Musica del XX secolo

La musica del XX secolo comprende opere, compositori e gruppi che hanno creato e
distribuito canzoni e pezzi musicali nel corso del novecento. A differenza dei periodi
precedenti, vale la pena menzionare l'emergere della musica popolare, che diventa il
genere dominante man mano che il secolo progredisce, coesistendo con la musica
classica del XX secolo. Le due correnti sono influenzate dalle trasformazioni tecnologiche
e sociali del tempo: la musica non è solo consumata dal vivo, ai concerti, ma può essere
ascoltata diversamente con dispositivi per uso personale e pubblico. Aumenta l'uso della
musica come complemento di altre arti e la musica gioca un ruolo importante nel cinema o
nella pubblicità.
Per quanto riguarda gli strumenti utilizzati, spiccano tre grandi gruppi: da un lato, gli
strumenti a fiato metallici, come le trombe e i sassofoni del jazz e dei derivati. D'altra parte
la chitarra e la batteria, tipiche del rock e dei suoi stili correlati e infine il sintetizzatore
come esponente della musica elettronica. La voce umana e la tastiera (o il pianoforte)
appaiono nei tre gruppi come complemento.
Contesto e storia
Durante il XX secolo ci fu un enorme aumento della varietà di musica a cui le persone
avevano accesso. Prima dell'invenzione dei dischi di grammofono per il mercato di massa
(sviluppati nel 1892) e della radiodiffusione (realizzata commercialmente per la prima volta
intorno al 1919-20), la gente ascoltava principalmente musica o nei concerti di musica
classica dal vivo o negli spettacoli teatrali musicali, che erano troppo costosi per molte
persone con poche possibilità, o sui primi fonografi (una tecnologia inventata nel 1877 che
non fu commercializzata in serie fino alla metà del 1890), oppure dal vivo, a casa, grazie a
persone che eseguivano musica o cantavano canzoni su base amatoriale, usando spartiti,
cosa che ovviamente richiede la capacità di cantare, suonare e leggere musica. Si trattava
di competenze che tendevano ad essere limitate alle persone del ceto medio e delle classi
agiate. Con la disponibilità sul mercato di massa di dischi e trasmissioni radiofoniche, gli
ascoltatori potevano acquistare registrazioni o ascoltare alla radio registrazioni o
trasmissioni in diretta di un'enorme varietà di canzoni e brani musicali da tutto il mondo.
Ciò permise a una gamma molto più ampia di persone di ascoltare le esecuzioni di
sinfonie e opere di musica classica che non avrebbero potuto ascoltare dal vivo, sia
perché non potevano permettersi i biglietti per i concerti dal vivo o perché tale musica non
veniva eseguita nella loro regione.
La registrazione sonora esercitò anche una grande influenza sullo sviluppo dei generi
musicali popolari, perché permise di registrare canzoni e gruppi musicali a basso costo e
largamente distribuiti a livello nazionale o addirittura, per alcuni artisti, in tutto il mondo. Lo
sviluppo di una riproduzione di musica, relativamente economica, attraverso una
successione di formati, tra cui long playing, musicassette, compact disc (introdotti nel
1983) e, a metà degli anni '90, le registrazioni audio digitali e la trasmissione di
registrazioni audio di spettacoli musicali tramite la radio, o di videoregistrazioni o esibizioni
dal vivo in televisione e, negli anni '90, di registrazioni audio e video via Internet,
utilizzando la condivisione di file di registrazioni audio digitali, ha consentito a persone
appartenenti a una vasta gamma di classi socioeconomiche di accedere a una selezione
diversificata di spettacoli musicali di qualità di artisti di tutto il mondo. L'introduzione della
registrazione multitraccia nel 1955 e l'uso del mixaggio hanno avuto una grande influenza
sulla musica pop e rock, perché ha permesso ai produttori musicali di mixare e
sovraincidere molti livelli di tracce strumentali e voci, creando nuovi suoni che non
sarebbero possibili in una esecuzione dal vivo. Lo sviluppo delle tecnologie di registrazione
del suono e della ingegneria del suono e la possibilità di modificare queste registrazioni
hanno dato origine a nuovi sottogeneri della musica classica, tra cui le scuole di
composizione elettronica musica concreta (1949) e acustiche (1955). Negli anni '70 i
musicisti afroamericani hip hop iniziarono ad usare i giradischi come uno strumento
musicale, creando effetti "graffianti" ritmici e percussivi manipolando un disco in vinile sul
giradischi.
Ai tempi di Beethoven e di Felix Mendelssohn nel XIX secolo, l'orchestra era composta da
un nucleo di strumenti abbastanza standard, che molto raramente veniva modificato. Col
passare del tempo e con il periodo romantico che vide dei cambiamenti nelle modifiche
accettate da compositori come Berlioz e Mahler, il XX secolo vide che la strumentazione
poteva essere praticamente scelta personalmente dal compositore. I sassofoni furono
utilizzati in alcune partiture orchestrali del XX secolo come le Sinfonie n. 6 e 9 di Vaughan
Williams e la Belshazzar's Feast di William Walton, e molte altre opere come strumento
del complesso orchestrale. Le orchestre del Novecento includono generalmente una
sezione di archi, legni, ottoni, percussioni, piano, celesta, arpa, con altri strumenti inseriti
occasionalmente, come chitarra elettrica e basso elettrico.
Il XX secolo ha visto innovazioni straordinarie nelle forme e negli stili musicali. Compositori
e cantautori esplorarono nuove forme e suoni che sfidarono le regole della musica
precedentemente accettate dei periodi precedenti, come l'uso di accordi alterati e accordi
estesi nel Bebop jazz degli anni '40. Lo sviluppo di potenti amplificatori per chitarra e
sistemi di amplificazione sonora negli anni '60 e '70 permise alle band di tenere grandi
concerti dove anche quelli con i biglietti meno costosi potevano ascoltare lo spettacolo. I
compositori e i cantautori sperimentarono nuovi stili musicali, come fusioni di genere (ad
esempio, la fusione tra fine del 1960 di musica jazz e rock per creare la jazz fusion).
Inoltre compositori e musicisti utilizzarono nuovi strumenti elettrici, elettronici e digitali e
dispositivi musicali. Negli anni '80 alcuni generi musicali, come i generi di musica dance
elettronica come la house music, venivano creati in gran parte con sintetizzatori e drum
machine. Modi di trasporto più veloci come il volo aereo hanno permesso a musicisti e fan
di viaggiare di più per esibirsi o ascoltare gli spettacoli, aumentando la diffusione degli stili
musicali.
Musica classica
La musica classica del XX secolo descrive la musica colta scritta teoricamente dal 1901
al 2000. Questo secolo non aveva uno stile dominante e i compositori hanno creato generi
musicali molto diversi. Modernismo, impressionismo e post-romanticismo possono essere
fatti risalire a decenni prima dell'inizio del secolo, ma possono essere inclusi perché si
sono evoluti oltre i confini musicali degli stili ottocenteschi che facevano parte del
precedente periodo di pratica comune. Il neoclassicismo e l'espressionismo arrivarono per
lo più dopo il 1900. Il minimalismo iniziò molto più tardi nel secolo e può essere visto come
un cambiamento dall'era moderna a quella postmoderna, anche se alcuni datano il
postmodernismo a partire dal 1930 circa. Atonalità, serialismo, musica concreta e musica
elettronica sono stati tutti sviluppati durante questo secolo. Il jazz e la musica folk hanno
influenzato in modo importante molti compositori in questo periodo
Modernismo
All'inizio del XX secolo molti compositori, tra cui Rachmaninov, Richard Strauss, Giacomo
Puccini ed Edward Elgar, continuarono a lavorare nelle forme e nel linguaggio musicale
derivato dal XIX secolo. Tuttavia, il modernismo nella musica divenne sempre più
prominente ed importante; tra i modernisti più importanti c'erano Alexander Scriabin,
Claude Debussy e i compositori post wagneriani come Gustav Mahler e Richard Strauss,
che sperimentarono forme, tonalità e orchestrazione. Busoni, Stravinsky, Schoenberg e
Schreker erano già stati riconosciuti prima del 1914 come modernisti e anche Ives fu
retrospettivamente incluso in questa categoria per le sue sfide agli usi della tonalità.
Compositori come Ravel, Milhaud e Gershwin combinarono espressioni classiche e jazz.

Nazionalismo
Il nazionalismo tardo-romantico e modernista è stato trovato anche nella musica
britannica, americana e latino-americana degli inizi del XX secolo. Compositori come
Ralph Vaughan Williams, Aaron Copland, Alberto Ginastera, Carlos Chávez, Silvestre
Revueltas e Heitor Villa-Lobos hanno usato temi popolari raccolti da loro stessi o da altri in
molte delle loro principali composizioni.
Musica microtonale
Nei primi decenni del XX secolo, compositori come Julián Carrillo, Mildred Couper, Alois
Hába, Charles Ives, Erwin Schulhoff, Ivan Wyschnegradsky rivolsero la loro attenzione ai
quarti di tono (24 intervalli uguali per ottava) e altre divisioni più sottili. A metà del secolo
compositori come Harry Partch e Ben Johnston esplorarono solo l'intonazione. Nella
seconda metà del secolo tra i compositori di spicco che utilizzavano la microtonalità
figuravano Easley Blackwood Jr., Wendy Carlos, Adriaan Fokker, Terry Riley, Ezra Sims,
Karlheinz Stockhausen, La Monte Young e Iannis Xenakis.
Neoclassicismo
Una tendenza dominante nella musica composta dal 1923 al 1950 fu il neoclassicismo,
una reazione contro i gesti esagerati e l'assenza di forma del tardo Romanticismo che
rianimò le forme equilibrate e i processi tematici chiaramente percepibili degli stili
precedenti. C'erano tre "scuole" distinte di neoclassicismo associabili a Igor Stravinsky,
Paul Hindemith e Arnold Schoenberg. Simili simpatie nella seconda metà del secolo sono
generalmente elencate sotto il titolo POSTMODERNISMO.
Musica sperimentale
A metà del XX secolo, in particolare nel Nord America, sorse una tradizione compositiva,
chiamata "musica sperimentale". Il suo esponente più famoso e influente fu John Cage
(1912-1992). Secondo Cage, "un'azione sperimentale è un'azione il cui esito non è
previsto" ed era specificamente interessato a lavori completi che svolgevano un'azione
imprevedibile. Alcuni dei compositori che influenzarono John Cage furono Erik Satie
(1866-1925), Arnold Schönberg (1874-1951) e Henry Dixon Cowell (1897-1965).
Minimalismo
La musica minimalista, che comporta una semplificazione dei materiali e un'intensa
ripetizione di motivi, iniziò alla fine degli anni '50 con i compositori Terry Riley, Steve Reich
e Philip Glass. Successivamente il minimalismo fu adattato a un ambiente sinfonico più
tradizionale da compositori come Reich, Glass e John Adams. Il minimalismo fu molto
praticato durante la seconda metà del secolo e passò anche nel XXI secolo, così come
compositori come Arvo Pärt, Henryk Górecki e John Tavener che lavorano nelle varianti
del sacro minimalismo.
Musica elettronica
Per secoli la musica strumentale era stata creata cantando o usando tecnologie musicali
meccaniche, come tendere un arco attraverso una corda collegata a uno strumento cavo o
pizzicare un budello o corde metalliche (strumenti a corda), o come costringere l'aria a
vibrare (legni ed ottoni) o colpire qualcosa per creare suoni ritmici (strumenti a
percussione). All'inizio del XX secolo furono inventati dispositivi elettronici che erano in
grado di generare suoni elettronicamente, senza una sorgente di vibrazione meccanica
iniziale. Già negli anni '30, compositori come Olivier Messiaen inserirono strumenti
elettronici in esibizioni dal vivo. Mentre la tecnologia di registrazione del suono è spesso
associata al ruolo chiave che ha svolto nel consentire la creazione e il marketing di massa
della musica popolare, fu utilizzata anche la nuova tecnologia di registrazione del suono
elettrica ed elettronica per produrre musica d'arte. La musique concrète (musica concreta),
sviluppata intorno al 1948 da Pierre Schaeffer e dai suoi associati, era una tecnica
sperimentale che utilizzava suoni registrati come materia prima.
Negli anni successivi alla seconda guerra mondiale, alcuni compositori furono rapidi
nell'adottare la tecnologia elettronica in via di sviluppo. La musica elettronica fu
abbracciata da compositori come Edgard Varèse, Karlheinz Stockhausen, Milton Babbitt,
Pierre Boulez, Bruno Maderna, Henri Pousseur, Karel Goeyvaerts, Ernst Krenek, Luigi
Nono, Luciano Berio, Herbert Brün e Iannis Xenakis. Negli anni '50 l'industria
cinematografica iniziò anche a fare largo uso delle colonne sonore elettroniche. Tra i
principali gruppi rock che furono i primi ad adottare i sintetizzatori figurano The Moody
Blues, The Beatles The Monkees e The Doors.
Musica folk
La musica folk, nel senso originale del termine coniato nel XVIII secolo da Johann
Gottfried Herder, è una musica prodotta dalla composizione comunitaria e in possesso di
una sua dignità, anche se alla fine del XIX secolo il concetto di "folk" era diventato
sinonimo di "nazione" ", di solito identificati come contadini e artigiani rurali, come nel
movimento Merrie England e nei revival gaelici irlandesi e scozzesi degli anni ottanta . La
musica folk era normalmente condivisa ed eseguita dall'intera comunità (non da una
classe speciale di artisti esperti o professionisti, escludendo in alcun modo l'idea di
dilettanti) ed era trasmessa dal passaparola (tradizione orale).
Inoltre la musica folk è stata anche presa in prestito da compositori di altri generi. Alcune
delle opere di Aaron Copland si ispirano chiaramente alla musica folk americana.
Un lavoro importante nella registrazione dei brani tradizionali della regione balcanica fu
quello di Béla Bartók, poiché è probabilmente il primo compositore interessato a registrare
gli audio e ad analizzarli da un punto di vista etnologico
Musica popolare
La relazione (in particolare, il valore relativo) della musica classica e della musica popolare
è una questione controversa. Richard Middleton scrive:
«Divisioni nette tra "folk" e "popolare" e tra "popolare" e "artistica" sono impossibili da
trovare... [vengono usati] criteri arbitrari per definire il complemento di "popolare". La
musica "artistica", ad esempio, è generalmente considerata per sua natura complessa,
difficile, impegnativa; la musica "popolare" deve quindi essere definita come "semplice",
"accessibile", "facile". Ma molti pezzi comunemente pensati come "artistici" (coro di
Hallelujah di Händel, molte canzoni di Schubert, molte arie verdiane) hanno qualità di
semplicità; al contrario, non è affatto ovvio che i dischi dei Sex Pistols fossero "accessibili",
l'opera di Frank Zappa "semplice" o "facile" quella di Billie Holiday.
Blues
I musicisti blues come Muddy Waters portarono il Delta Blues, suonato principalmente con
strumenti acustici, dal delta del Mississippi a nord fino a città come Chicago, dove usarono
più strumenti elettrici creando il Chicago Blues.
Musica country
La musica country, un tempo nota come Musica Country e Western, è una forma musicale
popolare sviluppata negli Stati Uniti meridionali, con radici nella musica tradizionale
popolare, spiritual e blues.
Disco music
La disco music è uno stile di musica dance a ritmo veloce originatosi nei primi anni '70,
principalmente dal funk, dalla salsa e dalla musica soul, popolare in origine tra gli
omosessuali e gli afroamericani nelle grandi città degli Stati Uniti e deriva il suo nome dalla
parola francese discothèque.
Hip hop
La musica hip hop, nota anche come rap o musica rap, è un genere musicale formatosi
negli Stati Uniti negli anni '70 e costituito da due componenti principali: rapping (MCing) e
DJing (mixaggio audio e scratching).
Jazz
Il jazz si è evoluto in molti sottogeneri a volte contrastanti tra cui smooth jazz, Bebop,
Swing, Fusion, Dixieland e free jazz. Il jazz nacque all'inizio del XX secolo da una
combinazione di musica blues, ragtime, brass band, inni e spiritual, musica per menestrelli
e canzoni di lavoro.
Musica new-age
Per lo più pezzi strumentali che creano suoni di una natura rilassante, romantica, che
migliora l'umore o in generale rilassanti. Spectrum Suite di Steven Halpern, pubblicato nel
1975, è generalmente accreditato come l'album che ha iniziato il movimento musicale
new-age.
Rock and roll
Il rock and roll fu sviluppato da precedenti forme musicali tra cui il rhythm and blues, che
era stato precedentemente chiamato race music e country music.
Il rock progressivo (dall'inglese progressive rock), anche noto come prog o prog rock, è
un genere della musica rock, evoluto dal rock psichedelico britannico degli anni sessanta e
diffusosi in Germania, Italia e Francia nel corso del decennio e di quello successivo .
Similarmente all'art rock, nacque rispondendo all'esigenza di dare alla musica rock
maggiore spessore culturale e credibilità. Il nome del genere, considerato da alcuni
inadeguato , indica la progressione del rock dalle sue radici blues, di matrice statunitense,
a un livello maggiore di complessità e varietà compositiva, melodica, armonica e stilistica.
I fautori di questa tendenza si distaccarono dalla struttura musicale popolare tipica della
Tin Pan Alley in favore di strumentazioni e tecniche compositive frequentemente associate
alla musica classica e al jazz, o a volte alla musica colta in genere. I brani furono così
rimpiazzati da lunghe suite musicali che spesso duravano 20 o 30 minuti, includendo
influenze sinfoniche, temi musicali estesi, ambientazioni e testi fantasy e complesse
orchestrazioni. Una parte della critica musicale che considera il concetto alla base del prog
«pretenzioso» e le sue sonorità «pompose» e «sopra le righe» tende a sminuire questo
genere oppure a ignorarlo del tutto.
Il rock progressivo conobbe il suo picco di popolarità nella prima metà degli anni settanta
con l'affermazione, anche commerciale, di gruppi britannici quali Genesis, Yes, King
Crimson, Emerson, Lake & Palmer, Gentle Giant, Van Der Graaf Generator, Camel, Pink
Floyd e Jethro Tull, tra i più noti e influenti del genere, e furono organizzati gli eventi più
popolari di questo ambito. Vi fu poi una vasta costellazione di gruppi che pur non
raggiungendo quella popolarità, furono ugualmente molto influenti. La popolarità del
genere andò sempre più scemando con il finire del decennio, pur con qualche eccezione
(una su tutte la band canadese dei Rush). È opinione comune che la causa principale
della fine degli anni d'oro del rock progressivo fu l'affermarsi del punk rock, anche se in
realtà i fattori del declino furono molteplici.
Punk rock
Il punk rock, spesso abbreviato in punk, è un genere di musica rock che si è sviluppato
principalmente fra il 1976 e il 1979, da forme musicali precedenti, derivate dal garage rock,
oggi note come proto-punk. I brani composti dai gruppi punk possedevano ritmiche veloci,
sonorità dure, generalmente tracce di breve durata, strumentazioni essenziali e testi dai
contenuti provocatori e violenti, spesso con una forte connotazione politica. La cultura
punk abbracciò poi l'etica del Do it Yourself, creando un circuito di registrazioni
autoprodotte e di distribuzione alternativa a quella mainstream.
Il termine "punk" fu originariamente utilizzato dalla critica musicale americana per
descrivere i cosiddetti "gruppi garage" ed il loro pubblico. Già nel tardo 1976, alcune band
statunitensi, Ramones, Heartbreakers, Dead Boys, Voidoids, Television, o britanniche,
Sex Pistols, Damned, Clash, furono riconosciute come la prima ondata di un nuovo
movimento musicale. Gli anni che seguirono videro un'ampia diffusione del punk rock in
tutto il mondo, diventando presto in Inghilterra un fenomeno culturale alle quali le major
iniziavano a puntare con interesse, anche se, perlopiù, il genere trovò la sua ragion
d'essere nelle scene locali che tendevano a rifiutare la cultura dominante. Nacque così la
sottocultura punk, caratterizzata da uno specifico stile di abbigliamento e da una vasta
gamma di ideologie anti-autoritarie.
Verso l'inizio degli anni '80 nascono stili musicali più aggressivi e veloci come l'hardcore
punk o l'Oi! che diventarono modalità predominanti nel punk rock. Inoltre, musicisti
cresciuti ed inizialmente identificati con l'area punk, oppure da esso ispirata, si orientarono
verso un'ampia gamma di variazioni stilistiche, dando origine al post punk da una parte, ed
al rock alternativo dall'altra.
Sul finire del XX secolo la rinascita delle sonorità punk rock coinvolse attivamente i circuiti
della cultura dominante, con band come, i Green Day, The Offspring, Rancid o blink-182,
dando al genere un'ampia popolarità.

LE SCUOLE NAZIONALI
I PAESI SLAVI E NORDICI
Fin dagli inizi dell’Ottocento la vita musicale europea fu animata esclusivamente dalle opere prodotte in
Italia, Francia e Austria-Germania; i musicisti delle altre nazioni, che non avevano mai ideato stili
musicali originali, si limitavano a “copiare” le produzioni estere.
Tuttavia quando iniziarono a diffondersi le idee romantiche di libertà e di autonomia politica, si
assistette in tutta Europa a una grande rivalutazione delle tradizioni popolari. A questa si
accompagnava la ricerca di uno “stile nazionale” originale, sia nella musica che nelle altre forme
artistico-culturali: ciò accadde soprattutto nei paesi nordici e in quelli slavi.
NUOVI PROTAGONISTI
I compositori più importanti dei paesi nordici furono il norvegese Edvard Grieg (1843-1907) e il
finlandese Jean Sibelius (1865-1957) . Grieg, in particolare, si dedicò alla scoperta e alla rivalutazione
della musica popolare norvegese, che influenzò molto la sua produzione.
Tra i paesi slavi, a parte la Russia, di cui parleremo più a lungo in seguito, e la Polonia, che con
Fryderyk Chopin va considerata un caso a parte, ricordiamo la Boemia e la Moravia, ossia le regioni che
formano l’attuale Repubblica Ceca. Qui operarono Bedrich Smetana (1824-1884) e Antonin Dvoràk
(1841-1904). Di Smetana ricordiamo il poema sinfonico “La Moldava”, di Dvoràk la “Sinfonia dal
nuovo mondo”, scritta proprio mentre risiedeva negli Stati Uniti, che accoglie temi della cultura
musicale indiana e afroamericana.
POEMA SINFONICO
Il Poema sinfonico è una composizione per orchestra che vuole raccontare una storia o descrivere
una situazione. Possiamo immaginarlo come una Sinfonia che ha perso la sua forma rigida per usare
liberamente melodie e timbri orchestrali, senza preoccuparsi troppo delle regole.
Il Poema sinfonico segue un programma e si divide generalmente in “episodi”, ispirandosi ad
argomenti letterari, poetici, pittorici, storici o geografici. La sua forma quindi è piuttosto libera,
caratterizzata da elementi timbrici d’effetto (onomatopeici) e da motivi ricorrenti (temi conduttori) che
evocano situazioni, paesaggi o personaggi.
Un esempio di musica nazionalista che descrive con passione e realismo l’aspetto puramente
geografico di un paese, la Boemia (nell’attuale Repubblica Ceca).
All’epoca del compositore Bedrich Smetana, la Boemia apparteneva all’Impero austro-ungarico e il
musicista ne sostenne apertamente la lotta per l’indipendenza. La maggior parte delle sue composizioni
è infatti decisamente nazionalistica e rivela un gusto semplice e genuino per le melodie, i ritmi e le
danze della sua terra.
La Moldava è il secondo dei sei Poemi sinfonici del ciclo “La mia Patria”. La musica descrive lo
scorrere del fiume e le immagini e i suoni che incontra nel suo cammino. Lo stesso Smetana, nella
prefazione alla partitura originale, ha così illustrato il suo poema:
“Due sorgenti nascono nell’ombra della foresta boema: una calda, l’altra è fredda. I due ruscelli si
uniscono e brillano ai primi raggi del sole. Dai ruscelli si forma così il grande fiume Moldava che,
sempre più ampio, scorre attraverso fitti boschi raccogliendo gli echi delle battute di caccia. Il suo
viaggio continua attraverso pascoli e pianure, si avvicina ad un villaggio ed assiste ai canti e alle danze
di una festa nuziale. Nella notte le ninfe dei boschi e delle acque giocano fra le sue onde luccicanti al
chiaro di luna. La scena cambia nuovamente ed il fiume si apre a forza la strada fra le rocce di San
Giovanni formando dei gorghi vorticosi, le rapide, fin quando precipita formando una cascata. Poi
torna a scorrere tranquillo nel suo letto divenuto ancor più grande e si dirige con maestosa calma verso
Praga. Qui, passando, saluta l’antico castello di Vyserhad e continua il suo cammino perdendosi in
lontananza”.

Nella partitura l’autore ha anche inserito i titoli dei sette spunti descrittivi

1. Le sorgenti della Moldava: due flauti danno vita alla melodia ondeggiante dei ruscelli;
a questi si uniscono i clarinetti e poi tutto passa agli archi. Il fiume si è formato ed ecco
l’ampio e trascinante tema della Moldava formato da due frasi melodiche.
2. Caccia nel bosco: mentre il fiume scorre nella foresta boema, a un tratto si odono da
lontano i corni dei cacciatori e lo scalpitare dei cavalli.
3. Nozze di contadini: la Moldava si avvicina ora a un piccolo villaggio, dove risuonano le
note di un motivo folkloristico eseguito durante un banchetto di nozze in riva al fiume. I
 fagotti e i clarinetti, insieme agli archi, imitano il suono campestre delle zampogne ed
eseguono una ritmata e saltellante melodia.
4. Chiaro di luna: i flauti, i clarinetti e l’arpa danno vita alla suggestiva immagine
notturna, fino a quando gli archi ripresentano il tema del fiume.
5. Rapide di San Giovanni: tutta l’orchestra è impegnata in un bellissimo crescendo, fino
a evocare il fragore dell’acqua che precipita tra le rocce.
6. La Moldava nel suo corso largo: ancora l’orchestra al completo riprende il tema, per
dare l’idea dell’accresciuta vastità del fiume nel suo cammino verso Praga.
7. Motivo del Vyserhad: La Moldava passa sotto il castello di Vyserhad, a Praga, come se
lo salutasse, mentre riecheggiano le note dell’inno nazionale. Immaginiamo così di vedere
la città in tutto il suo splendore

Gruppo dei Cinque

Il gruppo dei Cinque erano cinque compositori classici non professionisti (alcuni avevano intrapreso
ad esempio la carriera militare) capeggiati da Milij Balakirev che, a partire dal 1860 circa, diedero
origine a San Pietroburgo a un filone musicale tipicamente russo, sganciato quanto più possibile dalla
tradizione musicale dell'Occidente europeo e quindi dalle sue convenzioni accademiche: potrebbero
essere definiti come una derivazione del nazionalismo romantico in Russia, mentre la colonia di
Abramcevo e il revival russo cercavano di raggiungere obiettivi simili nelle belle arti.
Oltre a Balakirev e a Cezar' Kjui, dal cui incontro il gruppo ebbe origine, ne facevano parte Modest
Musorgskij (aggiuntosi nel 1857), Nikolaj Rimskij-Korsakov (1861) e Aleksandr Borodin (1862). Prima
di loro, Michail Glinka aveva lavorato per definire uno stile musicale tipicamente russo e aveva scritto
opere basate su soggetti russi, ma il Gruppo dei Cinque fu il primo tentativo mirato allo sviluppo di
tale.... stile musicale. I Cinque furono ispiratori e talvolta maestri di molti musicisti russi della
successiva generazione, tra cui Sergej Prokof'ev, Igor' Stravinskij e Dmitrij Šostakovič.
Il gruppo iniziò la sua esistenza nel 1856, quando Balakirev incontrò per la prima volta Kjui;
Musorgskij si unì a loro l'anno seguente, Rimskij-Korsakov nel 1861 e Borodin un anno dopo, quando
Rimskij-Korsakov, il più giovane, aveva 18 anni, e Borodin, il più anziano, 28. Tutti dilettanti e
autodidatti nel campo musicale, si occupavano di tutt'altro: Borodin univa il talento musicale a un lavoro
nel campo della chimica, Rimskij-Korsakov era un ufficiale di marina (scrisse infatti la sua prima
sinfonia nel corso di una circumnavigazione del globo di circa tre anni), Musorgskij era stato
nell'esercito, poi nel servizio civile prima di dedicarsi all'arte.
[5]

In contrasto con lo status elitario e le connessioni con la corte di altri musicisti del conservatorio, come,
ad esempio Ciajkovskij, i Cinque appartenevano alla piccola nobiltà della provincia russa.
In qualche modo li teneva uniti anche il mito, che loro stessi avevano creato, di un movimento musicale
che fosse autenticamente russo, più vicino alla madrepatria di quanto non lo fossero i prodotti delle
accademie classiche. [6]

Prima di loro, Glinka e Dargomyžskij avevano in qualche modo tentato di produrre una musica che
suonasse come russa, componendo delle opere con trame legate alla loro nazione, ma il gruppetto
possente fu il primo vero e proprio tentativo serio di sviluppare questo tipo di musica, aiutati da Stasov,
il critico che primo aveva parlato di loro come unità, nel ruolo di consulente artistico e Dargomyžskij
come un anziano presidente, per così dire.
Il circolo iniziò a sfaldarsi durante gli anni settanta del secolo, probabilmente anche perché Balakirev si
era ritirato parzialmente dalla scena musicale all'inizio del decennio.
I Cinque sono sepolti nel cimitero Tichvin a San Pietroburgo.

Arnold Schönberg
Biografia
Schönberg nacque a Vienna il 13 settembre del 1874 da una famiglia colta ebraica che gli
impartì le prime nozioni musicali. Il padre Samuel aveva un negozietto di scarpe e viveva
molto spesso di espedienti. Il piccolo Schönberg fu prevalentemente educato nelle lettere
dal modesto insegnante di francese che era conosciuto a Vienna in particolare come
poeta dilettante. I suoi due fratelli invece, Ottilie ed Heinrich, si cimentarono ben presto
nella musica, tanto che Heinrich in seguito intraprenderà la strada del canto divenendo un
famoso basso, impegnato anche in alcuni lavori del fratello. All'età di otto anni, grazie a un
compagno di scuola, Schönberg scoprì il violino e iniziò con grande entusiasmo a
studiarlo; le uniche musiche che gli capitavano davanti erano dei piccoli studi per uno o
due violini di Pleyel e di Viotti. Nel giro di qualche anno era già in grado di suonarli, e
iniziava a cimentarsi quindi nella composizione di brevi pezzetti per duo. Qualche tempo
dopo, conosciuto un altro compagno di scuola che suonava la viola, si spinse ancora oltre
nella composizione ed era già in grado di scrivere dei piccoli trii per 2 violini e viola.
Intorno al 1889, quando aveva 15 anni, Schönberg fu costretto a causa di un tracollo
economico familiare a lasciare la scuola: il padre era morto, e per sopravvivere si impiegò
come commesso in una piccola banca privata viennese. Lascerà l'impiego bancario solo
cinque anni dopo, quando, consigliato dall'amico violinista Joseph Labor, si trasferirà per
un breve periodo a Berlino, e lì avrà modo di ampliare le proprie potenzialità compositive
presso alcuni noti locali pubblici del tempo. Il cabaret dello Überbrettl fu in un certo senso il
suo primo trampolino di lancio, affiancato in quel periodo da altri intellettuali berlinesi di
tendenze rivoluzionarie.
Dal 1903 insegnò armonia e contrappunto a Vienna. Continuò a insegnare durante tutta la
sua vita, ed ebbe tra i suoi allievi Anton Webern, Alban Berg e John Cage. In seguito si
trasferì in Francia dove compose nel 1912 il Pierrot Lunaire: un ciclo basato su 21 poesie
ispirate alla celebre maschera francese d'origine bergamasca; in esse il compositore
introduce un tipo di canto già parzialmente introdotto nei precedenti Gurrelieder
(definitivamente strumentati nel 1911) e La Mano felice: lo Sprechgesang, il canto parlato
dove l'esecutore non intona le parole, ma le declama con un vago accento musicale.
Schönberg si dilettava anche di pittura; in questi anni venne in contatto con Vasilij
Kandinskij ed espose anche con il gruppo Der Blaue Reiter. Verso il 1920 iniziò a
comporre usando il metodo della dodecafonia. Nel 1933 fu obbligato, a causa delle
persecuzioni antisemitiche naziste, a trasferirsi negli Stati Uniti d'America, prima a Boston
e poi a Los Angeles, dove morì nel 1951.
Dodecafonia
La dodecafonia o, come Schönberg amava definirla, "metodo di composizione con
dodici note poste in relazione soltanto l'una con l'altra", prevede che tutti i dodici
suoni della scala cromatica appaiano lo stesso numero di volte nell'esposizione,
affinché nessun suono prevalga sugli altri. Le composizioni non sono pertanto
basate sul rapporto tonica-dominante e non presentano più la struttura gerarchica
tipica del sistema tonale.
I principi fondamentali del metodo sono:

1. Uso del "totale cromatico": la scala diatonica è sostituita da quella cromatica; è

quindi previsto l'uso di tutti i dodici suoni disponibili nella divisione dell'ottava
secondo il temperamento equabile.

2. Onde evitare la prevalenza di un suono sugli altri, bisogna che nessuno di essi si
ripeta prima che tutti gli altri siano comparsi. All'inizio viene quindi stabilita una
serie, per fissare l'ordine in cui le note devono succedersi in una determinata
composizione.

3. Per evitare un'eccessiva uniformità si può ricorrere ad alcuni artifici, come l'utilizzo
della versione retrogradata della serie originale, o l'inversione di questa (con tutti gli
intervalli disposti per moto contrario), o ancora l'inversione della versione
 retrogradata. Si ottengono così quattro ordini principali della serie. In più, è
possibile trasporre la serie originale e le sue tre "versioni" su tutti i restanti 11 gradi
della scala cromatica.

La successione degli accordi costruiti sui gradi IV, V e I di una scala maggiore o minore
(formula cadenzale) fornisce all'ascoltatore il senso della tonalità di un brano. Sostituendo
l'accordo di tonica con un altro grado della scala (oppure con un accordo di un'altra
tonalità), si ottiene una cadenza evitata.
Modulazioni e cadenze evitate sempre più frequenti e ardite hanno portato storicamente a
un affievolimento del senso tonale. Anche perché, se in un brano di cinque minuti la
ripetizione del tema iniziale, nella stessa tonalità, può essere percepita come un “ritorno
all'origine”, in uno molto più lungo difficilmente produce il medesimo effetto. Il massimo
sviluppo del sistema tonale (fine del diciannovesimo secolo) ha coinciso con l'inizio della
sua crisi.
Si consideri che i termini atonale e dodecafonico non sono sinonimi: il primo indica
qualunque musica priva di riferimenti tonali, mentre il secondo si riferisce al metodo sopra
descritto. Diversi compositori nel corso del Novecento hanno adottato il metodo
dodecafonico.
Passiamo ora ad un movimento di fine 800 sviluppatosi prevalentemente in Francia, ma
fondamentale per tutto il mondo musicale, coevo e successivo:
L'Impressionismo musicale
Con l'espressione impressionismo musicale (o anche musica impressionista) si
intende una corrente di musica colta sviluppatasi in Europa (in particolare in Francia) tra il
1890 e il 1920 avente alcune analogie con l'omonima corrente pittorica e facente capo alle
idee compositive di Claude Debussy[1]. Questa espressione è stata data a posteriori dai
musicologi poiché lo stesso Debussy non vi si riconosceva del tutto. L'Impressionismo
musicale è inoltre strettamente legato alla poetica simbolista[2].
Impressioni e sfumature
Come i pittori impressionisti privilegiano la luce, i musicisti che condividono questa
sensibilità portano la loro attenzione sul timbro, il “colore” degli strumenti. Il timbro diventa
per questi compositori l'elemento più importante della composizione, attraverso il quale
esprimere impressioni e suggestioni. Le tecniche di strumentazione utilizzate sono molto
raffinate e gli strumenti sono spinti agli estremi limiti della loro estensione. Le sonorità
dell'orchestra così ottenute sono leggere, sfumate e trasparenti. La dinamica non
raggiunge quasi mai il forte, ma in genere va dal mezzoforte al pianissimo. L'armonia non
segue le regole tradizionali, ma è molto innovativa e crea un effetto di sospensione. Le
melodie usano spesso scale antiche, di tradizione medievale, o ispirate all'Oriente come la
scala pentafonica (di cinque suoni) e la scala esatonale (di sei suoni). Le atmosfere delle
composizioni appaiono così sognanti, vaghe e indeterminate. L'impressionismo musicale
nasce a Parigi e si afferma fra il 1870 e il 1920.
Caratteristiche
Come nell'impressionismo in arte nel quale i contorni del disegno non sono più netti ma
sfumati, ugualmente nella musica i contorni musicali sono più sfuggenti, volti a comunicare
atmosfere immaginarie e sensazioni vaghe. I musicisti cercano di rappresentare la natura
e comunicare all'ascoltatore le loro "impressioni", ponendo l'accento sul colore e sul timbro
dei suoni; a differenza dei sentimenti forti della musica romantica, tali impressioni sono per
irreali. In particolare, per quanto riguarda la musica di Debussy, si intende il progressivo
dissolversi della forma musicale in favore di costruzioni basate su delle "macchie sonore"
attraverso l'impiego del cromatismo[3].
L'impressionismo musicale rifiuta quindi le forme tradizionali della musica classica, come
la sonata, la sinfonia, e il concerto, affidandosi piuttosto a pezzi praticamente brevissimi.
Il fondatore del genere fu Claude Debussy (1862-1918), che fu considerato dopo Richard
Wagner il “padre” della musica moderna. Debussy e Maurice Ravel sono generalmente
considerati i due maggiori impressionisti. Altri importanti rappresentanti furono comunque
Erik Satie, Paul Dukas, Alexander Scriabin, Frederick Delius, Ralph Vaughan Williams, e
Arnold Bax.
Tra gli italiani sono da ricordare invece Ottorino Respighi ed Alfredo Casella.
Parliamo ora del più rappresentativo autore del periodo:
CLAUDE DEBUSSY
Claude-Achille Debussy (Saint-Germain-en-Laye, 22 agosto 1862 – Parigi, 25 marzo
1918) è stato un compositore e pianista francese. È considerato in patria e nel mondo uno
dei più importanti compositori francesi di sempre, nonché uno dei massimi protagonisti del
simbolismo musicale.
Secondo l'opinione di numerosi musicologi, fra cui Massimo Mila[1], Debussy viene
considerato uno dei principali esponenti del cosiddetto "impressionismo musicale", anche
se lo stesso compositore ne negò l'appartenenza[2], nonostante le chiare influenze
simboliste di Verlaine e Mallarmé. Rudolph Réti ha dichiarato che l'impresa di Debussy fu
la sintesi della "tonalità melodica" a base monofonica con le armonie, sebbene diverse da
quelle della "tonalità armonica"[3].
Biografia breve (da studiare)
Claude Achille Debussy, considerato l'iniziatore della musica moderna, nasce a Saint
Germain en Laye il 22 agosto 1862.Nel 1869 inizia lo studio del pianoforte con l'italiano
Cerutti e a soli 10 anni entra al Conservatorio di Parigi dove studia pianoforte e
composizione.Dopo due tentativi, nel 1884 il giovane Claude Debussy ottiene il "Prix de
Rome" con la Cantata "L'Enfant Prodigue", premio che gli permette di venire in
Italia.L'opera giovanile di Claude Debussy portano nella musica europea, fluidità e colori
nuovi.Famosi restano "La damoiselle élue" (1888) e "Cinq poèmes de Baudelaire" (1889),
dove si sente l'influenza di Richard Wagner, "Prélude à l'aprés-midi d'un faune" (1892), i
"Nocturnes", "Quartetto d'archi" (1893) e molte canzoni e pezzi che si ispirano alle liriche
di Verlain.Il 19 ottobre 1899 Debussy sposa Rosalie Texier, che abbandona nel 1904 per
andare a vivere con Emma Bardac e nel 1905 nasce la figlia Chou-chou.Nel 1905 Claude
Debussy compone i tre movimenti sinfonici del famosissimo "La mer", "De l'aube à midi
sur la mer" (Dall'alba al meriggio sul mare), "Jeux des vagues" (Giochi d'onde) e "Dialogue
du vent e de la mer" (dialogo del vento e del mare).
Debussy scrisse molta musica per pianoforte, per orchestra e per balletto utilizzando un
suo stile particolarmente vario e fantasioso, leggero e sereno o veloce e incalzante,
seguendo le emozioni ed immagini espresse.
Nel 1911 viene rappresentato il mistero "Le Martyre de Saint Sebastien" il cui testo è
opera del poeta Gabriele D'Annunzio. Debussy espresse a meraviglia il clima poetico,
raffinato e decadente, della Belle Epoque, finita con la prima guerra mondiale e che in
Francia si era sviluppato verso la fine del secolo scorso, da Baudelaire in poi.
Il 7 dicembre 1915 Claud Debussy viene operato di un tumore intestinale ed il 25 marzo
1918 muore a Parigi.
Claude Debussy considerato l'iniziatore della musica moderna e amatissimo dai suoi
concittadini venne sepolto nel Cimitero di Passy mentre Parigi era sotto il tiro dei cannoni
dell'esercito Prussiano.
Biografia completa (da leggere)
Nato in una famiglia di modeste condizioni di commercianti di porcellane[4], Claude-Achille
Debussy ebbe le prime lezioni di musica da Antoinette Mauté, suocera del poeta Paul
Verlaine e discreta pianista che si adoperò in seguito per farlo entrare al Conservatoire
national supérieur de musique et de danse de Paris (1872-1884)[5]. Qui il giovane Debussy
studiò pianoforte con Antoine Marmontel e composizione con Ernest Guiraud. In seguito
alla vittoria del prestigioso e ambito Prix de Rome nel 1884 con la Cantata su L'enfant
prodigue di Édouard Guinaud, soggiornò a Roma, a Villa Medici, tra il 1885 e il 1887, dove
ebbe modo di conoscere Franz Liszt[4] ed entrò in contatto con la musica di Giovanni
Pierluigi da Palestrina ed Orlando di Lasso, della quale rimase subito entusiasta[6].
Rientrato a Parigi, tornò a frequentare Paul Dukas che aveva conosciuto anni prima e
iniziò la composizione dei Cinq poèmes de Baudelaire. Nel 1888 si recò a Bayreuth dove
ascoltò Parsifal, Tristano e Isotta e I maestri cantori di Norimberga. Probabilmente il suo
stile di compositore venne ad affinarsi proprio all'ascolto delle opere di Wagner e anche
grazie alla conoscenza del Gamelan giavanese ascoltato all'Esposizione universale di
Parigi (1889)[4].
L'influenza di Wagner, e soprattutto del Parsifal, è evidente nella cantata La damoiselle
élue scritta fra il 1887 e il 1888[6] e nei Cinq poèmes de Baudelaire terminati nel 1889,
mentre altri suoi brani dello stesso periodo, in particolar modo l'impostazione delle arie
scritte sul testo di poesie dell'amico Verlaine (Ariettes oubliées, Trois mélodies, Fêtes
galantes), sono in uno stile più volubile, come se facessero parte del quartetto per archi in
Sol minore (op. 10) nello stile di César Franck (1893); in tale opera non solo è presente
l'utilizzo del modo frigio ma anche quello di altri modi ancor meno consueti, in particolare il
modo tonale intero, per creare un'armonia oscillante che aveva scoperto attraverso le
opere dei contemporanei: Mallarmé nel Prélude à l'après-midi d'un faune, opera per
orchestra eseguita per la prima volta nel 1894 e utilizzata poi nel 1912 per la produzione
del balletto omonimo di Nižinskij, e Maeterlinck nell'opera Pelléas et Mélisande, scritta in
larga misura intorno al 1893-1895 sebbene non completata fino al 1902. Queste opere
portarono una fluidità nel ritmo e un colore nuovo per la musica occidentale.
Il 1890 segnò una data importante per il musicista; il suo desiderio di rinnovamento è
sottolineato dal cambiamento della grafia della firma e soprattutto dall'abbandono del
nome Claude-Achille che egli non aveva mai amato, preferendo semplicemente Claude[5].
Lasciò la casa dei genitori decidendo, alla fine dell'anno, di andare ad abitare in casa di un
amico e sempre in questi mesi fece la conoscenza di Mallarmé che influenzerà non poco
la sua concezione dell'arte e la sua musica[5]. Iniziò in questo periodo la composizione di
alcune delle sue opere più importanti, il Prélude à l'après-midi d'un faune e la Suite
bergamasque, inoltre iniziò la sua prima vera relazione stabile con Gabrielle Dupon.
Vita privata
Debussy trascorse una vita molto movimentata, soprattutto sentimentalmente. All'età di 18
anni iniziò una relazione clandestina con Marie-Blanche Vasnier, moglie di un ricco
funzionario statale parigino. La relazione durò otto anni ed entrò in crisi in seguito alla
vittoria di Debussy al Prix de Rome avvenuta il 28 giugno 1884; il prestigioso concorso
prevedeva la permanenza obbligatoria nella capitale italiana per due anni; il musicista
soggiornò presso Villa Medici dal 27 gennaio 1885 al 2 marzo 1887 studiando e
componendo presso l' Accademia di Francia.[7]
Debussy nella sua permanenza a Roma visitò anche diversi luoghi attorno alla capitale:
diverse volte visitò Fiumicino e fu ospite del conte Primoli intorno al 1885. Ci ha lasciato
una descrizione del suo soggiorno:
“Sono stato a Fiumicino, Primoli essendo a Parigi, mi ha offerto la sua villa che è
deliziosamente sistemata. Fiumicino è un luogo affascinante dove i romani vengono a farsi
i bagni a mare, dove ho già avuto un piacevolissimo soggiorno. Lì ho goduto di una
completa solitudine, è ciò che chiedo per adesso“.
Tornato a Parigi nel 1887, iniziò una tempestosa relazione di nove anni con Gabrielle
Dupont detta Gaby, figlia di un sarto di Lisieux, con cui coabitò in Rue Gustave Doré, nel
XVII arrondissement; contemporaneamente si legò per breve periodo alla cantante
Thérèse Roger.
La storia con la Dupont entrò in crisi per l'infedeltà del musicista e per la perenne
mancanza di denaro, tanto che vi fu un tentativo di suicidio da parte della donna [4]; Gaby
era ancora in un certo modo ancora presente nella vita di Debussy quando lui conobbe e
si invaghì di un'amica di lei, Rosalie Texier, detta Lily, un'indossatrice di sartoria. Gaby
lasciò definitivamente il musicista e intrecciò una nuova relazione con un banchiere. Il
compositore sposò Lily nel 1899 con una cerimonia molto semplice a cui non
parteciparono neppure i genitori degli sposi[4]. Nonostante Lily fosse una persona
innamorata, pratica, diretta e benvoluta da amici e colleghi del marito, Debussy col tempo
sviluppò una crescente irritazione nei confronti di sua moglie per via delle sue limitazioni
intellettuali e della sua mancanza di sensibilità e cultura musicale. Nel 1903 Debussy
conobbe Emma Bardac grazie a suo figlio Raoul, che era allievo del musicista; Emma era
moglie del banchiere Sigismond Bardac e, al contrario di Lily, era una donna istruita,
raffinata, brillante nella conversazione, musicista dilettante e anche stimata cantante [6].
Ben presto Debussy si avvicinò ad Emma, per cui scrisse il pezzo per pianoforte L'isle
joyeuse, e abbandonò la Texier, la quale disperata tentò, come la Dupont, di suicidarsi
sparandosi in petto in Place de la Concorde nell'ottobre del 1904; sopravvisse, ma il
proiettile le rimase incastrato in una vertebra per il resto della vita.
Debussy dovette subire la riprovazione della società civile dell'epoca e molti suoi amici si
allontanarono[6]. Lo scandalo provocato da tale azione costrinse Debussy e la Bardac (già
incinta di lui) a recarsi segretamente in Inghilterra sull'isola di Jersey nell'aprile del 1905.
La coppia si sistemò nel Grand Hotel di Eastbourne, dove Debussy completò la suite
sinfonica La Mer e divorziò da Lily il 2 agosto[9]. A giugno venne finalmente pubblicata la
Suite bergamasque con il celebre Claire de lune. Debussy ed Emma tornarono a Parigi a
fine settembre, giusto in tempo per la nascita della loro bambina Claude-Emma (l'unica
figlia avuta dal compositore) il 30 ottobre. Chiamata affettuosamente Chou-chou, Claude-
Emma era la dedicataria del famoso Children's Corner, una raccolta di sei pezzi per
pianoforte composta nel 1908, anno in cui i suoi genitori finalmente si sposarono.
Gli ultimi anni
Nel febbraio 1909 il musicista avvertì i primi sintomi della malattia che lo avrebbe portato
alla fine. Tornò in Inghilterra, ma dovette annullare alcuni concerti già fissati e non si sentì
nemmeno di assistere alla rappresentazione del Pelléas et Mélisande al Covent Garden[4].
Nel 1910 morì il padre, Manuel Debussy, e il compositore ne fu sinceramente addolorato,
anche se in realtà non avevano mai condiviso molto sull'arte e sulle idee[6]. Nello stesso
anno il musicista scrisse il balletto Khamma e prese accordi con Gabriele D'Annunzio per
la musica di scena de Le martyre de Saint Sébastien. Nel maggio 1912 assistette al
balletto sul suo Prélude à l'après-midi d'un faune che creò scandalo e che non piacque
all'autore. Successivamente Debussy firmò un contratto con Djagilev per un nuovo
balletto, Jeux, che fu rappresentato il 15 maggio 1913 dai Balletti russi. Durante l'estate
compose La boîte à joujoux ispirato dalla figlia Chou-chou. Sempre afflitto da problemi
economici, Debussy accettò di dirigere concerti in Russia, a Roma, a L'Aja e ad
Amsterdam[4].
Allo scoppio della Prima guerra mondiale Debussy si trasferì con la famiglia a Angers
poiché temeva l'avanzata dei tedeschi; nel marzo 1915 il compositore perse la madre e
poco dopo la suocera. Si trasferì poi a Dieppe in Normandia e quindi a Pourville in una
villa messa a disposizione da amici, trascorrendo qui l'ultimo periodo sereno[4]. Al rientro a
Parigi la malattia, che si era aggravata, gli provocò molte sofferenze e nel mese di
dicembre 1915 il compositore subì un intervento che servì solo a ritardare gli effetti della
male; venne sottoposto a radioterapia ed trattato con morfina per il dolore. Nel 1917
Debussy riuscì ancora a tenere diversi concerti per beneficenza, l'ultimo a Biarritz il 14
settembre[4].
La morte
Claude Debussy morì a Parigi il 25 marzo del 1918 alle 22 e 15 per il cancro da cui era
afflitto da diversi anni, mentre l'esercito tedesco bombardava la città con il cannone a
lunga gittata Parisgeschütz[10]. Era solo otto mesi prima che la vittoria venisse dichiarata, in
Francia. In quel momento la situazione militare francese era considerata da molti critica, e
questa circostanza non permise che gli fosse dato l'onore dei funerali di Stato, o di
cerimoniose orazioni al momento della sepoltura, o celebrazioni delle sue opere.
Nel disperato clima bellico che si respirava al tempo in Francia, la sua processione
funebre si tenne in maniera veloce e sobria per le vie deserte della città fino al cimitero del
Père-Lachaise; vi parteciparono non più di venti persone, tra cui Paul Dukas e l'editore
Durand. Solo dopo la fine della guerra, otto mesi dopo, fu possibile celebrarne
degnamente la morte e poco dopo il suo corpo venne traslato nel cimitero di Passy, dietro
il Trocadéro, dove attualmente riposa tumulato insieme con la moglie Emma, morta nel
1934, e con la figlia Chou-chou[11], la quale invece sopravvisse al padre per nemmeno un
anno, perendo a soli tredici anni in un'epidemia di difterite nel 1919.
La Francia ha, fin dal principio, riconosciuto e celebrato il genio musicale di Debussy,
onorandolo come uno dei suoi più stimati figli. Dal 1980 fino all'introduzione dell'euro nel
2002, il suo volto ha campeggiato sulla banconota da 20 franchi.
La morte di Debussy, come anche l'intera prima guerra mondiale, coincisero con il periodo
denominato Belle Époque che testimoniava lo sbocciare a Parigi di innovazioni, nuovi stili
di vita e di nuove esperienze artistiche.
Lo stile
La musica di Debussy presenta influenze sia nazionali (Charles Gounod, César Franck,
Jules Massenet, Gabriel Fauré), sia internazionali (Fryderyk Chopin per il pianoforte,
Modest Petrovič Musorgskij per l'antiaccademismo e Giovanni Pierluigi da Palestrina per
l'arabesco). Debussy, pur apprezzando la musica di Wagner, è stato, soprattutto per la
sua avversione al titanismo, un antiwagneriano come la maggior parte dei suoi
connazionali. Soprattutto dopo il suo secondo soggiorno a Bayreuth si allontanò dalla
concezione wagneriana sostenendo che da quel tipo di musica non poteva nascere un
vero rinnovamento[5]. Tuttavia è vicino alla sua musica per quanto riguarda la concezione
del discorso musicale aperto e continuo; questo in Wagner si traduce con la cosiddetta
"melodia infinita", che è tuttavia vincolata all'armonia tonale, mentre in Debussy il discorso
musicale è costruito con piccole immagini balenanti in continuo rinnovamento, ma
indipendenti tra loro grazie all'appoggio a un linguaggio armonico non vincolante e fatto di
espedienti extratonali volti all'ambiguità, come la scala esatonale (per toni interi) in cui i
rapporti tensiodistensionali, dati dall'alternanza di tono e semitono, vengono meno,
essendo essa composta da intervalli identici.
Lo stile di Debussy oscilla inizialmente tra il neoclassicismo (notevoli in questo senso le
influenze da Rameau, Couperin, Frescobaldi, Scarlatti e Bach) e il romanticismo in
maniera eclettica. La sua vera cifra appare dopo le frequentazioni dell'ambiente artistico
simbolista che per lui fu veramente una scuola. Il simbolismo se è fondamentale per
comprendere l'evoluzione della sua arte, non è però sufficiente a delineare completamente
la musica di Debussy[5]. Il compositore scriveva le sue opere per una sua intima necessità,
rinnovando il linguaggio musicale al di là di ogni scuola o suggestione predefinita. La sua
musica è stringata, non pomposa e colossale, puntando alla brevità aforistica alla maniera
degli impressionisti e dei simbolisti: come loro inoltre Debussy ricerca l'innovazione
nell'esotismo. Il neoclassicismo di Debussy compie quindi una sintesi tra estetica classica
e modernismo, grazie a un contrappunto innovativo e a dinamiche molto curate. Privilegia
il colore timbrico sulla linea melodica, sceglie preferibilmente sonorità lievi e luminose
(acute), elabora una scrittura ritmica estremamente complessa, ma dall'andamento
fluttuoso e sospeso che reinventa il modo di suonare il pianoforte.
Diverse opere di Debussy si basano sulle proporzioni della sezione aurea, ovvero sul
rapporto a:b=(a+b):a, rintracciabili negli astratti principi di simmetria musicale ed aritmetica
su cui il compositore usava basare le sue eteree e smaterializzate composizioni.
L'esempio più tipico di questo rigore compositivo sono La Mer e Nuages.[13]
Composizioni per pianoforte
Debussy scrisse molta musica per pianoforte e s’impegnò a sfruttare tutte le potenzialità
timbriche ed espressive di tale strumento. I brani più importanti con cui cominciarne
l'ascolto sono opere che, alla moda di Verlaine, guardano al decoro rococò con moderni
cinismo e perplessità (Suite bergamasque, 1890-1905; Pour le piano, 1901).
Il suo primo volume di Images pour piano 1904 - 1905 evoca tonalità che erano raramente
state udite in lavori di suoi contemporanei come ad esempio frasi che ricordano lo
sciabordio dell'acqua nel primo brano Reflets dans l'eau o come l'omaggio all'influenza di
Jean-Philippe Rameau in una lenta e misteriosa danza di corte nel secondo brano
Hommage à Rameau.
Debussy cominciò ad associare la sua musica con impressioni visuali dell'Oriente,
Spagna, paesaggi, e altro, in una sequenza di messe in scena di brevi brani. Ciò può
essere ascoltato nel volume di brani conosciuto come Estampes, composto nel 1903 e
che raggruppa brani opportunamente intitolati, ad esempio Pagodes che evoca una
sensazione d'Oriente e di magnifiche pagode con le loro solenni torrette. Il secondo brano
in Estampes dal titolo La soirée dans Grenade rammenta vividamente un'atmosfera
spagnola.
Pure nella sua famosa Children's Corner per pianoforte, che scrisse per la sua amata figlia
che chiamava Chou-chou, si suggeriscono suggestioni dall'Oriente dovendosi infine notare
anche una nuova ondata di influenza jazz nel suo pezzo Golliwogg's Cake-walk, mentre
Debussy si diverte alle spalle di Richard Wagner con una citazione di un tema dal Tristano
e Isotta[6].
L'ultimo volume degli Études (1915) similmente interpreta varietà di stili e trame,
meramente come esercizi pianistici, e comprende brani che sviluppano all'estremo forme
irregolari come anche altri influenzati dai lavori del giovane Igor' Fëdorovič Stravinskij
(presenza anche nella suite En blanc et noir per due pianoforti, 1915). La rarefazione di
questi lavori è presente anche nell'ultimo gruppo di musiche, i Trois poèmes de Mallarmé
(1913), e nella Sonata per flauto, viola e arpa (1915), nonostante la sonata e i pezzi ad
essa simili ricatturino anche il classicismo inquisitivo di Verlaine. Il progettato gruppo di sei
sonate è bruscamente interrotto dalla morte del compositore.
Préludes I e II, Images I e II, Clair de Lune, Children's Corner (orchestrato da André
Caplet), Estampes, Suite bergamasque, Études, Deux arabesques, Le trouduce, Pour le
piano, Valse romantique, Rêverie, Nocturne, Mazurka, D'un cahier d'esquisses, Hommage
à Haydn, La plus que lente, La boîte à joujoux, 1913 (balletto, orchestrato da André
Caplet; postumo), Berceuse héroïque, Danse o Tarantelle styrienne (orchestrato da
Maurice Ravel), Le petit nègre Saggio audio. Per pianoforte a quattro mani: Petite suite
(orchestrata da Henri Busser), Marche écossaise sur un thème populaire, Six épigraphes
antiques. Per due pianoforti: Prélude à l'après-midi d'un faune, Lindaraja, En blanc et noir.
Composizioni teatrali: Pelléas et Mélisande, Le Roi Lear, Le martyre de Saint Sébastien,
La chute de la maison Usher (frammento d'opera)
Musica da camera: Trio per violino, violoncello e pianoforte (composto a 16 anni),
Quartetto per archi in Sol min. op. 10, Rapsodia per sassofono e pianoforte (orchestrata
nel 1919 da Roger Ducasse), Prima rapsodia per clarinetto e pianoforte, Piccolo pezzo per
clarinetto e pianoforte, Syrinx per flauto solo, Sonata per violoncello e pianoforte, Sonata
per flauto, viola e arpa, Sonata per violino e pianoforte
Balletti: Il balletto Jeux (1912-1913) contiene alcune delle più bizzarre armonie e trame in
una forma che si muove liberamente al di sopra del suo proprio spazio di unione come
motivo musicale.
Altri successivi lavori teatrali, inclusi i balletti Khamma (1911-1912) e La boîte à joujoux
(1913), non furono totalmente orchestrati da Debussy; Le martyre de Saint Sébastien
(1911), musiche di scena su testo di Gabriele D'Annunzio, è da ricordare per il sostegno a
un'antica atmosfera modale che era altrimenti sfiorata solo in brevi pezzi per piano (ad
esempio La cathédrale engloutie).
Composizioni per coro: Salut, printemps, Invocation, L'enfant prodigue (Il figliuol
prodigo), scena lirica in 3 parti per soprano, tenore, baritono, coro ad libitum e orchestra,
La damoiselle élue, Trois chansons de Charles d'Orléans, Noël des enfants qui n'ont plus
de maison, Ode à la France.
Composizioni vocali: Nuit d'etoiles, Beau soir, Fleur des blés, Mandoline, Trois poèmes
de Stéphane Mallarmé, Trois ballades de François Villon, Le promenoir des deux amants,
Trois chansons de France, Trois chansons de Bilitis, Proses lyriques, Fêtes galantes I e II,
Deux romances I e II, Trois mélodies. Dans le jardin, Les angélus, Cinq poèmes de
Charles Baudelaire, Ariettes oubliées, Musique, Quatre mélodies pour Mme Vasnier,
Rondeau, Zéphyr, Paysage sentimental, Voici que le printemps, La belle au bois dormant.
A seguire esaminiamo vita ed opere del secondo grande autore dell'impressionismo
francese:
Maurice Ravel
Musicista francese (Ciboure, Pirenei Francesi, 1875 - Parigi 1937). Guidò, insieme a C.
Debussy, l'innovazione musicale dei primi trent'anni del Novecento, in Francia e ben oltre i
suoi confini, esprimendosi ai più alti vertici nelle composizioni per pianoforte e utilizzando
con raffinata eleganza diverse espressioni musicali. L'arte di R., caratterizzata da una
raffinata perizia compositiva, è segnata nello stesso tempo da una sofisticata ricerca
stilistica che si realizza nell'uso di un linguaggio musicale eclettico e nel montaggio con il
corrente repertorio consumistico: da qui gli accenti e le movenze spagnolesche della
Rapsodia orchestrale e della commedia L'heure espagnole, e la strepitosa miscela tra
grande artigianato orchestrale e ossessiva spirale melodica nel celeberrimo Bolero (1928).
Da questo derivano anche le seduzioni dei valzer di sapore viennese nei Valses nobles et
sentimentales per pianoforte e in La valse per orchestra. E deriva, infine, l'uso di materiali
d'ogni tipo: dall'operetta americana al vecchio jazz di New Orleans, al ragtime e così via;
per esempio la Sonata per violino e pianoforte (1927) contiene un fascinoso movimento di
blues.
VITA
Nato in provincia da madre basca e di padre svizzero francese. Studiò prima con H. Ghis
(pianoforte) e Ch. René, poi (dal 1889) al conservatorio di Parigi, dove frequentò
successivamente le classi del De Bériot (pianoforte), del Pessard (armonia), del Gédalge
(contrappunto) e di Gabriel Fauré (composizione). Compose già in quegli anni molte
pagine vocali da camera, pezzi per pianoforte e altro. Nel 1898 si eseguirono le Sites
auriculaires per pianoforte a 4 mani (poi orchestrate) alla Société Nationale, nel 1899
l'ouverture Shéhérazade e nel 1900 i due Épigrammes de Marot, tutte musiche osteggiate
dal pubblico e dalla critica che le giudicavano pericolosamente rivoluzionarie: concorse
quattro volte al Prix de Rome, che non gli fu mai assegnato (l'ultima volta nel 1905). R.,
disgustato, si ritirò da allora in poi da ogni ambiente «ufficiale», dedicandosi unicamente
alla composizione. Soltanto in un breve periodo (intorno al 1920-30) ricomparve in concerti
quale interprete della propria musica, al pianoforte (di cui era un raffinato virtuoso) o sul
podio direttoriale. Da quel momento R. si appartò completamente dalla vita musicale
ufficiale, rifiutando sempre ogni invito a partecipare a commissioni, ad accettare cariche, e
rinunziando a tutte le onorificenze. Passò gli ultimi anni in una penosa infermità nervosa
che gli impediva ogni creazione.
Biografia
Nato in una famiglia amante della musica, Ravel frequentò il più importante college di
musica francese, il Conservatorio di Parigi; non era ben considerato dalla sua istituzione
conservatrice, il cui trattamento prevenuto nei suoi confronti provocò uno scandalo. Dopo
aver lasciato il conservatorio, Ravel trovò la sua strada come compositore, sviluppando
uno stile di grande chiarezza e incorporando elementi di modernismo, barocco,
neoclassicismo e, nelle sue opere successive, di jazz. Gli piaceva sperimentare la forma
musicale, come nel suo lavoro più noto, Boléro (1928), in cui la ripetizione prende il posto
dello sviluppo. Fece alcuni arrangiamenti orchestrali di musica di altri compositori, tra i
quali la sua versione del 1922 di Quadri di un'esposizione di Mussorgsky è la più
conosciuta.
Lavoratore lento e scrupoloso, Ravel compose meno pezzi di molti suoi contemporanei.
Tra le sue opere che sono entrate nel repertorio ci sono brani per pianoforte, musica da
camera, due concerti per pianoforte, musica per balletto, due opere e otto cicli di canzoni;
non ha scritto sinfonie o musica sacra. Molte delle sue opere esistono in due versioni:
prima composizione per pianoforte e poi un'orchestrazione. Parte della sua musica per
pianoforte, come Gaspard de la nuit (1908), è eccezionalmente difficile da suonare e le
sue complesse opere orchestrali come Daphnis et Chloé (1912) richiedono un abile
equilibrio nell'esecuzione.
Ravel fu tra i primi compositori a riconoscere il potenziale delle registrazioni per portare la
sua musica a un pubblico più ampio. Dagli anni 1920, nonostante la tecnica limitata come
pianista o direttore d'orchestra, prese parte alle registrazioni di parecchi suoi lavori; altri
furono fatti sotto la sua supervisione.
Primi anni
Ravel nacque nella città basca di Ciboure, in Francia, vicino a Biarritz, a 18 chilometri dal
confine con la Spagna. Suo padre, Pierre-Joseph Ravel, era un ingegnere colto e di
successo, un inventore e un produttore, nato a Versoix vicino al confine franco-svizzero.[7][n
1]
Sua madre, Marie, nata Delouart, era di origini basche ma cresciuta a Madrid. Verso la
fine del diciannovesimo secolo, Joseph l'aveva sposata nonostante fosse al di sotto del
proprio status - Marie era illegittima e appena istruita - ma il matrimonio era felice. [10]
Alcune delle invenzioni di Joseph ebbero successo, tra queste un primo motore a
combustione interna e una famigerata macchina da circo, il "Whirlwind of Death", un giro
della morte che fu una grande attrazione fino a un incidente mortale al Circo Barnum e
Bailey nel 1903.[11]
Entrambi i genitori di Ravel erano cattolici romani; Marie era qualcosa come una libera
pensatrice, un tratto ereditato dal figlio maggiore.[12] Era stata battezzata nella chiesa
parrocchiale di Ciboure sei giorni dopo la sua nascita. La famiglia si trasferì a Parigi tre
mesi dopo e lì nacque un figlio più giovane, Édouard: era legato a suo padre, che alla fine
seguì nella professione di ingegnere. Maurice era particolarmente devoto alla madre; la
sua eredità basca-spagnola ebbe una forte influenza nella sua vita e nella sua musica. Tra
i suoi primi ricordi c'erano canzoni popolari lei che gli cantava.[13] La casa non era ricca, ma
l'ambiente famigliare era confortevole e i due ragazzi ebbero un'infanzia felice. [14]
Ravel senior era felice di portare i suoi figli nelle fabbriche per vedere gli ultimi dispositivi
meccanici, ma aveva anche un vivo interesse per la musica e la cultura in generale.[15] Più
avanti nella vita Ravel ricordava: "Durante la mia infanzia ero sensibile alla musica. Mio
padre, molto più colto in questa arte rispetto alla maggior parte dei dilettanti, ha saputo
sviluppare i miei gusti e stimolare il mio entusiasmo in tenera età".[16] Non ci sono prove
che Ravel abbia ricevuto un insegnamento scolastico generale ufficiale nei suoi primi anni;
il suo biografo Roger Nichols suggerisce che il ragazzo potrebbe essere stato educato
principalmente da suo padre.[17]
Quando aveva sette anni Ravel iniziò le lezioni di piano con Henry Ghys, un amico di
Emmanuel Chabrier; cinque anni dopo, nel 1887, iniziò a studiare armonia, contrappunto e
composizione con Charles-René, allievo di Léo Delibes.[17] Senza essere un bambino
prodigio, era un ragazzo eccezionalmente portato per la musica.[18] Charles-René scoprì
che la concezione della musica di Ravel era naturale per lui "e non, come nel caso di tanti
altri, il risultato di uno sforzo".[19] Le prime composizioni conosciute di Ravel risalgono a
questo periodo: variazioni su un corale di Schumann, variazioni su un tema di Grieg e un
unico movimento di una sonata per pianoforte.[20] Sono arrivate fino a noi solo in forma
frammentaria.[21]
Nel 1888 Ravel incontrò il giovane pianista Ricardo Viñes, che divenne non solo un amico
per la vita, ma anche uno dei principali interpreti delle sue opere e un importante
collegamento tra Ravel e la musica spagnola.[22] I due condividevano un apprezzamento
per Wagner, la musica russa e gli scritti di Poe, Baudelaire e Mallarmé.[23] All'Esposizione
Universale di Parigi del 1889, Ravel fu molto colpito dai nuovi concerti sinfonici russi diretti
da Nikolai Rimsky-Korsakov.[24] Questa musica ebbe un effetto duraturo sia su Ravel che
sul suo contemporaneo più anziano Claude Debussy, così come il sound esotico delle
gamelan giavanese, sempre udito durante l'Esposizione.[20]
Émile Decombes subentrò come insegnante di pianoforte di Ravel nel 1889; nello stesso
anno Ravel diede la sua prima esibizione pubblica.[25] A quattordici anni prese parte ad un
concerto alla Salle Érard insieme ad altri allievi di Decombes, tra cui Reynaldo Hahn e
Alfred Cortot.
Conservatorio di Parigi
Con l'incoraggiamento dei suoi genitori Ravel fece domanda per entrare nel più importante
istituto musicale francese, il Conservatoire de Paris. Nel novembre del 1889, suonando
musica di Chopin, superò l'esame per l'ammissione alla classe preparatoria di pianoforte
gestita da Eugène Anthiome.[27] Ravel vinse il primo premio al concorso per pianoforte del
Conservatorio nel 1891, ma per il resto non si distinse come studente.[28] Tuttavia questi
anni furono un periodo di notevole progresso nel suo sviluppo come compositore. Il
musicologo Arbie Orenstein scrive che per Ravel gli anni 1890 furono un periodo "di
immensa crescita ... dall'adolescenza alla maturità".[29]
Nel 1891 Ravel passò alle classi di Charles-Wilfrid de Bériot, per il pianoforte, e di Émile
Pessard per l'armonia.[25] Fece progressi solidi anche se non spettacolari, con il particolare
incoraggiamento da parte di Bériot ma, nelle parole della studiosa musicale Barbara L.
Kelly, "gli si poteva insegnare solo alle sue condizioni".[30] Il suo successivo insegnante
Gabriel Fauré lo capì, ma in generale non era accettabile per la facoltà conservatrice del
Conservatorio degli anni 1890.[30] Ravel fu espulso nel 1895, non avendo più vinto premi.[n
2]
Le sue prime opere per sopravvivere sono di questi giorni da studente: Sérénade
grotesque, per pianoforte, e Ballade de la Reine morte d'aimer,[n 3] una mélodie ambientata
su una poesia di Roland de Marès (entrambi del 1893).[20]
Ravel non fu mai uno studente così diligente in piano com'erano i suoi colleghi come
Viñes e Cortot.[n 4] Era chiaro che come pianista non li avrebbe mai eguagliati e la sua
ambizione prevalente era quella di essere un compositore.[28] Da questo punto si
concentrò nella composizione. Le sue opere di quel periodo comprendono le canzoni Un
grand sommeil noir e D'Anne jouant de l'espinette su versi di Paul Verlaine e Clément
Marot,[20][n 5] e le pièces per pianoforte Menuet antique e Habanera (a quattro mani),
quest'ultima infine incorporata nella Rapsodie espagnole.[33] In questo periodo Joseph
Ravel presentò suo figlio a Erik Satie, che si guadagnava da vivere come pianista di café.
Ravel fu uno dei primi musicisti, Debussy era un altro, a riconoscere l'originalità e il talento
di Satie.[34] I costanti esperimenti di Satie nella forma musicale furono d'ispirazione per
Ravel, che li considerava "di inestimabile valore".[35]
Nel 1897 Ravel fu riammesso al Conservatorio, studiando composizione con Fauré e
prendendo lezioni private di contrappunto con André Gedalge.[25] Entrambi questi
insegnanti, in particolare Fauré, lo consideravano moltissimo e furono influenze chiave sul
suo sviluppo come compositore.[20] Mentre il corso di Ravel progrediva, Fauré riferì "un
netto guadagno della sua maturità... che coinvolgeva la ricchezza dell'immaginazione".[36]
La posizione di Ravel al Conservatorio era tuttavia minata dall'ostilità del direttore,
Théodore Dubois, che deplorava la visione musicalmente e politicamente progressista del
giovane.[37] Di conseguenza, secondo un compagno di studi, Michel-Dimitri Calvocoressi,
era diventato "un bersaglio, contro il quale tutte le armi erano buone". [38] Scrisse alcune
opere basilari mentre studiava con Fauré, tra cui l'ouverture Shéhérazade, ouverture de
féerie e una sonata per violino, ma non vinse premi e quindi fu espulso di nuovo nel 1900.
Come ex studente gli fu permesso di frequentare le lezioni di Fauré come "auditeur" non
partecipante, fino ad abbandonare definitivamente il Conservatoire nel 1903.[39]
Nel 1899 Ravel compose il suo primo pezzo che sarebbe diventato largamente
conosciuto, anche se inizialmente ebbe un impatto modesto: Pavane pour une infante
défunte ("Pavane per una principessa morta").[40] In origine era un lavoro per pianoforte
solista, commissionato dalla Princesse de Polignac.[41][n 6] Nel 1897 diresse la prima
esecuzione dell'ouverture Shéhérazade, che ebbe un'accoglienza mista, con fischi che si
mescolavano agli applausi del pubblico e recensioni poco lusinghiere da parte della critica.
Uno descrisse il pezzo come "un esordio sconvolgente: un goffo plagio della scuola russa"
e definì Ravel un "debuttante di mediocre talento ... che forse diventerà qualcosa se non
qualcuno tra circa dieci anni, se lavora sodo".[42][n 7] Un altro critico, Pierre Lalo, pensava
che Ravel mostrasse talento, ma era troppo in debito con Debussy e avrebbe dovuto
invece emulare Beethoven.[44] Nel corso dei decenni successivi Lalo divenne il critico più
implacabile di Ravel.[44]
Dall'inizio della sua carriera, Ravel sembrava serenamente indifferente al biasimo o
all'elogio. Chi lo conosceva bene credeva che questo non era una posa ma un
atteggiamento assolutamente genuino.[45] L'unico giudizio sulla sua musica che
apprezzava veramente era il proprio, perfezionista e severamente autocritico.[46] A
vent'anni era, secondo le parole del biografo Burnett James, "controllato, un po'
distaccato, intellettualmente parziale, portato alle canzonature bonarie".[47] Si vestiva come
un dandy ed era meticoloso per il suo aspetto e il suo comportamento.[48] Orenstein
osserva che, basso di statura,[n 8] di struttura leggera e ossuto nei lineamenti, Ravel aveva
"l'aspetto di un fantino ben vestito", la cui grande testa sembrava adeguatamente abbinata
al suo intelletto formidabile.[49] Durante la fine del 1890 e nei primi anni del secolo
successivo, Ravel era barbuto alla moda del giorno; dalla metà degli anni trenta era ben
rasato.
Les Apaches e Debussy
Intorno al 1900 Ravel e una serie di giovani artisti, poeti, critici e musicisti innovativi si
unirono in un gruppo informale; divennero famosi come Les Apaches ("I Teppisti"), un
nome coniato da Viñes per rappresentare il loro status di "emarginati artistici". [51] Si
incontrarono regolarmente fino all'inizio della prima guerra mondiale e i membri si
stimolavano a vicenda con argomenti intellettuali ed rappresentazioni delle loro opere.
L'appartenenza al gruppo era fluida e in varie occasioni incluse Igor' Stravinskij e Manuel
de Falla e i loro amici francesi.[n 9]
Tra gli entusiasmi degli Apaches c'era la musica di Debussy. Ravel, dodici anni più
giovane di lui, conosceva un po' Debussy dal 1890 e la loro amicizia, sebbene mai stretta,
continuò per più di dieci anni.[53] Nel 1902 André Messager diresse la prima dell'opera di
Debussy Pelléas et Mélisande all'Opéra-Comique. Ne condivideva le opinioni musicali.
Dubois proibì inutilmente agli studenti del Conservatorio di partecipare e l'amico del
direttore ed ex insegnante Camille Saint-Saëns era in primo piano tra coloro che
detestavano il pezzo.[54] Gli Apaches ebbero un forte sostegno.[55] La prima esecuzione
dell'opera consistette in quattordici spettacoli: Ravel partecipò a ciascuno di essi.[56]
Debussy era largamente considerato un compositore impressionista, un'etichetta che non
gli piaceva affatto. Molti amanti della musica iniziarono ad applicare lo stesso termine a
Ravel e le opere dei due compositori venivano spesso prese come parte di un singolo
genere.[57] Ravel pensava che Debussy fosse davvero un impressionista ma di non esserlo
personalmente.[58][n 10] Orenstein osserva che Debussy era più spontaneo e disinvolto nelle
sue composizioni mentre Ravel era più attento alla forma ed alla fattura.[60] Ravel scrisse
che il "genio di Debussy era ovviamente di grande individualità, creando le proprie leggi,
costantemente in evoluzione, esprimendosi liberamente, ma sempre fedele alla tradizione
francese. Per Debussy, musicista e uomo, ho sempre avuto una profonda ammirazione,
ma per natura Sono diverso da Debussy... Penso di aver sempre seguito personalmente
una direzione opposta a quella del [suo] simbolismo".[61] Durante i primi anni del nuovo
secolo, tra le nuove opere di Ravel c'erano il pezzo per pianoforte Jeux d'eau (1901),[n 11] il
Quartetto per archi e il ciclo di canzoni orchestrali Shéhérazade (entrambi del 1903).[62] I
commentatori hanno notato alcuni tocchi debussiani in alcune parti di questi lavori. Nichols
chiama il quartetto "allo stesso tempo omaggio ed esorcismo all'influenza di Debussy". [63]
I due compositori cessarono di essere in rapporti amichevoli a metà del primo decennio
del 1900, per motivi musicali e forse personali. I loro ammiratori iniziarono a formare
fazioni, con i seguaci di un compositore che denigravano l'altro. Sorsero controversie sulla
cronologia delle opere dei compositori e su chi ha aveva influenzato chi.[53] Nel campo anti-
Ravel spiccava Lalo, che scrisse: "Dove M. Debussy è tutta sensibilità, M. Ravel è tutta
insensibilità, prendendo in prestito senza esitazione non solo la tecnica, ma la sensibilità
delle altre persone".[64] La tensione pubblica portò ad un allontanamento personale.[64]
Ravel disse: "Probabilmente è meglio per noi, dopo tutto, essere in rapporti gelidi per
ragioni illogiche".[65] Nichols suggerisce un motivo in più per la frattura. Nel 1904 Debussy
lasciò sua moglie e andò a vivere con la cantante Emma Bardac. Ravel, insieme alla sua
cara amica e confidente Misia Edwards ed alla star dell'opera Lucienne Bréval,
contribuirono a un modesto reddito regolare per la Lilly Debussy abbandonata, un fatto
che Nichols suggerisce potrebbe avere irritato suo marito.
Scandalo e successo
Durante i primi anni del nuovo secolo Ravel fece cinque tentativi per vincere il premio più
prestigioso della Francia per i giovani compositori, il Prix de Rome, che in passato aveva
visto tra i vincitori Berlioz, Gounod, Bizet, Massenet e Debussy.[67] Nel 1900 Ravel fu
eliminato al primo turno; nel 1901 vinse il secondo premio della gara.[68] Nel 1902 e nel
1903 non vinse nulla: secondo il musicologo Paul Landormy, i giudici sospettavano che
Ravel si prendesse gioco di loro presentando cantate così accademiche da sembrare
parodie.[62][n 12] Nel 1905 Ravel, ormai trentenne, gareggiò per l'ultima volta, suscitando
involontariamente un enorme entusiasmo. Fu eliminato al primo turno, tanto che persino i
critici più insensibili alla sua musica, incluso Lalo, denunciarono il fatto come
ingiustificabile.[70] L'indignazione della stampa crebbe quando emerse che il professore
senior del Conservatorio, Charles Lenepveu, era nella giuria e solo i suoi studenti erano
stati selezionati per il turno finale.[71] La sua insistenza sul fatto che si trattasse di pura
coincidenza non fu accolta bene.[72] L'affaire Ravel divenne uno scandalo nazionale,
portando al pensionamento anticipato di Dubois e alla sua sostituzione con Fauré,
incaricato dal governo di effettuare una radicale riorganizzazione del Conservatorio.[73]
Tra quelli che si interessavano molto alla controversia c'era Alfred Edwards, proprietario
ed editore di Le Matin, per il quale Lalo scriveva. Edwards era sposato con Misia,[n 13]
l'amica di Ravel; la coppia portò Ravel in una crociera di sette settimane sul Reno sul loro
yacht nel giugno e luglio 1905, la prima volta che viaggiava all'estero.[75]
Nell'ultima parte del 1900 Ravel aveva creato un modello di scrittura di composizioni per
pianoforte, che in seguito arrangiava per orchestra completa.[76] In generale era un
lavoratore lento e scrupoloso e rielaborare le sue prime composizioni per pianoforte gli
permise di aumentare il numero di brani pubblicati ed eseguiti.[77] Sembra che non ci fosse
alcun motivo prettamente venale per questo; Ravel era noto per la sua indifferenza per le
questioni finanziarie.[78] I brani che iniziarono come composizioni per pianoforte e poi
vennero eseguiti in forma orchestrale furono Pavane pour une infante défunte (orchestrato
nel 1910), Une barque sur l'océan (1906, dalla suite per pianoforte Miroirs del 1905), la
sezione "Habanera" della Rapsodie espagnole (1907– 08), Ma Mère l'Oye (1908–10,
orchestrata nel 1911), Valses nobles et sentimentales (1911, orchestrata nel 1912),
Alborada del gracioso (da Miroirs, orchestrata nel 1918) e Le tombeau de Couperin
(1914–17, orchestrata nel 1919 ).[20] Altre opere, come La valse, furono composte prima
per orchestra e trascritte da Ravel come lavori per pianoforte (spesso a quattro mani). [79]
Ravel per inclinazione non era un insegnante, ma dava lezioni a pochi giovani musicisti
che riteneva potessero trarne beneficio. Manuel Rosenthal era uno di loro e ricordava che
Ravel era un insegnante molto esigente quando pensava che il suo allievo avesse talento.
Come suo insegnante Fauré si preoccupava che i suoi allievi trovassero la propria voce
individuale e non fossero eccessivamente influenzati dai maestri affermati.[80] Avvertì
Rosenthal che era impossibile imparare dallo studio della musica di Debussy: "Solo
Debussy avrebbe potuto scriverla e suonarla come solo Debussy poteva suonarla".[81]
Quando George Gershwin gli chiese lezioni negli anni venti, Ravel, dopo una seria
considerazione, rifiutò, sostenendo che "probabilmente lo avrebbe indotto a scrivere come
un cattivo Ravel e avrebbe perduto il suo grande dono di melodia e spontaneità".[82][n 14] Il
compositore più noto che studiò con Ravel fu probabilmente Ralph Vaughan Williams, che
fu suo allievo per tre mesi nel 1907-1908. Vaughan Williams ricordava che Ravel lo aiutò a
fuggire dalla "pesante modalità contrappuntistica teutonica ... Complexe mais pas
compliqué era il suo motto".[84]
I ricordi di Vaughan Williams fanno luce sulla vita privata di Ravel, sulla quale la
personalità chiusa e riservata di quest'ultimo aveva portato a molte speculazioni. Vaughan
Williams, Rosenthal e Marguerite Long documentarono tutti che Ravel frequentava i
bordelli,[85] per molto tempo attribuito al suo nervosismo nei confronti delle donne, per via
della consapevolezza della la sua bassa statura.[78] Secondo altri racconti, nessuno dei
quali di prima mano, Ravel era innamorato di Misia Edwards,[74] o voleva sposare la
violinista Hélène Jourdan-Morhange.[86] Rosenthal scrive, senza tenerla in gran conto, la
supposizione contemporanea secondo cui Ravel, uno scapolo permanente, avrebbe.[87]
potuto essere omosessuale.[88] Tale speculazione ricorse in una biografia di Ravel del
2000 di Benjamin Ivry;[89] studi successivi hanno concluso che la sessualità e la vita
personale di Ravel rimangono un mistero.
Il primo concerto di Ravel fuori dalla Francia fu nel 1909. Come ospite dei coniugi
Williams, visitò Londra, dove suonò per la Société des Concerts Français, ottenendo
recensioni favorevoli e migliorando la sua crescente fama internazionale.
Dal 1910 alla prima guerra mondiale
La Société Nationale de Musique, fondata nel 1871 per promuovere la musica dei nascenti
compositori francesi, era stata dominata dalla metà del 1880 da una fazione conservatrice
guidata da Vincent d'Indy.[92] Ravel, insieme ad alcuni altri ex allievi di Fauré, fondò una
nuova organizzazione modernista, la Société Musicale Indépendente, con Fauré come
presidente.[n 16] Il concerto inaugurale della nuova società ebbe luogo il 20 aprile 1910; i
sette brani del programma comprendevano le anteprime del ciclo di canzoni di Fauré La
chanson d'Ève, la suite per pianoforte D'un cahier d'esquisses di Debussy, Six Pièces
pour piano di Zoltán Kodály e la versione originale del duo per pianoforte di Ma Mère l'Oye
di Ravel. Tra gli interpreti c'erano Fauré, Florent Schmitt, Ernest Bloch, Pierre Monteux e,
nel lavoro di Debussy, Ravel.[94] Kelly considera un segno della nuova influenza di Ravel
che la società abbia presentato la musica di Satie in un concerto nel gennaio 1911.[20]
La prima delle due opere di Ravel, la commedia in un atto L'Heure espagnole,[n 17] fu
presentata per la prima volta nel 1911. Il lavoro era stato completato nel 1907, ma il
direttore dell'Opéra-Comique, Albert Carré, ne aveva rimandato ripetutamente la
presentazione. Temeva che la sua trama, una farsa da "camera da letto", sarebbe stata
accolta male dalle madri e dalle figlie ultra rispettabili che erano una parte importante del
pubblico dell'Opéra-Comique.[95] Il pezzo ebbe solo un modesto successo alla sua prima
produzione e fu solo negli anni venti che divenne popolare.[96]
Nel 1912 Ravel presentò tre balletti in anteprima. Il primo, sulla versione orchestrata ed
ampliata di Ma mère l'Oye, debuttò al Théâtre des Arts a gennaio.[97] Le recensioni furono
eccellenti: il Mercure de France definì la partitura "assolutamente incantevole, un
capolavoro in miniatura".[98] La musica entrò rapidamente nel repertorio dei concerti; fu
dato alla Queen's Hall di Londra, a poche settimane dalla prima di Parigi e fu ripetuto ai
Proms più tardi nello stesso anno. The Times elogiò "la magia del lavoro... l'effetto di un
miraggio, per cui qualcosa di assolutamente reale sembra galleggiare nel nulla".[99] Il
pubblico di New York ascoltò il lavoro nello stesso anno.[100] Il secondo balletto di Ravel del
1912 fu Adélaïde ou le langage des fleurs, ballato sulla musica di Valses nobles et
sentimentales, che esordì al Châtelet in aprile. Daphnis et Chloé debuttò nello stesso
teatro a giugno. Questo fu il suo lavoro orchestrale più ampio e dovette affrontare immensi
problemi e gli ci vollero diversi anni per completarlo.[101]
Daphnis et Chloé fu commissionata nel 1909 dall'impresario Sergej Djagilev per la sua
compagnia, i Ballets Russes.[n 18] Ravel iniziò a lavorare con il coreografo di Diaghilev,
Michel Fokine e lo scenografo Léon Bakst.[103] Fokine aveva raggiunto la fama per il suo
approccio moderno alla danza, con numeri individuali sostituiti da musica continua. Ciò
attrasse Ravel e, dopo aver discusso in dettaglio dell'azione con Fokine, iniziò a comporre
la musica.[104] Ci furono frequenti disaccordi tra i due collaboratori e per la prima ci furono
poche prove generali a causa del completamento tardivo del lavoro.[105] Ebbe
un'accoglienza poco entusiasta e fu rapidamente ritirato, anche se fu ripreso con successo
un anno dopo a Monte Carlo e Londra.[106] Lo sforzo di completare il balletto ebbe delle
ripercussioni sulla salute di Ravel;[n 19] un esaurimento nervoso lo obbligò a riposare per
diversi mesi dopo la prima.[108]
Ravel compose poco durante il 1913. Collaborò con Stravinskij per la messa in scena di
una versione dell'opera incompiuta Khovanshchina di Musorgskij e tra i suoi lavori ci
furono i Trois poèmes de Mallarmé per soprano e ensemble da camera e due brevi pezzi
per pianoforte, À la manière de Borodine e À la manière de Chabrier.[25] Nel 1913, insieme
a Debussy, Ravel fu tra i musicisti presenti alla prima de La sagra della primavera.[109]
Stravinskij in seguito disse che Ravel fu l'unica persona che capì immediatamente la
musica.[110] Ravel predisse che la prima della Sagra sarebbe stata vista come un evento di
importanza storica pari a quello di Pelléas et Mélisande.
La guerra
Quando la Germania invase la Francia nel 1914, Ravel tentò di entrare nell'Aeronautica
francese. Considerava la sua piccola statura e il suo peso leggero ideali per un aviatore,
ma fu respinto a causa dell'età e di un lieve disturbo cardiaco.[113] In attesa di essere
arruolato, Ravel compose Trois Chansons, il suo unico lavoro per coro a cappella, sulla
base di propri testi, scritti nella tradizione delle chansons francesi del XVI secolo. Dedicò
le tre canzoni a persone che avrebbero potuto aiutarlo a arruolarsi.[114] Dopo diversi
tentativi falliti di arruolarsi, Ravel entrò infine nel Tredicesimo reggimento di artiglieria
come camionista nel marzo del 1915, quando aveva quarant'anni.[115] Stravinskij espresse
ammirazione per il coraggio dell'amico: "alla sua età e con il suo nome avrebbe potuto
avere un posto più facile, o non fare nulla".[116] Alcuni dei compiti di Ravel lo mettevano in
pericolo mortale, trasportando munizioni di notte sotto pesanti bombardamenti tedeschi.
Allo stesso tempo la sua serenità era compromessa dalla salute di sua madre che andava
peggiorando. Anche la sua salute era peggiorata; soffriva di insonnia e problemi digestivi,
subì un'operazione intestinale in seguito alla dissenteria amebica nel settembre 1916 e
soffrì di un congelamento ai piedi l'inverno seguente.[117]
Durante la guerra Saint-Saëns, Dubois, d'Indy e altri formarono la Ligue Nationale pour la
Defense de la Musique Française, facendo una campagna per vietare l'esecuzione della
musica tedesca contemporanea.[118] Ravel rifiutò di unirsi, dicendo al comitato della lega
nel 1916, "Sarebbe pericoloso per i compositori francesi ignorare sistematicamente le
produzioni dei loro colleghi stranieri e costituirsi quindi in una sorta di consorteria
nazionale: la nostra arte musicale, che è così ricca nel momento attuale, degenererebbe
presto, rimanendo isolata in formule banali ".[119] La lega rispose vietando la musica di
Ravel dai suoi concerti.[120]
La madre di Ravel morì nel gennaio del 1917 ed egli cadde in una "orribile disperazione",
aggravando l'angoscia che provava per la sofferenza subita dalla gente del suo paese
durante la guerra.[121] Compose alcune opere negli anni della guerra. Il Trio per pianoforte
era quasi completo quando iniziò il conflitto e la più ragguardevole delle sue opere in
guerra fu Le tombeau de Couperin, composta tra il 1914 e il 1917. La suite celebra la
tradizione di François Couperin, il compositore francese del XVIII secolo; ogni movimento
è dedicato a un amico di Ravel morto in guerra.
Anni '20
Dopo la guerra le persone vicine a Ravel riconobbero che aveva perso gran parte della
sua resistenza fisica e mentale. Come afferma il musicologo Stephen Zank, "l'equilibrio
emotivo di Ravel, così duramente piegato nel decennio precedente, era stato seriamente
compromesso".[123] La sua produzione, mai grande, divenne più piccola.[123] Nonostante
questo dopo la morte di Debussy nel 1918, veniva generalmente considerato, in Francia e
all'estero, come il principale compositore francese dell'epoca.[124] Fauré gli scrisse: "Sono
più felice di quanto tu possa immaginare della solida posizione che occupi e che hai
acquisito in modo così brillante e così rapido. È una fonte di gioia e di orgoglio per il tuo
vecchio professore".[124] A Ravel fu offerta la Legione d'Onore nel 1920[n 21] e, sebbene
avesse rifiutato la decorazione, fu visto dalla nuova generazione di compositori,
rappresentata dai protégés di Satie Les Six come una figura di prestigio. Satie si era
rivoltato contro di lui e aveva commentato: "Ravel rifiuta la Legion d'Onore, ma tutta la sua
musica la accetta."[127][n 22] Nonostante questo attacco Ravel continuò ad ammirare le prime
musiche di Satie e riconobbe sempre l'influenza dell'uomo più anziano sul suo stesso
sviluppo.[58] Ravel aveva una visione benevola dei Les Six, appoggiando la loro musica e
difendendola dagli attacchi giornalistici. Considerava la loro reazione contro i suoi lavori
come naturale e preferibile al fatto che copiassero il suo stile.[131] Tramite la Société
Musicale Indépendente riuscì ad incoraggiare loro e i compositori di altri paesi. La Société
presentò concerti di opere recenti di compositori americani tra cui Aaron Copland, Virgil
Thomson e George Antheil e di Vaughan Williams e dei suoi colleghi inglesi Arnold Bax e
Cyril Scott.[132]
Orenstein e Zank commentano entrambi che, sebbene la produzione postbellica di Ravel
fosse scarsa, con una media di una sola composizione all'anno, comprendeva alcune
delle sue opere più belle.[133] Nel 1920 completò La Valse, in risposta a una commissione
di Diaghilev. Ci aveva lavorato a intermittenza per alcuni anni, progettando un pezzo da
concerto, "una sorta di apoteosi del valzer viennese, mescolato con, nella mia mente,
l'impressione di un fantastico, vortice fatale".[134] Fu respinto da Diaghilev, che disse: "È un
capolavoro, ma non è un balletto. È il ritratto di un balletto".[135] Ravel venne a sapere del
verdetto di Diaghilev senza protestare o discutere, lasciò perdere e non ebbe più rapporti
con lui.[136][n 23] Nichols commenta che Ravel ebbe la soddisfazione di vedere il balletto
messo in scena due volte da altri dirigenti prima della morte di Diaghilev.[139] Un balletto
danzato sulla versione orchestrale di Le tombeau de Couperin fu tenuto al Théâtre des
Champs-Élysées nel novembre 1920 e a dicembre seguì la prima de La Valse.[140] L'anno
seguente Daphnis et Chloé e L'heure espagnole furono ripresi con successo all'Opéra di
Parigi.[140]
Nel dopoguerra vi fu una reazione contro le composizioni di vaste dimensioni di
compositori come Gustav Mahler e Richard Strauss.[141] Stravinskij, la cui Sagra della
primavera era stata scritta per un'orchestra enorme, iniziò a lavorare su scala molto più
piccola. La sua partitura del balletto del 1923 Les noces è scritta per voci e ventuno
strumenti.[142] Ravel fu entusiasta del lavoro come scrisse in una sua lettera del 26 giugno
1923[143] [144], anche se i suoi rapporti di amicizia con Stravinskij si stavano un po'
deteriorando negli ultimi tempi; il fatto era comunque in sintonia con la moda del
"dépouillement", lo "spogliamento" della stravaganza prebellica per rivelare gli elementi
essenziali.[131] Molte delle sue opere degli anni venti hanno una struttura notevolmente più
sobria rispetto ai pezzi precedenti.[145] Altre influenze su di lui in questo periodo furono il
jazz e l'atonalità. Il jazz era popolare nei cafés parigini e compositori francesi come Darius
Milhaud ne inserirono elementi nelle loro opere.[146] Ravel commentò che preferiva il jazz
alla Grand Opéra[147] e la sua influenza si può ascoltare nella sua musica successiva.[148]
L'abbandono della tonalità convenzionale da parte di Arnold Schönberg ebbe anche eco in
alcune delle musiche di Ravel come le Chansons madécasses[n 24] (1926), che Ravel
dubitava di aver potuto scrivere senza l'esempio di Pierrot Lunaire.[149] Altre sue opere
importanti degli anni '20 comprendono l'arrangiamento orchestrale della suite per
pianoforte Quadri di un'esposizione di Mussorgsky (1922), l'opera L'Enfant et les
sortilèges[n 25] su libretto di Colette (1926), Tzigane (1924) e la Sonata per violino ( 1927).
[140]

Ritenendo la vita cittadina faticosa, Ravel si trasferì in campagna.[150] Nel maggio del 1921
si stabilì a Le Belvédère, una piccola casa ai margini di Montfort-l'Amaury, a 50 chilometri
ad ovest di Parigi, nel dipartimento di Yvelines. Accudito da una governante devota, la
signora Revelot, visse lì per il resto della sua vita.[151] A Le Belvédère Ravel componeva e
si occupava di giardinaggio, quando non andava a Parigi o all'estero per tenere dei
concerti. Il suo programma di tournée aumentò considerevolmente negli anni 1920, con
concerti in Gran Bretagna, Svezia, Danimarca, Stati Uniti, Canada, Spagna, Austria e
Italia.[140]
La vita in America
Ravel fu affascinato dal dinamismo della vita americana, dalle sue grandi città, dai suoi
grattacieli e dalla sua tecnologia avanzata e fu colpito dal suo jazz, dagli spiritual degli
afroamericani e dall'eccellenza delle orchestre americane. Ovviamente la cucina
americana era tutta un'altra faccenda.
]
Dopo due mesi di programmazione, Ravel fece una tournée di quattro mesi in Nord
America nel 1928, suonando e dirigendo. Ilsuo onorario era un minimo garantito di
$10.000 e una fornitura costante di sigarette Gauloises.[153] Apparve con la maggior parte
delle più importanti orchestre in Canada e negli Stati Uniti e visitò venticinque città. [154] Il
pubblico era entusiasta e la critica era lusinghiera.[n 26] Durante un programma tutto-Ravel
diretto da Serge Koussevitzky a New York, l'intero pubblico si alzò in piedi ed applaudì
mentre il compositore prendeva posto. Ravel fu toccato da questo gesto spontaneo e
osservò: "Sapete, questo non mi succede a Parigi". [152] Orenstein, nel notare che questa
tournée segnò l'apice della fama internazionale di Ravel, elenca i suoi momenti salienti
non musicali come una visita alla casa di Poe a New York ed escursioni alle Cascate del
Niagara e al Grand Canyon.[152] Ravel non fu impressionato dalla sua nuova celebrità
internazionale. Commentò asciutto che il recente entusiasmo dei critici non aveva
maggiore importanza dei loro primi giudizi, quando lo avevano definito "l'esempio più
perfetto di insensibilità e mancanza di emozione"
L'ultima composizione che Ravel completò negli anni '20, Boléro, divenne la sua più
famosa. Gli fu commissionato una partitura per la compagnia di balletto di Ida Rubinstein
e, non potendo assicurarsi i diritti per orchestrare Iberia di Albéniz, decise di fare "un
esperimento in una direzione molto speciale e limitata... un pezzo della durata di
diciassette minuti e composto interamente di tessuto orchestrale senza musica".[157] Ravel
continuò dicendo che l'opera era "un lungo crescendo molto graduale. Non ci sono
contrasti e praticamente non c'è invenzione se non il progetto e la modalità
dell'esecuzione. I temi sono del tutto impersonali".[157] Fu sorpreso, e non del tutto
contento, che il brano diventasse un successo di massa. Quando un'anziana signora del
pubblico esclamò alla première: "Voi siete pazzo!", egli osservò, "Quella vecchia signora
ha capito il messaggio!"[158] L'opera fu resa popolare dal direttore Arturo Toscanini[159] e fu
registrata diverse centinaia di volte.[n 27]
Nota è la polemica sorta fra Ravel e lo stesso Toscanini dopo che il celebre direttore
diresse il Boléro a New York in prima esecuzione il 4 maggio 1930, affrettando
esageratamente il tempo e allargando il movimento nel finale. L'autore ricordò a Toscanini
che la sua opera andava eseguita con un unico tempo dall'inizio alla fine e nessuno
poteva prendersi certe libertà. Quando il direttore gli disse: "Se non la suono a modo mio,
sarà senza effetto", Ravel disse: "i virtuosi sono incorreggibili, sprofondati nelle loro
chimere come se i compositori non esistessero"[161].
Moltissimi da allora furono i direttori che vollero cimentarsi con la partitura, non sempre
con risultati degni di nota. L'autore aveva dato indicazioni precise sull'esecuzione del suo
lavoro: "Mi auguro vivamente che nei riguardi di quest'opera non ci siano malintesi. Essa
rappresenta un esperimento di una direzione particolarissima e limitata... Dopo la prima
esecuzione ho fatto preparare un avviso in cui si avvertiva che il brano da me composto
durava diciassette minuti."[161]
Ravel disse ad Arthur Honegger, uno dei Les Six, "Ho scritto un solo capolavoro: Boléro.
Sfortunatamente non c'è musica in esso.
Ultimi anni
All'inizio degli anni trenta Ravel stava lavorando a due concerti per pianoforte. Completò
prima il concerto per pianoforte in re maggiore per la mano sinistra. Era stato
commissionato dal pianista austriaco Paul Wittgenstein, che aveva perso il braccio destro
durante la guerra. Ravel fu stimolato dalle sfide tecniche del progetto: "In un'opera di
questo tipo è essenziale dare l'impressione di una struttura non più esile di quella di una
parte scritta per entrambe le mani".[162] Ravel, non abbastanza abile da eseguire il lavoro
con la sola mano sinistra, lo dimostrò suonandolo con entrambe le mani.[n 28] Wittgenstein
fu inizialmente deluso dal pezzo, ma dopo un lungo studio ne rimase affascinato e lo
classificò come un grande lavoro.[164] Nel gennaio del 1932 lo presentò per la prima volta a
Vienna con successo immediato, e lo eseguì a Parigi sotto la direzione di Ravel l'anno
successivo.[165] Il critico Henry Prunières scrisse: "Dalle battute di apertura siamo immersi
in un mondo in cui Ravel ci ha introdotto solo raramente".[156]
Il Concerto per pianoforte in sol maggiore fu completato un anno dopo. Dopo la prima nel
gennaio del 1932 ci furono molti elogi per la solista, Marguerite Long e per la partitura di
Ravel, anche se non proprio per la sua direzione.[166] La Long, la dedicataria, suonò il
concerto in più di venti città europee, sotto la direzione del compositore;[167] progettarono di
registrarlo insieme, ma durante le sessioni Ravel si limitò a supervisionare i procedimenti e
fu Pedro de Freitas Branco a dirigere.[168]
Anni finali
I suoi ultimi anni furono crudeli, perché stava gradualmente perdendo la memoria e alcuni
delle sue capacità di coordinamento e ovviamente ne era del tutto consapevole.
Nell'ottobre del 1932 Ravel subì un colpo alla testa in un incidente di taxi. La lesione non
fu ritenuta grave all'epoca, ma in uno studio condotto per il British Medical Journal nel
1988 il neurologo R.A. Henson concluse che potrebbe aver esacerbato una condizione
cerebrale esistente.[170] Già nel 1927 gli amici intimi erano preoccupati per la crescente
distrazione di Ravel e nel giro di un anno dall'incidente iniziò a sperimentare sintomi che
suggerivano un'afasia.[171] Prima dell'incidente aveva iniziato a lavorare alla musica per un
film, Don Chisciotte (1933), ma non riuscì a rispettare il programma di produzione e
Jacques Ibert scrisse la maggior parte della partitura.[172] Ravel completò tre canzoni per
baritono e orchestra per il film; furono pubblicati come Don Quichotte à Dulcinée. La
partitura orchestrale del manoscritto era scritta a mano da Ravel, ma Lucien Garban e
Manuel Rosenthal aiutarono nella trascrizione. Ravel non compose di più dopo questo.[170]
L'esatta natura della sua malattia non è nota. Gli esperti hanno escluso la possibilità di un
tumore e hanno suggerito in vario modo demenza frontotemporale, malattia di Alzheimer e
malattia di Creutzfeldt-Jakob.[173][n 29] Sebbene non fosse più in grado di scrivere musica o
esibirsi, Ravel rimase attivo fisicamente e socialmente fino ai suoi ultimi mesi. Henson
nota che Ravel aveva conservato la maggior parte o tutte le sue immagini uditive e poteva
ancora sentire la musica nella sua testa.[170]
Nel 1937 Ravel iniziò a soffrire di dolori per le sue condizioni e fu esaminato da Clovis
Vincent, un noto neurochirurgo parigino. Vincent consigliò il trattamento chirurgico.
Riteneva improbabile un tumore e si aspettava di trovare una dilatazione ventricolare che
la chirurgia poteva impedire di far progredire. Il fratello di Ravel, Edouard, accettò questo
consiglio; come commenta Henson, il paziente non era in uno stato tale da esprimere una
visione ponderata. Dopo l'operazione sembrò che ci fosse un miglioramento delle sue
condizioni, ma ebbe vita breve e presto cadde in coma. Morì il 28 dicembre, all'età di 62
anni.[176]
Il 30 dicembre 1937 vi furono i funerali solenni a cui parteciparono molti artisti, tra cui
Stravinskij, e personalità delle istituzioni. Ravel fu sepolto accanto ai suoi genitori in una
tomba di granito nel cimitero di Levallois-Perret, a nord-ovest di Parigi[177]. Era ateo e non
ci furono cerimonie religiose.
Il catalogo delle opere complete di Ravel di Marcel Marnat elenca ottantacinque opere, tra
cui molte incomplete o abbandonate.[179] Sebbene quel totale sia più ridotto rispetto alla
produzione dei suoi contemporanei più importanti,[n 30] è comunque un po' gonfiato dalla
frequente pratica di Ravel di scrivere opere per pianoforte e in seguito riscriverle come
brani a se stanti per orchestra.[77] Il corpo delle opere eseguibili è di circa sessanta; poco
più della metà sono strumentali. La musica di Ravel comprende brani per pianoforte,
musica da camera, due concerti per pianoforte, musica per balletto, opere liriche e cicli di
canzoni. Non ha scritto sinfonie o musica sacra.

Edvard Grieg
Edvard Hagerup Grieg (Bergen, 15 giugno 1843 – Bergen, 4 settembre 1907) è stato un
compositore e pianista norvegese. È considerato il più grande compositore norvegese, conosciuto in
particolare per il Concerto per pianoforte in La minore, le musiche di scena per il Peer Gynt di
Henrik Ibsen (trasposte successivamente in due suite), per la Suite Holberg e per molti dei suoi
Pezzi lirici. Questi ultimi, composti tra il 1867 e il 1901 e raccolti in dieci quaderni, sono da
considerarsi come il suo capolavoro. Norvegese per parte di madre, ma di lontane origini scozzesi
per parte di padre (il nonno, il cui cognome era Greig, si era trasferito a Bergen verso la metà del
XVIII secolo), Edvard Grieg fu il quarto di cinque figli. Le ottime condizioni economiche
consentirono alla famiglia Grieg di offrire una buona preparazione musicale a tutti i figli. Il
maggiore dei maschi, John Grieg, diventò violoncellista e uno dei migliori critici musicali di
Norvegia. Edvard, precocissimo e ipersensibile, studiò pianoforte con la madre Gesine Judith
Hagerup, ottima cantante e pianista, applicandosi però malvolentieri agli esercizi di prammatica. La
sua natura di compositore lo spingeva piuttosto a cercare sul pianoforte insolite combinazioni di
accordi. Nell'estate del 1858 Grieg incontrò il più noto violinista norvegese del tempo, Ole Bull,
amico di famiglia e il cui fratello aveva sposato una zia del giovane compositore. Bull notò il
talento del quindicenne e convinse i coniugi Grieg a far proseguire gli studi del figlio a Lipsia, dove
Edvard si trasferì nel 1858. Superato l'esame di ammissione, l'impatto non fu tuttavia buono:
l'impostazione aridamente tecnica dell'insegnante di pianoforte, Louis Plaidy, spinse Grieg a
chiedere di essere trasferito in un'altra classe. L'approccio didattico del nuovo insegnante, Ernest
Ferdinand Wenzel, già amico di Schumann, si rivelò più vicino alla sensibilità del musicista
norvegese, ma nel complesso la scuola di musica non riuscì a soddisfare le aspettative di Grieg, che
anni dopo ricorderà come in tutto il Conservatorio di Lipsia non ci fosse una sola classe dove si
potesse imparare l'arte dell'orchestrazione. Il soggiorno nella città sassone gli offrì comunque la
preziosa opportunità di ascoltare una grande quantità della migliore produzione da camera e
sinfonica del primo Ottocento. Nella primavera del 1860 sopravvisse a una grave malattia ai
polmoni. L'anno seguente debuttò come pianista a Karlshamn in Svezia. Conclusi gli studi nel 1862,
Grieg tornò per qualche tempo in Norvegia, prima di trasferirsi nel 1863 a Copenaghen dove
risiedette per tre anni. Il suo primo concerto da pianista in Norvegia lo tenne a Bergen. Nel periodo
di Copenaghen egli fece la conoscenza dei compositori danesi J. P. E. Hartmann e Niels Gade e di
un compositore norvegese suo coetaneo, Rikard Nordraak, destinato a morire prematuramente nel
1866. Nordraak era un acceso nazionalista, ed ebbe il grande merito di risvegliare nell'amico, la cui
musica di questo periodo appare influenzata da modelli tedeschi, l'entusiasmo per la musica
popolare della sua terra. Per Nordraak Grieg scrisse una marcia funebre.
Dopo un viaggio in Italia (Roma, Napoli, Ravello), dove tra gli altri incontrò Henrik Ibsen, il futuro
autore di Peer Gynt, Grieg fece ritorno a Oslo. Qui si esibì in concerti di musica norvegese, diventò
direttore della Società Filarmonica e nel 1867 fondò l'Accademia Norvegese di Musica, facendo
eseguire composizioni dei maestri classici e romantici fino ad allora sconosciute in Norvegia. L'11
giugno di quell'anno sposò la cantante Nina Hagerup, sua prima cugina, da tempo sua compagna
nell'attività concertistica. L'anno seguente nacque la loro unica figlia, Alexandra. L'estate successiva
durante una vacanza in Danimarca Grieg scrisse il Concerto per pianoforte e orchestra in La
minore una delle sue composizioni più famose e certamente la più impegnativa sul piano
costruttivo. La prima di quest'opera fu eseguita a Copenaghen dal pianista Edmund Neupert il 3
aprile 1869. Grieg non fu presente alla prima avendo impegni con un'orchestra a Christiania (oggi
Oslo). Quattordici anni dopo, nel 1883, Grieg tentò di cimentarsi nuovamente nella composizione di
un concerto per pianoforte e orchestra, ma alla fine dovette rinunciare: proprio la consapevolezza
dei difetti strutturali del primo concerto, nel frattempo l’avevano orientato verso la composizione di
pezzi brevi, di tipo bozzettistico, spesso per pianoforte.
Nell'autunno del 1869 Grieg ricevette dallo Stato norvegese una borsa di studio per recarsi in Italia
e perfezionarsi con Franz Liszt, il musicista ungherese che ne aveva intuito il talento, dopo aver
letto alcune sue composizioni pianistiche.
Nell'estate del 1869 sua figlia Alexandra si ammalò e morì all'età di tredici mesi.
Di ritorno a Oslo, Grieg si cimentò per la prima volta col teatro musicale, componendo le musiche
di scena per il Sigurd Jorsalfar di Bjørnstjerne Bjørnson e soprattutto per il Peer Gynt di Ibsen. Tra
queste due composizioni cominciò anche la composizione di un'opera lirica, Olav Trygvason, su
libretto dello stesso Bjørnson, di cui completò solo tre scene.
In seguito, dai 22 pezzi musicali composti per il Peer Gynt, Grieg ricaverà le due suite orchestrali -
ciascuna formata di quattro brani - destinate a raggiungere una notevole popolarità.
Nell'agosto del 1876 Grieg si recò a Bayreuth per assistere alla prima assoluta della Tetralogia di
Richard Wagner, restandone folgorato. In questi anni la sua attività compositiva si ridusse
sensibilmente a causa dell'acutizzarsi di una malattia polmonare che lo affliggeva da tempo.
Dopo aver ricoperto per due anni il posto di direttore della Società Filarmonica di Bergen, nel 1882
Grieg firmò un vantaggioso contratto con l'editore Peters di Lipsia, che ne acquistò la pubblicazione
in esclusiva di tutte le opere. Libero da necessità economiche, abbandonò ogni regolare attività
professionale e acquistò una casa a Troldhaugen, nella campagna vicina a Bergen, dove amava
trascorrere la primavera e l'estate con la moglie, dedicandosi alla composizione, mentre la stagione
fredda era impegnata dall'attività concertistica. Scrive Grieg:
«La mia Troldhaugen, la mia Norvegia e più indietro il resto del mondo, formano dei cerchi
concentrici; non sono uno sportivo, e non ho affatto voglia di correre sul perimetro di uno dei
cerchi. Come artista, io sto seduto al centro dei tre cerchi e, per fortuna, il mio pianoforte si trova
accanto a me.»
La sua fama era frattanto giunta al culmine e il compositore aveva ormai scelto la sua strada: quella
della miniatura musicale, nella forma del foglio d'album e del Lied. Negli ultimi anni, specie
d'inverno, la sua salute mostrò i segni di un rapido peggioramento, ma ancora nel 1907, l'anno della
sua morte, Grieg si esibì in concerto in Germania e in Russia. Al funerale di Edvard Grieg
parteciparono dalle trentamila alle quarantamila persone e fu eseguita la marcia funebre di Fryderyk
Chopin. Grieg e sua moglie sono seppelliti in una cripta inaccessibile ricavata sulla parete rocciosa
che, dalla collina su cui è posta la loro casa di Troldhaugen, scende verso il mare. Tra i compositori
del XIX secolo che la storiografia musicale include nella categoria delle scuole nazionali Grieg è
quello per il quale si può più a buon diritto parlare di arte naïf, fresca, ingenua e diseguale. Lo
studente insofferente alle regole, che di malavoglia si applica negli studi musicali tradizionali e che
sente la tecnica come una limitazione alla sua immaginazione, si trasformerà in un compositore che
rifugge le grandi forme, dedicandosi con gli anni sempre più esclusivamente al bozzetto lirico. Il
lavoro di Grieg sul folklore musicale norvegese mira a creare un linguaggio diverso da quello delle
correnti romantiche dell'Europa centrale[2] e in questa sua lunga ricerca gli risulterà congeniale la
forma del quadretto di genere, soprattutto pianistico, ma anche quella del lieder e della musica per
coro[3]. È in particolare nella scrittura pianistica che il musicista di Bergen rivela la propria
originalità[4]: nei Pezzi lirici, oltre che nelle danze e nei motivi tradizionali norvegesi, Grieg esprime
il carattere personale e talvolta audace della sua armonia, sovente costruita su un libero
accostamento di accordi che riproducono i timbri degli strumenti popolari[4]. Sotto certi aspetti,
Grieg rappresenta una sorta di "ponte" tra Liszt e Debussy[5] e le sue musiche di scena per il Peer
Gynt hanno già un'impronta impressionistica. A indicare a Grieg la via verso la formazione del
proprio stile fu senz'altro la lingua musicale materna del folklore norvegese, prima quasi
dimenticato negli anni di Lipsia, poi riconquistato anche grazie all'amico Nordraak. La facile
riconoscibilità di questo stile contribuì in modo significativo al successo della sua musica mentre
egli fu in vita (tra i compositori di fine Ottocento, egli godette in particolare dell'ammirazione di
Johannes Brahms[7], di Čajkovskij e del vecchio Verdi) ma fu in genere considerata con sospetto o
disinteresse dai musicisti del Novecento. Tuttavia è incontestabile che Grieg diede un contributo
significativo al processo di allargamento del sistema tonale: la sua scrittura armonica, sciolta e
tendenzialmente paratattica, sviluppa elementi propri della musica tradizionale norvegese, ma al
tempo stesso converge in modo sorprendente verso l'esperienza condotta da autori contemporanei
quali Antonín Dvořák, Anton Bruckner o Georges Bizet. Grieg fu per altro consapevole di
collocarsi alla periferia della vita musicale europea (ciò che dice della sua casa di Troldhaugen vale
in realtà soprattutto per la sua musica) e realizzò i suoi lavori migliori tutte le volte che seppe
accettare pienamente tale dimensione culturale. È il caso di molti Pezzi lirici per pianoforte, di
alcuni numeri del Peer Gynt (tra cui sono notissimi Il mattino, la Canzone di Solveig e Nell'antro
del re della montagna) o della Suite Holberg, in stile antico, dove al sentimento di isolamento
geografico subentra quello della distanza storica. Nei momenti meno felici invece il suo stile rivela
la presenza di modelli scarsamente metabolizzati, siano quelli scolastici appresi a Lipsia, come nel
caso del Concerto per pianoforte e orchestra, o quelli delle partiture wagneriane, del cui
cromatismo sono impregnate le composizioni degli ultimi anni.

Bedřich Smetana
Bedřich Smetana (Litomyšl, 2 marzo 1824 – Praga, 12 maggio 1884) è stato un compositore ceco.
È conosciuto in particolare per il suo poema sinfonico Vltava (La Moldava in italiano), il secondo in
un ciclo di sei che egli intitolò Má vlast ("La mia patria") (1874-1879), e per la sua opera La sposa
venduta (1866), particolarmente ricca di motivi cechi. Studiò da autodidatta sin da piccolo il
pianoforte e il violino. La prima formazione musicale la ricevette dal padre, che nell'ambito
familiare aveva costituito un quartetto d'archi dilettante, e da due maestri a Plzeň. Studiò quindi al
Conservatorio di Praga con il maestro Josef Proksch, che riuscì a procurargli alcuni lavori a corte, in
genere di carattere didattico. Nel 1848 fondò una scuola di musica sovvenzionata anche da Liszt.
Scrisse la sua prima sinfonia nazionalista in occasione dei moti insurrezionali del 1848 a Praga,
all'epoca parte dell'Impero austriaco, a cui brevemente partecipò.
Nel 1856 si trasferì a Göteborg, in Svezia, dove diresse la locale Società Filarmonica e iniziò a
dedicarsi alla composizione, facendo diverse tournée in Europa riscuotendo notevole successo,
accompagnato dalla prima moglie, la pianista Katarina Kolár, e poi dalla seconda, Ferdinandi, dopo
la morte di Katarina nel 1859. L'artista tornò a Praga nel 1861; la situazione sociale e politica si era
nel frattempo assestata, in seguito ai moti rivoluzionari del 1848 (la cosiddetta Primavera dei
popoli), ed egli aprì un nuovo istituto musicale, la "Società filarmonica Hlahol", dedita alla
promozione della musica ceca. Smetana fu anche critico musicale e, dal 1866, direttore d'orchestra
nel Teatro Nazionale di Praga, in cui furono rappresentate le sue opere teatrali.
L'insorgere di una sordità sempre più grave (sentiva una nota acuta nella testa, poi riprodotta nel
Quartetto n.1 "Dalla mia vita"), l'obbligò alle dimissioni e al trasloco nel villaggio di Jabkenice nel
1874-1875. Negli ultimi anni della malattia, compose:

 il ciclo sinfonico La mia patria, fra il 1874 e il 1879, composto di sei poemi sinfonici: Vyšehrad,
Vltava, Šárka, Dai prati e dai boschi di Boemia, Tábor, Blaník;
 la polka La contadinella e Il carnevale di Praga;
 due pezzi per violino e pianoforte, intitolati Dal mio paese;
 lieder per voce e pianoforte, facenti parte del ciclo Canti della sera.
 Nonostante i problemi di salute, Smetana continuò l'attività di compositore fino alla morte,
avvenuta nel 1884 in un ospedale psichiatrico di Praga. Fu sepolto a Praga, nel cimitero di
Vyšehrad. La città gli ha dedicato un monumento vicino al fiume Moldava, nei pressi del Ponte
Carlo.

1. Tra il 1884 e il 1892 Josef Foerster si distinse come direttore musicale della National Leaf
impegnandosi nella promozione delle opere di Smetana.
2. Smetana pose le basi di un linguaggio musicale di carattere nazionale che, nonostante i continui
richiami a modelli stranieri, in particolare a Hector Berlioz e a Franz Liszt, valorizzò il patrimonio
culturale etnico della Boemia (miti, danze, canzoni), alzando la sua nazione ad un ruolo di primo
piano nella musica europea del secondo XIX secolo. Ebbe grande influenza su Antonín Dvořák, il
quale pure usò temi cechi nelle sue opere, e su molti compositori posteriori, come ad esempio
Arnold Schönberg.
3. La Primavera di Praga, festival di musica classica, si apre ogni anno il 12 maggio, anniversario della
sua morte, con un'esecuzione della Moldava.