spiazzante e perfetto.
CLAUDIA BONADONNA
72/100
BRUCE PORTER
BLOW
OFFICINA DI HANK
Tutto inizia con una semplice domanda posta con
noncuranza durante la fila alla mensa del carcere di
Danbury, “George, tu sai nulla della cocaina?”. Se avete
visto il film interpretato da Johnny Depp conoscerete a
grandi linee la vicenda di George Jung, lo spacciatore che
a cavallo tra gli anni 70 e 80 inondò letteralmente gli USA
di polvere bianca, in queste pagine però sono i particolari
(molti dei quali assenti nella pellicola del 2001) a fare
la differenza tra realtà e leggenda. A metà tra reportage
investigavo e avvincente fiction d'inchiesta, Blow ci porta dentro la vita del
gringo che con le sue intuizioni geniali rivoluzionò il mondo del narcotraffico,
tanto da diventare l'uomo di fiducia di Pablo Escobar negli stati uniti.Tra
spericolati viaggi in aereo e a bordo di sgangherati camper imbottiti di droga,
l'autore snocciola in maniera precisa e dettagliata nomi e date riguardanti una
storia ricca di eventi spesso al limite dell’inverosimile, in cui per il suo audace
protagonista sono la sfida al pericolo e alla legalità a rappresentare la vera
sostanza stupefacente.
STEFANO D'ELIA
70/100
VANNI SANTONI
LA SCRITTURA NON SI INSEGNA
MINIMUM FAX
Se il titolo può lasciarvi qualche dubbio, la sostanza del
libro dovrebbe invece farvi scartavetrare quell'incognita
che vi è rimasta dipinta sul volto. La Scrittura Non Si
Insegna, per davvero. Ed è quindi con piglio, e spirito,
da serissima e voluta contraddizione che è il caso di
approcciare questo volume. L'autore, d'altronde, ha
poco da dover dimostrare. Nelle librerie italiane non
mancano i suoi titoli, così come non mancano le sue
curatele nelle case editrici, o gli apporti più critici e
saggistici tra le riviste culturali. Di quel che contengono le vostre librerie, poi,
direte voi. In ogni caso, questo bel libricino ha il pregio di costituirsi come
una sorta d'incrocio tra il pamphlet e il manualetto, il libello a suo modo
irriverente e la dichiarazione d'amore per la materia letteraria. Stia lontano
chi cerca la formula binaria e il bianco e nero. Questa è la stagione delle mille
gradazioni di colore e forme, e soprattutto dell'invito a (ri)leggere. Perché
è più importante insegnare a se stessi la concretezza dello "scrittore" che
pretendere da altri il dono della scrittura. C'è differenza.
DANIELE FERRIERO
70/100
 FUMETTI OTTOBRE 2020
GODZILLA
LA GUERRA DEI 50 ANNI
DI JAMES STOKOE
SALDAPRESS
Non bisogna essere necessariamente delle
enciclopedie viventi dei kaijū-eiga (i film
di mostri giapponesi) per subire il fascino
del cosiddetto “re dei mostri” che, partire
dal film di Honda Inishiro del 1954, è
diventato un architrave dell’immaginario
fantascientifico e non solo. Se a uno sguardo
superficiale Godzilla può sembrare solo un
giocattolone, la mitologia cui ha dato vita e i
molteplici livelli di lettura filologica ne fanno
uno dei “segni” più potenti della cultura
popolare. James Stokoe vi si avvicina con il
più grande rispetto immaginabile, che non
gli impedisce però di offrire una sua visione
personalissima della cosmogonia di creature
e storie che ruota intorno a Godzilla. Sin
dal titolo si evince come l’impresa di Stokoe
sia attraversare tutte le stagioni del mito
godzilliano. L’approccio a Gojira è filologico,
come si evince dalle note dell’autore poste
in chiusura del volume, e fra le tavole del
libro deflagra un’onda d’urto di visionarietà
assoluta. Stokoe, con un tratto che omaggia
manga e “cinema dei mostri”, riflette la
propria ossessione in quella del protagonista,
il tenente Ota Murakami, che resta attaccato
alla coda di Godzilla per 50 anni. Pieno di
invenzioni visive e zeppo di riferimento alla
saga cinematografica (cosa che però non
inficia affatto il piacere della lettura) il libro
inanella invenzioni folli (il cannone che spara
buchi neri) e riflessioni “filosofiche”. Gli
avversari storici di Godzilla ci sono tutti: da
King Ghidorah a Mothra passando per Rodan,
Hedorah e tutti gli altri. Per comprendere
l’amore riversato in queste pagine basterà
leggere come Stokoe ha tentato di raffigurare
visivamente il famigerato urlo del mostro.
Con un equilibrio mirabile fra gravità,
divertimento e un tocco di malinconia, il libro
si offre come lettura irresistibile.
GIONA A. NAZZARO
92/100
VACANZE IN SCATOLA
DI TUONO PETTINATO, M. SARRITZU
CANICOLA
Vacanze In Scatola fa parte della collana per ragazzi di
Canicola, ma niente paura, l’opera di Tuono Pettinato
(qui in veste di scrittore) e della bravissima esordiente
Martina Sarritzu ai disegni è per bambini di tutte le
età. La storia celebra il potere della fantasia secondo
gli insegnamenti del Maestro Gianni Rodari a 100 anni
dalla sua nascita: un viaggio visionario, fatto di colori
e personaggi bizzarri, attori nella fantasia onirica del
protagonista Nuvolario. L’infanzia e la scoperta della
meraviglia, dove ogni piccola cosa è un’avventura e ogni persona incontrata
diventa un eroe d’antologia, il tutto reso in maniera convincente grazie a
un impatto visivo in continuo mutamento, fatto di colori forme e dettagli
da scoprire. Surreale nella sua semplicità, quest’opera si legge con il sorriso
sulle labbra e lo sguardo di chi crede che la fantasia, libera da troppi paletti,
sia il filtro migliore attraverso cui guardare il mondo.
STEFANO FANTI
75/100
EPIPHANIA VOL. 1
DI L. DEBEURME
COCONINO PRESS
Il primo volume di Epiphania, opera uscita
originariamente in Francia in tre parti, è la perfetta
introduzione a un universo stratificato e denso di
significati, in cui rapporti familiari, ecologia, capitalismo
e anticapitalismo, razzismo e visione della diversità,
adolescenza e tanto altro si incontrano nella vita del
protagonista David e del figlio adottivo Koji. Un figlio
nato da un mistero: dopo una tempesta, la caduta di
tre meteoriti e il conseguente tsunami, appaiono sulla
Terra esseri in evoluzione, metà uomini metà animali (viene da pensare ad
Alana e Marko di Saga), e tra di loro c’è Koji che David accudirà e adotterà,
nonostante le sue paure sulla genitorialità e l’età adulta. Debeurme (già
autore degli ottimi Lucille e Renée), seguendo le orme dei maestri Charles
Burns e Daniel Clowes, ci presenta una storia sospesa tra fantascienza ed
esoterismo, psicanalisi e rivoluzione, tanto attuale quanto universalmente
complessa. Aspettiamo con ansia i prossimi volumi.
STEFANO FANTI
85/100
RUFOLO E IL GRANDE EVENTO
DI F. TONETTO
ERIS
L’arte di Tonetto è, ancora una volta, densa di
stratificazioni e letture a più livelli; pensate ai Simpson:
quella che è senza dubbio una delle opere più importanti
del Novecento è costruita su svariati piani di lettura
e interpretazione, accessibili in maniera diversa sia
da un bambino in età scolastica sia da un accademico
pluridecorato. Rufolo E Il Grande Evento, così come
Rufolo prima di lui (2016, sempre pubblicato da Eris
Edizioni), racconta un mondo cromaticamente definito
e bizzarramente abitato in cui il protagonista nuota su uno sfondo bianco
metafisico – inevitabile sia la mente dell’autore – dove vive avventure
all’apparenza semplici ma cariche invece di un bagaglio esistenziale e
ontologico: il grande evento ricercato ossessivamente ci riguarda tutti,
enigmatico e incomprensibile com’è. La vita, la morte, la crescita, gli
errori, la consapevolezza compressi in un tempo sospeso, fatto di bianco e
arancione.
STEFANO FANTI
80/100
RUMOREMAG.COM | 111
 P O S T E R- I D I A L E S S A N D R O B A R O N C I A N I E A L E S S A N D R O B E S S E LVA AV E R A M E

112 | RUMOREMAG.COM
RUMOREMAG.COM | 113

BANDALARGA DROGATI & DROGATI
DROGATI
& DROGATI
Quando si parla di Droga,
sfortunatamente il dibattito è
inquinato proprio da questa parola
dal significato impreciso. Non è
un termine scientifico: droga è
qualsiasi sostanza sia inclusa nella
tabella che accompagna la legge
su questo tema. La terminologia
inglese è più chiara e rivelatoria:
drug significa medicina, quindi
ci sono le prescription drugs,
quelle che ti prescrive il medico
(qualcuna delle quali ha anche un
effetto psicoattivo, ed è oggetto
di spaccio clandestino) e le illegal
drugs, quelle che noi chiamiamo
droga. Che sia un termine ambiguo
mi pare evidente: si definiscono
"droga" sostanze diversissime,
dagli effetti distanti, con esiti
psicologici e sociali diversi. Nel
corso degli anni si è spesso provato
a dimostrare una correlazione tra
le sostanze, come la teoria della
marijuana "droga ponte" verso
consumi più pesanti. Una teoria
sbagliata, come hanno dimostrato -
dati alla mano - tutte le esperienze
di legalizzazione nel mondo. Ma
tant'è: oggi in Italia il Fentanyl
(circa 100 volte più potente della
morfina) e la marijuana sono
considerate allo stesso modo:
droga. Una parola utilizzata come
clava da chi è contrario non dico
alla legalizzazione, ma anche solo a
parlare del tema.
Così come le droghe sono diverse
tra loro, allo stesso modo lo sono
114 | RUMOREMAG.COM
i drogati - altro termine privo di
significato: uno che si fa una canna
il sabato sera e un cocainomane
da dieci grammi al giorno sono
considerati ambedue drogati, e c'è
addirittura chi sostiene che debbano
essere "curati" allo stesso modo.
Una pura follia, considerando che
sulle etichette dei superalcolici (la
vera sostanza problematica di tutto
l'Occidente e non solo, legale quasi
ovunque e in certi casi catastrofica)
campeggia la scritta: "Bevi
responsabilmente". Quindi si può
consumare responsabilmente una
sostanza più potente di molte delle
droghe proibite, che fa decine di
migliaia di morti e provoca drammi
umani e sociali, ma non le droghe
leggere. Se fossi un genitore italiano
sarei preoccupatissimo.
Basta guardarsi intorno per
osservare una grande varietà di tipi
di drogati. C'è il ventenne che va
al parchetto e si fa le canne con gli
amici, il manager completamente
dipendente da Ritalin/Adderall (che
si trovano sul mercato clandestino
pur essendo prodotte legalmente)
e chi si fà l'Ecstasy per ballare. C'è
quello che prende l'eroina solo nei
weekend, e chi si fuma 20 grammi
di ganja al giorno. C'è chi pippa
cocaina perché pensa che lo renda
una persona migliore (soggetti
difficili, patetici e squilibrati, che
avrebbero bisogno urgente di
aiuto) e chi si fa le pere perché il
mondo gli pare un posto troppo
A CURA DI
S ERG IO MES S IN A
letto ri@sergio m essina . c om
difficile. C'è chi si ricrea (da cui
l'espressione "droghe ricreative"),
chi si medica da solo, chi si
annichilisce e chi esplora i meandri
della propria psiche attraverso
l'uso, controllato e scientifico, di
sostanze psichedeliche. Perché la
realtà suggerisce una logica diversa,
e cioè che la differenza non la fanno
tanto le droghe ma i drogati, e come
ti droghi è forse più importante di
quello che prendi. C'è chi consuma
tanta marijuana da diventare un
problema e chi prende droghe anche
pericolose ma in modo assennato.
Un fatto apparentemente ovvio
ma inaccettabile per chi sostiene
la "guerra alla droga" talvolta per
motivi di lucro, come nel caso
delle comunità terapeutiche che
sono passate dal trattamento delle
dipendenze da oppiacei a quello
dell'uso di marijuana proprio grazie
a questa ambiguità. Una guerra
che non ammette tentennamenti
o idee divergenti perfino se ovvie,
e cioè che la vodka è molto più
potente e pericolosa dell'hashish,
che se qualcuno abusa delle
droghe il problema non sono le
droghe, e che è possibile drogarsi
responsabilmente: un'informazione
essenziale in una società che voglia
davvero salvaguardare la propria
popolazione - specialmente quella
più giovane.
 “... Intendiamoci, il benessere del
nostro gregge ci sta a cuore più che
altro per motivi pratici.
Loro sono la nostra fonte di
sostentamento, quindi c’interessa
che siano in salute e in numero
sufficiente a sfamarci...”

I l Vampiro ha vinto. Ha trionfato.

Non è più un mostro proveniente dai
recessi oscuri di incubi lontani, ma è il
pilastro della comunità umana.
Il Vampiro è la guida, l’esempio, il
modello e il fine ultimo di una società
che ha interiorizzato e fatto proprio
il principio che la sopravvivenza sia
solo per i predatori, per coloro che
sono in grado di succhiare il sangue,
l’energia e l’anima del prossimo.Tra le
macerie e le terre desolate un tempo
dominate dalla razza umana ora
regnano i vampiri. L’uomo ridotto nella
migliore delle ipotesi a “bestiame”
esiste al solo scopo di sostentare la
nuova specie dominante.
Ma c’è un problema: il bestiame
scarseggia, l’avidità ha avuto
il sopravvento e la stessa
sopravvivenza dei nuovi padroni del

dal 9 settembre 2020 in edicola mondo è messa in pericolo.

Un romanzo di FRANCESCO MARRELLI che si snoda come

una sinfonia di sangue in cinque Movimenti (più Overture e Coda).
La “sete” sarà appagata.
“... Il punto è sempre lo stesso: l’origine DISPONIBILE anche SU
della creazione, intesa in senso artistico.
Perché l’uomo è capace di creare opere WWW.AMBROSIALIBRI.IT
d’arte e il vampiro no? ...” (EURO 14,90 - SPESE DI SPEDIZIONE INCLUSE)

EDIZIONI BMS