www.ilfotografo.it numero Tariffa R.O.C. - Poste Italiane Spa - Sped. In Abb. Post. - D.L. 353/2003 (conv. In L. 27.02.

Sped. In Abb. Post. - D.L. 353/2003 (conv. In L. 27.02.2004, n° 46), art. 1 comma 1 - Prezzo e codice a barre in IV di copertina
344
NOVEMBRE
DICEMBRE
Werner
in Bischof
MOSTRA Classics
André Kertész | Francesco
| Photolux Cito || Franco
Festival Stephanie
Carlisi | GuidoCircus
Gengotti | Mario
GuidiLove | Storie | Stefano
Lorenzo
De Biasi Zoppolato
Babic

storie, talenti ee immagini

immagini
Festival Identità
Fotografica Bergamo condivise
NOI, QUI: indagine sull’essere umano
Connessioni
tra Arte e Moda
Nuovi
linguaggi

© Cooper & Gorfer

RITRATTI CONTEMPORANEI
PRONTE PER OGNI SFIDA

ICONA DI VERSATILITÀ LA SCELTA DEI VIDEOMAKER

FUJIFIILM-X.COM

NOVEMBRE-DICEMBRE
Editoriale
in FOTOGRAFIA
la narrazione trasforma
l’ordinario in straordinario
S
Se scrutate le edicole, lo sguardo fugace si posa tra le
copertine delle riviste, e l’attenzione balza su un mare
di volti. Non paesaggi mozzafiato, non opere d’arte
astratte, ma volti umani che occupano lo spazio visivo.
E in questa osservazione, sorge
spontanea una domanda: per-
ché, tra tutte le meraviglie del
mondo, siamo così affascinati
da noi stessi?
di Maki Galimberti
Fotografo La risposta, forse, risiede nelle
radici culturali della fotogra-
fia. Fin dalla sua invenzione,
il ritratto è stato il focus pre-
dominante. Una scelta che va
al di là delle meraviglie natu-
rali o artistiche. La macchina
fotografica sembra essere stata
concepita come uno specchio, riflettendo il nostro desi-
derio innato di vederci immortalati.
Tempo fa, parlando del mio lavoro con Federica Berzioli,
che coordina la redazione de IL FOTOGRAFO, sono
emerse riflessioni intriganti. Le fotografie che ci cattu-
rano e ci invitano al commento sono spesso quelle che
trascendono la sfera privata, diventando pubbliche.
3
È la dimensione condivisa che dà potere all’immagine.
Quando una fotografia ci fa riflettere o trasmette un’e-
mozione è perché è condivisa con il mondo.
Ripensando alle migliaia di fotografie che ho prodotto,
sorge un tema centrale: l’aspirazione alla copertina!
Ho davvero ritratto un numero inenarrabile di persone e
il privilegio è diventato prestigio, che, in questo campo,
ci conduce inevitabilmente alla conclusione che fare un
ritratto determina anche trasformarsi in un narratore
visivo, in un tessitore di storie che vanno al di là del sin-
golo momento.
Le immagini che ora popolano le pagine di questo numero
e che potrete ammirare in una mostra o nei festival in giro
per l’Italia, sono state, in molti casi, scattate per un servi-
zio editoriale, per una campagna di comunicazione o per
un progetto a lungo termine che si interroga sull’identità.
Ogni immagine è il frutto di una trasformazione, da espe-
rienze private a narrazioni pubbliche.
In fondo, dietro ogni fotografia c’è una storia. Ricordiamoci
che dietro ogni volto abbiamo una storia svelata che
diventa un pezzo prezioso del mosaico della nostra uma-
nità. Una storia di connessioni umane e di momenti
condivisi con il mondo.
 4

idee di 44 Arthur Elgort

Moda
e identità

Sommario
N° 344-novembre/dicembre 2023
| Silvia Taietti | Federica Berzioli | Giulia Spreafico | Giovanni Pelloso

18 Guy Bourdin 24 Vins Baratta

28 Luisa Dörr

Editoriale Mario De Biasi Azzedine Alaïa e Arthur Elgort Esercizio a tema: risultati
Maki Galimberti 3 Vita d’artista 16 Libertà, creatività e disinvoltura 44 I popoli del mondo 70
In Fotografia la narrazione trasforma
l’ordinario in straordinario Inserto Dido Fontana Esercizio a tema: proposta
Fotografica Festival di Fotografia A modo mio 48 Madre Natura 72
Mostre/Festival/Premi/Contest Bergamo Ritratti artefatti
Le foto dei nostri volti 52 Prossimamente 74
André Kertész 6 Moda e identità
Nuova Generazione Guy Bourdin
Cosa ho imparato
Sguardi contemporanei sugli Archivi Alinari 9 Il fotografo narratore 18 Samantha Casolari 56

Franco Carlisi e Francesco Cito Vins Baratta LE VOSTRE FOTO

Romanzo italiano 10 Intelligenza Artificiale e Fotografia 24
Giovani talenti
Guido Guidi Luisa Dörr Guido Cauli
Quando fotografia e architettura si incontrano 12 Donne con le gonne 28 Retrocomputing e archivi tecnologici 62
Gabriele Basilico Alisa Martynova Letture portfolio NOI RISPETTIAMO L’AMBIENTE!
Le mie città 14 Nowhere near 34 IL FOTOGRAFO è stato stampato su carta certificata
Emanuele Binetti 64
Diego Colombo 66 PEFC, proveniente da piantumazioni a riforestazione
Stefano Babic Nadine Ijewere
programmata e perciò gestite in maniera sostenibile
Luce e Ombra 15 Nuovi canoni di bellezza 39 Fabio Fischetti 68
 SOMMARIO E CONTRIBUTORS 5

Hanno
collaborato

fotografie di

Alisa Martynova Guy Bourdin Vins Baratta

Dido Fontana Nadine Ijewere

Arthur Elgort Luisa Dörr

Guido Cauli Samantha Casolari

parole di

| Maki Galimberti | Giada Storelli | Marisa Zanatta | Manuela De Leonardis | Attilio Lauria
Editoriale Vins Baratta - Mostre - Festival Luisa Dörr Azzedine Alaïa e Arthur Elgort Ritratti artefatti

| Michela Frontino | Benedetta Donato | Livia Corbò | Francesca Orsi | Barbara Silbe
Giovani talenti Alisa Martynova Samantha Casolari Nadine Ijewere Guy Bourdin
6

Appuntamenti
A CAMERA Torino André Kertész
Mostre
di Giovanni Pelloso
e Nuova Generazione
1 | André Kertész. Elisabeth
et moi dans un café à
Montparnasse, Paris, 1931

2 | André Kertész. Danseuse

Satirique, Paris 1926

3 | André Kertész
Nageur sous l’eau, 1917

4 | André Kertész
Tour Eiffel, Paris, 1929

U n autunno di grandi mostre a CAMERA

- Centro Italiano per la Fotografia di
Torino. Fino al 4 febbraio 2024 è propo-
sta al pubblico l’antologica dedicata a uno
dei maestri assoluti della fotografia del
XX secolo: André Kertész. In contempora-
nea, nella Project Room (ingresso gratuito),
prende vita la collettiva Nuova Generazione:
a quattro giovani artisti è stato chiesto
di porsi in dialogo con l’Archivio Alinari.
L’investigazione sul prezioso patrimonio
fotografico dell’Archivio ha consegnato al
pubblico il frutto di una personale visione.

Ad André Kertész, a questo pioniere della

composizione fotografica, del reportage
fotografico, del fotogiornalismo, della foto-
grafia artistica e della fotografia di strada
“lirica”, CAMERA Torino rende omaggio
con una mostra curata da Matthieu Rivallin,
responsabile del Dipartimento di fotogra-
fia della MPP, e da Walter Guadagnini, 2

Le cose più preziose in una vita sono i ricordi di un uomo. E non hanno prezzo André Kertész
 MOSTRE 7

INFORMAZIONI
Dove: CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia
Via delle Rosine 18, Torino
Quando: fino al 5 novembre
Orario: lun. mer. ven. sab. e dom. ore 11-19, giovedì ore 11-21
Tel: 011.08.81.150
Ingresso: 12 euro
3
Web: www.camera.to

4
 8 APPUNTAMENTI
direttore artistico di CAMERA, che ne riper-
corre l’intera carriera. Organizzata in
collaborazione con la Médiathèque du
patrimoine et de la photographie (MPP)
di Parigi – istituto che conserva gli oltre
centomila negativi e tutti gli archivi donati
dal fotografo allo Stato francese nel 1984 –,
la proposta espositiva segue le tappe bio-
grafiche dell’autore a partire dalle prime
fotografie amatoriali scattate nel suo Paese
d’origine – l’Ungheria – e durante gli anni
della Prima guerra mondiale – partito volon-
tario per il fronte russo-polacco portò con sé
una piccola Goerz Tenax con la quale docu-
mentò la vita di trincea e le lunghe marce,
evitando gli aspetti più crudi del conflitto –.
È il periodo nel quale l’autore affina il pro-
prio sguardo pur mostrando già la rara
capacità di trasformare la quotidianità in
immagini sospese tra sogno e apparizione
Attribuisco alla fotografia il compito di registrare
la vera natura delle cose, il loro interno,
la loro vita. L’arte del fotografo è una scoperta
continua che richiede pazienza e tempo André Kertész
metafisica – ne è un chiaro esempio Nageur
sous l’eau del 1917 –.
Grande spazio è dato alle celebri icone rea-
lizzate nella Parigi degli anni tra Venti e
Trenta. Nella capitale del mondo cultu-
rale prenderanno vita le strepitose nature
morte realizzate nello studio del pittore Piet
Mondrian, i ritratti di personaggi che hanno
fatto la storia della cultura e del costume del
Novecento, dal regista Sergej Ėjzenštejn alla
musa Kiki de Montparnasse, allo scultore
Ossip Zadkine, le scene di strada, diurne e
notturne. Tutti luoghi dove Kertész cerca,
secondo le sue stesse parole, «la vera natura
delle cose, l’interiorità, la vita». Senza
dimenticare le “distorsioni”, quei magnifici
giochi visivi nati dall’utilizzo degli specchi
deformanti dei baracconi del luna park, che
lo resero una figura di primo piano anche
6
nell’ambito della ricerca surrealista. 5 | André Kertész
Les deux amies, Paris, 1926
L’esposizione torinese getta poi una nuova
6 | André Kertész
luce sulla seconda parte della sua esistenza
Chez Mondrian, Paris, 1926
trascorsa al di là dell’Oceano – raggiunge
New York nell’ottobre del 1936 insieme
alla moglie Elisabeth –. In un clima cultu-
rale profondamente diverso, le immagini
testimoniano quanto Kertész, da un lato,
intese proseguire sugli stessi temi e, dall’al-
tro, quanto fu influenzato nella sua ricerca
dalle nuove architetture, dai nuovi stili di
vita, dai nuovi panorami cittadini.
Tra questi scatti, alcuni inediti, si sco-
prono gli spettacolari scenari offerti dal
porto di New York o dallo skyline della
Grande Mela e le immagini della casa
dell’architetto Philip Johnson, quasi un
contraltare rispetto a quelle scattate nella
casa di Mondrian mezzo secolo prima.

Nuova Generazione.
Sguardi contemporanei
sugli Archivi Alinari
1 | Wanda Wulz, Ritratto
di giovane donna, 1928
2 | Silvia Rosi
È un progetto di CAMERA, a cura di
Giangavino Pazzola e Monica Poggi,
finalizzato all’incremento del patrimonio
Self portrait, 2016
fotografico pubblico attraverso la commit-
tenza di lavori inediti a quattro giovani
artisti – è vincitore di “Strategia Fotografia
2022”, promosso dalla Direzione Generale
Creatività Contemporanea del Ministero
della Cultura per promuovere e sostenere
la ricerca, i talenti e le eccellenze italiane
nel campo della fotografia –.
Matteo de Mayda, Leonardo Magrelli,
Giovanna Petrocchi e Silvia Rosi realizzano
delle opere che, partendo dalle raccolte
Alinari, guardano agli archivi come a dei
fondamentali giacimenti di storie da inter-
rogare e da ampliare.
Attraverso il confronto tra immagini stori-
che e contemporanee, la mostra desidera
proporre una riflessione sulla funzione
odierna delle raccolte e sulle diverse pra-
tiche artistiche che si stanno sviluppando
oggi proprio a partire dagli archivi, pubblici
o privati che siano.
La mostra, offerta nella Project Room, con
ingresso gratuito, mescola diverse tipologie
MOSTRE 9
di materiali, da quelli presenti, natural-
mente inediti, a quelli provenienti dalla
collezione FAF (Fondazione Alinari per
la Fotografia), che raccontano la fotogra-
fia nella sua dimensione più oggettuale:
dagherrotipi, lastre, album.
Le opere realizzate dai quattro artisti entre-
ranno a far parte della collezione FAF e,
prima dell’acquisizione, saranno esposte
anche a Firenze, dove continueranno a dia-
logare con le fotografie storiche e gli oggetti
dell’archivio, evidenziando il rapporto tra
passato, presente e futuro.
10 APPUNTAMENTI
di Giovanni Pelloso
Romanzo italiano
Franco Carlisi e Francesco Cito in mostra
al principesco Palazzo Brancaccio di Roma
U na location magnifica incornicia le
opere di due pluripremiati della foto-
grafia. Per la prima volta insieme, i due
autori si confrontano lasciando dialo-
gare le proprie immagini per dar vita a
una narrazione a due voci su un tema
comune: il matrimonio. Curata da Giusy
Tigano e organizzata dall’agenzia foto-
grafica milanese GT Art Photo Agency in
collaborazione con SMI Technologies &
Consulting Srl, la mostra propone al pub-
blico centoventi fotografie in bianco e nero
nel desiderio di costruire un romanzo visivo
intenso, incalzante e sorprendente che
esce completamente dagli schemi e rimane
impermeabile alle convenzioni classi-
che della più comune fotografia di settore,
ancorata a stereotipi di stile e di linguaggio,
per lasciare spazio a un’esplorazione del
tema spiazzante e in controtendenza.
Il percorso vede l’alternarsi costante
dell’una e dell’altra lettura in un duetto
2
inedito, toccante e convincente. I testi d’in-
troduzione al percorso espositivo sono
firmati da Andrea Camilleri, Michele
Smargiassi e Giusy Tigano.
Un intreccio di storie, culture, tradizioni,
ma anche uno sguardo sulla società in
un giorno di festa. Il loro sguardo, a volte
poetico, altre volte ironico e disincan-
tato, propone un quadro ricco di sorprese
emotive, ma anche di risvolti relazionali
e sociali all’interno di uno dei riti di pas-
saggio della vita.
Di Franco Carlisi è offerta una selezione del
più ampio progetto Il Valzer di un giorno,
il cui libro è stato vincitore del Premio
Bastianelli nel 2011 e del Premio Pisa nel
2013. Il giorno è quello delle nozze in una 3
Sicilia nascosta, periferica, esplorata oltre
il recinto delle codificazioni e delle con-
venzioni entro cui i protagonisti del rito 5

matrimoniale costruiscono la loro recita.
In un denso bianco e nero, le fotografie fis-
sano, nel flusso caotico della giornata,
l’attimo in cui il senso si rapprende: un
abbraccio, una movenza, una lacrima, un’a-
zione improvvisa, un passaggio decisivo.
Di Francesco Cito, la selezione appar-
tiene al più ampio progetto Matrimoni
MOSTRE
Napoletani, vincitore del prestigioso World
Press Photo nel 1995. Anche in questo caso
le immagini non riportano alla staticità e
alla ripetitiva monotona della classica foto-
grafia matrimonialista “di mestiere”, quella
che, solitamente, l’immaginario collettivo
ancora trattiene. A delinearsi è piuttosto
una cifra espressiva fortemente autoriale e
di stampo reportagistico.
1 | Franco Carlisi, Romanzo
italiano - Il Valzer di un giorno
2 | Franco Carlisi, Romanzo
italiano - Il Valzer di un giorno
3 | Franco Carlisi, Romanzo
italiano - Il Valzer di un giorno
4 | Francesco Cito
Romanzo italiano
Matrimoni Napoletani
5 | Francesco Cito
Romanzo italiano
Matrimoni Napoletani
6 | Francesco Cito
Romanzo italiano
Matrimoni Napoletani 4
INFORMAZIONI
Dove: Palazzo Brancaccio. Spazio Field - via Merulana 248, Roma
Quando: fino al 29 ottobre
Orari: da martedì a sabato ore 19-23
Tel: 06.4873177
Ingresso: libero
E-mail: info@gtartphotoagency.com
12 APPUNTAMENTI
di Giovanni Pelloso

Guido Guidi è al MAMbo

Quando fotografia e architettura si incontrano

A l Museo d’Arte Moderna di Bologna - in

collaborazione con il Dipartimento di
Architettura dell’Università di Bologna apre al
pubblico un progetto espositivo costruito sul
dialogo e sul confronto tra due diversi modi
di conoscere, quelli della fotografia e dell’ar-
chitettura. Ogni linguaggio, nella propria
autonomia, mira a un obiettivo comune: ren-
dere comprensibili quei luoghi costruiti in cui
risiede la nostra identità collettiva. La mostra,
a cura di Lorenzo Balbi, trova nel rapporto tra
architettura e fotografia una sintesi efficace
per raccontare i caratteri di un territorio sem-
pre meno visibile intersecando il lavoro visivo
di Guido Guidi, figura cardine della fotografia
italiana dal secondo Novecento, con le ricer-
che sull’architettura nella sua dimensione
territoriale di Maura Savini del dipartimento
di Architettura dell’Università di Bologna.

Se da un lato disegni, dipinti, carte e docu-

menti storici descrivono il territorio con i
modi dell’architettura, dall’altro il lavoro
di Guidi, che ha contribuito fin dagli anni
Sessanta a innovare e ridefinire lo statuto e le
possibilità espressive della fotografia di pae-
saggio in epoca contemporanea, arricchisce
di un nuovo capitolo la lunga meditazione
per immagini sul tema del paesaggio, in par-
ticolare quello marginale della provincia
italiana. Alle sei nuove opere fotografiche
che entreranno a far parte della collezione
permanente del museo, si affiancano altre
ventinove produzioni fotografiche inedite
INFORMAZIONI
di Guidi riferibili ai territori di Granarolo,
Architettura e fotografia nelle campagne dell’Emilia-Romagna
Maura Savini, rilievi e progetti - Guido Guidi, fotografie Minerbio e San Giorgio di Cesena. Il corpus,
Dove: MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna così composto, offre un incontro con una
Via Don Minzoni 14 | Bologna serie di disegni, rilievi architettonici, docu-
Quando: fino al 7 gennaio 2024 menti storici (mappe, cabrei, dipinti) che
Orario: martedì e mercoledì ore 14-19, giovedì ore 14-20
documentano la ricerca condotta da Maura
venerdì, sabato, domenica e festivi ore 10-19
Ingresso 6 euro Savini sulle architetture, sull’organizza-
Tel: 051.64.96.611 zione del suolo e sugli insediamenti dell’area
Web: www.mambo-bologna.org padana, dei quali la logica funzionalista non
sembra in grado di spiegare le forme.
Il progetto espositivo vive così di una doppia
anima, l’una architettonica, volta a ricono-
scere l’ingegnosità e l’immaginazione umana
di fronte ai vincoli imposti dalla terra che
abbiamo avuto in sorte e l’altra, fotografica,
diretta a rappresentare tale operosità attra-
verso la propria autonomia disciplinare e
strumentale che è in grado di “pensare per
forme” e di renderne evidente e conoscibile la
bellezza in modi inediti ed efficaci. Entrambe
le letture sono accomunate dall’intento di
delineare una condizione ancora possibile per
la creazione di quella che Cattaneo chiama
patria artificiale, cioè l’ambiente trasformato
dall’opera umana che costituisce la scena
fissa della nostra vita.
La mostra è parte del progetto Architettura
rurale in Emilia-Romagna, vincitore di
Strategia Fotografia 2022, promosso dalla
Direzione Generale Creatività Contemporanea
del Ministero della Cultura.
 MOSTRE 13

| Minerbio, 2023
Courtesy Viasaterna, Milano
e MAMbo - Museo d’Arte
Moderna di Bologna
© Guido Guidi

Opera acquisita da MAMbo

Museo d’Arte Moderna di
Bologna grazie al progetto
Architettura rurale in
Emilia-Romagna vincitore
di Strategia Fotografia
2022, promosso dalla
Direzione Generale Creatività
Contemporanea del
Ministero della Cultura
14 APPUNTAMENTI
di Giovanni Pelloso
Gabriele Basilico. Le mie città
Milano rende omaggio al suo fotografo
con una mostra a Palazzo Reale e alla Triennale
C urata da Giovanna Calvenzi e da Matteo
Balduzzi, la mostra in Triennale pro-
pone una selezione di immagini di Milano
e delle sue periferie attraverso tredici serie
fotografiche e centinaia di opere.
Per la prima volta l’esposizione presenta
in modo organico e completo il lavoro di
documentazione che l’autore ha realiz-
zato sulla propria città nel corso di quasi
quarant’anni, raccontando l’architettura,
il tessuto edilizio, i monumenti, lo svi-
luppo urbano, le trasformazioni della città
della Madonnina e della sua area metropo-
litana. Più di ogni altra, Milano ha offerto
a Basilico la possibilità di sperimentare,
di intraprendere ricerche con ampiezza di
temi, tempo, capacità di movimento. Le tre-
dici serie esposte, che occupano lo spazio
della Galleria di Triennale, ripercorrono la
carriera di Gabriele Basilico fin dagli esordi,
inevitabilmente immersi nel clima del
reportage sociale, per giungere agli ultimi e
più spettacolari lavori in una traiettoria che
descrive per frammenti la trasformazione di
Milano. Un percorso che include il racconto
delle periferie milanesi degli anni Settanta,
la celebre inchiesta dedicata alle fabbriche
(Milano. Ritratti di Fabbriche, 1978-1980),
l’indagine sulle architetture del moderni-
smo milanese (1985), il progetto sulla città
di notte realizzato per AEM (1989), i lavori
per la costruzione del quartiere Porta Nuova
(dal 2004 al 2012), il restauro del tetto del
Duomo (2012).
A Palazzo Reale la mostra è curata da
Giovanna Calvenzi e Filippo Maggia e pre-
senta al pubblico una selezione di scatti
sulle grandi committenze internazionali.
Le duecento opere, provenienti dall’Archi-
vio Basilico, testimoniano i più importanti
lavori dell’artista nel corso della carriera
realizzati in occasione di eventi internazio-
nali. Lo spazio del Lucernario è occupato
da Sezioni del paesaggio italiano (96 stampe
30x40 cm), un’indagine seminale sulla
trasformazione del paesaggio nazionale
realizzata per la VI Biennale di Architettura
di Venezia (1996). Lo studio si sviluppa
lungo sei sezioni del territorio, da Nord a
Sud dell’Italia, idealmente corrispondenti a
circa 50 km ognuna, che uniscono un’area
urbana consolidata a una zona suburbana
densamente popolata. Ciò risulta una sorta
di anticamera alle città del mondo che
rappresenta un passaggio fondamentale
nell’opera di Basilico, esercizio documen-
taristico che permette al fotografo milanese
di sperimentare un linguaggio che troviamo
poi compiuto nelle fotografie delle metro-
poli del mondo.
INFORMAZIONE
Dove: PALAZZO REALE
P.za del Duomo 12, Milano
Quando: 13 ottobre - 11 febbraio 2024
Orari: da martedì a domenica ore 10-19.30
giovedì chiusura alle 22.30
Tel: 02.88.46.52.30
Web: www.palazzorealemilano.it
INFORMAZIONE
Dove: TRIENNALE MILANO
Viale Emilio Alemagna 6, Milano
Quando: 13 ottobre - 7 gennaio 2024
Orari: da martedì a domenica ore 10.30-20.30
lunedì chiuso
Tel: 02.72.43.41
Web: www.triennale.org
 MOSTRE 15
di Giada Storelli

Stefano Babic. Luce e Ombra

La Other Size Gallery di Milano ospita uno dei fotografi che
ha contribuito all’immagine glamour della moda italiana

I naugurata a Milano durante l’ultima set-

timana della moda di settembre, fino
al prossimo 17 novembre alla Other Size
pubblicità e nella moda, ha creato alcune
delle immagini più significative degli anni
Ottanta per brand dell’industria del lusso
Gallery ci si potrà immergere nell’universo come Moschino, Gianfranco Ferrè, e Dolce
visivo di uno dei più rilevanti fotografi di & Gabbana. In particolare, la sua colla-
moda italiani grazie alla personale dal titolo borazione con Moschino ha contribuito a
Stefano Babic. Luce e Ombra. rendere il marchio riconoscibile in tutto il
Curato da Claudio Composti, l’appunta- mondo. Lo sguardo unico di Babic ha par-
mento espositivo propone al pubblico tecipato a definire l’idea di “glamour”
quattordici scatti di grande formato che nell’immaginario collettivo, immortalando
spaziano attraverso le epoche e lo svi- l’eleganza, la vanità e la sensualità. Oggi
luppo artistico del fotografo italiano in un l’autore si dedica alla fotografia artistica
percorso visivo che offre un affascinante e all’insegnamento, con l’obiettivo di tra-
viaggio attraverso l’immaginario dell’autore. smettere ai suoi allievi il senso del glamour
È un arco temporale che abbraccia oltre come un’attitudine e il potere della fotogra-
quarant’anni, dai ritratti in bianco e nero fia nell’esprimere l’essenza della bellezza.
più iconici (primi anni Ottanta fine anni
Novanta) agli scatti più recenti, a testimo-
nianza di una profonda ricerca personale.
Stefano Babic è un autore riconosciuto per
la sua capacità di plasmare la luce e per cre-
are immagini di impatto visivo ed eleganza.
Le sue fotografie catturano profili di donne
in momenti di pura espressività, una rap-
presentazione cinematografica e dinamica
che va oltre la semplice esibizione dell’og-
getto-abito. La predilezione per il bianco
e nero è una scelta giustificata dalla sua
visione unica della fotografia, come ricorda
il curatore della mostra: «Per lui, il cinema
è a colori e la fotografia è in bianco e nero,
in quell’effetto di luce e ombra dove i
bianchi più intensi rendono il nero più pro-
fondo e drammatico, creando un contrasto
netto in cui gli opposti si bilanciano in INFORMAZIONI
modo armonioso». Dove: Other Size Gallery
Una fotografia, dunque, sempre dinamica, Via Andrea Maffei 1, Milano
mai statica, influenzata dalle tecniche cine- Quando: fino al 17 novembre 2023
Orari: lunedì–venerdì, ore 10–18. Chiuso sabato e domenica
matografiche apprese nei primi anni della Ingresso: libero
sua carriera quando ritraeva le celebrità Email: othersizegallery@workness.it
internazionali. Attraverso esperienze nella Web: www.workness.it
16 APPUNTAMENTI
Mario De Biasi. Vita d’artista
La Galleria 70 espone il talento del reporter italiano
S embra ieri e invece sono trascorsi dieci
anni dalla sua scomparsa. Di lui rimane
ancora fresco il ricordo di un uomo curioso,
affabile e sempre pronto al confronto e
al racconto. Tutto ebbe inizio nel 1945
quando, tra le macerie di Norimberga, lui,
deportato, trova un manuale di fotografia
e altro materiale fotografico. Pochi anni e,
nel 1948, la sua personale a Milano diviene
la prima tappa nella costruzione di un
grande percorso professionale. La Galleria
70 di Milano rende omaggio all’opera e
all’uomo con una mostra curata dall’amico
Eugenio Bitetti. La proposta vuol guardare,
in primis, alla statura artistica del fotografo
bellunese che ha avuto grande impor-
tanza nella sua opera fotogiornalistica, dal
momento che solo chi è in possesso di un
naturale talento per la composizione e le
geometrie costruttive può così ben riuscire
a rappresentare gli eventi storici con tanto
realismo e nitida chiarezza.
Una vita, la sua, ricca di missioni in Italia
e nel mondo. Dal 1953, entrato a far parte
della redazione di Epoca, con centinaia di
copertine e innumerevoli reportage
MOSTRE
ha raccontato gli eventi e le piccole grandi
storie della seconda metà del Novecento.
Il percorso espositivo presenta al pub-
blico, oltre a immagini tratte dal repertorio
delle fotografie di natura, che tanto appas-
sionavano De Biasi e che rendono una
testimonianza genuina del suo alto talento
compositivo, una selezione di scatti in cui
l’elemento estetico, stilistico e costruttivo
riveste un carattere evidentemente prima-
rio. Siamo di fronte a opere straordinarie,
come le geometrie sul sagrato del Duomo
con la neve (1951) o una sublime Brigitte
Bardot del 1958, o il piccolo gioiello delle
impronte sulla neve del ’64, tanto caro
a Bruno Munari, o uno scatto dal primo
reportage del 1953 sull’alluvione in Olanda.
Queste immagini, e quelle sulla natura,
saranno articolate senza distinzione tema-
tica in un unico allestimento continuo,
a evidenziare uno stile che rende le due
espressioni manifestazione coerente della
stessa grande personalità.
INFORMAZIONE
Dove: Galleria 70
Via Pietro Calvi 2, Milano
La mostra fa parte del PHOTOFESTIVAL
Quando: fino al 29 febbraio 2024
Orario: Da martedì a sabato ore 10-13.30 e 16-19
Ingresso: libero
Web: www.galleria70.eu
Info: eugeniobitetti@libero.it
La mostra fa parte del PHOTOFESTIVAL
“Aprirsi al mondo. La fotografia come impegno civile” 18ª edizione
ARCHITETTURA E FOTOGRAFIA
NELLE CAMPAGNE DELL’EMILIA-ROMAGNA
MAURA SAVINI, RILIEVI E PROGETTI / SURVEYS AND PROJECTS
GUIDO GUIDI, FOTOGRAFIE / PHOTOGRAPHS

29.09.2023
07.01.2024
MAMbo - Museo d'Arte Moderna di Bologna
Via Don Minzoni, 14 | Bologna
mambo-bologna.org

photo © Guido Guidi

In collaborazione con /
In collaboration with

La mostra è parte del progetto /

The exhibition is part of the project
Architettura rurale in Emilia-Romagna
vincitore di / winner of Strategia Fotografia 2022
promosso dalla Direzione Generale Creatività
Contemporanea del Ministero della Cultura /
promoted by the Directorate-General for Contemporary
Creativity of the Ministry of Culture
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Moda All’Armani Silos di Milano, il più raffinato dei nostri stilisti ha scel-
e identità to di celebrare nei suoi spazi culturali la potenza evocativa del maestro
francese scomparso nel 1991. In questa intervista racconta le ragioni
della sua scelta e le suggestioni che ha suscitato in lui la produzio-
ne di Guy Bourdin. Tra scatti iconici e pezzi inaspettati, questa
Intervista ampia mostra, prorogata fino al 19 novembre, è l’occasione per un
di Barbara Silbe
IL FOTOGRAFO
Guy Bourdin
NARRATORE
Giorgio Armani svela la libertà creativa del grande ritrattista francese
Si intitola Guy Bourdin. Storyteller l’antologica che rende omag-
gio all’autore considerato uno dei padri della fotografia di moda.
All’Armani Silos sono proposte al pubblico cento opere selezio-
nate personalmente da Giorgio Armani insieme a The Guy Bourdin
Estate, la fondazione che oggi custodisce il lavoro del fotografo.
Nato a Parigi nel 1928 e scomparso nel 1991, fu influenzato dal
Surrealismo, dalla pittura, dal cinema, da Alfred Hitchcock e da
Edward Hopper, da Edward Weston, che gli infuse il gusto per
forme e colori, e dall’abbandono della madre che generò in lui
relazioni complicate con le donne e rappresentazioni non proprio
classiche delle sue modelle. Propenso al dramma e alla diffidenza,
il suo linguaggio provocatorio si affidava a metafore e a criptiche
interpretazioni. Il concept di questa esposizione va però oltre i
luoghi comuni che da sempre stanno appiccicati all’artista: ne
approfondiscono l’eleganza compositiva e le potenti capacità nar-
rative. Lo stesso Giorgio Armani ci confida cosa l’ha guidato nella
scelta delle opere:
«Il mio intento era quello di offrire al visitatore un’esperienza
coinvolgente scegliendo tra scatti iconici e immagini meno cono-
sciute. Con questa mostra volevo porre in risalto la libertà creativa
e il grande amore per il cinema dell’artista. Ho deciso di esporle in
stanze che esaltano l’uso dei colori saturi così tipico di Bourdin:
intere stanze di rossi, verdi e rosa. Ho scelto, inoltre, ventuno foto-
grafie in bianco e nero che mostrano quanto fosse incisiva la sua
capacità espressiva anche quando lavorava con i contrasti più
semplici. Infine, ho deciso di esplorare il suo amore per il cinema,
presentando una selezione di immagini di campagne pubblicitarie
viaggio a ritroso nella fotografia di moda inventata dall’autore
che ebbe Man Ray per amico e mentore. Enigmatico, visionario
e innovativo come pochi altri colleghi, con le sue narrazioni sep-
pe sconfinare dalla fotografia commerciale fino a farla approdare nel
mondo dell’arte, assegnando per sempre alla figura femminile un
nuovo ruolo nel nostro immaginario.
che sembrano scene del crimine o inseguimenti della polizia».
Non ha mai lavorato con Bourdin per le sue campagne, ma cosa
pensa del suo lavoro?
«Non l’ho mai incontrato e confesso che, nel momento in cui ini-
ziavo a fare moda e a lavorare con la fotografia, lo guardavo un po’
da lontano, con ammirazione mista a esitazione. Il suo lavoro era
caratterizzato da una forte sensualità e da colori estremamente
vividi, molto diversi dal mio linguaggio. Ma con il tempo ho impa-
rato a lasciarmi incuriosire da ciò che è distante, fino a esserne
attratto».
Il suo linguaggio è molto diverso dallo “stile Armani”, ma quali
sono le similitudini tra voi?
«Certo, il nostro linguaggio è molto diverso, ma ci sono alcuni
tratti in comune nel modo di affrontare l’immagine tra le mie cam-
pagne e gli scatti di Bourdin. I riferimenti possono essere svariati,
soprattutto quelli cinematografici.
Anch’io ho sempre lavorato sull’immagine fotografica come sug-
gestione filmica, perché penso che uno scatto possa raccontare
molto più di quanto immaginiamo. Il mio è un mondo più vicino
al Neorealismo e meno al Noir e al Mystery cui si ispirava lui, ma
la spinta è sostanzialmente identica. Quello che trovo straordi-
nario nel suo lavoro è la capacità di essere se stesso, che rimane
inalterata attraverso tutta la sua opera, la forza di raccontare le
sue storie indipendentemente dalle tendenze. E anche questi sono
aspetti nei quali mi riconosco».
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Anch’io ho sempre lavorato sull’immagine fotografica come suggestione filmica, perché penso
che uno scatto possa raccontare molto più di quanto immaginiamo Giorgio Armani
continua a pagina 22
20

2
 GUY BOURDIN 21

4
1 | Charles Jourdan, Spring
1978 © 2023, The Guy
Bourdin Estate

2 | Charles Jourdan, 1972

© 2023, The Guy Bourdin
Estate

3 | Charles Jourdan, Autumn

1977 © 2023, The Guy
Bourdin Estate

4 | Vogue Hommes, June

July 1977 © 2023, The Guy
Bourdin Estate

5 | Guy Bourdin Archives

circa 1974 © 2023, The Guy
Bourdin Estate

6 | Vogue Paris, May, 1978

© 2023, The Guy Bourdin
Estate

7 | Vogue Paris, May, 1984

© 2023, The Guy Bourdin
Estate
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ospitare la mia collezione permanente, fosse anche un dono per la

mia città, Milano, un contenitore di idee e di progetti, un laborato-
rio per dare spazio a opere che fossero di ispirazione e di spunto,
un luogo espositivo vivo in cui celebrare la creatività e promuovere
oltre alla moda, anche fotografia e design, rivolgendomi soprattutto
alle generazioni più giovani. In particolare, ho voluto dare spazio
alla fotografia, un linguaggio espressivo che amo da sempre, una
forma d’arte complessa, che può essere documento, ricordo o nar-
razione e ci può avvicinare a ciò che non conosciamo. Come uomo e INFORMAZIONI
come creativo che lavora con le immagini, sono affascinato da que- GUY BOURDIN
sto aspetto. La realtà, e così la fotografia che ne cattura per sempre STORYTELLER
Dove: Armani Silos
il significato, appare diversa a seconda dello sguardo di chi la Via Bergognone 40, Milano
osserva. È questa l’emozione che mi suscita ogni volta la fotografia, Tel: 02.91.63.00.10
indipendentemente dal soggetto: la relazione personale che si crea Quando: Fino al 19
con l’autore e il punto di vista che esprime, che si tratti di immagini novembre
di moda, ritratti, immagini d’ambiente o di cronaca, che dà forma Orari: da mercoledì
a domenica ore 11-19
alla realtà dei fatti». Ingresso: 12 euro
Web:
www.armanisilos.com

Mi incuriosisce la scelta del sottotitolo Storyteller.

Che tipo di storie raccontava, secondo lei?
«Era prima di tutto un narratore, ed è questa qualità che ha
portato nella fotografia di moda. L’idea che, oltre a produrre un’im-
magine estetica, si possa suggerire un contesto narrativo che 6
incuriosisca lo spettatore. Per lui il prodotto era secondario rispetto
all’immagine, un’evoluzione audace nella fotografia di moda dell’e-
poca. In questo modo, ha portato una prospettiva nuova. Ma,
GUY BOURDIN. Nato nel 1928 a Parigi, inizia come pittore, passando alla fotografia da autodi-
nonostante il suo obiettivo fosse contemporaneo, riusciva anche ad
datta nei primi anni Cinquanta. Sviluppa da subito uno stile intriso di richiami surrealisti, anche
attingere dal passato. Il suo lavoro è stato fortemente influenzato
dai surrealisti e Man Ray era un amico oltre che un mentore». grazie all’amicizia con Man Ray. Per Vogue Paris, produce servizi fotografici, ma anche campa-
gne pubblicitarie, che si contraddistinguono per l’incredibile libertà creativa. La sua volontà è
Armani Silos in questi anni si è trasformato in uno dei luoghi mettere in primo piano la creazione dell’immagine, non il prodotto. Il suo background influen-
della fotografia milanese, a prescindere dal mondo Armani. za il suo approccio, dallo studio dei colori, alle composizioni sospese tra l’assurdo e il sublime,
Era nei suoi programmi? capaci di stimolare il subconscio dello spettatore. I colori iperreali, i giochi di luci e ombre, ma
«Era da tempo che accarezzavo l’idea di uno spazio che, oltre a anche il trucco “glossy” delle modelle, fanno parte del suo codice visivo, unico e riconoscibile.
 GUY BOURDIN 23

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Moda Nel 1839 la fotografia fu presentata a Parigi e da quel giorno questo e intellettuali si ripresentano a noi mettendo in discussione il futuro del
e identità strumento rivoluzionò irreversibilmente la percezione del mondo, della linguaggio fotografico davanti alla creazione di immagini per mezzo
realtà e il modo di rappresentarla. L’avvento della riproduzione meccanica dell’intelligenza artificiale che sta entrando anche nel mondo
mise in profonda crisi la pittura, che fino a quel momento aveva assolto al dell’immagine. Con l’artista italiano Vins Baratta, fotografo di moda che
Intervista compito di documentazione visiva attraverso i secoli. Oggi, quelle stesse da qualche anno produce immagini attraverso l’IA divenendo uno degli
all’autore domande, discussioni e timori che si posero artisti, manovalanze, critici autori italiani di riferimento, riflettiamo sul futuro prossimo possibile.
di Giada Storelli
Vins Baratta
Intelligenza Artificiale e Fotografia

È IL PROSSIMO
FUTURO?
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Cerchiamo, anzitutto, di conoscerti. Qual è stato il tuo percorso

professionale fino a oggi?
«Nasco come graphic designer nei primi anni del 2000 e ho
lavorato in vari studi e agenzie di Milano. Nel 2008 ho iniziato a
studiare fotografia alla Bauer di Milano e in quegli anni mi sono
avvicinato alla fotografia analogica scattando in 35mm e in medio
formato. Ho sempre portato avanti l’amore per l’analogico e per un
genere di fotografia più “materica” e contemporaneamente ho ini-
ziato a lavorare per la moda facendo lavori commerciali».

Nasci professionalmente come grafico per poi passare alla foto-

grafia analogica e digitale al servizio della moda. Quando e
perché ti sei accostato all’intelligenza artificiale?
«Ancora oggi lavoro come fotografo per importanti fashion brand.
Sono un settore e una tipologia di fotografia che amo molto. Mi
sono avvicinato all’intelligenza artificiale dopo aver visto i primi
esperimenti di fotografi che mi avevano colpito moltissimo, uno dei
quali è il mio amico Federico Ciamei. Sono rimasto affascinato dalla
forza espressiva che erano riusciti a generare e alla complessità
dei set che nel mondo reale avrebbe implicato probabilmente setti-
mane di lavoro, decine di persone e budget stratosferici».

Ad oggi molti tuoi progetti e ritratti sono creati con l’intelligenza

artificiale, sei riuscito a conciliare l’utilizzo di questo strumento
con il tuo linguaggio fotografico?
«Penso che l’intelligenza artificiale possa essere un impor-
tante strumento creativo e che quindi richieda un gusto e una
visione fotografica ben definita. C’è un altissimo rischio di bana-
lizzare e omologare qualsiasi immagine. Credo che se si ha una
storia che parte dalla fotografia sia più semplice elaborare interes-
santi prompt – è la richiesta all’intelligenza artificiale – e riuscire a
gestirli anche tecnicamente per generare l’immagine e raccontare
la storia che si ha in mente. Il mio linguaggio creativo era fatto di
analogico e di pellicole ed è la stessa direzione e atmosfera verso le
quali vanno le mie immagini IA».

Secondo te è possibile integrare questi due strumenti al fine

di costruire un’immagine?
«Sono due linguaggi che potrebbero benissimo andare insieme.
Ho già visto degli esperimenti di fotografi che mischiano l’IA con la
fotografia, soprattutto con la ritrattistica. Penso che sia un ulteriore
strumento e, se gestito con consapevolezza, si può avere un con-
trollo ancora più preciso delle immagini generate».

Quanto e come incide la creatività umana nella creazione

di un’immagine con l’intelligenza artificiale?
«Incide moltissimo perché senza un’idea iniziale è molto com-
plesso generare un’immagine interessante, espressiva e non banale.
Credo anche che, essendo le immagini elaborate da testi, la cultura
personale e la conoscenza della tecnica e della storia della fotogra-
fia siano fondamentali per generare prompt efficaci. L’intelligenza
artificiale è uno strumento potente, ma la creatività umana e la
conoscenza del medium fotografico svolgono un ruolo chiave
nell’orientare e nel definire il risultato finale».
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VINS BARATTA 27
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Moda Ponendo la femminilità al centro della sua narrazione visiva, l’autri-

e identità ce brasiliana racconta con sguardo intimo e sensibile piccole storie che
uniscono tradizione e modernità e lanciano un messaggio di integra-
zione e accettazione della diversità. Nei suoi ritratti, abiti e acconciature
Intervista si fanno emblema culturale e identitario attraverso il quale recupera-
all’autore re dignità e valore per cambiare il futuro partendo dal passato.
di Marisa Zanatta
Luisa Dörr

DONNE
1 | María Belén Fajardo
Fernández (21), Pairumani
CON LE
GONNE
Cochabamba, Bolivia
2021 dal progetto Imilla
© Luisa Dörr

2 | Pairumani Park Entrance

Cochabamba, Bolivia
2021 dal progetto Imilla
© Luisa Dörr
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È difficile essere donna in America

Latina, una società caratterizzata
da un maschilismo endemico.
A Cochabamba ho scoperto
un gruppo di giovani donne che lotta
per abbattere gli stereotipi
in un contesto storicamente patriarcale
Luisa Dörr

Il tuo lavoro esplora la natura umana e la condizione femmi-

nile. Quale urgenza ti ha portato a farne il tuo campo d’indagine?
«Il mio racconto scaturisce dalla mia interiorità. Privilegio que-
sti temi perché capisco l’universo femminile, ma non ne faccio
una questione di genere. Amo raccontare storie di donne e di
tradizioni culturali perché la narrazione è stata a lungo domi-
nata dallo sguardo maschile. Ora le cose stanno lentamente
cambiando, ma il semplice fatto che una donna riesca ad avere
successo nel lavoro apre la strada ad altre che vorrebbero abbat-
tere le barriere e seguire i loro sogni».

Nel progetto Imilla indaghi l’identità Chola attraverso un gruppo

di skater boliviane di discendenza indigena.
«Imilla, il nome di questo collettivo di Cochabamba, significa
“ragazze” nella lingua degli Ayamará e dei Quechua. Nelle due set-
timane trascorse con le skater ho voluto chiarire il loro contesto
culturale documentando la vita di ogni giorno, i riti, gli oggetti e le
situazioni che manifestano la consapevolezza della loro identità.
La società indigena boliviana è saldamente matriarcale. Le donne
sono forti e rispettate e lavorano in ruoli inconsueti come project
manager o camioniste. La discriminazione è arrivata con i conqui-
stadores che le ha emarginate per secoli. Ora, grazie anche al lavoro
di Evo Morales, la popolazione indigena e le donne stanno recupe-
rando dignità e potere».

Le ImillaSkate indossano costumi tradizionali. Che ruolo hanno

gli abiti nel definire l’identità di una persona?
«Gli abiti sono al contempo un avatar e un’armatura. Si usano
per comunicare messaggi e raccontare storie. Anche chi li
trascura fa a suo modo uno statement identitario. A me interes-
sano gli abiti folkloristici, capi che raccontano chi li indossa e
il contesto sociale a cui appartengono. In Imilla ho fotografato
le polleras, ampie gonne a ruota tradizionalmente associate alle
contadine indigene. Simbolo di autenticità ma anche di stigma-
tizzazione, si indossano tuttora in contesto rurale. Le Imilla le
usano nelle esibizioni sportive come segno di emancipazione
2 femminile e di identificazione culturale.
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3

3 | Ellinor Buitrago Méndez
(23) Cochabamba, Bolivia
2021 dal progetto Imilla
© Luisa Dörr
4 | Alba Oriente, Valencia
Spagna, 2018 dal progetto
Falleras © Luisa Dörr
5 | Lola (10), Valencia
Spagna, 2018 dal progetto
Falleras © Luisa Dörr
4 5
Il loro messaggio promuove un canone di bellezza non stereotipato
in cui la società boliviana, a lungo esclusa e umiliata dagli standard
occidentali, può riconoscersi con i propri volti, capelli, volumi cor-
porei, ma anche con la propria moda e stile di vita».
L’acconciatura è parte integrante della loro identità.
«Le donne boliviane attribuiscono grande importanza ai capelli.
Li portano lunghi e raccolti in bellissime trecce. L’acconciatura
è un rituale di bellezza in cui le donne si dedicano del tempo.
Spazzolarsi a vicenda le lunghe chiome permette loro di fare rete e
di liberarsi da energie negative e cattivi pensieri».
Lo skateboard è però uno sport tradizionalmente maschile.
«Non è facile andare sulla tavola con queste gonne voluminose,
ma le ImillaSkate vogliono diffondere questo sport tra le ragazze
per lottare contro la discriminazione in un contesto storicamente
patriarcale. La loro iniziativa sta aiutando molti a cambiare men-
talità. Il collettivo aprirà una ONG per aiutare donne e bambini
vittime di abusi attraverso lo sport».
LUISA DÖRR 31
Nella serie Falleras hai ritratto donne di diverse etnie in costumi
valenciani.
«Volevo mostrare la questione migratoria e il cambiamento
culturale in Spagna in chiave positiva. Ho notato che persone pro-
venienti da altri Paesi si stanno integrando in questa pratica che
affonda le radici nella tradizione rurale iberica. I costumi delle fal-
leras richiamano le contadine che lavoravano nei campi di riso
intorno a Valencia, per cui ho tratto ispirazione da alcuni dipinti
d’epoca. Come nel ritratto di Lola, una ragazzina di origine etiope
adottata da una famiglia valenciana, che si veste da Fallera da
quando aveva due anni e partecipa al Festival delle Fallas con il
nonno adottivo ottantacinquenne».
Dal tuo lavoro emerge un’attenzione ai valori identitari e al
legame tra le generazioni.
«Il mondo è fatto di milioni di storie individuali. È la singolarità
di ciascuna vicenda umana a renderlo un luogo straordinario.
Ciò che rende ogni essere unico è la sua identità culturale.
Possiamo negare le nostre radici o assumere una nuova identità,
32

ma chi accoglie e sostiene le tradizioni come parte di un più grande

rituale umano contribuisce a mantenere in vita ciò che intere gene-
razioni hanno costruito, consentendo il tramandarsi di riti e valori.
Ora stiamo rompendo questo paradigma muovendoci verso una
coscienza globalizzata a scapito di questa singolarità. La cultura è
un’entità viva che necessita sempre di cura e nutrimento».

Hai fotografato alcune delle donne più influenti del mondo con
un’iPhone. Che ruolo ha la tecnica nel tuo processo creativo?
«I vari dispositivi agevolano il processo ma non sono in grado di
creare. Ciò che conta è l’idea, poi tutti abbiamo in tasca uno stru-
mento per esprimere la nostra visione. Io, ad esempio, uso un mix.
Per i ritratti preferisco il medio formato per concentrarmi su sog-
getto e ambiente. Ma se ho poco tempo, uso mezzi più veloci.
L’iPhone aiuta l’interazione con il soggetto perché viene percepito
come meno invasivo. Nel ritrarre una persona voglio coglierne la
complessità. Il mio approccio cambia a seconda del soggetto, ma
cerco sempre il dialogo e la collaborazione».

Quali autori hanno influenzato il tuo sguardo?

«Diane Arbus per l’emotività dei suoi ritratti che sanno cogliere
la fragilità e la diversità. Sally Mann per il racconto intimo e a volte
controverso della sua vita familiare. Evgenia Arbugaeva per le sue
immagini oniriche e nostalgiche che mi trasportano in un altro
tempo. E poi Rena Effend per il suo sguardo profondo sulla vita di
individui e comunità ai margini».

A cosa stai lavorando attualmente?

«Ho due lavori in cantiere. Un progetto multimediale su un
gruppo di levatrici indigene a Pau Brazil nel Nord-Est del Brasile.
Con la loro resilienza e saggezza ancestrale queste donne si ergono
a pilastri della loro comunità. Il secondo progetto è sulle ultime
maikos, le apprendiste geisha che vengono addestrate a Kyoto nelle
okiya, residenze per imparare l’arte della geisha. Vorrei riuscire a
documentare questo mondo, simbolo della cultura e della storia
giapponese, prima che scompaia».

LUISA DÖRR (Lajeado,1988) è una fotografa brasiliana che vive e

lavora a Bahia e utilizza il ritratto per esplorare la complessità del-
la natura umana. Le sue foto sono state pubblicate, tra gli altri, su
TIME Magazine, National Geographic, The New York Times ed
esposte in Brasile, Stati Uniti e in molti Paesi europei. Tra i vari rico-
noscimenti il POYi Documentary Project of the Year nel 2018 per
FIRSTS e il 3° premio nella categoria ritratto al World Press Photo
2019 per Falleras. È attualmente in mostra con Imilla al PhEST di
Monopoli e al Festival di Lodi dove ha ricevuto la menzione specia-
le Short Story al World Report Award. Sarà a Mantova a marzo 2024
6 per la Biennale della Fotografia Femminile.
 LUISA DÖRR 33

6 | Maria Fernandez
Valencia, Spagna, 2018
dal progetto Falleras
© Luisa Dörr

7 | Emma and Eva, Valencia

Spagna, 2018 dal progetto
Falleras © Luisa Dörr

7
34

Moda
e identità

Sguardo
d’autore

di Benedetta Donato
Alisa Martynova

Il ritratto di persone o di paesaggi è utilizzato come veicolo per raccontare
storie di culture e di mondi apparentemente distanti. Un lavoro dalle
atmosfere indefinite, a tratti fantastiche e oniriche, il cui punto di partenza
è la convinzione che il fenomeno della migrazione rappresenti lo stato
primordiale dell’uomo. Ciò che rende di valore la ricerca di Alisa Martynova
è la prospettiva inedita con cui sceglie di raccontarlo. Guardando
NOWHERE NEAR
Incontriamo Alisa Martynova dopo aver ammirato il suo progetto
durante la scorsa edizione di EXPOSURE+PHOTO 2023, festival di
fotografia di Kuala Lumpur, esposto insieme ai lavori di autori pro-
venienti da tutto il mondo. A tal proposito, l’autrice ricorda che:
«Steven Lee, tra i curatori del festival, aveva visionato il progetto
nella fase iniziale del lavoro, durante una lettura portfolio di qual-
che anno fa ed è stata una piacevole sorpresa apprendere che era
stato selezionato per questa edizione». Il lungo percorso di Alisa
inizia quando frequentava il corso triennale di Fotografia e New
Media della Fondazione Studio Marangoni, lavorando contempora-
neamente come assistente al collettivo Riverboom.
«Nowhere Near è divenuto il mio progetto di tesi ed è nato da
un compito sul ritratto. Ho scelto di raccontare storie di altri, cui
comunque mi sentivo vicina. Venendo dalla Russia e da una città
vicina al confine con il Kazakistan, ho sempre avuto una certa
familiarità con il fenomeno della migrazione, che da noi veniva con-
siderato un fatto normale. Venendo in Italia, mi sono resa conto di
quanto il tema fosse al centro di un acceso dibattito politico, molto
attenzionato dai media e assai discusso tra le persone.
C’era una narrazione con cui non mi trovavo d’accordo: spesso
parziale, incompleta e anche ingiusta. Quindi ho pensato di entrare
in contatto con i diretti protagonisti, per capire in prima persona
come stavano le cose. Ho contattato alcuni centri ricettivi e di prima
accoglienza a Firenze, la città in cui mi trovavo. Inizialmente ho rea-
lizzato un reportage, ma mi sono resa conto che, in quel periodo,
il mio approccio alla fotografia stava diventando più concettuale,
meno legato alla narrazione diretta della realtà. Ho pensato di poter
realizzare un lavoro in maniera più complessa». L’approccio di cui
parla Alisa è frutto di una consapevolezza maturata nel tempo, deri-
vata certamente dalla sua passione per il teatro, così come dagli
studi universitari in Filologia straniera, che le hanno consentito di
35
le sue fotografie emerge un’impronta assai originale, caratterizzata da
elementi inaspettati, capace di realizzare visioni trascinanti ed evocative, di
trasmettere la forza di storie e di persone rappresentate in maniera del tutto
fuori dal comune. Un progetto che vede ogni tappa come un inizio. Cominciato
in Italia, si è evoluto negli anni, esplorando la Francia e adesso vedrà l’autrice
approdare in Inghilterra per un nuovo capitolo.
sviluppare un’attenzione particolare per le analogie, le metafore,
le allusioni e tutti quegli elementi più evocativi, anche perché, per
sua stessa affermazione: «Dire le cose direttamente per me è troppo
facile».
Da persona molto meticolosa, ha iniziato a studiare il tema della
migrazione di origine africana, a consultare riviste e pubblicazioni,
si è confrontata assiduamente con operatori e mediatori dei centri,
con gli psicologi che supportano le persone all’arrivo e nel loro per-
corso di adattamento a questa nuova situazione. Solo dopo questo
primo approfondimento ha iniziato a incontrare le persone da foto-
grafare, a parlarci e a conquistare la loro fiducia, così da conoscerne
altre da includere in questo progetto tuttora in corso.
«Ho cercato di instaurare un rapporto alla pari. Ho chiesto cose
molto personali come, ad esempio, conoscere le loro sensazioni o i
loro sogni ricorrenti. Erano tutte informazioni utili per visualizzare
dei simboli da riportare in fotografia. Ho sempre cercato di non
parlare mai dell’esperienza del viaggio, della traversata in mare
o del lungo cammino via terra che avevano dovuto affrontare per
arrivare fin qui. Questa parte della loro esperienza era quella più
veicolata e diffusa dai media e soprattutto volevo evitare di urtare
le loro fragilità e sensibilità, rispetto a momenti dolorosi di un’e-
sperienza simile».
Dall’Italia, e dalla Toscana in particolare, Alisa si sposta in
Francia, a Deauville, dove viene selezionata per una residenza di
giovani artisti presso il Festival Planches Contact, diretto da Laura
Serani. Se in Italia aveva lavorato molto sulle sensazioni, sui senti-
menti che si prova nella condizione di migrante, in Normandia si
concentra sul rapporto con le origini. Incontra persone arrivate
da dieci anni che avevano scelto questo luogo come la loro casa.
continua a pagina 38
36

La costruzione del ritratto

è frutto di una collaborazione
con il soggetto,
di scelte precise
e combinazioni di tanti
elementi, come il luogo, le
luci e gli abiti
per far emergere la storia
della persona,
le sue sensazioni
e la sua cultura Alisa Martynova
 ALISA MARTYNOVA 37

Preferisco un approccio meno diretto alla realtà e utilizzare metafore,

allusioni e simboli da riportare nelle fotografie Alisa Martynova

ALISA MARTYNOVA (Orenburg, 1994). Nel 2019 si diploma nel programma

triennale di fotografia professionale presso la Fondazione Studio Marangoni a
Firenze. Durante gli studi è stata assistente per il collettivo fotografico Riverboom.
Nel 2018 presenta il suo lavoro a Leica Story, nel 2019 vince la categoria fotogra-
fia del Premio Combat Prize ed è seconda classificata del Premio Canon Giovani
Fotografi. Proietta il suo lavoro alla serata di apertura di Les Rencontres d’Ar-
les e viene selezionata tra i finalisti del Photolux Award 2019 e del 2021Photo
Contest, categoria Portraits, di World Press Photo. È membro dell’agenzia foto-
grafica Parallelo Zero.
38
| Le immagini dell’articolo
sono tratte da
Nowhere Near, 2019-2021
© Alisa Martynova
Alcuni rigettavano le loro origini, le rispondevano che si sentivano
europei e si rifiutavano di condividere qualunque tipo di ricordo.
Altri invece cercavano di manifestare le proprie origini, come modo
per mantenere viva la propria cultura, per non rischiare di per-
derla o di farla scomparire e anche per farla conoscere alle persone
del luogo. Mentre si trovava a Deauville, riceve la notizia del World
Press Photo, per il quale il suo progetto si aggiudica il secondo posto
della categoria Portraits series.
Terminata l’esperienza della residenza, decide di continuare il
progetto perché «l’esperienza del World Press Photo mi ha fatto
comprendere che, come fotografa, potevo davvero fare qualcosa
di importante, mostrando le cose in un’altra prospettiva. Ricordo
le reazioni dei soggetti ritratti nel rivedersi in queste fotografie e
di sapere che di loro si venisse a conoscenza. È stata una grande
emozione». Così Alisa decide di andare avanti e proprio in questi
giorni si trova in Inghilterra.
«Mi è sembrato logico inserirla nel percorso perché, con l’Italia e
la Francia, questo Paese rappresenta una sorta di rotta da seguire.
Questa terza parte del progetto è sempre orientata a offrire una
visione alternativa rispetto a quella stereotipata dell’immigrato che
spesso ci viene restituita. Nelle ricerche affrontate prima di partire,
ho notato la quasi totale assenza di progetti fotografici che trattas-
sero il fenomeno dell’immigrazione contemporanea in Inghilterra.
Approfondendo l’argomento, mi sono resa conto che la letteratura
anglosassone è focalizzata sul fenomeno migratorio come conse-
guenza del post colonialismo, per esempio, ma nulla di significativo
ARTHUR NAGER
sulla recente immigrazione dal continente africano. La mia presenza
qui ha lo scopo di raccontare proprio questo».
Questa parte della ricerca si aggiunge a due corpi di lavoro impor-
tanti, racchiusi in Nowhere Near. Già dal titolo del progetto si è
trasportati in un luogo che non è un luogo, ma uno spazio indefi-
nito, così come lo sono le atmosfere dei sogni. Allo stesso tempo,
emerge con precisione la forza di queste persone, la loro identità tra-
smessa da ritratti, in cui gli elementi allusivi e metaforici diventano
fondamentali per esaltare la cultura di provenienza dei soggetti.
Con tutte le sfumature che esistono, tante sono le persone incon-
trate dall’autrice e che possono essere colte in queste immagini.
«Un ritratto è un processo, una costruzione condivisa, per cui mi
piace parlare di collaborazione. C’è stata un’occasione in cui da un
sogno ricorrente dove comparivano dei fiumi rossi, ho cercato di
ricreare quella sensazione attraverso l’enfasi del colore. Anche l’a-
bito rappresenta un messaggio molto forte. Come nel cinema o nel
teatro, bisogna scegliere con molta cura tutti gli elementi presenti
nella scena allo scopo di far emergere sempre la persona».
Alisa riflette su quanto sia difficile pensare alla fine di questo pro-
getto, su come da ogni confronto nascano spunti per proseguirlo:
«Se non avessi fatto queste foto nessuno avrebbe compreso come io
vedo il mondo. Ho la possibilità di riportare nella realtà le immagini
che ho nella mia testa con l’obiettivo di far avvicinare mondi e per-
sone. Non credo che tutto questo possa terminare».
di Giovanni Pelloso
© COOPER & GORFER - between these folded walls, utopia
 © Alessandro Gandolfi - Roma Revolution
Viviamo in un mondo sempre più incerto nel quale l’essere umano
appare meno capace di accogliere e gestire la crescente complessità,
di comprendere il presente e ciò che lo circonda. È in questo delicato
passaggio che si ritrova il tema dell’edizione 2023 del Festival di
Fotografia Bergamo che quest’anno si inserisce nella cornice dall’alto
valore simbolico di Bergamo Brescia Capitale della Cultura 2023.
NOI, QUI è il titolo della quarta edizione del Festival, organizzato
da Fotografica APS in collaborazione con il Comune di Bergamo.
Al centro dell’indagine è l’essere umano. Un percorso conoscitivo
costruito attraverso dodici mostre di respiro internazionale presentate
e allestite nel monastero del Carmine e negli ex magazzini del sale,
due contesti architettonici di grande pregio in Città Alta.
Fotografica intende raccontare la vulnerabilità come forza, la
cultura come cura, il coraggio, la resilienza, l’integrazione, la ricerca
di un futuro migliore, la solidarietà e il riscatto. Tale osservazione è
costruita attraverso il personale registro emotivo ed espressivo degli
autori selezionati per l’occasione. Tutte opere capaci di suscitare
sentimenti e reazioni nell’invito a una reale presa di coscienza.
MONASTERO DEL CARMINE
IN A WINDOW OF PRESTES MAIA 911 BUILDING - Julio Bittencourt
Julio Bittencourt ritrae uno dei più grandi centri sociali nel cuore di
San Paolo (Brasile) e occupato dal MSTC (Movimento dei senzatetto
dal centro). Raccoglie le storie quotidiane che si affacciano su
questo gigantesco edificio fatiscente di 22 piani con 364 finestre,
concentrandosi sulle differenze umane, sull’individualità delle persone,
sulla frammentaria esperienza proposta all’interno di questo blocco.
Le immagini non offrono una risposta, ma parlano della complessità
delle forze in gioco. Mostrano la decadenza dei materiali e la dignità di
coloro che sopravvivono al loro interno.
© Deanna Dikeman - Leaving and Waving
THE DAY MAY BREAK - Nick Brandt. Il fotografo britannico con-
duce il visitatore alla scoperta di uomini e animali sopravvissuti.
Le persone ritratte sono tutte gravemente colpite dal cambiamento
climatico: alcune sfollate a causa dei cicloni e delle inondazioni che
hanno distrutto le loro case, altre, come gli agricoltori, impoverite da
anni di grave siccità. Gli animali al loro fianco sono stati salvati dal
bracconaggio. La nebbia rimane l’elemento visivo unificante a sim-
boleggiare un mondo che ora sta svanendo.
BETWEEN THESE FOLDED WALLS, UTOPIA - Cooper & Gorfer
Il duo artistico firma una serie di ritratti di donne creati con dinamici
effetti di sovrapposizioni e vividi collage. Pur ammaliati dai colori
e dall’estetica, non dobbiamo dimenticare che ogni volto raccoglie
in sé storie di abbandono, di migrazione e di lotta. Sono donne che,
giunte in Svezia, con forza e coraggio si sono ricostruite una vita, un
cammino di integrazione, aggrappandosi ai propri sogni e desideri.
ELEMENTI - Edoardo Delille. Il progetto, realizzato nel territorio
bresciano, mette in relazione la vita di una grande realtà aziendale,
Donati, con la storia, l’anima e l’identità degli abitanti. Brescia, le
sue montagne, le valli, i laghi di origine glaciale raccontano l’iden-
tità di una zona partendo dal suo passato. Gli elementi della natura
diventano lo specchio della vita.
LEAVING AND WAVING - Deanna Dikeman. La fotografa ameri-
cana offre il suo sguardo semplice e diretto riguardo a uno dei gesti
umani ritenuti più naturali: il saluto, l’arrivederci, l’addio.
È il racconto di lei che negli anni saluta i propri genitori prima di
riprendere il viaggio. «Queste fotografie erano un modo per affron-
tare la tristezza della partenza. Col tempo è diventato il nostro rituale
d’addio». Questa gestualità ha scandito ventisette anni di incontri.
ROMA REVOLUTION - Alessandro Gandolfi. Il reporter dell’a-
genzia Parallelozero racconta la prima “rom girl group” al mondo.
Sei giovani ragazze, impegnate in ambito musicale, costruiscono
 © FAUSTO PODAVINI - Apnea
© JULIO BITTENCOURT In a window of Prestes Maia 911 building

LAURA LEONELLI - Io non scendo

messaggi (in lingua romaní) diretti alle loro coetanee: lottate con-
tro gli abusi, non abbandonate la scuola, non sposatevi a sedici
anni. Sul canale YouTube i video delle Pretty Loud sfiorano le
200mila visualizzazioni e la band ha già cantato per le Nazioni
Unite e per l’Obama Foundation, arrivando sulla prima pagina del
New York Times.

IO NON SCENDO - Storie di donne che salgono sugli alberi

e guardano lontano - a cura di Laura Leonelli
Per secoli le donne sono rimaste a terra, ai piedi degli alberi.
Destinate a nutrire le esistenze di padri, mariti e figli, a un certo

© NICK BRANDT The Day May Break

punto si sono ribellate, hanno abbracciato gli alberi e salendo di
ramo in ramo hanno raggiunto un altro punto di vista più aperto,
più alto, più profondo, più chiaro. E hanno detto: “Io non scendo”.

APNEA - Fausto Podavini per Medici Senza Frontiere

Oltre 200.000 persone sono costrette a vivere nei campi per sfollati
interni in Ciad, dopo che è stato colpito da una delle peggiori

© EDOARDO DELILLE - Elementi

© PATRIZIA RIVIERA - la liberazione della follia

alluvioni della sua storia. L’acqua ha inondato case, scuole, ospedali

e campi coltivati, trasformando persone, con vite già umili, in
sfollati intrappolati in una condizione di estrema povertà.
Quanto accaduto è un esempio delle conseguenze del cambiamento
climatico.

LA LIBERAZIONE DELLA FOLLIA - Patrizia Riviera.

Ha iniziato a collaborare come fotografa con la Fondazione Emilia
Bosis, ente no-profit che si occupa di salute mentale e opera nel ter-
ritorio Bergamasco con tre Comunità, due Centri diurni e diversi
appartamenti protetti, nel novembre del 2000, quando con un
gruppo di persone con disturbi psichiatrici, ospiti in Comunità, sono
andati a fare un viaggio nella Patagonia Argentina e Cilena.
In questi vent’anni, la fotografa li ha seguiti in tutte le loro iniziative.
Il progetto restituisce a queste persone dignità, grazie a un modo
diverso di mostrare la follia, senza la retorica delle immagini stan-
dard di sofferenza e isolamento.
 © SEBASTIAN GIL MIRANDA Na Ponta dos Pés
© Gianmarco Maraviglia COVER ME WITH GOLD
EX MAGAZZINI DEL SALE

© Maurizio Galimberti PROGETTO SPORT, tra dada e movimento ritmo/dinamico in ready

PROGETTO SPORT - Tra dada e movimento ritmo/dinamico
in ready - Maurizio Galimberti.
Lo sport, le sue figure leggendarie e protagoniste, i grandi eventi vei-
colati dalla stampa mondiale, diventano oggetto di reinterpretazione
da parte dell’artista. Incentrandosi sul dinamismo dei corpi, sui
punti di vista complessi e sulla ricerca di effetti compositivi, si vive
l’illusione di essere trasportati in quei magici momenti e in quelle
atmosfere. Le opere realizzate da Maurizio Galimberti sono nuovi
ricordi ricchi di simbologia e di emozione.

NA PONTA DOS PÉS - Sebastian Gil Miranda. Il lavoro fotogra-

fico, sviluppato negli ultimi otto anni, dà luce al balletto Na Ponta dos
Pés di Rio de Janeiro. Coordinato dall’ex ginnasta Tuany Nascimento,
il progetto sociale offre l’opportunità a oltre duecento ragazze che abi-
tano una delle favelas più violente della città. Nel mezzo di una guerra
narco-territoriale tra le due più grandi fazioni criminali, tra sparato-
rie, violenza, droga e prostituzione, queste giovani donne coltivano un
sogno di bellezza. Grazie al lavoro continuo delle persone coinvolte,
alla copertura mediatica e alle campagne di crowdfunding, il progetto
è riuscito a svilupparsi: è stata costruita una sede (con materiali anti-
proiettile) che comprende una sala da ballo professionale e uno spazio
FOTOGRAFICA FESTIVAL DI FOTOGRAFIA BERGAMO
aperto a tutta la comunità nel quale sono proposte varie attività.
MONASTERO DEL CARMINE - Via Colleoni 21, Bergamo Alta.
COVER ME WITH GOLD - Gianmarco Maraviglia a cura
di Chiara Oggioni Tiepolo. L’oro è il colore della vittoria. EX MAGAZZINI DEL SALE - Via Arena 7b, Bergamo Alta.
Nello sport, come nella vita, ma è anche il colore delle coperte ter-
miche che avvolgono i migranti appena sbarcati sulle coste. 14 Ottobre 19 Novembre 2023
Cover me with gold è la storia di ragazzi e ragazze del Sant’Ambroeus,
l’incredibile squadra di calcio milanese dove giocano immigrati, Ingresso: 10,00 € ridotto 7,00 €
richiedenti asilo e persone in attesa di un permesso di soggiorno. www.fotograficafestival.it
Milita in seconda categoria e raccoglie storie di riscatto, di impe-
gno e di amicizia.
 39

Moda L’artista è sicuramente un astro brillantissimo nel campo della
e identità fotografia di moda. Autrice assidua tra le pagine di un magazine impor-
tante come Vogue, vanta numerosissime collaborazioni con stilisti di
fama mondiale. Quello che affascina del suo pensiero è l’attenzione
Sguardo che la fotografa inglese, di origine nigeriana e giamaicana, pone nel-
d’autore la ricerca di un’estetica non convenzionale che fa riflettere sia
di Francesca Orsi
sulla natura dell’immagine sia sulla rappresentazione del genere e
dell’identità, oltre che su quel processo di oggettivazione del corpo
ritratto che è stato tanto in voga nella fotografia di moda fino a poco
tempo fa. Le sue immagini non sono patinate, non sono artefatte, ma
credibili perché tratte dalla sua esperienza, perché Nadine ha forgia-
to il suo concetto di estetica e di bellezza seguendo il suo sentire.

NUOVI CANONI
Nadine Ijewere

DI BELLEZZA
1
continua a pagina 42
40

Le immagini sono tratte

dal libro Nadine Ijewere.
Our own selves.

1 | Huitzili Espinosa
Que Onda?, Garage
Magazine, April 2020. Image
© Nadine Ijewere, 2021

2 | Achok Majak,
The Cowboy Who Fell
to Earth, Garage Magazine
September 2018. Image
© Nadine Ijewere, 2021

3 | Cuba Project, 2018. Image

© Nadine Ijewere, 2021
 NADINE IJEWERE 41

Amo il senso di movimento all’interno delle mie immagini, in modo che non risultino statiche.
Mi piace ritrarre il corpo di alcuni modelli un po’ “tagliato fuori” o non perfettamente centrato
rispetto al frame, perché è l’energia che mi piace, il suo moto e il flusso che crea
Dall’intervista di Lynette Nylander a Nadine Ijewere nell’introduzione al libro Nadine Ijewere. Our own selves

3
42

La fotografia di moda è dominata dagli uomini e penso di fare quello che faccio
nella speranza che incoraggi le donne di colore a prendere la macchina fotografica
e ad avere la possibilità di essere fotografe, stiliste e truccatrici.
C’è spazio per loro in questo settore. Ne abbiamo bisogno, per favore
Dall’intervista di Lynette Nylander a Nadine Ijewere nell’introduzione al libro Nadine Ijewere. Our own selves

INFORMAZIONI

NADINE IJEWERE
NADINE IJEWERE. OUR OWN SELVES Nadine Ijewere (Londra, 1992) è nata e cresciuta a Londra, ma le
Pagine: 192 sue origini, le origini della sua famiglia, sono radicate in Nigeria
Formato: 240x280 mm
Copertina: rigida
e in Giamaica. Come ogni adolescente ha vissuto il periodo della
Anno edizione: 2022 sua crescita accompagnata da un profondo senso di inadegua-
Costo: € 51,23 tezza, di perenne sensazione di vergogna per come si è e per
Editore: Prestel come ci si mostra al mondo.
Web: www.prestelpublishing .penguinrandomhouse.de Nello specifico il suo maggior cruccio erano i suoi capelli, il loro
volume, la loro fattezza, simbolo della sua identità, del suo essere,
della sua storia e proprio, forse, per la loro valenza di manifesto,
della loro così esplicita apparenza, Nadine fino a poco tempo fa
non li aveva mai apprezzati, o meglio, mai accettati. Li stirava,
usava parrucche, tutto per occultare una capigliatura che la ren-
deva riconoscibile e che metteva in piazza la sua storia identitaria.
Nel frattempo, però, sfogliando le riviste di moda della madre
non si riconosceva in quei canoni di bellezza, in quella prospettiva
univoca, in quei visi e in quei corpi dalla pelle chiara, in quella
concezione estetica di cui si forgia il pensiero occidentale. E anche
se a posare erano modelle e modelli di colore tutto era architettato
per uniformare la loro identità a quella dell’“uomo bianco”, ini-
ziando dai loro capelli che erano “lisciati”, proprio come i suoi.
Su questa riflessione Nadine ha posto le basi del suo pensiero critico.
Aveva, poi, iniziato a studiare fotografia, appassionandosi in pri-
mis al processo di stampa delle immagini che produceva.
Con uno sguardo critico rispetto ai canoni di bellezza che soli-
tamente comparivano sulle riviste di moda e con le sue nuove
competenze fotografiche, per dare seguito a una voce interiore che
le suggeriva di trovare la propria lettura al concetto di bellezza,
improvvisava, con gli amici come modelli, shooting nei parchi
vicino a casa, riempendo le valigie di vestiti e di oggetti che pote-
vano servirle sul set. E così, un po’ per gioco, un po’ per spirito
critico, con una consapevolezza ancora non bene a fuoco, è ini-
ziata la carriera di Nadine Ijewere come fotografa di moda.

Le piaceva fotografare le persone, questo lo sapeva ed era un

concetto ben delineato nella sua testa; inoltre, più cresceva e più 4 | Tia Sinclair, Tallawah
si rendeva conto della sua voglia di riscoperta di se stessa, della January 2020. Image
sua identità e delle sue origini. I capelli, espressione di orgoglio © Nadine Ijewere, 2021
per la black culture, non sarebbero stati più un problema, ma anzi
5 | Shanelle Nyasiase,
sarebbero stati il suo punto di forza, sia per lei come donna, sia Haut Vogue Ukraine,
per quell’estetica altra che ha perseguito fin da adolescente e che, July 2019 Image
4 ad oggi, l’ha fatta diventare una dei giovani talenti più acclamati © Nadine Ijewere 2021
 NADINE IJEWERE 43

e apprezzati in ambito fotografico. La sua cover story del gennaio

2019 per Vogue UK, con i ritratti di Dua Lipa, Binx Walton e Letitia
Wright, l’ha resa la prima donna nera a realizzare la copertina del
famoso magazine di moda in centoventicinque anni di storia.
Il concetto di bellezza che Nadine ha plasmato con lo studio,
la pratica e un viaggio interiore alla scoperta delle proprie radici,
getta le sue fondamenta in una sensibilità visiva dai colori sgar-
gianti, dalle pose anticonvenzionali, dalle inquadrature non
scontate, ma soprattutto abbraccia tutto ciò che, quando lei, da
adolescente, sfogliava le riviste di sua madre, sarebbe stato classi-
ficato come diverso e per questo non pubblicabile.
I suoi ritratti non seguono semplicemente la linea del black
power, categorizzando a sua volta un certo tipo di estetica, ma si
percepisce evidente l’urgenza del suo scatto, la necessità di dare
voce a una bellezza fino a poco tempo fa imbavagliata e occultata,
risucchiata da figure algide dai capelli lisci.
Ora, nelle immagini di Nadine, le acconciature dei suoi modelli
fanno pensare a opere d’arte, al senso sublime della composizione,
a un plus valore impareggiabile, alla storia di una cultura che
alla vivacità della sua manifestazione ha sempre dato un grande
rilievo. E poi nel pensiero fotografico di Nadine Ijewere compare
prepotentemente la riproduzione dell’ambiente naturale, i fiori,
gli alberi, il mare, la terra, tutto ciò che ricollega l’uomo con la
natura, con una vorticosa sensibilità che sta alla base della vita e
che forse ricorda alla fotografa i suoi primi shooting fatti nei par-
chi vicino a casa.

L’editore Prestel ha dedicato a Nadine, nel 2022, la sua prima

monografia, Nadine Ijewere. Our own selves. Un corposo e
attento omaggio a chi ha saputo invertire un certo modo di pen-
sare e di vedere il mondo, facendo della diversità l’elemento di
forza, di unicità, una polifonia di voci che, ognuno con il pro-
prio timbro, creano un’armonia deliziosa per gli occhi, ma anche
per la storia della civiltà. Fanno parte di questa opera omnia Ball
Gowns in cui compare la nostalgia della fotografa per quello che
era il look anni ’50 e ’60, un modo di vestirsi e acconciarsi che le
ricordano i balli e le feste; i lavori editoriali fatti per Vogue e gli
innumerevoli servizi fotografici per Stella McCartney, Dior, Gap,
Hermes e Valentino; oltre al progetto Tallawah del 2020 per cui
Nadine è volata in Giamaica per la prima volta per riconnettersi
con la sua storia, ma anche per sfatare, contemporaneamente,
l’immaginario che i media hanno creato attorno alla donna 5
giamaicana.
Per questo lavoro la fotografa ha collaborato con il parruc-
chiere Jawara Wauchope che ha saputo indirizzarla e introdurla
al significato rituale ed etnico delle specifiche acconciature,
dando luogo a immagini che sapessero esprimere appieno il
rapporto tra la forza delle donne giamaicane e l’energia strabor-
dante delle loro pettinature.
Nadine Ijewere è riuscita, con l’esplosività delle sue immagini, NADINE IJEWERE ha lavorato con Dior, Hermes, Nina Ricci, Valentino, Vogue, The Wall
ad andare oltre i limiti (razziali e di genere) posti dalla società Street Journal e Garage Magazine. La sua opera è stata presentata nella mostra Tate Britain
odierna e dal modo con cui essa comunica attraverso l’immagine, Generation del 2016, ai festival Unseen Amsterdam e Lagos Photo del 2017 e in The New
staccare argini di un’estetica colonizzante per lasciare spazio a un Black Vanguard-Photography between Art and Fashion di Antwaun Sargent. Nadine Ijewere
respiro visivo più ampio e leggero, unico e graffiante. ha ricevuto l’ICP Infinity Award 2020.
44

Moda Tre, le parole chiave che introducono la sinergia tra lo sguardo del anni Ottanta sulla passerella delle sfilate, tra le pareti dello studio
e identità fotografo e la genialità del couturier. Vestito e fotografia raccontano fotografico newyorkese, in strada, nell’atelier e intorno al tavolo della
un’intesa che va oltre la lunga parentesi del rapporto professionale. cucina al civico 7 di rue de Moussy nel quartiere parigino del Marais.
Denominatore comune: il corpo femminile esaltato nel suo valore Le idee, per entrambi, nascono e prendono forma proprio vivendo
Sguardo soggettivo, nel farsi portavoce di un’identità forte, moderna, consapevole. un momento di condivisione e di perfetta armonia in cui le pause di
d’autore Freedom è un libro che ripercorre la storia comune iniziata nei primi silenzio rincorrono, senza enfasi, le parole o magari una risata garbata.
di Manuela De Leonardis
Azzedine Alaïa e Arthur Elgort

LIBERTÀ, CREATIVITÀ
 45

Arthur e io eravamo molto simili,

ci sentivamo bambini; tutto era puro
per noi, lo sentivamo nello scoprire
il mondo Azzedine Alaïa

A
Azzedine Alaïa era un visionario perfezionista che sapeva tra-
durre l’idea di abito in forma tridimensionale – in un certo senso
architettonica – attraverso una conoscenza impeccabile dell’uso
di ago e filo, del taglio, delle rifiniture. Niente doveva sfuggire al
controllo del suo sguardo esigente, mai soddisfatto quando si trat-
tava di lavoro. Le sue mani accarezzavano il tessuto percependone
le caratteristiche, seguivano la sua morbidezza e ne intuivano le
potenzialità nel trasformare in abito da sogno un semplice indu-
mento. Una delle caratteristiche più riconoscibili della sua arte era
il bodycon: avvolgere le forme del corpo femminile per rivelarne la
silhouette. Per la divina Greta Garbo, nel 1972, Alaïa aveva realiz-
zato pantaloni e cappotti dal taglio maschile.
Nel tempo avrebbe continuato a vestire donne giovanissime e
femme âgée con gonne cortissime, svasate e maxi, dritte o a por-
tafoglio, bustier, abiti da sera drappeggiati e plissettati, tuniche
arricciate o strutturate. La ricerca dei materiali innovativi era deci-
siva nel suo modo di interpretare la moda, come appare evidente
nell’abito a sirena – ispirato al noto capo dello stilista britan-
nico Charles James – in acetato, rayon, nylon, elastam o spandex
(fibra sintetica di poliuretano utilizzata per elasticizzare i tessuti)
e metallo del 1994 nelle collezioni del MET - Metropolitan Museum
di New York. «Qui, bande alternate di maglia bianca e nera eviden-
ziano i contorni della figura, riecheggiando l’effetto creato dalle
pieghe precise di James. Le sezioni nere sono composte da hou-
pette, un tessuto sviluppato per Alaïa che utilizza piccoli ciuffi
di nylon progettati per dare la sensazione di piumino di cigno.
La maglieria di Alaïa scolpisce sottilmente il corpo creando varie
tensioni in aree precise, ma alla fine si affida alla forma di chi
la indossa per il supporto strutturale», si legge nella scheda
museale. «La mia ossessione è rendere belle le donne. Quando
crei pensando a questo, le cose non possono passare di moda»,
diceva il couturier. Il tutto all’insegna di una sofisticata e rigo-
rosa declinazione della semplicità, ingredienti indispensabili
anche nella sua cucina. 2

1 | © Arthur Elgort, Arthur

Elgort e Grethe Holby

e DISINVOLTURA
Elgort, New York City, 1987
Courtesy Damiani Editore

2 | © Arthur Elgort, Veronica

Webb e Azzedine Alaïa
Paris, 1986 - Courtesy
Damiani Editore
46

Io faccio vestiti, le donne

fanno la moda Azzedine Alaïa

INFORMAZIONI
AZZEDINE ALAÏA, ARTHUR
ELGORT. FREEDOM
Editore: Damiani Editore, 2023
Lingua: Inglese
Pagine: 124, illustrazioni 70
Costo: € 70
ISBN: 9788862087957
www.damianibooks.com

AZZEDINE ALAÏA (Tunisi 1935 - Parigi

2017) studia scultura alla Scuola di Belle
Arti di Tunisi. Nel 1957 si trasferisce a Parigi
iniziando a lavorare alla maison Dior, allo-
ra diretta da Yves Saint Laurent. Nel 1979
firma la sua prima collezione e nel 1985
vince a Parigi due Oscar della Moda. Dalla
prima mostra personale dedicata alla sua
opera, nel 1996 a Palazzo Corsini (Firenze),
ne seguono numerose altre tra cui Alias a
Palais Galliera, Parigi (2013-14) e Azzedine
Alaïa: The Couturier, The Design Museum,
Londra (2018). Nel 2020 è stata creata a
Parigi la Fondation Azzedine Alaïa.

ARTHUR ELGORT (New York 1940) stu-

dia pittura all’Hunter College di New York
prima di iniziare a fotografare lavorando
come assistente del fotografo di moda
Gösta “Gus” Peterson (1923-2017). Nel
1971 inizia il suo impegno con British
Vogue e collabora con American Vogue,
Glamour, GQ, Rolling Stone e Teen Vogue.
Tra i suoi libri: Personal Fashion (1983),
Camera crazy (2004), The big picture
(2014), I love… (2019), Ballet (2020). 3
 BREAKIN’ STREET 47

Ci siamo semplicemente divertiti

Arthur Elgort

Infatti, Azzedine Alaïa amava cucinare seguendo la tradizione

della nonna Manou Bia che accoglieva sempre ospiti inaspettati
intorno alla tavola imbandita nella casa di famiglia a Tunisi, dove
era cresciuto con la sorella gemella Hafida e il fratello Abdelhamid.
Con la stessa amorevole dedizione, il couturier andava al mercato
per comprare verdure di stagione, pesce e carne per la preparazione
di pietanze francesi e tunisine, soprattutto la tajine di pollo cotto a 4
fuoco lento nel limone. Olive e olio d’oliva erano ingredienti basilari
della sua cucina mediterranea, insieme alle spezie, al prezzemolo
e soprattutto al basilico con cui preparava l’omelette che piaceva
tanto a Naomi Campbell. Anche nella cucina del piccolo apparta-
mento dove viveva negli anni Ottanta, in rue de Bellechasse, e poi
dall’inizio del nuovo millennio in rue de Moussy, Alaïa ha sem-
pre amato invitare alla sua tavola celebrità e persone meno note
ma che riteneva interessanti: tra i numerosissimi ospiti scopriamo
Grace Jones, Tina Turner, Veronica Webb, Yasmin Le Bon, Miles
Davis, Serge Gainsbourg, Julian Schnabel, Stephanie Seymour,
Carla Sozzani e, naturalmente, Arthur Elgort. Malgrado il fotografo
non parlasse una parola di francese e il couturier una parola d’in-
glese, trovarono da subito un’intesa incredibile basata sul rispetto
e sulla reciproca stima. Avevano capito che nel riflesso del lavoro
dell’altro sarebbe stata esaltata la propria genialità. Entrambi, poi,
condividevano la qualità di saper mettere a proprio agio le persone
intorno a sé.
Nelle fotografie in bianco e nero, le modelle si muovono nello
spazio con estrema disinvoltura, sfiorate da quella luce prevalente-
mente naturale che entra nel racconto della moda. Come prima di
lui altri grandi maestri, tra cui Martin Munkacsi e Richard Avedon,
hanno tratto ispirazione dalla «vita reale» lavorando fuori dallo
studio, sia nell’ambiente urbano che naturale.
Nel libro Freedom, pubblicato in occasione dell’omonima mostra
(curata da Carla Sozzani e Olivier Saillard), organizzata nel corso
del 2023 alla Fondation Alaïa a Parigi, le giovanissime Veronica 3 | © Arthur Elgort, Naomi
Webb e Naomi Cambell – nel 1986-87 erano all’inizio della loro sfa- Campbell e Azzedine
villante carriera di mannequin – posano per le vie del centro della Alaïa, New York City, 1987
Courtesy Damiani Editore
capitale francese, nelle vicinanze dell’ex complesso di archeologia
industriale in rue de la Verrerie acquistato da Alaïa e trasformato nel 4 | © Arthur Elgort, Naomi
suo quartier generale. Le fotografie inquadrano la «leggerezza» di Campbell e Jennifer Jimenez
momenti che ricordano passi di danza e da lontano sembra echeg- Paris, 1985 - Courtesy
giare la voce della leggendaria cantante egiziana Oum Kalthoum, la Damiani Editore
diva del mondo arabo che il couturier amava ascoltare sin dall’infan- 5 | © Arthur Elgort, Naomi
zia. Insieme a queste fotografie e agli abiti che vi sono ritratti, questa Campbell e Azzedine Alaïa
mostra attraversa tempi e luoghi per sottolineare, ancora una volta, Paris, 1986
che le emozioni rappresentano il valore più importante. 5 Courtesy Damiani Editore
48
Moda Crudo, provocatorio, esplosivo, anti-fashion: così l’ha definito
e identità un curatore spagnolo in occasione della mostra Deus Dei (super
ego) a Tenerife. E Dido Fontana in questo ritratto ci si ritrova appie-
no. Non ama l’immagine stereotipata, da copertina, e non sopporta
Intervista quel finto posato, dove tutto appare eccessivo e colmo di orpel-
all’autore li tecnici, figlio di una scuola che vede la banalità nel quotidiano.
di Giovanni Pelloso
A MODO MIO
Dido Fontana
Padre artista fotografo e madre agente musicale.
Parte tutto da qui?
«Sì, sono cresciuto tra i libri di Mapplethorpe, le riviste Photo,
Metal Hurlant, Progresso Fotografico, Zoom, Magnus e Manara, i
crocefissi del Seicento e le icone sacre che i miei genitori collezio-
navano. Avevo come parco giochi delle grandi tele, dei pennelli e
anche delle macchine fotografiche. Ho avuto anche la possibilità di
conoscere molti nomi della musica e dello spettacolo. Ricordo gli
Skiantos, Arnoldo Foà, Lella Costa, Irio de Paula. Irio, musicista e
compositore brasiliano, ha frequentato molto la nostra casa.
Ho ancora in mente il suono della sua chitarra e io, ragazzino, che
mi addormentavo la sera mentre lui, in sala, si rilassava con un
pezzo di bossa nova».
Quando ti ritieni soddisfatto di una tua fotografia?
Quando senti di essere riuscito a ottenere ciò che avevi in mente?
«Quando riesco a creare un’immagine migliore di quella che
avevo in testa. Nel ritratto ambientato lavoro spesso con elementi
che trovo nelle location e quindi sfrutto al meglio quello che incon-
tro. Colgo le occasioni, gioco con ciò che, all’improvviso, appare.
Per me è quel qualcosa in più. Non amo il preordinato e il program-
mato a tavolino e non lavoro in studio con precisi schemi di luce e
un certo tipo di pulizia».
Non parti da un layout definitivo, ma con una storia in mente.
«Esattamente. Una storia, un piccolo film. Mi accordo con il
modello o con la modella in linea di massima. Poi quello che ne
esce è sempre una sorpresa. Sono contento quando, pur avendo
una trama in mente, mi stupisco di quello che sono riuscito a
realizzare.
Perché riesca serve chiaramente che ci sia, da parte di tutti,
Nato a Mezzolombardo, in Trentino, nel 1971, ha scelto di rimanere
in questo territorio montuoso spostandosi all’occorrenza per offrire
il proprio contributo in Europa e negli Stati Uniti a brand della moda
e dell’editoria. Una personalità carica di energia che ha saputo
coltivare il proprio stile ormai riconosciuto sia nel mondo della crea-
tività che in quello commerciale.
un’attivazione, una compartecipazione. Non desidero che la per-
sona ritratta si riduca al semplice ruolo di esecutore di ogni mia
pretesa».
Spesso, nei tuoi lavori, anche commerciali, non utilizzi dei
professionisti.
«Quando devo scattare con delle modelle o dei modelli profes-
sionisti per degli editoriali lo trovo meno divertente perché non ci
sono grandi sorprese. L’abitudine a quel lavoro non apre grandi
spazi al gioco e al coinvolgimento. Realizzare un ritratto con una
persona “non del mestiere” o comunque non abituata alla mac-
china fotografica rende tutto più interessante. C’è sempre un po’
di timore. Di sospensione. Ci sono meno certezze. Tutto si conqui-
sta in quei minuti».
Sei sempre stato un autore molto netto, non accettando mai
di superare un certo limite o di assecondare quei desideri del
committente che avrebbero snaturato la tua fotografia.
«Diciamo che avendo uno stile e un atteggiamento ben definiti,
quando qualcuno mi cerca solitamente sa già a cosa va incontro.
Quindi, anche nei lavori commerciali o per una campagna pubbli-
citaria, rimango sempre molto libero. Ogni immagine che realizzo
la devo sentire mia al punto che potrebbe essere benissimo col-
locata in una galleria d’arte. Ho concluso da poco una campagna
gioielli per un’azienda americana che ha presentato la sua linea
a fine settembre a Milano che mi ha dato carta bianca nell’esecu-
zione, rimanendo molto soddisfatto del risultato. Non sempre è
così. Mi sono scontrato spesso con il desiderio da parte del mar-
chio di distinguersi, ma senza la capacità di osare e di fare un salto.
Vorrebbero, ma spesso rimangono frenati dalla paura di sbagliare.
Per questo motivo ho rinunciato a diversi lavori».
 49

Scatto molto poco. Pur lavorando

in digitale ragiono ancora
in analogico. Otto, dieci fotografie
devono bastare per un ritratto
Dido Fontana

1 | ADV Gabriel Urist 2023

2 | Aya Ueto per Ginza Magazine Tokyo

3 | Naomi Watanabe per Numero

1 Magazine Tokyo
50 DIDO FONTANA

Creare un cortocircuito magico tra me e il soggetto e chi guarda.

Ciò che conta è ciò che entra nell’inquadratura Dido Fontana

C’è un territorio di elezione dove il tuo genere di fotografia senti

che è accolto con maggior favore? Hai lavorato in Germania,
negli Stati Uniti. Dove ti sei trovato bene?
«Direi ovunque. Ho una grande passione per la donna e per il
ritratto femminile, un genere che sta riscontrando ancora grande
interesse. La mia donna è forte. Corpo e occhi non sono un invito
ma un’arma. Sono tutte guerriere. Non mi piace la donna gattona,
che ti chiama – stile Playboy –. Preferisco la donna che ti tiene a
distanza. I giapponesi mi vogliono molto bene. Sicuramente Araki
ha spianato la strada. E anche lui non è un fotografo, ma un samu-
rai. Non fa fotografie. Ogni suo scatto sembra un colpo di katana.
In Giappone ho realizzato un servizio per Armani con la rivista
Ginza con l’attrice Aya Ueto e uno per Furla con Naomi Watanabe.
Fui contattato dalla direttrice che mi aveva trovato su Wikipedia».

Da quali memorie raccogli le tue ispirazioni?

A quale passato fa riferimento il tuo immaginario?
«Nobuyoshi Araki e William Eggleston come fotografi, poi soprat-
tutto libri e film. Da Conan il barbaro ai capolavori di Antonioni.
C’è anche Totò, per la sua grande ironia. Nei miei ritratti c’è il
gusto per una certa commedia all’italiana oltre a una sensualità
casereccia. Le mie donne non sono sicuramente in linea per una
copertina di Vogue».

Sembra che il non essere a Milano dia meno possibilità.

Tu vai a Milano ma poi senti di dover rientrare al tuo paese di
cinquemila abitanti. Un luogo che, per certi aspetti, potrebbe
essere considerato estrema periferia.
«Ho bisogno di stare qui, a Borgo Valsugana. A Milano, come in
altre grandi capitali, la vita scorre a trecento all’ora. Io ho bisogno
anche di ritmi lenti».

DIDO FONTANA è un artista italiano che utilizza la fotografia. Vive

vicino a un fiume, in Trentino, e lavora nel mondo. Il suo stile è stato
definito anti-fashion e onesto. Il suo lavoro si divide tra mostre per-
sonali e collettive in Europa e negli Stati Uniti (MIA-Minneapolis,
Basel Miami, ecc.) e i commissionati che gli sono affidati dal mondo
dell’arte, della moda e della comunicazione. Si tratta, nel complesso,
di una produzione di ampio respiro in cui due ambiti, quello della
creazione e quello commerciale, si fondono insieme per far emer-
3 gere una creatività onnivora e una forte personalità fotografica.
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52
Moda Nella dimensione materiale di oggetti spesso le fotografie sono al cen-
e identità tro di pratiche di varia natura, diverse a seconda dell’ambiente in cui
maturano. Dalle mutilazioni familiari al gesto concettuale, fino alle
appropriazioni ed elaborazioni della moda, si tratta di interventi che
Sguardo donano ai ritratti una nuova vita lontana dalle funzioni originarie, ren-
d’autore dendoli al tempo stesso delle opere uniche. Ogni scatto fotografico è
di Attilio Lauria
Ritratti artefatti
COME FORBICI, AGO E FILO
TRASFORMANO
LE FOTO DEI NOSTRI VOLTI
Sebbene le fotografie di famiglia raccontino e custodiscano una sto-
ria privata, in realtà non tutte queste si conducono a un lieto fine.
Quando fotografie senza più nomi né eredi transitano per i ban-
chi dei mercatini degli oggetti vintage, capita di scoprire storie
fatte di mutilazioni e di ogni sorta di manomissione magari attra-
verso amputazioni operate dagli stessi familiari – una pratica che
affonda le origini in credenze legate alla percezione popolare del
ritratto –, conferendo a quell’azione sulla fotografia un carattere
quasi magico, come se la superficie avesse la capacità di trattenere
con sé qualcosa della persona ritratta.
Una “magia” che Susan Sontag definisce il lato oscuro della
fotografia, residuo di un’irrazionalità primitiva che porta a
quell’identificazione fra ritratto e persona amata, definita consu-
stanzialità. C’è naturalmente lo zampino dell’analogico in questa
credenza, quando la fotografia era considerata un’impronta, un
calco del reale, e dunque un’emanazione del suo referente al pari
della Sacra Sindone. Sempre la Sontag sostiene che la «nostra
La moda non è un qualcosa che esiste solo sotto forma di abiti.
La moda è nel cielo, nelle strade, la moda ha a che fare con le idee,
il modo in cui viviamo, ciò che accade Coco Chanel
consegnato a una fragile speranza di eternità, appena più che una
scommessa, tanto che sembra incredibile che siano sopravvissuti al
Novecento, secolo di guerre e di stravolgimenti tecnologici. Eppure quei
ritratti dai volti solenni, su vestiti a volte impacciati, sono arrivati fino a noi
e alle nostre serate all’insegna della nostalgia. E dove non poterono
guerre, traslochi e calamità naturali, riuscì la mano dell’uomo.
irreprimibile sensazione che nel processo fotografico ci sia qual-
cosa di magico ha un fondamento autentico […]. Una fotografia
non è soltanto una raffigurazione del suo soggetto […]. Ne è parte
integrante, ne è un prolungamento, ed è un potente mezzo per
acquisirlo, per assicurarsene il controllo». Mentre il celebre sto-
rico dell’arte Ernst Gombrich, per fugare ogni ragionevole dubbio,
propone un esperimento: chi di noi potrebbe strappare o bruciare
la fotografia di una persona cara? Credo nessuno, si risponde, pur
sapendo benissimo che si tratta solo di carta. Ed è la stessa foto-
grafia a esprimere concettualmente questa visione già dal 1929 con
La vengeance di Paul Nougé, in cui la protagonista si accanisce
con le forbici sulla fotografia della sua rivale, cavandole gli occhi.
Ritratti come feticci dunque, oggetto di pratiche dal sapore icono-
clasta che Erik Kessels ha raccolto nei mercatini di tutto il mondo,
presentandoli poi ad Arles in una mostra dal titolo Album Beauty,
definita da lui stesso un’ode agli album di famiglia nell’epoca della
loro sparizione.
 53

4
1 | Anonimo, fotografia
di famiglia anni ’30,
Collezioni del Museo
Nicéphore Niépce

2 | © Maurizio Anzeri,
Ricamo su photo trouvée

3 | © Carolle Beìnitah,
Chez le photographe
da Photos Souvenirs

4 | © Erik Kessels,
da Album Beauty

5 | © Jose Romussi,
Ricamo da New Serie

1
54

6
 RITRATTI ARTEFATTI 55

Nella nuova condizione di objet trouveé, i ritratti di famiglia Le nostre immagini sono i nostri custodi,
finiscono poi nel circuito dell’arte attraverso sperimentazioni e
contaminazioni fra linguaggi e pratiche diverse che vanno sotto il così come noi lo siamo di loro James Hillman
nome di risemantizzazione, alcune delle quali replicano concet-
tualmente il ritaglio popolare delle sagome. Nella serie I Have Done
Nothing Wrong, l’artista Mika Sperling racconta, attraverso la can-
cellazione, delle relazioni incestuose imposte dal nonno a lei e ad
altre sei bambine. Per lo statunitense Caleb Cole, la rimozione dal
contesto originario serve a dare voce agli eternamente soli in mezzo
alla folla, mentre per Alex Urso le figure sottratte tornano in vita nel
dispositivo espositivo grazie alla realtà aumentata. Tutto al femmi-
nile invece il filone dei ritratti ricamati che vanta discendenze dalla
fiber art, con Carolle Benitah che reinterpreta la sua storia personale
e identitaria – le donne, nella mitologia della virtù familiare maroc-
china, ricamavano in attesa del ritorno dell’uomo –, utilizzando ago
e filo per ricucire le ferite del passato con le sue indicibili verità.
Un uso che per Jessa Fairbrother serve a dialogare con la madre
morta di cancro, per cui cucire è un modo di trascorrere del tempo
con l’immagine di una presenza-assenza, quasi un prolungamento
del cordone ombelicale. Per queste come per altre autrici, si pensi
a Julie Cockburn e ad Amy Friend, il processo di appropriazione
e rielaborazione dell’oggetto fotografico si configura quindi come
l’espressione con altro linguaggio di quanto già rivelato dalle imma-
gini vernacolari, risultando un gesto terapeutico per elaborare un
passato doloroso o comunque da dimenticare, a dispetto della per-
sistenza delle tracce visive.
8
Ma ago e filo rimandano inevitabilmente anche alla couture e
all’uso che di questa fotografia si fa nel vasto territorio della moda,
dove è sempre più importante la potenza evocativa delle imma-
gini piuttosto che il prodotto in sé, avvicinando arte e fashion
photography. E nella capacità di suggerire immaginari si può par-
lare, per affinità, di una riconoscibilità di stile di ciascun artista:
alcuni, come nel caso del cileno Jose Romussi e della messicana
Victoria Villasana, realizzano interamente le proprie opere utiliz-
zando fotografie di moda o di personaggi dello spettacolo tratte
da riviste. Altre volte si tratta di joint venture tra fotografi e ricama-
tori, come per la lituana Ausra Osipaviciute, le cui creazioni sono 6 | © Alex Urso, da Past
Continuous
state pubblicate da numerose testate, da Harper’s Bazaar a Grazia,
da Cosmopolitan a Esquire, che si affida a Gintare Pasakarnyte, e di 7 | © Ausra Osipaviciute
Richard Burbridge, che ricorre allo stilista Robbie Spencer. Nella rise- ricamo: Gintare Pasakarnyte
mantizzazione rimane in sospeso l’interrogativo di Maurizio Anzeri, art director: Milda Cergelyte
uno dei primi e più noti artisti a utilizzare il ricamo su fotografia: make-up: Greta Babarskaite
modello: Vaclovas
siamo abituati a considerare una fotografia come un risultato finale,
ma cosa succede se questa è utilizzata come punto di partenza di un 8 | © Mika Sperling, da I Have
altro processo creativo? È ancora una fotografia? 7 Done Nothing Wrong

Se queste immagini potranno mai avere un significato per le generazioni future,
sarà questo: io c’ero, sono esistito. Sono stato giovane, sono stato felice e qualcuno a questo
mondo mi ha voluto abbastanza bene da farmi una fotografia dal film One Hour Photo
56

Cosa ho Piccole e grandi lezioni di vita e di lavoro raccolte in anni di violino e della musica. Da adolescente, ha l’ossessione di partire, prima
imparato esperienza dai più grandi professionisti internazionali del verso le capitali europee, poi a quindici anni è a New York e decide che
mondo dell’immagine. sarebbe stata la sua città – è stato amore a prima vista –. Una donna
curiosa, testarda, idealista, senza nessuna idea del tempo, leale e
Un autore Una modenese trapiantata negli Stati Uniti si descrive da bambina con decisamente daydreamer, sognante come le immagini e le atmosfere
racconta la testa da un’altra parte, un po’ timida, amante dei libri, dei cavalli, del che crea nelle sue fotografie.
di Livia Corbò
Ha collaborato
Marta Cannoni

Mi piace l’idea di scomparire dietro la macchina

Samantha Casolari

per non far sentire la mia presenza al soggetto

Una famiglia amante dei viaggi, della cultura e mio padre, foto-
grafo amatore che si dilettava in ritratti e paesaggi e che a un certo
punto mi ha regalato la sua prima Pentax, hanno indirizzato la
mia passione. Scattare una quantità infinita di rullini quando viag-
giavo con i miei genitori, portarli a sviluppare e aspettare con ansia
davanti al laboratorio sono i primi ricordi legati alla fotografia.

Il diner, che purtroppo ora non esiste più, di fronte a B&H, famo-
sissimo negozio di fotografia e video a New York, è la prima foto
che ricordo. Non proprio la prima che abbia fatto, ma la prima in
bianco e nero, con una reflex acquistata a NYC quando ho vissuto lì
per qualche mese a vent’anni.

Il Liceo Scientifico a Modena, Lingue e Letterature Straniere a

Bologna, un anno di exchange a Madison - Wisconsin e uno e
mezzo a Parigi. Un Master in International Affairs prima a Milano
e poi alla Columbia University a NY. La mia intenzione era lavorare
nelle organizzazioni internazionali o non governative.

L’Uganda, dove mi trovavo per Save the Children e poi per il

World Food Program, mi ha fatto capire che ero più a mio agio
quando fotografavo le persone che incontravo per strada piuttosto
che in un ufficio. Ho provato la stessa sensazione a New York
all’UNICEF. Ho impiegato del tempo per rendermi conto che il
campo delle organizzazioni internazionali non faceva per me.
Quando mi è stato chiaro, mi sono buttata completamente nella
fotografia in modo professionale.

Appena misi insieme il mio portfolio, Jody Quon, photo editor del 1

tutti questi quotidiani, riviste e libri sono frutto del lavoro esclusivo del sito eurekaddl.skin per favore lasci perdere i ladri parassiti che rubano soltanto vanificando il lavoro degli altri e venga a sostenerci scaricando da noi, la aspettiamo!
 57

1 | Dakota Fanning per la campagna di Miu Miu

2 | Stella McCartney
3 | Neema per la campagna di Anna Sheffield
4 | Neema per la campagna di Arthur Arbesser

 Storie, spontaneità, ispirazione, bellezza, una risposta alle mie domande:

è ciò che cerco nell’altro Samantha Casolari
continua a pagina 60

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 SAMANTHA CASOLARI 59

5 | La campagna per
la Compagnia di ballo
BalletCollective
6 | Jasmine Trinca per
D La Repubblica

5 6

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60
New York Magazine, mi chiese di scattare otto pagine di ritratti di
newyorchesi. È stato il primo commissionato e mi ha dato grande
visibilità tra le testate locali.
Giorgio De Mitri in Italia, un vulcano di idee e una delle per-
sone più interessanti che conosca, ha subito visto un potenziale
nei miei lavori, dandomi l’incarico per la prima campagna Nike
e altri progetti magnifici e aiutandomi anche nella realizzazione
del mio primo libro.
La fiducia che i miei genitori hanno riposto in me e nella “pazzia”
che stavo facendo, nonostante il mio improvviso cambiamento di
carriera e dopo tanti sacrifici, mi ha sempre supportata.
È stato il caso a condurmi verso la fotografia di moda.
All’inizio il mio interesse era principalmente per il reportage, in
seguito ho cominciato a scattare ritratti e a sperimentare nei miei
lavori personali. Così ho ricevuto i primi incarichi per editoriali
di moda, che con il tempo si sono moltiplicati. Ora sono il mio
focus principale.
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7 8
7-8 | Cardi B per Fader
9 | Editoriale A Trench Affair
per Icon Magazine
10 | Editoriale Silent Motion
per Icon Magazine
La maternità ha cambiato il mio approccio alla ricerca, i tempi e
le libertà sono limitati e questo mi ha costretta a cambiare il modo
lavorare.
L'incoraggiamento di mio marito, che nonostante non sia gene-
roso di complimenti, mi sprona sempre a cercare nuove soluzioni
visive.
Alcune immagini hanno segnato il mio lavoro negli ultimi anni:
la copertina di Fader con Cardi B – per come mi sono trovata a diri-
gerla – e l’autoritratto mentre allatto il mio secondogenito Isidoro.
Non avevo mai ripreso qualcosa di così intimo. Questi, insieme alle
fotografie di mia figlia Neema, sono gli scatti nei quali mi sembra
di aver colto il mio soggetto pienamente e attraverso i quali ho cam-
biato il mio modo di ritrarre.
Cardi B è stato il servizio più faticoso che ho mai realizzato:
quattro ore di ritardo, un’esplosione di energia, costantemente al
telefono, una marea di persone, familiari e amici che andavano e
venivano dal set. È stato difficilissimo restare concentrata su quello

che stavamo facendo, ma è stato anche uno dei servizi fotografici
più divertenti.
Steve Bannon per Bloomberg Businessweek invece è stato il sog-
getto più complicato. Non condividiamo molti ideali. Ho pensato
parecchio prima di accettare e mi sono assicurata che il giornalista
che avrebbe scritto il pezzo sarebbe stato in grado di contestualiz-
zare un personaggio così controverso. Alla fine ho optato per un
ritratto oggettivo.
Il Festival The Burning Man, se pure uno stereotipo, è stato decisa-
mente un momento indimenticabile dal punto di vista visivo.
Il nervosismo prima di scattare i Sonic Youth mi ha impedito di ren-
dermi conto che non avevo messo il rullino dentro la macchina,
uno dei più brutti ricordi legati al mio lavoro.
Lo shooting più bello è stato quello con mia figlia di tre anni per
la campagna di Arthur Arbesser, un designer e amico meraviglioso.
La residenza d’artista a Villa Lena e poi la pandemia mi hanno
spinto a focalizzare l’attenzione su me stessa, la mia famiglia, le
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11
11 | Steve Bannon per
Bloomberg Businessweek
SAMANTHA CASOLARI 61
dinamiche tra noi e cosa rappresentavano per me. La nascita del
secondo figlio mi ha permesso di conoscere donne straordina-
rie che crescono uno o più bambini da sole in questa grande città,
indirizzando la mia ricerca sulla maternità, soprattutto in relazione
alla creatività. Un percorso visivo parallelo alla mia vita personale.
Quando sono di fronte al mio soggetto mi lascio guidare
dall’istinto. Ho un approccio simile sia con i miei figli che con gli sco-
nosciuti. Li metto a loro agio per far sì che i ritratti siano naturali.
Mi piace l’idea di scomparire dietro la macchina piuttosto che far sen-
tire la mia presenza. Trovo che sia più facile catturarne la spontaneità.
La necessità di controllo dell’immagine da parte delle celebrities
mi costringe a una regia accurata dello shooting, anche se nell’edi-
ting prediligo le immagini più casuali rispetto a quelle più calcolate.
Storie, spontaneità, ispirazione, bellezza, una risposta alle mie
domande: è ciò che cerco nell’altro e negli sguardi dei miei soggetti.
Fotografare l’altro mi indirizza su un percorso di esplorazione este-
tica in continua evoluzione.
Se ha gradito questo quotidiano, rivista o libro e se li ha trovati in qualsiasi altra parte che
non sia il sito qui sotto indicato, significa che ci sono stati rubati, vanificando, così, il
lavoro dei nostri uploader. La preghiamo di sostenerci venendo a scaricare anche solo una
volta al giorno dove sono stati creati, cioè su:
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rubare, e lei più nulla da leggere. Troverà quotidiani, riviste, libri, audiolibri, fumetti, riviste
straniere, fumetti,riviste, video per adulti, tutto gratis, senza registrazioni e prima di tutti gli
altri, nel sito più fornito ed aggiornato d'Italia, quello da cui tutti gli altri siti rubano soltanto.
Troverà inoltre tutte le novità musicali un giorno prima dell'uscita ufficiale in Italia, software,
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serie che può desiderare sempre online dalla prima all'ultima puntata.

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62

NUOVI SGUARDI
DELLA
FOTOGRAFIA
Le vostre foto
Giovani Retrocomputing e archivi
Talenti a cura di
Michela Frontino
tecnologici Guido Cauli
Dai laboratori delle
accademie artistiche
ai vernissage e alle
presentazioni editoriali,
il viaggio di questa
È opinione comune che l’avanzare della
ricerca e il perfezionamento dei pro-
dotti scalzino via tecnologie precedenti
Com’è nato il tuo interesse per questa pra-
tica che potremmo definire conservativa
e, al contempo, culturale?
cambiata anche l’informatica: i computer
non più macchine meravigliose, ma elet-
trodomestici, sono sempre più veloci e tutti
rubrica ci porterà alla ponendole nel dimenticatoio. Eppure, nel «Sono nato negli anni Ottanta, un momento identici tra loro, senz’anima. Così è comin-
scoperta dei giovani flusso inarrestabile dell’innovazione tec- storico in cui la tecnologia generava entu- ciata la nostalgia per questi oggetti. Dopo
talenti della fotografia nologica, esiste un fenomeno che cerca siasmo: la fantascienza, che fino a quel aver conosciuto moltissime persone con la
italiana. I luoghi e i di preservare la storia dell’informatica momento era solamente nei film come mia stessa sensibilità, la nostalgia perso-
contesti, in cui i loro attraverso il recupero di oggetti vintage, Guerre Stellari e Star Trek, sembrava più nale è diventata curiosità storiografica».
sguardi si fanno hardware, software in disuso, lettori di vicina a tutti. Quando, da piccolo, ebbi in
poetiche d’autore, VHS e musicassette, floppy disc e console regalo il mio primo Commodore 64, posso La scelta della serialità fotografica si
rappresentano un 8 e 16 bit degli anni Ottanta e Novanta. dire di essermene innamorato: una mac- presta molto bene all’indagine sociale
nodo cruciale dei nostri È l’anima del retrocomputing che Guido china totalmente da scoprire, molto diversa e antropologica. Potresti spiegare cosa
approfondimenti. Dove Cauli indaga ritraendone i protagonisti. dai computer di oggi. Negli ultimi cin- rappresenta per te questa particolare
trovano ispirazione I soggetti incontrati sono fotografati in quant’anni, invece, il marketing ci ha modalità espressiva?
le nuove generazioni ambienti interni, immersi in archivi pri- insegnato che servono macchine sem- «Sono convinto che questo approccio
di fotografi? In che vati che preservano dall’oblio la memoria pre più potenti per lavorare o giocare, e di tipo visuale e interpretativo sia un
ambiente germoglia di un passato recente che attiene alle tutto quello che per l’immaginario comune metodo valido, se non il migliore, per
il seme del loro abitudini, agli usi e consumi di intere diventa vecchio va scartato. Dimenticato. affrontare domande per cui possano esi-
estro creativo? generazioni. La società è cambiata, e di conseguenza è stere risposte diverse, o magari nessuna.
Queste le domande
da cui partiremo
per una ricerca su
tutto il territorio
nazionale: nelle
istituzioni scolastiche
consolidate, ma
anche nei club e nei
circoli culturali più
underground dove le
idee prendono forma e
spessore attraverso
il confronto e la libertà
di espressione.
Per questo la nostra
nuova rubrica si offre
sia come lettura di nuovi
talenti artistici, sia come
approfondimento per chi
intende intraprendere
un percorso
di formazione nel mondo
della fotografia
e delle immagini.

tutti questi quotidiani, riviste e libri sono frutto del lavoro esclusivo del sito eurekaddl.skin per favore lasci perdere i ladri parassiti che rubano soltanto vanificando il lavoro degli altri e venga a sostenerci scaricando da noi, la aspettiamo!
 GIOVANI TALENTI 63

È adatto per relazionarsi con tematiche in cui

emergono in maniera prepotente le opinioni
e i sentimenti. Piuttosto che fornire una tesi
fatta e finita, la fotografia è fondamentale per L’ACCADEMIA DI
presentare una data questione e lasciare che BELLE ARTI DI BARI
sia l’osservatore, in onestà, a elaborare un combina un corso
giudizio in base alla propria cultura ed espe- triennale in Cinema,
Fotografia e Audiovisivo
rienza. A qualcuno potrebbe sembrare strano con un imminente
che, parlando di informatica, si tenti di met- biennio specialistico
tere da parte il determinismo scientifico in in Fotografia, diretto
favore di uno sguardo orientato ai suoi effetti, dalla Prof.ssa
ai suoi riverberi, al risultato di una trasforma- Michela Fabbrocino.
L’istituzione mira
zione, nella società e nella cultura». a formare fotografi
con una precisa
Quanto ha influito il tuo percorso di studi consapevolezza,
nella progettazione e nella produzione di ponendo l’accento sulla
questo progetto? ricerca e sulle sfide
internazionali.
«Nella mia carriera di fotografo profes- Al centro del
sionista ho sempre scelto di studiare e curriculum c’è un
di approfondire. Il mio percorso di studi approccio didattico ma anche di una grande osservare in maniera critica la natura sem- laboratorio pratico,
all’Accademia di Belle Arti di Bari è stato e squisita umanità, mi hanno permesso di pre più profonda e inestricabile del legame che integra teoria
una conseguenza logica di quella scelta e andare oltre il semplice e necessario appro- che specialmente le giovani generazioni e applicazione per
un apprendimento
mi ha aiutato a organizzare le idee e, più di fondimento teorico». stanno sviluppando con la tecnologia, la vivo e coinvolgente.
tutto, a prendere una serie di decisioni. comunicazione e le reti. L’Accademia si
Una di queste è stata di investire il mio Quali sono i tuoi programmi per il futuro? Utilizzando la terminologia del filosofo configura come un
tempo e le mie forze nella ricerca foto- Hai altri progetti in fase di realizzazione? Luciano Floridi nel suo Onlife Manifesto, punto di riferimento
grafica. Questo lavoro è stato possibile «Il mio principale programma per il futuro non è più possibile trovare una differenza per chi ambisce
a eccellere nella
anche grazie alla fruttuosa interazione con è di continuare a lavorare e studiare. netta tra una esistenza online oppure carriera fotografica,
alcuni docenti, in primis con la professo- Al momento sto proseguendo un progetto offline. In altre parole, tra ciò che è reale e valorizzando l’unicità
ressa Fabbrocino, che, dotati di un giusto chiamato Iperconnessione, in cui tento di ciò che è virtuale». e il pensiero critico.

GUIDO CAULI, classe 1981,

si appassiona alla fotografia
a vent’anni. Dopo un periodo
di apprendistato, apre uno
studio fotografico a Bari,
dove mette a punto un
personale stile reportagistico nell’ambito
della fotografia di eventi e della ritrattistica.
Ha frequentato corsi presso la Fondazione
Fotografia di Modena, imparando la tecnica
e vari approcci della fotografia da autori
come Toni Thorimbert e Francesco Radino.
Interessato all’informatica fin da bambino,
integra l’esperienza artistica con l’utilizzo
dei computer. Nel suo studio è affiancato
dalla moglie Teodora, videomaker, con la
quale forma un duo inseparabile nella vita
e nel lavoro. Frequentano l’Accademia
di Belle Arti di Bari - Scuola di Cinema,
Fotografia e Audiovisivo.

tutti questi quotidiani, riviste e libri sono frutto del lavoro esclusivo del sito eurekaddl.skin per favore lasci perdere i ladri parassiti che rubano soltanto vanificando il lavoro degli altri e venga a sostenerci scaricando da noi, la aspettiamo!
64

Desiderate
UN FEEDBACK
e comprendere
i possibili sviluppi?
Le vostre foto
Negli occhi dell’altro
Portfolio
LA LETTURA
a cura di
Michela Frontino Emanuele Binetti
PORTFOLIO
Da sempre
è l’occasione
per i fotografi
(professionisti e non)
di presentare il proprio
progetto.
È il sistema più
semplice ed efficace
per far conoscere a
esperti e addetti
ai lavori il racconto
visivo al quale state
lavorando
o che pensate
di avere concluso.
Un onesto confronto
vi consentirà di ricevere
elementi utili
di valutazione
e di perfezionamento.

Questo momento
di conoscenza
e di scambio ha
delle regole
non scritte per rendere
il nostro tempo
e il vostro ben spesi:

• è importante
preparare un portfolio
adeguato: 10/15
immagini e una breve
esposizione che
chiarisca il significato
e l’obiettivo della
proposta.

• ogni immagine deve

contribuire
alla produzione
«L’ adolescenza l’ho passata cono-
scendo, affrontando il mondo
dietro una macchina fotografica, nascon-
ritratto maschile mi sono sentito, come
pochissime volte fino ad allora, libero di
scegliere ed essere un corpo. L’adolescenza
introspettiva. Sprofondare negli occhi dei
ragazzi incontrati e fermati per la strada,
scoperti tramite social network, uscendo
di un gruppo dendomi o proteggendomi dietro di essa, non è stata veloce. Non ho bruciato le dalla mia comfort zone e iniziando a fare
omogeneo atto a tra una paura e l’altra. Quando ho scelto tappe come la maggior parte degli ado- cose a me più scomode come parlare con
formare un unico di volermi concentrare sulla ritrattistica e lescenti di oggi. La mia adolescenza è dei perfetti sconosciuti, entrare in un
nucleo narrativo. spostare totalmente la mia attenzione sul stata lenta, lenta come la mia ricerca campo da calcio, ad esempio, superando

la vergogna del mio corpo magro, posi-
zionandomi dall’altra parte della paura,
sentendomi piano piano un po’ meno un
pesce fuor d’acqua, mi ha permesso di cre-
scere e afferrarmi come individuo, una
persona, e solo dopo come un fotografo.
La fotografia è stata fondamentale come
è stata fondamentale la mia voglia di con-
tinuare a cercare ciò che valga la pena
cercare: il bello. Vi sono e vi sono stati
soprattutto dialoghi silenziosi interrotti
dagli sguardi. È questo ciò che caratterizza
il rapporto complicato con la figura di mio
padre: i giochi di sguardi, insopportabili
ma tante volte necessari per il vivere quoti-
diano. Inevitabilmente mi ritrovo a scrivere
e a parlare della mia vita personale. La mia
fotografia, come la mia ricerca artistica,
è una riscoperta della mia stessa quoti-
dianità. Aprirmi al mondo è stato il primo
passo del mio personale cambiamento.
Considero questa ricerca un viaggio conti-
nuo che vorrei fosse una rivoluzione».
Il ritratto come strumento di compren-
sione di sé stessi in relazione al mondo
che ci circonda è un tema caro alla foto-
grafia. Dietro una fotocamera è possibile
leggere i corpi degli altri mettendoli a
confronto con ciò che conosciamo, con
il nostro modo di vedere le cose e inter-
pretarle. In buona sostanza, attraverso
la fotografia possiamo plasmare quello
che osserviamo secondo il nostro alfabeto
visivo, selezionando dalla realtà quella
porzione che sentiamo vicina al nostro
essere. Ciò accade quando nell’atto del
fotografare concentriamo le paure e i con-
flitti che portiamo dentro, nel tentativo di
PORTFOLIO 65
Progetto selezionato
alle letture portfolio
condurli alla luce e di risolverli mediante del Phest - See Beyond
the Sea - Festival
il dialogo con l’esterno. Nelle fotografie
Internazionale
di Emanuele Binetti c’è tutto questo. di fotografia e arte
Per lui, il ritratto come forma di cono- (1 settembre - 1 novembre
scenza interiore trova la massima 2023, Monopoli, Bari)
realizzazione nell’incontro con l’altro.
La macchina fotografica è la protezione
e allo stesso tempo lo strumento che lo
aiuta a rompere il ghiaccio e a intrapren-
dere quel percorso di crescita che lo ha
portato alla profonda conoscenza della
sua stessa personalità. Lo sguardo di que-
sto giovane e promettente autore è una
breccia nel cuore dell’età più delicata e
più difficile dell’uomo. Durante l’adole-
scenza, sembrano dirci questi sensuali
e dolcissimi ritratti, l’anima traspare dai
corpi puri e limpidi dei giovani che emer-
gono con candida e androgina bellezza
sulla superficie delle fotografie.
66
Come una partita a scacchi
«L a vita in fondo non è altro che una lunga
partita a scacchi contro un dannatissimo
Garry Kasparov – è già chiaro in partenza chi sarà
il vincitore –. Non hai possibilità di vincere e lo
sai da che hai cominciato a disporre i tuoi pezzi.
Ma non puoi e forse neppure vuoi alzarti da quella
sedia e darti per vinto. Su quel quadrato di legno
bianco e nero schieri competenze, ideali, espe-
rienze, persone care e gioie, e cominci a giocare.
Cominci a vivere. Le regole non te le ha spiegate
nessuno, ma ti sono chiare dal tuo primo battito
di cuore: preservare il Re, quella scintilla divina
che ti tiene in vita. Difenderlo dagli attacchi di
Kasparov e dei suoi pezzi: dolori, delusioni, anni,
e chi più ne ha più ne metta. Ad aiutarti ci sono i
tuoi pezzi, ciascuno con una funzione e delle capa-
cità differenti. I Pedoni si buttano nella mischia
a capofitto, spesso incuranti del pericolo, come
i tuoi anni di gioventù. Hai un esercito di tutto
rispetto all’inizio, ma poi pian piano le fila dei tuoi
pezzi immancabilmente si assottigliano, falciate
dai pezzi avversari. Finché, alla fine, Kasparov ti
priverà anche degli ultimi punti di riferimento.
Guarderai le tue mani e saranno quelle rugose e
tremanti di un vecchio. “Ma quando sono diventate
così?”, ti domanderai. Erano giovani e forti l’ul-
tima volta che ricordi di averle osservate. L’ultima
cosa che sentirai sarà Garry Kasparov che pronun-
cerà le fatidiche parole: “scacco matto”. E la partita
sarà finita. E tu avrai perso. Però, c’è sempre un
però, non conta che tu abbia perduto, conta che tu
abbia giocato con impegno e onore in ogni mossa,
e ancor di più è importante che tu ti sia goduto la
partita, l’unica a tua disposizione».
Metafora delle vicissitudini che regolano la vita,
la scacchiera è spesso considerata emblema
della legge duale che guida l’universo, della luce
e della tenebra nell’esistenza terrena, il bene e il
male, il corpo e lo spirito. Sulla scia dei racconti e
delle credenze che animano la fama leggendaria di
questo gioco di strategia, Diego Colombo articola
il suo racconto fatto di parole e immagini. Da un
lato, la narrazione di un’invincibile partita imma-
ginaria contro il più grande giocatore di scacchi di
tutti i tempi, dall’altro, il reportage di una vita arri-
vata al termine, quando i corpi si muovono lenti,
sperimentano il dolore, cercano il conforto di un
abbraccio, nel tentativo eroico di non essere soli al
momento dell’ultimo respiro. Le immagini si sus-
seguono con ritmo cadenzato, in un bianco e nero
morbido e luminoso. I soggetti sono ritratti senza
filtri, negli ultimi anni della loro vita. Come al ter-
mine di un’avvincente partita a scacchi, dove il
confronto avviene in condizioni di assoluta parità
iniziale, e dove all’inizio e al termine della compe-
tizione i giocatori si stringono la mano in segno di
lealtà reciproca.
 PORTFOLIO 67

Diego Colombo
68
Contadini meridiani
«I l progetto si propone di esplorare i volti, i
corpi e le vite delle donne e degli uomini
che popolano le piccole aziende rurali di Gioia
del Colle, in provincia di Bari. La Puglia che da
qualche anno assurge a meta turistica per eccel-
lenza, indicata come luogo dalla luce vivissima,
icona di bellezza e per questo sempre più spesso
set cinematografico, location di sfilate, ambienta-
zione di romanzi, masserie extra lusso e di charme,
annovera ancora dei luoghi dove il tempo si è fer-
mato, dove la modernità, Internet e i social non
sono contemplati, dove la sua gente vive confi-
nata nella propria realtà; piccole porzioni di civiltà
contadina in cui la tecnologia e anche la semplice
Fabio Fischetti
meccanizzazione sono lontani anni luce.
C’è ancora un popolo che si oppone, un popolo
arcaico nelle forme e nei contenuti, che vive di se
stesso e che rivendica il valore della lentezza con
tempi e spazi che fanno resistenza alla legge della
accelerazione universale. I duecento scatti realiz-
zati nelle contrade di Gioia del Colle (Montursi,
Marzagaglia, Carraro dei Terzi) rappresentano
un viaggio alla ricerca delle radici culturali di un
territorio».
All’immaginario dei dépliant turistici di un
Mezzogiorno ridente e assolato sullo sfondo del
mare, Fabio Fischetti oppone una serie fotografica
che racconta un territorio diverso, più interno e
meno conosciuto, quello della campagna. È l’Alta
Murgia che nel cuore della Puglia si estende per
chilometri con paesaggi aridi e stepposi, dediti pre-
valentemente alla pastorizia. Ma di questo territorio,
nelle fotografie di Fabio Fischetti, possiamo solo
intuire la presenza che, come un intimo senso di
appartenenza, accomuna tutti i soggetti ritratti. Di
fatto, lo sfondo bianco annulla il contesto della rap-
presentazione, mettendo in evidenza i volti, le pose
e i corpi di queste persone, lavoratori della terra
che appaiono in pose naturali come dinanzi a uno
specchio. Eppure, guardando queste fotografie pos-
siamo facilmente intuire l’ambiente in cui sono state
 PORTFOLIO 69

realizzate: masserie, stalle, campi e colline pietrose.

Contadini meridiani
E così, il progetto si sviluppa con approccio seriale, è stato pubblicato
alternando differenti tipologie di soggetto, nell’ot- nell’omonimo libro
tica di una grande famiglia della civiltà contadina. fotografico edito
«L’autore – scrive Antonia Bellafronte, curatrice del dalla casa editrice
Radici Future.
progetto – mette a confronto i membri più anziani
e l’esiguo gruppo che appartiene alla nuova gene-
razione che ancora vorrà occuparsi di una faticosa
attività che non conosce sosta dall’alba al tramonto.
Uomini e donne che nei loro connotati, e per altri
versi, richiamano alla memoria i braccianti agricoli
che hanno abitato e attraversato il territorio di Gioia
del Colle nei primi del Novecento lottando per affer-
mare la dignità del loro lavoro».
 I popoli del mondo
INVIATECI
LE VOSTRE
Le vostre foto
FOTO Esercizio a tema
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I colori vivaci e luminosi, insieme al punto di vista ravvicinato e alta-
mente descrittivo, sono gli elementi che caratterizzano le fotografie
di Zino Citelli. Due primi piani che compongono un dittico fotogra-
appuntamenti fico sul deserto, in cui l’elemento umano è affiancato all’elemento
che ci vedranno faunistico più rappresentativo. Un beduino guarda l’obiettivo della
protagonisti. fotocamera con sguardo sicuro di sé, mentre un falco del deserto
osserva un oggetto fuori campo, probabilmente
una possibile preda. Insieme, le due fotografie
tecnica ••••• descrivono quel legame tra l’uomo e la natura
composizione ••••• che si realizza nella consuetudine sociale e cul-
colpo d’occhio ••••• turale della falconeria, con esiti compositivi
creatività ••••• davvero espressivi.
 71

LORENZO BIFFOLI

D urante una ceri-

monia religiosa a
Pushkar, in India, l’au-
tecnica •••••
composizione •••••
colpo d’occhio •••••
tore incrocia lo sguardo creatività •••••
di una ragazza che lui
stesso, nel testo descrit-
tivo del suo lavoro, definisce “ipnotico”.
In effetti il momento dello scatto sem-
bra canalizzare tutta l’attenzione e la
curiosità di questa giovane donna, istin-
tivamente attratta dal fotografo davanti a
lei. L’esito è una fotografia coinvolgente
che valorizza la bellezza e l’espressi-
vità del soggetto. Il merito del fotografo
sta nella capacità di cogliere i soggetti
con sicurezza e istinto visivo, così come
dimostra nell’immagine di un pellegrino
che cammina serenamente nelle strade di
Varanasi.

IRENE FITTIPALDI

L e tradizioni cul-
turali e sociali, i
percorsi monumen-
tecnica •••••
composizione •••••
colpo d’occhio •••••
tali e artistici sono i creatività •••••
soggetti che più attrag-
gono lo sguardo dell’autrice nel corso dei
suoi viaggi intercontinentali. In partico-
lare, in questi due scatti, Irene Fittipaldi
porta alla luce, da un lato, il culto puri-
ficatore del tempio di Tirta Empul nella
zona montana centrale di Bali e, dall’al-
tro, l’incontro con una bambina sulla
strada del tempio madre di Besakih in
Indonesia. Entrambe queste immagini
spiccano per la spontaneità dei sog-
getti, ripresi in modalità istantanea, per
esaltarne la genuinità delle pose e delle
espressioni.
72

15/10/2023 345 20/12/2023

15/08/2023 344 20/10/2023 Le vostre foto
Madre Natura
ESERCIZIO A TEMA SCADENZA USCIRÀ NEL N°

346 20/2/2024
Esercizio a tema
La fotografia naturalistica offre punti di vista sull’ambiente
SEI ANCORA IN TEMPO PER

Proposta
a cura della Redazione
che rassicurano lo sguardo e aprono nuovi orizzonti
15/12/2023

N ella vicinanza con le cose della natura, si è por- di ambienti vergini e paesaggi remoti, ma anche
I popoli del mondo
Ritratto e identità

tati a riflettere sulla bellezza e sulla semplicità nell’attenta osservazione delle città che viviamo.
Madre Natura

degli elementi, dei colori, della luce e delle forme.
Per questo, fotografare la natura è una pratica che
può condurre verso la pace interiore, nella ricerca di
un’estetica rassicurante che concilia i nostri sguardi.
Questo particolare approccio alla fotografia può
essere fatto proprio non solo nella rappresentazione
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Con buone probabilità, anche nella realtà quotidiana,
nel contesto urbano e domestico, è possibile perdersi
nella visione di un angolo fiorito, di decori floreali o
di verdi e rigogliosi parchi. Pertanto «La natura che
ci circonda» è la giusta declinazione per sviluppare il
tema di questa nuova proposta.

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con il numero 146. ISSN: 1122-6960
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