L’INFINITO

La poesia si apre con la descrizione di un paesaggio collinare, dove il poeta osserva

un "ermo colle" e un "orizzonte" che sembrano estendersi all'infinito. La visione di
questo paesaggio evoca in Leopardi il contrasto tra la limitatezza dell'esistenza
umana e l'immensità del mondo e dell'universo. Il poeta riflette sulla natura
dell'infinito, che è percepito come un desiderio senza fine, un'idea che si può solo
intuire e mai afferrare completamente.
L'infinito, quindi, diventa un simbolo della lontananza ideale, del desiderio di
trascendere i confini fisici e del dolore derivante dall'impossibilità di raggiungerlo.
Leopardi, attraverso l'uso di un linguaggio evocativo e di immagini suggestive,
esplora l'inquietudine dell'animo umano di fronte all'immensità dell'esistenza e alla
consapevolezza della propria finitezza.
La poesia si conclude con l'idea che, pur non potendo afferrare l'infinito, il pensiero
stesso di esso porta il poeta a una sorta di estasi contemplativa, una riflessione
profonda sulla condizione dell'uomo.

A SILVIA
Il poema si rivolge a Silvia, una giovane donna che Leopardi idealizza come simbolo
della giovinezza piena di sogni e aspettative. Tuttavia, Silvia è morta
prematuramente, e questo rende il poeta consapevole della fragilità della vita e
dell'ineluttabilità della morte. La sua morte simboleggia anche la fine delle speranze
e delle illusioni giovanili, che si infrangono di fronte alla realtà della sofferenza e
della morte.
La poesia esprime il contrasto tra il fervore giovanile, che Silvia rappresenta, e la
triste realtà della morte prematura, che ne interrompe il cammino. Leopardi,
attraverso un linguaggio intenso e delicato, riflette sulla perdita e sul dolore, ma
anche sulla bellezza momentanea della vita. A Silvia è dunque una meditazione sulla
giovinezza, sull'illusione di un futuro luminoso e sulla tragica consapevolezza che
tutto può svanire in un attimo.

NOVEMBRE
Riflette il suo profondo legame con la natura e la sua sensibilità verso la morte e la
solitudine. La poesia descrive un paesaggio autunnale, con un tono malinconico e
riflessivo, tipico della poetica pascoliana.
Nel componimento, Pascoli dipinge un novembre triste, dominato dalla nebbia e
dalla decadenza della natura, che simboleggiano la fine di un ciclo e l'avvicinarsi
della morte. L'autore esplora il tema della sofferenza e della nostalgia, evocando
anche il ricordo di persone care che non ci sono più. La solitudine, che segna anche
la condizione umana, è un altro tema centrale del testo. Pascoli utilizza la natura
come specchio dei sentimenti interiori, un espediente ricorrente nelle sue opere.
La poesia si caratterizza per la sua musicalità, l'uso di immagini evocative e il tono
elegiaco, che sottolineano il senso di perdita e di ineluttabilità del destino umano.
Giovanni Pascoli cita la primavera per accentuare il contrasto tra la vitalità della
stagione primaverile e la desolazione e tristezza dell'autunno. In particolare, la
primavera viene evocata attraverso il ricordo di un tempo di fioritura e speranza, che
ora sembra lontano e irraggiungibile.

L’ASSIUOLO
Una poesia di Giovanni Pascoli che riflette la sua sensibilità verso la natura e il
mistero della vita. Il protagonista è l'assiuolo, un piccolo uccello notturno che canta
in modo enigmatico, simboleggiando la solitudine e la tristezza dell'esistenza umana.
Pascoli utilizza il canto dell'assiuolo come un richiamo alla morte e alla malinconia,
temi ricorrenti nella sua poesia. Il poeta associa l'assiuolo al dolore e al mistero della
vita, creando un'atmosfera di inquietudine. Il verso finale, che fa riferimento
all'ombra della morte, accentua questa dimensione tragica e simbolica.

TEMPORALE
Descrive un violento temporale, simbolo di conflitto interiore e di angoscia. Il poeta
rappresenta l'evento atmosferico come una forza naturale travolgente, capace di
suscitare emozioni di paura e turbamento. Il temporale diventa una metafora della
lotta tra la luce e l'oscurità, tra la vita e la morte, temi ricorrenti nella poetica
pascoliana. L’intensità del fenomeno atmosferico richiama anche la fragilità
dell’uomo di fronte alle forze incontrollabili della natura. Attraverso immagini vivide
e sonore, Pascoli evoca un senso di catarsi e di purificazione, in cui la tempesta purga
l'anima dal dolore.
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PASTORI
Nella poesia, D'Annunzio esprime un ideale di vita legato alla natura, alla tradizione
e alla forza virile del pastore, simbolo di una vita semplice ma anche di una
connessione profonda con il paesaggio e il ciclo della natura. I pastori descritti nella
poesia sono figure robuste e forti, che vivono in simbiosi con la terra e le sue
stagioni. Il poeta celebra la bellezza e la dignità del loro lavoro, ma anche la
solitudine e la spiritualità che derivano dal vivere lontano dalla civiltà. La poesia
riflette l'estetica dannunziana, caratterizzata dalla valorizzazione della forza, della
bellezza e dell'eroismo, con uno stile che esalta la sensualità e il legame tra l'uomo e
la natura. In Pastori, la figura del pastore diventa un simbolo di resistenza, purezza e
grandezza, ed è trattata con una certa visione eroica che si ritrova in molte delle
opere di D'Annunzio.
LA PIOGGIA NEL PINETO
In questa poesia, D'Annunzio descrive l'esperienza sensoriale e mistica di una
pioggia che cade in un bosco di pini, coinvolgendo tutti i sensi del lettore. Il poeta si
immerge nella natura, esplorando la fusione tra l'ambiente e l'anima. La pioggia è
descritta con ricche immagini sonore e visive, evocando un'atmosfera intensa e
suggestiva. L'elemento naturale diventa un linguaggio segreto che unisce l'uomo alla
natura stessa, creando un'esperienza totale e profonda. La poesia è caratterizzata da
un forte simbolismo e da un linguaggio sensoriale, in cui la pioggia nel pineto diventa
un momento di unione mistica con la natura. L'elemento musicale dei versi e la
descrizione della natura amplificano il senso di immersione totale e il piacere
estetico che deriva dal contatto con il mondo naturale.
LA SERA FIESOLANA
In questa poesia, il poeta descrive la bellezza di un tramonto visto dalla collina di
Fiesole, un luogo che si trova vicino a Firenze. La poesia è caratterizzata da
un'atmosfera calma e contemplativa, in cui D'Annunzio esplora il legame tra la
natura, il tempo e l'anima. Il tramonto, con i suoi colori e la sua luce, diventa il
simbolo di una bellezza che va oltre la realtà e si avvicina alla dimensione
dell'infinito. La poesia riflette anche sul tema della fugacità della vita, poiché il
tramonto rappresenta il passaggio dal giorno alla notte, un momento che evoca il
senso della transitorietà e della malinconia. L'uso di immagini ricche e sensoriali,
tipiche dello stile dannunziano, trasmette una profonda armonia tra l'uomo e la
natura, ma anche una certa consapevolezza della sofferenza e della bellezza effimera
dell'esistenza.
IL PORTO SEPOLTO ( Allegria di naufragi)
Il porto sepolto è una poesia di Giuseppe Ungaretti, scritta durante la Prima Guerra
Mondiale. In questo componimento, il poeta esprime il suo sentimento di solitudine,
dolore e speranza in un contesto di distruzione e morte. Il "porto sepolto"
rappresenta un luogo simbolico di rifugio e salvezza, ma allo stesso tempo è
nascosto e inaccessibile, sepolto dal fango e dalla devastazione della guerra.
Ungaretti usa un linguaggio breve e diretto, tipico dello stile ermetico, per
trasmettere il contrasto tra il desiderio di salvezza e la realtà cruda della guerra. Il
poeta riflette sulla condizione umana di fronte alla morte e alla sofferenza, ma anche
sulla ricerca di un significato che vada oltre il caos e la violenza. Il porto sepolto
diventa quindi una metafora della speranza, della memoria e del desiderio di
riscatto, pur nella consapevolezza della fragilità dell'esistenza.

IN MEMORIA
Il poeta, attraverso un linguaggio sobrio e intenso, esprime la sofferenza per la morte
dell'amico, ma al contempo celebra la forza della memoria che permette di
mantenere vivo il legame con chi non c'è più. Il tema centrale è il contrasto tra la
morte fisica e la persistenza del ricordo. La poesia evidenzia la transitorietà della vita
e la capacità della memoria di trascendere la morte, offrendo una forma di
continuità spirituale.

I FIUMI
Nella poesia, i fiumi sono simboli di esperienze vissute e di luoghi significativi della
vita del poeta, come il fiume Nilo e l'Isonzo, che rappresentano i suoi viaggi e la sua
esperienza di soldato durante la Prima Guerra Mondiale. fiumi, che scorrono senza
sosta, diventano metafore della continua trasformazione dell'esistenza e della ricerca
di significato nella vita. Ogni fiume evoca un ricordo, una parte della sua esperienza
personale, ma anche una riflessione sulla fragilità dell'uomo di fronte al flusso del
tempo. La poesia esplora la connessione tra il passato e il presente, con una visione
lirica e struggente della vita e della morte. Con il suo stile sobrio e ricco di immagini,
Ungaretti riesce a esprimere una profonda riflessione sul senso dell'esistenza e
sull'inevitabilità del passaggio del tempo.
SOLDATI
Nel componimento, il poeta scrive: "Si sta come d'autunno sugli alberi le foglie",
un'immagine potente che mette a confronto la vulnerabilità dei soldati con le foglie
che cadono, simbolo della morte imminente e della precarietà della vita umana. La
metafora dell'autunno evoca la fine e la decadenza, mentre il parallelismo con le
foglie suggerisce l'idea di una morte che può colpire chiunque, in qualsiasi
momento.

O NOTTE
Scritta durante la Prima Guerra Mondiale, la poesia esprime il desiderio di trovare
conforto nell'oscurità della notte, lontano dalla sofferenza e dalla brutalità del
conflitto. La notte, in questo caso, è rappresentata come un rifugio dalla realtà, un
luogo di raccoglimento e introspezione. Nel buio della notte, l'individuo può trovare
un momento di quiete e di solitudine, in cui meditare sulle proprie esperienze e sul
significato della vita. Tuttavia, la notte porta anche con sé una sensazione di
isolamento, di separazione dalla luce e dalla speranza.

IN LIMINE
Nel componimento, il poeta riflette sul "limite" come punto di separazione tra
l'individuo e il mondo esterno, tra il conosciuto e l'ignoto. Questo "limine" è simbolo
di una soglia, di un passaggio, ma anche di una condizione di frustrazione e di
inadeguatezza. Montale esprime il senso di alienazione e di distanza tra l'uomo e il
mondo, un mondo che appare indecifrabile e inaccessibile. Il "limite" diventa,
dunque, anche il confine tra la speranza e la disillusione, tra il desiderio di
comprensione e l'impossibilità di raggiungerla.

MERIGGIARE PALLIDO E ASSORTO

La poesia esprime un momento di solitudine e riflessione durante il caldo del
mezzogiorno, in cui il poeta si lascia andare alla contemplazione della natura e alla
percezione del vuoto esistenziale. Il titolo e i versi descrivono un'immagine di riposo
e introspezione, con il "meriggiare" che evoca il caldo opprimente dell'estate. La
sensazione di "pallido" e "assorto" suggerisce una condizione di stasi mentale e
fisica, un distacco dal mondo circostante, quasi come una ricerca di pace interiore,
ma anche una forma di alienazione.
L’ANGUILLA
È una poesia di Eugenio Montale che esplora temi come l'inquietudine, la ricerca di
senso e l'impossibilità di trovare risposte definitive. L'anguilla, che simboleggia
l'evanescenza e la difficoltà di afferrare l'essenza della realtà, diventa un simbolo
della condizione umana. La poesia esprime l'incapacità di comprendere appieno la
vita e la natura, con l'anguilla che si sottrae e sfugge, proprio come le risposte che
cerchiamo nella nostra esistenza. In breve, Montale usa l'immagine dell'anguilla per
comunicare la futilità della ricerca di certezze in un mondo che appare enigmatico e
sfuggente.

LA CASA DEI DOGANIERI

È una poesia di Eugenio Montale che esplora il tema della solitudine esistenziale e
dell'incomunicabilità. La casa dei doganieri è descritta come un luogo isolato e
lontano dal resto del mondo, simbolo di un'esistenza separata e distaccata. Montale
usa questo scenario per riflettere sul senso di disconnessione tra l'individuo e il
mondo circostante, nonché sulla difficoltà di trovare un significato nella vita. In
breve, la poesia racconta una riflessione sulla solitudine e sulla fatica di vivere, con
l'immagine della casa , luogo di autenticità e del ricordo, che si contrappone
all’ambiente esterno, oramai distrutto, dove prevale, la vita falsa, la società di massa
e il fascismo.

TRIESTE
a poesia "Trieste" di Umberto Saba esprime un senso di appartenenza e al tempo
stesso di estraneità nei confronti della città di Trieste, città natale dell'autore. Saba
descrive Trieste come un luogo che, pur essendo la sua casa, è anche un ambiente
che lo fa sentire distante, quasi inadeguato. La città è vista come un crocevia di
culture e lingue diverse, ma questa diversità non porta a un'integrazione armoniosa,
piuttosto alimenta un senso di solitudine e isolamento. In breve, "Trieste" riflette sul
contrasto tra l'amore per la propria città e la consapevolezza di essere straniero in
essa, esplorando temi di identità, solitudine e appartenenza.

CITTA VECCHIA
"Città vecchia" di Umberto Saba è una poesia che evoca il ricordo della città natale
dell'autore, Trieste, vista attraverso il filtro della nostalgia e del tempo che passa.
Saba descrive con toni malinconici e intimi le strade, gli angoli e le atmosfere di
Trieste, un luogo che rappresenta sia il passato che la memoria della sua giovinezza.
In breve, la poesia riflette sul tema della memoria e del cambiamento, con
l'immagine della "città vecchia" che simboleggia la ciclicità della vita, la nostalgia e
l’immagine del tempo che trasforma tutto. Saba cattura l'emozione di un legame
profondo e affettuoso con la sua città, pur consapevole che il tempo e la realtà
l'hanno irrimediabilmente cambiata.

TRE VIE
La via del "realismo" o "realisme civile": Saba è noto per aver descritto la realtà
sociale e l'ambiente che lo circondava con un forte impegno civile. La sua poesia, in
particolare quella delle prime raccolte, è spesso ancorata alla realtà quotidiana e alla
condizione umana. Saba osserva la vita con un occhio lucido e distaccato, cercando
di cogliere l’essenza di ciò che accade intorno a lui, con una vena di empatia verso le
persone più fragili e vulnerabili. Questa via si ritrova nelle poesie in cui l’autore dà
voce a soggetti come il "povero" e l'"escluso".
La via della "psicologia": Saba esplora anche la dimensione interiore dell'individuo.
La sua poesia non è solo un riflesso della realtà esterna, ma anche una ricerca
profonda e intima dei sentimenti e dei conflitti interiori. In molte sue poesie, il poeta
analizza la propria psicologia, i suoi sentimenti di solitudine, di inadeguatezza, e il
continuo confronto con il proprio io. La via psicologica si manifesta soprattutto nel
"Canzoniere", una delle sue opere più celebri, dove Saba esplora la sua vita interiore,
le sue difficoltà e la sua fragilità.
La via della "purezza" o "sensibilità" poetica: Saba è anche un poeta molto sensibile
alla dimensione estetica e poetica della realtà. Le sue poesie non sono solo
testimonianze di una vita vissuta, ma anche espressione di una ricerca artistica. La
via della purezza si può intendere come un impegno a esprimere la bellezza del
mondo e dell’esperienza umana attraverso la parola poetica, cercando di trasmettere
emozioni universali. La sua poesia non è mai affettata, ma piuttosto si propone come
una "purezza" del linguaggio che cerca di cogliere l’essenza delle cose.
Queste tre vie, realismo, psicologia e purezza poetica, sono tutte presenti nell'opera
di Saba e si intrecciano per formare una poetica che ha contribuito in modo
significativo alla letteratura italiana del Novecento.
VENTO A TINDARI
Salvatore Quasimodo si trova lontano dalla Sicilia, in un luogo non specificato,
mentre ricorda Tindari. Il poeta evoca il paesaggio e il vento di quel luogo siciliano
per riflettere sulla memoria, sul passato e sul passare del tempo. La sua nostalgia e il
suo ricordo sono collegati alla bellezza e alla sacralità di Tindari, un sito archeologico
che si affaccia sul mare, ma l'azione del ricordare avviene da una distanza, sia fisica
che temporale.

VERRA LA MORTE E AVRA I TUOI OCCHI

La morte arriverà e, quando lo farà, avrà gli occhi della persona a cui il poeta si
rivolge. Questo significa che la morte, pur essendo un evento universale e
inevitabile, si appropria di qualcosa di concreto, come se fosse parte integrante della
persona che sta per morire. La morte, con i suoi occhi, diventa qualcosa di presente
e tangibile, una forza che porta via e distrugge tutto. Il poeta riflette sull'inevitabilità
della fine, che non lascia spazio a speranze o illusioni.

I GATTI LO SAPRANNO
è una poesia di Cesare Pavese che riflette sulla solitudine, l'inevitabilità della morte e
l'incertezza della vita. Il poeta osserva i gatti, che sembrano essere più in sintonia con
la realtà del mondo rispetto agli esseri umani. I gatti, nella loro indipendenza e
silenziosa presenza, "sanno" ciò che gli uomini non riescono a comprendere: la
natura irreversibile della morte e la ciclicità della vita. Pavese utilizza i gatti come
simbolo di una saggezza primordiale, non intellettuale ma istintiva, che permette
loro di affrontare la vita e la morte senza paura o angoscia. La poesia esprime una
riflessione sulla condizione umana, segnata dalla paura e dalla ricerca di risposte,
mentre gli animali sembrano vivere con una consapevolezza naturale e serena del
loro destino.
Nel contesto della poesia di Pavese, il riferimento a Proserpina può essere
interpretato come una metafora per la ciclicità della vita e della morte. I gatti, con la
loro indifferenza alla morte e la loro naturale consapevolezza della fine, potrebbero
essere visti come simboli di una saggezza che accetta la morte come parte di un ciclo
inevitabile e naturale, proprio come il ritorno di Proserpina dalla morte alla vita ogni
anno.
LE CENERI DI GRAMSCI
1. Il conflitto tra tradizione e modernità
Pasolini critica la modernizzazione rapida e irrefrenabile dell'Italia nel dopoguerra,
che porta alla distruzione delle tradizioni popolari e alla diffusione di una cultura di
massa vuota e consumistica. L’autore vede in questa trasformazione una perdita di
identità culturale e un tradimento delle radici popolari e contadine. La sua è una
critica alla "globalizzazione" della cultura, che diluisce l'autenticità e la ricchezza
delle tradizioni locali.

2. La lotta di classe e la condizione del popolo

Le poesie della raccolta parlano della condizione delle classi subalterne, dei
contadini e degli operai, che, secondo Pasolini, sono stati traditi dalla classe politica
e dalla borghesia dominante. L'autore critica il progressivo allontanamento della
politica dalle reali necessità del popolo, riflettendo sul fallimento di alcune ideologie
politiche di sinistra nel migliorare le condizioni di vita delle persone più povere.

3. La figura di Antonio Gramsci

Gramsci, che con le sue riflessioni aveva messo in luce le dinamiche culturali e
ideologiche del potere, è una figura centrale nella raccolta. Pasolini lo considera una
voce solitaria, che si batteva per una rivoluzione culturale e sociale, ma che è stato
sconfitto dalla storia. Le sue "ceneri" non solo simboleggiano la morte fisica, ma
anche l'estinzione di un progetto di cambiamento radicale che sembrava ormai
lontano.

4. La decadenza del pensiero e della politica

Pasolini esprime una forte critica alla politica del suo tempo, considerandola priva di
ideali autentici e incapace di risolvere i problemi reali del paese. La poesia esprime
anche un senso di frustrazione e disillusione verso la sinistra italiana, che, secondo
Pasolini, aveva perso la sua carica rivoluzionaria, diventando parte integrante di un
sistema che aveva tradito gli ideali di lotta sociale e di emancipazione.
5. La morte e l'assenza di speranza
La figura di Gramsci, morto in prigione, diventa simbolo della morte della speranza di
cambiamento, della fine di un sogno di riscatto per le classi popolari. La morte di
Gramsci rappresenta la fine di un’epoca di speranza, e Pasolini si interroga sulla
possibilità di un riscatto per la società italiana, che sembra essere priva di una vera
coscienza politica e culturale.

6. Il rapporto tra intellettuali e popolo

Pasolini critica la distanza crescente tra intellettuali e popolo. Gramsci rappresenta
per lui l'intellettuale che non si isola dalla realtà sociale, ma che cerca di
comprendere e migliorare la condizione del popolo. Al contrario, Pasolini lamenta
come gli intellettuali moderni siano diventati distaccati, teorici e incapaci di entrare
in contatto con le masse, contribuendo così alla perdita di autenticità e di vigore
politico.
7. La solitudine e la condizione dell'artista
Pasolini esprime anche il suo senso di solitudine come poeta e artista, vivendo una
frustrazione dovuta al fatto che la sua visione critica della società spesso lo isolava. Il
poeta si vede come una figura che, come Gramsci, sta per essere "sepolta",
incompresa e lontana dalle masse che dovrebbero risvegliarsi e lottare per un
cambiamento.

PROFEZIA – Alì dagli occhi azzurri

È una poesia che riflette sulle trasformazioni sociali e culturali dell'Italia degli anni
'60, in particolare sul dilagare del consumismo e sull'omologazione della società.
Pasolini, che si mostrava molto critico nei confronti della modernità e del progresso
economico, esprime in questa poesia una sorta di "profezia" oscura riguardo al
futuro, temendo che l'invasione dei valori borghesi e il dominio della cultura di
massa avrebbero distrutto le tradizioni popolari e la ricchezza culturale del paese.
Pasolini vedeva nel cambiamento sociale e culturale un processo che avrebbe
portato alla perdita di autenticità e all'annullamento delle identità locali. La poesia,
quindi, è un grido d'allarme contro l'omologazione e la perdita di valori
fondamentali, con Pasolini che denuncia l'infiltrazione della cultura di massa nella
vita quotidiana e la conseguente alienazione dell'individuo
IO SONO UNA FORZA DEL PASSATO
Pasolini si sente come una figura che appartiene a un'altra epoca, quella delle
tradizioni popolari, delle lotte sociali e della cultura autentica, ormai superata dalla
nuova realtà consumistica e omologata. La poesia esprime una certa solitudine e il
senso di disconnessione del poeta dalla società contemporanea, che si è trasformata
in una società consumista, priva di valori autentici e di una coscienza critica. Pasolini
si definisce quindi una "forza del passato", come se fosse una voce isolata, un
testimone di un mondo che sta scomparendo, ma che, nonostante tutto, resiste nella
sua critica verso il presente.

IN ME IL TUO RICORDO
Esprime una riflessione sul ricordo di una persona amata che, pur essendo ancora
presente nella memoria del poeta, è ormai lontana e irraggiungibile. Il ricordo,
invece di essere un pensiero chiaro e concreto, è un suono distante e sfocato: il
"fruscio" delle biciclette, il lamento dei treni in partenza, simbolo della separazione e
della perdita. Questi suoni evocano la sensazione di qualcosa che si allontana, che
sfuma nel tempo e nello spazio. Il paesaggio descritto nella poesia - il meriggio che
scivola verso il tramonto, le finestre aperte sull'estate - crea un'atmosfera calda e
malinconica, dove la separazione dalla persona amata sembra inevitabile, proprio
come il passaggio del tempo e il cambiamento delle stagioni. L'immagine finale, con
la persona che "leggera" se ne va nel vento e si perde nella sera, simboleggia la
dissoluzione definitiva di quel legame, che svanisce nell'infinito.

LA SPIAGGIA
La voce narrante inizialmente sente una notizia che porta con sé il dolore della
separazione: "Sono andati via tutti" e la successiva conferma che "Non torneranno
più", un messaggio che sembra segnare l'irrevocabilità della perdita. Tuttavia, questo
concetto di separazione si intreccia con il ricordo e la possibilità di una continuità
oltre la morte. L'immagine della spiaggia, un luogo mai prima visitato, diventa
simbolica: le "toppe solari" potrebbero essere interpretate come segni o tracce
lasciate da chi non è più presente, ma che in qualche modo non è completamente
andato via. Questi segni di "inesistenza", come calce o cenere, non sono la fine, ma
sono "pronti a farsi movimento e luce", come se la memoria, o il ricordo dei defunti,
potesse riemergere e prendere vita in altro modo.
Il mare, che "investe" la voce narrante con la sua forza, diventa il mezzo attraverso il
quale i morti continuano a comunicare. Il mare, simbolo di un fluire senza fine,
suggerisce che la morte non è la fine assoluta, ma piuttosto una trasformazione. I
"morti", infatti, "parleranno" non in senso letterale, ma attraverso i segni e i ricordi
che rimangono, e che continuano a fare luce su ciò che è stato.

1944
La poesia descrive un paesaggio caotico e violento, dove la morte e la distruzione
invadono la vita quotidiana, con immagini di guerra e sofferenza. La scena è segnata
dal rumore delle bottiglie, dalle scariche e dalla desolazione. L'amore, in questo
contesto di dolore, emerge come un sentimento contrastante, segnato da angoscia e
tremore. Il poeta sembra chiedere di non fuggire dall'amore nonostante il disastro
che lo circonda, ma anche di non ripetere un'agonia senza fine. La poesia esplora il
conflitto tra il disastro esterno e l'intensità emotiva dell'amore.

BASTERA UN SOFFIO D’ERBA

Il poeta inizia con una previsione riguardante il futuro (egli dimenticherà), poi
paragona tale previsione ad un ricordo (il tempo verbale passa dal futuro al passato);
un altro ricordo (io sentivo la pena) introduce l’oscura premonizione della ragazza,
riferita nel passato, al futuro che si è ormai realizzato: un presagio d’addio).

PREGHIERA
Il "tu" a cui si rivolge il poeta sembra essere una parte di sé stesso, una sorta di
anima o pensiero che viene esortata a intraprendere un viaggio verso Livorno, alla
ricerca di una persona specifica: Anna Picchi. La sua figura è misteriosa, e il poeta
spera che, attraverso questo "giro" notturno e discreto, la sua anima possa scoprire
se Anna Picchi sia ancora viva. Il tono di questo desiderio è carico di malinconia e di
speranza.
VERSICOLI QUASI ECOLOGICI
L’’autore nella poesia “Versicoli quasi ecologici” descrive l’azione dell’uomo sulla
natura; questa azione che l’uomo compie è espressa per tutto il componimento con
accezione negativa, l’autore infatti tramite una serie di negazioni ammonisce l’uomo
per ciò che compie nei confronti del mare, del vento, degli animali e degli alberi,
inoltre accusa chi trae profitto dall’uccisione degli animali. Per Caproni la natura è
portatrice d’amore infatti lui sostiene che l’amore stesso finisca dove “finisce l’erba e
l’acqua muore” e per lui la terra potrebbe tornare a essere bella come in principio se
l’uomo scomparisse.

MARINA
La poesia parla di un viaggio interiore alla ricerca di significato, di una meditazione
sul tempo che scorre e sulla memoria che non smette di influenzare il presente. Il
mare diventa il simbolo di questa lotta esistenziale, un luogo di transizione e di
riflessione; la poesia inizia in modo un po' faticoso, proseguendo con questo
movimento in aventi e indietro, di queste acque affaticate, che però man mano
diventa sempre più ampio, grazie ai ricordi e alle visioni, e ad un senso di ritorno alla
vita e alla speranza, anche se dolente, poiché noi esseri umani non saremo mai
capaci di raggiungere un senso di felicità piena e gioia pienamente vissuta.

VARIAZIONE BELLICHE
Riflette sul disorientamento esistenziale e sull'incertezza della vita. L'io poetico
esprime il suo smarrimento di fronte al caso e al dolore, interrogandosi su cosa
accada quando si è sopraffatti dalla sofferenza. Viene esplorata l'idea che la morte
possa apparire come una compagnia dolce e inevitabile, in un contesto dove il senso
della vita sembra sfuggire e ogni speranza di salvezza sembra vana. La figura della
"ragazza" che "appella al buio" suggerisce un'oscura ricerca di significato, mentre la
morte viene accostata a una "sorellastra", simbolo di una realtà difficile ma
ineluttabile.

FARFALLE LIBERE
La poesia di Alda Merini esplora la sofferenza, la solitudine e la lotta delle donne, in
particolare quelle che sono vittime di violenza e abbandono. Le "donne povere e
sole" sono descritte come vulnerabili, subendo abusi da parte di chi non le conosce,
ma nonostante ciò, esse possiedono una forza interiore che le rende capaci di
affrontare le difficoltà più profonde.

Le "mani sull’infanzia" suggeriscono un legame con la maternità e la cura, ma anche

con il peso di segreti dolorosi. La "voracità naturale" delle donne, che non sarà mai
saziata, può essere interpretata come un desiderio insoddisfatto, una lotta continua
contro il dolore e la disperazione. Nonostante il tormento, la poesia afferma che
queste donne, pur attraversando esperienze traumatiche, manterranno sempre una
connessione con la razionalità, che sarà un filo che le "taglierà in due", ma che
comunque le aiuterà a non perdere completamente il controllo. La conclusione, con
l’immagine delle "farfalle libere", rappresenta una speranza di rinascita. Le donne,
pur ferite e segnate dalla sofferenza, alla fine si trasformeranno in esseri liberi, come
le farfalle, simboleggiando la capacità di risollevarsi e di trovare la propria libertà
nonostante tutto.

HO BISOGNO DI SENTIMENTI
Ho bisogno di sentimenti di Alda Merini è una poesia che è il ritratto dell’autrice e
allo stesso tempo un inno contro tutti i “falsi miti” che la società sembra proporre.
Ogni relazione vera non può essere basata sul denaro, ma su sani sentimenti,
altrimenti l’unione è priva di quelle emozioni che ne garantiscono la vita. La vera
ricchezza è quella che nasce dai sentimenti veri, di poesia, di bellezza. La vita può
offrire tutto questo, semplicemente non lasciandosi fuorviare dalla ricchezza
materiale. Questa non può in nessun modo garantire la felicità. Ho bisogno di
sentimenti è l’ennesimo esempio di come Alda Merini sia in grado di descrivere i
desideri più intimi dell’animo umano.

DI POESIA
La poesia di Buffoni gioca con l'intreccio di linguaggio, significato e immaginazione. Il
"vero labirinto" che "sta dentro" si riferisce alla complessità interiore dell'individuo,
dove la confusione mentale e l'angoscia sono parte della nostra realtà psichica. Il
riferimento al "cervello" e all'"intestino" suggerisce il legame tra razionalità e istinto,
dove entrambe le dimensioni sono parte di un'esperienza umana profonda. La
domanda "Storia o sartoria?" riflette su come la vita sia costruita, come una storia o
come qualcosa che viene cucito insieme, in modo artificiale e senza un ordine
prestabilito.
Il riferimento a "Alice's sister" è probabilmente un allusione al mondo surreale e
all'illusione di Alice nel Paese delle Meraviglie, in cui sogno e realtà si fondono,
mostrando come la mente umana naviga attraverso il caos e la ricerca di significato.
In sintesi, Buffoni sembra riflettere sull'inquietudine dell'esistenza e sulle modalità in
cui l'individuo cerca di comprendere se stesso e il mondo circostante.

COME UN POLITTICO
La poesia “Come un Polittico” potrebbe rappresentare una metafora della vita . Il
polittico si può aprire e chiudere , e all’interno è pieno di storia , ma quando è chiuso
è monocromo e grigio . Qui si riprende la metafora che fa il poeta , la metafora della
nostra vita che nella maggior parte dei casi è monotona e piena di routine . Ogni
tanto però si schiude e ci fa vedere il senso della nostra vita. Qui Buffoni parla dello
scorrere impietoso del tempo , e lui non riesce più ad accedere alla propria memoria
e ripercorrere i momenti della sua vita . Lui proprio per questo si ritrova in uno stato
di ansia e angoscia . Sempre sul filo dello scorrere del tempo anche qui troviamo un
riferimento all’adolescenza . Durante quel periodo il nostro tempo scorre lineare ,
ogni giorno accade qualcosa di nuovo e di inaspettato . Però man mano , diventando
adulti, il passare del tempo diventa circolare e la nostra vita quotidiana diventa più
grigia e tutti i ricordi , i colori della vita passata non sono più accessibili. Il concetto
del polittico quindi è un una forma d’arte sacra , una pala d’altare che per la maggior
parte del tempo rimane chiuso e si apre solo in occasioni festive . Questo è proprio
come la nostra vita che col tempo diventa noiosa e solo in alcuni casi accade
qualcosa che fa capire il senso della vita. Possiamo notare quindi una sorta di crisi
d’esperienza , perché non riuscendo ad accedere ai nostri ricordi, ci sentiamo
incompleti e incapaci di vivere la nostra quotidianità.

PERCHE SIAMO
"Perché siamo" di Andrea Zanzotto è una poesia che esplora l'inquietudine
esistenziale, ponendosi la domanda sul senso della vita e sul nostro posto nel
mondo. Zanzotto riflette sul passaggio del tempo, sul senso di smarrimento
dell'individuo e sulla difficoltà di trovare risposte definitive. La poesia esprime la
frustrazione di non comprendere pienamente la propria esistenza e il distacco dalla
realtà circostante.
AL MONDO
L'argomento trattato in questa poesia è il mondo che è reale come qualsiasi altra
materia in natura e non c'è bisogno di cercare di spiegarne la sua esistenza, ad
esempio attribuendo significati speciali e complessi (come espressione di Dio o di
una volontà superiore) a cose normali e, inoltre, afferma che il linguaggio non è
capace di spiegare il mondo e che la lingua è uno strumento ingannevole di
conoscenza. Il poeta si rivolge con ironia al mondo adottando un tono tipico di un
genitore o un insegnante che comunica con un giovane (Mondo, sii, e buono).
Utilizza espressioni incomplete per ironizzare su chi crede che nel mondo ci sia uno
scopo (fa’ che, cerca di, tendi a, dimmi tutto). Secondo l'autore non vi è né un fine né
uno scopo. Egli sostiene che tutto ciò che succede come gli eventi della vita, persino
la morte, accadono per caso, senza uno scopo, non c'è una spiegazione dietro a tutto
questo (super-cadere super morire). Egli, ancora, paragona il mondo a un elemento
meccanico (ad esempio un ingranaggio) e che deve ritrovare il suo gioco, ovvero il
suo movimento, la sua libertà e la sua flessibilità. Per fare ciò deve liberarsi da tutti
ciò che gli conferisce rigidità e impossibilità di movimento, come le ideologie, gli
schemi legati all'io (prodotto della nostra mente) e a Dio (creazione divina) che lo
tengono ingabbiato.

SI, ANCORA LA NEVE

C’è un susseguirsi di domande sul perché esistano le cose e quale sia la loro
direzione: interrogarsi sui pini o sul nucleo di una stella; si percepisce il magmatico
caos del mondo moderno nell’affastellamento convulso dei fotogrammi.
“Che sarà della neve, che sarà di noi?” è la frase d’apertura, nonché il cardine
dell’intera poesia, che segna una pausa riflessiva.
Si parla di un mondo che in un dato momento storico si è fatto roba per gli umani,
consegnando le proprie vergini bellezze alla violenza del progresso industriale.
Emerge qui lo sguardo affranto sul paesaggio naturale costellato delle orme della
modernità, come il cromatico stridore tra il bianco della neve e l’autobus rosso o il
contrasto tra la grande selva e il grande magazzino, la critica al consumismo è chiara;
poi domande sull’esistenza di una fonte trascendente (forse un dio) che però non
invia messaggi, compensati quaggiù da brusii e chiacchiericci su cronaca, scienza, e
profezie. Il finale e dolce invito rivolto alla neve (“Non mi abbandonerai mai, vero?”)
è l’ultimo appiglio al candore di un elemento puro, la cui perfezione continua a
cadere sulle brutture della storia (che siano guerre o parcheggi di grandi magazzini
non ha importanza).