20DANGELO06

Fondatore Giacomo Lodetti / Direttore Giorgio Lodetti / Direttore Artistico Roberto Plevano / Progetto Grafico Franco Colnaghi
Anno VI, N. 22 • Luglio Settembre 2007 • Galleria Vittorio Emanuele II, 12 20121 Milano • e mail: giorgio.lodetti @ libreriabocca.com

MASSIMO MARCHESOTTI L’inferno. Qui, adesso.

il mondo non è che un mattatoio mediocre
E. M. Cioran
Quante volte siamo già morti pensando alla
morte? Tenendo fra le mani il nostro divagan-
te cranio — alle tempie il pulsare sordo im-
pressionante del sangue — immaginandolo già
teschio scarnificato, scultura di cavità oscure,
teca vuota di svaniti pensieri? E quanto più spes-
so non cerchiamo di opporre vitalismo alle in-
sidie della riflessione annientandoci nell’affan-
no dei giorni, allontanandoci dai luoghi usati
come il saggio Marchesotti verso il suo riparo
Nudo sul letto con figura, 1998
danese, nella sua “capanna d’erba” ad ascolta-
re il vento che assilla cespugli di mare? Eppu-
re ritorna, Massimo Marchesotti — col suo
bottino di dune e luci nordiche catturate ne-
gli acquerelli — alla sua congestionata Milano,
alla fatidica poltrona rossa del suo studio-abi-
tazione-serra-veranda aperto al sole, sul qua-
le si alternano abbracci di stelle e rovesci di
temporali, imperturbabile scrigno di cristallo
gremito di quadri, libri e ricordi. Aspetto da
gentiluomo, eloquio colto di chi ha vissuto in-
tensamente, capelli ricciuti e candidi raccolti in
un minuscolo codino, barba da navigatore, Mar-
chesotti vive di arte e di musi-
ca, dipinge da sempre, compo-
ne al pianoforte — diploma di
conservatorio — e dirige con
entusiasmo un celebre coro.
Equamente diviso tra l’espressi-
vità di una pittura volutamente
inelegante e drammatica (lo
hanno definito “l’ultimo espres-
sionista”, ma in arte non si è mai
ultimi a nulla) e l’evanescente
soavità della musica, Marchesotti
ha trovato un equilibrio di vita i
cui modi gentili tengono a fre-
no la fiera che nasconde. Come
tutti gli uomini di buona volontà Il tempo del dolore, 2003
egli cerca di dominare la dispe-
razione ma non può contenere la rivolta ai so- ribondo ciclo di opere con identico titolo sul-
prusi del vivere e dell’accoppare. «Io sono se- la blasfema ecatombe dell’11 settembre, sugli
reno. Ma non mi riesce di fare un quadro che assurdi massacri di bambini di Beslan e di al-
esprima felicità. Non so tacere la brutalità de- trove (L’infamia negata), sulle implacabili car-
gli uomini, le loro contraddizioni, i pregiudizi, i neficine terroristiche e militari, sull’insignifican-
tabù ipocriti, la sconfinata stupidità umana» am- za degli altri. Esso si rivela incandescente verità
mette con convinzione. I suoi disegni dal trat- del dolore, tema conduttore che concatena e
to essenziale e suadente, di predilezione ero- informa l’intera sua produzione, infinita litania
tica, raccontano di momenti sospesi, di nudità di empietà per i nostri giorni insensati, crucia-
disinibite, di sofferti abbandoni. Il dissenso più le riflessione esistenziale dedicata a un con-
violento e amaro emerge tuttavia dai suoi oli, sesso umano stolto e distratto. Il ripugnante
spesso imponenti, che presentano scene di di- caos infuocato, la folla urlante, il divorante erut-
sordine universale e riaccendono sofferenza di tare dei grattacieli gemelli contro cui un de-
lacerazioni e strazio di memorie. Ci rivelano mone turpe ha scaraventato aerei gravidi di
nascoste truculenze da mattatoio, squallori ur- carburante e dannati, palpitano realisticamen-
bani, frastornanti ritratti di femminielli e di emar- te atroci nelle severe opere di Marchesotti, ri-
ginati, umiliazioni di “ultimi”, istantanee di don- svegliando nausea nelle nostre viscere con-
ne perdute (In attesa di…), pietà di solitudini, tratte allo spalancarsi di quel varco d’inferno,
lussurie segrete. E azzeccatissimi ironici e più da cui esalano veleni di una nuova guerra fa-
spesso tormentati autoritratti (Sopraffazione).
Il tempo del dolore non è solo un intero suo fu- continua a pagina 18

ALEJANDRO QUINCOCES Poesia dell’asfalto

Dalla Parigi di Degas al-
la Berlino di Kirchner le
metropoli “dell’era mo-
derna” sono state spes-
so le muse ispiratrici di
grandi pittori e ancor
oggi continuano ad affa-
scinare gli autori con-
temporanei.Tra i più si-
gnificativi vi è sicura-
mente Alejandro Quin-
coces, pittore basco, la
cui opera è conosciuta
ST, 2006 e apprezzata in tutto il
mondo. Nei suoi dipinti lo scenario urbano diviene l’assoluto protagonista, quasi un alter ego del-
l’autore, incarnandone le emozioni e i pensieri più profondi. Le città rappresentate sono per lo
più la nativa Bilbao e la metropoli per eccellenza: New York. Di quest’ultima viene però messo
in luce un lato più intimo e profondo, distante dall’immagine consueta fornitaci da film e foto-
grafie. A Quincoces non interessa realizzare una rappresentazione fedele della realtà circostan-
te, descrivendo palazzi e monumenti, quanto permettere a chi guarda di entrare nelle sue vi-
scere, percorrendo le vie del centro, poi i sottopassaggi e le tangenziali periferiche fino ad arri-
vare là dove la città finisce, tra vecchie fabbriche e nuovi cantieri. La matericità della sua pittura
ci trasmette la sensazione di poter toccare quell’asfalto nero, di cui sono ricoperte le strade,
opaco, a volte pastoso, pervaso di crepe e spaccature e solcato da automobili e camion che
consumano al loro passaggio la materia sottostante. Ogni movimento dell’uomo sembra lasciare
la sua traccia, e contribuire a consu-
mare e corrodere questo gigante di
cemento. Anche il cielo è denso, livi-
do, con una luce fredda da meriggio
invernale. Una leggera nebbia ricopre
poi ogni cosa, sfumando i contorni del-
le cose e appiattendone i colori. Solo
i bagliori provenienti dai semafori e
dai fari delle macchine in corsa illumi-
nano a tratti la carreggiata, creando
dei punti di luce che contrastano con
il grigio di fondo. Il risultato è una città
quasi irreale, trasformata da questa
densa bruma in una visione “roman-
tica” che rimanda ai paesaggi di Tur-
ner e Friedrich. Attraverso la sua pit-
tura Quincoces riesce a nobilitare la
prosaicità di una veduta urbana do- Paso de tunel, 2006
nandole un’intensità e una bellezza propria forse solo della natura, assieme crudele e sublime.
In alcuni dipinti poi l’autore abbandona la nebbia invernale per lasciarsi trasportare dalla magia
di “quell’ora violetta” che tinge il cielo di rosso e trasfigura ogni cosa, infondendo lirismo e ma-
gia anche allo squallore di un ambiente industriale. In quell’ “ora della sera che contende il ri-
torno” la realtà appare difatti sotto una veste insolita, nuova che sembra riconciliare l’uomo con
il mondo, facendoglielo scoprire come se lo vedesse per la prima volta.
Barbara Frigerio

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 Eligio Mairano, Steli piumati
Michela Banfi, Bei pensieri Renata Busnelli, Pescare …
Luisa Reina, Foglie nell’aria

RIFLESSI Giuseppe Dominioni,

Tramonto sulla costiera amalfitana
Anche quest’anno, per la
Bruno Rocca, Messere Quisada

quadri “giovani” poteva essere attribuito solo dai lun-

CONTEMPORANEI seconda edizione, il Co-
mune di Saronno, in colla-
gimiranti e “giovanissimi” cromosomi di una giuria com-
posta da: Cristina Renso, Presidente dell’Associazione

A SARONNO borazione con l’Associa-

zione Giuseppe e Gina
Flangini, ha organizzato il
concorso di pittura Artisti per Challan. Già lo scorso anno erano accorse
numerose abili ‘mani’ creative che risiedevano a Saronno e comuni limitrofi
e quest’anno, seppur in lievissimo numero inferiore (per la gioia dei giura-
ti), la qualità, per talune brillanti proposte, ha mantenuto un buon livello,
per l’euforia dei giurati. Gli stessi che per questa edizione hanno espresso,
stuzzicando le loro critiche papille gustative, il giudizio su due dipinti che
presentano una spiccata ‘genialità’ intuitiva nella composizione e un’origi-
nalità interpretativa, anche nella tecnica. Due nomi a cui bisognerà porre
attenzione attraverso la proposta milanese di una mostra.Tratti duttili, i lo-
ro, e freschi che con abilità conducono lo spettatore dentro spazi spettra-
li con un gioco di specchi traslucidi ed evanescenti, tangenti la realtà pae-
saggistica per il Notturno di Paola Valsecchi e quella quotidiana per i Rifles
si su pianoforte di Tullio Ficcarelli. Certamente un premio della critica a due
Flangini, l’artista Giovanni Cerri, il gallerista Francesco
Maspes, Silvia Perindani dell’ufficio cultura del comu-
ne, Laura Milani dell’Associazione Gemellaggio e, infi-
ne, dal sottoscritto sempre grato agli organizzatori per-
ché mi consentono di giungere a Saronno e tornare
indietro incolume e arricchito da un’esperienza che per Luisa Reina, In rosso
il secondo anno (chissà se mi concederanno la terza
opportunità?) offre un panorama innocente e sempre nuovo dell’arte con- Giovanni Preatoni,
Svezia, biciclette sotto la neve
temporanea che si crea fra queste colline. È affascinante e sorprendente
notare come molte di queste opere, presentate al concorso, sono frutto
del lavoro attento e straordinariamente meticoloso delle tante scuole bot
teghe d’arte del territorio. Ciò fa pensare a maestri nascosti e talenti che
danno lustro alla cultura saronnese. Come da tenere in considerazione, per
i posteri, sarà la pubblicazione del catalogo per il concorso della terza edi-
zione! … caro Sindaco, ci pensi!
Antonio D’Amico
Marilena Marafin, Sottovento

Bruno Rocca, Uboldo, via Ceriani

Isabella Fumagalli, Perdersi
Aurelio Principe, Paesaggio d'Abruzzo
Tullo Ficcarelli, Riflessi su pianoforte
Paola Valsecchi, Notturno

Ambra Castelli, Serena

Colori e poesia
GIOVANNI GALLO

Il binomio realtà e poesia è presente nella vita e nelle
opere di Giovanni Gallo.
L’artista, pervaso da spirito di curiosità e d’avventura, da
ansia di conoscenza e da una visione molteplice delle
realtà, è un instancabile viaggiatore: ha conosciuto paesi
vicini e lontani trasferendo nelle sue opere colori, ritmi
e atmosfere. «Lo spazio si è ben presto dilatato nella vita
di Giovanni Gallo che, ancora bambino, si è allontanato da
Malvito per trasferirsi a Milano: prima partenza, ricordo che
riaffiora in numerosi quadri che raffigurano binari e stazio
ni. Seguiranno altri viaggi, conoscenze, esperienze: dalla Spa
gna di Barcellona, quasi sua seconda patria, alla Parigi dei
pittori, a una Istanbul quasi sognata in un’atmosfera rare
fatta, luogo privilegiato d’incontro e di fusione di tante cul
ture diverse» (Anna Maria Castaldi).
I quadri della mostra Colori e Poesia,
esposti a Villa Truffini di Tradate dal 5
al 22 maggio, rappresentano la ne-
cessità di un diario che eviti il fram-
mento illustrativo per ricercare at-
mosfere incantate e magicamente so-
spese. In quest’ottica, in una sorta di
viaggio nel tempo e nello spazio, le
numerose opere dedicate al paese
natale. Come infatti afferma Anna Ma-
ria Castaldi, «ogni grande viaggiatore
unisce alla dimensione spaziale anche
Giovanni Gallo, Via assolata
quella temporale e il viaggio può diventare un percorso a ri
troso nel tempo, sulla via del ricordo, o un’attesa di nuove
mete future, una curiosità di nuovi orizzonti esistenziali». In
Via assolata, Malvito ha perso i connotati realistici delle
prime opere acquisendo un’atmosfera sospesa e quasi
surreale. La via, profonda e deserta, è costruita in fun-
zione dell’ombra, elemento essenziale della composizio-
ne, simbolo perturbante dell’io artistico.
Gallo ha progressivamente maturato in sé un mondo
poetico che, pur discendendo dalla scuola italiana e lom-
barda in particolare, con richiami al surrealismo, al cubi-
smo e al chiarismo, si sviluppa in maniera autonoma e
personale.
Il colore come forma pittorica, che in alcune opere evi-
denzia l’approccio alla teoria della composizione, gra-
dualmente delinea una lirica sempre più calda, un evi-
dente sapore di poesia.
Nel recente Il pianista della cattedrale, l’artista dà una vi-
sione onirica e del tutto originale di una piazza di Bar-
cellona: il cielo limpido si trasforma in una frammentata
fantasmagoria di colori, un vascello appare accanto alla
cattedrale e un surreale pianista, proiezione dell’autore,
suona nella solitaria piazza. Nell’ultimo decennio la sua
pittura è diventata rarefatta e sospesa, resa personale e
unica attraverso il gioco della luce che carica il paesag-
gio di una forte significanza interpretativa.
Cristina Renso
Giovanni Gallo, Il pianista della cattedrale

Il 6 novembre, alle 18.30, la Libreria Bocca presenta il volu-

me, edito da Skira, dedicato a Goliardo Padova, a cura di Ar-
turo Carlo Quintavalle e Gloria Bianchino, quest’ultima pre-
sente alla serata. In attesa dell’evento, dove saranno esposte
dodici carte e due quadri del
pittore fino al 12 novembre,
potremo immergerci nell’af-
fascinante e intrigante mon-
do figurale di Goliardo Pa-
dova nella mostra a lui dedi-
cata a Langhirano.

Le montagne di un uomo del fiume

L’Appennino di Goliardo Padova
Langhirano, Sala espositiva comunale
dall’8 al 30 settembre

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L e S eg r e t e d i B o c c a Opinioni · Mostre
 Sul filo dell’arte
a cura di Stefano Soddu

canto alle finestre dello studio, le carte as-

ENRICO CATTANEO sumevano colorazioni violette e rossastre,
striature che ricordavano le Montagne Roc- BRUTO POMODORO - ROBERTO VECCHIONE
ciose, venature simili a tramonti immagina-
Off Camera ti, prospettive a perdita d’occhio che avreb-
bero potuto essere quelle delle pianure de-
Dell’iterazione
…per il fotografo milanese la ricerca non è sertiche di Marte. Bruto Pomodoro, 2007, Disgiunto-Ghost shapes II
mai figlia della casualità. La sua stessa for- C’erano perfino alcune immagini che sem-
mazione culturale scientifica l’ha tenuto lon- bravano frammenti di affreschi riemersi qua ca della stele, tende a determinare
tano dall’induttivismo ingenuo di chi avan- e là su una superficie smangiata dal tempo. nettamente vuoti e pieni, ingombri
za a tentoni per tentativi ed errori, come Oggi la sensazione complessiva è quella di e pesi: la successione della figura
dal romanticismo idealista di chi è si ac- essere di fronte a qualcosa che conservava identica, nella percezione diversa
contenta della sola bizzarria dei risultati. Se- una sua insospettata vitalità: ne è riprova il che ne deriva, mette in crisi, volon-
rissimo professionista capace di usare con fatto che, benché le fotografie siano state tariamente, l’esattezza del calcolo.
grande perizia ogni genere di macchina fo- create tenendo la carta verticale così da far E sono in entrambi i casi appunti
tografica dal piccolo formato al banco ot- sgocciolare i chimici lungo tutta la superfi- interrogativi: questo un ulteriore
tico alternando lo scatto nervoso del re- cie, viene poi spontaneo raddrizzare l’im- legame fra i due artisti da sottoli-
porter alla sapiente composizione in studio, magine fino a riconoscere quello che al no- neare. In Bruto l’incognita è ciò
Enrico Cattaneo si è dedicato a una ricer- stro occhio appare come un indiscusso oriz- che avviene all’interno della figura,
ca che non ha alcuna connotazione ingenua zonte. immaginando una realtà senza in-
e ha anzi molti ascendenti. Ancora più complessa e affascinante è la se- tervalli: ciò che appare all’esterno
Da un lato si sente che è figlio di un’epoca rie che viene chiamata a seconda dei casi è identico a ciò che è interno as-
che ha già conosciuto e metabolizzato le ri- Pagina o Scrittura e che comprende opere secondando la fisionomia della cel-
cerche più radicali di Man Ray e, soprattut- realizzate nel periodo 1970-1973. Sebbene lula, stabile solo se è in aggregazio-
to, di Duchamp, dall’altra si intuisce che ha lo spunto sia inizialmente casuale — le stam- ne, in un intreccio, un incontro dal-
conservato quella dimensione lieta dell’in- pe mal riuscite venivano gettate in un ce- le soluzioni formali variabili. Si può
dagine estetica che risale all’epoca delle stino dove, incollandosi le une alle altre, for- pensare a una immagine risultante,
Avanguardie Storiche ma che poi si è ri- mavano una sorta di scultura con le sem- frammento di una espansione al-
trovata nelle indagini più recenti del Noveau bianze di un libro scompaginato — l’esito l’infinito: e, per inciso, si tratta di un
Réalisme o dell’Arte Povera. Cattaneo è fi- di questa ricerca è particolarmente affasci- altro elemento di affinità con l’arti-
glio di tutto ciò e di altro ancora: questa la nante anche per l’evidente vicinanza con la sta compagno di questa avventura,
ragione per cui sarebbe sbagliato contrap- poetica dell’Arte Povera. un ulteriore tassello che rende
porre le sue indagini di stampo reportagi- Ancora una volta è la carta l’elemento cen- credibile l’ipotesi di partenza.
stico sul territorio lombardo, le sue still life, trale e non il soggetto che in un primo mo- Non a caso le tappe del fare di
le sue ricerche condotte negli studi degli mento era destinata a ricevere. Ma questa … Vi è una sottile linea che collega i lavori di Pomodoro si possono distinguere nel modo
amici artisti, le sue testimonianze sui gran- non è una carta qualsiasi: la grande quan- Bruto Pomodoro e Roberto Vecchione, a con cui viene affrontata la dialettica fra geo-
di avvenimenti che hanno caratterizzato tan- tità d’argento di cui è intrisa e la fibra che prima vista separati da soluzioni linguistiche metrico e organico, due ordini figurali non
la compone (si trat- di diversa origine: che la scelta figurale sia di- conciliabili se non sul piano impaginativo di
ta di preziosi fogli vergente è evidente perché in un caso il re- fondo/figura: il risultato è stato quello di un
di baritata in finitu- ferente organico risulta vincolare l’immagine progressivo isolamento della figura, citando
ra lucida Agfa Brovi- protagonista in relazione con un fondo dalla le qualità percettive del volume, rispetto a
ra) sono elementi fisionomia variabile; nell’altro, invece, la strut- un fondo alternativamente giocato fra linee
che conferiscono al- tura architettonica sembra riferirsi più all’ar- geometriche allusive alla profondità e strisce
l’insieme una fortis- tificiale che al naturale, anche se la linea cur- di figure di radice organico, possibili succes-
sima vitalità. La su- va e quella retta appartengono a un mondo sivi protagoniste di altre storie.
perficie, infatti si in- senza confini, dove eventualmente il primo Differentemente Roberto Vecchione gioca
durisce con il tem- imita, più o meno inconsapevolmente, sul levare, inquisendo la riconoscibilità delle
po mentre la luce il secondo. forme elementari della scultura: l’atten-
continua a lavorare … Così mi sembra importante, a di- zione è rivolta alle diverse viste che il
sugli alogenuri d’ar- spetto della differenza generazionale volume offre una volta che si inizi l’e-
gento fino a ottene- dei due artisti, anche caratterizzati da splorazione delle diverse facce: è vero
re un nero brillante diverse biografie, provare la strada che si tratta della preoccupazione dei
che funziona perfi- delle affinità più che una breve indagi- grandi scultori del passato, ma in
no, per chi sa osser- ne distinta del lavoro dei protagonisti, questo caso è ribaltata perché os-
varlo, da specchio la cui bibliografia è sufficientemente serviamo attraverso il corpo stesso
leggermente defor- ricca per essere un buon supporto dell’opera, accettando il vicino co-
Enrico Cattaneo, 2000, Paesaggio mante. conoscitivo. In effetti, il tema centrale, me il lontano, contemporaneamen-
Molte sono poi le in dialogo, è quello dell’iterazione, una te cogliendo il recto e alcuni cenni
ti anni di manifestazioni artistiche milanesi variabili in gioco: basta che due fogli par- figura antica della retorica come della del verso. Il movimento è alluso nel-
e non, alle opere pur stilisticamente tanto zialmente incollati si dividano perché ap- realtà — letta a occhi nudi o al micro- la pittura dai campi geometrici che
diverse che qui vengono presentate. paiano frammenti di strati inferiori della car- scopio non importa — che percorre, inquadrano e delimitano la figura
Queste ultime, tutte realizzate senza l’ausi- ta caratterizzati da un bianco delicato, ba- con ruolo a volte marginale ma anche protagonista, in una alternanza di
lio della macchina fotografica, conservano sta che uno o più fogli troppo grandi siano centrale, in modo durevole l’immagi- pesi che ha sempre più privilegiato
un fascino particolare ma anche una speci- stati piegati per meglio gettarli nel cestino nario espressivo. La ripetizione è per la figura organica; diversamente è
fica originalità perché rappresentano il ca- perché, riaperti, rivelino le forme di libri mi- sua natura uno strumento aperto al reale, direi quasi necessario, nel gira-
so assolutamente unico nella storia di un steriosi dove le parole stampate sono an- dialogo in quanto, già di per sé, costi- re intorno al tutto tondo: questo
autore che ha concentrato la sua attenzio- negate in un mare d’inchiostro. tuisce una frase, non l’unica parola det- sembra essere un ulteriore legante,
ne sulle potenzialità espressive della carta Enrico Cattaneo su quelle forme lavora con ta, irripetibile o imparagonabile; è una punto di contatto fra le due avven-
fotografica stessa. grande ironia: le imprigiona in cornici es- misura, perché prima di tutto dialoga ture perché il movimento, che lega
Questo vale per i Paesaggi che rappresen- senziali come gabbie, le fa emergere fra gli con se stessa, secondariamente con lo tempo e spazio, esperienza e im-
tano il caso di un’indagine condotta utiliz- elementi di strutture che sembrano porti- spazio che determina con il suo in- maginazione è mutamento, deter-
zando con molta sapienza le reazioni chi- cati neoclassici e sono invece contenitori di gombro o in cui è ospitata. mina la fisionomia provvisoria delle
miche di diversi elementi (non solo quelli bottiglie che qui perdono il loro connota- Dove si parla di misurabilità e di de- forme, temporaneamente congela-
usati tradizionalmente in camera oscura) to kitsch, le propone come fossero antichi terminazione dello spazio, in un caso, te in un punto di vista, appunto non
sulla superficie della carta politenata Ilford. volumi ma contemporaneamente ne sot- quello di Bruto, un’invasione di una fi- definitivo. Ciò che è determinante
Tenendo questa come punto fermo, Enri- tolinea la povertà materiale. gura centripeta allusiva tanto alla tridi- risulta essere, allora, la logica sintat-
co Cattaneo ha cominciato a sperimenta- Le carte di Cattaneo, nella loro originalità, mensione quanto al movimento rota- tica che regola il modulo diversa-
re la possibilità di ottenere cromatismi dal- racchiudono uno strano destino: più sem- torio in un campo variamente discre- mente individuato da Pomodoro e
le molte sfumature che, stratificandosi fino brano statiche, più rivelano una loro intrin- zionato, capace di incidere anche sul- Vecchione, una sor ta di chiave
a dare effetti di profondità tridimensionale, seca vitalità, più alludono all’astrazione più l’evidenza plastica del sogget- con cui interpretare quanto ci
hanno creato veri e propri paesaggi di una catturano frammenti di realtà. to; nell’altro, quello di Ro- circonda.
diafana delicatezza. In questo sta il loro straordinario fascino. berto, il modulo prescelto, Alberto Veca
Siamo stati, nel 2000, fra i primi testimoni iterato in queste opere in
di questi risultati: appese ad asciugare ac- Roberto Mutti modo lineare secondo la logi- Roberto Vecchione, 2000, Dialogo
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Scoglio di Quarto L e S eg r e t e d i B o c c a
PUBLIC ART Manifesti d’Artisti
L’arte cerca visibilità lungo le strade per cattu-
rare lo sguardo di tutti, passanti e automobili-
sti; occupa perciò gli spazi di normale affissione
commerciale. Accade in questi giorni a Trieste
con Manifesti d’Artisti nell’ambito di un più gran-
de contenitore: Public Art a Trieste e d’intorni, di
cui si è già parlato da queste pagine. L’idea di
affiggere negli spazi pubblicitari cittadini opere
d’arte anziché comunicazioni commerciali, ha
una sua radice storica, risale alla città di Belfast
dove, anche con il contributo dell’artista trie-
stina Elisa Vladilo,per la prima volta si attuò que-
sta proposta. Poi il progetto rimbalzò a Milano
che ormai da qualche anno, con la mediazione
di C/O Careof, persiste a promuovere nuovi
artisti nei grandiosi poster 3 x 6 m, lungo la via
Luigi Nono.Trieste raccoglie ora l’idea, tramite
il Gruppo 78 promotore di tutta la complessa
operazione internazionale. E vi si susseguono
immagini d’ogni tipo – nei tabelloni pubblicita-
ri - dai contenuti e dalle modalità linguistiche
più disparate, tutte omologate tuttavia nella ri-
produzione fotografica in scala gigante. C’è sta-
to il cartellone dei ragazzi del locale Istituto
d’Arte, giustamente coinvolti in una ricerca che
li pone a confronto con contenuti e dimensio-
Myriam Del Bianco
ni insolite, quello divertentissimo di
Massimo Premuda che s’interroga sul-
la polivalenza della Public Art mediante
un Rebus con i suoi inconfondibili pu-
pazzetti dell’infanzia. E poi man mano
tutti gli altri che verranno esposti fino
a metà novembre. Ciascun artista ha
ideato un lavoro ad hoc, spesso di
grande pregnanza comunicativa, sim-
bolica, con importanti risvolti concet-
tuali, come la ruota della locomotiva
di Myriam Del Bianco,che si altera nel-
la sua struttura sotto la spinta di un’e-
nergia prorompente visualizzando lo sconfina-
mento verso dimensioni “altre”. Altri manifesti
sono vagamente provocatori con l’insinuazio-
ne di potenziali oscuri pericoli, non certo avul-
si dall’attuale contesto socio-esistenziale, come
quello dell’artista argentino Guillermo Giam-
pietro che pone un cartello di all’erta, dal lin-
guaggio surreale, sullo sfondo di Trieste, secon-
do le sue consuetudini espressive. Né manca-
no le citazioni storiche “l’esodo istriano del ’47”,
in autonoma lettura autoreferenziale nel car-
tellone di Barbara Stefani o di grande attualità
sociale.Le Nature morte/spazzatura di Paola Vat-
tovani,la precarietà lavorativa dei giovani di Pier-
paolo Ciana, la necessità dell’automobile elet-
trica di Luigi Merola. Infine va senz’altro citato
il lavoro dell’olandese Bastiaan Arler, che ha ad-
dirittura affrontato, con un disegno ingegnosis-
simo, il tema del Big Bang, l’esplosione all’origi-
ne del cosmo.Afferma l’artista: «È una visualiz-
zazione del cosmo in tutte le sue parti. Parla
dei singoli e del loro insieme, dall’osservazione
degli individui che formano una società a quel-
la dei pianeti che formano le galassie».
Maria Campitelli
ITO FUKUSHI
Fukushi Ito ricom-
pone frammenti di
frammenti. Tutto il
suo lavoro a partire
dalle opere di una
decina di anni fa,
quando forme asim-
metriche geometri-
che, frammenti lumi-
nosi con scritte com-
puterizzate, erano
sottolineate da neon,
è improntato a una
“ricomposizione”.
“Ricomporre” è una pratica difficile che com-
porta, alla base, sia la consapevolezza che qual-
cosa si è frantumato,sia la convinzione che que-
sto qualcosa debba in qualche modo essere ri-
costruito e restituito alla considerazione di chi
guarda o, meglio, di chi pensa. Ma la ricompo-
sizione che è anche un’azione “pietosa” perché
restituisce alla vista una forma così come la co-
noscevamo, o almeno con le fattezze non trop-
po irriconoscibili, non riesce mai a ricostruire
esattamente l’unità iniziale: al massimo ce ne
fornisce il ricordo, ci racconta di un momento
in cui tutto era “composto” e non aveva ne-
cessità di essere “ricomposto”. È, dunque, una
pratica della memoria. Certo, fino a pochi an-
ni fa, quando il soggetto preminente di Ito sem-
brava essere la luce - i neon, lightbox erano si
supporto all’immagine, ma anche essenza di
quella immagine, costituita spesso da parole
che richiamavano ancora alla sostanza lumino-
sa…l’aspetto della ricostruzione non appariva
così evidente, perché la luce non ha bisogno di
essere ricostruita, e tuttavia già quelle erano
forme inquiete, instabili, risultato quasi geolo-
gico di scaglie e di faglie in continuo scivola-
mento le une sulle altre (in questo caso la pa-
rola inglese “shift” comprende in se sia il con-
cetto di scivolamento, che di sfasamento, e an-
Ricomporre
stituircene solo in parte la forma. Ecco perché
i lavori di Ito hanno sempre quella apparenza
di puzzle, di frammento alla ricerca di altri fram-
menti: è il ricordo di un’unità perduta, di cui si
cerca di riconquistare almeno un frammento
compiuto, e da quello passare a due, tra altri
frammenti che allarghino il nostro orizzonte fi-
no a collegare pensieri e immagini disperse,
consapevoli che tutto ciò avviene nel vuoto,
nella mancanza assoluta di un quadro di insie-
me. Negli ultimi lavori, Ito sembra aver accen-
tuato il lato vagamente “politico” di queste ri-
composizione attraverso due processi esecu-
tivi strettamente collegati tra di loro. Ha scel-
to infatti di servirsi di immagini estrapolate da
notiziari televisivi, e ha scelto immagini forti, im-
mediatamente riconoscibili e riconducibili a fat-
ti, mescolandole con immagini neutre di pae-
saggio. Con questa duplice e unica azione – la
televisione è nel bene e nel male collegata al
concetto di informazione di massa, Ito ha en-
fatizzato il concetto di frammento moltiplican-
do, tra l’altro la stessa figura, lo stesso fram-
mento di storia: che si tratti del volto sfacciato
e un po’ retorico, ma efficace, di Oriana Fallac-
ci, o del tipico paesaggio di strada meridiona-
le, sicuro teatro di qualche attentato, la molti-
plicazione dell’immagine porta al risultato del-

ANDREA GIOVANNINI che di prima azione elettronica – il tasto “shift”

Momenti di viaggio, 2007
no delle persone, ma vanno tutte un po’ di fret-
ta, sono tutte un po’ smarrite, tutte senza nien-
te da dirsi. Fortuna che si vedono anche gli ani-
mali, il cane per esempio, che è un essere an-
cora incontaminato, sinonimo di purezza. Ecco,
c’è tutta l’espressione della contemporaneità,
della quotidianità. Ma non solo. Sullo sfondo del
è ormai una indicazione famigliare…, ed è quin-
di molto più evocativo per il lavoro di Ito di
tutte le varie parole italiane che ne indicano
solo una parte). Il quadro non esiste più. Quel-
la forma così precisa, tranquillizzante e som-
mamente stabile è definitivamente scomparsa:
tutt’al più, come si diceva prima, la nostra azio-
ne può cercare di ricomporre quello stato di
felice unità, ma al contempo non può che re-
la saturazione visiva, della paralisi dell’interpre-
tazione. Milioni di immagini tutte uguali che co-
stituiscono il nostro immaginario quotidiano
impediscono di ricostruire una storia coeren-
te, eppure in cuor nostro sappiamo che que-
sta storia esiste, deve esistere: la difficoltà del
frammento nel frammento ci rende almeno
consapevoli che un tempo credevamo che la
storia avesse un senso.
Marco Meneguzzo

La partenza, l’arrivo e ciò che sta

nel mezzo. La sintesi di un viaggio.
C’è un movimento latente nella pittura di An-
drea Giovannini. Anche se spesso si ha la sen-
sazione contraria. Si ha la sensazione di guar-
dare una fotografia, un istante rubato al flusso
del tempo, una sorta di fermo-immagine. Ma
l’inquadratura, probabilmente, non è quella che
sceglierebbe un fotografo. Siamo di fronte a un
altro linguaggio.In effetti,a volte,Giovannini scat-
ta delle fotografie che gli servono come riferi-
menti per ricostruire un determinato percor-
so, elementi di tappe diverse che confluiscono
in uno stesso bozzetto. Molti dei suoi quadri,
dicevamo infatti, raccontano un viaggio. Non
necessariamente un lungo viaggio. Un percor-
so anche breve, magari il tratto di strada che
conduce al lavoro o la via per tornare a casa.
Volendo, possiamo anche sentire la musica che
è “nascosta” in questi dipinti: musica rock, so-
prattutto, o punk, musica dei nostri giorni in-
somma, quella stessa musica che Giovannini
ascolta nel suo studio, mentre realizza le pro-
prie opere. Bisogna provare a immaginarsela: a
volte si sente appena, una frequenza disturba-
ta, che arriva dalla radio dell’autobus coperta
dalle voci dei passaggeri, oppure una canzone
sparata a tutto volume, come l’ascolteremmo
nell’abitacolo della nostra macchina. Il paesag-
gio scorre attorno a noi come un film, incorni-
ciato dal finestrino della corriera o dal para-
brezza della nostra auto. C’è la strada, con i suoi
segnali e gli edifici che la costeggiano, ci sono i
lampioni e i fari dei mezzi pubblici nella corsia
opposta. Ci sono incroci, svincoli, treni in lon-
tananza e aerei che attraversano il cielo. Ci so-
L e S eg r e t e d i B o c c a
paesaggio urbano s’impone sempre il paesag-
gio naturale: le fronde degli alberi, le montagne,
le nuvole che imprigionano i colori di un tra-
monto.Tutti questi elementi sembrerebbero
convivere artificiosamente nello stesso quadro,
quasi come ritagli di un collage, e invece si fon-
dono in un tutt’uno grazie a una luce partico-
lare. Nelle opere meno recenti era una legge-
ra foschia, forse la nebbia della Pianura Padana
(in cui Giovannini è cresciuto), ad amalgamare
e mitigare l’insieme. Ora quell’alone nostalgico
si è un po’ dissolto. C’è una maggior nitidezza,
una maggiore incisività del segno, come a sot-
tolineare un diverso stato d’animo del pittore,
forse un rinnovato ottimismo e uno sguardo
più lucido sulla vita, che possiamo leggere co-
me un’evoluzione personale prima che pro-
fessionale. Ma è sempre la luce ad avvolgere
tutto e a realizzare la fusione tra i segni del-
l’uomo e l’ambiente naturale, perchè in fondo
si tratta di un legame possibile, consolidato e,
perchè no, con una sua peculiare bellezza. For-
se sono proprio questi scenari di “natura me-
tropolitana” i nuovi rifugi dell’anima.Volendo
cercare nelle tavole di Giovannini la traccia dei
grandi a cui si è potuto ispirare, si intravvedo-
no curiose convergenze. Si ritrova per esem-
pio l’influsso del realista americano Edward
Hopper, poeta della solitudine e della moder-
nità, ma anche la frequentazione dell’opera di
certi paesaggisti romantici, come William Tur-
ner o John Constable. Giovannini dunque è il
cantore di un’epoca e la sua pittura è uno spec-
chio del mondo e della società in cui viviamo,
in cui i simboli del nostro tempo vengono ce-
lebrati sempre e solo sullo sfondo naturale che
prescinde e sovrasta la presenza umana.
Katuscia Da Corte
30
MELANIE PULLEN La morte ti fa bella
Phones, 2006
La fotografia noir di una giovane rivelazione
made in U.S.A, High Fashion Crime Scenes,
progetto dell’artista americana Melanie Pul-
len, nata a New York nel 1975, rappresenta
una minuziosa ricostruzione di scene vinta
ge di delitti realmente avvenuti, nelle quali
però le vittime sono state sostituite da don-
ne bellissime, modelle o attrici perfettamente
vestite in abiti e accessori di alta moda. Que-
sti dettagli costringono l’osservatore a di-
stogliere lo sguardo dall’efferatezza del de-
litto per soffermarsi sui particolari dell’im-
magine. Non si tratta dunque di pubblicità
a case di moda (gli stilisti che hanno dona-
to i propri capi alla Pullen per la realizza-
zione di questo progetto sono diversi e ven-
gono raramente citati) ma dell’inserimento di un forte elemento artistico di distrazione nella sce-
na del crimine. Per la realizzazione di ogni scatto la Pullen si è prima documentata presso gli ar-
chivi della polizia di Los Angeles, ha parlato con il coroner, studiato ogni singolo caso e in segui-
to allestito veri e propri set cinematografici, dando vita a immagini a cavallo tra moda, cronaca
e arte, lontane sia dalla crudezza delle fotografie dei delitti che dalle stilizzazioni della pubblicità
o del cinema. Un’ambiguità in cui l’artista si sente particolarmente a proprio agio che si espri-
me per esempio nella contraddizione tra i luoghi deserti e abbandonati che fanno da sfondo
alle bellissime protagoniste dei suoi scatti. Ma ogni scatto è soprattutto una storia che l’osser-
vatore deve poter immaginare e nell’esplorazione di ogni storia Melanie aggiunge o tralascia in-
dizi, dando al racconto una diversa sfumatura. In questo processo, opera esattamente come una
narratrice che comincia a raccontare dalla fine e poi obbliga gli spettatori a osservare i dettagli
per ricostruire la storia. High Fashion Crimes disturba l’osservatore più sensibile (non più di
quanto lo possano le immagini di un film noir), fa sorridere se si è ancora dotati di un filo di iro-
nia ma soprattutto suggestiona chi ha ancora voglia di farsi sorprendere, magari diventando il
prossimo protagonista di un efferato crimine d’autore.
Melanie Pullen MiCamera, Milano dal 19 settembre 2007.
Flavio Franzoni
Art Now
 ELENA MUTINELLI ADRIANO POMPA Paesaggi volanti
Le mani sul corpo Il lavoro di Adriano Pompa è imperniato su
una dicotomia interessante. Si tratta di un gio-
La scultrice Elena Mutinelli avverte con particolare urgenza un bisogno co di contrasti o, per meglio dire, di una sorta
di ritrovare mani adeguate a risentire e a restituire le ragioni del corpo, di frizione interna. come se l’artista avvertisse
a ritrovare il corpo come centro dell’esperienza esistenziale come via una forte pulsione, alla quale però stenta a ce-
della conoscenza e del manifestarsi delle qualità della persona.Va con- dere. Da una parte la “tradizione”, ricca di ri-
trocorrente, o forse è meglio dire che vive con anticipo una condizio- chiami ed evocazioni, conduce Pompa verso
ne di nostalgia del corpo che molti giovani artisti cominciano a denun- un ormai noto registro, ambito nel quale si sen-
ciare in pittura e in scultura, reagendo alla cultura telematica, all’arte po- te totalmente a suo agio e all’interno del qua-
vera e concettuale, alla cerebralità della conoscenza, alla virtualità delle le si muove con piglio disinvolto. Occhieggia,
esperienze. Le mani assumono dimensioni plastiche di forte evidenza, così, alle piene volumetrie di un Paolo Uccel- Vasi e tavolo nello studio
sollecitando non soltanto il rassodarsi della sensazione diretta, del con- lo e ai fondi oro di scuola senese, imbevendoli mano esperta e sicura. Un deposito di prove
tatto con la forma, il disegno, la temperatura, la reattività del corpo, ma di citazioni sospese fra l’onirico e il metafisico. insistite e di incaponimenti.A lungo Adriano è
il riemerge della memoria e della conoscenza sensitiva, di attraversa- Dall’altra Pompa percepisce i limiti di un lin- stato in qualche modo oppresso da una du-
menti del corpo, di relazioni, di confidenza con la struttura e con lo spa- guaggio figurativo ormai ampiamente indaga- plice eredità: quella della storia dell’arte e quel-
zio fisico e psichico. Sono, io credo, proprio questa riscoperta e questa to e sviscerato ma, a me pare, solo ultimamente la lasciatagli dal padre Gaetano, anch’egli pit-
riaffermazione della centralità corporea e sensitiva nell’esperienza esi- metabolizzato. L’arte di Adriano Pompa ha se- tore e scultore. Il lavoro dei due Pompa è mol-
stenziale che interessano Elena Mutinelli, sia come necessaria restitiu- guito i ritmi di una novella bottega medievale. to vicino. Adriano ha seguito con entusiasmo
zione della capacità estetica (propria nel significato più elementare di Un lungo apprendistato che lo ha visto con- ma anche, io credo, in maniera conflittuale le
sensibilità) della persona, sia come ricomporsi della professione dell’ar- frontarsi con “titanico” coraggio con i più alti orme paterne. E qui arriviamo alla dicotomia
te. La giovane scultrice torna coraggiosamente ad abitare il corpo e a re- esiti della storia della pittura. Uno studio vero di cui dicevo all’inizio: così come l’opera di Gae-
stituirgli mani grandi per sentire e fare, riconoscersi e rimodellarsi. tano Pompa ha avuto, come
in pochi sanno, una specie di
Non mollare la presa, 2006 Giorgio Segato deviazione o fascinazione per
la pittura Informale negli anni
Sessanta, così il figlio sta da

MADDALENA ROSSETTI tempo (e ora in maniera sem-

pre più convincente) speri-
mentando un progressivo al-
lontanarsi dalle strettoie del-
«Mi piace pensarmi come una calamita umana,posta quotidianamente la figurazione.
al centro di un inarrestabile carosello d’immagini», con queste parole Di fatto gli elementi che com-
Maddalena Rossetti definisce il suo essere artista, al centro di un mon- pongono il vocabolario pitto-
do sempre più condizionato dal rapporto claustrofobico immagine- Alba, 2007 rico di Adriano Pompa sono ancora percepi-
desiderio-oggetto che smaterializza forme e significanti, degradando- e profondo, che ne ha forse intimidito la crea- bili. Ma la loro articolazione è diversa e si de-
li a mero significato. Ma in questo vorticoso turbinio l’artista riesce tività, nel momento in cui l’artista ha cercato clinano secondo nuove cadenze. Penso in par-
ugualmente a catturare singoli frammenti, ricordi senza più ricordo, di affrancarsi dalla tradizione. Pochi, fra gli arti- ticolar modo a Grande sinfonia spaziale, 2004,
che aspettano solo di appartenere a una nuova storia, di essere scru- sti delle ultime generazioni, hanno raggiunto forse il quadro più bello realizzato dall’artista.
tati e, perché no, ammirati sulla superficie pittorica che ridona loro di- una pari perizia tecnica. Forse nessuno anco- Con quest’opera Adriano Pompa sembra aver
gnità di oggetto, di significante, di cellula comunicativa. Dopo il consu- ra oggi conosce i “segreti” della lamina d’oro, finalmente combattuto e vinto i propri demoni.
mo frenetico e il caotico usa e getta, semplici ritagli di carta trovano del bulino o della punta secca. In questo Pom- Siamo certi che avrà il coraggio di lottare a tut-
valori assoluti su colori cangianti stesi con pennellate sicure, macchie pa può senza dubbio considerarsi un artista to campo.
di colore che in armonia, si contrappuntano, ricoprono, sottolineano “d’altri tempi”.
Lorenzo Fusi
e colano su lettere, simboli, segni. Filosofia dell’aria è il nome che Mad- L’ambiente nel quale egli lavora ricorda lo stu-
dalena Rossetti dà a questo progetto poetico, il quale, da qualche an- dio di un miniatore o una classe di cesello. L’a-
no, è diventato anche un sito internet www.filosofiadellaria.it. L’appa- telier di Pompa è come un microcosmo di tu- SpazioBoccainGalleria
Chiunque, 2007
rente leggerezza del gesto di recupero viene controbilanciato da una betti di colore a olio ben spremuti e di picco- Mercoledì 10 ottobre 2007, ore 18,30
forte e febbrile ricerca di verità e valori assoluti. Così come l’aria, elemento effimero e vitale al li bronzetti. Un alveo di fogli tratteggiati con
tempo stesso, anche queste opere si nutrono di frivolo e trascendentale riflettendo quella che
da sempre è stata la ricerca dell’uomo di valori assoluti e di grandi verità nei confronti dell’estre-
ma volatilità e caducità del vissuto umano.
Cristina Guerra
MUSEO DEI TAROCCHI
DANTE 100 x 100 Il 22 giugno 2007 è nato il Museo dei Tarocchi, ubicato
a Riola di Vergato (Bologna) in un suggestivo palazzo
storico del ’600, immerso nel verde. L’origine dei Taroc-
Grazie all’impe- Artisti della prima Cantica: chi fa pensare a un intreccio non casuale di innumere-
gno profuso dal- Ernesto Treccani, Gudrun Sleiter, Luciano Ra- voli culture, con differenti contenuti, che poi si sono tra-
la Cooperativa gozzino, Paolo Baratella, Luigi Granetto, Ugo mandati, trasformati, influenzando in maniera sottile la
Raccolto nell’ar- Sanguineti, Emilio Tadini, Daniela Benedetti, storia e l’arte. Quando si è avviato questo progetto, da
co di 5 anni, alla Stefano Pizzi, Daniele Oppi, Domizio Mori, ogni parte del mondo si sono presentati artisti, più o
Società Umani- Marco Viggi, Giorgio Roggino, Gastone Ma- meno noti, che hanno lavorato sui simboli, attraverso la
taria, a luglio, si riani, Vincenzo Ognibene, Franco Cenci, Re- loro cultura. Abbiamo raccolto opere dall’India, dall’A-
apre - in antepri- nato Galbusera, Maria Jannelli, Giancarlo Col- frica, dall’Europa, dagli Stati Uniti, in pratica, in ogni an-
ma nazionale - la li,Antonella Parolo,Vincenzo Vinotti, Gerardo golo del mondo si è svolto un lavoro incessante e spes-
prima parte del- Lo Russo, Rino Crivelli,Antonio Lodola, Mas- so sotterraneo che sta dimostrando come ancora og-
la mostra Dante simo Marchesotti, Gianfranco Draghi, Giu- gi si conservi un’antica ispirazione e si prosegua nel rap-
100 x 100, ovve- seppe Abbati, Silvio Bellini, Giorgio Venturino, presentarla artisticamente. Il Museo dei Tarocchi vuole
ro cento artisti Alessandro Negri, Sabino Ventura, Armida dare un’opportunità a tutti gli artisti e a chi, ancora og-
contemporanei Lombardi, Marisa Camillo. gi, dà voce a un patrimonio che nel passato fu immen-
chiamati a inter- so e oggi rischia di essere fruito solo da studiosi e ri-
pretare singolar- cercatori specializzati. L’obiettivo è quello di colleziona-
mente la divina re e raccogliere l’arte contemporanea che si ispira a
opera del Divin questo tema particolare e sconosciuto. Intendiamo of-
Chiostro dei Glicini - Società Umanitaria
Poeta: una Can- frire al visitatore collezioni uniche di mazzi di tarocchi
via Daverio, 7 20121 Milano
Daniele Oppi tica, l’Inferno, 34 originali, realizzati da artisti italiani e stranieri, che operano attraverso varie tecniche: dal collage
opere d’arte. L’idea nata da Giacomo Lodetti Inaugurazione alla scultura, dalla pittura alla grafica, dal video alle performance fino a giungere alla musica. Molti
e resa possibile da Daniele Oppi (prematura- Martedì 10 luglio 2007 i nomi di spicco: Renato Guttuso, Franco Gentilini, Enrico Baj, Renato Meneghetti, Andrea Picini,
mente scomparso l’anno scorso) per la Coo- ore 19.00 Catya Plate,Will Parfitt, Gian Maria Potenza, Domenico Balbi, etc. Le opere sono suddivise in quat-
perativa Raccolto insieme con la Libreria Boc- presentazione di Andrea B. Del Guercio tro sale, che mutuano il loro nome dal mondo degli elementi: Sala del Fuoco, della Terra, dell’Ac-
ca, nel duplice intento di celebrare l’opera del qua e dell’Aria. Il Museo, attravesro la casa editrice Hermatena, pubblica edizioni di Tarocchi d’ar-
sommo Poeta e di pungolare gli artisti, soci e dal 10 al 29 luglio 2007 te, molto preziose in quanto sono in tirature numerate da 500 a 1000 esemplari, firmati in origi-
aderenti del Raccolto, affinché si cimentassero orari: dal lunedì al venerdì: 10.00 19.00 nale dall’artista. Le novità sono: InContro Tarocchi (46 artisti internazionali), Tarocchi Alchemici (22
con una personale interpretazione del Canto sabato e domenica: 10.00 13.00 / 16.00 20.00 artisti coordinati da Maurizio Vitiello) e Tarocchi di Connessione (Jessica Angiulli). Lo scopo del Mu-
loro assegnato. Ne è scaturita, dopo un pe- seo è quello di diventare un punto di riferimento per tutti coloro che studiano e amano questo
riodo di intenso lavoro, una singolare panora- l’iniziativa gode del Patrocinio della Società Dante Alighieri mondo magico e divinatorio e per un collezionismo, al momento più straniero che italiano. In Ita-
mica dell’arte contemporanea, palesata da pic- e dell'Associazione Librerie Storiche ed Antiquarie d'Ita lia si avvale della collaborazione prestigiosa di Alberto Cesari Ambesi, del critico d’arte Maurizio
cole e significative opere originali. lia, del contributo del Comune di Inveruno, della Società Vitiello, di Osvaldo Menegazzi (Edizioni Il Meneghello) e ha corrispondenti negli Stati Uniti, in In-
Edificatrice Abitazioni Operaie SEAO 1879 Milano e del dia e in Nuova Zelanda, oltre a una sezione di mail art.
Francesco Oppi la Società Umanitaria. Morena Poltronieri
29
Artisti · News L e S eg r e t e d i B o c c a
GIUSEPPE DE LUIGI (1908–1982)
«Uno dei più interessanti pittori mantovani della sua generazione» scrisse il critico Mario Pancera in occasione della mo-
stra itinerante presso il M.A.M., Gazoldo Degli Ippoliti e il Museo Bagatti Valsecchi.
Visse gli anni della sua formazione artistica a Mantova e a Firenze. Il soggiorno fiorentino di quattro anni di studio del-
la pittura, della scultura, dell’affresco e della ceramica esercitò un’importante influenza sulla sua maturazione artistica
in quanto gli permise anche la frequentazione dei luoghi che lo misero in contatto con i maggiori artisti e intellettuali
italiani di quegli anni. Si trasferì definitivamente a Milano nel 1952 dove si conquistò un buon inserimento nell’am-
biente artistico. Il suo fu un lungo, paziente e determinato lavoro per inglobare in uno stile personalissimo le varie
correnti artistiche che si susseguirono nel secolo.
Così il critico Mario Monteverdi condensò la sua critica in occasione della mostra personale alla Casa del Mantegna
nel 1964: «… De Luigi ha scoperto un mondo fatto di ritmi e di suoni che si concentrano in colore, in luce; tale la sfuma-
tura che segna il passaggio fra due diverse zone cromatiche, tale la trasparenza d’un cielo nitidissimo sotto cui si fan diafa-
ne e vaporose case e fabbriche, sotto cui par si disciolgano in laghi incantati, in quieti ruscelli campi e strade…» e il critico
Renzo Margonari, sempre per quella mostra, conclude: «… L’improvvisazione è bandita da queste opere come è ban-
dita l’emozione istantanea che non favorisce la contemplazione. È alla contemplazione silenziosa che invitano i quadri di
De Luigi, proprio perché da questa contemplazione sono nati …»
Le sue opere continuano a essere esposte e apprezzate in eventi importanti, i più recenti dei quali sono la mostra
collettiva Il Chiarismo tra Lombardia ed Europa a Milano nel 2005 e l’Antologica al M.A.M. (Museo d’Arte Moderna) di
Gazoldo degli Ippoliti (Mantova) nel 2006.
Scrissero di lui, fra altri: Francesco Bartoli, Sandro Bini,Werther Gorni, Mario Lepore, Renzo Margonari, Mario Mon-
teverdi, Mario Pancera, Mario Portalupi, Alessandro Righetti.

Dall’1 al 13 settembre è ricordato a Mantova, con un’esposizione di dipinti degli anni 1960 e 1970, in occasione del Festivaletteratura 2007
Dal 5 al 9 settembre Presso la Galleria Arianna Sartori – Arte & Object Design, 46100 Mantova – via Ippolito Nievo, 10 – tel 0376-324260

PASQUALE DE LUCA Il visibile oltre l’invisibile

Nella recente produzione pittorica di Pasqua-
le De Luca vi è un ritorno all’uso di materiali
primordiali, dove il sacco di juta diviene sup-
porto macroscopico di lettura del mondo e i
Frammenti di un pensiero, 2007
suoi elementi. L’artista secerne dinanzi ai nostri
occhi oggetti che ci appartengono e che quo-
tidianamente tangono il sentire comune, ri-
portandoci all’interno della materia e ingigan-
tendo le forme, quasi per armonizzarci con es-
se. È certamente un gioco che indaga, come
solo l’arte riesce a fare, i sentimenti e la perce-
zione di ciò che ci circonda. Assistiamo a im-
magini che si dissolvono su uno spazio calibra-
to e spettrale, dove le micro fessurazioni se-
tacciano le cromie pastose, facendo affiorare
da un cosmo invisibile l’essenziale … visibile al
cuore! I dipinti di De Luca contengono in nuce
l’intrinseco percorso mentale del transeunte,del
tempo che passa e lentamente trasforma il tan-
gibile, riducendo gli oggetti a soli pensieri che
si completano con lo sguardo dell’anima. È sì
una pittura che varca le soglie del figurativo, at-
traverso la percezione oggettiva, ma lo fa inve-
stendo gli annidati sentieri speculativi. È un’ar-
te che invita a riflettere e a cercare la corpo-
sità oltre la fibra. Sono pensieri incompleti che
attendono di essere dibattuti dall’osservatore.
Sono forbiti inganni di logica, dove l’interroga-
tivo che permane è costante: la mia realtà og-
gettiva è parte di quell’universo intriseco che
ancora deve affiorare? … ma De Luca, si dilet-
terà mai al completamento che appaga il visi-
bilìo? … se ciò avvenisse il sentimento antico e
sempre nuovo del dilettare avrebbe cessato d’e-
sistere. I suoi sono grovigli che all’origine han-
no una consistenza precisa e adesso convivo-
no e si confondono o cercano di farlo, con la
realtà del sacco, sul quale esiste già una di-
mensione segnica che vive di vita propria. Su
queste identità, in realtà non sempre presenti,
Profumo di terra, 2007
si innestano e trovano sedimento frutti succu-
lenti in fieri con la curiosità in chi guarda di dar ed entrare nel quadro per raccogliere a piene
godimento alle papille gustative. Si lasciano in- mani le sensazioni primordiali che esistono so-
travedere cervelli pastosi che bene si amalga- lo negli antri reconditi dell’artista. Ancora una
mano con le origini della vita e con la ricerca volta, attraverso le sue umbratili, incomplete e
della propria genesi. Affiorano profumi e sen- affascinanti figurazioni, De Luca ci colloca di-
sazioni informi che tentano un’oggettivazione fronte al passaggio del tempo che investe l’og-
ravvisabile a fantasmagoriche soluzioni: qui nes- gi e ci proietta al domani!
suna clessidra batterà l’ultimo granello per por- Antonio D’Amico
re fine al tempo della riflessione, ma chi avrà
indovinato la giusta soluzione alla forma na-
scosta nel tempo? … in definitiva, sono solo SpazioBoccainGalleria
Frammenti di tempo. Quei frammenti che fan- Mercoledì 26 settembre 2007, ore 18,30
no sorgere la curiosità di cercare oltre la tela

MARCO SUDATI La pittura naturale III PREMIO DI PITTURA

MOVIMENTO NELLE SEGRETE DI BOCCA 2008
«Noi giochiamo e sappiamo giocare, dunque siamo qualcosa di più che esseri pu- Miniaci Art Gallery e Libreria Bocca indicono il 3° Premio Movimento nelle
ramente razionali»
J. Huizinga Segrete di Bocca dedicato alla pittura. L’iniziativa è aperta a tutti gli artisti.
«Gli alberi amici». «Gli alberi degli amici».
E perdo la concentrazione. Non riesco più a scrivere. La mia mente GIURIA DI QUALITÀ
ora è subito affollata di ricordi. Ricordi di giornate d’infanzia trascor-
se in una grande città. Giocando con gli amici tra strade, piazze ed Valerio Adami (artista) - Philippe Daverio (critico d’arte)
enormi palazzi. Cercando per gioco, una dimensione diversa, un pae- Sara Fontana (critico d’arte) - Antonio Miniaci (gallerista)
se, un’isola, un rifugio: troviamo un albero, un grande albero di fico e Giovanni Serafini (collezionista)
quello diventa il nostro gioco preferito. Radunarsi sotto l’albero. Il no-
stro gioco esclusivo e segreto. Quell’albero era il nostro mondo. Tommaso Trini (critico d’arte) - Carlo Vanoni (consulente d’arte)
«Quattro alberi da scalare».
L’albero immenso, alto tanto da non poterlo vedere per intero, bi- Il vincitore riceverà un premio di 1.500,00 euro
sogna immaginare la sua cima, lontana, irraggiungibile, misteriosa.. Sca-
lare gli alberi arrivare in alto, scoprire i segreti e vincere le sfide: non Termine di partecipazione 30 maggio 2008
so più se sto ricordando un sogno fatto di recente o un gioco pra-
ticato da bambino…
Marco Sudati è un pittore attento e tecnicamente maturo e sapien- COMITATO PROMOTORE
te, ma sa ancora andare dritto al cuore delle cose. Sa giocare con al Aldo Benedetti (consulente d’arte) - Rossana Bossaglia (storico dell’arte)
pittura e con la memoria. Dipinge il racconto della propria vita per Giorgio Lodetti (libraio) - Ilaria Miniaci (gallerista)
offrirci uno spunto, un rifugio, un albero. Cristina Muccioli (critico d’arte) - Alessandro Papetti (artista)
Nella sua pittura, pittura naturale, si incontrano amici, si ricordano giochi e si perpetuano amo- Alessandro Quasimodo (attore) - Cristina Vicamini (gallerista)
ri. Io guardo questi quadri con giogia e stupore e vi invito a fare altrettanto, come bimbi ad oc-
chi spalancati.
Willy Montini Richiedi il bando per partecipare a:
Tratto dal catalogo della mostra
Marco Sudati. L’albero, il gioco… la memoria giorgio.lodetti@libreriabocca.com
Le opere di Marco Sudati sono in permanenza:
Galleria Canci
scarica dal sito internet
via Pisacane, 1 - Lerici Spezia www.miniaciar t.com
Show-Room ArteTivù
Marcon (VE)
Galleria Roggia Grande Giorgio Lodetti - 02 86462321 - 02 860806 - 338 2966557
largo Carducci - Trento
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L e S eg r e t e d i B o c c a Opinioni · Mostre

MASSIMO PETRINI
Alle tendenze artistiche che hanno contraddi-
stinto il secolo scorso, non è facile prevedere
gli ulteriori sviluppi dell’Arte nel prossimo fu-
turo. È già difficile sintetizzare quanto si stà svol-
gendo davanti a noi in questo movimentato,
sia pur statico periodo. Le principali, ultime ten-
denze emerse, l’Iperrealismo d’oltreoceano e
la transavanguardia Italiana, stanno pian piano
esaurendosi. Si può rimarcare, peraltro, la con-
tinuità delle correnti concettuali nate con Du-
champ, che hanno dato consistenza a un vero
e proprio “Concettualismo”. Oltre ai capisaldi
riconosciuti di questa corrente, Kosuth, Dar-
boven, per molti, soprattutto giovani, il Con-
cettualismo entra in gioco come giustificazio-
ne per opere grafiche oggettuali. Un panora-
ma vasto e pluriforme che presenta non po-
che ambiguità e soluzioni di comodo.Vi sono
tuttavia casi di artisti ancor giovani che avva-
lendosi dei mezzi tecnici attuali, fotografia, vi-
deo-cine, danno origine a una produzione ar-
tistica di varia estrazione, altamente qualifica-
ta. È il caso di Massimo Petrini, milanese, che si
dice “fortemente legato a Siena per via ma-
terna”, che dopo una vita legata alle arti visive
in tutti i campi della comunicazione, sposta la
sua attenzione alla vera e grande passione: l’Ar
te digitale. Poco più che cinquantenne Petrini,
ALESSANDRO RINALDI
Digital Art
Tendenza, 2007
interrompe la sua attività di prestigioso art di-
rector costellata di risultati eclatanti, anche a li-
vello internazionale, che testimoniano, oltre al-
la sua elevata professionalità, la sua geniale crea-
tività: medaglia d’Argento al Salone Invenzioni
e nuove Tecniche di Ginevra; esposizione per-
manente al Museo di Arti Decorative di Pari-
gi ecc… «Una scelta di libertà la mia, – dice
Petrini – libertà artistica svicolata da scadenze
rigorose e da progetti prettamente commer-
ciali. Insomma un’attività libera di lacci e lac-
ciuoli della comunicazione attuale!» La visione
artistica di Petrini si avvale dell’osservazione di
un soggetto reale (un sasso, una chiesa, un fio-
re), per poi scomporlo e ricomporlo dividen-
do il reale al non percepibile, rivisitando in chia-
ve soggettiva, scoprendo nuove realtà in una
visione di sintesi.Andare nell’altro lato, scono-
sciuto, delle cose varcando la linea di separa-
zione che divide idealmente ma, anche unisce
ogni polo al suo opposto. Una linea “curva”,
che è il segno che contraddistingue tutte le
opere dell’Artista. Sono dei tableau anche di
notevoli dimensioni di grande fascino e sug-
gestioni. La tecnica raffinata conduce anche a
visioni surreali, che il colore abilmente e gra-
dulmente rastremato, esalta ancor più; visioni,
che a guardar bene, pongono anche inquie-
tanti interrogativi.
Walter De Bernardi
La pera del coccodrillo, 2007
Le ragna…
tele
Il silenzio
WALTER PUPPO dell’assoluto
La poetica della produzione artistica di Wal-
ter Puppo si incentra tutta sulla tematica
del silenzio. Il silenzio come messaggio, co-
me linguaggio, come parola. Un non dire
che equivale a migliaia di discorsi perché è
un silenzio carico di significati e significanti.
Un silenzio che non è solo acustico, ma vi-
sivo, come richiamo all’essenzialità, alla for-
ma pura ridotta al suo essenziale. Un ri-
torno al simbolismo arcaico di figure in-
fantili o ai graffiti preistorici o a quello che
di essi rimane sui muri delle caverne cui so-
no stati affidati. Un silenzio che è quello del-
lo spazio, del cosmo, luoghi dove le sue en-
tità vagano solitarie, accorpandosi talvolta,
ma soltanto raramente, in una unione me-
tafisica, a testimoniare che la solitudine del-
l’essere può essere talvolta interrotta o so-
spesa, ma mai totalmente superata. Un si-
lenzio che si esprime graficamente nel se-
gno puro e netto della grafite che incide e
quasi scava solchi sulla tela: ma i solchi non Cellule, 2007
vogliono e non servono a scalfire o a ferire la lo mostrano perché non ne hanno bisogno.
tela perchè contengono in sé levità interiore Una colorazione delicata e quasi evanescente
e delicatezza di approccio. Questo “segno”, come evanescente è il mistero che reca in sé
nella sua ostinata e ripetuta circolarità, evoca la figura: il suo segno dapprima quasi imper-
e rimanda alla tematica del “tutto” come luo- cettibile, entra in punta di piedi e viene perce-
go di inizio e fine di ogni essere e di ogni ele- pito dagli occhi e dalla mente con una sorta di
mento vitale. Da qui la creazione di queste cel delicatezza, per poi penetrare nell’immagina-
lule, segni primordiali, monadi leibniziane, em- rio e nell’animo di chi guarda con la forza di
brioni vitali, isole di creazione e di creatività. Il un macigno. Le sue cellule hanno una poten-
ripiegarsi e il chiudersi in se stesse di queste za interiore che nessun contrasto violento di
forme nella loro circolarità, conferisce qui e su- segno e colore può in alcun modo accentua-
bito l’immagine di un tutto impenetrabile e re. Le sue velature nei colori pastello lasciano
inafferrabile; sempre e comunque di un orga- intravedere più che vedere e se si viene col-
nismo “uno”, illimitatamente autoriproduttivo piti da qualcosa nella visione delle sue opere,
e autarchico. Queste forme embrioniche so- è proprio da questo senso di forza e di po-
no particelle o entità di quello che è stato, di tenza che si sprigiona irrimediabilmente da un
quello che è e di quello che sarà; oggetti flut- qualcosa di lieve e di evanescente. È la vera
tuanti nello spazio cosmico in cerca del tutto forza quella che ci mostra Walter Puppo nel-
o del niente assoluto; microcosmi essi stessi le sue opere; la forza del pensiero interiore: un
contenenti in sè storia passata e storia futura, pensiero libero di vagare all’infinito senza tre-
quasi a simboleggiare l’infinito flusso della vita, gua e senza costrizioni: il potere della ragione,
l’origine del mondo e il suo divenire. È tutta il potere del sentimento, il potere della cono-
una celebrazione dell’identità biologica umana scenza e della sensibilità che fa andare al di là
e un’allegoria del ciclo della vita. Ma la poetica delle apparenze e fa veder l’invisibile e fa capi-
di Walter Puppo è da ricercarsi soprattutto nel re l’incomprensibile. Un potere che si esprime
sapiente e delicatissimo senso del colore; un senza violenza e senza inganno: un potere che
colore mai aggressivo, mai ostentato, mai vio-
lento; le sue cellule non hanno bisogno di mo-
strarsi e mostrare la loro potenza: contengo-
no in sé la vita e la morte, il tutto e il niente,
è alla base della vita ed è l’essenza stessa del-
l’umanità. Le opere di Walter Puppo sono state
esposte nel Palazzo del Comune di Teglio (SO).

Mi sono perso in un cantiere, ma non è il solito, è una
ragnatela tubolare di linee che si intrecciano a taglia-
re lo spazio, una rete di fibre ottiche che si accavalla-
no e trasmettono segnali criptati di vita, in un cro-
matismo dinamico coinvolgente e abbagliante, lucente
come il bagliore del mattino. Sono i cantieri di Rinal-
di, progettista ante litteram di una originale “tav”, la
“tavola ad alta velocità”, dove le impalcature sono
scambi di vita, i pilastri binari di una destinazione so-
gnata e attesa come il termine di una galleria. È un
progetto di comunicazione, la ricerca di una certez-
za che si affronta con l’inquietudine gioiosa di un viag-
gio e l’approdo è lì, a prefigurarci il mondo steso a
tratti veloci sulla tela, a un ritmo quasi inconscio, sce-
nico agglomerato di un impulso di incontenibile svi-
luppo: si avverte il desiderio di contrastare il tempo,
esorcizzandone la brevità ambigua, l’inganno di un
percorso durevole. Era quasi inevitabile, una conse-
guenza logica ed emotiva, che Rinaldi elaborasse il te-
ma delle stazioni, di quelle stupende carrozze ferro-
viarie dai cui finestrini osserviamo una realtà defor-
mata e incuneata, a darci l’idea della fuga, di un pen-
sare veloce da cui ci ritraiamo guardando l’interno
rassicurante dello scomparto, toccando il presente,
290, 2005
quegli oggetti fermi e vicini che sembrano custodire
il nostro timore, ignorare la provvisorietà del viaggio. Non sono le immobili, metafisiche stazio-
ni del grande Dino Boschi, tanto care a Federico Zeri per la loro quasi morandiana concettua-
lità, rimando estatico alla transitorietà silenziosa della vita, a un lento arrestarsi verso un binario
morto. Sono invece le stazioni di Boccioni, gli addii deformati da cui vogliamo fuggire, gli affetti
spezzati che ci lasciamo alle spalle, frammenti di ricordi soffocanti quanto il fumo del locomo-
tore, assordanti come l’esaltato sferragliare futurista. E nel nostro ritroviamo la freschezza inno-
vativa e tranciante del primo Futurismo, sposata alla riflessione introspettiva del secondo, al ri-
piegamento dubbioso. Così le pennellate rapide e sottili si stringono in una tonalità di rossi e
gialli intensi, a suggerire rinnovate “linee di forza“ boccioniane, a tracciare ponti, a definire sta-
zioni, scali ferroviari, cantieri edili e navali, solchi di vita collettiva che richiamano graffiti della me-
moria: sono quasi moderne “pagine gialle” che registrano una frenetica attività umana, un’ansia
di viaggio che implora la necessità di un significato, anticamera di un delirio esistenziale simile a
quel Realismo esistenziale della Milano anni Cinquanta. Al pari di un grande esponente di quel-
la corrente, l’insuperabile Gianfranco Ferroni, la città diventa una ragnatela iridescente di trame
27
Artisti
ma volutamente non lo danno a vedere, non Cynthia Penna Simonelli
sottili di vita, metastasi deformata e coagulata in quel-
le rarefatte linee di forza che delimitano il circuito del
dramma umano, di una tragica incomunicabilità, co-
scienza della inutilità di ogni entusiasmo costruttivo:
dietro le impalcature, dentro le stazioni appaiono i fan-
tasmi, il senso di una costruzione artificiosa, di un vuo-
to incolmabile. È una nuova forma di vanitas, quasi il
sussurrarci Et in cantiere ego, come il quadro Et in Ar
cadia ego del Guercino: il dinamismo avvolge il silen-
zio del nulla, sulla porta della vita appare lo sputo de
Il fallimento di Balla, la firma di un rigetto, l’incubo che
annulla qualsiasi coraggioso tentativo di trovare una
ragione di entusiasmo.A quando vedremo, forse con
eccessiva presunzione critica, le metropolitane di Ber-
golli, lo schematismo soffocante di una vita sotterra-
nea, la discesa dal cielo dei cantieri al ventre di un’A-
de che ogni giorno ci inghiotte con disinvolta soffe-
renza? La risposta di Rinaldi non si è fatta attendere,
i nuovi soggetti, le dighe e le chiuse, sono icone di un
riscatto progressivo: si avverte un’incombenza siro-
niana, fitte e cupe ragnatele che trattengono i nostri
sogni, avvolte da una fuliggine irreale che sembra at-
tendere un improvviso cedimento, una frattura che ci
sommergerà. I gialli sono diventati grigi, le linee di for-
za fronti di resistenza statica, argini che paiono con-
tenere a forza l’alluvione di un pianto pronto a eson-
dare, a frantumare quel fragile e sofferto diaframma
che ci separa dal vuoto. Ma Rinaldi non è solo ripie-
gato processo di contenimento emotivo, sa ancora
attingere allo slancio luminoso dei cantieri, la sua spin-
ta verticale trova sfogo nella rappresentazione di stu- 299, 2005
pende arcate di chiese gotiche che paiono polittici di luce, strutture tese verso una fonte di lai-
ca operosità e mistica estasi: le linee di forza si sono ricomposte a elevare un cantico di salvifi-
ca purezza e riconquistata certezza. E in fondo all’abside sembra di intravvedere, stilizzata e ap-
pena accennata, una nuova forma di altare, una gru che è simbolico traguardo di sacrificio e spe-
ranza.
Aldo Benedetti
L e S eg r e t e d i B o c c a

ROBERTO PLEVANO
All’ingresso di Buccinasco si viene accolti da un
grande dipinto di venti metri per quattro: so-
no i Suoni e silenzi dipinti da Roberto Plevano,
nel 2005, per la città in cui vive. Si tratta di un
enorme pannello a quattro colori (nero, gri-
gio, rosso e blu) realizzato quasi di getto se-
condo la linea di sviluppo del lavoro recente
dell’artista, che progressivamente si è svinco-
lato dalle gabbie grafico-geometriche per da-
re spazio a un’astrazione più libera (per una
panoramica sull’opera di questo artista si ve-
da il sito internet www.plevano.com). Plevano
ha immaginato un grande fregio privo di cen-
tro, che obbliga a una lettura da sinistra a de-
stra, come se fosse un vero e proprio penta-
gramma con una grammatica interna di pieni
e di vuoti, di segni e di pause. Accanto a que-
sta grande installazione il comune ha installa-
to, quest’anno, altre sei grandi opere dell’arti-
sta, creando così una sorta di museo perma-
nente pubblicamente fruibile da tutti all’inter-
no del tessuto cittadino. L’idea di inserire le
opere d’arte in un contesto naturale quale
quello di un parco ha già avuto un grande svi-
luppo per quanto concerne l’ambientazione
all’aperto della scultura, ma è la prima occa-
sione, questa, in cui viene pensato uno spazio
verde come museo di pittura all’aperto in cui
il quadro da cavalletto, portato a dimensioni
monumentali, si presti a una fruizione am-
bientale. Montati su un leggerissimo telaio dou
ble face, i sei dipinti sembrano galleggiare nel-
l’aria. Non è secondario considerare che la pit-
tura di Plevano, fatta di una grafia nitidissima,
PLEVANO INCONTRA
La caratteristica che
la distingue: una fol
ta chioma rossa su
un viso volitivo, de
terminato. Gli occhi
fanno trasparire una
dolcezza di fondo
che renderà grade
vole la conversazio
ne. Dall’intervista, e
dai lavori sparsi nel
lo studio emerge
una caparbia ten
sione nel voler tra
smettere il suo pen
ST, 2007 siero, e di comuni
care le tematiche che ha affrontato nel lungo lavoro;
come chiarirà provengono da lontano, dalla sua giovi
nezza, dai suoi ricordi decantati dalla maturità è una
specie di geografia emozionale quella che di volta in
volta appare nella sua pittura. E i simboli geografici, i
“paesaggi”, in un mappamondo univoco, assumono
ora le sembianze del mito, l’esperienza del conscio e
dell’inconscio, e ancora di una visione della società at
tuale personale e profonda. Non ingannino quindi le
variazioni cromatiche e le varianti dei “soggetti”. In De
Maria, il rapporto arte e vita, esperienza e sogno, l’e
splorato e l’inesplorato, il reale e l’immaginato, si sin
tetizzano nella riscoperta della pittura.
Puoi delineare, per sommi capi, il tuo percorso ar
tistico?
Ho iniziato la mia attività molto giovane, attor-
no la seconda metà degli anni ’60. Nel ’65 ho
tenuto la mia prima personale a Milano, all’Isti-
tuto Solferino, presentata dal critico Giorgio
Kaisserlian; allora il mio discorso pittorico si
orientava lungo le vie della nuova figurazione.
In quegli anni ero presente con opere in varie
manifestazioni pubbliche (Premio Saronno,Pre-
mio Seregno, Premio Cesare da Sesto, Premio
S.Fedele, Premio Ramazzotti al Palazzo Reale di
Milano). Dopo un lungo periodo d’assenza, de-
dicato all’insegnamento delle arti visive, ripren-
do a lavorare nei primi anni ’90; trovo all’inizio
più congeniale esercitarmi nella tecnica del di-
segno e della china. Il tema dominante è la na-
tura, in particolare il paesaggio: qui i dati de-
scrittivi subiscono una modificazione visionaria;
la natura si “spacca” come a indicare un luogo
più introverso e segreto di appartenenze.
Dopo ti sei addentrata man mano nella pratica
del colore, con più attenzione alla luce, mentre la
rappresentazione dell’immagine è divenuta più
astratta?
L e S eg r e t e d i B o c c a
Nel parco
di Buccinasco
senza una sbavatura, tutta racchiusa in una in-
sistita precisione geometrica, si presta a esse-
re fruita in un contesto del genere, in quanto
non perde di leggibilità con la distanza. Si trat-
ta di opere che ripercorrono retrospettiva-
mente le varie fasi del lavoro dell’artista, che è
tornato sui temi cardine della sua produzione
e li ha rivisti su una scala dimensionale gigan-
tesca: tutti i lavori installati in quest’occasione
sono già noti a chi segue da tempo il lavoro di
Plevano, perché fanno parte di grandi serie di
opere accanto ad altre, infinite variazioni sul te-
ma.Tuttavia, in questa chiave, questi sei lavori
Mariangela
De Maria
Si, attraverso questa urgenza grafica quasi os-
sessiva, mutevole, ambigua, metamorfica, ho
maturato l’urgenza di sperimentare il colore
(natura, visione, colore). Quindi tutta l’attività
degli ultimi anni è imperniata sulla riscoperta
della pittura. Lo spazio diventa man mano più
irreale, ambiguo e, sollecitata dalla luce, l’im-
magine acquista una fluidità visionaria dove in-
terviene il ricordo del vissuto (tagli, ferite, la-
cerazioni).
Il tema diviene perciò più esistenziale?
C’è un rapporto più interiore del fare riallac-
ciato a una richiesta di scavo. L’immagine ten-
de sempre più a “disfarsi”, a diventare formal-
mente inafferrabile e, nella sua inaccessibilità, ad
assumere una costante tensione verso un “non
dove”. Una tensione sostenuta anche da una
duplicità cognitiva (pieni-vuoti, ombra-luce)
Il tuo fare attuale è sentito in senso liberatorio?
Cerco di non intendere il mio fare come sfo-
go personale rispetto alle problematiche del-
l’esistenza: anzi, prendendo spunto da elemen-
ti di tensione e di attrito, cerco di organizzare
un “Progetto-Uomo”: in questo progetto rien-
trano fattori emozionali e di pensiero che ri-
flettono le problematiche della vita contem-
poranea: oggi è un momento di disorienta-
mento, di oscurità, di ricerche senza costrutti,
dove anche la scienza e la tecnologia danno ri-
sposte ambigue e sovvertite. In questo senso,
scavalcando i tempi, sento attrazione per cer-
te fonti che hanno nutrito sempre i nostri so-
gni: le mitologie. Un mondo sempre attuale e
sempre da esplorare. Il tempo e lo spazio og-
gi sono sovvertiti: non sappiamo dove siamo
quando siamo, è la globalizzazione. Il tempo im-
mutabile del mito può invece darci più certez-
ze, più serenità, per una nostra identità e col-
locazione.
Che rapporto ha la tua pittura con la morte?
Io sento il problema della morte in senso “po-
sitivo”, non disperante ma come recupero di
energia vitale inesplorata. È come il passaggio
verso una nuova declinazione, problema già in-
sito nell’uomo dalla nascita, quindi di passaggio,
di divenire (transito). Sento la necessità di evo-
care l’ombra,il chiaroscuro,il “Doppio”,tutti ele-
menti di un altro versante… l’angelo dietro la
collina.Tuttavia le immagini che tendono all’ol-
tre soffrono dei limiti che il “qui” loro impone
e si nutrono umanamente di tensione: ma bi-
sogna avere il coraggio di guardare nel vuoto.
26
assumono un valore rappresentativo, perché
su di loro grava il peso di dover esemplificare
in maniera sintetica i momenti salienti di
trent’anni di attività andando a costruire un ca-
none di opere emblematiche. L’ingrandimen-
to di questi soggetti non è però banalmente
meccanico,perché il cambio di dimensioni com-
porta un sostanziale cambio di prospettiva sia
operativa per l’artista, sia percettiva per lo spet-
tatore: le linee che prima si tracciavano con il
semplice controllo del polso, obbligano ora il
braccio a trasformarsi in un compasso e mo-
dificano la dinamica dell’opera. Ricordo che
quando vidi la prima volta questi lavori, nel
grande studio in cui l’artista li ha realizzati, a
Buccinasco, presso una grossa azienda, l’im-
pressione era quella di essere investito da que-
INTERVISTA A
Lucio Del Pezzo, Massimo Di Carlo e Flavio Caroli da Bocca
In occasione dell’uscita del libro Tutti i volti del
l’arte sono riuscita a fare un’intervista al pro-
fessor Flavio Caroli. Personaggio noto ancor
prima della sua partecipazione al programma
in onda su Raitre Che tempo che fa, proprio
per i suoi successi ottenuti regalando a Mila-
no mostre come L’Anima e il Volto e Il Gran Tea
tro del Mondo,nonché stimato docente del Po-
litecnico.
Professore, ho letto molti suoi libri quali La storia
dell’arte raccontata da Flavio Caroli,Storia della Fi
siognomica,a casa ho il catalogo della mostra L’A
nima e il Volto e tante altre sue opere. Mi sembra
che in questo suo ultimo libro, che poi è un’ami
chevole conversazione con il giornalista Lodovico
Festa, lei voglia in qualche modo riassumere tutto
quello che ha affermato precedentemente e, so
prattutto, riaffermare il potere che l’arte ha o po
trebbe avere nella società. Sbaglio forse?
Dopo l’11 settembre 2001 io e Lodovico Fe-
sta ci siamo posti una domanda:“Il conflitto di
civiltà è inevitabile?” L’arte è alla base della ci-
viltà. Bisogna andare alle radici profonde della
nostra cultura e poi metterle in rapporto con
le altre civiltà. L’arte non è una cosa per pochi,
anzi bisogna arrivare a tanta gente. Questo li-
bro nasce da due idee: l’arte è alla base delle
culture e a causa del famigerato nodo arte e vi-
ta non si può capire l’arte se non partendo dal-
la vita degli artisti. L’arte deriva dalla vita ed è
l’unica attività umana che si possa dire totaliz-
zante: può esprimere tutto, può ingoiare tutto,
può rappresentare tutto. L’arte è come l’amo-
re: totale ed esclusivo.
Quindi secondo lei professore l’arte potrebbe
essere molto importante anche in politica?
Lo potrebbe essere, ma i politici non riescono
a usare al meglio la forza dell’arte, purtroppo.
Infatti l’arte è bellezza, ma vive nel mondo, na-
sce e affonda nella vita. Dirò di più: l’arte come
intuizione anticipa le scoperte: a prova di ciò
sappiamo che Picasso fu contemporaneo di Ein-
ste opere, di dovervi entrare fisicamente per
non esserne sopraffatto. Montati invece su te-
laio, sul fondo di una grande spianata verde, gli
stessi tabelloni dipinti hanno acquistato una
consistenza nuova, a loro certamente più con-
geniale. La strada percorsa è sempre quella
che, come aveva efficacemente intuito la poe-
tessa Caterina Parisi Mehr in una sua poesia
dedicata a Plevano, porta a quella sintesi in cui
si trova «L’universo tutto / dentro / un meridia
no d’infinito».Allora davvero, come recitano al-
cuni versi di un altro testo della stessa autrice,
«L’agognata e felice armonia / è d’incanto rag
giunta. / Utopia».
Luca Nicoletti
Installazione permanente parco di Buccinasco, 2005
Flavio Caroli stein proprio come Ca-
ravaggio lo fu di Gali-
leo. L’arte può essere
all’avanguardia non so-
lo nel suo campo, ma
anche nell’epistemolo-
gia di una civiltà”.
Professore lei parla di di
vulgazione dell’arte a
molta più gente di quan
to accada ora, ma non
crede che in Italia l’arte
sia poco e male inse
gnata nelle scuole e cosa si potrebbe fare per ri
mediare a questa mancanza?
Per quanto mi riguarda per i giovani io cerco di
fare il possibile con l’insegnamento. Purtroppo
quello che lei dice è vero, ma io cerco di divul-
gare l’amore per l’arte anche tra loro.
Cosa ne pensa professore della frase di Gombri
ch «Poiché la creazione artistica, qualunque es
sa sia, in ogni caso è un fatto spirituale, intellet
tuale,la scienza dell’arte deve essere psicologia»?
Non posso che essere d’accordo con Gom-
brich che ho sempre stimato. Sappiamo che la
linea dell’arte occidentale è introspettiva. Ab-
biamo tre primari nell’arte,come ho scritto nel
mio libro Le tre vie della pittura: la luce, la pittu-
ra dell’anima, intesa come interiorità e la pittu-
ra come socialità o racconto.
Professor Caroli ricordo con piacere le due mostre
a Palazzo Reale L’Anima e il Volto nel 1998 e il
Gran Teatro del Mondo nel 2003. Mi sono ap
passionata nel vederle e mi hanno aiutato a com
prenderle proprio i suoi libri sulla fisiognomica. Ri
cordavo gli studi di Cesare Lombroso,ma poi lei ha
giustamente affermato che è Leonardo il vero sco
pritore della fisiognomica, che anticipa la moder
na psicologia.
Leonardo è stato il primo a fare studi seri di fi-
siognomica,mediante l’osservazione della fisio-
logia dei lineamenti. Infatti lui stesso descrive
l’occhio come “finestra dell’anima”, attribuen-
dogli in questo modo i moti della coscienza,
molti secoli prima delle scoperte della Psicolo-
gia e di Freud.
So che lei ha molto da fare e pertanto non voglio
abusare del suo prezioso tempo. Può raccontarmi
solo un episodio curioso della sua vita con gli arti
sti più affermati al mondo?
Ricordo la notte in cui Keith Haring dipingeva lo
spazio Fiorucci: un’enorme radio suonava del
rap, ma tutta la notte parlammo di storia del-
l’arte.
Monica Costa
News · Interviste
www maurop spo com
GIANNI BERTINI - Stilmec 1967

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Gianni Bertini
L'Archivio Gianni Bertini, a cura di Frittelli Arte Contemporanea, sta preparando il primo
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archiviobertini@frittelliarte.it

FIORDARTE
Fiordarte: nasce tra i libri il primo evento d’Ar-
te contemporanea organizzato all’interno del-
la galleria del centro commerciale Fiordaliso
di Rozzano, storico centro per gli acquisti del-
l’interland milanese, che segna una tappa fon-
damentale per la diffusione della cultura con-
temporanea italiana. Grazie all’incontro con
Michela Afeltra, collega libraia, ho potuto pre-
sentare un progetto espositivo al direttore del
centro commerciale. Hanno accettato l’invito
quattro scultori: Carlo Previtali di Bergamo,
Giorgio Milani di Piacenza, Nada Pivetta e Gia-
como Benevelli di Milano, che espongono due
opere ciascuno di medie/grandi dimensioni di
forte impatto visivo. Gli artisti sono stati scel-
ti appositamente per consentire al pubblico,
non avvezzo a queste manifestazioni, un spac-
cato il più ampio possibile sulle nuove ricer-
che nel campo della scultura contemporanea.
Infatti sono presenti opere che per tecnica ed
espressione visiva differiscono tra loro. I quat-
tro autori coprono un arco temporale di cir-
ca cinquantanni nella produzione artistica, a
cavallo del nostro secolo. Dagli anni cinquan-
ta derivano le forme morbide e sinuose di
Giacomo Benevelli, classe 1925, mentre le ope-
re più concettuali, realizzate con i blocchi da
RUDOLF HAAS
(…) L’uso di reperti e di materie ricavate dal
mondo della comunicazione costituiscono la
base su cui l’arte di Rudolf Haas si sviluppa co-
me equilibrio tra scrittura tipografica (cartoli-
ne, illustrazioni e ritagli di giornali) e gesti d’in-
venzione (segni, tracce, cancellature). Attra-
verso la compresenza di diversi elementi na-
CADEL
L e S eg r e t e d i B o c c a
Arte e scultura
al centro commerciale
stampa, utilizzati nella stampa a caratteri mo-
bili inventata da Johann Gutenberg nel 1448
circa, sono di Giorgio Milani classe 1946. Car-
lo Previtali classe 1947, espone al pubblico due
opere realizzate in ceramica Raku, antica tec-
nica giapponese del XVI secolo d.c., ispirate al
mondo mitologico greco delle ninfee. La più
giovane, Nada Pivetta classe 1970, utilizza ma-
teriali naturali quali il legno e la terra cotta,
plasmati e lavorati sapientemente, con richia-
mi mitologici. L’iniziativa proposta dallo scri-
vente e da Michela, Punto Giunti del Fiordali-
so, al direttore Maurizio Martella, è stata ac-
colta con entusiasmo; inaugurata il 25 maggio
con la partecipazione di Philippe Daverio, co-
me Presidente del comitato scientifico com-
posto da: Sara Fontana, Cristina Muccioli e
Giovanni Serafini, è stata patrocinata dal Co-
mune di Rozzano e l’Associazione Culturale
Librerie Storiche ed Antiquarie d’Italia. Una
prima tappa di un percorso espositivo che si
ripeterà, con scadenze ancora da definire, è
porterà l’arte nei luoghi d’incontro della gen-
te definiti: nuove Agorà. Scrive Daverio: «Se
l’arte come si dice è comunicazione poetica che
sensibilizza l’anima e la mente partendo dai se-
gni visivi nulla dovrebbe irritare i perbenismi se
Collage di carte
senza tempo
Ailati, 2007
scono pagine di un racconto segreto e spes-
so indecifrabile, sollecitato da un istinto crea-
tivo che ha radici apparentemente contrap-
poste: la figurazione e l’astrazione, la forma e
l’informe, la precisione strutturale e la trasfi-
gurazione allusiva, il calibrato ritmo composi-
tivo e l’impulso improvviso della frammenta-
zione. Il colore nasce dalle mescolanze e dalle
sedimentazioni della carta, talvolta è leggero e
polveroso, in altri casi è denso e intriso di umo-
ri spettrali, definito da macchie e segni veloci
che trasformano tutto il carattere della super-
ficie, fino a coinvolgere anche i margini e gli
strappi. (…) Alla dimensione mutevole del col-
lage Haas aggiunge la tecnica della “sovrapit-
tura”, un modo per far entrare in collisione il
Dal 12 al 25 settembre 2007, si inau-
gurerà nella straordinaria atmosfera della Libreria
Bocca a Milano l’originale mostra di ritratti “vi-
venti”dei più famosi e geniali personaggi di Egon
Schiele,magicamente reinventati dal vero da Ca-
del (Adelmo Chiapponi) che, dopo averne fat-
to dipingere i corpi, ricomponendoli nelle fa-
mose e stravaganti posture del grande pittore
austriaco, li ha stupendamente fotografati, rea-
lizzando nell’imitazione formale un’inedita rein-
terpretazione, creando a sua volta opere d’ar-
te che scopriamo vivere di un’intrinseca appa-
gante bellezza.Una galleria di eleganti nudi fem-
minili di raffinato erotismo e di sorprendenti au-
toritratti (di un sosia) di Schiele che ripercor-
rono la sua produzione celebrando alcuni dei
suoi inconfondibili capolavori.
Giovanni Serafini
24
la si vede oggi in uno dei luoghi del
massimo interscambio tra le
persone, un luogo in fondo
non dissimile da quel-
lo fondativo che si
chiamava una vol-
ta la piazza del mer-
cato. In quegli anni
straordinari dove le opere
non erano ancora andate ad
addormentarsi nella quiete
museale e a celarsi nella segre-
tezza umida dei caveau bancari
l’arte viveva senza pudori in mezzo
alle merci. Oggi ci torna e ne è felice.»
In fine voglio ringraziare il direttore Mau-
rizio Martella, che ha creduto nel proget-
to espositivo, l’assistente Sabrina Albano, che
ha collaborato assiduamente nel coordina-
mento, Michela Afeltra che è stata il trait d’u-
nion, e tutti coloro che con il loro aiuto e sup-
porto hanno contribuito alla realizzazione di
questo evento.
Giorgio Lodetti
colore dipinto e i cromatismi tipografici, il ge-
sto fluido e i ritagli di immagini stampate. Si
tratta di un esercizio introspettivo che consi-
ste non solo nell’accostare frammenti di spes-
sore diverso ma, in special modo, le qualità di-
verse del colore (trasparente, opaco, vibrante,
ruvido, saturo o disgregato) coprendo e sve-
lando forme che oscillano tra visibile e invisi-
bile. Il fermento del colore è sostenuto dalla
varietà delle tecniche che l’artista austriaco
mette a fuoco in modo fortemente soggetti-
vo, lavorando sui dettagli fotografici, sulle figu-
re riconoscibili e sulle citazioni verbali estra-
polate dal vasto repertorio di carte, selezio-
nate e aggregate in un nuovo processo. (…)
Haas sollecita ogni genere di effetto composi-
tivo, dal ritmo geometrico e ortogonale (co-
me nel caso delle cartoline postali incollate e
dipinte) fino all’oscillazione dei riquadri entro
un sistema strutturale instabile, caratterizzato
ROBERTO CASADIO
Dal 25 ottobre al 6 novembre 2007
il pittore forlivese Roberto Casadio esporrà
alla Libreria Bocca gli incisivi personaggi di un’u-
manità dolente, degradata dall’ossessione del
tempo e ferita dal male di vivere, “perdenti”
anonimi e spaesati nel turbinoso insensato scor-
rere dei giorni.Teatro di piccole e grandi cru-
deltà, di tormenti segreti, di slanci spericolati di
passione e di ripiegamenti di sconforto, i suoi
oli ritraggono gli spettatori di una vita che si
snoda in un inspiegabile muto roteare di stel-
le e che ci porge ogni giorno la stilla di un ve-
leno che non uccide all’istante ma che accre-
sce l’angoscia di un presentimento di morte.
Quella di Casadio è una pittura di quieta di-
Partendo da sinistra
tre immagini significative
dell’inaugurazione di FiordArte:
• Maurizio Martella - Philippe Daverio
• Nada Pivetta - Philippe Daverio -
Giorgio e Annalaura
• Maurizio Martella - Giacomo - Giorgio -
Philippe Daverio - Giovanni Serafini -
Cristina Muccioli - Sara Fontana
copyrigh photo by Lorenzo Guerra
SpazioBoccainGalleria
Giovedì 19 luglio 2007, ore 18,30
dalle dimensioni variabili di ogni singolo ele-
mento. In altri casi, l’attenzione è rivolta verso
la parte nascosta delle forme, nei punti in cui
i bordi della carta lasciano intuire il colore del-
la materia sottostante, determinando un sen-
so di ambigua presenza tra ciò che si vede di-
stintamente e ciò che si può solo immaginare.
Quella di Haas è una meditazione condotta
sul filo dell’emozione in quanto ogni idea pre-
liminare si trasforma seguendo i suggerimenti
imprevisti della materia, le rivelazioni del suo
infinito divenire, tra necessità e caso, tra pro-
getto e intuizione di altri orizzonti possibili. (…)
Claudio Cerritelli
dal testo della mostra tenuta presso Arte Tadino 6, Milano
sperazione che
aiuta a riflettere
sul mistero del
vivere, lascian-
doci perversa-
mente intuire il
fascino pernicio-
so della solitudi-
ne e della ma-
linconia, amari
surrogati dell’a-
micizia e dell’a-
more.
Giovanni
Serafini
Eventi · Mostre

ANGELO MARCHETTI
Angelo Marchetti è stato un artista che, per li-
bera scelta, si è allontanato dal circuito “del-
l’arte” verso la fine degli anni ’70, scomparen-
do di fatto dal mercato, sia per tormentate vi-
cissitudini esistenziali ché per la volontaria scel-
ta di estraniarsi totalmente (come forma di ri-
bellione culturale alle regole imposte dal mer-
cato), a costo di abbandonare nell’oblio il pro-
prio successo d’artista. Ma nel contempo, non
ha mai interrotto la produzione artistica, ri-
servandola solo in parte a una cerchia ristret-
ta di collezionisti e il resto per ricerca perso-
nale, ora riemersa alla luce. Opere fino a ora
mai esposte, alcune provenienti da privati, stan-
no completando la composizione di un cata-
logo generale delle opere di Angelo Marchet-
ti. Prima di organizzare una mostra personale,
dopo un’assenza dal circuito espositivo di ben
venticinque anni, si vuole ripresentare l’artista
per il suo valore espressivo e ricollocarlo più
compiutamente nel quadro globale dell’arte
contemporanea e, per questo intento, si è pen-
sato di far parlare direttamente il pittore, in
una sorta di auto-presentazione, rivelando un
suo scritto che fu utilizzato da Angelo come
appunto personale, in occasione di una prima
serata per l’inaugurazione di una mostra pres-
so la galleria d’arte La Cripta, attiva a Milano fi-
no agli inizi degli anni ’80.
«Angelo Marchetti, nato a Milano 1930, ho sem
pre dipinto e scolpito. Ho frequentato per un bre
ve periodo l’ambiente artistico senza frequenta
re la scuola intesa sul piano didattico. Ho consi
derato i maestri del passato affidandomi alla mia
intuizione, ho cercato di ascoltare e d’imparare
da chi, al momento in cui vivevo, ho ritenuto vali
do di chiarimenti. Mi sono estraniato dalla cosid
detta cultura, intesa come “fabbrica della cultu
ra”, ma ho sempre cercato di ascoltare le paro
le dei maestri di vita e di sviluppare poi nel mio
intimo, i loro insegnamenti, per tradurre in azione
il mio sentire fino all’estremo. Ho preso coscien
za dei miei limiti, sia pure cadendo spesso in pre
sunzioni, cercando subito dopo di ridimensionare
Artisti · Mostre
China, 1992
la mia posizione di uomo. L’incontro quo
tidiano con la vita, mi ha fatto riflettere
sulla scelta della mia realtà più vera, in
tendo dire la scelta ben distinta da quel
la realtà apparente, costruita da tutte le
distrazioni mosse, dalla mia struttura a
personalistica, e cerebrale, ma di quella
realtà interiore che ho potuto cogliere so
lamente nel silenzio e nell’astrazione di
me stesso. Quella realtà non palpabile,
ma che ha la possibilità di essere senti
ta è confermata in quella leva di sguar
di che viene fatta in se stessi. La certez
za di quello che affermo non posso di
mostrarla che con le mie opere, benché
esse non siano che molecole di questo
mio sentire. Posso perciò dire in piena co
scienza, di cercare, di cercare in conti
nuità. Perché solo verso questo sono pro
teso. So solamente una cosa come tutti
gli uomini sono chiamato, ma al tempo
stesso non mi preoccupo di essere elet
to.Testimone del mio operato è solo Co
lui che mi fa sentire di Essere un atto
d’amore e solo verso Lui io devo corri
spondere come una docile fibra dell’universo.»
Angelo Marchetti, l’artista che credeva oltre
che alla forza delle immagini, molto nel mes-
saggio esoterico dei suoi quadri; per questo
che è difficile spiegare quanto sia nascosto den-
tro un’opera, se non si conosce prima l’intimo
religioso di Angelo artista; il suo rifiuto delle re-
gole convenzionali, anche a costo di oscurare
l’invisibile messaggio contenuto nelle sue tele,
a favore della sua capacità rappresentativa d’im-
magine. Se è probabile quindi che l’invisibile sia
importante quanto l’apparenza della rappre-
sentazione, per entrare nella stanza di questa
bellezza nascosta serve la curiosità di una men-
te che realizza il messaggio, che è percepibile
solo dallo sguardo di un attento osservatore
dotato di “grazia”. Angelo Marchetti condivi-
deva in modo viscerale quanto affermato da
Sant’Agostino – L’uomo senza la grazia sareb
be una bestia – e dunque curiosare nelle tele,
tra le righe non scritte delle sue opere, è co-
me entrare in un ciclo vizioso di chi vuol capi-
re; ecco il capire esoterico. Gli estranei sono
esclusi e possono comprenderla solo quelli
che, già iniziati, iniziati alla ricerca interiore la
conoscono. In correlazione Angelo usava so-
vente l’esempio della risonanza per far entra-
re nell’intimo dell’opera e per meglio leggerla
nel suo contenuto; tutti conosciamo dalla fisi-
ca il concetto di risonanza, un diapason vibra
a un suono solo se questo suono corrispon-
de alla sua propria frequenza, se questo non
avviene, il suono, per il diapason non esiste in
quanto non puó percepirlo… allo stesso mo-
do l’uomo per ogni percezione ha bisogno in
se stesso di una corrispondenza in grado di –
vibrare all’unisono – e di trasmettergli quindi
la percezione attraverso la risonanza. In alcu-
ne opere di Angelo Marchetti questo effetto
è evidente a ognuno e ha solo lo scopo di ren-
dere piú chiaro il principio che l’artista ostina-
tamente voleva divulgare… ma questa è un’al-
tra storia.
Giuseppe Marchetti
23
Un riferimento
OGATA simbolico alla vita
Mindscape, 2002
ritualistica tipica della scultura di
Ogata. […]
Giacché proprio attraverso tale pre-
ziosità assoluta, l’oggetto plastico di
Ogata sfugge in realtà alle coordina-
te dimensionali consuete, suggeren-
doci l’esistenza in una propria diver-
sa spazialità, e direi essenza, non men-
tale ma appunto spirituale. Sot-
traendo dunque l’oggetto plastico ai
parametri di un confronto empirico,
e facendolo pura evidenza simboli-
ca, attingibile soltanto entro la pro-
pria assolutezza, totale, o, come più
recentemente, almeno relativa. As-
solutezza che tuttavia non è statica
ma dinamica, proprio per l’implica-
zione di un percorso (vitale) che la
goccia impendente, quanto la scia e
l’impronta fluente (non escavatoria),
vi formalizzano configurato. […]
L’intenzione di enunciare una valen-
za simbolica, propria al processo im-
maginativo plastico di Ogata, ne
spiazza l’esito da quel livello di ten-
tazioni di costruzioni plastiche me-
ramente formali alle quali molto
spesso s’abbandonano i virtuosi del
marmo e della pietra. Per Ogata in-
fatti, che pure a suo modo un vir-
Paradossalmente la scultura di Ogata nasce in tuoso lo è, l’evento formale risulta infatti con-
modo insistente dall’analogia immaginativa con seguente la configurazione simbolica, immagi-
un elemento nella manipolazione plastica me- nato interamente come è in funzione di que-
no coinvolgibile in quanto inafferrabile, quale sta. Ed esattamente in funzione della massima
l’acqua: la corrente, o la goccia. Non che il li- netta evidenza della sua assolutezza, preziosa-
quido elemento non sia stato utilizzato dagli mente collocata quasi in una dimensione d’in-
scultori.Tuttavia sempre come tale, facendo- tangibilità, che ne garantisce la pertinenza spi-
sene un alleato compositivo, e insomma inse- ritualistica.
rendolo in modo mirato entro l’evento pla-
stico. Come accade ovviamente negli insiemi Enrico Crispolti
estratto dal testo integrale
plastici in funzione di fontana (e già Bernini in-
segna). […] Impronta d’acqua, 1999
La corrente e la goccia. La corrente che l’uo-
mo attraversa, e dunque ostacolante: come in
sue sculture di metà degli anni Settanta; la goc-
cia, e la sua scia e impronta fluente, figurate co-
me assoluto, in preziose steli cilindriche o pi-
ramidali, durante gli anni Ottanta, ma che ri-
corre, più monumentale, anche in sue scultu-
re lungo i Novanta. […]
La goccia, nella sua assolutezza, formalizza un’o-
rigine che riassume il senso sia della vita, sia
della ciclicità naturale, cielo-terra-cielo-terra.
La scia, l’impronta, formalizza il divenire della
vita, quanto il continuo rinnovarsi su se me-
desima della natura. E l’impostazione vertica-
le, prevalente, suggerisce una sorta di funzio-
nalità sacrale dell’oggetto scultura, quasi cippo
rituale monitorio che raccolga l’immagine di
un vitale ritornante evento fondativo. […]
È proprio l’estrema preziosità della manipo-
lazione materica, quella politezza assoluta tan-
to della forma quanto delle superfici, o più re-
centemente le striature incise nella materia,
allora più naturale, a dichiarare l’opzione spi-
ANGELO SEMINARIO
Ho già avuto modo, diversi anni fa, di raccon-
tare brevemente come Angelo Seminario s’ac-
costava con la tavolozza alle cose che vedeva,
e metteva in evidenza, ricordo, il suo efficace
candore, distante anni luce da intenzioni di ag-
giornamenti estetici. A proposito di questo suo
fare, ora molto più incline a un valido riassun-
to nella riproposta del dato reale, mi sento di
confermare queste considerazioni: la presun-
ta colpa di una distanza dall’attualità diviene,
comunque si presenti, un effettivo pregio a
fronte di tanto nulla che l’attualità medesima
pretende di innalzare a valore.
Luca Vernizzi
SpazioBoccainGalleria
dal 7 agosto 2007
In giardino, 2006
L e S eg r e t e d i B o c c a

DAVID REIMONDO
Pane. Sfornato, esibito, messo in scena.Alimento
primario: fisico e mentale. Materia prima del-
l’arte di David Reimondo, genovese, classe
1972. Ecco, dunque, file ordinate di toast. De-
filé di pan carré. Dai contorni scrupolosamen-
te abbrustoliti. Che fanno lievitare mappe geo-
grafiche, planisferi cotti al punto giusto, Italie al
contrario come fossero quelle di Guglielmo
Achille Cavellini. Rammentando (forse, incon-
NICOLA BIONDANI
La passione di Nicola Biondani vive con le sue
creazioni, nelle quali è palese la contrapposi-
zione fra la necessità figurativa e la febbrile ri-
cerca di sempre nuovi criteri ese-
cutivi. Eterno contrasto fra il pla-
sticismo mimetico, il culto ro-
mantico dell’immagine e una
radicale essenzialità che pre-
lude un divenire artistico.
Le sue opere sono frutto di un
modellato veloce e ispirato, che
gli consente con intuizione istan-
tanea di focalizzare i valori
della indispensabile ricer-
ca psicologica sul per-
sonaggio. Ogni esecu-
zione racchiude in sé un
forte significato simbo-
lico che porta più lon-
tano delle fattezze fisi-
che, suggerendo anche
nella più completa ve-
rosimiglianza, la distin-
zione fra forma esterio-
re e la forma pura; fra l’o-
pera compiuta e la sua
genesi creativa. È l’eterna
ricerca di un positivo giu-
dizioso formale, lasciando
però spazio nel contesto
anche a una distinzione fra
il visibile e l’invisibile in un
rapporto ideale fra forma
e contenuti. Com’è natura-
le, nella sua produzione so-
no presenti molti riferimen-
ti ai modelli classici che co-
stituiscono i capisaldi della
cultura artistica, indispensa-
bili pietre di paragone per da-
re testimonianza degli ob-
biettivi tecnici raggiunti. Ope-
re che danno la misura dell’e-
quilibrio fra la forma e una sua
interpretazione mi-
tologico-glorifican-
te.Oppure in mo-
do più dinamico, l’a-
dattamento della
stessa forma a sug-
gerire atteggiamen-
ti che spogliandola
di ogni monumen-
Artisti · Mostre
Bread
Ailati, 2007
sciamente) l’Italia d’oro, quella rovesciata, di Lu-
ciano Fabro. È nouvelle vague dell’arte povera,
ciò che David Reimondo fa nascere dalla ma-
nipolazione dell’acqua e della farina. Arte non
deteriorabile, poichè salvata “in extremis” e im-
mobilizzata nella resina. Resa eterna. Immor-
tale e non masticabile.
Protetta, per così dire, dai morsi della fame. E
altro pane ancora spezzato, Corpus Christi, di-
viene pura anatomia. BodyBread: da concen-
trare sul corpo e attorno al corpo inteso co-
me anima, carne, energia. Costanti nella ricer-
ca visuale dell’artista ligure. Il pane, questa vol-
ta, viene marchiato a fuoco da fasci di musco-
li per poi ridursi a scheletro che fuoriesce da
una baguette e infine tornare “ab ovo” facen-
dosi imprimere addosso le solide macchie ne-
re di un feto e di un’inseminazione. Ed è an-
che, quella interpretata anima-e-corpo da Rei-
mondo, new wave dell’arte pop. Cioè popola-
re come la musica del download e il click esplo-
rativo su Internet. Che sfornano, allineando fet-
te di pane tostato, tastiere di pianoforte e di
computer. E poi, imprevedibilmente, angeli. E
demoni. Creature da culto metallaro. Pop, ap-
punto. Mondi di pane. Mondo Pane.
Stefano Bianchi
Galleria d’arte di riferimento
Fabbrica Eos, Milano - www.fabbricaeos.it
talità, e spaziando con tante sfumature inter-
medie da tragico al comico, e che passano tal-
volta attraverso una fine ironia, diano testimo-
nianza sulla mutevolezza del carattere umano
e delle sue reazioni ai tanti fatti contingenti.
Notevoli pure le produzioni dei suoi lottatori
di sumo ai quali oltre alle peculiari caratteristi-
che fisiche, conferisce una virtualità di movi-
mento e quel pizzico di mistero che l’idea del-
l’oriente estremo riesce ancora a suscitare.
Pure indovinate e addirittura commoventi quel-
le, che in modo un po’ irriverente, potremmo
definire macchiette: personaggi della vita co-
mune dei quali Biondani ha studiato profili, at-
teggiamenti e posture, facendone con perfet-
ta esecuzione calzanti espressioni di carattere
e di umanità.
Ottavio Borghi
Donna Antica, 2006
21
MARCELLO DIOTALLEVI
In un solo libro l’alchimista crede di possede-
re tutti i segreti dell’universo, in una sola paro-
la l’alchimista custodisce i significati di tutte le
parole, in una sola lettera dell’alfabeto l’alchi-
mista racchiude il tempo e lo spazio, ma come
fa l’alchimista a scegliere, tra tutti gli alfabeti del
mondo, il migliore? A estrarre quell’unica let-
tera dell’alfabeto, che dice la verità, tra tutte le
altre? Ricorre come Marcello Diotallevi a un al-
fabeto mentale, a un’astrazione linguistica, a una
sequenza di lettere immaginarie che meglio
corrispondono al ritmo interiore della sua crea-
zione? A un linguaggio segreto, ermetico? Mar-
cello Diotallevi quando imprime le sue lettere
su un’icona femminile sceglie mentalmente
quella che è giusta, che è corretta, che corri-
sponde esattamente a quella parte dell’epi-
dermide,anche se il processo può naturalmente
essere inconscio e appartiene alla sfera della
conoscenza intuitiva che ricerca in quel mo-
mento l’illuminazione: trova tra tutte le lettere
dell’alfabeto quel segno quasi invisibile che espri-
me il concetto dell’infinito. Dove noi vediamo
soltanto il caos (o il caso) o il disordine, Mar-
cello Diotallevi legge invece l’imperscrutabile
ordine e la vertiginosa armonia di tutte le co-
se, come se esaminasse al microscopio quella
porzione di universo che ricopre con le sue
lettere: un pube che non è un pube, ma è l’al-
bero della sapienza, una curva che segue una
traiettoria lungo l’arco della sensualità, un fian-
co o un seno o la punta d’un piede che sem-
brano emergere dal fondo d’una materia in-
definita, in parte cancellata, in parte sottolineata
dall’accumulazione delle lettere sparse su quel-
la superficie. È vero che si tratta anche d’una
operazione di carattere estetico, d’una proie-
zione poetica, dove l’emozione gioca la sua par-
te, è vero che la com-
posizione delle sue im-
magini ha un rigore
geometrico, è vero che
tutto alla fine diventa
anche una specie di
mosaico, assomiglia a
una straordinaria par-
tita di scacchi, è vero
che ogni lettera è una
pedina sul corpo uma-
no imprigionato dietro
una griglia, intravisto
dietro un’inferriata, co-
me se quel corpo ap-
partenesse a una mo-
naca di clausura o a un
fantasma che si fa stra-
da tra le nebbie dell’al-
ba, è vero che quel
mondo si nega e si of-
fre nello stesso tempo,
ma alla fine la costruzione di quel mondo esce
fuori da un alambicco, dove l’aspetto raziona-
le e l’aspetto irrazionale della sua opera ven-
gono a incrociarsi tra di loro, a creare cioè una
nuova armonia tra la scrittura e l’icona, tra lo
svelamento della parola misteriosa e l’occulta-
mento della forma. Parola e immagine hanno
stretto tra di loro un patto di complicità, ma
anche di affinità intellettuale. Questo lavoro, a
cui Diotallevi ha dato il nome di Lettere da Ci
tera, proviene da uno dei rami più rigogliosi del-
la Poesia visiva, ma diventa poi una elabora-
zione mentale che si potrebbe definire l’archi-
tettura d’una antropologia visiva, rappresenta
la coincidenza tra una preghiera e una rifles-
sione sul corpo umano, è cinema ed è la mac-
china cinese delle ombre, è una specie di litur-
gia rituale. Citera, d’altronde, è un nome mito-
logico. Il mondo di Marcello Diotallevi è un po’
una sfida al soprannaturale, all’evidenza e alla
cancellazione dell’evidenza.Avvengono in quei
corpi, che preferisco chiamare icone, avveni-
menti misteriosi che la parola, spezzettata e in-
franta, cerca di decifrare, come accade in quel-
le iscrizioni che appaiono sulla superficie dei
sarcofagi dei faraoni e delle loro spose: lettere
e immagini che debbono condurre il corpo
verso l’eternità. Il narratore sconosciuto delle
Mille e Una Notte, che ha vivissimo il senso del
paradosso e potrebbe perfino assomigliare a
tratti a uno scrittore surrealista, dice sovente:
Il candelabro
e la parola
«la storia qui narrata è così straordinaria che
si potrebbe scrivere con la punta di un ago su
un angolo della pupilla». È come se dicesse che
tutto l’universo potrebbe essere racchiuso den-
tro una parte infinitesimale del corpo umano,
dentro una sola lettera dell’alfabeto. Marcello
Diotallevi ha esteso questo procedimento su
tutto il corpo delle sue icone: dalla realtà le ha
fatte trasmigrare in uno spazio indistinto, ha
riempito i loro corpi di mormorii, di sussurri,
di gemiti, di intime conversazioni, d’un discor-
so amoroso intorno alle seduzioni dei sensi. L’i-
cona di quel corpo na-
scosto, trascritto, inci-
so, tatuato, riesumato
dalla punta di un ago
(anche la levetta della
macchina per scrivere
che incide la sua lette-
ra è una specie di ago)
aspira a una continua
concitazione verbale.
Anche il metalinguag-
gio ha il potere di spa-
lancare nuove dimen-
sioni. Quell’icona fem-
minile, vista attraverso
la pioggia o la grandi-
ne di tutte quelle let-
tere fittissime, è il can-
delabro del mondo.
Forse è una donna an-
gelo, forse è il dèmo-
ne della donna, è una
donna del nostro tempo intravista in un sogno
o lungo la spiaggia, è un’attrice su un palco-
scenico, è come se avesse indossato una veste
invisibile, quella di Salomè, probabilmente, o di
Cleopatra, fosse tutta ricoperta da una patina
di metallo, da una cascata d’acque, da un ara-
besco esoterico. Scrivere sul corpo d’una don-
na è sempre un’operazione magica.
Significa attribuirle il potere d’una lingua sco-
nosciuta. Quell’icona è una specie di torre, di
obelisco, forse è la Torre di Babele che parla
tutte le lingue del mondo. In questo senso è
energia, l’immagine è metastoria, ricomporla
attraverso il velame di un alfabeto, che credia-
mo soltanto di conoscere, significa interpreta-
re un testo antichissimo intorno alle illusioni
del nostro tempo. In quale lingua, d’altronde,
Diotallevi scrive? In tutte le lingue, in tutti i lin-
guaggi, con una certa preferenza per quelli er-
metici. La sua esperienza passa probabilmente
dai geroglifici ai calligrammi di Apollinaire, dal-
le crittografie a Klee, dagli alfabeti immaginari
alle parole in libertà futuriste. Marcello Diotal-
levi in queste opere non dimentica mai la mo-
dernità dell’immagine.
Janus
SpazioBoccainGalleria
Lunedì 1 ottobre 2007, ore 18,30
L e S eg r e t e d i B o c c a
UNA BIENNALE DI VANITÀ-S
Damien Hirst In the love of god, 2007
cento Olandese, si ispira al tema biblico della
caducità o vanità delle cose terrene, memen
to mori o Vanitas. Tanti se non proprio tutti:
dall’America all’Asia, dall’India fin scendendo
nel Sud Africa o “saltando” come un ciclope
sulla lontana Oceania, utilizzano il teschio e ri-
leggono in chiave contemporanea la Vanitas.
C’è: chi lo dipinge solamente, chi lo utilizza in
un video, come un pallone da calcio per pal-
leggiare “allegramente” in una città appena
“bombardata”, chi lo inscatola, e chi come nel
padiglione della Repubblica di Corea, tra i più
interessanti, lo viviseziona come cavia da la-
boratorio, e nel campo del fumetto e del car-
toons come nell’opera Mus Animatus di Lee
Hyungkoo, si immagina un “Tom & Jerry” ver-
sione Day After, dove gli scheletri prendono
vita e continuano nell’eterno inseguimento. In-
teressante è quindi vedere come differenti ar-
tisti, che lavorano lontani migliaia di chilome-
È la prima volta che mi reco all’inaugurazione tri, quando vengono eliminate le distanze, co-
della Biennale di Venezia e passeggiando tra i me in questo illustre caso, con oltre duemila
Giardini e l’Arsenale della Serenissima c’è po- e più opere esposte, oltre un terzo, fanno la
co da star sereni. Il duemilasette non ci sta re- stessa ricerca. Quindi: poche novità? O poco
galando una biennale di forti contraddizioni e spazio ai giovani? Sicuramente, un’arte con-
cose poco comprensibili, forse durante tutti temporanea che è ormai un classico alla Walt
questi anni ci siamo veramente abituati a tut- Disney, con un messaggio forte e preciso che
to, o forse quel quid mancante è dovuto dal- arriva da ricerche artistiche differenti. Mi chie-
la presenza o dall’assenza vera di novità. Mol- do allora sei Lui il più irriverente e sarcastico,
ti degli artisti pur essendo contemporanei e ma forse anche per questo il più geniale e tra
forse oltre la contemporaneità non sono pro- i più autorevoli rappresentanti dell’arte con-
prio giovani mascotte, e come tanti critici de- temporanea, pochi giorni prima dell’apertura
nunciano anche i nomi più blasonati diventa- ufficiale della Biennale, ha voluto realizzare,
no grandi classici. Quindi a persone “addette non la Regina delle Vanitas, bensì la Eva, pro-
ai lavori” tra Gonzalez-Torress o Polke, Kuitca genitrice e unica, che come in un famoso spot
o Richter, Kelly o Ryman,Anatsui o Buren, Ba- pubblicitario: è per sempre. La Sua Vanitas è
squiat o Barcelò fino a un Tracey Emin, per sicuramente non solo per sempre ma per tut-
non citarli tutti, sono già dei classici. Ma cosa ta la nostra “attuale Eternità”. Damien Hirst
accomuna gli artisti di tutta la biennale, oltre come al solito è riuscito ad anticipare i “giuo-
a essere a pochi passi uno dall’altro nella pun- chi” dei “colleghi”? Sicuramente in questo Si
ta Est di Venezia? Non un filo conduttore, ma stema Biennale l’opera di Hirst rappresenta,
bensì un osso, o semplicemente le ossa, so- nonostante non sia esposta né ai Giardini né
prattutto quelle del corpo umano e non so- all’Arsenale, il Sole, e ovviamente non solo me-
lo. Principe sovrano è il teschio che, forse co- taforico.
me è avvenuto nella storia dell’arte del Sei- Giorgio Lodetti
L’editore invita il lettore attento alle diverse problematiche
dell’arte contemporanea, denunciate dagli stessi Artisti, a un confronto.
SCRIVI A:
giorgio.lodetti@libreriabocca.com
SCOMMETTIAMO? di Gian Pietro Menzani
Proseguo, in questo numero, la scommessa sul-
le proposte di quei giovani artisti che saranno,
probabilmente e a mio parere, i maestri di do-
mani. In questo secondo articolo vi segnalo
Francesco Di Lernia, quarantenne, torinese.
Nacque, come artista, insieme a quel nume-
roso gruppo di giovani pittori che, una decina
di anni fa, gravitarono intorno alle gallerie di
Carbone e di Bertaccini e che furono deter-
minanti per spostare l’arte verso il figurativo,
dopo la prematura scomparsa di Luciano Bar-
tolini, l’ultimo grande astrattista. Francesco Di
Lernia assunse, fin dalle sue prime opere, al-
cune caratteristiche che lo resero personalis-
simo, come l’inserimento nel quadro di un omi-
no verde, presenza simbolica, misteriosa mai
inquietante, e il fatto che non creasse un solo
centro del quadro, ma ne creasse due o più,
costringendo l’occhio a un passaggio, a uno slit-
tamento dall’uno all’altro. Nel corso degli an-
ni la sua pittura, pur subendo variazioni e mo-
difiche, secondo varie tematiche, si è sempre
mantenuta fedele ad alcuni soggetti. Nelle sue
opere, se ora non appaiono più quei verdi alie-
ni, vi sono però sempre i cieli stellati, i gatti, i
mappamondi, i cactus e le palme… È rimasto
anche e sempre fedele a quell’aria di mistero
e di enigma, spesso con riferimenti metaforici
che gli deriva dalla ricerca dei valori primitivi e
dal mito del viaggio e del viaggiatore. Non è
l’unico né il solo artista a trarre emozione e
stupore da luoghi lontani, ma in lui si avverte
come questa ricerca sia elaborata dall’età in-
fantile quando, coi genitori, viaggiava in Africa
o in Medioriente. Da loro, in-
fatti, ha imparato a non segui-
re la pappa premasticata delle
crociere o delle Maldive, del
Mar Rosso o delle Canarie, dei
villaggi turistici o di Cancun. È
rimasto uno dei pochi che non
fa il turista ma il viaggiatore. Pre-
para i viaggi in maniera auto-
noma, viaggia coi mezzi locali,
sosta nel silenzio di Petra o di
un’oasi, dorme accampato in
un’isola dell’Egeo. Il mito del-
l’infanzia e il mistero dell’esplo-
razione si avvertono anche dal-
l’osservazione dei quadri re-
centi, ricordo delle oasi ma-
rocchine e tunisine dove ac-
canto ai soliti elementi posso-
no apparire talvolta valigette o orsacchiotti,
giochi infantili o giradischi. Oggetti che paiono
ingiustificati ma che, in parte, spiegano le mo-
tivazioni profonde della sua pittura intima e
meditativa. Ora accanto al mistero leggi la poe-
sia. Ciò che colpisce nelle opere attuali è la tec-
nica, diventata impeccabile, perché Di Lernia
anche negli anni in cui erano trendy altre mo-
de, dalle digitali o cibernetiche, fotografiche o
telematiche, è sempre rimasto fedele alla pit-
tura, al suo studio e alla sua tecnica. Significa
che quando affronta un nuovo tema lo ap-
profondisce con disegni preparatori, schizzi, ta-
volette di piccole dimensioni, poi tele sempre
più grandi, variando gli oggetti e la loro posi-
zione alla ricerca dell’equilibrio fino a ottene-
re il meglio, la soluzione più efficace. Questo è
un lavoro lento e faticoso. E di questo studio
fa parte anche il colore. Usa, con minime va-
riazioni tonali, il blu, il giallo, il verde, colori at-
tuali, contemporanei; colori atermici, usati per
la comunicazione, per evitare del quadro una
lettura troppo classicheggiante. Ecco come que-
sto suo linguaggio pittorico-coloristico lo ren-
de assai riconoscibile: primo parametro per es-
sere singolare. Così è Di Lernia che parla del
suo lavoro con grande fatica e solo un mae-
stro di socratica maieutica riesce a strappargli
qualcosa. Attualmente i prezzi sono ancora
modesti. Con il sistema attuale in uso, si ottie-
ne sommando la base all’altezza del quadro e
moltiplicando per venti. Come sempre con-
cludo: scommettiamo su questa nuova pro-
posta?
Thai Pii, 2007

“…niente è vero, tutto è permesso…” da Crollo Nervoso dei Magazzini Criminali

IL NAUFRAGIO

“L’arte oggi si limita a stupire ma non aiuta a capire”

L’arte necessita di libertà, a patto che vi sia responsabilità. Espropriato l’artista dal suo ruolo effettivo, cioè quello di dare “valore aggiunto”, trasformare la materia bruta in arte, aggiungere estetica all’inesteti
co, espressività all’inespressivo, l’arte irrimediabilmente si ferma a metà del guado, non prende il colpo d’ala, in poche parole, perpetua all’infinito il gigantesco equivoco di scambiare il mezzo per il fine spac
ciando per arte una quantità inimmaginabile di prodotti e situazioni che non sono altro che oggettistica! Espressione muta e inarticolata di una paralizzante afasia creativa. Oggetti dicevo, depositati in quan
tità industriale in gallerie, musei, o istituzioni varie, come prodotti inanimati variamente esposti in vetrine da supermercato. Questo è avvenuto a seguito del totale azzeramento di quello che per secoli è
stata la gloria e la dannazione dell’artista, vale a dire il mestiere, l’esperienza, la disciplina, il metodo e le invenzioni che sono stati il lasciapassare per secoli alla via maestra dell’arte.
“Allegria da naufraghi”
Da questo riconoscimento peritale si poteva partire per esprimere successivamente (con idee adeguate) una propria visione del mondo e del futuro. Ma ora che in nome del nulla in questa “allegria da
naufraghi” tutto questo è stato vanificato e disprezzato come antico retaggio di un mondo oramai desueto, obliato e perso nelle nebbie della storia. Quale può essere il futuro dell’arte? E quale può essere
il destino di quei quattro disperati artisti (sistematicamente ignorati dalla critica ufficiale) che si ostinano a fare argine contro il dilagare ossessivo e irrefrenabile di una visione irresponsabilmente nichilista del
futuro? Quale futuro, se tutta una visione del mondo e della storia con il suo carico di destino è stata spezzata o sostituita da un’altra visione senza progettualità e schiacciata sull’utile che non riconosce
nulla oltre l’attimo presente, nulla oltre la moda o la provocazione a oltranza, nulla oltre il mercato in quanto vero golem totalizzante e metro di giudizio per ogni cosa? Come in architettura esistono i “non
luoghi” così anche in pittura esistono i “non quadri”. Si tratta di opere che non avendo identità, viaggiano orizzontalmente a tutte le latitudini, proprio perché accettati o subiti da una massa informe prece
dentemente preparata che non avendo più radici, identità, memoria (senza memoria è puro esistere…) né qualcosa da opporre se non la loro pura fisicità sono pronti dicevo, per accettare tutto quello che
gli viene imposto senza requie, come contemporaneo, ultima tendenza o nuovi nuovi, in una continua epifania di trovate, sorprese, avanguardie che non sono altro che l’altra faccia tirannica e totalitaria del
l’ideologia del consumo veloce, disincantato, deresponsabilizzato, cioè senza più critica alcuna. E questo accade perché senza memoria, senza radici, senza identità ne progettualità, l’unica realtà accettabile e
possibile può essere solamente l’offerta dell’ultima settimana.Tanto più accettata, meno è avvertibile lo sforzo di chi l’ha creata; meno problematica e meno satura di contenuti e avvenimenti è l’opera stes
sa. Il vissuto è stato sostituito dal discusso, l’arte dalla chiacchiera.Trionfa il poster: moderno, patinato, superficiale, riproducibile, tanto da poter asserire con convinzione che il problema dell’arte oggi, non è
quello di far capire, ma di stupire, di esserci, di produrre; proprio perché questo sistema non ha bisogno di persone intelligenti ma efficienti!
“Arte come contenitore”
L’artista non dovendo più dimostrare nulla con il duro mestiere può vivere di sole idee, e se l’arte è diventata puro pensiero come conseguenza inevitabile vi è lo spalancamento inaspettato di porte e ter
ritori di caccia per personaggi che con la vera arte non avrebbero mai avuto a che fare, ma che però, vista la nuova condizione favorevole, pur essendo delle mezze figure, ma ben ammanicate, si sentono
autorizzate a fare, a ritenersi artisti, a ragione del fatto che ora l’arte avendo superato i suoi confini specifici non vive più di luce propria, ma viene ritenuta tale grazie al luogo al contenitore che come per
magia riesce a trasformare (grazie anche alla compiacenza dei critici d’assalto e operatori vari… ) il puro e semplice oggetto, una pura e semplice situazione in un avvenimento artistico; come dire che un
barattolo di latta, fuori dal luogo rimane un puro e semplice barattolo di latta ma, se inserito nel contesto istituzionalmente ritenuto idoneo, alla presenza dell’onnipotente video, con aggiunta di qualche foto
pornografica, ecco che immediatamente per gli operatori culturali la magia avviene, scatta la palingenesi, il mezzo è già il fine e la vile e inespressiva materia, con annesso video passa dal nostro futile e triste
quotidiano a celestiale futuro. Futuro tanto più luminoso quanto più l’oggetto a forza di reiterazioni si trasformerà in icona in marchio di fabbrica, quindi riconoscibile, tranquillizzante, spendibile in tutto il
mercato globale. Un mercato, serializzato e monotematico che strangola tutti i particolarismi, le piccole patrie, le diversità di culture che da secoli hanno sempre inventato e permesso multiformi espressioni
nella loro alterità, tanto da riconoscere immediatamente l’orizzonte geografico, la loro specificità nella forza persistente e mitica della memoria. Ora dicevo, la massificazione rischia di azzerare tutto e, quel
che è più triste è costatare come anche le nazioni che fino a poco tempo fa avevano una loro identità estetica oggi, nel delirio di omologazione e del sentirsi a tutti i costi moderni, non fanno altro che
scimmiottare l’Occidente inseguendo i raggi estetici subiti che saranno inevitabilmente la loro morte artistica. Proprio perché quando una nazione non riconosce più la sua storia, le sue radici, il passato e
quindi la sua identità, gli individui muoiono come esseri, per esistere solo come numero, massa e la cultura si spegne come forza propulsiva per sopravvivere come puro folklore e finirà inevitabilmente, come
tutti gli altri prodotti su uno scaffale da supermercato, pronti a essere messi in liquidazione appena il mercato avrà imposto l’ultima moda.

Sergio Battarola
artista

20
L e S eg r e t e d i B o c c a Opinioni
 MASSIMO MARCHESOTTI
Giovane donna sulla poltrona, 2004
natica, inestricabile, vile, senza frontiere nè divise, ripari, rispetto di nul-
la. Quei frammenti gesticolanti nel vuoto non sono manichini di film. So-
no uomini vivi con affetti, speranze, una visione di Dio e del mondo che
stanno precipitando in seno alla morte. Quei grattacieli simbolo di te-
meraria potenza ridotti a forni crematori in de-
composizione furiosa con il loro verminaio di
vittime che sprofondano davanti al muro di oc-
chi di un’umanità impotente e impietrita con-
tengono l’urlo inumano del terrore che Mar-
chesotti ha fissato con efferatezza di sangue, de-
vastazione di crolli, arti spezzati, carni sconvolte
frammiste a macerie nella veemenza delle sue
tele: inane monito contro prevedibili, più apo-
calittiche sciagure. Il tempo del dolore non è dun-
que fatale ciclicità da Qohelet. È più semplice-
mente il riaffermarsi dell’eternità del dolore nel
tempo dell’uomo, assetato di felicità e braccato
da una rovina di sofferenza e di morte. È la per-
cezione amara del nonsenso di esistere, di un
inferno di vivi in cui l’orgoglio dell’individualità si
esaurisce nel nulla di un goethiano Erdenrest, ri-
masuglio di terra, soffio di cenere al pari delle
conquiste di Alessandro e di Cesare. Fatto di cro
naca è un altro grande olio del 1980 e contie-
ne la curiosità di una folla ensoriana assiepata a
suggere l’ostensione morbosa di un corpo dila-
cerato, accanto al quale si rannicchia la nudità di-
sperata di chi è destinato alla beffa di sopravvi-
vere. Il realismo estremo di Marchesotti possiede un’intensità scanda-
losa di turbamento, una sorta di aura sciamanica che ci investe con im-
mediatezza crudele, insofferente ai dettagli formali, alla leziosità della bel-
la pittura, sacrificati all’urgenza del dramma. La vivace copiosità dei co-
lori viene stesa di getto, senza premeditazione d’impasti, sovrapponen-
do matericamente colore a colore in un fragoroso ritmo d’insieme, ri-
cavandone suggestioni violente e disparate tonalità carnali — da abba-
glianti pallori di macilenza alla sensuale avvenenza di opime carnagioni
olivastre — creando sovente indelicati effetti a tinte forti con segni mar-
cati di ruvida, aggressiva efficacia. Ma vi sono anche momenti di felice in-
dugio sul dettaglio dei volti e dei corpi in cui Marchesotti concentra una
più paziente bravura, sguardi segnati e intensi di formose donne impu-
dicamente ignude, ancora calde di amplessi (Piccolo interno con figura),
accoccolate sulla peccaminosa poltrona rossa o sorprese in attimi di im-
barazzanti intimità autoerotiche di toccante umanità e malinconica bel-
lezza. Il 7 luglio 2007 Marchesotti, la cui produzione è riassunta nel sito
www.marchesotti.com, inaugura una mostra a Radincondoli che durerà
fino ad agosto. Filippo Abbiati lo ha definito artista “diverso, originale e
solo”. Perché non proporgli la degna cornice della Rotonda della Besa-
na per una retrospettiva che ci faccia ripercorrere il controverso pan-
demonio del nostro tempo? Massimo estrae un olio recente: lo scor-
cio del cadavere spoglio di un vecchio, le braccia rassegnate sul ventre,
una sparuta barba incolta che potrà somigliargli — la bocca socchiusa
da cui s’è forse involata un’anima — steso a giacere non sopra l’estre-
mo decoro di un letto o di un catafalco, ma francescanamente adagia-
to al suolo. «Lasciate che mi addormenti nel sonno della terra» ha pre-
gato A. de Vigny. Perché forse la morte è bella.
Giovanni Serafini

L’opera
GIOVANNA STRADA e il luogo
Installazione alla Libreria Bocca
ampiezza fisica rispetto allo sguardo da un pun-
to di stazione fisso, come al movimento che
l’osservatore deve fisicamente realizzare per
“prendere possesso” dell’oggetto… Anche nel
ciclo più recente del lavoro di Giovanna Stra-
da, infatti, emerge perentoria la vocazione am-
bientale delle opere, capace cioè di impegna-
re l’ingombro effettivamente occupato e la fi-
sionomia che la figura assume rispetto allo spa-
zio circostante: uno sguardo alla logica co-
traverso strumenti apparentemente imperso-
nali, come impersonale può essere interpreta-
to un singolo suono, ma che diventa persona-
le nella sua interazione con gli altri… È indub-
bio che il modo di procedere di Strada, dal pro-
getto alla realizzazione dell’opera, appartenga
alla storia della ricerca artistica che prende le
mosse dalle Avanguardie storiche del secolo
scorso dalle soglie inaugurali al rinnovamento
operato dalla ricerca inoggettiva a cavallo fra
gli anni Cinquanta e Sessanta; che parlare, ap-
punto, di “moduli”, della loro iterazione, trasla-
zione e rotazione fino a comporre una figura
complessiva, sia un patrimonio acquisito, nel-
l’ambito della ricerca artistica come del desi-
sembra altrettanto evidente come qualsiasi lin-
guaggio abbia, oggi più di ieri, una storia da cui
prendere le mosse e con cui paragonarsi: il pro-
blema è eventualmente quello di averne co-
scienza, la consapevolezza di un passato per-
ché il ”nuovo” possa presentarsi maturo e non
sfrontatamente o ingenuamente ammantato
dall’alone dell’eccentrico o del sorprendente,
a mio avviso criteri scarsamente convincenti.
Diversamente la consapevolezza di ciò che si
è ricercato permette a Strada un’ulteriore in-
cursione sul tema: credo sia un dato impor-
tante da registrare.
Alberto Veca
Tratto dal catalogo della mostra L’opera e il luogo

L’opera e il luogo, dove sono protagonisti an-
damenti orizzontali e verticali della figura —
dinamiche elementari del comporre un’imma-
gine — un modulo che, se iterato, determina
la frammentazione in segmenti di una linea con-
tinua o di un campo — e questo se vogliamo
è aspetto più complesso, storicamente acqui-
sito ma non immediato — l’effetto di ritmo
che la composizione suggerisce — il riferimento
musicale è più stringente di quanto non possa
essere una semplice analogia — anche la sua
struttiva dell’opera ma anche al suo essere vo-
lume nello spazio, dove il “vuoto” della parete
diventa assolutamente significativo rispetto al
“pieno” dell’oggetto… Si tratta in effetti di una
costante nell’operare, coerentemente attento
a cogliere una figura, se vogliamo un pieno, de-
finibile solo in relazione con un vuoto, sia quel-
lo del bianco del fondo della tela o del muro
non importa che nelle ultime opere raggiunge
una efficace essenzialità, frutto non tanto di una
semplificazione — strada possibile ma di ri-
dotto spessore — quanto di un voler con-
centrare l’attenzione, senza disturbi o elemen-
ti accessori, sul senso nevralgico del fare. Il lin-
guaggio adottato in un complesso ciclo di la-
vori vari per esiti ma sostanzialmente legati al-
la medesima logica operativa, è quello dell’i-
dentificazione di un modulo regolare di par-
tenza diversamente replicato che presenta, in
modo esclusivo, dal punto di vista cromatico
l’opposizione elementare del bianco/nero: se
vogliamo la riduzione del principio costruttivo
alle sue figure di base: potrebbe apparire una
“scelta” che mortifica l’espressività dell’artista
ma la sfida è quella di raggiungerla anche at-
aderito all’iniziativa Artisti in cielo e in terra con
gn; altrettanto vero che il modo diverso con
cui queste ricerche si paragonano oggi con le
altre, concorrenti, diverse o antitetiche non im-
porta, ne determinano una “diversa lettura”. E
RICCARDO BONFANDINI
Ricordo un’intervista rilasciata dal Maestro Lam-
berto Lamberti, dove, alla domanda, cosa pro-
vasse ogni qual volta dipingesse un quadro, ri-
spose: «mi mangerei tutti i colori». Ecco, l’arte
non può e non deve essere abitudine, ma esi-
SpazioBoccainGalleria
fino al 28 ottobre 2007
Case dei Navigli, 2007
forme in sospensione, un’ottica tridimen-
sionale del soggetto. Essenza principale del-
le opere è trasmessa dalla luce, conseguen-
za logica delle ombre proiettate sulle su-
perfici. La presentazione del nuovo periodo
pittorico è avvenuta nel febbraio 2007, pres-
so la prestigiosa sede del Circolo della Stam-
pa di Milano, mostra dal titolo Spogliando e
Sfogliando. Un’immagine metaforica del sen-
so della vita, questo sfogliare il tempo e spo-
gliare il mondo nel quale viviamo; spoglian-
dolo dalle contaminazioni negative, da tutto
ciò che è superfluo. Rimangono così dipinte
sulle tele di juta, poche immagini, quiete, ricche
di luminosità e morbidi colori, quasi masticati,
che costituiscono quella necessaria speranza

PAOLA SCIALPI un’opera attualmente inserita nel pavimento

Si è conclusa lo scor-
so mese di maggio la
prima personale mi-
lanese di Paola Scial-
pi alle Segrete di
Bocca in via Molino
delle Armi 5. Per
quindici giorni i nostri
clienti e le persone di
passaggio, hanno po-
tuto ammirare i di-
ciannove dipinti di
questa originale arti-
sta leccese, diploma-
ta all’Accademia di
Belle Arti di Lecce,
attualmente docente di educazione artistica.Pri-
ma di approdare alle Segrete di Bocca, grazie
alla mediazione di Grazia Chiesa, Paola ha espo-
sto in numerose gallerie in Italia e all’estero. Ha
della Libreria Bocca. Di ultima pubblicazione un
suo saggio La linea e il colore simboli universali del
linguaggio visuale nell’opera di Luigi Perrone Né
qui né altrove. Il tema della personale milanese
è stato La donna e D, il titolo ermetico di una d
maiuscola a significare la dimensione del fem-
minile,scelto dall’artista.In tutti i suoi dipinti Pao-
la inserisce una minuscola e nera figura maschile,
una volta nel taschino della camicia, un’altra in
bocca, un’altra ancora affacciata su di un seno
scoperto, e la scelta la dice lunga sul concetto
che ha dell’altro sesso. La sua è una vera e pro-
pria narrazione iconografica che racconta la don-
na. La donna che incarna un mistero che vuo-
le essere indagato, in un mondo non solo “tut-
to rosa e fiori”, dove non basta cambiare abito
e rompere un’abitudine per creare prospettive
diverse.Tra quei dipinti uno in particolare mi ha
colpito più degli altri entrando a far parte del-
le collezioni Bocca, Padrona del gioco (vedi foto).
paolascialpi@gmail.com
Giacomo Lodetti
genza. C’è esigenza nell’arte di Riccardo Bon-
fadini, nato a Cremona nel 1971. Figlio d’arte,
il padre Pino Bonfadini è stato il suo principa-
le maestro, dal quale eredita la passione per la
professione pittorica. Inizia giovanissimo a “rac-
contare” le sue campagne padane, le nature
morte, i suoi interni; interpreta un mondo pit-
torico figurativo classico, con una tavolozza di
colori sapientemente amalgamati e paziente-
mente ricercati, che evocano atmosfere di for-
te impatto emotivo. Ma tutto questo non è
sufficiente; la necessità di trovare una propria
identità, la ricerca di un proprio mondo, spin-
ge il giovane artista lombardo a una continua
sperimentazione. Da qui la svolta; da questo
bisogno di rinnovamento, nel 2005, crea un pe-
riodo nuovo, una sorta di astrattismo “geo-
metrico/surreale”. La tela di juta è il supporto
sul quale vengono costruite delle semplici for-
me geometriche senza volume, che si sovrap-
pongono o meglio si appoggiano fra di loro,
quasi per gioco o forse in cerca di protezione.
Vive il senso della leggerezza, rappresentata da
di ricostruzione.Altro evento di prestigio è sta-
ta la mostra dal titolo Il Senso della Luce pres-
so l’Antico Palazzo della Pretura di Castell’Ar-
quato. Una sorta di antologica, un viaggio at-
traverso il percorso artistico del giovane pit-
tore cremonese, dalle sue prime opere figu-
rative, all’ultimo periodo geometrico/surreale.
Le ultime sue creazioni saranno esposte a lu-
glio nella prestigiosa location della Libreria Boc-
ca, Galleria Vittorio Emanuele II a Milano, mo-
stra dal titolo L’Anima tra le righe. Nel cuore di
Milano si potranno così apprezzare i lavori del
giovane pittore cremonese, il quale, con mol-
ta cura e dedizione, ha saputo creare una pro-
pria identità pittorica, indispensabile per ambi-
re a importanti traguardi.
Giulio Santabarbara
SpazioBoccainGalleria
Giovedì 5 luglio ore 18,30

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L e S eg r e t e d i B o c c a Mostre