MUSICA BAROCCA

La musica barocca è legata all'arte barocca, che si sviluppa dalla fine del Rinascimento all'inizio
dal S. XVII fino alla metà del S. XVIII, che darà inizio al Neoclassicismo. Si sviluppa dal 1607,
premiere dell'opera Orfeo ed Euridice, di Monteverdi, fino al 1750, morte di Johann Sebastian Bach.

Le sue caratteristiche coincidono, fondamentalmente, con le altre arti. Il termine barocco fu preso dalla
architettura, dove designava qualcosa «attorto», una costruzione «pesante, elaborata, avvolta» (il
il termine originale descriveva una perla deformata o gioiello falso). Nel XVIII secolo è stato usato in senso
peiorativo per descrivere le caratteristiche del genere musicale del secolo scorso, che si considerava
«tosco, strano, ruvido e antiquato». Nell'architettura barocca spiccano i movimenti dei
facciate, i frontoni spezzati, le colonne contorte o salomoniche, ornamenti elaborati e
ritorcimento nelle forme. Nella pittura, si favorisce il movimento delle figure–anche nelle
immagini–, le tecniche di chiaro scuro o tenebrismo. Nella musica si sviluppa al massimo l'armonia di
le voci e gli strumenti, l'uso del basso continuo, frequenti fioriture e risorse espressive. Anche
partecipa dello splendore e della vita galante della nobiltà e delle monarchie assolute del momento, così
come della pompa e del lusso propri di queste corti.

È uno dei periodi più importanti della Storia della Musica per il grande spirito di creazione
che c'è in lui. Con compositori di massima altezza, come Vivaldi, Haendel o Bach, che influenzeranno
potentemente nella posterità. La
l'orchestrazione acquista valore di per sé,
indipendentemente dal testo o dalle voci,
anche se accompagna frequentemente a
si dispiegano nuove tecniche
compositive e una maggiore conoscenza dei
strumenti. Si espande la forma sonata, il
concerto grosso, l'opera, l'oratorio e il balletto.
Si considera la musica come trasmettitore di
emozioni, fatto che acquisirà il suo massimo
espressione, più tardi, nel romanticismo.

La stragrande maggioranza dei compositori della

epoca barocca lavoravano al servizio di
mecenati appartenenti all'alta Aristocrazia o
alto clero: re e principi tedeschi
cardinali, arcivescovi o istituzioni religiose
(come cattedrali o conventi notevoli). Solitamente
completare i suoi guadagni con l'editoria e la vendita
delle proprie opere stampate. In tutti i
casi erano interpreti che suonavano e dirigevano
le sue stesse opere, composte in generale per
le funzioni indicate dal loro schema: liturgia,
musica da camera, musica cerimoniale, ecc.
Caratteristiche generali e stilistiche

Le principali caratteristiche comuni della musica dell'epoca barocca sono:

A differenza del Rinascimento, la musica non cerca di servire semplicemente la parola, ma di superarla,
di cantarla "affettivamente".
Si impone il sistema armonico, vale a dire, la tendenza verticale, non orizzontale, come nel
Rinascimento, per cui le voci hanno un'importanza diversa; ce n'è una principale e le altre
servono da accompagnamento armonico, questo si chiama monodia accompagnata.

· Lo sviluppo dell'armonia tonale, in cui il movimento melodico delle voci è subordinato a

progressione di accordi funzionali, costruiti a partire dal basso continuo. Il ritmo armonico è veloce
(cambio frequente di accordo).
Si impiega la dissonanza tanto nelle parti forti che nelle parti deboli del tempo.
· La presenza obbligatoria del basso continuo: accanto alla linea melodica più grave (il basso) si scrivono
alcuni numeri che riassumono l'armonia delle voci superiori. Il basso continuo era interpretato
abitualmente da uno o più strumenti melodici gravi (violoncello, viola da gamba, fagotto...) più
uno strumento armonico che improvvisava gli accordi (clave, organo positivo, liuto, arpa,...).
Il ritmo del basso stabilisce un tempo chiaro e semplice, molto uniforme, persino meccanico.
· Si cerca un ritmo molto marcato, che si chiama ritmo meccanico, per le sue pulsazioni forti e
normalmente ripetute. Perciò il movimento diventa, come nella pittura, uno degli elementi
vitali della musica barocca.
· Lo sviluppo di un linguaggio strumentale proprio differenziato da quello vocale, con adattamento di
scrittura musicale per ogni tipo di strumento (scrittura idiomatica). Nei teatri d'opera appare la
orchestra, con predominanza di strumenti a corda arco, base dell'attuale orchestra sinfonica.
· L'apparizione di nuove forme vocali e strumentali: l'opera, l'oratorio e la cantata tra le
prime, e il concerto, la sonata e la suite tra le seconde.
· Il gusto per i forti contrasti sonori (tra cori, tra famiglie strumentali o tra solista e
orchestra), materializzato nella policoralità e nello «stile concertante», in opposizione all'uniformità di
texture e timbri abituali del Rinascimento.
· L'ampio spazio lasciato all'improvvisazione, sia nelle opere libere che in quelle già scritte, sotto forma di
ornamentazione.
· Non sono più intercambiabili i vari generi musicali, ovvero la musica strumentale non può essere
cantare, e viceversa; cominciano a differenziarsi chiaramente questi due stili.
· Strumenti: Clave, organo, violino, viola, viola da gamba, liuto, fagotto, violoncello, flauto e oboe.
Estetica e funzione della musica nel Barocco

L'uomo del barocco vive un'epoca di crisi, sia economica (importante recessione economica, cattive
cosechas, mala produzione…) come spirituale. In piena lotta tra la Riforma luterana e la
Nella controriforma cattolica, la musica fu utilizzata come mezzo di propaganda dalle chiese in
competizione e per l'alta nobiltà, uniche istituzioni (insieme ad alcune città libere) capaci di
mantenere una cappella di musicisti professionisti. Prodotto di questi fini è, come in altre arti di
epoca, una estetica espressiva e teatralizzante: profusione nell'uso dell'ornamentazione, drammaticità,
uso di risorse per la pompa e lo sfarzo nei spettacoli pubblici, forti contrasti sonori...
Nei generi vocali la musica è subordinata alla poesia, poiché il suo scopo è il rafforzamento nella
trasmissione del senso e dei sentimenti legati alla parola. Lo spettacolo di maggior successo, e che
meglio riassumere il gusto e l'estetica dell'epoca, sarà l'opera, fusione di poesia, musica e teatro. La
La chiarezza nella dizione dei testi è quindi una condizione fondamentale, imposta sia nella musica
religiosa come in quella teatrale (apparizione dello stile recitativo).

La diversificazione degli stili

Nell'epoca barocca si rompette l'unità dello stile musicale dell'Europa rinascimentale: convivevano
diversi stili, utilizzati con piena consapevolezza dai compositori a seconda del luogo in cui
lavorano e il genere musicale praticato.
Una prima differenziazione si dava tra elstile antico (stylus gravis), consistente nella permanenza di
la vecchia polifonia rinascimentale (marginale ma vigore, ad esempio, per tutto il XVII secolo in parte del
musica religiosa italiana e spagnola), contro lo stile moderno (stylus luxurians), ormai pienamente barocco e
generalizzato nella musica teatrale e da camera. Così, Monteverdi scrisse la sua Messa da capella come
esempio dello stile antico, e Bach denominava musica concertata le sue cantate di chiesa per
contrapposizione a motetti o corali più semplici.
Due stili nazionali completamente differenti dominarono chiaramente la musica europea del
Barocco medio e tardivo:
·Lo stile francese. Con la corte di Luigi XIV a Versailles come centro di irradiazione e Lully come
riferimento. È uno stile fortemente conservatore basato su forme di danza: pezzi brevi (uniti in
suite), in forma fissa bipartita, strutturate in frasi chiuse e simmetriche, con armonie molto
restringite (anche se usate con sottile immaginazione) e una complessa ornamentazione, standardizzata in
figure scritte.
Lo stile italiano. Grazie all'innovazione stilistica costante generata nelle città italiane
(Venezia, Napoli, Roma e, soprattutto, Bologna), le invenzioni della musica italiana furono imitate
in tutti i centri musicali europei, compresi quelli francesi, fino al punto che lo stile italiano
si impose nel XVIII secolo in tutto il continente. Lo stile italiano, esemplificato in Vivaldi, si
caratterizzava per una tonalità fortemente marcata tramite scale, cadenze e progressioni, la
melodia al servizio dell'armonia, le frequenti modulazioni, il rapido ritmo armonico, le sue forme
aperte (di frasi asimmetriche) e l'uso libero dell'improvvisazione.
Il resto delle nazioni imitava uno o l'altro di questi stili: così, in Germania, i compositori si
adattavano alternativamente a uno o all'altro, applicando nel tempo la forte tradizione polifonica locale: per
esempio Telemann ha scritto centinaia di overture e concerti, mentre Bach ha esemplificato le sue versioni di
uno e l'altro stile nella sua prima pubblicazione, che includeva il Concerto italiano (BWV 971) e l' Obertura a la
francese (BWV 831).
Fasi e evoluzione

Il Barocco iniziale (1580-1630)

Dalle ultime decadi del XVI secolo ebbe inizio la dissoluzione del antico stile polifonico rinascimentale,
caratterizzato da una texture polifonica imitative omogenea. Le sue principali novità furono:
Si inizia a dare valore affettivo e violento alle parole attraverso la musica. Si cerca la dissonanza.
Le opere sono ancora di poca estensione. Inizia la differenziazione tra musica vocale e strumentale.
La policoralità, tipica della musica religiosa della scuola veneziana (Giovanni Gabrieli), consiste in
nella alternanza tra diversi gruppi vocali o strumentali situati in diverse posizioni (cori
spezzati, tipici della Basilica di San Marco). Un'evoluzione naturale della policoralità fu lo stile
concertante, in cui si confrontano strumenti contro voci (come nei concerti ecclesiastici), o
solisti contro il gruppo generale.
· La monodia accompagnata, in cui una sola voce acuta concentra tutto l'interesse musicale. Il suo
l'accompagnamento strumentale si scriveva in forma stenografica come basso continuo. La Camerata
Florentina è stata decisiva nella diffusione di questa monodia accompagnata, il cui obiettivo è mettere la musica
come serva della parola, si cristallizzò finalmente nell'opera; per questo li interessava imitare l'antica
monodia ellenica con accompagnamento di chitara: Vincenzo Galilei, padre dell'astronomo Galileo
scrisse nel 1581 un trattato contro il genere musicale polifonico nederlandese intitolato Dialogo della
Musica Antica e Moderna. I nuovi generi musicali recitativo, espressivo e rappresentativo
utilizzavano inoltre nuove libertà nelle dissonanze e modulazioni (seconda prattica).
In quel contesto artistico appare la figura del cremonese Claudio Monteverdi. Maestro del stile antico
(applicato al genere polifonico madrigale) e dello stile moderno (la monodia accompagnata), darebbe forma a quella
opera appena creata. In parallelo ad essa si sviluppò l'oratorio religioso, grazie all'influenza di Filippo
Neri.

Il Barocco medio (1630-1680)

Il successo internazionale della musica italiana in generale e dell'opera in particolare si è diffuso in tutto il
Europa (Germania, Austria, Inghilterra, Spagna...) le risorse della monodia e dello stile concertante.
Nel frattempo, in Italia autori come Cesti, Francesco Cavali e Luigi Rossi, ammorbidivano la durezza del
stile monodico originale per sviluppare l'opera belcantista, in cui si separavano già chiaramente
recitativi e arie. La nuova opera passò da essere uno spettacolo aristocratico a intrattenimento delle
capi alti della classe media, grazie alla libera vendita di biglietti nei teatri napoletani e
veneziani. L'opera francese (sotto diversi nomi) iniziò la sua ascesa alla corte di Luigi XIV,
Nello stesso tempo e luogo in cui la famiglia Hotteterre sviluppava i nuovi strumenti in legno
barocchi (oboè, fagotto, flauti traversi e dolci...) e su cui si soffermava la suite strumentale francese.
Nel nord Italia (Modena, Venezia e, soprattutto, la scuola bolognese) la musica strumentale si stabilisce
le basi della tonalità e delle forme del Barocco tardo. Autori come Legrenzi, Cazzati, Alessandro
Stradella o Vitali trasformano la vecchia canzone nella nuova sonata in trio, di spiccato carattere virtuoso e
contrapuntistico.
È l'epoca dell'Opera e della Cantata.
Il Barocco tardivo (1680-1730)
Il Barocco tardivo si colloca approssimativamente tra il 1680 e il 1730. Ancora una volta è l'Italia il paese che ha segnato
le tendenze innovative, tra cui i tratti più notevoli sono:
Le forme acquisiscono dimensioni lunghe.
· Appare lo stile Concerto, già ben costituito, e con esso l'enfasi sul ritmo meccanico.
· L'adozione completa delle formule tonali, a partire dalla scuola bolognese (Torelli) e più tardi Corelli:
cadenze frequenti e molto chiare come marco formale, progressioni con movimento di quinte,
catenate di ritardo, accordi paralleli di sesta...
· L'estensione dello stile da concerto, applicato all'opera e alla musica strumentale: uso dei ritornelli.
contrasti tra tutti e solo, bassi di grande spinta ritmica, passaggi in unisono, omofonia governata da
il basso continuo...
La musica strumentale domina su quella vocale.
La enorme influenza di Corelli portò lo stile italiano in tutta Europa. In Francia soppiantò addirittura il
fortissima tradizione musicale locale originata in Lully, non senza grandi resistenze (fino alla tarda querelle
dei buffoni), e in Inghilterra furono direttamente i suoi discepoli, come Francesco Geminiani, i
autori più influenti. Autori tedeschi di prim'ordine come Bach, Telemann e Händel studiarono e
imitarono lo stile italiano.
I compositori barocchi la cui musica è attualmente più diffusa appartengono alla generazione
nacida intorno al 1685: Antonio Vivaldi in Italia, G.F. Handel in Inghilterra, J.S. Bach e G.P. Telemann
in Germania, J.P. Rameau in Francia e Domenico Scarlatti, spagnolo di adozione.

La transizione al Classicismo (1730-1750)

A cavallo del Barocco ci sono diverse tendenze estetiche: lo stile galante francese dal 1730, lo sviluppo
in Italia dell'opera buffa, della sonata e della sinfonia, e dello stile sentimentale (Empfindsamer Stil) tedesco;
essi costituiscono una sorta di pre-classicismo. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), uno dei figli
di Johann Sebastian, è considerato il padre della sonata classica.

Gli strumenti barocchi

Nel Barocco c'è una serie di strumenti che si faranno notare:

Famiglia di vento:
- L'oboe: appare in Francia attorno al 1650 come adattamento a la
chirimía rinascimentale.
Il clarinetto: i primi clarinetti iniziano a essere costruiti a
principi del XVIII secolo.
L'organo: è lo strumento più spettacolare del Barocco.
Autori come J.S. Bach svilupperanno la tecnica di questo
strumento fino a limiti insospettati.

Famiglia di corde:
- Il violino: La famiglia degli strumenti ad arco (violino, viola, violoncello e
Il contrabbasso sarà il grande protagonista della musica barocca. I migliori
i liutai, come la famiglia Stradivari, realizzeranno i migliori violini di
la storia.

Principali compositori del Barocco

- Johann Sebastian Bach (1685-1750) Germania. Per alcuni,

il miglior musicista di tutti i tempi. Tra le sue opere, "Il clavicembalo"
ben temperato”, “L'arte della fuga”, vetta del clavicembalo. E la cosa più
incredibile, la Sua Passione secondo Matteo. La Sua influenza nel
la musica successiva è indiscutibile. Discendente e progenitore di
una ampia famiglia di musicisti, compose con maestria e un
linguaggio complesso ma accessibile. Durante il periodo
il classico cadde in una sorta di oblio da cui sarebbe stato recuperato quasi un
secolo più tardi Félix Mendelssohn. Fu conosciuto nel suo tempo
come virtuoso organista e improvisatore, anche se oggi la sua figura
trascenda come compositore.
- Georg Friedrich Händel (1685–1759) Germania-Inghilterra. Insieme a J. S. Bach costituiscono la
culmine, non solo della musica barocca, ma della musica universale. Compositore tedesco naturalizzato
inglese a 42 anni. Il suo talento da bambino lo portò a studiare con Zachow, con il quale divenne
organista e interprete di clavicembalo, violino e oboe. Intraprende vari viaggi in tutta Europa e conosce
compositori importanti. Verso il 1715 la sua fama è enorme, ma quindici anni dopo cade nell'oblio,
del che rinasce al compiere cinquanta anni, cambiando il suo genere preferito dall'opera all'oratorio
ponendo più accentuazione nella melodia. Più tardi, la cecità gli avrebbe impedito di continuare a comporre. Fu un
maestro del contrasto, specialmente nella musica corale.

- Antonio Vivaldi (1678-1741) Italia. Una delle grandi figure del barocco. Consacrando la forma
concerto che inizierà Corelli. Compositore e violinista italiano.
Figlio di un violinista consacrato della cappella di San Marco a
Venezia, dà i suoi primi passi musicali con Legrenzi. Una
una volta ordinato sacerdote, è nominato maestro di violino del
Orfanato della Pietà, la cui orchestra di signorine si trasforma
in uno dei migliori gruppi strumentali dell'epoca,
dirigiti dal petre rosso (il prete rosso), nome con cui si
conoscevo Vivaldi per il colore dei suoi capelli. È conosciuto
principalmente per le sue opere strumentali, tra cui
destacan diversi cicli di concerti con violini solisti, ma
oltre a comporre per altri strumenti concerti e musica
da camera, oltre a opere. Il suo stile in modo chiaro,
l'impulso ritmico e il flusso di idee musicali influenzarono il linguaggio
concertistico di J.S. Bach e altri compositori successivi.
Compose circa 770 opere, tra cui spiccano 46 opere.
477 concerti di cui si conservano 443. "Le quattro stagioni" è la sua opera più famosa.

- Claudio Monteverdi (1567–1643) Italia. Potremmo dire che in lui si unisce la fine della musica
rinascimentale, con i suoi famosi madrigali, e l'inizio del barocco, che raggiunge il suo splendore nel
opera Orfeo e Euridice. È considerato il padre dell'opera.

- Henry Purcell (1659-1695) Inghilterra. Probabilmente il miglior compositore inglese di tutti i tempi.
Era figlio di un musicista della Cappella Reale e maestro di coro dell'Abbazia di Westminster, quindi
fin da bambino imparò i fondamenti della musica, lavorando poi al servizio del vescovo e del re. Con
una volta anni, si attribuisce la composizione di un'ode in onore di Carlo II. A partire dal 1673 lavora con
Hingeston nella restaurazione e conservazione di strumenti reali e come copista. Nel 1679 succede a
su maestro Blow come organista, mantenendo questo incarico fino alla sua morte. Le sue prime opere
combinano elementi tradizionali con altri innovativi, componendo musiche per accompagnare
rappresentazioni teatrali, anche se senza affrontare direttamente l'opera fino a 'Didone e Enea' 1689.
Ha composto anche musica strumentale, religiosa e canzoni. Tra le sue opere è degna di nota Didone.
e Enea (1689). Ma l'opera che gli diede più fama fu “Musica per i funerali della Regina Mary”:
Maria II d'Inghilterra (1662–1694).

- Arcangelo Corelli (1653-1713). Fu famoso come compositore e come interprete, viaggiò in Francia e
Inghilterra in varie occasioni, essendo accolto con giubilo dall'alta aristocrazia. Solitamente lo chiamavano il
Principe dei musicisti. Il suo maggior contributo fu la creazione del concerto grosso.
- Johann Christoph Pachelbel (1653-1706). Organista e clavicembalista tedesco. Fu maestro di un
fratello maggiore di Bach. È passato alla posterità, soprattutto, per il suo celebre Canone in Re maggiore,
per tre violini e basso continuo.

- Alessandro Marcello (1669-1747). È autore di numerosi concerti, tra cui spicca "La
Ha anche raggiunto i nostri giorni grazie al suo celebre Concerto per oboe e orchestra.

- Tomaso G. Albinoni (1671-1751). Era ammirato tra i suoi contemporanei come compositore d'opera,
le quali sono praticamente passate nel dimenticatoio. Ricordandolo, al giorno d'oggi, le sue composizioni per
orchestra, come il celebre El Adagio in sol minore.

-Jean Philippe Rameau (1683-1764). Grande clavicembalista e teorico della musica. Spicca, tra i suoi
opere, l'opera– balletto, "Le indiane galanti".