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DOHNÁNYI

Piano Quintets
Serenade for string trio
THE SCHUBERT ENSEMBLE
OF LONDON
’’ ’
ERNO DOHNANYI
(1877–1960)

Piano Quintet No 1 in C minor Op 1 (1895) . . . . . . . . . . . . . [29'34]


1 Allegro . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1[8'23]
2 Scherzo (Allegro vivace) — Trio — Reprise . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1[5'14]
3 Adagio, quasi andante . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1[7'53]
4 Finale (Allegro animato — Allegro) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1[8'02]

Serenade for string trio in C major† Op 10 (1902) . . . . . . [21'35]


5 Marcia (Allegro) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1[2'06]
6 Romanza (Adagio non troppo) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1[4'05]
7 Scherzo (Vivace) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1[4'36]
8 Tema con variazioni (Andante con moto) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1[6'19]
9 Rondo (Finale) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1[4'27]

Piano Quintet No 2 in E flat minor Op 26 (1914) . . . . . . . [24'38]


bl Allegro non troppo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1[9'22]
bm Intermezzo (Allegretto) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1[5'14]
bn Moderato — Tempo del primo pezzo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . [10'02]

THE SCHUBERT ENSEMBLE OF LONDON


MAYUMI SEILER †, RALPH DE SOUZA violin
DOUGLAS PATERSON † viola JANE SALMON † cello
WILLIAM HOWARD piano

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CONTENTS

ENGLISH page 4

FRANÇAIS page 9

DEUTSCH Seite 15

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RNO DOHNÁNYI IS THE LEAST celebrated of the seminal

E
His professors at the Budapest Academy included Thomán
triumvirate of twentieth-century Hungarian composers; and Koessler, though he became a disciple of the influential
Zoltán Kodály and Béla Bartók have become household and charismatic Eugen d’Albert (an archetypal late Romantic
names, yet Dohnányi’s posthumous fame hangs upon an un- piano virtuoso) in his graduation year, spending the summer
representative handful of compositions. This recording brings months working with d’Albert whilst preparing for his profes-
together three of his finest chamber works; the two masterful sional debut. A year later (in 1898), having attracted the
and yet hugely contrasting quintets for piano and strings, and support of the conductor Hans Richter, Dohnányi’s immediate
his remarkable essay in that most mistrusted and underutilized destiny as an itinerant piano virtuoso was assured by a
of instrumental media, the string trio. Dohnányi’s Serenade triumphant London debut at which he performed the G major
in C for string trio fell within the direct lineage of models in Piano Concerto (No 4), Op 58, by Beethoven, a composer with
the genre by Mozart and Beethoven, yet proved a decisive whom he felt a lifelong spiritual affinity. Dohnányi’s C minor
watershed, fully articulating his nationally infused mature style Piano Quintet, the first of almost seventy early works (very few
for the first time. The Piano Quintets, whilst certainly no less of which merited his rebuke as worthless apprentice efforts)
accomplished, reflected an enduring and deep-rooted regard he considered worthy of an opus number, had been completed
for both Brahms and Schumann, and even Mendelssohn. A four years previously; chronology shows it, therefore, to be a
distinguished conductor, Dohnányi (who revitalized the national student work, yet Brahms endorsed his enthusiasm for the
identity of Hungarian music after World War I more or less piece by arranging for it to be played in Vienna soon after the
single-handedly) earned universal renown as a formidably premiere, given in Budapest in 1895.
gifted virtuoso pianist, regarded by many as the finest that The Piano Quintet in C minor, Op 1, is a work of exacting
country produced in the post-Lisztian epoch. technical prowess, revealing in each of its four movements
Erno” (Ernst von) Dohnányi was born on 27 July 1877, a temperamental audacity and prodigality of invention far
the son of a respected amateur cellist of some influence in surpassing our normal expectations of any early opus. The
the musical circles of his native town of Pozsony, scarcely work has few direct parallels beyond its apparent sympathies
the equal of Budapest or Prague but home, nonetheless, to with the Piano Quintets of Schumann and Brahms, but the
many capable, if unrecognized musicians. Erno” received early heady frisson of passions which drives the music forward from
instruction from his father (a kindly, if persistent disciplinarian the outset is imbued with the invulnerability of youth, as yet
who recognized the need for solid theoretical grounding) and little tempered by the burden of experience brought by full
from the Cathedral organist of Pozsony, Károly Forstner, who maturity. The opening Allegro begins as the piano sets out the
supervised the young Dohnányi’s piano tuition until he gradua- broad, ardently mobile first subject idea, which will return to
ted from the city’s public Gymnasium, his general education crown the entire work in the coda of the Finale. The strings
completed. Undeterred by a lack of professional tutelage, develop the opening motif in a majestically sonorous, striding
Dohnányi’s insatiable appetite for all things musical (he had unison (if any caveat can be levelled at the Quintet, it might
already developed a phenomenal piano technique) naturally be that Dohnányi’s search for near-orchestral weight of tone
impelled him towards a period of formal study at the Academy leans too persistently on straightforward unison scoring for
of Music in Budapest (where he was later joined on the same the string group), which gives way to the cello’s announcement
course by Bartók; the two had known each other since child- of the relaxed second theme of the exposition. The mood
hood), from which he graduated with honours in 1897. is spacious; broad paragraphs flow majestically towards the
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beginning of the development, at once more urgent and impul- for a grandiose reiteration of the Magyar motif. Dohnányi’s
sive, as the strings introduce a tense stretto punctuated by Opus 1 ends triumphantly; it could scarcely be otherwise.
fugal fragments of the first subject, debated over a pulsating The final years of the nineteenth century were for
piano accompaniment. Roles are reversed as the piano takes Dohnányi a period of consolidation and the advancement of
over the primary material, supported this time by an uneasily an already prodigious reputation, now founded as much upon
fractured string figure, passed between violins and cello, growing fame as a composer as his established renown as a
as mounting rhythmic and harmonic pressures anticipate a concert pianist. 1899 brought a coveted Bösendorfer prize for
massive climax. The recapitulation follows with a jubilant and his Piano Concerto No 1 in E minor, Op 5, composed during
declamatory unison reprise of the main theme. The coda is 1897/8, and numerous appearances in the musical capitals of
supremely self-confident, bringing the movement full-circle in Europe and America.
a blaze of tonic-key glory. A number of major works followed, including the String
In the Scherzo, the spectre of a Bohemian ‘furiant’ is Quartet No 1 in A, Op 7, a superb though still largely neglected
thinly concealed behind a brusque, enervated and palpably Cello Sonata in B flat minor, Op 8 (both date from 1899), and
Brahmsian façade, counterpoised by gentler entreaties in the impressive Symphony No 1 in D minor, Op 9 (1900/1). Yet
the Trio of near-Schubertian grace and melodic richness. the work frequently cited as Dohnányi’s first mature and wholly
The coda deserves special attention, for it revisits and subtly distinctive piece of chamber music explored one of the least
combines seemingly irreconcilable elements of both Scherzo patronized of all genres, the string trio. The Serenade in C
and Trio. major for violin, viola and cello, Op 10, was written in 1902.
Had the Adagio been from Brahms’s pen, we would not The string trio medium had enjoyed limited popularity during
hesitate to describe its mood as autumnal. But Dohnányi’s the eighteenth century, bringing works by Boccherini, Mozart,
impulse was deeply personal, and the elegiac character of the and Beethoven. Mozart’s great E flat Divertimento, K563 (1788),
principal idea, played by the viola, invests what follows with revealed, probably for the first time, the true potential of the
hushed, reflective poignancy, though the theme itself sounds form; not only does the work sound pure and complete, but its
lovelier still when entrusted to the cello in the closing para- textures are full and wide-ranging, even without the second
graphs of the movement. The Adagio follows a simple A–B–A violin, and the music is characterized by a nobility and grandeur
ground-plan; the second group brings another quasi-Schuber- far exceeding usual expectations of the undemanding Diver-
tian idea, initially for strings alone, introduced after a breath- timento idiom. Beethoven’s Op 3 and Op 9 Trios appeared

45 time, takes as its theme a proud Magyar-inspired idea, and


takingly effective modulation. The Finale, a strutting rondo in before his early Opus 18 Quartets, in the years 1792 and 1798.
His delightful Serenade in D, Op 8, was written in 1797 and
is prodigiously imaginative. Note, for example, the discursive contains five movements, complete with the obligatory set of
fugal passage set in motion by the cello (also given the variations. The early Romantic masters (there are string trios
luxuriant secondary theme of the movement) and the clever by Schubert, Hummel, and others) probably found the notion of
use of imitative textures in the episode which follows. But stern string quartet senza second violin hard to accept; after all, how
academicism gives way once more to the rondo theme, now could such a combination convey the philosophical intentions
heard against the backdrop of a Viennese waltz. The coda of the post-Beethovenian epoch with any real credibility? Thus
brings back the opening theme of the entire work, played by the very few works for string trio emerged during the years which
v
piano and followed immediately by the strings, in preparation followed (Dvorák’s delightful Terzetto in C, Op 74, written in
5
1887, is a hybrid, since it requires two violins and viola), leaving mutual passion for chamber music; Dohnányi was among the
the genre largely untended until the next century. Even then, first great piano virtuosi to perform the chamber literature
saving rarities such as Max Reger’s String Trios in A minor, regularly, and his championship of works by the great Classical
Op 77b, and D minor, Op 141b (1904 and 1915), and the Trio masters did much to increase their currency and popularity.
by Jean Françaix (1933), the literature is pitifully small. Whilst several of Dohnányi’s finest compositions (among them
In his Serenade in C for string trio Dohnányi provided a the piece which has become his universal calling-card, the
novel and stylish reworking of the Beethovenian ideal of the Variations on a Nursery Theme for piano and orchestra, Op 25,
Serenade idiom, in a five-movement work of exuberant charm and the outstanding Suite in F sharp minor, Op 19, possibly
and beauty. The work begins with a March, un-repeated at the Dohnányi’s finest orchestral work) date from the Berlin years,
close, whereas in Beethoven’s Op 8 the players leave the room it was his unstinting work in rebuilding Hungary’s native musi-
in prim, military order and to the theme which had announced cal traditions which claimed most of his energies on his return
their arrival. The second section, a Romance, is disarmingly to Budapest in 1915; he also maintained his academic post at
lyrical and subtle, with evident care taken to allow each instru- the Berlin Hochschule as a visiting professor for the next three
mental voice to function within its most effectively sonorous years.
register. A mercurial Scherzo, fleet-footed and virtuosic, gives Political life among the Slavic peoples was already locked
way to the expected Tema con variazioni, a mandatory in ferment and disarray by this time; Dohnányi, though funda-
component of the Classical serenade, and in Dohnányi’s hands mentally a non-aligned libertarian thinker, would himself be
ingeniously crafted and frequently offering unexpected harmonic drawn into a maelstrom of hatred and recrimination from which
and textural diversions of a very high degree of craftsmanship. his career would not completely recover. Under the aegis of
Again, the melodic material is equitably shared between the the old, liberally minded and culturally enlightened Republican
three players before the movement (the longest of the five) regime, Dohnányi masterminded a programme of reforms which
reaches a particularly satisfying conclusion. The Finale again aimed to breathe new life into Hungary’s battered musical
pays homage to Viennese Classicism, at least in that Dohnányi consciousness, first through the many hundreds of concerts
chooses to end his Serenade with a movement in rondo form. he conducted, frequently including premieres of ambitious
There any effective comparison with Mozart or Beethoven contemporary works by the young vanguard of Hungarian
ends, for the Finale provides compelling evidence to show composers (including Bartók, Kodály, Leó Weiner and others),
that Dohnányi’s Op 10 was his most original and distinctive and, after 1916, through his inspirational piano masterclasses
chamber work thus far. The elasticity of thematic material and at the Budapest Academy. But just nine months after his
commanding manipulation of forces throughout the Serenade appointment to the directorship of the Academy, Hungary’s
make it one of the most rewarding and fascinating of all government fell, to be replaced by a repressive quasi-fascist
exercises within this marginalized instrumental form. regime to whom Dohnányi’s liberal viewpoint and reformist
In the years which followed, Dohnányi divided his time aspirations were anathema. In October 1919 the violinist Jeno”
between frequent international tours and, throughout a Hubay succeeded him in Hungary’s pre-eminent musical post,
decade commencing in 1905, fulfilled the varied obligations one which carried with it a burden of responsibility far beyond
of a professorship at the Hochschule für Musik in Berlin, an the purely artistic and administrative. Not even an all-out
appointment which came at the personal invitation of the great strike by his professorial colleagues could reverse his dismis-
violinist Joseph Joachim. Their friendship had resulted from a sal, yet Dohnányi’s proselytizing efforts on behalf of Hungary’s
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music and musicians continued apace, regardless of vindictive form; indeed, much of its harmonic language is remarkably
and callous tirades against him in the fascist-manipulated progressive, and its unique coloration owes something to both
press. As principal conductor and artistic director of Hungary’s the languorous exoticism of Debussy and the radicalism of
leading symphony orchestra, that of the Budapest Philhar- Schoenberg. But Dohnányi wears modernism with discretion,
monic Society, Dohnányi (who was re-appointed to the post for and even a superficial comparison of his two piano quintets
twenty-five uninterrupted years!) continued to promote the will highlight the depth and gravity, not to mention the greater
works of Hungarian composers, often to the detriment of his economy and lucidity of Op 26 to immediate advantage.
own compositions, which were seldom performed in Hungary The work opens in an atmosphere of unsettling mystery as
at the time. Indeed, as his biographer Balint Vázsonyi has the strings give out a foreboding low-register idea against a
suggested in his 1971 study of the composer’s life and works, hushed piano accompaniment. The main first subject of this
Dohnányi’s own elevated code of professional ethics and his Allegro non troppo (which has echoes, surely, of Rachmaninov)
unstinting moral integrity were attributes which, in the eyes is elastic and powerful, its inner tensions deliberately repressed,
of many, made him culpable. Hungary’s political instability and though made more public and palpable when developed fully
the outspoken polemics of both right- and left-wing leaders after the viola’s triplet figure anticipates a new episode, in
gave little quarter to non-aligned and divergently opinionated which the piano becomes the dominant and heroic protagonist.
intellectuals, particularly those who spoke openly of the A new subsidiary idea of more lyrical and expansive character
impending catastrophe of communism. is debated in increasingly chromatic dialogue between piano
The Piano Quintet in E flat minor, Op 26, dates from and strings, and the development section itself is remarkable
1914 and is distanced from its predecessor by almost exactly for its concentration, though the music has assumed stronger
two decades. Though slimmer in proportion (in three rather nationalistic identity than noted previously, except perhaps in
than four movements, with the conventional Scherzo and slow the Finale of Op 1. The recapitulation, too, is abrupt and
movement replaced by an Intermezzo), the work is more intense thoroughly impassioned.
and emotionally concentrated than either of its companions Although the traditional Scherzo and slow movement have
recorded here. A glance at Dohnányi’s output reveals that the been replaced by an Intermezzo, the weighty issues explored
Quintet emerged hard on the heels of his Variations on a in the opening movement remain unresolved until addressed
Nursery Theme and the Suite in the Olden Style for piano solo, afresh in the Finale, and so the middle movement does not
Op 24. Although written in close proximity, all three works present provide the psychological foil to the movements it appears
an unusual polarization of styles, though Dohnányi’s musical to bridge. Instead, the restless atmosphere of the opening
language was rarely so dramatically charged as in the case of Allegro imbues the nostalgic, unmistakably Viennese gait of
his second Piano Quintet, an undisputed masterpiece of his the Intermezzo with unexpected reserve, even as the viola
maturity. gives out the principal theme of the movement. There follows a
The work was written during the summer and early autumn free exploration of this, and several other motifs, juxtaposing
of 1914, mainly in Berlin where it was first performed on sinuously reflective material with passages of more assertive
12 November by the Klinger Quartet with the composer at the character, though existing anxieties are never deeply concealed.
piano. Its volatility and urgency reflected Dohnányi’s innate The Finale opens with a sombre, slowly evolving canon
response to the rapidly enveloping turmoil of the period, announced by the cello and gradually developed contra-
though in no sense is the work other than wholly abstract in puntally by the other string voices, striking an immediately
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tragic and regretful note. The piano appears with a solemn and continued to excite the suspicion of the authorities through his
valedictorily charged chorale, and these two elements provide unstinting loyalty to the large Jewish contingent within the
the core material for the entire movement. Free development Budapest Philharmonic, valiantly sustained until the orchestra
involves the speeding up of the canonic theme from the start was disbanded several months after German forces overran
of the movement, and the seething complexity of Dohnányi’s Hungary. Two years after the end of the war, Dohnányi was
scoring now fully reveals the modernism of this episode to full poised to revive his international career, only to be thwarted
effect; the influence of Schoenberg’s style is plainly evident. by family obligations which led to resettlement in Argentina
But the tragic and pessimistic aspect of the music gives (as head of the piano department of the faculty of music at
way to a mood of expansive optimism in a coda of splendid the University of Tucuman) before becoming composer-in-
affirmation, all doubt being banished during the cathartically residence and professor of piano at Florida State University,
triumphant final pages of the work. Tallahassee, in September 1949. He made his last appearance
Dohnányi’s international career continued to develop and, in the British Isles during the 1956 Edinburgh Festival, though
far removed from the power struggles at home, his annual his influence long continued to be felt through the work of
tours as pianist and conductor won him affectionate acclaim several generations of musicians fortunate enough to have
in the United States where, in 1927, he accepted the music studied with him, among them Sir Georg Solti, pianists Annie
directorship of the New York State Symphony Orchestra. He Fischer and Geza Anda, and his own grandson, the conductor
did, however, return to Budapest in 1928 to teach piano and Christoph von Dohnányi. Yet as Bartók noted, it was Dohnányi
composition, becoming musical director of Hungarian Radio who gave back to his native Hungary its formerly proud
three years later. The ’30s and ’40s brought personal torment musical heritage, placing other mens’ works before his own
and public censure; a succession of chronic maladies, some and probably sealing his own fate as a composer in the
serious and prolonged, brought a decline in overseas appea- process.
rances, whilst Dohnányi’s protests at anti-semitism hastened MICHAEL JAMESON © 1996
his resignation from the Budapest Academy in 1941. But he

8

RNO DOHNÁNYI DEMEURE le moins apprécié parmi le

E
vers la poursuite de ses études à l’Académie royale de musique
trio des principaux compositeurs hongrois du vingtième de Budapest (Bartók l’y rejoignit par la suite dans la même
siècle : tout le monde connaît Zoltán Kodály et Béla classe ; les deux se connaissaient depuis la petite enfance), il
Bartók. Pourtant la renommée posthume de Dohnányi tient obtint son diplôme avec honneurs en 1897.
à une poignée de compositions peu représentatives de sa Thomán et Koessler firent partie de ses professeurs à
production. Cet enregistrement rassemble trois de ses œuvres l’Académie de Budapest. Durant sa dernière année d’étude,
de musique de chambre les plus achevées, les deux Quintettes Erno” devint disciple d’Eugen d’Albert, personnage influent et
pour piano avec cordes, pièces magistrales tout en contraste, charismatique, un des derniers exemples des virtuoses du
et le Trio à cordes, qui représente un achèvement remarquable piano romantique. Il passa l’été à travailler sous sa direction
dans cette formation instrumentale peu exploitée et souvent tout en se préparant à entamer sa carrière professionnelle. Un
déconsidérée. La Sérénade en ut pour trio à cordes, tout en an après (en 1898), avec le soutien du chef d’orchestre Hans
restant dans la directe continuité des modèles du genre établis Richter, Dohnányi fut immédiatement propulsé vers la destinée
par Mozart et Beethoven, marque pourtant un tournant décisif des pianistes virtuoses itinérants grâce au succès triomphal
en exprimant clairement pour la première fois son style de de ses débuts à Londres, où il joua le Concerto pour piano
maturité emprunt de conscience nationale. Les Quintettes pour no 4 en sol majeur, op. 58 de Beethoven. Il cultiva une affinité
piano avec cordes, pas moins élaborés, reflètent une influence spirituelle avec ce compositeur sa vie durant. Le Quintette pour
profonde et persistante de Brahms et Robert Schumann, voire piano avec cordes en ut mineur est la première des quelques
même de Mendelssohn. Chef d’orchestre respecté, Dohnányi soixante-dix compositions de jeunesse qu’il considéra digne
(qui, après la première guerre mondiale, a été l’instigateur de recevoir un numéro d’opus. Peu d’entre elles méritèrent
plus ou moins solitaire du renouveau d’une musique hongroise ses reproches de n’être que les efforts inutiles d’un apprenti.
proprement nationale) a reçu une renommée universelle comme Achevé quatre ans auparavant, alors qu’Erno” était encore un
virtuose du piano formidablement doué, regardé par beaucoup étudiant, ce Quintette reçut l’appui enthousiaste de Brahms
comme le meilleur que ce pays ait produit après Liszt. qui veillat à ce qu’il fût joué à Vienne aussitôt la première
Né le 27 juillet 1877, Erno” (Ernst von) Dohnányi est le donnée à Budapest en 1895.
fils d’un violoncelliste amateur respecté des cercles musicaux Le Quintette pour piano en ut mineur, op. 1 est une
de sa ville, Pozsony, ni Prague ni Budapest certes, mais ville œuvre d’une grande habileté technique, révèlant dans chacun
natale de nombreux musiciens talentueux, quoique méconnus. de ses quatre mouvements une audacité originale et une
L’instruction musicale d’Erno” commença de bonne heure grâce prodigalité d’inventions surpassant de loin ce que l’on peut
à son père (homme bon et soucieux de constante discipline, attendre habituellement d’un premier numéro d’opus. Au delà
reconnaissant le besoin d’une base théorique solide) et à de ses affinités visibles pour les quintettes pour piano avec
Károly Forstner, titulaire des orgues de la cathédrale de Pozsony, cordes de Schumann et de Brahms, cette œuvre comporte
qui dirigea ses leçons de piano jusqu’à l’obtention du diplôme peu d’autres influences directes ; mais le frisson enivrant
du Gymnasium municipal marquant l’achèvement de son des passions, qui d’emblée guide la musique, est empli de
éducation générale. Peu soucieux du manque d’encadrement l’invulnérabilité de la jeunesse, seulement légèrement voilée
professionnel, l’insatiable appétit de Dohnányi pour tout ce par le poids que l’expérience de la maturité apporte. L’Allegro
qui tient du domaine musical (il avait déjà développé une introductif débute par le piano qui présente l’idée large,
technique pianistique phénoménale) le porta naturellement ardemment mobile du premier thème. Il réapparaîtra pour
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couronner la pièce entière dans la coda du Finale. Les cordes
développent le motif introductif en un unisson sonore et
5
apporte une autre idée quasi-schubertienne initiallement aux
cordes seules. Le Finale, un rondeau à 4 choisissant pour
majestueux (si on peut éventuellement former une critique, thème une idée d’inspiration magyare qui parade avec fierté,
c’est peut-être que Dohnányi dans sa recherche d’une sonorité est prodigieusement imaginatif. Prenons note, par exemple,
de masse quasi orchestrale, s’appuie trop souvent sur une du passage discursif fugué lancé par le violoncelle (également
simple orchestration d’unissons aux cordes), qui conduit à du second thème luxuriant du mouvement) et de l’emploi
l’énoncé au violoncelle du second thème de l’exposition, d’une intelligent des textures imitatives de l’épisode suivant. Le
humeur détendue. Au début du développement, l’atmosphère strict académisme recule encore une fois devant le thème
est spacieuse ; de larges paragraphes s’écoulent majestueu- du rondeau, se faisant maintenant entendre avec une valse
sement, puis un sentiment impulsif d’urgence se fait jour viennoise en toile de fond. La coda introduit à nouveau le
quand les cordes introduisent un stretto tendu, ponctué de thème initial de l’œuvre entière, joué d’abord au piano puis
fragments fugués du premier thème, discutés sur le rythme immédiatement repris aux cordes, en préparation d’une
palpitant de l’accompagnement du piano. Les rôles sont réitération grandiose du motif magyar. L’opus 1 de Dohnányi
inversés quand le piano s’empare du matériel initial, soutenu s’achève triomphalement, il pouvait difficilement en être
cette fois par les motifs anxieusement brisés des cordes, autrement.
échangés entre les violons et le violoncelle. Les tensions Les dernières années du dix-neuvième siècle furent pour
rythmiques et harmoniques croissantes laissent anticiper Dohnányi une période de consolidation et de développement
un climax impressionnant. La réexposition s’ensuit avec un de sa réputation déjà prodigieuse, alors fondée aussi bien sur
unisson jubilant et déclamatoire reprenant le thème principal. sa célébrité croissante de compositeur que sur sa renommée
La coda est d’une confiance sans égale, achevant le mouve- bien établie de concertiste. L’année 1899 le vit d’une part
ment dans un glorieux flamboiement à la tonalité de tonique. recevoir le prix extrêmement convoité de Bösendorfer pour son
Dans le Scherzo, le fantôme de la « Furiant » de Bohême premier Concerto pour piano en mi mineur op. 5, composé
est légèrement dissimulé derrière la façade brusque, décrépie durant 1897/8 et d’autre part faire de nombreuses apparitions
et pourtant palpable de Brahms, équilibrée par les douces dans les capitales musicales d’Europe et d’Amérique.
prières du Trio à la grâce et aux richesses mélodiques toutes S’ensuivit la composition d’un certain nombre de pièces
schubertiennes. La coda mérite une attention particulière, car majeures, avec le Quatuor à cordes no 1 en la majeur op. 7,
elle revisite et combine subtilement les éléments apparem- une Sonate pour violoncelle en si bémol mineur op. 8 superbe,
ment inconciliables du Scherzo et du Trio réunis. quoique largement négligée (tous deux datent de 1899), et la
Si l’Adagio avait été de la plume de Brahms, nous n’aurions Symphonie no 1 en ré mineur op. 9 (1900/1) impressionnante.
pas hésité un instant à décrire son humeur comme automnale. Pourtant l’œuvre régulièrement citée comme la première
Mais l’impulsion si personnelle de Dohnányi et le caractère composition de maturité et comme pièce distinctive à part
élégiaque de l’idée principale, jouée par l’alto, libèrent une entière de musique de chambre explore un des genres les
émotion poignante, pensive et profonde ; le thème lui-même moins fréquents du répertoire, le trio à cordes. La Sérénade
sonne de manière encore plus charmante quand il est repris en ut majeur pour violon, alto et violoncelle, op. 10 a été
au violoncelle dans les derniers paragraphes du mouvement. écrite en 1902. La formation de trio à cordes avait reçu une
Durant l’Adagio suivant, de structure simple A–B–A, la seconde popularité limitée au dix-huitième siècle, avec des œuvres de
partie, introduite après une modulation à couper le souffle, Boccherini, Mozart et Beethoven. L’extraordinaire Divertissement
10
en mi bémol K563 de Mozart (1788) révèla probablement pour attendu, élément obligatoire de la sérénade classique et qui,
la première fois le véritable potentiel de cette forme. Non entre les mains habiles de Dohnányi, offre des diversions
seulement cette œuvre possède une sonorité pure et complète, harmoniques et des textures inattendues. À nouveau le maté-
mais ses textures sont pleines et amples, même sans l’apport riel mélodique est équitablement partagé entre les trois
d’un second violon. La musique est caractérisée par une interprètes, avant que le mouvement (le plus long des cinq)
noblesse et une grandeur excédant largement les attentes n’atteigne une conclusion particulièrement satisfaisante. Le
habituelles du style facile de divertissement. Les Trios opp. 3 Finale rend hommage au classicisme viennois, par le fait
et 9 de Beethoven apparurent dans les années 1792 et 1798 même que Dohnányi ait choisi de finir sa Sérénade avec un
avant les quatuors de jeunesse op. 18. Sa délicieuse Sérénade mouvement de forme Rondeau. Ici s’achève la comparaison
en ré majeur op. 8, fut écrite en 1797 et contient cinq mouve- avec Mozart et Beethoven, car dans le Finale résident les
ments, dont l’inévitable thème et variations. Les maîtres du preuves indiscutables de l’originalité et la singularité de l’opus
début de l’époque romantique (il existe des trios à cordes 10 qui en font l’œuvre pour musique de chambre la plus
de Schubert, Hummel et d’autres) ont dû trouver la notion aboutie de Dohnányi. La souplesse du matériel thématique et
de quatuor à cordes senza second violon difficile à accepter. la manipulation des tensions tout au long de la Sérénade en
Après tout, comment une telle combinaison aurait-elle pu font un exercice des plus gratifiants et fascinants dans cette
convoyer avec une vraie crédibilité les intentions philosophi- forme instrumentale marginalisée.
ques de l’époque postérieure à Beethoven ? Ainsi très peu Dans les années qui suivirent, Dohnányi divisa son temps
de pièces pour trio à cordes furent ultérieurement écrites (le entre des tournées internationales fréquentes et ses obliga-
v
charmant Terzetto en ut, op. 74 de Dvorák, écrit en 1887, est tions de professeurs à la Hochschule für Musik de Berlin, un
un hybride puisqu’il requiert deux violons et un alto), laissant poste obtenu à l’invitation personnelle du grand violoniste
le genre clairement inexploité jusqu’au siècle suivant. Le Joseph Joachim qu’il occupa durant une dizaine d’années à
répertoire demeure toutefois misérablement réduit, malgré partir de 1905. Leur amitié provenait d’une passion mutuelle
quelques raretés comme les Trios à cordes en la mineur pour la musique de chambre ; Dohnányi fut le premier grand
op. 77b (1904) et en ré mineur op. 141b (1915) de Max Reger, virtuose du piano à exécuter régulièrement le répertoire de
et le Trio de Jean Françaix (1933). musique de chambre en public, et son soutien envers les
Dans sa Sérénade en ut pour trio à cordes Dohnányi œuvres des maîtres classiques fut pour beaucoup dans
fit montre d’un remaniement stylistique nouveau de l’idéal l’extension de leur popularité. Les meilleures compositions de
beethovénien du langage de la sérénade, dans une œuvre en Dohnányi (parmi lesquelle la pièce qui est devenue sa carte
cinq mouvements au charme et à la beauté exubérants. La de visite universelle les Variations sur une chanson enfantine
pièce débute par une Marche, sans répétition au final, tandis pour piano et orchestre, op. 25 et l’extraordinaire Suite en fa
que dans l’op. 8 de Beethoven, les instrumentistes quittent la dièse mineur op. 19, qui est peut-être la meilleure œuvre
pièce en un ordre militaire impeccable sur le thème qui avait orchestrale de Dohnányi) datent de ses années berlinoises.
annoncé leur arrivée. La seconde section, une Romance, au C’est son travail incessant pour la reconstruction des traditions
lyrisme subtil et touchant, est conçue avec un soin évident musicales de sa Hongrie natale qui mobilisa la plus grande
afin de permettre à chaque voix instrumentale de fonctionner partie de son énergie lors de son retour à Budapest en 1915 ;
dans son registre sonore le plus efficace. Un Scherzo versatile, il garda néanmoins son titre de professeur invité à la
rapide et virtuose, fait place au Tema con variazioni tant Hochschule de Berlin pour les trois années consécutives.
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La vie politique contemporaine des peuples slaves était aux yeux de beaucoup, firent de lui un coupable. L’instabilité
déja plongée dans l’agitation et le désarroi. Dohnányi, politique hongroise et les franches polémiques des leaders
quoiqu’étant un libre penseur fondamentalement indépendant, aussi bien de la droite que de la gauche laissaient peu de
se trouva lui-même engagé dans une tempête de haine et place pour des intellectuels non-alignés, d’opinion divergentes,
de récriminations, dont sa carrière ne se remit jamais tout particulièrement pour ceux prédisant ouvertement la catas-
à fait. Sous les auspices du vieux régime républicain, éclairé trophe prochaine du communisme.
et libéral, Dohnányi avait conçu un programme de réformes Le Quintette pour piano en mi bémol mineur, op. 26
ayant pour but de revitaliser la conscience musicale hongroise date de 1914 et est séparé de presque deux dizaines d’années
meurtrie : d’abord grâce à une série de centaines de concerts de son prédécesseur. Quoique de proportions plus réduites
qu’il dirigea, comprenant souvent des ambitieuses premières (en trois plutôt qu’en quatre mouvements, avec le Scherzo
d’œuvres contemporaines de la jeune avant-garde de compo- conventionnel et le mouvement lent remplacés par un
siteurs hongrois (Bartók, Kodály, Leó Weiner et d’autres) et, Intermezzo), l’œuvre est plus intense et contient une émotion
après 1916, à travers l’inspiration de master-classes de piano plus concentrée que celle des autres pièces présentes dans
à l’Académie de musique de Budapest. Mais le neuvième mois cet enregistrement. Un rapide coup d’œil dans la production de
seulement de sa nomination à la direction de l’Académie vit Dohnányi révèle que ce Quintette fut conçu immédiatement
la chute du gouvernement hongrois remplacé par un régime après ses Variations sur une chanson enfantine, op. 25 et sa
répressif pratiquement fasciste, qui considéra comme un Suite en style ancien pour piano solo, op. 24. Ces trois
véritable anathème sa conception libérale et ses aspirations compositions, bien qu’ayant été écrites à une période conco-
réformistes. En Octobre 1919, le violoniste Jeno” Hubay le mitante, présentent une polarisation inhabituelle des styles ; le
remplaça au poste le plus influent de Hongrie, poste qui langage musical de Dohnányi a rarement été aussi fort drama-
impliquait une charge de responsabilités beaucoup plus tiquement que dans le cas de son second Quintette pour piano
importante que celles purement artistiques et musicales. Pas avec cordes, qui demeure indiscutablement un chef-d’œuvre
même une grève totale du corps enseignant ne put empêcher de sa maturité.
sa révocation. Il poursuivit pourtant avec dilligence ses efforts Cette pièce fut écrite durant l’été et le début de l’automne
prosélytiques pour la musique et les musiciens hongrois, sans 1914 à Berlin principalement, où elle fut exécutée pour la
un regard pour les jugements vindicatifs et impitoyables publiés première fois le 12 novembre, par le Quatuor Klinger, avec
à son égard dans la presse ouvertement manipulée par le le compositeur au piano. La réponse naturelle de Dohnányi à
régime fasciste. Comme premier chef et directeur artistique de l’agitation grandissante de cette période se reflète dans le
l’orchestre symphonique le plus en vue, celui de la Société sentiment d’instabilité et d’urgence présent dans cette œuvre,
Philharmonique de Budapest, Dohnányi (qui fut réélu à sa tête qui demeure pourtant de forme entièrement abstraite. En effet
pendant vingt-cinq années consécutives) continua à favoriser son langage harmonique est remarquablement progressiste et
les œuvres de compositeurs hongrois, souvent au détriment sa couleur unique est redevable à la fois à l’exotisme langoureux
de ses propres compositions, qui, durant cette période, furent de Debussy et au radicalisme de Schœnberg. Mais Dohnányi
rarement exécutées en Hongrie. Ainsi, selon la suggestion de porte le modernisme avec discrétion et une comparaison même
son biographe Balint Vázsonyi dans son étude de 1971 sur sa superficielle entre ses deux Quintettes pour piano avec cordes
vie et son œuvre, son code élevé de l’éthique professionnelle soulignera la profondeur, la gravité et la lucidité, pour ne pas
et son intégrité morale sans compromis furent des raisons qui, mentionner une plus grande économie de moyens de l’op. 26.
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Cette composition s’ouvre dans une atmosphère troublante complexité bouillonnante de la mise en partition de Dohnányi
de mystère où les cordes émettent une idée pleine de pressen- révèle pleinement l’effet produit par le modernisme de ce
timents dans le registre grave, sur un accompagnement étouffé passage ; l’influence du style de Schoenberg est complètement
du piano. Le premier thème de cet Allegro non troppo qui évidente. L’aspect tragique et pessimiste de la musique laisse
contient sûrement des échos de Rachmaninov, est souple place à une humeur d’un optimisme communicatif dans une
et puissant ; ses tensions internes, d’abord volontairement coda à l’affirmation splendide. Tout doute est finalement banni
contenues, se font sentir de manière plus palpable durant leur avec le triomphe cathartique des dernières pages de cette
développement qui intervient après que l’alto ait anticipé, dans œuvre.
des motifs en triolet, un nouvel épisode où le piano deviendra Erno” Dohnányi poursuivit sa carrière internationale. Loin
le protagoniste héroïque et dominant. Une nouvelle idée secon- des luttes politiques de son pays, ses tournées annuelles de
daire au caractère expansif et lyrique est discutée entre piano pianiste et de chef-d’orchestre lui apportèrent une reconnais-
et cordes dans un dialogue de plus en plus chromatique. La sance affectueuse aux États-Unis où il accepta, en 1927, le
section de développement est remarquable de concentration. poste de directeur musical de l’Orchestre Symphonique de
La musique assume une identité nationale plus importante que l’État de New-York. Il retourna néanmoins à Budapest en 1928
précédemment, à l’exception peut-être du Finale de l’op. 1. La pour enseigner le piano et la composition et devint directeur
réexposition est également abrupte et passionnée. musical de la Radio hongroise trois ans plus tard. Les années
Bien que le Scherzo traditionnel et le mouvement lent aient 30 et 40 furent source de tourments personnels et de censure
été remplacés par un Intermezzo, les questions fondamentales publique ; une succession de maladies chroniques, quelques
explorées dans le premier mouvement demeurent sans réponse unes longues et sérieuses, le retint éloigné de la scène interna-
jusqu’à leur réapparition dans le Finale. Ainsi le mouvement tionale, tandis que ses protestations contre l’antisémitisme
central ne fournit pas le contraste psychologique aux mouve- précipitèrent sa démission de l’Académie de musique de
ments qu’il semble devoir relier. Au contraire, l’atmosphère Budapest en 1941. Il continua à exciter les soupçons des
agitée de l’Allegro introductif colore l’allure nostalgique autorités par sa loyauté indéfectible envers les nombreux
indéniablement viennoise de l’Intermezzo d’une retenue membres d’origine juive de l’Orchestre Philharmonique de
inattendue, même durant l’exposition du thème principal du Budapest, les soutenant avec vaillance jusqu’à la dissolution
mouvement à l’alto. S’ensuit une exploration libre de cette de l’orchestre quelques mois après l’invasion allemande de la
mélodie, ainsi que d’autres motifs, juxtaposant sinueusement Hongrie. Deux ans après la fin de la guerre, Dohnányi était
un matériel de nature songeuse avec des passages de prêt à reprendre sa carrière internationale, seulement pour
caractère plus tranchant. Les angoisses existantes ne dispa- être contrarié par des obligations familiales qui l’amenèrent
raissent jamais tout à fait. à s’établir en Argentine (comme directeur du département de
Le Finale s’ouvre par un canon sombre, se mouvant piano à la Faculté de musique de l’Université de Tucuman)
lentement, énoncé au violoncelle et développé petit à petit en avant de devenir compositeur en résidence et professeur de
contrepoint aux autres cordes, faisant immédiatement résonner piano à Tallahassee, l’université d’État de Floride, en septembre
une note tragique, pleine de regrets. Le piano apparaît avec un 1949. Il apparut pour la dernière fois en Grande-Bretagne au
choral solennel, chargé d’adieux. Ces deux éléments fournissent festival d’Édimbourg en 1956. Son influence se fait toutefois
le matériel central du mouvement entier. Le développement encore sentir à travers quelques générations de musiciens qui
libre voit le thème canonique initial s’accélérer tandis que la ont eu la chance de pourvoir étudier sous sa direction. Parmi
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eux nous pouvons citer Sir Georg Solti, les pianistes Annie fierté de son héritage musical, plaçant les œuvres d’autres
Fischer et Geza Anda, et son propre petit-fils le chef hommes avant les siennes et scellant par là même son propre
d’orchestre Christoph von Dohnányi. Comme Bartók le faisait destin de compositeur.
remarquer, c’est Dohnányi qui a redonné à sa Hongrie natale la MICHAEL JAMESON © 1996
Traduction ISABELLE BATTIONI

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ON EINEM EINFLUßREICHEN TRIUMVIRAT ungarischer

V
Schulung keineswegs entmutigt, trieb ihn sein unersättlicher
Komponisten des zwanzigsten Jahrhunderts war Ernst Appetit nach allem, was auch nur entfernt mit Musik
von Dohnányi der am wenigsten bekannte. Sowohl Zoltán verbunden war (er hatte bereits eine phänomenale Klavier-
Kodály als auch Béla Bartók sind allen ein Begriff, wogegen technik entwickelt) natürlich in eine Periode offizieller Studien
sich der postume Ruhm Dohnáyis auf eine nicht repräsentative an der Akademie für Musik in Budapest (wo Bartók sich ihm
Handvoll Kompositionen stützt. Diese Aufnahme vereint drei später zugesellte; die beiden hatten sich seit ihrer Kindheit
seiner schönsten Kammermusikwerke; die beiden meister- gekannt), wo er 1897 mit Auszeichnung abschloß.
haften und doch außerordentlich gegensätzlichen Quintette Seine Professoren an der Budapester Akademie waren
für Klavier und Streichquartett und sein bemerkenswertes unter anderem Thomán und Koessler; er schloß sich in seinem
Essay in dem am meisten angezweifelten und vernachlässigten letzten Jahr indes dem einflußreichen und charismatischen
aller instrumentalen Medien, dem Streichtrio. Dohnányis Virtuosen Eugen d’Albert (ein typischer Klaviervirtuose der
Serenade in C-Dur für Streichtrio schloß sich in direkter Linie Spätromantik) an, mit dem er die Sommermonate verbrachte,
den Vorlagen dieses Genres von Mozart und Beethoven an um sein professionelles Debüt vorzubereiten. Ein Jahr darauf
und markierte durch seinen erstmals uneingeschränkt ausge- (1898) hatte er die Unterstützung des Dirigenten Hans Richter
drückten reifen, nationalen Stil gleichwohl einen entscheidenden erhalten, und Dohnányis unmittelbare Laufbahn als reisender
Wendepunkt. Die in keiner Hinsicht weniger vollendeten Klaviervirtuose wurde von seinem triumphalen Debüt in
Klavierquintette spiegelten eine anhaltende und tiefverankerte London gesichert, bei dem er das Klavierkonzert in G-Dur
Achtung vor sowohl Brahms als auch Robert Schumann und (Nr. 4), Op. 58 von Beethoven spielte, einem Komponisten,
selbst Mendelssohn wider. Nicht nur ein erstklassiger Dirigent, mit dem er sich sein ganzes Leben lang geistig verbunden
Dohnányi (der die nationale Identität der ungarischen Musik fühlen sollte. Dohnányis Klavierquintett in c-Moll, das erste
nach dem Ersten Weltkrieg mehr oder weniger eigenhändig von beinahe siebzig frühen Werken (von denen sehr wenige
neu belebte) wurde auch als Klaviervirtuose von beachtlicher sein Urteil als wertlose Anstrengungen eines Schülers
Begabung weitverbreitetes Ansehen zuteil. Von vielen wird er verdienten), das er als einer Opusnummer wert betrachtete,
als der Beste angesehen, dessen Ungarn sich in der Epoche war vier Jahre zuvor vollendet worden; chronologisch gesehen
nach Liszt rühmen konnte. ist es deshalb das Werk eines Studenten, und doch bekundete
Erno” (Ernst von) Dohnányi war am 27. Juli 1877 als Sohn Brahms seine Begeisterung für das Stück, indem er kurz nach
eines anerkannten Amateurcellisten geboren worden, der in dessen Première 1895 in Budapest seine Aufführung in Wien
den Musikkreisen seiner Geburtsstadt Pozsony einigen Einfluß organisierte.
besaß. Pozsony konnte sich zwar kaum mit Budapest oder Prag Das Klavierquintett in c-Moll, Op. 1 ist ein Werk
messen, war aber trotzdem Wohnort vieler begabter, wenn auch anspruchsvoller, technischer Fähigkeiten, das in jedem seiner
unbekannter, Musiker. Ernst erhielt schon früh von seinem vier Sätze eine temperamentvolle Kühnheit und eine Fülle
Vater Unterricht (ein freundlicher, jedoch beharrlicher Lehr- an Invention zum Ausdruck bringt, die unsere allgemeinen
meister, der den Bedarf an solidem, theoretischen Grund- Erwartungen an ein frühes Opus weit übertreffen. Abgesehen
wissen erkannte). Der Organist des Doms von Pozsony, Károly von seiner unverkennbaren Ähnlichkeit nüt den Klavier-
Forstner, leitete den Klavierunterricht des jungen Dohnányi, quintetten von Schumann und Brahms, hat das Werk wenige
bis dieser seine Allgemeinbildung am öffentlichen Gymnasium direkte Parallelen, der berauschende frisson (Schauer) der
der Stadt abschloß. Von seinem Mangel an professioneller Leidenschaften, der die Musik von Anfang an vorantreibt,
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ist von jugendlicher Unverletzlichkeit durchtränkt, die von Dohnányis Leitmotiv war jedoch von tiefgreifender Persönlich-
der Erfahrungslast der vollen Reife kaum berührt wird. Im keit, und der elegische Charakter des Hauptthemas, das
eröffnenden Allegro stellt das Klavier die erste, breite, leiden- von der Bratsche gespielt wird, verleiht dem Folgenden eine
schaftlich lebhafte thematische Idee vor, die schließlich als gedämpfte, nachdenkliche Wehmut, obwohl das eigentliche
krönender Abschluß in der Coda des Finales wiederkehren Thema in den abschließenden Abschnitten des Satzes noch
wird. Die Streicher entwickeln das einleitende Motiv in eine lieblicher erklingt, wenn es nämlich dem Cello anvertraut wird.
majestätisch wohlklingende Einheit (könnte auch nur der Das Adagio folgt dem einfachen Grundmuster A–B–A; die
geringste Vorbehalt im Hinblick auf das Quintett erhoben zweite Gruppe führt, anfangs nur für Streicher, abermals
werden, wäre es, daß die Suche Dohnányis nach orchester- einen quasi-schubertschen Gedanken mit sich, der nach einer
ähnlicher Klangschwere sich mit zu großer Beharrlichkeit
auf eine einfache, einheitliche Instrumentierung der Streicher
5
atemberaubend wirkungsvollen Modulation eingeführt wird.
Das Finale, ein stolzierendes Rondo im 4 Takt, dessen stolze
stützt), die dem Cello weicht, das die entspannte zweite Melodie von Magyar inspiriert ist, ist von außerordentlicher
Melodie der Themenaufstellung ankündigt. Die Stimmung Vorstellungskraft. Beispiele dafür sind die vom Cello an-
drückt Weitläufigkeit aus; majestätisch fließend führen breite getriebene ausholende, fugale Passage (sowie die luxuriöse
Abschnitte zum Beginn der Durchführung, die sofort drängender Nebenmelodie des Satzes), und die weise Anwendung der
und impulsiver wird, wenn die Streicher ein spannungs- imitativen Strukturen im folgenden Zwischenspiel. Strenge
geladenes stretto einführen, das durch fugale Fragmente des Wissenschaft weicht abermals einem Rondothema, das nun
ersten Themas, über eine pulsierende Klavierbegleitung aus- vor dem Hintergrund eines Wiener Walzers zu hören ist. Die Coda
gebreitet, betont ist. Indem das Klavier das Hauptmaterial bringt die Eröffnungsmelodie des gesamten Werkes zurück,
übernimmt, werden die Rollen getauscht. Nun liefert eine die vom Klavier gespielt und nach der die Streicher unmittelbar
unruhig gebrochene Streicherfigur, gespielt von Violinen und zum Einsatz kommen, um eine grandiose Wiederholung des
Cello, die Unterstützung, indem der rhythmische und harmo- Magyar-Motivs vorzubereiten. Dohnányis Op. 1 schließt trium-
nische Druck steigt und einen massiven Höhepunkt vorausahnen phierend ab: wie hätte es auch anders sein können.
läßt. Hiernach folgt die Zusammenfassung in Gestalt einer Die späten Jahre des Neunzehnten Jahrhunderts waren
jubilierenden und pathetischen einstimmigen Reprise des für Dohnányi eine Periode der Festigung und der Weiter-
Hauptthemas. Die Coda ist höchst selbstbewußt und schließt entwicklung eines bereits außerordentlichen Rufs, der nun
mit Glanz und Gloria den Kreis der Sätze in der Grundtonart. ebenso sehr auf seiner steigenden Berühmtheit als Komponist
Im Scherzo birgt eine brüske, entkräftete und eindeutig wie auf seiner festverankerten Anerkennung als Konzert-
Brahmssche Fassade die Andeutung eines böhmischen pianist beruhte. Das Jahr 1899 bescherte ihm den begehrten
„Furiant“, der von den sanfteren, flehenden Bitten des Trios, Bösendorfer Preis für sein erstes Klavierkonzert in e-Moll,
das von beinahe Schubertscher Grazie und melodischer Op. 5, das er im Laufe der Jahre 1897/8 komponiert hatte,
Pracht ist, ausgeglichen wird. Die Coda verdient besondere sowie zahlreiche Auftritte in den musikalischen Hauptstädten
Aufmerksamkeit, denn sie kehrt nochmals zu den scheinbar Europas und Amerikas.
unvereinbaren Elementen des Scherzos und des Trios zurück, Es folgten nun eine Reihe umfangreicherer Werke, hierunter
und verflechtet diese mit Zartgefühl. auch das Streichquartett Nr. 1 in A, Op. 7, eine superbe,
Stammte das Adagio aus der Feder Brahms, würden wir, dennoch auch heute noch vernachlässigte Cellosonate in b-
ohne zu zögern, seine Stimmung als herbstlich beschreiben. Moll, Op. 8 (beide aus dem Jahr 1899) und die eindrucksvolle
16
erste Sinfonie in d-Moll, Op. 9 (1900/1). Und doch untersuchte Charme und Reiz das Beethovensche Ideal des Serenaden-
Dohnányi in jenem Werk, das am häufigsten als sein erstes reifes idioms auf völlig neuartige und stilvolle Weise. Das Werk
und unverwechselbarstes Werk der Kammermusik bezeichnet beginnt mit einem Marsch, der im Finale nicht wiederholt wird,
wird, die Möglichkeiten eines der am seltensten genutzten aller während die Musiker in Beethovens Op. 8 den Saal sittsam
Genres, des Streichtrios. Die Serenade in C-Dur, Op. 10, militärisch in Reih und Glied zu jenem Thema verlassen,
wurde 1902 komponiert. Die Popularität des Streichtrios sah das bereits ihren Einmarsch angekündigt hatte. Der zweite
sich im achtzehnten Jahrhundert auf wenige Werke von Abschnitt, eine Romanze, ist entwaffnend lyrisch und subtil,
Boccherini, Mozart und Beethoven begrenzt. Mozarts großartiges indem jeder instrumentalen Stimme mit offensichtlicher
Divertimento in Es, K563 (1788), offenbarte wahrscheinlich Sorgfalt ihr jeweils wirkungsvollstes Klangregister bereitgestellt
zum ersten Mal das wahre Potential dieses Genres; das Werk wird. Ein sprunghaftes Scherzo, leichtfüßig und virtuos, weicht
hat nicht nur einen reinen und vollendeten Klang, auch die dem erwarteten Tema con variazioni, einem obligatorischen
Strukturen sind, selbst ohne die zweite Violine, weitreichend Teil der klassischen Serenade, der in den Händen Dohnányis
und satt. Die Musik ist ausgezeichnet durch eine Noblesse unbefangen gestaltet wird und wider Erwarten harmonische
und Grandeur, die alle gewöhnlichen Erwartungen an das und strukturelle Ableitungen höchster Kunstfertigkeit darbietet.
wenig fordernde Divertimento-Idiom bei weitem übertreffen. Abermals wird das melodische Material gerecht auf alle drei
Beethovens Trios Op. 3 und Op. 9 entstanden 1792 und 1798 Interpreten verteilt, ehe der Satz (der längste der fünf) seinen
vor seinen frühen Quartetten des Opus 18. Seine wunderbare außerordentlich wohlklingenden Abschluß erreicht. Das Finale
Serenade in D, Op. 8 war 1797 komponiert worden und besteht ist wiederum eine Hommage an die Wiener Klassik, zumindest
aus fünf Sätzen einschließlich der obligatorischen Variations- insofern, als daß Dohnányi es bevorzugt, seine Serenade mit
reihe. Für die frühen Meister der Romantik (es gibt Streichtrios einem Rondosatz zu beenden. Hier enden alle wirkungsvollen
von Schubert, Hummel und anderen) war die Vorstellung eines Vergleiche mit Werken Mozarts oder Beethovens, denn das
Streichquartetts senza zweite Violine nur schwer annehmbar; Finale liefert den zwingenden Beweis dafür, daß Dohnányis
wie könnte eine solche Kombination die philosophischen Op. 10 sein bis zu diesem Zeitpunkt originellstes und
Absichten der Periode nach Beethoven auch nur mit der unverwechselbarstes Werk in der Kammermusik war. Die
geringsten Glaubwürdigkeit übermitteln? Somit wurden im Dehnbarkeit des thematischen Materials und die durchweg
v
Laufe der nächste Jahre (Dvoráks wunderschönes Terzetto in gebieterische Bearbeitung der Kräfte machen die Serenade
C, Op. 74, komponiert im Jahre 1887, ist eine Art Mischung, zu einem der lohnendsten und faszinierendsten aller Übungs-
denn es ist für zwei Violinen und Bratsche instrumentiert) stücke für diese an den Rand gedrängte instrumentale Form.
nur wenige Streichtrios geschaffen, weshalb das Genre bis In den darauffolgenden Jahren unternahm Dohnányi häufig
ins nächste Jahrhundert im großen und ganzen unbeachtet Reisen ins Ausland, und ab 1905 kam er über die nächsten
blieb. Und auch nach dem Jahrhundertwechsel sind die Werks- zehn Jahre seinen verschiedenen Verpflichtungen als Professor
verzeichnisse, von einigen Raritäten wie Max Regers Streich- an der Berliner Hochschule für Musik nach, einer Stellung,
trios in a-Moll, Op. 77b und d-Moll, Op. 141b (1904 und 1915) die er durch die persönliche Aufforderung des berühmten
und dem Trio von Jean Françaix (1933) abgesehen, bedauerns- Violinisten Joseph Joachim erhielt. Ihre Freundschaft war
wert unzureichend. aus einer gemeinsamen Leidenschaft für die Kammermusik
Mit seiner Serenade in C für Streichtrio, Op. 10, überarbeitete heraus entstanden; Dohnányi war einer der ersten großen
Dohnányi in einem fünfsätzigen Werk von mitreißendem Klaviervirtuosen, die Kammermusikstücke regelmäßig und in
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öffentlichen Konzerten spielten, und durch seine meisterliche musikalischen Posten Ungarns, mit dem eine Verantwortungs-
Interpretation von Werken der berühmten klassischen Meister last verbunden war, die über das rein Künstlerische und
half er, ihre Verbreitung und Beliebtheit zu erhöhen. Während Administrative weit hinausging. Nicht einmal ein Streik seiner
zahlreiche von Dohnányis feinsten Kompositionen (unter Kollegen konnte seine Verabschiedung verhindern. Dennoch
ihnen auch das Werk, das zu seiner allgemeinen Visitenkarte setzte Dohnányi seine bekehrenden Anstrengungen im Namen
wurde, die Variationen über einen Kinderreim für Klavier und der Musik und der Musiker Ungarns im selben Tempo unbeirrt
Orchester, Op. 25, und die hervorragende Suite in fis-Moll, fort, ungeachtet der rachsüchtigen und gefühllosen Tiraden,
Op. 19, möglicherweise das beste orchestrale Werk aus der Feder mit denen die von den Faschisten manipulierte Presse ihn
Dohnányis) aus seinen Berliner Jahren stammen, war es seine überschüttete. Als Hauptdirigent und musikalischer Leiter
unermüdliche Arbeit an der Wiederherstellung von Ungarns von Ungarns leitendem Sinfonieorchester, dem der Phil-
ursprünglicher Musiktradition, die nach seiner Rückkehr 1915 harmonischen Gesellschaft Budapest, förderte Dohnányi (der
nach Budapest den Löwenanteil seiner Energie beanspruchte; ununterbrochen fünfundzwanzig Jahre lang für diesen Posten
außerdem hielt er über die nächsten drei Jahre seine Stellung wiedergewählt wurde!) auch weiterhin Werke ungarischer
an der Berliner Hochschule als Gastdozent bei. Komponisten, oft auf Kosten seiner eigenen Kompositionen,
Die politische Atmosphäre unter den slawischen Völkern die im damaligen Ungarn nur selten aufgeführt wurden. Denn,
glich zu dieser Zeit bereits einem Hexenkessel; Dohnányi, der wie auch sein Biograph Balint Vázsonyi in einer Studie aus
eigentlich im wesentlichen ein bündnisfreier, liberaler Denker dem Jahre 1971 über das Werk und Leben des Komponisten
war, sollte dennoch in diesen Sog aus Haß und gegenseitigem andeutete, Dohnányis eigene erhabene Norm der Berufsethik
Beschuldigungen hineingezogen werden, von dem sich seine und seine vorbehaltlose, moralische Integrität waren Aspekte,
Karriere nie wieder gänzlich erholen sollte. Unter der Ägide des die ihn in den Augen vieler schuldig machten. Ungarns poli-
alten, liberal eingestellten und kulturell aufgeklärten, republi- tische Instabilität und die unverblümten Polemiken politischer
kanischen Systems war Dohnányi bei der Entwicklung eines Führer sowohl der Rechten als auch der Linken gewährten
Reformprogramms, das darauf abzielte, dem angeschlagenen, bündnislosen und divergent eingestellten Intellektuellen im
ungarischen Musikbewußtsein neues Lebens zu geben, der allgemeinen, und jenen, die offen über die herausziehende
führende Kopf. Anfangs dirigierte er viele Hunderte von Katastrophe des Kommunismus sprachen, im besonderen,
Konzerten, die oft die Premières der zeitgenössischen Werke wenig Freiraum.
von jenen ehrgeizigen und jungen Künstlern waren, die die Das Klavierquintett in es-Moll, Op. 26, stammt aus dem
Spitze der ungarischen Musikszene ausmachten (wie Bartók, Jahre 1914, beinahe zwei Jahrzehnte nach seinem letzten
Kodály, Leó Weiner und anderen), und zudem stellten nach Werk mit dieser Besetzung. Obgleich von seinem Aufbau her
1916 seine Meisterkurse an der Budapester Akademie für viele etwas schmaler (in drei Sätzen anstelle der vier, indem das
eine Inspirationsquelle dar. Allerdings wurde die ungarische herkömmliche Scherzo und der langsame Satz von einem
Regierung nur neun Monate nach seiner Ernennung zum Leiter Zwischenspiel ersetzt wurden), ist das Werk im Vergleich zu
der Akademie gestürzt und von einem repressiven, quasi- den anderen Stücken dieser Aufnahme wesentlich intensiver
faschistischem Regime abgelöst, dem Dohnányis liberale und emotional konzentrierter. Ein kurzer Blick auf Dohnányis
Ansichten und Reformbemühungen ein Stein des Anstoßes gesamtes musikalisches Schaffen zeigt, daß das Quintett
waren. Im Oktober 1919 übernahm der Violinist Jeno” Hubay seinen Variationen über einen Kinderreim, Op. 25 und der
seine Stellung als Leiter der Akademie, den überragenden Suite im alten Stile für Soloklavier, Op. 24, dicht auf den
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Fersen war. Obwohl unmittelbar nacheinander geschrieben, Obgleich sowohl das traditionelle Scherzo als auch der
vermitteln alle drei Werke eine außergewöhnliche Polarisierung langsame Satz von einem Zwischenspiel ersetzt worden sind,
an Stilarten, obwohl Dohnányis musikalischer Ausdruck selten verbleiben die schwerwiegenden Aspekte, die im eröffnenden
so spannungsgeladen war wie in seinem zweiten Klavier- Satz erforscht werden, bis zu ihrer erneuten Behandlung im
quintett, dem unbestrittenen Meisterwerk seiner Blütezeit. Finale ungelöst, weshalb der mittlere Satz für jene Sätze, die
Das Werk war im Laufe des Sommers und Herbstes 1914 er scheinbar verbindet, keinen psychologischen Hintergrund
größtenteils in Berlin geschrieben worden, wo es am 12. darstellt. Statt dessen durchdringt die ruhelose Stimmung
November dann auch vom Klinger Quartett mit dem des eröffnenden Allegros das nostalgische, unverkennbar
Komponisten am Klavier uraufgeführt wurde. Seine Unbestän- wienerische Tempo des Zwischenspiels mit unerwarteter
digkeit und sein Drängen spiegelten Dohnányi’s natürliche Zurückhaltung eben zu dem Zeitpunkt, an dem die Bratsche
Reaktion auf die schnell um sich greifende Unruhe dieser mit dem Hauptthema des Satzes einsetzt. Es folgt eine
Zeit wider, obgleich das Werk in jeder Hinsicht abstrakt ist. unbeschwerte Erforschung von diesem und anderer Motive,
Tatsächlich ist ein Großteil seines musikalischen Ausdrucks wobei verschlungen nachdenkliche Passagen neben solche
bemerkenswert progressiv, und seine einzigartige Klangfarbe von eher bestimmtem Charakter stehen, obwohl bestehende
verdankt sowohl der schmelzenden Exotik Debussys als auch Bedenken nie groß verborgen werden.
dem Radikalismus Schönbergs einiges. Allerdings zeigt Das Finale schlägt mit einem düsteren, sich langsam
Dohnányi den Modernismus nur diskret, und selbst ein ober- entwickelnden Kanon einen unmittelbar tragischen und
flächlicher Vergleich der beiden Klavierquintette wird die bedauernden Ton an. Der Kanon wird vom Cello angekündigt
Tiefe und Schwere des Opus 26 zu seinem unmittelbaren und nach und nach kontrapunktisch von den anderen Streich-
Vorteil hervorheben, ganz zu schweigen von seiner größeren instrumenten weiterentwickelt. Das Klavier setzt mit einem
Sparsamkeit und Klarheit. feierlichen Choral ein, der Abschiedsstimmung aufkommen
Das Werk beginnt in einer Atmosphäre unruhiger läßt, und diese beiden Elemente bilden das Kernmaterial des
Geheimniskrämerei, in der die Streicher im tiefen Register gesamten Satzes. Das Tempo des kanonischen Themas des
bei gedämpfter Klavierbegleitung eine unheilvolle Stimmung Satzanfangs wird in der freien Entwicklung erhöht, und die
heraufbeschwören. Das erste Hauptthema dieses Allegro non schäumende Komplexität von Dohnányis Instrumentierung
troppo (das zweifellos an Rachmaninow erinnert) ist elastisch offenbart nun vollends und äußerst wirkungsvoll den
und kraftvoll, seine inneren Spannungen werden zunächst Modernismus dieses Abschnitts: Der Einfluß von Schönbergs
absichtlich, aber dann, bei deren vollen Ausführung nach einer Stil ist unübersehbar. Der tragische und pessimistische Aspekt
Einleitung durch eine Bratschentriola, offener und spürbarer. der Musik weicht in einer Coda von glänzender Bejahung
Ein neues, eher lyrisches und weit ausholendes Nebenthema jedoch einer Stimmung von ausholendem Optimismus,
wird mit steigender Chromatik in einem Dialog zwischen während auf den letzten, kathartisch triumphalen Seiten des
Klavier und Streicher behandelt, und der eigentliche Entwick- Werkes schließlich jeglicher Zweifel vertrieben wird.
lungsabschnitt ist von seiner Konzentration her beachtenswert. Die internationale Karriere des Ernst von Dohnányi
Die Musik strahlt, vielleicht mit Ausnahme des Finale des entwickelte sich weiter, und fernab von den Machtkämpfen
Op. 1, eine stärkere nationale Identität aus, als bisher der Heimat bescherten ihm seine jährlichen Konzertreisen
angenommen, und auch die Reprise ist abrupt und durch und als Pianist und Dirigent eine beinahe liebevolle Anerkennung
durch leidenschaftlich. in den Vereinigten Staaten, wo er 1927 die Stellung als
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musikalischer Leiter des New York State Symphony Orchestra vereitelt wurde: ein Umzug nach Argentinien war erforderlich
annahm. 1928 kehrte er allerdings nach Budapest zurück, um (wo er Leiter der Abteilung für Klaviermusik an der Fakultät
Klavier und Komposition zu lehren und wurde drei Jahre darauf für Musik der Universität Tucuman wurde). Im September 1949
zum musikalischen Leiter des ungarischen Radios ernannt. zog er zu einer Stellung als Komponist und Professor für Klavier
Die 30er und 40er Jahre brachten viel persönliches Leid und an die Florida State University, Tallahassee. Sein letzter Auftritt
öffentliche Zensur mit sich; eine Reihenfolge chronischer, zum auf den Britischen Inseln geschah 1956 in Verbindung mit
Teil langwieriger Krankheiten zwang ihn dazu, die Zahl seiner dem Edinburgh Festival, wenn auch sein Einfluß weiterhin
Auftritte im Ausland zu verringern. Dohnányis Eintreten gegen wahrnehmbar ist durch die Musikergenerationen, die das
den Antisemitismus beschleunigte indes auch seinen Rücktritt Glück hatten, bei ihm studiert zu haben. Zu diesen gehören
von der Budapester Akademie im Jahre 1941. Wegen seiner Sir Georg Solti, die Pianisten Annie Fischer und Geza Anda
vorbehaltlosen Loyalität jüdischen Kollegen der Budapester und sein eigener Enkel, der Dirigent Christoph von Dohnányi.
Philharmonie gegenüber erregte er jedoch auch weiterhin den Dennoch war es Dohnányi, der, wie Bartók bemerkte, seinem
Argwohn der Behörden und hielt tapfer aus, bis das Orchester Vaterland Ungarn sein einst so stolzes musikalisches Erbe
schließlich einige Monate nach dem Einmarsch der deutschen zurückgab, indem er die Werke anderer über seine eigenen
Armee in Ungarn aufgelöst wurde. Zwei Jahre nach Kriegsende stellte und damit wahrscheinlich sein eigenes Schicksal als
war Dohnányi dann zur Wiederaufnahme seiner internationalen Komponist besiegelte.
Karriere bereit, die allerdings von familiären Verpflichtungen MICHAEL JAMESON © 1996
Übersetzung HYPERION

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Recorded on 28–30 March 1995
Recording Engineers ANTONY HOWELL, JULIAN MILLARD
Recording Producer ANDREW KEENER
Piano STEINWAY & SONS
Executive Producers JOANNA GAMBLE, NICK FLOWER
P Hyperion Records Limited, London, 1996
C Hyperion Records Limited, London, 2012
(Originally issued on Hyperion CDA66786)
Front illustration: A Landscape with the Manor of Vognserup (1847) by Johan Thomas Lundbye (1818–1848)

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1 Upper James Street, London W1F 9DE

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FRANZ SCHUBERT (1797–1828)
JOHANN NEPOMUK HUMMEL (1778–1837)
Piano Quintets
THE SCHUBERT ENSEMBLE OF LONDON
Compact Disc CDH55427
GRAMOPHONE CRITICS’ CHOICE
‘Firmly recommended’ (Gramophone)


ERNO DOHNÁNYI (1877–1960)
The Complete Solo Piano Music
Volume 1
MARTIN ROSCOE
Compact Disc CDA67871
New

BÉLA BARTÓK (1881–1945)


44 Duos for two violins
ANDRÁS KISS, FERENC BALOGH
Compact Disc CDH55267


ERNO DOHNÁNYI (1877–1960)
º
BOHUSLAV MARTINU (1890–1959)
ARNOLD SCHOENBERG (1874–1951)
String Trios
LEOPOLD STRING TRIO
Compact Disc CDA67429
‘This is a beautifully played and recorded program.
Their performances here are superb … this new CD is a
most desirable release. That’s a ‘buy’ recommendation’ (Fanfare, USA)

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23 www.hyperion-records.co.uk