ARTU’
LA rivista DEL COLLETTIVO
« LE OMBRE – DESTO O SON SOGNO ? »
No. 4, Novembre 2021
RUBRICA: TEATRO
di Enrico Regattin
SEGISMUNDO, SIGISMUND,
SIGISMONDO:
L’ESILIO E L’ILLUSIONE DEL
POTERE SECONDO CALDERÓN,
HOFMANNSTHAL E PASOLINI
Personaggio fra i più suggestivi della
letteratura drammatica occidentale, il
principe Segismundo, protagonista de
La vida es sueño (1633) di Pedro
Calderón de la Barca, è al pari di Edipo
il simbolo dell’uomo situato al centro di
un conflitto lacerante tra forze superiori
(divine, politiche) e un’individualità che
lotta per l’indipendenza, la libertà di
agire autonomamente. Il principe è
segnato fin dalla nascita da un destino
funesto che lo porta all’emarginazione e
alla reclusione e il suo esilio assume un
significato ambivalente: egli è allo
stesso tempo strumento maligno del
Fato e rimprovero vivente nei confronti
di quello stesso potere sovrannaturale
che l’ha scelto come suo strumento. Il
Tema del mese: “Lontananze”
tema dell’esilio e dell’allontanamento,
che ritroviamo solo all’inizio e alla fine
della storia di Edipo (l’abbandono in
fasce sul monte Citerone, la cacciata da
Tebe e l’erranza dopo il suicidio della
moglie/madre Giocasta), assume nella
vicenda di Segismundo un significato
assai più importante e centrale.
Il dramma di Calderón si configura
come tragedia cristiana, il che tuttavia
è una contradizione in termini, poiché,
per citare Jaspers, la Provvidenza
cristiana che sostituisce il Fato dei greci
è già di per sé una garanzia di
superamento del tragico: “[…] non
esiste una vera e propria tragedia
cristiana, dato che nel dramma
cristiano il mistero della redenzione
costituisce la base e l’atmosfera
dell’azione e la coscienza tragica è
risolta a priori dalla certezza di poter
raggiungere la perfezione e la salvezza
attraverso la grazia […] Tutte le
esperienze fondamentali dell’uomo,
nella dimensione cristiana non sono più
tragiche” (K. Jaspers, Del Tragico, SE,
Milano 1987). Lo stile e il linguaggio del
dramma lasciano in effetti trasparire
una fede profonda nell’armonia tipicamente cristiano: egli ottiene la
dell’universo, il cui senso e la cui grazia e la salvezza per mezzo della
struttura si rispecchiano interamente sofferenza e dopo aver preso coscienza
nella ricchezza della parola poetica. della vanitas delle cose terrene. La
Oltre le apparenze labirintiche e scelta dell’impegno, della magnanimità
contraddittorie del mondo esiste un e della rettitudine da parte di
potere buono e giusto che regge i destini Segismundo portano al ristabilimento
umani. Ma il riconoscimento di questa dell’ordine sovvertito all’inizio del
giustizia non può che essere conseguito dramma, riconfermando il valore del
attraverso percorsi tortuosi e libero arbitrio contro le decisioni
accidentati, e benché anche gli altri imperscrutabili del destino.
personaggi del dramma (specialmente
L’interesse per il dramma di Calderón e
Clotaldo e Rosaura) vivano situazioni
per il suo protagonista è rimasto intatto
tragiche, dove inizialmente sembra
nei secoli successivi fino a dar vita a
impossibile orientarsi fra due possibili
due importanti rielaborazioni: Der
scelte, è proprio Segismundo la figura
Turm (La Torre) di Hugo von
più problematica e lacerata della
Hofmannsthal, portata a termine nel
vicenda. Nei confronti del padre Basilio
1927 e rappresentata l’anno successivo,
egli è allo stesso tempo il nemico
e Calderón di Pier Paolo Pasolini,
giustamente punito (secondo i dettami
pubblicata nel 1973 e rappresentata per
delle stelle) e la vittima ingiustamente
la prima volta dopo la morte dell’autore,
emarginata. Come il principe afferma
nel 1978. In queste due radicali
nella conclusione del dramma, l’unico
riscritture del dramma spagnolo la
grande errore di Basilio è stato il
figura di Segismundo e il senso del suo
tentativo di piegare il destino al proprio
esilio (o reclusione) assumono
volere, al punto che il rimedio estremo e
connotazioni assai interessanti.
crudele da lui adottato ha
paradossalmente sortito l’effetto che …
intendeva evitare. L’esilio di
Der Turm conclude la lunga carriera di
Segismundo non lo priva soltanto del
drammaturgo e librettista di
suo titolo e del suo potere, ma anche
Hofmannsthal, che vi lavorò per oltre
della sua natura umana, al punto da
vent’anni. Definita Trauerspiel
ridurlo a uno stato di animalità, “un
(tragedia) nel sottotitolo, l’opera
misto di uomo e fiera”. Il principe può
sostituisce la visione cristiana di
essere reintegrato nel mondo degli
Calderón con la descrizione di una
uomini soltanto in virtù della scoperta
realtà sociale e politica ormai
che tutto ciò a cui viene attribuito
secolarizzata, priva di ogni rapporto con
valore nel mondo è precario e
il Divino. Il potere di Basilius, re di
inconsistente e potrebbe svanire
Polonia, non è più espressione di una
nell’ombra da un momento all’altro.
volontà ultraterrena, ma esprime solo
Solo grazie a questa consapevolezza,
se stesso e la volontà di perpetuarsi con
che lo distingue nettamente dai suoi
tutti i mezzi possibili. Eliminati i
simili, Segismundo può diventare un
personaggi secondari del dramma
sovrano illuminato. La sua tragedia si
spagnolo, in particolare quelli
risolve dunque in un percorso
femminili, la tragedia di Hofmannsthal
si incentra sul nucleo essenziale della
vicenda narrata da Calderón, nella
fattispecie sul suo aspetto “maschile”:
l’amore, così centrale in La vida es
sueňo (si veda il triangolo Rosaura-
Astolfo-Estrella), viene qui
completamente trascurato per dare
spazio al tema politico. La “torre” del
titolo è quella in cui Basilius ha fatto
rinchiudere Sigismund, dandogli come
custode il nobile Julian (che sostituisce
il Clotaldo del dramma originale). Il
regime dispotico del vecchio sovrano
non è minacciato solo dalla profezia
secondo cui il figlio prima o poi lo
spodesterà, ma anche dallo scontento
popolare: la rivoluzione, che nell’opera
di Calderón si scatena soltanto nel terzo
e ultimo atto e ha vita breve, qui viene
annunciata fin dall’inizio e si protrae
oltre la conclusione del dramma. Il
mondo rappresentato da Hofmannsthal
è un mondo in crisi, in preda allo
smarrimento e sull’orlo dello sfacelo.
Mentre Julian (che di nascosto ha
contribuito a fomentare il popolo contro
il re) vorrebbe liberare il principe e farlo
diventare il capo della rivoluzione,
Basilius, in preda ai rimorsi, decide di
mettere alla prova il figlio (e dunque di
testare la veridicità della profezia).
Come nell’originale di Calderón,
dunque, anche qui abbiamo lo
stratagemma del sonnifero,
l’esperimento su Sigismund e il suo
fallimento. Trasportato dalla torre nella
reggia al cospetto del padre, il giovane
non può far altro che esprimere la sua
angoscia nei confronti del Potere e
infine sfogare la sua ira contro chi l’ha
recluso. Dopo aver aggredito Basilius il
principe viene fatto riaddormentare e,
al suo risveglio, gli si fa credere che
tutto ciò che ha fatto e visto al castello
non è altro che un sogno, e che lui non è
mai uscito dalla sua torre.
L’effetto sortito dall’esperimento è però
diverso da quello descritto da Calderón.
Mentre il Segismundo del dramma
spagnolo reagisce alla sconvolgente
scoperta scegliendo di esercitare il
potere con onestà e rettitudine, quello
dell’opera di Hofmannsthal finisce per
vivere uno straniamento ancora
maggiore. La scoperta che “la vita è
sogno” spinge Sigismund a un nuovo
esilio, questa volta di tipo esistenziale,
che lo rende definitivamente estraneo a
tutti i suoi simili. Da questo momento
in poi egli non potrà più imporre la sua
volontà agli altri, ma cadrà in balia di
un nuovo prepotente (il capo delle
guardie Olivier), che dopo la
deposizione di Basilio e l’uccisione di
Julian instaura un nuovo regime
dispotico, servendosi di Sigismund come
mero strumento di propaganda per
imbonire il popolo.
Esistono due conclusioni differenti del
dramma: dopo la versione completata
nel 1925, infatti, l’autore riscrisse
completamente gli ultimi due atti,
trasformando la sua iniziale visione
parzialmente aperta alla speranza in
un radicale pessimismo. Nella versione
più antica i riferimenti al sogno e alla
presa di coscienza di Sigismund sono
assai più abbondanti ed espliciti,
mentre nella successiva sono più radi e
criptici. Ma la differenza sostanziale sta
nella conclusione: nella prima versione
Olivier muore e Sigismund tenta di
imporsi come nuovo legislatore, come
creatore di un nuovo ordine basato sulla
giustizia (“Io mi faccio carico di unire in
questa vita entrambe le cose: porre
ordine e uscire dal vecchio ordine […] Io
ho in me l’animo del fondatore, non di
chi possiede, e l’ordine che io intendo si
erige sull’abnegazione e la rinuncia” –
H. von Hofmannsthal, La torre,
Adelphi, Milano 1978). Tuttavia il
principe deve soccombere: in un
precedente colloquio con una giovane
zingara, amante di Olivier, egli infatti
era stato ferito dalla donna con una
lama avvelenata. Durante la sua
agonia, giunge un corteo capeggiato da
un “sovrano fanciullo”, figlio bastardo di
Basilius cresciuto nei boschi, portatore
di un nuovo ideale di purezza e
innocenza. Prima di morire Sigismund
affida il potere nelle mani del
fratellastro, consapevole che la propria
missione sulla terra è fallita, e che
spetta ad altri portare a termine l’opera
di conciliazione (“non c’è posto per me in
questo tempo”). Nella seconda versione
non v’è più alcun re fanciullo e
Sigismund, dopo essersi confrontato con
Olivier che ha ormai preso il potere,
viene ucciso da un colpo di pistola
mentre si sporge dalla finestra per
mostrarsi ai rivoltosi. Le ultime parole
del principe (già presenti nella prima
versione, ma in posizione meno
decisiva) sono: “Testimoniate, fui qui,
anche se nessuno mi ha conosciuto”. La
testimonianza riguarda l’ineluttabile
diversità di Sigismund, che si è trovato
nel mondo senza veramente esserci,
senza farne parte: estraneo al potere,
eterno esiliato, non è riuscito a imporsi
e si è trovato in balia della volontà
altrui. Soprattutto, egli ha dovuto
misurarsi con l’impossibilità di
comunicare la propria vera essenza. La
parola, che in Calderón riusciva a
esprimere la struttura profonda
dell’universo, in Hofmannsthal si rivela
nella sua insufficienza e nella sua
incapacità di creare una reale
comunicazione fra gli esseri (e
Sigismund aveva capito, grazie alla sua
esperienza, che “vano è tutto, fuorché il
colloquio tra spirito e spirito”). La
conciliazione presente alla fine del
dramma di Calderón non è più possibile
e l’esilio di Sigismund si protrae a
oltranza fino ad assumere un carattere
profondamente tragico.
…
Nel Calderón di Pasolini la figura di
Sigismondo viene declinata in maniera
completamente originale. Innanzitutto,
egli qui perde il ruolo di protagonista e
diventa un personaggio secondario: la
figura centrale dell’opera di Pasolini,
infatti, è Rosaura. La vicenda è
ambientata non più in una Polonia
immaginaria, ma nella Spagna
franchista degli anni della
contestazione (1967-68). La
protagonista Rosaura si risveglia (o
meglio, viene fatta risvegliare) in
ambienti ogni volta diversi (una casa
dell’alta borghesia, una misero
quartiere sottoproletario, una dimora
piccoloborghese, un campo di
concentramento) dove i personaggi (lei
compresa) svolgono di volta in volta
funzioni differenti. Rosaura
rappresenta il borghese non integrato
che vorrebbe evadere dalla propria
condizione (la donna, infatti, ha il
potere di attirare a sé individui di
simpatie antifasciste) ma che viene
sottoposto dal Potere (qui rappresentato
da Basilio, “re borghese”, prima padre,
poi marito di Rosaura) a un gioco
illusionistico analogo a quello inventato
da Calderón, fino a subire una totale
spersonalizzazione e infine
l’annichilimento completo (il campo di
concentramento rappresenta la meta
conclusiva, oltre la quale “non ci
saranno più altri luoghi dove
risvegliarsi”).
Sigismondo compare verso l’inizio del
dramma pasoliniano, quando Rosaura
si crede ancora figlia di ricchi borghesi
(Doña Lupe e Basilio). Colui che nei
drammi di Calderón e Hofmannsthal
era un giovane principe, è qui un
signore di mezza età, assai colto ed
esperto del mondo, vecchio amico di
Basilio e della sua famiglia. Egli, come
si viene a sapere, da giovane ha
combattuto contro i franchisti nella
guerra civile spagnola e in seguito ha
abbandonato il suo paese. Rosaura si
innamora perdutamente di lui, ma in
seguito è Sigismondo stesso a
comunicarle una verità sconcertante: in
gioventù lui e Doña Lupe, la madre di
Rosaura, erano stati amanti e si erano
divisi solo dopo la guerra civile. Tornato
in patria anni dopo, e trovata Lupe
perfettamente integrata nella borghesia
fascista, Sigismondo, infuriato, l’aveva
violentata, e da questa violenza era
nata proprio Rosaura, che dunque ha
finito per innamorarsi del proprio
padre. In seguito la giovane si risveglia
nella baracca del quartiere
sottoproletario, con una nuova identità:
quella precedente è stata cancellata,
trasformata in “sogno”.
Successivamente a Rosaura, che ormai
ha cominciato a prostituirsi nella
baracca e si è innamorata di Pablo, un
ragazzo adolescente di buona famiglia e
di simpatie antifasciste (uno dei futuri
protagonisti delle rivolte del ‘68), viene
raccontata un’altra versione della
storia: quando ella era ancora bambina,
Sigismondo “detto El Hijo, / che allora
aveva vent’anni, ed è poi finito alla
Granátula / direttamente dalla
caserma: e adesso è là / con la testa
pelata e il corpo tutto pieno / di sfregi e
cicatrici” (P. P. Pasolini, Il Teatro I,
Garzanti, Milano 1999), l’aveva
violentata e resa madre di un figlio poi
affidato a una famiglia ricca: quello
stesso Pablo di cui ora la donna è
innamorata.
Infine, nell’episodio del dramma
ambientato nel maggio 1968, quando
Rosaura è ormai sposata con Basilio e
integrata nella famiglia
piccoloborghese, ritroviamo per l’ultima
volta Sigismondo (che Basilio chiama,
significativamente, “suocero” e per
giunta “reazionario”), anch’egli
perfettamente inserito nell’ambiente
borghese e nel ruolo di “padre
benestante”. Fuori, nelle strade, i
giovani stanno insorgendo, ma questo
non impedisce alla famiglia di celebrare
con un banchetto il proprio inscalfibile
potere e la “guarigione” di Rosaura,
ormai rinsavita dopo la sua iniziale
ribellione (è proprio Sigismondo a
commentare ironicamente: “I caproni
ballano / quando torna la pecora nera!”).
Il Sigismondo di Pasolini è il solo a
vivere un vero e proprio esilio, inteso
come allontanamento dalla propria
terra: all’inizio del dramma egli
racconta con commozione il proprio
ritorno in patria in aereo dopo anni di
lontananza (“Ero solo sull’aereo, e così,
guardando sotto di me / il grande piatto
giallo della Spagna, ho potuto piangere /
liberamente”). Il volo di Sigismondo
ricompare più avanti nel dramma, sotto
forma di “sogno” di Rosaura (in questo
sogno l’uomo appare sotto le sembianze
di un falco, che infine plana su Rosaura
e col becco le colpisce i denti). Ma alla
fine anche Sigismondo viene sottoposto
allo stesso processo subito dalla
protagonista: un processo che lo
snatura e lo rende un essere conforme,
integrato nella borghesia fascista.
…
Al di là delle particolari declinazioni del
tema, legate alle concezioni assai
diverse che Calderón, Hofmannsthal e
Pasolini avevano del teatro, dell’arte in
generale, della politica e della società
(concezioni naturalmente condizionate
dalle diverse contingenze storiche in cui
vissero gli autori), la vicenda di
Segismundo/Sigismund/Sigismondo
contiene in sé un nucleo fortemente
problematico che non può certo essere
liquidato in poche pagine, né si può
esaurire in una dimensione
esclusivamente letteraria: il rapporto
conflittuale fra libertà e destino,
umanità e ferinità, crudeltà naturale e
crudeltà imposta, individuo e potere,
giustizia e ingiustizia – rapporto che il
principe vive sul proprio corpo prima
ancora che nello spirito, può acquisire il
massimo del suo potenziale espressivo
solo se vissuto “sulla viva carne”, se
agito nello spazio vivo del teatro.
- Enrico Regattin
RUBRICA: ARS LONGA, VITA
BREVIS
di Räd
GLI STATI D'ANIMO
Quanto può essere duro dire addio alla
persona che si ama? Quanto in
profondità quell'ultima parola,
quell'ultimo gesto o sguardo, possono
affondare come un coltello nel cuore di
chi resta, così come in quello di chi
rimane? È un movimento che parte
dalle interiora – le gira e rigira
strappandole violentemente – e si
esprime spesso negli occhi in un pianto
finale che è tutt'altro che liberatorio.
Purtroppo è un'addio che tutti dovremo
vivere (o soffrire, piuttosto), o che
magari abbiamo già vissuto: ma come
fare però per esprimerlo? Ebbene un
pittore insospettabile – appartenente
ufficialmente ad un movimento i cui
valori e soggetti sono assai lontanti
dalla malinconia di cui voglio parlare –
è proprio colui che ci ha realizzato uno
dei suoi massimi capolavori: parlo del
futurista Umberto Boccioni.
Quando pensiamo al futurismo le parole
che salgono con la rapidità di un'auto
rombante sulla città di notte sono:
velocità, corsa, macchina, violenza,
fulgore, modernità, potenza, metropoli.
Eppure il movimento che ripudiava il
"passatismo" malinconico e romantico, è
la cornice imprevista di una delle opere
più rappresentative – che certo
abbisogna di una certa introduzione per
essere interiorizzata a fondo fino al
bordo delle lacrime per un ricordo
amaro – proprio di quella sensazione di
thanatos che ci aspetteremmo un secolo
prima.
Stati d'animo è una serie di 3 tele del
1911: Gli addii, Quelli che vanno e
Quelli che restano. È curioso osservare
appunto come l'autore sia una delle
figure più rappresentative del
Futurismo: infatti Umberto Boccioni
(1882 – 1916) criticherà duramente –
durante la sua carriera terminata
precocemente a causa della Grande
Guerra (in maniera forse meno eroica di
quella che avrebbe sperato: una banale
caduta da cavallo) – Giacomo Balla
(1871 – 1958), il proprio insegnante a
inizi secolo (i cui allievi futuristi più
importanti saranno appunto il
sopracitato assieme a Gino Severini)
nonché il più anziano membro della
compagine futurista. Sarà biasimato –
anche se può apparire quasi un
controsenso – per la sua ricerca sul
dinamismo attraverso i nuovi strumenti
di percezione ottica di Eadweard
Muybridge e Étienne Jules Marey,
traducendone su tela le cronofotografie:
per l'intransigente allievo tale forma
non rientrava nella materia futurista,
in quanto non sarebbe che una mera
riproduzione illustrativa del
movimento.
Non c'è da stupirsi allora se sarà
proprio Boccioni, dopo una deludente
esperienza a Parigi assieme a Gino
Severini (altro collega futurista che poi
lavorerà sempre dalla capitale) nel 1906
– 1907 e il suo ritorno a Milano
(viaggerà anche in Russia), a firmare i
due principali manifesti pittorici del
movimento: il Manifesto dei pittori
futuristi (1910) e La pittura futurista.
Manifesto tecnico (1910).
Il primo scritto è una ripresa degli
ideali del fondatore del Futurismo,
Filippo Tommaso Marinetti: è
un'esaltazione del progresso contro
l'arretratezza culturale dello stivale;
perciò gli autori passati meritano la
damnatio memoriae nella società di
domani, tranne Giovanni Segantini,
Gaetano Previati, Medardo Rosso.
Questo può apparire un altro
controsenso in realtà se si pensa a
Oratore dello sciopero (1890 – 1891) di
Emilio Longoni, oggi presso la Banca di
Credito Cooperativo di Barlassina
(Monza): questa famosa tela
divisionista è un elemento
fondamentale per lo sviluppo di
Boccioni per lo stile e la
rappresentazione della società
contemporanea con i suoi conflitti e le
sue tensioni (basti ricordare come i
primi lavori del futurista
documentavano la crescita continua
della periferia milanese, anche se con
un entusiasmo oggi difficilmente
condivisibile, visti i disastrosi risultati).
La pittura futurista. Manifesto tecnico,
uscito sulla rivista Poesia, ha uno scopo
meno divulgativo e più concreto: si
vuole superare i limiti della
tradizionale visione pittorica
naturlistica per far sì che l'uomo sia
parte della città moderna in movimento
con le sue macchine. La nuova vita
urbana frenetica è rappresentata grazie
agli stimoli che ne derivano (nuovi
colori, odori, rumori forti, luci etc.).
Infatti, le prime opere d'arte visiva
futuriste riprendono tutti questi
impulsi elettrizzanti: solo un anno
prima degli Stati d'animo, Boccioni
licenzia Rissa in galleria, oggi nella
Pinacoteca di Brera, in cui rappresenta
una rissa notturna fuori da un locale di
Milano.
O ancora: lo stesso anno della serie
presa in analisi, l'artista dipinge La
città che sale (oggi al MoMA di New
York), un'opera davvero potente per le
grandi dimensioni e il soggetto, che gli
permette di accreditarsi
tumultuosamente nell'ambiente
artistico contemporaneo. Molti elementi
contenutistici e formali saranno comuni
al trittico degli Stati d'animo. L'autore
ha allora 28 anni e la sua ricerca
espressiva sta esplodendo.
Come dipingere nella modernità la
malinconia, il fiato che manca per dire
l'ultimo addio? Boccioni lo fa con un
classicismo olio su tela (in continuità
con quella tradizione in vita dal
Rinascimento che proprio il Futurismo
voleva sconvolgere) ma non con dei
normali contorni che rappresentano la
realtà in modo mimetico: i moti
dell'anima sono resi con delle linee
dirette verso tutte le direzioni, ma con
un senso ben preciso (un elemento alla
base delle future composizioni di Piet
Mondrian, ma con uno scopo totalmente
diverso). Le linee perpedicolari o
ondulate sono “il languore e lo
scoraggiamento” (come lo stesso artista
le descrive), e sono parte dei personaggi
vuoti che sono protagonisti della triste
scena; quelle rette o curve ma in ordine
caotico rappresentano l'agitazione
disordinata delle emozioni, e si
uniscono ai gesti informi di richiamo e
di fretta; infine le linee orizzontali,
rapide e fuggenti, descrivono la
tristezza e la malinconia tagliando
aspramente tutto e tutti nei vari
momenti del racconto.
Questi strumenti formali precisi
servono all'artista per raffigurare la
banchina di una stazione del treno che
riconosciamo da qualche elemento
ancora vagamente aderente alla realtà:
una locomotiva con il proprio sbuffo di
vapore e fumo, i binari del treno, delle
coppie che si abbracciano. Ecco, è tutto
qui il mondo moderno, nel luogo dei
luoghi, quintessenza per moltissimi
artisti (basterebbe solo nominare
Claude Monet o Giorgio de Chirico): il
mito della macchina e della
civilizzazione così caro al proprio
movimento però non è declinato in
maniera esaltante attraverso la
velocità, quanto piuttosto è ridotto ad
uno sfondo su cui riemergono le
emozioni umane “dalla pancia” dei
viaggiatori che partono e degli
accompagnatori che restano. Lo scopo è
quello di descrivere le reazioni emotive
di persone che si separano per un
viaggio in treno Infatti, l'artista opera
una riflessione psicologica sulla
transitorietà della vita moderna
riprendendo le sollecitazioni di grandi
pensatori contemporanei come la
filosofia di Bergson o la teoria della
relatività di Einstein (secondo cui la
stabilità non è che un'illusione).
Umberto Boccioni lavora al suo progetto
temerario durante un anno con una
serie di disegni e studi preparatori
(come sarebbe naturale aspettarsi da
un'opera così importante). Il trittico è
presentato però appena un anno dopo,
nel 1912 a Parigi durante la mostra Les
peintres futuristes italiens, assieme ai
colleghi Carlo Carrà, Luigi Russolo e
Gino Severini. Le tele passeranno poi al
Marinetti che le conserva tra Milano e
Roma fino al 1944; dopo la sua morte la
moglie Donna Benedetta Marinetti le
venderà nel 1949 a Nelson A.
Rockefeller che le trasporterà a New
York; nel 1979, infine, le opere saranno
donate al MoMA della stessa città.
Infine, prima di approcciarsi ad ognuno
dei tre pezzi del trittico sarebbe bene
soffermarsi a riflettere sulle influenze
che hanno spinto il futurista, e che
possiamo leggere nelle opere in sé –
siccome spesso un quadro può essere
molto più eloquente di quello che
sembra. Boccioni, come si è detto, ha un
debito non riconosciuto verso il
Divisionismo italiano, dal quale si
svincola però grazie alle sue passate
esperienze espressioniste e simboliste.
La sua pittura è indubbiamente
astratta in fin dei conti, ma non tende
verso una purezza delle forme come
alcuni contemporanei stavano
sperimentando – pensiamo al cubismo
di Picasso e Braque o, qualche anno più
tardi (il manifesto Dal Cubismo al
Suprematismo è pubblicato nel 1915), ai
lavori di Kazimir Malevich –; piuttosto
il capolavoro è un'unione di queste varie
spinte, allora quasi sconosciute nel
panorama nazionale. Boccioni, come da
manifesto, punta infatti a far
guadagnare all'Italia un posto centrale,
e per farlo riprende ciò che all'epoca era
il più aggiornato, il più moderno: ma
non solo.
Partiamo dalle basi: com'è stato detto il
Divisionismo è un momento importante
nella maturazione artistica dell'artista.
Certamente anche la versione francese,
conosciuta nello studio del collega
Balla, è fra i riferimenti principali del
futurista, ma soprattutto la scena
italiana è impregnata nel pennello di
Boccioni: in particolare pensando a
opere come L'ultima fatica del giorno
(1891) di Giovanni Segantini, oggi al
Musée d'Orsay, e Fiore reciso (il
morticino) (1903 – 1906) di Giuseppe
Pellizza da Volpedo, sempre nello stesso
museo parigino.
Secondo: le sperimentazioni più
all'avanguardia al tempo sono quelle
cubiste, conosciute da Boccioni durante
il già citato viaggio a Parigi, delle quali
vari elementi sono riconoscibili nel
trittico. Ad esempio: la scomposizione
delle forme per renderne più punti di
vista contemporneamente (come nei
volti di Quelli che vanno) o
l'inserimento di componenti
extrapittorici come i numeri (vedasi la
locomotiva degli Addii). Alla lezione
cubista vengono unite le proprie
esperienze espressioniste: la ricerca
boccioniana infatti non è verso un
purismo delle forme, quanto piuttosto
verso una resa emotiva efficace, diretta,
che possa rappresentare emozioni forti
attraverso i colori tipici espressionisti.
Infine, sul piano contenutistico,
Boccioni riprende probabilmente un
altro famoso (all'epoca) trittico, ma di
Charles Cottet del 1898 intitolato Au
pays de la mer: Ceux qui s'en vont, Le
repas d'adieu, Celles qui restent, oggi al
Musée d'Orsay; rappresentante la
partenza di marinai bretoni, l'opera è di
matrice simbolista.
Gli addii (70,5 × 96,2 cm)
Il vapore di un treno avvolge la scena
caotica in cui viaggiatori e
accompagnatori si fondono grazie alla
stilizzazione della composizione con
linee veloci e irrequiete: l'insieme
risulta un turbinio aggrovigliato di
forme in cui si possono riconsocere degli
elementi ancora “naturalistici” assieme
ai sopracitati numeri impressi sulla
locomotiva, l'unico punto non in
movimento dell'insieme. Le linee
sinuose poi accompagnano l'occhio
dell'osservatore nel movimento della
coppia abbracciata dalla parte in alto a
sinistra, poi verso lo spettatore e infine
indietro in direzione del fondo;
contrapposte a queste è il triangolo
della locomotiva. I colori dominanti non
sono banalmente il nero della tristezza
o il blu malinconico, ma il rosso, il giallo
e l'intermedio arancione.
Lo scopo è un'analisi introspettiva e
psicologica incentrata sul viaggio nel
mondo contemporaneo: infatti varie
coppie si abbracciano sulla tela, mentre
in quelle successive qualcuno rimarrà, e
qualcun'altro partirà; l'opera è il
preambolo delle altre due, ma il tema
generale resta sempre quello della
tristezza della separazione, qui in
particolare è il terribile attimo prima
del distacco.
Quelli che vanno (70,8 × 95,9 cm)
Il movimento del treno che lascia in
fretta la stazione, assieme al
sentimento di solitudine e passione che
divora le budella dei viaggiatori dopo
l'addio, è dato dalle linee oblique che
tagliano i volti dei personaggi, anche se
possono apparire quasi inespressivi,
come fossero delle macchine parte del
paesaggio tecnologico contemporaneo.
In questo caso sono proprio i colori
freddi che predominano: blu e verde.
Quelli che restano (70,8 x 95,5 cm)
Ormai non resta che la silente
disperazione e la tristezza per quelli che
sono rimasti nello stesso punto in cui
fino a poco fa hanno dovuto dire addio
ai propri cari: le linee verticali infatti
predominano sui corpi dei mesti
protagonisti a simboleggiare la
solitudine dopo il distacco. Piano piano,
a testa china, gli accompagnatori si
allontanano, indifferenti al dramma
identico di quelli che gli stanno attorno:
nonostante il caos e la frenesia del
mondo moderno – forse ciò è quello che
l'artista vuole dirci – emergono con
forza le sensazioni più intime
dell'essere umano; anzi, forse proprio
l'ambiente creatosi grazie
all'avanzamento tecnico della società
pesa sulla psicologia di chi ci vive. Che
Boccioni stesse quasi facendo un passo
indietro rispetto al mito futurista?
L'opera è dipinta in due versioni nello
stesso periodo di tempo (la seconda
versione più elaborata è quella in
mostra) in Via Adige a Milano, dove
l'artista abita con la madre, oggi area
della moda e del lusso milanese.
- Räd
RUBRICA: VIAGGI FANTAREALI E I luoghi di interesse sono la Cattedrale,
DOVE TROVARLI terza chiesa più alta del mondo
di Virginia Pignatti caratterizzata dalle sue ampie navate e
le sue guglie sporgenti tipiche
dell'architettura gotica. Oltre al Duomo,
Lontano dagli occhi, lontano dal sono rimasta anche particolarmente
cuore: Diario di un'italiana in colpita dalla passeggiata del Reno, dove
Germania ci sono vari musei tra cui il museo
Olimpico e quello della Cioccolata, in
cui è possibile guarnire le barrette di
Vi piace viaggiare ed intraprendere
cioccolato da soli.
nuove esperienze sia reali che
fantastiche? Bene, allora siete nel posto
giusto!
Oggi faremo un'esperienza un po'
diversa dal solito. Condividerò in prima
persona con voi le gioie e le difficoltà dei
miei cinque mesi in Germania e di
quanto sia difficile stare lontani dalla
propria famiglia e dagli amici.
Comincio col dirvi che sono partita il 12
febbraio 2014 all'età di 17 anni, quando
frequentavo il mio quarto anno di liceo
linguistico. Con altri due studenti, ho
preso il volo da Venezia per
Francoforte, per poi spostarmi nella
piccola Wiesbaden, non lontano da
Foto 1: Koeltscher Dom (febbraio 2014)
questa. Qui abbiamo conosciuto i
membri tedeschi dell'associazione di
scambio e siamo rimasti per 3 giorni. Purtroppo, già dall'inizio, nonostante
mi trovassi molto bene a Colonia, ho
Il quarto giorno ci hanno smistato nelle
avuto molti problemi con la mia prima
varie famiglie: la mia prima famiglia
famiglia ospitante. Avevamo abitudini
ospitante, che risiedeva a Colonia, nel
diverse, eravamo incompatibili sia dal
Bundesland Reinland-Pfalz, era
punto di vista pratico che per quanto
composta da una madre e una figlia,
riguarda i modi di pensare. Ad esempio,
allora quindicenne.
ogni volta che andavo a scuola, ero
La città di Colonia mi ha seriamente obbligata a lasciare il cellulare a casa e
affascinato: percorribile a piedi o in bici madre e figlia si lamentavano perché
così come con le U-Bahn (le all'epoca ero molto disordinata.
metropolitane tedesche), essa è Ciononostante, gli sono molto grata
soprattutto interessante la sua perchè con loro durante le vacanze
multiculturalità: ad esempio, qui ho pasquali a fine aprile ho avuto modo di
stretto amicizia con un ragazzo turco e visitare la capitale tedesca: Berlino, una
una ragazza di Praga. città molto moderna spaccata in due da
un confine che resiste tutt'ora e la mia mamma e il mio papà ospitante,
rappresenta concretamente un punto ma anche con mia sorella ospitante di
d'incontro tra mondi culturali differenti, 10 anni più grande e sono felice che
nonché un simbolo di lontanza e ancora oggi siamo in contatto
separazione dalle proprie radici. Data nonostante sia passato il tempo.
significativa per il muro di Berlino è il 9
novembre 1989, quando esso venne
abbattuto. Da quel momento furono Neuberend, la cittadina dove vivevano
realizzati sui brandelli rimasti murales in campagna, dista 6 km da Schleswig,
artistici di pittori contemporanei, la città dove andavo a scuola, e ricordo
facendo così nascere la East Side con piacere i miei 15 kilometri
Gallery. giornalieri in bicicletta lungo la
campagna del nord, dove a metà del
Berlino inoltre ospita diversi musei e
percorso vi erano delle pale eoliche.
monumenti di grande rilievo
internazionale tra cui il Pergamon e la
porta di Brandenburgo. Oltre a Berlino
Con la mia seconda famiglia ho avuto il
in quell'occasione ho avuto anche modo
piacere di visitare Amburgo, città
di vistare una città limitrofa, Potsdam
completamente diversa da Berlino
con il suo castello di Sansoci, che per
perché più antica. Presenta vari luoghi
alcuni aspetti stilistici ricorda la reggia
e monumenti tra cui la sua vasta piazza
di Versailles.
del municipio ed il duomo di San
--------- Michele. Ma più di tutto mi ha colpito la
passeggiata sul fiume Elba che culmina
Dopo tre mesi di conflitti e un ritiro con
nello spettacolare Jungferstieg, una
l'associazione tedesca in Baviera, sono
sorta di cascata.
stata mandata via quasi senza
preavviso dalla mia prima famiglia.
Ricordo ancora che lasciai Colonia con
le lacrime agli occhi diretta all' estremo
nord del paese nello Schleswig-Holstein
dove avrei trovato la mia nuova
famiglia. Il pensiero di non sapere a
cosa andassi incontro mi spaventava;
tuttavia, dall'altra parte, dovevo essere
forte se non volevo perdere l'anno
scolastico ed essere rispedita in Italia. Il
mio viaggio, aimè, fu disastroso: dopo Foto 2 : Jungfernstieg-Amburgo
un guasto presi il treno sbagliato e (maggio 2014)
quasi mi ritrovai a Lubecca. Per fortuna
grazie al mio futuro fratello ospitante
riuscii a comunicare il mio ritardo di Oltre alla meravigliosa Amburgo ho
un'ora. Arrivata al nord pensavo di visitato molto della Germania del Nord,
ritrovarmi con una famiglia fredda e ricordo in particolare la bellissima isola
senza cuore come la precedente. Invece di Sylt e i suoi Strandkoerbchen,
mi sbagliavo: ho legato moltissimo con particolari sdrai presenti in questa
zona. Con la mia mamma ospitante,
inoltre abbiamo anche fatto una
capatina in una città portuale danese al
confine con la Germania, Sonderborg.
E in un battito di ciglia dopo 2 mesi di
pace e tranquillità e una straziante
festa d'addio arrivò il 12 luglio 2014,
data del mio ritorno in Italia. Mi
ritrovai a Francoforte poi a Venezia,
dove tutto era cominciato.
Fortunatamente non ero sola, ma in
compagnia della mia sorella ospitante,
curiosa di conoscere le bellezze di
Trieste. Della mia esperienza posso dire
che è stata meravigliosa, nonostante i
difficili ostacoli che ho dovuto superare.
Ricordo ancora con commozione tutti i
miei 5 mesi in Germania e sicuramente
per tutto ciò che ho fatto posso dire che
ne è valsa la pena. Almeno una volta
nella vita un lungo viaggio all'estero va
intrapreso e goduto al massimo come
testimonia la mia esperienza.
Questo diario termina qui... Spero vi sia
piaciuto. Alla prossima meta!
- Virginia Pignatti
RUBRICA: PAROLE IN DIALOGO
di Mark Veznaver
Lontananze a Trieste: incontri con
l'Altro e la Trascendenza in una
terra di frontiera
“Nell'oscurità latente/della nebbia che
cala sul molo/m'attendi porto sicuro,/con
la poesia della tua forma d'Austria/e il
lento sapore di un blues/degli anni che
mai furono perduti”, scrivevo poco più
di un anno fa riguardo a Trieste, nei
versi iniziali di una delle (non tante)
poesie che ho avuto modo di leggere
negli ultimi sei anni agli incontri
settimanali di poesia organizzati da
Poesia e Solidarietà, associazione di
poesia e volontariato diretta, fino alla
propria scomparsa da Gabriella Valera,
una delle più grandi protagoniste della
vita culturale e letteraria triestina,
nonché personaggio delle cui attività si
è già discusso abbandantemente in
queste pagine.1 Trieste è sempre stata
così: punto di raccolta d'esuli e
emarginati, terra di cercatori d'isole
introvabili; un “ragazzaccio” (Saba,
“Trieste”, v. 10) che, nonostante la
propria voracia e asperità d'animo,
s'apre al mondo, lo accoglie e lo avvolge
in un “abbraccio spalancato alle
correnti” (il verso proviene da una delle
poesie segnalate nel 2019 al Concorso
Internazionale di Poesia e Teatro
“Castello di Duino”, certame letterario
per la cui premiazione, che si svolge
solitamente a fine marzo-inizio aprile,
la capitale giuliana è raggiunta da
duemila poeti provenienti da più di
cinquanta paesi). Questo porto di mare,
dove – come scrive il poeta triestino
Ottavio Gruber in una delle sue tante
liriche non pubblicate – “alle volte le
navi/sono tante e aspettano/persino alla
fonda”, mentre “[a]ltre volte/le banchine
sono vuote/e le onde/ci ascoltano
impassibili”, è definito dalla propria
storia come un luogo deputato
all'incontro tra l'io e la Trascendenza,
mistero che, nelle parole di Emmanuel
Lévinas, si ritrova incarnata “nel volto
dell'Altro” (Valera 406).2 Che è anche il
volto di intellettuali giudeo-sefardite
come Marietta Micca Alcalay de Gross,3
con cui nei primi anni del Novecento
l'intellettuale spagnolo Angel Pulido
intrattiene un dialogo che apre una
nuova pagina nella lunga storia del
complesso rapporto tra la Spagna e le
comunità di ebrei cacciate nel 1492 da
Isabella e Ferdinando di Castiglia; o
quello di Laura Papo Bohoreta,
scrittrice e drammaturga anche lei di
etnia sefardita, che in un suo
frammento parla della “[s]plendida città
di Trieste”, descrivendo lo stupore di chi
viaggia di fronte al “grande porto, [al]
mare, [al]l'immensità, [e al]la melodiosa
lingua italiana, il guasto dialetto
triestino che accarezza il viso dello
straniero”; oppure quello degli esuli
dalmati e istriani fuggiti dalla dittatura
di Tito negli anni '50, a cui hanno
saputo dar voce narratori della
lontananza dalla madreterra istriana
quali Fulvio Tomizza e Giani Stuparich,
e poeti come lo stesso Ottavio Gruber, le
cui liriche trasudano ricordi e nostalgia
per la sua amata Isola; o infine – senza
toccare il destino di personaggi le cui
vicende triestine sono più note, come il
proverbiale trittico letterario formato
da James Joyce, Umberto Saba e Italo
Svevo – il volto di Dante Alighieri,
fiorentino, che in base a quanto
testimoniato da evidenti tracce testuali,
documenti e brani della Commedia e del
De vulgari eloquentia,avrebbe
conosciuto le terre dell'Istria e della
bassa Venezia Giulia nei primi anni del
suo esilio, giungendo fino “a Pola,
presso del Carnaro,/che chiude Italia e i
suoi termini bagna” (Inferno, Canto IX,
vv. 113-114) e fermandosi a
contemplare l'orizzonte su di uno
scoglio presso al Castello di Duino, che
ancora oggi porta il nome di Scoglio di
Dante.4 Perché quella di Trieste è
sempre stata un'identità paradossale,
unicum fondato sulla pluralità, porto
che – in parole non a caso dantesche –
accoglie in sé e disperde “ciò che per
l'universo si squaderna” (Paradiso,
Canto XXXIII, vv. 86). Non-luogo
dell'anima, capitale della fantasia e
dell'immaginazione, Trieste è stata
sempre depositaria privilegiata di
profonde verità sull'umana esistenza e
convivenza terrena, si è sempre
nascosta, rivelandosi nel proprio
mistero, “nell'abbraccio della [s]ua
sera”, “[nel]la [s]ua solitudine/parente
dell'infinito”5; portando il viandante
all'ultimo stadio di ogni forma di
contemplazione del reale: attraverso il
volto dell'Altro, fissare il volto di Dio.
1 In questa stessa rubrica:
“Scendevamo giù per la collina:
trascendenza e creatività nella poesia di
Gabriella Valera Gruber”. Artù 1.2: 21-
23
2 Gabriella Valera. “Diritto di dialogo,
etica del discorso, e nuovi diritti (dopo il
decostruzionismo)”. Materiali per una
storia della cultura giuridica 44.2
(2014): 405-427
3 Ana Cecilia Prenz. “A Trieste
qualcuno scriveva in giudeo-spagnolo.
Appassionata storia della genesi di un
libro che in Spagna ha segnato la
storia”.
4 https://yestour.it/castello-vecchio-di-
duino-trieste/
5 Questi meravigliosi versi provengono
da una poesia di El mar de suelo,
poemario prossimo alla pubblicazione di
Alan Bojórquez Mendoza, vincitore nel
2018 della XIV edizione del Concorso
Internazionale di Poesia e Teatro
“Castello di Duino”.
- Mark Veznaver
Lontananza. Il tema di questo
numero di Artù.
Quando Mark Veznaver me ne ha
accennato al telefono proponendomi un
intervento scritto sono rimasto un po'
sovrappensiero poi d’istinto ho collegato
la lontananza con la solitudine e
immediatamente dopo al capolavoro
musicale di Fabrizio De Andrè “Anime
Salve” dall’etimo Spiriti solitari.
Ecco che la poesia si abbraccia con la
musica ed insieme si incamminano
Forse,
andando per le vie della città
dolcemente appoia sui colli
non lontano
si immagina il mare
silenzi…
Non lontano
altre città si specchieranno.
Tutte le voci si raccoglieranno
In quello spazio
Che separa riva da riva.
(Gabriella Valera, “Il Molto è breve”)
Ed ecco che la lontananza si coniuga
con la solitudine quel lento distaccarsi
dalle appartenenze dagli incontri
sempre più rari con lo spazio da
superare quando non c’è suono che basti
ad attraversarlo o parola attraverso il
quale si possa ascoltare.
Dalla mia riva
solo il tuo fazzoletto chiaro
dalla mia riva
nella mia vita
il tuo sorriso amaro
nella mia vita.
Mi perdonerai il magone
ma ti penso contro il sole
e so bene che stai guardando il mare
un po' più al largo del dolore
(“Dalla mia riva”, traduzione)
Anime sole – spiriti solitari – li
definisce, e si definisce, Fabrizio De
Andrè in un suo lavoro realizzato con la
collaborazione di Ivano Fossati ed altri
musicisti.
La musica, note; la poesia, parole
prendono lo stesso cammino.
Un cammino che allontana per le strade
del mondo e in quell’allontanarsi con lo
sguardo rivolto da una riva all’altra del
proprio paese della propria città diventa
cammino di solitudine in mezzo alla
folla e nella folla dei pensieri.
Vi lascio questi miei brevi pensieri nella
speranza che anche se fatti in
lontananza senza quello scambio di
sguardi e di parole ravvicinate che
tanto bene farebbero all’anima e cn
questi versi che di solitudine e
lontananza conoscono bene il verbo.
Affascinato dalla solitudine
tra cielo e mare,
ugualmente sterminati,
gurdo l’orizzonte
rosa.
D’improvviso, si fa rosso,
mentre il sole si alza
ad ascoltare la nebbia.
Tra le foglie ingiallite,
l’odore dell’inverno
ghiaccia i pensieri.
Briciole di nuvole,
la neve,
nasconde quella terra
ormai lontana.
- Luciano Valera
RUBRICA: BIT GENERATION
Sotto questo cielo ti cerco nei
ricordi
Sotto questo cielo ti cerco nei ricordi
chiedendomi se le stesse nubi vediamo,
forse i mesi e gl’anni non posson
scolorire gli accordi,
forse ancora insiem li suoniamo;
Se sapessi che il mio futuro giace nei
brillamenti
gl’infiniti cieli percorrerei alla ricerca
della verità,
così gelerebbero dimenticati i tormenti
e nessuna casa troverebbe l’oscurità;
Ti cerco nei sentieri della vita e nella
città bagnata,
ti trovo, silenzioso e armato di platonica
fortezza insegui gl’ideali,
eppure la tua anima parla, chiede, ed io
le rispondo;
Dovunque ci condurranno i sogni, mai
mi chiamerò vagabondo:
finché la tua presenza forgerà le mie ali
il Sole non le brucerà, e da costanti
torce la via sarà illuminata.
- Chiara Galetto
Il barbone morente
Tutti guardano, ma nessuno vede.
Cieco trambusto.
Celato da ombre lievi ed invisibili,
il tempo si affanna a compiere il suo
percorso.
Domani non eleverò lo sguardo per
cercare il sole brillare sul mare,
nè la luna echeggiare oltre il monte dei
miei orizzonti.
Domani non aprirò il palmo della mia
mano,
nè userò l'indice per indicare lo
splendore del tramonto.
Domani non chiederò l'elemosina al
primo viandante che passa.
Domani non terrò stretta la coperta
intrisa dei dolori
che nella vita non ho saputo affrontare.
Solo oggi comprendo,
mentre vedo affievolite le mie luci,
quanto sia stato vorace il silenzio della
mia mente.
Cala la sera. Cala la notte.
Poggiato sulla vetrata della porta
intravedo l'ultima stella dipinta più
chiara delle altre,
e sembra suggerirmi che potevo far
meglio.
Mentre l'osservo, in un attimo capisco il
mistero dell'umana esistenza...
Quasi un sussulto, tardivo risveglio.
Io sono così: la mia scelta è il mio
destino.
Non ho rubato, non ho ucciso, non ho
abusato del potere.
Ho solo cercato per me stesso un piccolo
spazio che mi era negato.
Io vado bene così.
Tanti credono che io sia un animale, un
parassita.
Ma rinchiuso nella mia tana sono anche
capace di amare.
Pensieri che sfumano.
Cala il sipario sul volto, s'adagiano le
membra.
Cessa lievemente l'ultimo alito...
mentre sfiora silente la saggezza
dell'Infinito.
Solitudine. Silenzio. Fa freddo.
Tra la frenesia e l'indifferenza
si corre ancora nella stazione:
al primo binario l'ultimo treno sta per
partire.
- Edy Mathias Dionis
EUROPA
Ma come fanno gli aerei
fra Berlino e il Futuro
a rincorrere l’alba:
come fanno a volare -
come i nostri sogni perduti -,
ora che non mi aspetti più
al varco del terminal
per baciarmi ancora un’ultima volta?
Come fanno, come mai
ti amo dall’altra parte d’Europa?
E anche se sei
a 2000km di gente,
a 2000km di parole da me -
un po’ troppo lontana per amarti -,
hai l’abitudine di mancarmi
e io di cercarti
con gli occhi rossi:
perché è uguale da qui
a Vienna, al tuo cuore,
da Barcellona al mio bicchiere,
questa notte d’Europa
- Räd
Serbo cirillico:
Дејтон
Мишко јутрос се пробудио
Попио кафу и разбудио
Чита новине, прва страна
Пише велико: “ЗА ТРИ ДАНА!”
Рат се спрема увелико
Освета је у првом реду
Рат је спреман навелико
Кажу “Решење је за ову беду.”
Ал шта ће ми живот ако пушку у свог
брата уперим...
Мржња обузела мога деду
Тешки терет то за његову седу
У младости борио се јако
Попут њега много хиљада тако
Ал тужно је то што и нови млади
Одрасли али у времену стали
Без главе крећу брзо у побој
Крви жедни и у смрти гладни
Ал шта ће ми живот ако пушком на
свог брата опалим...
Ми сви овде на Балкану
Волимо рећи да смо Божји народ
И стварно као Адамов изрод
Један другог секиром у главу
Где је крај овог крвопролића?
Где је нестало опроштење?
Питам тебе драги Оче
“О да, Дејтон се десио јуче.”
Serbo lettere latine:
Dejton
Miško jutros se probudio
Popio kafu i razbudio
Čita novine, prva strana
Piše veliko: “ZA TRI DANA!”
Rat se sprema uveliko
Osveta je u prvom redu
Rat je spreman naveliko
Kazu “Rešenje je za ovu bedu.”
Al šta će mi zivot ako pušku u svog
brata uperim...
Mrznja obuzela moga dedu
Teški teret to za njegovu sedu
U mladosti borio se jako
Poput njega mnogo hiljada tako
Al tuzno je to što i novi mladi
Odrasli ali u vremenu stali
Bez glave kreću brzo u poboj
Krvi zedni i u smrti gladni
Al šta će mi zivot ako puškom na svog
brata opalim...
Mi svi ovde na Balkanu
Volimo reći da smo Bozji narod
I stvarno kao Adamov izrod
Jedan drugog sekirom u glavu
Gde je kraj ovog krvoprolića?
Gde je nestalo oproštenje?
Pitam tebe dragi Oče
“Oh da, Dejton se desio juče.”
Italiano:
Dayton
Miško stamattina si è alzato
Ha bevuto il caffè e si è svegliato
Legge il giornale, sulla prima pagina
Sta scritto grande: “TRA TRE
GIORNI!”
La guerra si sta preparando in grande
La vendetta è in prima fila
La guerra è pronta alla grande
Dicono “È la soluzione per questa
miseria.”
Ma a che mi serve la vita se punto il
fucile verso mio fratello…
L’odio ha preso possesso di mio nonno
È un fardello pesante per i suoi grigi
In gioventù ha combattuto
intensamente
E come lui molte altre migliaia
Però triste è che anche i nuovi giovani
Cresciuti ma fermi nel tempo
Senza testa si affrettino alla battaglia
Assetati di sangue e affamati nella
morte
Ma a che mi serve la vita se sparo col
fucile a mio fratello…
Noi tutti qui sui Balcani
Amiamo dire di essere popolo di Dio
E veramente come il frutto di Adamo
L’un l’altro un’ascia in testa diamo
Dov’è la fine di questo spargimento di
sangue?
Dov’è finito il perdono?
Chiedo a te caro Padre
“Ah già, Dayton è stato ieri.”
- Dragan Bjelic
BREVI STORIE LONTANE
La nave dei filosofi
Fu nel novembre 1922 che Aleksandr
Kostantinovič Rusilov, salendo a bordo
della Preussen, sentì le forbici del
destino praticare quel taglio
irreparabile nella sua persona di carta
velina. C’era un Rusilov che
abbandonava per sempre l’ormai
irriconoscibile Sovdèpija, prossima
fermata Stettino; e c’era un Rusilov che
invece restava a salutarlo dalla
banchina, agitando imprudentemente il
kartuz dalla visiera sformata e
rassegnandosi a convivere con i soviet e
i loro deputati, con le loro convinzioni
politiche (chiarissime, ahimè) e
artistiche (un po’ meno chiare, per il
momento). Del Rusilov che scelse di
rimanere a Pietrogrado oggi non resta
molto: qualche racconto uscito sulla
«Krasnaja nov’» all’ombra di compagni
di strada ben più significativi, una
raccolta pubblicata nel 1925 con una
dedica di cui in seguito si sarebbe
pentito, un romanzo che un anonimo
recensore nel 1930 voleva fargli
ingoiare pagina per pagina, una
sceneggiatura datata 1932 per un film
che non venne mai realizzato, diverse
lettere sia alle persone giuste che
sbagliate (ma soprattutto alle persone
sbagliate), un anacronistico Inno a
Lenin che nel 1935 non poteva passare
neppure per semplice ipocrisia, qualche
frenetica telefonata a gente che non
poteva e non voleva aiutarlo, un paio di
verbali compilati in tutta fretta. Il resto
non è chiaro.
Sulla metà di Rusilov che da Stettino
raggiunse Berlino, poi Amburgo e infine
New York disponiamo di qualche
notizia in più. Negli anni Venti insegna
lingua e letteratura russa per un paio di
scuole private, e a tempo perso scrive
una manciata di racconti in inglese che
suscitano brevemente l’interesse
dell’editore Liveright (le buste con gli
originali vengono smarrite, per poi
rispuntare in un garage di Buffalo nel
1984). Si propone anche per una
traduzione integrale dell’Evgenij
Onegin di Puškin, ma senza successo
(in futuro ci penserà qualcun altro). Nel
1934 cambia il suo nome in “Alexander
Adams”. Nel 1935 apre una tavola calda
nel sobborgo di Hell’s Kitchen, dove
offre agli avventori the real taste of
authentic Russian cuisine, come recita
l’insegna. Il nome del quartiere gli offre
lo spunto per un romanzo fantastico su
un’ipotetica “cucina del diavolo”. Ci
pensa spesso, ma non scrive nulla. Gli
affari vanno così così.
Nel 1938 sposa una certa Kathy
Nussbaum, in precedenza cameriera
presso il suo locale. Hanno due figli. In
un radioso giorno di marzo del 1953, in
occasione della morte di Stalin, offre
scodelle di boršč gratis a chiunque passi
di lì. Muore un anno dopo, nel 1954. Nei
suoi ultimi istanti di vita, non ricorda di
essere stato uno scrittore. Non ricorda
neppure di essersi chiamato Aleksandr
Kostantinovič Rusilov.
All’attenzione di S.E. il Presidente
della Repubblica
LUSINGATO AVER RICEVUTO
VOSTRA MISSIVA STOP MI
RINCRESCE NON ACCETTARE STOP
GENTE CHE ORA CHIEDE MIO
RITORNO STESSA CHE VENT’ANNI
FA CHIEDEVA MIO
ALLONTANAMENTO STOP GENTE
CHE ORA MI APPLAUDE STESSA
CHE VENT’ANNI FA MI DAVA
SCHIAFFI STOP NON MI
INTERESSA GUERRA STOP NON MI
INTERESSA ESITO REFERENDUM
STOP VOSTRA GENTE NON È PIÙ
MIA GENTE STOP VOSTRO PAESE
NON È PIÙ MIO PAESE STOP
NEANCHE QUI DOVE VIVO È MIO
PAESE STOP NON HO PIÙ PAESE
DAVVERO MIO STOP MI STA BENE
COSÌ STOP SONO AFFARI MIEI
STOP PREGO NON CONTATTARMI
PIÙ STOP.
Le luci di San Alejandro
Nel malinconico aprile 1887 José
Moreno Jimenez Santos, attorniato
dagli altri esponenti del Partido
Liberal, osservava dal ponte della
Leonor la luce del porto di San
Alejandro in fiamme farsi sempre più
piccola e distante. I flutti portavano
ancora l’eco degli spari vittoriosi delle
truppe conservatrici. Fu allora che
iniziò a mormorare le prime strofe di
quello che sarebbe poi divenuto il nuovo
inno nazionale: Nuestra patria es un
miraje, principio y fin de nuestro viaje…
Nel rigido novembre 1896 il generale
Rafael Antonio Sierra Gutierrez,
circondato dagli altri notabili del
Partido Conservador, guardava i tetti di
San Alejandro avvampare in
lontananza mentre il rimbombo
trionfante dei cannoni liberali si faceva
sempre più forte. Senza neppure
scendere di sella, iniziò a dettare al suo
aiutante di campo il primo capitolo delle
Memorias, la cui lettura sarebbe poi
divenuta obbligatoria in tutte le scuole
del Paese: Per quanto sia dura la sorte
che ora ci spinge esuli e raminghi
lontano dalla nostra Patria indomita,
giammai abbandoneremo la gloriosa
certezza del nostro ineluttabile ritorno.
Nel languido maggio 1908 José Moreno
Jimenez Santos, dopo aver abbandonato
il capo sul petto ancora ansimante della
dolce Colette, si perse a rimirare le luci
di Pigalle oltre la finestra. Ed ecco che
quelle insegne sbracate si facevano
sempre più sfocate e confuse, per
lasciare posto ai fanali che
illuminavano la facciata barocca del
Palacio Nacional, ai lampioni a gas
lungo l’Avenida de los Héroes, alla luce
del piccolo faro di Punta del Norte. Sì,
quelle erano le luci di San Alejandro.
Iniziò allora a mormorare le prime
strofe del vecchio inno nazionale, che i
conservatori avevano appena proibito:
Nuestra patria es un miraje, principio y
fin de nuestro viaje…
Nel severo dicembre 1913 il generale
Rafael Antonio Sierra Gutierrez,
sorseggiando il rye whiskey gentilmente
offertogli dal signor Bentley assieme al
sostegno incondizionato del Congresso e
a un notevole quantitativo di armi,
uomini e munizioni, si perse a
contemplare il buio delle strade di
Washington oltre la finestra. Eh sì, San
Alejandro con le sue luci era tutta
un’altra cosa. Iniziò allora a ripetere tra
sé e sé il primo capitolo delle sue
Memorias, le cui copie in quel preciso
istante venivano date alle fiamme dai
liberali sulla Plaza Grande: Per quanto
sia dura la sorte che ora ci spinge esuli e
raminghi lontano dalla nostra Patria
indomita, giammai abbandoneremo la
gloriosa certezza del nostro ineluttabile
ritorno.
Nel mesto giugno 1921…
La sindrome di Atlantide
Il podestà non sapeva che pesci pigliare.
Se la cosa fosse arrivata alle orecchie
del prefetto…! O del segretario
federale…! Quel poveretto comunque
non faceva nulla di male. Se ne stava
con le mani in tasca a contemplare il
mare, con un’espressione d’indicibile
tristezza. Interrogato dai passanti,
rispondeva di chiamarsi Xulaxu e di
essere l’ultimo dei saggi che un tempo
avevano governato la grande Atlantide,
prima che questa sprofondasse
nell’oceano. Peccato che fino a tre giorni
prima si chiamasse Bertacchi e facesse
il farmacista. Che diavolo gli era
successo? Il pathos con cui si metteva a
descrivere le raffinate architetture della
città perduta e la terribile onda
apocalittica che le aveva distrutte non
lasciava spazio a dubbi: ormai era un
pazzo fatto e finito. E così il podestà
aveva dato ordine che lo portassero alla
casa bianca dietro la pineta.
Pochi giorni dopo, però, ecco che la
maestra salì sul tetto della scuola e si
mise a fissare il cielo.
Ai soccorritori raccontò di chiamarsi
Risingra, e di essere appena scappata
con un razzo da Saturno dopo l’attacco
dei nettuniani. Il podestà sospirò. Nella
casa bianca dietro la pineta c’era posto
anche per lei.
Dopo qualche settimana di tranquillità,
un tale sulla spiaggia si mise di punto
in bianco a scavare a mani nude nella
sabbia, sostenendo di voler tornare a
casa sua, nel favoloso continente
sotterraneo di Agartha.
Il podestà scosse la testa, mentre
mandava a chiamare quelli della casa
bianca dietro la pineta.
Ci fu poi quella sartina che voleva
assolutamente tornare nel giardino
dell’Eden da cui l’avevano scacciata gli
arcangeli, il bagnino che chiedeva
indicazioni per raggiungere l’ultima
Thule dove lo aspettavano gli altri
vichinghi, la cameriera presa da una
fortissima nostalgia per il regno del
Prete Gianni, il telegrafista che
sospirava al pensiero della sua infanzia
felice trascorsa nella terra di El
Dorado…
Nella casa bianca dietro la pineta c’era
posto per tutti.
Il podestà non capiva. Perché i suoi
concittadini impazzivano? Perché
all’improvviso si convincevano di essere
nati in qualche posto immaginario, di
cui parlavano con dolore e rimpianto
perché lì e solo lì potevano sentirsi
davvero felici? Bisognava essere
davvero matti. Avevano la fortuna di
vivere nel Paese più bello del mondo, la
cui bellezza era addirittura
raddoppiata, anzi, triplicata da quando
lo guidava l’uomo più intelligente e
coraggioso del mondo, anzi, dell’intero
universo! Perché non potevano essere
felici qui e ora, come tutti? Perché si
ostinavano a inventarsi Atlantide e
Shangri-La? Eppure nella loro follia
sembravano davvero felici. Aveva visto
Xulaxu e Risingra, cioè il farmacista
Bertacchi e la maestra camminare
mano nella mano mentre parlavano
delle meravigliose torri inabissate di
Atlantide, e del commovente splendore
degli anelli di Saturno…
Il podestà sudava sotto il pesante fez
nero, che non si toglieva neppure
all’interno del suo ufficio.
Di certo si trattava di un complotto
ordito dalle subdole potenze
demoplutocratiche. O forse era il
federale che aveva escogitato tutto per
fargli terra bruciata attorno, e
sostituirlo con qualche suo pupillo…
Poi ci fu la guerra: Grecia, Jugoslavia,
Russia, i bombardamenti, lo sbarco e a
fine luglio quello strano messaggio che
la radio aveva appena finito di
trasmettere. Il podestà continuava a
non capire. Il prefetto non rispondeva al
telefono, gli ultimi comunicati arrivati
dalla capitale erano del tutto privi di
senso, la gente lì fuori continuava a
cantare e ad agitare bandiere…
Poi, all’improvviso, capì. Finalmente
tutto gli era chiaro. La sua storia, le sue
origini. Adesso sapeva chi era davvero.
Si tolse il fez, il cinturone, gli stivali e la
casacca d’orbace. Uscì così com’era,
senza badare alle grida e alla gente che
gli puntava contro il dito. Camminò fino
alla pineta, e bussò alla porta della casa
bianca. Non si era mai sentito così
lucido e tranquillo.
Fece un profondo inchino all’infermiere
guardingo che era venuto ad aprire, e si
presentò: egli era il Sommo Lama di
Shangri-La, e chiedeva umilmente
asilo.
- K. Rjepnin
Frammento dal racconto “Morena”
“Splendida città di Trieste! ...Che
grande porto! Il mare, l'immensità!
Quella che Morena conosceva solo nella
sua fantasia. La moltitudine di gente
sul molo!
Tipi strani! E la melodiosa lingua
italiana, il guasto dialetto triestino che
accarezza il viso dello straniero. Il
messaggero che li doveva trasportare a
Jaffa era un palazzo fluttuante
capolavoro della tecnica navale! Quali
novità. Quali scene meravigliose. Tutto
questo incantava Morena. Gli anni e la
gioventù furono più forti del suo dolore!
Incominciò a dimenticare. Solo quando
giunse l'ora di partire, quando quel
fischio la fece palpitare, vedendo una
vecchietta che abbracciava sua figlia,
pianse, pensando ai suoi, che aveva
abbandonato! 'Verranno anche loro,
quando mi sarò trasferita!'”
- Laura Papo Bohoreta, trad. dal
giudeo-spagnolo di Mark Veznaver
Ulisse
Nella mia giovinezza ho navigato
lungo le coste dalmate. Isolotti
a fior d’onda emergevano, ove raro
un uccello sostava intento a prede,
coperti d’alghe, scivolosi, al sole
belli come smeraldi. Quando l’alta
marea e la notte li annullava, vele
sottovento sbandavano più al largo,
per fuggirne l’insidia. Oggi il mio regno
è quella terra di nessuno. Il porto
accende ad altri i suoi lumi; me al largo
sospinge ancora il non domato spirito,
e della vita il doloroso amore.
- Umberto Saba
E il mondo è breve alla melliflua melodia del verso
che mi accompagna. Solo strappi / e
Forse,
strida
andando per le vie della città,
laddove l'aria a chiunque il nome sveli
dolcemente appoggiate sui colli,
unico amico.
non lontano,
Per le strade vago,
si immagina il mare:
mirando come l'esule
silenzi…
che cerca alcun ristoro.
Ma rifugio non trovo
Non lontano
nella pianta d'alloro
Altre città si specchieranno.
meretrice
Tutte le voci si raccoglieranno
di falsa gloria e inutili corone,
In quello spazio,
la cui infeconda radice
che separa riva da riva,
da sedicenti poeti
vita da vita,
fu consunta
profilo solitario dell’effimero,
che si stempera
Mi sono comportata molto male
nella morbidezza della sera.
in altri tempi.
Con il mio stesso flagello
E il mondo è breve.
mi lasciai violentare
dai potenti.
Il mare, solcato,
Ora
scioglie il suo enigma di lontananze
battendo i denti
per il troppo gelo,
- Gabriella Valera
nell'aria vivo reclusa.
Ora
davanti ad ogni albergo trovo una porta
Esule antica
chiusa.
Mi aggiro per le strade
muta gridando. Nessuno m'ode, - Mark Veznaver
nessuno m'ascolta. Ogni porta è chiusa
INSERTO
“La patria, probabilmente, è come
la famiglia, se ne sente il suo valore
solo quando la si perde.”
E’ questo l’aforisma celebre con il quale
Gustave Flaubert vuole descrivere
l’idea di un senso di appartenenza alla
propria terra, un luogo degli affetti dove
una collettività condivide le stesse
tradizioni, usi e costumi , lingua e
religioni – secondo un’accezione
ottocentesca post risorgimentale. E’ in
questa maniera che molti popoli si
sonoriuniti, delimitando confini ben
precisi e dando origine a quello che si
può definire il “principio di nazionalità”.
Ma non tutti hanno avuto la stessa
sorte, o meglio, non tutti i popoli hanno
potuto sperimentare nel corso della
storia l’importanza di fondare le radici
su un territorio e di capire cosa vuol
dire lasciare la propria terra. Ad alcuni
popoli la terra non è mai stata
riconosciuta. Essi hanno dovuto
ricorrere alla violenza per difendere il
diritto dipossedere una terra in cui
fondare la propria identità culturale e
politica, venerare i propri santi ed
antenati . Un caso particolare è
accaduto nel Nord Italia, precisamente
nella Carnia tra il 1944 e il 1945,
quando Hitler mandò un contingente di
cosacchi a occupare le terre montane
del Friuli in cambio del loro supporto e
del loro contributo militare a favore
dell’impero nazista. Il termine “cosacco”
deriva dal turco “kozak” e vuol dire
‘libero, errante’. Effettivamente , i
discendenti dei cosacchi erano servi
della gleba i quali, dopo essersi ribellati
al regime autoritario zarista perdettero
la propria patria e furono costretti a
vagare per l’ignoto in cerca di una terra
da fondare che gli potesse garantire
stabilità e libertà.Tuttavia, vivendo nei
confini dell’area russa, gli zar li
avevano dato alle tribù cosacche
l’incarico di difendere i territori russi
dagli attacchi stranieri , come se fossero
vere eproprie sentinelle dell’impero.
Tale collaborazione cessò conl’avvento
della Rivoluzione Russa del 1917,
quando i bolscevichi presero le redini
dell’impero esiliando e uccidendo i fedeli
allo zar, cosacchi inclusi. La situazione
mutò ancora tra il 1941 e il 1943,
quando le truppe naziste iniziarono ad
occupare l’Urss e trovarono appoggio
nelle minoranze etniche, esuli zaristi,
prigionieri di guerra accomunati tutti
da un sentimento antibolscevico. Tra
questivi erano anche i cosacchi , che
strinsero un legame di particolare
intensità con i nazisti. Questi, grazie al
consensodel Ministro Rosenberg,
concessero ai cosacchi il permessodi
stanziarsi nelle terre carniche, dando
inizio a una convivenza coatta con la
popolazione autoctona. L ‘impatto
culturale fu inizialmente violento; In
breve tempo iiniziarono ad imporre il
loro stile di vita a cominciare dall’
ambito politico-sociale. Molte vallate
carniche vennero suddivise in distretti
che presero i nomi geografici a
secondadella propria provenienza dei
gruppi occupanti e venivano
amministrati da un loro atamano.
Accanto agli istituti tedeschi si
affiancarono quelli cosacchi: in breve
tempo essi crearono numerose strutture
ospedaliere per gli invalidi di guerra, il
cui polo principale si trovava a
Tolmezzo e includeva un reparto di
isolamento e di quarantena per
malattie gravi. Nonostante l’area
carnica fosse poco favorevole allo
sviluppo economico – fatto dovuto
principalmente alla conformazione del
terreno e all’isolamento di esso- i
cosacchi erano riusciti a farla risorgere
grazie al commercio di foraggio,
salgemma, cavalli e prodotti di
artigianato che richiamavano il folklore
caucasico e cosacco. Per il settore
primario, nonostante la scarsità di terre
coltivabili, essi erano riusciti a creare
numerosi appezzamenti di terreno
adatti per la coltivazione dell’uva e
della patata , prodotti che erano poi
venduti in tutta Europa. Inoltre, i
cosacchi si presero cura dell’istruzione e
delle iniziative culturali, volte
principalmente a esaltare il Fuhrer e lo
stretto legame con l’ideologia nazista.
In poche settimane, l’area carnica si
trasformò così in un crocevia di culture
asiatiche ed europee, fondendo quelle
caratteristiche riconosciute come
occidentali con tratti orientali. I primi
giorni dell’occupazione cosacca furono
caratterizzati da scontri dovuti alla
convivenza forzata; i cosacchi si
appropriarono di tutto ciò che trovavano
di casa in casa, si autoimponevano
tentando di prevalere sugli altri.
Tuttavia, con il passare del tempo i
rapporti si fecero man mano più stabili
e più accettabili; persino molti carnici
erano curiosi di scoprire le tradizioni
cosacche, specie in ambito religioso,
seppur la Chiesa avesse imposto il
divieto di non assistere a cerimonie
religiose estranee dal cattolicesimo.
Malgrado le differenze culturali, i
carnici e i cosacchi si resero conto di
essere accomunati dal problema
dell’approvvigionamento, dato che le
terre carniche avevanoben poco da
fornire.
L’ invasione si concluse tra aprile e
maggio del 1945, quando il generale
russo Vlasov comunicò all’atamano
Krassnov la sconfitta, obbligando ai
cosacchi a rifugiarsi in Austria, dove si
dovettero preparare a un’imminente
resistenza. Tuttavia, la storia della
ricerca da parte dei cosacchi di una
nuova patria non poté che avere un
finale tragico: sul confine fra Italia e
Austria essi furono fermati dalle truppe
inglesi, che li consegnarono ai loro
acerrimi nemici sovietici, dai quali essi
vennero deportati nei gulag siberiani.
L’esempio del Kosakenland rappresenta
quello di un popoloche ha sempre
lottato per sopravvivere e per
affermarsi, costruendo uno spazio dove
poter trovare nuove radici per la
propria cultura. Uno di quegli esempi
dove l’urgenza di cercare una propria
stabilità ha portato a invadere terre
altrui e attraversare l’Europa nel
tentativo di costruire la propria identità
anche in condizioni estremamente
sfavorevoli. Un po’ come il popolo
ebraico, che ha tentando di formare lo
stato di Israele si è scontrato con i vicini
islamici. Come loro, anche i cosacchi
provavano un forte senso di nostalgia
per la propria patria, colmato dai
numerosi elementi culturali introdotti
nelle aree da loro occupate alcuni dei
quali erano entrati a far parte dello
stile di vita locale. Quello dei cosacchi
fu dunque un tentativo di creare un
secondo mondo che potesse richiamare
il loro passato e il loro vissuto,
garantendo loro il diritto a una terrain
cui poter definire il senso della propria
storia.
https://www.carnialibera1944.it/docume
nti/occupazionecosacca.htm
- Roberto Ruspantini