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con una nuova
orchestra
POSTE ITALIANE SPA - SPEDIZIONE IN ABBONAMENTO POSTALE - D.L.353/2003 (CONV. IN L. 27/02/2004 N.46) ART.1 COMMA 1, DCB Milano - Distr. naz. SO.DI.P Spa - Data di prima immissione: 15 novembre 2023

STAGIONI VIRTUALI
Guida alla classica
in streaming

CARRÀ, PIAF E...

Se l’opera diventa
cronaca e biografia

NEL CD INEDITO

Messa di Natale

di Merulo
e Gabrieli
Cappella Marciana

NELL’ALBUM DIGITALE

Lorin Maazel
Respighi, Rimskij
Musorgskij

Attualità e appuntamenti
fino al 15 dicembre 2023
Mensile n. 294
Novembre 2023

€ 12
 DAL13 AL 19 OTTOBRE 2023 DAL 15 AL 22 MARZO 2024

A MIDSUMMER
TOBRE 2023 DAL 15 AL 22 MARZO 2024
BEATRICE
UMMER NIGHT’S DREAMBEATRICE DI TENDA
LIRICA
DREAMLIRICA
LIRICA DI TENDA 2023-24
2023-24
2023-24
Opera in tre atti Tragedia lirica in due atti
Musica di BENJAMIN BRITTEN Musica di VINCENZO BELLINI
re atti Tragedia lirica in due atti Maestro concertatore e direttore
Maestro concertatore e direttore
MIN BRITTEN Donato Renzetti Musica di VINCENZO BELLINI Riccardo Minasi
tore e direttore Regia Laurence Dale Maestro concertatore e direttore Regia Italo Nunziata
enzetti Personaggi e interpreti principali: Riccardo Minasi Personaggi e interpreti principali:
nce Dale Oberon Christopher Ainslie Regia Italo Nunziata Filippo Maria Visconti Mattia Olivieri
preti principali: Tytania Sydney Mancasola Beatrice di Tenda Angela Meade
DAL13 AL 19 OTTOBRE 2023 Personaggi e interpreti principali: Agnese
DAL 15 AL 22 MARZO 2024
del Maino Sonia Ganassi
ristopher Ainslie
A MIDSUMMER BEATRICE
DAL13
DAL13
DAL AL26
17 AL AL 19 OTTOBRE
19 NOVEMBRE
OTTOBRE 2023 2023
Filippo Maria Visconti Mattia Olivieri
2023 DALDAL15 AL
15 22
ALMARZO 2024
22Francesco
MARZO 2024
Orombello Demuro

AA MIDSUMMER BEATRICE
dney Mancasola Beatrice di Tenda Angela Meade
MIDSUMMER
WERTHER
NIGHT’S DREAM Agnese del Maino Sonia Ganassi DIBEATRICE
TENDA
NIGHT’S DREAM DI
DITENDA
VEMBRE 2023 DAL 12 AL 21 APRILE 2024

THER NIGHT’S
Musica Musica
di JULES DREAM
Drame lyrique Opera
MASSENET
di BENJAMIN BRITTEN
Orombello
in quattro atti
in tre atti
Opera in tre atti
Opera inconcertatore
tre attie direttore
Francesco Demuro
LA TENDA
Tragedia lirica in due atti

BOHÈME
Musica di Tragedia
Maestro
VINCENZO lirica inBELLINI
concertatore
Tragedia
due atti
e direttore
lirica inBELLINI
due atti
MusicaMaestro
Maestro concertatore
di BENJAMIN e direttore
BRITTEN DAL 12 AL 21 APRILE 2024 Musica di VINCENZO
Scene liriche
Riccardo Minasi in quattro quadri
Donato Renzetti Musica
n quattro atti diDonato
MusicaMaestro
BENJAMIN Renzetti BRITTEN Musicadi VINCENZO BELLINI
LA BOHÈME
concertatore e direttore Maestro concertatore
di GIACOMO e direttore
PUCCINI
MASSENET Regia Laurence Dale Regia Italo
Riccardo Nunziata
Minasi ee direttore
Maestro
Regia, eDonato
costumiRenzetti
sceneconcertatore e direttore
Dante Ferretti Maestro
Maestro concertatore
concertatore direttore
Personaggi e interpreti principali: Personaggi e Riccardo
interpreti Minasi
principali:
tore e direttore Donato
Regia Renzetti
Laurence Dale Scene liriche in quattro quadri RegiaRiccardo
Italo Minasi
Nunziata
Personaggi e Oberon
interpretiChristopher
principali:Ainslie Filippo Maria Visconti Mattia Olivieri
enzetti Regia Laurence
Personaggi
Werther
Dale
eJean-François
interpreti
Tytania principali:
Sydney Musica di GIACOMO PUCCINI
Mancasola
Borras Regia
BeatricePersonaggi
di Tenda
Regia ItaloMeade
eAngela Nunziata
interpreti
Augusto principali:
Fornari
Oberon
Personaggi eDAL
Albert Christopher
interpreti
Jérôme Ainslie
principali:
Boutillier Agnese
Filippo delPersonaggi
Maria Maino
Visconti Sonia
e Ganassi
Mattia Olivieri
interpreti principali:
mi Dante Ferretti 17 AL 26 NOVEMBRE 2023
Tytania Sydney Mancasola Maestro concertatore e direttore Personaggi
Orombello e interpreti
Francesco Demuroprincipali:
Charlotte Caterina Piva
Oberon Christopher Ainslie Beatrice di Tenda Angela Meade
Riccardo Minasi Filippo Maria ViscontiSonia Mattia Olivieri
preti principali:
an-François Borras
WERTHER
DAL 17 AL Sydney
Tytania Mancasola
26 NOVEMBRE 2023
DAL 17 AL 21 DICEMBRE 2023 Regia Augusto Fornari
Mimì
Agnese
Rodolfo
Anastasia
del
Beatrice
Maino Bartoli/Serena
DAL di
GaleanoTenda
12 AL
Orombello
Ganassi Gamberoni (13, 20)
Angela
Salas/Alessandro
21 APRILE Meade
Scotto di Luzio (13, 20)
2024 Demuro
Francesco
Drame lyrique in quattro atti Agnese del Maino Sonia Ganassi
ôme Boutillier WERTHER
DAL 17Musica
AL 26 di
ÉDITH
NOVEMBRE 2023
JULES MASSENET Marcello
Personaggi e interpreti principali:
Alessio
Orombello LA DAL
BOHÈME
Arduini/Leon Kim
Francesco
(13, 20)
Demuro
12 AL 21 APRILE 2024
WERTHER
terina Piva Maestro concertatore e direttore
Drame lyrique in quattro atti Scene liriche in quattro quadri
Mimì Anastasia Bartoli/Serena Gamberoni Musica(13, 20)
DAL 17 AL 26 MAGGIO 2024
Opera
Musica
Donato
di lirica
JULES in due Renzetti
atti
MASSENET DAL LA BOHÈME
di GIACOMO PUCCINI
20)12 AL 21e APRILE 2024
EMBRE 2023 Regia,
MusicaDrame scene
lyrique
di MAURIZIO
Maestro e costumi
in quattro
concertatore
Rodolfo
Dante
eatti
FABRIZIO
direttore
Marcello
Galeano
Ferretti
Alessio
Salas/Alessandro
Arduini/Leon Kim
Scotto
(13,
di
20)
Luzio (13,
Scene IL CORSARO
Maestro concertatore
LA BOHÈME
liricheMinasi
Riccardo
direttore
in quattro quadri

TH
Musicadella
Commissione diPersonaggi
JULES
DonatoeMASSENET
Fondazione Teatro
interpreti
Renzetti Carlo Felice
principali:
MusicaMelodramma
di GIACOMO PUCCINI
tragico in tre atti
in occasione del 60° anniversario
Maestro Werther della
concertatore
Regia, scene e costumi e morte
Jean-François
direttore
Dante
diBorras
Ferretti
Édith Piaf Regia Augusto Fornari
Scene
(1915 Albert
- 1963) Jérôme Boutillier DAL 17 AL 26 MAGGIO 2024 Musica
Maestro diliriche
concertatore in quattro
GIUSEPPE quadri
VERDI
e direttore
n due atti Donato
CharlotteRenzetti Caterina Piva
Personaggi
Musica e interpreti
Riccardo
di GIACOMO principali:
Minasi ePUCCINI
IL CORSARO
Personaggi
Maestro e interpreti
concertatore principali:
e direttore Maestro
Mimì Anastasia concertatore
Bartoli/Serena Gamberonidirettore
(13, 20)
ZIO FABRIZIO Donato 17Renzetti
Regia, scene e DAL
costumi
Werther Dante Ferretti
Jean-François
AL 21 DICEMBRE 2023
Borras Maestro
Rodolfo Galeano Regia concertatore
Renato
Augusto
Salas/Alessandro Scottoedidirettore
Palumbo
Fornari Luzio (13, 20)
ione Teatro Carlo Felice PersonaggiAlberte interpreti Jérôme Boutillier
principali: Marcello Alessio
Personaggi Riccardo
Arduini/Leon Kim
e interpreti Minasi
(13, 20)
principali:
rio della morte di Édith Piaf
1963)
Accademia
Allestimento
Ligustica ÉDITH
Charlotte Caterina
Werther
scenico
Jean-François
Piva
di Belle Arti
Melodramma tragico in tre atti
BorrasMusica di GIUSEPPE VERDI Mimì Anastasia
Regia
Regia
Personaggi
Rodolfo Galeano
Lamberto
Bartoli/Serena
DAL 17 AL 26 MAGGIO 2024Fornari
Augusto
Puggelli
Gamberoni (13, 20)
e interpretiScotto
Salas/Alessandro principali:
di Luzio (13, 20)
Albert Jérôme
Opera lirica Boutillier
in due atti
tore e direttore DAL
Personaggi e17 AL 21 DICEMBRE
interpreti
Musica di MAURIZIO
Charlotte Caterina Piva
2023
principali:
FABRIZIO Maestro concertatore e direttore Personaggi
IL CORSARO
Marcello AlessioCorrado e
Arduini/Leoninterpreti
Kimprincipali:
Francesco (13,Meli
20)
enzetti
o scenico
in occasione
Marcel DAL 17 AL
ÉDITH
Édith Piaf della
Commissione Salome
del 60° anniversario
Cerdan Francesco2023
21 DICEMBRE
Opera (1915
lirica in -
JiciaTeatro Carlo Felice Renato Palumbo
Fondazione
dellaGalasso
Pio
1963)
due atti
morte di Édith Piaf
Regia Lamberto Puggelli
Mimì Melodramma
Rodolfo
Anastasia
Musica
Medora
Galeano
DAL
Bartoli/Serena
tragico
17 Seid
AL
inIrina
Mario
26 MAGGIO
di GIUSEPPE VERDI
Gamberoni (13, 20)
tre attiLungu
Salas/Alessandro Scotto di Luzio (13, 20)
Cassi
2024
Jack La Motta Claudio Sgura Marcello Alessio Arduini/Leon Kim (13, 20)
ca di Belle Arti
ÉDITH
Commissione
Musica Maestro
DAL 19della
AL 28
concertatore
di MAURIZIO
Donato Renzetti
Fondazione
GENNAIO 2024
e direttore
FABRIZIO
Teatro CarloPersonaggi
Felice e interpreti principali:
Maestro Gulnara
Renato Palumbo
DAL 14
17 AL 26
IL CORSARO
concertatore eMarigona
direttore Qerkezi

preti principali: in occasione delOpera Allestimento

60° anniversario scenico
della morte di Corrado
Édith Piaf Francesco Meli
Melodramma
Regia DAL
LambertoAL 20 MAGGIO
tragico
GIUGNO
Puggelli
2024
in tre atti
2024
lirica in due atti
MADAMA BUTTERFLY IL BARBIERE
CORSARO
Musica di GIUSEPPE VERDI
lome Jicia
IL
Accademia
(1915 Ligustica
- 1963) di Belle Arti Medora Irina Lungu
MusicaMaestro
di MAURIZIO
concertatore FABRIZIO
e direttore
Personaggi e interpreti principali:
Maestro
ancesco Pio Galasso
CommissioneTragediaPersonaggi
della Fondazione e interpreti
Teatroprincipali:
Carlo Felice Seid Mario Cassi Corradoconcertatore e direttore
Francesco Meli
Donato Piaf Renzetti Renato
IrinaPalumbo
DI SIVIGLIA
audio Sgura in occasione del 60° giapponese
Édith in tre atti
Salome Jicia Melodramma
Medora tragico in tre atti
Lungu
Musica di
anniversario
Marcel della
Cerdan Francesco
GIACOMO
morte
PUCCINI
di Édith
Pio Galasso Gulnara
Piaf Marigona Qerkezi Musica
Seid diMario
GIUSEPPE
Cassi VERDI
Allestimento
(1915 scenico
- 1963) Regia Lamberto Puggelli
Jack
AccademiaLa Motta Claudio
Ligustica Sgura
di Belle Arti Gulnara Marigona Qerkezi
NNAIO 2024 Maestro concertatore e direttore DAL 14 AL 20 GIUGNO 2024 Maestro concertatore e direttore
Dramma
Personaggi comicoprincipali:
e interpreti in due atti
Donato
DALe19Renzetti
Fabio
Personaggi Luisi
interpreti principali: Musica AL Renato
14 di GIOACHINO Palumbo ROSSINI
UTTERFLY
AL 28 GENNAIO 2024 Corrado Francesco
2024 Meli

IL BARBIEREIL BARBIERE
DAL 20 GIUGNO

MADAMA BUTTERFLY Édith

Accademia
PiafAlvis
Allestimento
Regia e scene
Ligustica
Salome
scenicoJicia
Hermanis
Marcel Cerdan Francesco Pio Galasso
diprincipali:
Belle Arti
Medora
Maestro
Seid
Irina Lungu
Regiaconcertatore
Lamberto
Mario
Giancarlo
e direttore
Puggelli
Cassi
Andretta
DI SIVIGLIA DI SIVIGLIA
ese in tre atti Personaggi eTragedia
interpreti
Jack La Motta Claudio
giapponeseSgura
in tre atti Personaggi
Gulnara eMarigona
interpretiQerkezi
principali:
MO PUCCINI Personaggi
Musicae interpreti
di GIACOMO principali:
PUCCINI
Cio-cio-san Lianna Haroutounian/Jennifer Rowley (20, 27) Regia e impianto scenico
Corrado Francesco MeliDamiano Michieletto
DAL
Édith Piaf
Suzuki Manuela 19
MaestroAL 28 GENNAIO
Salome
Custer/Caterina
concertatore 2024
JiciaPiva (20, 27) Dramma comico in due atti
e direttore Dramma
DAL comico in due
14 AL 20 GIUGNO atti 202
tore e direttore Medora
Personaggi Irina
e Lungu
interpreti:
4
FabioLippi
Luisi
MADAMA BUTTERFLY
Musica di GIOACHINO
Marcel
F.B. Pinkerton FabioCerdan Francesco
Sartori/Matteo Pio(20,
Galasso
27) diROSSINI
Luisi SharplessJack La Motta
Vladimir eClaudio
Stoyanov/Alessandro
Regia Sgura
scene Alvis Hermanis
Musica di GIOACHINO ROSSINI
Luongo (20, 27)
Solisti
Maestro concertatore e direttore
MaestroeGulnara IL BARBIERE
Seid Mario
dell’Accademia
concertatore
inserimento
Giancarlo
altoCassi
eMarigona
Andretta
perfezionamento
direttore Qerkezi
professionale
vis Hermanis
DI SIVIGLIA
Tragedia giapponese in treprincipali:
atti
Personaggi e interpreti dell’Opera Carlo Felice Genova
preti principali:
Musica
DAL 16
Cio-cio-san
DAL
di
ALGIACOMO
19Lianna
AL 25 FEBBRAIO
PUCCINIRowley (20,
28Haroutounian/Jennifer
GENNAIO 20242024 Giancarlo
27) Andretta Regia e impiantodiretta
scenico
DAL Damiano
da
14 AL Francesco
20 GIUGNOMichieletto
Meli
202 4

MADAMA BUTTERFLY
Suzuki Manuela
Maestro Custer/Caterina
concertatore Piva (20, 27)
e direttore Dramma comico in due atti
Personaggi e interpreti:

Caterina Piva (20, 27) IDOMENEO

nian/Jennifer Rowley (20, 27)
F.B. Pinkerton Fabio Fabio Luisi Lippi
Sartori/Matteo Regia (20,e27)
impianto scenico Damiano Michieletto
Sharpless Vladimir Stoyanov/Alessandro Luongo (20, 27)
Personaggi e interpreti:
SolistiMusica
dell’Accademia
IL BARBIERE
di alto perfezionamento
di GIOACHINO
e inserimento professionale
Maestro concertatore e
ROSSINI
direttore
DI SIVIGLIA
Regia
Tragedia e scene
giapponeseAlvis
in Hermanis
tre atti dell’Opera Carlo Felice Genova
tteo Lippi (20, 27) Dramma per musica in tre atti
Solisti dell’Accademia di alto perfezionamento Giancarlo Andretta
diMusica
Musica(20,
v/Alessandro Luongo
di GIACOMO
27) Personaggi
WOLFGANG AMADEUS PUCCINI
DAL e16interpreti principali:
AL 25 FEBBRAIO 2024MOZART e inserimento professionale
diretta da Francesco Meli
Regia e impianto scenico Damiano
in dueMichieletto
Maestro
Cio-cio-san Lianna
IDOMENEO
concertatore e direttore
Haroutounian/Jennifer Rowley (20, 27) Dramma comico atti
Maestro concertatore e direttore dell’Opera Carlo Felice Genova Musica
Suzuki Manuela
Riccardo Fabio Luisi Ori
Custer/Caterina
Minasi/Simone Piva (20, 27)
(25) di GIOACHINO
Personaggi e interpreti: ROSSINI
BBRAIO 2024 F.B. Pinkerton Fabio Sartori/Matteo
Dramma per musica Lippi
in tre (20,
atti 27) diretta da Francesco Meli Solisti dell’Accademia di alto perfezionamento
Regia
Sharpless dieWOLFGANG
scene
Vladimir
Musica Alvis Hermanis
Stoyanov/Alessandro
AMADEUSLuongo (20, 27)
MOZART Maestro concertatore e direttore
Regia Matthias Hartmann e inserimento professionale
ENEO Cio-cio-san
sica in tre atti
Personaggi
Personaggi
Lianna
ee interpreti
Maestro
Riccardo
principali:
concertatore
interpreti
16 ALMinasi/Simone
Haroutounian/Jennifer
DAL
Idomeneo Antonio Poli
e direttore
principali:
25 FEBBRAIO 2024Ori (25) (20, 27)
Rowley Regia
Giancarlo
dell’Opera
diretta
e impianto
Orchestra, da
Andretta
Carlo Felice
Francesco
scenico
Coro, Coro
Genova
Meli
Damiano
di Michieletto
voci bianche,
IDOMENEO
Suzuki Manuela Regia Matthias Hartmann
Custer/Caterina Piva (20, 27) Tecnici dell’Opera
Personaggi Carlo Felice Genova
e interpreti:
AMADEUSF.B. MOZART Idamante Cecilia Molinari
Pinkerton Fabio Sartori/Matteo
Illia BenedettaLippi
Personaggi e interpreti (20, 27)
principali:
Torre Maestro
Solisti del Coro Claudio
dell’Accademia di altoMarino Moretti
perfezionamento
tore e direttore Sharpless Vladimir Idomeneo Antonio
Stoyanov/Alessandro
Dramma per musica PoliLuongo (20, 27)
in tre atti Orchestra, Coro, Coro di voci bianche,
Elettra Lenneke
Idamante Ruiten
Cecilia Molinari
Maestro dele inserimento
CoroCarlo
Tecnici dell’Opera di vociprofessionale
bianche
Felice GenovaGino Tanasini
Simone Ori (25) Musica di WOLFGANG AMADEUS MOZART
Illia Benedetta Torre Maestro del dell’Opera
Coro ClaudioCarlo Felice
Marino Genova
Moretti
Maestro
DAL concertatore
16 AL 25 FEBBRAIO
Elettra e2024
direttore
Lenneke Ruiten Maestro del Corodiretta
di vocida Francesco
bianche Meli
GinoCON
Tanasini
s Hartmann Riccardo Minasi/Simone Ori (25) IL PATROCINIO DI MEDIA PARTNER

pretiInfo
principali:
ntonio Poli
IDOMENEO
e biglietti www.operacarlofelicegenova.it
Regia Matthias Hartmann
Personaggi
per emusica
interpreti Orchestra, Coro, Coro di voci bianche,
in treprincipali:
CON IL PATROCINIO DI MEDIA PARTNER

Info e biglietti www.operacarlofelicegenova.it

Dramma atti
Tecnici dell’Opera Carlo Felice Genova
cilia Molinari Musica di WOLFGANG Antonio Poli MOZART
Idomeneo AMADEUS Orchestra, Coro, Coro di voci bianche,
nedetta Torre Idamante Cecilia Molinari Maestro del Coro Claudio Marino Moretti
Tecnici dell’Opera Carlo Felice Genova
Maestro concertatore e direttore Maestro del Coro Claudio Marino Moretti
nneke Ruiten Illia Benedetta
Riccardo Minasi/Simone Maestro
Torre del Coro di voci bianche Gino Tanasini
Elettra LennekeOri (25)
Ruiten Maestro del Coro di voci bianche Gino Tanasini
Regia Matthias Hartmann CON IL PATROCINIO DI MEDIA PARTNER
Personaggi e interpreti principali: CON IL PATROCINIO DI MEDIA PARTNER

cegenova.it
Info e biglietti www.operacarlofelicegenova.it
Idomeneo Antonio Poli
Idamante Cecilia Molinari
Orchestra, Coro, Coro di voci bianche,
Tecnici dell’Opera Carlo Felice Genova
Illia Benedetta Torre Maestro del Coro Claudio Marino Moretti
Elettra Lenneke Ruiten Maestro del Coro di voci bianche Gino Tanasini
 Direttore responsabile:
SOMMARIO n. 294 Novembre 2023
Andrea Estero (andreaestero@xgpub.com)

Hanno collaborato:
Luca Baccolini (scrittura e revisione)
6 In scena
Il valzer delle prime: “Don Carlo” alla Scala,
Antonio Brena, Carlo Maria Cella, Luca Chierici, Carlo Fiore,
Guido Giannuzzi, Elvio Giudici, Carlo Alessandro Landini, “Mefistofele” a Roma, “Turandot” a Napoli
Francesco Leprino, Paolo Locatelli, Marcello Nardis,
Cesare Orselli, Andrea Ottonello, Alex Pessotto,
Paolo Petazzi, Carlo Piccardi, Andrea Poli,
Mattia Rossi, Guido Salvetti
16 Radio-Tv-web
Werther da Oscar al Carlo Felice
Grafica e impaginazione:
Alessandra Giliberti

Foto di copertina:
18 Viaggi da non perdere in Europa 22
Nadia Romanova

Posta elettronica: redazione@xgpub.com

21 Note d’autore di Marcello Nardis
Sito internet: www.classicvoice.com 22 Visioni di Luca Baccolini
Stampa: e Alex Pessotto
Tiber spa
Via Monte Napoleone 8, 20121 Milano
Viaggio nel pianeta streaming, dove la musica
si vede. Intervista a Vikingur Ólafsson, il pia-
Stampa cd allegato:
Stampa AMG S.r.l. nista globetrotter che porta Bach su Stage+
Via Ponza,7 Casoria (Na)
Confezionamento:
Con.Plast. snc 30 Attualità di Luca Baccolini e Andrea
Via Po 120-124, 20032 Cormano (Mi)
Distribuzione:
Estero
L’opera-biopic: se la star diventa
30
SO.DI.P. Spa, via Bettola 18
20092 Cinisello Balsamo (Mi) un libretto
Registrazione:
Registrazione presso il Tribunale di Milano
n. 354 , rilasciata il 3/06/2003
34 Il Direttore di Paolo Locatelli
A tu per tu con Currentzis, che torna in
Pubblicità: Italia con la sua nuova Utopia
MediaAdv Srl - Via A. Panizzi, 15 20146 Milano
02/43986531 fax 02/45506259
email: adv@xgpub.com - info@mediaadv.it
38 Riflessioni di Guido Salvetti
Il contemporaneo ritorna al sacro
Edizioni:

40 Società di Carlo Piccardi 42

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tel. 02/63288222 - fax 02/63288229
Classic Voice è una pubblicazio­ne periodica mensile
corredata da compact disc di xG Publishing S.r.l.
42 Il Cd allegato di Alex Pessotto
È vietata la riproduzione, anche parziale, di testi, Marco Gemmani, una vita per San Marco
documenti e foto.
Garanzia di riservatezza per i lettori:
L’editore garantisce la riservatezza dei dati forniti 46 Album di Paolo Locatelli
dai lettori e da coloro che inviano lettere, notizie Il giovane Maazel: storia del direttore
e comunicazioni di qualsiasi natura e garantisce,
altresì, la possibilità di richiedere gratuitamente prodigio che stregò Toscanini
la rettifica o la cancellazione dei dati
scrivendo a: xG Publishing,
via Cosimo del Fante, 12 - 20122 Milano.
Le informazioni custodite nell’archivio
48 Storie di Guido Giannuzzi 46
di xG Publishing verranno utilizzate al solo scopo La Poesia Pentagrammata di Cangiullo
di inviare ai lettori proposte commerciali
e per altre iniziative editoriali
(legge n. 196/03 tutela dei dati personali). 50 Audiovisioni di Francesco Leprino
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 In scena
PRIME pagina 8 PROGETTI pagina 10 PROMESSE pagina 12 RADIO-TV pagina 16 VIAGGI pagina 18
Debutto con Boito: Riccardo Muti fa Il mese di fuoco Gadjev e la Osn Rai A Vienna la Grigorian
a Roma c’è Stone e insegna Norma di Diego Ceretta estasi Skrjabin principessa degli enigmi

EVENTI

L’opera soffre, la Scala tiene

Il rapporto Siae 2022 mostra un -25% nel botteghino operistico. Ma dopo l'Arena di
Verona, è la Scala ad avere i migliori numeri. E il 7 dicembre c'è il “Don Carlo” all-star

M
ilano comanda, e non diresse addirittura due volte per il
è un modo di dire. La 7 dicembre, nel 1968 e 1977. Per
Scala si conferma il la nuova produzione torna alla
palcoscenico operistico (coperto) Scala Lluís Pasqual, che dall’e-
che ha attirato più spettatori e sperienza dal Teatre Llure di Bar-
più incassi per singoli spettacoli. cellona agli anni con Strehler al
A certificarlo è il Rapporto Siae Piccolo e all’Odéon di Parigi ha
2022, utile per testare la tempe- fatto della riflessione sul Baroc-
ratura dello spettacolo dal vivo co una costante della sua attività.
in Italia nel primo anno comple- Con Chailly, del resto, aveva già
tamente affrancato dai problemi collaborato più volte al Comuna-
pandemici. L’opera è in ripresa le di Bologna e ad Amsterdam.
rispetto al terribile 2020-21, ma è Ph Silvia
diLelli
Sant’Ambrogio): un buon auspi- Nelle sette recite che seguiranno
ancora lontana dai dati pre pandemia: cio per il Don Carlo scelto per apri- la prima (salvo clamorosa conferma
nel 2019 la Siae contava 3.667 eventi re la stagione 2023-24, con Riccardo dello sciopero annunciato per ogni
operistici, con 2.5 milioni di spettato- Chailly sul podio e Lluis Pasqual alla prima dai lavoratori del comparto)
ri e un incasso di 112 milioni di euro. regia (appuntamento, come da tradi- si ascolteranno Francesco Meli (Don
Numeri ai quali il 2022 non è ancora zione, il 7 dicembre alle 18, in diret- Carlo), René Pape (Filippo II), Luca
stato in grado di avvicinarsi, con 2.643 ta su Rai Uno e Radio 3). Dopo aver Salsi (Rodrigo), Anna Netrebko e
spettacoli, 1.73 milioni di spettatori e ripercorso lo sviluppo degli anni “di Maria José Siri alternate nel ruolo di
84.5 milioni di incasso (un calo eco- galera” di Verdi con le inaugurazioni Elisabetta, Elina Garança e Ekaterina
nomico netto del 25%). Per la cate- dedicate a Giovanna d’Arco, Attila Semenchuk in quello di Eboli. Ma
goria opera, si confermano ai primi e Macbeth, Riccardo Chailly torna il primato di spettatori, a sorpresa,
posti i due più grandi teatri italiani, così a un capolavoro della maturità, la Scala se lo è guadagnato con i più
ovvero l’Arena di Verona ed il Teatro di cui aveva consegnato al video una piccoli. Nel 2022 il Piccolo Principe
alla Scala di Milano, ovviamente im- memorabile edizione ad Amsterdam dedicato alle nuove generazioni (al
paragonabili per capienza e mission. alcuni anni fa (ma con la regia di Wil- costo simbolico di 1 per gli under 18)
Dopo i primi quattro posti occupati ly Decker). Il dramma politico schil- ha avuto come risultato 26.311 spet-
dall’anfiteatro estivo (Aida, Carmen, leriano composto per Parigi nel 1867 tatori, esito di gran lunga superiore
Nabucco e Traviata), il singolo spet- e riadattato per la Scala da Verdi sto- alle opere più blasonate. È stato pro-
tacolo d’opera che ha incassato di ricamente è stato un appuntamento prio questo titolo, subito dietro gli
più nel 2022 è stato il Boris Godu- immancabile per i direttori scaligeri, irraggiungibili blockbuster areniani,
nov d’inaugurazione (il che stupisce da Tullio Serafin ad Arturo Toscanini lo spettacolo più visto in un teatro
poco, considerati i prezzi della serata e Riccardo Muti. Claudio Abbado, lo d’opera italiano nel 2022.

6

ACUTO
Non è la prima volta che la notizia della presunta morte di Zubin Mehta,
classe 1936, squarcia il flusso del web. L’ultima è accaduta a fine ottobre,
quando da Los Angeles è partito un tweet sulla (rivelatasi poi falsa) scom-
parsa del maestro.
A stanare la fake news è stato
il Maggio Musicale Fiorenti-
no, che si è subito messo in
contatto con Mehta. Il quale,
rispondendo al telefono, si è
lamentato solo di una cosa:
esser stato svegliato di so-
prassalto alle sei del mattino.
Ph Brescia e Amisano Lunga vita.
STECCA
L’English National Opera, una delle maggiori istituzioni teatrali inglesi, ri-
ceverà una sovvenzione di 24 milioni di sterline da aprile 2024 a marzo 2026
e più tempo per lasciare Londra. Lo ha annunciato l’Arts Council of En-
gland, confermando però così
anche il destino di Eno, sul
quale si sono espressi i mag-
giori direttori inglesi, Antonio
Pappano compreso, lamentan-
do che in questo modo “si an-
drà verso la liquidazione della
compagnia, contravvenendo a
uno dei principi cardine dell’i-
stituzione: l’opera per tutti”.
Barenboim contro Netanyahu
Daniel Barenboim critica Israele per la risposta militare su Gaza dopo gli
attacchi di Hamas del 7 ottobre scorso: “L’attacco di Hamas alla popolazio-
ne civile israeliana è un crimine oltraggioso che condanno fermamente - ha
spiegato il direttore d’orchestra, fondatore della West Eastern Divan Or-
chestra, che raccoglie musicisti provenienti da nazioni storicamente nemi-
che -. Ma un assedio israeliano
a Gaza costituisce una politica
di punizione collettiva, che è
una violazione dei diritti uma-
ni. L’unica via verso la pace
tra Israele e Palestina è basata
sull’umanesimo, sulla giustizia,
sull’uguaglianza e sulla fine
dell’occupazione piuttosto che
sull’azione militare”.
ANTEPRIMA
CAVALLERIA
RUSTICANA
(1 cd Prospero)
Nel 2022 al Fest-
spielhaus di Ba-
den-Baden fu ese-
guita Cavalleria
rusticana nella
versione origina-
le di Pietro Mascagni. A incaricarsene
Thomas Hengelbrock e il suo Coro e Or-
chestra Balthasar Neumann. Con questa
registrazione in prima mondiale il ca-
polavoro verista viene proiettato in una
nuova luce: la famosa scena della chiesa,
ora integrale, si può ascoltare nella tona-
lità di La maggiore (invece di Sol mag-
giore); Santuzza può ancora scagliare il
suo “Ah! L’amor!” nell’Alleluia del coro.
E il “Brindisi”, la grande canzone in cui
Mascagni taglia 89 battute su 203, viene
ora ripristinato nella sua interezza.
AUX ETOILES
(2 cd Palazzetto
Bru Zane)
Anche se già
nel 1847 César
Franck propone
Ce qu’on entend
sur la montagne (da Victor Hugo),
in Francia il poema sinfonico conosce
il suo momento di gloria solo a partire
dagli anni 70. La Société nationale de
musique e i Concerts Colonne incorag-
giano i nuovi lavori di Duparc, d’Indy,
raggiunti da Chausson, Dukas, Holmès,
Rabaud. Palazzetto Bru Zane ha sele-
zionato 15 lavori di questo periodo con
l’Orchestre National de Lyon, diretta
da Nikolaj Szeps-Znaider: si ascoltano
pagine celebri come la Danse macabre
di Saint-Saëns o rarità come la Danse
mystique di Sohy o La Toussaint di Jon-
cières, in prima registrazione mondiale.
IL VERBO
DELL’OPERA
(530 pag.
Pendragon)
Quando all’opera
ascoltiamo “amba-
scia”, “malandri-
no” o “scomunicato”
non ci scomponiamo.
Un minimo disagio
coglie invece quan-
do nel Mefistofele sentiamo “le troadi
ninfe”, da Troade, città dell’Asia mi-
nore. Se in Falstaff gridano “t’arronci-
glio come un can”, il verbo - derivante
dal ferro ricurvo detto roncìglio - sta
per “piegare a uncino o attorcigliare”.
Il verbo dell’opera, curato da Giovan-
ni Tarasconi, è un manuale capace di
guidare nell’elegante singolarità del lin-
guaggio operistico.
 In scena
PREVISIONI
Il Faust d’Italia
L'Opera di Roma apre il nuovo cartellone con una rarità: “Mefistofele” di Boito. Il regista
australiano Simone Stone al debutto operistico in Italia. Michele Mariotti sul podio
C
onteso da tutti i più importanti
palcoscenici del mondo, non
aveva mai diretto un’opera in
Italia. Simon Stone (nella foto), il re-
gista under 40 più discusso del mo-
mento, approda a Roma per l’inau-
gurazione del Teatro dell’Opera. Lo
attende un titolo non canonico come
Mefistofele, coprodotto col Teatro
Real di Madrid. Sul podio Michele
Mariotti, al debutto nel titolo boitia-
no. Protagonisti, dal 27 novembre al
5 dicembre, John Relyea nel ruolo del
titolo, Maria Agresta nella parte di
Margherita/Elena e Joshua Guerre-
ro in quella di Faust. La serata inau-
gurale sarà trasmessa anche da Rai5
alle 21.15 e in diretta da Radio3 Rai
Enigmi dell’Est
Il regista russo Vasily Berkhatov per la nuova “Turandot” del San Carlo di Napoli, che
apre una stagione di grandi nomi. Sul podio la prima inaugurazione di Dan Ettinger
C
on l’anno pucciniano alle
porte, il Teatro San Carlo sce-
glie Turandot per inaugurare
la stagione 2023-24, guidata ancora da
8
Ph Reinhard M. Werner
alle 18. Perché proprio Mefistofele?
“Perché rispecchia perfettamente la
nostra idea di teatro - spiega Mariotti
- un luogo che parla sia dell’uomo di
oggi, fornendo gli strumenti per co-
Stéphane Lissner. il 9 dicembre sarà
Dan Ettinger, alla sua prima apertura
a Napoli, a dirigere l’ultimo capola-
voro di Puccini. Sul palco la protago-
nista è il soprano americano Sondra
Radvanovsky (alternata a Oksana
Dyka), con Yusif Eyvazov nei panni
di Calaf e Rosa Feola in quelli di Liù.
La regia di questa nuova produzio-
ne è affidata al russo Vasily Berkha-
tov (nella foto), 40 anni, figlio di un
giornalista di Mosca, ex direttore
artistico del Teatro Mihajlovskij, ma
ormai stabilmente inserito nelle pro-
grammazioni europee, sopratutto alla
Deutsche Oper di Berlino e all’Opera
di Francoforte. Sette le recite dal 9 al
17 dicembre. Nei dodici titoli d’ope-
ra della nuova stagione del San Carlo
noscere più a fondo la nostra realtà e
per interpretarla, sia dell’uomo come
archetipo, con i suoi valori psicologi-
ci atemporali e le sue pulsioni eterne.
Boito esalta proprio questo: l’univer-
salità dell’uomo che è in Faust e la
sua implacabile tensione a superare i
suoi limiti”. Stone e Mariotti si era-
no conosciuti nel 2019 nella Traviata
dell’Opéra di Parigi. Da lì, l’idea di
tornare a lavorare insieme.
Mefistofele di A. Boito
Orchestra e Coro dell’Opera di Roma
Dir. Michele Mariotti
Regia di Simon Stone
Roma, Teatro dell’Opera, dal 27
novembre al 5 dicembre
spiccano anche Emma Dante (attesa a
una nuova produzione dei Vespri si-
ciliani) e Krysztof Warlikowski, che
firma la regia del dittico Il castello del
principe Barbablù-La voix humaine
coprodotta con l’Opéra di Parigi.
Turandot di G. Puccini
Orchestra e Coro del Teatro
San Carlo
Dir. Dan Ettinger
Regia di Vasily Barkhatov
Napoli, Teatro San Carlo, dal 9
al 17 dicembreL’amore dei tre re
di I. Montemezzi
Regia di Alex Ollé
Orchestra e Coro del Teatro alla Scala
Milano, Teatro alla Scala, fino al 12
novembre
 DICIAMOLA
Nuova Scala TUTTA
Diciannove metri sottoterra, 38 sopra: la seconda Torre
della Scala, ultimata da poco (ma pronta nel 2024), ospite-
rà la sala prove per l’orchestra (al piano -6), i camerini e gli
“Il cervello è cambiato, è innegabile.
uffici così da far rientrare in sede le funzioni attualmente Ma non amo i teatri che cedono alla
dislocate all’esterno. Ma nel
progetto firmato da Mario
logica del Qr code per i program-
Botta c’è anche il retropalco, mi o per seguire i libretti. È come
che vede ampliati di molto i dire al pubblico: prego, continuate
suoi volumi. Con il nuovo
collegamento il palcosceni- pure a usare il
co raggiungerà i 74 metri di telefonino”.
profondità, una struttura che
aprirà la possibilità di ospita-
re nuove produzioni, accor-
ciando i tempi di rotazione
Daniele Gatti
degli spettacoli. Ph Anne Dokter “La Repubblica”

Capodanno con Bruckner “Il mio stile si riassume in quattro

C’è un autore più lontano dall’idea di Capodanno di principi: logica, estetica, rigore, ironia.
Bruckner? Forse no. Ma Christian Thielemann, al terzo Il teatro dev’essere allusione, finzio-
appuntamento al Musikverein in carriera, non la pensa
così. E infatti, per festeggiare il secondo centenario della ne, simbolismi. Non realismo, perché
nascita del grande compositore nato nel 1824, il direttore rischia di banalizzare i più giusti pro-
d’orchestra incaricato di dirigere i Wiener Philhermoni-
ker nel tradizionale
positi solo per renderli
Neujahrskonzert ha più accessibili”.
voluto e ottenuto che
nel programma del Pier Luigi Pizzi dal libro
concerto fosse inse-
rito anche un brano “Non si può mai stare
di Bruckner. Un de- tranquilli”
butto assoluto. Ph Anne Dokter

“Mancano pochi esami alla laurea

Verdi paga in archeologia. Prima di tornare in
Da cinque anni il Festival Verdi e l’Università di Parma Arena mi trovavo negli scavi al Pa-
hanno istituito un osservatorio per misurare gli effetti latino con piccone e pala. Due cose
della kermesse sulla città, consentendo di mettere a fuoco
gli impatti favorevoli sui principali operatori economici. agli antipodi? No. la cultura greco-
Mentre sono in corso le analisi sul Festival Verdi appe- romana ci ha dato le
na concluso, il dato relativo al 2022 ha fatto registrare un
dato record: per l’in-
prime lezioni di acusti-
vestimento comples- ca nei teatri. La mia tesi
sivo pari a 6.198.826
euro si sono ottenuti
sarà proprio su questo”.
9.331.725 euro di be-
nefici per la comu- Mariangela Sicilia
nità cittadina. Con PhD’Ambrosior “Corriere della Sera”
l’opera si mangia. E
si cresce.
 In scena
PREVISIONI
Lo specchio di Hoffmann
Il capolavoro di Offenbach, assente alla Fenice da quasi 30 anni, inaugura la nuova stagione
veneziana. La regia di Damiano Michieletto inchioda il protagonista ai bilanci di una vita
E
ra dal 1994 che La Fenice non
metteva in scena Les Contes
d’Hoffmann, capolavoro di
Jacques Offenbach che torna in scena
per l’apertura di stagione, nella nuova
produzione di Damiano Michieletto
apparsa di recente a Sidney. Dal 24 no-
vembre al 2 dicembre Antonello Ma-
nacorda dirige un cast formato da Ivan
Ayon Rivas, Alex Esposito, Carmela
Remigio, Veronique Gens e Rocío
Pérez. Michieletto ambienta la prima
storia d’amore di Hoffmann in una clas-
se. “Ho pensato ai Contes d’Hoffmann
come a un viaggio nel tempo - ha spie-
gato il regista - uno sguardo nelle di-
verse età della vita del protagonista: il
Laboratorio Muti
Il Maestro apre la sua bottega: l'Academy e i concerti coi giovani allievi alla Fondazione
Prada; poi la “Trilogia” a Ravenna, con “Norma”, “Nabucco” e il galà Verdi
I
l making of di Norma, prima.
E l’ascolto, poi. L’Italian Ope-
ra Academy di Riccardo Muti
torna alla Fondazione Prada di Mi-
lano per un progetto dedicato al
capolavoro di Bellini. Il pubblico
assisterà all’intero percorso di le-
zioni, prove e concerti focalizzato
su Norma all’interno di un nuovo
allestimento del Deposito della
sede milanese di Fondazione Pra-
da. L’edizione 2023 sarà inaugura-
ta il 18 novembre da una lezione-
concerto di Muti e proseguirà dal
19 al 25/11 con una serie di prove
aperte al pubblico con l’Orchestra
Cherubini, i cantanti e il coro te-
nute dal Maestro e dai giovani di-
rettori dell’Academy. Il progetto
10
Ph Keith Saunders
bambino, il ragazzo, il giovane uomo
già disilluso, tutte riflesse nelle prota-
goniste femminili Olympia, Antonia
e Giulietta. Stella chiuderà la vicenda
distruggendo le illusioni di Hoffmann,
un po’ come fosse lei stessa il diavolo.
Ph Zani Casadio
si conclude con due appuntamenti:
il 26/11 la prova finale dei giovani
direttori e il 29/11 il concerto di-
retto da Muti. Bellini sarà anche al
centro della Trilogia d’autunno di
Ravenna Festival, dal 16 al 22 di-
cembre, che vedrà Muti impegnato
Lui si troverà solo, in compagnia di tut-
ti i simboli del suo passato fantastico,
che costituiscono il suo universo poeti-
co”. Nella storia finale si assisterà a uno
degli effetti più brillanti dello scenogra-
fo Paolo Fantin: Hoffmann (o meglio,
il suo riflesso) è intrappolato in uno
specchio mentre un sosia senza volto
viene trascinato via.
Les Contes d’Hoffmann
di J. Offenbach
Orchestra e Coro del Teatro La Fenice
Dir. Antonello Manacorda
Regia di Damiano Michieletto
Venezia, Teatro La Fenice,
dal 24 novembre al 2 dicembre
nell’esecuzione in forma semisce-
nica di Norma (16 e 19/12 al Te-
atro Alighieri, Monica Conesa nel
ruolo del titolo), di Nabucco (17 e
20/12, Serban Vasile protagonista,
Lidian Fridman come Abigaille) e
a concludere il galà verdiano del
22 dicembre con, tra gli altri, Ildar
Abdrazakov, Rosa Feola, Juliana
Grigoryan, Luca Micheletti.
Italian Opera Academy e Trilogia
d’Autunno
Orchestra Cherubini
Dir. Riccardo Muti
Milano, Fondazione Prada, fino
al 26 novembre
Ravenna, Teatro Alighieri, dal 16
al 22 dicembre
Carta bianca a Michieletto
Sarà Damiano Michieletto a “inventare” il cartellone del
Caracalla Festival 2025, nell’anno del Giubileo. “Proprio
dal tempo passato assieme negli ultimi tempi è nata l’idea
di una collaborazione improntata su un tipo di creativi-
tà diversa - ha spiegato il sovrintendente dell’Opera di
Roma Francesco Giambrone -. Mancava solo un grande
artista che suggellasse il cartellone con la sua firma. L’ab-
biamo trovato e gli abbiamo dato carta bianca, partendo
dall’idea alla quale stavamo lavorando da anni, di una sua
produzione di West Side Story di Bernstein, prevista per
il 2025”. Tra Costanzi,
Caracalla e Circo Mas-
sico, dal 2016 (Trittico)
al 2023 (Giulio Cesare
in Egitto) Michieletto
ha già messo in scena
otto spettacoli per l’O-
Ph Fabrizio Sansoni pera di Roma.

Addio a Carli Ballola

Ha scritto e studiato fino all’ultimo, Giovanni Carli Ballo-
la, personalità fondamentale nel campo della musicologia,
autore di biografie di riferimento e anche collaboratore di
“Classic Voice”. Nella sua lunga vita, conclusasi a Roma
all’età di 91 anni, svettano il saggio del 1967 su Beethoven, su
Mozart (1996), Rossini (2009) e Cherubini (2015). Diploma-
tosi in composizione al conservatorio
di Milano, nel 1968 vinse il concorso
che lo portò a guidare il dipartimen-
to di Musica Classica nella Terza rete
radiofonica della Rai, iniziando una
intensa attività giornalistica e univer-
sitaria. È stato anche autore di libretti
di opere messe in musica da Paolo
Arcà e Matteo D’Amico.

Romanticismo in mostra
Fino al 14 gennaio all’Accademia Carrara di Bergamo si
può visitare la mostra “Tutta in voi la luce mia - Pittura di
storia e melodramma”, che racconta il Romanticismo ita-
liano mescolando dipinti e teatro musicale. L’ambizione
è quella di esplorare il periodo dal 1815 al 1848, gli anni
della Restaurazione, in cui in Italia,
e non solo, le arti rivestono un ruo-
lo fondamentale nello sviluppo del-
la coscienza nazionale. I curatori,
Fernando Mazzocca e Maria Cristi-
na Rodeschini, vi hanno intrecciato
pittura e storia, musica e scenogra-
fia, un doppio binario che trasfor- FONDAZIONE
FRANCO - ITALIANA
PER LA CREAZIONE
CONTEMPORANEA

ma il museo in una sorta di teatro.

L A O S C A N I N I
 In scena
PREVISIONI
Stregati da Orfeo
Il mito greco che ha dato il “la” al teatro musicale al centro del festival fondato a Lodi da
Raffaele Pe. Concerti tra poesia e filosofia. Tra gli ospiti, René Jacobs e Umberto Galimberti
Ph Noah Shaye
N
ella sua veste di curioso di-
vulgatore della musica ba-
rocca, il controtenore Raffa-
ele Pe ha creato un ensemble, La Lira
di Orfeo, da cui poi è nata l’idea delle
Orfeo Week, una serie di incontri con
Giovani direttori crescono
Diego Ceretta e Alessandro Bonato sono tra gli under 30 più attivi del momento.
Tra Milano, Parma, Firenze e Bologna molte le occasioni per vederli da vicino
I
n due non arrivano a
sessant’anni. Ma Die-
go Ceretta (nella foto,
classe 1996) e Alessandro
Bonato (un anno più vec-
chio) si stanno segnalando
come due tra i più attivi
direttori d’orchestra italia-
na dell’ultima generazione.
Tra novembre e dicembre
sono tante le occasioni per
ascoltarli all’opera, sia in
campo teatrale sia in campo sinfonico.
Il tour de force di Ceretta, reduce dal
Festival di Wexford con la riscoperta
di Zoraida di Granata, riparte pro-
prio da Donizetti con l’Elisir d’amore,
in scena al Comunale Nouveau di Bo-
logna dal 24 al 30 novembre. Neanche
12
filosofi, poeti, personaggi di cultura
per fare musica e ragionare insieme in-
torno al mito di Orfeo.
Fra i protagonisti della seconda edizio-
ne, dal 25 novembre al 3 dicembre, il
direttore d’orchestra René Jacobs (che
offrirà anche una masterclass), il filo-
sofo Umberto Galimberti, la poetessa
Mariangela Gualtieri, la pianista Gloria
Campaner, il designer Saturnino Cela-
ni e l’organista Catalina Vicens. “Ho
scelto Lodi - spiega Pe - perché credo
fortemente che le innovazioni sorgano
soprattutto nei luoghi lontani dal cen-
tro”. Pe porterà nella sua città natale
le celebrazioni per Gaetano Guadagni
(1728-1792), cantante castrato prota-
gonista delle scene europee a metà ‘700.
il tempo di rifiatare, e il 1° dicembre
Ceretta sale sul podio della sua Or-
chestra della Toscana, con la quale
al Teatro Verdi di Firenze affronterà
un programma tutto beethoveniano:
il Quinto Concerto (Alessandro Ta-
verna solista) e la Quinta Sinfonia.
La nascita di Guadagni a Lodi è stata
confermata solo in tempi recenti e in
questa occasione sarà posta una targa
commemorativa nella Biblioteca Co-
munale il 1° dicembre. Tra i princi-
pali appuntamenti, il 28/11 la serata
“Complaintes d’amour”, nella chiesa
di Santa Chiara Nuova, con Raffaele
Pe e La Lira d’Orfeo impegnati in pa-
gine monteverdiane. Il 3/12, al Teatro
delle Vigne, verranno eseguiti estrat-
ti dall’Orfeo ed Euridice di Gluck,
eseguiti da Raffaele Pe e La Lira di
Orfeo.
Orfeo Week
Lodi, dal 25 novembre
al 3 dicembre
Alessandro Bonato si divide
invece tra Milano e Parma:
il 23 novembre il giovane
direttore veronese sarà al
Teatro Dal Verme con l’Or-
chestra dei Pomeriggi Mu-
sicali per il Primo Concerto
per pianoforte e tromba di
Sostakovic (Federico Colli
e Sergio Casesi solisti), ac-
costato alla Sinfonia n. 41
di Mozart; a Parma, invece,
lo attende la Filarmonica Toscanini,
che all’Auditorium Paganini, il 2 di-
cembre, eseguirà la Quarta Sinfonia
e le Variazioni su un tema di Haydn
di Brahms, a incorniciare, proprio di
Haydn, il Concerto per tromba con
Andrea Lucchi solista.
 IL PIACERE
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 In scena
PREVISIONI
Sessant’anni nel futuro
Nuova Consonanza celebra l'importante anniversario con il Festival “Memoria e utopia”: 30 prime
assolute e un viaggio dal pianismo del '900 all'elettroacustica di Ondřej Adámek
R
icerca e innovazione per i 60
anni del Festival di Nuova
Consonanza che si festeg-
giano a Roma fino al 22 dicembre,
ricordando la strada intrapresa dai
suoi fondatori. Da qui il titolo “Me-
moria e utopia”, 30 concerti con 120
composizioni e 30 prime assolute fra il
Parco della Musica (dove sarà allestita
una mostra sulla storia dell’associazio-
ne), il Teatro Torlonia e il Mattatoio.
Tra gli appuntamenti da non perdere:
il 23/11 al Torlonia il recital pianisti-
co di Marco Scolastra, che ripercorre
il ‘900 storico italiano con Malipiero
e Casella, Petrassi, Scelsi, Berio fino
ai contemporanei D’Amico, Turi
e Guaccero; il 27/11 al Parco della
Musica Tonino Battista, e il soprano
Coppie che non t’aspetti
Ligeti e Haydn nel concerto di Kent Nagano a Bolzano con l'Orchestra che dirige ogni anno.
A Trento gli appuntamenti finali di Trento Musicantica, riscoprendo Cazzati e Feininger
C
osa unisce Ligeti e Haydn?
Entrambi furono legati all’Un-
gheria, per Ligeti terra natale
e per Haydn patria adottiva alla corte
Esterhazy. Non solo: sia Ligeti che
Haydn, con il rispettivo carattere,
fanno dell’ironia e del gusto della sor-
presa i propri elementi distintivi. È
quello che proverà a dimostrare Kent
Nagano nel concerto dell’Orchestra
Haydn del 5 dicembre a Bolzano: il
dialogo parte da uno dei brani più
bizzarri di Ligeti, il Poema sinfonico
per 100 metronomi, scritto nel 1962
per criticare la musica dell’epoca, che
Ligeti attacca rimuovendo comple-
tamente gli interpreti per affidare la
performance al solo mezzo tecnico;
14
Shigeko Hata, che il 27/11 indagano
la scrittura di Ondřej Adámek (nel-
la foto), con lavori che combinano
strumenti tradizionali e da lui stesso
ideati, in prospettiva acustica o elet-
troacustica; per gli amanti del cinema
sonorizzato è un evento il film Metro-
si prosegue con il pianoforte di Mari
Kodama con l’ultimo movimento di
Musica Ricercata, utilizzata da Ku-
brick nel celebre Eyes Wide Shut, e
poi con il Concerto per pianoforte e
polis di Fritz Lang con l’esecuzione
dal vivo dal collettivo Edison Stu-
dio (30/11). Da dicembre il festival
si sposta al Mattatoio-La Pelanda:
il 3/12 l’Ensemble Gamo presenta i
Galgenlieder (Canzoni della forca)
di Sofija Gubajdulina, accostate a un
inedito di Mauro Montalbetti. Il fe-
stival si chiude con il concerto finale
del Concorso Franco Evangelisti il
22/12: il Quartetto Indaco esegue le
tre partiture finaliste alternandole a
brani della letteratura quartettistica
contemporanea, dal dopoguerra ad
oggi.
Nuova Consonanza
Roma, luoghi vari, fino
al 22 dicembre
orchestra di Ligeti; pianoforte pro-
tagonista anche della Sonata in Do
maggiore di Haydn, di cui sarà ese-
guita in chiusura la Sinfonia n. 102.
Da Bolzano a Trento, dove fino al 6
dicembre è in scena la 37a edizione
di Trento Musicantica. Tra gli appun-
tamenti conclusivi, il 19/11 al Ca-
stello del Buonconsiglio il concerto
dedicato a Maurizio Cazzati, con il
baritono Mauro Borgioni e sul grup-
po Seicento Stravagante (nella foto).
Il 6/12 la conferenza-concerto con la
presentazione del volume di compo-
sizioni inedite di Laurence Feininger
(1909-1976) a cura di Roberto Gia-
notti. L’ensemble Labirinti Armonici
eseguirà le sue musiche.
 12, 16, 18, 20 gennaio 2024

IL BARBIERE
DI SIVIGLIA
Con MAXIM MIRONOV, MARIA KATAEVA,
ANDRZEJ FILONCZYK, ROBERTO TAGLIAVINI,
MARCO FILIPPO ROMANO, ELENA ZILIO, WILLIAM CORRÒ
Direttore DIEGO CERETTA
Regia, scene, costumi PIER LUIGI PIZZI
Regista collaboratore e luci MASSIMO GASPARON
FILARMONICA ARTURO TOSCANINI
CORO DEL TEATRO REGIO DI PARMA
Maestro del coro MARTINO FAGGIANI

15, 17, 22, 24 marzo 2024

L’ELISIR D’AMORE
Con NINA MINASYAN, JOHN OSBORN, ROBERTO DE CANDIA,
LODOVICO FILIPPO RAVIZZA, YULIA TKACHENKO
Direttore SESTO QUATRINI Regia DANIELE MENGHINI
Scene DAVIDE SIGNORINI Costumi NIKA CAMPISI
Luci GIANNI BERTOLI
ORCHESTRA DEL TEATRO COMUNALE DI BOLOGNA
CORO DEL TEATRO REGIO DI PARMA
Maestro del coro MARTINO FAGGIANI

16 maggio 2024

REGIO195
Concerto sinfonico corale
Direttore DANIEL OREN
FILARMONICA ARTURO TOSCANINI
CORO DEL TEATRO REGIO DI PARMA
Maestro del coro MARTINO FAGGIANI

17, 19, 23, 25 maggio 2024

TOSCA
Con ANASTASIA BARTOLI, LUCA SALSI, BRIAN JADGE, LUCIANO
LEONI, ROBERTO ABBONDANZA, MARCELLO NARDIS
Direttore DANIEL OREN

STAGIONE Regia JOSEPH FRANCONI LEE da un’idea di ALBERTO FASSINI

Scene e costumi WILLIAM ORLANDI

L I R ICA
FILARMONICA ARTURO TOSCANINI
CORO DEL TEATRO REGIO DI PARMA
Maestro del coro MARTINO FAGGIANI

2024
CORO DI VOCI BIANCHE DEL TEATRO REGIO DI PARMA
Maestro del coro MASSIMO FIOCCHI MALASPINA

Scopri la Stagione completa su

teatroregioparma.it
 Radio Tv Web
PREVISIONI

Werther da Oscar
Il capolavoro di Massenet nelle mani di Dante Ferretti, questa volta nella doppia veste di regista
e scenografo. Appuntamento al Carlo Felice di Genova, ma anche in diretta su Radio 3

“S
ono nato scenografo”, ha
dichiarato una volta Dante
Ferretti, ricordando le prime
esperienze di ragazzo nella sala buia del
cinema, quando “gli altri si identifica-
vano con l’attore, mentre io sognavo di
fare, appunto, lo scenografo”. Ferretti
ha festeggiato lo scorso febbraio i primi
80 anni, vissuti sempre all’apice: 5 Da-
vid di Donatello, 13 Nastri d’argento
e soprattutto 3 Premi Oscar (due con
Scorsese e uno con Tim Burton). Sta-
volta è l’opera a richiamarlo sulle sce-
ne, nel nuovo spettacolo che il Carlo Boutillier (Albert), Caterina Piva Werther di J. Massenet
Felice di Genova ha coprodotto con il (Charlotte) e Roberto Covatta (Sch- Orchestra del Carlo Felice di Genova
Croatian National Center Hnk di Za- midt). Ferretti curerà tutto: regia, Dir. Donato Renzetti
gabria. In programma il Werther di scene e costumi. Quattro le recite in Regia e scene di Dante Ferretti
Massenet, con la direzione di Donato programma, dal 17 al 26 novembre, Genova, Teatro Carlo Felice,
Renzetti e un cast formato da Jean- la prima delle quali sarà trasmessa in in diretta su Radio 3
François Borras (Werther), Jérôme diretta su Radio 3 alle ore 20. il 17 novembre alle 20

Tosca retrò
Le scene e i costumi di Hohenstein della prima del 1900 tornano al Costanzi con la direzione di
Michele Mariotti. Grigolo, Pirozzi e Schrott da seguire sul terzo canale

S
olo la macchina del tempo Talevi, la direzione di Michele
Ph Yasuko Kageyama

ci potrebbe catapultare al 14 Mariotti e un cast formato da Vit-

gennaio 1900, quando Tosca
andò in scena per la prima volta
al Costanzi, tra un falso allarme
bomba, l’arrivo in sala di Mar-
gherita di Savoia e il clamore di
una sala che costrinse il direttore
Leopoldo Mugnone a ricomin-
ciare da capo l’esecuzione. Parte
di quel fascinoso e irripetibile
debutto si può però ancora co-
gliere nelle scene e costumi originali
di Adolf Hoehenstein, che il Teatro
dell’Opera di Roma ha fatto rico-
struire a Carlo Savi e Anna Biagiotti,
restituendo l’incanto dell’epoca. Non
si tratta di una semplice operazione
archeologica, ma di un’evocazione
viva, piena di colori e di suggestioni,
che aiutano a immergersi nell’estetica
pucciniana. La Tosca “storica” si ri-
prende la scena romana il 9, 12 e 14
dicembre, con la regia di Alessandro
torio Grigolo, Anna Pirozzi ed
Erwin Schrott nei ruoli di Cava-
radossi, Tosca e Scarpia. La recita
del 12 dicembre sarà trasmessa in
diretta su Radio 3 alle ore 20, così
come sul terzo canale si potrà
ascoltare anche l’inaugurazione
di stagione romana, il Mefistofele
di Boito, il 27 novembre alle 18.
Tosca di G. Puccini
Orchestra e Coro del Teatro dell’Opera
Dir. Michele Mariotti
Regia di Alessandro Talevi
Roma, Teatro dell’Opera, in diretta su
Radio 3 il 12 dicembre alle 20

16
Da Bartók a Mao
Il violino di Isabelle Faust e la Filarmonica della Scala di-
retta da Vasily Petrenko danno corpo al Primo Concerto
per violino di Bartók, già immerso nello studio del re-
pertorio folklorico ungherese. L’appuntamento, il 20 no-
vembre alle 20, è trasmesso in
Ph Marco Borggreve

diretta dalla Scala su Radio 3.

In programma anche le Danze
sinfoniche di Sergej Rachmani-
nov e, per la prima volta nella
stagione della Filarmonica, The
Chairman Dances che John
Adams ha composto “fanta- STAGIONE 2023-2024
sticando sull’immagine di un
giovane Mao Tse-tung che bal-
la il foxtrot con la sua amante
Chiang Ch’ing”. BICENTENARIO VIOTTIANO
18 2 4 - 2 0 2 4
Estasi radiofonica
L’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai a trazione Skrja- 18.11.2023 | Benedetto LUPO
bin: il 6/12, in diretta Radio 3, Hannu Lintu dirige il Con-
certo per pianoforte (Alexander Gadjev, nella foto, solista) e 9.12.2023 | Ying LI
Poème de l’extase, a cornice della Suite Scita di Prokof’ev e di 31.12.2023 | Concerto di S. Silvestro
Wanderer di Francesconi; il 14/12, sempre in diretta radio, è
il turno di Philippe Jordan, impegnato in un programma de- 13.1.2024 | Guido RIMONDA
dicato al mare: il raro
Poème de l’amour et 27.1.2024 | Quartetto ADORNO
de la mer di Chausson 10.2.2024 | Timothy RIDOUT
(Kate Lindsey mez-
zosoprano), i Quattro 24.2.2024 | Alberto NAVARRA
interludi marini dal
Peter Grimes, La Mer 23.3.2024 | Sergej KHACHATRYAN
di Debussy e Calma di
13.4.2024 | Guido RIMONDA
mare e viaggio felice di
Mendelssohn. 17.4.2024 | Nikolaj SZEPS-ZNAIDER

20.4.2024 | Kerson LEONG

Opera incarcerata 24.2.2024 | Quartetto GOLDMUND
Vite violente, emarginate, dimenticate. È quanto restituisce 28.4.2024 | Uto UGHI
Da una casa di morti, ultimo capolavoro di Janáček, che trasse
spunto dalle memorie di Dostoevski sulla vita dei detenuti in 4.5.2024 | Avi AVITAL
un campo di prigionia in Siberia. Portato in scena dall’Opera
25.5.2024 | Ettore PAGANO
di Roma sotto la direzione di Dmitry Matvienko, questo ti-
tolo ha segnato il debutto italiano di Krzysztof Warlikowski.
Rai 5 lo ripropone in prima serata il 16 novembre permet-
tendo così di vedere
ORCHESTRA CAMERATA DUCALE
la rilettura contem-
poranea del regista TEATRO CIVICO | VERCELLI
polacco, che ambienta V I O T T I F E S T I V A L . I T
il dramma in un peni-
tenziario americano,
microcosmo della no-
stra società.
 Viaggi
DA NON PERDERE
IN EUROPA
Berlino

Ph Monika Rittershaus
Médée/Charpentier
Tragedie en musique in
cinque atti e prologo
su libretto di Corneille,
Médée fu la prima opera
basata su questo perso-
naggio mitologico. Mentre
Lully ebbe il privilegio di essere compositore delle opere
di corte, Charpentier si dedicò alle composizioni pastorali
e alla musica religiosa. All’età di cinquant’anni poté scri-
vere finalmente la sua Médée, ma la timida accoglienza del
pubblico a Parigi sconsigliò al compositore altri tentativi in
questo genere. La riscoperta di Médée passa ora da Peter
Sellars per la Staatsoper Unter den Linden di Berlino dal 19
novembre al 2 dicembre, con Simon Rattle sul podio della
Freiburger Barockorchester e Magdalena Kozena nel ruolo
del titolo. Il 27 novembre la produzione arriverà in forma di
concerto al Liceu di Barcellona.

Londra
Elektra/Strauss
Prima di buttarsi nelle ce-
lebrazioni del centenario
pucciniano (con Bohème,
Tosca e Butterfly in rapida
successione), dal 12 al 30
gennaio la Royal Opera
House presenta la nuova
attesissima produzione di Elektra con Antonio Pappano sul
podio, Nina Stemme nel titolo e Karita Mattila nel ruolo
della sorella Klytämnestra. La regia è di Christoph Loy.

Valencia
Rusalka/Dvorák
Cornelius Meister appro-
da per la prima volta a
Valencia per dirigere Ru-
salka, capolavoro teatrale
di Dvorák, che Christoph
Loy ambienta in un teatro
vecchio e decadente, con la protagonista nei panni di una
ballerina scontenta del proprio fisico che cerca disperata-
mente di sfuggire alla protezione dei suoi genitori e di sco-
prire il mondo. Nei ruoli principali le voci del soprano russo
Olesya Golovneva e del tenore Adam Smith, insieme al bas-
so russo Maxim Kuzmin-Karavaev. In scena dal 30 gennaio
all’11 febbraio.

18
Francoforte
Les Brigands/Offenbach
La vita da bandito non è più
quella di una volta. Il capi-
tano dei rapinatori Falsa-
cappa ha difficoltà a man-
tenere felice la sua banda,
anche perché le recenti
incursioni non gli hanno
fruttato granché. Durante l’ultimo attacco un contadino
si è anche innamorato della figlia di Falsacappa, e vice-
versa. E ora vuole diventare lui stesso un bandito. Queste
sono le premesse di Les Brigands, satira amorale del 1869
che presenta il furto come principio fondamentale della so-
cietà (“ognuno ruba secondo la sua posizione in società”,
si legge nel libretto di Meilhac e Halévy). Il titolo, che ebbe
ampia popolarità nella Francia di fine Ottocento, viene
riscoperto dall’Opera di Francoforte in un nuovo allesti-
mento di Katharina Thoma (nella foto) con la direzione di
Karsten Januschke. In scena dal 28 gennaio al 22 febbraio.

Vienna
Turandot/Puccini
Dal 4 al 22 dicembre (e poi
dal 1° al 7 giugno) la Wiener
Staatsoper porta in scena la
nuova produzione di Turan-
dot firmata da Claus Guth.
Sul podio Marco Armiliato
sostituisce Franz Welser-Möst, ritiratosi per qualche mese
per problemi di salute. Asmik Grigorian e Jonas Kaufmann
cantano rispettivamente nel ruolo della figlia dell’Imperatore
e di Calaf. Kristina Mkhitaryan nei panni di Liù.

Budapest
Le Roy d’Ys/Lalo
Per festeggiare i duecento
anni della nascita di Edouard
Lalo, Palazzetto Bru Zane
ha preparato un doppio ap-
puntamento sulla rotta Bu-
dapest-Amsterdam. Nella capitale ungherese l’11 gennaio
sarà il giorno di Le Roi d’Ys, opera in tre atti del 1888 am-
bientata nella Bretagna medievale. L’esecuzione in forma di
concerto al Müpa di Budapest è affidata a György Vashegyi
alla testa dell’Orchestra Filarmonica ungherese, con Jenni-
fer Holloway, Judith van Wanroij, Cyrille Dubois e Jérome
Boutillier nei ruoli principali. Si replica al Concertgebouw di
Amsterdam il 3 febbraio.

19
 Note d’autore

Márai, il borghese
gentiluomo
DI MARCELLO NARDIS

D
allo scorso giugno sul Lungomare di Saler- il suo ingresso” (L’isola). È ne I Ribelli - quasi un
no un’erma bronzea omaggia lo scrittore sequel dei Ragazzi di Via Pal dalla fisionomia “ispes-
Sándor Márai: un atto risarcitorio, perché sita” - ove, svanito il suono di Au claire de la lune,
un precedente busto, di Gyula Gulyás, era stato mi- basta un semplice avviso affisso perché squilli la ma-
steriosamente trafugato la notte del capodanno 2009. gia del teatro: “Ore 9.30 Rigoletto. Prova d’assieme”.
La città campana, , che deve i suoi colori araldici al Con la meticolosità di un bambino che apparecchia
matrimonio di Carlo II d’Angiò con la bella Maria il suo gioco preferito Sándor Márai dispone i rebbi
d’Ungheria, rende onore ad uno degli scrittori più aguzzi di una prosa che draga le sirti della nostra co-
rilevanti di tutto il ‘900. Abbandonata l’Ungheria e scienza di fronte al fascino discreto della borghesia.
trascorso un breve soggiorno in Svizzera, Márai scelse Il “mondo di ieri”, quel crepuscolo delle aspettative è
Napoli e Salerno, prima di stabilirsi in California, e una lenta ciarda che si sgretola al tactus di Roth e alla
qui visse con la moglie Lola e scrisse per sé, “come si timbrica di Zweig. Il concento espressivo di Márai, le
fuma o si monta a cavallo”, citando Flaubert. Fu un “tessiture” spaziali tra i personaggi (i lunghi ariosi e
gentiluomo navigante per i mari dell’esilio all’indo- i duetti “a distanza” de La donna giusta), le prosse-
mani dell’invasione sovietica (Sindbad torna a miche di quell’intimo legame tra il soggetto
casa). Dell’esperienza italiana resta un romanzo
intenso come il Sangue di San Gennaro, voci
“La musica descritto e il mezzo linguistico impiegato per
delinearlo proiettano le ombre lunghe di una
nobili e dolenti di una società sconfitta eppure
a suo modo vittoriosa, scrutata da vicino, con
per Márai è una gesticolazione emotiva sicura e urgente, pie-
namente espressionistica: brevi storie per un
l’occhio ipernitido del miope nella breve di-
stanza. L’Ungheria nel ricordo di Márai - che,
consuetudine lungo addio. Márai, che muore poco prima
della caduta del muro di Berlino, non smet-
tradotto solo dopo la morte, non smise di scri- estetica, te di guardare con sconcerto alla stagione dei
vere nella sua lingua - è ancora quella mistica bafometti bolscevichi, estorsori del consenso,
dei tàltos, terra fiera di eroi come Andrássy e filosofica, prima macabri araldi della mediocrità, deploran-
Pallavicini, innamorata del ricordo di Elisa-
betta di Baviera - improvvida promessa di in- ancora che do la flora dolente degli intellettuali (anche
italiani) ideologicamente asserviti: le galline
dipendenza e libertà - e del successo giovanile
che gli arrise con Le confessioni di un borghese,
sociale, di cui impazzite di Böcklin (Sirenen) combattive
sulle barricate della loro impotenza estetica
ricco di tutte le inquietudini che intonerà il suo
“doppio” letterario, il generale de Le Braci, un
dissemina e i prometei dell’oggi, incatenati alla roccia
dell’eterna fanciullezza. Márai annota e tutto
Von Lignitz egualmente devoto alla musica,
“rifugio dalla sofferenza”. Perché la musica per
la scrittura” ricorda (L’ultimo dono), profeta di un doma-
ni che non tarderà ad arrivare. Congruente
Márai è una consuetudine estetica, filosofica, prima a sé stesso, rifugiato con veemenza nella sincerità,
ancora che sociale, di cui dissemina la scrittura: l’espe- egli compone i suoi ricercari su destini colmi di si-
diente del manoscritto lasciato dal pianista ungherese gnificato ma privi di spiegazione, ricordandoci che
Z. che racconta del sanatorio dopo il concerto nella l’uomo e la sua sorte si modellano l’uno sull’altra.
Sala Bianca di Palazzo Pitti (La sorella); o il telegram- Senza deroghe. Eine Strasse muss ich gehen, die noch
ma “che rassomiglia ad un libretto d’opera, tanto era keiner ging zurück così annota nel poderoso regesto
teatrale” ad annunciare il ritorno di Lajos “come un dei diari. È un verso, non a caso, della Winterreise
novello Lohengrin che attaccasse un’aria maestosa” (Der Wegweiser), “devo percorrere una strada dalla
(L’eredità di Eszter); la figura della donna misteriosa quale nessuno fa ritorno”. Nella nostalgia della “cul-
all’Opera di Budapest mentre “sul palcoscenico una tura eufonica” (Volevo tacere) di una Europa felice
voce canta con splendido accanimento ‘Oscar lo sa, (o apparentemente tale), il suicidio è l’atto estremo
ma nol dirà’” (Il gabbiano); o l’incontro tra il giudice della volontà che segue l’onore, le virtù virili e la
Kristóf e Anna, in attesa del Don Giovanni (Divorzio parola data. “Rimani solo e ricorda. Rimani solo e
a Buda); così come il contegno di Askenasi all’Ho- osserva. Rimani solo e rispondi” (Terra, terra...!). La
tel Argentina, quell’aria di sospensione come quando propria morte è del resto l’avvenimento più perso-
“tutti aspettano con il fiato sospeso che il tenore con nale dell’Io: quando la materia dell’uomo arriva al
l’animo gonfio di sdegnata tristezza, faccia finalmente termine, anche l’anima concede il suo assenso.

21
 Visioni

MUSICA
formato Netflix
S
L’esplosione delle piattaforme video porta opere fidando il paradosso (nonché

e concerti in diretta e on-demand in una nuova l’inevitabile autogol), Barrie

dimensione, apparentemente alla portata di tutti.
È l’inizio della fine dell’evento dal vivo?
DI LUCA BACCOLINI
22
Kosky ha rilanciato la pole-
mica contro l’opera digitaliz-
zata: “Il live streaming e la televisione
Hd dell’opera sono stati uno dei più
grandi disastri”, ha tuonato il regista
australiano, tra i più contesi di oggi,

non per caso scelto per aprire la stagione internazionale
dell’opera al cinema, con il suo Rheingold in diretta dalla
Royal Opera House di Londra. “Ora che non sono più
un sovrintendente - ha aggiunto per rinfocolare il dibatti-
to - posso dire che il mio lavoro è portare le persone a tea-
tro per far vivere loro un’esperienza dal vivo. E se devono
viaggiare per farlo, allora dovrebbero viaggiare per farlo.
Non dovremmo incoraggiare le persone a vedere l’opera
in due dimensioni”. Difficile pensare
sia solo una provocazione. L’insoffe-
renza di molti registi d’opera nei con-
fronti dello streaming ha radici più
lontane, che la pandemia ha contribu-
ito ad esacerbare. Ma quella di Kosky
sembra una pietra lanciata nell’ocea-
no, a giudicare dal proliferare di piat-
taforme e strumenti digitali che ormai
coprono capillarmente la program-
mazione musicale europea, non solo
operistica. Kosky se la prende col di-
vano, ma spesso è proprio dal salotto
di casa che si riescono a raggiungere
teatri lontanissimi, permettendo allo
spettatore di farsi un’idea delle ten-
denze di oggi come mai era accaduto
fino ad ora. Ma quanto costa e cosa
si può vedere nel mare magnum del
video on-demand? La risposta è tanto
sfaccettata quante sono le piattaforme
che da una quindicina d’anni investo-
no milioni di euro in questo campo.
La competizione è così serrata che si
potrebbe navigare per una vita inte-
ra, senza necessariamente spendere
capitali. Il nostro grand-tour digitale
parte da Medici.tv, lanciata nel 2008
(dunque in epoca pre-social network)
da Hervé Boissière, ex amministrato-
re delegato dell’etichetta indipenden-
te francese Naïve nonché ex dirigente
Warner Classics. Nel 2014 la sua piat-
taforma era già in grado di presentare
100 eventi live ogni anno, oggi saliti
a oltre 150, con una libreria di ol-
tre 4.000 video, numeri che il “New
York Times” ha descritto come “la
cosa più vicina al Netflix della musica
classica”. L’utente novizio può fami-
liarizzare con Medici per un periodo
di prova di sette giorni (per ingolo-
sire l’accesso vengono offerti recital
di Argerich, concerti diretti da By-
Ph Andrea Ranzi
chkov e Celibidache, opera barocca
e contemporanea, compreso Lessons
in love and violonce con Barbara
Hannigan), dopodiché il salto ver-
so l’acquisto prevede una tariffa di
12,90 euro al mese (cinque in meno
di Netflix) e 129 l’anno, con affaccio
Una ripresa video diretto su alcuni eventi selezionati
dell’opera “Adriana dall’Opéra di Parigi, Scala, Festival
Lecouvreur”, con
la regia di Rosetta di Salisburgo, Royal Opera House e
Cucchi pure il festival georgiano di Tsinanda-
23
 Visioni
li. Se la pandemia ha cambiato (o al-
largato) le abitudini di ascolto, c’è chi
le ha sapute immediatamente caval-
care. La piattaforma Symphony.live
dal 2022 si è specializzata nel campo
sinfonico, puntando su un format da
“Champions League” delle orchestre:
stringendo accordi con le migliori
compagini del mondo (Concertge-
bouw, London Symphony, Budapest
Festival, Cleveland, Czech Philhar-
monic, Orchestre symphonique de
Montréal) Symphony.live dà accesso
ai concerti e al backstage di un ampio
ventaglio di eventi, garantendo quasi
la metà dei ricavi alle orchestre, che
così possono diversificare il botte-
ghino senza i costi di sviluppo di una
piattaforma autonoma (l’abbonamen-
to va dai 25 dollari trimestrali ai 55
annuali). Creare un proprio canale,
con investimenti milionari, è stata in-
vece la politica vincente dei Berliner
Philharmoniker, che nel 2008 hanno
lanciato la Digital Concert Hall, af-
fiancata per i primi otto anni da un
mega sponsor come Deutsche Bank.
Il risultato ha garantito la creazione
della più grande e avanzata piattafor-
ma video di un singolo ente musicale
a vocazione strumentale: nel 2020 la
Dch dei Berliner contava già 350.000
utenti unici, ai quali è data la possi-
bilità di accedere a quasi 50 eventi
annuali dei Berliner, oltre che a un ar-
24
chivio di 750 concerti dal 1966 ad oggi (Karajan e Abbado
compresi). Abbonarsi ai Berliner costa 16.9 euro al mese
o 169 all’anno, ma ci sono abbonamenti anche per sette
giorni o un mese. La qualità audio e video dei concerti è
ovviamente ad altissima risoluzione, con varietà di imma-
gini vertiginosa, grazie alle sette diverse angolazioni delle
telecamere disseminate alla Philharmonie. Dai Berliner a
Deutsche Grammophon il passo è breve. La più antica
etichetta discografica del mondo, la Deutsche Grammo-
phon appunto, alla fine dell’anno scorso ha annunciato il
lancio di Stage+, puntando su due fattori di forza: il ca-
talogo discografico e concertistico dei migliori solisti al
mondo e una qualità audio in formato Hi-Res Lossless
mai raggiunta prima d’ora, quasi indistinguibile rispetto
alle registrazioni in studio (da qui il motto della compa-
gnia “Musica per gli occhi”). Gli utenti di Stage+ (14,90 al
mese o 149 euro all’anno) possono anche salvare i conte-
nuti preferiti e scaricarli su dispositivi mobili per la visione
offline o nella versione per smart tv. Stile sobrio, catalogo
ampio e classical-friendly (dunque lontano dalle strimin-
zite e spesso confusionarie informazioni delle piattaforme
generaliste) quello proposto da Idagio, che ai suoi quasi
due milioni di utenti nella versione solo audio offre i 12
mesi a 159 euro, mentre con l’implementazione video sale
a 259. Nel mondo delle performing art (dunque opera, ma
anche balletto) si è affermato da quasi cinque anni anche
il mondo di Marquee, lanciato nel Regno Unito nel 2018
con un’offerta di spettacoli da Londra a Mosca (almeno
Tre momenti “live” prima della guerra). Come Netflix o Amazon Prime, qui
europei: l’Opéra
gli spettatori hanno accesso a una gamma di eventi e do-
di Parigi, il centro
di controllo dei cumentari con abbonamenti che costano 4,99 dollari set-
Berliner e la Royal timanali, 8,99 mensili o 89,99 annuali. Cifre analoghe per
Opera House chi vuole entrare nel mondo delle piattaforme in-house,
durante le riprese
di uno spettacolo ovvero le televisioni gestite in proprio dalle case d’ope-
di danza ra. Tra queste spicca quella della Royal Opera House (14

giorni di prova gratuita, poi 100 sterline l’anno o 10 al
mese), una delle più avanzate, perché “ragiona” con indi-
cizzazioni semplici e intuitive, quasi alla Netflix: i più vi-
sti, i titoli del momento, le interviste alle star, gli evergreen
e pure un’incursione in stile politically correct nelle “black
excellence”, con cantanti danzatori e musicisti afroameri-
cani (idea tutta angloamericana della parità che purtroppo
passa proprio dalla ghettizzazione). Parigi e la sua Opéra
non sono state a guardare: dal 2023, con 9,9 euro al mese,
si entra nello streaming del maggior teatro francese con
Paris Opera Play, il cui acronimo, Pop, strizza l’occhio
alle nuove generazioni. Ma per chi, come suggerisce Bar-
rie Kosky, preferisse investire tutto in viaggi e biglietti,
esistono molti modi per affacciarsi ai cartelloni europei
senza pagare. Arte (acronimo di Association Relative à
la Télévision Européenne) è una rete franco-tedesca che
propone documentari, film, informazioni e musica e spet-
tacoli dal vivo (tra le ultime proposte il War Requiem di
Britten da Praga, Locatelli interpretato da Isabelle Faust o
il Mahler Festival di Lipsia). Opera Vision, nata nel 2014
e completamente gratuita, ha raccolto oltre 30 teatri da
17 paesi diversi (dalla Spagna alla Polonia, dall’Inghilter-
ra alla Francia) e trasmette spettacoli che restano online
per parecchi mesi. Vi hanno aderito, tra gli altri, il Real
di Madrid, l’Opera di Roma e la Monnaie di Bruxelles.
Su scala regionale si è mossa invece l’Emilia-Romagna,
che dall’esperienza datata 2012 di TeatroNet nel 2019
ha creato Operastreaming, la prima piattaforma gratui-
ta nata a livello regionale (ma visibile in tutto il mondo)
per radunare la programmazione dei principali teatri lirici
emiliano-romagnoli, da Piacenza a Rimini. L’idea è quella
che l’opera, come strumento di comunicazione globale,
veicoli le bellezze del territorio. Almeno su questo, Ko-
sky non avrà nulla da eccepire. prende lo streaming di tutti gli eventi
p della nuova kermesse, anche passati.
IL CASO
L’Italia fai da te
Salvo eccezioni, la pandemia non ha
radicato la cultura dello streaming.
Che per i teatri italiani non rappresenta
ancora un business
C
on la pandemia e i
teatri i chiusi, lo stre-
aming era diventato
parola d’ordine. Ri-
entrata l’emergenza,
anche i servizi di tra-
smissione in diretta e on-demand hanno
cominciato a rarefarsi. I teatri italiani
appaiono complessivamente più timidi
nell’investire sullo streaming, soprat-
tutto come fonte di introiti. A Mila-
no la Scala Tv ha provato a rompere il
tabù, vendendo singoli eventi (non an-
cora abbonamenti) tratti dall’archivio
dei classici, dal balletto e da un live per
ogni produzione, con prezzi che varia-
no a seconda del contenuto (il live di
opera e balletto costa 9,9 o 11,9 euro
a seconda della qualità video richiesta,
on-demand si scende a 4,9 o 6,9). An-
che il San Carlo di Napoli, il primo ente
lirico-sinfonico ad essersi lanciato nello
streaming a pagamento con una pro-
pria piattaforma, consente di noleggiare
contenuti premium con un prezzo che
varia a seconda della tipologia: un’opera
costa 4,90 euro, un balletto 2,90; i con-
certi sinfonici sono disponibili al costo
di 1,90 mentre l’acquisto di eventi in di-
retta è fissato a 9,90. Palermo, che sulla
propria web tv non vuole monetizzare,
offre una selezione di opere, balletti e
concerti accessibile a tutti. Per una pa-
noramica sull’offerta operistica italiana
degli ultimi anni, invece, la sezione Mu-
sica-Teatro-Opera di Rai Play offre un
catalogo di oltre 130 titoli gratuiti. Tra i
Festival, è il Donizetti Opera quello che
ha inaugurato la possibilità di abbonarsi
alla programmazione con il suo Doni-
zetti OperaTube, che nell’abbonamento
2023 (29,9 euro in promozione) com-
 Visioni

GOLDBERG
globetrotter
Anche la Deutsche
Grammophon si adegua:
Vikingur Ólafsson è partito
per un gigantesco tour
di 88 date in cui eseguirà
solo le Variazioni
bachiane, “ogni
volta eseguite
in modo diverso”.
E con la piattaforma
Stage+ sarà visibile
da ogni parte
del mondo

Ph Víkingur Olafsson

DI ALEX PESSOTTO “È un rapporto che va avanti da 25 anni: ero quattor-

C
ristallino come l’acqua gla-
ciale: l’islandese Vikingur
Ólafsson ha distillato le
Variazioni Goldberg in ol-
tre 25 anni di studio, quasi la sua intera
vita al pianoforte (compirà 40 anni il
prossimo febbraio). Lo abbiamo in-
contrato.
Può raccontare il suo rapporto con
le Variazioni Goldberg?
26
dicenne quando le ho ascoltate per la prima volta nella
registrazione di Glenn Gould del 1955. Le eseguo ormai
da parecchio tempo e, tra l’altro, sono il primo pezzo che
Deutsche Grammophon mi ha sentito suonare duran-
te un piccolo concerto a Berlino, nel 2015. Il rapporto
con la casa discografica è cominciato proprio così. Ora,
posso dire che sono cambiate come sono cambiato io. Si
sono trasformate come le stagioni, come la vita. Le ri-
tengo l’opera più bella di tutti i tempi. Quest’Aria su cui
Bach costruisce trenta Variazioni è la dimostrazione del
fatto che si può trovare una varietà infinita in un materia-
le limitato. In questo senso, per me le In diretta un’estensione dinamica con un approccio molto vocale,
Goldberg rappresentano il capolavoro su Stage+ alla stregua di un violino o di un violoncello: del resto,
definitivo”. credo che anche a Bach sarebbe piaciuto. Il clavicemba-
Quali sono i suoi pianisti di riferi- Il 15 dicembre, lo esprime qualcos’altro, un certo tipo di limpidezza, ma
mento per le Goldberg? alle 12.30, in non lo utilizzerò per una registrazione”.
“Sono numerosi. Io, però, le eseguo a diretta dal Il suo tour mondiale è già partito. Lei non solo esegui-
modo mio. Quindi, diversamente da- Seoul Arts rà le Goldberg in tutto il mondo ma affronterà solo le
gli altri, almeno credo. Detto questo, Center, si po- Goldberg. Quello di portare in tournée sempre lo stesso
apprezzo approcci differenti. Amo i trà ascoltare e repertorio è il metodo, per esempio, di Grigory Soko-
clavicembalisti Wanda Landowska e vedere Vikin- lov. Perché ha fatto questa scelta?
Ralph Kirkpatrick, tutte e tre le re- gur Ólafsson “Volevo sfidare me stesso e proporre 88 esecuzioni diver-
gistrazioni di Glenn Gould, quelle in su Stage+, la se delle Goldberg. Insomma, l’intenzione è di presentare
studio e quella dal vivo al festival di piattaforma 88 variazioni sulle variazioni. Bach, partendo da mezzi
Salisburgo del 1959, l’interpretazione di riferimento minimi, riesce a ricavare un universo ed è l’approccio che
di Murray Perahia e anche la registra- nello sviluppo si deve avere con quest’opera: reinventarsi e, appunto,
zione di András Schiff degli anni Ot- digitale della sfidare sé stessi trovando, in musica, prospettive sempre
tanta, bellissima, leggiadra e lirica. Mi musica clas- nuove. Nelle Goldberg, del resto, quando ritorna il mo-
piacciono pure le versioni di Beatri- sica, lanciata mento dell’Aria, si tratta delle stesse note di quella inizia-
ce Rana e Grigory Sokolov, anche se da Deutsche le, ma la musica è completamente diversa. In quest’otti-
concepiscono il pezzo in maniera di- Grammophon ca, è quanto voglio fare in questa tournée. Al momento
stante da me: chi esegue le Goldberg per mettere ho già affrontato il capolavoro in più concerti e in modi
deve trovare la propria voce, la pro- il pubblico al molto differenti, anche da come l’ho registrato, non so
pria strada e rimanere autentico, fede- centro di ciò se meglio o peggio. L’esecuzione, infatti, cambia di volta
le a sé stesso e a Bach”. che accade in volta, di mese in mese, di città in città, di pianoforte in
Il 13 novembre ha eseguito le Goldberg sui principali pianoforte, di tecnico del pianoforte in tecnico del pia-
a Santa Cecilia. Può descrivere il suo palcoscenici noforte, di pubblico in pubblico. Sì, tutto è in continuo
rapporto con l’Italia e il pubblico del mondo, cambiamento. Dobbiamo quindi permettere alla musica
italiano? con esclusive di cambiare insieme a noi”.
“Amo l’Italia e il suo pubblico. Uno dal vivo, con- La sua musica è anche su Stage +, la nuova piattaforma
dei miei primi concerti da solista, il certi e opere della Deutsche Grammophon.
primo in Italia, è stato proprio a Bol- in formato Hi- “Mi piace ogni piattaforma che vuole portare alle persone
zano, al Festival Busoni, nel 2012, Res Lossless, la musica e di conseguenza anche la musica classica. Vi-
quando ho affrontato un programma che garantisca viamo in un mondo in cui le persone ascoltano la classica
in onore di Glenn Gould. Suonai due qualità asso- come non avevano fatto mai: lo notiamo dalle visualiz-
Partite di Bach, la Quinta e la Sesta, luta, come in zazioni su Spotify, Apple Music, Amazon, ecc. Durante
e alcuni lavori di Brahms, Sibelius e uno studio di la pandemia questi numeri sono cresciuti ancora. Solo io,
Grieg. È stato un concerto speciale registrazione. ad esempio, ho 200 milioni di ascolti l’anno. Se si pensa
perché tra un pezzo e l’altro si sentiva Per chi si ab- poi ai grandi nomi del settore, alle orchestre, ai pianisti,
la sua voce: naturalmente, non stavo bona a “Clas- ai cantanti, si può immaginare quante persone ascoltino
cercando di imitarlo, ma di racco- sic Voice” musica classica ogni giorno, in ogni momento. In questo
gliere la sua eredità e portarla avanti. subito il 10% istante, mentre io e lei stiamo parlando, molti saranno su
Per il resto, mi piace molto l’Italia: di conto alla Spotify ad ascoltare una mia registrazione. Quindi, la mu-
per esempio, ho suonato in gennaio a piattaforma sica classica è ovunque e dovremmo essere grati di questo:
Santa Cecilia con Antonio Pappano, Stage+ (se- che fa parte della vita di moltissima gente. Ovviamente lo
in sostituzione di Martha Argerich, zione Tickets streaming non porta ancora notevoli guadagni ai musici-
eseguendo il Concerto in Sol di Ravel del sito www. sti, ma sono ottimista, si troverà un punto di equilibrio. E
e siamo anche andati in tournée. Sì, a stage-plus. io sono felice che in tanti, come mai prima d’ora, ascoltino
Santa Cecilia ho tanti amici. Credo com inseren- la classica. Se le persone ascoltano musica verranno anche
sia un ambiente meraviglioso per fare do il codice ai concerti e porteranno una crescita al settore. Questo
musica”. promozionale deve essere l’obiettivo”.
Ha pensato di incidere le Goldberg STAGE24CV. Lei ascolta, in genere, le registrazioni sue, di altri col-
al clavicembalo? Il codice è va- leghi, oppure, di musica sinfonica, operistica, came-
“Mi piace il clavicembalo, ma il pia- lido fino al 31 ristica?
noforte è il mio strumento. Ciò che marzo 2024). “Attualmente ascolto soprattutto molta musica sinfonica,
amo del pianoforte è che consente ad esempio Mahler e la sua Settima, che mi pare bellissi-
27
 Visioni
Ph Víkingur Olafsson
ma, oppure anche Bruckner e la sua
Quinta. Lo scorso anno ho ascoltato
più volte le Sinfonie di Sibelius e ora
le so praticamente a memoria. Mi in-
teressa soprattutto ciò che non cono-
sco. Non ascolto quasi più registra-
zioni di pianoforte, perché l’ho fatto
in maniera preponderante per i miei
primi 35 anni. E poi sono molto selet-
tivo con i pianisti, anche se ho alcuni
miti ai quali ritorno spesso. Uno è ita-
liano: Arturo Benedetti Michelangeli.
Ho imparato tanto da lui. Il suo suo-
no è bellissimo. Per quanto riguar-
da le Goldberg, due mesi prima di
inciderle ho appunto ascoltato varie
registrazioni: Landowska, Gould, Pe-
rahia, Sokolov. Non era un modo per
trovare idee da diverse Variazioni, ma
per capire in che modo ognuno degli
interpreti cerca di costruire, per il ca-
polavoro, un’unità interpretativa, una
coerenza dall’inizio alla fine. In ogni
caso, non ‘rubo’: suono a modo mio.
Nell’affrontare Bach, si deve diventa-
re co-creatori. Bach realizza strutture
meravigliose e quasi senza istruzioni
su come animarle. Allora, occorre es-
sere un secondo compositore, perché,
per dar vita alla sua musica, ci sono
molti modi possibili. Quindi, si deve
avere una visione molto chiara di qua-
le via scegliere”.
Lei preferisce i cd o i vinili?
“I vinili. Sono cresciuto in Islanda e
28
Ph Víkingur Olafsson
in quegli anni non c’erano molti concerti come a Roma,
Milano o in altre grandi città. C’erano concerti sinfonici
una volta a settimana e quasi nessuno con musicisti fa-
mosi, forse uno all’anno. Di opera neanche parlare. Per
conoscere il repertorio ho quindi dovuto imparare a usa-
re il giradischi dei miei genitori, che avevano tanti vinili
degli anni Settanta e Ottanta. E quando, compiuti i dodi-
ci anni, mamma e papà mi hanno permesso di usarlo, per
me è stato un grande momento. Proprio con i vinili mi si
sono quindi aperte varie dimensioni in fatto di musica:
per questo li amo. Comunque posso anche utilizzare lo
streaming, a patto che la qualità sia alta. Invece, non mi
piace il formato mp3, perché molta bellezza viene persa
e l’ascolto, appunto, richiede un’alta qualità”.
In conclusione, quanto è importante la musica regi-
strata?
“Per me è molto importante, quanto i concerti dal vivo.
Sono due forme d’arte diverse, come il teatro e il cinema.
Mi piace pensare di registrare le Goldberg o qualsiasi al-
tra opera e che la gente le possa ascoltare quando ne ha
voglia. Le incisioni mi offrono l’opportunità di portare
il mio messaggio musicale a platee ancora più vaste. Poi,
registrare in studio è assai interessante anche dal punto
di vista creativo: viene chiesto di trovare il modo ideale
di suonare in quell’istante e di spingersi al limite della
perfezione, per quanto possibile. Sotto questo profilo,
lo studio è meraviglioso: oltre a come si esegue il pez-
zo, si deve pensare ai microfoni, ai tecnici, all’acustica
dell’ambiente. È un processo creativo su molti livelli,
un’equazione con tante variabili. Poi, però, mi piace an-
che esibirmi dal vivo: amo il pubblico, suonare per le
persone. È una sensazione incredibile, imparagonabile
ad altre. Quando, alla fine delle Goldberg, mi alzo dopo
che la gente e io abbiamo vissuto assieme il pezzo, l’e-
mozione è unica”.  p
 23→24 musica
dom 26 novembre 2023 → ore 20.30 mer 20 marzo 2024 → ore 20.30
Foto: Simon Fowler – Musacchio Ianniello

CHAMBER ORCHESTRA BAROCKORCHESTER -

OF EUROPE KAMMERCHOR
ANTONIO PAPPANO direttore STUTTGART
BEATRICE RANA pianoforte FRIEDER BERNIUS direttore
musiche di Elgar, Schumann, Dvořák
musiche di Bach

lun 11 dicembre 2023 → ore 20.30 dom 7 aprile 2024 → ore 20.30
Giornata Internazionale della Montagna
IAN BOSTRIDGE
ARMENIAN NATIONAL CAPPELLA NEAPOLITANA
PHILHARMONIC ORCHESTRA DI ANTONIO FLORIO
EDUARD TOPCHJAN direttore
ANUSH NIKOGOSYAN violino IAN BOSTRIDGE tenore
ANTONIO FLORIO direttore
“Dall’Ararat alle Alpi”
musiche di Vivaldi, Stradella, Cavalli,
musiche di Malipiero, Khatchaturian, Strauss
Legrenzi e del Settecento

ven 22 dicembre 2023 → ore 20.30 sab 1 giugno 2024 → ore 20.30
ELIO KIRILL PETRENKO
PREMIO PORDENONE MUSICA GUSTAV MAHLER
premiazione e concerto
JUGENDORCHESTER
LARGO AL FACTOTUM KIRILL PETRENKO direttore
ELIO baritono bruckner
musiche di
ROBERTO PROSSEDA pianoforte
musiche di Mozart, Rossini, Weill, Lombardi
dom 19 novembre 2023
ven 19 gennaio 2024 → ore 20.30 FIGURE OLTRE
ROBY LAKATOS violino IL PRESENTE
LASZLO BONI violino Fausto Romitelli
JENO LISZTES cimbalom tavola rotonda e concerto
GABOR LADANYI chitarra ingresso gratuito
ROBERT SZAKCSI LAKATOS pianoforte
GUILLAUME CHEVALIER contrabbasso
con la partecipazione straordinaria di
www.teatroverdipordenone.it
MICHAEL GUTTMAN violino Tel 0434 247624
musiche di Blasband, Hubay, Lakatos,
Smeets, Weiner, Csampai, Monti
e musiche tradizionali ungheresi
 Attualità

OPERA Reality

Da Raffaella Carrà a Britney Spears, fino alla vita di Edith Piaf o

di Malcom X. Sempre più personaggi dello spettacolo, della storia
recente o della cronaca invadono i soggetti del teatro musicale.
Ormai più vicino al genere biopic
30
DI LUCA BACCOLINI
O
gni epoca costruisce i
propri miti ed eroi, ed
il racconto della vita di
personaggi significativi si
è dimostrato vincente fin dalla nascita
della parola. Un dato però è certo: se è
vero che le istituzioni tradizionali non
sono più le uniche deputate all’istruzio-
ne, oggi si entra in contatto con i grandi
personaggi della storia soprattutto attra-
verso le lenti del biopic cinematografi-
co. Ma vale solo per i giganti della sto-
ria? Simon Reynolds, critico musicale
britannico che ha coniato il concetto di
post-rock, ha applicato il concetto an-
che alla musica di consumo, notando la
sua ormai cronica incapacità di pensare
un futuro possibile, e dunque virando
verso un strutturale processo di musea-
lizzazione delle sue icone (la cosiddetta
“Retromania”, che è anche il titolo del
suo saggio più diffuso). Il punto di par-
tenza è l’esperienza del Museum of Pop
Music di Londra, ma può essere esteso
anche alla feticizzazione che da anni si
fa dello stile rock’n’roll, nei locali, nel-
le radio e appunto nel cinema, letteral-
mente infestato di biopic, che ora cele-
brano i Queen, ora gli Abba ora Freddie
Mercury, trattando tutti con le stesse
dinamiche narrative: l’infanzia difficile,
il rapporto complicato con la famiglia,
la svolta attraverso l’amore, il peso del
successo, i cattivi consiglieri/amanti fino
all’immancabile redenzione finale. Da
alcuni anni anche il mondo dell’opera si
è lasciato sedurre dal fascino (in)discre-
to del biopic. L’ultimo caso a Bergamo,
con Raffa in the Sky, titolo costruito su
Raffaella Carrà, primo episodio di opera
nata attorno a un personaggio televisivo,
ma non ultima avventura in questo filo-
ne: pare infatti che al Donizetti sia già in
cantiere un’opera su Mina; il Carlo Felice
di Genova si è inserito subito su questo
solco proponendo la nuovissima Edith,
opera ispirata a Édith Piaf, cantautrice
simbolo del Novecento francese, a 60
anni dalla sua scomparsa (dal 17 al 21 di-
cembre, musica di Maurizio Fabrizio su
libretto di Guido Morra). Certo, l’opera
ha sempre attinto a piene mani dalla re-
altà e dalla storia, proprio perché per sua
natura deve arrivare “dopo”, al termine cioè di un processo
di rielaborazione e adattamento della materia narrativa. Ma è
un dato indiscutibile che l’opera contemporanea stia sempre
più ricorrendo a personaggi realmente esistiti per i suoi sog-
getti. E sempre più spesso si tratta di icone pop. Sono finiti i
grandi temi universali che alimentavano le complesse dram-
maturgie verdiane o è semplicemente un modo per avvicinare
nuovo pubblico? La tendenza sembra aver messo radici nel
nuovo secolo: con Anne Nicole (2011) Mark-Anthony Tur-
nage si era incuneato nel mondo delle playmates americane,
raccontando la triste parabola della modella Anne-Nicole
Smith, morta a 40 anni, cioè appena quattro anni prima che
l’opera andasse in scena al Covent Garden, per abuso di me-
tadone; il Berliner Ensemble, la “casa” di Bertolt Brecht, ha
addirittura messo in scena (e continua a farlo regolarmente)
uno spettacolo su Britney Spears, “una serata musicale - si
legge nell’abstract di It’s Britney, Bitch! - sull’amore infelice e
sulla dipendenza, sulla verità e la veridicità nel pop, sui padri
e le figlie. Una serata su Britney Spears e la Britney che c’è in
ognuno di noi”. L’idolo consumato da sé stesso e dalle masse
è materia troppo attrattiva per rimanere inosservata. Anche
Maria Callas ha dovuto cedere il proprio corpo e reincarnarsi
addirittura sette volte in quello di Marina Abramovic, autrice
e protagonista di 7 Deaths of Maria Callas, durante il quale
l’artista serba interpreta le sette principali eroine femminili
del repertorio callasiano, con l’attore Willem Dafoe nei pan-
ni del “carnefice” Onassis. Chissà se Abramovic si è lasciata
ispirare da Jackie O di Michael Daugherty, che nel 1997 fis-
sò in un’opera mai uscita dal repertorio la vita di Jacqueline
Kennedy Onassis, una sorta di mito di Orfeo al contrario,
con la protagonista che non si rassegna alla perdita del pri-
mo marito, mentre il secondo matrimonio rappresenta per
lei una discesa agli inferi. Mito e declino della star era già al
centro anche di Marilyn di Lorenzo Ferrero, andato in scena
all’Opera di Roma nel 1980, ovvero 18 anni dopo la morte
della Monroe, con un libretto anglo-italiano che raccoglieva
frammenti tratti da documenti politici, sociali e culturali di
vita americana su due differenti piani linguistici: l’inglese per
le parti cantate, l’italiano (o la lingua del paese in cui avveniva
lo spettacolo) per le parti recitate. Anche in questo caso Ma-
rilyn veniva vista come una vittima della cultura di massa, una
figura solo superficialmente serena e ottimista; un’eroina suo
malgrado. Sei anni dopo Marilyn, Ferrero si era cimentato in
Salvatore Giuliano, opera in un atto concepita per abitare in
dittico con Cavalleria Rusticana: la storia, del resto, era ba-
sata sulla figura del bandito Salvatore Giuliano (1922-1950),
il contadino siciliano protagonista della strage di Portella
della Ginestra. Una virata piuttosto netta. Di un’altra pagina
Un frammento cruenta di storia italiana si parla in Moro (2011) opera in for-
dell’opera “X: The ma oratoriale di Andrea Mannucci sugli ultimi giorni di se-
Life and Times gregazione di Aldo Moro ad opera delle Brigate Rosse, men-
of Malcom X” di
tre nel Tempo sospeso del volo (2007) di Nicola Sani il giudice
Anthony Davis,
in scena al
Giovanni Falcone è rappresentato mentre viaggia sull’aereo
Metropolitan che lo porterà all’appuntamento con la morte, un tempo so-
di New York speso, appunto, in cui affiorano ricordi e nodi del presente.
31
 Attualità
Negli Stati Uniti sono soprattutto i per-
sonaggi della cultura afro-americana ad
aver conquistato i palcoscenici operisti-
ci in chiave biopic: Terence Blanchard (il
primo compositore afro-americano ad
esser stato rappresentato al Metropoli-
tan) ha condensato in Champion la vita
di Emile Griffith (1938-2013), il primo
pugile originario dell’arcipelago caraibi-
co a conquistare la corona di campione
del mondo professionisti; Anthony Da-
vis nel 1986 debuttò nell’opera con The
Life and Times of Malcom X, che sarà
ripresa proprio questo mese nel cartel-
lone del Met. L’opera, insomma, sembra
ancora in grado di esercitare una forma
di riflessione critica quando maneggia i
fili della contemporaneità, anche se il pe-
ricolo dello scivolone agiografico resta
sempre incombente. Come al cinema,
del resto, il biografico operistico ha una
natura camaleontica, che si nasconde
all’interno di cornici molto varie, spes-
so dentro altri generi che lo sovrastano
e lo assorbono all’interno delle proprie
pratiche narrative. Nuovi miti di ieri e di
oggi aspettano sono già in attesa del loro
libretto. p
32
IL BILANCIO
Ibridiamo l’Italia
L’opera su Raffaella Carrà mischia in modo
intelligente canzoni e riferimenti colti
N
on scomodiamo que-
stioni annose (“dove
va l’opera contempo-
ranea”). Raffa in the
sky andata in scena al
Donizetti di Bergamo
ha funzionato perché si colloca oltre il co-
siddetto dibattito. Ma quando mai Raffaella
Carrà ci ha ispirato pensose riflessioni invece
di contagiarci con l’euforia del tuca tuca? Il
merito principale di questa proposta eccen-
trica sta nell’essersi mossa bene tra i generi
teatrali e musicali, ibridandoli. Confezio-
nando un “prodotto” ben fatto, leggero ma
non superficiale, divertente ma non effimero:
dunque intelligente. Raffaella Pelloni, in arte
Carrà, non ha mai mostrato il suo volto di
donna, quello che si nasconde dietro, o sot-
to, l’iconico caschetto. È sempre rimasta per
tutti noi personaggio televisivo. Per questo la
In alto, Malcom X destinazione spettacolare più immediata del-
sul palcoscenico; la sua figura sarebbe stata il musical: un mo-
sotto “Raffa in the
tivo via l’altro per il gradimento di grandi e
Sky” andata in
piccini. E invece no. Ne è nato, più ambizio-
scena a Bergamo
samente, un ibrido tra opera e musical: bravo
il compositore Lamberto Curtoni che ha sa-
puto far rientrare le mitiche hit cucendole in
un ordito operistico citazionista, a tratti mi-
nimalista e “postmoderno” (direttore Car-
lo Boccadoro). E bravi i librettisti Alberto
Mattioli e Renata Ciaravino anch’essi valenti
ibridatori, tra melodramma, opera-cronaca,
opera-fantasy e biopic cinematografico.
Sfornando battute librettistiche schiocchine
ma efficaci e non sempre innocue (“spetti-
niamo l’Italia”) come le esplosive canzonci-
ne della Carrà. Sullo sfondo il costume e la
società italiana “spettinati” dalla Carrà con
l’ombelico a portata di telecamera, che la re-
gia di Francesco Micheli (anche ideatore del
progetto) ha rievocato con fantasia scenica
pop e riferimenti colti. Peccato che la prota-
gonista, la cantante Chiara dello Iacono, non
tenesse testa agli artisti “lirici” (Carmela Re-
migio, Haris Andrianos, Gaia Petrone, Dave
Monaco), più disinvolti e divertiti in scena.
Quasi una nemesi per un’opera che celebra
le virtù della televisione. Andrea Estero
Che grande stagione!
12.11.2023 Frank Peter Zimmermann . Martin Helmchen
17.11.2023 European Philharmonic of Switzerland . Charles Dutoit . Martha Argerich
03.12.2023 Gershwin Piano Quartet
06.12.2023 Sir András Schiff
Weekend di quartetti
12.01.2024 Cuarteto Casals . 13.01 Quartetto Szymanowksi . 14.01 Quatuor Ebène
16.01.2024 Filarmonica della Scala . Riccardo Chailly
30.01.2024 Rudolf Buchbinder
06.02.2024 Luzerner Sinfonieorchester . Michael Sanderling . Yoav Levanon
01.03.2024 Kammerorchester Basel . Jonathan Cohen . Alexandra Dovgan

LuganoMusica / T +41 (0)58 866 42 85 / info@luganomusica.ch / Biglietti online su luganomusica.ch

 In copertina

LIBERTÀ
condizionata

Parla Teodor Currentzis, il direttore naturalizzato

russo che in Italia presenta la nuova orchestra Utopia,
creata con finanziatori indipendenti: “Tornare al testo
è la via più audace dell’interpretazione”. Ma sulla
guerra in Ucraina rifiuta di rispondere
Ph Nadia Romanova

34
DI PAOLO LOCATELLI mo tra amici, un gruppo di amici ben consapevoli di ciò che

A
Il tour vanno cercando. Utopia non è un’orchestra ma un territo-
nche se lo stile anticonfor- rio libero, un campo sperimentale in cui si vaga alla ricerca
mista da rockstar non lo Due tappe del suono perfetto. Lì abbandoniamo ciò che sappiamo e
dà a vedere, l’impressione per la prima re-impariamo ad ascoltare e percepire la musica da zero e
è che negli ultimi tempi apparizio- questo ci rende felici. Naturalmente è un’idea utopica, ma i
Teodor Currentzis si sia un po’ imbor- ne italiana sogni più utopici si avverano non appena togliamo il divieto
ghesito. Il riferimento non è all’istinto della Utopia all’impossibile”.
e al genio musicale, che restano quelli Orchestra: a Dunque è qualcosa di diverso rispetto alle altre orchestre
del visionario oggi ancor più consa- Brescia, il 20 con cui collabora?
pevole e tecnicamente maturo di ieri, novembre al “Ogni orchestra è un organismo a sé con una misura de-
ma alle scelte di carriera, che l’hanno Teatro Gran- terminata di talento. Quel cha cambia è quanto l’orchestra
portato progressivamente a preferire de, e a Roma il permette di svelare il suo potenziale: alcune sono aperte
i grandi teatri della vecchia Europa al 22/11 al Parco all’innovazione e pronte ad affrontare nuove sfide, altre
cuore siberiano di Perm’, dove si erano della Musica guardano con sospetto ai cambiamenti, non credono in sé
accasati lui e la sua orchestra-comune nella stagione stesse o, al contrario, pensano di aver già raggiunto l’apice e
dai contorni quasi ascetici. Un per- di Santa Ceci- si riposano sugli allori”.
corso poi accelerato dall’invasione lia. Il program- Quindi i musicisti non sempre accettano la sua proposta?
russa dell’Ucraina, le cui implicazioni ma disegnato “Dipende. Cerco di percepire l’atmosfera nell’orchestra per
politiche lo hanno lambito pur senza da Currentzis capire fino a che punto posso spingermi e adatto le mie ri-
affossarlo. Benché per lui i confini del appare come chieste a ciò che vedo. Sono una persona pragmatica e non
continente non si siano chiusi, resta un omaggio forzo i musicisti se non percepisco una flessibilità nell’am-
da chiarire la sua posizione sulla guer- alla grande biente. Chiedo a ogni cantante, ogni solista, ogni orchestra,
ra voluta da Putin, una questione su tradizione: così come a ogni persona che incontro nella mia vita, il me-
cui Currentzis continua a non volersi il Concerto glio che può dare, niente di più. Mi riconosco la capacità
esprimere, anche in questa intervista: per violino di di instaurare una forma di dialogo in cui ognuno si avvi-
alle domande poste sull’attualità poli- Brahms (Bar- cina alla migliore versione di sé stesso. Fondamentalmente
tica in rapporto all’organizzazione dei nabás Kele- è proprio questo che fa un direttore d’orchestra, ispirare
suoi concerti fuori dalla Russia e alle men solista) e anziché imporre, stimolare la riflessione anziché insegnare”.
cancellazioni ricevute in alcuni teatri la Sinfonia n. 5 Come si sviluppa questo tipo di lavoro?
europei, Currentzis ha preferito non di Ciaikovskij. “Quando mi dedico a un certo spartito, ci vivo immerso
rispondere. In attesa di tornare a esi- Sono 107 gli molto a lungo e lo sogno. Chiudo gli occhi e metto in sce-
birsi in Europa (il 16 marzo 2024 sarà orchestrali na la musica nella mia immaginazione. Non la illustro con
al Lingotto di Torino col Requiem di coinvolti da immagini reali ma immagino spazi che non hanno forma
Mozart) e di un debutto in Mediorien- tutto il mondo, fisica percepibile dai nostri sensi. La musica, in fondo, è la
te (aprile 2024 a Dubai), la sua stori- dall’Armenia possibilità donata all’umanità di comunicare con un mondo
ca formazione MusicaEterna rimane al Venezue- invisibile di vibrazioni, intuizioni, un mondo che non può
confinata perlopiù tra San Pietroburgo la. Utopia è essere espresso a parole. È un modo per cercare di spiega-
(dove risiede) e Mosca. Parallelamente, un’orchestra re e comprendere cose al di là della comprensione, di dire
però, Currentzis si è rimesso in gioco finanziaria- ciò che non può essere pronunciato con il linguaggio della
dall’anno scorso con un nuovo proget- mente indi- nostra comunicazione quotidiana. Quando dirigo cerco di
to internazionale, l’Orchestra Utopia, pendente da dare sostanza a quelle straordinarie sensazioni appena per-
che sbarca in Italia il 20 novembre (a altri collettivi cettibili che non possiamo formulare ma che non ci lascia-
Brescia) e il 22 a Roma (vedi box, ndr). e istituzioni. no in pace, che vediamo ma non possiamo descrivere. La
Intanto il nome Utopia. Ce lo spiega? L’orchestra è mia meta e missione nella musica è esprimere l’inesprimi-
“Come dice il nome, è un sogno im- finanziata con bile. Credo che se riuscirò a condividere questo momento
possibile. Ed è proprio questo che ci i proventi dei estatico con un’altra persona, se potrò far sì che qualcuno
ispira: realizzare l’impossibile. Un pro- concerti ed è condivida questa rivelazione con me, allora non sarò solo in
getto che nasce da incontri frequenti sostenuta dal- questo mondo”.
con alcuni dei musicisti migliori del la Kunst und Come concilia questo approccio con i limiti fissati
mondo, professionisti appassionati e Kultur DM dal testo?
idealisti con cui si è soliti discutere del Privatstiftung “Noi siamo dei discepoli del compositore. Innanzitutto bi-
futuro della musica. Quando ci riunia- e da mecenati sogna seguire rigorosamente ciò che è scritto in partitura e
mo non abbiamo nemmeno la sensa- europei. vedere come funziona. Successivamente, dopo aver studiato
zione di lavorare, ma è come se uscissi- a fondo la fonte originale, ci si può permettere di allargare
35
 In copertina
Ph Amanda Demme
cautamente il campo di osservazione:
allontanarsi leggermente e vedere se l’i-
dea del compositore può essere restitu-
ita in modo migliore. E questo il nostro
compito: far sì che la musica suoni come
il compositore l’ha concepita. Non è
possibile stilare un insieme di regole che
conducano a questo obiettivo. L’istinto
del musicista e la comprensione del te-
sto giocano un ruolo fondamentale, tut-
tavia nessuno deve scorgere le impronte
del tuo percorso, il tuo io deve sempre
restare fuso con l’io del compositore.
D’altra parte talvolta è proprio il rispet-
to rigoroso dello spartito a risultare ra-
dicale per gli ascoltatori. Questo perché
siamo stati notevolmente influenzati
dalla tradizione postromantica nell’in-
terpretazione musicale e nella conce-
zione della bellezza. Parliamo di un
periodo in cui gli interpreti trattavano il
testo originale in modo abbastanza libe-
ro e potevano sviare da quanto scritto
dall’autore. Col tempo queste interpre-
tazioni si sono sedimentate diventando
il canone, quindi a volte è necessario di-
menticare ciò che conosci, o pensavi di
conoscere, e ritornare al testo. Parados-
salmente l’obbedienza completa può
rivelarsi la manifestazione più audace
della libertà”.
A proposito di libertà, parla spesso del
valore politico della musica e delle scel-
te performative.
“In realtà, l’unico motivo per cui mi
36
Ph Markus Aubrecht
presento davanti all’orchestra è cercare di cambiare il mon-
do in meglio e diventare una persona migliore io stesso. Se
vogliamo apportare cambiamenti nella società, dobbiamo
innanzitutto cambiare noi stessi. L’arte è un impulso innato
dentro di noi, esiste per creare uno spazio in cui le persone
possano riunirsi, comunicare senza barriere e confini, cresce-
re e generare. La musica è un linguaggio universale e attra-
verso di essa riusciamo a capirci perfettamente, poiché nella
nostra immaginazione non ci sono barriere linguistiche. A
me non interessa quali vizi possa avere una persona che entra
in sala, ciascuno di noi ne ha. Quello che mi interessa sono le
sue qualità. Non considero i difetti, mi preoccupo degli ef-
fetti. La domanda è solo quanto saremo in grado di aprire il
nostro cuore alla bellezza e alla compassione e se riusciremo
a trasmettere questo amore agli spettatori”.
Cosa guida le sue scelte di repertorio?
“La scelta del repertorio non è affatto un compito facile come
potrebbe sembrare. La principale difficoltà sta nel fatto che
spesso è necessario pianificare con due o tre anni di antici-
po. Ma come posso indovinare in quale stato d’animo sarò
tra due anni, di cosa avrò voglia di parlare? Pertanto, talvolta
organizziamo concerti a sorpresa per i quali scegliamo il pro-
gramma all’ultimo momento, in base alle esigenze della no-
stra anima. Ciò detto, nella maggior parte dei casi dobbiamo
fare una scelta in anticipo e poi, naturalmente, entrare nello
stato d’animo richiesto da quella musica”.
Che ruolo ha avuto il grande maestro Ilya Musin nella
sua formazione?
“Ilya Musin è stato un eccellente pedagogo nella professione
di direttore d’orchestra, ha dato forma e concretezza a quel
che cercavo e mi ha reso la persona che sono. Musin mi ha
insegnato a essere un regista nella musica, precisamente un
regista che crea una meravigliosa incarnazione del concetto
musicale nella propria immaginazione e a fidarmi della mia
intuizione, anzi, a svilupparla”.  p
 STAGIONE
STAGIONE TEATRO
TEATRO
COMUNALE
COMUNALE
2023-2024
2023-2024 PAVAROTTI-FRENI
PAVAROTTI-FRENI

MODENA
MODENA
MARTEDÌ
MARTEDÌ7 NOVEMBRE
7 NOVEMBRE
2023
2023
ORE
DANZA
DANZA
ORE
20.30
20.30 MARTEDÌ
MARTEDÌ6 FEBBRAIO
6 FEBBRAIO
2024
2024
ORE
ORE
20.30
20.30
FUORI
FUORI
ABBONAMENTO
ABBONAMENTO

Ailey
AileyIIII L’altro
L’altroviaggio
viaggio
Coreografie
Coreografie
Musiche
MusicheRalph
Francesca
Francesca
Ralph
Vaughan
Harper,
Vaughan
Harper,
Alvin
Alvin
Williams,
Williams,
Ailey,
Ailey,
LesLes
Robert
Tambours
Robert
Tambours
Battle
dudu
Battle
Bronx,
Bronx,
LaLadanza
danzanella
nellaDivina
DivinaCommedia
Commedia
Progetto
Progetto“leggere
“leggere
per…
per…ballare”
ballare”
Spirituals
Spirituals
tradizionali
tradizionali Regia Arturo
Regia ArturoCannistrà
Cannistrà
Musiche
MusicheAntonio
AntonioVivaldi,
Vivaldi,
Philip
Philip
Glass,
Glass,
Michael
Michael
Nyman,
Nyman,
SABATO
SABATO
18 18
NOVEMBRE
NOVEMBRE
2023
2023
OREORE
20.30
20.30

Sergio
SergioBernal
Bernal
Max
MaxRichter,
Richter,
Arvo
Arvo
Pärt
Pärt

Dance
DanceCompany
Company
MERCOLEDÌ
MERCOLEDÌ
20 20
MARZO
MARZO
2024
2024
ORE
ORE
20.30
20.30

Rodin
Rodin Kor’sia
Kor’sia
Coreografie Sergio
Coreografie Sergio
Bernal,
Bernal,
Valentino
ValentinoZucchetti
Zucchetti Igra
Igra
Musiche
Musiche
daldal
vivo Jean-Baptiste
vivo Jean-Baptiste
Lully,
Lully,
Jordi
Jordi
Savall,
Savall,
Maurice
Maurice
Ravel,
Ravel, Coreografia
Coreografia
e regia Mattia
e regia Mattia
Russo
Russo
e Antonio
e Antonio
dede
Rosa
Rosa
Roque
Roque
Baños
Baños Spazio
Spazio
sonoro DaDa
sonoro Rocha
Rocha
MARTEDÌ
MARTEDÌ21 21
NOVEMBRE
NOVEMBRE
2023
2023
OREORE
20.30
20.30

Balletto
BallettodidiRoma
Roma
VENERDÌ
VENERDÌ
5 APRILE
5 APRILE
2024
2024
OREORE
20.30
20.30

Yue
YueYin
YinDance
DanceCompany
Company
Giulietta
GiuliettaeeRomeo
Coreografia
Coreografia
Romeo
e regia Fabrizio
e regia Fabrizio
Monteverde
Monteverde
Coreografie
Musiche Echo
Musiche
Yue
Coreografie
Echo
YueYinYin
Collective,
Collective,
Mr.Mr.
Mitch,
Mitch,
Social
Social
State,
State,
CoH,
CoH,
A Winged
A Winged
Victory
Victory
Musiche Sergej
Musiche SergejProkof’ev
Prokof’ev forfor
thethe
Sullen,
Sullen,
Luca
Luca
Yupanqui,
Yupanqui,Juliane
Juliane
Jones,
Jones,
Doug
Doug
Beiden
Beiden

MERCOLEDÌ
MERCOLEDÌ
17 17
GENNAIO
GENNAIO
2024
2024
ORE
ORE
20.30
20.30 MARTEDÌ
MARTEDÌ16 16
APRILE
APRILE
2024
2024
OREORE
20.30
20.30

Compagnia
CompagniaZappalà
ZappalàDanza
Danza Centro
CentroCoreografico
Coreografico
Cultus
Cultus
Coreografia
Coreografia
e regia Roberto
e regia RobertoZappalà
Zappalà
Nazionale
Nazionale/ /Aterballetto
Coreografie
Coreografie
Aterballetto
Philippe
Philippe
Kratz,
Kratz,
Diego
Diego
Tortelli,
Tortelli,
Iratxe
Iratxe
Ansa,
Ansa,
Igor
Igor
Bacovich
Bacovich
Musiche David
Musiche DavidLang
Lang
e della
e della
tradizione
tradizione
popolare
popolare
italiana
italiana Musiche Barrio
Musiche Barrio
Sur,
Sur,
Fela
Fela
Kuti,
Kuti,
Spiritualized,
Spiritualized, George
GeorgeGershwin
Gershwin

MERCOLEDÌ
MERCOLEDÌ
24 24
GENNAIO
GENNAIO
2024
2024
ORE
ORE
20.30
20.30 MARTEDÌ
MARTEDÌ28 28
MAGGIO
MAGGIO
2024
2024
ORE
ORE
20.30
20.30

Paul
PaulTaylor
TaylorDance
DanceCompany
Company Natalia
NataliaOsipova
Osipova
Coreografie
Coreografie
Musiche
Musiche
Paul
Georg
Paul
Georg
Taylor,
Friedrich Force
Taylor,
FriedrichForceofofNature
AmyAmy
Hall
Händel,
Hall
Händel, Nature
Garner
Count
Garner
Count Basie,
Basie,
Sarah
Sarah
Vaughan,
Vaughan,
Coreografie
CoreografieMarius
Marius
Petipa,
Petipa,
Frederick
Frederick
Ashton,
Ashton,
Sidi
Sidi
Larbi
Larbi
Cherkaoui,
Cherkaoui,
Duke
Duke
Ellington,
Ellington,
Wynton
Wynton Marsalis,
Marsalis,
BillBill
Evans,
Evans,
Johann
JohannSebastian
Sebastian
Bach
Bach
Alexei
Alexei
Ratmansky,
Ratmansky,Natalia
Natalia
Osipova,
Osipova,Jason
Jason
Kittelberger,
Kittelberger,
Bryan
Bryan
Arias,
Arias,
GIOVEDÌ
GIOVEDÌ
1 FEBBRAIO
1 FEBBRAIO
2024
2024
ORE
ORE
20.30
20.30 Michel
Michel
Fokine
Fokine

Balletto
Ballettodell’Opera
dell’OperadidiTbilisi
Tbilisi Con
Con
i primi
i primi
ballerini
ballerini Royal
deldel Royal
Ballet
Ballet
e Rambert
e Rambert Ballet
Ballet
di di
Londra
Londra

IlIllago
lagodei
deicigni
cigni
Libretto Vladimir
Libretto Vladimir Begichev
Begichev
e Vasil
e Vasil
Heltzer
Heltzer
Musiche
MusichePëtr
Pëtr
Il’ičIl’ič
Čajkovskij
Čajkovskij
Coreografia
CoreografiaMarius
Marius Petipa
Petipa
e Lev
e Lev
Ivanov
Ivanov
Versione
Versione
coreografica
coreografica e messa
e messa
in in
scena Alexei
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Fadeechev
Fadeechev
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 Riflessioni

La PSICHE
della Madonna DI GUIDO SALVETTI

La musica contemporanea è
rimasta a lungo lontana dal Sacro.
Se si escludono autori come
Penderecki e Pärt. Il recente
“Del folle amore” di Alessandro
Solbiati ritorna alla tradizione
dello Stabat Mater.
Psicanalizzando Maria

L’
importanza e l’eccezionalità di Del folle amo-
re, recente lavoro di Alessandro Solbiati ese-
guito in modo mirabile dall’Orchestra della
Toscana diretta da Tito Ceccherini in Santa
Croce a Firenze il 4 ottobre scorso, con il Coro del Mag-
gio musicale fiorentino (solista Mathilde Barthélémy), mi
inducono a qualche riflessione che vada oltre il pur fortis-
simo impatto emotivo di fronte all’esecuzione.
Una prima riflessione si impone di fronte alla scelta di
Solbiati di optare fin dal titolo (Del folle amore) per l’ec-
cesso patologico indotto dal dolore: “eccesso” del sentire
ed “eccesso” della sua espressione, che non appartengono
all’ambito del titolo originale di Jacopone da Todi desun-
to dall’incipit: Donna de Paradiso (noto come Il Pianto
della Madonna). Né è solo un “Pianto” quello della Ma-
donna, come è nella tradizione letteraria e in alcune bea-
tifiche intonazioni, tra cui prediligerei quella del giovane
Giorgio Federico Ghedini, del 1921. La “follia” è invece
la dimensione che rende possibile l’urlo come l’afasia, la
frenesia come la stasi; la ripetizione ossessiva come la più
incoerente delle connessioni e dei richiami. La riuscita di
questo lavoro di Solbiati credo si possa soprattutto at-
tribuire al raggiungimento di una coerenza “di secondo
grado”, cioè nonostante l’incoerenza dei singoli momenti
tra di loro. Decisiva per questo risultato è la scansione
Ph MarcoBorrelli con cui il grande “lamento” viene variamente avvolto dai
38
singoli interventi dei vari personaggi,
dalla turba corale e da quell’altro per-
sonaggio metaforico che è l’orchestra.
La “forma” è quindi, sì, notevolmente
frammentata nel suo impianto nel ri-
spetto delle quartine di Jacopone, da
cui discende anche l’ossessiva ripeti-
tività dell’invocazione (“figlio, figlio
…”), eppure crea una sorta di conti-
nuità narrativa, che viene articolata
dal mirabile intermezzo orchestrale
dominato dal corno inglese nell’acuto,
e da quel senso di pacificazione con-
clusiva affidata all’assolo del flauto,
sublimato nell’iperacuto.
Da tali e tanti motivi di interesse è
sorta allora, spontanea, una sorta di
smarrimento rispetto al loro signifi-
cato: a parte l’impressione universal-
mente condivisa di aver partecipato
a un evento memorabile e - come si
usa dire - “epocale”, non altrettanto
facile fu attribuirlo a questa o a quel-
la delle sfere di ispirazione tra cui si
muovono le nuove musiche. Partico-
larmente problematica, conversando
con amici e colleghi, era la qualifica
religiosa che pure sembrava impor-
si senza neppure discussione per la
scelta di un testo del più spirituale dei
francescani spirituali e per lo splen-
dore gotico del luogo sacro.
Ma già a questo livello minimo di ela-
borazione concettuale poteva distur-
bare la natura eterodossa - per non
dire ereticale - di Jacopone, autore
di un testo visceralmente passionale,
e soprattutto privo di ogni possibile
consolazione nella Fede. E anche la
sacralità di Santa Croce non è priva
di ambiguità, visto il supremo valore
“civile” attribuitogli giustamente dal
Foscolo per via delle “itale glorie” che
vi sono accolte, tra cui tenaci peccatori
come Alfieri e Machiavelli.
Non minori incertezze ci derivano
dalle scelte musicali. Dove trovare,
nella partitura di Solbiati, quel tipo
di religiosità contemplativa che nei
secoli - a partire dai fiamminghi e Pa-
lestrina - ha riprodotto in polifonie
sonore, la concordia, per nulla discors,
delle sfere celesti? Né certo vi è traccia
della mondanizzazione impudica de-
gli Stradella, o degli Scarlatti, giù giù
Ph MarcoBorrelli
fino a quella specie di teatro profano evocato da monsi-
gnor Perosi. In anni più vicini a noi, Krzystof Pendereski
ci offre un altro modello di religiosità in musica (penso al
Requiem per le vittime di Hiroshima, o alla Passione secon-
do San Luca), che vuole trasmettere certezze: quelle che
possono dare vigorose e solide strutture sinfonico-corali,
evolutesi solo più di recente in sperimentazioni di lin-
guaggio con introduzioni di mezzi elettronici. Ma anche
questa religiosità basata sulle certezze che derivano dalla
fede, non mi sembra trovare riscontro in questo lavoro di
Solbiati. Neppure da parlare, poi, di una “religiosità” del
minimalismo alla Arvo Pärt, in cui la partita si gioca nella
rarefazione, nella ripetizione e nel silenzio. La religiosità
di questa musica, invece, non ha funzione ascetica. Si av-
vale piuttosto di tutte le risorse della musica contempora-
nea, e che lo stesso autore ha contribuito a creare in una
produzione sorprendentemente vasta e multiforme. Ne
rimangono esclusi solo i mezzi elettronici o informatici.
Ma tutto il resto trova in questa vasta partitura una sua fi-
nalizzazione, nell’uso mobile del coro, nella dissociazione
timbrica dell’orchestra e soprattutto nell’adozione di una
vocalità che, esacerbata e in bilico tra gesto, sussurro e gri-
do, può avere forse un solo precedente: quello del “mono-
dramma” Erwartung (1909) di Schoenberg, chiaramente
formatosi nella dimensione psichica apertasi con l’avvento
dalla psicanalisi.
Ecco allora, per me almeno, la parola chiave che ci permet-
te di accostarci all’operazione culturale compiuta con tan-
ta efficacia da Solbiati: psicanalisi. Come immersione nella
psiche sconvolta di una madre di fronte al cadavere del fi-
glio. Come immersione nell’orrore di chi assiste all’effera-
Mathilde tezza dei malvagi e all’accettazione dell’ingiustizia da parte
Barthélémy con
dell’innocente. Non so se questa si chiama “religiosità”,
Tito Ceccherini
nella chiesa ma è comunque e sempre, e per tutti, la scelta di campo che
fiorentina di ognuno di noi è chiamato a compiere. In questo senso la
Santa Croce scelta di Solbiati è chiarissima. E potente.  p
39
 Società
Il primo
INFLUENCER
Alla formazione del gusto del
pubblico non hanno concorso
solo i compositori e gli interpreti.
Ma anche gli editori. Come
dimostra la vicenda di Ricordi,
definito da Liszt “il ministro
della repubblica musicale”
40
DI CARLO PICCARDI
N
ell’approccio alla musica non sempre il pub-
blico si rende conto dell’apporto determinante
svolto dai supporti organizzativi alla sua diffu-
sione. Teatri, enti concertistici d’altronde ap-
paiono appena profilati persino negli studi monografici nel
delineamento della fortuna di grandi e piccoli compositori, il
cui destino sarebbe impensabile senza quei canali attraverso
i quali fu ed è possibile la comunicazione. Attenzione ancora
minore è riservata alla componente editoriale, attiva fin dal
‘500, ma che almeno da due secoli si pone quale fattore di
mediazione prioritario fra il composito-
re e la vita musicale. Si dà così il fatto che
non solo le trattazioni storico musicali
non ci illuminino sufficientemente sul
ruolo delle case stampatrici di musica,
ma persino le enciclopedie le cui schede
informative su Breitkopf & Härtel, Ber-
nhard Schott, Artaria, Durand si limita-
no alla catalogazione senza indagare sui
risvolti promozionali e sulla formazio-
ne del gusto legata al compito editoriale.
Fra di esse quella che spicca è certamen-
te Casa Ricordi. Nell’arco secolare del-
la sua attività la vicenda del complesso
editoriale milanese non solo si incrocia,
ma si salda strettamente all’evoluzione
musicale italiana costituendone parte
integrante fin da quando il fondatore,
Giovanni Ricordi (1785-1853), regi-
strando il radicale cambiamento di gu-
sto intervenuto nel secondo decennio
del secolo, fece di Rossini l’autore guida
della sua Casa presentandone nel cata-
logo del 1825 l’“opera completa” (in re-
altà 19 opere). Da quel momento le sorti
del teatro musicale italiano si sposarono
alle ragioni editoriali del complesso mi-
lanese che, riunendo nel suo catalogo i
nomi degli autori più correnti (Vaccai,
Pacini, Mercadante, Ricci, Meyerbeer
ecc.), non mancherà di puntare con in-
fallibilità sulle figure guida che avreb-
bero determinato i momenti risolutivi
dello sviluppo estetico di quel filone
fino ai decenni più vicini a noi, attraver-
so Bellini, Donizetti, Verdi e Puccini. La
presenza di Ricordi si sviluppò inoltre
anche su altri due piani dello scacchiere
musicale, quello della didattica (consa-
crato fin dal primo catalogo dove egli
si definiva “Editore dell’Imperial Regio
Conservatorio di Musica di Milano” in-
troducendo i trattati e i metodi di Asioli
e Pollini capostipiti di una vasta produ-
zione che fino ad oggi ha costituito il
passaggio obbligato per tutti gli studen-
ti di musica dell’area culturale italiana)
e quello della musica di intrattenimento
che, attraverso la produzione da salot-
to, per banda, le canzonette napoletane
e la moderna musica leggera nella sua
versione discografica, mostrano la ca-
pacità dell’imprenditore di occupare
tutti gli spazi dell’espressione musicale
garantendosi un ruolo che fu sempre
di protagonista. Il fascino di Casa Ricordi è rimasto tuttavia
consacrato dalla capacità di coniugare senza contraccolpi di
sorta e grazie a uno straordinario equilibrio delle scelte i valo-
ri culturali con le ragioni imprenditoriali, evidente soprattut-
to nel momento in cui Giovanni, accogliendo una proposta
avanzata dal figlio Tito (1811-1888), nel 1842 diede vita alla
Gazzetta Musicale di Milano, non già intesa come organo
della ditta ma come rivista musicale che, pur adempiendo la
funzione di sostegno alla linea editoriale, svolgeva compiti in-
formativi su vasta scala guadagnandosi un merito soprattutto
nell’intenzione di sottrarre la musica alla condizione di discri-
minazione e di subordinazione di cui aveva sempre sofferto
nella società e nella cultura italiane. D’altra parte tale risultato
non poteva mancare in un editore che Liszt aveva definito
“il ministro residente della repubblica musicale, il salus infir-
morum, il refugium peccatorum, la provvidenza dei musici-
sti erranti come me”. Francesco Degrada ha evidenziato tale
aspetto politico-diplomatico, attribuendo all’azione di Giulio
Ricordi (1840-1912) “la capacità, non meno che straordina-
ria, di mediare ciò che a prima vista appariva contraddittorio
e incompatibile, l’eredità risorgimentale e i fermenti della cul-
tura della nuova Italia, il nazionalismo e l’internazionalismo,
la tradizione e il rinnovamento, il melodramma e il dramma
musicale e, last but not least, gli interessi dell’arte e quelli del
profitto”. A Giulio, in particolare, va il merito non solo di
aver fiutato, con Verdi e Puccini, da che parte avrebbe tirato il
vento, ma di aver fondato con quei grandi autori un sodalizio
che al di là dell’amicizia lo vedeva coinvolto come consiglie-
re dall’intuito sottile e lungimirante. Sua rimane l’iniziativa
della riappacificazione tra Verdi e Boito e la gestione di un
rapporto fra i più complessi che fruttò la seconda versione di
Simon Boccanegra, l’Otello e il Falstaff, mentre con Puccini
il rapporto maturerà fino al punto di “interferire” nel lavoro
di composizione vera e propria, (come dimostra soprattutto
la lettera del 10 ottobre 1899 a proposito della prima versio-
ne di Tosca) e addirittura nella vita privata sentimentalmente
movimentata del musicista, più di una volta richiamato dal
paterno editore ai doveri di una grandezza artistica a cui le
distrazioni sarebbero state fatali. Certo Casa Ricordi mancò
alcuni bersagli, primo fra tutti la scuola verista. Pure il perio-
do postpucciniano fino al quinto decennio del ‘900 segna un
momento di stasi in cui è mancata la capacità di individuare le
forze realmente emergenti: nel catalogo di quegli anni Dalla-
piccola vi è estraneo, mentre figure quali Casella, Malipiero,
Petrassi vi compaiono solo marginalmente. Successivamente,
recuperando le personalità italiane d’avanguardia impostesi
internazionalmente (Luigi Nono, Bruno Maderna, Sylvano
Bussotti, ecc.), Casa Ricordi è ridiventata punto di riferimen-
to per le generazioni a venire, non solo avviando una colossa-
le opera di sistemazione del suo patrimonio storico (l’edizio-
Il monumento ne critica delle opere di Rossini e di Verdi in particolare), ma
a Giulio Ricordi, aprendo le porte agli esponenti dei nuovissimi e più giovani
opera di Luigi
compositori (Ferrero, Vacchi, Guarnieri, Maggi, ecc.) con la
Secchi (1922), in
Largo Ghiringhelli, riscoperta del ruolo propulsore legato fin dall’origine alla sua
a Milano lunga vicenda. p
41
 Il cd allegato
Messa al BUIO
Esecutori posizionati nelle
cantorie, con il pubblico che
ascolta ma non vede. Così
è nata l’ultima registrazione
di Marco Gemmani dedicata
a Claudio Merulo, organista
della Serenissima
42
Ph Prandini
DI ALEX PESSOTTO
M
arco Gemmani, classe 1958, è ormai
un’istituzione nella Basilica di San Mar-
co, uno dei luoghi musicali più preziosi
al mondo, custode di un’antichissima
tradizionale vocale e strumentale.
Dal 2000 ne regge le sorti in qualità di Maestro di
Cappella. Del suo lavoro ascoltiamo uno degli ulti-
mi esiti, il Concerto di Natale 2022 con musiche di
Merulo.
Maestro, perché proprio Merulo?
“Perché è un compositore tanto importante, specie per
la musica vocale, quanto poco conosciuto. Teniamo
molto a una sua valorizzazione anche alla luce del fatto
che Merulo è stato a lungo organista a San Marco, oltre
che editore, pure dei propri lavori. Sì, la sua era una
personalità decisamente intraprendente. L’auspicio, al-
lora, è che l’autore possa avere in futuro un’attenzione
maggiore. Da parte nostra, abbiamo deciso di dedicar-
gli un evento che poi è diventato un cd. Si tratta del
Concerto di Natale 2022 della Fenice. Più nel detta-
glio, il Concerto si è svolto in due serate vicine e, per
la registrazione, abbiamo preso il meglio di entrambe.
Per le esecuzioni, ci siamo posizionati nelle cantorie,
cosa non molto frequente, e il pubblico, purtroppo, si è
dovuto sacrificare: sentiva tutto, ma non vedeva niente.
Ciò, tuttavia, ha permesso una resa acustica notevole e
originale, che ci rende pienamente soddisfatti”.
Non ha pensato che autori di maggior richiamo
avrebbero portato alla Cappella Marciana vantaggi
superiori in termini di popolarità?
“Di questa operazione non ci siamo pentiti per nul-
la, anche per l’originalità dell’acustica: la Basilica era
disseminata di microfoni e il risultato finale è il frutto
di un mix equilibrato. La resa è ottima e non ha avu-
to bisogno di correzioni in studio di registrazione. Per
quanto riguarda la qualità del suono, devono essere
gli ascoltatori a giudicarla, ma di sicuro è molto fedele
a quella che si è sentita a San Marco per un migliaio
d’anni. Per il resto, Merulo ha costituito una sorpresa
anche per noi ed avendo l’autore composto un’intera
Messa a 12 voci che mancava dal repertorio veneziano
e costituisce un unicum nel suo panorama vocale non
abbiamo esitato ad affrontare l’impresa. In definitiva,
quel che Merulo ha scritto è davvero bello, interes-
sante e paragonabile all’opera di grandi maestri come
Giovanni Gabrieli che, tuttavia, ancor oggi non sono
particolarmente noti”.
Merulo, comunque, rientrava già nel vostro reper-
torio.
“Sì, e proprio la qualità di questi suoi lavori ci ha con-
vinto a fare il salto con un programma interamente de-
dicato a lui. Ad ogni modo, non tutti i brani contenuti
nel cd rientravano nel nostro repertorio, ma solo alcuni
mottetti e parte della Messa a 12 voci, per esempio l’A-
gnus Dei, che eseguivamo spesso. L’intera Messa, inve-
ce, non l’avevamo mai proposta: è una novità assoluta,
come lo sono molti altri mottetti che fanno parte della
registrazione”.
Quali motivi hanno spinto la Cappella Marciana a
optare per una registrazione dal vivo?
“Il Concerto di Natale della Fenice si tiene di rego-
la a San Marco. Quindi, abbiamo potuto utilizzare la
Basilica dove, nemmeno per noi, è facile registrare, se
non le notti, visto che, per l’altra parte delle giornate, è
Guida all’ascolto
Una guida alla Messa di Na-
tale di Merulo/Gabrieli di-
retta in prima registrazione
mondiale da Marco Gemma-
ni nella Basilica di San Marco
a Venezia si trova nel booklet
del cd allegato.
ovviamente occupata dalle funzioni
religiose”.
Al di là di quello dedicato a Clau-
dio Merulo, da poco è uscito un
vostro cd su musiche di Baldassar-
re Galuppi.
“Sì, è il Concerto di Natale 2021,
sempre della Fenice. Ed è un’altra
operazione che ci interessava mol-
to. Galuppi è conosciuto soprattut-
to come operista, ma la sua attivi-
tà per San Marco, dove è stato per
tanto tempo maestro di cappella,
non è particolarmente nota. In que-
sto caso abbiamo voluto valorizza-
re un elemento assai caratteristico
di San Marco: i Salmi a otto voci e
doppio coro inseriti nel cerimonia-
le della Basilica fin dal 1560. Tutti i
compositori, infatti, hanno dovuto
misurarsi con questi Salmi che sono
appunto espressamente prescritti
dal cerimoniale. Certo, non si tratta
di composizioni tipiche per gli au-
tori del Settecento, ma Galuppi, per
il ruolo che ricopriva, non poteva
non misurarsi con questo genere. Il
risultato, però, è stato decisamente
interessante, al punto che abbiamo
deciso di realizzarne un cd formato
da un intero Vespro. E questo Ve-
spro riunisce i Salmi inframmezzati
non da mottetti, ma dai Concerti a
quattro che l’autore ha scritto sem-
pre per San Marco”.
Anche quest’anno, a Natale, sare-
te i protagonisti di un altro Con-
certo della Fenice.
“Sì, il 19 dicembre, e faremo un Ve-
Un momento
spro di Monteverdi, ma non quello
dell’esecuzione
della Messa
celebre del 1610. Nello specifico,
di Natale in San eseguiremo quello scritto a San
Marco a Venezia Marco, quindi tratto dalla Selva
43
 Il cd allegato
Morale e Spirituale, con una serie
di mottetti che il compositore cre-
monese ha scritto probabilmente
quando si trovava a Venezia. Sarà
un Vespro quasi a parti reali, per
una precisa scelta filologica, dato
che Monteverdi aveva rivisitato il
doppio coro alla veneziana. Di con-
seguenza, molti Salmi risultano nel
vecchio stile, ma altri sono nel suo
stile nuovo: quello con otto solisti
e i ripieni. Anche in questo caso, il
Concerto sarà registrato e, per la
prima volta nel panorama discogra-
fico, utilizzeremo quanto previsto
dall’autore per la Selva Morale e
Spirituale: l’inserimento dei trom-
boni rinascimentali, prescritte, ma
non pubblicate: nella Selva, infatti,
le parti per il trombone non ci sono.
Le abbiamo dovute ricostruire.
Il risultato consisterà in un Vespro
poco ascoltato, anche se sappiamo
bene che sono uscite altre edizioni
di Vespri di Natale monteverdiani
tratti appunto dalla Selva”.
Come valuta la risposta del pub-
blico nei confronti di compositori
che non sono tra i più popolari?
“Chi viene a San Marco e ascolta le
nostre esecuzioni rimane colpito, a
prescindere dal compositore inter-
pretato. Certamente, se parliamo di
una Messa a 12 voci collocate nelle
cantorie, con un suono che spazia
per la Basilica per un totale di una
trentina di coristi, l’impatto è stato
44
Ph Gigi Cozzarin
La Cappella notevole. Il pubblico era emozionato e contento”.
Marciana e Marco Lei è nato a Rimini. Cosa ci fa un riminese a Venezia?
Gemmani “Sono giunto a Venezia per puro caso. Insegnavo al
Conservatorio. Ero già maestro di cappella a Rimini.
Ma quando ho conosciuto la Basilica ho chiesto il tra-
sferimento. C’era bisogno di qualcuno che si occupasse
di liturgia. Sono stato testato per una decina di anni e
poi ho ottenuto il posto. Quindi, sono a Venezia dal
1990 e maestro di cappella a San Marco dal 2000. Mi
sono naturalizzato, anche se non ho ancora preso l’ac-
cento veneziano”.
Qual è l’unicum della Cappella Marciana nel pano-
rama internazionale?
“Ce ne sono tanti. Come primo elemento, si tratta
dell’istituzione musicale più antica al mondo. Inoltre,
l’attività della Cappella Marciana non si è mai inter-
rotta: l’unica sospensione è stata quella del 2020, per
la pandemia. Altri blocchi, però, non ci sono mai stati,
nemmeno quand’era arrivato Napoleone o in occasio-
ne della peste. Ecco, la sua è una tradizione viva e io
non l’ho assolutamente voluta rimuovere, anche se i
tempi cambiano: la passione dei cantanti rimane e l’am-
biente è magico, attrae moltissimo. Io stesso ne riman-
go ancora sconvolto. Di recente, per esempio, abbiamo
eseguito la Messa di Palestrina con il leggio nuovo che
la Cappella Marciana aveva nel 1500. Eravamo in otto,
ma il suono si diffondeva in tutta la basilica. I sacerdoti
sono rimasti molto contenti. Insomma, la Cappella è
unica, com’è unico il suo rapporto con la Basilica e con
il suo suono unico al mondo. Al punto che i cori an-
glosassoni ci vengono a cercare per poter cantare a San
Marco. Inoltre, ci sono stati maestri importanti che a
San Marco hanno lavorato nei suoi tanti secoli di vita e
questo è un altro unicum. Sì, le influenze delle musiche
eseguite nella Basilica sull’intera musica occidentale
sono davvero tante”.
p
 Album
The Young MAAZEL
Dalla “scoperta” di
Toscanini all’ingaggio
precoce a Bayreuth.
Dg ha raccolto la
discografia ufficiale
del direttore che
debuttò da bambino
DI PAOLO LOCATELLI
P
oche volte la categoria di
enfant prodige si adatta al
mestiere di direttore d’or-
chestra. Lorin Maazel, però,
fa eccezione. Fu Toscanini tra i primi
a individuarne il talento (“God bless
you”, gli disse nel 1942, dopo averlo
sentito dirigere la New York Philhar-
monic). Una benedizione andata a
buon fine: entro i quindici anni Maa-
zel aveva già diretto alcune delle più
importanti orchestre americane, senza
rinunciare a un percorso di studi che
abbracciò lingue, matematica, filoso-
fia, oltreché violino e composizione.
Delle sue oltre 300 incisioni disco-
grafiche, una parte significativa si è
sviluppata in casa Deutsche Grammo-
phon, nel periodo a cavallo tra i dischi
monofonici berlinesi della seconda
46
Per ascoltare I Pini di Roma di Respighi, Notte sul
monte Calvo di Musorgskij e Capriccio Spagnolo di
Rimskij-Korsakov diretti dal giovane Lorin Maazel
con i Berliner Philharmoniker, registrati su www.
classicvoice.com e in coupon digitale inserisci il co-
dice personale: AAV-294-001-7440
metà degli anni Cinquanta, ormai divenuti leggendari, e
i primi anni Ottanta. Nel tempo si è così venuto a creare
un lascito che l’etichetta gialla ha iniziato a raccogliere in
cofanetti dapprima parziali e ora, a quasi dieci anni dalla
scomparsa del maestro, in un’edizione completa, che radu-
na in 39 cd tutto il suo catalogo. In realtà si tratta solo delle
registrazioni in studio e ufficiali cui avrebbero fatto seguito
alcuni live sporadici, per lo più newyorkesi, che purtroppo
restano esclusi dal progetto. Per quanto esteso ed eteroge-
neo, si parla comunque di un ritratto parziale se inquadra-
to nel contesto di una carriera iniziata prima della Seconda
Guerra, quando Maazel era ancora un bambino, e durata
oltre settant’anni, che ha percorso centinaia di diramazioni
diverse anche in disco, dai lavori realizzati per Cbs-Sony
alle tante collaborazioni con le grandi orchestre americane,
curiosamente assenti nella raccolta in analisi al pari delle
produzioni operistiche, commissionate quasi interamente
da altre etichette. Fanno eccezione la Luisa Miller del 1979
con Ricciarelli, Domingo e i complessi del Covent Garden
e le due meravigliose interpretazioni delle opere di Ravel,
L’Enfant et les sortilèges e L’Heure espagnole rispettiva-
mente del 1960 (anno in cui diventò il primo americano
nonché il più giovane maestro a dirigere a Bayreuth) e
1965. Per il resto nel cofanetto vengono radunate esclusi-
vamente registrazioni sinfoniche che non hanno una vera e
propria organicità programmatica - nel senso che mancano
cicli completi o approfondimenti antologici estesi, ecce-
zion fatta per Rachmaninov che è assai ben rappresenta-
to - ma accomunate dalla presenza di orchestre sontuose
e dalla canonicità del repertorio, in cui figurano diverse
sinfonie di Beethoven, Mendelssohn e Schubert, qualcosa
di Ciaikovskij e di Stravinskij, un po’ di Prokofiev, Brit-
ten, Dvorak, Berlioz, Brahms, Richard Strauss, Respighi,
Bartók, qualche sinfonia di Mozart, la Lyrische Symphonie
Lorin Maazel, di Zemlinsky e così via, fino a una serie di concerti viennesi
a nove anni, di Capodanno (11 conduzioni, record di tutti i tempi) dei
mentre dirige alla primi anni Ottanta e a Rimskij Korsakov, la cui Schehera-
National High
School Orchestra di zade datata 1986 delimita il limite estremo del sodalizio tra
Interlochen (1939) Maazel per l’etichetta gialla. p
 OPERA BALLETTO CONCERTI

27, 29, 30 NOVEMBRE, 2, 3, 5 DICEMBRE 1, 4, 5, 7, 8, 9, 11, 12 GIUGNO 21, 22, 23, 24, 27, 28, 29, 30, 31 DICEMBRE 29 GENNAIO
ARRIGO BOITO GIUSEPPE VERDI PËTR IL’IČ ČAJKOVSKIJ
Riccardo Muti
Mefistofele Otello Lo schiaccianoci CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA
DIRETTORE MICHELE MARIOTTI DIRETTORE DANIEL OREN DIRETTORE NIR KABARETTI ANATOLIJ LJADOV
REGIA SIMON STONE REGIA ALLEX AGUILERA COREOGRAFIA PAUL CHALMER IL LAGO INCANTATO
IGOR STRAVINSKIJ
9, 12, 14 DICEMBRE 11, 13, 15, 17, 19 OTTOBRE 31 GENNAIO, 1, 2 FEBBRAIO L’OISEAU DE FEU
GIACOMO PUCCINI BENJAMIN BRITTEN TEATRO NAZIONALE RICHARD STRAUSS
SERATA GIOVANI COREOGRAFI AUS ITALIEN (DALL’ITALIA)
Tosca Peter Grimes Yellow 10 FEBBRAIO
DIRETTORE MICHELE MARIOTTI DIRETTORE MICHELE MARIOTTI
REGIA ALESSANDRO TALEVI REGIA DEBORAH WARNER COREOGRAFIA ADRIANO BOLOGNINO
Omer Meir Wellber
13, 14, 16, 17, 18, 19, 20, 21 GENNAIO 16, 18, 20, 22, 23 OTTOBRE I died for love GUSTAV MAHLER/ALFRED SCHNITTKE
PROXIMITY OR CLOSENESS
WOLFGANG AMADEUS MOZART TEATRO NAZIONALE COREOGRAFIA SIMONE REPELE
SILVIA COLASANTI E SASHA RIVA WOLFGANG AMADEUS MOZART
Die Zauberflöte L’ultimo viaggio 9, 10, 11 FEBBRAIO
REQUIEM
DIRETTORE MICHELE SPOTTI AUDITORIUM PARCO DELLA MUSICA 20 FEBBRAIO
REGIA DAMIANO MICHIELETTO
di Sindbad ENNIO MORRICONE
Michele Mariotti
7, 11, 13, 14, 16 FEBBRAIO DIRETTORE ENRICO PAGANO
REGIA LUCA MICHELETTI
Serata Benjamin GIOVANNI BATTISTA PERGOLESI
DITTICO
GIACOMO PUCCINI Millepied STABAT MATER
IGOR STRAVINSKIJ

Gianni Schicchi 23, 24, 26, 27, 28, 29 MARZO

PULCINELLA

MAURICE RAVEL TRITTICO CONTEMPORANEO 15 MARZO

L’heure espagnole Playlist (TRACK 1, 2) Roberto Abbado

COREOGRAFIA WILLIAM FORSYTHE LUDWIG VAN BEETHOVEN
DIRETTORE MICHELE MARIOTTI EGMONT, OUVERTURE
REGIA E SCENE ERSAN MONDTAG
Windgames FABIO VACCHI
BANDIERE NERE
7, 10, 12, 14, 16 MARZO COREOGRAFIA PATRICK DE BANA
RICHARD STRAUSS Women DMÍT RIJ Š
O STAKÓ
SINFONIA N. 1
V IČ

Salome COREOGRAFIA JULIANO NUNES

14 MAGGIO
DIRETTORE MARC ALBRECHT
REGIA BARRIE KOSKY
19, 20, 21, 22, 23, 25, 26, 27 GIUGNO
PËTR IL’IČ ČAJKOVSKIJ
Michele Mariotti
SERGEJ PROKOF’EV
9, 11, 12, 13, 14, 16, 17 APRILE
VINCENZO BELLINI
Il lago dei cigni ALEKSANDR NEVSKIJ
DIRETTORE KOEN KESSELS PËTR IL’IČ ČAJKOVSKIJ
La sonnambula COREOGRAFIA BENJAMIN PECH SINFONIA N. 4

DIRETTORE FRANCESCO LANZILLOTTA 14, 15, 17, 18, 19, 20, 21, 22 SETTEMBRE
REGIA JEAN-PHILIPPE CLARAC
& OLIVIER DELOEUIL “LE LAB” PËTR IL’IČ ČAJKOVSKIJ

2, 4, 5, 7, 9 MAGGIO La bella ORCHESTRA, CORO

LEOŠ JANÁČEK addormentata E CORPO DI BALLO
Jenůfa DIRETTORE KEVIN RHODES
COREOGRAFIA JEAN-GUILLAUME BART
DEL TEATRO
DELL’OPERA DI ROMA
DIRETTORE JURAJ VALČUHA
REGIA CLAUS GUTH 26, 27, 29, 30, 31 OTTOBRE, 2 NOVEMBRE
HECTOR BERLIOZ
Il rosso e il nero
DIRETTORE MARTIN GEORGIEV
COREOGRAFIA UWE SCHOLZ

Stagione 2023|24
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 Storie

POESIA
su pentagramma
Con il suo alfabeto sonoro Francesco Cangiullo, uno dei favoriti di Marinetti,
fu il primo a utilizzare la musica per una reinvenzione espressiva della
scrittura poetica futurista
DI GUIDO GIANNUZZI

S
ul quinto fascicolo del 1923,
la rivista “Il pensiero musi-
cale” recensiva positivamente
un volumetto appena uscito:
“Brillantissimo saggio di espressione
poetica, mediante l’impiego del pen-
tagramma e di altri segni proprii alla
scrittura musicale, in unione e in col-
laborazione con le lettere alfabetiche”.
La limpida descrizione si riferiva a
un’importante libro d’artista di stampo
futurista, “Poesia pentagrammata” di
Francesco Cangiullo. Nei suoi scritti
poetici l’autore rivendicava l’idea per
cui “le millenarie Arti prese ad una la
volta, a solo, ormai non sono che glo-
riosi limoni spremuti, se non ancora
strizzati - ahimè, come l’amore! Onde
l’Originalità e la Verginità artistica,
oggi non possono nascere che soltanto
dall’Opera costruita con Poesia Musi-
ca Pittura e Scultura”. Insomma, una
forma di Gesamtkunstwerk wagneria-
na ma filtrato dalla versione dannun-
ziana teorizzata ne Il fuoco, che aveva
profondamente influenzato Marinetti.
Però Cangiullo, al contrario di diversi
colleghi futuristi che promettevano (e
spesso non mantenevano) sfracelli, con
la sua “Poesia pentagrammata” compì
davvero un’operazione originale. Gillo
Dorfles scrisse che Cangiullo “fu il pri-
mo a rivolgersi all’innesto di conven-
zioni della scrittura musicale per una
Da sinistra, Depero, Marinetti e Cangiullo nei loro panciotti futuristi (Torino, 1924). reinvenzione espressiva della scrittura
Nella foto piccola il frontespizio di “Poesia pentagrammata” poetica”. Nell’arte poetica di Cangiullo
48

si creavano connubi tra parole e sim-
boli, sia grafici sia musicali: nel Golfo
Estivo, un certo numero di lettere V
maiuscole di Vele, veleggiano appunto,
capovolte, sul mare del pentagramma,
come in Novembre, le lettere che co-
stituiscono la parola foglie - più volte
ripetuta - si separano le une dalle altre,
depositandosi verso la fine della pagina,
a rappresentare visivamente la caduta
autunnale delle stesse. Ma chi era Can-
giullo, e come era diventato futurista?
Il 20 aprile 1910 al Teatro Mercadante
di Napoli, Filippo Tommaso Marinet-
ti, Umberto Boccioni, Carlo Carrà,
Aldo Palazzeschi, Luigi Russolo e altri
futuristi “della prima ora”, organizza-
rono la quarta Serata Futurista. Mentre
usciva dall’Hôtel de Londres, Marinet-
ti fu quasi investito da un giovane che
lo definì “uomo venuto al mondo per
altruismo artistico”: era appunto il na-
poletano Francesco Cangiullo, già noto
in città come autore di canzoni per i
Caffè Concerto, illuminato dalla chiara
consapevolezza di aver fatto l’incontro
che gli avrebbe cambiato la vita. Mari-
netti apprezzò tutto quell’entusiasmo e
si vide arrivare dal giovane napoletano
missive di questo tenore: “Sono inquie-
to. Datemi, mandatemi libri futuristi,
ve ne supplico!”. Per due anni Mari-
netti tenne d’occhio l’adepto, finché nel
1912 lo accolse ufficialmente nel movi-
mento, trovando in lui uno dei più atti-
vi sperimentatori nei campi della poesia
e del teatro. Fu il 18 aprile 1913, al Pa-
diglione Colonna di Roma, che si ebbe
La mostra la legittimazione di Cangiullo come poeta futurista: Mari-
netti declamò le sue liriche Notturno inzaccherato e Il Sifone
“Boccioni pri- d’Oro, in una sala gremita dove con futuristica autoironia “il
ma del Futuri- solo che non fischiasse quelle poesie ero io”, ovvero Can-
smo” è l’ultima giullo. Se il pubblico romano non gradì, fu invece Eleonora
mostra della Duse a complimentarsi per l’originalità dei componimenti.
Fondazione Nel 1915, alla Ca’ Rossa di Marinetti a Milano, i futuristi or-
Magnani Rocca ganizzarono una serata alla quale furono invitati Sergej Dja-
a Mamiano gilev, il mitico impresario dei Ballets Russes, il ballerino co-
di Traverse- reografo Léonide Massine e Igor Stravinskij. La serata sortì
tolo (Parma). la proposta di Djagilev a Cangiullo di realizzare un balletto
Nella dimora sulla Festa di Piedigrotta (con scene di Giacomo Balla) e il
di campagna testo del balletto Il giardino zoologico, definito “grottesco
del musicologo coreografico”, con musiche di Ravel e scene di Fortunato
Luigi Magnani Depero. Entrambi i progetti non videro la luce ma contri-
fino al 10 di- buirono ad alimentare la notorietà di Cangiullo nell’ambi-
cembre si potrà to delle avanguardie europee. Da quel momento entrò in
indagare il per- contatto con Jean Cocteau, Sergej Prokof’ev, Guillaume
corso artistico Apollinaire e con il gruppo del Cabaret Voltaire di Zurigo
di Boccioni (Tristan Tzara e Hugo Ball). Cangiullo giunse all’apice della
nei suoi primi sua influenza firmando con Marinetti il manifesto “Il Teatro
anni e duran- della Sorpresa”. Era l’11 ottobre 1921. Il sottotitolo recitava:
te il periodo “Teatro sintetico, Fisicofollia Parole in libertà sceneggiate
formativo: dal Declamazione dinamica e sinottica Teatro-giornale Teatro-
suo debutto a galleria di quadri Discussioni improvvisate di strumenti mu-
Roma nel 1899, sicali, ecc.”. Il Teatro della Sorpresa si prefiggeva di “provo-
fino alle crea- care nel pubblico parole e atti assolutamente impreveduti,
zioni pittoriche perché ogni sorpresa partorisca nuove sorprese in platea, nei
che precedet- palchi e in città la sera stessa, il giorno dopo, all’infinito”.
tero la stesura Assieme al capocomico Rodolfo De Angelis, Cangiullo die-
del Manifesto de poi vita alla Compagnia del Teatro della Sorpresa, che da
dei pittori Napoli partì per una tournée di cinque mesi, risalendo la pe-
futuristi nel nisola fino a Trieste e influenzando la drammaturgia italiana
1910. Si tratta a venire, a partire dal Pirandello di Ciascuno a suo modo, del
di un decennio 1924. Poi, Cangiullo decise di fare lui una sorpresa ai suoi so-
cruciale, che ha dali, questa volta, uscendo dal Futurismo con una clamorosa
visto Boccioni lettera pubblicata sul “Mattino” di Napoli, nel settembre
sperimentare 1924: di quell’avanguardia non condivideva più la tenden-
diversi stili, za ideologica che stava prendendo il sopravvento sull’anima
alla ricerca di poetica del movimento, avvicinandolo al fascismo. Nella sua
un linguaggio presa di posizione vi fu una critica nei confronti dello stesso
personale. Marinetti che, a suo vedere, tendeva sempre più a cooptare
Da ammirare nel movimento nuovi seguaci, spinto dall’idea di accrescer-
la “Donna di ne il numero per attestare la propria influenza sulla cultura
spalle davanti italiana. Cangiullo allora si appartò, dedicandosi all’attività
a una finestra” di pittore e di giornalista, non prendendo mai la tessera fa-
(1904) ispirata scista. Nel 1956, ormai dimenticato, organizzò nella galleria
alla locandina napoletana Blu di Prussia una mostra molto originale, in-
di Madama titolata “Addio mia bella Napoli”. Qui Cangiullo espose
Butterfly di piccoli dipinti, libri, documenti, oggetti cari, quarant’anni
Leopoldo Met- di attività artistica, mescolando tutto alla rinfusa. I visita-
licovtiz, creata tori potevano trovare la vita di Cangiullo smembrata in
nello stesso centinaia di oggetti, come fosse una “merce”: un ultimo
anno. gesto dadaista che dimostrò la sua capacità di anticipare i
tempi. Ancora una volta. p
49
 Audiovisioni

REQUIEM
sul piroscafo
Con “E la nave va”
Federico Fellini, da
poco orfano di Nino
Rota, intona un
commiato al mondo
dell’opera e ai suoi tic.
Un ironico passaggio
diconsegnetrailmondo
del melodramma
e quello del cinema

DI FRANCESCO LEPRINO sto, è quello di un grande assente, Nino Rota, scomparso

un paio d’anni prima. Rimasto orfano del suo insosti-

E
tuibile musicista, Fellini parafrasa Verdi e la sua musica
la nave va, film nato dalla Quattro scatti
nell’assunto drammaturgico e testuale, realizzando una
penna di Tonino Guerra e da “E la nave sorta di film-opera con i personaggi che cantano. Siamo
dello stesso Fellini, inscena va” di Federico nel 1914, alla vigilia dello scoppio della guerra, la nave
Fellini (1982) con
un grande corteo funebre Freddie Jones,
di Fellini imbarca un’umanità varia, che vorrebbe essere
in navigazione verso un’isoletta gre- Barbara Jefford, metafora di un mondo superato dagli eventi (cantanti,
ca per la morte del “celebre” sopra- Victor Poletti, direttori d’orchestra, sovrintendenti di famosi enti lirici,
no Edmea, anagramma di Medea, nel Peter Cellier, Elisa amanti della defunta cantante, un medium, un rinoceron-
Mainardi e la
film pasoliniano interpretata da Ma- partecipazione te…), e mette in evidenza le rivalità, le miserie, le invidie,
ria Callas. Ma il funerale, in sottote- di Pina Bausch i tic del mondo della lirica, come già nell’altra preceden-
50
te metafora sulla musica di Prove
d’orchestra (1979), in quel caso più
politica. Ma la “Gloria N.” (il nome
della nave) è anche la nave/metafora
del cinema e delle sue finzioni: “Ah,
che meraviglia! Pare finto!” dice un
personaggio femminile osservando
il mare visibilmente di plastica. E la
nave va focalizza il peculiare rappor-
to di Fellini con la musica, che si evin-
ce da alcune sue dichiarazioni, anche
a proposito di Rota: “Rota è forse fra
i musicisti cinematografici il più umi-
le di tutti, perché veramente fa una
musica, secondo me, estremamente
funzionale. Non ha la presunzione e
l’orgoglio del musicista che vuol far
sentire la sua musica. Si rende conto
che la musica di un film è un elemen-
to marginale” (1958), “Confesso i
miei limiti, io non ho mai saputo qua-
si niente su tutto quello che riguarda
le opere e i balletti... Sto seduto in
platea, e ho subito voglia di andare a
curiosare nei corridoi... mi vergogno
a dirlo, ma faccio fatica a restare fino
alla fine” (1983); “Nel mio film ho
utilizzato spudoratamente, arrivan-
do fino a rimaneggiarle, certe arie di
Verdi che avevo sempre ascoltato con
un orecchio distratto” (1983). Rota
stesso dirà di Fellini: “Viene alle pri-
me delle mie opere e si mette anche
in viaggio per questo... non è mai an-
dato ad un’opera, né a un concerto
e non gli piace sentire la musica. Ha
una sensibilità musicale relativa al suo
mondo”. Le arie verdiane che infarci-
scono E la nave va sono rimaneggia-
te nell’orchestrazione e nei testi, che
sono di Andrea Zanzotto. Utilizzan-
do la musica di Verdi, Fellini non si
serve tanto di quella tale aria o di quel
tale coro, ma gioca su ciò che quella
musica rappresenta, sia come segna-
le che come simbolo, pur fortemente
decontestualizzandola. Un film mu-
sicale, quindi, dove però la musica è
usata a fini drammaturgici, per insce-
nare il mondo felliniano, come sorta
di quinta scenografico/sonora.
Quasi tutte le musiche sono diege-
tiche, eseguite in scena, compresa la
prova della Petite Messe Solennelle
rossiniana. L’omaggio alla Callas è
evidente nell’aria “O patria mia” da Aida (un grammofo-
Locandina no in scena con la voce della Zampieri), unico momento
verdiano rimasto fedele al testo originale, mentre le ceneri
vengono sparse davanti all’isoletta dell’Egeo (come era
nella realtà desiderio della Callas). I volti dei protagoni-
sti ci ricordano noti musicisti: per tutti il tenore Fuciletto
che ricorda Pavarotti, così Lepori/Di Stefano, il maestro
Albertini/Furtwängler. Con significativi camei (la Prin-
cipessa cieca è Pina Bausch). E le voci dei personaggi
che cantano annoverano interpreti come Boris Carme-
li (il basso profondo Ziloev), Mara Zampieri, Elizabeth
Norberg-Schulz, Nucci Condò. Il resto delle musiche, di
Film: commento, è affidato alla penna di Gianfranco Plenizio
E la nave va (che ha elaborato anche le musiche verdiane), ma anche a
(1982) celebri citazioni di Saint-Saëns, Debussy (Clair de Lune,
di Federico che ricorre e s’incrocia nel finale col tema de La forza del
Fellini, destino suonato al pianoforte), Schubert (eseguito con i
musiche di bicchieri), Ciaikovskij, Strauss. Un pot-pourri di musi-
G. Verdi/G. che apparentemente scollato ed eterogeneo, ma funzio-
Plenizio/ nale a quanto prima descritto. La dimensione musicale
autori vari. acquista spessore nel finale, montato in forma di rondò:
i personaggi, accomunati dallo stesso destino, si uniscono
in coro sul ponte della nave, con una struttura da finale
d’opera col “tutti” in scena; i temi verdiani si inseguo-
no e si incrociano, con una rapsodia visiva in cui il sus-
seguirsi degli avvenimenti si sfalda, accompagnato da un
pastiche di arie e cori non solo verdiani ma anche di Bel-
lini, Rossini, Johann Strauss, con i testi che ammiccano
ai procedimenti poetici dei librettisti del melodramma
ottocentesco. Una coralità che troviamo anche all’inizio
Per guardare del film, durante le sequenze dell’imbarco, per cui è lecito
il trailer e considerare questo rapporto fra melodramma e cinema
la scena come una specie di scambio di consegne nel rilevare le
commentata funzioni simboliche, immaginarie e sociali: l’800 fu l’epo-
nell’articolo ca del melodramma come il Novecento è stata (?) l’epo-
inquadrare ca del cinema. Il rifacimento dei testi di Zanzotto gioca
il Qr code sull’ironia straniante, come ad esempio nell’aria di Alvaro
con la foto- da La forza del destino: Le minaccie, i fieri accenti / Por-
camera dello tin seco in preda i venti / Perdonatemi, pietà / O fratel,
smartphone pietà, pietà! che diventa: Nello sciabordio dell’onde / Nel
sussurro delle fronde / Nel sospiro dell’aurora / L’amor tuo
risuona ancor(a). Il tema de La forza del destino ritorna,
con un acuto accoppiamento nella sequenza del lancio
della bomba da parte dell’anarchico serbo, felice presa in
giro del caso che fa la storia: l’assassinio di Sarajevo, il col-
po di pistola accidentale dell’opera verdiana... la forza del
destino!Frattanto il maestro Albertini dirige il suo coro
sul ponte come un capitano che affonda con la sua nave,
come se ad affondare fosse anche la musica e il mondo che
rappresenta. In definitiva, la forza della poetica felliniana
risiede in una specie di disinteresse quasi congenito per
le categorie estetiche ed i generi formali, dei quali si serve
per suo uso e consumo, nella personalissima visione este-
tica che lo contraddistingue.
p
51
 L’orecchio
di Proteo

Kiki & Bouba

DI CARLO ALESSANDRO LANDINI

I
l cosiddetto effetto kiki/bouba (risalente morbidezza vellutata dell’occlusiva bilabiale
al 1924 e al suo scopritore, lo psicologo sonora /b/. Nel 2001 Ramachandran e Hub-
georgiano Dimitri Uznadze) permette di bard proposero a un certo numero di candidati
associare certain speech sounds and cer- il seguente quesito: data la coppia di immagini
tain visual shapes (“taluni suoni della lingua riprodotta qui sopra, quale di esse sarebbe stata
a talune forme visive”). Nel 1929 Wolfgang ritenuta kiki e quale, viceversa, bouba? Il 95 per
Köhler, uno dei padri della Gestaltpsychologie, cento dei candidati associarono la parola non-
formalizzò il legame tra suoni e immagini sense kiki alla figura frastagliata (figura
affini (il cosiddetto fonosimbolismo) av- “E se noi di sinistra) e bouba alla figura tondeg-
valendosi di un suggestivo esperimento
condotto tra gli abitanti di Tenerife. Se facessimo lo stesso giante (figura di destra). Il tentativo di
associare una forma a un suono, o a un
qualcosa di simile noi avevamo fatto con
le sensazioni termiche, cercando di corre-
proponendo accordo, o a un brano musicale nella sua
interezza, solleva una serie di problemi
lare - forse il lettore lo ricorderà - il calore di associare le di grande interesse. E se noi facessimo lo
e il freddo a determinati tipi di condotta stesso proponendo a una platea di melo-
musicale (senza distinzione fra il com- due figure alla mani di associare le due figure alla schu-
porre e l’ascoltare), altrettanto ci piace-
rebbe poter fare con le forme e con i colo-
schubertiana bertiana Sonata D 960 e al Concerto op.
24 per nove strumenti di Webern? Un
ri. Si tratta di un discorso vecchio almeno Sonata D 960 e al consiglio: si ascoltino entrambi più volte
cent’anni. C’è chi “visualizza” lo scorrere prima di decidere quale tra essi è kiki e
del tempo e delle stagioni (si chiama “si- Concerto op. 24 quale è bouba. Un dubbio: giudicheran-
nestesia del calendario”), c’è chi assegna
un determinato colore ai numeri e c’è chi
per nove strumenti no più esattamente gli esperti o i semplici
appassionati, i professionisti della critica
lo fa col suono. Lasciando a un’altra vol-
ta il grande tema della sinestesia, ancora
di Webern?” o i loggionisti della domenica? Un cam-
pione distorto fornirà, necessariamen-
poco o non a sufficienza studiato, ci concen- te, una stima falsata della competenza speciale
treremo oggi su un esperimento casalingo alla della popolazione oggetto dell’inferenza (non
portata di tutti (l’ipotesi è che la musica venga è nostra intenzione aprire, qui, il discorso sul
recepita dal cervello come una serie di imma- rapporto fra cultura specialistica e accuratezza
gini alle quali lo stesso cervello fornirà un por- o attendibilità nella formulazione di un’exper-
temanteau semantico, una gruccia provvista di tise). Prevediamo che il 95 dei soggetti interpel-
un significato purchessia). Prendiamo due bra- lati attribuirà a Schubert le marche iconiche di
ni celeberrimi come lo sono la Sagra e Claire de bouba e a Webern quelle di kiki. Quanto al cin-
lune, il terzo della Suite bergamasque, ispirato que per cento rimanente? Il medico di famiglia
all’omonima lirica di Verlaine. A quale risulta- stia all’erta: gli individui normodotati concor-
to approderà il nostro tentativo di associare le dano con il risultato standard l’88% delle vol-
due parole kiki e bouba ai due brani? Il primo te, i soggetti affetti da sindrome di Down solo
tra i due è spigoloso così come lo è l’occlusiva il 72,5% delle volte, quelli con autismo solo il
velare sorda /k/ mentre il secondo possiede la 56% delle volte.
53
 ANNESOPHIE MUTTER
& MUTTER’S VIRTUOSI
B AC H • BO LO G N E • P R E V I N • V I VA L D I • W I L L I A M S

Registrato la scorsa estate al Musikverein di Vienna per celebrare il

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60° compleanno di Anne-Sophie Mutter, l’album presenta la

celebre violinista con il suo formidabile ensemble, i Mutter’s Virtuosi,
creato nel 2011 e composto da studenti della Fondazione voluta da
Anne-Sophie Mutter per formare e aiutare i giovani musicisti.
VIVALDI BOLOGNE
Concerto per 3 Violini RV 551 Concerto for Violino op. 5/2
Concerto per Violino RV315 “L’estate”: III. Presto WILLIAMS
BACH Nice to Be Around (Cinderella Liberty)
Concerto per Violino n. 1 BWV 1041 Tema (Schindler’s List)
Concerto Brandeburghese N. 3 BWV 1048 (Arrangiamenti realizzati per i Mutter’s Virtuosi)
PREVIN
Nonetto per due quartetti d’archi e contrabbasso
(dedicato a Anne-Sophie Mutter · Commissionato per i Mutter’s Virtuosi)
CD 0028948652563 - 2 LP 0028948654321 - DIGITALE

ALTRE N OVITÀ
STEFANO BOLLANI BRUCE LIU JESSYE NORMAN
GERSHWIN: RHAPSODY IN BLUE WAVES COMPLETE STUDIO
RECITALS
Concerto in F, Catfish Row Musiche di Rameau
Rialto Ripples Ravel e Alkan Decca, Deutsche Grammophon &
Gewandhausorchester Philips
Riccardo Chailly
42 CD + 3 DVD
Speciale 100° Anniversario Edizione limitata
2 LP vinile blu
Edizione limitata e numerata
2 LP 4859235 CD 4864400 / 2 LP 4864401 / DIGITALE 42 CD + 3 DVD 4851014

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 CD DVD LETTURE
Haydn Vocale
Sinfonie n. 31, 59, 48
direttore Giovanni Antonini Strumentale
orchestra Il Giardino
Armonico p. 59 Antonini con
 il ‘suo’ Giardino
Armonico

Pianoforte
Antica
Contemporenea
Storiche
Stile Libero

DAL VIVO

NAPOLI
p. 72 La concertazione
di Mariotti traccia
un prima e un dopo
nella storia del
Rossini serio

AMBURGO
p. 79 “Venere
e Adone”, ultima
opera di Salvatore
Sciarrino

55
 Recensioni
VOCALE
Wagner
Il crepuscolo degli Dei
interpreti C. Hilley,
I. Theorin, A. Dohmen,
M. Kupfer-Radecky,
E. Teige, C. Mayer
direttore Cornelius
Meister
regia Valentin Schwarz
2 dvd/BluRay Dg
00440736404

assai bizzarra la decisione
di pubblicare solamente il
Crepuscolo d’un Ring che
- com’è d’altronde regola
da diversi anni - ha fatto
versare fiumi d’inchiostro
critici e fatto la delizia dei
cronisti, che non hanno le-
sinato sui racconti dei tor-
renti di “buh” al termine
d’ogni giornata, fattisi poi
assordante cascata al com-
parire del team registico
alla fine del Crepuscolo.
Ovvio che, indipenden-
temente da ogni giudizio,
trattandosi d’uno spetta-
colo di estrema complessi-
tà concettuale vedere solo
la sua conclusione non ha
senso. Il fatto è che non di
normale dvd trattasi, bensì
quale sono presenti diver-
si spettacoli mai immessi
nei cataloghi (ad esempio
Parsifal firmato Jordan-Se-
rebrennikov, o il Ring che
a Bayreuth ha preceduto
questo, regista Castorf,
diretto da Mark Janowski
sostituto di Kirill Petrenko
sul podio del primo ciclo,
fuggito per incompatibili-
tà ambientale con Thiele-
mann) nonché quasi tutta
la voce “Wagner” del ca-
talogo video della Dg, ivi
compreso il Ring targato
Boulez-Chéreau.
Detta piattaforma, inoltre,
annovera una caterva d’in-
cisioni video e audio, mol-
te delle quali fanno la loro
ricomparsa dopo lunga as-
registrazione su supporto
fisico, sia esso cd, dvd o
vinile (quest’ultimo risor-
to in virtù dell’ennesimo
esempio di snobismo da
dipendenti di prodotti i più
costosi e inutili possibile),
in favore di titoli posizio-
nati sulle nuvole digitali
le più diverse. È un bene,
un male? Non ho una ri-
sposta, sono d’età troppo
avanzata per rinunciare -
come so che molti hanno
fatto - alle pareti di casa
tutte occupate da scaffali di
cd e dvd: mi abbono a tutte
le piattaforme esistenti e le
frequento, ma solo perché,
appunto, stanno diven-
tando gli unici siti da cui
estrarre ascolti e/o visioni.

U na pubblicazione che
imporrebbe conside-
razioni ben più ampie di
quelle consentite da una
recensione. Innanzitutto,
d’un lungo trailer: l’intero
Ring è difatti visibile sol-
tanto in streaming su Sta-
ge+, la nuova piattaforma a
pagamento della Dg, sulla
senza dai cataloghi. Ovvio,
a questo punto, il trend che
sempre più va delinean-
dosi: avvisaglia della pro-
gressiva scomparsa della
Ammetto volentieri che
si tratta quasi sempre di
siti tecnicamente da buo-
ni a molto buoni (Stage+
è tra questi: migliorabile,

“Quest’incisione sta ora nella pattuglia di testa, molto in alto”

Ravel di chiaroscuri e languo-

L’heure espagnole, Bolero
interpreti I. Druet, T. Dolié, J. Behr,
L. Felix, J. Teitgen
direttore François-Xavier Roth
orchestra Les Siècles
cd Harmonia Mundi 905361

ri solcati però da guizzi
vetriolici di carnosità:
qualcosa che Ravel co-
struisce attraverso la sua
ineguagliabile capacità
di scegliere lo strumento
o l’amalgama giusti per
ogni momento, unita a

Q uinto disco consacrato a Ravel da un complesso

di strumenti d’epoca tra i migliori, autori di au-
tentiche scoperte sonore (una registrazione dei Quadri
di Musorgskij-Ravel, appaiati alla Valse, che ho ascoltato
tre volte di seguito perché mi sembrava sempre di sco-
prire cose nuove in musiche arciascoltate): ed ennesima
riuscita maiuscola. Non saprei dire perché le due brevi
opere di Ravel - capolavori assoluti di teatro in musica
- compaiano abbastanza raramente in teatro ma in fon-
do anche in disco: questo, a me è sembrato superiore alla
celeberrima incisione Decca di Ernest Ansermet con la
Suisse Romande, cosa che non avrei creduto sarebbe mai
stato possibile. Penso che tutto si riassuma in una parola:
charme. Un mix di ironia, di sensualità tutta di testa, fatta
vite doppia con una fan-
tasia ritmica non meno che diabolica. Roth è al riguardo
formidabile, guidando un cast francofono composto da
quel genere d’artisti che non sai mai se stanno cantando o
recitando, e comunque non ti interessa, tanto comunicati-
vo e personalissimo è il loro modo d’esprimersi. Quanto
al Bolero, nella sterminata sua discografia quest’incisione
(nella quale compaiono due tamburi baschi in luogo del
consueto tamburo, un sarrusofono - quasi analogo ma non
del tutto al sassofono - e anche quelle castagnette presen-
ti nell’autografo ma poi, che peccato, espunte da Ravel):
quest’incisione, dicevo, per me sta ora nella pattuglia di te-
sta, e per giunta molto in alto.
Elvio Giudici

56

tuttavia: sottotitoli solo
in tedesco, inglese e cinese
purtroppo) ad eccellenti
(inarrivabile la berlinese
Digital Hall, ma il sito della
Scala ci si sta avvicinando):
quindi è probabile che det-
to trend sia inarrestabile,
benché irrisolta resti la que-
stione del tempo durante
il quale i titoli resteranno
disponibili; ma la cosa ri-
entra nell’andazzo odierno,
secondo il quale una cosa
l’hai vista, basta si va avan-
ti, nessun bisogno di rive-
derla. Io tale bisogno l’ho
sempre avuto e più che mai
l’ho oggi, sicché mi adeguo
con fatica: l’età mi esenta da
troppe speculazioni su cosa
accadrà in futuro e come
sarà la quotidianità dell’ap-
passionato di musica.
Nel frattempo: com’è que-
sto Ring? Ovviamente sono
andato su Stage+ a veder-
melo tutto, e ribadisco che
il solo Crepuscolo fa capire
pressoché niente dell’im-
postazione di Valentin
Schwarz, trentaquattrenne
e già meritoriamente lan-
ciatissimo: come spesso mi
accade, sono bastian con-
trario rispetto al generale
pollice verso. Non tutto
è chiaro, come sempre in
questi casi, e parecchi sono
i quiz irrisolti (o che io non
sono stato capace di risol-
vere - e siccome sono mol-
to presuntuoso, ho allora
idea si sia in molti) nonché
gli agganci con regie pre-
cedenti: ma siamo comun-
que davanti a un giovane
di forte personalità, dalle
molte idee e dalla caratura
tecnica capace di realizzar-
le compiutamente.
A grandissime linee, l’idea
di base - per niente nuova
- è una sorta di soap ope-
ra centrata sulla lotta tra i
componenti fortunati d’u-
na ricca famiglia e quelli
che fortunati non sono.
Famigli di Wotan i primi,
di Alberich i secondi: che
all’inizio del Rheingold
vediamo come feti in uno
stesso grembo, con uno
che acceca l’altro il quale a
sua volta gli strappa il cor-
done ombelicale. E l’oro è
un bambino, che via via si
trasforma in Hagen. Altro
personaggio enigmatico di
questo Crepuscolo è Gra-
ne, comparso nella Walchi-
ria come figura umana che
serve Brunilde e adesso la
accompagna, vecchio e in-
canutito, finché alla fine è
morto, la sua testa è stata
tagliata da Gunther e mes-
sa in un sacco di plastica,
dal quale lo estrae Brunilde
tenendola in mano per tut-
ta la sua tirata conclusiva,
molto Salome-style, finché
l’ultima immagine è la ri-
comparsa dei due feti ge-
melli, che stavolta restano
abbracciati, sull’espandersi
del tema cosiddetto della
Redenzione (che poi è l’ad-
dio di Sieglinde, comunque
non per caso il tema più
lancinante di tutto il Ring).
Disquisire pro o contro
su tutta l’impostazione di
Schwarz è qui ovviamente
impossibile: ribadisco solo
che le idee sono molte,
tutte in linea con la ferma
tendenza attuale di toglie-
re con sempre maggiore
decisione e totalità ogni
metafora mitica, raccon-
tando una storia che altro
non può essere se non di
potere e di sopraffazione:
è una tendenza ormai ra-
dicata, l’alternativa può es-
sere solo un impianto alla
Marvel (il Ring bulgaro di
cui ho scritto due numeri
fa, ad esempio), che tut-
tavia oggi come oggi, con
le possibilità offerte da
produzioni cinematografi-
che sempre più incredibili
- quale scena teatrale può
reggere il confronto con
lo schermo dove si proiet-
ta il Signore degli anelli?
- è senz’altro poco consi-
gliabile, il ridicolo essendo
dietro l’angolo e svoltando
troppo spesso.
Discorso in gran parte
correlato, quello musica-
le. Chiaro che un Knap-
pertsbusch o un Solti non
li vedrei bene sul podio di
spettacoli di tal genere: ma
questo Cornelius Meister è
proprio nomen omen, one-
sto Kapellmeister molto
professorale, molto buone
maniere musicali ma ahimè
tanto ma tanto noioso,
quantunque con la scu-
sante d’essere stato un so-
stituto dell’ultima ora del
previsto Pietari Inkinen,
scelta del quale peraltro
bizzarra anzichenò, per un
luogo simile. E circa il cast,
ovvio altresì che ogni aurea
declamazione alla Hans
Hotter o raggiare d’acuti
alla Birgit Nilsson suone-
rebbero oggi sempre me-
ravigliosi di per sé, ma un
po’ incongruo sarebbe il
loro relativo atteggiamento
statuario. Da Chéreau in
poi, il cantante wagneriano
s’è andato facendo sempre
più cantante-attore, tanto
vocalmente quanto sce-
nicamente: cosa di per sé
sempre sommamente gra-
dita, ma resta il fatto che
qualche problema queste
scritture le pongano. In
questo dvd, l’esordiente
Clive Hilley è un Siegfried
difficile da vedere ma as-
sai bello da sentire; Irene
Théorin sempre un’artista,
ma ahimè alla frutta e, nel
finale, proprio al digestivo;
sempre imponente quan-
tunque anche parecchio
duro e ingolato l’Hagen di
Albert Dohmen.
Elvio Giudici
Cd & dvd
Héroïnes
interpreti V. Bunel,
A. Reinhold, G. Worms
direttore Camille
Delaforge
orchestra Ensemble
Il Caravaggio
cd Chateau Versailles
5090

C arrellata di autori noti
dei Seicento (Lul-
ly, Montéclair) e meno
noti (Elisabeth Jacquet de
la Guerre, Louis Antoine
Dornel, Nicolas Racot de
Grandval), d’interesse non
debordante circa la qualità,
ma tutto serve per appro-
fondire la conoscenza d’un
certo gusto, nel caso francese
che di più non si può. Il pez-
zo forte mi pare sia la canta-
ta di Montéclair La morte di
Lucrezia, serie di recitativi
e arie col da capo, assai ben
cantata da Victoire Bunel, di
molto superiore alla bana-
lotta Tombeau de Clorinde
dell’organista Dornel, tutta
una sequela di ariettes tra le
quali quelle destinate ad Ar-
gante mettono a dura prova
il registro grave del flebile
Guilhem Worms.
Elvio Giudici
Charpentier
David & Jonathas
interpretiR. Van
Mechelen, C. Arnaud,
D. Witczak, F.O. Jean,
A. Rondepierre
direttore Gaétan Jarry
orchestra Ensemble
Marguerite Louise
2 cd+dvd+BluRay
Chateau Versailles 102

57
 Recensioni
O péra-sacré, uno di
quelli commissiona-
ti e promozionati con ener-
gia in tutta Europa dalla
Compagnia del Gesù lun-
go tutto il Sei e gran parte
del Settecento, in pratica
fino allo scioglimento
dell’ordine. Questo lavo-
ro, che vide alla luce nel
parigino Collège Louis
Le Grand, era accostato
alla tragedia in latino Saül,
opera del gesuita Pierre
Chamillart. Essendo opera
espressamente “a tema”,
ovvio che Davide e Saul si-
ano la trasparente filigrana
per Luigi XIV, re per gra-
zia e volontà divina. Arie,
ariosi, ampi squarci corali
e profluvio di danze: l’ar-
te della declamazione, asse
portante della francesis-
sima tragédie-lyrique che
getta ponte strettissimo tra
l’ambito musicale e quello
solo teatrale di Racine e
Corneille, è dominata per-
fettamente da Charpentier,
che mette a buon frutto l’e-
sperienza maturata a Roma
a contatto con gli oratori
di Giacomo Carissimi, al
punto di sopravanzare net-
tamente, almeno a mio pa-
rere, l’ottimo ma risaputo
artigianato di Lully. Esecu-
zione di alto livello, con-
dotta a un ritmo turbinoso
che esalta il bel suono di
questo giovane complesso,
e che nel dvd documenta
il raffinato lavoro gestuale
con cui questo Charpen-
tier è stato messo in scena
non in un teatro bensì nella
Chapelle Royale.
Elvio Giudici
58
Offenbach
La princesse de
Trébizonde
interpreti V. Verrez,
A.C. Gillet, A. Dennefeld,
K. Ledoux, J. Lovell,
C. Gay
direttore Paul
Daniel
orchestra London
Philharmonic
2 cd Opera Rara 63

L a bambola meccanica
che irretisce l’ingenuo
bamboccione in crisi or-
monale è metafora che per-
corre gran parte del teatro
musicale e danzereccio
(esempio ottimo massimo
Coppélia) dell’Ottocento.
Offenbach stesso ne farà
con la sua Olympia un ar-
chetipo celeberrimo, schiz-
zandone però un anticipo
esilarante con la bambola
di cera nelle vesti di Prin-
cipessa di Trebisonda, fat-
ta campeggiare nel settore
Museo delle Cere d’un
circo diretto da un simpa-
tico maneggione che arriva
a vincere una lotteria e il
relativo suo primo premio
consistente in un castel-
lo: solo che la bambola si
era rotta, e il maneggione
l’aveva sostituita con una
fanciulla in carne ed ossa,
sicché gli amorosi sensi che
per lei prova il principino
figlio del severissimo vici-
no di castello (per aumen-
tare l’ambiguità, ruolo en
travesti) sono alquanto più
concreti di quanto sembra
a prima vista. Onde vicis-
situdini varie comprensi-
ve del consueto emergere
d’un passato licenzioso
vissuto dal severo babbo
moralista, costretto a dar
via libera al figlio e alla sua
amata non proprio di cera.
Una trama ideale, per l’iro-
nia sulfurea di Offenbach:
che nell’irridere le gerar-
chie sociali terremotate
dall’irrompere tra l’aristo-
crazia terriera d’un diret-
tore di circo, non risparmia
niente e nessuno (neppure
il re della Parigi musicale,
Rossini, irresistibilmente
parodiato allorché il ma-
neggione neocastellano s’ab-
bandona a un “Adieu, bara-
que héreditaire”!) e scrive
una partitura tra le sue più
deliziose ancorché fin qui
trascurate. Provvede la be-
nemerita Opera Rara con
un’incisione perfetta: tutti
di madrelingua, padroni
d’ogni più riposto accento
e sottotesto che sono sì co-
mici, ma “ridentem dicere
verum”, ennesima fotogra-
fia impietosa delle ipocrisie
borghesi imperanti nella
Parigi del Secondo Impero.
Elvio Giudici
Mozart
Ratto dal serraglio,
Flauto magico
interpreti R. Johannsen,
M. Schmitt, D.
Ivashchenko/ D. Behle,
M. Petersen, A.C.
Kaappola, D. Schmutzhard,
M. Fink
direttore René Jacobs
orchestra Akademie für
Alte Musik
5 cd Harmonia Mundi
2904041.5

R iunite in un cofanet-
to le registrazioni dei
due Singspiele mozartiani
già uscite separatamente
alcuni anni fa. Il Mozart di
Jacobs ha avuto inni e vi-
tuperi persin più di quello
di Harnoncourt, motivati
comunque da un punto di
partenza simile: lo scostarsi
quanto più drasticamente
possibile dalle confezioni
extra lusso della premiata
pasticceria viennese e relati-
va sua succursale britannica.
Contrasti agogici marcatis-
simi; profili ritmici scolpiti
al rasoio; esaltazione mas-
sima di tutto il compar-
to fiati, la personalissima
concertazione consenten-
do l’emergere di particolari
relativamente inediti, cosa
che esalta o irrita, a seconda
del proprio gusto personale
ma difficile sarebbe negar-
ne la forte valenza teatrale;
appoggiature e abbelli-
menti sparsi a pioggia (nel-
la Glyndebourne di Fritz
Busch, all’entrata degli arti-
sti un cartello ammoniva “si
prega di lasciare le appog-
giature al guardaroba”…);
fortepiano elevato al rango
di protagonista, inserendosi
in diversi momenti musi-
cali e commentando quasi
ogni episodio parlato con
divagazioni e reminiscenze
motiviche (anche di opere
diverse, come ad esempio
nell’episodio di Osmin
ubriaco, allorché il forte-
piano commenta citando i
Tre Ragazzi del Flauto; e
non meno che sorprenden-
te ma anche interessante,
udire il motivo della Mu-
sica Funebre Massonica
allorché Selim perdona e
congeda tutti al termine
del Ratto); dialoghi resi ad
integrum, ma con cura par-
ticolarissima alla recitazio-
ne, che difatti è assimilabi-
le a una grande recitazione
 Cd & dvd

di prosa (le Tre Dame, al
riguardo, sono irresistibi-
li); torrenziali profluvi di
rumori di scena, con par-
ticolare inclinazione per
cinguettì avicoli; nel Ratto,
l’inclusione di diversi stru-
menti “alla turca” come
tamburelli, salterio, mez-
zaluna turca, nonché la
sostituzione della Marcia
d’entrata di Selim con una
molto più rocambolesca
di Michael Haydn; infine,
la programmatica scelta
di cast dalle voci marcata-
mente più leggere rispet-
to ai sacri canoni viennesi
codificati nelle innumere-
voli registrazioni storiche.
Circa quest’ultimo punto,
il discofilo deve sottopor-
si a una severa cura disin-
tossicante: chi abbia nelle
orecchie un Gottlob Frick
o un Kurt Moll, ad esem-
pio, può avere uno sturbo
nell’ascoltare il Sarastro di
Marcos Fink, che però for-
za è l’ammettere canti be-
nissimo e interpreti come
un consumato attore di
prosa, privo d’ogni ponti-
ficante grevità. Rilievo che
può estendersi all’intero
comparto dei due cast: toc-
cante, ancorché il timbro
non sia sopraffino, la Pami-
na di Marlis Petersen; Ro-
bin Johannsen è una Kon-
stanze formato mignon,
ma ti vien fatto di ricor-
dare che i primi interpreti
dei due Singspiele erano in
massima parte sui vent’an-
ni; Daniel Schmutzhard è
un Papageno di irresistibile
simpatia; e insomma i due
cast sono ideali per realiz-
zare appieno gli intendi-
menti di Jacobs.
Elvio Giudici
STRUMENTALE
Ravel
Quartetto
Ma mère l’oye
Introduzione e Allegro
Mantovani
Quartetto n. 5
quartetto Voce
flauto Juliette Hurel
clarinetto Rémi Delangle
arpa Emmanuel Ceysson
cd Alpha 933

E sce ora (ma era stato re-
gistrato nel 2021) il cd
del Quatuor Voce intitola-
to “Poétiques de l’instant
II”, dedicato a Ravel e a
Bruno Mantovani. Il pri-
mo cd che portava questo
suggestivo titolo (recensito
in “Classic Voice” n. 281,
ottobre 2022) accostava
al quartetto di Debussy
una trascrizione, una no-
vità di autore vivente e
un capolavoro dall’organi-
co inconsueto: il secondo
usa un criterio simile per
Ravel, affiancando al suo
giovanile Quartetto (1902-
3) una trascrizione per 7
strumenti di Ma mère l’o-
ye, un quartetto di Bruno
Mantovani (1974), il quin-
to, composto nel 2020, e
Introduction et Allegro per
arpa, flauto, clarinetto e
quartetto d’archi (1905).
Questa pagina di Ravel,
nata dalla commissione del
direttore di una fabbrica
di strumenti, impegna lo
stesso arpista che aveva
partecipato alla esecuzio-
ne della Sonata per flauto,
arpa e viola di Debussy
(anche la flautista è la stes-
sa), Emmanuel Ceysson,
che è anche artefice della
trascrizione di Ma mère
l’oye per lo stesso organico.
Sebbene sia compiuta con
garbo e con gusto, la tra-
scrizione appare anche qui
l’aspetto meno interessante
del cd, semplicemente per-
ché è superflua, a maggior
ragione data la notorietà
sia dei pezzi a 4 mani che
della meravigliosa versione
orchestrale di Ravel. Tutta-

“Antonini con il ‘suo’ Giardino Armonico ne mostra con evidente immediatezza il valore”

Haydn Si ascoltano i corni in ri-

Sinfonie n. 31, 59, 48
direttore Giovanni Antonini
orchestra Il Giardino Armonico
cd Alpha 692

lievo anche nella Sinfonia
nota con il n. 59, detta
“del fuoco”, non sappia-
mo bene perché, e data-
ta 1768, e un carattere
festoso ha la Sinfonia n.

C on il titolo “Hornsignal” (attribuito alla sinfo-

nia n. 31), e con i corni “naturali” (senza pistoni,
come si usavano ai tempi di Haydn), il tredicesimo
volume dedicato da Giovanni Antonini alla registra-
zione completa delle sinfonie offre ancora una volta
esperienze d’ascolto di altissimo livello, proponendo
tre sinfonie tutte risalenti al lungo periodo trascorso
da Haydn al servizio di Nikolaus I Esterhazy. Si co-
mincia con quella n. 31 in Re maggiore, databile in-
torno al 1765, con l’insolita presenza in organico di
4 corni e con un sorprendente ampio Finale in tempo
moderato con variazioni e coda conclusiva “Presto”.
48 detta “Maria There-
sia” perché composta
nel 1769 per l’onomasti-
co della grande imperatrice, che peraltro probabilmente
non poté assistere alla festa in suo onore. In ogni caso
per l’energia inventiva, l’impeto nervoso e la brillante
genialità si colloca tra le migliori di una delle fasi più
intense e felici della prima maturità di Haydn. Le altre
due sinfonie non sono meno affascinanti, e Antonini
con il “suo” Giardino Armonico ne mostra con eviden-
te immediatezza il valore.
Paolo Petazzi

59
 Recensioni
via si apprezza molto la fre-
schezza dell’interpretazione
dell’Introduction et Allegro
e quella del Quartetto. E la
scelta dell’autore da affian-
care a Ravel è più felice di
quella di Balmer accostato
a Debussy. Bruno Manto-
vani (che dal 2010 dirige
il Conservatorio di Parigi,
dove si è formato) nel suo
breve quinto quartetto, che
condivide con altri suoi la-
vori l’amabilità discorsiva
e la modernità moderata,
punta sulla continuità di
una struttura a canone, con
un effetto che egli parago-
na ad una perpetua dissol-
venza incrociata.
Paolo Petazzi
Romancillo
chitarra Leonardo
Lospalluti
cd Stradivarius 37247

I vizi della chitarra clas-
sica sono spesso anche
le sue virtù, a seconda di
come li si osserva: lo stru-
mento, per esempio, tende
a trasudare di stereotipi spa-
gnoli ancor prima di venir
suonato, problema che si
pone non soltanto ai chi-
tarristi non spagnoli ma
che è stato ben focalizzato
già all’epoca in cui alcu-
ni compositori castigliani
(come Antonio José) o ca-
talani (come Miguel Llo-
bet) scrissero le loro opere.
Siamo negli anni in cui la
figura di riferimento era
Manuel de Falla, che riuscì
a sottrarre alla Spagna gran
parte della patina di luogo
esotico da cartolina senza
60
però rinnegare le anime più
profonde del ritmo e del
canto. Leonardo Lospal-
luti indaga questo scenario
accostando alla Sonata di
José i Preludios di Llobet
e la suite La frontera de
Dios di Regino Sainz de
la Maza (esponente del-
la generazione successiva,
quella cioè caratterizzata
dalla figura di Andrés Se-
govia). Il repertorio è noto
e frequentato, benché col
contagocce; questo di-
sco invece dimostra che
il primo Novecento spa-
gnolo può anche essere
compatto e che sta molto
bene assieme, anzi finisce
per giustificarsi vicende-
volmente, indicando una
possibilità di lettura che
non verte sul virtuosismo
o sul preziosismo ma sul-
la declinazione di comuni
matrici estetiche (quelle
cioè che sul pianoforte -
meno gravato di stereotipi
ispanici - suggeriscono di
legare Albéniz, Granados,
Falla e Mompou).
Alcuni brani vengono pro-
posti non in versione origi-
nale ma in arrangiamento
polistrumentale con l’inter-
vento di Mauro Squillante e
dell’Accademia Mandolini-
stica Pugliese.
Carlo Fiore
Franck
D’un clavier à l’autre
organo Joris Verdin,
Cindy Castillo, Bart
Verheyen
2 cd Musique en
Wallonie

T re organisti per César
Franck.
In questo doppio cd, Joris
Verdin, Cindy Castillo e
Bart Verheyen omaggiano
il grande organista e com-
positore, precursore della
scuola organistica francese
moderna, eseguendo alcu-
ni dei suoi capolavori or-
ganistici: la Pièce héroique,
la Pastorale, i tre corali, il
Preludio, fuga e variazioni,
la Grand pièce symphoni-
que e altri brani tratti dai 6
Piècese d’orgue.
Approcciare la musica di
Franck oggi appare com-
pletamente differente da
quanto poteva essere ai
suoi tempi: nell’800 gli
organisti erano essenzial-
mente di formazione pia-
nistica (del resto, il reper-
torio organistico era anche
abbastanza limitato) e sarà
solamente dopo la morte
dello stesso Franck, nel
1890, quando la sua cat-
tedra di organo al Con-
servatorio di Parigi venne
affidata a Charles-Marie
Widor, che la didattica del-
lo strumento subì la spinta
decisiva per divenire pie-
namente autonoma e aperta
a quel sinfonismo che carat-
terizzò così indelebilmen-
te la fortunata letteratura
francese. Ecco il passaggio,
come recita il titolo del di-
sco, da una tastiera all’al-
tra: Franck fu esattamente
quella transizione.
Apprezzabile, infine, la
scelta dei due strumenti: il
Cavaillé-Coll del 1869 del-
la chiesa di Notre-Dame
di Epernay e il Merklin del
1877 della chiesa Temple-
Neuf di Strasburgo.
Entrambi gli organari, Ca-
vaillé-Coll e Merklin, furo-
no due artigiani con i quali
Franck collaborò e fu stret-
tamente in contatto.
Mattia Rossi
Bruckner
Live
orchestra Royal
Concertgebouw
direttorivari
box Avro Tros
Lc - 142311

I l cofanetto della Avro
Tros rende giustamen-
te omaggio al sinfonista
austriaco con tutte le sin-
fonie: l’omaggio diventa
legittimazione perché ogni
sinfonia è diretta da un
(grande) direttore diverso,
coprendo una cronologia
dagli anni settanta ai nostri:
la prima con Bernard Hai-
tink nel 1972, la seconda da
Riccardo Chailly del 1990,
la terza con Kurt Sander-
ling nel 1996, la quarta con
Klaus Tennstedt nel 1982,
la quinta con Eugen Jo-
chum nel 1986, la sesta con
Mariss Jansons nel 2012, la
settima con Bernard Hai-
tink nel 2006, l’ottava con
Zubin Mehta nel 2005, la
nona con Chailly nel 1996.
Ma protagonista assolu-
ta è la splendida Royal
Concertgebouw Orchestra
semplicemente perfetta in
tutte le sezioni specialmente
negli ottoni, superbamente
e ampiamente impiegati da
Bruckner in tutto il loro
nitido fulgore e esuberante
(controllatissima sempre)
potenza.
Valga come esempio la
Quarta costellata di fanta-
sie e fantasmagorie ( spe-
cie lo Scherzo) che fanno
degli ottoni strumenti fol-
goranti.
Antonio Brena

Stylus
phantasticus
The hidden writing
organo Irene De Ruvo
cd Stradivarius

C on stylus fantasticus i
trattatisti e organisti
antichi indicavano quello
stile “libero” - Athanasius
Kircher scrisse nella sua Mu-
surgia universalis che “non è
soggetto a niente, né alle pa-
role, né ai soggetti armoni-
ci” - svincolato appunto dai
temi del canto gregoriano.
Era, dunque, quel tipo di
scrittura caratteristico delle
toccate, dei ricercari, delle
fantasie, dei capricci che, in
Italia, vide in Frescobaldi il
maggior esponente. Ma qual
era, oltre alla libera com-
posizione senza temi dati,
lo scopo dello stylus fan-
tasticus? Lo spiegò ancora
Kircher nel suo trattato: “È
creato per mostrare l’abilità
dell’esecutore e per rivelare
le regole segrete dell’armo-
nia”. Ecco perché il titolo
di questo cd è The hidden
writing, la scrittura nasco-
sta: proponendo toccate,
ricercari, canzoni e capricci
di Frescobaldi, Marc’Anto-
nio Cavazzoni, Michelan-
gelo Rossi, Jan Pieterszoon
Sweelinck e Johann Jacob
Froberger (un repertorio
non certo inedito e organi-
sticamente forse fin troppo
frequentato), l’organista
Irene De Ruvo svela, con la
competenza di ferrata anti-
chista quale è, quella “scrit-
tura nascosta” che soggiace
allo stylus fantasticus.
Mattia Rossi
Elgar
Bloch
Concerti per viola
viola Timothy Ridout
direttore Martyn
Brabbins
orchestra Bbc Symphony
cd Harmonia Mundi Lc
7045
U n disco che rende giu-
stizia doverosa alla
viola. Strumento forzata-
mente chiuso fra la poten-
za incisiva del violino, da
una parte, e dalla sfacciata
sensualità del violoncello,
dall’altra. In epoca barocca,
grazie anche al sommo Bach
che la trattò sempre come
strumento alla pari, essa co-
nobbe non pochi esempi di
composizione specifica. Ma
anche un compositore mo-
derno come Ernest Bloch
(1880-1959 nato a Ginevra
ma costretto a emigrare
negli Stati Uniti per le sue
origini ebraiche) ha saputo
omaggiarla con una delle
pagine più originali: la Sui-
te per viola orchestra B 41.
Un’opera che testimonia
tutto il fascino che Bloch
subì dalle culture orientali,
evocate con sapienza com-
positiva e felice invenzione.
Un affresco convincente
della considerevole durata
di trenta minuti attraverso
quattro movimenti, che me-
riterebbe di essere inserito
nei repertori concertistici.
Contemporaneo del musici-
sta svizzero, Edward Elgar
(1857-1934 tipico composi-
tore inglese e famoso diret-
tore d’orchestra) è celebre
anche per un un’importante
concerto per violoncello e
orchestra op. 85 scritto nel
1919 subito apprezzato, in
cui si individua il preciso
stile musicale del musicista
dal carattere profondamente
contemplativo. Esattamente
dieci anni dopo il violista
Lionel Tertis, con il con-
senso del compositore, tra-
scrisse il concerto per viola
e orchestra che venne subito
eseguito sotto la direzione
dello stesso Elgar. Ora lo
ascoltiamo in questo accura-
to cd della Harmonia Mun-
di nella superba interpreta-
zione di Timothy Ridout.
In entrambe le partiture
Ridout oltre alla perfezione
tecnica infonde una musi-
calità altamente poetica e
fascinosa, nei fraseggi come
nelle rispettive strutture for-
mali e dialettiche. Un valore
aggiunto si deve poi alla Bbc
Symphony Orchestra sem-
pre smagliante nelle intela-
iature espressive nelle dina-
miche studiatissime e nella
miscelazione strumentale
delle varie sezioni orchestra-
li. Eccellente, ovviamente,
anche l’equilibrio e l’intesa
tra solista e orchestra. Per-
tanto appare esemplare an-
che la direzione del maestro
Martyn Brabbins, capace di
infondere alle due diverse
composizioni il giusto spes-
sore timbrico unitamente
alla precisione filologica.
Antonio Brena
Haydn
Trii per pianoforte
Trio Guarneri Praga
cd Casa Praga
Digitals 250 423

Cd & dvd
Q uesta incisione, dif-
fusa oggi sul merca-
to, risale al 2021 in occasio-
ne del 35mo anniversario
di attività artistica e con-
certistica del Guarneri Trio
Praga. I tre giovani musici-
sti cechi del 1986, Cenek
Pavlik violino, Marek Jerie
violoncello e Ivan Klansky
pianoforte, sono ancora
oggi ottimi solisti del loro
strumento, sempre in gra-
do di stupire il pubblico e
deliziare gli appassionati
del repertorio da camera,
alla ricerca “ del tempo
perduto” musicale. Tempo
perduto però immedia-
tamente recuperato dalla
intelligenza interpretativa
unitamente alla lungimi-
rante coesione strumentale
del terzetto il cui radica-
mento profondo nella città
della loro formazione e dei
loro studi emerge anche
qui in tutta la sua fascino-
sa allure. Una sorta di in-
fallibile biglietto da visita,
rafforzato ancor più dal
mome del loro ensemble
dovuto ad un violoncel-
lo uscito dalla bottega di
Andrea Guarneri nel 1684.
Violoncello che ora Marek
Jerie, formatosi nienteme-
no che con Pablo Casals,
Mstislav Rostropovitc e
André Navarra, fa cantare
in tutta la gamma delle sue
più nascoste sonorità e po-
tenzialità timbriche.
Da parte loro il violinista
Cenek Pavlik dotato di
assoluta padronanza e ele-
ganza delle quattro corde
come dell’arco e il pianista
Ivan Klansky altrettanto
pregnante nel dialogare e
nel legare minuziosamen-
te con i due strumenti ad
arco, contribuiscono a re-
stituirci una lettura gioio-
samente luminosa ancor-
ché esaustiva dei cinque
quadri cameristici firmati
61
 Recensioni
dal massimo maestro vien-
nese Joseph Haydn. Per l’e-
sattezza vengono eseguiti: il
Trio con pianoforte n. 39
in Sol maggiore “Gypsy”
Hob. XV:25, il n. 44 in Mi
maggiore Hob. XV:28, il
n. 17 in Fa maggiore Hob.
XV:2, il n. 40 in Fa diesis
minore Hob. XV:26 e il n.
26 in Do minore Hob.
XV:13.
Antonio Brena
PIANOFORTE
Liszt
La leggierezza
pianoforte Yang Yang Cai
Cd Challenge Classics

L a leggierezza è il titolo
che Liszt dette al se-
condo dei suoi Tre studi da
concerto, opera del 1848 e
pubblicata l’anno seguen-
te nella quale, rispetto agli
studi precedenti, più tec-
nico-virtuosistici, Liszt ci
concentrò sul pianoforte
quale strumento in grado
anche di incarnare sonorità
poetiche. La leggierezza è
anche il titolo di questa inci-
sione lisztiana della giovane
pianista olandese di origine
cinese Yang Yang Cai.
Oltre ai Tre studi da con-
certo, figurano l’esuberante
Valse-impromptu, l’elegan-
te secondo movimento dei
Grandes Études de Paga-
nini, le tre miniature di Ap-
paritions, la trascrizione di
Liszt del malinconico Du
bist die Ruh dai 12 Lieder
von Franz Schubert e, sem-
pre per rimanere nel tema
della leggerezza e impalpa-
62
bilità, il dodicesimo studio
(Chasse-Neige) tratto dalle
Études d’exécution tran-
scendante: qui, con una
tecnica impareggiabile dal-
la visione chiaramente or-
chestrale, Liszt, attraverso
artifizi quali tremoli, lugu-
bri vortici, note acutissime
discendenti, raffigura un
paesaggio invernale in ba-
lia di neve e vento.
Yang Yang Cai, classe 1998,
nonostante la sua giovane
età, ha percorso un con-
vincente filo conduttore
nella poetica lisztiana aggi-
randosi sicura e “leggera”,
per l’appunto, nei meandri
più nascosti del composi-
tore, tra le pieghe delle sue
pagine più intime con una
interpretazione perfetta-
mente in tema e un tocco
sempre sicuro e capace di
timbri morbidi e vellutati.
Mattia Rossi
Vladimir
Ashkenazy
Complete chamber music
& Lieder recordings
51 cd Decca 4853821

A l cofanetto dedicato
recentemente dalla
Decca a tutte le registrazio-
ni solistiche di Ashkenazy
si aggiunge oggi un ulte-
riore box contenente una
parte molto importante del
suo lascito, quella che con-
cerne la musica da camera,
intesa come insieme di re-
gistrazioni effettuate insie-
me ad altri artisti attraverso
un repertorio molto ampio
che va da Mozart a Sosta-
kovic, con una importante
parte incentrata sulla mu-
sica vocale. L’interesse di
questa pubblicazione risie-
de anche nel fatto che qui
troviamo non solamente le
incisioni pubblicate dalla
Decca, bensì anche quelle
edite dalla Emi e dalla Rca.
Quasi tutti i grandi piani-
sti hanno lasciato testimo-
nianze del proprio interes-
se per questa grande fetta
della produzione musicale:
pensiamo a Rubinstein, alla
Argerich, in minor misura
a Barenboim e a Brendel,
per non parlare dei pochis-
simi lasciti di un Pollini.
Ma il caso di Ashkenazy è
davvero esemplare ed è di
monito per qualsiasi solista
si immerga totalmente nella
musica, giacché la presenza
del pianoforte nel campo
cameristico è davvero fon-
damentale e copiosissima.
I compagni di lavoro di
Ashkenazy sono numero-
si e quasi tutti di calibro
elevato, ma forse il più im-
portante come numero di
incisioni ed estensione del
rapporto reciproco è il vio-
linista Itzhak Perlman, che
ricorda di avere incontrato
Ashkenazy alla metà degli
anni 60 dopo un concerto
di quest’ultimo alla Car-
negie Hall. La loro colla-
borazione iniziò nel 1968
con l’incisione della Sonata
di Franck cui Ashkenazy
volle accoppiare quella del
Trio di Brahms per cor-
no, solista il famoso Barry
Tuckwell. Perlman ricor-
da il particolare piacere
provato durante la lunga
comune carriera: “Vi era
sempre qualcosa di molto
speciale quando suonavo
con lui. Non solo produce-
va un suono magnifico ma
apprezzavo la sua profon-
dità di lettura, il suo perfe-
zionismo, il suo impegno
personale… Avevamo così
tante profonde discussioni
sul modo in cui egli inten-
deva esprimersi, è stata una
relazione musicale ottima
e onesta. Entrambi aveva-
mo la necessità di sentirci
a nostro agio nel rispettivo
modo di suonare, e quan-
do ascoltavamo i risultati
delle registrazioni egli era
estremamente minuzioso
nel giudizio”. I due non
effettuarono mai incisio-
ni senza avere prima pro-
vato l’effetto durante un
concerto dal vivo e uno
dei loro traguardi più im-
portanti fu la registrazione
delle dieci sonate di Bee-
thoven, un lavoro durato
tre anni che si accompa-
gnava a quello relativo alle
32 sonate per pianoforte e
che verrà seguito dal lavo-
ro sui Trii (1979-1984), con
la partecipazione di Lyn
Harrell.
Un ulteriore traguardo
da parte di Ashkenazy e
Perlman fu l’esecuzione
e poi l’incisione delle So-
nate di Brahms nel 1983,
mentre con Harrell fu la
volta delle sonate di Be-
ethoven, Rachmaninov,
Prokof’ev e Sostakovic. In
tutti questi casi i risultati
furono talmente elevati da
far pensare al prodotto di
un “trio stabile” là dove il
pur frequente lavoro co-
mune non presupponeva
l’esistenza di un complesso
in perenne attività concer-
tistica. Ancor prima che
con Harrell, Ashkenay
aveva avuto la felice pos-
sibilità di incidere la so-
nata di Enesco e di estratti
dal repertorio bartokiano
con la già leggendaria Ida
Haendel. Con Malcolm
Frager Ashkenazy inci-
se in tempi pionieristici la
Sonata K 448 di Mozart e
l’Andante e Variazioni di
Schumann per violoncello

e corno, mentre i London
wind soloists furono i pro-
tagonisti dei due meravi-
gliosi Quintetti di Mozart
e Beethoven. Altri partner
pianistici di primo piano
furono André Previn (le
due suites di Rachmani-
nov) e Daniel Barenboim.
Con quest’ultimo l’uni-
ca incisione possibile fu
quella del Concerto K 365
di Mozart, ma l’attività
concertistica si allargò alla
versione a quattro mani del
Sacre di Stravinskij, com-
posizione che Ashkenazy
registrò invece con Andrei
Gavrilov insieme con lo
Scherzo à la Russe, il Con-
certo e la Sonata per due
pianoforti. Anche il figlio
maggiore di Ashkenazy,
Vovka, intraprese una car-
riera in duo con il padre,
che portò qui all’incisione
di un disco con musiche di
Debussy e Ravel, con una
esecuzione di En blanc et
noir che ebbe un particola-
re riscontro in sede critica.
Il repertorio cameristico
brahmsiano, oltre alle già
citate sonate con Perlman,
comprende qui il Quin-
tetto op. 34, il Trio con
clarinetto op. 114 e le due
sonate per clarinetto (con
Richard Mühlfeld e con i
solisti della Cleveland Or-
chestra). L’ultima incisione
cameristica di Ashkenazy
(2016) è stata invece quella
delle sonate di Prokof’ev e
Sostakovic con Catherine
Hewgill, primo violoncel-
lo della Sydney Symphony
Orchestra.
Le collaborazioni in cam-
po liederistico sono come
si è già accennato estrema-
mente importanti. In que-
sto caso la partener elet-
tiva fu il soprano svedese
Elisabeth Söderström, con
la quale Ashkenazy incise
l’opera omnia di Rachma-
ninov oltre a varie altre
cose tra cui due dischi di
melodie di Ciaikovskij e le
Melodie op. 74 di Chopin.
Le incisioni di questi au-
tori russi furono ai tempi
accolte con grande inte-
resse non solamente per la
qualità dell’insieme ma an-
che per la relativa rarità di
ascolto di quel tipo di re-
pertorio in un’epoca in cui
artiste come la Netrebko o
lo Grigorian erano di là da
venire.
Tra gli altri celebri cantan-
ti troviamo qui Matthias
Goerne (nei Dichterliebe e
Liederkreis di Schumann)
e Barbara Bonney.
In sintesi, il lavoro di
Ashkenazy racchiuso in
questo box è da lodare an-
che per l’epoca in cui fu
portato a termine: un tra-
guardo che è stato di pro-
fondo insegnamento per le
generazioni successive.
Luca Chierici
Aa.Vv.
Italia
pianoforte Vanessa Benelli
Mosell
cd Decca

P ur nella sua spiccata ete-
rogeneità cronologica e
stilistica che va da Scarlatti
a Busoni e da Berio a Mor-
ricone, c’è un evidente filo
rosso che lega le 20 tracce
di Italia, l’ultimo cd per
Decca di Vanessa Benelli
Mosell: il pianismo italiano
meno frequentato è al cen-
tro di questa ricerca di una
delle più interessanti piani-
ste italiane.
Già in occasione dell’inci-
sione dedicata a Debussy
di qualche anno fa nota-
vamo, proprio su queste
colonne, come la pianista
35enne fosse ormai una
garanzia. E lo ribadiamo.
Così come ribadiamo l’as-
soluto peso del magistero
di Karlheinz Stockhausen
su questa artista che me-
ritoriamente non tralascia
mai e, anzi, valorizza il re-
pertorio contemporaneo:
la sorprendente Toccata -
titolo, questa volta, non c’è
che dire, utilizzato in senso
letterale - di Francesco Fi-
lidei ne è il sommo esem-
pio del disco (e, confessia-
mo, il coraggio di inserirla
nell’incisione ha influito
positivamente sul nostro
giudizio).
Qui, la Benelli Mosell pro-
pone un contraltare a “Casta
diva” (2020), disco dedi-
cato al repertorio operistico
trascritto per pianoforte,
selezionando la musica per
pianoforte solista che, pure,
ha fatto e fa grande il paese
del Belcanto.
Come detto, in Italia c’è di
tutto un po’: Paradisi, Ga-
luppi, Scarlatti, Respighi,
Cilea, Casella, Sgambati,
Busoni, Malipiero, Petrassi,
Puccini - solo per citarne
alcuni - per arrivare a Be-
rio, Morricone, Rota, Ezio
Bosso e financo a I te vurria
vasà.
Insomma, pur nella nostra
generale diffidenza ver-
so le antologie bulimiche,
questa ci pare che, nel lo-
devole intento di gettare
luce sul pianismo italiano
spesso adombrato dal me-
lodramma (o da altri ge-
neri, nel caso dei contem-
poranei), sia un po’ come
quel tesoro evangelico da
cui estrarre “cose vecchie
e cose nuove”.
Mattia Rossi
Cd & dvd
ANTICA
Marin Marais
violoncello Jean-Guihen
Queyras
pianoforte Alexandre
Tharaud
cd Harmonia Mundi
902315

S e è usuale la prassi di
eseguire al pianoforte
il repertorio del clavicem-
balo, è invece abbastanza
raro eseguire sul violoncel-
lo il repertorio della viola
da gamba, a eccezione del-
le Sonate di Bach. Alexan-
dre Tharaud, che già suona
abitualmente Rameau e
Couperin, si unisce adesso
a Jean-Guihen Queyras,
eclettico pure lui, nell’im-
presa di suonare i Pièces
de viole di Marin Marais.
Si tratta di arrangiamenti?
Di trascrizioni? O dob-
biamo usare il termine co-
splay (vestire i panni dei
personaggi del proprio
videogioco preferito e im-
medesimarsi con esso)? In
quest’ottica si spiega meglio
un disco nel quale la musica
del Seicento non viene suo-
nata per indicarne ulterio-
ri possibilità semantiche o
espressive agibili su diversi
strumenti ma facendo di
tutto (nella ricerca timbri-
ca e nell’articolazione) per
travestire il violoncello da
basse de viole e il pianofor-
te da arciliuto. La bravura
attoriale dei due interpreti
garantisce loro la piena riu-
scita dell’esperimento, inse-
ribile nell’attuale e plausibile
noia generalizzata dinanzi al
63
 Recensioni

solito repertorio, affronta-

ta dai più con elaborazioni
pedestri e ri-composizioni
narcisiste, due atteggiamenti
dei quali questo disco non
può essere accusato.
Carlo Fiore
Corsi
Bass Cantatas
ensemble Romabarocca
direttore Lorenzo Tozzi
baritono Mauro
Borgioni
violone Renato Criscuolo
arciliuto e chitarra
barocca Andrea Damiani
cd Brilliant Classics

L a scuola romana è, as-
sieme a quella fiammin-
ga, una delle grandi scuole
polifoniche classiche. Scuola
che fiorì, come evidente, at-
torno a San Pietro e alle basi-
liche papali. Giuseppe Corsi,
compositore abruzzese oggi
pressoché sconosciuto nato
all’inizio degli anni 30 del
Seicento, visse esattamen-
te in quel mondo crescen-
dovi musicalmente: cantore
della Cappella Giulia, allievo
di Virgilio Mazzocchi e Gia-
como Carissimi, maestro in
Santa Maria Maggiore e poi
nella cattedrale di San Gio-
vanni in Laterano. La sua
esperienza romana conob-
be una parentesi a Narni e
Loreto riprendendo poi tra
il 1676 e il 1677: proprio in
quell’anno, però, venne ar-
restato, processato e incar-
cerato dall’Inquisizione con
l’accusa di violenza carnale
venendo, infine, esiliato dal-
lo Stato Pontificio. Si rifugiò
a Parma, dove fu maestro in
Santa Maria della Stecca-
ta, e poi nella cattedrale di
Ancona.
Corsi è, dunque, una figura
dalla biografia rocambole-
sca che poco giustifica l’o-
blio che lo ha colpito. Oblio
meno ancora giustificato
dalla sua produzione mu-
sicale che, benché ridotta
e non rivoluzionaria, testi-
monia una feconda inventi-
va melodica e armonica.
Lo testimonia, ad esempio,
questo disco Brilliant dedi-
cato alle cantate per voce e
basso continuo in prima in-
cisione - siamo, quindi, sul
terreno della musica profana
- con cui il baritono Mauro
Borgioni, il Romabarocca
Ensemble, diretto al clavi-
cembalo da Lorenzo Tozzi,
spazzano un po’ dello spesso
strato di polvere che ricopre
la produzione di Corsi.
Integrano l’inedita incisione
due suite di Giovanni Batti-
sta Vitali - il virtuoso di vio-
lone che è ragionevole pen-
sare Corsi abbia conosciuto
vista l’insistenza, come nota
Renato Criscuolo, del Sib
grave nelle sue musiche - e
la cantata Pompe, voi che
ascondete attribuita all’allie-
vo di Corsi Giacomo Anto-
nio Perti. Un disco, dunque,
utilissimo per approcciare,
riscoprire e rivalorizzare un
buon compositore italiano.
Mattia Rossi
Bach
Das Wohltemperiertes
Klavier. Vol. 1
clavicembalo Andreas
Staier
2 cd Harmonia Mundi
90268081


“Disco prezioso al quale augurare la piena evidenza”

Alla Siciliana rocchi per cronologia ma

ensemble LudusOrionis ancora imbevuti di clas-
cd Ludus Orionis 001 sicismo rinascimentale).
 I brani – come spiega il
musicologo Sergio Bo-
nanzinga nel booklet -

A rendere ancor più caotico l’ambiente della disco-

grafia internazionale, ossessionato dalla ricerca di
novità e di pubblico, si aggiungono da qualche tempo le
attraenti possibilità dell’autopubblicazione e dell’auto-
produzione che gettano nel mare magnum delle proposte
d’ascolto tantissime registrazioni che vanno dal dilettan-
tesco al narcisista, perché di “auto” hanno ben poco ma
permettono a pagamento di saltare le valutazioni altrui.
Il “rumore di fondo” prodotto da tanto ciarpame rischia
di far passere inosservate anche le rare pubblicazioni ec-
cellenti, come quella dell’ensemble Ludus Orionis che ci
consegna adesso l’antologia di riferimento sulla musica
tardo-rinascimentale siciliana. Si tratta di un ampio ven-
taglio di fonti di poesia per musica, tanto in italiano quan-
to in siciliano, di autori come Giandomenico Martoretta,
Erasmo Marotta, ma anche Alessandro Stradella, Ales-
sandro Scarlatti, Giovanni Bononcini (questi ultimi ba-
intonano la “canzuna”
(un’ottava di endecasil-
labi a rima alternata) che
configura una maniera
“siciliana” d’intendere generi quasi sempre declinati se-
condo gli usi di altre latitudini della Penisola. Dall’ascolto
ravvicinato di brani in italiano petrarchesco e guariniano e
in siciliano è possibile fra l’altro comprendere quanto inci-
da l’articolazione fonetica di una lingua sull’esito musicale.
L’ensemble si compone d’interpreti a dir poco esperti tanto
nella vocalità madrigalistica (per esempio Jennifer Schit-
tino, Santina Tomasello e Marcello Vargetto, opportuna-
mente sicilofoni) quanto nel basso continuo (Patxi Monte-
ro e Giangiacomo Pinardi) già noti aver partecipato a molte
incisioni di riferimento degli ultimi venticinque anni. Disco
prezioso al quale augurare la piena evidenza.
Carlo Fiore

64
A Maria Callas è attribuito il merito di aver cambiato la Storia dell’Opera. Conosciuta come “La Divina”, continua
ad affascinare un vasto pubblico di appassionati come suprema artista, ma anche come donna e icona di stile.
Questo cofanetto è in assoluto la raccolta più completa di registrazioni di Maria Callas, presentando La Divina in tutti
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 Recensioni
Bach
The Well Tempered
Clavier
clavicembalo Francesco
Cera
4 cd Dynamic 799704

L’occasione celebrativa tri-
centenaria (1722-2022) ha
moltiplicato le incisioni
discografiche del Clavi-
cembalo ben temperato la
cui coda continua a esten-
dersi nel 2023 con uscite
che costituiscono capitoli
importantissimi se non al-
tro nella carriera dei ri-
spettivi interpreti: infatti le
raccolte di Preludi e Fughe
di Bach sono musica che
chiunque abbia intenzio-
ne di sfiorare una qualsiasi
tastiera inizia a studiare da
bambino per non smettere
più. Le prospettive di osser-
vazione, come per qualsiasi
classico, sono molteplici:
si può cercare di dire cose
nuove, di stupire l’udito-
rio con qualche stranezza,
di complicare la faccenda
con riferimenti cervello-
tici oppure di presentare
la propria lettura di questi
vangeli non tanto come
“propria lettura” ma come
atto di fede. Per farlo oc-
corre recuperare la com-
ponente didattica tanto
cara a Bach non nell’ac-
cezione del campionario
66
di tecniche per tastiera o
del catalogo delle tonalità
eseguibili ma dello studio
della musica in senso lato,
compiuto attraverso un
mappamondo che gira in-
torno al circolo delle quin-
te (modo di dire che tenta
di misurare la distanza tra
le tonalità) ma che mostra
i profili geopolitici, espres-
sivi e semantici di tutto ciò
che la musica può fare, in
termini di evocazione del
reale e dell’immaginario.
Ecco come può aver senso
l’ascolto di 24+24 preludi
e fughe, ripetendone una
sola coppia tante volte con
la lente d’ingrandimento
oppure passandoli in ras-
segna per intero tante vol-
te come in una galleria di
ritratti, paesaggi e nature
morte. Ed ecco come mai
possono essere tanto di-
verse due esecuzioni di cla-
vicembalisti come Andreas
Staier (Göttingen 1955) e
Francesco Cera (Bologna
1967), pur presentando la
stessa musica su strumenti
coevi (una copia di Haas
1734 per il tedesco, una
copia di Hemsch 1736 per
l’italiano). Staier (che com-
pleta l’opera iniziata l’anno
scorso col II volume) mira
a una caratterizzazione
molto evidente dei singoli
brani a partire dai motivi e
dagli spunti timbrici; vede
in alcuni slanci velocisti-
ci altrettante possibilità di
esplorazione della tessitu-
ra; proietta i libri di Bach in
una storia esecutiva che li
ha anche inseriti nel reper-
torio da concerto oppure
ne ha alimentato l’accresci-
mento (il genere romantico
e modernista dello studio
da concerto non esistereb-
be senza questi preceden-
ti); si rivolge con una certa
naturalezza agli ascoltato-
ri. Cera invece non incide
un’esecuzione musicale
pensata affinché qualcun
altro la “debba” ascolta-
re, ma suona da solo, per
sé stesso, con economia di
mezzi quasi francescana e,
così facendo, ammette che
qualcuno “possa” ascoltare
ma anche fermarsi, tornare
indietro, ripensare, dubita-
re: tutte cose che la tastiera
da concerto e il concerti-
smo non permettono di
fare. La prima esecuzione
non gradisce che ci si alzi
dalla poltrona, che si usi il
telecomando o che si pre-
ma il tasto “avanti”, perché
il progetto interpretativo
e la performance, l’evento
ne risulterebbero danneg-
giate; la seconda viceversa
invita all’interazione, a se-
dersi accanto a chi suona, a
interrogarlo, ad ascoltarne
le ragioni ancor prima che
le capacità.
I dischi di Cera si addico-
no a chi propende per in-
terpretazioni che si avvici-
nano all’autore; i dischi di
Staier si addicono invece a
chi preferisce avvicinarsi al
senso dell’opera che si di-
spiega nel tempo.
Carlo Fiore
CONTEMPORANEA
Manzoni
Parole da Beckett
Dieci versi di Emily
Dickinson
soprano Livia Rado
cori Ensemble Vocale
Continuum, Coro
Polifonico Castelbarco
orchestra di Padova
e del Veneto
regia del suono Alvise
Vidolin
direttore Marco
Angius
cd Stradivarius STR
37235

T ra le iniziative per i 90
anni di Giacomo Man-
zoni particolarmente signi-
ficativo è stato il concerto
dell’Orchestra di Padova
e del Veneto da cui è nato
questo cd, in cui sono ac-
costati uno dei grandi lavo-
ri corali dei primi anni 70
e una pagina vocale da ca-
mera di rara intensità, con-
cepita all’epoca del Doktor
Faustus. Nei Dieci versi di
Emily Dickinson (1988)
per soprano, quartetto d’ar-
chi, 2 arpe e 10 archi si
sviluppa una geniale intui-
zione di una pagina dell’o-
pera: un’arpa e i 10 archi
formano uno sfondo di
glissandi di rara suggestio-
ne, mentre in primo piano
sono la voce, il quartetto e
l’altra arpa.
Diciassette anni prima, nel
1971, era stato finito un
capolavoro di natura com-
pletamente diversa, Paro-
le da Beckett per 2 cori, 3
gruppi strumentali e nastro
magnetico, che non rivela
alcun segno di invecchia-
mento. Il testo è un libero
montaggio di frammenti in
diverse lingue tratti da po-
esie in inglese e in francese,
da Molloy, Come è, Aspet-
tando Godot, Giorni felici,
Tutti coloro che cadono, e
si conclude con la celebre
frase della protagonista di
Giorni felici, “Anche que-
sto è stato un altro giorno
felice”. Queste e altre pa-
role parlate sono percepibili
chiaramente; ma in molte
sezioni il testo diventa ma-
teriale fonetico. Il rapporto
con il testo è molto com-
Rossini Open


Oratorio Sant’Onofrio - Chiesa del Carmine
Antica Pieve di Campanile - Teatro di San Lorenzo

Lugo

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 Recensioni
plesso. Manzoni conosceva
certamente la problemati-
cità delle interpretazioni di
Beckett: la sua musica nel
confrontarsi a fondo con
le ragioni dello scrittore
irlandese è ben lontana dal
voler indicare vie di uscita.
La molteplicità dei mate-
riali impiegati si concatena
in una costruzione a brevi
pannelli, densi di contrasti,
a definire paesaggi aspri,
sconvolti, continuamente
frammentati, sottratti alla
possibilità di intenderli
secondo direzionalità uni-
voche. A ciò contribuisce
la costruzione del testo per
frammenti, che evocano
efficacemente il mondo di
Beckett, ma che si rivelano
uno dei mezzi fondamen-
tali di Manzoni per appro-
priarsi del testo in nome
degli stimoli che gli offre e
della trasformazione musi-
cale che ne compie.
Esisteva un disco 33 giri con
la memorabile interpreta-
zione del pezzo diretto in
prima assoluta da Bruno
Maderna: oggi è scom-
parso dai cataloghi, e ciò
rende ancora più prezio-
sa la nuova registrazione
dell’Orchestra di Padova e
del Veneto diretta con rara
consapevolezza da Marco
Angius, con la partecipa-
zione di due validi gruppi
vocali e di Alvise Vidolin
per il nastro magnetico.
Molto bene anche Livia
Rado solista nei Dieci Ver-
si di Emily Dickinson.
Paolo Petazzi
Reich
Runner: Music for
Ensemble and Orchestra
direttore Susanna Mälkki
orchestra Los Angeles
Philharmonic
cd Nonesuch
075597910186

68
I brani hanno titoli diver-
si ma potrebbero averne
uno solo. Sono due ma uno
è la continuazione dell’altro.
Lo dice Steve Reich nell’in-
tervista con David Lang che
fa da introduzione “auten-
tica” alla musica. Runner
e Music for Ensemble and
Orchestra sono in cinque
movimenti identici, che in
realtà non sono movimenti
ma successioni di Sedicesimi
(I), Ottavi (II), Quarti (III),
Ottavi (IV), Sedicesimi (V)
che entrano l’uno nell’altro.
Runner è scritto per 19 stru-
menti, gli stessi dell’Ensem-
ble che nel secondo brano
dialoga con l’orchestra come
evoluzione moderna di un
Concerto grosso. Runner
potrebbe chiamarsi Runner
1 e la Music for Ensemble
and Orchestra è da intender-
si come Runner 2 (parola di
Reich). Che debbano stare
sullo stesso disco, non c’è
dubbio. Che vadano ascolta-
ti uno dopo l’altro, nemme-
no. Questo dà al programma
una coesione che la scrittura
eleva al quadrato.
Steve Reich ha sempre tito-
lato i suoi pezzi ricopiando
l’organico strumentale: Four
Organs, Music for Mallett
Instruments, Voices and Or-
gans, Music for 18 Musicians
etc. Prevedibile ma one-
sto. Da dove esce Runner?
“Non dal fatto che io corra
- avverte Reich -, segua le
Olimpiadi o attività sportive
del genere”, ma prendendo
in prestito l’idea di chi, du-
bitando di tenere un passo
fino alla fine, lo dimezzi (II
movimento) lo dimezzi an-
cora (III), per poi raddop-
piarlo (IV) e concludere la
corsa come all’inizio (V).
Nella scansione geometrica
delle pulsazioni ritmiche c’è
sia l’architettura dei pezzi sia
la loro fisicità.
I giorni della sperimenta-
zione pura sul tempo, che
hanno reso Reich così im-
portante nell’affermazione
del verbo ripetitivo, restano
consegnati agli anni Settanta.
Quel che si ammira oggi è la
naturalezza con cui il rigore
di quel linguaggio riesce ge-
nerare musica micro e ma-
crosinfonica di piacevolezza
quasi edonistica.
Gustavo Dudamel e Susan-
na Mälkki li abbiamo visti
debuttare nella Scala “di
Lissner”. Oggi, lui coltiva
con veloci movimenti inter-
ni dei leggii un’orchestra tra
le più flessibili d’America,
che esegue Reich come fosse
cosa sua; lei è una delle bac-
chette “contemporanee” più
limpide e brillanti che ci sia-
no. Così, tanto per dire.
Carlo Maria Cella
STORICHE
Arturo
Benedetti
Michelangeli
The London recordings
Vol.1
pianoforte Arturo
Benedetti Michelangeli
orchestra London
Symphony
direttore Sergiu
Celibidache
2 cd Bbc Phoenix TLR
2203042

I contenuti di questo al-
bum di due cd sono ben
noti ai seguaci di Abm e il
loro pregio consiste in una
ennesima ripulitura e pre-
sentazione di nastri regi-
strati all’epoca dai tecnici
della Bbc. Ciò è particolar-
mente vero per il repertorio
solistico, qui rappresentato
da Gaspard de la nuit, la
Sonata op. 12 n. 1 di Cle-
menti e la Sonata op. 35 di
Chopin, registrate a Londra
in mono a fine giugno del
1959. I fedelissimi conosce-
vano queste registrazioni
fin dai mitici lp della Bruno
Walter Society e qui po-
tranno godere di un suono
ancora migliore e dell’as-
senza di ticchettii dovuti alla
puntina del grammofono.
Sulla qualità di queste regi-
strazioni è inutile insistere:
più che di qualità parlerei
qui di esempio irraggiun-
gibile di perfezione stilisti-
ca e tecnica, parametri non
replicati e non replicabili
da chicchessia, soprattutto
in un’epoca come l’attuale,
dove quasi tutto ciò che si
ascolta è mero tentativo di
fotocopia di cose già senti-
te. I brividi che l’ascolto di
Gaspard nell’interpretazio-
ne di Michelangeli procura
nell’ascoltatore sono tuttora
presenti e in questa registra-
zione risalente agli anni di
massimo splendore della sua
arte sono ancora più forti di
quelli sperimentabili duran-
te l’ascolto del capolavoro
raveliano in alcune occasioni
dal vivo negli anni ’80. Cle-
menti diventa con Miche-
langeli l’esempio di un gioco
per la tastiera, di un incredi-
bile esempio di virtuosismo
digitale ottenuto apparente-
mente con grande economia
di mezzi (quanto studio vi è
dietro quelle note!). Chopin
è tramutato in un pezzo di
teatro e ancora le emozio-
ni convogliate dalle mani
di Michelangeli soprattutto
nella conclusione del primo
movimento rimangono a te-
stimonianza del potere della
sua arte (in quel particolare
egli è sempre al di sopra di
tutti e personalmente ricor-
do una sua analoga esecu-
zione in Vaticano dove quel
suo irresistibile crescendo
faceva letteralmente venire
la pelle d’oca).
L’esecuzione del Concerto
in Sol di Ravel è parimenti
meravigliosa e l’esame del
relativo video in circola-
zione è sempre commoven-
te anche nel momento in cui
il celebre direttore si sottrae
all’applauso comune per in-
dirizzare Michelangeli vero
il pubblico, come se fosse lui
l’unico responsabile di que-
sto evento straordinario.
Luca Chierici
STILE LIBERO
Phillips-Kurtág Jr
Face à Face
contrabbasso Barre Phillips
elettronica György Kur-
tag Jr.
cd Ecm

B arre Phillips (San Fran-
cisco, California), 88
anni ben portati, ha co-
minciato a scrivere il suo
nome nel libro del Jazz con
un album di Archie Shepp,
New Thing at Newport
(1965), e negli anni Settan-
ta come “driver” di un trio
noto semplicemente come
The Trio (John Surman ai
sax, Stu Martin alla bat-
teria). Nel 1972 si è euro-
peizzato andando a vivere
in Provenza, fondando a
Puget-Ville un Centro Eu-
ropeo per l’improvvisazio-
ne (Cepi), registrando per
la Ecm. Il Contrabbasso
Jazz non può fare a meno di
citarlo accanto agli “espres-
sivi” (Charlie Haden, Dave
Holland, Gary Peacock).
L’incontro con György
Kurtág Junior era destino
che avvenisse nel modo in
cui sospettano tutti colo-
ro che conoscono Györ-
gy Kurtag senior: per uno
scambio di persona. Un
regista che stava girando un
film su Barre Phillips, sug-
gerì di farli suonare insieme
pensando al padre, ma Phil-
lips non è uno sprovvedu-
to, sapeva con chi aveva a
che fare, l’aveva ascoltato
dal vivo come “electronic
man”, si sono capiti e il bi-
nomio è nato.
Kurtág jr. - che nel 2009 ha
registrato per la Ecm un
bel Kurtagonals -, in Face
à Face si era umilmente
predisposto a creare solo
“stanze di spazio e tempo”
attorno al contrabbasso di
Phillips, più “tematico”,
veloce e imprevedibile. Ma
nei dodici episodi dell’in-
contro - veri aforismi, da
un minuto e mezzo a quat-
tro minuti di durata -, sono
nati scambi sono più vari
del prevedibile. Fra i diver-
si “devices” che usa, con la
percussione digitale del Ro-
land Handsonic, Kurtág si
lascia attirare dal pizzicato
del contrabbasso in qualche
area materica e simil-jazz.
Da parte sua, Barre Phil-
lips allunga la mano verso le
sonorità astratte di Kurtág
usando molto l’archetto,
trasformandosi in ombra
acustica dell’elettronica. Più
che un Faccia a Faccia, un
bell’incontro di diversità.
Carlo Maria Cella
 Recensioni
Quando la musica è
ALGORITMICA
Alla Biennale si esplora la creatività digitale e informatica. Dove la composizione, secondo il Leone
d’oro Brian Eno, non si edifica come un’architettura ma cresce da sola come una pianta
VENEZIA
Micro-music
Biennale Musica 2023
luoghi e artisti vari
M icro-music fa pensare
all’infinitamente pic-
colo. A ciò che si controlla
con procedimenti informa-
tici, digitali. E in effetti la
musica elettronica oggi pas-
sa tutta attraverso software
in grado di captarla, sinte-
tizzarla, gestirla, riprodur-
la. È il tema della Biennale
Musica 2023, la penultima
diretta da Lucia Ronchetti.
La compositrice non è stata
avara di idee nella sua espe-
rienza lagunare. Quella di
dedicare un’annata al pre-
sente della musica elettroni-
ca presentava dei rischi, che
sono stati schivati: ignorare
gli aggiornamenti recentis-
simi e disconoscere l’aper-
tura a raggiera verso mondi
apparentemente distanti
dalle Neue Musik. Il pano-
rama presentato è stato in-
vece molto articolato, nelle
esperienze contemporanee
più significative e forse non
ancora del tutto sedimen-
tate. E ha compreso pure
le più sofisticate esperien-
ze di Dj set che animano
il clubbing internazionale.
La discoteca entra di diritto
nelle stanze della Biennale?
Sì, ovviamente. Da questo
punto di vista è parso inec-
cepibile il Leone d’oro a
Brian Eno, il guru dell’elet-
tronica anglosassone il cui
70
percorso è tanto lontano
dalle esperienze delle neo-
avanguardie quanto aperto
alle diverse matrici culturali
del suono artificiale. Più
che compositore, produt-
tore (o pittore, come ama
definirsi) di suoni; allergico
al gesto demiurgico di chi
crea in solitudine; compila-
tore di archivi sonori da cui
pescare abbozzi da adattare
e “finalizzare”…
Lo si è visto in Ships, cre-
azione presentata in pri-
ma assoluta alla Fenice:
adattamento di un album
elettronico del 2016 (nato
come installazione sonora)
che ora compie il percorso
inverso e torna alla madre
orchestra. Lo ha eseguito
la Baltic Sea Philharmonic
sotto la guida “mistica” di
un Kristjan Järvi più inten-
to a motivare gli orchestrali
con una gestualità da san-
tone che non a dirigere pe-
rentoriamente. E in effetti,
trattandosi di un album mai
scritto o notato in partitura,
che ora viene “orchestra-
to”, i musicisti lo hanno im-
parato facendolo più volte,
suonandolo: empiricamen-
te, o “intuitivamente” come
avrebbe detto Stockhausen.
Ne è uscito uno show colo-
ratissimo, con i professori
che si aggiravano in piedi
sul palco della Fenice av-
volti da luci e fumi come in
un concerto pop. Tra loro
Eno era presente come vo-
calist, a intonare le parole
delle canzoni del suo pe-
riodo rock inserite per scal-
dare l’entusiasmo crescente
di un pubblico mai visto in
precedenti Biennali. La tra-
ma sonora, la texture, nel
passaggio dall’elettronica
all’orchestra dava l’impres-
sione di una certa indistin-
zione e saturazione. E le
“lentezze”, la stasi, tipica
delle musiche di Eno face-
vano rimpiangere la man-
canza di un gesto creativo
di segno più dirompente
e meno ambient. Ma si sa
Eno ama i tempi lenti e in-
finiti anche nelle Sonate del
repertorio classico, e affida
la composizione a mecca-
nismi generativi, come gli
algoritmi informatici a cui
oggi consegnamo le no-
stre vite. Lo si è ascoltato
nell’installazione montata
in suo omaggio all’Arsenale
da Gary Hustwit e Bren-
dan Dawes, Nothing Can
Ever Be the Same: in 162
ore frammenti musicali, in-
terviste, immagini, video
del compositore si succede-
vano grazie alla combina-
zione guidata da “regole”
stabilite a priori. Dal puzzle
probabilistico affioravano
peraltro dichiarazioni di
poetica e affermazioni po-
litiche di fede laburista ed
ecologista che restituivano
il ritratto di un composito-
re tutt’altro che eticamente
disimpegnato.
Si diceva dei rischi schiva-
ti, ma ce ne sono anche di
obbligati con una panora-
mica così estesa, sperimen-
tale e per certi versi incon-
trollabile.
Per esempio, l’attendibili-
tà delle singole riuscite: il
progetto di individuare i
“fantasmi” sonori deposi-
tati nel tempo in un certo
ambiente, tematizzato da
Joanna Bailie nella pri-
ma assoluta 1979 per otto
musicisti, proiezioni video
ed elettronica è stato com-
pletamente disatteso e si è
mutato in una monotona
persistenza di frammenti
sonori discendenti affidati

al pianoforte dell’ensem-
ble Ictus e variamente in-
tegrati da altri fantasmatici
ed inerti interventi stru-
mentali e di propagazio-
ne sonora: in confronto
il Professor Bad Trip di
Romitelli eseguito in dit-
tico, con la sua primigenia
scoperta e inclusione del
suono hard rock, aveva la
forza di un (ormai) classi-
co ma irruente gesto crea-
tivo. Al contrario Orbit-A
VENEZIA
Verunelli
Songs&Voices
voci Neue Vokalsolisten
Stuttgart
ensemble C Barré
direttore Sébastien Boin
teatro Arsenale (Biennale)

R educe da un grande
successo con un pezzo
per orchestra al Festival di
Donaueschingen, Fran-
cesca Verunelli (1979) è stata
molto applaudita anche alla
Biennale per un’altra novi-
tà, Songs&Voices, per 6 voci,
10 strumenti ed elettronica
(2023), un lavoro di ampio
respiro che dura circa un’ora
e dieci minuti e che nel tito-
lo nasconde un paradosso,
perché in queste canzoni e
in queste voci non c’è alcun
testo. L’assenza non sor-
prende in una compositrice
che in una recente intervista
(con Gianluigi Mattietti per
“MusicPaper”) dichiara che
non l’ha mai attratta l’idea di
mettere in musica un testo.
Presentando il lavoro della
Biennale Verunelli cita “Il si-
lenzio delle sirene” di Kafka,
e si domanda: “cosa rimane
del canto quando la voce
scompare?” E “che cos’è la
voce senza il canto?”. Sem-
bra nascere da questi in-
Novità discografiche
War Series di Brigitta Mun-
tendorf squadernava con un Musica Classica Italiana
sistema di spazializzazione a
32 canali voci realizzate con
dal 1986
l’intelligenza artificiale che
intonavano testi sullo stu-
pro come arma più violenta
ed efficace di ogni guerra.
Molto riuscita la combina-
zione di testi di denuncia,
suoni del pop underground
e vertigine contrappuntisti-
ca e combinatoria.
Andrea Estero
terrogativi, dai quali forse
si può anche prescindere,
un invito a concentrarsi tc.560101 · Gregor Aichinger
sull’ascolto di un flusso Virginalia, 1607
musicale ininterrotto, ma
chiaramente articolato in
momenti diversi, contrap-
puntato suggestivamente
da movimenti di interpreti
e luci nello spazio. Proprio
l’individuazione dei diver-
si momenti in un percorso
lungo e complesso è forse
il carattere nuovo e speci-
fico di Songs&Voices, dove
si succedono sezioni pura-
mente strumentali e sezioni
in cui intervengono (senza
testo) le voci dei Neue Vo-
kalsolisten, e dove l’elettro- tc.660201 · Mario Bianchelli
nica è sempre presente, in Cantate e arie
un modo che offre motivi di
riflessione proprio in que-
sta Biennale, perché non
corre mai il rischio di avere
un interesse più tecnolo-
gico che musicale. I dieci
strumenti dell’Ensemble
C Barré formano un com-
plesso suggestivamente in-
consueto, e sia i momenti
loro affidati, sia quelli con
le voci hanno una forza di
seduzione immediata, che
forse una maggior brevità
esalterebbe, sebbene non
si abbia mai l’impressione tc.801901 · Ferdinando Sebastiani
di zone stanche. Bravissimi Fantasie d’opera per clarinetto e pianoforte
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 Recensioni
Lezioni
DI STILE
NAPOLI
Rossini
Maometto II
interpreti R. Tagliavini,
V. Berzhanskaya,
V. Abrahamyan,
D. Korchak
direttore Michele Mariotti
regia Calixto Bieito
teatro San Carlo
/
S empre state un mistero
- almeno per me - le ra-
gioni per le quali quasi tutte
le opere serie di Rossini sono
state in passato neglette dai
grandi direttori, nonostante
le siderali altezze su cui s’at-
testano titoli quali Ermio-
ne o Maometto II. Non ho
idea se questa produzione
napoletana sarà l’inizio di
una augurabile inversione
di tendenza, ma per quanto
mi riguarda ho sentito non
solo il più bel Rossini serio
della mia vita, ma qualcosa
che mi ha fatto finalmente
comprendere - o comunque
comprendere meglio - la pe-
culiare sostanza drammatur-
gica del teatro serio rossinia-
no. Mariotti ha steso con la
sua concertazione una sorta
di velo dolente, di lancinante
estenuazione stuporosa, di
tragica impotentia operandi,
permeandone l’intera ope-
ra e i suoi personaggi. Uno
spessore sinfonico porten-
toso che finalmente ci è ap-
parso per quanto davvero è,
ovvero del tutto assimilabile
a quello dell’ultimo Verdi
(onde, appunto, la mera-
viglia che i grandi direttori
non ne siano mai stati attrat-
ti), nel quale straordinaria è
72
La concertazione di Mariotti traccia un prima e un dopo
nella storia del Rossini serio. Ma la regia di Bieito non
è pervenuta
la tensione inesausta fatta
accumulare tra una scena e
l’altra: alla quale partecipa
il canto, nella misura in cui
riesce - o è indotto a fare
dalla direzione - a tradurre
il funambolico virtuosismo
vocale in gesto teatrale, spec-
chio d’una sostanziale fuga
dalla realtà in un universo
parallelo che rifiuta ogni
scelta perché qualunque
scelta consapevole risulta
impossibile. Un chiaroscuro
continuo; una ubiqua mor-
bidezza dove ombreggiature
armoniche e melodiosissi-
mi cromatismi diventano
prodigiosa tavolozza nella
quale i colori trapassano
l’uno nell’altro sfumando
ogni violenza di contrasti;
una liquidità di canto che
misteriosamente ha anche
una robustezza di spesso-
re sinfonico che profuma
di francese e germanico, e
ti fa perentoriamente por-
re innanzi all’italianissima
sostanza di Rossini. Una di
quelle direzioni, insomma,
che si pongono da spartiac-
que sulla via interpretativa
di un autore determinando
un prima e - speriamo - un
dopo. Un’orchestra simile,
ovvio che sia un mirabile
cuscino per il canto, aiutan-
do sempre e sopperendo
spesso a talune comunque
non gravi deficienze. In testa
a tutti la vera protagonista
dell’opera, Anna: cui Vasilisa
Berzhanskaya dona accen-
ti superbi entro una linea di
squisita, fluida morbidez-
za, reggendo le impervie
lunghezze e difficoltà d’u-
na parte che sale e scende
di continuo (che sciagura le
problematicità vocali della
Colbran, mascherate diabo-
licamente da Rossini ma cre-
ando problemi quasi insor-
montabili per le poverette
venute dopo) con musicalità
assoluta e totale comunica-
tiva. La parte di Calbo
richiederebbe le profondità
abissali d’un vero contralto,
apice le discese negli abissi
di quella “Non temer, d’un
basso affetto” che solo Ma-
rilyn Horne ed Ewa Podles
hanno compiutamente re-
alizzato: Varduhi Abra-
hamyan quelle profondità
non le guarda nemmeno da
lontano, però nemmeno fin-
ge d’averle, accettando sem-
pre la propria voce e procu-
rando di rendere espressiva
ogni nota d’una linea co-
munque bella, omogenea e
morbida. Ottimo Roberto
Tagliavini, che esorcizza le
temibili ombre di Ramey e
Pertusi con un canto sicuro,
musicalissimo e sufficiente-
mente espressivo. Dmitry
Korchak regge eroicamente
l’ingrata e scorbuticissima
parte di Erisso, e coro e or-
chestra sono all’altezza di
chi li dirige. Grande ammi-
ratore fin dalla prima ora
di Calixto Bieito, creatore
di regie epocali quali Bal-
lo in maschera, Carmen,
Fidelio, Don Carlo e mol-
te altre, non ho voglia di
descrivere la piatta, inerte,
immobile banalità priva
affatto di qualsivoglia idea
drammaturgica di questo
spettacolo. Che rabbia,
però: una simile direzione,
avrebbe imperativamente
richiesto come minimo un
Carsen o quel Michieletto
con cui Mariotti realizzò a
Pesaro i geniali Gazza la-
dra, Donna del lago, Sigi-
smondo. Peccato.
Elvio Giudici

DIO è un
grand opéra
TORINO
Halévy
La Juive
interpreti M. Sicilia,
G. Kunde, I. Hotea,
direttore Daniel Oren
regia Stefano Poda
teatro Regio

L a Juive di Halévy ha
inaugurato la stagione
del Regio con un allestimen-
to sontuoso di Stefano Poda
e la direzione minuziosa ed
appassionata di Daniel Oren.
L’opera, che mancava a Tori-
no da 150 anni, rispecchia
43
a
2023 - 2024
direttore artistico direttore principale
Daniele Spini Diego Ceretta
BIGLIETTI e ABBONAMENTI
GIÀ IN VENDITA
Per info: tel. 055 0681726
CON IL CONTRIBUTO DI
Sontuosa inaugurazione a
Torino con un titolo che evoca
divisioni religiose attualissime
il connubio romantico tra
ricostruzione storica ed esa-
sperate passioni. Il libretto di
Eugène Scribe pone in primo
piano l’amore impossibile tra
il principe cristiano Léopold
e l’ebrea Rachel, figlia dell’o-
rafo Eléazar, e - ambientato
durante il Concilio di Co-
stanza del 1404, periodo di
feroci tensioni tra cattolici
ed ebrei - intreccia la tragedia
dei singoli al dramma collet-
tivo, in cupe atmosfere che
anticipano Don Carlo o To-
sca; ed appunto un Te Deum
dà avvio all’opera, con una
processione di principi della
Chiesa riccamente vestiti in
orchestradellatoscana.it
cappe nere, “Tantum religio
potuit suadere malorum” (A
così grandi mali ha potuto
indurre la religione): il ver-
so di Lucrezio, posto sulla
grande croce nello sfondo,
assume un senso ancor più
solenne nei due livelli del II
atto, in cui si celebra la Pa-
squa ebraica e vengono mi-
mate le storie di Cristo. Ol-
tre al Coro di grande valore,
svetta l’inossidabile Gregory
Kunde, Eléazar, di voce po-
tente e fraseggio scandito,
che conferisce grande rilie-
vo alle contraddizioni del
personaggio. Nel segno
dell’ambiguità anche la figu-
Lera Auerbach
Andrea Battistoni
Kolja Blacher
Marc Bouchkov
Mario Brunello
Diego Ceretta
Umberto Clerici
James Conlon
Francesca Dego
Valerie Eickhoff
Sophie Harmsen
Dal Vivo
Ph Andrea Macchia
ra del cardinale Brogni, un
Riccardo Zanellato di grande
espressività ed eleganza. Al-
trettanto ben delineato nella
sua ambivalenza il Léopold
di Ioan Hotea, tenore dalla
linea nobile e vigorosa.
Notevole l’interpretazione
di Mariangela Sicilia, com-
mossa Rachel, dal canto
straordinariamente vario e
modulato, e splendida anche
la Eudoxie di Martina Rus-
somanno, voce di estrema
agilità. Andrea Poli
Igudesman & Joo
Dmitry Masleev
Orchestra Giovanile Italiana
Martin Owen
Ettore Pagano
Erica Piccotti
Markus Stenz
Otto Tausk
Alessandro Taverna
Emmanuel Tjeknavorian
Erina Yashima
 Recensioni
Fior di BAROCCO
Trionfo assoluto (anche di pubblico) nel “Giulio Cesare” romano di Alessandrini-Michieletto, il
miglior manifesto per l’opera handeliana
ROMA
Handel
Giulio Cesare in Egitto
interpreti R. Pe, M. Bevan,
R. Brès-Feuillet, S. Mingardo,
R. Cavalluzzi
direttore Rinaldo
Alessandrini
regia Damiano Michieletto
teatro dell'Opera

A rriviamo dunque buon
ultimi (e doppiamente
colpevoli, giacché noi italiani
abbiamo la lingua), nella fe-
stosa riscoperta del barocco
inteso non come faccenda di
festival elitario, bensì come
frequentazione abituale.
Ancora maggior merito va
all’Opera di Roma, giacché
la sua orchestra non è abi-
tuata al “suono barocco”, e
men che meno a impiegare
strumenti d’epoca. Ma am-
mirevoli sono stati cura ed
entusiasmo nel seguire un
demiurgo come Alessan-
drini: stacchi e profili rit-
mici rapinosi, articolazione
nitidissima di piani sono-
ri la cui maestosa, classica
plasticità si scioglie in una
portentosa ariosità melo-
dica entro la quale risaltano
i vibranti contrasti ritmici,
armonici, dinamici. Ma tut-
ta la superba concertazione
plasma via via una sorta di
nebulosità melanconica, di
distillata inquietudine dolo-
rosa, di sfinimento languo-
roso e financo rassegnato:
impostazione insolita, per
un’opera in cui protagonista
è Giulio Cesare, ma tale da
illuminare pieghe nascoste e
fascinose che si sposano alla
74
perfezione con l’impostazio-
ne scenica. Per Michieletto
Cesare è trionfante sì, ma
ormai approdato all’ultimo
scorcio della vita, quando i
fili del suo destino si sfilac-
ciano, prossimi a spezzarsi;
e si confronta con figure in-
quiete o dolentissime, nevro-
tiche o proterve, il cui dire
assorbe questa particolarissi-
ma atmosfera di sospensione
crepuscolare con esiti stu-
pefacenti. Cosa barocchis-
sima, il capovolgere taluni
tratti psicologico-narrativi, e
scoprire quanto la musica li
accolga con naturalezza as-
soluta. Due i piani della sce-
na: la vicenda sul davanti, le
relative speculazioni storico-
mitologiche-poetiche dietro.
Teatralissimi i dialoghi. Con
lo scorrere del destino dei
protagonisti: le tre nude Par-
che srotolano di continuo il
filo della vita, rosso come il
sangue, che esce dalla bocca
del doppio di Cesare oppure
s’attacca alle sue vesti impe-
dendone i movimenti, fino
a che l’intero spazio rosseg-
gia degli innumerevoli suoi
intrichi, ricordando certe
suggestive installazioni di
Chiharu Shiota. O ancora
col fantasma dell’assassinato
Pompeo: che Cesare ha vin-
to ma avrebbe voluto per-
donare; che Cordelia piange
con accenti lancinanti; che
sovrasta sul figlio Sesto chie-
dendo vendetta; che incom-
be sull’intera vicenda muo-
vendosi in essa dopo che la
sua anima è stata segnalata
sospesa sull’instabile ponte
tra vita e morte dal rito egi-
zio del cuore pesato come
risultato positivo o negativo
della vita; oppure che entra
prepotentemente nella scena
- momento teatrale magico
- con le proprie ceneri che
piovono dall’alto sommer-
gendo l’insidioso banchetto
dei potenti; fino a siglare l’o-
pera mostrandosi come defi-
nitiva statua marmorea sotto
la quale i congiurati in toga
romana assassineranno Ce-
sare vestito in doppiopetto
azzurro, dopo che Cleopa-
tra s’è buttata piangente sul
cadavere di Tolomeo come
a piangere sulla fine dell’im-
pero egizio vinto da quello
romano. Esempio portento-
so delle capacità proteiformi
della musica: “Da tempeste
il legno infranto”, aria di
esaltazione gioiosa, basta un
gesto, un accento, un più
incalzante ansito ritmico, e
ti diventa un’aria di sovrec-
citazione nevrotica, ai bordi
della follia. Regia, infine, che
come sempre con Michielet-
to offre esempi paradigma-
tici di recitazione in perfetta
simbiosi con la recitazione
accentale, potenziata a sua
volta dalla direzione. Il cast
schiera tre controtenori nei
ruoli principali, uno più
bravo dell’altro, benissimo
diversificati quanto a tim-
brica. Raffaele Pe: voce am-
pia, bellissima, dalle spiccate
venature elegiache, ideale
per questo Cesare. Rémy
Brès-Feuillet (ho sentito lui
quale Tolomeo, egregio se-
condo cast di Carlo Vistoli):
voce molto chiara e di spes-
sore non debordante, ma
filo aggrovigliato di nevrosi
isterica, magnifico; Arieh
Nussbaum Cohen: voce
possente, con centri dalle
bruniture insolite per siffatta
tipologia, con saettanti pro-
iezioni all’acuto che perfet-
tamente ritraggono tanto
l’impeto adolescenziale di
Sesto quanto la sua debo-
lezza. Attorno, la classe
sempiterna di Sara Mingar-
do, per la quale Cordelia è
il ruolo della vita, plasmato
con sovrana austerità.
Mezzo gradino al di sotto,
Cleopatra: Mary Bevan sta
in scena con la tipica bra-
vura degli anglosassoni, ma
molto anglosassone è anche
il canto, musicalissimo, ma
purtroppo esilino, corto e
biancastro senza rimedio.
Elvio Giudici

Il triangolo SÌ
Una festa musicale indimenticabile
senza eccessi circensi
ROMA
I Tre
Controtenori
interpreti R. Pe, C. Vistoli,
A. Nussbaum Cohen
direttore Rinaldo
Alessandrini
orchestra Teatro
dell’Opera

L a serata dei tre contro-
tenori, ideale pendant
dell’opera handeliana, diretta
sovranamente da Alessandri-
ni (con prime parti davvero
assai brave), è stata un’au-
tentica festa, un corrispettivo
vocale di certi fantasmagorici
Respighi WESTERN
La narrazione filmica non spiega quella dei Poemi
ROMA
Respighi
Pini di Roma, Fontane di
Roma, Feste romane
Liszt
O Roma nobilis
Dall’Alma Roma
coro e orchestra
dell’Accademia di Santa
Cecilia
direttore Ivan Fischer
video Yuri Ancarani
parco della Musica

D ov’è finito il pubbli-
co dell’Accademia di
Santa Cecilia? A guardare
le poltrone vuote, l’impres-
sione è che dopo la pande-
mia una parte non sia più
altari barocchi quali seppero
scolpire un Neumann o uno
Zimmermann. Pe, Vistoli,
Cohen si sono alternati evi-
tando qualunque eccesso
circense e men che mai ba-
racconata autoreferenziale
alla “tre tenori”, al contrario
valorizzando sempre l’esteti-
ca espressiva d’una scrittura
musicale che di tanto esal-
ta il virtuosismo in quanto
sa renderne espressiva ogni
nota. Tutti capaci di sgrana-
re iperboliche coloriture, di
concludere su mirabolan-
ti cadenze, di legati lunghi
lunghi lunghi nei quali dol-
cezza e brillio s’alternano
con musicalissima sapienza
tornata. E trovarsi negli
anni di mezzo tra la dire-
zione di Antonio Pappano
(passato alla London Sym-
phony e assente ormai dalle
due ultime inaugurazioni) e
quella di Daniel Harding,
in arrivo il prossimo au-
tunno, non aiuta. In questa
situazione, certo, progetta-
re è meglio che galleggiare
nella routine. Ed è quello
che ha fatto l’Accademia
affidando il primo concerto
a Ivan Fischer, come tappa
del “Bridging Europe Fe-
stival” che vede la Budapest
Festival Orchestra gemella-
re altre capitali sinfoniche.
Fischer ha pensato a un
omaggio a Roma, cucen-
do i tre Poemi sinfonici di
Ph Fabrizio Sansoni
espressiva. Ma ciascuno con
un proprio orticello semina-
to dalla propria caratteristica
timbrica. Vistoli con la sua
bravura nel canto fiorito,
ma anche con l’audacia di
proporre i rossiniani “Tanti
palpiti” intridendoli di sor-
prendente, inedita dolcez-
za. Cohen col suo registro
acuto luminoso e incisivo.
Pe, con la sua straordinaria
capacità di srotolare lunghe
melodie di lancinante inten-
sità. Ciascun ascoltatore ha
Respighi in alternanza a
brevi brani corali del Liszt
romano, d’ispirazione “ce-
ciliana” e decisamente mi-
nore (per dar modo al coro
della casa, sempre in forma,
di intervenire?). L’esecu-
zione senza intervallo era
accompagnata dal film di
Yuri Ancarani, videoartista
romagnolo: un omaggio
alla Roma cinematografi-
ca, con un cowboy da spa-
ghetti western che si aggira
tra Cinecittà e i luoghi più
suggestivi della Capitale,
muscolosi gladiatori com-
presi. A parte l’eccesso di
romanità un po’ celebrativa
(che avrebbe senso a Buda-
pest, ma a Roma?) l’impres-
sione è di un “soverchio
Dal Vivo
diritto al proprio momento
magico, che non vuole essere
un primato bensì solo com-
mozione privata. Per me, è
stato l’aria “Ombra fedele,
anch’io” di Riccardo Bro-
schi, il fratello di Farinelli: la
musica è molto bella, ma il
canto elegiaco, squisito, in-
tensissimo di Pe me l’ha fatta
sentire lancinante esempio di
quella Melancholia tanto in-
seguita e celebrata dai grandi
tragici.
Elvio Giudici
che rompe il coperchio”: i
poemi di Respighi - come
quelli di Strauss - sono già
così strutturati e descrittivi
al loro interno da essere in-
compatibili con altre narra-
zioni che non siano astratte
o liberamente evocative. La
ricercatezza timbrica cava-
ta da Fischer dall’orchestra
dell’Accademia resta però
nella memoria. Così come
il magico fascino sonoro
del Mandarino meraviglio-
so eseguito e rappresentato
un paio di giorni dopo, sta-
volta con la Budapest e il
contributo della Eva Duda
Dance Company, insieme
a un travolgente dittico
lisztiano: il Concerto n. 2
(solista Dejan Lazic) libe-
ramente rapsodico tanto
quanto la Seconda rapsodia
per orchestra arricchita dal
cimbalom fantasiosamente
concertante di Jeno Lisztes.
Andrea Estero
75
 Recensioni
L’OSSESSIONE
di Peter
MILANO
Britten
Peter Grimes
interpreti B. Jovanovich,
N. Car, O. Sigurdarson,
M. Plummer
direttore Simone Young
regia Robert Carsen
teatro alla Scala

D eve essere pesata la
scelta di Robert Car-
sen nella decisione di pro-
durre un nuovo Peter Gri-
mes alla Scala, dopo quello
“di” Richard Jones andato in
scena una decina di anni fa:
non manca solo Billy Budd
nella cronologia scaligera,
ma molti - troppi - lavori del
compositore inglese. Se però
lo chiede Carsen, che sceglie
La Scala per dire la sua in
uno dei titoli più emblemati-
ci del Novecento operistico,
allora che Peter Grimes, di
nuovo, sia. Anche perché il
regista canadese confeziona
uno spettacolo bellissimo.
Quello di Jones aveva con-
notazioni sociali, puntava il
dito verso la grulla e spietata
(le due cose vanno insieme)
società inglese; Carsen in-
vece indaga l’interiorità del
protagonista. Certo, anche
qui lo sfondo sociale è deter-
minante: l’impianto “pro-
cessuale”, che nel prologo
rappresenta l’inchiesta a
cui è sottoposto Peter, resta
l’ambiente di tutta l’opera,
come in un incombente, pe-
renne, giudizio, che ritorna
nel terzo atto quando mon-
tano i sospetti su un nuovo,
presunto, omicidio: dal po-
pulismo nasce il giustiziali-
76
Ph Brescia e Amisano ∏Teatro alla Scala
smo. Ma qui è l’interiorità di
Grimes a farsi protagonista.
È lì che il regista scava. E la
sua psiche torturata sem-
bra accentuare in maniera
abnorme la persecuzione,
che acquista tinte allucinate
nelle luci taglienti con cui il
regista (con Peter van Praet)
nell’ultimo atto chiaroscura
la scena costruita da Gideon
Davey come un incubo in
una selva di panche da tribu-
nale. Il borgo dà la caccia al
pescatore. Ma quando la fol-
la urla il suo nome nel buio
con le torce puntate verso il
pubblico del teatro, a illumi-
narne i corpi e i visi, l’accusa
è diventata un’ossessione. Sì,
siamo, possiamo essere, tutti
perseguitati. Ma come rea-
giamo all’accerchiamento?
Carsen fa ricorso al linguag-
Ph Brescia e Amisano ∏Teatro alla Scala
Il “Grimes” di Britten torna alla Scala in un nuovo,
più interiorizzato, spettacolo di Carsen. Che
l’orchestra colora con pennellate scure e grumose
gio del cinema espressioni-
sta - senza Wozzeck, Peter
Grimes non sarebbe esistito
- e proietta sullo sfondo i
primissimi piani di Peter, e
talvolta degli altri protago-
nisti, distorcendone i tratti:
la sua reazione disturbata è il
motore della drammaturgia,
più che non l’ostilità del bor-
go, impersonato da un coro
della Scala in stato di grazia.
Alla fine a invadere il maxi
schermo è lo stesso mare,
tempesta psichica in cui
Grimes si perde e annega.
La sua attrazione/repulsio-
ne per i giovanissimi mozzi
è più grande e ingombrante
dell’ostilità dei compaesani?
E quanto di quel senso di
alterità e colpa è condiviso
col compositore, provenien-
te dallo stesso Suffolk in cui
Crabbe muove le sue dispe-
rate figure?
Domande che non devono
avere risposta: Britten non
la prevede. Anche se Carsen
più della eventuale colpevo-
lezza sottolinea la patologia.
E lo fa grazie alla consumata
arta scenica di Brandon Jova-
novich, Grimes goffo e disa-
dattato nel corpo, allucinato
nello sguardo, poetico e tra-
sognato negli acuti talvolta
opportunamente liricizzati.
Ma non meno bravi, nella
loro sottile, crescente, ambi-
guità, sono la Ellen di Nicole
Car e il Balstrode di Olafur
Sicurdarson. Nel gruppo dei
caratteristi spiccano la ostes-
sa di Maragaret Plummer e
la Mrs. Sedely di Matascha
Petrinsky.
Simone Young aveva diret-
to la Filarmonica scaligera,
sostituendo Zubin Mehta
indisposto, un Mozart pieno
di calore e di colori, e una
Sinfonia Turangalila avvol-
gente e appassionata, molto
distante dalle letture moder-
niste, di suono metallico e
distanza emotiva iperurania.
La stessa cosa fa con Peter
Grimes. Attribuendo all’or-
chestra una funzione espres-
siva, e non solo di punteg-
giatura vocale, ben al di là dei
famosi interludi. Una grana
strumentale grossa, in cui i
timbri orchestrali dialogano
con la voce del protagonista,
e ritornano come tarli os-
sessivi. Una trama circolare
densa di segnali e colori scu-
ri e grumosi, di fiati e ottoni
soprattutto, che l’orchestra
restituisce al modo di una
montante onda interiore.
Andrea Estero

In fondo
è ROSSINI
BOLOGNA
Rossini
Le Comte Ory
Oksana Lyniv
direttrice
regiaHugo de Ana
teatro Comunale Nouveau

P er questo Comte Ory,
il teatro di Bologna ha
ripreso lo spettacolo che
Hugo De Ana ha firmato
l’anno passato per il Ros-
sini Opera Festival, recu-
perando per l’esilarante vi-
cenda un impianto ispirato
al famoso Giardino delle
delizie di Hieronymus
Bosch. Ma se le scene sono
apparse dominate da grossi
cubi di vetro contenenti fi-
PURO Mozart
Un “Flauto magico” poetico e mai
appesantito da sovrastrutture
ANCONA
Mozart
Il flauto magico
interpreti A. Garès,
M.L. Iacobellis, B. Simon,
L. Bakirci, J. Turri,
A. Rosalen, C. Riccio
direttore Giuseppe
Montesano
orchestra Sinfonica
Rossini
regia Luca Silvestrini
teatro delle Muse

P er incredibile che pos-
sa sembrare, il Flauto
Magico non era mai stato
È rimasta la vitalità dello spettacolo
di De Ana, ma a mancare è la comicità
delirante rossiniana
gure mostruose e dal famoso
uovo spaccato immaginati
da Bosch, le dimensioni in
altezza del palcoscenico del
Comunale Nouveau han-
no costretto a cancellare il
bellissimo quadro di Bosch
che figurava come sfondo
nell’edizione di Pesaro: il
che ha tolto non poco di
quel delirante sapore di pit-
tura fiamminga che s’into-
nava magnificamente con
il brillantissimo intreccio
dell’opera, pur ambientata
in epoca medievale. È però
rimasta la vitalità dei movi-
menti disposti da De Ana e
i fantasiosi costumi in bilico
tra modelli rinascimen-
tali, piacevoli ammicchi
leggeri che sapevano qua e
rappresentato ad Ancona,
neanche prima della rico-
struzione del teatro. Lacuna
colmata con una produzione
di ottimo livello, affidata alla
concertazione raffinatissima
di Giuseppe Montesano, che
ha lavorato con musicisti
molti dei quali ancora digiu-
ni di quest’opera, ma subito
reattivi nell’accogliere una
lettura capace di dare peso
e sostanza ad ogni frase,
mantenendo il mistero che
avvolge le zone più umbra-
tili. Debuttava non solo nel
titolo ma anche nella regia
d’opera il coreografo Luca
Silvestrini, che ha accolto la
là di hollywoodiano e gli
immancabili cavalieri del
Conte ubriachi in mutan-
doni. L’edizione bologne-
se, accolta festosamente da
un fittissimo pubblico, ha
esibito un cast di grande
pregio, a partire dal diver-
tente, animato protagonista
Antonino Siracusa, tenore
di voce luminosa, sicura in
questo ruolo acutissimo, e
dalla Contessa Adele, che
Sara Blanch ha tratteggia-
ta in modo incantevole
con inflessioni ora liriche
(nell’aria di sortita “En prie
à la tristesse”) ora virtuo-
sistiche. Esilarante il Ram-
baud di Nicola Alaimo che
ha strappato un sonoro ap-
plauso con l’aria virtuosi-
sfida facendo quello che sa
fare meglio: cioè muovere il
corpo. Nel piccolo palcosce-
nico anconetano si vedono
alternarsi 22 coristi, 15 can-
tanti e 4 danzatori, ma la sen-
sazione è sempre quella del
grande equilibrio formale
anche nei momenti più dina-
mici. Ottimo anche il lavoro
sulla gestualità attoriale, su
quei minimi movimenti che
salvano questo singspiel dal
regno delle favole per bam-
bini in cui troppo spesso vie-
ne cacciato. Tutt’altro. Ad
Dal Vivo
stica che Rossini ha riciclato
dal Viaggio a Reims; e ec-
cellenti anche le prestazio-
ni di Lamie Beuque, bril-
lante Isolier en travesti, e di
Davide Giangregorio nei
panni del Gouverneur. La
direzione di Oksana Lyniv,
che pure abbiamo molto
apprezzato nelle sue lettu-
re wagneriane, non è sem-
brata particolarmente in
sintonia con la brillantezza
di questo Comte Ory: se
la sua guida era senz’altro
corretta, ben intonata con
coro e orchestra, mancava
però di scatto, di varietà, di
quell’immancabile virtuo-
sismo ritmico che Rossini
richiede.
Cesare Orselli
Ancona si è visto un Flauto
nettato e solidissimo, cui
hanno contribuito le scene
essenziali ma razionali di
Lucio Diana, che con un
grande velario cilindrico
ha delimitato poeticamen-
te lo spazio nei momenti
dell’azione più significati-
vi. Cast quasi interamente
giovanile nel quale ha spic-
cato, per mimetica adesione
al personaggio, più che per
doti vocali, il Papageno di
Levent Bakirci.
Luca Baccolini
77
 Recensioni
Il Paradiso della
SINFONIA
Al Festival Enescu la star è Klaus Mäkelä, con un Mahler ultraterreno. Ma nel finale di
kermesse brilla anche il Purcell danzato di Christie
BUCAREST
Festival Enescu
Edizione 2023
orchestre Concertgebouw,
Orchestre Nacional de
France, Les Art Florissants
direttori Klaus Mäkelä,
Cristian Măcelaru, William
Christie

P iù di 90 concerti in
poco meno di un mese.
Le migliori orchestre d’Eu-
ropa che si alternano in un
vertiginoso andirivieni.
Sale quasi sempre piene e
a prezzi stracciati rispetto
agli standard abituali (si va
dai 10 a 40 euro). Se esiste
un paradiso per la musica
sinfonica e strumentale, si
chiama Festival Enescu, la
kermesse biennale che dal
1958, pur condizionata dal
trentennio Ceausescu, ha
collocato la Romania tra
le mete obbligatorie per gli
amanti della musica. An-
che l’utente festivaliero più
viziato (da Salisburgo, Lu-
cerna, Baden-Baden ecc...)
dovrà ricredersi: a Bucarest
la musica è davvero in for-
mato Festival. Con appun-
tamenti che vanno dal mat-
tino fino a tarda sera; con
oculata diversificazione
dei programmi a seconda
dei luoghi (il barocco del
delizioso e contenuto Ate-
neul, la cameristica nella
sala della Radio, la sinfoni-
ca nel gigantesco Palatului
utilizzato per i congressi
del partito comunista); con
78
Ph Andrei Gindac
un approccio fresco e di-
sincantato all’evento.
Si entra, si ascolta, si beve
il caffè (offerto), si conver-
sa facilmente col pubblico
locale, di solito molto più
poliglotta della media. In
quest’edizione, la prima
guidata dal nuovo diretto-
re artistico Cristian Mace-
laru dopo tre decadi di ge-
stione Costantinescu, si è
poi avuta la netta sensazio-
ne di un Festival concepito
come traino della cultura
nazionale. È lo stesso so-
gno di europeismo perse-
guito da Enescu, che tra le
due guerre fu una sorta di
ambasciatore rumeno nel
mondo (come Paderewski
per la Polonia). Fu lui a far
conoscere le composizioni
della giovane scuola nazio-
nale rumena, oltre a tenere
corsi di interpretazione
a Parigi, Londra, Siena: i
suoi allievi si chiamavano
Yehudi Menuhin, Ginette
Neveu, Arthur Grumiaux
e un ancor giovanissimo
Uto Ughi. Tra le policy
del Festival, c’è quella di
far eseguire quasi ad ogni
concerto un brano del non
vastissimo catalogo ene-
schiano. Com’è accaduto
nel concerto che Cristian
Macelaru ha diretto alla
testa dell’Orchestre Na-
tional de France, una Terza
Sinfonia di Enescu scrit-
ta nel pieno della Grande
Guerra, oscura e minaccio-
sa, ideale parallelo alla co-
eva Sinfonia Drammatica
di Respighi, chiusa però da
un estatico coro che canta
dall’alto, lontano dall’or-
chestra, mentre rintocchi
di campana skrjabiniani
spingono l’anelito verso un
altro mondo. Trionfo per
William Christie, che ha
portato anche a Bucarest
la tappa del suo tour con
il Fairy Queen di Purcell
danzato e cantato insieme,
non solo dai membri di Les
Arts Florissants, ma anche
dai diplomati di Le Jardin
des Voix, un programma di
formazione intensiva per
giovani cantanti che Chri-
stie e Paul Agnew porta-
no avanti da 20 anni: indi-
menticabili i ballerini che
volteggiano sulla schiena in
modo giroscopico, rimbal-
zano sulle spalle e facendo
perno con la testa, mosse
allegoriche e non descrittive,
tratte dal mondo hip-hop.
Applausi per la Filarmonica
del Comunale di Bologna in
una levigatissima Pastorale
diretta da Roberto Abbado
(tra le orchestre italiane an-
che l’Accademia Nazionale
di Santa Cecilia e il Maggio
Musicale). Serata finale af-
fidata alla star Mäkelä (già
protagonista con una sfavil-
lante Yuja Wang nei due con-
certi di Ravel). La sua Terza
Sinfonia di Mahler è stata la
prova di un’intesa sottocu-
tanea con l’Orchestra del
Concertgebouw: l’intensità
trattenuta di O Mensch! Gib
Acht!, la carica dosata dei
climax, le fluttuazioni legge-
re degli archi sono state la ri-
sposta a “quello che l’amore
racconta” a Mahler.
Luca Baccolini

Guardando il mostro
IN FACCIA
In “Venere e Adone”, ultima opera di Salvatore Sciarrino, gli dei si interrogano sui capricci
dell’amore. Fatalmente mortale
AMBURGO
Sciarrino
Venere e Adone
interpreti L. Claire,
M. Li, M. Klink, C.
Quattlebaum, M. Stone,
K. Evanyshin
direttore Kent Nagano
regia Georges Delnon
scene Varvara Timofeeva
teatro Staatsoper
Hamburg

L a più recente opera tea-
trale di Salvatore Sciar-
rino, Venere e Adone, “nau-
fragio di un mito”, è tornata
in scena per tre repliche
in settembre-ottobre alla
Staatsoper di Amburgo, che
l’aveva commissionata e ne
aveva già proposto cinque
rappresentazioni a partire
dal 28 maggio scorso, sem-
pre con la direzione di Kent
Nagano, attualmente guida
musicale del teatro: come
molto spesso è accaduto ne-
gli ultimi trent’anni, si deve
a un teatro tedesco la com-
missione e l’allestimento di
una novità di Sciarrino. Ve-
nere e Adone, su libretto di
Fabio Casadei Turroni e del
compositore stesso, fa rife-
rimento all’Adone di Gio-
van Battista Marino, pur
senza riprenderne neppure
un verso, perché anche in
Marino la morte dell’ado-
lescente amato da Venere
(secondo il mito figlio della
incestuosa passione di Mir-
ra per il padre) è dovuta a un
improvviso innamoramento
del cinghiale che lo uccide.
In Sciarrino il “Mostro”
(colpito da una freccia di
Cupido, fatta scivolare nella
faretra di Adone su richiesta
del geloso Marte), avverte
l’appassionata urgenza di
baciare il bellissimo giovane,
non si rende conto dell’effi-
cacia delle proprie zanne e
lo sbrana, chiedendosi poi:
“L’ho baciato troppo?”.
Appartiene al solo Sciarrino
l’idea di fare del “Mostro”
(così è sempre chiamato il
cinghiale) un personaggio
dell’opera (il basso Mark
Stone), presente fin dal Pro-
logo, riflessivo e sensibile,
incline a interrogarsi (“è buio
qui. Che sono? Non so”), e
protagonista di quattro brevi
momenti “a parte” nei quali,
perplesso, si dichiara estra-
neo alla vicenda cui assiste.
Soltanto la freccia di Cupi-
do lo coinvolge, con esito
funesto. Appartiene a Sciar-
rino soprattutto l’idea che
al momento della morte gli
occhi di Adone e del Mostro
si scambiano l’anima: “Ado-
ne con gli occhi del mostro
vede il proprio corpo a pezzi
e, insieme, il cinghiale vede
incombere la propria figura
orrida attraverso gli occhi
della vittima”. Così alla fine
invano Adone invoca Vene-
re, che non lo riconosce nel
Mostro, a cui è riservata la
metamorfosi in anemone.
Nell’ultima scena interviene
a descrivere l’azione anche
la Fama, interpretata da due
voci (mezzosoprano, Kady
Evanyshyn, che è anche
Amore, e baritono, Nicholas
Mogg). Il linguaggio di Ve-
nere e Adone prosegue con
coerenza quello compiuta-
mente definito fin da Luci
mie traditrici: una scrittura
vocale reinventata, stilizzata
e quasi sospesa nel vuoto si
pone in rapporto con la rare-
fatta parte strumentale, con
esiti sempre di grande finez-
za. Nel nuovo lavoro trova-
no spazio ironia o comicità,
ad esempio nella prima sce-
na, con Vulcano (il bari-
tono Cody Quattlebaum)
che deride Marte (il tenore
Dal Vivo
Matthias Klink), tradito da
Venere per un adolescen-
te, e nella terza, quando
Marte chiede l’intervento
di Amore. Gli stessi duet-
tini tra Venere (il sopra-
no Layla Claire) e Adone
(controtenore, Meili Li)
si pongono sotto il segno
di un certo distacco, più
che dell’abbandono volut-
tuoso, e alla fine il piccolo
gruppo vocale che funge da
coro si interroga sul senso
della vicenda, sugli ingan-
ni e i capricci dell’amore.
Il “naufragio” del mito si
risolve in un grande pun-
to interrogativo. Dirige
con intelligente e sensibile
cura Kent Nagano, la line-
are regia, che opportuna-
mente evita travestimenti
del Mostro, è di Georges
Delnon, “Intendant” della
Staatsoper di Amburgo: le
due maggiori autorità del
teatro sono entrambe feli-
cemente impegnate in una
novità assoluta.
Bene la compagnia di canto
Paolo Petazzi
79
 Recensioni
BRITTEN
in technicolor
GENOVA
Britten
A Midsummer night’s
dream
interpreti C. Ainslie,
S. Mancasola, M. Anselmi,
J. Chest, K. Fuge, S. Wilde,
K. Kader, P. Kirk, D. Ireland,
D. Shipley
direttore Donato Renzetti
regia Laurence Dale
teatro Carlo Felice

U na platea festante e
riccamente popolata a
tutte le recite del Midsum-
mer Night’s Dream di Brit-
ten è un gran bel segnale non
solo per il Carlo Felice ma
in generale per la ripartenza
dei teatri italiani. Uno spet-
tacolo inaugurale potente e
riuscitissimo, nuovo di zec-
ca, che il massimo genovese
esporterà alla Royal Opera
House di Muscat in Oman a
febbraio dell’anno prossimo.
Alla recita del 19 ottobre si
mescolavano piacevolmente,
proprio come in palcosce-
nico, stili ed età diverse: in
platea frotte di giovani lice-
ali, che durante l’intervallo
80
penzolavano numerosi assai
dalla buca d’orchestra per
curiosare nel mondo stru-
mentale britteniano; in sce-
na il mondo meraviglioso e
variopinto di Shakespeare,
restituito dalla vivacità cro-
matica dei costumi firmati
da Gary McCann, parimenti
autore di scene più autunna-
li che di mezza estate, ma di
grande impatto ed efficacia:
a dominare e a “muoversi”
letteralmente sul palcosceni-
co splendidi, altissimi e spo-
gli alberi che ricordavano le
maestose faggete del Parco
nazionale del Pollino; il tutto
nel perimetro di una enorme
cornice luminosa simil-tele-
visiva appena oltre la quale,
sul proscenio, si collocavano
alcuni morbidi e invitanti
giacigli erbosi sui quali cade-
vano nel sonno i vari perso-
naggi shakespeariani.
Curatissima e coerente la
regia di Laurence Dale,
che ha saputo mettere or-
dine all’universo caotico
del Midsummer, accom-
pagnando i personaggi
nelle loro manifestazioni
ondivaghe e un poco folli,
ma riuscendo a regalarci an-
Uno sfavillante “Sogno di una notte di mezza
estate” nell’inaugurazione di stagione del
Carlo Felice. Con voci bianche da applausi
che qualche sprazzo di mi-
stero. Tra i solisti di canto le
prove migliori sono giunte
da Sydney Mancasola (una
Tytania perentoria e impec-
cabile), Keri Fuge (una He-
lena dalla gran voce e dalla
solida presenza scenica),
John Cest (Demetrius) e dal
Bottom di David Shipley,
anche quando ha dovuto
cantare e recitare sotto una
pesante maschera d’asino.
Più monocordi ma corretti
Scott Wilde (Theseus), Ka-
melia Kader (Hippolyta),
David Ireland (Quince),
Suemas Begg (Flute), Sion
Gowonwy (Snug), Robert
Burt (Snout) e Benjamin Be-
van (Starveling). Meno “cen-
trate”, sovente spoggiate e
deboli, ma comunque sceni-
camente efficaci, le voci del
controtenore Christopher
Ainslie (Oberon) e di Hagar
Sharvit (Hermia).
Per ultimo Puck, la voce re-
citante di Matteo Anselmi:
nonostante la prova attoriale
di livello, una pronuncia in-
glese da rivedere seriamente
(si capiva meglio l’inglese dei
cantanti) e il monologo fina-
le buttato via in gran fretta
e dimenticandosi pure un
verso, prima che gli applau-
si chiudessero in bellezza
una serata profondamente
coinvolgente. Donato Ren-
zetti ha concertato con sag-
gezza, pudore e signorilità,
riuscendo a tenere in mano
le redini di un’opera com-
plessa e difficile da restitui-
re, ricavando il meglio dalle
prime parti dell’orchestra,
in forma smagliante.
La palma d’oro della serata,
tuttavia, va al personaggio
più presente e più impe-
gnativo della commedia: il
coro delle Fate, con i suoi
solisti (Maria Guano, So-
fia Macciò, Giulia Nastase,
Eliana Uscidda). E qui ci
sia consentito aggiunge-
re la nostra meraviglia a
quella del pubblico, che ha
applaudito fragorosamen-
te il Coro di voci bianche
del Carlo Felice che Gino
Tanasini istruisce da quasi
vent’anni; una realtà stra-
ordinaria, sopravvissuta a
tutte le crisi (non poche)
attraversate dall’ente liri-
co genovese, che ha sapu-
to prendersi finalmente il
palcoscenico che merita
nell’ambito di una gran-
de produzione: oltre a una
prova vocale inappuntabile
(pronuncia compresa!), si è
rivelato magnifico il lavo-
ro di regia su questi ado-
lescenti che si muovevano
perfettamente a loro agio, e
in cui siamo certi che molti
degli spettatori più giovani
si siano rispecchiati, che poi
è la vera scommessa e il mi-
stero del teatro, soprattutto
quello di Shakespeare.
Andrea Ottonello
 Ph Gianni Cravedi
FEDORA La regia di Pier Luigi
Pizzi ripaga le attese,

black & white anche grazie a un

cast perfetto

MODENA tratti anche sensuale al ruo-
lo di Loris, e per Fedora si
Giordano è ascoltata la versione per
Fedora mezzosoprano (predispo-
interpreti T. Romano, L. sta dallo stesso Giordano)
Ganci, S. Piazzola, affidata a Teresa Romano.
Y. Tkachenko Sicura nel registro acuto,
direttore Aldo Sisillo piena di slancio cantabile
regia Pier Luigi Pizzi nel centro, e solo con qual-
teatro Pavarotti-Freni che eccesso poitriné nel
 grave, ha tratteggiato un
personaggio di autentica
Yuliya Tkachenko come
Olga e Simone Piazzola nei
panni di Siriex; ed eccel-
lente la direzione di Aldo
Sisillo, attento a scandire,
con l’Orchestra Filarmoni-
ca Italiana, i tempi nervosi
della scena “inquisitoria”
al I atto, quelli sensuali dei
duetti fra Loris e Fedora
nel II e III e i toni leggeri
del finale svizzero, in cui
sul bianco e sul nero: tre
alte e lineari porte-finestre
per la Russia e tra grandi
vetrate per la Svizzera, che
si aprono sull’acqua di un
lago, con un candido ar-
redamento e un gran velo
pendente sul salotto; la fe-
sta a Parigi, invece, è domi-
nata da una sorta di dorato
gazebo liberty. Anche il
pianista Ivan Maliboshka,

L’ inaugurazione 23-24
s’è aperta con Fedora,
ed è stata una scelta felicissi-
ma, accolta con calore grazie
anch a un cast di gran pregio.
Luciano Ganci ha dato la sua
vocalità piena, agguerrita e a
femme fatale, con fascinosi
toni lirici ma anche accenti
sdegnati e incisivi nel trat-
teggiare la pena d’amore
per il Vladimiro ucciso e
nel progettare la vendet-
ta contro Loris. Pregevoli
Giordano occhieggia al ‘900.
Il raffinato spettacolo pen-
sato in toto da Pier Luigi
Pizzi (regia, scene, costu-
mi) ha confermato ancora
una volta le sue scelte gio-
cate quasi invariabilmente
nel ruolo di Lazinski che
accompagna suggestivamen-
te il duetto fra Loris e Fe-
dora al II atto, si è preso un
bel riconoscimento alla fine
della recita.
Cesare Orselli

Accademia di Musica Antica di Milano

22 NOVEMBRE 2023 ore 21.00

Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia
“Leonardo da Vinci” - Sala del Cenacolo
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B O L Z A N O / T R E N T O

Stagione23
Stagione 22
Sinfonica24
Sinfonica 23
11.10.22_BZ
17.10. 2 3 _ BZ 29.11.22_BZ0 5.1231.12.22_TN
. 2 3 _ BZ 28.02.23_BZ 18.04.23_BZ 015.06.23_TN
07.0 2 . 2 4 _ BZ 9.0 4. 2 4 _ BZ
Auditorium Auditorium Auditorium Auditorium Auditorium Duomo
18.10. 2 3 _TN 0 6.12 . 2 3 _TN 0 8.0 2 . 2 4 _TN 10.0 4. 2 4 _TN
12.10.22_TN 30.11.22_TN 02.01.23_BZ 01.03.23_TN 19.04.23_TN 16.06.23_BZ
OTTAVIO DANTONE
Auditorium Auditorium KENT NAGANO
Auditorium TIMOTHY BROCK Auditorium
Auditorium ALEVTINA
Duomo IOFFE
OTTAVIO DANTONE TIMOTHY REDMOND ALEXANDER MAYER MICHELE MARIOTTI KOLJA BLACHER KENT NAGANO
2 4.10. 2 3 _ BZ 12 .12 . 2 3 _ BZ 13.0 2 . 2 4 _ BZ 18.0 4. 2 4 _TN
2 5.10. 2 3 _TN 06.12.22_BZ
08.11.22_BZ 13.12 . 2 3 _TN
17.01.23_BZ 14.0 2 . 2 4 _TN
07.03.23_BZ 16.05.23_BZ 19.0
FUORI4. 2 4 _ BZ
ABBONAMENTO

JAUME SANTONJA
Auditorium Auditorium ENRICOAuditorium
CALESSO THOMAS DAUSGAARD
Teatro Comunale Auditorium 20/23.10.22_BZ
KENT NAGANO
09.11.22_TN 07.12.22_TN 18.01.23_TN 08.03.23_TN 17.05.23_TN Teatro Comunale
Auditorium
0 9.11. 2 3 _ BZ Auditorium 31.12 Auditorium
. 2 3 _TN Auditorium Auditorium
0 5.0 3. 2 4 _ BZ 27/30.10.22_TN
07.0 5. 2 4 _ BZ
10.11.
GÁBOR 2 3 _TN DANIEL COHEN 02.01.24_
TAKÁCS-NAGY ALEXANDERBZLONQUICH MICHELE0 6.0 3. 2 4 _TN
MARIOTTI OTTAVIO DANTONE 0Teatro
8.0 5.Sociale
2 4 _TN
OTTAVIO DANTONE ALESSANDRO BONATO MARKUS STENZ PPP. PROFETA
MICHELE MARIOTTICORSARO
18.11.22_BZ 20.12.22_BZ 24.01.23_BZ 28.03.23_BZ 23.05.23_BZ A cento anni dalla nascita
Teatro Comunale Auditorium Auditorium Auditorium Auditorium di Pier Paolo Pasolini
2 8.11. 2 3 _ BZ 3 0.01. 2 4 _ BZ 2 6.0 3. 2 4 _ BZ 11.0 6. 2 4 _ BZ
19.11.22_TN
2 9.11. 2 3 _TN 21.12.22_TN31.01. 25.01.23_TN
2 4 _TN 29.03.23_TN
27.0 3. 2 4 _TN 24.05.23_TN 12 .0 6. 2 4 _TN
Auditorium Auditorium Auditorium Auditorium Auditorium
FRANCESCO LANZILLOTTA DIEGO MATHEUZ OTTAVIO DANTONE MICHELE MARIOTTI
KENT NAGANO THOMAS DAUSGAARD MIN CHUNG STEFANO MONTANARI MICHELE GAMBA
I POMERIGGI MUSICALI

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FONDAZIONE CASSA DI RISPARMIO DI BOLZANO
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