Biografia di Pablo Picasso

Pablo Picasso, nato il 25 ottobre 1881, è stato un artista

innovativo che ha influenzato in modo significativo l’arte del
XX secolo. Non era solo un maestro pittore ma anche uno
scultore, incisore, artista della ceramica e scrittore. Il suo
lavoro è maturato dal naturalismo della sua infanzia
attraverso il cubismo, il surrealismo e oltre, dando forma alla
direzione dell'arte moderna e contemporanea attraverso i
decenni.
Picasso visse due guerre mondiali, ebbe quattro figli, apparve
in film e scrisse poesie. Morì nel 1973.
Tra il 1881-1900: Sebbene abbia vissuto la maggior parte dei
suoi anni da adulto in Francia, Picasso era spagnolo per
nascita. Originario della città di Málaga, in Andalusia, in
Spagna, era il primogenito di Don José Ruiz y Blasco e María
Picasso y López. Era cresciuto come cattolico, ma in seguito
si dichiarò ateo. Il padre di Pablo Picasso era un artista a sé
stante, guadagnandosi da vivere dipingendo uccelli e altri
animali da gioco. Ha anche insegnato lezioni di arte e curato il
museo locale. Don José Ruiz y Blasco iniziò a insegnare al
figlio il disegno e la pittura ad olio all’età di sette anni. Picasso
ha frequentato la School of Fine Arts di Barcellona, dove suo
padre ha insegnato. Nel 1897, Picasso iniziò i suoi studi alla
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando di Madrid,
che all'epoca era la migliore accademia d'arte spagnola.
Picasso partecipò solo brevemente in quanto preferiva girare
per le mostre d'arte al Prado, studiando dipinti di Rembrandt,
Francisco Goya e Diego Veláquez.Durante questo
periodo ,Picasso dipinse ritratti, come la Prima Comunione di
sua sorella Lola . Mentre il XIX secolo volgeva al termine,
elementi del Simbolismo e la sua interpretazione del
Modernismo iniziarono ad apparire nei suoi paesaggi stilizzati.
Nel 1900, Picasso andò per la prima volta a Parigi, il centro
della scena artistica europea. In poco tempo, Picasso si
trasferì a Madrid e visse lì per la prima parte del 1901.
Collaborò con l'amico Francisco Asis Soler su una rivista
letteraria chiamata "Young Art”. Quando è uscito il primo
numero, l'artista in via di sviluppo aveva iniziato a firmare le
sue opere "Picasso".

I periodi dell'attività pittorica di Pablo

Picasso
Da qui iniziano a differenziarsi diversi periodi che scandiscono
la sua carriera da artista:
• Periodo blu: essi si estendeva dal 1901 al 1904. Durante
questo periodo, l'artista dipinse principalmente in tonalità di
blu, con tocchi occasionali di accento di colore. Ad esempio,
la famosa opera d'arte del 1903, The Old Guitarist , presenta
una chitarra dai toni marroni più caldi tra le tonalità blu. Le
opere del periodo blu di Picasso sono spesso percepite come
cupe a causa dei loro toni attenuati. Gli storici attribuiscono il
Periodo blu di Picasso in gran parte all'apparente depressione
dell'artista in seguito al suicidio di un amico. Alcuni dei
soggetti ricorrenti nel periodo blu sono la cecità, la povertà e il
nudo femminile.
• Periodo delle rose: esso durò dal 1904 al 1906. Sfumature di
rosa e rosa permeavano l'arte di Picasso con un'aria più calda
e meno malinconica dei suoi dipinti del periodo blu. Arlecchini,
pagliacci e gente del circo sono tra i soggetti ricorrenti in
queste opere d'arte. Ha dipinto una delle sue opere più
vendute durante il periodo delle rose, Boy with a Pipe .
Elementi di primitivismo nei dipinti del periodo delle rose
riflettono la sperimentazione dello stile artistico di Picasso.
• Influenza africana: essa va dal 1907 al 1909, Picasso creò
una delle sue opere più note, Les Damoiselles d'Avignon.
Ispirato all'arte africana angolare che ha visto in una mostra al
Palais de Trocadero e da una maschera africana di proprietà
di Henri Matisse, l'arte di Picasso riflette queste influenze
durante questo periodo.
• Cubismo analitico: esso va dal 1907 al 1912, l'artista ha
lavorato per creare gli inizi del movimento cubista nell'arte. I
dipinti vengono realizzati con tonalità della terra. Le opere
raffigurano oggetti decostruiti con forme geometriche
complesse.
• Cubismo sintetico: esso andava dal 1912 al 1919. Le opere
di Picasso continuarono nella vena cubista, ma l'artista
introdusse una nuova forma d'arte, il collage, in alcune delle
sue creazioni. Ha anche incorporato la forma umana in molti
dipinti cubisti.
• Neoclassicismo e Surrealismo: Il periodo artistico di Picasso
che si estende dal 1919 al 1929 presentò un significativo
cambiamento di stile. Sulla scia della sua prima visita in Italia
e della conclusione della prima guerra mondiale, i dipinti
dell'artista, come l'acquerello Peasants Sleeping (1919),
riflettevano un restauro dell'ordine nell'arte e le sue opere
neoclassiche offrono un netto contrasto con i suoi dipinti
cubisti. Tuttavia, quando il movimento surrealista francese
prese piede a metà degli anni 1920, Picasso iniziò a
riprendere la sua propensione per il primitivismo in dipinti
influenzati dai surrealisti come Three Dancers (1925).
Durante gli anni '30, opere di Picasso come la sua
famosa Guernica, una rappresentazione unica della guerra
civile spagnola, riflettevano la violenza del tempo di guerra. Il
minotauro minaccioso divenne un simbolo centrale della sua
arte, sostituendo l'arlecchino dei suoi primi anni.
Dal 1940-1973: durante la seconda guerra mondiale, Picasso
rimase a Parigi sotto l'occupazione tedesca, subendo le
molestie della Gestapo mentre continuava a creare arte.
Dopo la liberazione di Parigi nel 1944, Picasso iniziò una
nuova relazione con la studentessa d'arte molto più giovane
Francoise Gilot. Insieme, hanno prodotto un figlio, Claude, nel
1947, e una figlia, Paloma, nel 1949. La loro relazione è stata
condannata come molti dei precedenti di Picasso, tuttavia, a
causa delle sue continue infedeltà e abusi. Nel 1961, all'età di
79 anni, l'artista sposò la sua seconda e ultima moglie, la
27enne Jacqueline Roque. Ha dimostrato di essere una delle
più grandi ispirazioni della sua carriera. Mentre la sua vita si
avvicinava alla fine, l'artista ha sperimentato una raffica di
creatività. Le opere d'arte risultanti erano una miscela dei suoi
stili precedenti e includevano dipinti colorati e incisioni su
rame. Gli esperti d'arte in seguito hanno riconosciuto gli inizi
del Neo-espressionismo nelle opere finali di Picasso.
A cura di Anny.
-Les Demoiselles d’Avignon-

Les Demoiselles d’Avignon è un dipinto di Picasso del 1907.

Soggetto dell’opera sono cinque ragazze nude, che appaiono
sfigurate da lineamenti asimmetrici.
Il quadro, dipinto tra il 1906 e il 1907, viene considerato come
l’opera più innovativa di Picasso.
L’artista aveva un rapporto difficile con le donne e all’epoca
dell’esecuzione dell’opera aveva appena rotto il legame di
convivenza con Fernande Olivier.
Il quadro riprende un bordello di Barcellona ben conosciuto
dall’artista, in cui visi e corpi appaiono taglienti e segnati da
molti angoli acuti.

I nasi sono aguzzi, i seni invece acuminati, il melone,

addirittura, sembra una falce.
Non ci sono ombreggiature, né effetti prospettici, in effetti non
c’è vuoto; i piani sono incastrati uno nell’altro, ad esempio la
ragazza accovacciata guarda avanti anche se il suo corpo è
di schiena.
La donna di sinistra ricorda l’arte egiziana, le due di destra
sono un riferimento alle maschere africane.
Il pittore denuncia così un desiderio di ritorno alle origini
dell’arte occidentale e alla semplicità espressiva pre-greca.
Anche i colori sono ridotti a due, essendo tutti variazioni
dell’ocra e del blu.
Per la realizzazione dell’opera, Picasso realizzò
numerosissimi bozzetti preparatori, addirittura 806.
Nell’opera si assiste all’incrocio della tradizione pittorica
antica del gruppo di nudi femminili, che spesso ha significato
mitologico, con il tema ripetitivo/banale del bordello.
Alcuni studi sul quadro mostrano la presenza anche di due
figure maschili.
Picasso scelse il tema del gruppo di nudi femminili, poiché gli
consentiva un legame con l’arte dell’antichità.
Un accenno alla pittura antica potrebbe essere anche la
natura morta con frutta.
Nell’opera vediamo le ragazze quasi in una scena teatrale
come suggerisce la tenda-sipario di sinistra, così come si
offrono ai clienti prima di essere scelte; i clienti siamo noi,
infatti con questo espediente Picasso mette gli spettatori
dentro il quadro e crea uno spazio a quattro dimensioni.

Pablo Picasso: Les demoiselles

d'Avignon

Picasso condensa il frutto delle riflessioni sulla forma,

elaborando, attraverso un numero enorme di studi, un opera
rivoluzionaria.
Picasso aveva intenzione di rappresentare l'interno di una
casa di piacere, e l'idea iniziale comprendeva sette figure,
cinque donne e due uomini, una natura morta fiori, frutta e
tendaggi.
Ma l'artista eliminò progressivamente uomini e fiori, lasciando
la frutta in primo piano e le cinque prostitute, per arrivare a
una versione piuttosto vicina a quella definitiva: le posizione
delle donne sono definite e riprendono un tema di notevole
successo quello delle bagnanti, le figure iniziano a
compenetrarsi con lo sfondo, nei volti si comincia a cogliere
l'influsso della scultura africana, come si nota nella figura
sull'estrema destra, in cui forma affilate, il trattamento
materico e le linee nere che fanno pensare a intagli nel legno,
rimandano alle maschere africane. Altro influsso fu quello
dell'arte iberica, infatti alcune donne del dipinto sembrano
richiamare, nella frontalità e nella resa dei corpi, lo stile dei
cicli pittorici medievali, che tende a rappresentare la figure in
forma bidimensionale enfatizzata dal contorno.
Nella versione definitiva lo spazio pare avere la stessa
consistenza solida delle figure, dipinte uniformamene di rosa,
segnate da linee taglienti e spigolose. Nel
dipinto Picasso solleva il rifiuto di un'arte mimetica rispetto
alla realtà, la negazione della costruzione prospettica
rinascimentale, il sovvertimento del rapporto tra figura e
sfondo , la riduzione geometrica delle forme; la costruzione
dell'immagine attraverso la combinazione di punti di vista
diversi, come se la pittura voglia rappresentare ciò che di un
oggetto o di una figura si conosce. L'opera è una sorta di
laboratorio in cui il giovane Picasso andava maturando le
acquisizioni del linguaggio cubista.
Il dipinto fu accolto dalla critica come una sconcertante novità,
le ragioni della perplessità sono ricercarsi nell'attacco che il
pittore muoveva nei confronti della tradizione occidentale, una
critica resa ancora più aspra in quanto rivolta al mito della
bellezza "La pittura non è fatta per decorare appartamenti, è
uno strumento di guerra offensiva e difensiva contro il
nemico".