Rivista digitale di cultura progressiva

Numero 4 - Dicembre 2015

Speciale Coscienza di Zeno:

Retrospettiva ed
intervista esclusiva
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C a m vo d d o w
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Pubblicazione a-periodica. Esce quando e come può - Distribuzione gratuita

e s c e g a lo
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Play it Louder:
la loudness war

Fiaba: intervista esclusiva a Deviazioni Progressive:

Bruno Rubino Retrospettiva Katatonia
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

INDICE
Numero 4 - Dicembre 2015
Rivista Digitale di Cultura
Editoriale pag. 3
Progressiva
Alla Corte di Urania pag. 6
Da un'idea di Silvio Leccia
Interview: Fiaba pag. I2
Pubblicazione a­periodica.
Esce quando e come può.
Cirrus Minor: Greenslade pag. 25

Distribuzione gratuita:
Prog Story: Landberk pag. 2
www.facebook.com/
RottersMagazine
Note Classiche: Il pianoforte preparato pag. 3I

Direttore: Silvio Leccia

Special: Coscienza di Zeno ‐ La Notte anche di
sleccia@libero.it
giorno pag. 3

Grafica e impaginazione:
Deviazioni Progressive: Katatonia pag. 57
Silvio Leccia
Deeper Understanding: Lo Shoegaze pag. 69
Redazione:
Yuri Abietti, Michele Colucci,
Report: Osanna pag. 76
Giovani De Liso, Silvio Leccia
e Italo Testa.
Morte a 33 Giri: Episodio II pag. 78
Questo numero è stato fatto da:
Yuri Abietti, Francesco Cimminiel­
Angolo dell'Audio: Loudness war pag. 8O
lo, Giovanni De Liso, Giuseppe Di
Spirito, Silvio Leccia, Italo
Recensioni: pag. 83
Testa.
La musica che gira intorno: pag. IIO
Tutti gli articoli pubblicati nella rivista

sono proprietà esclusiva del Rotters’

Magazine, ed i diritti morali appartengono ai

loro autori.I testi sono rilasciati Non ti piace il contenuto del magazine, pensi di poter scrivere
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- Redattore. Colui che ha voglia di leggere quanto scritto da
altri, correggere le bozze, suggerire miglioramenti ai pezzi che
ha ricevuto. Un redattore decide insieme agli altri la direzione
che il giornale deve prendere, i contenuti del numero ecc.

- Collaboratore. E' colui che vuole scrivere, possibilmente pezzi

articolati, e che è disposto a seguire i consigli che arrivano
dalla redazione. Ma se non vuoi scrivere e vuoi aiutarci con le
In copertina: Poster "Alla Corte di Urania". immagini o con l'impaginazione il tuo aiuto è benvenuto!
Cover Concept: Italo Testa 2
Logo di Matteo Salzano
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Editoriale
La marea sta cambiando?

E' in un momento particolare che esce questo numero 4. In edicola si trovano collane dedicate ai
classici del prog, una rivista tutta dedicata alla musica che amiamo, Prog, addirittura su Rai 1 (sebbene
alle 6 del mattino) Guido Bellachioma viene intervistato sul "nuovo corso" del progressive e il Papa fa
un disco prog!
Ma oltre questo vi è stato un mare di concerti: Fabio Zuffanti in giro per l'Italia, Dream Theater,
Queensriche, Steven Wilson, David Gilmour. Ma anche i festival, Veruno musica o
progressivamente a Roma, o il festival di Torino, un happening di prog a Sapri (Re- Prog con 5 band)
ed il pubblico che in certi casi diventa numeroso e con età media finalmente al di sotto dei 30 anni
(come per il concerto di Wilson a Roma). All'estero, volendo, le cose vanno ancora meglio, vedi il
festival di Loreley che come sempre è molto seguito con oltre 10000 presenze.

La produzione di dischi è continua e proficua (Barrock Project, Coscienza di Zeno, Unreal City tanto
per citarne alcuni molto apprezzati all'estero), con una certa risonanza anche su giornali non di settore.
E vi è anche il ritorno alla produzione discografica di mostri sacri come Osanna o David Gilmour.

Insomma, dire che il prog è morto, come molti asseriscono, sembrerebbe cosa veramente azzardata! E
allora, parafrasando il titoto di una canzone di Waters, la marea sta cambiando? (il finale alternativo
della versione berlinese di The Wall).

Insomma... non è tutto oro quel che luccica. Diciamo che volendo vedere il bicchiere mezzo vuoto c'è di
che lamentarsi. Per spiegare le operazioni editoriali (almeno quelle delle grandi casi editrici) basta
pensare che ormai a comprare giornali nelle edicole sono solo i cinquantenni e quindi la riproposizione
di dischi prog in edicola non è altro che il segno del tempo che passa. Se poi è vero che nei concerti di
Wilson l'età media è molto bassa, basta pensare che questa sale tantissimo nei concerti dei veterani
(come avvenuto nel concerto degli Osanna al Maschio Angioino di Napoli, l'11 giugno scorso, o al
concerto dei Musical Box il 1 Novembre sempre a Napoli) e questo getta un velo di preoccupazione sul
destino della nostra musica preferita.

Dal mio punto di vista, un fatto è certo: se se ne parla e se la parola gira, non può che far bene! Magari
anche solo per sbaglio o curiosità qualche ragazzo può incappare in un disco prog e innamorarsi
perdutamente come è avvenuto a noi tanti anni fa!
Ma se il prog non muore, molti dei suoi protagonisti ci stanno lasciando. Da quando non ci leggete ad
oggi ci hanno lasciati grandi artisti, icone del genere, basti pensare a Chris Squire o Rodolfo Maltese.
Ma di questo veramente non possiamo nulla ed è il segno del tempo che inesorabilmente passa per
tutti.

E' poi un momento particolare per il nostro buon vecchio Rotters' Magazine, visto che siamo reduci
dall'organizzazione di un evento nella nostra città (di cui parleremo in questo numero) ma soprattutto

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 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

dall'essere stati nominati dal giornale di cui parlavamo prima, Prog appunto, tra chi contro tutte le
avversità, continua a parlare di progressive. Ne siamo rimasti sorpresi e inorgogliti per il semplice fatto
di essere stati notati. E di questo non possiamo che ringraziare Guido Bellachioma che sta facendo
veramente tanto per il nostro ambiente.
Il momento del Rotters' Magazine è particolare perché giunge in questo strano periodo di
cambiamento nella mia vita personale e professionale, che si innesta in tutto il resto e ci fa chiedere,
visto che va tutto così bene, se effettivamente abbia ancora senso il continuare quest'avventura.
Sì, avete capito bene, sto pensando di fermarmi, ma come sempre accade, questo dipenderà
soprattutto da voi, se le copie distribuite di questo numero saranno maggiori delle oltre 400 del
numero precendente, e se quindi, riterrete che la nostra voce sia ancora da ascoltare.
Insomma lo scopriremo solo vivendo!

Ma bando alle tristezze e vediamo cosa vi aspetta in questo numero che vi apprestate a leggere.
Anche questo è stato per me un altro numero molto interessante, da cui ho imparato qualcosa. Ad
esempio personalmente ho imparato molto dall'articolo scritto dal nuovo collaboratore Michele
Colucci a cui diamo il nostro gioioso benvenuto. Bello il pezzo di Italo Testa sullo Shoegaze di cui
sapevo poco o niente.
Mi sono divertito, come sempre, a leggere la seconda puntata della rubrica di Yuri Abietti. Sempre
bello poi leggere di quei "minori" (solo perché meno conosciuti al grosso pubblico, piuttoste che agli
affezionati come noi) di Francesco Cimminello, o della nuova puntata della prog story di Giuseppe di
Spirito.
Da parte mia mi ha molto interessato scambiare quattro chiacchiere con la Coscienza di Zeno ed è
stato interessante leggere l'intervista retrospettiva ai Fiaba di Italo Testa.

E colgo l'occasione qui, parlando dei Fiaba, di scusarmi con quanti sono stati contattati da tempo e
hanno fornito il materiale per questo numero, per l'enorme ritardo nella pubblicazione (prevista
inizialmente per Luglio). Purtroppo è stato un periodo veramente molto denso che ci ha tenuto
lontano dalla nostra creatura, ma forse anche per questa lontananza abbiamo confezionato questo
numero con maggior amore.
Ad ogni modo, per farci perdonare, abbiamo pensato di regalarvi il concerto che i Camera Chiara
hanno tenuto nella manifestazione "Alla Corte di Urania". Spero che la cosa sia gradita. L'indirizzo per il
download lo trovate a fondo pagina. Unica accortezza è che il download è limitato a circa 200 di voi, in
quanto abbiamo un limite di 10 Gbyte a mese per lo scambio file. Chi vorrà potrà poi trovare il file sul
bandcamp dei Camera Chiara.

Grazie a tutti per leggerci e aspettateci per l'epifania per un numero tutto speciale... forse l'ultimo! Nel
frattempo un sincero augurio di Buone Feste a tutti!

Silvio Leccia

https://app.box.com/s/uk92rorm904wopz1ggmdwoh0oimwowg1

Il link è valido fino al 6 Gennaio 2016

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 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

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Ringraziamo coloro che hanno collaborato in varia misura, o anche solo indirettamente, alla realizzazione
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Rotters' Magazine... social!

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 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Alla Corte di Urania

Silvio Leccia e Italo Testa

<< La corte di Urania è un luogo particolare, dove musica e astronomia non hanno confini, e
suoni terreni si confrontano e fondono con suoni stellari. È un luogo in cui il suono è usato per
meglio comprendere sia la natura umana che quella stellare! >>

6

Dal sito web della manifestazione...
Il titolo della manifestazione
cita uno dei dischi da sempre
ritenuto emblema del
roc k: In the cou
progressive
son King dei Kin g
the Crim
Crimson, dove al re cremisi
la più dol
abbiamo sostituito
sa dell 'Ast ron om
Urania, mu
ent e com e il seg nale
Esattam
proveniente da una sorgente
da mo
celeste è compos to
gre ssiv e roc k è
fattori, il pro
ere " mu
"non gen
dove confluiscono
molte influenze,
dal jazz, al folk ,
alla musica
classica,
ovviamente il
tutto inserito in
una matrice
rock.
Ma la
similitudine
non è solo
nella
complessità
del messaggio, ma
nella matrice evocativa che
questa musica contiene (basti
pensare alla musica dei Pink
Floyd, dei Genesis o dei già
citati King Crimson) che ben si
addice a descrivere il cielo che
evoca da sempre meraviglie e
curiosità alimentando la nostra
passione.
Così quest'anno ci è venuto di
festeggiare queste due
passioni, unendole: si parlerà
(o ascolterà) quindi di musica,
avendo in mente l'astronomia,
e di astronomia avendo in
mente la musica, in
un'atmosfera informale per il
solo piacere di condividere le
nostre conoscenze e le nostre
passioni con voi.
Il pomeriggio, si comincia alle
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
alcume immagini
17:30, permetterà al visitatore
astronomiche, mentre Fabio
di accedere alle strutture più
band ci daranno
inte res san ti dell 'Osservatorio: il Zuffanti e Z
atis simo Planetario, degli spunti interessanti di
rt of get ton
ssione su come
dov e la notte è anche di giorno, rifle
l'astronomia possa divenire
il bellissimo e ricchissimo
metafora di situazioni ben più
ce Mu seo , ma anc he il Cerchio
terrene. E a impreziosire la
ia. Me ridi ano, una struttura,
serata ci sarà il contributo di
ten uta splendidamente, che
Jenny Sorrenti cantante dei
conserva il fascino degli anni
Saint Just (gruppo progressive
lti tren ta del '900 e che fa rivivere
do di lavorare degli napoletano degli anni '70).
un il mo
A fine del concerto le
sica le astr onomi di quel periodo.
osservazioni (se le condizioni
Nel frattempo, in
Aud metereologiche le
consentiranno), e
questa volta
eccezionalme
nte ad
affiancare i
telescopi del
UAN ci sarà il
nostro
telescopio da
40cm di diametro
in cupola. È un
evento
eccezionale, e solo
per pochi: infatti
itorium
solo chi prenoterà
verrano proiettati, a
velocemente la visita potrà
rotazione, dei brevi
entrarvi non essendo la
documentari e avrete a
struttura adatta ad ospitare un
disposizione un ricercatore per
largo numero di persone. Cosa
fare le vostre domande e
che vale anche per il cerchio
togliervi le vostre curiosità. Poi
meridiano, per il museo e per il
ci sarà il seminario scientifico
planetario. Nella pagina
che illustrerà, con un
dedicata troverete tutte le
linguaggio comprensibile ai
istruzioni su come acquistare i
neofiti, come le stelle possano
biglietti e fare le prenotazioni
produrre un suono e
in modo da assicurarvi la visita
ascolterete il "suono" delle
alla struttura che preferite o,
stelle.
perchè no, a tutte le strutture,
Alle 20:00 comincia la
e il programma dettagliato
dimostrazione di come
della manifestazione.
Astronomia e Progressive Rock
Per il resto, spero che cogliate
siano complementari. I
l'occasione di giocare un po'
Camera Chiara
con la scienza e ascoltare un
commenteranno con i loro
po' di musica "strana" con noi. 7
brani interamente strumentali,

Mi ero ripromesso di organizzare un evento
prog nella mia città, per cercare di capire le
difficoltà incontrate da musicisti e organizzatori
e poterle poi scrivere in un articolo a ragion
veduta. Nell'organizzazione avevo pochi punti
fermi: che fosse in un posto decoroso e che gli
artisti coinvolti venissero pagati! L'occasione
arriva da un contatto fb: Fabio Zuffanti mi
chiede se riesco a organizzare qualcosa per lui
in concomitanza con il suo concerto a Fasano
del 12 Giugno.
Tenendo presente i miei punti fermi, mi
preoccupo dapprima di garantire la copertura
delle spese vive: vitto e alloggio. Grazie alla
"sponsorizzazione" del Rotters' Magazine e del
Rotters' Club il problema viene subito risolto.
Chiedo poi a Fabio una certa "elasticità" nel
compenso assumendosi parte del rischio:
assicurate le spese, il compenso dipenderà solo
dai biglietti venduti.
accetta il rischio e quindi si passa alla
seconda fase: la location.
1. la location e il movimento sul
social
Dopo un rapido sondaggio per i vari pub che
solitamente propongono musica dal vivo, e
ricevuto un'accoglienza marziana (del tipo ma
che volete?) capiamo che se non è un'agenzia di
booking a proporre un artista non c'è possibilità
di realizzare alcun evento.
Dopo questo inutile ma doveroso passaggio
(che in caso positivo ci avrebbe liberato anche
del problema del service e delle luci) ho
cominciato a coinvolgere alcuni gruppi locali
per sondare la loro disponibilità e voglia di
organizzare l'evento.
La risposta è entusiasta e proprio grazie a ciò
veniamo a conoscenza di un paio di posti
possibili: un agriturismo ai piedi del castello di
Baia e un teatro in una chiesa sconsacrata, in
una zona difficile della città, il quartiere Sanità,
noto soprattutto per eventi di cronaca nera,
anche recenti, ma che negli anni '80 era sede di
un locale innovativo come il Diamond Dogs (a
Marzo scorso, gli è stata dedicata anche una
mostra fotografica)
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
Non volendo andare fuori città, cosa che
avrebbe potuto creare diversi problemi logistici,
puntiamo al teatro, anche per proporre una
serie di date, per far diventare il teatro un luogo
di raduno per gli appassionati Prog della città
2. Burocrazia e spese
Parlando con il gestore del teatro
comprendiamo che per organizzare un evento è
necessario:
a) fare un contratto agli artisti (è necessario
giustificare entrate e uscite e rilasciare fattura a
fine serata).
Mi informo alla SIAE e il minimo sindacale è 18
euro ad artista.
b) Bisogna pagare una quota fissa alla SIAE che
dipende dal numero di posti a sedere.
Nel nostro caso, 100 posti, la tariffa era intorno
ai 70 euro.
c) Bisogna pagare il 10% del biglietto alla SIAE.
d) Il teatro ha le luci, ma fisse e il tecnico delle
luci è da pagare a parte.
e) Il pagamento dell'IVA essendo noi dei privati
doveva essere calcolato al 22% e non al 10%
come per un teatro o un'associazione.
Facendo rapidi calcoli, considerando il
pagamento del teatro, per rientrare in queste
spese avremmo dovuto imporre un biglietto
maggiore dei 10 euro e riempire il locale, cosa
non banale.
Anche l'inserimento di un gruppo spalla non
aiutava perchè sebbene avrebbe aumentato il
pubblico, avrebbe aumentato il costo del
contratto (due gruppi, 10 musicisti). Inoltre si
cadeva nella logica di suonare per gli amici e i
parenti dei membri dei gruppi partecipanti,
venendo meno a quella missione che da sempre
contraddistingue il Rotters: il sottotitolo del
club afferma infatti "per la diffusione del Rock
Progressivo". Quindi volevamo evitare situazioni
strambe in cui pur partecipando 100 spettatori,
solo 10 erano effettivamente interessati e gli
altri solo "sostegno" di questo o quell'altro
gruppo amico.
Queste considerazioni, ma soprattutto le beghe
burocratiche, mi hanno fatto preferire di
8

organizzare l'evento nell'istituto di ricerca in cui
lavoro, che ha un bellissimo auditorium, non
adatto al Rock, ma assolutamente decoroso.
Parlo con Zuffanti che accetta di suonare senza
luci, convinco il direttore dell'Osservatorio ad
una manifestazione scienza/musica Rock ed il
gioco è fatto! Alla musica di Fabio e di quelli che
accetteranno poi di essere il solo gruppo spalla,
i Camera Chiara, decidiamo di affiancare un
seminario sul suono del Sole, una visita al
planetario, al museo, alla cupola, e dopo il
concerto, osservazioni con telescopi dell'unione
astrofili napoletani.
3. Il service.
Appena stabilito la diversa location e i limiti
necessari (solo una band avrebbe potuto
accompagnare Zuffanti) il fervore iniziale di
tutti gli altri scema e converge nella
realizzazione di quella che poi è stata un'altra
bella manifestazione a Sapri, il Re-Prog.
Di fatto però perdiamo la collaborazione della
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
persona che avrebbe garantito il service se la
manifestazione fosse stata realizzata in teatro.
Avevamo scelto i Camera Chiara come gruppo
di apertura per il tipo di musica (strumentale)
che si prestava al luogo e fortunatamente
proprio loro si mostrano disponibili ad accollarsi
il problema del service e addirittura di registrare
in multi traccia l'intera manifestazione.
4. Logistica
Italo si prende carico della logistica e del
vettovagliamento per il giorno della
manifestazione, a me il compito di vendere i
biglietti, organizzare i divulgatori, preparare il
seminario divulgativo e non so quante altre
beghe. Ma alla fine arriva il giorno della
manifestazione.
5. L'evento.
Come mi aspettavo, l'auditorium viene riempito
(circa 220 persone, per lo più giovani e genitori
con bambini), e tiro un sospiro di sollievo.
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Com'è andata? Direi che le parole dei Camera
Chiara scritte qualche ora dopo il concerto
descrivano quanto accaduto, ma soprattutto ci
ripagano degli sforzi fatti (vedi box).
6. Conclusioni
Dal nostro punto di vista l'esperienza è stata
positiva, sia per noi organizzatori che per i
musicisti.
Per noi, abbiamo avuto la dimostrazione che se
ci si impegna un evento è possibile crearlo
sebbene a costo di una sponsorizzazione che è
l'unico vero limite di quanto abbiamo fatto: è
impensabile ripetere con questa formula
l'esperienza fatta, si è in netta perdita e non
pensabile fare sempre da mecenati per il solo
amore del Prog. E' necessario trovare sponsor,
ma questi non arrivano se non siamo
associazione (in quanto vogliono fattura da
detrarre...). Quindi per continuare ad
organizzare di queste belle cose è necessario
prendere decisioni e impegnarsi in tal senso.
Per i musicisti, a parte l'esperienza così ben
descritta dai Camera Chiara, si è avuta la
possibilità di suonare davanti ad un pubblico
vergine, in un contesto adeguato che
permetteva un ascolto attento.
Sebbene a fine serata (dopo oltre tre ore di
musica) molti erano ad osservare con i
telescopi, più di 100 persone sono rimaste fino
alla fine, dimostrazione che quando la musica è
di qualità si riesce a comunicare la propria
passione. Inoltre, diversi cd sono stati venduti, a
riprova che un discreto interesse per i musicisti
coinvonti c'è stato.
Ci sono poi delle riflessioni un po' amare su
alcuni aspetti di quanto accaduto.
Ad esempio mi è dispiaciuto che nessuno di
quanti erano conivolti all'inizio siano poi venuti
alla manifestazione, dando chiaramente
l'impressione del "se non suono io non
m'interessa". Magari sbaglio, ma di fatto questo
è il risultato, sebbene sia cosa comune anche in
un contesto musicale diverso come quello del
Metal.
Se questo fosse veramente il pensiero, è chiaro
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
che in ambito Prog si può fare poco, non
comprendendo che è in queste occasioni che
bisogna cooperare per realizzare in futuro spazi
d'espressione che sono vitali per la nostra
musica e soprattutto nella nostra città che è
fuori da tempo dai percorsi live legati al Rock.
Ma sono convinto che non sia questo il caso e
sia stato solo una serie di impedimenti
personali a non aver consetito la presenza di
tutti gli amici al bellissimo concerto che è stato
"Alla corte di Urania"
E per il futuro? Ci sarà una seconda edizione?
Come detto il nostro intento era duplice: avere
materiale per scrivere quest'articolo (in modo
da renderci conto direttamente di cosa significhi
organizzare un evento Prog) e cercare un posto
per eventalmente ripetere negli anni l'evento.
Avrete anche capito che nel secondo intento
abbiamo miseramente fallito: sebbene
l'Osservatorio non avrebbe problemi a replicare,
di fatto è una fatica immane organizzarla (visto
che ci si deve occupare di due eventi in uno!) e
senza un riscontro anche d'immagine, visto che
la sponsorizzazione del Rotters è conosciuta
solo tra i musicisti ed ora da voi.
Inoltre l'auditorium non consente una facile
gestione della strumentazione elettrica ed è
costoso da "illuminare" (ogni azione implica un
contratto / appalto essendo un ente pubblico).
Ma l'impedimento più grande è la
sponsorizzazione: non si può organizzare, come
già detto, in sicura perdita un evento all'anno.
Bisognerebbe escogitare mezzi di sostegno
(raccolta fondi internet, vendita di gadget o
altro), costituirci associazione e cercare
sponsor... insomma passi ben precisi che forse
solo il direttore sarebbe deciso a compiere.
Quindi siamo contenti di questa bella
esperienza, ma riteniamo che non ce ne sarà
una seconda... ma chissà.. state sempre
sintonizzati, il Prog è bello per la sua
imprevedibilità!
Per una recensione di quanto avvenuto,
musicalmente parlando, vi aspettiamo nel
prossimo numero dove non toccheremo questi
argomenti così tediosi.
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 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Ringraziamento dei Camera Chiara

Abbiamo già ringraziato il Rotters' Magazine e Silvio Leccia per l'occasione fornitaci, ma adesso cercheremo
di far capire anche a voi, in particolare ai nostri amici musicisti, perché sentiamo di dover ribadire ancora il
nostro Grazie!
Chi ha letto il programma dell'evento avrà sicuramente immaginato una giornata ricca, avvincente, piacevole.
Ma i partecipanti hanno vissuto qualcosa in più.
Abbiamo visto persone arrivare lì per semplice curiosità, forse anche con un pizzico di diffidenza e insicurezza;
le ho viste poi mutare espressione e, felicemente sorprese, restare per ascoltare il concerto con entusiasmo.
Immaginate un auditorium al completo, immaginate un pubblico reattivo e coinvolto dalla vostra musica, gente
che in quel momento si diverte grazie a te e con te! Un musicista non può desiderare di meglio. Forse è uno
scenario non sorprendente quello appena descritto, ma i nostri colleghi sanno bene quanto sia purtroppo
divenuto raro e prezioso di questi tempi; un po' come il rispetto per il nostro lavoro, cortesia e attenzione che,
invece, ieri abbiamo ricevuto in abbondanza.
La nostra esibizione ha preceduto quella meravigliosa di Zuffanti+ZBand che è considerato oggi il più
importante rappresentante del prog italiano di “nuova generazione" (
https://it.wikipedia.org/wiki/Fabio_Zuffanti ) ma nonostante l'onore e l'emozione (fortissima), non abbiamo
vissuto la nostra partecipazione all'evento come quella di un "gruppo spalla", al contrario, grazie al clima
informale e alla simpatia dei singoli membri della band, siamo stati a nostro agio sentendoci parte di una bella
festa tra amici! Ce ne torniamo a casa soddisfatti, con un bel ricordo e con un paio di interessanti scoperte, tra
cui il suono delle stelle e dei pianeti, un nuovo intercalare, belìn, e la scoperta del perché sarebbe consigliabile
che il fonico e il musicista non siano la stessa persona - non tanto per la qualità del risultato, alla fine più che
positivo, quanto per la qualità dei polmoni ... per maggiori informazioni chiedete pure al nostro batterista (vi
dirà che è stato bello mettersi alla prova anche in questo). Ringraziamo chi ha partecipato, il pubblico presente
(fantastico), il Rotters' Club e Magazine per quello che fanno per la musica e per gli artisti, l'Osservatorio
Astronomico di Capodimonte che ha messo a disposizione il bell'auditorium, e la ZBand per l'esibizione e
l'esempio di professionalità. Se le "prossime volte" fossero tutte così... Alla prossima!

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 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Fiaba
Interview

di Italo Testa
Sin dal giorno dopo lo speciale anni '90 nello scorso numero, mi ero reso conto che molti
protagonisti di quel decennio non erano stati interpellati o erano stati solo citati, soprattutto per la
mancanza di spazio. E' emersa quindi la necessità di ampliare lentamente il discorso su quegli anni,
con altri protagonisti. Grazie a Loris Furlan, nell'ormai lontano Marzo 2015 mi metto in contatto con
un gruppo che esplose esattamente a metà degli anni '90 e che continua ancora oggi ad andare
avanti, soprattutto grazie ad uno spettacolo dal vivo veramente coinvolgente: i Fiaba. E chi meglio
della mente di questo gruppo che mischia arditamente folk, metal e prog poteva proseguire il
discorso aperto su quel decennio nel numero scorso? Ecco il risultato delle mie quattro chiacchere
digitali con un sempre disponibile Bruno Rubino.

Ciao Bruno, cominciamo a parlare di come ti
sei appassionato alla musica e alla batteria.
Quali sono state le tue prime esperienze nel
mondo musicale in qualità di musicista?
Ciao Italo. Ho iniziato come tastierista, mi sono
dedicato alla batteria in un secondo tempo
quando ho scoperto l’ Heavy Metal. Alla fine degli
anni '80 ho iniziato a suonare con diverse
formazioni h.m. ed hard rock siciliane dell’epoca
tra le quali: - Ironclad Fire; - Shide (so che
attualmente c’è un’altra formazione che usa lo
stesso nome); - Crow Nest; - Ydra (all’epoca più
di una band italiana aveva un nome simile Ydra /
Hidra etc…), con i quali realizzammo l'album
Ydra 1; - gli Alzheimer (da poco ho scoperto che
anche in questo caso c’è una band che
attualmente usa questo nome); - Neoria, con i
quali ho registrato l’ album Centofiori 90; - gli
Arabesque, con cui ho fatto l’album omonimo; -
i Tequila Sunrise; - Ancient Oak Consort con
cui ho inciso Ancient oak e The acoustic
resonance of the soul. Ho anche realizzato un
singolo / video clip con gli Atrium italiani
intitolato Autunno e curato la produzione artistica
dell'album Musikaall degli Alembic Virtual ed in
seguito lavorato in studio come turnista con
alcuni solisti come Salvatore Salice nell’album
Cosa penserai di me e Antonio Arcidiacono nei
i cd Sulle ali di una moto e Potere.
Ci descrivi i primi passi del progetto Fiaba?
Come nacque l’idea? Come mai la scelta di un
nome in italiano per una band Hard-Rock?
In pratica ho semplicemente cercato di realizzare
la band con il sound che avrei voluto sentire e
nella quale mi sarebbe piaciuto suonare e che,
secondo il mio gusto, all’epoca non esisteva
ancora.
Iniziammo con la realizzazione di un demo,
musicassetta corredata da un originale case 12
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

periodo molto più recente,

anche se radio e t.v. degli anni
'70 hanno allietato la nostra
infanzia con molta di quella
musica e con canzoni di svariati
cantautori come Branduardi e
De Andrè.

Ci racconti come arrivasti alla

prima line-up? Oltre al tuo
riconoscibilissimo drumming,
tutta la storia dei Fiaba è
accompagnata
dall’espressività di Giuseppe
Brancato. Ci racconti come si
è mantenuto nel tempo
questo sodalizio?
trasparente bicolore, il famoso XII l’Appiccato
che venne allora accolto in modo Durante il mio periodo di militanza negli
entusiasticamente unanime da parte delle più Alzheimer conobbi Giuseppe, che era il loro
grandi testate italiane ed estere dell'epoca. cantante... già allora gli parlai dei Fiaba
come: THUNDER, IRON PAGES, METAL SHOCK, descrivendo la figura del “giullare cantore”...
ROCKERILLA, H.M., METAL HAMMER, RUMORE, dopo un anno dalla mia uscita dal gruppo lo
FLASH, MUCCHIO SELVAGGIO ecc… chiamai e gli dissi che volevo la sua voce sul
Non so perché ti stupisci per la scelta di un nome demo che stavo realizzando per quel progetto.
italiano per una band italiana che canta in Tutti, compreso lui, erano convinti, ascoltando i
italiano, forse dovresti chiedere ai Metallica provini registrati da me, che il mio timbro vocale
perché hanno fatto questa scelta! (sorride) fosse più adatto del suo per quel genere di cose,
mentre io lo ritenevo troppo cantautorale ed ero
Quali band italiane e straniere sono state le convinto che servisse un mio alter ego “invasato“
vostre prime influenze? per rappresentare la “follia" di quel giullare, con
una voce irritante ed irriverente che non avesse
Ascoltavamo per lo più band
straniere di estrazione Heavy
Metal, come molti che
seguivano quel genere, penso,
del tipo: Iron Maiden,
Queensryche, Manovar, Metal
Church, Omen, Scorpions e
naturalmente Fates Warning,
Watchtower, Sieges Even e
molte altre. Personalmente
conoscevo tutta la discografia
degli Inti Illimani e ascoltavo
altri LP di musica andina di
gruppi meno famosi. Gli ascolti
Prog, contrariamente a quanto
si possa pensare, sono di un 13
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

quei toni caldi, da menestrello, per intenderci musicassette prima di capire come funziona quel
tipo “cantastorie delle gesta di Robin Hood”. meccanismo li.
Dovetti convincere Brancato anche perché lui
allora cantava solo in inglese con un timbro alla In generale, quale idea hai del ruolo delle
Klaus Meine ed un’impostazione più vicina a label italiane per lo sviluppo
quella di Geoff Tate, cantante che lui adorava, dell’underground musicale nazionale negli
uno strano ibrido insomma… Ad ogni modo anni ’90? Nello speciale del numero scorso è
registrai con Cosimo Tranchino, allora bassista emerso dalle parole dei musicisti intervistati
del gruppo, un provino di C'è un posto nel bosco e (Zuffanti dei Finisterre, Banchero del Segno
Il fauno bevve l'acqua della sorgente con la voce di del Comando, Black Jester, Nigris dei
Brancato.. prendemmo quella cassetta, Dunwich) che esse giocarono un ruolo
uscimmo dallo studio di registrazione e salimmo importante per far nascere una scena
in auto per sentirla in tutta tranquillità. Dopo un Progressive e Prog Metal negli anni ’90, ma
primo ascolto ci guardammo in faccia e dicemmo anche che commisero molti errori ed
all’unisono, entusiasti : << Bellissimo! Non ingenuità che impedirono a quella scena di
c'entra un c...! >>. Da allora, nei mesi successivi, affermarsi. Sei d’accordo con questa analisi?
coinvolgemmo Andrea Quartarone per
registrare le parti definitive delle due chitarre e
realizzammo il primo Appiccato. Le
straordinarie recensioni convinsero tutti,
compreso Brancato, che quella era la voce
giusta e Giuseppe si è via via sempre più
immedesimato nel personaggio dando anche
un apporto creativo personale... ne Lo sgabello
del rospo addirittura ha pure scritto delle parti
di testo. Adesso nessuno immaginerebbe i
Fiaba senza Giuseppe Brancato e con un’altra
voce, ma non è sempre stato così.

Veniamo al vostro esordio, XII – L’Appicato,

su Mellow. Ci racconti come è avvenuto il
contatto con Moroni e Perrino?

Tutto è avvenuto grazie a Loris Furlan che

lesse una di quelle recensioni, acquistò il demo
e apprezzò il nostro lavoro, fece così ascoltare i
nostri pezzi a Mauro Moroni e Ciro Perrino
che capirono cosa stavamo facendo.

Due numeri fa, parlando con la cantante dei

Presence, Sophya Baccini, è emerso che loro
ricevettero molti rifiuti da parte delle major
a cui sottoposero il loro primo demo. E nel
vostro caso? Avevate pensato ad una major
per ottenere un contratto discografico?

E' un percorso che abbiamo fatto tutti credo,

sprecando un numero inenarrabile di
14
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

produrre ciò che una major non produrrebbe,

essa diventa solo una piccolissima etichetta
inutile. A conclusione di questa risposta ti
racconto un piccolo aneddoto che ti farà capire il
livello di queste cose. Sono venuto a conoscenza,
in quel periodo, di un episodio nel quale una
major ha contattato una indipendente italiana
(non faccio il nome poiché mi vergogno per loro)
perché interessata ad una delle sue band
proponendogli una coproduzione (per una cifra
abbordabilissima) l’indipendente rifiutò l’offerta
senza neanche informare il gruppo che al limite
avrebbe anche potuto, volendo, autoprodursi.
Credo che fino ad oggi quei ragazzi non lo
sappiano nemmeno, quel gruppo comunque non
esiste più.

Torniamo alla musica.

Parlando dell’Appiccato, non possiamo non
Penso ti riferisca alle indipendenti e non alle soffermarci sui Sogni di Marzia, secondo me
major quando parli di label italiane che hanno una delle suite più importanti di quegli anni,
fatto qualcosa per l’underground. Mettendo da prima di tutto per l’architettura musicale, ma
parte le major quindi, le indipendenti hanno soprattutto per le liriche. Credo avrai avuto
fatto molto grazie a quegli appassionati che mille volte la domanda su quali siano i temi
hanno cercato di far venire fuori alcune realtà nascosti dal bellissimo testo e non voglio
italiane quando ancora registrare un LP o un CD annoiarti. Per questo ti racconto la mia
era un traguardo e non un punto di partenza, la interpretazione “d’epoca”: Marzia in realtà
tecnologia non era quella di adesso, i costi erano non ha nessun bambino ma sogna di averne
differenti e tutto ciò aveva un senso. Il disastro è uno e tutti gli incontri (Nontelodico, il merlo)
avvenuto quando alcune di queste non sono altro che proiezioni del suo
“indipendenti” (senza peraltro averne i mezzi) subconscio che tentano di farle accettare la
hanno assunto gli atteggiamenti peggiori delle realtà. Mi ero convinto di questa
major creando una selezione tra le band da interpretazione soprattutto leggendo l’ultimo
produrre, che secondo loro avrebbero potuto
vendere 2 dischi in più, e quelle “troppo di
nicchia”, addirittura pretendendo di intervenire
sul piano della produzione artistica, dalla
copertina degli album agli arrangiamenti il che, a
quei livelli, mi pare quantomeno ridicolo. Negli
anni '70 persino le grosse etichette discografiche
avevano un atteggiamento diverso, producendo
uno o due artisti che funzionavano a livello
commerciale facendo da traino alla label e
contemporaneamente portando avanti altre
realtà economicamente minori ma di grande
spessore artistico. Premessa l’opinabilità del
gusto e quella della commerciabilità di un
prodotto, quando una indipendente smette di 15

verso (lacrime e sangue che tingono il letto al
mattino). Inoltre, credo che il seguito (Il
bambino coi sonagli) non risolva gli enigmi
visto che non c’è più la vera protagonista del
brano del 1994, ma solo il bimbo che prende
coscienza del suo essere “cantore” e che
secondo me in fondo non è altri che lo stesso
essere che ruba il bambino del brano del 1994
(così come suggerito nel finale “Oggi è ieri”).
Tu cosa ne pensi? Ho profanato troppo un
testo che considero “sacro”?
Che tatto! … testo “ sacro “ non l’aveva ancora
detto nessuno. Piccola premessa: XII l'appiccato e
I sogni di Marzia, proprio come I Racconti del
giullare cantore e Il Bambino coi sonagli sono due
lavori che noi abbiamo sempre considerato a se
stanti sin dalla pubblicazione dei demo tape, che
Mauro Moroni, per ragioni editoriali (durata
dell’album), ha deciso di inserire nello stesso cd.
Difatti pubblicammo a posteriori una tiratura
limitata di un mini cd de I sogni di Marzia proprio
per sottolineare l’indipendenza tra questi due
album. Essendo un sogno, tutto ciò che accade è
sognato, su ciò che poi sia un sogno potremmo
disquisire all’infinito. I sogni di Marzia parla del
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
passaggio puberale di una bambina durante un
sogno: alla fine di questo, come hai detto tu, si
risveglierà sul letto bagnato da lacrime e sangue,
lacrime che sono dolore di trasmutazione per la
perdita della fanciullezza e l’inizio dell’età matura,
sangue, il menarca, che è ferita per l’accadimento
e iniziazione. Il bambino coi sonagli sarebbe il
figlio realmente avuto da Marzia una volta
diventata adulta che, attraverso i racconti della
esperienza onirica fatta dalla madre, ripercorre
in sogno quei territori e chiude in quella
dimensione una sorta di cerchio carmico, un iter
che lo porterà ad indossare le vesti del giullare
cantore. Non si sa se la storia sia circolare e
quindi se egli stesso sia, contemporaneamente, il
bambino rapito e colui che lo rapisce ne I sogni di
Marzia o se solo uno dei due personaggi. Ciò che
si evince è che quel mondo probabilmente cerca
un cantore che lo rappresenti, un “gran rimatore“
che narri le sue storie.. non si sa neanche se il
giullare cantore sia uno solo dalla notte dei
tempi o se di volta in volta nei secoli questi si
passino il cappello a tre punte a mò di testimone.
Passiamo al Capello a tre punte, appunto
uscito due anni dopo. Come mai passaste alla 16
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

nella scena, avevate contatti con altre band

italiane? Ti sentivi in qualche modo parte di
quella scena?

Sono in ottimi rapporti con Claudio Nigris,

siamo andati anche assieme a vedere gli Yes…
pensa un po', (non avrei mai immaginato allora
che un giorno avrei collaborato con Wakeman),
all’epoca con Claudio ci sentivamo spesso, ora è
da un po' che non ci si vede e colgo questa
occasione per salutarlo. Ho conosciuto Enrico
Paoli dei Domine, con lui abbiamo visto i Dream
Theatre a Firenze, conoscevo i Mas nada, li ho
aiutati a trovare il contratto per il loro primo
album e ho assistito alle registrazioni del disco in
uno studio dalle parti di Venezia. Saluto anche i
Black Jester, sono stato ospite loro durante una
Lizard? Cosa ricordi di quel passaggio?
sessione di prove. C’era un minimo di
corrispondenza epistolare con molte altre band
Fu proprio per l’amicizia con Loris Furlan e il
ma non voglio monopolizzare questo spazio per
piacere di fare un disco assieme. Moroni, da
mandare saluti a tutti, naturalmente non era
persona intelligente, fu molto disponibile e non ci
l’epoca di internet, ora sarebbe diverso, ci si
fece nessun problema anche se eravamo sotto
sentiva molto poco. In realtà non mi sono mai
contratto con la Mellow. Moroni e Furlan sono
sentito parte di una scena anche perché, come
due degli esempi sopra citati di appassionati che
mi fece notare il grande Salvo Fallucca, non c’è
hanno fatto e fanno veramente tanto in Italia per
mai stata in Italia una “scena Fiaba”, pagando
la musica.
comunque un dazio per questa allora
inetichettabilità... abbiamo avuto comunque la
Il disco è chiaramente il proseguo
fortuna di essere apprezzati dai progsters che ci
dell'Appiccato dal punto di vista delle sonorità
consideravano Metal e dai metallari che ci
e rappresenta un viaggio ancestrale
consideravano Prog.
attraverso personaggi veri e inventati: in
generale, da quali fonti traevi e trai
E nel meridione? Cosa succedeva? A Napoli
ispirazione?

Abbiamo sempre considerato tutti gli album “

raccolta“ come un unico disco, quindi Appiccato /
Cappello a tre punte / Racconti del giullare cantore
come un proseguo e suite come I sogni di Marzia
/Il bambino coi sonagli e concept come Lo sgabello
del rospo / La pelle nella Luna come dei lavori a se
stanti. L’ispirazione deriva nell’ordine da semplici
suggestioni dell’ immaginazione, film, sogni, fatti
realmente accaduti e racconti in genere.

Allargando un po’ lo sguardo sul panorama

italiano, la metà degli anni ’90 fu un periodo
molto prolifico per il genere progressive.
Sebbene voi foste effettivamente un unicum 17

avevamo i Presence ed il Notturno
Concertante; ed in Sicilia, oltre i Fiaba?
Mi vengono in mente i nostri amici Malibran, e
anche qua concedimi un saluto speciale al
grande Giuseppe Scaravilli e gli Edit per
quanto riguarda il Progressive. Gli Apogeo che
erano più sul Folk... c’era poi una notevole scena
Metal, ti parlo comunque solo dei musicisti che
ricordo al momento e con i quali ho avuto dei
contatti... ne sto scordando tanti altri e me ne
rammarico ma dovresti chiedere a persone
competenti come appunto Salvo Falucca.. io
sono praticamente un ignorante in materia.
Ma esisteva veramente una scena italiana in
quel periodo? Era veramente cambiato
qualcosa rispetto agli anni ’80?
Credo che ci sia sempre stato fermento in Italia
ma che cambi tutto e in peggio, nel senso che ci
sono sempre meno possibilità a livello
professionale per gli artisti: in genere, ciò che era
possibile negli anni '70 non lo era più negli '80 e
così via. Nonostante i mezzi a disposizione, oggi,
per esempio, c’è un rifiorire delle cover band per
il fatto che nei piccoli circuiti è più facile suonare
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
facendo musica di altri.. bisogna essere molto
motivati per fare musica propria in Italia e non
mi sento di biasimare nessuno se si da
all’intrattenimento per lavorare, è una cosa che
abbiamo fatto e facciamo un po' tutti... fare
musica propria oggi sa più di vocazione che di
carriera, parlo ovviamente di progressione nella
musica, non di grosse produzioni fatte a tavolino
su cliché collaudati che si possono definire
musica propria solo per il fatto che i brani
pubblicati sono inediti. Anche allora avevamo dei
bravissimi artisti in Italia costretti a minimizzare
la loro creatività in favore di ciò che il mercato
credeva fosse commerciale.
Cosa successe fino allo Sgabello del Rospo?
Sembravate lanciatissimi, ed invece,
passarono 5 anni prima di risentire vostre
nuove. Questa sorte toccò anche ad altri
gruppi, come ho documentato nella prima
parte dello speciale e le ragioni di solito erano
legate alla scarsità delle opportunità live, a
problemi di line-up, fino a questioni legate
alla direzione musicale da prendere. Nel
vostro caso? Quale fu la ragione del vostro
ritardo nella pubblicazione del terzo disco?
18

All’epoca volevamo realizzare qualcosa di nuovo
infischiandocene di ciò che ci si aspettava da noi:
realizzammo un demo live di alcuni brani del
concept, tre etichette si dimostrarono interessate
ma al momento della produzione si tirarono
indietro... ce ne fu una quarta addirittura che
disse che facevamo sempre le stesse cose
paragonando Lo sgabello del rospo al resto della
produzione Fiaba (anche un imbecille si sarebbe
accorto della differenza). Un episodio divertente
riguarda una neo etichetta che diceva di voler
produrre Heavy Metal e contemporaneamente
Prog e Folk...ci sembrò l’ideale per quell’album!
Premetto che nel frattempo anticipammo le
spese di registrazione autofinanziandoci il
master del disco tramite i concerti, tra cambi di
formazione e incidenti in sala di registrazione del
tipo "fonico che per sbaglio cancella alcuni brani
terminati“ passarono quindi alcuni anni e poi
spedimmo il master.. ricordo che mi trovavo in
macchina col mio amico Fabio Puglisi dei Soul
Basement e alla guida Paolo Boffo allora
produttore dei Dirotta su Cuba... mi arriva la
telefonata del responsabile della neo label che
mi fa i complimenti per il lavoro raffinato potente
e originale, ma che dice però non rientrare nei
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
parametri di produzione dell’etichetta. Dopo che
nel tempo hai sentito una serie di menate come :
<< il pezzo non apre >> o << potrebbe essere un
grande successo come un flop incredibile >>,
quando senti l’ennesima stronzata la prendi a
ridere. Anche qui il buon Furlan, oltre che amico,
si dimostrò persona lungimirante perchè l’album
uscì per la Lizard. Andai personalmente a
Firenze e trovai la distribuzione Audioglobe per
il disco, distributore che da allora rimase un
canale importante per pubblicazioni di altre
band in seguito prodotte dalla Lizard. Ironia
della sorte, Lo sgabello del rospo vendette
egregiamente, fu osannato dalla critica e a
tutt’oggi è considerato uno dei nostri migliori
album.
Ho sempre giudicato però lo Sgabello del
Rospo un concept inquietante, musicalmente
molto influenzato da Pleasant Shade of Grey
dei Fates Warning, in cui hai trasformato
innocue rane in lamie tentatrici (La stanza dei
profumi) ed in cui il protagonista vive
esperienze non del tutto piacevoli a mio
avviso. A distanza di anni, come consideri
quel concept, che rappresentò anche un
19
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

cambio stilistico che tuttora permane nel

sound dei Fiaba?

Sei la prima persona che fa un parallelismo tra

questi due album, a parte l’opinabilità del tuo
paragone e l’accostamento, del quale sono
onorato, a questo grandissimo gruppo,
considera che Lo sgabello del rospo è stato
composto nel '95 e Pleasent shade of Gray è
una pubblicazione del '97. A meno di non
conoscere i Fates Warning di persona in quel
periodo (cosa che mi avrebbe fatto un immenso
piacere) ed ascoltare in anteprima l’album, non
sarebbe stato fisicamente possibile esserne
influenzati. Sono rimasto sempre stupito del
fatto che quell’album sia stato così poco capito
dai produttori e così tanto apprezzato da critici e
al nostro sound canonico, tecnicamente più
pubblico. Io e Brancato, specialmente,
complesso senza però scadere mai a mio avviso
pensavamo che non avrebbe incontrato i gusti di
nel virtuosismo gratuito.. certo è che molti
chi già ci seguiva dai lavori precedenti e ci
credevano prima di quell’album che il nostro
aspettavamo definizioni, sulle scelte stilistiche,
sound fosse dettato più da nostri limiti tecnici
che invece inspiegabilmente sono state attribuite
che da scelte stilistiche.. a distanza di anni non
a La pelle nella Luna che personalmente ritengo
cambierei una virgola sul piano prettamente
un disco più vicino al nostro sound minimalista.
compositivo, ciò non toglie che si poteva
Lo sgabello del rospo è senza dubbio un album
sicuramente eseguire e registrare meglio (come
molto psichedelico e ricco di innovazioni rispetto
gran parte delle nostre produzioni) ma in quelle

20

condizioni abbiamo fatto un miracolo e per me
ha sempre contato più il contenuto della forma.
Per curiosità, puoi dirci qualcosa di più su
cosa rappresenta “la città delle rane” e la sua
“biblioteca”? E quel letto di ninfee?
La Città delle Rane è semplicemente una sorta di
capitale del regno di Acquaria, il mondo narrato
nella storia, il letto di ninfee è il giaciglio di
Gebbia, la regina dei funghi, quando Pauro, il
protagonista, viene invitato a giacere con lei, la
regina descrive le ninfee come viscide e
morbide... mi interessava quell’immagine per far
notare similitudini e differenze tra anfibi e umani
nella concezione estetica delle cose, l’uso del
termine morbide come aggettivo condiviso da
entrambi e del termine viscide, invece, solo per
gli anfibi Vecchia biblioteca l’ho utilizzato solo per
evocare la forma dell’insieme delle nicchie ne “la
stanza dei profumi “ dove si trovano le “essenze
che gli umani non conoscono” custodite dalle
rane.
Come era cambiata in quei primi anni 2000 la
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
scena italiana? E i Fiaba come affrontarono la
diffusione della pirateria e la morte del
mercato discografico così come lo si
conosceva prima?
Mi pare che tu abbia già descritto perfettamente
la situazione dell’epoca nella tua domanda,
diciamo che i Fiaba sono stati tra i pochi
sopravvissuti, dell’epoca. Come abbiamo
affrontato la cosa?… passione? follia? forse
entrambe le cose, fai tu.
I dvd che pubblicaste in quegli anni (i
bellissimi video di Angelica ed il Folletto del
Salice e proprio de I sogni di Marzia) furono
un tentativo di offrire una nuova dimensione
artistica all’ascoltatore? Come vedi in
retrospettiva quella scelta commerciale?
Se avessimo voluto fare una qualche scelta
commerciale non avremmo dovuto mettere su i
Fiaba! Sono stato sempre un appassionato di
cinema e scenografia, e questo ci ha consentito,
anche grazie all’apporto del mio grandissimo
amico videomaker, Pierluigi Cavarra, di 21

realizzare con sacrificio cose impensabili per
altre band underground dell’epoca.. oggi
chiunque ha a disposizione fotocamere con
ottiche intercambiabili e programmi di video
editing per una resa molto professionale ma
allora non era così: i costi abbordabili
riguardavano al massimo il formato super v.h.s.,
abbiamo comunque pensato sempre
all’immagine come ad un gioco, considerando il
fatto che la musica deve rendere da sola a
prescindere. Chi ascolta i Fiaba, in cuffia, al buio,
deve emozionarsi senza bisogno di immagini o
altro. Look e scenografie devono rimanere
solamente una evocazione autoironica di quello
che facciamo, una “messa in scena“ da giullari
che evochi il grottesco e lo sberleffo, proprio per
essere una proposta “seria” non possiamo essere
seriosi, altrimenti risulteremmo ridicoli, devo dire
che la comprensione di questa proposta visiva
richiede un minimo di intelligenza, sensibilità e
gusto peculiare per questo genere di cose, che
non è da tutti e crea una certa autoselezione di
pubblico, cosa che non ci dispiace per niente e ci
diverte parecchio.
Nel 2005 esce I Racconti del giullare cantore,
che secondo me vanta almeno 3 capolavori:
La fuga dell’elfo, I sogni nel sacchetto ed il
Luccio della Fontana. E ci metto anche la
meravigliosa “il lustra stelle”, singolo uscito
qualche tempo dopo. Rispetto agli esordi però
i tuoi racconti si fanno più malinconici,
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
diventano fiabe oscure in cui realizziamo che
l’uomo è dominato dal fato, spesso avverso
(come nel caso del pescatore del Luccio), e
contro cui nulla può. Sei d’accordo con questa
visione fatalistica?
Vedo che sei più attratto dall’aspetto meno
“elettrico” delle nostre produzioni. Il “fato”, se
esiste, è mistero.. vero è che è spesso nominato
nelle fiabe, non penso poi che ci sia un tendere
nel tempo a racconti più malinconici per quanto
mi riguarda, anche perché la pubblicazione dei
brani non è cronologica rispetto alla
composizione, quindi nei vari dischi si trovano
canzoni scritte in quel periodo ed altre anni
prima. Un pò in tutti i nostri racconti si trova una
struggente malinconia di fondo, come di un
mondo ormai perduto... credo che sia parte della
magia delle canzoni dei Fiaba e che le fiabe,
tradizionali, siano di per sè un po “oscure”. Ne
"La gatta cenerentola” ad esempio, credo che la
protagonista uccida la matrigna fracassandole la
testa col coperchio di un baule e nella stesura
originale di Biancaneve la matrigna è costretta ad
indossare delle scarpe di ferro arroventate e a
dimenarsi finché non stramazza al suolo
esanime… Se ci fai caso, io, sono un po più,
diciamo, “delicato“ nelle narrazioni…
Veniamo a oggi. Innanzitutto, come giudichi
l’evoluzione della scena musicale nazionale
ed internazionale negli ultimi dieci-venti
anni? Cosa è cambiato rispetto a quando hai
iniziato? Segui qualche genere o gruppo in
particolare?
Oggi non seguo generi o gruppi in particolare,
ascolto quello che mi incuriosisce e/o mi
emoziona. Tralasciando poi ciò che è stra-
famoso in Italia e all’estero e che per quanto mi
riguarda da un punto di vista strettamente
artistico potrebbe fare a meno di esistere, non
conosco molto, ascolto poco e non ho elementi
sufficienti per rispondere alla tua domanda.Mi
trovi anche qui un perfetto ignorante, magari ci
sono artisti interessanti e innovativi nella scena
undergound che non conosco soltanto per
pigrizia, spero che ci siano musicisti che in
22

questo momento facciano qualcosa di personale
e innovativo, per il momento vedo persone con
una elevata capacità tecnica come standard e
uno stile massificato che realizzano dei bei
prodotti gradevoli all’ascolto che, immagino per
ragioni diciamo discografiche, non hanno
spostato la musica già sentita di una virgola.
Personalmente preferirei ascoltare più arte,
magari fatta male e meno artigianato fatto bene.
Quando nessuno più ci credeva, eccovi
tornare nel 2012, con un nuovo ispiratissimo
concept, La pelle nella Luna. Come è andato a
livello di vendite?
Incredibilmente bene considerati i tempi in cui
viviamo e la pirateria audio, abbiamo sempre più
estimatori e siamo felici di questo.
Nel preparare l’intervista, sto riascoltando La
Piccola Greta e volevo invitarti a questa
riflessione conclusiva. Specialmente nei vostri
ultimi dischi, le tue storie hanno spesso come
sfondo un mondo bucolico che, lungi
dall’essere idilliaco, è popolato spesso da
personaggi gretti apparentemente normali
che cercano nel loro ambiente soprattutto
sicurezza e tradizione, e che hanno paura dei
“diversi” (siano essi mostri, animali, o
“freak”). In molti casi, la loro paura li spinge a
compiere atti infamanti verso innocenti e
verso animali, e alla fine si ha la sensazione
che i veri mostri siano loro. Volevo chiederti
se e quanto queste storie siano influenzate
dalla tradizione contadina del sud Italia. E in
caso positivo, qual è secondo te la relazione
tra questa cultura e la società attuale della
nostro meridione? Quanto è vero il luogo
comune secondo cui il ritorno ad una cultura
contadina ci aiuterebbe a riscoprire i “veri”
valori della vita? Lascio a te la parola per una
conclusione di questa chiacchierata.
Credo che quel tipo di “cultura contadina“ sia
comune a tutta l’Italia, che ci sia un comun
denominatore tra le culture contadine del sud e
del nord, penso anche che gli “atti infamanti “ dei
quali tu parli possano essere e sono compiuti da
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
sempre anche da consorzi umani di matrice
diciamo più “urbana”, non credo a causa di una
ignoranza relativa dovuta ad una cultura, nel
senso di costume, o ad un’altra, ma piuttosto
attribuibili ad una pochezza interiore che
riguarda parte dell’umanità, in quanto tale, a
prescindere. Quel tipo di ambientazione “
bucolica“ mi ha sempre ispirato, al livello poetico,
nelle canzoni, essendo composizioni realizzate
per i Fiaba ed è per questo che gli accadimenti
de La pelle nella luna ad esempio, di cui fa parte
La piccola Greta, si svolgono in quel contesto. Mi
piacerebbe pensare che, la frase dei contadini
poveri delle fiabe, magari con sei figli a carico, nel
momento in cui trovano un bambino
abbandonato, del tipo: << Lo porteremo a casa
con noi, sarà quel che Dio vorrà!>> si
contrapponga all’ immagine contemporanea di
una donna che commette un infanticidio
abbandonando suo figlio in un cassonetto
dell’immondizia. In realtà, la cultura contadina,
sicuramente ricca di valori che abbiamo perduto,
è anche quella di un piccolo industriale della
terra che taglia un albero, anche se bello e pieno
di vita, solo perché non da frutti, perché non
“rende”, che disbosca per seminare e che tiene
un solo cagnolino di una cucciolata sopprimendo
gli altri perché ciò fa economia al suo cortile, un
pò come il cittadino che abbandona il suo cane in
autostrada perché ciò fa economia alle sue
vacanze. A volte le femmine di alcuni animali,
dopo aver partorito, cannibalizzano i propri 23
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

cuccioli, chi è il mostro? Forse tutti, forse ai Fiaba e ti saluto autocitandomi:

nessuno, non mi sentirei comunque di
mitizzare troppo la cultura contadina e, ciò da <<Liberarmi dal dolore d’esser uomo io vorrei>>.
cui traggo ispirazione, riguarda noi in quanto
umani. A tal proposito, non sapendo cos’è il p.s.
bene e il male e non essendo detentore della (non metterlo come titolo per l’intervista!
verità assoluta, contrariamente, a quanto pare, (sorride) )
alla maggioranza delle persone che popolano il
nostro pianeta, chiudo ringraziandoti per lo
spazio e l’attenzione che hai riservato a me ed

Il debutto dei Fiaba rimane per molti versi un disco unico sia per il panorama progressive che
per quello metal italiano. Mai in Italia fino ad allora un disco prog aveva fatto ricorso a ritmiche e
armonie decisamente metal e mai fino ad allora un disco metal in italiano era stato arricchito di
elementi folk e progressivi. E l'essere un crocevia ideale tra i due generi è stato a lungo un
problema per i Fiaba che hanno dovuto spesso fare i conti con l'eredità di un disco praticamente
perfetto. Sin dall'opener Il richiamo dello Stagno siamo proiettati in quel mondo sospeso tra
fantasia e realtà che farà la fortuna dei nostri (si pensi al concept Lo Sgabello del Rospo): le
ritmiche mediterranee si sovrappongono ad una base metal per dare luce ad un'ibrido folk metal
innovativo per un'epoca che non aveva ancora visto l'esplodere di band quali Ensiferum o
Eluivete. Sebbene non sia un concept, le canzoni si legano perfettamente, da C'è un posto nel
bosco, al Signore dei Topi, fino allo Spaventapasseri. Non ci sono assoli o parti strumentali
eccessive, tutta la sezione strumentale è al servizio della recitazione sopra le righe di Brancato e
delle storie bucoliche ma inquietanti ideate da Rubino, una sorta di King Diamond italiano per
la sua capacità di scrittore/musicista. Stupisce anche la produzione pulitissima, una rarità per
l'Italia del tempo, produzione che si esalta nell'acustica Viene L'Angelo e nel Fauno, che riprende il
tema folkeggiante dell'opener. E si arriva
all'immortale I Sogni Di Marzia. Il brano spicca anche
solo perchè occupa praticamente metà del disco di
esordio (7 brani in tutto, struttura che richiama molto
dischi anni prog anni '70). Del testo, aperto a molteplici
interpretazioni, parliamo nell'intervista. Qui ci
soffermiamo sulla musica: la prima parte (rapimento del
figlio di Marzia) è un bellissimo arpeggio acustico su
cui si innesta il tema portante del brano; la seconda
parte (ricerca del bambino da parte di Marzia) riprende i
temi dell'album con numerosi cambi di ritmo che
seguono la storia (come succedeva nei vecchi dischi di
King Diamond); la terza parte (il sogno nel sogno di
Marzia) è quella che passa alla storia, vicina ai
Candlemass di Nightfall e i Fates Warning di No Exit, si apre con un arpeggio struggente per
poi arrivare ad un tappeto ritmato che sfocia di nuovo in un arpeggio inquietante e un ritornello
struggente che ricorda anche gli Iron Maiden dei primi due dischi (Remember Tomorrow, Prodigal
Son); la quarta parte (Marzia ritrova il bambino) riprende il tema principale fino a riproporre in
un classico finale a spirale il riff iniziale. Capolavoro assoluto! Consigliamo vivamente la visione
su YouTube del video, assolutamente professionale e che descrive perfettamente in immagini la
storia di Marzia. Dopo ormai 20 vent'anni l'appiccato stupisce ancora per la sua freschezza e
l'innovazione che seppe infondere nel progressive italiano degli anni '90.
24
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Cirrus Minor

Greenslade
di Francesco Cimminiello

I Greenslade, anche se non noti come le band facenti parte del famoso “triangolo progressivo”
(King Crimson, Genesis, Yes) si devono necessariamente considerare fra i maggiori esponenti del
Progressive inglese, una band – per chi non la conoscesse – sicuramente da rivalutare, e che ha
saputo produrre, ottimi album, se pur inferiori al suo esordio.
Anche la copertina dell'omonimo album, dalle atmosfere “fiabesche” e dai toni tenui, è una delle
tante e meravigliose icone del Progressive Rock, opera del grande Roger Dean (noto copertinista
degli Yes) che per l'occasione creò il folletto “Greenslade”.

I Greenslade sono una band sorta nel 1971 in
inghilterra e che prende il nome dal suo
fondatore e tastierista Dave Greenslade.
Quest'ultimo era stato, nell'epoca tardo/beat,
il pianista e organista dei Colosseum, band
jazz rock che alla fine degli anni ‘60 aveva
composto ed eseguito una delle prime suite
rock: Valentyne Suite. Fu proprio dopo la
pubblicazione di detta suite che Dave
Greenslade sentì quell'esigenza che all'inizio
degli anni ‘70 investì i musicisti di quell'epoca,
e cioè il bisogno di cambiare e di lasciarsi
trasportare da quel fiume in piena che
avremmo chiamato in futuro Progressive
Rock.
Dave Greenslade approfitta, quindi, dello
scioglimento dei Colosseum nel 1971 per
concretizzare il suo nuovo progetto, e decide
di unire la sua formazione jazz e classica con le
nuove idee di Dave Lawson, cantante dalla
voce acuta e tastierista affascinato
dall'elettronica e da quei nuovi giocattoli
chiamati sintetizzatori.
In passato Lawson era stato il cantante /
tastierista (e anche chitarrista) dei Web, una
band che mescolava già primi semi
Progressive Rock, con sonorità blues, soul,
black music e soprattutto quelle atmosfere
cupe che Lawson porterà poi con sé nei
Greeenslade.
A questo punto mancava la sezione ritmica, ed
ecco che Dave Greenslade porta nella band il
bassista dei Colosseum, Tony Reeves – che
nel frattempo si stava occupando di
produzioni discografiche (e che produrrà i
dischi dei Greeenslade) – e uno dei tanti
(talentuosi) batteristi sedotti e abbandonati
dai King Crimson di Robert Fripp, Andy Mc
Cullogh (aveva suonato la batteria nell'album 25

Lizard).
All'inizio, siccome Dave Greenslade aveva nel
cassetto molto materiale da lui composto, fra
testi e musiche, che avrebbe dovuto suonare e
cantare, si era pensato di produrre un suo
album solista, ma poi visti i contributi degli altri
musicisti (soprattutto di Lawson, che poi
divenne il paroliere ufficiale negli album
successivi), fu chiaro che Greenslade sarebbe
stata una band a tutti gli effetti.
La formazione è atipica e anticiperà quella
degli italiani Banco del Mutuo Soccorso: la
caratteristica è la presenza di due tastieristi
complementari (uno al piano/ organo/
mellotron, e l'altro ai sintetizzatori ARP) che
duellano con assolo e che intrecciano tappeti
armonici non scadendo mai in virtuosismi fine
a se stessi.
La voce, talvolta dolce, più spesso aggressiva,
ma sempre e comunque melodica, sembra
anticipare alcune voci Hard Rock ed Heavy
Metal degli anni '80.
Il basso è uno strumento solistico, melodico e
brillante, che spesso si abbandona a pregevoli
assolo, quasi a voler colmare l'assenza di
chitarra; la batteria è fantasiosa, precisa, dal
tocco leggero e che mette in risalto la grande
preparazione tecnica di Mc Cullogh.
Anche le atmosfere sono atipiche, sembrano
prendere spunto da quelle favole acustiche dei
Caravan, ma incupite e avvolte in un alone
oscuro che si alterna a brevi sprazzi di luce e di
ariosità. Le tastiere non si distinguono
facilmente: mellotron, organo e pianoforte
vengono suonati e impastati in modo tale da
fondersi in un unico strumento. Il sintetizzatore
è suonato poco, è pizzicato in modo da
riempire i vuoti delle altre tastiere, ma in
questo disco non ci sono solenni assolo di
moog come siamo abituati a sentire negli ELP o
Yes dello stesso periodo.
La prima fatica si concretizza nel 1973 con
l'omonimo album. In apertura, il brano
Feathered friends, scritto da Dave Greenslade
che sintetizza in quasi sette minuti tutta la
filosofia musicale della band e le singole abilità
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
strumentali dei musicisti; una canzone cupa ed
ariosa allo stesso tempo, movimentata e
pacata, dolce ed aggressiva, una perfetta
armonia fra complessità strumentale e melodia
Pop.
Si prosegue con la strumentale An english
western, composizione un po' più folk, sempre
composta da Greenslade, che in chiusura
riprende il tema del brano di apertura rivelando
così di essere la parte seconda di una mini suite
di oltre 10 min.
The drowing man è una canzone che si apre con
un intro enigmatico suonato sulle note basse
dell'organo per poi aprirsi in una ninna nanna
dolce per piano elettrico, per poi esplodere,
infine, in una specie di samba che vede
alternarsi organo e piano fender rhodes,
batteria e percussioni. Temple song è un'altra
ninna nanna per vibrafono e piano elettrico,
con una voce dolce ed androgina di Lawson,
con atmosfere quasi orientaleggianti, con tanto
di gong e percussioni varie, che vede danzare
basso, tastiere di vario genere con cori e flauti
(del mellotron).
Melange è la composizione strumentale
composta collettivamente dalla band ed è una
summa di tutta la musica dei Greenslade. C'è
tutto: piano elettrico e atmosfere jazz, assolo
meravigliosi e fantasiosi di un basso (Fender
precision) che manda in saturazione le valvole
dell'amplificatore creando un suono distorto
molto “chitarristico”, c'è il pianoforte acustico,
c'è l'organo, gli archi del mellotron, il
sintetizzatore, tutti strumenti che fanno da
sottofondo ad un interminabile (bellissimo)
assolo di basso fatto passare attraverso un
effetto “wha” ed attraverso un echo a disco.
Anche Dave Lawson si ritaglia un suo angolino
di gloria col brano What are you doin' to me, sue
liriche e musiche di questa canzone
sostanzialmente Pop che esordisce con un
arpeggio oscuro ed aggressivo per organo
Hammond per poi esplodere in una cavalcata
hard rock con un sintetizzatore che “canta”
all'unisono con la voce; batteria aggressiva,
voce stridula ed atmosfere cupe scandite dai
cori e dai violini del mellotron.
26

Tutto si zittisce all'improvviso in un finale Jazz
per vibrafono e piano elettrico come il sopirsi
alla sera del moto irrequieto dell'anima.
Chiude l'album una composizione
strumentale, Sundance, un brano sinfonico
composto da David Greenslade, con un'intro
malinconico per pianoforte acustico, poi si
passa dalla classica al jazz, con David
protagonista assoluto che gioca sulle sue
tante tastiere; un finale, quindi, colorato, fra
pianoforte, piano elettrico, organo, mellotron
e sintetizzatori; il brano alterna cavalcate
veloci e più propriamente Rock a lunghe
pause riflessive, come quella per pianoforte
acustico che chiude l'album con un finale
decisamente più sinfonico e sognante.
Un disco che dalla critica specializzata è
ritenuto uno dei punti alti del Progressive
Rock inglese.
Il successivo album – uscito subito dopo,
sempre nel 1973 – Bedside Manners are
extra, è un altro piccolo gioiello, che vede
Dave Lawson farsi sempre più strada
all'interno della band, imponendosi come
autore, compositore, e quindi darà più spazio
alla sua incantevole voce e ai suoi synth, alle
sue atmosfere cupe e alle sperimentazioni
d'avanguardia; mentre c'è meno spazio per il
Rotters' Club
per la diffusione del progressive rock
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Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
basso che rientrerà nel suo ruolo meno
“solistico”.
Negli album succesivi (Spyglass Guest, Time
And Tide) Dave Greeenslade imporrà
l'ingresso di un chitarrista, Clem Clemson
(anche lui, suo vecchio compagno
proveniente dai Colosseum) e il sound della
band registrerà un ritorno a certe atmosfere
jazz rock ma anche molto vicine a quel pop
tipico della seconda metà degli anni ‘70;
intanto le personalità di Greeenslade e
Lawson si distingueranno sempre di più sino
allo scioglimento della band avvenuta alla fine
degli anni ‘70.
Dave Greenslade potrà finalmente dedicarsi
ad una carriera solista (poco brillante) per poi
riunire la band negli anni ‘90, durante la
rinascita del Prog, questa volta senza Lawson
alla voce.
Verranno così prodotti diversi album Live
(1999), Large Afternoon (2000), The full
edition live 2001 (2002), Feathered Friend
(2007), di cui il più interessante resta il disco
con le registrazioni (rare) dei concerti che
raggruppano sia la tourné del '73 sia quella
del '75 (con il chitarrista nell'organico).
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Landberk ‐‐ Indian Summer

Prog Story

(I996, Record Heaven)

di Giuseppe di Spirito

Quando nei primi anni '90 il mondo del Progressive cominciava a mostrare una vivacità
maggiore rispetto al decennio precedente tre gruppi svedesi riuscirono a catturare un bel po'
di attenzioni. Se gli Anglagard restano oggi quelli probabilmente più amati e gli Anekdoten i
più costanti, i Landberk sono senza dubbio i più sottovalutati...

brumose ed una chitarra minacciosa.

I Landberk, come i loro colleghi già citati,
Di Riktigt akta esce lo stesso anno una
hanno mostrato da subito delle influenze
versione con testi in inglese, mentre due anni
crimsoniane abbastanza marcate, sia per
dopo One man's tell another segna un
l'ampio utilizzo del mellotron, sia per certe
ulteriore passo di avvicinamento verso una
soluzioni sinfoniche che rimandavano ai primi
piena maturità.
album di Fripp e compagni.
Il live Unaffected del 1995 (che in origine
Eppure, nonostante dei riferimenti
doveva essere allegato ad un numero della
abbastanza evidenti, fin dall'esordio del 1992
celebre fanzine italiana Melodie &
con Riktigt akta, i Landberk, più dei loro
Dissonanze, poi mai uscito) precede di un
connazionali maggiormente seguiti, hanno
anno la pubblicazione di quello che è il canto
cercato un percorso personale, provando a
del cigno dei Landberk, intitolato Indian
distaccarsi da qualsiasi cliché attraverso una
Summer.
proposta che, pur mostrando riferimenti al
romanticismo dei primi King Crimson, vedeva
Si tratta di un album controverso,
anche una malinconia più tipicamente
caratterizzato da un sound ancora più
nordica, parzialmente debitrice del Progg
compassato e misterioso dei suoi
svedese degli anni '70 e pronta ad insinuarsi
predecessori, eppure assolutamente
nel cuore degli ascoltatori con atmosfere
meraviglioso, ma non così facile da inquadrare 28

per chi si aspettava e voleva ancora forti tinte
cremisi e timbriche comuni nei lavori Prog.
Ancora oggi, probabilmente, in molti non
hanno capito in pieno lo straordinario lavoro
fatto dai Landberk con questo disco.
D'altronde, si sa, il famoso/famigerato "progfan
medio" si esalta per la spettacolarizzazione del
sound, per i tecnicismi, per i tempi dispari, per
tastiere sinfoniche a tutta forza, per le
timbriche vintage, per i netti rimandi ai grandi
colossi dei seventies.
Ebbene, poco e niente di tutto questo si trova
in Indian Summer!
In Indian Summer troviamo ritmi morbidi, una
malinconia ancora più accentuata e quasi
disturbante in alcuni frangenti, un grandissimo
senso per la melodia, la ricerca di
un'orecchiabilità immediata, ma che pure
mantenga le distanze dal pop più banale, un
guitar-playing sobrio, personale, a volte
distorto senza eccessi e composizioni raffinate
con timbri e momenti solisti che non era cosÏ
facile trovare in quegli anni.
Ma andiamo con ordine. Il cd si presenta in
una classica confezione jewel-case ed una
copertina dalle tinte chiare e tenui in cui spicca
il grembo di una donna incinta.
Il libretto è molto avaro di informazioni,
contiene qualche altra immagine legata alla
cover e brevissimi estratti dei testi dei brani;
non è neanche indicata la line-up del gruppo.
La formazione ve la indichiamo noi: ne fanno
parte Stefan Dimle (basso), Reine Fiske
(chitarre), Patric Helje (voce), Jonas Lindholm
(batteria) e Simon Nordberg (tastiere). In più,
sono presenti come ospiti Sara Isaksson alla
voce, Lotta Johansson al sax e Sebastian
Oberg al violoncello.
Tocca a Humanize il compito di aprire il disco
(che dura circa quarantasette minuti e mezzo)
e inizia con mezzo minuto d'atmosfera, con
curiosi suoni di una chitarra che poi detta il riff
che ci fa entrare nel vivo del brano insieme al
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maestoso mellotron.
Subentrano le parti cantate, più dirette che in
passato eppure stravaganti e si va avanti fino
ai sei minuti con questo Rock moderno, che
comincia a pennellare scenari sonori desolati
eppure incantevoli.
E' con i nove minuti di All around me che si
entra nel vivo di Indian Summer. Questo
brano ci introduce le caratteristiche che
saranno maggiormente presenti nell'album: un
andamento lento, dettato da ritmi
particolarmente compassati, melodie vocali
dirette, ma tutt'altro che scontate, la
malinconia a regnare sovrana, la chitarra di
Fiske che tratteggia scenari sonori particolari,
il solito mellotron che prova a spingere la
musica verso sentieri sinfonici che in realtà
non vengono mai raggiunti, dei crescendo
emozionanti che non sfociano mai in momenti
aggressivi.
Meravigliosi gli ultimi tre minuti strumentali,
dall'elegantissimo lavoro di basso e batteria,
con il mellotron in sottofondo e le sue note
lunghe, mentre la chitarra si lancia in un lungo
e coinvolgente assolo.
Quasi in contrapposizione a questa traccia
segue 1st of May, che vede i Landberk
impegnati nell'altro lato di una stessa
medaglia: un Rock ancora diretto, ma più
conciso e dai ritmi più veloci e dalla chitarra
quasi hard stemperata solo dalla voce pulita di
Helje.
Altri brani "up-tempo" che mostrano queste
peculiarità sono Dustgod e Dreamdance.
I wish I had a boat e, soprattutto, Why do I still
sleep (quest'ultima considerata da molti il
capolavoro dei Landberk) ci riportano a quelle
atmosfere elegiache e ai ritmi lenti.
Se la prima mostra una delicatezza ancora
maggiore con alcune indovinate trame
acustiche, con la seconda, in quasi otto
minunti, l'alone di tristezza si fa ancora più
marcato, con la voce di Helje che si fa ancora
più sofferta ed il climax viene raggiunto
quando interviene l'ospite Sara Isaksson
ammaliando l'ascoltatore col suo canto da
sirena.
29
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

L'ultimo brano è rappresentato dalla title-track

Reine Fiske resterà molto attivo in altri ambiti,
ed è una conclusione indolente e perfetta di
a partitre dal progetto Morte Macabre creato
Indian Summer, con cinque minuti quasi
insieme Stefan Dimle e a musicisti degli
stranianti, in cui chitarra e voce portano quasi
Anekdoten, dando vita ai Paatos ancora con il
agli estremi quel senso di malinconia che ha
contributo di Dimle e suonando e collaborando
inondato l'album fin dalle prime battute.
con numerosi altri artisti, tra i quali segnaliamo
Dungen, Trad Gras Och Stenar, Elephant9,
Col senno di poi si può dire che Indian
The Amazing.
Summer, sotto molteplici aspetti, è un album
che ha anticipato i tempi: troviamo il Post-Rock
Storie ancora affascinanti, alle quali consiglio di
prima del Post-Rock, soluzioni a cui Steven
avvicinarvi, anche se non sono riuscite a
Wilson arriverà solo qualche lustro dopo,
ripetere la magia dei Landberk e di Indian
persino idee sviluppate maggiormente dai
Summer.
Radiohead negli anni a seguire.

Sono stati scomodati gli artisti più svariati per

individuare le scelte sonore adottate dalla band
svedese in Indian Summer, dagli eroi del Prog
King Crimson e Van der Graaf Generator ai
Talk Talk, passando per David Sylvian, Joy
Division, Radiohead e persino U2 e Cure.

La realtà è che le influenze restano tali e si

percepisce chiaramente che il quintetto
svedese non vuole ripercorrere le orme di
nessuno e punta a lasciare le proprie creando
un disco che è rimasto davvero unico, che può
essere considerato, a ben vedere, l'ultimo passo
di una naturale evoluzione che ha portato i
Landberk degli esordi a una maturità
spiazzante, diventando molto più introspettivi,
ma regalando emozioni a volontà con un pugno
di canzoni perfette e dagli arrangiamenti
sopraffini.

Se Indian Summer fosse stato un best seller

come OK computer oggi sarebbe
probabilmente visto come album
imprescindibile e pietra miliare del periodo;
è rimasto invece circoscritto a quella nicchia che
è il mondo Prog; si arriva così a quello che può
essere un vero e proprio paradosso: l'album
sembra troppo di confine per il progfan e
troppo legato al Progressive per attecchire ad
un mercato più ampio.
Forse è stata questa la sua condanna e la
condanna dei Landberk.
30
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Note Classiche

Il pianoforte preparato
di Michele Colucci in arte Venovan

Dal 900 la sperimentazione musicale è arrivata al superamento delle possibilità timbriche che uno
strumento classicamente aveva. Il pianoforte ha avuto particolare attenzione essendo simbolo
della cultura classica che si aveva intenzione di superare. In quest’articolo parliamo di alcune
tecniche comunemente usate dal pianista sperimentale, in particolare del pianoforte preparato.
Per pianoforte preparato s’intente una tecnica musicale che consiste nell'introdurre materiali vari
tra le corde del pianoforte: viti, chiodi o altri oggetti metallici, pezzi di gomma o altro materiale
smorzante, lamelle o altri oggetti vibranti, che vengono applicati sulle corde.

Il Novecento è stato il secolo della
sperimentazione: tutti percepivano il dovere di
superare "il Limite" creando così "un qualcosa"
di non convenzionale. Il teatro dell’arte e il
teatro della musica, oggi definiti come
performance artistica e performance musicale,
sono stati la base della sperimentazione; basti
pensare che ci si è spinti alla non realizzazione
del prodotto oppure alla dissacrazione
dell'accademismo tramite l’ esplorazione
creativamente distruttiva.
La prima forma di sperimentazione musicale si
manifesta in America nel primo ‘900 con il
pianista compositore e teorico musicale Henry
Cowell con cui l’esplorazione sperimentale si
concretizzò soprattutto in un nuovo approccio
al modo di suonare lo strumento.
In Europa, invece, bisogna aspettare la metà
del ‘900 per iniziare a vedere le prime forme di
sperimentazioni. Ciò che viene fatto in Europa
è strettamente legato alla casualità, basti
pensare all’artista dadaista Marcel Duchamp,
il quale realizza una composizione a tre voci da
eseguire in maniera aleatoria.
L’opera Errata Musical, scritta nel 1913,
prevede, infatti, che la partitura venga eseguita
in maniera aleatoria, cioè con l’utilizzo di un
dado.
Le parti dello spartito vengono eseguite nella
successione determinata dal lancio di un dado
qualche istante prima dell’esecuzione.
La partitura è stata realizzata per tre voci:
Madeleine, Yvonnee (due sorelle di
Duchamp) e Marcel.
Duchamp era ossessionato dal numero tre e
non a caso, per l’esecuzione veniva usato un

31

dado a forma di piramide, dove i numeri si
trovavano negli angoli delle facce triangolari.
A parte la composizione di Duchamp, i
musicisti europei sono rimasti ostili alla
sperimentazione musicale fino agli anni ’70,
forse perché il tutto era legato ancora alle
tradizioni, basti pensare a Stockhausen e
Berio i quali cercano di superare l’armonia
semplicemente allargando le possibilità
acustiche del pianoforte (aggiungendo tasti
allo strumento), senza però superare la
limitazione dello strumento e quindi del
suono.
Ritornando in America, come detto, Cowell è
stato il primo pianista sperimentale che ha
esplorato atonalità, politonalità, poliritmia e
modi musicali; è stato inoltre inventore dei
clusters, aggregati di note vicine ottenuti
premendo con mani, braccia o qualunque altra
cosa sulla tastiera del pianoforte, pubblicati
per la prima volta nel 1916 con l'opera
Dynamic Motion.
La tecnica del cluster è alla base del
modernismo musicale, che è stato un gesto
dissacrante nei riguardi della classicità.
Questa tecnica non è basata sull'improv-
visazione, dato che l’intervallo di note da
suonare è riportato in partitura.
Per comprendere il potenziale dei clusters
basti ascoltare le due Sinfonie per 21
pianoforti, scritte da Daniele Lombardi
(pianista, compositore e artista visivo italiano)
verso la fine degli anni novanta del ‘900.
Sempre all'inizio del novecento Cowell
introduce un secondo modo di suonare il
pianoforte, (string piano) toccando
direttamente le corde con le mani
(pizzicandole o percuotendole).
Questa tecnica ha dato il 'La' al suo più grande
allievo John Milton Cage (Los Angeles, 5
settembre 1912 – New York, 12 agosto 1992) .
John Milton Cage, compositore, teorico
musicale e scrittore statunitense, famoso per
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
aver stupito il mondo con la sua performance
dal titolo 4 minuti 33, lascia il pubblico stupito
ma, allo stesso tempo riesce a provocare e a
mettere in crisi il mondo accademico.
Cage non annuncia la sua performance, non
dice nulla al pubblico tranne che alla madre, la
quale sapeva tutto quello che sarebbe
accaduto durante la sua esibizione cioè
"NULLA".
Il pianista sale sul palco in maniera classica, si
presenta cioè come un pianista dell’800
classico con frac e papillon, si siede al grande
pianoforte, posiziona gli spartiti, schiaccia il
pedale di sustain, guarda l’orologio e mentre
sta per poggiare le mani sulla tastiera rimane
immobile per 4 minuti e 33 secondi.
Dopo pochi secondi si percepisce il brusio
delle persone che rimangono atterrite dalla
provocazione eseguita dal maestro.
Cage con questa performance apre un nuovo
mondo musicale, quello del silenzio, facendo
comprendere alle persone che l’assenza di
suono non esiste, dato che è l’essere vivente
stesso che, essendo macchina, emette rumore
produce suono.
Cage è considerato l'inventore del pianoforte
preparato, con la pubblicazione del brano
Bacchanale del 1938, composto per la
danzatrice Syvilla Fort.
L'opera era stata scritta per ensemble di
percussioni ma, non potendo disporre di tale
ensemble, Cage trasportò la composizione sul
pianoforte, dentro il quale introdusse materiali
vari, trasformando lo strumento in un
ensemble piano-percussion con sonorità che
andavano dalla marimba a piccoli tamburi,
passando per suoni metallici simili a campane.
Il pianoforte è sempre stato considerato infatti
uno strumento percussivo, dato che le corde
vengono percosse dai martelletti:
l’introduzione di oggetti sulle corde crea così
un suono armonico percosso.
Con l'introduzione delle preparazioni, il
pianoforte veniva dissacrato e sottratto in
parte della sua armonicità ma assumendo un
carattere ritmico. 32

A seconda della preparazione (che crea
un’alterazione della tensione delle corde
ottenendo una “scordatura voluta”) possono
prevalere le percussioni atonali perdendo
completamente il classico suono armonioso. In
questo modo lo strumento assume un valore
ritmico dove in alcuni casi prevalgono le
percussioni atonali e non più il classico suono
armonioso. L'inserimento di oggetti crea
un’alterazione della tensione delle corde
dando vita ad una scordatura voluta.
La sperimentazione continua
E' negli anni '70 del novecento che s’inizia a
pensare al pianoforte come strumento per più
musicisti.
Sappiamo tutti che il pianoforte è nato come
strumento per uno o al massimo 2 musicisti,
con le classiche composizioni a 4 mani, ma con
Stephen Scott, compositore americano, il
tutto cambia.
Scott riesce a comporre partiture per
pianoforte preparato per 10 musicisti,
sviluppando così la tecnica bowed piano,
presa in prestito da C. Curtis-Smith (inventore
della tecnica del 1972).
La bowed piano prevede l’utilizzo di un grande
pianoforte a coda suonato da un insieme di
dieci musicisti che utilizzano vari materiali per
mettere in vibrazione le corde: crine, filati di
nylon ecc., creando un suono simile a
un'orchestra. Scott ha fondato la Bowed
Piano Ensemble nel 1977, per la quale
compone rimanendo fedele alle armonie
minimaliste.
Oggi il più grande sperimentatore, del
pianoforte preparato è il compositore e
pianista tedesco Volker Bertelmann in arte
Hauschka che è riuscito a fondere elettronica
e preparazione, modificando addirittura i
riverberi naturali durante l’esibizione.
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
Il Rock, il Progressive Rock e la
sperimentazione del pianoforte.
Il mondo del Rock e del Progressive Rock non è
rimasto fuori dalla sperimentazione
contemporanea, basti pensare a Frank Zappa
che, su una partitura, indicava un cluster dove
il pianista doveva sedersi con le natiche sulla
tastiera, oppure al Banco del Mutuo
Soccorso, dove il pianista Nocenti chiede in
sala di registrazione di registrare un suono
anomalo generato dal rovesciare un secchio di
chiodi sulle corde del pianoforte (durante le
registrazioni di Darwin ndr).
Il gesto gli fu negato.
Così il pianista racconta:
<< Mi sono intrufolato di notte nello studio di
registrazione per campionare la mia
sperimentazione >>.
Infine afferma:
<< La cosa più difficile è stata quella di rimuovere
tutti i chiodi dal piano armonico del pianoforte
>>.
Anche il tastierista degli Area, utilizza il
pianoforte preparato in Antropofagia (Cramps,
1977), arrivando addirittura ad introdurre una
bistecca di manzo sulle corde del pianoforte.
Per chi volesse sapere di più sull'autore
dell'articolo: http://www.venovan.com/
33
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La Coscienza di Zeno
La notte anche di giorno
Special

Silvio Leccia

Immagini di: Maurizio "Maz" Raso, Enrico Rolandi, Davide Merlo,

Athos Enrile, Marina Montobbio, Paolo Infusini, Lutz Diehl, Ilaria
Paderi, Francesca Frescia, Paolo Botta e Priscilla Jamonea

Incontriamo il gruppo genovese che alla terza prova in studio si dimostra in un particolare
stato di grazia compositivo. E' quindi il momento opportuno per tirare un po' le somme di
quanto fatto e conoscere questa bella realtà italiana un po' più approfonditamente.

Benvenuti nel nostro “salotto telematico”, mi fa “coscienziosità” ritenuta necessaria per la ns.
molto piacere avere la possibilità di fare musica… Altra storia invece per quanto
quattro chiacchiere con voi e potervi riguarda l’ultimo innesto: Domenico Ingenito.
“presentare” a chi, magari, ancora non vi Dopo Sensitività, maturò in noi l’esigenza di
conosce.
esplorare più a fondo il percorso che avevamo
intrapreso con la title track e con “La
Cominciamo con le cose più semplici. Ci
temperanza”. Questi due brani, a mio avviso,
raccontate come vi siete conosciuti?
hanno spinto i CdZ ad inserire uno strumento
acustico e da qui la ricerca di un violinista
[Stefano] Tramite un'inserzione in cui cercavo
arrivato in questo caso tramite annunci.
un bassista. Si presentò il Guidi Colombi e, da
[Luca] – Gabriele, il bassista che ho ora
allora, divenimmo amici e compagni di viaggio.
ritrovato in CdZ, è stato il primo a parlarmi di
Io entrai in CdZ, formata allora solamente da
rock progressive, quando ancora facevo le
Gabriele e Andrea. E incominciò il cammino...
medie nei primi anni Novanta! All'epoca
(Gabriele) A dire il vero il percorso che ha
ascoltavo prevalentemente blues, soul, amavo
portato alla costituzione di CdZ è molto simile
moltissimo la musica nera. Però alcune delle
ad altre formazioni: dall’idea di un singolo,
cose che mi passava Gabriele mi avevano
piano piano si riallacciano rapporti con
davvero colpito, qualcosa si stava fermando
musicisti con i quali si è collaborato negli anni,
nel mio cuore. Poi ho incontrato nel 1999 il
si ricercano persone tramite annunci e così via.
batterista Andrea Orlando: entrambi eravamo
In CdZ si è partiti da un nucleo iniziale formato
nella band del musical “Merlin – The Rock
dal sottoscritto, Andrea Orlando e Alessio
Opera”, scritto da Fabio Zuffanti e Vicky
Calandriello per poi, nel giro di un anno,
Heward. Quel periodo è pieno di bellissimi
inserire in organico Stefano Agnini, Davide
ricordi: suonammo Merlin a Roma alla
Serpico e Andrea Lotti. Successivamente
presenza di mezzo Banco del Mutuo
Andrea Lotti lasciò il gruppo e venne
Soccorso. Poi molte date liguri e una molto
sostituito da Luca Scherani, il quale dopo aver
bella in Francia alla prima edizione del
collaborato con noi per qualche live entrò in
Crescendo Festival. Il legame con gli altri
CdZ in quanto possessore di quella
componenti, pur conoscendoli in qualche 34

modo, si è creato e poi rafforzato in seguito al
mio ingresso nel gruppo, nel periodo fra
l'uscita del loro primo album e la
composizione dei brani per il secondo: loro
erano rimasti senza tastierista, e mi chiesero di
aiutarli con alcuni concerti che avevano in
programma. Ma una volta iniziato a studiare i
brani, ne ho apprezzato meglio il valore, e ho
proposto loro il mio ingresso nel gruppo a
titolo definitivo.
Dalla vostra produzione, molto regolare (un
disco ogni due anni), si evincono, a mio
avviso, due cose: tante idee musicali, ma
soprattutto un grande impegno nel portare
avanti il progetto. Sicuro che ognuno di voi
non viva dei proventi delle vostre vendite,
mi viene la curiosità: è un limite non vivere
della vostra musica?
(Gabriele) Vivere di solo progressive oggi è
pressoché impossibile, facendo una facile
battuta si può affermare che in pochissimi
possono permettersi una pizza suonando
unicamente prog. E’ un dato di fatto questo
difficilmente controvertibile fino a quando il
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
pubblico non verrà istruito seriamente a
partire dalle scuole dell’obbligo, ma questo
sarebbe un discorso troppo lungo da
analizzare in questa sede. Insomma… chi
suona prog oggi se ne faccia una ragione… non
si guadagna. Detto questo cosa rimane?
Rimane la passione per un genere che nella
sua stessa definizione è ricercare sempre
qualcosa di nuovo. Resta la voglia di divertirsi
“incastrando” le varie parti che ognuno degli
elementi ha composto, di sorprendersi perché
un’idea sull’arrangia-mento che sembrava
farlocca una volta eseguita risulta essere
quella vincente, o ancora l’emozionarsi perché
in quel momento stai suonando qualcosa che
ti piace infinitamente. Suonare così vuole dire
però lavorare per il pane dalle 8 alle 10 ore
ogni giorno e nel tempo libero, quello che
rimane tra la famiglia e altri impegni, suonare
suonare e suonare ancora. A volte ci si chiede
perché lo si fa … ma poi, magari dopo mesi,
senti Il giro del cappio e tutti i tuoi dubbi
svaniscono in quei 5 minuti e rotti e da quel
momento sei nuovamente pronto a ripartire
col “sacrificio/gioia” che altro non è che
suonare non professionalmente. Ovvio che se
35

tutti avessimo più tempo probabilmente la ns
musica potrebbe essere migliore, ma non è
neanche detto questo… a volte le canzoni
migliori sono quelle pensate velocemente o
meglio “cadute dal cielo”.
[Luca] – Non saprei dire se è un limite. Forse sì,
forse no: molte persone che conosco e che
vivono di musica, hanno spesso preferito
rinunciare alla propria creatività per battere
strade meno artistiche ma più sicure. E allora
forse questo non è troppo diverso dal fare un
lavoro esterno alla musica. E in particolare alla
musica in cui si crede! Finora, anche se le
difficoltà non mancano, sono riuscito a
conciliare il lavoro “non musicale” con l'attività
artistica parallela. Finchè questo sarà possibile,
meglio non porsi il problema di dover
scegliere: i tempi sicuramente non sono dei
migliori, non si può certo essere schizzinosi! Ad
ogni modo ritengo la mia attività artistica
particolarmente affollata di progetti e (per
fortuna) di soddisfazioni: oltre al lavoro con
CdZ, partecipo a molti progetti di Fabio
Zuffanti, ho diversi gruppi coi quali mi
esibisco abbastanza regolarmente e porto
avanti un percorso solista.
[Stefano] Lavoro come fonico PD e, ogni tanto,
ci scappa una colonna sonora per cui: no, non
è un limite. Anzi, è tutto perfettamente
integrato.
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
Ci descrivete il vostro
modo di comporre?
[Luca] – Anche sul modo
di comporre si è cercato
di cambiare, di non
ripetersi. Per esempio,
nel secondo album
“Sensitività” abbiamo
pensato che sarebbe
stato interessante se
ognuno di noi avesse
composto almeno un
brano. E così ciascuno
ha iniziato a scrivere. Poi
le idee hanno iniziato a
intersecarsi e ognuno di
noi ha contribuito di volta in volta anche al
brano altrui, ma quell'idea iniziale ci ha portato
a seguire schemi compositivi che sarebbero
stati difficili da pianificare a priori. Invece su
“La notte anche di giorno” è nata prima la
musica, per entrambe le suite. I testi sono
arrivati dopo, scritti da Stefano Agnini.
(Gabriele) Infatti uno dei ns. obiettivi è il non
ripetersi, o quanto meno ripetersi il meno
possibile. Luca ha descritto bene il percorso
fatto per il ns. “Sensitività”, il quale ha seguito
un iter diverso nella composizione rispetto agli
altri due dischi. Per il primo disco invece è
quello che è stato composto maggiormente in
sala prove, non a caso è forse quello più
immediato dei tre lavori. Con l’esordio siamo
partiti da dei canovacci musicali di Stefano e
da quelli abbiamo iniziato a lavorare
all’integrazioni di parti ed arrangiamento.
Ricordo ancora la fatica nell’arrivare alla fine
della composizione de “Nei cerchi del legno”,
anche se poi il risultato finale s’è rivelato
piuttosto appagante per tutti noi.
[Stefano] Parlo per me: il mio personale modo
di comporre è canticchiare brani pressoché
completi nella testa. Poi, soiltamente elaboro
l'idea al pianoforte. A meno che non si tratti di
partiture sviluppate mentalmente con
timbriche già precise.
36

Parliamo del vostro ultimo lavoro: “La
notte anche di giorno”. Il suono del violino,
nell’ultimo lavoro, caratterizza molto,
timbricamente, l’intero progetto. La cosa è
stata voluta o semplicemente è venuta
naturale?
[Luca] Penso che la scelta sia stata dettata
principalmente da due fattori: da un lato c’è
l’amore che molti di noi hanno per il sound dei
Quella Vecchia Locanda, di sicuro un punto
di riferimento molto sentito da diversi
elementi del gruppo. In più, il mio ingresso nel
gruppo non ha portato solo un tastierista, ma
anche la mia esperienza nell’arrangiamento di
elementi orchestrali. Nel secondo album
abbiamo avuto Sylvia Trabucco come
graditissima ospite al violino. Sylvia è una
professionista fantastica, con un curriculum
veramente impressionante… Ahinoi quindi
anche troppo impegnata per pensare anche
solo lontanamente di entrare nel gruppo come
elemento stabile (questo mese per esempio
ha suonato addirittura in Cina!). Per la
promozione live di Sensitività e per la
composizione del terzo album abbiamo deciso
di inserire il violino come elemento stabile, e
per un anno circa il ruolo è stato coperto
egregiamente da Domenico Ingenito.
(Gabriele) Indubbiamente poi col terzo disco è
nata in noi la necessità di rinnovarci, da qui la
scelta di percorrere una strada che con
“Sensitività“ era stata appena accennata con
la title track stessa e La temperanza. In pratica
abbiamo voluto sorprendere inserendo il
violino e tentando di far conoscere
un’ulteriore sfaccettatura della personalità
della Coscienza di Zeno. Un lato della nostra
musica più classico, che nel nostro esordio
quasi manca-va forse per il motivo che Luca è
poi entrato ufficialmente in formazione solo
col nostro secondo lavoro.
Come è nata l’idea di parlare di queste due
donne in particolare? Le conoscevate? E’
stato difficile scrivere di persone reali?
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
Mettere in musica e sotto i riflettori di tutti
e al giudizio di tutti queste storie, non vi ha
in qualche modo preoccupato, eticamente
parlando?
[Stefano] Sì, Serena faceva parte del mio
gruppo esteso di amici con i quali condivido la
passione per la musica dark e metal. La notizia
della sua scelta è arrivata in un momento
particolare per me e mi ha colpito molto. Per
quanto riguarda Bianca Orsi, la conobbi nel
corso di un’intervista per un format di Radio
Tre, per il quale dovevo riprendere l’audio. Per
rispondere all'altra domanda, assolutamente
no, credo sia un doveroso omaggio a due
figure che sono quasi emblematiche nel loro
percorso di vita.
Naturalmente, le loro vicende sono state
ampiamente riscritte e romanzate. Il fatto che
gli amici di Giovane figlia l’abbiano riconosciuta
e si siano commossi, vuol dire che il messaggio
che ho tentato di inviare, ovvero di non
lasciarsi travolgere dalla vita ma di affrontarla
con orgoglio a testa alta, ha raggiunto il suo
scopo.
Sebbene diverse caratterialmente, ad
accomunare queste due donne è la
sofferenza del vivere. Una si è arresa ad
essa, l’altra l’ha gestita forse con la sua
arte. Nella musica si avverte una
sensazione di rimpianto, di malinconia: è
rassegnazione contro certe ferite che la
vita ti procura e da cui non si può guarire
mai?
[Stefano] Sicuramente, come scrive Ammaniti,
<<I ricordi sono zombi che ti uccidono
instillandoti una nostalgia che ti leva il respiro>>.
L’importante è non rimanerne vittime ma
attuare delle strategie di difesa che, nel mio
caso, possono essere riassunte in una forma di
arte-terapia. Io scrivo, soprattutto, per
necessità, non per una ricerca estetica fine a
sé stessa.
37
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

elevare il nostro discorso musicale. Prima di

I miei complimenti a Stefano che ha scritto
lavorare ad un disco nuovo si fa sempre la
dei testi molto belli ed efficaci, con
summa del lavoro svolto precedentemente ed
immagini appropriate. Mi chiedevo se nella
insieme abbiamo notato di come nella nostra
scelta del tema, non ci fosse anche
musica ci fossero brani molto eterogenei tra
conoscenza di quanto si scrive: quel
loro… da qui è nata l’esigenza, forse si
malessere delle due donne, risuona anche
potrebbe chiamare pure la sfida, di fare un
in voi? (essendo personale potete
disco che fosse un flusso musicale unico e
assolutamente ignorare la domanda).
quindi staccarsi momentaneamente dalla
[Stefano] Credo che un interesse innato per
forma canzone. I due brani di LNADG sono
l’introspezione e per l’osservazione dei
diversi tra loro… profondamente diversi.
comportamenti umani mi abbia aiutato a
Tuttavia il desiderio di rendere tutto
sentire empaticamente queste persone. Però,
omogeneo ha fatto sì che si tentasse di creare
nel periodo in cui scrissi Giovane figlia e i due
due mondi vicini ma opposti (anche a partire
brani de La Curva di Lesmo (progetto con
dai due titoli). Due mondi che suonano
Fabio Zuffanti, che quando leggerete queste
musiche diverse, ma che sono stati creati dalle
righe sarà uscito da circa un mese), non mi
stesse mani.
sentivo felice per varie vicende personali e
Come avete contattato l’artista che si è
penso che questa sensazione di inadeguatezza
occupato del bellissimo artwork?
si avverta. D’altra parte, per trasmettere la
[Stefano] Prisicilla (Jamone) è una mia amica.
verità, bisogna prima averla sperimentata su
Bravissima. Il suo stile mi faceva impazzire
di sé.
perciò l'ho contattata e ci ha esposto le sue
La scelta della suite è stata una necessità
idee.
formale? Voglio dire il mood del disco è ben
(Gabriele) Come detto ritengo che un gruppo
focalizzato dall’inizio alla fine, senza che
musicale, qualunque genere esso suoni, non
questo risulti monotono. La compattezza
può limitarsi a suonare. Nel ns. caso è
timbrica di tutto il disco era un vostro
importantissimo il contenuto dei testi, e di
obiettivo? Non vi siete sentiti “imbrigliati”
conseguenza l’estetica delle grafiche ha
nella scelta della forma di scrittura?
sempre avuto un ruolo fondamentale nei
[Luca] Noto con malcelata gioia che la
nostri lavori. Nei tre dischi si è sempre tentato
domanda continene già una parte della
di collegare l’immagine al testo; ad esempio
risposta! Almeno per il tuo gusto, l’obiettivo è
Priscilla Jamone, l’artista che ha concepito le
stato raggiunto! Spero ovviamente che il
grafiche de “La notte anche di giorno” ha
maggior numero di ascoltatori sia d’accordo
pensato di disegnare due donne che
con te. L’obiettivo che ci siamo posti era
potessero rappresentare le due protagoniste
proprio questo: dopo due album accolti con
del disco e di mettere in copertina una sua
grande e inaspettato calore dal pubblico,
visione della Storia. Per la copertina poi c’è da
abbiamo provato ad alzare l’asticella e tentare
dire che il gruppo ha sempre lasciato quasi
la strada “difficile”. Chiaramente il rischio di
carta bianca agli artisti che man mano si sono
sbagliare tutto clamorosamente era alto, ma
succeduti nel collaborare con noi; ovviamente
in quel caso la tua domanda sarebbe stata
CdZ indicava la via poi stava al grafico capire
posta in maniera diversa!! Eh eh! Ne approfitto
dove andare, richiedendo correzioni solo in
quindi intanto per ringraziarti, oltre che per la
minima parte, più che altro per la maggior
domanda anche per la recensione!
parte delle volte si è trattato di scegliere tra
(Gabriele) come dice Luca sicuramente
due o tre opzioni a dire il vero.
quando abbiamo iniziato a lavorare a La notte
Facciamo un passo indietro con Sensitività.
anche di giorno il nostro obiettivo era quello di
Disco diverso, ma ovviamente nel DNA del 38

gruppo. La melodia continua ad essere la
protagonista, anche se, liberi dalla forma
suite si rappresentano diverse facce del
proprio carattere. Il passaggio di Luca da
ospite a membro del gruppo quanto ha
cambiato le dinamiche compositive?
(Gabriele) L’entrata di Luca nel gruppo è stata
assolutamente fondamentale per creare il
sound che contraddistingue CdZ. Senza Luca
oggi saremmo molto diversi, lui, come
accennava prima, è anche arrangiatore e
questo ci ha permesso di limare delle piccole
incongruenze che si potevano scorgere nel
nostro esordio. Sicuramente l’innesto di Luca
ci ha fatto crescere molto maturando e
personalizzando la ns. musica. Questo è
indubbio.
Se Sensitività è maggiormente accostabile
alla vostra ultima fatica, si discosta rispetto
al primo omonimo proprio nella minor
presenza del sintetizzatore, che devo
ammetterlo, in certi casi lo sento anche
forse troppo protagonista nel primo lavoro.
Il vostro omonimo, sebbene episodio
notevole, è forse meno coeso. Avete la
stessa sensazione?
(Gabriele) Quando mi capita di parlare di CdZ
con qualcuno spesso mi viene fatto notare di
come forse si sia persa quell’immediatezza che
era presente nel primo. Insomma… alla fine c’è
una parte di nostri ascoltatori che rimpiange il
nostro esordio ed una parte che apprezza la
nostra evoluzione
Credo che questa osservazione sia in parte
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
vera, tuttavia se penso ad esempio a Nei cerchi
del legno (uno dei nostri brani più apprezzati in
assoluto) sento che CdZ è maturata oggi, ma
che alla fine il seme originario è sempre lo
stesso. Se oggi dovessimo entrare in studio e
fare una versione nuova di Nei cerchi del legno
tutto suonerebbe diverso… sicuramente
inseriremmo flauti, violini, violoncelli, fiati… tutto
sarebbe più curato ma sono sicuro che
comunque il tutto alla fine suonerebbe come
CdZ, esattamente come l’originale. Questo per
far capire che ai tempi del nostro esordio i mezzi
erano diversi, l’esperienza era minore e tutto
“necessariamente” suonava più “naìf”.
Concludendo c’è una parte di nostri ascoltatori
che rimpiange il nostr esordio ed una parte che
apprezza la nostra evoluzione… Noi coscienziosi
invece, non essendo umanamente obiettivi,
troviamo che in ogni disco ci siano momenti
riusciti e altri un po’ meno, ma ci risulta difficile
renderci conto di quanto possa essere coeso o
meno un nostro lavoro. Tuttavia è innegabile che
il primo disco sia stato il lavoro che ha avuto la
gestazione più lunga, anche perché la
formazione definitiva la si è trovata dopo
parecchio tempo, e forse proprio questo periodo
di tempo ha fatto si che effettivamente il nostro
esordio risulti meno coeso rispetto agli altri
nostri lavori.
Alla fine di ogni disco vi è più rimpianto per le
cose che non siete riusciti a fare o
soddisfazioni per le cose realizzate? Dopo il
vostro esordio, ad esempio, avevate voglia di
piantarla lì o fame di farne un altro? E ora?
39

[Stefano] Ogni disco per me è un piccolo
miracolo, una gioia da condividere e le
eventuali difficoltà passano in secondo piano.
Io sarei pronto a ripartire ora.
(Gabriele) non ci fossero rimpianti sarebbe
molto strano… anzi direi che non averne è
praticamente impossibile. Ritenere che si sia
fatto un lavoro perfetto è come sostenere che
non ci si potrà mai superare ed
automaticamente scatterebbe il meccanismo
dell’autocelebrazione senza contare che
l’entusiasmo dello “scoprire” nuova musica si
spegnerebbe di conseguente. Per il resto
condivido le parole di Stefano: ogni disco è un
miracolo… una gioia pura che nulla potrà
inficiare. Ammetto che terminato il primo disco
a causa della lunga gestazione, la tentazione di
scioglierci era forte, ma poi giorno dopo
giorno, commento dopo commento,
recensione dopo recensione, ci siamo resi
conto che avevamo prodotto della musica che
a noi personalmente piaceva e che
sorprendentemente piaceva anche al pubblico
prog!!! Senza parole, senza mai accennare alla
tempesta passata, alla fine siamo andati avanti
consci che lo stare insieme fosse la cosa
giusta…
Vi andrebbe di raccontarci un po’ il dietro le
quinte, le difficoltà dei vostri tre lavori?
[Luca] Molti di noi hanno esperienza in studio
con altri progetti, ogni disco ha una storia a sé.
Penso di poter parlare a nome di tutti se
affermo che i lavori per CdZ assumono una
spinta emotiva particolare, magari non sempre
positiva, che però risulta poi percepibile nel
risultato finale. Mi è capitato davvero di
suonare per CdZ trasportato da emozioni e
ansie che poi hanno donato maggiore
drammaticità a un tema o a una mia
interpretazione. La prima volta che ho sentito il
testo di “Il giro del cappio” ho avuto i brividi,
sono rimasto affascinato dal livello di poesia,
mescolata alla crudezza e alla serietà
dell’argomento, raggiunto da Stefano. Questo
si è aggiunto alle ansie e ai litigi che spesso
accompagnano un lavoro di questo tipo.
Questo è da leggersi a mio parere con valenza
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
fortemente positiva: difficilmente si raggiungono
livelli di stress e rabbia apprezzabili e consistenti
per cose a cui non teniamo. Quindi più il ricordo
della costruzione di alcuni passaggi mi riporta un
bruciore nell’animo e più mi sento di affermare
che mai lo cambierei, nemmeno di una virgola!
Specialmente se parliamo di CdZ. Ogni brano è
frutto di una commistione di stili, umori,
scottature del cuore… Guai a pensare di
modificare il prodotto finito. Si romperebbe
quella magia.
(Gabriele): sette teste da far andare d’accordo
non sono poche. In questa frase credo si possa
intuire la mole di lavoro, non solo musicale, che
ogni disco ha sulle spalle. Andare sempre tutti
d’accordo è impossibile e qualche tensione è
inevitabile, ma credo che, come sostiene Luca,
anche questo sia un fattore positivo per CdZ. Ad
esempio descrivere musicalmente il suicidio di
una ragazza non può contemplare la calma, non
può essere affrontato con dei sorrisi. Ognuno si
sente responsabile di ciò che scrive e suona… e
questo rende estremamente serio il suonare
insieme. Se parlassimo di elfi e fate, cosa che a
dire il vero nel prog si fa fortunatamente sempre
meno, il conflitto sarebbe pesante ma lo stesso
si rende necessario quando si parla di temi
estremamente delicati. Detto questo comunque
la Coscienza ha poi la fortuna di avere al proprio
interno 4/5 compositori, più o meno prolifici, e
questo porta ad uno scambio di mille idee e di
conseguenza di mille decisioni prese che alla fine
ci hanno portato a quello che personalmente
trovo il ns lavoro più completo e complesso “La
notte anche di giorno”. Insomma non si
costruisce una casa senza mattoni laddove i
mattoni sono le parole ….Quindi ben venga il
sudore causato dalle convinzioni di ognuno!!!
Questa è la fortuna di CdZ!!!
Quanto, quello che è stato fatto negli album
precedenti influisce quanto fatto nei
successivi?
[Luca] – Tantissimo! Perchè il primo obiettivo è
quello di migliorare, non ripetersi.. e spesso
anche tentare nuove strade. Comunque quando
si inizia a lavorare ad un album nuovo, a mio
parere, il primo proposito deve essere quello di 40

alzare l'asticella.
(Gabriele) Assolutamente! Tantissimo! Luca ha
espresso la mia stessa idea. Migliorarsi e
soprattutto non ripetersi. Adesso, anzi tra poco,
inizieremo a lavorare per il quarto disco
(sarebbe bello farlo uscire per i ns 10 anni, nel
2017) e le idee che guideranno la struttura
sono già fondamentalmente diverse da quelle
che ci hanno portato a concepire “La notte
anche di giorno”. Ecco … questo … è
fondamentale, mantenere quella che noi
chiamiamo “coscienziosità” ma al contempo
tentare di essere un po’ diverso lavoro dopo
lavoro.
[Stefano] Direi nulla.
E il vostro pubblico? Quanto la loro risposta
“condiziona” quanto fate?
[Stefano] Totalmente avulso da ciò, io faccio
quello che mi ispira il momento. Anche perché
altrimenti dovremmo accontentare troppi fan
di filoni diversi e impazziremmo. Anzi, mi piace
molto giocare con le aspettative degli
ascoltatori. ;)
[Luca] - Un po' di condizionamento è inevitabile.
Più che altro si tratta di rapporti umani diretti
con chi si è affezionato alla nostra musica, non
possiamo certo parlare di enormi riscontri in
termini di vendite! La stagione del progressive
rock in classifica è finita da un bel pezzo. Anche
se tuttora escono dischi che meriterebbero tale
gratificazione. Dicevo rapporti umani diretti nel
senso che facciamo tesoro di come viene
accolto un nostro nuovo album dalle persone
che stimiamo per competenza, professionalità
e ragioni affettive.
(Gabriele) Domanda complessa. Da insicuro
cronico quale sono, io sono attento ad ogni
critica mossa sull’operato della Coscienza.
Tutte le osservazioni le immagazzino e le
rielaboro per capire se, secondo il mio punto di
vista, hanno un valore o meno. Tutto ciò che
viene esposto dev’esser preso in
considerazione, altrimenti non v’è margine di
miglioramento. Se come gruppo non fossimo
stati attenti a ciò che ci veniva consigliato negli
anni probabilmente non saremmo arrivati al
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
discorso musicale attuale. Non è detto che
prendere in considerazioni tutte le critiche sia
necessariamente un bene, ma di carattere non
riesco a fare finta di nulla ed andare dritto per la
mia strada.
Cosa c'è in preparazione? Musica nuova?
Live?
(Gabriele) Al momento siamo in fase di
“rastrellamento” delle idee per iniziare a creare
l’atmosfera del quarto disco. Una cosa è certa …
tenteremo di virare una quarta volta, senza però
discostarci dalle peculiarità musicali che spero ci
distinguano. Probabilmente a partire da gennaio
s’inizierà a scrivere, l’obiettivo è quello di fare
uscire il disco per l’ottobre 2017 … giusto per i 10
anni di CdZ (il tempo passa!!!). Abbiamo tempo
insomma per tentare di fare un buon lavoro …
Nel frattempo i vari coscienziosi saranno
impegnati in vari progetti paralleli: io e Luca
porteremo avanti un progetto “particolare”
assieme a Guglielmo Mariotti, Alessio
continuerà il suo percorso con i Nags, Stefano
inizierà assieme a Fabio Zuffanti il secondo de
“La curva di Lesmo” e così via …In pratica CdZ sta
divenendo un gruppo cosmopolita! Mani che
suonano altrove, ma sempre senza trascurare
l’Amatissima Coscienza…
[Luca] Abbiamo in programma alcuni concerti
con amici e colleghi per noi molto importanti.
Abbiamo appena diviso il palco con i Panther &
Co., gruppo “fresco di pubblicazione” con un
album d’esordio molto interessante. Poi
suoneremo in Olanda insieme agli Unreal City,
ormai affermati e al secondo album. In
programma per la prima metà del 2016 c’è
anche una data con gli Ubi Maior, gruppo attivo
da diversi anni, ma ora trainati da una nuova
linfa e da un ottimo nuovo album grazie
soprattutto a quell’autentico vulcano di Marcella
Arganese. Stiamo trattando anche altre date
all’estero, specialmente dove ci siamo accorti di
avere un ottimo seguito!
Grazie della pazienza e delle risposte! Alla
prossima! 41

La CDZ e le case Onestamente
discografiche
Visto che si auto produce
tutto, cioè ormai chiunque
può farsi il suo cd nella sua
“cantina”, qual è il senso e il
ruolo delle case
discografiche?
[Stefano] Quello che dovrebbe
essere? Garanzia di qualità,
promozione e distribuzione,
seguire e consigliare
l'eventuale nuova proposta:
insomma trait d'union tra
artista e pubblico, senza che
l'artista debba vendere i cd per
strada o fare il giro dei negozi
con gli scatoloni
(Gabriele) Io parto dal
presupposto che
l’autoproduzione abbia i suoi
pro e contro. I vantaggi assoluti
di questo tipo di operatività
sono la libertà più completa e
la totale assenza di costrizioni e
tabù nel proprio lavoro. I
contro invece sono le enormi
difficoltà che si possono
incontrare nel “gestire” la
propria musica, non tutti sono
abili musicisti, tecnici del suono
e promoter
contemporaneamente.
Anzi direi che le persone, o le
formazioni, che seguono un
percorso totalmente autonomo
a partire dalla composizione
fino ad arrivare alla
distribuzione sono davvero
rarissime.
Ci vuole molto coraggio e
soprattutto una competenza
molto al di sopra della media
per potersi permettere un
certo discorso.
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
sono davvero in ambito internazionale, dove
pochi i casi in cui chi ha gestito
autonomamente il proprio
disco sia riuscito alla fine a
produrre un prodotto di fascia
alto. Da questo nasce la
necessità di appoggiarsi ad una
casa discografica, un’azienda
che possa sopperire le lacune
che inevitabilmente si
presentano in corso d’opera.
Senza contare che questo
genere è prevalentemente
suonato da non professionisti,
musicisti che dedicano tanta
passione sullo strumento ma
che comunque il pane se lo
guadagnano altrove e che
quindi alla Musica possono
dedicare il tempo che il loro
vero lavoro concede. Anche da
questo fattore nasce la
necessità di appoggiarsi a delle
case discografiche.
[Luca] – Per molti aspetti la
domanda è più che lecita: un
artista che riesce a vendere
500 copie del suo album
autoprodotto, ha guadagnato
molto di più di uno che tramite
etichetta ha raggiunto una
tiratura di 2000 copie. Però
questo è un mero discorso
economico. Appoggiarsi a una
label significa avere la
supervisione sul prodotto di
qualcuno che ha molta più
esperienza. Un orecchio
esterno, critico, ma comunque
dalla parte di chi crea. Anche
dopo la pubblicazione, per
quanto riguarda le vendite,
l'etichetta può spingere il
prodotto molto più in là di
quanto farebbe l'artista coi
suoi soli contatti. Poi sono
moltissimi i posti, specialmente
se a scrivere è l'artista, la mail
viene cestinata.
Se a scrivere è il produttore, si
apre un canale di dialogo.
Tutto dipende da quanta
strada l'artista vuole che il suo
prodotto faccia.
Com’è il vostro rapporto con
la vostra casa discografica
(la AltrOck/Fading Records)?
Come l’avete scelta? Inoltre,
quanto manca la palese
mancanza di promozione che
solitamente le case
discografiche operano sulla
mancanza effettiva di spazi
musicali per la vostra
musica?
(Gabriele) Il rapporto con la
nostra casa discografica è
ottimo. Più che noi ad aver
scelto la Fading records… e da
allora si collabora
strettamente; tanto che
almeno una mail
“programmatica” alla settimana
con Marcello Marinone la si
scambia. Poi ci sono i momenti
di stanca, ma in media ci si
muove tutto programmando
con la casa discografica.
Purtroppo, come hai accennato
tu nella domanda, gli spazi per
suonare progressive non sono
davvero sufficienti
numericamente, senza contare
che questo tipo di musica, così
come altri generi “ricercati”,
hanno comunque bisogno di
ambienti studiati e soprattutto
di spazi gestiti da persone
competenti. Senza nulla
togliere a generi più fruibili un
conto è suonare con basso, 42

batteria, chitarra e voce… un farsene una ragione. E (in ad
conto è farlo con basso, buona parte) rivolgere la distaccato nei confronti della
batteria, tastiere (una marea), promozione altrove.
chitarra, voce, violino,
violoncello e flauto come sta
facendo ad esempio CdZ nei
suoi ultimi concerti.
Da tutto questo l’enorme
difficoltà di riuscire a fare una
promozione seria per i gruppi
della propria scuderia: pochi
spazi buoni e spesso gestiti da
persone inaffidabili rendono
tutto veramente arduo da
gestire.
Senza contare che attualmente
la concorrenza è davvero tosta,
soprattutto dei gruppi stranieri
e suonare all’estero diventa
ogni giorno più complesso
vista la vasta offerta di
formazioni valide.
[Luca] – Personalmente posso
parlare del rapporto con
l'etichetta di CdZ e con
parecchie altre etichette con
cui regolarmente collaboro:
posso affermare che i lavorazione.
produttori in gamba ci sono,
hanno gusto e cultura. Li
conosco, li ho visti lavorare.
Anche qui ci possiamo
ricollegare alla domanda
precedente sulla situazione
italiana: se questi produttori,
che ho apprezzato come
lungimiranti e attenti,
preferiscono non promuovere
(o promuovere poco) in Italia, li
capisco perfettamente.
Vediamo spopolare personaggi
tali da far accaponare la pelle,
sentiamo chiamare “artisti”dei
figuri dotati di discutibilissimo
talento. Le radio più grandi
ormai lavorano così, conviene
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
avere un approccio
propria musica.
Avreste, a vostro avviso, E credo che effettivamente,
giovamenti nel rapporto con come dice Luca, Marcello ci
un produttore? A me sembra abbia dato una grossa mano a
che le cose migliori che maturare un linguaggio che
escono in giro, sono quelle inspero sia abbastanza originale
cui c’è una persona con nel panorama musicale
grande personalità, un italiano.
produttore in nuce che
riesce a mantenere salda la Come vedete la situazione
barra del progetto, mentre musicale italiana? La palese
molte altre uscite difettono assenza di un filtro
proprio per una certa effettuato dalle case
incertezza, che ne pensate discografiche, e la
voi? proclamazione a capolavoro
di qualsiasi uscita da parte
[Luca] – Nel nostro genere ci delle webzine e dei giornali
sono produttori di grande musicali più diffusi in rete,
cultura e carisma, ho avuto (e sono un limite (drogando il
ho tuttora) la fortuna di mercato), o visto che oggi
lavorare con questi. Parlando tutto è ascoltabile prima di
proprio dell'esperienza CdZ, acquistare, l’importante è
Marcello Marinone ha dato che se ne parli e basta?
alcune svolte importanti agli
ultimi due album in fase di [Luca] – Siamo in un periodo di
grandissima confusione, tutti
possono farsi il disco anche in
(Gabriele) Un produttore come casa e nessuno ha
quelli di una volta sarebbe tempo/voglia di ascoltare tutto
“manna” per qualsiasi gruppo; quello che gli viene proposto!
purtroppo al giorno d’oggi il Dal punto di vista degli artisti,
ruolo di questa figura è mutata le speranze di visibilità sono
rispetto ad un tempo, a meno per certi aspetti aumentate.
che non si parli di ambienti che
gravitano attorno alle “major”, Ma dal punto di vista
ma nel prog italiano non si dell'ascoltatore tutto questo
“corre” questo rischio. ventaglio di offerta ha fatto
precipitare la media
A questo punto è soprattutto qualitativa.
utile una persona che divenga E con lei è precipitato, a mio
obiettivo quando ascolta i parere, il senso critico medio
nuovi brani e quindi scorgerne per molti ascoltatori: per
i difetti che un musicista non questo penso sia diventato
potrà scorgere non riuscendo molto più facile gridare al 43
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

capolavoro e rischiare di essere vivo del “ricorso storico” si ha la stroncature di dischi da parte
presi seriamente! netta sensazione di essere delle critiche mediatiche indie
I capolavori per fortuna sono “pionieri di ciò che verrà”. per cui non credo che il
rari, e non credo li stiano Senza polemica e senza mercato sia drogato da
facendo quelli della mia offendere nessuno proclami (saturo, sì): il filtro
generazione: credo di attualmente, soprattutto in siamo noi utenti e, in un certo
appartenere ad un periodo di Italia, i gruppi prog più in auge modo, lo siamo sempre stati.
passaggio molto tormentato, i sono anagraficamente “anziani” Negli anni, in definitiva resta
capolavori li ha fatti chi ora si per poter dar via ad una quello che ascoltiamo e la
gode le giuste soddisfazioni di rivoluzione musicale vera e stessa critica di settore fatica a
una vita passata a seminare, e propria Insomma la ns. riconoscersi in un caleidoscopio
di capolavori ne faranno le generazione è probabilmente virtuale dove si miscelano sacro
generazioni future se di passaggio, nella speranza e (tanto ma tanto) profano.
troveranno la strada per uscire che gli attuali 20enni possano Certo è che l'effimero oggi non
da questo momentaccio. fare meglio di noi (e sono dura più nemmeno un'istante
Noi dobbiamo solo continuare sicuro che così sarà visto che il di gloria. Ma la stessa qualità
a fare dischi e fare sempre del mercato attualmente sta del pop commerciale è
nostro meglio: guai a fermarsi. “aprendosi” verso suoni nuovi, spaventosamente bassa
quando per nuovi s’intende rispetto persino agli anni '80.
(Gabriele) Sono d’accordo con “inusuali”).
Luca. Soprattutto quando Come dice Luca … noi
sostiene che questo sia un dobbiamo solo fare musica …
periodo interlocutorio per il guai a fermarsi.
progressive: è evidente che in
questi anni ci sia una ripresa [Stefano] Io ho letto anche
del genere e più che essere nel pesanti e, talvolta, opinabili

44

La CDZ ed il metal
Come giudicate certi strani percorsi
fatti da gruppi Metal (come Opeth o
Anathema), una vera esigenza artistica
o meramente commerciale? E come mai
il Prog viene visto come soluzione
commerciale (riuscendo pure ad avere
un buon riscontro di pubblico) da altri
generi mentre gabbia da chi il Prog l’ha
sempre fatto?
[Stefano] A mio parere bisogna considerare
entrambi gli aspetti. Sicuramente, l'innesto
Prog nel Metal, ormai sdoganato, viene dal
desiderio da parte di musicisti molto
tecnici di misurarsi con materiale più
complesso. D'altronde, il Metal è un
genere che è sempre in evoluzione, basti
pensare alle mille sottoetichette.
Secondariamente, di base molti musicisti
hanno uno stesso background che guarda
sia all'Hard anni '70 che al
Trash/Black/Doom anni '80. Cito due casi
particolari: il death prog degli Amorphis
come i bellissimi dischi degli Arcturus mi
sembrano nascere da una sincera voglia di
sperimentare.
Altre operazioni colossali, magari sono
meno genuine e cavalcano una presunta
onda. Ma, da buon frequentatore del
mondo Metal ligure, posso dire con
certezza che il metallaro duro e puro
vende lo stesso e ha ugualmente seguito,
groupies comprese! Mentre chi osa andare
verso altri lidi, a volte è guardato con
sospetto.
A quanto si vede e si sente, pare che
l’evoluzione di certo modo di comporre
Prog debba necessariamente passare
attraverso o l’innesto di elementi più
duri derivanti dal Metal, o per vie più
eteree floydiane (alla Wilson per
intenderci). Come vi rapportate con
queste due ricette che generano grandi
ortodossie nel nostro ambiente?
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
(Gabriele) Se c’è una cosa della quale non si
potrà mai accusare CdZ … è proprio quella
di seguire le tendenze attuali. Da sempre,
cioè dall’ormai quasi lontano 2007, la
Coscienza ricerca suoni diversi dalla moda.
Come gruppo siamo sempre stati d’accordo
all’unanimità sulla necessità d’orientarsi su
un progressive più melodico e che si
rifacesse anche un certo settore del
cantautorato italiano degli anni settanta
(Mauro Pelosi e Stefano Testa ad esempio)
nonché a i tanti gruppi minori di quegli anni
come gli Alusa Fallax. L’innesto poi in
formazione di Luca ci ha portato ad
esplorare poi anche l’integrazione tra
strumenti acustici e quelli elettrici, per noi
questa ad esempio è una ricerca prioritaria.
Adottare il metal, o tutte le sue varianti,
snaturerebbe troppo il ns. sound, senza
contare che sempre nell’intento di creare un
discorso “personale” tendiamo ad usare
maggiormente la String Orchestra piuttosto
che il “pluripremiato” mellotron.
Insomma tentiamo di diversificarci anche
perché, ad essere onesti, a volte proviamo
ad essere più “duri” ma per poi accorgerci di
non essere credibili. I Deep Purple sono
una cosa … gli Ange un’altra.
Questioni di persone che suonano uno
strumento e dei loro differenti approcci alla
musica insomma…
[Luca] – Sono sempre stato per direzioni
lontane dagli innesti più duri, ma parlo per
me: non per tutta CdZ.
Le vie più eteree le ho cercate per quanto
riguarda alcune sonorità tipiche degli
strumenti a tastiera.
Ma vorrei anche indicare una terza via, che è
quella che forse preferisco: c'è un modo più
sinfonico di comporre, che coinvolge
strumenti acustici di provenienza classica e
etnica.
È quello che spesso propongo nel mio
percorso solista, e che ho portato per certi
aspetti in Hostsonaten (che comunque già
andava in questi direzione anche prima del
mio arrivo) e in CdZ.
45
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

La CDZ e gli altri...
Qual è il vostro rapporto con
le altre band che suonano il
vostro tipo di musica?
[Stefano] Splendido. Molti sono
amici con i quali scambiare
opinioni e scherzare.
[Luca] - In alcuni casi i rapporti
sono davvero molto buoni,
spesso condividere il palco si è
tradotto in una stima reciproca
molto forte. Parlo di colleghi
“contemporanei”, ma anche di
personaggi che il genere
l'hanno costruito e reso grande,
gente che fino a 15 anni fa
ascoltavo sui dischi... Forse
sognando proprio quello che mi
sta capitando ora!
(Gabriele) Direi sempre buoni,
differenza d’età con i personaggi
storici del prog italiano portano
a costituire un rapporto più
forte a volte, soprattutto per il
senso d’ammirazione che si
prova nei confronti di alcune
figure. Recentemente ci è
capitato di condividere il palco
con il Castello d’Atlante che
annoverava tra i musicisti tale
Toni Pagliuca.
Ebbene … io sono rimasto
pietrificato ad ammirarlo e
pensavo “è lui che ha composto
il tema di moog di “Maggio”!!!!”
Avendo fisso questo pensiero
alla fine non sono praticamente
riuscito a parlargli. Con i
coetanei invece spesso si tratta
di un rapporto alla pari, che
varia di volta in volta ma che
però, come già detto, rimane
di Alex a Milano, in Italia credo si
soffra un po’ di provincialismo e
di superficialità rispetto alla
puntualità organizzativa che si
riscontra all’estero. Qui da noi
spesso sono gli stessi gruppi che
sono costretti ad organizzare
eventi e serate, proponendo
scambi “culturali” con altri
gruppi nella speranza di
ottenere un ingaggio decente
anche solo fuori provincia.
Purtroppo la situazione in Italia
è questa. Per quanto riguardo
invece la musica credo che
l’Italia, dal punto di vista
compositivo, non abbia nulla da
invidiare con ciò che viene
creato all’estero, anche se a mio
avviso in un’ottica di produzione
vera e propria di strada il
Belpaese ne ha ancora da fare.

fortunatamente l’ambiente non
è troppo avvelenato da
concorrenze spietate, come
magari si può pensare o
sembrare.
Ovvio con alcune persone leghi
di più, con altre di meno ma
tutto rimane nel rispetto più
totale.
Forse, bisogna ammetterlo, la
sempre come minimo molto Il gap tra dischi nostrani e i
corretto. prodotti scandinavi o britannici
si sta lentamente assottigliando,
Come vedere l’ambiente tuttavia, soprattutto per una
italiano a confronto con ragione d’investimenti credo, le
quanto avviene all’estero? differenze ci sono ancora e
(Gabriele) Parlando della piuttosto evidenti.
dimensione “live” e tenendo ben [Luca] – All'estero ci sono molti
conto di rare eccezioni come ad festival importanti, qualcuno ho
esempio il Festival Ver1 e La Casa avuto la fortuna e l'onore di
46
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

bazzicarlo da musicista. In Esiste oggi, a vostro avviso, Maschera di Cera e i

alcuni casi ho trovato grande una vera “scena” progressive recentemente, credo, quasi
organizzazione e invidiabile italiana? riformati Finisterre. Insomma
risposta di pubblico. Viviamo [Stefano] Sì. solo in questa città l’offerta è
da decenni una certa invidia [Luca] Sicuramente sì. ampia e valida... e sottolineo il
cronica verso quanto avviene Ed esistono anche delle sotto- soffermarsi solo su Genova,
all'estero... realtà molto forti, come la altrimenti l’elenco diverrebbe
Eppure qualcosa finalmente si scena genovese, quella davvero lungo. La scena
sta muovendo anche qui da milanese, la scena attorno a progressive italiana procede,
noi: il festival di Veruno è Bologna... C'è grandissimo con qualche intoppo, ma dopo
ormai una realtà consolidata, fermento e ci arrivano molti qualche anno di
che coinvolge nomi sempre nuovi dischi di progetti tentennamenti parrebbe
più prestigiosi. A Milano c'è La interessantissimi. procedere verso tempi
Casa di Alex, alla quale sono Recentemente sono rimasto migliori.
molto legato perchè davvero molto positivamente colpito
l'ho vista crescere: lo staff ha da Le radici del male – Auguriamocelo tutti.
a poco a poco hanno L'albero del veleno. Anche il
migliorato ogni aspetto della progetto NichelOdeon di
gestione live. Il palco, Claudio Milano ha sfornato
l'impianto, la backline... Un prodotti di grande qualità.
gruppo di persone ha creduto [Gabriele] Esiste, esiste…
in un progetto e ha costruito eccome!
quello che ora è una Città come Genova, Milano,
bellissima realtà. Poi c'è a Bologna e Roma pullulano di
Genova il Cancello del formazioni che producono
Cinabro, il Club Giardino buona musica nel nostro
vicino a Verona... E proprio in genere. Solo per citare i
questi giorni sto scoprendo gruppi genovesi si possono
una realtà importante a Sud, elencare il Segno del
capitanata proprio da Rotter's Comando, il Tempio delle
Magazine! :-) Clessidre, i Fungus, la 47
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

E per chiudere... La CDZ ... a ruota libera!

Risposte "libere" a domande in liberta'!

di comprare un disco orientato autoproduzione che in molti

Che ne pensate dello
verso il RIO preferisco casi può essere più redditizia
streaming e di siti come
ascoltarlo, magari pure dello stesso prodotto
progstreaming, che
assimilarlo. Così credo facciano i pubblicato sotto la benedizione
permettono l’ascolto del cd
molti utenti di questi siti; poi è di un'etichetta più quotata.
appena uscito per un limitato
ovvio che non tutti acquistino il
tempo?
disco, magari tanti lo scaricano, (Gabriele) Sicuramente è un
ma intanto la tua musica è ottimo strumento per poter
[Stefano] Ottimo veicolo
“girata intorno” e questo è uno ampliare le possibilità di un
promozionale. Poi c'è chi li
degli scopi primari per i quali si prodotto migliore: “più spendi, e
"rippa" dalla rete e li diffonde
combatte… nei limiti del tuo gusto, più
anche dopo il periodo limitato
otterrai”. Insomma un conto è
ma, alla fine, in un genere come
Come vedete il fenomeno del avere un budget di 3.000,00 €,
il nostro, ami possedere
fundrising? In ambito musicale un conto è averne uno da
l'oggetto disco.
probabilmente i primi a 5.000,00 € (a volte basta
[Luca] – Chi ascolta l'album,
sperimentarne gli effetti davvero poco per fare la
chissà... magari se ne innamora!
(positivi) furono i Marillion, da differenza), e ovviamente sto
Un ascoltatore su dieci decide di
allora più o meno ci si vede parlando di cifre piuttosto
comprarlo. Tre su dieci
inondati da richieste di basse. Ovviamente quando ci si
decidono di partecipare al
anticipi da tantissime band e avvicina al fundrising bisogna
concerto del gruppo ascoltato.
iniziative, magari tutte pure essere consapevoli di
Se non ci fossero progstreaming
meritevoli, ma ha senso tutto quanto si “vale” sul mercato o
e i canali similari, l'album
ciò e quanto alla fine, in almeno averne una vaga idea …
comunque si troverebbe sui siti
questo contesto, il giudizio del chiedere 10.000,00 € per il
pirata! Ci sono stati momenti in
pubblico condiziona il lavoro prossimo disco di CdZ sarebbe
cui ho anche pensato che in giro
finale? un’utopia irraggiungibile,
si trovassero più link pirata del
discorso diverso se invece si
mio secondo album solista di
[Luca] – Ho acquistato tramite cercassero 2.000,00 € o giù di lì.
quante fossero effettivamente
crowdfounding molti prodotti Comunque questo potrebbe
le copie vendute! Quindi ben
che ho trovato ottimi. Mi essere uno strumento che CdZ
vengano i canali come
vengono in mente per esempio potrebbe prendere in
progstreaming.
Made in Belgium II degli Aranis considerazione proprio in virtù
e Sapere Aspettare di Roberto del fatto che si è sempre in
(Gabriele) Assolutamente utile.
Tiranti. Li ho comprati a scatola cerca di un miglioramento
Per noi musicisti è un’enorme
chiusa, quando ancora costante anche da un punto di
vetrina, un’occasione unica per
dovevano entrare i studio di vista dell’investimento.
poter “mostrare la mercanzia”.
registrazione: ho dato fiducia ad Sembrerà banale e forse venale
Come accennava Luca, questo
artisti che stimo molto e ho ma purtroppo per fare musica
canale è utilissimo per chi,
potuto contribuire in qualche oggigiorno bisogna “verificare”
prima di comprare, vuole farsi
modo al prodotto finale. parecchi aspetti e sicuramente
un’idea del disco.
L'artista probabilmente, quello economico non è
Personalmente, ad esempio,
potendo “saggiare” in diretta la trascurabile; ovvio che in primis
sono un ascoltatore al quale
stima attorno a sé, ne viene rimanga la Musica da curare e la
piace molto il sinfonico e alcune
condizionato durante il lavoro. Passione che ne deriva nel
cose di neo-prog … quindi prima
Parliamo di una forma di semi- crearla, ma il “lavoro” di una 48
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

formazione musicale non si ferma dispari è assolutamente relativa, ci sarebbero così tante persone
a comporre, arrangiare e suonare. ci sono un sacco di casi in cui un che lo suonano e lo ascoltano.
Purtroppo … non più. 4/4 può ingannare l’orecchio Una lingua muore quando non
“travestendosi” da tempo viene più utilizzata, un genere
[Stefano] Non sono totalmente a composto. La tecnica non musicale fa altrettanto.
favore del fundrising, né alle dev’essere altro che lo strumento [Luca] – Che non sanno cosa si
produzioni dal basso per quanto con il quale esprimere il tuo perdono!! è come seguire la
anche nel cinema indipendente messaggio. Se la tua proprietà di musica classica ignorando tutto il
sia la norma. E' un falso sogno, un linguaggio è ampia, sicuramente '900 e i compositori
mito da sfatare: ormai è troppo le tue possibilità d’esprimerti e contemporanei come Massiaen,
diffuso ed invadente e si fatica a farti comprendere saranno Dallapiccola, Shostakovich,
riconoscere chi veramente è maggiori, così accade anche nella Stravinskij o Gershwin! Spesso
meritevole e chi cerca solo di musica: più padroneggi la tecnica sono gli stessi media ad operare
raggranellare spiccioli o di e più riesci a rendere chiara la tua un vero ostracismo verso il
proporre prodotti già idea. genere, questo ha certo
precedentemente rifiutati dal contribuito a inculcare il concetto
mercato. Il pubblico, alla fine, Cosa direste a chi asserisce che “1977” nei più distratti.
premierà soprattutto gli artisti del il Prog è finito nel 1977? Sicuramente è nostro dovere
deja vu. Il pubblico di solito non andare avanti e non badare a
condiziona il lavoro, lo finanzia a [Stefano] E' vero. C'è stato già il questa diffusa convinzione,
scatola chiusa o sulla scorta di neoprog. Ora siamo nell'era del altrimenti davvero il prog
una tessera, di un trailer, di un post-prog. ;) finirebbe! Piccolo aneddoto
demo. personale tragicomico: in molti
(Gabriele) Non esistono limiti contesti in cui ho presentato un
Ma il Prog è per forza tempi anagrafici per datare un mio lavoro (una partitura, un
dispari? La complessità non movimento musicale. La musica è arrangiamento) talvolta poi
diventa un limite? espressione, linguaggio e quindi è incluso fra i lavori premiati, ho
impossibile delimitarne un inizio volutamente omesso di
[Stefano] No, non è necessario il ed una fine. Cito solo un titolo per menzionare le parole “prog”, “rock
tempo dispari! Quello italiano è chi non è avvezzo a seguire il progressivo”, “progressive rock”
pop progressivo che ha le sue progressive abitualmente e che nella scheda di presentazione.
radici nella garage beat, il 4/4 ci potrebbe risultare assolutamente Chissà se parlando liberamente
sta benissimo, si possono sempre sconosciuto: “1000 autunni” di delle mie “frequentazioni” prog
spostare gli accenti. Ske del 2011, e quindi ben 24 l’esito sarebbe stato diverso…
anni dopo la famigerata
[Luca] – Sicuramente! Il prog è prematura dipartita del prog.
l'idea, l'arrangiamento, il guizzo Facciamo ascoltare questo disco…
creativo. Non necessariamente la e poi vediamo se si riesce ancora
complessità o il tempo dispari. Fra a sostenere che il genere sia
i miei album preferiti nella storia morto. Va bene, si parla di
del prog italico, c'è quel “Dentro un’opera che alcuni potrebbero
l'invisibile” dei Genfuoco... che definire “derivativo” in alcuni tratti
non eccelle certo per complessità ma che secondo me negli ultimi
tecnica! anni rappresenta una delle
assolute eccellenze che ancora
(Gabriele) La forza nel prog è nel questo genere può fornire ad un
suo ricercare suoni e soluzioni attento ascoltatore. No, no… il
nuove. La questione dei tempi prog non è morto, altrimenti non 49
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Coscienza di Zeno
Discografia commentata
italiano della band. Cambiamenti di ritmo,
sottolineati dal synth molto in primo piano ma
ben supportato dalle chitarre e dall’ottima
sezione ritmica, per un viaggio all’ultimo respiro
che fan trascorrere i primi sette minuti
piacevolmente interessati e coinvolti in quanto
si ascolta. Gatto Lupesco riporta il climax ad
un’ambientazione più riflessiva. Il cantato, in
italiano, è convincente, il testo intrigante, con le
immagini evocate dal pianoforte e dal solito
lavoro al synth.
Ma è Nei Cerchi del Legno che il vero carattere
dell’opera comincia ad emergere: intersezioni di
strutture, di ambientazioni classiche con altre
più moderne, dove si sente che chi compone è
La coscienza di Zeno
italiano, e ha ascoltato molti classici del prog
Anno: 2011
italiano. Il pianoforte è usato come un Virgilio
Etichetta: Mellow
nei meandri del pezzo: riportandoti in sentieri
Formazione: Gabriele Guidi Colombi / basso;
sicuri quando le digressioni ritmiche e
Andrea Orlando / batteria; Alessio Calandriello /
sinfoniche ti portano a vedere paesaggi lontani
voce; Davide Serpico / chitarre; Andrea Lotti /
e in parte inquietanti. La terza sezione del
tastiere, chitarra; Stefano Agnini / tastiere
brano (lungo 13 minuti) è forse la più riuscita,
dove il pianoforte da il là al synth, che poi lascia
Il disco di esordio è quasi una dichiarazione
il posto al solo di chitarra. Assolutamente
d’appartenenza. Con autorevolezza si esplorano
pregevole la fattura del tutto facendo trasparire
diverse strade del Prog facendo comprendere
una grande sensibilità negli arrangiamenti oltre
all’appassionato l’enorme potenzialità del
che nella composizione di tutto il brano. Il
gruppo. Innesti New Prog in un contesto di Prog
fattore precipitante, continua sulla strada
classico italiano, profumi Folk e cambi di tempo
segnata dando anche un senso di continuità al
e ambientazione magistralmente tenuti.
discorso iniziato dal brano precedente.
Unica pecca del lavoro sono le tante strade
E’ forse il brano più lirico e sognante, con il
intraprese nei vari brani che possono essere
synth a dettare la melodia, e la sezione ritimica
sinonimo di incertezza, ma anche di tante idee.
a sostenere quanto avviene su, nella chiave di
Altra nota negativa può essere l’uso eccessivo
violino. Senza strafare, si cambia ritmo e si
di certi timbri (come il synth) ma anche di un
intravvede la chitarra elettrica sullo sfondo a far
voler usare necessariamente tanti cambi di
aumentare la tensione, fino all’assolo, che
tempo che in certi casi penalizzano le tante
risolve la tensione creata. Il lavoro alla chitarra
belle idee melodiche che invece sono state
è pregevole, donando al pezzo quel quid che
scritte. Insomma un gran bell’esordio, che farà
me lo fa preferire agli altri. Il ritorno al cantato è
contento molte persone, ma che soprattutto fa
segnato da un stacco tipicamente Genesisiano,
intravvedere la grande levatura di cui è
ma come per tutte le altre composizioni non si
composta questa band. Il disco si apre con
ha una sensazione di deja vu: il che fa capire
Cronovisione, uno strumentale caratterizzato
come gli ascolti pregressi siano interiorizzati e
all’apertura dal classico suono New Prog del
non fonte di mera riproposizione. Il basilisco,
synth.
pezzo Folk con la fisarmonica che gli dà un
Ed è di matrice Prog Mark II l’impianto
qualcosa di “francese” aggiunge alla timbrica del
dell’intero pezzo, dove però è chiaro il DNA
disco quel non so di esotico. La canzone che è 50
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

una ballata “sporcata” dal synth qua e la, ci fa

godere delle capacità del gruppo
nell’imperticarsi in sonorità più “unplagged”
lasciando le trame intricate dei brani
precedenti.
Nel secondo brano strumentale del disco, Un
insolito baratto alchemico, si ritorna in un
ambiente claustrofobico con la chitarra e
l’organo che ti trascinano nei meandri di questa
lunga traccia. Il flauto non riesce a stemperare,
l’ossessiva sezione ritmica, anzi esalta un certo
fattore straniante che la composizione porta
con sé.
E’ il classico pezzo Prog, che assume un maggior
sentore di “classico” proprio per la presenza
dell’organo e del flauto. A centro brano,
finalmente la tempesta si acquieta, il flauto ci
Anno: 2013
presenta il pianoforte, e come spesso accade
Etichetta: Fading Records
nelle composizioni Prog, ci si gode la quiete. Ma
Formazione: Gabriele Guidi Colombi / basso;
questa ovviamente dura il giusto prima che
Andrea Orlando / batteria; Stefano Agnini /
l’animo torni ad essere tormentato dalla
sintetizzatori; Alessio Calandriello / voce;
sezione ritmica e dalla ricorsività del pianoforte,
Davide Serpico / chitarre; Luca Scherani /
oltre all’arrivo della chitarra a decretare la fine
tastiere
del brano che si chiude enigmatico. Il
pianoforte apre spodestato poi da un tappeto
Il secondo lavoro può essere ancora più
di tastiere, per l’ultimo lungo pezzo di questa
complicato del primo. Se la voglia di
primo lavoro del gruppo genovese: Acustica
espressione e la determinazione può aiutare a
Felina. Torna la voce che canta con grande
superare le difficoltà in un primo lavoro, nel
teatralità il testo sognante che ruba suggestioni
successivo c’è da capire la direzione in cui si
dal mondo delle fiabe. E’ il brano che preferisco
vuole andare e soprattutto non scontentare i
dell’album, l’energia giusta, il synth tenuto sotto
tanti estimatori conquistati. Infatti il primo
controllo senza essere troppo invadente, tutto
lavoro dei nostri ha avuto un’ottima accoglienza
fuso con la buona sezione ritmica e si gioca,
e i due anni di attesa non hanno fatto che
divertendosi e facendo divertire. I cambi di
aumentare le aspettative. Ma i CdZ affrontano
ritmo sono sempre funzionali al testo e
la loro seconda prova con piglio deciso, senza
finalmente emerge anche il basso che traccia
ripetersi e mostrando la voglia di continuare ad
una breve apparizione nella cifra melodica del
esplorare pur rimanendo perfettamente
brano. Il testo è bello e cantato veramente
riconoscibili e senza snaturarsi. Il pianoforte
bene. Ed è proprio il cantato il punto di forza
apre il disco e La città di Dite comincia a fluire
del brano oltre il bell’assolo di chitarra sul finire
possente nella sua drammaticità.
della canzone. Non ci poteva essere migliore
La drammaticità, sottolineata dall’uso del solo
chiusura per quest’esordio che ribadiamo
pianoforte, sfocia nella tempesta che arriva con
merita il vostro ascolto attento.
l’inserimento di tutti gli strumenti e della voce.
Un inizio semplicemente spettacolare da
togliere il fiato. Impossibile non sorridere e
sentire un brivido che ti percorre la schiena,
quando la chitarra giganteggia appena
51
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

La CDZ e loro fonti di ispirazione

Quali sono i vostri musicisti di riferimento, quelli che magari da ragazzini sognavate di
emulare con il vostro strumento?

[Luca] – Come dicevo, quando ero alle medie, un certo bassista iniziò a istruirmi sull'universo prog.
E alcuni dischi in particolare si rivelarono decisivi per la mia formazione: quello che più di tutti mi
cambiò la vita, fu Trilogy degli ELP. Poi sicuramente Ommadawn di Mike Oldfield e Thick as a
Brick dei Jethro Tull. Le dita che osservavo con maggiore attenzione in quel periodo
appartenevano a Keith Emerson, Rick Wakeman, Vittorio Nocenzi, Patrizio Fariselli.
(Gabriele) Io invece fui istruito dal classico fratello maggiore, che conosce bene anche Luca, e da
qui la mia prima passione … gli ELP!!! Poi da quel punto si partì alla ricerca di tutto ciò suonasse
simile a loro o che quanto meno avesse dei suoni di tastiera. Crescendo poi qualcuno mi prestò un
basso e fu amore a prima vista, da allora i miei miti sono divenuti John Wetton in primis, poi Chris
Squire, Richard Sinclair, anche se ultimamente mi accorgo che inconsapevolmente Pete
Trewavas mi ha ispirato parecchio nel corso degli anni.
[Stefano] Devo proprio dirlo? A me piacevano i Comus e gli Psychic TV (noto gruppo industrial,
nd.r.)!

Se proprio dovreste, ci confessate quali sono i dischi che vorreste aver fatto voi? (diciamo
dal 1990 in poi, altrimenti sarebbe troppo facile).

[Luca] – Roqueforte (Aranis), Sacrament (White Willow), La cura del tempo (Niccolò Fabi), Da A ad
A (Morgan)
(Gabriele) La disciplina della Terra (Ivano Fossati), The secret migration (Mercury Rev), Apple
Venus (Xtc) e Ever (IQ) per dire giusto i primi che mi vengono in mente.
[Stefano] Quelli di Burzum (noto gruppo Black Metal, n.d.r.)

supportata dalle tastiere e dal basso. E poi la
quiete, piombando nella riflessività appena
introdotta da un synth (finalmente domato!) e
dal cantato che mi è sempre piaciuto ma qui
acquista ulteriori doti teatrali ed espressive.
Avrete forse compreso che questo pezzo mi
piace molto: tutto funziona alla perfezione dai
tappeti di mellotron, al synth, ai cambi di
ambientazione. Ogni volta che metto questo
disco, è impossibile andare avanti senza
rimanere quasi col rimpianto che il pezzo
finisca!
Ma se possibile ci si può superare. Sensitività
con i suoi 12 minuti e passa, porta ad un livello
ancor superiore il mood del primo pezzo. Il
cantato iniziale, è una dichiarazione d’intenti:
qui governa la melodia, e tutto viene scritto in
funzione d’essa. Bello il lavoro alla chitarra
classica, che nel sottofondo accompagna la
voce, mentre basso batteria e tastiera,
sostengono più direttamente la linea vocale:
qualsiasi altra cosa sarebbe stonata, non riesco
a spiegare, ma tutto quanto fatto è un cesello di
suoni e composizione. Anche quando il synth
diventa protagonista e comincia la cavalcata a
centro brano, non può sfuggire il lavoro della
tastiera nel sottofondo che svolazza senza
invadere ma dando ulteriore dinamicità al
lavoro del synth. La frase melodica è ripetuta
varie volte dal synth, ma poi si torna al
pianoforte e alla voce.
E quella malinconia del ricordo comincia ad
insinuarsi nel profondo e a risuonare in noi. Il
testo melanconico di questo brano è veramente
ben evidenziato dalla musica che riesce a
sottolineare la progressione verso stati emotivi
sempre più cupi e nulla può il solo di chitarra
che cerca di divincolarsi e portarci su altri lidi.
Ma il finale, con il violino, il synth, il lavoro sul
rullante del batterista, è una continua 52
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Qual è il senso oggi di una recensione? Serve più alla band come misuratore del polso dei
gusti dell’ambiente, o ai lettori per decidere se acquistare o no?
[Stefano] Se si è lungimiranti, serve ad entrambi.
[Luca] – La recensione di solito la vivo come motivo di soddisfazione, se positiva. In particolare, a
me piace quando tra le righe leggo sincero entusiasmo. Questa è una cosa che spesso noto anche
nelle recensioni di dischi altrui: l'entusiasmo è secondo me facilmente riconoscibile, specialmente
ora in mezzo alla ventata di buonismo piuttosto percepibile che spesso banalizza e accomuna
tutte le nuove uscite, belle e brutte, in un unico calderone. Molte mie passate pubblicazioni, al di
fuori di CdZ, hanno subito anche forti stroncature. Ne ho fatto tesoro: mi hanno fatto bene,
specialmente se ben motivate. Sono in ottimi rapporti con ascoltatori che hanno scritto alcune di
queste stroncature, l'apertura mentale alla bocciatura deve venire innanzitutto dall'artista.
(Gabriele) Una recensione serve per diffondere una propria opinione riguardante un lavoro, sia
positiva sia negativa. E’ comunque fondamentale che essa sia scritta sempre nel rispetto degli
artisti e che soprattutto tutto ciò che si scrive sia contestualizzata al periodo d’uscita del disco di
cui si parla. Affermare oggi che Mispleaced Childhood, a trenta anni dalla sua uscita, sia un disco
con suoni pessimi vuole dire fare una pessima critica, vuole dire che non si è in grado di collocare
anagraficamente un disco e non rendersi conto di cos’era la musica in quegli anni. E tutto questo
questo ha davvero poco senso… Fortunatamente ci sono tante persone che comunque hanno
passione e riescono ad esprimerla egregiamente scrivendo recensioni comunque professionali.
Ad un gruppo una recensione del proprio lavoro è utilissima … per mille ragioni. Per prima cosa,
nel caso il riscontro sia positivo, serve a rinvigorire l’entusiasmo: una recensione ottima crea
amalgama e voglia di andare avanti uniti verso un obiettivo. In secondo luogo,
indipendentemente dal riscontro positivo o negativo, una critica è sempre strumento di crescita,
di maturazione e di apprendimento. Nel corso degli anni abbiamo imparato molto dalle critiche,
alcuni percorsi sono stati interrotti in virtù di molteplici obiezioni rivolte al ns. lavoro. Sicuramente
non è semplice accettare ed analizzare una critica, tuttavia bisogna sforzarsi d’accettarla nel bene
o nel male in quanto anche attraverso le osservazioni di terzi passa la via della maturità.

progressione di emozioni, quasi a farti momento più intimistico dove il cantato

trattenere il respiro e non riuscendo ad
immaginare (anche dopo che il pezzo lo hai
ascoltato così tante volte) la risoluzione di tutta
questa tensione. E resti lì sospeso tra un
pianoforte quasi jazzato e la chitarra elettrica e
anche un po’ cattiva che fraseggiano, e poi il
cambio di ritmo… insomma così tante idee
compositive che sfociano alla fine nell’urlo del
synth… finalmente desiderato, liberatorio e
inebriante. Breve, ma intrigante intermezzo, il
pezzo più breve dell’album, Tenue, sostenuto
dal pianoforte per tutti i suoi 3 minuti di durata,
ha l’effetto di un sorbetto a limone tra due
pietanze dal gusto forte.
Chiusa 1915 infatti, riprende con l’arpeggio del
synth cose sentite anche nel disco di esordio. Il
duello tra synth e pianoforte vede quest’ultimo
come vincitore strappando l’apertura per il
cantato. Il pianoforte infatti ci trasporta al
comincia la narrazione, mentre la sezione
ritmica attende e accompagna. Sono la chitarra
e il synth a sviluppare il brano che diventa
sempre più romantico col passare del tempo. Si
aspetta un po’ per tutto il brano
quell’accelerazione, quel cambio di atmosfera
che in realtà non arriverà. Tutto ben fatto, ma il
brano non ci convince come i precedenti, pur
restando piacevole fino alla fine.
Tensegrita resta la mia preferita. Il carattere
nostalgico del testo è accompagnato dalla
melodia e da una canzone che ti fa piombare
indietro nel mondo che forse meglio sanno
plasmare i CdZ, la malinconia e la nostalgia.
Così è particolarmente apprezzabile le parti di
pianoforte che ritimicamente conduce nelle
varie parti di cui è composto il brano. Il synth
fraseggia e fa sentire la sua presenza, ma tutto
conduce al pianoforte che da solo richiama tutti 53

all’ordine, il cantato, le tastiere ,tutti ritornano
alla strada principale e il prezzo si avvia alla
conclusione e…
<< suona la campanella della scuola >>.
Pauvre Misere comincia con la chitarra che
fraseggia invitando il sintetizzatore ad unirsi. Un
pezzo che presenta tanti, forse troppi,
cambiamenti di tempo, per un ritorno ad un
Prog più muscolare che melodico. Un po’ stona
con quanto fatto in precedenza, e non riesce a
convincermi molto. Ben inteso, è comunque un
bel brano, ma è come se mancasse quel quid
che ti coinvolge. I tanti cambiamenti di
ambientazione, restano divertenti ma non mi
sembrano “necessari” come invece avveniva
nelle tracce precedenti. Insomma mi sembra un
mostrar le proprie indubbie capacità. E neppure
il bel cantato riesce a convincermi relegando
questa traccia tra quelle, per me, meno riuscite.
La temperanza mischia un po’ le carte, ritorna il
violino supportato come al solito dal pianoforte,
il ritmo incalzante introduce la voce.
Interessante il gioco voce/chitarra/pianoforte: la
voce detta una frase, ripresa dalla chitarra, poi
dal pianoforte e poco dopo dal basso. Il violino
e il flauto poi portano al momento più riflessivo,
con la bella chitarra e il flauto finalmente
assoluto protagonista.
La chitarra classica, interroga un pianoforte che
ricama il suo fraseggio in attesa del synth
risolutivo ci porta alla parte finale condotta dal
pianoforte e proprio questo strumento darà
chiusura al brano e al disco (proprio come lo
aveva aperto). Insomma un gran pezzo, che
però forse perde al confronto di quanto fatto
(veramente tanto) nelle prime 4/5 tracce. Ad
ogni modo il disco supera le aspettative e
conferma le grandi doti compositive e
strumentali del gruppo, lasciando ben sperare
per il terzo lavoro.
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
La notte anche di giorno
Anno: 2015
Etichetta: Fading Records
Formazione: Gabriele Guidi Colombi / basso;
Andrea Orlando / batteria; Stefano Agnini /
sintetizzatori; Alessio Calandriello / voce;
Davide Serpico / chitarre; Luca Scherani /
tastiere; Domenico Ingenito / Violino
Il terzo capitolo della storia della Coscienza di
Zeno è un’opera ambiziosa in forma e
contenuti. Sebbene molti artisti Prog affermino
che sia semplice costruire suite, pensare ad una
doppia suite per formare un album ci vuole un
certo coraggio. Ma al di là della forma sono i
temi affrontati ad essere molto interessanti. Le
due suite, sono, infatti, incentrate sulla vita di
due donne dalla vita molto difficile e dalla
recente scomparsa. La descrizione delle due
donne, dalla vita diversa ma unite in un passato
drammatico, è ottenuta, dalla band genovese,
con agilità e piglio da maestri. Le due donne
sono forse uno lo specchio dell’altra: una
giovane, ma con tanti problemi psicologici al
punto da non avere vissuto la sua fanciullezza,
quasi nata vecchia, mentre l'altra anziana che
rivive la sua infanzia immersa nella violenza
della guerra, una donna bambina allora e che
che rivendica quella spensieratezza giovanile
che le è stata in qualche modo rubata. In verità
dal racconto della donna matura, si narra di
un’infanzia semplice, come tutte, con le voglie di
diventare grande, con le curiosità sul sesso, 54
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

sebbene circondata dalla bruttura della guerra, scendiamo in dettaglio L’inizio della prima
dai cadaveri che galleggiano sul Po. Insomma suite, affidato alla voce che sfocia nell’entrata
siamo quasi solo noi ad accorgerci del pericolo del violino e del synth che quasi ti fanno vedere
incombente quando l’allora ragazzina fa la l’altalena che volteggia nel testo mentre la
staffetta per i partigiani, quasi a voler sezione ritmica discreta sostiene il tutto, è forse
dimostrare che la fanciullezza è uno stato uno dei migliori inizi di un disco. Poi il
mentale così magico da riuscire a sopravvivere cambiamento di ritmo mentre parlano i dottori,
ad ogni bruttura. Questo se l’animo della e il primo brano “a ritroso” fa capire che
persona è in grado di sopportare le tensioni del musicalmente la CdZ c’è ed è a servizio delle
mondo esterno, ma a dimostrazione che questo tante parole di cui è composta Giovane Figlia. Le
non è possibile per tutti, accelerazioni e i
vi è la vicenda della cambiamenti sono
giovane malata, che sola dettati dai vari
sopporta la conseguenza protagonisti che
di un’infanzia di malattia. prendono voce e corpo
E ovviamente vive la in questa prima
notte anche di giorno, cioè canzone:
vede il brutto in ogni serenità/malinconia
cosa come la quando c’è riflessione,
depressione porta a ritmo sostenuto
vivere, e infine decide quando parlano i
per il terminare le sue medici, ritmo
sofferenze. Ma chi siamo claustrofobico quando
noi per giudicarla? E sono i “giudici” a
come dice la CdZ parlare. Insomma tutto
nemmeno Dio potrà fatto naturalmente
farlo. Musicalmente il bene, con spunti
disco è la naturale evoluzione del marchio CdZ, melodici molto riusciti. Si continua con la
dove il lato melodico prende totalmente il malinconia assoluta sovrana con il bel lavoro al
timone del progetto, asservendo alle proprie violino che cesella, fraseggia, introduce, mai
esigenze tutta la tavolozza timbrica della band. invadente ma necessario. E quando la tensione
Tavolozza timbrica che si arricchisce con il si risolve, la durezza de Il giro del cappio ti
violino presente in maniera stabile che si piomba addosso con la forza di un maglio
innesta a perfezione senza eccedere o trasportato dalle ali di una farfalla. Resta,
stravolgere il sound del gruppo. I lato melodico questo, il brano più riuscito della prima suite ed
dicevamo che è tutto imperniato in quel il mio preferito di tutto l’album. Non vi sono
sentimento malinconico che avevamo già variazioni della formula usata nel resto della
intravisto essere congeniale alla band nei due suite, al primo posto la voce che detta la
lavori precedenti (basti pensare a La citta di dite melodia, cambiamenti di ritmo vengono
o Sensitività del precedente lavoro). Proprio a evidenziati ora dal violino ora dalle tastiere, o
causa di questa malinconia diffusa, e solo per dalla chitarra. Ma i break sono brevi perché le
questa, la musica prodotta può ricordare la parole da dire sono tante, e quindi si ritorna
Locanda delle Fate. Ad ogni modo, garbo, subito sul binario tracciato dalla melodia. La
tanto garbo è stato usato per raccontare queste formula è forte e funziona rendendo naturale il
storie così crude, e quando la musica si fa più confluire dei brani gli uni negli altri, e riuscendo
cattiva è il violino a stemperare o il synth a a lasciare immutato il climax senza annoiare. In
smussare, quasi a voler mantenere il distacco questo i CdZ dimostrano tanta maturità e
da una storia che può solo fare male. Ma spessore nella composizione e negli 55

arrangiamenti. Altro bel momento è in Quiete
Apparente, dove viene ripetuto il testo iniziale, e
poi lasciate libere di viaggiare le tastiere
cambiando atmosfera e umori fino a confluire
in impromptu pour s.z. con il suo pianoforte e
violino. E la fine arriva con rabbia in Lenta
discesa all’averno, grande, veramente grande il
lavoro del vocalist che su di sé ha la
responsabilità di trasmettere la tensione del
testo, bravi tutti i musicisti a rifinire, cambiare
atmosfere, quasi pelle nell’ambito dello stesso
brano chiudendo degnamente la prima lunga
suite. Madre antica è una suite diversa pur
suonando come la prima parte del disco. Qui il
violino diventa più cattivo e anche l’hammond
tende ad incupire l’atmosfera. La malinconia
lascia il posto quindi ai toni più cupi di una
sofferenza quasi più materiale e angosciante. Il
flauto, il synth duettano mentre il violino cerca
di trovare una ragione al fraseggio
interlocutorio che attende lei, la regina
dell’album, la voce. E quando questa arriva, il
violino diventa quasi gitano e quando cede è il
synth a sostenere. Belli poi i momenti più
riflessivi con violoncello, pianoforte e voce che
comincia a descrivere la bimba protagonista. E
così la storia si dipana, e la musica diviene
colonna sonora di un film mai realizzato ma che
i CdZ ti fanno vedere con una semplicità
disarmante. Ci si affeziona alla bambina in
Cavanella dove le cose semplici dell’infanzia e
dell’adoloscenza vengono descritte in
contrapposizione alla bruttura della guerra
(cadaveri che galleggiano sul Po, deportati,
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
donne violentate). La musica sostiene, come
sempre, e ora ti meraviglia con un
bell’intervento di chitarra che fa poi salire la
tensione che porta alla risoluzione con il
classico sintetizzatore e poi di nuovo alla voce
ne La Staffetta dove ritroviamo la bimba
cresciuta che collabora con la resistenza.
L’intermezzo sinfonico prepara al cambiamento
di umore che arriva con l’intermezzo di
pianoforte che mette un po’ di calma e ordine a
quanto fin qui fatto e ci prepara alla conclusiva
Come statua di dolore. Ed è proprio il piano con
il bel sintetizzatore ad aprire l’ultima traccia di
questo disco. La chitarra richiama senza
invadere un mood più cattivo, mentre flauto e
violino cercano di addolcire. Ma il brano ha il
compito di chiudere non solo Madre antica,
infatti <<Due donne per fissarle alla memoria>> e
la conclusione diventa sintesi delle due storie e
così melodie sentite in Giovane Figlia vanno a
confluire in quanto fatto finora chiudendo,
fatemelo dire, con gran classe. Se amate il Prog
italiano, se amate il sinfonico, non potete poi
non innamorarvi della chiusa strumentale dove
chitarra, violino e sintetizzatore dialogano e
ricamano intessendo la melodia che pian piano
sfuma per lasciarci ancora un po’ sospesi nel
mondo di queste due donne. E se amate
comprare cose fatte con il cuore, fatte bene,
direi con amore, fatevi del bene e acquistate
questa grande opera d’arte onesta e sincera
che fa bene come un bel bicchiere di vino rosso,
non ve ne pentirete!
Silvio Leccia 56
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Katatonia
Deviazioni Progressive

di Italo Testa

Continua il nostro viaggio nelle realtà progressive di oggi con un passato nel metal estremo. Dopo
gli Anathema è la volta degli svedesi Katatonia. Partiti da un death doom catacombale, oggi sono
tra le punte di diamante della K-Scope di Steven Wilson: scopriremo quali sono stati le influenze
degli svedesi e perchè oggi sono considerati tra i gruppi più innovati del prog metal.

I Katatonia si formano nel 1991 attorno alle

Registrato nella prima metà del 1992 negli
figure di due adolescenti svedesi dei dintorni
studi di Dan Swanö (lo ricordaterete come
di Stoccolma affascinati dall’Heavy Metal ma
leader degli Edge of Sanity) su una cassetta
soprattutto dalla nascente scena locale Death
blu che si adattava ai colori della spettrale
Metal (Entombed, .. ) e dal tape trading: Jonas
copertina, l’EP fa presto il giro dei tape traders
Renske e Anders Nyström. Aiutati, come
e va rapidamente esaurito. Musicalmente, il
molti loro compagni di avventura, da una sorta
demo presenta già ben delineati i tipici
di “Welfare musicale” che permetteva a giovani
trademark del suono dei primi Katanonia, un
band di provare gratuitamente in centri
Death Metal melodico impreziosito da inserti
culturali messi a disposizione dalle
di tastiere al tempo tutt’altro che scontate.
municipalità (pensate alla differenza con i
Fortemente influenzato da Gothic dei
nostri “centri sociali” occupati), il duo comincia
Paradise Lost (uscito l’anno precedente), i
a raccogliere idee per il primo demo. Ispirati
nostri rallentano ulteriormente le trame degli
da un fumetto sul Golem, scelgono come titolo
inglesi inserendo molti più stacchi atmosferici
God is Dead, scritto però in ebraico, Jhva
e spettrali, come testimoniato dall’intro e
Elohim Meth, per sottolineare l’aura maligna
dall’outro e soprattutto dalla lunga e disperata
che i due volevano donare alle loro
Without God che sarà ripresa anche sul debut,
composizioni e alla loro immagine
e che rappresenta uno dei picchi dei primi
(utilizzeranno solo per questo demo il
Katatonia. Palace of Frost è un brano che
corpsepainting tipicamente Black Metal). 57
ricorda i Tiamat di Clouds e si fa apprezzare

perché comincia a mostrare inserti New Wave
che saranno molto più marcati negli album a
venire. Northern silence è il brano meno
riuscito, con il basso sempre in evidenza ma
troppo debitore dei primi Darkthrone,
specialmente nel cantato.
Il passo successivo al demo è la registrazione
del primo LP. Dopo aver firmato per la No
Fashion records per un solo album, i nostri
passano il resto del 1992 in sala di
registrazione ma il debut Dance of December
Souls, per problemi legati all’etichetta e al suo
proprietario, che in
pratica cede per
necessità finanziarie
diritti e master ad una
casa di distribuzione (la
House of Kicks) non
vede la luce se non alla
fine del 1993, quando
capisaldi del genere
come Serenades degli
Anathema, As the
flower withers dei My
Dying Bride, Always
dei Gathering e Icon
dei Paradise Lost
avevano già fatto la
loro comparsa nei
negozi da parecchi mesi. Il ritardo provocherà
la non inclusione dei Katatonia nell’ondata di
successo del Gothic Metal di metà anni ’90 e
questo sarà paradossalmente per loro una
fortuna.
Dance of December Souls, per chi scrive, è uno
dei dischi più belli della scena Death Metal
melodica degli anni ’90. Dopo la classica intro, i
nostri si lanciano nel doom lancinante di
Gateways of Bearevement, otto minuti in cui
tappeti di tastiere accompagnano il riffing
portante, uno schema praticamente inventato
dai Paradise Lost in Gothic e che sarà ripetuto
innumerevoli volte negli anni ’90. I Katatonia
però aggiungono la capacità di ricamare
musicalmente il riff portante, come faranno gli
Anathema in Serenades e soprattutto nell’ EP
Pentecost III. In Silence Enshrined è l’episodio
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
per certi versi più profetico, in quanto
l’accelerazione (si fa per dire) a metà canzone
farà da asse portante della canzone Scarlet
Heavens che diventerà, come vedremo, lo
spartiacque della carriera dei nostri. Dopo la
versione risuonata di Without God, con qualche
coro e tastiera in più, arriva il primo
capolavoro, Velvet Thorns of Drynwhyl. E qui i
nostri, sia liricamente che musicalmente,
danno il meglio di sé: con un riffing alla
Gathering ma una interpretazione più intensa
intessono la litania di accompagnamento di un
funerale nottuno
nella foresta che
tuttora mette i
brividi:
<< Silently the night
birds fly, Their last
scream my eternal
dirge, Under the full
moon a funeral, In the
forest. >>
La capacità di variare
genere è evidente
nella progressione
centrale Black Metal
e nel finale che i
Tiamat metteranno a fuoco in Wildhoney. Ma
non si ha tempo di rifiatare perché cominciano
i 13 minuti di Tomb of Insomia che dopo un
inizio tirato vira sulla New Wave più notturna
con il break centrale, anch’esso cuore della
successiva metamorfosi, ed un finale che
diventa quasi “solare” con i tappeti pop anni
’80. Capolavoro che chiude degnamente un
lavoro che è già intriso di quei semi di
progressione stilistica che i Katatonia
mostreranno più avanti.
Dance of December Souls andò bene dal punto
di vista della vendite e della critica e portò in
dote ai Katatonia qualche data di supporto.
Influenzati dal revival Gothic che stava
prendendo piede nell’ambito del Death Metal
a partire dal 1993-94, i Katatonia si avvicinano
ai Sisters of Mercy, Fields of the Nephilim e
58
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The Mission. Swano con Sacrificed da The Spectral

Il risultato è l’ EP For Funerals to come (1995) e Sorrows). Il risultato è ottimo e sfocia in una
lo split con i Folk Metallers Primordial, mini suite di dieci minuti che rinuncia per la
intitolato Scarlet Heavens (1996), primi atti prima volta al growl a favore di un approccio
della collaborazione dei nostri con la con clean vocals che spiazza i pochi fortunati
Avantgarde Music di Roberto Mammarella che riescono ad accaparrarsi il 10’’ limitato.
che fiuta l’enorme potenziale della band. Sebbene i nostri non riproporrano più dei
For Funerals to come è il classico EP di brani come Scarlet Heavans, alcune idee lì
transizione di una band che andava presenti ben presto giungeranno al
cambiando pelle. L’opener, Funeral Wedding compimento in una nuova forma più coerente
condensa in sé il passato, con il death alla Edge e focalizzata. Per far ciò mancava ancora
of Sanity di Purgatory Afterglow e gli stacchi qualche ingrediente ed i Katatonia dovettero
acustici tipici dell’esordio, ma anche il futuro attendere due confusi anni prima di vedere le
con la cavalcata alla loro idee realizzate.
Fields of the Nephilim del
capolavoro Elyzium Nel frattempo, a cavallo
della seconda metà tra il 1995 ed il 1996, dal
della song. Shades of punto di vista della
Emerald Fields è un visibilità, tutto
episodio Death-Doom sembrava essere
interlocutorio mentre il pronto per il lancio in
finale lasciato alla grande stile dei
coppia title-track + Katatonia, incluso un
Epistel avrà una grossa tour europeo
influenza su bands organizzato dalla
come Novembre o Unholy Records, tour
Forgotten Tomb, in che purtroppo non
quanto costruita su un andrà in porto. La
unico arpeggio delusione porta un
depressivo che si ripete come un mantra momento di pausa nel gruppo, aggravato
inquietante per circa tre minuti, facendoti anche dal crescente impegno di Anders nei
immaginare tutta la desolazione della vita di suo solo projects Diabolical Masquerade (il
un serial killer che attende le sue vittime in un primo disco è un capolavoro di Symphonic
bosco dimenticato. La versione rimasterizzata Black) e Bewitched e di Jonas nel side project
contiene due bonus, Black Erotica e Love of the chiamato October Tide (che con il bellissimo
Swan, due episodi più canonici che ricordano Rain Without End riproponevano il sound dei
gli Anathema e i Pyogenesis, con strofe doom primi Katatonia).
alternate a stacchi atmosferici. Nel complesso I due amici in pratica si stavano prendendo un
quindi l’ EP post-debut conferma i nostri ad un momento di pausa per capire dove dirigere la
altissimo livello. nave dei Katatonia.
Nello split con i Primordial, invece, i Considerate le diverse strade che avevano
Katatonia si distaccano dal Death melodico e preso i due nei rispettivi solo projects,
cercano di immettere nella struttura musicale direzioni emblematiche della effettiva
del precedente EP elementi come il basso separazione che avvenne nel mondo del
pulsante di acts neo gotici come i Rosetta Death Metal a metà anni ’90 (Black Metal e
Stone o i Two Witches (un esperimento Gothic Metal) stupisce non poco che i due si
tentato in parallelo dal loro produttore Dan ritrovano d’accordo sull’ascolto di una band
59
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

molto particolare, gli inglesi Slowdive e di un gruppi più innovativi, primi fra tutti gli
album, Souvlaki, manifesto del movimento Arcturus della Masquerade Infernale, gli In
Shoegaze. Flames dell’immortale Whoracle, gli Ulver del
Di questo genere molto particolare e molto violento Nattens Madrigal, i Dimmu Borgir di
influente parliamo in altra sede. Qui ci Enthrone Darkness Triumphant e appunto i
limitiamo a dare credito ai Katatonia di aver Katatonia di Brave Murder Day.
creato, usando le loro stesse parole, la
versione Metal dello Shoegaze, che con Brave Murder Day è un classico per molti versi:
piccole variazioni portò dritti dritti al dalla scelta del titolo che unisce i primi tre
Depressive Black Metal. brani (appunto Brave, Murder, e Day) alle
soluzioni adottate in fase di registrazione e dei
Brave Murder Day suoni adottati, tutto
(1997) è il disco che ne concorre a rendere
venne fuori, questo disco della
impreziosito metà del 1997 un
ulteriormente dalla episodio
presenza dietro al imprescindibile per il
microfono di un certo Death Metal in
Michael Akerfeldt, generale e del Gothic
buon amico dei nostri Metal in senso lato in
e che aveva già particolare. Brave
suonato come Murder Day può
seconda chitarra in essere infatti
qualche sparuta data a considerato Gothic
metà ’90. La Metal solo per il
sorprendente e per passato dei nostri,
certi versi “innaturale” visto che le soluzioni
unione di Metal e cercate dagli svedesi,
Shoegaze ebbe un doppio effetto per i e per certi versi osteggiate da Dan Swano che
Katatonia. Da una parte li allontanò ancora di li produceva (e che probabilmente avrebbe
più dal successo, ma dall’altro, voluto dirigerli verso i lidi più commerciali dei
paradossalmente, li aiutò a ritagliarsi una Crematory o dei Darkseed) sono del tutto
nicchia di affezionati che permette loro di innovative. Le chitarre, oltre l’armonizzazione
vivere ancora adesso. D’altronde, quel 1997 classica dei nostri, mostrano diversi riverberi e
non fu fortunato per la maggior parte delle echi (evidenti soprattutto nella versione
band che avevano sfruttato commercialmente remastered del 2006) sin dall’opener Brave,
l’esplosione del Goth Metal. I Paradise Lost mentre la struttura da mini suite oscura, tipo
pubblicarono il controverso One Second per la Scarlet Heavens, permea la successiva Murder,
EMI firmando la loro (per fortuna temporanea) con numerosi cambi per nulla scontati. Ma il
condanna all’oblio, come delusero anche i vero cambio di passo innovativo arriva con
Tiamat di Deeper Kind of Slumber. Solo i Day, lentone mid-tempo oscuro e deprimente,
Gathering quasi ripeterono l’exploit di in cui emergono prepotenti le influenze degli
Mandylion con il bellissimo Nighttime Birds Slowdive di Dagger o When the Sun hits, e
(tra i cui singoli vi era Kevin’s Telescope con una fanno capolino anche i Type 0 Negative che
cover inedita come b-side, indovinate di chi? all’epoca, con October Rust, avevano già
Proprio degli Slowdive, When the Sun Hits). ampiamente dilatato lo spettro
Quel 1997, in ambito estremo, invece premiò dell’Alternative Metal verso confini più oscuri
60

e gotici. Una parte non secondaria la giocano
le vocals di Mikael Akerfeldt, mai così ispirato
e coinvolgente (se non forse su Damnation).
Le influenze Shoegaze continuano su
Rainroom, con il suo muro di chitarre che
sembra trasportarti nei vortici della tristezza
del protagonista, salvato momentaneamente
dai rallentamenti Doom alla My Dying Bride di
metà song, per la verità gli ultimi che
troveremo su un disco dei Katatonia. Infatti
ben presto la canzone vira verso lidi che
adesso definiremmo depressivi, alla Alcest e
Forgotten Tomb, ma che allora erano ancora
considerati semplice Gothic Metal. Il passato
Death-Doom, con le sue distorsioni ed i suoi
assoli, torna nell’introduzione di 12 (anche nel
testo, che cita il precedente EP), ma è solo una
impressione perché subito i cambi che
mescolano New Wave e Death movimentano il
brano fino al baratro acustico centrale ed il
finale malinconico.Il disco si chiude con una
nuova elegia in stile Shoegaze: l’arpeggio
iniziale sembra chiamare la voce di Neil
Halstead degli Slowdive, ed invece una voce
registrata ci getta in un’angoscia se possibile
maggiore (una scelta che molti altri tra cui gli
Shining riproporranno negli anni a venire),
angoscia che svanisce solo grazie ad un
growling sofferto ed un drumming ossessivo
che cercano di strappare l’anima del
protagonista dai suoi gorghi della tristezza.
Sebbene i limiti dovuti alla produzione al
tempo costituirono un ostacolo alla
comprensione dell’opera, Brave Murder Day si
è ormai conquistato con il tempo un posto di
assoluto rilievo tra i fans dei Katatonia, e loro
stessi hanno reso omaggio a questo
capolavoro inserendo Day nel monumentale
live acustico del 2015 Sanctitude, uscito per la
K-scope.
In quello stesso anno (1997) i Katatonia
rilasciano anche l’ EP Sounds of Decay che
mostra nuovi segni di cambiamento e
registrano (ai Sunlight studios dopo anni
all’Unisound) il nuovo disco Discouraged Ones,
con un approccio al songwriting più immediato
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
rispetto alle suites depressive di Brave Murder
Day.
Sounds of Decay può essere considerato il
completamento di Brave Murder Day (oggi non
avrebbe senso far uscire prima il full lenght e
subito dopo a distanza di qualche mese un EP
ma il viceversa), e non solo come una raccolta
di (all’epoca) tre out-takes delle sessioni di
registrazione (Untrue è stata aggiunta
nell’edizione rimasterizzata del 2013).
Paradossalmente meglio prodotto di Brave
Murder Day, Sounds of Decay presenta tre
brani che sono sicuramente non all’altezza dei
sei brani del full lenght ma danno una buona
indicazione di dove si stavano dirigendo i
nostri. Ad esempio in At last ed Inside the Fall, si
comincia a sentire il sound delle chitarre di
Discouraged Ones, ma soprattutto una
struttura più tipicamente da “canzone”, con un
minutaggio limitato, pochissimi stacchi
acustici, nessuna cavalcata, ed un andamento
che gioca su un unico riff. Questo
cambiamento non andrà giù a parecchi fan
che già con Discouraged Ones avranno da
ridire, per non parlare della pietra della
discordia, Tonight’s Decision del 1999. L’out-
take dell’EP è però una breve gemma
progressiva oscura che farebbe la fortuna di
molti gruppi e da sola vale l’acquisto della
versione rimasterizzata in 10’’. Da notare
anche l’interno dell’artwork con una finestra di
61

casa abbandonata che ritroveremo in
Damnation degli Opeth.
Discouraged Ones per
chi vi scrive è solo un
gradino al di sotto di
Brave Murder Day,
mentre per molti è il
più bello dei
Katatonia.
Il mood depressivo è
fin troppo presente
grazie alla voce di
Jonas Renske che qui
non fa rimpiangere
l’amico Akerfeldt ed
anzi aumenta il senso
di angoscia
nell’ascoltare i passaggi sofferti dell’opener I
break (un classico ormai) e di Statemate, in cui
è ben i nostri inseriscono la chitarra Smithiana
di Pornography in un rifferama ancora
essenzialmente Metal.
Gli Slowdive e le loro armonie vocali ritornano
nel sound della ultra-depressiva DeadHouse,
che si chiude addirittura con il canto delle
balene, a cui è impossibile non commuoversi.
Con Relention i Katatonia cominciano a
spiazzare i loro fan: la canzone è breve, il
ritornello orecchiabile, quasi radiofonico:
intendiamoci, la canzone è ovviamente triste,
ma non ha quell’aura oscura che aveva
ammantato Brave Murder Day e per molti
questo sarà l’inizio della fine per i Katatonia.
In effetti il brano è troppo breve, privato com’è
di ogni parte strumentale e ci si lascia
volentieri andare all’ascolto della successiva
Cold Ways, che riscopre i rallentamenti ed i
suoni del precedente disco. Si arriva quindi a
Gone, un breve gioiello acustico che ricorda i
primi Anathema, e alla coppia Last Resort -
Nerve, due mid-tempo quasi gemelli che
ricordano i Cure post-Disintegration di Wish.
L’ultima parte del disco si apre con il
capolavoro Saw You Drown, che nella sua
brevità condensa gli echi degli Slowdive più
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
astratti e dei Paradise Lost di Draconian
Times, con un testo che riecheggia la perdita
dell’amore o dell’amicizia nelle nebbie (acque
in questo caso) del
tempo, ben
rappresentate dalla
successiva
strumentale
Instrumental,
caratterizzata da un
bellissimo assolo. Il
disco si chiude con
Distrust, con un
incedere che ricorda
gli HIM meno
commerciali e i
Paradise Lost di Icon.
La versione
rimasterizzata
contiene come bonus Quiet World, tristissima
ballata suicidal ispirata dagli Slowdive di When
the Sun hits e che era presente nel
limitatissimo EP Saw you Drown, oggi
reperibile solo a cifre da capogiro, e Scarlet
Heavens (la cui presenza è del tutto fuori luogo
per quanto visto sopra).
Il 1998 non fu il momento più adatto per
pubblicare questo nuovo disco (si pensi che il
maggior successo in ambito estremo fu
Cruelty and the Beast dei Cradle of Filth).
Discouraged ones non fu un grande successo e
nemmeno portò nuove date live ma ebbe un
grosso riscontro dal punto di vista della critica.
Forse con lo zampino dell’amico Akerfeldt, i
nostri riescono quindi ad accasarsi alla
Peaceville, e registrano Tonight’s Decision, un
ulteriore passo avanti per la band che si
allontana sempre di più dai suoi esordi,
facendo strada ad un altro sottogenere, il
Depressive Rock che altri gruppi (Lifelover)
seguiranno con grande successo.
Tonight’s decision, va detto subito, è il disco
che completa la seconda transizione dei
Katatonia, idealmente raffigurata dalla
bellissima copertina in cui il corvo di Brave
62

Murder Day prende il
volo da uno spettrale
binario abbandonato.
Per chi scrive, questo
debutto su Peaceville,
dopo due masterpiece
su Avantgarde è un pò
inferiore alle attese.
Il trittico iniziale fa ben
sperare: l’opener For My
Demons è un’ottimo
mid-tempo con un
grande ritornello ed un
grande testo (<< You
would never sleep at
night, if you knew what
I've been through, and
this thought is all I have to trust upon when light
is gone >>), I am Nothing invece comincia a far
intravedere delle trame Prog Metal simili ai
Fates Warning di Pleasant Shade of Grey, In
death a song è un bellissimo item Gothic Metal
che suona come la versione più pesante degli
HIM (non stupisca questo parallelo visto che
gli HIM in quel periodo toccavano l’apice
compositivo con Razorblade Romance).
Had to (leave) è un buon episodio Doom,
mentre This Punishment è un breve intermezzo
acustico quasi Grunge.
In Right into the bliss sembrano tornare le
melodie disperate di Discouraged Ones (in
particolare Deadhouse) ma i due episodi
seguenti, No Good can come of this e Strained,
sono molto deludenti, e specialmente il
secondo, sebbene vergato da ottime lyrics (<<
I'd like to try to live my life again, I'd like to see
where I was going wrong >>) sembra un
tentativo riuscito male di singolo radiofonico.
Le cose migliorano con la ballata oscura di A
darkness coming, in cui tornano quegli echi
Shoegaze che si erano persi nel lavoro
precedente, e con la cover Nightmares by the
Sea di Jeff Buckley, che comunque resta fuori
luogo. Il disco si chiude con la “lunga” Black
Session (7 minuti), il brano più epico e
progressivo, con numerosi cambi di atmosfera,
dal Gothic al Prog Metal, con la sola pecca di
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
vocals troppo stentate
e senza gli usuali
arpeggi armonici che
caratterizzavano i
Katatonia di qualche
anno fa. Delle due
bonus della ristampa,
No Devotion e
Fractured, sicuramente
la seconda mostra
maggiori spunti
interessanti con ottime
ritmiche e una
prestazione vocale
decisamente migliore
di alcuni episodi del
full lenght.
Intendiamoci, Tonight’s decision è comunque
un buon album, un capolavoro addirittura se
paragonato a quanto prodotto oggi dall’80%
delle band estreme e anche dagli stessi
Katatonia, ma per quell’epoca, in cui
l’industria discografica cominciava solo a
sentire le noie del file sharing selvaggio, e in cui
molti gruppi partorivano ottimi dischi (si pensi
agli Anathema di Alternative 4, ai Cradle of
Filth di Midian e agli Opeth di Still life in
ambito Death, ai Gathering dello sperimentale
doppio How To measure a Planet o ai Dream
Theater di Metropolis part II) risultò “solo” un
album di transizione comunque acclamato
dalla critica, se non dai vecchi fans.
Il deal con la Peaceville spinge così i nostri a
pubblicare più materiale e cercare di arrivare
a quel successo che ancora manca. Gli anni
intorno ai 2000 sono così i più fruttuosi per i
Katatonia che realizzano due LPs e due EPs
nel giro di 2 anni (dal 2001 al 2003). Last fair
Deal gone down e Viva Emptiness, che
chiudono il terzo periodo (inaugurato con
Tonight’s decision) dei nostri sono figli di nuovi
ascolti dei Katatonia (Tool, A perfect circle,
perfino Tori Amos).
Last Fair.., in particolare, è un album che ha
influenzato molte altre band estreme a partire
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 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

dall’artwork (un bagno lurido e devastato in un highlight è Teargas, un bellissimo arazzo

piccolo appartamento in città, simbolo depressivo che richiama ancora i Cure di
dell’abbandono e dell’isolamento che ognuno Disintegration e i Ride, ma che in realtà
di noi soffre nelle nostre città moderne, costituisce il prototipo del nuovo Katatonia
copertina ormai abusata da gruppi di sound: ritmiche dispari incastonate in una
Depressive Black Metal). struttura bridge che fa crescere il pathos nel
Ma il disco del 2001, per chi scrive, chorus. Da questa descrizione non è possibile
rappresenta soprattutto un grandissimo passo non riconoscere qualcosa che i Porcupine
avanti rispetto a Tree e Steven Wilson
Tonight’s decision ed faranno qualche anno
uno dei capolavori dei dopo. Transpire è l’ideale
Katatonia. anello di congiunzione
Qui, tutti i tasselli vanno tra i nuovi e vecchi
al loro posto sin Katatonia con richiami
dall’opener distorti al Neo Prog anni
Dispossession, ormai ’90. Tonight’s music è
diventato un classico, in invece, sin dal titolo,
cui gli Slowdive l’anello di congiunzione
incontrano i Cure di con Tonight’s decision,
This Twilight Garden, con una strofa dimessa
specialmente nel riff di ed il ritornello che
chitarra. Il passo avanti esplode, ma stavolta
è una produzione senza inutili
migliore in cui anche le scimmiottamenti degli
tastiere cominciano a fraseggiare HIM.Clean Today presenta inizialmente una
intensamente con la chitarra per aumentare il chitarra Smithiana molto riconoscibile ma è
pathos della composizione fino al finale quasi solo una breve ispirazione perché subito
ethereal. Capolavoro! veniamo investiti da una ritmica progressiva
La successiva Chrome trascinante e per nulla
eccelle per un gotica. Si ritorna in lidi
bellissimo fraseggio depressivi con The future
melodico chitarra- of Speech, in cui fanno la
basso tanto da far comparsa dei violini
tornare in mente Brave, tristissimi ed un tappeto
ma è sul ritornello che di tastiere Neo
le tastiere finalmente Progressive che
guidano Renske nel sostengono uno
dare il meglio di sé. La struggente testo (<< My
produzione della prospects have become
batteria, opera del less promising/ I find it
nuovo arrivato Daniel hard to believe in
Liljekvist non fa altro anything/ Seems I lost my
che aumentare il mood world and so I lost my
urbano della track e con faith/ And I can't go back
le loro ritmiche guidano l’ascoltatore fino alla to where I've been/ A brand new day, It can't get
breve ma intensa We must bury you, episodio worse, Hear myself say, It can't get worse >>).
molto strano ma ben riuscito. Il secondo Altro capolavoro.
64

A Passing Birds è un episodio molto semplice
che può ricordare un certo Pop raffinato degli
anni ’80, come anche Sweet Nurse, in cui spicca
uno splendido giro di chitarra ed un ritornello
molto azzeccato. Il disco si chiude degnamente
con Don’t tell a soul, in cui una breve intro (che
sarà ripresa anni dopo dagli Opeth, indovinate
dove?) lascia spazio a ritmiche alla Fields of
the Nephilim per poi far esplodere un grande
assolo di Nystrom come da tempo non li
ascoltavamo.
Teargas e Tonight’s music sono i singoli scelti
con ben quattro tracce non incluse nell’album.
Sulfur è un bellissimo mid tempo con un intro
di atmosfera acustica ed una strofa che ricorda
gli Slowdive più veloci, inframmezzata a lunghi
stacchi lugubri. Altro capolavoro. March 4
invece è più lineare, e ricorda maggiormente il
mood di Tonight’s decision. Help me disappear
(dal singolo di Tonight’s music) riprende
ritmiche care ai Porcupine Tree di Stupid
Dream e vocals tipiche dei Cure di Wish con
una strofa ed un ritornello molto azzeccati ed
è per questo un ennesimo capolavoro, mentre
O' How I Enjoy The Light è un’ottima cover del
cantautore americano Will Oldham.
Discorso un po’ diverso per l’album del 2003,
Viva Emptiness, album più difficile, ostico e
pesante del predecessore e che, come
Tonight’s Decision, per chi scrive è una spanna
sotto i capolavori dei nostri.La ragione è legata
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
in parte ad una qualità delle canzoni
oggettivamente minore, in parte ad una
mancata focalizzazione degli obiettivi che i
nostri volevano perseguire. Ancora una volta
una copertina con una strada grigia ci
introduce in un mondo di dolore e
depressione. Queste sensazioni non devono
trarre in inganno perché Viva Emptiness è un
disco Prog Metal con i fiocchi sin dall’opener
Ghost of the Sun, in cui a tratti sembra risentire
i Sieges Even di Steps con un sound moderno
quasi Metal Core. Sleeper invece è un episodio
riuscito solo a metà, con un ritornello in
ritmiche dispari ed un bel break acustico
centrale che le rendono accettabile fino al
climax finale (caratterizzato dalla triste
consapevolezza che << you die now >>).
Criminals mischia i Paradise Lost elettrici di
fine millennio con le atmosfere pulsanti care ai
Placebo, specialmente nel ritornello, mentre A
premonition è una bellissima ballata sussurrata
con atmosfere notturne che ritroveremo nei
successivi platter.
Se con Will I arrive ritorniamo in territori Prog
Metal con ritmiche stoppate che ricordano i
Voivod degli anni ’90, Burn the remembrance si
addentra in territori Progressive Metal alla Tool
con tanto di assolo e tessuto sonoro alienante.
Il disco prosegue così altalenante, tra mid
tempo elettronici alla Paradise Lost con break
angosciosi (Wealth, Complicity, Evidence),
episodi tirati ma poco riusciti (Walking by a
wire), ballate oscure alla Cranes di Wings of Joy
(One year from now), e ballate più solari
(Omerta) fino al finale inaspettato Inside the City
of Glass, che segna quasi un ritorno al passato,
con il basso pulsante che si alterna alla
chitarra finalmente cattiva e il tappeto di
tastiere orrorifiche che disegnano armonie
simili ai migliori In Flames e Dark Tranquillity
e ai Paradise Lost di Icon. Capolavoro che
però non risolleva del tutto le sorti del disco
con il quale i Katatonia, nonostante riscontri
di critica e di pubblico nelle date live, ancora
non riescono a fare il salto di qualità che nel
frattempo hanno fatto i loro amici degli Opeth
con Blackwater Park e soprattutto Damnation.
65

Tre anni passano nell’auto-organizzare dei
concerti durante i quali vengono pubblicate
due ottime compilation che consigliamo a chi
si avvicina per la prima volta ai Katatonia:
Brave yester Days e The Black Sessions. Quasi
inconsapevoli dell’influenza nei confronti di
giovani band che nel frattempo hanno dato
vita al genere Depressive
Rock e Depressive Black
Metal (i nostrani
Forgotten Tomb,
Shining, Lifelover) e al
Post-Black Metal (Alcest)
o attive in altri generi
come il Metal Core
(Daylight Dies), il Prog
Rock (Riverside) ed il
Rock Alternativo (Klimt
1918), i nostri lavorano
nel frattempo a nuova
musica e nel 2006
registrano un altro
album, The Great Cold Distance, che
finalmente riesce a farli uscire dall’anonimato
(entrano nella top 10 svedese) grazie anche ad
un rinnovato interesse della Peaceville nei
confronti del gruppo, dettato dalla rinascita
dell’interesse verso sonorità che travalicano i
confini del Metal. La nuova attenzione si
materializza in un EP (July) e un live album
(Live Consternation, 2007) a cui segue nel
2009 Night is the New Day.
The Great Cold Distance rappresenta per i
nostri un nuovo momento di transizione che li
porterà dritti verso i lidi progressivi di oggi.
L’album è molto sperimentale sin dall’opener
Leader, che riprende il discorso interrotto tre
anni prima con le ritmiche dispari e le
progressioni Metal Core, mentre Deliberation
non nasconde le influenze dei Porcupine Tree
specialmente nella strofa mentre il ritornello
ricorda i fasti di Last Fair Deal Gone Down. Soil’s
song è una ballata elettronica in cui la
prestazione di Renske ritorna sui massimi
livelli, mentre My Twin si erge dal resto grazie
ad ambizioni Post-Rock dei Depeche Mode di
Ultra. In Consternation e Follower ritornano le
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
ritmiche serrate Progressive Metal, mentre
Rusted rappresenta un buon esempio di come i
Katatonia adesso riescano a giocare anche sui
dettagli della produzione di chitarre e tastiere
(si ascolti il break centrale come esempio di
armonie costruite su livelli stratificati). Increase
è un altro episodio a metà strada tra la ballata
sussurrata e le sfuriate
violente del Metal Core e
per questo un po’
ripetitivo, mentre il
singolo July incanta per lo
splendido arpeggio, le
ritmiche sostenute e lo
splendido ritornello. The
Itch è un altro episodio
un po’ debole mentre le
sorti del disco vengono
riabilitate dal finale di A
Journey through Pressure,
che ripropone le note
malinconiche di Tonight’s
decision e Discouraged Ones.
Le vere perle di questa stagione dei Katatonia
sono nascoste nei due EP a supporto del disco,
in questo caso Deliberation e July e vanno sotto
il nome di Code against Code ed Unfurl,
quest’ultima una delicata ballata acustica con
pattern di batteria elettronica che
accompagnano i sussurri rassegnati al dolore
di Renske.
Vero capolavoro, e soprattutto passaggio
chiave per comprendere un disco come il
successivo platter, che comparirà solo nel
2009. Da ricordare anche i non disprezzabili
mid tempos Displaced e Dissolving bonds,
comparsi nell’Ep My Twin.
Night is the new day è, invece a parere di chi
scrive, il miglior disco della quarta e per ora
ultima fase dei Katatonia, perfetta colonna
sonora di sere autunnali. Qui sono condensate
la tensione di Viva Emptiness, le atmosfere di
Last Fair Deal, e le sperimentazioni di The
great cold distance. L’opener Forsaker è uno
splendido affresco notturno con uno dei
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 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

migliori stacchi che i Katatonia abbiano mai molto particolare. Dopo il mid tempo un po’
creato. anonimo di Ashen, si ritorna su lidi progressivi
La batteria ricomincia ad essere il perno delle con la meravigliosa conclusione di Departer, in
ritmiche su cui Renske racconta dei mali cui i nostri rielaborano la lezione dei Muse e
dell’uomo perso nella giungla urbana durante dei Marillion di Marbles. Capolavoro e degna
il mattino e per il quale la notte è il momento conclusione di un grande disco. Ma non finisce
di sollievo. The longest Year ha un incedere qui, perché un altro highlight, Sold Heart, è
drammatico ed enfatico presente sull’ EP del 2010
che si apre lentamente The Longest year: siamo
su una batteria fredda al cospetto di un’altra
e precisa, mentre la superba ballata oscura
quasi commerciale che richiama alla mente i
ballata Idle Blood Porcupine Tree più
riprende le atmosfere riflessivi.
di Unfurl e le
drammatizza in un Il 2009 è importante per
crescendo l’incontro dei Katatonia
coinvolgente. con un nuovo
management, la
Onward into battle è Northern Music, che
un’altra semi-ballata gestisce Paradise Lost,
elettronica con un Opeth ma soprattutto
bellissimo ritornello ed un gioco ritmico di Porcupine Tree i quali si fanno supportare
basso e batteria straniante, mentre le proprio dai Katatonia nella parte scandinava
successive Liberation e The Promise of Deceit del tour di The Incident. E’ il momento che dà
sono episodi alla Tonight’s decision un po’ inizio alla nuova vita dei Katatonia i quali
sottotono. Si ritorna su standard elevati con pubblicano Dead End Kings ed il live
Nephilim, caratterizzata da un intro alla My celebrativo Last Fair Deal Gone Night con la
Dying Bride, e da un ritornello tristissimo (<< Peaceville per poi accasarsi con la K-scope
Loving mother, He has come To take your son >>) con la quale per ora hanno pubblicato solo
con tanto di inquietante La-la. La successiva A una riedizione acustica di Dead End Kings, e un
new night presenta un andamento sincopato nuovo live acustico Sanctitude, tra i quali si
che sarà ripreso molte inserisce il bellissimo EP
volte da gruppi Post- pubblicato per il Record
Prog Metal come i Store Day del 2014,
Tesseract. Kocytean.

Con Inheritance E arriviamo a quello che

ripiombiamo nelle per ora è l’ultimo disco
atmosfere liquide e dei nostri, Dead End Kings
soffuse dei Porcupine (risuonato e ripubblicato
Tree di fine anni ’90, come Dethroned &
mentre con Day and Uncrowned circa un anno
the Shade ritroviamo dopo). Diciamo subito che
tempi dispari immersi l’album non è il migliore
in neri ritmi con un che i nostri abbiano
ritornello dissonante scritto e forse non è
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 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

nemmeno il migliore biglietto da visita per gli Venendo proprio ai giorni nostri, citiamo
ascoltatori della K-Scope, nuova casa brevemente il 10’’ Kocytean, che invece è una
discografica. Tuttavia, le canzoni sono tutte su raccolta di b-sides e sembra ispirarsi proprio
ottimi livelli, a partire dall’opener The Parting e alle compilation di questo tipo che hanno fatto
soprattutto dalla splendida The One you are storia in ambito rock (si pensi a b-sides
looking for is not here ricorda non poco alcune themselves dei Marillion, ma anche Japanese
delle cose Dreams dei
migliori dei Cure, Pisces
Gathering Iscariot
con un degli
chorus da Smashing
brividi. Pumpkins,
Hypnone è un Sci-fi
toccante mid- Lullabies dei
tempo che Suede) in cui
introduce la ritroviamo
ballata The perle come
Racing heart, Unfurl o Sold
in cui Heart e due
arrangiament inediti,
i in stile Second e The
Porcupine Act Of
tree rendono Darkening
il mood progressivo. Dopo l’aggressiva che però stavolta poco aggiungono al full
Buildings, costruita su una chitarra ritmica e dei length.
sintetizzatori impazziti, si arriva a Leech,
nuovamente a metà tra ballata sussurrata e In conclusione, la storia dei Katatonia sembra
progressioni elettriche e all’interlocutoria essere ancora tutta da scrivere. Come per gli
Ambitions, prima del Anathema, e gli Opeth
capolavoro Undo You che per certi versi, la vera
si dipana su tappeti di sfida che attenderà i due
synth e fraseggi di chitarra sodali Anders e Jonas
melanconici prima delle sarà quella di convincere
sfuriate di Lethean, in cui si i nuovi ascoltatori che un
riconoscono soluzioni care passato così glorioso in
ai Porcupine Tree di Fear of ambito metal (anche
a Blank Planet e agli estremo) non può non
Opeth più recenti. Le fornire nuovi spunti e
conclusive First prayer e linfa vitale anche in
Dead Letters alternano ambito Post-Progressive
invece arpeggi atmosferici Rock.
e depressivi a ritmiche
dispari su tappeti di
tastiere e synth oscuri, e
chiudono degnamente un disco che seppur
non un capolavoro, resta comunque una
release importante per capire dove sono
arrivati oggi i Katatonia. 68

Deeper understanding
Lo Shoegaze
Un anno chiave per i Katatonia è il 1991, non
solo perché è l’anno in cui Anders e Jonas
decidono di formare la band, ma anche perché
in quell’anno in UK esplode il fenomeno indie,
movimento guidato da
Primal Scream e Stone
Roses (per citare solo due
nomi) che giunge sulle
copertine delle riviste di
musica e nei piani alti delle
classifiche dopo 5-6 anni di
gavetta underground. Per un
curioso parallelismo, negli
Stati Uniti, nello stesso anno,
esplode il fenomeno
Nirvana, punta dell’iceberg anch’esso di un
circuito indipendente, guidato da band come
Sonic Youth e Dinosaur Jr., basato sulle
college radio che parte e si sviluppa sotto
traccia a partire dal 1981 proprio fino al 1991.
Il successo di critica dello shoegaze prelude
all’esplosione del brit-pop in UK, quello dei
Nirvana al grunge degli anni ’90. Il successo di
indie e grunge demolisce prima di tutto l’heavy
metal, che aveva dominato negli anni ’80, ma
modifica per sempre anche la musica rock e
pop più generalista. Il cambio al vertice non è
casuale perché ormai l’heavy metal e l’hard
rock avevano ormai raggiunto i loro apici, sia
dal punto di vista creativo che di successo.
Infatti, subito prima dell’esplosione
dell’undeground, che si può far risalite al 24
settembre di quell’anno (uscita di Nevermind),
i Van Halen e gli Skid Row entrano al primo
posto di Billboard, Bryan Adams con la ballad
Everything I do resta al primo posto in UK per
tutta l’estate, i Metallica del Black Album si
insediano nella top 3 di Billboard, e i Guns &
Roses degli Use your Illusion vendono in una
settimana un milione di copie. In uno speciale
precedente abbiamo visto che quell’anno è un
anno importante di svolta anche per il
progressive metal. Qui invece, ci soffermiamo
su una delle anime del movimento indie in
Inghilterra per la sua influenza futura sui
Katatonia ma soprattutto su un altro gruppo
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
molto più importante, che a sua volta
diventerà il punto di riferimento di giovani
band: i Porcupine Tree. L’anima di cui stiamo
parlando è l’ala più diafana e androgina del
movimento indie: lo shoegaze, appunto.
Più che un sotto-genere musicale, lo shoegaze
fu una corrente (ed una propria e vera scena
per certi versi, sebbene non legata ad una sola
città, bensì principalmente ad una regione, la
Scozia) all’interno del movimento indie con
alcune caratteristiche ben definite. Con
Shoegaze (letteralmente “guardare la scarpa”)
infatti si indica un insieme eterogeneo di
bands accumunate soprattutto dal tipo di
suono proposto, caratterizzato da voci
femminili e maschili eteree e/o sussurrate, e
da chitarre elettriche molto distorte ed
effettate che danno all’ascoltatore la
sensazione di ascoltare quasi un sottofondo
indistinto in cui suoni e voci si rincorrono e si
sovrappongono tra loro senza soluzione di
continuità. Il pattern musicale che ne esce fuori
è indefinibile e quasi evanescente e sfuocato
come le copertine delle principali bands: gli
strati di effetti chitarristici e vocals sono
talmente astratti che l’ascoltatore è costretto
per forza di cose a interpretare da solo la
musica con le proprie emozioni e quindi ad
iniziare un proprio personale viaggio
introspettivo.
Il termine Shoegaze viene usato la prima volta
da alcuni giornalisti inglesi a causa dalla
timidezza mostrata dai gruppi durante le
esibizioni dal vivo (e da qui il guardare per
terra le proprie scarpe per non guardare negli
69
occhi il pubblico). Molto probabilmente, più

che per la loro
timidezza
(certamente musicisti
che si
contrapponevano al
mainstream non
potevano avere
atteggiamenti
spavaldi alla Axl Rose
o Motley Crue) i
gruppi dovevano per
forza di cose tenere
sempre sotto
controllo le loro
pedaliere e le
effettistiche a causa
del sound prodotto.
Comunque sia, al
termine del 1991, anno in cui vede la luce
Loveless dei My Bloody Valentine (di cui
parleremo dopo) viene coniato il termine oggi
utilizzato, e cioè dream pop (ebbene sì, i Sigur
Ros vengono da qui) proprio per chiarire
ancora di più i riferimenti al suono celestiale
che caratterizza i gruppi. Al contrario, una
chiave di lettura più in linea con la tradizione
giornalistica post-punk vede nel termine
dream pop anche e soprattutto un significato
sociale, in particolare la presa di coscienza dei
rampolli della classe media della futilità ed
inutilità di ogni impegno politico ed il desiderio
conseguente di perdersi in una realtà parallela
in cui dimenticarsi delle delusioni della vita
politica e personale. Per quanto possa
sembrare bizzarro, questo aspetto sarà la
maggiore eredità dello shoegaze e del dream
pop sulla musica rock in generale, che proprio
dalla fine degli anni ’80 perse la volontà e la
forza di modificare la realtà sociale circostante
per diventare essenzialmente solo uno
strumento per evadere dalla realtà.
Da questa descrizione sommaria, ci si può
ragionevolmente chiedere cosa ha a che fare
una corrente indie nata alla fine degli anni ’80
e defunta praticamente agli inizi degli anni ’90,
popolata da musicisti dall’immagine eterea e
quasi asessuata e da canzoni brevi, semplici,
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
talvolta ripetitive,
con testi misteriosi e
quasi non-sense con
il progressive? A tal
proposito, non è
inusuale trovare nei
forum specializzati
affermazioni di
questo tipo:
Totally different
worlds. The songs in
those genres are
usually pretty simple,
just with a ton of
effects processing.
Plus shoegaze evolved
from new wave,
alternative, and indie
(maybe grunge too). There's no prog connection”
[(Prog e shoegaze) sono mondi totalmente
differenti. Le canzoni in quel genere sono
usualmente molto semplici, solo con tonnellate di
effetti. In più lo shoegaze è una evoluzione della
new wave, dell’alternative e dell’indie (e forse
pure il grunge). Non c’è connessione alcuna]
In questo giudizio ritornano alcune note
misconcezioni sul progressive (cioè idee innate
non corrette dal punto di vista musicologico),
tra le quali la totale incompatibilità del prog
con la new wave e l’indie e la necessità, per una
canzone che vuole essere progressive, di avere
una struttura musicale complessa ed intricata.
Su entrambe queste idee si continua a
dibattere nelle comunità di appassionati, e si
potrebbero riempire quattro-cinque numeri
del magazine. Noi qui ci soffermeremo
soprattutto sulla prima, perché più che
descrivere lo Shoegaze con i suoi mille aspetti
e gruppi ci occuperemo non solo della sua
connessione, ma addirittura della sua
influenza sul progressive.
Come detto, lo shoegaze, essendo parte del
movimento indie, non nasce nel 1991 ma ha
precursori ben piantati negli anni ’80. Esso
prese linfa essenzialmente da due gruppi,
curiosamente entrambi scozzesi ma molto
diversi tra loro, i Cocteau Twins, e i Jesus and
Mary Chain. Entrambi i gruppi non erano 70
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

tecnicamente
Shoegaze, ma
presentavano
delle
caratteristiche che
i gruppi shoegaze
avrebbero poi
sviluppato a pieno.
Il trio scozzese dei
Cocteau Twins
incideva per la
4AD, etichetta
indipendente
inglese che nel suo
rooster
di una canzone” perdeva di senso con i
annoverava alcune realtà degli anni ‘80 che
Cocteau Twins) ma una specie di alfabeto
avrebbero influenzato enormemente la
fonetico su cui il resto del gruppo, Robin
musica indipendente negli anni ’90. Due su
Guthrie e Simon Raymonde, costruivano un
tutte, i Dead Can Dance, che avrebbero
tappeto raffinato e iper-sintetizzato di basso,
marchiato a fuoco il gothic metal anni ’90 con
chitarra e batteria. La chiave per comprendere
l’alternarsi di voce maschile / femminile ma
lo Shoegaze è tutta nell’introspezione
anche il black metal atmosferico e, appunto, i
necessaria all’ascoltatore per dare un senso a
Cocteau Twins, che invece influenzarono la
musica come quella prodotta dei Cocteau
nascita dello shoegaze. I Cocteau Twins
Twins: il rapporto con le melodie spesso
concentrarono nella prima parte della carriera,
stranianti si lega a doppio filo allo stato
tra il 1982 ed il 1984 (anno del capolavoro
d’animo dell’ascoltatore e diventa spesso
Treasure), la loro
tutt’uno.
produzione più
I Jesus and Mary Chain,
propriamente gotica per
fondati dai fratelli Jim e
poi letteralmente inventarsi
William Reid, sono l’altro
un ibrido che mescolava il
polo da cui si svilupperà lo
gothic degli esordi con
Shoegaze. Probabilmente
atmosfere strumentali più
la loro spinta innovativa si
riflessive e contemplative,
fermò al primo disco
appunto “eteree”, a partire
Psycho Candy (1985) e ai
dal 1986 (Victorialand) e
primi singoli dove le
fino al 1996, anno
melodie alla Beach Boys e
dell’ultimo disco (Milk and
la psichedelia dei Velvet
Kisses). Il disco culmine di
Underground erano
questo secondo periodo è
modernizzati con tocchi
forse Heaven or Las Vegas
punk alla Ramones. Il suono degli scozzesi,
da cui praticamente tutto lo shoegaze ed il
tuttavia, con chitarre zanzarose e voce filtrata
dream pop saranno influenzati a partire dalla
risultava molto diverso da quello plasticoso
copertina di luci sfuocate, per finire al basso
basato su tastiere e synth tipico delle
cupo e alla chitarra sognante. Il tratto
classifiche inglesi del 1984-85. Per tale motivo i
caratteristico del gruppo erano i vocalizzi
Jesus and Mary Chain furono precursori
celestiali di Elisabeth Frazer, la quale non
anche dell’estetica indie no-synth che si
usava la lingua inglese per i testi (anzi, il “testo 71
affermò nei '90s. Purtroppo, già dall’album

Darklands del 1987 però i nostri
abbracciarono un suono più accessibile in cui
scimmiottavano i Rolling Stones più cattivi,
cercando di spaventare come Robbie Smith o
i Sisters of Mercy ma risultando soltanto
appena meno commerciali degli U2. Tuttavia la
loro idea di rendere ascoltabile la distorsione
elettrica più rumorosa grazie ad un cantato
distaccato e per questo etereo era ormai stata
catturata da altri gruppi della stessa etichetta,
la Creation.
Questa etichetta ha ricoperto un ruolo
fondamentale nello sviluppo della musica
inglese a partire dalla fine del cosiddetto
periodo post-post (1978-1984) incarnando tutta
l’estetica ed i clichè anti-80s alternative ed
indie che avrebbe dominato nei 90s (Oasis su
tutti). Il peccato originale, o il merito principale,
della Creation fu modificare l’essenza stessa
del post-punk: non più gruppi che usavano i
sessanta per trarre energia e creare nuova
musica, ma usare i sessanta ed il post-punk
stesso (depurato di alcuni elementi come la
politica, la fusione con la musica nera, la
sperimentazione) come fonte di citazioni
continue (ed il brit-pop sarà il culmine di
questo atteggiamento). Nel rooster della
Creation troviamo nello stesso periodo dei
primi Jesus and Mary Chain i padrini degli
Oasis e degli Stone Roses, cioè i Primal
Scream e tre anni più tardi, dopo una gavetta
di realease indipendenti, anche un gruppo che
seguì un percorso inverso di tutti gli altri
compagni di etichetta, partendo cioè dal
citazionismo 60s dei primi EPs ed arrivando ad
una nuova forma di espressione, appunto i My
Bloody Valentine, il gruppo Shoegaze per
eccellenza.
Confusi con i gruppi che in UK ispireranno il
brit pop ed in America il grunge (Sonic Youth,
Dinosaur Jr.), non sorprende che i My Bloody
Valentine siano rimasti ai fans del progressive
essenzialmente sconosciuti. Eppure già dal
primo disco Isn’t it Anything del 1988 i nostri
dimostravano che non erano affatto dei cloni
che si limitavano a rinverdire i trip acidi degli
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
anni '60 ma tentavano anche di dire qualcosa
di nuovo, mescolando melodie dei primi Who
con le distorsioni dei Jesus and Mary Chain
del primo album ed una voce filtrata che
sembrava provenire da mondi lontani.
L’album diventa straniante a causa delle
atmosfere profondamente diverse che in esso
convivono ed è l’ideale prefazione al
successivo e fondamentale Loveless,
pubblicato dopo una lunga gestazione (iniziata
ad inizio 90) ed una manciata di singoli alla fine
del 1991.
Il distacco dal revival 60s dei Primal Scream è
qui evidente: il muro di chitarre distorte
mediante la tecnica della glide guitar (cioè
moudulare il timbro della nota usando
direttamente un tremolo sulla chitarra)
produce una sorta di drone (cioè un suono
ripetuto e sostenuto) che sembra uscire fuori
dalla casse ed avvolgere l’ascoltatore sin dalla
prima nota di To Here Knows When in modo da
far risaltare ancora di più le eteree linee vocali
di Kevin Shields e Bilinda Butcher. Un
esempio è il singolo Soon, che ripete
ossessivamente un riff sfuggente e quasi mal
accordato, campionato per circa 7 minuti.
Nell’album sono presenti ancora i retaggi del
passato ma il disco in generale suona molto
avanti per il tempo, grazie anche all’aiuto di
Alan Moulder, che in precedenza aveva
prodotto proprio i Jesus and Mary Chain di
Automatic, ed in seguito a questo disco
produrrà i Nine Inch Nails e gli Smashing
Pumpkins di Siamese Dreams e Mellon Collie.
I My bloody Valentine sulla scia del successo
di Loveless passeranno alla Island ma si
sarebbero sciolti prima di rilasciare alcunchè
per la major, forse presagendo la direzione
musicale che l’etichetta avrebbe imposto loro
ed in tal modo preservando la loro memoria e
la loro influenza.
Parallelamente ai My Bloody Valentine nel
rooster della stessa Creation muovono i loro
passi gli altri due gruppi che formano una
ideale triade Shoegaze, e cioè i Ride e gli
Slowdive, che incarnano due anime molto
diverse della scena. Maggiormente legati alle 72

radici 60s e vicini in un certo senso al Brit Pop i
primi, più vicini alle radici gotiche (non per
niente il nome del gruppo è una canzone di
Siouxsie and the Banshees) e progressive dei
Pink Floyd i secondi.
I Ride esplodono con Nowhere nel 1990,
grazie anche ad un pugno di singoli che
entrano nella Top 40 UK.
Il disco è tuttora riguardato come un classico
dell’indie per brani come Seagull o
Kaleidoscope, ma soprattutto dello Shoegaze
grazie a Dreams Burn Down, Paralysed, e la
title track (che si chiude con le onde del mare
che si vedono in copertina). Grazie al loro
personalissimo mix di Cure e psichedelia, i
Ride si ripeteranno con Going Blank Again
(prodotto indovinate da chi? Ma proprio Alan
Moulder!) del 1992, che suona più
commerciale ma ugualmente influente come il
debutto in ambito
mainstream, se si pensa alle
similitudini proprio con il
coevo Wish dei Cure (che già
si erano avvicinati a Painters, Melon Yellow sarà
sfumature shoegaze con
Disintegration) e soprattutto
al debutto omonimo dei
Suede del 1993. Purtroppo
però i Ride, al contrario dei
My Bloody Valentine, si
erano ormai
irrimediabilmente avvicinati
alle tentazioni da classifica del brit pop e dopo
l’ancor più commerciale Carnival of Light e lo
spento Tarantula si scioglieranno, lasciando
l’amaro in bocca per quello che sarebbe
potuto essere.
Gli Slowdive esordisco anche loro come i loro
colleghi My Bloody Valentine e Ride con una
serie di EP, che all’epoca servivano per testare
la band anche dal vivo, e pubblicano il primo
disco Just for a Day, un po’ in ritardo, proprio
nel 1991. In questo esordio le musiche si fanno
molto più oscure ed eteree rispetto ai colleghi
di scuderia: mentre Brighter è il tributo
necessario ai Cocteau Twins di Heaven or Las
Vegas, Catch the breeze è il gioiello che da un
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
lato allontana i nostri dalla direzione
commerciale dei Ride e dall’altro, grazie ad un
mix perfetto tra i Floyd più intimisti e i Cure
più oscuri, apre le strade a nuovi generi (come
vedremo più avanti).
Sebbene bellissimo, il disco fu un po’ snobbato
dalla critica a causa dell’eccessiva aura
melanconica e soffusa dalle linee vocali di Neil
Halstead e Rachel Goswell, scambiata spesso
per pigrizia, ma soprattutto perché il gruppo
non andava verso i lidi che la critica voleva. Gli
Slowdive raggiungeranno il loro apice creativo
con Blue Day nel 1992 (specialmente in Shine)
ma soprattutto nel 1993 con il loro secondo
disco, Souvlaki, che contiene quattro classici
che molti gruppi in pochissimi anni mandano a
memoria: il bridge di 40 days verrà copiato
infinite volte dai gruppi Ethereal (vedi dopo),
When the sun hits influenzerà il gothic metal più
initmista dei Gathering,
Dagger e Here She Comes
anticipano lo slow-core di
Low e Red House
ripreso dai Katatonia in
Discouraged Ones. Per il
1993, Souvlaki è
completamente fuori posto,
visto che in quello stesso
anno esce ad esempio
l’omonimo dei
Suede,altrettanto bello ma
meno triste e più dandy, Iin Utero dei Nirvana
e Siamese Dreams degli Smashing Pumpkins.
La melanconia dei nostri non è incanalabile nel
mainstream, non ha alcuna speranza e viene
rimossa. Snobbati dalla critica e dal pubblico, i
nostri pubblicheranno un ultimo fantastico
disco, Pygmalion, centrato su sonorità eteree e
dilatate e per questo forse ancora più
influente per certe band come i Katatonia ed i
Porcupine Tree (si pensi all’opener di 16
minuti Rutti o alla ballata psichedelica e
bucolica di Blue Skes and Clear). Un disco così
provocatorio non poteva avere successo, anzi
indispone ancora di più la Creation che li 73

licenzia una settimana
prima dell’uscita del disco
preferendo dedicarsi al
successo degli Oasis di
What’s the Story Morning
Glory. Per nostra fortuna,
perchè così facendo la
Creation lasca nascere la
leggenda degli Slowdive
che permette loro di essere
ancora annoverati come la
band più influente dello
Shoegaze almeno in
ambito estremo.
Come testimonia il rapido scioglimento dei My
Bloody Valentine e degli Slowdive (ma anche
quello dei Ride che avverrà solo qualche anno
dopo) l’eredità dei gruppi shoegaze non
diventò evidente fino alla fine degli anni ’90 e
seguì diramazioni molto diverse. Anzi, gli stessi
gruppi delle correnti nate o sviluppatesi come
gemmazione spontanea dallo Shoegaze
mentre le band che ne avevano forgiato il
suono caratteristico stavano concludendo la
loro parabola non erano consapevoli di quanto
Loveless o Just for a Day fossero stati
importanti.
Questo è il caso dell’Ethereal. Tra il 1991 ed il
1995, sulla scia degli All About Eve, dei
Cocteau Twins e degli Slowdive, nacque e si
sviluppò questa corrente che rivitalizzò nei 90s’
il gothic rock degli anni ’80. Centrata sulla label
americana Project e sul gruppo del suo
fondatore Sam Rosenthal, i Black Tape for a
Blue Girl, questa corrente del gothic era
caratterizzato da voci femminili eteree che
volavano su tappeti di tastiere, droni e chitarre
distorte o acustiche. Le atmosfere erano quasi
sempre depressive e quasi mai indulgenti
verso l’ascoltatore che veniva immerso in un
mondo di dolore in cui l’unica luce è proprio la
voce angelica che guida le danze. Il gruppo per
eccellenza sono i Love Spirals Downwards,
che in due album (Idylls, 1992, Ardor, 1994)
condensano le principali caratteristiche
dell’Ethereal.
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
Un’ altra corrente
praticamente generata
dallo Shoegaze è il post-
black metal. Come detto
nella retrospettiva dei
Katatonia, Brave Murder
Day e soprattutto Last
Fair Deal Gone Down sono
dischi che mostravano
come fosse possibile
mescolare voci abrasive o
addirittura in growl con il
muro del suono distorto
tipico dei My Blood
Valentine. Ma ancor prima dei Katatonia, i
primi a sperimentare questo tipo di
commistione furono i nostri connazionali
Novembre di Wish I could dream it again, in
cui i pattern distorti di chitarra
accompagnavano linee melodiche che
alternavano voci pulite a growl.
Sebbene ancora acerbo, l’esordio dei romani è
il primo esempio di post-black metal. Negli
anni a venire, soprattutto dopo l’esplosione dei
Katatonia, molti altri gruppi hanno unito
Shoegaze e musica estrema a partire dagli
Alcest di Souvenirs d'un autre mondee (2007),
gli Ordo Templi Orientis di Distances of Cold
(2010), i Deafheaven di Sunbather (2013) e gli
Autumn for Crippled children di Try Not to
destroy everything you love (2013).
I Katatonia e molti dei gruppi post-black metal
su citati non solo utilizzano o hanno utilizzato
un muro di suono tipicamente Shoegaze nei
loro dischi ma hanno spesso adottato anche
un approccio tipicamente progressive alle loro
canzoni, cambiando, all’interno della stessa
canzone, atmosfere e generi, muovendosi con
abilità dal folk al death. Per tale motivo,
smentendo le misconcezioni con cui abbiamo
aperto, è accaduto ciò che nessuno pensava,
cioè che una corrente indie nata dagli anni ’80
e dall’attitudine anti-rock del post-punk si è
infine fusa con un genere che proprio negli
anni ’80 sembrava essere stato ucciso dal punk
e soprattutto dal post-punk stesso.
Come è potuto accadere? Essenzialmente 74

perché lo stesso Shoegaze può essere
considerato un figlio della sperimentazione
musicale come chiave per trovare nuove vie
non battute. Una accezione che fa tornare alla
mente il Krautrock dei Tangerine Dream
(precursori strumentali dell’ethereal), ed i
Floyd più lisergici. Ma al tempo stesso, come
visto, anche lo Shoegaze ha lasciato un
‘impronta sul progressive moderno. In
particolare, l’eredità dello Shoegaze è
diventata più chiara solo dopo i primi dischi
solisti di Steve Wilson, sebbene l’impronta
eterea dei My Blooody Valentine fosse
evidente già in Synestesia ed Always Never (da
Up the Downstair) e in tutto The Sky Moves
Sideways dei Porcupine Tree.
Dei dischi solisti di Wilson, soprattutto il primo
Insurgentes risente della lezione della
Shoegaze sin dalle iniziali Harmony Korine e
Abandoner o nella sognante Signifcant Other
figlia degli Slowdive meno depressivi. Ma è un
po’ tutta la produzione della K-scope che
risente di questa eredità: dai cinematografici
Nordic Giants di A seance of dark delusions,
ai nostrani No Sound di A sense of loss (che
ricordano maggiormente gli Slowdive ed il
low-core) per finire agli ultimi Tesseract e ai
Lunatic Souls. Anche fuori dalla K-scope
troviamo riferimenti allo shoegaze, ad
esempio nei Riverside più elegiaci o negli
Ulver più minimalisti.
Per concludere, lo Shoegaze fu sì un effimero
tentativo da parte dell’underground di
conquistare le charts con la sperimentazione
musicale ed una sorta di ingenuità figlia della
disillusione del post-punk: al contempo però
fu anche una delle ultime correnti davvero
innovative che il rock ricordi, come
testimoniato dalla tante bands che ancora oggi
fanno ad essa riferimento.
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
Fabio Zuffanti sullo Shoegaze
Agli albori degli anni Novanta, complici gli
articoli che apparivano su Rockerilla, mi
appassionai allo Shoegaze. Ciò che mi
attraeva di questo genere erano i possenti
muri sonori creati dalle chitarre nei quali il
canto (spesso armonizzato) sembrava
affondare. Era un contrasto molto forte tra
le essenze fragili e melodiche delle voci e il
fuoco del tessuto strumentale; ciò spingeva
la mia mente verso dimensioni abissali e
psichedeliche, mi sembrava realmente di
cadere dentro la musica. Le mia "shoegaze-
top-3" è composta da Nowhere dei Ride, il
punto massimo, Just For A Day dei
magnifici Slowdive e Whirlpool dei
Chapterhouse (contenente Autosleeper
forse la più bella shoegaze-song assieme a
Seagull dei Ride). Tanti sono i gruppi che, a
volte di straforo, entrarono a far parte del
combo che si guardava i piedi; Loop
(krauteggianti e Hawkwindiani), Spaceman
3 e la loro propaggine Spiritualized, My
Bloody Valentine, Lush, Pale Saints,
Curve, Seefeel, i primi Verve e molti altri.
Alcuni di questi sono stati un po' precursori,
altri hanno seguito la moda, altri ancora
hanno proposto "aperture" varie
(elettronica, pop, ecc...) ma i tre album citati
sopra rappresentano secondo me i punti di
maggiore equilibrio e bellezza. Discorso a
parte merita una band, tra le mie preferite
in assoluto, che ha concentrato
magistralmente essenze shoegaze con
istinti progressive in un mix inedito e molto
intrigante, sto parlando dei Levitation. Di
loro consiglio la raccolta di singoli ed EP
Coterie e il primo album Need For Not.
Ascoltateli e capirete da chi siano state
influenzate band come Porcupine Tree e
molte altre appartenenti al K-Scope sound
dei nostri giorni.
75

Report
Osanna
Palepolitana
presentazione
museo PAN Napoli
di Giovanni De Liso
Un nuovo disco di inediti a distanza di
quattordici anni dall’ultimo Taka Boom (anche
se Rosso Rock ne conteneva un paio)
presentato al museo PAN di Napoli. Ecco che
Lino Vairetti mostra ai suoi fan, in anteprima
nazionale, il doppio CD Palepolitana.
Per farlo sceglie la mostra Rock,
manifestazione organizzata da Carmine
Aymone e Michelangelo Iossa giunta ormai
alla quinta edizione. La kermesse – che in
passato ha ospitato mostri sacri del
progressive quali Fish e Tony Levin -
quest’anno dedica un ampio spazio alle
memorabilia del compianto Pino Daniele e
una mostra fotografica sui Pink Floyd del Live
At Pompeii.
Superato a fatica il groppo in gola nel vedere
delle maxi foto dei giovanissimi Gilmour e
Waters, saliamo le scale del museo PAN e
raggiungiamo il secondo piano dove è già tutto
pronto per la presentazione. Tra il folto
pubblico notiamo subito Jenny Sorrenti e
Sofia Baccini, quest’ultima ospite in un brano
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
del disco Canzone Amara (un favore che Sofia
ha restituito a Lino, che aveva prestato la sua
voce per La Porta Dell’Inferno sull’album Big
Red Dragon).
Sul palco, accanto a Lino, introdotti da Iossa e
Aymone, l’assessore alla cultura del Comune
di Napoli Nino Daniele, lo scultore Lello
Esposito e il giornalista Guido Bellachioma,
fresco di stampa con la sua bella rivista Prog
Italia Magazine.
Vairetti spiega la genesi del nuovo disco,
sottolineando come ha volutamente calcato la
mano sulla napoletanità della band per dare
un’immagine della città diversa da quella
pittoresca e negativa che emerge a guardare i
media e certi film (riferimento neanche troppo
velato a Gomorra).
Ecco così che Lino è andato a ripescare due
brani della storia napoletana attribuiti ad
anonimi, Fenestra Vascia e Michelemmà e li ha
completamente rivisitati lasciando immutate
solo le parole. Ce li fa ascoltare in presa diretta
scatenando il pubblico presente che batte le 76
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

mani a ritmo di aiutato a muovere i

musica, in una primi passi della sua
gustosa anteprima gloriosa carriera. A
del concerto che di lì testimonianza di
a pochi giorni si questo, sulla parete
sarebbe tenuto al adiacente la
Maschio Angioino. presentazione
Palepolitana è campeggiano le foto
comunque un disco che lo stesso Vairetti
squisitamente aveva scattato ad un
progressive, il imberbe Daniele per
genere di cui gli la realizzazione del
Osanna tengono suo primo singolo Ca
ancora alta la Calore (poi
bandiera nel italianizzato in Che
mondo, visto che la Calore) e la chitarra di
band è reduce da un proprietà di Lino che
trionfale tour in Pino aveva usato
Giappone. E proprio una vecchia conoscenza proprio in quella session. Lino ricorda
del progressive, il mitico Dave Jackson, vi sinceramente anche le divergenze personali
suona il flauto coronando una collaborazione con Daniele e la loro separazione lungo tutto
con la band napoletana che va avanti da anni. l’arco della carriera del chitarrista napoletano,
L’album è doppio (e Lino coglie l’occasione per divergenze però messe da parte proprio
annunciare che uscirà presto una versione in nell’ultimo periodo per far posto ad una
vinile con tanto di bonus track!) e il secondo cd ritrovata amicizia culminata nell’invito che
è una rivisitazione di Palepoli, il capolavoro Pino Daniele rivolse agli Osanna di
degli Osanna del 1973. Vairetti dichiara di partecipare al concerto tenuto a Napoli a
aver volutamente risuonato il disco in maniera dicembre 2013 in cui il bluesman partenopeo
simile alla versione originale inserendo però radunò tutti i principali artisti della città. E
alcuni frammenti che all’epoca furono esclusi proprio sulle immagini del 2013 di Pino
dalla registrazione e che ha recentemente Daniele che canta Il Mare insieme agli Osanna
ritrovato. Sarà quindi interessante per coloro termina la presentazione, un po’ come un
che hanno amato questo disco andare a cerchio che si chiude o, se vogliamo, un
scovare le differenze rispetto alla prima testimone che ripassa nelle mani degli Osanna
edizione, sapendo che le nuove inserzioni che con Palepoli avevano portato il Prog
risalgono comunque all’epoca della napoletano nel mondo e che dopo più di 40
realizzazione del disco. anni continuano a farlo.
Ma Osanna da sempre vuol dire anche teatro
ed ecco che la presenza di Lello Esposito sul Nella sezione dedica alle recensioni potete
palco dà l’occasione a Vairetti per mostrare il trovare la nostra recensione a Palepolitana.
set fotografico realizzato per il ricco booklet
dell’album proprio negli studi realizzativi dello Un resoconto del concerto verrà pubblicato
scultore con l’intera band truccata da nel numero di Gennaio in cui vi saranno
pulcinella moderni in mezzo a quelli realizzati raccolti tutti gli eventi live a cui abbiamo
dallo scultore napoletano. assistito nel 2015.
Infine non poteva mancare un omaggio a Pino
Daniele. Lino ricorda di averlo conosciuto
quando ancora non era famoso e di averlo 77
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Morte a 33 Giri

EPISODIO II : LA ZONA DEL CREPUSCOLO

di Yuri Abietti

Morte a 33 Giri, rubando il titolo italiano dell'horror-rock Trick or Treat del 1986, è una nuova
rubrica che si occuperà di esplorare i legami tra la musica – in particolar modo la musica Rock,
Hard-Rock, Prog ed Heavy Metal, e il mondo dell'orrore, che sia su pellicola, su carta stampata, in
forma di telefilm, fumetto o poesia.
In questa seconda puntata parliamo di una serie televisiva importantissima per quanto riguarda
l'immaginario horror, fantascientifico e “weird”: la famosa Twilight Zone ovvero, nel nostro Paese,
Ai Confini della Realtà. Buona lettura!

italiano, ma tant'è.
Sicuramente molti di voi ricorderanno qualche
episodio di Ai Confini della Realtà, una serie
Questa serie ha influenzato moltissimi scrittori
televisiva antologica creata negli Stati Uniti da
e artisti di ogni disciplina, da Steven Spielberg
Rod Serling nel 1959 che, in questa o quella
a Stephen King – tanto per citare due dei miei
reincarnazione, ha continuato a far venire
“Stefani” preferiti – nonché diversi musicisti, i
incubi alle nuove generazioni fino al 2003, con
più famosi tra i quali, probabilmente, sono la
“spin off” al cinema, in vari libri e fumetti.
Prog-Rock band canadese Rush.
La serie presentava puntate autoconclusive
Costoro, infatti, hanno deciso di scrivere una
slegate tra loro – non connesse, quindi, da una
canzone ispirata a due episodi della serie e di
trama o da personaggi comuni - ed era,
intitolare tale brano proprio The Twilight Zone,
sostanzialmente, la versione televisiva di
come omaggio all'opera di Serling.
riviste “pulp” come “Astounding Stories” o
Il brano è uscito nell'album classico 2112, del
“Amazing Stories”, dove venivano pubblicati
1976, e prende spunto da Will the Real
racconti brevi o romanzi a puntate di autori
Martians Please Stand Up (in italiano: Chi è il
che hanno fatto la storia della fantasy, della
Vero Marziano del 1961, ventottesimo
fantascienza, del mistero e, naturalmente,
episodio della seconda stagione) e Stopover in
dell'horror.
a Quiet Town (in italiano Sosta in una Città
Come abbiamo detto in apertura, il titolo
Tranquilla, del 1964, trentesimo episodio della
originale della serie è The Twilight Zone, cioè la
quinta stagione).
Zona del Crepuscolo - un titolo decisamente
più poetico di quello scelto per il mercato 78
Il primo episodio è una variazione sul classico

dramma della paranoia anti-sovietica di quegli
anni: due poliziotti indagano su un incidente in
una zona dove ci sono stati rapporti di
avvistamenti UFO e interrogano gli occupanti
di un “diner”, passeggeri di un pullman il quale
ha dovuto fare sosta per via di un ponte
pericolante sulla strada.
L'autista afferma che sul pullman c'erano solo
sei passeggeri, ma nel ristorante ce ne sono
sette. Chi è, dunque, l'infiltrato alieno caduto
con il disco volante?
Il finale, naturalmente, è a sorpresa... Anche se
la parte delle “lyrics” della canzone ispirata a
questo episodio rischia di fare grossi spoiler in
merito:
<< A pleasant faced man steps up to greet you
He smiles and says he's pleased to meet you
Beneath his hat the strangeness lies
Take it off, he's got three eyes
Truth is false and logic lost
Now the fourth dimension is crossed... >>
Nel secondo episodio, invece, seguiamo le
disavventure di una coppia sposata che, dopo
una notte di bagordi, si risveglia al mattino in
una casa sconosciuta.
Marito e moglie, uscendo ad esplorare la città
in cui si trovano, scoprono presto che tutto
sembra finto, come sul set di un film: i telefoni
non sono collegati, il frigo contiene cibi di
plastica, l'intera cittadina è disabitata.
Persino il treno, che sentono fischiare, non fa
che girare in tondo e tornare nella stazione da
cui è partito.
L'Autore
Yuri Abietti (Torino, 1971) è cantante dei Silver Key, band Neo-Prog milanese che, nel primo album (In
the Land of Dreams - Ma.Ra.Cash Records 2012) ha scritto brani ispirati ai lavori di Lovecraft e
Chambers, nonché scrittore di racconti del brivido apparsi in diverse antologie come L'Ultimo
Incantesimo, Ore Nere, Nel Buio e Creepypasta, disponibili su Amazon e www.dbooks.it.
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
I finali a sorpresa sono un marchio di fabbrica
della Zona del Crepuscolo, e questo episodio
non fa alcuna eccezione.
Sfortunatamente, anche in questo caso il testo
dei Rush rischia di rovinarvi la sorpresa...
<< You wake up lost in an empty town
Wondering why no one else is around
Look up to see a giant boy
You've just become his brand new toy
No escape, no place to hide
Here where time and space collide...>>
Ai Confini della Realtà doveva piacere davvero
tanto ai Rush, considerato che hanno messo
nei “credits” dei ringraziamenti a Rod Serling
non solo su 2112 ma anche sull'album
precedente, Caress of Steel, nonché su quello
successivo, A Farewell to Kings.
E non dovevano essere i soli! Canzoni ispirate
alla Twilight Zone sono state composte e
pubblicate da band come gli Iron Maiden (un
singolo tratto da Killers, il loro secondo album
del 1981) nonché da altre band come i 2
Unlimited, i Golden Earring, l'artista Ska
giamaicano Baba Brooks e i Manhattan
Transfer.
Oh, e non dimentichiamo, per tornare nel Bel
Paese, Ai Confini della Realtà di Sergio Caputo
(tratto dal meraviglioso Storie di Whisky
Andati del 1988) che, per essere onesti, con lo
show ha in comune solo il titolo... Ma rimane
una canzone assolutamente splendida!
79
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Audio

The loudness war

dell'

di Silvio Leccia

Figlia del nostro tempo, è una guerra che sta caratterizzando la produzione musicale dell'ultimo
Angolo

ventennio. Molte sono le vittime illustri. Il Black album dei Metallica è solo la punta dell'iceberg.
La guerra si riferisce al comportamento delle varie Major e studi di riegistrazione nel registrare a
volumi sempre più alti fino ad arrivare ai limiti fisici del supporto CD. Inizialmente era una pratica
per realizzare file ad uso delle radio e dei supporti poveri, poi esteso praticamente per tutti.
In questo articolo cerchiamo di porre le basi per una piccola azione di contrasto a questa comune
pratica che danneggia il buon ascolto.

Nella guerra del volume, da un lato una visione
superficiale del prodotto musicale vince e
prevarica sul rispetto delle intenzioni artistiche
del lavoro registrato, dall'altro viene
mortificato anche il rispetto di chi, tra i
compratori del prodotto, vuole ascoltare con
cura la musica acquistata.
Ma cerchiamo di capire cosa si intende per
“loudness war” (appunto guerra del volume). E’
molto comune ritenere una registrazione
migliore di un’altra se la prima ha un volume
maggiore. Diversi esperimenti di psicoacustica
lo dimostrano, ma questo accade per diverse
ragioni fisiche: con un volume maggiore si
percepiscono più facilmente le frequenze
anche più basse (che per essere ascoltate
necessitano comunque di energia per far
muovere i woofer delle casse), ma anche tutti
gli altri dettagli della registrazione vengono
percepiti con maggiore distinzione e messa a
fuoco. Da qui la scelta da parte dei produttori
e delle major di aumentare il volume delle
registrazioni considerando che la musica
commerciale viene principalmente ascoltata in
macchina o via cuffie attraverso un cellulare:
avere alla fonte una traccia con un volume
alto, assicura una maggiore piacevolezza della
fruizione del prodotto acquistato!
Visto così non ci sarebbe nulla di male: avere
un file con un volume più alto non crea
problemi particolari, e magari chi ha un hi-fi
può abbassare la manopola del volume e il
gioco è fatto, tutti contenti!
In realtà, purtroppo, la situazione non è così
semplice. Molti produttori ed ingegneri del
suono hanno spinto così in alto il volume da
essere costretti a ridurre la dinamica
originaria, essendo il supporto e il metodo di
registrazione digitale limitato per sua natura.
Cosa significa questo? Semplice, se un brano
ha dei volumi più bassi in un determinato
punto per poi crescere in un altro, questi due
punti vengono avvicinati “appiattendone”
l’effetto voluto dall’artista stesso. 80

L’effetto che si nota immediatamente è che
anche a basso volume si sente senza problemi
la linea di basso, la cassa della batteria, la
chitarra in sottofondo, la voce ecc, perché di
fatto sono tutti a quasi lo stesso volume!
Questa cosa è un grande vantaggio per le
radio, o per l’ascolto in auto o per strada con le
cuffie, come dicevamo, insomma per quei
riproduttori più economici in ambienti tra
l’altro nemmeno tranquilli (se si pensa ai tanti
rumori presenti mentre viaggiamo in auto per
la città).
Inoltre la codifica da wave a mp3 ne trae un
ulteriore vantaggio, visto che quanto si poteva
perdere nella codifica viene, in parte,
preservato dalla compressione audio. Ma tutto
ciò, è chiaro, non è risolvibile nell'abbassare il
volume dell'amplificatore: se lo faccio non
limito solo l'esuberanza di alcune parti
musicali, ma tutto lo spettro sonoro viene
abbassato causando l'insoddisfazione
dell'ascolto (perché magari non sento bene le
parti di tastiera o della voce) costringendomi
ad alzare di nuovo il volume e ripiombando di
nuovo nel fastidio d'ascolto in un circolo a cui
un amante del buon ascolto è costretto a fare
senza averne alcuna colpa.
E’ evidente, infatti, che un ascolto prolungato
di un disco intero registrato in questo modo,
affatichi l'ascoltatore, con il conseguente
abbassamento del volume o peggio
cambiamento del cd!
Questo, in un mercato fatto di tanti singoli usa
e getta, non è un problema, ma lo è per chi è
invece abituato ad ascoltare un cd dall’inizio
alla fine, come generalmente fanno i fruitori
della musica Prog. Inoltre si perdono i pieni
che l’artista voleva darci con la conseguente
perdita di emotività… insomma un disastro
artistico!
Cosa si può fare per difendersi da questa
pratica di registrazione?
Abbiamo pensato che l'unico modo è quello di
misurare il range dinamico di tutti i dischi che
recensiamo, al fine di accendere un piccolo
faro sulla questione nella speranza di
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
sensibilizzare ascoltatori, musicisti e produttori
a rispettare la natuare dinamica della musica
prodotta.
Un software molto diffuso, scelto per le
nostre misure, è DR
(http://www.dynamicrange.de/).
Se si dà in pasto un cd intero, il software vi dirà
brano per brano l’intervallo dinamico coperto
dal vostro cd. Il risultato, in decibel, è un valore
numerico di cui dobbiamo imparare ad avere a
che fare.
Se si ha un valore minore o uguale a 7 la
musica è molto compressa, da 8 a 12 si è nella
norma, per valori superiori la dinamica è
ottima.
Ovviamente i numeri vanno presi con le pinze.
Ad esempio, dopo diversi esperienze ho
scoperto che, personalmente, i valori sotto a
10 mi creano qualche disturbo, altre persone
possono avere altri valori di riferimento,
essendo la soglia della fatica d'ascolto molto
personale.
Inoltre, poiché il valore viene dalla misura di
un minimo e un massimo di pressione
musicale, è evidente che determinati generi
musicali possono avere una dinamica bassa,
perché per natura non sono, appunto
dinamici! Un esempio può essere un genere in
cui vi sono poche variazioni, come capita per
certi dischi di elettronica.
Quindi non è detto che un valore piccolo del
DR (e quindi una compressione alta) faccia
subito dichiarare che quel disco sia stato
registrato con forte compressione. Come
sempre ci vuole giudizio.
Bisogna quindi stabilire una scala al fine di
riconoscere se un disco è volutamente
registrato in maniera compressa o meno.
Cerchiamo di comprendere quali sono i valori
medi aspettati per il nostro genere musicale.
I miei riferimenti li ho calcolati dai miei cd, ma
esiste una banca dati che potete consultare:
almeno i gruppi più famosi si trovano in tutte
le varie edizioni dei loro cd. Il link è:
http://dr.loudness-war.info (ed è divertente
notare come il range dinamico decresca negli
anni a parità di musica!) 81
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Innanzitutto prendiamo come riferimento solo possiamo dire che la registrazione è

le prime versioni delle stampe dei classici del
nostro genere (vedi nel box tutti i dischi
misurati), questo perché le ristampe
successive risentono della moda del momento
e dell’aumento del volume. Basta far notare
che la prima stampa su cd di Selling England
by the pound ha un intervallo dinamico (DR) di
13, mentre l’ultima ristampa, quella definitiva
(e meno male) ha un DR di 10. Lo stesso
accade se si guardano gli intervalli dinamici
della PFM o dei Banco, che passano dai 13
iniziali a 8-9 delle versioni successive.
Quindi limitiamoci alle prime stampe in cd dei
classici del genere. Si ottiene allora che il
valore medio del sinfonico è 12 e del Prog
Metal è 11 Degli altri generi non abbiamo
prime versioni in CD, quindi se qualcuno
volesse fare lo stesso lavoro e ce lo comunica
saremo lieti di pubblicare le sue misurazioni.
Concludendo se andiamo di molto sotto, ad
esempio un disco di sinfonico con DR 8,
sicuramente volutamente compressa.
C’è poi da capire volutamente da chi?
In realtà ormai è tecnica diffusa quella del
volume alto. Quindi molti artisti vanno in
buona fede a registrare il loro cd e ottengono
lo stesso trattamento che si ha per Fedez o
Moreno anche se la loro musica non deve
andare per radio! Quindi, musicisti che state
leggendo… fate attenzione a chi c’è dietro il
mixer! Poi è evidente che per le
autoproduzioni, la scarsità di mezzi e
conoscenze, limitano ancora di più le
possibilità d’intervento dello studio di
registrazione in fase di missaggio, ma almeno
proviamo ad avere qualcosa di
qualitativamente ascoltabile!
E ribadiamo: il valore dell'intervallo dinamico
non è un giudizio sulla qualità delle
composizioni ma solo della produzione del
disco!

Lista in continua evoluzione Sinfonico

: Tarkus(12)
: Vroom(9), Red(11), In the court of Crimson King(12)
: Ever(13)
: Misplaced Childhood(10), Brave(12), Fugazi(13)
: The Snow goose(10)
: Selling England by the pound(12) , A trick of the tail(12)
: amused to death(14)
Wish You Were Here(12)
Ys (11)
: Photos of ghosts(11)
: Collage(12), Felona e Sorona(12)

Lista in continua evoluzione Prog Metal

Dream theater: When dream and day unite(12) Images & Words(11), Awake(9), A change of
seasons(9)
Fates Warning: No Exit(14), Perfect Symmetry(14), Parallels(11), Pleasant Shade of Gray(7)
Queensrÿche: Operation Mindcrime(13 , Empire(13 , Operation: Livecrime(11 , Promised Land(9
Rush: Chronicles(14 82

Recensioni
di Giuseppe Di Spirito, Silvio Leccia e Italo Testa
Arena - The unquiet sky
2015,
A sorpresa, dopo quattro anni dal controverso
Seven Degrees of separation e dieci dal
deludente Pepper's Ghost, ritroviamo gli
Arena con un disco degno di attenzione e che
consigliamo vivamente di ascoltare se avete
amato la fase di mezzo dei nostri, quella che
comprendeva i tre lavori da The Visitor a
Contagion che li videro allontanarsi dai cliché
neo progressive di Songs from the Lion's Cage
(95) e Pride (96).
Clive Nolan dimostra ancora di essere un
song writer elegante e raffinato come pochi,
Mick Pointer dà come al solito il suo nascosto
ma fondamentale contributo, e Paul Manzi è
un ottimo cantante che non ha molto da
invidiare agli storici singer John Carson, Paul
Wrightson o Rob Sowden. Intendiamoci, il
disco ha una parte centrale molto giù di tono,
ma nel complesso è godibile se non si hanno
pretese di capolavoro da un gruppo con oltre
20 anni sul groppone. L'opener The Demon
Strikes, dopo una intro alla Gazza Ladra, ci
presenta subito le vicende del protagonista
(l'album è ispirato ad un breve racconto di
fantasmi dell'autore inglese a me sconosciuto
Montague Rhodes James, Casting the Runes)
con un drammatico riff di chitarra che sostiene
un chorus epico e solenne, ottimo antipasto
per un album che presenta già alla seconda
traccia un highlight come How did it come to
this? che ricorda le struggenti ballad dei primi
tre dischi, senza dimenticare l'influenza dei
migliori Pendragon e Marillion che da sempre
hanno caratterizzato i nostri.
The Bishop of Lufford poteva essere un ottimo
opener, con cascate di synth mischiate ad un
riff che ben si adatta al testo oscuro recitato da
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
DR Legenda
Valore di rifermiento Sinfonico: 12
Valore di riferimento Prog Metal : 11
un Manzi in palla, ma soprattutto con un
bridge da brividi ed una conclusione sinfonica
che lascia il segno. Secondo highlight del disco.
Saltiamo rapidamente Oblivious to the Night
che introduce No chance Encounter, episodio
piuttosto piatto ma abbellito da una pregevole
fuga con un ottimo assolo di chitarra. Dopo la
strumentale Markings on a Parchment, il disco
comincia a mostrare segni di cedimento, con
due stanchi episodi, monotoni soprattutto nei
banali chorus, come la title track e What
Happened Before. Si ritorna su territori
progressivi con Time Runs out e Returning the
Curse che risollevano parzialmente le sorti del
disco grazie soprattutto ad una Clive Nolan in
grande spolvero nelle parti soliste. Unexpected
Dawn è una strana ballad, quasi Hard Rock,
senza il feeling giusto e che non aggiunge
molto ma serve solo ad aumentare la
suspense per il capitolo finale Traveller Beware,
che riprende i temi lirici e strumentali presenti
nel lavoro, e si rileva un ambizioso ma per
fortuna riuscito tentativo di rinforzare le trame
degli Arena con robuste dosi di melodia e
ritmiche serrate a cui è impossibile non
mettersi a fare headbanging (!) alternate a parti
più tranquille e atmosferiche: davvero un
finale inatteso che ti spinge a premere di
nuovo play.
Detto dell'ottimo lavoro di produzione, a cui
però da sempre gli Arena ci hanno abituato,
Unquiet Sky si staglia nettamente al di sopra
dei due lavori precedenti, pur rimanendo
comunque un gradino sotto anche Contagion.
Ciononostante un buon ritorno che fa ben
sperare per il futuro di un gruppo a cui
dobbiamo molto. Range Dinamico = 8
Italo Testa 83

Astrolabio - La solitudine dei numeri pari
2015,
Gli Astrolabio (Michele Antonelli – voce,
chitarra, flauto traverso; Alessandro
Pontone – batteria; Massimo Babbi – tastiere
e Paolo Iemmi – voce, basso) sono un gruppo
veronese formatisi nel 2009, al loro esordio
(se si esclude il demo autoprodotto e uscito
nel 2012 Temperato demo(dé)).
Il flauto insieme all’uso del sinth riporta la
loro musica a cose degli anni ’70 e l’uso di
soluzioni Hard (nella chitarra ma anche nella
sezione ritmica), fa ricordare i Jethro più
energici.
In realtà ad un primo ascolto stavo per
declinare l’invito alla recensione, in quanto
non avevo capito lo spirito della musica del
gruppo: sentire palesi rimandi a brani arci
noti del mondo Prog, citati in maniera così
esplicita mi aveva fatto fraintendere lo scopo.
La verità è che il gruppo, formato da musicisti
di talento, ha una forte tendenza dissacrante
come lo dimostrano i brani più brevi ed
energici dell’album in cui vengono citati In the
Court of Crimson King dei KC (in E’ stato detto
tutto), o i Jetrho Tull (in 31 Aprile) o i Genesis
(nella cover di Pugni in tasca dei Ribelli, con
Regoli come ospite!) ma anche la sigla del
noto programma “Il pranzo è servito” (in
Servito). Tutti questi episodi sono bei brani dal
ritmo tirato con intrecci di flauto e chitarra o
sinth e Hammond, molto piacevoli da
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
ascoltare. Si capisce che i ragazzi si divertono
molto in questo Hard Prog che non è mai di
maniera. Molto affiatata la sezione ritmica,
che diventa la vera forza in un genere come
quello proposto, perfetta la chitarra o il sinth
a sottolineare i cambi di tempo. Insomma
tutto molto ben fatto.
Ma è il lato più meditabondo che esalta la
sensibilità dei musicisti. Brie Collage,
Fotografie, Non ricordo, i piccoli strumentali
(Aurora, Corso di Eurostima) sono dei pezzi più
ariosi che si liberano della forma Hard-Prog
degli episodi più dissacranti lasciando il posto
alla fantasia.
Dopo la breve Aurora, strumentale con solo
chitarra, infatti è nella floydiana Fotografie,
che gli Astrolabio sorprendono e convincono.
Se l’uso della chitarra e delle atmosfere, come
detto, ricorda i Pink Floyd, il synth fa
spostare l’attenzione verso un Rock Sinfonico
più canonico, creando una miscela di grande
effetto.
Corso di eurostima è un piccolo affresco quasi
Folk, con chitarra e violoncello che ci prepara
al più movimentato Servito.
Ma, come dicevamo, il gruppo ci è piaciuto in
Non ricordo aperto dal flauto sostenuto dal
piano rodhes, mentre la chitarra arpeggia i
suoi accordi. Il brano acquista, poi, quella
giusta cattiveria che non fa che enfatizzare i
cambiamenti di ritmo che portano la musica
ad atmosfere più riflessive, con crescendo in
tensione ben fatto che sfocia, alla fine, in
atmosfere bucoliche con il flauto a condurre e
concludere. A mio parere il miglior brano
dell'album.
Insomma un disco intelligente e divertente,
dove ognuno può sentire quello che ha voglia
di sentire trovando qualcosa di interessante
da ascoltare.
Forse la sola prestazione vocale non mi ha
convinto, ma vista questa opera prima sono
convinto che i ragazzi non potranno che
meravigliarci nelle prossime uscite. Da tenere
sotto stretta osservazione (e se potete, da
vedere dal vivo!). Range dinamico = 8.
Silvio Leccia 84

Barock Project - Skyline
2015, Artalia
I Barock project, band animata da Luca
Zambini, arriva alla quarta prova in studio
dopo l’ultimo apprezzatissimo Coffee in
Neukolln rilasciato per la Musea Records nel
2012. Per questa nuova prova si cambia
ancora casa discografica (i primi due album
vengono rilasciati per Musea Records e
Mellow) approdando all’attenta Artalia che
non ha lesinato sforzi nella realizzazione di
questo ambizioso progetto, coinvolgendo
nomi di spicco dell’ambiente progressivo:
Vittorio De Scalzi è ospite nella title-track,
mentre tutto l’artwork è curato da Paul
Whitehead! E’ quindi con curiosità che ci
apprestiamo all’ascolto di questo Skyline nella
speranza che ripaghi dei tre anni d’attesa e
soprattutto che sia all’altezza di quanto
realizzato in precedenza. Il disco apre con la
pirotecnica Overture, dove sebbene in
evidenza le grandi abilità alle tastiere di Luca
Zabbini, tutti gli altri musicisti non sono da
meno; viene creata così una “sigla”
prendendo spunti da cose che si vedranno
nei vari brani (per questo il titolo
evidentemente), trascinante e divertente
senza essere mai banale o di maniera. A
calmare le acque il pianoforte con qualche
fioritura barocca, apre Tired dove il bravo
Luca Pancaldi (voce) prende il timone della
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
linea melodica del pezzo. La romanticità del
gruppo emerge quindi con forza fino a che è
la chitarra, coadiuvata dall'ottimo lavoro della
sezione ritmica (Eric Ombelli alla batteria), a
cambiare faccia al brano mostrando il lato più
duro della band: intrecci ben riusciti tra
tastiere e chitarra accelerazioni e
rallentamenti, per una grande ubriacatura
sinfonica. Ma come vedremo questo è quanto
avverrà praticamente in tutto l'album.
Skyline ha tinte folkeggianti, con il suo inizio
chitarra e voce, per poi cambiare atmosfera
con la chitarra che chiama all’appello tutti gli
altri musicisti per supportare il cantanto che
diventa un po’ più cattivo, senza però
cambiare il carattare quasi bucolico del pezzo.
Marco Muzzuoccolo infatti si alterna tra
chitarra elettrica e classica interpretando al
meglio il brano, che diventa quasi un’altra
cosa solo verso la fine quando chitarra e
sezione ritmica prendono il sopravvento. Così
ci si appresta a chiudere il brano tra ritmi
cadenzati, tastiere e il flauto traverso di
Vittorio De Scalzi che impreziosisce anche
con il cantato il pezzo E’ però in The long est
sigh che il gruppo, a mio avviso si supera. Una
bellissima linea melodica cantata in maniera
impeccabile, un’atmosfera densa, tenuta dal
pianoforte, e tutti gli altri a servizio di quanto
avviene nella chiave di violino. Ma come fin
qui accaduto il cambiamento è dietro l’angolo
e quindi l’atmosfera quasi serena, si fa
marziale con il ritmo deciso e la chitarra che
come sempre scompagina quanto fin qui
creato. Il synth vola e richiama il tema
melodico e il cantato ci riporta indietro
ricominciando a risalire in tensione ma
questa volta senza soluzione visto che il tutto
va a sfumare a chiudere il pezzo.
In Gold accordi di chitarra e un pianoforte
con il suo arpeggio interrogante ci conducono
all’interno di quest’altro gioiellino del disco. La
sezione ritmica entra con determinazione
senza però rompere la linea melodica, ve ne
sarà tempo dopo. E così il pezzo va avanti fino
al consueto cambiamento di atmosfera che
puntualmente arriva con il riff più cattivo di
85

chitarra e sezione ritmica più cattiva e
determinata. Ma in chiusura si ritorna alle
atmosfere più romantiche con pianoforte e
voce e il violino a rinforzare la drammaticità
del momento. RoadKill ha uno sviluppo più
lineare con un crescendo naturale, fino al riff
più cattivo e una batteria che pesta sui tom,
svelando il suo animo più Hard (nei limiti del
contesto). E’ infatti la chitarra a condurre il
gioco divertendosi e facendoci divertire
introducendo il flauto traverso prima che si
ritorni a ritmi più pacati e a terminare il brano
un po' come è cominciato. The Silence of Our
Wake di nuovo presenta chitarra e voce per
cominciare ma le trame diventano ben presto
più complesse con l’introduzione della
chitarra prima e delle tastiere poi con la
sezione ritmica che comincia a dettare un po’
legge per smuovere le acque. Un bel basso in
evidenza (con suono percussivo, quasi slap)
sostenuto dalla batteria sostiene la chiave di
violino senza snaturare il pezzo, dando quel
pizzico di vivacità senza stravolgere. Molta
fantasia e cura degli arrangiamenti avendo il
gruppo, a quanto pare, la necessità di rendere
estremamente dinamico l’ascolto, pur
mantenendo la drammaticità del tema
melodico. In The Sound of Dreams si comincia
sottovoce, con il piano che sottolinea gli
accenti, il flauto a ripetere la melodia vocale,
questa volta fino alla fine del brano. Ci
aspettiamo un episodio più dinamico dopo
questo brano così tranquillo e infatti Spinning
Away non tradisce le aspettative con le sue
tante soluzioni, passaggi di testimone tra
tastiere chitarra e voce, sezione ritmica
incalzante e i consueti violini barocchi.
In A winter’s night , il cantato sospeso crea
un’aurea effettivamente invernale per la
conclusione di questo disco. Il brano è un
pezzo lineare, oserei dire semplice, visto
quanto fatto in precedenza, dove le tastiere e
la chitarra vengono usate per sostenere la
linea melodica cantata piuttosto che cambiare
l’atmosfera creata. E’ in realtà un pezzo più
corale dove la continuità è contrapposta al
cambiamento di atmosfera scelto negli
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
episodi precedenti. La versione giapponese
contiene un secondo CD con due brani di cui
The Book of life è un gran bel brano molto
romantico di oltre 10 minuti e Fool’s Epilogue
dell'album precedente in versione live.
Che dire, i Barock Project hanno da sempre
dimostrato di avere una forte personalità e
idea della direzione da intraprendere per il
loro progetto. La loro musica molto evocativa,
può far pensare a ELP o ai Jethro Tull, a volte
ai Genesis, ma anche alla PFM o alle Orme
per il gran gusto della melodia, giusto per
citare dei mostri sacri italiani, eppure nessuno
di questi accostamenti danno giustizia a
quanto prodotto a testimonianza del fatto che
ormai Zambini ha una maturità compositiva
tale da aver ampiamente interiorizzato i
riferimenti citati, riuscendo a far la sua musica
senza necessità di rimandare a cose già
sentite da uno o l’altro gruppo del passato.
Grande musica che si accompagna con i bei
testi di Antonio De Sarno vero quinto
elemento della band.
Se vogliamo trovare un limite in quanto
proposto sicuramente esso è nella ripetibilità
della formula: sebbene ogni brano sia
originalissimo e fantasioso, il fatto di ritrovarsi
sempre un cambiamento d’umore e
d’ambientazione diventa poi non più una
sorpresa, ma qualcosa di scontato, visto che
quasi ogni brano ha due facce ben distinte.
Ma lasciando stare queste cose che sono
peccatucci veniali, questo disco deve essere
acquistato da ogni amante del genere, non c’è
scelta: è un’opera ben congeniata, con una
bella cover (di Paul Whitehead) con un ospite
illustre (Vittorio De Scalzi) e musica capace di
soddisfare il palato di ogni amante del
sinfonico… che volete di più? Range
dinamico = 8
Silvio Leccia
86
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Breznev Fun Club - Il misantropo felice Yugen sono tra i paladini più apprezzati degli
2015, Altrock Productions ultimi dieci anni, potrebbe trovarsi di fronte
una nuova gemma da adorare.
Avevano destato grande impressione con il D'altronde basterebbe leggere dopo i credits
loro esordio di cinque anni fa, che raccoglieva riservati ai musicisti a cosa si può andare
composizioni risalenti agli anni '90 e che incontro, dove ironicamente viene indicato
mostrava sia un indirizzo Jazz-Rock che
canterburiano memore dei trascorsi di
Hatfield and the North e National Health << nessuno dei musicisti ha subito
sia una propensione verso territori più vicini al maltrattamenti durante le registrazioni
R.I.O. dell'album>>.
I Breznev Fun Club fanno oggi il bis con Il
misantropo felice, album con brani composti Album che tra l'altro è un concept, visto che
tra il 1997 ed il 2001 (ma registrati tra il 2011 e narra il breve sogno pomeridiano di un uomo
il 2014) e che pone l'accento fortemente sulla fino al catartico risveglio, tenendo sospeso,
voglia di avanguardia del gruppo. esattamente come avviene nella fase onirica,
Siamo in quest'occasione di fronte ad un puro l'ascoltatore in un'atmosfera surreale e che
Chamber Rock di discendenza Univers Zero, spinge verso percorsi labirintici dai quali
senza i toni dark del combo belga, ma con sembra non esserci uscita. Range dinamico =
quella che si presenta come vera e propria 10
piccola orchestra pronta a lanciarsi in sonorità
avventurose e di non facile ascolto. Giuseppe Di Spirito
Rocco Lomonaco si contorna per l'occasione
di ben diciassette musicisti e di una cantante
mezzo-soprano che si esprime in vocalese
(anche se stiamo parlando di un cd quasi
interamente strumentale) e crea un'opera
ostica, che necessita molteplici ascolti, anche
per chi è avvezzo a questo tipo di Prog, prima
di riuscire a districarsi adeguatamente tra le
note che scorrono.
Si affrontano, così, otto tracce di geometrica
precisione, con le quali l'ensemble si spinge
anche oltre il lavoro proposto dai compagni di
etichetta Yugen, in un turbinio di dissonanze,
suoni e colori complessi, portando agli estremi
i discorsi di Avant-Prog e dei bozzetti
sperimentali del Frank Zappa di Uncle Meat.
Alla fine è difficile dare un giudizio assoluto su
un album che si presenta così coraggioso e
perfetto formalmente, ma anche un po'
troppo freddo e sicuramente estremo.
Qualcuno potrebbe affogare o "solo" rimanere
senza fiato nei vortici avanguardistici creati
questa volta dai Breznev Fun Club,
terminando a fatica l'ascolto; ma chi si sta
dilettando con il R.I.O. moderno, di cui i citati
87

Ciccada - The finest of miracles
2015, Fading Records
Dopo l'apprezzato A child in the mirror,
pubblicato nel 2010, i Ciccada sfornano un
nuovo album, sempre grazie alla Fading
Records, che sembra destinato a seguire e
migliorare le già buonissime impressioni
lasciate con il debutto. Anche in questa
occasione siamo di fronte ad un Prog di
estrazione sinfonico-romantica, ma nel quale
fanno capolino anche Folk raffinato,
morbidezze canterburiane ed elementi di
musica da camera diretti e lontanissimi
dall'avanguardia. Durante l'ascolto dei circa
tre quarti d'ora di The finest of miracles capita
spesso di ascoltare passaggi che portano alla
mente opere e artisti che provengono da un
po' tutte le epoche e latitudini del prog.
Citando Camel, Renaissance, Anthony
Phillips, Caravan, Flairck, Finisterre,
Hostsonaten, White Willow, Groovector,
Quidam probabilmente già si può intuire
l'indirizzo perseguito da questa band. E sia
ben chiaro, nonostante i molteplici punti di
riferimento che si possono intravedere non si
avverte mai l'impressione di qualcosa di
prevedibile, di scontato, di banale. Le
influenze sembrano davvero tante, ma sono
indirizzate verso un prog romantico
convincente e pieno di fascino che davvero
puÚ coinvolgere fortemente gli amanti del
genere. Merito dell'amalgama di suoni caldi,
dei timbri variegati che ad una
strumentazione tipica affiancano archi e fiati
in abbondanza e di una soave voce femminile
che incanta immediatamente. La suite finale,
che dà il titolo all'album e che è composta
dalle ultime cinque tracce, chiarisce al meglio
il percorso dei Ciccada, facendo intrecciare
strumenti acustici ed elettrici con un eleganza
rara, spingendo su melodie sognanti,
calibrando con estrema precisione i più
classici cambi di tempo e di atmosfera e
dando anche quel tocco un po' esotico
derivante dal cantato in greco, lingua madre
della band. Range dinamico = 10
Giuseppe Di Spirito
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
Cyrax - Pictures
2015, Bakerteam Records
Dopo averci incuriositi con l'esordio
Reflections, tornano i milanesi Cyrax con
questo nuovo platter che mostra una indubbia
crescita rispetto al pur buono esordio.
Musicalmente i nostri fanno dannatamente
molto più sul serio, focalizzando
maggiormente rispetto all'esordio le parti
strumentali e gli onnipresenti, ormai marchio
di fabbrica, cambi di ritmo e atmosfera.
Questa ricerca musicale del dettaglio va
certamente a scapito di una facile fruizione del
prodotto: non troverete ritornelli orecchiabili e
nemmeno armonie alla Helloween, ma
sicuramente un disco che cerca per quanto
possibile una via personale al Prog Metal.
Che le cose siano cambiate in meno di due
anni lo si intuisce sin dall'opener Cyrax, dal
ritornello ultradissacrante (<< Cyrax - we're
Cyrax, Spreading the metal is our destiny, Cyrax -
we're Cyrax, Power of metal is like a kick in the
teeth>>) ma dalla chiara matrice Metal anni '80.
Sono infatti i Savatage di inizio carriera che
vengono in mente non solo per la parafrasi del
ritornello preso da Power of the night (Raise
the fist of the metal child) ma anche per il
ritornello che ricorda molto l'epica Sirens.
Si va in territori Romeriani (Symphony X di
88
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

fine anni '90) con la seguente The 7th Seal, Deaf Heaven - New Bermuda
gustoso affresco Prog Metal con numerosi 2015, Anti/Epitaph
cambi e cori e perfino un violino che guida le
danze e pregevoli assolo neoclassici di tastiera
e chitarra.

La seguente Cockroach spiazza l'ascoltatore

con un ritmo iniziale quasi Nu-Metal che
diventa nuovamente Progressive nello stacco
centrale mentre il cantato decisamente sopra
le righe rivela le buoni doti di Marco Cantoni.

Nella successiva These Greenvalleys i nostri

giocano con il Symphonic Metal degli Epica e
Nightwish mentre si ritorna in zona Dream
Theater con la breve ma molto variegata
Oedipus Rex, cattiva e cadenzata grazie agli
innesti di tastiere su un tappeto ritmico di
Visto lo speciale sullo Shoegaze in allegato a
solos tipicamente Power.
questo numero, non potevamo lasciar fuori
dallo spazio recensioni chi dal 2011 porta
Si arriva quindi a Shine through Darkness, suite
avanti un discorso prettamente post-
divisa in tre parti. Nella prima parte domina
progressivo, tentando di amalgamare Black
inizialmente una tastiera neoclassica che lascia
Metal e, appunto, la corrente Indie più
però subito lo spazio a ritmiche Thrashy
femminea ed eterea, lo Shoegaze. Dopo i
inframmezzate a passaggi più epici e riflessivi.
capolavoro Sunbather, i nostri osano ancora di
La seconda e terza parte invece mischiano i
più ponendosi come punta di diamante di un
Fates Warning di Perfect Symmetry con gli
genere, il Post-Black Metal, che continua a
Epica, pur mantenendo grazie a ritmiche
trasformarsi e regalare nuove forme di
tipicamente metal anni '80 e vocals incisive una
espressione musicali. L'opener Brought to the
impronta fortemente personale.
water è un ottimo biglietto da visita: 8 minuti e
mezzo che presentano dapprima un
Si chiude, come in Reflections, con la strana
parossistico Black Metal fino al break che
jam Phunkrax, ibrido che non avrebbe sfigurato
distorce i Cure di Disintegration o i Ride di
su qualche album dei Red Hot Chili Peppers.
Nowhere, per poi unirli in un finale mozzafiato.
Primo highlight! Luna è se possibile molto più
In conclusione, detto della evocativa copertina
tirata, praticamente una lunga cavalcata
e della potente produzione che mette in risalto
metalcore in cui si inseriscono trame
tutti gli strumenti, possiamo tranquillamente
depressive di chitarre stranianti alla Forgotten
raccomandare nuovamente i Cyrax a chi vuole
Sons e aperture elegiache alla Slowdive,
esplorare vie alternative e molto personali nel
mentre Baby Blue è molto più sperimentale,
panorama Prog Metal nazionale e inter-
caratterizzata com'è da un basso pulsante New
nazionale. Range dinamico = 5.
Wave che dialoga con le atoniche cavalcate
Black Metal e break Thrash che non fanno altro
Italo Testa
che preparare l'ascoltatore agli splendidi
affreschi Shoegaze e depressivi che conducono
il brano per mano nei territori degli Slowdive e

89

dei Lush. Come Back inizia esattamente come
finisce Baby blue, con la chitarra impazzita di
Kerry McCoy che sembra riprendere il tema di
Kiss me kiss me kiss me dei Cure dell'anno di
grazia 1987, prima di esplodere in un riffing
Thrash assassino alla Metallica. Infine,
abbiamo il brano più "delicato", Gifts for the
Earth, che parte con una cavalcata oscura in cui
è in evidenza un basso pulsante che
accompagna l'ascoltatore in territori acustici
dove la furia Black Metal è stemperata fino a
diventare una ballad acustica Hard Rock:
nuovo highlight del disco!
In conclusione, se non avete ancora avuto il
coraggio di entrare nel mondo dei
Deafheaven, questo New Bermuda è il lavoro
ideale, che si candida già da subito a disco
dell'anno. Essenziale e caldamente consigliato
a chi è interessato a scoprire nuovi territori del
progressive metal. Range dinamico = 7.
Italo Testa
David Gilmour - Rattle that lock
2015, Sony
Quando un grande personaggio del passato
produce un nuovo album è sempre un evento.
Se poi si pensa a Gilmour che nella sua
carriera solista ha prodotto solo 4 dischi
(escludendo il live del 2008) la notizia
dell’uscita di questo lavoro è stata un gran
notizia.
Bello l’artwork, e sfogliando il libretto, arricchito
da belle foto in bianco e nero di David e Polly
Samson, la curiosità diventa quasi
spasmodica. Scopriamo, infatti che nel disco
vengono ospitati dei veri mostri sacri della
musica: Crosby e Nash, Philip Manzanera in
veste anche di coproduttore, Robert Wyatt,
saltano subito all’occhio.
Le musiche sono per la maggior parte di David
mentre i testi come nel precedente On an
Island sono, tranne che in un caso, della
compagna di vita Polly Samson.
Ma veniamo finalmente al contenuto musicale.
Qui la questione si fa delicata. Personalmente
della sua carriera solistica ho apprezzato solo il
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
suo esordio del 1978. About Face mi è
sembrato più un oggetto commerciale che una
volontà artistica mentre al contrario, On an
Island è stata un’esigenza, una fotografia di un
momento molto particolare della sua vita,
dove appunto il ritirarsi in solitudine era cosa
necessaria. Musicalmente, però anche On an
Island mi è risultato eccessivamente rilassato
nella sua dilatazione dei tempi riuscendomi a
non farmelo gradire malgrado il grande
rispetto per l’artista.
E vediamo quindi cosa c’è in questo nuovo
Rattle that lock.
Il breve strumentale d’apertuda, 5 A.M., ricorda
un po’ le cose rilassate di quanto fatto nel
precedente On a Island. Ma come sempre non
si resta insensibili al richiamo ancestrale del
suono della chitarra di David.
Rattle that lock è il classico brano easy rock
patinato. Piacevole l’ascolto, tutto prodotto
magistralmente, ma semplicemente non
prende più di tanto. Nemmeno il lavoro alla
chitarra risolleva le sorti di un brano che nelle
intenzioni è sicuramente pretenzioso ma
alquanto vuoto in contenuti. E non serve l’aiuto
alla chitarra di Manzanera a risollevare le sorti
segnate dall’inizio del brano.
, composto in parole e musica da
Gilmour, è un pezzo più interessante,
meditabondo nel suo procedere, giocato tra
tastiere e chitarra classica a sostegno o come
sostituta della voce. Il procedere quasi
grottesco, circense viene spazzato via ora
dall’elettrica ora dalla voce.
Ricorda un po’ cose sentite in The Division
Bell, ma è un brano che risolleva e crea
curiosità nel resto del disco.
Ma proprio quando si ha voglie di volare si
ripiomba di nuovo nelle atmosfere sospese di
A boat lies waiting, fino all’arrivo del pianoforte
che dà una direzione al brano. Ospiti alla voce
Crosby e Nash, ma diciamo che visto l'utilizzo
fatto, potevano anche non esserci.
Si passa così al più energico Dancing right in
front of me che, sebbene più dinamico, non
decolla mai, restando rilassato e quasi estatico:
sembra quasi che David abbia paura di
90

eccedere o di ripetere cose già scritte (infatti
nel solo finale di chitarra sembra di sentire
qualcosa da The Division Bell). Ad ogni modo
un buon brano da risvolti anche inaspettati
come il solo di piano su ritmo jazzy nella parte
finale.
Nella drammatica In any tongue non si fanno
miracoli e tutto resta lì, infiocchettato per bene
ma senza riuscirmi a coinvolgere. Il rullante
suonato distante e il solo di chitarra finale
risollevano di poco le sorti di quanto fin qui
fatto.
Beauty strumentale interessante che ha la
pecca di finire quando ci si aspetta la “portata”
dopo tanto interessante antipasto.
Piano e chitarra, infatti, creano bene
l’aspettativa ma non vi è la svolta, l’affondo che
ci si aspetterebbe. Peccato.
La divertente e jazzy The woman with the yellow
dress è un riuscito ritratto di donna e
finalmente l’ospite emerge sebbene nello
sfondo. Wiatt suona il corno inglese e
accompagna con discrezione David facendo da
contraltare al suono grasso del sax.
E’ di fatto il terzo pezzo che ha destato il mio
interesse.
Con Today sì torna un po’ sui sentieri tracciati
con la title track, niente di travolgente ma
gradevole e a tratti più interessante (nella
ritmica) di Rattle that lock.
And then… Bella la chitarra e l’atmosfera
creata, che per certi versi ricorda i Camel
(incredibile questa cosa, salto dalla sedia anche
io nello scriverla, ma è così).
Così lo strumentale nei suoi 4 minuti chiude il
disco con un tono particolarmente malinconico
e d’effetto, invogliando a dare un’altra
possibilità, un altro ascolto nella speranza di
trovare questa musica nel resto del disco.
Peccato che le intenzioni di Gilmour non siano
queste e si resta, ad ogni ascolto, sempre un
po’ delusi. Range dinamico = 12.
Silvio Leccia
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
Lvtum - Adam
2015, Lizard Records
Dopo L'albero del Veleno, nuovo disco
strumentale per una formazione della scuderia
Lizard, questa volta un concept sul primo
uomo (Adamo appunto) ad opera dei LVTUM.
Formazione anomala a 4 questa dei LVTUM,
con due bassisti "stereofonici" (Carlo Bellucci a
destra, Isacco Bellini a sinistra), un tastierista
(Mike Marchionni) e un batterista
(Alessandro Marchionni).
E' probabilmente voluto il gioco di parole insito
nel nome (lvtum --> lutum--> argilla) ad
indicare la precarietà della condizione
dell'uomo o anche i piedi di argilla di colui che
vorrebbe domninare la terra come un Dio ed
invece ne rimane punito: i nove brani infatti ci
guidano in varie fasi della "vita" o "storia"
dell'uomo, dalla plasmazione alla caduta.
Il suono è grasso e corposo, con una buona
dose di orginalità, pur mantenendo chiari
riferimenti ai King Crimson di Red e Starless
and Bible Black, e al post-progressive alla
Tesseract.
Session I ci introduce nel concept con una
cadenza ritmica quasi ossessiva, prima di una
pausa cosmica di riflessione. la successiva
Twalking ripete lo schema ma con una riuscita
migliore, più ariosa grazie all'inserto di tastiera
e allo stacco insieme minaccioso e
meditabondo che ricorda gli Anekdoten di
91

Vemod. The dreamers rievoca invece qualche
dimenticato sceneggiato italiano anni '70 in
bianco e nero, complice una intro recitata che
racconta l'allucinazione della realtà. Dopo
l'intermezzo Internal disease decisamente più
moderno nell'approccio, si arriva alla tarantella
Post Metal di Tremorz che ben documenta il
passaggio dalle certezze al dubbio del
protagonista. La successiva Gnosis è una
bellissimo affresco notturno con sprazzi di
Goblin e di New Wave, mentre Hybris, con i
suoi numerosi cambi di tempo ed atmosfere, ci
riporta in territori più Post-Metal.
Il pezzo che ho apprezzato di più è la lunga
Fthonos Theon: anche se non ci sono le chitarre,
qui tutta la sezione ritmica sa ritagliare spirali
armoniche che lasciano spazio sia a cavalcate
esaltanti che a momenti più riflessivi.
Highgligth del disco, senza dubbio. La
conclusiva Nemesi meritava più spazio per
poter sviluppare con maggiore completezza un
tema a tratti spaziale, a tratti più cano-
nicamente crimsoniano.
Detto dell'ottima produzione e della evocativa
copertina, non ci resta che augurare ai Lvtum
di capitalizzare quanto più possibile su questo
Adam in modo da affinare la propria proposta
e renderla sempre più personale. Range
dinamico = 6.
Italo Testa
Maya- The prophecy us broken
2015,
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
Decisamente uno degli highlight italiani del
2015 questo disco dei Maya.
Daniele Chierichetti (tastiere), Alessandro
Quadrelli (basso), Ale Mognoni (chitarre) e
Mirco Petocchi (batteria) per l'occasione
ingaggiano Marco Sivo alla voce e soprattutto
Alessandro del Vecchio (AOR God prestato
dalla Frontiers) alla produzione e mixaggio e
realizzano un gioiello esattamente a metà tra
AOR e progressive per la gioia degli orfani
degli Elektradrive da un lato e dei Labyrinth
dall'altra. Non ci si lasci ingannare dall'iniziale
pulsare quasi Street Metal di Kukulkan: il
brano si inerpica subito in un ritornello
eccezionale degno dei migliori Labyrinth ed
un cambio strumentale degno dei migliori
Queensryche di Rage for Order ed Empire. E
già con Spirit i servigi alla consolle di
Alessandro del Vecchio si sentono eccome:
intro di piano, tappeto ditastiere che lo
sorregge, tempo dispari in crescendo,
ritornello struggente, tutti ingrendiendi di uno
degli highlight del disco che non sarebbe
sfigurato in Big City degli Elektradrive. Ma
non si riesce a respirare che partono subito le
tastiere di Treasure World, che con il suo
incedere Prog Metal e la prestazione
superlativa del buon Sivo alla voce sul
ritornello, e non ultimo un assolo
petrucciano/maideniano ispiratissimo, si
trasforma in un secondo highligth del disco.
Basta così? Nient'affatto, perchè con la title
track si sprofonda in territori più
propriamente progressivi con le tastiere a
rincorrere le chitarre in una cavalcata
esaltante. Si rifiata con lo splendido mid
tempo Fight che ricorda gli Athena di Inside
the Moon. Strangers ha un'attacco alla
Savatage e rimane solo un'onesto pezzo
Metal, mentre The Chosen ones riechieggia gli
ultimi Vision Divine. Si ritorna ad atmosfere
Power AOR con The day after, con un bridge
azzeccatissimo ed un assolo alla Ritchie
Sambora che faranno la felicità di tutti gli
amanti del genere. La chiusura è affidata a
Deja-Vu, vero bignami del Power melodico che
non può non richiamare nelle parti cantate i
momenti più intensi di Return to Heaven 92

Denied dei Labyrinth e nelle parti
strumentali i Dream Theater post 1999
mischiati agli Elektradrive di Due: un terzo
highlight.
In conclusione, detto ancora della produzione
di classe ad opera del mastermind
Alessandro Del Vecchio che dona al disco la
veste professionale che dovrebbe aiutare i
nostri a sfondare soprattutto sul mercato
estero, ribadiamo l'assoluta validità di questo
Prophecy is Broken che non fa sfigurare i
Maya di fronte ai colossi di questo 2015 in
ambito Power quali Stratovarius, Cain's
Offering e Kamelot. Range dinamico = 6.
Italo Testa
Methodica - The Silence of Music
2015, VREC
Confesso che mi ero perso l'esordio dei
nostrani Methodica nel lontano 2009
(Searching for Reflections, Undergroud
Symphony) e per questo mi ero stupito della
loro presenza al Pistoia Blues Festival in
compagnia di Vision Divine, Queensryche e
Dream Theater. Devo dire che anche la loro
prestazione in quell'occasione non mi aveva
eccessivamente colpito, complice suoni live
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
forse non adatti alla band. Invece, su disco la
storia cambia e di molto, sin dall'atmosferico
intro Ukiyo-E che ben introduce l'opener The
Angel Lies Dying, mid-tempo che presenta
un'ottimo cross-over tra Dream Theater e
Depeche Mode che tra stacchi atmosferici e
una strofa con cantato alla Athena esplode in
un ritornello che si stampa subito nella mente,
con un giro di tastera che ricorda i primi
Labyrinth; ottimo anche la parte finale in
growling in pieno stile Periphery. Si arriva
quindi a J. , brano più standard ma ugualmente
orecchiabile e ben costruito, con un crescendo
ritmico che esplode in un giro di tastiera
davvero ben riuscito prima di gettarsi nella più
classica cavalcata Prog Metal. Primo highlight
del disco. Only blue è una ballata emozionante
tra Seventh Wonder, Steven Wilson e ultimi
Queensryche, in cui spicca la prestazione di
Massimo Piubelli, mentre Caged è una più
classica suite alla Dream Theater di
Metropolis dove però trovano spazio anche
break più atmosferici Post-Prog e quasi
marziali. La successiva The Lord of Empty Spaces
è invece la traccia secondo me riuscita meglio,
non solo perchè ricorda nel titolo
un'immortale canzone degli Eldritch, ma
soprattutto perchè riesce a a dimostrare che i
nostri sanno giocare anche di fioretto,
impreziosendo i dieci minuti della mini-suite
con atmosfere ricercate, aperture melodiche, e
cavalcate sinfoniche con duelli tastiera-chitarra
come negli anni '90. Destruction of Idols è
l'episodio meno riuscito, sebbene presenti
spunti interessanti specialmente nel cantato
versatile di Piubelli, ma si ritorna subito ad
ottimi livelli con Ukiyo-E che riprende l'intro ed
evolve come uno strumentale dei Dream
Theater specialmente nella parte delle tastiere
e e che introduce adeguatamente la grande
sorpresa, cioè la cover di Firth of Fifth dei
Genesis. Irriconoscibile all'inizio per la
mancanza del familiare solo di piano, attira
l'ascoltatore in spire sempre più pesanti,
gradualmente e lentamente fino all'altrettanto
famoso assolo hackettiano che qui è
interpretato in chiave moderna, meno
93

autocelebrativo e sinfonico ma comunque
funzionale all'impianto del brano. Se un merito
questa cover ce l'ha, è sicuramente ricordare a
tutti che i Genesis hanno inventato la
progressione tipica tastiera - chitarra che il
Prog Metal canonizzò nei '90 e solo per questo
diventa highlight assoluto del disco, anche
perchè appena finisce il disco ti fa premere di
nuovo play. Bella copertina, buona la
produzione, anche se si sarebbe potuto fare di
più specialmente per migliorare il suono della
batteria. In conclusione i Methodica ci
sorprendono con quello che potrebbe essere
uno dei dischi dell'anno: speriamo soltanto che
non perdano ulteriori treni facendo il terzo
disco tra sei anni. Range dinamico = 6.
Italo Testa
Minimum Vital - Pavanes
2015, Musea
Quando un gruppo ha oltre venticinque anni
di carriera alle spalle e ha scritto pagine
importantissime del Prog degli anni '90 ogni
nuova uscita discografica riserva aspettative
altissime. Per di più, se il nuovo album è un
doppio la curiosità e l'attesa di ascoltarlo
crescono a dismisura. Forse è per questi
motivi che il primo approccio a Pavanes può
lasciare qualche incertezza sulla qualità dei
Minimum Vital di oggi: le impressioni
immediate, infatti, sembrerebbero quasi
indicare una band che ha perso brillantezza
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
rispetto alle grandi prove del passato. Ci può
essere del vero in quanto appena affermato,
eppure, ripetuti ascolti di questo lavoro fanno
apprezzare sempre di più il nuovo parto dei
francesi. Si potrà avvertire l'assenza della
potenza vocale e del brio che caratterizzavano
Esprit d'amor (Pavanes è quasi interamente
strumentale, se si eccettuano tre tracce), o si
potranno notare minori legami con il Rock
sinfonico dei primi album, ma il gruppo
mostra ancora una vivacità invidiabile ed una
capacità di creare pezzi intensi, coinvolgenti e
raffinati. In brani dal breve minutaggio sono
capaci di condensare una carica di energia ed
una classe innata come pochi possono
riuscirci.
Se l'incipit Javary & Montago mostra subito una
verve frizzante, con ritmi spediti e chitarre e
tastiere che si intrecciano, ecco che in seguito
si incontrano contaminazioni a tutta forza,
melodie che sanno di medioevo (La pavane),
intriganti rimandi classicheggianti (Suite en
poussière de lune e L'enfance des sages), molto
Folk-Rock con sensazioni latine o esotiche
(derivanti anche dall'utilizzo di strumenti
acustici e particolari quali oud, saz e
percussioni varie), una canzone tradizionale
riarrangiata (Le prisoner hollandais) e tanto
altro ancora. Valadon, Saladin, Sur tes pas e
Ende limbo sono invece i momenti che
mostrano maggiori legami con il passato.
Tirando le somme sembra che la band abbia
voluto mantenere l'immediatezza che è
sempre stata una sua caratteristica, puntando,
però, su sentieri un po' diversi rispetto al
passato. La musica è anche abbastanza
diretta, ma di sicuro per un disco che per la
maggior parte è strumentale non si può certo
parlare di scelta commerciale. Tutto scorre
con gradevolezza e ad ogni ulteriore ascolto
appare più meritevole, tra picchi di notevole
tensione e qualche leggero calo qua e là; non
sarà il top della carriera dei Minimum Vital,
ma Pavanes è un album validissimo che va ad
occupare un ulteriore interessante tassello di
una discografia di qualità media molto
elevata. Range dinamico = 9.
94
Giuseppe Di Spirito
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Moto Armonico - Down to Timavo nel cantato di Luca Adami. Ed arriviamo alla
2014, Andromeda Relix title track, che descrive il percorso del fiume
Timavo ed al contempo un viaggio nel passato
del protagonista: idea molto interessante che
viene sviluppata in questa mini suite in cui si
passa da una prima parte tirata ad un
intermezzo strumentale che presenta vari temi
intrecciati tra loro, prima di una terza parte
rilassata e sognante che ricorda gli Yes e gli
Shadow Gallery, fino al finale catartico in cui il
fiume ritorna alla superficie come anche la
coscienza del protagonista del proprio passata.
Highlight del disco! Life è a metà tra una ballad
che ricorda gli Athena di Inside the Moon o i
Last Warning di From the Floor of the well e i
Dream Theater di Train of Thought, che sfuma
in Nowhere Land, forse un po' frammentaria e
poco focalizzata, in cui il pesante riff portante
Confesso che mi erano sfuggiti questi Moto
non aiuta a decollare nemmeno la parte
Armonico, ennesima creatura del sottobosco
centrale maggiormente ispirata con tastiere
veronese (Astrolabio, Rosenkreutz, Logos,
che aprono un pò il brano. The forest at the
Carillon, capitanati da Patty Simon, di cui i
edge of time è l'ideale intro, anche qui a metà
Moto Armonico erano la backing band) che
tra Time Machine e Athena, alla suite finale,
arriva al secondo disco grazie alla sempre
Cracks, che subito si presenta con tempi
attenta Andromeda Relix. Rispetto ai
sincopati alla Pain of Salvation, prima di
compagni di etichetta qui siamo su territori più
addentrarsi in virtuosismi alla Symphony X e
metallici: i Dream Theater sono i riferimenti
sfociare in un break alla Threshold in cui il
che vengono subito in mente ascoltando
canto e la chitarra del mastermind Uccio
l'opener The Shadow, anticipata dal breve
Ghezzer duettano ben supportati da un'
strumentale The Beginning, che vive su un riff
atmosfera drammatica creata dalle tastiere di
supportato da ottime tastiere. Sand Holder si
Christian Pasin, fino al finale sinfonico in cui i
distende inizialmente su un giro alla Dream
Pink Floyd sono mescolati ai Dream Theater
Theater (Metropolis part 2 era), prima di
dell'ultima era. Secondo highlight del disco!
esplorare territori bucolici cari agli Shadow
Detto di una produzione non sempre
Gallery nella lunga parte centrale per poi
all'altezza, che ricorda per questo i dischi della
ritornare circolarmente al riff iniziale.
scena italiana prog metal anni '90, questa
Revolution è caratterizzato da un giro di tastiere
seconda fatica dei Moto Armonico è un
quasi AOR, mentre Spring Time è una quasi-
episodio che fa ben sperare nel terzo disco,
ballad che ondeggia tra atmosfere rarefatte e
che siamo sicuri rappresenterà il disco della
più dense, quasi alla Alice in Chains (non
maturità del gruppo. Range dinamico = 7.
stupitevi, i nostri hanno anche registrato una
song per un tributo a Kurt Cobain). Arcana è
Italo Testa
molto più riuscito come lento, sia come testo
che come struttura musicale che ricorda i
Savatage di Gutter Ballet. Con Ipnothic Snake
ritorniamo nei territori del teatro del sogno,
con forti innesti di robusto Hard Rock tricolore
alla Vanexa e Time Machine, specialmente
95

Myrkur - M
2015, Relapse
E dopo tanta attesa, finalmente arrivò il
momento per la bella Myrkur di dare un
seguito al fortunato omonimo EP di esordio
che tanto clamore sollevò lo scorso anno. Va
subito detto che il debutto su lunga distanza
della bionda danese Amalie Bruun, qui
accompaganata da una band in carne e ossa
(Teloch dei Mayhem al basso ed il batterista
Oyvind Myrvoll), non tradisce le attese,
seppur riproducendo forse troppo fedelmente
il sound, ma sopratutto il mood, che avevamo
imparato ad amare dal primo EP dello scorso
anno. Troviamo quindi di nuovo i riferimenti
agli Ulver più Folk e progressivi della metà
anni '90 (quelli di Bergatt per intenderci) che
marchiavano a fuoco l'esordio, ma anche il
tentativo di includere il suono di band meno
note ma non per questo meno influenti, quali i
Third and The mortal o i nostrani Dunwich.
Si parte subito bene con una memorabile
Skøgen Skulle Dø (la meretrice dovrebbe
morire), ottimo biglietto da visita che unisce
inserti Folk a sfuriate Black Metal da brivido su
cui aleggia la voce eterea della nostra, a cui
segue Haevnen (Vendetta), interessante ibrido
tra il Symphonic Black Metal degli Emperor ed
un Gothic Doom alla Theatre of Tragedy dei
primi tre dischi, contrasto cui contribuisce
anche una produzione volutamente lo-fi nelle
parti più violente. Onde born (figli maledetti)
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
uno dei pezzi più progressivi, con un cantato
indolente Shoegaze alla Alcest che
dolcemente ti trasporta nel mondo
oscuro/silvano della Bruun. Highlight del disco!
Si rifiata con l'intermezzo Volvens Spadom
(divinazione), brano etereo ma solenne, quasi
alla Dead Can Dance di Aion, il cui tema
ritroviamo nella successiva Jeg er GUden I er
Tjenerne (Io sono Dio e i Servitori), forse l'unico
episodio sotto tono, quasi indeciso nella
direzione da prendere. Dopo un'altra
struggente intro, Nordlys (luci del Nord), ecco
Mordet (Assassinio), che dopo una apertura alla
Darkthrone viene impreziosita da innesti di
tastiere inquietanti alla In The Woods, prima
di ritornare al riff principale. In Byssan lull
(Rifugio) la nostra riesce addirittura a ritrovare
la magia perduta della giovane Kari
Rueslatten al tempo del bellissimo EP di
esordio dei Third and the Mortal, Sorrow
mentre nella convincente In Dybt i Skoven (Nel
bosco profondo) la nostra riesce a far
convivere New Wave alla Cure con Alcest e
Cocteau Twins, mentre Skadi (dolore)
presenta un ottimo ed interessante alternarsi
di atmosfere Folk nordiche, quasi viking, con
raggelanti intermezzi Black, mentre il compito
di chiudere il disco è affidata allo struggente
strumentale notturno Norm.
In conclusione, il disco è certamente ben
curato e stacca la maggior parte delle uscite
attuali sul mercato, lasciandosi ascoltare più e
più volte (essendo di durata limitata, soli 37
minuti, e questo è un pregio) confermando il
progetto Myrkur come un'ottima realtà del
variegato panorama Post-Black Metal. D'altro
canto, la produzione di Garm degli Ulver forza
un po' la mano su manierismi Black e Folk,
non lasciando secondo me piena libertà al
gruppo. Se quest'ultimo vuole veramente
competere con realtà come Alcest,
Deafheaven o gli stessi redidivi Arcturus
dovrà necessariamente fare un passo avanti e
decidere sulla direzione da intraprendere in
futuro. Range dinamico = 10.
Italo Testa
96

Nosound - TEIDE 2390
2015, KScope
Non poteva esserci occasione migliore di
questo live per recensire la prima volta i
NoSound sul nostro Magazine.
Caso ha voluto infatti che questo live sia nato
in occasione di un evento molto simile a quello
da noi organizzato in piccolo lo scorso giugno
all'Osservatorio Astronomico di Capodimonte
con "Alla Corte di Urania": stiamo parlando
dello Starmus Festival, organizzato
all'Osservatorio di Tenerife TEIDE a 2390 metri
sul livello del mare, in cui si intrecciano
conferenze divulgative sull'astronomia, mostre
e concerti musicali.
Un po' come noi, anche gli organizzatori dello
Starmus si sono rivelati dei fans della musica
Rock in generale e del Prog in particolare, visto
che tra gli ospiti nel 2014 vi era Rick
Wakeman, e appunto i Nosound.
Il risultato è un ottimo compendio del gruppo,
centrato come è ovvio sull'ultimo disco in
studio Afterthoughts, ma che comunque tocca
anche episodi dagli altri dischi. Per chi non li
conoscesse, i Nosound sono capitanati dal
cantante e polistrumentista Giancarlo Erra e
suonano come la cosa più vicina che abbiamo
in Italia agli Anathema e ai Katatonia, con
spruzzi dei Porcupine Tree più psichedelici
degli anni '90.
In talune parti possono ricordare gruppi
Shoegaze quali gli Slowdive, ed una corrente
indie degli inizi anni '90 nota come Low-Core
(Red House Painters, Low), ma
essenzialmente i nostri si sono evoluti
costantemente dal 2005 (anno del loro esordio
con Sol29) fino a raggiungere un proprio sound
quasi inconfondibile che appunto trova in
questo live la definitiva ribalta.
Il disco si apre con l'arpeggio di In my Fears (da
Afterthoughts), che ricorda da vicino Leave the
past behind dei Fates Warning, che però
subito si trasforma in una ballata psichedelica
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
in cui la voce di Erra ci accompagna sognante
fino al ritornello cadenzato che ben
rappresenta la tensione tra il mondo dei dei
ricordi e la realtà, tema ricorrente nella
produzione dei nostri.
Con il secondo brano Fading Silently si va
indietro nel tempo fino a Sense of Loss, il
primo disco con la Kscope, in cui le influenze
Shoegaze erano più marcate, in cui il senso di
perdita dell'amore emerge da ogni nota
sofferta, fino all'assolo liberatore.
Si va ancora indietro nel tempo con Places
remained (da Lightdark, originariamente uscito
su Burning Shed nel 2008 e ristampata su
Kscope nel 2013), in cui le reminiscenze New
Wave e gotiche emergono nelle tastiere
notturne ed opprimenti fino ad una apertura
alla Porcupine tree del periodo Lightbulb sun.
Dallo stesso disco viene ripescata anche la
malinconica Kites, in cui emergono i Katatonia
di Discouraged Ones specialmente nei break
strumentali e atmosferici, e Cold Afterall,
maggiormente floydiana almeno nell'inizio
acustico, per poi proseguire come una
versione attualizzata degli Slowdive di
Souvlaki, fino al classico assolo gilmouriano
che chiude il pezzo.
La ritmata The Anger Song ci riporta ad
atmosfere meno rarefatte ma pur sempre
eleganti, simili ai Marillion di Marbles.
Si va quindi indietro fino al disco di esordio con
Idle End in versione più breve, ma pur sempre
in grado di emozionare specialmente nella
parte dell'assolo che dal vivo risulta ancor più
convolgente, per poi ritornare all'ultimo disco
con Wherever You are, molto vicina agli
Anathema di Wheater Systems e Distant
Satellites.
Si arriva quindi all'assoluto highlight del disco e
della produzione dei Nosound, e cioè
Paralysed. Qui le influenze del Post-Shoegaze
anni '90 dei Low (si ascolti Lullaby da I could
live in Hope del '94) e dei Cranes di Forever
97

(sempre del '94) sono evidenti nell'intro che si
apre poi con le ritmiche alla Porcupine Tree di
Fear of Blank Planet, ma è il break Shoegaze
cantato in italiano che rende magnifico il
brano: impossibile restare insensibili alla
nostalgia per qualcosa di perduto come
emerge dal testo accorato di Erra:
<< c'è una porta che ho chiuso per sempre senza
neanche pensare, c'erano cose dietro che non
potrò mai ricordare>>.
Con I miss the ground ci si ritrova su atmosfere
alla Gathering di inizi anni 2000, mentre con la
ballata A New Start (dall'introvabile EP At the
Pier) si ritorna su lidi più bucolici e progressivi,
per poi finire con la storica The moment she
knew dell'esordio Sol29, epico strumentale che
tra "echi" Progressive floydiani, Shoegaze e
Ethereal Dark effettivamente restituisce la cifra
artistica raggiunta dal gruppo e chiude
degnamente un bellissimo live che potrebbe
perdere l'ambita palma di disco dell'anno solo
perchè è una (ottima) raccolta dal vivo di un
gruppo che aspettiamo al prossimo passo per
la definitiva consacrazione.
Se mai ci sarà una seconda edizione di "Alla
Corte di Urania", state sicuri che cercheremo di
portare a suonare in suolo italiano una delle
più grandi band nostrane! Range dinamico =
12
Italo Testa
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
Osanna - Palepolitana
2015, Afrakà
Dopo 14 anni dall’ultimo lavoro in studio,
(escludendo gli inediti in Rosso Rock), l’attesa
per il nuovo lavoro degli Osanna era diventata
spasmodica.
Soprattutto visto che era legato a quel mostro
sacro che è Palepoli, riferimento sia della
discografia del gruppo napoletano che del
prog italico.
è un doppio che celebra Palepoli
oserei dire completandolo con la maturità
degli anni.
Se, infatti, in Palepoli è palese il sentimento di
rabbia verso questa città (Napoli) complicata e
malata al punto da suggerire di scappare via,
col tempo i toni si sono ammorbiditi
riconoscendo la grandezza della cultura
napoletana e riuscendo a scorgere i tanti lati
positivi che questa offre.
E quindi in Palepolitana, il primo cd, viene
esaltata la napoletanità attraverso gli occhi del
cibernauta, simbolo di modernità, che si rifugia
nella metropolitana venendo a contatto con le
radici di questa città.
Nel secondo disco vi è risuonato Palepoli,
senza stravolgimenti rispetto all’originale e con
l’inserimento di alcune parti (piccole a dir la
verità) che erano state tagliate per ragioni di
spazio nell’edizione originale.
E’ questa quasi una presa di possesso della
98

formazione attuale (Lino Vairetti, voce,
Gennaro Barba batteria, Nello D’Anna basso,
Pako Capobianco alle chitarre, Sasà Priore al
piano e tastiere, Irvin Vairetti voce, tastiere)
delle partiture d’epoca, quasi a poterne ora
rivendicarne il diritto sacrosanto di poter
suonare Palepoli per i teatri italiani. Non v’era
questo bisogno, a dire il vero, da anni ormai la
nuova formazione si è assestata e dimostra
ottimi livelli sia nelle riproposizioni live dei
classici della band, che ora possiamo dire, di
affiatamento nella realizzazione di musica
nuova.
Ad impreziosire la musica prodotta l’intervento
di illustri ospiti: il fidato David Jackson al
sassofono e flauto, l’amica Sophya Baccini alla
voce, Gianluca Falasca al violino e Angelo
Salvatore al flauto.
Ma cerchiamo di descrivere con maggior
dettaglio quanto racchiuso nella bella
copertina realizzata da Lino per l’occasione e
soprattutto la musica nuova.
Apre le danze Marmi. Il mare, una tastiera e
chitarra riflessiva, introducono la voce di
Vairetti che descrive l’arrivo dell’alieno e il suo
correre per i meandri delle gallerie.
E’ quasi un’invocazione, una preghiera al fine di
essere portati alla fonte della cultura a cui si
appartiene.
Il flauto poi, ci introduce a Fenesta Vascia dove
Lino canta con Sophya Baccini
Il pezzo nella sua classicità ben si innesta in
Marmi e crea la giusta tensione che sfocia nel
ritmo “tarantellato” di Michelemmà. Arrivano
così diritti diritti alla tradizione partenopea,
antichi versi ripescati con musiche composte
per l’occasione.
Il tutto fluisce e confluisce magistralmente nel
ritmo jazzato di Santa Lucia che sfocia poi in
quelle tipiche cavalcate a la Osanna.
Bellissimo il lavoro alla chitarra, che senza
strafare, fraseggia e riporta il pezzo alle
atmosfere iniziali. E con questo brano gli
Osanna piazzano un poker ben piazzato in
apertura. Da qui si comprende che, sebbene
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
non si tratti di una vera e propria suite, i singoli
brani si prestano ad essere miscelati gli uni agli
altri quasi a voler sottolineare il flusso delle
emozione e l’idea del viaggio nella napoletanità
che viene fatto.
Ma senza lasciare il tempo a riflessioni il
pianoforte arpeggia selvaggio in An To Train.
Grande lavoro della mano sinistra, che solo per
questo ricorda lo stile di Nocenzi (e scusate se
è poco).
comincia con il pianoforte che
trova quiete al suo tormento ritornando ad
essere riflessivo.
E in Anni di Piombo la melodia prende il
sopravvento, in un brano che ha quasi i toni
della ballata molto dolce, toni che fanno
volontariamente a pugni con il titolo e il testo
con chiari riferimenti alla violenza che prende il
sopravvento nelle vie di Napoli spesso e
volentieri.
Il nostro viaggio continua poi con Palepolitana.
La title track dominata dall’energica chitarra il
cui riff, sfocia in un brano ritmato, è di chiara
matrice Osanna.
Straniante l’armonica a centro brano, bello il
solo di Hammond che lascia il posto alla
chitarra: tutto fluisce come una macchina ben
oliata mostrando il grande gusto negli
arrangiamenti e tanto affiatamento.
Made in Japan torna a mettere un po’ di calma
dal subbuglio creato dalla title track, anche
questa una ballata tranquilla mentre con
Canzone amara intrisa da tanta melodia di
chiara ispirazione alla tradizione partenopea
con la bella voce di Sophya a duettare con
Lino. A chiudere questo momento Letizia un
breve strumentale che con il suo arpeggio di
chitarra è quasi la fine morale di questo
viaggio.
, infatti è un pezzo energico, una
“sigla” in cui si decantano le bellezze che la
città possiede. Sebbene musicalmente sia ben
strutturata, è il brano che al sottoscritto è
piaciuto meno proprio per il testo forse fin
troppo “pubblicitario”.
L’opera finisce di nuovo con il suono del mare
e con il testo duro di Profugo, che forse c’entra
99

poco con quanto fin qui detto, o forse si
riferisce ai tanti emigranti che da Napoli sono
andati via, ma che ha il giusto impatto emotivo
e chiude il disco con grande effetto.
Insomma una gran bella prova questa degli
Osanna, che nel 2015 continuano a produrre
musica di gran qualità, ad avere l’intelligenza di
far tesoro delle esperienze passate e di
riproporre anche un loro classico (Palepoli)
arricchendolo con musica nuova, facendo
sentire “vero” il disco più che un’operazione
commerciale fine a se stessa.
E sebbene abbiamo cercato di descrivere ogni
singola canzone, Palepolitana va ascoltato
nella sua interezza per apprezzarne tutte la
sua ricchezza di contenuti musicali. Insomma
non crediate di trovare un’operazione
nostalgica: Palepolitana è testimonianza della
grande passione e voglia di suonare di questo
grande gruppo del Prog italiano. Range
dinamico = 8
Silvio Leccia
Robert Reed - Sanctuary
2014, Tigermoth Productions
Spesso e volentieri il mondo del Prog è
incomprensibile.
La parola capolavoro viene usata (e sprecata)
tante volte e a sproposito per nuove
produzioni che in realtà lasciano ben più di un
punto interrogativo.
Vengono individuati geni e salvatori della
patria che non inventano nulla di nuovo, né
riescono a dare al mondo del Prog la visibilità
dei giorni migliori (utopia che, a quanto pare,
ancora illude qualcuno).
E poi un personaggio come Robert Reed,
attivo sulle scene da circa un ventennio con
numerosi progetti non viene preso troppo sul
serio e la sua musica riceve spesso critiche
aspre e ingiustificate.
I suoi album con i Cyan? Troppo cloni dei
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
Genesis.
Quello con i Fyreworks? Troppo New-Prog.
La musica dei Magenta? Solite cose e a tratti
persino troppo orecchiabile.
Il progetto con i Kompendium? Troppo
ambizioso.
Il suo disco solista intitolato Sanctuary, di cui ci
occupiamo? Una sbiadita copia del Mike
Oldfield dei tempi d'oro.
Forse bisognerebbe ascoltare con maggiore
attenzione prima di sparare sentenze che
mostrano anche una certa superficialità.
Non è questa la sede per smontare punto per
punto le critiche ricevute durante l'arco della
carriera, quindi concentriamoci proprio su
Sanctuary.
Reed non ha mai nascosto l'ammirazione che
nutre verso Oldfield ed ha voluto a suo modo
omaggiarlo con un cd che è chiaramente
ispirato alle prime opere discografiche
dell'autore di Tubular bells.
Similmente all'Oldfield degli esordi, si è chiuso
in studio con un gran numero di strumenti
(campane tubolari comprese, ovviamente), ha
limitato l'apporto di contributi esterni solo per
parti vocali corali e femminili e per il bodhran
suonato da Tom Newman e ha realizzato una
splendida suite divisa in due parti,
caratterizzata da un mix di stili diversi, dal
Rock al Folk, passando per la musica Classica.
Si alternano morbidi passaggi acustici e slanci
diretti da chitarre elettriche robuste,
atmosfere suggestive, un romanticismo
sognante, momenti epici e maestosi, il tutto
con timrbi scelti accuratamente e combinati in
maniera tale da creare un fascino senza
tempo.
Mai si era avuto modo di ascoltare qualcosa di
cosÏ vicino a Tubular Bells, Hergest Ridge e
Ommadawn ed è chiaro che l'intento di Reed
non è quello di creare un capolavoro o di
copiare quanto fatto da una leggenda senza
un briciolo di idee.
100

Qui siamo di fronte ad un omaggio sentito, alla
riproposizione di un sound affascinante che
partedagli anni '70, ma che viene portato con
abilità ai giorni nostri.
E per Robert Reed è l'ennesima occasione per
dimostrare la sua bravura. Perchè Robert
Reed ha gusto. Ha talento.
E' un compositore sempre ispirato.
Non inventa nulla, ma le sue opere, che siano
derivazioni di New Prog, di Rock Sinfonico, o di
suite oldfieldiane, non deludono e tendono
sempre a mostrare una qualità medio-alta.
Si segnala anche che nella confezione di
Sanctuary, oltre al cd, è presente un DVD
bonus contenente tre video promozionali e dei
mix sia stereo che surround dell'album. Range
dinamico = 10.
Giuseppe Di Spirito
Queensryche - Condition Human
2015, Century Media
Operation Mindcrime -
2015,
Come nel 2013, ci ritroviamo a recensire
contemporaneamente i dischi di quelli che una
volta erano gli imperatori del prog metal, cioè i
Queensrcyhe. Divisi tra Geoff Tate e i 3/5 della
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
formazione originale con i nuovi La Torre e
Lundgren come nuovi innesti, le due
formazioni sono arrivate ad un accordo legale
e quindi adesso possono concentrarsi sulle
nuove uscite. Diciamo subito che, come
previsto, i due dischi sono molto diversi tra
loro ma anche che, contrariamente a quanto
era prevedibile sulla base di alcuni lavori del
recente passato, la qualità di entrambi i dischi,
soprattutto quello di Tate è
sorprendentemente buona. Detto questo,
però, resta comunque un certo rammarico
perchè la somma delle due parti è lontana
dall'essere quello il gruppo era e sopratutto
molto lontana da quello che ha rappresentato
la sua musica per il metal. Per chi volesse una
recensione breve: il gruppo che ha mantenuto
il nome si focalizza su uno zoccolo duro di fans
cercando di riproporre sonosrità diciamo figlie
del primo EP e di The Warning. Tutto bene, ma
praticamente della sperimentazione di Rage
for Order e Promised Land, o dell'Hard Rock
cromato di Empire non c'è traccia. Tate, con
un monicker che lui stesso ammette essere
necessario per far riconoscere il marchio di
fabbrica, invece propone qualcosa a cavallo tra
Operation Mindcrime II (2006) e le ultime
prove soliste, riproponendo però la formula
del concept album per recuperare quei fans che
lo hanno ormai abbandonato da tempo.
Purtroppo, non possiamo farci troppe illusioni
su quante tracce lasceranno queste nuove
uscite. Se il pubblico di Pistoia fa fede, il
tentativo del nuovo gruppo con il vecchio
nome è fallito in partenza, visto che IL classico
Eyes of a Stranger non era conosciuto affatto,
accolto con una freddezza che lascia sbigottiti,
tanto più che quello stesso pubblico si esaltava
anche con le ultime non grandissime suite dei
Dream Theater. Come è possibile tutto ciò?
Molto semplice: i fans della prima ora ('83-'84)
furono subito sostituiti da quelli di Rage for
Order ed il grosso del pubblico fu acquisito dai
nostri nel periodo di massima espansione
metallica con i due dischi successivi (appunto
Operation e Empire). Non tenendo conto della
parte che li seguì solo per Silent Lucidity, logica
101
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

avvicina alle ritmiche complesse di Rage for

vorrebbe i nostri si rivolgessero al pubblico che
Order, se non fosse per un ritornello assurdo
li apprezzò e rimase con loro con Promised
che si chiude con "Evolution calling". Con
Land e quindi ripartissero da lì. Invece
Hellfire si cerca di andare ai tempi di En Force
abbandonando quelle sonorità eleganti e
ma sembra di ascoltare invece una cover dei
sofisticate, e sbandierando solo la possibilità di
Sanctuary di Into the Mirror Black a causa di
rifare dal vivo Queen of the Reich o En Force, è
LaTorre che imita Warrel Dane che imitava
chiaro che i "veri" fans considerano questo
proprio il Tate di En Force: sommando una
nuovo gruppo solo un gruppo di cover, che
chitarra che suona come su Empire, avrete
quindi non vale la pena andare a vedere, se
l'idea di quanto i nostri stiano disperatamente
non quando passa vicino (vedi il successo della
cercando di riproporre suoni che ormai non gli
data romana). Allo stesso modo, il tentativo di
appartengono più. Toxic Remedy e Selfish Lives
Tate è destinato a fallire, per una ragione
sono due buoni riempitivi, mentre la qualità si
molto più semplice, legata alle ultime uscite del
alza finalmente con Eye9, dominata dal basso
cantante. Tate ormai è come il protagonista
di Jackson (unico autore) che affranca i nostri
del film Birdman. E' consapevole di aver scritto
dal passato e ne aggiorna il suono ad oggi, e
pagine fondamentali, di essere stato un
soprattutto con il lento Bulletproof, in cui i
grandissimo songwriter, ma in un periodo
nostri non giocano ad essere i Queensryche di
favorevole, fine '80 inizi '90 in cui si potevano
ieri, ma sfidano le nuove generazioni degli
piazzare blockbuster come Operation e Empire.
Avenged Sevenfold o Trivium con atmosfere
Dove aver tentato altre strade, vuole provare a
sognanti e ricche di tensione ed un ottimo
guadagnarsi un'altra reputazione, accreditarsi
ritornello. Con The Hourglass si ritorna su
presso un altro pubblico che però lo snobba.
territori in cui la chitarra di Wilton fraseggia
La sua voce interiore, il "birdman", che nel suo
come ai bei tempi fino al cambio di atmosfera
caso è Nikki, il protagonista borderline di
finale, finalmente un colpo degno dei nostri. Si
Operation, però gli suggerisce la via facile di
continua su ottimi livelli con le atmosfere
rifare un nuovo concept ancora su di lui: la
acustiche di Just us che sembrano richiamare
strada è già stata battuta nel 2006 e non ha
Bridge da Promised Land, mentre All There was
portato benefici, anzi ha ulteriormente alienato
è un altro capitolo senza senso per i
i suoi vecchi fan (come ogni sequel
Queensryche visto che richiama gli
malpensato) e quindi Tate segue adesso una
Halloween meno ispirati. Dopo il cupo intro di
sorta di strada di mezzo, un concept senza
The Aftermath, si arriva finalmente all'highlight
Nikki e sopratutto senza la musica di Nikki. Il
del disco, la title track. Qui si viaggia su sonorità
risultato è comunque perdente perchè i vecchi
vicine ad alcune cose di Empire (Della Brown)
fan non lo seguono più perchè sanno che non
ma poi quando arriva il break si capisce dove i
può più ricreare le atmosfere di Operation, ma
nostri vogliono andare a parare: Roads to
nemmeno quelle di Empire e Promised Land e
Madness è infatti la guida dell'accelerazione
nuovi non ce ne sono, perchè il linguaggio più
che domina gran parte della canzone prima di
Rock e stradaiolo non gli appartiene. Detto
ripiombare in un gelido mondo grazie ad un
questo, vale comunque dare un ascolto a
break simile a quelli di King Diamond negli anni
questi dischi? Secondo noi, come nel 2013,
'80 o a quelli dei Queensryche stessi di Before
prendete i brani migliori e godetevi i due
the Storm, prima del finale con tanto di cori alla
gruppi ma insieme, da soli hanno poco senso.
suite Siter Mary. Insomma un gran bel pezzo, se
I nuovi Queenryche partono con un opener
non fosse per una continua aura ruffiana di
un pò debole, Arrow of Time, piatta up-tempo
deja-vu che impedisce di ascoltarlo senza
caratterizzata da un buon ritornello ma molto
chiedersi "dove l'ho già sentito"?
semplice, simile ai primi Savatage. Le cose
migliorano con Guardian, che musiclamente si
102

Come detto, Tate, accasatosi a sorpresa dalla
nostrana Frontiers, tenta invece la carta di un
concept addirittura spalmato su tre dischi.
Questo The Key è il primo, ma il nostro
assicura che gli altri due capitoli sono già
pronti. Di cosa parla The Key? Il plot pare
riguardi un software ed il codice per
decrittarlo, ma non è dato sapere di più: in
questo primo capitolo ricompare un
protagonista che viene inseguito per qualcosa
che ha da qualcuno molto in alto; il disco
sembra quindi ripercorrere le tappe di una
storia simile a Operation, un plot che adesso
chiameremmo cospirazionista. Ma le
similitudini, si fermano qui. Dopo l'intro
choices, Burn ci fa ripiombare nella
disperazione di Hear in the now frontier, con
quel suono impastato e mal prodotto da cui
tutto il male incominciò, ma per fortuna ci
pensa Re-inventing the future a farci capire che
Tate sa ancora emozionarci con strofe tirate e
ritornelli che elevano la sua voce ed
interpretazione ad ottimi livelli. La differenza
tra lui e La Torre è tutta qui: Tate è ancora un
interprete, La Torre un esecutore e le cose
sono ben diverse. Si prosegue con l'ottimo
tempo dispari della notturna Ready to fly, che
assomiglia a qualcosa di American Soldier e con
un'apertura simile a Chasing blue sky, per poi
arrivare alla Mansoniana Life or death?, uno dei
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
pezzi migliori del lotto, in cui spiccano un
ottimo ritornello ed una strofa davvero da
brividi. Ottimo pezzo e highlight del disco. The
stranger è un brano oggettivamente brutto ma
serve nell'economia del concept (viene
presentato credo il cattivo) e purtroppo anche
il seguente Hearing voices non è all'altezza. Per
fortuna arriva On Queue, un ottimo lento che
assomiglia alle ultime cose di Tate su King and
Thieves, metre l'altrettanto raffinata (con
inserti di violino) Kicking in the door ci rimanda
alle batture finali di Operation II. Il disco si
chiude con The Fall, mid tempo atipico su cui
Tate parla da protagonista e ne riassume il
dramma, con un ottimo crescendo
drammatico con un sax nervoso che lascia la
voglia di ricominciare da capo per vedere di
capire qualcosa in più sul concept, e questo è
un inequivocabile buon segno. Sappiamo che
la Frontiers ha i mezzi e le possibilità di
supportare alla grande il disco di Tate, forse
anche di più della major Century Media: ma
sappiamo anche che il management
napoletano non perdona (non può permettersi
errori) e non dà seconde possibilità, neppure ai
grandi nomi. Tate deve vendere e bene, se
vuole veder terminata la trilogia e convincere i
fan dei Queensryche che questo è un buon
disco, sotto molti aspetti migliore di quello dei
suoi ex compagni: sarà molto difficile, anche
perchè il pubblico frontiers conosce a memoria
Operation ed Empire e questo The Key ne è
comunque lontano. Mi sa che ne vedremo
delle belle nei prossimi mesi. Range dinamico
per entrambi i dischi = 7.
Italo Testa
103
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Corrado Rustici Trio - Blaze and bloom - Live incomincia ad inserire Vettese tra rifiniture
in Japan particolare e fughe coinvolgenti; infine tocca
2014, autoproduzione alla chitarra di Rustici, che spinge per un po'
Uno dei più talentuosi chitarristi italiani anche verso soluzioni care ad un altro maestro
pubblica un po' a sorpresa nel 2014 questo live quale Joe Satriani, prima di indirizzare il tutto
registrato quattro anni prima che mostra al verso un Jazz-Rock di qualità e carico di groove.
meglio la sua arte. Sul palco giapponese del Live davvero travolgente, consigliatissimo a chi
Club STB 139 di Tokyo, Corrado Rustici (lo ama il lato tecnico della musica, ma anche a chi
ricordiamo con i Cervello e con i Nova, oltre vuole scoprire meglio un artista di enorme
che produttore di grande successo e di artisti talento della Fusion progressiva tricolore.
notissimi) è accompagnato da altri due virtuosi Range dinamico = 8.
dello strumento, Peter Vettese alle tastiere (e Giuseppe Di Spirito
ai bass pedals) e Steve Smith alla batteria e il
documento Blaze and bloom - Live in Japan fa
Selvans - Lupercalia
capire la potenza di fuoco di queste macchine
2015, Avantgarde
da guerra. Non esattamente un "classico"
power trio, il gruppo assemblato evidenzia una
perizia tecnica formidabile, fuori dal comune,
con composizioni lunghe ed articolate che
permettono ai musicisti di sbizzarrirsi al meglio
e di ritagliarsi spazi solistici in cui possono
andare su di giri e superare ogni limite. Già
l'opener Sushumna's dance, in poco più di sei
minuti, mette in chiaro le cose, con una fusion
esplosiva, non distante dalla maestria di un
colosso di nome Allan Holdsworth. Eppure
non siamo al cospetto di quelle soluzioni
sonore acrobatiche e senz'anima che danno un
senso di freddezza; magari ogni tanto i
musicisti eccedono in virtuosismi, ma riescono
sempre a mantenere elevato il livello di
coinvolgimento e di feeling, merito anche di
qualche pezzo meno tirato, come Lazarus pain, Non sembri una bestemmia, ma la
la rielaborazione di The princess and the frog di Avantgarde del buon Roberto Mammarella si
Narada Michael Walden (già proposta con i candida come migliore etichetta prog nostrana
Nova), o del momento melodico Chiudi gli in questo 2015. Prog qui va inteso come
occhi, ballad intrigante, cantata, che sposta la attitudine a spingere i confini musicali più in là,
musica su territori più raffinati e con e su questo i gruppi dell'etichetta prendono
divagazioni pianistiche jazz di bell'effetto. Tra spunto dalla musica estrema di metà anni '90 e
le altre cose rimarchevoli il bellissimo recupero la ampliano con le più disparate influenze, dal
di Vimana ancora dal repertorio dei Nova e la folk al thrash, dal progressive classico alla new
spettacolare conclusione di Live cloud, vera e wave. Dopo aver prodotto i Downfall of Nur, il
propria apoteosi di una performance Movimento d'Avanguardia Ermetico, e i
straordinaria. In questo quarto d'ora finale si Dystopia Na, la Avantgarde piazza sul
parte con Sid Smith impegnato in un vero e mercato a breve distanza di tempo anche il full
proprio show solistico alla batteria (creando length di questi due lugubri figuri dell'Italia
ritmo non solo con lo strumento, ma anche centrale, anch'essi mascherati, chiamati
104
con la voce); dopo qualche minuto si

Selvans, che giungono a questo debutto dopo
un'ottima prova su EP (Clangores Plenilunio). Il
sound della band è un ottimo Progressive
Black Metal con riusciti innesti Folk, sulla scia di
October Falls e Fen. Ma i nostri non si
limitano a riproporre una formula cara ai
vecchi In the Woods e agli Ulver, bensì la
arricchiscono con lunghe digressioni musicali e
cambi di atmosfera mozzafiato. Il tutto condito
da una personale interpretazione dei miti della
nostra terra italica pre-romana, ricchi di
atmosfere crepuscolari e pagane tipiche
dell'appennino, tematica non del tutto
innovativa (si pensi agli Ordo Equitum Solis)
per il panorama estremo bel paese, ma
sempre intellettualmente appagante. Se
l'opener Matavitatau sembra richiamare alla
mente il Black Metal più canonico, già con
Versispellis i nostri cominciano a macinare
atmosfere epiche con innesti sinfonici alla
Emperor. Il brano si muove agile dal quasi
orecchiabile ritornello alle sfuriate più veloci e
ed epiche, per poi cambiare ritmo a metà e
strada con l'innesto di sintetizzatori e flauti
silvestri, che sfociano in una progressione
finale esaltante. Primo highlight del disco! O
Clitumne! invece suona proprio come
un'invocazione ad un dio pagano, con passaggi
lenti ed oscuri che si alternano a sfuriate in
screaming lancinante in cui trova spazio il
suono sinistro della siringa di Pan. Hirpi Sorani
(dal nome di antichi sacerdoti di Soranus,
appunto noti come Hirpi Sorani o "Lupi di
Soranus" nella lingua Sabina) presenta una
breve intro che subito si trasforma in una
splendida cavalcata viking, intensa
drammatica fino allo stacco centrale, in cui
l'orchestrazione epica ricorda i mai troppo
rimpianti Lymbonic Art. Scurthìn è invece il
pezzo più debole del lotto, un pò prevedibile e
privo di atmosfere memorabili anche per la
mancanza di un apporto lucido dei
sintetizzatori. Il finale è invece affidato alla
suite N.A.F.H, acronimo di Not another frivolous
Hymn come riportato nel booklet, che
racchiude in sè tutti gli elementi che rendono i
Selvans una realtà da tenere d'occhio: 17
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
minuti che spaziano dalle atmosfere pagane
alla Ordo Equitum Solis e Dunwich,
mescolate a sfuriate in doppia cassa degne dei
migliori Dimmu Borgir e recitati psichedelici
quasi floydiani, ovviamente incattiviti a dovere.
Si arriva così alla fine dell'ora di durata del
disco praticamente senza accorgersene, con la
sensazione che anche se non la si può definire
strettamente Progressive, la proposta dei
Selvans va sicurametne nella direzione di
spingere più in là i confini del Black Metal e del
Post-Prog attuale. Da provare senza pregiudizi
per trascorrere insieme al Dio Pan un'ora di
mistico rapimento! Range dinamico = 6
Italo Testa
Sintonia Distorta - Frammenti d'incanto
2015,
I Sintonia Distorta esistono da quasi 20 anni,
e eppure questa è la prima vera pubblicazione
del gruppo formato da Simone Pesatori
(voce), Simone Prestini (chitarre), Giampiero
Manenti (tastiere), Fabio Tavazzi (basso),
Matteo Sabbioni (batteria).
Questo Frammenti d'incanto è un ottimo
compendium per chi è appassionato di
sonorità Power-Progressive italiche.
Sin dall'opener, Anthemyiees i nostri mettono
subito in chiaro i loro riferimenti, primi Secret
Sphere e Labyrinth, su tutti.
Impossibile restare indifferenti a quei giri di
105

tastiere e dai cori alla Time never come e Scent
of Human desire che ritroviamo in Cantastori,
inno a tutti i poeti e i jester tristi del nostro
amato genere. Menta e Fragole non sfigura al
cospetto delle Power ballad più ispirate dei
Rhapsody o dei mai dimenticati Athena,
mentre con Il suono dei Falsi Dei ci avviciniamo
a territori AOR, pur rimanendo molto salda
l'impronta Power, facendo così avvicinare i
nostri ai Vision Divine di Streams of
Consciousness. Il Canto della Fenice è forse
l'episodio più ambizioso dell'album con
numerosi cambi, assolo ispiratissimi e che
tuttavia avrebbe benificiato di un break
atmosferico centrale per poter esprimere al
meglio il suo potenziale.
In No need a show emerge qualche influenza
addirittura dei Timoria dei tempi di Francesco
Renga (e sia ben chiaro che è un
apprezzamento), mentre si sfocia in territori
AOR con la pioggia di tastiere anni '80 di
Pioggia di vetro, con un Pesatori in grande
spolvero sul bellissimo ritornello.
Nella terza ballad, I ponti di Budapest, si
sentono richiami dei Labyirinth di metà anni
2000, mentre si ricomincia a fare sul serio con
il Progressive AOR di classe di Clochard, incerta
forse nel bridge a metà canzone che rompe un
po' l'atmosfera tesa. Si chiude il tutto con la
lunga Il vento dei pensieri, che, come l'opener,
richiama alla mente i Secret Sphere e i Vision
Divine più melodici.
La produzione sembra all'altezza del prodotto,
sebbene un lavoro migliore in fase di mixaggio
avrebbe evitato la sensazione di un suono a
volte non compatto con le chitarre sovraincise
alle tastiere. In conclusione un gran bel disco,
consigliatissimo sin dalla belissima copertina a
chi, come è il sottoscritto, è cresciuto a pane e
Power Progressive italico anni '90. Range
dinamico = 8.
Italo Testa
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
Solaris - Marsbéli Kronikak II
2014, Solaris Music Productions
Uno dei più bei dischi Prog degli anni '80 è
sicuramente Marsbeli Kronikak degli
ungheresi Solaris, a parer di chi scrive da top 5
di quel decennio. Per un gruppo nato in Est
Europa in quel periodo non era facile, tuttavia,
andare avanti e dopo un secondo album
intitolato 1990, bellissimo anche questo, ci fu lo
scioglimento. Ma la storia della band è andata
avanti, tra reunion a sorpresa, il grave lutto per
la perdita del chitarrista Istvan Cziglan, nuove
separazioni, pubblicazioni d'archivio ed altri
progetti musicali e si giunge nel 2015 ad un
nuovo capitolo discografico, che riporta
indietro nel tempo, fino a quel magico esordio
del 1984.
Questa seconda parte della loro visione sonora
delle Cronache Marziane avviene attraverso il
sound che li ha resi celebri tra gli appassionati.
Quindi aspettatevi quel Rock Sinfonico
personale, con qualche divagazione spacey
floydiana, tanto flauto sia nei momenti più
melodici che in quelli più vivaci, interventi
vocali femminili e pregevoli interazioni
strumentali elettroacustiche tra i musicisti.
Non manca qualche colpo a sorpresa, come gli
indovinati inserimenti di sassofono o le
atmosfere che sembrano voler far avvicinare
mondo classico e World Music all'inizio della
seconda traccia.
Ci sono meno effetti elettronici rispetto al
primo Marsbeli Kronikak, ma Attila Kollar e
soci realizzano un prodotto che va in chiara
continuità stilistica con il vecchio lavoro, merito
di belle trame fiabesche, che alternano
momenti maestosi e spunti di rara eleganza.
Chi ha amato i Solaris ritrova quella band
capace di ammaliare con un'impronta ben
precisa; ripetere il capolavoro era opera
improba, ma gli ungheresi si mostrano
comunque molto ispirati e aggiungono altri tre
quarti d'ora di grandissima musica nella loro
carriera. Range dinamico = 7.
Giuseppe Di Spirito
106

Soul Secret - 4
2015, Golden Core Records
Confesso che non conoscevo i miei conterranei
Soul Secret ed è per questo che appena
saputo che suonavano all'Hades nello scorso
Marzo mi sono fiondato per acquistare tutta la
loro discografia (non particolarmente nutrita a
dir la verità, con 3 album in 7 anni) e verificare
la resa live dei nostri. Di quella serata
parleremo nel prossimo numero con una
intervista rilasciataci dal gruppo a fine
esibizione. Qui ci soffermiamo su questo 4,
concept album centrato sui flashbacks di un
uomo che intenderebbe suicidarsi, e che è
davvero stata una piacevole sorpresa.
Mentre infatti Flowing Portrais e Closer to
Daylight già mostravano una songwriting
intricato e accattivante, con questa terza prova
i nostri arrivano alla definitiva maturità che
speriamo apra loro porte ben più importanti
del seppur valido locale napoletano. Per
sgombrare subito il campo da dubbi, i Soul
Secret non fanno nulla per nascondere le loro
influenze Dream Theater. La sezione ritmica
ad opera di Antonio Vittozzi (chitarre),
Antonio Mocerino (batteria) e Claudio
Casaburi (basso) riprende spesso l'approccio
di Awake e di Images and Words. Eppure, un
qualcosa presente nelle tastiere del
mastermind Luca di Gennaro (tastiere) e nelle
melodie dei ritornelli, li pone come prosecutori
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
naturali dell'opera di ormai dimenticate band
come Glory Hunter, Athena e Last Warning
(tutte attive nella metà anni '90). Ma non solo:
nel disco sentirete anche richiami ai
Symphony X e ai Seventh Wonder,
specialmente nella buona prestazione di Lino
di Pietrantonio alla voce. Si comincia con On
the Ledge, splendido opener del disco, che
come da manuale introduce i temi del disco
mischiando Metropolis Part II nella parte
iniziale, Awake nei break atmosferici e Train of
Thoughts nella fuga finale. Our Horizon è un
classico mid-tempo con numerosi cambi che
guidano l'ascoltatore dai territori usuali del
teatro del sogno agli Enchant di Blueprint of
the world attraverso assolo mozzafiato ed un
ritornello azzeccattisimo. Si tira un attimo il
fiato con K, ballata introdotta da un arpeggio
acustico malinconico e notturno e che si apre
verso il finale in un crescendo che mi ha
ricordato i dischi solisti di James Labrie
(Mullmuzzler). E con As I close My eyes si arriva
all'highlight del disco: il triste giro di tastiera è
perfetto per descrivere il momento
drammatico del protagonista imprigionato tra
passato e futuro ed introdurre la successiva
Traces on the Seaside che inizia con
l'inquietante rumore delle onde che si
infrangono sulla sabbia per poi evolversi in un
crescendo drammatico nello splendido
ritornello.
Capolavoro e highlight del disco che qui chiude
la prima parte. La seconda parte si riapre con
una Turning the Back Page dalla struttura un po'
prolissa e un ritornello non felicissimo, e con lo
strumentale Silence che permette di riprendere
la tensione del racconto che riprende
praticamente con la tenera In A Frame in cui
spicca l'assolo petrucciano, con la sostenuta
My Lighthouse e la cavalcata Power-AOR di
Downfall il cui finale di piano struggente
introduce la conclusiva suite The white Stairs,
sedici minuti che ricalcano la lezione del teatro
del sogno di Octavarium o Silver Linings. Dal
punto di vista delle lyrics, come atteso, qui si
risolvono i dubbi del protagonisti e numerosi
temi musicali del disco fanno di nuovo
107

capolino fino allo struggente tema che suggella
degnamente il lieto fine in cui il protagonista si
sveglia di nuovo nel suo letto e con il suo
amore ignaro della notte travagliata trascorsa.
Un grande pezzo per un disco superlativo che
si candida per la nostra top 5. Se i ragazzi
sapranno mantenere le aspettative di questo 4
il prossimo sarà il disco della definitiva
consacrazione per i Soul Secret. Range
dinamico = 6.
Italo Testa
Steven Wilson - Hand Cannot Erase - Transience
2015, K-Scope
Alla fine la patata bollente è capitata a me.
D'altronde avevamo rimandato tanto, troppo,
e parlare adesso di questo disco uscito a
marzo poteva sembrare inutile, visti i fiumi di
inchiosto digitale che già ha fatto versare. Un
caso analogo accadde lo scorso anno con il
controverso Pale Communion degli Opeth. Qui
però si va oltre: mentre per gli Opeth la
divisione dei pareri era attesa, tanto
particolare è stato il percorso evolutivo (o
involutivo) degli svedesi, per Wilson la partita
si gioca tutta all'interno del mondo progressive
e porta con sè gli strascichi comunque di una
evoluzione (o involuzione) come è stata quella
dei Porcupine Tree. Se si aggiunge il fatto che
comunque Wilson ha cominciato a far
conoscere il suo nome con progetti e
rimasterizzazioni di classici anche ad un
pubblico di non stretta osservanza
progressiva, la capacità polarizzatrice
dell'occhialuto leader diventa facilmente
comprensibile. Meno comprensibile è la
disparità di atteggiamenti nei confronti di una
proposta musicale che sta evolvendo proprio
come era facile attendersi dopo le prime prove
soliste del nostro, a partire da Insurgentes fino
a The Raven that refused to sing. Inoltre, se la
divisione dei pareri sembrava plausibile con
Pale Communion, in quanto il disco era molto
altalenante nella qualità delle canzoni, qui si fa
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
veramente fatica a comprendere accanimenti
critici. Fermo restando che la capacità di
dividere è già il sintomo inconfutabile di una
dimensione di successo qualunque sia il punto
di vista di partenza, qui stiamo parlando del
miglior disco del 2015 e per tale motivo non
potevamo non afferare la patata bollente. Così,
complice anche l'uscita della raccolta
Transience (per ora solo su vinile limitato) alla
fine ho infilato (letteralmente) la recensione di
Hand Cannot Erase nell'ultimo posto
disponibile. Perchè HCE è il miglior disco prog
del 2015? Semplicissimo: per la qualità di ogni
singola canzone, e per i testi. Il fatto che sia un
quasi-concept non fa altro che aumentarne il
fascino a dismisura, visto che il nostro è
riuscito a tradurre temi complessi e
controversi come l'isolamento e l'abbandono
con una semplicità ed una drammaticità
disarmanti.Anzi, i temi sono trattati in maniera
spiraleggiante, creando una progressione ch
aumenta di volta in volta il pathos e la
frustrazione per una vita senza sbocchi.
Contesto urbano e post-moderno, quindi, ma
affrontato con una scrittura che fa largo uso di
metafore e allusioni, tanto care al Gabriel dei
tempi d'oro. Per questo, e per altri motivi di cui
vi parlerò a breve, Wilson, sin dal ricercato
look, è la reincarnazione perfetta di quella mid-
upper class inglese che nei primi '70 sfornò i
Genesis e che vent'anni dopo generò My
Bloody Valentine, Slowdive e appunto, i
Porcupine Tree. Per questo Wilson dimostra
ancora una volta che una musica come il
progressive non poteva non essere inglese e
non poteva non rinascere, se rinascita è, e se la
marea cambierà, necessariamente inglese.
Detto questo, essenzialmente HCE può essere
ridotto a sole tre canzoni, altrettanti classici del
progressive come dovrebbe suonare oggi:
Ancestral, che con i suoi cambi di atmosfera
che volano da King Crimson, Genesis, Opeth
e Dream Theater, praticamente rappresenta
un'enciclopedia dello scibile progressivo dal '70
ad oggi; Happy Returns, ballata urbana e al
tempo stesso bucolica in cui non si riesce a
trattenere una lacrima ogni volta che la si
sente, e Routine. Su Routine non mi soffermerò
108

sul tema lirico, molto attuale e personale per
ogni adulto che si ritrova ad essere genitore in
questi tempi cupi. Come per i due singoli del
precedente album (Drive Home e la titletrack), il
brano deve essere ascoltato guardando il
lugubre video, che è parte integrante dell'idea
alla base del pezzo. Riprendendo il parallelo
con i Genesis, dal punto di vista musicale,
Routine è una sorta di Firth of Fifth o Cinema
Show degli anni 2000. Qui il nostro riprende la
struttura di Drive Home, prima parte lenta,
break acustico, climax finale, attualizzandola
con una progressione finale in cui i migliori
Gathering duettano con gli Anathema.
Solo queste tre composizioni sono capolavori
fuori quota! Ma, come in ogni buon concept, a
causa della storia raccontata, tutto il disco ha
lo stesso sapore. Ed è un sapore molto amaro
perchè pesca nelle ansie del nostro presente,
iperconnesso eppure così isolante. Per
descrivere le altre canzoni dal punto di vista
musicale, anni '80 è la parola chiave per
comprendere perchè il disco non stanca
nemmeno dopo mesi dalla sua uscita. Come
intuibile da quanto scritto finora, Wilson ha
portato qui alla sublimazione la formula post-
progressive di Insurgentes con le sonorità più
vintage di The Raven.. aggiungendo a sorpresa
però ulteriori atmosfere dall'underground di
quel periodo, prendendo ispirazione
soprattutto dalle produzioni più eteree,
sperimentali ed anche gotiche del periodo,
come evidente nell'autocelebrante Perfect Life
(in cui si elencano, con uno splendido gioco
narrativo gruppi più o meno undeground
come i Dead Can Dance o i This Mortal Coil,
non si sa quanto ispirazione di Wilson per
questo diso) o nella breve e citazionista
Transience. Negli episodi più canonicamente
progressivi, come 3 Years Older, il nostro
recupera sonorità che si pensava essere
smarrite dalla metà degli anni '70, mostrando
plasticamente come avrebbero potuto
evolvere, per mantenere ancora il paragone,
Peter Gabriel ed i Genesis negli anni '80 se
non avessero virato verso altri lidi dettati dal
contesto storico (post-punk per Gabriel, Pop-
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
Rock per i compagni). Negli episodi più
psichedelici come la mini-suite centrale Home
invasion/Regret #9, Wilson suona invece quello
che i Floyd avrebbero potuto suonare in quello
stesso decennnio, mentre negli episodi più
commerciali come la title track, il nostro dimostra
di essere poco al di sotto dei Cure di Wish, per
ispirazione e capacità di farti cantare sotto la
doccia qualcosa di tremendamente serio. Se per
caso non l'avete ancora comprato, c'è sempre
tempo per farvi il miglior regalo di Natale degli
ultimi dieci anni, magari in vinile accoppiandolo
con la raccolta Transience
Di questa compilation uscita a sorpresa a fine
anno, c'è ben poco da dire: la scaletta pesca da
tutti e quattro i dischi, se si include anche la
raccolta di cover dello scorso anno, e presenta
come "inedito" una versione nuova di Lazarus dei
Porcupine Tree, che il nostro ha anche incluso
nella scaletta dei concerti a supporto dell'ultimo
disco. Ritroverete quindi il riff Radiohead
corredato dalle aperture spaziali alla Pink Floyd
di Harmony Korine, le ballate stranianti Postcard e
Significant Other (in cui l'influenza dello shoegaze
e dei Cocteau Twins è evidente), il mood sixties
della title track di Insurgentes, e la genesiana The
Pin Drop. Dopo la versione extended di Happy
Returns, omaggio doveroso a HCE, ecco il nuovo
tuffo nel passato con la tipicamente porcospinica
Deform to Form a Star e la cover di Thank You di
Alanis Morissette, in verità l'episodio più inutile.
Infine, nel terzo lato, troverete un quartetto da
brivido: si comincia con la nevrotica Index, quindi
si risale al singolo per eccellenza, la titletrack di
HCE, si afrronta il passato con la delicata e
nostalgica Lazarus, e si chiude con la drammatica
Drive Home. Certo, il nostro poteva riempire
anche il quarto lato aggiungendo qualche altra
estratto e questo è l'unico punto debole. Se però
non badate a questo dettaglio, se amate i brani
più atmosferici e riflessivi del nostro, se volete un
ideale completamento di HCE, ma anche un utile
compendio dell'evoluzione (o involuzione) della
carriera del nostro fate Transience vostra a tutti i
costi. Range dinamico = 12 e 10.
Italo Testa
109
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

La musica che gira intorno...

Nel mio peregrinare a zonzo per le strade e per il web, la mia curiosità mi fa soffermare anche su musica
che non è strettamente pertinente alle tematiche di questo webzine. Ma si tratta pure sempre di musica
e poichè riscontra il mio interesse, magari, facendomi stereotipo dell'ascoltatore prog medio, può
interessare anche qualcuno di voi. Quindi voi che avete orizzonti musicali ampi, vi presento queste prime
tre band che non hanno quasi nulla in comune tra loro.
E' un viaggio che vi propongo: partiamo dalla città e dai suoi suoni, per raggiungere un luogo immerso
nella natura, con cascate, e foreste verdeggianti per poi proseguire e raggiungere il deserto, che
anch'esso ha il suo fascino e le sue bellezze!
Buona lettura e buon viaggio con i Rewout, Lial Fail e Tuna de tierra.

troviamo in questo disco?

Definire la musica dei Rewout:
loro stessi si definiscono
Alternative Rock, io direi post
Grunge, dove la musica diventa
più tagliente si possono sentire
influenze ad esempio dei Foo
Fighters.
Quindi se non vi piace il genere
potete anche non continuare a
leggere… e sbagliereste!
Il gruppo mostra al primo disco,
insieme alle ovvie ingenuità della
prima uscita (questione di
missaggio, voce femminile
troppo sopra la musica, ad
esempio) un certo feeling nel
costruire un album: la loro prima
opera risulta così godibile e
divertente, oserei dire fresca.
Lo so sto tergiversando... cosa
Innanzitutto due cantanti, un
maschio e una femmina (la
copertina è la fusione dei visi dei
due vocalist) che si innestano
perfettamente nei capitoli scelti.
Ad aprire è Xana Vazquez de
Prada con la sua bella voce in No
One to Blame dove il lavoro alla
chitarra è interessante, su un
ritmo deciso e fantasioso.
A primo impatto ricorda
qualcosa degli Skunk Anensie,
ma è il cantato a fuorviare, visto
che il costrutto del brano è più
acido e malato, decisamente
addolcito, però, dalla linea
melodica del cantato.
Domenico Simonelli ha una
voce calda e si presenta con la
dolce Extract of life una ballata
ravvivata dal bel lavoro
fantasioso alla batteria suonata
da Massimo Aletta che nello
sviluppo sfocia in un classico
mid-tempo.
Il testimone passa a Xana in
Contraddictions, per un brano più
dinamico dove le chitarre si
incattiviscono e il basso gioca
guidando nei vari stop and go che
il brano possiede.
110
 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Ma il lato più dolce è ancora una
volta interpretato da Domenico
Simonelli che in I wish I was mad
dà ancora prova di avere un
certo feeling con i brani più
riflessivi. La canzone è infatti una
ballata guidata da pianoforte e
voce mentre sul fiinire, la
chitarra fa cambiare l’atmosfera,
inacidendo quanto fatto ma
senza che la linea melodica
venga spezzata. Un buon
momento.
Spetta a It’s all good a far tornare
su territori più cattivi la musica
del gruppo. Xana si trova a suo
agio su questi territori
sfoggiando le sue indubbie
capacità vocali e il gruppo si
diverte a supportarla. Il brano
semplice e diretto nel ritornello
è complicato e impreziosito
dall’ottimo lavoro alle chitarre
che creano muro e cesellano nel
background, mentre il piano
usato con parsimonia, non fa
che sottolineare gli accenti fino
all’accelerazione nel finale. Altro
bel momento.
Xana sospira ma Mother Nature
comincia con il suo temporale,
ed è ancora lei a tessere la linea
melodica fino all’entrata degli
altri strumenti che la
accompagnano discreti.
Conosciamo così anche il lato
più romantico e dolce di Xana
che dimostra di sentirsi a suo
agio anche in questi frangenti
più eterei.
Rush, dal bellissimo lavoro alla
chitarra, è un altro
bell’episodio… Il terzo che mi ha
conquistato quando ascoltai la
prima volta il disco. E’ un brano
semplice, melodico, e dall’animo
Rock e con quel lavoro alla
chitarra molto ricercato che è
più vicino al mio mondo.
Il disco è fatto col cuore al punto
che i proventi degli acquisti
vanno alla ONLUS “Camilla La
Stella Che Brilla” che da anni si
occupa di migliorare la vita a
bambini diversamente abili
affetti da malattie rare. Anche
solo per questa ragione
andrebbe acquistato, ma come
avrete capito, nelle tracce c'è
tanta sostanza e quindi date
un'ascolto in giro e fatevi un
regalo! Range dinamico = 7.
Silvio Leccia

Vuoi far recensire sul Rotters' Magazine il lavoro della tua band?

Il Rotters' Magazine precisa che non si accettano demo per recensioni. I dischi delle recensioni
vengono regolarmente acquistati al fine di sostenere "materialmente" i gruppi che investono di loro
tempo e sforzi che devono pur essere riconosciuti da qualcuno.
Ovviamente ciò comporta una certa "selezione" dei dischi che poi recensiamo.
Per evitare questo effetto selettivo, i gruppi che volessero porre alla nostra attenzione il loro lavoro,
basta segnalarci un link dove poter ascoltare la loro musica via streaming o dove poter avere i file ad
una risoluzione decente (diciamo almeno 128 kbps, se si parla di mp3). Noi ascolteremo e se ispirate
una recensione, acquisteremo il disco e faremo la recensione. Ovviamente la recensione non sarà
necessariamente positiva… si avete capito bene acquisteremo anche dischi che non ci sono piaciuti ma
che abbiano suscitato una qualche nostra riflessione.

111

Ho conosciuto i Lia Fail grazie
ad un brano realizzato per la
commemorazione di Peter
Steele cantante e bassista dei
Type O negative. Il brano è
contenuto in una compilation
realizzata dalla web-zine
DarkItalia e ascoltabile qui:
https://darkitalia.bandcamp.com
/album/this-man-of-steel.
Il brano in questione, Green Man
cover del brano contenuto
nell’album del 1996 October
Rust mi ha conquistato per il suo
sound così raffinato e per la gran
bella voce del vocalist Andrea
Carbone. Così contatto Nico
Solìto il bassista della band e
senza fronzoli chiedo l’album
Cynical Stones. Album
vecchiotto ormai del 2011 ma
l’unica cosa che mi dispiace e
che non ve ne siano seguiti altri!
La musica dei Lia Fail può
facilmente cadere nell’etichetta
folk elettrico. Brevi episodi,
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
affreschi bucolici, arricchiti dal
bel violino di Willj Amadori o
dal violoncello di Simone
Montanari, dal flauto di Andrea
Carboni e da due cantanti,
Sabella Spiga, dalla voce
argentea. e il già citato Andrea
Carboni dalla voce più calda. Il
tutto viene poi arricchito da
strumenti più facili da trovare in
un contesto Rock quale il
pianoforte di Saverio Tesolato e
la chitarra di Edoardo Franco.
Ma il tutto funziona in maniera
strepitosa grazie all’intelligente
(perché mai invadente) lavoro
della sezione ritmica (Nico
Solìto al basso e Giuseppe
Sansolino) che con fantasia
sostengono e portano quasi sul
palmo della mano l’intera eterea
sezione di violino.
Il pianoforte di Saverio Tesolato
è fondamentale poi, per guidare,
innestare e dipanare la melodia
dei pezzi, mentre la chitarra di
Edoardo Franco cesella e
sostiene amalgamando
perfettamente quanto fatto dagli
altri strumenti.
Segnalare l’una o l’altra canzone
ha poco senso, ma il disco apre
bene con Restless Eyes, con la
voce maschile su accordi di
chitarra e poi con l’entrata della
sezione ritmica conosciamo
anche la bella voce di Sabella, il
violino poi a cesellare il tutto per
un brano che ci introduce
perfettamente nel mondo
bucolico dei Lia Fail.
Ma vi sono umori anche più forti
come si sente nella linea di
basso della successiva Lonely
Anguish o meglio in Just a Breath
dove il ritmo si fa più cattivo
anche con il suono del violino e
de violoncello ad incupire.
Sicuramente uno dei brani che
preferisco. Ma appunto tutto
l’album è bello, non stanca, non
annoia e la voglia di giocare e
sperimentare la si capisce anche
da come termina il disco. Il
brano finale è infatti molto
affascinante: The Soldier nei suoi
9 minuti, racchiude una prima
parte nelle corde fin qui usate
dai Lial Fail ma che dopo 4
minuti circa si zittisce per un
minuto e si conclude poi con il
recitato di Andrea e dal bel
pianoforte a sostegno.
Insomma l’unica cosa che non mi
piace di questo gruppo, come
dicevo all'inizio, è la poca
produttività, comprensibile visto
le problematiche che la musica
vive oggi e unico conforto è
sapere che ogni tanto riescono a
strappare un concerto in quel di 112

Bologna. A proposito, inutile
dirvelo, se potete, non mancate
ad un loro concerto; il
divertimento e il rapimento in
lande lontane è assicurato!
Una ventina di minuti per questo
Episode 1: Pilot un EP dl trio
Tuna de Tierra (Alessio De
Cicco alla chitarra e voce,
Luciano Mirra al basso e
Jonathan Maurano alla
batteria) che terrò fortemente
sotto osservazione.
La copertina scelta rende molto
bene la musica contenuta nel cd.
Un sentiero nel deserto assolato,
un viaggio che magari non è
scontato, visto le dune e le
buche che possono trovarsi
lungo la strada, ma che
sicuramente vale la pena del
viaggio vista la bellezza dei
paesaggi e lo stare finalmente
solo con te stesso.
Quasi un miraggio, ad ogni
modo traballante nei vapori
Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015
Se avete voglia di esplorale, se
certo Folk vi piace, se avete
voglia di avere un bel disco da
ascoltare nei momenti tranquilli
della vostra vita, fate vostro
dell’aria calda, la chitarra ci
introduce al primo brano Red
Sun. La batteria con il suo ritmo
stanco, la voce sussurrante
trasmettono il caldo del sole. Il
pezzo nei suoi quasi nove minuti
non stanca anche perché con il
passare del tempo la chitarra
s’incattivisce e la batteria diventa
più decisa e presente pur senza
cambiare di fatto il mood del
pezzo.
Il viaggio, infatti, è segnato, e
alle brevi deviazioni fatte
durante il brano si torna poi a
come si è cominciato per
chiuderlo direi degnamente.
Ash comincia con una chitarra
più interrogativa, e la sezione
ritmica qui è più decisa e cattiva
mentre il cantato mi ricorda cose
questo cd, non ve ne pentirete!
Range dinamico = 8.
Silvio Leccia
sentite in zona Wilson.
E non è solo la voce a ricordarmi
certe soluzione del signor
Wilson, la chitarra e le sue
escursioni mi ricordano certe
cose dei primi Porcupine Tree,
ma il tutto ricondotto a questo
genere che ho scoperto che
qualcuno chiama Stoner.
Ash è veramente interessante nei
suoi cambi di ambientazione, e
sebbene si sta viaggiando nel
deserto sotto il sole, qui le
montagne vicine offrono
paesaggi variegati e
movimentati. Molto coinvolgente
il finale con il crescendo della
batteria e così sette minuti e
mezzo passano in un istante.
La breve El Paso de la tortuga ci
riporta un po’ all’ambientazione
di Red Sun, ma con maggiore
fantasia nelle percussioni.
Quest'ultimo brano mi ricorda
più cose psichedeliche alla
Quicksilver per intenderci. Ma il
brano ha la sua autonomia,
dimostrando che la band ha
grande maturità e identità
musicale.
Unico difetto di questo EP è che
è breve! E’ un assaggio, alla fine
si vorrebbe sentire di più e
speriamo vivamente che il
gruppo componga al più presto
altro materiale per far uscire un
long length che acquisterò con
estremo piacere. Intanto mi
godo questo Episode 1 e voi che
aspettate?
Range dinamico = 5
Silvio Leccia
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 Rotters' MAGAZINE Numero 3 - Dicembre 2015

A‐periodico, fatto a
mano, con cura, amore
e passione. Nessun
fine tranne che
condividere la nostra
passione!
Il tutto al costo di
un "like"!

E ricorda, non diffondere

questo file, diffondi il link
dove scaricarlo!
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 Rotters' MAGAZINE Numero 4 - Dicembre 2015

Rotters' Magazine
Nel prossimo numero...
Istruzioni per l'uso

Il Magazine è a-periodico quindi per

sapere la data di pubblicazione del
numero successivo è necessario tenere
d'occhio la pagina fb.

Perché togliamo l'accessibilità al link Speciale Live 2015

dopo due mesi?
Per due ragioni, la prima è perché un Tutti i concerti che il direttore ed il vicedirettore
mensile, in edicola, non lo trovate oltre il hanno avuto la fortuna di vedere nell'anno apperna
mese successivo (c'è la resa). Vogliamo che terminato
chi ci segue aspetti il numero e lo scarichi
in tempo proprio come per l'acquisto in
edicola: cerchiamo, così di creare Le recensioni delle ultimissime uscite del 2015.
un'aspettativa in chi ci segue.

Come faccio ad avere i numeri

precedenti?
Tutto il materiale di queste pagine, finisce
nelle pagine del Rotters' club, che è
sincronizzato con le nostre uscite (il
materiale del numero precedente è fruibile
sul sito appena pubblicato il numero
successivo).
Chi fosse impaziente, basta chiedere sulla
pagina fb, e vi verrà dato un link per
scaricare il numero richiesto. Inoltre,
generalmente la settimana precedente la
pubblicazione del nuovo numero,
riattivaimo tutti i link ai numeri precedenti.

Il Rotters' MAGAZINE supporta tutte le label che

coraggiosamente continuano a produrre album di musica
progressiva (nel senso omnicomprensivo del termine).

Se si vuole visibilità su queste pagine, basta consegnare una

locandina, del formato voluto, alla risoluzione di 150 dpi. Saremo
lieti di supportarvi dandovi spazio, che è sottinteso, assolutamente
gratuito.

Per ulteriore informazioni contattate il direttore o scriveteci su

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