Black to the Future.
Arte contemporanea
e pratiche creative
dell’abbigliamento in
Africa e nella Diaspora
“P
erché non vedere l’ambizione all’elegan-
za come espressione della volontà di so-
pravvivere?” Inaspettato, e stimolante,
l’interrogativo1 della fashion designer e
filmmaker maliana Awa Meïté, pone del-
le domande. Sulla forza creatrice della bellezza, certo, ma
soprattutto sulle ragioni che nel suo mondo fanno della ri-
cerca dell’eleganza un bisogno, una questione vitale. Come
spiegare altrimenti una tale enfasi sul modo di apparire?
Partendo dal Mali, pur con i limiti di ogni generalizzazione,
potremmo andare oltre fino ad affermare che l’aspirazione
all’eleganza, e segnatamente la ricerca di un look d’impatto
attraverso lo stile appariscente degli abiti, da quelli di para-
ta a quelli di strada, è modalità ricorrente attraverso cui in
Africa, nelle culture black delle diaspore e nelle travagliate
comunità di migranti, si rafforza la componente performa-
tiva, negoziale e relazionale di identità composite.
In altre parole, la messa in scena del corpo attraverso un
abbigliamento d’effetto, e fortemente assertivo, appare
come una pratica diffusa nei contesti di socializzazione, di
aggregazione e competizione in quell’ampia e diversifica-
ta galassia in cui oggi molti si riconoscono come apparte-
nenti a una comunità nera globale all’interno della quale,
come dice la scrittrice e sceneggiatrice anglo-nigeriana
Theresa Ikoko, «si sente una connessione».2 E dove il «di-
ritto all’immaginazione», di cui ci parla Arjun Appadurai
(2001: 77-92), fondamentale nella costruzione di identità
in grado di reggere le sollecitazioni e le ansie della globa-
lizzazione, trova proprio nell’inventività del vestirsi una
delle sue forme espressive, in modo particolare nelle me-
tropoli dell’Africa occidentale e centrale, dove diviene una
sorta d’intonazione generale.
«Espressione della volontà di sopravvivere». L’enfasi non
è fuori luogo, anzi. Queste forme di espressività sono atti
performativi che trasformano chi li produce, valorizzando
il singolo – le apparenze contano come mise en place di sé
– e nello stesso tempo portano avanti una serie di istanze
collettive. Così, dati gli stretti rimandi fra corpo, persona
e personalità e considerato il ruolo cruciale del pubblico
che assiste, la performance estetica ed emozionale del
corpo rivestito con outfit eclatanti – in cui abbigliare è ab-
bagliare (e qui il richiamo obbligato è alla celebre SAPE)
– incarna l’intenzione strategica del performer in risposta
al contesto e sta lì a mostrare che il corpo vestito in quella
maniera è un corpo in azione. Insomma, nei diversi scena-
ri in cui si dispiega e interagisce l’abbigliarsi è una forma
efficace di agency, non solo per essere visti, ma per allar-
gare la sfera di azione e di relazione della persona in un
mondo fortemente globalizzato, interconnesso anche nel-
la spettacolarità generalizzata e nella tensione permanen-
te che l’apparire o il rischio dell’invisibilità comportano.
Il corpo, dunque, come primo luogo in cui si incarnano
identità problematiche e in movimento, prodotte dalle
connessioni e dalle tensioni tra mondi locali e più ampi
scenari storici, economici, politici. Un corpo motore di
creatività e moltiplicatore di presenza sociale, che si spe-
rimenta in performance condizionate dal giudizio estetico
e orientate in qualche misura dalle reazioni di chi guarda,
1
E EDITORIALE

assiste, partecipa. Un corpo immerso in un corso di vita

fluido, operante e incorporante ciò che lo circonda.
La questione non può quindi ridursi a un semplice tra-
sporto diffuso per l’eleganza spettacolare. Se l’inclina-
zione al vestirsi per fare colpo si aggancia allo spirito
del tempo (dress to impress) lì però non si esaurisce. Nel
nesso fra corpo e vestito vi è la costruzione del sé pub-
blico, individuale e comunitario, di classe e di genere,
l’incorporazione di modi di vivere, sentire e pensare,
una stratificazione storico-culturale fatta di eredità as-
sunte e dismesse, rivendicate e subite. Da questo punto
di vista potremmo dire che ogni vestito è un patchwork,
una composizione più o meno riuscita di elementi etero-
genei. Come dimostra tutta la storia dell’abbigliamento e
dei commerci di tessili e filati, è una vicenda di incessanti
appropriazioni e trasformazioni.
In molte tradizioni di pensiero africane la costruzione
culturale del corpo ruota intorno all’esigenza di poten-
ziarlo. Attrezzare il corpo, infatti, contribuisce non poco
a esaltarne la potenza esistenziale e creativa. Va in que-
sta direzione l’incorporazione di segni-forza, non di rado
anche di origine straniera, come è stato il caso, in epoca
coloniale, di stoffe, tenute e divise di origine europea che
in quanto altre erano oggetto di fascinazione e appro-
priazione. Oggi la fascinazione è quella fashion, quella
esercitata dal sistema globale della moda, con la ripresa
di segni cult della modernità in funzione di segni-forza,
prodotti di una modernità globale e cosmopolita diventa-
ti elementi fondamentali di una modernità locale.
Sullo sfondo delle pratiche e manovre in atto sul terreno
poroso e in continua evoluzione dell’abbigliamento c’è
tutto ciò che ha contribuito a creare l’ambiente visivo nel Alia Ali, Radio, from the FLUX series, 2019. Archival Pigment Print,
quale viviamo. Dal campo delle estetiche del quotidiano 124 x 89 x 6.5 cm, mounted, UV laminated, framed (wood, wax print that has
a quello dei creativi africani della moda e dell’arte che been sourced in West Africa) © Alia Ali / courtesy of Galerie Peter Sillem
lavorano sulle trasformazioni materiali e simboliche del
corpo attraverso l’abbigliamento. Dai corpi rivestiti che
cercano visibilità sociale e una maggior presa sulla pro-
pria esistenza sulla scena pubblica, passando anche dalla ritto a immaginare un mondo futuro africano. Pionieri
loro riproduzione in immagine attraverso una molteplici- su questa strada sono stati gli esponenti della corrente
tà di media, alla scena estetica contemporanea africana culturale, sociale e artistica dell’“Afrofuturismo”, nata
e delle diaspore. Una scena affollata, che offre innume- come spazio di resistenza nera negli anni Settanta del se-
revoli opportunità di collaborazione fra artisti, fotogra- colo scorso dalla sinergia di scrittori, musicisti e artisti
fi, registi, fashion filmmaker, stilisti, fashion designer, de- afroamericani. Nel loro solco, oggi altri artisti (un nome
signer tessili, attivisti visuali, coreografi, performer. Che per tutti può essere quello del keniano Cyrus Kabiru) fre-
si tratti degli afrodiscendenti delle diaspore, degli afro- quentano questo campo di esplorazione estetica e politi-
politan affermati e ben integrati nei circuiti internazio- ca dove la sfida è reinventare la realtà attraverso la «lente
nali, o di chi vive in Africa – tutti operano all’interno di culturale nera» (Womack 2013).
configurazioni culturali mondiali in cui mass media e Archiviata ormai, già a partire dagli anni a ridosso
social media, flussi globali di persone e cose, immagini dell’indipendenza, la schematica contrapposizione fra
e informazioni, generano una connettività diseguale ma tradizione e modernità, nel fervore artistico che si muo-
generalizzata. ve tra Africa e altrove – e che riflette la crescente natu-
Nelle mani dei creatori odierni, segni e pratiche dell’abbi- ra transnazionale dell’arte contemporanea – rimangono
gliamento si rivelano straordinari dispositivi per affron- ancora in ogni caso le dolorose collisioni tra passato e
tare nodi cruciali della società contemporanea, rileggere presente. Così come rimangono le risonanze del passa-
diversamente il passato, raccontare il presente racco- to, anche se all’interno di linguaggi estetici attualissimi e
gliendone le sfide, provare ad andare oltre misurandosi globali, nelle scelte estetiche visionarie di più artisti afri-
con la sperimentazione di scenari sociali ed estetici alter- cani e caraibici le cui diverse produzioni risultano appa-
nativi, afrocentrici e utopici che, all’insegna del Blacks rentate nel rimettere in gioco una spiritualità dinamica
to the future, mescolano il passato culturale africano con che poggia su fondamenta precoloniali, e che riconduce
il futuro della fantascienza. Defraudati del loro passato, a contesti in cui la potenza fisica è tradizionalmente asso-
gli artisti dell’Africa e delle diaspore rivendicano il di- ciata a forze spirituali e in cui la linea fra realtà e imma-

2 Africa e Mediterraneo 95 • Dicembre 2021


ginazione sfuma. Da segnalare in particolare, a questo
proposito, il fashion film d’autore diretto dalla fotografa
e artista visiva Kristin-Lee Moolman per Alchemy, la col-
lezione A/W 2021 – disegnata con l’apporto di una guari-
trice tradizionale – del giovane fashion designer sudafri-
cano Thebe Magugu.
Da sottolineare inoltre è il gran numero dei creatori che
nelle loro opere affrontano tematiche identitarie. Sono
in gran parte autori che prendono in considerazione il
ruolo cruciale delle stoffe nella rappresentazione e ripro-
duzione delle identità coloniali e postcoloniali africane,
esplorando in modo critico e ridefinendo in chiave visi-
va l’ambigua relazione fra l’arte fotografica del ritratto e
dell’autoritratto (e i suoi effetti performativi-trasformati-
vi) e i tessuti – in prevalenza quelli vissuti come “auten-
ticamente africani” perché assunti convenzionalmente
come indicatori di “africanità” in nome di una “tradizio-
ne” più o meno costruita o ricostruita (spicca la presenza
ubiquitaria del wax print o african print). Anche laddo-
ve il richiamo è a culture dell’abbigliamento specifiche,
difficilmente restano relegate alla dimensione locale ma
come nel caso, ad esempio, degli ormai diffusissimi bogo-
lan, indigo e kente vengono rinnovati e rilanciati su una
scena più ampia, anche per rispondere alla sete di novità
Alia Ali, Beat, from the FLUX series, 2019.
Archival Pigment Print, 124 x 89 x 6.5 cm, mounted, UV laminated,
framed (wood, Masai wool from Kenya)
EDITORIALE E
che muove il mercato dell’arte e della moda (particolar-
mente stimolante a questo proposito il progetto di Alia
Ali, artista yemenita, bosniaca e statunitense, che nelle
sue opere utilizza anche stoffe africane).
Nel sistema sempre più integrato dell’arte della moda e
del design, oggi trovano molto spazio anche temi di gran-
de rilevanza sociale e politica come quelli dell’inclusivi-
tà, dell’equità e dei diritti sociali e culturali. Collegata
al resto del mondo e consapevole dell’avvenuta uscita
di scena dell’occidente come unica misura del mondo,
una giovane e militante generazione di artisti (fra loro
numerose le donne), in continuità e discontinuità al con-
tempo con le generazioni di artisti “born free” (nati dopo
l’indipendenza) che l’hanno preceduta, spesso partendo
da vissuti strettamente personali, riesce a trascendere la
specificità della esperienza individuale per inserirsi in
un dialogo globale – sempre più aperto alle eredità cultu-
rali non eurocentriche – intorno alle più incisive istanze
sociali e politiche. Artisti che combinano la riflessione
sociale con la sperimentazione formale attraverso una
produzione che comprende installazioni e collage mul-
timediali, performance, fotografie, immagini digitali, vi-
deo, film, disegni, incisioni, pittura, scultura (ma anche
danza, musica, poesia).
A venire affrontati nei lavori degli autori emergenti de-
gli ultimi decenni (moltissimi, faremo solo qualche nome
a titolo di esempio) sono temi sensibili e controversi: le
questioni della differenza di genere (la keniana Ato Ma-
linda), dell’identità (il senegalese Omar Victor Diop),
dell’heritage (la nigeriana residente negli Stati Uniti Nji-
deka Akunyili Crosby), dell’appartenenza (il sudafricano
Siwa Mbogoza), della costruzione della memoria (la su-
dafricana Lebohang Kganye), dell’emergenza ambienta-
le (il maliano Abdoulaye Konaté), della devastazione del
territorio (il nigeriano George Osodi), del recupero di vi-
sioni e costrutti di una spiritualità d’impronta africana
(l’artista e fotografa haitiana cresciuta a New York Fabio-
la Jean-Louis). A ritornare, inoltre, sono anche la denun-
cia sociale (il sudafricano Simphiwe Ndzube) e politica
(Kudzanai Chiurai, nato nello Zimbabwe ma in esilio
autoimposto per lunghi periodi in Sudafrica), così come
la contestazione della feticizzazione culturale dell’Africa
nera (Grace Ndiritu, artista di origine keniana nata a Bir-
mingham) e delle idee di autenticità e essenzialità insite
nei pregiudizi duri a morire legati al corpo nero (la gha-
nese Zohra Opoku), e in particolare al corpo della donna
nera (la sudafricana Mary Sibande). Come si può vedere,
fra le note dominanti spiccano le problematiche attuali
inerenti alla differenza di genere e alla sessualità fem-
minile, con il cursore spesso puntato sulle istanze della
comunità LGBTQ (per es. la sudafricana Zanele Muholi).
In breve, a dominare è la criticità delle identità, perso-
nali, culturali, razziali e di genere: a partire dalle discri-
minazioni sessuali a quelle razziali (la sudafricana Ste-
phanie “Kenyaa” Mzee), con rimandi tanto alle storiche
sopraffazioni nei confronti dei neri – la tratta atlantica
ma non solo (la sudafricana Kitso Lynn Lelliot) –, quanto
ai soprusi perpetrati nelle odierne migrazioni all’esterno
e all’interno del continente africano (la sudafricana No-
bukho Nqaba).
Nella produzione di questi artisti, memoria e vita dei tes-
3
E EDITORIALE
suti e agency del vestiario e del corpo diventano potenti
strumenti per decentrare la prospettiva occidentale, ri-
fiutare radicati paradigmi escludenti, arrivando a ribal-
tare la percezione negativa della Blackness spostandola
dai margini della storia al centro della scena (Picarelli
in questo dossier), fare i conti con vecchi e nuovi colo-
nialismi e insieme, per citare Alessandro Triulzi, «con
l’ambiguo immaginario di possesso e di dominio» (2005:
114) che continua a influenzare il prisma visivo degli ex
colonizzatori e, in qualche modo, sembra ancora condi-
zionare lo sguardo degli ex colonizzati.
Gli articoli raccolti in questo dossier affrontano il tema
del nesso fra arte contemporanea e pratiche creative
dell’abbigliamento in Africa e nella Diaspora da una mol-
teplicità di prospettive sia teoriche che pratiche. Che si
tratti di saggi o di esperienze, riflessione ed operatività
vi appaiono come strettamente congiunte: in tutti i casi
si tratta di confrontarsi con dinamiche sociali, culturali
ed economiche che richiedono una presa di posizione,
una consapevolezza delle poste politiche in gioco. Più
che di rappresentazioni di stati di fatto, si tratta di in-
terventi che tentano intercettare, facilitare o produrre,
trasformazioni. Questo d’altra parte appare pressoché
inevitabile, nella misura in cui tanto l’arte quanto l’ab-
bigliamento sono pratiche che incentivano la sperimen-
Aaaaaaab fmsdkafmlksdafnsdanf,.mnsda,fmnsd,m.
kdflsadk àfkòàasdkfà sadlfkàòlsadkf àlfsadkfòkàafn sdnfkjsdnklf sad klfj
sakdljflaòksjf aslòkfjlaksòdjf alòsdjfklòas.
4 Africa e Mediterraneo 95 • Dicembre 2021
tazione, luoghi in cui le identità sociali e personali sono
messe in gioco, rimodellate e rinnovate.
La dimensione temporale evocata dal titolo di questo dos-
sier – Black to the Future – riprendendo il famoso film di
Zameckis, rimarca la centralità del rapporto fra passato
e futuro che contrassegna qualsiasi processo di cambia-
mento: che cosa si vuole o si può lasciare andare e cosa
si desidera o si è costretti a portarsi dietro o reinventare.
Uno dei nodi ineludibili resta quello dell’eredità colo-
niale e post-indipendenza, dei rapporti complessi e non
lineari fra modernità e tradizione, dei modi in cui apro-
no o restringono i futuri che si possono immaginare e
realizzare. E questo a partire dalle sollecitazioni del
presente, tra cui un posto di rilievo hanno avuto le que-
stioni poste dai movimenti #MeToo e #BLM (Black Lives
Matter) e la loro risonanza internazionale.
Alcuni degli articoli affrontano i temi posti da questo
dossier da una prospettiva di tipo storico-antropologi-
co, illuminando come le pratiche dell’abbigliamento
contribuiscano ad articolare, mantenere o mutare iden-
tità nazionali e di genere.
È il caso di Marco Sottilotta che propone una lettura
delle politiche della memoria dei Baganda dell’Ugan-
da e dei modi attraverso cui, definendo quale sia l’ab-
bigliamento “tradizionale” se ne faccia un elemento di
riconoscibilità, un’espressione appropriata, dell’essere
sudditi del regno. In realtà quelli che sono i tessuti in
corteccia che rimandano al passato precoloniale resta-
no ai margini, valorizzati solo negli usi utili legati alle
politiche di patrimonializzazione della cultura e del suo
sfruttamento turistico, mentre il dress-code ufficiale è
quello in cui si mischiano elementi di derivazione ara-
ba, indiani e britannici reinterpretati alla luce del pre-
sente, evidenziando come l’esperienza coloniale sia sta-
ta integrata e metabolizzata, dando luogo a un insieme
di autorappresentazioni nazionali ibride e nel contem-
po “autentiche”.
Questioni in parte analoghe sono quelle che solleva l’ar-
ticolo che Maria Suriano dedica al dibattito intercor-
so nella Tanzania negli anni ‘60 – ma con conseguenze
che si estendono agli anni ‘80 – su quale sia l’autentica
cultura nazionale, cha ha portato a legiferare sull’abbi-
gliamento talora bandendo quello di derivazione occi-
dentale, con particolare riguardo ai giovani e le donne
i cui indumenti (pantaloni e minigonne) potevano inco-
raggiarne la libertà sessuale e l’autonomia dall’autorità
patriarcale. Un invito alla “modestia” in cui l’appello
alle pratiche di abbigliamento precoloniale si conciliava
in realtà con le analoghe preoccupazioni dei missionari
coloniali che stigmatizzavano la “nudità” dei “primiti-
vi”. Quel che qui si coglie, è il tentativo di attuare un re-
cupero selettivo della “tradizione” che possa conciliarsi
con l’imperativo modernista allo sviluppo.
L’agentività politica dell’abbigliamento che ne fa non
solo il riflesso di una realtà preesistente ma uno dei
luoghi e strumenti per incidere politicamente sui rap-
porti di forza, è presente anche nell’articolo di Avi Soo-
ful, ma questa volta spostando l’attenzione dal lato dei
gruppi oppressi, laddove l’abbigliamento diviene un’ar-
te della resistenza. L’autrice esamina il ruolo svolto in
Sudafrica dalle T-shirt antiapartheid negli anni ‘80,
 EDITORIALE E

quale strategia politica per combattere la segregazione

razziale attraverso rappresentazioni visuali che poggia-
no sui corpi delle persone: magliette che, con parole e
immagini, portano sulla scena pubblica le rivendicazio-
ni dell’organizzazioni antiapartheid messe fuori legge,
sfidando repressione, censura e le uniformi di esercito
e polizia. Rafforzando il senso di appartenenza comuni-
taria aprono uno spazio simbolico in cui il cambiamen-
to appare possibile. Un’apertura del futuro che passa
dall’appropriazione attiva di una storia nata negli USA
quando le T-shirt erano capi di abbigliamento intimo
dei soldati americani, per divenire poi, negli anni ‘60
e ‘70 segno distintivo dei movimenti per i diritti civili.
In questi articoli è evidente la ricaduta politica effettiva
delle arti ed estetiche culturali dell’abbigliamento, quel
che gli altri articoli aggiungono è la tematizzazione dei
rapporti fra pratiche quotidiane, arte contemporanea,
sistema della moda e professioni creative.
Priscilla Manfren nel suo saggio ripercorre la genesi
dei tessuti con stampa a cera africani (wax) rimarcan-
do come siano stati celebrati e rivisitati da fotografi e
pittori africani, africano-americani e più in generale
della diaspora, tra cui il britannico-nigeriano Yinka
Shonibare che ha mostrato come la loro “africanità” sia
inscindibile dallo spazio coloniale e quindi espressione
significativa del carattere composito delle identità po-
stcoloniali. Nati in Indonesia, prodotti e commercializ-
zati in Africa dagli Olandesi cercando di corrispondere
alla sensibilità estetica dei consumatori africani, vengo-
no integrati nella vita sociale delle persone indossando-
li, dando loro un nome, associandovi motti e proverbi.
Staccati dalla foggia consueta dei pagne femminili, negli Aaaaaaab fmsdkafmlksdafnsdanf,.mnsda,fmnsd,m.
anni ‘80 e ‘90 vengono trasformati con taglio sartoria- kdflsadk àfkòàasdkfà sadlfkàòlsadkf àlfsadkfòkfjskadjfl òksadjfòaksljdf ò
le in abiti di ispirazione occidentale, che danno luogo a àafn sdnfkjsdnklf sad klf
una nuova stratificazione di senso.
Puntando in particolare la sua attenzione su due artiste
– l’africano-americana Bisa Butler e la nigeriana Marcel-
lina Akpojotor – Priscilla Manfren esamina come l’abbi- va un dibattito su identità nazionale e africana, estetiche
gliamento sia un elemento costitutivo del ritratto, con- del corpo, globalizzazione, sostenibilità ambientale, si-
tribuendo a contrastare il razzismo attraverso l’incontro gnificato dell’arte contemporanea, attrattività interna o
con l’umanità della persona che esso consente. internazionale del brand “made in Kenya”.
Molti degli articoli nel porre la questione del rapporto, In modo significativo l’esigenza od opportunità di crea-
mediato dal sistema della moda, fra arte contemporanea re un brand emerge in diversi articoli: qui la dimensione
e pratiche di abbigliamento, sottolineano sia la centrali- politica del riconoscimento si coniuga con quella eco-
tà della dimensione economica e del lavoro come anche nomica del poter vivere del proprio lavoro, di acquisire
l’osmosi che si stabilisce fra i due ambiti e il sovrapporsi visibilità in un mercato competitivo e asimmetrico, in
di artista e stilista nella figura di un “imprenditore cul- un’economia capitalistica contrassegnata da forti con-
turale” che è spesso e nel contempo, talora con qualche centrazioni di potere. L’icona personificata del brand di-
ambiguità, attivista politico. La rilevanza sociale della viene occasione per promuovere modi diversi di consu-
moda e dell’arte emerge nella loro visibilità e influenza mo e di relazioni sociali.
nella creazione di prodotti iconici di consumo che fanno Enrica Picarelli nel suo saggio analizza l’opera degli stili-
da supporto alla costruzione di relazioni, identità, appar- sti Walé Oyéjidé (figlio di nigeriani migrati negli Stati Uni-
tenenze, vite: anticipano o interpretano tendenze cultu- ti) ed Eli Gold (sudafricano che ha vissuto per molti anni
rali in corso potenziandole o cannibalizzandole. come rifugiato in diversi paesi) mostrando come, rielabo-
Beatrice Polato nel suo articolo delinea i rapporti fra rando le loro esperienze personali di dislocazione con gli
scena artistica e moda nel Kenya degli ultimi venti anni. strumenti dell’arte e della moda, riflettano sulle relazioni
In una società che conosce un forte sviluppo economi- fra spazio, mobilità e abbigliamento. Uno degli esiti di que-
co nasce un’industria della moda che attinge a forme di sto lavoro è la creazione di un “brand di design migrante”
creatività diffusa presenti sia nelle grandi città che nei in grado di migliorare la vita delle persone, di ridefinire le
piccoli villaggi e vede il protagonismo di artisti ideatori condizioni di un “made in Africa” sostenibile, denuncian-
di linee di moda. Una dimensione economica che solle- do il razzismo perdurante nel sistema della moda globale.

5
E EDITORIALE
Questioni che per certi versi simili ritornano in
“B&W-Black&White, The Migrant Trend”, un progetto
dell’artista Caterina Pecchioli che si colloca nel punto
di intersezione fra arte e moda. Attraverso laboratori che
coinvolgono attivamente richiedenti asilo e titolari di
protezione internazionale, si cerca di elaborare uno “sti-
le migrante” che attinga sia dai diversi paesi da cui pro-
vengono che dalle competenze di sarti e stilisti africani
residenti in Italia, da repertori culturali ridefiniti nell’e-
sperienza della migrazione, così da riorientare il “made
in Italy” nella direzione di una moda etica, socialmente
sostenibile e inclusiva.
La ridefinizione del “made in Italy” è alla base anche del
WAMI Project (We Are Made in Italy) promosso nel 2020
da Michelle F. Ngonmo, stilista di origini camerunesi
ideatrice dell’Afro Fashion Week Milano, insieme altri
professionisti italiani neri della moda come Stella Jean
ed Edward Buchanan. Le questioni poste dal movimento
americano di #BLM vengono declinate sul terreno della
industria italiana della moda: “Do Black Lives Matter in
Italian Fashion?”. È questione di accesso e rappresentan-
za, non di colore della pelle e di eredità culturale ma di
riconoscimento di talento e professionalità contro ogni
discriminazione. Agire sul sistema della moda recla-
mando uguaglianza e pari opportunità significa mettere
in moto un cambiamento che potrebbe coinvolgere la
società italiana nel suo insieme, ripensando il “made in
Italy” a partire dalla considerazione che la moda è fatta
di persone e non solo di cose: “we are made in Italy and
Italy is made of us”.
Che le questioni poste dai temi toccati da questo dossier
siano socialmente rilevanti da molti punti vista è indica-
to anche dagli altri esempi di laboratori e sperimentazio-
ni che completano questo numero.
Il poeta e performer di origine camerunese Stone Ka-
rim Mohamad che allaccia conversazioni con le persone
in mezzo alla strada a partire dalle reazioni suscitate l’a-
bito tradizionale ndop dei Bamileke del Camerun, mostra
lo scollamento, anche agli occhi delle nuove generazioni
di origine camerunese che vivono in Germania, fra la sua
apparenza visibile e la storia e i significati di cui è potato-
re: il suo essere divenuto “out of fashion” in conseguenza
della dominazione coloniale così come il suo tornare cool
alla luce di film come Black Panthers. Nella sua collabora-
zione con l’antropologa Sandra Ferracuti e il danzatore
Zobel Raoul Tejeutsa, al Linden-Museum di Stoccarda,
emerge come all’interno del museo quel che appare, a
partire dai modi di vestire, viene letto diversamente a se-
conda del posizionamento di chi guarda.
Lawrence Kyere e Rosa Pfluger riflettono su una loro
esperienza condotta nel 2020, nel periodo pandemico, in
occasione di una mostra d’arte promossa dagli studenti
dell’Accademia di Belle Arti di Monaco di Baviera. Safety
Suit è una serie di dieci oggetti indossabili per difendersi
delle minacce portate dalla violenza razziale, dai cam-
biamenti climatici e dal Covid. Per quanto disegnati per
proteggere in realtà questi abiti rivelano solo la vulnera-
bilità del corpo, dimostrando come la sicurezza possa es-
sere raggiunta solo attraverso solidarietà e uguaglianza.
Nel laboratorio artistico condotto da Leda Perretta
con donne nigeriane e italiane la destrutturazione e ri-
6 Africa e Mediterraneo 95 • Dicembre 2021
composizione dalla forma dei vestiti diviene invece una
modalità di esplorazione del proprio corpo e dell’imma-
ginario e degli stereotipi che lo avvolgono, per cercare
di andare oltre, realizzando vestiti che consentano un
diverso modo di muoversi nel mondo, di avere corpi s-ve-
stiti dai pregiudizi.
L’ondata del Black Lives Matter nella sua denuncia delle for-
me di razzismo strutturale incistate in molti sistemi sociali
e quindi delle discriminazioni e disuguaglianze che ne de-
rivano a tutti i livelli ha travolto anche il mondo dell’ar-
te e della moda, accelerando tendenze già in atto che ne
stanno mutando l’economia e la geografia, ormai policen-
trica, senza un cuore occidentale, almeno negli apporti
che gli danno forma, anche se non nei centri decisionali
(Bloemberg, Deul, Kesteren 2021). In misura crescente,
musei prestigiosi e gallerie di peso rivedono le loro colle-
zioni aprendole a sensibilità e filoni fino a ieri poco rap-
presentati quando non trascurati. E costringendo diretto-
ri di musei, galleristi, critici, art curator, art advisor, case
d’asta, aziende, riviste di settore e collezionisti a dialogare
con le contrastanti memorie del passato e con il presente
e a riflettere su appropriazione culturale, diritti d’autore
individuali e collettivi, politiche del riconoscimento, pa-
rità di accesso alle risorse materiali e simboliche. In bre-
ve, a ripensare l’intero sistema dell’arte contemporanea e
della moda, le sue gerarchie, i suoi criteri di affiliazione e
modelli di finanziamento. Il valore delle Black Lives si con-
cretizza nell’incremento, recepito dal mercato, del valore
attribuito alla forza creativa delle differenti forme visive e
narrative degli artisti africani e africano-americani (molte
le donne). E si traduce in una rivendicazione da parte di
questi artisti del valore all’esperienza estetica della Black-
ness mischiando rivendicazioni politiche e usi imprendi-
toriali dell’identità culturale e razziale che aprono nuovi
mercati per un’economia capitalistica che si nutre delle
differenze. È un terreno conteso in cui l’immaginazione
oggi è per artisti e stilisti anche una palestra per l’azione
e il motore di un’economia che produce valore a partire
dall’immaterialità di segni e simboli.
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Carocci, Roma
Womack, Y. L. (2013), Afrofuturism: The World of Black Sci-Fi
and Fantasy Culture, Lawrence Hill Books Publisher
NOTE
1 - “Uno stile africano”, D la Repubblica 10/12/2005.
2 - “La cultura nera è abitare due case”, Sette Corsera 11/12/2020.