Appunti Storia Del Costume

Storia del costume
1)INTRODUZIONE
COSTUME
VESTIZIONE
CULTURA
TIPOLOGIA
Tessuto
Proporzione
Stagione
Popolo (CLASSI)
Tradizione
Religione
Antropologia
Forme e volumi
Occasione (cerimoniale)
Colore
Bronisław Malinowski
“Gli Argonauti del Paci co dell’Ovest”, I Ed. 1922.
Viene considerato uno dei padri dell’Antropologia Culturale.
METODOLOGIA DI RICERCA ANTROPOLOGICA
PROSPETTIVA OLISTICA:
uno delle operazioni più delicate, è quello di non separare la vita

sociale. Non si devono suddividere gli aspetti sociali, si cerca di capire
il collegamento tra l’aspetto economico, sociale, culturale, etc...
RACCOLTA DI DATI:
Egli raccoglie una serie di dati “concreti”, ossia la priorità di dati

fondamentali: censimento degli abitanti (quanti sono, studio della
parentela, il numero degli abitanti, l’albero genealogico delle varie
famiglie e la parentela fra loro). Traccia così delle piante in termini di
parentela. Studia così lo “scheletro” della comunità degli indigeni.
(SCHELETRO)
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AVVICINARSI ALLA COMUNITA’:
Capire la vita del villaggio. Piccoli avvenimenti del villaggio. Ciò che
prova emozione e non. In Antropologia, come parte dell’allenamento
attraverso il diario mantenere una certa distanza con spirito critico sulla
quotidianità
(SANGUE E CARNE):
Oltre allo “scheletro” della istituzionalità indigena, è necessario capirne

anche il sangue e la carne della comunità: quindi capire i sentimenti, le
emozioni, idea del comportamento nel momento della singola azione. I
mormorii dell’eccitazione durante una festa. Se la carne e sangue ci
viene data dalla quotidianità nella comunità.
(SPIRITO):
Ultimo tipo di fenomeno, accanto al solido schema della struttura della

comunità, sono i giudizi, opinioni, ed espressioni degli indigeni.
FORMA (Struttura)
PROPORZIONE (Composizione)
TESSUTO(Tipologia, stagione)
COLORE(Palette colori e sfumature)
ANNO (Contesto storico)
TIPO DI PRESENTAZIONE (fotogra a, quadro, artista)
DETTAGLI (gioielli, capigliatura)
ARTISTA e collaborazioni
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2) PREISTORIA e CULTURE ANTICHE
2022
30.000 - 25.000 a.c.
22.000 a.c.
-EUROPA
VENERE DI WILLENDORF
Pietra calcarea
Presenza di tintura rossa
Una delle prime testimonianze di cappello?
30.000 - 26.000 a.c.
VENERE DI BRASSENPOUY
Appartenente alla cultura Gravettiana.
Avorio di Mammut
Copricapo ben visibile intrecciato femminile
25.000 a.c.
IL PRINCIPE
Appartenente alla cultura Gravettiana.
Presenza di decorazioni ornamentali: perline bianche, gusci di lumache,

denti di animali forati per realizzare una collana.
22.000 a.c.
TESSUTI
Pelli di animali (decorati con perle e denti).
Prime testimonianze di materiale tessile (primi intrecci di tessuto e bre)
Cultura Gravettiana
UOMO DI TOLLUND
Scoperto in Scandinavia, in una torbiera.
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Presenza di tessuti degli indumenti e cappello ben tenuti.
IV sec a.c.
DONNA DI HULDREMOSE
Probabile morte causata da un sacri cio. (circa 40 anni).
Gonna di lana con trama a quadri, una sciarpa di lana a quadri e due
pelliccie.
Presenza di una cintura cucita ed intrecciata alla gonna.
Presenza di un bottone per fermare la grande sciarpa realizzata in osso

di uccello.
Pelliccia realizzata con 11 pelli con presenza di amuleti e pettine rosso

cucito al suo interno.
II sec a.c.
-EMISFERO SUD
Gwion Gwion
Pitture nella caverna con costumi cerimoniali.
Presenza di copricapi alti e piumaggio o frange.
12.000 anni fa. (AUSTRALIA)
19 SETTEMBRE 1991
3300 - 3100 anni a.C
Corpo intatto con indumenti e strumenti quotidiani.
TATUAGGI
61 TATUAGGI
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Piccole incisioni con legni appuntiti e conchiglie a late
Con il carbone vegetale sparso nella ferita si creava l’immagine
LINEE PUNTI E CROCETTE
GLI INDUMENTI
dal min 13.08 al min 20.13
3) ANTICO EGITTO
3900 a.C. (periodo predinastico) al 342 a.C. ( periodo tardo)
5000 a.c. - Prime testimonianze di El Fayyum
Frammento di tessuto in lino risalente al 1236 a.C.
LINO
TOMBE :
-Resti di abiti
-Cinture
-Coperte
-Tappeti
PITTURE
-Decorazioni su pareti
-Antichi testi
-Narrazioni
SCULTURE
-Faraoni
-Quotidianità
-Lavori / schiavi
SCHIAVI: PERIZOMA O GONNELLINO
CONTADINI: PERIZOMA O GONNELLINO
ARTIGIANI E MERCANTI: GONNELLINO PLISSETTATO
SOLDATI: GREMBIULE DI CUOIO
SACERDOTI E SCRIBI: PELLI DI ANIMALI (PANTERA)
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NOBILI: PELLI DI ANIMALI (PANTERA)
FARAONE: COPRICAPO E CODE DI ANIMALI (BUE O LEONE)
SHENTI
Lo shenti era un indumento bianco simile a una gonna, un pezzo di

tessuto che indossava ogni singolo uomo nell'antico Egitto. Potresti
indossarlo in una varietà di stili e lunghezze. A volte, potresti sollevarlo
tra le gambe per proteggere le tue parti intime.
KALAS
Le donne erano spesso molto scoperte, infatti il corpo nudo

semplicemente non era un tabù nell'antico Egitto. Tuttavia, per
proteggere la sua pelle, ma anche per moda) indossava questo
bellissimo abito plissettato, piuttosto diafano, chiamato “kalas”.
4 Novembre 1922
TUTANKHAMON
il Tesoro
Mostra presso Palazzo Zaguri, Venezia
MESOPOTAMIA
Sumeri: Dal 4000 a.c. al 2000 a.c
Babilonesi: Dal 2000 a.c. al 1100 a.c.
Assiri: Dal 1100 a.c. al 600 a.c.
Babilonesi: dal 600 a.c. al 500 a.c.
SUMERI
KANDYS
Gonna media lunghezza
Presenza di frange
Tardo periodo, presente monospalla, presente dei ricami come

decorazione
Soldati e contadini indossavano un costume meno elaborato e più

corto.
Sopra il Kandys, indossavano spesso un drappo in lana decorata

chiamato Kunace.
BABILONESI
KANDYS
Presenza di maniche.
Realizzato in tessuti pregiati quali lino o seta a seconda del proprio

status sociale.
Colori vivaci con drappi e frange.
ASSIRI
Barbe e capelli decorata in li d’oro.
Indossavano una Tiara (anello d’oro) con due nastri chiamati Infule.
GRECIA
IV Sec a.c.
EPOCA CLASSICA
FEMMINILE :
Funzione di madre
Funzione di sposa
Amministratrice della casa
MASCHILE :
Più funzioni:
Vari occasioni e quindi varie tipologie di abiti
Sesso e costume
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ABBIGLIAMENTO FEMMINILE
Peplo
-Ben documentato soprattutto nella ceramogra a attica della prima

metà del VI sec. a.C.
-Abito di lana pesante.un rettangolo di sto a pesante (lana) avvolto

intorno alla vita e appuntato sulla spalla destra e sulla spalla sinistra
mediante spilloni.
-La parte superiore del tessuto, ripiegata per il verso della lunghezza,
formava una sorta di riporto di sto a detto apòptygma che proteggeva
ulteriormente il seno e il ventre.
-Una volta indossato, il peplo poteva essere stretto alla vita per mezzo
di una cintura.
Chitone
Abito leggero, di lino.
Veniva spesso accompagnato dal himàtion, una sorta di mantella che

veniva impiegata per avvolgere le spalle, la schiena o la testa.
ABBIGLIAMENTO MASCHILE
Chitone podéres
Non ristretto con cintura ma lasciato lungo (=podéres, “lungo sino ai

piedi”).
Veniva spesso accompagnato dal himàtion, una sorta di mantella che

veniva impiegata per avvolgere le spalle, la schiena o la testa.
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Chitone corto
è il vestito di tutti i giorni indossato da quanti (cacciatori, soldati, eroi

impegnati nelle loro quotidiane fatiche, servi, artigiani), costretti a far
movimento, con una veste che non ostacolasse la loro attività.
Due tipi di chitone:
Amphimàschalos (= allacciato su entrambe le spalle).
il chitone Eteromàschalos risulta allacciato su di una spalla sola. (sotto

categoria è il l’exomìs: la parte non allacciata del vestito poteva
ricadere giù ed eventualmente, in caso di necessità, essere
nuovamente allacciata alla spalla.
4) ANTICA ROMA
753 a.c. Fondazione di Roma
476 d.c. Crollo Impero Romano
OTTAVIANO AUGUSTO
27 a.c. - 14 d.c.
Periodo di massima espansione dell’Impero Romano
Subligaculum
principale indumento intimo indossato dagli Antichi Romani, uso

proveniente dalla cultura Etrusca.
perizoma realizzato in lino legato alle cosce e legato in vita.
Utilizzato sia dagli uomini (sotto la tunica o toga), che dalle donne (sotto
la stola).
NB: Subligaculum viene inteso pure una sorta di intimo a palloncino

utilizzato dalle ballerine e dai gladiatori (retiarius). Quest’ultimo lo
ssava mediante un tipico cinturone militare, detto balteus.
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Retiarius
PERIODO REPUBBLICANO
PERIODO IMPERIALE
MODA MASCHILE
"Tonica, in latino Tunica, era un vestimento che immediatamente sotto

la Pretesta o Toga portavasi. Era senza maniche nel suo principio, poi
colle maniche, ma corte, e che non passassero la cintura, la sua
lunghezza al divanti giungeva alle ginocchia, dietro però doveva esser
più lunga sino alle polpe (polpacci) delle gambe, e chi da queste misure
usciva e le usava più lunghe veniva stimato per vizioso e molle.”
(OVIDIUS lib.1, amor. eleg. )
TUNICA
Realizzata in lino (abbienti) o lana o cotone.
Veniva ssata mediante una cintura sul punto vita in cuoio o sto a.
Maniche lunghe erano solo per vesti femminili.
Per il freddo, venivano indossate più tuniche contemporaneamente,

oppure
TUNICA PALMATA
Una tunica speciale, di seta damascata a foglie di palma, che veniva

indossata dai trionfatori, o da alti dignitari, ma solo nei trion o in
occasioni molto speciali
TUNICA TALARE
Usata specialmente nei matrimoni.
Generalmente di colore bianco ma anche in altri colori cerimoniali.
TUNICA DEGLI SCHIAVI
Povera, corta e ssata da una cintura di sto a.
TOGA
Generalmente di lana,
Era un pezzo unico a semicerchio, lunga tre volte e larga due volte
l'altezza di chi la metteva.
Augusto la rese obbligatoria ai senatori e agli uomini con alte cariche,

per evitare che al senato o nella magistratura si vedessero uomini vestiti
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con sto e costosissime di fantasia, damascate, di seta o con bordi
dorate.
NB:
La toga era l'abbigliamento u ciale delle alte cariche, dal senatore, al

console al magistrato al politico, al ricco in genere. Era comunque
vietata agli stranieri, agli schiavi e ai liberti. Per indossarla c'era uno
schiavo specializzato (vestiplicus), che sin dalla sera precedente ne
disponeva le pieghe per facilitare il lavoro nel giorno successivo.
C'erano alcune antiche famiglie patrizie che usavano la toga, ri utando
sempre, per tradizione, l'uso della tunica, ma dai Romani questa
consuetudine era considerata eccentrica e un po' snob.
TOGA CANDIDA
La toga candida, "una veste di lana bianca che portavano li pretensori

de’ magistrati, onde candidati furono chiamati", (PLINIO lib. 7 )
TOGA PRAETEXTA
Bordata di porpora, era riservata ai ragazzi no all'età di 16 anni, ed era

la stessa toga che usavano i senatori, solo che la porpora era
un'imitazione e pertanto non così costosa.
Fu introdotta a Roma da Tullo Ostilio e fu inizialmente attributo dei

magistrati n quando Tarquinio Prisco ne donò una al glio
quattordicenne che in battaglia aveva ucciso un nemico. Da allora
prevalse l'uso di far indossare la pretesta ai ragazzi di condizione
patrizia.
TOGA PICTA
Con varie decorazioni ricamate, dal III sec. a.c. sostituì la toga
purpurea, data anche la di coltà a reperire la porpora.
TOGA TRABEA
Era in parte purpurea e in parte di diversi colori, portata un tempo dai

re, o da alcuni sacerdoti.
TOGA PULLA
Era quella che si usava nei funerali
SYNTHESIS
Era la sostituzione delle toghe nei banchetti serali, che avrebbero dato
impiccio durante la cenatio, troppo ampie per girarsi nei triclini e
allungare le mani senza sporcarsi. Di solito anzi ne portavano qualcuna
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di ricambio se durante il banchetto si sporcava. Era una tunica di solito
bianca con alcuni inserti, usata però unicamente nei banchetti.
PAENULA
Era un indumento invernale, una mantella di lana pesante. chiamta

paenula gausapina o di pelle sottile, chiamata paenula scortae, usata
soprattutto per la pioggia. Era quasi sempre chiusa, con l'unica
apertura per la testa, e con un cappuccio cucito dietro. La sto a che
ricadeva sulle braccia, se era di sto a, veniva ripiegata per libertà di
movimento. Sembra derivi dai Galli
Caligae
MODA FEMMINILE
STRUPHIUM
Realizzato in cotone o lino, era una sorta di reggiseno.
il pectoralis veniva evitato sotto le vesti perché schiacciava il seno ed

era anche fastidioso, oltre a tutto in estate, quando si usavano sto e
molto leggere poteva notarsi da sotto l'abito, e non sarebbe stato
elegante.
Andando poi di moda le sto e leggere, di cui non poco si scandalizza

Plinio perchè gli sembra che appaiano nude tanto le sto e erano
trasparenti, era bene non indossare nè strophium nè subligar.
RICINIUM e PALLA
Nella Roma primitiva le donne portavano la toga come gli uomini, come
riporta Varrone in uno dei suoi scritti, ma ben presto i costumi andarono
distinguendosi e la toga venne imposta alle donne solo come segno di
impudicizia o di facili costumi.
Per coprire il tutto in ne, all'esterno, la matrona in epoca remota

indossava il ricinium, un mantello quadrato che portava sulle spalle e
sul capo. In era imperiale venne sostituito dalla palla.
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BABILONICUM
Il Babilonicum era uno scialle orientale in seta liscia o damascata, o in

velo ricamato, o in sto a leggera ma operata, spesso con frange, che
dettò la moda per tutto l'impero. Aveva in genere colori sgargianti, e si
poneva intorno ai anchi, facendolo salire o scendere secondo i gusti.
Questo indumento, stretto attorno al corpo, metteva in risalto anchi e

sedere, per cui risultava molto sexy. Veniva allacciato facendone un
nodo sul davanti ma più spesso con spille d'oro o d'argento, guarnite di
pietre.
79 d.c.
PERIODO BIZANTINO
I sec. d.c.
VI sec. d.c. (Longobardi scesero in Italia)
PERIODO PALEOCRISTIANO
V sec. d.c.
IV sec. d.c.
PERIODO BIZANTINO
TOGA ROMANA
TUNICA (uomini)
STOLA (donne)
Mantello molto elaborato in broccato
MANTELLA BIZANTINA
Arrivava no ai glutei.
Il colore porpora era riservato solo alla famiglia imperiale.
Veniva accompagnato da un elemento molto decorativo a seconda del

rango, denominato tablion e nei case più regali il sopraomerale.
FUNZIONE LITURGICA
Riferimento DOLCE&GABBANA
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5 ) MEDIOEVO: ALTO E BASSO
476 d.c.
Invasioni Barbariche fanno crollare l’Impero Romano
1492 d.c.
Colombo scopre l’America
PERIODO TARDO ANTICO
476 d.c. - 700 d.c. (dal crollo dell’Impero Romano d’Occidente all’inizio
delle grandi Dinastie)
ALTO MEDIOEVO
Dall’VIII sec. d.c. con la seconda invasione dei Barbari all’anno 1000
d.c.
PIENO MEDIOEVO
Dal 1000 d.c. (crescita demogra ca) al 1250 d.c. morte di Federico II
(Crociate).
TARDO) BASSO MEDIOEVO
Dal 1300 d.c. con la crisi (Peste Nera) al 1492 d.c. scoperta
dell’America.
ALTO MEDIOEVO
MASCHILE
ECCLESIASTICO
FEMMINILE
Evoluzione stilistica del costume romano, mischiato con le varie culture

barbare:
FRANCHI
GOTI
BURGUNDI
SASSONI
LONGOBARDI
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I GERMANICI indossavano tuniche tradizionali mentre la popolazione
legata alla vecchia roma, i cosiddetti ROMANICI, rimasero con la
tradizione tunica romana.
Wiligelmo, Arca di Noè e uccisione di Caino, Storie della Genesi,

1099-1106 d.C. circa, Duomo, Modena
KYRTILL
Era l’indumento tipico dei germani settentrionali (Vichinghi, Franchi,

Goti etc.).
Trattasi di un soprabito in lana con maniche lunghe no al polso, avente

un’ apertura a fessura per il collo, aderente intorno al tronco e larga sui
anchi, terminante cioè in una sorta di gonnella.
Non è rimasto molto di questo periodo, ma possiamo trovare qualche

citazione scritta e visiva nelle cosiddette “saghe norrene”, dove viene
descritto come indumento molto colorato e con applicazione di molte
decorazioni (ricami etc per gli abbienti).
LA TUNICA E I GAMBALI
L'indumento maschile principale era la tunica, generalmente ottenuta

da un unico taglio di sto a con un buco per il collo sulla linea di
piegatura e delle maniche attaccate.
I ricchi prediligevano tuniche molto lunghe, realizzate in sto e pregiate

(ad esempio la seta) e molto colorate.
A causa del cambiamento di clima, erano utilizzati sia i gambali, ottenuti

avvolgendo la gamba con strisce di sto a (di colore bianco per i
Longobardi[11]) poi chiuse da lunghi lacci (presumibilmente di cuoio),
fors'anche portati insieme a pantaloni larghi, sia le calze strette.
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IL MANTELLO E LE SPILLE
L'indumento principe per garantire maggior protezione contro i rigori

dell'inverno era ancora il mantello.
I Franchi utilizzavano ancora il tipico mantello germanico in lana grezza

(cosiddetto "saie")[14], lungo a malapena no alla vita e ssato da una
bbia alla spalla sinistra (per lasciare il braccio destro libero di
maneggiare la spada), non dissimile dal sagum dei legionari romani.
La foggia della bbia da mantello variava tra le diverse popolazioni: i

Franchi prediligevano la bula, gli Anglosassoni le spille di forma
rotonda, come i Burgundi[9], mentre i Gaeli restavano fedeli alla bula
"penannular" tipica dei Celti[16].
-Fibula Franca, bula a sta a, in argento dorato e granati, VI secolo
-Spilla Anglosassone, Tesoro anglosassone di Sta ordshire,
VIII secolo
ROSSO: uomini di legge e alte cariche
VERDE o BLU: Nobili, cariche importanti, cortigiani.
POVERI: vietato il colore. Tessuti non tinti perciò colori neutri.
«Carlo Magno vestiva alla maniera del suo popolo, i Franchi. A contatto
della pelle metteva una camicia e cosciali di lino, poi una tunica con
orlo di seta e calzoni e chiudeva polpacci e piedi in fasce e calzari;
d’inverno teneva petto e spalle protetti da una pelliccia di lontra o di
altri animali. Portava un mantello azzurro ed era sempre cinto con una
daga, con elsa e bandoliera d'oro o d'argento; talvolta aveva anche una
spada ornata di gemme ma questo soltanto nelle occasioni solenni o
quando venivano ambasciatori dall'Estero.“
Eginardo, Vita et gesta Caroli Magni, 23
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ABBIGLIAMENTO ECCLESIASTICO
FRATI E FRANCESCANI
Tunica grigio, cintura in corda e sandali (o scalzi). Es. San Francesco.
VESCOVO
Indossava la tipica veste ecclesiastico, con decorazioni e ricami di alto

pregio.
CARDINALE
Altissima carica all’epoca. Tressuti estremamente pregiati e velluti di

alta artigianalità.
VESTI
Le donne dell’Alto Medioevo portavano un abito che poteva ricordare

un peplo al principio (sempre cit. tradizione romanica).
Una sorta di lunga veste realizzata in lana avente una scollatura

verticale frontale,
Molto frequente si utilizzava soipra alla veste un corpetto stretto con

lacci.
Per i duri inverni si utilizzava spesso mantelle e cappe, ma non con

pelliccia visibile.
Con l’avvento di un cristianesimo più conservatore, le donne

cominciarono ad indossare fazzolettoni per coprirsi i capelli.
Fibbie e spille sempre molto frequenti.
PIENO MEDIOEVO
5 Aprile 1242
LA BATTAGLIA SUL GHIACCIO
CROCIATE e I TEMPLARI
BASSO MEDIOEVO
MASCHILE
BELLICO
FEMMINILE
INTERULA
Era l’indumento per eccellenza del Basso Medioevo. Veniva

denominato interula in quanto veniva posto all’interno degli altri capi
(sorta di tuta da intimo).
Era solitamente in tinta unita.
Poteva avere uno scollo a girocollo o uno scollo a V.
Poteva essere di varia lunghezza e possedeva maniche solitamente

ampie no al polso.
LA TUNICA
Sopra la interula, c’era la tunica, che veniva spesso indossata con una
cintura in cuoio e un’altra veste superiore.
Quest’ultima era molte vole decorata con gli stendardi della propria
casata nei signori o per il Feudo di appartenenza.
Venivano poi indossati poi sopra la tunica il Mantello, spesso foderato

in varia tipologia di pelliccia (a seconda del proprio statu sociale:
ERMELLINO
VAIO (elite)
AGNELLO
MONTONE
(cavalieri e corti minori)
CALZATURE e ACCESSORI
Interessante erano di usi dei stivaletti alti no al polpaccio, realizzati in

pelle di agnello o cuoio.
Estremamente importanti erano accessori quali borse in cuoio di forma

rettangolare chiamate scarselle e in forma trapezoidale chiamate
Lemosiniere. Entrambi i modelli venivano legati alla cintura e completati
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medianti una bbia in metallo.Altro modello era la Bisaccia (tipica dei
pellegrini).
ABBIGLIAMENTO BELLICO
INTIMO e SOPRAVESTE
INTERULA no ai piedi in lino o in cotone leggero.
Il seno veniva stretto con un velo di mussolina simile ad un reggiseno.
Sopra la interula veniva indossata una veste sagomata, arricchita

spesso con uno strascico (a volte erano anche metri).
NB: con il passare del tempo gli strascichi divennero così lunghi da
creare una legge limitando lo strascico ad un solo metro di lunghezza,
pena una somma di denaro.
VESTE
Aveva uno scollo rotondo e maniche molto ampie o lunghe e strette

(dette quest’ultime “ad angelo”.
Gli abiti venivano confezionati in varie tipologie di tessuto:
SETA
VELLUTO
BROCCATI
Venivano impreziositi con gemme preziose.
Per i poveri utlizzavano abiti in lana o cotone.
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SURCOTTO
Era un indumento (anche indossato dagli uomini) esterno sopra la veste

e l’interula interna.
Surcotto signi ca “sopraveste”.
Si indossava alla ne una cintura (poteva essere realizzata in cuoio o

seta o in lina):
PRIMO GIRO (vita)
SECONDO GIRO (reni)
TERZO GIRO (Fianchi)
QUARTO GIRO (Bacino)
Le due bande nali venivano lasciate libere.
MANTELLA
Le mantelle erano indispensabili per i periodi invernali. Possedevano

solitamente degli alamari per chiuderli, e molte volte, venivano
impreziosite da decorazioni.
SCARPE
Le nobili indossavano scarpe estremamente alte.
Per le povere invece scarpe molto basse.
BORSE
Stesse tipologie di quelle dell’uomo
CAPIGLIATURA
GIOVANI: portavano con riga centrale e treccie che cadevano sul petto.
SPOSATE: Portavano con riga centrale o all’indietro intrecciate, con un

velo e sormontato da una banda che cingeva il capo orizzontalmente.
Molto spesso veniva imposto pure un nastro che percorresse il mento, il
collo e che si riprendeva sull’estremità del capo.
Al ne di seguire la moda dell’epoca, i capelli venivano molto spesso

rasati no a metà al ne di rendere la fronte più ampia.
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CODICE MANESSE
Canzoniere Medievale in lingua tedesca del 1300 - 1340
6) 400’ / 500’ (XV sec.)
QUINDICESIMO SECOLO
1400
1500
4 PERIODI PRINCIPALI
Primo Trentennio: Passaggio tra Medioevo Basso e nascita del

Rinascimento
Secondo Trentennio: Inizio Guerra dei Cent’anni (Giovanna D’Arco).

Lotte tra Inghilterra e Francia.
Seconda metà del 400’: La guerra delle due Rose (Lancaster / York) /
Fine della Reconquista spagnola
Fine 400’ (inizio XVI sec.): Scoperta del Nuovo Mondo e l’inizio dell’Era
Elisabettiana…
RINASCIMENTO
“Il Rinascimento è tradizionalmente ssato tra la metà del sec. XV e la

metà del sec. XVI, caratterizzato, soprattutto in Italia, da un'eccezionale
oritura artistica e letteraria, nonché da un più libero sviluppo del
pensiero, frutto di una nuova consapevolezza dei mezzi dell'uomo e
della sua potenza”.
1400 - 1430
LA PELLANDA
La Pellanda era il soprabito più comune nell'Europa latina già a partire

dal XIV secolo, raggiunse tuttavia il suo apice tra la ne del 300’ e il
primo quarto del 400’
Di origini francesi (Houppelande), aveva una forma voluminosa e lunga

no al ginocchio, a volte anche no ai piedi, con maniche larghe,
decorate con frappe, foderato di pellicce selvatiche o domestiche.
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Poteva essere realizzato in lana, velluto o per i ceti più ricchi in seta
(anche damascata)..
Tra il 1380 e il 1410 la pellanda maschile poteva arrivare sia no ai piedi.
VERSIONE FEMMINILE
La pellanda femminile era molto simile a quella maschile, l’unica

di erenza stava nella cinta (sotto la pancia per gli uomini, sotto il seno
per le donne).
La lunghezza della pellanda femminile poteva variare in più misure, ma

nel corso degli anni, la pellanda con strascico assunse sempre di più
una funzione solamente cerimoniale.
Les Tres Riches Heures du duc de Berry, 1415
I colori predominanti sono il blu reale, il verde smeraldo, il rosa candido

e il celeste chiaro.
Il colore delle calze è essenzialmente di colore bianco, al ne di dare

maggior rilevanza alle vesti.
UOMO:
Tipico taglio maschile dell’epoca è il suddetto “caschetto a scodella” e

un pizzetto a forchetta (quest’ultimo nei ceti più abbienti)..
Dagli anni '20 del 400’ in poi la moda impone l'uomo privo di barba, e
spesso anche i capelli sono costantemente rasati ai lati ed alla nuca.
DONNA:
Le nobildonne portavano un fazzoletto di lino in testa, oppure capelli

legati con ori (specialmente in Italia), tuttavia ancora in questa epoca,
la rasatura della fronte nelle donne è ancora frequente.
NB: LA CAPIGLIATURA
Libro del Maestro del Maresciallo di Boucicat 1410-1415
1430 - 1460
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EVOLUZIONE DELLA PELLANDA
La pellanda maschile viene sempre più accorciata, no ad arrivare al

ginocchio.
I capi si presentano più basici e meno stravaganti, la moda impone

quindi un vestiario più più semplice, e i dettagli quali accessori e gioielli
cambiano forma e foggia.
Le maniche vengono chiuse, diventando dapprima a becco di

pellicano, e in seguito non di erenti dalle moderne felpe.
Si portano collane d'oro, le poulaine (tipiche scarpe dell’epoca

allungate), si allungano e diventano nere.
Per gli uomini il collo d'ermellino diventa meno accollato, lasciando

lievemente scoperto il farsetto sottostante.
I capelli sono a scodella ,i volti rasati. Il colore di maggior eleganza

diventa il nero
I colori maggiormente portati sono Il rosso, L'azzurro chiaro, il blu e in

nero.
VESTIARIO FEMMINILE:
Il vestiario femminile conosce la comparsa di alti copricapi a forma di

corna e si portano tra le dame tessuti damascati. Si di ondono i primi
Hennin in europa continentale, mentre in Italia centro-settentrionale i
capelli sono portati con ori o gioielli e il collo del vestito è rotondo. In
entrambe le zone di in uenza la cintura viene posta appena sotto il
seno. Per i giovani dell'Italia centro-settentrionale, soggetti alla moda
toscana (I giovani dell'Italia meridionale erano soggetti alla moda
borgognone con in uenze francesi sotto gli Angiò, e catalane sotto gli
Aragonesi) si di onde la giornea, inizialmente nemente decorata e
ornata di visone, poi, a partire dalla seconda metà del secolo, sempre
più corta e meno lavorata.
Jan Van Eyck
1390 - 1441
Il Ritratto dei coniugi Arnol ni, 1434
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Madonna del Cancelliere Rolin, 1435
Uomo con l’anello, 1430
Ritratto di Margareta van Eyck, 1439
Portrait of Jacobäa von Bayern, 1441
1460 - 1480
PELLANDA E FARSETTO
ANNI 60’:
I giovani si lasciano crescere i capelli.
Si di ondono alti cappelli decorati di d'oro e di penne. Il Capperone

viene dimenticato.
Il colore della pellanda, o (sempre più spesso) del corto soprabito da

indossare sopra il farsetto (capo sempre più importante), è il blu, anche
se non mancano già esempi damascati rossi e oro tipici degli anni '70
del XV secolo.
Le donne portano alti copricapi conici con veli e strascichi trasparenti,

le vesti sono damascate, ornate di ermellino bianco o montone per le
donne più ricche, di lana bianca o lino per le donne meno facoltose. Lo
scollo a V nelle donne prende più piede.
PELLANDA, CAPPERONE E FARSETTO
ANNI 70’:
Subentra come colore il viola.
Il damascato prende sempre più piede, e comincia a sostituire i colori

precedenti.
Iniziano a comparire calze di diverso colore ornate da decorazioni e

lettere dorate in gotico (specialmente nelle ra nate e più libere corti
francesi).
I giovani portano un farsetto borgognone sempre più attillato, con

ampie spalline imbottite.
Ricompare il mantello, appena sotto i anchi, rigido e portato con una

piccola bula a destra o a sinistra. Gli uomini portano dei cappelli simili
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alle più tarde bombette, e spesso i nobiluomini camminano con bastoni
dorati.
1390 - 1441
Petrus Christus
Ritratto di fanciulla, 1470
Natività, 1465
Sant’Eligio nella bottega di un ore ce, 1449
Isabella di Portogallo con Sant’Elena, 1457
Portrait of a Female Donor, 1455
1480 - 1500
IL MINIMAL RINASCIMENTALE…
Il vestiario ha il suo culmine di sempli cazione. Il nero prevale su tutti gli

altri colori.
I copricapi si accorciano e diventano solo neri (specialmente in europa

continentale) o rossi, ornati a volte da pietre preziose o spilli. I volti sono
rasati, e i capelli a caschetto arrivano alla ne del collo.
A metà anni '80 i farsetti appaiono meno imbottiti, con colori che
variano dal verde al blu scuro.
Si di onde tra gli uomini un soprabito o molto corto (arrivando a

coprire appena l'inizio delle brache) o molto lungo (arrivando ai piedi
con a volte un lieve strascico).
Questo soprabito inizialmente non di erisce dalla forma della pellanda

di metà secolo, ma, a di erenza di questa, si porta spesso aperto o
semiaperto (come gli odierni cappotti e giacche), lasciando intravedere
o vedere del tutto il farsetto sottostante con la chemise rigorosamente
bianca.
I mantelli non scompaiono, e sono portati dai giovani come prima.
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Per l'uomo il damascato è usato solo sul soprabito, quasi mai sul
farsetto, che è a tinta unita.
LE DONNE:
Si sviluppa il cosiddetto “Hennin”, un copricapo a forma conica.
I damaschi e i broccati diventano essenziali nei ceti alti.
A metà anni '90 l'Inghilterra elaborerà una sua moda, la "Tudor" (distinta
in varie fasi) che condizionerà la moda del primo Cinquecento europeo.
L'Inghilterra sarà destinata a diventare centro della moda tra il 1490 e il

1510.
Enrico VIII
le sue mogli
1433 - 1533
Catherine of Aragon
1533 - 1536
Anna Bolena
1536 - 1537
Jane Seymour
1540
Anna di Cléves
1540 - 1542
Catherine Howard
1543 - 1547
Catherine Parr
7) 500’ / 600’ (XVI - XVII sec.)
2022
1500
XVI / XVII sec. SEDICESIMO /DICIASETTESIMO SECOLO
1700
1600
500’
MODA :
- Moda Spagnola
- Moda Elisabettiana
Abito e sottoveste
Il vestito più utilizzato in quest’epoca era costituito dall'abito, (in inglese

gown o frock).
L'abito poteva essere o morbido o aderente, con maniche corte o

lunghe,
Lunghezza varia: no ai piedi o con una piccola coda non esagerata.
I Corpetti
Due tipologie di corpetti:
Tipo francese, spagnolo e inglese avevano “forma di cono”, conferendo

così alla parte frontale una forma a V verso la vita.
I corpetti italiani, invece, avevano la caratteristica forma a U.
I corpetti potevano giungere quasi no al collo. Erano ssati con

gancetti sul fronte o lacci. La parte più alta dei corpetti era ri nita con
bottoni o lacci.
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Soprabiti e mantelli
Come soprabito c’era la sovragonna detta “salvaguardia”.
I mantelli con il cappuccio venivano spesso usati nei periodi invernali.
I mantelli potevano essere sia di media lunghezza che molto lunghi.
I mantelli francesi erano particolarmente impreziositi di decorazioni,

perlati.
Intimo
Era composto da una camicia in lino. Questo era l'unico articolo

indossato da ogni donna, indipendentemente dalla classe sociale.
Le camicie delle donne più ricche erano ricamate o bordate di pizzo.
Le calze erano solitamente in lana e tenute con delle giarrettiere a

nastro.
Moda Spagnola
Il colore fondamentale nella moda spagnola del periodo è sicuramente il

nero.
Concetto di erenza moda puritana / cattolica.
Gioco di contrasti tra decorazioni e merletti candidi.
Per la prima volta dall’America era appena arrivata una nuova tintura
nera, tale da rendere tessuti neri molto più belli e lucenti, adatti
soprattutto alle classi piu' elevate.
Uso in molte tipologie di tessuto:
-velluto
-cotone
-b lane
Elisabetta di Valois, Spagna, 1565.
La moda di ne 500’, inizi ‘600, non era per niente confortevole, quindi
gli abiti potevano essere molto strutturati e somigliare a pesanti
armature che costringevano il corpo in modo innaturale e rendevano
di cile il movimento.
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La rigidità delle vesti è uno specchio della rigidità morale di chi le
indossa. La Spagna, in questo secolo una potenza, imporrà questa
moda ampiamente.
1615-1640. olio su tela.
La gonna tipica è detta “vertugade”, una gonna di origine spagnola

molto ampia e rettangolare, con stecche al suo interno.
La Gorgiera
“Gorgiera” deriva dal francese gorge, (italiano gola).
Compare in Italia nella sua forma più semplice, attorno al 1530, quando
la penisola cadde sotto il dominio spagnolo di Carlo V.
Veniva spesso irrigidita con amido, era collegata con la moda degli
abiti molto accollati.
Verso la metà del XVI sec. la misura si allunga notevolmente, no ad

arrivare, verso la ne del Cinquecento, a vere e proprie ruote.
Potevano essere realizzate in lino nissimo o totalmente in merletto.
La gorgiera italiana si avvalse della maestria delle merlettaie veneziane

che crearono veri e propri capolavori ad ago o a tombolo. Uno dei
maggiori produttori di questi merletti provengono dall’Isola di Burano.
Moda Elisabettiana
Due grandi concetti:
-Culto dell’immagine della Regina.
-La persona di Elisabetta come fonte suprema d’ispirazione.
-Donna come purezza incarnata.
I motivi geometrici erano la base per gli abiti elisabettiani,

probabilmente a causa dell'interesse nelle scienze e nella matematica.
Le decorazioni potevano essere realizzate con perle di vario genere,

ossi di balena, avorio.
PELLI E PELLICCE
L'ermellino era una pelliccia riservata esclusivamente ai reali o alla

famiglia reale.
Gli altri nobili potevano indossare volpe e altre pellicce animali.
Ritratto di Elisabetta I, Inghilterra, 1575.
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I nobili avevano molte restrizioni nel costume:
gli abiti intessuti con li d'oro erano riservati unicamente alla regina, a
sua madre, ai suoi eredi, agli zii, alle sorelle e ad alcune donne da lei
scelte che appartenessero al rango delle duchesse, marchese e
contesse.
Viscontesse e baronesse, invece, dovevano usare altri materiali perché

non potevano ottenere concessioni in tal senso
I colori del periodo elisabettiano:
VIOLA: membri della famiglia reale e la regina stessa.
MARRONE, GIALLO, ARANCIO, GRIGIO, BLU: ai ceti meno abbienti.
Partlet
Il partlet era un indumento senza maniche indossato sopra il collo e le

spalle, indossato sopra un vestito o indossato per riempire una
scollatura bassa.
Il termine deriva dal francese “Dame Partlet”, nome tradizionale di

gallina.
Realizzati in seta o lino.
Servivano per riempire le scollature degli abiti borgognoni sia maschili

che femminili.
Per i ceti più abbienti venivano anche decorati con oro e gioielli o perle ,
come quello indossato da Eleonora di Toledo nel ritratto del Bronzino.
Sir Francis Drake (1540 - 1596)
William Shakespeare (1582 - 1616)
Moda francese e lo stile barocco
Re Luigi XIV (1638-1715) detto il Re Sole, si impegnò che la sua moda

potesse essere ben consolidata per tutto il periodo del suo regno.
Gli abiti tornano ad essere scollati: dalla scollatura quadrata che

incornicia il seno dei primi anni del secolo si approderà verso il 1650 ad
un decolletè, che lascia scoperte spalle, schiena e attaccatura del seno.
Per qualche tempo la scomparsa della gorgera lascia il posto, a dei

piccolissimi colletti inamidati e cuciti al retro dell'abito detti “rebatos”,
ma presto scompaiono anche questi per lasciare il posto ai ricchi e
grandi pizzi che incorniciano le scollature.
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Tornano di moda anche gli strascichi.
Tramonta il predominio del nero e appaiono tinte nuove:
Colori pastello ma anche sgargianti.
Blu in tutte le sue sfumature.
Celeste.
Bianco utilizzato come sfondo per ricamare motivi oreali o altri fregi
verdi, rosa e blu.
Le manifatture tessili subiscono una netta evoluzione soprattutto per i

broccati (francesi e italiani) hanno motivi decorativi più complessi e
simmetrici rispetto al passato.
600’
Sviluppo degli abiti
La gonna spagnola(vertugade) scompare e viene rimpiazzata da una più

morbida e a pieghe.
Varie strati cazioni di tessuto con di erente colore e motivo per rendere
il volume medesimo.
Verso la prima metà del ‘600, la gonna viene aperta per rendere visibile
la strati cazione delle gonne sotto.
Per tutto il ‘600, la giacca si accorcerà sempre più no ad arrivare al

punto vita e molto stretta (citazione sempre di origine spagnola).
Le maniche si accorciano sempre più.
Presenza di ampi polsini in pizzo, inizialmente strutturati per poi

passare ad una forma più ammorbidita (sarà l’inizio della forma alto
barocca).
Accessori e i collari
Il collare era ancora molto comune negli anni '20 del 1600 e durò un po'
più a lungo nella moda femminile.
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Iniziarono a di ondersile scollature, sempre più profonde e incorniciate
da un ampio colletto di pizzo, che poteva coprire in parte il décolleté.
Grandi collari rialzati (collari medici) vennero indossati anche su abiti

festivi no all'inizio degli anni '30 del XVI secolo. In seguito si iniziarono
a scoprire anche le spalle e i colletti divennero più piccoli e più morbidi.
Copricapi e Capigliatura
All'inizio, le donne si tiravano indietro i capelli in modo relativamente

semplice, ma anche le acconciature tendevano ad essere più larghe
che alte, cosa che si otteneva semplicemente lasciando i capelli liberi
sino alle tempie e arru andoli in seguito.
Alla ne degli anni ‘20 del ‘600, i capelli vennero portati sin sopra le
orecchie e venivano in seguito ondulati o arricciati, magari con alcune
ciocche cadenti sulle spalle.
Le donne potevano anche indossare un cappello di feltro ornato di

piume con tesa ripiegata, così come accessori alla moda erano
considerati ventagli e maschere contro il sole, il vento e le intemperie.
Questi oggetti erano portati indosso grazie ad un nastro che era portato
intorno alla vita potresti. Il gioiello più popolare per le donne erano le
perle in forme di collane o orecchini.
Caravaggio
Velazquez
Rembrandt
8 ) 700’ / Rivoluzione Francese
2022
XVIII sec. DICIOTTESIMO SECOLO
1800
1700
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IL PASSAGGIO TRA PRIMO BAROCCO E SUCCESSIVO
Le monarchie in Francia e in Inghilterra sono molto in crisi. (il periodo di

Luigi XVI e Maria Antonietta / era post Re Sole)
Nuove scoperte globali
Nuove scoperte scienti che
Evoluzione musicale
COSTUME:
Da un concetto di sobrietà (nero come colore di moda, rigore e serietà)

si inizia in un concetto di un lusso più e mero
Nasce il concetto di frivolezza
Accresce di più il concetto “regole di moda” e vengono pubblicati

numerosi scritti come i cosiddetti “libretti” per uomini e donne che
danno loro istruzioni su come vestirsi e truccarsi
Luigi XIV, detto il Re Sole
1683 - 1715
Luigi XVI
1754 - 1793
Luigi XV
1710 - 1774
CARATTERISTICHE GENERICHE
L’abbigliamento non subisce moltissimi cambiamenti come tipologia

(giacche, pantaloni etc)
Cambia soprattutto lo stile: da uno stile più “sfarzoso” per temi,

stampe, volumi, si passa ad un tono più frivolo, più stretto dove la
decorazione fa da protagonista
PRINCIPALI TESSUTI UTILIZZATI:
Seta
Lana
Cotoni lavorati
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passamanerie molto so sticate
GIUBBA
Un antenato della giacca moderna
veniva portata sopra una camicia
la sua lunghezza si allunga no al ginocchio
molte volte possedeva dei faldoni laterali (cit. antenato del frac
moderno)
Veniva molto spesso accompagnata da un panciotto
numerosi bottoni coperti
scollato a V ma di tipo stretto
Le maniche erano più corte, da fuoriuscire leggermente le maniche con

polsi arricciati
possedeva solitamente un risvolto sproporzionato e molto decorato.
PANTALONI
Inizialmente si presentano come pantaloni larghi con molte pence

profonde, al ne di dare maggior volume alla forma
Successivamente con l’avvento delle giacche più aderenti, la forma si

stringe e le pence aderiscono
Si chiudevano con bottoni oppure mediante una bbia, seguito da una

cintura del medesimo tessuto
Potevano esserci un secondo paio di pantaloni più corto con grandi

risvolti per nascondere la ne delle calze
Le calze, sempre di natura attillata e di colore bianco, venivano ssate

mediante delle prime “giarrettiere” maschili
decorate con passamanerie
CALZATURE
Evoluzione totale delle calzature
Dagli stivali molto pesanti del periodo precedente, le scarpe si

trasformano in scarpe più delicate, sfarzose
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varie tipologie di pellami
cuoio nero
cuoio rosso
varie tipologie di tessuto
Forma squadrata e aperta da davanti
Chiuse con una bbia sproporzionata
Principale cappello dell’epoca è il “tricorno”
realizzato in feltro
lana o panno di lana
pelle
COPRICAPI E PARRUCCHE
Cappello detto “a pan di zucchero”, più stretto con forma a noce
Parrucche di vario genere
vari colori
vari volumi
Poca igiene personale
Di erenze per genere sociale
ABITO E SOTTOVESTE
Continua il concetto di abiti strutturati con più strati cazioni
Presenza di molti sfarzi: decorazioni di natura più leggera rispetto al

periodo elisabettiamo (presenza di più piume, ricami etc…)
Parigi diventa uno dei maggiori fulcri della moda femminile
Tessuti estremamente pregiati:
sete
cotoni
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scialli di lana
CORSETTI
Il corsetto è il protagonista principale nel mondo femminile
Forme molto strette e aderenti al punto vita
Veniva allacciato da davanti o soprattutto dietro mediante lacci di seta

o nastri
Presenza di forature numerose al ne di renderlo ancora più stretto
VARIE TIPOLOGIE:
Il principale era il corpetto che lasciava le spalle scoperte
Per le donne meno abbienti le spalle venivano coperte e unite al

corpetto con dei piccoli gancetti
GIACCHE
Le giacche femminili possedevano una forma molto aderente, con il

punto vita più aderente rispetto a punto seno
Realizzate in tessuti di vario genere
tessuti leggerissimi
tessuti più strutturati
Irrigidite con stecche interne o crinolina
GONNE
Forma sempre molto voluminosa
Presenza di numerosi strati
solitamente con il colore più chiaro nella zona più interna alla gonna (la
parte esterna la più colorata)
Regola dell’apertura centrale sempre presente, al ne di mostrare le

varie strati cazioni
Presenza di numerose decorazioni:
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ricami
merletti
voile e balze
plissettature e arricciature
ACCONCIATURE E COPRICAPI
La parrucca è sempre la protagonista di questo periodo
Venivano avvolti in maniera verticale, mediante l’ausilio di forcine e

fermagli di di erente decorazione, a volte addirittura delle vere e proprie
strutture di metallo
Ai lati venivano lasciati boccoli molto lunghi
In onore dell’amante del Re francese, venne introdotto un nuovo

copricapo de nito con “Fontage” (dal nome di moiselle Fontange)
realizzata con una tela molto na (lino) e sostenuta da li di ferro (il

merletto era presente)
Le donne meno abbienti portavano una cu a
Bauta
Moretta
Stefano Nicolao, Venezia
TRUCCO
Il trucco era costituito:
base bianca (biacca) con piombo
guance di cipria colorate
sopracciglia colorate
labbra molto colorate (cocciniglia)
NEI FINTI
Il neo nto, sia per gli uomini che per le donne è stato un altro
protagonista di questo periodo
Ogni parte del viso aveva un suo signi cato:
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BOCCA:
sopra labbra: voluttuosa
sotto labbra: baciatrice
NASO:
sotto: giocoso
LATO SINISTRO DEL VOLTO
Irresistibile
ACCESSORI
Il ventaglio di vario tipo:
varie forme
vario tessuto
illustrazioni, opere d’arte
I manicotti in pelliccia portato solo su di una mano
Guanti molto lunghi, portati anche dentro casa
I gioielli:
spille e orecchini
Iniziano i primi “piercing”
9) Età Napoleonica e Romanticismo
1796 - 1860
2022
XIX sec. 19ESIMO SECOLO
1865
1821
1796
2 PERIODI DISTINTI :
- NAPOLEONE (NEOCLASSICISMO)
(1796 - 1815)
- POST-NAPOLEONE (ROMANTICO)
(1815 - 1865)
PERIODO POST-RIVOLUZIONE
La moda è concepita come “strumento di potere”.
Si evolve il cosiddetto “fashion victim” con stampa specializzata:
Costume Parisienne
Journal des Dames et des Modes
Nel periodo Napoleonico gure di moda specializzate subentrano nel

costesto sociale:
Sartorie specializzate
Parrucchieri
Truccatori
Primi Atelier e Boutique
-Campagna Italiana
(1796 - 1797)
-Incoronazione Imperatore
(1804)
-J.L.David Napoleone nel suo gabinetto di lavoro
(1812)
-Ultimi anni
(1815-1822)
(PERIODO NAPOLEONICO)
LA FIGURA DEL DANDY
- I pizzi, forme e mere e il concetto frivolo sfuma.
concetto di neoclassico
esaltazione del corpo
- Due movimenti principali per la moda maschile:
Dandismo: è l’esteta del periodo per eccellenza.
Romanticismo: l’uomo / poeta
- Tessuti impiegati per l’uomo:
la seta
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la lana
cotone
pelle di daino
- Brillantina per capelli con accennata di basette.
LORD BRUMMELL E IL DANDISMO
-Beau Brummell portò la moda del dandysmo nella società inglese della
metà degli anni '90 del Settecento, caratterizzandola nell'assoluta
pulizia personale, nell'utilizzo di camicie di lino immacolate con alti
collari, e di cravatte e vestiti dai colori scuri (in contrasto coi cosiddetti
"maccaroni" della ne del XVIII secolo).
-Brummell abbandonò la parrucca e si tagliò i capelli corti secondo la

moda della Roma antica, "alla Bruto" come si diceva all'epoca,
lanciando la moda di guardare ai classici come si fece per il costume
femminile della medesima epoca. Egli sostituì inoltre le braghe con i
pantaloni, spesso di colore chiaro per la giornata e scuri la sera,
basandosi sul vestiario della classe lavoratrice francese durante la
Rivoluzione Francese.
CARATTERISTICHE :
Capelli alla “Tito”
Cravattone
Habit
Gilet
Bastone da passeggio
Cilindro
Guanti
Orologio da panciotto
Stivali Assiani
ACCESSORI E STIVALI
Accessori con ispirazione militare:
guanti in pelle
bastone da passeggio
catena orologio
spillone
cappello a cilindro o a tuba,
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Stivali tipici di questo periodo sono gli Stivali Assiani:
possiedono un tacco basso adatto per cavalcare
Lunghezza al ginocchio.
PERIODO ROMANTICO
(1821 - 1865)
“Habit à la française”
-Il tipico abbigliamento del gentiluomo del XVIII secolo era costituito da:
habit (giacca),
gilet o panciotto
culottes (calzoni che arrivavano al ginocchio).
jabot
camicia di lino o di cotone con polsi decorati.
-Altra tipologia di abiti nati in questo periodo sono il frac o redingote,

gilet e calzoni.
Dal 1800 i revers spariscono dai gilet.
Si a erma la cravatta senza cappio che mostra i becchi della camicia.
CAPISPALLA
Nel periodo Romantico è molto utilizzato il soprabito.
Molto in voga il cosiddetto surtout e il carrick.
Il diebitsch (nome di un generale russo vincitore dei libertari polacchi)

ha guarnizioni di pelliccia (astrakan) e alamari.
Altro grande tipo di soprabilto è il mantello:
uso tipicamente dei nobili
vari tessuti impiegati
velluto
lana
lana cotta
SIMBOLISMO DELLA BARBA E BAFFI
Barbe unite alle basette e ba .
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Venivano utilizzate come vero e proprio simbolo del propria
organizzazione sociale (massoneria, carbonai).
Non sempre venivano utilizzati, infatti si introducono nuovi strumenti di

rasatura, tra cui i primi rasoi monouso.
COPRICAPI E ACCESSORI
Il cappello più utilizzato anche nel periodo Romantico è il cilindro, però

a tuba alta,
Dapprima, realizzato con un feltro peloso, viene reso lucido lucido e

rasato.
Nel 1834 invece viene lanciato dal cappellaio Gibus, un vero e proprio
cilindro da viaggio, il quale per mezzo di molle interne, poteva essere
appiattito.
Rimasti ancora qualche residuo di bicorno.
Nei periodi estivi si utilizzavano cappelli in paglia o feltro leggero.
ABBIGLIAMENTO FEMMINILE :
- STILE IMPERO
- STILE REGENCY
STILE IMPERO
Proveniente dallo stile Neoclassico, tipico del mondo Napoleonico.
Considerati all’epoca come abiti “casual”
Non più cambio di abito durante il giorno ma uno no a sera
Tessuti utilizzati nello stile Impero:
mussola semi-trasparente, (cit. statue greche e romane antiche).
Abiti di satin
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MEZZO ABITO
Era l'abito usato di giorno,
Finalizzato all’incontro di persone estranee al contesto familiare.
ABITO PIENO
Con "abito pieno" si intendeva invece l'abito per gli eventi formali, sia di
giorno che di sera.
Di natura più stravagante.
tessuti più decorati
ricami
decorazioni più ricche
ABITO DA SERA
Il vestito serale veniva cambiato per dare un tono particolare al

momento della cena, un'occasione conviviale per la famiglia che si
sottolineava anche attraverso la moda.
LUTTO
Quando una donna perdeva il marito, doveva rigorosamnte indossare il

colore nero, in segno di lutto.
Il corpo veniva coperto maggiormente. Le braccia non potevano essere

scoperte.
LO STILE REGENCY
E’ tipico del periodo dove nisce l’ispirazione neoclassica / greca
Gli abiti cominciano ad assumere una forma più conica e strutturata
Si reintroducono nuovamente i corsetti.
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Le maniche iniziarono ad essere più sbu ate già sul tema dello stile
romantico.
Ispirazione orientale (campagne Napoleoniche)
Cappelli e acconciature divennero più elaborati
10) Periodo Vittoriano (Moda Inglese)
1837 - 1901
PRIMO PERIODO
(1840 / 1860) 20 anni
SECONDO PERIODO
(1860 / 1880) 20 anni
TERZO PERIODO
(1880 / 1900) 20 anni
2022
XIX sec. DICIANOVESSIMO SECOLO
1901
1837
INTRODUZIONE ALLA EPOCA VITTORIANA
Massima espressione della femminilità ottocentesca
Particolare attenzione al taglio e le forme stilistiche dell’abito
L’Inghilterra diventa simbolo di eleganza e bellezza alla moda.
La Regina Vittoria (incoronata molto giovane nel 1837) diventa gura

icona per tutto il suo periodo da regnante:
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Ogni accessorio, gioiello o singolo dettaglio che indossasse, si
trasformava in dettaglio di moda (perlomeno no alla morte del marito
Albert, nel 1961)
PRIMO PERIODO
(1840 / 1860)
Gli anni 40’ del periodo Vittoriano
Spariscono le vecchie sfrivolezze settecentesche de nitivamente
Si introduce una moda più “minimal” rispetto l’epoca precedente.
Veniva spesso usato il bianco, colori pallidi e stampe oreali.
Il punto vita si sposta verso il basso e le maniche diventano ampie.
Scollatura lasciava nuda le spalle e la parte superiore al seno.
Reintroduzione dei corsetti molto rigidi:
venivano inserite stecche di balena per rinforzarli e addirittura una

fascia d’acciaio sul punto schiena.
GONNE
Le gonne assumono una forma molto ampia e particolarmente

voluminosa
Realizzata in tessuti di vario genere:
strati cazione
tessuti molto caldi
situazione poco igienica
Venivano strutturate mediante l’uso della crinolina (come sottogonna):
irrigidita spesso con l'appretto
realizzata con:
ordito di cotone
trama di crine di cavallo
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A volte l’orlo di tali gonne veniva impreziosito da merletti e pizzi.
Verrà sostituito sucessivamente da stecche
LUNGHEZZA
Bambine = corte
Adolescenti = mezzo polpaccio
Ragazze / donne = no ai piedi
COPRICAPI
Con il primo periodo Vittoriano, si introduce il modello detto
“poké bonnet”:
un copricapo molto usato all’epoca
Realizzato in varie tipologie di tessuto:
broccato
velluto
nastri di seta per chiuderlo dietro
introdotto nella Borghesia inizialmente, per poi passare alla nobiltà e

aristocrazia
Gli anni 50’ del periodo
Il volume della parte superiore si riduce nell’abito (concetto della doppia

pelle)
Di erenza tra giorno e sera:
GIORNO: avevano un corpetto solido e strutturato. Chiuso no al collo.
SERA: presentavano una scollatura più profonda, con il seno scoperto

a metà
Il corsetto diventa ancora più stretto, leggermente più rialzato
GONNA
Le gonne diventano talmente pesanti da diventare insostenibili:
presenza di 8/10 strati di tessuto inamidato
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elementi nalizzati al volume
A causa di questo enorme peso, la crinolina delle sottogonne a partire

dagli anni 50’ viene sostituita da veri e proprie strutture (gabbia) in
acciaio con molle e stecche ad e etto a campana
La crinolina diviene impiegata così diventa simbolo dei ceti più bassi in
questo periodo
LE PROBLEMATICHE PER LA DONNA VITTORIANA :
CORSETTO : sempre più stretto, sempre più strutturato
GONNE : occupava spazio (circa tre uomini), Inclinazione del busto in

avanti
TESSUTO: altamente in ammabili, estremamente pesanti
MOVIMENTO : di coltà nel sedersi e nel salire nelle carrozze, scivolare

per camminare
CHARLES DICKENS
(1812 / 1870)
ROMAN POLANSKI
Si sviluppano le maniche “alla mary”, ovvero delle maniche ampie al

fondo, probabilmente preferite dalla Regina Vittoria
Come tessuti venivano impiegati principalmente tessuti pesanti:
broccati
velluti
sete doppie
COLORI :
Giallo napoli
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Verde
Temi oreali
geometrie
SECONDO PERIODO
(1860 / 1880)
Gli anni 60’ del periodo
De nibile come massima espansione del simbolismo Vittoriano
L’ampiezza delle gonne raggiunge il suo massimo di 7 metri
La tipica forma dell’abito di questo periodo è con il davanti più piatta e

più gon a dietro
La crinolina quindi si espande più dietro rispetto al davanti
Si sviluppa delle vere e proprie code a rimbalzo dietro
Scollature molto profonde e smanicati
NASCE LA HAUTE COUTURE
Primi sviluppi di Haute Couture, in particolare nelle maniche:
Manica a pagoda
Manica a campana
Manica a sbu o
Gli anni 70’ del Periodo Vittoriano
In questo decennio, nasce una struttura della gonna la cosiddetta

“crinolette”:
struttura di sostegno sviluppata sul retro della gura femminile:
realizzato sempre in acciaio e “a cerchi”
molto ridotto rispetto lo stile precedente
Non unita alla parte superiore dell’abito
La vita si alza e diventa sempre più stretta
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La scollatura è ben profonda
La Regina Vittoria invece continua ad avere la crinolina in quanto

vedovanza in ricordo del marito Albert.
COPRICAPI
Si sviluppano piccoli cappelli e acconciature aventi ricci boccoli
Il poké bonnet diventa talmente ampio da non mostrare il volto della

donna lateralmente
Si utilizzavano i cosiddetti “scalpette” e “ frizzette” al ne di volumizzare

ancora di più i capelli.
OSCAR WILDE
(1854 / 1900)
TERZO PERIODO
(1880 / 1900)
In questo decennio, la crinolette, si accorcia drasticamente diventando

una nuova struttura detta “tournure”
Successivamente il turnere verrà sostituito dal “bustier”, un bustino con

una parte sviluppato dietro
Le giacche restano aderenti e molto lunghe, che accompagnano la

gonna.
La Regina Vittoria, no alla ne dei suoi giorni, resterà una gura di stile
e di eleganza
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SCARPE
In questo periodo le scarpe sono visibili in determinati contesti (abito da

caccia, sport etc…) così si evolvono in varie forme in questo periodo:
a usolate e a punta
tacco a rocchetto o detto “alla luigi”
si sviluppa lo stivaletto “alla Balmoral”
La donna diventa sempre più emancipata
Le gonne diventano più pratiche e le strutture diventano sempre meno

voluminosi:
la turner si trasforma in una semplice imbottitura detta “cul de Paris”
Si sviluppa la linea ad “S”, che si svilupperà poi nella Belle Epoque
Colli alti negli abiti
Maggiore semplicità dei tagli
COPRICAPI
I cappelli diventano più vezzosi, ornati da di erenti decorazioni:
piume (struzzo)
colori ricercati
uccelli impagliati con molle che, una volta azionate facevano aprire le ali
per farli realistici
Per preparare i volatili, venivano impiegati prodotti chimici all’arsenico,

molto nocivi alla salute delle donne
ROBERT L. STEVENSON
(1854 / 1894)
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LEWIS CARROLL
(1832 / 1898)
11) Bella Epoque (Moda Francese)
1871 - 1914
2022
XIX / XX sec.
1914
1871
Introduzione alla Belle Époque
Il termine Belle Époque indica un periodo di estrema positività e di

oritura culturale.
Il mondo della moda si evolve e diventa uno dei campi maggiori in

termine di produzione:
Abiti
Cappelli
Accessori di bellezza
Scarpe
Nascono i maggiori centri di produzione al mondo:
Parigi (Alta Moda)
Londra (moda maschile)
Vienna
Venezia (tessuti)
Bologna
-L’Atelier del sarto famoso all’epoca diventa non solo un luogo di

produzione ma un vero e proprio “salotto culturale”, dove emergono
ogni giorno i pettegolezzi mondani.
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-Venivano presentati gli ultimi sfoggi di moda, dalla biancheria intima
all’abito importante da sera o cerimonia.
Tipologie di abiti
Nel mondo della Belle Époque, il numero di tipologia di abiti supera un

numero enorme, infatti sovente le donne cambiavano di abiti più volte al
giorno.
Le principali tipologie di abito:
da giorno (Linea S)
da pomeriggio
da sera
da svago
da teatro
da concerto
sport
gite fuori città
da ballo
da cerimonia
Il galateo in questo periodo è fondamentale in quest’epoca
Ogni singola azione poteva essere criticata o trasformarsi in occasione

di critica o pettegolezzo negativo
L’importanza dei tessuti negli abiti diventa uno dei maggiori interessi
nella moda (si sviluppa l’editoria di moda, dove centinaia di modelli e
gurini mostravano esempi di vestiario sia per la moda femminile ma
anche femminile)
L’EMANCIPAZIONE FEMMINILE
Si sviluppa il concetto di liberazione del corpo della donna: il busto

stretto comincia piano piano a rendersi meno aderente e più salutare
rispetto gli anni precedenti
Donna Eroina del periodo
Nasce il concetto della donna Eroina o “femme fatale”:
pura bellezza
consapevole del suo potere erotico/seduttivo
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Esempio tipico di questo tipo di donna è il ritratto di Giuditta di Klimt o
le eroine di Gabriele D’Annunzio.
Questo tipo di eroina viene ritratta seminuda citando i grandi eroi

dell’epoca greca classica
Lo sviluppo Art Nouveau
In questo periodo nasce l’Art Nouveau, un’arte estremamente ra nata

dove la decorazione è fondamentale
Questo tipo di arte lo si trova pure nella moda:
Mariano Fortuny:
abito delphos
emerge il corpo della donna
ricerca di tessuti e stampe artigianali
Adolfo Hohenstein
MARIANO FORTUNY
(1871 / 1949)
Il teatro e svaghi: Lautrec
Il concetto di divertimento e luoghi di spettacoli era all’ordine del giorno

nel mondo della Belle Epoque.
In questo periodo si sviluppano le prime forme di fotogra e e la

sperimentazioni di opere cinematogra che
NADAR
STIEGLITZ
Si sviluppa molto anche il concetto di pubblicità con nuove tecniche di

rappresentazione :
Toulouse Lautrec, protagonista dell’estetica femminile tipica della "Belle

Epoque".
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Toulouse Lautrec
(1812 / 1870)
NADAR
(1820 / 1910 )
Uno dei maggiori protagonisti è Nadar, conosciuto per aver uno studio
importante a Parigi. Aveva un intero edi cio molto importante e
contemporaneo, d’avanguardia in ferro e vetro. Sulla facciata era
presente la scritta NADAR.
Lo ricordiamo non solo per essere fotografo ma un vero e proprio

impresario della fotogra a, che ha aiutato ad emergere altri fotogra .
All’epoca Nadar accoglie una galleria d’arte dedicato agli
impressionisti.
-ALFRED STIEGLITZ e la sua CAMERA WORK
(1874 / 1946)
Giovanni Boldini
Giovanni Boldini è uno dei pittori che sviluppa in questo periodo

l’immagine femminile con il concetto di “donna ore”:
abiti molto voluminosi
lo sfondo si mischia con lo sfondo
collo molto sottile e lungo
eleganza innata
Francia (Parigi)
Austria (Vienna)
Germania (Weimar)
Italia (Milano - Bologna - Venezia)
Russia
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Parigi
Parigi raggiunge il suo massimo splendore durante la Belle Epoque:
massimo centro culturale europeo sia per il mondo creativo, di moda e

sperimentale
Si sviluppano nuove tipologie di tessuti e accessori di moda
Una gura di spicco dell’epoca è sicuramente Paul Poiret:
abiti /stole
ricerca di tessuti
collaborazioni con grandi artisti
Altro grande stilista è Edouard Bénédictus che introdusse la branne

( una nuova bra arti ciale che deriva dalla viscosa):
motivi oreali e geometrici.
PAUL POIRET
(1879 / 1944)
Vienna
In questo periodo orisce un momento di estremo sviluppo culturale:
massimo rappresentante è Klimt,
con lo stilista Emilie Flöge, realizza abiti di grande eleganza e fantasia
A Vienna nasce la Wiener Werkstatte, un Istituto d’arte molto innovativa

molto innovativa
sperimentazioni di abiti d’avanguardia
GUSTAV KLIMT
(1862 / 1918)
EMILIE FLOGE
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Germania
Weimar
Nella Repubblica di Weimar nasce un movimento artistico

estremamente particolare dal quale nascerà la scuola Bauhaus
Istituto superiore d’arte design, basato sulla progettazione
condotto dall'architetto Gropius
introdusse ai corsi anche un atelier di moda.
Italia
In Italia, molti artigiani e creatori di moda si sviluppano in questo

periodo ma i più importanti centri di produzione artistica sono:
Venezia:
- Mariano Fortuny
Milano:
- Rosa Genoni , che apre un suo Atelier dedicato ad ispirazione
rinascimentale e medievale per le sue creazioni
Bologna
nasce nel 1898 la Aemilia Ars, fondata dall'architetto Alfonso Rubbiani:
riprende l’arte di William Morris
Dal 1901 si specializza nella produzione di merletti prendendo spunto

dalla moda cinquecentesca e seicentesca.
Russia
Diagilev
Il personaggio di spicco russo è certamente Diagilev:
Nel 1909 debutta lo spettacolo parigino dei Balletti Russi dove sviluppa
una nuova moda basata su colori vivaci, costumi arabeggianti, dando
vita quindi ad un lone orientaleggiante,
Molte collaborazioni:
Paul Poiret
Coco Chanel
Picasso
1914

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12) LA GRANDE GUERRA E GLI ANNI 20’
1914 - 1918
2022
XX sec.
1929
1914
LA GRANDE GUERRA
1914 - 1918
La ne della Belle Epoque
Con l’inizio della I Guerra Mondiale, si conclude de nitivamente il

periodo Belle époque.
Tutti quegli sfarzi e numerosi dettagli estetici cari al precedente periodo,

si riducono drasticamente e perdono di signi cato sociale.
La vita quotidiana di tutti i paesi coinvolti in quel terribile con itto venne
sconvolta, e con essa cambiarono improvvisamente e radicalmente
anche la moda e i costumi sociali.
I drastici cambiamenti della moda in Guerra
Durante la Grande Guerra il lusso e la vecchia eleganza dell’alta società

divenne una situazione da evitare.
Si sviluppa uno stile più sobrio con colori più scuri e meno sgargianti.
A causa dell’estrema scarsità di materiali e necessità di risparmio in

termini economici, i capi vengono creati con tessuti estremamente
pesanti e molto resistenti, sempre caratterizzati da colori scuri e molto
severi.
Nascono varie uniformi a base della nazione, con a volte, ancora

qualche citazione degli anni gloriosi precedenti, quali piume e
ornamenti d’oro per le cariche più alte.
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Il nuovo ruolo della donna
Grande protagonista della Grande Guerra che si impone drasticamente

è la donna.
Mentre gli uomini dovevano combattere sul fronte, le donne si

inseriscono In tutti i settori: i produttivi ad esempio.
A causa dell’enorme lavoro che la donna doveva eseguire in quegli

anni, tutti quegli elementi di mondanità cessano e dame dell’alta
borghesia di dedica ad atti di volontariato o altre fondazioni di natura
umanitaria.
RIASSUNTO
L’attività lavorativa, trasforma l’abito in una estremamente semplice e

pratico (in molti contesti estremamente di natura essenziale e spartana).
PRINCIPALI CARATTERISTICHE:
I tacchi si abbassarono
Le gonne si accorciano al polpaccio, al ne di avere un movimento più

agevolato.
Vengono eliminati tagli e silhouette troppo aderenti nelle giacche e nelle

bluse.
Decorazioni, ornamenti estetiche vengono eliminati e sostituiti da

dettagli più funzionali (tasche).
I tessuti diventano meno decorati.
“Tutto ciò determinerà lo stile e le innumerevoli innovazioni che i Grandi

della moda proporranno per tutto il XX sec.”
LA NUOVA ERA DELLA MODA
Gli anni 20’
JEANNE LANVIN
(1867 - 1946)
STORICO CASA DI MODA:
Jeanne Lanvin (1885 - 1946)
Marie-Blanche de Polignac (1946 - 1958)
Yves Lanvin con Francois Crahay (1958 - 1984)
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Claude Montana (1990 - 1992)
Alber Elbaz (2001 - 2015)
Bouchra Jarrar (2015 - 2016)
Olivier Lapidus (2016 - …)
Gli esordi di Lanvin
Nasce nel 1867 in una famigli di undici gli, nata nel 1867.
Jeanne Lanvin iniziò un apprendistato all'età di sedici anni con Madame

Félix, una modista parigina.
Apre il suo primo Atelier nel 1885 e nel 1893 si trasferisce al suo
indirizzo de nitivo, 22 rue du Faubourg-Saint-Honoré.
Si sposa con un conte italiano da cui divorzia successivamente ma

mantiene il cognome da nubile per la sua compagnia.
La sua unica glia, Marguerite, nasce nel 1897. Diviene per lei una
musa ispiratrice, una fonte inesauribile di ispirazione e la fonte di una
vera e propria storia di successo.
Jeanne Lanvin sarà la prima a creare una linea di moda per bambini.
Sarà anche la prima sarta a vestire uomini, mentre profumi e
decorazioni verranno a consolidare l'impero che ha forgiato.
La vita di Jeanne Lanvin si concluse serenamente al suo ottantesimo

anno, nel 1946.
Jeanne Lanvin rimane famosa per i suoi "abiti di stile", ossia gli abiti per
le ragazze modeste che stavano per partecipare al loro primo ballo.
Rievocano i fasti del '600:
-scollo a barchetta
-smanicati
-busto lungo che ricorda le proporzioni del corpo a stecca di balena,

vita bassa,
- anchi allargati da un'arricciatura e gonna che svolazza no al fondo..
materiali molto diversi (dai velluti più sontuosi ai tulle vaporosi, dai lamé
scintillanti ai pizzi impalpabili) e in colori che oscillavano tra falsi neri e
vere sfumature acide.
-Per ottenere i suoi colori esclusivi, Jeanne Lanvin aprì nel 1923 una
tintoria a Nanterre, convertita pochi anni dopo alla produzione di
profumi.
Lo stile Lanvin…
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Per tutti gli anni '20, Lanvin era all'apice della sua fama.
Caratteristica fondamentale nello stile di Lanvin è la trasparenza;
Inizialmente i colori maggiormente usati da Lanvin
blu
verde assenzio
giallo
rossi intensi
Innamorata della cultura, Jeanne Lanvin si è circondata molto presto di

artisti e giovani talenti: con Armand Albert Rateau de nisce i colori che
diventeranno emblematici della casa: il bianco, il nero e un certo blu
che deriva dal blues a base di lapislazzuli utilizzato dal Beato Angelico.
L’Uomo Lanvin…
Nel 1901 aveva progettato il costume da accademico di Edmond

Rostand. Seguiranno poi altri grandi nomi dello spettacolo Paul Valéry,
François Mauriac, Georges Duhamel, Paul Claudel... in tutto, una
sessantina di costumi ricamati con alloro e oro.
Nel 1926 apre un reparto uomo, dedicato alla confezione su misura di

abiti e camicie. Come ha fatto per le donne, raddoppierà questo reparto
con una boutique che o rirà ai clienti maschi cravatte, pochette e
pigiami disegnati dal nipote, Maurice Lanvin.
Non si trattava ancora di prêt-à-porter maschile (è stato creato nel

1972), ma questo interesse per l'uomo era singolare nel panorama
dell'alta moda francese tra le due guerre.
JEAN PATOU
(1887 - 1936)
Jeanne Patou (1910 - 1936)
Stilisti minor e Christian Delacroixi no al 1987 no a cessata attività
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Jean, l’innovatore…
È uno degli inventori dell'abbigliamento sportivo
Rivale di Chanel negli anni '20, Jean Patou contribuisce a stabilire il

mito dello stile “alla garconne” (prendere accessori e dettagli nel
guardaroba maschile e inserirlo nella donna) e lancia la moda sportiva
ed elegante.
Muore prematuramente a 49 anni, ma la sua Maison, come il suo

famoso profumo Joy, gli è sopravvissuta.
Lo sport e l’eleganza…
Le migliori ambasciatrici di Patou sono Phyllis, viscontessa di Janzé dal

look androgino, e Suzanne Lenglen, la campionessa di tennis che veste
in minigonna sui campi, e che gli consiglia sull'abbigliamento sportivo.
Phillys e Lenglen indossano altrettanto abiti da sera: abiti corti -

cortissimi perché nel 1925 si fermano al ginocchio - uidi, mossi, fatti
per ballare.
Lo stile di Patou…
La sua casa di moda è sempre piena di clienti VIP e per far aspettare i
suoi clienti, o re loro dello champagne.
Introduce il concetto di monogramma (nel suo caso JP inscritto in un

diamante)
Sviluppa il concetto di intercambiabilità nei capi sportswear, (possono

essere abbinati tra loro)
MADELEINE VIONNET
(1876 - 1975)
Madeleine Vionnet (1912 - 1952)
Arnoud e Lummen (2006 - 2008)
Famiglia Marzotto (2009 - 2011)
Goga Ashkenazi (2012 - …)
La Maestra dei Maestri…
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Se il nome di Madeleine Vionnet è oggi sconosciuto al grande pubblico
e per alcuni Maestri come Balenciaga, Dior, Audibet, Alaia, Miyake o
Yamamoto, la consideravano un vero Genio della couture.
Il successo delle sue creazioni fu tale che, alla vigilia della sua chiusura
nel 1939, la sua Casa contava più di 1.000 dipendenti.
N nel 1876. Diventa apprendista e poi operaia nel cucito, ma a 18 anni

collabora con Kate Reilv, una rinomata casa di moda.
Cinque anni dopo, grazie al supporto di Paul Poiret. Vionnet entra da

Doucet.
Riesce a s lare le sue modelle senza corsetto ea piedi nudi: una

rivoluzione importante almeno quanto quella compiuta Isadora Duncan
che danzavano senza impedimenti, semplicemente vestite di veli.
Nel 1912 Vionnet si mette in proprio.
Quando scoppiò la guerra però, fu costretta a chiudere

temporaneamente la sua Casa.
Al termine del con itto riprese la sua attività e trasse più che mai
ispirazione dalle fonti dell'Antichità (I suoi modelli sembrano avere il
solo scopo di esaltare la bellezza del corpo).
Molti pezzi sono ispirati al peplo (la tunica femminile dell'antica Grecia),
i modelli sono tagliati su basi geometriche che faranno guadagnare a
Vionnet il soprannome di “Euclide della moda”.
Incredibilmente leggeri, questi abiti in crêpe di seta, semplicemente

adagiati sulle spalle, uttuano sul corpo.
Il genio dello sbieco
Nel 1926, Madeleine Vionnet allungò gli abiti e lanciò il taglio in sbieco
(per lo sbieco è necessario prendere il tessuto in diagonale, il che
richiede, per elaborare abiti interi, tessuti di larghezze maggiori che
Vionnet otterrà dai suoi fornitori.
Se gli abiti degli anni '20 erano infantilmente semplici (due rettangoli di
grana dritta assemblati sulle spalle e sui lati), la moda successivo
ripristinerà l'immagine dei professionisti e porterà la couture al suo
apice.
Le bambole di Vionnet…
Vionnet lavora su un piccolo manichino di legno alto 60 cm sul quale

drappeggia i suoi abiti.
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Collabora con la ricamatrice Lesage a sviluppare nuove tecniche, come
quella dei "vermicelli squadrati", che permette il ricamo in sbieco che
deforma.
Una volta indossati, gli abiti di Vionnet sembrano esemplari nella

semplicità, ma sono talmente complessi da indossare da richiedere la
presenza di una cameriera. Con un peso di pochi grammi, si in lano
sopra la testa. Niente bottoni, niente ganci, guriamoci cerniere, si
attaccano al corpo come la pelle di un'anguilla grazie alla pura magia
del cucito. Le cuciture sono sempre nascoste e a volte occorrono
centinaia di ore di assemblaggio per realizzare a mano questi bozzetti,
che sembrano usciti direttamente da antichi bassorilievi.
La moda come avanguardia…
L'incessante ricerca di Vionnet le ha permesso di raggiungere una

perfezione tecnica senza eguali, visibile su ogni suo modello. Alla
ricerca di un assoluto, ispirato all'armonia delle proporzioni antiche,
Vionnet era poco permeabile alle uttuazioni delle mode del suo tempo.
Agendo da solo, producendo veri e propri capolavori ad ogni
collezione, le sue creazioni hanno un carattere senza tempo.
Creatore eccezionale, Vionnet è stato anche un imprenditore illuminato.

Ha sviluppato la sua professione, ha cercato di difendersi dalla copia ed
è stata una pioniera in materia di politica sociale: i suoi dipendenti
hanno bene ciato prima degli altri di locali ben illuminati, sedie al posto
degli sgabelli, un'infermeria e un dentista, una mensa gratuita e persino
ferie pagate.
GABRIELLE “COCO” CHANEL

(1883 - 1971)
Gabrielle Chanel (1909 - 1971)
Yvonne Dudel, Jean Cazaubon e Philippe Guibourgé (1971 - 1978)
Philippe Guibourgé Prêt à Porter (1978 - 1984)
Karl Lagerfeld (1984 - 2019)
Virginie Viard (2019 - …)
Un simbolo di libertà ed eleganza…
Una self-made woman che ha iniziato creando cappelli dalla semplicità

rivoluzionaria.
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Coco Chanel è diventata l'incarnazione stessa dell'emancipazione
femminile. Il suo nome è oggi più che mai sinonimo di lusso ed
eleganza.
Gabrielle Chanel, che è stata subito soprannominata “Coco” e

conosciuta anche come “Mademoiselle”, ha segnato tutto il XX secolo.
Attraverso la vita libera che conduceva, attraverso la sua indipendenza

e il suo successo, frutto di duro lavoro, si è posta in prima linea, come
modello per tutte le donne.
Ha inventato e sperimentato una forma di eleganza totale dove abiti,

accessori, gioielli, profumi e make-up cercano di mettere in risalto la
personalità delle donne, qualunque esse siano.
La grande regola di Chanel: libertà alle donne…
“ L'unico vulcano dell'Alvernia che non si è mai spento. Carnagione

spenta, occhi neri, bocca sempre rossa, pulita e limpida, vivace e
perennemente vigile, Chanel non tollera negligenze. Esigente con se
stessa, era esigente anche con gli altri” cit. Paul Morand
La sua vita sentimentale fu tumultuosa: ebbe un grande amore, Boy

Capel, morto prematuramente in un incidente d'auto nel 1919, e,
successivamente, molti amanti scelti a mano - il Granduca Dmitri
Pavlovich Romanov, il Duca di Westminster, il poeta Pierre Reverdy,
tuttavia,, sebbene sempre circondata da artisti e personalità di spicco,
è rimasta solitaria,
La sua vita personale, che si fonde con il suo lavoro, è eccezionalmente

lunga e ricca.
Muore nel 1971, all'età di 87 anni, di domenica – l'unico giorno in cui

non si lavora.
Comincia a farsi conoscere nell’alta società con i suoi primi amanti

Étienne Balsan e Boy Capel.
Indossa le proprie creazioni già dai primi esordi, prendendo a prestito

dai guardaroba maschili,
Nel 1913, durante la prima guerra mondiale, si trasferisce a Deauville

dove si era rifugiata la clientela ra nata e vi apre la sua prima boutique,
già a sua immagine e il suo nome, CHANEL, scritto a grandi lettere nere
su fondo bianco.
La sua idea allora è quella di creare tute in jersey, semplici nell'aspetto,

essibili e comode, che vengano subito adottate dalla stampa oltre che
dalle donne di spicco.
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Le ispirazioni e le Muse di Coco…
Durante gli anni '20, il nome Chanel era già famoso in tutto il mondo.
Ciò che la di erenzia da case come Patou, Lanvin, Vionnet, Molyneux è
che la sarta è lei stessa una donna alla moda, una donna di cui si parla.
Chanel è circondata da artisti, corteggiata dai grandi di questo mondo.

Era soprattutto una donna con una testa, una stilista che non ha mai
smesso di innovare: nel 1921 lancia il suo primo profumo, N°5, poi una
linea di make up e una linea di prodotti di bellezza. E, nel 1926, stanca
delle eccentricità troppo appariscenti della moda, propone un semplice
tubino nero che presto si troverà in ogni guardaroba.
Una Maison che non conosce crisi (anni 30’)
Nonostante le ripercussioni della crisi del 1929 la Maison CHANEL

orisce negli anni '30: conta quasi 4.000 dipendenti.
I modelli sono prodigiosamente so sticati, soprattutto quando sono

realizzati in pizzo, materiale a cui Coco Chanel è particolarmente
a ezionata.
Il lusso degli anni '30 è in nitamente meno ostentato rispetto al

decennio precedente. Anticipando questo ritorno a un ordine più
tradizionale.
GIOIELLI
Chanel lanciò, nel 1932, una collezione di gioielli intitolata “Bijoux de

Dia-mants”. Ispirati alle stelle, questi ra nati gioielli, estremamente
sobri e preziosi, hanno un carattere senza tempo: le creazioni
contemporanee che ancora si ispirano a loro riscuotono altrettanto
successo.
Uno stile unico e rivoluzionario…
Quando fu annunciata la guerra nel 1939, Chanel chiuse la sua casa di

moda e la riaprì solo nel 1954.
Quando ritorna, haute couture, culmina in una gloria appena restaurata,

risplende luminosa. Mio nessuno lo aspetta.
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Riuscì però a imporsi nuovamente proponendo una concezione della
moda molto moderna, in antitesi all'onnipotente New Look di Christian
Dior.
Dalla sua seconda collezione, i suoi abiti raggiunsero l'invidiabile rango

di “classici”.
L’estetica di Chanel…
Mademoiselle Chanel diceva che bisognava essere il più belli possibile,

perché si poteva incontrare il proprio destino in qualsiasi momento.
Prima della prima guerra mondiale, una donna decente non doveva
truccarsi. Nel dopoguerra, con l'introduzione della luce elettrica nei
luoghi pubblici e la di usione della moda colorata, le donne sentirono il
bisogno di truccarsi per sentirsi più belle
I manifesti cinematogra ci hanno poi tappezzato le città di volti dipinti,

carnagione bianca, occhi cerchiati di nero, piccole bocche a forma di
cuore. come tante modelle da seguire...
Il makeup improvvisamente non aveva più una cattiva reputazione.

Tutte le donne avevano il diritto di essere belle indipendentemente dalla
loro età e condizione sociale. Per questo, nel 1924, Coco Chanel lanciò
una linea di make up, che nel 1927 abbinò ai prodotti per la cura della
pelle, e decise di vendere tutte le sue produzioni cosmetiche nelle sue
boutique.
Anne Fontaine / Lagerfeld / Coco
ROMAIN DE TIRTOFF
“Erté”
(1892 - 1990)
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13) GlI anni 30’ e gli anni 40’
1929 - 1947
0 2022
XX sec. 20esimo secolo
1947
1929
Gli anni 30’ e la crisi del 29’
● Gli anni ’30 del secolo scorso è stato un decennio ricco di glamour
ed eleganza.
● La linea maschile che si era incentrata negli anni 20’ fu sostituita da

linee più armoniose e femminili.
● Si sviluppa la moda intelligente: una moda estremamente ricercata

ma allo stesso molto pratica e vestibile.
● Uno degli abiti più sviluppati è il cosiddetto Hooverette, un abito da

casa con chiusura a vestaglia il quale le stesse donne lo realizzavano
mediante dei cartamodelli acquistabili nei magazine di moda.
● GIORNO:
○ materiali comodi, (cotone o il rayon). Realizzato in cotone
soprattutto è l’abito da casa, che
le donne preferiscono cucire da
sole, seguendo un cartamodello,
magari preso su un catalogo.
● SERA o FORMALI:
○ tessuti più ra nati: (seta o crepe). ○ colori sobri (nero, viola, viola,
bianco)
○ decorati con pizzi e ricami, bottoni gioiello, ruches e ori di sto a.
Riassunto
PRINCIPALI CARATTERISTICHE:
Vita segnata da una cintura
maniche a sbu o, grandi colletti e spalline rinforzate
Si sviluppano out t per sports e beach locations
Nasce il culto di HOLLYWOOD: culto delle dive
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Si sviluppano gli accessori che accompagnano gli abiti (pochettes,
gioielli, portasigarette)
GLI STILISTI Gli anni 30’
ELSA SCHIAPARELLI (1890 - 1973)
STORICO CASA DI MODA: Elsa Schiaparelli (1890 - 1973)
Diego della Valle (2010)
Christian Lacroix (2011)
Marco Zanini (2013) Bertrand Guyon (2015)
Daniel Roseberry (2019)
Gli esordi di Schiaparelli
● Elsa Schiaparelli (1890-1973) è cresciuta a Roma, in un ambiente

privilegiato,
lontanissima dalla couture e dai suoi piccoli mestieri. Inizialmente la

moda non è la sua passione.
● La scoperta della moda nasce nel 1922, quando conosce Paul

Poiret, che la adornò con i suoi abiti e la invitò alle famose feste dei
ruggenti anni 20’. Il suo spirito estroso, il suo gusto per la provocazione
e i suoi abiti stravaganti l'hanno resa una donna di spicco, al pari di
Coco Chanel, sua grande rivale.
● Nel 1927 aprì un negozio Pour le Sport in 4, rue de la Paix. Il suo

successo gli permise di pensare ancora più in grande e di aprire, nel
1935, una vera e propria casa di moda al 21 di Place Vendôme.
“La moda, come l'arte, sia prima di tutto una “cosa mentale”. Si tratta
infatti di essere ricettivi agli ambienti creativi, di utare lo spirito dei
tempi, di anticipare i desideri per meglio de nire le tendenze. È quindi,
soprattutto, uno stato d'animo, un'ambizione che, alla ne, prende la
forma di un abito corredato di accessori”
Elsa Schiaparelli
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● Schiaparelli è stata una vera e propria ricercatrice di talenti, infatti fu
lei a introdurre nella moda Givenchy, Pierre Cardin o Philippe Venet, i
quali sono stati anche suoi modellisti e hanno dato corpo ai suoi sogni.
● La sua Maison era costantemente controllata creativamente solo ed

esclusivamente da lei stessa:
○ Ogni singolo dettaglio di un suo capo, ha la sua speci ca ispirazione

e concept.
○ Schiaparelli è stata la prima a disegnare le sue collezioni intorno a
un tema: x
■ Collezione Neoclassica (1936)
■ Farfalle (1937)
■ Collezione Pagan and
Cosmic (1938)
■ Commedia dell'arte (1939)
■ Musica (1939)
Un abito è fatto per essere indossato
● Concepisce il costume come un elemento di struttura, di armatura

nel corpo, delinea la linea della donna e l’abito deve avere una nalità
ad essere indossato, seppur avendo spesso tematiche molto
stravaganti e particolari per l’epoca.
● I maglioni che l'hanno lanciata non fanno eccezione a questa regola:

se andavano di moda, era proprio perché in mezzo alla follia della vita
bassa, enfatizzavano le forme naturali del corpo.
● Comincia ad introdurre elementi innovativi per l’epoca:
○ Giacche senza collo
○ E etti incrociati che non lo sono nel cartamodello
○ Imbottire molto le spalle
○ Accentuare il punto vita per dare un e etto "soldato di legno”
Le parole chiave: Osare, surrealismo, follia
● La sua creatività, più che nel taglio che rimane relativamente

tradizionale, risiede:
○ nella scelta dei tessuti (tweed, plastica, cellophane)
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○ nell'accostamento dei colori
○ nel modo di presentare e nominare i propri capi e collezioni.
● Schiaparelli viene nominata la “Regina del divertimento” ed è una

delle prime
stiliste che ricicla idee dei periodi passati.
● In tutto, Schiaparelli spacca le idee ricevute e osa tutto. Fu la prima,

nel 1940, a far produrre su licenza le sue calze: nacque l'accessorio
moda economico, ma gri ato da un grande nome del tempo.
La clientela della Schiaparelli
● La clientela internazionale è alla ricerca di queste esuberanze: Greta

Garbo, Gloria Guiness, Millicent Rogers, la duchessa di Windsor e
molte altre eleganti donne francesi possono così, nei loro circoli
ristretti, stupirsi a vicenda, scioccare e giocare alla superiorità.
● I suoi stretti legami con gli artisti surrealisti dell'epoca, come

Salvador Dalì o Jean Cocteau, saranno una fonte inesauribile di
ispirazione e daranno vita a pro cue collaborazioni.
Altre follie di Elsa…
Schiaparelli utilizza zip eminentemente funzionali per scopi utilitaristici,

ma soprattutto decorativi. Si cinge la vita con una cintura di vetro,
immagina orecchini a forma di orecchie e manici così lunghi per le
borse che crea poco prima della guerra, che la moda della borsa a
tracolla se ne va, troverà lanciata...
● Lei battezza:
○ i suoi profumi Zut! o Crazy success, ○ i suoi tessuti (tulle “cosmic”)
○ rinomina i colori, “stratosphere
purple” o “astral grey blue” mentre
“Shocking pink”, con la S maiuscola,
diventa il suo marchio di fabbrica.
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NINA RICCI (1883 - 1970)
Gli esordi
● Inizia la sua carriera nel 1932, l'avventura continua oggi con lo stesso
spirito.
● Marie Nielli dimostra da sempre di essere sarta eccellente, e

successivamente prende il cognome da suo marito, Luigi Ricci, glio
di un gioielliere italiano.
● La giovane prosegue la sua carriera in un'ottima casa parigina, la

Maison Ra n, dove rimase per vent'anni e ne divenne socia.
● La sua clientela borghese ri uta le eccentricità dei ruggenti anni

Venti.
● Quando il signor Ra n morì nel 1929, questa brillante sarta aveva 46

anni, pensa di ritirarsi al termine di una carriera condotta senza intoppi
ma il destino decide diversamente.
● Ammirando il talento della madre, suo glio Robert Ricci divenuto

adulto la spinge a continuare il suo lavoro, anche con l'intenzione di
darle un riconoscimento internazionale.
● Pur continuando la sua carriera nella pubblicità. comincerà con

l'a ttare i primi due piani di un edi cio, (al numero 20 di rue des
Capucines).
● Nel 1932, una casa intitolata alla madre, Nina Ricci.
La Maison
● Nina Ricci riesce a non sentire la crisi economica dell’epoca grazie al

suo straordinario talento.
● Non disegna mai, ma crea i suoi modelli direttamente su manichino

(moulage).
● La Casa così emerge nel mondo internazionale e presto diventa

un’Azienda con più di 500 dipendenti.
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● Se non è la più grande Azienda parigina, è quella che vestirà il
maggior numero di clienti.
Il profumo e il futuro della Maison…
● Ovviamente, Robert Ricci è un ottimo uomo d'a ari. Dal 1937, no

alla sua morte nel 1988, si dedicherà alla direzione della Casa, pur
mostrando un vivo interesse per le arti.
● A ermerà un vero talento in un campo parallelo a quello della madre:

il profumo. Nel 1945, Corte di Nasce Joie, presto seguita da Air du
Temps nel 1948, e sarà un successo planetario e permetterà
all'etichetta di a ermarsi nel mondo.
● La Maison si è trasferita in rue Montaigne nel 1979, ma la sua

loso a, nell'alta moda come nella più ampia distribuzione, non è
cambiata: si tratta di servire le donne piuttosto che usarle.
GLI STILISTI Gli anni 40’
MADAME GRÈS (1903 - 1993)
Esordi
● Nasce nel 1903 con il nome di Germaine Émilie Krebs, a Parigi, da

una famiglia borghese e avendo ricevuto una buona educazione.
Muore nel 1993.
● Diviene una sarta. La sua carriera inizia lavorando nell'Atelier Premet.

Si mette successivamente in proprio nel 1934, con il nome di Alix
Barton, dal nome della casa dove si stabilisce e che assorbe. La
stampa ne parla velocemente ed esporta molto negli Stati Uniti.
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● Sposa un artista, Serge Czerefkov, il cui nome forma l'anagramma
del suo
pseudonimo, Grès.
● Durante l’occupazione dei Tedeschi in Francia viene più volte chiusa,

perché non volle sottostare ai Nazisti. Dopo la guerra, la sua casa
prosperò.
Lo stile Grès…
● Discreta e testarda, Madame Grès diviene una delle più importanti

stiliste del XX secolo.
● Il drappeggio diviene il suo simbolo per eccellenza
● Viene presto considerata alla pari di Chanel o Vionnet. come Nina

Ricci, non fa schizzi, lavora su manichino, e per la realizzazione dei
suoi capi ci impiega moltissimo tempo a causa del suo immancabile
perfezionismo.
● Esegue molte sperimentazioni nella couture: ○ usa una maglia opaco,
○ un jersey di seta uido e pesante ○ trasforma i suoi capi in vere e

proprie forme di scultura nel corpi femminile.
I drappeggi…
● Madame Grès mantiene sempre le proporzioni del corpo femminile,

tuttavia, in cinquant'anni di carriera, evolve impercettibilmente i suoi
modelli in modo che siano parte del movimento estetico dell'epoca
● Durante la guerra, Madame Grès si ri uta di allargare arti cialmente

le spalle, però mantiene però la vita sottile e le gonne corte, perché è
anche più pratico.
● Durante il periodo di massimo splendore del New Look (1946),

ovvero per tutti gli anni Cinquanta, la silhouette di Grès segnava bene il
seno senza però ricorrere
sistematicamente a corsetti e stecche, un arti cio che utilizzava

comunque per alcuni dei suoi abiti da sera. Riuscirà a dare risalto ai
anchi senza sottoveste o crinolina, ma semplicemente con la
disposizione del tessuto.
● I suoi modelli degli anni '60 danno ampio spazio allo sportswear; i
volumi acquistano scala, si strutturano volentieri su basi geometriche.
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A partire dagli anni '70, non smetterà di accorciare le sue modelle e,
nel decennio successivo, Grès rivelerà sempre più pelle, scoprendo il
più possibile il seno
● Si dice che i suoi capi, come quelli di Vionnet o Balenciaga, siano

"senza tempo":
○ Vionnet con tessuti leggerissimi che ha tagliato in sbieco
○ Balenciaga, al contrario, con tessuti rigidi che ha tenuto lontano dal

corpo
○ Grès utilizzando tutti i sensi del tessuto che modellava e disponeva

per creare volumi
più o meno distanti dal corpo, creando così
l'e etto di una svolta senza avere il minimo
rinforzo interno a sostenerla.
● Si ispira a molte tematiche:
○ di natura etnica (poncho, kimono, djellaba, ecc.), lavora anche su

basi geometriche e
si esalta con spettacolari asimmetrie
○ di natura greca per abiti da sera (soprattutto quelli bianchi), lunghi e

drappeggiati o
nemente plissettati, prodigi di equilibrio e
purezza.
● Nel corso della sua carriera, Madame Grès non ha mai smesso di
produrre abiti del genere, di cui è molto di cile distinguere quelli degli
anni '30 da quelli degli anni ’80
CRISTOBAL BALENCIAGA (1895 - 1972)
Esordi
● Fino alla ne degli anni '40, Balenciaga si distingue dagli altri

couturier.
● I suoi abiti da giorno, cappotti, tailleur e cappotti sono tagliati alla

perfezione, i suoi abiti da sera hanno l'enfasi o la delicatezza richieste
per questo tipo di abbigliamento.
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● Tutte le niture sono impeccabili.
● Di ottima fattura, le sue creazioni, cappelli compresi, erano in tutto e

per tutto conformi alle esigenze e alle mode del momento.
● Lo spagnolo si distinguerà grazie in particolare alle sue creazioni

dalle linee pulite e uide che lo posizioneranno poi come il rivale di
Christian Dior, famoso nel 1947 per il suo New Look.
● Pensando in tre dimensioni, formatosi nella più pura tradizione della

sartoria inglese (su misura) e avendo praticato per molti anni per
soddisfare le richieste della clientela spagnola molto conservatrice,
Balenciaga produce, come Dior, abiti e completi strutturati e aderenti.
● Le sue giacche sposano al millimetro le curve del busto, segnano il

punto vita e modellano i anchi. Ma a di erenza di Dior, la maggior
parte del suo abbigliamento da giorno è sobrio e pratico, perché
Balenciaga non sopporta di ingombrare le donne.
● Come Chanel, intendeva le sue creazioni da giorno per una donna

attiva.
● Balenciaga divenne noto negli anni '50 per le sue forme a tunica con
ampie schiene che, appoggiate sulle spalle, uttuavano letteralmente
attorno al corpo e concedevano grande libertà di movimento.
Balenciaga, il primo architetto della moda
● La linea è ra nata e il dettaglio super uo, assente. Tutto in

Balenciaga è grandiosità,
ampiezza e maestosità. La gamma dei colori
fa parte di questa tradizione della pittura
iberica: sobria, cupa, dà largo spazio al nero
e agli accordi di tinte tenui che cadono, come con Murillo, bianco
sporco, rosa intenso,
giallo za erano o uno straordinario porpora
di ispirazione ecclesiastica.
● Lavorare con tessuti che hanno pochissimi equivalenti:
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○ gazar
○ pelle
○ crepe duchesse
● Impone nuove forme di abito:
○ A uovo
○ ad anfora
○ a petalo
I grandi abiti da sera
● Balenciaga per tutta la sua carriera si reinventa con una moltitudine

di stili e perfezioni creative:
○ crea uniformi per equipaggi di aerei (Air Force)
○ cerca nuovi punti di appoggio sul corpo per ottenere equilibri diversi.
■ Aumenta le proporzioni della schiena per inclinare la silhouette
all'indietro.
■ A rontare l'asimmetria e cogliere i sensi dai tessuti di nuovi e etti.
■ Immagina nuove proporzioni
(corto davanti, lungo dietro) che
gli sopravviveranno.
● Come un architetto rigoroso, è alla ricerca della purezza e trasforma

in realtà l'utopica couture unica. I suoi abiti da sera sono così singolari
da essere diventati senza tempo.
Haute Couture o Pret à Porter
● Fino al 1937 Balenciaga lavora in Spagna, ma due volte all'anno

veniva a Parigi dove, come molti acquirenti stranieri, otteneva modelli
da Maisons Worth, Chanel o Vionnet, che riproduceva con il loro
consenso.
● Questi, che realizzava su misura, avevano lo scopo di soddisfare la

sua clientela spagnola. Questo processo di riproduzione di modelli di
haute couture era noto da tempo e tutte le maison parigine lo
praticavano all'epoca.
● Rimane molto ferreo riguardo la sua politica di Haute Couture.
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“L’Alta moda è morta” Cristobal Balenciaga, 1968
I successori
● Dopo aver chiuso la sua Maison nel 1968, muore nel 1972
● I suoi successori furono molti:
● ○ André Courrèges per primo, che minacciava, con la sua modernità,

di oscurare il suo maestro. ○ Emanuel Ungaro, che, come
Courrèges, è stato formato dal virtuoso spagnolo.
○ Hubert de Givenchy.
● Acquisito nel 1986, questo nome mitico a lungo assonnato è, dal

1997, sotto la guida di Nicolas Ghesquière che bene cia di un ricco
patrimonio e di collezioni preziosamente conservate in tutto il mondo.
14) GlI anni 50’ e la Haute Couture 1947 -

1960
XX sec.
0 2022 1947 1960
Introduzione al boom della moda…
● Nel dopoguerra il costume cambia notevolmente, si ha una vera e

propria rivoluzione. Viene de nita “la rinascita del secolo”
● Grazie a vari nuovi spunti ispirazionali quali la musica (Rock ‘n’ Roll),
nuovi tessuti / capi (blue jeans o maglietta bianca) gli anni 50’ si
caratterizzano maggiormente rispetto agli anni precedenti, dove il
senso di positività collettivo e benessere economico accresce.
● Si sviluppa il cosiddetto “look bon ton” (da una pregressa femminilità

costretta a lavorare nelle fabbriche o industrie), la donna si trasforma
in una gura estremamente elegante e ra nata.
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Il decennio anni 50’
1947
1947-1955 : Si basa nel cosiddetto “New Look” di Christian Dior
1955 - 1958 : Le linee cominciano ad assottigliarsi e la gura diviene

più sinuosa, dove il piccolo tailleur si impone nella couture
internazionale.
1958 - 1960 : Ritornano le linee molto gon e e il la gura diviene più

sinuosa, dove il piccolo tailleur si impone nella couture internazionale.
punto anco si sposta verso il basso (le cosiddette linee “a

pannocchia” e “a palloncino”.
Le linee si trasformano in lettere dell’alfabeto linea ad “A” o “H” (Dior)
1960
Film :
Rear Window (1955)
Alfred Hitchcock / Edith Head
Gentleman prefers blondes (1953)
Howard Hawks / William Travilla
GLI STILISTI FRANCESI
“Questo genio leggero, proprio del nostro tempo, il cui nome magico
racchiude quello di dio e quello dell’oro”.
J.Cocteau
CHRISTIAN DIOR (1905 - 1957)
C’era una volta la Maison Dior…
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● Inizialmente fa la vita da vero e proprio bohémien degli anni '20, e nel
1928 e assicurandosi la promozione di artisti come i pittori Raoul Dufy
o Christian Bérard.
● Nel 1938, divenne modellista con Robert Piguet, prima di tornare da

un'altra celebrità dell'epoca, Lucien Lelong, dove lavorò dal 1941 al
1946.
● L'onnipotente industriale tessile dell'epoca, Marcel Boussac, gli

permise poi di emanciparsi grazie al suo
nanziamento, così Christian Dior si trasferì al 30 di avenue Montaigne.
● La Maison viene inaugurata l'8 ottobre 1946.
● Il 12 febbraio 1947, in un salone a ollato, Christian Dior presenta la

sua prima collezione. È in atto una rivoluzione.
Una collezione di successo….
● Ancora superstite del dopoguerra, la società seppur volenterosa di

sviluppare il benessere collettivo c’è ancora nell’aria quella situazione
tetra della guerra.
● In questa atmosfera cupa, Christian Dior è esploso come una

bomba: “Uscivamo da un tempo di guerra, di divise, di soldatesse con
corporature da pugile. Ho disegnato donne- ori, spalle morbide, busti
oriti, vita sottile come tralci e gonne ampie come corolle. Con questa
prima collezione del febbraio 1947, ripristina una concezione
tradizionale della femminilità. Si riconnette con grazia, splendore, bei
materiali, ricami lussuosi. In una parola, restituisce improvvisamente
alle donne la voglia di sognare!
Il new look style 1947
● I 95 modelli della collezione 1947, riassunti in due linee, Eight e

Corolle, scatenano entusiasmo.
● Carmel Snow, la giornalista americana che nel 1937 aveva

segretamente individuato il talento di Dior, riassume in poche parole
questa memorabile
collezione: "Caro Christian, i tuoi abiti hanno un aspetto così nuovo! »
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● Uno sciopero delle Messaggerie parigine non consentirà la di usione
immediata della notizia delle collezioni, ma
l'annuncio di questa rivoluzione si
di onderà a macchia d'olio. E Christian Dior, sconosciuto com'era,

riceverà un Oscar della moda alla ne del 1947.
Abiti per tutte le ore del giorno…
● Christian Dior voleva abiti “costruiti”, come modellati sul corpo

femminile in modo da abbracciarne le curve e sottolineare gli attributi
della femminilità.
● La vita è estremamente stretta,, il petto rialzato di 8 centimetri e i

anchi sono arrotondati e accentuati dai baschi delle giacche. Gli abiti
sono foderati di lino, li fa foderare di percalle o ta età per garantire un
sostegno impeccabile.
● Adorna le sue modelle con accessori ra nati, coordinati con il resto

della toilette e soprattutto.
● Immagina un out t particolare per ogni circostanza della vita sociale.
L’abito da cocktail vs l’abito da sera…
"L'abito da cocktail ideale è un modello senza spalline o molto scollato

con un piccolo bolero. Viene fornito con un cappellino molto
stravagante.” "Non dobbiamo indossare un abito da sera per un

cocktail party, sarebbe una terribile mancanza di gusto", precisa il
couturier. Per la sera, «l'abito da ballo ti fa sognare e deve farti sognare.
Credo che nel guardaroba di una donna sia necessaria tanto quanto un
sarto. E così meraviglioso per il morale...”
Cit. Christian Dior
● Questo vestito deve essere realizzato in chi on, raso, broccato e

cotone per i più piccoli. Si tratta spesso di un corpetto steccato e
aderente, al quale è attaccata una lunga gonna gon ata da numerose
sottogonne di tulle. Il set può essere riccamente ricamato che gioca
con e etti materici.
● Questi abiti da sogno evocano lo splendore delle crinoline. Sono

opulenti, spesso molto pesanti. La loro dimensione e il loro peso
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in uenzano la gestualità e conferiscono un portamento maestoso alla
donna che li indossa.
Il dopo Dior…
- Christian Dior (l’originale) 1946 - 1958
- Yves Saint Laurent (L’innovazione) 1958 - 1960
- Marc Bohan (La tradizione) 1960 - 1989
- Gianfranco Ferré (La struttura) 1989 - 1997
- John Galliano (La creatività) 1997 - 2012
- Raf Simons (L’essenzialità) 2012 - 2016
- Maria Grazia Chiuri
(La nuova era) 2016 -
JACQUES FATH (1912 - 1954)
Esordi…
● Nel 1937 presenta la sua prima collezione Haute Coutue a Parigi.
● E’ un ricercatore di talenti e collabora con stilisti tra cui Hubert de

Givenchy, Guy Laroche e giovani talenti quali Valentino Garavani.
● La Maison chiude nel 1957, tre anni dopo la sua prematura morte.
● E’ ancora considerato uno dei padri fondatori della Haute Couture

Parisienne
Lo studio delle forme e asimmetrie
● Fath è stato un innovatore e creatore puro sotto il pro lo

modellistico:
○ forme geometriche asiemmetriche ○ sroporzioni nei dettagli
○ giochi di vari materiali
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● Ha sempre presentato collezioni di natura estremamente ra nata ed
estremamente femminile:
○ molto l’uso di pattern quali pois e pied de poule
○ occhi
○ contrasti di colori puri / nero /
bianco
HUBERT DE GIVENCHY (1927 - 2018)
Gli esordi…
● Nel 1952, Hubert de Givenchy apre la sua Maison di moda
● Di natura / couture francese si avvicina molto al gusto del bon ton

sviluppato in America e per questo viene molto richiesto anche a
livello internazionale.
● Cresciuto da una famiglia molto agiata (suo padre è un collezionista),

n da piccolo sviluppa la passione per la moda, in particolar modo ai
grandi abiti da sera che sua madre teneva a casa.
● Inizialmente modellista per Balenciaga, sviluppa il suo talento con il

passare degli anni e si distingue dagli altri couturier per eleganza,
fascino e ricchezza.
Hubert e Audrey
● Gli abiti di Givenchy possono catalogarsi come “grandi classici”
● Molto importanti sono i suoi abiti da sera, dalle lunghe code

impreziosite da numerosi ricami.
● Molto importante è inoltre il suo sviluppo nei capi da giorno, dove

taglio e ricerca “maniacale” del tessuto sono i protagonisti.
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● Solitamente usa molto tagli semplici, scolli a barchetta (o alla
americana), punti vita strettissimi e smanicati molto eleganti.
● Una grande amicizia e collaborazione è sta quella con Audrey

Hepburne, che l’ha vestita in molti lm quali “Sabrina”, e “Colazione
da Ti any”.
Haute Couture e Alta Società
● Negli Stati Uniti, Hubert de Givenchy incontra Cristobal Balenciaga.

che ha sempre considerato il suo grande Maestro.
● Nonostante un divario generazionale, i due uomini diventano amici.
● Quando Balenciaga chiuderà la sua casa nel 1968, gli manderà i suoi
clienti oltre a parte del suo sta .
GLI STILISTI ITALIANI
SORELLE FONTANA (1913 - 2015)
Gli anni 30’ e la crisi del 29’
● Diventano famose nel dopoguerra
● I loro capi, grazie anche alle pubblicità di grandi nomi del cinema
quali Audrey Hepburn e LIz Taylor, diventano simbolo per il mondo di
“made in Italy”
● Le loro creazioni prendono spunto da capi sacerdotali, eleganza del

New Look di Dior e giocano molto con il bicolor.
● La sorella rimasta, Micol, lavorerà no alla ne continuando a

produrre capi e mantenere la propria fondazione
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ROBERTO CAPUCCI (1930 - …)
Esordi…
● Nasce nel 1930.
● Nel 1950 apre il suo Atelier e nel 1951 presenta per la le sue prime
creazioni presso la residenza del marchese Giovanni Battista Giorgini a
Firenze, imprenditore e inventore della moda italiana.
● Partecipa nel 1952, alla prima storica s lata di talenti al Pitti di

Firenze.
● Diventa celebre già da giovanissimo e viene de nito dal grande

maestro Christian Dior in un'intervista a Vogue «il miglior creatore della
moda italiana»[1],
● Nel 1958 crea la Linea a scatola, autentica rivoluzione dal punto di

vista tecnico e stilistico. Per questa proposta innovativa riceve a
Boston l'Oscar della Moda - Filene's Young Talent Design Award
Il genio della scultura…
● Ancora oggi le sue creazioni sono condiderate come vedi e proprie

opere d’arte.
● Una delle sue più celebri clienti è stata Rita Levi-Montalcini (l’ha
vestita per il Premio Nobel per la medicina del 1986).
● I capi di Capucci sono una continua sperimentazione:
○ per materiali (ta età)
○ forme (proporzione e struttura) ○ linee (storiche)
○ cromatologia (nuances)
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15) GlI anni 50’ e 70’
1960 - 1980
XX sec.
0 2022 1980 1960
Il ciclone del Boom economico
● Con l’avvento degli anni 60’, si impongono:
○ nuovi canoni estetici (modelle/i)
○ nuovi colori (colori puri e complementari)
○ nuovi stili (si instaura un rapporto tra i giovani contestatori dei nuovi
movimenti politici dell’epoca e la moda).
● Lo stile eclettico e pluriforme della moda anni 60’ a ronta molte

tematiche e solitamente opposte:
○ tema della guerra (emerge la gura del Montgomery, una giacca

invernale fatta di lana e chiusa da allacciature tipicamente militari
come gli alamari, introdotto nel guardaroba in dotazione dei marinai
della Royal Navy).
○ tema bon ton (con una donna però più libera rispetto al decennio
precedente).
POP ART!
● Quando negli anni 50’, la moda prevedeva una donna molto elegante
ed estremamente ricercata, negli anni 60’ si ha rivoluzione totale, nella
quale la gura femminile si libera dal rigore e gioca di forme, colori e
creatività.
● In questo periodo va di moda lo stile androgino, e lo stile detto

"gamine" (da ragazzina).
● Una delle gure simbolo di quest’epoca è Twiggy, scoperta da Mary

Quant.
● In questo periodo si sviluppa la cultura POP e anche nella moda si

rispecchia tale forma d’arte:
○ i colori sono vivacissimi
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○ si hanno delle sproporzioni strutturali nella forma dell’abito
(svasato)
Minigonna (Mary Quant) Cappotto a trapezio (Givenchy) Abito Mondrian

(YSL)
Il segreto è negli accessori
● Essenziali dal punto di vista negli anni 60’ sono gli accessori:
○ Gli occhiali (forma più grande e coloratissimi).
○ Le borse (diventano grandi e irrinunciabili su qualsiasi
out t)
○ Le scarpe si "abbassano", diventando ballerine e
stiletti come i cosiddetti
"kitten".
○ Anche gli zoccoli sono molto apprezzati (Dr.
Scholl).
● Per i gioielli, si utilizza molto la plastica o materiale comunque non

pregiato.
GLI STILISTI FRANCESI
YVES SAINT LAURENT (1936 - 2008)

Yves, il ragazzo prodigio
● Per tutta la seconda metà del XX secolo, Yves Saint Laurent è stato
considerato forse “lo stilista” per eccellenza.
● Pur seguendo la moda dell’epoca, ha stabilito nuove forme, con un

classicismo tipicamente francese, fatto di moderazione e audacia,
sobrietà e invenzione.
● Nasce a Oran, in Algeria, il 1° agosto 1936, Yves Saint Laurent rivela

molto presto la passione per il disegno, i costumi e le scenogra e
teatrali.
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● Nel 1954 vince il primo e il terzo premio al concorso indetto dal
Segretariato Internazionale della Lana.
● Conosce Christian Dior tramite Michel de Brunho , direttore della

rivista Vogue e il grande couturier lo assume. Quando Dior muore,
diventa il nuovo direttore creativo per sei collezioni. (molto famosa
sarà la sua forma a Trapezio del 1958).
La nascita della Maison YSL
● Nel 1957. viene chiamato alle armi ma presto viene internato per un
grave esaurimento nervoso in un ospedale militare.
● Ingiustamente, Dior lo licenzia.
● Per questa ingiustizia Yves Saint Laurent e Pierre Bergé decidono di

aprire una propria casa di moda, uno all'amministrazione, l'altro alla
direzione creativa.
● Tutti e due erano già molto famosi quando aprirono la YSL:
○ YSL, era il successore di Dior
○ Bergé era amministratore e amante del pittore Bernard Bu et.
Collezioni, collezioni, collezioni…
● Nella 1965, il couturier, traspone un dipinto di Mondrian su un abito

trapezoidale di notevole sobrietà. Diventa il successo del decennio.
● Nel 1966 crea la collezione dedicata a Andy Warhol e la Pop Art e

subito dopo crea il primo smoking da donna.
● Nel 1967, Saint Laurent torna agli onori della cronaca con i suoi abiti
africani fatti di perline di legno e ra a
● Nel 1968, nasce la Sahariana che trascrivono a modo loro le

tendenze androgine che si manifestano in strada.
“Chanel ha dato alle donne la libertà, YSL ha dato loro il potere.” Pierre
Bergé
“Il più bell’abito che può abbigliare una donna sono le braccia
dell’uomo che ama. Ma, per chi non ha la possibilità di trovare questa
felicità, io sono qui”. Yves Saint Laurent
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La collezione scandalo
● Nel 1971 è segnato da uno scandalo, quello della collezione ispirata

agli anni dell'Occupazione:
○ le spalle dei cappotti sono squadrate, la vita è regolata, sottolineata

da giochi di pinces su abiti stampati che sembrano succinti come se il
tessuto fosse stato razionato.
● Con questa collezione spalanca le porte alla tendenza “retrò” che

presto invaderà le produzioni prêt-à-porter.
Opulenza e Oriente ra nato
● Alla ne degli anni '60, la moda era diventata caleidoscopica e l'80%

delle donne francesi vestiva di prêt-à-porter.
● L'alta moda, baluardo del lusso, ha visto diminuire la sua clientela nel
corso degli anni. ma comunque Yves Saint Laurent crea, nel 1976, una
delle collezioni più lussuose della storia della moda: Opéra-Ballets
russes. È un nuovo successo srtraordinario (ravviva il desiderio e il
gusto dello splendore e dell'opulenza)
“Ho scoperto Marrakech molto tardi, ed è stato uno shock

straordinario. Soprattutto per il colore. Questa città mi ha dato colore”.
YSL
Il post-Saint Laurent
● Yves Saint Laurent ha smesso di disegnare collezioni prêt-à-porter

nel 1998, pur continuando con l'haute couture.
● Alber Elbaz gli succede per il prêt-à-porter femminile, mentre Hedi

Slimane si occupa delle collezioni maschili. ma entrambi saranno
sostituiti prima da Tom Ford.
● Nel 2004 prende le redini Stefano Pilati per il prêt-à-porter;
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● Yves Saint Laurent ha presentato la sua ultima collezione haute
couture nel 2002 durante un'importante s lata retrospettiva al Centre
Pompidou. Si chiude de nitivamente una pagina, non ci sarà mai più
l'haute couture di Yves Saint Laurent. Il couturier è morto a Parigi,
all'età di 71 anni. 10 giugno 2008.
15 ) GlI anni 50’ e 70’
1960 - 1980 PARTE 2
KARL LAGERFELD (1933 - 2019)
La nascita di un Mito…
● Nasce ad Amburgo, in Germania, nel 1933 e nel 1952 si trasferisce a

Parigi:
Vince il premio del French International Wool Secretariat grazie al

design di un cappotto (mentre il giovanissimo Yves Saint Laurent si
aggiudica la vincita nella categoria abiti da cocktail)
● Nel 1955 viene assunto da Pierre Balmain, e 3 anni anni dopo

diventa direttore artistico della casa di moda di Jean Patou.
● Dopo la morte di quest’ultimo Lagerfeld si allontana dall’alta moda e

comincia a disegnare solo per Pret à Porter.
Dall’Italia a Fendi…
● Nel 1964 lascia Parigi per andare a studiare storia dell'arte in Italia,
ma allo stesso tempo disegna per Chloé (dal 1964 al 1983 per poi
tornare dal 1992 al 1997), Krizia, Valentino, e in ne, nel 1967, diventa
consulente per Fendi, chiamato per dare una nuova impronta di
modernità specialmente per le pelliccie oramai datate dalla classicità.
● Dal 1967 non abbandonerà più la Maison Fendi e creerà il logo “FF”,
derivato dal termine ludico “Fun Fur”.
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Le muse ispiratrici…
● Da sempre Lagerfeld ha considerato alcune donne come principali

muse d’ispirazione, così importanti da
ritenerle spesso fondamentali per la creatività:
○ Inès de la Fressange
○ Amanda Harlech
○ Rihanna
○ Kristen Stewart
○ Cara Delevingne e Lily-Rose
Depp
“Sono indispensabili al suo processo creativo, Senza le mie muse, il

processo sarebbe astratto e sterile», racconta a un giornalista nel
2014 «contribuiscono a dare forma ed espressione alla mia creatività».
CHANEL / LAGERFELD
● Nel 1982, Alain Wertheimer presidente di Chanel, invita Lagerfeld ad

assumere la direzione creativa della casa di moda.
● Ciò inizialmente fu criticato dalla critica in quanto il Designer aveva

sempre accusato l’Alta Moda di essere superata.
● Tuttavia, pur la Maison si trovasse in grande crisi dalla morte della

fondatrice (1971) con la prima collezione rmata Lagerfeld, il destino
volle che si rialzasse e brillasse come un tempo.
● La prima collezione Lagerfeld per Chanel, fu caratterizzata da linee

estremamente moderne, con un tocco di Pret à Porter ma sempre di
grande lusso e di natura avangarde.
Lagerfeld e la tradizione…
● Pur essendo contraddistinto come Designer da sempre innovativo e

modernizzatore, Lagerfeld è sempre stato legato alla tradizione.
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● Ha sempre collaborato con i migliori artigiani di Haute Couture e li ha
sempre fatti emergere nelle sue collezioni. Uno dei maggiori esempi di
artigianalità con cui collaborò per anni fu Lesage (ricami).
● Nel 2003 creò una collezione dedicata appunto alle di erenti

maestrie e know-how francesi.
VALENTINO (1932 - )
Valentino, l’imperatore internazionale
● Conosciuto n dagli anni '60 (arrivando a vestire persino Jacqueline

Onessis per il suo matrimonio), adorato da una selezionata clientela
internazionale, aveva già imposto il suo stile, la sua visione della
donna, ignorando volutamente gli sconvolgimenti avvenuti nella storia
della moda.
● Alla ne degli anni 2000, Valentino ha vestito la sua terza

generazione di donne con lo stesso ideale in mente (citanto lo stesso
stilista “Ho vestito le nonne, le mamme e adesso vesto le nipoti).
Simbolo di eleganza e ra natezza
● Valentino ha sempre odiato l’e etto trasandato, il trascurato,

l'eccentricità incontrollata.
● In termini di modellistica, è famoso per sviluppare in ogni capo, una

complessa struttura interna che rimarrà invisibile, dove mette la donna
in con denza e per questo è sempre riuscito a disegnare una
silhouette da sogno.
● Trovando il loro punto di ancoraggio su una vita sottile, gli abiti sono
molto uidi, rivelando la sensualità femminile.
● Nel tempo, il couturier ha eliminato il super uo.
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Il perfezionismo della bellezza
● L'uso di pieghe e drappeggi denota una perfetta padronanza tecnica

che si nota nell'uso dell'origami (tessuto piegato e cucito su altro
tessuto) o nei "budellini", una sua invenzione - strisce di tessuto
tagliate in sbieco, come microscopiche salsicce, assemblate su uno
sfondo di tulle o organza in modo tale da formare disegni piazzati, pur
rivelando la pelle per trasparenza.
● Ma ciò che distingue Valentino sopra ogni altra cosa è la sua

tavolozza di colori, che include molto bianco (un bianco che si addice.
Mai freddo o clinico), nero profondo e rosso, rosso. molto rosso.
Un'in nita varietà di monocromi rossi...
PIERRE CARDIN (1922 - 2020)
Gli inizi
● Figlio di emigranti italiani, fu a Vichy, durante la seconda guerra

mondiale, che Pierre Cardin si formò come sarto a Manby.
● Arriva a Parigi nel 1946, lavora per Schiaparelli prima di essere

assunto come sarto da Christian Dior per l'apertura della sua maison.
● Di natura italiana, francesizza il suo nome da Piero Cardin, a Pierre

Cardin.
Pierre Cardin: il precursore del moderno
● Pierre Cardin ha un vantaggio: Le sue creazioni, come i suoi metodi

di sviluppo, sono futuristici e lo collocheranno tra i cinque francesi più
famosi al mondo.
● Quando nel 1965 André Courrèges e Paco Rabanne presentarono le

loro collezioni di mini abiti e abiti "importabili", Pierre Cardin era già
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noto per essere un couturier d'avanguardia, uno di quelli che
avrebbero cambiato profondamente il panorama della moda.
● Anche se, in origine, la vocazione della sua Maison era quella di

realizzare costumi teatrali, non resistette al richiamo della moda e
presentò la sua prima collezione di haute couture nel 1953. L'anno
successivo, il suo abito a bolla viene apprezzato all'unanimità dalla
stampa. Questo successo gli ha permesso di aprire il suo primo
negozio, Ève, seguito da Adam tre anni dopo.
La linea Cosmos
● Dal 1966 Cardin ha ampliato la sua linea Cosmos.
○ è caratterizzata da out t basici e unisex, che si adattano alla

morfologia androgina della giovinezza del baby-boom,
○ Le linee sono pulite, le forme sono architettoniche, trapezoidali e il

couturier fa largo uso di materiali sintetici.
○ Tutti questi capi hanno in comune la possibilità di una completa

libertà di movimento. Sono allegre, colorate, semplici, pratiche, di
facile manutenzione e si montano facilmente.
La scultura della moda 60’s
● Nel 1968 Cardin ignora le parole concessioni e compromessi: l'abito

diventa scultura, una scultura che si compone con il movimento che il
corpo le imprime.
● Le sue creazioni d'avanguardia segnarono gli anni '60 e '70 e

ispirarono molti dei suoi colleghi più giovani, come Jean Paul Gaultier,
Corinne Cobson,
● La collezione “cosmonauta” viene frequentemente reinterpretata.
● Proprietario al 100% del suo marchio, Pierre Cardin ha imposto una

modalità di sviluppo e di innovazione anno per anno.
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WALTER ALBINI (1941 - 1983)
Walter albini, genio incompreso e dimenticato
● Walter Albini è una gura enigmatica e viene considerato il vero

padre del prêt-à-porter,
● In realtà, la giacca destrutturata di Giorgio Armani, il jersey di

Versace, le stampe di
Krizia sono invenzioni di Albini ma la sua
personalità troppo moderna e narcisista lo ha
fatto dimenticare al mondo.
● Nasce nel 1941, studia presso l'Istituto d'Arte, Disegno e Moda a

Torino.
● Già a 17 anni, diventa illustratore delle s late d’alta moda per giornali
e riviste, prima da Roma, poi come corrispondente da Parigi.
Albini e Parigi
● A Parigi incontra due grandi personaggi che gli cambiano la vita:

Coco Chanel e Mariuccia Mandelli (Krizia). Quest’ultima lo sprona a
tornare in Italia e lavorare vicino a Lagerfeld.
● Albini diventa famosissimo e viene catalogato dalla critica come un

dandy decadente.
● Si racconta che il termine “stilista” fu coniato appositamente per lui.
● Nel 1971 debutta a Milano con la sua prima collezione.
Il precursore del mondo Moda / Milano
● E’ forse grazie alla sua maestria secondo forme, total look,

comunicazione che Milano diventa la vera città della moda e
supera sia Roma che Firenze.
● Comincia una nuova era, quella del prêt– à–porter.
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“Per me ogni vestito ha una storia: d’amore, di rabbia, di violenza. Ogni
vestito è un momento, una persona, un posto e ogni vestito ha il suo
ruolo, come in teatro. Per cambiare vestito bisogna cambiare attitudine
e spirito e entrare in una nuova ‘parte’. Ogni volta, ogni stagione, ogni
collezione.” - Walter Albini
La ne silenziosa…
● Veniva considerato dalla stampa come “forte alla Saint Laurent”.
● Tuttavia Walter Albini ha sempre messo in primo piano la creatività

prima del guadagno. Per tale motivo non è mai riuscito a trovare
nanziatori
● A soli quarantadue anni, nel 1983, scompare silenziosamente

all’ospedale.
EMILIO PUCCI (1914 - 1992)
Esordi nobili…
● Nato da una famiglia nobile, nasce nel 1914.
● In una vita estremamente agiata e di continue vacanze tra le

montagne svizzere e Capri, inizia a presentare le sue collezioni.
● Durante una vacanza, da grande appassionato di sci, disegna un

completo da sci femminile dalle linee molto essenziali e grazie a
questa prima creazione nisce Harper's Bazaar.
● Nel 1950, apre la sua prima Boutique a Capri.
La clientela Internazionale e Capri
● Grazie alla sua nota fama e derivazione nobile, diventa famoso anche
per la sua clientela estremamente facoltosa, tra cui Principessa Grace
Kelly di Monaco, Sophia Loren e la Jackie Onassiss (come Valentino).
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● Comincia a farsi conoscere per i suoi colori molto accesi e diventa
famoso per i suoi accessori, in particolar modo per i suoi “sandali
Capri”.
Lo stile Pucci e le sue stampe
● Traendo spunto da elementi della natura (in particolar modo il mare e

i ori), comincia a sviluppare delle stampe uniche e originalissime, che
battezzeranno per sempre lo stile Pucci.
● Le stampe si presentano estremamente colorate, con motivi gra ci e

molto moderni.
● I principali oclori utilizzati dallo stilista sono:
○ blu mare
○ rosa cipria
○ corallo
○ giallo napoli
○ viola lilla
ELIO FIORUCCI (1935 - 2015)
Esordi
● Nasce a Milano nel 1935.
● A 17 anni comincia a lavorare in un negozio di pantofole di suo

padre, a Milano.
● Nel 1965, dopo un viaggio a Londra, si appassiona all’abbigliamento

e inizia la sua carriera di “stilista” di contrasto.
● Nel 1967 il primo negozio Elio Fiorucci: ○ è un successo enorme in

quanto riprende le caratteristiche creative londinesi e la realtà surreale
della nuova moda del momento.
Le Factory/boutique di Fiorucci
● Il successo si fa presto sentire a Fiorucci, tanto che la sua boutique

si trasforma in una vera e propria Factory (alla Warhol) di creatività,
dove gure internazionali si ritrovano, sperimentano idee creative e si
costruisce un nuovo concetto dl di style, lontano anni luce della
couture francese e dei grandi stilisti sviluppatosi.
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● Nel 1974 apre un secondo store a Milano, realizzato su tre livelli di
piano, anch’esso ricco di elementi surreali e di contrasto. Diventa un
luogo di performance artistica e di ballo.
La linea Fioruccino e New York
● Nel 1975, apre il primo negozio a Londra e nasce la sua linea

“Fioruccino”, una linea colorata e ludica destinata ai bambini.
● Nel 1976 apre uno store a New York: ○ un nuovo luogo di ritrovo per
artisti, fotogra , designer (Andy Warhol infatti lo userà per lanciare il
suo giornale “Interview”.
La collaborazione con Disney
● Nel 1981 invece crea la collezione di t-shirt e felpe, con le illustrazioni

di Walt Disney.
● Il successo di questa collezione lo fa entrare nel podio dei migliori

designer del XX secolo.
LA COLLEZIONE SCANDALO
● Una collezione famosa è stata quella dove per la campagna

pubblicitaria ha mostrato solamente dei glutei di donna ammanettata
da manette decorate con peluche rosa.
● Successivamente è stato il creatore dei jean con paillettes.
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16) Gli anni 80’
1980 - 1990
2022
XX sec.
1990
1980
L’opulenza degli anni 80’
Gli anni 80’ sono considerati ancora gli anni in cui si sono create le
fondamenta della moda d’oggi.
La moda degli anni ’80 è caratterizzata da un estro creativo continuo:

all’epoca ogni stilista poteva in sé creare un suo movimento
concettuale, ricco di sfumature stilistiche:
dai colori (Armani con i suoi grigi, Valentino con il suo rosso, Versace
con le sue iconiche stampe).
proporzioni (asimmetrie, giochi di materiali come pelle e Pied de Poule)
struttura (abiti rinforzati con spalline, giacche estremamente costruite

dalle spalle al punto vita
Il lusso viene reso opulento e si instaura il concetto di “fashion victim”

tra la società e la moda.
Fondamentale è il concetto delle licenze: ovvero brandizzare tutto dal

capo al singolo accessorio.
Caratteristiche principali del decennio
Il concetto essenziale degli anni 80’ è eccedere su tutto.
Tutto era sostanzialmente portato all’eccesso: dal trucco alla

sproporzione degli out t, persino i profumi erano sinonimo di pura
opulenza.
Negli anni 80’ sono caratterizzati da tre tendenze:
vita alta
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spalline costruite
materiali imposti all’epoca quali denim, paillettes
Il Blazer
Il capo forse più iconico degli anni ’80 è sicuramente il blazer: la giacca
abbinabile a molte forme di spezzati, oltre che tramutabile in varie
modalità:
destrutturata
pattern particolare
corto e strutturato,
bottoni molto grandi (a volte sproporzionati)
I colori più utilizzati in questo decennio sono sicuramente:
rosso fuoco
giallo uo
rosa
verde smeraldo
nero
Calzature e altri simboli degli anni 80’
Calzatura fondamentale è la slouchy boots, una scarpa molto morbida.
Altro elemento simbolo di questi anni sono i leggings:
in lana oppure in velluto a costine,
presenza di una bbietta da chiudere sotto il piede.
Capo iconico degli anni 80’ è la classica tuta con pantalone e felpa
abbinata, realizzata in varie forme e linee (oversize e non).
Per quanto riguarda i gioielli, si utilizzano varie forme e colori ma con la

caratteristica di essere estramente grandi e voluminosi.
I FAB 4
del Made in Italy
GIORGIO ARMANI
(1934 - …)
Esordi
Nasce nel 1934, in una famiglia Piacentina composta da cinque fratelli.
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Inizialmente convinto di studiare medicina, inizia a lavorare come
vetrinista alla Rinascente di Milano,
Nel 1964 viene scoperto da Cerruti nel 1964 per il brand Hitman,
Nel 1974, s la alla Sala Bianca di Palazzo Pitti a Firenze come designer
freelance e nel 1975 fonda la Giorgio Armani SPA assieme al suo
compagno di vita Sergio Galeotti (da notare che ancora oggi è
un’azienda privata, gestita interamente dal signor Armani).
Emporio Armani, sport e couture
Nei primi anni 80' sperimenta una linea più giovane e alla portata di tutti
chiamata Emporio Armani:
contaminazione tra il mondo sportivo e lo stile essenziale di Armani
Nel 1983 apre la sua prima boutique in via Sant'Andrea a Milano.
Film : Made in Milan (1990)
by Martin Scorsese
GIANNI VERSACE
(1936 - 1997)
Dalla Calabria a Milano…
Gianni Versace nasce nel 1946 a Reggio Calabria.
Come ben risaputo, grazie a sua madre sarta, comincia ad

appassionarsi n da bambino di moda, tra tessuti e capi per le clienti
della sartoria.
Nel 1972 si trasferisce così a Milano, e così comincia a collaborare con

varie aziende, specialmente specializzate in pellami quali Complice e
Callaghan.
Nel 1978 apre la sua Maison con il fratello Santo alla Direzione
amministrativa. Fin da subito ha un successo enorme, visto la notevole
di erenza stilistica tra la sua creatività e la mondanità milanese del
tempo.
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Il mondo Versace
Nel 1981 Gianni presenta la sua collezione futuristica, caratterizzata dai

suoi famosi abiti in maglia metallica.
Seppur con qualche critica da parte della stampa, le note positive lo

fanno scalare no a trasformare quel giovane ragazzo venuto da una
Calabria classicheggiante ad un grande promotore della moda
dell’epoca, ai pari dei grandi quali Valentino e Chanel.
Le sue s late diventano un evento da non perdere. Diventano

estremamente innovative anche nel presentare ogni capo, introducendo
perfomance che prima non erano mai state inserite nel contesto moda.
Questo nuovo concetto di moda è anche grazie a sua sorella Donatella,
che si inserisce presto come responsabile degli eventi e di
comunicazione per la Maison.
Modelle note:
Stephanie Seymour, Naomi Campbell, Cindy Crawford, Claudia Schi er,

Elle MacPherson, Linda Evangelista
Donatella / Gianni
Nel 1989, Donatella Versace assume la direzione creativa della linea

seconda Versus, una linea più giovanile e più alla mano di tutti (a
di erenza della famosa Medusa, il logo è un leone).
Nel 1990 s la per la prima volta la linea Privé della Maison Versace,
considerata una vera e propria Haute Couture, dove l’artigianalità e la
perfezione dei tagli emergono.
Nel 1991, nasce la parte relativa alle fragranze della Maison, mentre nel
1993, si sviluppa Versace Home, una sezione dedicata all’arredamento,
tutti ispirati alle case dello stilista (Villa a Moltrasio, Londra, Parigi e
Casa Casuarina a Miami).
Versus 1994 - 2002
Last interview (1997)
EDITORIALS
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La morte improvvisa di un genio…
Nel 1997 Gianni Versace viene assassinato il 15 luglio del 1997 nella
sua villa a Miami Beach. da un serial killer, Andrew Cunanan.
La moda con la sua morte cambia de nitivamente.
La Maison sprofonderà in una totale crisi no al 2002, che grazie

all’abilità della sorella e la genialità di Gianni (traendo appunto spunto
dall’immenso archivio di progettazioni e lavori dello stilista), ritroverà
una stabilità economica e diviene no ai giorni nostri forse una delle
Maison più sviluppate nel contesto Fashion.
GIANFRANCO FERRE’
(1944 - 2007)
Esordi
Nasce a Legnano nel 1944.
Già dal 1960 Ferrè si dimostra molto dedito al disegno, tanto da vincere
un premio ambito a Legnano sulla pittura.
Nel 1969 si laurea in Architettura al Politecnico di Milano,
Si approccia nel mondo della moda quasi per caso, infatti le sue prime
creazioni saranno bijou e accessori, che poi regala alle compagne di
università.
Tali creazioni vengono notate da un noto nome dell’epoca, Rosy Bi

che lo introduce a delle giornaliste di moda che lo faranno conoscere
nel salotto di milano.
Nel 1973, inizierà a viaggiare per conto della San Giorgio Impermeabili e
da lì disegnerà una delle sue prime collezioni ispirate all’India,
denominata “Ketch”.
L’India sarà sempre un punto di riferimento per Ferré.
Le collaborazioni e la fondazione GF
Rimane no al 1977 in India ma continua a collaborare con grandi nomi

Italiani, quali lo stesso Walter Albini, Bailly e in gran segreto anche
Roberta di Camerino.
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Nel 1978 assieme al suo socio Franco Mattioli, fonderà la “Gianfranco
Ferré”, con sede in Via San Damiano, poi successivamente spostatasi
in Via della Spiga.
Sempre nel 1978, fa s lare la sua prima collezione a Milano e la sua

fama accresce sempre più.
Dirige no al 1989 pure un corso alla nascente Domus Academy.
Ferré, couturier da Dior…
Lo stesso anno (1989), inizia forse la sua collaborazione più grande:

ovvero assume la direzione artistica di Dior (rimarrà in carica no al
1996). Dalle sue collezioni rmate Dior, emerge il suo lato più ra nato,
caratterizzato sempre da quel senso estetico che ricorda in ogni forma
o volant, strutture tipiche dell’architettura.
I suoi pezzi divengono sempre più ricercati, anche da note celebrità sia
negli anni 80’ che 90’.
Molto fondamentali per la storia del costume, sono le sue camicie

bianche da donna:ù
forme estremamente ricercate (svasature e sovrastrutture di chi on)
maestria pura sotto il pro lo dei tagli e delle linee di proporzioni.
ancora oggi vengono esposti in Musei dedicati a lui.
PRADA
(1948 - …)
Esordi
Miuccia Prada, (nome dall’anagrafe Maria Bianchi), nasce nel 1948.
I suoi genitori sono Gino Bianchi e Luisa Prada, entrambi eredi del
negozio di pelletteria Fratelli Prada, fondato nel 1913.
Si laurea nel 1971 in Scienze Politich e si iscrive al Partito Comunista,

partecipando attivamente ai movimenti studenteschi e allo stesso
tempo studia recitazione.
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Nello stesso anno, entra nell'azienda di famiglia, mostrando da subito
una perspicacia molto creativa ed estremamente innovativa.
La Maison Prada per Miuccia
Nel 1978 Miuccia prende le redini della Maison Prada al posto dei
genitori.
Assieme a suo marito Patrizio Bertelli, riesce a far emergere il brand a

tal punto da fare concorrenza a Louis Vuitton, Chanel e Gucci.
Lo sviluppo di Prada non è solamente considerabile sotto il pro lo

creativo, ma è cresciuto grazie ad un notevole studio di comunicazione
ed immagine del brand stesso:
Un nuovo logo indovinato e dinamico (il famoso triangolo rovesciato),

risalente agli anni anni 80.
Le borse in materiali hi-tech come il nylon, un classico della produzione

Prada.
Nel 1989 il brand presentl la prima collezione di prêt-à-porter

womenswear.
rigore stilistico
eleganza minimale
uso di materiali industriali mixati a quelli più delicati come seta e

chi on.
Prada , un impero globale
La moda di Miuccia Prada è sempre un mix di molte tematiche:
architettura
loso a
arte.
LE REGOLE DI PRADA:
non esistono schemi da seguire
gli opposti e la contrapposizione
avanguardista maniacalmente perfezionista
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Presto si sviluppa nel mondo diventando una delle Aziende più fruttifere
internazionali, e presto si sviluppa in assoluto a New York.
La linea Miu Miu e il sangue sportivo
Nel 1993 Miuccia fonda Miu Miu.
Le tre keywords di questo brand è:
irreverenza
eleganza
sensualità
Il cavallo di battaglia di questo brand sono sicuramente gli accessori e

le calzature:
estrema ricerca sui colori strong
minimalismo ricercato con materiali innovativi e forme contraddittorie.
Nel 1997 Patrizio Bertelli sponsorizza per la prima volta l’America’s

Cup, in Nuova Zelanda. Questa scelta di comunicazione servirà per
presentare al mondo intero la nuova linea “Prada Sport”, con cui
l’azienda porta avanti la sua attività di ricerca sui materiali. Nel gruppo
Prada entreranno a far parte anche Church’s e Car shoes.
FRANCO MOSCHINO
(1950 - 1994)
Esordi
Franco Moschino nasce nel 1950. Frequenta l’Accademia delle Belle

Arti di Milano e allo stesso tmepo lavora come illustratore freelance per
le riviste Linea Italiana e Harper’s Bazaar.
Negli anni ‘70 collabora con Gianni Versace
Dopo una carriera in salita, emerge con la sua linea “Moschino

Couture” nel 1983, con abiti estremamente creativi che si ispirano
inizialmente alla creatività di Jean-Paul Gaultier.
Franco Moschino è una sinergia tra forme classicheggianti ma allo

stersso tempo con elemente puramente folli e allo stesso tempo iper
creativi. Molte sue collezioni hanno creato scandalo come la Cow
Collection.
Solitamente rivisita alcuni capi iconici quali i Tailleur di Chanel e li mette

a volte quasi al limite del ridicolo al ne di polemizzare sulla couture
troppo classica.
L’estro di Gianni, la follia delle sue linee
Oltre che alla prima linea Moschino Couture, inserisce nella sua carriera
anche la seconda linea Cheap & Chic Donna e Uomo, successivamente
Moschino Jeans, lingerie, costumi, borse, scarpe, bijoux e profumi.
Con lui, le boutuque sembrano vere e proprie gallerie d’arte soprattutto

con le loro vetrine a tema, colorate e molto scandalose.
Alcuni capi di Moschino sono diventati iconici quali le giacche con uova
fritte sulle tasche, top con seno trompe-l’oeil, la sua T-shirt con la
scritta “Moschifo” e giubbini da torero versione gran sera.
Il Genio creativo e follia ordinaria
Nel 1991 Franco Moschino decide di abbandonare le passerelle, e poco

dopo morirà per un arresto cardiaco.
Verrà successivamente sostituito per la sua linea da grandi designer

molto ecclettici che continueranno a portare il suo stile ed eccentricità
no ad oggi.
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17) Gli anni 90’
1990 - 2000
2023
XX sec.
2000
1990
L’opulenza degli anni 90’
Le tendenze della moda degli anni '90 sono state in uenzate da vari
fattori, tra cui musica, lm, programmi televisivi e persino politica.
Si sviluppa la musica detta “Grunge”, emersa agli inizi degli anni '90:
ha avuto un impatto signi cativo sulla moda:
abiti oversize
camicie a quadri
jeans
stivali da combattimento.
Si sviluppa molto anche la cultura hip-hop:
jeans larghi
tute da ginnastica
scarpe da ginnastica
Anche icone pop come Madonna e Britney Spears dettano tendenza

con i loro out t audaci, tra cui crop top, minigonne e scarpe con zeppa.
Il minimal chic
Nella couture “più colta” invece emerge lo stile minimalista:
l'abbigliamento diviene essenziale, molto più sobrio rispetto

l’esuberanza creativa del decennio precedente (stilisti come Calvin
Klein e Jil Sander si specializzano nello stile Minimal).
Un'altra grande tendenza negli anni '90 è l'uso di colori e motivi

luminosi e al neon, spesso visti nei rave:
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Questo stile era caratterizzato da stampe audaci, abiti aderenti e scarpe
con zeppa.
STILISTI INGLESI
JOHN GALLIANO
(1960 - …)
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John Galliano nasce nel 1960 a Gibilterra.
Studia alla Saint Martins School e si laurea nel 1984 con il massimo dei
voti.
Fin dagli inizi della sua carriera, Galliano fonda la sua Maison e si fa
conoscere dai più importanti esponenti del Fashion System (tra cui
Gianfranco Ferré).
Nel 1995, Galliano viene nominato direttore creativo di Givenchy, e

successivamente nel entra nel mondo di Dior (1997).
introduce nuove silhouette per il brand
nuove tipologie di borse, tra cui la borsa “sella” e ricostruisce in chiave

moderna la Lady Dior.
Lo stile Galliano
Uno dei suoi abiti più famosi e iconici è la suite "Bar", che ha disegnato
nel 1994 per la sua prima collezione couture per Christian Dior,
realizzato con un'a ascinante silhouette molto aderente sul punto vita e
una gonna voluminosa, realizzata con 13 strati di chi on.
Un altro dei famosi abiti di Galliano è l'abito "Orientalist", presentato

per la prima volta nella sua collezione Primavera/Estate 1998.
Realizzato in un misto tra seta e raso, tinto indaco per una nitura
esotica. Galliano si ispira ai suoi viaggi in Cina, Giappone e India.
Accessori e pattern di Galliano…
Galliano è molto famoso anche per la creazione di so sticati accessori

e nuovi pattern:
stampa giornale
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Sempre per Christian Dior, rinnova molte borse e tipologie di scarpe
care al brand e ne crea di nuove, estremamente innovative, sia per
forma che per stile:
a sella
La ne con Dior…
La sua permanenza da Christian Dior è stata molto discussa e criticata,

a causa delle sue collezioni “troppo” creative e lontane dalla loso a
del brand.
Conclude la sua carriera da Dior con un licenziamento diretto, a causa

di un comportamento razzista e violento durante una serata.
Una nuova Era per Galliano…
Galliano continua tuttora a lavorare nella moda, seppur molte critiche e

brutte opinioni.
Recentemente ha lavorato per la Maison Margiela e continua a lavorare

con il suo marchio.
ALEXANDER MCQUEEN
(1969 - 2010)
Esordi
Alexander McQueen nasce a Londra nel 1969,
Abbandona gli studi molto giovane inizia a lavorare prima come

assistente da Anderson & Sheppard di Savile Row, i sarti londinesi che
vestivano il Re Carlo III, per poi passare da Angels & Bermans, dove
impara le tecniche modellistiche sul capo femminile e sperimenta quello
stile drammatico di presentare le sue creazioni, portandolo per tutta la
sua carriera.
Prime collaborazioni e il carattere introverso
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Sempre più specializzato, Mcqueen va a lavorare dal designer
giapponese Koji Tatsuno a Londra e, successivamente, con l’u cio stile
di Romeo Gigli a Milano.
Viene ritenuto n dalle sue prime collaborazioni un individuo molto

di cile:
Romeo Gigli ad esempio racconta che una volta, dopo averlo ripreso
per una scorretta confezione di una giacca, McQueen scrisse “Fuck
you, Romeo” all’interno di una cucitura nascosta.
St Martins School of London
Nel 1992 Alexander McQueen si iscrive a un master alla Saint Martins

School College a Londra e qui conosce la stylist e icona del fashion
system internazionale, Isabella Blow, sua futura musa ispiratrice,
migliore amica.
Grazie a lei la sua fama si innalza e diventa così in quegli anni uno dei
designer più in uenti degli anni 90’.
Givenchy e il brand Mcqueen…
Nel 1996 McQueen, dopo essere stato nominato stilista dell’anno,

sostituisce John Galliano da Givenchy chiamato direttamente da
Bernard Arnault, no al 2001.
Non ben visto dal mondo dell’Haute Couture Parisienne e dalla società
che è cliente, Mcqueen si concentra maggiormente sul suo brand
s lando a Londra, continuando ad eseguire collezioni di pura maestria e
di creatività tipica di Mcqueen, dove il contrasto e il “non
convenzionale” diventa la base del suo lavoro.
Muse ispiratrici e lo stile Mcqueen
Nel suo pieno periodo di Londra, lavora in stretto contatto con i suoi
amici più cari, come hat designer Philip Treacy e la stessa Isabella
Blow.
Le sue collezioni diventano delle vere e proprie icone, dove determinate

tematiche emergono ogni volta:
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sartorialità preziosa.
le celebri stampe con i teschi.
Il mondo animale e vegetale.
il mix tra il mondo sartoriale italiano, il gusto francese dell’haute couture

e la modernità Londinese.
La ne di un grande della moda…
A causa di grandi dispiaceri nella sua vita (morte della madre e dal
suicisio della sua musa Isabella Blow), McQueen entra in una
depressione così profonda da non riuscire più a liberarsi.
Si suicida nel 2010.
In onore alla sua straordinaria carriera, la futura Duchessa di Cambridge

Kate Middletton decide di vestire Mcqueen per il suo matrimonio con il
Principe William Windsor, erede al trono del Regno Unito.
Film :
Ian Bonhôte, Peter Ettedgui
STILISTI ASIATICI
YOJI YAMAMOTO
(1943 - …)
Esordi
Nasce nel 1943.
Nel 1966, si laurea in giurisprudenza presso l’Università di Keio e

successivamente frequenta un corso di Fashion Design a Tokyo
all’Istituto Bunka Fukuso Gakuin.
Prima di presentare la sua prima collezione al Tokyo’s Bell Commons,

impiega ben 9 anni di studio e ricerca (l’intera collezione verrà rmata
con l’etichetta “Y’s Womenswear” la quale diventerà una seconda linea
del suo marchio).
Debutta quindi nel 1981, a Parigi, con una collezione prêt-à-porter:
moda decostruttivista,
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rivoluzione della moda concepita no a quel momento.
s la insieme a Rei Kawakubo.
La linea Homme
Nel 1984 viene lanciata la linea maschile Pour Homme:
una sinergia tra un romanticismo concettuale e il punk, con accenni di

forme e strutture tipicamente vittoriane.
citazioni di anime giapponesi.
Esordi
Estremamente dedito da sempre contro la sessualizzazione delle

donne, propone molto spesso capi ispirati all’abbigliamento maschile
per donna e donne che presentano capi nelle collezioni per uomo.
Gli abiti di Yamamoto sono caratterizzati dal colore colore nero, sul
quale ha basato la sua carriera coltivando un’estetica ben de nita.
"Il nero è modesto e arrogante allo stesso tempo. Il nero è pigro e facile
ma misterioso. Ma soprattutto il nero dice questo: Io non disturbo te e
tu non devi disturbare me" Y. Yamamoto
Nella cultura tradizionale giapponese il colore nero è associato allo

spirito del samurai e viene de nito il 'colore delle ombre' che lo stilista
esalta usando contrasti cromatici con il giallo, il bianco e il rosso,
concepiti come 'lampi di luce nell’oscurità'.
Y - 3
Oltre alle numerose collezioni rmate dallo stilista giapponese,

Yamamoto ottiene molto successo con la collaborazione con Adidas,
mediante la linea Y-3, nata nel 2003 con Adidas.
Successivamente, nasce la collaborazione con Kanye West per la

realizzazione del design delle Yeezy.
Far disegnare uno stilista di alta moda, una linea di sportswear si è

rivelata una mossa estremamente innovativa che ha in uenzato lo stile
degli ultimi decenni.
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L’Atelier
Anche se da sempre Yamamoto ha considerato come una seconda

casa Parigi la sede dell’azienda è rimane a Tokyo, nello stesso palazzo
dove all’inizio della sua attività lavorò anche sua madre, che fu per lui
una grande maestra.
Nel 2009 la Yohji Yamamoto Inc. dichiara bancarotta e così viene

ceduta alla Integral Corporation che ne gestisce le nanze, la
produzione e la distribuzione (la direzione creativa rimane comunque a
Yamamoto).
Attualmente Yamamoto continua ad collaborare con molti brand fa

s lare collezioni estremamente concettuali e di ricerca ra nata.
REI KAWAKUBO
(1942 - …)
Esordi
Rei Kawakubo nasce a Tokyo nel 1942.
Dopo gli studi all’università di Keio (come il suo amico Yamamoto),

inizia a lavorare nel reparto di comunicazione dell’azienda tessile Ashai
Kasei.
A partire dalla ne degli anni 60’, si a erma come designer freelance.
Nel 1969 fonda il marchio Comme des Garçons:
“come i ragazzi”
la nalità è la ribellione agli stereotipi di femminilità dell’epoca. Il brand

debutta a Tokyo nel 1973, specializzandosi inizialmente sul denim.
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Esordi
Nel 1978 Kawakubo debutta con la collezione menswear,
Nel 1981 invece, la prima collezione parigina diventa famosa, con la

caratteristica di soli abiti neri, asimmetrici e il più delle volte
destrutturati (strappati), con stampe tipiche degli anni 80.
L’anno successivo la capitale francese accoglie il primo negozio

europeo del brand: diventa una boutique simbolo dello stile post-
atomico asiatico (lo stesso di Yohji Yamamoto e Issey Miyake).
“Un dato fondamentale della mia carriera, è stato quello di averla

vissuta come un modo per essere esposta all’immediata reazione del
pubblico”.
R. Kawakubo
Lo stile CDG
Le principali tematiche che la stilista propone maggiormente sono:
l’utilizzo quasi totale del colore nero.
Il minimalismo e lo studio dei volumi oversize
l’abito che inizialmente è realizzato con le regole ferree della sartorialità

classica, e successivamente smantellato per poi essere ricostruito
Insieme a Martin Margiela, Rei Kawakubo è ambasciatrice del

cosiddetto “decostruttivismo”, (rottura dei canoni estetici della moda,
cartamodelli sviluppati alla rovescia e accostamenti volutamente brutti).
ISSEY MIYAKE
(1938 - 2022)
Un nuovo concept per la moda
Il concetto di moda per Miyake è sempre stato una perfetta sinergia tra
arte, precisione sartoriale, minimalismo e sperimentazione.
Per quanto riguarda la sperimentazione, Miyake è sempre stato famoso

per la sua ricerca sui materiali estremamente dettagliata e so sticata,
quasi maniacale nel suo rigore.
Assieme ad altri suoi colleghi quali Kawacubo e Yamamoto è stato uno

dei primi designer ad introdurre in Occidente la moda post-apocalittica
e il concept giapponese.
Esordi
Nasce a Hiroshima nel 1938, e nel 1945 diviene uno dei superstiti della
bomba atomica lanciata dagli americani.
Si laurea alla Tama Art University nel 1964 in Graphic Design.
Successivamente, si trasferisce a Parigi per studiare all'École de la

Chambre Syndicale de la Couture Parisienne.
Presto la sua bravura viene scoperta dai grandi maestri della moda e
diviene nelle sue collaborazioni apprendista da Hubert de Givenchy,
Guy Laroche per poi passare Geo rey Beene giungendo a New York.
Il tocco nale del cliente…
Nel 1970 fonda la sua Maison di moda in Giapone.
Il suo metodo è unico: una volta progettato un suo capo quasi

terminato, fa decidere al cliente l’ultima modi ca, al ne di renderlo più
personale e unico. Questo nuovo concetto di “made to measure” lo
renderà estremamente innovativo e rivoluzionario per l’epoca, tanto da
farlo debuttare nella alta società del tempo.
Lo stile Miyake
L'obiettivo essenziali dei suoi capi, è il legame che c’è tra l’uomo e il
materiale (tessuto) che lo veste.
I suoi pezzi si legano assieme mediante varie tematiche:
sartorialità non tradizionale.
proporzioni over
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pezzi unisex
Il suo successo avviene con la sua prima s lata a New York nel 1971:
è essenzialmente una collezione dedicata alla maglieria con disegni

dipinti a mano e realizzate con le tecniche del tatuaggio giapponese
tradizionale
L’Eau d’Issey…
Issey Miyake diventa sempre più famoso così nel 1992 lancia il suo
primo profumo: L’Eau d’Issey:
la tematica di questa fragranza è proprio l’acqua stessa, pura,

cristallina, con note lineari, come lo stile Miyake.
NOTE DI TESTA:
Ciclamino, Melone, Fresia, Loto, Rosa
NOTE DI CUORE:
Garofano, Giglio, Peonia Bianca, Mughetto
NOTE DI BASE:
Tuberosa, Ambra, Sandalo, Muschio Animale, Legni, Osmanto, Legno

di Cedro (Cedrus), Legni esotici:
Le innovazioni di Miyake
Il 1993, il designer trova la formula più vincente della sua carriera: un

nuovo metodo di plissettatura.
Ancora attualissima nelle sue collezioni, il suo metodo di plissettatura

diviene un suo marchio di fabbrica:
estremamente resistente, sia all’acqua che al movimento
varie tipologie di apertura (sbieco e non)
varie tipologie di materiali
Miyake sostenibile
Nel 1997, assieme all'ingegnere Dai Fujiwara sviluppato un modo

rivoluzionario per creare un singolo lo di lato:
Il processo A-POC (un pezzo di sto a) consiste nel realizzare un motivo

proporzionale alla forma del cliente, senza la necessità di aggiungere
cuciture per le niture.
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Questo nuovo metodo di produzione lo rende uno dei designer più
sostenibili del mondo.
Il ritiro e la ne…
Pur avendo estremamente successo, Miyake nel 1998 si ritira come

direttore creativo e si concentra sulla ricerca e sperimentazione nei
materiali.
Nel 2022 ci lascia uno dei più grandi Maestri della couture asiatica.
STILISTI FRANCESI E ITALIANI
MARTIN MARGIELA
(1957 - …)
Esordi
Viene ritenuto come uno dei pionieri “metamoda”.
Nasce nel 1957 in Belgio.
Si laurea all’Accademia Reale di Anversa e inizia a lavorare come

assistente di Jean Paul Gaultier.
Nel 1988 fonda la sua Maison Martin Margiela e nel 1989 debutta con la
sua prima collezione a Parigi.
Lo stile Margiela
Il designer è un cultore del cosiddetto destrutturalismo:
tagliare e rimontare insieme parti di abiti vecchi
mettere in mostra fodere e parti interne
staccare e rimontare i cartamodelli in modo nuovo.
Questo nuovo approccio di moda apre ad un nuovo concept e si

specializza così nel riutilizzo dei materiali di recupero:
Sinergia tra minimalismo e stile punk molto gettonato in quegli anni.
uso del patchwork
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uso di materiali molto comuni (sughero per i gioielli, posate vecchie
come bracciali, piatti rotti come nuova passamaneria.
I colori dominanti delle collezioni di Martgiela, sono il nero, il bianco e il

rosso.
Il ritiro dalle scene
A partire dagli anni ‘90 invece, Martin Margiela decide di non mostrarsi
più al pubblico, imponendo nella sua esistenza un vero e proprio culto
dell’assenza
Declinava inviti personali,
ri utava fotogra e u ciali e le interviste
Alle telefonate adotta la formula di plurale maiestatis, rispondendo

sempre a nome della Maison.
Decide in segno di anonimato pure il suo nome dall’etichetta e

diventando pura astrazione, la leggendaria targhetta ( ssata solo da 4
punti di cucitura) diventa bianca per lasciar parlare le sue creazioni.
La Maison Hermes e la sostituzione con Galliano
Dal 1997 al 2003 oltre alla sua Maison diventa designer di Hermès in cui
presenta collezioni dalle forme minimal e applica il suo metodo di
decostruzione anche nel mondo degli accessori.
Nel 2014 esce de nitivamente di scena lasciando il posto della Maison

Margiela al direttore creativo attuale John Galliano.
Film :
Martin Margiela: In His Own Words (2019)
Regia: Reiner Holzemer
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DOLCE & GABBANA
(D.1958 - S.1962)
Esordi
Domenico Dolce nasce nel 1958
come Gianni Versace, n da piccolo cresce nella sartoria di famiglia.
Dopo il liceo si trasferisce a Milano, frequenta l’Istituto Marangoni.
Stefano Gabbana invece nasce a Milano nel 1962 e studia gra ca.
L’incontro tra i due avviene nel 1981: fondano così la Dolce & Gabbana,
e nel 1985 presentano la loro prima collezione in una selezione di stilisti
emergenti.
Le prime collezioni
le loro prime collezioni vengono realizzate con un budget estremamente

ridotto: le modelle sono reclutate nella cerchia dei loro amici e le
vendite sono piuttosto deludenti.
La quarta collezione invece segna l’inizio del successo.
Uno dei pezzi più amati e iconici di Dolce & Gabbana è il cosiddetto
“vestito siciliano”.
Altro capo iconico è il corsetto, che nel tempo ha vissuto decine di re-
interpretazioni.
Lo stile Dolce&Gabbana
Lo stile Dolce & Gabbana tocca da sempre molte tematiche:
tema siciliano: colori, pattern con carri.
Gli accostamenti di tessuto improbabili (tulle con pizzo o lana),
Accessori di varie colture (bombette inglesi e rosari tipicamente siciliani)
Lo stile di Dolce&Gabbana è famoso per grandi riferimenti ai lm

ambientati nella Sicilia.
Per le loro campagne pubblicitarie, vengono realizzate con grandi icone

del nostro tempo, quali Monica Bellucci o Naomi Campbell.
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18) Gli anni 00’ e IMPOSTAZIONE
D’ESAME
2023
XXI sec.
2000
IL NUOVO MILLENNIO
La moda del 21° secolo è caratterizzata da una combinazione di

tendenze contemporanee e stili retrò.
L'industria della moda ha subito una trasformazione signi cativa con

l'ascesa della tecnologia, dei social media e della sostenibilità.
La sostenibilità è uno degli obiettivi principali dell'industria della moda

del 21° secolo, con molti designer e marchi che si spostano verso
pratiche rispettose dell'ambiente.
I materiali sostenibili come il cotone organico e i tessuti riciclati sono

ora comunemente usati, e c'è anche una spinta verso la riduzione degli
sprechi e la promozione della moda circolare.
LO STILE 00’
In termini di stile, l'abbigliamento sportivo e lo streetwear sono diventati

più mainstream, con l'abbigliamento casual e comodo che sta
diventando sempre più popolare:
pantaloni a vita bassa,
lingerie a vista,
bandana e foulard
monospalla o senza spalline,
"denim culture" associata a colori fosforescenti o, di contro, pastello
Anche il minimalismo e la semplicità sono tendenze popolari, con linee

pulite, colori neutri e silhouette classiche che dominano molte
collezioni.
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In ne, la diversità e l'inclusione sono ora elementi chiave nell'industria
della moda del 21° secolo, con un focus sulla creazione di
abbigliamento che includa tutti i tipi di corporatura e sico.
Ciò ha portato a una gamma molto più ampia di dimensioni, stili e colori
disponibili per i consumatori.
Jennifer Lopez for Versace, 2000
Sarah Jessica Parker for Dior
Victoria Beckam for Herves Leger
Kim Kardashan’s juicy tracksuite
LA NUOVA FIGURA DEL DESIGNER
I designer del 21° secolo sono noti per le loro prospettive uniche sulla
moda e la loro capacità di fondere le tecniche tradizionali con la
tecnologia moderna. Molti designer si concentrano anche sulla
sostenibilità e sulle pratiche etiche, utilizzando materiali riciclati e
riducendo gli sprechi nei loro processi produttivi.
Una tendenza degna di nota tra i designer del 21° secolo è il desiderio
di creare abiti che si adattino a diverse occasioni e stili di vita.
Molti designer stanno creando abiti che possono essere vestiti “up and
down”, rendendoli versatili e pratici da indossare tutti i giorni.
Stilista
Amministratore delegato / Socio Fondatore
Sta
Premiere
U ci di riferimento
(produzione)
(amministrazione)
comunicazione
etc…
Sartoria / modellista
UFFICIO STILE
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UFFICIO PRODOTTO
UFFICIO COMUNICAZIONE
UFFICIO RETAIL
BRAND
COMPAGNIA
Direttore Creativo
Co-Direttore
U cio campionatura
U cio modellista / sartoria
Sta generale
Direttore Prodotto
Responsabile produzione
Responsabile forniture
Responsabile amministrazione
Sta generale
Direttore Comunicazione
Rrsponsabile PR
U cio Stampa
Comunicazione interne
Sta generale
Direttori Commerciali
U cio vendite
E-commerce
Responsabile visual
Sta generale
VEDERE FOTO
LE NUOVE TECNOLOGIE
Un'altra tendenza è l'uso della tecnologia nel fashion design, come la

stampa 3D e la stampa digitale. I designer utilizzano la tecnologia per
creare abiti su misura, modelli e trame intricati e materiali innovativi che
sono sia funzionali che visivamente accattivanti.
In ne, i designer del 21° secolo stanno anche diventando più

consapevoli dal punto di vista sociale e politico, utilizzando le loro
piattaforme di moda per aumentare la consapevolezza su questioni
importanti e promuovere un cambiamento positivo.
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Molti designer stanno incorporando la diversità e l'inclusività nelle loro
collezioni, presentando modelli di tutte le età, taglie ed etnie e
utilizzando i loro design per fare a ermazioni audaci sul genere e sulla
giustizia sociale.
LA MODA SOSTENIBILE
Ci sono molti importanti stilisti del 21° secolo, tra cui Alexander
McQueen, Tom Ford, Phoebe Philo e Virgil Abloh, solo per citarne
alcuni. Questi designer hanno avuto un impatto signi cativo
sull'industria della moda attraverso le loro visioni uniche, design
innovativi e impegno per pratiche sostenibili.
Il concetto di moda sostenibile sta diventando sempre più importante

nel 21° secolo, poiché sia i designer che i consumatori riconoscono
l'importanza di ridurre gli sprechi e proteggere il pianeta.
La moda sostenibile si riferisce all'abbigliamento realizzato con

materiali ecologici e metodi di produzione etici. Ciò include l'uso di
tessuti organici, materiali riciclati e la riduzione degli sprechi nel
processo di produzione.
I NUOVI BRAND ETHIC/CONCEPT
Molti marchi di moda etica sono emersi nel 21° secolo, tra cui
Patagonia, Everlane e Veja. Questi marchi danno la priorità alle pratiche
sostenibili e alla trasparenza nei loro processi di produzione. Si
concentrano anche sulla riduzione degli sprechi nella produzione e sulla
creazione di abiti fatti per durare, piuttosto che contribuire al ciclo del
fast fashion.
Incorporare pratiche sostenibili nel design della moda non è solo

importante per la salute dell'ambiente, ma è anche un fattore chiave
nella creazione di una moda consapevole e responsabile che sia
migliore sia per le persone che per il pianeta.

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Appunti Storia Del Costume

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Storia del costume

“Gli Argonauti del Paci co dell’Ovest”, I Ed. 1922.

Viene considerato uno dei padri dell’Antropologia Culturale.

METODOLOGIA DI RICERCA ANTROPOLOGICA

uno delle operazioni più delicate, è quello di non separare la vita

Egli raccoglie una serie di dati “concreti”, ossia la priorità di dati

Oltre allo “scheletro” della istituzionalità indigena, è necessario capirne

Ultimo tipo di fenomeno, accanto al solido schema della struttura della

COLORE(Palette colori e sfumature)

ANNO (Contesto storico)

TIPO DI PRESENTAZIONE (fotogra a, quadro, artista)

DETTAGLI (gioielli, capigliatura)

30.000 - 25.000 a.c.

Presenza di tintura rossa

Una delle prime testimonianze di cappello?

30.000 - 26.000 a.c.

Appartenente alla cultura Gravettiana.

Copricapo ben visibile intrecciato femminile

Appartenente alla cultura Gravettiana.

Presenza di decorazioni ornamentali: perline bianche, gusci di lumache,

Pelli di animali (decorati con perle e denti).

Prime testimonianze di materiale tessile (primi intrecci di tessuto e bre)

Scoperto in Scandinavia, in una torbiera.

Probabile morte causata da un sacri cio. (circa 40 anni).

Presenza di una cintura cucita ed intrecciata alla gonna.

Presenza di un bottone per fermare la grande sciarpa realizzata in osso

Pelliccia realizzata con 11 pelli con presenza di amuleti e pettine rosso

Pitture nella caverna con costumi cerimoniali.

Presenza di copricapi alti e piumaggio o frange.

12.000 anni fa. (AUSTRALIA)

3300 - 3100 anni a.C

Corpo intatto con indumenti e strumenti quotidiani.

Con il carbone vegetale sparso nella ferita si creava l’immagine

LINEE PUNTI E CROCETTE

dal min 13.08 al min 20.13

3900 a.C. (periodo predinastico) al 342 a.C. ( periodo tardo)

5000 a.c. - Prime testimonianze di El Fayyum

Frammento di tessuto in lino risalente al 1236 a.C.

SCHIAVI: PERIZOMA O GONNELLINO

CONTADINI: PERIZOMA O GONNELLINO

ARTIGIANI E MERCANTI: GONNELLINO PLISSETTATO

SOLDATI: GREMBIULE DI CUOIO

SACERDOTI E SCRIBI: PELLI DI ANIMALI (PANTERA)

FARAONE: COPRICAPO E CODE DI ANIMALI (BUE O LEONE)

Lo shenti era un indumento bianco simile a una gonna, un pezzo di

Le donne erano spesso molto scoperte, infatti il corpo nudo

Mostra presso Palazzo Zaguri, Venezia

Sumeri: Dal 4000 a.c. al 2000 a.c

Babilonesi: Dal 2000 a.c. al 1100 a.c.

Assiri: Dal 1100 a.c. al 600 a.c.

Babilonesi: dal 600 a.c. al 500 a.c.

Gonna media lunghezza

Tardo periodo, presente monospalla, presente dei ricami come

Soldati e contadini indossavano un costume meno elaborato e più

Sopra il Kandys, indossavano spesso un drappo in lana decorata

Realizzato in tessuti pregiati quali lino o seta a seconda del proprio

Colori vivaci con drappi e frange.

Barbe e capelli decorata in li d’oro.

Amministratrice della casa

Vari occasioni e quindi varie tipologie di abiti

-Ben documentato soprattutto nella ceramogra a attica della prima

-Abito di lana pesante.un rettangolo di sto a pesante (lana) avvolto

Abito leggero, di lino.

Veniva spesso accompagnato dal himàtion, una sorta di mantella che