STORIA DEL CINEMA

➢ Docente Perniola
3 ottobre – 18 dicembre 2018, mercoledi e venerdì
➢ LIBRI :
- David Bordwell e Kristin Thompson, Storia del cinema. Un’introduzione, McGraw Hill, Milano, 2010 e
successive edizioni (dal capitolo I al capitolo XI incluso)

– ALCUNE DATE
1. IL PRE CINEMA
2. IL CINEMA PRIMITIVO
3. ILCINEMA CLASSICO
4. IL CINEMA MODERNO
5. IL CINEMA COMPTENPORANO / POST MODERNO

I. L'invenzione e i primi anni del Cinema (il pre cinema) 1880 – 1904
Il cinema fu inventato durante l'ultimo decennio dell'Ottocento, in seguito alla rivoluzione industriale, come il telfono
(1876) o il fonografo (1877). Come questi, fu in principio un mecanismo technologico che divenne poi la base di una
grande industria ma anche una nuova forma di intrattenimento perche offri alle masse (di tutto il mondo ) uno
spettacolo visivo a buon mercato e un nuovo mezzo artistico.
→ una forma di spettacolo molto popolare

1.1 L'invenzione del cinema

PRESUPPOSTI PER LA NASCITA DEL CINEMA E I PRECURSORI DEL CINEMA
Il cinema nasce da innovazioni nel campo del supporto fotografico in un'epoca in cui molti scienziati inventano oggetti
che riproducono il movimento sfruttando il fenomeno della persistenza retinica. Questa ricerca è fatta per uno scopo
puramente scientifico: se si trattava di una questione di movimento, non c'era ancora alcuna questione di proiezione.
Quindi la nascita del cinema nasce dai giochi ottici:

1825 - The thaumatrope

Inventato da John astronomo [Link]é nel 1825 da John Ayrton Paris.L'objet è poi un disco, trattenuto da
una corda, su cui una gabbia può essere osservato su un lato e un uccello dall'altro. Quindi, quando giri il disco
abbastanza velocemente, hai l'illusione che l'uccello fosse nella gabbia

1832 - lui fenachistoscopio (Phenakistiscope)

Inventato dal belga Joseph Plateau. Comprende un disco di cartone, trafitto con feritoie, su cui un movimento è
scomposto in una sequenza di immagini fisse. Per percepire il movimento, lo spettatore si posiziona di fronte a uno
specchio e posiziona gli occhi sulle fessure del disco. Quindi gira la scatola.

1834 - lo zootropio (The zoetrope)

Inventato simultaneamente dall'inglese William George Horner e dall'austriaco Stampfer. Un tamburo trafitto da dieci a
dodici fessure nelle sue semicamere superiori all'interno di una fascia di disegni che decomponevano un movimento
ciclico. Il tamburo è fissato su un asse nella sua base inferiore, che gli consente di ruotare. I movimenti delle sequenze
animate sono percepiti in un loop guardando all'interno del tamburo attraverso le fessure durante la rotazione.
1868 - Il flipbook
Inventato dal francese Pierre-Hubert Desvignes. Brevettata dal flipbook britanniqueJohn Barnes [Link] è un piccolo
libro di disegni o fotografie che rappresentano un movimento di carattere, le cui azioni sono suddivisi in ordine
cronologico e, laminato dà subito all'occhio l'illusione che il soggetto raffigurato è in movimento

1876 - Il prassinoscopio
Inventato dal francese Émile Reynaud. Il prassinoscopio è il miglioramento dello zootropo e del fenechistiscopio. L'uso
specchio sfaccettato può riprodurre movimento più uniforme e la forma della giostra rotante facilita la visualizzazione
simultanea di
scena di immagini di diverse persone.

Nel 1876, Eadweard Muybridge James sta sviluppando un esperimento: ha 12 e poi 24 telecamere lungo una pista,
innescato dal passaggio del cavallo. Ottenne così una scomposizione del movimento in diverse fotografie e concepì lo
zoopraxiscopio, permettendogli di ricomporre il [Link] 1878 Muybridge ha fotografato i cavalli duante la
corsa per permettere lo studio del loro passo. Il lavoro di Muybridge ispiro molti personni.

Nel 1891, Edison ha creato il Kinetograph fotocamera prima ripresa individualmente per vedere piccole vedute. I film
girati non sono stati proiettati ma visti attraverso un visore chiamato Kinétoscope. La data dell'invenzione di Edison non
può essere considerata la data di nascita del cinema perché il Kinetoscope non consente di proiettare il film. Edison non
è interessato alla proiezione, ritenendo che ucciderebbe rapidamente l'interesse pubblico per l'invenzione.

UN'INVENZIONE INTERNAZIONALE
La nascita del cinema non avvenne in un momento preciso : al contrario, la tecnica delle immagini in movimento
emerse dall'insieme di vari contributi che provenivano soprattutto da SU, Germania, RU e Francia.
- Edison, Dickson e il Kinetosopio : Nel 1888 Edison inventore del fonografio e della lampa elettrica, decise di costruire
macchine per riprendere e mostrare immagini in movimento. Una gran parte del lavoro fu compiuta dal suo assistente :
Dickson. Nel 1891 il kinetografo e il kinetoscopio erano pronti per ottenere il brevetto ed effettuare una dimostrazione.
Dickson taglio la pellicola di eastman in nastri larghi un pollice (circa 35mm) e fece quattro perforazioni sui lati di ogni
fotogramma in modo che le ruote dentare potessero trascinare la pellicola attraverso la macchina da presa e il
kinetoscopio. Queste prime decisioni influenzarono l'intera storia del cinema. La pellicola 35m con quattro perforazioni
laterali è , infatti, il modello usato tuttora. Inizialmente, pero, la pellicola veniva impressionata a circa quarantaesi
fotogrammi al secondo, una velocita maggiore di quella successivamente adottata per il cinema muto. E per circa due
anni il kinetoscope ebbe un grande successo economico.
- i contribui europei : I fratelli Skladanowsky presentarono un spettacolo due mesi prima della famosa proiezione dei
Lumières al grand café a Parigi, ma il loro sistema era troppo ingombrance. // I fratelli Lumières inventarono un sistema
di proiezione che contribui a rendere il cinema un'impresa commerciale di respiro internazionale. La loro famiglia
possedeva a Lone la piu grande azienda europea di prodotti fotografici. Inpoco tempo idearono una piccola macchia da
presa : il cinematographe, che utilizzava la pellicola 35mm. Il primo film realizzato con questo sistema fu La sortie de
l'usine Lumières girato nel marzo del 1895 e fu proiettato per la prima volta durante un incontro della Sociéé
d'Encouragement pour l'industrie Nationale a Parigi, il 22 marzo. Il 28 dicembre 1895, in una delle sale del Grand Café
di parigi, ebbe luogo una delle piu famose proiezioni della storia : i clienti pagarono un franco per assistere a uno
spettacolo di venticinque minuti in cui furono proiettati dieici film, ciascuno dei quali lungo circa un minuto.
L'arrosuer arrosé o L'arrivée d'un train en gare de la Ciotat → mito della paura degli spettatori e della sessione che ha
dato origine al cinema

LA SITUAZIONE IN AMERICA
In questo periodo furono progettati sistemi di proiezione e di ripresa anche negli SU, dove tre importanti gruppi rivali si
facevano concorrenza per introdurre sul mercato uno standard che potesse riscuotere un successo commerciale.
Latham permetta la realizzazione di film piu lunghi.
Thomas Armat perfeziono il suo proiettore phantascope e lo chiamato vitascope -> commercializzato da Edison e il
primo spettacolo pubblico del vitascope avvene il 23 aprile 1896 al Koster and Bial's Music Hall
La terza importante invenzione per la nascita del cinema negli SU = il mutoscope. Il mutoscope producevano immagini
piu grandi e piu nitide utilizzando una pellicola 70mm. Nel 1897 l'American Mutoscope era la societa cinematografica
piu famosa degli SU. Quello stesso anno comincio a proiettare i suoi film nelle penny arcades = domino il mercato dei
peepshow.

=> Nel 1897 l'invenzione del cinema poteva considerarsi ormai compiuta. I principali sistemi erano due : il peepshow
per spettatori individuali e la proiezione per un vasto pubblico. L'Europa aveva il know-how e gli Stati Uniti sapevano
come commercializzarlo e rendere queste invenzioni un successo di un'industria grazie alla loro cultura del consumo e
del consumo.

1.2 La nascita della produzione e dell'esercizio

Una teoria accompagnata da una pratica sono nati.
Verso la fine del diciannovesimo secolo, molte famiglie della classe media possedevano strumenti ottici simili allo
zootropio, stereoscopi e visori portatili...
A quel tempo il pubblico aveva a disposizione svariate altre forme di divertimento che venivano presentate in modo
itinerante o stabilmente in teatri : rappresentazion di compagnie drammatiche, conferenze di oratori con lanterne
magiche, concerti, spettacoli con fonografi... Il nuovo mezzo cinematografico si inseri facilmente in questo insieme di
divertimenti popolari : la maggior parte dei suggetti era costituita da vedute, panorami e brevei resoconti di viaggio che
offrivano viioni di terre lontane o temi di cronaca e notizie di avvenimenti, i quali potevano essere descretti in brevi
attualità. n molti casi, i programmi si trovano i teatri. La maggior parte dei film delle origini era composta da una sola
inquadratura.
Lo spettacolo tipo = programma panormai, documentari di attualità e film di finzione e era generalmente accompagnato
dalla musica e nel corso dello spettacolo potevano anche parlare al pubblico per discrevere...
=> Nel primo decennio della storia del cinema si proiettavano film in gran parte del mondo ma la loro realizzazione
avveniva principalmente nei Paesi in cui era stata inventata la macchina da presa : Francia, RU e SU.

Nella Francia = vero sviluppo grazie ai Fratelli Lumières e il successo con le loro prime proiezioni. Gli storici hanno a
lungo identificato nello spettacolo del 28 dicembre 1895 l'atto ufficiale di nascita del cinema riconoscendovi, a
differenza di altre sperimentazioni coeve , tutte le condizioni essenziali dello spettacolo cinematografico : un soggetto
produttore (i frattelli Lumière), un dispositivo (l'apparecchio del cinematographe), un atto di vendita (il pagamento del
biglietto) e un spazio pubblico capace di ospitare un'audience collettiva. Noël Burch hz introdotto il concetto di modo di
rappresentazione istituzionale affermatosi dopo il 1915, mentre Tom Gunning e André Gaudreault hanno suggerito
l'idea di un cinema delle attrazioni mostrative anteriore alla fase dell'integrazione narrativa. L'estetica Lumiere va
collocata in un quadro complesso, in cui agisce una pluralita di fattori di tipo tecnologico, percettivo o socio-culturale e
basato sull'unicita del piano. E il oggetto del film è identificato del titolo e la ripresa = urbana / en plein air. + a
macchina da presa, fissa e leggermente angolata, mostra un brandello di vita vissua sottraendolo al fluire del tempo.
A uno sguardo attento si coglie pero come il realismo delle eleganti pose Lumière, che riflettono una sapiente
costruzione fotografica, sia frutto di uno sguardo organizzato. L'arrivée d'un tran = la direzioni che prendono per uscire
di campo e il movimento e l'effetto di accelerazione = creazione in chi guarda uno shock visivo = logica dell'attrazione

=> La storia del cinema di molti paesi è dunque associata all'arrivo del cinematographe → trasformarono il cinema in
un fenomeno internazionale. I Lumière cominciando a vendere i loro cinematographe nel 1897.
+ Un altro regista molto importante per la nascita del cinema = Melies e la star film. Melies era un illusionista. Dopo
aver viso il cinematographe, decise di arriccire il suo programma con dei film – realizzo film fantastici, ricchi di truci
con la macchina da presa e di fondali dipinti = vero stile. Per esempio L'escamotage in cui interpreta un mago che
trasforma una dona in uno scheletro. Il trucco consisteva nel fermare la ripresa e sostituire la donna con lo scheletro
(MARY REINE DECOSSE). Successivamente uso il fermo macchina e altri effetti speciali per creare scene fantastiche
e di magia piu complesse. La maggior pate dei trucchi era realizzata in fase di ripresa, ma tavolta egli possibilità di
unire perfettamente il movimento dell'oggetto con quello della cosa in cui si stava trasformando, senza che lo spettatore
se ne accorgesse. Melies erano molto popolari, anche oggi, e furon ampiamente imitati. Il viaggio sulla luna era il suo
piu popolari, 1902 = film comico di fantascienza su un gruppo di scienziati che, a bordo di una navicella spaziale ,
raggiungono la luna, per scapparne dopo essere stati fatti prigioneri da una strana razza di creature selenite.
+ La Pathé = Charles Pathé gia venditore e noleggiatore di fonografi, dal 1901 si concentro principalmente sulla
produzione di film, aumentando vertiginosamente i profitti. In seguito costrui un teatro di posa cn le paenti di vetro e
comincio a vendere la sua cinepresa che divenne la piu diffusa nel mondo sino alla fine degli anni Dieici. Pathé ispiro
di Melies e i suoi film piacevano moltissimo. In pochi anni la Pathé Frères divenne la piu grande società
cinematografica del mondo.
+ La Gaumont = La sua principale rivale = Léon Gaumont. Nel 1897 la societa comncio a produrre film, principalmente
attualità riprese da Alice Guy., la prima donna regista. La costruzione di un studio di produzione nel 1905 accrebbe
l'importanza di Gaumont.

Il regno unito e la scuola di Brighton : Nel Regno Unito si diffuse rapidamente a produzione di film che venivano
mostrati all'interno di programmi di music hall o nelle fiere, dove richiamavano il pubblico delle classe operaia. I film =
semplici come attualità o vedute ma il forma di phantom ride divenne popolare e i primi film divenne famosi per i loro
spettacolari effetti speciali : Cecil Hepworth.
Altri produttori erano sparsi per il RU, il piu importanti, tuttavia, formavano un gruppo che venne poi denominato la
scuola di Brighton dal nome dela città, luogo di villegiatura. I capiscuola erano Georges Albert Smith e James
Williamson -> realizzo The big Swallow 1900 = buon esempio del ingegnosità dei registi di Brighton e la loro modo di
usare effetti speciali e il montaggio. Il cinema inglese fu innovativo e celebre in tutto il mondo per diversi anni, ma in
seguito si indeboli a causa della concorrenza francese, italiana e danese.

SU la concorrenza e la rinascita di Edison

Gli Stati Uniti rappresentavano senza dubbio il piu grande mercato del mondo per il cinema, avendo piu sale procapite
di ogni altro Paese. I film americani erano venduti anche all'estero, ma le case di produzione si conv=centrarono
inizialmente sul mercato nazionale.
Dopo la prima presntazione del vitascope di Edison a NY nell'aprile del 1896, le proiezioni di film si difusero
rapidamente in tutto il paese. Dayo che i film non erano sottoposti al regime del dirito d'autore e che le copie erano
vendute invece di essere noleggiate, era difficile controllare la circolazione delle pellicole : quelle di Edison venivano
duplicate e vendute, a sua volta Edison si arricchiva contraffacendo film importati dalla Francia e dal RU. Spesso,
inoltre, accadeva che le ditte imitassero l'una i film dell'altra.
Negli anni tra il 1895 e il 1897 il cinema rappresento una grande novità che ando poi ridimensionandosi all'inizio del
1898 (guerra). I generi che contribuirono a rilanciare il cinema furono da un lato quello patriottico, dall'altro le passioni
(serie di scene sulla vita di Gesu e composte di una inquadratura : The passion play of Oberammergatu).
Verso la fine degli anni Novanta , un notevole successo premio l'American Mutoscope Company, nel 1989 la società
cambio il suo nome in AM&B e nel 1908 assunse uno dei piu imortanti registi del cinema muto : David Wark Griffith +
1897 la Vitagraph.
Per fronteggiare la concorrenza, Edison realizzo film piu lunghi, chiamando uno dei piu importanti registi americani
del periodo : Edwin S Porter -> realizzazione del primo film narrativo Life of an American Fireman 1903 e il
perfezionamento del montaggio cosi come le concepiamo oggi / 1903 Uncle's tom cabin con la prima nel SU didascalie.
Il suo film piu importanti = The great rain Robbery 1903.

=> Dal 1902 al 1905 Porter fu uno dei tanti registi che contribuirono a fare in modo che l'industria si concentrasse sulla
produzione di film di finzione, Diversamente dalle attualita.I film di finzione permettevano ai registi di rimanere negli
studi o nelle loro vicinanze. Nei primi dieici anni di sfruttamento commerciale del cinema si stabilirono le condizioni
per la diffusione internazionale dell'industria. Inoltre i registi cominciarono a esplorare le possibilità del nuovo mezzo.
Queste attività si sarebbero intensificate nel decennio successivo.

André Bazin,

II. L'espansione internazionale del cinema 1905 – 1912

Dal momento che i produuttori vendevano le copie dei film, i gestori potevano proiettarli nei theatri di varieta, nelle
sale da concerto.
Intorno al 1905, tuttavia, l'industria cinematografica assunse dimensioni piu ampie e forme piu stabili. Sale
permanenti = piu : er soddisfare la domanda crescente.
Nuovo paesi : L'italia e la Svezia si trasformarono in importanti produttori.
Dopo il 1905 i film divennero piu lunghi, cominciarono a essere costituiti da diverse inquadrature e a raccontare storie
piu complesse. I registi sperimentarono nuove soluzioni per esprimersi con maggior chiarezza. Forse in nessun altro
periodo della storia del cinema si è assistito ad altrettanti cambiamenti nelle caratteristiche formali e stilistiche di
questo mezzo.

2.1 La produzione cinematografica in Europa

FRANCIA : PATHE VS GAUMONT
. Negli anni 1905 e 1906 l'industria cinematografica francese se dominava il mercato internazionale ed era in una fase di
notevole sviluppo. Le due principali società : la Pathé Frères e la Gaumont, continuavano a espenderi, mentre nuove
case di produzione nascevano per soddisfare la richieste sempre più pressanti degli esercenti.
– la Pathé : grande società, tre diversi studi, una delle prime con questo sistemo : controllo della produzione,
della distribuzione e dell'esercizio = concentrazione verticale., a partire del 1906 le sale, costruiva
macchina da presa, nel 1907 comincio a distribuire i suoi film, negli 1903/4 creo un sistema elaborato di
colorazione (pochoir).
La Pathé allorgo la sua produzione aprendo nuovi teatri di posa in Italia, SU e Russia
* Ferdinand Zecca, giravano un film alla settimana (documentari di attualità, film storici, film a trucchi
drammi, numeri di varietà...
* Maggior successo : La serie di Boireaau (André Deed), i film di Rigadin, la serie di Max Linder (Une
ruse de mari 1910) → i film di Linder esercitarono un forte influsso sul cinema successivo come Charles
Chaplin, il riferendosi a Linder. A partire del 1905 Linder lavoro in SU
→ in quel momento era la principale societa del mondo.
– La Gaumont : principale rivale, espansione anche rapida, nuovo studio nel 1905,
* Alice Guy fu la prima donna regista → realizzare film più lunghi
* Louis Feuillade assunse la supervisione dei film Gaumont dopo che Alice Guy se ne ando nel 1908.
Feuillade divenne uno degli artisti piu importanti del cinema muto e la sua fortuna procedette parallela con
quella della Gaumont fino agli anni venti. Realizza commedie, film storici, film di genere fantastico-
avventuroso e melodrammi...
– La film d'Art : società più piccola, sorta nel 1908 con l'obiettivo di intercettare il gusto dell'élite culturale,
una delle sue prime produzioni fu L'assasinat du duc de Guise di Charles Le Bargy e André Calamettes
nel 1908. Ma La film d'Art perse molto del denaro investito nelle sue opere e fu venduta nel 1911.

ITALIA : L'IMPORTANZA DELLA MESSA IN SCENA

. L'italia arriva un po' piu tardi sulla scena della produzione cinematografica, che pero a partire dal 1905 si sviluppo
rapidamente sulla base di modello francese.
I principali case di produzione :
 – la Cines a Roma (1906)
– la Ambrosio Film (1905)
– la Itala Film a Torino (1906)
→ Chiamarono alcuni artisti francese come per la Cines - Gaston Velle ( Pathé) => Di conseguenza alcuni film italiani
= imitazioni o remake di film francesi.

. Le proiezioni aumentano rapidamente e in Italia il cinema fu considerato come nuova forma d'arte prima che in altri
Paesi : i produttori si cimentarono nella realizzazione dei "film d'arte" nello stesso momento in cui la Film d'Art stava
realizzando L'assasinat du duc de Guise. Nel 1908 la Ambrosio realizzo Gli ultimi giorni di Pompei di Luigi Maggi.
Nel 1910 L'italia era probabilmente seconda solo alla Francia per numero di film esportati. I produttori furono fra i
primi a realizzare costantemente film di piu di un rullo (superiore a 15 min)
+ 1911 : La caduta di Troia di Luigi Borgnetto = ancora un succeso
=> Quindi piu e piu di film storico e piu lunghi e piu fastosi → moda che culmino alla meta degli anni dieci.

. Non tutti i film italiani erano pero in costume. A partire dal 1909, per esempio, i produttori ricominciarono a imitare i
francesi realizzando parecchie serie comiche. La Itala chiese alla Pathé André Deed, che abbandono il personaggio di
Boireau per diventare Cretinetti. (l'Ambrosio = Robinet / la Cines = Tontolini ) => film piu economici, spontanei e
vivaci che divennero famosi in tutto il mondo.
MA la moda declino gradualmente nel corso degli anni dieci.

DANIMARCA : OLE OLSEN E LA NORDISK

. Anche un piccolo Paese come la Danimarca svolse un ruolo importante grazie all'imprenditore Ole Olsen. Nel 1906
fondo una casa di produzione, la Nordisk e comincio presto ad aprire uffici di distribuzione all'estero → 1907 sucesso di
Lovejagten un film di finzione su un safari.

. I film della Nordisk in breve tempo divennero famosi in tutto il mondo per l'eccellente recitazione. E la casa si
specializzo nel poliziesco, nel dramma....

. Gli elementi principali dello stile dei Film della Nordisk erano “gli effetti di luce, le storie, il realismo degli interni, lo
straordinario uso di esterni naturali e urbani, l'intensita di uno stile naturalistico di recitazione, l'enfasi sul fato e sulle
passioni” - Ron Mottram, The Danish Cinema before Dreyer, 1988.

. August Bloom = maggior dei registi della casa all'inizio degli anni dieci. Il suo film pou importante = Atlantis (1913)
(8 rulli = film piu lunghi in Danimarca a l'epoca ) = splendide scenografie e scene spettacolari come il naufragio di un
transatlantico ispirato al disastro del Titanic dell'anno precedente.

. L'industria danese fu fiorente fino allo scoppio della prima guerra mondiale, quando vide progressivamente chiudersi i
mercati internazionali, mentre i suoi registi e attori piu importanti trovaroo lavoro all'estero.

2.2 L'industria cinematografica americana e la lotta per l'espansione

Oggi Holywood domina il mercato internazionale dell'industria dello spectacolo, ma fino alla prima guerra mondiale le
società americane si concentravano sulla domanda interna, in rapida e costante crescita, facendosi concorrenza per
conquistare il potere nella nuova industria. Nel periodo fra 1905 e 1912 produttori, distribuitori ed esercenti delle sale
americane tentarono di dare un po' di stabilita alla confusa situazione dell'industria cinematografica, per concentrarsi
successivamente sul mercato estero.

LA CRESCITA DEI NICKELODEONS

Tra il 1905 e il 1907 = aumento notevole delle sale dove l'entrata costava un nickel (10 cent) e il programma durava dai
quindici ai sessanta minuti. I nickelodeons si diffusero per diverse ragioni. Quando le compagnie di produzione si
dedicarono ai filmm narrativi, abbandonando i documentari di attualità, andare al cinema divenne una forma di
intrattenimento regolare. I produttori, inoltre, invece che vendere i fil cominciarono a concederli a noleggio. In questo
modo gli esercenti non erano piu obbligati a proiettare lo stesso film per ammortizzare il costo d'acquisto e potevano
cambiare la loro programmazione. I nickelodeons infine potevano programmare film in continuazione, dalla tarda
mattinata a mezzanotte.
+ quasi sempre vi era un accompagnamento sonoro (pianoforte fonografo)
Ubicati nel quartiere degli affari o nelle zopne industriali delle città, i nickelodeons permisero a un pubblico di massa,
formato sostanzialmente da immigrati, di assistere agli spettacoli. Nel 1908 erano diventati la principale modelita di
proiezione.
Questi locali permisero anche a molti uomini d'affari di intraprendere brillanti carriere.
- I fratelli Warner cominciarono come gestori di Nickelodeons
- Carl Laemmle il futuri fondatore della Universal, apri il suo primo Nickelodeons a Chicago nel 1906
- Louis B Mayer la seconda M della MGM gestiva un piccolo Nickelodeons nel Massachussetts.
=> Questi uomini contribuirono a creare la struttura base dello studio system holywoodiano negli anni Dieci.

LA MOTION PICTURE PATENTS COMPANY CONTRO LE SOCIETA INDIPENDENTI

Nel frattempo si accentuano le ostilita all'interno dell'industria. I capi delle principali societa compresero che il controllo
del fiorente mercato cinematografico avrebbe assicurato elevati profitti. La rivalità tra la AM&B e la Edison si inaspri
nel 1908 e il mercato cinematografico si trovo presto nel caos. Infine la Edison e la AM&B crearono una nuova societa
che, possedendo tutti i brevetti esistenti, avrebbe controllato tutte le altre e riscosso la tassa dovuta per produrre film :
nel dicembre del 1908 venne cosi creata la Motion Picture Patents Company (MPPC). Moltre altre case di produzione
facevano parte : Vitagraph, Selig, Essanay...
Per continuare a lavorare tutte queste societa devevano pagare le tasse alle due case principali.
Per cercare di conquistare una piu porzione di mercato, i membri americani della MPPC limitarono severamente il
numeroso di societa straniere che potevano entrare a far parte del associazione e importare film. La MPPC sperava di
controllare tutte le tre fasi dell'industria : la produzione, la distribuzione e l'esercizio → oligopolio del mercato
cinematografico americano.
Ma la Francia e l'Italia continuarono a essere leader dei mercati furori dagli SU fino alla prima guerra mondiale.
+ Il cinema senza licenza costituivano anche una parte del mercato : Essi vennero presto chiamati "gli indipendenti"
Nell'aprile del 1909 la MPPc qubi il primo attacco : carl Laemmle che era a capo della piu vasta società americana di
distribuzione, fondo la Independente Motion Picture ( IMP) sulle cui basi sarebbe nata la Universal.
Nel giro di pochi anni sorse piu di una dozzina di compagnie indipendenti in tutto il Paese.
Tra il 1909 e il 1911 la MPPC intento cause contro quasi tutti i produttori indipendenti per aver usato cineprese che
violavano le leggui sui breveti.
Nel 1912 il governo americano intento un processo contro la MPPC in quanto essa si configurava come trust. . A partire
del 1915 la situazione cambia e un certo numero di societa indipendenti saggiamente si associo.

CONTROLLO SOCIALE E AUTOCENSURA

In generale i nickelodeons e le sale cinematografiche non godevano di buona fama : alcuni gruppi religiosi li
consideravano come luoghi pericolosi che traviavano i giovani mentre i film erano ritenuti esempi negativi che
inducevano alla prostituzione e al furto.
Un gruppo di cittadini newyorchesi, nel marzo del 1909 formo il board of Censorship, un organizzazione privata che
mirava a migliorare il contenuto dei film (certificato di approvazione) → censura nazionale
Sia i membri della MPPC sia i produttori indipendenti cercarono di migliorare l'immagine pubblica del cinema
distribuendo film che miravano ad attirare spettatori delle classi medio-alte.
=> I film divennero cosi piu lunghi e complessi dal punto di vista narrativo con storie tratta dalla litteratura o che
descrivevano importanti eventi storici per controbilanciare i popolari inseguimenti splapstick e i polizieschi + tali
cambiamentifinalizzati ad attrarre un pubblico piu raffinato si accompagnarono a un miglioramento delle sale + Il prezo
d'ingresso nei nuovi locali aumento e i programmi divennero piu articolati. Gli accompagnamenti musicali da parte di
orchestre o di orgnai a canne, come le decorazioni delle sale avevano lo scopo di creare un'atmosfera diversa e piu
eleganti.

LA NASCITA DEL LUNGOMETRAGGIO

Nel 1909 alcuni produttori americani cominciarono a realizzare film di durata superiore a un ruollo, ma siccome il
rigido sistema della MPPC permetteva di distribuire un solo ruollo alla settimana, gli esercenti potevano proiettarne
soltanto una parte alla volta.
In europa, dove il sistema di distribuzione era piu flessibile, i film costituiti da piu rulli erano frequenti e, quando furono
importati negli stati uniti, vennero proiettati nelle sale nella loro interezza, con il prezzo del biglieto maggiorato. Nel
1912 Adolph Zukor importo trionfalmente La Reine Elisabeth e La Dame aux Camelias che avevano come protagonista
la famosa attrice Sarah Bernhardt. Il successo di tali opere obbligo le case di produzione americane a realizzare film
lunghi anche.
=> Intorno alla meta dgli anni dieci, il lungometraggioo divenne la misura standard della programmazione delle sale

LO STAR SYSTEM
Dopo che il boom dei nickelodeons e la formazione della mppc ebbero normalizzato l'industria americana , la societa
cominciarono a vendere film con il proprio marchio di produzione. Gli spettatori sapevano cosi se vedevano un film
Edison, un Vitagraph o un Pathé, ma non conoscevano né i registi né gli attori perché non erano citati nei credits.
Dopo il 1908 1909, quando i produttori iniziarono a offrire loro contratti piu lunghi, gli spettatori cominciarono a
vedere le stesse facce film dopo film, e inevitabilmente dimostrarono uno spontaneo interesse per i loro interpreti
preferiti chiedendo i nome degli attori o i loro fotografia.
Furono i fan a creare i soprannomi per le star piu famose : Florence Lawrence che appariva regolarmente nei film di
Griffith, divento famosa come "la ragazza della Biograph".
Nel 1910, alcune case di produzione, in riposta alla domanda del pubblico, cominciarono a sfruttare i loro attori famosi
a fini pubblicitari (apparizioni delle star in persona per i premiere...)
Nel 1911 apparvero le prime riviste per i fan, come "the motion picture story Magazine", e in quello stesso anno anche
le cartoline con le foto di attori. [gli Stati Uniti hanno rapidamente capito come trarre profitto dagli attori (sistema
commerciale della cultura americana]

IL TRASFERIMENTO A HOLYWOOD
Nei primi anni dieci l'area intorno a Los Angeles si impose come il principale centro di produzione degli Stati Uniti. I
vantaggi di questa zona erano numerosi :
- il suo clima assolato e asciutto permetteva le riprese in esterni per la maggior parte dell'anno
- il sud della california offriva una notevole varieta di paesaggi (l'oceano, il deserto, le montagne, la foresta, la
campagna...)
- Il western divenne uno dei generi cinematografici piu popolari : questi film sembravano piu autentici se girati nel vero
west invece che nel New Jersey. Il piccolo sobborgo di Hollywood era uno dei tanti dove si costruivano i theatri di posa,
ma il suo nome fini per indicare l'intera industria cinematografica - nonostante molte decisioni venissero ancora prese a
NY, negli uffici direttivi delle società ma Holywood divenne un enormi complessi con grandi studi ancora oggi.

2.3 Il problema della chiarezza narrativa

A partire dal 1904 il cinema commerciale americano so oriento sempre piu verso la narrazione, le storie divennero piu
lunghe e furono raccontate ricorrendo a un numero consistente di inquadrature. I registi cercarono il modo per realizzare
film che fossero comprensibili per i pubblico. Essi risolsero questi problemi in un vasto arco di tempo. Alcuni
espedienti vennero messi alla prova e poi abbandonati. Dal 1917 si era codificato un sistema di regole formali ricorrenti
in tutto il cinema americano, poi chiamato cinema hollywoodiano classico. In relata furono prima applicati in altri paesi.
Il principale problema che i registi dovettero affrontare fu quello di rendere comprensibili al pubblico i rapporti di causa
/ effetto, spazio e tempo dei film.
I film sempre più frequentemente mettevano in atto una catena narrativa di causa ed effetti ; un avvenimento portava a
un effetto che, a sua volta , scatevana un altro effetto e cosi via ….
Sviluppare la psicologia dei personaggi che non era cosi importante alle origini del cinema : slapstick o melodrammi
dipendevano piu da azioni fisiche o da situazioni familiari. Progressivamente le azioni cominciarono a essere motivate
da cause psicologiche. = Seguendo una serie di obiettivi che il personaggio si prefissava e i conflitti che ne derivavano,
lo spettatore poteva capire lo svolgimento della storia.
=> Tutti gli elementi linguistici del cinema muto : profondita di campo, didascalie, posizione della macchina, colore,
scenografia, illuminazione e montaggio - furono posti al servizio della chiarezza narrativa.

PROFONDITA DI CAMPO
Fin dai primi anni i registi avevano scelto di riprendere l'azione in profondità di campo. Sopprattutto nelle scene in
esterno, un particolare sviluppo della trama poteva essere sottolineato dall'avvicinamento dell'attore alla macchina da
presa.
Nei film di inseguimento, spesso gli inseguitori correvano diagonalmente dalla profondita verso il primo piano. A
partire dal 1906, i registi cominciarono a conferire maggiore profondita anche alle scene riprese in interno.
In questo modo la costruzione in profondita poteva guidare l'occhio dello spettatore verso gli elementi piu importanti
dell'azione.
Exemple :

DIDASCALIE
Prima del 1905 la maggior parte dei film non aveva didascalie. I titoli soesso fornivano le informazioni riguardanti le
situazioni fondamentali dele storie, piuttosto semplici, che sarebbero seguite.
Nel periodo dei nickelodeons i film, diventati generalmente piu lunghi, richiesero un numero maggiore di didascalie.
La didascalie erano di due tipi :
- il tipo descrittivo era il piu usato, almeno inizialmente. Il testo era redatto do solito in terza persona e riassumeva
l'azione che stava per iniziare o semplicamente la presentava o alora piu consice, come i titoli dei capitoli, o per
segnalare salti temporali tra le scene.
- il tipo narrativo : in questo caso le informazioni sembravano provenire direttamente dall'azione, per esempio attraverso
i dialoghi. Inoltre, siccome i film si basavano sempre di piu sulla psicologia del personaggio, questo tipo di didascalie
poteva suggerire i suoi pensieri in maniera piu precisa di quanto non potessero fare i gesti, dopo l'inquadratturadove il
personaggio aveva cominciato a parlare = la norma dopo 1914.
Exemple :

RECITAZIONE E MACCHINA DA PRESA

La posizione della macchina da presa era importante per che l'azione fosse comprensibile allo spettatore.
A partire dal 1908 la tecniche per inquadrare l'azione cambiarono. I registi cominciarono a collocare la macchina piu
vicino agli attori in modo che la loro mimica facciale fosse piu evidente --> poco dopo venne introdotta la linea dei 9
piedi di distanza (2,7 m del personaggio = piano americano).
Griffith in particolare, esploro le possibilita di dare maggior risalto alle espressioni del viso. Nel 1912 comincio a
insegnare al gruppo di attrici con cui lavorava ( Lillian Gish e Mary Pickford ) a esperimere una vasta gamma di
emozioni solo attraverso leggeri mutamenti nei gesti e nelle espressioni.
Exemple : Uno dei primi risultati di questi esperimenti fu The Painted lady nel 1912; Per quasi tutta la durata del film,
Griffith colloca la cinepresa relativamente vicino all'eroina inquadrandola dalla vita in su in modo da rendere visibile
ogni minimo cambiamento delle espressioni del volto.

Un'altra tecnica di ripresa che cambio in questi anni fu l'uso delle angolazioni della macchina da presa dall'alto e dal
basso. Nei primi anni di finzione, la cinepresa inquadrava l'azione a un'altezza convenzionale, generalmente a livello del
petto o della vita. A partire dal 1911 circa, i registi cominciarono occasionalmente a inquadrare da sopra o sotto quel
livello, presentando cosi la scena da un puntodi vista piu efficace.
Exemple : I film danesi in particolare, che usavano angolazioni dall'alto o dal basso per conferire drammaticita alla
scena, furono i primi a divulgare l'uso di questa soluzione.

Negli stessi anni, le macchine da presa on cavalletto furono corredate di teste girevoli. Con questi cavalletti, la
macchina poteva ruotare da un lato all'altro per effetuare panoramiche orizzontali, o dall'alto in basso per creare
panoramiche verticali. Le panoramiche venivano spesso usate per leggeri aggiustamenti o per seguire i personaggi
quando si spostavano. Questa capacita di seguire l'azione miglioro anche la comprensibilita delle scene

COLORE
Sebbene la maggior parte delle copie di film muti che oggi vediamo sia in bianco e nero, molte di esse venivano
colorate secondo la moda in vigore al momento della loro uscita.
Il colore accentuava l'aspetto realistico del film. Sopo che la pathé aveva introdotto il suo sistema di colorazione a
pennello o a tampone (pochoir), altre compagnie usarono tecniche simili. Il colore poteva fornire informazioni utili alla
narrazione e quindi rendere la storia piu comprensibile

SCENOGRAFIA E ILLUMINAZIONE
All'inizio dell'epoca dei nickelodeons, molti film di finzione impiegavano ancora fondali dipinti sullo stile di quelli
teatrali, insieme a qualche mobile vero o ad arredi scenici. Negli anni a seguire, tuttavia, si usarono sempre piu
frequentemente set tridimensionali senza arredamenti o inestre dipinti. Tra il 1905 e il 1912 alcune case di produzione,
visti i crescenti guadagni derivanti dai film, costruirono studi piu grandi al posto dei teatri di posa all'aria aperta o dei
piccoli studi al chiuso. La maggior parte di essi = illuminazionne elettrica + pareti di vetro per la luce del sole.
Il controllo dell'illuminazione artificiale all'interno dello studio rappresento un importante passo avanti nello stile
cinematografico americano dela fine degli anni dieci.
Nel 1912, i registi americani avevano messo a punto molte delle principali tecniche necessarie a raccontare con
chiarezza una storia e gli spettatori potevano vedere distintamente i personaggi e capire dove si trovavano, quello che
vise con diverse cinematografie europee - furono poi elaborate e perfezionate durante il decennio successivo, fino a
trasformare lo stile narrativo holywoodiano in un sistema assai sofisticato.

L'INIZIO DELLA CONTINUITA NARRATIVA

Poiché il montaggio unisce una serie di inquadrature, la chiarezza narrativa dipende dal fatto che lo spettatore
comprenda il rapporto spaziale e temporale fra di esse.
-tempo continua o ellissi ?
In questo periodo, per mantenere una connessione tra le inquadrature, i registi svilupparono delle tecniche che, a partire
dal 1917 , avrebbero fornito i presupposti per il principio di continuita narrativa del montaggio. Questo sistema
comprendeva tre modi fondamentali per unire le sequenze : il montaggio alternato, il montaggio analitico e il montaggio
contiguo.

– Il montaggio alternato :
Prima del 1906 nei film narrativi non ci si spostava fra azioni che avvevivano in luoghi diversi, al contrario, nella
maggior parte dei casi, un'azione contina sosteneva l'intera storia.
Se le azioni erano diverse, il film si concentrava su ognuna di esse nella sua interezza e quindi passava alla successiva.
Nel cinema delle origini il montaggio alternato veniva utilizzato per altri tipi di azioni oltre alle sequenze di salvataggio
di un personaggio in pericolo.
David Wark Griffith è il regista piu spesso associato con la tecnica del montaggio alternato ( cf fin de la Naissance d'une
nation / The lonely villa = 50 inquadrature )
Nel 1912 questa tecnica era ormai comunemente usata nei film americani.
I film francesi, in particolare quelli della Pathé, influenzarono molto lo sviluppo di qesta tecnica.
- Le Cheval emballé di Louis J. Gasnier : mostra un cavallo da tiro che mangia da un sacco di avena davanti a un
negozio, mentre il conducente consegna il bucato in un appartamento dentro un palazzo. Nella prima inquadrattura il
cavallo è scheletrico e il sacco di avena pieno. Nell'inquadrattura successiva si vede il conducente dentro il palazzo.
ALtre quatro inquadrature del cavallo sono alternate con sei inquadrature del conducente all'interno del palazzo. Gli
operatori riprendevano animali sempre piu robusti in modo da far credere che il cavallo stesse ingrassando mentre il
sacco si sviotava. Alla fine della scena il cavallo è pieno di energia e inizia l'inseguimento.
 – Il montaggio analitico :
Si riferisce a quel tipo di montaggio che suddivide uno spazio unico in inquadrature diverse. Un modo semplice per
ottonerlo era quello di inserire inquadrature ravvicinate di cio che stava accadendo, in questo modo un campo lungo
mostrava l'intero spazio e uno piu ravvicinato attribuiva maggior rilievo agli oggetti o alle espressioni del viso.
Spesso si trattava di oggetti o fotografie che i personaggi esaminavo. Queste inquadrature erano chiamate inseri ed
erano generalmente girate dak punto di vista del personaggio per rendere l'azione comprensibile allo spettatore.
-
– Il montaggio contiguo :
In alcuni casi i personaggi uscivano dallo spazio inquadrato per poi riapparire nell'inquadrattra sucessiva.
Questi movimenti erano tipici del genere dell'inseguimento, generalmente i personaggi correvano attraverso lo spazio
inquadrato a ne uscivano,nell'inquadrattura sucessiva, si vedeva un locale adiacente dove riprendeva il movimento della
loro corsa. Non tutti i film di questo periodo mostrano i personaggi muoversi in modo coerente attraverso spazi
contigui. Verso gli anni dieci, tuttavia molti registi compresero che se so mantiene costante la ddirezione del movimento
si aiuta il pubblico a seguire la traccia dei rapporti tra spazi differenti.
- Rescued by Rover di Lewin Fitzhamon,1905 : uno dei primi esempi di narrazione condotta in maniera comprensibile
per lo spetattore. In na serie di inquadratture contigue, il cane Rover corre uscendo a sinistra del quadro e rientra
nell'inquadrattura successiva da destra, dando l'impressione di una continuita nel movimento della sua corsa.
+ Un altro modo per indicare che de spazi contigui sono uno vicino all'altro è quello di mostrare un personaggio che
guarda in una direzione fuori campo e poi stacarre su cio che il personaggio sta osservando.
+ nello stesso periodo i registi cominciarono anche a utilizzare il doppio raccordo di sguardo : un personaggio guarda
fuori campo un altro personaggio che, nell'inquadratura successiva, osserva nella direzione opposta rispetto al primo
->> campo/contro campo.
E usato nei dialoghi, nelle lotte e in tutte quelle situazioni in cui i personaggi interagiscono l'uno con l'altro. Uno dei
primi campi/controcampi di cui si ha notizia si trova in un western della Essanay. La tecnica del campo/controcampo
divenne frequente nel decennio succesivo e rimane ancora oggiil metodo piu usato per costruire le scene di
conersazione nei film di finzione
+ regola dei 180°

III. Cinematografie nazionali, classicismo holywoodiano e prima guerra

mondiale 1913 – 1919
Mentre i registi esploravano le potenzialita espressive del mezzo cinematografico con i primi lungometreggi, la guerra
mondiale cambiava gli assetti del mercato. L'impegno bellico influi particolarmente sulla Francia e sull'italia, fino ad
allora fra i maggiori produttori, permettendo alle societa americae di riempire il vuoto conseguentemente creatosi.
Cosi dal 1916 gli stati uniti divennero i principali fornitori di pellicole del mercato mondiale, posizione che hanno
mantenuto fino a oggi, segnando per sempre la storia del cinema = il predominio hollywoodiano.
La guerra contribui inoltre a isolare molti paesi. Per la prima volta nacquero scuole nazionali fortemente connotate, in
opposizione alla libera circolazione di film e alle influenze reciproche che avevano caratterizzato l'epoca precedente.

3.1 L'Europa e la nascita delle cinematografie nazionali

Negli anni antecedenti la prima guerra mondiale = novita tecniche e stilistiche ma con la guerra questo flusso fu
bruscamente [Link] questa nuova situazione beneficiarono da un lato alcune nazioni, come la Svezia ma per altre
= netto declino.

ITALIA
Il cinema italiano prospero nella prima meta degli anni dieci. Il sucesso delle esportazioni e l'incremento della
realizzazione di lungomettraggi attrassero molti talenti verso l'industria cinematografica, creando cosi uno stimolante
clima di concorrenza.
Trionfi maggiori all'estero come Quo Vadis di Enrico Guazzoni - 1913 = il cui sucesso confermo il filone storico-
mitologico come il genere per eccelenza del cinema italiano, o Cabiria di Giovanni Pastrone - 1914.
Un secondo e ben distinto genere, del cinema italiano si sviluppò come diretta conseguenza della nascita dello star
system. Numerose attrici, chiamate "dive", divennero immensamente popolari. I film appartenentia questo filone
raccontavano storie di passioni e intrighi dell'alta borghesia o dell'aristocrazia, condite con grande profusione di costumi
esotici e lussureggianti che contribuivano non poco al suo sucesso
- Lyda Borelli
- Francesca Bertini- Histoire d'un Pierrot - 1914 o Diana L'affascinatrice - 1915
Il genere rimase popolarissimo per tutta la seconda meta degli anni per poi declinare rapidamente nel decennio
successivo. L'equivalente maschile della diva era il personaggio del forzuto, definit per la prima volta con Ursus di Quo
Vadis.
A partire del 1923 il sistema del cinema italiano entro in crisi, salvo poi riapparire negli anni Cinquanta con film sempre
imperniati su eroi muscolosi e ambientazioni epiche, che presero il nome di peplum. Dopo la guera, l'italia cerco di
riguadagnare un posto nel mercato mondiale, anche con iniziative quali la nascita nel 1919 dell'Unione
Cinematografica italiana, ma ma concorrenza degli Stati Uniti e la sclerotizzazione di formule produttive ormai
superate portarono al suo declino negli anni venti.

EXEMPLE LA CABIRIA: messa in scena della storia. Visione storica del terzo secolo a.C, questo film è il futto piu
mato del cinema italiano del primi anni dieci e della sua capacita di portare in scena la storia romana antica in uno
spettacolo solenne e grandioso.
Film sullo periodo delle guerre puniche.
Periodo con un nuovo interesse per la romanita, attenzione per un passato archeologico e sontuoso, nel quale la
celebrazione di un'eccellenza nazionale conviveva con trame avventurose e passioni decadenti.
/// Ma il sucesso del film fu merito anche di una strategia produttiva che ne valorizzava le singole componenti,
affidandosi alla risonanza della giovane industria culturale. ////
Se la fama degli autori, cosi come le premiere presso i maggiori teatri nazionali, e le recensioni pubblicate dai
quotidiani nazionali permisero a Cabiria di imporsi all'attenzione degli intellettuali, altri aspetti feccero leva su un
pubblico piu vasto, in modo da garantire al film un'eco impressionante in Italia e nel mondo. Tra questi ultimi : il cast,
la scenografia (per la quale furono approntate apposite costruzioni in muratura in sostituzione dei fondali dipinti usati
in precedenza tra cui il tempio di Moloch), glii effetti speciali ( messi a punto da uno sperimentatore come Segundo de
Chomon che ricorse a modellini e altri espedienti per ricostruire scene di particolare difficolta, quali l'euzione
dell'Etna o la battaglia di Siracusa ), l'uso del colore...
-> una vera forma di spettacolo

FRANCIA
All'inizio degli anni dieci l'industria francese viveva ancora un periodo di prosperita. La richiesta di film da parte del
pubblico si mantenevaelevata e si costruivano nuove sale.
-La Gaumont aumento la produzione negli anni precedenti la guerra.
2 importanti registi : Louis Feuillade e Léonce Perret (L'enfant de Paris 1913 --> poi chiamato a Hollywood)
-La Pathé ,invece, nel 1913 decise di tagliare il settore della produzione, troppo costoso, per concentrarsi sulla
distribuzione e l'esercizio, piu redditizi : dopo aver rotto i rapporti con la MPPC, creo una societa di distribuzione
propria che diffondeva i film indipendenti americani. Questa scelta, inizialmente premiata dalla distribuzione di serials
di successo come The perils of Pauline - 1914 di Dinald Mackenzie.
I francesi, dagli intellettuali al publico generico adoravano le nuove star americane, da Charlie Chaplin a Douglas
Fairbanks, William S Hart....
Al termine della guerra l'industria francese si rese conto che ormai era impossibile riappropriarsi della quota di mercato
che era stata conquistata compagnie americane.

Exemple : I serials : Oggi il serial viene normalmente ricordato come una forma di cinema di cinema popolare negli
anni Trenta Cinquanta, in realta era l'attrazione principale in molte sale gia negli anni dieci.
I serial presentava un intreccio narrativo attraverso vari episodi, i quali finivano sempre in un momento culminante
dell'azione, con il personaggio principale in pericolo. Questi inducevano gli settatori a tornare a vedere i successivi
episodi.
Le storie su cui si reggevano i serials erano tutte giocate sull'azione con elementi tipici come tesori nascoti, geni del
crimine, ambientazioni esotiche e salvataggi audaci. La sua origine si colloca quasi contemporaneamente in Francia e
negli Stati Uniti.
Les perils de Pauline = enorme sucesso o il personaggio di Fantomas per il cinema nel 1914. Fantomas incarnava il
criminale per eccellenza, mago dei travestimenti e sempre in grado di eludere la caccia del suo eterno rivale, il
detective Juve.
La produzione di serials continuò a essere significativa in Francia e in altri Paesi almeno fino agli anni Venti, mentre
negli Stati Uniti divenne un modulo per produzioni a basso costo in piccole sale o nelle proiezioni per i ragazzi,
conservando questa funzione anche nei primi anni del sonoro.

SVEZIA
A partire degli anni dieci la Svezia produce in maniera inaspettata e improvvisa alcuni film importantie innovativi,
grazie soprattutto a tre registi : georg af Klercker, Mauritz Stiller (herr Arnes pengar 1919, ha lanciato greta garbo ) e
Victor Sjöström ( flashback / grande influenza ), che lavorano senza budget cospicui. La svezia fu tra i primi paesi a
creare una cinematografia che rispecchiava la propria identita culturale, con una particolare attenzione al paesaggio
nordico, ala letteratura e alle tradizioni locali.
La svenska Biografteatern = una piccola casa di produzione, nata nel 1907.
Il cinema svedese costituiti la piu importante alternativa a Hollywood dopo la guerra, ma questo sucesso fu anche la
causa del suo declino, la Svenska decise di puntare su costosi film destinati all'esportazione, benché qolo pochi di
questi riuscissero a imporsi. Da ultimo i registi Sjostrom e Stiller, orami famosi, vennero chiamati a Hollywood . Dopo
1921 la produzione crollo rovinosaemnte

3.2 L'America alla conquista del mercato mondiale

Fino al 1912 le compagnie americane erano quasi esclusivamente impegnate nella conquista del mercato interno. La
prima ad aprire un proprio ufficio di distribuzione fu la Vitagraph, con succursala a Parigi e Londra. dal 1909 altre
societa americane si rivolsero ai mercati stranieri, danso vita a un fenomeno di espansione distributiva che continuo fino
alla meta degli anni Venti. Molte transazioni cinematografiche passavano per Londra, che divenne ben presto un centro
internazionale per la compravendita di film americani = invasione di pellicole americane nel mercato britannico.
Hollywood = posizione dominante.
L'ingresso in guerra comporto infatti il trasferimento del personale impregnato nell'industria cinematografica al fronte.
In Francia la Pathé erano costretti a produrre munizioni e a utilizzare i theatri di posa come caserme, la produzione
cesso quasi del tutto.
Per l'Italia = a partire della sua entrata in guerra nel 1915.
Venuta a mancare la produzione europea, molti paesi si rivolsero all'industria Hollywoodiana, che ebbe cosi l'occasione
di accaparrarsi il mercato internazionale. Questa posizione di supremazia, conquistata anche in base a una specifica
pianificazione produttiva per cui il budget di ogni film era stabilito in base alle aspettative di guadagno, fu mantenuta
anche al termine del conflitto mondiale. I budget crebbero rapidamente, film venduti all'interno a basso prezzo... La
case di produzione holywoodianepoterono investire maggiori capitali per rendere piu spettacolari set, costumi e
illuminazioni, e pagare alti salari a divi ben presto idolatrati in tutto il mondo, come Mary Pickford e William S. Hart.
Gli altri paesi,costretti a budget molto piu limitati --> squilibrio

3.3 Il cinema classico hollywoodiano

VERSO LO STUDIO SYSTEM
L'evoluzione verso lo studio system hollywoodiano spesso cominciò con la fusione di due o più piccole case di
produzione o distribuzione. Nel 1912 Carl Laemmle contribui alla formazione della Universal Film Manufacturing
Company, e dopo due anni riusci a costruire uno studio a nord di Hollywood : L'universal City (concentrazione
vericale).
Nel 1914 WW Hodkinson riuni undici societa di distribuzione locale nella Paramount, il primo distributore nazionale di
soli lungometraggi.
Nello stesso anno fu creata un'altra casa, la Jesse [Link] Feature Play Company specializzata in lungometraggi,
inizialmente concentrata sul la produzione del regista Cecil B deMille.
Nel 1916 Zukor creando la famous Player Lasky Corporation consociata con la Paramount : Gloria Swanson, Mary
Pickford, Douglas fairbanks, Griffith, Senneth, De Mille....

Il sistema degli studios hollywoodiani è stato spesso paragonato alle fabbriche in quanto pensato per sfornare film in
série, come in una catena di montaggio. In realtà ogni film era diverso e richiedeva una differente pianificazione ed
esecuzione, in ogni caso gli studios avevano sviluppato metodi di produzione il piu efficienti possibile e, verso il 1914,
differenziavano il ruolo del regista, responsabile delle riprese del film, e quello del producer. => La lavorazione di un
film era sempre più divisa tra diversi specialisti.
+ A partire dalla fine degli anni dieci nella zona di Los Angeles furono realizzati veri e propri studi cinematografici,
si utilizzandi il vetro per le pareti, sia costruendo strutture senza finestre – controlalare la luce.

IL CINEMA A HOLLYWOOD NEGLI ANNI DIECI

Oltre al fascino dei nuovi divi e alla ricchezza dei set, l'appeal dei film americani era dovuto alla levigatezza formale e
ai ritmi coinvolgenti, il montaggio sempre piu complesse, giocare con lo spazio, le inquadrature, i dialoghi....
A la fine degli anni Dieci, i grandi studi avevano a disposizione una notevole quantita di lampade diverse per le varie
soluzioni sceniche.
Nel momento in cui la realizzazione dei lungometraggi si standardizzo, la principale preoccupazzione della produzione
hollywoodiana fu di stabilire in modo preciso le linee guida del raconto, al fine di creare intrecci intelligibili.
- Allora come oggi le trame consistono in una catena di cause ed effetti che interagiscono con la psicologia del
personaggio opposto alle forze sociali o naturali.
- A ogni personaggio di rilievo è attribuita una serie di caratteristiche che lo rendono chiaramente riconoscibile.
- Tipicamente orientato verso il raggiungimento di qualque obiettivo, il protagonista entra solitamente in conflitto con
la volonta degli altri personaggi, superando una serie di ostacoli che si risolvono solo nel finale, normalmente un happy
end.
- Inoltre questi film, per rendere piu interessanti e varie le situazioni, ricorrono a due linee narrative interdipendenti, una
di queste riguarda avventure romantiche che si intrecciano con il tentativo del protagonista di raggiungere il suo scopo.
- Dal punto di vista narrativo,la suspense viene tenuta viva da una progressione di scontri e salvataggi all'ultimo
minuto.

FILM E REGISTI
L'enorme espansione dell'industria cinematografica americana richiedeva il contributo di molti registi, cosi una nuova
generazione si aggiunse a quella attiva gia dai primissimi anni della storia dell cinema.
*** La vecchia generazione : Ince, Griffith ( the birth of a nation 1914) – è il piu famoso regista della sua epoca e il suo
nome fu presto collegato con le piu importanti innovazioni tecniche. Egli riusci a mantenere un considerevole controllo
sui suoi film, nonostanre ka crescente invadenza dei produttori degli studios.
Exemple : The birth of a nation, 1914. Carattere legendarioo al film di griffith concoronno molteplici fattori, gli alti
costi di produzione di oltre 100 000 dollari, l'eccezionale durata, superiore alle tre ore, le chiacchierate permière
(Liberty Theatre di NY), le rivolte sociali che hanno portato al sequestro del film per ben 120 volte. Capacita di Griffith
di costruire un'epica della nazione americana in un melodramma che salda storia collettiva e vicende individuali
riccorendo a soluzioni narrative efficaci. Film con un arco temporale compresso tra il 1861 e il 1877, affronta il tema
della guerra civile americana e dei suoi drammatici sviluppi attraverso le vicende occorse ai membri di due famiglie,
evoca l'assassinio di lincoln, klu klux klan … = tableau vivant. Attraverso la tecnica narrativa, l'approfondimento
psicologico dei caratteri, losviluppo di relazioni causa-effetto e l'insegnamento morale di stampo pacifista e familista,
il film apre le porte al racconto hollywoodiano classico, pur consegnando ai posteri l'irrisolto problema di un'opera
d'arte gravata da un'ideologia razzista.
*** La nuova generazione :
– Maurice Tourneur : emigrato dalla Francia, realizzo il suo primo filmamericano nel 1914 The wishing ring.
– Cecil [Link] Mille : La lunga e prolifica carriera di Cecil [Link] Mille si sviluppo invece all'interno degli studios,
dove potè mantenere il controllo delle sue produzioni attraverso molti film innovati di generi diversi. Enormo
successo con Male and Female nel 1919 con Gloria Swanson.
Splapstick comedy e western : Un genere particolarmente importante in questi anni era la slapstick comedy, in cui si
distinse il regista Mark Sennett con i rocamboleschi. Direttore della Keystone Company, il riuni alcuni comici famosi
fra cui Chaplin, Ben Turpin...
– Chaplin : Repentina ascesa dell'inglese Chaplin. Il suoi stile fu subito riconoscibile per un uso paradossale
degli oggetti, per esempio in The Pawnshop nel 1916. L'abilita e la destrezza gli permettevano di cimentarsi in
elaborate coreografie di risse e fughe a volte combinate insieme, come nelle acrobazie a rotta di collo sui
pattini a rotelle di The rink 1916, ma il introdusse un elemento di pathos sconosciutto alla slapstick comedy nel
The Vagabond or The immigrant → divenne una delle figure piu conosciute in tutto il mondo.
– Buster Keaton : anche famosi per il comedy
Il western continuo a essere popolare per tutti gli anni dieci . Una delle stra piu famose di questo genere fu William S
Hart, gia attore teatrale, il quale incarno il ruolo del buono cattivo che divenne tipico di molte future star del western.
Nel 1919 Mary Pickford, Douglas Fairbanks e Charlie Chaplin si associarono con Griffith per dare vita alla United
Artists, una prestigiosa cas di distribuzione che si sarebbe occupata solo dei film prodotti dai quattro in modo
indipendente. Nonostante l'abbandono di Griffith pochi anni dopo, la nuova societa rappresento la possibilita per molti
artisti e produttori di esercitare un controllo sulle proprie opere, impensabile nelle produzioni dei grandi studios.
In sintesi, lo sviluppo dello studio system hollywoodiano durante gli anni dieci e la parallela conquista del mercato
mondiale portarono ad alcuni cambiamenti di rilievo : in questi anni furono definiti i parametri che avrebbero regolato
gran parte della produzione cinematografica successiva.

IV. La Francia negli anni venti

Nel decennio successivo alla prima guerra mondiale la produzione francese venne colpita da una crisi economico -
produttiva i cui effetti furono accentuati dalla concorrenza dei film hollywoodiani. In quel periodo si affermo il
cosiddetto movimento impressionista che, riducendo i costi necessari per realizzare i film, intendeva promuovere un
cinema d'arte. Attraverso il contributo fattivo di autori come Epstein o Gance e ma ârallela riflessione condotta da
critici e teorici come Delluc e Moussinac, prese forma e fu subito riconosciuto un movimento che faceva della
photogénie il suo punto di forza. La capacita di trasfigurazione estetica del cinema era tale da far acquisire agli oggetti
e alla realta visibile un nuovo significato. Sostenuto e divulgato attraverso l'attivita di riviste cinematografiche e
cineclub, l'impressionismo fu presto affiancato da altri movimenti d'avanguardia come il dadaismo, il surrealismo e il
cinema Pur che proponevano un modello di cinema sperimentale e antinarrativo, libero dai condizionamenti
dell'industria.

4.1 L'industria cinematografia francese dopo la prima guerra mondiale

La produzione cinematografica in Francia subi un rapido declino durante la prima guerra mondiale, a causa
dell'assorbimento delle risorse causato dall'impegno militare. Probabilmente, il neonato movimento degli impressionisti
beneficio proprio di questa disastrata situazione economica perché le case di produzione erano disposte a fare
esperimenti alla disperata ricerca di una valida alternativa al cinema di Hollywood.
Un altro fattore di ostacolo alla produzione fu la mancanza di unita -> dopo la Pathé e la Guamont : costellazione di
piccole case attive per la durata di un film o poco piu.
Di conseguenza, buona arte dei film di questo periodo era a basso costo, la media dei costi per un lungometraggio si
aggirava intorno ai 30 000 dollari nel 1927.
A differenza dei registi americani, che avevano sperimentato le diverse possibilita offerte dall'illuminazione artificiale,
normalemente i registi francesi lavoravano sopratutto con la luce naturale, creando zone d'ombra all'interno del set. Lo
sviluppo delle tecniche di illuminazione crebbe negli anni venti, ma con costi ancore troppo elevati per un utilizzo
diffuso.
In parte per queste limitazioni, in parte per un desiderio di realismo, i registi francesi si servirono per le loro
ambientazioni di castelli, vecchi palazzi e altri edifici storici, oppure ricorsero al paesaggio naturale e ai villaggi rurali.
AUTORI E FILM DEL DOPO GUERRA
Nonostante la concorrenza straniera, la frammentazione dell'industria, la mancanza di capitali, l'indifferenza del
governo e le limitate risorse tecniche, l'industria fu in grado di dare vita a una produzione varia.
- successo in Francia del genere : i serials, ma le pressioni sociali contro la glorificazione della malavita spinsero a
introdurre dei cambiamenti.
- Un altre genere minore fu il fantastico, il cui principale esponente fu René Clair.
- Anche il genere comico continuo a essere popolare nella Francia del dopoguerra. Max Linder, che per brev
e tempo era stato ingaggiato a Hollywood, ritornato in patria riprese la sua attivita.

4.2 L'impressionismo francese

Tra il 1918 e il 1923 una nuova generazione di autori cerco di esplorare le possibilita del cinema come forma d'arte. I
loro film evidenziavano una fascinazione per la belezza pittorica dell'immagine e per un'approfondita indagine
psicologica.

IMPRESSIONISMO E INDUSTRIA CINEMATOGRAFICA

Questi autori furono facilitati dalla crisi che affliggeva l'industria francese. Alcuni di loro dividevano i loro sforzi tra
progetti di avanguardia e opere piu commerciali.
Il film di Abel Gance La disième symphonie (Pathé) inaugura il movimento impressionista. Gance suggeriva le reazioni
emotive alla partitura ricorrendo a una serie di espedienti visvi. Il fu il regista piu popolare fra gli impressionisti. E la
Guamont produsse invece il secondo film impressionista, l'opera di Marcel L'Herbier Rose France.
• Pasteur, 1922 Jean Epstein : esperimentali
La casa di produzione russa Yermoliev, volendo sottrarsi alla nazionalizzazione dell'industria decisa dal governo
sovietico, si stabili a Parigi nel 1920 dove si rioganizzo con il nome di Films Albatros nel 1922. E nel 1923 L'albatros
produsse uno deii film piu audaci del periodo Le brasier ardent diMosjoukine e Volkov.
Alcuni dei registi dettero vita a societa proprie come Gance ( Films abel Gance), L'Herbier (Cinegraphie) ed Epstein
( Les films Jean Epstein).

LA TEORIA IMPRESSIONISTA
Gli autori impressionisti consideravano il cinema come una forma d'arte. La loro poetica si espresse attraverso saggi e
manifesti spesso visionari che aiutarono i diversi autori a sentirsi parte di un comune movimento artistico. Essi
cercavano di creare un'esperienza emotiva per lo spettatore, suggerendo ed evocando piu che mostrare chiaramente. Per
loro il lavoro dell'arte era quello di suscitare emozioni transitorie, impressioni, secondo una visione propria dell'estetica
romantica e simbolista tardo ottocentesca.
- Da un lato i teorici impressionisti ritenavano il cinema una sintesi delle altre arti, in grado di stabilire relazioni
spaziali, come l'architettura, la pittura e la scultura, e relazioni temporali. La combinazione di elementi spazio-temporali
creava differenti ritmi, cosi cme la musica, la poesia e la danza. Dall'altro lato il cinema era visto come uno strumento
espressivo con possibilita uniche.
Condannando tutti i film che presentavano commistioni con elementi teatrali, gran parte degli impressionisti ricorreva a
una recitazione naturalistica singolarmnte contenuta.
- Nel tentativo di definire in maniera piu precisa la natura dell'immagine cinematografica, alcuni teorici feccero uso
dell'idea di photogénieLouis Delluc fu il primo a diffondere l'idea di fotogenie come qualita che distingueva l'immagine
filmica dall'oggetto originale : trasformato in immagine, l'oggetto acqistava una nuova espressivita, rivelandosi allo
spettatore in una luce totalmente differente.
"Ogni cosa esistente nel mondo vive un'altra esistenza sullo schermo" - KIRSANOV = aspetto mistico del concetto di
photogénie. I teorici impressionisti attribuivano quindi al cinema la capacita di far accedere lo spettatore a una visione
della realtà situata oltre la quotidiana esperienza, capace di mettere a nudo l'anima delle persone e l'essenza degli
oggetti. Assegnando una precisa identita alla forma filmica, gli impressionisti identificavano la matrice principale del
film nel ritmo visivo, attenti alle emozioni piuttosto che alle [Link] ritmo sorgeva dall'attenta contrapposizione tra i
movimenti e le inquadrature, e tra la lunghezza di queste ultime. Come sottolineavano gli stessi autori, questa insistenza
sull'elemento ritmico collocava il film impressionista piu vicino alla musica cche a qualsiasi altra forma d'arte.

Caratteri formali dell'impressionismo :

Tecniche di ripresa e di montaggio servivano a suggerire la soggettivita dei personaggi, spesso tramite immagini
mentali (visioni, sogni i ricordi), rese a volte con inquadrature in soggetivita, oppure come percezioni degli eventi senza
ricorrere alla soggettivita. Tecniche quali la sovrimpressione o il flashback, usate al fine di mostrare il pensiero e le
emozioni dei personaggi, erano spesso applicate dagli autori impressionisti.
RIPRESA
L'idea di photogénie, unita all'interesse per l'interiorità del personaggioo, fecce si che le innovazioni riguardasero
soprattutto le tecniche di ripresa : i film impressionisti contenevano un gran numero di effetti ottici che modificaravano
la visione dell'immagine. Questi espedienti potevano esaltare la bellezza dell'inquadrattura o renderla ancora piu
stupefacente, piu spesso servivano a comunicare le impressioni dei protagonisti. La sovrimpressione poteva suggerire il
pensiero o i ricordi del personaggio; un filtro posto davanti all'obiettivo poteva avere la funzione di comunicare la
percezione soggettiva, senza dover ricorrere a una ripresa dal punto di vista del personaggio stesso.
Esempio : Nel film di L'Herbier Eldorado, la protagonista si esibisce in un cabaret spagnolo : mentre è in scena , il
suo pensiero continua ad andare al figlio malato e questa sua preoccupazione è resa in termini visivi con un filtro che
offusca la sua figura, ma non i personaggi che la circondano, non appena le altre donne la risvegliano da suoi pensieri,
il filtro scompare e la visione torna normale. In questo caso vogliono comunicare le emozioni della protagonista , ma
l'inquadratura non risponde al punto di vista di nessun personaggio. Quindi i filtri creano effetti soggettivi per
esprimere la soggettività del personaggio.
Molto usate erano anche le immagini in ralenti.

MONTAGGIO:
Dopo il 1923 vennero realizzati i film che sperimentavano un montaggio molto veloce per esplorare lo stato mentale di
personaggi.
Esempio : Coeur fidèle di Jean Epstein uscito nel 1923 presentava un ritmo di montaggio simile. Abbiamo gia
sottolineato come il movimento della macchina da presa nella scena della giostra servisse a suggerire l'infelicità della
protagonista , il montaggio aveva la funzione di intensificare questo effetto. In questo film la cinepresa è montata sulla
piattaforma oscillante della giostra davanti alla coppia, cosicché lo sfondo ruota rapidamente dietro alla donna seduta
e immobile in primo piano. Inquadratura di diciannove fotogrammi della giostra e della folla.
In seguito il montaggio veloce divenne un marchio di fabrica del cinema impressionista. Con questo ricorso al
montaggio rapido gli impressionisti raggiunsero in qualche modo quel ritmo visivo che avevano teorizzato nei loro
scritti.

MESSA IN SCENA
Al contrario, pochi erano gli elementi veramente nuovi riscontrabili nella messa in scena : generalizzando,, si potrebbe
dire che la cura principale di questi film era rivolta all'aspetto fotografico e all'illuminazione degli ogetti, spesso
valorizzata da filtri o elementi trasparenti.
Un ultimo elemento di rilievo rano le sorprendenti scenografie pensate per questi film, sia riccorendo a un decor
modernista, sia girando in ambienti reali.

NARRAZIONE
Gli espedienti stilistici utilizzati nei film impressionisti erano sorprendentemente innovativi, mentre le storie risultavano
piuttosto convenzionali. Queste prendevano spesso spunto da situazioni emotive particolarmente esacerbate, da qui si
originavano alcune possibilita narrative, come il ricordo del protagonista espresso attraverso flashback, o la visione dei
suoi desideri, o ancora lo stato di ubriachezza, che avrebbero dato via libera a percezioni distorte della realtà
circostante.I personaggi di questi film spesso perdono i sensi o cadono in stati estrema disperazione, che erano
brillantemente resi con l'immagine. Ma i meccanismi classici di causa ed effetto venivano rispettati.
Non si deve credere, pero, che gli effetti nei film impressionisti riguardassero l'intero racconto, al contrario, per gran
parte di esso la storia procedeva in modi piuttosto usuali, per poi essere intercalata da scene che approfondivano le
reazioni psicologiche ed emotive dei personaggi. Solo pochi autori tentarono di creare modalità di raconto non
convenzionali, tali da fare della soggettività del personaggio il punto di partenza per l'intero svolgimento del film.
La fine dell'impressionismo
Tra la fine degli anni Dieci e la prima metà degli anni Venti, gli autori impressionisti avevano dato vita a un gruppo
assai saldo, aiutandosi reciprocamente nel tentativo di creare un cinema alternativo e artisticamente valido. Ma se non
raggiungevano un vasto pubblico, erano comunque celebrati dalle riviste e dai frequentatori dei cineclub.
Nel 1925, Léon Moussinac, critico pubblico "Naissance du cinema", testo che delineava i tratti stilistici e i fondamenti
teorici del movimento.
Larga diffusione
"Dispositivi originalicome il montaggio rapido, le carrellate o le panormaiche sono ora banalizzati. Sono come un
cappello vecchio, ed è necessario eliminare chiaramete elementi stilistici ovvi per poter creare un film" - Epstein 1927
Comoedia.
Infatti,, Epstein sperimento storie sempre piu semplici in uno stile quasi documentario, utilizzando attori non
professionisti ed eliminando il vistoso lavoro sul montaggio e sui movimenti di macchina. Il suo ultimo lavoro
impressionista è Finis Terrae 1929.
Se il periodo tra il 1918 e il 1922 era stato caratterizzato principalmente da una ricerca condotta sulla qualita pittorica
delle immagini e quello tra il 1923 e il 1925 dall'aggiunta di un senso ritmico del montaggio, l'ultimo, tra il 1926 e il
1929, vide una diffusione piu capillare dell'impressionismo.
Un altro aspetto di debolezza del cinema impressionista derivava dalla concorrenza esercitata dai film che
appartenevano ad altre correnti sperimentali, come il dadaismo e il surrealismo, a cui presero parte anche alcuni autori
impressionisti come Germaine Dulac. Inoltre, verso la fine degli anni venti, la grande distribuzione comincio a perdere
interesse per i film impressionisti, pochi dei quali furono effettivamente esportati. Contemporaneamente, con la fine del
cinema impressionista, scomparve la maggior parte delle societa indipendenti. l'introduzione del sonoro nel 1929 rese
pressoché impossibile per questi autori continuare a realizzare produzioni indipendenti, anche solo cortometraggi
sperimentali a basso costo.
 4.3 Cinema sperimentale al di fuori dell'industria
Durante gli anni Venti, accanto al cinema d'arte (distinto dell'intrattenimento popolare), si afermo un modo di fare
cinema ancora piu radicale, sperimentale e d'avanguardia. Queste correnti, che si manifestarono in diverse aree
d'Europa, ebbero nella Francia un centro di diffusione e di irraggiamento. I primi decenni del secolo avevano gia
conosciuto molte avanguardie come cubismo, futurismo, dadaismo, surealismo...In molti casi furono gli stessi scritori o
pittori appartenenti in queste correnti artistiche a realizzare film d'avanguardia : in altri, giovani registi furono
affascinati dalla possibilita di var vita a un cinema alternativo.

La difusione del cinema d'arte :

Negli anni successivi alla prima guerra mondiale, l'affiorare di movimenti d'avanguardia spinse critici e intellettuali a
distinguere tra un cinema commerciale e uno 'artistico'.
Il film d'arte, fece sorgere durante gli anni Venti una serie di nuove attività : riviste, cineclub e sale specializzate, mostre
e conferenze a cui prendevano parte attivamente gli stessi autori, Louis delluc rivista = Le film, 1920 creazione di
Journal duu Ciné Club, nel 1921 le club des amis du 7ème art, l'inaugurazione della prima sale specialisée di Parigi nel
1924, a opera di Jean Tedesco... Ben presto si affermarono cineclub e sale specializzate anche negli altri paei europei.
(Nel 1925, a Londra si costitui la Film Society)
+ Negli anni Trenta furono creati i principali archivi, come il National Film Archive a Londra o la Cinemathèque
Française a Parigi
===> nuove dinamiche attorno al cinema, le élite lo prendono

DADAISMO Il dadaismo nacque intorno al 1915 come risposta allo smarrimento e alla perdita di senso provocati dal
conflitto mondiale. A NY, Zurigo, Parigi, Berlino... gli artisti dada proposero una nuova visione del mondo all'insegna
dell'assurdo, che spazzava via i valori tradizionali, ponendo il caso e l'immaginazione alla base della creazione artistica.
Max Ernst, Marcel Duchamp (scandalo di un orinatoio), Man Ray, Francis Picabia... I dadaisti erano affascinati dalla
tecnica del collage, dall'assemblaggio di elementi disparati in bizzarre composizioni.
Esempio : entr'acte di René Clair. Questo filmrompeva il concetto tradizionale di cinema come arte visiva e narrativa.
"Entr'acte non crede in molte cose, se non forse nel piacere della vita, crede nel piacere dell'invenzione e non rispetta
nulla, oltre al desiderio di scoppiare a ridere" - Picabia.

SURREALISMO
Molti dei membri di dadaismo si ritrovarano tra la fila del gruppo surrealista. Un'influenza determinante allo sviluppo
del surrealismo fu rappresentata dalle teorie della nascente psicoanalisi. Importanza del'emergenti dell'inconscio. I
surrealisti cercarono di tradurre in immagini o parole il linguaggio incoerente dei sogni, senza interferenze o controlli da
parte del pensiero conscio. Max ernst, Dali, Miro, Klee, Magritte... furono tra gli artisti piu noti. I film surrealisti
presentavano storie anormale e spesso sessualmente allusve, che riproponessero l'inesplicabile logica dei sogni. Nel
1926 Man Ray realizzo il suo primo film surrealista Emak Bakia o l'Etoile de mer ispirata a un testo del poeta Desnos.
Esempio : un Chien andalou di Luis Bunuel 1929, è il film che meglioincarno lo spirito del surrealismo. E un
cortometraggio d'esordio e un eloquente esempio di scrittura automatica surrealista applicata al linguaggio
cinematografico, il flusso con cui le inquadrature del filmsi susseguono non rispetta i vincoli dettati dalle abituali
convenzioni narrative, immergendo lo spettatore in un'atmosfera onirica. A differenza dei surrealisti, che amavano il
cinema soprattutto come spettatori considerandolo un territorio privilegiao di applicazione dei loro principi in virtu del
suo potere di spaesamento, Bunuel era interessato a sondare le immense potenzialita insite nel mezzo con cui scelse di
esprimersi → infrangendo cosi le sicurezze mentali lo spetattore.

CINEMA PUR
Sulla scia di lavori come Ballet mecanique (Man Raye Fernand Léger) alcuni artisti concepirono la possibilita di
realizzare opere non narrative fondate sulle qualita visive astratte del mondo fisico in opposizione al cinema
commerciale (che era narrativo)

V. La germania negli anni venti

Nella Germania del dopoguerra la condizione di isolamento economico e le crescita inflattiva successive al conflitto
determinarono l'incremento della produzione cinematografica. All'inizio degli anni Venti l'avanguardia artistica
dell'esperssionismo si estese anche al cinema. Verso la meta del decennio, mentre i film espressionisti divenivano
sempre piu spettacolari, si fecero strada altre tendenze, come il kammerspiel e la Neue Sachlichkeit. Il successo dei film
tedeschi apri alla Germania il mercato hollywoodiano e ne fece il centgro nevralgico di una "tendenza europea" che
ebbe in Carl Theodor Dreyer il suo esponente principale e nella quale si intrecciarono elementi provenienti da diverse
avanguardie.

5.1 Il cinema durante e dopo la prima guerra mondiale.

Poiché nei primi anni Dieci il cinema in Germania era una forma di spettacolo piuttosto marginale, i produttori
ciminciarono a trasporre per lo schermo i capolavori della letteratura e ingaggiarono autori di fama per riscrivere
soggetti originali e attori teatrali per interpretarli.
Nel 1913 nacque cosi l'autorenfilm, dove il termine autore serviva a pubblicizzare il film riferendosi al testo famoso da
ci era tratto. Esso rappresentava il tentativo, gia verificatosi in altri Paesi, di innalzare il cinema a forma d'arte, cosi
come eraavvenuto in Francia con la Film d'Art. Il piu famoso degli Autorenfilm fu crtamente Der student von prague di
Stellan Rye, 1913.
Lo scarso succsso di pubblico di gran parte di questi film decreto il suo declino gia nel 1914. Nel 1916 la Germania
proibi l'importazione di film e incentivo la produzione nazionale che divenne sempre piu fiorente.
Dal 1918 fino all'ascesa al potere del nazismo nel 1933 la produzione tedesca - anche grazie all'aiuto del governo- fu
seconda solo a quella di Hollywood per dimensioni, innovazionni tecniche e influenza sul mercato mondialenel 1921
esistevano circa trecento case di produzione. Paradossalmente, gran parte di questo successo f ottenuto proprio negli
anni di maggiori difficoltà per il paese, caratterizzati da una grave crisi economicanonché dall'instabilita politica la
frequenza di pubblico si mantenne elevata. Inoltre l'inflazione incoraggiava le esportazioni e scoraggiava le
importazioni a prezzi competitivi.
- Il film storico - spettacolare : Molte opere tedesche post-belliche puntarono sul i films spettacolare con film storici o
epici con scenografie e costumi... Il risultato fu la produzione di film abbastanza spettacolari da poter competere sul
mercato straniero. Per esempio Lubitsch realizzo Madame Dubarry nel 1919 con un budget di soli 40.000 dollari.
Lubitsch che divenne il piu importante autore de filone epico-storico prima di trasferirsi negli Stati-Uniti. Verso la meta
del decenni il filone storico-spettacolare perse notevolmente di importanza a causa della relativa diminuzione dei
budget.

5.2 L'espressionismo
L'espressionismo si era manifestato intorno al 1908 in Germania, principalmente nel campo della pittura e del teatro,
esso rappresentava,una reazione al realismo e il tentativo di esprimere, attraverso distorsioni estreme, le emozioni piu
vere e profonde, nascoste al di sotto della superficie della realtà. Due gruppi principali : Die Brücke, formatosi nel 1906
e der Blaue Reiter fondato nel 1911. Alcuni storici hanno includere nel movimento solo pochi film come Das cabinet
des Dr Caligari. Altri storici prendono in considerazione tutti quei film nai quali determinate distorsioni stilistiche
arrivano a produrre gli stessi effetti di quelle utilizzate nel Caligari. Adottando questa ipotesi piu aperta si puo parlare di
circa due dozzine di film espressionisti realizzati tra il 1920 e il 1927.

L'IMPORTANZA DELLA COMPOSIZIONE :

Mentre per il movimento impressionista l'elemento determinante era l'uso artistico della macchina da presa,
l'espressionismo puntava principalmente sulla messa in scena. Nel cinema espressionista l'incisività espressiva legata
alla figura umana si estende a ogni elemento della messa in scena. Non solo si voleva che la scenografia funzionasse
quasi come un organismo vivente, ma che anche il corpo dell'attore divenisse un elemento visivo = una perfetta fusione
di set, recitazione, costumi e illuminazione. Un film narrativo non è come un'opera pittorica. La trama deve procedere e
la composizione viene continuamente modificata dal movimento degli attori. Cosi, nelle opere espressioniste, l'azione
spesso procede a sbalzi e la narrazione subisce delle pause o semplicemente rallenta brevemente quandoo gli elementi
della messa in scena si dispongono in una forma tale da catturare l'attenzione dello spettatore.
Gli edifici apparivano incurvati o distorti, il suolo vertiginosamente inclinato rispetto alle tradizionali regole
prospettiche.
ESASPERAZIONE E RIPETIZIONE :
- Il tratto forse piu comune e ovvio dell'espressionismo è l'uso di forme distorte ed esageret che trasformano gli
oggetti : abitazioni ogivalisedie di dimensioni smisurate, scalinate incurvate e irregolari.
- L'interpretazione degli attori espressionisti era volutamente esasperata per accordarsi all'insieme. Ripresi in campo
lungo, i gesti degli attori potevano ricordare i movimenti di un baletto.
- Un altro aspetto della messa in scena espressionista è la pratica di giustapporre forme simili all'interno della stessa
inquadrattura.
- Nella maggior parte dei casi, l'illuminazione di questi film proveniva da fonti laterali i frontali per meglio sottolineare
le relazioni tra le figure e il décor e spesso anche le ombre servivano a creare effetti deformanti.
MOVIMENTI DI MACCHINA E MONTAGGIO :
Sebbene gli aspetti principali dello stile espressionista riguardino la messa in scena, si possono comunque individuare
alcune sostanti anche nell'uso delle altre soluzioni tecnicolinguistiche. Il ritmo è piu lento rispetto ad altri film dello
stesso periodo, in modo da permettere allo spettatore di soffermarsi sui diversi elementi dell'inquadratura.
Le prospettive quasi sempre falsate.
Inclinazione del punto di vista a creare creare particolari effetti.
Campo contro campo o montaggio alternato.
NARRAZIONE :
Dal punto di vista narrativo, i film espressionisti ricorrevano a storie in grado di valorizzare le caratteristiche del loro
stile. caligari faceva ruotare gli insoliti effetti di distorsione del film intorno alla personnalità malata e insana dei
protagonisti. In gran parte delle altre opere riconducibili allo stesso filone vennero utilizzate vicende ambientate nel
passato e ricche di elementi esotici, di fantasia o di orrore. (Nosferat, Dr Mabuse der spieler...e l'ultimo è Metropolis).
Gli scenografi sperimentarono l'uso di false prospettive e di modelli in scala, in modo da far apparire ancora piu
smisurati i set.

VOIR SI JE PEUX PAS TROUVER LES ELEMETS DE L4EXPRESSIONISME AILLEURS PLUS CLAIREMENT
DEFINI

Esempio : Das Cabinet des Dr Caligari di Robert Wiene (1920) non è considerato solo il prototipo del film
espressionista, ma anche un'opera cardine per l'evoluzione del cinema horror e fantastico. Il film si apre in un giardino
in cui un uomo giovane racconta a un conoscente una storia vissuta in prima personne = lungo flashback.
Il fascino de Caligari e l'influenza da esso esercitata sono in gran parte legati al processo di stilizzazione. Tutte le
riprese del film sono state effettuate in studio rendendo possibile un controllo totale sui materiali plastici, in una
prospettiva antinaturalistica. Le scelte alla base del décor si fondano su una costante deformazione, molti degli
ambienti e degli oggetti sono dipinti direttamente su tela, in modo da accrescere la sensazione di bidimensionalità
tipica della pittura. La linee sono irregolari = senso di angoscia insopprimibile. Il trattamento della luce artificiale =
numerosi conflitti chiaroscurali + ombre che si stagliano minacciosamente in numerose inquadrature. Gli oggetti e gli
ambienti assumono una personalità drammatica come effetto del processo di antropomorfizzazione cui sono sottoposti.
Successo : Un modello di cinema capace, secondo alcuni di riflettere l'inquietudine dell'anima tedesca, sospesa tra i de
poli opposti della tirannia e del caos in anni per la Germania contrassegnati da una notevole instabilita sul piano
storico ed economico sociale.

5.3 Il Kammerspielfilm
Un'altra tendenza di rilievo si andava affermando nel cinema tedesco. Schreben, Sylvester, Hintertreppe... I
kammerspielfilm concentravano la loro attenzione su pochi personaggi, esplorando minuziosamente gli effetti di una
crisi nella loro esistenza. Una maggior attenzione alla psicologia dei personaggi piuttosto che alla spettacolarità. Se
alcune deformazioni tipiche dell'espressionismo vi comparivano, non era per ottenere effetti fantastici o soggettivi, ma
per esprimere la monotonia e la cupezza degli ambienti. Verso la fine del 1924, tuttavia, il filone comincio a esaurirsi.

5.4 La trasformazioni nella seconda metà degli anni Venti

MODERNIZZAZIONE : Nel corso degli anni Venti la tecnologia cinematografica aveva fatto grandi progressi. Molte
compagnie ammodernano le loro strutture, la UFA divenne lo studio di produzione piu grande del mondio. Queste
innovazioni tecnologiche rispondevano al desiderio di creare film contrassegnati dalla magniloquenza produttiva.
Inoltre i produttori tedeschi impadronirsi delle innovazioni introdotte dai registi americani negli anni Dieci, come
l'illuminazione in controluce e l'uso di luci artificiali anche per le riprese in esterni.
E anche alcune innovazioni tecniche perfezionate in Germania esercitarono una notevole influenza sul cinema
internazionale come la Entfesselte camera, letteralmente macchina da presa slegata. E Negli anni Venti molti registi
tedeschii cominciarono a sperimente elaborati e spettacolari movimenti di macchina + molti innovazioni tecniche :
come montacarichi, altalene, gru e iattaforme girevoli aveva liberato la macchina da presa dalla immbolita del
cavalletto.
Nel 1923 l'elevata inflazione aveva spinto la Germania sull'orlo del caos e la stessa produzione cinematografica
cominciava a subirne le conseguenze. Molte compagnie subirono repentini crolli o dovettero tagliare pesantemente la
produzione. Per la prima volta : salle cinematografiche diminui e alcune piccole case di produzione furono costrette a
chiudere.
QUINDI : Gli Stati Uniti riuscirono a conquistare una fetta del mercao tedesco.
1925 = UFA bancarotta.
MA Continuo a investire in grandi progetti, contraendo nuovi prestiti (MGM / Paramount) per riuscire a finanziarli. Il
due maggiori film annunciati rano Faust di Murnau e Metropolis di Fritz Lang, in realta entrambi furono pronti solo per
la stagione successiva.
=> FINE DEL MOVIMENTO ESPRESIONISMO :
I due fattori principali della fine del movimento espressionista furono gli elevati costi delle ultime produzioni e la
partanza di diversi registi tedeschi, attirati dalle offerte provenienti da Holywood. (muranu FOX ).Solo Fritz lang
restata in Germania. Per quanto tracce dell'espressionismo fossero ancora presnti in alcuni film degli anni successivi, il
movimento è finito.

5.5 La Nuova Oggettività

Ulteriori ragioni che contribuirono al declino del movimento espressionista erano legate al mutato clima culturale della
Germania. Molti artisti abbandonaro l'esasperata emotiva tipica dell'espressionismo per avvicinarsi al realismo e a una
piu controllata analisi sociale. Si comincio a definire questa tendenza come Neue Sachlichkeit = Nuova oggettività.
(Come le feroci caricature di Otto Dix che miravano a una critica della realtà sociale contemporanea, o nel teatro
d'avanguardia con Brecht )
Una modalita riccorente nel cinema degli anni della Nuova Oggetivita fu l'ambientazione urbana. I protagonisti di
questi film erano spesso borghesi agiati che per una serie di circostanze si trovano improvvisamente immersi
nell'ambiente pocco rassicurante della strada con i suoi miseri abitanti : prostitue, ladri, bari e truffatori... Il regista piu
celebre fu Georg Wilhelm pabst.........
Ma la critica piu frequente che veniva rivolta a questo tipo di film riguardava la loro incapacità di proporre soluzioni ai
problemi sociali che denunciavano.

5.6 Lo stile classico e la circolazione dei film

Per contrastare l'avanzata hollywoodiana venne promosso qualche tentativo nella direzione di un cinema "paneuropeo",
tra il 1924 e il 1927. Seguirono successive transazioni tra Francia, Regno Unito, Germania .... Scambiamento tra le
paese per le attori, tecnichi.... (come il giovane Alfred Hitchcock).
Ma alcune grandi coproduzioni non riuscirono a ottenere il successo internazionale perché questi film erano spesso
costruiti sulla base di formule standardizzate / troppo spesso un'imitazione dello stile hollywoodiano.
All'inizio degli anni Trenta il sogno di un cinema europeo era praticamente svanito.

5.7 Lo stile internazionale

I movimenti d'avanguardia come l'impressionismo francese, l'espressionismo tedesco e la scuola sovietica del
montaggio erano sorti come espressione di una ricerca che si svolgeva all'interno dei confini nazionali. Ma dalla metà
degli anni Venti si sviluppo gradualmente uno stile d'avanguardia internazionale che combinava elementi provenienti da
questi tre movimenti. A poco a poco, le frontiere stilistiche diventavano sempre piu indistinte.

VI. Il cinema sovietico negli anni venti

Dopo la rivoluzione bolscevica, il nuovo governo, insediatosi alla guida del Paese, controllava il sistema industriale,
senza pero essere ancora in grado di finanziare la produzione cinematografica. eccettuati i film a scopo educativo o
popagandistico, le altre produzioni dovevano riuscire a ottenere dei profitti. L'era del cinema sovietico dopo la
rivoluzione puo essere divisa in tre periodi : il primo durante il comunismo di guerra (1918 - 1920 ), segnato da enormi
difficoltà economiche, un secondo, in cui il cinema manifesto timidi sgnidi ripresa, caratterizzato dalla Nuova Politica
Economica (1921-1924), infine un ultimo periodo (1925 - 1933) in cui produzione, distribuzione ed esercizio ripresero
vita. In questi anni nacque il movimento legato alle teorie sul montaggio.

6.1 Il cinema e le difficoltà del Communismo di Guerra 1918 – 1920.

Prima della guerra, la produzione era largamente dominata dalla Pathé e dalla Gaumont. La prima societa nazionale in
grado di competere con l'invasione francese fu creata nel 1907 dal Drankov. Il blocco delle frontiere all'entrata in
guerra della Russia, nel 1914, provoco la chiusura degli uffici di molte società di distribuzione straniere, contribuendo
alla crescita dell'industria nazionale.
Il ritmo da frequenti di molti film di questo periodo era lento, in frammezzato da frequentii pause, con una recitazione
che permetteva agli attori di dilatare ogni singola azione. Questo, oltre a dare risaltato alla psicologia del personaggio.
La recitazione nei film russi era meno enfatica e piu attenta alle sfumature del personaggio. I due registi piu importanti
= Bauer e protanov.
Dal 1916 l'industria russa crebbe fino a poter contare su trenta case di produzione. La rivoluzione del febbraio del
1917 ebbe inizialmente un impato relativamente modesto sull'undustria cinematografica. Tuttavia, nel giro di pochi
anni, la piu importanti societa di produzione russe interrupero la loro attività perché dopo la rivoluzione d'ottobre la
responsabilità per il settore cinematografico passo a un nuovo organo di controllo, il commissariato popolare per
l'istruzione (narkompros)
Il Narkompros tento dapprima di acquisire il controllo completo sulla produzione, sulla distribuzione e sull'esercizio,
mentre nascevano le prime unita di produzione per realizzare film di propaganda. Nel 1918 Dziga Vertov curo il primo
cinegiornale del Narkompros.
Nel 1919 lenin nazionalizzo l'industria cinematografica. La conseguenza principale fu la riscoperta di molti vecchi film,
non solo russi, che erano stati messi in mmagazzino e che rappresentarono gran parte di cio che i cittadini sovietici
poterano vedere fino al 1922.
All'inizio del 1922 Lenin rilascio due comunicati ufficiali : il primo stabiliva che la programmazione cinematografica
divea bilanciarsi tra intrattenimento e istruzione, il secondo sosteneva che "di tutte le arti, per noi il cinema è la piu
importante", probabilmente riferendosi alla sua forza di penetrazione tra le masse analfabete. Cio determino una
maggiore attenzione del governo bolscevico per il cinema come strumento di propaganda

EFFETTO KULESOV :
Nello stesso anno il narkompros diede vita alla Scuola statale di cinematografica, dove venne chiamato a insegnare
anche il giovane regista Lev kuleshov, intorno al quale si raduno un laboratorio creativo, luogo di formazion di registi e
attori di talento. E nel 1921 Kulsov ottenne dal governo una certa quantita di pellicola e realizzo alcuni esperimenti. In
seguito, sia rimontando vecchi materiali, sia girandone di nuovi, esploro quella tecnica di montaggio che sarebbe poi
stata nota come "effetto Kulesov". Questa tecnica porta lo spettatore a comprendere le relazioni spaziali e temporali tra
elementi eterogenei. ...
L'assunto teorico piu importante di questi esperimenti = nel cinema l'interpretazione e la risposta dello spettatore
dipendevano piu dal montaggio finale che dalla singola inquadrattura.

6.2 La ripresa durante la Nuova Politica economica 1921 – 1924

La crescita dell'industria cinematografica : Tentativo di centralizzare la distribuzione cinematografica con la creazione
di una nuova società da il governo : la Sovkino. L'attivita di questa società doveva soddisfare precise condizioni
governative che stabilivano le linee di condotta da seguire, una di questa richiedeva la distribuzione in tutto il territorio
dell'Unione Sovietica.

6.3 La scuola del montaggio e l'aumento del controllo dello stato 1925 – 1933
LA THEORIE DU MONTAGE DE EISENSTEIN : Eisenstein considerato il montaggio come il centro nervoso del
[Link] principio regola il rapporto tra le singole inquadrature disposte in successione riceproca non piu secondo
una logica narrativa alla Griffith, come se fossero tanti mattoncini di un edificio che si va innalzando in modo ordinato
quale effetto della loro somma, bensi secondo una prospettiva dialectica, fondata sul prodotto che scaturisce dal loro
accistamento nel dar vita a una grandezza di altra natura e dimensione. Ma esso è poi anche alle base di una serie di
conflitti interni alle singole inquadrature.
Il primo trova si suo esempio piu noto nel finale di Sciopero con l'alternanza di inquadrature riferite a due eventi (la
repressione nel sangue di una rivolta operaia e la macellazione dei bovini), privi di legami spazio-temporali ma
accomunati della necessita di stabilire una comunicazione aggressiva nei confronti dello spettatore "con un preciso
orientamento verso un determinato effetto tematico fianle".
Il secondo viene applicato ripetutamente in Ottobre, grazie all'accostamento di inquadrature che fanno sempre piu
appello alla sfera intellettuale del destinatario e alla sua capacita di astrazione sul piano metaforico.
Eisenstein, Kulesov, Vertov, Pudovkin e il gruppo del FEKS furono i principali esponenti della scuola sovietica del
montaggio. Altri registi, in particolar modo queli provenienti dalle altre reppublich, raccolsero le loro concezioni
stilistiche, sviluppandole e arrichendo il movimento.
La metà degli anni Venti fu caratterizzata da una fioritura di scritti teorici, sia di critici sia di registi, i quali tentavano di
comprendere le leggi che regolano il cinema. Tutti gli autori esprimevano una volonta di rinnovamento rispetto alle
forme cinematografiche tradizionali, affidandola al ruolo basilare e rivoluzionario del montaggio.
Le differenze non mancavano.
Kulesov, per esempio, fu probabilmente il piu conservatore tra i teorici del gruppo, legato a un'idea del montaggio
funzionale alla chiarezza narrativa e all'impatto emozionale.
Per Pudovkin, il montaggio venne identificato con una costruzione narrativa dinamica e spesso discontinuita.
Vertov fu tra i piu radicali, convinto costruttivista, sosteneval'utilità sociale del documentario, contrapponendola alla
"ciné-nicotina" dei film di finzione, il cui effetto, diceva, era offuscare la coscienza soziale e politica degli spettatori.
Per lui, la base di un cinema di fatti era la vita colta alla sprovvista, in cui il montaggio interveniva come principio di
organizzazione dell'intero processo : la scelta del soggetto, la ripresa e l'assemblaggio finale del film erano tutti legati
alla capacita di selezione e di combinazione dei cine-fatti. Il montaggio delle inquadrature doveva essere calcolato in
modo da generare differenze o intervalli - luce e buio, movimenti rallentati seguiti da movimenti acelerati, e cosi via -
come materiali a cui lo spettatore avrebbe dovuto attribuire senso.
Ma la concezione del montaggio più articolata e complessa si trova sicuramente negli scritti di Eisenstein. In un ardito
saggio del 1929, egli suggeriva come il montaggio potesse essere descritto come una collisione di elementi, le varie
inquadrature non dovevano essere collegate per creare una maggiore chiarezza drammatica, ma poste in conflitto l'una
con l'[Link] conflitto si ispirava alla filosofia del materialismo dialettico in cui lo scontro di elementi antiteci
produce una nuova sintesi che li oltrepassa. Il montaggio, sottoponendo lo spettatore al conflitto tra i vari elementi per
avere una riflessione.
Al montaggio cosi intesso poteva corrispondere un cinema intellettuale, non impegnato a raccontare una storia, ma a
comunicare idee astratte, come un saggio o un trattato. Eisenstein sogno un adattamento del Capitale di Marx in cui le
idee non sarebbero state espresse attraverso il linguaggio verbale ma attraverso il montaggio delle immagini, comunque,
alcuni suoi film riuscirono a compiere i primi passi verso un cinema di questo genre.

Per sostenersi, tuttavia, l'unione Sovietica dovette importare e distribuire film stranieri. E il primo grande trionfo
all'estero fu La corazzata Potemkin di Eisenstein. Forte del successoo critico ed economico ottenuto, una nuova
generazione (Vertov, Eisenstien, Pudovkin, Kulesov... =/= Kozincev, Trauberg..)
-> L'influenza del costruttivismo : Gli anni che seguirono la Rivoluzione furono caratterizzati da un clima di
entusiastica sperimentazione da parte di artisti che cercavano un nuovo approccio creativo in sintonia con le mutate
condizioni sociali ma con diversi legami con i registi della scuola di montaggio.
- Influenze del cubismo francese e del futurismo italiano.
- Il suprematismo = approccio piu spirituale e astratto
La ricerca di un'arte socialmente utile diede origine al costruttivismo intorno al 1920. per il costruttivista l'arte doveva
inevitabilemente adempiere a una funzione sociale, essa non era oggetto di una pura contemplazione. L'artista non era
un visionario ispirit, ma un abile artiginao che utilizzava materiali appropriati per creare un oggetto artistico : come un
tecnico, doveva adottare un approcio strumentale e razionale, persino [Link] sulla logica
dell'assemblaggio delle parti -> montage
Possibilita di realizzare un prodotto artistico pensato per provocare specifiche reazioni e quindi perfettamente in rado di
adempiere a scopi educativi e propagandistici a favore della nuova societa comunista + L'arte pero doveva essere
comprensibile a tutti, specialmente ai contadini e agli operai.

FORMA E STILE DEL MONTAGGIO SOVIETICO :

Generi : I film d'avanguardia erano dedicati alla storia del movimento rivoluzionario e privilegiavano scontri,
insurrezioni, scioperi sia per inculcare negli spettatori la dottrina bolscevica, sia per l'interesse a filmare la fisicità dei
personnaggi. 2 film per celebrare per esempio il decimo anniversario della rivoluzione bolscevica : Ottobre di
Eisenstein e La fine di San Pietroburgo di Pudovki.

Narrazione : La struttura narrativa di questi film era profondamente differente da quella presente nelle opere degli altri
movimenti d'avanguardia. Nei film sovietici il ruolo dell'individuo come motore dell'intreccio era spesso
ridimensionato poiché, in linea con la teorie marxiste, le sue azioni erano diretta conseguenza delle forze sociali. Piu
che una psicologia individuale, i personaggi esprimevano l'appartenenza a una determinata classe sociale.
la madre di Pudovkin in cui personaggi simboleggiano differenti approci alla causa rivoluzionaria. O in Ottobre o
Sciopero non compaiono i personaggi principali, ma sono le masse a fungere da protagoniste.
Montaggio : Un altro aspetto che caratterizzava la narrazione di questi ilm era uno stile volto a creare il massimo di
tensione dinamica. I registi sovietici giustapponevano le inquadrature in modonetto ed energico, infatti attraverso il
montaggio si poteva ottenere e intensificare il dinamismo visivo.
I numerosi tagli del montaggio sovietico creavano relazioni temporali ellittiche o sovrapposte. Per esempio
un'inquadratura poteva ripetere in parte o per intero l'azione dell'inquadratura precedente( overlapping editing) : quando
questo procedimento si ripeteva diverse volte, il tempo in cui si svolgeva l'azione sullo schermo si dilatava
notevolmente. Nei film di Eisenstein si trovano gli esempi piu famosi di questo procedimento.
L'effetto opposto si ottiene eliminando parti di un evento, cosi da farlo durare un tempo minore di quanto accadrebbe in
relatà ( montaggio ellittico).Un esempio tipico di questo espediente è il m ontaggio discontinuo o a salti (jump cutting),
dove uno stesso spazio viene mostrato dallo stesso punto di vista, in due inquadrature che differiscono fra loro per
qualche elemento della messa in scena. Le contraddittorie relazioni temporali che queste soluzioni creavano
costringevano lo spettatore a ricostruire il senso dell'azione mostrata.
In genere il montaggio sovietico aveva ritmi molto rapidi e accelerati per suggerire ritmi sonori, o per intensificare gli
effetti di azioni esplosive e violente.
Un altra soluzione spesso utilizzata dai registi sovietici per creare relazioni spaziali inconsuete era il cosiddetto
"montaggio delle attrazioni". L'effetto cumulativo degli stacchi accresceva l'intensità drammatica

Effetti speciali : I registi sovietici esplorano anche le possibilità degli effetti speciali. Nell'invenrivo documentario di
Vertov L'uomo con la macchina da presa, sovrimpressioni e split screen mostravano le potenzialità del linguaggio
cinematografico. Questi trucchi eranoo usati per esprimere significati simbolici.

Movimenti di macchina: Sebbene attribuissero principalmente al montaggio la possibilità di esprimere le qualità

artistiche del cinema, i registi sovietici si resero conto che era necessario studiare la composizione delle singole
inquadrature. Per questo sperimentarono anche il lavoro con la macchina da presa, cercando angoli di ripresa piu
dinamici, come le inquadrature dal basso che, stagliando i personaggi o gli edifici contro un cielo bianco, li rendevano
di volta in volta minacciosi

Messa in scena : dato che molti film sovietici di questo periodo affrontavano situazioni storiche o sociali, alcuni
elementi della messa in scena tendevano a essere realisticiccanto a questa esigenza di realismo, altri autori adottarono
una recitazione stillizzata, mutata dal teatro costrittivista e dal circo : la recitazione biomeccasnica ed eccentrica. Questi
film piu che sull'analisi psicologica del personaggio puntavano sull'impatto fisico. L'eccentricita della recitazione
doveva sottolineare gli aspetti grotteschi, gli attori dovevano comportarsi come clown o comici della slapstick comedy.

6.4 Il piano quinquennale e la fine del cinema d'avanguardia

I primi filmlegati alla sperimentazione sul montaggio furono esportati con successo ed elogiati in patria per i loro
contenuti politici. Paradossalmente cio porto, a partire dal 1927, un controllo sempre maggiore da parte del governo sui
contenuti e sullo stile di tali film. Marzo 1928 = prima conferenza del partito comunista per le questioni
cinematografiche . Il primo piano quinquennale spinse l'acceleratore sull'espansione del sistema industriale, e anche il
settore cinematografico venne centralizzato. Tutti i registi che avevano lavorato sul montaggio furono costretti ad
attenuare il loro sperimentalismo.

VII. Hollywood : l'ultima stagione del muto 1920 – 1928

Negli Stati Uniti gli anni Venti furono caratterizzati da un'economia in forte espansione, i prodotti che giungevano
dall'America, inclusi i film, continuavano a invadere i mercati stranieri. Tra il 1922 e il 1930 i capitali investiti
nell'industria cinematografica balzarono da 78 a 850 milioni di dollari. Le frequenza media settimanale nelle sale degli
Stati Uniti raddoppio tra il 1922 (40 millioni) e il 1928 (80 milioni).
Il fattore piu indicativo di questa crescita fu la tendenza dell'industria ad adottare una concentrazione di tipo verticale.
La società piu grandi so organizzarono in modo tale da combinare la produzione e la distribuzione con la proprietà di
catene di sale cinematografiche e la loro visione della produzione che hanno applicato al cinema = per produrre un
gran numero di film alla catena. Dal punto di vista sociale "i ruggenti anni Venti" conobbero gli eccessi dell'età del
proibizionismo anche sul cinema successivo all'approvazione della legge Volstead nel 1919.

7.1 Le catene di sale cinematografiche e l'espansione dell'industria

L'integrazione verticale : Negli anni Dieci, le catene di sale cinematografiche si organizzarono essenzialmente a livello
locale.
1925 = la famous Player Lasky unendosi con la Balaban & Karz realizzo la prima concentrazione di produzione -
distribuzione - esercizio a diffusione nazionale. All'inizio degli anni Trenta essa era proprietaria di 1210 sale del Nord
America, nonché di alcune sale all'estero.
Per poter controllare anche le sale di cui non erano proprietarie, le società hollywoodiane ricorsero a un sistema di
"block cooking", che obbligava gli esercenti interessati alla proiezione dei film di maggiore richiamo, a noleggiarne
anche altri con minori possibilità di sucesso.

Cambio di palazzi del cinema : Nuovo obittivo = rendere le sale cinematografiche piu sfarzose e in grado di colpire la
fantasia dello spettatore per attirare i spettatori. Le sale piu importanti offrivano poi, in aggiunta al film principale, un
ricco programma di cinegiornali, brevi comiche, intermezzi orchestrali, numeri musicali... film muti con un
accompagnamento musicale con un grande orchestra.... la decorazione etc... ambiente lussuo.

Le tre grandi e le cinque piccole :

Le compagnie che controllavano la maggior parte dellee catene di sale cinematografiche = le TRE GRANDI.
- La paramount - Publix (1912
- La MGM (1924) la seconda societa cinematografica di Hollywood dopo la Paramount.
- La First National ( 1917 - 1936)

E le CINQUE PICCOLE.
- La Universal (1912 il piu vecchio) : prosegui nella produzione di film a costo relativamente contenuto, destinati alle
sale piu piccole. Diversi registi : Ford, Von Stroheim e la star Lon Chaney. Il decennio vide anche crescere la presenza
di autori europei, spesso chiamati in America dall tedesco Laemmle, che contribuirono a conferire amme produzioni
Universal i tratti di uno stile inconfondibile.
- La Fox (1915) : continuo a produrre film popolari e a basso costo, ben rappresentati dal filone western con William
Farnum e Tom Mix, ma anche a far leva su registi di prestigio come John Ford, Raoul Walsh o Murnau... -> è divenuta
la piu importante degli Cinque Piccole.
- La Producers Distributing Corporation (1924 - 1927) : modeste, sucesso principalmente con una serie di film diretti da
cecil B. De Mille.
- La Film booking office (1920 -> antenato dell'RKO (1929 ben piu importante)) : modeste anche : specializzata in
pellicole d'azione
- La Warner Bros (1923) : dimensioni minori, sucesso con una serie di film dedicati alle avventure di un cane Rin-Tin-
Tin o con il regista tedesco Lubitsch. Espanzione a partire del 1924.

Separata dalle altre la United Zrtist creata nel 1919 da Mary Pickford, Charlie Chapli, Douglas Fairbanks e Griffith.
Non possedendo né sale né theatri di posa, la UA si limitava a distribuire i film prodotti indipendentemnte dai suoi
quattro proprietari e da altri importanti registi. Il primo film uscito = A woman of Paris da Chaplin nel 1923 = successo
-> Nel 1924 = celebrita Buster Keaton, Glori swanson...

7.2 La nascita della Motion picture Producers and distributors association

L'espansione dell'industria cinematografica si accompagnò a una crescente richiesta di un maggiore controllo censorio
da parte di vari gruppi sociali e comitati locali. Molti film realizzati nel dopoguerra avevano come soggetto i "ruggenti
anni Venti" : musica jazz, liquori illegali e feste sfrenate; le commedie di Cecil [Link] Mille o alcune opere di Erich Von
Stroheim presentavano l'alduterio come un passatempo frivolo e affascinante.
In questo stesso periodo, l'attenzione dell'opinione pubblica fu catturata dalle rivelazioni sulla vita privata di registi e
attori hollywoodiani : scandali a sfondo sessuale e flagranti violazioni della legge sul proibizionismo.
In parte per la necessità di restituire a Hollywood un'immagine accettabile agli occhi dell'opinione pubblica, in parte per
evitare i pesanti controlli di una censura federale, i principali studios si accordarono per dare vita alla Motion picture
Producers and Distributors of America. A capo dell'organizzazione fu nominato, all'inizio del 1922, Will Hays, gia
presidente del partito [Link] sua strategia consisteva nel tentativo di costringere i produttori a eliminare dai loro
film tutti i possibili elementi offesnsivi, arrivando a far includere clausole di tipo morale nei contratti degli studios. Nel
1924 la MPPDA decreto una serie di linee guida per stabilire quali fossero i soggetti ammessi.
- I famosi DON'TS = il traffico illegale di droga, la nudita licenziosa o seducente, l'esposizione al ridicolo del clero...
- e i BE CAREFUL = l'uso della bandiera, scene di brutalita e di violenza raccapriccianti, metodi di contrabbando,
seduzione esplicita di ragazze...
=> Nel 1934 si arrivo a un rigoroso Codice di produzione = CODE HAYS (1934 – 1966)

1926 = dipartemento per l'industria cinematografica nell'ambito del Ministero del commercio = vero peso del cinema
nell'economia dell'industria americana.

7.3 Il modo di produzione degli studios

Cambiamenti tecnologici e di stile : L'espansione e il consolidamento dell'industria hollywoodiana procedettero
parallelamente al perfezionamento dello stile classico affermatosi negli anni Dieci.
- montaggio : uso del montaggio analitico sempre piu sofisticato con Raccordi sulla linea dello sguardo del personaggio.
- In merito all'illuminazione, tutti i teatri di posa delle grandi compagnie permettevano di girare intere sequenze solo
con luce artificiale. Le figure principali erano sottolineate da netti controluce. Tre punto di illuminazione Key Light/Fill
Light /Backlighting = la base del sistema di illuminazione del cinema Hollywoodiano e delle sue immagini fascinose e
omogene.
- Negli anni Vento cambio l'approcio alla fotografia. ALcuni autori iniziarono a sistemare davanti all'obiettivo tessuti
trasparenti o filtri.=, per creare immagini flou o indistinte. Questa tecnica fu fondalmentale per lo sviluppo dello stile
narrativo classico : essa cercava di condurre l'attenzione dello spettatore verso il primo piano, esclidendo dalla visione
gli elementi secondari. ( Griffith )
ESEMPIO ? The four Horsemen of the Apocalypse 1921 Rex Ingram P101

+ fenomeno della crescita dei budget di produzione, dovuta al consolidamento delle esportazioni di film di Hollywood.
---> Alla metà degli anni Venti gli investimenti di Wall Street nell'industria cinematografica fecero aumentare
leproduzioni con budget elevati.
EPOCA DEI GRANDI PRODUZIONI = I film epici proseguirono sulla strada indicata da I dieci Comandamenti, con
set colossali e costumi sfarzosi.
Esempio = Da la MGM = opere prestigiose = intraprendendo l'adattamento del Lew walle ben Hur. Ma la produzione
si scontro con molti ostacoli - molto lungo processo.
The Big Parade da King Vidor - 1925

Generi :
-I film di cappa e spada : The Thief of Bagdad di Raoul Walsh - 1924, Fiarbanks = piu popolari.
-Un altro genere = il western con John Ford che aveva esordito con western a basso costo ma che è di venuto il maestro
del genere.
-Dopo la proiezione de Il gabinetto del dottor Caligari negli Stati Uniti evvenuta nel 1921, il cinema dell'orore divenne
sempre piu popolare. Con Lon Chaney (l'uomo dalle mille facce) : egli interpreto Quasimodo nel The Hunchback of
Notre Dame di Worsley nel 1923 o The Phantom of the Opera di Rupert Julian nel 1925
- La crescita del crimine organizzato dovuta al proibizionismo determino la comparsa del genere gangster : con un film
importanti per questo genere : Underworld di Josef von Sternberg nel 1927.
- E poiché vi era un pubblico afro-americano che frequentava sale separate dai bianchi e non si riconosceva nella
prospettiva culturale di questi film, esistavano piccole compagnie specializzate che utilizzavano solo attori di colore
anche si i registi e la troupe erano bianchi, come la Colored Players che produsse due pellicole particolarmente
significative : Scar of Shame di Frank Peregini nel 1927 e Ten nights in a barroom di Gilpin nel 1926. E in qualche caso
gli afro-americani poterono accedere alla regia come Oscar Micheaux con temi come KKK o il matrimonio interazziali
ma con budget molto limitati.

7.4 La comicità degli anni Venti

Durante gli anni dieci, molti film comici - appartenenti al cosiddetto genere slapstick - erano bassati su gag fisiche.
Negli anni venti diventarono piu comuni i lungometraggi comici (prima corto). Chaplin, Keaton et Harold Llyod si
sforzarono di congegnare storie piu solide e convincenti nelle quali inserige.
-> patrimonio di Mack Senett.
Tramp, Tramp, Tramp di Harry Edwards
Long Pants / The strong Man di Frank Capra
+ Chaplin continuo a ottenere successi nei primi anni Venti = Grande influenze, ancora the Gold Rush 1925 e The
circus 1928.
+ Keaton con la sua casa = grande successo come The Navigator. Ma dopo l'avvento del sonoro non gli fu piu concessa
quella liberta d'improvvisazione che aveva caratterizzato i suoi precedenti film; da allora Keaton comparve in diversi
film minori -> dopo film minori per Keaton
Ma sempre comici e cortometraggi comici con 2 personaggi famosi : Laurel e Hardy e diversamenti degli altri comici
nat durante il muto Luarel e Hardy riuscirono ad adatarsi ai ritmi del cinema muto.
=> Transizione complicata per il bavaglio che non deve essere solo fisico / visivo ma anche sonoro e parlato. Il nuovo
umorismo deve nasce
 7.5 L'arrivo dei registi stranieri a Hollywood
Prima del 1920 gli autori provenienti da altri äesi avevano lavorato solo occasionalmente per l'industria americana , tra
questi inglese Chaplin alla Keystone e il francese Maurice Tourneur. Negli anni venti, invece, le case di produzione
americane iniziarono la caccia per scovare talenti stranieri e l'impatto dei registi immigrati sulla cinematografia
hollywoodiana divenne rilevante : chiamando le personalità di maggior valore di tutta Europea, Hollywood si metteva al
riparo dalla concorrenza sul mercato mondiale.
Esempio :
- Lubitsch arrivo a Hollywood nel 1923 in seguito al successo del film Madame Dubarry
- Victor Sjöström accetto di lavorare per la MGM nel 1923 (seastrom)
- Murnau = grande influenze alla FOX. Il piu prestigioso tra i registi europei : Dopo Faust in Germania -> giro Sunrise
nel 1927 a Hollywood con un enorme budget. Film molto importante nel la storia del cinema, influenze - tutti John Ford
presentavano molti punti in comune con il cinema tedesco.
L'influenza del cinema europeo era visibile in molti altri film di quegli anni in Hollywood. Come Flesh and the devil di
Clarence Brown con Greta Garbo - era ricco di igegnosi movimenti di macchina, riprese in soggettiva e altre tecniche
introdotte dal cinema d'avanguardia europeo.

VIII. L'introduzione del sonoro e lo studio system hollywoodiano

1926 – 1945
E convenzione far risalire l'introduzione del suono sincronizzato al 1927, quando la Warner Bros distribui con enormo
sucesso The Jazz Singer, ma il processo di invebzione e diffusione della tecnologia sonora fu lungo, elaborato ed ebbe
ripercussioni sul linguaggio filmico, sullo stile di ripresa e sugli stessi generi cinematografici. Dopo il 1930 l'industria
americana risenti della crisi di Wall Street e del successivo periodo della Grande Depressione : le case
cinematografiche subirono dei cambiamenti. Studio system -> basata su una produzione intensiva strutturata secondo
la divisione in generi, il grado spettacolarita dei film e la valorizzazione del prodotto apportata dale star =
funzionamento predefinita. Ciononostante, negli anni tra ke due guerre, alcuni registi furono in grado di realizzare
opere originali in modo da imprimere nei loro film le tracce di uno stile personale.

8.1 Il sonoro nel cinema americano

L'introduzione del sonoro fu un processo complesso vide fronteggiarsi diverse proposte e soluzioni tecniche.
-Phonofilm 1923 Lee de Forest / La Western Eletric aveva brevettato un sistemi di registrazione amplificatori e
altoparlenti
La Warner Bros collaudo il metodo Vitaphone il 6 agosto 1926 con otto cortometraggi, tra cui un discorso di Will Hays.
E il 6 ottobre 1927 ebbe luogo la prima proiezione de The Jazz Singer di Alan Crosland. La sequenze del film
presentavano un accompagnamento musicale, tranne quattrp in cui la star del Vaudeville Al Jolson cantava e
pronunciava anche qualque parola (You ain't heard nothin'yet). L'incredibile sucesso del film rivelo per il suono enormi
potenzialita e anche per il cinema => nuove prospettive di stili, narrazioni, tecniche ...
Dopo qualche altra pellicola parzialmente sonorizzata, il 1928 vide l'uscita trionfale del primo "sonoro al cento per
cento" The lights if NY di Bryan Foy.
Riguardo al suono, le cinque maggiori società di produzione di Hollywood si erano mosse con cautela per eviatre
tecniche incompatibili che le avrebbero danneggiate.
Nel febbraoi 1927 firmarono l'Accordo delle Cinque Grandi, un impegno a scegliere insieme il sistema sonoro piu
vantaggioso : alla fine opatrono per quello della Western Electric.
Le compagnie continuarono a dstribuire per alcuni anni i film in doppia [Link] la metà del 1932 la conversione
al sonoro era di fatto compiuta in tutti gli Stati Uniti.
Molti dei primi film sonori erano statici ed eccessivamente ricchi di dialogo, ma alcuni cineasti riposero in modo
creativo ai limiti imposti della tecnica. Il musical, un genere reso possibile solo dalla nuova invenzione, offriva buona
opportunità per un uso ingegnoso del suono. Per sempio The Broadway Melody di harry Beaumont nel 1929 o The
Love Parade 1929 di Lubitsch/

8.2 Tecnologia sonora e stile classico

All'inizio del sonoro l'industria cinematografica si trovo di fronte a numerosi problemi tecnici e stilistici. I microfono
erano sensibili e difficili, i primi microfoni non erano direzionali e captavano qualsiasi rumore del set... e la presenza di
cabine ingombranti rendeva difficile realizzare le inquadrature con la necessaria precisione. Altri inconvenienti delle
prime tecnologie sonore limitavano le scelte dei cineasti.
Molti dei primi dialoghi procedono a ritmi lenti, con interpretazioni che suonano rigide e innaturali al nostro orrechio.
-> si comincio a usare la giraffa, ma l'innovazione la piu importante = lapossibilità di registrare, a partire dal 1931,
diverse piste sonore per un'unica scena, per poi mixarle nella colonna sonora finale e è divenne possibile di aggiungere
a un scena effetti sonori o musiche.

MA il superamento delle barriere linguistiche : Il cinema sonoro diede vita a un serio problema a tutti i Paesi
produttori : la barriera della lingua rischiava infatti di costituire un ostacolo alle esportazioni. Per i film muti era
sufficiente tradurre le didascalie, ma per il parlato ma faccenda era piu difficile.
A volte i film venivano proiettati all'estero senza alcuna traduzione : la versione tedesca di Der Blaue Enegl di Von
Sternberg - 1930 ebbe successo anche a Parigi e il film The Jazz singer potevano essere apprezzati abche senza
conoscere l'inglese. E difficile di doppiare una colonna sonora in una lingua straniera, le vocci non corrispondevano ai
movimenti....Nel 1929 , molti produttori erano giunti alla condlusione che l'unico modo per continuare a raggiungere i
mercati stranieri fosse quello di girare ogni film in piu versioni, in ognuna delle quali di attori parlavno una lingua
diversa. Ma dopo circa due ani, oeri, divenne evidente che questa non era la soluzione al problema della lingua. nel
1931 = tecnica di mixare piste audio separate si era ormai raffinata e i sottotitoli cominciavano a essere accetati.

8.3 La nuova struttura dell'industria cinematografica

L'industria del cinema di Hollywood si era sviluppata in un oligopolio di società unite nello scopo di chiudere il
mercato alla concorenzza, anche se questa struttura rimase relativamente stabile negli anni Trenta, l'avvento del sonoro
e l'inizio della Depressione provocarono alcuni cambiamenti.
CINQUE GRANDE : Paramount ( dopo la grande depressione cadde in una periodo di amministrazione controllata e
produzione senza grande profitti/ stile europeo con Maurice Chevalier o Marlene Dietrich poi star piu americane con
Bing Crosby o con la presenza d cecl B De Mille), Loew's = MGM (utili piu alti d'america, i budget medio era di circa
500 000, creazione di un look MGM = grandi set molto luminosi "piu stelle di quante ce ne sono in cielo" + registi
importanti come Cukor e Minelli o attori come Gable, Garland, Gene kelly, Katherine Hepburn, Spencer Tracy...) , la
20th century FOX (1935,Shirley Temple, John Ford... i maggiori profitti vennero dai musical), la Warner Bros (politica
di profitti modesti ma sicuri, generato da un numero relativamente alto di progetti a basso budget, Humphrey Bogart,
Bette davis...Specializzazione nel gangster, musical, biopic.. e quando inizio la guerra la Warner fu la prima a lanciarsi
con successo sul film bellico.) e la RKO (vita piu breve, politica non stabile, sucesso con King Kong o Astaire/Rogers
tra 1934 e 1938 o con film animati, poi dopo con Citizen Kane).
TRE PICCOLE : Universal ( problemi economici tra 1930 - 19945, strategia di lanciare nuove star con horror film
come Dracula di Tod Browning nel 1931 o Frankeinstein di James Whale nel 1931 o l'uomo invisibile di Whale 1933,
e le serie B), United Artist (declino all'epoca del sonoro, sucesso con Rebecca di Hitchcock), Columba (budget limitati
ma produzione di film popolari con star come Capra il piu importante della societa o Howrads Hawks o Claudette
Colbert et Clarck gable = OSCAR).

- Il codice hays = autocensura a Hollywood : I primi nni trenta furono un periodo conservatore : una serie di studi del
Payne Fund esamino, tra il 1932 e il 1933 gli effetti del cinema sugli spettatori - in particolare i bambini - e molte voci
si levarono a chiedere regole severe per il [Link] di Howards Hawks - 1932 fu visto come glorificazione di
criminali. cf plus haut

L'introduzoine del sonoro e la Depressione modificarono in modo significativo il modo in cui le sale presentavano i
[Link] 1930 la maggior parte delle salle mostrava solo film senza [Link] la seconda guerra mondiale
l'incremento del pubblico fece cadere in disusi alcuni di questi incentivi (dish night) : molte grandi sale si erano
deteriorate durante la Depressione, ma erano ancora pronte ad accogliere le nuove folle di spettatori.

8.4 Innovazioni a Hollywood

Dopo l'introduzione de sonoro le innovazionni proseguirono speditamente e la tecnica cinematografica divenne piu
versatile e sofisticata.
Introduzione delle grue dei dolly e del rotambulator permettendo all'operatore di fare panoramiche. Famosi dolly
all'indietro di Gone with the wind sull'enorme banchina ferroviaria piena di confederati feriti fu realizzato con un grue
costruzioni.
Senza dubbio, l'innovazione la piu spettacolare dell'epoca fu il colore. Il sistema a doppia pellicola della Technicolor
talvolta era stato usato durante gli anni venti ma non bene, non tutti i colori. Oggi noi vediamo il colore nei film come
un elemento di maggiore realismo, ma negli anni Trenta e Quaranta lo si associava spesso a fantasia e spettacolo, e lo si
utilizzava sopratutto per avventure esotiche, film di cappa e spada o musical come Meet Me in ST Louis di Minelli -
1944
EFFETTI SPECIALI : CF COURS
Esempio : King Kong
=> Nel complesso suono, colore, profondita di fuoco e altre tecniche apportarono alcune innovazioni nello stile
hollywoodiano senza cambiarlo in modo sostanziale : l'azione narrativa e la psicologia dei personaggirimasero centrali,
mentre l'uso del montaggio assicuro un orientamento tradizionale nello spazio del film

8.5 I principali registi

Chaplin (City Lights 1931, Tempi moderni 1936, The great dictator 1940), Lubitsch (To be or not to be 1942 comedie
sul nazismo), John Ford (Stagecoat 1939 che divenne un classico del genere), Orson Welles ( Quarto poetre) Howards
Hawks (La signora del venerdi), William Wyler, Raoul Walsh, King Vidor... + nuovi registi con l'introduzione del
sonoro come Cukor, Minelli (Judy Garland birth → Meet Me in St Louis) + registi immigrati per fuggire dalla guerra,
dal fascismo e dai problemi economici come Hitchcock (primo film americao Rebbeca vinse l'Oscar), Fritz Lang (You
only live once 1937), Billy Wilder, Otto Preminger

8.6 Innovazioni e trasformazioni dei generi

Molti generi dell'era del muto continuarono a vivere nel periodo sonoro. Tuttavia, i mutamenti delle tecnologie del
settore e piu generalmente le trasformazioni sociali provocarono il sorgere di nuovi generi e l'introduzione nei vecchi di
alcune varianti.

Il musical : def
L'introduzione del sonoro promosse il musical a un ruolo di primo piano. Alcuni dei primi musical rivista si limitavano
a cucire insieme diversi numeri musicali Broadwa Melody - 1929 - Harry Beaumont.
Importanza anche i musical con Fred Astaire e Ginger Rogers come Swing Time - 1936 - George Stevens. = iportanza
dei star del genere come anche Judy Garland Il mago di Oz di 1939 o la star Gene Kelly in Cover Girl di Charles Vidor
- 1944.

Il western :
"Genre americano per eccellenza" - André Bazin. Il western = il racconto della conquista dell'Ovest in forma di epopea.
Vicende e personaggi che appartengono alla storia del secondo Ottocento, codificatsti nell'immaginario americano
grazie a stampe, canzoni, raconti popolari...le avventure del generale Custer o quelle di Buffalo Bill, trovano sullo
schermo una consecrazione leggendaria.
La mappa degli degli elementi in gioco si raccoglie prevalentamente intorno a sei grandi cicli narrativi, individuati da
jean Louis Leutrat e Suzanne Liandrat-Guigues : l'epopea del popolamente o delle lotte contro gli indiani, i cicli della
guerra di secessione e del conflitto messicano-texano con la battaglia di alamo, i racconti del trasferimento del bestiam,
che si volgono in una fase sucessiva all'occupazione della terra, nella quale la lotta avviene non piu tra bianchi e indiani
ma all'interno dello stesso gruppo di persone, e infine ill ciclo del banditismo e dell'affermazione della lege, in cui il
conflitto serve a ristabilire l'ordine violato o a imporre un nuovo assetto basato sulle enorme delle convivenza ciivile.
The searchers - John Ford – 1956, The plainsmain - Cecil BDeMille – 1936, Il cavallo d'acciaio - John Ford - 1924
celebrazione della costruzione della ferrovia transcontinenetale, The westerner - William Wyler – 1940

La screwball comedy : nella screwball comedy al centro della trama vi sono sempre copie di personaggi ecccentrici, di
solito si tratta di gente agiata, che puo permettersi di comportarsi in modo bizzarro nonostante le avversità della
Depressione. Non sono rari gli amori che valicano le divisioni di classe. La screwball comedy fu ignaugurata nel 1934
da ventesimo secolo di Howards hawks : il film, in cui una bellessima commessa vienne trasformata in una star, per poi
assumere nella vita di tutti i giorni gli stessi atteggiamenti teatrali, diventa una rassegna di liti e caprici tra i partner,
secondo le regole della guerra tra i sessi.
Capra resto una dei suoi esponenti piu significativi.
You can't Take away with you - Capra – 1938, Bringing up baby - Hawks – 1938, Monkey Business - Hawks – 1952

Il film horror : Nell'epoca del sonoro il film d'horror divenne un genere di primo piano. La Universal rinnovo questi
primi successi nel suo filone horror, a cominciare da Dracula o Frankesinstein o l'uomo invisibile. Ma cnhe Cat people
1942 o The mummy 1932 da Karl Freund.

Il cinema sociale : La depressione risveglio l'interesse per i problemi sociali e molti film degli anni Trenta se ne
occuparono, spesso adottando uno stile realistico. Nel 1934, per esempio, King Vidor giro Our Daily Bread. O john
Ford offri anche il suo contributo al cinema sociale con The Grapes of Wrath - 1940, un adattamento del romanzoo di
Steinbeck.
Dopo l'entrata in guerra degli Stati Uniti, l'incremento dell'occupazione e la ritrovata prosperita ridussero la produzione
di film sociali.

Il film di ganster : Il primo film rilevante imperniato su un gangster fu Le notti di Chicago di Von Sternberg - 1927. Il
genere guadagno prestigio nei primi anni Trenta con Scarface, Nemico pubblico... si trattava di film d'attualità, che
traevano ispirazione dal crimine organizzato cresciuto durante il proibizionismo (1920-1933)
Il film di gangster erano incentrati sull'ascesa al potere di criminali senza scrupoli, una progressione scandita da vestire
sempre piu costosi e automobili potenti... e da la glorificazione della violenza. Il codice hays proibiva di raffigurare in
maniera positiva i criminali, ma i produttori si difendevano sostenendo di limitarsi ad affrontare un problema sociale.
Glis tudios si sforzarono di evitare la censura senza dover rinunciare all'eccitazione che il genere poteva garantire.

Il film noir : Per convenzione si ritiene cheil noir, piu simile a uno stile e a una tendenza narrativa che a un vero e
proprio genere, nasca nel 1941 con il mestero del falco. La maggioranza dei noir racconta delitti, ma la tendenza
scavalca i generi e comprende opere di impegno sociale come The lost Week end di Billy Wilder. Il noir deriva dal
romanzo poliziesco hard boiled americano + influenza dell'espressionismo tedesco, del realismo poetico francese e delle
innovazioni [Link] come i loro modelli letterari, i noir si rivolgevano soprattutto a un pubblico maschile : gli
eroi sono quasi sempre uomini, di solito investigatori o criminali, caratterizzati da pessimismo, insecurezza o da una
visione del mondo fredda. Le donne sono seducenti.., storia d'amore destinata a finire tragicamente... L'ambientazione
classica è la grande città, specialmente in scene notturne con marciapiedi lucenti e bagnati di pioggi, vicoli oscuri e bra
equivoci. Lo stile abbonda di angolazioni dall'alto o dal basso, luci soffuse, forti grandangoli e riprese in esterni. Il noir
è l'unico genere di Hollywood che consentisse finali non lieti. Humphrey Bogart divenne un star di questo genere.
Dr Mabuse, der spieler - Fritz Lang 1922, Phantom Lady - Robert Siodmack – 1944, Double Indemnity - Wilder – 1944

Il film di guerra :
Tra il 1930 e il 1945 i film di guerra subirono cambiamenti significati. All Quiet on the Western Front di Lewis
Milestone fu uno dei film piu marcatamente pacifisti, con un protagonista tedesco descritto con simpatia e destinato a
morire in modo tragico. Per tutto il decennio la guerra fu dipinta come un'insensata tragedia. Dopo Pearl harbour,
invece, il cinema sostenne la causa bellica fino in fondo. I film di guerra erano vivaci e spesso mostravano americani di
varie origini etniche uniti nel combattere l'Asse come Air Force di Hawks - 1943 ( Realita ??). Molti film di guerra sui
nazisti si limitavano a rappresentarli come assassini a sangue freddo, la propaganda contro giapponesi spesso
raggiungeva toni piu razzisti e sfruttava immagini stereotipate. Uno dei pochi film di guerra a mostrare scarso
entusiasmo per il conflitto fu They were Expendable di john Ford - 1945.
Durante La guerra Hollywood godette di una grande prosperita, che sarebbe proseguita anche dopo il 1945, ma sul
finire del decennio nuove sfide avrebbero cambiato profondamente l'industria cinematografica.
Casablanca - Michale Curtiz - 1942

IX. Cinema e Totalitarismi : URSS, Germania e Italia 1930 – 1945

Durante gli anni Trenta alcune cinematografie - in particolare la sovietica, la tedesca e l'italiana - si trovarono sotto il
controllo di dittature di destra e di sinistra, le quali erano consapevoli delle potenzialita del cinema comme mezzo di
propaganda oltre che di intrattenimento, funzioni che spesso dovettero convivere prima e durante la guerra. Il
controllo governativo assunse tuttavia forme diverse. Le cinematografie dell'URSS furono nazionalizzate dal governo
sovietico, che impose una gestione centralizzata destinata a irrigidirsi ulteriormente negli anni Trenta. Il regime
nazista, che prese il potere in Germania nel 1933, credeva nel capitalismo e non volle confiscare la case di produzione
private, ma ne ottene ugualmente il controllo acquistandole pacificamente una dopo l'altra. Ancora diversa era la
situazione in Italia, dove lo Stato esercito il controllo tramite sostegni all'industria e commissioni di censura, senza
pero nazionalizzarne il comparto produttivo.

9.1 L'Unione Sovietica e il realismo socialista

1930 → primo piano quinquennale = una societa unica : la Sojuzkino

Il realismo socialista determinava precisi prncipi estetici ontrodotti dal Congresso defli scrittori sovietici del 1934, che
comportavano l'obbligo per gli artisti e di conseguenza anche per i cineasti, di servire nelle loro opere gli obiettivi del
partito comunista, obbendendo a una seroe si dogmi ufficiali = usare il sonoro per il partito. Stalin non tollerava
fenomeni di dissenso, che faceva punire duramente. Stalin per fu anche un appassionato di cinema = industria
cinematografica sotto controllo.
Il realismo socialista divenne la linea ufficiliale nel gennaio 1935 alla Conferenza creativa pansindicale dei lavoratori
del cinema sovietico : I dogmi principali = gli artisti erano tenuti a propagandare le politiche e l'ideologia del partito, e
la centralita del popolo, descrivere in modo positivo la vita della gente commune + attacata della scuola del montaggio
-> Eiseinstein e Kulesov fu costretti ad ammettere passati "errori".
Le opere del realismo socialista dovevano astenersi da sperimentazioni stilistiche o da soluzioni complesse che le
rendessero di difficile comprensione, escludendo pertanto, a priori le scelte tipiche della scuola del montaggio Per
servire il partito e il popolo, l'arte doveva educare e offrire un modello da seguire = un eroe positivo, dare une immagine
positiva della societa sovietica, e dare una riproduzione di personaggo tipici in tipiche circostanze + censura o revisione
di film : si non approvate
Capaev - Vasil'ev - 1934

Generi principali :
Film sulla guerra civile : My iz Kronstadta di Dzigan - 1936
Film biografici : Personaggi storici (generali ed eroi della guerracivile, zar, intellettuali della rivoluzione..) rappresentati
come vicino al popolo. Deputat Bal'tiki di Zarkij - 1937 o Aleksandr Nevskij - Eisenstein - 1938
Racconti di eroi comuni : le storie di eroismo di gente comune ma tipica. La trilogia di Gorkij sottolinea la mancanza di
educazione scolastica del protagonista e mostra come la sua grandezza sia frutto dei suoi stretti legami con il popolo.
Musical socialisti: Tutto il monde ride du Rebjata - 1934 / genere molto popolari. Ma questo film fu critico per il suo
contenuto frivolo.
Cinema durante la guerra : diversi film sui nazisti come professor mamlok. Produzione dii fik=lm che denunciare i
metodi del nazismo + necessita di film bellici che mostrare donne e bambini come vittime di comattimenti oattrocità in
modo da sottolineare la ferocia del nemico tedesco come Zoja di Leo Arnstam – 1944.

9.2 Il cinema tedesco durante il nazismo

1918 : sistema tedesco di pellicola sonora "tri ergon"
1929 : Tobis Klangfilm per fornire alternativa a Hollywood
1930 : cartello internazionale per dividere il mercato internazionale
Una star importante : Marlen Dietrich -> Hollywood + Pabst, Ophüls, Lang...

Il regime nazista e l'industria cinematografica : Il nazismo, salito al potere nel 1933, esercito una profonda influenza sul
cinema : come STalin Hitler era un cinefilo e Josef Goebbels il ministro della propaganda e dell'informazione spetava il
controllo sulla politica culturale.
1934 : Goebbels prese la guida dell'ufficio di censura e sino alla fine della guerra esamino personalmente ogni film in
distribuzione. Come in URSS sperava di creare un cinema che esprimesse in modo amtrettanto vivido gli ideali del
nazismo. Ma dopo 1933 -> fuga dei talenti come Ophüls, Wilder, Dietrich.... - lista nera
Poco dopo Goebbels ordino la produzione di film antisemiti. Tuttavia non voleva alienarsi le simpatie degli altri paesi
perché l'industria tedesca dipendeva dalle esportazioni.
Tra 1937 e 1938 il regime nazista acquisto segretamente quote di maggioranza delle tre principali caase di produzione :
La Tobis, la UFA e la Bavaria----> UFA film unificazione.

1933 : Hans Westmar di Franz Wenzler : i primi film vigorosamente propagandistici apparvero nel 1933 con l'intento
di stimolare l'adesione al partito -> glorificazione dei eroi del nazismo vs perfidi del communismo
+ Leni Riefenstahl = la piu famosi : Der triumph des Willens = 1935 documentario dopo il congresso di Nurenberg per
mostrare il suo controllo al tutto il mondo o Olympia 1936 per il giocco olympico a Berlino.
+ film contro i nemici del Reich come Regbo unito o URSS come Jud Süss di Veit Harlan 1940 ordinati da Goebbels
+ la glorificazione della guerra e della morte in battaglia, entusiasmo per lo sforzo bellico come Kolberg di Veit Harlan
1945
+ film di evasione = importanza del intrattenimentti con musical tedeschi come Der Kaiser von Kalifornien 1936 di
Luis Trenker.

9.3 Italia : propaganda ed evasione durante il facismo

Nel corso degli anni Venti i produttori cercarono di ravvivare i gloriosi giorni del cinema italiano d'anteguerra puntando
su costosi film in costume.
Il capo del fascismo Mussolini, infatti, salito al potere nel 1922, dichiaro che il Cinema era l'arma piu forte a servizio
del potere ma per tutti gli anni Venti non si preoccupo di mettere i media sotto controllo : l'unico sforzo importanto del
governo per centralizzare la propaganda fu la costituzione dell'Unione Cinematografica Educativa (LUCE) nel 1924
allo scopo di controllare documentari e cinegiornali. Pur cercando di disciplinare la vita pubblica, il governo fascista
tendeva a non toccare gli interessi privati e preferi dare assistenza all'industria senza nazionalizzarla.
Tra il 1931 e il 1933 il cinema fu oggetto di una serie di leggi protezionistiche / 1932 : inaugurazione della mostra di
Venezia
Covinto che gli spettatori italinao avrebbero rifutato film apertamente propagandistici, si schiero coi produttori per
incrementare un cinema di evasione vivino allo spirito hollywoodiano /1937 inagurazione di Cinecitta e fino al 1943 piu
della metà dei film italiani fu girata a Cinecitta.
==> l'investimento del governo nella cultura ne alimento il prestigio internazionale e il risulatato di queste politiche fu
che la produzione del 1940 arrivo quasi a raddoppiare, toccando la cifra record di ottantatré lungometraggi.

La relativa autonomia dell'industria non rendeva il cinema italiano immune dalla propaganda : i documentari e i
cinegiornali dell'istituto LUCE magnificavano il regime e non mancarono i film esplicitamente fascisti. Politiche
fasciste = celebrate come con Vecchia Guardia di Alessandro Blasetti 1934, film con importanza della patria o anche
film di evasione conn genere popolari come la canzone dell'amore di gennaro Righelli - 1930
+ Verso un nuovo realismo ? Fine anni ’30 intellettuali più giovani tendenze antifasciste, nuove tendenze artistiche
- “calligrafismo” = rifiuto dell’attualità, ritorno tradizioni letterarie e teatrali XIX secolo
- discussione sul’arte realista (per ritorno a realismo regionale e verismo di Verga) Luigi Chiarini, direttore del Centro
sperimentale (influenze scuola montaggio sovietico, realismo poetico francese e registi populisti Hollywood, Capra e
Vidor)- La nave bianca, 1941, di Roberto Rossellini quasi documentario
- 4 passi tra le nuvole, 1942, di Blasetti commesso viaggiatore annoiato si finge marito di una ragazza incinta ripudiata
da famiglia
- Ossessione, 1943, di Luchino Visconti (da romanzo di James M. Cain Il postino suona sempre due volte)vagabondo e
moglie di un barista innamorati uccidono il marito di lei (mdm da Hollywood ma messa in scena scabra)

IX. Francia 1930 – 1945 : Realismo poetico , Fronte popolare e

 occupazione
Negli anni Trenta il cinema Francese ebbe un'importanza ma -> precarie condizioni produttive --> certa liberta ai
cineasti. Autori come René Clair e Jean Renoir diedero il meglio di sé e, --> la Francia esercito sul cinema mondiale
un influsso secondo solo a quello di Hollywood.
La situazione politica europea provoco dei contraccolpi sull'industria cinematografica come con In Francia l fronte
popolare, una coalizione di gruppi progressisti cher per qualche tempo riusci a governare il paese a metà degli anni
Trenta. Tuttavia il coinvolgimento della Francia nella seconda guerra mondiale sorti l'effetto di arrestare
l'attivitàcinematografica. L'occupazione tedesca dal 1940 al 1944 e il governo di Vichy mutarono in modo radicale le
condizioni della produzione e della distribuzione cinematografiche. Molti autori dovettero fuggire o nascondersi, ma
quelli che restarono riuscirono a tener vivo il cinema con film improntati alla fantasia oppure all'evasione.

10.1 L'industria e il cinema negli anni Trenta

Il mercato sonoro in Francia era inizialmente dominato dai sistemi tecnologici americani e tedeschi.
La produzione cinematografica, dopo un crollo negli anni Venti, conobbe un lieve incremento con l'avvento del sonoro.
i film francesi ripresero quota nel mercato nazionale ma l'affluenza di publico, crollata durante la Depressione. I registi
lavoravano spesso in autonomia.
CINEMA FANTASTICO E SURREALE : La propensione al fantastico e al surreale del cinema francese muto continuo
a manifestarsi negli anni Trenta. René Clair divenne il piu celebre tra i registi francesi del primo periodo sonoro,
conquistando il pubblico internazionale con il musical SOus les toits de paris - 1930. / La tradizione surrealista trovo
una continuazione in diversi film, nessuno dei quali poteva pero eguagliare la caotica violenza degli esordi
bunueliani : l'Affaire est dans le sac - Pierre Prevert - 1932.
Il surrealismo influenzo anche il piu promettente regista dei primi anni Trenta, Jean Vifo -> L'atalante - 1934
UNA PRODUZIONE DI QUALITA :Molti film francesi importanti degli anni Trenta erano produzioni prestigiose di
livello elevato, spesso adattamenti letterari come Crime et Chatiments di Pierre Chenal – 1935.
In effetti, il cinema francese aveva negli anni Trenta un discreto parco di divi popolari e caratteristi come Raimu,
Michèle Morgan o Jean Gabin o ancora Sacha Guitry. "teatro filmato"-> per i critici. -> 1936 Le roman d'un tricheur =
tutto il film è narrato in modo molto originale dalla voce del protagonista, che pronuncia anche il dialogo di tutti i
personaggi, uomini e donne.
+ molti film francesi di qualita = registi immigrati (soprattutto tedeschi) : Pabst Don Quichotte 1933 o Ophüls. Per
altri emigrabti illustri la Francia costitui una tappa intermedia verso Hollywood come WIlder o Lang.
REALISMO QUOTIDIANO : Accanto a queste produzioni in studio, vi furono anche numerosi film improntati al
realismo quotidiano come la maternelle di Marie Epstein 1933... film che affrobtarono il problema dei bambini
abbandonati o maltratti.
+ addatamento di Marcel Pagnol a questa epoca con Marius 1931 o fanny di Marc Allégret 1932.

10.2 Realismo poetico

Molti dei piu memorabili film francesi degli anni Trenta rientrano nel cosidetto realismo poetico, una tendenza generale,
piu che un vero e proprio movimento come erano stati l'impressionismo o l'avanguardia sovietica. I protagonisti sono
operai disoccupati, criminali o comunque figure ai margini della societa che, dopo una vita di delusioni, trovano
un'occasione di riscatto in amori intensi e idealizzati che si risolvono pero in un'ultima, definitiva, sconfitta. Il tono
globale è all'insegna della nostalgia e dell'amarezza.
La petite Lise di jean Gremillon 1930. Fu pero a meta degli anni Trenta che il realismo poetico si affermo pienamente
grazie a autori come Julien Duvivier (Pépé le Moko 1936) , Marcel Carné o Jean Renoir (il piu significativo - carriera
20-60---> Une partie de Campagne 1936 o la Grande illusion 1937 o la règle du jeu 1939 = un classico e grande
influenze per la Nouvelle vague dopo.

10.3 Il fronte popolare

Per quanto breve , il periodo del Fronte Popolare esercito un'evidente influenza sul cinema. Sia il PCF sia i socialisti
avevano prodotto brevi film di propaganda nei primi anni Trenta, ma il primo progetto comune nacque nel 1936 : il
fronte popolare formo il gruppo Cine-Liberté, finalizzato alla produzione di film e alla publicazione di una rivista. Fra i
membri spiccavano Jean Renoi, Marc Allegret, Jacques Feyder e Germaine Dulac.
La vie est à nous 1936 = per la campagna elettorale del Fronte Popolare, fu finanziato in gran parte da offerte raccolte
dal PC, sia attori sia tec,ici accettarono di lavorarvi gratuitamente. Il film fu un'opera colletiva coordino da Renoir = un
documentario sulla Francia con messaggio esplicito . O La Marseillaise 1938.
O il fronte popolare fu inoltre ispiratore di numerosi fim comerciali, tra cui due di ambiente proletario come la belle
équipe di Julien Duvivier.

LA PRODUZIONE CINEMATOGRAFICA NELLA FRANCIA DI VICHY : Durante la guerra molti cineasti francesi
furono arruolati e la produzione di una ventina di film fu sospesa. Nel 1940, dopo che i tedeschi entrarono in Francia e
dopo che nella cittadina turistica di Vichy fu instaurato un governo francese di destra, l'industria cinematografica venne
travolta. Ebrei, progressisti e altri dovettero fuggire all'estero o ell'area non occupata : Feyder, per sempio, si trasferi in
Svizzera e Renoir lavoro negli Stati Uniti. Dopo il giugno del 1941 la produzione diede segni di ripresa e si
svilupparono due industrie separate.
-> Il cinema di Vichy : Alla fine del 1940 il governo di Vichy istitui il Comité d'Organisation de l'Industrie
Cinematographique a sostegno e controllo dell'industria : la censura era rigida e il governo di destra cerco di escludere
gli ebrei dal mondo del cinema. Fino al maggio del 1942 i film dell'area non occupata furono banditi dalla zona tedesca
e potevano essere proiettati solo nella Francia meridionale enel Nord dell'Africa Francese. Qalche finanziamento
arrivava sottobanco da fonti ebraiche o americane o dall'italia.
→ Molti cineasti tornarono a lavorare nei piu attrezzati studi parigni, i film francesi ricominciarono a uscire e
l'affluenza di pubblico crebbe nuovamente : per la produzione francese lal guerra dienne un periodo alquanto proficuo.
la Germania sostenne collaborazione con i tedeschi, e per realizzarequel cinema europeo, vagheggiato negli anni Venti.
nel 1940 acqui a Parigi la tedesca Continental sotto il controllo della UFA.
Da quel momento la strutture produttive de sud furono usate soprattutto come appoggio per le case di produzione
parigine. I cineasti membri della Reistenza parteciparono alla sollevazione generale di agosto e alcuni ripresero in
segreto immagini della liberazione di Parigi.
Gran parte dei film realizzati durante l'occupazione è costituita da commedie e melodrammi analoghi a quelli usciti
prima della guerra. I film piu notevoli del periodo sono quelli di prestigio : si trattava di produzioni molto professionali
- con scenografie imponenti e attori di successo - che comunicavano un'atmosfera di romantica rassegnazione,
rimanendo distanti dalla realtà contemporanea. Marcel L'herbier La nuit fantastique 1942.

XI. Il cinema americano dopoguerra 1945 – 1960

Gli anni successivi alla seconda guerra mondiale,caratterizzati a livello politico dalla stagione della cosidetta "guerra
fredda" tra gli Stati Uniti e l'Unione Sovietica, furono un periodo in cui l'industria cinematografica fece registrare
sensibili trasformazioni. Nell'arco di pocji anni il consumo di cinema raggiunse l'apice sia positivo sia negativo :
differenti abitudini di svago e la concorrenza della televisione spinsero gli spettatori ad abbandonare le sale. Gli
studios reagirono rendendo i film piu spettacolari grazie alle possibilità offerte dalle nuove tecnologie e riorganizzando
la filiera produttiva. Nello stesso tempo le case indipendenti intensificarono la loro attività. I generi cinematografici
conobbero un nuovo impulso : ne nacquero di inediti e quelli consolidati si adattarono ai cambiamenti sociali
affrontando temi nuovi. Autori e attori della passata generazione convissero felicemente con tlenti emergenti, facendo
si che l'offerta cinematografica di Hollywood si rivolgesse a diverse tipologie di pubblico.

11.1. Il clima del dopoguerra

Hollywood durante la guerra fredda :

- Durante gli anni trenta molti intellettuali di Hollywood avevano manifestato simpatia per il communismo sovietico.
Ma dal 1947 il congresso comincio a indagare sulle attività communista negli Stati Uniti -> denunciazione (Gary
Cooper, Robert Taylor, Elia kanzan o Brecht che è riparti nella Germania ) = impossibile di lavorare ufficialmente nel
mondo del cinema se voi avete idee politiche di sinistra -> lista nera.
- A partire dagli anni Dieci gli studios di Hollywood si erano sostenuti a vicenda nella creazione di un oligopolio,
guingendo a controllare di fatto l'intera industria cinematografica. Le CG possedevano catene di sale, vendevano i film
in pacchetti e usavano altri mezzi illeciti per tenere i film indipendenti fuori dal circuito. Ma nel 1938 il ministero della
giustizia avvio una causa ricordata come il "caso paramount"--> il giverno accusava le Cinque Grandi e le Tre piccole
di violare le leggi antitrust e di monopolizzare il mercato cinematografico.
=> Conseguenza : le CG rimasero attive nella produzione e distribuzione , rinunciando per al possesso delle sale e
niononostante, anche se dopo la metà degli anni Cinquanta tutte le grandi società di Hollywood avevano nei loro
programmi stagionali di ditribuzione una quantita di produzioni indipendenti, la struttura dell'industria non cambio in
modo radcale : le major e le minor continuarono a dominare il mercato e a mietere la maggior parte degli incassi.

11.2. Il declino dello studio system hollywoodiano

Nell'immediato dopoguerra le prospettive sembravano eccellenti ma l'industria del cinema doveva affrontare anche
problemi economici.
- Per contrastare l'nvadenza americana, molti paesi approvarono leggi protezionistiche che fissavano con esiti alterni
quote, sussidi alla produzione e restrizioni all'esportazione di valuta
- Dopo il 1946, pero, le fortune di Hollywood sul mercato interno subirono una battuta d'arresto : i 98 millioni di
spettatori settimanali del 1946 calarono fino ai 47 millioni del 1957, costringendo alla chiusura circa quattromila sale.
La produzione e i proditti crollarono e una delle CG - la RKO - cessa l'attivita nel 1957. Nel complesso, l'industria del
cinema passo da quasi cinquecento film prodotti negli anni Trenta a meno di centocinquanta all'inizio degli anni
Sessanta.
-> era televisiva -> divertimenti nelle case -> nuova concorrente (1954 = 32 millioni di televisori)
=> Quindi gli studi di Hollywood cominciarono a creare serie televisive. Nel 1949 la Columbia converti il suo
reparto cortomettraggi alla produzione televisiva.
=> Il colore come mezzo piu ovvio per differenziare il cinema dalla televisione -> Il Technicolor o anche con il
formati panoralici = il cinema otteneva un'inquadrattura piu ampia -> Il cinemascope. Alcuni dei primi film in formato
panoramico = How to marry a mlillionare di Jean Negulesco 1953.
=> Durante i primi anni Cinquanta, gli studi si convertirono gradualmente dalla registrazione ottica del suono
-> Una causa del declino dello studio system era certamente da attribuire ai mutamenti sociali e culturali. Negli anni
Dieci e Venti le sale cinematografiche erano state costruite in posti facilmente accessibili, vicino a linee di trasporto
pubblico nelle zone centrali di alcune città, ma dopo la guerra si verifico un consistente sviluppo dell'edilizia suburbana.
-> Variazioni nelle abitudini di consumo : gli spettatori cinematografici tendevano a essere selettivi e piuttosto che
frequentare con regolarità una sala vicina, preferivano scegliere un film importante.

* Cinema d'essai : Prima degli anni Cinquanta la maggioranza delle produzioni degli studios eta pensata per un pubblico
familiare : in seguitocominciarono a uscire con sempre maggiore frequenza film destinati agli adulti, ai ragazzi o agli
adolescenti.
-> Puntando su queste ultime due categorie, la Disney avvio la produzione di film con personnagi relai proponendo
classici d'avventura o con il mercato dei film per gli adolescenti con i musocal rock, le storie di delinquenza giovanile o
horror o fantascienza... => la fiorente cultura giovanile americana comincio a essere esportata con un grande influenza.
Questo mercato in America divenne il target principale
->Il pubblico d'essai divenne una realtà considerevole dopo la guerra / elite locale / pubblico istruito -> cinema europeo
come con Roma citta Aperta di Rosselini 1946.

* Drive in : Un'altra interessante alternativa per gliesercenti in crisi erano i drive-in : il proprietario non aveva bisogno
di un costoso edificio, ma soltanto di uno schermo e bevande. -> rendeva il cinema accessibile alla popolazione della
periferia e il biglietto era a buon mercato. Il primo drive-in = 1933.

* Sfide alla censura : Il meccanismo di autocensura dell'industria, la Motion Picture Association of America comincio a
incontrare difficoltà nel far rispettare il suo codice di produzione; quando le CG persero le sale, i cinema indipendenti
furono liberi di mostare anche film non approvati. La sentenza paramount ebbe cosi l'effetto non voluto di liberalizzare
la censura, permettendo che circolassero sempre piu film sprovvisti dell'autorizzazione del codice di Produzione. Some
like it hot o Lolita che affrontavano problemi scottanti. Da quel momento i film che non si conformavano ai suoi
standard portarono l'etichetta "consigliati a un pubblico adulto" -> ma inefficace

* La crescita degli indipendenti : Con la riduzione dell numoer di film prodotti dai grandi studios, la produzione
indipendente acquisto uno spazio maggiore. Alll'inizio del 1959 circa il settanta per cento della produzione era costituito
da film indipendenti.
- i film di exploitation : i piu deboli fra i produttori indipendenti colmavano il vuoto della produzione a baso costo
abbandonata dalle major : alcune societa indipendenti si specializzarono in film di exploitation, produzioni minime
basate su argomenti attuali o sensazionalistici che potessero essere exploited, vale a dire sfruttate commercialmente
(horror, erotico, fantascienza)
- indipendenti ai margini : La produzione indipendamente assumeva caratteristiche politiche seguiva la tradizione del
cinema di sinistra degli anni Trenta descrivendo uno sciopero di minatori nel New Mexico Salt of the heart 1954
Biberman. Il membro piu amosi =John Cassavetes

- I attori : sotto contratti da gli studios per sette anni -> ma mancanza di liberta per i registi

11.3. Il cinema classico hollywoodiano : una tradizione che continua

Anche se la base industriale di Hollywood cominciava a sgretolarsi, lo stile classico rimaneva il principale modello di
racconto.
-> complessita e realismo nella narrazione :ampia diffusione alcune innovazioni stilistiche introdotte da Orson Welles,
come la soggettivita (visualizzata tra gli occhi del protaginista) / la costruzione narrativa si fece piu intricata, la struttura
investigativa attraverso flashback divenne un modello, catena di cause ed effetti centrata su un protagonista, un precorso
lineae e coercente che andava verso una conclusione...
-> cambiamenti di stile : l'uso di long takese immagini composte in profonditasi intensificonei primi anni cinquanta,
look piu chiaro e luminoso, vivida profondita di campo, influenza delle Nouvelle vague = focale lunga
-> generi : Le case diproduzione cercarono di rivitalizzare i generi cinematografici, puntando a differenziare ogni film e
a potenziarne la spettacolarità con le star piu famose, con scenografie e costumi sfarzosi, con il colore e con lo schermo
panoramico.
- western : Allo stesso tempo le trame incorporavano tensionipsicologiche e sociali : un western poteva avere un'anima
liberale, patriarcale, giovanilista, o psicopatica..
- melodramma : la ricerca di una dimensione spettacolare investi anche il melodramma con per esempio Douglas Sirk e
la sua capacita di trascendere i traumi da psicologia spicciola e i finali forzatamente lieti delle sceneggiature.
- musical : soprattutto della MGM :, Fred Astaire, Ginger Rogers, Gene kelly -> instancabile e sorridente ballerino,
introduse alla MGM una coreografia atletica moderna On the town, 1949, Brigadoon 1954, SIngin in the rain 1952...
considerato al'unanimità il miglior musical del periodo, Minelli... + musical di altre case di produzione : Funny Face di
stanley Donen 1957 paramount, West side story di Robert Wise 1961 United Artist, a star is born Cukor 1954 la
Warner...
- film storici ed epici : La ricercadegli effetti spettacolari e la scommessa sui kolossal porto alla ribalta un altro genere,
lo spettacolo biblico. ben Hur 1959, Spartacus 1960, The fall of the roman empire 1964, War and peace, Cleopatra,
Lawrence of arabia... I dieci comandati 1956.... fu l'epopa biblica dal sucesso piu duraturo : il film utilizzo 25000
comparse e costo piu di 13 millioni di dollari.
- fantascienza e horror o thriller : popolari ma anche James Bond -> Goldfinger 1964 = erotismo, ironico, duelli,
comico, armi, gadget, sensazionali scenografie... + grande successo di Hitchcock.

11.4. Generazioni di registi a confronto

Capra – It's a wonderful life 1946 John Ford – Fort Apache 1948 / She wore a yellow ribbon1949 / Rio grande
1950 Howards Hawks – auteur pourJacques Rivette Susanna 1938
Vincente Minelli – Madame Bovary 1949 Me me in St Louis 1944 → con Cukor = spiccano per un uso accorto dei
long takes. La macchina da presa di Cukor è un'oservatrice discreta che permette agli interpreti di dispiegare al meglio
le loro performance. Le inquadrature piu ampie di Minelli sottolineano l'interazione dei personaggi con l'ambiente.
+ registi immigrati come Hitchcock = il piu popolare Billy Wilder (Irma la douce 1963 o Witness for
the prosecution 1957) Otto Preminger Orson Welles

IMPATTO DEL TEATRO : Orson Welles proveniva dagli ambienti del teatro progressista di NY, cosi come parecchi
altri registi che come lui approdarono a Hollywood. Durante gli anni Trenta il group Theatre trapinao in America il
metodo naturalistico di recitazione insegnato da Stanislavskij al Teatro d'Arte di Mosca. Il principale lievo del Groupe
era Elia Kazan, che si imposa a Hollywood pur cantinuando a dirigere a Broadway le prime rappresentazioni. Dopo la
guerra Kanzan e due colleghi di NY fondarono l'Actor Studio (1947), nella convinzione che il metodo di Stanislavskij
richiedesse all'attore di radicare la sua performance in esperienze personali : l'improvvisazione era una strada verso una
recitazione naturale. La concezione di Kazan trovo in Marlan Brando il suo principale esponente : una classica
applicazione del metodo On the Waterfront di Kazan 1954 ---> il metodo avrebbe avuto un'enorme influenza su
Hollywood attraverso Kazan, Brandon, James Dean, Karl Malden...
- La generazione piu giovane, che inizio a realizzare film a meta degli anni Cinquanta, aveva spesso cominciato dalla
televisione. John Frankenheimer, Sidney Lumet, Martin Ritt e Arthur Penn arrivarono al cinema dopo aver curato la
regia di sceneggiati traasmessi in diretta e introdussero sul grande schermo un'estetica televisiva di ampi primi piani, set
claustrofobici, profondità di campo e sceneggiature ricche di dialoghi. Tutti divennero figure importanti nella
Hollywood dei primi anni Sessanta e furono tra i primi a trarre ispirazione dal cinema d'autore europeo e dalla Nouvelle
vague in opere quali.

XII. Italia Neorealismo e oltre 1945 – 1954

Il neorealismo fu un importante fenomeno cinematografico che si affermo in Italia negli anni 1945-1954. Pur non
essendo un movimento cosi compatto come si è a lungo pensato, senza dubbio creo n diverso atteggiamento nei
confronti del cinema di finzione ed ebbe enorme influenza a livello internazionale. I film a esso riconducibili, che
intendevano confrontarsi con i gravi problemi lasciati in eredita dal secondo conflitto mondiale, raccontano vicende
ispirate dalla cronaca e dall'attualità del momento, narrate secondo logiche assai distanti da quelle tradizionali. Per i
neorealisti il cinema si rivelo uno strumento perzioso per scoprire la realtà circostante coinvolgendo in questo processo
conoscitivo anche il pubblic, chiamato a esercitare un ruolo piu attivo e consapevole di quello abitualmente
riservatogli.

12.1 La primavera italiana

Mentre i produttori lottavano faticosamente per sopravvivere, il cinema neorealista si impose come una forza di
rinnovamento culturale e sociale.
Durante il declino del regime fascista, nella letteratura e nel cinema era affiorato un impulso realista come : Ossessione
di Luchino Visconti 1943. -> concepire un cinema nuovo "Siamo convinti che un giorno creeremo il nostro film piu
bello seguendo il passo lento e stanco dell'operaio che torna alla sua casa" - Mario Alicata e Giuseppe De santis 1944
Dopo la liberazione, nella primavera del 1945, la gente di ogni classe sociale divenne ansiosa di rompere con il passato.
I partiti formarono un governo di coalizione, mirando a fondare la rinascita sulla base di idee liberali e socialiste, e i
registi furono pronti a farsi testimoni di quella che fu chiamata la primavera italiana.
Da dove nasceva il realismo di queste opere ?
- per contrasto con molti dei film che li avevano preceduti
- il cinema italiano era rinomato in tutta Europa per le sue scenografie in studio, ma gli studi di Cinecittà avevano
subito pesanti danni durante la guerra e non erano in grado di ospitare grandi produzioni, per cui i cineasti si spostarono
nelle strade e nelle campagne.
- Un'altra novità era l'esame critico della storia recente. I film neorealisti proponevano vicende contemporanee : la tra di
Roma città aperta di Rossellini 1945 era, per esempio, ispirata a eventi reali avvenuti nell'inverno 1943-1944/ resistanza
(p201)

ESEMPIO : Paisa presenta il rapporto tra civili italiani e militari alleati all'insegna di una comunicazione difficoltosa
ma non impossibile.
E uno dei film piu rappresentativi della dinamica neorealista, forse in assoluto quello che meglio ne esemplifica alcune
caratteristiche ricorrenti : girato quasi interamente in ambienti autentici, Paisa si affida perlopiu all'interpretazione di
attori non professionisti e da voce a personaggi che si esprimono nella loro lingua. Lo spettatore, condotto alla
scoperta dell'Italia (Itinerario : Roma, Firenze, Napoli, Sicilia...), viene immerso nella dolorosa attualità di un evento
storico epocale grazie a un'opera che ha il sapore di una testimonanzia. Al pari di altri film neorealisti, le scelte
registiche in parte tradiscono i materiali di base, ma solo per amplificarne la portata in una direzione realistica : non
sempre, infatti, le riprese sono avvenute nei luoghi in cui si svolgono le storie raccontate.

Ben presto i cineasti passarono dall'eroismo partigiano a problemi sociali contemporanei, come la divisione della
societa in fazioni contrapposte, l'inflazione e la disoccupazione crescente -> esprimere una fragile sperenza in profondi
cambiamenti sociali.
Nel 1948 la primavera italiana si concluse con la sconfitta alle elezioni della sinistra. -> il paese -> impegnato nella
ricostruzione -> paese moderno europeo
Gran parte dei film neorealisti suscito da parte dei funzionari del dopoguerra una reazione negativa : il ritratto di un
Paese desolato e colpito dalla povertà faceva infuriare politici ansiosi di dimostrare che l'Italia era sulla via della
democrazia e della prosperita. La chiesa cattolica condanno molti film per il loro anticlericalismo e per il modo in cui
descrivevano la vita e le abitudini della classe operaia, mentre la sinistra ne attaccava il pessimismo e la mancanza di
un'esplicita dichiarazione di fede politica.
Poche opere neorealiste furono popolari : gli spettatori si lasciavano attrare piu volentieri dai numerosissimi film
americani in circolazione.
Fu cosi che dopo il 1948 si esauri la stagione del neorealimso piu "puro" : alcuni autori proposero un'ambientazione
neorealista girando melodrammi, storie d'amore e commedie tradizionali in regioni che offrissero un colore locale
pittoresco, dando origine al cosidetto 'neorealismo rosa' che inscriva personaggi della classe operaia negli schemi della
commedia populista, altri esplorarono una venia di fantasia allegorica o grandi spettacoli storici come Senso di Visconto
1954.

=>STORIA : Secondo una tradizione consolidata, l'atto di nascita del neorealismo coincide con Roma città aperta che
rinvia ad avvenimenti depositati nella memoria degli abitanti della capitale, in modo pero da proporre una lettura della
Resistenza come un fenomeno unitario, capace di cancellare le profonde divisioni interne al Paese. Il termine
neorealismo viene invece impiegato per la prima volta a proposito di Ossessione, desunto dall'ambito letterario, è
utilizzato per sottolineare la filiazione del film viscontiano dal realismo poetico francese.
=> ASPETTI STILISTICI : All'inizio degli anni Cinquanta l'impulso neorealista era ormai esaurito e nel 1953, al
congresso di Parma sul eorealismo, giornalisti e cineasti iniziarono a discutere sull'essenza del movimento : di esso non
era mai esistito un manifesto o un programma, ma solo appelli a un maggiore realismo e a un'enfasi sui soggetti
contemporeanei e sulla vita della classe operaia.
André bazin : si concentro su come l'approcio documentarico del neorealismo rendesse lo spettatore consappevole della
bellezza della vita di ogni giorno // Zavattini voleva un cinema che presentasse il dramma nascoto negli eventi
quotidiani, come l'acquisto di un paio di scarpe o la ricerca di un appartamento
Gran parte degli storici del cinema considera il neorealismo un momento importante non solo per le sue posizioni
politiche e la sua visione del mondo, ma anche per le innovazioni nella forma cinematografica. In genere si ritiene che il
tipico film neorealista si girato in esterni, con attori non professionisti e inquadrature sporche, improvvisate, ma in
realta i film con queste caratteristiche sono ben pochi : la maggior parte delle scene in interni è girata in set ricostruiti
in studio e illuminati con cura e l dialogo è quasi sempre doppiato, permettendo un controllo anche a riprese ultimate e
le e le nquadrature contegono fluidi movimenti di macchina, un nitore impeccabile e un'azione scandita su piu piani. E
tipico del cinema neorealista l'uso di commenti musicali di stampomelodrammatico per sottolineare lo sviluppo emotivo
di una scena. E il neorealismo si sforzava di descrivere la vita comune in tutte le sue sfurmature. probabilmente
l'esempio piu famoso di commistione di registri differenti in film dell'epoca è la scena della morte di Pina in Roma città
aperta. //// Famosi attori come Anna Magnano e Aldo Fabrizi
=> Il racconti del reale : P210 pour les ex : Se i modi, gli stili, le poetiche degli autoriche a vario titolo possono essere
rubricati nella vasta area del neorealismo sono assai diversi, non si puo fare a meno di notare la presenza di alcuni temi
e figure riccorenti :
- alla base del racconto neorealista vi sono la guerra e la Resistenza : sia pure con numerose varianti, queste occorenze
storiche innervano continuamente le trame dei film, dai piu impegnati.
- Di fronte al comune nemico tedesco si delinea un coro di persone chev vivono esperienze quotidiane disparate ma che
si compattano nella necessita, il sacrifio
- la nutrita presenza di religiosi si spiefa con l'esigenza di ancorare il messaggio a valori di pace e di fratellanza anziché
al risentimento e alla vendetta.
- Piu che sul piano della storia, tuttavia, il fascismo e la guerra irrompono nelle singole vite degli uomini come forze
capaci di sconvolgere il lavoro, il progetti, il ritmo quotidiano e di portare allo scoperto il travaglio dell'esistenza. Cosi
una folla di uomini vinti e sconfitti, di reduci, privii di lavoro e di affetti, esposta alla miseria, a una rovina
simbolicamente allusa dal paesaggio di macerie che li circonda.
- Altre vittim della guerra sono le donne, spesso rappresentate secondo coppie antitetiche di eroiche artefici di una
resistanzia privata e sociale o di fragili prede di poteri forti, trasformatesi in traditrici della Patria.
- Ma le immagini piu forti, quelle che - anche a distanza di tempo - rimangono vividamente scolpite nella memoria degli
spettatori, sono i ritratti dei bambini che numerosi, popolano i film neorealisti.
=> Tutti i questi soluzioni narrative e stilistiche = grande influenza sul cinema moderno

12.2 Luchino Visconti e Roberto Rossellini

I due registi erano coetanei : Entrambi cresciuti in famiglie benestanti, avevano cominciato a interessarsi di cinema per
hobby e avevano esordito professionalmente durante il fascismo.
- L'aristocratico Visconti = assistente di Jean Renoir per La Scampagnta 1936 / era un grande regista di teatro e i suoi
film sfoggiavano costumie scenografie sontuose, una recitazione marcata e musica travolgente : Senso 1954. Visconti
ricorse sempre piu a uno stile di ripresa ricco di panoramiche e zoom, come se la Storia fosse una grande produzione
teatrale.
- Rossellini individuava la continuazione del progetto neorealista nel condurreil pubblico verso la consapevolezza della
necessita della verità spirituale, della conoscenza di se stessi e dell'impego verso il prossimo : i suoi film divennero
altamente didascalici, tesi a mostrare come l'opinione comune tenda a scambare le persone sensibili per sempliciotte,
eretiche o folli. L'Amore 1948.

Per quanto diretto fosse il messaggio di Rossellini, il suo modo di raccontare lo condusse verso il cinema moderno : la
sua predilezione per la commistione di toni, per la narrazione episodica, per le ellissi e i finali aperti spesso permette ai
film di evocare piu di quanto non ci si aspetterebbe dai loro temi dichiarati. Se lo si paragona con l'elegenza di
Visconti, lo stile di Rossellini sembra sgraziato, ma anche le sue soluzioni piu semplici producono risultati complessi.
Per esempio, Rossellini punteggia le storie con momenti in cui i personaggi si limitano a stare seduti, camminare o
pensare e tocca allo spettatore dedurne gli stati d'animo. In viaggio in Italia, [Link] finge di dormire quando suo
marito torna da capri e Rossellini riesce a suggerre un tumolto di emozioni semplicemente alternando inquadrature dei
due coniugi, ognuno chiusi nel proprio orgoglioso silenzio.
Come Visconti, anche Rosellini scopri e adotto negli anni sessanta lo stile della panoramica con lo zoom : ma se
l'immagine di Visconti srotola uno spettacolo senza fine, Rossellini usa panoramica e zoom per la loro semplicità ed
economicità, e per a loro efficacia nel presentare l'azione in modo neutrale, al di là del punto di vista di questo o quel
personaggio.

OLTRE IL REALISMO : Mentre la ripresa economica sospingeva l'italia verso una crescente prosperita, gli spettatori si
stancarono dell'attenzione neorealista verso la poverta e la sofferenza. Il neorealismo rosa fu la forma dominante del
movimento nei primi anni Cinquanta : l'enorme successo di Pane, Amore e Fantasia apri la strada a un filone di film che
prosegui fino agli anni Sessanta.
Gli studi di Cinecittà, finalmente rimessi in funzione, furono trasformati in una vera fabbrica di flm, attenta al mercato
internazionale. Questo incoraggio Hollywood a reinvestire il denaro nella produzione, nella distribuzione e nell
programmazione di film italiani.
La narrazione di molti film d'autore italiani dei primi anni Cinquanta si fonda su scelte stilistiche tipiche del
neorealismo come l'ellissi e il finale aperto : in particolare, l'attenzione agli stati psicologici degli indicidui condusse
registi come Rossellini o Antonioni verso uno stile antidrammatico. La trama di un film poteva alternare scene di
conversazione banale as altre in cui si vedono i personaggi interagire con l'ambiente o semplicemente muoversi in un
paesaggio. Dopo i primi anni Cinquanta alcuni cineasti misero in scena personaggi delle classi medie e alte, nell'intento
di analizzare gli aspetti psicologici della vita contemporanea. Altri, come frederico Fellini, presentavano le classi medie
e basse in modo poetico all'interno di una serie di film inizia con Luci del varieta 1950 --> La strada 1954

XIII. Il cinema europeo del dopoguerra 1945 – 1959

Il dopoguerra fece registrare una lieve ripresa dell'industria cinematografica europea, impegnata a darsi una nuova
identità e a individuare strumenti per resistere all'invadenza del mercato americano. Il neorealismo non fu l'unica
tendenza ad affermarsi in questo periodo : La Francia si impose per il prestigio del suo cinema d'arte e per la ripresa
della sua produzione di qualità, grazie anche al ritorno di molti mportanti autori dell'anteguerra e all'emergere di
giovani sperimentatori : gli inglesi, nel complesso meno inclini a tentare soluzioni inedite, conobbero una notevole
popolarità nei Paesi anglofoni con generi e autori sia tradizionali sia originali; la Spagna, per quanto segnata dalla
dittatura di Franco, vide la fioritura di una scuola vagamente ispirata al neorealismo. Coproduzioni, esportazioni e
festival contribuirono a offrire ai film una platea internazionale, facendone anche una imprescindibile forma di cultura
riflessa dalle numerose attività di cineclub e riviste critiche.

13.1 La ripresa dell'industria e la resistenza al mercato americano

La guerra aveva drasticamente ridotto la circolazione di film americani nella maggior parte dei Paesi europei, aprendi
spazi alle cinematografie e ai talenti locali. In epoca post-bellica gli aiuti statunitensi preparono la strada al ritorno in
Europa del cinema americano. La penetrazione fu veloce, nel 1953, i film statunitensi venivano proiettati all'incirca
sulla metà degli schermi di ogni Paese.
- misure protezionistiche : Le forme di resistenza nei confronti del cinema americano furono diverse,, e una di queste
consisteva nel fissare quote sui film americani o su le ore di proiezione assicurate alla produzione intera // altra via =
limitare i profitti della societa americane imponendo tasse cio guadagni previsti, oppure una cifra fissa // o adottare
misure per rendere competitive le proprie cinematografie, i governi cominciarono a finanziare i produzioni
- coproduzioni europeani tra diversi paesi = suddividere il prezzo e il lavoro per contarstare la dominazione americane
- Innovazioni tecnologiche : macchina da presa leggere con caricatori e mirini reflex / la tedesca Ariflex perfezionata
nel 1956 = la piu diffusa cinepresa 35mm del dopoguerra
- Archivi, mostre e festival cinematografici : altra iniziativa internazionale del dopoguerra fu quella dei fesival
cinematografici, competizioni tra produzioni di qualita con premi attribuiti da giurie di esperti :Mostra di Venezia
riprese nel 1946 -> proliferazione di queste manifestazioni : edimburgo 1947, Berlino 1951, Londra 1957, Barcellona
1959.... E in omaggio ai suoi concorrenti Hollywood nel 1947 creo una sezione degli Academy Awards riservata al
miglior film straniero e il vinvitore aveva buone chance di successo negli SU.
-> Nel dopoguerra i festival contribuirono a definire la concezione generale di cinema europeo.
+ 1938 FIAF

--> VERSO IL CINEMA MODERNO

I film europei erno, pero, i grado di competere con maggiore successo sulla scena internazionale e acquistavano
prestigio nei festival, e durante la guerra era crescuta una nuova generazione di cineasti. La vita sociale e intellettuale
dell'Europa ricomincio a fiorire : gli artisti intuirono la possibilita di continuare le sperimentazioni dei primi decenni del
secolo. Queste circostanze favorirono l'emergere di un cinema d'arte internazionale che spesso veniva identificato con la
sperimentazione e l'innovazione di art alte come letteratura, pitturata, musica e teatro. Per altri versi, i cineasti del
dopoguerra crearono un cinema moderno adatto al sonoro :
– Stile e forma :
Il cinema del dopoguerra puo essere descritto attraverso alcuni elementi stilistici e formali :
- I registi si sforzavano di essere piu fedeli alla realtà rispetto ai loro predecessori, impegnadosi nella denuncia
dell'antagonismo di classe, degli orrori del fascismo, della guerra e dell'occupazione. Questo realismo condusse i
cineasti verso un tipo di narrazione piu aperta, fatta di scorci di realtà, ben diversa dalle trame fortemente strutturate di
Holywood.
+ un approccio piu realistico nei confronti del racconto, giacché sono pochi gli eventi che nella vita so egano fra loro
in maniera ordinata.
+ stilisticamente, molti cineasti si affidarono al piano-sequenza al fine di presentare l'evento nella sua durata reale,
senza manipolazioni di montaggio
+ allo stesso modo, nuovi stili di recitazione - frasi interrotte, discorsi frammentari ed ellitici, rifiuto di incontrare lo
sguardo degli altri interpreti.
= I cineasti si tuffarono nella mente dei personaggi rivelandone sogni, allucinazioni e fantasie. L'interesse per la
dimensione soggetiva divenne ancor piu marcato negli anni Cinquanta e Sessanta.
+ Il commento dell'autore : una narratore che non appartiene al mondo del film sottolinea allo spettatore qualche aspetto
degli eventi a cui assiste. ESEMPIO : In un'inquadratura de Il Grido di Antonioni di 1957 evoca la desolazione del
rapporto fra i due protagonisti inquadrandoli di schiena sullo sfondo di un panorama deserto.
– Ambiguita del moderno :
In genere il commento narrativo è aperto a interpretazioni contraddittorie. In effetti, l'ambiguità è un elemento centrale
di tutto il cinema europeo del dopoguerra. Il film spesso incoraggia lo spettatore a interrogarsi su cosa sarebbe potuto
succedere di diverso, a colmare le lacune e a tentare interpretazioni differenti ( Luis Bunuel, Jean Cocteau e maya
Deren)

13.2 Il cinema francese nel primo decennio dei dopoguerra

LA RIPRESA DELL'INDUSTRIA : La fine del secondo conflitto mondiale segno il riemergere della libera concorrenza
nella produzione francese. I film a budget elevato, prodotti occasionalemente da Pathé e Gaumont, non bastavano a
soddisfare il mercato1946 = obligava Stati Uniti a riservare a filmù francesi solo sedici settimane all'anno, il resto
sarebbe stato lasciato alla libera concorrenza + il governo fondo il CNC per regolamentare l'industria fissando standard
di affidabilità finanziara, offrendo sussidi e incoraggiando la produzione di documentari e di film a contenuto artistico.
1949 = la Uni France per promuovere il cinema francese all'estero e coorinarne la partecipazione ai festival.
1943 = IDHEC la scuola nazionale di cinema formava tecnici

LA CULTURA CINEMATOGRAFICA NELLA FRANCIA DEL DOPOGUERRA : => La cultura francese

cinematografica del dopoguerra ha costituito a lungo un caso esemplare di feremento intelletuale :
- L'occupazione tedesca aveva negato l'accesso ai film americani, al termine della guerra -> infatuazione
- La Cinematèque Francaise inizio a programmare regolarmente vecchi film di tutto il mondo
- I cineclub ripresero a proliferare toccado nel 1954 le duecento unità, con circa 100 000 membri
- Nelle Università furono introdotti i primi corsi di cinema -> disciplina academia
- Riviste uscito della clanddestinita come L'Ecran Francais + La Revue du cinema 1946, Les Cahiers du Cinema 1951,
Positif 1952...
- Critici e teorici sono nacque : Jean Epstein, Adré Malraux, André bazin... -> cominciare dalla questione del cinema
come arte
- La Nouvelle vague degli anni Cinquanta sarebbe nata proprio dai dibattiti nei cineclub, dale proiezioni di classici da
riscoprire e di recenti produzioni Hollywoodane, e dagli articoli sui Les Chahiers o Positif

LA TRADIZIONE DELLA QUALITA : Il primo decennio del cinema francese post-bellico fu dominato da cio che nel
1953 un critico defini il "Ciema di qualita", il quale mirava a una produzione "di prestigio" ed era costituito in massima
parte da adattamenti di classici letterari, tanto che il ruolo creativo dello sceneggiatore era spesso considerato pari, a
quello del regista. Gli interpreti erano scelti tra le stelle di prima grandezza e i film erano impregnati di quel
romanticismo reso famoso dal realismo reso famoso dal realismo poetico dell'anteguerra, gli amanti so trovavano
sempre in ambienti freddi o minacciosi, il finale era il piu delle volte tragico e la donna era regolarmente idealizzata,
descritta come misteriosa e inaferrabile. Scenografie spettacolari, effetti speciali, illuminazione accurata e costumi
stravaganti amplificavano l'impatto di queste raffinate storie di passione e malinconia : Les portes de la nuit - Marcel
carné 1946 con la collaborazione di Jacques Prevert.
IL RITORNO DEI REGISTI EMIGRATI : Julien Duvivier, rené Clair, Max Ophüls (la Ronde 1950) , Jean Renoir ( Le
dejuener sur l'herbe 1959) e altri fuggiti a Hollywood che tornarono in patria dopo la guerra..
Nel dopoguerra, tuttavia, mentre tanti registi riccorevano alla profondita di campo e ai complessi movimenti di
macchina che Renoir aveva prediletto negli anni Trenta, questi abbandono in larga misura quelle tecniche, a favore di
uno stile semplice e diretto incentrato sull'attore.
ESEMPIO : Se Renoir individua nell'arte la chiave per arrivare alla natura, Jean Cocteau la considera invece la via
d'accesso al mito e al soprannaturale. Cocteau si riteneva sopprattutto un poeta, anche se la sua produzione include
romanzi, commedie, saggi, disegni, scenografie e film : egli fu protagonista di molti dei principali sviluppi
dell'avanguardia francese dopo la prima guerra mondiale : Orphée 1950, La belle et la bête 1946. Si tratta, nella
maggior parte dei casi, di opere consapevolmente poetiche, che cercano di declineare un mondo meraviglioso
distaccatoo dalla realtà e di comunicare attraverso l'evocazione simbolica. La belle et la bête resti un caso esemplare
di trascrizione cinematografica di una favola= creazione di un mondo fantastico attraverso mezzi cinematografiche che
colpiscono per la loro potenza -> effetti speciali artigianali –> in accordo con la sua teoria secondo cui un poeta crea
la magia attraverso ogni mezzo dell'immaginazione.

NUOVI REGISTI INDIPENDENTI : La legge del 1953 ibcoraggiava la produzione di cortometraggi di qualita artistica
: Jean Gremillon, Roger, Leenhardt, Jean Mitry... Ma i talenti piu notevoli emersero dalla nuova generazione : ALain
Resnais, Agnes Varda, Georges Franju, Chris Marker... /// Piu inserito nel cinema commerciale dell'epoca era l'ecentrico
Jean Pierre Melville, appassionato della cultura america,a, molti dei suoi film erano omaggi al cinema americao, che
introdussero in quello francese un po'dell'audace energia della Hollywood seie B. Les enfants terribles 1950, Le sang
d'un poête 1930, Le silence de la mer 1948...

13.3 Regno Unito : commedie e film di qualità

LA LUNGA STAGIONE DEL CINEMA BRITANNICO : L'industria cinematografica britannica dovette a lungo
competere con quella americana per acquisire una propria identita : dal 1927 il quota Act stabiliva che una parte della
programmazione venisse riservata ai film anglossassoni parte destinata ad aumentare nel corso del decennio.
British National film 1934 / British International Picture
Hitchcock : The man who knew too much 1934
David Lean : Lawrence d'Arabia 1962, Oliver Twist 1948
Laurence Olivier : Henry V 1944 / Hamlet 1948
L'affluenza nelle sale continuo ad aumentare anche dopo la guerra fino a toccare il massimo storico nel 1946 : la
produzione di film ingleso cresceva e molti erano di qualità sufficiente a essere popolari nel Regno Unito e competitivi
all'estero. I produttori inglesi continuarono a discutere se fosse preferibile produrre film ad alto budget destinati
all'esportazione o film meno costosi indirizzati al mercato interno.

13.4 Un neorealismo spagnolo

La Spagna, in cui il generale Franco aveva instaurato una dittatura nel 1939 , fu partcolarmente sensibile all'influenza
del neorealismo italiano. L'industria cinematografica era controllatta da un ministero che censurava me sceneggiature
prima delle riprese, imponeva il doppiaggio di tutti i film nella li,gua castigliana e aveva creato un monopolio statale su
cinegiornale e documentari. : drammi sulla guerra civile, saghe storiche, film religiosi e adattamenti letterari come Don
Quixote de la Mancha di Rafael Gil 1947 che paragonava l'eroe idealista di cervantes a Franco. Inoltre l'industria
sfornava musical popolari, commedie e film sulle corride + film a basso costo come Surcos si Nieves Conde 1951 che
affrontavano problemi sociali, spesso proponendo riprese in luoghi reali e attori non professionisti alla maniera
neorealista.
1947 = Scuola di cinema anche IIEC
L'impatto immediato del neorealismo è evidente in particolar modo nell'opera dei due registi spagnoli piu noti degli
anni Cinquanta, Berlanga e Bardem "B&B" : Benvenuto Mr Marshall 1951
Di enorme successo in Spagna, il film era una satira del crescente strapotere americano, lanciava stoccate ai prodotti di
Hollywood e al folklore spagnolo, e si appellava benevolmente all'unità popolare.
Mentre le opere di Berlanga, Bardem e altri si guadagnavano l'attenzione internazionale, In Spagna cominciava a
muovere i primi stentati passi una cultura cinematografica alternativa. La presa di posizione gli costo l'arresto sul set di
calle Mayor, il regista fu liberato solo dopo le proteste internazionali.
Viridiana 1961 vinse la Palme d'Oro al Festival de Cannes, ma poi alcuni alti prelati lo dichiarono blasfemo e il governo
spagnolo proibi quello che era il piu celebre film nazionale del dopoguerra. Gli esperimenti del neorealismo spagnolo
erano finiti.

13.5 Dreyer e la rinascita scandinava

Finita la guerra, le cinematografie danese e svedese beneficiarono della rapida crescita dei rispettivi Paesi, divenendo le
piu vitali della Scandinavia. Il bando nazista sulle importazioni dai Paesi alleati fu di sprone alla produzione interna. A
parte Dreyer, i cineasti scandinavi piu famosi del dopoguerra erano svedesi. Henrik Ibsen o August Strindberg. / Fröken
Julie 1951 / Sjöberg aggiunge alla tradizione del Kammerspiel un'ambiguita che nasce dalla manipolazione filmica dello
spazio e del tempo.

XIV. Il cinema come arte e l'idea di autore

-> ritorno al dibattio culturale degli anni Venti e che riguardavano la soggettività e lo statuto dell'autore. Il concetto
romantico dell'artista come genio creatore entrava in conflitto con una tecnica, quella cinematografica, che ne
condizionava fortemente l'operato con la presenza di una pluralita di figure coinvolte nel processo produttivo,
limitantdo cosi l'autonomia dell'artefice. Tuttavia, il dibatto teorico - memore delle riflessioni succedutesi nella
stagione delle avanguardie - si occupo con forza del problema, riconoscendo la paternità artistica dell'opere proprio a
partire dalla consapevolezza della specificita del linguaggio filmico. Le riflessioni della critica francese, poi accolte da
quella internazionale, aprirono la strada a una nuova considerazione dell'autore, affermatasi anche grazie all'attività
di numerosi cineasti in tutto il mondo.

14.1 Nascita e sviluppo della teoria dell'autore

Fin dalla metà degli anni Quaranta, registi e sceneggiatori francesi avevano discusso su chi potesse a buon diritto essere
considerato l'auteur di un film.
Sotto l'occupazione = l sonoro = l'era dello sceneggiatore.
I piu giovani tra i critici dei Cahiers Du Cinema - Eric Rohmer, Claude Chabrol, Godard eTruffaut - iniziarono a
forzare l'idea di auteur fino alla provocazione. Il primo scandalo scoppio nel 1954 con il saggio di Truaffaut intitolato
Un Certaine Tendance du Cinema Francais, che attaccava i film della tradizione di qualita riduceva il ruolo dell'autore a
meteur en scène, a quello cioè di un semplice esecutore. Truffaut cito anche alcuni auteurs genuini : renoir, Bresson,
Cocteau, Tati... e altri che scrivevano da soli le storie e dialogo = L'idea di autore è emersa dalle posizioni di Truffaut.
Alcuni dei piu giovani critici dei Cahiers si spinsero oltre, sostenendo che i grandi registi di Hollywood erano riusciti a
esprimere la loro visione della vita senza poter intervenire sulle scenaggiature.
I critici fedeli alla teoria dell'autore intendevano esaminare un film come prodotto di creazione analogo al romanzo : il
film poteva essere letto come espressione delle idee di un regista sulla vita. Il fatto di considerare un autore come tale
di consentiva di individuare elementi comuni nei suoi film. Punto cardinale della teoria era la tesi di Renoir, secondo la
quale un cineasta si limita a fare e rifare uno stesso film : soggetti ricorrenti, temi, immagini, scelte stilistiche e
situazioni narrative arricchivano una filmografia rendendola coerente e unitaria, e la conoscenza degli altri film di un
autore poteva aiutare lo spettatore a capire meglio quello che stava guardando al momento.
Il concetto di autore tendenva infine a promuoverelo studio dello stile, se un cineasta era un artista, la sua arte si
rivelava non solo rispetto a che cosa diceva, ma a come lo diceva, il cineasta doveva avere il controllo del mezzo z
sfruttarlo in modi sorprendenti e innovativi. I critici distinguevano i registi in base all'uso della macchina da presa,
dell'illuminazione e di altre tecniche. Questa idea di autore si sposso felicemente negli anni Cinquanta e Sessanta con la
maturazione del cinema come arte : la maggior parte dei registi piu prestigiosi scriveva le proprie scenaggiature e tutti
seguivano temi e scelte stilistiche personali. Tati, Antonioni e altri divennero firme che attestavano una differenza della
loro opera dalla massa del cinema comune. Oggi l'idea di autore è un concetto ormai acquisto e anche le recensioni dei
quotidiani di solito accreditano il film al regista. La politique des auteurs contribui fra l'altro a conferire al cinema
dignita accademica.
14.2 Luis Bunuel
Secondo bazin "il grande surrealista" del cinema, impegnato a sferrare l'attaco ai valori borghesi con immagini di
selvaggia bellezza. Un chien andalou 1929 / L'âge d'or 1930 / Le Hurdes 1932
Bunuel inizio il cosidetto "periodo francese" e fu pronto a sfruttare le convenzioni del cinema d'autore europeo : il misto
di realtà e fantasia in Belle de Jour 1967 o Le charme discret de la bourgeoisie 1972.
Alcuni di questi flm ottennero notevole successo nel circuito d'essai, a fine carriera, il vecchio anarchico era diventato
un esempio di autore moderno capace di intrattenere le masse.
Lo stile di Bunuel è piuttosto diretto, basato su una moderata profondita di campo, pochi movimenti di macchina e una
messa in scena semplice, cio rende ancore piu intense le immagini suggetsive che turbano le convenzioni in fatto di
religione o sessualita. La modernita del cinema di Bunuel emerge anche dai suoi esperimenti con la struttura narrativa ;
i suoi film sono ricchi di ripetizioni, disgressioni e transizioni tra realta e fantasia

14.3 Ingmar Bergman

Per molti critici e spettatori, il cumile della carriera di Bergman fu una portentosa trilogia di film Kammerspiel.
Nara Livet 1958 : Qui Bergman utilizza il piano ravvicinato a scopi squisitamente teatrali, intensensificano l'attenzione
dello spettatore.
Bergman fu considerato un grande regista a partire da Junkfrukällen 1968 e Skammen 1968
Nei suoi film egli ha riservato sogni, ricordi, sensi di colpa e fantasie : eventi della sua infanzia ricorrono in molte sue
opere, dalle piu vecchie fino . In tal modo è diventato di dominio pubblico il mondo privato di Bergman, in cui
coabitano ma balia e la severa figura paterna, l'uomo di mondo cinico e l'artista visionario e tormentato : sono parabole
dominate da infedelta, sadismo, delusione, perdita di fede, paralisi creativa e angosciata sofferenza, ambientate in un
freddo panorama insulare, una soffocante stanza da disegno o un palcoscenico ferito dalla luce.
La sue tecniche di messa in scena e di ripresa sono di norma al servizio dei valori drammaticii delle sue sceneggiature :
i film degli anni Cinquanta utilizzano profondita di campo e piani sequenza per scene di intensa rflessione psicologica.

14.4 Akira Kurosawa

Kurosawa realizzo una serie di film su problemi sociali : il crimine (Nora Inu 1949), la burocrazia (Ikiru 1952), la
guerra Nucleare (Ikimono no kiroku 1955) o la corruzione dell'alta finanza. Quasi tutti i film di Kurosawa avevano per
protagonista il fiero e minaccioso Toshiro Mifune.
L'attegiamento relativista nei confronto della verita lo inserisce di diritto nella tradizione emergente del cinema come
arte. L'impegno sociale di Kurosawa, la sua tendenza al sentimentalismo e all simbolsmo, il fiuto nello scegliere
progetti prestigiosi, il virtuosimo tecnico e il perfetto tempismo della sua apparizione sulla scena internazionale lo
resero il piu celebre tra i grandi registi giapponesi. Molti dei suoi film furono rifatti a Hollywood. Star Wars di George
Lucas nel 1977 deve parte della trama a la Fortezza nascoa.
Nei film di Kurosawa un umanitarismo eroico prossimo ai valori occidentali : la maggior parte è centrata su uomini che
reprimono le pulsioni egoistiche lavorando per il bene altrui, una visione morale, che da forma a opere.
Nei primi annii del dopoguerra Kurosawa si impose in tre generi - l'adattamento letterario, il ilm su problematiche
sociali e il jidai-geki - tutti risolti con l'approccio diversificato alla regia tipico dei cineasti giapponesi. Subito dopo la
guerra, forse per l'influenza di svariati film americani, Kurosawa adotto uno stile piu wellesiano in inquadrature dotae di
notevole profondita di campo.

14.5 Frederico Fellini

André Bazin era già in grado di individuare nella sua opera una rete rete di immagini ricorrendi : la statua dell'angelo.
La conclusione di Bazin, ossia l'idea di un simbolismo inesauribile, è ampiamente confermata dal complesso della
carriera del regista : i film ritornarno irresistibilmente al circo, al caffè-concerto, alla strada desolata, a piazze deserte
nel cuore della notte...Molti sono i personaggi ricorrenti, dal matto che riveste un ruolo di collegamento con il divino al
maschio narcisista, dalla figura laterna alla puttana voluttuosa, non mancano mai parate, feste, spettacoli - seguiti di
solito da albe tristi e illusioni infrante - e alcuni momenti magici che offrono una scheggia di mistero.
L'abilita di Fellini nel creare un mondo personale fu l'elemento centrale della sua farma fra gli anni Cinquanta e
Sessanta.
- La strada 1956 vinse l'Oscar : Prima ancora di essere un road movie, il film è un fiaba, in cui la poverta
dell'ambientazione solo in apparenza si ricollega al disagio sociale dei film neorealisti. I tre protagonist i : Gelsomia,
Zampano, Matto... - non sono solo espressione dell'Italia del secondo dopoguerra, ma assumono piuttosto i connotati di
personaggi da commedia dell'arte. Il mondo del circo, a cui Fellini è sempre stato legato per ragioni biografiche,
costituisce lo sfondo ideale per l'esplorazione dei conflitti esistenziali di vagabondi ai margini della societa.
I film di Fellini sono apertamente autobiografici. Ma Amarcord non è semplicemente un placido ritorno alla sua
adolescenza, ma anche un tentativo di mostrate in che modo il regime di Mussolini soddisfacesse le esigenze immature
degli italiani, La citta delle donne è una reazione al movimento femminista, mentre Prova d'Orchestra descrive il crollo
della vita contemporanea sotto l'oppressione dell'autorita e la minaccia del terrorismo. Fellini propone una critica
sociale secondo la propria sensiblità , un atteggiamento che emerge chiaramente in Ginger e Fred 1986, dove il regista
attacca la superficialità della televisone e celebra l'anima calda dei piccoli spettacoli di due ballerini degli anni Trenta.
- La Dolce Vita riceve la Palma d'Oro a Cannes
- 8 1/2 vinse anche Oscar
Un'altra caratteristica è l'impiego massiccio del doppiaggio, in modo da mantenere il controllo totale del dialogo e degli
effetti sonori.

14.6 Michelangelo Antonioni

Antonioni divenne noto piu tardi di Fellini con film giudicati cerebrali e pessimisti, ma che per tutti gli anni Sessanta
contribuirono a definire il cinema moderno europeo.
Il suo film piu famoso fu L'avventura 1960.
Antonioni accetto quindi un contratto con la MGM per tre film in inglese : il primo, Blow Up 1966, premio ampiamente
la fiducia di Hollywood conquistando stima e successo commerciale in tutto il mondo, al contrario Zabrickie Point 1970
e dopo Professione : reporter 1974.
I suoi primi film contribuirono a spostare l'attenzione dal neorealismo verso un'analisi intima e psicologica condotta con
uno stile severo e antimelodrammatico, descrivendo il malessere esistenziale, visibile soprattutto nelle classi sociali
elevate come indifferenza ed estraneita rispetto al mondo.
Un cliché critico su Antonioni - il tema dell'incomunicabilita - acquista significato all'interno della piu ampia
considerazione di come nel mondo contemporaneo tutte le realzioni personali siano avvizzite.

14.7 Robert Bresson

L'interesseper le redenzione spirituale, caratteristico di Bresson, emerge in forma gia matura nel rapporto tra una suora
ribelle e un'assassina, che si aiutano l'una con l'altra a trovare una pace imprevedibile; anche l'austero stile visivo
anticipa la opere successive del regista.
Un condamné à mort s'est échappé 1956.
I film di Bresson mostrano poco, ma suggeriscono molto : spesso gli eventi piu importanti avvengono fuori capo, e
lesue insistenti inquadrature ravvicinate su piedi, mani e altri dettagli lo portano a ommettere il contesto ambientale. A
metà degli anni Sessanta i suoi film diventano piu pessimisti. Bresson sembra volgersi ai problemi ratici, anche
sessuali, frequenti nei giovani nella societa moderna, portando i suoi personaggi alla disperazione e perfino al suicido in
Au hasard Balthazar.
Mouchette 1967 / Au hasard Balthalzar 1966 / Lancelot du lac 1974

14.8 Jacques Tati

Negli anni Tranta tati divenne mimo e acrobata del vaudeville. Tati è uno dei grandi clown della storia del cinema e uno
dei registi piu innovativi. I suoi film sono privi di trame strutturate : le cose si limitano ad accadere, una dopo l'altra,
senza una logica particolare, in un accumulo di eventi minimi, persino banali. Essi sono commenti satirici sui riri della
vita moderna :l le vacanze, il lavoro, la casa, il viaggio, anarchico dichiarato, il regista credeva nella libertà,
nell'eccentricita e nell'allegria. Giorno di festa è ambientato in un villaggio di campagna, in occasione di una festa
annunciata dall'arrivo di giostre e carrozzoni.
L'unità di tempo e di luogo, il contrasto fra una monotona routinr ed esplosioni di allegria e divertimento, il personaggio
zelante che disturba la vita di tutti e l'ammissione che solo i bambini e gli eccentrici conoscono il segreto del
divertimento sono tutti elementi che sarebbero riapparsi nelle sue opere successive. Mon oncle 1958 : le finestre di una
casa di gusto moderno sembrano spiare i passanti e le tubature di plastica che emergono da una fabbrica diventano un
enormo serpente...denunciazione dell'alienazione urbana
Jour de fête 1949 / Les vacances de Mr Hulot 1953
Puo apparire un paradosso, ma la lo è solo in apparenza : Tati è stato definito il piu grande attore di muto al tempo del
parlato - Guerand. Il suo cinema è fatto di situazioni e personaggi che non vengono raccontati attraverso la parola, ma
solo grazie a immagini sonore di notevole effetto comico. Questi aspetti trovano una loro piena attuazione nello
sfortunato Playtime 1967, a cui Tati si dedico per tre anni lavorando alle riprese in una città futuristica costruita
apposta per il film : Tattiville.
14.9 Satyajit Ray
14.10 Yasujiro Ozu

XV. Nouvelles Vagues e nuovo cinema 1958 – 1967

Alle fine degli anni cinquanta il cinema si trovava in condizioni molto favorevoli a un rinnovamento in tutto il mondo.
In Europa la liberazione sessuale, la musica rock e le nuove mode divennero i simboli della nuova generazione. Nel
periodo 1958-11967 le case di produzione favorirono l'esordio di giovani registi, mentre proliferavano le scuole
professionali di cinema : a quelle già esistenti in Unione Sovietica, Europa dell'Est, Francia e Italia si affiancarono
strutture statali in Olanda, Svezia, Germania Est, Danimarca... La nuova generazione accelero il processo di
internazionalizzazione della cultura cinematografica : i cinema d'essai e i ciné-club si multiplicavano, mentre la lista
delle città che ospitavano festival internazionali si estendeva sensibilmente.

15.1 Nuove tendenze formali e stilistiche

Il nuovo cinema è un disordinato assortimento di cineasti molto diversi, le cui opere di solito non presentano alcuna
unita stilistica. Elementi per la nascita di un Nuovo cinema :

- La nuova generazione era la prima ad avere una profonda consapevolezza della storia del cinema : La cinémathèque
Francaise, Il National Film Theatre, il MOMA.. = templi per giovani spettatori desiderosi di scoprire il cinema mondiale
+ . Le scuole di cinema proiettavano e studiavano i classici e alcuni registi piu anziani divennero autentici padri
spirituali come Renoir ou Lang = I giovani registi assorbirono in particolare l'estetica del neorealismo e del cinema
d'arte degli anni Cinquanta, raccogliendone l'eredita.
- Epoca dei innovazioni delle apparecchiature cinematografche ; macchina senza bisogno di cavalletto, mirini reflex,
pellicole piu sensibili... diventava possibile di girare in presa diretta per registrare il rumore d'ambiente del mondo reale
e la vita exteriore.
- Contesto sociale e politico: molti cambiamenti, emancipazione delle donne, rivoluzione sessuale, libertà, maggio 68,
quelli di sinistra prendono il potere, la speranza, le richieste, l'importanza della condizione lavorativa, i conflitti di
generazione, l'importanza della gioventù + Nuovi media come la TV che compete con il cinema, molti studios vicini e i
giovani registi preferiscono poi girare per la strada, più vicini alla vita e alla verità, il nuovo cinema = un cinema senza
artificio → questo cinenma = missione di documentare il mondo e la società
- Innovazione del stile : Se gia nel cinema dopoguerra la narrazione secondo rapporti di causa-effetto era stata
soppiantata dalla ripresa di eventi causal + attori non professionalisti + improvisazione. In questo periodo si affermo
anch il realismo soggettivo tipico del cinema d'autore. I flashback vennero utilizzati per intensificare una percezione
delloo stato mentale dei personaggi come in Hiroshima Mon Amour di Alain Resnais 1959 : mentre proliferavano le
scene fantastiche e oniriche. Le immagini mentali divvenero piu frammentarie e desordinate di quanto non fosse
accaduto nel cinema del passato : la narrazione poteva esser interrotta da squarci di realta riconducibili a ricordi, sogni
o fantasie. Anche la tendenza a inserire il commento dell'autore continuo a manifestarsi.
- Il cinema di fiction conquisto negli anni sessanta una notevole loberta espressiva (primi piani, campo contro campo..).
Un stile ruvido, vicino al documentario si sviluppo dove i giovani registi sfruttarono anche le potenzialità del montaggio
frammentario e discontinuo :
Esempio :A bout de souffle1960 = film emblematico della modernità. Per la realizzazione di A bout de souffle di Jean
Luc Godard si affida a un inconsueto modo di produzion : l'abbattimento dei costi di lavorazione si rivela infatti un
requisto indispensabile per garantire al regista un'autonomia espressiva, per essere piu vicino della verita, o la volonta
di girare in luoghi autentici, senza rimanere confinati in ambienti ricostruiti appositamente in studio, e l'utilizzazione
dell'illuminazione naturale...= 'effetto di spontaneita e immediatezza → Come se si trattasse di realizzare un reportage
piuttosto che un film di finzione. Inoltre la rinuncia ad affidarsi a una sceneggiattura da rispettare rigorosamente trova
un suo logico prolungamento nell'apporto fornito dagli attori, ai quali Godard chiede di partecipare alla stesura dei
dialoghi + brevi piani o piano-sequenza

15.2 Francia : Nouvelle Vahue e cinema nuovo

-> LA NOUVELLE VAGUE
Nella Francia degli ultimi anni Cinquanta la nuova generazione destinata a occupare resto una posizione preminente fu
ribattezzata NOUVELLE VAGUE ed era in gran parte composta da avidi lettori o critici di riviste come Les cahiers e
frequentatori Ciné Club e cinema d'Essai. Erano anche fedelissimi alla politica degli autori e convinti che il regista
dovesse esprimere una visione del mondo personale anche attraverso lo stile.= Un pubblico insomma, pronto per film
meno conformisti o tradizionali .
- La NV si impose con 4 film usciti : Le beau Serge e Les cousins - 1958 Claude Chabrol esploravano la disparita fra
la vita rurale e quella urbana nella nuova Francia // Les Quatre cent coups - 1959 Truffaut sensibile ritratto di un
giovane ladro fuggiasco, vinse a cannes il prrmio per la miglior regia e impose la NV nel mondo. // A bout de souffle =
il piu innovativo.
=> 1959 era l'anno della modernita.
Gran parte del sucesso = il pubblico giovane e metropolitano, grazie anche ai attori come Belmondo, Karina, Jeanne
Moreau …...e registi come Eric Rohmer : Ma nuit che Maude 1969, Le Genou de Claire 1970./ Jacques Rivette :
L'amour fou 1968, Jcques Demy : piu stilizzati come La baie des anges 1963 i film inaugura, nel ricorso a scenografie
e costumi artificiali, quella che sarebbe stata la cifra del regista. Ancor piu lontano dal realismo = Les parapluies de
Cherbourg 1964 in cui tutto il dialogoè cantato : la colonna sonora pop di Michel Legrand o Les demoiselles de
Rochefort 1967 un omaggio ai musical della MGM.
I registi della NV furono i primi a riferirsi sistematicamente al cinema del passato come patrimonio culturale da far
rivivere nei film : a una festa in Paris nous appartient di Jacques Rivette si proietta Metropolis.

--> LE GROUPE RIVE GAUCHE

La fine degli anni Cinquanta porto alla ribalta un altro gruppo eterogeneo di cineasti, noti come autori della Rive
Gauche. Mediamente piu anziani e meno cinefili di quelli dei Cahiers, tendevano ad assimilare il cinema ad altre arti, in
particolare alla letteratura e alcunii di loro : Resnais, Agnes Varda, Franju...
Anche il loro cinema, comunque, era d'impronta moderna e legato all'interesse del pubblico giovane per la
sperimentazione. La pointe courte 1955 – Agnès Varda o L'année Dernière à Marienbad 1961 – Alain Resnais sviluppo
ulteriormente l'ambiguità della comunicazione : fantasia, sogno e realtà si mescolano nella vicenda di tre personaggi che
si incontrano in un lussuoso albergo, X,A,M, Les yeux sans visages 1959 – Georges Franju...
Il successo della NV e della RG duro soltano pochi anni e alla lunga non servi ad arrestare il calo di spettatori nelle sale
francesi. Nel 1963 il cinema nuovo non vendeva piu : esordire nelle regia torno a essere difficile come dieci anni prima
→ alternativa : Claude lelouch Un homme et une femme 1966 ricorreva a tecniche della NV per abbellire una storia
d'amore tradizionale.

=> Il successo della NV e della RG duro soltano pochi anni e alla lunga non servi ad arrestare il calo di spettatori nelle
sale francesi. Nel 1963 il cinema nuovo non vendeva piu : esordire nelle regia torno a essere difficile come dieci anni
prima.
 15.3 Il giovane cinema italiano
A cavallo tra gli anni Cinquanta e Sessanta l'industria del cinema italiano era in condizioni di gran lunga migliori di
quella francese. Le importazioni americane diminui e i film italiani come commedie, film d'horror, film epico mitologici
erano numerose in tutto il mondo.
Gli autori piu in vista erano Fellini e Antonioni, ma l'espansione dell'industria favori l'esordio di dozzine dinuovi
registi : molti di questi si dedicarono ai generi popolari, altri manifestarono uno stile personale e alcuni tra i piu giovani
registi piu impegnati politicamente accentuarono l'impulso del neorealismo alla critica sociale.
Esempio : La battaglia di Algeri 1966 uno dei piu importanti contributi di questa tendenza : il film, una sorta di semi
documentario ricostruito, si ispira alle convenzioni del Cinema Vérité per rendere con immediatezza la guerra
d'indipendenza algerina ma, come nei film di Rossi, rivela l'influenza di Resnais e di altri sperimentatori nel ricorso a
una complessa costruzione affidata a flashback.

- Uno sviluppo radicale dei presupposti della modernità è presente nell'opera di Pasolini. Marxista non ortodosso,
omosessuale, non credente ma imbevuto di cattolicesimo, suscito accessi dibattiti nella cultura italiana passando al
cinema dopo aver gia raggiunto la popolarità come poeta e romanziere e aver collaborato a diverse sceneggiature, in
particolare a quella di Le notti di Cabiria di Fellini 1957. L'uso di una sintassi filmica sgrammaticata e di attori che
erano "ragazzi di strada" fa di Accattone 1961 e Mamma Roma 1962 gelide analisi della poverta urbana.
Questi film furono salutati come un ritorno al neorealismo, ma il modo in cui Pasolini descrivere l'ambiente è intriso di
Selvaggia violenza e insieme di onirismo. Pasolini accusava il neorealismo di offrire un realismo solo superficiale. La
sua opera artistica e intellettuale, eclettica e politicamente impegnata, ha segnato la critica. Conosciuto in particolare per
il suo impegno nei confronti del suo lavoro, provoca spesso forti polemiche e provoca dibattiti sulla radicalità delle idee
che esprime lì. È molto critico, in effetti, nei confronti della borghesia italiana, del fascismo e della società consumistica
emergente.
Ne Il vangelo secondo Matteo 1964 con un sogetto biblico, Pasolini fa di Gesu un predicatore di energia ferina e spesso
impaziente, indulagiando sui tratti contorti.
Nelle opere successive riconducibili a questo stesso filone, Pasolini divenne ancora piu sarcastico e provocatorio come
con Teorema 1968, la storia di un giovane enigmatico e affascinante che giunge in una casa borghesa. L'ultimo suo film
Salo o le 120 giornate di Saloma 1975, mette in scena i giorni conclusivi del fascismo italiano come uno spettacolo
ispirato all'opera del marchese de Sade.
Se pasolini, scrittore sperimentale divenuto cineasta, ricorda in qualche modo Robbe-Grillet

- Bertolucci è l'equivalente italiano dei registi della Nouvelle Vague. Il suo film il piu famoso è Prima della Rivoluzione
1964. Evitando le fratture radicali di Godrad, Bertolucci firma opere tecnicamente impeccabili, qualita che sara alla
base sei suoi successi negli anni Settanta e Ottanta. Il conformista 1970 = è forse il prototipo del film d'arte
politicizzato.

- Ma crisi nel 1965 l'industria si lancio in produzioni a basso budget che esploravano generi nuovi come l'erotismo e le
imitazioni di james Bond : Sei donne per l'assassino 1964.

- Ma il genere italiano di maggior successo internazionale fu quello poi definito nei Paesi anglofoni "spaghetti
western", il cui esponente principale fu Sergio Leone : Per un pugno di dollari, Per qualche dollaro in piu, il buono, il
brutto e il cattivo sono rimasti i prototipi del western all'italiana sul modello hollywoodiano I western di Leone sono
all'insegna di un crudo realismo - città malsane, poncho l uridi e una violenza molto piu efferata di quanto gli spettatori
avessero mai visto - ma tra le loro caratteristiche vi è anche uno splendore quasi operistico e con ironia. Anche se leone
si mantenne all'interno di un target popolare, il suo modo ricco e personale di reinventarne le convenzini si rivelo
altrettanto importante rispetto agli sforzi di quei registi d'essai che avevano rivisto e sfidato la tradizione neorealista.

15.4 Regno Unito : Il cinema del Kitchen Sink

Il cinema inglese reagì al declino delle presenze in sala con nuovi generi. La Hammer Film - una piccola casa
indipendente divenne all'improvviso popolare con una serie di film d'horror di grande successo in tutto il mondo La
mummia 1959. La moda dell'horror apri la strada a uno dei piu insoliti film del periodo Peeping Tom di Michael Powell
1960 : il film esplora la radici della violenza sessuale con una complessità insolita per l'epoca, e solleva la questione di
come il mezzo cinematografico possa eccitare gli impulsi erotici.
Se l'horror costituiva la parte piu vistosa del cinema di cassetta, la tendenza del Kitchen sink fu l'equivalente britannico
della NV. I suoi registi principali emerso dal gruppo del Free Cinema. A metà degli anni Cinquanta apparve una serie di
opere di teatro e di narrativa incentrate su lavoratori ribelli, che rifletteva una precisa coscoenza di classe, dando luogo
alla tendenza dei giovani arrabbiati : John Osborne Ricorda con rabbia di Tony Richardson 1956 = sobrio realismo deve
moltissimo alle riprese in ambienti autentici. Ma Il Kitchen sink non ebbe lunga vita. Lo sono un campione fu un fiasco
e il successo inatteso di un altro - e assai differente - film della Woodfall spinse cineasti verso direzioni diverse.
Abbandonato il crudo realismo, Richardson adatto in Tom Jones 1963.
Abbandonata la vita dei lavoratori nelle città industriali, i cineasti iniziarono a ritrarre quella della swinging london : gli
abiti inglesi e il rock britannico divennero di gran moda e Londra fu vista come la capitale del trendy, della mobilità
sociale e della liberazione sessuale. Un serie di film sulla superficialità della vita mod ebbe fortuna nei cinema d'essai di
tutto il mondo. Per esempio, in darling di John Schlesinger 1965 una spensierata e superficiale modella sale i gradini
della scala sociale con una serie di amori

15.5 Il nuovo cinema tedesco

La Repubblica Federale tedesca nel secondo dopoguerra era diventata una zona soggetta all'influenza del cinema
americano, anche se le produzione nazionale iniziava a riprendere quota. Il genere piu popolare era l'Heimat Film
incentrato su storie d'amore di provincia.
Alcune opere descrissero con impegno il conflitto bellico e i suoi effetti. Der Verlorene di Peter Lorre 1951 fa uso di
Flashback per presentare un dottore ossessionato dai delitti commessi durante la guerra. Il film, come molti dell'epoca,
ricorre a macabri giochi di specchi e di ombre.
Inoltre i primi anni del dopoguerra videro sorgere il Trümmerfilm, che affrontava il tema della problematica
ricostruzione della Germania. Solo alle fine degli anni Cinquanta qualche cineasta oso occuparsi della pesante eredità
del nazismo : Kirmes 1960 di Staudte, mostrano ex membri delle SS che prosperano durante il miracolo economico
tedesco.
Rispetto all'industria cinematografica, alcuni autori nazisti come leni Riefenstahl non poterono piu lavorare, mentre
altri furono riabilitati. Nel Febbraio 1962 al Festival di Oberhausen emersero i nuovi fermenti della Geramania
occidentale : ventisei giovanni autori firmarono un manifesto dichiarando la morte del vecchio cinema 'Papas Kino →
1965: Commissione per il giovane cinema tedesco.
Il nuovo cinema tedesco strinse inoltre alleanze scrittori sperimentali per un cinema d'autore che, a differenza di quello
francese, mirava a una qualita letteraria.

15.6 Nuovo cinema nell'URSS e nell'Europa dell'Est

Al termine della seconda guerra mondiale il Partito comunista riaffermo rapidamente il suo dominio sulle arti e il
realismo sociaista divenne, se possibile, ancora piu restrittivo di quanto non fosse stato negli anni Trenta. Ivan il
Terrible di Eisenstein 1944 o la conjiura dei Boiardi furono proibiti.
La maggior parte dei registi degli anni venti fu costretta all'inattivita, Frattanto emerse una nuova generazione di autori
che aveva contribuito al realismo socialista, tra i quali il georgiano Michail Ciaureli che con Kljatva 1946 porto la
venerazione per Stalin ad altezze vertiginose. I film magnificavano le figure le figure dei leader per non incorrere nella
censura, ma cio determino la stagnazione della produzione.
La morte di Stalin nel 1953, a cui fece seguito il periodo del cosidetto disgelo, determino notevoli cambiamenti anche
nell'industria cinematografica che amplio la produzione e il ventaglio dei generi cinematografici.
Anche se diversi registi della vecchia generazione continuarono a produrre opere di propaganda, il genere bellico
comincio a essere affrontato in una luce nuova. Verso la fine del decennio altri film di guerra rappresentarono una
tendenza verso un nuovo umanitarismo.
Il piu celebrato dei giovani registi fu Andrej Tarkovskij. Come molti suoi coetanei, Tarkovskij si interesso al cinema
d'arte europeo. Ivano detstvo 1961 - vinse il Loro d'oro a Venezia. e divenne uno dei film sovietici piu ammirati degli
anni sessanta.
L'ambiguita è tipica del cinema artistico degli anni Sessanta : la sequenza finale potrebbe essere l'ultimo sogno di Ivan
oppure una libera elaborazione. dei fatti o il commento dell'autore.
Ma 1964 Kruscev = controllo sulla cultura.
Nonostante, le pressioni politiche, molti film dell era brezneviana affrontano temi di particolare interesse oer i giovani e
gli intelletuali. // L'industria e il partito produssero invecce il colossale Guerra e pace di Bondarcuk 1967 ed ebbe
enorme successo nei mercati esteri.
Del dopoguerra al nuovo cinema
Il cinema dell'europa orientale - progressivamente entrata nella sfera d'influenza dell'Unione Sovietica - inizialmente
imitava la struttura sovietica : produzione centralizzata e sceneggiature approvate dal Partito che controllava anche la
distribuzione e l'[Link] che i partiti comunisti raggiungessero il controllo totale, alcuni registi di sinistra ebbero
modo di tentare varie strade, come nella DDR il film di rovine Die mörder sind unter uns di Staudte [Link]
sciovinismo russo dell'Unione Sovietica trovo i suoi equivalenti europei in saghe storico - patriottiche revisionate per
corrispondere alla linea politica.
→ Il nuovo cinema polacco : Negli anni cinquanta la scuola polacca produsse il cinema piu importante dell'Europa
dell'Est, conquistando riconoscimenti in Europa : Munk o Polanski : Alcuni fra i nuovi registi evitarono uno stile
realista optando per un approccio decisamente drammatico e dallo stile vistoso come Roman Polanski.
--> Il nuovo cinema cercoslovacco : Conoscevano il neorealismo, la scuola polacca e La NV, e subivano in qualche
misura l'influenza del cinema diretto : ma ad accomunare i vari autori erano, piu che lo stile, le condizioni di lavoro, le
preoccupazioni tematiche e il bisogno di allontanarsi dalle formule del realismo socialista.
Una tendenza commune eta quella verso il realismo artistico come Il grido dii Jires 1963
Con il processo di normalizzazione conseguente all'invasione della Cecoslovacchia deciso dall'URSS, i funzionari
bandirono qualsiasi film che richiamasse lo spirito di critica sociale tipico della primavera di Praga. Anche i film di
Milos Forman propongono una critica sociale caustica. : Cerny Petr 1963.
Menzel, Passer, Forman, Nemec e Vera Chytilova sono i piu celebri registi della nuova generazione, ma ve ne furono
anche molti altri che contribuirono in modo importante al rinnovamento del cinema ceco.

15.7 Il nuovo Cinema giapponese

Fin dalle origini, il cinema giapponese conobbe un notevole sviluppo al quale contribuirono le due società principali, la
Nikkatsu e la Shochiku : il successo dipendeva da fattori quali la concentrazione verticale dell'intera catena produttiva e
distributiva, gli investimenti delle grande compagnie in altri rami dell'industria dell'intrattenimento, l'elevata domanda
da parte del pubblico urbano. I primi lungometraggi giapponesi attingevano dalla drammaturgia nazionale dando vita a
due generei principali. Il jidai-geki, o film storico, si rifaceva al teatro kabuki, in particolare nei filmricchi di lotte
marziali acrobatiche e dicoraggiosi samurai. / Il gendai-geki era, invece , il genere relativo alla vita contemporanea :
molto spesso si trattava di melodrammi d'amore e di vita familiare e costruiti sul modello dei drammi occidentali del
diciannovesimo secolo.
Importanza della convenzione del kabuki di far recitare i ruoli feminili da attori di sesso maschile. I film erano
accompagnati da un commentatore chiamato katsuben o benshi, il quale spiegava e commentava le vicende e recitava i
dialoghi. Per questo motivo il Giappone si converti piuttosto tardi al sonoro. Evitando la rigida divisione dei compiti
praticata a Hollywood, la Shochiku e la Nikkatsu avevano sviluppato un sistema che lasciava al regista e allo
sceneggiatore un notevole controllo sui loro progetti, la Toho, invece, privilegiava la centralita del produttore.
dal 1939 il cinema fu impegnato nello sforzo bellico e l'industria si riconfiguro in rapporto alla censura e alla
propaganda nazinalistica, soprattutto nei documentari e nei film patriottici. Spesso in molti film di guerra giapponesi, il
nemico non si vede : la guerra non è una sordida lotta tra uomini, ma unaprova delle purezza dello spirito nazionale. La
consecrazione sulla scena internazionale avvene con Rashomon e con gli altri celebri autori, Ozu o Mizoguchi, che
contribuirono a richiamare l'attenzione verso gli aspetti esotici della cultura giapponese. Accanto ai film di cappa e
spada continuarono a essere realizzate le opere di ambientazione contemporanea : il genere includevafilm politici,
pacifisti e antinucleari, commedie sugli impiegati, musical, film di mostri o storie di delinquenza giovanile. La shochiku
decise cosi di favorire l'affermazione di una NV nipponica : nel 1959 il giovane aiuto regista Nagisa Oshima fu
promosso alla regia e incoraggiato a dirigere sceneggiature scritte da lui stesso Racconto crudele della giovinezza 1960
presento una vicenda truce di violenza con una tecnica audace.

15.8 Brasil : il cinema nôvo

15.9 Cinema spermentale e di avanguardia
Per il cinema sperimentale americano i primi anni Quaranta furono un momento di transizione : Hans Richter arrivo a
NY e nel 1943 fondo il city College Institute of Film techniques, dove fu supervisore di corsi dedicati a vrai generi
cinematografici. Bunuel, Duchamp... la loro presenza contribui a spronare l'America a divenire la forza trainante della
pittura moderna del dopoguerra.
Il pittore hatty Smith esploro la tecnica batik, applicando strati di vernice su pellicola 35 mm e controllandone la forma
con nastro adesivo o cerca.
Uno dei piu audaci film astratti del periodo bellico fu Geography of the body 1943 girato in 16mm da Williard Maas e
Marie Menkens, esplorazione del corpo di un uomo trasformato in un sensuale panorama di colline e crepacci mediante
l'uso di particolari.
- Astrazione, collage ed espressione personale : Le nuove forme di espressione incoraggiavano il consolidarsi di molte
tendenze del periodo pre-bellico. Le influenze dada e surrealiste proseguirono nel dopoguerra : il dadismo è visibile per
esempio nei film dei lettristi francesi cui leader Isidore Isou o Anemic Cinema di Duchamp.
- Il film astratto : I canadese Norman MacLaren sperimento una quantita di forme di animazione diverse - inclusa
quella di oggetti tridimensionali in cui si era cimentato Cohl. ALcuni film europei intendevano l'astrazione in altro
senso, disponendo le immagini in schemi rigorosi e secondo regole formulari, partendo dalle scoperte di Breer,
Kubelka formula la teoria del film "metrico" : per lui il cinema derivava dalla proiezione di fotografie in una sequenza
ritmica. Kubelka ne concludeva che l'unita fondamentale del cinema non fosse l'inquadratura ma il singolo fotogramma
e gli intervalli fra un fotogramma e l'altro.
- Il film lirico : Il fim poetico o lirico consiste nel catturare un'emozione o un sentimento personale, allo stesso modo in
cui un poeta esprime un lampo di intuizione in un breve verso. Il film lirico mira a esprimere direttamente un'emozione
o un atmosfera, riccorendo poco o nulla alla struttura narrativa.
- L'antologia sperimentale : l'antologia consiste nella raccolta e nell'assemblaggio di materiale da fonti diverse, oppure
di un rimontaggio di film altrui per esprimere un'emozione o creare associazioni metaforiche, il film d'avanguardia
rifugge da messaggi espliciti e il materiale originario viene piegato a toni satirici o scioccanti, come Traité de bave et
d'eternité di isidore Isou 1951.
- Cinema Underground : Mentre fra gli anni Cinquanta e sessanta si consolidava il cinema sperimentale sotto l'influenza
di John Cage e di altri, l'arte di avanguardia stava sovvertendo la divisione tradizionale fra l'ordine dell'arte e il
disordine della vita. Anche i confini fra le forme artistiche si andavano dissolvendo : alcuni pittori mettevano in scena
piece teatrali e trasformavano partiture musicali in creazione grafiche, altri compositori collaboravano con poeti e
ballerini . Con l'arrivo della pop art nel 1962 le nuove sperimentazioni divennero note al pubblico come mai prima. Allo
stesso tempo la cultura giovanile dei tardi anni Cinquanta stava dando luogo alla controcultura degi anni Sessanta :
molti giovani rifiutavano i valori tradizionali e sposavano il rock, le droghe che espandono la mente e ledottrine zen e
induiste. Gli artisti d'avanguardia furono automaticamente considerati parte di questa tendenza sociale e i cineasti
sperimentali si ritrovarono esponenti dell'underground. All'inizio nella communità cinemtografica il termine
underground significava solo indipendente e anti Hollywood : Stan vanDerbeck rese il termine popomare in un saggio
collage del 1961 che si riferiva a un gruppo molto variegato di cineasti.
1964 : Apri la Film Markers' Cinematheque una sorta di centro di accoglienza per film sperimentali.
Il piu noto film ndeground fu flaming creatures di Jack Smith 1963 : circa quaranta minuti di travestiti, uomini e donne
nude e altre "creature in fiamme". Il cinema underground si ispirava alle nuove mode nelle arti e nelle performance
visive , e alcuni sperimentatori assecondarono la contaminazione transmediale del mondo artistico postulando un
Expanded Cinema.
Il cineasta underground piu importante emerso dal mondo dell'arte fu Andy warhol raggiunta la fama come pittore e
autore di stampe pop e con una gran quantità di film come Sleep, Kiss, Eat... Alcuni di questi film si riallaccino a
metodi usati da Warhom nella sua arte grafica ma, trasferite al cinema, le sue strategie artistiche fecero furore.
L'erotismo e il camp fecero acquisire alle opere di Warhol una patente di undeground , ma a catalizzare l'attenzione
furono anche elementi piu radicali.
In fine nella sua rappresentazione passiva di oggetti ed eventi, l'opera di Warhol concretizzava un'estetica avanguardista
della noia.
- il cinema strutturalista : verso la fine degli anni Sessanta si manifesto un approccio piu intellettuale alla
sperimentazione . Il critico americano Sitney defini questa tendenza cinema strutturalista" e sebbene in seguito egli
stesso si penti della definizione, ben presto essa si diffuse nei circoli sperimentali di tutto il mondo. Se i registi
underground amavano affrontare soggetti scioccanti, gli strutturalisti scelsero di rivolgersi allo spettatore proponendogli
forme e strutture non narrative, e seppero coinvolgere il pubblico in un processo che lo obligava a cogliere i dettagli piu
minuti e a interrogarsi sul senso generale del film. I film strutturalisti variano a seonda dei loro principi organizzativi :
alcuni si concentrano esclusivamente su un procecsso di cambiamento graduale e invitano lo spettatore a notare minime
differenza fra un momento e l'altro, che si fonda in genere su un posizionamento statico della macchina da presa. Il piu
famoso film strutturalista = Wavelenght 196è di Micheal Snow offre una ricca contaminazione di tecniche.

Jeanne Dielman rappresenta un punto di riferimento per il cinema moderno femminista.

XVI. Caduta e rinascita di Hollywood : 1960 -1980

Mentre i proffiti derivati dai blockbuster calavano l'industria hollywoodiana cerco di attirare i giovani con film
anticonformisti. Da questo sforzo presero forma alcuni esperimenti che favorirono la crescita di un cinema d'arte
americano. All'inizio degli anni Settanta, come reazione alla virata a destra del governo, gli attivisti liberali e di
sinistra si concentrarono su problemi concreti (aborto, discriminazione razziali e sessuali, welfare e politica..), alla
ricerca di una trasformazione sociale. In molti filmsi trova traccia dello scontro fra i movimenti riformisti e le forze
conservatrici. Queste tensioni avevano come sfondo la recessione dell'economia statunitense, che chiuse l'era della
prosperita del dopo guerra. Il periodo coincide con la riscoperta dei blockbuster da parte di Hollywood e con l'ascesa
al potere dei cosidetti "movie brats", destinati a diventare i protagonisti della Nuova Hollywood.

16.1 Gli anni Sessanta : la recessione dell'industria cinematografica

Nei primi anni Sessanta l'industria Hollywoodiana poteva sembrare florida. Le major controllavano ancora la
distribuzione e quasi tutti i film campioni d'incasso passarono per le loro mani.
Lawrence d'Arabia di David Lean 1962 o Cleopatra di Joseph Mankiewicz 1963 e altri film storici rimasero in
cartellone per mesi. I musical di Broadway continuarono a riscuotere grandi successi con West Side Story di Robert
Wise – 1961 = superproduction
Film adolescenziali indipendenti come Beach Blancket Bingo di William Asher 1965 si rivolgevano al pubblico dei
Drive In. La Disney dominava il mercato dei film per famiglie con titoli di successso come 101 Dalmatians, Mary
Poppins o The jungle Book. Le major si erano ormai riappacifate con la televisione : le reti sborsavano grosse somme
per i diritti di trasmissionee dei film, mentre gli studios iniziarono a produrre opere per il piccolo schermo e programmi
seriali.
→ La crisi degli studios : onostante l'apparente prosperita, gli studios si trovarono ad affrontare numerosi problemi. La
frequenza nelle sale continuava a calare/ Televisione nelle case. Molti dei quali erano film a basso costo o produzioni
straniere che anni prima sarebbero state scartate, lamaggior parte delle major era dotata di grandi strutture, che finirono
per essere affittate come set televisivi. Grande produzioni : MGM perse quasi 20 millioni e la produzione di Cleopatra,
troppo lunga, arreco alla FOX una perdita di 40 milioni = alla fine degli anni sessanta gli studios vissero una crisi
finnanziaria.
Il declino delle major rese vulnerabili all'assorbimento da parte di gruppi piu solidi : nel 1962 la Universal vene
acquisita dalla Music Corporation of America o la United Zrtist fu comprata dalla Transamerica corporation... = Nel
1970 la disocupazione nell'industria hollywoodiana tocco il massimo storico del quaranta per cento.
Hollywood anche aveva difficoltà nel comprendere quali fossero le attese degli spettatori. Tuttavia, quando un artista
conquistava un pubblico fedele, poteva poi contare sul supporto degli studios : Dean Martin o Jerry Lewis... e la scalata
dei gener di série B prosegui con i film di spionaggio dal budget elevato : i romanzi di Ian Flzming 007 -> Goldfinger di
Guy Hamilton 1964 = grande successo o le commedie della Universal con Doris Day celebravano le strategie di
seduzione delle donne, spesso ai danni dell'ego maschile.

--> Trasformazione delloo stile classico : Molti film dei primi anni Sessanta avevano l'aspetto patinato tipico del
cinema hollywoodiano, ma vi furono registi che introdussero elementi di rottura : l'uomo del banco dei pegni di Sidney
Lumet 1965 e altri film ambientati a NY presentavano un realismo crudo, lasciando spazio a etnie diverse => divenerro
piu frequenti le riprese in ambienti esterni agli studi. La tecnica bizzara del regista subiva l'influenza della NV, degli
spot televisi e dalla commedia eccentrica inglese e il montaggio divenne piu frenetico. Un'altra tendenza ricorreva a
sequenze di immagini mute, accompagnate da canzoni pop. L'esempio piu celebre è forse Il Laureato con brani di
Simon&Garfunkel = l'integrazione di intere canzoni nelle scene dei film divenne una caratteristica del cinema
americano.

→ la ricerca dell'audience : film di primi piano come L'uomoo del banco dei pegni vennero distribuiti senza il visto del
codice di Produzione, mentre altri riuscirono a ottenerlo nonostante la presenza di elementi scandalosi. Divenne alors
evidente che il codice non solo era inefficace, ma anche faceva pubblicità ai fimm che rifiutava. Codice morto -> 1966
la MPPA sistema di valutazione con G, M, R o X.
+ Il laureato e il gangster story avevano venduto un'enormo quantità di biglietti rivolgendosi al pubblico giovane ->
cinema giovanile con temi di ribellione universita, controcultura Alice's restaurant o commedie anarcchiche come
MASH di Robert Altman.

16.2 Nuove tecnologie di ripresea e proiezione

Il cinema hollywoodiano si riprese anche grazie alle nuove tecnologie di produzione di immagini e suoni. Hollywood si
dedico alla realizzazione di film a colori : la Eastman color di Techbicolor / diversi formi panoramici -> 35mm il
cinemascope fu abbandonato per il Panavision / apparizione della Steadicam un supporto per la macchina da presa e che
creava movimenti di macchina molto fluidi.

16.3 La nuova Hollywood : dalla fine degli anni Sessanta alla fine dei settanta
Mentre i registi della vecchia guardia si ritiravano gradualmente, si affermo la generazione della Nuova Hollywood, un
gruppo eterogeneo per età, formazione e idee : Robert Altman, Coppola, Woody Allen, Georges Lucas... O intelletuali
pignoli come Terrence Malick ed esperti di controcultura cinematografica come Brian De Palma, dopo David Lynch.
Molti registi della Nuova Hollywood si muovevano nell'ambito di generi ormai consolidati; tuttavia, durante la
recessione, gli studios offrirono loro anche l'opportunità di creare qualcosa si mile al cinema d'arte europeo.
--> Verso un cinema d'arte hollywoodiano : volonta di conquistare un pubblico universitario. Un esempio = 2001 a
space odyssey di Stanley Kubrick 1968 è un revival del genere fantastico ma anche un simbol enigmatico del cinema
d'arte europeo : la crisi dell'uomo contemporaneo. Grande sperimentatore visivo, Kubrick promuove fin da subito
un'idea di cinema come veicolo di pensiero. Nel suo cinema si sviluppa, infatti, sempre un doppio livello di riflessione
che sfrutta il metalinguaggio per avviare un'indagine sulla storia della modernità occidentale : la societa fliglia
dell'Illuminismo, solo in apparenza tollerante e liberale, si configura al contrario come un mondo aggressivo, totalitario,
portato alla distruzione e all'autodistruzione. Il potere finisce sempre per sfociare nel grottesco piu assoluto : Barry
Lyndon, Eyes Wide Shut, Lolita, 2001, the shinning... grande messe in scena o distopico futurisco. // e Zabriskie Point
di Antonioni 1970 è anche un esempio della nascita di un cinema di critica politica parallelo a quello europeo, che
spesso ricorreva all'ambiguità narrativa e ai finali aperti.
=> Nel frattempo la politica dell'autore si era diffusa negli SU e i movie brats, che avevano cominciato a lavorare negli
anni Sessanta, l'avevano imparata nelle scuole di cinema.

→ La ritrovata richiezza di Hollywood : per salvare l'industria cinematografica una nuova legge del 1971 riconosceva
crediti d'imposta per gli investimenti nelle produzioni americane. Le major recuperarono centinai di milioni di dolari :
Taxi Driver di Martin Scorsese 1976. // Un altro fattore determinante per la rinascita di Hollywood fu l'ondata di
successi della nuova generazione di registi. Sebbene molti di loro - in particolare i movie brats - si considetassero artisti,
l'intento generale era quello di soddisfare un pubblico ampio, non elitario.
Nel 1972 il padrino inauguro un'era di incassi strepitosi. Il film di Coppola rese alla Paramount 285 milioni.
Altri sucessi : Ricky o L'esorcista.
Non si era mai vista una serie di film in grado di realizzare simili incassi con le prime visioni. Durante il boom
dell'inizio e della meta degli anni Settanta, la maggior parte delle principali compagnie aveva all'attivo almeno un film
di grande successo, in modo tale che l'industria nel suo insieme poté mantenere una certa stabilità.

-> Il ritorno del blockbuster : I blockbuster degli anni Settanta resero i produttori poco propensi a lasciar liberi i registi
di sperimentare trama, tono e stile dei film. Le serie come Star Treck o Rocky o tutti i gadget di Guerre Stellari = era
iniziata una nuova era dominata dai blockuster, forti della oresenza di star ed effetti speciali e costruiti sulla base di
pachetti e accordi ; Superman di richard Donner 1978 : con Marlon Brando 40 milioni. O adattamenti con le aspettative
del tempo come King KOng di 1976 di John Guillermin;. O anche musical attualizzate per i giovani con musica di
discoteca Saturday night fever o Grease.
Ora che con la semplice rivisitazione dei generi classici si potevano pianificare film di successo, molti registi si
allontanarono dallo sperimentalismo del cinema d'arte e, ispirandosi a Spielberg e Lucas, lavorarono all'ombra di generi
ormai consolidati, classici consacrati e registi venerati : sotto molti aspetti, la Nuova Hollywood si afferlava facendo
riferimento al passato. ma numerosi registi della Nuova Hollywood, in particolare Spielberg e de palma, introdussero
anche composizioni realizzate con il grandangolo che ricordavano elles, Wyler e il noir. Se il padrino non porto a una
rinascita del gangster movie, altri due generi della Nuova Hollywood riscossero un maggiore seguito. Innanzitutto il
film dell'orrore, che con Rosemary's baby di Polanski 1968 o l'esorcista o The shinning.

16.4 La nuova Hollywood e i suoi protagonisti

Robert Altman : Il regista trovo impulsi creativi nell'orientamento del mercato verso un pubblico giovanile e nel cinema
d'arte hollywoodiano. Altman perfeziono uno stile eclettico che si avvaleva di una recitazione semi-improvvisata, di un
uso continuo di panoramiche e zoom, di un montaggio brusco. Importanza dell'America di oggi. MASH, Cookie's
fortune...
Woody Allen : Consecrazione con Annie Hall 1977 in cui il regista declinea una riflessione sul rapporto amoroso,
destinata a essere oggetto di indagine in numerosi film successivi. Il discorso sulla parodia cede il posto all'analisi delle
nevrosi della coppia o The purple Rose of cairo 1985 avviando una riflessione sulla spettacolarizzazione della realtà.
Anche Woody Allen realizzo un cinema personale, strettamente associato alla citta di NY = uno dei piu famosi regista
durante gli anni Settanta e anche oggi.
Coppola
Spielberg , George Lucas = ha segnato il corso del cinema a cavallo tra il Ventesimo e il Ventunesimo secolo : non solo
ha trasformato l'immaginario hollywoodiano, ma ha anche inaugurato nuove strategie di marketing destinate a lasciare il
[Link] saga di Guerre Stellari contamina mitologie antiche e recenti, in un universo in cui predomina il sincretismo
culturale. I personaggi che popolano le galessie sono un campionario delle possibili forme di commisione tra umano e
alieno, naturale e artificiale.
Spielberg divenne il cantastorie della nuova Hollywood, come loo erano stati grando autori del passato.
Martin Scorsese

16.5 Il cinema indipendente

Verso la fine degli anni Sessanta le società indipenti che producevano film destinati al mercato a basso costo si
rafforzarono, in parte grazie a un codice di Produzione meno rigido e in parte per il declino delle major. Con l'allentarsi
dei controlli da parte della censura, gli anni Sessanta videro il proliferare di film con scene di nudo, che venivano
proiettati all'interno di sale fatiscenti dei centri cittadini. A poco a poco comparvero strutture dedicate al cinema
indipendente, come il NY's anthology film archive 1970 o festival come Filmex a Los Angeles 1971 o il US film
festival 1978 futuo sundance. John Cassavetes, David Cronenberg..

XVII. L'europa e l'URSS dagli anni Settanta in poi

In questo periodo alcuni registi europei cercarono di imitare le produzioni hollywoodiane per far fronte alla
concorrenza statunitense, ma la loro strategia si rivelo costosa e poc efficace, altri, invece, scelsero di differenziare il
prodotto locale dall'offerta di Hollywood, coe è evidente considerando la prensenza dei nuovi fermenti cinematografici
in Germania, URSS e altrove. In Europa occidentale si punto sulle coproduzioni che, spesso sfruttando sussidi statali,
erano realizzate da artisti di provenienza diversa per una distribuzione internazionale. In seguito i progetti di questo
tipo poterono contare sul sostegno dei governi locali, dell'Unione Europea e dei grandi gruppi del settore delle
communicazioni. In Europa orientale e in Unione Sovietica la maggior parte dei registi lavoro nel rispetto delle linee
politiche imposte dall'alto: nel 1989, dopo la caduta del muro di Berlino, le nazioni che si liberarono dal dominio
sovietico tentarono l'ingresso nel mercato cinematografico mondiale.

17.1 L'Europa occidentale : la situazione economuco – produttiva

LA CRISI DELL'INDUSTRIA CINEMATOGRAFICA : In Europa a meta degli anni Settanta, il boom economico del
dopoguerra si era ormai arrestato e a risentirne fu anche l'industria cinematografica : il numero degli spettatori continuo
infatti a calare e molte sale furono costrette a chuidere. Tuttavia, la causa principale di questo fenomeno fu la
televisione, ormai a colori e con una buona qualità dell'imagine, mentre, a partire dal decennio successivo, ebbe un
ruolo decsivo la diffusione delle videocasette.
-------- il sostegno della televisione : Fino alla prima metà degli anni Settanta la televisione europea fu dominata da
enti pubblici : BBC,ORTF,RAI... che erano riuscite a limitare la pubblicita presentandosi come forme di espressione
della cultura nazionale. 1974 = accordo tedesco fra cinema e televisione che offri condizioni favorevoli per le
coproduzioni, il compito di elevare il livello medio della programmazione televisiva con riferimenti all'arte e alla
cultura nazionale. Grazie a esso anche le registe donne videro finalmente aumentare la possibilità di girare un film.
Dopo altri televisioni nazionali hanno imitandono il modello tedesco. L'espansione piu sregolata delle reti televisive =
Italia, dove quattrocento canali televisivi locali arrivarono a programmare duemila film alla settimana, le sale persero
circa cinquanta milioni di presenze all'anno. + nacque le filmserie come Heimat 1984.
Negli anni ottenta, le societe televisive private cominciarono a sostenere lindustra cinematografica come nella Francia
dove Canal+ nel 1987 -> Studio Canal divenne una delle case di produzione europee piu ricche come con Le Fabuleux
destin d'Amélie Poulain 2001.
E soprattutto nel 1992 = accordo tra la Francia e la Tedesca = creazione di ARTE : un canale culturale visibile in tutta
Europa per l'amicizia francia/tedesca -> film come Dancer in the Dark o Das leben der Anderen ---------
Le grandi compagne americane possedavano le piu potenti societa di distribuzione in Europa, assicurando ai film
statunitensi le sale migliori e scoraggiando le importazioni da altri Paesi. Ma con la significativa eccezione del film
scandalo Ultimo Tango a Parigi di Bertolucci 1972, nella maagior parte dei casi i film con ambizioni artistiche finanziati
da Hollywood si rilevarono degli insuccessi.
Diversi Paesi si ispirarono alla soluzione francese dei finanziamenti calcolati sulla previsione di quanto il film avrebbe
guadagnato, poi recuperati grazie a una percentuale sugli incassi. Il prototipo dell'eurofilm comprendeva nel cast attori
italiani, francesi o tedeschi, cosi come le riprese, che potevano essere effettuate in vari Paesi. Con l'aumento delle
coproduzioni fra Oriente e Occidente, l'URSS e l'Europa orientale presero parte a progetti di successo (CEE)
I film europei avevano maggiori possibilità di successo se venivano girati in lingua inglese e se vantavano la presenza
nel cast di star hollywoodiane come The fifth element di Luc Besson -> Besson crea la Europa Corp perché criico
l'approcio autoriale che dominava il cinema francese e lui vuola realizzare film vhe fossero supportati direttamente dal
pubblico : commedie, azione, drama... ma Besson fu accusato di limitarsi a copiare Hollywood.

17.2 L'Europa occidentale e il cinema d'arte di massa

Come indica il successo di Luc Besson, i generi popolari europei mantannero una certa stabilita.
Commedia italiana : La vita è bella i benigni 1997
L'eccentrico umorismo inglese : Monty Python
Commedie tedesche con storia : GoodBye Lenin di becker 2003

* NELLA FRANCIA DA GODARD AL CINEMA DU REGARD : Godard aveva scelto infatti di distruggere l'illusione
di relata creata dai film classici attraverso collage, montaggio discontinuto, scritte, inquadrature e stili di recitazione
stilizzati -> forma per arrivare alla riflessione / cinema politique : Loin du Vietnam : film di collaborazione dove
intellettuali contro la guerra girono diversi episodi di finzione (marker, Resnais..). prima degli eventi del maggio 1968,
Godard già fondeva la critica politica con la sperimentazione formale : esempio La Chinoise 1967. Il introduce
inquadrature oblique, vicine al corpo umno e a cio che gli sta intorno, per creare ampie zone d'ombra si serve della luce
naturale. Nella sua maniera caratteristica e radicale, Godard mostra i vantaggi del ritorno a un'estetica dell'immagine ->
ispirazione dopo per Jeunet o Burton.
Tuttavia il calo degli spettatori, il declino delle esportazioni, la prudenza degli investitori e la competizione con
Hollywood spinsero molti produttori e registi verso un cinema piu acessibile : il periodo che va dagli anni settanta al
primo decennio del Duemila è stato nel complesso molto meno provocatorio e dirompente rispetto all'epca precedente.
Per esempio, il lavoro di Resnais cambia. Il mostro un interesse sempre piu spiccato per la commedia e per il
disvelamento degli artifici della narazzione con un tocco leggero che di rado aveva adottato nei suoi capolavori
riconosciuti. On connait la chanson con musica popolari, o Pas sur la bouche commedia musicale o Providence.
= forma piu moderata nel cinema francese a questa epoca. I critici vedevano nell'elegenza dello stile e neo valori
letterari di queste opere i segnali di un nuova "tradizione delle qualita francese" : Bertrand Blier Trop belle pour toi,
Bertrand Tavernier, Olivier Assayas, Eric Rohmer con i suoi Conte d'automne, d'été o Pauline à la plage., Philippe
Garrel La naissance de l'amour..., Pialat A nos amours, Loulou, Jacques Demy con la tragedia musicale Une chambre en
ville... o i frattelli belgi Dardennes interesse da la società. Analisi risoluta su come la poverta, la violenza, possano
corrompere i valori della gente Roseta.
→ Ma All'inizio degli anni Ottenta una generazione di giovani registi francesi invento un nuovo stile visivo,
allontanandosi dal cinema politico o dal realismo scabro. Questi registi perseguivano un cinema veloe, artificiale, e si
ispiravano alla nuova Hollywood : Le Grand bleu di Luc Besson, 37,2 le matin, Les amants du pont neuf...I critici
parigini definirono questa tendenza Cinema du regard. I film citati infarciscono storie piuttosto convenzionali con
oggetti high tech e con uno stile mutuato dalla fotografia pubbicitaria e dagli spot televisivi. Fuochi d'artificio per gli
occhi =/= fuochi d'artificio per il pensiero
Molti critici hanno considerato questa tendenza un'espressione dello stile post-moderno, che prendre spunto dalla
cultura di massa per creare un "estetica delle superfici". Visto da una prospettiva piu ampia, il cinema du Regard era una
versione manieristica, rivolta ai giovani, di quella tensione verso la belleza astratta successiva al 1968.

*ITALIA IMPEGNO POLITICO ED EVASIONE :

-Paolo e Vittorio taviani : aspirazione revoluzionarie Padre Padrone 1977--> tradizione della qualita
-Commedie grotesche di Marco Ferreri rifletteono un atteggiamento piu imassibile ed enigmatico : Dillinger è morto
1969
- ma a livello piu generale, la critica sociale e gli esperimenti formali delle commedie sembravano piu orientati a
onquistare il favore del pubblico. Con C'eravamo tanto amati, Ettore Scola si distinse come acuto commentatore delle
desilusioni politiche dell'Italia dopoguerra o con Una giornata particolare.
- un altro regista italiano di talento, Nanni Moretti, inizio ka sua carriera dirigendo commedie anarchiche e pseudo -
underground come Ecce Bombo o caro Diaro dove come molti registi mix tra politica, passato e sfera piu intima dei
sentimenti privati.

*GERMANIA STORIA E FICION

La maggior parte della sua opera ruora attorno un'analisi dei meccanismi che fondano il potere. Egli concentra spesso la
sua attenzione sulla vitimizzazione e il conformismo, mostrando come i membri di un gruppo sfruttino e puniscano i
non integrati. Fassbinder insiste sul fatto che la vittima finisce spesso per accettare le regole del gruppo, arrivando a
credere che la punizione sia meritata. In La paura llangia l'anima, Ali interiorizza a tal punto il pregiudizio razziale che
contrae una malattia comune fra gli operai immigrati, un collasso per [Link] / Die Ehe der Maria Braun...
Un cinema politico piu sperimentale e di rottura, tuttavia, non svani completamente dalla scena europea : Alexander
Kluge Der Starke Ferdinand o Straub e Huillet Trop Tôt Trop Tard o anche Wim Wenders, affidandosi alla bellezza
dell'immagine e alla sensibilita dello spettatore si allontanarono dai temi politici coltivati da altri registi tedeschi
contemporanei e si spinsero verso un cinea introspettivo, in sintonia con l'intimismo presente nella letteratura tedesca
del periodo. Alice in den Städten o On the road.

*REGNO UNITO PROBLEMI SOCIALI E CINEMA D'ARTE

Pur allontanandosi dagli estremismi del cinema politico, molti registi cercarono di raccontare i conflitti sociali in
maniera realistica. // Ken Loach inizio a utilizzare attori non professionisti e uno stile quasi documentaristico nelle
riprese di Kes 1969 ambientato in una città industriale nel nord del RU. /// Per altro verso, nel RU si segnaralono alcuni
autori che contribuirono sensibilmente alla rinascita di un cinema d'arte europeo come con i film di Stanley Kubrick. ///
Peter Greenway con un certo umorismo racconti ambigui e lui a piu starti, nascoti all'interno di un'organizzazione
strutturale ispirata ai numeri, ai colori...The Falls.

*SPAGNA TRASGRESSIONE E GUSTO PITTORICO

- Carlos Saura realizzo opere prestigiose, profondamente legate alla cultura spagnola come Cramen o Bodas de Sangre.
- Pedro Almodovar dedico a produzioni piu tardizionali in cui si fondono il melodramma e il kitsch e la commedia
sexy. Lui raggiunse il successo internazionale con Il fiore del mio segreto o Volver o Mujeres al borde de un attaque de
nervios.
- Victor Erice: El sur

*DONNE
Ma l'ondata piu significativa di film politicamente impegnati venne dalle donne. Quando, negli anni Settanta e Ottanta
l'impegno politico si sposto dalle aspirazioni rivoluzionarie alla micro politica, le donne registe ottennero un maggiore
riconoscimento. Altre registe espressero preocupazioni femminili o femministe attraverso alcune convenzioni tipiche
del cinema d'autore : Duras, Varda...Negli anni Novanta il cinema femminile fu caratterizzato da una svolta post-
femminista, soprattutto in Francia. Spesso i temi rappresentati erano dedicati alle fantasie dell'infanzia, ai tormenti
dell'adolescenza e agli amori della gioventu...

17.3 L'Europa orientale e l'URSS : dalla riforma alla rivoluzione

Nel 1989 Germania orientale, Ungheria, polonia, Bulagria.... cacciarono i capu comunisti per ottenere democrazia e
riforme ecoomiche in senso liberista; folle esultanti da tutta Europa abbatterono l muro di Berlino. La lberta politica,
tuttavia, non giovo alla produzione cinematografica. Il cinema dell'Europa orientale, galvanizzato del crescente dissenso
popolare dopo la meta degli anni settanta, fu poi danneggiato dalle crisi economiche e dai sollevamenti sociali.
Dopo la primabera di Praga nel 1968 il governo mise in atto severe restrizioni e controlli nei confrontati dell'industria
cinematografica. Molti registi emigrarono negli Stati Uniti, in Canada o Europa occidentale.
Dopo 1989 = la minaccia di Hollywood : Sotto i regimi communisti il costo dei biglietti era irrisorio, mentre il mercato
libero richiedeva un aumento dei prezzi. La conseguenza inevitabile fu il calo del numerp di spettatori. I problemi piu
gravi nacquero dalla necessita di fronteggiare la concorrenza di Hollywood.
tarkovskij e l'etica dell'arte : diversi registi, inoltre, realizzarono opere originali, influenzate sia dal cinema d'autore
europeo sia dalla tradizione russa. Solaris

XVIII. Un mondo in via di sviluppo : il cinema dagli anni Settanta a

oggi
Le storie del cinema di solito privilegiano lo studio delle cinematografie occidentai, tuttavia, specie nel secondo
dopoguerra, ne Paesi emergenti sono state realizzate opere originali dal punto di vista stilistico, dando al contempo
voce alla cultura e ai problei specifici delle popolazioni emarginate dall'economia globale. L'attività di festival e
cineteche ha permesso ad alcuni autori, spesso discrimati in madrepatria per motivi politici, di rivolgersi a un pubblico
internazionale. Pu nell'eterogeneita delle situazioni, si possono riscontrare elementi comuni : la nascita e la
sopravvivenza di un industria cinematografica dipendono non solo da condizioni economiche e politiche favorevoli, ma
anche dalla concorrenza esercitata da grandi potenze come gli Stati Uniti, per esempio. L'industria hollywoodiana ha
guardato con un'attenzione crescente ai pubblici, tecnologie digitali ha reso possibile la realizzazione i film con un
abbattimento dei loro costi di produzione, ma sono comunque sorti nuovi problemi, come la pirateria : per le
cinematografie di tutto il mondo, dunque, la globalizzazione costituisce una sfida e un'opportunità.

18.1 Nuovi cinema, nuovi pubblici

Alla fine degli anni Settanta un regista che lavorava in una nazione in via di sviluppo doveva affrontare numerosi
problemi. A parte l'Iran e l'india, tutti i paesi dovevano far fronte alla crescente globalizzazione imposta dalle major e
alla pirateria video, cheminacciava di decimare le entrate degli esercenti. Da parte loro, molti cinematografi avevano
bisogno di ristrutturazioni, ma le major desideravano farsi largo nell'esercizio locale a suon di multiplex. In diversi paesi
le entrate maggiori derivavano proprio dai guadagni delle sale, dai servizi per le prduzioni internazionali (soprattutto
hollywoodiane) e dai successi occasionali di film locali. Per le opere di qualità piu elevata, la speranza era che
raggiungesseero il circuito dei festival.
Negli anni sessanta, mentre in Occidente il pubblico calava, in altre regioni gli spettatori crebbero, in gran parte a causa
dell'immigrazione interna dala campagna alle città. All'epoca, ogni anno spettatori stimati erano 300 milioni in Africa e
Medio Oriente, e piu di 800 milioni in America Latina. Per soddisfare questa domanda, la produzione aumento nei Paesi
che avevano un'economia in crescita. Per esempio, se nel 1950 l'intera produzione mondiale fu di duemila film l'anno,
nel 1980 la sola Asia era in grado di produrre la stessa quantità di film. L'india rappresento l'esmpio piu rilevante di
crescita : nel 1975 divenne il piu grande produttore al mondo con quattrocentocinquanta film l'anno, superiore rispetto a
quello dei rivali Giappone e Stati Uniti. I film indiani cosi romantici, colorati e ricchi di musica esuberante
conquistarono numerosi spettatori in altri Paesi in via di sviluppo.
Anche laddove i film hollywoodiani figuravano in testa agli incasso, il cinema continuava a representare un aspetto
importante dell'identità nazionale dei Paesi non occidentali. In Africa, Medio Oriente e America Latina i registi
poterono esprimere la loro posizione culturale su problemi che riguardavano la storia nazionale, la vita sociale e i
comportamenti personali.

Come in Europa, i governi dei Paesi in via di svilupo compresero che, se volevano un cinema nazionale, dovevano
sostenerlo [Link] Sud America e in Africa l'aiuto del governo fu tanto effimero quanto lo furono certi
governi stessi. Alcuni paesi del medio oriente incentivarono l'industria locale e le esportazionoi, da parte loro, i registi
ricorsero a coproduzion con Paesi vicini o partner europei, spesso poprio con gli ex colonizzatori : la Spagna intervenne
a finanziare il cinema latino-americano e la Francia fece altrettanto con diversi film africani.
Le cinematografie dei Paesi emergenti erano solitamente prive di coerenza stilistica, ma presentavano alcuni elementi
ricorrenti. Per esempio, a causa dei problemi legati allo sviluppo, spesso i film esprimevano critiche sul piano politico.
L'eredita del cinema rivoluzionario sopravviveva in opere incentrate sugli abusi di potere dei dittatori, sui conflitti etnici
e su altri temi affini.
Dal punto di vista stilistico, la maggior parte dei registi si astenne da sperimentazioni troppo radicali. Essi si
mantennero fedeli alle regole del montaggio classico o a quelle del cinema d'arte moderno, in modo da poter
raggiungere un vasto pubblico. Abbandonando il modernismo politico piu estremo, ebbero cosi accesso ai festival e i
loro film furono distribuiti in Europa e in Nord America.
In sud america, la produzione cinematografica fu alimentata dagli investimenti americani in produzioni locali, dalla
crescita dei multiplex, dall'avvento di una classe media e infine dagli aiuti statali.

18.2 Il cinema africano

Alle maggior parte di questi Paesi mancavano i finanziamenti, i materiali e le infrastrutture necessarie per fondre
un'industria cinematografica. La distribuzione sul territorio era controllata dagli interessi di europei e mericani che
invadevano il mercato con film a basso costo, a dominare nelle sale.
Festival a Ouagadoudou o Cartagine o Somalia... o l acreazione della Federation PanAFricaine des cinéastes nel 1970...
In Nord Africa = In Marocco i produttori realizzarono alcuni film d'intrattenimento popolare sul modello dei
melodrammi e dei musical egiziani come Les mille et une main 1972 Souheil ben Barka.
Il cinema popolare si rinnovo attraverso le commedie satiriche e i thriller politici che ricordavano l'pera di Costa
Gavras,mentre alcuni registi di dedicarono all'osservazione della vita delle gente comune. All'inizio degli anni Ottanta i
cineasti affrontarono temi nuovi, ome l'emancipazione femminile e l'emigrazione della manodopera in Europa. Metre le
compagnie private cominciavano a produrre film destinati al mercato di massa, i registi portarono avanti progetti
all'estero e lavorarono in coproduzioni francofone.
Alcuni emigranti algerini ebbero un notevole successo commerciale nellambito del cinema francese ; a metà degli anni
Ottanta divennero popolari i drammi e le commedie apartenenti al genere "beur" con protagonisti ragazzi algerino
francesi.
Negli anni Settanta i registi africani andarono anche alla ricerca delle origini delle loro cultre, spesso nascoste o distorte
dalle immagini occidentali. Il film piu famoso = Ceddo di Sembène 1977 che mostra lo scontro fra l'Islam, la critianita e
le tradizioni tribali indigene. //// Cissé

18.3 La produzione del medio oriente

Le cinematografie di questa regione sono molto diverse fra loro : Egitto, Iran e Turchia hanno un'industria su larga scala
che esporta commedie, musical, film d'azione e melodrammi, i governi di altre nazioni hanno dato vita a una
produzione che promuove le tradizioni culturali autostone. Alcuni registi erano legati ai movimenti piu politicizzati, ma
dopo la metà degli anni Settanta hanno cercato di ampliare il loro pubblico, partecipando ai movimenti occidentali di
promozione del cinema d'arte. Nel nuovo secolo, Arabia Saudita, Kuwait e Qatar che non vantavano tradizioni
cinematografiche, hanno iniziato a investire in progetti egiziani o americani e hanno tentato di avvaire una produzione
nazionale.
-> Israel : Il maggior regista israeliano, il documentarista Amos Gitai, rimase estraneo a questa politica di finanziamenti
governativi. Grazie a fondi di Canal + e ad altre risorse internazionali, il regista realizzo numerosi documentari e film
polemici verso la storia e la societa israeliana. Kadosh 1999 fu il primo film israeliano in concorso a cannes.
-> Nel Paesi in conflitto : Iraq. Il Cinela iracheno era una presenza marginale nella regione ma dal 1980, quando
[Link] si propose come leader del mondo arabo, il governo lancio un programma a favore del cinema patriottio, che
stabiliva il monopolio dello Stato sulla produzione e invitava i registi a lavorare a film dal budget elevato. Al Qadisiya
1981 = una battaglia epica da 15 milioni di dollari, è il film piu costoso mai realizzato nel mondo arabo, diretto daSalah
Abu Seif. Nonostante il dilagare della violenza, alcuni registi riuscirono a produrre film, come Underexposed 2003
primo lungemetraggio dell'era successiva a Saddam, in cui il regista Rasheed presenta in una docu-fiction la vita
durante il conflitto.
+ Gli attachi terroristici dell'11 settembre condusero alcuni degli Stati del Medio Oriente all'isolamento, ma ne
spinsero altri a modernizzarsi. Quasi tutti i centri commerciali contemplavano la presenza di multiplex e di sale
cinematografiche moderne, che spesso appartenevano a circuiti stranieri. Il piu grande centro commerciale del mondo, il
Dubai Mall includeva il Reel Cinema che ospitava 22 schermi e il primo lungometraggio degli Emirati Arabi Al Hilm di
Al Shabani 2005.
18.4 Sud America
Per quasi tutto il secolo l'America Latina era stata econoicamente dipendente dal mercato mondiale controllato
dall'Occidente. La seconda guerra mondiale costrinse molti Paesi a schierarsi con l'Occidente e a formare alleanze con
gli Stati Uniti accettando aiuti in nome della politica del buon vicinato.
Piu di altri autoriterzomondisti, quelli latino-americani erano ossessionati dal cinema hollywoodiano. I film statunitensi
avevano dominato i mercati sudamericani fin dalla metà degli anni dieci. Durante gli anni Trenta e quaranta, la passione
di Hollywood per le ambientazioni e le musiche sudamericane, sebbene presentasse immagini stereotipate, intensifico
l'interesse del pubblico per i generi e le star provenienti da questa parte del mondo. Il fascino da sogno dello studio
system influenzo profondamente le culture di questi paesi.
I registi sudamericani politicizzati a volte assorbivano elementi del cinema hollywoodiano, a loro ben noto, ma si
ispiravano anche a modelli stranieri dicinema socialmente impegnato, come il neorealismo o il cinema diretto, che si
erno gia rivelati importanti per il gruppo del Cinema Novo. + il cinema latino-americano = influenza della tendenza
litteraria come nel Brasile e anche del tropicalismo.
// Cuba cinema della rivoluzione + influenza della NV........p 405

18.5 India
Il cinema indiano era fiorente fin dall'epoca de muto, a metà degli anni venti la produzione ammontava a oltre cento
film all'anno.I succeso era in gran parte dovuto alle sequenze musicali : gli spettacoli popolari e il teatro sanscrito si
basavano sulla musica e questa tradizione si riverso nel cinema al punto che per decenni quasi ogni film,
indipendentemente dal genere, conteneva canzoni e intermezzi di danza.= come Chandidas 1932 di Bose.
Vi erano film mitologico- avventurosi e film sociali, in genere melodrammi romantici ambientati in Epoca
contemporanea che affrontavano problemi legati al lavoro, al sistema delle caste e alla paità sessuale. Devdas di barua
1935 = ricorreva a un dialogo naturalistico per narrare la sofferenza di due amanti divisi da un matrimonio combinato.
I film hindi del dopoguerra divennero altamente standardizzati : la produzione media, come a Hollywood, si basava su
una trama romantica o sentimentale arricchita da una sottotrama comica, e predeva il lieto fine , la formula
comprendeva inoltre una media di sei canzoni e tre danze per ciascun film. Le canzoni e le danze potevano ispirarsi a
qualsiasi tradizione musicale - dalla Grecia da Broadway...
Alla fine degli anni Sessanta, il governo creo un cinema parallelo incoraggiando la Film Finance Corporation a spostare
il suo sostegno dai film commerciali verso il cinema d'arte a basso costo. Il successo di Bhuvan Shome di Sen 1969 una
satira del burocrati neocolonialisti. I nuovi film che rifiutavano apertamente me formule del cinema popolare,
dipendevano completamente dai finanziamenti del governo, ma presto emerso problemi legati alla mancanza di
distribuzione.
Il cinema indiano sulla scala gloable : Nel 2000 il governo indiano garanti al cinema lo status di industria riconosciuta ,
producendo una nuova mobilitazione di investimenti e di capitali. In Europa, RU e SU dove avevano studiato e
risiedevano, essi formavano un gruppo latore di una cultura ibrida, alle cui codificazione contribuivano i film. La
produzione indiana super i mille film nel 2005. E è interessante notare come in tutte queste trattative internazionali il
pericolo che il cinema indiano perdesse la propria identità fu assai contenuto.

XIX. Il cinema americano e l'industria dell'intrattenimento : gli anni

ottenta e oltre
L'avvento dell'home video e il progresso della tecnologia, a partire dagli anni Ottanta, una completa ristrutturazione
della filliera produttiva del film. Diverse holding rilevarono le compagnie hollywoodiane legandole a case
discografiche ed editrici. Le major poterono acquistare sale cinematografiche e stazioni televisive, annullando di fatto
la sentenza Paramount del 1948 e favorendo il ritonro all'integrazione verticale. Nel frattempo gli studios continuarono
a seguire la strategia dei blocbuster, accanto ai quali vi erano molte opere a basso e medio costo, per un totale di oltre
quattrocento titoli all'anno. Grazie alle nuove tecnologie elettroniche, questi film eano a disposizione di una vastità di
pubblico senza precedenti, inoltre il cinema hollywoodiano divenne fonte di contenuti per gli imperi mediatici. Alcuni
registi continuarono a dedicarsi ai generi tradizionali adattandoli alle esigenze del mercato, mentre altri
sperimentarono stili e soggetti innovativi.

19.1 Hollywood : televisione via cavo e home video

All'inizio degli anni Ottanta le societa piu importanti - Warner Bros, Columbia, Paramount, 20th century Fox,
Universal, MGM/UA e Disney - mantevano il potere grazie al controllo drlla distribuzione.
La televisione via cavo e satellitare, che comparve alla fine degli anni Settanta, incremento il numero di canali
disponibili, i proprieti cominciarono cosi a finanziare i film e a comprarne i diritti televisivi prima che fosse avviata la
produzione.
Inoltre nel 1976 -> Sony -> il videoregistratore Betamax / VHS (secondi visivi) - un'altro della videocasette era la
possibilità di rimettere in circolazione i vecchi film e di possedere film = una nuova era.
Alla fine del decennio, tuttavia, vi fu l'introduzione del DVD, una nuova tecnologia che prometteva una qualità di
immagine e di suono superiore a quella del VHS -> renda piu difficile la creazione di copie pirata. Laciato a Natale
1997 il DVD fu accolto con entusiasmo perche anche ha un + = per il pubblico degli appassionati = contenuti extra. →
2001 = 30 milioni venduta

19.2 Concentrazione e consolidamento nell'industria cinematografica

Nei primi anni Ottanta gli studios dovetto affrontare la concorrenza delle mini major societa di produzione e
distribuzione di secondo piano che avevano accesso a finanziamenti consistenti dall'estero. La Orion 1980 -> Woody
Allen Hannah and her sisters o The silence of the lambs.
Se gia negli anni Sessanta l'industria cinematografica hollywoodiana aveva promosso una nuova filosofia attenta alla
diversificazione e alla gestione patrimoniale, vent'anni dopo tutte le major, a eccezione della 20th Century Fox, si erano
trasformate in segmenti di gruppi diversoficati che tuttavia ora puntavano maggiormente a creare sinergie : coordinando
diverse attività produttive compatibili fra loro si cercava di massimizzare i profitti.
Nel corso di quindici anni tutte le principali società hollywoodiane di produzione e distribuzione vennero assorbite da
gruppi di media globali.
Produrre il megafilm : Le compagnie specialmente quando entravano a far parte di imperi mediatici, facevano
affidamento su produzioni a budget eevato, con star ed effetto speciali. I ilm di questo tipo dovevano creare grande
attesa gia molto tempo prima della loro uscita, facendo parlare la stampa e i programmi televisivi. => entertainment
Molti di grandi successi degli anni Settanta The godfather, L'esorcista, Star Wars..; erano stati veri e propri eventi
culturali, film imperdibili per milioni di persone e avevano generato profitti inaspettati, accumulati anche tramite il
merchandising, come nel caso di Star Wars. In breve la posta si alzo ET realizzo quasi quattrocentro milioni di incasso e
Titanic seicento, una cifra esorbitante.
Le megaproduzioni inoltre si vendevano in tutto il mondo. All'estero i film di Stallon o Shwarzenegger era molto
popolare e attiravano un pubblico ancora piu vasto.
Gli studios erano consapevoli che poteva bastare una sola stagione o un singoo film in perdita per far crollare un intero
regime produttivo, percio cercavano di minimizzare i rischi attraverso le megaproduzioni ricorrendo a star,
sceneggiatori affermati e grandi registi. Inoltre, essi erano fermamente coinvinti che le megaproduzioni fossero la
tipologia di film preferita da giovani. Nel corso degli anni Ottanta e Novanta i gusti di questo target influenzarono
buona parte dei film hollywoodiani.
-> grandi profitti : Le megaproduzioni erano estremamente costose. In media i costi di produzione, marketing e
distribuzione di un film destinato a un pubblico di massa passarono dai quattordici milioni del 1980 a oltre cento del
2006. I blocbuster = grandi profitti. Il primo film di Spider Man di 2002 aveva un budget di produzione di 139 milioni
di dollari, il secondo del 2004 = 200 milioni e l'episodio di 2007 = 260 milioni => a causa degli effetti speciali creati al
compute, fondamentali per la maggior parte dei blockbuster, potevano assorbire la meta dell'intero budgeto ma i effetti
speciali attiravano anche i spettatori. Ma i film di grossi budget comportavano rischi elevati : un film di 100 milioni di
dillari doveva incassarne duecentocinquanta per andare in [Link] cinema non è il migliore perche torna verso i
profitti (tipiche degli SU) ma i produttori nnon potevano permettersi di rinunciare al seguito di film di grande successo :
Ritrno al futuro, Titanic, Harry Potter = piu di 800 millioni o Pirati dei Caraibi.
→ permettere nasce di star internazionale come Julia Roberts, Kevin Costner, Bruce Willis, Tom Cruise, Tom Hanks,
Jim Carrey... Nascita dei agenzie gestivano la maggior parte dei talenti di Hollywood e, nell'era delle megaproduzioni,
cio conferiva loro un grande potere, che divento evidente con la nascita della Creative rtists Agency.

Gli studios trovarono anche altri modi per contenere i costi, per esempio spostando le produzioni all'estero. Toronto e
Vancouver divennero alternative economiche a Los Ageles .
Uno strumento molto diffuso per incrementare i profitti era la pubblicità indiretta delle marche : attraverso il cosidetto
"product placement" (ritorno al futuro inserito dialogo sulla Pepsi Cola / brandpartnership = grazie a cui la campagna
pubblicitaria di un prodotto serviva anche a promuovere un film. Quando nel 1994 usci The Lion king, la catena di
negozi di giocattoli Toy's R Us mise in vendita piu di duecento articoli associati al film e nel primo anno il
merchandising incasso oltre un miliardo di dollari.

Nel 2000 il numero complessivo di sale negli Stati Uniti arrivo a trentottomila il massimo storico.

19.3 Tendenze artistiche

Indipendentemente dal sesso, i film americani contengono quasi sempre scene di violenza, sesso e oscenità linguistica.
Il sistema di classificazione MPAA è stato rivisto e introdotta la categoria PG-13. favorito dalla graduale scomparsa del
tabù, dagli anni settanta, forme emergenti di sfruttamento come horror, fantascienza e fantasia. I film artificiali e
inquietanti usano effetti speciali d'avanguardia e spesso ispirano fumetti, serie televisive e videogiochi. Molti registi
sono emersi come Spielberg, De Palma ...
La commedia continua anche a registrare successi come The Devils Wears Parda, Quando Harry incontrò Sally, Pretty
Woman ... La commedia romantica decollò molte attrici come Julia Roberts o Meg Ryan, Sandra Bullock ... o parodia
con Jim Carrey e Adam Sandler e film come American Pie, dove i fumetti sono diventati ancora più folli. E film
d'avventura per famiglie come Harry Potter o Pirati dei Caraibi.

Il cinema di Hollywood ha ampiamente aderito a certe convenzioni narrative consolidate.

Se le mega-produzioni richiedono tracciati lineari, focalizzati sullo sviluppo evolutivo, i film a basso budget lasciano
spazio alle innovazioni.
Da un punto di vista espressivo, sono state introdotte innovazioni nell'uso del colore e della luce

19.4 Uno stile per l'epoca del video

Dagli anni Ottanta agli anni duemila, i registi di Hollywood apportarono sostanziali modifiche al continuity system in
uso dagli anni Dieici. Erano infatti convinti che le azioni e le immagni dei film dovessero comunicare l'idea del
movimento attraverso gli stacchi e lo spostamento degli attori e della macchina da presa. L'accelerazione del montaggio
comporto una semplificazione della messa in scena. (walk and talk).
Hollywood ha sempre potuto contare su audaci maestri di stile : con l'avvento di questa continuita intensificata, alcuni
registi furono spinti all'enfasi e ricorsero ad accelerazioni.
Questo stile deriva in parte da quello televisivo, vincolaro alla necessità di mantenere sempre elevato l'interesse dello
spettatore, impedendogli di cambiare canale o lasciare la stanza. POiché la destinazione finale della maggior parte dei
film era la visione domestica.
Soprattuto i giovani mostravano di gradire queste sonorità coinvolgenti, capaci di suscitare shock e stupore, e di rendere
i film vicini all'esperienza dei concerti rock.
La crescita della produzione favori l'ascesa a Hollywood di registi marginali e , per la prima volta dall'epoca del muto,
ci fu spazio per le donne, tra cui Katherine Bigelow... o negli anni novanta diversi registi afro americani realizzarono
film destinati a un'ampia distribuzione.
Altre fucine di nuovi talenti erano i ledia vicini al cinema : Alfonso Cuaron, Del Toro o Inarritu, Spike Lee con un
cinem piu indipendente e d'auteur..

Spesso i giovani registi desiderosi di afferarsi erano costretti a cimentarsi con film di genere, sequels o remake che
costituivano una fonte sicura di introiti per le major, alcuni, pero, riuscirono a trovare un compromesso tra il proprio
stile personale e le esigenze dei film-evento.
James cameron era in perfetta sintonia con la nuova richiesta di megaproduzioni.
Con Titanic Cameron trovo la formula per il film sentimentale perfetto : l'amore sfortunato tra un'eroina coraggiosa e un
giovane eroe, un lungo prologo realizzato con strumenti ad alta tecnologia e un climax denso di azione, suspense ed
effetti visivi spettacolari -> distribuito in quasi 2700 sale e costi 200 milioni di dollari.
O Tim Burton fra le personaita piu originali e visionarie di Hollywood degli anni Ottanta e Novanta.

19.5 Una nuova stagione di cinema indipendente

I film indipendenti, in questo periodo, assunsero forme varie. Alla metà degli anni Novanta, il film indipendente assunse
poi un alone trasgressivo con Pulp Fiction. Da parte loro i grandi gruppi hollywoodiani, alleandosi con la realta
indipendenti, avrebbero poututo diversificare la propria produzione e raggiungere il pubblico giovane.
La storia del cinema statunitense indipendente degli ultimi trent'anni non riguarda solo i film in senso stretto, ma anche
un mondo che comprende i festival, le associazioni professionali e le società di produzione e distribuzione.

Le basi dello sviluppo : alla fine degli anni Ottanta, il cinema indipendente prodduceva tra i duecento e i due
centocinquanta titoli all'anno. E il settore indipendente era soggetto a notevoli rischi finanziari e i grandi successi erano
casi eccezionali.
Sempre piu film indipendenti si aggiudicavano l'Oscar e cio, oltre a rappresentare un motivo di vanto per gli studios, in
alcuni casi garantiva un aumento dei profitti.
I cineasti indipendenti traevano beneficio dalla nuova visibilita e dale risorse finanziarie, ma a volte l'effetto collaterale
fu una riduzione dell'originalità di cio che era nato come alternativa Hollywood. The truman show o Etrenal sunshine
of the spotless mind o The Happening è una dimostrazione della capacità del cinema indipendente di modificare cio che
gli studios erano disposti ad accettare. Le strategie narrative dei film indipendenti - complessi flashback, narrazioni
reticolari, giochi sul punto di vista e universi paralleli - si fecero strada nei polizieschi, nelle commedie romantiche e nei
thriller psicologici. Se le major cambiarono il cinema indipendente, in una certa misura accadde anche il contrario.

ALCUNE TENDENZE
Nel vasto numero delle produzioni indipendenti degli ultimi anni si posono individuare quattro tendenze principali :
film d'autore, off Hollywood retro e DIY (do it yourself)

Tra i film indipendenti alcuni ricorrevano a generi riconoscibili e ad attori famosi. Cio che li allontavana da Hollywood
era il budget relativamente contenuto e l'utilizzo di strategie narrative o soggetti azzardati. Woody Allen e Robert
Altamn sono emblematici apprezzatti registi legati agli studios all"inizio della loro carriera, furono costretti a lavorare
da indipendenti negli anni Ottanta e Novanta come con David Lynch e i fantasmi della mente. Lynch problematizza il
rapporto del cinema con il relae , che perde consistenza, cedendo il posto alle ossessioni prodotte dalla mente. Piuttosto
che suggerire un'identificazione con i suoi personaggi, Lynch stabilistisce un patto con lo spettatoree nel segno di
un'angoscia basata sull'evdente alterita.
Nonostante l'orizzonte di Lynch sia popolato dai fantasmi della psiche, il suo cinema non puo fare a meno
dell'immaginario contemporaneo per eccellenza.
Quentin Tarantino e il cinema dell'eccesso e i vecchi generi come gangster o western. Costato 12 milioni di dolari Pulp
Fiction ne incasso duecento in tutto il mondo, diventando il film indipendente off Hollywood piu redditizio del
decennio. Al contrario della generazione di registi come Scorsese o Coppola che si formano in aule universitarie,
Tarantino incarna la svolta culturale determinata dalla diffusione di massa delle videocasette. Emerge poi la capacita di
plasmare il potenziale dei luoghi in cui si muovono i suoi personaggi, che assumono spesso la valenza di topoi culturali,
come il garage - magazzino, punto di ritrovo della banda di rapinatori. L'insistenza e la dilatazione dei tempi con cui
tale violenza viene esibita hanno prestato il fianco ad accise di puro compiacimento. Tarantino non ha mai fatto mistero
dei suoi continui prestiti che si ibridano tra loro, combinando generi e forme della cultura di massa : dalla letteratura
pulp al videoclip, dai B - movie alle serie TV, fino alla trivializzazione manifesta anche dei classici d'autore.
Soderbergh, Van Sant, I Coen e il nonsenso della vita e altri... del cinema off Hollywood lavoravano anche -
regolarment o sporadicamente per gli studios.
Il cinema off Hollywood si rivolgeva anche a segmenti di pubblico che le major tendevano a trascurare, come le
minoranze : i film gay o lesbici degli anni Ottanta e Novanta ernao produzioni indipendenti che adattavano le tradizioni
del melodramma e della commedoa a stili di vita alternativi.
Il piu dotato e imprevedibile deo registi off Hollywood che debuttarono negli anni novante = Paul Thomas Anderson.
I film indipendenti retro : oltre ad aver soffocato le tendenze sovversive degli anni Settanta, Hollywood aveva ristretto
la gamma dei generi. Gli studios si concentravano infatti sullep roduzioni ricche di effetti speciali, sui film d'azione,
sulle commedie demenziali, sui melodrammi e sui film romantici intrpretati dalle star. Dopo la crisi degli anni Sessanta,
Hollywood aveva abbandonati il dramma storico e gli adattamenti dei romanzi che avevano fruttato non solo incassi ma
anche Oscar.
I film indipendenti DIY : Come con Wes Anderson e i suo universe.

X. Cinema globale e tecnologia digitale

I fenomeni che anno contrassegnato il panorama cinematografico mondiale deli ultimissimi anni sono stati la
globalizzazione e la rivoluzione operata dalla tecnologia digitale. Nel primo caso si è trattato di una riconfigurazione
degli apparati produttivi e di conumo per far fronte alle esigenze di un'attività sempre piu costosa e dunque bisognosa
di nuove forme di investimenti e di quadagno. Di fronte alle potenti media companies americane, le imprese asiatiche
ed europee hanno messo in atto strategie difensive per salvaguardare un proprio mercato. L'avvento del digitale,
invece, ha modificato l'intero processo creativo dei film, permettendo anche ad appassionati e a registi privi di
finanziamenti di realizzare opere autoprodotte (dando vita al movimento DIY) da distribuire attraverso canali
indipendenti, festival oppure in rete. Le grandi novità dell'era digitale, all'origine della convergenza mediale, si sono
rapidamente diffuse in tutti i Paesi del mondo.

20.1 Hollyworld ?
Gli studios avevano creato una cultura popolare condivisa da spettatori di Paesi diversi. Negli anni Novanta e duemila la
pervasività assoluta del cinema americano è apparsa ancora piu evidente : i film dei sette distributori principali (Warnes
Bros, Universal, Columbia, Paramount, 20th Century Fox, MGM/UA e Disney) hanno raggiunto quasi tutti i Paesi del
mondo.
Nello stesso periodo la frequenza nelle sale statunitensi non accennava ad aumentare perché il mercato era ormai
saturo : cio significava che l'industria, per crescere, avrebbe dovuto rivolgersi ai mercati stranieri puntando sul cinema
popolare. Alcuni paesi cercarono di contrastare questa tendenza con una politica protezionista o con manovre avvedute
da parte dell'industria locale. Negli anni Novanta, tuttavia, la supremazia di Hollywood era piu evidnete che mai, anche
in mercati prima inaccessibili come HK, Corea...

Negli anni Settanta e Ottanta molte industrie cinematografiche europee e asiatiche erano entrate in una fase di declino,
spesso a causa della concorrenza della televisione e di altre forme di intrattenimento. I film hollywoodiani = grandi
megaproduzioni.

L'impero disney = La Walt Disney ha rappresentato un modello per molti studios. Film, programmi televisivi, fumetti,
canzoni, spettacoli a Broadway, gadget... grandi merchandising in tutto il mondo -> grandi successi.
-> La disney insegno a Hollywood il cinema globale per il mercato gobale. I produttori si misero alla ricerca di un
film globale : Batman di Tim Burton 1898 o Pirati dei Caraibi 2003 o soprattutto Jurassic Park di Steven Spielberg 1993
è uno tra i primi esempi di film globali. In tremini economici Jurassic Park fu un sucesso senza precedente, l'incasso
complessivo ai botteghini di tutto il mondo fu di 913 milioni di dollari, la televisione via etere, via cavo e l'home video
aggiunsero altri milioni di introiti, e il merchandising oltre un miliardo. Il record di incassi realizzaro dal film è rimasto
insuperato fino a Titanic. Rispetto ai blockbuster che l'avevano preceduto, Jurassic Park era stato concepito con la
precisa intenzione di trasformarlo in un successo globale. Spielberg non mostro immagini dei dinosauri per buona parte
della campagna... vera communicazione per questo successo.
E typiche di Hollywood di crear film eventi è dimostrato da guadagni ottenuti all'estero, che iniziarono a superare quelli
registrati negli SU. Di conseguenza Hollywood punto sui film basati su best seller internazionali, come la saga di Harry
Potter o Terminator, Spider Man...
Con questo successo di blockbuster e film globali, le multinazionali come MC Donalds, Coca Cola, Shell Oil e Marks
and Spencer furono subito pronte a cogliere l'opportunita di sfruttare il brand => soft power americani nel azione =>
fuzione di molti aspetti del soft power americani in tutto il mondo.
Questa perioda = la creazione della visione che abbiamo del cinema di Hollywood oggi => fare grandi film in alla
catena, motivati dal rendere i maggiori profitti possibili con effetti speciali sempre più spettacolari per attirare più gente
possibile . Hollywood = Hollyworld = una vera fabbrica di successo tipica della cultura americana e della loro mentalità
(credenza nella superiorità della loro nazione che troviamo qui nella volontà di MOSTRARE ).

Nel 1992 i francesi sferrarono un contrattacco per evitare che venissero incluse nel GATT le industrie audiovisive :
Hollywood era gia una prensenza dominante ed eliminare le misure potezionistiche sarebbe equivalso a cancellare le
produzioni europee.

All'inizio degli anni novanta la crescente presenza dei multiplex in tutto il mondo sembrava arginare la crisi del cinema
e sfruttare le potenzialita del mercato. Cibo, bevande...consentivano di realizzare economie di scala. Questo multiplex =
piu film , pu veloce, per piu spettatori...aumentare i profitti ma questo ha aumentato il prezzo del biglietto. Il cinema nel
multiplex non è accessibile per tutto ma con l'introduzione dei multiplex la frequenza aumentato in modo significativo.
-> creazione anche di village cinema.

20.2 Le alleanze produttive e il nuovo cinema internazionale

Quando Hollywood inizio a invadere i mercati che in passato aveva considerato minori, i produttori di questi paesi si
uniro. Puo sembrare un paradosso, ma la globalizzazione ebbe 'effetto di rinsaldare i legami a livello locale. I paesi che
condividevano la stessa lingua e cultura iniziarono a creare alleanze commerciali e a stringere accordi per tutelarsi in
vario modo. COsi nel settore cinematografico, emerso nuove forze regionali pronte a contrastare l'espansione globale
di Hollywood.
Insieme, L'europa occidentale e l'Asia generavano i tre quarti dei profitti esteri di Hollywood -> creazione di una
competizione con Hollywood. Ma infatti con i multiplex = aumento degli spettatori per i film hollywoodiani ma anche
per i film europei.

Quando un film europeo veniva distribuito al estero, in genere era destinato a sale d'essai. Poteva pero avere una
diffusione maggiore se era in lingua inglese e godeva del supporto di una casa di produzione nordamericana,
preferibilmente una major. Un altro elemento favorevole era la presenza di star statunitensi. Il film francese 1492
Conquest of paradise di Ridley Scott era interpretato, oltre che da Gérard Depardieu, dalle star statunitensi o The fifth
element di Luc Besson 1997 ottenne buoni risultati anche in Nord America perché girato in inglese e con star americani
: Bruce Willis e il film presenta scene di fantascienza spettacolari, con effetti speciali che ricordano i fumetti europi.
In Europa occidentale solo una casa di produzione è riuscita a conquistare il pubblico sia europeo sia nordamericano =
Working Tittle grazie alle commedie con Hugh Grant o Rowan Artkinson (stessa lingua) o registi come Lars Von Tier o
Carl TH Dreyer.

20.3 Il cinema della diaspora

La globalizzazione coincise con lo spostamento di milioni di persone. Le ondate migratorie provenivao sopratutto dalle
regioni piu povere ed erano dirette verso Paesi che potevano offrire maggiori opportunità. In tutto il mondo c'erano
persone che lasciavano a malincuore la loro patria e cercavano di mettere radici altrove, conservando la nostalgia per il
Paese d'origine. Alla fine del ventesimo secolo i registi iniziarono ad affrontare una serie di tematiche, quali l'esperienza
della migrazione , la sensazione di essere sospesi tra due culture, il disagio di parlare la lingua di una minoranza, di
essere diversi e per molti aspetti tagliati fuori dalla vita sociale. Ne cacquero film in cui il tema della diaspora era
centrale. Reza Allamehzadeh giro il film The guests of hotel Astoria 1989, che mostra gli esuli iraniani in attesa di
trovare asilo in Europa. E a parigi per esempio i beurs sono in molti film.
Con l'accentuarsi della mescolanza etnica in molte nazioni, i registi furoni attratti da storie contraddistinte da scontri e
incontri fra gruppi diversi. In La Haine di Matthieu Kassovitz 1995, lui rappresenta la realta della banlieue parigina,
delle gang di immigrati e di francesi. O anche Persepolis di Marjane Satrapi film di animazione che racconta la sua
esperienza durante la guerra e la sua emigrazione a Viena e Parigi.
=> Il cinema diventa quindi uno strumento di globalizzazione. Non solo è un prodotto della globalizzazione
(l'esportazione di film in tutto il pianeta), ma rende anche possibile esprimere le questioni contemporanee legate alla
globalizzazione, come l'immigrazione e i suoi problemi, lo scontro di culture, l'apertura, incontro e adattamento agli
altri .. = esprimere la realta tra la finzione.

20.4 Il circuito dei festival

Benché avesse un ruolo di importanza primaria nel promuovere i film sul piano internazionale, prima degli anni Ottanta
il circuito dei festival era ancora piuttosto ristretto, ma quando le videocassette consentirono ai registi di diffondere le
copie dei film da visionare, i festival proliferarono.
I festival piu importanti sono programmi in modo da non interferire l'uno con l'altro, sostenendo il lancio dei film in
stagioni differenti. Il sundance film festival in gennaio, Cannes in maggio, a Berlino in febbraio, in Venezia in
Settembre....
I maggiori festival del cinema sono in grado di attirare l'attenzione dei media. Le manifestazioni piu importanti sono
anche mostremercato per gli operatori del settore : a Cannes, contemporaneamente alle proiezioni in programma,
centinaia di compagnie hanno la possibilità di presentare i propri film a potenziali disributori. Mentre i festival sono
diventati fondamentali per l'introduzione dei film nel mercato d'essai.

20.5 La pirateria video : un sistema di distribuzione alternativo

A metà degli anni Ottanta i videoregistratori in uso nel mondo erano circa centotrenta milioni. Una fase radicalmente
nuova nella globalizzazione dell'intrattenimento. Tuttavia questa novita porto con sé anche la diffusione della pirateria.
Nel mercato nero iniziarono a circolare copie illegali.
Internet ha rappresentato l'ultima frontiera in materia di pirateria, rendendo disponibili gratuitamente migliaia di film.
Programmi avanzati di file sharing come BitTorrent hanno reso il download facile e veloce.

20.6 Il consumo cinematografio e le sottoculture dei fan

A partire degli anni Dieici i film, soprattutto statunitensi hanno consuistato schiere di fan in tutto il mondo. Ovunque i
periodici e i quotidiani hanno accresciuto il fascino esercitato sugli spettatori dalle star del cinema - e piu di recente , da
alcuni registi. Marylin Monroe, James Dean, Bruce Lee... Cn l'arrivo di interent il mondo dei fan è andato incontro a
trasformazioni radicali. I singoli si sono iuniti dando vita a vere e propre comunità e interagendo gli uni con gli altri su
scala mondiale.
Con la rapida diffusione di film insoliti, che varcavano i confini nazionali via cavo, satellite e home video, i gusti dei
fan si diversificarono sempre piu.
Le comunita di fan sono state chiamate "culture partecipative" perché spesso rielaborano i testi mediali spingendoli in
nuove direzioni. Alcuni studios decisero di coinvolgere i fan nel processo creativo. Per esempio la trilogia della New
Line Il signore degli anelli 2001 2003 divenne oggetto di feticismo non appena fu annunciata. Cosi, in un meccanismo
di reciprocita e con lo scopo sia di attrarre i fan sia di dare maggiore lustro agli originali, gli appassionati che
rifacevano i film diventavano a loro volta il sogetto di nuovi film.

20.7 Cinema e digitalizzazione

Tra le prime innovazioni introdotte nel cinema grazie alla tecnologia digitale ci furono i sistemi di ripresa motion
control che permettevano di ripetere, fotogramma per fotogramma, i movimenti della macchina da presa su riproduzioni
in miniatura del set. Star Wars fu il prio film che fece ampio uso del motion control, fondamentale per dare un effetto di
tridimensionalità alle immagini.
A meta degli Ottanta, il suono dif=gitale, rmai diffuso nell'ambito degli studios, fu accessibile a tutti grazie all'avvento
del compact disc, un decennio dopo, la rivoluzione digitale inizio ad avere un impatto molto piu forte, pur non
coinvolgendo tutte le fasi della realizzazione del film. Il cinema comerciale si avvalse subito della nuova tecnologia per
gli effetti speciali, per il sound design e il montaggio, mentre nell'effettuare le riprese ci fu una certa resistenza ad
abbandonare la pellicola.
Il primo sistema di videoregistrazione digitale, introdotto dalla sony nel 1986, fu subito adottato dalle reti televisive, le
uniche a poterselo permettere. Il digitale trovo anche spazio nelle sperimentazioni del cinema d'autore, come David
Lynch che si convertirono. Per le ricche produzion hollywoodiane, il passaggio alle riprese digitali fu piu lento. Ci
vollero lunghe ricerche per giungere a videocamere in grado di produrre immagini paragonabli a quelle della pellicola
35mm. Da punto di vista tecnico, la pellicola offriva immagini piu ricche e permetteva un controllo preciso della messa
a fuoco, mentre il digitale assicurava una buona resa dei dettagli nelle zone d'ombra, ma nelle zone illuminate tendeva
a essere impreciso e a creare riflessi.

I computer sono ormai presenti in quasi tutti gli aspetti dalla fase preliminare alla realizazzione del film, dalla stessura
del copione alla previsione del budget, ma le innovazioni piu significative riguardano la sceneggiatura e le pre-
visualizzazione.
Alla fine degli anni novanta, la maggior parte dei registi di Hollywood utilizzava ancora la pellicola in 35 mm, ma
alcuni iniziarono a convertirsi al digitale.
Le innovazioni digitali hanno trovate impiego soprattutto nella fase successiva alle riprese, velocizzando e rendendo piu
flessibili molti aspetti della lavorazione del film - dal montaggio alla manipolazione del colore, dagli effetti speciali al
sound design.
Sulla scia dell'enorme successo dei blockbuster e della continua evoluzione della CGI, i film iniziarono a includere una
quantita sempre maggiore di effetti speciali. Anche se alcune tecniche divenerro piu economiche, la crescita in termini
di numero e di complessità delle inquadrature con effetti speciali fece lievitare il costo dei film : la CGI arrivava ad
assorbire la meta del budget complessivo.
La tecnologia digitale ha facilitato e velocizzato anche il montaggio.

DOpo il ciclo di film stereoscopici degli anni Cinquanta, le produzioni 3D si fecero rare.
James Cameron, grande sostenitore della nuova tecnologia, si fece costruire una videocamera su misura per realizare il
lungometraggio -> Titanic primo film a avere tanto quanto effetti speciali.
La tecnologia digitale rese piu facile e meno costosa la realizzazione di documentari, film indipendenti e d'avanguardia.
Inoltre consenti ai non professionisti l'accesso a soluzioni prima riservate soltanto a registi con elevati budget a
disposizione. Nel complesso, tuttavia, gli strumenti digitali non rivoluzionarono le strategie formali e stilistiche tipiche
del cinema d'avanguardia o del documentario; resero alcuni effetti piu semplici da ottenere, ma non introdussero
un'estetica radicalmente [Link] stesso modo, le tecniche digitali non stravolsero i principi formali e stilistici del
cinema commerciale.
Nella maggior parte dei casi gli esiti della produzione digitale risultavano impercettibili. In Forrest Gump le folle negli
stadi vennero create ripetendo alcune figure.
Tuttavia è indubbio che, per raggiungere gli obiettivi tradizionali, il cinema aveva a disposizione strumenti nuovi e di
grande efetto. p486

20.8 Il digitale tra distribuzione e consumo

La rivoluzione digitale coinvolse tutti gli aspetti dell'industria cinema tografica : La distribuzione di un film nelle sale di
tutto il mondo prevedeva infatti l'invio di migliaia di pellicola con costi ingenti che la tecnologia digitale poteva ridurre
del novanta per cento.

20.9 Film, nuovi media e convergenza digitale

Mentre l'impatto della tecnologia digitale rivoluziona l'industria cinematografica, i nuovi media misero a disposizione
altri formati per lo sfruttamento dei film. L'introduzione del DVD incentivo gli spettatori ad allestire home theater
collezionando i titoli preferiti, i videogiochi i cellulari e altre piattaforme offrieono nuove possibilità di fruizione e,
soprattutto. Internet rivoluziono il modo in cui il film venivano promossi, distribuiti e visti. La facilità con cui i formati
digitali permettevano di combinare, manipolare e condividere film, giochi, musica, foto e testi è stata definita
convergenza digitale dei media.
Molti innovazioni nella promozione e nella vendita -> la pubblicita. / La vendita diretta : poiché le vendite dei DVD
erano molto piu redditizie di quelle dei VHS e dei noleggi di entrambi i formati, Hollywood cerco di eliminare i VHS.
Le vendite scontare online avevano il vantaggio di raggiungere una rete di acquirenti piu vasta e di garantire la
disponibilità dei titoli fino all'esaurimento delle scorte.
Nel internet si moltiplicavano i siti illegali che offrivano film rari o recent, a volte in copie digitali di qualità eccelente.
Per le major l'unica soluzione era tovare il modo di vendere film
scaricabili legalmente, che fossero criptati.
Nel 206 i servizi online Amazon, Unbox...iniziarono a vendere film scaricabali, in concomitanza con l'uscita in DVD,
anche Itunes...
A metà del 2008 si diede l'annuncio di una nuova generazione di connessioni a banda larga che avrebbe permesso di
scaricare film in alta definizione in pochi minuti.

L'emergere di nuovi e imprevedibili utilizzi dei media digitali è inarrestabile. Per esempio, nel 2008, la societa di
telecomunicazioni Nokia annuncio che Spike Lee avrebbe diretto una serie di corti per i suoi telefoni cellulari. A metà
del 2008 Youtube creo una sala virtuale per la presentazione di film indipendenti. The princess of Nebraska di Wayne
Wang fu disponibile in streaming oer sei settimane, e durante il primo week end fu visto da centosessantamila persone.
Lungi dall'aver ucciso il cinema, i media digitali hanno permesso ai film di uscire dalle sale cinematografiche e dalle
case : ora possono viaggiare con noi ovunque andiamo, o quasi. In sostanza, il cinema è riuscito a plasmare i nuovi
media a proprio vantaggio, dilatando ulteriormente la possibilità di raccontare storie al suo pubblico globale.

XI. Breve storia del documentario

Per molti anni, a partire dalle prime vedute realizate dai fratelli Lumière, nel cinema nonfiction prevalse un'attitudine
descrittiva, che solo verso la fine degli anni Dieici venne soppiantata dalla volonta di proporre un'interpretazione dei
fatti mostrati. Dopo la vivace stagione delle avanguardie, gli eventi storici epocali che si succedettero (dalla
Depressione alla seconda guerra mondiale) orientarono la produzione dei documentari verso una connotazione
apertamente politica. Nel ventennio successivo, il diffondersi delle nuove tecnologie stimolo nei documentaristi una
notevole spontaneita e immediatezza : i loro film divennero veicolo di idee e di sensazioni personali piu di quanto non
fosse avvenuto in precedenza. L'impegno politico, sempre piu marcato tra la fine degli anni Sessanta e l'inizio del
successivo decennio, ebbe conseguenza important sulle sorti del documentario, influenzato poi dalla presenza
cresecente della televisione e dell'home video. Nelle ultime stagioni questa tendenza lascio il posto al crescente
successo di opere piu composite e lontane dalla pretesa di considerare aspetti della realtà su base oggettiva e neutra.

21.1 I primi anni

- documentari lirici e sinfonie urbane
Negli anni venti alcuni registi artisti sperimentarono nuove forme di cinema portando le loro macchine da presa per la
strade e cercando di catturare gli aspetti poetici dei paesaggi urbani. "sinfonie urbane". Il primo film di questo tipo e
probabilmente la prima opera sperimentale girata negli stati Uniti fu realizzata dell'artista Charles Sheeler e dal
fotografo Paul Strand, e fu mostrata nel 1921 in un cinema newyorchese col titolo NY the magnificient.
Il sostantivo "documentario" viene di solito impiegato per riferirsi a un film nonfiction di durata variabile, realizzato
con l'intento di avvicinare lo spettatore alla conoscenza di una determinata realtà secondo una prospettiva
ragionevolmente condivisa : tuttavia, è sufficiente riflettere anche solo un istante per accorgersi che tale nozione risulta
plausibile solo in astratto ed è invece destinata a entrare in crisi di fronte a un panorama complesso e articolato. Perche
non esiste una ripresa di un qualsiasi evento, anche la piu apparentemente oggettiva, che non sia il frutto di una
mediazione linguistica nei confronti del fenomeno di cui si vuole offrire una testimonianza.
Il documentario è un territorio della storia del cinema - straordinariamente fertile e contraddistinto dai confini incerti -
costituito da un insieme di opere accomunabili in negativo, in virtu dell'assenza di certe peculiarita proprie dei film a
soggetto. Spesso si pensa che il documentario sia privo di intreccio, di attori e di una sceneggiatura vera e propria,
manifestando in tal modo una disponibilita verso i fatti ignta al cinema di finzione.
La nascita del documentario s situa verso la fine degli anni Dieici quando lo stile descrittivo, tipico del cinema
nonfiction delle origini almeno fino al 1917, viene soppiantato da una modalita interpretativa. "da una banale (o
fantasiosa) descrizione del materiale naturale a una elaborazione o rielaborazione creativa di tale materiale." - John
Grirson.
Vi sono stati periodi in cui hanno prevalso filoni specifici ed epoche in cui il documentario è stato posto al servizio della
propaganda dai regimi dittatoriali.
L'irruzione del digitae hanno fortemente ridimensionato la pretesa oggettivita di un territorio per il quale il contatto con
la realta rimane comunque imprescindibile : non a caso il piu importante apuntamento mondiale dedicato al
documentario, che si tiene a Parigi, si chiama Cinéma du réel.
L'uomo con la macchina da presa di Vertov forniva un'analisi della societa sovietica, intrecciando riprese effetuuate in
diverse città in un unico documentario su un giorno nella vita di un metropolita.

- La crescente importanza del cinema documentario.

Fino agli ani Venti i documentari di solito non superravano la misura del cortometraggio. Fu allora che il documentario
comincio a essere identificato come una forma di cinema d'arte. Tre sono i principali filoni che si affermarono in seguito
: i film esotici, le opere che puntavano su una registrazione diretta della realtà e i film di montaggio.
Nel 1922 i film di Robert Flaherty Nanuk = importanza per la nascita del documentario. Flaherty era un tecnico
minerario e un esploratore che, durante un viaggio condotto attraverso il Canada e Alaska, aveva effettuato riprese
amatoriali sulla cultura eschimese. Desideroso di approfondire l'esperienza raccontando la vita quotidiana di una
famiglia di eschimesi. Flahery riusci a equilibrare l'autenticita delle riprese con la messa in scena, per esempio nella
seque,za in cui gli escimesi costruiscono un igloo lasciando un lato aperto per permettere le riprese all'interno. ->
triomfo.

21.2 Il documentario impegnato e militante negli anni Trenta

E nel SU gia negli anni venti era apparso qualche documentario prodotto da gruppi comunisti, ma nel 1930 quando
alcuni appassionati di cinema di NY si unirono a un'organizzazione di fotografi comunisti : la Worker's. Questo filone
politicamente impegnato declino negli anni Quaranta, in parte per le forti pressioni anticomuniste, in parte per la
delusione che le purghe staliniane e i processi pubblici avevano provocato tra i simpatizzanti.

In altri paesi = il documentario fu importante in Unione Sovietica. In Belgio documentaristi e sperimentatori reagirono
prontamente al sorgere del fasismo. Nella germania contro il problema della disoccupazione. Nel Spagna i documentari
contro la dittature come Spanish earth 1937.

21.3 Il documentario finanziato.

Molti registi cominciarono a lavorare alla realizzazione di documentari governati. Nel regno Unito, se nel SU l'impegno
del governo nel documentario ebbe vita breve, nel Regno Unito gli anni Trenta videro svilupparsi invece una vera e
propria scuola nazionale : da essa nacquero film classici a cui gli storici avrebbero riservato una notevole attenzione,
trascurando spesso la produzione orientata all'intrattenimento. John Grierson.

21.4 il documentario di guerra

L'inizio della seconda guerra mondiale porto bruschi cambiamenti nel genere del documentario. Gli autori di sinistra
che avevano criticato i governi capitalisti scelsero di sostenere la battaglia contro il fascismo. Il genere divenne piu
popolare. A Hollywood, il pentagono chiese al celebre regista della Columbia Frank Capra di girare una seerie di film di
propaganda per spiegare ai soldati americani il motivo della guerra e soprattuto perché fosse necessario aiutare Paesi
stranieri nella lotta contro Germania, Italia, Giappone e gli altri memebri dell' Asse. Why We fight .
Ben presto anche altri registi di Hollywood si arruolarono documentando i vari aspetti della guerra. John Ford. The
battle of Midway 1942.

Nella Germania, I film di aperta propaganda costituivano una percentuale relativamente contenuta della produzione
nazista, ma la maggior parte dele proiezioni comprendeva cinegiornali e brevi documentari di sostegno al regime,
realizzati spesso da registi affermati come Walter Ruttmann... tutti sotto il controllo di Goebbels.

21. 5 Verso il documentario personale

Alla fine della guerra il documentario resto in gran parte appannaggio delle istituzioni. Dopo i primi anni Cinquanta i
documentari iniziarono a diradare la loro presenza in sale.
Nel dopoguerra diversi documentaristi anziani come Vertov, Grierson, Flaherty rallentarono la loro attività.
Tendenze innovative : Nello stesso periodo esordi una nuova generazione di documentaristi - i film a tema sociale In the
street 1952 James Agee - i film di reportage - il cinema etnografico - il free cinema ..
Nemma Francia : il documentario d'autore = Anche in Francia il documentario si oriento verso un ='espressione
personale. Lo stato finanaziava film su arte e cultura - due soggetti che per tradizione permettevano ai cineasti di
esprimere le loro [Link] Resnais si fece notare con una serie di documentari sull'arte. Con Van Gigh 1948
introdusse un nuovo metodo per raccontare l'opera di un pittore : invece di considerare ogni dipinto separatamente e
seguire un criterio cronologico, ne delinea il mondo privato attraversando tutta la sua attivita : le tele sono esplorate da
panoramiche che restituiscono il ritmo del tratto, alternando dettagli di opere diverse senza offrire un'immagine totale
che permetta di orientarsi. Molto discusso fu infine Les statues meurent aussi 1953 codiretto con il suo amico Chris
Marker, un esame dell'arte africana nei musei occidentali in cui affiora la coscienza della distruzione della cultura locale
da parte dei colonizzatori. Il film fu proibito.
I due piu celebrati documentari di Resnaisindagno la natura della memoria storica. Nuit et Brouillard 1955 offre
un'immagine scevra di ogni senzasionalismo dei campi di sterminio nazisti affine al tono con cui Hiroshima Mon
Amour affrontava la bomba atomica : nel film si alternano immagini moderne di un campo deserto - ripreso a colori in
una luminosa campagna - e materiale d'epoca, in cui i campi di sterminio sono mostrati in piena attivit. Invece di
puntare sull'orrore, Nuit et Broullard indugia sull'impossibilità di catturare realmente il passato : mentre l'obiettivo fruga
tra le rovine, la voce over chiede “come scoprire cosa resta della relata di questi campi”; alla fine il commento
suggerisce che gli impulsi che hanno dato origine alla'Olocausto sono ancora ben lungi dall'essere estinti.
Piu ottimista = Toute la mémoire du monde sulla biblioteca nazionale.
Jean rouch e Franju

21.6 Il cinema diretto e oltre

Fra il 1958 e il 1963 il documentario subi grandi trasformazioni : i registi si dotarono di attrezzatura leggera e piu
pratica da trasportare, lavorando con troupe ridotte e rifutando i concetti tradizionali di sceneggiatura e di struttura
drammaturgica. Invece di inscenare eventi dominati da un narratore extradiegetico, il nuovo documentario lasciava che
l'azione si svolgesse in moo da permettere ai protagonisti di parlare in prima persona. Questo cinema = senzo controllo
o cinema verité. Il nome allude allapossibilitàdi sfruttare le nuove tecnologie per registrare gli eventi con
un'immedietezza senza precedenti, evitando il filtro di scene ricostruite o di un commento narrativo. A favore del nuovo
metodo intervenivano molti fattori : il neorealismo aveva intensificato l'esigenza di catturare la vita quotidana e le
innovazioni tecnologiche – dalla diffusione del 16mm al nastro magnetico – offrivano una nuova flessibilità.
= nuove tecnologie per il nuovo documentario
Nella Francia = il cinema Vérité = Chronique d'un été → Rouch realizo in collaborazione col sociologo Edgar Morin.
Dopo un prologo in cui Rouch e Morin intervistano Marcelline, che si occupa di ricierche di mercato, Chronique d'un
été la segue mentre chiede alla gente per strada “sei felice?”. Il prologo del film parla di un nuovo esperimento nel
Cinema verité, tale etichetta resto applicata anche ai film successivi.
 21.7 Gli ultimi Sviluppi
Documentario rock → sul star come sul Bob Dylan Don't look back.
Micheal Moore → importanza del montaggio per dire messagio. Moore divenne famoso per gli attacchi sferrati alle
corporazioni e alle strategie politiche americane, ma certamente non sarebbe riuscito a suscitare cosi tanta attenzione se
non avesse deciso di trasformarsi nel protagonista dei suoi documentari. Bowling for Columbine 2002 propone un
confrnto in materia di assistenza sanitaria tra le abitudini ricorrenti negli Stati Uniti e quelle di altri nazioni. Il maggior
successo di Moore è stato Farhenheit 9/11 . Nonostante in alcune parti del film egli abbia conquistato il centro della
scena, la figura predominante è quella del presidente G. Bush. Moore lo ritrae come un individuo pigro, ottusto e devoto
alle corporazioni come anhe ai ricchi sauditi.
Il cinema diretto attiro altri registi per la sua capacita di catturare l'immediatezza dei processi sociali e politici. Il regista
piu famoso che esploro questa possibilità fu Frederick Wiseman,i cui documentari, a partire dalla fine degli anni
Sessanta, definiro i limiti di questo filone. Hospital, Titicuts Follies, High School
Raymond Depardon
Claude Lanzman Shoah
Documentaria di attualità → i documentaristi miravano a rappresentare la relata in modo immediato; tuttavia, per certi
aspetti, il documentario poteva apparire ancora piu manipolatore dei film hollywoodiani, forse catturava la realta solo in
apparenza. La maggior parte dei documentari si presentava con descrizioni o storie, ma in realta essi esercitavano un
effetto persuasivo sul pubblico. The atomic cafe.
Il documentario nell'epoca della televisione → Come si è visto, il documentario raggiunse a partire dagli anni Venti una
dignita artistica che ne fece un prodotto adatto a essere proiettato nelle sale cinematografiche.
Alla fine degli anni Ottanta i documentaristi e i registi d'avanguardia incorporavano liberamente materiali televisivi e
video.

XII. Breve viaggio nel cinema di animazione

L'animazione riveste un ruolo significativo all'interno della storia del cinema, di cui ha accompagnato gli sviluppi sia
sotto il profilo tematico sia dal punto di vista tecnico. Fin dai primordi del cinema è infatti attestato l'uso di strumenti
per comunicare al pubblico la sensazione del movimento delle immagini; successivamente, attraverso soluzioni assai
elaborate - dallo stop motion alla cel animation; dallo slash system fino alla computer animation - sono state realizzate
opere di notevole complessità. Forse ancor piu di quanto il cinema di fiction o il documentario abbiano saputo fare,
l'animazone è stata in grado di esplorare ad ampio spettro le infinite possibilità della fantasia, basandoi su materiali di
partenza quanto mai eterogenei (dai cartoons alla pittura astratta).Nonostante le difficoltà e i lunghi tempi di attesa
che comporta la realizzazione dei film di animazione, essi sono riusciti a conquistare un pubblico di appassionati,
creando una produzione su scala industriale.

22.1 Le origini
Il cinema d'animazione è una tecnica di produzione di immagini inmovimento ch, utilizzata fin dai primordi del cinema,
consiste nel rappresentare fotogrammi in rapida successione, in modo da dare l'illusione del movimento attraverso la
variazione di particolari significativi. L'animazione venne impiegata dall'industria cinematografica a partire dal 1906,
quando Blackton realizzo Humorous phases of Funny Faces per la Vitagraph. Blackton aggiungeva tratti grafici sul
film.
AL primo genere di animazione appartiene The Haunted Hotel di Blackton nel 1907. Qui il movimento magico aveva
luogo all'interni di una sequenza del film.
Negli SU anche il famoso disegnatore di fumetti e artista di varieta WIndsor McCay comincio a disegnare per i film di
animazione, inizialmente con l'intento di proiettarli durante i suoi spettacoli. Little Nemo, The story of a Mosquito.

22.2 Primi passi dell'animazione americana

Negli anni Dieici l'animazione comincio a essere una pratica comune in America. Lo slash system aveva reso piu rapido
il processo di animazione.
Questa pratica dell'animazione -> serie di cartoni animati.
I fratelli Max e Dave Fleischer avevano cominciato a sperimentare una nuova tecnica, chiamata rotoscopio, che
permetteva di utilizzare scene riprese dal vero per proiettarla su dei fogli di carta, e tracciarne i contorni fotogramma per
fotogramma -> molti successi per La Disney : ALice Comedies, Cartoons...La serie la piu popolare degli anni Venti fu
pero quella di Felix il gatto. Il suo creatore, Pat Sullivan, inizio a realizzare i cartoons di Felix nel 1918 per conto della
Paramount.

22.3 L'animazione e lo studio system

Dopo l'avvento del sonoro, la produzione di serie animate divenne una prasi comune, promossa dalle major. Il
personaggi piu famoso di Lantz = Woody Woodpeacker debutto nel 1941 e anche Mickey Mouse per gli studios Disney
= enormo successo + Donald Duck...
Nel 1937 la Disney passo alla distibuzione RKO con Snow White and the seven dwarfs. Il primo lungometraggio
americano di animazione : pur terrorizzati dalla strega, i bambini si fecero incantare dai nani. Lo studio Disney era in
piena attività nei primi anni Quaranta con opere come Pinocchio 1939, Fantasia 1940, Dumbo 1941, Popeye the Sailor...
Nel 1931 il duo introdusse il personaggio di Betty Boop, una ragazza sexy e innocente che dava vita a molte avventure,
spesso incontrando fantasmi e mostri. Betty dovette smorzare di molto i toni dopo che, nel 1934, fu imposto il rispetto
del Codice Hays. => Tex avery anche grande succeso.
Alice in Wonderlands 1951. Lo studio torno alla sua tradizione di azione dal vivo combinata ll'animazione con l'enorme
successo di Mary Poppins 1964. / Tom e Jerry 1967 / Creazione di DisneyLand parco di divertimenti 1955.

22.4 Europa : artigianato e animazione astratta

Anche dopo l'avvento delle nuove tecniche d'animazione hollywoodiane, la maggior parte degli animatori europei
preferi escogitare ingegnose alternative artigianali per creare il movimento fotogramma per fotogramma.
Un atro importante sperimentatore nell'animazione astratta che aveva cominciato a lavorare all'epoca del muto era Len
Lye.

22.5 Il cinema d'animazione degli anni Settanta e Ottanta

Declino dell'animazine percé declino dei studios alla fine degli anni Sessanta.

22.6 L'animazione oggi

Negli anni Ottanta e Novanta tornarono alla ribalta i film d'animazione per famiglie. La Disney si trovo in difficoltà.
The little mermaid 1989. Beauty and the beast 1991 → La disney reconquistato il pubblico. I nuovi cartoni animati della
Disney erano destinati a un pubblico di tutte le età, offrendo storie semplici ai bambini e romanticismo e battute
divertenti ai teenager. Aladdin 1992, The Lion King 1994.
Verso l'animazione 3D → Applicata ai desegni animati, la tecnologia digitale si sposo con la tradizione, accelerando il
processo produttivo grazie alla possibilità di eseguire in automatico alcune operazioni. Un cambiamento di natura piu
spettacolare nello stile dei film d'animazione fu introdotto dall'avvento della CGI 3D. La Pixar nacque in seno alla
societa di Lucas come reparto sperimentale dedicato agli effetti speciali, ma a metà degli anno Ottanta divenne
indipendente e realizzo una serie initerrotta di corto metraggi e film fi successo, compresi i tre Toys Story 1955 1999
2010, Finding nemo 2003 e Ratatouille 2007.
Dream Works
Si conentro anche su grande film senza animazione ma per i giovani come Narnia2005, Pirati dei Caraibi 2003... o
animazione con L'era glaciale...

Oggi animazione autori, e indipendente.

Oggi concorrenze diretta dei serie

serie popolare et d'auteur