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Sommario
Unità 1: Il Duecento e il Trecento.....................................................................................................................4
Capitolo 1. La situazione politica e sociale dell'Italia dopo il mille................................................................4
Capitolo 2. La nascita della Chanson de Geste in Francia.............................................................................5
Capitolo 3. I trovatori e la nascita della lirica provenzale in Francia.............................................................5
Capitolo 4. L'importanza della scuola Siciliana.............................................................................................6
Capitolo 5. La vita di Guittone D’Arezzo.......................................................................................................7
Capitolo 6. Le radici del dolce stil novo........................................................................................................7
Capitolo 7. Tratti principali del dolce stil novo..............................................................................................8
Capitolo 8. Guido Cavalcanti e Cino da Pistoia.............................................................................................9
Capitolo 9. La poesia comica realistica in Italia.............................................................................................9
Capitolo 10. La poesia religiosa del XI secolo in Italia.................................................................................10
Capitolo 11. Bono Giamboni, Brunetto Latini e Ristoro D'Arezzo...............................................................10
Capitolo 12. Guido Faba e Dino Compagni.................................................................................................11
Capitolo 13. La vita di Dante Alighieri.........................................................................................................11
Capitolo 14. La vita Nova e il De Vulgari Eloquentia di Dante.....................................................................12
Capitolo 15. Il Convivio e La Monarchia di Dante.......................................................................................13
Capitolo 16. Le epistole e le egloghe di Dante............................................................................................14
Capitolo 17. La Commedia di Dante...........................................................................................................14
Capitolo 18. La vita di Francesco Petrarca..................................................................................................15
Capitolo 19. Le opere di Francesco Petrarca..............................................................................................16
Capitolo 20. Francesco Petrarca : le opere minori e le epistole..................................................................16
Capitolo 21. Francesco Petrarca: I Trionfi...................................................................................................17
Capitolo 22. La vita di Giovanni Boccaccio..................................................................................................17
Capitolo 23. Giovanni Boccaccio: le opere..................................................................................................18
Capitolo 24. Il Decameron di Giovanni Boccaccio.......................................................................................19
Unità 2: Il Quattrocento..................................................................................................................................19
Capitolo 1. Caratteristiche principali dell' Umanesimo...............................................................................19
Capitolo 2. Gli Umanisti Poggio Bracciolini e Giovanni Aurispa..................................................................20
Capitolo 3. 1400: Contesto storico e politico Italiano.................................................................................20
Capitolo 4. L'invenzione della stampa nel 1454..........................................................................................21
Capitolo 5. Il pensiero filosofico di Marsilio Ficino.....................................................................................21
Capitolo 6. Il 400 letterario italiano............................................................................................................21
Capitolo 7. La poesia nel periodo umanistico e i maggiori esponenti.........................................................22
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Capitolo 8. Leon Battista Alberti.................................................................................................................23

Capitolo 9. Luigi Pulci..................................................................................................................................23
Capitolo 10. Angelo Poliziano.....................................................................................................................24
Capitolo 11. Matteo Maria Boiardo............................................................................................................24
Capitolo 12. L'Arcadia di Iacopo Sannazaro................................................................................................25
Unità 3: Il Cinquecento...................................................................................................................................25
Capitolo 1. Il concetto di Rinascimento e di Manierismo............................................................................25
Capitolo 2. La lingua nella scrittura letteraria del 500................................................................................26
Capitolo 3. La poesia maccheronica di Teofilo Folengo..............................................................................26
Capitolo 4. I novellisti del 500.....................................................................................................................27
Capitolo 5. Il padre della fiaba Europea, Gian Francesco Straparola di Caravaggio....................................27
Capitolo 6. Gli storicisti del 500..................................................................................................................27
Capitolo 7. La vita di Giorgio Vasari............................................................................................................28
Capitolo 8. I maggiori esponenti del genere epistolografico del 500..........................................................28
Capitolo 9. I poligrafi del 500......................................................................................................................28
Capitolo 10. Il dialogo come modello filosofico in età umanistica..............................................................28
Capitolo 11. I maggiori esponenti del teatro rinascimentale......................................................................29
Capitolo 12. Nicolò Macchiavelli :Parole da dirle sopra la provvisione del danaio.....................................30
Capitolo 13. Il Principe di Nicolò Macchiavelli............................................................................................30
Capitolo 14. Discorsi sopra il primo deca di Tito Livio, di Nicolò Macchiavelli............................................31
Capitolo 15. Le opere di Macchiavelli.........................................................................................................32
Capitolo 16. La vita di Francesco Guicciardini.............................................................................................33
Capitolo 17. Le opere di Gucciardini...........................................................................................................33
Capitolo 18. La storia d'Italia di Gucciardini................................................................................................34
Capitolo 19. Ludovico Ariosto.....................................................................................................................35
Capitolo 20. Le Satire di Ludovico Ariosto..................................................................................................36
Capitolo 21. L'Orlando furioso di Ludovico Ariosto....................................................................................36
Capitolo 22. Torquato Tasso la vita e le opere............................................................................................37
Capitolo 23. La Gerusalemme liberata di Torquato Tasso..........................................................................38
Capitolo 24. I Dialoghi di Torquato Tasso...................................................................................................39
Unità 4: Il Seicento.........................................................................................................................................40
Capitolo 1. Il Seicento coordinate storico-culturali.....................................................................................40
Capitolo 2. Il seicento e la letteratura italiana............................................................................................40
Capitolo 3. Il teatro secentesco..................................................................................................................42
Capitolo 4. Galileo Galilei............................................................................................................................42
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Capitolo 4.1. Il Saggiatore.......................................................................................................................43

Capitolo 4.2. Il dialogo sopra i due massimi sistemi del mondo.............................................................43
Capitolo 5. Giovan Battista Marino.............................................................................................................44
Capitolo 5.1. La lirica mariniana..............................................................................................................44
Capitolo 5.2. L'Adone..............................................................................................................................44
Capitolo 6. Giambattista Basile...................................................................................................................44
Unità 5: Il Settecento..................................................................................................................................45
Capitolo 1. Il settecento coordinate storico-culturali.................................................................................45
Capitolo 2. L’Illuminismo............................................................................................................................46
Capitolo 3. L’Illuminismo: la diffusione in Italia..........................................................................................46
Capitolo 4. Il Neoclassicismo......................................................................................................................47
Capitolo 5. Carlo Goldoni............................................................................................................................48
Capitolo 5.1. La “riforma” goldoniana....................................................................................................48
Capitolo 5.3. Le opere parigine e i <<Mémoires>>.................................................................................48
Capitolo 6. Giuseppe Parini........................................................................................................................49
Capitolo 6.1. Il <<Dialogo sopra la nobiltà>> e gli scritti teorici..............................................................49
Capitolo 6.2. Le <<Odi>>.........................................................................................................................50
Capitolo 6.3. <<Il Giorno>>.....................................................................................................................50
Capitolo 7. Vittorio Alfieri...........................................................................................................................51
Capitolo 7.1. Le tragedie.........................................................................................................................51
Capitolo 7.2. Le <<Rime>> e la <<Vita>>.................................................................................................52
Capitolo 7.3. Gli scritti politico-morali e la produzione satirica..............................................................52
Capitolo 8. Ugo Foscolo..............................................................................................................................53
Capitolo 8.1. Ultime lettere a Jacopo Ortis.............................................................................................53
Capitolo 8.2. I sonetti e le odi.................................................................................................................54
Capitolo 8.3. <<Dei Sepolcri>>................................................................................................................54
Capitolo 8.4. << Le Grazie>>...................................................................................................................54
Capitolo 8.5. Il Foscolo del <<Didimo Chierico>>....................................................................................55
Unità VI. Il primo Ottocento...........................................................................................................................55
Capitolo 1. Il contesto politico, storico e sociale.........................................................................................55
Capitolo 2. Panorama culturale..................................................................................................................56
Capitolo 2.1. Il Romanticiscmo...............................................................................................................56
Capitolo 2.2. La polemica classico-romantica.........................................................................................57
Capitolo 3. I generi letterari....................................................................................................................57
Capitolo 3.1. Il Romanzo........................................................................................................................57
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Capitolo 3.2. Le riviste............................................................................................................................57

Capitolo 3.3. La memorialistica...............................................................................................................58
Capitolo 3.4. La saggistica.......................................................................................................................58
Capitolo 3.5. La prosa politica.................................................................................................................58
Capitolo [Link] poesia.............................................................................................................................58
Capitolo 3.7. La poesia patriottica..........................................................................................................59
Capitolo 3.8. La poesia sentimentale......................................................................................................59
Capitolo 3.9.L poesia dialettale- satirica.................................................................................................59
Capitolo 3.10. Il teatro...........................................................................................................................59
Capitolo 4. Giacomo Leopardi....................................................................................................................60
Capitolo 4.1. La poesia............................................................................................................................60
Capitolo 4.2. La prosa.............................................................................................................................61
Capitolo 5. Alessandro Manzoni.................................................................................................................63
Capitolo 5.1. Le idee...............................................................................................................................64
Capitolo 5.2. Il Romanzo.........................................................................................................................64
Capitolo 5.3. Manzoni e la questione della lingua..................................................................................65
Unità VII. Il secondo Ottocento......................................................................................................................66
Capitolo 1. Contesto storico, sociale, culturale, letterario..........................................................................66
Capitolo 2. Francesco De Sanctis................................................................................................................69
Capitolo 2.1. Le opere.............................................................................................................................70
Capitolo 3. Giosuè Carducci........................................................................................................................70
Capitolo 3.1. L’opera in versi..................................................................................................................70
Capitolo 4. Giovanni Verga.........................................................................................................................72
Capitolo 4.2. Da <<Amore e patria>> e <<Eva>>....................................................................................72
Capitolo 4.3. <<I Malavoglia>>...............................................................................................................73
Capitolo 4.4. <<Mastro-don Gesualdo>>................................................................................................73
Capitolo 4.5. La produzione teatrale.......................................................................................................74
Capitolo 5. Federico De Roberto.................................................................................................................74
Capitolo 5.1. Le opere.............................................................................................................................75

Unità 1: Il Duecento e il Trecento.

Capitolo 1. La situazione politica e sociale dell'Italia dopo il mille.
Il quadro politico italiano dopo il Mille era diviso in quattro grandi aree d’influenza:
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 Al Centro Nord, il Regno D’Italia, soggetto all’autorità dell’Imperatore tedesco, poiché la sede
dell’Imperatore era in Aquisgrana, nel territorio tedesco.
 I comuni italiani del Nord, desiderosi di indipendenza
 Il Mezzogiorno d’Italia, in parte sotto il controllo bizantino in parte (la Sicilia) in mano agli Arabi.
 Il dominio longobardo, un tempo esteso a larga parte della penisola, persiste nell’attuale Campania.
Questa frammentazione implica che non si possa parlare di una storia unitaria del paese, infatti, il potere
effettivo era nelle mani dei grandi proprietari terrieri che organizzavano i loro possedimenti come piccoli
sistemi autosufficienti scarsamente comunicanti l’uno con l’altro. Poco dopo il Mille: Carmen ad Robertum
Regem: Poesia di Re Roberto, il Vescovo Adalberone da Leon formula una teoria della società del tempo, la
cosiddetta teoria dei tre ordini, che disegna un ordine sociale che appare oltre che immutabile, necessario.
La società secondo questa dottrina si componeva di tre ordini o classi:
 Oratores: coloro che pregano
 Bellatores: coloro che combattono
 Laboratores: coloro che lavorano
Secondo Aldalberone era una gerarchia fissata da Dio, che aveva una perfetta corrispondenza con la
struttura del corpo umano, un corpo umano nel quale la testa era rappresentata dagli ecclesiastici, il ventre
dai soldati e i piedi dai contadini, ognuno ha il suo ruolo e come nel corpo umano ogni parte doveva
funzionare in maniera ottimale, per consentire il funzionamento di tutto il corpo, diciamo che questa teoria
rispecchiava l’immobilismo sociale dell’epoca e l’organizzazione gerarchica della società medievale
Una figura molto importante all’interno della società medievale era quella dell’intellettuale, nel medioevo
l’intellettuale era il magister, il doctor, e il litteratus, era dunque in primo luogo un insegnante ed era
generalmente un ecclesiastico. Le persone colte erano generalmente i chierici, quelli che appartenevano al
clero, e gli studi che apprendevano erano tutti concentrati sulle esegesi della Bibbia.

Capitolo 2. La nascita della Chanson de Geste in Francia

In Francia già dal X secolo si registra una larga produzione di poesia in volgare di materia agiografica,
spesso legata alla liturgia, o di materia epica cavalleresca. Dal mito che avvolge la corte di Carlo Magno,
intorno all’anno mille nascono delle leggende che danno spunto alle cosiddette Chanson de geste.
Letteralmente canzoni di gesta, sono delle lunghe narrazioni in versi in francese antico, o in lingua d’OIL, la
lingua parlata nella parte Nord della Francia. Le chanson de geste erano imperniate sul racconto della lotta
dei paladini di Carlo Magno contro i Saraceni, i musulmani poiché penetrando dal sud della Spagna,
presentavano una costante minaccia, i protagonisti di questo ciclo, erano spesso identificabili con quelli
della corte di Carlo Magno, la più famosa tra queste chanson è: la chanson de Roland.
La Chanson de Roland, nel quale la prima redazione attestata risale alla fine dell’XI secolo, era composta da
una lunga serie di partizioni strofiche (le lasse) e composte da versi decasillabi. Narrava la spedizione
effettuata dall’esercito francese in Spagna nel 778 e dello sterminio da parte dei saraceni della retroguardia
dell’esercito cristiano dove stava il valoroso Orlando. I Saraceni rappresentavano il male mentre i cristiani, il
bene. Affine ma distinta è la produzione francese in lingua d’OIL dei romanzi cortesi, i quali s’ispiravano alla
storia antica o narrazione puramente fantastica, tra questi romanzi troviamo varie tipologie:
 I romanzi storici: traducono e rielaborano materiali relativi ad antichi eventi ed eroi, rendendoli
accessibili ad un’aristocrazia che spesso non era in grado di leggere il latino, alcuni esempi possono essere:
1. La leggenda di Alessandro Magno nel Roman d’Alexandre, e il Roman de Troie.
2. La Materia Bretone: nella seconda metà del XII secolo i romanzi storici veri e propri lasciano
spazio alle epopee dei cavalieri che non attingono alle leggende greche o latine bensì alla
tradizione popolare o nascono dalla libera fantasia degli autori, nella materia bretone si
narrano le vicende dei Celti che sotto la guida di Re Artù e dei cavalieri della tavola rotonda
respingono le invasioni dei sassoni e degli angli, lo vediamo ad esempio nel Roman de Bruth, la
storia di Tristano e Isotta. Maestro indiscusso del genere romanzesco fondato non sulla storia,
ma sull’invenzione è Chretien de Troyes.

Capitolo 3. I trovatori e la nascita della lirica provenzale in Francia.

I trovatori furono poeti attivi nei secoli XII e XIII nelle corti aristocratiche dell’Occitania, regione
attualmente appartenente alla Francia. L'opera dei trovatori è pioniera nella manifestazione lirica in lingua
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volgare, le sue origini non sono state ancora identificate con precisione: tra le tesi sulla sua provenienza ne
appare addirittura una sull'origine liturgica, ma la maggior parte della produzione trobadorica è costituita
da liriche d'amore. La tradizione dei trovatori sembra abbia avuto inizio nell'Aquitania occidentale (Poitou e
Saintonge) e Guascogna, da qui diffondendosi all'interno dell'Aquitania orientale (Limosino e Alvernia) e
Provenza. Al suo apogeo diventa popolare in Linguadoca e nelle regioni di Rouergue, Tolosa e Quercy
(1200 ca.). Infine, all'inizio del XIII secolo inizia a espandersi prima in Italia e Francia e poi Catalogna, e da
qui nel resto della Spagna, influenzando tutte le scuole letterarie d'Europa: la scuola siciliana, toscana,
tedesca, mozaraba e portoghese. Questo sviluppo è stato chiamato il rayonnement des troubadours
(l'irradiamento dei trovatori). Il loro status sociale era il più disparato, dall'alta nobiltà come lo era il Duca
d'Aquitania e Jaufre Rudel, alla classe cavalleresca (Cercamon e Marcabru). Dapprincipio, i trovatori erano
sempre dei nobili, sia di basso che di alto rango. Molti trovatori sono descritti nelle loro vidas come cavalieri
poveri, tra cui: Berenguier de Palazol, Gausbert Amiel, Guilhem Ademar, Guiraudo lo Ros, ecc... I tre stili
principali identificati nella poesia lirica occitana sono:
 trobar plan o trobar leu (leggero): stile facile e immediato; è stato notevolmente il più comune:
l'enunciazione è lineare è relativamente semplice in confronto al ric e gli "espedienti" letterari sono
meno comuni rispetto a quelli del clus. Questo stile è il più accessibile ed è immensamente
popolare. Il poeta più famoso del trobar leu è stato Bernart de Ventadorn.
 trobar ric (ricco): con riferimenti provocatori e misteriosi e strutture sintatticamente più
complesse;. Il trobar ric non è così opaco come il clus, ma impiega piuttosto un ricco vocabolario,
usando molte parole, rare, inventate, insolite ed espressioni colorite.
 IL trobar clus (chiuso, ermetico): caratterizzato dall'utilizzo di espressioni oscure e metaforiche
(seguendo la passione medievale per gli indovinelli e gli enigmi). Lo stile più difficile d'altra parte è il
trobar clus, che regolarmente si sottrae alle interpretazioni degli studiosi moderni. Le parole
vengono di solito usate in senso metaforico e simbolico e ciò che la poesia sembra essere
esteriormente, raramente rappresenta ciò che era nelle intenzioni del poeta o nelle possibilità di
comprensione del pubblico "colto".

Capitolo 4. L'importanza della scuola Siciliana.

La scuola poetica siciliana, sorta attorno al 1230 negli ambienti che gravitavano attorno all'imperatore e re
di Sicilia Federico II di Svevia, produsse la prima lirica in volgare italiano. La sua attività durò circa un
trentennio e si concluse con la fine, nella battaglia di Benevento (1266), di Manfredi, figlio di Federico e
quindi con lo sgretolamento dell'ambiente di raffinata cultura che era stato tanto propizio al sorgere della
scuola stessa. Durante la prima metà del sec. XIII il regno di Sicilia comprendeva tutta l'Italia meridionale e
godeva di un periodo di particolare equilibrio politico-amministrativo e prosperità economica per merito di
Federico II. Iniziative politiche e culturali espressive furono la fondazione dell'università di Napoli (1224) e
le Costituzioni Melfitane (1231), in cui era ribadita l'autorità del sovrano rispetto ai potentati feudali. Nella
sua corte a Palermo si raccolsero le figure più rappresentative dell'epoca e si svilupparono numerosi
interessi culturali: fu dato un notevole impulso alle conoscenze tecnico-scientifiche e agli studi di magia
(per opera principalmente di Michele Scoto), alla letteratura filosofica araba, alla letteratura greco-
bizantina, alla poesia tedesca (soprattutto alla lirica cortese d'amore del Minnesang) e alla poesia
provenzale in lingua d'oc. Proprio da questa tradizione ebbe origine la "scuola siciliana", come fu definita
da Dante nel De vulgari eloquentia. Dominante in assoluto nei poeti siciliani la tematica d'amore sia dal
punto di vista teorico (cos'è amore, come si manifesta, quali sono i suoi effetti), sia come omaggio "feudale"
verso la donna amata, il poeta cerca di stabilire una comunicazione attraverso immagini e segnali che essa
sola sa cogliere. Le forme tipiche di questa poesia sono la canzone, modellata sulla canzone provenzale:
essa è l'espressione "alta" della poesia siciliana ed è utilizzata soprattutto per composizioni di carattere
teorico e dottrinale; la canzonetta, costituita da strofe di versi brevi, viene impiegata per testi più narrativi,
come invocazioni d'amore, lamenti per l'amata lontana, manifestazioni della propria gioia e del proprio
dolore; il sonetto è creazione autonoma e specifica della scuola ed è diventato il componimento lirico breve
per eccellenza della poesia italiana. La produzione poetica della scuola siciliana è pervenuta attraverso
codici del Quattrocento e del Cinquecento, i cui estensori diedero ai testi un'impronta toscaneggiante che
ha alterato l'originaria impostazione linguistica siciliana; essa comunque non riproduceva la lingua
popolare, ma si basava su un lessico che s’ispira ai modelli latini e provenzali. Lo stesso re Federico II e i suoi
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due figli Enzo e Manfredi si dedicarono all'attività poetica, pur senza raggiungere livelli di eccelsa qualità. Il
poeta sicuramente più significativo fu Jacopo da Lentini (circa 1210 - circa 1260), riconosciuto da Dante
(Purgatorio, canto XXIV) come fondatore della scuola siciliana e al quale è probabilmente attribuita
l'invenzione del sonetto. Scrisse uno dei più cospicui canzonieri dell'epoca, composto da circa trenta poesie,
in cui una consumata perizia retorica è al servizio di una fervida originalità inventiva. A lui si deve la prima
definizione dell'amore nella letteratura italiana: "Amor è uno desio che ven da core / per abondanza di gran
piacimento". I temi più frequenti della sua lirica sono la contemplazione della bellezza, la creazione nel
cuore di un'immagine della donna, verso la quale s’indirizza il suo amore, il dono di sé fatto dall'innamorato
all'amata. Più povera, ma notevolmente raffinata sul piano stilistico per la ricchezza di figure retoriche e per
il sottile gioco analogico, è la produzione poetica di Guido delle Colonne (Messina, circa 1210 - circa 1280),
del quale sono pervenute cinque canzoni. Eternato da Dante nell'Inferno (canto XIII) fu Pier della Vigna
(circa 1190-1249) di Capua, strettissimo collaboratore di Federico II, caduto poi in disgrazia e morto suicida.
Per lui l'attività poetica fu senza dubbio d’importanza relativa, ma è interessante ricordare che egli fu tra gli
interlocutori di Jacopo da Lentini nella disputa sull'amore che probabilmente diede inizio alla scuola
siciliana e che era stata iniziata da Jacopo Mostacci, rimatore aulico, imitatore piuttosto passivo di correnti
provenzali. Della scuola fecero anche parte Rinaldo d'Aquino, Giacomino Pugliese (che ha lasciato alcuni
testi di tono popolareggiante), Stefano Protonotaro da Messina, cui si deve l'unica composizione
conservata nella lingua siciliana originale.

Capitolo 5. La vita di Guittone D’Arezzo.

Esponente del conservatorismo guelfo; intorno al 1265 entrò nell'ordine dei frati gaudenti. Caposcuola del
gruppo di poeti toscani ed emiliani che si colloca tra la scuola poetica siciliana e il “dolce stil novo”,
Guittone scrisse cinquanta canzoni e oltre 250 sonetti, che egli stesso distinse in rime amorose, anteriori
alla conversione, e in rime religiose e morali, a essa posteriori: il gusto delle immagini corpose e realistiche
e la sintassi dura e incisiva si ritrovano tuttavia sia nella prima, sia nella seconda parte. I motivi dell'amore
cortese sono ripresi da Guittone, che però, al di là dei poeti siciliani, si rifà direttamente al modello
provenzale del trobar clus, di cui accoglie i procedimenti più complicati e astrusi; la novità di Guittone è
tuttavia nella passione intellettuale, nel tono eloquente e robusto che anima il suo discorso. Figura tipica
d'intellettuale comunale, Guittone fa cadere il pregiudizio dei “siciliani” secondo cui solo l'amore è
argomento degno di celebrazione poetica, e affronta, con energia morale che fa presentire quella di Dante,
il tema della lotta politica: celebre, in particolare, la canzone Ahi lasso, or è stagion de doler tanto,
considerata il primo esempio di canzone politica. Alti risultati Guittone raggiunge anche nelle rime ascetiche
e morali, dove, nella forma della ballata sacra, di cui è probabilmente inventore, solleva il suo ideale
religioso a una sfera di esperienze sublimi ed eroiche. Di notevole rilievo sono infine le Lettere, uno dei
documenti più significativi della prosa d'arte del Duecento.

Capitolo 6. Le radici del dolce stil novo.

Chiaro Davanzati:
Legato attivamente alle vicende politiche della città, prese parte alla battaglia di Montaperti (1260). Al
periodo più giovanile della sua produzione si fanno comunemente risalire le rime più scopertamente
provenzaleggianti, mentre è dubbio se le liriche, in cui sono presenti motivi stilnovistici, siano da
considerarsi anteriori alla fioritura dello stilnovo o non piuttosto imitazioni alla maniera del Guinizzelli.
Lasciò un vasto canzoniere: undici canzoni e oltre un centinaio di sonetti, in gran parte di corrispondenza
con Guittone, con Chiaro Davanzati e con altri rimatori. Un'ardua tensione stilistica, espressa attraverso un
fitto gioco di allusioni oscure, caratterizza la poesia di Monte Andrea, che accentua lo sperimentalismo
retorico di Guittone, preludendo alle esperienze stilnovistiche.
Guido Guinizzelli:
I primi componimenti di Guinizzelli sono fedelmente legati alla tematica e agli artifici formali del gusto
guittoniano; ma nel vecchio repertorio Guinizzelli immette un fervore intellettuale che gli deriva dalla sua
raffinata cultura filosofica, solidamente fondata sulla dottrina tomistica. La seconda maniera di Guinizzelli
nasce intorno al motivo della nobiltà spirituale e non araldica: una concezione che trapelava già in Guittone
ma, che in Guinizzelli assume un aspetto filosofico, in quanto l'identità tra amore e gentilezza è agganciata
al rapporto che intercorre tra potenza e atto. La nuova dottrina d'amore trova la sua più esplicita
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formulazione nella celebre canzone Al cor gentil rempaira sempre Amore, considerata il “manifesto” dello
stilnovismo: vi domina la figurazione della donna-angelo, mediatrice tra l'amore divino e l'amore umano.
Nel resto del suo canzoniere Guinizzelli elabora alcuni dei temi che diverranno tipici degli stilnovisti: la lode
della donna, esaltata attraverso paragoni con la bellezza della natura, il saluto che dona salvezza, la nozione
dell'amore concepito come battaglia interiore. La lucidità espressiva e l'equilibrio armonico delle rime
guinizzelliane indussero Dante a riconoscere in Guinizzelli il caposcuola del “dolce stil novo”: in realtà, veri
stilnovisti sono Cavalcanti e lo stesso Dante, i quali però non dimenticheranno la lezione del maestro
bolognese.

Capitolo 7. Tratti principali del dolce stil novo.

Il dolce stil novo si diffuse tra Bologna e la Toscana negli ultimi decenni del sec. XIII. “I' mi son un che
quando Amor mi spira, noto, e a quel modo Ch'e' ditta dentro vo significando”: così Dante nel XXIV canto
del Purgatorio espone in sintesi la propria poetica, enunciandone quindi il canone espressivo nel concetto
di “dolce stil novo”, esteso intenzionalmente alla produzione di altri poeti fiorentini e toscani. Se la critica
contemporanea ha ridimensionato o respinto la nozione desanctisiana di stil novo come “scuola” letteraria,
v'è tuttavia, tra Guido Cavalcanti, Dante, Cino da Pistoia, una convergenza di intenti ideologico-stilistici
(oggettività, interiorità, armonia) che riemerge, a livello di motivi di canto, anche in Lapo Gianni, Gianni
degli Alfani, Dino Frescobaldi, e trova lo spunto iniziale in Guido Guinizzelli (Al cor gentil rempaira
sempre amore) che approfondì la dimensione filosofica dell'immagine della donna come angelo, in grado di
purificare l'anima dell'amante e di redimerlo dal peccato. Temi tradizionali della poetica provenzale (novità
del canto, angelicità della donna, rapporto diretto tra ispirazione ed espressione) e dati fondamentali della
cultura medievale (stile metaforico-visionario, visualizzazione dei moti dell'animo, interpretazione
dell'umano in chiave metafisica) trovano nella poetica dello stil novo un rinnovamento in senso interiore e
spirituale, che ha radice nella situazione sociale e politica del tempo e nel rinato fervore di studi filosofici e
teologici. Le esperienze dell'umanesimo cristiano del sec. XIII e le meditazioni dei mistici Vittorini
s’innestano così, con motivazioni di cultura e d'ambiente, sulla tradizionale indagine circa la natura di
Amore. L'ispirazione muove da Amore, principio trascendente e perciò oggettivo; l'oggetto del canto è
l'esperienza amorosa non come momento soggettivo, ma poiché manifestazione assoluta dell'interior
homo: l'analisi dell'essenza e dei caratteri del fatto amoroso coincide con lo sforzo razionale volto a
conoscenza più alta, quella del trascendente; il modo espressivo di tal esperienza, oggettivamente
rispondente all'altezza dei contenuti, rispecchia quell'ideale melodico fondato sull'armonia raffinata
(“dolcezza”) teorizzato da Dante. Amore agisce solo nel cuore “gentile” per nobiltà interiore e virtuosa
disposizione, portandone a compiuta realizzazione le potenzialità. Al centro di tale processo è la figura della
donna, per cui Amore si manifesta: specchio dell'Essere per gli attributi positivi che sono in lei, ha in sé
connaturata la funzione attualizzante le virtù del cuor nobile, che per lei tende a conformarsi
massimamente ad Amore. Rispetto a tali premesse, consequenziale è l'approfondimento operato da Dante.
Muovendo dagli elementi spirituali e mentali riferibili a un fatto (in Guinizzelli e Cavalcanti) in gran parte
letterario, egli lo trascende e giunge a realizzare, sul piano dei contenuti, ben più alta esperienza etico-
conoscitiva: quella che dell'amore umano fa strumento di conoscenza assoluta, e insieme di assoluta libertà
interiore. Dai cap. XVIII e XIX della Vita Nuova (Donne ch'avete) alla Commedia, Dante sviluppa il tema del
rapporto tra il piano della creazione – che è di analogia e di rassomiglianza – e quello del Creatore: nella
bellezza e virtù di Beatrice egli vede l'analogo della somma perfezione, e il suo amore trova la propria
autonoma “felicità” nella lode “gratuita” di colei che è tramite alla conoscenza dell'Assoluto, e guida, per il
poeta, alla propria piena realizzazione. Recuperate le novità guinizzelliane (saluto salvifico, dimensione
analogica), Dante sposta definitivamente al piano metafisico la metafora “donna/angelo”; la lingua del
poeta che inizia il canto di lode “quasi come per se stessa mossa” (Vita Nuova) e Amore che “ditta dentro”
(Commedia) indicano la stessa promozione ontologica. È questo il nodo poetico, dove Dante si scontra col
suo primo amico e maestro di poesia: Guido Cavalcanti, abile utente del linguaggio fisico-naturale,
esploratore esasperato del fatto amoroso, nuovo interprete della tradizionale equivalenza Amore/Morte,
ricondotta oggettivamente al dato interno di una passione sensibile che oscura la ragione e annulla la vita
dello spirito. Al poeta, quindi, è solo concessa la rappresentazione del drammatico scontro tra mente e
cuore, che si rinnova costantemente, anche sul piano della figurazione fantastica. Ma sul tema della teoria
poetica, l'incontro tra Cavalcanti e Dante rimane intatto: enunciando polemicamente (Di vil matera) la
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nozione del rapporto stringente tra ispirazione e rappresentazione, e affermando “Amore ha fabricato ciò
ch'io limo”, Guido imposta il problema negli stessi termini espressi nel canto XXIV del Purgatorio. Sul fatto e
espressivo, infine, verte particolarmente l'attenzione di Cino da Pistoia, la cui lirica (tesa sul filo della
memoria e della qualità “mentale” della fantasia) è il tramite più diretto fra un carattere costitutivo della
poesia dantesca (l'ideale di armonia) e il “melodismo supremo” di F. Petrarca.

Capitolo 8. Guido Cavalcanti e Cino da Pistoia.

Guido Cavalcanti amico di Dante, che gli dedicò la Vita nuova, Cavalcanti è presentato dalle testimonianze
dei contemporanei come uno studioso solitario, cosciente della superiorità sua e del suo ambiente.
Appartenente a una potente famiglia guelfa, sposò una figlia del ghibellino Farinata degli Uberti, nel quadro
della politica di riconciliazione seguita al ritorno dei guelfi (1267) e fu tra i garanti della pace del cardinale
Malebranca Latino (1280). Fu con Brunetto Latini e Dino Compagni nel Consiglio del Comune (1284); ma fu
uomo di parte: fiero nemico di Corso Donati, si schierò con i bianchi contro i neri. Nel giugno 1300 (anno del
priorato di Dante) fu esiliato a Sarzana, da dove tornò nell'agosto, minato dal male che l'avrebbe portato in
poco tempo alla morte. Le sue Rime (poco più di 50 tra canzoni, sonetti e ballate) sorgono nella corrente
dello stil novo, di cui Cavalcanti può considerarsi il più originale esponente. La sua cultura filosofica (celebre
è la canzone Donna mi prega, sulla natura ed essenza dell'amore) e scientifica (o, come allora si
diceva, di “filosofia naturale”) fornisce lo schema in cui sono calate le sue esperienze psicologiche: così
l'astratta distinzione delle varie potenze organiche (gli “spiriti”) si risolve in un drammatico contrasto di
sentimenti e in un appassionato approfondimento delle sensazioni. Anche in virtù delle forme che,
svincolate dalle cadenze e dai motivi obbligati, offrono una compiuta elaborazione del linguaggio
stilnovistico e gli consentono un'inedita dimensione immaginativa, si coglie, riproposta poeticamente,
l'interpretazione della vita di Cavalcanti. La donna, culmine di ogni bellezza sollevata in una regione ideale,
si pone al tempo stesso come limite estremo di un totale nulla, e la morte, colta alle soglie dell'ignoto,
appare come la condizione stessa dell'uomo. Esemplare è in questo senso la celebre ballata Perch' i' no
spero.
Cino da Pistoia fu amico di Dante, per la cui morte scrisse una canzone. Petrarca lo pianse in un celebre
sonetto (Piangete, donne). Raccolse la sua esperienza di giurista insigne nella Lectura in Codicem, nelle
Additiones ad Codicem e nella Lectura in Digestum, rimasta purtroppo incompleta. Sicuro e acuto nel
giudizio, sensibile a ogni sfumatura della norma giuridica, Cino da Pistoia si propone un fecondo ritorno
all'esame delle fonti piegandole però alle nuove esigenze della vita comunale e cercando di arginare
l'invadenza della glossa accursiana con uno spirito ormai lontano dal vecchio formalismo e tutto proteso
verso un nuovo umanesimo. Di Cino da Pistoia poeta ci restano 165 componimenti (20 canzoni, 134 sonetti,
undici ballate), oltre a una ventina di dubbia attribuzione, in massima parte amorosi (tra cui predominano
quelli per Selvaggia, forse Vaggia Vergiolesi), ma anche politici (scrisse in morte di Enrico VII), morali, di
corrispondenza. La sua poesia, che parte dallo stilnovo, prelude nella concezione dell'amore e
nell'inquietudine che pervade il suo verso al canto del Petrarca.

Capitolo 9. La poesia comica realistica in Italia

Contemporaneamente al Dolce Stil Novo si afferma una corrente che viene chiamata comico - realistica. Il
primo aggettivo è poiché questa poesia è scritta in stile comico, com’era allora chiamato lo stile umile in
opposizione a quello elevato o tragico, alto e più nobile. Il secondo definisce una poesia più aderente a
quella che deve essere la vera realtà o quella che sembra la vera realtà della vita borghese. All'idealismo
cortese degli stilnovisti questa poesia contrappone una rappresentazione più concreta della vita quotidiana.
La donna e l'amore sono presentati nell'aspetto sensuale. All'esaltazione della nobiltà d'animo si
contrappongono la ricchezza, il vino, la buona tavola, la vita gaudente e spensierata. È la poesia che
descrive la vita quotidiana della borghesia che ama le donne, il vino, i dadi, le taverne. È una poesia
scherzosa, a volte anche aspra, con spesso caricaturale. La rappresentazione dell'ambiente grossolano nel
quale si svolge la vita quotidiana nel Comune. Non mancano gli insulti contro le donne vecchie e brutte, gli
attacchi contro i nemici, e reciproci scambi d’insulti tra letterati. Gli autori, tuttavia, non sono persone rozze
o incolte e neppure così immediati e schietti come vogliono apparire, ma seguono anche in questo caso le
norme di un genere codificato che risale alla poesia goliardica medievale. Lo dimostra che in questo tipo di
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poesia si cimenteranno anche poeti stilnovisti come Guinizzelli, Cavalcanti e Dante. Il cosiddetto realismo
degli scrittori significa quindi che prevale in loro, e in queste poesie, un gusto giocoso, della caricatura, della
parodia, che riporta a una rappresentazione della realtà e dei rapporti umani povera da un punto di vista
morale ma più reale. È però importante la loro produzione dal punto di vista storico e culturale perché
riflette gli aspetti del costume della vita del comune. Quando questi poeti inoltre si descrivono come poveri
scialacquatori, dissipatori, persone moralmente e socialmente disadattate, se da un lato lo fanno per
rispettare le regole tradizionali di questo genere poetico, dall'altro vogliono indicare forse una sorta
d’insofferenza nei confronti dell'alta cultura ufficiale che si sviluppa in questo periodo. Tra i principali
autori di questa poesia, oltre alla produzione minore dei già citati stilnovisti, ci sono sicuramente figure
come il fiorentino Rustico Filippi e il senese Cecco Angiolieri.

Capitolo 10. La poesia religiosa del XI secolo in Italia

La poesia religiosa è un tipo di poesia tipica della religione cristiana nel periodo del XI secolo, ossia quando
si afferma la lirica italiana. Si sviluppa nell’Italia centrale, scritta, infatti, in volgare umbro. Il
componimento tipico è la lauda: ovvero una metrica semplice e schematica caratterizzata da elementi
ripetuti e ritornelli. Caratteristico di questo tipo di poesia è l'espressione della fede e/o l'insegnamento di
precetti fondamentali di essa, in ogni caso destinata a un pubblico vasto la poesia religiosa è considerata la
prima forma di letteratura italiana e sarà destinata a diventare la prima forma di teatro definita da dialoghi
presenti anche nel componimento poetico. Di questo movimento i massimi esponenti sono Francesco
d'Assisi (1182 - 1226) e Jacopone da Todi (1236 - 1306), entrambi di origine umbra.
Francesco D’Assisi:
è stato un religioso italiano. Fondatore dell'ordine mendicante che da lui poi prese il nome, noto per la
composizione del cantico di frate sole e sorella luna composto nel 1224 da San Francesco d'Assisi. Nel
cantico, secondo la tradizione del misticismo medievale, alla gioiosa esaltazione dell'onnipotenza
dell'Altissimo testimoniata nelle creature, si unisce il richiamo al memento mori e al giudizio eterno. Sintesi
di un'esperienza di vita e di pensiero già espressa nelle opere latine del santo, il Cantico di frate Sole è un
testo d’ispirazione non propriamente lirica ma etica e religiosa, che tuttavia assume incanto di poesia.
Jacopone da Todi:
Scarse e incerte le notizie sulla sua vita. Addottoratosi in legge, esercitò la professione di notaio e condusse
vita dissipata; nel 1268, in seguito alla tragica morte della moglie per il crollo di una sala durante una festa,
si convertì. La fama di Jacopone da Todi è legata alle Laude, che, pur avendo in comune con il genere della
lauda la forma metrica della ballata, sono il frutto di un'originalissima esperienza spirituale e culturale.
L'immagine di un poeta ingenuo e popolaresco, “giullare di Dio”, è un mito, ormai superato, della critica
romantico-positivistica e si è riconosciuta la matrice dotta, di origine mistica, della poesia di Jacopone da
Todi; permane tuttavia in lui un'aspra polemica contro la cultura, in antitesi netta e violenta con le forme
raffinate della civiltà cortese. Dallo sdegnoso rifiuto dei beni mondani nasce il cupo pessimismo con cui
Jacopone da Todi esamina l'infelice condizione umana, scegliendo gli aspetti più corposi e ripugnanti della
realtà e proiettando su di essi una luce violenta, mediante l'uso di un linguaggio duro e aggressivo. Al
pessimismo si congiunge però l'anelito appassionato a Dio, che si esprime caricando di una nuova tensione
drammatica il linguaggio tradizionale della poesia d'amore, fino al limite dell'excessus mentis e del balbettio
mistico. In questo alternarsi di lucidità e di follia, d’immagini corpulente e di toni ineffabili, il momento di
maggiore equilibrio è raggiunto quando Jacopone da Todi risolve il contrasto passionale in forma
drammatica, creando figure reali e autonome, senza residui soggettivi: ciò avviene in parte nello Stabat
Mater, in latino, e soprattutto nel sublime Pianto della Madonna, il più antico esempio di lauda
drammatica.

Capitolo 11. Bono Giamboni, Brunetto Latini e Ristoro D'Arezzo

Bono Giamboni giudice di professione, fu ottimo volgarizzatore dell'Arte della guerra di Vegezio e delle
Historiae adversum Paganos di Paolo Orosio, abilmente adattando il linguaggio alle esigenze terminologiche
e sintattiche degli originali. Gli si devono anche un libero rifacimento della Miseria humanae conditionis di
Lotario Diacono e forse un rimaneggiamento del Fiore di retorica di Guidotto da Bologna. Opera del tutto
originale è il Libro de' vizi e delle virtudi, noto anche come Introduzione alle virtù, romanzo allegorico e
didascalico scritto intorno al 1270, suddiviso in settantasei capitoli nei quali s’intrecciano due storie, la
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prima corrisponde al viaggio visione che il protagonista e autore del libro compie per la propria salvezza
spirituale, Bono, infatti, caduto in uno stato di sconforto incontra la Filosofia che lo consola per la perdita
dei beni materiali e lo esorta a intraprendere un viaggio in sua compagnia, alla metà del suo viaggio vede
radunata tutta la gente del mondo chi si trova divisa per i vizi che per le virtù. Brunetto Latini si dedicò
all'attività notarile e fu a capo del Comune di Montevarchi nel 1260. Nello stesso anno, con l’incarico di
ambasciatore dei guelfi fiorentini, fu inviato presso il re Alfonso X il Dotto di Castiglia, per chiedere il suo
aiuto alla vigilia della sconfitta di Monteaperti. Informato dal padre della condanna all'esilio mentre stava
tornando in patria, si stabilì ad Arras, in Francia, e poi a Parigi e a Bar-sur-Aube, esplicando la professione di
notaio e scrivendo le sue prime opere: il Tesoretto, il Favolello (Fablel), epistola in versi a Rustico di Filippo
sull'amicizia, la Retorica, volgarizzazione e rielaborazione di una parte del De inventione di Cicerone, e il
vasto Li livres dou Trésor in lingua d'oil. Il Tesoretto è un poema allegorico didascalico in volgare che Latini
lasciò incompiuto e che doveva costituire una specie di enciclopedia sul tipo del Roman de la Rose; resta,
con tutti i suoi limiti, uno dei primi documenti del volgare italiano. Fu quasi sicuramente, col Trésor, una
delle maggiori fonti d’ispirazione della Commedia dantesca. Il Trésor è certamente l'opera principale di
Latini: di carattere enciclopedico, è divisa in tre libri che spaziano in tutti i campi del sapere, dalla teologia
alla storia, dalla fisica alla geografia, all'agricoltura, all'etica, all'economia, alla retorica e alla politica,
attingendo a fonti diversissime, dalla Bibbia a Isidoro da Siviglia, a Orosio, a Pietro da Viterbo, a
Sant'Ambrogio, a Boezio. Tradotto in volgare toscano, ebbe anche due versioni poetiche e fu grandemente
diffuso. Ristoro d’Arezzo è autore di una delle prime opere a carattere scientifico in volgare, il trattato Della
composizione del mondo, descrizione dei vari aspetti del mondo con particolare attenzione alla geografia e
all'astronomia, compilato sulla base delle conoscenze scientifiche del tempo, di Aristotele e degli scienziati
arabi in particolare, ma fondato anche sull'osservazione diretta della natura.

Capitolo 12. Guido Faba e Dino Compagni.

Guido Faba, grammatico Bolognese (sec. XIII.) Dettatore di latino e autore di diverse opere di uso scolastico
(Dictamina rhetorica, 1226-27; Summa dictaminis, 1229), nella Gemma purpurea (trattato di epistolografia
in latino composto tra il 1239 e il 1248) e nei Parlamenta et epistole (1242-43) applicò per la prima volta le
regole dell'ars dictandi al volgare. È considerato il fondatore della prosa letteraria italiana di stile retorica
Dino Compagni iscritto all'Arte della seta, ne fu più volte console; priore nel 1289. L'opera letteraria di
Compagni ebbe inizio con sonetti e canzoni, tra le quali è famosa la Canzone del pregio. Gli fu anche
attribuito a lungo il poemetto L'intelligenza, ma la critica successiva non ha confermato tale paternità.
L'opera maggiore di Compagni è la Cronica delle cose occorrenti ne’tempi suoi (1310-12), storia precisa e
insieme drammatica degli avvenimenti fiorentini dalla pace del cardinale alla discesa di Enrico VII,
considerata il capolavoro della storiografia trecentesca. Giovanni Villani storico italiano (Firenze ca. 1276-
1348). Esercitò a Firenze la professione di mercante e prese parte alla vita politica (priore per tre volte tra il
1316 e il 1328). Avvicinatosi alla compagnia dei Bardi, fu travolto dal loro fallimento. Scrisse una Nuova
Cronica in dodici libri di cui i più interessanti sono gli ultimi sei, che trattano gli avvenimenti dal 1265 al
1348. D’impianto tradizionale e priva di nerbo, l'opera di Villani segue pedissequamente la concezione
enciclopedica e pedagogica della storiografia medievale, ravvivata solo dall'attenzione riservata agli aspetti
economico-finanziari della civiltà fiorentina contemporanea. La Cronica fu continuata, per gli anni 1349-63,
dal fratello Matteo (Firenze 1280/90-1363) e quindi dal figlio di questo Filippo (Firenze ca. 1325-1405).
La prosa narrativa il novellino: Si tratta di un’opera di circa cento novelle, composta verso la fine del
Duecento: in origine costituita da 123 novelle, è nota anche sotto i titoli di Libro di novelle e di bel parlar
gentile e di Cento novelle antiche. Nulla si conosce dell'autore, che mostra tuttavia consapevolezza artistica
e dà voce all'aspirazione, largamente diffusa nella classe mercantile dei Comuni, di assimilare il patrimonio
ideale della civiltà cavalleresca e feudale. Dedicata ai “minori”, cioè agli appartenenti ai ceti inferiori, la
raccolta celebra l'ideale della saggezza, incarnata soprattutto nella figura dell'imperatore Federico II, cui
sono dedicate diverse novelle.

Capitolo 13. La vita di Dante Alighieri.

Dante nasce a Firenze nel 1265, all'epoca la città era il principale centro economico e finanziario della
Toscana, ma era segnata da dure lotte tra varie fazioni:
 Ghibellini (sostenitori dell'impero)
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 Guelfi (sostenitori del papato)

Entrambi si contendevano il potere e ciò significava di volta in volta l'esilio di una delle parti. Dante
appartiene alla famiglia della piccola nobiltà studia a Firenze presso le scuole religiose. Per Firenze questo è
un periodo piuttosto burrascoso, infatti, vi era la lotta tra le fazioni dei Guelfi bianchi, riuniti attorno alla
famiglia dei Cerchi e dei Guelfi Neri cui fa capo la famiglia dei Donati, i primi erano difensori del popolo ed
era schierato il giovane Dante. Nel 1300 è eletto priore è ha un compito molto delicato, Papa Bonifacio XVIII
conta di ridurre Firenze sotto il proprio potere grazie anche all'aiuto dei Guelfi neri, e Dante viene inviato
presso il Papa per arrivare ad un compromesso, ma durante la sua assenza i neri si impadroniscono di
Firenze è Dante è costretto ad esiliare, condannato a morte in contumacia. L'esilio durò vent'anni e portò
Dante a girare presso le corti più importanti, infatti, lo troviamo presso i Dalla Scala, e poi presso Guido da
Polenta, dove morì nel 1321. Sposa Gemma della famiglia Donati è ha da lei almeno tre [Link] ora le
opere principali dell'autore.

Capitolo 14. La vita Nova e il De Vulgari Eloquentia di Dante

La vita Nova è una preziosa attestazione di quella che era stata la vita di Dante, dal libro infatti
apprendiamo i dettagli dell'evento cruciale che interessa la prima parte della vita del poeta e l' evento
importante quale l'incontro con Beatrice all'età di nove anni, evento non immaginario ma reale. Beatrice è
stata identificata come Bice figlia di Folco Portinari, dopo l'incontro all'età di nove anni segue
l'innamoramento quando Dante ha 18 anni ed infine la morte della donna nel 1290. La Vita Nova è almeno
in parte un'attendibile autobiografia. La decisione di raccogliere in un libello ovvero un piccolo libro di
piccole dimensioni risale ai primi anni novanta del duecento. Con la morte di Beatrice si chiude la prima
parte della vita di Dante, e infatti l'opera è il diario di questa fase o per meglio dire la vita anteriore di Dante
durante questa fase, diciamo che è un diario che possiede particolari caratteristiche tematico-formali infatti
vediamo che rispetto alle tradizionali autobiografie l'io è piuttosto che il protagonista dell’azione è il
testimone di eventi memorabili, infatti è per questo che alcuni studiosi hanno parlato di leggenda di santa
Beatrice , per quanto riguarda la forma invece la Vita Nova è un prosimetro ovvero contiene in se delle parti
in prosa e delle parti in versi, i capitoli in prosa sono stati composti dopo la morte di Beatrice e
commentano la poesia che Dante anni prima le aveva dedicato. La Vita Nova di cui parla Dante è la vita
iniziata dopo il primo incontro con Beatrice all'età di nove anni, dove notiamo nell'opera un analogo
riferimento al versetto dei salmi, ed è possibile che questo e altri avvenimenti biblici abbiano ispirato Dante
ad una rinnovatio. Per gran parte dei componimenti possiamo vedere che appartengono a quella fase di
Dante che si può definire come stilnovista, infatti, sono analoghe le somiglianze con altre opere di autori
stilnovisti quali: Cino da Pistoia,Guido Guinizzelli, Lapo Gianni. A metà circa del libro noi assistiamo per
tanto ad un cambio di materia ovvero, dal momento che Beatrice gli nega il saluto Dante decide di
rinunciare alla poesia preghiera e di rifugiarsi nella lode della donna amata, una lode diretta non tanto alla
bellezza della donna ma una lode diretta alle sue virtù morali. Il mito stilnovista della donna- angelo
immagine di Dio trova in queste rime in lode a Beatrice la sua formulazione più chiara. A sua volta la morte
di Beatrice costringe Dante ad un radicale cambio di tematiche e di materia, la seconda parte della Vita
Nova infatti, è occupata dalle tesi di lutto, egli infatti non si limita al plunch, ovvero al lamento bensì alla
commemorazione dell'amata.
Il De Vulgari eloquentia, scritto tra il (1303-1305). All'epoca di Dante la maggior parte delle opere veniva
scritta in Latino e la poesia in volgare era appena nata, e soprattutto era poco diffuso l'utilizzo del volgare
nella prosa, Dante compone il De vulgari come saggio sull'eloquenza, sulla lingua e lo stile volgare. Come
osserva Dante occuparsi del volgare non era una cosa semplice ed era un’impresa, tutto nuova, Dante per
tanto usa come lingua di composizione non il volgare ma bensì il latino, Dante infatti non si rivolgeva al
popolo bensì ai dotti a tutti quelli che con il loro esempio e con i loro scritti potevano dare una mano alla
formazione e alla diffusione di un volgare adatto alla comunicazione letteraria. L'opera è rimasta
incompiuta, l'autore aveva in programma altri tre libri, uno concernente la prosa mentre l'altro relativo a un
volgare mediocre, in altre parole alla lingua e allo stile adatto per un registro comico. Quello che pertanto
Dante cerca di definire è un volgare illustre raffinato nella forma e nel lessico che sia in grado di competere
con il latino come lingua della comunicazione colta, l'interesse dell'opera è legato oggi ai giudizi espressi da
Dante sulla letteratura, infatti, gli esempi di cui si serve per esporre la sua teoria linguistica ci aiuta a capire
cosa egli pensasse dei poeti del suo tempo. Quando infatti il poeta descrive come dev'essere fatto un verso
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egli cita poesie che debbano servire da modello, Dante inoltre risulta essere ben informato riguardo la
poesia non solo della sua regione ma anche di quella francese e provenzale, egli sente trovatori e trovieri
come parte della sua stessa tradizione, egli cita non solo per elogiare ma anche per criticare, tra i poeti
della corte di Federico II egli cita e apprezza : Guido delle colonne, Giacomo da Lentini, li loda in quanto
seppero allontanarsi dal rozzo del loro dialetto. Quello più apprezzato è senza dubbio Arnaut Daniel, lo
vediamo anche con il commosso omaggio che Dante offre nella commedia, definito come miglior fabbro del
parlar materno.

Capitolo 15. Il Convivio e La Monarchia di Dante.

Il Convivio, ovvero il banchetto di scienza offerto a chi per varie ragioni non si è potuto avvicinare al sapere
, viene scritto in lingua volgare tra il (1303- 1307). Dante in quest'opera, dimostra come il volgare possa
essere impiegato non solo per la poesia d'amore, come affermava per la vita nova ma anche per affrontare
temi e problemi di maggiore difficoltà e impegno, temi e problemi che prima di ora si erano sempre e solo
affrontati col latino. Il Convivio presenta la struttura di un commento, se nella Vita Nova Dante aveva
ripreso alcune delle sue poesie giovanili e le aveva inserite in una sorta di romanzo autobiografico
commentandole vediamo che qui Dante riprende alcune sue canzoni e dedica a ciascuna di esse un trattato
che spiega parola per parola e ne rileva il significato allegorico nascosto al di sotto della lettera.
Inizialmente il progetto era di scrivere quattordici trattati e quindi di analizzare quattordici canzoni ma
Dante scrisse solamente quattro trattati: il primo che fa da proemio e che illustra i principi generali
dell'opera e gli altri tre vanno a commentare diverse canzoni, anche il commento come le canzoni sono
scritte in volgare. Diciamo che la scelta della lingua ha dietro di se delle motivazioni più profonde, il latino,
infatti, sarebbe stato compreso da pochi giacché pochi sanno leggerlo, poiché, infatti, si spiegano dei testi
che sono difficili da capire la lingua avrebbe costituito un fattore di difficoltà di lettura e di comprensione,
ma c'è anche un altro fondamento quale, il volgare, era arrivato a un grado di elaborazione tale da poter
essere impiegato anche per i concetti più difficili.
I tre libri del trattato intitolato de Monarchia sono stati scritti dopo il convivio e precedono e
accompagnano almeno per un tratto la stesura della commedia, l'opera è un trattato di teoria politica in cui
intento principale, era di difendere l'autorità dell'impero contro le pretese temporalistiche della chiesa.
Negli anni dell'esilio di Dante, infatti, il conflitto tra la chiesa e il papato si era fatto sempre più acceso, e
soprattutto quest'opera riscontrò notevole successo anche dopo la morte di Dante e soprattutto con i laici
che si battevano sempre su questa suddivisione. La Monarchia di cui parla Dante non era il regime
monarchico nel suo significato generico bensì l'impero.
 il primo libro risponde alla domanda se è necessario l'impero per il buon ordinamento del mondo,
in altre parole per quella pace che Dante afferma, essere il sommo bene. La risposta è affermativa e
Dante per argomentarla si deve servire della filosofia di Aristotele.
 Nel secondo libro Dante si chiede se il popolo romano ha assunto legittimamente il potere
imperiale, è la risposta è che l'imperatore romano prevalse non grazie alla forza ma grazie al
disegno provvidenziale per volontà divina. La ragione e la fede dunque concordano
nell'assegnazione all'impero il pieno diritto sulle cose terrene.
 Nel terzo libro troviamo il tema più delicato ovvero quello che riguarda direttamente i rapporti tra il
papa e l'imperatore, Dante si chiede se l’autorità del monarca romano ossia dell'imperatore
dipenda da Dio oppure se derivi direttamente dal vicario di Dio ovvero il Papa, vale a dire
l'imperatore è sottomesso al papa, oppure le autorità stanno allo stesso piano? Era una materia
assai spinosa e Dante dunque decide di cambiare la materia nel terzo libro, e dia affrontare
soprattutto il problema della donazione di Costantino, il documento, dimostratosi poi falso con il
quale nell'epoca medievale l'imperatore Costantino I aveva lasciato la città di Roma e la parte
occidentale dell'impero nelle mani di Papa Silvestro. Dante inoltre, sostiene che:
1. l'impero non può essere considerato soggetto della chiesa perché esso è nato prima della
chiesa e quindi quest'ultima non è stata la causa
2. nulla e nessuno mia ha dato alla chiesa la virtù dell'autorità al principe romano ne leggi di
Dio né la Bibbia né alcun imperatore.
3. Gesù ha affermato che il suo regno non è di questo mondo intendendo dire che egli perché
esempio della chiesa non aveva cura del regno di quaggiù.
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Capitolo 16. Le epistole e le egloghe di Dante.

La lettera è nel medioevo un genere letterario definito da delle regole particolari illustrate in determinati
manuali, l'ars dictandi. Di Dante ci restano circa una dozzina di lettere, tutte scritte in latino, e tutte databili
negli anni dell'esilio dopo il (1300) quindi, la maggior parte di queste lettere si riferisce all'attualità politica
fiorentina, la lettera più importante è quella a Cangrande della Scala, dove Dante aveva risieduto nella città
di Verona, la lunga lettera era accompagnata da un dono, il Paradiso che Dante dedica al suo benefattore, la
lettera fornisce un'interpretazione sia della Commedia che del Paradiso, si tratta di una lettera in 33 capitoli
e si dibatte ancora per la paternità o meno di Dante, vi sono presenti inoltre due livelli di significato, il
primo: letterale stando al quale l'opera trattava delle anime dopo la morte e un secondo significato:
allegorico alla luce del quale il poema parla dei dell'uomo che per i meriti e i demeriti acquisiti col libero
arbitrio ha conseguito premi e punizioni da parte della giustizia divina.
Le Egloghe: La poesia di Dante è tutta in volgare, ad eccezione di due egloghe ovvero di sue componimenti
di ambientazione pastorale in esametri che Dante invia al bolognese Giovanni di Virgilio come risposta ad
altrettanti carmi latini. Dante nei suoi ultimi anni di vita nel (1319-1321), si trova a Ravenna ospite di Guido
Novello da Polenta, Giovanni invia a Dante una lettera in esametri in cui lo invita ad abbandonare il volgare
e a scrivere finalmente nella lingua dei dotti, il latino su tematiche ispirate alla cronaca contemporanea.
Dante risponde con un’egloga in cui dialogano due pastori, Mopso (Giovanni di Virgilio) e Titiro (Dante)
Titiro ricevuta la lettera di Mopso ne riassume il contenuto a un amico e ribadisce la propria fedeltà alla
lingua volgare. In un’egloga di risposta poi Giovanni di Virgilio ripete il proprio invito alla poesia latina e
prega Titiro- Dante di raggiungerlo a Bologna, Dante ripropone pertanto che preferisce i pascoli noti,
Ravenna, la poesia volgare e di non volerli lasciare per una nuova città, il latino, Bologna. Le egloghe sono
ricollegabili a quelle di Virgilio.

Capitolo 17. La Commedia di Dante.

Come prima argomentazione bisogna soffermarsi sul titolo dell'opera, commedia, sia i primi commentatori
che Dante la definiscono così, ed è strano che la storia di un viaggio ultraterreno sia chiamato commedia.
-Le ragioni del titolo: Sulle ragioni di questo titolo si è ampiamente discusso infatti vediamo che secondo
alcuni la commedia viene chiamata così in quanto scritta in uno stile medio, secondo la teoria quindi del
genere medievale, secondo altri invece il titolo è legato alla trama infatti se nella tragedia le cose iniziano
bene e finiscono male, vediamo che nella commedia le cose iniziano male e finiscono bene, ed è appunto il
caso di Dante dove una volta smarrito nella selva oscura e attraversato i due regni, risale in paradiso sino
incontrare Beatrice. L'inizio tragico dell'opera coincide con il 1300 quando il poeta ha trentacinque anni e si
ritrova smarrito, nel mezzo del cammino della sua vita. La commedia è il racconto del cammino che Dante
compie da questa selva fino ai tre regni ultraterreni: inferno, purgatorio, paradiso. Queste sono tre cantiche
con trentatré canti anche se il primo da trentaquattro perché funge da proemio dell'opera, ciascun canto è
diviso in un numero variabile di versi 130-150.
 Le guide: La durata del viaggio di Dante è di sette giorni ed egli non è solo, nell'inferno e nel
purgatorio fino alla porta del paradiso lo guida il massimo poeta latino Virgilio, simbolo della
ragione umana, Virgilio deve abbandonare Dante all'ingresso del Paradiso poiché non oltre può
arrivare la ragione non illuminata dalla fede (Ricordiamo che Virgilio, era nel Limbo, dove
risiedevano i non battezzati). Nel paradiso la giuda di Dante è la donna amata in giovinezza
Beatrice, che già nella Vita Nova era stata considerata un anima eletta , degna di stare dopo la
morte nel sommo cielo, diciamo quindi che le due guide hanno una diversa funzione in quanto è
Beatrice che si è mossa dal cielo e ha pregato Virgilio di aiutare Dante a uscire dalla selva in cui si
era perduto.
 L'inferno: L'inferno viene raffigurato da Dante come un gigantesco cono sotterraneo la cui base
coincide con la superficie del nostro emisfero boreale con al centro Gerusalemme, il cui vertice si
trova al centro della terra, a generare questa voragine fu la caduta dell'angelo che osò ribellarsi a
Dio, Lucifero, e tutta l'enorme massa di terra che si è spostata dalla caduta di Lucifero ha creato la
montagna del Purgatorio, alla sommità di questa montagna si trova il paradiso terrestre. I peccatori
infernali sono suddivisi in cerchi in ciascuno dei quali viene punito un determinato peccato, già
Aristotele nell'Etica Nicomachea aveva stabilito i vizi e le colpe di cui si può ,macchiare un uomo e
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Dante riprende in maniera fedele questo ordinamento, a mano a mano che si scende verso il
centro della terra vengono puniti i peccatori più gravi e le pene più crudeli. Nell'Antinferno, la zona
che precede la valle infernale sono puniti gli ignavi ovvero coloro che non seppero scegliere tra il
bene o il male durante la loro vita e sono pertanto respinti si da Dio che da Satana. In seguito
troviamo il Limbo, che ospita i morti non battezzati e qui, infatti, troviamo Virgilio, successivamente
troviamo gli Incontinenti, ovvero coloro che non stati capaci di frenare le loro passioni distribuiti in
4 cerchi: (lussuriosi, golosi, avari e prodighi, iracondi, accidiosi) poi eretici, violenti, fraudolenti,
traditori.
 Purgatorio: I peccatori sono distribuiti secondo lo stesso principio seguito dall'Inferno, anche se
troviamo due importanti differenze la 1) : mentre nell'inferno e anche il paradiso sono eterni il
purgatorio è considerato come luogo di transizione, destinato dunque a svuotarsi, in secondo luogo
vediamo che l'ordine è invertito infatti, si va dalla colpa più grave a quella più lieve fino a
raggiungere il paradiso terrestre.
 Paradiso: Non vi è una vera e propria gerarchia di beatitudini, infatti, tutti i beati vivono
nell'Empireo e contemplano Dio in un’eterna condizione di felicità, tutte le anime ricompariranno
nella rosa dei beati che nell'empireo gode di luce divina.
 Contrappasso: Nell'Inferno e nel Purgatorio, le pene sono inflitte per contrappasso, infatti, il
peccato è punito in modo tale che la sua pena ricordi la colpa commessa in vita o il vizio che ne
determinò il destino, vediamo ad esempio nel canto di Paolo e Francesca che come in vita furono
spinti dal turbinio della passione anche ora sono spinti incessantemente da un vento infernale.
 Realtà: La commedia è realistica per diversi motivi, in primo luogo perché attinge alla materia della
realtà storica e politica, infatti, vediamo ad esempio che ogni canto sei di ciascuna cantica è
destinato al tema politico e, infatti, in ognuno di questi canti riscontriamo degli episodi realmente
accaduti. In oltre un’altra considerazione molto importante è che l'opera è intessuta di letteratura,
vediamo, infatti, numerosissime fonti del passato.
 La forma: Nella Commedia Dante adotta una forma metrica di cui non si trovano prima di lui altre
attestazioni, si tratta infatti della terzina dantesca o terzina incatenata, una forma aperta e
allungabile a piacimento a seconda delle esigenze, lo schema è il seguente: ABA, BCB, CDC, DED,
EFE. Vediamo che ricorre la numerologia fissa del 3 numero sacro che richiama la trinità, ma la
terzina ha un insostituibile funzione narrativa in quanto consente di sviluppare il discorso in
maniera ordinata e omogenea e insieme evita la monotonia delle rime baciate.
 Il Linguaggio: La caratteristica saliente della commedia è la polarità e compresenza tra registro
basso e registro alto tra umile e sublime, infatti vediamo che mano a mano che saliamo verso il
paradiso partendo dall'inferno il registro linguistico si fa sempre più aulico, con l'utilizzo di termini
molto raffinati.

Capitolo 18. La vita di Francesco Petrarca.

Francesco Petrarca nacque ad Arezzo nel 1304, esiliato dalla città natale dopo la vittoria dei guelfi, trascorse
la sua infanzia tra Valdarno e Pisa, nel 1312 si trasferisce con la famiglia nella cittadina di Carpentras, studia
prima grammatica sotto la guida del maestro Convenevole da Prato poi diritto a Montpellier per circa un
ventennio abita a Valchiusa. Petrarca riceve la laurea poetica ovvero la corona d'alloro simbolo
dell'eccellenza nell'arte, nelle mani del re di Napoli Roberto d'Angiò, poi negli anni1343-1345 sarà ancora a
Napoli e in seguito sarà ospite di numerosi corti: a Parma presso Azzo di Correggio a Verona presso gli
Scaligeri, nel 1334 scrive a Papa Benedetto XII esortandolo riportare la sede pontificia in Italia a Roma dalla
sede di Avignone. Nel 1337 viene ospitato dai da Colonna ed è qui che si rende conto che è opportuno un a
rinnovatio, un rinnovamento, una rinascita, negli anni 40 segue con attenzione la vicenda di Cola di Rienzo il
quale tenta di portare a Roma un governo popolare che allontani dal potere le grandi famiglie
aristocratiche. Petrarca approva l'impresa di Cola e lo esorta a ristabilire l’antico Libertas Cola fallisce e fu
ucciso.
La personalità e le idee:
La maggioranza delle opere di Petrarca fu scritta in latino, il confronto con gli autori latini e i classici furono
una costante nella vita dell'autore, anche Dante e i suoi coetanei amavano i classici ma il caso di Petrarca è
differente. Sin dagli anni della giovinezza, infatti, colleziona gli autori latini quali Virgilio, Orazio,
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Cicerone, Seneca. Li studi e li esamina. Il culto dell'antichità greca e latina implica un giudizio severo sulla
cultura del tempo dell'autore. L'idea di cultura di Petrarca si fonda su due elementi fondamentali:
 La lezione umanistica dei classici, il recupero dei valori civili e morali della classicità del piacere
dell'eloquenza, della letteratura.
 La dottrina cristiana così come l'aveva codificata il Padre della Chiesa, Agostino.
L'incontro tra la classicità e il cristianesimo ha luogo per Petrarca sul terreno dell'etica nella ricerca e
definizione dei fondamenti morali dell'uomo, tutto ciò è evidente in due opuscoli della maturità. Le prime:
le invective contra medicum, invettive contro un medico, è una dichiarazione di superiorità delle cosiddette
arti liberali. Il secondo, de ignorantie, in cui Petrarca afferma la superiorità della filosofia morale sulle
scienze naturali e di conseguenza la superiorità dei grandi moralisti classici.

Capitolo 19. Le opere di Francesco Petrarca.

L'Africa è un poema latino iniziato a Valchiusa tra il 1338 e il 1339 mai portato a termine, Petrarca intende
rinnovare la grande tradizione dell'epica latina, per farlo sceglie di narrare non eventi contemporanei bensì
un episodio glorioso della storia romana, la vittoriosa guerra di Scipione contro i Cartaginesi, dalla prima
battaglia in Africa alla battaglia di Zama al rientro trionfale a Roma. L'africa restò incompiuta.
Il De viris illustribus doveva essere nel trattato, databile intorno agli anni 30, era una raccolta di biografie
dedicata alla vita d’importanti personaggi romani da Romolo Tito, anche quest'opera rimase incompiuta. La
descrizione della vita e delle gesta di uomini famosi è un luogo comune della storiografia medievale. Le
novità di Petrarca consistono soprattutto in tre fatti:
 Un diverso rapporto con le fonti erudite, nel senso che egli non si limita a ripetere quanto vi trova
scritto ma fa opera veramente critica di storiografo.
 Un atteggiamento laico di fronte ai personaggi ritratti, apprezzati e lodati più che per la loro
funzione provvidenziale per le loro virtù umane.
 Una rigorosa selezione quanto al genere dei biografi.
Rerum memorandum libri: Nel 1343 Petrarca avvia un'altra opera storiografica in latino meno impegnativa
della precedente, i fatti memorabili. Si tratta di una raccolta di aneddoti sul modello dei fatti memorabili
dello storico Valerio Massimo la materia degli aneddoti è tratta non solo come nel de viride dalla storia
romana, ma anche da quella contemporanea tra i fatti memorabili ci sono anche quelli di Roberto D'Angiò .
i limiti dell'opera sono chiari questo catalogo è troppo caotico e occasionale per avere un reale interesse
storiografico.
Secretum: Nella prosa latina del secretum Petrarca s’ispira alle confessioni di sant'Agostino e per la forma
ai dialoghi ciceroniani, mette in scena una conversazione immaginaria tra se stesso e Agostino al cospetto
della verità.
-Primo libro: funge da introduzione Agostino esorta Francesco a riflettere sulla morte e orientare la vita
verso il bene.-Secondo libro: Agostino passa in rassegna i peccati capitali richiamando l'attenzione su
Francesco su quelli che lo affliggono di più, soprattutto sulla lussuria o sui peccati tipici degli intellettuali.
Terzo libro: Agostino insiste sui piaceri della carne, l'amore per Laura sostiene Agostino ha allontanato
Petrarca da Dio, per quanto riguarda la letteratura è tempo che Petrarca abbandoni le opere laiche e passi a
meditare sui testi sacri. La carriera letteraria di Petrarca segue almeno in parte la direzione indicata nel
secretum.

Capitolo 20. Francesco Petrarca : le opere minori e le epistole

Sette Salmi penitenziali: preghiere intessute di citazioni bibliche in cui il poeta confessa il proprio
smarrimento, si confida con la misericordia divina.
De vita solitaria: elogio della solitudine e dell'otium intellettuale.
De otio religioso: recano entrambi chiari segni d’ispirazione cristiana, è un paragone tra la vita religiosa dei
monaci che hanno
rinunciato al mondo e le pene di chi come Petrarca è ancora [Link] Carmen:
presenza di autobiografismo, si tratta di dodici egloghe scritte tra 1346-1348 a più riprese rimaneggiate.
L’egloga pastorale è un genere ripreso dalla letteratura classica Petrarca, imita questo modello ma se ne
serve solo per parlare celando un velo metaforico allegorico di temi che lo riguardano profondamente
come l'amore per Laura. La datazione delle opere di Petrarca è sempre incerta, perché il poeta abbandona
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poi, riprende le sue opere in momenti diversi della sua vita. Petrarca fu uno scrittore prolifico, non solo
ritocca o riscrive bensì ne riscrive ex novo, alcune delle sue lettere sono scritte a personaggi non attuali ma
appartenenti alla storia antica come Sallustio, Seneca e Livio. In diversi momenti della sua vita Petrarca
riordina e riunisce le sue lettere, tutte scritte in latino:
24 libri delle familiares che raccolgono la parte più consistente della produzione epistolare petrarchesca, si
tratta di 350 lettere scritte tra 1325 e il 1361 che illustrano quasi giorno per giorno la vita e l'evoluzione del
poeta.
19 lettere del libro sine nomine senza nome così chiamato perché Petrarca tace il nome dei suoi destinatari,
furono scritte tra il 1342 e il 1358 e raccolte insieme al 1360, sono omogenee per tema e ispirazione vi si
parla soprattutto di questioni politiche e religiose.
66 Epistole in esametri latini risalenti all'anno 30,40,50 riunite dal poeta in tre volumi nel corso degli anni
60.
Libro delle seniles ovvero lettere della vecchiaia mai portato a termine dall'autore raccoglie 125 lettere
comprese tra il 1361 e l'anno della morte.

Capitolo 21. Francesco Petrarca: I Trionfi.

A Milano Petrarca inizia a lavorare ad un opera poetica in volgare che lo terrà impegnato sino alla morte, i
trionfi. Si tratta di un poema in terzine di chiara ispirazione dantesca, è una visione nel quale Petrarca cerca
di mettere in rassegna dei vari spiriti del passato dall'altro riflette sull'amore per Laura e sul suo destino
ultraterreno. Due elementi assicurano una fortuna dell'opera, i dati autobiografici che sono contenuti, e
l'unione di cultura classica e cultura cristiana. Articolato in sei, trionfi ciascun diviso in uno o più canti il
poema è il resoconto di una visione., in un giorno di Aprile il poeta si trova come il suo modello Dante
smarrito, il percorso che il poeta compie di qui in poi è scandito dall'incontro con una lunghissima schiera di
defunti illustri, Petrarca contempla per prima il triumphums cupidinis, il trionfo d'amore.
Il Canzoniere:
Nel corso della sua vita Petrarca raccolse più volte le sue poesie in volgare, di queste forme provvisorie del
canzoniere restano tracce nella tradizione manoscritta. Quello che noi chiamiamo canzoniere è la raccolta
definitiva, l'ultima volontà del poeta così come è consegnata nel manoscritto Vaticano Latino 3195,
parzialmente autografato e chiamato dal poeta: rerum vulgarium fragmenta. Il libro consta in tutto di 366
componimenti, 317 sonetti, 29 canzoni 9 sestine, il canzoniere non è però scandito in sezioni metriche così
come lo erano i libri di poesia nella tradizione anteriore di Petrarca, è suddiviso in due parti, la prima in vita
di Laura 263 testi e 103 testi in morte di Laura. Il canzoniere è certamente dotato di un inizio e di una fine e
un riconoscibile svolgimento, a rendere più visibile questa trama concorrono i cosiddetti temi di
anniversario ovvero scritti in anno in anno nelle ricorrenze del primo incontro del poeta e la donna amata, Il
canzoniere è il diario dell'amore di Petrarca per Laura diario che ha una svolta in un avvenimento tragico, in
altre parole la morte di Laura nel 1348, la celebre canzone alla vergine chiude il canzoniere su una nota di
pentimento che richiama quella con la quale il libro si era aperto. Il canzoniere inoltre ha anche una
componente militante ovvero si vede nei sonetti 136 137 138 noti come sonetti anti avignonesi perché
scritti contro la corruzione della curia papale. La poesia del canzoniere riprende quella della poesia siciliana
e degli stilnovisti fondando un classicismo, ovvero un modello che con successivi assestamenti e modifiche
si imporrà per secoli ai poeti italiani ed europei. L’amore dei trovatori e dei poeti del 200 era un sentimento
recitato in pubblico, una sorta di rappresentazione delle convenzioni cortesi in cui i sentimenti dei poeti
avevano poca parte. Petrarca invece interpreta la lirica d'amore come ancora a noi oggi è familiare, si
confessa, narra una reale esperienza d'amore in totale solitudine senza porsi il problema del pubblico. Il
classicismo di Petrarca riguarda soprattutto il linguaggio della lirica, con l'avvento del petrarchismo non vi
sarà più spazio per gli sperimentalismi, la lingua di Petrarca è omogenea e compatta nei toni evita i
tecnicismi Petrarca opera sulla medietà, il modello linguistico cui per secoli si adegueranno i poeti italiani

Capitolo 22. La vita di Giovanni Boccaccio

Boccaccio era figlio di un ricco mercante fiorentino, la sua nascita è dubbia tra Certaldo e Firenze nel 1313,
in un primo soggiorno napoletano presso dei noti banchieri dell'epoca, i Bardi, Boccaccio non sembra
seguire le orme del padre, si noterà subito l'interesse per le lettere. In quest’ambiente aristocratico pare
avesse conosciuto la donna che successivamente nelle sue opere ribattezzerà col nome di Fiammetta, gli
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anni napoletani per il poeta saranno decisivi non solo per lo sviluppo delle tematiche che presto saranno
riscontate all'interno delle sue opere bensì anche per gli incontri con dei letterati dell'epoca quali: Cino da
Pistoia e il frate agostiniano Dionigi da Borgo Sansepolcro. Da costoro Boccaccio impara il nome e le lezioni
di Petrarca che incontrerà personalmente pochi anni dopo. Conclusa la collaborazione tra il padre del poeta
e la famiglia Bardi tra il 1340 e il 1341 rientra a Firenze, dopo aver composto i suoi primi lavori nel 1360,
prende gli ordini sacri, questa conversione segna soprattutto un distacco dalle opere letterarie giovanili,
ritiratosi a Certaldo, muore nel 1375, un anno dopo Petrarca. Le opere anteriori al Decameron:
A Napoli, nella seconda metà degli anni 30 il poeta tenta di lavorare a tre opere in volgare: il Filocolo, il
Filostrato, Teseida.

Capitolo 23. Giovanni Boccaccio: le opere.

Il Filocolo:
un lungo romanzo scritto nel 1336-38, il titolo significa, fatica d'amore, il poeta narra attingendola dalla
letteratura francese la vicenda di Florio e di Biancifiore , storia contrastata tra i due amanti,. Rispetto
all'opera francese diciamo che il poeta opera delle modifiche che fanno del romanzo un vasto contenitore
delle più disparate genealogie letterarie., particolarmente importante è l'episodio della questione d'amore
Il Filostrato:
un poema in ottave ( strofe di 8 versi endecasillabi a rima ABA- BABCC) ispirato alla historia di Guido dalla
Colonne, la storia narra l'amore di Troilo e Criseide sullo sfondo della guerra di Troia , amore tragico poiché
Troilo tradito si getta in un duello disperato con Achille e viene ucciso., il filostrato è stato definito un
contro Filocolo, se infatti il Filocolo è il poema dell'amore solido che vince ogni ostacolo, questo invece non
lo è, scende a compromessi con la realtà.
Teseida:
compone il poema in volgare, rinnovando la tradizione dell'epica scegliendo come soggetto non un grande
tema della storia romana ma un oscuro episodio della mitologia greca , le gesta di Teseo duca di Atene e le
avventure di due nobili tebani Arcita e Palermone entrambi innamorati dell'amazzone Emilia
Commedia delle ninfe fiorentine:
la commedia è un prosimetro,mista tra prosa e poesia che narra di come il pastore Ameto,incontarte
alcune ninfe nel bosco si sia fermato ad ascoltare il loro canto, e si innamorò di una di loro chiamata Lia.
Ameto si unisce a loro e dopo un bagno purificatore vede Venere, tale visione segna il passaggio da animale
bruto a uomo. Diciamo che l'Ameto nasconde due possibili chiavi di lettura:
-La prima: Da una parte è stato osservato che la storia del rozzo pastore ingentilito da Amore
prefigurerebbe quella dell'umanità passata dalle barbarie primitive all'umanità
-La seconda: dall'altra parte così come in altre opere Boccaccio si compiace di dare ai personaggi del
racconto fattezze e crateri propri di altrettanti reali cittadini di Firenze.
L'amorosa visione:
è un poema in terzine di chiara ispirazione dantesca, la commedia infatti favorì ai successori di Dante delle
opere simili, smarritosi come Dante in un luogo deserto, l'autore che è anche l'io narrante viene soccorsa
da una donna gentile, e scortato fino ad un nobile castello, davanti a lui si aprono due porte, una larga e
una stretta, il protagonista sceglie quella larga che rappresenta la mondanità preferendola a quella stretta
rappresentante le virtù, sotto la guida delle donna gentile entra in un ampia sala del castello dove
contempla le scene affrescate nelle pareti, la cui descrizione occupa buona parte del poema, finita la
descrizione l'autore abbandona la donna guida ma ritrova in uno splendido giardino la donna amata,
fiammetta, con questo incontro termina la visione, il poeta si risveglia e apprende che lo attende un altro
viaggio attraverso la porta stretta, la virtù. L'opera presenta oltre che difficili chiavi di letture, delle tecniche
molto abili della scrittura boccacciana.
L'elegia di madonna Fiammetta:
databile ai primi anni fiorentini, 1343,1344, ci offre una sorta di romanzo psicologico, grazie al monologo
della protagonista, abbandonata da Panfilo che si è recato a Napoli, Fiammetta racconta alle donne
innamorate, in forma di lettura il suo dolore, anche per quest'opera non mancano le fonti letterarie, ad
esempio lo troviamo anche in Ovidio.
Ninfale Fiesolano:
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sullo sfondo campestre di Fiesole, vicino a Firenze, il pastore Frico s’innamora della ninfa Mensola e dopo
vari inseguimenti riesce a ottenerla, ma l'amore tra i due è vietato da Diana, perciò Africo si uccide e
Mensola viene trasformata nelle acque di un fiume il figlio nato da i due Pruneo sarà tra i fondatori di
Fiesole e da lui avrà origine una delle più nobili famiglie fiorentine.
Genealogiae deorum gentilium:
opera composta da 15 libri che comprendono l'intero patrimonio della mitologia pagana, negli ultimi due
libri egli svolge un'appassionata difesa della poesia, infatti il poeta dice che studi quali la medicina, il diritto
sono finalizzati solamente al guadagno, non hanno come fine proprio il progresso umano come le lettere e
la teologia De mulieribus Claris; De casibus virorum illustribus;

Capitolo 24. Il Decameron di Giovanni Boccaccio.

Boccaccio, lavora alla sua opera poco dopo la peste nera del 1348. Il nome è dato dall'unione di due parole
greche, Decameron, dieci giornate, il libro fu ultimato nei primi anni 50. La trama nella quale le novelle
sono inserite è molto semplice, nel 1348, la peste nera aveva invaso Firenze e l'introduzione al libro
descrive, infatti, quanto accaduto. In un clima di devastazione di sgretolamento dei rapporti più solidi come
la famiglia, dieci giovani decidono di abbandonare la città per evitare il contagio e le loro ville situate fuori
nelle campagne saranno il rifugio, di questa allegra brigata. La cornice del Decameron è quella in cui
l'autore parla in prima persona, e in cui sono incastonate le novelle, i giovani scelgono ogni giorno un re e
una regina che fissa modi e tempi delle attività quotidiane, suonano, cantano ma soprattutto raccontano
delle novelle, una ciascuna per dieci giorni, tranne il venerdì e il sabato, per un totale di cento novelle. La
cornice è l'artificio che permette di saldare insieme le novelle, non è un'invenzione di Boccaccio, essa è ben
nota nella tradizione indiana e araba, ad esempio nelle mille e una notte. La differenza tra la cornice
dell'opera di Boccaccio e quella delle storie arabe è evidente, in quelle indiane, infatti, la cornice è un
semplice artificio, un pretesto che non ha altro scopo se non quello di fare da filo conduttore fra gli esempi
raccolti nell'antologia. In Boccaccio invece la cornice ha un ruolo molto importante, infatti, non è
semplicemente lo sfondo ma un vero e proprio motore narrativo. Gli argomenti delle novelle sono descritti
nel proemio, amore e fortuna sono le tematiche più frequenti all'interno delle novelle. Le quattro e le
cinque giornate sono quelle consacrate alle imprese d'amore, il secondo tema, la fortuna va inteso nel
senso ovvero come destino, factum, diciamo che oltre l'amore e la fortuna si aggiungono altre due
tematiche importanti come il motto, che da l'argomento della sesta giornata, e la beffa, che è al centro
delle novelle dell'8 giornata, la maggior parte delle novelle ha lo scopo di far ridere come ad esempio la
novella di ser Ciapèlletto, parte delle novelle si ispira a tematiche attinenti al mondo antico, ma
l'importanza del Decameron è da vedere soprattutto nell'utilizzo di tematiche che rispecchiano i costumi
contemporanei, infatti è proprio con queste novelle che entra nella letteratura italiana la realtà umana, veri
cittadini, veri borghesi, situazioni reali. Per quanto riguarda lo stile dovremmo parlarne al plurale, infatti, il
Decameron contiene in se numerosi stili, e il linguaggio si adegua ai vari registri, alle tematiche e alle
situazioni. Una figura ricorrente è quella dell'omeoteleuto, una figura fonica. Vedi corso monografico figure
retoriche).
Opere posteriori al Decameron:
Dopo il Decameron Boccaccio abbandona le favole e le proprie poesie in volgare abbiamo:  Corbaccio
(o Laberinto d'amore);  De Genealogiis deorum gentilium (Genealogie degli Dei pagani - 1350-1368);
Trattatello in laude di Dante; De mulieribus claris; Esposizioni sopra la Comedia.

Unità 2: Il Quattrocento.
Capitolo 1. Caratteristiche principali dell' Umanesimo.
L’umanesimo è il periodo compreso tra due date rappresentative, il 1375 e il 1494, la prima data
rappresenta l'anno della morte di Giovanni Boccaccio diciamo che con la morte di quest'ultimo si chiude
una fase della letteratura che lascia, spazia all'epoca che il grande filosofo Benedetto Croce ha definito:
senza poesia. Il 1494 è l'anno in cui Carlo VIII scende col suo esercito in Italia alla conquista del regno di
Napoli. L'Italia diviene terra di conquista. Sotto il profilo storico culturale, il 400 è il secolo dell'umanesimo,
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fenomeno che nasce in Italia, ma investirà la cultura di tutta l'Europa, vi fu un richiamo alla lezione degli
antichi allo studio e alla ricerca dei classici, diciamo che per quanto riguarda il termine, L'umanesimo è un
termine abbastanza recente che è stato coniato nel XIX secolo all'interno di un progetto scolastico che
mirava a salvaguardare l'argomento delle discipline classiche. Il termine umanista nasce invece nel 500 per
indicare gli insegnanti di materie classiche. Diciamo che alla base di questo termine sta quello utilizzato da
Cicerone: studia humanitatis, che significa letteralmente lo studio inteso al perfezionamento integrale dello
spirito umano. Gli studia humanitatis ovvero le discipline letterarie e in particolare la letteratura classica
sono il cardine di questa evoluzione integrale, si fondono pertanto i valori quali, la conoscenza e la
riscoperta degli antichi, l'apprezzamento del bello. L’umanesimo pertanto non si sviluppa come un
fenomeno omogeneo, infatti, abbiamo:
 Umanesimo come studio delle lingue classiche;
 Umanesimo come riscoperta delle opere della classicità greca e latina;
 Umanesimo civile;
 Umanesimo come moda.
Alla base del culto umanistico per l'antico sta l'esaltazione della lingua della classicità, prima del latino e poi
del greco. Secondo Lorenzo Valla nella sua opera elegantiarum linguae latinae, si legge un'esaltazione della
lingua di Roma, la quale ha dato i contributi più notevoli per la storia dell'umanità. Il latino ha educato i
popoli e li ha dotati di leggi migliori si è imposto sui popoli non con le armi ma con i valori. Il culto del
greco e del latino si associava al bisogno di conoscere i testi che in quelle lingue erano stati scritti, testi che
in larga parte erano chiusi e dimenticati. Esponente di grandi scoperte in questo campo fu:

Capitolo 2. Gli Umanisti Poggio Bracciolini e Giovanni Aurispa

Poggio Bracciolini riportò alla luce le grandi opere latine, infatti, grazie ai suoi numerosi viaggi visitò
biblioteche ancora inesplorate e varie abbazie come Cluny, Fulda, dove scopri otto nuove orazioni di
Cicerone, il testo completo dell'arte oratoria di Quintilianeo e il poema sulla natura di Lucrezio.
Giovanni Aurispa tornò da Costantinopoli con circa 250 manoscritti contenenti dialoghi di Luciano, e le
argonautiche di Apollonio Rodio e le commedie di Aristofane. Successivamente nel corso del 400 è riemersa
la Poetica di Aristotele. La riscoperta delle opere della classicità costituì solamente il primo passo, il
secondo fu quello di interrogarsi se il testo scoperto era l'originale, se fosse stato copiato bene o alterato
da errori, insomma nasceva la Filologia, la disciplina che si occupa della ricostruzione del testo originale di
un opera tra coloro che operarono in questo settore abbiamo:
 Angelo Poliziano
 Ermolao Barbaro
 Leonardo Bruni: Cancelliere e umanista come Salutati, non appena si fece risentire la minaccia
viscontea elaborò in greco una costituzione repubblicana di Firenze e celebrò la città come novella
Roma e come novella Atene, scrisse: historia fiorentini populi , le storie fiorentine, un momento
grandioso di virtù repubblicana di Firenze.
 Lorenzo Valla: nel 1440 scrisse e pubblicò un opera che è rimasta emblematica nella cultura
umanistica: “De falso credita et ermentia Costantini” , l'umanista dimostrava la falsità della
donazione di Costantino su cui il papato fondava la veridicità, diciamo che nessuno fino ad ora
aveva mai messo in dubbio la veridicità dell'opera .
 Niccolò Nicoli: collezionista di antichità e di grandi libri.
In conclusione possiamo dire che l'umanesimo riscopre l'uomo esaltandolo nella forza intellettuale, nella
volontà creativa e nello spirito laico, l’essere umano per molti umanisti è al centro dell'universo, e il suo
requisito più importante il libero arbitrio, in altre parole la facoltà di esercitare l'individuale autonomia, lo
rende capace di modificare il mondo attorno a se, l'uomo inoltre è Faber Ipsus fortunae, in altre parole
artefice del proprio destino.

Capitolo 3. 1400: Contesto storico e politico Italiano

Nel 1440 la penisola si trova organizzata da piccoli centri in mano ai grandi proprietari terrieri il patriziato e
l'antica borghesia mercantile arricchitosi con i commerci e con lo sfruttamento delle campagne stavano
prendendo piede soprattutto in questo periodo. È in questo periodo che avviene la nascita e la creazione di
nuove corti, da parte delle famiglie che avevano acquistato maggior potere, all’interno di queste corti come
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in passato risiedevano e svolgevano le loro attività i poeti con la funzione fondamentale della loro poesia
che era soprattutto quella di nobilitare le origini dei signori. E il caso della corte di Lorenzo il Magnifico in un
primo momento, favorendo un circolo di artisti tra cui anche Pulci, nel 400 dunque le corti diventano tataro
di decisioni politiche sociali e culturali, divenne pertanto indispensabile questo modello delle corti per lo
sviluppo della cultura e la realizzazione di grandi opere. Per questo motivo parliamo in questo periodo di
cultura delle corti. La prima codificazione della vita di corte la riscontriamo in:
Baldassarre Castiglione:
nel suo libro, del Cortigiano destinato a una grande fortuna europea, in questo libro sono esaltati i valori
culturali fondati sulla raffinatezza raggiunta nelle corti del 500.
Troviamo pertanto in questo periodo una suddivisione tra:
 arti liberali: attinenti alla sfera dell'elaborazione teorica e del puro intelletto;
 arti meccaniche: attinenti alla sfera pratica delle attività manuali.

Capitolo 4. L'invenzione della stampa nel 1454.

In questo periodo è importante ricordare un fenomeno importante come l'invenzione della stampa a
caratteri mobili, che determina il passaggio dal manoscritto al libro stampato. L'invenzione è attribuita a
Johann Gutenberg che stampò a Magonza nel 1454 una Bibbia latina, i caratteri mobili sono lettere in
genere di metallo che venivano accostate per comporre le parole di una pagina , in seguito si versava del
piombo fuso sulla lastra e si ricavavano molte copie identiche dello stesso carattere. I libri stampati fino al
1499 erano chiamati incunaboli, termine che deriva dal latino e sta a significare cose che si mettono nella
culla, indica quindi i volumi che erano sorti nella fase prenatale della stampa.
Le concezioni filosofiche e scientifiche dell'umanesimo:
Le dottrine umanistiche portarono a una nuova riflessione sulla natura, collocando l'uomo al centro
dell'Universo, diciamo che in questo periodo la natura iniziò a costituire un grande campo della ricerca e
bisognava soprattutto riappropriarsi delle nozioni degli antichi. Il 400 è il secolo in cui si legge nuovamente
illustri scienziati greci come Archimede, Tolomeo, Strabone. Il 400 è dal punto di vista filosofico il secolo
della riscoperta del filosofo greco Platone e del neoplatonismo ovvero dell'interpretazione e della
rielaborazione del pensiero platonico, si fece carico di questa impresa:

Capitolo 5. Il pensiero filosofico di Marsilio Ficino.

l'uomo che dominò la vita di Firenze dalla morte di Cosimo fino alla discesa di Carlo VIII, il pensiero di
Ficino era esposto nella theologia platonica, la sua opera maggiore, in 18 libri, è il testo nel quale si
identifica il pensiero filosofico del 400, secondo Ficino infatti al vertice troviamo Dio e da lui vi sono a
catena tutte le cose esistenti che a lui aspirano a ritornare, la vera vita per Ficino è quella contemplativa
ovvero quella del pensiero e delle idee . Ficino inoltre è stato il primo ad usare il termine amore Platonico ,
che è per lui l'Amore per Dio e si identifica in amicizia e carità. All’interpretazione del pensiero platonico si
affiancarono nel corso del XV le riletture e la rielaborazione dei testi di Aristotele gli aristotelici davano
importanza all'indagine della natura. Il maggior esponente dell'aristotelismo del 400 fu:
Ermolao Barbaro:
il quale tradusse la Retorica di Aristotele, tentando di emancipare le opere del filosofo greco dai commenti
della scolastica araba, e ripristinare i contenuti originali.

Capitolo 6. Il 400 letterario italiano.

Il 400 dal punto di vista della letteratura è un secolo ecclettico e versatile, questo secolo di sperimentalismi
è caratterizzato soprattutto dal bilinguismo, l'amore per la scrittura e la riscoperta dei classici indussero i
poeti a scrivere nella lingua di Roma, alcuni di loro scrissero solamente in latino, chiamati dunque umanisti
esclusivi come ad esempio Poggio Bracciolini, Lorenzo Valla Giovanni Pico della Mirandola. Altri invece
investiti appunto dallo sperimentalismo scrissero in latino e in volgare, assumendo il nome di bilingui, così
Leonardo Bruni tradusse in latino Platone e Aristotele, Poliziano compose le Stanze in volgare ma scrisse in
latino i Miscellanea. Il latino domina indiscusso come lingua colta e letteraria fino agli anni 40 da quel
momento in poi centro di propulsione della rinascita in volgare. Due sono gli eventi che segnano questo
passaggio:
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 1441, Leon Battista Alberti, organizza il certame coronario, una gara di poesia in lingua volgare.
 1447, Lorenzo de Medici fa allestire la cosiddetta raccolta aragonese antologia di 449 rime volgari
antiche e contemporanee.
Fuori dall'ambito letterario il latino e il volgare occupano spazi completamente opposti, il latino rimase la
lingua della scienza, della filosofia, diritto e di tutti gli atti della chiesa, mentre il volgare rimase
prevalentemente lingua d'uso sebbene forte fosse la tendenza ad ampliare l'area della sua applicazione.
Una caratteristica fondamentale della letteratura del 400 è che è essenzialmente letteratura di corte.

Capitolo 7. La poesia nel periodo umanistico e i maggiori esponenti.

Nel periodo umanistico si svilupparono numerosi filoni nell'ambito della poesia lirica, sia in latino sia in
volgare, si riscontrano pertanto i primi tentativi d’imitazione del modello petrarchesco con forti differenze
tematiche e stilistiche, anche la poesia pastorale gode di un ottimo successo anche se un genere che
riscontra molta importanza in questo periodo è il poema cavalleresco,. la diffusione dei poemi cavallereschi
ed epici in ottave era già iniziata tempo fa verso la metà del 300i temi sono fondamentalmente quelli
dell'epica classica. In questo periodo è collocabile una raccolta di rime che risulta essere molto importante,
scritte da:
Giusto de Conti:
nato a Roma intorno al 1390, il canzoniere dello scrittore è intitolato “La bella mano”, e narra la storia
d'amore del poeta per una certa Isabetta identificata come Isabella Bentivoglio andata in sposa a un giurista
bolognese, vi è nell'opera di Giusto una forte aderenza all'opera di Petrarca benché l'esito finale del
racconto sia differente, infatti, la donna non muore ma semplicemente sceglie un altro. La poesia pastorale
o bucolica nasce con il poeta greco Teocrito autore di trenta idilli, il genere acquisisce una fama notevole
grazie alle bucoliche di Virgilio, con Virgilio la poesia pastorale trova spazio con le egloghe componimento
lirico di ambientazione pastorale e agreste dopo varie sperimentazioni tra Dante, Boccaccio e Petrarca tra la
fine del 300 e l'inizio del 400 trovano:
Francesco Arzocchi:
diede all'egloga una fisionomia particolarissima che avrebbe mantenuto fino al 500, quella di testo
polimetrico composto da metri diversi e significato oscuro e di difficile interpretazione.
Leonardo Giustinian:
operò una forma particolarissima di lirica, poesia amorosa semplice e limpida nella quale i versi popolari
sono espressi in un linguaggio colto e raffinato.
Burchiello:
opera un esempio di lirica molto lontana dal modello petrarchesco, nato a Firenze nel 1404, il poeta scrisse
una serie di sonetti che non furono mai raccolti dall'autore in un canzoniere, ma circolarono sparsi. Diciamo
che il Burchiello fa un tipo di poesia tutta particolare la sintassi è fortemente impeccabile e accostamenti
improbabili.
Lorenzo il Magnifico:
oltre che mecenate e sostenitore di scrittori fu poeta e sperimentò generi diversi scrisse infatti un raffinato
canzoniere, dove si colgono gli influssi della lirica di Petrarca , sono rimaste anche alcune ballate come
quelle di “ Bacco e Arianna” e “quant'è bella giovinezza”, poi si ricorda anche il suo componimento in
ottave, la Nencia di Barberino, con una forte componente parodica che esaltavano la vita
32. La lirica latina e la prosa del 400
Della lirica latina del 400 ci rimangono solamente centinaia di raccolte di elegie che cantano amore,
passione, rivalità e amicizia, una particolare menzione merita, infatti :
Panormita (Antonio Beccadelli):
compone “l'hermaprhoditus”, spregiudicata raccolta di epigrammi dedicati a Cosimo de Medici.
La prosa:
Antonio di Tuccio Manetti:
autore della novella del “Grasso Legnaiolo”, e anche di una “Vita di Filippo Brunelleschi”, in cui racconta di
uno scherzo organizzato da Filippo Brunelleschi ai danni dell'artigiano il Grasso.
Masuccio Salernitano:
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A Napoli nell'ambiente della corte aragonese opera uno dei maggiori narratori del periodo , Masuccio
Salernitano , autore di una raccolta di 50 novelle, dal titolo “Novellino”, nato a Salerno intorno al 1410 fu
segretario di Roberto Sanseverino, dopo la morte di quest'ultimo non fu riconfermato e scrisse dunque una
desolata pagina del Novellino. L'opera fu stampata postuma a Napoli nel 1476, ma le singole novelle
circolarono a lungo sparse, la raccolta risente della lezione di Boccaccio per almeno due aspetti:
 Il Novellino si apre con un prologo e si chiude con un parlamento de l'autore al libro suo. Ed è
composto da 5 parti, dedicata ognuna ad un argomento e formata da 10 novelle(ecco quindi la
somiglianza con l’opera di Boccaccio)
 La differenza maggiore con l'opera di Boccaccio e che mentre quest'ultimo scrisse il Decameron
poco dopo l'avvento della peste nera, quindi vi è una cornice, nell'opera menzionata non troviamo
nessuna situazione per cui l’autore la scrisse e tantomeno non troviamo nessuna cornice. Il legame
nelle novelle è dato dall'impressione dell'autore di volta in volta.
Francesco Colonna:
dotto frate domenicano, scrisse, “hypnerotomachia polibi”, la battaglia d'amore in sogno di Polifilo, l'opera
narra il sogno durante il quale il protagonista maschile dopo essersi perduto in una selva, raggiunge la
donna amata e insieme con lei visita la reggia di Venere.
San Bernardo da Siena:
un francescano che percorse gran parte dell'Italia a piedi e divenne molto popolare, nelle sue
prediche si possono cogliere numerosi riferimenti alla teologia medievale e all'esegi della biblica.

Capitolo 8. Leon Battista Alberti.

Leon Battista Alberti nasce a Genova nel 1404 grazie alla laurea in diritto canonico entra in contatto con la
curia papale dove prende gli ordini grazie ai benefici ecclesiastici e si libera delle preoccupazioni
economiche. In seguito dopo aver girato numerosi luoghi con la curia papale resta a Firenze divenendo
amico di Poggio Bracciolini, Filippo Brunelleschi, Donatello e nel 1441 si fa promotore del cosiddetto:
certame coroniano una gara di poesia in volgare, nel 1443 lascia Firenze e si stabilisce a Roma, gli anni
successivi lo vedono impegnato in numerosi viaggi, ma infine muore a Roma nel 1472. Tra le sue opere
ricordiamo: i libri di famiglia: Un trattato in forma di dialogo composto da un prologo e da 4 libri. Alberti
dice di aver scritto i primi tre libri del trattato a Roma, diciamo che i personaggi di questo trattato sono vari
esponenti della famiglia Alberti, che dialogano e questi dialoghi sono svolti a Padova nel 1421 intorno al
letto di malattia di Lorenzo padre dello scrittore, l'opera si apre con un prologo nel quale Alberti dedica il
trattato ai giovani della sua famiglia:
 il primo libro è dedicato al rapporto tra padri e figli
 il secondo libro vede dialogare padre e figlio sul valore del matrimonio e della famiglia,
 il terzo libro si parla di economia domestica,
 nel quarto libro tratta dei rapporti della famiglia col mondo esterno.
Diciamo che la famiglia descritta da Alberti è quell’intesa come unità indipendente e autarchica formata dal
padre dalla madre e dai figli e la servitù.
Il de commodis litterarum atque incommodis:
Nel quale Alberti descrive il ruolo degli intellettuali nelle società e le difficoltà di inserimento che essi
incontrano. Scrive inoltre delle brevi poesie latine.
De pittura ovvero il primo trattato sulla pittura della nostra letteratura. La grammatica della lingua toscana:
Che rappresenta la prima grammatica del volgare. Infine scrive: la de edificatoria, dove fornisce tutte le
caratteristiche tecnico scientifico per la costruzione di un edificio.

Capitolo 9. Luigi Pulci.

Luigi Pulci nasce nel 1432, già nella sua prima giovinezza inizierà a comporre l'opera per cui deve la sua
fama, il Morgante, dopo un periodo turbolento, l'anno 1473 è l'anno della svolta poiché il Pulci passa al
servizio del condottiero Roberto Sanseverino, diciamo che più avanti i tempi ormai erano cambiati il clima
infatti verteva soprattutto sullo studio dei classici la filosofia platonica, insomma non era la sua materia.
Muore nel 1484. Tra le sue opere ricordiamo:
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Il Morgante: un poema cavallersco di ventotto cantari in ottave per un totale di oltre tre mila versi, il testo
ha una struttura solo parzialmente unitaria, infatti, risulta dall'affiancamento di due poemi diversi.
 Il primo di ventitré cantari fu stampato a Firenze nel 1478,
 il secondo in cinque cantari fu stampato sempre a Firenze.
il Morgante prende il nome da quello che è il personaggio della prima parte del poema, si tratta di un
gigante pagano a suo tempo sconfitto dal paladino di Carlo Magno Orlando e quindi convertito al
cristianesimo, Morgante va in contro a una serie di avventure, diciamo che la fonte con la quale si sia
ispirato Pulci risulta essere il cantare intitolato Orlando scritto intorno al 1450 per la seconda parte invece il
Pulci ha seguito un altra via ovvero quella di una versione della Spagna il poema delle imprese iberiche di
Carlo Magno, diciamo che è stato definito il poema della dismisura poiché:
 Dismisura per il modo dispersivo e disorganico in cui la materia degli scontri tra cristiani e
musulmani è trattata.
 Dismisura dello stesso protagonista poiché è un gigante e anche la sua morte è sproporzionata.
 Il vocabulista: raccolta di circa 900 voci divise in due sezioni ciascuna corredata da una spiegazione.
 Il vocabolarietto di lingua furbesca: un piccolo repertorio di voci verbali gergali dove sono registrate
delle parole inventate.
 Ciuffo calvaneo: poema in cinque parti che narra le peripezie di due giovani nati e cresciuti nei
boschi Ciriffo.

Capitolo 10. Angelo Poliziano.

Il cognome deriva dal luogo di nascita ovvero Mons Politianus, si trasferisce da giovane Firenze presso un
cugino li, stringe rapporti con Marsilio Ficino, in seguito entra nelle grazie di Lorenzo il Magnifico
diventato, un suo stretto collaboratore. Tra le sue opere più importanti ricordiamo:
 Le stanze: il 29 gennaio del 1475 si tenne a Firenze una giostra militare, una sorta di torneo a
cavallo, vi parteciparono numerose persone , ottenne la vittoria Giuliano de Medici fratello minore
di Lorenzo il Magnifico, Pulci decide di comporre un poemetto celebrativo per la vittoria di Giuliano,
chiamato: la giostra, poemetto di 160 ottave , quel poemetto sono le stanze cominciate per la
giostra di Giuliano de Medici , sono un poemetto in ottave formato da due libri, la parte a noi
pervenuta narra l'amore di Iulio, per Simonetta. Diciamo che le stanze sono poesia d'occasione
perché nascono dall'impulso di fatto realmente accaduto.
 Traduzione dell'iliade;
 Sylva in scabien: un poemetto in esametri nel quale è descritta la sintomatologia della
[Link] di Orfeo: testo destinato alla rappresentazione che è da considerarsi un testo di
fondazione del teatro profano.

Capitolo 11. Matteo Maria Boiardo.

Nasce nel 1441 a Scandiano, viaggia a Roma e in seguito a Napoli, muore nel 1494. Le sue opere più
importanti sono:
 Gli Amores: è il più bel canzoniere di rime in volgare, essi narrano la storia di Boiardo con
AntoniaCaprara una storia prima felice poi infelice iniziata nella primavera del 1469 scandita in
varie fasi, quella di esaltazione e quella del rifiuto e in seguito quella del tradimento della donna il
poeta afflitto si rifugia nei monti per sfuggire le pene d'amore ma successivamente ci fu un
cambiamento si fa largo il pentimento che fa finire il libro. Questo canzoniere subisce l'influsso di
Petrarca, si aprono con un sonetto che allude a quello iniziale di Petrarca e si chiudono con
invocazione alla vergine perché dio perdoni i suoi errori. L'amore è esaltato da Boiardo in tutte le
sue fasi non esclude quelle carnali.
 L’Orlando innamorato: è un poema in ottave diviso in tre libri rimasto incompiuto per la morte
dell'autore. Diciamo che il nucleo narrativo è quello che attinge alla guerra tra cristiani e musulmani
ma poi s’infila anche il filone romanzesco. Primo libro: l'ambientazione è a Parigi, dove si svolge
una giostra in onore di Carlo Magno durante questa giostra fa la comparsa, la bella Angelica, di lei
s’innamorano quasi tutti compreso Rinaldo e Orlando, i due cugini, quando Angelica abbandona la
corte, decidono ognuno per la propria strada di andare a cercarla e tutti riescono ad arrivare nella
patria di Angelica, Albracà, il libro si termina con un duello interrotto da Angelica tra Rinaldo e
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Orlando. Secondo libro:ci troviamo nuovamente a Parigi assediata dal re africano. Carlo Magno
stabilisce che darà Angelica a chi si sarà comportato più valorosamente nella guerra contro
Agramente, il re africano. Terzo libro: si apre con l'incontro tra Ruggiero e Bradamante sorella di
Renaldo che si convertirà ai cristiani.
L’Orlando innamorato è un vario intrecciarsi di fatti e di personaggi. Cantina di laudibus Estensium: carme in
lode degli estensi.

Capitolo 12. L'Arcadia di Iacopo Sannazaro

Nasce a Napoli nel 1458, viene ricordato soprattutto per la sua opera celebre:
 L'arcadia: è un porosimetro, ovvero composto da delle parti in prosa e delle parti in versi esso è
costituito da un prologo di 12 prose alle quali corrispondono 12 egloghe di un Congedo alla
Sampogna , le egloghe hanno struttura metrica variabile e trattano la vita dei pastori, la trama
risulta essere piuttosto esile. Dopo un prologo nel quale l'autore dichiara che riferirà le rozze
egloghe inizia il racconto di Sincero. Narra le vicende di Sincero, un pastore sotto le cui vesti si
nasconde il poeta, che a causa di una delusione amorosa e politica si allontana dalla città (Napoli, in
questo caso) per vivere in un'Arcadia idealizzata, tra i pastori-poeti come negli Idilli del poeta greco
Teocrito. Ma un sogno spaventoso lo induce a tornare in città, attraversando grotte e antri giunge
alla città natale, Napoli, dove viene a conoscere la morte della amata. Gli eventi sono sottolineati da
immagini disegnate dietro l'influsso dei classici, dalla languida malinconia del poeta e
dalledescrizioni elegiache del mondo perduto dell'Arcadia, che traspare dagli episodi di magia, di
caccia. Questa è stata la prima opera "pastorale" dell'Europa rinascimentale ad aver incontrato il
successo internazionale, basti pensare alle sessantasei edizioni italiane nel Cinquecento e
all'influenza esercitata sulla letteratura francese, spagnola, portoghese e [Link] in parte
agli autori classici che descrissero il mondo pastorale (Virgilio, Teocrito, Ovidio, Tibullo) e in parte
dall'Ameto di Giovanni Boccaccio, Sannazaro dipinse un narratore innamorato che parla in prima
persona ("Sincero") che vaga per la campagna, (Arcadia) ascolta le canzoni amorose o tristi dei
pastori che incontra. Oltre all'ambientazione pastorale, caratteristicadell'opera deriva dalla sua
struttura che consiste nell'alternanza di prosa e versi (porosimetro), derivata a sua volta dalla Vita
Nuova di Dante. Dell’Opera sono presenti due redazioni: la prima, composta fra il 1480 e il 1485,
formata da un prologo, dieci prose e dieci testi poetici; la seconda, pubblicata nel 1504, include
dodici prose e dodici parti poetiche. L’Arcadia si può definire un'opera innovativa sia per
l'ispirazione lirica sia per la prosa: è originale il modo di richiamare le atmosfere interiori, la
descrizione idealizzata del mondo pastorale focalizzato tramite il rapporto fra stati d'animo e il
paesaggio. La prosa dell'Arcadia nasce da una fusione d’influssi umanistici e volgari e si rivela quindi
originale. L’Arcadia di Sannazaro, insieme alla Diana dello spagnolo Jorge de Montemayor (Los siete
libros de la Diana, 1559), opera che deve molto al lavoro di Sannazaro, ebbe un profondo impatto
sulla letteratura di tutta Europa fino alla metà del XVII secolo.

Unità 3: Il Cinquecento.
Capitolo 1. Il concetto di Rinascimento e di Manierismo.
Il periodo che va dal 1494 alla fine del 500 comprendente sia il rinascimento sia il manierismo, s’identifica
con la nozione di rinascimento maturo, quello che va dalla fine del XV secolo agli anni venti, trenta del XVI
in quest'epoca l’Italia diviene la fucina europea delle arti della scienza e della cultura. La seconda metà del
XVI periodo chiamato appunto Manierismo vede in Italia un progressivo affievolirsi del fermento
rinascimentale anche a causa di una serie di eventi politici religiosi come la Controriforma cattolica.
Il concetto di Rinascimento:
S’intende col rinascimento, il periodo della rinascita, dopo un periodo di decadenza e di buio che era stato
appunto il medioevo, già dal periodo umanistico vediamo che gli intellettuali iniziano a concepire l'età che li
precedeva come una fase tenebrosa, oscura soprattutto per quanto riguarda le arti e la letteratura. Il
Rinascimento è dunque considerato come un'età della rivincita della felicità, diciamo che molti studiosi
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hanno cercato di attenuare questa netta suddivisione che vi era tra Rinascimento e medioevo,
considerandole come epoche continuatrici, dipendenti soprattutto l'uno dall'altra. Il termine rinascimento
fu utilizzato da Vasari per definire le conquiste degli artisti e pittori precedentemente all'età che era appena
finita, ci furono vari critici tra cui Rousseau che identifica il rinascimento come epoca che stese un velo di
bellezza sopra il secolo buio appena trascorso. In seguito Garin, sostiene che il Rinascimento è un’epoca
segnata da profonde lacerazioni in cui gli intellettuali propongono dei valori umani contro una realtà
diversa, un altro studioso, Chabod, ha sostenuto che ciò per cui il rinascimento è tale non lo agire pratico
dei singoli individui, ma la consapevolezza che gli uomini del rinascimento hanno del loro agire. Secondo
Carlo Dionisetti invece il Rinascimento in Italia è un fenomeno policentrico ovvero che ha più centri di
irradiazione ed è legato alle variabili geografiche e alle diverse culture locali.
Il concetto di Manierismo:
Nella seconda metà del 500 emerge una tendenza definita col nome di manierismo. Soprattutto nell'ambito
dell'arte, Giorgio Vasari fu il primo a darne una definizione. Il termine maniera indicava semplicemente
nell'uso del 300-400 il concetto che noi oggi esprimiamo con la parola stile, secondo Vasari gli artisti suoi
contemporanei fondavano il loro stile sull'imitazione dei grandi artisti del passato

Capitolo 2. La lingua nella scrittura letteraria del 500.

Con l'espressione questione della lingua s’intende indicare il problema di quale lingua impiegare nella
scrittura letteraria tenendo conto dell'estrema varietà di volgari presenti nella penisola, questa operazione
risale a Dante con il De Vulgari Eloquentia e successivamente viene ripresa appunto nel 500, il mondo dei
letterati del tempo era alla ricerca di una lingua precisa. Una svolta è stata costituita dalla pubblicazione nel
1470 delle Prose della volgar lingua di Bembo.
In quest’opera Bembo propone un tipo di lingua differente da quelle rozze che definiva lui al suo tempo, e
viene invece proposto come modello una lingua letteraria che è quella di due grandi autori: Petrarca per la
poesia e Boccaccio per la prosa, in quanto offrono un modello di lingua regolato dal punto di vista
grammaticale e sintattico ed allo stesso tempo elaborata dal punto di vista sintattico. Bembo dunque
propone un modello segnato dall'eleganza dell'espressione come dall'uniformità del registro linguistico,
viene pertanto respinto il modello di Dante della Commedia poichè nella sua opera si ritrovano i registri più
disparati da quello rozzo a quello aulico, secondo Bembo la lingua parlata dev'essere il più lontana dal
popolo. Pertanto ci furono delle teorie che furono opposte a quelle di Bembo,:
 Lingua cortigiana: quella che prende a modello quelle effettivamente parlate nelle corti italiane
unendo gli apporti diversi dei vari volgari, esponenti di questa teoria furono Baldassarre Castiglione,
Trissino, Equicola.
 L'anticlassicismo: Molti letterati si mostrarono estranei o ostili a questo classicismo vediamo ad
esempio scrittori come Pietro Aretino e Francesco Berni, altri come Teofilo Folengo che coltivarono
il linguaggio maccheronico un impasto di lingua italiana dialetto e latino.
Dibattito sulla poetica di Aristotele:
Oltre il dibattito sulla questione della lingua vi fu un altro dibattito che fu quello concernente la poetica di
Aristotele che mirava alla fondazione di un sistema di regole da applicare ai generi letterari. Una data
fondamentale è il 1536 quando la poetica di Aristotele fu pubblicata in traduzione da Aldo Manunzio, il
sistema aristotelico prevedeva la suddivisione in dramma tragedia e commedia, e narrativa ed epica.

Capitolo 3. La poesia maccheronica di Teofilo Folengo.

Un particolare filone cinquecentesco è quello della poesia maccheronica, il termine maccheronico, deriva
da maccarone, ovvero cibo grossolano e persona sciocca. In letteratura maccheronica indica quella parodia
del latino creata in ambito studentesco. La parodia si basa sul rispetto della morfologia e della sintesi latine
che vengono adattate ad un lessico dialettale. L’autore più celebre di questo filone fu il mantovano:
Teofilo Folengo: L’insieme della produzione di Folengo può essere raccolta sotto il titolo di Maccheronee
che ebbe varie edizioni dal 1517 al 1552, in cui si riscontra un difficile impasto tra latino e dialetti. Le
Maccheronee sono costituite da varie opere in versi precedute da alcune pagine introduttive in prosa, tra le
quali Apologia a sua discolpa, una sorta di giustificazione delle proprie scelte stilistiche, poi troviamo il
Baldus, poema in esametri in 25 libri, che narra le avventure fantastiche e iperboliche sempre venate di
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comicità e di parodia della letteratura colta del prepotente e rissoso Baldo, figlio di Guidone. La produzione
in prosa del 500 si distingue per una grande varietà di generi, si tratta di generi spesso rinnovati come la
novella, la storiografia, il trattato il dialogo, e la biografia. La novella del 500 si caratterizza per essere un
genere relativamente libero rispetto alle codificazioni di stampo aristotelico, e resta perciò almeno sino agli
anni 60 terreno di un discreto sperimentalismo.

Capitolo 4. I novellisti del 500.

Francesco Grazzini:
Francesco Grazzini, detto il lasca , nome di una specie di pesce, compone la raccolta di novelle:
Le cene: Nella cornice immagina che durante tre sere di carnevale, si riuniscano per cenare quattro
giovani e seiragazze e che ognuno di loro racconti una novella, l’opera c’è giunta incompleta, la
terza cena, infatti, raccoglie solamente due testi, queste novelle tracciano un quadro ricco della
vita di Firenze.
Michelangelo Giovannini:
Discorsi degli animali: In quest’opera troviamo lessico e sintassi quotidiana che aderiscono alla
materia semplice e ingenua del linguaggio popolaresco.
Ragionamenti: Avrebbero dovuto svolgersi in sei giornate, nei Ragionamenti si alternano novelle
d’argomento licenzioso e comico.
Matteo Maria Brandello:
Il novelliere più espressivo del 500 è senza dubbio Matteo Maria Brandello, autore di 214 novelle che
costituiscono una delle più cospicue raccolte italiane dopo il Decameron, le prime tre parti della raccolta
che sono 186 novelle è stata pubblicata a Lucca mentre la 4 uscì postuma a Lione. Lo stile è di permettere a
ogni singola novella una lettera dedicatoria indirizzata a un illustre personaggio nella quale viene quasi
sempre illustrata l’occasione in cui la novella sarebbe stata raccontata prima della sua trascrizione. Per
quanto riguarda il linguaggio vediamo che non aderisce al modello bembiano e boccacciano, ma risulta
essere piuttosto vario, e anche il genere di argomenti trattati da Brandello, infatti si va da quelli amoroso
sessuali alle vicende mondane alle beffe. Un notevole rilievo è dato da vicende tratte dalla storia, infatti,
sono messi in scena personaggi di epoche più o meno antiche come ad esempio l’imperatore Ottone
Edoardo III. Nell’insieme le novelle di Brandello celebrano un mondo nobile, razionale, fedele alle gerarchie,
non mancano pertanto gli elementi etici, come i modelli di virtù sono costituiti da personaggi umili.

Capitolo 5. Il padre della fiaba Europea, Gian Francesco Straparola di Caravaggio

Gian Francesco Straparola di Caravaggio, è considerato il vero e primo padre della Fiaba europea.
Precursore di oltre un secolo del napoletano Basile fu un autentico pioniere della narrativa fantastica.
Poeta, romanziere e novelliere, la sua opera omnia sulla fiaba è la raccolta di settantacinque racconti,
conosciuta con il nome "Le Piacevoli Notti", pubblicata per la prima volta nel 1550 a Venezia. La raccolta,
compilata in una cornice d'ispirazione Boccaccesca, riveste un'importanza assoluta nello studio della
letteratura popolare, ed è giustamente considerata la pietra miliare nello studio delle tradizioni popolari e
del folklore. Compilata e scritta in lingua dialettale settentrionale e bergamasca in particolare, l'opera dello
Straparola ha ispirato il lavoro dello stesso Basile e di tantissimi altri raccoglitori e autori di fiabe, tra i quali
Perrault e i Grimm.
La storiografia:
Tra le opere di storiografia nel 500 spicca la produzione di Francesco Guicciardini e di Niccolò
Macchiavelli, tuttavia si possono segnalare anche altri autori che ebbero la loro importanza in questo
settore.

Capitolo 6. Gli storicisti del 500.

Iacopo Nardi:
seguace del frate Girolamo Savonarola, Iacopo è importante poiché ha ricondotto la storia presente di
Firenze al passato piuttosto che analizzare la situazione politica attuale.
Benedetto Varchi:
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Varchi è autore del tacitismo una tendenza storiografica attraverso la quale cercava di discutere di
argomenti proibiti all’epoca della controriforma in particolare di quelle derivate dalle opere di Macchiavelli.
Giovanni Botero:
fu lo storico che rappresentò con maggior chiarezza e autorità la problematica posta dalla Controriforma.

Capitolo 7. La vita di Giorgio Vasari.

Giorgio Vasari nacque ad Arezzo nel 1511, svolse la sua attività prevalentemente a Firenze dove fondò
l'Accademia delle arti e del disegno insieme ad altri artisti, basata sul principio che lo studio del disegno è la
base per tutte le arti. Giorgio Vasari è ricordato prevalentemente per la sua attività di storiografo e critico
d'arte con le Vite de più eccellenti pittori, scultori et architetti di cui si ha una prima edizione risalente al
1550 ed una seconda del 1568 più ampliata. Lo studio dell'arte di Michelangelo e Raffaello è evidente nelle
sue opere pittoriche che hanno soggetti allegorici e fantastici, quali il ciclo decorativo a Palazzo Vecchio a
Firenze e gli affreschi per la sua casa ad Arezzo. Nel 1552 inizia la sua attività di architetto con la costruzione
di Villa Giulia a Roma commissionatagli da Papa Giulio III. Seguiranno altre opere architettoniche quali la
cupola della Madonna dell'Umiltà a Pistoia, le Logge ad Arezzo, ma soprattutto il
Palazzo degli Uffizi a Firenze. Iniziato nel 1560 il Palazzo degli Uffizi si compone di due corpi di fabbrica
affrontati e divisi da un cortile stretto terminante con una loggia serliana che unisce le due parti
dell'edificio. Le decorazioni delle facciate rispondono ad un gusto manieristico con un forte aggetto delle
cornici e dei timpani che sovrastano le finestre. Giorgio Vasari morì a Firenze nel 1574.

Capitolo 8. I maggiori esponenti del genere epistolografico del 500.

Benvenuto Cellini:
Ebbe una vita molto avventurosa costellata di risse, e questa sua espressione violenta trova forma nella sua
opera: Vita, una sorta di autobiografia molto originale nel 500, lo stile non è ordinato ma molto caotico ed è
molto lontana come stile dal decoro e dalla regolarità che caratterizzano l’opera di Pietro Bembo. Il genere
dell’epistolografia, ovvero della scrittura delle epistole o lettere assume una notevolissima rilevanza in
epoca rinascimentale, numerose sono infatti le raccolte epistolari curate direttamente dagli autori, in
particolare a partire dagli anni 40, un posto importante è occupato da:
Annibal Caro:
importante la sua traduzione dell’Eneide, e importante anche per le sue 800 lettere, non solo per i suoi
diretti
interlocutori ma pensando ad un pubblico più vasto, egli scrive con gusto disinvolto ed elegante e con
purezza di linguaggio, vivacità e scioltezza . Si sviluppa un altro genere in questo periodo che si lega
strettamente alla nostra letteratura da viaggio, che si sviluppò grazie alle scoperte geografiche e delle
colonizzazioni, lo vediamo soprattutto nell’opera di:

Capitolo 9. I poligrafi del 500

Filippo Sassetti:
Sassetti scrive delle opere da paesi esotici come l’India e dimostra una notevole lucidità e curiosità per tutti
i fenomeni sociali, religiosi, etici e politici, diciamo per tanto che il suo esame non cede mai al fascino
dell’esotico, infatti egli sente la propria civilità e la propria cultura come superiori. Un altro genere che si
sviluppò nel 500 è quello dei poligrafi ovvero di tutti coloro che praticavano generi e scrivevano su
argomenti diversi in risposta a sollecitazioni del mercato editoriale, tra i poligrafi spicca:
Pietro Aretino:
Arrivato a Roma molto giovane, ma con delle poesie di stampo petrarchesco, grazie anche ai suoi
componimenti satirici e ai suoi sonetti lussuriosi, ma proprio a causa di questi contenuti licenziosi dovette
abbandonare Roma , a Venezia dove si rifugiò divenne importante per la sua satira e per i suoi Dialoghi,
che sono dialoghi tra prostitute caratterizzati da una materia scabrosa e oscena ed ad un linguaggio
dissacrante che esaspera le forme del parlato.
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Capitolo 10. Il dialogo come modello filosofico in età umanistica

Dopo gli importanti sviluppi in età umanistica, nel rinascimento, il dialogo conosce una grande fioritura,
esso pertanto aveva come modello filosofico illustre l’opera di Platone e una vasta ed importante tradizione
di epoca classica, è sempre meglio però considerare il dialogo come forma letteraria che può veicolare altri
generi più definiti come il trattato, che in forma di dialogo dava la possibilità di introdurre le opinioni sulla
questione in esame in modo non schematico ma piacevolmente teatralizzato, tra i trattatisti più importanti
troviamo:
Pietro Bembo
Si serve del dialogo per esprimere la sua tesi sia in maniera filosofica dell’amore che in materia letteraria.
Bembo diviene importante anche per i suoi:
Asolani: tre libri in cui sono presenti come la trascrizione di un incontro tenutosi ad Asolo nella dimora di
Caterina Cornaro, regina di Cipro, la conversazione verte sulle varie concezioni dell’amore e finisce col
proporre l’ideale di amore spirituale, contemplazione di bellezza ideale e divina e autonoma rispetto alla
realtà. Le Prose della volgar lingua:
nelle prose invece della discussione emerge la proposta di un modello di lingua letteraria italiana fondato
come già ricordato nel linguaggio e dello stile di Petrarca in poesia e quello di Boccaccio per la prosa.
Baldassarre Castiglione:
Il Cortigiano è un trattato scritto da Baldassare Castiglione tra il 1508 e il 1516 e pubblicato definitivamente
nel 1528, poco prima della sua morte. Baldassare trasse l'ispirazione per il Cortigiano dalla sua esperienza
come cortigiano della duchessa vergine Elisabetta Gonzaga alla corte di Urbino. Il libro si presenta come un
dialogo in quattro libri, di cui il terzo parla delle regole per diventare una signora perfetta, mentre i
rimanenti si occupano di come si diventa un vero cortigiano. L’opera, sotto forma di dialogo, è divisa in
quattro libri e descrive usi e costumi ideali del perfetto cortigiano. Il libro fu un successo immediato e fu
uno dei libri più venduti nel sedicesimo secolo. Durante la sua vista in Italia Francesco I di Francia lo lesse e
ne fu così impressionato da farlo tradurre in francese. Ne fece fare varie copie, che distribuì tra i suoi
cortigiani.
Pensava che il modello dipingesse il suo modello ideale di corte reale, lo stesso cui cercò di arrivare per la
sua. Al giorno d'oggi il Cortigiano rimane un ritratto della vita di corte rinascimentale. Per quest’aspetto è
una delle opere più importanti del Rinascimento.
Giovanni della Casa:
Il Galateo:
Dialogo il cui titolo allude al nome di colui che suggerì a Dalla Casa di comporla ovvero, Galeazzo
Florimonte, vescovo di Sassa , l’intera opera pertanto si risolve in una serie di osservazioni della buona
creanza minute e vivaci, le norme di comportamento che dalla Casa propone sono pensate per
vivere civilmente improntato sul piacevole e sul famigliare, la lingua e lo stile di questo autore si
rifanno a quelli di Boccaccio. Il Galateo è una delle tante forme di codificazione dei comportamenti
consegnate dal Rinascimento italiano all’Europa delle corti.

Capitolo 11. I maggiori esponenti del teatro rinascimentale.

Ruzzante:
La personalità più viva e spiccata del teatro rinascimentale è senza dubbio Ruzzante un autore che fece
ricorso al suo dialetto, il padovano. Tra le sue commedie ricordiamo:
 La Betia: Commedia in cinque atti, una storia di amorazzi e di risse contadine, in cui il mondo
naturale delle campagne con i suoi appetiti si contrappone a quello cittadino della commedia
classica, in cui parodizza vivacemente la natura dell’amore.
 La Moscheta: Prende il nome dal parlar moscheto, nome dialettale della lingua più raffinata ,
cittadina, nei due unici atti conosciuti nel loro insieme col nome di Dialoghi, ai quali è stato affidato
il nome di Parlamento e Bilora, si affermano come nelle migliori commedie di Ruzzante, i grandi
motivi realistici della sua arte.
Trissino:
Trissino fu fautore di un classicismo integrale, conforme ai principi aristotelici, che espose nelle sei parti
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della sua Poetica (1562), un’ambiziosa sistemazione di tutti i generi letterari, ognuno ricondotto a precise
regole di struttura, stile e [Link] opere poetiche di Trissino sono coerenti con questa concezione di
letteratura: la Sofonisba (composta nel 1514-1515, pubblicata nel 1524) è la prima tragedia d’impianto
"classico" del secolo. Rime volgari(1529), con interessanti esperimenti metrici. L'Italia liberata dai Goti
(1527, pubbl. 1547) è un laborioso poema in ventisette libri sulla guerra tra Bizantini e Ostrogoti (535-539).
I simillimi (1548) sono fortemente ispirati (quasi una traduzione) ai Menaechmi

Capitolo 12. Nicolò Macchiavelli :Parole da dirle sopra la provvisione del danaio.
Macciavelli nacque a Firenze nel 1469, della sua giovinezza abbiamo scarse notizie, sappiamo solo che nel
1498 fu responsabile della seconda cancelleria fiorentina, l'organismo politico che nella repubblica di
Firenze si occupava sia dell'attività militare che di quella diplomatica, strinse amicizia con i Borgia, nel
1503 assitette al conclave di Papa Giulio II nemico dei Borgia. In seguito con il ritorno dei medici a Firenze
Macchiavelli fu iscritto nella lista delle personalità sgradite ed estromesso da ogni carica politica accusato
inoltre di aver fatto parte alla congiura antimedicea. in seguito mori nel 1527. Parole da dirle sopra la
provvisione del danaio, opera scritta nel 1503, è un breve discorso per sostenere una nuova imposta
destinata a coprire le spese militari, egli distingue tra il campo della politica e quello del diritto: il diritto può
applicarsi solamente ai privati cittadini, mentre la politica si applica ai principi e agli stati e non comporta
punizioni per quanti tra di loro vengono meno a i patti stabiliti, la politica è vista solamente come un
dominio in cui contano solamente i rapporti di forza tra i protagonisti.
Gastigo che si doveva dare alla città di Arezzo: per aiutare il governo fiorentino nella scelta di un eventuale
punizione da infliggere a quella città ribelle, Macchiavelli propone di rifarsi all'esempio dei romani e
assicura che il passare del tempo non muta le condizioni umane .
Capitolo 13. Il Principe di Nicolò Macchiavelli .
l Principe (titolo originale in lingua latina: De Principatibus, lett. "Riguardo ai Principati") è un trattato di
dottrina politica scritto da Niccolò Machiavelli nel 1513, nel quale espone le caratteristiche dei principati e
dei metodi per mantenerli e conquistarli. Si tratta senza dubbio della sua opera più rinomata, quella dalle
cui massime (spesso superficialmente interpretate) sono nati il sostantivo "machiavellismo" e l'aggettivo
"machiavellico". L'opera non è ascrivibile ad alcun genere letterario particolare, in quanto non ha le
caratteristiche di un vero e proprio trattato; se ne è ipotizzata la natura di libriccino (o libricino) a carattere
divulgativo. Il Principe si compone di una dedica e ventisei capitoli di varia lunghezza; l'ultimo capitolo
consiste nell'appello ai de' Medici ad accettare le tesi espresse nel testo. L'intera opera fu composta nella
seconda metà del 1513 all'Albergaccio, tranne la dedica a Lorenzo de' Medici e l'ultimo capitolo, composti
pochi anni dopo. La prima edizione a stampa fu edita nel [Link], infatti, ne iniziò la stesura mentre si
trovava a Sant'Andrea in Percussina, confinato in seguito al ritorno a Firenze della casata Medici (1512) cui
aveva seguito l'accusa di aver partecipato alla congiura antimedicea di Pier Paolo [Link], nella
Lettera a Francesco Vettori, manifestò la volontà di dedicare l'opera a Giuliano de' Medici ma, dopo la
morte di questi nel 1516, la dedicò a Lorenzo de' Medici, figlio di Piero II de' Medici. L'intenzione era in
ogni caso di dedicare l'opera al detentore del potere nella famiglia Medici, con la speranza di riacquistare
l'incarico di Segretario della Repubblica. La prima menzione di quest’opera si ha nella Lettera a Francesco
Vettori datata il 10 dicembre 1513 indirizzata all'amico Francesco Vettori, in risposta ad una lettera di
quest'ultimo che raccontava la sua vita a Roma e che chiedeva notizie sulla vita che conduceva Machiavelli
a Sant'Andrea. Quest'ultimo risponde raccontandogli gli aspetti rozzi della vita in campagna e parlando
anche dei suoi studi, dichiara di aver composto un "opuscolo" intitolato De Principatibus. Per raggiungere il
fine di conservare e potenziare lo Stato, Machiavelli giustifica qualsiasi azione del Principe, anche se in
contrasto con le leggi della morale («si habbi nelle cose a vedere il fine e non il mezzo», scrive nei
Ghiribizzi scripti in Raugia da cui si ha la celebre massima erroneamente attribuita a Machiavelli che "il fine
giustifica i mezzi"); tale comportamento è tuttavia valido solo per conseguire la salvezza dello Stato, la
quale, se (e solo se) è necessario, deve venire prima anche delle personali convinzioni etiche del principe,
poiché egli non è il padrone, bensì il servitore dello Stato. Le qualità che, secondo Machiavelli, deve
possedere un "principe" ideale (ma non idealizzato), sono tuttora citate nei testi sulla leadership: la
disponibilità a imitare il comportamento di grandi uomini a lui contemporanei o del passato, es. quelli
dell'Antica Roma; la capacità di mostrare la necessità di un governo per il benessere del popolo, es.
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illustrando le conseguenze di un'oclocrazia; il comando sull'arte della guerra - per la sopravvivenza dello
stato; la capacità di comprendere che la forza e la violenza possono essere essenziali per mantenere
stabilità e potere:
 La prudenza;
 La saggezza di cercare consigli soltanto quando è necessario;
 La capacità di essere "simulatore e gran dissimulatore";
 Il totale controllo della fortuna attraverso la virtù (la metafora utilizzata accosta la fortuna ad un
fiume, che deve essere contenuto dagli argini della virtù);
 La capacità di essere leone, volpe e centauro (leone forza - volpe astuzia - centauro come capacità
di usare la forza come gli animali e la ragione come l'uomo)
Secondo Machiavelli la natura umana è una natura malvagia che presenta alcuni fattori, quali le passioni, la
virtù e la fortuna. Il frequente ricorso ad exempla virtutis tratti dalla storia antica e dalla sua esperienza
nella politica moderna dimostrano che nella sua concezione della storia non vi è alcuna netta frattura tra il
mondo degli antichi e quello dei moderni; Machiavelli trae così dalla lezione della storia delle leggi generali,
le quali non vanno però intese come norme infallibili, valide in ogni contesto e situazione, ma come
semplici tendenze orientanti l'azione del Principe che devono sempre confrontarsi con la realtà. Non vi è
alcuna esperienza tradita dal passato che non possa essere smentita da una nuova esperienza presente;
tale mancanza di scientificità spiega la mancata sottomissione di Machiavelli all’auctoritas degli antichi:
reverenza ma non ossequio nei suoi confronti; gli esempi storici sono utilizzati per un'argomentazione non
scientifica ma retorica. La pace secondo Macchiavelli è fondata sulla guerra esattamente come l'amicizia è
fondata sull'uguaglianza, quindi in ambito internazionale l'unica uguaglianza possibile è l'uguale potenza
bellica degli Stati. La forza della sopravvivenza di qualsiasi Stato (democratico, repubblicano o
aristocratico) è legata alla forza dell'esercizio del suo potere, e quindi deve detenere il monopolio legittimo
della violenza, per assicurare sicurezza interna e per prevenire una 'potenziale' guerra esterna (con
riferimento ad una delle lettere proposte al Consiglio Maggiore di Firenze (1503), con la speranza di
Machiavelli di convincere il Senato fiorentino, l’introduzione di una nuova imposta per rafforzare l'esercito,
necessario per la sopravvivenza della Repubblica Fiorentina). Il termine virtù in Machiavelli cambia
significato: la virtù è l'insieme di competenze che servono al principe per relazionarsi con la fortuna, cioè gli
eventi esterni. La virtù è quindi un insieme di energia e intelligenza, il principe deve essere intelligente ma
anche efficace ed energico. La virtù del singolo e la fortuna si implicano a vicenda: le doti del politico
restano puramente potenziali se egli non trova l'occasione adatta per affermarle, e viceversa l'occasione
resta pura potenzialità se un politico virtuoso non sa approfittarne. L'occasione, tuttavia, è intesa da
Machiavelli in modo peculiare: essa è quella parte della fortuna che si può prevedere e calcolare grazie alla
virtù. Mentre un esempio di fortuna può essere che due Stati siano alleati (è un dato di fatto, un evento),
un esempio di occasione è il fatto che bisogna allearsi con qualche altro Stato o comunque organizzarsi per
essere pronti ad un loro eventuale attacco. Machiavelli nei capitoli VI e XXVI scrive che occorreva che gli
ebrei fossero schiavi in Egitto, gli Ateniesi dispersi nell'Attica, i Persiani sottomessi ai Medi perché potesse
rifulgere la "virtù" dei grandi condottieri di popoli come Mosè, Teseo e Ciro. La virtù umana si può poi
imporre alla fortuna attraverso la capacità di previsione, il calcolo accorto.

Capitolo 14. Discorsi sopra il primo deca di Tito Livio, di Nicolò Macchiavelli
I Discorsi sopra la prima Deca di Tito Livio a differenza de Il Principe, sono frutto di una lunga
elaborazione che durò alcuni anni. La stesura iniziò probabilmente intorno al 1513, per poi essere
momentaneamente accantonata per dedicarsi al Principe, e si concluse probabilmente tra il 1518 e il
1521.L'opera è dedicata a Zanobi Buondelmonti e a Cosimo Rucellai, due tra i maggiori esponenti degli Orti
Oricellari a Firenze, dove si riunivano giovani aristocratici per discutere di politica, arte e letteratura. Come
molte altre opere di Machiavelli i Discorsi furono di pubblicazione postuma nel 1531.I Discorsi non hanno
una struttura unitaria, ma già nel titolo suggeriscono l'idea di una serie di divagazioni condotte a partire da
un testo-base: la prima Deca della storia di Roma del grande storico latino Tito Livio (59 a.C.-17 d.C.), Ab
urbe condita [Dalla fondazione di Roma]. Non si tratta dunque di un commento vero e proprio, ma di una
serie di riflessioni e appunti che vorrebbero costituire i fondamenti di una moderna teoria politica basata
sugli insegnamenti della storia della Roma antica. L’Opera è costituita da una serie di divagazioni ispirate
dall'opera dello storico latino Tito Livio ed è divisa in tre libri:
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 Libro I: Il primo si estende per 60 capitoli e tratta di politica interna: organizzazione dello Stato, le
leggi e l'importanza della religione come strumento politico nelle mani di chi è al potere.
Machiavelli rimpiange i culti pagani dei romani, che induceva il cittadino ad immedesimarsi nello
stato. Allo stesso modo accusa lareligione cristiana di distogliere la popolazione dagli interessi civili
e dall'amore patrio.
 Libro II: composto da 33 capitoli in cui parla della politica estera, di politica militare e della guerra
che aveva avuto Roma. Tutto questo lo si deve alla virtù dei cittadini.
 Libro III: di argomento misto. Si dilunga per quarantanove capitoli parlando di come Roma sia stata
resa grande dalle azioni di uomini "particolari", dalla corruzione che esisteva all'epoca e dalla crisi di
Firenze.

Capitolo 15. Le opere di Macchiavelli.

Vita di Castruccio Castracani:
è un'operetta scritta tra il 7 luglio e il 29 agosto del 1520,ed ispirata alla vita dell'uomo d'arme lucchese
Castruccio Antelminelli, condottiero ghibellino del Trecento. Machiavelli dedicò l'opera a Zanobi
Buondelmonti e a Luigi Alamanni suoi amici. Riprende il modello delle biografie di stampo classico e
umanistico dei cosiddetti "uomini Illustri", descrizione dell'aspetto fisico e del carattere, discorsi e aneddoti.
Il Personaggio in sé assume rilievo di tono narrativo e drammatico ma comunque di forte stampo politico,
L'autore riflette nel condottiero del '300 l'ideale del Principe "virtuoso".
L’arte della guerra:
Dell'arte della guerra è un'opera scritta tra il 1519 e il 1520 e pubblicata l'anno seguente. Benché si tratti
dell'unico lavoro storico-politico dell'autore pubblicato mentre questi era ancora in vita, è un libro meno
letto e conosciuto del Principe, uscito postumo. L’Opera è scritta, nello stile del dialogo, con lo scopo,
dichiarato in principio da Fabrizio Colonna (alterego dello stesso Machiavelli): «di onorare e premiare le
virtù, non dispregiare la povertà, stimare i modi e gli ordini della disciplina militare, costringere i cittadini
ad amare l'uno l'altro, a vivere Sanza sete, a stimare meno il privato che il pubblico» Dell'arte della guerra è
diviso in un proemio e sette libri (capitoli), composti da una serie di dialoghi tra Cosimo Rucellai, un amico
di Machiavelli morto in giovane età, e Fabrizio Colonna, con altri patrizi e membri della recente Repubblica
fiorentina. Quest'opera è dedicata a Lorenzo di Filippo Strozzi, patrizio [Link] è affascinato
dalle legioni romane dell'inizio della Repubblica e sostiene fortemente la possibilità di adattare quello
stesso sistema alla Firenze rinascimentale. Fabrizio domina la discussione con la sua conoscenza e saggezza.
Gli altri personaggi fanno da semplici contraltari. I dialoghi, quindi, spesso diventano monologhi di Fabrizio
che indica come un esercito dovrebbe essere formato, allenato e organizzato. Critiche all'opera di
Machiavelli non sono mancate. In molti per rilevare il carattere poco pratico dell'opera si rifanno alle parole
di Matteo Brandello a Giovanni dalle Bande Nere.
La Mandragola:
La mandragola è una commedia considerata il capolavoro del teatro del ’500 e un inestimabile classico della
letteratura italiana. Composta di un prologo e cinque atti, è una potente satira sulla corruttibilità della
società
italiana dell'epoca, prende il titolo dal nome di una radice cui vengono attribuite caratteristiche afrodisiache
e fecondative. Si è ritenuto a lungo che fosse stata scritta da Machiavelli nel 1518 ma studi più recenti la
retrodatano agli anni 1514-15; venne pubblicata la prima volta nel 1524.]
Trama: La storia si svolge a Firenze nel 1504. Callimaco è innamorato di Lucrezia, moglie dello sciocco
dottore in legge Messer Nicia. Con l'aiuto del servo Siro e dell'astuto amico Ligurio, Callimaco, in veste di
famoso medico, riesce a convincere Messer Nicia che l’unico modo per avere figli sia di somministrare a
sua moglie una pozione di mandragola (da qui il titolo della commedia), ma il primo che avrà rapporti con
lei morirà. Ligurio trova presto una geniale soluzione: a morire sarà un semplice garzone, cosa che
tranquillizza parzialmente Nicia, il quale resta comunque perplesso, perché qualcuno dovrà andare a letto
con sua moglie. Naturalmente Ligurio ha pensato all'amico Callimaco, che spasima per Lucrezia: infatti, non
vi sarà nessun garzone come vittima predestinata, bensì sarà lo stesso Callimaco a travestirsi da tale. In una
famosa e molto divertente scena, il garzone-Callimaco viene colpito e portato a casa di Nicia, e poi infilato
nel letto insieme a Lucrezia. Questa, che nel frattempo è stata convinta a consumare il rapporto adulterino
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da Timoteo, accetta, e nel momento in cui scopre la vera identità di Callimaco, acconsente alla fine a
diventare sua amante. Fra Timoteo, dopo aver commentato in modo irriverente e salace che i due amanti
non staranno certo dormendo (poiché, dice, se il frate fosse lui, cioè Callimaco, e il pubblico lei, cioè
Lucrezia, di certo non dormirebbe) chiude la beffa.
Belfagor Arcidiavolo:
Belfagor arcidiavolo è l'unica novella nota di Niccolò Machiavelli. Fu scritta tra il 1518 e il 1527 ed è nota
anche come La favola di Belfagor Arcidiavolo o Il demonio che prese moglie. Ambientata al tempo di Carlo
d'Angiò re di Napoli, si presenta come una sagace satira contro i costumi della Firenze di quegl'anni e si
inserisce nella tradizione antifemministica, popolare e morale dell'epoca. Macchiavelli sostiene
scherzosamente la tesi che gli uomini finiscono all’inferno per colpa delle donne.

Capitolo 16. La vita di Francesco Guicciardini.

Francesco Guicciardini nacque a Firenze il 6 marzo 1483. Nella sua formazione ebbe importanza una rigida
educazione cattolica, vicina alla riforma dei costumi operata dal frate domenicano Girolamo Savonarola,
studiò latino e greco matematica e logica. Nel 1512 la repubblica fiorentina lo nominò ambasciatore di
Spagna, dove regnava Ferdinando il cattolico. Nel 1514 tornò a Firenze quando la situazione politica era
profondamente cambiata, e il governo repubblicano era stato sostituito da quello mediceo. Papa Adriano
successore di Leone X, non confermò gli incarichi a Guicciardini, in seguito col nuovo papa Clemente VII
gli fu invece affidata la reggenza di tutta la Romagna, diventando inoltre un importante consigliere del
Papa. A Firenze cade il governo dei medici, e Guicciardini si ritrova sulla lista dei sospetti e viene allontanato
da tutti gli incarichi, e si ritrova così nella sua villa di Finocchietto e con il ritorno dei Medici Guicciardini
ottiene un nuovo incarico, ma una volta salito al soglio pontificio Paolo III lo esonera dai suoi incarichi,
muore nel 1540.

Capitolo 17. Le opere di Gucciardini.

Storie Fiorentine:
Le Storie fiorentine (Historiae Florentinae) scritte quando l'autore aveva 26 anni, le Storie abbracciano il
periodo compreso fra il tumulto dei Ciompi (1378) e la battaglia di Agnadello (1509). L'autore si preoccupa
di indagare le cause degli eventi, mettendo fortemente in risalto le figure dei protagonisti: (Lorenzo de'
Medici, su cui esprime un giudizio negativo, e soprattutto Girolamo Savonarola), con un interesse volto ad
illustrare le contraddizioni del presente. L'autore imposta il suo racconto storiografico partendo dalla
contrapposizione fra i "savi" (nobili e grandi ricchi), gli unici che secondo lui possano governare, e il popolo
che disprezza. Talvolta però è costretto a riconoscere che non sempre i primi hanno agito bene, mentre
loda la democrazia creata dal Savonarola.
Discorso di Logrongo:
Nel discorso di Logrogno (1512) Guicciardini parte dall'analisi delle varie vicende politiche
dell'Italia(ancora divisa in Stati Regionali) fino a come è stata influenzata dagli Stati Monarchici dell'Europa
del tempo. Il Guicciardini si rende conto che effettivamente valutare l'ingerenza politica era necessario. Egli
propone per la città di Firenze una forma di governo oligarchico: un senato formato dagli optimates, che
doveva mediare le decisioni dei Gonfalonieri e del Consiglio Grande.
Dialogo del reggimento di Firenze:
Il Dialogo del Reggimento di Firenze è articolato il 2 libri. È stato composto tra il 1521 e il 1526. L'autore
cerca di fare un'analisi fra le varie forme di governo per vedere qual è la migliore. La migliore forma di
governo è quella mista poiché riassume in sé tutte le varie forme. In quest'opera c'è una speculazione
filosofica pertanto si sviluppa in forma dialogica del trattato apportando anche delle riflessioni personali. Gli
interlocutori del dialogo sono diversi esponenti di quel tempo tra cui suo padre Piero Guicciardini, Piero
Capponi, portavoce degli Ottimati e Paolantonio Soderini, portavoce dei popolari.
I ricordi:
Il libro è composto in un primo momento da due quaderni (1512); in un'edizione del 1525 troviamo 161
pensieri, dove 8 appartengono ai quaderni e ben 153 sono nuovi. Nel 1528 sono stati aggiunti altri pensieri
fino ad arrivare ad un totale di 181, dove in realtà solo 12 sono nuovi mentre gli altri sono ripresi dai
quaderni. Ma la stesura finale dell'opera avviene nel 1530 dove i ricordi diventano 221. Di questi, 91 sono
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nuovi, e gli altri sono stati revisionati e modificati dai precedenti. Dai Ricordi emerge come Guicciardini
respinga qualsiasi visione utopica della realtà. Egli sostiene che non si faccia storia con immagini ideali o
sognanti di una società libera e felice, non disconoscendo la nobiltà di tali ideali, ma affermando la loro
inattuabilità pratica. Nell'opera tratta vari argomenti, tra cui la religione, che "guasta il mondo" poiché
effemina gli animi e li distoglie dal mondo reale. Quindi egli manca di una visione trascendentale della
storia, e questo lo porta a sottolineare la varietà infinita di "casi e accidenti", che può essere compresa non
con una dottrina sistematica, ma con la discrezione, ossia la capacità di distinguere e di decidere volta per
volta, a seconda delle situazioni, in quanto la realtà non obbedisce a leggi universali.
Rachele Piras Sezione Appunti
Letteratura italiana Pagina 66 di 77
Relazione di Spagna:
Nell’opera Guicciardini descrive la Spagna a lui contemporanea secondo la propria esperienza.
Del governo di Firenze dopo la restaurazione dei medici:
Lo scrittore non amava in modo particolare i medici, ma da una parte era imparentato con loro, dall’altra
considerava nella particolare condizione storica, il loro governo come un dato di fatto dal quale non si
poteva prescindere.
Le memorie di famiglia:
Le memorie sono una raccolta di ritratti dei propri avi con brevi note di commento che avrebbero dovuto
costituire un patrimonio di eventi ed esperienze famigliari a cui attingere.
Le ricordanze: sono invece un enumerazione di vicende personali e preziose per lo storico che oggi voglia
ricostruire le vicende giovanili dell’autore.

Capitolo 18. La storia d'Italia di Gucciardini.

La Storia d'Italia è un'opera storica scritta tra il 1537 e il 1540, l'opera consta di venti libri e narra gli
avvenimenti accaduti tra il 1492 (anno della morte di Lorenzo il Magnifico) e il 1534 (anno della morte di
Papa Clemente VII). Essa fu pubblicata per la prima volta nel 1561 a Firenze. La Storia d'Italia nasce dalla
necessità di Guicciardini di verificare tramite l'esperienza della realtà storica le riflessioni condotte nei suoi
Ricordi, in cui tra gli altri argomenti tratta dell'impossibilità di cogliere nella storia leggi e modelli assoluti
che permettano di prevedere l'andamento degli eventi, ponendosi in contrasto con il pensiero umanista e
con il Machiavelli. Questa verifica era in realtà iniziata nelle Cose fiorentine, opera iniziata nel 1528 ma
interrotta nel 1531, perché la sua dimensione fortemente municipale era diventata eccessivamente
limitativa per l'autore, che infatti in quest'opera abbraccia la storia di tutta la penisola. Nel periodo scelto
da Guicciardini si susseguono alcuni tra gli avvenimenti più dolorosi avvenuti nell'Italia rinascimentale,
come la calata di Carlo VIII di Francia (1494) e il sacco di Roma (1527), che però permettono all'autore di
inserire le vicende nel contesto politico europeo, in cui l'Italia, ormai in decadenza, svolge un ruolo di terra
di conquista. A differenza dei Ricordi, l'opera presenta una struttura organica e coesa, benché segua
un'impostazione annalistica desunta dallo storiografo latino Cornelio Tacito, grazie all'accuratezza nella
descrizione dei fatti, alla selezione e all'esame scrupoloso delle fonti. La narrazione riguarda principalmente
l'analisi politica e psicologica dei grandi personaggi coinvolti negli eventi, che vengono descritti attraverso il
tradizionale metodo del "ritratto", caratteristica anch'essa di stampo latino, e a cui viene data voce nelle
"orazioni", interi discorsi inseriti nel tessuto dell'opera e spesso contrapposti ad altri discorsi che
sostengono scelte politiche diverse, secondo il modello de La congiura di Catilina di Sallustio, in cui vengono
contrapposti i discorsi di Cesare e Catone l'Uticense. Guicciardini quindi privilegia le figure storiche più
rilevanti, senza alcun interesse per le sorti del popolo, da lui definito nei Ricordi «animale pazzo, pieno di
mille errori, di mille confusione, sanza gusto, sanza deletto, sanza stabilità ».Guicciardini quindi analizza
con spregiudicatezza i fatti, senza mai spiegarli tramite modelli ideali o regole di validità generale,
considerando la storia nel suo svolgimento e non soltanto per le conclusioni che da essa si possono trarre:
in questo modo egli approda a conclusioni molto pessimistiche sulle sorti future dell'Italia, contrapposte nel
proemio al felice periodo delle corti rinascimentali, e nella convinzione che la Fortuna, ovvero l'insieme
degli eventi che agiscono sulla realtà, possa essere vinta dalla Virtù umana. Lo stile dell'opera è invece
solenne e classicheggiante, molto diverso da quello stringato e asciutto dei Ricordi: l'autore curò inoltre
molto il linguaggio usato al suo interno, adeguandolo al modello proposto dal Bembo nelle Prose della
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volgar lingua.

Capitolo 19. Ludovico Ariosto.

La vita:
Ludovico Ariosto (Reggio Emilia, 8 settembre 1474 – Ferrara, 6 luglio 1533), Il padre lo destinò alla
giurisprudenza , ma Ludovico non provò nessuna inclinazione per questi studi. Nel 1494, egli divenne
discepolo dell’umanista Gregorio da Spoleto, e questa sorta di apprendistato poetico durò fino ai 25 anni.
Nel 1500 morì il padre e Ludovico dovette assumere la guida della famiglia. Nel 1503 ritornato a Ferrara
prese gli ordini religiosi minori e si mise al servizio del cardinale Ippolito d’este, inizia a comporre la sua
opera maggiore: L’Orlando Furioso iniziato nel 1504 e pubblicato nel 1516. Si legò ad Alessandra Benucci,
e in seguito i problemi economici lo spinsero a trovare un altro impiego presso Alfonso I , nel 1522 non potè
rifiutare di assumere la carica di Governatore della Garfagnana. Muore il 6 luglio del 1533.
Le Rime:
Le rime sono scritte in volgare e di queste ci sono pervenute circa 5 canzoni, 41 sonetti, 12 madrigali, 27
capitoli in terza rima, Ariosto non ha tenuto particolarmente al fatto che le sue rime venissero pubblicate, il
periodo in cui Ariosto compone le sue rime si trova a cavallo tra la poesia umanistica e gli inizi del pieno
Petrarchismo, che vedrà di li a poco Pietro Bembo come suo massimo esponente. Diciamo che nelle rime il
modello petrarchesco non è l’unico infatti, usa altri codici stilistici, ad esempio quelli della lirica di fine 400,
oppure preferisce rifarsi ai classici latini come Orazio.
La Cassaria:
La Cassaria è una commedia di Ludovico Ariosto, rappresentata per la prima volta il 5 marzo 1508 alla corte
di [Link] scritta in prosa, fu successivamente messa in versi dallo stesso Ariosto tra il 1528 e il
[Link] il nome alla cassa che si trova al centro dell'intrigo. L'azione si svolge nella città greca di
Metellino ed è alimentata soprattutto dalle trovate dei due servi astuti, Volpino e [Link] storia del
teatro italiano, La Cassaria è il primo tentativo di cimentarsi col genere classico della commedia. L'eredità
del modello latino, specialmente di Terenzio, è ancora sin troppo evidente: a dispetto dei rimandi alla realtà
contemporanea e della moltiplicazione delle peripezie, i tipi psicologici restano gli stessi: giovani
innamorati, servi furbi, vecchi avidi, schiavi e mezzani.
I suppositi:
I suppositi (Gli scambiati) è una commedia di Ludovico Ariosto composta nel 1509. Originariamente in
prosa, fu poi riscritta in versi, seguendo il modello della commedia latina di Terenzio.I suppositi sono i
bambini nati e subito abbandonati dai genitori, i "trovatelli". Interessante è il dar vita a personaggi che
fanno parte della realtà quotidiana della Ferrara coeva (senza escludere gerghi, allusioni pesanti e oscene)
con impiego di fonti volgari derivanti dalla tradizione novellistica e da Boccaccio, in modo tale da
accentuarne la modernità. La trama si fonda su una serie di scambi di persona e sugli equivoci che ne
nascono. Una novità di grande rilievo è costituita dal fatto che la scena è in Ferrara, e vi è una fitta rete di
riferimenti a realtà e luoghi cittadini ben noti agli spettatori, che potevano così vedere riflesso sul
palcoscenico, con curiosità e divertimento, il mondo a loro familiare.
Il Negromante:
scritta nel 1509 in prima stesura abbozzata, poi terminata nel 1520 ed ulteriormente riscritta nel 1528. Il
primo allestimento è avvenuto a Ferrara tra il 1528 ed il 1529, mentre la pubblicazione avvenne nel 1535.
L'azione della commedia è ambientata a Cremona. Narra le vicende di un mago, un impostore ovviamente.
L'unico scopo è di prendere in giro i costumi popolari e le tradizioni legate ai tarocchi. Il Negromante, la
terza commedia di Ariosto, fu compiuta nel gennaio del 1520 e narra degli espedienti impiegati da un
giovane per penetrare nella casa dell'amata. Ma al centro della trama è un praticone di arti magiche che si
prende gioco della credulità del prossimo. Nel disegnare il personaggio Ariosto ricorre a fonti moderne
come ad esempio: - il Ruffo della commedia del Cardinale Bernardo Dovizi da Bibbiena, la Calandria; -
Callimaco, il finto medico della Mandragola di Machiavelli. Il Negromante viene messo in scena soltanto
nel 1528.
La Lena:
Di ambientazione ferrarese, fu composta subito dopo il sacco di Roma e rappresentata per la prima volta
nel Palazzo Ducale nel [Link] storia è improntata su una fabula amorosa a lieto fine. La protagonista è una
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mezzana, La Lena, donna cinica e arrivista, sposata con Pacifico, ma ha come amante il ricco e avaro Fazio,
la cui figlia Licinia apprende l'arte del ricamo da [Link] giovane Flavio, figlio del rivale di Fazio, ama la
ragazza e dopo alcune peripezie e con l'aiuto di Lena riescono a coronare il loro sogno d'amore.
Gli studenti:
Fu ambientata nel mondo universitario ed è incompiuta, interrotta all'inizio del IV atto. Ariosto abbozzò
solamente l'opera che fu successivamente completata in modo diverso dal fratello Gabriele che scrisse
"L'imperfetta" e dal figlio Virginio che scrisse "La scolastica".

Capitolo 20. Le Satire di Ludovico Ariosto.

Le Satire furono scritte da Ludovico Ariosto tra il 1517 e il 1532, ma vennero pubblicate clandestinamente
postume solo nel giugno del 1534 a Ferrara, probabilmente presso l'editore Francesco Rosso di Valenza. A
questa editio princeps seguirà la filogicamente più corretta edizione Giolitiana del 1550 curata da Francesco
Doni. Le Satire sono sette e composte in terzine.
 La Satira prima, scritta nell'autunno del 1517, è rivolta al fratello Alessandro Ariosto e a Ludovico da
Bagno, segretario del cardinale Ippolito d'Este. In essa l'autore racconta la rottura col cardinale
conseguente al rifiuto del poeta di seguirlo in Ungheria.
 La Satira seconda, invece, indirizzata al fratello Galasso, risale alla fine del 1517, prima di un viaggio
a Roma che l'Ariosto intraprese per risolvere i problemi legali connessi al beneficio ecclesiastico di
Sant'Agata in Faenza; in questa satira l'autore esprime considerazioni disincantate e disilluse sulla
vita cortigiana.
 La Satira terza , del maggio del 1518, è rivolta al cugino Annibale Malaguzzi. In essa l'autore parla
del suo nuovo lavoro al servizio del duca, rifiuta la carriera ecclesiastica e difende la propria dignità.
 Nella Satira quarta, composta nel 1523 e dedicata a Sigismondo Malaguzzi, l'autore si lamenta della
lontananza della sua donna, del suo duro lavoro in Garfagnana e dell'impossibilità di scrivere.
 La Satira quinta, la cui datazione è fissata tra il 1519 e il 1521, è dedicata nuovamente ad Annibale
Malaguzzi, e affronta alcuni motivi tradizionali della vita matrimoniale.
 Nella Satira sesta, scritta nel 1524-1525 e indirizzata a Pietro Bembo, l'autore chiede al letterato
che gli procuri per il figlio Virginio, studente a Padova, un professore di greco, raccomandandosi
che sia affidabile per dottrina e costumi.
 Infine la Satira settima, indirizzata al segretario del duca Alfonso d’Este, Bonaventura Pistofilo, fu
elaborata in Garfagnana nella primavera del 1524; in essa il poeta giustifica il proprio rifiuto di
diventare ambasciatore estense a Roma e afferma il suo desiderio di tornare al più presto a Ferrara.
Le Satire di Ariosto costituiscono un modello fondamentale nell'ambito del nuovo sistema dei generi sorto
nella prima metà del Cinquecento; in esse domina l'elemento autobiografico e moralistico, alcune volte più
leggero, altre volte più aggressivo e risentito. A differenza della tradizione quattrocentesca dei capitoli
morali, ispirata in primo luogo da Giovenale, le Satire di Ariosto si ispirano a quelle dello scrittore latino
Quinto Orazio Flacco, soprattutto per l'inserzione degli apologhi (come la favola della zucca nella settima
satira o le favole della gazza e della ruota di fortuna nella terza) e per la scelta di unire al sermo satirico la
forma epistolare. Importante è, nell'influsso Oraziano, anche la presenza di elementi autobiografici, la
scelta di un ritmo prosastico, un linguaggio misto fra aulico e realistico e il tono colloquiale. Non meno
importanti sono gli influssi dei precedenti scrittori umanisti, quali Dante (nella ricerca lessicale, nel tono
sarcastico e nella struttura in terzine) e il Boccaccio (per quanto riguarda la critica alla curia papale corrotta,
comunque presente anche nell'Alighieri). Le satire sono una finestra sulla realtà contemporanea
dell'Ariosto, il quale parte dall'elemento autobiografico per giungere a una generalizzazione in cui accusa la
società e i suoi membri. Importanti le critiche alla Chiesa, ai Signori di corte, ai cortigiani adulatori, ai difetti
delle donne e a coloro che cercano di ottenere in tutti i modi i benefici ecclesiastici o gli onori statali.

Capitolo 21. L'Orlando furioso di Ludovico Ariosto.

L’Orlando furioso è un poema cavalleresco pubblicato nel1532. La prima edizione a stampa uscì a Ferrara
nel 1516, ed era divisa in 40 canti in ottave. Nel 1521 uscì la seconda edizione rivista ancora con 40 canti ma
con l’aggiunta di poche ottave, e con un non altissimo numero di correzioni ritmico- stilistiche. Nel 1532,
vediamo che uscì la terza edizione, e diciamo che ne fu influente soprattutto Pietro Bembo e le sue prose
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della volgar lingua, in essa Ariosto oltre a correggere moltissimi passi sulla base dei precetti linguistici
bembiani aggiunse sei canti portando in totale di 46 canti, non furono mai inseriti nel testo invece
i cosiddetti Cinque Canti pubblicati postumi nel 1545. L’Orlando Furioso è un romanzo policentrico in cui si
sviluppano numerosissime vicende continuamente intrecciate tra di loro sullo sfondo della lotta tra i
saraceni e i paladini cristiani di Carlo Magno, del quale il più valoroso Orlando impazzisce per amore di
Angelica, principessa orientale che non ricambia i suoi sentimenti. Con il suo poema Ariosto si inserisce in
un filone che aveva ormai alle spalle ovvero quello delle: Chanson de Geste, e dei cantari tre-
quattrocenteschi, che mettevano in scena Carlo Magno e i suoi paladini. Tuttavia il modello di più
immediato riferimento era l’Orlando Innamorato di Boiardo. Ariosto col suo romanzo vuole dare una
continuazione all’innamorato di Boiardo un opera molto cara agli Estensi in cui venivano celebrati due filoni
fondamentali:
 Ripreso dall’innamorato, l’innamoramento di Ruggiero combattente del campo pagano per la
guerriera cristiana Bradamante .
 Il loro matrimonio dopo la conversione di Ruggiero narrato nell’ultimo canto del furioso, avrà
dunque origine la casata d’Este ovviamente secondo questa nobilitante invenzione letteraria.
Le varie e intricate vicende che compongono l’Orlando Furioso sono tenute insieme dal narratore, un alter
ego del poeta cui spetta il compito di condurre e commentare l’intera storia, intrecciando le imprese dei
personaggi ed intervenendo nel corso del racconto, esse vengono così a costituire una trama ricca di colpi
di scena , con una continua ricerca dell’imprevisto che può spingersi all’inverosimile. Il protagonista
Orlando compare in scena solamente nell’ VIII. Molto importante risulta essere l’ironia di Ariosto con la
quale l’autore smorza i toni drammatici, esemplare inoltre risulta essere la ricerca del senno di Orlando,
come prima tappa Astolfo scende nell’inferno, creando così una micro parodia della commedia e dopo sale
verso il paradiso, sino ad arrivare al regno della Luna dove ci sono tutte le cose che si perdono tramite la
fortuna.

Capitolo 22. Torquato Tasso la vita e le opere.

La Vita
Nacque a Sorrento l'11 marzo 1544, intorno al 1559 raggiunge il padre a Venezia ed iniziò a scrivere il
Gierusalemme, embrione della sua opera maggiore. Nel 1560 soggiornò a Padova per intraprendere gli
studi di diritto alla locale università. Nel 1565 Tasso si recò a Ferrara dove si pose al servizio del cardinal
Luigi D’Este . Là riprese il progetto del poema sulla crociata con il titolo il Gottifredo e poi Goffredo. Nel
1573 scrisse il dramma pastorale Aminta, e intorno al 1577 Tasso inizia a manifestare comportamenti
interpretabili come segni di disordine mentale, si autodenuncia come eretico al tribunale dell’Inquisizione
ferrarese, viene pertanto recluso in ospedale e nel mentre la sua opera con il titolo la Gerusalemme
liberata viene pubblicata in edizione priva del consenso dell’autore. Nel 1586 il poeta lasciò l’ospedale di
Sant’Anna grazie all’intercessione di Vincenzo Gonzaga, tasso si stabilì a Mantovana subito riprese una vita
errabonda. Morì il 25 aprile del 1595 a Napoli.
Le Rime:
Torquato Tasso compose un gran numero di poesie liriche lungo l'arco di tutta la vita. Le prime furono
pubblicate nel 1567 col titolo di Rime degli Accademici Eterei. Nel 1581 uscirono Rime e prose. Tasso
lavorò fino al 1593 ad un riordino complessivo dei testi, distinguendo rime amorose e rime encomiastiche.
Previde poi una terza sezione, dedicata alle rime religiose ed una quarta di rime per musica, ma non
realizzò
il progetto. Nelle Rime amorose è ben riconoscibile l'influenza della poesia petrarchesca e della vasta
produzione petrarchistica del Quattrocento e Cinquecento; contemporaneamente, però, il gusto per le
preziosità linguistiche e l'intensa sensualità rivelano l'evoluzione verso un linguaggio nuovo che maturerà
nel Seicento. L'uso frequente di forme metriche poco usate dai poeti precedenti, come il madrigale, e la
raffinata musicalità dei versi fecero sì che molti di essi fossero musicati da grandi autori come Claudio
Monteverdi e Gesualdo da [Link]ù solenni e classicheggianti le Rime encomiastiche, dedicate alle figure
ed alle famiglie signorili che ebbero rilievo nella vita del poeta. Per la loro creazione si ispira a Pindaro,
Orazio e al celebre Monsignor della Casa. Fra tutte, la più famosa è la Canzone al Metauro, intessuta di fitti
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elementi autobiografici. Le Rime religiose sono caratterizzate dal tono cupo e plumbeo, forse dovuto al
fatto che le scrisse negli ultimi anni di vita.
Aminta:
L'Aminta è una favola pastorale composta nel 1573 e pubblicata nel 1580. Un pastore, Aminta, si innamora
di una ninfa, Silvia, ma non viene ricambiato. Dafne, amica di Silvia, gli consiglia di recarsi alla fonte dove
si bagna di solito Silvia. Silvia viene aggredita alla fonte da un Satiro che si appresta a violentarla, quando
interviene Aminta che la salva. Ma lei, ingrata, scappa senza ringraziarlo. Aminta trova un velo
appartenente a Silvia sporco di sangue e pensa che sia stata sbranata dai lupi. Addolorato per la presunta
morte dell'amata decide di suicidarsi gettandosi da una rupe. Silvia, che in realtà non è morta, ricevuta la
notizia del suicidiodi Aminta, presa dal rimorso e resasi conto di amarlo si avvicina al corpo piangendo
disperata. Ma Aminta è ancora vivo perché un cespuglio ha attutito la caduta e riprende i sensi e così la
vicenda si conclude con il matrimonio dei due. L’Opera ha un tono piuttosto lirico che drammatico e fa
l'elogio dell'età dell'oro, quando l'uomo viveva a contatto con la natura, libero dagli impacci di una morale
convenzionale creata dalla cosiddetta civiltà. Si inquadra benissimo nel clima della vita vagheggiata alla
corte estense, alcune personalità della quale è forse possibile intravedere nei personaggi dell'opera.
Re Torrismondo:
Intorno al 1573-1574 Tasso scrisse una tragedia, Galealto re di Norvegia, che però interruppe alla quarta
scena del secondo atto. Tasso la riprese e la completò negli anni successivi alla liberazione dall'Ospedale di
Sant'Anna cambiando però il titolo, diventato Re Torrismondo, ed il nome dei personaggi. L'ambientazione
è nordica: in essa sono frequenti le immagini di distese boschive. In questo, il Tasso mostra la sua forte
curiosità per le leggende nordiche, come ad esempio mostra la lettura dell'Historia de gentibus
septentrionalibus di Olao [Link] è intimamente segnato dal conflitto tra amore e amicizia: il
sovrano ama Alvida, che però è promessa in sposa all'amico Germondo, re di Svezia. Ma quando
Torrismondo scopre che la donna amata non è altri che la sorella, la situazione culmina nel suicidio dei
[Link] tragedia del "Re Torrismondo" è molto importante perché anticipa le tragedie barocche, nelle quali
si riprendono alcune caratteristiche fondamentali delle tragedie senecane: la meditatio mortis (il Memento
mori) e il gusto dell'orrido. Nel Tasso, però, ciò che compare fortemente e caratterizza le sue tragedie è il
conflitto intimo che dilania l'animo dei personaggi: l'uomo si sente intrappolato dal fato, poiché
impossibilitato all'agire, a modificare il corso degli eventi ormai già predisposti.

Capitolo 23. La Gerusalemme liberata di Torquato Tasso.

Viene, pubblicato inizialmente nel [Link] iniziò a scrivere l'opera all'età di 15 anni con il titolo di
Gierusalemme tra il 1559 ed il 1560 durante il soggiorno a Venezia, ma si fermò a 110 ottave, ben meno dei
venti canti della Gerusalemme liberata, composta in seguito. La Gerusalemme liberata vera e propria,
completata dall'autore nel 1575, fu pubblicata integralmente senza l'autorizzazione del poeta nel 1580-81.
In seguito, il poeta rimise mano all'opera e la riscrisse eliminando tutte le scene amorose, accentuando il
tono religioso e epico della trama, eliminando alcuni episodi e cambiando infine anche il titolo in
Gerusalemme conquistata, opera che, data la notevole revisione, viene generalmente considerata
separatamente. Nel 1565continuò a lavorare e la completò dieci anni dopo a Ferrara, nel 1575. Leggendola,
il duca Alfonso II d'Este volle subito la pubblicazione, ma Tasso non accettò la decisione e la sottopose al
giudizio di otto tra i critici migliori d'Italia ottenendo critiche positive e negative. Dopo che fu trasferito
nell'ospedale di Sant'Anna la sua opera fu pubblicata nel 1581 senza la sua approvazione. Nel 1593 uscirà
invece a Roma la Gerusalemme Conquistata. La Gerusalemme liberata è divisa in 20 canti e comprende
1917 ottave; i 20 canti sono raggruppati in 5 parti, che corrispondono ai 5 atti della tragedia classica. La
trama ruota attorno allo storico condottiero Goffredo di Buglione che, giunto al sesto anno della prima
crociata a capo dell'esercito, attende la fine dell'inverno in Libano, quando gli appare l'Arcangelo Gabriele
che lo invita ad assumere il comando dell'esercito e a portare l'attacco finale contro Gerusalemme. L’idea di
scrivere un’opera sulla prima crociata è mossa da due obiettivi di fondo:
 Raccontare la lotta tra pagani e cristiani, di nuovo attuale nella sua epoca
 Raccontarla nel solco della tradizione epica-cavalleresca. Sceglie la prima crociata in quanto è un
tema non così ignoto al tempo da lasciar pensare che fosse inventata, ma anche adatto
all'elaborazione fantastica. Così le storie d’amore si caricano di pathos tragico.
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Tancredi si innamora di Clorinda, guerriera musulmana, ed è condannato dal destino ad ucciderla; Armida si
innamora di Rinaldo. Un anno dopo la nascita di Tasso era stato indetto il Concilio di Trento, tappa
fondamentale del processo [Link] Chiesa manifestava l’ardente necessità di orientare gli
intellettuali al fine di difendere l’ortodossia cattolica contro le confessioni riformate. Il rinnovamento del
Tribunale dell’Inquisizione e l’istituzione dell’Index librorum prohibitorum contribuirono alla nascita di un
clima di restrizione e repressione che investì inevitabilmente il mondo del tempo. L’ortodossia tanto
salvaguardata era incompatibile con quei radicati ideali umanistici, fondati su una concezione laica ed
antropocentrica. Il doversi adattare alle nuove imposizioni clericali coincise dunque con il disgregarsi
dell’equilibrio rinascimentale: l’intellettuale, privato della propria libertà, fu così tormentato dall’incubo di
dover compiacere la Chiesa, o solo di essere da questa accettato. È proprio tale giogo a plasmare una
personalità tanto complessa quale quella del Tasso.L’esigenza del richiamo ai valori religiosi è insita nel
fine pedagogico della sua Gerusalemme liberata. Il poema è teso non al solo delectare, ma al docere: i
cristiani allora dovevano riscoprire la propria compattezza, combattendo per difendere la propria fede dalle
minacce esterne, ovvero i Turchi, ed interne, ovvero le spinte disgregatrici figlie della riforma luterana. Il
dover sensibilizzare la società secondo lo spirito controriformistico fu motivo di angoscia per Tasso, che
sentì il bisogno di sottoporre la sua opera al giudizio di otto revisori, al fine di valutare la chiarezza del
messaggio educativo. Per il Tasso, vero manierista, conciliare, in sé e nelle sue opere, lo spirito
rinascimentale morente con la tensione religiosa significava conciliare l’unità con la varietà. A livello
stilistico la molteplicità delle situazioni doveva essere governata da una trama unitaria e compatta in cui i
diversi elementi si combinavano in una fitta rete di rapporti e di corrispondenze. Alle unità aristoteliche di
luogo, di tempo e d’azione accostò dunque la varietà, ovvero il susseguirsi di episodi secondari per
arricchire la narrazione. A livello contenutistico, invece, è evidente quella che il critico Lanfranco Caretti
definisce “discorde concordia”: la contrapposizione dialettica tra la tematica eroica fondata sulla crociata,
che coincide con il coinvolgimento morale dei personaggi, e quella sentimentale, susseguirsi di passione e
debolezza. L’intrigo spirituale sopravvive in Tasso, lasciando emergere una sorta di “bifrontismo spirituale”.
L’alterno susseguirsi di opposte prospettive, ora “ascendenti” ora “diversive”, è simbolo del conflitto
interiore dell’autore alla ricerca dell’unità, da recuperare prima in sé e poi nelle sue produzioni.L’equilibrio
tra peccato e redenzione, tra passione ed ideale, però, sembra sempre irrealizzabile. La tensione verso una
catarsi irraggiungibile e la conseguente assenza di compattezza si traducono dunque in ansia. Si tratta della
stessa ansia che rende il mondo della Liberata tormentoso e problematico. È lo stesso senso di turbamento
che avvolge il Tasso cosciente di una nuova consapevolezza: il potere dell’uomo e dell’intelletto è limitato
da condizionamenti morali e metafisici.

Capitolo 24. I Dialoghi di Torquato Tasso.

I Dialoghi furono composti da Torquato Tasso in un arco di anni che va dall'inverno 1578-1579 alla morte
(1594). La vicenda della loro pubblicazione è particolarmente tormentata, dato che negli anni della
reclusione in Sant'Anna l'autore, impedito materialmente a seguire le stampe, dovette ricorrere ad agenti
talvolta interessati e poco scrupolosi, e d'altra parte il grado quasi patologico a cui giunse il processo
autocorrettorio a partire da questi anni influenzò le vicissitudini editoriali, contribuendo a renderle ancora
più intricate. Sette dialoghi uscirono postumi dopo il 1600, I dialoghi trattano dei seguenti argomenti:
nobiltà, cortesia, gelosia, pietà, piacere, spiriti platonici, padre di famiglia, dignità, gioco, regole del
corteggiamento, pace, corte, fuggire la moltitudine dei concetti, poesia toscana, maschere, idoli, epitaffio
(in morte di Barbara d'Austria, moglie di Alfonso II d'Este), amore, clemenza, conclusioni amorose
(cinquanta proposizioni in materia d'amore discusse da Tasso nel carnevale del 1570 a Ferrara con Paolo
Sanminiato), amicizia, arte, bellezza, virtù, imprese, [Link] corpus tassiano rappresenta uno dei
vertici dell'arte del dialogo rinascimentale di cui riassume le caratteristiche fondamentali, elaborandole con
lucida consapevolezza critica. Esemplare di questa tendenza è il Messaggiero, in cui sono interlocutori il
Tasso stesso e uno spirito, che nella chiusa del dialogo si rivela privo di reale esistenza ed essere solo la
proiezione figurale dell'opinione platonica, non ortodossa, che si agita nella mente di Tasso personaggio. Il
dialogo tra i due interlocutori perciò non è altro che la rappresentazione concreta e percepibile dai sensi di
un dibattito tutto intellettuale, privo di una vera consistenza fattuale, se non di natura fantasmatica e
allucinatoria. Anche dove Tasso tocca temi e figure caratteristiche dell'universo cortigiano - quali nobiltà,
dignità, precedenza, piacere, corte, padre di famiglia, eccetera - gli argomenti non sono affrontati solo dal
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punto di vista della vita attiva, dunque con il fine di produrre regole e comportamenti, bensì anche da
quello contemplativo, con il risultato che nel loro complesso i Dialoghi, più di ogni altro insieme dialogico
contemporaneo, anche dotato sul piano filosofico, rappresentano una rilettura idealizzata e speculativa dei
contenuti della cultura cortigiana cinquecentesca.

Unità 4: Il Seicento.
Capitolo 1. Il Seicento coordinate storico-culturali.
Si tratta di un periodo innovativo sotto tutti i punti di vista, nel quale nasce un movimento culturale che
abbraccia tutte le arti chiamato Barocco, una vera e propria tendenza ad enfatizzare gli aspetti formali con
una ricerca di soluzioni inedite, ardite e spettacolari. Perciò si indica col nome «barocco» il gusto legato alle
manifestazioni artistiche di questo periodo, in particolare quelle più legate all'estrosità e alla fantasia.
Tuttavia, da un punto di vista artistico, questa epoca è percorsa anche da una corrente classicista e in
generale il linguaggio classico rimane il punto di riferimento comune degli artisti di ogni tendenza. Riguardo
alla derivazione del termine ci sono due ipotesi possibili: la prima, deriva dalla figura più complessa
del sillogismo aristotelico, il "baroco"; la seconda attraverso il francese 'baroque', attestato in Francia
nel XVII secolo nel significato di "stravagante, bizzarro". Infatti si distingue per la sua forte critica eversiva
nei confronti delle regole e dei precetti elaborati nel corso del Cinquecento dipendenti dagli ideali
classicisti. L'età barocca mira al superamento delle stesse con l'invettiva e l'originalità dell'autore stesso,
per questo si dice che sono "stravaganti", del tutto estranei a canoni rinascimentali. L'Italia dominata dagli
spagnoli e fortemente condizionata dalla Chiesa e dalla Controriforma ebbe come massimo esponente
Giovan Battista Marino, senza però toccare i livelli eccelsi espressi nella musica con Claudio Monterverdi e
nell'arte e architettura con Gian Lorenzo Bernini. Infatti il 600' è considerato come un secolo di crisi
politico, economico e culturale, l'Italia, come già detto in precedenza, era dominata dagli spagnoli che
inizialmente traè dei benefici, ma successivamente culminò nella guerra dei 30 anni che sancì la Francia
come potenza continentale e l'Inghilterra come potenza marina. In Italia la Chiesa Cattolica cercava di
consolidare il proprio potere rafforzando il proprio potere e creando nuovi ordini come quello dei gesuiti
con il compito di formare e dirigere nuove scuole (seminari) in cui si formavano i nuovi chierici, e i membri
della nobiltà e della borghesia, perché aveva capito che non bastava applicare la ferrea censura, già
presente, ma era opportuno controllare anche la cultura su tutti i livelli. L'intellettuale subisce una notevole
regressione rispetto alle conquiste del Umanesimo, soprattutto per censura cattolica, infatti ai letterati
toccano posizioni subalterne. In questo periodo, di contro, nascono numerose accademie letterarie,
artistiche, musicali ma anche scientifiche. Nascono in questo periodo esattamente nel 1582 l'Accademia
della Crusca a Firenze a difesa del fiorentino, l'Accademia degli Umoristi nel 1603 a Roma, l'Accademia degli
Oziosi nel 1611 e poi degli Infuriati nel 1617 a Napoli, e infine l'Accademia degli Incogniti a Venezia nel
1630. Ma in campo scientifico avviene la grossa rivoluzione secentesca. Le numerose scoperte scientifiche
fatte da Galileo, da Newton e da Keplero in campo fisico basate sulla teoria copernicana, che procurano
notevoli problemi con la chiesa cattolica, soprattutto per Galileo, ideatore e pensatore del metodo
scientifico che teneva unita osservazione, sperimentazione e tesi, ribadendo l'autonomia scientifica,
argomento molto dibattuto in ambito anche filosofico, con Cartesio, Bacone e dallo stesso Galileo.

Capitolo 2. Il seicento e la letteratura italiana.

Il gusto barocco, col suo rifiuto del linguaggio ordinario e il suo gusto per l'artificioso e lo stravagante, trovò
un campo di applicazione privilegiato nella lirica. Si tratta di una vasta produzione senza capolavori.
Un posto di rilievo è occupato dall'opera di  Giambattista Marino, tanto celebre da essere chiamato come
poeta di corte in Italia e a Parigi. Il suo testo maggiore, l'Adone, di proporzioni enormi (quasi tre volte
la Divina Commedia), è un poema antinarrativo, che si sviluppa per digressioni attraverso una rete di
analogie che evocano la realtà sottoponendola, transitoriamente, alla curiosità di tutti i sensi. Già la
sproporzione fra la trama esile e la dispersione senza fine delle immagini dice la distanza dai modelli del
Cinquecento. Marino portò al limite estremo la figura del letterato cortigiano che si avvale della sua penna
per ottenere vantaggi e gloria, e fece anzi dei riconoscimenti del pubblico il criterio di validità estetica della
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sua opera. Il suo culto della metafora e l'ingegnosità mostrata nel costruire concettini e arguzie lo resero un
maestro per i lirici del Seicento. Inoltre le qualità melodiche della sua poesia contribuirono allo sviluppo
del melodramma e avrebbero trovato, nel Settecento, la continuazione migliore nelle opere, certo non
barocche nell'ispirazione, di Metastasio. La dissoluzione del genere epico narrativo in un grande castello
lirico è un caso di quella anticlassica tendenza alla mescolanza dei generi che caratterizza il secolo.
Ad Alessandro Tassoni, figura di letterato dissacratore, si deve il merito di aver creato (con  La secchia
rapita) il modello del genere eroicomico, un tipo di poema che, a parte gli intenti parodistici, si struttura
sull'alternanza continuamente variata di serio e comico. A conclusione del secolo si ricorda l'opera di due
poeti che ebbero fortuna nel Settecento per la tendenza a conservare il senso della misura e della
razionalità classicistiche in opposizione al concettismo del Marino. Si tratta anzitutto del savonese  Gabriello
Chiabrera, che si segnalò e venne in seguito valorizzato per la sensibilità metrica. I suoi risultati migliori
stanno nella struttura della canzonetta, configurata sul modello lirico di Anacreonte e giocata su versi brevi,
dalla musicalità lieve e scorrevole. L'altro poeta è il ferrarese  Fulvio Testi che, nella ricerca di una poesia
eroica, rifuggì dal gusto sensuale della metafora barocca e predilesse parole brevi e solenni.
Rispetto alla preziosità artificiosa della poesia, la prosa manifesta un maggiore interesse per l'attualità e la
vita degli uomini e comporta alcune delle sperimentazioni più interessanti del secolo. Nel corso del
Seicento si diffuse il romanzo in prosa che, anche quando è ambientato in luoghi esotici o fantastici,
riproduce ambienti contemporanei riconoscibili e predilige tematiche erotiche e sensuali. Uno di questi
romanzi è quell'Historia del cavalier perduto (1634) di Pace Pasini (1583-1644) che il critico Giovanni
Getto ha voluto indicare come il manoscritto trovato da Manzoni e riscritto nei  Promessi sposi. I romanzieri
furono numerosi e godettero di buona fama anche all'estero. La lingua impiegata era ormai italiana, cioè
sovraregionale. E il romanzo fu uno dei generi che accrebbero il numero dei lettori. Il risvolto più estroso
della prosa barocca si ha con Il cane di Diogene (pubblicato postumo nel 1689) del genovese  Francesco
Fulvio Frugoni (1620 ca.-1684 ca.),pastiche in cui si combinano vari argomenti, e che ha come modelli
la satira menippea e gli autori che la riproposero (Petronio, Luciano, Rabelais). La prosa barocca era un
prodotto della cultura laica della prima generazione barocca; ma poi i  gesuiti, impegnati nel controllo della
produzione e della trasmissione culturale, ne fecero uno strumento importante del proprio intervento nella
società per definire comportamenti e scelte. E alcuni dei risultati migliori della prosa del Seicento si devono
al padre Daniello Bartoli, autore dell'Historia della Compagnia del Gesù, oltre che di molte opere
devozionali. La sua capacità di conciliare precisione e artificio avrebbe destato anche l'ammirazione
di Giacomo Leopardi. Nell'ambito della prosa il Seicento può vantare un'importante produzione
storiografica che si ispirava alla linea politico-diplomatica della  Storia d'Italia di Francesco Guicciardini.
L'opera più importante del secolo è probabilmente l' Istoria del concilio tridentino del frate veneziano Paolo
Sarpi. L'opera, edita a Londra nel 1619 (in Italia solo nel 1689-90) venne subito inserita nell'Indice dei libri
proibiti per la battaglia condotta dall'autore contro il sistema ecclesiastico in nome del valore autonomo
delle strutture statali, definita come il massimo momento degenerativo della Chiesa. Di contro la Chiesa
commissionò a Pietro Sforza Pallavicino una contro opera in chiave apologetica ovvero Istoria del Concilio di
Trento (1656-57).
Tra la fine del Cinquecento e il Seicento proliferarono gli scritti sulla politica che ponevano al centro
dell'attenzione gli interessi dell'organismo statale (il concetto della ' ragion di stato'), opposto
all'antimachiavellismo cattolico, ma anche laico, diffuso soprattutto nella prima metà del secolo. E per
riflettere sui meccanismi del potere dispotico vennero recuperati il pensiero di Machiavelli e l'opera storica
di Tacito. L'interesse per questo storico (tacitismo) trova espressione anche nella traduzione, che rivaleggia
per concisione con l'originale latino, della sua opera per mano di  Bernardo Davanzati (1529-1606). Fra i
trattatisti politici si segnalano i nomi di Ludovico Zuccolo (1568-1630), Paolo Paruta (1540-1598), Traiano
Boccalini e del gesuita Giovanni Botero, che pubblicò il trattato politico più famoso del tempo,  Della ragion
di stato (1589), dove per ragion di stato si intende l'insieme dei mezzi a disposizione di un governante per
acquisire e conservare il potere; essa coincide con la difesa del potere vigente, prescindendo da qualsivoglia
giudizio di un valore intorno ad esso.
A fianco della trattatistica politica si sviluppò sul fronte letterario una trattatistica barocca, per precisare,
approfondire e sistemare sul piano teorico e in termini retorici la grande avventura del nuovo gusto. Uno
dei primi testi è quello dell'emiliano Matteo Peregrini (1595 ca. - 1652); ma il testo più importante è  Il
cannocchiale aristotelico (1654) del torinese Emanuele Tesauro (1592-1675): le infinite possibilità
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combinatorie della metafora divennero in lui un modo per celebrare la ricchezza della realtà e la superiorità
del tempo presente sul passato.
In parallelo alla prosa in lingua, nel Seicento ebbe un sensibile sviluppo la letteratura dialettale, per il peso
delle tradizioni locali o per gusto bizzarro. Si tratta pur sempre di letteratura prodotta dall'alto, ma capace
di registrare aspetti della vita popolare. È letteratura che in ogni caso non ambisce a porsi come alternativa
a quella nazionale e accetta quindi la posizione subalterna. Le prove dialettali più interessanti e corpose
sono quelle napoletane, ma vanno registrate quelle romanesche (il poema  Meo Patacca, 1695, di Giuseppe
Berneri), quelle bolognesi, quelle veneziane e quelle milanesi. Quella napoletana è legata ai nomi di  Giulio
Cesare Cortese (1575-1627), che si dedicò soprattutto alla poesia, e di  Giambattista Basile, noto
soprattutto per Lo cunto de li cunti(1634), cinquanta fiabe destinate ai piccoli e scritte in una lingua
manipolata in modo assai personale. Un posto a sé occupa il bolognese  Giulio Cesare Croce, la cui fama è
legata a Le sottilissime astuzie di Bertoldo (1602) e a Le piacevoli e ridicolose semplicità di Bertoldino  (1608),
che hanno nutrito a lungo l'immaginario popolare, e che esprimono valori moderati e l'accettazione della
scala sociale.
Nel barocco italiano c'è spazio anche per la trattatistica morale sviluppa da Torquato Accetto nel suo
trattato della dissimulazione onesta (1641) dove si distingue la simulazione come moralmente riprovevole
in quanto menzogna pura e la dissimulazione come onestà perché consiste semplicemente nel non far
trasparire un pensiero o un sentimento, nel non far vedere le cose come sono, in un'arte di velare la realtà
che ha scopo puramente difensivo.

Capitolo 3. Il teatro secentesco.

Grande sviluppo e notevole successo ed espansione ebbe il teatro in questo periodo, attraverso
all'invenzione di nuove forme come il Melodramma e la Commedia dell'Arte. Come nel secolo scorso, i
luoghi adibiti allo spettacolo potevano essere i più diversi, dalla corte (con ambienti attrezzati), ai cortili, alle
piazze e perfino ai giardini pubblici e soprattutto al teatro stabile. In questo periodo prende vita il teatro
stabile all'italiana con la forma ad U e con gradoni e tribune per gli spettatori in modo da lasciare libera la
platea, e con la nascita e lo sviluppo di questa struttura il mestiere dell'attore e del cantante (per il
melodramma) acquistò notevole importanza. Napoli fu la città al quale furono legati molti dei più grandi
attori dell'epoca. Genere teatrale molto fortunato di questo periodo fu il melodramma, dove già nel
Cinquecento la musica accompagnava, e assecondava talvolta i versi dei testi e dove gli intermezzi musicali
diventarono sempre più importanti. Il melodramma nasce infatti a Firenze grazie alla Camerata Bardi,
promossa da Giovanni Bardi, che propose un nuovo tipo di canto capace di commuovere di ispirazione
greco-classica. Da ricordare sicuramente come il più grande autore secentesco di melodrammi è Claudio
Monteverdi. Contemporaneamente in Italia si sviluppa la Commedia dell'Arte sviluppando
l'improvvisazione. Non esiste infatti un testo con le battute degli attori, ma un "canovaccio" che lascia agli
attori spazi di libertà e di autonomia recitativa, in modo tale che è l'attore il centro dello spettacolo.
Seconda caratteristica è la nascita delle maschere di origine cinquecentesca. Infatti anche nella commedia
rinascimentale esistono maschere, come il vecchio babbeo innamorato, il millantatore, l'amante e il servo
astuto, che nel seicento prendono un aspetto definitivo sia nel linguaggio parlato che nell'aspetto fisico
insieme ad altri personaggi minori. Nascono così Pulcinella, Arlecchino, Pantalone, Capitan Spaventa,
Capitan Fracassa. Nella scena si creano sempre delle coppie oppositive servo-padrone, uomo-donna,
vecchio-giovane, dove si scontrano linguaggi diversi.

Capitolo 4. Galileo Galilei.

La vita
Galileo Galilei nacque a Pisa nel 1564 da famiglia fiorentina. Il padre Vincenzio, commerciante, era anche
musicologo della Camerata dei Bardi. Galilei ebbe un'educazione umanistica fino al suo ingresso
nell'Università di Pisa come studente di Medicina nel 1581. Una seconda fase della vita di Galilei è legata
all'Università di Padova, presso la quale insegnò matematica dal 1592 al 1610. Anche quello padovano,
come quello pisano, era un ambiente ultra conservatore, nel quale imperava l'aristotelismo. Galileo
conobbe scienziati come Keplero negli ambienti veneziani. La più notevole delle sue scoperte e invenzioni
fu il cannocchiale che gli consentirono di esplorare la Luna, i satelliti di Giove, le fasi di Venere, la Via Lattea,
e dette nuovo fondamento all'ipotesi copernicana al quale egli aveva sempre aderito, indebolendo la
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convinzione che la Terra fosse immobile al centro dell'universo e che tutto ruotasse intorno ad essa. Delle
sue scoperte straordinarie Galileo dette notizia in un'opera latina, il Siderius Nuncius edito nel 1610 che
ebbe vasta circolazione in Europa e oltre i confini europei. Fu accolto molto bene anche in ambito
ecclesiastico illudendo Galileo che si potesse conciliare scienza con ambiente cattolico, sostenendo che la
ricerca deve essere indipendente dalla fede, poiché le ricerche sono sinonimo di un linguaggio matematico
che conferisce certezza, che il linguaggio poetico e dottrinale della religione non può dare. Poiché la scienza
sia attendibile deve essere supportata dal metodo sperimentale che neghi la passiva accettazione dei dogmi
aristoletici propugnati dalla Chiesa romana. Nel 1616 la teoria copernicana fu dichiarata eretica e Galilei
venne "ammonito" dal cardinale Bellarmino a non proseguire nelle dimostrazioni in favore di essa. Nel 1623
pubblica il Saggiatore con il quale interveniva in polemica con il gesuita Orazio Grassi sulla natura delle
comete, che riscosse grossi consensi di Papa Urbano VIII. Il clima apparentemente non ostile incoraggiò
Galilei nel 1632 a scrivere una grande opera, il Dialogo sopra i due massimi sistemi del mondo in favore
della teoria eliocentrica a confronto con quella geocentrica che costrinse l'intervento dell'Inquisizione e
nello stesso anno il libro fu sequestrato. Nel 1633 Galileo fu condannato dal Sant'Uffizio al carcere a vita e
all'abiura. Vecchio e infermo accettò l'umiliazione dell'abiura. La prigionia fu una specie di esilio ad Arcetri
dove vi morì nel 1642. Nonostante la cecità, l'avvilimento, la malattia riuscì a pubblicare prima della morte
nel 1638 un trattato scientifico in forma di dialogo: Discorsi e dimostrazioni matematiche intorno a due
nuove scienze naturali alla meccanica ed i movimenti locali.

Capitolo 4.1. Il Saggiatore.

Il trattato nacque da una disputa tra Galileo e Orazio Grassi sull'origine delle comete. Nell'agosto del 1618
erano apparse tre comete, divenute oggetto di discussione da parte di scienziati e filosofi. Il gesuita Orazio
Grassi pubblicò un trattato, la Disputatio astronomica, proponendo una spiegazione a questo fenomeno.
Galileo rispose tramite un suo discepolo, Mario Guiducci, col Discorso delle comete. Il Grassi allora, sotto lo
pseudonimo di Lotario Sarsi, rispose con la Libra astronomica ac philosophica, e Galileo, fingendo di credere
che il Sarsi fosse una persona ben distinta dal Grassi, scrisse Il Saggiatore, nel quale con bilancia squisita e
giusta si ponderano le cose contenute nella Libra. Il titolo dell'opuscolo deriva dalla bilancia di precisione, il
"saggiatore" appunto, con la quale gli orefici pesano l'oro, in contrapposizione alla grossolana "Libra"
(stadera) con la quale il Grassi, secondo il parere di Galileo, pesa le opinioni, che esse siano proprie o altrui.
Nella sua opera il sedicente Lotario Sarsi argomentava le sue dimostrazioni tirando in ballo uova, fionde,
Babilonesi, argomenti su i quali Galilei così si esprimeva rivendicando la superiorità delle osservazioni
empiriche sulle argomentazioni non dimostrate. L'ipotesi di Galileo che le comete fossero delle apparenze
dovute ai raggi solari era sbagliata, mentre il Grassi, correttamente, affermava che esse erano corpi celesti.
Ma Galileo aveva ragione nel sostenere che non era la scienza libresca del Grassi quella giusta, in quanto
non fondata sulle esperienze, bensì sui libri degli antichi e sull'astrazione. Galileo invece si basava sul suo
nuovo metodo scientifico, basato sull'osservazione e la sperimentazione. Per questo motivo il Saggiatore è
di grande rilevanza nella fondazione del moderno concetto di scienza.
Galileo dedicò il trattato al nuovo papa, Urbano VIII, che l'autore conosceva fin da quando era cardinale,
che era salito al Soglio pontificio nello stesso anno 1623. Noto per l'apertura alle arti e alla scienza, Papa
Barberini mostrò di gradire molto il contenuto dell'opera.
Dal punto di vista letterario, è considerato l'opera più elegante e effervescente di Galileo, quella in cui si
fondono maggiormente il suo amore per la scienza, per la verità e la sua arguzia di polemista.

Capitolo 4.2. Il dialogo sopra i due massimi sistemi del mondo.

Nello stesso 1624 Galileo cominciò il suo nuovo lavoro, un Dialogo che, confrontando le diverse opinioni
degli interlocutori, gli avrebbe consentito di esporre le varie teorie correnti sulla cosmologia – e dunque
anche quella copernicana – senza mostrare di impegnarsi personalmente a favore di nessuna di esse.
Nel Dialogo i due massimi sistemi messi a confronto sono quello tolemaico e quello copernicano – Galileo
esclude così dalla discussione l'ipotesi recente di Tycho Brahe – e tre sono i protagonisti: due sono
personaggi reali, amici di Galileo, e all'epoca già defunti, il fiorentino Filippo Salviati (1582-1614) e il
veneziano Gianfrancesco Sagredo (1571-1620), nella cui casa si fingono tenute le conversazioni, mentre il
terzo protagonista è Simplicio, un personaggio inventato che richiama nel nome un noto, antico
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commentatore di Aristotele, oltre a sottintendere il suo semplicismo scientifico. Egli è il sostenitore del
sistema tolemaico, mentre l'opposizione copernicana è sostenuta dal Salviati e, svolgendo una funzione più
neutrale, dal Sagredo, che finisce però per simpatizzare per l'ipotesi copernicana.

Capitolo 5. Giovan Battista Marino.

Vita.
Nacque a Napoli nel 1569. Membro dell'Accademia napoletana degli Svegliati fin dal 88', fu segretario del
principe Matteo di Capua. Risale alla fase napoletana il primo progetto dell'Adone; Marino tentò anche il
genere epico, nell'Anversa Liberata e nella Gerusalemme distrutta. A Napoli Marino subì due arresti: la
prima prigionia è da lui stesso raccontata ne' il Camerone, prigione orridissima in Napoli. Imprigionato una
seconda volta, riuscì ad evadere e si rifugiò a Roma. Nel 1602 uscirono Le Rime edite a Venezia ma
elaborate in gran parte nel periodo napoletano che riscossero un gran successo. Il successivo soggiorno a
Torino si trasformò in uno scontro con Murtola, che esasperato, sparò a Marino che uscì indenne e ancor
più famoso e subì un nuovo arresto e la confisca dei suoi scritti. A Torino compose le Dicerie Sacre, Il
tempio, gli Epitalami e la Lira. Trascorse successivamente un periodo a Parigi e poi a Venezia, dove nel 1619
uscì la Galeria, raccolta di versi dedicati a pitture e sculture. Nel 1623 esce l'Adone e dopo la sua
pubblicazione Marino si stabilisce a Roma. Nel 1624 Marino rientra a Napoli dove morì nel 1625. Postumo
nel 1632 uscì il poema sacro La strage degli innocenti.

Capitolo 5.1. La lirica mariniana.

L'edizione definitiva della prima parte della lirica mariniana si intitola La Lira (Venezia 1614) in riferimento
allo strumento musicale che intreccia i confini tra poesia e musica, non ha un'organicità narrativa come il
Canzoniere di Petrarca, ma si organizza per generi metrici (sonetti, madrigali, canzoni e canzonette) e per
sezioni tematiche (Amorose, Marittime, Boscherecce, Eroiche, Lugubri, Morali e Sacre, testi di
corrispondenza). Marino aggiunse una terza parte, adottando di nuovo una suddivisione tematica (Amori,
Lodi, Lagrime, Divozioni, Capricci). La Lira ha, perciò, un carattere enciclopedico, in piena armonia con il
gusto del tempo. Il tema amoroso resta quello centrale: la donna è colta in atteggiamenti vari all'interno
della cornice domestica (mentre cuce, fila, innaffia o si specchia), sono descritti particolari inediti del corpo
e del volto (il neo), il suo abbigliamento (il guanto), il cane che l'accompagna.
La Galeria è una raccolta di sonetti, madrigali e metri vari costituiti in due sezioni: Pitture e Sculture
suddivise al loro interno in gruppi minori (Favole, Historie, Ritratti Capricci, nella prima; Statue, Rilievi,
Modelli e Medaglie, Capricci nella seconda).
La Sampogna nel 1620 fu edita a Parigi nel 1620 in dodici componimenti polimetri <<idilli>>, i primi otto di
argomento mitologico e favoloso, gli ultimi quattro di genere personale. Le cinque lettere con destinatari
diversi che precedono le rime verrebbero ad assumere la forma di un prosimetro, ovvero di un'opera mista
di prosa e versi. Marino sostiene di essere stato l'inventore del nuovo genere dell'Idillio, prima di lui usato
solo dai classici (Teocrito).

Capitolo 5.2. L'Adone.

Pubblicato per la prima volta a Parigi nel 1623, l'opera descrive con molte digressioni la tenue favola delle
vicende amorose di Adone e Venere; è considerato il più lungo dei poemi importanti in lingua italiana, il
testo è composto da 5.183 ottave, per un totale di 40.984 versi (contro i 39.736 del Furioso). Dedicato a
Luigi XIII di Francia e alla madre del re, Maria de' Medici, è composto da 20 canti in ottave ed è preceduto
da un proemio, scritto sotto forma di lettera; inoltre il testo è anticipato dalla prefazione del critico francese
Jean Chapelain, che per primo propose l'interpretazione del 'poema heroico' come "poème de paix",
contrapposto all'epica tradizionale, che invece canta della guerra. La storia narra l'amore tra Venere e
Adone, le gelosie di Marte, la morte di Adone e la sua metamorfosi in fiore. L'eroe non è un amante virile
ma un oggetto erotico passivo, concupito da Venere e perfino dal cinghiale che si innamora di lui e lo uccide
involontariamente. L'Adone fu oggetto tanto di accesi entusiasmi quanto di dure critiche. Le censure
ecclesiastiche che lo portarono alla messa all'Indice erano legate ai caratteri antireligiosi del poema.
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Capitolo 6. Giambattista Basile.

Giambattista Basile (pseudonimo anagrammatico: Gian Alesio Abbattutis; Giugliano in Campania, 1566 –
Giugliano in Campania, 23 febbraio 1632) fu un letterato e scrittore italiano di epoca barocca, primo a
utilizzare la fiaba come forma di espressione popolare. Da giovane fu soldato mercenario al servizio della
Repubblica di Venezia, spostandosi tra Venezia e Candia, l'odierna Creta. In questo periodo, l'ambiente
della colonia veneta dell'isola gli permise di frequentare una società letteraria, l'Accademia degli
Stravaganti. I primi documenti della sua produzione letteraria risalgono al 1604, sono alcune lettere scritte
come prefazione alla Vaiasseide dell'amico e letterato napoletano Giulio Cesare Cortese. L'anno seguente
viene messa in musica la sua villanella Smorza crudel amore. Rientrato a Napoli nel 1608, pubblica il suo
poemetto Il Pianto della Vergine. Nel 1611 prese servizio alla corte di Luigi Carafa, principe di Stigliano, al
quale dedicò un testo teatrale, Le avventurose disavventure e, successivamente, seguì la sorella Adriana,
celebre cantante dell'epoca, alla corte di Vincenzo Gonzaga a Mantova, entrando a far parte della
Accademia degli Oziosi. Curò, fra l'altro, la prima edizione delle rime di Galeazzo di Tarsia.
Nella città lombarda fece stampare madrigali dedicati alla sorella, odi, le Egloghe amorose e lugubri, la
seconda edizione riveduta ed ampliata de Il Pianto della Vergine e il dramma in cinque atti La Venere
addolorata. Tornato a Napoli, fu governatore di vari feudi per conto di alcuni signori meridionali.
Nel 1618 uscì L'Aretusa, un idillio dedicato al principe Caracciolo di Avellino e l'anno seguente un testo
teatrale in cinque atti Il Guerriero amante. Fu fratello di Adriana, celebre cantante che raggiunse il primato
del canto nella penisola, ai tempi in cui si impose la figura della virtuosa. Morì a Giugliano, nel 1632, dove è
sepolto nella chiesa di Santa Sofia.
Lo cunto de li cunti overo lo trattenemiento de peccerille è una raccolta di 50 fiabe in lingua napoletana
scritte da Giambattista Basile, edite fra il 1634 e il 1636 a Napoli. L'opera, nota anche col titolo di
Pentamerone (cinque giornate), è costituita da 50 fiabe, raccontate da 10 novellatrici in 5 giorni. Le 50 fiabe
sono collocate in una cornice che segue il modello del Decameron di Boccaccio, anche se il linguaggio e i
temi trattati sono diversi; l'autore dedicò Lo cunto de li cunti ai bambini appunto perché il libro tratta di
fiabe. Il filosofo italiano Benedetto Croce, che l'ha tradotta in lingua italiana, ha definito la stessa come "il
più antico, il più ricco e il più artistico fra tutti i libri di fiabe popolari..." nella premessa da lui curata. L'opera
ha le caratteristiche della novella medievale che però subisce una trasformazione che la orienta verso toni
fiabeschi e popolari.

Unità 5: Il Settecento.

Capitolo 1. Il settecento coordinate storico-culturali.

Si tratta di un'età che vede, in campo artistico, un ritorno dell'elaborazione di gusto classicistico-
razionalista, in molti casi, e specialmente in Italia, improntato a un rifiuto delle stravaganze e degli eccessi
barocchi. Bisogna distinguere due fasi piuttosto diverse. La prima copre tutta la prima metà del Settecento,
il recupero del classicismo avviene all'insegna di un tentativo di restaurare il buon gusto, come la
fondazione a Roma dell'Accademia dell'Arcadia nel 1690 che propugnava il ritorno alla poesia di argomento
bucolico, leggera ed elegante, pratica da una selezionata cerchia di letterati. Nel contesto europeo la
tematica artistica è dominata dal Rococò, movimento nato alla corte del Re di Francia Luigi XIV e
sviluppatosi nei decenni del regno di Luigi XV. Si tratta di un movimento preminentemente artistico, basato
su un uso raffinato e controllato e di forme sinuose già care al Barocco, dalle proporzioni ridotte o
addirittura minime: proprio la miniatura costituisce uno degli ideali del Rococò.
A partire dagli anni 30 si sviluppa una nuova corrente di pensiero: l'Illuminismo. Questo movimento, che
nasce in Francia ma assume dimensioni europee, si fonda sul libero pensiero ossia sulla volontà di servirsi
della ragione per una conoscenza senza limitazioni, la cultura favorisce nelle arti una reinterpretazioni del
Bello. L’Illuminismo si legò ad un nuovo filone di interpretazione del classicismo in chiave razionalistica
sentita però come oramai non recuperabile se non a livello ideale: il richiamo al mondo greco e latino era
segnato dalla consapevolezza della distanza da quel mondo con l’obiettivo di ricostruirne l’idea di classicità.
Si parla perciò di Neoclassicismo per l’arte e la letteratura nella seconda metà del XVIII secolo investite da
un nuovo interesse per forme armoniche e perfette. Sotto questa etichetta si possono collocare le
produzioni di autori molto diversi che sperimentano nuovi stili. In Germania negli anni Settanta e Ottanta
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del XVIII, a fianco alle tendenze neoclassiche, si sviluppa il movimento dello Sturm und Drang (‘Tempesta e
Impeto’) che sostiene l’eversione e il rifiuto dei canoni, tanto da essere considerato come una forma di
proto romanticismo: ma proprio un giovane esponente di questo movimento, Johann Goethe, sarà poi uno
dei grandi interpreti degli ideali classici nella modernità, ponendo a continuo confronto il mondo antico e
quello contemporaneo. A livello politico, il Settecento è il secolo che vede il tramonto della potenza
spagnola e la lotta di Francia, Austria, Inghilterra, Russia, Prussia e Russia per l’egemonia in Europa. In
campo economico in Inghilterra ha avvio la Rivoluzione industriale, cioè la meccanizzazione delle attività
produttive, a partire dai settori tessili e metallurgico, che tuttavia si diffonderà nel resto d’Europa solo nel
corso dell’Ottocento. Alla fine del secolo la Francia, con la Rivoluzione del 1789, impegnerà l’Europa in una
serie di guerre che nonostante l’opera di restaurazione attuata dopo la sconfitta di Napoleone,
cambieranno il volto degli Stati Europei e le coscienze dei popoli. Dalla Rivoluzione nasce la società
moderna con le sue strutture politiche e sociali: sono riconosciute l’uguaglianza degli uomini e l’esistenza di
diritti e doveri, e dal concetto di ‘suddito’ si passa a quello di ’cittadino’. Sul piano filosofico il Settecento,
con l’elogio illuministico della ragione e la lotta contro i pregiudizi, dà vita a una grande stagione
intellettuale. Il Settecento è anche il secolo della nascita delle scienze umane – dall’antropologia allo studio
del linguaggio all’indagine sull’origine della religione – favorita dai viaggi in terre lontane e dal contatto con
popoli primitivi. Accanto al letterato di corte comincia a diffondersi la figura dell’intellettuale moderno che
vive del proprio lavoro.

Capitolo 2. L’Illuminismo.
Il pensiero illuminista si basa sulla concezione newtoniana dell’universo come un’immensa macchina mossa
da leggi fisiche, sull’incrinatura dei presupposti tradizionali della fede e l’immagine di Dio. Locke affronta i
temi della riflessione religiosa con la ragione: con una religione naturale, il deismo (Voltaire, maggior
esponente). Posizioni più estreme sono prese dai sensisti, che riducono tutte le attività dello spirito alle
sensazioni fisiche (portando all’estremo le concezioni empiristiche di Locke: memoria, attenzione, volontà,
desiderio sono sensazioni trasformate). Si diffonde successivamente anche una visione materialistica: esiste
solo la materia, l’uomo è una macchina mossa da leggi fisiche, anima e Dio sono astrazioni assurde.
Naturalmente queste concezioni non sono condivise da tutti gli illuministi, ciò che li accomuna è la
concezione laica della morale, concentrata sulla condizione terrena dell’uomo finalizzata alla realizzazione
della sua felicità. L’illuminista si definisce “cosmopolita”, cittadino del mondo, il suo obbiettivo è la
diffusione della cultura, la ricerca di leggi che consentono di interpretare razionalmente lo svolgersi degli
eventi, età del progresso, età dei lumi e del trionfo della ragione. Gli illuministi si contrappongono al
dogmatismo delle religioni positive e alla repressività delle istituzioni sociali ciò che è originario ì,
precedente allo sviluppo storico  si diffonde una visione positiva della natura umana, socievole e razionale.
Questi temi sono ripresi sa Rousseau che non crede che lo sviluppo delle scienze, tecniche e arti costituisca
di per sé un autentico progresso per l’umanità, ma una progressiva decadenza da un originario “stato
naturale”, l’unica salvezza è restaurare l’indipendenza e la spontaneità perduta.
Gli intenti divulgativi e la vastità di interessi dell’illuminismo sono raccolti nell’Enciclopedia, 28 volumi
pubblicati a Parigi, con la collaborazione di Voltaire, Rousseau, Montesquieu e coordinatori sono Diderot e
D’Alambert. L’Enciclopedia aveva l’obbiettivo di riunire tutte le conoscenze sparse sulla superficie terrestre,
ebbe uno straordinario successo. La massima espansione del pensiero illuminista è assecondata dalla
politica dell’assolutismo illuminato, raggiungendo il suo culmine negli anni ottanta. Con la rivoluzione
francese e americana le fondamenta dell’illuminismo entrano in crisi o vengono messe in discussione. La
Germania è il centro più importante della reazione antirazionalistica, Goethe e Herder fondano il
movimento del Sturm und Drang, che esalta l’istinto, il sentimento e la passione in opposizione alla ragione
dell’illuminismo. Negli stessi anni Kant scrive una serie di opere fondamentali che sono una sintesi e il
superamento del pensiero filosofico settecentesco, illuminista è l’idea di sottoporre a un esame razionale la
ragione dell’uomo per individuare i limiti delle capacità conoscitive dell’uomo inoltre afferma che il mondo
che conosciamo non è qualcosa di esterno a noi ma una nostra costruzione.

Capitolo 3. L’Illuminismo: la diffusione in Italia.

L’illuminismo italiano si sviluppa nelle politiche illuminate della Lombardia e del Regno di Napoli e assume
un carattere moderato dovuto all’assenza del ceto borghese e alla continua influenza della Chiesa, centrato
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su progetti e sulle proposte operative piuttosto che sull’elaborazione ideologica o filosofica. Milano è la
città che intrattiene i rapporti più vivi con la cultura europea e la collaborazione tra intellettuali e potere dà
più risultati. Qui si forma un combattivo gruppo di giovani aristocratici tra cui Verri, Alessandro e Beccarla,
prima riuniti in un’accademia (Società dei Pugni) in seguito nella rivista “Il Caffè”, che conduce una dura
polemica contro il carattere accademico ed erudito della cultura tradizionale, si occupa di letteratura,
scienze, diritto, economia con un linguaggio rapido e grintoso rivolto a un pubblico di non specialisti,
realizzando così una rivoluzione nella prosa italiana. Nascono qui opere di grande importanza come “Dei
delitti e delle pene” di Beccaria, un opuscolo che sostiene l’abolizione della tortura e della pena di morte
con argomenti lucidi e appassionanti. L’amministrazione austriaca chiama gli illuministi lombardi per
collaborare alla politica, ma nascono conflitti e incomprensioni dovuti alla difficoltà di conciliare i principi
illuministi (libertà è diritti del cittadino) all’intenzione del governo austriaco di imporre l’autorità assoluta
dello stato in ogni campo: il gruppo si disperde e i componenti prendono posizioni personali. Caposcuola
dell’Illuminismo napoletano è Antonio Genovesi, che chiamato a ricoprire la prima cattedra universitaria di
Economia, elabora una serie di proposte per il rinnovamento dell’economia meridionale in senso
antifeudale e liberista, esponendo il suo pensiero nelle Lezioni di commercio.

Capitolo 4. Il Neoclassicismo.
Il Neoclassicismo si afferma in Europa, e in particolare in Francia e in Italia, tra la fine del settecento e il
1815, anno della caduta di Napoleone e del Congresso di Vienna. Esso non fu un vero e proprio
movimento, ma una forma del gusto, che si ispirò ai modelli classici, e in particolar modo ellenici. gli artisti,
del Neoclassicismo non riconoscendosi più in tutto quello che aveva caratterizzato l’arte e la letteratura
Barocca e della fase del Rococò, ritenuti periodi dal gusto “bizzarro”, ritengono di doversi ispirare all’età
classica poiché in essa e nei suoi tratti fondamentali, si rispecchiavano maggiormente. Nella seconda metà
del ‘900, Croce riterrà che «tutto ciò che è arte, non è Barocco e tutto ciò che è Barocco non è arte».
Gli artisti intendono recuperare l’età classica: perché in questi anni erano state scoperte le regole e i canoni
di composizione delle opere d’arte, e studiandoli essi avrebbero potuto riprodurre la perfezione e l’armonia
delle opere di quell’epoca tanto remota; In seguito al Congresso di Vienna, gli uomini perdono quella
sicurezza e quella fiducia in sé stessi che avevano acquisito, e si rifanno ancora all’età classica ma perdono
l’illusione di poterla recuperare. A determinare la nascita di questa tendenza concorsero diversi fattori : in
primo luogo gli scavi di Ercolano e Pompei, i cui reperti furono resi presto noti attraverso le stampe; e,
inoltre, gli studi archeologici di Winckelmann, un tedesco trasferitosi a Roma, che diffuse il concetto classico
di “bellezza”, concepita cioè come armonia e proporzione. (Winckelmann, un critico e uno storico dell’arte
tedesco, introduce nel neoclassicismo il concetto di «Bello ideale»; egli ritiene che l’arte non debba imitare
la natura ma una sintesi delle bellezze che la compongono per poi assolutizzarle. Egli sostiene che la
bellezza sia sempre contaminata dal «difetto», ma che bloccandola in un determinato istante si possa
vincere il difetto dando vita così al bello ideale, che non invecchia e che quindi risulta assoluto, cercando
così di raggiungere l’armonia dell’arte classica.) Il Neoclassicismo nacque nell’ambito delle arti figurative –
Canova e David ne furono i maggiori protagonisti – per propagarsi anche nelle lettere, dove trova il suo
maggiore rappresentante nel Foscolo de “I Sepolcri” e de “ Le Grazie”. L’amore per il mondo classico si
accompagnò, in taluni casi, anche ad un recupero del ricordo della “Roma repubblicana”, vista come
l’ideale realizzazione di sentimenti come la libertà ed innalzata a modello dapprima in Francia, durante la
rivoluzione, e poi, con le campagne napoleoniche, in Italia. ( con lo scoppio della Rivoluzione francese,
alcuni artisti celebrano gli ideali per cui questa rivoluzione si combatteva, quindi un’arte impegnata
civilmente e politicamente. Con l’ascesa al potere di Napoleone Bonaparte, l’arte si fa al servizio
dell’imperatore celebrandolo. Quindi l’arte del neoclassicismo non ha una connotazione ideologica ben
definita ma aderisce, spontaneamente e non, all’ideologia e alle richieste di coloro che sono al
potere. )Guardare al passato significò insomma rintracciare e recuperare quegli ideali politici e civili, che si
volevano far rivivere nel presente: “sopra pensieri nuovi facciamo versi antichi”, scrive Andrea Chénier, un
grande poeta neoclassico. Ma l’aspetto predominante del Neoclassicismo, nei primi quindici anni
dell’Ottocento, fu l’affermazione del valore assoluto della Bellezza, identificata nell’armonia, nell’equilibrio
dei sentimenti, nelle proporzioni, in una “quieta grandiosità”; ideali tutti, che solo la Grecia classica
sembrava aver concretato. A lei, pertanto, si guardò, come mitica terra in cui evadere, attraverso il
recupero della mitologia, fuggendo così da un presente deludente e contraddittorio. Miti della classicità
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divennero così i travestimenti di personaggi ed avvenimenti della realtà contemporanea, anche se spesso si
scivolò in esiti puramente decorativi ed esteriori. In conclusione, il Neoclassicismo non fu una corrente di
idee, ma un modo di esprimersi, in cui poterono convivere autori ancora legati al settecento, come
Vincenzo Monti, e poeti già aperti alla sensibilità romantica come Ugo Foscolo.

Capitolo 5. Carlo Goldoni.

Carlo Goldoni nasce a Venezia nel 1707. Figlio di un medico, segue il padre nei suoi spostamenti in varie
città italiane. Affascinato fin da giovane dalla vita avventurosa che conducono i teatranti, solo nel 1731
porta a termine gli studi di giurisprudenza. Pur esercitando l'attività di legale e in seguito anche quella di
diplomatico, la sua passione dominante resta il teatro per cui scrive opere di genere diverso, dai drammi
agli intermezzi comici alle tragicomemdie. Solo dal 1747, grazie al successo di alcune sue opere, si dedica
completamente al teatro, trasformando in testi teatrali completamente scritti i semplici canovacci della
vecchia commedia dell'arte in cui le maschere tradizionali (Arlecchino, Pantalone, Pulcinella, Colombina...)
improvvisavano situazioni e dialoghi a partire da poche e semplici indicazioni. Goldoni scrive moltissime
commedie in lingua e in dialetto veneziano suscitando la rivalità e le gelosie degli altri autori in voga.
Disgustato dalla critiche alle sue innovazioni e desideroso di cambiamento, si reca a Parigi dove riesce a
imporsi al pubblico e alla corte e scrive, in francese, la sua autobiografia, I Mémories. Ritiratosi a vita
privata, muore a Parigi in miseria nel 1793, dopo che l’Assemblea legislativa ha deciso la soppressione delle
pensioni di corte.

Capitolo 5.1. La “riforma” goldoniana.

Goldoni ha rivoluzionato il teatro comico italiano sottraendolo all’improvvisazione delle recite a soggetto,
alla tradizione delle maschere della Commedia dell’Arte e all’eclettismo dei temi. La sua produzione
teatrale è vastissima e tocca temi che vanno dalla rappresentazione della borghesia a scene di vita popolare
a conflitti nobiliari. La critica ha sottolineato lo sforzo goldoniano di imitazione della natura, che è palesato
dall’autore stesso quando afferma di attingere i suoi soggetti dal <<libro del Mondo>>. Grazie alla
collaborazione con il capocomico Imer che Goldoni, attraverso l’opera di Momolo cortesan (1738) che passa
dalla stesura di semplici canovacci, tipica della Commedia dell’Arte, a scritture intere di parti. Di fatti la
prima commedia scritta per intero è La donna di garbo (1743). La scrittura integrale dei testi, che sottrae le
commedie all’arbitrio degli attori, costituisce uno dei cardini della riforma goldoniana del teatro comico. A
ciò si aggiungono l’istanza di realismo, lo sforzo di analisi critica della realtà sociale e la funzione etica della
rappresentazione, che si concretizzano nella scelta dei temi i quali, contrastando il facile gusto dell’esotico e
del mitologico, trattano ambienti sociali e di situazioni ispirate alla contemporanea società borghese, ma
anche popolare e nobiliare. Nel 1750 Goldoni avvia la stampa delle sue commedie corredandola di una
prefazione nella quale chiarisce i principi fondamentali della sua scrittura teatrale. I frutti maturi della
riforma appaiono negli anni immediatamente successivi al 1748, anno al quale decise di abbandonare
l’avvocatura e di dedicarsi interamente al teatro. Tra i capolavori di questo periodo si ricordano senz’altro
La bottega del caffè (1750-51) e la Locandiera (1752). Mirandolina, locandiera fiorentina, esuberante,
complessa, affascinante, sempre lucida e capace di autocontrollo, domina la commedia superando ogni
ostacolo per fare a proprio modo, badare ai propri affari di locandiera, assicurandosi tranquillità, agi, e
mirando ad un costante equilibrio tra reputazione, interesse e libertà, senza andare in sposa ai tanti uomini
rimasti da lei affascinati. Gli altri personaggi, più semplici, ma ben individuati, fanno risaltare la figura della
protagonista. La locandiera chiude una fase dell'arte goldoniana.

Capitolo 5.3. Le opere parigine e i <<Mémoires>>.

Attratto dalla prospettiva di uno stipendio fisso garantito dalla corte di Francia, Goldoni parte per Parigi nel
1762, dopo anni difficili, con l’incarico di lavorare per la Comédie Italienne. Goldoni inizia a scrivere per in
intero in italiano L’amore paterno o sia la serva riconoscente, ma lo scarso successo lo induce a passare al
francese. Tra le commedie più notevoli di questo periodo sono la trilogia di Zelinda e Lindoro e il Ventaglio.
Nel 1765 Goldoni, deluso, si ritira dal teatro e si impiega come precettore di italiano nella famiglia reale,
illudendosi di aver trovato una sicurezza economica. Il ritorno sulla scena avviene nel 1771, quando viene
rappresentato dalla Comédie Française le bourre bienfaisant (il burbero benefico) che riscuote un buon
successo, non replicato però qualche anno dopo L’avare fastueux (l’avaro fastoso 1776), pessimistica
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rappresentazione delle inquietudini sociali dei nuovi ricchi ispirata a L’avaro di Molière. Dopo l’interruzione
dell’edizione Goldoni si impegna nella stesura di un’organica autobiografia. I Mémoires escono a Parigi nel
1787 in tre volumi, che trattano rispettivamente gli anni giovanili (1707-1741), quelli della riforma (1748-
1762) e quelli francesi (1762-1787). In queste memorie Goldoni traccia un ideale ritratto umano e artistico.
La scelta del francese è indice, fra l’altro, della consapevolezza che la sua esperienza artistica è di portata
europea.

Capitolo 6. Giuseppe Parini.

Figlio di un modesto mercante di stoffe, nasce a Bosisio nel 1729 frequentò le scuole di S. Alessandro o
Arcimbolde, tenute dai barnabiti. Si formò proprio in quest'ambito, ma poi aderì alla nuova Accademia dei
Pugni, dove si pubblicava "Il Caffè". La battaglia degli intellettuali dell'Accademia dei Pugni consisteva nel
mirare ad una modificazione dei rapporti tra le classi, a una più dinamica circolazione della ricchezza,
all'eliminazione dei parassitismi, dei falsi valori e delle istituzioni decrepite. La cultura del Parini, che per la
sua stessa posizione sociale è lontanissimo dal cosmopolitismo degli illuministi, si basa su una fedeltà alla
tradizione classica greca e latina e all'uso che di essa aveva fatto la letteratura del Cinquecento. A differenza
dell'esteriore classicismo arcadico, quello del Parini è un classicismo integrale, aperto all'analisi della realtà
e che fedele all'insegnamento di Orazio intreccia strettamente la cura per la forma e l'equilibrio espressivo
ad una animosa tensione morale. Parini si pone come poeta civile, impegnato a diffondere una moderata
razionalità in tutta la vita sociale, a rimuovere i pregiudizi e le prepotenze che deformano i reali rapporti fra
gli uomini e a far sviluppare le conoscenze pratiche capaci di renderli più felici (appare invece molto lontano
dalle prospettive teoriche e critiche degli illuministi più radicali). Parini si trova nella condizione di un
povero sacerdote che si trova a confrontare continuamente la propria cultura con il peso delle gerarchie
sociali. Tutto ciò causa un insieme di frustrazioni e di aspirazioni che rendono molto ambiguo il suo giudizio
sulla nobiltà e gli danno una amara coscienza dei dislivelli sociali, a cui egli oppone una spontanea esigenza
di eguaglianza naturale degli uomini. Parini, che non vuole un annientamento della nobiltà ma
semplicemente un cambio di rotta di certi nobili, che utilizzano solo per la superbia la loro posizione sociale,
contrappone ai nobili contemporanei gli antichi modelli classici di severità, laboriosità ed autentico
eroismo. Per Parini, alle classi umili resta il compito del lavoro manuale, mentre la guida dello Stato spetta
alla nobiltà a patto che sappia darsi una nuova educazione. Comunque col passare degli anni Parini vede un
miglioramento della nobiltà, forse perché da essa si sente accettato e riconosciuto.
Uno scontro che Parini ha con gli illuministi lombardi riguarda l'economia. Infatti lui era propugnatore delle
teorie fisiocratiche, che vedevano nell'agricoltura l'origine della ricchezza delle nazioni e della moralità
pubblica, in quanto fonte di una vita semplice, sana e felice a contatto con la natura; di questa concezione
era piena la letteratura latina. Invece egli contestava l'estendersi incontrollato dei commerci, che potevano
incrementare il lusso e quindi la corruzione dei costumi, provocando la decadenza della civiltà.
Sommando tutte le convinzioni di Parini si può concludere che egli a buon diritto merita d'essere ascritto
alla cultura riformatrice lombarda, ma che bisogna stare attenti a non confonderlo con le tendenze più
radicali e innovatrici dell'Illuminismo. Egli si colloca nell'area più moderata dello schieramento progressivo,
vicino alla posizione dell'Accademia dei Trasformati; se Parini era in disaccordo con gli illuministi, anche
questi lo sentivano lontano da loro, troppo moderato, troppo letterato e tradizionalista nei gusti e nelle
idee. Dopo essere diventato sacerdote per necessità più che per vocazione, fa il precettore in case di nobili
e intanto lavora alle sue opere nelle quali diffonde le idee umanitarie ed egualitarie dell'illuminismo . Nel
1768 è nominato direttore del giornale Gazzetta di Milano poi per molti anni insegna belle lettere nelle
scuole, ed infine diventa soprintendente delle scuole pubbliche . Quando nel 1796 le truppe di Napoleone
Bonaparte occupano Milano e cacciano gli austriaci Parini collabora al nuovo governo della città ma poi
l'incarico gli viene tolto perché le sue posizioni sono considerate poco rivoluzionarie . Muore nel 1799 poco
dopo il ritorno degli austriaci a Milano.

Capitolo 6.1. Il <<Dialogo sopra la nobiltà>> e gli scritti teorici.

All’ambiente dei Trasformati è legato Il dialogo sopra la nobiltà (1757). Si tratta di un breve dialogo
immaginario che, ispirato ai toni e alle situazioni dei Dialoghi dei morti di Luciano di Samosata, vede come
protagonisti il Poeta e un Nobile, i quali per una circostanza fortuita si ritrovano a condividere la stessa
tomba. All’inizio il Nobile borioso disprezza la miseria e l’oscurità del Poeta, ma questo, con ragionamenti
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stringenti, gli dimostra che la nobiltà non significa nulla, se non ricordare a memoria i nomi degli antenati
ed ottenere un’adulazione interessata. Alla fine il Nobile perde tutte le sue certezze e anzi si rammarica di
non aver conosciuto in vita il Poeta, il quale gli avrebbe evitato di vivere secondo i pregiudizi del suo ceto.

Capitolo 6.2. Le <<Odi>>.

Con il nome di Darisbo Elidonio entrò nel 1777 a far parte dell'Accademia dell'Arcadia proseguendo intanto
nella composizione delle odi: La salubrità dell'aria, L'educazione, L'evirazione, La vita rustica, L'innesto del
vaiuolo (dette "Odi illuministe") La laurea (1777), Le nozze (1777), Brindisi (1778), La caduta, In morte del
maestro Sacchini, Al consigliere barone De Marini (1783-1784), Il pericolo (1787), La magistratura (1788), Il
dono (1789). Nel 1791 il Parini venne nominato Soprintendente delle Scuole pubbliche di Brera e scrisse
l'ode La gratitudine. Nello stesso anno vennero pubblicate ventidue delle sue odi con il titolo Odi dell'abate
Parini già divolgate. Le ultime due parti del "Giorno", il Vespro e la Notte, pur risultando promesse in una
lettera al Goldoni, saranno invece pubblicate postume. Le "odi illuministe" sono tra le più originali in
quanto ricche di termini appartenenti al lessico specifico della scienza; talvolta riportano particolari anche
scabrosi, con l'intento di educare i lettori su temi di scottante attualità, come l'inquinamento cittadino ("La
salubrità dell'aria") o la prevenzione delle epidemie grazie ai progressi della scienza ("L'innesto del
vaiuolo"). Per quanto siano argomenti tradizionalmente non poetabili, Parini, con un'abilità tutta
settecentesca, riesce nell'intento di elevare gli argomenti più concreti a materia d'arte, cristallizzandoli in
versi di inusitata accuratezza. In questo si riscontra l'influenza della poetica del sensismo.

Capitolo 6.3. <<Il Giorno>>.

Il giorno è un componimento scritto in endecasillabi sciolti, che mira a rappresentare in modo satirico,
attraverso l'ironia antifrastica, l'aristocrazia decaduta di quel tempo. Con esso inizia di fatto il tempo della
letteratura civile italiana. Il poemetto era inizialmente diviso in tre parti: Mattino, Mezzogiorno e Sera.
L'ultima sezione venne in seguito divisa in due parti incomplete: il Vespro e la Notte. Ecco come Parini
suddivideva la giornata ideale del suo pupillo, "il giovin signore", appartenente alla nobiltà milanese.
Mattino
Il giovin signore è colto nel momento del risveglio a giorno fatto, in quanto per tutta la notte è stato
sommerso dai suoi onerosi impegni mondani. Una volta alzato deve scegliere tra il caffè (se tende ad
ingrassare) e la cioccolata (se ha bisogno di digerire la cena della sera prima), poi verrà annoiato da visite
importune, ad esempio quella di un artigiano che richiede il compenso per un lavoro. Seguono le cosiddette
visite gradite (per esempio il maestro di francese o quello di violino); dopodiché non resta che fare toilette
e darsi ad alcune letture, tese a sfoggiare poi la propria "cultura" nell'ambiente mondano. Prima di uscire,
viene vestito con abiti nuovi, si procura vari accessori tipici del gentiluomo settecentesco, quali coltello,
tabacchiera, parrucca etc., e sale in carrozza per recarsi dalla dama di cui è cavalier servente (secondo la
pratica del cicisbeismo, di cui lo stesso Parini è forte critico).
Mezzogiorno, ribattezzato successivamente Meriggio.
Il Giovane Signore, arrivato a casa della dama dove verrà servito il pranzo, incontra il marito della suddetta,
che appare freddo ed annoiato. Finalmente è ora di pranzo, e i discorsi attorno al desco si susseguono, fino
a che un commensale vegetariano (l'essere vegetariano era una moda discretamente diffusa tra gli
aristocratici del tempo, cosa che a Parini sapeva di ipocrisia dato il loro quasi disprezzo per gli uomini di
casta inferiore), che sta parlando in difesa degli animali, fa ricordare alla dama il giorno funesto in cui la sua
cagnolina , la vergine cuccia, morse il piede ad un servo. Questi, per scrollarsela, le diede un calcio: la
cagnolina guaì, come per chiedere aiuto. Tutti nel palazzo accorsero, la padrona svenne e, dopo aver
ripreso i sensi, punì il servo con il licenziamento, nonostante gli anni di diligente servizio (in questo passo,
l'ironia sorridente di Parini si trasforma in vero sarcasmo). Segue lo sfoggio della cultura da parte dei
commensali, il caffè e i giochi.
Vespro
Si apre con una descrizione del tramonto. Il Giovin Signore e la dama fanno visita agli amici e vanno in giro
in carrozza, ma solo dopo che la donna ha congedato pateticamente la sua cagnetta e il Giovin Signore si è
rassettato davanti allo specchio. Poi si recano da un amico ammalato ,solo per lasciargli il biglietto da visita,
e da una nobildonna che ha appena avuto una crisi di nervi, mentre discutono su una marea di pettegolezzi.
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A questo punto interviene il Giovin Signore che annuncia la nascita di un bambino, il figlio primogenito di
una famiglia nobiliare.
Notte
I due amanti prendono parte ad un ricevimento notturno, ed il narratore inizia la descrizione dei diversi
personaggi della sala, in particolare degli "imbecilli", caratterizzati da sciocche manie. Poi si passa alla
disposizione dei posti ai tavoli da gioco (che possono risvegliare vecchi amori o creare intrighi) e infine ai
giochi veri e propri. Così si conclude la dura giornata del nobile italiano del 1700, che tornerà a casa a notte
fonda per poi risvegliarsi il mattino dopo, sempre ad ora tarda.
Lo stile è senza dubbio di alto livello, tipico del poema epico antico e della lirica classica: i frequenti richiami
classici ed il tono solenne non sono da intendere solo nella loro funzione di supporto all'ironia ed alla
finalità critica del componimento, ma anche come un gusto poetico estremamente colto, ricco e raffinato.
La scelta stilistica del poeta di un linguaggio proprio dell'epica, di una grande attenzione ai particolari e di
una minuziosità descrittiva, accompagna quindi quell'intento di ambiguità nei confronti della materia
trattata: assumendo i personaggi dell'opera come veri e propri eroi del poema, mettendo su di un
piedistallo i loro vizi ed i loro modi di vivere, Parini riesce acutamente a sminuirli, provocando nel lettore sì
un sorriso, ma un sorriso che sa di amaro. Si può tuttavia riscontrare nel poeta, oltre alla critica verso la
nobiltà e la sua inutilità pratica, anche un senso di inconfessabile lussuria descrittiva nei confronti dello stile
di vita e degli oggetti che fanno parte della sfera quotidiana del giovin signore. La lentezza e la monotonia
della vita ripetitiva di quest'ultimo è data infatti anche dal lungo soffermarsi della narrazione su tolette,
specchi, monili e quant'altro di invidiabile Parini notava nella vita signorile. Grazie all'influenza della
corrente sensista, quella pariniana non è semplice descrizione, ma pura evocazione e percezione della
materia che stimola i sensi del poeta. Tale celata ammirazione si traduce in una polemica più pacata nella
seconda parte dell'opera rispetto alle prime due sezioni. Se nel Mattino e nel Mezzogiorno gli attacchi
sarcastici erano violenti e senza accenno di condono di qualsivoglia pecca, il Vespro e la Notte risentono
dell'equilibrio stilistico e compositivo, nonché di tono, che si andava affermando alla fine del XVIII secolo
grazie alla nascente sensibilità neoclassica. Se consideriamo la prima parte de Il Mattino (vv. 33- 157)
notiamo evidenziati il valore morale della laboriosità, la condanna del parassitismo e del lusso ozioso dei
nobili, ma anche troviamo testimonianza dell'Illuminismo conservatore di Parini, influenzato
dall'egualitarismo di Rousseau e dalla teoria economica dei fisiocratici, fondata sul lavoro agricolo più che
sui commerci. Il poeta condanna con sarcasmo l'economia imprenditoriale che, per offrire nuovi generi di
lusso (bevande esotiche e cibi deliziosi per i nobili), diviene occasione di ingiustizie sociali (le mille navi del
colonialismo, v. 142) e di violenze al prezzo della libertà e della vita dei popoli (le atrocità commesse dai
conquistadores Pizarro e Cortés, vv. 150-155). L'opera è dunque un poema didascalico-satirico, una satira di
costume contro la nobiltà, ed esprime gli ideali della borghesia lombarda seguace dei princìpi
dell'Illuminismo.

Capitolo 7. Vittorio Alfieri.

Vittorio Alfieri nasce ad Asti nel 1749 da un'agiata famiglia nobile. Com'era d'obbligo nella sua classe
sociale,è prima seguito da un procettore e poi, per completare la sua educazione, a nove anni viene
mandato all'Accademia militare dove rimane fino ai diciassette. Sempre secondo il costume dei nobili del
suo tempo intraprende allora a viaggiare per l'Europa; approfondisce la sua cultura, si forma una coscienza
politica,vive due grandi e infelici passioni amorose. Rientrato in Italia nel 1778 si dedica completamente alla
[Link] sposta tra varie città italiane ed estere e nel 1789, allo scoppio della rivoluzione francese, è a
Parigi dove compone anche un'Ode per celebrare la ripresa della Bastiglia. Nel 1792 lascia la Francia e torna
a Firenze, dove si dedica, tra l'altro, allo studio del greco. Muore nel 1803 a Firenze.

Capitolo 7.1. Le tragedie.

Quella alfieriana è una tragedia <<di carattere>>, costruita tutta intorno alla personalità del protagonista o
di pochissimi personaggi. Il tragico nasce normalmente dalla contrapposizione del protagonista a
un’autorità, politica o famigliare, che dà origina a una ribelle ansia di libertà. Il conflitto molto spesso
scoppia tra il tiranno e l’uomo libero. Alfieri ci descrive anche la sua tecnica compositiva, che consiste
nell’ideare prima un soggetto, poi nello stenderne una narrazione in prosa, e infine nel verseggiare le varie
scene. Sul piano del linguaggio tragico, Alfieri non si riconosce nella tradizione cinque-secentesca (rifiuta,
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fra l’altro, l’esempio tassiano del Re Torrismondo) e cerca uno stile proprio. Sulla scia della famosa Merope
di Scipione Maffei, si volge all’uso dell’endecasillabo sciolto, che lavora in senso antimelodico. Alfieri non
inserisce nella raccolta delle sue tragedie l’Antonio e Cleopatra considerandola ancora immatura. La sua
prima tragedia riconosciuta dall’autore è il Filippo (1775-81), di ben maggiore efficacia teatrale. Ambientata
alla corte di Madrid nel 1568, Filippo mette in scena l’amore del giovane Don Carlos di Spagna, figlio del re
Filippo II, per Isabella, la seconda moglie del padre. Domina la figura del tiranno, che viene a conoscenza
dell’impossibile amore con la violenza e l’inganno e dopo la morte dei due giovani torna impassibile alla vita
di tutti i giorni. Ipocrita e astuto, sempre intimamente feroce e pronto a mostrare la crudeltà in esplosioni
d’ira, la figura di Filippo acquista un cupo rilievo che fa di lui il prototipo del tiranno. Dal mito greco
attingono le tragedie successive, come Antigone (1776-81), prima tragedia scritta in italiano. L’Agamennone
e l’Oreste (1776-78) sono invece incentrate sul mito di Clitennestra che uccide il marito Agamennone
tornato dalla guerra di Troia ed a sua volta assassinata dal figlio Oreste per vendicare il padre. Uno dei
capolavori alfieriani è il Saul, ispirata alle vicende dell’Antico Testamento. L’argomento rientra nel gusto che
in questi anni porta riporta in voga la Bibbia, letta non come testo sacro, come testimonianza di un’antica
civiltà, al pari di Omero e di Ossian. Il re Saul invidioso di David – sposo della figlia Micol – si ribella alla
volontà divina che lo vuole successore e lo scaccia. In Saul, diviso tra gli impulsi tirannici e l’affetto paterno
per Micol, tra l’amore e l’invidia per David, Alfieri trova il personaggio ideale per esprimere il proprio
ambivalente atteggiamento nei confronti tra potere e libertà, che oscilla tra la spinta di ribellione contro il
tiranno e il fascino esortato dal potere. Non potendo più vivere da re, Saul sceglie di morire da re. Negli
anni immediatamente avvenire compone tre nuove tragedie una delle quali, la Mirra (1784-86), è un nuovo
capolavoro. Egli trae il soggetto X libro delle Metamorfosi di Ovidio, che racconta della vicenda di Mirra
incestuosamente innamorata del padre Cirino, re di Cipro. Sopraffatta dalla passione, Mirra interrompe le
nozze con il promesso sposo Pereo, che si uccide e finisce con il confessare ai suoi genitori la sua insania.
Alla Mirra seguono altre due tragedie lodata dai contemporanei per il loro spirito antitirannico, il Bruto
primo e il Bruto secondo (1786-87). Il primo parla della vicenda di Lucio Giunio Bruto che cacciò Tarquinio il
Superbo dando inizio alla Roma Repubblicana. Il Secondo mette in scena il conflitto, dedicato <<al popolo
italiano futuro>> e ispirato a Plutarco, ma anche alla Mort de César di Voltaire e probabilmente anche dal
Giulio Cesare di Shakespeare, tra il tiranno Cesare e il figlio adottivo Marco Giunio Bruto.

Capitolo 7.2. Le <<Rime>> e la <<Vita>>.

Parallelamente alla scrittura tragica Alfieri si dedica con continuità anche a quella lirica. Nel 1789 esce la
prima parte delle Rime, che raccoglie tutte le liriche composte fino ad allora. Le Rime sono 351
componimenti divisi in due parti:
1. la prima fu pubblicata dall’autore in Francia nel 1789.
2. la seconda apparve postuma nel 1804.
Il libro comprende sonetti, canzoni, epigrammi, stanze e capitoli, ma la forma prediletta dell’Alfieri è il
sonetto, che egli consente una rappresentazione vibrante e concentrata dell’empito della fantasia e del
sentimento. Ideale diario poetico, nel quale l’autore esprime soprattutto i moti dell’animo suscitati dagli
eventi della vita, le Rime non sono una registrazione immediata e spontanea delle esperienze
autobiografiche: il filtro letterario vi interviene sia nella nobilitazione dei contenuti secondo il modello del
poeta solitario, fiero e sdegnoso che si atteggia a eroe, sia nella sublimazione della forma, nella
transcodificazione sapiente del modello petrarchesco. Nei sonetti domina la figura dell’io-eroe, sempre in
preda alla malinconia, alla scontentezza di sé e all’insofferenza degli altri, al fiero sdegno e all’orrore del
tempo presente. Molteplici sono gli influssi poetici che agiscono sulle rime, da quelli barocchi a quelli
arcadici, dal Dante della Vita Nova a Petrarca. La Vita fu scritta dallo stesso ed è stata considerata una delle
opere più significative. Iniziata nel 1790 e pubblicata postuma nel 1804 è divisa in 4 parti: epoca prima
puerizia, epoca seconda adolescenza, epoca terza giovinezza, epoca quarta virilità. Più che le vicende
personali e gli avvenimenti questa autobiografia che ripercorre le tappe principali della sua vicenda umana
delinea una figura ideale di uomo e di poeta, un eroe tragico preso da forti sentimenti e forti passioni
ribelle e travagliato in conflitto esistenziale con se stesso e con il mondo.
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Capitolo 7.3. Gli scritti politico-morali e la produzione satirica.

Il disprezzo di Alfieri per ogni forma di assolutismo e di tirannia è teorizzato in 2 trattati: Della tirannide e
Del principe e delle lettere: nel primo, un breve trattato in prosa, scritto nel 1777 e stampato nel 1789,
Alfieri evidenziò i limiti che i regimi tirannici pongono alla realizzazione dei singoli tracciando un quadro
senza tempo dell'oppressione e dell'ingiustizia. Rifacendosi a Montesquieu e Machiavelli, ma analizzando
soprattutto esempi classici, Alfieri nega la possibilità di praticare la libertà nel mondo moderno, per cui
l’unica soluzione è <<morire da forti>>, respingendo ogni compromesso.
Nel secondo,scritto tra il 1778 e stampato nel 1789, sostenne la necessità che il poeta fosse libero in modo
che la poesia potesse continuare ad essere la massima espressione di libertà, lo scritto esprimeva anche
una formale condanna del mecenatismo poiché non può esistere collaborazione che non incrini la libertà
della creazione. Il libro, diviso in tre parti, prende in esame la contrapposizione inconciliabile che sussiste
tra potere politico e la letteratura. Da qui Alfieri condanna il mecenatismo: gli scrittori devono sottrarsi alle
lusinghe dei potenti e svolgere appieno la propria funzione etica per dare voce ai sentimenti di libertà.
Alfieri pratica il genere satirico con diciassette satire pubblicate, postume nel 1806, che hanno come
bersagli aspetti del mondo contemporaneo. L’autore di riferimento dal quale Alfieri prende le distanze dal
modello pariano, è Giovenale, che aveva individuato la spinta creatrice della poesia dell’indignazione,
esprimendola nella felice formula, indignatio facit versum (l’indignazione è l’origine della poesia’).

Capitolo 8. Ugo Foscolo.

Ugo Foscolo nacque nel 1778, da padre veneziano e da madre greca, nell’isola greca di Zante (allora
possesso orientale di Venezia); questa nascita fu da lui sempre stimata come una vocazione al senso di
classicità. Dopo l’infanzia, trascorsa tra Zante (Zacinto) e Spalato, nel 1793 raggiunse la madre a Venezia (il
padre era morto nel 1788). Qui, imbevuto di cultura classica e aperto anche alle idee progressiste
provenienti dalla Francia, si distinse per la sua irrequietezza rivoluzionaria. La discesa di Napoleone in Italia,
infatti, accese l’entusiasmo politico del Foscolo, che si impegnò per la causa rivoluzionaria. Ma quando
Napoleone cedette Venezia all’Austria con il Trattato di Campoformio (1797), la delusione del poeta fu
immensa, e pur continuando a seguire gli eserciti napoleonici, il suo atteggiamento diventò sempre più
antifrancese. Costretto a lasciare la città per le sue simpatie giacobine, iniziò a peregrinare di città in città: a
Milano (1797-1798), a Bologna (1798-1799), poi, in qualità di ufficiale di cavalleria al seguito dell’armata
francese, fu a Firenze e a Genova, assediata dagli Austriaci; quindi in Francia (1804-1806), per il servizio
militare. Dopo la sconfitta di Napoleone a Lipsia (1813), Foscolo si trasferì definitivamente a Milano – dove
sostava sempre più frequentemente dal 1801 - da Firenze – dove aveva risieduto l’anno prima - . Nel
capoluogo lombardo crebbe la sua fama di uomo e di poeta, sospetto di ideali rivoluzionari, corteggiato
dalle dame e richiesto nei salotti per la veemenza dell’eloquio, per la profondità delle idee e per il fascino
che gli conferiva il mestiere di scrittore. A Milano pubblicò le Ultime lettere di Jacopo Ortis (1802), compose
l’ode neoclassica All’amica risanata – l’altra ode, A Luigia Pallavicini caduta da cavallo, era stata composta a
Genova nel 1800 - , ultimò i Sonetti(1796-1803) e I Sepolcri (1806, ma stampati nel 1807). Durante il
soggiorno fiorentino (1822-1823), invece aveva avviato la stesura de Le Grazie. Tornati gli Austriaci, per non
giurare fedeltà al nuovo potere prende la via dell’esilio(1815): sarà prima a Zurigo, e poi a Londra (1816).
Qui giunge animato dalla speranza di trovare un suo posto nel mondo letterario britannico: lo aspettavano,
invece, anni di faticoso lavoro, come saggista ed insegnante di italiano, anni di amarezze e di debiti. Lenì i
suoi affanni l’incontro con la figlia Floriana, che, nata negli anni francese dalla relazione con una giovane
donna inglese, Fanny Hamilton, gli stette vicina fino alla morte, avvenuta il 10 settembre 1827. Le sue
ceneri furono trasportate nel 1871 a Firenze, nel cimitero di Santa Croce, accanto agli altri grandi, che aveva
cantato nel suo carme “I Sepolcri”.

Capitolo 8.1. Ultime lettere a Jacopo Ortis.

Le ultime lettere di Jacopo Ortis, che può essere definito il primo romanzo moderno, fu composto a partire
dal 1796, pubblicato prima nel 1802 e poi definitivamente nel 1817. Appartiene al genere del romanzo
epistolare: nell’opera si immagina che le lettere di un giovane studente suicida, indirizzate all’amico
Lorenzo Alderani, siano state pubblicate dall’amico stesso, testimoniando così il dramma di Jacopo, in cui
Foscolo ha riflesso se stesso negli anni giovanli, il suo pessimismo e le sue delusioni politiche. Jacopo è uno
studente, che, dopo Campoformio, deve lasciare l’Austria per le sue idee politiche. Si trasferisce sui colli
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Euganei, dove si innamora - e ne è ricambiato – di Teresa, infelicemente fidanzata. Così, dopo aver
rinunciato al sogno di libertà per la patria, deve rinunciare al suo sogno d’amore. Dopo alcune
peregrinazioni in alcune città dell’Italia, avendo appreso delle nozze di Teresa, si uccide. Ispirato a I dolori
del giovane Werther di Goethe e alle tragedie di Alfieri, l’opera propone una figura d’eroe romantico, per
cui, sin dall’inizio, è inevitabile il suicidio, inteso come ultima scelta della libertà: se la vita ha negato la
realizzazione delle sue passioni – quella politica e quella amorosa – non resta che morire. Vivere
significherebbe rinunciare a ciò che dà significato alla [Link] dell’opera sono la sovrapposizione, senza
cioè che si raggiunga la sintesi, tra anima politica ed anima sentimentale e dall’assenza di sviluppo nel
personaggio.

Capitolo 8.2. I sonetti e le odi.

Tra il 1800 e il 1803 Foscolo compone 12 sonetti e 2 odi, che, sulla scia della tradizione classica e
petrarchista, raggiungono una eccezionale dimensione di chiarezza interiore. La prima ode, A Luigia
Pallavicini caduta da cavallo, composta a Genova nel 1800, è dedicata ad una nobildonna genovese caduta
da cavallo; ma il fatto assume una veste classica: la donna, descritta come una dea, diventa il simbolo stesso
della bellezza. Nella seconda ode – molto più originale della prima -, All’amica risanata, composta nel 1802
a Milano e dedicata a Antonietta Fagnani Arese, che Foscolo amò in quel periodo, la donna, guarita, torna
alla vita mondana. La sua bellezza sarà resa eterna dal canto del poeta: le dee, infatti, non furono altro che
donne di eccezionale bellezza cantate dai poeti. I dodici sonetti sono romantici sia nei temi che nei toni. I
primi otto recuperano i motivi dell’Ortis – passione amorosa, amore della patria, disapprovazione per la
guerra - ; ma sono gli ultimi quattro a raggiungere una straordinaria altezza poetica: 1) “Alla sera”, dove il
tormento interiore persegue un anelito di pace, che si identifica con la immagine della sera, affine alla
morte; 2) “A Zacinto”, in cui la nostalgia dell’esule ricopre la sua terra di immagini mitiche, simbolo di
un’età felice , che non tornerà più; 3) “In morte del fratello Giovanni”, in cui le tragiche vicende familiari del
poeta, simboleggiate dalla vecchia madre privata dei due figli, l’uno morto nel fiore degli anni, l’altro in
esilio, esprimono la profonda infelicità della vita, che solo la morte può consolare; 4)”Alla Musa”, in cui si
svela l’angoscia del poeta, che non può trovare pace, perché ha perso il conforto della poesia. Risultano più
riusciti l’ode “All’amica risanata” e gli ultimi quattro sonetti, perché in essi le vicende personali acquistano
una dimensione universale, e i fremiti di ribellione si traducono in meditazione sul “nulla eterno”.

Capitolo 8.3. <<Dei Sepolcri>>.

I Sepolcri, pubblicati nel 1807, nascono l’anno prima da una conversazione avuta con il poeta Ippolito
Pindemonte – autore de “I Cimiteri” - a Venezia sull’utilità del sepolcro. L’occasione era stata data
dall’estensione in Italia (1806) dell’Editto di Saint-Cloud (1804), che stabiliva che le sepolture dovevano aver
luogo in cimiteri fuori città, e che le lapidi dovessero essere uguali per tutti. Si sente certo l’eco della
contemporanea produzione sepolcrale europea, ma è più forte l’influenza classicheggiante del
[Link] i sepolcri non danno nulla al defunto, ne conservano tuttavia il ricordo nei vivi, garantendo
ai familiari una “Corrispondenza d’amorosi sensi”. Ma il sepolcro si carica anche di un forte significato civile:
il culto degli spiriti grandi diventa così patrimonio spirituale dei popoli. Le tombe dei grandi in Santa Croce,
a Firenze, in futuro ispireranno la riscossa degli Italiani contro lo [Link] quando il tempo avrà con il
suo moto perpetuo distrutto l’illusione della tomba, subentrerà una nuova illusione: la “poesia”, che
celebrerà in eterno gli eroi della patria, come dimostra Omero, che ancora oggi tramanda la gloria di
[Link] carme, dal ritmo solenne, i motivi della produzione poetica precedente – il conflitto tra ideali e
realtà, la consolazione della bellezza, l’esilio etc. - e l’iniziale impeto polemico pervengono ad una superiore
sintesi. Ne sono prova le figure finali di Aiace, Cassandra, Elettra, immagini di un’ideale di vita sottratta ad
ogni caducità.

Capitolo 8.4. << Le Grazie>>.

La gestazione dei tre inni in cui si articola il poema, dedicati a Venere, a Vesta, e a Pallade, fu complessa e
non pervenne ad un esito definitivo. Già nel 1803, egli aveva pubblicato dei frammenti, che finse tradotti da
un antico Inno alle Grazie; il progetto fu ripreso a partire dal 1813, e protratto, a più riprese, anche durante
l’esilio. L’idea di fondo è che nella contemplazione della bellezza l’uomo si distacca e si purifica dalle
passioni.
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Trama dell’opera.
Inno a Venere: vi si descrive la nascita delle Grazie e di Venere dal mare: esse portano sulla terra gentilezza
d’animo e delicatezza di sentimenti, facendo uscire l’uomo dallo stato di ferinità.Inno a Vesta: A
Bellosguardo tre donne amate dal poeta recano omaggio alle Grazie, che dalla Grecia si sono spostate in
Italia, portando la civiltà.Inno A Pallade: le Grazie si rifugiano nella mitica Atlantide, per sfuggire alle
passioni sfrenate degli uomini. Qui per loro si tesse un velo – ove sono ritratti valori di cui le Grazie sono
portatrici : giovinezza, amore, pietà del guerriero, amicizia, amore materno - , con cui esse si ricopriranno
per continuare a svolgere la loro missione civilizzatrice sulla terre.
Punto di arrivo della poesia foscoliana, si impone un atteggiamento di serenità e di equilibrio, che guarda
con distacco alla vita. Con le Grazie, la poesia assume il compito di fornire all’uomo un’immagine idealizzata
della vita, contrapponendo al presente valori universali ed eterni.

Capitolo 8.5. Il Foscolo del <<Didimo Chierico>>.

La Notizia intorno a Didimo Chierico è un testo in sedici brevi capitoli che Ugo Foscolo pubblica nel 1813
come introduzione alla sua traduzione del Viaggio sentimentale attraverso la Francia e l'Italia (nel titolo
inglese: Sentimental Journey through France and Italy, 1768) di Laurence Sterne (1713-1768). La Notizia
presenta l’eccentrica figura di Didimo Chierico, che è una controfigura pseudoautobiografica di Foscolo, con
cui l’autore riconsidera ironicamente le proprie esperienze e - in particolar modo - il personaggio di Jacopo
Ortis nel romanzo omonimo. L’autobiografia fittizia di sé e la disseminazione di indizi sulla propria
personalità è tuttavia ben più consistente con l’invenzione del personaggio di Didimo Chierico, che Foscolo,
nella Notizia, rivela essere autore di ben tre opere: un Memoriale, il curioso e satirico Hypercalypeos liber
singularis (Libro unico dell'Ipercalisse o più semplicemente Ipercalisse, in cui Foscolo-Didimo mette in
ridicolo l’atteggiamento degli intellettuali succubi del potere politico) e appunto la traduzione del Viaggio
sentimentale di Sterne. Didimo è fin da subito caratterizzato come un personaggio assai originale, che si fa
portavoce dello scetticismo e del distacco ironico dell’autore rispetto ai sogni e alle illusioni giovanili. Il
nome, che rimanda al grammatico e filologo Didimo Calcentero d’Alessandria (63 a.C. - 10 ca. d.C.), ironizza
sul gusto erudito di Foscolo per la cultura classica, come traspare dal Commento alla Chioma di Berenice e
dai Sepolcri. Il cognome è invece un segno dell’identità duplice del personaggio: egli infatti confessa di
essersi avviato alla professione di chierico, ma di aver in seguito deciso di seguire la propria “natura”, pur
senza abbandonare del tutto i costumi del religioso. Didimo già si nutre degli ideali romantici di Nazione in
opposizione al cosmopolitismo professato dagli illuministi, ma si tiene ben lontano dalle travolgenti passioni
dell’anima o dalle dispute più accese. Didimo ha le proprie idee, ben salde, ma l’esperienza gli ha insegnato
che non è utile né produttivo accalorarsi per difenderle. Come il narratore della Notizia sostiene, Didimo:
teneva irremovibilmente strani sistemi; non però disputava a difenderli; e per apologia a chi gli allegava
evidenti ragioni, rispondeva in intercalare: opinioni.

Unità VI. Il primo Ottocento.

Capitolo 1. Il contesto politico, storico e sociale.
Il periodo dei primi decenni dell’ ottocento è variamente denominato:
 Età del Romanticismo  con questa definizione si evidenzia i movimento culturale e ideologico di
portata europea, diffusosi a partire dalla fine del Settecento.
 Età della Restaurazione  la definizione indica il processo di riorganizzazione politica avvenuta in
Europa dopo la sconfitta di Napoleone
 Età del Risorgimento  la definizione sottolinea i motivi nazionalistici che accompagnano nella
penisola italiana la diffusione delle idee liberali.
Il Congresso di Vienna (1814-1815), con l’intenzione di restaurare l’equilibrio politico europeo, restituisce il
potere ai legittimi sovrani, spodestati dell’ondata rivoluzionaria. La Rivoluzione francese, tuttavia, non
manca di produrre i suoi effetti- la diffusione di una forte coscienza patriottica e dell’aspirazione collettiva
all’indipendenza- che non tardano a farsi sentire, animando le numerose iniziative riformiste e
rivoluzionarie del periodo.
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1816  dominio dell’Austria in Italia: unico stato è il Regno di Sardegna

1820-21  moti liberali repressi a Napoli e in Piemonte
1831-44  moti liberali repressi in Emilia-Romagna; Mazzini fonda la Giovine Italia; fallimento della
spedii<ioni mazziniane
1846-48  riforme liberali dello stato pontificio; nel Regno di Sardegna e nel Gran Ducato di Toscana
1848-49  guerra di indipendenza contro l’Austria
1856  congresso di Parigi chiude la guerra di Crimea; Cavour sottopone alle potenze europee il problema
italiano
1859-60  seconda guerra d’indipendenza; vittoria franco- piemontese sugli Austriaci; spedizione dei Mille
guidata da Garibaldi; annessioni al Piemonte per plebiscito
1861  proclamazione del Regno d’Italia; sovrano è il re di Sardegna, Vittorio Emanuele II
Dal punto di vista socio- economico in Italia la popolazione vive ancora prevalentemente con attività
agricole: i due terzi degli italiani sono contadini in precarie condizioni; la borghesia italiana è costituita da
proprietari terrier, commercianti e intellettuali,. La nobiltà nel centro nord tende a uniformarsi allo stile di
vita borghese; al sud, invece, si arrocca nella difesa dei privilegi tradizionali. Dopo l’Unità d’Italia
risulteranno evidenti le profonde differenze tra un Nord che tende progressivamente a industrializzarsi e un
Sud sostanzialmente agricolo. Sul piano linguistico per tutto l’Ottocento l’italiano rimane lingua
prevalentemente scritta, nel parlato si usano i dialetti. L’uso orale dell’italiano va però estendendosi, non
solo nelle classi colte, ma anche in alcuni ambienti delle classi inferiori, grazie agli interventi del nuovo
Governo unitario in materia di istruzione pubblica: la legge piemontese, detta Casata (1859), viene estesa in
tutta Italia, affidando ai comuni l’istruzione elementare gratuita. Anche il ruolo sociale dell’intellettuale
subisce profondi cambiamenti: si registra un calo nelle presenza, fra gli uomini di cultura, degli ecclesiastici
e dei nobili, a favore di un aumento del numero dei borghese, i quali per vivere esercitano un’attività
professionale non letteraria. Si afferma la figura dello scrittore- italiano, che vive traducendo letterature
straniere, curando edizioni di antichi e moderni, collaborando con riviste e giornali e prestando consulenze
a editori.

Capitolo 2. Panorama culturale.

Capitolo 2.1. Il Romanticiscmo.
Tendenza culturale dominante è il Romanticismo, movimento nato in Inghilterra e in Germania negli ultimi
anni del XVIII secolo e diffusosi negli altri paesi europei nei primi decenni del XIX secolo.
La parola “romantico”si riscontra per la prima volta in Inghilterra verso la metà del Seicento ed è usata per
indicare, in senso negativo, il carattere fantastico dei romanzieri contemporanei. Nel Settecento il termine
designa le suggestioni sentimentali suscitate da particolari paesaggi (Rousseau). In Germania, infine, il
termine viene adottato dai gruppi intellettuali per indicare un atteggiamento spirituale ed estetico che
caratterizza una nuova interpretazione dell’arte (Friedrich Schlegel).
In particolare, la realtà italiana, il termine “romanticismo” designa la “civiltà” del Risorgimento; cioè gli stati
d’animo e gli atteggiamenti di cultura, di comportamento, di poetica e di arte, che si creano dalla caduta di
napoleone alla conquista dell’indipendenza e dell’unità nazionale. Questo rapporto tra Romanticismo e
Risorgimento è stretto anche sul piano sociale: il Romanticismo italiano, è, di fatto, la letteratura di classe
sociale emergente che aspira a una struttura statale unitaria e un’egemonia culturale e politica.
Aspetti fondamentali del Romanticismo sono:
 Il sentimento  strumento conoscitivo, da preferirsi alla ragione (dea dell’Illuminismo), è ritenuto
in grado di esplorare le zone dell’Io e di scoprirne il rapporto con l’Infinito
 La religiosità  si configura come risposta all’ansia di investigare nella sfera metafisica; tale ricerca
può risolversi in maniera diversa, nel ritorno alla religione cattolica tradizionale, consolatrice,
nell’anelito verso l’infinito, nel culto dei più alti valori spirituali, nella ricerca della presenza divina
nella natura.
 Il genio  simbolo dell’individualismo esasperato, si afferma la figura del genio incompreso,
solitario, impaziente di vivere, sfrenato nelle passioni, incurante dei suoi simili
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 L’attenzione per la storia e lo storicismo  il Romanticismo considera la storia elemento basilare

per l’analisi del presente, essa quindi non è concepita come evasione, ma come campo d’indagine
delle vicende umane
 La patria e il nazionalismo  nella logica romantica diventano importanti le tradizioni e i costumi
che ogni popolo possiede, custodisce gelosamente (concetto di nazione) e difende (patria).

Capitolo 2.2. La polemica classico-romantica.

Nel 1816, in Italia, tra romantici e classicisti divampa una vivace polemica letteraria, provocata dalla
pubblicazione sul primo numero della “biblioteca italiana”, una uova rivista favorita dall’Austria, di un
articolo intitolato “Sulla maniera e l’utilità delle traduzioni di Madame de Stael”. La scrittrice francese invita
gli italiani a rinnovare la loro cultura- ormai superata a causa di secoli di imitazione degli autori classicisti
greci e latini- mediante la lettura e la traduzione delle opere straniere moderne e attraverso l’uso di un
linguaggio più aderente alla realtà. Numerose e immediate sono le risposte degli italiani: fra i classicisti
reagiscono indignati Pietro Giordani, Vincenzo Monti, e Giacomo Leopardi. Contro questi, d’accordo con
Madame de Stael, insorgono i romantici rappresentati da Ludovico di Breme, Pietro Corsieri, e Giovanni9
Berchet. Quest’ ultimo, illustra i temi programmatici del romanticismo lombardo: il motivo della
“modernità” della poesia, intesa come conformità ai sentimenti, agli ideali e ai costumi del proprio tempo;
il motivo dell’universalità del sentimento poetico, presente in forma attiva, cioè creativa, in pochi (i poeti) e
in forma ricettiva (il pubblico); il motivo della consonanza tra poeta e pubblico, necessaria per apprezzare la
poesia; l’identificazion3 del popolo con la borghesia, non con i sofisticati snob, né con la rozza plebe. Ne
deriva che il vero poeta deve essere “popolare”, cioè voce e guida della borghesia in ascesa: in tal modo
anche la poesia acquista una funzione di pubblica utilità e diviene strumento educativo delle nazioni.

Capitolo 3. I generi letterari.

Capitolo 3.1. Il Romanzo.

Il romanzo ho un notevole sviluppo a partire dagli anni ’20: si distinguono due filoni che si rifanno a due
differenti modelli.
 Il primo filone è quello del romanzo storico, che rappresenta vicende e personaggi verosimili sullo
sfondo di eventi reali, secondo il modello dello scrittore scozzese Walter Scott, autore del celebre
“Ivanhoe”. Ingredienti peculiari, diventati standard: ampie descrizioni di paesaggi e personaggi.
Sfondo storici spesso di maniera, amori contrastati, distinzione netta fra personaggi buoni e cattivi.
Oltre al capolavoro, “i promessi sposi” di Manzoni, appartengono a questo filone i seguenti
romanzi: “il castello di Trezzo” di Giovanni Battista Buzzoni; “Sibilla Odaleta” di Carlo Varese; “la
battaglia di Benevento” di Fratesco Domenico Guerrazzi; “cento anni” di Giuseppe Rovani; “Marco
Visconti” di Tommaso Grossi.
 Meno diffuso è il secondo filone che si rifà allo scrittore inglese Laurence Sterne, i cui romanzi sono
caratterizzati dalla presenza dell’io narrante, da una forte componente autobiografica, da un
ambientazione nell’età contemporanea e dall’alternanza di descrizioni paesaggistiche e riflessioni
psicologiche.
Legato a questo secondo filone, sebbene con notevole libertà rispetto al modello “Fede e bellezza” di
Niccolò Tommaseo, celebre autore di vocabolari. Vi si narra la storia d’amore di Gioganni e Maria: i
personaggi vengono ritratti nella dimensione privata della loro crisi sentimentale e nel condizionamento
che essi subiscono sull’ambiente in cui vivono. È una novità assoluta: la narrazione punta sull’interiorità dei
personaggi piuttosto che sui fatti. Capolavoro indiscusso, frutto dell’innesto filone “confessionale”
dell’Ortis foscoliano sul tronco del realismo storico manzoniano, è il romanzo di Ippolito Nievo,”le
confessioni di un’ Italiano”, scritto tra il 1857 e il 1858 e pubblicato postumo nel 1867, con il titolo, voluto
dall’editore, “le confessione di un’ottuagenario”. Sul filo della memoria scorrono le vicende private di Carlo
Altoviti, il quale racconta con cura minuziosa la sua esistenza: ormai ottantenne alla vigilia dell’Unità
d’Italia, rievoca la vicenda personale sullo sfondo degli eventi storici della Repubblica veneziana. Lo stile
del romanzo è scorrevole ed espressivo.
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Capitolo 3.2. Le riviste.

Nell’età romantica il dibattito intellettuale, in particolare lo scambio di idee politico- letterarie, si svolge sui
giornali; capitali culturali sono Milano e Firenze, mentre Roma resta ai margini. Queste sono le principali
riviste:
 La Biblioteca italiana  pubblicata a Milano con il sostegno dell’autorità viennesi, è dedicata alla
critica letteraria e filosofica: dapprima aperta alle innovazioni romantiche, diviene poi sempre più
conservatrice.
 Il Conciliatore  pubblicato a Milano, è portavoce dei liberali romantici milanesi, eredi
dell’Illuminismo lombardo e si occupa di letteratura, scienza e tecnica. Viene soppressa dalle
autorità austriache per la sua ostilità al regime
 L’Antologia  pubblicata a Firenze dagli intellettuali del circolo Vieusseux, si propone di rendere
più moderna la cultura italiana mediante l’analisi e la divulgazione delle migliori opere letterarie e
scientifiche
 Il Politecnico  pubblicato a Milano, fondato e diretto da Carlo Cattaneo,. Si propone come ampio
repertorio di molteplici discipline
 Il Crepuscolo  pubblicato a Milano, fondato da Carlo Tenca, si occupa di letteratura, di arte, di
scienza e di industria con lo scopo di rinnovare la società.

Capitolo 3.3. La memorialistica.

I libri di memorie hanno una notevole fioritura nell’età romantica, per l’esigenza avvertita dagli scrittori di
confessare il proprio mondo interiore o testimoniare gli avvenimenti vissuti e sofferti, spesso legati a
esperienze reggimentali. Nel genere biografico spiccano:
 “le mie prigioni” si Silvio Pellico  l’opera descrive la lunga prigionia dell’autore nel carcere dello
Spielberg, dove fu rinchiuso dagli austriaci per la partecipazione ai moti carbonari. Frutto di
ispirazione intimistica e religiosa, lo scritto intende condannare ogni violenza, senza intenti politici
o di denuncia.
 “i miei ricordi” di Massimo D’Azelio  libro autobiografico caratterizzato da una forma colloquiale,
spesso severa e risentita, si configura come vivace ritratto morale e psicologico dell’autore.
 “ricordanze della mia vita” di Luigi Settembrini  memorie dell’autore espresse in uno stile
immediato senza retorica

Capitolo 3.4. La saggistica.

Particolarmente rilevante è la saggistica letteraria. Si assiste alla nascita di una storia della letteatura, non
più semplicemente erudita o legata al gusto e alle passioni individuali, ma fondata su criteri
d’interpretazioni coerenti che trovano la loro giustificazioni in una riflessione filosofica sull’arte.
Rinnovatore di tali studi è l’avellinese Francesco De Sanctis. Patriota combattente nel 1848, imprigionato e
costretto all’esilio, insegna letteratura italiana in varie università; dopo l’Unità d’Italia è due volte ministro
della pubblica istruzione e si impegna per la diffusione dell’iscrizione elementare. Scrive numerosi saggi
critici: fondamentale è la sua “storia della letteratura italiana”(1871).

Capitolo 3.5. La prosa politica.

Le vicende del Risorgimento italiano sono accompagnate da discussioni relative a progetti di liberazione
nazionale. L’argomento, di interesse storico e filosofico, possiede anche un significato letterario per il valore
di alcuni scritti fondamentali nella cultura del secolo.
 Giuseppe Mazzini  opere principali sono “Fede e avvenire” e “i doveri dell’uomo”, scritto in cui
l’autore sostiene la necessità della realizzazione di uno Stato repubblicano unitario da parte del
popolo, esecutore del disegno di Dio
 Carlo Cattaneo  la sua opera più celebre è “dell’insurrezione di Milano nel 1848 e della successiva
guerra”, dove si auspica all’unità federalistica
 Carlo Pisacane  propugna una visione socialista nei “saggi”, famosa opera di contenuto storico,
politico e militare, in 4 volumi
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 Vincenzo Gioberti  nel “primato morale e civile degli italiani” e “la riforma cattolica della chiesa”
l’autore espone la teoria neoguelfa secondo cui l’Italia avrebbe dovuto conformrsi in una
confederazione sotto la guida del Papa
 Cesare Balbo  opere principali sono “delle speranze dell’italia ”e “sommario della storia d’Italia”

Capitolo [Link] poesia.

La poesia ottocentesca è prevalentemente lirica e la sua massima espressione si trova in Leopardi. Le
tendenze più significative, tutte di matrice romantica, sono quella patriottica, quella sentimentale e quella
dialettale- satirica.

Capitolo 3.7. La poesia patriottica.

La poesia patriottica predilige la forma dell’ode, con versi cantabili; narra episodi storici, descrive
personaggi eroici, esorta all’azione.
 Giovanni Berchet  autore della “lettera semiseria di Grisostomo al suo figliuolo”, compone altre
canzoni patriottiche come “i profughi di Praga”, in cui si descrive il dramma degli abitanti di Praga,
città albanese ceduta ai turchi dall’Inghilterra. “le romanze”, incentrate sui temi risorgimentali e
popolareschi; “le fantasie”, che mettono a confronto la storia gloriosa del passato con le miserie del
presente.
 Luigi Mercantini  famosa è la lirica “spigolatrice di Sapri”, dedicata alla sfortunata impresa si
Pisacane
 Goffredo Mameli  autoro di “fratelli d’Italia”, diventato inno nazionale
 Arnaldo Fucinato  celebre è la lirica “a Venezia”, dedicata alla resa della Repubblica veneta.

Capitolo 3.8. La poesia sentimentale.

Accanto all’esigenza realistica e civile del Romanticismo coesiste un’altra tendenza, definita dalla critica
“”secondo Romanticismo”, che riprende ed esalta particolarmente gli aspetti sentimentali, idillici e
malinconici. Due sono i poeti significativi:
 Giovanni Prati  laureato in legge, conduce una vita errabonda, prendendo parte all’attività
patriottica. Primo successo di Prati è “edmenegarda”, novella in versi, in cui si narra la storia di un
adulterio, ispirata ad una vicenda reale. Famoso è anche il poema “Armando”, descrizione degli
stati d’animo di un uomo che cade in stato di indifferenza e atonia. Particolari sono i sonetti
“psiche”, caratterizzati da un realismo legato alle piccole cose e da motivi spiritualistici, e i canti di
“iside”, nei quali dominante è il tema dell’evasione onirica che sfocia nel mondo dell’illusione.
 Aleardo Aleardi  partecipa ai moti del 48, è senatore e deputato al parlamento nazionale, nonché
professore di Estetica all’università di Firenze. Nella sua raccolta di “canti” sono presenti temi cari al
Romanticismo (patri, passione amorosa e natura), esptreddi con languido sentimentalismo. Altri
testi celebri sono “il monte Circello” e “le antiche città italiane marinare e commercianti”.

Capitolo 3.9.L poesia dialettale- satirica.

La poesia dialettale è rappresentata principalmente da due poeti:
 Carlo Porta  impiegato nella pubblica amministrazione, ricorre alla satira realistica in dialetto
milanese per trattare motivi di grande attualità sociale. Temi ricorrenti sono la polemica contro
l’aristocrazia, arrogante e presuntuosa, e contro il clero, corrotto e servile. In questi componimenti
al dialetto graffiante dei popolani l’autore ama accostare satiricamente la lingua goffa, pretenziosa
e sgraziata dei nobili. In altri testi, nei quali centrali sono le vicende degli umiliati e degli offesi, la
satira lascia il posto alla confessione dolente.
 Giuseppe Gioachino Belli  autore di una vasta produzione in dialetto romanesco, Belli intende
con le sue poesie, elevare “un momento” alla plebe romana, senza desiderio di denuncia sociale. I
sonetti dipingono lo spietato ritratto di una realtà assurda, quella dello Stato Pontificio in
disfacimento e del mondo plebeo, povero, violento e passionale.
La poesia satirica produce i suoi frutti migliori con il poeta toscano Giuseppe Giusti, che con scetticismo del
buon senso ironizza spiritosamente in particolare sui poeti costituiti. La sua fama è legata soprattutto ad
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una serie di poesie umoristiche e satiriche definite dall’autore “scherzi” o “ghiribizzi”, perché di prevalente
intonazione burlesca e giocosa.

Capitolo 3.10. Il teatro.

Nel primo Ottocento, se si esclude la produzione tragica del Manzoni, la tragedia italiana è piuttosto debole
e di tono oratorio. Novità si registrano a livello dei contenuti (conflitti romantici tra individuo e società e tra
sentimento e ragione) e nella struttura (abolizione delle tra unità aristoteliche e introduzione del coro).
Principali autori di tragedie sono: Silvio Pellico, ispirata al sonaggio dantesco e Giovanni Battista Piccolini.
La grande fortuna del teatro del Romanticismo è soprattutto legata al melodramma. Di enorme successo
sono le opere comiche e serie di Gioacchino Rossigni e le opere storiche e romantiche di Giuseppe Verdi.
Nel primo Ottocento la commedia ha scarso rilievo: il testo più significativo è “Godono e le sue sedici
commedie nuove” del modenese Paolo Ferrari, rappresentata con successo nel 1853.

Capitolo 4. Giacomo Leopardi.

Giacomo Leopardi nasce a Recanati il 29/06/1798, nelle Marche, da una famiglia di nobile origine, ma
economicamente dissestata dalla cattiva amministrazione, dovuta alla leggerezza e all’inesperienza del
padre, il conte Monaldo. Alla salvezza del patrimonio si dedicò la madre del poeta, Adelaide Antici, una
donna energica, che riuscì nell’intento ma a prezzo di duri sacrifici per se e per la famiglia. Il giovane
Giacomo studiò con il padre e con due precettori, ma molto precocemente continuò da solo e trascorse
sette anni di studio “matto e disperatissimo” nella biblioteca del padre dove si formò un vasto bagaglio
culturale rovinandosi la salute. Tra il 1816 e il 1819 il poeta si convertì dalla religione cattolica, alla quale era
stato educato fin da piccolo, all’ateismo e al materialismo illuministico. In questi anni cambiarono anche le
sue idee politiche: da quelle reazionarie, cioè controrivoluzionarie, del padre a quelle democratiche e
patriottiche, assecondate dall’amico Pietro Giordani. Le sofferenze per l’arretratezza culturale
dell’ambiente di Recanati lo portarono al tentativo di fuga. Solo in seguito, nel 1822, ottenne il permesso di
recarsi a Roma, dalla quale fece ritorno profondamente deluso per la meschinità degli uomini e per la
frivolezza delle donne. Durante questo soggiorno si commosse soltanto visitando la tomba del poeta
rinascimentale Torquato Tasso, al Granicolo. Poco dopo essere tornato nella sua Recanati, amata e odiata
allo stesso tempo e dove tornerà anche in altre occasioni, ripartì alla volta di Milano, passando poi a
Bologna, Pisa e Firenze. Qui conobbe un esule napoletano, Antonio Ranieri, con il quale strinse una forte
amicizia e insieme si trasferirono a Napoli, città dove il poeta morì nel 1837.

Capitolo 4.1. La poesia.

La produzione lirica di Giacomo Leopardi, approvata e raccolta nelle tre diverse edizioni dei Canti (1831,
1835, 1845), alle quali vanno aggiunte altre poche prove maggiori (come i Paralipomeni), viene usualmente
ricondotta a diverse fasi di sviluppo filosofico e poetico. L’edizione postuma e definitiva, curata da Antonio
Ranieri sulla base delle estreme correzioni dell’autore, annovera 41 liriche composte fra il 1818 e l’anno
della morte (1837), ciascuna delle quali contrassegnata da un titolo e da un numero d’ordine. Il metro più
rilevante è la canzone libera in endecasillabi e settenari (come A Silvia), in cui si dissolve la funzione
strutturale della rima ereditata dalla tradizione petrarchesca a vantaggio di un più libero andamento ritmico
del testo e del pensiero.

Capitolo 4.1.1. Primo tempo le canzoni del 1818-1823 e la poesia idillica.

Ideate e composte fra il settembre e l’ottobre del 1818 e subito pubblicate a Roma in opuscolo con dedica a
Vincenzo Monti, le prime due canzoni civile (All’Italia e Sopra il monumento di Dante) rappresentano
l’originale sintesi lirica della riflessione estetico-filosofico del giovane Leopardi, formatasi attraverso le
letture più o meno dirette degli illuministi francesi (in specie Jean-Jacques Rousseau) e perfezionata dal
contatto con il classicismo laico, patriottico e liberale di Pietro Giordano. Un primo saggio era comparso
all’inizio dello stesso 1818 nel Discorso di un italiano intorno alla poesia romantica. Come i romantici,
anch’egli registra un forte senso della discontinuità storico-culturale fra gli antichi (felicemente legati alla
vitalità della natura), e i moderni (compromessi dall’insensibilità dell’incivilimento) ma proprio per questo,
a differenza dei romantici, rifiuta l’avvento di un’arte spirituale e consapevole, la quale cancelli le
primigenie illusioni e il diletto che da esse ancora deriva all’uomo contemporaneo nella stagione
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incontaminata dell’infanzia. In questa fase (del cosiddetto pessimismo storico) la poesia ha piuttosto il
compito di salvaguardare il rapporto primitivo e diretto con la natura che la civiltà e la ragione hanno
guastato facendo prelevare il momento della riflessione su quello dell’immaginazione. Attraverso
l’adozione di un codice sostenuto e magniloquente, erede del modello petrarchesco. Lo dimostrano non
solo la ricchezza dei motivi autobiografici di cui sono costellati i sei idilli del biennio 1819-21 (Odi Melisso,
l’Infinito, Alla luna, La sera del dì festa, il sogno, la vita solitaria). Negli idilli, brevi componimenti, in
endecasillabi sciolti che interpretano lo svolgersi di sentimenti, di pensieri e di ricordi interni all’io poetico
messo in raffronto con il mondo esterno (la notte, la luna, l’universo, ecc.)

Capitolo 4.1.2. Secondo tempo: le grandi canzoni libere.

Tra il 1823 e il 1827 Leopardi abbandona programmaticamente la lirica per dedicarsi all’elaborazione
prosastica delle Operette morali, nelle quali approfondisce la propria filosofia <<negativa>>, fondata su una
nuova <<teoria del piacere>> di matrice sensistica e meccanicistica che imputa la causa del dolore umano
alla sproporzione tra l’illimitato bisogno di felicità dell’individuo e l’oggettiva scarsezza delle opportunità di
soddisfacimento. L’esistenza stessa è causa di dolore, qualunque sia il tempo o il luogo toccatoci in sorte
all’atto della nascita: si tratta della fase del cosiddetto pessimismo cosmico. La crisi irreversibile della fiducia
nella natura (non più madre benigna, generatrice di benefiche illusioni, bensì <<matrigna>>, fonte di danno
e inganno perpetuo), unita alla parallela ridiscussione del ruolo della civiltà e dello sviluppo del pensiero
razionale, che hanno infine consentito di smascherare l’inganno di cui l’uomo è vittima, comporta il venir
meno della teoria delle illusioni e quindi la perda di funzione della stessa poesia; l’unico testo in versi
composto in questo periodo, L’epistola al conte Carlo Pepoli (marzo 1826), costituisce di fatto una
palinodia, una ritrattazione delle lusinghe e un’esaltazione del vero.

Capitolo 4.1.3 Ultimo tempo: dai canti fiorentini alla << Ginestra>>.
L’ultima stagione leopardiana segna una svolta di grande rilievo rispetto alla poesia precedente. Leopardi
ristabilisce un contatto diretto con gli uomini, le idee, i problemi del suo tempo; appare orgoglioso di sé,
pronto e combattivo nel diffondere le proprie idee. L’apertura si verifica anche sul piano interpersonale.
Nasce a Firenze l’amicizia con Antonio Ranieri e la sua prima vera esperienza amorosa. La cocente
delusione subita in tale rapporto segna per Leopardi la fine dell’inganno estremo: l’amore. Da questa
esperienza nasce il “Ciclo di Aspasia”, dal nome greco in cui il poeta designa in una poesia la donna amata,
la bellissima Fanny Targioni Tozzetti. Il ciclo consta di cinque componimenti. Si tratta di una poesia
profondamente nuova: nuda, severa, quasi priva di immagini sensibili. Compaiono atteggiamenti energici e
combattivi, il linguaggio si fa aspro e antimusicale e la sintassi complessa e spezzata. Una vera e propria
nuova poetica. Inizia un periodo di intensi rapporti con le correnti ideologiche del tempo. Un impegno
negativo e polemico contro tutte le ideologie ottimistiche che esaltano il progresso. Egli ne contrappone le
proprie ideologie pessimistiche che escludono il miglioramento della condizione umana. Questa polemica è
condotta attraverso varie opere: "La Paralinodia", una sorta di satira pariniana nei confronti della società;
"Ad Arimane", un abbozzo di inno al principio del male secondo la religione persiana; "i Paralipomeni",
ampio poemetto satirico. Una svolta essenziale si presenta con "La Ginestra", componimento riproponente
la dura polemica antiottimistica e antireligiosa che chiude il suo percorso poetico. Qui Leopardi cerca di
costruire un’idea di progresso proprio sul suo pessimismo. La consapevolezze della condizione umana,
indicando la natura come nemica, può indurre gli uomini ad unirsi per combattere la sua minaccia. Tale
legame può far cessare le sopraffazioni e le ingiustizie della società. Questa filosofia apre qui una generosa
utopia basata sulla solidarietà degli uomini.

Capitolo 4.2. La prosa.

Capitolo 4.2.1. <<Lo Zibaldone>>.

Durante l'estate del 1817 Leopardi iniziò a mettere insieme gli appunti e le annotazioni destinati a costituire
lo Zibaldone di pensieri, al quale lavorò intensamente fino al 1832. In esso toccò argomenti diversi
riguardanti la filosofia, la letteratura, la linguistica, nonché problemi etici o sociali e problemi legati alla sua
esperienza. Questo libro ha un'importanza fondamentale nella filosofia dell'Ottocento per le posizioni simili
a quelle di Schopenhauer. Leopardi, sebbene al di fuori delle dispute filosofiche del tempo, riuscì ad
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elaborare una teoria innovativa, anticipando anche posizioni nietzschiane. Si può ben definire il Leopardi
filosofo come l'iniziatore di quell'orientamento che in seguito verrà definito nichilismo. Si tratta di
annotazioni di varia misura e ispirazione, spesso scritte in prosa diretta e pertanto caratterizzate da un tono
di provvisorietà, da uno stile per lo più asciutto; a volte brevissime, a volte ampie e articolate per punti.
Eppure la loro importanza è fondamentale, in quanto contengono un notevole insieme di temi e spunti che
spesso costituirono ispirazione prima per i Canti, le Operette morali, e, soprattutto[8] i Pensieri. In qualche
caso, invece, queste pagine vedono riflettersi quanto già detto altrove, o riportano commenti su libri letti,
osservazioni su incontri o esperienze ecc. Sono di particolare interesse le numerosissime pagine che
elaborano gli elementi essenziali della poetica e del pensiero di Leopardi, di cui il lettore può cogliere
l'intimo dinamismo e il procedere per successivi momenti problematici. Tra l'11 luglio e il 14 ottobre 1827
Leopardi stesso ne redasse un indice tematico (evidentemente incompleto, visto che continuò a scriverlo
fino al 4 dicembre 1832).I temi trattati sono: la religione cristiana, la natura delle cose, il piacere, il dolore,
l'orgoglio, l'immaginazione, la disperazione e il suicidio, le illusioni della ragione, lo stato di natura del
creato, la nascita e il funzionamento del linguaggio (con anche diverse annotazioni etimologiche), la lingua
adamica e primitiva, la caduta dal Paradiso, il bene e il male, il mito, la società, la civiltà, la memoria, il caso,
la poesia ingenua e sentimentale, il rapporto tra antico e moderno, l'oralità della cultura poetica antica, il
talento, e, insomma, tutta la filosofia che sostiene e nutre la propria poesia. Il dolore è la legge della realtà
ed è universale. Esso riguarda "non gli individui, ma le specie, i generi, i regni, i globi, i sistemi, i mondi"
(Zibaldone, 3). Il ricordo ha un'importanza fondamentale in quanto fa emergere una folla di sensazioni,
sentimenti, riflessioni, arricchendoli del fascino della lontananza, che le immerge in un'atmosfera di vago, di
indefinito, impreciso. (Zibaldone, 6). La ricordanza poetica diventa memoria di emozioni e sensazioni della
prima età. Si tratta di un atteggiamento che sarà anche alla base degli Idilli (Zibaldone, 8). Il ricordo ha,
come detto, un'importanza fondamentale nella poesia leopardiana: "La rimembranza è essenziale e
principale nel sentimento poetico, non per altro se non perché il presente, qual ch'egli sia, non può essere
poetico; e il poetico, in uno o in altro modo si trova sempre consistere nel lontano, nell'indefinito, nel vago"
(Zibaldone, 6). Questi concetti sono il punto di partenza dell'idillio L'infinito e l'anelito a un'esperienza
interiore che vada al di là del mondo limitato della nostra esperienza sensibile. La ricordanza è lo stato
d'animo poetico soprattutto perché ci permette di recuperare la dimensione fantastica e commossa che
nella prima adolescenza l'uomo ha assunto di fronte alla vita: l'adolescenza è l'età in cui si viene formando
la nostra sensibilità. "La sensazione presente non deriva immediatamente dalle cose, non è un'immagine
degli oggetti, ma della immaginazione fanciullesca; una ricordanza, una ripetizione, una ripercussione o
riflesso della immagine antica. [....] In maniera che, se non fossimo stati fanciulli, tali quali siamo ora,
saremmo privi della massima parte di quelle poche sensazioni indefinite che ci restano, giacché non le
proviamo se non rispetto e in virtù della fanciullezza" (Zibaldone, 7). La poesia è poi identificata da Leopardi
con il senso dell'indeterminato e con le emozioni interiori cui corrispondono alcune particolari parole
evocatrici di immaginazioni e rimembranze infinite: lontano, antico, notte, notturno, oscurità, profondo,
ecc. (Zibaldone, 9).

Capitolo 4.2.2. Le <<Operette morali>>.

Le Operette Morali sono 24 brevi scritti, progettati dall'autore fin dal 1820. Per lo più scritte sotto forma di
dialoghi tra personaggi reali o immaginari, le Operette sono “la descrizione concreta della vita e la
dimostrazione che essa è ignobile e misera” (Momigliano). La condizione umana, la morte, il destino, la
vana ricerca della felicità sono alcuni dei temi che ricorrono nell'opera. Il modello principale è l'antica satira
menippea. Nelle Operette domina l'imitazione dei Dialoghi dei morti di Luciano, che per Leopardi è un
modello di stile. In Italia non è mai esistito niente di simile. Ne imita la comicità e le mosse umoristiche e
argute, muovendosi dal sostenuto al dialogo basso e all'imitazione gratuita. La variazione di numerosi
inserti all'interno delle stesse Operette, enfatizzano il paratesto per svuotarlo di significato: su tutte
Federico Ruysch, in cui troviamo contemporaneamente, novella fantastica, teatro comico, dialogo dei morti
e coro finale che ripropone un genere molto antico-, Il cantico, canto ridotto in prosa, temi comici accanto a
temi biblici, contrasti che nella scrittura ricordano lo stile ebraico o il moderno francese ecc. La finzione del
manoscritto ha come prototipo il Pulci,[38] mentre il Prometeo e l'Islandese sono il miglior esempio di
fusione tra narrazione e dialogo. Nel Parini è sperimentato anche il trattato alla maniera di Cicerone.
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Non si trova nella letteratura italiana un modello per le Operette ovvero un altro libro di argomento
profondo e tutto filosofico e metafisico.[39] Per la contaminazione di generi e la varietà di registri stilistici
interni Leopardi è stato preceduto dall'Alberti delle Intercenales. L'erudizione, quindi le sterminate fonti e
riferimenti culturali, dotti, sono un travestimento letterario responsabile del tono ludico e parodico del
testo. Leopardi si rifà al genere espresso da Luciano e gli autori che ad esso si sono ispirati, come il
Machiavelli della Vita di Castruccio Castracani o la Vita di Leon Battista Alberti, in chiave moderna Life and
Opinions of Tristram Shandy, Gentleman (vedi l'Ottonieri di Laurence Sterne. Per la battuta di Malambruno
(Fammi felice per un momento di tempo) e il gioco a palla di Ercole e Atlante è stato tirato fuori il Faust di
Goethe. Buona parte dei dialoghi leopardiani possiede una natura filosofica di matrice scettica,
caratteristica della letteratura moralistica, sia antica (Luciano) che moderna (Illuminismo). Per difendere le
sue convinzioni dall'attacco del Tommaseo, il poeta si rifà, per esempio, al pirronismo di Bayle:
Tolto Luciano, i modelli più significativi da un punto di vista di gusto meramente letterario sono
principalmente illuministi. Di Fontenelle apprezza la superficialità e la leggerezza; il cinismo di Voltaire nel
suo Candido si affaccia sullo stato d'animo dell'Islandese. La battuta di un personaggio di Christoph Martin
Wieland sono all'origine della misantropia di Eleandro. Sul fronte italiano Ariosto è un autore
particolarmente caro al nostro che nel Dialogo terra Luna esprime al meglio il suo stile comico. Vastissima
invece la mole di fonti letterarie citate più o meno direttamente dall'autore e che appartengono al suo
bagaglio culturale, sono informazioni importanti funzionali alla creazione di un'atmosfera di divertita
erudizione all'interno del testo, uno sfoggio di cultura ironica perché volutamente frivola. Non semplice è il
lavoro stesso di ricerca data l'alta frequenza di informazioni puntuali e dottrine in cui s'inseriscono, secondo
il gusto tipico dell'autore, notizie curiose e bizzarre. Difficile quindi, distinguere, all'interno del testo,
«l'ironia allusiva da ciò che è riuso poetico, memoria (volontaria o involontaria). Resta che la scrittura di
Leopardi comporta sempre un fitto dialogo intertestuale». Quest'opera assume dunque un'importanza
come momento necessario nell'evoluzione della spiritualità leopardiana ed i dialoghi hanno un intrinseco
valore lirico e poetico. Lo stile delle Operette è incisivo, ironico e serrato, caratterizzato da un linguaggio
chiaro e puntuale, con l'effetto di trattare con estrema lucidità le tematiche fondamentali. Leopardi rifiuta
le due soluzioni moderne: puristica da un lato, francesizzante dall'altro. Scartato anche il modello
ipotattico, latineggiante, caro all'amico Giordani. La scelta è per il recupero nell'italiano, a tutti i suoi livelli
(popolare incluso), di tutto quello che c'era di analogo al greco attico. La ricchissima varietà della lingua
italiana, avrebbe permesso di recuperare un linguaggio antico ma funzionale, col quale l'autore avrebbe
ottenuto principalmente una semplificazione sintattica: meno ricorso all'ipotassi, alle figure retoriche e
all'inversione dell'ordine delle parole.

Importanti sono i procedimenti che individuano l'intensificazione emozionale: moltiplicazione verbale e

accumulo di proposizioni; uso di elativi e di voci perplesse e indefinite.

Capitolo 5. Alessandro Manzoni.

Nacque a Milano nel 1785. Aveva letteralmente l’illuminismo nel sangue: sua madre, Giulia Beccarla, era
sposata al conte Pietro Manzoni, ma probabilmente il vero padre di Alessandro fu Giovanni Verri, fratello
dei fondatori del “Caffè”. Qualche anno dopo la nascita di Alessandro, la madre si trasferisce a Parigi col
conte Carlo Imbonati. Il bambino a sei anni era stato messo in collegio, e ci restò fino ai sedici; in collegio si
formò una solida cultura classica, ma maturò anche una spiccata avversione per i principi tradizionalisti che
gli si volevano inculcare; ne uscì anticlericale e democratico. Il suo primo componimento poetico si intitola
“Il trionfo della libertà”. Nel 1805 Manzoni si trasferì a Parigi, dove risiedeva la madre insieme con il suo
compagno, che morì nello stesso anno. Proprio in onore di lui il Manzoni compose il carme In morte di
Carlo Imbonati. “ Io non vivo che per la mia Giulia e per adorare ed imitare con Lei quell’uomo che solevi
dirmi essere la virtù stessa”. A Parigi Manzoni frequenta l’ambiente degli “ideologi”, eredi del pensiero
illuminista. Si lega in una duratura amicizia con il filologo e storico Carlo Fauriel. Rientrato a Milano nel
1807, incontrò e si innamorò di Enrichetta Blondel, con la quale si sposò con rito calvinista e dalla quale
ebbe ben 10 figli (otto dei quali gli morirono tra il 1811 e il 1873). Il 1810 fu l'anno della conversione
religiosa. Giulia torna alla pratica religiosa e Enrichetta si convertì al cattolicesimo. Ai motivi di questa scelta
ebbero peso le conversazioni con un abate. In questo stesso periodo di manifestano i sintomi della nevrosi
che tormenterà lo scrittore fino alla fine: irrequietezza, agorafobia, meticolosità ossessiva; anche la leggera
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balbuzie da cui era affetto si può collegare alle inquietudini profonde di quest’uomo. Nel 1810 Manzoni si
stabilisce a Milano dove sceglie una vita tranquilla. Gli anni che vanno fino al 1827 sono anni di grande
fervore creativo. Lo scrittore ripudia i versi giovanili e si dà alla creazione di una lettura moderna, romantica
e cristiana. Il primo frutto sono gli “Inni Sacri”, “Osservazioni sulla morale cattolica”. Tra il 1816 e il 1822
compone le due tragedie. Intanto la sua casa diviene un punto d’incontro dei giovani letterati romantici
milanesi. Nel 1821 compone le due odi civili. Sempre in quell’anno cominciava a stendere il suo romanzo
col titolo Fermo e Lucia. Dopo una profonda revisione, il romanzo uscì col titolo I promessi sposi nel 1827.
A questo punto Manzoni abbandonò la letteratura creativa. Nel 1840 ci fu l’edizione definitiva de I promessi
sposi. La maturità e la vecchiaia furono segnate da pochi avvenimenti: la morte della moglie Enrichetta
(1833), la morte di sei dei nove figli che aveva avuto da lei, un nuovo matrimonio (1837) con Teresa Borri,
che pure morirà prima di lui. Nel 1860 fu nominato senatore e l’anno dopo si recò a Torino per votare la
costituzione del regno d’Italia. Fu nominato presidente di una commissione dell’unificazione della lingua
italiana. Morì a ottantotto ani nel 1873. Giuseppe Verdi scrisse un Requiem in suo onore.

Capitolo 5.1. Le idee.

La formazione illuministica è alla base del pensiero di Manzoni. Utilizza un metodo razionale e analitico con
cui affronta ogni questione. Il Terrore, l’assolutismo napoleonico, poi la Restaurazione, il fallimento dei
tentativi liberali, sono per lui segni dell’incapacità dell’uomo di costruirsi un futuro migliore: la violenza, le
passioni, i pregiudizi sono più forti della ragione. Il razionalismo manzoniano funziona allora più che altro in
negativo, come critica delle follie umane, senza una fiducia positiva. Questo pessimismo colora di sé il
cristianesimo di Manzoni. Egli trova nel Vangelo un fondamento agli ideali di matrice illuminista di libertà,
eguaglianza e fraternità. Il fallimento degli sforzi umani, il peccato, il dolore sono problemi che assillano il
suo pensiero come una continua sfida alla fede in un Dio giusto e misericordioso. Dio gli appare lontano
dall’uomo. L’umanità è segnata dal peccato originale, incapace di fare il bene con le sue forze: solo la
misericordia gratuita di Dio può salvare alcune anime elette. Manzoni è interessato alla storia civile delle
istituzioni, delle idee e dei modi di vita, alla storia dei popoli e degli oppressi e non a quella dei regnanti e
delle loro guerre. I fatti della storia li giudica sulla base dei principi immutabili della morale cristiana.
Due saggi storici illustrano bene questi atteggiamenti:
- La Storia della colonna infame; un processo contro presunti untori svoltosi. L’intento è dimostrare
che la barbarie del processo non fu soltanto automatico dei pregiudizi dell’epoca: se i giudici si fossero
ispirati alle migliori dottrine giuridiche del loro tempo, avrebbero riconosciuto l’innocenza dei deputati.
- La rivoluzione francese del 1789 e la rivoluzione italiana del 1859; incompiuto; dimostra che la
rivoluzione francese era stata identificata fin dall’inizio di illegittimità, origine dei tanti mali seguiti, al
contrario della “rivoluzione” italiana del 1859, che aveva ottenuto il consenso popolare nelle dovute forme.
Scrisse “ La lettre à Monsieur Chauvet sur l’unité de lieu et de temps dans la tragédie” e la “Lettera al
marchese Cesare d’Azeglio sul romanticismo”. Nella prima il Manzoni affronta la questione relativa alle tre
unità aristoteliche e discute il rapporto tra storia e poesia. Manzoni nega la validità delle tre unità
difendendo il sistema tragico del romanticismo e, alle regole della retorica tradizionale, oppone la regola
del "vero" che in sé comprende la realtà dei fatti e dei sentimenti. Unità di azione non è la rappresentazione
di un fatto isolato, ma di un susseguirsi di avvenimenti collegati fra loro, mentre il poeta tende ad un'unità
più profonda, isolando un avvenimento predominante "la catastrofe" che si presenta come il compimento
dei disegni degli uomini o della Provvidenza. Di conseguenza spazio e tempo sono definibili solo in base alle
vicende. Nella lettera al marchese Cesare d’Azeglio scrive che il suo è un romanticismo milanese, e a Milano
la parola romanticismo ha designato “un complesso d’idee più ragionevole, più ordinato, più generale che
in nessun altro luogo”. Distingue inoltre una parte “negativa”, cioè critica, e una “positiva”. La prima
consiste nel rifiuto della mitologia, dell’imitazione servile dei classici e delle regole imposte dalla tradizione
retorica. La parte “positiva” si riconduce al principio che “la poesia e la letteratura in genere debba proporsi
l’utile per scopo (utilità morale, didattica), il vero per soggetto e l’interessante per mezzo (argomenti di
attualità, abilità linguistiche)”. I temi delle opere devono essere attinti a ciò che è realmente accaduto nella
storia: lo storico si attiene ai dati oggettivi, alla poesia spetta di approfondire le loro ragioni intime, i
moventi interiori dei protagonisti: è questo lo spazio della creazione artistica. Dunque oggetto della poesia
sono i sentimenti, le passioni; il suo scopo è di spingere il lettore a distaccarsi da essi.
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Capitolo 5.2. Il Romanzo.

Il romanzo era il genere letterario moderno e popolare per eccellenza. Era l’unico genere che consentisse di
rappresentare la realtà storica da tutti i punti di vista; infatti nella tradizione classica si prescriveva a ogni
genere una tematica ristretta e uno stile uniforme. Queste caratteristiche si incontravano con le aspirazioni
all’utile e al vero della poetica manzoniana. Si trattava di inventare un romanzo che fosse insieme storico,
realistico e di idee. La prima idea de I promessi sposi venne a Manzoni dalla lettura guida in cui l’impedire i
matrimoni era punibile. La ricostruzione storica ha larga parte nel romanzo: i personaggi sono realmente
esistiti, le ampie digressioni storiche e citazioni di documenti. La storia determina le vicende dei personaggi:
esempio, la paura di don Abbondio è caratteristica individuale, ma anche dovuta a condizioni di generale
insicurezza. Il vero protagonista dei Promessi Sposi è il ‘600, secolo di disordine, pregiudizi e superstizioni di
cui Manzoni denuncia gli arbitri e le ingiustizie. Per la prima volta nella letteratura italiana un’opera di alto
impegno ha per protagonisti due popolani;nelle parti dedicate alla storia collettiva, al centro sono le
sofferenze del popolo, mentre la grande politica dei governanti è schernita. I personaggi a “tutto tondo”
hanno uno spessore psicologico e una storia interiore e appartengono agli strati alti della società. ( Don
Rodrigo, padre Cristoforo,etc.). Gli sposi promessi hanno caratteri più elementari, reazioni più prevedibili.
Gli umili sono modelli di bontà, ma sbagliano ogni volta che tentano di risolvere i problemi di propria
iniziativa. Del resto nessun personaggio è in grado di dominare gli eventi e correggere il male.
Tutto ciò che è positivo è dovuto a Providenza. (l’Innominato, la Peste). La fiducia in Dio rasserenerebbe il
pessimismo dell’autore, ma questa Provvidenza ha i segni terribili del flagello (o salva il singolo o unisce
l’intera società). Il romanzo di Manzoni presenta una complessità inesauribile; si può cogliere una tensione
fra tre prospettive: quella democratica- evangelica, quella moderata paternalista e una visione religiosa che
supera l’una e l’altra. Manzoni fa sorgere nel lettore domande esistenziali.
LA COSTRUZIONE DELL’INTRECCIO
La trama è complessa: comprende un arco temporale di oltre due anni, si svolge in luoghi diversi; entra
nella vita di numerosi personaggi e più volte costruisce un flash-back. I primi otto capitoli hanno una
struttura più compatta: si svolgono in un ambiente circoscritto come una successione di scene. Poi con la
separazione dei protagonisti, il quadro si complica: due blocchi sono dedicati alla vicenda di Renzo nel
tumulto di Milano e alla sua fuga e a quella di Lucia, fino al ricongiungimento e allo scioglimento finale.
Gli stacchi narrativi sono sempre segnalati da interventi del narratore, che guida il lettore negli spostamenti
di tempo e luogo. È assente la tecnica del colpo di scena.
LE TECNICHE NARRATIVE
Manzoni finge di trascrivere il suo racconto da un manoscritto dell’epoca in cui è ambientata la vicenda.
L’anonimo autore del manoscritto è chiamato in causa, per giustificare un’omissione di nomi o altri
particolari. Si tratta di un narratore onnisciente, secondo i canoni del realismo ottocentesco: conosce
l’interiorità di tutti i personaggi, segue le vicende in luoghi diversi, può anticipare sviluppi futuri.
L’autore non chiede al lettore un’immedesimazione emotiva nella vicenda, ma un atteggiamento distaccato
e critico. Il Manzoni non è mai neutrale rispetto a ciò che narra, c’è sempre un giudizio morale e severo.
Il tono dominante è familiare e smorzato: se entrano riferimenti “alti”, sono in funzione ironica. La sintassi è
a volte complessa, ma libera e disinvolta. Si ha la “ pluridiscorsività “ manzoniana, cioè nel discorso del
narratore si odono diverse “voci” in un continuo svariare di punti di vista.
LE TRE REDAZIONI
I Promessi Sposi sono frutto di un eterno lavoro durato vent’anni e svoltosi in tre fasi:
o tra il 1821 e il 1823 Manzoni scrisse “Fermo e Lucia” che era completo , ma provvisorio.
o nel 1827 l’opera uscì col titolo definitivo I Promessi Sposi.
o Manzoni continuò a ritoccarne la forma linguistica, fino all’edizione definitiva che uscì a
dispense dal 1840 al 1842.
Nella prima stesura alcuni episodi laterali della trama erano sviluppati molto più ampiamente e la lingua
aveva un carattere ibrido. La revisione puntò a ridurre le digressioni e a smorzare le punte espressive
ricercando un tono medio e un colorito linguistico più omogeneo.
Meno radicali furono gli interventi tra la seconda edizione e quella definitiva. La revisione fu quasi
esclusivamente linguistica.
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Capitolo 5.3. Manzoni e la questione della lingua.

Tra il 1830 e il 1859 Manzoni lavorò duramente al trattato Della lingua italiana, rimasto però incompiuto,
che si poneva nel solco della ormai plurisecolare questione della lingua e si proponeva tre scopi: affrontare
il problema della natura del linguaggio, definire quale fosse la vera lingua italiana e stabilire i fini letterari e
civili della lingua nazionale unitaria. Altri scritti linguistici di Manzoni sono: Sulla lingua italiana (1845),
Dell'unità della lingua e dei mezzi di diffonderla (1868), l'Appendice all'opera precedente (1869), Intorno al
libro "De vulgari eloquio" di Dante Alighieri (1868), la Lettera intorno al vocabolario (1868) e la Lettera al
marchese Alfonso della Valle di Casanova (1871). In sostanza, Manzoni riconobbe a tutti i dialetti italiani la
dignità di lingua ma, dovendo scegliere una lingua unitaria per tutta l'Italia, propose di adottare quella più
ricca culturalmente, cioè il fiorentino. Non doveva essere però il fiorentino degli scrittori classici, ma quello
parlato, in grado di adeguarsi alle esigenze della società. A questo modello si sarebbero dovuti attenere
tutti gli italiani.

Unità VII. Il secondo Ottocento.

Capitolo 1. Contesto storico, sociale, culturale, letterario.
Straordinari progressi della ricerca scientifica. La scienza torna al centro della riflessione filosofica e del
dibattito culturale. La scienza subordina a sé la tecnica e lo scienziato acquistano enorme importanza, è il
vero eroe dell’epoca, figura esemplare per la sua dedizione alla ricerca della verità e al benessere
dell’umanità, sapiente da cui ci si aspetta una parola chiarificatrice sui più diversi problemi non solo tecnici,
ma politici e sociali.
CHARLES DARWIN nel 1859 in L’origine delle specie, fornisce una spiegazione sistematica attraverso il
concetto della selezione naturale:
• Ad una visione della natura immutabile si sostituisce il concetto di una storicità della natura: un
unico processo evolutivo coinvolge l’universo, la terra, la vita e l’uomo stesso;
• Viene affermata la piena naturalità dell’uomo, animale tra gli animali, anche se più evoluto;
• Scontro con le concezioni religiose tradizionali, perché dalla spiegazione della natura veniva
eliminata ogni idea finalistica e provvidenziale. L’idea dell’evoluzione fu trasferita sul piano sociale in una
visione ottimistica del progresso della società: è questo lo sfondo di molte correnti riformiste o
democratiche-proggressiste del tempo. Per un altro verso fu applicato alle società e alle nazioni il concetto
di selezione basata sulla lotta per la vita, per giustificare il diritto del più forte nei rapporti fra le classi o tra
gli stati: fu questo il cosiddetto “darwinismo sociale”, sostegno di concezioni autoritarie, nazionaliste e
imperialiste. Si diffuse la concezione che affermava che l’unica realtà è costituita dalla materia e dalle sue
incessanti trasformazioni; il pensiero umano era un processo puramente fisiologico, una specie di
secrezione del cervello. Fu un’estensione indebita dell’autorità della scienza a conclusioni di tipo metafisico:
“Materialismo volgare”. Dopo il 1860 il positivismo, intrecciato alle suggestioni dell’evoluzionismo
darwiniano, acquista il predominio nelle università e nella cultura. L’idea chiave del positivismo è che
l’unica vera conoscenza è quella ottenuta col metodo scientifico, basato sull’osservazione sperimentale dei
fenomeni e sulla scoperta delle leggi che li mettono in relazione; è esclusa la speculazione metafisica sulle
cause ultime della realtà e sulle sostanze. Compito della filosofia è allora ordinare i risultati della ricerca
scientifica e trarne le conclusioni più generali. L’inserimento della storia umana nel processo evolutivo della
natura porta alla visione ottimistica di un progresso indefinito. Il positivismo poneva dunque l’esigenza di
estendere il metodo scientifico dalla conoscenza della natura a quella dell’uomo e della società. Le scienze
umane ebbero grande sviluppo e acquisirono una fisionomia distinta. L’idea che i fatti spirituali come l’arte,
le religioni, le ideologie abbiano un fondamento materiale veniva contemporaneamente sviluppata in modo
indipendente, dal fondatore del materialismo storico MARX e da ENGELS. Il concetto chiave è che la base
della società è la struttura economica: nella produzione dei beni gli uomini entrano tra loro in determinati
rapporti, che sono i rapporti di classe, storicamente variabili a seconda dello sviluppo delle forze produttive.
Su questa base si eleva la sovrastruttura costituita dalle forme politiche e da tutti i prodotti spirituali. Se le
opere artistiche e letterarie sono considerate parte della sovrastruttura, devono essere interpretate da un
punto di vista rigorosamente storico, sullo sfondo delle condizioni sociali di cui sono un riflesso. Nei paesi
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più evoluti si forma per la prima volta un pubblico di massa. L’industria editoriale si amplia e si consolida,
subentra la casa editrice con caratteri industriali. Aumenta il numero degli scrittori che vivono
esclusivamente di quest’attività. Quelli che hanno bisogno di un’altra professione la trovano per lo più
nell’insegnamento superiore o nel giornalismo. Uscita di romanzi a puntate su quotidiani e periodici: la
narrativa d’appendice. L’espressione è divenuta sinonimo di letteratura “bassa”, destinata al consumo di un
pubblico di facile contentatura. I letterati vedono ridursi il loro ambito di competenza. La letteratura
diventa un settore separato della cultura. La letteratura si scinde in letteratura “alta”, destinata ad un
pubblico d’intenditori, e una letteratura “bassa” destinata al pubblico di massa. La letteratura d’ambizioni
elevate si allontana dal grande pubblico: gli scrittori colti scrivono sempre più per lettori letterati, capaci di
apprezzare sottili ricerche stilistiche e di interessarsi alle disquisizioni teoriche e ai conflitti di tendenza. La
borghesia sempre più ricca appare ai letterati utilitaria e affarista, moralmente meschina, intellettualmente
stupida.
La figura del vate ispirato che celebra i valori di una comunità e si erge a sua guida morale può sopravvivere
in Carducci, nel clima italiano un po’ arretrato e provinciale, ma è un’eccezione senza riscontro nei paesi più
evoluti. Lo stato d’animo più caratteristico è quello del poeta che ha perduto la sua aureola caduta nel
fango: l’aureola rappresenta una superiorità spirituale e una funzione educatrice che la società non
riconosce più al poeta. I romanzieri naturalisti francesi e i veristi italiani si concepiscono come “scienziati
sociali”, il loro compito è analizzare i problemi cruciali della società e proporli al pubblico attraverso la
rappresentazione artistica. Gli atteggiamenti di disprezzo per il pubblico sono frequenti e tipici fra i
“decadenti”. Il poeta, maledetto dalla società, reagisce accentuando provocatoriamente in sé i tratti
dell’emarginato e del reietto, si proclama amico delle prostitute e dei vagabondi, si consuma negli stravizi.
Parlare di decadenza significa contrapporre all’ottimismo progressista del positivismo l’idea di vivere in
un’epoca di declino, associata con compiacimento a idee di raffinatezza voluttuosa. Preferire la decadenza
al progresso implica il rifiuto dell’impegno morale e sociale in nome di una visione puramente estetica della
vita. L’estetismo della fine del secolo non si limita al culto della bellezza artistica che già era proprio
dell’estetismo romantico, ma vuole che ogni scelta di vita sia improntata all’eleganza, alla raffinatezza, alla
sensualità. In D’Annunzio l’estetismo si incontra con le suggestioni della dottrina nietzschiana del
superuomo, compresi gli aspetti di sopraffazione sociale. In Francia si compie una vera rivoluzione poetica
da cui nasce quella che chiamiamo la poesia moderna. Questa poesia è essenzialmente lirica; la poesia da
BAUDELAIRE in poi vuole essere “pura”, chiudere in un breve giro di versi un messaggio di bellezza valido in
sé, staccato da qualsiasi intento pratico. Una componente di questo gusto fu teorizzata da un gruppo di
poeti francesi che si presentò in tre raccolte di versi intitolate al Parnaso. Il loro maestro, GAUTIER, aveva
lanciato lo slogan “ L’arte per l’arte”: miravano ad una poesia di pure immagini d’evidenza scultorea, priva
d’espressività sentimentale, anzi “impassibile”; il loro poeta ideale era un artefice della parola
perfettamente padrone dei propri mezzi. Simbolismo: Francia intorno al 1880. I simbolisti operano un
profondo rinnovamento del linguaggio poetico: con accostamenti inconsueti di parole e idee, con
l’accumulo di metafore sorprendenti, con la sinestesia (intreccio d’ordini diversi di sensazioni), la lingua
della poesia volta, le spalle alla comunicazione ordinaria, si fa allusiva. I significati sono vaghi e sfumati, GLI
ACCORDI SONORI TRA LE PAROLE EVOCANO MOLTO DI Più DI QUANTO LORO DICANO ESPLICITAMENTE.
Ciò che la poesia simbolista vuole evocare è una realtà “altra” che sta al di là dell’esperienza comune.
Per RIMBAUD il poeta deve farsi veggente.
Per MALLARME’ la realtà evocata dalla poesia è in bilico tra l’assoluto e il nulla, e la poesia finisce per non
avere altro oggetto che se stessa. La narrazione diviene più compatta, articolata sul disegno preciso di una
vicenda con un inizio e una fine; si eliminano le digressioni saggistiche e gli sfoghi soggettivi del narratore.
In genere si scrivono romanzi più brevi.
Il racconto breve ha un grande sviluppo e si afferma come genere autonomo, grazie alla diffusione della
stampa periodica. Il centro dell’elaborazione letteraria è in Francia; il tema più dibattuto è la questione del
naturalismo, seguita anche in Italia con viva attenzione. Il termine “naturalismo” fu adottato verso il 1880
da ZOLA. La poetica di FLAUBERT si impernia sull’idea della “impersonalità” dell’opera d’arte, che ricorda da
vicino la “impassibilità” predicata dai poeti parnassiani e muove da una simile intenzione di reagire alle
effusioni sentimentali dei romantici. L’autore non deve intervenire direttamente nella narrazione, traspare
un ideale di perfezione stilistica, priva di scorie soggettive, volta a ricostruire con nitidezza un frammento di
vita reale, senza imporre al lettore una tesi. Zola collega più esplicitamente il naturalismo allo scientismo
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positivista. Il romanzo è una sorta di esperimento in cui l’autore si chiede come può reagire un dato
personaggio di fronte a una data situazione: alla base c’è l’idea che il comportamento umano sia
determinato da leggi causali, tra le quali il maggior rilievo spetta ai condizionamenti ereditari e a quelli
ambientali. Il naturalismo era un’arte che non andava incontro ai gusti più facili del pubblico che chiede al
romanzo evasione, consolazione, conferma delle sue certezze morali. I naturalisti erano accusati di essere
dei materialisti, addirittura immorali: la storia del naturalismo comincia col processo per immoralità
intentato contro Madame Bovary. Varie correnti avversarono questa scuola in nome di un’arte che non
rappresentasse la bruta realtà, ma l’ideale: “Idealismo”, “psicologismo”, “spiritualismo”. Un aspetto
comune è l’interesse per i sottili conflitti spirituali di anime superiori che, per essere tali, non devono essere
vincolate da bassi condizionamenti materiali; da qui la predilezione per ambienti e personaggi delle classi
più ricche. Differenze culturali e sociali attraversavano la nazione. Molti letterati aderirono alla tesi
manzoniana dell’assunzione del fiorentini parlato come rigido modello. Contro questo fiorentinismo di
maniera si schierarono coloro che vedevano il fondamento dell’italiano nella tradizione della lingua colta e
scritta. Il processo effettivo di diffusione dell’italiano passò per canali più spontanei, dovuti alle
trasformazioni sociali conseguenti all’unità: la diffusione dell’istruzione, la formazione di una burocrazia
nazionale, il servizio di leva, la crescita dei centri urbani e le migrazioni interne dovute ai primi avvii di
industrializzazione. Rapido mutamento di clima che si manifestò di fronte ai gravi problemi dello stato
unitario neonato: al fervore risorgimentale successe un generale senso di delusione. I letterati delle nuove
generazioni si trovarono in genere fuori dalla politica attiva e in posizione di severa critica verso la classe
dirigente, che giudicavano mediocre, priva di ideali, affarista. Verso la fine del secolo invece la polemica dei
letterati assume per lo più toni nazionalisti: invocazione di una politica estera, militare e coloniale più
intraprendente che faccia dell’Italia una grande potenza. La miseria popolare è un tema per molti aspetti
degli scapigliati milanesi, che univano la critica sociale all’anticonformismo culturale. In modo più incisivo i
veristi contribuirono a portare all’attenzione del pubblico colto la questione meridionale. La grande
migrazione verso l’Europa e l’America ebbe invece un eco letteraria molto limitata. Un elemento politico-
culturale importante dell’epoca è l’isolamento della Chiesa cattolica, chiusasi nella scomunica a tutto il
pensiero moderno col Sillabo del 1864. Anche in Italia l’editoria si consolida e comincia ad assumere
dimensioni industriali. L’allargamento del pubblico incrementa la letteratura popolare. Notevole anche lo
sviluppo della stampa quotidiana, frammentata però in oltre cento testate: la diffusione di un quotidiano
era ancora limitata all’ambito della città. I maggiori editori concentravano nelle proprie mani la produzione
di libri, riviste e quotidiani: in questo modo la stampa periodica serve alla promozione del libro e si facilita
l’alternarsi degli stessi autori tra attività letteraria e giornalistica. Milano è il centro dell’industria editoriale
e della letteratura più avanzata. Verso la fine del secolo anche Roma diventa un centro letterario
importante; se Milano è la capitale della scapigliatura e del verismo, Roma lo è dell’estetismo e del
decadente. Le università diventano dopo l’unità centri importanti di cultura. Il mondo accademico italiano è
in questo periodo largamente permeato dal positivismo. La critica accademica dei professori di letteratura
verso la fine del secolo è soggetto all’influenza del positivismo. DE SANCTIS realizzò nella sua vita una
perfetta fusione di studi letterari ed impegno civile. Superò presto l’angusta concezione purista della
letteratura. La sua cultura è radicata nel romanticismo, dal quale attinge la sensibilità storica, l’interesse per
l’opera letteraria come espressione del mondo intellettuale e morale di un autore e deluso tempo, il rifiuto
della concezione classicista dell’arte come puro esercizio formale e retorico. Per lui la “forma” non è
qualcosa di decorativo, è piuttosto l’espressione sensibile di un contenuto ideale. La sua è sempre una
critica militante nutrita di impegno etico e civile, anche quando si occupa di opere del passato. La cultura
letteraria era l’unico terreno su cui qualcosa di autenticamente italiano era esistito nei secoli: da qui il posto
privilegiato che la storia della letteratura assunse nel progetto formativo delle nuove generazioni. La Storia
della letteratura italiana di De Sanctis nacque come manuale per i licei. A lui si devono il canone degli autori
maggiori, la selezione delle opere importanti, la scansione delle epoche storiche. A rendere l’opera godibile
contribuisce lo stile dell’autore, sciolto su un tono discorsivo e affabile. L’interesse per una letteratura
impegnata e nutrita di realtà concreta portò De Sanctis, negli ultimi anni della sua vita, a guardare con
attenzione al movimento naturalista. Gli ultimi decenni dell’Ottocento sono dominati dalla “scuola storica”,
interessata quasi esclusivamente a ricerche di carattere erudito, all’accertamento dei “fatti”. Carducci è una
delle figure critiche più significative di questo periodo. La sua cultura classica ne fa un analista fine dello
stile, delle tecniche degli autori, mentre il gusto per la ricerca erudita lo avvicina alla scuola storica. La
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poesia italiana dei decenni postunitari è essenzialmente lirica: prevalgono forme compositive più brevi e
concluse. Nella tematica la poesia riflette la concreta esperienza del poeta, senza bisogno di travestimenti
mitologici o simbolici, con un’attenzione ad aspetti minuti della vita quotidiana. Sono presenti anche temi di
impegno civile, dalla critica alla meschinità della classe dirigente alla protesta sociale. Anche nel linguaggio
si manifesta una tendenza realista, nel senso di un abbassamento di tono, un’apertura al lessico comune,
un accostamento ai modi della prosa. Viene armonizzato lo stile aulico a quello più comune. Ci sono pochi
esperimenti di una poesia di pure immagini, di effetti musicali, di ardite metafore, di linguaggio sfumato ed
evocativo. La reazione al romanticismo, si manifesta in due direzioni opposte, da un lato Carducci reagisce
in nome di un ritorno al magistero formale della tradizione classica italiana, dall’altro gli scapigliati si
richiamano invece alle tendenze nuove della lirica europea. La Scapigliatura è la prima manifestazione
italiana del disagio del letterato nella società borghese. Il centro degli scapigliati fu Milano, la città italiana
più moderna ed europea, in pieno sviluppo capitalistico dopo il 1860. Qui essi espressero la protesta contro
l’affarismo, il moderatismo politico, la ristrettezza culturale della società borghese, mescolando un po’
confusamente aspirazioni sociali, ricerca artistica e inquietudini esistenziali. Conducevano una vita
sregolata e aderivano alle posizioni della sinistra estrema repubblicana e libertaria. L’attività degli scapigliati
alternava poesia, giornalismo, narrativa d’appendice; alcuni furono anche pittori e musicisti, con un
accostamento tra le arti che sarà poi caratteristico dei movimenti d’avanguardia del primo Novecento.

Capitolo 2. Francesco De Sanctis.

Francesco De Sanctis nacque il 28 marzo 1817 a Morra Irpina (oggi Morra De Sanctis), un paese prossimo ad
Avellino dove i genitori erano piccoli proprietari terrieri. Compì i suoi studi a Napoli, presso uno zio prete
che aveva una scuola privata, ma già a diciotto anni diventò insegnante, sostituendosi al suo parente che si
era gravemente ammalato. Frequentò anche le lezioni di Basilio Puoti (1782-1847), un professore di
grammatica che difendeva la purezza della lingua italiana, diventandone collaboratore, soprattutto nella
curatela di edizioni di testi trecenteschi. Grazie alle molte letture di letterati e filosofi, specialmente
stranieri (Victor Hugo, George Byron, Friedrich e August Wilhelm Schlegel, i filosofi sensisti, Victor Cousin,
Immanuel Kant, Georg Wilhelm Friedrich Hegel), superò la visione angusta del purismo, sostituendo
all’obiettivo della purezza quello della proprietà linguistica. Con tutte queste esperienze precocemente
acquisite, nel 1839 De Sanctis poté aprire una propria scuola privata, pur continuando la collaborazione con
Puoti. I primi corsi vertevano sulla grammatica, sulla lingua e sullo stile, ma poi passarono allo studio dei
generi letterari, dalla lirica alla narrativa e al dramma. Con la lettura di Hegel, nel 1844, l’orizzonte culturale
si estese all’estetica, alla storia della critica e alla filosofia della storia. I moti insurrezionali del 1848 videro
De Sanctis partecipare attivamente. Dopo il fallimento della rivolta, fu rimosso dall’insegnamento e, anche
per evitare altre persecuzioni, accettò di diventare precettore nella famiglia di un patriota calabrese,
trasferendosi a Cosenza, dove rimase dalla fine del 1849 al dicembre dell’anno successivo. Una delazione
che lo denunziava come affiliato al movimento mazziniano gli procurò la traduzione a Napoli e la
detenzione a Castel dell’Ovo. Alla sua liberazione (agosto 1853), fu espulso dal Regno delle Due Sicilie,
finendo in settembre a Torino. Considerato politicamente troppo progressista, non riuscì a ottenere alcun
incarico pubblico, e trovò da vivere come insegnante e tenendo conferenze su Dante Alighieri. La buona
fama conseguita diede a De Sanctis una notorietà che gli consentì nel 1856 di essere invitato al Politecnico
di Zurigo a insegnare letteratura italiana. Mentre svolgeva corsi su Dante, Francesco Petrarca, Ludovico
Ariosto, Alessandro Manzoni, Giacomo Leopardi, il contatto con esuli tedeschi e francesi comportò
l’allargamento dei suoi interessi, verso i poeti e i critici francesi, verso Heinrich Heine e Arthur
Schopenhauer. Con queste aperture maturò la critica all’apriorismo di Hegel e della critica tedesca, insieme
con il rifiuto dello psicologismo empirico dei francesi. Gli eventi politici e militari dell’Italia indussero però
De Sanctis a interrompere questi studi, facendolo ritornare a Napoli nel 1860. Qui fu tra coloro che
prepararono l’annessione al regno di Vittorio Emanuele II. Subito dopo la proclamazione dell’unità d’Italia,
Camillo Benso conte di Cavour lo nominò ministro della Pubblica istruzione, carica che De Sanctis tenne dal
marzo 1861 al marzo 1862. Dopo vari mandati parlamentari in qualità di deputato per la Sinistra, la
mancata rielezione del 1865 condusse di nuovo De Sanctis agli studi letterari, concretizzatisi nel 1866 nella
pubblicazione dei Saggi critici e nell’avvio della stesura della Storia della letteratura italiana. Edita nel 1870-
71, quest’opera si conclude con un capitolo sulla Nuova letteratura, destinato ad avere una sua ideale
continuazione nei corsi tenuti all’Università di Napoli nella nuova veste di professore di letteratura
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comparata. Fu quindi di nuovo diviso tra lo studio e l’attività politica, ma nel 1876 abbandonò l’università
per dedicarsi interamente ai lavori parlamentari e, tra il 1878 e il 1881 (con una breve interruzione nel
1878-79), all’incarico di ministro. Negli ultimi anni di vita, la sua formazione idealistica si confrontò con il
positivismo e il naturalismo, ed egli stese, dopo la prolusione La scienza e la vita (1872), il saggio Studio
sopra Emilio Zola (1878) e le conferenze Zola e l’Assommoir (1879) e Il darwinismo nell’arte (1883); allo
stesso periodo risalgono le opere evocative, diaristiche e autobiografiche. La morte lo colse il 29 dicembre
1883, mentre stava lavorando a uno Studio su Leopardi, il poeta più amato.

Capitolo 2.1. Le opere.

De Sanctis enunciò i suoi principi critici in diversi scritti di carattere non esclusivamente teorico e il suo
pensiero non è esposto in opere autonome e organiche di poetica e di estetica. Il problema dell'arte non
divenne mai per De Sanctis oggetto di un discorso rigorosamente filosofico, tuttavia le sue sparse
meditazioni su di esso contengono i principi fondamentale dell'estetica moderna e rivelano quanto fossero
solide le fondamenta del suo pensiero critico. La "Storia della letteratura italiana" è articolata in venti
capitoli dei quali gli ultimi due, la parte relativa al Settecento e all'Ottocento, risultano più condensati nella
materia ed esposti in modo più sommario a causa della fretta che l'editore mise al De Sanctis affinché
concludesse l'opera. L'opera, che non deve essere considerata un manuale di consultazione ma una sintesi
ardente di tutta l'intera storia della società italiana vista attraverso le opere letterarie, si svolge con un forte
ritmo narrativo dove i personaggi sono gli autori e i loro testi. Il linguaggio utilizzato per descrivere il
percorso storico dello spirito italiano sa coinvolgere il lettore, grazie ai modi colloquiali, in un rapporto
completo con l'esperienza letteraria.

Capitolo 3. Giosuè Carducci.

Nato nel 1835, Giosuè Carducci trascorse infanzia e adolescenza a Bolgheri, frazione di Castagneto - oggi
Castagneto Carducci (Livorno). Suo padre esercitava la professione di medico condotto. La sua permanenza
nella Maremma termina nel 1849, in quello stesso anno infatti si trasferì a Firenze. A Firenze Giosuè compì
gli studi ginnasiali, entrando poi nella Scuola Normale Superiore di Pisa, dove si laureò in filosofia e filologia.
Costituì, insieme con tre compagni di studi il gruppo degli “Amici pedanti”, impegnato nella difesa del
classicismo contro le tendenze letterarie dominanti: il manzonismo nella prosa e il romanticismo
sentimentale di Prati e Aleardi nella lirica. Gli anni 1857-58 furono turbati da due gravi lutti: nel novembre
1857 morì il fratello Dante, non è chiaro se per suicidio o perché ucciso involontariamente durante una lite
dal padre, che morì a sua volta pochi mesi dopo. Nel 1859 sposa Elvira Menicucci. Dal 1871 diventerà
l’amante di Carolina Cristofori Piva, la Lidia delle "Odi barbare". Nel 1860 venne chiamato dal ministro
dell’Istruzione del governo piemontese a ricoprire la cattedra di eloquenza ( cioè di letteratura italiana)
all’Università di Bologna; ebbe così inizio un lunghissimo periodo di insegnamento. Il decennio 1860-70 è
decisivo per la formazione ideologica e politica di Carducci: da un lato le vaste letture, dall’altro l’iscrizione
alla Massoneria e la delusione provocata dalla mediocrità del governo postunitario, determinarono un
atteggiamento filo-repubblicano e giacobino. Negli anni successivi, con il mutare della realtà storica
italiana, a Carducci la monarchia finì con l’apparire la migliore garante dello spirito laico del Risorgimento e
di un progresso sociale non sovversivo, di contro al diffondersi del pensiero socialista, cui guardò con
diffidenza perché incompatibile con i suoi ideali nazionalistici. La ritrovata fiducia nella monarchia,
testimoniata da una famosa ode dedicata alla Regina Margherita per celebrarne l’ascesa al trono (1878), gli
valse nel 1890 la nomina a senatore del Regno, consacrazione definitiva della sua nuova veste di “poeta
vate della nuova Italia”. Nel 1906 fu insignito - primo italiano - del Premio Nobel per la letteratura. Morì a
Bologna nel 1907.

Capitolo 3.1. L’opera in versi.

Il corpus dell’opera di Carducci è molto vasto e si compone soprattutto di prose: contributi storici-critici e
filologici, scritti giornalistici e interventi polemici, moltissime lettere. Si tratta di una raccolta composta da
un Prologo e 30 poesie nelle quali è costante l’atteggiamento polemico nei confronti della realtà storica e
sociale contemporanea. L’impegno civile domina i testi aspramente polemici di Giambi ed epodi, raro
esempio in Italia di poesia direttamente ispirata alla storia e persino alla cronaca contemporanea. I due
sinonimi accostati nel titolo alludono ai modelli del libro (nomi di due tipi diversi di versi), cioè i Giambi del
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poeta greco Archiloco e gli Epodi di Orazio, dei quali Carducci riprende il tono satirico e, anche se in modo
molto elastico, la forma metrica. Carducci vuole riaffermare i valori che il Risorgimento ha deluso;
l’ispirazione viene dalla reazione contro la corruzione e la meschinità di certi ambienti mondani e politici.
Lo sdegno di Carducci è sollecitato da varie situazioni e avvenimenti dell’Italia di fine secolo, così diversa da
quella vagheggiata dagli eroi del Risorgimento:
 lo strapotere temporale del papa;
 la disastrosa guerra del 1866;
 l’ambiguità e la debolezza del governo italiano di fronte alla questione romana.
I bersagli della polemica carducciana sono anche lo spirito affaristico, la corruzione e la meschinità della
borghesia italiana. Il rifiuto del presente implica certo il ricordo di un passato migliore (si vedano per
esempio i testi celebrativi di eventi storici memorabili): vedi “Comune rustico” esaltazione di una realtà di
valori che non ci sono più. Si tratta di un componimento d’anniversario di contenuto ed ispirazione politica:
il 3 novembre 1867 a Mentana Garibaldi con i suoi volontari fu fermato nella marcia verso Roma dalle
truppe francesi mandate da Napoleone III per difendere lo Stato Pontificio. Sul valore dei garibaldini ebbero
la meglio i nuovi fucili a retrocarica, gli chassepots, dei francesi. Dopo la sconfitta Garibaldi fu arrestato per
la terza volta. Metro: sette strofe formate ciascuna da otto settenari. Le Odi Barbare sono una raccolta che
comprende 105 liriche, ripartite in nove sezioni, ed è il più ricco e vario dei libri di poesia carducciani.
Questa raccolta ha già abbandonato il linguaggio giambico per una lirica di respiro più disteso e pacato. E’
definita poesia del cuore perché parla dei suoi sentimenti e dolori. La poesia “barbara” si inserisce nella
direzione classicistica: nelle Odi barbare Carducci recupera dei classici anche la metrica, cercando di
trasferirla alla lingua italiana. Ma il calco non può essere perfetto, poiché, come è noto, l’Italiano è privo
della opposizione fra sillabe lunghe e brevi che costituisce invece il fondamento linguistico e metrico del
greco e del latino: lo stesso Carducci ammette che le sue poesie sembrerebbero sicuramente “barbare” agli
orecchi e al giudizio dei Greci e dei Romani. Queste poesie sono dunque “composte e armonizzate di versi
e di accenti italiani”: Carducci adotta infatti versi della nostra tradizione, i quali, com’è noto, si fondano sul
criterio dell’isosillabismo (un dato verso ha sempre lo stesso numero di sillabe) e dell’isocronismo degli
accenti (un dato verso ha sempre gli accenti sopra determinate sillabe). Carducci chiama dunque queste
sue liriche “Odi” perché composte in metri che ricalcano quelli greci e latini, e “barbare” perché tali
sembrerebbero agli antichi. La conseguenza di quest’insolito assetto formale è la dissoluzione del verso e
della rima e il forte rilievo attribuito alla parola singola. I componimenti si dividono in:
 componimenti civili, dove è esaltata la Roma antica.
 componimenti personali, basate sul tema della fugacità del tempo e quello dell’opposizione morte-
vita, espressa metaforicamente secondo la tecnica del contrasto (usata per esempio in “pianto
antico”).
Un esempio concreto di trasposizione “barbara”: Quando il verso classico ha un numero di sillabe superiore
a undici (quante ne conta il verso italiano più lungo, l’endecasillabo), Carducci ricorre ovviamente alla
riunione di più versi italiani.
Nella raccolta Rime nuove (1861-1887), che è preceduta da un Intermezzo, si colgono gli echi e i motivi di
Hugo, von Platen, Goethe, Heine, Baudelaire e Poe. In essa i contenuti e le forme derivano in gran parte dai
precedenti scritti ma maggiormente approfonditi e maturi. Tra i temi che emergono nelle Rime nuove un
posto rilevante è assunto dal culto del passato e delle memorie storiche dove il sogno della realizzazione di
una società egualitaria e liberale si avverte soprattutto attraverso l'esaltazione dell'età dei comuni che
vengono presi come esempio di sanità morale e di vita civile. Un altro esempio preso dal Carducci di
espansione democratica è la Rivoluzione Francese che viene rievocata nei dodici sonetti del Ça ira.
Accanto al sogno, sul piano storico, di un popolo libero e primitivo, corrisponde sul piano sentimentale
quello di una infanzia libera e ribelle che si riversa sul paesaggio maremmano, come nel caso del sonetto
Traversando la Maremma toscana, uno forse tra i più belli e noti del poeta. Anche Pianto antico è molto
significativo. Nella raccolta Rime e Ritmi (1889-1898), formata da 29 poesie, le composizioni in metrica
tradizionale si affiancano a quelle in metrica barbara, come sottolinea lo stesso titolo; in esse vengono
ricapitolati i motivi già presenti nelle precedenti opere, non senza delle interessanti novità. Se le odi
storiche e celebrative, da Piemonte a Cadore, un tempo famose, non incontrano più il gusto dei lettori
moderni, alcune altre liriche godono oggi di una notevole fortuna, mostrando un Carducci più intimo e
sensibile ai cambiamenti di gusto che segnano la fine dell'Ottocento. Molto apprezzate, in particolare, sono
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le liriche che vanno sotto il nome di Idillii alpini, ossia L'ostessa di Gaby, Esequie della guida E. R., In riva al
Lys, Sant'Abbondio e l'Elegia del monte Spluga, alle quali va aggiunto l'incantevole Mezzogiorno alpino.
Presso una Certosa è invece una sorta di testamento ideale, nel quale, di fronte alla morte, Carducci
riafferma la sua fede nei valori della poesia. Significative sono anche le tristi elegie La moglie del gigante e
Jaufré Rudel (Jaufré Rudel).
La prima raccolta di liriche, che lo stesso Carducci raccolse e divise, dal titolo significativo Juvenilia (1850-
1860), composta da sei libri, ha indubbiamente il carattere di un recupero della tradizione classica proprio
del gruppo degli Amici pedanti che si era costituito in quel periodo con il proposito di combattere i
romantici fiorentini. Nei versi della raccolta si coglie subito l'imitazione dei classici antichi, dello stilnovo, di
Dante e di Petrarca e, tra i moderni, soprattutto quella di Alfieri, Monti, Foscolo e Leopardi. Si intravede
però già lo spirito carducciano, il suo amore per la bellezza dello stile, la purezza dei sentimenti e la dignità
della patria, oltre che la capacità di apprezzare tutto ciò che è genuino, quindi anche la parlata popolare. In
seguito a questa prima esperienza il Carducci, che nel frattempo aveva allargato i suoi orizzonti culturali con
le letture di Hugo, Barbier, Shelley, Heine e Von Platen, assorbe le esperienze della poesia romantica
europea e le ideologie di tutti quei movimenti democratici nati dalla Rivoluzione francese diventando
acceso repubblicano e mazziniano. Nasceranno in questo periodo di grande fervore ideologico Giambi ed
Epodi che seguono il noto Inno a Satana e si intrecciano con le poesie di Levia Gravia.
Nella seconda raccolta, Levia Gravia (1861-1871), che accosta nel titolo due plurali senza congiunzioni come
era nell'uso classico, vengono raccolte poesie di poca originalità, di imitazione e spesso scritte per
particolari occasioni secondo l'uso della retorica. In molte di queste poesie si avverte la delusione di chi ha
visto il compiersi dell'unità d'Italia. Tra le poesie maggiormente riuscite vi è Congedo, dove si vive lo stato
d'animo nostalgico di chi ha visto la giovinezza tramontare, mentre importante dal punto di vista storico è
Per il trasporto delle reliquie di U. Foscolo in S. Croce e politicamente significativo il canto Dopo
Aspromonte, dove viene celebrato un Garibaldi ribelle e fiero.

Capitolo 4. Giovanni Verga.

Verga nasce nel 1840 a Catania da una famiglia benestante di idee liberali. Compie i primi studi presso
Antonio Abate, patriota entusiasta che gli trasmette la sua passione per i romanzi storico - patriottici e per
la narrativa d’appendice: i suoi romanzi giovanili riflettono gli ideali risorgimentali dello scrittore. Col
passare degli anni Verga decise di dedicarsi totalmente al mestiere di scrittore. Così abbandona gli studi in
legge (1869) e si trasferisce a Firenze, allora capitale del regno. Tre anni dopo si stabilisce a Milano, vero
centro della cultura nazionale e dell’industria editoriale. Qui frequenta i salotti intellettuali e gli ambienti
della Scapigliatura, si dà alla vita mondana e agli amori. Tra il 1866-1875 Verga raggiunse il successo con
una serie di romanzi che narrano vicende passionali ambientate nel mondo aristocratico. Nel frattempo
Verga amplia i suoi riferimenti culturali: legge i realisti francesi. Mentre in Italia si apre il dibattito sulla
questione meridionale: in questo clima nasce il suo progetto di un ciclo di cinque romanzi ambientati in
Sicilia ( I Malavoglia, Mastro don Gesualdo, La duchessa di Leyra, L’onorevole Scipioni, L’uomo di lusso). Ma
il suo pubblico rimase deluso del rinnovamento delle tecniche narrative che adottò. Le cupe storie di
contadini e pescatori risultano sgradevoli. Così i Malavoglia fanno fiasco; Mastro don Gesualdo và un po’
meglio ma non raggiunge il successo dei romanzi mondani. Di tanto in tanto Verga torna a narrare storie
sentimentali borghesi; è il caso del romanzo Il marito di Elena, definito dallo scrittore “una ciambella
riuscita senza buco”. Dei suoi testi per il teatro quello che fa maggior successo è Cavalleria rusticana (1884),
storia a forti tinte di un “delitto d’onore”. Nel 1893 compie a ritroso il viaggio della sua giovinezza e si
trasferisce definitivamente a Catania. Tornato in Sicilia, continua a scrivere ma il lavoro che più gli sta a
cuore non riesce a prender forma, e col passare degli anni finisce per rinunciare alla letteratura. Nel 1922
muore a Catania.

Capitolo 4.2. Da <<Amore e patria>> e <<Eva>>.

Il primo periodo dell’attività verghiana si contraddistingue per un intento patriottico di stampo
risorgimentale. Esso si osserva in “Amore e patria”, prima opera dello scrittore e realizzata tra il 1856 e il
1857: di fondo storico, non fu che un esercizio scolastico di ben poca importanza. Il secondo romanzo, “I
carbonari della montagna” (1861-62), è invece un’opera più impegnativa: allo spirito carbonaro si aggiunge
una partecipazione sentimentale che già prelude al successivo interesse romantico. Ed è infatti in “ Sulle
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lagune” (1861) che il piano storico diviene una sorta di giustificazione per una vicenda di intreccio
sentimentale e di amori, in pieno stile romantico: ad un interesse tematico nuovo va di pari passo una
diversa ricerca stilistica, atta a produrre uno stile meno retorico e pomposo e più oggettivo e essenziale.
Ma certamente la data più importante della primissima attività di Verga è il 1865-86, anno di pubblicazione
del suo primo vero romanzo, “Una peccatrice”: in esso l’autore conferma e approfondisce la vena
sentimentale ed inizia un percorso di ricerca interiore dei personaggi. “Storia di una capinera” (1871),
l’opera successiva e risalente al periodo fiorentino, mostra uno stile più maturo: il personaggio si fa più
umano, il viaggio psicologico si interiorizza e si crea un legame di dipendenza-influenza tra i protagonisti e
l’ambiente in cui vivono. “Eva” del 1873 è ben accolta dagli ambienti intellettuali milanesi e segna, con
“Storia di una capinera”, il successo di Verga. L’opera si muove ancora nelle precedenti linee romantiche,
ma vede una costruzione complessa del personaggio di Eva: la tradizionale distanza tra lo scrittore e i suoi
soggetti viene ridotta e il tono della prosa appare ansioso, diretto e spontaneo. Anche “Tigre reale” (1873)
si distingue per una simile rivoluzione di contenuto e tono. “Nedda” (1874) segna l’inizio del secondo
periodo dell’attività verghiana: da questo periodo in poi l’autore ritorna all’ambiente siciliano e alla
descrizione nuda e cruda delle miserie umane. “Nedda” è in realtà un esperimento ancora acerbo, dove si
affrontano, senza risolverli, i problemi della trascrizione dialettale: ma per la prima volta si ha un nuovo
impulso sociale e un interesse per tutto ciò che non era trattato dalla letteratura “ufficiale”. Nel 1877 a
Milano Verga pubblica una raccolta di novelle, “Primavera e altri racconti”, che mostra lo sforzo intenso
compiuto dall’artista per inserirsi nel solco sociale e stilistico aperto con “Nedda”: il linguaggio è popolare,
le vicende umili, i protagonisti antieroi banali e ignoranti. La successiva raccolta è “Vita dei campi”:
l’indagine al fondo della vita contadina, l’ambiente aspro della Sicilia, i soggetti descritti sono gli stessi
dell’opera precedente, ma lo stile si fa più maturo e scaltro, fino a giungere a completa maturazione
nell’opera “I malavoglia” (1881). Il romanzo viene inteso da Verga come il primo lavoro del cosiddetto “ciclo
dei vinti”, una serie di narrazioni concentrate sugli strati più dimessi della società italiana.

Capitolo 4.3. <<I Malavoglia>>.

È l capolavoro di Verga, 15 capitoli preceduti da una prefazione, viene pubblicato a Milano nel 1881, il
successo del romanzo però è modesto. La trama ha per protagonisti i Toscano, pescatori di Aci Trazza
definiti Malavoglia perché si dedicano molto al lavoro, possiedono una casa nel cui cortile cresce un
nespolo e una nave chiamata la Provvidenza. Per migliorare la situazione economica Padron ‘Ntoni, padre
di Bastianazzo, acquista con soldi prestati dall’usuraio zio Crocifisso, un carico di lupini da rivendere: ma la
barca affonda e Bastianazzo muore. Per pagare il debito devono vendere la casa, Luca e Maruzza a causa
del colera e di una battaglia navale; ‘Ntoni, figlio maggiore di Bastianazzo di dà al contrabbando, ma ferisce
una guardia e viene imprigionato; Lia compromessa dalle voci che girano sulla sua relazione con Don
Michele scappa di casa; Mena decide di non sposare Alfio Mosca. Dopo la morte di padron ‘Ntoni è Alessi a
riscattare la casa del nespolo, si sposa con Nunziata, ricomincia a fare il pescatore e ospita a casa Mena.
L’opera termina con la visita di ‘Ntoni alla casa del nespolo , si rende conto che si deve allontanare dal
paese. Fabula e intreccio coincidono, le vicende coprono un periodo di 15 anni; i personaggi ricordano
quelli di Fantasticheria. Il romanzo presenta le condizioni degli umili ed è privo di commenti da parte del
narratore; il messaggio sottointeso è l’ideale dell’ostrica. Il valore più importante è la religione della
famiglia, il personaggio che incarna meglio questo ideale è Alessi. Le disgrazie dei Malavoglia hanno origine
con il tentativo di migliorare la situazione economica della famiglia. La conclusione è densa di significato
perché ‘Ntoni si accorge di non appartenere più alla famiglia e di essere un estraneo ed essendo incapace di
adattarsi decide di scappare. La visione di fondo che emerge è contrassegnata da un giudizio pessimistico
sulla vita, che è lotta, fatica e spesso fallimento per chi difende i valori familiari. Lo stile e la tecnica nel
romanzo sono innovativi: Verga presenta le vicende, l’intreccio e i personaggi senza commentare, egli
punta a commentare solo il fatto. Verga si propone di descrivere la realtà così come è, abbandonando i
personaggi sentimentali e passionali; l’autore è considerato un osservatore che rappresenta il microcosmo
umano; a differenza di Manzoni, Verga si propone di narrare fotografando la realtà. La pietà verso le vittime
della fiumana del progresso è sottointesa e non viene mai espressa direttamente. Il linguaggio è semplice e
rappresenta una mescolanza tra il toscano e la parlata locale.
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Capitolo 4.4. <<Mastro-don Gesualdo>>.

Verga con questo romanzo ha l’obiettivo di analizzare il comportamento umano nei diversi ambienti sociali,
a partire dal pescatore per poi salire nella scala sociale ed arrivare agli aristocratici. L’autore accompagna la
sua visione del progresso che determina lo sviluppo della società, ma travolge anche molti nel suo
cammino. Lo scrittore focalizza la sua attenzione sull’ambiente di coloro che riescono a fare il salto di classe
e diventano ricchi; Mastro-don Gesualdo rappresenta questa categoria. La stesura del romanzo dura 8 anni,
nel 1889 esce la versione definitiva, diviso in 4 parti per un totale di 21 capitoli. L’opera è ambientata a
Vizzini e ha come protagonista un muratore, mastro Gesualdo Motta; che si dedica alla costruzione di
mulini e con intelligenza, tenacia e spirito di sacrificio si arricchisce accumulando terre e denaro. È amato
dalla serve Diodota che però abbandona nonostante i 2 figli perché vuole diventare un signore. Per questo
sposa Bianca Trao, e quando scopre che è incinta del cugino ne accetta la maternità. La moglie non lo ama e
continua a vagheggiare suo cugino Nini. Nini intanto si innamora di un’attrice e si indebita con Don
Gesualdo per i capricci dell’attrice, quando la moglie di Nini lo viene a sapere rimane paralizzata e intanto
nasce isabellina, figlia di Bianca. La fanciulla scappa con la madre a Vizzini, dove si innamora di Corrado La
Gurna, con cui fugge. Il padre però la dà in sposa al vecchio duca di Leyra. I notabili del paese nel 1848 si
schierano con i rivoltosi nei moti rivoluzionari, solo Gesualdo si oppone in difessa della proprietà; intanto
Bianca muore di tisi e i rivoltosi attaccano i magazzini di Gesualdo ritenuto mandante dell’assassinio di
Nanni L’Orbo, capo dei rivoltosi e marito di Diodota. Gesualdo rifugiato nel palazzo dei Trao è circondato
dall’odio e anche la figlia lo scarica per le umili origini. Gesualdo si ammala di cancro allo stomaco e viene
ricoverato nel palazzo del duca di Leyra. Il dialogo con Isabella gli fa capire quanto lei sia infelice per il torto
subito. Gesualdo muore solo. Il racconto è ambientato in una piccola città di provincia; il tema principale è il
miglioramento delle condizioni economiche, Gesualdo fa parte di quella classe sociale che aspira al
riconoscimento sociale. L’ideale dell’ostrica è presente anche in questo romanzo. Il racconto mostra la
pessimistica visione della vita e della società, Verga ha sfiducia nel destino umano.

Capitolo 4.5. La produzione teatrale.

La sua produzione teatrale è significativa perché comincia con argomenti tipici della commedia borghese(il
triangolo…)e poi passa ai drammi veristi(La lupa)dove mette in scena personaggi tratti del mondo
contadino. Il teatro italiano prima di Verga aveva visto solo Goldoni che non poteva essere un modello per
Verga. Lui non aveva modelli ecco perché parte da drammi [Link] però il teatro può sembrare uno dei
generi più autentici,più veri è di fatto molto meno autentico della narrativa o del romanzo. Il teatro infatti
per arrivare al pubblico ha bisogno dell’attore come mediatore,che faccia vivere il testo teatrale. Tra
l’autore e il pubblico c’è l’attore,il pubblico non è messo a diretto contatto con il testo,c’è l’attore.
L’autenticità è solo apparente,di fatto il teatro è il max della finzione.”Cavalleria rusticana” diventò un
dramma in musica, Mascagni fu l’inventore del melodramma verista che mise in scena i sentimenti della
gente comune. L’opera venne musicata da Mascagni,ebbe questa fortuna come anche il dramma
interpretato da Eleonora Duse. Il fatto che di tutta la produzione Verghiana si ricordino solo questi dimostra
ciò che Verga temeva:il testo ha avuto successo non di per se stesso ma per l’interpretazione musicale.
Possiamo parlare di romanzo epico? Si, ma non per le battaglie ma per il ritmo ciclico,ritornante,il racconto
di un’unica vicenda in vari episodi(la gna Pina torna,non è inattesa,ma torna in vari,diversi periodi). Che
funzione hanno i proverbi? Attraverso i proverbi l’autore parla dei personaggi,senza descriverli. Sono le
massime in cui si raccoglie la filosofia di vita di una società elementare..simbolo di saggezza,conosciuti
perlopiù dagli anziani. Verga ha una visione negativa del Risorgimento,il progresso è positivo visto da
lontano,da vicino è negativo(ciò è evidente ne “la libertà”).Il personaggio epico ha identità,quello
romanzesco no.(Renzo è epico,stando a ciò che Abbiamo detto noi è romanzesco,nell’ottica del narratore è
romanzesco).Il romanzo epico è una metafora,allegoria,i personaggi sono simbolici in ogni tempo. Il
romanzo borghese è figlio,degradazione dell’epico cavalleresco. Il ritorno a Itaca di Ulisse è l’acquisizione
della propria identità,il romanzo borghese è aperto,la conclusione è aperta,il lettore vive giorno per giorno
e quando pensa di essere arrivato a conclusione riparte … nei Malavoglia l’unico che parte è Ntoni,quindi
romanzo epico simbolico. Ntoni è il personaggio epico moderno, gli altri no. E’ possibile per l’uomo avere
un ‘identità? Si, ma per quelli che non si muovono,che sopravvivono alla partenza degli altri. Padron Toni è
autentico,Alessi anche,Toni no,non ha trovato un’identità,l’ha persa per sempre.
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Capitolo 5. Federico De Roberto.

Nacque a Napoli nel 1861, da Federico senior, ex ufficiale di stato maggiore del Regno delle Due Sicilie e
dalla nobildonna di origini catanesi, ma nata a Trapani, Marianna Asmundo. Trasferitosi con la famiglia a
Catania nel 1870 dopo che il giovanissimo Federico subì la dolorosa perdita del padre, travolto da un treno
sui binari della stazione di Piacenza. Da allora, salvo una lunga parentesi milanese e una più breve a Roma,
Federico visse all'ombra gelosa e possessiva di donna Marianna Asmundo. A Catania si iscrisse all'Istituto
tecnico "Carlo Gemmellaro", in seguito frequentò il corso di scienze fisiche, scienze matematiche, naturali
all'Università, ed ebbe pertanto una prima formazione scientifica, alla quale affiancò presto l'interesse per
gli studi classici e letterari, allargando la sua cultura al latino. Il suo esordio letterario avvenne con il saggio
Giosuè Carducci e Mario Rapisardi. Polemica, pubblicato a Catania dall'editore Giannotta nel 1881.
Fu presto conosciuto negli ambienti intellettuali per la sua attività di consulente editoriale, critico e
giornalista sulle pagine di due settimanali che uscivano a Catania e a Roma: il Don Chisciotte e il Fanfulla
della domenica. Del primo fu anche direttore dal 1881 al 1882; sul secondo scrisse dal 1882 al 1883 sotto lo
pseudonimo di Hamlet. Per l'Editore Giannotta fondò la collana di narrativa dei "Semprevivi" ed ebbe modo
di conoscere Capuana e Verga con i quali strinse una salda amicizia. Nel 1883 raccolse in un volume dal
titolo Arabeschi, tutti i suoi scritti di arte e letteratura e nel 1884 avviò la collaborazione, utilizzando il suo
vero nome, con il Fanfulla della domenica, e tale collaborazione durò fino al 1900. Un momento importante
per la formazione dello scrittore fu l'incontro, durante un soggiorno in Sicilia, con Paul Bourget (1852-1935),
in quei tempi molto noto per i suoi studi psicologici e per i romanzi, nei quali analizzava minuziosamente le
coscienze tentando di giungere ad una "anatomia morale".Decisivo fu per De Roberto il trasferimento a
Milano nel 1888 dove fu introdotto da Verga nella cerchia degli Scapigliati, e conobbe Arrigo Boito,
Giuseppe Giacosa e Giovanni Camerana, consolidando sempre più la sua amicizia con lo stesso Verga e
Capuana. Nel periodo del suo soggiorno milanese collaborò al Corriere della Sera e pubblicò diverse
raccolte di novelle e romanzi, fra i quali quello che è considerato il suo capolavoro, I Viceré, nel 1894.
Nel 1897 ritornò a Catania, dove rimase fino alla morte, salvo brevi viaggi nel continente. A Catania ebbe un
incarico come bibliotecario e visse sostanzialmente appartato e deluso per l'insuccesso della sua opera
narrativa. Mentre questa tacque egli indirizzò il suo lavoro intellettuale alla pubblicistica e alla critica, tra i
quali si ricordano gli studî su Giacomo Leopardi e soprattutto sul Verga che giudicò sempre un suo maestro.
Nel 1915, allo scoppio della prima guerra mondiale fu interventista. Alla morte del Verga nel 1922 il De
Roberto riordinò in modo accurato le opere del grande scrittore suo conterraneo ed iniziò uno studio
biografico e critico che però rimase interrotto per la sua prematura morte avvenuta a Catania per un
attacco di flebite il 26 luglio 1927. Perfino in punto di morte De Roberto non ebbe adeguata considerazione,
poiché la sua scomparsa fu oscurata da quella immediatamente successiva (27 luglio) di Matilde Serao.

Capitolo 5.1. Le opere.

Sostenitore convinto della poetica naturalista e verista, De Roberto ne applicò rigorosamente i termini,
portando alle estreme conseguenze quegli aspetti di impersonalità del narratore e di osservazione rigorosa
dei fatti. Le tecniche narrative di De Roberto sono funzionali alla narrazione impersonale ma diverse da
quelle di Verga. Innanzi tutto non è presente la regressione della voce narrante nella realtà rappresentata;
è presente invece, come nel Mastro-don Gesualdo, il discorso indiretto libero ma in larga misura la
narrazione si fonda sul dialogo e sulla presenza di didascalie descrittive. La narrazione tende a far propria la
tecnica teatrale; nella Prefazione ai Processi verbali De Roberto afferma: “L’impersonalità assoluta non può
conseguirsi che nel puro dialogo, e l’ideale della rappresentazione obiettiva consiste nella scena come si
scrive per il teatro”. L’opera più importante è il romanzo I viceré del 1894. Ambientato tra il 1855 e il 1882 è
diviso in tre parti. Narra le vicende della famiglia aristocratica degli Uzeda di Francalanza, soprannominata i
Viceré. Il racconto inizia con la morte di Teresa, vedova del principe Consalvo, priva della sua guida la
famiglia si lacera a causa dei conflitti di interesse. Fratelli del principe defunto: - Gaspare (capace di cogliere
tutti i vantaggi della nuova situazione politica fino a diventare deputato del regno) – Padre don Blasco
(costretto dalla famiglia a farsi benedettino e non esiterà ad arricchirsi con l'acquisto all'asta dei beni dei
conventi) – Giacomo (grazie alla sua spietata avidità riesce a raccogliere nelle proprie mani tutti .i beni della
famiglia). Nell'ultima parte il romanzo si incentra sulle vicende di Teresa (racconta il suo matrimonio infelice
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e l'amore per il cognato Giovannino, la ragazza non cede alla passione, ostinata a difendere un suo ideale di
perfezione e santità) e Consalvo (si narra della sua carriera politica).