Appunti per Storia della musica moderna e

contemporanea
Let dei grandi mutamenti stilistici (1500-1600)
Lassolutismo e il concetto di barocco

Barocco: periodo di tempo delimitato allincirca dalla fine del secolo XVI alla met del
XVII secolo.
Solo alla fine del secolo XIX il termine barocco ha unaccezione non negativa. Il Barocco va
considerato unespressione artistica originale che scaturisce da una nuova concezione
dellarte e della vita. LEuropa intera attraversata da una profonda crisi economica e
sociale.
Le stesse classi dominanti furono investite dal problema della diminuzione delle risorse.
Problemi sociali.
Assolutismo monarchico.
Potere di controllo e repressione si manifestava nella sua forma pi diretta: punizione
fisica che colpiva devianze di tipo politico e ideologico (tribunale Inquisizione).
Arte del persuadere e del commuovere come strumenti di strategia sociale.
La situazione intellettuale di corte cambiata, sono strumenti del potere che se ne serve per
i suoi scopi di dominio.
Ci che prevale senso di spettacolo che ha la funzione di persuadere e di commuovere.
Retorica degli affetti linvenzione pi importante. Esprimere o imitare gli affetti.

Il canto monodico e il melodramma

Grande diffusione della polifonia e le fortune editoriali del madrigale, della villanella e
della canzonetta nel Cinquecento. Era uso cantare ottave cio cantare le strofe dei poemi
epici e particolarmente dellOrlando furioso, servendosi di moduli melodici prefissati ai
quali era stato dato un nome (la romanesca...).
Esempi: Camerata fiorentina raccolta intorno al conte Bardi che della battaglia
antipolifonica avevano fatto il loro punto donore.
Lo stile di canto che nacque da queste esperienze viene solito designato con il termine di
recitar cantando. Si trattava dunque di un canto che tendeva a imitare le inflessioni della
parole recitata, stilizzando musicalmente gli accenti e le durate delle sillabe.
Il primo vero melodramma nel senso pi maturo del termine fu senzaltro lEuridice di
Peri e Rinuccini, rappresentato il 6 ottobre 1600 a Palazzo Pitti a Firenze.

Monodia e stile concertato

Durante tutto il corso del XVI secolo la musica vocale veniva stampata a parti separate: se
ad esempio si doveva pubblicare un madrigale a 5 voci, le cinque parti che lo costituivano
venivano scritte in cinque libretti diversi.
Quando verso la fine del secolo si fecero i primi esperimenti di stile recitativo luso di
sostenere il canto con strumenti daccompagnamento divenne necessario. Le edizioni a
stampa che documentano i primi esperimenti drammaturgici dellanno 1600 (Euridice,
Rappresentazione di anima e corpo..) sono interessanti anche dal punto di vista grafico.
Per esempio le varie voci non sono pi scritte separatamente ma organizzate in partitura.
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Di musica profana agli inizi del XVII secolo il repertorio si arricchisce in Italia di generi
nuovi. Il declino del madrigale polifonico di stampo cinquecentesco lento e graduale.
Primo avvio allo stile monodico sacro fu dato dalla raccolta dei Cento concerti
ecclesiastici di Lodovico Grossi da Viadana. Il successo della raccolta era dovuto non solo
alla novit del basso continuo ma anche alle facilitazioni pratiche essa offriva agli
esecutori.
La parola concerta divenne agli inizi del Seicento una sorta di termine-chiave non ben
definito nei suoi contorni ma vagamente capace di alludere ai nuovi tipi di sonorit.

Claudio Monteverdi (1567 1643)

Quando Orfeo fu rappresentato alla corte di Mantova nel 1607 Monteverdi aveva gi
composto e pubblicato dal 1582 al 1584 tre raccolte: Sacrae cantiunculae a tre voci,
Madrigali spirituali, Canzonette a tre.
Nuove tendenze secondo le quali la musica doveva illustrare i contenuti espressivi della
parola, doveva potenziarli e tradurli in immagine sonore.
Queste caratteristiche si fanno gradualmente luce nei cinque libri di madrigali pubblicati
tra il 1587 e il 1605.
Il Quinto libro il primo frutto veramente aturo della poetica della seconda pratica in
cui fa la comparsa lo stile concertato cio la contrapposizione di soli a tutti o fra gruppi di
voci di diverso peso , registro, timbro, in modo da conferire alla composizione una
fisionomia altamente drammatica.
La pubblicazione del quinto libro precedette di due anni landata in scena dellOrfeo.
Pregnanti episodi in stile recitativo si alternano ad andamenti madrigalisti.
Confrontando lOrfeo con la Dafne di Marco da Gagliano su libretto di Rinuccini in lo stile
proprio della Camerata applicato con costante e attenta fedelt.
Del 1608 Il ballo delle ingrate, sempre su libretto del Rinuccini: balletto di corte.
Nellottavo libro non c pi traccia del madrigale.
Compone Il combattimento di Tancredi e Clorinda nel 1624: in musica passi dalla
Gerusalemme liberata.
Scrive anche musiche dedicate alla celebrazione liturgica (pi attiva dal 1613).
Dellultimo periodo ci sono rimaste anche due importanti opere teatrali: Il ritorno di Ulisse
in patria e Lincoronazione di Poppea.

Lambiente romano e loratorio (primi decenni Seicento)

Ogni materia, ogni artificio, ogni congegno tornavano utili.

Forma musicale pi rispondenti al disegno della Controriforma
ORATORIO
(composizione drammatica al pari dellopera, con personaggi e dialoghi diretti dove scena
e azione sono sostituite da una narrazione svolta per lo pi dalla figura di uno storico).
Articolazione delloratorio in due parti deriva dalluso di far precedere e seguire la recita
del sermone da canti.
Il massimo autore di questo primo oratorio romano Giacomo Carissimi che lo compone
in latino. Il coro non compare come un aggregato sonoro compatto ma passa ad acquisire
caratteri di personaggio di massa.

Origini e primi sviluppi della musica strumentale in Italia e in Europa (1600)

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Comparsa basso continuo e monodia e soprattutto novit per il la musica del XVII secolo
(1600) sta nella diffusione di tipi di composizioni concepiti per lesecuzione strumentale.
I primi strumenti che si dotarono di una grafia diversa da quella vocale furono quelli a
tastiera e a pizzico per i quali si invent il sistema di scrittura detto intavolatura (pi
antiche risalgono agli inizi del XV secolo).

Nel Nord Europa la musica strumentale acquist caratteristiche parzialmente diverse

soprattutto per il suo perdurante legame con schemi di contrappunto basati sulla
tradizione fiamminga del tenor.
Comparsa di stampe musicali contenenti danze.
Nel genere musicale della Suite che nasce nel Seicento il rapporto con la danza non esiste
ormai quasi pi: si tratta di danze non danzate.
Suite significa SUCCESSIONE, insieme di pezzi eseguiti uno dopo laltro (antecedenti
storici con danze in successione).
Connessa con la danza unaltra forma musicale: variazione (anche qui eredit dalla
tradizione popolare, aggiunte di tipo improvvisativi).
Un posto particolare merita la TOCCATA che quello che pi si allontana dal modello
della polifonia vocale e della danza e trova soluzioni suggerite dallo strumento.
Inizialmente costituita da serie di accordi collegati fra loro da rapide figurazioni
virtuosistiche. Virtuosisma con Claudio Merulo nel Cinquecento.
Nella prima met del Seicento la musica per soli strumenti forte della ricca esperienza
dellepoca precedente conosce un lungo e fecondo periodo di sperimentazione.

Ad Amsterdam importante per gli strumenti a tastiera Jan Pieterszoon Sweelinck.

In Italia nel Nord va forte il contrappunto, nel Sud canto solistico.

Esempio: Girolamo Frescobaldi.
contrappunto imitativo si alterna con passo
vortuosistici in stile di toccata, con ritmi di danza, con invenzioni melodiche. Il Libro dei
Capricci si configura come una vera e propria serie di studi. Sonata a tre strumenti. Poi c
uso del basso continuo.

Scompare gradualmente il termine canzone e si impone sempre pi stabilmente la

presenza delle tre voci.
Emergono due tipi di contrasto: quello fra adagio e allegro (che determiner poi la classica
alternanza fra i tempi della sonata) e quello fra stile contrappuntistico e stile di danza (che
determiner la distinzione tra sonata da chiesa e sonata da camera).

La musica barocca tra Sei e Settecento

Laffermazione del sistema tonale

Dalla seconda met del Seicento alla seconda met dellOttocento e oltre la musica europea
caratterizzata da quel complesso fenomeno di organizzazione dei suoni che va sotto il
nome di tonalit.
Accordo: sovrapposizione contemporanea di pi suoni.
In tutto il periodo rinascimentale laccordo per eccellenza era triade, cio la combinazione
di tre suoni sovrapposti a distanza di un intervallo di terza (do-mi-sol), pensata non come
unit ma come insieme di intervalli. Uso del basso continuo muta la situazione. Un passo
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successivo fu la graduale consapevolezza dellesistenza di regole che potevano governare
una buona successione di accordi (regole dorecchio); es. a primo grado della scala (tonica)
spettava nella sequenza accordale funzione conclusiva, mentre a quella del quinto
(dominante) spettava funzione di transizione verso la conclusione.
Rapporto tra melodia e armonia viene rovesciato.
Le melodie tonali devono rispettare le funzioni armoniche dei gradi della scala e devono
essere compatibili con quelle
decadenza di alcuni dei molteplici modelli di scala
musicale che la musica europea aveva ereditato dalla tradizione medievale. Si
affermeranno due modelli: scala maggiore e minore.
Maggiore teorico dellarmonia settecentesca senza dubbio Rameu.

La musica vocale di tradizione italiana

Opera veneziana del Seicento ( a differenza di quella romana) ha una caratteristica

particolare: quasi totale assenza degli episodi corali.

Esempi:
1. Francesco Cavalli: tende ad un recitativo incisivo e succinto scandito da formule
melodiche ricorrenti. Opera Giasone.
Tra gli ultimi due decenni del Seicento e i primi due del secolo successivo quando il
melodramma da Venezia a Roma si era diffuso in tutta la penisola videro la luce anche le
pi di 60 opere teatrali con cui il palermitano Alessandro Scarlatti si conquist ampia
fama nellItalia dellepoca. Strumenti musicali stessi che egli aveva ereditato dalla
tradizione (aria, recitativo, interventi orchestrali...).
Orchestra ormai basata sugli strumenti ad arco, ma per effetti speciali impiegati anche i
fiati. Opere di Scarlatti: Il trionfo dellonore e La Griselda.
Modello di melodramma romano-veneziano trova diffusione anche allestero.

a) In Inghilterra c Purcell con la Didone ed Enea (masque era intrattenimento teatrale

della corte inglese). Le poche arie tutte in forma di ciaccona sono sufficienti a delineare
caratteri e situazioni densi di pathos. Altre opere: Il re Arturo, La regina delle fate,
Sogno di una notte di mezza estate.
Si diffonde anche in alcune zone di lingua tedesca e soprattutto in Austria.
b) Cesti in Austria con il Pomo doro per celebrare le nozze dellimperatore Leopoldo.

Altro genere diffuso: la cantata che non altro che una serie di recitativi e di arie legati da
un soggetto comune. Differenziazione tra recitativo e aria tende talora ad emergere.

Altro genere soprattutto a Roma: loratorio. Poi si diffonde in tutta la penisola.

Estraneo a processo di trasformazione degli assetti stilistici della musica italiana sei-
settecentesca rimase il settore delle composizioni liturgiche, in primo luogo della MESSA.
Unici stili ammessi durante le funzioni liturgiche: quello concertato e stile severo.

La musica strumentale italiana

Vicende del concerto.

Il pi evidente tratto caratteristico che distingue il concerto grosso dagli altri generi
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musicali coevi costituito dalla contrapposizione tra due gruppi di strumenti: un gruppo
pi nutrito (con carattere di orchestra) e un gruppo pi ridotto (con carattere solistico).
Nelle forme pi mature del concerto luso delle contrapposizioni si assesta e si circoscrive.
Il predominio degli archi si era gi stabilmente imposto anche in un altro genere
strumentale: quello delle sinfonie che si usavano come breve brani introduttivi allo
spettacolo dopera.

Il personaggio che pi di tutti acquis fama di codificatore di forme e stili senza dubbio
Arcangelo Corelli i cui testi strumentali riassumono linee di tendenza comuni ai
compositori dellepoca. Non ha tratti del grande innovatore e attento al gusto medio della
sua epoca. Sei raccolte. Carattere di fondo dello stile corelliano il risultato di unormai
secolare elaborazione di tre grandi modelli di organizzazione sonora: quello della
polifonia vocale, della musica per danza e del canto solistico. Lopera di Corelli costituisce
un momento importantissimo nello sviluppo della musica strumentale. Egli diede nuovo
impulso alla forma della sonata a tre. Nella sonata a tre C. sfrutta a fondo le possibilit
cantabili del violinoservendosi di un a struttura assai semplice in tr o quattro tempi. La
scrittura sostenuta da un contrappunto vigoroso e ricco di studiate dissonanze. Enorme
risonanza dei 12 Concerti grossi ponendosi cos allinizio della fortuna europea del
concerto grosso.

Albinoni [si iscrive in posizione minore accanto a Vivaldi e ai due Marcello nella grande
fioritura del concerto strumentale veneziano settecentesco].

Quando Albinoni pubblicava la sua raccolta Antonio VIVALDI (1678-1742) non aveva
ancora iniziato la sua carriera di violinista e compositore famoso. Solo nel 1704 fu assunto
come maestro di violino allOspedale della Piet. Era questo un orfanotrofio femminile.
Per molta parte della sua vita Vivaldi prest la sua opera in questo istituto (rimase fino al
1740). Compose anche altri tipi di musica (sonate, composizioni sacre, melodrammi) ma la
sua fama comunque restata legata ai CONCERTI. Novit: semplicit di struttura che ne
facilita la percezione. Prima raccolta dei concerti: Lestro armonico. la pi importante
delle raccolte, ampiamento valorizzata da Bach che trascrisse 6 dei 12 concerti che la
compongono; essa consta di 4 concerti con violino obbligato (solistici) e di 8 concerti
grossi. Si rivela tutta la forza espressiva vivaldiana: il pulsare ritmico, armonica
concentrazione del canto negli adagi, polifonia levigata, gusto per ricerca timbrica e
invenzione del suono, il virtuosismo impiegato in chiave di contabilit fiorita. Franchezza
con cui maneggia gli elementi di base del linguaggio strumentale: accenti, colpi darco.
Musica capace di sfumature affettive e descrittive che erano di casa nella scena
melodrammatica ma non nella sede del concerto: Quattro stagioni appartenenti alla
raccolta pubblicata con il titolo Il cimento dellarmonia e dellinvenzione op. 8 preceduti
da sonetti esplicativi. La struttura quella di concerto solistico ma la materia sonora vi
organizzata con criteri nuovi. Il musicista sembra svincolarsi dal formalismo tradizionale
per cercare una nuova libert espressiva. Anche altri concerti a programma come La notte,
La tempesta di mare, La caccia, Il gardellino (tutti per flauto)...
Il concerto assume definitivamente la struttura in tre tempi: allegro. Adagio, allegro.

Produzioni per strumenti da tasto (clavicembalo ed organo). Le acquisizioni pi

significative si collocano oltre i limiti estremi del periodo cronologico che stiamo
considerando: sono quelle di Frescobaldi (che muore nel 1643) e di Domenico Scarlatti
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(che muore nel 1757).

La musica francese nellepoca dellassolutismo

Con Luigi XIII e Luigi XIV monarchia tende ad accentrare nelle sue mani le leve
fondamentali del potere politico e culturale.
Della tradizione liutistica francese i pi eminenti rappresentati sono i membri della
dinastia dei Gaultier, in particolare Ennemondo detto Gualtier le Vieux e Denis detto
Gualtier le Jeune.
Agli inizi del regno di Luigi XIV si colloca anche un altro avvenimento importante per la
storia della musica francese: lesecuzione dellOrfeo di Luigi Rossi (1647) favorito dalla
presenza dellonnipotente cardinale Mazzarino.
Si affaccia in questi anni Giovanni Battista Lulli nato a Firenze nel 1632 e morto a Parigi
nel 1687. Portato in Francia come cameriere e entra nella corte di Luigi XIV. Cambia nome
in Jean Baptiste Lully. Per quasi ventanni si dedica alla composizione di musiche di scena
per balletti e crea insieme a Moliere il genere della commedie-ballet. Verso la fine degli
anni Sessanta il librettista Perrin e il musicista Cambert si dedicarono allardito tentativo
di creare unopera in musica ispirata ai modelli italiani ,a cantata in francese. Fall e Lully
prese in mano liniziativa
nuovo genere della Tragedie-lirique.
Nel genere sacro il musicista trover degni successori in Charpentier, Campra, Delalande.
Ma i due pi illustri continuatori della tradizione francese del Seicento vengono di solito
indicati in Couperin e Rameau.

Dalla seconda met dei Seicento il liuto venne soppiantato dal clavicembalo.

Couperin scrisse per il clavicembalo 27 Suites.

La fama di Rameau fu dovuta soprattutto a due diversi aspetti della sua produzione: alla
sua opera di teorico e alle sue composizioni teatrali. Altri dieci anni dopo dovranno
passare perch la sua notoriet esploda con la presentazione pubblica della prima della
sue tragedie-lyriques: Hyppolyte et Aricie.

La musica in Germania dallepoca di Heinrich Schutz allepoca di Johann Sebastian Bach

Nel secolo XVII incertezza sul piano della stabilit politica. Separazione culturale. Guerra
dei Trentanni (1618-1648). Nella tradizione liturgica luterana la musica aveva
unimportanza primaria.

Esattamente centanni prima di Bach, nel 1585 nasceva in un villaggio della Turingia
Heinrich Schutz (Henricus Sagittarius). Tre componenti stilistiche caratterizzano le sue
composizioni: la fedelt alla tradizione della polifonia cinquecentesca, il gusto per la
declamazione espressiva allitaliana, attenzione per le innumerevoli forme di elaborazione
polifonica deel corale luterano che rappresenta il lato pi devotamente tedesco della sua
personalit. Opere pi importanti: Cantiones Sacrae, Geistliche Chormusik...

Comparsa stile concertato non abolisce tuttavia la continuit della pratica polifonica
neppure di quella di origini antiche risalenti allepoca fiamminga che utilizzava un cactus
firmus come base della composizione: anzi, il cactus firmus nella fattispecie luterana del
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corale continu ad essere rigogliosamente praticato per tutto il secolo.
Il passaggio dal concerto spirituale alla cantata avvenne insensibilmente per graduali
passaggi.
Il genere pi tipico della tradizione organistica tedesca sicuramente quello del corale.
La musica per clavicembalo non si differenzi inizialmente in maniera sostanziale da
quella per organo.
Lunico luogo in cui si cre ed ebbe fortuna una tradizione operistica locale fu la citt di
Amburgo dove si inaugur nel 1678 un teatro pubblico con spettacolo in lingua tedesca
che inizialmente erano anche di argomento sacro.

Johann Sebastian Bach

Inseguendo il supremo ideale di una musica concepita come scienza Bach si allontanava
dalle tendenze che nella prima met de secolo XVIII si venivano diffondendo in tutta
Europa.

Bach (1685-1750) ebbe tanti figli che seguirono la carriera del padre. Fino al 1708 ebbe
incarichi di organista ad Arnstadt e Muhlhausen. A questo periodo risalgono fughe,
preludi, toccate, corali per organo e composizioni per clavicembalo tra il cui il Capriccio
sopra la lontananza del fratello dilettissimo. Fra le prime cantate per il servizio liturgico
la pi complessa la cosiddetta Actus tragicus. Allet di 23 anni entra come organista a
Weimar (studio di compositori italiani, tra cui Vivaldi). Da Weimar si allontan nel 1717
per assumere lincarico di maestro di cappella presso la corte di Kothen e spos la sua
seconda moglie di Anna Magdalena.
Compone: Sonate per flauto e per violino con cembalo obbligato, Suites per violoncello
solo, Sonate per violino solo. Gruppo pi noto costituito dai 6 Concerti Brandeburghesi
(detti cos da Spitta perch Bach li dedic nel 1721 al margravio del Brandeburgo).
Compone anche pezzi per lo studio del clavicembalo e per fornire modelli ed esercizi per
la composizione.
Ma la raccolta di gran lunga pi ambiziosa quella intitolata Wohltemperierte Clavier
che concepita come una dimostrazione scientifica della possibilit di comporre in 24
diverse tonalit una volta che la tastiera venga accordata col sistema temperato basato
sulla divisione dellottava in 12 semitoni uguali.
Le fughe non solo usano in forme diverse gli artifici intellettuali del contrappunto ma
tendono a basarsi sopra caratteri e affetti particolari.
Dal 1723 fino alla morte Bach visse a Lipsia. In pratica la maggior parte del tempo Bach la
doveva dedicare allistruzione dei ragazzi.
Un ciclo liturgico prevedeva lesecuzione di un 60 di cantate, tante quante erano le feste
annuali. Bach ne scrisse cinque cicli completi ma a noi ne sono pervenute circa 200 (da
BWV I a BWV 200 dove la sigla indica le opere di Bach secondo il catalogo pubblicato nel
1950 da Schmieder che indicato appunto come Bach-Werke-Verzeichnis).
Una cantata bachiana comprende un brano iniziale (quasi sempre un coro polifonico
grandioso), la cui unit generale offerta spesso dalla ripetitivit costante degli spunti
tematici dellorchestra. Il testo del coro di norma tratto dalla Bibbia. La chiusa era di
solito affidata al canto di un corale a 4 voci. I tipi di cantata variano non solo in ragione
della fantasia inventiva dellautore ma anche dei suoi rapporti con i poeti che gli fornivano
alcune parti del testo e della disponibilit e delle capacit degli strumentisti, dei solisti, del
coro.
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Abbiamo cantate riferite a un ampio frammento del ciclo liturgico. In questi casi Bach
definisce le sue cantate con il nome di Oratorium: si tratta dei tre cicli di cantate
corrispondenti agli Oratori di Natale, dellAscensione e di Pasqua.
Da tuttaltra tradizione derivano invece le Passioni (c anche quella che mette in musica
direttamente il testo del vangelo). A questultima categoria appartengono le due passioni
rimaste fra le 5 che Bach pare abbia composto: quella Secondo San Matteo e quella
Secondo san Giovanni

culmine dellarte sacra di Bach.
Fra i riti protestanti cera quello della Messa su testo latin
Kirie+Gloria+Sanctus. Bach
compose anche una Messa cattolica, quella in si minore per Federico Augusto II principe
cattolico di Sassonia e poi re di Polonia.
Ultimo grande ciclo delle composizioni pensate a scopo didattico si apre con i primi due
volumi della raccolta intitolata Klavier-Ubung. Il primo contiene 6 Suites e il secondo il
Concerto italiano e lOuverture alla maniera francese. Ma la raccolta pi singolare
costituita dal III volume della stessa collezione che contiene una ventina di corali per
organo.
Il secondo volume del Clavicembalo per temperato e le Variazioni Goldber completano il
quadro della produzione matura di Bach.

La carriera internazionale di Georg Friederich Handel (1685-1759)

Predilezione per lopera teatrale. Ad Amburgo con Almira (1705) fece il suo esordio
operistico e quello di compositore di musica sacra con la Passione secondo San Giovanni su
testo di Postel. Opere teatrali come Agrippina. Teatralit del gesto italiano rappresent per
Handel un potentissimo stimolo creativo. Si trasferisce in Italia dal 1706 al 1710 dove
compone Agrippina. Poi labbandona per Londra. Nel 1711 esordisce con Rinaldo e
supremazia dellopera seria italiana dura un trentennio fino al 1741 (Deidamia).
Concatenazione tra recitativi e arie con occasionali ed eccezionali deroghe determinate da
circostanze interne ed esterne. Fra le circostante interne determinante era il carattere dei
libretti; preferiva ispirarsi ad opere gi collaudate e da lui conosciute direttamente o
indirettamente.
Scelta ostinata di continuare a dedicarsi al melodramma. Verso la fine del terzo decennio il
clamoroso successo della Beggars opera (1728) una farsa di John Gay affermava le ragioni
di un teatro musicale schiettamente inglese. Solo nel 1741 H. depose le armi nel teatro
dopera e da allora in poi scrisse solo oratori. Il soggetto della maggior parte degli oratori
tratto dellantico testamento. Famoso il Messiah. Scrive alcune odi e le due suites
famosissime: Watermusic (per il corteo reale sul Tamigi, 1715) e Fireworks Music (del
1749).
Serie di concerti per organo concepiti pi come intermezzi strumentali degli oratori.

La musica dellIlluminismo al Romanticismo

Cultura, musica e societ nel Settecento

Secolo XVIII epoca di grandi trasformazioni sociali e culturali. Classe borghese

imprenditoriale avanza. Rivoluzione francese. Mito del buon selvaggio. Maggiori
divulgatori delle trasformazioni di coscienza furono i philosophes.
La Germania intorno agli anni Sessanta assume un ruolo non secondario di sollecitazione e
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di stimolo quando da ambienti letterari e anche studenteschi nasce la violenta ribellione
ideologica del movimento dello Sturm und Drang.
Nuove idee assumevano il carattere di una spregiudicata moda salottiera.
Musica ancora legata agli ambienti aristocratici che la finanziano.
Genere musicale dominante quello del melodramma.
Teatro di corte cauto ad accettare novit.
Peso finanziario maggiore costituito dai cantanti diventati la maggior attrazione per il
pubblico medio. Voce di soprano preferita. Castrati divennero prediletti del
pubblici

belcantismo (mito di Farinello).
Moda di musiche facili per dilettanti e principianti tocc anche la borghesia ricca e
aliment un mercato editoriale assai cospicuo. Diffondersi delle sale da concerto.

Teatro dopera in Europa

Modello dellopera italiana gi alla fine del Seicento imposto in tutta Europa.
Fuori dallItalia Vienna era la capitale di maggiore prestigio.
Eccezione Parigi, unica capitale europea che fosse riuscita a creare un teatro proprio molto
vitale. Cosiddetta opera seria era il melodramma di genere pi nobile. Amore
rappresenta la forza motrice di tutti gli eventi e il dovere morale era una forza altrettanto
importante.
Racconto della vicenda era affidato al recitativo secco o accompagnato. Intorno al 1730 la
grande maggioranza delle arie operistiche italiane erano orami arie col da capo, a
testimoniare anche il favore di cui questa forma godeva sia presso i cantanti sia presso il
pubblico.
Movimento di riforma del teatro musicale ebbe uno dei suoi punti di forza iniziali in
Apostolo Zeno (1668-1750) il quale dopo che fu nominato poeta cesareo presso la corte
viennese lanci buone idee che avrebbero dovuto ridurre gli abusi e ridare una maggiore
dignit artistica allo spettacolo operistico. Ha in mente la dignit della tragedia antica.
Promuove la collocazione dellaria alla fine dellepisodio narrato, cio dopo i dialoghi in
stile recitativo per far s che il cantante ricevuta la sua dose di applausi uscisse di scena e
permettesse il cambio dei personaggi. Libretti pi noti musicati da Alessandro e Domenico
Scarlatti.
Riforma acquista fisionomia grazie al suo successore, Pietro Metastasio (1698-1782), il pi
grande librettista del Settecento. Scrisse solo 27 libretti ma su di essi si composero circa 900
opere. Riforma: riduzione del numero delle arie, diminuzione dei cambiamenti di scena.
Quasi tutti i musicisti del Settecento musicarono i libretti di Metastasio.
Successo dellopera seria napoletana dopo successo della metastasiana Didone musicata
da Vinci (successo da 1740 a 1770).
Era intanto esplosa sempre da Napoli la moda dellopera buffa o opera comica. Nel corso
del secolo precedente e nei primi venti anni del Settecento gli esempi di commedie
musicali esistevano nel repertorio operistico ma erano rari.
Si era affermata anche unaltra consuetudine: quella dellintermezzo breve da recitare fra
un atto e laltro di un dramma serio in prosa o in musica. Da questo genere di spettacolo (a
cui appartengono capolavori famosissimi come La serva padrona del 1732 di Pergolesi) si
svilupparono pi tardi la farsa e la burletta.
Personaggi dellintermezzo e dellopera buffa pi caratterizzati rispetto allopera seria.
Grande diffusione usanza di concludere atti dellopera con battute pi serrate: nome di
finale.
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Primi esempi sono di Pergolesi. Lopera comica arriva verso la fine degli anni Trenta a
Roma.
Verso gli anni Sessanta il teatro francese stava coltivando un genere particolarmente
fortunato: commedia larmoyante (commedia lacrimevole) basata sul personaggio della
fanciulla innocente ingiustamente perseguitata da pregiudizi sociali...Tradizione di
musicisti napoletani si inserisce in questa tradizione
Cecchina, ossia La buona figliola
(1766) con libretto di Goldoni e musica di Piccinni e qualche anno dopo con Nina o sia La
pazza per amore di Paisello che scrive poi Il barbiere di Siviglia ovvero La precauzione
inutile.
Destino pi singolare lebbe La serva padrona di Pergolesi che scaten la querelles des
buffons che vide i difensori tradizione opera francese opposti ai philosophes che vedevano
nellopera italiana rinnovamento. Si protrasse fino allarrivo di Gluck a Parigi nel 1773 con
la sua riforma dellantica tragedie lyrique e trionfale accoglienza della sua Iphigenie.

Gluck (1714-1787)

pass gli anni della giovinezza a Praga e Vienna.Notato da un

nobiluomo, Melzi che lo ingaggi per la sua orchestra privata. Arriva poi nella Milano di
Giovanni Battista Sammartini e qui ebbe il suo debutto teatrale alla Scala con Antaserse.
Per una decina danni viaggi continuamente. Diventa nel 1752 Kapellmeister a Vienna.
Arrivano alcune compagnie di opera comique e lui ha lincarico di modificarle. Nasce cos
nel 1761 il Don Juan. Autore dellintreccio Ranieri de Calzabigi. Poi Orfeo ed Euridice
(sempre grazie appoggio di Durazzo).
Quando Maria Antonietta si mostr interessata a esportare a Parigi lesperienza gluckiana
nacque Iphigenie en Aulide su testo di Racine ridotto a funzioni librettistiche da DU
Roullet. Nel 79 nasce Iphigenie en Tauride che avevano come oggetto di riforma la
tradizione Lully-Rameu. Vogliono rispondere con Piccinni e di contrapporre sue tragedie
liriche. Ma dopo larrivo di Gluck le scene francesi videro il rapido declino della loro
ormai anacronistica tradizione aulica.

La musica strumentale e le origini dello stile classico

Iniziando a comparire i primi sintomi di un mutamento di sensibilit che avrebbe condotto

la musica strumentale europea verso soluzioni formali nuove.
Tre importanti fenomeni stilistici:
1) accentuata propensione a semplificare le strutture classiche del contrappunto
(decade la pratica del basso continuo)
2) Semplificazione del tessuto contrappuntistico. Al posto del motivo tende a
comparire una frase in s completa e a volte conclusa da un movimento
cadenzale.
3) Importante la funzione tematica.
Sonata solistica per strumento a tastiera una delle forme musicali in cui questi aspetti
cominciano a emergere con maggiore evidenza.
Le pi di 500 sonate di Domenico Scarlatti (1685-1757) sono forse tra i primi e pi
singolari esempi di questo fortunatissimo genere musicale, ma sono anche la
testimonianza di una ricerca appartata e solitaria.
Fra gli anni Cinquanta e Sessanta
stile galante: successione allegro, adagio, allegro.
Stesura semplificata. Critiche da ambiente tedesco da cui viene la proposta di un
Empfindasamer Stil che trova i suoi esempi pi tipi nelle sonate di Carl Philipp Emanuel
Bach, scritte per il clavicembalo e soprattutto per il clavicordo. Nel nuovo stile esiste una
10
melodia dominante dei violini.
Intorno al 1730 lorchestra era fondamentalmente composta di archi, pi 3 oboi, 2 corni e
talvolta 2 fagotti.
Per tornare ora alle origini di questo stile si pu dire che le prime sinfonie da concerto
distinte sia da quelle dopera sia dai concerti solistici compaiono a Milano negli anni
Trenta nellambiente allora dominato dalla figura di Giovanni Battista Sammartini:
sinfonie in tre tempi...
I generi che negli ultimi decenni emergeranno saranno il quartetto per archi (2 violini,
viola e violoncello) e la sonata per pianoforte e violino (o violoncello).
Vienna centro attivo degli scambi.
Importanza del concetto musicale di TEMA. Il tema classico non sempre pura e semplice
melodie ma talvolta unentit globale in cui elementi melodici, ritmici, armonici, di
timbro...convivono insieme fino a creare ununit individuale...

Il classicismo viennese: Joseph Haydn e Wolfang Amadeus Mozart

Haydn (1732-1809): si stabil nella capitale solo in tarda et negli anni Novanta dopo aver
passato tutta la prima parte della sua vita in provincia. Negli ultimi anni 50 troviamo H. al
servizio di famiglie nobili. Le composizioni di questo periodo riflettono abbastanza
fedelmente le tendenze di quegli anni nei due settori della musica sacra e della musica
strumentale.
Al servizio di Miklos Antal Esterhazy per ventanni in un castello esagerato. La sessantina
di sinfonie che egli compose in questi ventanni per il servizio principesco rappresenta il
documento forse pi significativo delle facolt inventive del compositore. Opere che
diventano famose: Merkur, La passione, Sinfonia degli adii, Maria Theresia, Il Maestro di
scuola, Laudon...Anche nel campo del quartetto. Fino ai sei quartetti opera 20 del 1772
Haydn non adotta il termine moderno ma la pi arcaica dizione di divertimento.
D unattenzione particolare al pianoforte: sonate opera 13 e 14 in cui la tecnica pianistica
comincia ad acquistare un propria individualit. Opere sacre: Grosse Orgelmesse e la
Cacilienmesse. Liberalit nel concedere spazio a un gusto moderno impregnato di vena
melodrammatica. In Italia queste due tendenze contrapposte erano rappresentate dalla
scuola bolognese e da quella napoletana.
Una messa di questo tipo viene definita come messa-cantata. Il coro interveniva in forme
omoritmiche o anche in forme fugate e questo era il punto di legame con lantico stile
severo.
Fra le molte opere da lui composte (quasi tutte opere comiche) La cantarina, Lo
speziale Linfedelt delusa, Il mondo della luna sono altrettanti esempi di questa
versione nobile della tradizione buffa italiana.
Lucrose commissioni.
Quando nel 1790 muore il suo grande mecenate egli si trova libero di se stesso e si
trasferisce a Vienna. Compone per la societ concertistica di Salomon le sue ultime 12
sinfonie. Agli anni Novanta risalgono anche le ultime 4 Sonate per pianoforte con cui si
conclude unavventura stilistica durata mezzo secolo.
Compone degli oratori: Die Schopfung (la Creazione, 1798) e Die Jahrzeiten (Le stagioni,
1801).

Mozart (1756-1791): sfruttato molto dal padre per grande talento. Lunghi viaggi che
sicuramente influirono sulla salute cagionevole. Dal 1769 al 1771 rimane con il padre in
11
Italia: due esecuzioni milanesi del Mitridate nel 1770 e dellAscanio in Alba. Morte
dellarcivescovo di Salisburgo gli toglie molti favori e il nuovo vescovo Colloredo non
cos permissivo. Padre e figlio nel 1773 possono anche allontanarsi da Salisburgo (tra il
1773-1774 piena maturit artistica). Le opere del 1773 portano numeri di catalogo che si
aggirano tra il k160 e il k 180 (K sta per Kochel come editore).
Fra autunno 1773 e primavera 1774 compone a Salisburgo cinque sinfonie, poi tra il 1774 e
il 1775 altre cinque sonate. Uso del pianoforte non pi intercambiabile con quello del
clavicembalo.
Tre concerti per pianoforte e orchestra composti tra il 1776 e il 1777
modello di dialogo
tra il pianoforte e lorchestra.
Nel 1777 incidente serio con Colloredo e Mozart si licenzia e con la madre parte per un
viaggio che muore a Parigi. Ritorna a Salisburgo accettando un altro incarico di Colloredo
nel 1779. Si allontana definitivamente nel 1781 ma quel periodo molto creativo.
Composizione dellIdomeneo in scena nel 1781. Ci che colpisce densit di linguaggio e
la capacit di sbalzare con precisione il profilo psicologico dei personaggi. Si reca a Vienna
con Colloredo dopo la morte di Maria Teresa nel 1781. Dal 1781 libero e produzione
riflette cambiamento di status: diminuiscono produzioni di musica sacra. Incontra Haydn,
Lorenzo da Ponte. Nel 1785 entra nella Massoneria. Amicizie favorite anche dal successo
del Ratto del Serraglio che avvenne nel 1782: storia di Belmonte e Costanza rapita dal
Pasci ha un fondo autobiografico (Mozart rapisce Costanze Weber per sposarla).
Quattro anni dopo (1786) furono rappresentate Le nozze di Figaro su libretto di Da Ponte
tratto dalla commedia di Beaumarchais. Non accettata perch gusto medio era pi per
lopera buffa allitaliana. Successo a Praga.
Don Giovanni: sempre con collaborazione di Da Ponte (eseguita a Venezia nel 1787).
Negli ultimi 5 anni della sua vita Mozart vide gradualmente declinare gli entusiasmi.
Le ultime tre sinfonie tutte scritte nel 1788 ebbero fortuna cos duratura da non uscire mai
dal repertorio neppure nel secolo successivo: Sinfonia in do maggiore k 551...
Viaggi ancora e intanto compone per il teatro di corte Cos fan tutte, Il flauto magico
per il popolare teatro viennese Auf den Wieden e La clemenza di Tito per Praga. I tre
ultimi lavori teatrali appartengono a tre generi diversi: il primo unopera comica, il
secondo unopera seria, il terzo un Singspiel.
FLAUTO MAGICO: favola che poteva soddisfare gusti popolari e intellettuali. Vicenda
ambientata in una fantastico antico Egitto narra le vicende del principe Tamino che dopo
aver superato una serie di prove di eroismo e di virt diventa degno di essere ammesso
insieme allamata Pamina nel regno di Sarastro. Nelle sue prove accompagnato
dalluccellatore Papageno che riesce anchegli a guadagnarsi la possibilit di ottenere in
moglie la bella Papagena.

Dalla rivoluzione alla restaurazione: Beethoven

Tutta giovinezza di B. svolta sotto il segno della Rivoluzione francese.

Immigrati in quel tempo a Parigi: Luigi Cherubini, Gaspare Spuntini
Centri pi importanti nella produzione di modelli musicali nuovi senza dubbio Parigi e
Vienna. Unica eccezione Inghilterra ai tempi di Muzio Clementi. Egli aveva sviluppato
una tecnica di note doppie che sfruttavano le possibilit del nuovo strumento. Clementi
fond anche una casa editrice. Il suo Gradus ad Parnassum una raccolta di esercizi di tecnica
pianistica rimasta nella tradizione didattica fino ai nostri giorni.

12
A Bonn nacque Beethoven (1770-1827). Famiglia va in miseria. Responsabilit educazione
musicale a Neefe. Ideali politici erano quelli di una sorta di speranza utopica o di fedelt
ideale nei confronti del regnate buono che sostituisce il tiranno cio colui che riesce a
trasformare la convivenza collettiva nel regno della libert individuale e della legge
morale. Funzione morale che egli affidava alla sua attivit di musicista
musicista-vate
Nel 1792 si trasferisce a Vienna da cui non si muove pi se non per viaggi occasionali.
Nei primi anni una buona parte delle sue entrate era dovuta ai concerti. Infermit alludito
lo costringe a rinunciare ai concerti. Amore per lumanit lo toglie dal suicidio,
attaccamento morboso per nipote.
Il processo creativo del musicista potrebbe dividersi in te periodi:
1) Primo periodo fino al 1800 che comprende le opere giovanili ancora legate ai
modelli settecenteschi. Prime 11 delle 32 sonate per pianoforte, i sei quartetti
dellopera 18, la Prima Sinfonia, i primi tre Concerti per pianoforte ed
orchestra, le prime quattro Sonate per violino e pianoforte. Suonata per
pianoforte in do minore op. 13 (Patetica)
2) Secondo periodo che comprende tutte le opere della maturit. Sinfonie fino
alla Sesta, sonate fino allopera 81, sei Quartetti, le musiche di scena per
lEgmont e Coriolano, altri due concerti per pianoforte, quello per violino e
Fidelio. Carattere vittorioso della Quinta sinfonia. Anche Fidelio come la
Quinta sinfonia si conclude con un gesto liberatorio. (1808-1815): Settima
Sinfonia, Ottava... Sintomi di unevoluzione. Nostalgia
3) Terzo periodo (ultimi 11 anni) a cui appartengono gli ultimi sei quartetti, le
ultime cinque sonate, la Nona Sinfonia, la Missa Solemnis. Accentuata
sordit. Bagattelle e Variazioni. Distacco da convenzioni. Inno alla gioia su
testo di Schiller che conclude la Nona Sinfonia conferma che B. non ha
rinunciata a mettere in campo il motivo di fondo di tutta la sua esperienza
morale.

La musica del primo Ottocento

La musica nellepoca romantica

Solo alla fine del Settecento con i primi fermenti preromantici la musica acquist un posto
di assoluto preminenza tra le arti.
Moderna storiografia sulla musica risale proprio agli inizi dellOttocento.
La gestione della cultura passa dalle mani del ceto aristocratico a quelle del ceto
imprenditoriale e borghese.
Pratica amatoriale del far musica in casa (Hausmusik)
Sogni e fantasie di una medie borghesia si riflettono nella Salonmusik.
Soprattutto nellEuropa del nord dove esisteva una lunga tradizione di canto religioso
collettivo si diffusero ampiamente associazioni e gruppi di amatori che coltivavano la
musica cantando in coro. I primi cori erano esclusivamente maschili.
In Germania e in Austria il genere musicale del Lied corale ebbe una diffusione analoga a
quello del Lied per voce sola a cui diedero contributi musicisti come Schubert, Schumann
e Brahms.
Il musicista reagisce con una sorta di moto dorgoglio individuale.
Destinatari del concerto sono un gruppo di soggetti con esigenze culturali differenziate.
Una delle prime spontanee reazioni quella di chi tende a giustificare in termini di utilit
13
sociale lopera del musicista nei confronti dei suoi possibili destinatari. Daltra parte il
problema delle difficili relazioni fra lartista e la societ che lo circonda trova anche
soluzioni in un atro tipo di ideologia che nasce dalla sfiducia nella possibilit di un
rapporto positivo. Problematica libert del musicista.
La forma classica della sinfonia dallepoca di Mendelsohn a quella di Brahms si mantenne
tuttavia ancora salda nelle sue strutture portanti. E lo stesso avvenne per il quartetto e la
sonata.
Ricerca di unoriginalit individuale
momenti musicali di Schubert e i pezzi fantastici
di Schumann.

Le grandi figure del Romanticismo in Austria e in Germania: Franz Schubert, Carl Maria
von Weber, Felix Mendelssohn e Robert Schumann

Nei primi decenni del secolo fu ancora Vienna a mantenere la preminenza artistica in
campo musicale. Una preminenza che le derivava soprattutto dalla presenza di Beethoven
e di Schubert.

Dopo la morte Franz Schubert (1797-1828) divenne una delle figure emblematiche della
Vienna degli anni della Restaurazione.
Non ebbe alcun rapporto con gli aristocratici che protessero Beethoven. Schumann
promosse la prima esecuzione della Sinfonia in do maggiore, mentre la Sinfonia in si minore
(nota come Incompiuta) rimase sconosciuta fino al 1865. Notevole diffusione ebbero i
Lieder. La natura stessa del Lied schubertiano rende sterile ogni tentativo di
classificazione formale.
Soluzioni di fresca semplicit e intuizioni di arditissima originalit formale si incontrano
tra i primi come tra gli ultimi capolavori di Schubert per canto e pianoforte. Su testo di
Goethe il primo capolavoro di Schubert Gretchen am Spinnrade. Nel 1814 numerosi
sono i testi goethiani musicati da Schubert: da altre pagine del Faust alle liriche del
Wilhelm Maister legate alle figure di Mignon e dellarpista, da Erlkonig a Suleika I e II.
Con i sei Lieder che furono pubblicati postumi arbitrariamente uniti a Lieder su testo di
Rellstab e di Seidl, nella raccolta cui fu dato il titolo di Schwanengesang. Alcune delle
intuizioni pi sconvolgenti e ardite nascono dallincontro con i versi di Heine: basti citare
lintensissima declamazione di Der Doppelganger (Il sosia) che si staglia sulla spettrale
staticit, sulla fissit ostinata della parte pianistica.
Rilievo che assume limmagine del viandante che anche il protagonista in ognuno dei
due cicli di Lieder di Schubert Die schone Mullerin e Die Winterreise.
Molte pagine giovanili, come le prime sei sinfonie, i primi quartetti o le sonate pianistiche
presentano una freschezza e un fascino rivelatori. Due capolavori incantevoli del 1819, la
Sonata in la maggiore D. 664 e il Quintetto in la maggiore D. 667 per pianoforte e archi (La
trota)...
Nello stesso anno dellIncompiuta Schubert compose la Fantasia in do maggiore op. 15
nota come Wanderer-Fantasie. Otto sonate composte tra il 1823 e il 1828.
Dopo la morte di Schubert ebbero una fortuna assai maggiore delle sonate i sei Moments
musicaux e gli Improptus op. 90 e op. 142 ai quali vanno aggiunti i postumi e meno diffusi
tre Klavierstucke del 1828. Nella produzione sacra spiccano le due grandi messe, D. 678 e
D. 950, frammento delloratorio Lazarus. Per il teatro Schubert compose musiche di scena
per Die Zauberhafte (arpa magica) e Rosamunde. Tra gli esiti maggiori Alfonso ed
Estrlla e Fierrabras.
14
Nonostante per molti aspetti il compositore viennese si possa considerare il primo grande
espondenti del romanticismo musicale in campo operistico questo primato tocc a Carl
Maria von Weber (1786-1826). Lanno in cui Schubert aveva iniziato la composizione di
Alfonso ed Estrlla nel 1821 a Berlino andava in scena il Freischutz (il Franco cacciatore).
Haydn lo aiut a rivedere lopera Peter Schmoll. Dallinizio del 1813 al 1816 fu
Kapellmeister al Teatro di Praga. A Praga Weber aveva proposto il Fernando Cortez di
Spuntini e a Dresda inizi a comporre Die Freischutz. Intanto aveva scritto le musiche di
scena per la Preciosa di P.A. Wolff e aveva posto mano al progetto di unopera comica (Die
drei Pintos). Linteresse di Weber per lesotico che trov stimoli nellabate Vogler aspetto
essenziale della sua poetica romantica. Trama del Freischutz: il cacciatore Max per amore
di Agate indotto ad un patto con le forze del male (impersonate da Samiel e dal malvagio
Caspar) per ottenere pallottole magiche: conteso tra il mondo delle potenze oscure e quello
libero e luminoso Max alla fine si salva. Valorizzati i corni, evocanti la vita dei cacciatori.
Compone poi Euryanthe. Vicenda dellinnocenza tradita sullo sfondo di un Medioevo
romantico.
Oberon: ultimo capolavoro composto nel 1825. Aspetti cavallereschi.

Oltre allisolata Genoveva di Schumann vanno ricordate nel primo Ottocento tedesco
anche le opere di Lortzing e di Carl Otto Nicolai. Il capolavoro di Nicolai una delle pi
felici opere comiche dellepoca: Le allegre comari di Windsor seguono poi Undine,
Regina, Hans Sachs...
Dopo la morte di Beethoven e Schubert la Vienna della Restaurazione e dellimmobilismo
di Metternich rimase per circa un trentennio ai margini della musica europea pi vitale.
Nel mondo tedesco i compositori pi significativi furono attivi in citt come Lipsia,
Berlina, Dresda...

La breve ma intensissima attivit di Mendelssohn come compositore, direttore

dorchestra, pianista, organizzatore ebbe i suoi poli in Berlino, Lipsia e lasci un segno
profondo nella vita musicale tedesca. A Berlino si comp la formazione di Mendelssohn.
Esord come compositore. Assunse la direzione dellorchestra del Gewandhaus nel 1835 e
con questa orchestra fu protagonista delle prime esecuzioni dellultima sinfonia di
Schubert e della prima e seconda di Schumann.
Rapporto con modelli haendeliani negli oratori Paulus e Elijah.
Alcuni capolavori composti di getto, come per esempio la sinfonia Scozzese.
Compone Quartetti. Del 1824 la prima Sinfonia. Del 1825 il primo capolavoro
LOTTETTO. Particolare fama ebbe lo Scherzo. Di natura affine nella prodigiosa incantata
levit louverture per il Sogno di una notte di mezza estate di Shakespeare. Compone poi
Quartetti e Quintetti, due Trii, due Sonate per Violoncello e piano e lultimo capolavoro, il
Quartetto in fa minore op. 80 dove tensioni e conflitti drammatici assumono unasprezza
inconsueta per Mendelsohn.
Le cinque sinfonie comprendono dopo la prima:
2- in re maggiore, Riforma per le celebrazioni ad Augusta
3- in la maggiore, Italiana ispirata al viaggio in Italia
4- cantata op. 52, Lobgesang scritta per le celebrazioni a Lipsia del quarto centenario
dellinvenzione della stampa
5- Scozzese del 1842.
In Schumann non mai in discussione la vera e propria autonomia della musica. A Jean
Paul e Hoffmann la fantasia di Schumann fece pi volte ricorso
invenzione del
15
Davisbundler, membri dellideale confraternita che con Schumann condivideva i
programmi estetici e la lotta contro la meschinit. Spos nel 1840 la pianista Clara Wieck.
Pi diretto ed esplicito il rimando a Hoffmann nel titolo Kreisleriana che Schumann diede
al mirabile ciclo delle 8 fantasie pubblicate nel 1838 come op. 16.
Studi sinfonici in forma di variazione.
Si accosta alla sonata consapevole dellinattualit.
Lespandersi della produzione di Schumann verso altri generi inizia nel 1840, lanno dei
Lieder. I testi sono soprattutto di Heine ma anche Chamisso e Eichendorff.
C un peggioramento delle condizioni psicofisiche dopo matrimonio con Clara. Del 1841
la prima delle 4 Sinfonie. Seguono altri quartetti, quintetti
Per il teatro Schumann compose tra il 1847 e il 1849 lopera Genoveva e le musiche di scena
per il Manfred di Byron.

La musica strumentale in Francia

Attivo il Conservatorio diretto fino al 1842 da Luigi Cherubini.

Berlioz: pu essere considerato come una sorta di caposcuola o di pioniere della muisca
strumentale francses dellOttocento. Suoi grandi modelli Gluck e Spuntini. La sua prima
opera importante (la Symphonie fantastique del 1830) assume gli atteggiamenti profetici
della grandiosa retorica beethoveniana. Compone poi un poema sinfonico Harold en
Italie, Romeo e Juliette...
Produzione non nota ai suoi contemporanei. Troppe contraddizioni.

Nicolo Paganini si esib a Parigi e nonostante tutto la sua figura appartiene in senso pi
vasto alla cultura europea e la sua fama di artista diabolico. I 24 Capricci di cui
elaborarono trascrizioni pianistiche la sua opera pi importante.
Lizt agli inizi degli anni Trenta rimase sorpreso dal virtuosismo di Paganini e compose su
un capriccio La Grande Fantasia di bravura sulla Campanella.

Grande atleta della tastiera
Chopin (1810-1849): fraseggio mirabilmente sciolto e leggero.

Due concerti per pianoforte ed orchestra (fa minore op. 21, in mi minore op.11),
Variazioni, sonata (op. 4 in Do minore), composizione cameristica come il Trio op. 8. Fiss
la sua residenza a Parigi. Si sostenta con lezioni private. Del suo repertorio abbiamo cos
Polacche, Mazurche, Notturni ed Improvvisi, Studi e Preludi, Scherzi e Ballate...Lo Studio
rivela come per Chopin lesercizio tecnico non fosse mai disgiunto da un profondo
contenuto compositivo. Arte di C. che suona spesso come esito naturale frutto di un
sofferto travaglio creativo. Questultimo aspetto lo si pu cogliere particolarmente nei
generi pi complessi come le Ballate, le Sonate e gli Scherzi o le Fantasie della stagione
matura. Estrema stagione creativa nella Polacca-fantasia op. 61 del 1845-46.

Lopera in Francia e in Italia

Lopera in Francia nellOttocento

Con Richelieu e Luigi XIV si avverte la necessit di promuovere una cultura di stato.
Attitudine a gestione centralizzata si manifesta allepoca della tragedie-lyrique lulliana.
NellOttocento acquister rappresentativit il genere dellopera-comique che aveva tratto
16
origine dal quel teatro popolare della foire (fiera).
Cos ecco Medea di Luigi Cherubini.
Inizia a diffondersi il genere dellopera-historique meglio noto come grand-opera.
Simile poetica fu praticata da Eugene Scribe e da Meyerbeer, il pi rappresentativo fra gli
autori di grand-operas.
Era comunque sul versante delopera-comique che le istanze romantiche potevano trovare
autentica espansione. Ci accadde col Benvenuto Cellini di Hector Berlioz.
Lopera lyrique nacque quindi dallo spirito dellopera comique. Tema la passione
amorosa sentita quale sublimazione del vissuto quotidiano della classe emergente.

Bizet (1838-1875): Pescatori di perle, LArlesiana, Carmen (1875). Non piacque

subito per la mancanza di lieto fine.

Esponente per lopera buffa Jacques Offenbach

Barbabl..., I racconti di Hoffmann.

Gioacchino Rossini e lopera italiana agli inizi dellOttocento

19 anni di carriera di Rossini dal 1810 al 1829 coincidono con la fine della guerre
napoleoniche e con let della Restaurazione.
Non vanno comunque dimenticati esponenti della scuola napoletana come Nicola
Antonio Zingarelli, Fioravanti.
Lopera buffa non era ormai il campo dazione pi interessante. Carattere tragico piace di
pi.
Altri esempi: Giovanni Simone Mayr...

La molteplicit di stimoli di rinnovamento che caratterizzava lopera italiana tra la fine del
Settecento e i primi anni del nuovo secolo avvertita da Gioacchino Rossini protagonista
di una svolta che si sarebbe rivelata incisiva per gli sviluppi futuri del melodramma. La
produzione buffa occupa una posizione privilegiata nella prima fase della carriera con
Barbiere di Siviglia (1816) e Cenerentola (1817) e si interrompe con Le comte Ory (1828).
Una farsa in un atto La cambiale di matrimonio fu linizio della carriera teatrale di
Rossigni. Lesordio (prima cera stata unopera seria, Demetrio e Polibio) fu seguito da
esplosione creativa: 9 opere nuove (6 buffe e 3 serie): La pietra del paragone, Loccasione
fa il ladro, Il signor Bruschino, Tancredi. Primo capolavoro buffo, LItaliana in Algeri.
Due opere fra le quali Il Turco in Italia furono rappresentate nel 1814. Viene chiamato a
Napoli come direttore artistico e dal 1815 al 1822 si impone con 19 opere dopo le quali
Semiramide conclude questa fase centrale. Due opere semiserie: La gazza ladra e Matilde
di Shabran.
La ricerca rossiniana non puntava su unoriginalit radicale. Le rinnova dallinterno, le
sottopone ad unespansione. Un affascinante esempio di questo peculiare equilibrio pu
essere considerata La donna del lago ispirata al poema di Walter Scott e ambientata in
Scozia.
Nellestate 1824 Rossini si stabil a Parigi assumendo la direzione del Theatre Italien e nel
1825 per lincoronazione di Carlo X scrisse Il Viaggio di Reims. Terza opera francese di R.
fu Comte Ory. Compone poi il Guglielmo Tell, Mose in Egitto, Maometto II.
Il capolavoro degli ultimi anni la Petite messe solennelle.

Il melodramma romantico nellepoca di Vincenzo Bellini e di Gaetano Donizetti

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Al centro dellattenzione c individuo. Tale la disposizione danimo che traspare dal
programma del foglio milanese Il Conciliatore (1818-19) manifesto del Romanticismo
italiano. Resta il melodramma come forma preferita.

Vincenzo Bellini come individualit pi rappresentativa della prima epoca romantica.

Bellini fu il primo operista italiano dell800 ad avvertire come primaria esigenza che i
personaggi di un dramma musicale dovevano vivere esteticamente anche nei recitativi.
Felice Romani gli forn tutti i libretti tranne lultimo, I Puritani.
Sue opere:
 Il pirata
 La straniera
 Zaira
 I capuleti e i Montecchi
 La sonnambula: dal genere semiserio, ambientazione in Svizzera
 La Norma: da tragedia classica
 Beatrice di Tenda
 I Puritani: estetica romantica
Gaetano Donizetti (1797-1848): rende immanente a quegli schemi stessi la pulsione
romantica. Muore a 51 anni preda della follia.
Opere:
 Elisir damore: opera comica
 Lajo nellimbarazzo: opera comica
 Lucia di Lammermoor: seria. Perfetta fusione psicologia personaggi e ambiente. Da
romanzo Walter Scott
 Anna Bolena: seria
 Lucrezia Borgia: seria
 Don Pasquale
 Linda di Chamonix: semiseria
 La Favorita: per il teatro francese
 La figlia del Reggimento: per Parigi

La drammaturgia musicale di Giuseppe Verdi

Giuseppe Verdi (1813-1901): condivisione spontanea per le idee e i valori della societ in
cui viveva. Oppone ideali di sacrificio e onest.
La sua carriera inizi relativamente tardi nel 1839 con Oberto Conte di San Bonifacio.
Il Nabucco diede fama internazionale, ispirata a narrazione biblica (trasposizione fra la
prigionia degli ebrei in Babilonia con quella degli Italiani).
Ernani (1844) ispirato al dramma di Hugo.
Nel corso degli anni Quaranta Verdi alterna opere a sfondo corale e patriottico:
 La battaglia di Legnano
 Attila
 I lombardi alla prima crociata
O drammi personali:
 I due Foscari
 I Masnadieri
 Luisa Miller
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 1) Figura originale del padre a cui spetta il compito di difendere la figlia o di
combattere devianze dei figli.
2) Amore fra i giovani dotato di forza da resistere contro le convenzioni sociali
Nella concezioni verdiana lunit musicale comprende unintera azione cio la narrazione
esauriente di un episodio basata sulla presenza dominante di un personaggio. Soprano e
tenore costituivano in genere la coppia eroica dei protagonisti amorosi; alla voce di basso e
baritono erano invece riservate di norma le funzioni antagonistiche.
Attenzione alla realizzazione registica e scenografica per Macbeth (1847).
I primi anni di carriera si conclusero con tre opere comparse agli inizi degli anni
Cinquanta:
Rigoletto (1851)
Il trovatore (1853)
La Traviata (1853)
Non celata avversione per potere clericale.
Per Parigi compone: I Vespri siciliani
Altre opere che si ispirano alla grand-opera: Simon Boccanegra, Aida
Dopo Un Ballo in maschera presentato a Roma nel 1859 assume un atteggiamento pi
critico nei confronti dellambiente italiano.
Cos per quasi 30 anni le nuove opere che Verdi compose non ebbero la lora prima
rappresentazione in teatri italiani: La forza del destino (Pietroburgo), Don Carlos (1867 a
Parigi), Aida (Cairo, 1871).
Con il Verismo Verdi rimane comunque legato alla societ del suo tempo. Esempio ne la
Messa da Requiem (1874) che gli fu ispirata dalla morte di uno dei pi grandi protagonisti
dellepoca risorgimentale: Manzoni.
Si lasci sedurre da Shakespeare nel 1887 e compose Otello e Falstaff. In entrambi si serv
come librettista di Arrigo Boito.

La musica del secondo Ottocento

La musica e larte dellavvenire: Liszt e Wagner

Ideali socialisteggianti. Anche Wagner preconizzava la creazione di un opera darte

dellavvniere partendo per da presupposti totalmente diversi da quelli di Liszt. Per
Wagner la rigenerazione dleluomo attraverso larte non poteva compiersi che attraverso
la liberazione dellarte musicale dai vincoli economici con la civilt borghese e mercantile
che si serviva della musica per fini bassamente utilitaristici relegandola al ruolo di
semplice svago. La storia disattese totalmente le speranze di chi come Wagner partecip ai
moti di Dresda.

Liszt (1811-1886): una delle personalit musicali romatiche meno circoscrivibili in una
specifica area geografica. Nomadismo e internazionalismo. Ungherese. Fu attivo a
Weimar, la seconda che impossibile scollegarlo da Wagner. Dal 1848 al 1858 a Weimar.
Arte musicale intesa come missione. Immagine poetiche ispirate da impressioni
naturalistiche. Nonostante nel periodo di Weimar venga alla luce la sua composizione
pianistica di maggior impegno, la Sonata in si minore (1853) nellambito orchestrale che
Liszt concepisce i suoi progetti pi ambiziosi con una serie di 13 poemi sinfonici e due
sinfonie programmatiche. La sonata in si minore un poema sinfonico per pianofort privo
di qualsiasi programma ancorch animata da un tormento faustiano, mentre i due concerti
19
per pianoforte e specialmente il secondo conferiscono al tradizionale schema del concerto
un andamento ciclico. Gi nel periodo di Weimar la religiosit era oscillante e sub una
svolta in senso pi confessionale con la decisione di abbracciare ordini minori. Produzione
sacra: Messa di gran, oratori La leggenda di Santa Elisabetta e Christus.
Brani pianistici tutti concpiti negli anni 80 di carattere rievocativo e funebre in memoria di
Wagner: La lugubre gondola, R.W. Venezia, Sulla tomba di R.W.) o di eroi ungheresi
(Ritratti storici ungheresi).
Larte di L, non risulta unarte perfetta.
A differenza di L. Wagner trov nel teatro musicale la sua forma privilegiata di
espressione. Per Wagner infatti il dramma musicale stato una precisa scelta ideologica:
non un genere tra gli altri, ma lunico luogo in cui potesse trovare piena attuazione lopera
darte dellavvenire. Il teatro di Wagner prende corpo in un contesto artistico in cui gi
venuto coagulandosi lideale di un teatro musicale nazionale.
Wagner (1813-1883 a Venezia) muove da opere (Die Feen ricavata da una fiaba di Gozzi e
Das Liebesverbot da Shakespeare) che si rifanno luna alla recente tradizione romantica di
Hoffman e laltra agli stili di Donizetti...A Parigi nel 1839 termine la partitura del Rienzi.
Il trapasso si compir attraverso Lolandese volante, il Tannhauser, Lohengrin per
sfociare nei capolavori della maturit: la tetralogia intitolata Lanello del Nibelungo,
Tristano e Isotta, I maestri cantori di Norimberga e Parsifal. Gi nellOlandese volante i
personaggi vivono allinterno delle tematiche simboliche. La leggenda, tratta da Heine,
narra di un navigatore olandese condannato dal diavolo a vagare sui mari per leternit fin
tanto che lamore fedele di una donna non labbia redento.
A Dresda compone nel 1845 il Tannhauser che si fonda su leggende nordiche che hanno
per protagonista il Minnesanger Tannhauser che cerca una salvazione dal peccato che
soltanto la morte di una vittima sacrificale, Elisabetta, pu procurargli.
La tecnica del Leitmotiv vi compare chiaramente anche se non un vero sistema. Essa
riappare definita nel Lohengrin completata nel 1848. Le parti essenziali si sviluppano da
cinque motivi musicali principali che generano la struttura interna delle scene senza il
concorso di forme chiuse (arie, cori, duetti, recitativi).
Compone poi i quattro drammi collegati, Tetralogia
Lanello del Nibelungo, Loro del
Reno, La Walkiria, Sigfrido, Il crepuscolo degli dei.
Intanto scrive Tristano und Isolde in cui W. Reinterpreta i temi della colpa e della
redenzione.
Nel 1866 prende dimora in Svizzera e completa la partitura di Die Meistesinger von
Nurnberg (i Maestri cantori di Norimberga), unica opera non tragica. Storia damore di
Walter che per guadagnare la mano della giovane Eva tenta di conquistare il titolo di
maestro cantore e poi gareggia nel campo col suo severo censore Beckmesser (in cui
W..vede Hanslick) vincendo grazie allaiuto di Hans Sachs.
Matrimonio con Cosima, figlia di Liszt e vita a Tribschen dove completa la Tetralogia nel
1874.
Lidea drammatica dellAnello del Nibelungo consiste nel tramonto dun mondo basato
sulla legge e sulla violenza, quello degli dei e del loro re. Rinuncia dellamore in cambio
del potere. Sacrifico di Brunilde e Sigfrido.
Tecnica del Leitmotiv.
Nellultimo dramma musicale Parsifal Wagner conduce il motivo della colpa e della
redenzione a un estremo grado di interiorizzazione. Parsifal un personaggio passivo.
Pensiero di Schopenhauer. Completato nel 1882.

20
La Vienna di Brahms, Bruckner e di Hugo Wolf

Crisi impero asburgico, variet etnica dei popoli sottomessi. Mire espansionistiche
dellimpero prussiano. Vienna pi ricca di stimoli.

Brahms (1833-1897):primi concerti nel 1862. Grazie a conoscenza di Schumann.

Compositore del passato scrive affreschi sinfonico-corali, sinfonie, concerti e composizioni
cameristiche, Lieder. Le grandi composizioni corali come Un requiem tedesco, Il canto del
destino, Il canto delle Parche o la Rapsodia per contralto concepite fra il 1868 ed il 1871
sono sublimi creazioni che non derivano da una supina accettazione del testo poetica ma
intendono comunicare un messaggio profondamente umano. Nei lavori della prima
stagione come i diversi cicli di variazioni pianistiche e le prime composizioni cameristiche
una forte carica emotiva e passionale domina incontrastata. Lambito cameristico fu per
Brahms il luogo ideale della sua arte. Usa il pianoforte come pilastro ideale di motle
combinazioni cameristiche. Si rivolge alla sfera sociale della borghesia erudita. Rituale
delle richieste di giudizi nei confornti di composizioni non ancora ultimate. Le opere di B.
comunicano il dramma segreto dellartista borghesee e della sua solitudine esistenziale.
Brahms nella polemica contro Wagner e Liszt insieme a Hanslick.

Brucker (1824-1896): si proclam wagneriano e questo caus ostilit da parte di Brahms e

della sua cerchia. Conobbe il compositore personalmente. La prima Sinfonia in fa minore
viene rifiutata, poi c la Sinfonia in re minore e infine la prima opera matura, la Messa n.1
in re minore (1864). Compone poi la Sinfonia n.1 in do minore. Dopo la messa n.2 e la
Messa n.3 vennero soltanto il grandioso Te deum e poche altre pagine. La messa n.3
accolta favorevolemente anche da Hanslick. Solo con la Sinfonia n.4 ebbe successo. La
terza portava la dedica a Wagner. Quintetto in fa maggiore per archi (1879) lunico
capolavoro cameristico di Bruckner. Hanslick lamenta assenza di logica e chiarezza.
Wagnerismo di Bruckner non poteva sottrarlo allisolamento.

Hugo Wolff (1860-1903): wagnerista.

Il valzer e loperetta

Generi leggeri. Primi fra tutti quelli delloperetta.

Esito pi clamoroso a Vienna di tale fusione di caratteri e di cadesta elaborazione cittadina
della musica popolare era stata la creazione del valzer viennese ad opera di Josef Lanner e
Johann Strauss Senior autore fra laltro della famosa Marcia Redetzky. La danza avrebbe
poi raggiunto la sua apoteosi con Johann Strauss figlio autore di oltre 170 valzer di cui i
pi famosi, oltre al celeberrimo Al bel Danubio blu assurto quasi ad inno nazionale
Storielle del bosco viennesem Vinom donne e canto, Sangue viennese, Voci di
primavera...Scrive operette quali Il Pipistrello, Una notte a Venezia, Lo zingaro barone.
Famoso diventer Lehar con loperetta La vedova allegra.

Lemergere di particolarismi e dei nazionalismi

Mitizzazione di un uomo primigenio. Le melodie e i ritmi contadini soprattutto slavi

hanno il potere di rinnovare le forme stesse della tradizione classiche fornendo nuovi
modelli armonici. Questa vera e propria irruzione del popolare nella musica occidentale
21
assume caratteri assai diversi da regione a regione. Quelli pi fecondi sono comunque i
paesi slavi (ai margini sino alla rivoluzione francese): Russia, Ungheria, Polonia, Spagna e
paesi nordici-scandinavi.
Nel corso dellOttocento c lemergere di scuole nazionali come fatto rivoluzionario.

Le scuole nazionali

Russia
 Glinka usa tutti gli ingredienti musicali a lui contemporanei ma vi immette in
modo continuativo una componente russa.
 Dargomyzskij: individuazione di un recitativo propriamente russo
Gruppo dei Cinque: portavoce Stasov. Per una musica di tendenza slavofila. Insieme a
Balakirev, Cui, Borodin, Musorgskij (Boris Godunov [Boris Godunov salito al trono
dopo aver assassinata il piccolo Dimitri erede vive il suo potere in una tragica solitudine,
minacciato dalla nobitl, odiato dal popolo e insidiato da un falso Dimitri e si appoggia
alla Chiesa cattolica e alla Polonia. Si conclude con la morte di Boris], Il matrimonio, Una
notte sul Monte Calvo, Quadri di unesposizione, Chovanscina[tre contendenti al trono.
Popolo come protagonista della storia. M. muore in solitudine]), Rimski-Korsakov
[maggior rilievo. Predilezione per fiabesco: Sadko, Antar, si allontana sempre pi per
arrivare ad una sua individualit. Compone La notte di Natale, Il gallo doro,
Sherazade, Capriccio spagnolo, La grande Pasque russa). Questi erano
dellindirizzo orientale, per una musica slava.
Per lindirizzo OCCIDENTALE abbiamo Caikovski (1840-1893), omosessuale. Opere
liriche Eugenio Onegin, Dama di Picche. Balletti famosi come Il lago dei cigni, La
bella addormentata, Schiaccianoci. Scrive alcune sinfonie da segnalare la Quarta, la
Quinta, La Sesta detta Patetica. Compone ouverture-fantasie come Francesca da Rimini,
Romeo e Giulietta...Nella produzione operistica leffusione melodica un elemento
prevalente. Affronta argomenti storici o nazional popolari: La pulzella dOrleans, Ma
zeppa, Lufficiale della guardia.

Solo con la comparsa di due grandi personalit come Smetana e Dvorak si pu parlare di
una vera e propria scuola nazionale in Cecoslovacchia.
Smetana (1824-1884): incontro con Lizt. Fonda una scuola a Praga. Compone Ouverture
trionfale, I Brandeburghesi in Boemia, La sposa venduta. Amore per la sua terra. Afflitto
da disturbi mentali. Famoso quartettoDella mia vita in cui volle rendere nel linguaggio
della pura musica la sua esperienza esistenziale. Valida alternativa alla tradizione classica
viennese.
Dvorak: pi legato a Brahms. Spesso le melodie e i ritmi popolari diventano materiale
tematico delle sue composizioni. Compone: Danze slave, Stabat Mater, Rusalka, la
sinfonia Dal nuovo mondo scritta dagli USA con ritmi di jazz come nel trio Dumky.

Scuola scandinava:
 Grieg
 Nielsen
 Sibelius: ha contribuito in modo decisivo allo sviluppo di una scuola nazionale
finlandese. Compone poemi sinfonici come Una saga, Karelia, Il cigno di
Tuonala. Il pi famoso comunque Finlandia del 1899.

22
Scuola inglese:
 Elgar e Delius

Scuola spagnola:
 Pedrell: intendeva valorizzare il patrimonio musicale spagnolo nella sua interezza
popolare. Scrive il monumentale Canzoniere musicale popolare spagnolo e la
triologia teatrale I Pirenei.
 Albeniz: suo allievo.
 Granados: suo allievo
 De Falla: suo allievo

Italia e Francia alla fine del secolo

Ripresa tradizione strumentale locale su spinta dellesempio di Wagner.

 Camille Saint-Saens: contro la Sagra della Primavera di S.
 Faur: pi aperto verso le nuove tendenze
 Franck
 Chabrier

In Italia il secolare dominio del melodramma aveva ritardato laffermarsi del concerto
pubblico a pagamento. Repertorio di una produzione ricalcata sui modelli del
Romanticismo e tardo Romanticismo tedesco. Musicisti che ci provano: Bazzini, Golinelli,
Mancinelli, Sgambati, Martucci, Leone Sinigaglia per la rinascita della musica strumentale
in Italia. Influenze del sinfonismo di Wagner.

Naturalismo. Permanere di unabitudine melodrammatica.

Etichetta di Giovane Scuola che comprendeva principalmente Mascagni, Leoncavallo,
Puccini, Cilea e Fianchetti. Il loro teatro prese il nome di verista solo perch Mascagni ne
fu iniziatore con Cavalleria rusticana (dopo scrive Guglielmo Ratcliff, Isabeu, Amico Fritz,
Maschere e Parisina) e dopo Leoncavallo nei Pagliacci . Giordano compone lAndrea
Chenier (oltre che Siberia e Madame Sans-Gene), Francesco Cilea lautore dellArlesiana
e Adriana Lecouvreur. Puccini (1858-1924) allo scadere della tradizione melodrammatica
individua la novit: opere sono Manon Lescaut, Boheme, Tosca, Madame Butterfly,
Fanciulla del West, Rondine, Tabarro, Suor Angelica, Gianni Schicchi, Turandot.

La musica tra Ottocento e Novecento

Tra simbolismo, decadentismo e Art Nouveau

Inquiete ricerche. Svolta si delinea con chiarezza intorno al 1890: basti ricordare qui le
datre delle prime esecuzioni della Prima Sinfonia di Mahler e del Don Juan di Strauss e del
Prelude a lapres-midi dun faune (1894).
Ultimi due decenni del secolo si apre una fase nuova nella storia europea caratterizzata da
un consolidamento del capitale ecnomico grazie anche alle conquiste coloniali che
conoscono in questepoca la massima espansione.

La musica francese da Claude Debussy a Maurice Ravel

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Claude Debussy (1862-1918): vive nella Parigi dellarte impressionista. Rapporto con
ambienti musicali meno decisivo di quello con artisti e poeti. Le sue relazioni con
larmonia wagneriana sono in un certo senso indirette o meno dirette che in altri casi. Uso
accorto di modi dattacco rari (frullati, tremoli, suoni armonici). Capolavori degli anni
Novanta (Cinq poemes de C. Baudelaire, Fetes galantes, Chansons de Bilitis) che in un
certo senso preparano al momento culminante di Pelleas et Melisande. Nel Prelude a
lapres-midi dun faune restano tracce evidenti di tematismo e tracce di partizione
formale nella divisione in tr zone con un episodio centrale di carattere e tenuto diverso dai
due episodi laterali.
In opere strumentali successive, nei Nocturnes, in La mer e in Images il gioco degli
occultamente si fa ancora pi sapiente. Il risultato quello di una sorta di atomizzazione
del discorso, di suddivisione del testo in brevi frammenti
Impressionismo.
Dicono che la musica di Debussy proceda per macchie sonore.
Il lavoro debussiano pi tipico parso Pelleas et Melisande anche perch si legava ad un
testo del maggiore esponenti del teatro simbolista, Maeterlinck. D. music direttamente in
prosa senza pensare ad una trasposizione librettistica. Progetto dal Crollo della casa
Usher di Poe e due balletti Khamma e Jeux.
Tutta la tecnica di D. sembra volta a creare nellascoltatore questo senso di caducit del
tempo. Il balletto Jeux che fu eseguito a Parigi dalla compagnia di Diaghilev descrive
provocatoriamente una partita di tennis in costume sportivo.

Ravel (1875-1937): gli fu rifiutato il Prix de Rome. Fonda una nuova associazione di
giovani musicisti, la Societe Musicalee Indepenante (con Faur presidente). Curiosit e stima
per i musicisti della sua generazione. Assimilatore: musica rinascimentale e barocca
(Pavane pour une infante defunte e Le tombeau de Couperin), al folklore spagnolo (Rapsodia
spagnolo e Bolero), russa (trascrizione di Quadri di unesposizione), alla tradizione viennese
dedic pi di unopera a cominciare dai Valses nobles et sentimentales. Di jazz abbiamo
tracce ne Lenfant et les sortileges e nella Sonata per violino e pianoforte del 1927.

Dukas (1865-1935): unica opera teatrale Ariane et Barbe-Bleue su testo di Maeterlinck.

Erik Satie e larte povera

Satie (1866-1925): avanguardia francese degli anni Venti. Scoperto da Ravel attorno al 1910
aveva alla spalle gi una produzione compositiva avviata allinsegna di uno
sperimentalismo armonico. Opere da lui composte: Ogives, Messe de pauvres, Poudre
dor, Diva de lEmpire, la famosa Parade
Gruppo dei Sei si sciolse alla vigilia della morte di Satie nel 1924. Il balletto realista Parade
unopera-manifesto provocatoria nel suo improbabile realismo. Socrate un dramma
sinfonico. Prima di morire scrisse ancora la muisca per Mercuri e Relache. Si parla di
pauperismo musicale di Satie. Fa anche una parodia della famosa Sonatina op. 36 n. I di
Clementi.

Gustav Mahler, Richard Strauss e la musica austriaca e tedesca

Irrompere del moderno nella musica dei paesi di lingua tedesca si fa risalire alla data della
prima esecuzione del poema sinfonico Don Juan di Richard Strauss. Pochi giorni Mahler
present la sua Prima Sinfonia. Nel 1888 Mahler aveva scritto Totenfeier che sarebbe poi
24
divenuto il primo tempo della Sinfonia n.2.
I primi capolavori di Gustav Mahler (1860-1911) e Richard Strauss (1864-1949) sembrano
appartenere allo stesso genere; ma questa coincidenza documenta soltanto la fortuna della
musica a programma.
Lidea della musica come Naturlaut, come suono della natura, va intesa in un senso molto
ampio e abbraccia linsieme dei vocaboli musicali. Cos nelle sinfonie di Mahler si
addensano materiali eterogenei..Ebreo boemo, Opera che pu essere considerata latto di
nascita del suo linguaggio Das klagende Lied. Dopo gli esordi gli unici generi musicali
coltivati da Mahler furono Lieder (per voce e orchestra). Nel 1897 direttore dellOpera di
corte di Vienna. Matrimonio con Alma Schindler figlia di un pittore lo pose in contatto con
lambiente artistico. Soprattutto nella seconda e nella terza sinfonia si ha lidea di sinfonia
come mondo. I Lieder mahleriani hanno per protagonisti soldati e contadini, bambini,
disertori...Esempio Kindertotenlieder. Ottava importante successo. Con il Lied von
der Erde, la Nona e lincompiuta Decima: andamento frammentario. Mahler considerava
se stesso linattuale per definizione e vedeva in Strauss il grande attuale.

Strauss: primo capolavoro il poema sinfonico Don Juan che si ispira a Lenau. Compone
il rond Till Eulenspiegels lustige Streiche; alla forma sonata si pu ricondurre Tod und
Verkllarung (Morte e trasfigurazione). Di pi ampio respiro Also sprach Zarathustra
dove Nietsche preso liberamente come spunto per una celebrazione dellevolversi
dellumanit. E in una celebrazione si risolve lidea poetica di Ein Heldenleben. Scandalo
per la Salom (dalla traduzione tedesca del dramma di Wilde). Elektra di Hofmannsthal.
Tocca punte di allucinata esasperazione espressiva. Commedia Rosenkavalier con la
collaborazione di Hofmannsthal cos come Arianna a Nasso. Con LA donna senzombra
ribadisce il suo estraniarsi alle novit radicali degli anni dellEspressionismo. una fiaba
densa di simboli. Si isola sempre di pi.
Il 1909 fu lanno dello Schonberg atonale.

Zemlinsky (1871-1942): determinante incontro con Mahler. Legata a gusto della

Secessione. Opere sono: Una tragedia fiorentina, Il nano.

Schrecker: Il compleanno dellInfanta, Il suono lontano...I segnati...

Busoni: Arlecchino, Turandot, Doktor Faust...Nuova classicit.

Simbolismo e decadentismo nella Russia prerivoluzionaria: Skriabin

Russia Prerivoluzionaria. Skriabin inizia una brillante carriera pianistica internazionale.

Assunzione di modelli chopiniani. Stimoli specialmente filosofici. Dalla Quarta sonata per
piano fino alla Decima ed ultima S. svincol definitivamente la sonata dalla struttura
tradizionale in pi movimenti. Quando il vincolo formale si allenta ulteriormente e il
pensiero musicale si addensa nella piccola forma come nei Cinque preludi op. 74 allora ci
troviamo alle soglie dellinformale e dellaforismo.
Prometeo o Il poema del fuoco (famoso laccordo: do-fa diesis-si bemolle-mi-la-re).

Rachmaninov: gestualit romantica. Famoso Lisola dei morti come poema sinfonico.

Il realismo espressionistico: Janacek

25
Danze di Lachi, Nello stile del canto popolare, Amarus, Jenufa...Sfumature
psicologiche dei personaggi. Uso del canto popolare...

Lepoca delle avanguardie storiche

Dalla crisi ai nuovi linguaggi

La vita dei teatri e delle sale da concerto comincia ad assumere le omogenee caratteristiche
internazionali che sono le premesse di quelle attuali. Oggi un dato acquisito che gli anni
1908-09 a Vienna segnino una data fondamentale per la musica del Novecento; ma la
consapevolezza di questa prospettiva storica non sempre stata scontata e non lo era
certamente negli anni della stesura della Filosofia della musica moderna.

La scuola di Vienna: Schonberg, Berg e Webern

Schonberg (1874-1951): lezioni da Zemlisky. Dopo le prime raccolte di Lieder il suo primo
capolavoro fu Verklarte Nacht del 1899 per sestetto darchi. Musica da camera ha un
rilievo essenziale nellopera del giovane S. Ricerca di essenzialit e organico gigantesco
come Gurrelieder o poema sinfonico Pelleas und Melisande. Opere riassuntive della prima
fase possono essere considerate il Quartetto n. 1 in re minore op. 7 e la Sinfonia da camera
op.9. Sono concepiti come blocco unico. Allinterno di un solo movimento in forma sonata
singlobano i quattro tempi tradizionali. La sinfonia composta per 15 strumenti con esiti
sonori di trasparenza e allucinata tensione presenta un grado di densit e concentrazione
portato allestremo.
Tra il 1908 e il 1909 egli compose i 15 Lieder dal Libro dei Giardini Pensili di Gorge, nel
1909 nascquero i Tre pezzi per pianoforte, i Cinque pezzi per orchestra e il monogramma
Erwartung.
Rifiuta il termine di atonalit e preferisce parlare di EMANCIPAZIONE DELLA
DISSONANZA.
Legami con Kandiski.
Condizione emblematica dellespressionismo langosciosa solitudine dellunica
protagonista di Erwartung, una donna.
In Die gluckliche Hand aveva progettato una grande dramma.
Nel 1911 compone i Seipiccoli pezzi op. 19 per pianoforte.
Del 1912 il Pierrot Lunaire (forme libere e anche rigorose forme contrappuntistiche).
Musica come caleidoscopio. costituita da una forma di recitazione intonata che
Shconberg chiam Srpechgesand dove linterprete deve rispettare rigorosamente il ritmo
ed intonare le note scritte con emissione parlata.
Negli anni della guerra S. lavor solo ai bellissimi Lieder op. 22 con orchestra e
allincompiuto oratorio Die jakobsleiter.
Metodo della dodecafonia.
Nel solo ambito della scuola di Vienna, in Schonberg, Berg e Webern, si assiste a tre modi
radicalmente diversi di concepire il nuovo metodo. In Schonberg la sperimentazione della
dodecafonia coincise con una svolta stilistica piuttosto netta. Gi il Pierrot Lunaire segna
una svolta. Ma una pi netta quella che si profila tra le due raccolte di composizioni
pianistiche degli anni 20-23, i Cinque pezzi op. 23 e la Suite op. 25. Lop. 23 prosegue
26
idealmente le esperienze del Pierrot e della Jakobleiter. Uso della dodecafonia in S. and
rapidamente oltre la rigida stilizzazione di aprte dellop. 25 recuperando una nuova libert
inventiva. Gli anni dopo il 1920 sono di rinnovata fertilit: quartetto n. 3 e le Variazioni.
Totale padronanza del nuovo metodo nellincompiuta opera Moses und Aron.
Allavvento del nazismo decise di lasciare la Germania e si stabil negli USA. Si deline
allora nella musica di Schonberg una tendenza retrospettiva e ritorno alla tonalit.: Ode to
Napoleon...Poi, intorno al 1945 c unaltra svolta
riemgerge la tendenza ad inventare
forme liberissime (A Survivor from Warsaw.....

Berg (1885-1935): interesse per il Lied confinato allapprendistato. Questa produzione

culmina nei Sieben fruhe Lieder. Primo pezzo atonale di Berg come contributo
allalmanacco Der blaue Reiter curato da Kandinski e Marc. Drammatica gestualit
teatrale. La vicinanza dellopera 6 con il Wozzeck non soltanto stilistica e spirituale ma
anche cronologica. Ambiguit tonali.
Con il concerto da camera per violino, pianoforte e 13 fiati si profila una svolta verso la
dodecafonia. Nel 1925 segu il primo pezzo dodecafonico di Berg, un breve Lied su testo di
Storm, la cui serie usata anche nella Lyrische Suite per quartetto darchi che la pi
fortunata opera strumentale di Berg insieme con il Concerto per violino (1935) dove il
musicista sembra voler trarre dal proprio linguaggio lessenza lirica. Ambiguit tonali
Opera che assorb la massima parte delle energie di Berg, Lulu

morte gli impedisce la
strumentazione. Da dramma di Wedekind, Lo spirito della terra e Il vaso di Pandora, Berg
trae 7 scene del suo libretto. Dallascesa sociale alla morte per mano di Jack lo sventratore.

Webern (1883-1945): assume la posizione de puro lirico rispetto agli altri due. Al Lied
dedicata gran parte delle sue composizioni. Webern studi con Schonberg. Inizia il suo
catalogo con la Passacaglia op. 1 per orchestra del 1908. Tra il 1908 e il 1909 music 15
poesie di Stefan Gorge. Compone anche Bagattelle.
Nel 1914 si apre una nuova fase nella musica di W.: dopo aver approfondito allesrtmo la
ricerca nellambito della massima concentrazione egli ritorn alla musica vocale, unendo
al canto il pianoforte (nellop. 12) o piccoli ed atipici gruppi strumentali.
A partire dai 3 Volktexte op. 17 Webern adotta il metodo dodecafonico proposto da
Schonberg usandolo in modo piuttosto semplice.
A partire dalla Sinfonia op. 21 si precisano i caratteri pi tipici del modo weberniano di
intendere la dodecafonia negli anni della avanzata maturit. Egli tende a comporre la
serie, a pensarla cio come un materiale di partenza che unifichi compiutamente diversi
aspetti della composizione.

Strawinsky: dallepoca dei Ballets russes al periodo seriale

Primo decennio del XX
Ballets Russes di Diaghilev. Attrae numerose personalit.

 Debussy : Jeux
 Ravel: Daphnis et Chloe
 Strauss : La legend de Joseph
 Satie : Parade
 Prokoviev : Chout, Pas dacier, Le fils prodigue
 Milhaud : Le train bleu
 Strawinsky : Luccello di fuoco, Petruska, La sagra di primavera, Le rossignol,
Pulcinella, Mavra, Noces, Apollon Musagete
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Quando D. commission a S. Luccello di fuoco S. era gi conosciuto per Scherzo
fantastique e Fuochi dartificio. Altri due balletti Petruska e Le sacre du printemps che
rappresentano il periodo russo. Impiego di fonti popolari russe. Il Sacre ancora pi di
Petrusla un prototipo stilistico che contiene racchiusi in s i tratti salienti del linguaggio
strawinskiani. Fino a Mavra (1922) opera buffa che parodizza lopera comica italo-russa
traendo il soggetto da un poema di Puskin, S. non comporr pi un lavoro teatrale in cui si
realizza unidentificazione ta voce e personaggio. Tanto in Renard che in Noces tratti
entrambi da testi popolari russi le voci sono mescolati agli strumenti dellorchestra.
Una situazione analoga si realizza nellHistoire du soldat con la riduzione delorchestra ai
minimi termini.
Con il balletto Pulcinella S. inaugura quel nuovo periodo creativo che con termine
equivoco stato definito NEOCLASSICO.
Conversione religiosa inaugurato con un capolavoro assoluto: la Sinfonia di Salmi.
Personale prassi creativa cui la poetica musicale intese a attribuire una veste di
sistematicit e coerenza estetica
Poetique musicale del 1942.
Allinizio degli anni Quaranta la produzione stravinskiana risente infatti della crisi del
trasferimento negli USA della seconda emigrazione del compositore in seguito al precisare
degli eventi in Europa.
Lavori doccasione o su commissione.
Vedi altri appunti.
Nei lavori successivi, La Cantata, Il settimino, Tre canti di William Shakespeare e In
memoriam Dylan Thomas S. manifesta unn sempre pi spiccato interesse per limpiego
delle permutazioni.
Compiuto approdo alla serialit con i Treni: id est Lamentationes Jeremiae Prophetae.
Dai Treni fino alle ultime composizioni della met degli anni Sessanta la creativit
stravinskiana si concentr principalmente sulla composizione di lavori dispirazione sacra
o dedicati ad amici o personalit scomparse (Elegy for J.F. ennedy del 1964 e Introitus alla
memoria di Eliot). Le due ultime composizioni strumentali di maggior respiro, i
Movements per pianoforte ed orchestra e le Variazioni orchestrali rappresentano i punti
di massimo avvicinamento di S. allavanguardia contemporanea.

Canto popolare e apertura internazionale nei paesi dellEst europeo: Szymanowski,

Kodaly, Bela Bartok

Aspirazione a riscossa culturale dei paesi un po emarginati.

Szymanowski: polacco. Attratto da Skrabin. Lirismo estatico, arabesco, atmosfere
sensuali. Opera Re Ruggero, Stabat Mater. Interesse anche nei confronti del folklore.

Kodaly e Bartok dalla met del primo decennio del Novecento collaborarono
appassionatamente ad una sistematica ricerca etnomusicologica impostata su basi
scientifiche ed alla pubblicazione del materiale raccolto che li indirizz puire ad
unutilizzazione creativa dei tratti salienti di quel folklore conducendoli ad esiti artistici
molto diversi.

Kodaly (1882-1967): ungherese. Utilizz il canto popolare come mezzo educativo e come
mezzo comunicativo.

Bela Bartok (1881-1945): ungherese. Utilizza folklore e cultura ungherese ma anche

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internazionale. Grandissima capacit di assimilazione stilistica. Pianoforte come mezzo
prediletto. Per amore di Strauss scrive il poema sinfonico Kossuth.
Per il pianoforte scrive Pezzi facili, Bagattelle, Improvvisazioni su canti contadini
ungheresi.
Allegro barbaro (1911): concezione percussiva del piano.
Negli anni dela svolta stilistica si cimenta pure nel Primo quartetto per archi ispirata
allesempio tardo-beethoveniano.
Si dedica pure al teatro musicale: Il castello del principe Barbabl, il balletto Il principe
scolpito nel legno, assecondano il simbolismo di Bartok. Nel balletto Il mandarino
meraviglioso la violenza espressionistica con cui interpretatati il truculento soggetto
piega il linguaggio bartokiano.
Problema della forma fu un problema costante per Bartok. La ricerca di una forma
organica lo condusse a capolavori come i tre quartetti, Musica per archi, celesta e
percussione e la Sonata per due pianoforti e percussione. Violenta la natura degli
strumenti.
Termina la raccolta pianistica dei Mikrokosmos, 153 pezzi in ordine di difficolt crescente
che rappresentano il Gradus ad Parnassum del panismo moderno.
Giunto al punto zenitale della sperimentazione sonora e della sintesi creativa e formale
larte di Bartok inizia un progressivo smorzamento delle sonorit pi accese.
Terzo stile verso un neoclassicismo. Va in America e come documento di questo
sradicamento abbiamo la Canzone di ringraziamento.

La Spagna di Manuel de Falla (1876-1946)

Vince un soggiorno Parigino dopo aver composto La vida breve. Scambi tra la cultura
spagnola e quella francese. La sua autodifesa fu appunto il folklore inteso come verit
senza autenticit. Famoso il balletto Il cappello a tre punte. Nelle sue opere evoca colori
e profumi della Spagna. Non riesce ad ultimare Atlantica in cui intendeva celebrare la
Spagna ritornando alle sue sorgenti mitologiche.

La musica in Germania fra la due guerre: Paul Hindemith, Kurt Weill e Hanns Eisler

Musica duso.

Hindemith (1895-1963): opere significatice che si imposero con una forza durto capace di
suscitare scandalo come Morder, Hoffunung der Frauen, Das Nusch-Nuschi e Sancta
Susanna. Il pi famoso lavoro strumentale composto da H. la Kammermusik il primo di
una serie di pezzi per diversi organici intitolati Kammermusik. Interesse per la musica duso
rivolta allintrattenimento dei dilettanti ed ad una funzione didattica. Opera Cardillac
tratto da una novella di Hoffmann. Das Fraulein von Scuderi. Collabor con Brecht nel
badener Lehrstuck vom Einverstandnis.
Compone i 7 quadri del Mathis der Maler: racconta la crisi creativa del pittore Mathias
Grunewald di fronte alla Germania sconvolta dalle guerre dei contadini e il suo
superamento nella consapevolezza di dover soltanto seguire la vocazione artistica.
Autobiografico. In Die Harmonie der Welt H. si identifica con la contemplazione
dellarmonia delle sfere, con latteggiamento speculativo di Keplero. Rischio
dellaccademismo.

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Fra gli esempi caratteristici del clima culturale tedesco verso la fine degli anni Venti e
della voga della Zeitoper va ricordato il caso di Jonny spielt auf del viennese Ernst Krenek
per gusto cinematografico.

Kurt Weill (1900-1950): collabora con Brecht per Mahagonny Songspiel. Maggior
successo Die Dreigroschenoper. Brecht elogi in Weill lapertura al linguaggio della
canzone, del cabaret...Balletto Die sieben Totsunden e Der Jasager cos si chiude la
collaborazione con Brecht.

Musicista che con Brecht collabor pi a lungo fu Hanns Eisler. Autore di musiche per il
teatro di Brecht come La madre, Galileo, Schweik, di canzoni di lotta come Massenlieder.

Con Brecht collabor anche Paul Dessau che allincontro con Brecht dovette gli stimoli
decisivi e il suo lavoro pi fortunato Die Verurteilung des Lukullus.

Tutti scelsero lesilio al momento dellaffermazione del nazismo. Per altri signific
chiudersi allisolamento (emigrazione interna per Hartmann).

Il Gruppo dei Sei

Tendenza antidecadentista che professava unestetica musicale oggettiva e quotidiana

epurata da ogni barlume di psicologismo di cui si fece portavoce Cocteau nel manifesto
Le Coq et lArlequin (1918). Quale maestro fu indicato Satie. Fu proprio questo spirito
ironico ad attirare intorno a Satie e Cocteu un gruppo di giovani compositori, denominato
dal giornalista Henri Collet Gruppo dei Sei:
1) Gorge Auric
2) Louis Durey
3) Arthur Honegger : salmo drammatico Le Roi David e alcuni oratori come
Judith e Antigone
4) Darius Milhaud : il pi fecondo
5) Francis Poulenc : Le mamelles de Tiresias su testo di Apollinaire. Pi fedele allo
spirito del gruppo. Les biches per i Ballets Russes.
6) Germaine Tailleferre
Lemergere di personalit artistiche individuali crearono spaccature nel gruppo.

La musica italiana fra le due guerre

Internazionalismo nellItalia fu incarnato dalla creazione del Festival di musica

contemporanea di Venezia.
Autori come:
 Alfano:
 Respighi
 Pizzetti
 Casella: abbraccia ideale neoclassico e mediternnaeo. Balletto da La giara di
Pirandello o il pastiche della Scarlattina per pianoforte e strumenti del 1926.
 Malipiero
 Ghedini
 Dallapiccola
30
  Petrassi: si rinnovato per pi di un cinquantennio con grande ricchezza di
aperture. Gli esiti pi rappresentativi sono la Partita, Primo concerto per orchestra,
Salmo IX, Magnificat, Coro di morti. Corrosione con legami della tradizione nella
Noche oscura, Il Cordovano e Morte dellaria. Segu concentrazione sullorchestra
con il succedersi di cinque dei Concerti.

La musica dellUnione sovietica: Prokoviev e Sostakovic

Con la morte di Stalin si realizzarono caute aperture anche nel campo artistico e musicale.
Due massimi compositori sovietici . Sostakovic non si allontan mai dalla patria,
Prokoviev sempre visse in Europa e in America.

Prokoviev: nel momento del suo trasferimento in occidente si era gi imposto

allattenzione del pubblico per lavori come Quattro pezzi op. 4, la Toccata, i Sarcasmes, Le
Visions fugitives... Avversione nei confronti del retaggio romantico. Pi verso sinfonismo
haydiano. Soggiorno occidentale di febbrile attivit specialmente nel teatro: Il giocatore
(tradizione Musorskiana e rimskiana), soggetti operistici diversi come la favola gozziana
(Lamore delle tre melarance) ed il racconto gotico (Langelo di fuoco), il racconto
favolistica russo (Il buffone), ispirazione macchinistico-futurista (Il passo dacciaio) e la
storia biblica (Il figliuol prodigo che divenne un balletto). Decide di tornare in patria e
supera la prova di mutamento di temperie culturale con Romeo e Giulietta e Cenerentola
e Guerra e Pace.

Sostakovic: il primo periodo compreso tra la Prima Sinfonia op. 10 e la Quarta definito
come modernismo. Il naso: concezione parodistica e dissacrante. La quinta segna una
svolta: ripudia il modernismo e ricondusse lo schema ed il linguaggio sinfonico alle
categorie formali ed espressive del sinfonismo classico-romantico. Successo per la Settima.
Compone sinfonie gino alla Quindicesima. D anche lavvio ad un intenso ciclo di liriche.
Interesse per vocalit ed ad una cauta utilizzazione tematica della serie dodecafonica
nellambito cameristico.

La musica negli USA e nellAmerica latina

Fortemente influenzata da quella tedesca.

 Charles Edward Ives anticip numerose tecniche espressive dellavenguardia storia
e contemporanea (atonalit, impiego di organici inusuali). Sperimentalismo
assume funzioni ludiche (This Joke is a Joke nel Trio per violino, violoncello e
pianoforte) o intende evocare atmosfere naturalistiche (From the Steeples and the
Mountains). Scelta di isolamento lo porta ad essere scoperto ed apprezzato solo
nei decenni successivi.
Fortuna del JAZZ bianco, jazz delle orchestre da ballo, jazz negro autentico, rag-time

Gorge Gershwin: Rapsody in blue, poema sinfonico Un americano a Parigi. Porgy

and Bess del 1935 il capolavoro della carriera musicale colta in cui il fascino dei songs e
la spettacolarit del folklore rivissuto in edizione Broadway sostituiscono le qualit
fondamentali di una vera e propria opera.

Nel corso degli anni Settanta si manifestata la propensione ad una sempre pi spiaccata
31
contaminazione del jazz con il rock e il pop (esempi di Miles Davis).
Duke Ellington: voci strumentali di solisti di eccezione.
Sperimentazione musicale di cui lesponente principale Edgar Varese: creazione di un
universo sonoro in cui i timbri di strumenti dal suono determinato o indeterminato sono
cellule germinali di un processo di aggregazione quasi-materica del suono. Le due opere
centrali dellitinerario creativo varesino Ecuatorial e Density 21,5 rispecchiano una
tendenza alla rarefazione linguistica, alla coagulazione del discorso attorno ad un nucleo
melodico. La pi perfetta realizzazione orchestrale del mondo espressivo varesino forse
Deserts inciso su nastro magnetico che conferiscono al lavoro una dimensione antifonica.

America Latina:
 Brasile di Villa-Lobos
 Messico di Chavez
 Argentina di Ginastera

La musica del secondo dopoguerra

La nuova musica dopo il 1945

Svolta nel pensiero compositivo con Pierre Boulez.

Autori importanti:
1) Oliver Messiaen: nuove ricerche sul ritmo
2) Pierre Boulez: celebre Schonberg morto
3) Stockhausen
4) Nono
5) Berio
6) Maderna
7) Clementi

Tecnologia e comunicazione di massa

1877: invenzione fonografo a cilindri di Edison

1896: trasmissione a distanza servendosi onde elettromagnetiche per Guglielmo Marconi
Prima stazione radio a Pittsburgh nel 1920.
URI in Italia nel 1924.
1948: LP

32
Appunti da La nascita de Novecento di Guido Salvetti

CARATTERI GENERALI

La fine del secolo fu segnata dallaffermarsi della produzione metallurgica e dellindustria

pesante. Industria degli armamenti (cannoni e corazzate). Espansione economica in Africa
ed in Asia. Nel 1885 spartizione dellAfrica. India terra di sfruttamento intensivo. Fattori
ideologici: esaltazione tecnica produttiva industriale, civilt occidentale come pi
avanzata, razza bianca superiore, esaltazione scienza e tecnica. Cultura ufficiale che si
esprime attraverso il colossal. Masse da plasmare, nuovi strumenti di comunicazione.
Cultura sociale degli anni Novanta pesantemente condizionata dallesaltazione delle sorti
che scienza e tecnica riserveranno allumanit solo che vengano in mano ad un soggetto
collettivo (classe lavoratrice) che li strapper alluso egoistico della classe dominante.
Tendenza letterario artistica
realismo, naturalismo, verismo.
Nel 1873 lInghilterra entra in un periodo di depressione che dura 20 anni. Cos abbandona
il liberismo e ricorre alle barriere doganali che diminuirono il consumo e crearono
disoccupazione. In Francia la situazione non era migliore: strage di comunardi, odio
contro tedeschi, spaccatura a proposito dellaffare Dreyfus (andare a rileggere!) dove i
progressisti ottenere una difficile vittoria.
Epoca attraversata da due principali motivi di crisi: minaccia guerra incombente e
questione sociale.
Larga schiera di intellettuali sub il disagio della civilt ( da Freud).
Filosofia: condanna scientismo e liberazione degli istinti come Nietzsche.
Simbolismo: ovvero ci che nasce dal senso della tenebrosa unit delle cose e
dallimpossibilit di comprenderle se non attraverso lanalogia, il simbolo, appunto.
Fusione delle arti. Da qui la pittura degli impressionisti. Importanza della psicoanalisi di
Freud.
Figura dellintellettuale: generale rifiuto della civilt. Lindividualismo diventa estremo.
In musica centrale la rivisitazione preziosa del passato: dal gregoriano alla polifonia
rinascimentale, dal barocco strumentale al Settecento clavicembalistico.
Progressiva omogeneit culturale che caratterizza il periodo della massima espansione del
capitalismo europe prima della Grande Guerra: questa la prima caratteristica della vita
musicale di quegli anni.
Nel 1890 esce Cavalleria rusticana che fa il fgiro del mondo. I grandi concertisti seguono
itinerari di tournee. Organizzazione su scala mondiale della vita musicale ha ovunque
strutture simili. Innanzitutto i conservatori (importanza di quello di Pietroburgo e
americani), poi esposizioni industriali (la pi famose di tutte lEsposizione Universale di
Parigi del 1889). Editoria musicale svolse un ruolo di primaria importanza. La nuova
legislazione sui diritti dautore in Italia del 1865.
33
Nasce il divismo del direttore dorchestra: Hans von Bulow un esempio o direttori-
compositori come Mahler e Strauss. Rinascita sinfonica in Italia legata a direttori di fama
internazionale: Luigi Mancinelli, Arturo Toscanini.
Il fattore veramente unificante fu rappresentato dal cosiddetto repertorio cio dalla
notevole stabilit delle musiche esguite, sempre pi appartenenti al passato.
Lirismo e drammatismo.
Elemento importante di unificazione fu Richard Wagner: lera wagneriana potrebbe anzi
collocarsi dallanno della sua morte fino alla prima guerra mondiale. Il culto di Wagner
trascese i limiti del nazionalismo tedesco. Il Festival di Bayreuth fu lespressione pi
vistosa di questo culto.
Limponenza della tradizione tedesca nella formazione del repertorio conforntabile
soltanto con la grande popolarit internazionale dellopera italiana (Verdi).
Le maggiori tensioni contro legemonia tedesca e italiana vennero dalla Francia; la rottura
dellegemonia si ebbe con Debussy poich egli riusc a trasferire nellambito musicale i
fortissimi stimoli che gli provenivano da sconvolgenti esperienze nella letteratura e nella
arti figurative della Francia di fine secolo. Per anni entrarono nelle strutture ufficiali
soltanto quelle novit che dimostrarono omogeneit con i valori consolidati.
Linteresse per il passato corrispondeva ad esigenze mussali e monumentali. Sviluppo
degli studi musicologici in Germania.
Il termine di avanguardia esprime molto bene i termini di una battaglia culturale
estrema. Esempi sono i Futuristi, Les Six guidati da Satie e Cocteau, i Cinque russi. In
Francia la predilzione per i nazionalisti russi accumun Debussy, Ravel, Satie e i Sei. In
Italia nel momento dellaggregazione di un gruppo di ventenni intorno alla Voce o a
DAnnunzio o ai primi concerti con musiche interamente italiane si fece continuo
riferimento ai Cinque russi.
Debussy: la sua ricerca musicale si svolse quasi interamente nel dialogo interiore con testi
poetici o con musiche di musicisti assenti (Musorgskij).
La sostanza della crisi tra musicista e pubblico risiede nel linguaggio: il musicista non
riesce pi ad adeguarsi allinsieme di aspettative che gli provengono dallesterno. Il
distacco tra musicista e pubblico causa ed insieme effetto della crisi del linguaggio.
Avanguardia si fece custode dello spirito dellUtopia.
Spesso la novit dei musicisti di avanguardia pass attraverso la contaminazione con la
musica triviale. Dopo il 1871 una borghesia di recentissima formazione e abbastanza
incolta sfog il proprio desiderio di divertimento nelloperetta. Loperetta sempre pi
viennese.
I compositori italiani approderanno alloperetta pi tardim nel momento della massima
spensieratezza del genere; se La vedova allegra di Lehar del 1905 e La principessa della
Czarda del 1915, La reginetta delle rose di Leoncavallo del 1912 e Il paese dei
campanelli di Ranzato del 1923. Altrettanto importante fu il dilagare a Vienna del valzer.
Limportanza del genere legero coinvolgeva quindi in tutta Europa letterati, pittori,
musicisti colti.
Con la perdita dellegemonia culturale della Mitteleuropea rispetto ad altre nazionalit
(Ungheri di Bartok, URSS di Prokofiev e Sostakovic, America di Gershwin) pu essere
esaminata anche come la crisi dellegemonia colta sugli altri livelli dellesperienza
musicale. Il dilagare dei ritmi sudamericani e della moda del jazz. Ballabile di Satie con
Parade.
La Gebrauchsmusik tende a modellarsi su esperienze dascolto massificate. In questo
cotnesto culturale il passaggio al Novecento musicale profondamente segnato
34
dallavvento del jazz.
Intorno al 1920 sempre ad opera di grandi imprese americane decollava un altro
straordinario mezzo di diffusione sonora: la radio.
Ancora jazz fu la prima musica incisa in un film sonoro, Il cantante di jazz. Cresceva cos il
ruolo culturale degli Stati Uniti. Il jazz fu soprattutto la fine dei buoni sentimenti, della
raffinatezza di tratto, del senso della tradizione.

PARIGI

La sconfitta di Sedan (1870) e la Comune di Parigi (1871) segnarono profondamente la vita

politica e civile della Francia. Non venne meno nonostante i rivolgimenti politici il ruolo
dello Stato nella gestione della politica culturale. Tra gli intellettuali non manc mai chi
sentisse limpegno di denunciare ingiustizie e miserie (Hugo, Balzac, Zola..). Scandalo per
lopera di Baudelaire I fiori del male. Musica svolse un ruolo centrale e decisivo: ci
avvenne con la musica di Wagner che domin lestetica e la sensibilit dei decadenti
francesi ad iniziare dallilluminazione che ne ebbe Baudelaire nel 1860. Dal Parsifal il
Manifesto deriv parti qualificanti del suo credo. Notevole fu anche linfiltrazione
wagneriana nei romanzi francesi di fine secolo. Le maggiori difficolt di fronte a Wagner
le ebbero i musicisti i quali si trovarono di fornte ad un modello cos grandioso da
risultare paralizzante.

Intorno al 1890 la vita musicale francese era dominata da auguste istituzioni. Concorso del
Prix de Rome apera ai giovani diplomatiNegli stessi anni pu dirsi ancora in pieno
svolgimento la battaglia culturale dei sinfonisti , dei wagneriani, degli armonisti

Cesar Franck (1822): in lui lilluminazione wagneriana degli anni ottanta riguard solo
marginalmente il teatro. Trascorse per decenni unesistenza oscura di organista
compositore. Nei decenni seguenti la sua produzione fu quasi esclusivamente dedicata al
genere sacro (tradizione cattolica francese). Si veniva fondendo in lui con un profondo
amore per il Bach delle Cantate. Un primo impulso ad affrontare forme pi ampie con
luso dellorchestra sinfonia gli venne da Lizt il quale nellattribuirgli segni di
ammirazione lo commosse. Il cromatismo esasperato di Tristano piagato e agonizzatnte e
quello terribile del lamento di Amfortas nel Parsifal gli apparvero come il termine estremo
che ha le visioni mistiche dei riti e dei cori del Santo Gral. Solo in un caso la ricerca di F.
verte nella direzione di un alleggerimento amabile e francese.

Chabrier (1841-1894): a Wagner tribut Gwendoline (affresco medievale).

Chausson (1955-1899): amico di Debussy. Composizioni cameristiche con paura di essere

condizionato wagnerianamente e cos pi dispersivit formale. Uso di grandi silenzi.
Ricerca dominata da ammirazione e contemporaneamente dal timore di Wagner. Ricrea
immagini del mare, del canto degli uccelli

Camille Saint-Saens: divulgatore della musica strumentale. Il modello comunque Liszt

per la grande estensione e la libert improvvisatoria nella costruzione.

Vincet DIndy: viene anchessa a coincidere con gli anni dellaffermazione di Debussy. D.
veniva a rappresentare lingresso di unintellettualit seriosa, nutrita di studi musicologici
35
e sostenuta da un dichiarato intento morale educativo nei confronti del pubblico.

Faur: caso singolare. Totale indipendenza da Wagner e da tutti gli altri. La sua figura di
musicista solitaria. Margini del repertorio corrente. Spicca il requiem. Partecipazione al
movimento di risporta del canto gregoriano. Verlaine ricondotto ad una misura
sentimentale.

Nella Francia di fine secolo nellOpera e nellOpera comique continuava a risidere

fisicamente il concetto di tradizione nazionale con un pubblico che se ne faceva
depositario contro ogni sovversione. LOpera in particolare rimaneva legata al concetto del
grande spettacolo del fran-opera. LOpera rappresentava anche per il balletto il luogo
della tradizione con il predominio della coreografia sulla musica: ma si stava imponendo
una maggiore dignit della partitura musicale. Lavvento del balletto moderno con la
compagnia di Diaghilev nel 1909 avverr ben lontano dallambiente ufficiale dellOpera.
LOpera-comique fu il luogo dove videro la luce i lavori pi importanti del teatro musicale
francese di quegli anni: Carmen (1875), Manon (1884), Pelleas (1902).
Anche per la Francia, come per lItalia si spesso parlato di una stagione verista,
coincidente con il trionfo anche in Francia di Cavalleria rusticana (1892), dei Pagliacci (1902)
e della Boheme.

Charpentier: scrive Louise (1900).

Bruneau : attinse i soggetti dai romanzi di Zola di cui condivise la battaglia negli anni
dellaffare Dreyfus.
Mancava a questo verismo un pari impegno nel rinnovamento del linguaggio musicale.
Questo ricerca sar effettuata da Debussy

I due volti di Debussy (1862-1918)

La sua fama risale a due periodi distinti: nei primi anni del secolo in Francia dopo il
successo di Pelleas e nel secondo dopoguerra per merito di Messiaen. La moda debussista,
il rifiuto successivo e la riesumazione pi recente si basarono su letture parziali della sua
opera. Si evidenziato il rigore delle sue costruzioni, il calcolo cosciente delle disposizioni
nel tempo non solo degli elementi melodico-armonici, ma anche di quelli timbrici e ritmici.
La frammentariet discorsiva stata reinterpretata come un recupero del suono puro.
Da qui laccostamento in Boulez de nome di Debussy con quello di Webern. Si afferm la
tendenza storiografica di far iniziare da Debussy il Novecento musicale.
Caratteri di Debussy: detesta grossolanit e ledonismo a fini commerciali. Aborrisce dal
popolulismo naturalista. Contro Charpentier. Esigenza di bellezza pura, dono di pochi
eletti. Wagner come esperienza suprema. Si reca a Bayreuth; di Wagner accetta lestetica,
ma ne respinge il gusto; preferisce lasciare allimmaginazione a l sentimento. Lesperienza
musicale di D. fortemente segnata dal clima letterario decadente.

Linguaggio musicale ed estetica simbolista

Protettrice Madame von Meck. A Parigi D. si guadagnava la vita dando lezioni di piano.
Venne poi a contatto con la famiglia Vesnier. Vincitore del Prix de rome tra il 1885 e il
1887. Conosce poi leditore Edmond Bailly. Scrive Cinque poemi su testi di Baudelaire.
Piena di allusioni simboliche. Ispirazione al Settecento di Verlaine. Anche suggestione
36
ellenistica. Dopo un periodo di difficolt economiche D. ritrova il successo con i
Nocturnes.
Lavvenimento fondamentale di questi anni lopera Pelleas et Melisande. Le intenzioni
che guidano la ricerca sono rendere la musica capace di alludere allinesprimibile.
Dramma di Maeterlinck appare a D. come perfettamente corrispondente alle sue esigenze
di teatro. In due anni termina i cinque atti dellopera. La vicenda poteva essere considerata
una rivisitazione del Tristan di Wagner, ma di segno opposto: silenzi l dove le parole
avevano incalzato, semplicit quasi infantile l dove la passione era stata spasmodica.
Presenti riferimenti fissi ai personaggi e allazione, temi non simpongono, la tecnica non
diversa da quella wagneriana, ma diverse sono le qaualit dei temi, la semplicit del loro
trattamento, la loro stessa somiglianza. La riuscita assoluta del Pelleas consiste nellessere
un teatro musicale antidrammatico.

Debussy e il superamento del simbolismo

Successo cambia la vita di D.: abbandona la moglie e gli amici, ha un editore importante
come Durand, dal 1909 inizia a soffrire per la malattia che lo uccider nel giro di nove
anni. Inquietudine anche nelle opere. Si parla di un ritorno al sinfonismo. Scrive le Images,
le musiche per il Martirio di San Sebastiano di DAnnunzio, il balletto Jeux per Diaghilev.
Pluralit di stili ha unintenzione di arcaicit antidrammatica e antilirica. Un categoria
centrale per lo stile di Debussy quella di arabesco.
In Childrens Cornet (1908) la misura infantile d ad ogni riferimento un tocco di ironia
pur nella seriet di fondo che viene garantita dallammirazione per La camera dei bambini
di Musorgski.
Poi scrive i due volumi di Preludes. Pezzi didattici negli Studi.

Il modernismo di Ravel

Educazione musicale ordinatissima. Aveva studiato pianoforte. Non riesce a vincere il Prix
de Rome
scandalo nel 1905. Per nulla simbolista. Evocazione di atmosfere esotiche o
antiche (Habanera, Rhapsodei espagnole, Bolero del 1928). Artificioso per natura.
La prima grande stagione compositiva di Ravel si colloca tra il 1905 e il 1908: Rapsodie,
Lheure espagnole
Lheure espagnole: intenzione di rinnovare opera buffa. Intreccio spassoso nel
nascondersi degli amanti dellintaprendente moglie dellorologiaio rimasta sola in bottega.
Immagine ritmica del meccanismo dellorologio.Evocazione infanzia.
Rivalutazione funzioni armoniche.
La modernit di Ravel non risiede nellarditezza delle armonie o nelluscita dal sistema
tonale; essa va colta in un costante distacco ironico. Negli anni seguenti questo aspetto
antiromantci si radicalizz nel clima culturale dominato da S. e non poco da Satie.
Lenfant e les sortileges, da una fiaba di Colette : il bambino cattivo che ha rotto ogni cosa
e ha maltrattato piante e animali si vede comparire dinanzi, animate e parlanti, le sue
vittime e viene ricondotto alla ragione.
La popolarit di Ravel si affid in particolare alle grandi partiture orchestrali: la Rapsodie
espagnole. Compone anche le musiche per un balletto, Daphnis et Chlo, balletto per i
Ballets Russes di Diaghilev.
Sar comunque il Blero a venire incontro al grande pubblico proprio intorno al 1929,
contro ogni modernit e ogni ricerca di avanguardia. Compone anche i Due concerti per
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pianoforte e orchestra. Dopo il 1932 c un aggravarsi delle condizioni fisiche e nervose. Le
ultime composizioni rimasero i due Concerti e le liriche di Don Quichotte.

Parigi e la Spagna: De Falla

Negli anni di Debussy e Ravel giunse a piena maturazione lo scambio culturale tra la
musica spagnola e quella francese. Da un lato lo spagnolismo fu componenti non
secondaria dellimpressionismo pi evocatore o dellacceso scatenarsi di ritmi e timbri
squillanti. La lezione della Spagna fu profonda: fu una lezione di libert improvvisatoria,
di estro fatto di accensioni improvvise o di languori.

Manuel de Falla: compenetrazione tra le vicende della musica francese e dello spirito
spagnolo. I Balletti di Diaghilev rappresentavano a Londra El sombrero de tres picos.
Quando lautore si trasfer a Granata cominci ad abbandonare i riferimenti alla musica
Andalusa. Lezione di Ravel.
Tra simbolismo ed oggettivismo.

Le avanguardie artistiche e letterarie

La pittura ha un ruolo di primo piano nella modificazione del gusto e delle estetiche.
Tecnica del colore violento, chiarissimo. Movimento che si conviene definire
espressionismo tedesco, la pittura francese dei fauves che genera il cubismo.
Strettamente collegato con le avanguardi eparigine fu il futurismo. Marinetti ne pubblic il
Manifesto nel 1909 sul Figaro.
Apollinaire: Le mammelle di Tiresia e Calligrammes: derisione del pubblico
borghese.
Eppure lavanguardia francese ha un impegno morale e politico.
Movimento dada fondato da Tzara a Zurigo nel 1915 ed esportato a Parigi nel 1919.: scopo
totale distruzione fondazione societ anarchica o comunista radicalmente diversa perch
diversi sono gli uomini che la compongono.
Surrealismo di Breton, con negazione di una valore reale dellesperienza.
Cocteau: fuori dal movimento surrealistico. Rappresenta la tendenza ad ispirarsi sia al
mondo del clowns per uno spettacolo derisorio sia alle tragedie antiche.

I Ballets Russes di Diaghilev

Ventata di rinnovamento a Parigi. Interessi di Diaghilev distribuiti in pi campi.

Fondatore della rivista Il mondo dellarte a Pietroburgo. Pari importanza a coreografia,
scenografia e musica. Coreografo importante fu Fokine. I Balletti russi utilizzarono
appoarto dei maggiori pittori russi e francesi.
A Ravel commission Daphnis e Chlo, ottenne da Debussy il permesso di utilizzare il
Prelude a lapres-midi dun gaune per la coreografia del ballerino Nijinskij, chiese a
Debussy Jeux. Collaborazione grandiosa con Stravinsky. Con il coreografo Massine acnora
pi immediata adesione allo spirito di novit che musica e pittura indicavano al balletto.
Collaborazione con Picasso (El sombrero de tres picos). Neoclassicismo nel Pulcinella.
Prokoviev presente con Chout, Pas dacier e Lenfant prodighe, ultima delle creazioni.

Stravinsky e il gusto fauve

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Lezioni da Rimski-Korsakov. Prima commisione Luccello di fuoco, poi La sagra della
primavera e Petruska. Uso libero della dissonanza. Pianoforte in Petruska trattato in
modo percussivo. Un aspetto caratteristico in Petrusla la ricostruzione ironica di musica
preesistente di livello non colto.
Sagra della primavera: gigantismo orchestrale. Assente ironia (non come Petruska).
Concentrazione sullidea rituale barbarica e pagana. Derivazioni del canto popolare sono
meno scoperte e numerose che in Petruska. Melodia lituana dellintroduzione. Principio
della ripetizione ossessiva. Concetto di bello stravolto-
Da Le rossignol al balletto Il canto dellusignolo.

I diversi volti di S.

Si stabilisce presso il lago di Ginevra. Grande interesse per la tradizione popolare russa.
Balletto Les Noces. Alternarsi nel testo di momenti di malinconia e di momenti di gioia.
Renard: dissociazione tra cantante e attore. Quattro solisti stanno in orchestra, mentre gli
attori mimano lazione sulla scena. Uso del cymbalom ungherese.
Histoire du soldat: prevede unorchestra da camera che la miniatura di quella sinfonica.
Voci degli attori sono soltanto recitanti. Recitazione si sovrappone molto spesso alla
musica.
Nel 1925 arriva negli Stati Uniti. Intorno agli anni 20 era avvenuto un cambiamento di
prospettiva ed era entrato nel period neoclassico con Pulcinella e Mavra. Il primo su
musiche di Pergolesi con scene e costumi di Picasso.
Mavra: opera buffa.
Da monocromatismo discende limportanza nuova che il pianoforte acquista per S. in
questi anni. Scrive delle Sonate.
Culmine con Edipo re e balletto Apollon Musagete. Il primo segna lincontro con
classicismo di Cocteau.
Culmine del classicismo con The rakes progress.

Satie (1866-1825)

Atteggiamento ironico, inizia con cabaret, frequenti non-sense. Abolita la barra di

divisione della battute, non vengono messe le alterazioni in chiave. Scrive Vexations la
cui esecuzione consiste in una serie sterminata di ripetizioni. Poi Tre pezzi a forma di
pera.
Capolavoro per Diaghilev Parade. Apoteosi dellestetica del circo e del music-hall.
Originalit della partitura si affida soprattutto al tipo di costruzione a collage. Altra
proposta per Diaghilev Jack in the box. Forma con Auric, Honeggerm Milhaud e
Poulenc e con teorico Cocteau (manifesto Le coq et lArlequin) il gruppo dei Sei.
Dramma sinfonico Socrate. Morte nel 1925.

I Sei

Gruppo quasi omogeneo. Predilezione per Cocteau e Apollinaire. Comune amore per il
jazz. Si scioglie tra il 1923 e il 1925.
Avanguardia francese dopo la morte di Debussy, Satie e Ravel non sopravvisse e la musica
ritorn nellaccademismo.
39
Tra Vienna e Berlino

I fasti della KULTUR tedesca

1879: alleanza politico-militare tra Impero tedesco di Guglielmo I e Impero austro-

ungarico di Francesco Giuseppe. Competizione sempre pi aggressiva nei confornti
dellInghilterra e della Russia.
Per i contemporanei quella civilt tedesca presentava i connotati di grande solidit
politica, economica e sociale e culturale.
In questo grande area (mitteleuropea) mancava un polo culturale accentratore appena
paragonabile alla Parigi di fine secolo. Vienna, Berlino, Monaco (pi wagneriana). Ben pi
variegata appariva Berlino. A Dresda era presente la Hofoper.
La Hofoper di Vienna troppo legata alla tradizione nonostante la direzione di Mahler.
La Kultur tedesca appariva come un insieme organico. Omogeneit visibile negli assetti
urbanistici di quelle citt.
Storia come autocelebrazione della potenza e della cultura del presente. Cultura era
ufficiale fortemente voluta e sovvenzionata dallo Stato. Esisteva un mondo accademico di
alto valore culturale che supportava ideologicamente lo Stato.
Let di Guglielmo II non presenta ai nostri occhi apprezzabili differenze di valori nei
confornti del successivo Reich di Hitler: AUTORITARISMO, MILITARISMO,
ANTISEMITISMO.
Ma nellaltro impero tedesco, negli ultimi decenni di regno di Francesco Giuseppe
venivano esiviti momenti culturali pi gioviali e spensierati: operetta, valzer, cabaret a
Vienna.
Loperetta comp allora lultimo passo verso il genere sentimentale rosa: la Vedova allegra
di LeharFamoso il valzer di Strauss.

La cultura del negativo

Gravi problemi politici e sociali
decadentismo.

Repressa ogni attivit culturale che apparisse troppo attenta ai problemi sociali.
NellImpero austro-ungarico esplodeva il problema delle nazionalit slave; la questione
balcanica che vedeva in campo i tre Imperi. Incipiente industrializzazione intorno ai poli
di Vienna, Praga e Budapest port allabbandono delle campagne e ad un incontrollato
inurbamento. Agitazioni operaie. Insicurezza sociale
antisemitismo.
Ancora prima del 1890 si riuniscono gruppi di letterati che invocavano arte attenta alla
verit, gruppo del Jung Berlin.
Tra questi:
Hauptmann: suo dramma Prima della nascita del sole. Scrive Die Weber.
Wedekind: Il risveglio della primavera.
Schnitzler: Anatol
Evoluzione del naturalismo tedesco negli anni Novanta stabil un ponte con
lespressionismo del decennio seguente. Incontro della musica fu nel segno di questa
commistione con lesperienza espressionista tormentata da angosce esistenzialiste.
Forma provocatoria anche quella che si svolse nei cabaret.
Critica sociale e provocazione attraverso mezzo della rivista.
Karl Krauss: La fiaccola e Gli ultimi giorni dellumanit contro un giornalismo
40
dinganno.
Anni di Thomas Mann, Dehnel, Stefan Gorge, Rainer Maria Rilke, Hugo von
Hofmannstahl (collaboratore di Strauss). Stile liberty in Italia o modernismo in Europa.
Quadri di Klimt negli anni Novanta e Kandiski.
Con le secessioni si cerc un nuovo rapporto tra opera darte e oggetto duso quotidiano, a
cominciare dalla casa di abitazione e dallarredamento, fino alla scatola istoriata o
alloggetto di argenteria.

Specificit della musica: il confronto con la tradizione

La musica aveva mantenuto un primato nella costituzione dellidentit nazionale. Tra le

ragioni della totale mancanza di notoriet che accompagn per anni e anni lattivit di
Schonberg e della sua scuola pu annoverarsi tra le altre cose, la mancanza in loro di
qualsiasi abilit esecutiva.
Forte la specificit storica della musica tedesca.
Ma questo senso di appartenenza ad una civilt comune venne a rompersi
progressivamente con il radicalismo della avanguardie e luscita dal sistema tonale.

I musicisti della tradizione

Pfitzner: opera Palestrina. Battaglia contro i Futuristi. Palestrina visto come colui che
avrebbe salvato con la Missa Papae Marcelli la musica polifonica dai rigori del Concilio di
Trento vi appare dolorosamente cosciente che la grande tradizione contrppuntistica sta
per naufragare con laffermazione della seconda pratica della Camerata fiorentinaBu. Sua
produzione esibiva totale assenza di evoluzione interna. Problematico rapporto per suo
antisemitismo.

Max Reger: pi pacato. Amore per organo e per Bach. Predilezione per la forma della
variazione. Tecniche fraseologiche ed armoniche che discendono dal cromatismo
wagneriano. Predilezione per settecento galante, per rococ.

Edward Elgar: certa notoriet con Enigma variations. Ciascuna delle 14 variazioni
caratterizzata dalle iniziali di un nome o dal soprannome di una persona amica.
Accentuato formalismo. Il poema sinfonico la forma libera in cui esperienze raffinate,
commoventi vengono distillate in una creazione sonora.

Jan Sibelius: si reca a Berlino. Finlandia e Tapiola. Suggestioni paesaggistiche, ampi

orizzonti, attitudini contemplative portano il suo linguaggio sinfonico ad una singolare
rinuncia al principio del drammatismo romantico.

Rachmaninov: opera Francesca da Rimini e le 3 sinfonie. Continuazione di Ciakowski.

Poema sinfonico Lisola dei Morti ispirato al celebre quadro di Bocklin si apre a nuove
suggestioni simboliste. Lamentosit tipicamente slava. Doti di maggiore raffinatezza nei
circa 80 Lieder. Si trasferisce negli USA. Spunto jazzistico nella Rapsodia e nel Quarto
Concerto

Busoni: tra Liszt e la giovane Classicit

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Appartenenza alla cultura e alla tradizione musicale tedesca fu per Busoni una questione
problematica. Successi precocissimi come pianista. Vienna gli appare troppo piena di
querelles e lItalia troppo sciatta. Tra Boston e New York. Sceglie Berlino. Tra il 1898 e il
1913 la sua attivit incide nella vita musicale della citt. Attivit di revisione e
elaborazione di musiche di Bach. Scrive Abbozzo di una nuova estetica della musica
dove si denuncia leccessiva povert del sistema tonale. Si auspica lutilizzo di nuove scale
con differenti distribuzioni dei semitoni. Attenzione anche ai moderni apparecchi. Rifiuta
qualsiasi formalismo. Bela gigogin: coesistono elementi italiani e tedeschi Fantasia
contrappuntistica.
Veniva raggiunta nel 1910 nel clima acceso delle avanguardie tedesche la punta estrma
dello sperimentalismo linguistico di Busoni: la cupa Berceuse elegiaque. Questo
espressionismo di Busoni culmin nel 1912 con lallucinato Nocturne Symphonieque. Del
1912 Die Brautwahl (la sposa sorteggiata) su soggetto di Hoffmann; ricerca del
soprannaturale. Soggiorna a Zurigo fino al 1920 dove rappresenta la due brevi opere
Turandot e Arlecchino.
Arlecchino: unisce elementi del Rond un gran numero di forme chiuse.
Turandot: leggerezza del gioco delle maschere della Commedia dellArte e al candore
della fiaba.
Giovane classicit.
Avversione alla guerra e stupidit dei patrioti.
Definitivo distacco dallItalia.
Lunga malattia gli imped di portare a termine lopera, il Doktor Faust (7 episodi
racchiusi) completato dallallievo Jarnach. Ma nel 1985 Beaumont sulla base di nuovi
documenti propose a Bologna una seconda versione.
Neppure con questo entr nel repertorio corrente del Novecento.
Teatro irrealistico.

Skriabin: linattualit di un visionario

Idealit estetico-musicali risentirono del clima misticheggiante della cultura letteraria

russa. Era diffusissima ladesione alla Societ Teosofica. Ne deriva la mistica visionariet
delle sue opere pi mature. Espresse questa visionariet attraverso la stesura di testi
poetici: Poeme orgiaque, Poema dellestasi. Morte improvvisa a prematura. Senza
particolari riconoscimenti ufficiali. Profeta di una rigenerazione dellumanit. Modelli
iniziali dello S. compositore furono Chopin e Liszt. Sfrenata espressivit che rende
asimettriche le frasi. Si rapporta direttamente con la grande tradizione senza guardarsi
intorno.
Fase singolare della sua creativit si apr con il Divino Poema. I riferimenti a Wagner sono
scoperti. Il Leitmotiv ossessivo.
Una seconda fase incentrata intorno al Poema dellestasi. Clima sacrale.
Si veniva fondando una tecnica compositiva basata sullossessiva ripetizione degli stessi
intervalli di un accordo-base.
Una terza fase porta alle estreme conseguenze proprio questa tecnica: accordo mistico.
Famoso nel Prometeo luso di un clavier a lumieres cio di una tastiera che avrebbe dovuto
comandare la diffusione in sala di luci di diversa intensit e di diverso colore.
LUtopia clamorosa del Prometeo ha un corrispondente nella contemporanea Sesta Sonata.
Abbozzo del Mysterium per cui studi il sanscrito e pratic lo yoga.
Lultimo S. quindi per noi colui che affid al pianoforte una totale liberazione della
42
scrittura.
Conclusioni mirabolanti, catastrofiche

Gustav Mahler, linattuale

Ebreo convertito al cattolicesimo. Universalmente apprezzato solo come direttore

dorchestra. Come compositore enormi ostacoli. Non partecipa alla sperimentazione
musicale delle avanguardie nellet dellespressionismo e atonalismo.
Dopo il 1907 con morte primogenita e malattia al cuore e crisi con moglie Alma vita di M.
scorse in unallucinata disperazione.
Solo con gli anni Sessanta si ha la musica di Mahler in repertorio.
La parabola creativa di Mahler ha la rivisitazione del Lied romantico effettuata per
allinterno di unesperienza dominata dal drammatismo beethoveniano. Mondo del
Wunderhorn di Arnim e Brentano. Suoni di natura. Le immagini della poesia riguardano
talvolta ancora la bellezza della vita terrena, ma come se fossero osservate da lontano.
Con le tre ultime imprese sinfoniche, il Lied von der Erde, sei Lieder e lAdagio della
Decima ci troviamo di fronte ad un inacerbimento della componente tragica del
sinfonismo mahleriano. Trilogia della morte

Richard Strauss nel suo tempo

Perfetto radicamento della tradizione. Educazione si svolge privatamente. Modelli furono

Mozart, Mendelson e Brahms. Accettazione della musica a programma. Da Wagner
sembra che Strauss derivi per ora soprattutto un potenziamento delle tecniche
compositive. Sinfonia Aus Italien (idea di affidare alle strutture sinfoniche le sensazioni
del viaggio in Italia). Contatto con wagnerismo in Guntram. Il protagonista un
Minnesanger e una donna angelicata Freihild cerca di sostenerlo nellespiazione del suo
peccato.
Nacqueo allora quasi tutti i poemi sinfonici.
Don Juan
Morte e trasfigurazione
I tiri burloni di Till Eulenspiegel
Tre poemi: Also sprach Zaratustra, Don Quixote, Ein Heldenleben.
Negli anni di Monaco vivo anche interesse per il genere del Lied. Incontro con testi di
Henckell e Bierbaum apre una brecci antiromantica nel genere liederistico di Strauss: egli
sceglie sempre pi spesso un ambito prossimo al caff-concerto, desunto dallo Chat noir di
Bruano a Parigi; ed anche il canto dei sindacati tedeschi, Arbeitsmann su testo di Dehmel.
Questa vena sarcastica dominer una terza fase del liederismo di Strauss intorno agli anni
della guerra. Assiste al dramma di Oscar Wilde Salome e diventa un fulminante atto
unico di Strauss. La reazione dei benpensanti si scaten ovunque. Salome com principio
vitale e straziante desiderio del corpo del profeta. Apparentemente si trattava di unopera
wagneriana. La collaborazione tra Hofmannstahl e Strauss porta alla creazione
dellElektra, il Cavaliere della rosa, Arianna e Nasso, Donna senzombra.
Elektra: figura femminile divorata da una sensualit spaventosa. Urlo finale.
Cavaliere della rosa: segna inversione di tendenza. Ricorso alla volutt del valzer.
Ambientazione allepoca di Maria Teresa verso il 1740 a Vienna.
Arianna e Nasso: disperata per abbandono di Teseo.
Donna senzombra: fortemente simbolista.

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A compromessi con nazismo per fama ma poi costretto a dimettersi.

Le avanguardie pittoriche e teatrali

Avvento dellespressionismo. Nel 1905 alcun pittori formarono a Dresda il gruppo Il

ponte. Libert e immediatezza sono concetti fondati su unestetica dellurlo, del gesto
violento
la fine delle tendenze spiritualistiche delle Secessioni. Sconvolgente fu la conoscenza di
Van Gogh, la pittura di Munch (esistenzialismo nordico, imperniato sui concetti di
angoscia e inconscio). Berlino fu investita dallattivit del gruppo quando nel 1908 vi
giunse Pechstein. Vi si stabiliva anche Ernst Kirchner. A Monaco lavanguardia si riun
intorno a Kandiski e form un nuovo gruppo denominato Il cavaliere azzurro: ogni
innovazione tecnico-formail irrilevante rispetto alla liberazione della potenza espressiva
dello Spirito. Astrattismo lirico. Kandiski fu lunico in quegli anni a capire la musica di
Schonberg come originata da una totale rinuncia alla bellezza convenzionale e dallamore
per tutti i mezzi che portano allespressione dellio.I fauves (selvaggi) si mostrarono
interessati al Cavaliere azzurro. A Vienna non si organizzarono gruppi di avanguardia
espressionista, ma il pittore Kokoscha e Schiele ne rappresentarono vigorosamente le
tematiche.
Kokoscha e Assassino, speranza delle donne

castellana e guerrierosimbolismo
oscuro. Rapporto sado-masochistico.
Schonberg

dramma Erwartun e La mano felice.
Essenza delluomo sofferenza e angoscia. La vicenda sessuale rappresenta la sconfitta
totale del suo desiderio di comunicazione con gli altri e con la natura. Il conflitto
dellindividuo con la massa era il grande tema del primo successo di Kafka: La
metamorfosi.

Lavanguardia musicale vienenese

Al gurppo di allievi di Schonberg che si form a Vienna si deve la nascita di

unavanguardia.
Schonberg fu fino al 1904 poco pi che uno sconosciuto. Latto di nascita della Seconda
Scuola di Vienna pu essere considerato un avvenimento apparentemente insignificante.
Gli insegnanti sarebbero stati Schonberg e von Zemlinski, WebernVenne presto indicato
come circolo di Schonberg.
Nella stagione 1904-05 si colloca la prima iniziativa del gruppo: la fondazione di
unassociazione di coneerti per lesecuzione delle nuove musiche: Strauss,
Mahler.poema sinfonico Pelleas und Melisande di Schonberg. Lotta contro la sciatteria
artistica.
Nella stagione 1907-08 (nel vivo del clima delle avanguardie) avvennero le prime
importanti esecuzioni di musiche di Schonberg: quartetti, KammersymphonieLe
reazioni del pubblico furono rabbiose ma altrettanto violenta fu la difesa condotta dagli
amici tra i quali Mahler
Insegnamento di Schonberg non si ispir ad atteggiamenti di eversione: mir a fornire i
mezi per un approccio critico alla tradizione musicale. Scirve Harmonielehre, summa
dellesperienza didattica dellautore. Trattato qcuista il valore di un manifesto per una
scrittura musicale liberata dai ceppi dellaccademismo e di una visione stereotipa del
Bello. Il 1908 lanno decisivo per la nuova musica.
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Lestetica nuova ruota intorno allidea di non ostacolare in nessun modo il flusso delle
sensazioni inconsce. Il testo letterario della Mano felice: tutto traspare, un ideale estetica
fatto di squilibrio, asimettria, irregolarit.
Prime composizioni atonali degli allievi: nel 1908 Sei pezzi per orchestra op. 6 di
Wwebern, Quattro lieder op. 2 di Berg nel 1909Importante anche fuori dal circolo
lopera di Schreker Der ferne Klang. In questo clima accesso avvenne lincontro con
Kandiski. Nasce da qui un sodalizio che port alla partecipazione di Schonberg come
pittore alla mostra del Cavaliere azzurro di Monaco.
Nel 1912 esce il Pierrot lunaireper voce e strumenti.
La grande stagione dellavanguardia si apre perci nel 1908. Schonberg riusc ad ottnere
da Busoni lappoggio necessario per trasferirsi a Berlino e ottenne un incarico presso il
conservatorio Stern. Iniziava allora unattivit esecutiva intensa: a Praga diresse il poema
Pelleas und Melisande, a Berlino il Pierrot lunaire. Nel Febbraio 1913 Schrecker diresse i
Gurrelieder a Vienna: primo succeso di pubblico per Schonberg! Ma nello stesso anno fece
scandalo con la Kammersymphonie op. 9 e altre opere di Webern e Berg.
Le diverse vicende militari dei tre musicisti e dei loro sostenitori ed amici determinarono
la dispersione del gruppo e i singoli compositori entrarono in un pauroso vuoto di
creativit (subito con lavvento della guerra). Al termine della guerra nel novembre 1918
con un brusco risveglio il circolo di Schonberg organizzava lAssociazione per esecuzioni
private. Ma la tensione messianica dellanteguerra lasciava il posto ad unamara
autoesclusione degli artisti.
Con il 1924 pu dirsi concluse lesperienza dellavanguardia che fece capo a Schonberg.
Lavvento della dodecafonia (atto ufficiale la Suite op. 25 di Schonberg), il successo del
Wozzeck di Berg sono esiti personali e sostanzialmente dispersi. Nel 1924 la tournee
italiana di Schonberg con il Pierrot lunaire apriva unaltra epoca per la sua musica.

Le composizioni di Schonberg, Berg e Webern: fase prima

Esordi fin de siecle

Prime importanti composizioni di Schonberg tentano una sintesi tra la lezione di Wagner e
quella di Brahms, tra una dichiarata tensione letterario-filosofica e unavvertita
preoccupazione formale. Nellultimo decennio del secolo era una posizione diffusa.
Particolare peso hanno anche in questi esordi i riferimenti letterari scelti nella grande area
del simbolismo: da Dehmel viene desunto il programma di Verklarte Nacht. Da Maeterlinck
deriva il programma di Pelleas und Melisande dove i due protagonisti agiscono in
partitura attraverso i corrispondenti Leitmotiv.
A modelli e scritture straussiane si riferisce anche la scelta iniziale dei Gurrelieder. Una
serie di Lieder per voce e pianoforte avrebbe dovuto narrare attraverso gli interventi lirici
la romanticissima leggenda del poeta danese Jacobsen. Schonberg abbandon presto
limpresa e poi vi ritorna.
al complesso delle opere fino allop.9 che guardarono direttamente Alban Berg e Anton
von Webern. La sonata op. 1 di Berg per pianoforte affronta sostanzialmente il problema
della derivazione di tutte le figure tematiche da motti inziali. Negli anni a venire Berg
cercher sempre simili difficili punti dincontro tra tradizione e modernit.
La Passacaglia op. 1 di Webern anchessa del 1908 un sapeinte ricalco del Finale della
Quarta Sinfonia di Brahms, per qunato riguarda lutilizzo (barocco) di una serie cospicua
di variazioni su sequenza melodica ostinata allinterno di un tragitto discorsivo
appartenente al pi acceso e fluente sinfonismo ottocentesco.
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Atonalismo

Seconda stagione compositiva di Schonberg: uscita dalla tonalit.

Importante lincontro con la pooesa di Stefan Gorge: simbolismo prezioso, linguaggio
ermetico.
Testi tratti dal Settimo anello, dal Libro dei giardini pensili (scene dense di erotismo).
La dissonanza non qui n provocazione n gioco ma solo una delle conseguenze di
questa emotivit febbrile.

Espressionismo

Il momento pi acceso di questa fase espressionista di Schonberg la sua contemporanea

esperienza teatrale dove ebbe probabilmente un peso determinante nella scelta del
soggetto e del suo contenuto la tragica vicenda coniugale con il suicidio del rivale.
Il monogramma Erwartung fu composto di getto nel 1909 su testo di Marie Pappenheim.
La Donna che penetra nella bosco alla ricerca dellamante trovandolo cadavere di fronte
alla casa della rivale.
La mano felice presenta alcuni punti di contatto con Erwartung nella presenza di un solo
personaggio vocale, nellimpego di unorchestra enorme ma come polverizzata in minuti
frammenti. Elementi nuovi sono: uso di un coro solistico, presenza sulla scena (oltre
allUomo) di due mimi (Donna e Signore), inserimento in partitura di segni speciali per
luso di riflettori di diverso colore. La donna come simbolo dellEros. Invano lUomo tende
le braccia verso di lei e linvoca: ella fugge con il Signore (luomo borghese delle apparenze
e del vuoto interiore). Masse di operai si protendono minacciosamente verso lUomo. Egli
novello Prometeo, forgia un diadema doro che gli illumina la mano alzata. Lascia
lofficina e passa in un lunga grotta. Tenta di strappare la Donna al Signore, Al termine la
Donna fa crollare su di lui un enorme macigno. Ritorna la musica in scena che segna il
ritono allangoscia esistenziale dalla quale tutto aveva preso inizio.
Approdo definitivo allatonalit ed emancipazione completa della dissonanza.
Espressivit lacerata, estrema, gridata ...

Le diverse estetiche dellatonalismo

Berg testimone dellatonalismo (nei Quattro lieder). Pi precisamente schonberghiano

lapprodo di Webern allatonalit; anche per lui loccasione decisiva fu lincontro con i testi
di George.
La successiva esperienza liederistica di Berg ancora una volta pi tributaria
dellesperienza di Mahler. Il gran numero degli strumenti e degli effetti speciali, il
continuo passaggio dal troppo pieno al troppo vuoto collocano questa partitura nel
processo di lacerazione ed esasperazione dellorchestra post-mahleriana. La massima
predilezione di Berg va verso combinazioni timbriche di una trasparenza cristallina o di
una statica rarefazione verso lacuto. Nonostante i legami con uno spiritualismo di anni un
poco precedenti per uninterna contraddizione che propria di quasi tutta lopera di Berg,
questa partitura rivela un uso radicale dellatonalit e una forte tensione verso la
costruzione rigorosa.

La concisione di Webern non significava rinuncia alla comunicazione espressiva: era

46
ricerca ardua di una verit interiore, sfrondata da goni retorica, da ogni sentimentalismo.
E fu questa la strada su cui si concentr in modo pressoch esclusivo la restante
produzione di Webern.
Tra il 1911 e il 1913 si collocano le Bagattelle op. 9; miniature sonore che hanno la durata
di pochi secondi luna; la concentrazione del valore di ogni singolo suono proviene dai
silenzi di cui tutto intriso. Anche i contemporanei Cinque pezzi op. 10 nascono da
quellaspirazione ad esprimere il continuo modificarsi del contenuto. Con lop. 11 Tre
piccoli pezzi il riferimento allop. 10 di Schonberg diventa testuale.

La scelta aforistica coinvolge anche Berg ma in modo occasionale: i Quattro pezzi per
clarinetto e pianorte op. 5 del 1913 mostrano una miniaturizzazione estrma dellorganico e
una compressione di tutti i gesti e situazione drammatiche del grande sinfonismo
tardoromantico (di Mahler e del primo Schonberg).

Il Pierrot lunaire

La grande stagione atonale culmina con Schonberg nel Pierrot Lunaire del 1912 su
commissione dellattrice-cantante Zehme. I testi vennero attinti dalle 50 poesie del
simbolista belga Giraud. I raggi della luna (LUNA ESPRESSIONISTA!) sbalzano dalla
notte immagini dincubo collegate alla lucida follia di un Pierrot vampiresco, sadico,
violatore di sepolcri. Lestetismo del dandy rivela unabiezione di fondo; ma ha anche
momenti di divagazione lirica nella contemplazione della notte e della luna, nel pensiero
della Madonna. Ogni incubo notturno si dissolve con la luce del primo sole.
Rapporto instabile ed allusivo tra le immagini del testo e la musica.
Allusione, ironia, allucinazione.
Soltanto Stravinsky potr costruire sul totale fraintendimento di questi oggetti sonori una
rinnovata ricerca sul timbro strumentale in rapporto ad una prosciugata vocalit
Tre
poesie della lirica giapponese (1913).
Allo scoppio della guerra i vasti abbozzi delloratorio La scala di Giacobbe segnano il
culmine di unaspirazione religiosa e metafisica.

Le avanguardie del dopoguerra

Grosz: saggio di violenta denuncia del militarismo

Dix: mostra atrocit della guerra
Pechstein: manifesta An Kunstler in cui si propugnava impegno politico rivoluzionario
degli artisti.
Nel 1918 a Berlino apr il teatro di Max Reinhardt, Das Junge Deutschland; a quel grande
regista si era dovuta una ripresa nel 1916 della Morte di Danton di Buchner. Nello stesso
anno apriva anche il teatro sperimentale di Schreyer, Sturm-Buhne che venne inaugurato
con il dramma di Stramm Sancta Susanna e Assassino, speranza delle donne di
Kokoscha.
Drammi di Toller: Uomo-massa, I distruttori di macchine sono incentrati sui meccanismi
che allinterno della societ capitalistica tendono ad annullare lautenticit delluomo.
Trauma della guerra in trincea.
Cinema espressionista.
Limpegno politico comport nel teatro un intento didattico. Esempi:
1. Erwin Piscator
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 2. Bertolt Brecht: Opera da tre Soldi (1928)
Si erge larchitetto-urbanista Walter Gropius: la scuola da lui fondata, il cosiddetto
Bauhaus operante a Weimar dal 1919 fu costretta a passare nel 1925 a Dessau. Nel 1928
costretto a trasferirsi a Berlino. Impegn politico dellartista doveva coincidere con il
contributo che lartista d alla costruzione di un mondo migliore perch pi razionale; ma
per far questo lartista deve edificare. Non ha pi ragion dessere la distinzione di classe.
Gropius denunci limpossibilit per lartista-artigiano di stabilire un rapporto positivo
con un sistema economico-produttivo fondato sul massimo profitto. Collaborazione con
Kandiski.

Nuova parola dordine
Neue Sachlichkeit, NUOVA OGGETTIVITA, nuovo appello al

realismo

Lavanguardia musicale nel dopoguerra

A Vienna listituzione pi imponente era rimasta attivit dei cori operai.

Eppure le tematiche delle avanguardi eculturali del dopoguerra ebbere un indiretto
riflesso anche sul circolo di Schonberg. Il costruttivismo musicale del Wozzeck e la
formulazione del metodo dodecafonico di Schonberg sono sicuri tributari del razionalismo
e delloggettivismo di quegli anni.
Festival Organizzati come la Societ Internazionale di Musica Contemporanea.
La citt di Berlino svolse un ruolo innovativo primario anche per la musica.
Il musicista che pi di tutti si radic nel dibattito culturale del dopoguerra tedesco fu Paul
Hinsemith. Debutto avvenne nel segno del teatro espressionista rivistitato attraverso
Lothar Schreyer. Si qualificher come un deciso rappresentatnte di un classicismo
restauratore. Scrive un trattao Regola del comporre che riafferma la funzione del centro
tonale come legge inviolabile della natura.

Prime collaborazioni di Weill con Brecht e successo di Krenek con lopera-jazz Jonny spiel
auf (Jonny attacca!).
Hindemith iniziava loperazione didascalica della Musica duso (Gebrauchsmusik).

Prospettiva didattica poteva contare sullattivit di Carl Orff che fond a Monaco nel 1924
la Gutherschule in cui leducazione musicale veniva impartita mediante stretta
connessione tra ginnastica, musica e danza. Opera in due parti intitolata Carmina burana
del 1937 su testi del Codex Latinus 4660 di Beuren.
Kurt Weill: fama legata alla collaborazione con Brecht: musiche per Mahagonny-
Songspiel, Ascesa e caduta della citt di Mahagonny, Opera da tre soldi, Der Jasager. La
musica duso era disponibile ad utilizzare le moderne tecniche di comunicazione tra cui
la radio: Volo di Lindbergh e la cantata sinfonica Das Berliner Requiem. Opera una scelta
popolare: introduce elementi di tango, shimmyvolgarit dichiarata senza finzioni..

Schonberg fase seconda: la dodecafonia

Ricerca un controllo razionale della costruzione sonora. Il tema si rivelava quello dellunit
dellopera darte.
Dodecafonia: metodo di comporre con 12 suoni che non stanno in realzione che fra loro.
Il metodo dodecafonico nasceva dallesigenza di controllare razionalmente il metodo
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compositivo dellemancipazione della dissonanza. Si recuperavano metodi compositivi
antichi usati dai fiamminghi e da Bach. C un recupero della forme musicali classiche e
addirittura barocche e uno scoperto ossequio a Bach.
Von Heute auf Morgen: operina dodecafonica.
Con la guerra emigra negli USA.
Ode to Napoleon Buonaparte del 1942
A survivor from Warsaw del 1947
Moses und Aron incompiuta. Imprigionamento di Aronne e la folgorazione che lo fa
cadere morto avrebbe sancito il prevalere della testi integralista: il risultato rimane, agli
occhi dello spettatore, ambiguo. Summa di tutte le rpecedenti esperienze strumentali e
teatrali.
Con il Trio il carattere sfuggente e visionario quello di un testamento estremo.

Berg tra il Wozzeck i Lulu

Esperienza tragica al fronte gli apre gli occhi sulla realt della guerra. Musiche e storia sul
soldato Wozzeck.
La musica fu scritta tra il 1918 e il 1921. Testo di George Buchner un documento
impressionante di realismo in et romantica; in esso vive tutta la passione politica
dellautore, seguace del comunista Babeuf. Nucleo la condizione di sfruttamento delle
classi popolari (soldato Wozzeck e donna Maria) da parte degli altolocati come causa
dellimmroalit e del delitto (cronaca giudiziaria da decapitazione barbiere Woyzeck per
avere ucciso vedova). Temi come alienazione mentale, sangue, incubo...Disumanit
meccana del Capitano e del Dottore e umanit di Wozzeck e Maria. Culmine dopo la
morte di Wozzeck annegato anchegli nello stagno dove cercava di lavarsi dal sangue di
Maria. Lopera in tre atti. Ogni scena ha una logica costruttivo-formale che Berg stesso
dichiar esplicitamente. Successo fu inarrestabile.
Altra opera la Kammerkonzer.
Suite lirica: anagrammati i nomi della donna Hanna Fuchs con cui aveva avuto una
relazione e il suo...Dominatre dai numeri magici.

Lulu: incompleta nel 1935. La sua vita si distaccata dalla quieta inerzia viennese
dellanteguerra. Viaggia. Il libretto nasce da una complessa commistione di due lavori di
Wedekind, Lo spirito della terra e il Vaso di Pandora. Attenzione verso la sfera erotica.
Berg mor il 24 dicembre del 1935.

Anton Webern e la serialit

Gi prima della guerra le pi varie necessit lo avevano portato lontano da Vienna

soprattutto come direttore di operette per intere stagioni.
Difficolt professionali.
Si pu considerare in blocco la grande produzione di Lieder intendendola come una
ricerca rigorosa delle possibilit liriche della declamazione vocale. Nel preziosismo di
questi oggetti sonori, dove lemozione profonda e pura si pu valutare quanto Webern
ammirasse la musica di Strawinski.
Con il 1927 la ricerca compositiva di Webern si sposta decisamente verso il recupero
seriale-dodecafonico delle forme classiche.

49
Il regime nazista

1933
Avvento dittatura Adolf Hitler.

Licenziati Schonberg, Schrecker e Zemlinsky. Lo stile del regime comprendeva un certo
modernismo. Solo Thomas Mann riusc a salvare dal disastro sommi valori come le opere
di Wagner. Mito dei greci considerati eredi dei mitici ariani. Venivano anche cambiati i
titoli.

LItalia dallepoca umbertina al fascismo

La cultura italiana nella crisi del periodo crispino

1887
primo ministero di Francesco Crispi

Questione sociale. Italia percorsa da febbre nazionalista e imperialista affatto nuova.

Verismo era stato vitalissimo negli anni Ottanta.
Nei primi anni del Novecento DAnnunzio e la Figli di Jorio...lAlcyone.
Solo dopo lassassinio di Umberto I da parte di Bresci (1900) e con Giolitti i governi
tentarono un ritorno alla tradizione liberale con il sindacato, elezioni a suffragio
universaleDi fronte alla nuova partecipazione politica molta parte delintellettualit
italiana si arrocc nel disprezzo per i borghesi e i lavorati. Uomini di cultura e artisti si
stavano cos preparando ad inneggiare allintervento nella guerra pi sanguinosa che si
fosse vista.

La vita musicale

Lopera in musica non venne quindi sollecitata ad un radicale rinnovamento da paralleli

movimenti letterari o pittorici.
Da Ma scagni o Leoncavallo deriv una semplificazione della tradizione realista verdiana.
Anche nei teatri italiani come quelli francesi il ventennio tra la fine del secolo e la prima
guerra mondiale fu profondamente segnato per ogni dove dallintegrale allestimento delle
opere di Wagner.
Negli anni ottanta linflusso sulla produzione operistica pu dirsi limitato alla scelta di
soggetti nordici e favolistici.
Catalani deriv da Wagner soprattutto una legittimazione alla totale libert nella
costruzione delle scene.
Nellambito della musica sinfonica limpatto del wagnerismo diverso. Nel corso degli anni
Ottanta calo di interesse nei confronti dellopera e crisi del melodramma
erano sorte
importanti societ orchestrali o associazioni dei Concerti popolari nate con scopo
divulgativo. Vista lassenza di una tradizione sinfonia italiana nellOttocento fu pi che
naturale che il collegamento con lesperienza musicale tedesca da Beethoven a Wagner
fosse pi scoperto.

Giuseppe Martucci: assimilazione esperienza tedesca. La canzone dei ricordi

Luigi Mancinelli: poemi sinfonici Frate sole e Giuliano lApostata, Isora di
Provenza, Ero e Leandro. Teatro dimmagine mitiche.
Antonio Smareglia: La falena soggetti tributari delle Fleurs du mal di Baudelaire.
Operette di Daniele Ranzato Paese dei campanelli e Cin-cil-l.
50
Limmagine dellItalia musicale di fine secolo molto frammentaria e disorganica.

La Giovine scuola

Il pi importante avvenimento della vita musicale italiana in et umbertina Cavalleria

rusticana di Ma scagni al Teatro Costanzi di Roma nel 1890. Lopera tornava al ruolo
ufficiale di spettacolo popolare per eccellenza.
Caso pi clamoroso fu quello di Giacomo Puccini con Manon Lescaut (1893) e La boheme
(1896).
La Giovine scuola italiana il fenomeno di unintera generazione di nuovi geni
nazionali nel clima di rinnovata attenzione verso il melodramma che Cavalleria aveva
suscitato.
Si parla di verismo dambiente.
Il Settecento fa capolino anche nella Manon Lescaut di Puccini o nelle Maschere di Mascagni
e ha il suo cultore nel veneziano Ermanno Wolf-Ferrari che predilesse soggetti goldoniani.
C quindi un versante settecentesco e un filone esotico: dal Giappone dellIris di Ma
scagni, Madame Butterfly e Turandot di Puccini. Oriente freddo e spietato.
Tema della sensualit: Isabeu di Ma scagni.
DAnnunzio punto di riferimento per lingresso nei soggetti dopera della Giovine Scuola:
primo libretto dannunziano La figlia di Iorio: la passione del pastore per la
malafemmina sanguinaria e feroce. Non c traccia di verismo.
Tra Medioevo e Rinascimento si accampano amori disperatamente carnali: Francesca da
Rimi di Zandonai, Parisina di Mascagni.
Nucleo comune: contabilit sentimentale. La protagonista femminile di queste opere a
conservare una misura che ce la rende vicina.

Cavalleria rusticana

Mascagni interrompe il Guglielmo Ratcliff per Cavalleria rusticana per partecipare al

Concorso Sonzogno. Atto unico, soggetto verista. Si tratta di unuscita dal genere della
Grande opera come avevano fatto negli anni Ottanta molti autori sconoscuti. Parola
dordine SEMPLIFICAZIONE.
Mascagni si avvale di una tradizione altrettanto consolidata di parlato tra cui il grido
hanno ammazzato compare Turiddu. Molteplice funzione dellorchestra dove accanto
alla funzione coloristico-ambientale simpone una funzione di commento lirico. Turiddu
diventa capace di una profondit di sentire che lo riscatta pienamente.
Sbocchi di Mascagni verso strade meno facili e lineari: Ratcliff, Iris, Isabeu e Parisina.

Mascagni dopo Cavalleria

Commedie piccolo-borghesi su romanzi degli alsaziani Erckmann e Chatrian, LAmico

Fritz e I Rantzau.
 I Rantzau: in 4 atti, ripercorrono lambientazione di villaggio e una rurale storia
damore. Odio tra i due fratelli. Partecipazione orchestrale.

 Guglielmo Ratcliff: castello scozzese, taverna mal frequentata e oscura. Antenati

che rendono fatale amore di Guglielmo per Maria. Rivale Douglas. Visionaria la
51
 nutrice di Maria.

 Silvano: dramma verista.

 Zanetto: stessi librettisti della Cavalleria. Dialogo tra Silvia maliarda e Zanetto si
svolge in un clima rinascimentale primaverile.

 Iris: riferimenti in lingua, libretto giapponese. Tradizionale storia damore viene

sostituita dalla libidine di Osaka.

 Maschere: lopera fall proprio su un terreno essenziale: la tenuta complessiva.

 Amica:

 Isabeu: soggetto medievale. Due atti. Amore di Isabeu per libert. Amore per Folco.
Assalto del popolo contro Folco.

 Il piccolo Marat: del 1921. Eventi della Rivoluzione francses vengono rappresentati
attraverso marcette e cori rivoluzionari. Su un versante opposto la delicatezza
danimo della povera nipote del Presidente, nonch i buoni sentimenti del piccolo
Marat, della sua mamma e del Carpentiere. Lieto fine.

I grandi successi di Puccini

Puccini (1858-1924), compositore di Lucca tormentatissimo e lentissimo.

Partecipa alla vita di boheme milanese. Conosce da vicino arte di Ponchielli, di Catalani.
Masconi gli du condiscepolo nella classe di Ponchielli e con lui divise la stanza di affitto.
Debutto operitstico di Puccini al Dal Verme di Milano avvenne nel 1884 con Le villi. I
critici e il pubblico rilevarono subito una vena melodica pi calda. Il successo delle Villi
richiam lattenzione delleditore Ricordi. LEdgar dovr aspettare ben cinque anni.
Edgar

del 1889. Protagonista tra la donna-vampiro e la donna-angelo. Tigrata la prima
e Fidelia la seconda.
Manon Lescaut

in scena nel 1893 al Regio di Torino. Dal racconto settecentesco
dellabate Prevost. Modifica immagine protagonista. Non giovane corrotta, ma
innamorata. Positivit dei protagonisti. Manon imprigionata viene fatta partire per
lAmerica e poi muore di stenti nelle braccia di Des Grieux.
Frequentazione di Bayreuth nel 1888. Avvolgente partecipazione dellorchestra.
La Boheme

soluzione sentimentale alle diffuse istanze di verismo. La vicenda pu
riferirsi alla Milano della Scapigliatura. Il testo del Murger poco pi di un diario
nostalgico di una giovinezza povera e nobilitata dallarte. Unit stilistica della Boheme
ricorda da vicino quella del Falstaff da cui Puccini ha tratto pi di qualsiasi altro la pi
feconda lezione. Concezione tutta francese del comico. Elemento comico e machiettistico si
insinua in una vicenda che pur sempre di amore e morte. Mim sta morendo di tisi.
Rodolfo si incontra con Mim che aveva abbandonato.
Puccini non atonale come non lo fu Debussy. La Boheme lo consacr e gli don la
ricchezza.
Compone allora Tosca da un dramma di Sardou.
Tosca: prospettiva storica (inizio Ottocento a Roma), tema politico-rivoluzionario,
52
sensualit sadica di Scarpia, pugnalata di Tosca, fucilazione di Cavaradossi, morte di
Tosca dagli spalti di Castel SantAngelo. Crescita psicologica. Nel giro di pochi attimi tutto
si risolve con la morte di lui e con il grido di lei che si getta dagli spalti inseguita dal gesto
disperato dellarchestra in fortissimo.
Madama Butterfly: del 1904. Semplice psicologia della fanciulla innamorata e infelice
conclusa con il suicidio. Pinkerton come americano che bamboleggia. Citati canti
giapponesi autentici. Alla prima alla Scala del 7 febbraio 1904 incontra un insuccesso.
Accusata di essere troppo lunga.
Il compositore si chiese se per caso il pubblico non fosse stufo delle sue opere. Dopo 7 anni
compone La fanciulla del West (gelosia della moglie Elvira che aveva spinto al suicidio
una giovane goveranante di casa anche la causa del ritardo).
La fanciulla del West: dramma a lieto fine dellamericano Belasco. Minnie nonostante
amori per Johnson rimane fedele alla figura di una padrona di saloon. Ragtime. La prima
nel 1911 al Metropolitan di New York, con direttore Toscanini e Enrico Caruso come
tenore.
Rondine (1917): poco felice. Conclusione non tragica, ma amara.
Trittico (Il tabarro, Suor Angelica, Gianni Schicchi): del 1918. Il primo parla di povert
con luccisione della moglie da parte del marito che aveva gi ucciso lamante e le avvolge
insieme nel tabarro. Il secondo parla della protagonista che gettata dalla famiglia in un
convento per aver partorito un figlio del peccato si uccide quando le dicono che il figlio
morto. Il terzo utilizza una novella del Decameron. Burla ad un funerale. Gianni Schicchi
si prende tutti i soldi.
Turandot: ultima fatica, incompleta. Monumentale nella vastit dellimpianto orchestrale.
Turandot uccide i principi che non superano le tre prove. Amore per il principe Calaf.
Finisce bene grazie ad Alfano.
Puccini il massimo rappresentante della Giovine Scuola.

Intorno a Mascagni e a Puccini

I Pagliacci di Ruggero Leoncavallo (1892) corse il mondo abbinati a Cavalleria vista la

scarsa durata di entrambe e lapparente identit di stile. Dramma della folle gelosia di
Canio nei confronti di Nedda, amore di costei per il giovane Silvio e la finale uccisione di
entrambi da aprte di Canio hanno come sfondo un pubblico palcoscenico di attori
girovaghi e le movenze frivole di una Commedia dellArte. Insiste sulla tragedia interiore
di chi al di fuori deve mostrare sempre il volto ilare del pagliaccio mentr dentro si rode di
gelosia. La violenza pi scatenata e gesticolante. Rispetto a Cavalleria c una pretesa
culturale maggiore. Non riusc ad ottenere altri successi con le altre opere I Medici, La
reginetta delle rose, Zaz.

Umberto Giordano lega il suo nome allAndrea Chenier (1896), in quattro atti. Vivace
rappresentazione di un salotto nobiliare poco prima della Rivoluzione Francese.
Raffigurazione del popolo rivoluzionario avviene con un evidente compiacimento di modi
plebei. Andrea spalleggiato dal rivoluzionario Gerars e dallamante Maddalena che sale
con lui sulla ghigliottina. Il Montaggio decide la grande popolarit di una simile opera.
Altre opere: Fedora (principessa russa in cerca dellassassino del fidanzato), Madame
Sans-Gene.

Francesco Cilea e LArlesiana (1897): quattro atti tratti da un dramma di Scribe. Mondo
53
del teatro parigino.

Fianchetti e Germania e La figlia di Jorio.

Gli epigoni del verismo

Inquietudine di Puccini e di Mascagni denota la fine di unestetica. La maestria

compositiva, labilit dellorchestratore...
Dal clima vociano era derivata una forte spinta allaggiornamento letterario dellopera
italiana: il che signific la massima concentrazione tra il 1913 e il 1915 di testi dannunziani.
In qualche misura laccostamento a DAnnunzio deriv da furbizia di editori pronti a
sfruttare in senso propagandistico la notoriet e la riconosciuta eccellenza di un simile
librettista ma i musicisti dannunziani cercarono davvero in quel teatro di poesia nuove
prospettive di preziosismo linguistico.
Franco Alfano: scrive opere come Risurrezione, La leggenda di Sakuntala. Il
completamento della Turandot di Puccini in genere giudicato negativamente ma fu
comunqu eun attestato ufficiale della stima che godeva in quanto orchestratore.
Ermanno Wolf-Ferrari: soprattutto di opere di soggetto goldoniano. In Germania fu
immediatamente apprezzato con la fiaba Cenerontala e con Le donne curiose. In Itlaia
divenne famoso nel 1907 con I Quattro rusteghi. Riferimento a Mozart. Popolarit con Il
campiello.
Riccardo Zandonai: Conchita da una storia a forti tinte da Pierre Louys. Partitura
orchestrale si era segnalata per la ricchezza e la maestria degli effetti. Scrive poi La
Francesca da Rimini. DAnnunzio forn per il libretto una vera e propria parafrasi del
poema wagneriano. Dopo la guerra tent la fortuna con Giulietta e Romeo. Scrive poi I
cavalieri di Ekeb.
Ottorino Respighi: scrive Semirama. Riferimenti allesperienza sinfonica russa e
francese.
Lorenzo Perosi: notoriet di musicista si affid ad oratorii sacri. I primi oratorii tra cui
soprattutto Il Natale del Redentore. Impronta teatrale verista.
La fine della tradizione operistica italiana

A partire dalla rappresentazione postuma di Turandot non si ha pi in Italia un solo titolo

dopera che sia entrato stabilmente in repertorio.

La cultura musicale italiana tra Otto e Novecento

NellItalia dellOttocento le conoscenze e le riflessioni erano state surrogate con alcuni

miti: il mito dei Salmi di Benedetto Marcello, della Stabat Mater di Pergolesi, delle Messe e
dei Mottetti di Palestrina.
Molti studiarono in Universit tedesche.
Negli anni Novanta sorse la prima iniziativa che permise di coordinare le forze e di aprire
un vero dibattito culturale: fu la fondazione nel 1894 della Rivista Musicale Italiana
(R.M.I.). Conteneva una sezione di critica musicale militante intitolata Arte
contemporanea.
Il senso di inferiorit nei confronti della Germania produsse anche una presa di coscienza
della mancanza in Italia di strutture adeguate per gli studi musicologici. Da qui nacque nel
1908 la decisione di fondare unAssociazione dei Musicologi Italiani (A.M.I.), che operasse

54
contro la stato di abbandono delle fonti musicali italiane.
Questa attivit musicologia ed editoriale cominci a riflettersi sul piano delle esecuzioni
musicali. Ne furono investiti i conservatorii poi con lOrfeo di Monteverdi cominciarono
ad essere interessate alcune associazioni musicali.
Riscoperta dei Concerti di Antonio Vivaldi (nel 1919 solo le Quattro Stagioni).

La musica nel dibattito culturale delle avanguardie

Il Nazionalismo

Il primo decennio del nuovo secolo vide la progressiva affermazione del nazionalismo. Il
primo dei suoi atti politici infatti il Congresso di Milano del 1914. Erano quegli gli anni
del governo Giolitti. Lopposizione a Giolitti da parte degli intellettuali fu di una violenza
difficilmente riscontrabile. Esempio di Salvemini. Sorsero numerose riviste.
Guerra e fascismo ebbero qui il migliore terreno di coltura. Di tutta la pi solida
culturalmente fu La voce.

Lambiente della Voce e la musica

Torrefranca contro Puccini cos come contro di lui Pizzetti.

Tra Casella e DAnnunzio

Esauritosi il ruolo della Voce a Parigi si sald il legame tra Casella, Malipiero e Pizzetti.
Casella fond una Societ Italiana di Musica Moderna. Gli scopi erano quelli di eseguire le
musiche pi interessanti dei giovani italiani. Ma accanta al modernismo di Casella fu
vivace il fervore nel recupero della musica antica italiana. Con DAnnunzio fonda anche
una Societ Internazionale di Musica Contemporanea con lappoggio del governo. Ma nel
1935 tutto veniva visto in maniera sospetta e cos lItalia si ritira.
Gatti e la rivista Il Pianoforte.

Il futurismo e la musica

Il Manifesto di Marinetti del 1909. Pratella compone opere come La guerra, Laviatore
Dr.
Russolo e Larte dei Rumori fatto con grossi parallelepipedi.
Inneggiano alla guerra e al sangue.

Il Novecento musicale della generazione dellOttanta

Casella: la prima personale produzione di Casella rimase segnata da Mahler, da Strauss e

dai nazionalisti russi e spagnoli. Casella nel poema sinfonico Italia percorse per una volta
la via delle citazioni folcloriche con canzoni siciliane e napoletane. Ombra
dellespressionismo tedesco.
Cess quasi del tutto di comporre tra il 1918 e il 1923. Inizio di un nuovo stile
Tre
canzoni trecentesche e Concerto per quartetto darchi. Modelli del passato strumentale
preromantico. Nel 1924 compone il balletto La giara. Tema dellitalianit in chiave
antiromantica ne La donna serpente. Ostinazione fascista di Casella lo port al brutto
55
episodio del Deserto tentato opera celebrativa dellimpresa di Etiopia.
Ildebrando Pizzetti: agli antipodi dellattivismo. Teatro come luogo privilegiato di
espressione. Fedra su testo di DAnnunzio. La figlia di Jorio.
Ottorino Respighi: vicino a Rimski-Korsakov.
Malipiero: assenza di estetismo arcaicizzante. Contro imitazione

I BALLETTI DI IGOR STRAVINSKIJ di Carlo Migliaccio

Il balletto fino a Djagilev

NellOttocento lItalia ha privilegiato lOpera, la Germania la musica strumentale. La storia

del balletto anche la stria della sua emancipazione da un certo stato di inferiorit rispetto
ai generi musicali fratelli. Questa progressiva emancipazione raggiunge il suo culmine nel
nostro secolo, in particolare nei primi decenni.
Esempio sono i Ballets Russes di Djagilev.
Il balletto la realizzazione di una rappresentazione scenica complessa che unisce in un
unico spettacolo elementi provenienti dalle diverse arti: danza, musica, arte drammatica,
pittura e scultura, architettura scenografica.
Nel XV secolo abbiamo il balletto cortese. I generi che derivano dal ballet de cour sono il
ballet-mascarade, il ballet a entrees, il ballet comique e il ballet melodramatique. Furono
Monteverdi e Rinuccini a creare nel 1608 presso la corte dei Gonzaga, il famoso Ballo delle
ingrate. Sia nellopera sia in queste forme miste di azione e danza Monteverdi arricch la
rappresentazione scenica.
In Francia la collaborazione tra Lully (Lulli), Moliere e il coreografo Beauchamp diede
luogo alla comedie-ballet che costitu il decisivo superamento del ballet de cour. Il
Borghese Gentiluomo del 1670 lesempio pi perfetto del genere.
Legata alla comedie-ballet la tragedie-ballet. Con Rameu successo a Lully viene creata
lopera-ballet che apr la via al ballet daction teorizzato da Noverare nelle Lettre sur la
danse. Si era ormai affermata lesigenza di fare del balletto una forma rappresentativa di
pari dignit rispetto allopera e al dramma e di sfrondarlo da ogni inutile decorazione.
Il 1789
rappresentazione di uno dei pi importanti ballet daction, La fille mal gard del
coreografo Duberval_ opera buffa in balletto la cui trama simile al Barbiere di Siviglia.
Dal balletto dazione italiano nacque il coreodramma di Vigano (Otello, la Vestale).
La Francia si era appropriata di tutte le invenzioni dellarte coreografica italiana e attirava
artisti pi illustri. Il periodo doro in Russia fu quello della collaborazione tra il grande
maitre de ballet (Petipa) e Cajkovskij con la Bella addormentata nel bosco, Lo
schiaccianoci, Il lago dei cigni
decisivo salto di qualit.

I Ballets Russes

Era Caijkovskic-Petipa-Ivanov fu il terreno fertile su cui sorse quella che considerata la

maggiore istituzione ballettistica del nostro secolo: i Ballets Russes. Nel 1808 Djagilev
fonda la rivista Mir Isskucva (il Mondo dellarte). Nel 1909 fond la compagnia dei
Ballets Russes. Lintento iniziale di Djagilev era di esportare larte russa. In Austria e in
Germania il balletto non prende piede perch si scontra con espressionismo. Legame con
coreografo Fokin che poi nel 1912 si spezza
legame Djagilev Nizinskij. Alla morte di
Djagilev (1929) i Ballets Russes si sciolgono. Un altro allievo di Fokin, Romanov nel 1922
fonda a Berlino il Russisches Romantisches Ballet e fu attivo in tutto il mondo fino al
56
1957. Insegnamento di Djagilev ha profonde influenze sulla personalit di Stravinskij.

I balletti di Stravinskij

 Luccello di fuoco: balletto fantastico in 2 quadri

 Petruska, burlesque in quattro scene
 Le sacre du printemps: quadri della Russia pagana in 2 parti
 Renard: burlesque
 Les noces: scene coreografiche russe
 Lhistoire du soldat : in due parti
 Pulcinella : balletto con canto in un atto
 Apollon Musagete, balletto in due scene
 Le kaiser de la fee, balletto allegorico in quattro scene
 Jeu de cartes, balletto in tre mani
 Orpheus, balletto in tre scene
 Agon, balletto per 12 danzatori
Legame profondo tra musica e danza. Visse a Pietroburgo vicino al teatro Mariinskij dove
ebbe le sue prime esperienze musicali: le rappresentazioni delle opere russe del Gruppo
dei Cinque interpretate spesso dal padre; ma soprattutto i balletti ciakovskiano-petipiani,
come La bella addormentata nel bosco. Poi lallievo di Rimski-Korsakov ebbe la fortuna di
collaborare con Djagilev. Per S. il balletto che fornisce alla musica quella forma che essa
stessa si impone.

Periodo di formazione (fino al 1910 circa)
Luccello di fuoco. Rielaborazione degli stili
studiati alla scuola di Rimski-Korsakov.
Periodo russo (1911 1923)
Petruska, La Sagra della Primavera, Renard, Lhistoire du soldat,
Les noces. Comprende opere pi conformi allo spirito dei Ballets Russes di Djagilev.
Argomenti crudi e amorali, tradizione russa. Il destino dei protagonisti di soccombere.
Periodo neoclassico (1920-1951)
Pulcinella, Apollo, Le baiser de la fee, Jeu de cartes, Orpheus.
Si torna alla simmetria formale, purezza armonica. Ricompaiono comunque personaggi
isolati e in conflitto.
Periodo seriale-dodecafonico (1952-1966)
Agon. Ulteriore purificazione stilistica.

Le opere

Luccello di fuoco

Commissionato nel dicembre 1909 ed eseguito per la prima volta allOpera di Parigi il 25
giugno 1910. I risultati dellinsegnamento di Rimski-Korsakov sono la Sinfonia in Mi
bemolle op. 1 composta tra il 1905 e il 1907, la Suite vocale per mezzosoprano e orchestra
op. 2 su testi di Puskin (il fauno e la pastorella) del 1906, lo scherzo fantastico op. 3
composto tra il 1907 e il 1908 fino a Feu dartifice op. 5 del 1908. Occasione fortuita fu la
rinuncia di un altro allievo di Rimski-Korsakov Ljiadov, troppo lento. S. abbandon per un
attimo lopera Le Rossignol a cui stava lavorando e si mise al lavoro. Coreografia era di
Fokin che in quellepoca S. stimava molto. Rapporti per presto si guastarono. Argomento
del balletto unantica fiaba russa: da un lato elemento malvagio incarnato da Kascej,
limmortale, orco dai verdi artigli che cattura le fanciulle e pietrifica gli uomini. Laltro
elemento magico, quello buono, rappresentato dallUccello di fuoco che possiede il segreto

57
per sfatare incantesimi di Kascej. Protagonista umano lo Zarevic Ivan. E principessa (una
delle 13 prigioniere). Trama particolarmente adatta per un balletto. Protagonista coppia
Kascej-Uccello di Fuoco. Musica sottolinea magia. Lo notiamo fin da quando
(introduzione) violoncelli e contrabbassi intonano in pianissimo e con sordina un tema
cupo e minaccioso. Appare Uccello du fuoco che dalle terzine veloci degli archi e dai
tremolii dei legni sembra proprio spiccare il volo (frullio reso da tremoli e note ribattute di
archi e legni in crescendo e soprattutto da piatti colpiti con le bacchette dei timpani).
Secondo S. la Danza dellUccello di fuoco il brano pi felice. Il corteo delle principesse reso
da unascensione accordale in pianissimo degli archi. Il tema della principessa, suonato in
successione da clarinetto, flauto, violino solo e poi tutti i violini una mesta melodia.
DallAlba in poi lazione si svolge in maniera pi drammatica e movimentata. Apparizione
di Kascej accentuata da un improvviso crescendo su un glissando di archi tromboni e
fagotti fino ad un secco pi che fortissimo. Apparizione dellUccello di fuoco preannunciato
da leggeri glissandi verso gli acuti. Emerge lo xilofono. La danza infernale di tutti i
sudditi di Kascej, il brano pi audace pi prossimo allo stile delle Sacre. Rullo di
grancassa annunci a morte, staccati sparsi dei legni e archi il suo stramazzare al suolo, i
tremoli dei timpani in pianissimo e dellintera orchestra darchi in flautando
rappresentano le tenebre. Tema della liberazione annunciato dal corno. Uccello di fuoco
ebbe un successo strepitoso sia nel balletto originale che nella suite.

Petruska

Caso fortuito. S. si trovava in Svizzera nellestate del 1910. Si mise poi a comporre un
lavoro orchestrale con pianoforte concertante e poi gli venne in mente il nome del
burattino, eterno infelice eroe di tutte le fiere. Lo fece ascoltare a Djagilev a cui piacque
subito. Lopera fu terminata il 26 maggio e il 13 giugno ebbe luogo la prima a Parigi.
Direttore fu Monteux, coreografo Fokin, scenografo Benois e interprete Nizinski, la
Karsavina come ballerina e Orlov come il Moro. Enrico Cecchetti come Burattinaio.
Argomento: durante la festa di piazza del Marted grasso a Pietroburgo si fa largo il
burattinaio con i tre pupazzi. Viene messa in primo piano la loro piccola tragedia: P. ama
la ballerina, ma questa attratta dal Moro che si sbarazza di lui fracassandogli la testa. Poi
appare il fantasma che fa uno sberleffo al Burattinaio e a tutto il pubblico. divisa in 4
quadri.

Primo quadro

2. Festa popolare della settimana grassa: corni e clarinetti con squilli irregolari di
flauto e violoncelli. La ballerina danza battendo il tempo con il triangolo (la
melodia Elle avait une jambe en bois. A questa melodia si sovrappongono vari
suoni estranei. Poi due tamburi avanzano verso il teatrino e attirano lattenzione
della folla.
3. Davanti al teatrino compare il Burattinaio e i suoi tre pupazzi (ritmi misteriosi)
4. Tre pupazzi si mettono a ballare una danza russa. Funzione concertante de
pianoforte. Rullo di tamburo militare e due squilli politonali di clarinetti e oboi
preannunciano il cambiamento di quadro.

Secondo quadro

58
 2. Camera di Petruska. Un calcio lo spinge nella scena. innamorato della ballerina. Il
suo amore disperato si esprime nel Furioso. Solitudine malinconica. Con unentrata
trionfale appare la ballerina. Ancora il rullo del tamburo fa da trait dunion con il
terzo quadro.

Terzo quadro

2. Presso il Moro: musica ne sottolinea la figura greve e rozza. Tuba, fagotti, timpani
e rullo in pianissimo del tam-tam. Fagotti intonano melodia orientale a tre voci.
Apparizione della ballerina (cornetta, e stupida melodia). Ballano insieme il valzer.
Apparizione di P. che dopo aver litigato con il moro viene spinto via.

Quarto quadro

1. Festa popolare della settimana grassa. Verso sera: gioia. Tutti gli strumenti
vibrano di fitti tremoli sullaccordo di Re maggiore. Lungo squillo di trombe
richiama attenzione su teatrino. P. esce dal teatrino inseguito dal Moro che la
ballerina cerca di trattenere. Il Moro lo raggiunge e lo colpisce con la spada. P. cade
con il cranio fracassato. La folla si riunisce e muore lamentandosi. Il Burattinaio
rassicura che P. non altro che un burattino. Il libretto continua a parlare di
cadavere. Sul teatrino appare il fantasma di P.

Esatta riproduzione timbrica delle orchestrine del music-hall o degli organetti di Barberia.
Effetto metateatrale. Due livelli teatrali, quello della folla e quello del teatrino. Musica
differenziata: tipicamente russa e allinterno del teatrino pi raffinata. Frequenti
interruzioni del discorso armonico fino allinferenza di sezioni a tonalit diverse e alla
sovrapposizione politonale. Le ultime pagine, sebbene scritte in fretta sono considerate da
S. le migliori della partitura. Dopo la baraonda della festa latmosfera diviene calma.
Tremoli fitti degli archi si alternano a tremoli lenti degli oboi e dei corni. La musica si
smorza progressivamente fino al colpo di scena dello squillo delle trombe di P e alle
quattro enigmatiche note conclusive degli archi (do diesis Re diesis Do naturale Fa
diesis). Di notevole virtuosismo la trascrizione per pianoforte dei Tre movimenti di P.
(Danza russa, Da P., La settimana grassa).

La Sagra della Primavera

Lidea originaria era venuta in mente a S. gi nel 1910 a Pietroburgo mentre stava per
terminare LUccello di fuoco.
Realizzazione di tale progetto parecchio tormentata. Problemi dovuti anche alla mancanza
del coreografo. Fokin aveva interrotto i rapporti con Djagilev e limpresario punt su
Nizinski che non era un granch. La partitura fu terminata lanno successivo, il 29 marzo
1913 e il 29 maggio presso Parigi venne rappresentata con lorchestra diretta da Monteux.
Scandali pi clamorosi della storia della musica. Pubblic inizi a manifestare
disapprovazione. Le rappresentazioni successive riscossero invece successo. La Sagra della
Primavera scardin i tradizionali canoni compositivi: innanzitutto il procedimento
politonale diventa un fattore strutturale costitutivo dellintera organizzazione compositiva
al pari di quello modale che ne caratterizza lorizzontalit melodica. S. sembra non
concedere pi nulla alla regolarit della scansione; e anche quando appare una normale
59
successione di crome in 2/4 questa viene contraddetta dalla disposizione degli accenti.
Anche dal punto di vista timbrico le innovazioni sono rilevanti: lorchestra impiegata
mastodontica, nonostante le iniziale titubanze di Djagilev. Per la funzione melodica
vengono preferiti i legni, gli ottoni agli archi. Non ha un vero e proprio svolgimento
drammatico. Si divide in due parti: Ladorazione della terra e Il sacrificio. La prima
parte inizia con un a-solo del fagotto nel registro acuto. La melodia un canto lituano.
Unico canto originale folklorico di tutto il pezzo. La seconda parte riguarda il sacrificio,
momento culminante di tutto il rito tribale. LIntroduzione presagisce e anticipa il senso di
morte e di mistero che avvolge tale rito. Ci che prevale lelemento percussivo. Il
sacrificio crudele di unadolescenza che offre la sua giovinezza. Con questa scelta S.
scandalizz il pubblico e tutta la societ che in quegli anni era in procinto di compiere un
ben pi crudele sacrificio di vite umane. La Sagra il primo esempio di quella fredda
oggettivit tipica della musica di S..

Renard

Nel periodo immediatamente precedente alla guerra S. compose le Tre liriche giapponesi e
la fiaba musicale Le Rossignol dal racconto di Andersen. I primi mesi del 1915 li trascorse in
montagna dove cominci a comporre Les noces e una favola rustica intitolata Racconto del
gallo, della volpe, del gatto e del caprone. Loccasione propizia gli venne offerta dalla
principessa Edmond de Polignac la quale nel gennaio 1916 gli chiese di comporre unopera
da camera con pochi strumenti da eseguirsi nel suo salotto. S. le propose allora Renard.
Djagilev era molto pi interessato a Les noces. Lallestimento presso al Polignac non si
realizz mai. Solo pi tardi nel 22 D. inser Renard insieme a Mavra nel cartellone dei
Ballets. Determinante per Renard fu lincontro con Aladar Racs, virtuoso del cimbalom
(strumento tzigano). S. fece del cimbalom quello che in P. era il pianoforte. Pochi strumenti
rappresentativi: legni da ottavino, flauto, oboe, corno inglese, clarinetto e fagotto; gli ottoni
da due corni e una tuba; le percussioni massicce e agli archi ruolo subordinato. Cimbalom
ungherese fa da strumento concertante. Ritmicamente ammicca al jazz e alla musica di
consumo. Formalmente Renard presenta una struttura rigidamente simmetrica. La volpe
Renard sfida la stupidit del mondo circostante e ne subisce la violenza e larroganza;
assomiglia perci a P. tanto testardo; ma la sua proverbiale furbizia nulla pu contro la
vilt del Gallo. Renard sembra ricevere e incarnare la malignit del mondo: la sua indole
quella del diavolo. C un elemento che conferma la parentela di Renard con Nick Shadow:
lo strano arpeggio con cui viene presentato ad ogni sua apparizione in scena.

Lhistoire du soldat

Il lavoro di S. e di Ramuz consistette nel prendere e rielaborare alcune fiabe russe della
raccolta di Afanasev, riguardanti il periodo delle guerre russe-turche e in cui si parla di
un soldato che diserta e lastuto Diavolo che viene a reclamare la sua anima.
Concepirono un teatro povero. Anche largomento rivisita un grande mito romantico:
Faust. Lorchestra sul lato opposto del palcoscenico. Lesordio dellopera come in Renard
una marcia. La voce recitante segue ritmicamente la musica. A differenza che in Renard
qui si tratta di una piccola Ouverture che non fa da semplice entree ma anticipa e riassume
musicalmente i contenuti dellopera. Si ritrova qui un modulo caro a S. consistente
nellopporre uno strumento solista a degli antagonisti che emergono minacciosamente. Il
violino poi riprende tranquillamente il suo a-solo, ma lo strano arpeggio conclusivo ha il

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sapore di una capitolazione di fronte a quelle forze misteriose. Lo accompagna una Marcia
Reale ironicamente pomposa quando il soldato va dalla figlia del Re (paso doble
spagnolo. Ottenuta la promessa di vedere la principessa il soldato incontra il diavolo
travestito da virtuoso del violino e rivince il suo violino e suona un gioioso Petit-concert.
Giunto al capezzale della principessa malata il soldato suona tre danze (Tango, Valzer,
Ragtime) che fanno rianimare la ragazza. Si sposano ma lei vuole conoscere il passato del
soldato e lui vuole rivedere i suoi cari. Ma il narratore avverte lattore: Una felicit tutto,
due felicit come se non esistessero pi. Il soldato perde la sua anima e il violino
sembra agonizzare. Farsa della follia.

Les noces

Nel periodo che va dal 1914 al 1923 si inscrive la lunga gestazione delle scene
coreografiche russe Les noces. Lintento di S. fu unicamente quello di riportare la viva
voce della tradizione russa. S. voleva s mettere in scena un rito popolare ma
accentuandone la distanza culturale, evitando ogni coinvolgimento passionale, ogni
sentimentalismo nostalgico di stampo romantico. S. ebbe la geniale intuizione di trasferire
lelemento vocale, il soffiato interamente negli strumenti a percussione che costituiscono
lunica sezione supersite della grande orchestra. S. dovette risolvere comunque un altro
problema pratico: la collocazione spaziale degli strumentisti. Si opt per la collocazione
dei cantanti e delle percussioni nella fossa dellorchestra, mentre i quattro pianoforti
occupavano gli angoli della scena. La prima rappresentazione avvenne a Parigi il 13
giugno 1923. Come in Renard anche nelle Noces le voci non si identificano univocamente
con i personaggi: allinizio il soprano la sposa mentre alla fine fa la parte delloca.

Prima scena

Canto della sposa (Natascia) mentre si sta sciogliendo la treccia e i nastri, simboli secondo
la tradizione russa della verginit e del legame parentale. Le amiche pettinano la sposa
piangente e la consolano per la separazione dalla madre. Poi parlano di un albero nel
giardino del fidanzato e di un usignolo che canta

Seconda scena

Pianto della madre dello sposo anche se sembra pi commosso e sincero di quello della
nuora, ai limiti della gelosia. Ella si lamenta perch non potr pi curare il figlio.

Terza scena

La ragazza sincammina verso la chiesa. Vengono invocati i santi Cosma e Damiano

propiziatori del matrimonio e della fertilit. Ai due lati della scena le due con suocere che
esprimono loro dolore. Sposi e genitori coinvolti nelleuforia generale degli ospiti. Quando
il letto pronto gli sposi entrano nella camera e i genitori e gli ospiti restano sulla porta.
Pizzico di malizia nella descrizione dellamplesso. Unione sensuale come atto sacrale e
come mistero. Ci che comunque emerge soprattutto quel senso di vuoto storico e di
frattura temporale con il passato che il mondo intero stava sperimentando in quegli anni.

Pulcinella

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Pulcinella il primo lavoro dello stile neoclassico. una delle opere pi esemplari. La sua
ironia volta a sottolineare questa distanza. Il vero oggetto polemico un altro, ossia gli
epigoni del tardo romanticismo e i fautori della dissoluzione linguistica musicale. Djagilev
propose a S. lorchestrazione di alcune pagine di Pergolesi. S. scelse Pulcinella.
Largomento venne tratto da un manoscritto della Commedia dellArte italiana del 700,
trovate da Massine e Djagilev a Napoli o a Roma. Quattro ragazzi si travestono da
Pulcinella e tentano di uccidere il vero Pulcinella che si fa sostituire da Furbo che finge da
morire. Poi Pulcinella sposa Pimpinella. Assenti perfidia. Uso esplicito delle tonalit, delle
forme tradizionali, di una metrica e di una misurazione ritmica fondamentalmente
regolari e quadrate. Organico strumentale: 2 flauti, 2 oboi, 2 corni, 2 trombe, trombone,
archi suddivisi in concertino.Pulcinella lopera che forse cre meno problemi al
compositore. Perfetta intesa con Picasso che disegn la scenografia e i costumi.Prima
rappresentazione ebbe luogo al Theatre de lOpera il 15 maggio 1920. Preminenza degli
archi.

Apollon Musagete (1927)

Opera neoclassica insieme alla Mavra, Ottetto, Serenata in La per pianoforte, Concerto per
pianoforte e strumenti a fiato, Oedipus Rex. Neoclassiche nello stile e nel contenuto
(ispirate alla mitologia greca). Apollon costituisce forse il caso estremo di questa volont di
autocontrollo, di rinuncia e di inibizione espressiva. Sfrond lorchestra. Elementi che
compaiono sulla scena e che caratterizzano anche la musica: senso dellascesa, principio
dellunit. Senso del ritorno. Ci che premeva al compositore era la chiarezza e la
nitidezza. Il balletto inizia con unintroduzione austera e solenne per il progressivo
ascendere del ritmo puntato nei diversi piani tonali, anche queste ascendenti: prima Do
maggiore...Allapertura del sipario il senso di attesa si protrae fino al momento della
nascita di Apollo annunciata dallaccordo che la simboleggia. Nella seconda scena
cominciano le variazioni. Il balletto si conclude con una mirabile Apotheose in cui il ritmo
puntato del tema di Apollo suggella lunitariet del carattere e della struttura di tutta
lopera. Egli non volle pi scandalizzare la gente come fece la sera del 20 maggio 1913.
Quando incontriamo uno S. accondiscendente non dovremmo fidarci di lui. Anche quello
neoclassico un ennesimo travestimento dopo quello russo e prima di quello atonale.

Le baiser de la fee

Balletto commissionato alla fine del 1927 da Ida Rubinstein per la sua compagnia di
balletti di Parigi. Benois gli propone un soggetto ispirato alla musica di Cajkovski.
Racconto di Andersen, La Vergine dei ghiacciai: un ragazzo di nome Rudy svizzero
baciato alla nascita da una fata. Durante una tempesta di neve la madre di Rudy muore e il
bambino viene allevato da dei cacciatori. Sinnamora della figlia del mugnaio Babette e
alla vigilia delle nozze quando sta per realizzare il suo sogno damore, la Vergine lo
reclama a s, facendolo perire nelle acque del Lago di Ginevra. Per S. questo soggetto
poteva essere unallegoria della figura di Cajkovskij. Lallegoria pu essere estesa anche
allintera vita del musicista. Quello con C. fu un rapporto damore basato sulla raccolta
accurata di materiale vario ripreso fedelmente o modificato col fine di farlo rivivere nel
presente. Utilizza lorchestra in senso cameristico.

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Prima scena

Prologo della fiaba. Per la scena temporalesca S. scelse la Berceuse durante la tempesta op.
54 n. 10 di C. Il crescendo finale della prima scena coincide con il momento in cui i
cacciatori del posto ritrovano il piccolo.

Seconda scena

Protagonista diciottenne e la fidanzata. La fata travestita da zingara circuisce il giovane.

Alle danze contadine si alterna lepisodio del quartetto darchi che allude ai due giovani
prossimi alle nozze. Dopo una breve transizione di S. troviamo una Polka di C., poi un
Valzer, il Nata Valse op. 51 n. 4 finch nella Coda viene ripreso il tema iniziale in
diminuendo dato che la folla si sta a poco a poco disperdendo. Appare allora la fata nel cui
personaggio troviamo le costanti dellelemento diabolico: il travestimento, la danza, la
promessa di felicit fatta per distogliere il protagonista dalle nozze. Alla fine le seducenti
ed enigmatiche scale ascendenti del flauto nel momento in cui ella riesce a soggiogare il
giovane.

Terza scena

La fata accompagna il giovane al mulino. Presagio di morte per oscillazione dei tremoli
violinistici su un lungo pedale dei violoncelli. La fidanzata si veste da sposa ma compare
la fata vestita anchessa da sposa che rivendica il giovane.

Quarta scena

Tema tratto dal Lied Niente altro che cuore solitario. La fata bacia di nuovo il giovane
ma questa volta sulla pianta del piede per portarlo con s nella dimora eterna. Il pendant
con il bacio ricevuto sottolineato da una ripresa della melodia iniziale. Indeciso se
leternit quella dellOlimpo di Apollo o nel Tartari di Persefone.

S. non collabor molto alla coreografia. Djagilev non soddisfatto. Non fu un successo. Nel
1931 ci fu la riduzione a suite che ha come titolo Divertimento.

Jeu de cartes (1936-1937)

Scritto tra il 1936. Balletto neocajkovskiano. Disimpegnato. Palcoscenico avrebbe coinciso

con il tavolo verde, le diverse scene sarebbero stati le mani di gioco, i personaggi le varie
figure, con in preminenza il Jolly. Il royal flush di Cuori mette fine alle furfantesche
malefatte del Jolly (che si sostituisce a qualsiasi carta). Prima esecuzione avvenne al
Metropolitan Opera House di N.Y. con lAmerican Ballet il 27 aprile 1937. Diretta da S.,
coreografo Balanchine, ballerino protagonista (il Jolly) William Dollar. Ascendente
maggiore di Jeu sembra Beethoven. Elemento portante di tutto il balletto un inciso
ritmico di tre crome e una minima che corrisponde allincipit della Quinta sinfonia.

Destino casuale cos come la distribuzione delle carte. Lallegoria ambigua: il Jolly
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soccombe ma in fondo il deus ex machina di tutti i giochi. Perci assomiglia a personaggi
come Petruska, Pulcinella e Renard. Personaggio diabolico. Tra i balletti di S. meno
rappresentati.
Rapporto Mussolini-Stravinski: rispetto ma non ammirazione.

Orpheus (1945-1947)

In America dal 1939 durante la guerra. Richieste anche consumistiche (Sagra della
Primavera per Fantasia). Buoni rapporti con Hollywood. Rappresentato per la prima volta
il 28 aprile 1948. Balletto autenticamente neoclassico nelluso delle forme chiuse, nello stile
musicale e nellargomento (punto di riferimento Monteverdi). Mito quello narrato da
Virgilio nelle Georgiche (IV) e ripreso da Ovidio nelle Metamorfosi (X). Orfeo tenta di
riprendersi Euridice, ma si gira prima e la perde per sempre. Tornato in superficie viene
ucciso dalle Baccanti per la sua indifferenza. La sua anima ascender al cielo e allieter i
beati con la sua musica. Orfeo come Edipo, cerca di infrangere il destino ma ne rimane
schiacciato. Per S. latto di voltarsi una frustrata affermazione della libert. Pessimismo
antiumanistico di S. Rare volte viene superata la soglia del mezzoforte. Larpa (cetra di
Orfeo) espone la sua lenta melopea discendente su un velo armonico degli archi. Critica:
agitazione delle furie meno furiosa. Un improvviso crescendo al fortissimo costituisce il
culmine drammatico del duetto e di tutto il balletto Orfeo si strappa la benda dagli occhi
e Euridice cade morta. Nel Pas daction le Baccanti prendono Orfeo e lo fanno a pezzi. I
pizzicati degli archi rappresentano i passi furtivi delle Menadi. Lo sventurato viene
afferrato nel momento in cui la piena orchestra suona in pi-che-fortissimo. Quindi la
musica stessa si frammenta e si lacera. La terza scena LApoteosi di Orfeo e il finale
in diminuendo.

Agon (1953-1957)

Ultimo balletto di S. commissionato da Lincoln Kirstein e George Balanchine per il New

York City Ballet. Gi prima di terminare lOrfeo S. era al lavoro per The rakes progress.
La dodecafonia assume aspetto quasi gaio. Il titolo vuol dire solo competizione.

STRAVINSKIJ E IL TEATRO RUSSO PRE-LETTERARIO di Simon Karlinsky

Allinizio di Petruska viene eseguita una semplice melodia con la seguente indicazione
scenica: Qui passa danzando una piccola folla di festanti ubriachi. Fonti occidentali
identificano questa melodia come un canto pasquale conosciuto come canto dei
Volocebniki che erano personaggi che giravano per i villaggi della Bielorussia il luned
dellAngelo, cantano volocebnye pesni e cio carole pasquali. I passanti in festa devono
essere quindi forestieri perch labitudine dei canti di Pasqua esisteva solo in Bielorussia.
Questo teatro rappresentava le seguenti forme: 1) la messa in scena di riti pagani
sopravvissuti, 2) le usanze e le cerimonie fortemente drammatizzate che nei villaggi
contadini accompagnavano la celebrazione del fidanzamento e 3) le esibizioni di
cantastorie itineranti. Inoltre rappresentati 4) il Carnevale pre-quaresimale e 5) le
rappresentazioni di commedie popolari tramandate oralmente su contadini,
regnantirecitate da soldati illetterati e detenuti
Valutando le principali opere di S. nel periodo 1910-18 si pu notare che:

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Le sacre du printemps la drammatizzazione musicale del punto 1)
Les noces del 2)
Renard una rievocazione moderna dello spirito degli skomorokhi.(3)
Petruska unantologia di situazioni e di usanze.(4)
LHistoire du soldat ha molte caratteristiche in comune con il teatro popolare dei soldati e
dei detenuti.(5)
Quindi Luccello di fuoco ancora il prodotto dellestetica ottocentesca. Nel libretto sono
mescolati temi del folklore russo ed elementi tratti dal Lago dei cigni di Ciakovskij e dalla
piece teatrale Danze notturne di Sologub.
Per Petruska invece molto facile riconoscere le arie che accompagnano i danzatori
Nel periodo che vide la composizione di Les noces, Renard e della serie notevole di canti e
cori contadini del 1914-19, S. non aveva pi bisogno di citare o deformare melodie
popolari perch ormai aveva interiorizzato le propriet strutturali.
Lapertura del folklore musicale russo ad una dimensione internazionale un processo che
S. comp in modo graduale:
 Le sacre du Printemps e i riti agricoli invernali: quando nel 988 il Grande Principe
Vladimir impose il Cristianesimo non aveva sufficiente potere e canali di
comunicazione per costringere tutti i suoi sudditi ad abbandonare la religione
slava.
 Les noces ed i matrimoni contadini russi. La pi antica fonte storica russa, la
Cronaca degli anni passati, testimonia dellesistenza di rappresentazioni
drammatiche pagane e di danze eseguite durante i matrimoni delle antiche trib
slave orientali. Rito del fidanzamento, il devisnik (sciolte le trecce).
 Renard e gli skomorokhi. Ambientata in un villaggio in unepoca precedente
lascesa di Pietro il Grande, Renard in sostanza la rappresentazione di quattro
skomorokhi che raccontano una burla satirica ed anticlericale ai danni di un ricco
contadino (il Gallo) da parte di unimbrogliona vestita da monaca errante. Per due
volte il Gallo salvato. Gli skomorokhi come classe sociale scomparvero con gli
editti dello zar Alessio.
 Teatro popolare in Petruska. Gli elementi di teatro popolare presente in P. non
hanno origini antiche come quelli visti sin qui. Per la maggior parte essi non
risalgono a prima del Settecento e sono anche molto pi accessibili al pubblico
occidentale. La centralit dellimbonitore carnevalesco.
 Lhistoire du soldat e il teatro popolare orale. Teatrale popolare di tradizione orale
di soldati e detenuti.. Tratti tipici di questo teatro sono: la deformazione di leggende
straniere, incontri e i rapporti tra popolani russi come soldati e contadini non russi;
lincontro tra la realt quotidiana, fatta di baracche militariLHistoire una
parodia della leggenda di Faust.

LA TRADIZIONE RUSSA NELLOPERA DI STRAVINSKIJ di Druskin

Lo stile di S. russo anche se ha la capacit di assimilare la musica di diverse epoche

storiche e di differenti scuole nazionali. La tradizione culturale russa si espressa nel nella
sua opera sia direttamente (periodo russo) sia indirettamente.

Letteratura

Rest fedele a Puskin, poeta russo. S. sostenne lidea di un ordine artistico; la afferm in

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numerose interviste e nelle pagine della sua Poetica della musica. Tra gli scrittori russi il
secondo posto per S. lo occupava Dostoevskij. Ne Ladolescente il protagonista Versilov
esprime questo giudizio: Soltanto il russo ha la capacit di diventare ancora pi russo
proprio quando pi europeo. Queste erano anche le idee di S..
Benois con Djagilev stato uno degli ispiratori di quel cenacolo che riun negli anni a
cavallo dei due secoli molti giovani pittori, letterati e musicisti. Questa associazione
artistica ebbe un ruolo importante nella formazione della personalit di S. Egli vi trov un
ambiente vicino alle sue idee, pur rifiutandone alcune caratteristiche. S. lavor anche con
pittori non russi (Picasso). S. aveva grande memoria visiva. Grande influenza ebbe
Pietroburgo sulla sua formazione.

Teatro

Influenza della tradizione russa. Legami tra Luccello di fuoco e lopera di Rimski-
korsakov Kascei limmortale, Petruska con Il gallo doro sempre di Rimski-Korsakov, la
Sagra della Primavera con scene analoghe
Negli anni venti S. si rivolse alla mitologia antica e al rituale ecclesiastico occidentale.
Il teatro popolare dei saltimbanchi e gli spettacoli da fiera sono rievocati in Petruska,
Renard, Histoire du soldat e in parte in The rakes Progress e in The flood mentre la
Commedia dellArte rivive in Pulcinella.

Musica

Autodidatta per il contrappunto. Solo nei mesi dopo la morte del padre riusc a diventare
allievo di Rimski-Korsakov che influenz profondamente la sua formazione anche se la
sua tradizione la vedeva risalire da Glinka, Puskin e Cajkovskij. Si interess anche alle
scoperte artistiche di Musorgskij. Attorno al 1910 fortemente attratto da Debussy. Studia il
folklore russo.

Lo stile russo

Pensava in russo e ne era consapevole. Il fatto che un compositore pensi nella sua
madrelingua implica inevitabilmente che la sua concezione musicale sia influenzata dalle
forme della tradizione nazionale. Cambiamento del ritmo, alternanza accenti e
mescolanza, carattere improvvisato nellintroduzione delle voci.

STRAVINSKIJ E IL BALLETTO di Millos

Lifar, uno dei pi grandi ballerini di tutti i tempi descrisse S. come un tiranno. Egli
sostiene che sia un errore considerare la musica di S. per il suo carattere ritmico come
musica danzante, anzi disse che essa a causa dei frequenti cambiamenti di ritmo e della
sua complessit ritmica in generale impoverisce e appesantisce la danza, perci la
considera anti-danzante. Sia i coreografi che i musicisti devono conoscere in quei tempi i
mestieri di entrambi. Vigan scompare nel 1821. Il Romanticismo nel campo del balletto si
manifestava in modo assai meno complesso di quanto non accadesse nei mondi delle altre
arti. Musica non serv altro che a sottolineare con efficaci effetti sonori il pathos delle
azioni e le esuberanze dei virtuosismi coreici dei danzatori. Accadeva cos che il balletto,
avendo perduto il suo contatto con la grande musica fin per trovarsi in crisi. S. partecip
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alle imprese innovatrici. Quindi la riforma venne dalla Russia e non dallItalia. Si distinse
Fokine come danzatore e futuro coreografo (freschezza).
Ma il nuovo consistette in fondo nei rapporti della danza con la musica. Per questo per
Luccello di fuoco scelse S..
S. per non fu completamente soddisfatto della coreografia di Fokine perch rimase
troppo limitato ai valori visivi del balletto. Conflitti in Petruska; diversi modi di vedere gli
sviluppi dellazione scenica. Nella coreografia fatta da Nijinsky per la Sagra della Primavera
invece il fattore visivo riusc ad unificarsi con quello auditivo. S. fu soddisfatto solo del
lavoro di Massime per Pulcinella. Ottima la collaborazione con Balanchine soprattutto per i
balletti neoclassici (si sofferma sulla pura linearit del movimento).
Lautore parla di coreografie uniche e originali solo per Jeu de cartes, Orpheus, Les noces e
Persephone.
Critica e risposta a ci che ha detto Lifar: non solo non ha ucciso la danza, ma stato uno
delle forze pi vivificanti del balletto!

STRAWINSKY di Roman Vlad

Esordio

La figura di S. veniva contrapposta a quella di Arnold Schonberg poich determinarono

dei poli intorno ai quali e tra i quali si sono andati disponendo le tendenze e gli itinerari
degli altri compositori del nostro secolo. S. assimila i portati essenziali della tradizione. In
Schonberg un simile processo di maturazione dei mezzi formali e di progressiva conquista
del proprio mondo espressivo si manifesta con estrema evidenza. In S. invece come se
assistessimo alla lenta incubazione di elementi che poi dimprovviso esplodono con
abbagliante violenza. I sintomi di questo processo di assimilazione e di segreta
germinazione si manifestano fin dal lavoro che lautore contrassegn col numero dopera
uno: Sinfonia in mi bemolle scritta negli anni 1906-1907. Con questa prima sinfonia si sente
influenza di Strauss. Nel momento in cui Schonberg e S. iniziavano la loro attivit il punto
di aggancio alla tradizione musicale non poteva che essere il medesimo: rappresentato dal
pi avanzato limite della aromatizzazione alla quale era giunto Wagner nel Tristano.
Prenderne conoscenza e assimilarlo era condizione necessaria sia per superarlo dopo
averlo portato allestremo sviluppo come fece Schonberg sia per reagirvi contro come fece
poi S..
La futura personalit di S. si preannuncia piuttosto nelle trasformazioni ritmiche.
Degli stessi anni 1906-1907 data la suite La faune e la Bergere op. 2.. Agli influssi gi
menzionati si aggiunge lesperienza della nuova scuola francese di Dukas, Debussy e
Ravel.
Linflusso dellimpressionismo francese si intensifica nello Scherzo Fantastico op. 3 scritto
nel 1908-908. Questo lavoro ispirato a un episodio della Vita delle Alpi di Maeterlinck.
La prima parte si riferisce allalacre vita nellalveare. Il lento Trio centrale evoca il sorgere
del sole e il volo nuziale della regina, la lotta amorosa con lo sposo prescelto e la morte di
questultimo. Lultima parte che una ripresa variata della prima riporta alla tranquilla
alacrit della vita dellalveare.
Le caratteristiche formali dello Scherzo fantastico si accentuano nella fantasia per orchestra
Fuochi dartificio op. 4 scritta nel 1907-908 in occasione del matrimonio della figlia di
Rimski.
Nei Fuochi dartificio emerge la personalit di S.: taglio netto dei temi, linearit delle

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interiezioni degli ottoni incisivit esplosiva dei ritmi, disposizioni asimmetriche delle
battute e spostamenti accenti.
Allo stesso periodo 1907-08 appartengono altri 4 lavori: Canto funebre op. 5, Due canti op.
6, Quattro studi op. 7 per pianoforte e la Pastorale per voce e pianoforte. Il Canto funebre
restato inedito e il manoscritto perduto.

Quattro studi op. 7: influsso panismo chopiniano attraverso Liadoff e Scriabin. Impronta
di S. nel serrato gioco ritmico.
Pastorale: piccolo vocalizzo per canto e pianoforte. Lavoro pi valido.

Lincontro con Diaghilev

Prime conquiste definitive: Luccello di fuoco e Petruska. Legate al nome di Diaghilev.

Diaghilev: nobiluomo russo, mecenate illuminato, impresario. Intuisce il genio di S. dopo
Fuochi dartificio. Commissiona a S. orchestrazione di due brani di Chopin da integrarsi
nel balletto Le Silfidi. Poi gli affida la composizione di un balletto originale. S. aveva in
quel momento iniziato la composizione dellopera Le Rossignol e interruppe questo lavoro
per Luccello di fuoco. Compose una musica da balletto dazione. Una musica che si pone
in diretto rapporto con lazione scenica.
Luccello di fuoco: si compone di sette parti. LIntroduzione crea una misteriosa atmosfera
notturna. Segue una presentazione dellUccello di fuoco e la sua danza. La Variazione
delluccello di fuoco si riferisce alla sua cattura. Poi Ivan si trova di fronte al castello di
Katschei, gigante dalle dita versi che trasforma in pietre i viandanti. Ivan viene circondata
da stuolo di fanciulle che ballano la Ronda delle Principesse. La pi bella sinnamora di
lui, ma sopravviene il Re Katschei ballando una Danza Infernale. Ivan seguirebbe la sorte
degli altri se non intervenisse Luccello di fuoco intonando una Berceuse. Cos Ivan pu
distruggere il guscio duovo contenente lanima. Questi muore e una Danza finale segna il
trionfo dellamore.
Temi sono laconici, il discorso musicale si presenta a blocchi squadrati con scultorea
potenza, piani tonali si contrappongono. La prima rappresentazione dellUccello di fuoco fu
data dai Balletti Russi di Diaghilev allOpera di Parigi il 25 giugno 1910.

Petruska: durante la composizione dellUccello di fuoco S. ebbe una visione riferita ad un

atto rituale pagano dellantica mitologia slava. Concep cos lidea di un balletto
preistorico. Con il pittore Roehrich stabilirono largomento della Sagra della Primavera.
Intanto abbozza un pezzo da concerto per pianoforte e orchestra (Petruska) che gli mette in
testa lidea di un fantoccio. Questo fantoccio grazie anche allintervento di Diaghilev viene
identificato con Petruska, il Pierrot dei paesi slavi, eterno eroe infelice. Lorchestra prester
i suoi ritmi alle danze delle folle duna fiera russa da gioved grasso. [opera autobiografica
di S.: Chroniques de ma vie]
Modo in cui rientrano tutte le diverse note di quei due arpeggi (uno di do maggiore in
posizione fondamentale, laltro in fa diesis in posizione rivoltata). Esso formato da otto e
non di sette suoni diversi e ammette solo tre diverse trasposizioni. Le innovazioni in
Petruska riguardano non solo le strutture intrinseche della musica, ma anche la sua
realizzazione strumentale, la forma architettonica e la concezione estetica in un momento
in cui imperavano lo sfumato impressionistico e il truculente sinfonismo post-wagneriano.
In questatmosfera lo scatenamento delle sonorit crude cui si assiste in Petruska doveva
apparire un fatto rivoluzionario. Invece di riferirsi alla tragica situazione la musica rende

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la sfrenata allegria del carnevale. LAdorno scorge in Petruska un preannuncio di quel che
sar il dramma dellindividuo nella meccanizzata civilt di massa che tende ad annullarne
la personalit.

Il Re delle Stelle

Opere composte prima della Sagra della Primavera.

1. Due canti su testi di Verlaine: composti nel 1910. Due brevissime pagine basate sui
versi delle due poesie: La lune blanche e Un gran sommeil noir.
2. Canti su poesie damore di Balmont: Non ti scordar di me e Il Colombo che
preannunciano taluni dei passi della Sagra e degli ultimi atti dellUsignolo.
3. Cantata Il Re delle stelle: su testo di Balmont e dedicata a Debussy. Lavoro
problematico, complessit armonica. Non ha avuto diffusione. Pezzo breve ma
importante complesso orchestrale e parte del coro di difficile intonazione. Il
manoscritto and perduto (era nelle mani di Debussy). Limportanza del Re delle
Stelle si dichiara sul piano spirituale in connessione con quello sfondo religioso
dellarte di S. e che questa Cantata lascia trasparire per la prima volta in modo
inequivocabile.
Nella Poetique S. parla di un tipo di musica che esso considera legata al tempo ontologico.
Nella sue opere dalla scolta neoclassica in poi la calma dinamica andr sempre pi
affermandosi culminando nel balletto che porta il titolo di Apollon Musagete. Ma il primo
lavoro nel quale si attua una tale calma il Re delle Stelle, cio il lavoro che precede
immediatamente la Sagra in cui si verifica uno scatenamento di forze vulcaniche duna
violenza senza precedenti nella storia della musica.

La sagra della primavera

La prima esecuzione ebbe luogo il 29 maggio1913 al Theatre des Champs-Elysees di Parigi

con la coreografia di Nijinsky
scandalo. Non sera mai udita una musica come questa
che sembrava sfidare ogni inveterato concetto di bellezza. Questa una primavera vista da
di dentro; dalle stesse viscere della terra che si contorcono negli spasimi della
riproduzione. S. radun un complesso di forze orchestrali colossali. Nel suo insieme il
lavoro si presenta come una vasta Suite in 13 movimenti. Un fagotto solo. Arpeggi, trilli e
tremoli dei legni evocano il crepitare delle linfe, fremito della natura. Nel secondo brano
entra in scena luomo; gli adolescenti ballando la danza degli Auguri primaverili. Il ritmo
assume un ruolo di primo piano nel discorso sonoro. Segue Il giuoco del ratto. Il tema
degli Auguri si dispiega melodicamente. Dieci anni pi tardi Puccini trasporter di peso
questo spunto tematico nellaria Tu che di gel sei cinta della sua Turandot.
La seconda parte della Sagra inizia con un Introduzione dalle sonorit glaciali (notte
polare). Nei freddi armonici degli archi si fa luce un tema di astrale lirismo che si dispiega
nei Cerchi misteriosi degli adolescenti. A questo momento di intenerimento lirico seguono
tre danze di crescente violenza: La glorificazione delleletta, LEvocazione e lAzione
rituale degli Antenati. Il lavoro si conclude con la Danza sacrale delleletta, cio della
vittima designata.
Sembra che la catastrofe imminente trovi gi un riflesso anticipato:
AUTOANNIENTAMENTO E AUTOESTINZIONE.
Non unopera di negativit, ma se questarte si immedesimata in una situazione

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tragicamente negativa, essa lha fatto per poter esprimere questa situazione e riscattarla. Il
vero posto della Sagra restato nelle sale da concerto come musica assoluta che non ha
bisogno di nessun complemento visivo.

Le opere vocali del periodo russo

Prima ancora di portare a termine lorchestrazione della Sagra, S. inizia la composizione di

Tre poesie della Lirica giapponese per canto e un piccolo complesso da camera formato da due
flauti, due clarinetti, pianoforte e quartetto darchi. I testi sono costituiti da tre brevissimi
hai-kai giapponesi intitolati Akahito, Mazatsumi e Tsaraiuki. La primavera delle liriche
giapponesi ammantata di fiori il cui bianco candore si confonde con la neve appena
disciolta. La concisione aforistica, il clima timbrico e la temperatura espressiva di questi
pezzi riportano chiaramente ai Piccoli Pezzi op. 19 e ancora di pi al Pierrot Lunaire di
Schonberg. Le linee melodiche appaiono direttamente derivate dal folklore russo. Le stesse
considerazioni fatte a proposito degli aspetti formali delle Liriche giapponesi valgono per
tutti gli altri lavori vocali di questo periodo, anche se questi ultimi appaiono o derivate dal
folklore russo o dallantico melos popolare slavo. Il primo gruppo di lavori intitolato
Ricordi della mia infanzia e comprende tre piccole canzoni per voce e piano. La loro
composizione risale allo stesso periodo della Sagra e delle Liriche giapponesi, cio al 1913.
Ognuna delle tre canzoni dedicata ad uno dei tre figli di S. La prima intitolata La gazza,
la seconda Il corvo, la terza Tchitcher-Iatscher. Singolare lirismo. Rapporto tra lindividuo e
la societ si spoglia della tragicit e assume aspetto di un puro gioco infantile. Affettivit
soggettiva. I testi hanno il senso di tutte le filastrocche e canzoni popolari, di tutte le nenie
e ninne-nanne. E di questo senso S. non si disinteressa affatto.
Altri brani vocali: Pribautki scritti nel 1914. Sono quattro pezzi per una voce e otto
strumenti (flauto, oboe, clarinetto, fagotto e quartetto darchi).
Del 1915-16 sono le tre Ninne-nanne del gatto.

Quattro canti paesani russi (1918-19)
quattro brevissimi cori su poesiole e detti russi nel
periodo natalizio mentre le contadine predicevano il futuro dalle foglie di t versate in
sottocoppe. Melodie semplici, elementari.

Le rossignol

Nel 1909 la composizione de Luccello di fuoco lindusse ad interrompere questopera.

Aveva finito solo il primo atto. Dal momento dellinterruzione a quello in cui S. veniva
sollecitato a riprenderla erano passati 4 anni, tempo in cui S. aveva percorso un tratto
immenso del suo itinerario stilistico, da Luccello di fuoco, a Petruska, a La sagra della
primavera. S. lasci il primo atto cos e il secondo e il terzo nel linguaggio che gli era
proprio nel 1913. Cos Le rossignol fu finito nellinverno 1913-14, fu incluso nel Cartellone
dei Balli russi e and in scena allOpera di Parigi il 26 maggio 1914. Uno dei lavori pi
affascinanti. Ne trasse un poema sinfonico intitolato Le chant du rossignol.
Un breve passo di transizione porta al Canto del pescatore che si riallaccia alla Pastorale
(vedi prima). Questo canto viene raffigurato da una linea melodica ampia, ma sottile. Un
grottesco borbottio dellorchestra segnano lentrata in scena di alcuni buffi personaggi
come il Ciambellano, il Bonzo, i Cortigiani e la cuoca che vengono ad ascoltare lusignolo
nellintento di farlo cantare per lImperatore. Appare lusignolo. Il ciambellano con il suo
canto pomposo lo invita a corte e lusignolo acconsente. Si ha un bel dire che questa
70
musica non descrive la scena. Non lo fa soltanto in senso esteriore e superficiale. Anche
qui ladeguamento della musica agli oggetti da investire musicalmente si realizza sul pi
intimo piano strutturale. S. riesce a rendere il colore locale cinese (mancanza dellintervallo
di semitono). Solo quando lusignolo comincia a cantare la musica incorpora di nuovo i
semitoni. Elementi grotteschi come lusignolo meccanico (si serve della scala cinese di
cinque suoni in tutta la sua schematicit; appunto per distinguere la meccanicit
dellusignolo automatico dal canto vivo dellusignolo vero). Lusignolo fugge per lasciare
il campo a quello finto e lImperatore lo bandisce dal regno. Nel terzo atto si assiste alla
malattia dellimperatore. Invoca lusignolo e questi arriva. La stessa Morte si commuove.
La dolce Berceuse dellusignolo rid la pace agli spettri dei morti. Lusignolo torna nel
bosco presso il Pescatore il quale fa sentire per lultima volta la sua Nenia. Si parla di
realismo magico.

Ritorno allo spirito della musica da camera

S. dopo la Sagra della primavera non scrisse pi per lorchestra normale per circa un
decennio. S. impieg le formazioni strumentali o gli strumenti isolati sia unendoli a voci
soliste e a complessi corali sia da soli.

Tre pezzi per quartetto darchi: scritti nel 1914. Poco noti. Non la chiama Quartetto
darchi, ma tre pezzi, cio musiche non in forma di sonata (opposizione dialettica di due
temi distinti cui corrispondeva lopposizione dei piani tonali della tonica e della
dominante alternanza di piani tonali) e dove la parola quartetto non designa pi una
forma ma semplicemente la formazione di un complesso strumentale.
Fissit degli elementi armonici e melodici e timbrici si contrappone lestrema mobilit
delle strutture ritmiche. Le figure delle quattro parti strumentali danno sempre le stesse
nove note.

Altre due serie di pezzi per pianoforte a quattro mani. La prima serie del 1915 sintitola
Tre pezzi facili. La seconda del 1917 e comprende Cinque pezzi facili. I Tre pezzi facili sono
una Marcia, un Valzer e una Polka.

Tre pezzi facili: ironia. La satira di S. non manca di una sua poesia: di quella poesia
malinconica e disincantata che emana dagli organetti e dai pianoforti meccanici.

Cinque pezzi facili: prevalgono aspetti poetici. LAndante uno dei pezzi pi teneri
(molto vicino a Ravel). Anche lEspanola un omaggio alla musica iberica. Il terzo pezzo
allude alla sonorit dellantico strumento slavo chiamato Balalaica. Il quarto pezzo una
spiritosa Tarantella intitolata Napolitana (omaggio a Napoli). Solo nellultimo pezzo S. torna
a rovesciare lacido del suo umorismo sulla danza che ebbe tanta voga nella Parigi
dell800: il Galoppo, uno dei pezzi pi divertenti di S.

Compone anche uno Studio per pianola.

Rag-time per li strumenti: composto nel 1918. Stilizza il jazz.

Piano Rag-Music: composta da S. nel 1919 e dedicata a Rubinstein.

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Tre pezzi per clarinetto solo: scritti per lindustriale e mecenate Werner Reinhart di
Winterthur (aveva sovvenzionato lHistoire du soldat).

Il teatro da camera

Musica teatrale. S. cre in questo campo (mentre era in Svizzera) due dei suoi lavori pi
originali, Renard e lHistoire du soldat.

Renard: la composizione di Renard fu iniziata nel 1916 e largomento tolto da un episodio

del Romanzo della volpe. unopera cantata (dallorchestra) e rappresentata
coreograficamente da buffoni ed acrobati. S. d indicazioni: azione dovr svolgersi davanti
al sipario, personaggi non abbandonano la scena. Le parti sono mute. Le voci (due tenori e
due bassi) sono nellorchestra. Cos i cantanti vengono assimilati a dei semplici strumenti
dellorchestra. Uno degli strumenti il cymbalum ungherese o meglio tzigano. Strumento
fa il verso al Gallo. Musica di un brio e di una comicit irresistibili. A Ramuz e a S. venne
lidea di cercare di guadagnarsi da vivere creando una specie di teatrino ambulante. Il
finanziatore dellimpresa fu Werner Reinhart.

Histoire du soldat: sette esecutori. Argomento tratto dalla stessa raccolta di racconti russi
dellAfanasjev che S. aveva recato con s dalla Russia. Storia del soldatoNon
tipicamente russa, si ritrovano anche nelle fiabe dei fratelli Grimm. Nella musica S. cerc
di attuare analoghe caratteristiche universali: rag-time nordamericano, fanfare
svizzere.Solo il motivo del violino che simboleggia lanima del soldato si conserva una
chiara intonazione russa. Quando il racconto diventa azione il lettore tace, salvo nella
scena della partita a carte in cui il soldato si rivolge al lettore e linterpella. Lintero lavoro
si divide in due parti. La prima di apre con la Marcia del soldato che torna a casa: un
ostinato del contrabbasso scandisce il ritmo delle crude melodie da marcia della cornetta
mentre il violino gratta spesso sulle corde con ostinazione: il soldato non vede lora di
arrivare. Incontro con il diavolo: trombone e cornetta cominciano ad insidiare la poetica
melodia del violino. La seconda parte comincia come la prima, cio con la Marcia del
Soldato, segue poi la tronfia Marcia Reale in cui entra al palazzo del re. Alla lotta tra il
diavolo e il soldato si riferisce un Piccolo concerto. Poi il soldato strappa il violino al diavolo
e suona alla principessa tre danze moderne: Tango, Valzer e Rag-time. Segue la Danza del
diavolo. Il diavolo non pu resistere e cade per terra. Al suono del Piccolo corale il soldato e
la principessa si abbracciano. Ma il soldato vuole rivedere la sua terra natale. Il passato
tab. Cos cade nella mani del soldato passato il confine che se lo porta via al suono di una
Marcia trionfale. Si assiste al trionfo della percussione a cui il violino non resiste. Eterno
motivo faustiano delluomo che rinuncia alla sua anima per il possesso di beni materiale o
per conoscere linconoscibile.

Fine del periodo russo

Opere del periodo russo: si ispira a motivi popolari. Nelle musiche del periodo russo S.
non si limita alluso di temi russi. Ci sono anche motivi di sapore orientale. Tuttavia nel
loro complesso tali musiche presentano aspetti intrinseci ed anche estrinseci tali da
giustificare quelletichetta collettiva di russe.

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Periodo neoclassico: inaugurato nel 1919 con Pulcinella ma si dispiega solo quattro/cinque
anni pi tardi. Nel frattempo S. pubblica 2 lavori che concludono il periodo precedente:
Mavra (1921-22) e Le nozze (finite nel 1923), questultima con ancora protagonisti i riti
dellantica Russia pagana.

Le nozze: si celebrano i riti matrimoniali paesani. S. definisce il lavoro come Scene

coreografiche russe con canto e musica. Le scene sono quattro: La treccia, scena nella casa
dello sposo, partenza della sposa e lamento dei genitori, banchetto nuziale. Motivi
melodici tutti inventati da S. tranne la melodia jysqua la cinture, jai de lor qui pend
tratta da una melodia popolare russa cantata spesso nelle fabbriche. Strumenti: 4
pianoforti, nutrito gruppo di batteria (4 timpani, xilofono, campane, due casse rullanti,
due tamburi militari, tamburo basco, grancassa, piatti, triangolo, due crotali. Carattere
percussivo (anche piani sono impegnati in un martellamento). Sottofondo tragico.
Inquietudine e angoscia.

Mavra: scritta nel 1921-22. Soggetto desunto dalla Casetta Kolomna di Pouchkin. Dedica allo
stesso+Tschaikowsky. Polemica col dramma lirico. Elementi russi, tzigani, occidentali e
jazzistici. Comicit. Opera buffa. Lopera comincia con la canzone di Paracha la quale
rimprovera al suo innamorato, un baldo ussaro, la sua assenza prolungata. Lussaro le
risponde con una romanza tzigana. Successivamente la madre di Paracha manda costei a
cercare una nuova domestica, essendo morta quella vecchia. Paracha torna con una solida
ragazza che non altro che lussaro travestito il quale si fa chiamare Mavra. Tutti sono
contenti. Dopo un ardenti duetto damore Paracha si allontana con la madre. La finta
domestica si fa la barba e limprovviso ritorno delle due donne rivela linganno. Scandalo,
svenimenti e grida. Lussaro scappa dalla finestra e la tela si chiude. Nonostante lassunto
buffonesco anche la musica di Mavra lascia unimpressione di malinconia e di amarezza.

La virata neoclassica

La prima di queste musiche Pulcinella balletto con voci e piccola orchestra, su temi,
frammenti e pezzi di Pergolesi. Argomento tratto da un manoscritto trovato a Napoli e
datato al 1700.

Pulcinella: da questo balletto ha tratto una Suite in otto parti per sola orchestra senza
canto: Sinfonia, Serenata, Scherzino+Allegro+Andantino, Tarantella, Toccata. Composta con
temi e su temi altrui.Opere formulate a tratti o tutte su temi preesistenti. Grovigli di
dissonanze, laceranti contrappunti, motivi melodici di una disincarnata linearit.

Sinfonie di strumenti a fiato (estate del 1920): dedicata alla memoria di Debussy. Opera
stata meno eseguita. Austerit. Sinfonia come gruppo di fiati che sintonizzano cio
suonano insieme. Ulteriore religiosit di S..

Predilezione di S. per gli strumenti a fiato si manifesta pure nellOttetto per fiati scritto nel
1922-23.

Le opere pianistiche del periodo neoclassico

Composizioni per pianoforte, elemento dellorchestra. Le Nozze possono essere considerate

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come lapoteosi del pianoforte inteso come strumento a martelli.

Le cinque dita, otto melodie molto facili su cinque note: composte nel 1921. Funzione
didattica. Gli otto brani vengono a collocarsi degnamente in quella lunga serie di musiche
dallassunto infantile, di cui lo stesso S. aveva gi dato pi dun cospicuo esempio.

Concerto per pianoforte e orchestra di fiati (1924): solista ed interprete della propria
musica. Eterogeneit.

Sonata per pianoforte (1925): suonato dallo stesso S. a Venezia. Tutta la violenza come
congelata. Sonata in senso preclassico, cio semplicemente per designare secondo la sua
accezione etimologica un pezzo destinato ad essere SUONATO invece che CANTATO.

Dopo aver composto la Sonata S. intraprese la sua prima tournee negli USA. Gli venne cos
lidea di scrivere un lavoro pianistico in 4 parti delle quali ognuna doveva stare nella
facciata di un disco
nel 1925 nasce la Serenata in l, in quattro movimenti che costruita
tutta quanta intorno alla nota la.
Nel 1928 ritenne che era giunto il momento di dotare il suo repertorio di un altro lavoro
concertante
Capriccio per pianoforte ed orchestra, in tre movimenti (Presto, Andante
rapsodico, Allegro capriccioso).

I balletti neoclassici

Tendenza neoclassica raggiunge le sue punte estreme in tre Balletti:

1. Apollon Musagete: balletto in due quadri. Senza nessun intento psicologico. A
momcromia scenica (solo tut, senza scenografie) corrisponde una monocromia
timbrica della musica. Orchestra di soli archi. Accordi perfetti. Il suo significato
puramente allegorico: Apollo che ispira alle muse la loro arte. Volont di dominio
razionale sulla materia sonora.
2. Le Baiser de la fee: per onorare il trentacinquesimo anniversario della morte di
Tchaikowsky. Da una fiaba di Anderesen, La Vergine dei ghiacci.
3. Jeu de cartes: non un lavoro che si possa definire proprio musica al quadrato ,
cio musica basata interamente su trasformazioni di figure sonore derivate da opere
altrui. C un ricorso a Rossigni visto come pura gioia del movimento. In S. queste
opere hanno tutte un doppio fondo amaro, In esse il giuoco puro solo in
apparenza.

Le opere drammatiche su soggetto classico (Apollo, Edipo, Persefone, Duo Concertante)

Filone che si pu definire come greco. Il primo lavoro il suo opus due: Il fauno e la
Pastorella (1905-06). Lo stesso clima anche nella Pastorale. Ma nel periodo che va dal
1926 al 1934 che laccostamento di S. al mondo antico si fa esplicito. Appartengono a
questa fase: Apollo, Oedipus Rex, Persefone, Duo Concertante, Orfeo

Edipo: opera-oratorio in due atti su libretto di Cocteau tratto dalla tragedia di Sofocle e
tradotto in latino da Danielou. Ricorso a tragedia dettato da esigenza di staticit scenica.
Senso di tragica fatalit che governa i destini umani. Interiorizzazione del dramma.
Personaggi non muovono che le braccia e le teste. La scena non deve avere nessuna
profondit. Prima esecuzione nel 1927 a Parigi. Viene definito opera-oratorio proprio per
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via della staticit dei personaggi e la scena senza profondit. Pi facile ingresso nel
repertorio concertistico. Articolazione estrinseca del discorso musicale governata
dalluso di classiche forme chiuse: Arie, Duetti, CoriIdentica formula metrica. Nella
scena finale il destino si rivela drammaticamente: Polibio morto, ma egli non era che il
padre adottivo di Edipo, i cui genitori furono Laio, da lui assassinato e Giocasta che egli
spos, secondo la predizione delloracolo Tiresia. Accordo in si minorevibrati a lungo

Persefone: rappresentata nel 1934. Orchestra normale, dei cori misti, un coro infantile.
Come solisti non c che la voce di Eumolpo, maestro di cerimonie del culto di Cerere. Il
ruolo di Persefone mimato. Definizione del lavoro come melodramma inteso da S. come
recitazione accompagnata dala musica. unopera lirica + un balletto mimato. Lazione si
svolge in un atto suddiviso in tre quadri: Persefone rapita, Persefone agli inferi, Persefone
rinascente. Mito greco di Proserpina rapita da Plutone e diventata la regina degli Inferi
sotto il nome di Persefone. La madre di Persefone, Cerere, insegna al re Trittolemo a
lavorare la terra e il grano. Per intercessione di Giove Cerere riesce a convincere Plutone di
consentire che Persefone passi met dellanno sotto terra col marito e met con la
madre
ciclo del grano il cui ciclo vitale ha luogo in primavera. Si parla di nuovo di un
crudele sacrificio umano (come nella Sagra della Primavera). Tragico pessimismo.

Le musiche concertanti

Gruppo di musiche concertanti scritte da S. tra il 1931 e il 1938.

Concerto per violino e orchestra in re (1931): nostalgica ricerca di un tempo perduto. Su

sollecitazione del violinista Dushkin.

Duo concertante (1932) per violino e piano: ancora con la collaborazione di Dushkin.

Concerto per due pianoforti: pezzo da suonare con il figlio (prima esecuzione il 21
novembre 1935 alla Salle Caveau di Parigi). Una delle pi grandiose composizioni di S. Il
Notturno e la prima e la terza Variazione costituiscono invece delle parentesi di una
delicata e serena poeticit. Spontanea gioia di suonare.

Contro in mi bemolle per orchestra da camera: associato il nome della cittadina

americana Dumbarton Oakes dove il lavoro fu portato a termine nel 1938 (modello dai
Concerti Brandeburghesi di Bach).

Le musiche americane

Dal 1914 S. non ritorn pi in Russia. S. fu invitato a tenere un corso di poetica musicale
alla Harward University di Boston. Le lezioni di questo corso vennero raccolte nel volume
Poetique musicale. Con la guerra si stabil definitivamente. Nel 1945 divenne cittadino
americano. Da allora lattivit creatrice di S. si svolge interamente in America.
Estremamente sensibile allambiente culturale, manca di contingenza sentimentale.
Prodigiosa facolt di assimilazione (prima di lui solo Mozart).
Primo pezzo scritto negli USA: Tango per pianoforte solo (prima di questo cerano stati il
tango nella Storia del soldato e un altro tra i Pezzi facili per cinque dita): 1940.

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La bandiera stellata (1941): trascrizione per coro misto e orchestra dellInno nazionale
americano. Fece molto rumore.

Danze concertanti (1941): richieste dallorchestra di Los Angeles. Ritmi di danza senza
alcun riferimento ad un soggetto. Due anni pi tardi Balanchine ne diede comunque
uninterpretazione coreografica. Ripensa alle sue musiche.

Circus Polka (1942): spassosissima, con sottotitolo composto per un giovane elefante.
Composizione scritta realmente in seguito ad una commissione del circo americano
Barlum e Bailey. Ironia di S. da acida diventata affettuosa.

Scenes de Ballet (1944): su commissione di uno dei pi grandi produttori di Broadway,

Billy Rose. Doveva servire da sostegno ad un balletto classico tipo Giselle, ma senza
argomento prestabilito. Si presentano come una Suite di movimenti di danza. Non volle
arrangiamenti di tipo jazzistico e presto entr nel repertorio sinfonico.

Ebony Concert (1946): lavoro jazzistico scritto per lorchestra jazz di Woody Herman.

Altre musiche del periodo americano

Cinque lavori scritti tra il 1942 e il 1947.

Norvegian Moods, cio Impressioni Norvegesi: con sottotitolo Quattro episodi per
orchestra. Musiche di commento per un film sullo sbarco in Norvegia. Si oppose ad ogni
manomissione. I cineasti di Hollywood insisterono e cos S. ritir la musica gi impostata e
ne fece un lavoro autonomo. Si valse di un certo numero di motivi popolari norvegesi.

Sonata per due pianoforti (1943-44): carattere russo in virt delle qualit espressive.
Velata nostalgia per il paese natio.

Canto elegiaco in tre movimenti per orchestra, intitolato Ode (1943): dedicata alla
memoria di Natalia Kussevitzky, moglie del direttore dorchestra e fondatore delle
Edizioni musicali Russe che pubblicarono un gran parte delle prime musiche di S..

Elegia per viola sola (1944): dedicato a Alphonse Onnou, membro e fondatore del
Quartetto Pro Arte di Bruxelles. Problema che affronta e risolve realizzare una reale
trame polifonica con i soli mezzi duno strumento essenzialmente monodico. Motivi
ispiratori dellantica classica che ritornano nel balletto Orfeo che S. porta a termine nel
1947.

Orfeo (1947): Orfeo piange Euridice in atteggiamento immobile voltando le spalle al

pubblico. Lentrata dei fiati segna lentrata degli amici che vengono a porgergli le loro
condoglianze. Solo quando le Baccanti lo aggrediscono e lo strappano in pezzi la musica
assume atteggiamenti violenti.

Ritorno al sinfonismo

Sinfonia = sonata: sviluppo del discorso sonoro in base a precise tematiche.

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La musica di S. trae la sua articolazione discorsiva dallaccentuazione ritmica.
Nel 1940 S. riserva al mondo musicale la sorpresa di pubblicare una Sinfonia e cio una
vera Sinfonia nel vero senso classico della parola. Si tratta della Sinfonia in do. Allusione
al ritmo del motivo principale della Quinta sinfonia di Beethoven.

Scherzo alla russa (1944): si richiesta di Paul Whiteman, promotore della formula del Jazz
sinfonico. Non possiede nessuna intrinseca qualit jazzistica. S. ne diede subito una
definitiva versione sinfonica.

Sinfonia in tre movimenti (1945), ovvero la terza: eseguita per la prima volta nel 1946.
Originariamente concepito come un lavoro sinfonico con pianoforte concertante. Poi per
arpa e pianoforte. Alcuni la considerano lopera summa della sua arte. Impegno umano in
contrasto con la leggerezza del

Concerto in re per orchestra darchi (1946): composto per lOrchestra da Camera di

Basilea.
Testimone di un ritorno al sinfonismo.

Le musiche religiose di Strawinsky

Tragicit delle musiche si risolve in due direzioni: 1)in puro gioco, 2) valori ellenici e valori
cristiani.
S. uomo profondamente religioso. Assegna alla musica il compito di costituirsi a mezzo
atto a promuovere una comunione delluomo con lEssere.
Numero delle opere di S. ispirate ai testi sacri non rilevante:
Sinfonia di Salmi (1930)
Messa (1948): senza sollecitazione esteriore. Messa cattolica anche se lui era di professione
greco-orientale. Uso del testo latino, carattere e dimensioni (17 minuti), e intonazione del
Credo assegnata alla voce di un sacerdote. Ha ravvisato probabilmente
lUNIVERSALITA. Tranquillit e distacco dalle cose non sono il risultato di un
pessimismo ma di una tranquillit dovuta alla fede religiosa. Esclusione dei solisti
virtuosi del canto.
Tre cori liturgici (destinati alla liturgia bizantina).
Cantata intitolata Babel (1944): concepita come una parte dellopera collettiva basata sui
testi della Genesi che il compositore e mecenate Shilkret commission nel 1944 ad alcuni
tra i pi noti musicisti: Il Prologo fu composto da Schonberg, la Creazione dallo stesso
Shilkret, la Caduta delluomo da Tansman, Caino e Abele da Milhaud, Il Diluvio da
Castelnuovo-Tedesco, Il Messaggio da Bloch e la Torre di Babele da S.
Lintero ciclo fu eseguito per la prima volta a L.A. nellottobre 1946.

Culmine e fine del neoclassicismo strawinskyano: The rakes progress (Carriera dun
libertino)

S. continu a semplificare la sua musica. Tutto questo trova il suo culmine nellopera in tre
atti intitolata The rakes progress condotta a termine nel 1951 (prima rappresentazione al
Teatro La Fenice di Venezia). Fiaba morale. Auden come librettista. Su spunto di Hogart
(sperpero delleredit, matrimonio ad una brutta donna...); essi aggiungono 1) la storia di
Mefistofele, 2) partita a carte con il diavolo, 3) mito dei tre desideri (ricco, felice, buono
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che sono in relazione con le tre tentazioni, desiderio del piacere, dellassoluta libert
spirituale e desiderio di diventare salvatore del mondo). Eroe Tom Rakewell riassume
tratti dei personaggi come Don Giovanni, Faust, Ermanno della Dama di Picche di
Tchaikowsky. Mister Nick Shadow un misto tra Mefistofele e Leporello...Opere divisa in
tre atti e ogni atto comprende tre scene.

PRIMO ATTO

Prima scena

Giardino della casa di Trulove, padre di Ann, fidanzata di Tom. Il padre offre a Tom un
posto come contabile che lui rifiuta perch pi ambizioso. Un arabesco del clavicembalo
segna lingresso di Nick Shadow che gli annuncia leredit e lo convince a seguirlo a
Londra. Il compenso tra un anno e un giorno.

Seconda scena

A Londra nella casa di malaffare di Mamma Goose.

Terza scena

Ann triste per non avere pi notizie. Sa che Tom ha bisogno di lei.

SECONDO ATTO

Prima scena

Tom chiede in sposa Baba la Turca. (si avvera il secondo desiderio).

Seconda scena

Ann scopre del matrimonio e va alle nozze e poi fugge.

Terza scena

Lite tra Baba e Tom. Introduzione nella camera di una macchina che Nick dice che libera
lumanit dal bisogno.

TERZO ATTO

Prima scena

Vendita allasta degli averi di Tom. Arriva Ann per avere sue notizie. Tom impazzisce.

Seconda scena

Nel cimitero. Sono passati lanno e il giorno. Nick esige il suo compenso, cio lanima.
Tom dovr uccidersi con unarma a sua scelta, ma prima ha lultima possibilit di giocare
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la sua anima a carte. Duetto con meccanicit. Alla fine la forza dellamore di Ann aiuta
Tom a vincere ma perder il senno.

Terza scena

Manicomio di Londra. Tom si crede Adone e scambia Ann per Venere. Con una Ninna-
nanna semplice e tenera Ann addormenta Tom. Risvegliandosi Tom muore, invocando
Venere e Orfeo.

Motivo cristiano. Un miracoloso atto damore pu salvare luomo dalle crudeli forze
oscure. La salvezza per riguarda solo la redenzione dellanima. Per soddisfare la legge
della giustizia assoluta egli deve pagare con la perdita della ragione e della vita.

Le opere seriali di Strawinsky (Cantata, Settimino, Canti di Shakespeare, In Memoriam

Dylan Thomas, Canticum ad honorem Sancti Marci, Agon..)

Primo lavoro composto dopo Rakes Progress, cio con la Cantata per soprano, tenore,
coro femminile e piccolo complesso strumentale. Esso comprende inoltre il Settimino, i
Canti di Shakespeare, In Memoriam Dylan Thomas, il Canticum ad Honorem Sancti Marci
Nominis, il balletto Agon e altri recenti lavori di S.
Scopo di riconquistare quella unit di linguaggio che essa aveva smarrito al crocevia post-
romantico.
Si muove per gradi verso laltra ala della sensibilit musicale contemporanea.
Il primo passo lo compie nella Cantata (1952). Serie di suoni che si presentano
alternativamente in forme dirette, inverse e retrograde. La linea di sviluppo inaugurata da
S. con la Cantata si accentua nel suo lavoro successivo, il Settimino per clarinetto, corno,
fagotto, pianoforte, violino, viola e violoncello composto nel 1953. Il motivo seriale unico.

Tre canti da William Shakespeare: per mezzo soprano, flauto, clarinetto e viola. Organica
strutturazione seriale. La serie su cui esso si basa comprende 12 suoni.

In memoriam Dylan Thomas (1954): mor in tragiche circostanze mentre era in viaggio
per sottoporre a S. il progetto di un libretto dopera. Primo pezzo del tutto cromatico di S.

Canticum Sacrum ad Honorem Sancti Marci Nominis (1955): esalta la missione

evangelizzatrice.

Greeting Prelude for the eightieenth birthday of Pierre Monteux: dura solo 45 secondi.

Agon (1957): balletto dodecafonico. Il titolo sta a significare unastratta competizione

coreografica. Tecnica seriale

Treni, id est Lamentatio Jeremiae Prophetae (1958): assimila elementi della tradizione
ebraica.

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