MARZO 20244

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40 ANNI DI POWERSLAVE!

1984 BRUCE DICKINSON RINGO STARR

L’ANNO IN CUI
CU TUTTO
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TU TT CAMBIÒ THE
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Bob Dylan e le emorroidi
di Napoleone
“È
ridicolo, comico e triste che certa
gente abbia impiegato tanto del pro-
prio tempo a pensare a qualcun altro.
E poi, a chi? A me? Fatevi una vita,
per cortesia”. Così tempo fa Bob Dy-
lan liquidò tutti quelli che da anni si sforzano di inter-
pretare il significato delle sue canzoni. Ma si sa, Dylan
è sempre stato e ancora oggi desidera restare inaffer-
rabile, quindi la sua uscita sarcastica non sorprende
più di tanto. In realtà, che a lui piaccia o no, ogni feno-
meno artistico viene prima o poi storicizzato e diventa
oggetto di studio, di analisi e di interpretazione. E non
c’è dubbio che oramai anche il rock, una settantina di
anni dopo la sua comparsa, si trovi in questa situazio-
ne. Ben vengano dunque approfondimenti e riflessioni
utili a inquadrarlo meglio e, magari, a presentarlo nel
modo giusto alle nuove generazioni, a chi non l’ha co-
nosciuto se non di riflesso e di seconda o terza mano.
In questi giorni sto leggendo un libro che riguarda,
guarda caso, proprio Bob Dylan. Un
libro che fin dal titolo susciterebbe
in lui commenti feroci, ma che a
mio avviso ogni dylaniano farebbe
invece bene a leggere. Mi riferisco
a Bob Knows. Conversations with
Dylanologists. Lo ha scritto Marco
Zoppas, un traduttore e insegnan-
te di inglese trevigiano trapiantato
a Roma, già autore di Ballando con
mr. D (dove nel 2016 previde prima
Abbonati!
Scopri come a pag. 112
In copertina:
Iron Maiden
di tutti l’assegnazione del Premio Nobel a Dylan) e di
Da Omero al rock. Anziché limitarsi a scrivere di Dylan,
stavolta Zoppas ha conversato con alcuni dei dylano-
logi più riconosciuti a livello internazionale: giusto per
fare qualche esempio, con Graley Herren (docente di
Inglese alla Xavier University della Louisiana) ha ri-
voltato come un pedalino TIME OUT OF MIND; con
Stephen Daniel Arnoff (CEO del Fuchsberg Jerusalem
Center, un centro religioso e culturale di Gerusalem-
me) ha discusso della eredità spirituale di Dylan; con
Aubrey L. Glazer (rabbino capo della Congregazione di
Beth Abraham di Dayton, Ohio) ha accomunato in una
riflessione sulla cabala Dylan, Leonard Cohen e Stanley
Kubrick; con lo scrittore e musicista Giulio Pantalei ha
sottolineato le “affinità elettive” esistenti tra Dylan e
David Lynch; con lo storico inglese Phil Mason (uno
dei suoi libri s’intitola Napoleon’s Hemorrhoids: And
Other Small Events that Changed History) ha affronta-
to il tema del messaggio cristiano di Dylan. Insomma,
tutto fuorché il solito bla-bla al qua-
le siamo abituati quando si tratta di
libri su icone del rock. Il lavoro di
Zoppas mi ha colpito molto, anche
perché conferma ciò che da tempo
stiamo sostenendo in queste pagi-
ne: che il rock è un universo ancora
tutto da raccontare. E che non esi-
ste un solo modo di farlo.
Maurizio Becker
mauriziobecker@stonemusic.it
Trovi i suoni
di Classic Rock
Anche sul web. www.stonemusic.it
Contributors
Maurizio Becker
Ha scritto per «Ciao 2001»,
«Il Mucchio Selvaggio», «Blu»
e «Music & Arts». In tv ha
lavorato con Gianfranco Funari
e Sergio Zavoli, in radio ha
condotto Stereonotte. Fra i suoi
libri, C’era una volta la RCA –
Conversazioni con Lilli Greco
e Quanto mi dai per Endrigo?.
Dal 2014 è caporedattore di
«Classic Rock».
Gianni Rojatti
Chitarrista, inizia a scrivere di
musica e chitarristi nel 2003 su
«Chitarre». Oggi è direttore artistico
di Accordo.it (coordina la sezione
didattica). Ha pubblicato libri e
manuali di tecnica chitarristica,
tra cui uno su Andy Summers dei
Police. Come chitarrista, è stato
l’Opening Act europeo del Passion
& Warfare Anniversary Tour di
Steve Vai del 2016.
4
Barbara Caserta
A nove anni i Kiss le cambiano
la vita e picchiare sulla batteria
diventa il suo sport preferito.
Giornalista e fotografa dal
1990 («Hard!», «Rock Show»,
«Monsters», «Rock Hard»,
«Classic Rock»), traduttrice,
conduttrice su Linea Rock
(Radio Lombardia TV). Da
gennaio 2022 cura le p.r. di
«Classic Rock».
Cristiana Turchetti
Giornalista, autrice televisiva
e sceneggiatrice, ha iniziato
collaborando con riviste come
«Rockerilla» e «Velvet» e a Londra
con «Rock Sound», «Tattler» e
Mtv. In Rai è dal 1998 uno degli
autori di Blob. Per la Cineteca
Nazionale, insieme a «Classic
Rock», organizza periodicamente
giornate di rock e cinema.
Francesco Coniglio
Negli ultimi 20 anni ha dato alle
stampe più di 200 volumi sulla
musica. Ha fondato le riviste
«Musica Leggera» e «Vinile».
Ha pubblicato per Sprea Editori,
Coniglio Editore, Mare Nero,
Acme, Macchia Nera, Iacobelli,
Castelvecchi, Arcana. Ha diretto
«Classic Rock» dal 2014 al 2023.
Luca Perasi
Nel 2013 pubblica Paul
McCartney: Recording Sessions
(1969-2013), nella Deluxe Edition
di WILD LIFE. Tra le altre sue
opere, I Beatles dopo i Beatles e
Paul McCartney: Music Is Ideas.
Le storie dietro le canzoni (Vol. 1)
1970-1989. Nel 2022 collabora con
la MPL, il team di McCartney,
per The 7” Singles Box. Scrive su
«Classic Rock» dal 2016.
Luca Fassina
È stato caporedattore delle
riviste «Monsters!» e «Hard!»,
collaboratore editoriale per
Mondadori, De Agostini
Periodici, Italia 2, Rollingstone.
it, senior editor per il mensile
«Metal Maniac», dal 2012
collabora con «Classic Rock».
Ha pubblicato numerosi libri
per Tsunami Edizioni e Crac
Edizioni.
I volti dietro «Classic Rock»
Mario Giammetti
Esordisce nel 1988 con il libro
Genesis Story. Nel 1991 fonda
la fanzine sui Genesis «Dusk».
Ha scritto su «Ciao 2001»,
«Rockstar», «Jam», «Music
& Arts», «Free», «Rockerilla»,
«Guitar Club» e «Classix».
Collabora a «Vinile». La sua
bibliografia
sui Genesis ammonta ormai a
una quindicina di volumi.
Mario Giugni
Ha collaborato con «Tutti Frutti»,
«HM», «Ciao 2001», «Music»,
«Classic Jazz» e «Vinile». Per la
RAI ha scritto per il programma
tv Doc Music Club. Come autore
di testi, redattore e compilatore
ha realizzato opere per l’edicola
per DeAgostini, Armando
Curcio, Fabbri e Hobby&Work.
Sommario MARZO 2024 #133

18 / Big Big Train 54 / Ringo Starr

Dopo la tragica scomparsa di David Longdon, gli inglesi
ripartono da una voce italiana.
20 / Anteprima: Vivo dal vivo 2010-2023
Il nuovo libro di Carlo Massarini è un appassionato omaggio alla
musica live. Ve ne offriamo un assaggio.
31 / Cover Story
Iron Maiden: 40 anni di POWERSLAVE
Quando fu il momento di realizzare il successore di PIECE OF
MIND, i Maiden sentirono di dover tirar fuori qualcosa di davvero
speciale. E arrivò POWERSLAVE. Ma quel 1984 rappresentò
una svolta anche per tutto il resto del rock. Tanto che oggi
lo ricordiamo come l’anno in cui tutto è cambiato.
Nel corso della primavera del 1973, le riviste musicali di tutto
il mondo sono scosse da una notizia che sembra incredibile,
ma che i fatti s’incaricheranno di consegnare alla storia: si parla
di una reunion dei Beatles in studio. Accadrà solo in parte.
64 / Classic Rock Interview:
Bruce Dickinson
Cacciato dal collegio e diventato frontman del gruppo heavy
metal inglese più famoso di sempre, questo “piccolo rompipalle
chiacchierone” ha tirato di scherma per il suo Paese,
preso il brevetto di pilota civile, pubblicato sette dischi solisti,
scritto romanzi e sceneggiature e fatto altro ancora.
Una vita piena? Solo a metà.
74 / Opus Avantra
Un lussuoso box retrospettivo mette in ordine la storia
di un collettivo che è un fiore all’occhiello dell’avanguardia
musicale europea.

Classic rock Stampata su carta

è una rivista
a basso
impatto

54 Ringo Starr
Quasi una reunion
ambientale. ¯  
   
holmen.com/paper
 74 Opus Avantra
Libertà postmoderna

Regulars
8 / The Dirt 26 / Q&A 104 / Live Review
Le novità, le anticipazioni, i rumour: Steve Hackett Antonio Onorato, Lucio Corsi, Umphrey’s
il biopic sui Ramones è in fase di McGee: tanto freddo fuori, temperature
produzione. Anzi no. 60 / Feedback tropicali sotto il palco.
Oggi lo chef propone: Swanz The Lonely
12 / Record Store Best Of Cat incontra Shakespeare, la sorpresa 110 / Opinioni
Carù Libri e Dischi – Gallarate The Devils e il ritorno dei Modern Chiacchiere da bar su un argomento
English. spinoso.
14 / Don Henley
The Boys of Summer 78 / Hard Stuff 113 / Soundtrack
Le novità discografiche, le ristampe, Of My Life
16 / Stonemusic i libri, i fumetti, ma anche i consigli Justin Hayward
Le ultimissime, direttamente per chi la musica la crea.
dal nostro sito.

7
DENTRO I MONDI DEL ROCK
news@classicrockitalia.it

Ramones:
fratelli
coltelli

8
 Netflix annuncia il biopic
sui quattro finti fratelli
del punk:
ma gli eredi alzano
le barricate.

Testo: Alessandro Bottero

“I
l punk esiste a causa della falsa assunzione secondo
la quale i Ramones possono essere imitati”. Così nel
1992 sentenziava la rivista «Spin», ponendo i Ramo-
nes (definiti The Fast Four) al secondo posto nella
classifica dei 50 migliori gruppi rock’n’roll di tutti i
tempi, dietro solo ai Beatles (The Fab Four) e davanti a Rol-
ling Stones, Led Zeppelin e altri giganti. Nei ventidue anni di
carriera (1974-1996), i Ramones hanno pubblicato quattordi-
ci dischi di studio e tenuto 2.263 concerti (cifra ufficiale), con
una media di due alla settimana. Nel 1996 si sono sciolti e nel
2002 sono entrati nella Rock and Roll Hall of Fame, risultato
impensabile quando si esibirono per la prima volta al CGBG,
un malfamato club per travestiti e “popolo della notte” di NY.
Da allora molte cose sono accadute. I membri originali dei
Ramones sono tutti morti, sono stati pubblicati libri e auto-
biografie, i diritti sull’eredità del gruppo sono stati divisi al
50% tra gli eredi di Joey Ramone (il cantante) e Johnny Ramo-
ne (il chitarrista), con litigi e guerra fredda tra le due parti in
causa. Spinta anche dal successo dei film dedicati a Queen e
Elton John, Netflix ha annunciato la messa in produzione di
un biopic sul gruppo icona del punk rock americano, basato
sul libro biografico del fratello (vero) di Johnny Ramone – fra-
tello “vero” perché, com’è noto, i Ramones non erano affat-
to fratelli, né parenti e addirittura, a quanto pare, non erano
nemmeno così amici tra loro. Comunque sia, Netflix annun-
cia il suo progetto, affida al comico Pete Davidson il compito
di adattare per il grande schermo il libro I Slept with Joey Ra-
mone, scritto dal fratello di Joey Ramone, Mickey Leigh (alias
Mitchel Hyman) e sceglie un regista, Jason Orley. A questo
punto entra in gioco la vedova di Johnny Ramone, Linda, che
il 21 gennaio 2024 blocca tutto con un’ordinanza di un tribu-
nale di Manhattan, sostenendo che gli script da lei visionati
mostrerebbero solo la versione di Joey e rappresenterebbero
“un’ingiustizia verso il gruppo e la sua eredità”. Come finirà?
Probabilmente con una revisione dello script, per arrivare a
una versione più equilibrata e asettica. In fin dei conti, la “fa-
miglia” Ramone era punk sì, ma anche attentissima alle impli-
cazioni economiche della propria attività.

9

Rock Tales
RETROSCENA E LEGGENDE METROPOLITANE DAL MONDO DEL ROCK
A cura di Cristiana Turchetti
Cast a spell
Quando si tratta di groupie, non c’è dub-
bio che il nome più conosciuto sia quello
di Cynthia Albritton, alias Cynthia Plaster
Caster. La fama se l’è conquistata colle-
zionando un tipo di memorabilia un po’
particolare: stampi in gesso degli ambitis-
simi organi genitali delle rock and roll star.
Cynthia si è ispirata al suo amore per il
rock, agli “uomini meravigliosi che faceva-
no musica fantastica” e che erano diventa-
ti il fulcro della sua vita. Ma come era nata
questa insolita specialità? Con sua grande
delusione, Cynthia aveva scoperto di non
essere l’unica giovane donna che cercava
di infilarsi nel letto dei suoi miti. Quindi ini-
zia a immaginare di fare qualcosa in grado
di sbaragliare la concorrenza. Il progetto
inizia a Chicago, nel 1968, mentre frequen-
ta la scuola d’arte, quando un insegnante
sfida gli studenti a realizzare un calco in
gesso di “qualcosa di solido che possa man-
tenere la sua forma”. Quella è la scintilla!
La notte seguente, Cynthia va al concerto
di Paul Revere and the Raiders. All’after-
party, si avvicina al cantante e al chitarri-
sta e fa la sua insolita richiesta. Non accade
nulla, ma nella comunità rock si sparge la
voce. Proprio in quei giorni Jimi Hendrix
arriva a Chicago e accetta la sua proposta,
diventando la prima rock star a posare per
Cynthia Plaster Caster. Anche anni dopo,
lei continuerà a definire Hendrix il model-
10
lo migliore della sua ricca collezione.
Dopo Jimi, la fama della Plaster decolla e
molte altre rock star chiedono un calco:
Jello Biafra, Chris Connelly, Wayne Kra-
mer e Jon Langford sono solo alcuni fra i
tanti che hanno “posato” per Cynthia nel
corso degli anni. Poi Frank Zappa, malgra-
do non avesse alcun interesse a immorta-
lare il suo gioiello, intuisce il valore com-
merciale di quell’iniziativa e invita Cynthia
Plaster Caster a Los Angeles per allestire
una mostra. Sfortunatamente, l’evento
che Zappa aveva immaginato non avrà
mai luogo: non erano molti, infatti, i musi-
cisti che dopo essersi concessi alla Plaster
avrebbero rinunciato a tenersi la scultura.
Come dichiarò Zappa all’epoca, “i peni
ingessati non riescono mai a mantenere i
risultati promessi”. Nel tempo, nonostante
avesse realizzato soltanto 48 falli di gesso,
Cynthia Plaster Caster si è guadagnata la
reputazione della groupie più leggendaria
della musica rock. Muore nel 2022, e verrà
ricordata come una pioniera della rivolu-
zione culturale degli anni Sessanta. Tanto
che la storica e accademica femminista
americana Camille Paglia ha detto di lei:
“Tutti pensavano che fosse una cosa de-
gradante. Io ero dell’opinione diametral-
mente opposta. Il lavoro di Cynthia era
totemistico e simbolico della donna che
prende il controllo della situazione”.
Tesori Sepolti
A cura di Franco Brizi
DR. Z
THREE PARTS TO MY SOUL
VERTIGO, 1971
Quotazione: 3000 euro
Come lascia
intuire il sottotitolo
“Spiritus, Manes Et
Umbra”, il concetto
ǬŢŸƦŸǬēŸĚġŢŢғöŢĒƼū
è la divisione
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dal tastierista, clavicembalista nonché
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suo percorso musicale è una convulsa
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dominanti vengono impostate dal
ēŢöǔŊēġūĒöŢŸēöĚġŭǥöƴŸĚŊjġǛġƦѢ
assecondato da una ritmica elementare
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sontuosa copertina apribile ideata
Ěö öƞŭġǛ ƼĒĒŢġƦѢġŭŸŭŸƦƴöŭƴġŊŢ
Una convulsa
espressione dark
marchio Vertigo sia ormai sinonimo di
ļöƞöŭǥŊöѢŊŢĚŊƦēŸİƼŭǭŸƛēŸūūġƞēŊöŢġѧ
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disco dal mercato: in giro ne rimangono
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§ªÀ²À„w沄ÇmİƼŭŸĚġŊƴŊƴŸŢŊƛŊDŽ
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ŞöƞūöŢŸƞŊƛƞŸƛŸŭġŊŭǔŊŭŊŢġēŸŢŸƞöƴŸѧ
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 i migliori negozi
di dischi, in italia
e nel mondo

Carù libri e dischi

C
A Gallarate c’è un posto ome ha iniziato a lavorare nell’azienda
storico che il prossimo di famiglia?
I miei genitori hanno aperto una libreria nel ’42,
settembre compirà poi hanno inserito i dischi tra gli anni Quaranta
cinquant’anni e che e Cinquanta. Quando ero ragazzo, negli anni ’60
nel 2014 è stato dominava il 45 giri. Avevamo una compagnia che si ritrovava
ad ascoltare musica e una sera un amico ha messo sul piatto
nominato dal britannico AFTERMATH dei Rolling Stones: è stata la prima volta in cui
«The Guardian» abbiamo assaggiato un album, da lì il vinile è diventato parte
tra i dieci migliori negozi integrante della nostra vita di musicisti e musicofili. Nel 1967
ho piantato gli studi e mi ero messo a fare il venditore nel ne-
di dischi al mondo. gozio di papà. Ho aperto questo negozio nel 1974.
Lo dirige ancora oggi
Paolo Carù.
Come sceglieva i dischi da vendere?
Cercavamo di leggere i giornali stranieri per capire cosa usci-
va. I fornitori esteri ti davano liste di dischi che stavano per
essere pubblicati. A un certo punto ho creato le mie riviste,
Testo: Luca Fassina per spiegare il perché ci fosse una certa musica e perché ci
Foto: courtesy of Carù Libri e Dischi piaceva, per farla conoscere. Abbiamo preso spunto dal «Rol-
ling Stone» americano, che è stata la prima rivista importan-
te che ho avuto fra le mani. Però dopo abbiamo fatto le cose
come volevamo noi, anche perché, scusa, eravamo tutti ap-
passionati: il «Mucchio Selvaggio» nel 1977, «L’Ultimo Busca-
dero» nel 1980… In Italia in quel periodo le riviste non erano
così specializzate.

Come avete vissuto l’avvento del Cd?

Il Compact disc ha preso abbondantemente piede verso la
metà degli anni Ottanta, anche grazie a un momento di fles-
sione del vinile. L’abbiamo accettato, ma non abbiamo mai
smesso di vendere vinili e il tempo ci ha dato ragione: nel
nuovo millennio dal 2005 c’è stato un desiderio di tornare
all’album. Anche con l’avvento della musica scaricabile non
li abbiamo tolti dagli scaffali, l’appassionato ha bisogno di un
oggetto fisico da toccare. Oggi il vinile è tornato di moda, an-

12
che tra i giovani; il problema è che le case discografiche han-
no aumentato i costi, in alcuni casi anche in modo esagerato.
Tenendo prezzi più moderati, ne venderebbero molti di più.

Oggi quanti vinili avete in negozio?

Più di cinquantamila, ma ci sono anche quelli del mio papà,
che di musica classica ne aveva una valanga, e poi la mia col-
lezione privata.

Quali sono i più rari che ha in vendita?

Quando li ho, non mi rimangono a lungo. Ho venduto in
quantità industriale molti classici, dai Rolling Stones a Dylan, Anna e Paolo
Carù con Van
dai Deep Purple ai Pink Floyd… Van Morrison è stato uno su Morrison
cui abbiamo scommesso molto. Però sempre musica di qua- e (a destra) Larry
Campbell e
lità. Certe cose non le tengo proprio e quando me le chiedono Teresa Williams.
la voglia di rispondere “valla a comprare altrove” è tanta.

Il disco più costoso che ha venduto?

Mi è capitato di vendere dei dischi molto particolari, edizioni
di jazz d’epoca a cinquecento o mille euro, ma sono casi ab-
bastanza rari. Ogni tanto qualcuno mi chiede vecchie edizio-
ni, dischi fuori catalogo… una volta un cliente voleva il primo
Hendrix inglese della Track, ma quando abbiamo controllato
il prezzo ha rinunciato: volevano cinquemila sterline.

Cosa succederà al Carù di domani?

È una bella domanda, perché adesso non è più come una volta
e non so fino a quando andremo avanti. Negli anni Ottanta e
Novanta al sabato si faceva fatica a entrare, c’era la coda che
aspettava l’apertura… erano altri tempi. Ora diventa sempre
più difficile, non c’è più quel seguito che c’era una volta. Sto
pensando di donare la mia collezione a una fondazione, ma
non ho ancora individuato quella giusta. Parlandone con il
mio amico Riccardo Bertoncelli si parlava della Svizzera, ma
non abbiamo mai approfondito.
Carù Libri e Dischi è in piazza Giuseppe Garibaldi 6, 21013
Gallarate (VA). Per info: www.carudischi.com.

Anna e Paolo Carù: da

cinquant’anni a questo bancone.

13
 s
Storhinied
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ngs
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L’estate di Don
The Boys Of Summer / Don Henley
Ecco come un brano scartato
da Tom Petty si tramutò nell’inno all’innocenza perduta
di un’intera generazione.
Testo: Bill DeMain
I primi anni Ottanta furono difficili per Don Henley: “Avver-
tivo una pressione tremenda. Non solo quella di dover esse-
re all’altezza del successo degli Eagles, ma addirittura quella
di dover riuscire a scrivere e incidere un disco senza di loro”,
confessa in un’intervista esclusiva a «Classic Rock». “Non
avevo mai pensato a una carriera solista. Mi sentivo allo sban-
do”. Gli Eagles si erano divisi nel 1980 e tutti gli ex membri
avevano iniziato a incidere per conto proprio. Il disco d’esor-
dio di Henley, I CAN’T STAND STILL del 1982, era stato un
promettente, anche se incerto, inizio. “Credo fosse un primo
lavoro dignitoso”, dice. “Risentendolo, un paio di brani non
reggono, ma questo si può dire di tutti i miei dischi”. Quando
nel 1983 Henley iniziò a raccogliere materiale per il disco suc-
cessivo, la drum machine stava ridefinendo il sound dell’e-
poca. “Riguardo questi nuovi strumenti elettronici provavo
sentimenti contrastanti”, ammette. “Ma Danny [Kortchmar,
il suo collaboratore dell’era post-Eagles] era un esperto di
queste attrezzature moderne, e voleva incorporarle nel mio
processo di composizione e incisione”. Henley non poteva
certo immaginare che una LinnDrum machine acquistata
da Mike Campbell, chitarrista di Tom Petty & the Heartbre-
akers, avrebbe lanciato la sua carriera solista nella strato-
sfera. Sul suo canale YouTube, Campbell ha ricordato come
i suoi primi esperimenti con la LinnDrum ispirarono Boys
Of Summer. “Passai tutta la notte a programmare tamburi,
battiti di mano e rullanti. Stabilii uno schema, e poi elaborai
la melodia alla testiera”. Poi Campbell aggiunse chitarra e
basso e una settimana dopo fece sentire il demo a Tom Petty
e al produttore Jimmy Iovine: la risposta fu che non anda-
14
va bene per gli Heartbreakers, perché era troppo “jazzato”.
A quel punto, Campbell rimise il brano nel cassetto. Anche
se Henley e Campbell hanno ricordi diversi sul loro primo
incontro, Campbell ricorda di aver portato un nastro con il
brano a casa di Henley: “Sedemmo ai lati opposti di un lun-
go tavolo, e lui ascoltò la cassetta. Non mosse i piedi, o la
testa. Ascoltò immobile a braccia conserte. Fino alla fine.
Credevo gli facesse schifo. Poi disse: ‘Va bene. Vedrò che ci
posso fare’. E io me ne andai”. Henley: “Le persone che lavo-
rano con me possono dirvi che non mostro mai entusiasmo
o partecipazione, almeno non finché tutti gli elementi non
sono a posto. Mi piaceva lo schema percussivo realizzato da
Mike con la macchina. Mi piacevano moltissimo le parti di
chitarra, e quelle di synth. Il tutto si fondeva in un tessuto
molto evocativo. Una volta capito il tutto, melodia e testo
mi vennero velocemente”. The Boys Of Summer era il titolo
di un best-seller di Roger Kahn sul baseball pubblicato nel
1972, ma l’ispirazione arrivò da ancora più lontano: “Anche
se amo il baseball, non avevo mai sentito parlare del libro.
L’ispirazione mi venne da una poesia di Dylan Thomas che
cominciava così: ‘I see the boys of summer in their ruin’”. Il te-
sto di Henley esprime un rimpianto identico per l’innocenza
perduta della giovinezza. È stato scritto con una persona
precisa in mente? “Alcuni dei miei brani lo sono, ma non
questo”, sostiene lui. “A prescindere dall’ispirazione, cerco
sempre di mantenere l’argomento più o meno universale.
È meglio se le canzoni hanno un elemento di ambiguità”.
Nell’ultima strofa, il verso ‘Out on the road today, I saw a De-
adhead sticker on a Cadillac’ in effetti evoca tutta una gene-
 I fatti
Data di pubblicazione
Ottobre 1984

Posizione più alta in

classifica
UK N. 12
USA N. 5

Musicisti
Don Henley
Voce

Mike Campbell
Chitarre, sintetizzatori,
programmazione
LinnDrum, percussioni

Danny Kortchmar
Chitarre, sintetizzatori

Steve Porcaro
Sintetizzatori

Larry Klein
Basso

Autori
Mike Campbell
& Don Henley

Foto: LUCIANO VITI/GETTY

Produttori
Don Henley, Mike
Campbell, Danny
Kortchmar e Greg
Ladanyi

Etichetta
Geffen

razione e come abbia disperso la propria visione di speran-
za. “È stato un dono”, riflette Henley. “È venuto da quel luogo
misterioso da cui a volte provengono i testi. Ero bloccato
col bridge: non riuscivo a trovare le parole, la linea melodica.
Un pomeriggio guidavo lungo l’interstatale 405 dalle parti del
Sunset, con la cassetta che girava nell’autoradio. Guardai alla
mia sinistra ed eccola lì: una Cadillac Seville del 1979 con un
adesivo ‘Deadhead’ sul retro. Mi colpì. Era beffardo, parados-
sale, con un pizzico di nostalgia, e finì dritto nella canzone”.
Lavorando al Record One Studio di Los Angeles, Henley mise
assieme un gruppo di musicisti di serie A, fra cui Kortchmar,
Steve Porcaro e Campbell alle chitarre. Spesso gli artisti si af-
fezionano ai provini e così Henley decise di ricreare il brano
di Campbell con tutto il suo strano fascino originario. “A Mike
non piace fare due volte la stessa cosa”, ricorda Henley. “Io in-
vece, quando trovo un brano che mi colpisce e mi ispira a scri-
vere un testo e una melodia, voglio che il risultato finale sia
identico a ciò che mi ha messo in moto”. Lavorando sul brano,
incontrarono problemi tecnici – un malfunzionamento della
memoria della LinnDrum, un difetto del nastro analogico che
richiese un meticoloso lavoro di copia e incolla – ma alla fine
ce la fecero. Poi Henley decise di cambiare la tonalità. “Dan-
ny mi spingeva a cantare sempre il più alto possibile”, spie-
ga. “Credeva che in questo modo i brani avessero maggiore
impatto, trasmettessero più emozione”. Così i due tornarono
in studio, cercando di ricatturare l’emozione della prima vol-
ta. “Mike non ne fu entusiasta, ma venne lo stesso”, conferma
Henley. Pubblicata nell’ottobre 1984 come primo singolo dal
secondo disco di Henley BUILDING THE PERFECT BEAT, la
canzone fu una hit immediata: arrivò al n. 5 negli USA e fu il
maggior successo di Henley in Inghilterra (n. 12). Molta parte
del merito va riconosciuta al video, sobrio e in bianco e nero,
diretto da Jean-Baptiste Mondino, che fece incetta di premi
agli MTV Video Music del 1985: “È stato l’unico regista di vi-
deo con cui ho lavorato che si è confrontato con me”, confida
Henley. “Quel brano ha quasi 40 anni ma è eterno”, continua.
“Perché ci ricorda che la vita è breve, ma può essere molto
intensa”.

15
 Stonemusic.it è il web-magazine di Sprea Editori.
Ogni giorno news e approfondimenti per restare
costantemente connessi con il mondo
della musica italiana e internazionale!

Classic Rock Prog Vinile Popular Stone Guide Stone Advisor Eventi Shop

Yes reunion?
In una recente dichiarazione pubblicata
dal mensile inglese «Mojo», Jon
Anderson non esclude la possibilità di
tornare a esibirsi con gli ex compagni
negli Yes, Steve Howe e Rick Wakeman.
Più che altro, Anderson ha espresso un
suo desiderio, dopo quasi 20 anni
dall’ultimo concerto intero al fianco di
Steve Howe, nel tour per il 35esimo
anniversario degli Yes, conclusosi nel
settembre 2004. Per ora, Howe è invece
ancora restio a parlare di reunion: come
ha dichiarato a «Classic Rock», il brutto
stonemusic.it

ricordo dell’esperienza del tour Union gli

brucia ancora. Ma mai dire mai.

Sir Ozzy?
Negli anni Sessanta furono i Fab Four.
Che sia arrivato il momento del
Madman? Rob Halford ha rivelato che
Ozzy Osbourne dovrebbe essere
nominato baronetto da Re Carlo.
Parlando a «Classic Rock», il cantante e
frontman dei Judas Priest ha detto: “Se
c’è qualcuno che merita di essere
nominato baronetto, è Ozzy. Anche solo
per la gioia che ha donato ai suoi fan in
tutti questi anni”. Halford è un grande
amico di Ozzy, e questo endorsement
peserà ben poco ai piani alti di
Buckingham Palace, ma sognare non
costa nulla. Il figlio del macellaio di
Birmingham che diventa sir Ozzy
Osbourne. Sarebbe la favola rock più
incredibile di tutti i tempi.

16
Rick Wakeman: il lungo addio
ªŊēŞàöŞġūöŭүńööŭŭƼŭēŊöƴŸēńġ
il suo prossimo tour sarà anche
l’ultimo. In una dichiarazione
rilasciata per i fan, il tastierista ha
detto: “Ho sempre pianificato di
smettere di andare in tour dopo il
mio 77esimo compleanno, il 18
maggio 2024. Apparentemente
però ho ancora talmente tanti
impegni che dovrò posporre
l’addio. Che comunque accadrà”.
Per addolcire la notizia, Wakeman
ha aggiunto che i prossimi concerti
comprenderanno come momento
centrale una nuova composizione
strumentale di circa 30 minuti
intitolata Yessonata, che vedrà i
temi e le melodie classiche degli
Yes, rielaborati in un tutt’unico
sotto forma di sonata pianistica.

Cliff Burton action figure!

I fan dei Metallica avranno presto

a disposizione un gadget
imperdibile: una action figure di
circa 10 centimetri di Cliff Burton,
bassista originale e fondatore del
gruppo, completa di basso.
L’accordo dei Metallica con la
Super7, un’azienda produttrice di
action figures, ha portato alla
realizzazione della seconda action
figure dedicata a Burton, dopo
quella messa in vendita due anni
fa e ormai oggetto di collezione. I
ricavati dalla vendita andranno al
Cliff Burton Music Scholarship
Fund, ente di beneficenza fondato
dal padre di Burton dopo la morte
del bassista per finanziare
l’educazione musicale nella
Castro Valley High School, la ACQUISTA DISCHI IN VINILE 33-45 GIRI,
scuola frequentata da suo figlio. FUMETTI, POSTER e RIVISTE MUSICALI:
BIG, CIAO AMICI, CIAO 2001, QUI GIOVANI.
ANCHE INTERE COLLEZIONI, MASSIMA VALUTAZIONE
CELL. 348 5818220

17
Passaggio in
Italia A
Dopo la tragica scomparsa
di David Longdon, i Big Big Train
ripartono da una voce italiana.
Intervista: Mario Giammetti
18
lbum di studio numero 16 per l’ormai longe-
va band britannica, che conferma il suo ruolo
di stella di prima grandezza nel firmamento
prog. È anche il primo lavoro completamente
nuovo dopo la tragica scomparsa del cantante
David Longdon. Ce ne ha parlato proprio il nuovo vocalist, l’i-
talianissimo Alberto Bravin, che è stato sottratto alla Premia-
ta Forneria Marconi.
Sei entrato nei Big Big Train da circa due anni
e, sebbene tu avessi già esordito in una canzone
di INGENIOUS DEVICES, questo è il primo album
che ti vede coinvolto dal principio. Hai avvertito
pressione?

Foto: Massimo Goina
La pressione in realtà si è allentata, in quanto, lavorando a que-
sto album, per la prima volta ho avuto la possibilità di espri-
mermi e contribuire al sound della band. L’intero processo cre-
ativo è stato idilliaco, abbiamo lavorato in estrema armonia e
serenità a partire dalla scrittura fino alla fase di mix.
Leggendo i crediti, si apprende con stupore
che sei tra gli autori di quasi tutte le canzoni,
condivise in prevalenza con il bassista Greg
Spawton. Quindi sei entrato subito nel processo
di composizione…
Sì, è stata una transizione estremamente naturale. Ho propo-
sto alla band un paio di canzoni e sono piaciute subito. Love Is
The Light l’avevo già scritta prima del mio ingresso nella band,
anche se in forma completamente diversa, mentre Miramare
è nata esplicitamente per quest’album: ho creato un demo
con musica e linee vocali sulle quali Greg ha scritto un testo
incredibile. Light Left In The Day, invece, è una vera e propria
ouverture, che racchiude tutti i temi delle altre canzoni riela-
borate in un diverso arrangiamento.
I membri della band sono di varie nazionalità.
Come avete fatto a far quadrare il tutto e come mai
avete registrato proprio in Italia, nella tua Trieste?
Il merito è del nostro management, che è riuscito incredibil-
mente a farci arrivare tutti in un punto allo stesso tempo. Tut-
ti sanno della passione di Greg per l’Italia e non dimentichia-
moci che anche il batterista Nick D’Virgilio ha solide radici
italiane, quindi l’idea di registrare un album in Italia c’era già
prima del mio arrivo. La regola, questa volta, era trovare uno
studio con una sala di ripresa abbastanza grande da conte-
nerci, così da poter registrare suonando tutti insieme (pratica
quasi estinta oggi, purtroppo). Mi è subito venuto in mente
che il principale studio di registrazione di Trieste poteva es-
sere una scelta interessante: amo la mia città e poter fare da
Cicerone alla band è stato un grande onore.
Non ci sono crediti canzone per canzone, dunque
è difficile sapere ad esempio chi suona le chitarre
a 12 corde o le tastiere di volta in volta, mentre
immaginiamo che la voce principale sia sempre la
tua e che gli altri si limitino ai cori.
Esatto. La voce principale dell’album è la mia, ma sono cir-
condato da altri quattro cantanti incredibili (D’Virgilio, Ri-
kard Sjöblom, Oskar Holldorff e Clare Lindley), quindi in re-
altà non ci sono state limitazioni per le parti corali, anzi ci
siamo potuti sbizzarrire a creare delle armonie intricate, ma
sempre pensando a una trasposizione dal vivo, per cui quelle
che senti sono sempre al massimo cinque voci.
Cosa rappresenta per te, in definitiva, THE LIKES
OF US?
Uno spaccato di vita universale, dove chiunque si può ritro-
vare. Tutti almeno una volta nella vita si sono sentiti messi
da parte, non capiti, addirittura bullizzati o semplicemente
soli. Dopo una decisione sbagliata, una delusione o dopo aver
perso qualcuno, avere la forza di rialzarsi e ricominciare non
è facile, ma ci si riesce con l’aiuto delle persone che ci stanno
accanto. Questa è la linfa dell’album ed è quello che speriamo
di trasmettere a tutte le persone che lo ascolteranno.
Il disco esce per la Inside Out, prestigiosa
etichetta legata alla Sony, e nei prossimi giorni
finalmente farete dei concerti negli Stati Uniti.
Pensi che tutto questo possa aprire nuovi scenari
per la band?
Assolutamente. Sarà la prima volta per la band oltreoceano e
non vedo l’ora di cantare e suonare per il pubblico degli Sta-
tes. Inoltre saremo ospiti alla Cruise To The Edge (dove ho già
suonato due volte con la PFM), che è un’esperienza incredibi-
le: una grande opportunità per portare il nostro sound dall’al-
tra parte del mondo e sicuramente darà lo slancio per far di-
ventare i Big Big Train una grande band live internazionale.
THE LIKES OF US è recensito a pag. 81.
19
Anteprima

20
 Anteprima
L
’immenso catino del Circo Massimo è pieno di stonesiani
di prima, seconda e terza generazione. Tutte le età, tutte
le provenienze, tutti con la stessa attesa per una notte d’a-
more, o almeno di sfrenato divertimento, con ‘the greatest
r’n’r band in the world’, brand la cui origine si perde ormai nella
notte dei tempi. È un’onda di memoria, affetto, riscoperta, riva-
lutazione, semidivinizzazione che da una decina d’anni li sta fa-
cendo surfare su un ennesimo momento d’oro: Crossfire Hurricane
di Brett Morgen, uno dei più bei rock-doc di sempre (solo le loro
voci che si raccontano senza alcun pudore guardando scorrere
la loro storia, geniale), Shine a Light, il film dal vivo multicamera
di Scorsese, tour oceanici (due dei quali record d’incasso di tutti
i tempi): Toronto, Rio, Knebworth, Hyde Park, tutti eventi epocali.
La dimensione degli Stones (capaci però di suonare anche in un
piccolo club come il Mocambo) è ormai il più grande spettacolo
193
dopo il big bang. Chi per curiosità, chi per leggendarietà, vengono
tutti. Ma senza vederli, è difficile capire.
Una band che ha fatto la storia in un luogo che è stata la storia, pace
se il loro r’n’r ha solo cinquant’anni e lo skyline del Foro illuminato
qualche migliaio in più. Gli Stones rimediano con un megapalco in
tre sezioni che manda bagliori e dettagli e primi piani e calda luce
rossa e verde e blu nella vallata. Ma i romani di allora, mi chiedo,
avevano qualcosa di simile, o stasera ci divertiremo più noi?
Friends, Romans… once again will you welcome the Rolling Stones?
Ci manca giusto che si senta il rumore della moneta che cade e del
selecter che gira e siamo nell’enorme e immortale juke-box degli
Stones. Fantastici inventori oltreché primi e più longevi prigionieri
del r’n’r e di una scaletta come poche. Anzi, come nessuna. Mick
arriva con giacchetta ricamata d’oro, e si va. Tutto d’un fiato arri-
vano Jumpin’ Jack Flash e Let’s Spend the Night Together, It’s Only
venga sul sito eurekaddl.yachts
21
 Anteprima
Vivo dal vivo 2010-2023

La dimensione degli Stones

è ormai il più grande
spettacolo dopo il big bang.
Chi per curiosità, chi per
leggendarietà, vengono tutti.
Ma senza vederli,
è difficile capire.

22
 Rock ’n’ Roll e Tumbling Dice, su cui Mick Jagger (che si è già cam-
biato tre volte) arriva in fondo alla pedana-bagno-di-folla, ormai
solo maglietta nera a pelle e pantaloni in stretch skinny nero, con
quelle gambette che non ne hai mai viste di più magre, si infila il
microfono nella cinta e comincia a battere le mani, e dopo un at-
timo centoquarantamila mani battono con lui. Sembra un effetto
da cinema digitale, ma non lo è. In questa partenza ventre a ter-
ra, Highlander Mick ha già mostrato tutta la mercanzia, e quello
che manca arriverà dopo: adrenalinico e frenetico, sempre in mo-
vimento, gesticola in ogni modo possibile con quelle mosse buffe
che solo lui può far passare, lancia apprezzamenti, ‘ma che bello il
Cirrrco Massssimo!’ con l’accento da turista, corre, salta, ancheg-
gia, si struscia sui suoi compari e sulla giunonica Lisa Fisher, salu-
ta, manda baci, tutti mani su tutti mani ondeggianti, lascia che il
ponentino gli gonfi i capelli perfettamente tinti e pieni come allora,
fa lo spiritoso quando presenta Ron Wood il secco, “Non mangia
abbastanza pasta!”, senti chi parla. Il fresco bisnonno è un miraco-
lo genetico, viaggia con l’etichetta ‘non tentate di
imitarlo’ e francamente nessuno sano di mente lo
farebbe. Quando lo guardo in close-up attraverso
il tele della Canon sul volto ha delle rughe scolpi-
te con lo scalpello. Penso alla Magnani, “Perché
dovrei cancellarle? Ognuna è un ricordo”, e infatti
Mick sul palco se le porta tutte. Sono la sua me-
daglia d’onore, la certificazione di autenticità.

Vivo dal vivo 2010-2023

Si rallenta con Streets of Love, la loro migliore bal-
lata degli ultimi vent’anni, con la sua citazione
del ‘passare il Rubicone’ che da queste parti s’è
già sentita, fra un dado tratto e l’altro. L’aria è tan-
to black anni 60, con quel coretto a-a-a-a che fa
un po’ Tamla Motown… finché Ron Wood suona
la carica e il coretto Mick lo fa cantare innanzi-
tutto agli irriducibili delle prime file, poi insiste e
alla fine c’è un intero Circo Massimo a cantarla,
e l’effetto è una serenata alle stelle. Respectable è
il brano scelto dai fan via Twitter (e mi chiedo,
ma con tutto quello che c’era da chiedere proprio
quella? Mah). Keith si sente di salvarla e scende
fin davanti a sparare un riff alla Chuck Berry,
John Mayer (artista d’apertura richiamato a fare
passerella) lo chiude da par suo. Out of Control
comincia con una linea di basso che sembra
Marvin Gaye, ed è una canzona buia, urbana,
ubriaca: quando prendono il groove, Mick tira fuori l’armonica e
assola soffiando dannato in quel piccolo oggetto di metallo sopra il
wah wah della chitarra, il ritornello è puro r’n’b anche se fuori con-
trollo, i cori di Lisa e Bernard Fowler, perfetti nella parte, a rendere
soul il ritornello, anche se Ron e Keith la riportano a rock con due
assoli faccia a faccia.
Eccoli lì, the guitar twins: capelli bianchi e fascia da Geronimo e
camiciona verde Keith, gel e tinta e maglietta smanicata l’altro, ri-
trovatisi per destino a metà del cammin della lor vita a organizzare
una eterna masterclass di come si usa quella dannata seicorde. Ron
ha tutto il campionario delle mosse rock, ma ce n’è una di Keith che
mi fa impazzire: chitarra dritta o bassa dondolante a sfiorare terra
non importa, quelle dita nodose cariche d’artrosi a disegnare le sue
accordature aperte, dà una pennatona e alza lo sguardo soddisfat-
to e sogghigna, guarda mamma come mi diverto, guardate tutti il
premio per esser rimasto attaccato agli Stones e alla vita.
I due ci danno di slide sui due pezzi cantati da Keith e You Got the

195

23
 Anteprima
Silver, questa volta molto ben cantata, è a modo suo struggente,
quel romantico ruvido che è il suo. È una sorta di implicito inter-
vallo fra prima e seconda parte. Finora è stato un bel concerto, ma
a metà si passa in overdrive.
Midnight Rambler, il vagabondo di mezzanotte, un ripper “che la-
scerà impronte nel tuo corridoio” e “il coltello conficcato in gola”,
è una miniopera blues-rock declinata in tre parti: la prima parte
veloce, sempre più veloce. Mick si aggira per il palco semibuio, non
si capisce se preda o predatore, poi va in pedana e comincia a gio-
care di chiamata e risposta col pubblico. Il ritmo è lento, scandito,
poi piano piano cresce, le chitarre sotto sono caos e distruzione,
Mick cammina lento, ondeggiando le braccia, e quando è arrivato
alla rotonda sul mare di folla il ritmo è di nuovo r’n’r e adesso è
Wood che prende quella Fender stravecchia e la sbatte un po’. Ma
poi ritorna Mick Taylor, cinque anni da Pietra nei primi 70 e poi
la fuga per salvarsi la vita, e capisci tante cose: un assolo sontuo-
so, lunghissimo, intinto nel blues e tirato per il collo, quando Mick
gli si mette davanti è un doppio assolo, Les Paul e armonica, ed è
un momento pazzesco, di quelli che valgono il prezzo del bigliet-
to. Tutto è ripartito, ma sul più bello droppa. Stop. Non volevamo
esagerare. Anche perché c’è la prossima che lentamente cresce.
Linea di basso e piano elettrico, e quel backbeat che fece ballare
ogni dancefloor nel ’78. Il basso del grandioso Darryl Jones porta
lui la linea melodica, e il falsetto a ricordare che sì, ci sono mancati.
Vivo dal vivo 2010-2023
“Lord, I Miss You”, durante l’assolo di sax Mick e gli altri due la but-
tano in caciara in cima alla pedana, tutti i presenti in falsetto, “che
pubblico fantastico!”.
Per Gimme Shelter arriva Lisa, inguainata in nero, gigantesca testa
afro e giacca di frange rosse clamorosa: avanza panterona come a
lasciare il segno dei tacchi sulla pedana, e quando apre la turbo-voce
solleva tutti i presenti di un paio di tacche. Performance magnifica,
potenza e dramma, in una canzone che odora di pericolo, di guerra
24
“just a shout away”, proprio come l’amore che è “just a kiss away”.
Io una mezz’ora così l’ho vissuta raramente, credetemi. E ho la sen-
sazione che non sia finita. Arriva Start Me Up, quella del lancio di
Microsoft Windows 95, una megahit che è praticamente solo un riff
ripetuto fino allo stordimento. Sympathy for the Devil inizia pia-
no, percussioni e il piano di Leavell che armonizza, hanno capito
tutti prima di subito cos’è, e il whoo-whoo! anticipa quello di Lisa
e Bernard. Arriva Mick in un bagno di luce rossa che sembra river-
sarsi liquida sulla folla dagli enormi schermi, avvolto in un man-
tello nero decorato con piume di struzzo rosse, bellissimo, opera
della fidanzata L’Wren che gli ha disegnato tutto il guardaroba. Ma
L’Wren se ne è andata tre mesi fa, suicida senza un perché, dopo
una relazione decennale. “La mia amante e la mia migliore amica”
ha commentato distrutto Mick. Lo show e la vita vanno avanti, ça
va sans dire, ma chissà come si sente Mick, se si sente, quando li in-
dossa. “Please allow me to introduce myself…” e siamo in un delirio
rosso-nero, mentre alla fine della strofa il mantello viene roteato
e vola via. Keith parte con un assolo acidissimo e la coda finale è
lunghissima, con Lisa e Bernard a fronte palco a fare coretti whoo
whoo!, e Mick in mezzo che balla e canta ad libitum.
Ormai il mega juke-box è avviato, e quel brano inciso a Memphis
ancora col redivivo Bobby Keys al sax, la storia di quello zuccheri-
no marrone che non si sapeva se fosse eroina o un’eroina del sesso
parte con i suoi due accordi, e anche qui cori di chiamata e risposta
“Yeah! Yeah! Yeah!... Wooo!”. Mick, non volendo tradire nessuno, li
fa all’ala sinistra dell’enorme palco e poi si fa una corsa di settanta
metri (ma veloce, eh, mica trotterellando) per andare a replicare
a destra, gente giustamente in brodo di giuggiole. I brani si strec-
ciano, non sono lunghi come vere jam, ma durano il doppio delle
versioni originali, assoli e corse e grande intrattenimento e non un
minuto inutile, una band scaciata e perfetta che si diverte a fare, da
arzilli settantenni, quello per cui è nata.
Il Coro Giovanile Italiano (“Gio-vva-naile” lo presenterà alla fine
 Vivo dal vivo 2010-2023
turista-Mick, “you did a wonderful job”) introduce in maniera an- Uscendo penso: ‘Ma se invece di noi nel 2014 ci fosse stato un
gelica il primo bis, You Can’t Always Get What You Want, non si Circo Massimo pieno di antichi romani, se la sarebbero goduta
può avere tutto dalla vita insomma, chissà se c’è qualcosa che Mick uguale?’ Secondo me sarebbe stata altrettanta satisfactio maxima.
voleva che non è riuscito a prendersi, lui che sicuramente la vita Veni, sonui, vici.
se l’è goduta. Parte piano e finisce in boogie, le ragazze elegantis-
sime in nero che si divertono, e quando gli ricapita. Si chiude con
la pietra fondante della casata, quella che nel ‘65 è venuta a Keith
nel dormiveglia e che ha risvegliato il r’n’r, creando l’inno perfet- painting by
to di tutte le garage band del pianeta. Keith parte in tandem per Ron Wood
un assolo sgangherato come pochi, ma divertendosi un mondo.
Mick incita le folle fino alla fine, e dopo due ore le quattro pietre
che hanno rotolato fino a consumarsi per cinquant’anni, dopo aver
fatto un inchino di gruppo vanno a prendersi l’applauso di gente
confusa stremata e felice: i pollici sono virtualmente alzati come
quelli degli avi, divertimento lo è stato, anche sfrenato, e se non era
amore, era una biga.
Allora, tirando le somme, nell’ordine: un frontman, probabilmente
il migliore, una sorta di ibrido fra atleta e cantante che a settanta-
cinque anni corre come un maratoneta, solo che quelli non canta-
no mentre corrono. Il chitarrista ritmico che ha imparato da Chuck
Berry quali sono i riff basic del r’n’r e li ha insegnati a tutti, il com-
pare che è una gioiosa macchina da suono, e un batterista che non
è mai andato fuori tempo in tutta la sua vita. Repertorio? Infinito e
leggendario. Musicianship? La più rodata, potente e sotto controllo
possibile. Età: adulta, ma il r’n’r non ha rivoluzionato il senso di
età? E se ancora ci si chiede, sessant’anni dopo, se sono la greatest
r’n’r band del mondo, cosa volete che possa rispondere un povero www.ronniewoodsetlists.com
ragazzo nella sonnolenta città di Roma?

197

Vivo dal vivo 2010-2023 di Carlo Massarini (Rizzoli Lizard) è recensito

a pag 100. Estratto pubblicato per gentile concessione dell'Autore.

25
 Q&A

Foto: Tina Korhonen

This is my story
Superata la soglia del ventesimo album solista, Steve Hackett
ha sentito il bisogno di tornare con un concept agli anni in cui tutto iniziò:
le prime amicizie, il primo amore e, naturalmente, l’ingresso nei Genesis.
Intervista: Mario Giammetti
T
HE CIRCUS AND THE NIGHTWHALE è il nuo-
vo sforzo di studio di Steve Hackett, il ventu-
nesimo di una lunghissima carriera solista, se
non teniamo conto dei progetti a più mani (ad
esempio GTR e Squackett, condivisi rispettiva-
mente con Steve Howe e Chris Squire degli Yes) e, natural-
mente, dei Genesis.
Tre quarti d’ora di musica, con undici titoli quasi
tutti legati tra loro. Un concept album?
Sì, lo è. Da tempo desideravo raccontare la mia storia seppure
in forma in parte allegorica, miscelando fatti reali e fantasia.
L’album comincia immerso nell’atmosfera fumosa e inquinata
della Londra del 1950, l’anno in cui sono nato, per poi raccon-
tare le prime amicizie, il primo amore e l’ingresso nei Genesis:
il coronamento di un sogno, questo, ma anche, alla lunga, una
sorta di prigione da cui sentivo necessario fuggire, specie da
quando, dopo aver pubblicato VOYAGE OF THE ACOLYTE
nel 1975, i miei compagni mi dissero che non potevo far di-
schi contemporaneamente col gruppo e da solo. E poi c’è l’in-
contro con l’amore vero, quello per la mia terza moglie Jo: ero
già sposato, all’epoca, ma il matrimonio non funzionava. In
mezzo a tutto questo, col brano At The Sea, c’è anche un mo-
mento più surreale, in cui il circo finisce tra le fauci della bale-
na, come ben illustrato dalla copertina: una metafora di quel-
la che è la vita di tutti noi, durante la quale ci affatichiamo per
raggiungere dei risultati ma poi, il più delle volte, finiamo per
essere fagocitati da qualcosa più grande di noi.
Musicalmente si avvertono numerose influenze.
A parte l’ovvia componente prog in brani come Enter The
Ring, ci sono il blues di Found And Lost, il rock bucolico di
Ghost Moon And Living Love e molta chitarra, piuttosto he-
avy (anche se ho cercato di includere assoli più brevi, questa
volta). Ma in verità da anni, ormai, cerco di rendere la mia
musica molto differenziata, inglobando sonorità contrappo-
ste. Qui, ad esempio, c’è il tar (un antico strumento a corde
di origine persiana) suonato da Malik Mansurov, uno degli
Steve Hackett:
ventunesimo album
solista per lui.
ospiti insieme ai membri della mia band abituale. Tra l’altro,
la maggior parte della batteria di Craig Blundell è stata regi-
strata durante i soundcheck dei tour, e questo ha fatto una
bella differenza in termini di feeling.
Già, perché il disco è stato concepito nei ritagli
di tempo tra un tour e l’altro, considerando
che hai passato su un palco la maggior parte
degli ultimi due anni.
È vero, sono stati e sono mesi estremamente impegnativi, e
solo in queste settimane sto recuperando i concerti saltati
causa Covid, nei quali suono integralmente FOXTROT dei
Genesis. A partire da luglio, invece, comincerà il mio nuovo
tour (sarò in Italia con cinque show dal 31 ottobre al 5 no-
vembre), dove, oltre che presentare alcune canzoni del nuovo
album, ne suonerò una selezione da THE LAMB LIES DOWN
ON BROADWAY, che festeggia il mezzo secolo nel 2024.
Un album, quello, che non ami particolarmente.
Fu un periodo terribile per la band: io ero nel mezzo di una
crisi profonda col mio primo matrimonio e Peter Gabriel ci
aveva già lasciati durante le registrazioni (tornò, ma solo a
tempo determinato e, alla fine del relativo tour, nel maggio
1975, andò via definitivamente). A parte questo, quello di
THE LAMB era un concept che prevedeva tantissimo spazio
per il cantato e per le tastiere. Il resto era solo un contorno e
non si può certamente dire che ci sia un grandissimo lavoro di
chitarra. Il che, dopo gli sforzi ottenuti con i due dischi prece-
denti dei Genesis, fu alquanto deludente per me.
Ti riferisci a FOXTROT e SELLING ENGLAND
BY THE POUND.
Sì. Insieme, li ritengo l’apice della carriera dei Genesis: niente
riempitivi, le canzoni sono tutte valide e importanti a modo
loro. SELLING ENGLAND, poi, guadagnò persino i compli-
menti di John Lennon, che dichiarò durante un’intervista
radiofonica di quel periodo, in cui viveva a New York, di ap-
prezzare molto i Genesis, attribuendoci addirittura il sound
dei Beatles. Per me, che come qualunque inglese impazzivo
per i fab four, non poteva esistere un attestato di stima più
importante.
THE CIRCUS AND THE NIGHTWHALE è stato recensito
su «Classic Rock» n. 132.
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 Cover
Iron Maiden Story

Quando fu il momento di realizzare

il successore di PIECE OF MIND,
gli Iron Maiden sentirono di dover
tirar fuori qualcosa di davvero speciale.
E arrivò POWERSLAVE.
Ma quel 1984 rappresentò una svolta
anche per tutto il resto del rock.
Tanto che oggi lo ricordiamo come l’anno
in cui tutto è cambiato.

anni di
POWERSLAVE

29
Iron Maiden

Nel gennaio 1984, quando gli Iron Maiden arrivarono

a Le Chalet Hotel nell’isola di Jersey, nel Canale della Manica,
per iniziare a scrivere il materiale del loro prossimo disco,
erano cinque uomini con una missione.

Testo: Mick Wall | Foto: ªŸƦƦRöŢǬŭ

I
12 mesi precedenti li avevano visti trasfor- Gli spandex years:
era il 1984, dopo tutto.
marsi da portabandiera della New Wave of
British Heavy Metal in rockstar di livello in-
ternazionale, grazie al loro primo tour da
headliner negli USA (che li aveva visti esibir-
si su palchi di grande prestigio come il Madison Square

30

Garden di New York e la Long Beach Arena di Los Angeles)
e al loro primo disco da Top 20, PIECE OF MIND. Ora era
tempo di calare l’asso. “Per me, PIECE OF MIND era stato il
miglior disco che avevamo fatto fino ad allora”, mi confidò
Steve Harris, bassista e fondatore dei Maiden. La gente par-
lava ancora dell’album precedente, THE NUMBER OF THE
BEAST, soprattutto per via della title-track e di Run To The
Hills, entrambi ottime hit, il primo con Bruce Dickinson nel
ruolo di cantante dei Maiden. Ma, per me, PIECE OF MIND
era migliore”. Primo disco dei Maiden a presentare la
formazione classica dei Maiden (Harris, Dickinson,
Dave Murray e Adrian Smith alle chitarre e Nicko
McBrain alla batteria), PIECE OF MIND era sta-
to anche il primo disco a integrare Dickinson in
modo completo come autore. Bruce aveva già
contribuito con Run To The Hills, primo singo-
lo Top 10 dei Maiden, ma era stato con PIECE
OF MIND che la sua collaborazione con Adrian
Smith sbocciò in pieno, producendo brani come
la potente Flight Of Icarus, uno dei due singoli
tratti dal disco a entrare in classifica. Ma era
stato l’altro brano scritto da Dickinson con
Smith a dimostrare cosa avrebbe potuto
dare ai Maiden: s’intitolava Sunlight And
Steel, e introdusse una dose massiccia di
groove rock nell’arrembante metal che
era diventato il marchio di fabbrica dei
venga sul sito eurekaddl.yachts
Cover
Story
Murray e Harris col tipico
ƛŊġĚŊŭŸƦƼŊūŸŭŊƴŸƞѧ
«PIECE OF MIND
era il nostro disco
migliore fino
a quel momento»
Steve Harris
Maiden. “Non mi ero mai visto come un velocista
dell’heavy-metal”, mi confidò Smith. “Tantomeno
come uno shredder! Ero cresciuto ascoltando Eric
Clapton e quel tipo di blues-rock fatto da gruppi
come Zeppelin e Purple. Amavamo le chitarre rock,
ma dovevano esprimere della melodia”. Eravamo
cresciuti entrambi amando MACHINE HEAD dei
Deep Purple”, aggiungeva Dickinson. “Parte
del fascino stava sicuramente nel fatto che
Ian Gillan era un ottimo cantante e Ritchie
Blackmore un chitarrista incredibile, ma la
cosa che ci colpiva di più erano le canzo-
ni – quelle che facevano centro la prima
volta che le ascoltavi, tipo Smoke On The
31
Iron Maiden

Istantanee dal
palco, il luogo
magico dove i
Maiden sono
letteralmente
imbattibili.

i promoter, la stampa – si aspettassero da noi. Non quando

bisognava scrivere del materiale nuovo. Le mie priorità era-
no semplici. Numero uno: doveva piacere a me. Se penso che
qualcosa che abbiamo fatto sia valido, non m’interessa l’opi-
nione altrui. Numero due: deve piacere ai fan. Se piace a me
e ai fan, per me è sufficiente. I critici potranno dire ciò che
gli pare, per me non cambia nulla”. Anche Dickinson, quasi
miracolosamente, si sentiva libero dal peso delle aspettative
che di colpo si erano create attorno ai Maiden. Aveva solo 25
anni e, come ebbe a dirmi più avanti, “i miei ricordi principali
Water e Highway Star. Così, quando Adrian e io iniziammo a del periodo di scrittura a Jersey sono di eccitazione. Aveva-
scrivere assieme fu naturale che ci avvicinassimo a quel ge- mo appena concluso un tour mondiale di grande successo,
nere”. Ovviamente, Steve Harris aveva una sua idea di groove, e come gruppo ormai andavamo a mille. Eravamo chiusi in
molto precisa. Il groove era buono. La melodia era ben accet- un albergo, nella stagione morta. Faceva troppo freddo per
ta, ma a meno che non si inserisse in un qualcosa di articolato uscire, e comunque non c’erano posti dove andare”. Inoltre,
e veloce, semplicemente non gli sembrava necessaria. Harris
non aveva mai amato i singoli. Lui amava il prog, come aveva
messo in chiaro il disco d’esordio della band, nel 1980, che
conteneva Phantom Of The Opera, un pezzo di ben sette mi-
nuti. L’apice era stato raggiunto con Hallowed Be Thy Name,
in THE NUMBER OF THE BEAST, e con il gran finale di PIE-
CE OF MIND, To Tame A Land. Tutti brani epici, scritti solo
da Harris. In qualità di fondatore, leader, principale autore
e mente del gruppo, ’Arry, come tutti lo chiamavano tranne
Bruce, si era assicurato che musicalmente il focus centrale dei
Maiden rimanesse sempre nell’energia pura e dura del più ve-
loce, potente, duro, tecnicamente acrobatico e incontestabil-
mente heavy metal che si potesse ascoltare.

I continui cambi di formazione (un chitarrista chiave, il batte-

rista, perfino il cantante), che avrebbero stroncato la carriera
di titani meno attrezzati, sembravano invece spingere i Mai-
den sempre più in alto. Harris aveva ragione: PIECE OF MIND
era il loro disco migliore. Tutto quello che dovevano fare era
dargli un successore almeno di pari livello, se non addirittura
migliore – una cosetta da poco. Ma Harris negava che lui e il
gruppo fossero sotto pressione: “La gente continuava a parla-
re di pressione, e col senno di poi capisco perché. Ma la verità
è che a quel tempo io non l’avvertivo”, disse. “Non era arro-
ganza. Non mi sono mai preoccupato di cosa avessimo fatto
prima, o di cosa gli altri – il management, la casa discografica,

32

«Non mi ero mai visto
come un velocista
dell’heavy metal.
Tantomeno come uno
shredder»
Adrian Smith
come disse Harris, “il bar dell’hotel era sempre aperto e gra-
tis, per cui probabilmente la prima settimana la passammo
a sbronzarci!”. Un altro fattore che contribuì all’eccitazione
fu che il quinto disco dei Maiden sarebbe stato il primo con
la stessa formazione del precedente. Harris aveva sempre im-
posto che prima di ogni nuovo disco, i ragazzi si dedicassero
a un periodo di scrittura collettiva, che in questo caso era di
sei settimane. “Non scrivo mentre sono in tour”, mi spiegò.
“Preferisco farlo con il gruppo, in studio”. Dickinson comun-
que aveva già tirato fuori dal cilindro la canzone destinata a
fornire al disco titolo e tema: Powerslave. Secondo Smith: “Si
era portato in giro durante il tour di PIECE OF MIND questo
orribile piccolo registratore a quattro tracce pieno di idee, riff,
arrangiamenti, spunti, e tutto era pieno di Egitto. Tutti quelli
con cui ne parlava ne rimanevano colpiti, e così andammo in
quella direzione”. Dickinson aveva scritto Powerslave da solo,
ma fu il mostro rock creato da lui e da Smith una notte a Jer-
sey ad aprire nuovi orizzonti per gli Iron Maiden. Il chitarrista
Cover
Story
stava lavorando a un riff nella sua stanza, quando Dickinson
bussò. “Gli feci sentire la musica. Iniziò a cantare, e in venti
minuti avevamo 2 Minutes To Midnight”. “Potevo scrivere cose
simili in qualsiasi momento, ma non sempre si adattavano al
genere fantasy horror che seguivano i Maiden. In quei primi
tempi, avevo bisogno di Bruce per rendere le cose più Maiden
possibili, e 2 Minutes To Midnight è un esempio perfetto: io
avevo il riff giusto, Bruce il testo adatto”. Con un riff affilato
come un rasoio che sarebbe potuto uscire dal primo disco dei
Montrose e un ritornello degno di BURN dei Deep Purple, 2
Minutes To Midnight era un pezzo gioioso, quasi esuberante.
Al tempo stesso, quel testo sull’apocalisse nucleare era quasi
comicamente cupo. Nel 1984, un pezzo così era heavy metal
al massimo della potenza. “2 Minutes To Midnight parla di un
argomento molto scomodo”, concorda Dickinson, “e parte del
testo è volutamente disgustoso. Ma è così che doveva essere,
perché la guerra nucleare è una cosa tragica”. 2 Minutes To
Midnight fu la scelta ovvia per il primo singolo, e diventò una
hit in Inghilterra, arrivando al dodicesimo posto in classifica.
Fu Harris a tirar fuori quello che diventò il secondo singolo,
un brano incandescente intitolato Aces High, una chiama-
ta alle armi ricca di pathos nella tradizione di Where Eagles
Dare (da PIECE), solo più aggressiva e arrabbiata. Aces High
era fatto di raffiche di basso, mitragliate di chitarra, batte-
ria a manetta e voci simili a sirene della contraerea. Anche
questo singolo conquistò la Top 20 inglese. Il brano più im-
portante iniziato nel corso del soggiorno a Jersey, però, fu la
monumentale narrazione musicale di Harris del poema go-
tico del XVIII secolo di Samuel Taylor Coleridge, The Rime of
the Ancient Mariner. Coleridge era un noto oppiomane, e The
Rime è piena di immagini evocative circa ‘the wrath of spirits…
from the land of mist and snow’. Come poema, oggi come oggi
non so se lo consiglierei: parla un po’ troppo degli albatros.
Ma musicalmente, nelle mani di un maestro del metal come
33
Iron Maiden
Harris, allora 27enne e all’apice della creatività, i trip alluci-
nogeni di Coleridge assumono una dimensione tutta nuova:
puro splendore – e orrore – gotico.
Durante il soggiorno a Jersey, il gruppo butto giù un’altra man-
ciata di brani, ma fu solo dopo l’arrivo ai Compass Points Stu-
dios di Nassau, nelle Bahamas, che le cose iniziarono a prende-
re forma, con l’aiuto del produttore Martin Birch (o ‘Pool Bul-
ly’, come volle essere chiamato). Fin da subito, fu chiaro che la
forza del disco si basava su 2 Minutes To Midnight, Aces High,
Powerslave e Rime Of The Ancient Mainer. Degli altri quattro
brani, solo The Duellists, fantasia di cappa e spada di Harris,
ispirata dall’omonimo film del 1977 di Ridley Scott, sembra-
va all’altezza, tanto alto ormai era il livello che il gruppo si era
autoimposto. Bill Hobbs, che aveva coreografato le scene di
duello del film, casualmente trovò il circolo di cui faceva parte
Dickinson – spadaccino di livello olimpico. In realtà c’è anche
Flash Of The Blade di Dickinson, ma un brano su quell’argo-
mento non era sufficiente? E nessun fan dei Maiden avrebbe
sofferto se avessero scartato Back In The Village di Dickinson
and Smith – una ripresa del tema di The Prisoner (THE NUM-
BER OF THE BEAST), ma molto meno interessante. Dickinson
finì il testo per 2 Minutes To Midnight solo dopo aver inizia-
to a registrarla in studio. Tutti si rendevano conto che questo
sarebbe stato un altro classico del loro repertorio, come lo
erano stati Sanctuary e Wrathchild. Il contributo migliore di
Dickinson comunque risiede nei sette ipnotici minuti della
title-track, il cui uso di melodie mediorientali, chitarre metal
e mitologia egizia (Horus, il Dio Falco, e suo padre Osiride, Si-
34
“Temo che ci serva un palco più grande…”.
gnore dell’aldilà, sono menzionati nel primo verso) dava vita a
una metafora geniale sul potere occulto delle divinità del rock,
anch’esse ‘slaves to the power of death’. Come Dickinson spiegò
in seguito, “POWERSLAVE non parla solo degli antichi egizi.
Parla di noi, del gruppo, e di cosa ci stava accadendo. Da quan-
do mi ero unito ai Maiden, due anni prima, non mi ero mai
fermato. I tour erano sempre più lunghi e folli, e quando uscì
POWERSLAVE le aspettative erano ormai alle stelle. Eravamo
schiavi del potere, musicalmente ma anche nel senso della rin-
corsa verso il successo. Il testo nascondeva anche un doppio
senso ironico: quando hai degli amplificatori che alimentano
un sound system molto potente, ce ne sono alcuni che servono
solo a dare potenza. Li chiamano amplificatori schiavi, perché
sono “schiavi” di quelli grossi. Quindi, sono, letteralmente,
schiavi del potere, power slaves”. “Powerslave sfoggiava anche
un inaspettato interludio chitarristico, in cui Dave Murray e
Adrian Smith fondevano i loro assoli spingendo il resto del
gruppo in uno stato di frenesia metal. Entrambi i chitarristi
sembravano in totale controllo, ma era solo una impressione:
come mi raccontò più avanti, quando incise la sua parte Smith
aveva un doposbronza così forte che “mi stava uccidendo” e,
come se non bastasse, la sera prima lui e il gruppo avevano
“fatto un po’ tardi in studio”. “Ce la spassavamo, e nello stesso
momento facevamo le sovraincisioni delle chitarre. In effetti,
più che altro ci sbronzavamo. Andai a letto alle tre comple-
tamente ubriaco, e non credevo di dover lavorare la mattina
dopo”. Di solito, il produttore Martin Birch non convocava mai
«POWERSLAVE
fu la naturale conclusione
di PIECE OF MIND e
NUMBER OF THE BEAST,
di tutto quel periodo»
Bruce Dickinson

nessuno in studio prima di mezzogiorno, ma
stavolta chiamò uno Smith ancora delirante
alle 10 del mattino: “Mi disse di scendere e di
rimettermi a registrare. La testa mi esplodeva,
ma obbedii. Il motivo per cui Martin era già al
lavoro era perché non era mai andato a letto”.
Birch era rimasto in piedi tutta la notte con il
cantante Robert Palmer, che stava per registra-
re il suo quarto disco ai Compass Point. Palmer
viveva sull’isola e viveva allegramente la vita del
playboy, come ricorderà ridendo Birch, e quan-
do sentì che il suo amico Martin era in studio con i Maiden
venne per salutare i suoi connazionali britannici. Smith: “Loro
due erano dietro il banco del mixer. Io entrai e mi dissero: ‘Vie-
ni. Che ti va di fare?’. E io dissi: ‘Powerslave’”. Ottimo cantante,
Palmer era anche un produttore formidabile. “Devo ammette-
re che vederlo seduto lì con Martin, in attesa che io suonassi,
mi rendeva nervoso. Ma mi concentrai sull’assolo. Mi venne
bene e a Robert Palmer piacque molto”. Il paradiso tropicale
in cui si ritrovarono a Nassau soffrì di tutte le follie commesse
dal gruppo nei quatto mesi in cui restarono. Secondo Nicko
McBrain, quando l’anno prima era entrato nel gruppo, “tutti,
con l’eccezione di Steve e Bruce, erano completamente paz-
zi. Ci godevamo tutto ciò su cui riuscivamo a mettere le mani.
Nove volte su dieci era alcool, ma non posso negare di aver go-
duto anche di tutta la ciccia e l’erba che riuscivamo a rimedia-
re”. Tutti, ma non Steve Harris. Non nel 1984, e non da allora:
il suo sballo era la musica dei Maiden. La sua musica. Qualco-
sa che prendeva molto sul serio. Fu grazie a questa dedizione
assoluta che riuscì a rendere la sua monumentale versione di
Rime Of The Ancient Mariner di Coleridge un tale capolavoro
musicale. Anche Smith, che in seguito ammise di non essersi
sentito all’altezza di quanto richiedeva un simile brano, ricor-
dava: “Quando Steve condivise con noi Mariner, capii che do-
vevamo farlo, perché non avevo mai sentito nessuno fare nulla
del genere. Ricordo che quando lo registrammo alle Bahamas
Steve dovette mettere dei fogli con il testo su tutto il muro, per-
ché Bruce non riusciva a impararlo a memoria.
Cover
Story
prog metal, una volta descrissero le loro prime
esplorazioni musicali come una fusione di PO-
WERSLAVE e HEMISPHERES dei Rush. È una
cosa ottima che la gente ami il rock più diretto,
perché piace anche a me”, disse Harris. “Ma so
che molti dei nostri fan scoprirono Coleridge
grazie alla forza della nostra versione di Rime.
Per me, sapere che molti ragazzi l’abbiano fatto
grazie alla nostra musica è una cosa incredibi-
le. È stato lo stesso con To Tame A Land su PIE-
CE OF MIND: molti mi dissero che dopo averlo ascoltato si
misero a leggere Dune di Frank Herbert, che lo aveva ispirato”.
Altrettanto influente fu il tema egizio, su cui si basavano sia
la copertina che la scenografia in scena. Il brano di Dickinson
che parlava della brama di potere tra le piramidi ispirò Derek
Riggs, da tempo il designer delle copertine dei Maiden, nella
creazione dell’artwork più sofisticato fino a quel momento: il
volto orrido e immortale di Eddie che sostituiva quello degli
antichi Faraoni, mentre sedeva, come un’enorme Sfinge, sul
suo gigantesco trono nel deserto, era un monumento alla me-
galomania, egocentrico come il Sole stesso. Sul palco, si trattò
di dare vita a quella copertina, con un Eddie mummificato
altro quasi 10 metri, con occhi che sparavano fiamme. “Se
pensi all’Egitto e alle piramidi, come potevi raffigurarle senza
assomigliare agli Hawkwind?”, scherzò Harris. “Ma probabil-
mente quella fu la migliore scenografia live che abbiamo mai
realizzato”.

Per generazioni di fan degli Iron Maiden, Rime Of The An-

cient Mariner rimane il capolavoro epic rock meglio archi-
tettato da Harris. Ne sarebbero venuti altri – gli 8 minuti di
Alexander The Great sul successivo SOMEWHERE IN TIME,
i quasi 10 minuti che danno il titolo a SEVENTH SON OF A
SEVENTH SON del 1988, e già in passato ce n’erano stati altri,
come Phantom Of The Opera, To Tame A Land – ma nessu-
no che coglieva in modo così inquietante e definitivo quel-
lo strano luogo ultraterreno che Harris aveva evocato nella
sua versione di Rime Of The Ancient Mariner. Un’evocazione
superba di un’opera estremamente complessa, destinata a di-
ventare il momento centrale degli spettacoli live dei Maiden
negli anni a venire, oltre che la profezia della loro personale
evoluzione musicale e dello stesso heavy metal, con l’arrivo
dei tanti gruppi thrash e speed (a cominciare dai Metallica
di Lars Ulrich, che confessò di essere stato da giovane “il più
grande fan dei Maiden dell’intero pianeta”) che presero ispi-
razione da questo totale disinteresse per le norme musicali
del genere. In effetti, Rime era talmente stratificata, così piena
di sezioni e costruita in modo quasi scientifico da divenire il
ŢƦġƴƴŊūŸēŊġŢŸѡƦġēŸŭĚŸ²ƴġǔġRöƞƞŊƦѢ
modello per quello che pochi anni dopo sarebbe stato cono- ŊŢƴŸƼƞĚŊ§„à0ª²mß0öǔġǔöŢö
sciuto come progressive metal. I Dream Theater, capofila del ƦēġŭŸļƞöǬöūŊļŢŊŸƞġĚŊƦġūƛƞġѧ

35
Iron Maiden

In seguito, Dave Murray mi disse che ricordava POWERSLA-
VE come “il momento in cui capimmo che dovevamo iniziare
a prendere le cose più seriamente”. “Fu allora”, disse, “che ci
rendemmo conto di non essere più una band di ragazzotti che
si divertivano e basta”. Con POWERSLAVE il gruppo iniziò la
sua metamorfosi. Sotto questo punto di vista, il quinto disco
dei Maiden fu un punto di svolta, il momento in cui, pron-
ti o no, quei ragazzi furono costretti a diventare uomini. “Ci
sembrò di essere arrivati in vetta con quel disco”, ricordava
Harris. “Non ci eravamo mai sentiti così prima. Fino a quel
momento la montagna la scalavamo, con POWERSLAVE ci
sembrò di guardare verso il basso, al resto del mondo”. Pub-
blicato nel settembre del 1984, POWERSLAVE fu il secondo
disco dei Maiden ad arrivare al n. 1 in Inghilterra e il loro se-
condo album da un milione di copie negli USA, dove arrivò
al n. 12. Segnò anche l’avvio del World Slavery, il tour più mo-
numentale e fortunato della loro carriera. “Fu il nostro tour
migliore, e anche il peggiore”, confidò Dickinson. “E per poco
non segnò la nostra fine”. Alla fine, POWERSLAVE si rivelò
Foto: wŸƦńġ ƞöŞńöѭ§ńöŭƴŸū
Aces High. Ma anche negli altri c’è roba buona. The Duellists,
ad esempio. Ma se metti The Duellists a confronto con Rime Of
The Ancient Mariner o 2 Minutes To Midnight… non c’è storia,
chiaro. Però non ci sono riempitivi. È solo che quei quattro
sono particolarmente potenti”. PIECE OF MIND sarebbe ri-
masto il disco dei Maiden preferito di Harris fino a SEVENTH
SON OF A SEVEN SON del 1988. Anni dopo, Dickinson avreb-
be dichiarato: “POWERSLAVE è la naturale conclusione di
PIECE OF MIND e NUMBER OF THE BEAST, di tutta quell’e-
ra. Ricordo di averlo ascoltato e di aver pensato: ‘Uhmm. È
eccellente, ma non so proprio come potremmo superare un
risultato simile”. Be’, la risposta sarebbe venuta in seguito.
«Lo feci sentire a Bruce.
Lui iniziò a cantare

una raccolta di brani ineccepibilmente confezionati, anche se

a tratti un po’ raccogliticci: quattro capolavori epici e quattro
pezzi più convenzionali. “Credo che il disco sia superiore al
suo predecessore”, mi disse Dickinson. “Prendemmo il meglio
di PIECE OF MIND, applicando lo stile più aggressivo di THE
e in 20 minuti scrivemmo
NUMBER OF THE BEAST”. Harris dissente: “Considero an-
cora POWERSLAVE un disco molto potente. Ci sono quattro 2 Minutes To Midnight»
brani eccezionali, che eseguiamo ancora dal vivo, ossia Rime
Of The Ancient Mariner, 2 Minutes To Midnight, Powerslave e Adrian Smith
“Credete che
ĚŸǔƞġūūŸ
aprirla?
ߟļŢŊŸĚŊƞġѢ
ricordate
I predatori
dell’Arca
perdutaѨґѧ

36

1984
L’anno in cui tutto
è cambiato
Profeticamente indicato da un genio della letteratura come un anno
chiave, il 1984 è stato uno snodo cruciale per la musica, la cultura pop
e il mondo così come lo conoscevamo.
Testo: Paul Rees
T
rentacinque anni prima che arrivasse, George Orwell
raccontò il 1984 come una distopia orripilante: il Big
Brother, la Neolingua, la Stanza 101 e tutto il resto. Quel-
lo che Orwell aveva immaginato nel 1949, per la cultura pop del
1984 era ormai una prospettiva ben chiara: Orwell aveva messo
in bocca a uno dei suoi personaggi – O’Brien, l’infido dirigente
del Partito – la frase “la nostra vera vita risiede nel futuro. Ma
non ci è dato di sapere quando esso verrà”. A distanza di altri
40 anni da allora, ci è chiaro che in quel momento apparivano i
primi accenni del mondo iperconnesso, dominato dalla tecnolo-
gia e globalizzato in cui tutti noi oggi viviamo. Non che all’epoca
la prospettiva di questo futuro molto orwelliano preoccupasse
qualcuno. Tra le notizie più calde dei quotidiani all’alba del 1984
troviamo il bando di un brano pop dalla Radio 1 britannica
(l’inno alla masturbazione dei Frankie Goes to Hollywood Re-
lax – spinto irresistibilmente al n. 1) e il matrimonio a sorpresa
di Elton John con la sua assistente di studio Renate Blauel (ab-
bastanza prevedibilmente, la strana coppia avrebbe divorziato
quattro anni dopo). Se avessimo esaminato il panorama musi-
cale nel 1984 avremmo concluso che sembrava estremamente
vitale. Immenso e dirompente, gradevolmente affollato da una
varietà di scene e generi. A mezza via tra la tensione degli anni
Settanta e il groove heavy’n’spandex di fine anni Ottanta, i gruppi
rock raggiunsero nuove vette: dagli USA arrivavano il thrash me-
tal, l’hair metal, l’hardcore e l’alt rock, con gruppi diversissimi tra
loro come Metallica, R.E.M., Ratt e Black Flag in rapida ascesa. In
Inghilterra Duran Duran, Spandau Ballet, Culture Club e Thom-
Cover
Story
pson Twins erano l’avanguardia del movimento New Roman-
tics. E nello stesso momento apparivano i loro esatti opposti: gli
Smith e i protagonisti della cosiddetta ‘Big Music’, con alla guida
U2 e a seguire Simple Minds, Big Country e Alarm. Infine, torreg-
giando sugli altri da vette inaccessibili, avremmo trovato quattro
artisti che stavano ridefinendo l’idea stessa di superstardom,
portandola a un livello di ubiquità mondiale: Michael Jackson,
Prince, Madonna e Bruce Springsteen. Pur essendo uscito alla
fine di novembre 1982, THRILLER di Jackson fu il disco più ven-
duto del 1984. Complessivamente, lui, PURPLE RAIN di Prince,
LIKE A VIRGIN di Madonna e BORN IN THE USA di Springste-
en, tutti e tre usciti nel 1984, vendettero in tutto il mondo più di
146 milioni di copie. Da allora la scena musicale e le varie tribù
che l’abitavano si è dissolta, e il panorama rivoltato da cima a
fondo dai monoliti generati da questi primi Big Four. Al posto
dei Jackson, Prince, Madonna e Springsteen di quel tempo, oggi
abbiamo Taylor Swift, Beyonce, Drake e Harry Styles. Essenzial-
mente le superstar classe ’84 furono le prime a creare dei brand.
Le loro immagini pubbliche, fossero di provocatrici geniali o di
eroi operai, si identificavano interamente con la loro musica.
Per arrivare a questo, fu cruciale un altro fattore dominante
della scena musicale del 1984: MTV. Dopo tre anni di vita, MTV
era passata da arrembante stazione televisiva via cavo a fatto-
re di cambiamento più potente ed efficace dell’intera industria
musicale. I video pop, inizialmente snobbati dagli artisti e visti
dalle case discografiche come una moda passeggera, ora erano
capaci di spingere le vendite e le carriere a livelli impensati. Di
37
1984
àńŊƴġƦŭöŞġѡ
ŢғöŭŭŸĚŊ²mX(0XÀXyѧ
conseguenza, i video promozionali si fe-
cero sempre più baldanzosi, con budget
sempre maggiori. L’influsso di MTV si
stava espandendo su tutta la cultura pop.
Accelerando un trend iniziato con Flash-
dance del 1983, almeno quattro dei maggiori successi al botte-
²ÀǪÀ(w²„yѡmX²RÇyѭwX!R0m„!R²ª!RXß0²ѭJ0ÀÀæѬ²Ç²yyR„II²ѡXÀßѭ²RÇÀÀ0ª²À„!j
ghino del 1984 – Ghostbusters, Beverly Hills Cop, The Karate Kid
e Footloose – erano concepiti e realizzati come video pop extra
large. Il che significava look patinato e montaggio frenetico, con
l’aggiunta di colonne sonore imbottite di esplosivo pop-rock. A
settembre di quell’anno arrivò il momento della serie TV Miami
Vice, il cui successo immediato stabilì un modello seguito in se-
guito da innumerevoli epigoni, da Breaking Bad a Yellowjackets,
Foto: (ßX(!„ß0ª(m0ѡªX!Rª(0ѧª„yѭJ0ÀÀæѬªÀÀѡ§ÇmyÀjXyѭJ0ÀÀæѬ
sia pure in modi sempre più raffinati. In I Want My MTV, libro del
2012 che racconta la storia della stazione TV, Rob Tannenbaum
e Craig Marks scrivono che “MTV fu la prima volta in cui la tec-
nologia divenne una rock star”. E nel 1984 questo sviluppo della
tecnologia proseguì per passi successivi. A settembre la prima
fabbrica di Compact disc d’America aprì a Terre Haute, in India-
na, per stampare copie di BORN IN THE USA di Bruce Spring-
steen direttamente in questo nuovo formato. L’anno successivo
avrebbe visto il Cd già pronto a sorpassare vinili e cassette come
principale supporto musicale. Il Cd prometteva di rendere l’at-
to di ascoltare musica molto più comodo – suono
migliore, durata maggiore, accesso più facile. E se
questo significava sacrificare le confezioni artisti-
che dei vinili, che importava! Come poi la storia
dimostrò, il Cd non si rivelò immortale, né privo
di graffi o salti. Ciononostante, la cruda realtà del
suo approccio che sacrificava l’estetica alla como-
dità d’utilizzo aprì la strada a iTunes, Spotify e alla
rivoluzione streaming che sarebbe seguita anni
dopo. Sempre nel 1984, lo Yamaha DX7 diventò il
primo sintetizzatore digitale di successo, essendo
stato posto in vendita al pubblico mainstream a
un prezzo abbordabile. Dopo il DX7, il mercato dei
synth crebbe per tutto il decennio. E con lui arrivò
38
Quell’anno i Ratt pubblicarono il loro
disco d’esordio, OUT OF THE CELLAR.
Big Country: una delle band
protagoniste fenomeno emergente
della ‘Big Music’.
Le Bangles invece esordirono
con ALL OVER THE PLACE.
un’alluvione di campionamenti e registrazioni digitali, oltre alla
consapevolezza di poter registrare e diffondere musica in modo
quasi autarchico.
Dal 1984, il boom dell’industria musicale arrivò fino al decennio
successivo. Fu l’ultimo nel suo genere, e si basava sulle vendite
effettive di quantità immense di prodotti fisici. Nel 1984 uscì una
gran quantità di dischi dalle vendite multimilionarie, come 1984
dei Van Halen, RECKLESS di Bryan Adams, SYNCHRONICITY
dei Police, HEARTBEAT CITY dei Cars e THE UNFORGETTA-
BLE FIRE degli U2, a cui possiamo affiancare COLOUR BY
NUMBERS dei Culture Club, SEVEN THE RAGGED TIGER dei
Duran Duran e molti altri. L’hard rock continuava ad adattarsi
e a prosperare nel suo universo chiuso. Gli ZZ Top sfruttarono
le potenzialità di MTV con ELIMINATOR e i Twisted Sister con
STAY HUNGRY. In generale, i nomi classici rimanevano forti. Ci
furono dischi rock molto solidi di Judas Priest (DEFENDERS
OF THE FAITH), Whitesnake (SLIDE IT IN), Dio (THE LAST IN
LINE), Rush (GRACE UNDER PRESSURE) e Scorpions (LOVE
AT FIRST STING). I Want To Know What Love Is dei Foreigner,
I Can’t Fight This Feeling dei REO Speedwagon e Missing You di
John Waite arrivarono tutte in vetta alla classifica USA dei 100
singoli più “Hot”. Gli Iron Maiden furono il primo gruppo rock a
oltrepassare la Cortina di Ferro col loro World Slavery Tour. Le
formazioni classiche di Deep Purple e Aerosmith si
riunirono. All’interno di questa bolla c’era sempre
qualcosa di nuovo e differente: i dischi d’esordio di
Ratt, Anthrax, Red Hot Chili Peppers e Black Flag.
Sia i Metallica (con RIDE THE LIGHTNING) che
i Marillion (con FUGAZI) centrarono il bersaglio
al secondo tentativo. A parte i dischi, la prima ce-
rimonia degli MTV Video Music Awards si tenne
alla Radio City Music Hall di New York il 14 settem-
bre, con Dan Ackroyd e Bette Midler nel ruolo di
presentatori: Herbie Hancock vinse in cinque ca-
tegorie. Doveva trascorrere del tempo prima che
le orde grunge e hip-hop abbattessero le mura a
difesa del vecchio mondo. Il 25 novembre, un cast

XªƼƦńƞŊūöƦġƞŸ
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Il secondo disco dei Metallica, RIDE
THE LIGHTNING, uscì nel 1984.
di All-Star convenne nei Sarm West Studios di
Notthing Hill (Londra) per registrare un brano
ideato e composto da Bob Geldof e Midge Ure
con lo scopo di raccogliere fondi a sostegno
dell’Etiopia, colpita dalla carestia. Pubblicato
appena nove giorni dopo, Do They Know It’s
Christmas? aveva venduto 2 milioni e mezzo
di copie alla fine del 1984. L’estate successiva,
contemporaneamente a Londra e Filadelfia
si tenne il Live Aid, che lanciò la moda degli
eventi pop di massa, arene sempre più monu-
mentali, con la musica sempre più relegata a un ruolo di intrat-
tenimento blockbuster. E accanto a tutto questo ci furono alti e
bassi, trionfi e tragedie come qualsiasi altro anno. I Police suona-
rono il loro ultimo concerto assieme a Melbourne il 4 marzo, pri-
ma di tornare 23 anni dopo. I Van Halen si esibirono per l’ultima
volta con David Lee Roth il 2 settembre a Norimberga (all’epoca
in Germania Ovest) prima di riunirsi 27 anni dopo. Styx, Kansas
e Jefferson Starship si sciolsero, naturalmente per poi riformarsi.
Anche un gruppo mai visto e sentito di LA, gli Hollywood Rose, si
sciolse, lasciando liberi Axl Rose ( frontman) e Izzy Stradlin (chi-
Foto: hw0²R0ÀIX0m(ѡ§0À0!ª„yXyѭJ0ÀÀæѬªÇ²RѡIXy!„²À0mm„ѭJ0ÀÀæѬ
tarrista) di fondare i Guns N’Roses. Per chi moriva, altri nasceva-
w(„yyѡwX!R0m§ÇÀmy(ѭJ0ÀÀæѬ§ªXy!0ѡª„²²wªXy„ѭJ0ÀÀæ
no: Soundgarden, Sepultura, Screaming Trees, Primus, Warrant
e Living Colour fra i tanti. Il mondo della musica salutò Count
Basie e Jackie Wilson. E anche Marvin Gaye, ucciso da suo padre
il 1° aprile con un colpo di pistola. Due incidenti d’auto a dicem-
bre, entrambi con batteristi coinvolti, portarono a conclusioni
molto diverse tra loro: l’8 dicembre il batterista degli Hanoi Rock,
Razzle, perse la vita. L’auto era guidata da Vince Neil, cantante
dei Mötley Crüe. Entrambi avevano bevuto tutto
il giorno ed erano ubriachi fradici. La Ford Pante-
ra del ’72 di Neil slittò su una pozzanghera lungo
una strada di Hollywood e si schiantò contro un
veicolo che veniva dalla direzione opposta. Neil se
la cavò con danni trascurabili, Razzle morì all’i-
stante. All’epoca, gli Hanoi Rock erano impegnati
nel loro primo tour USA, per promuovere TWO
STEPS FROM THE MOVE, e sembravano pronti
ad avere il mondo ai loro piedi. Andarono avanti
per qualche tempo dopo la morte di Razzle, ma
ormai erano distrutti – e l’occasione era sfumata.
L’ultima notte del 1984, il batterista 21enne dei
Def Leppard Rick Allen stava guidando al sua Cor-
Cover
Story
yġŢϺЂЁϽƦŊö§ƞŊŭēġēńġwöĚŸŭŭöƦƴöǔöŭŸƞŊĚġǬŭġŭĚŸ
il concetto stesso di superstardom.
vette C4 su un tratto di campagna della A57,
non lontano dalla sua città natale, Sheffield.
La fidanzata Miriam Barendsen era seduta ac-
canto a lui. Un’auto davanti iniziò a provocarlo,
rallentando e poi accelerando. Allen tentò di superarlo, ma perse
controllo della Corvette, colpendo un muretto e cadendo in un
campo. Il batterista fu scagliato fuori dalla vettura e il suo brac-
cio sinistro fu reciso di netto all’altezza della spalla dalla cintura
di sicurezza. Diciotto mesi dopo, Allen si trovava sul palco con i
Def Leppard, seduto dietro una batteria elettronica progettata
apposta per lui che gli permetteva di eseguire le parti del brac-
cio sinistro con i piedi. Il disco su cui stava lavorando il gruppo,
HYSTERIA, fu pubblicato il 3 agosto del 1987 e vendette oltre 20
milioni di copie. E questi sono i tragici scherzi del destino.
Venti milioni sono una cifra che va al di là dei sogni più folli di
un gruppo rock (o di chiunque altro) nel mondo digitale odierno
annunciato dal 1984. Quarant’anni dopo, il 1984 sembra soprav-
vivere nei ricordi contemporaneamente con colori vividi e con
tinte sfumate: il mondo com’era, e come il punto di partenza
per la strada che avrebbe portato a cambiamenti radicali. Molta
della musica di quell’anno è invecchiata bene. I dischi migliori ri-
mangono godibili e con un loro perché. Lo stesso non si può dire
di molti dei deliri modaioli di quel periodo –spal-
line imbottite, scaldagambe, il mullet (anche se
ultimamente si è assistito a un suo ritorno). Molti
artisti che centrarono il successo in quel periodo
sono attivi ancora oggi, come se l’essere soprav-
vissuti alla frenesia che furono gli anni Ottanta li
abbia vaccinati contro tutto e tutti. Guardate ad
esempio Springsteen, gli U2, Madonna o i Metal-
lica. E osservate anche le mega-corporazioni che
dominano il presente. Molte sono cresciute, op-
pure hanno preso spunto e ispirazione proprio da
scelte e comportamenti tipici della cosiddetta ‘me’
decade. Come Orwell, ancora lui, scrisse in 1984,
“Chi controlla il passato, controlla il futuro”.
39
1984
Foto: J0„ªJ0 „(yªª!RXß0ѭX!„yX!§Xå

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Bangkok. Barcellona. Boston. Berlino. Bedford?! I Deep Purple erano sempre stati un gruppo controverso, ma questo voleva dire
spingere le controversie al limite. Ottobre 1984, sulla scalcagnata Saab 900 del ghignante addetto stampa Roland Hyams sto
viaggiando sulla M1 diretto al capoluogo del Bedfordshire, giustamente chiamato Bedford. Il mio obiettivo è intervistare tutti
ŊēŊŭƝƼġūġūĒƞŊĚġŢŢöwjXXĚġŊ(ġġƛ§ƼƞƛŢġѢöƛƛġŭöƞŊĻŸƞūöƴöѧXŭƼŭƛƼĒѧ ġĚĻŸƞĚѧmöūŸƴŊǔöǥŊŸŭġƼĻǬēŊöŢġİēńġǔŸļŢŊŸŭŸ
provare i futuri concerti in un posto tranquillo, lontano dall’invadenza delle metropoli. E così mi ritrovo dentro un Beni Inn (volete
sapere cos’è? Googlatelo!), con l’aroma di carne grigliata e salse erotiche nell’aria. Hyams mi conduce in una sala piena di travi
dell’epoca dei Tudor, gioghi da cavalli e dipinti di caccia alla volpe. Niente tavoli o sedie, niente menu pretenziosi che annunciano
ƦƼēēƼŢġŭƴŊǬŢġƴƴŊēŸŭƛöƴöƴŊŭġĻƞŊƴƴġѡŊŢƛŸƦƴŸİƛŊġŭŸǥġƛƛŸĚŊƦƴƞƼūġŭƴŊūƼƦŊēöŢŊġöūƛŢŊǬēöƴŸƞŊѧļŢŊŊŭǬƦƦŊƦŸŭŸŊŭēńŊŸĚöƴġƛġƦöŭƴŊ
coperte di lana, per assorbire il rumore e tenere lontano il sole accecante di Bedford. Sull’entrata, una targa che recita ‘The Antico
Room’. Molta acqua è passata sotto i ponti dalla litigiosa separazione della MkIII avvenuta nel giugno 1973, subito dopo la
pubblicazione di WHO DO WE THINK WE ARE, e Mötley Crüe e Metallica – più un sanguinario gruppo chiamato W.A.S.P. – sono
i nomi sulla cresta dell’onda adesso. Per non parlare di PURPLE RAIN, da poco pubblicato (nessun legame col gruppo). Ma
öĒĒŊŭöƞġJŊŢŢöŭѢ ŢöēŞūŸƞġѢmŸƞĚѢJŢŸǔġƞġ§öŊēġöŢŢöƦƼūūġŭǥŊŸŭöƴöƴöƞļö҂ŸƦƦŊöĚġǬŭŊƞŢŊҒöŭƴŊēńŊғ҂ƦöƞġĒĒġŊŭļŊƼƦƴŸѹhŸŭmŸƞĚѢŊŢ
maggiore del quintetto, ha solo 43 anni). Malgrado voci che attribuiscono la reunion solo a motivazioni economiche – ognuno di
loro prenderebbe 1 milione di dollari per la reunion – l’atmosfera qui a Bedford è positiva. I Purple hanno qualcosa da dimostrare:
il desiderio di iniettare un tocco di classe nel rock’n’roll di metà anni Ottanta. Come dice Lord: “Molti dei gruppi metal moderni
hanno preso Purple, Sabbath e Zeppelin come mentori, punti di partenza… ma nel farlo sono diventati molto chiusi. Non sembrano
crescere”. Ritchie Blackmore aggiunge: “Senza volermi vantare, suonare musica heavy è un’arte. Essere solo rumorosi è inutile.
Bisogna saperlo fare. Ci sono delle dinamiche, certe progressioni sonore che devi usare. Oggi non sempre riesci a sentirle”. E così
öƞƞŊǔŊöūŸö§0ªI0!À²ÀªyJ0ª²ѢŊŢĚŊƦēŸĚġŢƞŊƴŸƞŭŸĚġŢŢöwŞXXѧ?öŢŢғöŢƴġǥǥöĚġŢŢġöƦƛġƴƴöƴŊǔġѨ!ŸŭŢғöǔǔŊŸöĻǬĚöƴŸöKnocking At
Your Back Door, il gruppo stabilisce il suo groove facilmente e in modo seducente. Segue la densa Under The Gun. Nobody’s Home
tiene rovente la temperatura e Mean Streak rievoca i tempi d’oro di Speed King. L’intensa title-track, dal sapore molto Zeppelin, è il
momento più alto del lato B. Non a caso ancora oggi resiste nella setlist dei Purple. Ma – e qui è la domanda – il disco contiene un
singolo pari alla potente Woman From Tokyo, presente nel vituperato WHO DO WE THINK WE ARE del 1973? Iniziate a discutere.
Per concludere, PERFECT STRANGERS fu, e rimane a metà: né una sorprendente rivelazione, né una cocente delusione. Arrivò al n.
ϿŭġŢŢġēŢöƦƦŊǬēńġÇjġöŢŭѧϺЀĚŊƝƼġŢŢġDzѧmöĻŸƞūöǥŊŸŭġēŢöƦƦŊēöĚġŊ§ƼƞƛŢġġƞöƴŸƞŭöƴöēŸŭƝƼöŢēŸƦöēńġƦƴöǔööūġƴĈĻƞöƼŭ
ļġūŊƴŸöƼŭғġƦƛŢŸƦŊŸŭġѧ§ŸƴƞġūūŸĚġǬŭŊƞŢŸƼŭҒǕöŭļѢғūöƦöƞġĒĒġƴƞŸƛƛŸà la Ted Nugent. JġŸĻĻ ƼƞƴŸŭ

40

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Formatosi nel 1979, il trio del Minnesota Hüsker Dü
attraversò la scena hardcore punk dei primi anni Ottanta
e si costruì un seguito stabile con l’Ep del 1983 METAL
CIRCUS, grazie alla sua combinazione di ferocia, melodia
e brani da due minuti che iniziavano a passare per le radio
dei college. Quando poi ZEN ARCADE arrivò, nel luglio
1984, galvanizzò la scena alt rock. Anche se comprendeva
alcune delle più frenetiche cavalcate dell’intero punk rock,
era un concept album su doppio vinile molto ambizioso.
Scritto e inciso in fretta, con molti dei brani centrali
registrati alla “buona la prima”, ZEN ARCADE si basava
su una storia molto personale, il rito di passaggio dalla
giovinezza all’età adulta. Comprendeva passaggi acustici,
bravi pezzi al piano, psichedelia d’ispirazione indiana e
addirittura uno strumentale di ben 14 minuti, Reoccurring
Dreams. Grant Hart, batterista e cantante, e Bob Mould,
chitarrista e cantante, stavano crescendo come autori, e
dimostrarono di essere in grado di scrivere melodie quasi
beatlesiane e al contempo di cantare armonie stridenti. Nel
1983 Mould disse a Steve Albini (chitarrista e cantante dei
Big Black che poi avrebbe scritto per la fanzine Matter e in
seguito sarebbe diventato un famoso produttore di punk
e alt.rock negli anni Novanta) che gli Hüsker Dü si stavano
espandendo al di là del punk e che “volevano realizzare
qualcosa di molto più grande del semplice rock’n’roll”.
In seguito, paragonò ZEN ARCADE a uno spettacolo
ƴġöƴƞöŢġŸöƼŭǬŢūѧXŢļƞƼƛƛŸƦġūĒƞöǔöƼŭŊŭƦŊġūġĚŊ
sbandati, ma i tre avevano un’intesa musicale del tutto
unica: Hart pestava sui tamburi, il basso di Greg Norton
ƦŸƴƴŸŢŊŭġöǔöŊŢĒġöƴѢūġŭƴƞġwŸƼŢĚġǔŸēöǔöǬöūūġĚöŢŢö
chitarra. Gli Hüsker Dü non persero mai la loro intensità,
solo che realizzarono una serie di dischi più concentrati
ġĚŊƦƼēēġƦƦŸѢēƼŢūŊŭöƴŊŭġŢŢŸƞŸĻŸƞƴƼŭöƴŊƦƦŊūŸġƛŊƴöĻǬŸѢ
WAREHOUSE: SONGS AND STORIES, del 1987, la loro
ŸƛġƞöƛŊDŽƞŊǬŭŊƴöġŸƞŊġŭƴöƴööŢƛŸƛѧXŢļƞƼƛƛŸƦŊƦēŊŸŢƦġöŊ
primi del 1988. Mould continuò con gli Sugar, lodati dalla
critica, e Hart con i Nova Mob. ZEN ARCADE resta il lavoro
ƛŊDŽŸƞŊļŊŭöŢġĚġļŢŊRǂƦŞġƞ(ǂѡńöŊŭǭƼġŭǥöƴŸŢöūƼƦŊēöĚŊ
Nirvana, Foo Fighters, Pixies (che come è noto pubblicarono
un annuncio in cerca di un bassista “che ami gli Hüsker
(ǂġ§ġƴġƞѢ§öƼŢöŭĚwöƞǛґѺѢªѧ0ѧwѧѢ(ŊŭŸƦöƼƞhƞѢJƞġġŭ
Day, Melvins, Queens of the Stone Age e decine di altri
gruppi dagli anni Ottanta in poi. Oltretutto, resero di moda
le camicie a scacchi. Ecco forse perché non ebbero tutto il
successo che avrebbero meritato. wŊŞġ öƞŭġƦ
venga sul sito eurekaddl.yachts
Cover
Story
Foto: §RXmX§§0Rw„yѭ(mm0ѭX!„yX!§Xå
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Col loro secondo disco, i Metallica non si limitarono ad
allargare gli orizzonti musicali. A livello di testi si elevarono
dalle provocazioni più giovanilistiche di KILL ’EM ALL,
toccando temi sia politici che letterari. Affrontarono il
potenziale distruttivo della corsa agli armamenti in Fight
Fire With Fire e il tema della pena di morte in Ride The
Lightning; Call Of Ktulu ƴƞöĚŊǔöŢғŊŭǭƼƦƦŸĚġŢŢŸƦēƞŊƴƴŸƞġR§
Lovecraft, mentre For Whom The Bell Tolls prendeva titolo
e argomento dall’omonimo libro del 1940 sulla Guerra
ēŊǔŊŢġƦƛöļŭŸŢöĚŊ0ƞŭġƦƴRġūŊŭļǕöǛѧyŸŭġƞöǔöūŸ
più a livello di Metal Militia. RIDE THE LIGHTNING fu
pubblicato il 27 luglio 1984. La maggioranza dei fan
rimase entusiasta della maturità mostrata dal gruppo,
capace di superare il thrash adolescenziale dell’esordio
per arrivare a un sound nuovo e più complesso.
Soprattutto, il disco attirò l’attenzione di diverse persone
ŊŭǭƼġŭƴŊѧÇŭŸĻƼwŊēńöġŢŢöļŸѢĚŊƞŊļġŭƴġƞöūƛöŭƴġ
ĚġŢŢö0ŢġŞƴƞöªġēŸƞĚƦѢŢғġƴŊēńġƴƴöūŸŢƴŸǬļöēńġöǔġǔö
dato spazio a Doors, Stooges ed MC5. Alago ne rimase
talmente colpito che convinse i suoi superiori a dargli
carta bianca per cercare di accaparrarsi i Metallica. “Li
vidi al Roseland Ballroom”, ricorda Alago. “Sapevo che
c’erano diversi colleghi di altre etichette. Quindi, la mia
strategia fu bloccare la porta ed essere l’unico con loro nel
backstage. “Dissi: ‘sentite, vi adoro, dovete assolutamente
ǔġŭŊƞġŭġŢūŊŸƼĻǬēŊŸĚŸūöŭŊғѧßġŭŭġƞŸƦƼŢƛƞġƦƴŸѧ„ƞĚŊŭöŊ
cibo cinese e birra, ci sedemmo e parlammo. Credo gli
piacesse che io fossi della loro età, che impazzivo per la
loro musica e che gli promisi di avere cura di loro, cosa
che feci da subito”. Trent’anni dopo, RIDE THE LIGHTNING
resta il disco davvero fondamentale dei Metallica, quello
che cambiò le cose per il gruppo e per l’intera scena
thrash, dimostrando l’esistenza di un pubblico al di là
della Bay Area. I fan duri e puri del gruppo forse non
gradirono la svolta più commerciale, ma i gruppi che
seguirono sicuramente sì. Di botto, tutti gli altri gruppi
thrash partivano con un’intro acustica, o nel bel mezzo di
un disco piazzavano una ballad potente e introspettiva.
§ġƞǬŭŸŊwġƴöŢŢŊēöƦƴġƦƦŊƦŊöƼƴŸ҅ŊūŊƴöƞŸŭŸѢƦġİǔġƞŸēńġ
w²À0ª„I§Ç§§0À²ѢŊŢĚŊƦēŸēńġƦöŭēŔŊŢŢŸƞŸĚġǬŭŊƴŊǔŸ
successo, seguì lo stesso schema, dal brano thrash iniziale
ǬŭŸöŢŢŸƦƴƞƼūġŭƴöŢġƛŊDŽöƞƴŊēŸŢöƴŸēńġēńŊƼĚġѧªX(0ÀR0
LIGHTNING fu la pietra miliare. Senza di lui, MASTER OF
PUPPETS non sarebbe esistito, almeno non così come lo
conosciamo. hŸŭàŊġĚġƞńŸƞŭ
41
1984
Xmmj0yy0(æѭJ0ÀÀæ
Foto:
ÀR0!ª²
R0ªÀ 0À!XÀæ
“Ho sempre voluto che le nostre canzoni spaccassero”, mi
disse nel 2005 Rick Ocasek. Ci riuscì nel quinto disco dei
!öƞƦѢƼŭĚŊƦēŸĚöŊēŸŢŸƞŊƦļöƞļŊöŭƴŊѢŢŊŭġġĚġǬŭŊƴġѢƞŊƴŸƞŭġŢŢŊ
insinuanti, testi volutamente ambigui che alludono a
fragili stati mentali, con frequenti riferimenti a droghe e
pratiche S&M. Un disco che, come Ocasek disse, “da una
parte vi tiene coi piedi per terra, dall’altra vi porta altrove”.
Dopo aver seguito tra il 1978 e il 1981 il classico tran tran
disco-tour, i Cars avevano bisogno di novità. Il titolo
del loro quarto disco SHAKE IT UP alludeva a proprio
a questo e il primo grande scossone per HEARTBEAT
CITY fu la decisione di ingaggiare il produttore Mutt
Lange, conosciuto per il suo tocco patinato su bestseller
come BACK IN BLACK e PYROMANIA. “Pensavo che la
combinazione tra il suono che riusciva a ottenere e quello
che facevamo noi potesse dare un ottimo risultato”, disse
Ocasek nel 1984. “Mutt non aveva mai lavorato con un
gruppo come noi. Aveva collaborato con un sacco di
gruppi heavy metal, ma ero sicuro che insieme avremmo
funzionato”. Anche se il tocco di Lange è evidente nel
groove robusto di Magic e You Might Think, gran parte
del disco punta sul sound più sobrio di Drive e Why Can’t
I Have You, dove le chitarre cedono il posto alle tastiere.
BEATITUDE, il lavoro solista di Ocasek del 1982 fornì un
ūŸĚġŢŢŸƛġƞŢғƼƦŸĚġŊƦǛŭƴńѧXŢƴöƦƴŊġƞŊƦƴöJƞġļRöǕŞġƦ
disse: “Ci si sarebbe aspettato che con un produttore come
lui ci sarebbero state più chitarre. Ma credo che a Mutt
intrigasse lavorare con le tastiere. Era un modo per fare
ƝƼöŢēŸƦöĚŊĚŊǔġƞƦŸĚöŢƦŸŢŊƴŸґѧRöǕŞġƦūŊƦġĚöƛöƞƴġŊ
suoi consueti synth analogici per dedicarsi al Fairlight,
prima tastiera a sampler digitali, allora sulla cresta
dell’onda. Gli ci vollero mesi per imparare a usarla, e
minimo 10 ore a brano per preparare la programmazione.
“Hai una parte, ma magari non funziona, per cui devi
ēġƞēöƞġĚŊƞŊƛƞŸļƞöūūöƞŢöґѢƞŊēŸƞĚöǔöRöǕŞġƦѧ(ŸƛŸŸƴƴŸ
mesi in studio, tutto andò a posto. Pubblicato il 3 marzo
1984, HEARTBEAT CITY schizzò al n. 1 negli USA e al n. 25
in Inghilterra, con sei singoli nella Top 40 e video in heavy
rotation su MTV. Quando 20 anni dopo gli fu chiesto di
HEARTBEAT CITY, Ocasek disse: “All’epoca forse non
suonava come un disco dei Cars. Ma ora sì, perché le
voci sono le stesse. Solo che ci serviva un cambiamento. I
cambiamenti sono sempre positivi”. ŊŢŢ(ġwöŊŭ
42
Foto: À„yæw„ÀÀªwѭßm„y
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XÀǕŊƦƴġĚ²ŊƦƴġƞĚŸǔġǔöŭŸƞŊƦƛŸŭĚġƞġöŢƦƼēēġƦƦŸĚġŢŢŸƞŸ
primo disco su major, YOU CAN’T STOP ROCK’N’ROLL
del 1983. Dopo un decennio di concerti nel Tri State della
ēŸƦƴö0ƦƴѹyġǕæŸƞŞѢyġǕhġƞƦġǛġ!ŸŭŭġēƴŊēƼƴѺѢƼŭö
trionfale visita britannica gli procurò un contratto con
l’Atlantic, nonostante il boss della sezione americana
ĚġŢŢғġƴŊēńġƴƴöѢ(ŸƼļwŸƞƞŊƦѢŢŊöǔġƦƦġĚġǬŭŊƴŊҐŊŢļƞƼƛƛŸƛŊDŽ
merdoso al mondo”. La realizzazione di STAY HUNGRY
(che avrebbe venduto sei milioni di copie, spinto da video
come quello del singolo We’re Not Gonna Take It) non fu
quindi una passeggiata di salute. Secondo Dee Snider, il
produttore Tom Werman non era in cima alle preferenze
ĚġŢļƞƼƛƛŸѢūöŢļƞöĚŸöǔġƦƦġǬƞūöƴŸ²R„ÇÀÀÀR0
DEVIL dei Mötley Crüe. “La nostra prima scelta era Bob
Ezrin [Alice Cooper/Kiss/Pink Floyd]”, disse il chitarrista
höǛhöǛIƞġŭēńѢūö0ǥƞŊŭŭŸŭġƞöĚŊƦƛŸŭŊĒŊŢġѧҐmöƦġēŸŭĚö
era Mack, o Roy Thomas Baker [Queen]. L’idea di usare
Tom venne a Doug Morris [presidente dell’Atlantic, ndr].
Dopo aver venduto 100.000 copie di YOU CAN’T STOP
ª„!jғyғª„mmѢŊÀǕŊƦƴġĚ²ŊƦƴġƞŭŸŭġƞöŭŸƛŊDŽēŸŭƦŊĚġƞöƴŊ
ĚġļŢŊƦǬļöƴŊġ(ŸƼļöūūŊƦġĚŊġƦƦġƞƦŊƦĒöļŢŊöƴŸƦƼĚŊŭŸŊґѧ
STAY HUNGRY fu scritto nel corso delle session di YOU
!yғÀ²À„§ª„!jғyғª„mmŭġŊ²ŸŢ²ƴƼĚŊŸƦĚŊhŊūūǛ§öļġѧ
ÀƞŸǔöƞƦŊŢŸŭƴöŭŊĚöūŸļŢŊġѢǬĚöŭǥöƴġġöūöŭƴŊūŊƦġƴƼƴƴŊ
ƦŸƴƴŸƛƞġƦƦŊŸŭġѢġƛġƞūŊƦġöŊÀǕŊƦƴġĚ²ŊƦƴġƞĚŊēġŭƴƞöƞġ
l’obiettivo. “Fu un momento importante per il gruppo,
ūööŭēńġūŸŢƴŸƦŸŢŊƴöƞŊŸґѢēŊēŸŭǬĚƆ²ŭŊĚġƞѧҐyŸŭöǔġǔŸ
ŊƦŸŢĚŊƛġƞĻöƞöƞƞŊǔöƞġūŊöūŸļŢŊġġūŊŸǬļŢŊŸѢēŸƦŔƦēƞŊƦƦŊ
The Price per esprimere come mi sentivo. L’ispirazione mi
ǔġŭŭġŭġŢēġƦƦŸĚġŢŢŸƦƴƼĚŊŸĚŊhŊūūǛ§öļġѧ0ƞöŢғƼŭŊēŸ
posto dove Satana non avrebbe fatto capolino”. Nel 2004 i
ÀǕŊƦƴġĚ²ŊƦƴġƞƞŊ҅ƞġļŊƦƴƞöƞŸŭŸ²ÀæRÇyJªæѢŊŭƴŊƴŸŢöŭĚŸŢŸ
STILL HUNGRY. “Quando ci riunimmo, avevamo vent’anni
di saggezza in più”, disse French all’epoca. “Ci dicemmo,
‘Dio, questo disco ha un suono terribile. Sarebbe il caso di
rifarlo’”. (öǔġmŊŭļ
 Cover
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Story

ÀR0ª0§m!0w0yÀ²
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Prima che i Replacements realizzassero LET IT BE, il modello dell’alt rock USA era inciso nella roccia: frenetico, fragoroso e
hardcore, come incarnato dai rivali dei Replacements, gruppi di Minneapolis come Hüsker Dü, Black Flag, Minor Threat e
öŢƴƞŊöŭēŸƞöѧXªġƛŢöēġūġŭƴƦöǔġǔöŭŸŊŭŊǥŊöƴŸƦġļƼġŭĚŸŢöƦƴġƦƦöƦƴƞöĚöѧXŢŢŸƞŸġƦŸƞĚŊŸƛġƞŢғġƴŊēńġƴƴöŊŭĚŊġŢŸēöŢġÀǕŊŭÀŸŭġ
nel 1981 – SORRY MA, FORGOT TO TAKE OUT THE TRASH – era un guazzabuglio di brani tiratissimi, tutti ideati e scritti nella
cantina dei genitori del frontman Paul Westerberg. La cosa sarebbe anche potuta andare bene per Bob Stinson (chitarrista),
per suo fratello Tommy Stinson (basso) e per il batterista Chris Mare, ma a Westerberg sembrava troppo limitante. “Non mi è
mai piaciuto far parte di un gruppo o di una squadra”, dichiarò nel 1984. “Mi piace stare da solo”. Il terzo disco del suo gruppo
esprimeva questo credo di Westerberg. Il fatto che fosse intitolato come un disco dei Beatles la diceva lunga. Westerberg
öĚŸƞöǔöŊŢƞŸēŞēŢöƦƦŊēŸġŊŢƛŸƛēöŭŸŭŊēŸѢöŭēńġƦġŢöƦƼöǔġƞƦŊŸŭġġƞöǬŢƴƞöƴöĚöŢmodus operandi dei Replacements,
caotico e vagamente alticcio, con brani che parlavano di malesseri adolescenziali e soffocanti frustrazioni sessuali. L’estate
precedente i Replacements erano stati in tour con i R.E.M., e così il loro chitarrista Peter Buck fu chiamato per produrre LET
IT BE. Ovviamente al momento di iniziare i lavori Westerberg non aveva abbastanza brani pronti, e l’occasione sfumò. Alla
ǬŭġĻƼàġƦƴġƞĒġƞļöŸēēƼƛöƞƦŊĚġŢŢöƛƞŸĚƼǥŊŸŭġѢġŊŢēŸŭƴƞŊĒƼƴŸĚŊ ƼēŞƦŊŢŊūŊƴƆöŢŢöƛöƞƴġĚŊēńŊƴöƞƞöŭġŢŢғŸƛġŭġƞI Will Dare.
Ma non importa. LET IT BE spalancò la porta all’intero movimento rock underground USA. A partire dal tintinnio di I Will
Dare ġƛġƞļŢŊöŢƴƞŊϺϹĒƞöŭŊѢƛŊDŽƦǬŢöēēŊöƴŊūöŊŭēƞġĚŊĒŊŢūġŭƴġŊŭƴġŭƦŊѢàġƦƴġƞĒġƞļŭġŊĻöƴƴŊöŭĚƆēŸŭƴƞŸŸļŭŊēŸŭǔġŭǥŊŸŭġѧmö
furente We’re Going Out, Androgynous dal piano martellante, il lamento agrodolce di Sixteen Blue, una rilettura desolata di
Black Diamond dei Kiss… brani così tormentati da sembrare a un passo dal baratro ma che invece eroicamente resistevano,
ūöļŭŊǬēöŭĚŸöūĒŊǥŊŸŭŊġŸĒŊġƴƴŊǔŊѧŢŢöƦƼöƛƼĒĒŢŊēöǥŊŸŭġѢm0ÀXÀ 0ĻƼöēēŸŢƴŸēŸŭƞġēġŭƦŊŸŭŊġŭƴƼƦŊöƦƴġƛƞŸƛƞŊŸĚöƝƼġŢŢŸ
stesso underground che intendeva distruggere. Scrivendo su «The Rocket», settimanale gratuito di Seattle, il futuro cofondatore
della Sub Pop Bruce Pavitt sentenziò: “Potrebbe benissimo trasformare questi ragazzi locali in stelle su scala nazionale”. E per
poco non ci riuscì. La Sire, una major, si accaparrò i Replacements per il loro disco successivo, TIM, del 1985. Quello e i tre che
ƦġļƼŊƞŸŭŸƦǬŸƞöƞŸŭŸŢöļƞöŭĚġǥǥöѢƦġŭǥöūöŊġļƼöļŢŊöƞġm0ÀXÀ 0ŸĻöƞƼƦēŊƞġĚŊƦēġŭöŊªġƛŢöēġūġŭƴƦѧ0ƞöŭŸƴƞŸƛƛŸŸƦƴŊŭöƴŊ
– e al tempo stesso autolesionisti – per essere come i R.E.M. Nel 1991 il gruppo implose attorno a Westerberg. Quattro anni
ĚŸƛŸѢ ŸĒ²ƴŊŭƦŸŭƦŊƼĒƞŊöēƆöūŸƞƴġѧàġƦƴġƞĒġƞļöǔġǔöļŊĈƦēƞŊƴƴŸŊŢƦƼŸġƛŊƴöĻǬŸŊŭƼŭŸĚġļŢŊŊūūġŭƦŊĒƞöŭŊĚŊm0ÀXÀ 0ѡҒI’m
ƦŸĚŊƦƦöƴŊƦǬġĚ’ aveva cantato su ÇŭƦöƴŊƦǬġĚ, ululando il suo scontento. ‘XґūƦŸƼŭƦöƴŊƦǬġĚ’. Paul Rees

43
1984

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I Whitesnake iniziarono il 1984 alla grande. L’estate prima erano stati il nome di punta al Monsters of Rock Festival a Castle Donington,
dove il loro backstage era studiato secondo lo stile di M*A*S*HѢēŸūƛŢġƴŸĚŊǬŢŸƦƛŊŭöƴŸѢƦöēēńġƴƴŊĚŊƦöĒĒŊöġƦƴöĻĻĚġŢŢöƦŊēƼƞġǥǥöēŸŭ
uniformi color kaki. Il gruppo – che David Coverdale aveva soprannominato ‘Whitesnake Commandos’ – si stava lasciando alle spalle il
blues rock, e il suo sesto disco in studio, SLIDE IT IN, presentava volti nuovi, come l’ex chitarrista dei Trapeze Mel Galley, il bassista Colin
Ғ ŸūĒġƞғRŸĚļŞŊŭƦŸŭġŊŢĒöƴƴġƞŊƦƴö!ŸǥǛ§ŸǕġŢŢѧ©ƼöŭĚŸ²X(0XÀXyĻƼƛƼĒĒŢŊēöƴŸŊŭXŭļńŊŢƴġƞƞöѢŭġŢļġŭŭöŊŸғЁϽѢyġŊŢwƼƞƞöǛѹĒöƦƦŊƦƴö
dei Whitesnake dal 1978 al 1982) aveva già sostituito Hodgkinson. Murray era stato avvicinato con molta discrezione a Donington, per
ƦöƛġƞġƦġĻŸƦƦġĚŊƦƛŸŭŊĒŊŢġƴŸƞŭöƞġöĒŸƞĚŸѢĚŸƛŸēńġ!ŸǔġƞĚöŢġŢŸöǔġǔöƦġŭƴŊƴŸƦƼŸŭöƞġēŸŭJöƞǛwŸŸƞġѧ!ŸūġƛŸŊŊŢēöŭƴöŭƴġēŸŭǬĚƆ
alla rivista «Sounds», si era chiesto: “Cazzo, ma perché l’ho lasciato andare via?”. Coverdale mirava al mercato americano e SLIDE IT
XyѢƛŊDŽĚƼƞŸѢƞŊǬŭŊƴŸġēŸŭēġŭƴƞöƴŸĚġŢƦƼŸūġĚŊŸēƞġƛƞġĚġēġƦƦŸƞġ²XyÀ²Ԅ²Xyy0ª²ѢġƞöƼŭƛöƦƦŸŊūƛŸƞƴöŭƴġŊŭƝƼġŢŢöĚŊƞġǥŊŸŭġѧwö
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1987. Coverdale considerava SLIDE IT IN un buon progresso perché, dichiarò, “l’egoĚŊƛġƞƦŸŭöļļŊēŸūġ§ŸǕġŢŢġJöŢŢġǛġƞöƦƴöƴŸ
pienamente catturato”. “Era una formazione molto potente”, ricorda oggi Neil Murray. “Con SAINTS & SINNERS il gruppo aveva perso

44

l’inerzia, per cui SLIDE IT IN fu il vero momento di passaggio tra i
‘vecchi’ Whitesnake e il periodo più heavy e orientato a un sound
USA”. Dietro le quinte, il chitarrista Mick Moody era sempre più
ĻƞƼƦƴƞöƴŸĚöŢŢöēƞġƦēġŭƴġŊūƛŸƞƴöŭǥöĚŊhŸńŭjöŢŸĚŭġƞѢŢғöūĒŊǥŊŸƦŸ
direttore delle PR dell’etichetta della band, la Geffen Records: Moody
aveva suonato sul disco, ma se ne andò prima della pubblicazione,
lamentandosi che cinque o sei anni prima Coverdale era stato il
suo migliore amico, ma “ora fa come se non esistessi”. A questo
punto bisogna chiedersi: lavorare nei Whitesnake era così duro?
“Le cose erano cambiate radicalmente da quando il gruppo era
partito e tutti eravamo più o meno sullo stesso piano”, ci dice
Murray. “Lentamente, nel corso dei cinque anni successivi, le cose
divennero sempre meno democratiche. Arrivati al 1981/82, quando
non avevamo ancora sfondato in America, David si trovò in una
Cover
Story
Foto: Xy²0Àѡh„ªJ0yyJ0mѭJ0ÀÀæ
I Whitesnake originali di SLIDE IT IN: Hodgkinson, Galley, Coverdale,
mŸƞĚѢ§ŸǕġŢŢѢwŸŸĚǛѧ
posizione dove era obbligato a essere più duro e spietato, e
meno amicone. Arrivati a SAINTS & SINNERS, si iniziava ad
avere la sensazione che il gruppo avesse poco altro da dire.
David era sotto pressione da tutti i lati”. Altri cambiamenti erano
all’orizzonte. Dopo una manciata di concerti in Germania, Mel
Galley si ferì molto seriamente, quando – dopo una sbronza
colossale – cadde dal tetto di un’auto parcheggiata. “Secondo
me David considerava Mel come fosse una bomba a orologeria”,
continua Murray. “Faceva sempre baldoria, e anche se aveva
scritto alcuni dei brani del disco l’incidente diede a David la
scusa perfetta per farlo fuori”. Poi aggiunge, con un ghigno ma
anche un velo di tristezza nella voce: “Con Cozy, il chitarrista
hŸńŭ²ǛŞġƦġwġŢġƞöǔöūŸƝƼöƦŊƼŭļƞƼƛƛŸĚŊńŸŸŢŊļöŭґѧyġŢŢö
ƛƞŊūöǔġƞöĚġŢŢғЁϽƦġŭġöŭĚƆöŭēńġŊŢƴöƦƴŊġƞŊƦƴöhŸŭmŸƞĚѢǔŊƦƴŸ
che la reunion dei Deep Purple era sempre più una realtà, e
venne sostituito da Richard Bailey degli Alaska. “Mi dispiacque
ƛġƞhŸŭѢūöŸƞūöŊŭŸŭöǔġǔöƛŊDŽūŸŢƴŸƦƛöǥŊŸґѢƞŊēŸƞĚöwƼƞƞöǛѧ
“Il sound del gruppo era sempre più chitarra, basso e batteria,
con la voce di David su tutto”. Il progetto di conquistare gli USA
era discusso apertamente, o aleggiava solo sullo sfondo? “Non
era necessario parlarne”, svela Murray. “Era il 1984, e il suono
della musica rock erano i Van Halen. Sia il gruppo, che chiunque
ci gravitasse attorno, sapevano che avere successo in America
ġƞöŢöēŸƦöēńġēŸŭƴöǔöĚöǔǔġƞŸґѧhŸńŭjöŢŸĚŭġƞĒŸēēŊƆŢö
produzione originale di Martin Birch come “datata” e la Geffen
chiamò Keith Olsen per remixare SLIDE IT IN, permettendo a
Sykes e Murray di contribuire sulle loro parti. Mentre la nuova
edizione USA iniziava a prendere piede, i Whitesnake fecero da
supporto ai Quiet Riot, in quel momento sulla cresta dell’onda.
Dopo alcune date con i Dio, l’anno si chiuse in Giappone con
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ŊūƛŢŸƦġöļŢŊŊŭŊǥŊĚġŢϺЂЁϾѢƝƼöŭĚŸ!ŸǥǛ§ŸǕġŢŢūŸŢŢƆƴƼƴƴŸĚŸƛŸ
due concerti al Rock in Rio. “Il più numeroso dei due ci vedeva
come apertura dei Queen davanti a 350.000 spettatori”, ricorda
Murray. È un peccato che in Inghilterra non abbiano mai visto
quella line-up. Cozy se ne andò perché non era d’accordo su
ēŸūġ(öǔŊĚġŊŢƦƼŸēŸŭƦƼŢġŭƴġǬŭöŭǥŊöƞŊŸŊŭƴġŭĚġǔöŭŸĚŊǔŊĚġƞġ
i guadagni”. Ma con MTV che accolse a braccia aperte i singoli
Slow An’ Easy e Love Ain’t No Stranger, la miccia era ormai
öēēġƦöġѢĚŸƛŸƴƞġöŭŭŊĚŊƝƼġŢŢġēńġwƼƞƞöǛĚġǬŭŊƦēġҐŢŸƴƴġ
intestine e scontri di personalità”, la nuova formazione scelta da
Coverdale, dal look perfetto per MTV, apparve nel video di Still Of
The Night. Il resto, come si dice, è storia. (öǔġmŊŭļ
45
1984

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c’erano tutti i brani che sarebbero apparsi su BORN IN THE USA, meno quattro (My Hometown, No Surrender, Bobby Jean e
Dancing In The DarkѺѧŢŢöǬŭġƦŊƞŊƴƞŸǔƆƴƞöŢġūöŭŊĚƼġĚŊƦēńŊūŸŢƴŸĚŊǔġƞƦŊѡƼŭŸƦŸĒƞŊŸġēƼƛŸѢŢғöŢƴƞŸƞƼūŸƞŸƦŸѢƛŊġŭŸĚŊĒƞöŭŊ
esplosivi e ritornelli coinvolgenti. Per un po’ pensò a un doppio, poi decise di non ripetersi dopo THE RIVER e fece uscire per primo
ŊŢĚŊƦēŸƛŊDŽĚŊĻǬēŊŢġѢƝƼġŢŢŸƞġöŢŊǥǥöƴŸƦġŭǥöŢöēŸŢŢöĒŸƞöǥŊŸŭġĚġŢŢö0²ƴƞġġƴ öŭĚѧ§ƼĒĒŢŊēöƴŸŭġŢƦġƴƴġūĒƞġϺЂЁϻѢy0 ª²jĻƼ
ricavato dai suoi demo casalinghi ed era geniale quanto cupo. Arrivando due anni dopo NEBRASKA, BORN IN THE USA sembrò
quasi un liberatorio ruggito: là dove quello era stato ruvido e spigoloso, questo suonava solare e arioso. I suoi 12 brani erano studiati
per le radio FM, con la batteria prorompente di Max Weinberg che spingeva chitarre e synth. Non c’è miglior esempio di Dancing
In The DarkѡƼŢƴŊūŸĒƞöŭŸöġƦƦġƞġŊŭēŊƦŸѢġƦŊƦƴġƦŸŢŸƛġƞēńĢhŸŭmöŭĚöƼѢūöŭöļġƞġēŸƛƞŸĚƼƴƴŸƞġĚŊ²ƛƞŊŭļƦƴġġŭѢĚŊƦƦġēńġöŢĚŊƦēŸ
mancava una hit. “Ho scritto 70 brani. Se ne vuoi un altro, scrivitelo tu!”, rispose secco Springsteen. E invece quella sera stessa, nella
sua stanza d’albergo, scrisse Dancing In The Dark. Poi arrivò il primo
video promo di Springsteen, con il Boss dai bicipiti ben in evidenza che
afferra tra il pubblico Courtney Cox, futura stella di Friends, per farla
ballare con lui. Il video fu adottato da MTV e aiutò BORN IN THE USA a
ǔġŭĚġƞġƛŊDŽĚŊϼϹūŊŢŊŸŭŊĚŊēŸƛŊġѧwöƦġƦŸŢŸƦŊļƼöƞĚöƦŸƴƴŸŢöƦƼƛġƞǬēġ
patinata, il bestseller di Springsteen si rivela disperato e intriso di rabbia
quanto NEBRASKA. Solo apparentemente allegra, Dancing In The Dark
vedeva Springsteen autocommiserarsi, Darlington County e Working
On The Highway erano un’elegia per vite che andavano di male in
peggio, Downbound Train e I’m On Fire trasudavano frustrazione. E
poi, c’è la title-track, un’accorata denuncia del cieco patriottismo che
il Boss sentiva crescere intorno a sé. L’iconica foto di copertina di Annie
mġŊĒŸǕŊƴǥńöƦŊēƼƞöūġŭƴġĚöƴŸ҂ŊŭūŸĚŸŊŭƴġŭǥŊŸŭöŢġ҂ŢғŊūūöļŊŭġĚŊ
Springsteen come Eroe Americano, ma con BORN IN THE USA il Boss era Il Boss da solo, con una chitarra e le sue canzoni:
più che mai la coscienza vigile del suo Paese. Paul Rees è il periodo di NEBRASKA.

46
 Cover
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Story

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ĒöƦƦŊƦƴö§ġƴġIöƞŭĚŸŭѢöŭēńġŢƼŊūŸƞƴŸġŭƴƞŸƛŸēńŊūġƦŊѺѢŊ§ƞġƴġŭĚġƞƦƦġūĒƞöǔöŭŸĚġƦƴŊŭöƴŊöƦēŊŸļŢŊġƞƦŊѧwöŢғŊŭǭƼġŭǥöĚŊ
Honeyman-Scott continuò a farsi sentire, determinando l’immediato futuro del gruppo. “Per molto tempo dopo la morte lo sentii
vicino”, spiegò Chrissie Hynde a «Classic Rock» nel 2014. “Tutte le mie decisioni musicali si basarono su quello che avrebbe fatto
ŢƼŊѧҒ!ńŊöǔƞġĒĒġēńŊöūöƴŸhŊūūǛƛġƞƦƼŸŭöƞġƝƼġƦƴŸѨǔƞġĒĒġƛƞġƦŸ ŊŢŢǛ ƞġūŭġƞғѧ²öƛġǔŸƦġūƛƞġēŸƦöƦöƞġĒĒġƛŊöēŊƼƴŸö
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campo del gruppo, Back On The Chain Gang / My City Was Gone, assieme al bassista dei Big Country Tony Butler. E anche se
per incidere la intensissima cover di Thin Line Between Love And Hate dei Persuaders fu assemblata una line-up diversa, fu un
altro “suggerimento” di Honeyman-Scott – Robbie McIntosh – a suonare le chitarre sul disco che conteneva i due singoli citati,
m0ªyXyJÀ„!ªàmѧ0ŢöƦēġŢƴöƦŊƞŊǔġŢƆƛġƞĻġƴƴöѡwēXŭƴŸƦńƛŸƞƴƆŭƼŸǔöġŭġƞļŊöġǭġƦƦŊĒŊŢŊƴĈöŢƦŸƼŭĚĚġŊ§ƞġƴġŭĚġƞƦѧŢƼŊƦŊ
aggiunse il bassista Malcolm Foster, che si unì in modo stabile alla Hynde e al batterista Martin Chambers. Intitolato così in onore
ĚġŢŢöǬļŢŊöŭġŸŭöƴöĚġŢŢöRǛŭĚġѢyöƴöŢŊġѢm0ªyXyJÀ„!ªàmƛŸƴġǔööƛƛŢŊēöƞƦŊĒġŭŊƦƦŊūŸöŭēńġöŊ§ƞġƴġŭĚġƞƦϻѧϹѧXƛƞŸĒŢġūŊĚŊ
svezzamento furono minimi. Il disco trovò il quartetto adottare un approccio più lineare, con McIntosh e Chambers che pestavano
ƦŸĚŸѢġŢöǔŸēġĚġŢŢöRǛŭĚġūöŊēŸƦŔġĻǬēöēġѧ²ŊöēŸūġūƼƦŊēöēńġēŸūġƴġƦƴŸѢŢғŸƛġŭġƞMiddle Of The Road era perfetto: un rock
pulito e vivace, con un assolo sfolgorante di McIntosh e un’ottima coda all’armonica. I nuovi Pretenders al massimo della forma. La
RǛŭĚġǔŊġŭġēŸŢƴöƴƞöƼŭļńŊļŭŸġƼŭöēŸŭĻġƦƦŊŸŭġѢūġŭƴƞġƞŊǭġƴƴġƦƼŢŢġŊŭġļƼöļŢŊöŭǥġġēƼūġŭŊēńġѢġŸƦƦġƞǔöŢöǔŊƴöĚöƼŭöŭƼŸǔö
prospettiva: ‘I’m not the cat I used to be / I’ve got a kid, I’m thirty-three, baby’. Accanto alla rinascita e all’assumersi responsabilità,
un altro tema è quello della perdita. Time The Avenger è una vampata r&b, apparentemente su un capitano d’industria che esce di
scena. Ma al tempo stesso è una meditazione esistenziale valida per tutti: ‘Nobody’s permanent / Everything’s on loan here’, canta
la Hynde, scivolando tra i versi con una nuova sensibilità. ‘Even your wife and kids / Could be gone next year’. Nulla è per sempre.
Spinta dal funk di My City Was Gone, la Hynde torna nella sua città natale nell’Ohio, e la trova irriconoscibile. Segni caratteristici e
luoghi che ricordava, abbattuti per far posto a parcheggi. Anche la casa dove è vissuta è vuota, e i ricordi si disperdono ‘like the wind
through the trees’.©ƼġƦƴғŊĚġöĚġŢƛöƦƦöļļŊŸƛġƞēŸƞƞġƴƼƴƴŸŊŢĚŊƦēŸѧÇŭöūöĚƞġġƼŭǬļŢŊŸēġƞēöŭŸƼŭöƞŊƛöƞƴġŭǥöŊŭThumbelina,
una moglie perseguitata muta drammaticamente la sua realtà in Thin Line Between Love And Hate, il dolore della separazione
ѹĻŸŭĚöƴŸƦƼŢŢғöƦƦġŭǥöĚŊRŸŭġǛūöŭ҅²ēŸƴƴѺöĻǬŸƞöŭġŢŢöūöġƦƴŸƦö2,000 Miles, guidata dalla chitarra tintinnante di McIntosh. Dal
ŭƼŸǔŸŊŭŊǥŊŸѢǬŭŸöŊƴƞŊƦƴŊöĚĚŊŊѢm0ªyXyJÀ„!ªàmİƼŭƴƞŊŸŭĻŸŊŭĚŊƦƴƞƼƴƴŊĒŊŢġĚŊĻŸƞǥöĚŊǔŸŢŸŭƴĈѧªŸĒRƼļńġƦ

47
1984
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lo pseudonimo di Slade the Leveller, per non perdere il
sussidio di disoccupazione. “Nella scena punk di quel
periodo molti musicisti usavano pseudonimi. L’ultima
ēŸƦöēńġǔŸŢġǔöūŸġƞöēńġŢғƼĻǬēŊŸĚŊēŸŢŢŸēöūġŭƴŸ
vedesse i nostri nomi nelle cronache locali”, spiega. “Così
usavamo nomi falsi. Non mi beccarono mai”. Assieme a
²ƴƼöƞƴwŊƞƞŸǕöŢĒöƦƦŸġöŢĒöƴƴġƞŊƦƴöªŸĒĒRġöƴѢ²ƼŢŢŊǔöŭ
era venuto a Londra dallo Yorkshire per lavorare sul
ƛƞŊūŸĚŊƦēŸöƦƦŊġūġöªöǛҒwŸŭĚғ!ŸǕŊġ҂ēńŊƴöƞƞŊƦƴö
e cofondatore degli Angelic Upstarts – qui nei panni
di produttore. “Lo registrammo negli Alaska Studios,
sotto la stazione di Waterloo”, ci svela. “Se ascoltate con
attenzione, potete sentire i treni che vanno e vengono.
Avevamo cinque giorni a disposizione, ma ne chiedemmo
altri due, e ce li diedero. Fu la prima volta che lavoravamo
in studio – fu bellissimo e snervante”. VENGEANCE era
un disco arrabbiato, alimentato dalla frustrazione del
crescere e, nel caso della title-track, dai criminali di guerra
nazisti. “Avevo visto un documentario su Klaus Barbie,
e scrissi Vengeance in cinque minuti”, rivela Sullivan,
aggiungendo, “i primi anni Ottanta furono l’inizio di
qualcosa che viviamo oggi – lo spostamento di fondi,
risorse e potere dal pubblico al privato. Quarant’anni
dopo continuiamo a farlo”. Sullivan rimpiange ancora
il fatto che ‘punk rock’ sia diventata solo un’etichetta. “È
stato terribile”, sospira. “La responsabilità è di gente come
Gerry Bushell [giornalista che scriveva sul settimanale
«Sounds»]. Il punk non è mai stato solo un genere
musicale. Era una rivoluzione culturale. Non contava
più essere un bravo musicista. Non c’erano regole. E con
questo in mente, i gruppi di quel periodo – The Cure, Killing
hŸŞġѢ(ġƛġēńġwŸĚġѢ²ŊƦƴġƞƦŸĻwġƞēǛ҂öŭĚöƞŸŭŸƴƼƴƴŊ
in direzioni diverse tra loro”. Appena prima di pubblicare
il disco, i NMA apparvero nel programma musicale
settimanale di Channel 4, The Tube. “Ogni gruppo prima
o poi ha un colpo di fortuna, e quando arriva devi essere
pronto”, teorizza Sullivan. “The Tube fu il nostro, e fummo
pronti”. VENGEANCE scalzò l’esordio degli Smiths dalla
vetta delle chart indipendenti e la EMI li prese. “Tutte le
major ci volevano, ma la EMI ci garantì l’indipendenza
öƦƦŸŢƼƴöґѢƦƛŊġļö²ƼŢŢŊǔöŭѧҐmöēŸƦöǬļöĻƼēńġƝƼöŭĚŸ
ǬƞūöūūŸĻƼƞŸŭŸŸĒĒŢŊļöƴŊöĻöƞġƼŭöĚŸŭöǥŊŸŭġöĻöǔŸƞġ
dello sciopero dei minatori. Forse la detrassero dalle tasse,
ma tutto sommato fu una buona cosa”. (öǔġmŊŭļ
48
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loro nono disco, DEFENDERS OF THE FAITH: oggi
riconosciuto come un classico dell’heavy metal,
all’epoca fu giudicato un mezzo fallimento. Due
anni prima, SCREAMING FOR VENGEANCE aveva
trasformato il quintetto di Birmingham in superstar,
specialmente negli Stati Uniti, dove il pubblico era
rimasto conquistato dai loro pezzi tostissimi rafforzati
dal lavoro della doppia chitarra, declamati da Rob
Halford con voce quasi spettrale e resi visivamente con
ƼŭġĻǬēöēġŢŸŸŞƴƼƴƴŸƛġŢŢġѢĻƞƼƦƴġѢēöƴġŭġġƦŸƦƛġŭƦŸƞŊ
ĚġƦƴŊŭöƴŸöŊŭǭƼġŭǥöƞġūŸŢƴġĒöŭĚöǔġŭŊƞġѧmö
domanda era: dopo che hai realizzato uno dei dischi
heavy metal migliori di tutti i tempi, che fai? I Priest
sembravano in una fase “riciclo” e, anche grazie a
Tom Allom (che tornò al banco di regia), DEFENDERS
OF THE FAITH seguiva fedelmente il modello di
SCREAMING FOR VENGEANCE. Col senno di poi, però,
una cosa (centrale) mancava: laddove SCREAMING…
aveva You Got Another Thing Coming, singolo perfetto
per il pubblico USA e per MTV, il meglio che poteva
offrire DEFENDERS OF THE FAITH era la title-track,
ottima apertura, ma a paragone dell’altra a livello
commerciale sembrava sì e no una canzoncina da
ƼƦöƞġƛġƞƞŊƦēöŢĚöƞƦŊöŢƦŸƼŭĚēńġēŞѧ0ŊŭĻöƴƴŊѢöŢŢöǬŭġ
del 1984 DEFENDERS… si era fermato a 800.000 copie
vendute, successo epocale per gli standard odierni,
ma mezzo milione in meno del suo predecessore, che
continuava a macinare copie. “Se non ammettessi
di essere deluso da queste cifre sarei un bugiardo”,
riconobbe Rob in un’intervista dell’epoca, confermando:
“Il dato puro e semplice è che non avevamo un singolo
öĒĒöƦƴöŭǥöĻŸƞƴġґѧ§ġƞŊhƼĚöƦ§ƞŊġƦƴ҂ġŊŭļġŭġƞöŢġ
per l’heavy metal – il 1984 può essere visto come un
punto di svolta. In estate i Metallica fecero uscire il
loro secondo disco, RIDE THE LIGHNING, che cambiò
le regole del gioco, mentre il movimento thrash, che
anni dopo gli stessi Priest avrebbero abbracciato
con PAINKILLER, iniziava a prendere piede. Un’era
ǬŭŊǔöѢġƼŭғöŢƴƞöƦĒŸēēŊöǔöѧÇŭғƼŢƴŊūöƛöƞŸŢöƦƼŢƴŊƴŸŢŸѧ
‘Defenders Of The Faith’ (Difensori della Fede) da
allora è diventato un motto adottato da generazioni
di metallari – il tributo a chi è radicato nella storia,
nei valori e nell’etica del Metal – una dichiarazione
d’intenti, sincera e senza compromessi.(öǔġmŊŭļ

Foto: §ÇmyÀjXyѭJ0ÀÀæ
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Nel 1984 i R.E.M. erano la band da tenere d’occhio.
Pubblicato nell’aprile dell’anno prima, il loro Lp d’esordio
MURMUR li aveva posti alla guida del nuovo alt rock
chitarristico americano: crudo, misterioso e stranamente
melodico. Da una parte i R.E.M. erano legati alla
tradizione, ispirati dai Velvet Underground, da Patti Smith
e dal post punk anni Settanta. Dall’altra erano molto
ĚŊǔġƞƦŊѢƞŊġŢöĒŸƞöŭĚŸƝƼġƦƴġŊŭǭƼġŭǥġöƴƴƞöǔġƞƦŸƼŭ
prisma fangoso dal sapore sudista che puntava su una
narrazione disarticolata e, complice l’enigmatico cantante
Michael Stipe, su testi a dir poco ermetici. Malgrado
avesse venduto meno di 200.000 copie, MURMUR rese
i R.E.M. i beniamini delle college radio. Anche i critici li
öĚŸƞöǔöŭŸѢġŊŢƞġĻġƞġŭĚƼūĚŊǬŭġғЁϼƦƼҋªŸŢŢŊŭļ²ƴŸŭġҌŢŊ
vide vincere sia nella categoria Best Album che in quella
ġƦƴyġǕƞƴŊƦƴѧ§ŸŊēŊĻƼŢöƛƞŊūööƛƛöƞŊǥŊŸŭġƴġŢġǔŊƦŊǔö
nazionale sul Late Night with David Letterman. Ma i
R.E.M. erano già al lavoro su RECKONING, che nacque
di corsa, in pochi giorni. I produttori Mitch Easter e Don
Dixon, gli stessi di MURMUR, cercarono di cogliere
l’energia che il gruppo scatenava dal vivo, sottolineando
il lato rock dei R.E.M. Le canzoni non erano un problema:
nascevano quasi di getto. Peter Buck in seguito affermò
che RECKONING era stato inciso in fretta per evitare
ogni interferenza da parte della loro etichetta, la I.R.S.
L’apparizione da Letterman aveva visto i R.E.M. esibirsi
ŊŭƝƼġŢŢŸēńġǬŭŸöƝƼġŢūŸūġŭƴŸġƞöŊŢŢŸƞŸƛġǥǥŸ
più commerciale – un brano ancora senza titolo che in
studio aveva preso forma come So. Central Rain. Il testo
alludeva a una cara amica di Stipe, la fotografa Carol
Levy, morta in un incidente d’auto, ricordata anche nella
commovente Camera: questi due brani rappresentano
il lato più elegiaco di RECKONING. Altrove, i R.E.M. sono
spumeggianti e gioiosi: pensate a Second Guessing o a
Pretty Persuasion, che era nella setlist dei R.E.M. dal 1981
ed era stata incisa nelle session per MURMUR. In questa
forma aggiornata, schizza letteralmente fuori dagli
öŢƴŸƛöƞŢöŭƴŊѢöǔǔŊŭļńŊöŭĚŸƦŊöŢŢғöƦēŸŢƴöƴŸƞġ҂ªѧ0ѧwѧǬŭŸöŢ
ūŊĚŸŢŢŸѧwŊŢŢƦġƞöŢғŊƦƛŊƞöƴŸƞġĚŊƼŭöŢƴƞŸĒƞöŭŸūġƦƦŸǬŭŸ
a quel momento in stand-by, (Don’t Go Back To) Rockville,
che nella versione di RECKONING abbandona il thrash
punkeggiante delle origini in favore di un groove più
ūŊƦƼƞöƴŸѢŢġēƼŊƦŸǬƦƴŊēöƴġūġŢŸĚŊġöŭƴŊēŊƛöŭŸŊŢƦƼēēġƦƦŸ
globale che il gruppo avrà negli anni Novanta. Ma per
adesso, i R.E.M. restavano una band di culto. ªŸĒRƼļńġƦ
Cover
Story
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Ry„Xª„!j²
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Senza TWO STEPS FROM THE MOVE ci sarebbe stato
APPETITE FOR DESTRUCTION? Nei primi anni Ottanta,
mentre metteva assieme i Guns N’Roses, Axl Rose si
innamorò degli Hanoi Rocks, e in particolare di questo
loro quinto disco. Dopo tutto, nel ritornello di uno dei brani
migliori, Underwater World, troviamo i versi: ‘Welcome
to the jungle / Deep inside of me’. Formatisi cinque anni
prima nella nativa Finlandia, gli Hanoi sembrarono per
un attimo avere il mondo in mano, solo per vederselo
strappare da un fato crudele. Anche loro avevano un
frontman carismatico (Michael Monroe, astemio e
dagli zigomi sporgenti) e un chitarrista funambolico
(Andy McCoy, che mescolava il look stropicciato di Izzy
Stradlin alla tecnica di Slash). Il loro marchio di fabbrica,
insomma, era la stessa potente mistura di classic rock e
insolenza punk. Ognuno dei quattro dischi usciti prima
ĚŊÀà„²À0§²Iª„wÀR0w„ß0ġƞöƦƴöƴŸƼŭǭŸƛѢ
anche se BACK TO MYSTERY CITY del 1983 – realizzato
dopo il trasloco a Londra – gli aveva fatto ottenere un
contratto con la CBS. Monroe, McCoy, l’altro chitarrista
Nasty Suicide, il bassista Sam Yaffa e il batterista Razzle
ƦŊƞŊŭƴöŭöƞŸŭŸŭġļŢŊƦƴƼĚŊªġēŸƞ̧ŢöŭƴĚŊyġǕæŸƞŞƛġƞ
incidere TWO STEPS FROM THE MOVE, che catturò il
genio creativo degli Hanoi al 100%: sguaiati e arrembanti
in Boulevard Of Broken Dreams, belli e dannati in Don’t
You Ever Leave Me, persi in abissi profondi in Underwater
World. Oltre alla presenza di Ezrin in cabina di regia, i testi
di I Can’t Get It furono scritti con Ian Hunter e il disco fu
anticipato da una rispettosissima cover di un classico dei
Creedence, Up Around The Bend, che fu anche il primo
singolo e gli aprì le porte di MTV. Andy Warhol presenziò
öŢŢŸƞŸƛöƞƴǛöyġǕæŸƞŞѧ!ŸƦŔѢƝƼöŭĚŸŊŭƴƞöƛƞġƦġƞŸŊŢŢŸƞŸ
primo tour USA, nell’inverno ’84, gli Hanoi sembravano
inarrestabili. Purtroppo, in un attimo svanì tutto. Concerto
ö²ǛƞöēƼƦġѢ²ƴöƴŸĚŊyġǕæŸƞŞѢϻЂŭŸǔġūĒƞġѡwŸŭƞŸġ
scivolò sul palco, rompendosi la caviglia. Il resto del
gruppo partì per LA, mentre lui si rimetteva. Poi, l’8
dicembre, la band decise di partecipare a un party dei
Mötley Crüe. Vince Neil, cantante dei Crüe, fu spedito a
comprare liquori con la sua Ford Pantera del 1972. Razzle
lo accompagnò. Neil aveva bevuto troppo per mettersi
al volante, così la Pantera slittò su una pozzanghera e
impattò su un’auto che procedeva in senso opposto. Neil
se la cavò con ferite lievi. Razzle, seduto accanto a lui, morì
sul colpo. E con lui l’anima degli Hanoi Rocks. Paul Rees
49
1984
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secondo disco dei Dio, THE LAST IN LINE, era atteso con grande attenzione. Il debut album, HOLY DIVER, era a pochi passi dal
ĚŊƦēŸĚŊƛŢöƴŊŭŸŭġļŢŊDzġŢöƦġŭƦöǥŊŸŭġĚġŢŢöēöƦöĚŊƦēŸļƞöǬēöġƞöēńġēŸŭƝƼöŢēńġƛŊēēŸŢŸöļļŊƼƦƴöūġŭƴŸƝƼġƦƴŸƛŸƴġƦƦġ
öŭēńġöŭĚöƞġūġļŢŊŸѧƴöŢǬŭġŢöŢöĒġŢöǔƞġĒĒġǔŸŢƼƴŸÀġĚÀġūƛŢġūöŭѢƛƞŸĚƼƴƴŸƞġĚġŢßöŭRöŢġŭѧwöªŸŭŭŊġhöūġƦ(ŊŸŢö
pensava diversamente. “Per HOLY DIVER abbiamo fatto tutto da soli: produzione, promozione, addirittura la scelta della copertina.
E questo perché all’etichetta non interessava. Ora che abbiamo avuto successo, vogliono tutti salire a bordo. Grazie, ma anche
no”. Il cantante aveva già deciso il titolo del disco, THE LAST IN LINE, uno dei nuovi brani su cui il gruppo stava lavorando che
lui considerava “il perfetto brano classic rock”. “Avevo già il testo”, spiegò. La musica nacque dalla collaborazione dei membri
del gruppo, come per ben sette dei nove brani presenti. Il chitarrista Vivian Campbell aveva proposto l’intro arpeggiata, mentre
hŊūūǛ öŊŭѢŊŢĒöƦƦŊƦƴöѢöǔġǔöŊĚġöƴŸŊŢҐūŸŭƦƴġƞƞŊĻĻґѢēŸūġŢŸĚġƦēƞŊƦƦġªŸŭŭŊġѧmғġŭƴƞöƴöŊŭŸƞļöŭŊēŸĚŊ!ŢöƼĚġ²ēńŭġŢŢѢƴöƦƴŊġƞŊƦƴö
dall’educazione classica, aggiunse profondità al sound del disco. “È sempre meglio avere già pronto il brano centrale del disco,
prima di iniziare le registrazioni”, disse Ronnie. “E con The Last In LineѢƦöƛġǔŸĚŊöǔġƞŢŸґѧyġŢϻϹϺϽŊÀġŭöēŊŸƼƦ(ĚŊhöēŞ ŢöēŞŭġ
ĻġēġƞŸƼŭöēŸǔġƞƛġƞŊŢƴƞŊĒƼƴġöŢĒƼūöŊ(ŊŸѢÀRX²X²æ„ǪmXI0ѢġŭŸŭƦƴŊöūŸƦēńġƞǥöŭĚŸѡhöēŞİƼŭĻöŭƦĻġļöƴöƴŸĚġŢļƞƼƛƛŸѧ0
quella cover vinse il Grammy come Best Metal Performance. Aperto da uno dei brani rock più immensi di quell’epoca, We Rock,
scritto dal solo Ronnie, da molti fan dei Dio THE LAST IN LINE è considerato addirittura superiore a HOLY DIVER e si chiude con un
altro classicissimo del loro repertorio lungo ben sette minuti, Egypt (The Chains Are On). Stavolta tutti e quattro i membri del gruppo
sono citati come autori, e Schnell pesta duro sulle tastiere. E di cosa parla? Be’, di ‘the land of the lost horizon’, dove ‘the magic was
strong and blue’. Riascoltato oggi, resta uno dei dischi metal fondamentali degli anni Ottanta. I Dio non sarebbero mai più stati
tanto immensi, cool, o semplicemente heavy. Mick Wall

50

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Nel corso dei loro primi otto dischi, il sound dei Rush si era
evoluto e trasformato, ma nel 1982 SIGNALS era stato una
frattura netta col passato, spostandosi dalle atmosfere
chitarristiche epiche degli anni Settanta verso un sound
basato sulle tastiere. La cosa aveva spiazzato alcuni dei
loro fan più tradizionalisti. Non che la cosa preoccupasse
più di tanto i Rush: anziché tornare a terreni più familiari
il trio raddoppiò gli sforzi, abbracciando in toto le nuove
tecnologie e il sound che ne derivava. Il tutto fu evidente in
GRACE UNDER PRESSURE, del 1984, un disco lontanissimo
ĚöŢŢġŢŸƞŸƞöĚŊēŊѢŸŢƴƞġēńġŊŢƛƞŊūŸƦġŭǥöÀġƞƞǛ ƞŸǕŭѢ
produttore storico e loro mentore. “Fu una scelta
necessaria, volevamo fare le cose nel modo più diverso
possibile dal passato”, spiegò Neil Peart. Per trovare un
nuovo produttore, i Rush iniziarono a studiare i dischi che
ƛŊDŽļŢŊƛŊöēġǔöŭŸѢƦƴŊŢöŭĚŸƼŭöŢŊƦƴöĚŊēöŭĚŊĚöƴŊѧŢŢöǬŭġ
optarono per Peter Henderson, conosciuto per il suo lavoro
ēŸŭŊ²ƼƛġƞƴƞöūƛѧmғŊŭļŢġƦġƴƞŸǔƆƼŭļƞƼƛƛŸŊūūġƞƦŸǬŭŸ
al collo in una strumentazione all’avanguardia: Peart
aveva iniziato a usare le batterie elettroniche, mentre il
bassista/cantante Geddy Lee e il chitarrista Alex Lifeson
passavano tutto il tempo a suonare tastiere. Si rivelò però
una scelta poco adatta ai Rush, e le session si dilatarono
per ben quattro mesi, cosa inusuale per i loro standard.
Ґ²ġūĒƞöǔöēńġēŊǔŸŢġƦƦġƞŸöŭŭŊƛġƞǬŭŊƞġŊŢĚŊƦēŸґѢĚŊƦƦġ
in seguito Lifeson. “Iniziammo all’inizio di novembre e
ǬŭŊūūŸŊŢϺϻūöƞǥŸϺЂЁϽѧ!ŊǔŸŢŢġƞŸĚƼġūġƦŊƛġƞūġƴƴġƞġ
giù le tracce base. Ancora oggi per me rimane un mistero
perché ci mettemmo così tanto. Eravamo preparati, ma
ci mettemmo il doppio del tempo per scrivere, provare,
öƞƞöŭļŊöƞġġǬŭŊƞġŊŢūöƴġƞŊöŢġґѧmöĻöƴŊēŸƦöƛƞġƛöƞöǥŊŸŭġ
in parte ispirò il titolo del disco: GRACE UNDER PRESSURE.
“Non solo si adattava a molti dei brani, ma era perfetto
per descrivere come nacque quel disco”, spiegò Peart. Il
ƛƞŸĚŸƴƴŸǬŭŊƴŸöƴƴġŭƼöǔöŊŢƴġƦƦƼƴŸĚġŊƦǛŭƴńĚŊ²XJym²Ѣ
dando più spazio alla chitarra di Lifeson e canzoni come
Red Sector A e Distant Early Warning divennero centrali
nei concerti dei Rush degli anni Ottanta. Alla resa dei
conti però GRACE UNDER PRESSURE non fu il disco che
ŢöĒöŭĚöǔƞġĒĒġǔŸŢƼƴŸѧҐ0ƞöƼŭūŸūġŭƴŸĚŊĻǬēŊŢġґѢƞŊǔġŢƆ
Lee tempo dopo. “Non eravamo sicuri di chi volevamo
ġƦƦġƞġѧŢŢöǬŭġēŊƞŊƴƞŸǔöūūŸöƛƞŸĚƼƞƞġƝƼġƦƴŸĚŊƦēŸ
praticamente da soli. E fu molto dura”. yġŊŢhġĻĻƞŊġƦ
venga sul sito eurekaddl.yachts
Cover
Story
ECHO
ԄÀR0 Çyyæwy
„!0yªXy
Nella seconda metà del 1983 gli Echo & the Bunnymen
sembravano sul tetto del mondo: singoli di successo
come The Cutter Never Stop e PORCUPINE (il loro terzo
album divenuto disco d’oro) li avevamo messi su un
piano diverso rispetto ai loro rivali postpunk, almeno a
livello commerciale. Ma invece di iniziare a frequentare
le mega arene, il quartetto di Liverpool adottò un
approccio stranamente minimale, anche nei tour:
“Come gruppo ci sentivamo all’apice”, ci disse il cantante
Ian McCulloch nel 2013. “Chiunque altro indossava
ēöƛƛġŢŢŊĚöēŸǕĒŸǛġƦƼŸŭöǔöŭġļŢŊƦƴöĚŊѢūġŭƴƞġŭŸŊēŊ
esibivamo sull’acciottolato delle stradine. Questa scelta
öǔġǔöƼŭƦŊļŭŊǬēöƴŸƛƞġēŊƦŸґѧ§ŊƼƴƴŸƦƴŸēńġƦġļƼŊƞġŢġ
schitarrate degli U2 o dei Simple Minds, la cifra stilistica
della cosiddetta ‘Big Music’, il gruppo realizzò a Parigi
ŊŢƦŸǬƦƴŊēöƴŸġƞŊǭġƦƦŊǔŸ„!0yªXyѧ!ŸūġƦƛŊġļƆŊŢ
chitarrista Will Sergeant a «Classic Rock», “Amavamo
FOREVER CHANGES dei Love e i dischi di Scott Walker,
ecco perché usammo gli archi. Doveva essere un vero
classico”. Pubblicato prima del disco, nel gennaio 1984,
The Killing Moon fu un’anticipazione perfetta: il gruppo si
avventurava in territori epici, con la ricca voce baritonale
di McCulloch che parlava del fato e di una sorta di potere
divino. “È la canzone migliore di tutti i tempi”, dichiarò
spavaldo il frontman. OCEAN RAIN fu concepito con lo
stesso spirito di The Killing Moon. McCulloch lo vedeva
ŊŭƦġƞŊƴŸŭġŢŢöŢŊŭġöūŸŢƴŸġƼƞŸƛġöĚŊǬļƼƞġēŸūġhöēƝƼġƦ
Brel e Édith Piaf – musica con un lato oscuro e fortemente
drammatico. Il bassista Les Pattinson arricchì il suo sound
con un macchinario vintage per il riverbero; Sergeant usò
vari effetti per rafforzare il tessuto sonoro; il batterista Pete
de Freitas smorzò il suo approccio consueto con spazzole
e cembali, oltre che xilofoni e glockenspiel. Seven Seas e
l’egualmente sublime Silver davano fremiti quasi sinfonici,
con l’ultimo brano che faceva pensare a una sorta di
nirvana creativo. Basata su una scala medio-orientale,
Thorn Of Crowns richiamava i Bunnymen di PORCUPINE,
ma con un’ambizione e un’autostima rinnovate.
Nocturnal Me è un puro melodramma con sapori alla
Brel e oscuri echi di Brecht-Weill, mentre la title-track è
una ballad crepuscolare degna di Scott Walker. Alla sua
uscita, nel maggio ’84, OCEAN RAIN divise il pubblico, ma
nel tempo è stato riconosciuto come il momento più alto
della carriera dei Bunnymen. ªŸĒRƼļńġƦ
51
1984
Foto: §ÇmyÀjXyѭJ0ÀÀæ

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ēńŊöūöƴŸ ŸŭhŸǔŊġŭġŊūġƦŊēńġƦġļƼŊƞŸŭŸöƞƞŊǔöƞŸŭŸƴöŭƴŊöŢƴƞŊļƞöŭĚŊĚŊƦēńŊѡŊ²ƼƞǔŊǔŸƞƦēŸŭŊŢŭƼŸǔŸēöŭƴöŭƴġhŊūŊhöūŊƦŸŭĻġēġƞŸ
un altro centro con VITAL SIGNS. Bryan Adams pubblicò RECKLESS, il disco che l’avrebbe reso una superstar. TROPICO di Pat
Benatar era una delizia. Ci furono anche ottimi dischi che in qualche modo passarono inosservati, ma che poi sarebbero diventati
classici di culto: RUNAWAY dei Dakota, il debutto omonimo dei Giuffria, i White Sister e lo spin-off dei Boston, Orion the Hunter. A
livello di singoli, gustammo hit come Sister Christian dei Night Ranger e Missing YouĚŊhŸńŭàöŊƴġѧ0öŢŢöǬŭġĚġŢŢғöŭŭŸöƞƞŊǔöƞŸŭŸ
ĚƼġĒöŢŢöĚūŸŭƼūġŭƴöŢŊēńġēŸŭƝƼŊƦƴöƞŸŭŸŢġēŢöƦƦŊǬēńġDzѡI Want To Know What Love Is dei Foreigner e Can’t Fight This
FeelingĚġŊª0„²ƛġġĚǕöļŸŭѧ§ġƞļŢŊöūöŭƴŊĚġŢŢғ„ªġƞöƼŭғġƛŸēöĻġŢŊēġѧÇŭŸĚġŊĚŊƦēńŊūŊļŢŊŸƞŊĚġŢϺЂЁϽƛġƞƆöǔġǔöĚġŢǔġŢġŭŸ
ŭöƦēŸƦƴŸѡ²Àª00ÀÀmjѢŊŢĚŊƦēŸƦŸŢŊƦƴöĚġŢēöŭƴöŭƴġĚġŊhŸƼƞŭġǛѢ²ƴġǔġ§ġƞƞǛѧ§ġƞƞǛŭŸŭĻƼŢғƼŭŊēŸhŸƼƞŭġǛöƛƞġŭĚġƞƦŊƼŭöƛöƼƦö
ƝƼġŢŢғöŭŭŸѡŊŢēńŊƴöƞƞŊƦƴöyġöŢ²ēńŸŭƼŭŔŢġĻŸƞǥġöŢŢғöūŊēŸ²öūūǛRöļöƞŭġŢŢғġĻǬūġƞŸƦƼƛġƞļƞƼƛƛŸR²²ѢūġŭƴƞġŊŢĒöƴƴġƞŊƦƴö²ƴġǔġ
²ūŊƴńƦŊƴġŭŭġŸēēƼƛöƴŸēŸŭŊŢƛƞŸļġƴƴŸśöǥǥßŊƴöŢXŭĻŸƞūöƴŊŸŭѧwöĻƼŊŢĚŊƦēŸĚŊ§ġƞƞǛöĚöǔġƞġŢғŊūƛöƴƴŸūöļļŊŸƞġƦƼŊhŸƼƞŭġǛѧ
²Àª00ÀÀmjġƞöƛġƦöŭƴġūġŭƴġŊŭǭƼġŭǥöƴŸĚöŢƦŸƼŢġĚöŢƞԄĒēńġ§ġƞƞǛöūöǔöǬŭĚöƞöļöǥǥŸѢġƝƼöŭĚŸŊŢĚŊƦēŸĚŊǔġŭŭġƼŭ
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ON RADIO. Il risultato fu che Schon si ritrovò messo in disparte in quello che era sempre stato il suo gruppo, e la formazione classica
ĚġŊhŸƼƞŭġǛѢƝƼġŢŢöēńġöǔġǔöƞġöŢŊǥǥöƴŸēöƛŸŢöǔŸƞŊēŸūġ0²!§0ġIª„yÀX0ª²ѢŊūƛŢŸƦġѢēŸŭŢғöĒĒöŭĚŸŭŸĚŊ²ūŊƴńġĚġŢĒöƦƦŊƦƴö
ªŸƦƦßöŢŸƞǛѧwöƦġ²Àª00ÀÀmjƛƼƆġƦƦġƞġƦƴöƴŸƼŭƛƞŸĒŢġūöƛġƞŊhŸƼƞŭġǛѢƛġƞŊŢēöŭƴöŭƴġĻƼƼŭƴƞŊŸŭĻŸ҂ƦŊöēŸūġēöƛŸŢöǔŸƞŸ
soft rock, che come affermazione personale. Fu scritto e inciso con un cast di musicisti famosi e non così tanto famosi, compresi il
chitarrista Waddy Wachtel e il batterista Craig jƞöūƛĻѢƝƼġƦƴғƼŢƴŊūŸĚöŢļƞƼƛƛŸƛƞġ҅hŸƼƞŭġǛĚŊ§ġƞƞǛѢŢŊġŭ§ƞŸśġēƴѧŢŢғöƛŊēġĚġŢŢö
sua energia creativa, in STREET TALK Perry mise tutto quello che aveva in una serie di brani costruiti in modo perfetto: Oh Sherrie,
ƦēƞŊƴƴöƛġƞŢöƦƼöēŸūƛöļŭŊö²ńġƞƞŊġ²ǕöĻĻŸƞĚѢĚŊǔġŭƴƆƼŭғńŊƴūŸŭƼūġŭƴöŢġѬCaptured By The Moment era una stupenda elegia
per eroi perduti come Martin Luther King e la leggenda del soul Sam Cooke; Strung Out, brano spezzacuore, chiudeva in un modo
talmente rock che Neal Schon l’avrebbe trovato divertente. In un anno pieno di musica stupefacente, Steve Perry realizzò uno dei
dischi AOR migliori di tutti i tempi. PE

52

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À0ªѢƦŊġƞöĻöƴƴŸƦƴƞöĚöǬŭŸöŢŢöÀŸƛϺϹġŢŊöǔġǔöƞġƦŊƼŭŸ
dei gruppi più chiacchierati d’Inghilterra. Le aspettative
per il bis erano altissime, specialmente da parte della
0wXѧҐ!ŊļŸĚġǔöūŸŊŢƦƼēēġƦƦŸĚŊ²!ªX§ÀѢöǔġǔöūŸǬŭŊƴŸŊŢ
nostro primo tour USA, era tutto meraviglioso”, ci dice Fish.
“E poi ci capitò FUGAZI”. Il secondo lavoro del gruppo,
FUGAZI per l’appunto, fu una lezione su come non si fa
un disco. “Avevamo usato tutto quello che avevamo per
²!ªX§ÀґѢēŸŭǬĚöŊŢƴöƦƴŊġƞŊƦƴöwöƞŞjġŢŢǛѧҐ(ŸǔġǔöūŸ
pubblicare un nuovo disco e praticamente ripartivamo
da zero”. I Marillion scrivevano canzoni partendo da
frammenti di musica, cercando poi di metterli insieme
come in un puzzle, un procedimento snervante per
chiunque vi fosse coinvolto. “Ci sentivamo sotto pressione.
Dovevamo scrivere un disco all’altezza del precedente”,
continua Kelly, “e ad essere onesti non stavamo facendo
un buon lavoro”. Quando col produttore Nick Tauber
entrarono nel Manor Studio di Richard Branson (costo:
1000 sterline al giorno) per iniziare a registrare, avevano
pronti solo due terzi del disco. I tre mesi successivi li
ƛöƦƦöƞŸŭŸŭġŢƴġŭƴöƴŊǔŸĚŊǬŭŊƞŢŸѡǔöļöƞŸŭŸĚöƼŭŸƦƴƼĚŊŸ
all’altro, a volte usandone due in contemporanea. A un
certo punto un produttore, che non sopportava più di
perdere tempo, minacciò di usare un machete. FUGAZI
arrivò all’ultimo istante possibile, e si dimostrò ben lontano
dal disastro che il modo in cui era nato lasciava temere.
Assassing era un attacco velenoso a chi aveva etichettato
i Marillion come plagiari del prog, Punch And Judy
raccontava una storia di abusi domestici su una musica
quasi allegra, e la title-track resta ancora oggi un esempio
perfetto di paranoia urbana anni Ottanta. Pubblicato
nel marzo 1984, FUGAZI arrivò al n. 5 in UK. Ma la EMI
pensò solo al budget: il disco era costato 120.000 sterline
e non aveva prodotto hit. “Fu come organizzare una festa
ĻöŭƴöƦƴŊēöġļŸĚġƞƴġŢöƦġŭǥöƛġŭƦöƞġēńġöŢŢöǬŭġĚŸǔƞöŊ
ƛöļöƞġŊŢēŸŭƴŸґѢēŸŭǬĚöIŊƦńѧXŢƞŊƦƼŢƴöƴŸƞġŢöƴŊǔöūġŭƴġ
modesto di FUGAZI indusse la EMI a porre un ultimatum
ai Marillion: o il prossimo disco sfonda, o saranno guai.
Diciotto mesi dopo uscì MISPLACED CHILDHOOD, che
per qualche tempo li tramutò in riluttanti pop star e gli
öƦƦŊēƼƞƆŊŢĻƼƴƼƞŸѧҐ?ƼŭĚŊƦēŸĚŊƴƞöŭƦŊǥŊŸŭġґѢƞŊǭġƴƴġIŊƦńѧҐXŭ
certi punti poteva essere migliore. Ma eravamo giovani.
Pensi solo: ‘Cazzo, è fantastico, stiamo facendo un disco e
giriamo il mondo, questa sì che è vita!’”. (öǔġ0ǔġƞŢġǛ
Cover
Story
Xmw0JmX„(0mª0²À„
Col suo mix scintillante di inizi, conclusioni, innovazioni
e paradigmi culturali che mutavano, il 1984 fu un anno
assolutamente fondamentale, un momento in cui si
incontrarono due epoche. Dodici mesi che, sotto molti
punti di vista, gettarono i semi del nostro presente. In
un’annata strapiena di colonne sonore epocali non si
può scordare PURPLE RAIN di Prince, disco che cambiò
le carte in tavola e che vide il suo ideatore scivolare
tra varie incarnazioni: icona pop, genio del jazz, folle
ibridatore, dio del Funk e molto altro – occupando
per 24 settimane la posizione n. 1 negli USA. Il brano
ŸūŸŭŊūŸİŢöǔġƴƴöƛŊDŽöŢƴöѢūöēŸŭĒƞöŭŊöĻǬŢöƴŊ
come rasoi e incredibilmente avanti come Take Me
With U e Computer Blue questo è un disco ancora
oggi attuale. Negli anni a venire, i Pogues sarebbero
stati resi immortali dall’onnipresente classico natalizio
Fairytale Of New York. Ma nel 1984 gettarono il guanto
ĚŊƦǬĚöēŸŢŢŸƞŸĻŸŢŞƛƼŭŞŊƞŢöŭĚġƦġļƞöǥŊġöŢŢғġƦŸƞĚŊŸ
RED ROSES FOR ME, non fortunato al botteghino
come Fairytale, ma amatissimo da critici e fan. Anche
l’esordio degli Smith fece rumore, dando vita a un nuovo
ǬŢŸŭġĚŊƞŸūöŭƴŊēŊƦūŸŊŭĚŊġöŭēŸƞöŸļļŊƦŸƴƴŸƦēƞŊƴƴŸ
dalle nuove generazioni. Era crudo, ma si coglievano
bagliori della grandezza a venire, dalla frenesia post-
punk di Miserable LieēŸŭŢғŊŭƦŊĚŊŸƦŸƞŊĻĻĚŊhŸńŭŭǛ
Marr che fornisce un’ancora alla voce in falsetto di
wŸƞƞŊƦƦġǛѢǬŭŸöŢŢöƴƞöƦēŊŭöŭƴġWhat Difference Does
It Make?. E avevano solo cominciato. Gli U2 iniziarono
la loro alleanza creativa col duo produttivo Brian Eno/
David Lanois pubblicando THE UNFORGETTABLE
FIRE, geniale distillato di rock moderno fuso con
shoegaze e suoni post-punk. Fu il disco che ci diede
Pride (In The Name Of Love), un inno senza tempo. Gli
Europe iniziarono il conto alla rovescia con WINGS OF
TOMORROW, mix di hard rock robusto ed echi di synth
che in un paio d’anni li avrebbe resi delle superstar. Steve
Ray Vaughan pubblicò un secondo disco di successo,
dimostrando con COULDN’T STAND THE WEATHER
che il primo centro – TEXAS FLOOD – non era stato una
meteora. Il disco conteneva brani killer e una cover di
Hendrix – Voodoo Child (Slight Return) – che i guitar hero
seguiti ancora oggi emulano. Frattanto, gli araldi del metal
teutonico, gli Scorpions, centravano l’obiettivo con LOVE
AT FIRST STING (quello con Rock You Like A Hurricane)
e i Foreigner coglievano il primo e unico n. 1 inglese con
AGENT PROVOCATEUR, contenente la mega ballad I
Want To Know What Love Is. Per tutto il decennio, e anche
dopo, echi dal 1984 sarebbero risuonati. Tutti avrebbero
ƛöƞŢöƴŸĚŊҒƛŸǕġƞĒöŢŢöĚғѧwƼƦŊēöġǬŢūöǔƞġĒĒġƞŸƦƴƞġƴƴŸ
una relazione indissolubile, il look sarebbe diventato un
elemento imprescindibile della musica. Il rock’n’roll si
sarebbe avventurato in acque sconosciute, dando vita a
ƦŸƴƴŸēƼŢƴƼƞġѢūŸĚġѢöƴƴġļļŊöūġŭƴŊǬŭŸöŢŢŸƞöŊūƛġŭƦöĒŊŢŊѧ
E l’avanzamento della tecnologia, grazie ai semi piantati
nell’84, avrebbe cambiato il modo di comunicare,
collaborare, innovare. Il mondo era diventato molto più
grande, e molto più piccolo.
53
La prima mossa è di

RingoNel corso
o della primavera del 1973, le riviste musicali di tutto il mondo
sono scosse da una notizia che sembra incredibile, ma che i fatti
icheranno di consegnare alla storia: si parla di una reunion
s’incaricheranno
atles in studio. Accadrà solo in parte, grazie a Ringo Starr.
dei Beatles

Testo: Luca Perasi

È
vero, nel 1973 accadde qualcosa di nuovo nel mon-
do beatlesiano: i quattro apparvero per la prima
volta di nuovo tutti sullo stesso album, anche se in
canzoni diverse. Poteva bastare: la presenza di John,
George, Paul e Ringo diventa parte del mito beatle-
siano e della storia dell’album RINGO, contribuendo a farne
un evento. Il più grande successo di Starr come solista nasce
dunque, se vogliamo, come trasposizione del titolo della sua
canzone più celebre del periodo beatlesiano, With a Little Help
From My Friends.
L’attesa per la prima opera rock/pop di Starr poggiava su due
ragioni del tutto opposte tra loro. Da un lato, erano passati or-
mai più di tre anni dallo scioglimento dei Beatles e i due album
da lui pubblicati nel 1970 erano entrambi costituiti solo da bra-
ni scritti da altri. Dall’altro, i suoi due singoli It Don’t Come Easy
e Back Off Boogaloo avevano dimostrato che Starr non era solo
l’ex batterista del gruppo più famoso di tutti i tempi, ma an-
che un artista con una personalità piuttosto interessante. Un
intero album era però un’impresa diversa e più complessa. Sag-
giamente, a Ringo non passa nemmeno per la testa di scrivere
tutto il materiale (cosa che difficilmente gli sarebbe riuscita):
la soluzione più intelligente è circondarsi dei collaboratori
giusti. Era necessario un album intero per la consacra-
zione definitiva di Starkey e il progetto del suo primo
album rock prende forma quasi per caso. Nel mar-
zo 1973, il batterista incontra John e George a Los
Angeles, dove i tre erano convenuti urgentemen-
te a un meeting d’affari della Apple per discute-
re della imminente scadenza del contratto del

54
55
 loro manager Allen Klein. Ringo ne approfitta per chiedere qualche canzone, e sia
Lennon sia Harrison non tardano a offrirgliele. Anche Paul naturalmente accetta
di buon grado. Dal canto suo, Ringo ha alcuni pezzi pronti, quindi ci sono le basi
per un disco, con un contorno che poteva essere garantito da una selezione di hit
del passato o cover.
Per la produzione, Ringo contatta Richard Perry, che aveva avuto una parte come
arrangiatore in SENTIMENTAL JOURNEY e aveva contribuito a dischi di grande
successo commerciale di Barbra Streisand, Harry Nilsson e Carly Simon. Le sedute
di registrazione prendono il via poco dopo ai Sunset Sound Recorders Studios di
Los Angeles sotto la supervisione tecnica di Bill Schnee: qui viene incisa la mag-
gior parte dei brani del futuro album, completato in aprile a Abbey Road e tra
maggio e luglio con le sovraincisioni, effettuate ancora a Los Angeles.
La voce di Ringo poteva essere un problema e nessuno sapeva come avrebbe po-
tuto reggere un album di canzoni rock e pop, ma Perry la valorizza al massimo,
evitandole una sovraesposizione che le avrebbe nuociuto. È infatti proprio la voce
uno degli ingredienti che renderanno questo disco così piacevole.
RINGO è anticipato dal singolo Photograph, una ballata malinconica a firma Har-
rison-Starkey. La canzone risaliva al maggio 1971, quando i due si erano ritrovati
per un weekend a Montecarlo a bordo di uno yacht in attesa del Gran Premio di
Formula Uno. Tra gli ospiti c’era anche Cilla Black, vecchia amica dell’entourage
dei Beatles, che chiede di poterla registrare: “È dannatamente bella,” la ferma sen-
za esitazioni Ringo. “Questa la tengo per me!”.
L’incisione del brano così come lo conosciamo è però frutto di un ripensamento:
Cilla Black “La versione che George aveva registrato in Inghilterra era un po’ cupa”, ricorda il fonico Bill
Schnee. “Richard Perry ha detto: ‘Perché non la rifacciamo con un sound alla Phil Spector, tipo
Wall of Sound? Allora l’abbiamo fatta così”. L’idea del produttore è vincente: quando Photograph
viene lanciata a 45 giri, schizza al n. 1 in America, dove raggiunge la soglia del milione di copie
vendute.
Un gran numero di musicisti partecipa alle incisioni, come in una grande festa con molti invita-
Ringo Starr

ti. Ogni brano è costruito come una vetrina per Ringo e gli stessi partecipanti. Oltre a Lennon,
McCartney e Harrison, il disco comprende volti noti come Billy Preston, Nicky Hopkins, Harry
Nilsson, Jim Keltner e Klaus Voormann, stelle del firmamento pop contemporaneo come Marc
Bolan, e persino un gruppo storico del rock come The Band, che in una formazione quasi al com-
pleto contribuisce a Sunshine Life for Me (Sail Away Raymond). L’album è concepito come uno
show teatrale, e le varie canzoni ne costituiscono altrettante scene. Disco esuberante, RINGO è
in una certa misura la trasposizione discografica della personalità del batterista: di buon umore,
semplice e sempre pronto a far festa. Il fatto che il suo contenuto musicale fosse così aderente

Ringo Starr con

Harry Nilsson alla
ƛƞġƦġŭƴöǥŊŸŭġĚġŢǬŢū
Son of Dracula (1974).

56
al carattere di Starr ne decretò la piena riuscita. Lennon offrì
I’m the Greatest, una canzone sulla sua giovinezza a Liverpool: «A un tratto è squillato
il telefono. Era George,
“Era la battuta di Mohammed Alì,” avrebbe spiegato John. “Io
non avrei potuto cantarla, ma per Ringo era perfetta. Lui può
dire: ‘Sono il più grande’ e le persone non se la prendono. Se lo
avessi fatto io, qualcuno l’avrebbe presa troppo sul serio”. I’m the
Greatest è anche un brano importante dal punto di vista storico,
‘Ho sentito che state
dal momento che riunisce in studio contemporaneamente per
la prima volta dal 1970 tre ex Beatles: Ringo, John e George. registrando una canzone,
Richard Perry è testimone di quella seduta, che ha luogo il 13
marzo 1973: “È accaduto tutto in modo spontaneo. Ringo aveva
fatto sentire alcune canzoni dell’album a John, che gli ha offer-
posso raggiungervi?’»
to I’m the Greatest”, ha raccontato il produttore. “Quando John
è arrivato, abbiamo cominciato a stendere la traccia, che però
Richard Perry
non era completa, così ci siamo messi al pianoforte, abbiamo
tirato fuori delle idee e l’abbiamo finita. A un tratto è squillato il
telefono. Era George, ‘Ho sentito che state registrando una canzone, posso raggiungervi?’”. Mc-
Cartney, che anche volendo non avrebbe potuto partecipare alla seduta – l’ingresso negli Stati
Uniti gli era infatti in quel momento precluso dalle autorità, visti i due arresti per droga da lui
patiti nel corso del 1972 – offrì invece Six O’Clock, una delle sue tipiche ballate pop. Il brano fu
registrato in una seduta appositamente organizzata a Abbey Road. In quell’occasione, McCart-
ney parlò con Perry anche dell’idea di produrre un nuovo ellepì di Elvis Presley, un evento però
rimasto nelle intenzioni.
Il tecnico Moshe Avni è in studio durante la registrazione: “Io ero il responsabile tecnico del Mini-
moog che Paul ha suonato durante l’incisione”, ha raccontato Avni. “La seduta è cominciata alle
nove di sera ed è terminata alle nove del mattino seguente. Ringo è stato tutto il tempo seduto in
sala di controllo e beveva scotch. Ha detto solo una cosa: ‘Ancora non riesce a suonare gli accor-
di?’ [una battuta riferita al Minimoog, sintetizzatore monofonico che è in grado di produrre solo
note singole]. Verso le due del mattino, Ringo è partito verso l’aeroporto, perché doveva prendere

Ringo Starr
un volo per gli Stati Uniti”.
Harrison è presente nel disco con altre due composizioni, oltre a Photograph. Una è la bucolica
Sunshine Life for Me (Sail Away Raymond), “una specie di folk irlandese, un po’ country,” come
avrebbe ricordato George. “Il Raymond che cito nella canzone è un legale che Allen Klein aveva
assoldato per rappresentarci nella causa intentata da Paul…”. You and Me (Babe) è invece una
collaborazione con Mal Evans, lo storico roadie dei Beatles, ed è utilizzata per il gran finale: “Io
e George dividevamo lo stesso appartamento a Los Angeles quando Ringo stava incidendo l’al- Richard Perry al lavoro
bum”, ha ricordato Evans. “Una sera mi ronzava in testa questo motivo che avevo scritto qualche con Ringo e John.
tempo prima. Ho chiesto a George di aiutarmi con gli accordi, e
lui si è messo al pianoforte. Ringo è rimasto di stucco!”.
È una chiusura glamour. Ringo ringrazia i partecipanti, come si
fa nel finale di una trasmissione tv o di uno spettacolo teatrale,
con gli applausi a scena aperta: tutti quanti, attori protagonisti
e comparse, produttori e costumisti, sapevano di avere fatto un
ottimo lavoro, e potevano permettersi di assaporare il successo
con un pochino di anticipo. Ringo si rivela una vera miniera d’o-
ro, con altri due singoli di successo, la saltellante You’re Sixteen
– che arriva in cima alla classifica di «Billboard» – e la potente
Oh My My, un pezzo funky firmato da lui e Vini Poncia, n. 5 negli
USA. Lennon, a quel punto, fa pervenire a Ringo una missiva a
mezzo stampa: “Quando ne scrivi una anche per me?”, chiede tra
il serio e il faceto. Era in effetti una situazione paradossale: men-
tre Starr vantava ormai cinque brani finiti nelle Top 5 americane
(con due n. 1), Lennon non era ancora riuscito a raggiungere la
prima posizione negli Stati Uniti.
Altri due brani dell’album portano la firma di Ringo: Devil Woman
(scritta ancora assieme a Poncia), dal marcato arrangiamento
rock, e Step Lightly, un’ode alla passione di Starr per la danza. Un
sigillo importante è la divertente Have You Seen My Baby?, firma-
ta da Randy Newman.
Il tono festoso del disco rivive nella scintillante confezione. La
copertina – che raffigura Ringo e tutti i musicisti sul palco di un

57
 teatro – dà il senso del piccolo evento che l’album rappresenta, e fu
affidata a Tim Bruckner: “All’epoca lavoravo come apprendista in una
gioielleria a Beverly Hills”, ricorderà l’autore della copertina, “ma quel
che volevo fare era disegnare copertine di dischi. Ho preso l’agenda e
ho trovato due nomi nell’elenco. Il primo non ha risposto, il secondo
era quello della Camouflage Productions, che mi ha invitato a presen-
tare il mio portfolio”. Al suo arrivo, Bruckner viene accolto da Barry
Feinstein, che lo presenta a Richard Perry: “Perry ha guardato i miei
lavori, ha detto qualcosa a Feinstein e i due se ne sono andati via as-
sieme”, ha rievocato Bruckner. “Poco dopo, Feinstein è tornato e mi
ha chiesto se avessi un passaporto. Non lo avevo, e mi ha detto di pro-
curarmene uno il prima possibile. Avrei lavorato in Inghilterra sulla
copertina dell’album di Ringo Starr…”. Bruckner, basandosi sull’indi-
cazione di includervi la maggior parte di coloro che avevano collabo-
rato alla realizzazione di RINGO, inventa una cover popolata di volti
noti e personaggi di fantasia, con un tocco di humour: “Per ispirarmi,
me ne andavo a passeggio per Londra,” ha ricordato Bruckner, “e la
La copertina figura del cherubino è nata dopo che sono rientrato a casa una notte… Per me rappresenta un’e-
ĚŊÀŊū ƞƼēŞŭġƞѧ stensione della personalità di Ringo, divertente e un po’ birichina”.
Insomma, ce n’era proprio per tutti i gusti, e stavolta per Ringo si spalancano le porte del succes-
so come solista. L’album viene pubblicato in novembre: in base alle notizie frammentarie che si
erano sparse nei mesi precedenti sulle collaborazioni in studio di Lennon, Harrison e McCartney,
l’attesa si era fatta spasmodica. Arrivano infatti subito riscontri commerciali importanti negli
Stati Uniti: a impedire a Ringo di raggiungere il primo posto tra gli album più venduti su «Bill-
board» è però Elton John, il cui epico GOODBYE YELLOW BRICK ROAD occupa saldamente la
prima posizione in classifica, inchiodando Starr al n. 2.
I critici celebrano RINGO senza esitazioni. Sul versante britannico, «Record Mirror» sintetizza
così le virtù del disco: “Ringo non dà molte scosse come cantante, ma ha la personalità per bat-
tere tutti gli ostacoli… ed ha anche il tipo di amici che garantiscono che ci sia sempre qualcosa
Ringo Starr

d’interessante sullo sfondo”. In America, «Rolling Stone» ne è addirittura entusiasta: “Come at-
mosfera, RINGO è il più riuscito tra tutti gli album solisti dei quattro. Non è polemico e abrasivo
come quelli di Lennon, rigoroso e pieno di autocommiserazione come quelli di Harrison o artifi-
cioso e fragile come quelli di McCartney, ma equilibrato, leggero e piacevole”.
Con un giudizio ingeneroso ma in parte azzeccato, il critico Alan Betrock su «Phonograph Re-
cord» è invece una delle poche voci dissonanti: “Val la pena averlo, certo, ma il problema di RIN-
GO è che è un disco disomogeneo… È un pastiche di grandezza e mediocrità, di esuberanza e
pesantezza, o se volete, di sublime e ridicolo”. Cinquant’anni e passa dopo, RINGO rimane un
disco importante soprattutto per il suo contributo al mito dei Beatles, riletto in chiave festosa.
Dopotutto, come ebbe a sintetizzare alla perfezione il critico Bob Woffinden, “quello che l’album

Barry Feinstein

58
comunicava era una svergognata joie de vivre”. L’album rappresentò l’apice della carriera di Ringo
come artista solista, ma ne segnò anche – paradossalmente – sia l’inizio che la fine. Da quel mo-
mento, la sua produzione discografica avrebbe mantenuto sino alla fine degli anni Settanta un
ritmo sorprendentemente costante, rincorrendo però vanamente la formula magica che aveva
reso questo disco così gioioso, e senza riuscire a darsi una direzione ben precisa. Ringo avrebbe
pagato le conseguenze del successo anche a livello personale,
intraprendendo una vita sregolata e fatta di eccessi, attratto dal-
le mollezze della West Coast californiana. Ma questa è un’altra
storia. A proposito: a quando un box celebrativo? «Quello che l’album
§ƼĒĒŢŊēöƴŸŊŢЂŭŸǔġūĒƞġϺЂЀϼѢ
ªXyJ„İŊŢƴġƞǥŸöŢĒƼūƦŸŢŊƦƴö
comunicava era una
di Ringo Starr.
svergognata joie de vivre»
Bob Woffinden

Ringo Starr
Feedback
Swanz The Lonely Cat
Elogio della tragedia
Vero outsider della scena
indipendente italiana, Swanz
The Lonely Cat torna con
un disco particolarissimo
dedicato al Macbeth di
Shakespeare.
Intervista: Antonio Bacciocchi
Perché lavorare su un testo
tragico, fosco e cruento come
Macbeth?
È il genere di testo che preferisco.
Qualcosa di tragico, fosco e cruento
è ciò che m’interessa, in fin dei conti,
in tutta l’arte. Perché la vita è tragica,
fosca, cruenta e non sempre altrettanto
interessante.
Il sound inquietante e cupo
dell’album è diretta emanazione
del testo, oppure esisteva già
un progetto sonoro ed è stato
adattato successivamente
all’opera?
La seconda suite è nata su
commissione, per uno spettacolo
teatrale, che era appunto una rilettura
del Macbeth. La prima è stata sviluppata
in seguito. Mi piaceva l’idea di realizzare
in completa solitudine e autonomia un
disco con tanti suoni e strumenti. Stavo
anche lavorando al disco a quattro mani
con Stella Burns e dando i tocchi finali
a WE’VE BEEN THROUGH dei Dead
Cat in a Bag [uscito nel 2022, ndr], che
è anche il nostro disco più corale. E poi
ascoltavo tanto harsh-noise, in quel
periodo.
60
Si tratta di un progetto a sé
o di qualcosa che prevedi
continuativo con possibili
ulteriori sviluppi?
In verità ho sempre corteggiato e
praticato tanto il noise che la musica
contemporanea, anche nei miei progetti
folk noir. Non riesco a stabilire vere
demarcazioni. Ho quasi pronto un
altro disco solista che conterrà delle
canzoni spoken su base drone (di cui
una con il compianto Alain Croubalian
dei Dead Brothers) insieme a canzoni
tradizionali. Una è persino country – e il
country è davvero oscuro, alcune volte,
come ci ha dimostrato Johnny Cash.
Diciamo che mi piace sperimentare, ma
soprattutto imparare. Nel mio Macbeth,
finalmente, ho suonato anche il duduk,
per dire. E ultimamente ho fatto anche
il produttore e il chitarrista per progetti
di altri musicisti. Il banjo è un po’ meno
richiesto…
Come t’inserisci nella scena
musicale italiana e cosa ne
pensi? In buona salute o in
decadenza?
Mi inserisco come un outsider: che si
tratti di folk, di elettronica, di noise,
Foto: Plastikwombat
Swanz The Lonely Cat
incontra Shakespeare.
di post rock, di cantautorato. Ho in
ballo tante collaborazioni e anche
la creazione di un collettivo per gli
incollocabili, Love & Thunder, con il
quale sto curando un progetto davvero
ambizioso. Sulla scena italiana non
saprei che dire: gli artisti ci sono, gli
spazi sono meno che in passato. A
Lublin [in Polonia, ndr] ho suonato
con i Dead Cat, davanti a 2000 persone.
Persone che, durante la canzone solo
chitarra e voce, stavano in silenzio. Pare
che là sia normale. Qui lo è molto meno.
Porterai questo progetto anche
dal vivo?
Mi piacerebbe, ma devo trovare un
modo. La frattura di una clavicola mi ha
tolto dai giochi per un po’ e adesso devo
capire come ritornare operativo.
SWANZ THE LONELY CAT’S
MACBETH è recensito a pag. 85.

The Devils
Neapolitan power
Cresciuti nel punk napoletano,
con il quarto disco, The
Devils confermano la loro
attrazione per la musica degli
anni 50 e 60
nata durante il lockdown.
Intervista: Luca Fassina
Formati a Napoli nel 2015, sono
costantemente in tour dal 2016,
soprattutto all’estero. LET THE
WORLD BURN DOWN è il secondo
album prodotto con il californiano
Alain Johannes (Chris Cornell,
PJ Harvey, Vultures…). Abbiamo
intervistato Erika Switchblade e Gianni
Blacula, batteria e chitarre di questo
power duo.
In cosa Alain si differenzia da
Jim Diamond, che ha prodotto i
vostri primi due dischi?
GB: All’inizio volevamo fare dischi
davvero molto thrash punk, il primo
durava diciassette minuti! Jim era il
guru del garage di Detroit…
ES: Napoli ha una storia di
underground punk che resiste tuttora
dagli anni Ottanta. Posti dove suonare
ce ne sono veramente pochi, però c’è
una bella realtà, fatta di poche persone
che ancora si sbattono per organizzare
concerti e festival.
GB: Dopo due dischi così, avevamo
bisogno di provare nuove strade, nuovi
stimoli, e quindi abbiamo cercato un
produttore più rock. Una precisazione:
Jim ha prodotto BEAST MUST RECRET
NOTHING, WORLD lo abbiamo
prodotto noi, lui ha curato mix e
mastering.
ES: È interessante avere un parere
esterno che non siano le solite due
campane, ma ci sentivamo abbastanza
maturi dal poterlo fare da soli. È stato
stimolante.
GB: Decidere tutto da soli però è molto
più stressante. Abbiamo fatto una
lunga pre-produzione, per entrare in
studio con le idee ben chiare.
Da dove viene la deriva blues di
questo nuovo lavoro?
GB: Quando è scoppiata la pandemia,
ho passato giornate intere a cercare
vecchia musica nera: soul, blues, funk.
Mi sono appassionato alle cantanti
degli anni Cinquanta e Sessanta,
personaggi dal talento straordinario
che magari hanno fatto un solo 45 giri
e sono scomparse, lasciando canzoni
stupende, come Big City Lights di Cleo
Randle.
ES: Sono molto legata alla scena rock
in inglese. Teddy Boy Boogie dei Crazy
Cavan ’n’ The Rhythm Rockers per
me è un inno che è ingiustamente
trascurato dalla maggior parte dei
venga sul sito eurekaddl.yachts
Feedback
musicisti: il nostro ruolo è anche dare
visibilità a musica poco conosciuta o
apprezzata.
Qual è la forza del vostro duo?
GB: Erika è molto più selettiva di me, è
quella che elimina i pezzi quando non
funzionano.
ES: Gianni è una macchina da guerra,
spara riff… fighi. Difficile che sbagli un
colpo. A volte è anche fastidiosa questa
cosa, che tira fuori riff che dici “cazzo,
avrei voluto farlo io”.
E ora?
GB: Il tour parte il primo marzo
da Bolzano, poi stiamo un mese in
Europa, ad aprile suoniamo alcune
date con Alain, a maggio siamo
di nuovo in Germania, Francia e
Svizzera, poi abbiamo i festival europei
estivi, forse l’America. Il calendario
si aggiorna giorno dopo giorno. Per
il dopodomani, chissà… parliamo
spesso di fare un altro progetto con
più musicisti… Magari Buddy Guy sarà
disponibile!
LET THE WORLD BURN DOWN è
recensito a pag. 83.
Foto: Jack Torrance
61
Feedback
Modern English
Nulla è migliorato
Con 1 2 3 4 i Modern
English mostrano di non
aver mai perso la propria
identità: quella di una band
post-punk sempre in conflitto
con il mondo.
Intervista: Cristiana Turchetti
I Modern English sono un esempio
di coerenza. Nata a Colchester,
Essex, Inghilterra, hanno mantenuto
la stessa formazione principale
dal 1977: il cantante Robbie Grey,
il chitarrista Gary McDowell, il
bassista Mick Conroy e il tastierista
Stephen Walker. Negli ultimi anni,
si sono guadagnati la fiducia delle
generazioni più giovani, che hanno
finalmente scoperto il loro catalogo.
Questa rinnovata popolarità si è
tradotta in tour sold out in cui hanno
riproposto i loro primi album e in
un concerto sul palco principale del
Cruel World Festival del 2023 di fronte
a più di 25.000 persone. Prodotto da
Mario McNulty (David Bowie, Lou
Reed, Nine Inch Nails) e masterizzato
a Abbey Road, il nuovo lavoro dei
Modern English s’intitola 1 2 3 4 e
conserva lo spirito intrinseco degli
anni migliori del post-punk britannico,
ma è anche uno splendido esempio
di ciò che i Modern English hanno
sempre fatto meglio. Ne parliamo
proprio con Robbie Grey, voce e
paroliere del gruppo.
Robbie, come ci si sente a essere
una vera band post-punk in un
mondo musicale affollato da
epigoni?
62
Be’, a volte è dura. Soprattutto perché
molta di questa musica viene prodotta
in serie. Ne parlavamo col nostro
produttore, esiste almeno una dozzina
di pre-campionamenti e sonorità
utilizzati da canzoni che riempiono
le chart in questo momento e che
vengono imposti solo perché piacciono
e finiscono in radio e in classifica. Per
noi non ha alcun senso. Anche per
questo abbiamo deciso di registrare
l’album live. La genuinità del suono è
essenziale.
Da qui anche il titolo 1 2 3 4…
Sì, ci apriamo Fake e un altro paio di
pezzi. Siamo stati sorpresi quando
abbiamo verificato che nessuno aveva
mai usato questo titolo prima di noi.
Dylan ha recentemente
ribadito che per scrivere devi
essere in conflitto col mondo,
innamorato o incazzato con la
politica. Ti ci ritrovi?
Assolutamente. Not My Leader, che è
il singolo appena uscito, parla proprio
di questo. Da inglese posso dirti che
la sensazione di fallimento avvertita
negli anni Ottanta con la Thatcher da
noi e Reagan negli Stati Uniti è ancora
lì, più forte che mai. Le cose non sono
migliorate affatto. Ma posso dirti che,
Foto: Sheva Kafai
quando sei in un processo creativo, i
sentimenti conflittuali sono quelli che
rendono meglio.
Tutto l’album è molto politico
e suona come memento. Ci sono
canzoni come Exploding, Plastic
e Genius, per esempio…
Sì, si spera sempre di risvegliare un po’
di coscienza sociale, attraverso musica
e parole che parlano con sincerità
di quello che succede intorno a noi.
Senza retorica, senza predicare. Un
po’ incazzandoci, ma respingendo al
mittente chiunque viva per il potere.
A bilanciare tutto questo,
una certa malinconia per
l’innocenza perduta…
Quella nostalgia lì ci accompagna fin
dai primi dischi. Considera che la band
è rimasta quella che era, invecchiamo,
ma siamo quelli di allora. Io canto
sempre cercando di raccontare
qualcosa, prediligo il racconto al
cantare e lo faccio dal cuore. E in fondo
questo è il segreto per non perdere mai
se stessi.
Ah, un’ultima cosa… Grazie di cuore
per non avermi chiesto niente di I Melt
With You…
1 2 3 4 è recensito a pag. 89.
 IN EDICOLA

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 CLASSIC ROCK
INTERVIEW

Bruce
Dickinson
Cacciato dal collegio e diventato frontman del gruppo heavy metal
inglese più famoso di sempre, questo “piccolo rompipalle chiacchierone”
ha tirato di scherma per il suo Paese, preso il brevetto di pilota civile,
pubblicato sette dischi solisti, scritto romanzi e sceneggiature
e fatto altro ancora. Una vita piena? Solo a metà.

Intervista: Mark Blake | Foto: John McMurtrie

64
 Foto: Fin Costello/Getty; MAIDEN: ROSS HALFIN
D
a anni Bruce Dickinson possiede
Foto: Justin Thomas/Iconicpix

A sinistra: l’ultimo concerto di Dickinson con i Samson al

un didgeridoo, lo strumento a Reading Festival del 1981, prima di unirsi agli Iron Maiden.

fiato degli aborigeni australiani, Sopra: I Samson nel 1980: (s-d) Paul Samson, Bruce
ma ancora non sa usarlo. “Sono Dickinson, Thunderstick, Chris Aylmer.
anni che cerco di imparare la
tecnica della respirazione circolare”, ci svela.
“Finora sono arrivato a un livello semicircolare, È un progetto nato col Covid?
poi basta”. Dickinson confida di imparare dei Non esattamente. L’idea mi era venuta
trucchi nel suo prossimo viaggio in Australia. prima, ma l’ho dovuta mettere da parte,
Il suo amico psicologo Kevin è anche riuscito perché prima sono stato male, e poi sono sta-
a procurargli un invito a una cerimonia sacra, to risucchiato dai Maiden. Durante il lockdown
evento solitamente precluso ai non aborigeni. mi grattavo le palle pensando ‘E ora che cazzo
Bruce Dickinson

“Non vedo l’ora di immergermi nella loro cultu- faccio? Imparo a cucinare?’. Ma c’erano solo un
ra”, ci dice. L’eternamente curioso Dickinson è paio di persone che avrei potuto avvelenare: me
di umore frizzante. Ha pubblicato un nuovo di- stesso e Leana [la sua nuova moglie]. Così mi
sco solista, THE MANDRAKE PROJECT (che lo sono messo a scrivere un canovaccio su ‘quattro
vede riunito al suo vecchio collaboratore Roy Z, motociclisti dell’apocalisse’, mettendoci den-
chitarrista e produttore), che lo vedrà impegna- tro anche Eddie. Mentre lo scrivevo mi hanno
to in un tour promozionale, e attende l’uscita presentato lo sceneggiatore Kurt Sutter, che ha
di una serie a fumetti dallo stesso titolo. Prima scritto Sons of Anarchy [una serie tv su una gang

Foto: ªŸƦƦRöŢǬŭ
ancora di vederlo, sentiamo l’arrivo di Dickinson nel QG degli di biker] e The Shield [una serie poliziesca]. Gli dissi che avevo
Iron Maiden nella zona Ovest di Londra: la sua voce familia- un’idea folle per una sceneggiatura, e a lui piacque.
re rimbomba da dietro il gigante cartonato di Samurai Eddie
che sorveglia la porta, annunciando l’ingresso di un colosso Il suo appoggio è una cosa seria.
di bassa statura con stivali neri e una coda di cavallo color gri- Esatto. Ma Kurt disse che lo vedeva perfetto per una
gio ferro. Dickinson è il frontman degli Iron Maiden dal 1981,
al netto di una pausa di qualche anno da solo per scoprire
cosa voleva davvero. In questi anni ha fatto di tutto: scritto
romanzi, copioni e un’autobiografia, programmi radiofonici,
tirato di scherma per l’Inghilterra, preso il brevetto da pilota
di aereo e contribuito alla creazione di un tipo di birra. Ma
non parlategli dei Vichinghi. Capirete il perché tra poco…

THE MANDRAKE PROJECT è il tuo primo

disco solista dal 2005. Cosa ti ha
trattenuto, oltre agli impegni con gli Iron
Maiden?
CLASSIC ROCK
INTERVIEW

Ci lavoro dal 2014. Poi mi hanno diagnosticato un can-

cro alla gola, poi c’è stato il Covid del cazzo e per due
anni non sono riuscito ad andare negli USA. E quando mi
sono riunito con Roy Z, tutto era da rifare.

Iron Maiden nell’81: (s-d) Adrian Smith, Clive Burr,

Bruce Dickinson, Steve Harris, Dave Murray.

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Foto: ªŸƦƦRöŢǬŭ

Foto: Gary Mitchell/Alam

Tocco e ritocco: Centro sportivo

di Hemel Hempstead, nel 1989.

serie a fumetti e mi consigliò di parlarne con la Z2 Comic, che

mi affiancò lo sceneggiatore Tony Lee, che aveva già scritto
Dracula AD e Doctor Who. E lui suggerì di contattare un ar-
tista molto famoso per le copertine, Bill Sienkiewicz [Nuovi Membro onorario del Club degli uomini dai calzoni attillati, 1983.
mutanti, ed Elektra Assassin per Marvel Comics]. Quindi ora
abbiamo una serie alla Watchmen, che uscirà in tre numeri.
«Durante il lockdown
Il fumetto racconta la storia del disco?
No (ride). Ci sono dei legami, ma il disco ha una sua
vita indipendente dal fumetto, e il fumetto idem. Quando mi
mi grattavo le palle
sono rivisto con Roy Z, la prima cosa che abbiamo scritto è
stato il singolo, Afterglow Of Ragnarok. Pensai: ‘Mi piace il ti-
dicendomi “e ora
tolo, mi piace il ritornello, va tutto bene, ma non c’entra un
cazzo col fumetto’. Poi però ho pensato che non importava. Il che cazzo faccio?
disco non è un concept, perché questo ti limita, e ti ritrovi a
modificare le tue idee per farle rientrare nel concept. Imparo a cucinare?”»
Nella mitologia norrena, il Ragnarök non è
una specie di evento catastrofico che nisti sono il Dottor Necropolis e il Professor Lazarus, la ver-
semina morte e pestilenze in tutto il mondo, sione moderna di Burke e Hare, i due assassini del XIX secolo,
sterminando gli Dei e così via? ed entrambi cercano – ognuno per motivi diversi – di far
Sì. Ma il brano non c’entra niente con la mitologia nor- risorgere i morti. Necropolis è un orfano e un genio del di-
rena. Lo sapevo che sarebbe stato un problema, perché gitale, torturato dalla voce del fratello, morto alla nascita.
CLASSIC ROCK

appena dici ‘Ragnarok’ la gente pensa ai Vichinghi. Sa- È anche ossessionato dalla figura dell’occultista Aleister
INTERVIEW

pevo che ci avrebbe creato problemi, ma sapevo anche Crowley e della magia sessuale, e vuole riportare il fratello
che non volevo un fottuto elmo vichingo del cazzo con le in vita dall’oltretomba. Il padre del Professor Lazarus gli
corna sulla copertina! ha trasmesso il segreto del progetto Mandrake, e il figlio
a questo punto vuole riportare in vita il padre. Alla fine
E allora di cosa parla THE MANDRAKE della storia si capisce che il Progetto Mandrake ha vinto
PROJECT? la morte, il che fa sorgere tutta una serie di domande filo-
THE MANDRAKE PROJECT mira a catturare l’anima sofiche. Al centro del fumetto c’è la domanda: l’universo
umana e riportare le persone dalla morte. I due protago- è scienza o poesia?

67
 “Vogliamo andare a casa…”:
i Maiden si godono un tramonto
balneare durante un tour.

Siamo molto lontani da Bring Your dare voce ai riff di Steve. Non tutti ci riescono. Anche se non

Daughter To The Slaughter.
Ah! Quel brano è stato scritto per divertirsi. Poi Steve Har-
ris mi disse: “Mi piace. Posso prenderlo?”. E io: “Be’, ok”. Mi
Foto: George Chin/Iconicpix
Foto: ªŸƦƦRöŢǬŭ
capirò mai perché scrive usando tutte quelle parole difficili.
Ci mettiamo a parlare, e il brano nasce – le parole seguono
basso e batteria. All’inizio ho cercato di spiegarglielo: “Senti

sembrava buono, ma non credevo minimamente che potesse
diventare una hit.
Su questo nuovo disco hai rielaborato If
Eternity Should Fail degli Iron Maiden,
reintitolandola Eternity Has Failed. Quando ti
viene un’idea per una canzone, sai già se sarà per
i Maiden o per un tuo progetto solista?
Passo tutto a Steve. Lavoriamo così. Poi lui valuta e
dice: “Sì, sì,
s sì, no, no, no…”. Oggi scriviamo molto
di più in sstudio, per cui le idee mi vengono specifi-
catament
catamente per i Maiden. Io e Adrian Smith scrivia-
mo molto assieme. Steve magari prende un paio di
idee da Janick
J [Gers] e sparisce nel suo buco per
due o trtre settimane. Poi di botto riemerge e
(imitando la voce di Harris): “Credo di
dice (im
averne una”. È così che abbiamo fatto SEN-
CLASSIC ROCK
Steve, se cerco di cantarlo mi strozzo!”. Comunque, col passa-
re del tempo Steve è sceso a qualche compromesso. La prima
volta che l’ho sentita, credevo di non riuscire a cantare Ale-
xander The Great [da SOMEWHERE IN TIME del 1986], ma
poi ha funzionato.
Chi è stato il primo cantante a cui ti sei
ispirato?
Al 100% Ian Gillan, quello di IN ROCK dei Deep Purple: com-
prai una copia usata rovinatissima, e imparai a memoria ogni
nota. Dopo passai a MADE IN JAPAN [Deep Purple], che è uno
dei dischi live migliori di sempre. Poi al primo disco dei Black
Sabbath. I Led Zeppelin li ho conosciuti solo con II. Steve era
un gran fan dei Genesis. Io non tanto. Mi piacevano di più i
Van Der Graaf Generator.
Ci sono somiglianze tra la tua voce e
quella di Peter Hammill dei Van Der

JUT
JUTSU [nel 2021], disco fondamentale
INTERVIEW

pe
per i Maiden. Graaf, ma la loro musica è prog rock duro e
puro. Scommetto che i tuoi amici ti
Nei Maiden devi adoravano…
adattarti ai testi e ai riff Vero (ride). “Fatemi mettere un disco, e andatevene!”. O
d
di Harris. THE MANDRAKE magari lo facevi sentire a una con cui ci provavi, e poi ti
P
PROJECT invece sembra scritto stupivi se si lanciava dalla finestra. Ascoltavo H TO HE,
p
per la tua vocalità. WHO AM THE ONLY ONE e PAWN HEARTS di conti-
Proprio così. Ma sono fiero di riuscire a
Pro nuo, insieme ai Purple e ai Sabbath.

68
68
Foto: George Bodnar Archive/iconicpix

Sopra: permesso di volare: Dickinson ripreso nell’aeroporto White

Waltham vicino Maidenhead, Berkshire, nel 1996.

ƦŊŭŊƦƴƞöѡƛġƞēŸŭƴŸĚġŢIŸŭĚŸĒġŭġǬēŸĚġŢŢöēŸƞŸŭöѢ(ŊēŞŊŭƦŸŭ
visita le truppe britanniche di stanza a Sarajevo nel 1998.

Una maschera da A leggere la tua

Foto: George Chin/Iconicpix

mummia egizia, un autobiografia, What
cappello vintage da pilota Does This Button Do?,
di aereo, l’uniforme della sembra che il collegio sia
Brigata Leggera… Da dove stata un ottima gavetta per
viene il Bruce teatrale? la vita in un gruppo. Se puoi
Dopo i Deep Purple passai ai Jethro resistere lì, allora puoi
Tull, e mi piacevano testi e modo di resistere anche alla vita
stare sul palco di Ian Anderson. Per negli Iron Maiden.
Foto: Skunkworks: Tony Woolliscroft/iconcpix

cui, forse da lì. Comunque, la fonte Non sono sicuro che il collegio ti
vera è Arthur Brown [ famoso per prepari a una vita con gli altri. Le
Fire e i copricapi in fiamme]. Ar- persone nel collegio non sono…

Bruce Dickinson
thur è il responsabile del mio me- come posso dirlo… normali.
lodramma, ed era uno showman
perfetto. Ecco perché l’ho voluto Quindi, ti consideravi
come voce narrante in THE CHE- anormale?
MICAL WEDDING [quinto disco Forse. Ma quando entrai in colle-
solista di Dickinson]. Io ero un suo gio, l’Oundle, avevo 13 anni. Molti
grande fan. ragazzi ci stavano da quando ne
avevano 5 o 6, per cui si erano adattati. 13 anni sono un’età
importante, e io non avevo la minima idea di come fosse quel-
la scuola. Per cui mi riempirono di botte, perché non chinavo
il capo, ed ero un rompipalle.
Dickinson e il suo gruppo impegnati nel
tour promozionale di BALLS TO PICASSO,
ottobre 1994: (s-d) Alex Dickson, Bruce
E cosa successe?
Dickinson, Chris Dale, Alex Elena. Alla fine fui espulso perché pisciai nei fagiolini del pre-
side prima della cena, e probabilmente fu la cosa migliore che
mi potesse succedere. Andai in una scuola più o meno normale
a Sheffield. Lì erano tipi a posto. Nessuno ti aspettava di notte
nei corridoi per picchiarti. Il problema fu che mancavano solo
sei mesi agli esami, e io non avevo studiato per niente.

«Ho passato quattro

anni tra i cadetti.
CLASSIC ROCK
INTERVIEW

Ero serissimo, ma
credo che l’esercito
fosse un ripiego»

69

Che avevi fatto?
Secondo quelli di Oundle, avevo problemi di pronun-
cia, per cui era inutile che seguissi le lezioni. Me ne stavo in bi-
blioteca e scrivevo testi che poi avrei usato nei Samson [il suo
gruppo futuro]. Trovai un libro di mitologia norrena – buffo
vero? – e copiai cinque versi che poi usai per Hammerhead dei
Samson. Più o meno riuscii a farmi ammettere all’università,
con tre insufficienze, perché volevano liberarsi di me.
Se non fossi diventato un cantante rock,
che avresti fatto?
Ho passato quattro anni nell’esercito, come cadetto. Ero se-
rissimo. Ma credo che l’esercito fosse un ripiego. Non ho mai
pensato alla RAF [anche se oggi Dickinson ha un brevetto di pi-
lota, ed è stato reso Capitano di squadriglia onorario della RAF,
ndr], perché in matematica facevo schifo, e non credevo di
farcela. Quando sono entrato nell’università Queen Mary,
a Londra, volevo solo diventare un cantante.
CLASSIC ROCK
Alla Queen Mary Dickinson studiò storia. Ottima gavetta
INTERVIEW
per uno che in seguito avrebbe cantato di re macedoni e
Foto: Mick Hutson/Getty
della Battaglia d’Inghilterra. Divenne anche il responsa-
bile dell’Intrattenimento, reclutando gli Hawkwind per
il Ballo delle Matricole, e usando il minibus del college
per i concerti del suo primo gruppo, gli Shots. L’offerta
di entrare nei Samson, bluesrocker di medio successo,
coincise con gli esami finali, ma Dickinson accettò lo
stesso. Comunque, la sua voce e la personalità dal vivo
70
Gli Iron Maiden nel 2003.
erano troppo debordanti per i Samson, così li lasciò, unendo-
si ai Maiden in tempo per apparire sul loro terzo disco, THE
NUMBER OF THEBEAST del 1982.
Pensavi che i Samson ce la potessero fare?
In realtà no. Paul Samson [chitarrista del gruppo] voleva
fare blues. Il rock heavy non gli interessava, e questo non pro-
metteva bene. Poi ci ritrovammo ai ferri corti col management.
Hai mai voluto essere un solista?
No, ho sempre voluto far parte di un gruppo. Una volta
i Samson fecero una seduta fotografica, e sembrava fossero
il mio gruppo. Ma nelle foto mi misero tre metri circa avanti
agli altri. Vidi le foto e pensai ‘Uhmmm. Credo di sapere come
finirà’. Ma io non volevo diventare solista. Non sono David
Coverdale. Né lo sarò mai, almeno in quel senso. Per cui,
quando arrivò l’offerta degli Iron Maiden…
Ai Maiden andava bene il fatto che eri,
come hai detto tu, un “piccolo
rompipalle”?
Doveva. Dissi a Rod [Smallwood, manager dei Maiden]
che non sarei stato come quello prima [il precedente
cantante, Paul DiAnno]. Avrei risposto per le rime. Ma
perché avevo le mie idee. Non discutevo solo per fare
polemica. Se non fossi stato un piccolo rompipalle, non
avrei retto la pressione.
 Bruce Dickinson esegue Aces
High con i Maiden.
Dopo aver inviso cinque dischi con gli Iron
Maiden, nel 1990 pubblicasti il tuo primo
disco solista, TATTOED MILLIONAIRE. Due anni
dopo lasciasti il gruppo. Se tornassi indietro, te
ne andresti lo stesso?
Sì. Questo non lo cambierei, ma forse lo farei meglio
(ride). Avrei un piano.
CLASSIC ROCK
INTERVIEW
Quindi, la decisione di andartene fu
presa sul momento.
Esatto. Mi resi conto che gli Iron Maiden andavano nella
loro direzione e che nessuno poteva cambiare le cose. A
quel tempo stavo lavorando sul mio secondo disco soli-
sta, BALLS TO PICASSO, pubblicato nel 1994, e mi resi
conto che non sapevo cosa fare al di fuori degli Iron Mai-
den.
“Parla il capitano. Potremmo incontrare turbolenze…”.
In tour, Dickinson ha pilotato l’aereo dei Maiden.
Bruce Dickinson
Insomma, ti eri “integrato”.
Sì. E per me fu uno shock. Aspetta un attimo! Quando
è successo? E mi misi a pensare cosa fare. Mi dissi che avevo
due possibilità: o restavo negli Iron Maiden e diventavo “inte-
grato” a vita, o me andavo per la mia strada.
Non pensavi che TATTOED MILLIONARIE
potesse essere l’inizio di una carriera
solista?
No, era solo un mucchio di cliché rock’n’roll fatti abbastan-
za bene. Alla gente è piaciuto – e questo mi va bene – ma se
avessi davvero voluto far partire una carriera come solista
non avrei fatto TATTOOED MILLIONAIRE. È stato troppo fa-
cile. Dopo scrissi Bring Your Daughter To The Slaughter [per
la colonna sonora di A Nightmare On Elm Street 5: The Dream
Child] e un discografico mi disse: “La adoro!”, e mi mise sotto
contratto per la CBS negli USA. Pensai: ‘Che cosa?’. Scrivem-
mo il disco in due settimane.
Quindi, in quel momento non pensavi di
poter portare avanti una carriera
solista in parallelo ai Maiden.
Ero come in un limbo, e poi capii che dovevo andar-
mene, altrimenti nessuno avrebbe preso sul serio cosa
Foto: John Mcmurtrie
facevo. Avrebbero sempre pensato: ‘Ma che carino. È il
suo passatempo!’. L’ultima goccia fu una cosa che lessi
in un giornale, una citazione di Henry Miller. “Crescere
significa saltare nel buio, senza averlo previsto, e senza
sapere dove atterrerai” [In realtà, la frase dice “Crescere
è un salto nel buio, un atto spontaneo e non pre-
venga sul sito eurekaddl.yachts
71

meditato, senza beneficio dell’esperienza”, ma il
senso è lo stesso].
Bruce Dickinson
Sei sempre stato così poco
calcolatore?
Tutte le decisioni fondamentali della mia vita le
ho prese senza sapere dove cazzo sarei atterra-
to. Come quando vagavo per Londra senza un
posto dove dormire, e solo 10 sterline in tasca.
Pensavo di dormire su una panchina in un par-
co. A questo punto, che ci facevo con 10 sterline? Andiamo da
Dingwalls a Camden, e beviamoci una birra. Ci vado, e scopro
che il tecnico del suono era uno con cui avevo suonato. Così
gli chiedo se potevo dormire da lui, e lui dice sì. La vita è così
– non sai mai cosa succederà.
Sei rimasto male per la reazione del tuo
pubblico all’uscita dagli Iron Maiden?
Già. Non capivo. Qualcuno mi disse addirittura che non riu-
sciva ad ascoltare BALLS TO PICASSO, perché il mio abban-
dono l’aveva ferito.
Devi esserti sentito molto deluso.
Esatto. Ci rimasi male. Addirittura pensai che tanto
valeva smettere. A quel punto uscì SKUNKWORKS [terzo
disco uscito nel 1996, e nuovo gruppo]. Gli Skunkworks
realizzarono un disco gagliardo, ma non erano un vero e
CLASSIC ROCK
proprio gruppo rock, e avevano questo vecchiardo che
INTERVIEW
cercava di cantare (ride). Comunque, la cosa migliore
che facemmo fu suonare a Sarajevo.
Nel 1994 gli Skunkworks arrivarono a Sarajevo per esi-
birsi in un concerto, nel corso di una feroce guerra civile
(“Tornato a casa mi chiedevo se era successo davvero,
perché sentivo la gente parlare di cose che crede impor-
tanti e invece non lo sono”). Nel 2016 il viaggio diventò
72
IöēēŊöūŸēŊƼŭöƛŊŭƴöѡġēēŸŢöĒŊƞƞöƼĻǬēŊöŢġ
degli Iron Maiden.
il soggetto del pluripremiato documentario Scream for me
Sarajevo. Un secondo disco degli Skunkworks non si concre-
tizzò mai: Dickinson lasciò il gruppo e si trovò a uno snodo
cruciale nella sua carriera.
Cosa andò male?
Ascoltai i demo che avevano preparato e dissi: “Non
è il mio genere”. Ma quel gruppo mi ha tirato fuori dalla mia
comfort zone e mi ha fatto imparare moltissimo sul modo di
cantare. A quel punto mi sono detto: “E adesso?”. Pensai di
dovermi trovare un lavoro, tipo magazziniere o cose del ge-
nere.
Hai pensato di metterti a guidare i treni,
giusto?
Sì. Avevo già preso il brevetto di pilota aeronautico, per cui
anche quella era un’opzione. Comunque ero sicuro che la
carriera musicale fosse finita. Poi a mezzanotte squillò il te-
lefono, ed era Roy Z, con cui avevo lavorato su BALLS TO PI-
CASSO. Gli dissi che mi ero sbarazzato degli Skunkworks e lui
rispose che voleva farmi sentire una cosa. Giuro
che andò così. Mi fece sentire l’intro di Accident
Of Birth al telefono, e io scrissi il testo di getto. Il
giorno dopo presi un aereo per Los Angeles.
Tu e Roy Z realizzaste due dischi.
ACCIDENT OF BIRTH (1997) e THE
CHEMICAL WEDDING (1998), che
segnarono il passo successivo nella tua
carriera da solista.
ACCIDENT OF BIRTH fu molto divertente da
realizzare, e rimise in moto le cose. Ma artisticamente il mi-
gliore fu THE CHEMICAL WEDDING. Fu allora che capii che
se volevo realizzare davvero qualcosa dovevo andare a fondo
– andare al cuore delle cose.
Sembra sia stato questo il motivo della tua
reunion con gli Iron Maiden nel 1999. Sei
deliberatamente tornato sui tuoi passi? E come
hanno reagito gli altri?
Stavo lavorando su quello che sarebbe diventato TYRANNY
OF SOULS [poi pubblicato nel 2005]. Presi Roy e i ragazzi da
parte e dissi: “C’è una cosa che volevo dirvi…”. E loro: “Sì. Devi
farlo”. Mi dissero che era la cosa più giusta da fare.
Quando sei tornato nei Maiden, non è
stato semplicemente nostalgia, come
tornare ai bei vecchi tempi. Avreste potuto
pubblicare un bel greatest hits…
Cazzo! No, no, no, no, no, no, no, no, no, no, no, no no,
no. Mai!
 Cosa rivela del futuro THE MANDRAKE
PROJECT?

so”. A essere sinceri la prima cosa che dissi fu:

“Mi pare ovvio che siamo meglio dei Metal-
lica!”. E loro risposero: “Ma non puoi dirlo!”.
E io: “L’ho appena detto”. E così piano piano
loro iniziarono a pensare: ‘Forse ha ragione’.

Ecco, il ritorno del rompipalle.

La vita è così: devi avere le palle. Mick Jagger non è
diventato Mick Jagger standosene seduto in un angolo, e di-
cendo (con un tono fintamente modesto): “Siamo bravini, quasi
quanto i Beatles”. Gli dissi anche che non avremmo pubblica-
to nessun “greatest hits”, ma un nuovo disco, e che sarebbe
stato favoloso. E BRAVE NEW WORLD [2000] centrò l’obietti-
vo. Così, di botto, eravamo ancora in pista.

BRAVE NEW WORLD fu seguito da altri cinque dischi degli

Iron Maiden e da un altro Dickinson solista, TYRANNY OF
SOULS. I Maiden e la carriera solista di Dickinson ora coe-
sistono fianco a fianco. “Ho pubblicato sette dischi da solo,
quasi la metà di quelli con i Maiden”, riflette. L’imminente
tour di Dickinson lo vedrà esibirsi suonando il meglio dei di-
schi da solo, davanti a platee di tutto il mondo (“Hanno aspet-
tato anni per vedere questo materiale dal vivo”). E poi c’è da
fare un nuovo disco degli Iron Maiden, dopo quel viaggio in

Bruce Dickinson
Australia dove migliorerà la sua tecnica al didgeridoo.

Hai scritto libri, copioni, ora anche

fumetti… che rimane?
In effetti, ho fatto sempre la stessa cosa – ho raccontato storie.
Se canto, racconto una storia. Se scrivo un fumetto, lo stesso.
Alla fine ho capito che è ciò che faccio davvero. Adoro la parte
musicale, ma prima di mettermici devo avere in mente una
storia. Quando ho avuto il cancro alla gola, la gente diceva:
“Oh mio dio, che succederà alla tua voce?”. La mia risposta

«Non volevo diventare era: “Non lo so, ma nessuno perde la voce”.

Che intendi?
un solista. Finché puoi parlare, hai una voce. Se la mia voce fos-
se diversa, allora racconterei storie in modo diverso. E come

Non sono mica cantante, quando invecchi la voce ti cambia. Comunque, io

non ho mai voluto ritrovarmi imprigionato nel cliché del can-
tante macho. Guardate a tutti i grandi cantanti che non fanno
David Coverdale» metal.

Si trattava di fare musica nuova.
Sì. Steve era molto sospettoso. Mi disse: “Perché
vuoi tornare?’. Ed io gli risposi (ridendo): “Steve, voglio
CLASSIC ROCK
A chi pensi?
Leonard Cohen, ad esempio, che aveva una voce
terribile, ma che era un cantante stupendo perché sape-
va comunicare e raccontare storie. O Johnny Cash. Oh!

tornare, perché come dicono i miei amici ‘il mondo ha mio Dio: Johnny Cash. Quando ha fatto il video per la
INTERVIEW

bisogno degli Iron Maiden’. E poi perché credo potrem-
mo fare dell’ottima musica”.
Va detto che probabilmente servivi
anche tu a loro.
Probabile. Ma era inutile dirlo, perché avrebbe voluto
dire riaprire vecchie ferite. Quindi, dissi agli altri: “Spaz-
zeremo via il passato, costruendo un futuro meraviglio-
cover dei Nine Inch Nails, Hurt, ha fatto totalmente suo
quel brano. Ricordo di averlo visto e aver pensato che se
dovevo morire, volevo morire così.
E questo è il tuo epitaffio?
Sì. Sono un narratore, e racconto strane storie.
THE MANDRAKE PROJECT è recensito a pag. 84.

73
Libertà
postmoderna
“G
Un lussuoso box retrospettivo li anni Settanta furono un’era entusia-
mette in ordine la storia degli smante da cui prese vita una vera e pro-
pria rivoluzione, non soltanto musicale,
Opus Avantra, fiore all’occhiello ma anche sociale e sessuale, foraggiata
dell’avanguardia musicale europea. dall’idealismo, mentre cresceva il ruolo
dei sindacati. Insomma, nacque un movimento che rompeva
gli equilibri precedenti per trasformarli in una vera e propria
Testo: Mario Giammetti
visione sociale. A livello musicale, poi, era un momento magico.
Sentivi una libertà totale dai canoni precostituiti e avevi voglia
di volare all’interno dell’energia che si sprigionava”. Così, nel
corso di una bella intervista realizzata qualche anno fa, la can-
tante soprano Donella Del Monaco ci raccontava un periodo

Opus Avantra, l’ultima incarnazione:

(s-d) Mauro Martello, Tony Esposito,
Donella Del Monaco,
Alfredo Tisocco, Renato Marengo,
Alan Bedin, Sasà Flauto.

74

storico e la creazione del suo principale progetto artistico: “La
nascita degli Opus Avantra si deve a una lunghissima chiac-
chierata fatta in macchina tornando da Dortmund, dove il mio
cugino regista Giancarlo [ figlio del celeberrimo tenore Mario
Del Monaco, nda] stava lavorando a un progetto. All’improvvi-
so, ci ritrovammo in piena notte nel mezzo di una tempesta di
neve, per cui fummo costretti ad andare pianissimo. Così ini-
ziammo a parlare per ore, scambiandoci idee sull’avanguardia
e sulla tradizione, concentrandoci in particolare su un possibi-
le incontro tra la musica classica e il rock. A parlarne eravamo
in tre: io, Renato Marengo e Giorgio Bisotto”.
Marengo, napoletano, è un conduttore radiofonico e critico
musicale con notevoli esperienze anche a livello di
produzione discografica (tra i tanti, Nuova Com-
pagnia di Canto Popolare, i fratelli Bennato e
La formazione originale all’inizio
del 1974, durante un concerto
a Mosson di Cogollo del Cengio (VI).
Teresa De Sio), nonché protagonista assoluto del nascente Na-
pule’s Power. Bisotto, invece, è un imprenditore, ma anche un
ideologo, intellettuale e appassionato di musica contempora-
nea, che in seguito sposerà proprio Donella.
La fusione creativa di tre menti brillanti partorisce un’idea al
tempo assolutamente rivoluzionaria: quella di avvicinare il
pop alla musica d’avanguardia e sperimentale. Certo, all’epoca
esistono già le prime contaminazioni, con tiepidi richiami di
musica colta all’interno di alcuni dischi rock. Ma qui si tratta di
qualcosa di molto più radicale.
“Appena tornati a casa”, continua la Del Monaco, “ci mettem-
mo alla ricerca di un musicista che fosse in grado di interpre-
tare nel migliore dei modi le nostre idee. Fu Tony Tasinato,
l’editore veneto che in quel periodo portava i gruppi rock in-
glesi in Italia insieme a Francesco Sanavio e Franco Mamone,
a consigliarci Alfredo Tisocco. Lo incontrammo per parlargli
del progetto e lui ne fu subito talmente entusiasta da mettersi
immediatamente a comporre musiche sulle quali io m’impe-
gnai a scrivere i testi. Qui s’inserì anche Giorgio, che era do-
tato di un background contemporaneo: amico di Giuseppe
Sinopoli e fedelissimo della sezione Musica della Biennale di
Venezia, introdusse elementi extratonali all’interno delle
 composizioni. Tisocco si entusiasmò ulterior-
mente e su questa spinta fu costruito il primo
lavoro. Marengo, poi, fu bravissimo a trovarci
la prima casa discografica, la Trident di Mauri-
zio Salvadori e Angelo Carrara, due geni che, al
tempo, volevano esplorare nuova musica e in-
fatti avevano pubblicato tra gli altri l’album de Il
Biglietto per l’Inferno. Ciliegina sulla torta, una
magnifica copertina, opera di Umberto Telesco,
che poi sarebbe diventato il marito di Jenny Sor-
renti… Il disco fu presentato a Roma in una sala
dove trovammo un pianoforte a coda e un clavicembalo”.
L’album a cui fa riferimento la cantante esce nel 1974 col titolo
INTROSPEZIONE (anche se in copertina, in realtà, campeggia
la scritta OPUS AVANTRA – DONELLA DEL MONACO) e rac-
coglie la convinta approvazione della critica: la voce di Donella
è magnifica ed espressiva (oltre che molto erotica nel brano
Rituale – Ashralem), il contenuto compositivo di alto livello ese-
cutivo, realizzato da musicisti provenienti dall’ambiente classico
con l’unica eccezione di Tony Esposito, coinvolto argutamente
da Marengo per agevolare una fusione con atmosfere più vicine
al rock. Naturalmente non si tratta di un prodotto facile: le sono-
rità sono molto rigorose nonostante la presenza della batteria
in alcuni brani, e le atmosfere variano dal cameristico all’opera,
con forti sprazzi di avanguardia. Un paio di brani indubbiamente
più accessibili (L’altalena e Il pavone, che uscirà anche su singo-
lo) non bastano a rendere il disco facilmente fruibile dal grande
pubblico, che sostanzialmente non lo fa decollare a livello com-
merciale. Maa sul piano artistico (al netto
Opus Avantra
di qualche accusa di snobismo) l’espe-
rimento degligli Opus Avantra può dirsi
pienamente riuscito: contrariamente
a ciò che eraa sin lì accaduto (con i
ck alla ricerca di agganci
musicisti rock
con il mondo o classico), Tisocco va
ne opposta, partendo
nella direzione
proprio dallaa formazione accade-
cogliere qualche (tal-
mica per accogliere
volta anche vaga) influenza rock.
essivo è il momento di
L’anno successivo
LORD CROMWELL MWELL PLAYS SUITE
FOR SEVEN N VICES, un concept al-
bum ispirato o ai sette vizi capitali che
musicalmente te appare se possibile
ancora più intransigente del prece-
esenta prevalentemente
dente. Si presenta
voro strumentale, domi-
come un lavoro
nato da un bravissimo Tisocco alle
sue moltepliciici tastiere ma, anche
aso, viene coinvolto
in questo caso,
un batteristaa rock, Paolo Siani de
La Nuova Idea,ea, accanto agli altri
ovenienti dal mondo
musicisti provenienti
classico e ai vocalizzi di quattro
coriste. Manca ca invece la Del Mo-
naco, ma soloolo a causa di altri
impegni: “Dopoopo il primo al-
bum, volevamo mo subito re-
condo, ma
gistrare il secondo,
la nostra etichetta
Trident fallìì per
76
problemi extra artistici. Così mi misi a lavorare
in altri settori, specialmente nell’opera e nel tea-
tro, limitandomi a collaborare ai testi per questo
lavoro che fu portato avanti con caparbietà da
Alfredo e venne, alla fine, pubblicato da un’altra
casa discografica, la Suono Records”.
Donella dice il vero, e tuttavia quello che doveva
essere il secondo album dovrà attendere molti
anni per vedere la luce, e in versione rinnovata.
Prima, infatti, c’è una lunga pausa che consente
di dare spazio ai progetti solistici (musicali per
Tisocco, teatrali per la Del Monaco). L’abortito secondo album
(che nel frattempo diventa, di fatto, il terzo) vede infine la luce
nel 1989 ed è pubblicato dalla Artis Records, etichetta fonda-
ta dallo stesso Alfredo che si prenderà cura del progetto Opus
Avantra fino ai giorni nostri, riscattando anche i due primi la-
vori, oltre che acquisire il catalogo della leggendaria Cramps. Il
terzo disco, STRATA, è un altro lavoro interessante nonostante
il lunghissimo lasso di tempo intercorso rispetto alla sua com-
posizione, perlomeno a parte di essa, concepita infatti in pre-
valenza nel triennio 1977/79. Bene recitano le note di copertina
redatte da Tisocco, che definisce l’opera “un volo attraverso gli
stati mentali in un sogno realizzabile, le cui fasi vengono alterna-
tivamente sottolineate dalla voce (stato di incoscienza) e dall’en-
semble (stato di subcoscienza)”. Oltre che il pianoforte, adesso,
il compositore vicentino suona anche i sintetizzatori (Yamaha,
Korg e Roland), nell’intento di fondere i suoni naturali con quelli
elettronici. Nonostante questa apertura, però, un album come
pubblicat alla soglia degli anni Novanta,
questo, pubblicato
clas
quando in classifica impazzano tormentoni come
Lambada a e Es
Esatto! di Francesco Salvi, fatica a tro-
vare interesse nel pubblico.
alcun anni, in parte trascorsi da Tisoc-
Passano alcuni
co in Romani
Romania per questioni di affari, ma poi gli
Opus Avantra decidono di ritornare ancora una
volta, e ancora
ancor una volta con un album coraggio-
Pubblicat nel 1995, LYRICS contiene infatti
so. Pubblicato
circa tre qu quarti d’ora di musica sperimentale,
part dei quali è occupata dalle due
buona parte
iniziali: Viaggio immaginario (9 minuti
suite inizia
incalzanti in i cui la musica di Alfredo fornisce
una convin
convincente base per i virtuosismi vocali
di Donella) e Misterious Japanese Suite (che di
minuti ne dura quasi 16, a tratti anche alquanto
Nono
ostici). Nonostante la bizzarra e volutamente
caotica DaDanza Arcana, comunque, che non
tiri p
più aria è ormai abbastanza eviden-
te. Non resta che ritirarsi in buon
ordine per dedicarsi ad altro. La
Del Monaco, in particolare, si
dedica a riletture di composi-
zioni di Erik Satie e Luciano Be-
rio, oltre che a recuperi tradizionali
di musiche provenienti dal Veneto.
C’è in particolare un album, VENE-
TIA ET ANIMA del 2003, che viene
accreditato a lei, al compositore e
Donella Del Monaco ppianista Paolo Troncon e agli stes-
fotografata nel 1973 ssi Opus Avantra (pur non facendo
da Fabio Donato.
In alto: un giovanissimo pparte, in realtà, della discografia
Alfredo Tisocco. ddella band).
 Donella
Del Monaco
& Alfredo
OA 48 – Opus Avantra Box Collection
Non è la prima volta che gli Opus Avantra vengono
omaggiati con produzioni lussuose e cofanetti, ma
questo batte ogni precedente. Per prima cosa, contiene
davvero l’opera omnia, ossia i cinque album principali
(INTROSPEZIONE, LORD CROMWELL PLAYS SUITE
FOR SEVEN VICES, STRATA, LYRICS e LOUCOS – NEL
LUOGO MAGICO) sia in vinile da 180 grammi (tutti
colorati, ma in colori diversi) che in Cd. I Compact
disc, però, sono sei, perché vi è anche LIVE CONCERTS
EXCERPTS (2007), un album pubblicato nel 2007
soltanto in Giappone con sedici esecuzioni tratte da
vari concerti tenuti tra il 1977 e il 1991 (ma con in più
una bonus track registrata nel 2021, Dualismo). E
ancora i due singoli a 45 giri (Allemanda e Il pavone),
ŊŢ(ǔĚǬŢūöƴŸŊŭJŊöƛƛŸŭġѢƼŭöƦƛŊŢŢöѢƼŭūöŭŊĻġƦƴŸ
del progetto originale e un poster, persino una penna
ĚŊƛöǔŸŭġѧXŢƴƼƴƴŸēŸŭĻġǥŊŸŭöƴŸŊŭƼŭūöļŭŊǬēŸġ
ļƞöǬēöūġŭƴġöēēöƴƴŊǔöŭƴġŢŊĒƞŸĚŊϽϽƛöļŊŭġĻŸƞūöƴŸ
33 giri, pieno di immagini e di ricordi dei protagonisti.
Un lunghissimo e affascinante viaggio per celebrare
un monumento della musica d’avanguardia italiana di
ogni epoca. MG
Giunti però al 2008, per venire incontro alle pressanti richieste
provenienti dal Giappone (Paese notoriamente benevolo verso il
prog italiano, che ha sempre apprezzato tantissimo la proposta
degli Opus Avantra), il trio originale (compreso dunque Giorgio
Bisotto, ora nei panni dell’istrione, con parti recitate in latino e
inquietanti maschere) si esibisce a Tokyo per festeggiare anche
Alfredo Tisocco, Donella Del Monaco
e Giorgio Bisotto nel 1975
ēŸŭŊŢǭöƼƴŊƦƴößŊŭēġŭǥŸ!öƞŸŢŊѧ
il ventennale del Club Citta, istituzione locale storicamente ri-
servata a concerti. Il risultato viene pubblicato nel Dvd Viag-
gio immaginario Live In Tokyo 2008.12.04.
Dopo molti anni, nel 2019, la cantante torna con ROSA RO-
SAE, un interessante album accreditato a Donella Del Mona-
co/Opus Avantra Ensemble, nuovamente prodotto da Renato
Opus Avantra
Marengo, che assicurerà la partecipazione di diversi musicisti
rock (Lino Vairetti, Alberto Radius, Jenny Sorrenti e di nuovo
Tony Esposito).
È il preludio al rientro della sigla, ormai senza più filtri: sem-
pre prodotto da Marengo, LOUCOS – NEL LUOGO MAGICO,
del 2022, rappresenta un album degli Opus Avantra a tutti
gli effetti, anche se Giorgio Bisotto non c’è più: è scomparso
nel 2011 all’età di 69 anni, ma fa comunque un’ultima appa-
rizione recitando una dolente storia d’amore ambientata in
Algeria su una base percussiva nel brano Aisha intoccabile.
L’opera si muove sempre su coordinate di grande suggestio-
ne, con il solito Tisocco in grande spolvero al pianoforte e alla
composizione, ma anche il ritorno di Tony Esposito più la
collaborazione di altri preziosi musicisti, tra cui Alan Bedin
(voce, sitar, elettronica) e Mauro Martello ( fiati) e natural-
mente la magnifica voce di Donella Del Monaco, espressiva
più che mai. Ma presenta anche inattese variazioni stilistiche,
come nel connubio rock/hip hop/blues di Venezia e il mare, il
mix tra melodia e grinta elettronica di Visione aliena, il tango
di Soft Memory Tango e le influenze world di Danza della luce.
Renato Marengo, che pur senza suonare una nota è stato ele-
mento fondamentale di questa favola artistica, così riassume:
“Agli inizi degli anni Settanta, Donella Del Monaco, Giorgio Bi-
sotto, Alfredo Tisocco ed io, pur provenendo da formazioni e
culture diverse, avvertimmo l’esigenza comune di dar vita non
solo a un gruppo, ma a un vero e proprio movimento musica-
le che si mantenesse fuori da ogni etichetta o inscatolamento,
qualcosa di assolutamente inedito e fortemente motivato in
quegli anni burrascosi ma che fosse anche proiettato verso
prepotenti stimoli di cambiamento”. È trascorso quasi mezzo
secolo, seppure a corrente alternata, ma in fondo le cose stan-
no ancora così.
77
 Hard
Stuff
A cura di Maurizio Becker

I verdetti di
Classic Rock

100 Eterno

90 Eccellente

80 Ottimo

70 Buono

60 Sopra la media

50 Nella media

40 Sotto la media

30 Sconfortante

20 Depressivo

10 Mortale

Recensioni a cura di:

Antonio Bacciocchi, Lorenzo Becciani,

Da oggi, puoi ascoltare
le recensioni di «Classic Rock» e dire la tua
in diretta su www.radioelettrica.it,
con Jimbo dalle 12
ogni primo giovedì del mese.
Questo è il QR Code con il quale è possibile
scaricare l’App per ascoltare Radio Elettrica:
Maurizio Becker, Alessandro Bottero,
Barbara Caserta, Giuseppe de Felice,
Gianni Della Cioppa, Luca Fassina,
Mario Giammetti, Mario Giugni,
Federico Guglielmi, Alfredo Marziano,
Jacopo Meille, Tonino Merolli,
Luca Perasi, Stefano Pogelli,
Alessandro Staiti, Renzo Stefanel,
Cristiana Turchetti

79
 Hard Stuff / Novità
The Black
Crowes
Happiness Bastards
SILVER ARROW
Vicenda burrascosa, quella dei Black Crowes, come di fre-
quente accade quando a tirarne i fili sono due fratelli che
puntano a primeggiare l’uno sull’altro o quando uno vuole
almeno evitare di farsi troppo sottomettere. Dai rapporti
difficili derivano però spesso risultati esplosivi e nei suoi
quattro decenni di attività la band di Atlanta, Georgia, non
ha mai rinunciato ad azionare il detonatore; sì, ok, qualche
volta le polveri erano un po’ umide e il botto ha lasciato a
desiderare, ma, insomma, nel complesso la sua eredità ar-
tistica è di grande valore, così come è totalmente encomia-
bile la dedizione di Chris e Rich Robinson alla causa del più
puro classic rock declinato a stelle e strisce. HAPPINESS
BASTARDS arriva a cinque anni dalla reunion e a quindici
dal precedente “vero” album BEFORE THE FROST… UNTIL
THE FREEZE (nel CROWEOLOGY del 2010 sfilano infatti
riletture in chiave acustiche dal repertorio storico), e dimo-
80
HAPPINESS
BASTARDS: il ritorno
dei fratelli Robinson.
80
HS:
stra che i Black Crowes sono sempre… i Black Crowes, ap-
punto. Dieci brani per quasi trentotto minuti, il nuovo lavo-
ro segue comprensibilmente strade già battute, mescolan-
do hard, blues, boogie e spruzzate di altre roots come regola
Southern impone. I r’n’r potenti e trascinanti prevalgono in
modo netto sulle ballate (appena due, posizionate in chiu-
sura dei lati reali o virtuali), ma più dell’approccio stilistico
per forza di cose risaputo HAPPINESS BASTARDS colpisce
forte con l’energia, la vivacità, la freschezza del songwriting,
la voglia genuina dei “ragazzi” di far tuonare gli strumenti e
urlare in faccia a quanti erano pronti a trattarli con la suffi-
cienza che si riserva alle vecchie glorie decadute di essere
sempre alive & kicking e decisi a continuare a inalberare la
linguaccia come insegnatogli dai papà britannici. Finché
durerà, teniamoceli ben stretti.
Federico Guglielmi
Kim Gordon Big Big Train
The Collective The Likes Of Us

MATADOR/SELF

INSIDE OUT
HS: 80 HS: 80
Il secondo album personale di un’artista cui la fine Dopo la scomparsa di a tutti gli altri (vedi il
di Kim Gordon, a cinque delle lunghe relazioni con David Longdon sono brano più orecchiabile,
anni da NO HOME Thurston Moore e con la usciti un paio di dischi Oblivion, firmato dal
RECORD e a tredici band-madre hanno dato semiantologici, ma tutti batterista Nick D’Virgilio
dall’addio dei Sonic Youth, nuovi, potenti stimoli. sapevamo che per i Big e il chitarrista Dave
non è solo una raccolta Cerebrale ma anche Big Train era questo il Foster). Il resto si
di canzoni avant-rock fisico, THE COLLECTIVE momento della verità. Nel muove tra meravigliosi
per lo più graffianti ma al lega assieme elettronica, primo lavoro di studio incastri vocali, intrecci
contempo godibili: musiche ritmiche stranianti, rumori totalmente nuovo, il di tintinnanti 12 corde e
e parole vanno a comporre e canto sui generis in un nuovo cantante Alberto sognanti fughe di tastiere,
qualcosa di più profondo e patchwork sonoro tanto Bravin assume subito un a coronamento di un
intenso all’insegna di una fosco e surreale quanto ruolo centrale a livello di magnifico disco prog con
concettualità che attrae affascinante; vale senz’altro scrittura, inferiore solo a cui i BBT possono ripartire
inesorabilmente invece di la pena di addentrarvisi, quello di Greg Spawton. a testa alta dal punto
intimidire, dimostrando anche se al primo impatto Ma il bassista, leader e in cui avevano dovuto
una volta in più la può risultare ostico. fondatore, come sempre, forzatamente lasciare.
prorompente personalità Federico Guglielmi lascia ampi margini Mario Giammetti

Ministry Madi Diaz

Hopiumforthemasses Weird Faith
NUCLEAR BLAST

75 80
ANTI

HS: HS:

Quante sono le band da lui stesso inventati. Sono anni che la giusto qualche piccolo
debitrici nei confronti Un disco, sin dal titolo, cantautrice cresciuta elemento dall’indie pop
dei Ministry? Cento? aggressivo, potente, a Berklee ci regala o dall’elettronica per
Mille? Se ancora esiste forse un tantino più grande musica, ma con rendere più eleganti
da qualche parte una ortodosso nella scrittura, quest’album, il secondo gli arrangiamenti.
musica rivoluzionaria, ma ancora capace di per l’etichetta fondata da L’interpretazione
lo si deve anche a questa procurare brividi taglienti Andy Kaulkin, è riuscita vocale evoca emozioni
band di Chicago che ha all’ascolto. Prendete davvero a superarsi. Le perdute nel tempo e le
saputo destrutturare il le scintille da flessibile canzoni di HISTORY OF A liriche, dipinte di tardo
rock sin dai primi anni rovente di TV Song, FEELING erano nate per romanticismo, sono
Ottanta. Oggi, dopo la melodia arcana di lenire un dolore profondo così toccanti che sono
infiniti lutti, avventure, Aryan Embarassment e e avevano cercato di sufficienti alcune leggere
abbandoni e ritorni, Al soprattutto la preghiera mostrare un approccio note di chitarra acustica
Jourgensen ruggisce di pagana doom di New compositivo più vario. a renderle epiche. Kacey
nuovo con nove pezzi Religion e riconoscerete i WEIRD FAITH invece ci Musgraves impreziosisce
inediti che mescolano migliori Ministry. riporta alle radici della Dont’ Do Me Good.
l’industrial e il post metal Gianni Della Cioppa musica folk, rubando Lorenzo Becciani

venga sul sito eurekaddl.yachts 81

 Hard Stuff / Novità
Green Day
Saviors
REPRISE/WARNER
Assieme, Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt e Tré Cool fanno
oltre un secolo e mezzo di età, ma ascoltando quest’album,
il quattordicesimo dall’esordio del 1990, non lo si direbbe
mai. Merito dell’innata brillantezza dei tre “ragazzi”, certo,
ma anche e soprattutto del genere cui si sono consacra-
ti, che per convenzione viene etichettato come punk rock
ma che in realtà è un power pop irruvidito e “punkizza-
to”: insomma, un sound fondato sul classico, vincente bi-
nomio energia-melodia, che i Green Day padroneggiano
dall’inizio e che, seppure tra alti e bassi, sanno rendere
fresco e accattivante. Non è mica facile, a cinquant’anni,
conquistare giovani dei quali si potrebbe essere padri ma
loro ci riescono alla grande, concentrando in canzoni solo
apparentemente sciocchine tutto ciò che piace ai teenager
e a chi teenager non è più ma ama fingere di essere rima-
sto tale: sintetizzando al massimo, un simpatico disturbo
82
Green Day: tre ex ragazzi
sempre giovani.
75
HS:
della quiete pubblica, un innocuo “far casino” divertendosi
un mondo. Contro ogni previsione, visto come nell’ultima
dozzina d’anni la forma della band californiana era parsa
in calo, SAVIORS è nel complesso un bel disco; non è DO-
OKIE né AMERICAN IDIOT, ma il livello si è rialzato e di
sicuro un ringraziamento si deve a Rob Cavallo, tornato a
seguire in studio i suoi pupilli dopo aver “saltato” REVO-
LUTION RADIO e FATHER OF ALL MOTHERFUCKERS.
La ricetta è quella abituale: r’n’r all’insegna della vivacità
ruvido ma “lavorato” con intelligenza e mestiere accoppia-
to a testi filo-adolescenziali ma non per questo terra-terra.
La differenza è nel songwriting, senza dubbio “furbetto”
ma dal sapore non artificioso: Look Ma, No Brains!, One
Eyed Bastard, Living In The ’20s e la vigorosa ballata Dilem-
ma sono tra i brani più efficaci del lotto.
Federico Guglielmi
The Devils Albert Hammond
Horror And Desire Body Of Work

GO DOWN RECORDS

EARMUSIC
HS: 75 HS: 75
Il duo partenopeo singolo Divine is the Illusion Dalla sofferenza nascono John Bettis, nella scrittura
torna con un disco e da quello struggente di spesso opere artistiche di ben quaranta brani
pesantemente influenzato Til Life Do Us Part. Bello di rilievo. Nel caso scremati a diciassette nella
dalla musica nera il lyric video dei baci di Albert Hammond, stesura definitiva di BODY
americana degli anni più weird del cinema in quasi ottantenne padre OF WORK. Il songwriter
50 e 60, frutto della bianco e nero (Killers Kiss), dell’omonimo membro britannico, anche autore di
collaborazione col belle le cover di Big City degli Stokes, lo si può hit di successo per tanti altri
produttore Alain Johannes Lights di Cleo Randle e riaffermare alla luce di importanti artisti, mostra
(suo anche il grande assolo Teddy Boy Boogie – ma questo suo nuovo album così la sua ritrovata buona
nella dissonante e un malato – dei Crazy Cavan d’inediti, il primo negli vena e una varietà di temi
po’ angosciante Horror ’n’ the Rhythm Rockers. ultimi vent’anni di carriera. musicali (dalla psichedelia
And Desire). Se in Roar Per una volta giudicate Infatti, avvenimenti di Gonna Save The World si
II e Shake ‘em si sentono il disco dalla copertina, negativi hanno sollecitato passa agevolmente al r&b di
gli strascichi punk degli una versione molto pop una ritrovata creatività: Shake A Bone e al rock della
esordi, la nuova direzione di Salomé con la testa di il divorzio dalla moglie bellissima, introduttiva
è ben chiara nel ritmo Giovanni Battista. e la diagnosi di una rara Don’t Bother My Babe). La
ipnotizzante del primo Luca Fassina malattia. Tutto superato classe non è acqua.
tuffandosi, insieme al fido Tonino Merolli

The Jesus DragonForce

And Mary Chain Warp Speed Warriors
Glasgow Eyes
COOKING VINYL/EGEA

NAPALM RECORDS

HS: 75 HS: 75
Quarant’anni dopo lontana eco. La collaudata Dopo aver portato il Steel. Altrove, appaiono
l’esordio da veri terroristi alchimia elettrico- power speed metal a livelli invece la solita energia
sonici con il singolo elettronica funziona di velocità mostruosi, i e la velocità di sempre,
Upside Down, i fratelli Reid bene e le dodici tracce, DragonForce, (che sono anche se va detto che
ci sono ancora. GLASGOW ora morbide e ora scosse inglesi, ma con una le pur classiche Astro
EYES, secondo album da fremiti r’n’r/motorik, line up multinazionale) Warrior Anthem e Burning
della loro seconda vita a non regalano epifanie promettono con questo Heart sviluppano spunti
sette anni da DAMAGE ma si lasciano ascoltare nono album una maggior più elaborati, complice
AND JOY e ottavo nel con soddisfazione, ricerca nella scrittura. la voce multilivello di
computo generale, vede la rivelando la solita poetica In effetti, i chitarristi Marc Hudson. Notevole
band scozzese muoversi non pacificata. Magari Herman Li e Sam Totman la produzione di Damien
con perizia e mestiere la vena visionaria che ci offrono i pezzi più Rainaud, che regala a
all’interno di una comfort affiora a tratti avrebbe elaborati con melodie WARP SPEED WARRIORS
zone fatta di brani ipnotici potuto essere liberata in quasi sinfoniche, come una brillantezza
e crepuscolari nei quali misura maggiore, ma è dimostrano l’approccio spettacolare nei suoni.
il canto è un magnetico un dettaglio pressoché pomposo di Space I DragonForce non
quasi-declamare e il ininfluente. Marine Corps e il gusto deludono mai.
passato rumoroso una Federico Guglielmi operistico di Kingdom Of Gianni Della Cioppa

83
 Hard Stuff / Novità
Bruce
Dickinson
The Mandrake
Project
BMG
Settimo album solista per il cantante degli Iron Maiden, a
ben diciannove anni di distanza da TYRANNY OF SOULS.
In realtà, la sua stesura è iniziata una decina di anni fa as-
sieme al fido Roy Z, col quale Bruce festeggia i trent’anni di
una collaborazione cominciata con BALLS TO PICASSO. La
batteria è stata affidata a Dave Moreno, le tastiere all’italia-
no Mistheria, entrambi già sul suo disco del 2005. L’album è
decisamente più dark, sonoramente pesante e melodico al
tempo stesso, un’oscura storia di potere e abuso alla ricer-
ca del modo di catturare l’anima umana per spostarla di…
contenitore. Si apre con Afterglow Of Ragnarok, singolo pre-
sentato col video diretto dal regista Ryan Mackfall e scritto
assieme al fumettista Tony Lee: introduce il protagonista Dr.
Necropolis come antagonista del Professor Lazarus, ripercor-
rendo il fumetto uscito nell’edizione vinile-singolo, il cui lato
84
THE MANDRAKE PROJECT
arriva 19 anni
dopo TYRANNY OF SOULS.
HS:
85
B presentava il demo originale di If Eternity Should Fail. Steve
Harris aveva fortemente voluto inserirla in THE BOOK OF
SOULS nonostante i dubbi di Bruce; il brano - che era stato
concepito come opener di un lavoro solista - sul disco diventa
Eternity Has Failed e ha un testo rimaneggiato. Ampio spazio
per la voce, particolarmente ben riuscita in Rain On The Gra-
ves e nel grande cantato ‘crooner’ di Bruce nella piano-ballad
Shadow Of The Gods che chiude il disco assieme ad altri due
‘lentoni’: la ballata Face In The Mirror, con e la power Sonata
(Immortal Beloved). La storia del Progetto Mandrake uscirà
in dodici albi trimestrali disegnati da Staz Johnson per la Z2
Comics che verranno poi riuniti in tre graphic novel. La band,
con l’aggiunta della bassista Tanya O’Callaghan, arriverà in
Italia con due date il prossimo luglio.
Luca Fassina
CCCP Fedeli Can
alla linea Live In Paris 1973
Altro che nuovo nuovo

VIRGIN/UNIVERSAL

SPOON/MUTE
HS: 80 HS: 85
Alla fine quella dei CCCP essi, tra i quali Sexy Soviet Nuovo bellissimo copertina, è uscito sei
è diventata una reunion (poi evolutosi in B.B.B.) live dei Can tratto, mesi prima, ma al solito a
autentica, con relativo e una cover di Kebab come i precedenti, condurre lo show sono le
strascico di giudizi e Traume dei D.A.F., inediti da registrazioni jam e un interplay davvero
sentimenti in contrasto. lo erano rimasti fino a ieri, amatoriali e d’archivio pazzesco. One More Night,
Nell’attesa di capire se ma a parte tali curiosità miracolosamente Spoon e Vitamin C, infatti,
il gruppo farà en plein che ovviamente intrigano restaurate da Irmin sono presi come temi
realizzando pure un nuovo ma che nulla di essenziale Schmidt e René Tinner. di base per intriganti
album, ecco arrivare in aggiungono alla vicenda, Sede del concerto è improvvisazioni (Zwei, Drei
Cd e doppio Lp (nero ascoltare questi CCCP stavolta l’Olympia di e Fünf con il finale troncato
o limitato-colorato così minimali e graffianti Parigi, dove il 12 maggio di brutto) mentre Vier e
con gadget, bleah!) il ma già così “compiuti” e del 1973 la formazione, Eins, che apre allungandosi
miracoloso restauro di carismatici è una bella, ancora con Damo Suzuki instancabile per 36
un concerto del giugno grande emozione. Che alla voce, appare in stato minuti, sono in pratica
1983 in cui sfilano diciotto cancella il sapore amaro di grazia. EGE BAMYASI, composizioni spontanee.
brani all’epoca ancora della speculazione. l’album con la lattina Doppio Cd e doppio Lp.
tutti inediti; quattro di Federico Guglielmi di afrodisiaci gombi in Mario Giugni

Swanz Hannah Wicklund

The Lonely Cat The Prize
Swanz The Lonely Cat’s
Macbeth
TOTEN SCHWANZ

PIAS/FLAT IRON

HS: 65 HS: 65

Un progetto coraggioso, sposta in una modalità Ottima chitarrista e the Hallway, che spande
inusuale, originale, molto cerebrale ma non cantante dalla voce garbatamente melodia
quello dell’autore, già mancherà di soddisfare variopinta e sexy, Hannah moderna sul rock classico?
conosciuto con il progetto gli amanti del genere. Wicklund fa il suo esordio Le tentazioni zeppeliniane
Dead Cat in a Bag. Ovvero L’album è correlato da solista dopo anni di di Dark Passenger, potente
una reinterpretazione a un suggestivo concerti e album con gli nel refrain e rarefatta
musicale della tragedia cortometraggio (con Steppin’ Stones. Inciso nelle strofe?) fra queste
shakesperiana Macbeth musiche in esso con l’ausilio di Sam Kizka dieci canzoni tessute
in chiave drone music, contenute) realizzato da (anche produttore) e Danny con arrangiamenti quasi
sperimentale, oscura, Plastikwombat, intitolato Wagner, ovvero la sezione sempre densi e vivaci,
claustrofobica, dalle tinte All is but Toys, ovvero ritmica dei Greta Van smaltate di tastiere
folk/blues (che hanno “Tutto non è che un Fleet, THE PRIZE ci offre policrome, ricamate
sempre caratterizzato gioco”, dalle parole che un brioso melange di rock di testi immaginifici,
il percorso della band Macbeth pronuncia dopo più o meno duro, blues e prodotte senza risparmio.
madre). La materia non aver ucciso il Re. soul, ed è arduo scegliere È nata una stella?
è di facile fruibilità, ci Antonio Bacciocchi degli highlight (Hell in Giuseppe de Felice

85
 Hard Stuff / Novità
Judas
Priest
Invincible Shield
SONY
Il diciannovesimo album dei metallissimi di Birmingham
ha avuto una gestazione difficile a causa della pandemia
prima e del tour dei 50 anni poi. La produzione è affidata
nuovamente a Andy Sneap, che aveva coprodotto FIREPO-
WER con Tom Allom e che dal 2018 sostituisce on the road
Glenn Tipton: la sua lunga storia con le eccellenze del thrash
mondiale ha sicuramente contribuito alla durezza di questo
album, che a sorpresa si apre con l’intro progressive di Pa-
nic Attack, primo singolo diffuso lo scorso ottobre. A quelli
che hanno attaccato Richie Faulkner quando ha parlato di
“variazioni e dei cambi di direzione a livello musicale”, ri-
cordiamo come certe strutture non propriamente metal
fossero presenti nei loro primi tre dischi degli anni 70. Pro-
segue spedito con le cavalcate di The Serpent And The King
e della title-track fino alla pausa di Devil In Disguise dove,
86
Judas Priest: il diciannovesimo album
è una bomba.
90
HS:
come in Escape From Reality, l’Halford ‘melodico’ ricorda
curiosamente Ozzy Osbourne. Se i Judas non fanno balla-
te, Crown Of Horns è comunque una ‘midtempo’ melodica
monumentale, molto d’atmosfera e con un gran lavoro di
chitarre; bello il mix tra la ‘corona di spine’ e il simbolismo
dedicato al gesto delle corna dell’amico Ronnie James Dio.
Come era intuibile, la successiva As God Is My Witness par-
te a cannone, seguita da una Trial By Fire dove ritroviamo
melodia e un cantato ineccepibile anche senza raggiungere
le vette di Giants In The Sky, forse il brano più bello di un
disco ottimo. A chi critica una certa over-produzione del-
le voci che potrebbero non tenere in una resa live, diciamo
che aspettiamo solo di cantare tutti assieme i cori di Sons Of
Thunder al Forum di Assago il prossimo 6 di aprile.
Luca Fassina
Russell – Guns Scott Stapp
Medusa Higher Power

FRONTIERS RECORDS

NAPALM RECORDS
HS: 80 HS: 70
Jack Russell, la voce dei al momento giusto. Il cantante dei Creed torna (country) Steve McEwan
migliori Great White. Un’accoppiata bizzarra in studio per il suo quarto (nella power ballad You’re
Tracii Guns, l’anima e sanguigna che stupisce disco solista e centra Not Alone) e di Dorothy
stradaiola a sei corde e convince, marchiata nuovamente il bersaglio Martin, con la quale ha
degli L.A. Guns. Due a fuoco con orgoglio con un album introspettivo duettato sulla toccante
mondi losangelini solo da un mega-team di dove parla di tradimento, acustica If These Walls
apparentemente paralleli, lusso e d’abbondante perdita, frustrazione, Could Talk. Non mancano
che brillano di nuova luce ispirazione tricolore sconfitta e rivalsa. Anche momenti più pesanti
propria. Un bel tuffo negli in fase di scrittura, questa volta torna a come la title-track,
’80s più capelloni, senza diretto come si conviene servirsi dei magheggi Deadman’s Trigger o Black
nostalgia ma d’integrità, dall’imprescindibile Ale del chitarrista Yiannis Butterfly, che sfodera riff
una sfida artistica che Del Vecchio (produttore Papadopoulos, che firma quasi metal. Aspettiamo
a sorpresa diventa e tastierista). Vibrante, due canzoni: Quicksand di vederlo con il tour
partnership riuscita. Che genuino, col cuore in e la prima di cinque solista e, subito dopo, con
dono inaspettato! Hard mano e soprattutto col lentoni, What I Deserve. l’imminente ritorno dei
Rock vivace e bluesy, volume a 11! Per gli altri, si avvale Creed.
sporco eppure candido Barbara Caserta anche del compositore Luca Fassina

The Chisel Vanessa Peters

What A F*cking Flying On Instruments
IDOL RECORDS/GOODFELLAS

Nightmare
PURE NOISE

HS: 70 HS: 70
Sul fatto che il punk ritornelli Oi! e stacchi L’intento era quello di Electrofonics). FLYING
inglese sia attualmente hardcore, e anche questo tornare al suono più ON INSTRUMENTS
rappresentato dal gruppo secondo lavoro, prodotto lineare e pulito degli torna dunque a quel
guidato da Callum da Jonah Falco (Fucked album usciti prima del folk/country/pop venato
Graham si potrebbe Up), è costruito di sole recente e, comunque, di rock che ha fatto
discutere a lungo, non armi letali. L’equilibrio apprezzato MODERN apprezzare Vanessa
fosse altro perché spesso tra aggressività e melodie AGE. Ascoltando Peters sia negli States
i Chisel si rispecchiano orecchiabili è curato l’incalzante e allo stesso che in Europa: melodie
nella scena americana, in maniera talmente tempo ariosa Out To Seas, accattivanti, voce calda e
ma è un dato id fatto che maniacale da sembrare uno dei migliori brani limpida e testi mai banali
anche stavolta in scaletta finto e pezzi come Cry di questo nuovo lavoro, che raccontano della vita
non troverete filler e Your Eyes Out e F*ck ’Em l’esperimento sembra e delle sue fragilità. Il tutto
tutte le canzoni sono costringeranno gli addetti riuscito. In evidenza le affrontato (How Long) con
scritte per scatenare il ai lavori a fare scomodi elaborazioni pianistiche la positività di chi vuole
finimondo dal vivo. Due paragoni. Per chi ci crede di Matteo Patrone e le andare avanti pur non
anni fa, RETALIATION ancora, ma fino a un certo intuizioni chitarristiche conoscendo il proprio
ci ha ricordato quanto punto. di Federico Ciancabilla futuro.
avessimo bisogno di Lorenzo Becciani (entrambi degli Tonino Merolli

87
 Hard Stuff / Novità
Brittany
Howard
What Now
ISLAND / UNIVERSAL
Il miglior complimento che si possa fare a Brittany Ho-
ward (Alabama Shakes) per il suo secondo album solista è
che si tratta di un disco indefinibile. Un po’ come se Curtis
Mayfield e Prince si mettessero a fare musica con Cassandra
Wilson e David Sylvian in un futuro prossimo e in un’altra
dimensione. Il fonico e produttore Shawn Everett, che con
l’artista aveva già collaborato in passato, le ha lasciato carta
bianca avvolgendo il suo “oceano di armonie vocali” in una
coperta di suoni pulsanti, ronzanti e tintinnanti che amplifi-
cano l’atmosfera spettrale di canzoni popolate da fantasmi
del passato: tenendo talvolta a freno le sue potentissime
corde vocali, Brittany sembra volere aggiornare certi canoni
del soul classico in I Don’t e in Patience, i pezzi più imme-
diati del disco, mentre tra le vertigini di Red Flags si spinge
88
Secondo album solista
per la leader
degli Alabama Shakes.
HS:
70
oltre la sua (e la nostra) comfort zone; altrove – Earth Sign,
To Be Still, Samson (con la tromba di Rod McGaha) – la sua
nuova, sfuggente lingua musicale incorpora il vocabolario
del jazz contemporaneo inseguendo traiettorie melodiche
e armoniche inusuali. WHAT NOW ha anche un moderno
cuore ritmico che si manifesta nel techno funk e nei groove
di Another Day, di Prove It To You e della title-track (“il pezzo
più sincero e più triste dell’album”), prima che la chitarra
distorta e princiana di Power To Undo e gli umori jazzy di
una Every Color In Blue dalla struttura circolare chiudano
un disco impegnativo, a volte spiazzante ma anche corag-
gioso e stimolante di cui forse si coglierà la vera essenza solo
tra qualche tempo.
Alfredo Marziano
Pink Fairies Modern English
Screwed Up 1234

MESH & LACE RECORDINGS

– INKIND MUSIC
CLEOPATRA

HS: 75 HS: 75
Per la seconda volta It Came From Zeta 77073, Scritto da Michael Conroy in Not Fake e Crazy
insieme sono Paul Dreamzzz, In The Ether, nel e Robbie Grey da remoto Lovers, mentre Exploding
Rudolph, cofondatore delle caos cosmico di Big Pink durante il lockdown e Genius rimandano ad
fate rosa ed ex Hawkwind, Chopper e nella ripresa con del 2020, 1 2 3 4 è stato atmosfere darkwave. Ma
Lucas Fox (Motörhead) il violino di Simon House poi realizzato in poche è con Voices che i ME
e Alan Davey (ancora di Hassan I Sahba, peraltro riprese e con rarissime salgono in cattedra. La
Hawkwind). Psycho rock scritta proprio da Rudolph sovraincisioni, come se voce inconfondibile di
diretto, sporco, basico con Robert Calvert. In si trattasse di un album Grey cade a metà tra il
(la title-track cover di un generale, il suono troppo dal vivo. La sequenza rock psichedelico spaziale
brano di Mick Farren, compresso della batteria si apre con Long In The e quello goth. Un sequel di
WhatChaGonnaDo, la non è stata una buona idea; Tooth, esempio di sana Drowning Man, brano con
divertente Punky, We simpatica la copertina, ruvidezza e diventa cui tutto iniziò nel 1979.
Can’t Get Any Closer, probabile parodia di più politico con Not My Un tuffo nel passato che
Wayward Son, Digital Sin). quella di BOMBER dei Leader. Ritroviamo il rock non intacca la potenza e la
E, piuttosto stridente con Motörhead. melodico e le tastiere dei giustezza dell’album.
il resto, un po’ di space in Mario Giugni classici Modern English Cristiana Turchetti

Kanseil Herself
Vaia Spoken Unsaid
BAGANA-B DISTRICT MUSIC

URTOVOX RECORDS

HS: 70 HS: 75
Terzo album della band della Strada del Passo S. L’attività del riportano a nomi come
trevigiana che produce Boldo, dell’occupazione polistrumentista Sparklehorse, Pavement o
un singolare mix di dei Cosacchi in Carnia. palermitano Gioele Valenti Mercury Rev (per i quali,
folk medievale e death Brani di spessore si divide tra varie creature non a caso, Herself ha
metal cantato in italiano che raccontano una musicali, JuJu e Herself in aperto il tour italiano del
e dialetto. Anticipato storia per far passare particolare, che da anni 2019). La particolarità
dai singoli Antares e un messaggio, per far gli procurano ottime saliente è il condensato di
Hrodgaud, mostra le due riflettere sui cambiamenti soddisfazioni tra Italia ed creatività e personalità che
anime dei Kanseil tra climatici e sull’impatto Europa. Il nuovo album si sviluppa in tutto l’album,
leggenda e realtà storica (il che hanno sulla Natura accreditato a Herself è un sicuramente un prodotto
primo richiama un rito sul e, di conseguenza, sulle accattivante susseguirsi di respiro internazionale.
monte Altare, il secondo persone: Vaia è il nome di atmosfere inquietanti, Un’altra coraggiosa
la rivolta longobarda di una delle peggiori sospese, malinconiche, a scommessa vinta dalla
del 776 contro Carlo tempeste mai viste negli tratti perfino minacciose piccola Urtovox, vivace
Magno). E così si parla ultimi decenni, che e urticanti. In SPOKEN etichetta indipendente
del ritorno dei lupi sulle nel 2018 ha colpito e UNSAID ci sono momenti fiorentina da sempre
montagne, della nascita devastato il Triveneto. di quiete psichedelica, altri attenta alla qualità.
del Carnevale di Venezia, Luca Fassina più abrasivi e pulsanti che Antonio Bacciocchi

89
 Acqua Fragile
Moving Fragments
HS: 80
Nove canzoni di cui
cinque in inglese, una
strumentale e tre in
italiano: a cinquant’anni
dall’album d’esordio e
a sei dalla reunion di A
NEW CHANT, gli Acqua
Fragile confermano i
tratti salienti del loro stile:
armonie vocali, tempi
dispari, romanticismo,
aggressività e ricerca,
il tutto impreziosito da
Hard Stuff / Novità
significativi sviluppi. Ai
membri originali Piero
Canavera (batteria),
Franz Dondi (basso),
Mindlight
N.A.M.I.
HS: 70
Debut album per il
sestetto ligure, che
trova la via della
registrazione dopo una
storia di vent’anni fatta
di abnegazione, qualche
cambio di formazione e
tanta determinazione.
Vista la militanza e le
collaborazioni dei vari
membri della band (tra
tutti citiamo i melodic-
power metallers Projecto
di Savona e i Chaos
Venture dell’ex tastierista
dei Labyrinth, Andrea
De Paoli), possiamo
considerare i Mindlight
90
MARACASH
Bernardo Lanzetti (voce
solista, chitarra e Glovox),
si aggiungono Stefano
Pantaleoni (tastiere),
Claudio Tuma (chitarre)
e la vocalist Rossella
Volta, già insieme sul
palco negli ultimi due
anni. Tra gli ospiti di
rilievo, segnaliamo Stef
Burns (Vasco Rossi) nella
intrigante White Horse
On Dope e l’ex VDGG
David Jackson con il suo
eccellente contributo ai
fiati in Black Drone.
Alessandro Staiti
ELEVATE RECORDS
un ‘supergruppo’ che fa
del progressive metal di
alto livello, a tratti power;
alla tecnica di esecuzione
accompagna anche tanta
melodia, come testimonia
la ballata con sapore
hair metal Let The Roses
Bloom. Il disco si chiude
con una maestosa trilogia
composta dalla title-track,
My Last Midnight e One
More Day. Se ne volete
ancora vi capiamo, ma
non preoccupatevi: sono
già al lavoro sul prossimo
disco.
Luca Fassina
MantraMode
Bloomin’
DANSIN SOUND
HS: 75
Al momento disponibile tibetane in Om, le tabla
solo sulle piattaforme in Samadhi Sita Ram, il
digitali, BLOOMIN’ è devozionale He Govinda,
frutto della collaborazione He Gopala registrato dal
fra Maitri Marjorie J. vivo in studio e cantato
Biondo (voce, harmonium, secondo la tecnica kirtan.
synth), Daniele Sinigallia Prodotto con grande cura
(programmazioni, da Daniele Sinigallia, è
chitarra, basso, synth, un suggestivo e godibile
voce) e Ivo Parlati album in cui “ogni suono,
(batteria e percussioni), silenzio, eco, battito,
in compagnia di amici in crescendo, sospiro è una
alcune tracce. Yoga del tappa di un viaggio negli
suono e del canto, mantra, abissi del proprio essere,
esperienze dal quotidiano, dove è racchiuso il mistero
electronica, sonorità di ogni cosa”.
acustiche, le campane Mario Giugni
Bleachers
Bleachers
DIRTY HIT
HS: 70
Vincitore di otto Grammy rock, tentazioni pop e un
Awards, negli ultimi anni pizzico di new wave. Tra
l’ex Steel Rain e Fun Jack vibrazioni positive e toni
Antonoff si è fatto largo allegri talmente sfrontati
nella ristretta cerchia dei da apparire surreali, la
produttori più in voga, scaletta di BLEACHERS
contribuendo al successo scorre leggera, colorata
di artisti di prima fascia a tratti da robuste linee
come Taylor Swift, The di sax. L’ipnotica Tiny
1975 e Lana Del Rey. Moves, cucita addosso alla
Proprio quest’ultima gli moglie (l’attrice Margaret
ha restituito il favore Qualley) può essere vista
impreziosendo con come l’emblema di un
la sua presenza Alma songwriting che non si
Mater , uno dei momenti pone più limiti e ci ricorda
chiave di questo album che sognare a occhi aperti
che bilancia in maniera è ancora possibile.
efficace un’anima indie Lorenzo Becciani
The Bowers Aurora Lunare Jeff Aug
Pieno mezzo vuoto Terzo Luogo Kiss Of The Liquid Moon
OVERDUB RECORDS LIZARD RECORDS/LOCANDA DEL VENTO HEAVY PROGRESSIVE/BRAINSTORM MUSIC
MARKETING AG

HS: 65 HS: 70 HS: 70

Sei brani dai ritmi Nati a Livorno nel Nono album
serrati e dai toni 1977, hanno esordito strumentale acustico
aspri, in cui solo nel 2003, ma ci di Aug, dodici brani
convergono hanno preso gusto. (molti solisti) da cui
numerose influenze e Anche il terzo disco emergono le
ispirazioni. Dall’hardcore punk al guarda con ammirazione al prog splendide sonorità della sua chitarra
grunge, dall’alternative al nu metal italiano storico, con convincenti fingerstyle, con ospiti speciali come
troviamo di tutto, ben amalgamato, prove sia vocali che strumentali, William Wertlieb (violoncello),
con personalità, maturità stilistica e specie da parte del compositore Thomas B. Berger (contrabbasso) e
capacità esecutiva. Stefano Onorati. Murat Parlak (piano e tastiere).
Antonio Bacciocchi Mario Giammetti Alessandro Staiti

Mannequin Pussy Tryptamin Valeria Caputo

I Got Heaven Piacenza, Wisconsin Habitat
EPITAPH VISORY RECORDS SUISSE RIBÉSS RECORDS

HS: 70 HS: 65 HS: 75

A Philadelphia sanno Sette brani che Intrigante il nuovo
ancora cos’è il punk e spaziano in un’ampia disco della
il gruppo guidato da gamma d’influenze, cantautrice pugliese,
Marisa Dabice dall’electro pop alla il primo in italiano
omaggia quei valori post wave fino a (con testi di forte
indissolubili, rendendo gli sapori prog ma in cui arrivano anche impegno ambientalista): la voce
arrangiamenti sbilenchi e echi dub e addirittura metal rock. La delicata si muove ipnoticamente su
imprevedibili con influenze indie band piacentina conferma la sua suggestioni post rock, rumorismi
rock e chorus pop. Produce John ecletticità e creatività in un lavoro ambient, folk, avanguardia, ma
Congleton ed è una garanzia. più che riuscito. anche world e blues.
Lorenzo Becciani Antonio Bacciocchi Mario Giammetti

Kid Kapichi Thomas Frank Hopper Desolation Sound

There Goes The Neighbourhood Paradize City Silver Rain
SPINFARM RECORDS TFH ROBO JACK

HS: 65 HS: 75 HS: 75

Il terzo album del Un album solido, che Questo brillante
quartetto inglese ne mescola hard rock e secondo album
conferma la blues con conferma le peculiari
sfacciataggine sonora, convinzione e buona doti di musicalità
tra attitudine punk tecnica. A funzionare della rock band di
(provate a immaginare gli Sleaford sono soprattutto le canzoni, scritte e Friday Harbor, un sound unico
Mods con le chitarre elettriche), una prodotte da chi conosce la materia. I che riflette l’atmosfera dell’isola
discreta dose di elettronica e riferimenti citano Bad Company e in tredici brani che esplorano
un’aggressività tipicamente Brit. La Black Stone Cherry, ma l’organo il tema dell’autenticità in
miscela funziona bene, la band è Hammond si ritaglia grande spazio. un mondo pieno di confusione
ottima. Bello! e falsità.
Antonio Bacciocchi Gianni Della Cioppa Alessandro Staiti

venga sul sito eurekaddl.yachts

91
 Hard Stuff / Ristampe
Alice
Cooper
Billion Dollar Babies
RHINO
Riedizione di lusso per i bambini da un miliardo di dolla-
ri: due Cd e tre Lp con la copertina portafoglio completa, e
cioè con gli sticker, la banconotona e in più un inserto con la
storia del disco. L’originale è rimasterizzato e non mancano
varie bonus (tra le quali i rock’n’roll Coal Black Model T e
Slick Black Limousine) insieme a BILLION DOLLAR BABIES
LIVE, registrato nell’aprile del 1973 in Texas e pubblicato
solo su vinile per il Record Store Day del 2019. All’epoca,
Glen Buxton ha grossi problemi di salute e così molte sue
parti per l’album vengono suonate da Mick Mashbir, Dick
Wagner, Reggie Vincent e Steve Hunter. Inoltre nella forma-
zione si respira un po’ di nervosismo: il management e Bob
Ezrin spingono per Cooper star e i compagni, a ragione, non
vogliono essere considerati solo la sua backing band. Sotto
92
BILLION DOLLAR
BABIES rimasterizzato
e raddoppiato.
80
HS:
il nome di Alice ancora ci sono cinque personalità. Ezrin,
però, ci mette tutto il suo ingegno di produttore e il lavoro
funziona, sia creativamente sia nelle chart, tanto da diveni-
re l’album più venduto fino ad allora del gruppo. Molto orec-
chiabili sono No More Mr. Nice Guy, Raped And Freezin’ e l’ir-
resistibile Elected; contorta e grandiosa Sick Things, istrioni-
ca e sardonica Generation Landslide; Mary Ann è la parodia
di una pop ballad d’amore. Poi nella stravagante title-track
c’è Donovan seconda voce, Happy Hooray è l’irriconoscibile
cover di un pezzo di Rolf Kempf, in Unfinished Sweet si fa
teatro su una terribile visita dal dentista con citazione dal
James Bond Theme. In chiusura, I Love The Dead: necrofilia o
accettazione della morte come parte della vita?
Mario Giugni
Neil Young Van Der Graaf
+ Crazy Horse Live – Vital
Dume

ESOTERIC RECORDINGS
REPRISE/WARNER

HS: 85 HS: 80
Dopo averlo riesumato l’anno prima senza i Crazy A due anni dalla reunion londinese Marquee, il loro
(solo in Cd) nel 2021 Horse) e altri otto esclusi del 1975, seguita a un primo disco live torna
all’interno del box dalla scaletta ma quasi breve scioglimento, i disponibile in versione
ARCHIVES VOL. II, tutti poi diffusi in versioni Van Der Graaf persero rimasterizzata ma con la
Neil Young ha voluto diverse. Un’operazione non solo il Generator dal medesima grinta estrema
conferire ulteriore dignità filologica sulla falsariga nome, ma soprattutto di allora: chitarra e basso
a DUME pubblicandolo di altre organizzate da Hugh Banton e David distorti, archi dissonanti e
autonomamente come Young con l’obiettivo di Jackson (quest’ultimo disturbanti, voce sgraziata.
doppio Lp. Ecco dunque mettere ordine nel caos presente come ospite) Ascoltate ad esempio
le session “integrali” della sua produzione, e, ora con Nic Potter Last Frame e capirete in
(virgolette d’obbligo, insomma, lodevolissima (basso) e Graham Smith un attimo perché Johnny
con il Loner non si sa per quanti amano in (violino), cambiarono Lydon adorava Peter
mai) dalle quali era stato modo particolare ZUMA, definitivamente faccia, Hammill e perché i Van
ricavato ZUMA, con otto che certo se lo godranno ancor più sul palco, dove a Der Graaf sono stati, al
dei nove brani editi nel moltiplicato per due, in loro si unì Charles Dickie tempo stesso, i meno e i
1975 (manca Through My vinile. al violoncello. Tratto da più prog di tutti.
Sails, che era stata incisa Federico Guglielmi due concerti del 1978 al Mario Giammetti

Pentangle Alice Cooper

Reunions – Live & BBC Theatre Of Death – Live
Sessions 1982-2011 At Hammersmith 2009
EARMUSIC

90 70
SONY

HS: HS:

Un nuovo tassello nella
saga dei Pentangle da
ascoltare anche con un po’
di nostalgia pensando alla
scomparsa dei due giganti
del fingerpicking John
Renbourn e Bert Jansch.
La prima reunion risale
al 1982 ed è documentata
dalla ripresa della BBC al
Cambridge folk festival.
Molto interessante per noi
il Cd 2 con le registrazioni
inedite del tour italiano a
Thiene e Milano. Gli altri
due dischetti ripropongono
l’album dell’addio, FINALE,
AN EVENING WITH
PENTANGLE, pubblicato
dalla Topic nel 2016. Per
gli appassionati un bel
ripasso sui loro classici
in versioni live di gran
qualità. Per chi non
conosce la magia della
voce eterea di Jacqui
MacShee, i ricami delle
chitarre, il basso poderoso
di Danny Thompson e
la fantasia del batterista
Terry Cox.
Stefano Pogelli
Dopo la non entusiasmante nel quale vennero riproposti
prima ricezione del concept i classici con particolare
album ALONG CAME attenzione a WELCOME
A SPIDER, col materiale TO MY NIGHTMARE (e
avanzato Alice Cooper solo Vengeance Is Mine
voleva pubblicare un a rappresentare l’ultima
nuovo disco intitolato THE fatica). Lui è in splendida
NIGHT SHIFT. Per fortuna forma, la band esplosiva,
attese, ALONG divenne un trascinata dalle chitarre di
successo di pubblico e quelle Keri Kelli e Damon Johnson,
canzoni contribuirono alla il pubblico giustamente fuori
creazione di WELCOME 2 di testa: godetevi questa
MY NIGHTMARE. Come ristampa per la prima volta
recita il titolo, questo disco in doppio vinile da 180
uscito nel 2010 propone il grammi, che conterrà –
concerto del 6 dicembre ovviamente – anche il Dvd
2009, tenutosi nella venue dell’intero concerto.
inglese verso la fine del tour Luca Fassina

93
 Hard Stuff / Ristampe
Paul
McCartney
& Wings
Band On The Run
– 50th Anniversary
MPL/UME
BAND ON THE RUN compie cinquant’anni e li porta benis-
simo. Questa nuova edizione esce nei formati vinile, Dolby
Atmos (solo in streaming, però) e doppio Cd, che contiene
la versione “underdubbed” dell’album, ovvero prima delle
sovraincisioni dei cori, delle parti soliste e dell’orchestra.
I mix provvisori, insomma, preparati da Geoff Emerick e
dall’assistente Pete Swettenham agli AIR Studios di Londra
il 14 ottobre 1973. L’ascolto può spiazzare, se si è abituati
al trionfo di sonorità dell’album così come lo conosciamo.
Ma è d’altra parte affascinante, perché dimostra che le bel-
le canzoni rimangono belle anche in jeans, e non c’è biso-
gno dell’abito di Armani. Le cose migliori di questa versio-
ne sono la title-track, dove Paul se la canta in scioltezza, e
soprattutto Jet, con le sue chitarre in evidenza. La perla è
94
BAND ON THE RUN:
un riascolto per certi
versi illuminante.
90
HS:
però l’ascolto in Dolby Atmos: qui le canzoni risplendono,
e si possono apprezzare particolari sinora nascosti. Ci sono
cose meravigliose come l’assolo di sax in Bluebird, dove ve-
niamo proiettati in studio accanto all’esecutore; i blend delle
armonie vocali Paul-Linda-Denny, di disarmante semplicità
e con quelle leggere imperfezioni che li rendono ancora più
affascinanti; e una teoria di strumenti e sonorità artigianali/
vintage (chitarre legnose, dove possiamo sentire le dita che
cambiano accordo, Moog e sintetizzatori, Fender Rhodes).
Ultimo ma non ultimo, McCartney fa da giocoliere: vocalità
da urlo, basso, batteria ruspante e chitarre sempre in grado
di catturare l’attenzione. Anche le cose grandi possono esse-
re leggere e anche la leggerezza può condurre al sublime.
Luca Perasi
The Long Ryders Archive
Native Sons Voleuses

CHERRY RED

80 85

NETFLIX
HS: HS:

Con alcuni mesi di sfumatura psichedelica Pubblicato alla fine del Streets con spinte techno.
anticipo rispetto al in più. Come per ogni 2023 sulle piattaforme Ma presenti sono anche
quarantennale della disco dei Long Ryders, digitali, ora è reperibile episodi più lunghi: The
prima uscita su Frontier, alla base di tutto c’è su vinile 140 grammi. Ed Skies Collapsing On To Us
Sid Griffin e compagni un folk/country-rock è la colonna sonora di a due voci e splendido,
celebrano il loro Lp suonato con energia filo- Voleuses della regista e fan il malinconico Time On
d’esordio con un triplo Cd punk, una sorta di mix del collettivo britannico My Hands, il penetrante
in cui agli undici episodi del aggiornato all’epoca tra Mélanie Laurent. Prog, Flying, i sussurri intimisti
NATIVE SONS classico si Flying Burrito Brothers, electronica e ambient di Breathe In Me, l’arioso
sono aggiunti venticinque Buffalo Springfield e Byrds per un soundtrack che crescendo A World That
tra demo e varie session, (qua e là anche tracce benissimo funziona al Can Exist e Dying, quasi
un concerto londinese di Creedence Clearwater di fuori del film. Dodici un quarto d’ora tra
del 1985 e soprattutto Revival) e ispirato a brani sono sotto i tre suoni cosmici, ipnotica
l’intero “mini” 10-5-60 che livello di songwriting. minuti, come lo spaziale dolcezza, maestosità e
il quartetto californiano Nel complesso, Shades, il minaccioso fragore.
aveva pubblicato nel 1983, invecchiato bene e tuttora Darts, l’estastico Beautiful, Mario Giugni
quando la sua formula godibilissimo.
presentava qualche Federico Guglielmi

Tony Pagliuca AA.VV.

Immagin’Arie I See You Live On Love
Street – Music From
CHERRY RED RECORDS

Laurel Canyon 1967-1975

M.P. & RECORDS

HS: 65 HS: 70
Nel 1993, al secondo di 25 maggio 1931) che, L’ormai acclarata (quartiere di Los Angeles
album solista, l’ex Orme in occasione dei suoi 30 senescenza del rock dove alla fine degli anni
approfondì il rapporto con anni, è stato ristampato stimola sempre di più la Sessanta risiedevano
l’elettronica realizzando dalla M.P. & Records di fantasia dei compilatori grandi nomi del rock)
IMMAGIN’ARIE Vannuccio Zanella con delle consuete corpose e immaginando una
interamente con tastiere e l’aggiunta di tre bonus raccolte con decine di potenziale colonna sonora
programmazioni (tranne track: una rilettura di brani (76 in questo caso). che avremmo potuto
i vocalizzi di Mirela Ritratto di un mattino, Ormai selvaggiamente ascoltare passeggiando da
Zorzi nella celtica Vis de l’orecchiabile Ciao Taty saccheggiata la scena quelle parti tra il 1967 e il
Priimaveri e la chitarra come stai (con Pagliuca inglese degli anni 1975: dai Doors a David
acustica di Ruggero Robin cantante! – courtesy of Sessanta, si scava in Crosby, passando per
in un altro paio di episodi). autotune) e Ninna Nanna quella statunitense. Va Stephen Stills, Monkees,
Un lavoro gradevole dai Germano, un inedito al detto che questo box Buffalo Springfield, Poco,
tratti new age (con un pianoforte del compianto è molto interessante, Mamas and Papas, fino a
non dichiarato omaggio, Germano Serafin, andando, seppure un una serie di rarità e nomi
nel brano Parfum de Rio, chitarrista de Le Orme po’ pretestuosamente, a minori. È davvero un bel
all’ultimo disco delle Orme negli anni Settanta. gironzolare nella California sentire.
nel trio storico, il tema Mario Giammetti del Laurel Canyon Antonio Bacciocchi

95
 Hard Stuff / Ristampe
Foto: Anton Corbijn
Peter
Hammill
In A Foreign
Town/Out Of Water
2023
ESOTERIC ANTENNA/CHERRY RED
Due album originalmente pubblicati nel 1988 e nel 1990,
rielaborati e reincisi da Peter Hammill nel 2023. IN A FO-
REIGN TOWN esplora l’uso della tecnologia MIDI in studio,
con canzoni che hanno un taglio politico e sociale. La produ-
zione originale era tipica degli anni Ottanta, ma nella nuova
versione è stata rivista e resa più attuale. Alcuni brani sono
rimasti invariati, altri hanno subito modifiche più o meno si-
gnificative, come l’aggiunta di un pianoforte acustico in The
Play’s The Thing o di suoni più moderni in Auto. C’è anche
una versione strumentale di Time To Burn, per il karaoke.
Il risultato è un lavoro interessante, ma non tra i migliori di
Hammill, con alcuni pezzi deboli e datati. OUT OF WATER è
invece pensato per una band, con una maggiore padronanza
della tecnologia di studio. Il disco originale era una piccola
96
Peter Hammill:
due album di ieri riletti
con la sensibilità di oggi.
80
HS:
gemma della maturità di Hammill, con brani di alto livello e
una varietà di sonorità. Nella nuova versione, Peter ha canta-
to e suonato tutto da solo, sostituendo anche i contributi di
Nic Potter, John Ellis e David Jackson. Il disco ha perso così
un po’ di calore e di dinamica, ma ha guadagnato in coerenza
e in freschezza. Alcune canzoni sono state leggermente mo-
dificate, come la lunghezza di Gaia o l’arrangiamento di Evi-
dently Goldfish, ma in generale il disco mantiene la sua forza
e la sua bellezza. Due album che meritano di essere ascoltati,
sia per i fan dell’artista che per gli appassionati di musica in
generale. Due opere diverse, ma complementari, che mo-
strano la creatività e la personalità di Hammill, uno dei più
grandi e influenti musicisti di tutti i tempi.
Alessandro Staiti
Anthony Phillips Crazy World
& Harry Of Arthur Brown
Williamson Live At High Voltage

ESOTERIC RECORDINGS
Gypsy Suite –
Remastered &

BLACK WIDOW
Expanded Edition

HS: 75 HS: 80
Amici dal 1968, agli albori Gypsy Suite utilizzando Con il viso dipinto, la con il volto coperto da un
dei Genesis, Ant e Harry solo due chitarre a 12 corde grande voce e il suo velo, e poi Kites in reggae,
si ritrovarono qualche accordate in maniera a dir sublime istrionismo, il 23 verve teatrale, Voice Of
anno dopo per comporre poco bizzarra. Le due mini luglio del 2011 Brown è Love, balletti, Don’t Let
insieme e partirono da suite, pubblicate infine sul piccolo palco dell’Ace Me Be Misunderstood
Tarka, musica ispirata nel 1995 ma da tempo Cafe all’interno dell’High e dal primo disco del
al famoso libro di Henry fuori catalogo, sono oggi Voltage Festival. Con mondo pazzo la frenetica
Williamson, padre di di nuovo disponibili in lui Nina Gromniak, Jim Spontaneous Apple
Harry, Tarka The Otter, forma rimasterizzata e Mortimore, Sam Walker, Combustion insieme alla
registrandone nel 1976 con una ricca bonus track la danzatrice Angel “suite del fuoco” con Fire.
un demo per chitarre (Movement III). E nulla Fallon e la tastierista Pubblicato nel 2012 in
acustiche, tastiere e hanno perso del bagaglio Lucinka Rejchrtova, edizione molto limitata
minimali percussioni di emozioni per chiunque scoperta mentre suona in su Lp, il disco è di nuovo
(la versione orchestrale ami le atmosfere bucoliche una stazione della tube. disponibile, sempre su
sarebbe uscita nel 1988). e classicheggianti. Si apre con The Bridge, vinile, rimasterizzato.
Nel 1979, invece, incisero Mario Giammetti nella quale Brown canta Mario Giugni

Gentle Giant AA.VV.

The Missing Piece Les Cousins:
STRAWBERRY / CHERRY RED

The Soundtrack
Of Soho’s Legendary
Folk & Blues Club
CHRYSALIS

HS: 70 HS: 90
Con l’inarrestabile cambio lato B stranamente meno Ci fu un’epoca, negli Incredible String Band),
di scena musicale che convincente anche se anni Sessanta, in cui future star (Paul Simon,
caratterizzò l’Inghilterra costituito di materiale un minuscolo locale Donovan, Cat Stevens, Al
post ’77, i Gentle Giant a più ampio respiro (ad di Soho chiamato Les Stewart) e figure di culto
mostrarono segni di esempio la ballad acustica Cousins divenne il centro (Anne Briggs), maestri
disagio che portarono Memories Of Old Days). del mondo, almeno nel canto a cappella
all’efficace restyling di Questo nuovo remaster per tutti quei musicisti (Watersons) e guitar
THE MISSING PIECE, firmato da Steven Wilson, bohémienne (britannici, heroes acustici (Davey
un disco letteralmente disponibile in varie ma anche americani) che Graham, Bert Jansch,
spaccato in due: una versioni e mix in vinile, si stavano impegnando John Renbourn, Michael
raccolta di brani brevi nel Cd e Blu-ray, include a rianimare le tradizioni Chapman, Martin Carthy):
lato A (dal pop sopraffino anche l’inedito Winning, musicali folk & blues nelle 71 canzoni di questi
I’m Turning Around al un piacevole strumentale innervandole con lo spirito tre Cd meticolosamente
punk&roll Betcha Thought con la chitarra di Gary del tempo. Padri putativi compilati da Ian A.
We Couldn’t Do It), Green e la drum machine (A.L. Lloyd, Alexis Korner) Anderson per l’etichetta
sempre con un marchio di e le percussioni di John e innovatori/cantautori Strawberry ci sono
originalità e virtuosismo Weathers in evidenza. (Sandy Denny, Nick Drake, davvero tutti.
mai fine a se stesso, e un Mario Giammetti John Martyn, Roy Harper, Alfredo Marziano

97
 Hard Stuff / Ristampe
Colosseum
Elegy
The Recordings
1968-1971
ESOTERIC / CHERRY RED
Il doveroso omaggio a una band di fuoriclasse allevati nel
vivaio del blues londinese da Alexis Korner, John Mayall e
Graham Bond: la batteria immaginifica e funambolica di
John Hiseman, il sax caldo e potente di Dick Heckstall-Smith,
le tastiere e il vibrafono di Dave Greenslade, un organista che
rivaleggiava in barocca inventiva con il primo Emerson. Una
formazione poi affinata nella loro purtroppo breve esisten-
za da Hiseman, leader indiscusso, con l’arrivo della chitarra
pungente e aggressiva di Dave Clempson e, soprattutto, di un
vocalist teatrale e straripante come Chris Farlowe, che rim-
piazzava l’esile voce del primo chitarrista James Litherland.
Il box comprende l’intera breve discografia, dal primo album
del 1968, intitolato ironicamente THOSE ABOUT TO DIE SA-
LUTE YOU, cioè il morituri te salutant dei gladiatori, al dop-
98
!ŸŢŸƦƦġƼūѡǬŭöŢūġŭƴġƴƼƴƴö
la loro produzione in un box.
90
HS:
pio LIVE del 1971. Tutti i brani sono stati rimasterizzati con
l’aggiunta di diverse demo e un altro album live con registra-
zioni del 1971 tra le quali si può apprezzare la maestria nel
rendere in concerto il loro brano più celebre, Valentyne Suite.
Una raccolta che sprigiona un’incontenibile energia, dal clas-
sico di Graham Bond Walking In The Park a Beware The Ides
Of March ricalcata sulle stesse armonie bachiane di A Whiter
Shade of Pale, dalla bizzarra parodia del Bolero di Ravel ai due
immortali capolavori di Jack Bruce Rope Ladder To The Moon
e Theme For An Imaginary Western. Ricche e arricchite da in-
terviste le note di Mark Powell. I nostalgici riconosceranno
nella title-track del primo album una sigla dell’indimenti-
cabile Per voi giovani di Renzo Arbore.
Stefano Pogelli
Nina
Simone
Blackbird
SOULMUSIC / CHERRY RED
Innegabile che Eunice Kathleen Waymon in arte Nina Si-
mone, scomparsa appena settantenne ventuno anni fa,
sia stata una delle figure più carismatiche e influenti del-
la musica del secolo scorso; non esattamente una madre
di quello che per semplicità chiamiamo “rock”, dato che
la sua discografia fu inaugurata nel 1959, ma una sorta di
madrina senza dubbio sì, alla luce di quanti nell’ambito le
hanno reso omaggio in mille modi diversi. Pianista, ecletti-
ca compositrice, arrangiatrice, performer assai poco con-
venzionale, attivista e soprattutto (?) cantante dalla voce
duttile e tremendamente suggestiva, la Signora non ha
mai avuto successi davvero significativi nelle classifiche,
ma ha tuttavia impresso un segno profondo nella Storia,
divenendo a tutti gli effetti un’icona.
In questo magnifico cofanetto di otto Cd confezionato da
uno dei tanti sottomarchi della Cherry Red sono conte-
Un cofanetto di otto Cd
per raccontare
gli inizi di Nina Simone.
HS:
90
nuti – con l’aggiunta di qualche bonus dagli archivi – al-
trettanti album, quelli pubblicati in origine dalla Colpix
tra il 1959 e il 1964: in pratica, tutta la produzione iniziale
(manca solo il debutto LITTLE GIRL BLUE, su Bethlehem),
per un totale di ben centosette brani. Nelle sue sette ore, le
doti di interprete e (in misura minore) autrice dell’artista
emergono prorompenti, alla pari della sua straordinaria
capacità di spaziare con estrema naturalezza fra il jazz
e il blues/r&b, il soul e il folk, il gospel e la classica, non
senza deviazioni verso il pop (“alto”, va da sé). I suoi lavori
più celebrati, è noto, sono quelli editi tra il 1965 e il 1969
prima dalla Philips e poi dalla RCA, ma in questi reperti
“giovanili” (le virgolette ci stanno: quando si affrancò dalla
Colpix, Nina Simone aveva trent’anni) vantano già tutte le
caratteristiche che l’hanno resa grande. Anzi, immensa.
Federico Guglielmi
99
 Hard Stuff / Libri

Jimi
Janie Hendrix
e John McDermott
Provincial Punk
Edi KERMIT Toffoli

Goodfellas, 19€

Rizzoli, € 50
HS: 90 HS: 90
Per niente facile, essere tutto nelle sue band, Un volume lussuoso lettura. Mitch Mitchell
punk nel 1977, a Milano Mercenary God e The Sex! curato da uno dei scelto da Chas Chandler
come a Londra. Figurarsi su tutte. Provincial punk è massimi esperti di tirando una monetina
in un posto come Gemona un memoriale crudo, vero, Hendrix al mondo per aria, a scapito di
del Friuli. Lì di punk ce impietoso, ritratto perfetto con la collaborazione Aynsley Dunbar; Dick
n’era solo uno: Edi Toffoli, della provincia friulana della sorella minore Rowe, l’uomo che rifiutò
per gli amici Kermit, dal di fine anni Settanta, del chitarrista, Janie. i Beatles, che fa il bis con
famoso Muppet. Con una scritto con bello stile L’apparato iconografico Hendrix; «Billboard» che,
determinazione enorme, desunto da buone letture. sopraffino (con foto anche dopo averlo sentito a
Edi andò a vivere da solo A Toffoli l’Italia della private e molti manifesti Monterey, decreta che non
giovanissimo in una discografia canaglia deve d’epoca) si accompagna ha talento; il processo per
baracca, guadagnandosi il una vita. Libro bellissimo e a una vera e propria droga di Toronto: tante
pane nei cantieri edili post- straconsigliato. biografia di Hendrix in chicche da leccarsi i baffi.
terremoto e investendo Renzo Stefanel 320 pagine di scorrevole Renzo Stefanel

Marillion Vivo dal vivo

Massimo Longoni 2010-2023
Carlo Massarini
Rizzoli Lizard, € 30
Tsunami, € 25

HS: 85 HS: 90
Bella, completa, a un certo punto si è Questo librone (400 pop al rock, passando per
equilibrata e trovata senza contratto, e passa pagine in la world music, il jazz, il
appassionante, inseguendo un sogno di grande formato) è un cantautorato, il folk, il rap
questa biografia “non purezza artistica che l’ha appassionato viaggio nella e quant’altro, scivolando
autorizzata” dei Marillion portata lontano dal prog musica dal vivo: centinaia agilmente da Nick Cave
scritta da Massimo tradizionale, deludendo di scatti per 120 concerti a Salmo, ma sempre
Longoni di TGcom24. parte del suo pubblico, ai quali Carlo Massarini riuscendo a raccontare
Personalmente non sono e per sopravvivere ha ha assistito tra il 2010 e con personalità e
mai stato un loro fan inventato il crowdfunding, il 2023. Musicalmente raffinatezza le storie
sfegatato, eppure mi sono rientrando in classifica e onnivoro e sinceramente che stanno dietro a uno
appassionato a questa arrivando indenne fino a disinteressato alle spettacolo e a coglierne
lettura e all’ascesa e alla oggi. etichette, Mister Fantasy con il suo obiettivo gli
caduta di una band che Renzo Stefanel si diverte a mescolare istanti fatali.
estetiche e culture, dal Maurizio Becker

100
Hard Stuff / Comics&Co

Il grande libro Battiato

di H.P. Lovecraft l’alieno
Sebastiano Fusco Maurizio Di Bona –
Alessio Cantarella

Mondadori, € 30

Mimesis, € 15
HS: 80 HS: 80
Non è una delle troppe ferma e competenza Folgorante saggio un vagare senza meta
antologie dedicate a la vita e la carriera dedicato a Franco all’interno della Galassia
Lovecraft, opere spesso letteraria di Lovecraft, Battiato. La storia del Battiato, ma in realtà
raccogliticce, ottenute mescolando in modo grande siciliano è qui nel libro si individua un
assemblando racconti di sapiente il suo epistolario, raccontata su due livelli: filo rosso ben preciso,
varia provenienza. Questo brani dai racconti e anzitutto grafico, grazie costituito dal rispetto
volume è imperdibile per riflessioni storico-critiche, alle vignette di Maurizio che gli autori provano
tutti gli appassionati dello ottenendo un compendio Di Bona. E poi narrativo- per questo artista,
scrittore di Providence, estremamente esauriente orale, grazie ai ricordi protagonista assoluto e
e andrebbe studiato con sull’autore. Chiunque di decine e decine di quasi alieno del panorama
attenzione da chi intende voglia iniziare a conoscere personaggi che l’hanno musicale italiano, non a
replicare lavori simili Lovecraft dovrebbe partire conosciuto e frequentato. caso ancora oggi unico e
per altri autori. Fusco da qui. Apparentemente, questa inimitabile.
ripercorre con mano Alessandro Bottero scelta potrebbe sembrare Alessandro Bottero

Blaxploitation L’anima pop

Mattia Chiarella degli anni 80
Alessandro Girola
– Alberica Sveva
Simeone
Weird Book, € 24,90

Odoya, € 18

HS: 90 HS: 85
Mattia Chiarella dedica è documentatissimo e si Questa “cronaca di con i telefilm cult sia USA
tempo e passione a un legge come il romanzo un decennio magico” (Magnum P.I., Hazzard)
fenomeno poco noto di un cinema che tentò ripercorre il periodo 1980- che made in Italy (I ragazzi
qui in Italia, al di là della di dare voce a una razza 1989, all’epoca parecchio della 3a C), ma anche una
pura aneddotica, ossia che stava uscendo dalla snobbato rispetto al serie di capitoli legati
la Blaxploitation, quel Segregazione lottando, decennio precedente. Il all’horror, ai giocattoli
periodo d’inizio anni per poi dissolversi libro si fonda su alcuni cult, ai cartoni animati e
Settanta in cui registi quando lo status quo lo cardini precisi: cinema, con così via. Lettura godibile.
e attori cercavano di assorbì rimasticandolo le icone di quel decennio Unica pecca, la povertà
portare avanti, in modo e “neutralizzandolo”. La (Rocky, Rambo, Terminator dell’apparato iconografico
anarchico e forse a tratti Blaxploitation fu tante e altri) e i filoni nati e (in bianco e nero), che
sgangherato, un’estetica cose, ma soprattutto una: arrivati all’apice in quel penalizza non poco le
cinematografica la gioia di esagerare. periodo (Alien, Ghostbusters, immagini.
afroamericana. Il saggio Alessandro Bottero Ritorno al futuro). C’è la tv Alessandro Bottero

venga sul sito eurekaddl.yachts

101
 Hard Stuff / Playing / a cura di Gianni Rojatti

Chitarra Elettrica
GIBSON SG
Standard ’61
Peperina e tagliente

HS: 100
Se si dovesse stabilire un quadrumvirato delle chitarre
elettriche più popolari del rock, non ci sarebbero dubbi:
assieme alla Stratocaster di Jimi Hendrix, la Les Paul di
Jimmy Page, la Telecaster di Joe Strummer, l’unica chitarra
che di diritto meriterebbe quel posto è la Gibson SG.
La SG la conosciamo tutti perché è da sempre l’unica chi-
tarra che abbiamo visto al collo di Angus Young degli AC/
DC o Robby Krieger dei Doors. Nasce negli anni Sessanta
perché le chitarre Fender (Stratocaster e Telecaster) stan-
no rubando la scena proprio alla Gibson Les Paul. Sono
più leggere, maneggevoli e – anche se non così potenti
e aggressive sulle distorsioni – si rivelano estremamen-
te versatili. La SG nasce proprio con l’intento di colmare
queste lacune e, in effetti, si guadagna grandi consensi per
la comodità del manico e il poco peso. L’ auspicata versa-
tilità, invece, non diventa esattamente il fiore all’occhiello
di questa chitarra: il timbro distorto è più peperino e ta-
gliente di tutte le chitarre fino ad ora menzionate e la SG
farà strage di cuori tra chitarristi hard rock e persino punk.
Il fatto che, poi, resti tra le chitarre più suonate da Frank
Zappa, la dice comunque lunga sul fatto che – nelle mani
giuste – possa suonare qualunque cosa.

102
 Supporti per amplificatore
Fender Deluxe Wooden Stand
Strumenti d’arredo

HS: 70
Fender lancia una linea esclusiva di supporti per chitar-
re, bassi e amplificatori pensati come oggetti d’arredo,
perfetti per esporre in maniera elegante i propri stru-
menti musicali. Supporti che, quindi, strizzano l’occhio
soprattutto a collezionisti o detentori di pezzi particolar-
mente pregiati. Così, tanto per costo che per ingombri,
sono sconsigliati per l’utilizzo più pratico e spartano di
palchi, studi di registrazione e sale prove. Ovviamente,
con queste finalità, oltre all’estetica, molto è stato speso
in termini di progettazione perché questi stand risultassero pesanti
e particolarmente affidabili e sicuri, così da appenderci e appoggiarci,
senza titubanza, anche pezzi musicali da museo. Stilosissimo lo stand
in legno per amplificatore che è da considerare anche come disperato
ultimo tentativo per evitare lo sfratto, dal salotto di casa, del nostro glo-
rioso e ingombrante amplificatore. Tanto più che il comodo cassetto
integrato permette di tenere in ordine – tutti assieme – cavi, spartiti,
pedalini, corde e accessori vari.

Metodo per Chitarra Elettrica

Troy Stetina: Speed Mechanics
For Lead Guitar
Un classico per aspiranti neoclassici

HS: 90
È un libro che esce nel 1992 quando ancora ci si chiedeva cosa diavo-
lo ci fosse nell’acqua che aveva bevuto gente come Eddie Van Halen,
Steve Vai, Yngwie Malmsteen o Paul Gilbert per trasformare – in pochi
anni – la chitarra rock e metal in un esercizio di acrobazie aliene e vir-
tuosismi impossibili, inaffrontabili e indecifrabili ai più. Il metodo di
Troy Stetina era tra i manuali meglio realizzati per esplorare e affinare
quel tipo di tecnica chitarristica metal che doveva tantissimo alla mu-
sica classica e – soprattutto – ai 24 Capricci di Niccolò Paganini. A ol-
tre trent’anni dall’uscita, questo libro è diventato un classico perché si
è dimostrato uno dei testi meglio strutturati per curare la conoscenza
meccanica delle scale, della tecnica e perseguire obiettivi di velocità
e pulizia esecutiva. Potrà giovare a qualunque tipo di chitarrista elet-
trico ma è – ovviamente – particolarmente indicato a chi scorrazza e
vuol farsi le ossa tra metal, neo classico e progressive.

103
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104
Live Review
A cura di Danilo D’Auria

106
Antonio Onorato

107
Lucio Corsi

108
Umphrey’s McGee

Foto: DANILO D’AURIA

105
Live Review
A cura di Danilo D’Auria

Antonio Onorato
Alexanderplatz, Roma
Concerto visto da Mario Giugni e fotografato da Stefano Carsetti Esposito il 29 gennaio 2024

hitarrista extraordinaire, nel corso degli atmosfera con il jazz e il blues di ¾ e un po’, Palummella e Nea-

C
anni Onorato si è mosso con grande di- politan Minor Blues. Poi, dopo il solo acustico Assaje, rilegge a
sinvoltura tra jazz, rock, blues e world modo suo Resolution di John Coltrane con la breath guitar, la
music. E con il recente DEDICATO AL “chitarra a fiato” da lui inventata, e strappa applausi con il fe-
NAPULE’S POWER si è avvicinato al re- stoso rock afrolatino di Coinda. Quindi, dal nuovo disco Voglio
pertorio del vivace movimento fondato di più e Chi tene ’o mare di Pino Daniele, interpretate con una
nei Settanta dal giornalista (nonché suo attuale producer) sensibilità che riporta a Gary Moore e a Carlos Santana, Un’
Renato Marengo. In trio strumentale, davanti a un parterre ora sola ti vorrei a ricordare Mario Musella degli Showmen e,
di fan e colleghi (Alan Sorrenti, Tony Esposito, Claudio Si- in chiusura, una versione panetnica della Tammurriata nera:
monetti, il produttore Michelangelo Romano), crea la giusta ipnotica e travolgente.

106
Lucio Corsi
Orion Club, Roma
Concerto visto da Riccardo De Stefano e fotografato da Danilo D’Auria il 26 gennaio 2024

“L’
astronave Giradisco” di Lucio Corsi
atterra all’Orion, Ciampino, ulterio-
re data del lungo tour di LA GENTE
CHE SOGNA, ultimo, delizioso album
del songwriter maremmano. Con una
band full electric di chitarre, piano, or-
gano, synth e Mellotron, Lucio imbraccia fieramente la sua
Gibson fumante e distrugge ogni cliché sul cantautorato:
prendendo tanto dai T-Rex di Bolan, trasforma i suoi brillanti
testi poetici in cavalcate rock dal sapore nostalgico, domina-
te dai fraseggi di twin lead guitar insieme a Filippo Scandro-
glio. Non c’è solo l’apertura glam di Freccia bianca e La bocca
della verità, ma anche un’ampia parte acustica col solo Lucio
sul palco, dove concede diversi inediti al pubblico, tra r’n’r e
canzone d’autore. Al rientro della band, Lucio omaggia T-Rex,
Battisti e Ivan Graziani (in un lungo impromptu), rivisitando
brani vecchi e nuovi, ampliati da assoli e strumentali. Due ore
piene per uno show tra i migliori in circolazione adesso.

107
Live Review
A cura di Danilo D’Auria
Umphrey’s McGee
Brooklyn Steel, New York
Concerto visto e fotografato da Jerry Cutillo il 20 gennaio 2024
iamo alla seconda delle due serate degli Um-
S
phrey’s McGee al Brooklyn Steel di New York.
Il palco è stracolmo della strumentazione dei
chitarristi Jake Cinninger e Brendan Bayliss,
del percussionista Andy Farag, del bassista
Ryan Stasik, del tastierista Joel Cummins e del
batterista Kris Myers. Lo spettacolo parte con
un sequencer che s’insinua ipnoticamente fino all’esplosione
corale guidata dalla Stratocaster di Cinninger. I suoi riff geome-
trici, ammorbiditi da fugaci interventi vocali, si trasformano in
spunti improvvisativi, e sarà questa la formula per l’intero spet-
tacolo. Con gli occhi nascosti dalle visiere dei cappelli del col-
lege dello Stato dell’Indiana, il chitarrista e il bassista comin-
ciano a duellare su una miscela sonora composta da elementi
108
rock, acid blues, prog, country e fusion sempre sobria e discipli-
nata con spunti vocali che richiamano motivi radiofonici easy-
listening. Anche 10th Grade alterna momenti soft a virtuosismi
chitarristici, e poi si riparte con un brano celebrativo dedicato
allo zio Sam, Glory. L’audience ondeggia con le braccia distese
e le dita della mano a imitare le corna del bisonte, l’animale che
simboleggia il sogno americano. La presentazione del gruppo
viene accolta da ovazioni e altrettanto accadrà per il rispolvero
di un brano del Duca Bianco che lancia il pubblico femminile in
una sfrenata Let’s Dance. Dopo l’inattesa pausa, il secondo set
si apre con un copione analogo ma con una maggiore intensità
delle improvvisazioni e, a questo punto, tutto può accadere, an-
che che il pubblico non riesca più a stare fermo o che qualcuno
sbadigli dalla noia.
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Opinioni
Se chiude Pitchfork
Francesco
Donadio
Ebbene sì: io ero tra coloro che prima
dell’avvento dei social network e della
musica in streaming – pressappoco tra
il 2003 e il 2013 – ogni giorno erano so-
liti passare (almeno) una mezz’oretta a
compulsare pitchforkmedia.com per
leggere da cima e fondo le nuove recen-
sioni e gli approfondimenti postati dalla
celebre webzine. Era, questo, un rituale
da cui nessun vero appassionato di mu-
sica poteva prescindere, per un sempli-
ce motivo: Pitchfork in quel periodo era
il principale punto di riferimento per
la scena “indie”, un po’ come lo erano
stati «Rolling Stone» per l’hippie rock
e il «NME» per il punk e il post-punk.
Era gratis. Era autorevole. Le opinioni
dei suoi contributor (teste d’uovo come
Stephen Deusner, Amanda Petrusich e
Simon Reynolds) contavano tantissimo
e si diffondevano in tempo reale in tut-
to il mondo. E personalmente conservo
con cura, e consulto ancora di tanto in
tanto, l’unica pubblicazione cartacea
realizzata dal team Pitchfork (nel 2008):
The Pitchfork 500: Our Guide to the Grea-
test Songs from Punk to the Present, una
vera e propria Bibbia della musica al-
110
Il tramonto
di un’utopia
ternativa di quegli anni e non solo. Ma
Pitchfork non è stato solo un repository
di “contenuti”. È stato un vero e proprio
modello di rivista sul web, alternativa a
quelle cartacee e infinitamente più ra-
pida nell’arrivare sulla notizia (sulle re-
censioni di dischi e concerti come sulle
breaking news), da cui sono poi derivati,
come è ovvio che sia, innumerevoli ten-
tativi di imitazione, generalmente più
nel male che nel bene. Ma era anche un
modello di business autosostenibile, ov-
vero che poteva continuare a prosperare
e a crescere solo grazie alla pubblicità e a
poco altro? Probabilmente no, come si è
cominciato a capire già nel 2015, quando
la Condé Nast ha acquisito la testata dai
fondatori Ryan Schreiber e Chris Kaskie.
Quasi in contemporanea, Pitchfork ha
iniziato a dare meno spazio al declinan-
te indie-rock allargando il suo sguardo
a musiche “altre” (hip hop, r’n’b, pop,
world music, elettronica, industrial ecc.)
e avvicinandosi alla filosofia “woke”, col
risultato però di perdere il suo vecchio
pubblico di lettori senza guadagnarne
molto altro. Da qui il recente tentativo
(probabilmente) di dare una sterzata,
“Il nuovo mondo sta morendo,
il successivo tarda
a comparire, e in questo
chiaroscuro nascono i mostri”
con l’assorbimento di Pitchfork da parte
di «GQ», rivista “corazzata” della Condé
Nast, e relativo “downsizing” che tradot-
to significa licenziamento di gran parte
dei redattori che ci lavoravano. Insom-
ma, se non è la fine poco ci manca. E tro-
vo che sia molto grave, perché questa in-
cresciosa evoluzione è la dimostrazione
pratica che quello che si pensava fosse il
futuro per l’informazione e la critica mu-
sicale, in verità non lo è affatto. Non sono
il futuro le webzine, perché economica-
mente – obbligate a seguire le tendenze
della musica odierna – non rendono, e
non possono esserlo nemmeno le più
“conservatrici” riviste di carta a paga-
mento, i cui già attempati acquirenti tra
non molto stireranno le zampe. Il pro-
blema, per parafrasare un noto filosofo
politico italiano del Novecento, è che “il
nuovo mondo sta morendo, il successivo
tarda a comparire, e in questo chiaro-
scuro nascono i mostri”. Perché è esatta-
mente questo che personalmente temo:
che in realtà il successore di Pitchfork
esista già, e magari si trova su TikTok.
E questa sì che sarebbe veramente una
sciagura.
è un disastro per la musica?
Federico
Guglielmi
Negare che Pitchfork sia un mezzo mol-
to importante per la propaganda di cer-
ti suoni sarebbe impossibile. Allo stesso
modo, è difficilmente confutabile che,
a fronte di un tot di offerte di qualità,
abbia fatto più danni della grandine, sia
in termini di scelte editoriali e di esal-
tazioni di parecchia musicademmerda,
sia perché le sue fortune hanno orien-
tato numerosi cialtroni verso tentativi
di imitazione non esattamente edifi-
canti. In ogni caso, i de profundis che in
gennaio hanno monopolizzato la mia
bolla social non sono insensati, ma al
massimo prematuri: Pitchfork non è
(ancora) morto, si è parzialmente ri-
dimensionato perché Condé Nast, sua
proprietaria dal 2015, ha ritenuto che al
suo business servissero correttivi e l’ha
quindi collocato nell’orbita di «GQ» (e
se non sapete che roba sia, beati voi). È
noto che le multinazionali hanno come
unico obiettivo il profitto e se acquista-
no strutture “alternative” di qualsivoglia
tipo, lo fanno perché puntano a gua-
Tanto
rumore
per nulla
dagnarci, sic et simpliciter. Le esequie
anticipate, semmai, avrebbero dovuto
aver luogo nove anni fa (magari sono
state pure celebrate, non so, e allora
questo sarebbe il secondo funerale), ma
Pitchfork è rimasto in vita e secondo al-
cuni è perfino migliorato, nonostante le
tante derive fighette, modaiole e main-
stream. Poi, ovvio, la crisi dell’informa-
zione non solo musicale e soprattutto di
quella “qualificata” è sempre più nera, e
se i padroni hanno optato per un cam-
bio di rotta non ci sono alternative al
chinare il capo.
Su quello che riserva il futuro al momen-
to ci sono solo ipotesi, e la più probabi-
le è che Pitchfork si banalizzi e, com’era
usuale dire anni fa, “si commercializzi”.
E allora? Esistono ed esisteranno deci-
ne se non centinaia di altre webzine più
o meno underground che in qualche
misura ne prenderanno il posto nelle
preferenze degli appassionati, i giorna-
listi bravi scriveranno altrove e quelli
scarsi non scriveranno più (ma vai a
“No, non è una catastrofe,
ma una normalissima,
inevitabile conseguenza
di come va il mondo”
sapere: l’erba cattiva non muore mai);
e un domani, come già molte volte ac-
caduto, la nuova webzine-leader sarà
fagocitata dalla “macchina” e i suoi fon-
datori si metteranno in tasca dei soldi.
Sono cinico, lo ammetto senza alcuna
difficoltà, ma ormai cinismo coincide
con realismo e comunque musica e in-
formazione musicale hanno problemi
ben più seri dell’eventuale sparizione di
una pur cruciale webzine… sparizione
che, no, non è una catastrofe, ma una
normalissima, inevitabile conseguenza
di come va il mondo; nello specifico,
che la platea interessata a leggere cose
serie di rock, pop, hip hop o quel che vi
pare si è enormemente assottigliata, in
parallelo alla vertiginosa crescita di co-
loro che ascoltano superficialmente e
seguono gli artisti (o i sedicenti tali) in
connessione al gossip, alla moda, alle
tendenze. È questa, l’autentica catastro-
fe, mica Pitchfork che forse chiuderà i
battenti o diventerà l’ennesima porche-
ria di cui il web è infestato.
111
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 Soundtrack Of My Life
Foto: MARTA SZCZESNIAK/PRESS
L’ex frontman dei Moody Blues
ci parla dei dischi, degli artisti
e degli eventi che hanno un posto
speciale nella sua vita.
Intervista: Rob Hughes
S
ono passati circa 60 anni da quan-
do un adolescente Justin Hayward
diventò il chitarrista di Marty Wil-
de, per poi diventare cantante, chitarri-
sta e centro focale dei Moody Blues, con
i quali avrebbe scritto classici immortali
come Nights In White Satin, Tuesday Af-
ternoon, Question e The Voice. I Moodies
ci hanno salutato, ma la carriera solista
di Hayward continua. Nell’imminenza
del tour inglese Blue World, Hayward ri-
vela a «Classic Rock» le sue passioni mu-
sicali più segrete.
LA PRIMA MUSICA CHE RICORDO
DI AVER ASCOLTATO
Vengo da una famiglia molto credente,
per cui andavo in chiesa ogni domenica.
Era abbastanza noioso, ma mi piace-
va molto cantare i brani dalla raccolta
HYMNS ANCIENT AND MODERN. An-
cora oggi, quando vado in chiesa, provo
le stesse emozioni. Il primo cantante
pop che mi è piaciuto è stato Johnnie
Ray: Cry e Just Walkin’ In The Rain.
LA PRIMA CANZONE CHE HO
ESEGUITO DAL VIVO
Conservo un acetato del primo gruppo
in cui sono stato, i Woodpeckers, nel
mio primo anno alla High School di
Swindon. Suonammo Charlie Brown dei
Coasters.
IL MIO GUITAR HERO
Nel corso dell’era Jump dei Van Halen,
suonammo assieme a un grande festival
a Bethlehem, Pennsylvania. Vidi Eddie
Justin Hayward
Van Halen suonare e pensai: ‘Come ri-
esce a farlo con una chitarra? Da dove
diavolo esce questa roba?’. Non è pos-
sibile imparare, e tantomeno insegnare
quello che faceva.
IL MIO CANTANTE PREFERITO
Quando i Moodies furono introdotti nel-
la Rock And Roll Hall of Fame [nel 2018],
assieme a noi fu introdotta anche Nina
Simone, in modo postumo. Ai nostri ini-
zi per noi lei fu fondamentale. Sono sta-
to molto fortunato a riuscire a vederla
dal vivo una volta. L’emozione che met-
teva nella voce era incredibile.
L’AUTORE PREFERITO
Da Homeward Bound in poi ho sempre
ammirato Paul Simon, per il modo in
cui riesce a legare assieme le immagini
nei suoi testi, solo con una chitarra acu-
stica. La prima volta che vidi Simon &
Garfunkel alla Albert Hall, alla fine de-
gli anni Sessanta, avresti pensato che il
cantante solista era lui, perché era lui
a scrivere i brani. Ma poi mi resi conto
che il solista era Art, mentre Paul faceva
tutte quelle stupefacenti piccole armo-
nizzazioni.
IL MIO EROE
Negli anni Sessanta c’erano un sacco di
persone che eri sicuro sarebbero diven-
tate famose. Ma poi per un motivo o per
l’altro non è successo. Roy Buchanan,
il chitarrista, era davvero unico. Il suo
modo di suonare mi ha influenzato mol-
tissimo.
IL DISCO MIGLIORE
DI TUTTI I TEMPI
I Beatles per me sono stati fondamen-
tali. Ricordo di aver ascoltato la prima
volta Love Me Do, e di aver pensato che
da quel momento in poi la vita sarebbe
stata diversa. Quando poi si arriva a A
HARD DAYS’S NIGHT, ogni brano è un
capolavoro. Lo so che scrivevano di cor-
sa e che ogni canzone è di due minuti e
mezzo, ma quel disco mi colpisce anco-
ra oggi. Hanno aperto le porte a tutti.
IL GRUPPO LIVE MIGLIORE
CHE HO VISTO
Il gruppo live migliore che io abbia mai
visto sono stati gli Who al Saville Thea-
tre [Londra]. Il sound era perfetto, spe-
cialmente l’equilibro tra la SG di Pete e
il basso di John Entwistle. E poi, suona-
vano così forte. Nessuno poteva batterli.
IL MIO DISCO MIGLIORE
Sono due veramente, entrambi dei Mo-
odies: DAYS OF FUTURE PASSED [1967]
e THE OTHER SIDE OF LIFE [1986]. Il
secondo ci ridiede il successo negli USA.
Tornare in pista negli anni Ottanta, come
facemmo negli USA, fu un dono del cielo.
Negli anni Sessanta me lo ero perso per-
ché con la mente ero altrove – chimica-
mente, misticamente, ed emotivamente.
IL MIO DISCO PEGGIORE
Prima dei Moodies, ho fatto un paio di
cose con la Pye che non erano granché.
E poi direi THE PRESENT [1983]. Cion-
dolavamo in studio, perdendo tempo,
giocando a pallone e sprecando settima-
ne a incidere un solo brano.
IL MIO PIACERE PROIBITO
Adoro i brani pop ben costruiti – Stock
Aitken Waterman, le Spice Girls e le boy
band. Ma è una colpa se mi piacciono?
Io amo la musica.
LA MIA CANZONE DA PARTY
Se sono seduto e parte September degli
Earth Wind & Fire, devo alzarmi. È uno
di quei brani che ti prende e ti spinge
a ballare. Ho sempre amato la voce e il
groove di Maurice White, e il messaggio
di armonia universale del gruppo.
IL BRANO PER L’ORA DELL’AMORE
Ho avuto il previlegio di conoscere Dan-
ny Williams quando suonavo con Marty
Wilde. Danny realizzò la versione ingle-
se di Moon River [1961], e quei tre minuti
m’insegnarono come si canta, o almeno
come volevo cantare io.
LA CANZONE CHE MI FA
PIANGERE
Non direi che mi fa piangere, ma quan-
do sento Sailing di Christopher Cross mi
fermo sempre ad ascoltarla.
LA CANZONE CHE VORREI FOSSE
SUONATA AL MIO FUNERALE
Ci sono diverse incisioni delle Four Last
Songs di Richard Strauss. Una è di Elisa-
beth Schwarzkopf con la Berlin Symphony
Orchestra [1966], e mi colpisce ogni volta.
Il quarto brano si chiama At Gloaming. È
bellissimo.
113
Il prossimo numero
ti aspetta in edicola ogni 30 del mese!
THE BLACK CROWES BLACK SABBATH
I fratelli Robinson festeggiano quarant’anni Il nuovo cantante durò appena cinque minuti,
con un nuovo disco made in Nashville e ci parlano e ormai tutti nella band guardavano altrove.
della lunga e tortuosa strada percorsa. Poi a fine 1984 arrivò la mazzata finale:
il successo di Ozzy.

MICK MARS
Mentre esce il suo esordio come solista,
il chitarrista dei Mötley Crüe.
Racconta un vita di eccessi in un’intervista
senza troppi peli sulla lingua.

Periodico mensile
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Hanno collaborato: Maurizio Becker (Editor in chief), Massimiliano D’Affronto
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