Coordinazione e primi esercizi

Un costante allenamento nei primi mesi di pratica servirà a risparmiare molta fatica in seguito e
contribuirà a formare un musicista migliore. È indispensabile ricordare la necessità di avere un buon
insegnante, soprattutto nel primo periodo, se si hanno intenzioni serie, ed è bene ricordare che i risultati
non vengono mai da soli, ma solo dopo anni di assidua pratica. Ho raccolto qui una serie di esercizi che ho
fatto e faccio tuttora, che penso potranno essere utili a tutti i principianti (e non solo) indipendentemente
dal tipo di musica che si suona. Gli esercizi toccano vari ambiti: dal fulcro/impugnatura, ad esercizi per
sviluppare il primo senso del ritmo, ad esercizi di coordinazione, utili soprattutto ai i veterani.

COORDINAZIONE/INDIPENDENZA MANI-PIEDI
Per questi esercizi serve solo una sedia per sedervi: non vi serviranno neanche le bacchette! Il concetto
base sta nel riuscire a fare movimenti dei quattro arti indipendenti l'un l'altro. Penso che tutti riescano a
usare mano/piede destro insieme e mano/piede sinistro insieme. Sarà bene comunque accertarsene,
cercando di dare all'unisono i colpi dei due arti, in quanto generalmente i movimenti dei piedi sono più
lenti di quelli delle mani. Nei seguenti esercizi la D sta per destro e la S, ovviamente, per sinistro. So che
non siete cerebrolesi, ma non si sa mai...
Mani D S D S S D S D
Piedi D S D S S D S D

Anche lo schema incrociato mi sembra abbastanza banale:

Mani D S D S S D S D
Piedi S D S D D S D S

Le cose si fanno più interessanti quando un arto da' due colpi di seguito, mentre gli altri arti si scambiano.
Ecco i colpi doppi per mani e singoli per i piedi...
Mani D D S S S S D D
Piedi D S D S S D S D

...e i singoli per le mani e i doppi per i piedi.

Mani D S D S S D S D
Piedi D D S S D D S S

IL FULCRO
La prima cosa che un aspirante batterista deve fare, ancora prima di comprare la batteria, è prendere
dimestichezza con le bacchette. Bisogna costantemente tenere presente che esse vanno tenute salde tra il
pollice e l'indice, e questo fulcro deve essere sempre tenuto chiuso e saldo, altrimenti le bacchette
tenderanno a scivolare. Il medio, l'anulare ed il mignolo vanno chiusi, ripiegati (ma senza esercitare
troppa pressione) sulla parte finale della bacchetta. Il colpo verrà dato, in questa fase iniziale di
"conoscenza" con la bacchetta, dal movimento del polso, che dopo essersi alzato, scenderà verso il basso
velocemente.

Esercizio: impugnare le due bacchette facendo attenzione a tenere saldo il fulcro, ma lasciando aperte le
altre dita. Colpire ripetutamente il centro del rullante (o del pad su cui ci si allena) ad una velocità
inizialmente molto bassa (un colpo al secondo). Esercitare una mano alla volta, alternandole circa ogni
minuto, ricordandosi di dare il colpo solo col pollice e l'indice, tenendo fermi l'avambraccio ed il polso. È
indispensabile far ciò se si vuole acquisire un'impugnatura salda. L'esercizio si può anche fare a vuoto,
senza cioè colpire il rullante/pad.
Variante: quasi uguale al precedente. Esercitare una mano per volta nel modo seguente: dare quattro
colpi usando solo pollice ed indice, darne altri quattro aggiungendo solo il medio, darne quattro con
pollice ed indice, 4 aggiungendo questa volta solo l'anulare, 4 solo pollice ed indice, 4 pollice ed indice
con il mignolo, 4 solo pollice ed indice, e finire con 8 colpi con tutte e 5 le dita. Ripetere l'intero ciclo per
la sinistra, e, tornando poi alla destra, eventualmente, raddoppiarlo.

INTRODUZIONE AI PARADIDDLE
Chi di voi sa cos'è il paradiddle? Il paradiddle è una successione di colpi distribuiti fra le due mani (o i due
piedi) in colpi singoli e doppi. Ce ne sono di tre tipi, ed ogni tipo può essere singolo (in tutto 4 colpi),
doppio (6 colpi) e triplo (8 colpi). Nel paradiddle singolo del primo tipo (il più conosciuto), c'è una coppia
di colpi singoli (D-S, o S-D) prima di un doppio colpo (D-D, o S-S); nel paradiddle doppio vi sono DUE coppie
di colpi alternati (D-S-D-S, o S-D-S-D) prima del doppio colpo (sempre D-D o S-S); infine nel triplo le coppie
prima del colpo doppio sono, ovviamente, tre.
Ora: che succede se due arti fanno un paradiddle, mentre gli altri due fanno un'altra struttura, che
potrebbero essere colpi singoli, doppi, o anche tripli, o anche un altro paradiddle, magari iniziato da
sinistra invece che da destra, o proprio un paradiddle diverso?? Beh, si capisce che qui le combinazioni
sono moltissime, e se ne possono anche creare di nuove e personali: conviene scriversele su carta prima,
soprattutto se si combinano strutture di lunghezza diversa (tipo paradiddle doppio (6 colpi) e paradiddle
singolo (4 colpi)), per vedere dopo quanti colpi mani e piedi si ritrovano insieme dall'inizio, cioè entrambi
da destra (il minimo comune multiplo...): nel nostro esempio dopo 24. Con un po' di fantasia si possono
ottenere delle combinazioni molto musicali, che possono essere usate come fill o come tempi base (come
si può ascoltare nell'esempio midi seguente).
Paradiddle doppio/paradiddle singolo di cui si parlava nell'esempio: ride e rullante fanno un paradiddle
doppio (DSDSDD-SDSDSS) per due volte, mentre le due congas fanno un paradiddle singolo (DSDD-SDSS) per
tre volte. Sono quindi 24 colpi. Nell'immagine, un riquadro nero significa un colpo. Acoustic snare è il
rullante, mentre ride bell è ovviamente la campana del ride. Ho scelto rullante, campana del ride e le
congas per far sentire chiaramente i diversi colpi: nella pratica é molto difficile suonare questa
combinazione da soli, cioé una parte diversa per ogni arto. Sarà interessante perciò suonarla con un
percussionista alle congas: in questo modo, avendo i piedi liberi, i pedali si potranno usare per seguire un
po' il doppio paradiddle fatto con le mani.
Clicka sull'immagine per ascoltare il MIDI.

Qui di seguito riporto gli schemi per paradiddle singoli abbinati a colpi singoli con gli altri arti. Paradiddle
con le mani/alternato con i piedi (se avete un doppio pedale provatelo con il paradiddle fra campana del
ride e rullante: suona molto bene! potete ascoltarlo nell'esempio allegato).

Mani D S D D S D S S
Piedi D S D S D S D S

Infine: colpi alternati con le mani e paradiddle con i piedi:

Mani D S D S D S D S
Piedi D S D D S D S S

LE PROGRESSIONI RITMICHE
 Dopo avere imparato la corretta impugnatura
delle bacchette, ed essersi cimentati nei primi
tempi elementari, ogni batterista prova a fare
dei fill (o stacchi, lanci, che dir si voglia). Se però
non si ha ancora padronanza con il tempo e non si
capisce bene come dividerlo in gruppi elementari,
difficilmente i nostri fill risulteranno precisi:
molto spesso si sentirà un leggero sfasamento, e
nel peggiore dei casi si perderà il tempo. Per
evitare questo è bene praticare le progressioni
ritmiche: esercizi molto semplici che consistono
nell'inserire sempre più colpi all'interno di uno
stesso movimento. Si parte da due e si arriva a
otto, per poi ridiscendere a due. Oltre a dotare il
batterista del senso del tempo, le progressioni
ritmiche sono anche un buon esercizio di
riscaldamento.
Si possono svolgere in vari modi: a colpi singoli
(cioè a mani alternate), a colpi doppi, o anche a
paradiddle. Tenere sempre la cassa all'inizio di
ogni gruppo, e ripeterlo per almeno quattro volte
prima di passare al successivo. È bene esercitarsi col metronomo, partendo da una velocità molto bassa
(40). Consiglio: più si sale, da due verso otto, minore sarà l'aumento di velocità necessario a far quadrare
il gruppo. Quindi, se da due a tre l'aumento è del 50%, da tre a quattro è del 33,3%, da quattro a 5 è del
25% e così via. Questo è evidente anche guardando l'immagine qui presente. Se si usa il doppio pedale (o
la doppia cassa), si possono fare le progressioni ritmiche anche con i piedi. Infine, questo esercizio si può
anche distribuire sul set (rullante e tom) per esercitarsi anche nel movimento sopra al kit.

Lettura del pentagramma

Se pensate che l'essere batteristi vi assolva dal saper leggere uno spartito o da avere un minimo di
conoscenza di teoria musicale, e magari pensate che ciò competa solo ai vostri compagni di gruppo, vi
sbagliate di grosso. O meglio, cosí facendo limitate molto le vostre possibilità in quanto una conoscenza
(seppur basilare) di come vengono scritti gli spartiti (o tablature) per batteria può sempre tornare utile.
Pensate di aver fra le mani una rivista o un libro che vi propone degli esercizi: non riuscire a leggerli é
abbastanza demotivante. Saper leggere un semplice spartito non solo vi permette quindi di comprendere
miriadi di tablature che altrimenti per voi sembrerebbero scritte in cirillico, ma vi consente anche di
capire bene alcune parti che all'ascolto potrebbero essere molto complicate. Infatti vedendo le parti
trascritte su carta si aggiunge un'altra dimensione alla comprensione, che non é più solo acustica ma
anche visiva, insomma vedere e ascoltare una parte di batteria vi permette di capirla meglio.
Altri motivi per imparare a leggere (la musica, si intende... per l'italiano non posso aiutarvi...!!): saper
leggere vi aiuta a entrare in confidenza col tempo. Imparerete più facilmente a conteggiarlo e dividerlo in
unità più piccole, e questo é il primo passo per esplorare tempi "dispari" certamente più interessanti del
banalissimo tu-cha-tu-tu-cha.
In queste pagine si affronterà un metodo per l'approccio progressivo allo studio dei tempi e delle partiture
scritte: partiremo da zero per arrivare ai tempi dispari, in levare, alle sincopi e ai controtempi, facendo
una rapida ma esauriente carrellata su tutto ciò che c'é da sapere. Un consiglio: se disponete di un
discreto libro di musica per scuole medie, andatelo a rispolverare: é molto utile e sufficiente per i nostri
scopi (e se state alle medie studiate musica: é la materia più bella!). Se sapete cosa significa 4/4, che cos'
é un sedicesimo e nozioni simili, potete anche saltare i prossimi paragrafi e andare direttamente alla
sezione successiva.

IL TEMPO E LA BATTUTA
Prendiamo innanzitutto il pentagramma, e dividiamolo in vari settori della stessa lunghezza per mezzo di

alcune barrette verticali.

Abbiamo cosí individuato varie battute o misure. Ora ci serve un metronomo: digitale o meccanico e´
indifferente; se vi esercitate vicino al computer potete usarne anche un software freeware. Impostiamone
la velocità a 60: cosa vuol dire? Che in un minuto il metronomo farà 60 ticchettii, uno al secondo. In
genere, ad ogni colpo di metronomo si fa corrispondere un tempo o pulsazione nella battuta. Se in una
battuta entrano 3 tempi, il metro (appunto, l'indicazione dei tempi per battuta) é un 3/4, se sono 4 é un
4/4. É immediato capire quante pulsazioni entrino in una battuta, basta sentire la cadenza del pezzo e i
suoi accenti: di solito l'accento forte cade a inizio battuta (questo accade soprattutto in musica classica),
ma non é una regola generale. A ogni accento, sia debole che forte, corrisponde una pulsazione. Nel caso
del 3/4 quindi vi é un accento forte e due deboli, per il quattro quarti il primo é sempre forte e il secondo
e il quarto sono deboli, mentre il terzo é di
solito mezzoforte.
Guardate l'immagine accanto ed esercitatevi,
col metronomo a 60, a dare un colpo di rullante
in corrispondenza di ogni ticchettio del
metronomo, sempre con la stessa mano, e
contate ad alta voce le pulsazioni, accentandole
nel modo già detto (solo con la voce: i colpi di
rullante devono essere tutti uguali). Curate
molto la corrispondenza fra metronomo e colpi:
si deve sentire un unico suono. Fate per un
minuto circa il 4/4, dopodiché passate al 3/4. Il passaggio deve avvenire senza interruzione.
La musica tuttavia non é fatta tutta di note dello stesso valore (stessa durata). Andiamo al prossimo
paragrafo e cerchiamo di capirne di più.

VALORE DELLE NOTE

All'interno di una
battuta abbiamo
visto come si
distribuiscono i
vari
tempi/accenti.
Ora vediamo
come é possibile
usare note di
diverso valore (di
diversa durata
cioè) all'interno
delle battute. Lo
specchietto
riporta il valore
delle note e
delle relative
pause. Se non
avete la minima
idea di cosa sto
parlando (ma
non si studiava
musica alla
scuola media??),
state tranquilli:
ho fatto questa sezione per questo.
La principale difficoltà che si può incontrare in questa fase iniziale é capire il concetto di durata di una
nota. Il problema deriva dalla natura stessa della batteria: mentre nel piano, nel violino, nel sax si può
tenere una nota per un decimo di secondo come per dieci secondi, nella batteria, cosí come in tutti gli
strumenti a percussione, la durata della nota non viene scelta dall'esecutore ma dipende dalla natura del
particolare strumento. Allora é meglio intendere il valore della nota in questo modo: corrisponde
alla distanza fra la nota che si é appena suonato e la successiva. Più piccolo il valore delle note,
maggiormente queste saranno vicine, ammassate e veloci. Viceversa, maggiore il valore delle note,
maggiore anche la distanza fra queste, e quindi verranno suonate a intervalli più lunghi.

Confusi? Riflettete su questo allora: pensate alla battuta come a una piastra da 16 di LEGO. Sí, proprio le
costruzioni. Il nostro scopo é di riempire tutta la piastra con dei mattoncini. Possiamo metterne quattro
lunghi 4, oppure due da 8, oppure otto da due, o perché no uno da 16 (esiste!!), o anche una qualsiasi
combinazione di questi: uno da 8 e due da 4 e viceversa, o uno da 4, uno da 8 e uno da 4 e cosí via. Sono
consapevole della bassezza dell'esempio, ma spero cosí di essermi spiegato meglio!!

I prossimi esempi vi chiariranno le idee. Suonateli sempre col metronomo a 60, e sentite il file MIDI
allegato (clickando sull'immagine) per avere una guida.

Nell'esempio si sente chiaramente il metronomo, che viene suonato regolarmente ogni secondo (perché
l'abbiamo regolato a 60 BPM, cioè battiti al minuto). Si vede anche graficamente come, più le note hanno
durata minore, più sono attaccate l'un l'altra, e si vede come siano necessarie due note per formare una
nota di durata immediatamente maggiore (es. due sedicesimi per fare un ottavo, due ottavi per fare un
quarto, due quarti per fare un mezzo...). Se ragionate "per mattoncini" non dovreste avere problemi.

Nella musica tuttavia non ci sono solo suoni ma anche pause, che, cosí come i suoni, vengono misurate
con precisione e segnate sul pentagramma. Il valore delle pause lo trovate sempre nella tabella di prima
(seconda colonna). Ecco altre nove battute con cui allenarvi, in cui sono presenti anche le pause.
Ascoltate il midi clickando sull'immagine.

Concludiamo questa sezione con un'annotazione importante: come qualcuno di voi avrà sicuramente
notato, non c' é un solo modo per scrivere una stessa parte. Si può infatti scegliere se usare le pause o se
usare in modo opportuno note di diversa lunghezza. Guardate la penultima battuta dell'esercizio
precedente e capirete di cosa sto parlando. Segue un altro esempio a
riguardo.
Nell'esempio precedente ci sono due righe di tre battute. Queste due righe sono identiche musicalmente,
ma mentre nel primo rigo si usano le pause, nel secondo si usano note di diverso valore per sostituire le
pause. ATTENZIONE: questo sistema vale solo per gli strumenti a percussione, per i motivi che abbiamo
già detto. Le due righe infatti, suonate con un altro strumento (es. piano) suonerebbero diverse!!
Infine notate come nell'ultima battuta compare un punto accanto all'ultimo quarto. Il punto prolunga una
nota di metà del suo valore. Il quarto quindi vale un quarto più un ottavo, cioè tre ottavi.

Esercizi di lettura - 1
CORRISPONDENZA FRA I PEZZI E IL PENTAGRAMMA
Come nel piano non esiste solo una nota (anche se come già visto possiamo farla durare a piacimento),
cosí nella batteria esistono vari pezzi che si possono suonare. Vediamo allora come questi vengono scritti
sul pentagramma.

Alla sinistra dell'immagine, all'inizio del pentagramma, c'é un simbolo strano: é una chiave di basso (o
chiave di fa). Probabilmente molti di voi avranno visto qualche spartito in cui invece vi é la chiave di
violino. Si fa riferimento alle varie chiavi per il motivo seguente: la gamma di suoni udibili dall'uomo va
dai 20 Hz ai 20 KHz circa (cioé suoni/onde prodotti da sorgenti che oscillano dalle 20 alle 20mila volte in
un secondo). Un comunissimo pianoforte ha (mi sembra) più di ottanta tasti: immaginate di dover far
corrispondere a ogni nota (lasciando stare i diesis e i bemolle) un rigo o uno spazio del pentagramma:
questo diventerebbe un dodecagramma!! Per snellire la rappresentazione, quindi, si usano sempre cinque
righi, indicando però la chiave con cui leggere quei cinque righi. Ma queste, per voi, sono semplici
curiosità: vi basti ricordare che la batteria si scrive in chiave di basso.

Per quanto riguarda la scrittura dei vari pezzi, purtroppo non c'é uno standard: a parte cassa e rullante, e
il charleston (HH nel grafico), molto spesso da un testo all'altro si trovano differenze di rappresentazione
per piatti e tom. Bisogna quindi rifarsi di volta in volta alla legenda, di solito presente.

TEMPI BASE IN QUARTI E OTTAVI

Le nove battute che seguono sono probabilmente le parti più stupide che un batterista possa immaginare:
accompagnamento in quarti sul charleston, e a ogni colpo di charleston corrisponde un colpo di cassa o
rullante (sempre in quarti, quindi). Come sempre c'é il midi allegato, per chi dovesse incontrare problemi,
che si può ascoltare clickando sull'immagine. Non ve lo dirò più...
Vediamo allora di espandere le nostre conoscenze, iniziando a suonare dei tempi con accompagnamento in
ottavi. Nel midi vi ho messo un fischio all'inizio di ogni battuta, per non farvi perdere il segno.

Come vedete l'accompagnamento, sempre sul charleston chiuso, era in ottavi, mentre cassa e rullante
suonavano quarti e ottavi. Avrete notato anche delle pause: vale il discorso già fatto nella sezione
precedente, cioé le pause si possono sostituire aumentando il valore delle note precedenti, o anche
usando il punto di valore. Nelle nove battute avete trovato esempi di tutti e tre i metodi.

Vediamo ora dei tempi certamente più interessanti dei precedenti: accompagnamento in quarti ma cassa
e rullante anche in ottavi. Suonarli, all'inizio, si rivelerà (probabilmente) un problema: questo perché si
tende a suonare il charleston in corrispondenza di ogni colpo e non viene invece spontaneo suonare cassa
e rullante indipendentemente dal charleston.
 Esercizi di
lettura - 2
NOTE E PAUSE FINO AI TRENTADUESIMI

Assicuratevi di aver letto le due sezioni precedenti, cioé quella di lettura e la prima di esercizi, perché
adesso proveremo a cimentarci con le note (e relative pause) di sedicesimi e trentaduesimi. Se iniziate a
studiare le battute che qui vi propongo ad una velocità bassa, tipo 60 (cioé un quarto al secondo), una
volta che le avrete comprese bene potrete suonarle a 100 o anche più. Come sempre praticate il tutto a
mani alternate (un singolo colpo per ogni mano), e cercate, soprattutto in un secondo momento, di curare
la pulizia e la regolarità dei colpi oltre che la loro disposizione metrica. Le ultime battute potrebbero
sembrare difficili; non lo sono se cercate di figurarvi in mente l'incastro dei colpi con il click del
metronomo e se le studiate poco alla volta a un tempo inizialmente lento. Nella prima misura c'é un
contrattempo al quarto movimento, poiché vi é la pausa di un ottavo sul battere. Anche nella seconda
misura vi é una sincope al centro. La quarta misura é una semplice alternanza di due sedicesimi e una
pausa di un sedicesimo, e ha un tipico andamento ternario poiché é la ripetizione di un gruppo fisso di tre
note. La nona misura é più complicata ma si basa su un concetto simile: tre note - pausa - nota - pausa: in
tutto sei note, infatti anche la nona misura ha un andamento ternario. Notate la pausa puntata alla fine:
pausa da un sedicesimo più un punto vale 3 trentaduesimi! Se avete difficoltà ricordate di ascoltare (e
scaricare) il midi file allegato, per questo come per i prossimi esercizi, clickando sull'immagine.

Passo dopo passo dovreste aver capito come si combinano tutte le note di qualsiasi durata che potreste
incontrare nella vostra (speriamo rosea) carriera. Io onestamente non ho mai incontrato i
sessantaquattresimi, anzi non é molto facile incontrare i trentaduesimi. Non mi resta da fare a questo
punto che darvi qualche altra idea su come potete combinare tutto quello che avete imparato
incorporandolo in dei ritmi da suonare, per la vostra felicità, su tutto il set. Attenzione ai doppi colpi di
cassa! Nella sesta battuta i quattro colpi di rullante dell'ultimo movimento sono dati tutti con la sinistra (si
può fare!!). Attenzione quindi a dare lo stesso volume a tutti i quattro colpi, sfruttando il rimbalzo a
vostro vantaggio.
Nelle prossime battute il charleston non é più suonato in ottavi, ma in sedicesimi a mani alternate. In
questi casi quando si suona il rullante, ovviamente, la mano che avrebbe dovuto suonare il charleston si
sposta sul rullante per suonarlo e il charleston non viene suonato. All'inizio bisogna fare molta pratica per
eseguire questi movimenti in modo fluido, soprattutto quando si sposta la sinistra sul rullante.
Nuovamente vi invito a curare molto il tocco, la pulizia, il "groove", insomma siete dei musicisti non delle
drum machine!! Anche se molti batteristi questo non se lo ricordano più. Iniziate alla velocità che più vi é
comoda, studiate una battuta alla volta e poi
cercate di farle tutte di seguito a una
velocità di circa 120. Ricordate infine che,
per sostituire una pausa, si può allungare la
durata della nota precedente.

Vi metto a disposizione altri esercizi su cui impratichirvi. Sono file gif, abbastanza grandi, che vi conviene
stampare e conservare per esercitarvi. Sono esercizi ritmici: praticateli prima per intero con la destra, poi
con la sinistra e infine a mani alternate. Iniziate piano ma curate la precisione, ed é superfluo dirvi di
usare il metronomo. Potete scaricarli usando i seguenti link:

 quarti
 quarti e ottavi
 quarti, ottavi e sedicesimi
 punto, legatura e sincope
 metri composti e irregolari
I Fill
Il compito del batterista, come sicuramente saprete, non è solo quello di portare il tempo, altrimenti il
gruppo potrebbe tranquillamente suonare con il metronomo in cuffia, o con una base midi o una batteria
elettronica. Il batterista infatti, seppur vincolato al "groove", alla base ritmica del brano, può spaziare a
suo piacimento sui tom, sui piatti, insomma su tutto il kit per eseguire, quando è opportuno, degli stacchi
(detti anche fill, o lanci). Questi, se fatti bene e se non diventano troppo frequenti, aggiungono
movimento e varietà al brano musicale. Sul come eseguire i fill, come per molte altre cose che riguardano
il nostro strumento, vi posso dare solo degli spunti, partendo dai primi stacchi più semplici e schematici,
per arrivare ad alcuni un pò più complicati. Non ci sono regole da seguire: qui, quanto mai, sarà la vostra
esperienza a darvi continuamente nuove idee da eseguire sulla batteria. Come sempre il consiglio è di
vedere quanti più concerti e videocassette potete, e ovviamente ascoltare musica di ogni tipo.
Per quanto riguarda questa prima serie di esercizi: nella prima riga ci sono tre battute di fill da quattro
colpi per ogni pezzo, nella seconda riga tre battute di fill da due colpi per ogni pezzo, nell'ultima riga tre
battute di gruppi misti, da due e quattro colpi. Cercate, una volta capiti questi incastri, di trovarne di
nuovi, combinando in tutti i modi serie di due e quattro colpi (sedicesimi), ed esercitandovi a muovere le
braccia su tutto il kit senza impappinarvi... Nel file midi allegato separo tutte le 9 battute da una battuta
di tempo base.

Ora dei fill molto più interessanti, ottenuti da combinazioni di trentaduesimi e sedicesimi. Attenzione,
perchè il rimbalzo sui tom, e soprattutto sul timpano, è smorzato dalle pelli più mollate e in genere più
spesse rispetto al rullante.

Eccovi un esempio efficace di come usare fill come groove di un pezzo: l'inizio di Toxicity, dell'omonimo
album dei geniali System Of A Down.
SCARICA

Doppio pedale / doppia cassa

Se suonate da poco la batteria e non avete idea di come funzioni un doppio pedale, andate subito a
informarvi nella sezione anatomia. Lo scopo di questa sezione è di farvi impratichire nell'uso dei pedali
(che usiate un doppio pedale o una doppia cassa è ininfluente). Sappiate che il doppio pedale richiede
comunque un certo tempo, variabile da persona a persona (per me è stato molto lungo), per entrarvi
pienamente in confidenza, e quindi è meglio partire lentamente, con tempi quasi paranoici, e poi solo
dopo molto tempo si potrà spingere sull'acceleratore.

CONSIGLI SULLA TECNICA DELLA DOPPIA CASSA

Suonare il doppio pedale/cassa può essere una grande soddisfazione per il batterista: gli consente di dare
al pezzo una base massiccia e potente che però, comunque, non copre necessariamente gli altri
strumenti. Pensavo, quando comprai il mio doppio pedale, di poter fare più o meno subito tutte le parti
che sentivo registrate nei dischi. Sarà comprensibile la mia delusione, una volta aver compreso che le mie
speranze erano solo una triste utopia. Lo suono da circa due anni, e mi accorgo che c'è ancora molta
strada da fare... Ecco dei consigli che vi saranno utili.

 La maggior parte dei batteristi suona il doppio pedale di punta, cioè con i tacchi alzati. Io penso
che sia la tecnica migliore, se non l'unica, che vi permette di raggiungere velocità discrete. Sta a
voi poi decidere se mettere le punte in basso, vicino allo snodo, oppure in alto, vicino alla catena:
dipende dal vostro approccio. Fate esperimenti e valutate.
 Cercate, come fate per le mani, di sfruttare, e non di soffocare, il rimbalzo dei pedali dalla pelle:
come quando si fanno i doppi colpi sul rullante non si forza il secondo colpo, ma questo nasce
semplicemente sfruttando il rimbalzo del primo, così deve essere per i pedali. Questo vi farà
risparmiare molte energie preziose. Tutto questo vale ovviamente anche per chi suona con un
pedale singolo.
 Attenzione: non sottovalutate un allenamento anche fisico se avete intenzione di fare uso
intensivo di doppia cassa/doppio pedale, in quanto avrete bisogno di molta resistenza nelle cosce,
per tenere sollevate le gambe. Questo è stato infatti un grosso problema per me, in quanto non
avevo problemi di coordinazione ma di resistenza, dovuti alle mie cosce che evidentemente
scarseggiavano di muscoli. Con tutto ciò non voglio dire che dovete fare un'ora di footing al
giorno, che certamente farebbe bene, ma di considerare, come possibile causa dei vostri eventuali
insuccessi iniziali, l'impreparazione fisica.
 Un'altra fonte di possibili problemi è un equilibrio precario del seggiolino, o una disposizione del
set che vi porta a sbilanciarvi. Riflettete: se suonate con un solo pedale, tendete a scaricare il
peso del corpo sui piedi. Suonando invece con due pedali, non potrete più scaricare il peso sulle
gambe, ma dovrete contare unicamente sul seggiolino. Questo porta inevitabilmente a problemi di
equilibrio e quindi di prestazioni con i pedali. Lo stesso vale se, mentre suonate una parte veloce
di cassa, dovete raggiungere un crash o un ride lontano: necessariamente vi sbilancerete e questo
vi darà problemi nel continuare regolarmente la parte di cassa. Per questo usate un seggiolino
robusto e solido, e disponete il kit in modo che tutto sia facilmente raggiungibile non solo per gli
acrobati.
 Suonate, soprattutto all'inizio, con un metronomo. Questo, oltre a essere un misuratore dei vostri
progressi, vi aiuterà a stare di pari passo col tempo. Attenzione a tenere il piede destro fisso sui
colpi di metronomo. Appena sentite sfasamenti, sia che siate in anticipo sia che siate in ritardo,
cercate di correggerli, senza necessariamente fermarvi.

Ovviamente nei vari problemi non ho incluso quelli dovuti a carenze meccaniche dei pedali. Questi
potrebbero fare gioco, oppure potrebbero essere troppo duri e pesanti, oppure potrebbe non esserci un
adeguato ritorno del battente. Insomma, tutto quello che si è già detto a proposito del pedale singolo. A
tutto ciò non c'è rimedio, se non cambiare pedali. È probabile, comunque, che con un po' di olio o
lubrificante le cose vadano meglio. Attenzione: il tipo di pelle e la sua tensione possono influire sul
rimbalzo del pedale.
Ricapitolando:

 suonare coi tacchi alzati

 sfruttare il rimbalzo
 allenarsi anche fisicamente
 cercare un buon equilibrio
  suonare col metronomo

ESERCIZI DI RISCALDAMENTO
Quelli che seguono sono esercizi di riscaldamento e contemporaneamente di coordinazione, fra cassa e
rullante, e poi fra cassa e rullante con in più i tom. Possono essere usati come fill, e suonano bene
soprattutto se eseguiti in modo fluido a velocità medio-alta. Partite da una velocità bassa (questa volta
non ve la indico io, ma sarete voi a decidere quale velocità va bene per voi come inizio) e pian piano
accelerate. Deve essere un aumento progressivo, per evitare indurimenti alle gambe. Appena vedete che,
aumentando la velocità, non riuscite più a curare la pulizia e la precisione, è ora di fermarvi per qualche
minuto su quella velocità e solo dopo riprovare a superarla. Nell' esempio midi allegato sentirete la stessa
parte per tre volte, a tre diverse velocità (120, 155 e 190): voi però, come già detto, dovete fare un
aumento progressivo, non a scatti.
Ovviamente un midi non potrà mai rendere la
potenza di una vera cassa...

Le terzine - 1
Prendi un metronomo e mettilo a velocità 100. Supponendo di suonare un normale quattro quarti, ogni
colpo di metronomo corrisponde a un quarto, e quattro colpi fanno una battuta/misura. Prendi ora il
rullante, con relativo supporto e bacchette, e suona un colpo di rullante ogni colpo di metronomo. Stai
suonando anche tu dei quarti, quindi. Niente di nuovo. Suona ora due colpi ogni clic del metronomo. Ora
siamo agli ottavi. Troppo facile? Allora prova a suonare tre colpi ogni clic del metronomo, facendo
attenzione a suonare ognuna delle tre note con la stessa durata. Cosa stai suonando? Certamente non sono
più ottavi, ma non sono neanche sedicesimi, perchè ne entrerebbero quattro in un clic di metronomo.
Suona le suddivisioni di tre colpi prima con la destra, poi con la sinistra, e poi a mani alternate. Quella
che stai imparando a fare è una semplice terzina di ottavi. Quando si dice in gergo "terzina", ci si riferisce
in genere agli ottavi. Se non hai idea di cosa sia, bhe, l'obiettivo di questa sezione è proprio quello di
spiegartelo: una volta che avrai compreso il rapporto fra le terzine e le normali note, avrai fatto un
importante passo, che arricchirà moltissimo il tuo bagaglio di conoscenze, in quanto ti aprirà un nuovo
mondo di fill, di tempi, un nuovo modo di vedere la musica.
Nel riquadro di sopra è evidente come si costruisce la terzina di ottavi: basta "prendere" lo spazio
occupato dai due ottavi, "stringerli" e quindi aggiungervi un terzo ottavo. Dalla seconda immagine risulta
invece chiaro il rapporto tra ottavi e
sedicesimi (linee colorate), ed é
chiaro come invece la seconda e la
terza nota della terzina non siano in
corrispondenza delle note dei gruppi
binari (ottavi e sedicesimi).

ESERCIZI
Purtroppo non c'é un modo efficace per entrare subito in dimestichezza con questa nuova suddivisione, se
non quello di effettuare continui passaggi tra terzine e gruppi normali "binari".
Usiamo ora terzine e gruppi binari nella stessa battuta.

Come risulta chiaro dal midi allegato (click sull'immagine...), tutte e tre le note delle terzine hanno la
stessa durata, intermedia fra gli ottavi e i sedicesimi.

TERZINE DI SEDICESIMI E DI QUARTI

Il principio per le terzine di sedicesimi é lo stesso: prendere due sedicesimi, che "occupano" insieme un
ottavo, aggiungervi una nota dello stesso valore, cioè un sedicesimo, e suonare il tutto in modo da far
quadrare il gruppo con la nota in più. Il rapporto fra ottavi e sedicesimi é lo stesso di quello fra sedicesimi
e trentaduesimi, e anche qui le note della terzina sono sfasate rispetto alle altre note dei gruppi regolari.
Stesso discorso vale per le terzine di quarti (dette anche terzine a due tempi, appunto perché una terzina
occupa due movimenti). Non vorrei sembrare paranoico ma voglio insistere nel dire che una terzina, di
qualunque tipo, occupa lo stesso spazio di due note (duina) dello stesso valore: una terzina di sedicesimi
occupa due sedicesimi, cioé un ottavo, due terzine (sempre di sedicesimi) occupano quindi un quarto,
come é chiaro in figura; una terzina di quarti occupa due quarti, cioé un mezzo.

Le terzine - 2
Ora combineremo tutte le varie terzine già presentate nella sezione precedente con alcuni esercizi,
introducendo anche le pause. Suonate il tutto con colpi singoli alternati tra le due mani. Come sempre,
una volta compreso lo schema ritmico, cercate di curare anche il tocco e la sonorità. Clickate sulle
immagini per ascoltare i

MIDI.
RITMI BASE CON TERZINE
Le terzine possono essere usate sia come ostinato, cioè come accompagnamento sul ride/charleston, sia
come parte integrante del tempo, cioè suonando note terzinate come fill, oppure sul rullante, oppure con
la cassa. In questo primo esempio vediamo come usare le terzine di ottavi sul charleston come
accompagnamento in un tempo shuffle. Attenzione: se vogliamo che cassa e rullante siano suonati
all'unisono con il charleston, dovremo mettere il simbolo di terzina anche alle loro note corrispondenti. Se
non facessimo così, i colpi della terzina e gli altri colpi non sarebbero simultanei, e avremmo un effetto di
poliritmia, che vedremo in dettaglio in una prossima

sezione.

Questo secondo esempio è decisamente più "heavy" e fa un uso di doppia cassa in terzine, a cui poi
aggiungere, sempre in terzine, l'accompagnamento sulla campana del ride. É un esempio molto
stimolante, poichè incorpora anche terzine di sedicesimi, prima sul rullante (quarta battuta) e poi di
doppia cassa (ultima battuta). Nella quarta, ottava e nona battuta la parte sul ride è un tipicissimo
accompagnamento heavy metal: è stato usato e riusato dai tempi di Nicko McBrain degli Iron Maiden fino
ai giorni nostri. La sesta battuta è interessante perchè la terzina é scomposta fra campana del ride e
splash, che cade "in levare", cioè non inizia in corrispondenza del primo movimento, ma sul secondo
ottavo della prima terzina. La parte del ride fra la sesta e settima battuta é la stessa: semplicemente
nella settima scompare lo splash in levare. Studiate a fondo ognuna delle nove battute seguenti, quindi,
poichè con ognuna di quelle potreste metterci su un intero pezzo!! Ah, se la doppia cassa nell'ultima
battuta vi sembra molto veloce, non vi preoccupate, il fatto è che non ho potuto resistere dal farvi sentire
quanto possa far "decollare" un pezzo una buona doppia cassa.

I tempi dispari - 1
Andate a rovistare tra i vinili di musica classica del nonno, e cercate qualche disco di Strauss. La maggior
parte dei brani di questo compositore appartiene alla categoria dei valzer: se provate a portare il tempo
con le mani mentre ne ascoltate uno, noterete di non essere di fronte alla tipica cadenza della musica
trasmessa in radio. Gli accenti infatti si raggrupperanno a gruppo di tre, e non di quattro. Infatti il valzer
é l'esempio tipico di un tempo in tre quarti: suonandolo sulla batteria verrebbe spontaneo suonare la cassa
sul primo movimento (accento forte) e il rullante sugli altri due (entrambi deboli). Il tre quarti é solo uno
di tanti tempi che si possono suonare, che non siano il banale quattro quarti! Se é vero infatti che quasi
tutta la musica commerciale che si sente alla radio é in quattro quarti, questo é legato a motivi di
orecchiabilità: é facile ricordare un motivetto in quattro quarti, fischiettarlo e quindi ritrovarsi a
comprare il cd dopo qualche giorno! Immaginate gli Articolo 31 o Madonna, a fare un pezzo in sette
ottavi... Tuttavia, se imparerete a suonare in modo fluido in vari tempi differenti, non ve ne pentirete:
sarete in grado di suonare svariati generi e, anche all'interno dello stesso genere, sarete in grado (se il
gruppo vi segue) di comporre musica che segue l'andamento che piace a voi. Attenzione ovviamente a non
esagerare, perchè si rischierebbe di appesantire troppo i pezzi.
Va da se' che questa sezione del sito é utilissima per tutti quelli che suonano progressive, fusion o musica
"aulica" in genere... Benvenuti nel mondo dei tempi strani!! :-)

ESERCIZI
Iniziamo appunto dal tre quarti: se per suonare il quattro quarti bisogna portare il conto dei movimenti da
uno a quattro, ovviamente per il tre quarti si arriva a tre e si ricomincia... wow... se non ci fosse questo
sito!!

Non fatevi trarre in inganno: la sesta battuta é uguale alla prima!! Se ci siete cascati, riguardatevi le
lezioni precedenti, e ovviamente fatevi guidare dal midi. Potete praticare questo esercizio sul rullante,
con il metronomo a velocità crescente. Successivamente suonatelo fra rullante e primo tom, una battuta a
testa, così vi allenerete anche negli spostamenti. Inoltre, poiché va suonato a mani alternate, questo
esercizio é utile perchè spesso le battute iniziano con la mano sinistra.

Passare dal tre al cinque quarti é altrettanto immediato: non toglieremo più una nota di un quarto, ma la
aggiungeremo; dovremo quindi contare da uno a cinque e poi ricominciare. Solita storia. Di seguito,
qualche battuta di esempio in cinque quarti, giusto delle idee per stimolare la vostra creatività. Vi
fornisco direttamente delle parti da suonare su tutto il set, sperando che ormai il meccanismo vi sia
chiaro. Nel midi allegato, all'inizio di ogni battuta c'é un fischio, per aiutarvi a leggere lo spartito mentre
ascoltate il tutto. Nella penultima battuta c'é un ostinato in levare sul china, mentre l'ultima nota, come
avrete capito, sta a
significare che vengono
suonati
simultaneamente
charleston aperto e
china.

Infine, per quanto riguarda i tempi tipo sette quarti (tempo usatissimo da molti gruppi progressive), basta
pensarli come la somma di un quattro quarti e un tre quarti, oppure prima un tre quarti e quindi un
quattro quarti, a seconda di come ci risulta più comodo ma anche a seconda dell'andamento del pezzo, dei
suoi accenti e simili. Per esempio, se su sette movimenti, il nostro cantante fa un acuto al quarto, sarà più
facile pensare la parte come un tre quarti più un quattro quarti, che quindi inizia su un accento forte.

I tempi dispari - 2
SPEZZIAMO IL MOVIMENTO
No, non é un invito alla sedentarietà...
Il concetto base è questo: fino ad ora la nostra cellula minima di "quantizzazione" é stato il quarto.
Tuttavia molto spesso si ottiene una soluzione migliore aggiungendo o togliendo un ottavo dalla battuta.
Questo crea una strana mancanza di appoggio, come se qualcuno desse un colpetto al lettore CD facendo
saltare la musica.
In questo caso, possiamo conteggiare sia i quarti che gli ottavi. Contare gli ottavi però, se il tempo non é
lento, é abbastanza scomodo perché bisogna correre! Io preferisco contare i quarti: ovviamente l'ultimo
movimento, appunto perché spezzato, dura la metà nel conteggio.

Le prossime battute sono in sette ottavi, e ci soffermeremo su ognuna per evidenziarne caratteristiche
importanti, spesso già trovate nelle lezioni precedenti.

Questo primo esempio é abbastanza semplice:

accompagnamento sul charleston in ottavi, niente di
complesso, insomma giusto un'idea per farvi impratichire
col tempo. Notate che, se togliete la sbarretta verticale
che divide le due battute, otteniamo un sette quarti!
 Quest'esempio é più complesso, a causa
dell'accompagnamento, che in entrambe le battute
presenta parti in trentaduesimi (la parte é già stata
analizzata nella sezione fill...), e per via delle due
sincopi, verso il centro, in corrispondenza dei punti di
valore.

Ecco delle parti con accompagnamento in quarti: ovviamente in un tempo di 7/8 non entra un numero
intero di quarti, ma ne entreranno solo 3, più un ottavo (é semplice aritmetica...). Questo crea
l'andamento zoppicante di cui parlavo all'inizio, tipico dei tempi dispari.
Ascoltate il midi, noterete una pausa a metà: nella prima parte del midi sentirete suonare la prima e la
seconda battuta, mentre nella seconda parte sentirete la prima e la terza battuta. In questa seconda
parte noterete che l'accompagnamento non sarà più zoppicante, perchè nell'ultima battuta
l'accompagnamento é in levare.

Ecco una parte davvero interessante, con una

doppia cassa continua in sedicesimi, e
accompagnamento costante fra le due battute,
con charleston e china alternati (e quindi nella
seconda battuta l'accompagnamento é invertito).
Come prima, questa parte può essere vista come un sette quarti, se si ascolta solo la parte di batteria.
Tuttavia, se suonata per accompagnare uno strumento che esegue una parte chiaramente in sette ottavi
(per esempio un riff di chitarra), sarà molto bello l'effetto che si verrà a creare, cioé un chiaro andamento
in levare nelle battute pari. Inutile dire che Portnoy é maestro per quanto riguarda queste cose!!

Proviamo ora a cimentarci con il nove ottavi. É ovvio che dovremo aggiungere un ottavo a un normale
quattro quarti; si avrà ciò un tempo come il sette ottavi, ma con un quarto in più. Anche questo tempo é
parecchio usato, soprattutto in ambito progressive (per i fan dei Dream Theater, basti pensare all'inizio di
Voices!). Segue un dinamico esempio di 9/8. Notate come togliendo l'ultimo ottavo si ottiene un semplice
4/4, mentre, aggiungendone uno alla fine, si ottiene un 5/4.

Vediamo infine come comporre tutto quello che abbiamo studiato fino ad ora. Immaginiamo che venga il
nostro bassista, con una bella parte di basso, un riff della durata di 15 ottavi. Possiamo pensare questi 15
ottavi come la somma di un tre quarti e di un nove ottavi, oppure il contrario, o magari un quattro quarti
e un sette ottavi; tutto ciò dipende, come già detto, dagli accenti e dalla cadenza del pezzo. In questo
caso, uno slap potrebbe essere un buon indicatore di come dividere le due parti: uno slap sulla nona nota,
ci porterà senz'altro a dividere il pezzo in un quattro quarti, e un sette ottavi che inizia sullo slap.
 Vediamo quest'ultimo esempio.

I rudimenti
Fai click sul rudimento per sentirne il MIDI. Puoi anche scaricarli. Una volta ascoltato il rudimento fai click
su back per tornare indietro.
Domande Frequenti sulla batteria
FAQ = Frequently Asked Questions. Ovvero le domande fatte di frequente.

Ebbene sí, come ogni sito che si rispetti, anche questo ha diritto a una sezione che risponda ai dubbi più
comuni, domande e incertezze che mi vengono poste via e-mail, e che ho deciso di riunire in queste righe,
per evitare di dover rispondere dieci volte in un mese agli stessi amletici dubbi... Cominciamo!

Come si leggono le TABLATURE su internet??

É probabilmente questa la maggiore hit nella mia mailbox. Allora, il principio é analogo a quello dei
normali spartiti di batteria, che potete imparare a leggere nella sezione apposita su questo sito.
Purtroppo, da un punto di vista di ingombro e quindi di tempi di scaricamento, pubblicare sulla rete
spartiti di intere canzoni, con dei file gif (seppur in bianco e nero), é molto svantaggioso. Ecco perché
proliferano sul web le tablature, scritte con caratteri alfabetici e quindi più leggere come ingombro, più
veloci da scaricare e probabilmente più facili da capire per chi é a digiuno di musica.

Il rovescio della medaglia é che non c'é uno standard, e ogni batterista/tablatore/webmaster usa una sua
simbologia per scrivere i brani. La legenda in genere é la seguente:

 c: cymbal (cioé piatto), in genere crash. Si trova anche cy, o cym, o cc

 r: ride, indicato spesso con rc (ride cymbal)
 h: hihat, vale a dire charleston per noi rozzi Italiani. Spesso segnato con hh. Il charleston aperto
viene indicato, sempre sullo stesso rigo, con un cerchietto: o.
 s: snare drum, rullante. Spesso segnato con sd
 b: bass drum, e quindi cassa. Si trova anche bd, oppure k (kick drum). Il significato é sempre
quello.
 t1, t2, t3: ovviamente si parla dei tre tom. Spesso segnati con ht, mt, ft, rispettivamente high
tom, mid tom and floor tom.

Vi propongo uno stralcio di tablatura, giusto un esempio.

C |x---------------|
H |--x-x-x-x-x-x-x-|
S |----o-------o---|
B |o-----o---o---o-|
Quindi: crash all'inizio assieme alla cassa, poi per tutta la battuta charleston in ottavi. Rullante sul
secondo e quarto movimento, mentre la cassa é in levare su tutti e tre gli altri movimenti (cioé,
scomponendo il movimento, sulla seconda metá). Per sapere se la x corrisponde al charleston aperto o
chiuso, bisogna davvero chiedere a chi ha scritto le tab. In genere le x maiuscole sono per il charleston
aperto, mentre i cerchietti maiuscoli (per i tamburi), se usati insieme ai minuscoli, servono per
distinguere i due volumi differenti che dovrete usare. Il mio consiglio é sempre quello di leggere prima
la sezione sul pentagramma, perché poi sarà immediato capire come suonare le (brutte) tablature che
popolano la rete. Brutte, sí: immaginate a quali espedienti bisogna ricorrere per scrivere terzine, accenti
e roba simile...

Come posso insonorizzare il mio locale?

C'e' tutta la sezione "il suono" che fa per voi. Dovreste leggerla tutta, a partire da questa pagina. Se volete
andare subito al sodo, le sezioni da consultare sono principalmente quelle sull' isolamento e
sul trattamentoacustico.

Dove posso trovare dei siti con tablature??

Un tempo ce n'era qualcuna anche qui, ma ho deciso di toglierle. Potete cercare invece su:

Drum Score Archive, o direttamente su google cercando "drum tab".

Come faccio a suonare più velocemente il doppio pedale ?

Allora, come premesse, se non le ricordate andatele a leggere nella sezione apposita. Ve le riassumo in
breve:

 Studiare col metronomo a velocita' lentamente crescenti, e' importantissimo, e ogni volta iniziare
lentissimi per evitare indurimenti muscolari
 Non trascurare un minimo di allenamento fisico per gambe e cosce, per acquisire un po' di
resistenza che non guasterebbe
 Cercare di suonare sfruttando e non soffocando il rimbalzo del battente, causato dalla pelle e
dalla molla. Non forzare il colpo, ma accompagnare la piastra dei pedali. Inoltre regolare la
tensione della pelle battente della cassa in modo che si raggiunga un compromesso tra suono di
qualità ma tensione adeguata per un minimo di rimbalzo
 Disporre il set in modo da non sbilanciarsi: muovendo entrambi i piedi, tutto il corpo si regge solo
sul seggiolino, che quindi deve essere robusto e fermo. Disporre i piatti in modo che siano
facilmente raggiungibili senza interrompere la parte coi pedali
 La maggior parte della gente suona coi tacchi alzati, muovendo le punte con un movimento di
caviglia e polpaccio, ma anche le cosce fanno il loro lavoro tenendo sospese, in parte, le gambe.

Ovviamente si sottintende che il pedale sia buono e non faccia giochi, quindi se dovete comprarlo fidatevi
delle solite marche (Tama, DW, Mapex, Yamaha, Pearl...).

Gli esercizi da fare sono i soliti e potete arrivarci da soli: colpi singoli e doppi, prima su un solo pedale
(che so: due minuti di ottavi con metronomo a 100 prima per il destro, poi per il sinistro, e poi insieme,
alternati, facendo sedicesimi). Poi aumentrea la velocita', magari di 3 BPM alla volta, sempre la stessa
serie di esercizi. Provate anche coi colpi doppi, e vi accorgerete che e' molto piu' difficile. Provate anche
con terzine e paradiddle.
Che altro... bhe per iniziare penso basti! Ultimo consiglio: non abbiate fretta, i progressi vengono con gli
anni.

Quali BACCHETTE devo comprare??

Bhe, se potessi dare una risposta certa a questa domanda, allora sul mercato non esisterebbero tutti i vari
modelli che invece esistono. Probabilmente avrete sentito parlare di 5A e roba simile. Le lettere e i
numeri funzionano più o meno cosí: se il numero aumenta si va verso modelli più longilinei e leggeri,
viceversa se aumenta la lettera, si va verso modelli più pesanti. Quindi un paio di 7A sarà più leggero di un
paio di 5A, e probabilmente saranno preferite da un jazzista, mentre le 5B andranno bene per fare hard-
rock pesantino o heavy metal, perché più pesanti delle 5A (attenzione: saranno -ovviamente- anche più
lente). Consiglio finale: iniziate dalle 5A e sperimentate poi con altri modelli. Per sapere quali marche
comprare: spesso sono equivalenti, tuttavia le più famose sono Pro Mark, Vic Firth, Vater e Rim Shot.

Infine: tutte le bacchette tendono a rompersi; soprattutto quando si é principianti se ne può rompere un
paio alla settimana. Ho notato che spesso le Pro Mark durano di più, magari datemi conferma di questo.

Le mie bacchette si distruggono dopo pochissimo tempo!!

Colpa vostra sicuramente!! Innanzitutto cercate di non colpire i bordi di tom e rullante nei vostri fill, poi
abbiate cura di colpire i piatti, appunto, di piatto, e non perpendicolarmente alla superficie!! Infine, se
tutto ciò fosse inutile, considerate di passare a un modello più pesante e quindi più robusto.

Sulle pelli dei tom si formano delle conchette/ammaccature

Probabilmente dovete disporre i tom in modo che siano meno inclinati: suoneranno meglio ed eviterete di
ammaccare le pelli. Abbiate cura di cambiare le bacchette se queste si danneggiano, soprattutto in punta.

Che charleston mi consigli?? E che pedale posso prendere con tot euro??
Messaggi comunissimi. Il consiglio che vi do é di andare sul forum e:

 Cercare informazioni sui prodotti che vi interessano nella sezione batteria e piatti, sicuramente se
n'e' parlato
 Se non doveste trovare quello che vi interessa, potete aprire un nuovo topic di discussione e
vedere se qualcuno fra gli oltre 1500 iscritti può darvi un parere sull'oggetto in questione. 1500
pareri sono meglio del mio :-).

Le onde
In queste pagine cercheremo di capire di più sulla natura del suono, in quanto la comprensione di
fenomeni base di acustica ci tornerà utile in molte situazioni (insonorizzazione, registrazione,
accordatura...).
Col termine "suono" viene di solito indicato l'insieme dei due seguenti fenomeni:

 Propagazione in un mezzo elastico di onde prodotte da una sorgente messa in vibrazione

 Interpretazione di queste onde da parte dell'uomo, mediante il complesso orecchio-cervello

É sempre difficile dare una definizione a qualcosa che accettiamo passivamente, perché facente parte
della nostra vita quotidiana!
Vediamo come nascono e si propagano queste onde.

GENESI DI UN COLPO DI RULLANTE

Abbiamo detto che la sorgente sonora, per produrre il suono, deve essere messa in vibrazione. Per fissare
le idee pensiamo alla bacchetta che colpisce la pelle del rullante. Questa viene subito messa in
vibrazione, e con essa l'intero corpo del rullante. Queste vibrazioni sono periodiche, ossia se potessimo
vedere al rallentatore un filmato della pelle (magari girato con una telecamera di quelle usate per
"Matrix"), vedremmo che questa compie delle oscillazioni regolari nel tempo, come quelle di un pendolo,
per esempio. Vediamo più in dettaglio come questo avviene.

La punta della bacchetta schiaccia il centro della pelle, questo si abbassa e tira con se' la zona di pelle
circostante, e cosí farà questa zona di pelle con quella ancora più esterna, con un processo a catena.
Quando la forza del colpo é bilanciata dalla tensione della pelle, il centro di questa, arrivato nel punto più
basso, inizierà a risalire, portando con se' la zona di pelle circostante e cosí via, nel modo analogo al
precedente. Per inerzia, la pelle non potrà
fermarsi nella situazione di riposo, ma verrà
"tirata" dalla parte opposta. Nuovamente, si
arriverà al bilanciamento tra le forze quando il
centro della pelle raggiungerà il punto più alto, e
scenderà nuovamente. É un po' quello che accade
lasciando cadere un peso attaccato a una molla,
oppure facendo rotolare una biglia in una coppa
semisferica... In natura sono molti i fenomeni
oscillatori, e sono governati tutti dalle stesse leggi
del moto armonico.
Tornando al rullante, quello che si verifica é che si
generano delle onde circolari intorno al centro
della pelle (come nell'immagine accanto, anche se
enfatizzate). I movimenti della pelle influenzano, ovviamente, anche l'aria circostante: quando il centro
della pelle é schiacciato, l'aria all'interno del rullante subisce una compressione, e la trasmette alle
molecole vicine, e cosí via, con lo stesso effetto a catena già visto. Viceversa quando la pelle si distende,
l'aria subisce una rarefazione, e anche questa rarefazione viene trasmessa. L'unica differenza tra onde
nella pelle e onde nell'aria sta nel numero di dimensioni coinvolte: sulla pelle le onde sono circolari, e in
definitiva sono vincolate a un piano (esempio tipico: il sasso nello stagno); nell'aria invece le onde sono
sferiche, e si propagano in tutte e tre le dimensioni.
Una cosa importante da notare in entrambi i casi é che le singole molecole di aria restano ferme durante
la propagazione dell'onda, o meglio si muovono quel tanto che basta per trasferire il moto alle molecole
limitrofe, e poi tornano in posizione. Si dice che é la forma dell'onda a muoversi, e non le molecole.

Abbiamo detto che la pelle "torna indietro" quando la sua tensione bilancia la forza impressa: ora avrete
certo capito il nesso fra tensione della pelle e altezza del suono prodotto dal rullante: se la pelle é tesa, il
bilancio delle forze avviene subito, la pelle si muove velocemente e produce velocemente le onde, con
un'alta frequenza: il suono che risulta é acuto. Viceversa, se la pelle é allentata, questa si muove
lentamente, produce onde con una frequenza bassa, e il suono che percepiamo é grave.

Il suono finirà quando la pelle e il fusto del rullante smetteranno di vibrare. Questo accade dopo un tempo
rapidissimo, per vari motivi: dissipazione di energia in calore (avviene in ogni fenomeno elastico);
dispersione di energia, per esempio trasmessa attraverso il reggirullante al pavimento (per questo le
meccaniche migliori non sono fissate ai pezzi, ma collegate elasticamente per evitare la trasmissione
diretta di energia), e interferenza con le onde che, una volta arrivate al bordo della pelle vengono riflesse
indietro e tendono a smorzare le nuove onde che si generano.

Il ruolo del fusto, in tutto ciò, é di fornire risonanza e colore al suono: senza fusto sentiremmo solo il
suono della bacchetta che impatta sulla pelle, ma il suono sarebbe davvero cortissimo e plastico. Il fusto
prolunga e modella il suono, che ne rispecchierà le caratteristice del materiale, con gli armonici.

Se mi avete seguito fin qui, tirate un sospiro di sollievo: questo meccanismo si applica a tutti gli strumenti
musicali, non solo a quelli a percussione, ma anche a quelli a corda (questa volta però le onde si
propagano in una sola dimensione), e, seppur con metodiche diverse, anche a quelli a fiato e alla voce.

GRANDEZZE CARATTERISTICHE DELLE ONDE

Cerchiamo ora di mettere ordine ai concetti e di dare un nome alle varie grandezze caratteristiche di
queste onde:
  frequenza: il numero di volte che il corpo oscilla in un secondo, e quindi anche il numero di onde
generate in un secondo. Viene misurata in Hertz [Hz], appunto cicli al secondo, e indicata spesso
con una f. Come già detto, le differenze di frequenza vengono interpretate dall'orecchio/cervello
come differenze di tonalità.
 velocità: concetto abbastanza intuitivo, i metri di spazio attraversati in un secondo. La velocità
dipende dal materiale in cui si diffondono le onde e dalla temperatura. Per esempio, nell'aria a 10
gradi centigradi la velocità é di 337 m/s, nell'acqua é mediamente 5 volte tanto, nell'acciaio e nel
cemento é quasi 10 volte tanto. La velocità é indicata con v.
 lunghezza d'onda: la distanza fra due fronti d'onda successivi. Per fronti d'onda intendiamo punti
in cui l'onda assume valore massimo, ma potremmo prendere qualsiasi punto in cui le due onde
hanno lo stesso valore. Se parliamo di onde acustiche, questa viene di solito misurata in metri o
suoi sottomultipli, e indicata con la lettera greca lambda .

Queste tre grandezze sono collegate fra loro mediante la seguente formula:
Noti quindi due parametri si può ricavare il terzo. Ci sono altre due grandezze da ricordare:

 periodo: il tempo che intercorre tra due

vibrazioni successive del corpo che genera il
suono, e quindi il tempo fra la nascita di due
onde successive. Viene misurato in secondi, o
suoi sottomultipli. É l'inverso della frequenza.
Per una frequenza x, il periodo é 1/x.
Ovviamente vale il viceversa.
 ampiezza: é l'unica grandezza slegata dal
tempo. É legata alla potenza e all'intensità delle
onde, e indica il massimo spostamento dall'asse
orizzontale. Mentre le variazioni di frequenza
vengono interpretate come suoni di tonalità
diversa, l'ampiezza viene interpretata
dall'orecchio come volume. L'ampiezza viene indicata spesso con A.

Nell'immagine vedete un'onda sinusoidale. La sinusoide é una funzione periodica, cioé assume, a intervalli
regolari di tempo, lo stesso valore, e schematizza per noi la rarefazione e compressione dell'aria (striscia
sfumata al di sotto). I massimi dell'onda sono i punti in cui la compressione é massima, il contrario per i
minimi. I punti dell'asse orizzontale corrispondono agli zeri, ovvero i punti in cui si passa da rarefazione a
compressione e viceversa, insomma i punti in cui l'aria é inalterata rispetto alle condizioni normali.
Il suono, nella maggior parte dei casi, deriva dalla somma di vari armonici, ovvero varie onde sinusoidali
semplici. Nella prossima pagina cercheremo di capire meglio la questione.