ARTISTI IN RIVISTA
di occa B Anno IV, N. 13 • Gennaio-Marzo 2005
John Keating
Claran Carty
Il genere classico della
natura morta cade in decli-
no nel tardo XX secolo.
Forse per aver perso di vista
le proprie origini. Diviene
il suo contrario, qualcosa di
sicuro e rassicurante, una
realtà ben ordinata. Nulla
di più lontano da quanto i
pittori olandesi e fiammin-
ghi avessero in mente nel
XVII secolo. Gli oggetti
della vita quotidiana ritratti
— fiori, una clessidra, una
ciotola di frutta, un orolo-
gio, una candela, una broc-
ca o una terrina rovesciata,
un bicchiere vuoto, un
teschio — sono solo sim-
bolici. Il loro oggetto è la
transitorietà delle cose terrene, la vacuità del possesso, l’i-
nevitabilità della morte. Il loro secondo titolo può esse-
re “vanità delle vanità”, che letteralmente si traduce in
“sensazione di vuoto”. Ironico è il destino di questa
forma di pittura, emblematica della follia umana che
conta sulle cose terrene, che avrebbe significato investi-
menti a lungo termine e smisurati prezzi pagati nei seco-
li successivi alle aste di Sotheby’s e Christie’s. John
Keating sovverte questo comodo legame.A partire dagli
ultimi anni ’90 dipinge composizioni di frutta e verdu-
Rafael Dussan
Giacomo Lodetti
Al primo impatto le opere che Rafael Dussan presenta
in questa personale alla Libreria Bocca, mi danno la sen-
sazione di una mirabile sintesi tra naturali doti di prodi-
gioso disegnatore con quelle, altrettanto naturali, di
arguto pensatore, giacché l’artista colombiano, che qui
manifesta una personalità intelligente, fragile ed acuta,
sembra aver voluto rappresentare, peraltro con ottimi
esiti, l’invisibile, impalpabile e sottile carica di erotismo
che, lungo tutta la nostra esistenza, condiziona i nostri
corpi. Movimento e potenza sono le successive sensa-
zioni che queste immagini comunicano, con le loro
forme e il colore che sottende al segno una costante
vibrazione di calore e sessualità.
Conoscevo i non pochi problemi della miserabile e pur
felice vita di migliaia di raccoglitori stagionali, legati alla
raccolta delle bacche lungo oceaniche piantagioni che si
estendono, verdi e rigogliose, ai piedi delle pendici dei
vulcani di Antiochia. […] Ma non avevo mai pensato
che la Colombia possedesse una produzione artistica, né
avesse dato luce ad artisti con nulla da invidiare alla
nostra tradizione rinascimentale, mai mi era passato per
le mani un libro di artisti colombiani, mai avevo dovuto
ricercare il catalogo di una mostra d’arte organizzata in
Colombia negli ultimi trent’anni. Quando un giorno di
ottobre del 2003 capita, come sempre capita per caso alla
Bocca, che un tale d’aspetto molto simile ad un moder-
no Ulisse, di nome Rafael Dussan, entrasse in libreria,
portando sotto braccio una cartella colma di suoi dise-
gni.Voleva mostrarmeli, avendo notato dalla vetrina la
presenza di una certa personalità.
Ma aveva sentito parlare anche dell’attività di promozio-
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ra con una modalità che si riallaccia alle origini metafi-
siche della materia. Uva, mele cotogne e melanzane
sembrano dissolversi nella carta. Le ritrae nel momento
di massima maturazione, oltre il quale ci sarà solo putre-
fazione. Sono la metafora del ciclo naturale di vita e
morte, un annuncio di caducità. La loro provvisorietà è
incarnata nella carta su cui sono dipinte.
Keating ha iniziato a fabbricare a mano la sua carta di
Amalfi due anni fa. Non è dissimile dalla carta pesta. La
spezza e a volte la mescola con le ortiche o altri materia-
li organici. […] Ne ottiene una carta composta a mano,
anziché modellata a mano.«[…] Non ti trovi davanti a un
semplice foglio di carta bianca, sul quale imporre la tua
idea. Devi rispondere e reagire al suo volere. Fluttui insie-
me a lei, cercando di estrarne l’immagine». La frutta è
ritratta con dovizia di particolari,ma al tempo stesso sem-
bra scomparire nella carta.Tutto è in uno stato di conti-
nuo movimento. «Non me ne sto lì seduto davanti a una
natura morta e la dipingo» afferma. «In me produce un
eco molto maggiore».
Il modo in cui ritrae
la frutta è un aspetto
della decostruzione e
della dissolvenza che
hanno caratterizzato i
suoi disegni e la sua
pittura sin dagli inizi.
«Cominci a renderti
conto che, per quan-
to credi di trovarti in
un altro posto, fai
sempre riferimento
alle cose che avevi
all’inizio, agli assilli
dei primi momenti»
ne delle arti che la libreria da anni, sotto la guida della
famiglia, pur tra mille difficoltà finanziarie, sta svolgen-
do, a favore soprattutto dei giovani.
Scattò così in quel momento una scintilla dalla quale, col
passare del tempo, nacque l’amicizia che portò a proget-
tare questa mostra e questo catalogo, il cui testo è stato
espressamente richiesto da Rafael, contro ogni logica di
competenza.
Il XX secolo è stato testimone di cambiamenti radicali
nell’arte, più di qualsiasi altro periodo storico e fortuna-
ti sono coloro i quali ci hanno vissuto.
Nel primo decennio del secolo il cubismo ruppe con i
tradizionali metodi di rappresentazione, aprendo la stra-
da all’astrattismo e successivamente alla prima guerra
mondiale, alle avanguardie, confermando la molteplicità
di linguaggi esplosi dopo la seconda guerra mondiale.
[…] Ciò nonostante la pittura continua a mantenere un
Paolo Scirpa
per le Segrete di Bocca
in 3a pagina
Senza titolo, 2004
Tecnica mista su foto, cm 29 x 42
17
sottolinea. «Arrivi sempre allo stesso
punto, ma per vie diverse, lo guardi
da un’altra angolazione». Ancora
sedicenne alla scuola di Clonmel,
dipingeva già con una paletta limita-
ta di colori […]. Come gli adole-
scenti della sua età, si sintonizza con
Woodstock e con l’intera epoca psi-
chedelica. […]. La prima personale
di Keating, allestita alla Lincoln
Gallery nel 1981, è stata intitolata
Orbiting Perspectives (Prospettive
orbitanti) […]. La Hendriks Gallery
ha presentato i suoi Human Friezes
(Fregi umani), enormi tableaux
ritraenti corpi sotto teli bianchi, sen-
sualmente vivi ma nel contempo
allusione a cadaveri avvolti. Nel
1996 inizia una serie di studi sulle
mani della madre […]. «Le mani
vivono di una vita autonoma. Sono
come i granchi. Si muovono in
modo totalmente indipendente.
Nelle mani ci si può leggere una
vita». Ritrae la madre anche in una serie di teste astratte Serie
che, come le sue nature morte, sembrano essere colte Life Fragment
nell’attimo in cui emergono dalla carta, dissolvendosi tecnica mista su carta
nello stesso momento, in modo non dissimile dalla Sacra
Sindone. Le dimensioni si sono ridotte, diventando più
eloquenti, più prossime alla vignetta.
Keating è riuscito a trovare nelle forme classiche la
metafora delle sempre crescenti frammentazione e fuga-
cità della vita moderna. Per un momento tutto è iper-
reale. L’attimo viene fugacemente colto. Poi fugge via
nella fretta del vivere.
posto rilevante, esistono ancora artisti per
i quali, come per i maestri dell’antica
Grecia, il corpo umano rappresenta la
sfida più grande. Dussan è uno di costo-
ro, quello che dipinge può sembrare spes-
so grottesco, i suoi studi di filosofia lo
portano a caratterizzare le figure come
animate da una sottile sofferenza che è la
sofferenza dentro la quale vive la sua
gente e molta anche della nostra. «Figure
che sembrano lottare per svegliarsi da un
sogno o stirarsi per recuperare qualcosa
delle loro forme originali.
Ma la fluidità con la quale sono delineate
le libera dalla loro massa, comunicando
all’osservatore un’ironica leggerezza e
grazia. I suoi quadri ricevono forza dal-
l’immediatezza e dalla spontaneità del suo
disegno. La sua linea vibra di poetica
ambiguità, ancor più quando il disegno
assume forme organiche».
Queste parole di Enzo Battarra hanno
colto il messaggio della sua pittura.
Alessandra Merlo, storica dell’arte, scrive
invece: «dovendo definire l’opera di
Rafael preferisco pensare a un disegnato-
re e quindi a uno “scultore”, non a un
pittore, se avesse senso fare queste distin-
zioni». Il suo segno a stento riesce a con-
tenere i corpi che, deformi e grotteschi,
travalicano le linee di confine, per intrec-
ciarsi, contaminarsi, sovrapporsi, stratifi-
carsi.
Segue a pag. 20
Individui, 2004
tecnica mista su carta, cm 100 x 35
Nudo di donna (Licia), 1977
tecnica mista, cm 98 x 68
Collezione G. Lodetti
Enos Malagutti
Flavio Caroli
«Non vorrà dire che Malagutti è piu com-
petente di uno storico dell’arte?», mi chiese
un collega, credo in buona fede, qualche
tempo fa. Eh sì, caro amico, volevo dire pro-
prio questo; che Enos Malagutti, conosci-
tore, restauratore (e anche eccellente pittore
in proprio), stava alla stragrande maggioran-
za degli storici dell’arte odierni come una
Ferrari sta a una Fiat Punto. Per complessità
di studi: Malagutti leggeva come un dispe-
rato e aveva — lui che pure tradiva qualche
complesso per la mancanza di attrezzatura
accademica — un’esattezza di riferimenti
bibliografici da far invidia a qualsiasi dot-
torando. Ma questo è il meno.
Sentivo di sostenere quella modesta con-
vinzione per l’esperienza del glorioso ve-
gliardo, un’esperienza cominciata più di
Franco Zazzeri
scultore-scultore
Giancarlo Cerri
Per parecchi secoli era scultore chi scolpiva, chi, della
scultura, ne faceva il proprio mestiere. Nella storia del-
l’arte moderna, a partire dall’inizio del secolo scorso, il
concetto di “scultura” è profondamente mutato: ovvero,
per essere scultori, non è stato più necessario saper scol-
pire. Ora, se percorriamo l’itinerario dal secondo dopo-
guerra ad oggi, si potrà constatare quanto sia avvenuto
in proposito.Ad esempio: graduale ma inarrestabile ab-
Franco Zazzeri bandono dei materiali tradizionali (marmo, pietra,
Campo arato, 2000 bronzo), sostituiti da ferro, lamiera, resina e tante altre
bronzo materie industriali. Inoltre, la grande promiscuità delle
diametro cm 100
varie discipline artistiche, avvenuta dalla seconda metà
degli anni Quaranta sino alla nostra contemporaneità, ci
fa considerare, sotto certi aspetti critici, la stupefacente
evoluzione (anche, a volte, involuzione decadente), dei
vari modi d’intendere scultura, pittura, architettura.
C’è dunque modo e modo, negli ultimi decenni, d’esse-
re scultore, pittore, architetto e così via. C’è chi è sculto-
re-pittore, chi scultore-architetto, chi, invece, vuol essere
ancora “soltanto” scultore, nel senso più autentico del
termine stesso. Franco Zazzeri (1938) è tra questi e, a
parer mio, ciò gli fa onore. L’artista aretino è scultore nel
senso più tradizionalmente e culturalmente italiano. Le
sue innovazioni, tipiche della generazione anni Trenta,
tengono però conto del passato più recente, anche in
campo internazionale. Avendolo conosciuto ormai
molti anni orsono — nei primi anni Sessanta — ricor-
do e rivedo il suo periodo “figurativo”, con le temati-
che preferite: Natività, Nucleo famigliare, Implorazione. Già
era evidente la sua caratteristica primaria: innata capa-
cità di sintesi accompagnata da rigore compositivo.
Da quel tempo ormai lontano, Zazzeri ha percorso il
Alexander
Kossuth
Michael Engelhard
L’opera di Alexander Kossuth
conosce un unico tema: la figura
umana. Evidentemente è convinto
che tutto ciò che muove l’uomo,
tutto ciò che lo riguarda, tutto ciò
che l’uomo è, possa essere rappre-
sentato nella figura umana.
Questa convinzione si fonda su
un’esperienza tanto sensoriale
quanto spirituale e psicologica.
Il corpo umano è ai suoi sensi, al
suo occhio, al suo tatto l’oggetto di
gran lunga più interessante, in
quanto il più bello, della natura
visibile.
Tutte le sue opere irradiano questa
gioia sensoriale originaria per la
bellezza della forma umana sia nella
Emanuela sua interezza che nelle singole parti:
danzante orecchie, nasi, mani, piedi, articola-
2002 zioni, ogni singola forma lo affasci-
bronzo na tanto quanto la figura intera for-
h cm 83 mata (non composta) da tutte que-
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mezzo secolo fa con Mauro Pelliccioli, e proseguita con
la lunga vicinanza a Roberto Longhi (era lui spesso a
trovare i dipinti su cui il maestro avrebbe tessuto scritti
memorabili), e ai massimi studiosi e mercanti d’arte
della seconda metà del secolo.
Non ho visto una sola mostra, negli ultimi anni, che
non esponesse almeno tre o quattro dipinti passati per il
suo studio; degli altri, conosceva quasi sempre la storia e
i passaggi di proprietà. Ma mi accanivo sulla mia idea
suprattutto per un altro motivo. Per la Magia di cui
Malagutti era portatore. Sono entrato con lui in quelli
che ogni conoscitore sa essere gli anfratti più selvaggi
dell’antiquariato e del collezionismo: i retrobottega dei
raccoglitori bergamaschi e fiorentini.
Rambo, al confronto, era un dilettante. Il Professore
sventagliava attribuzioni (di fronte, di profilo, e, con
improvvisi scatti, persino alle sue spalle) con la preci-
sione di un guerriero assolutamente cauto e micidiale.
Impugnava non un fucile mitragliatore, ma un paio di
occhiali.
Quando dimetteva quelli da riposo, e impugnava le
lenti da guerra, erano guai per tutti.
Ho visto gli abitanti di giungle avvezzi a tutte le insidie,
suo itinerario che l’ha portato sino ai giorni nostri tra-
mite tappe non brevi, dove si è soffermato a lungo su
meditate ricerche ed appropriate scelte. All’inizio degli
anni Settanta lo troviamo intento a sviluppare geome-
trizzazione dell’immagine con opere particolarmente
significative quali: Stratificazione e Concetto geologico,
composizioni verticali tendenti ad aspetto monumenta-
ste forme. La forma e l’espressione dei dettagli armoniz-
zano sempre stupendamente con la forma complessiva e
con l’espressione, potenziandola e chiarendola.
La posa di un indice “parla”.
Questa esperienza sensoriale della bellezza del corpo
umano distingue l’arte di Kossuth dal classicismo.
Quest’ultimo ha un’«idea» di bellezza umana impronta-
ta all’antichità, è arte dall’arte. L’arte di Kossuth non fa
riferimento all’esperienza dell’arte esistente, bensì alla
sua personalissima visione.
Non è spinto da un’idea di bellezza umana tramandata
dall’antichità, bensì da quel che vede e riscopre da sé in
maniera assolutamente nuova.“Questa «l’esperienza pri-
mordiale» del suo essere artista […].” evidente che nel
rappresentare la figura umana Kossuth giunge e deve
giungere a soluzioni formali che sono assolutamente
nuove, per le quali non esistono modelli. Praticamente
in ognuna delle sue opere egli ci dimostra che in rap-
porto al tema della figura umana vi è ancora infinita-
mente tanto da scoprire e da inventare […]. Nelle figu-
re di Kossuth percepiamo con la stessa intensità tanto la
loro sensualità quanto il loro appagamento spirituale.
Esse sono strabiliantemente identiche a sé stesse, ovvero
sono forma. Non mentono. Sono quello che sono […].
Così come le sue figure significano solo sé stesse,
anch’egli è esclusivamente sé stesso. Semplicemente non
gli interessa cosa fanno gli altri, cosa pensano o scrivono
di lui. Non appartiene a nessuna scuola, non segue nes-
sun maestro, nessuna tendenza, nessun ismo. La sua opera
è l’espressione compiuta della sua persona.
18
Nudo di schiena
(Luisa), 1984
tecnica mista
cm 68 x 48
Collezione G. Lodetti
inchinarsi davanti a
lui come al cospetto
di un sovrano. Finisce
un mondo.
Malagutti, il più gran-
de,era veramente uno
degli ultimi giganti.
Per di più, era gen-
eroso: alzi la mano
chi non ha avuto un
parere prezioso o un aiuto insostituibile, raramente
riconosciuto. Non si lamenti sempre, Professore.
Non perde niente. C’è tanta bella gente lassù.
Scommetto che Longhi le ha accarezzato la testa come
accadde nel ‘40 ed è tornato sull’anello mancante nei
primi anni del Correggio…
Noi invece abbiamo perso lei. E non è che non sappia-
mo come sostituirla. È che non la sostituiremo più.
le. Segue il quinquennio 1975-1980 con altre due tema-
tiche predilette: Genesi dell’uomo e Genesi della sfera, en-
trambe intese in senso geologico. Opere, queste, dov’egli
compie un’indagine di escavazione della forma per
giungere ad una drammaticità introspettiva.
Dalla seconda metà degli anni Ottanta procede con o-
pere di ragguardevoli dimensioni realizzate in chiave
sempre più essenziale (Figurazioni astratte dell’inconscio, Al-
bero geologico, Parallelepipedo) dove la forma torna, sempre
più, a salire. Opere severissime, queste ultime, assoluta-
mente prive di orpelli, di tutto ciò che può considerarsi
“inutile” all’opera stessa. Sempre innamorato del bronzo,
materia di cui egli conosce ogni segreto, Franco Zazzeri
prosegue nel suo itinerario e, in anni recenti, elabora o-
pere quali: Resurrezione, Traslazione, Sorgente, Campo arato,
tutte appartenenti al ciclo anni Novanta-Duemila. Gran
bel “giro” di sculture, queste dell’ultimo decennio, dove
il maestro toscano esprime pienamente la sua personalità
ed il forte senso del “mestiere”, qui inteso nel senso più
alto del termine stesso.
Il curriculum del Nostro è ricco di importanti mostre
personali e rassegne collettive d’alto prestigio. Qualche
“personale”: Galleria Montenapoleone, Milano (1967);
Galleria “La Darsena”, Milano 1970, ’73); Arengario di
Monza (1974); Galleria Zunino, Milano (1975); Palazzo
dei Diamanti, Ferrara (1980); Galleria Schubert, Milano
(1995, 1999); Palazzo Pretorio, Sondrio (2002). Alcune
rassegne nazionali e internazionali: Biennale del Bozzet-
to, Padova (1979); Biennale di Milano (1984, 1989);
Biennale di Venezia (1986); Quadriennale di Roma
(1999). Sue opere sono state acquistate da Enti Pubblici
e collocate in importanti luoghi quali, tanto per citarne
qualcuno, Metropolitana Milanese (Stazione Centrale),
Aeroporto di Milano-Linate, Comune di Milano, sede
di via Pirelli. Franco Zazzeri l’ho sempre considerato
scultore-scultore, un puro nel suo modo d’intendere la
Scultura. Egli è, a mio giudizio, tra gli artisti più interes-
santi della sua generazione.
Emanuela con la sfera, 2002, bronzo
 Al Caffè degli Artisti
Giacomo Lodetti

Prosegue l’iniziativa del Biffi, Storico locale degli Artisti, attivo in Galleria
Vittorio Emanuele II fin dalla sua inaugurazione,risalente al lontano 1867
che, in collaborazione con l’altro locale della Galleria, la Libreria Bocca,
ha dato vita, ad un programma di proposte artistiche, con l’obiettivo di
avvicinare il grande pubblico della Galleria, alla produzione dei nostri più
Dialogo arcaico fuori rinomati artisti. Dopo l’esordio, avvenuto nel settembre del 2004 con
misura, 2004 Segue da pag. 21 Max Kuatty, le mostre sono proseguite con opere di Giovanni Sesia, nel
tecnica mista su carta mese di ottobre, Fran-
cm 35 x 110 ...Rafael Dussan cesco Chieppa che ha
Alcuni particolari risaltano, come quelle mani nodose esposto il suo Sublime
che sono sempre in primo piano, come artigli pronti a Callas il 7 dicembre,
ghermire i pensieri, corpi senza spessore, diafani, impal- giorno dell’inaugurazio-
pabili, trasparenti eppure abbondanti, invadenti, mater- ne del rinnovato e
namente generosi e opulenti. ammodernato Teatro alla
Dussan è un autentico artista ispirato, pensa col disegno, Scala,Walter Valentini, nel
parla col disegno, sogna col disegno, vive per il disegno mese di gennaio 2005 e
e finirà col raggiungere la celebrità col suo disegno, que- Giancarlo Ossola nel
sto è il mio augurio. […] mese di febbraio.
Sono previste, a breve,
Danzatori, 2003 esposizioni di Luiso
tecnica mista su tela Sturla,Adalberto Borioli Giancarlo Ossola, Atelier 3 (A Vlaminc)
cm 39 x 103 e Giorgio Milani.
Francesco Chieppa è nato nel 1955. Vive e lavora a Milano.
Nell’ambito della pittura neoespressionista rappresenta uno degli
esponenti più importanti, di fama internazionale. Ha all’attivo
numerose performance in Germania, Gran Bretagna, Francia,
Spagna, Portogallo, Cuba oltre che in Italia. Sue opere sono pre-
SpazioBoccainGalleria senti nei musei di Jena, Eisemberg, Città del Vaticano e l’Havana.
fino al 9 marzo 2005 Francesco Chieppa, Sublime Callas

Pierantonio Tanzola Pasquale De Luca

I ri…tagli di vita
Aldo Benedetti
Se occorreva una prova che la pittu-
ra fosse sublime declinazione della
fotografia, ci viene fornita in modo
autorevole dalle opere di Pierantonio
Tanzola (Udine 1963), giovane e
promettente pittore di eccezionale
talento. Ed è proprio un magico coa-
gulo quello che riesce a fissare, un
dripping di sensazioni che si rappren-
dono prima di colare nel vuoto,
foglie mai cadute che volteggiano
nell’aria tracciando profili con la stes-
sa casualità della nostre esistenze.
L’artista proviene da un’esperienza di
fotografia che ne ha maturato la
capacità quasi concettuale, essenziali-
sta, di vivisezionare la realtà. Non
sono immagini rivolte a cogliere
situazioni originali, in grado di susci-
tare curiosità o attenzione, ma sog-
getti di deformata quotidianità: il
taglio fotografico, obliquo e interro-
gatorio, pare volerci suggerire la sfug-
gevolezza del banale in tutta
la sua frammentaria e discreta
ricchezza, comunicarci un
senso di profondità e transito-
rietà, di fuga studiata da un
realismo ingombrante o pre-
suntuosamente metafisico.
Non a caso i titoli delle sue
opere rappresentano proprio
l’orario in cui l’artista le ha
create, scrivendo quasi un
diario personale delle sue
emozioni, un autentico
reportage esistenziale, quello
di un “inviato normale” che
di speciale ha una straordina-
ria capacità tecnica di rappre-
sentazione e un’invidiabile
Senza titolo, 2004 abilità nel trasformare ogni situazione in gioco
olio su tavola della memoria, forse, conscio rifiuto di quell’in-
combente avvertimento (“ed è subito sera”) che
cerchiamo di esorcizzare.Tanzola è il fotografo di
una umanità colta nella sua normalità, o, meglio,
accolta in un corale abbraccio grandangolare che ne
deforma i contorni nel tentativo di insinuarsi nelle pie-
ghe più sottili, di accarezzarne i profili più lievi: dimo-
stra un sentimento di umana pietas verso i soggetti delle
sue opere, impegnato a sdrammatizzarne i ruoli, a
demolire la grandiosità delle architetture che ne oppri-
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mono la dimensione. Anche l’imponenza dei classici
palazzi italiani o il tumulto delle metropoli sono rappre-
sentati con una eccezionale tecnica figurativa, ma sem-
pre in una prospettiva da farne mettere in discussione la
stabilità, quasi a farci avvertire un sottile complesso di
insicurezza.
Sa farci accettare la vita, dipingerci eroi di un istante, sus-
surrandoci con estrema delicatezza la chiave di un miste-
ro: la sua tecnica ricorda quella di un grande artista fran-
cese, Gustave Caillebotte, forse il più moderno degli
Impressionisti, colui che seppe trasferire le suggestioni
della nuova pittura dal paesaggio en plein air all’ambien-
te delle città, agli interni, alla fretta bruciante del secolo
nuovo.Tanzola è invece figlio del nostro sentire, avverte
un geometrico smarrimento, non crede ai “magnifici
destini” dell’umanità, l’impianto architettonico è un’au-
dace tecnica demolitoria, commemorativa di un fragile
equilibrio. Sono autentici ritagli di vita quelli che
Tanzola tende a consacrare in gesti inutili e banali che ci
consegnano all’indifferenza, le sue opere sono un vero
monumento al “limite ignoto”.
Qualcosa che appare, 2004, olio su tavola
La Galleria Nuovospazio
Artecontemporanea
via Calzolai, 24 - Piacenza
info: armando.tagliaferri@libero.it
dal 2 al 30 aprile 2005
20
La terra e l’anima
Antonio D’Amico
Giunge a noi dalla Magna
Grecia,terra di tradizione e
fervore, alla ricerca del suo
colore, quello denso e
ricco di tutta la solarità che
si respira in Calabria. È in
quei luoghi che gli antichi
trovarono la perfezione e
da sempre i buoni sapori si
concentrano nell’umiltà di
prodotti che la terra elargi-
sce solo a quel popolo con
cotanta ‘beltà’. I calabresi,
gente accogliente, valoro-
samente coscienti delle
loro doti, legati alle radici
di una tradizione che si
rinnova nei loro cuori
ogni giorno.‘Carismi’ que-
sti che in Pasquale De Luca
e soprattutto nella sua arte
rivivono e si materializzano
ai nostri occhi attraverso la La finestra, 2004, olio su tela
pastosità dei colori che compongono forme fulgide, opu-
lente e vivide, proprie di una polarità dicotomica: l’amo-
re per la propria terra e l’entusiasmo per l’arte. De Luca
è figlio di quell’ardore emozionale! La ricerca visiva che
l’artista opera nei suoi ultimi lavori mira alla riscoperta
del suo animo come protagonista del suo futuro; l’impe-
gno che attraverso la pittura si esplicita è il sinonimo
della maturazione di un percorso che dalla pura visibilità
dell’oggetto, colto dal vivo nella sua essenza fisica, giun-
ge alla scarnificazione del pensiero con l’emergere, in
assoluta evidenza della tela grezza: morfologicamente
sinonimo dell’animo umano. Mille rughe, le trame della
tela, la piatta freddezza della materia… un antipodo che
si esprime attraverso l’incomprensione di una società che
insegue strade forse lontane e poco aderenti alla sempli-
cità delle forme pure! Se Pasquale De Luca con le sue
figure appena accennate, scalfite dalla ‘macchia’ grezza
della tela esprime il suo stato d’animo scegliendo il pre-
testo figurativo, l’interrogativo ‘impressionistico’ è dato
dall’enigma che suscita in chi guarda le sue opere… può
considerarsi un’esigenza surrealista di giudizio? Passa un
messaggio di riflessione, in questo mondo sempre mag-
giormente privo di paletti di sicurezza; affacciandosi dalla
finestra del proprio io, l’uomo contemporaneo cosa
vede? L’arte di Pasquale De Luca ci invita a ritrovare noi
stessi attraverso semplici prati coltivati con alberi i cui
frutti sarà bene gustarne nella piena totalità e con
coscienza di ciò che siamo… forse, quest’arte, nel suo
inconscio potrebbe rivelarci ciò che saremo!
Relax, 2004, Olio su tela
“Preferisco dipingere degli occhi umani piuttosto che cattedrali,
per quanto maestose e imponenti siano, l’animo di un essere
umano, anche gli occhi di un pietoso mendicante o di una
ragazza da marciapiede sono più interessanti di tante altre finte
bellezze…” (Vincent Van Gogh)
La vera bellezza, quando la si incontra e riconosce nel
percorso della vita, è sempre incontro di esperienza e
cultura. E ciò è ancora più vero se la si commisura all’ar-
monia di un paesaggio o al corpo di una donna.
Arte come nostalgia di bellezza nel mondo è capace di
tramutare, o trasfigurare, le parti più retoriche o banali
dell’apparenza delle cose, con le meraviglie fisiche e
metafisiche della loro manifestazione.
Per noi nel corpo di una donna vi è la stessa bellezza del
mondo, poiché nella bellezza delle sue forme vi è rac-
chiuso il felice lampo dell’essenza della vita. Luce e ane-
lito di espressione e sublimazione del giorno e della
notte, ovvero della quotidiana realtà, che trova, come in
una poetica stagione totale, nell’opera dell’artista una
propria ed attuale significanza interpretativa.
Dipingere la bellezza nelle sue forme più libere, espres-
sive e comunicanti, è stato sempre un banco di prova
non solo tecnica e compositiva, ma anche stilistica, per
l’artista. L’ossessione per il soggetto da dipingere —
come indicava Francis Bacon all’amico Lucien Freud —
è l’unico impulso necessario al pittore per mettersi al
lavoro e potersi esprimere:“… Un segreto diviene noto
a chiunque osservi il quadro attraverso l’intensità con cui
è sentito. Il pittore deve sbrigliare qualsiasi suo senti-
mento per l’immagine che ha davanti e non rifiutare
nulla da cui sia naturalmente, istintivamente, attratto”.
Del resto anche Freud sostiene che il ritratto si realizza
con la piena partecipazione dell’essere umano in posa.
L’arte del ritratto, infatti, esige un continuo e sincero
rapporto tra pittore e modello, tra l’artista e il suo sog-
getto. Così soprattutto per
la fisicità del corpo e al
contempo il suo lirico
sentimento, nella sua più
fragile e piena bellezza.
I dipinti di Giacomo
Sampieri sono corpi di
giovani donne, appena
uscite dalla piena pubertà,
non più tremanti, ma già
adulte nella loro spregiu-
dicatezza, sono dipinti
senza vergogna, a volte
con coraggio di trasposi-
zione succinta e di sintesi
Michela, 2004, Olio su tela
Giacomo Sampieri
Attualità della forma nei ritratti dipinti
Giorgio Auneddu
della forma antiretorica, davvero attuale. I suoi spazi
figurativi sono neutri e crudi, permeati di intrigante
luce intensa e sensuale, in accordo con la forza aggressi-
va della posa arrogante, forse anche per questo positiva e
stilisticamente buona e riuscita. I suoi corpi sono nudità
senza essere mai nudi, sembrano sfidare chi li osserva,
non si prestano ad essere toccati, ma solo ad essere visti.
Così Francesca, Olga, La ragazza in bianco e la sedia rossa,
intensi esempi del repertorio di ritratti di Sampieri.
Sono giovani donne che sanno come esprimere la loro
emancipazione, e la loro bellezza è riferita alla stessa
immagine che oggi propone la società moderna.
Immagini di donne stereotipate dalla società consumi-
stica dell’era tecnologica, che vuole la donna espressa-
mente bella, seducente e fotogenica. Ecco anche perché
la scelta delle sue modelle ricalca la posa fotografica dei
patinati rotocalchi alla moda, e spiegato il perché la foto-
grafia artistica è alla base del suo lavoro, quale mezzo per
cogliere dal vero, con un sapiente scatto, le immagini che
altrimenti non sarebbero colte così rapidamente ed effi-
cacemente.
Il mondo della figura femminile, con i suoi mille corpi
armonici, belli e significanti come volti, con gli innu-
merevoli ritratti, fragranti e morbidi come petali di fiori
al primo sole, diviene fonte di sorgente, ricca di intensa
motivazione di ricerca, cioè vera protagonista, soprattut-
to nella produzione più recente, dell’arte di Giacomo
Sampieri. L’artista ragusano, ma da sempre attivo in
Piemonte, dove la sua famiglia si trasferì a Settimo
Torinese dal 1956, è figlio d’arte: il nonno paterno era
pittore ed affrescò importanti edifici pubblici e privati
quali la Villa di Donna Fugata e lo stesso Duomo di
Ragusa. Il Sampieri è anche pittore di estrema educa-
zione sensibile verso espressioni e tematiche quali natu-
re e paesaggi spesso ripresi dal vero, durante i suoi viag-
gi estivi, en plein air con la particolare tecnica del pastel-
lo e dell’acquarello su carta, con le quali raggiunge (vin-
cendo premi e segnalazioni anche internazionali), sug-
gestivi e delicati effetti espressivi, intessuti di flebili e tra-
sparenti chiarismi qualitativi. Nella sua formazione arti-
stica, dopo gli studi tecnici, e l’assidua e appassionata fre-
quentazione delle sale dei musei, completa la sua ricerca
pittorica con la frequentazione del pittore Romano
Campagnoli (già allievo di Italo Cremona), uno dei più
originali artisti piemontesi attivi a Torino, da cui appren-
de in parte, oltre al gusto ironico per la vita, lo studio
della luce e il senso coloristico a favore dell’equilibrio
cromatico e della libertà compositiva e antiretorica,
eccellenti qualità estetiche che incideranno positiva-
mente nella evoluzione stilistica dei suoi ultimi lavori.
Nelle sue tele la presenza dell’artista se è nell’atto stesso
del dipingere, è anche, e significatamente, nello specchio
dilatato della stessa introspezione soggettiva, incantata ed
incantevole, azione del silenzio. Azione del silenzio che
è ad esempio nello sguardo intenso ed emotivo delle sue
edulcorate modelle da rotocalco. Sguardi apparente-
mente indifesi, e invece pieni di energia di vita, ove vi è
tutta la bellezza del corpo. E nell’attesa degli eventi della
vita, lo spazio del corpo è fondamentale, ogni donna lo
sa. Forse il pittore Sampieri vuole comunicare con le sue
modelle la pacata e insieme
sconvolta e vaga rassegna-
zione al dolore del non
poter avere, e al dolore che
la sua sincera bellezza pos-
siede.
Corpo di donna come
volto davanti al mondo.
Nel suo stato fisico e meta-
fisico, oltre lo spazio ed il
tempo.Attualissima verifica
di pittura la sua, nell’attuale
recupero delle realtà del
sentimento del corpo e
della figurazione, oltre le
cerebrali neo-teorie della
forma, propria delle più
aggiornate tendenze pittoriche internazionali della post- Sul canapè, 2004
avanguardia. In ogni suo ritratto, che in sé raccoglie il Olio su tela
senso della attualità dell’azione, del movimento e del
gesto, si percepisce il fascino di ogni piega della pelle, di
ogni più lieve sfumatura, di ogni palpito cromatico,
appena accennato sulle sfumate gote o sulle giovanili
labbra dal sensibile e morbido disegno. Si percepisce, se
non si è proprio insensibili, il fascino dicevo, del fare pit-
tura per il gusto di esserci dentro, senza artificio o ingan-
no, di esserci davvero, per sfida od orgoglio, quasi osses-
sivamente, disperatamente. Dipingere come felice ed
appassionata arte del conoscere e del conoscersi. I suoi
ultimi lavori sono per lo più ritratti intensi e magnetici,
che sembrano dipinti senza respiro, in quell’essere colti
in un estremo atto di sintesi del corpo, come colti e rap-
presi in un rapido e simbolico flash fotografico, in cui si
può restare muti e senza fiato, in una metafisica e silen-
te attesa. I suoi ritratti sono fermi e stagliati nel nitido
contorno, in piena luce sul piano dello sfondo piatto,
simbolico come una texture di manifesto pubblicitario,
senza altra descrizione se non la superficie cromatica
depurata, permeata di un chiarore estremo, che accentua
l’intento antidispersivo, lasciando sconcertato e solo lo
spettatore al centro del quadro, conducendo la visione
verso la piena realtà dello sguardo: quale migliore azio-
ne silente nel conoscere e riconoscersi attraverso un Stivali di ritorno, 2004
ideale specchio dell’anima? Olio su tela

Fausta Dossi
Sara Fontana
Danza spettrale, 2000, maniera nera stampata con
torchio calcografico, cm 24,5 x 32
L’opera di Fausta Dossi è intensa e sincera, essenziale e
ricca di suggestioni, vigile sulla realtà e protesa allo stu-
dio dell’antico. Riflette, in parte, il suo temperamento di drano l’espressività materica (affida-
donna schietta ed ironica, sempre appassionata e total-
mente dedita verso ciò che fa. La curiosità e la speri-
ta ogni volta a materiali diversi)
all’interno di una rigorosa archi-
mentazione tengono viva la sua ricerca, che da alcuni tettura spaziale. La scelta del col-
decenni è fluidamente distribuita fra pittura, scultura e lage, sempre più frequente negli
incisione. Un lavoro rigoroso, sostenuto da pragmaticità ultimi anni, risolve tale connubio
e consapevolezza, che tuttavia lasciano ampio margine in composizioni attentamente
al mito e all’immaginazione. Forme astratte, cariche di calibrate e in preziosi effetti di
memorie, di silenzi e di attese, talora interrotte da squar- trasparenza. Oppure, nella serie
ci improvvisi, evocano elementi della natura e del ultima di Geografie dimenticate, in
cosmo. Ultimamente è spesso protagonista la scrittura vivaci accordi cromatici. E infine lo si
— in realtà un antico amore di Fausta Dossi —, con coglie chiaramente nelle sculture, in
caratteri più chiari e leggibili nei collage, con segni gra- cui il peso della massa plastica è
fici ambigui e misteriosi, ancora in attesa di decodifica- alleggerito da fessure, da spazi
zione, nelle sculture in legno e in bronzo. L’artista opera vuoti e da motivi decorativi, che
da sempre tra due poli di attrazione, l’orientamento a esaltano il ruolo della luce e le
una solida strutturazione delle forme e l’inclinazione proprietà intrinseche dei materia-
verso la levità dei materiali e delle tecniche. Due voca- li. Qui soprattutto si svela la forte
zioni che si distanziano e si ricongiungono continua- tensione ascensionale e trasfiguran-
mente, alla ricerca incessante di nuove soluzioni. Lo si te, di significato spirituale, che
intuisce nelle maniere nere Corpi senza peso e Danza muove la ricerca di Fausta
spettrale, con il movimento fluttuante delle sagome fem- Dossi.
minili bianche su fondo nero. Altrove, nelle incisioni,
sono invece linee sottili che generano trame inquiete,
campi di azione e aree neutre di passaggio. Insieme, SpazioBoccainGalleria
questi elementi accentuano il senso della profondità. dal 5 al 20 aprile 2005 Fiore del giardino segreto
Lo si percepisce nelle opere bidimensionali, che inqua- bronzo, cm 53 x 33

21
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 Fra Poesia... e Arte
Donne
Siamo donne, eterne
figlie di Artemide, sublimi e
innamorate spietate
della Luna. per arditezza
Abbiamo riso d’Amore.
e pianto, Coglieremo ancora
stretto i denti profumi
nel dolore, nei campi
nelle nebbie di biancospini
degli autunni e di viole.
e Ce lo impone
Spelta, Donne, acquatinta con interventi di colori naturali e
supporto di materiali misti (plastica e alluminio), cm 50 x 50
nel Sole la vita!
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Siamo forti
sideree Grazia Greco
Angela Sassu, In attesa dell’amore, olio su tela cm 120 x 145
€ 1.500,00

Il desiderio
Nei tuoi capelli nelle tue parole
Mi portasti ma,
Un po’ di sole, tanto vuoto
tanta luce quando al tramonto
negli occhi, ti penso e
tanta gioia sei lontano,
nel cuore, quando ricordo
un nodo quei baci che
alla gola m’han fatto
quando non ci sei, impazzire
una immensa e il desiderio
felicità inchioda
nelle tue il mio cuore.
carezze,
tanta malia Grazia Greco

Daniele Baldo, Creazione, olio su tela, cm 80 x 80

€ 1.100,00

Piangere
È come se questa casa!
all’improvviso Se non fosse
nella vita per qualche nota
di tutti di Chopin
snebur fosse rimasto
solo
ci sarebbe
il silenzio
S E Q U E N Z E il bisogno
di piangere.
Ognuno
delle veglie
di lutto.
Non si può
è solo nemmeno
dal 22 febbraio al 16 aprile 2005 con le sue ferite accendere il televisore
L
e nessuno perché la tragedia
inaugurazione lunedì 21 febbraio, ore 18.30
si affretta ci assale.
a guarirle.
Com’è bella
Corso Magenta 96 ■ Milano ■ T/F 02 436246
e vuota Grazia Greco
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 Christian Zucconi
Recupero di forme dissolte
Aldo Benedetti
Ho sempre ritenuto che l’Arte sia sofferta ricerca di un
personale alfabeto espressivo, sfida per la conquista di
autonoma capacità interpretativa: così lo scrittore vuole
segnare la pagina bianca, lo scultore sagomare il blocco
informe di pietra, entrambi intenti a colmare un vuoto
incombente, a tracciare un segno di passione entro cui
riconoscerci, intuendone l’angoscia segreta.
Proprio a questo proposito, chi ha la fortuna di cono-
scere Christian Zucconi avverte una particolare tensio-
ne comunicativa, il desiderio di scolpirti l’immaginazio-
ne, quasi a inciderti il cuore, affiancandoti in un viaggio
simile al Purgatorio dantesco, rivisitazione di un tempo
che è magico recupero di forme dissolte, rilettura di
parole svanite. È un materializzarsi di corpi, un affollarsi
di voci che rianima un teatro oramai deserto, dove si rie-
vocano ruoli consunti, si ripensano testi mai scritti.
È una plasticità sofferta, che ha radici lontane, prende
forma dalla religiosa sacralità degli stilizzati bassorilievi
romanici per attingere alla irrequieta e vacillante monu-
mentalità michelangiolesca, alla pensosa dinamicità di
Rodin, alle corrosive deformazioni di Giacometti, alle
etrusche proporzioni di Marini fino allo scavato dolore
di Wildt. Ma il Nostro si rivela originale mandante testa-
mentario di questa storica tradizione, ne fa anzi una
autorevole trasposizione dantesca, plasmando la materia
con la stessa preci-
sione di un sismo-
grafo, registrando
l’intensità dei sus-
sulti umani, delle
angoscianti pertur-
bazioni di affetti e
desideri: “secondo
che ci affliggono i
disiri e li altri affetti,
l’ombra si figura”,
come recitava l’A-
lighieri. La tensio-
ne plastica delle
figure di Zucconi
riflette questo pe-
daggio di sofferen-
za, le membra al-
lungate, le mani
Amputazione, 2004, travertino persiano deformate, i visi
scavati sembrano
invocare un’assoluzione, chiederci conferma della loro
stessa dubbiosa consistenza, implorarci una fuga da quel-
la prigionia di pietra, da un destino sottolineato con
drammatica crudezza. È affascinante come lo spirito
ribelle del Nostro, il suo impeto di figurare le nostre
ombre utilizzi una tecnica istintiva, a taglio diretto, senza
bozzetti preparatori, estraendo dalla materia con incisiva
naturalezza ciò che essa ci nasconde e nel contempo ci
invita a riconoscere, quell’immagine di umana pietas
adagiata sui corpi corrosi e tarlati da un tempo impieto-
Giovanni Buoso
La memoria dei libri
Bruno Vergano
Sfumature e dissolvenze pergamenacee.
Muti frammenti di colore, simboli, reperti.
Bandiere senza patria.
Parole sprofondate nella memoria dei libri;
pallido è il ricordo, ma la materia rimane,
confusa ed attraente.
3 Cuoio su tela, 2004
cm 20 x 20
Frammenti di pergamena
su cartoncino, 2004
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Uomo spezzato, 2004, travertino persiano
so che non ammette mutilate e tardive manifestazioni di
rimpianto per parole mai pronunciate, carezze mai date,
sorrisi mai regalati. Allo stesso modo la dantesca passio-
nalità di Zucconi è sostenuta da un’eccezionale qualità
esecutoria che non ammette ripensamenti o tentenna-
menti progettuali, ma incide la pietra con la spigolosità
sensoriale di un pittore cubista, coniugata alla consuma-
ta abilità artigiana di un fabbro che modella ferrei fanta-
smi: le figure paiono così vestire la virginale immedia-
tezza di un ordine perentorio dell’anima, assecondare
una sentenza di immediata esecuzione. Zucconi non
utilizza il freddo nitore del marmo per le sue opere, ma
un travertino persiano che richiama il calore del rosa
delle costruzioni romaniche e trasmette un sussulto di
umana partecipazione nel mostrare quella caratteristica
porosità superficiale che pare anticipare un’osteoporosi
dell’anima, un disfacimento annunciato, tragica dissol-
venza sostenuta da un sogno tenace come la pietra, a
dispetto dell’effetto di avanzante devastazione. L’irruenza
vitale e la innata raffinatezza impreziosiscono le opere di
una sensazione di sbozzato secondo l’antica tecnica del
non finito, di quell’essenziale michelangiolesco che
ritroviamo nella Pietà Rondanini degli ultimi anni del
superbo maestro toscano, in una composizione che è
quasi apparizione, dove la realtà delle proporzioni risul-
ta magicamente superata dalla misura di un dolore e un
amore che sono evangelico riscatto, promessa di ritrova-
re in ognuno di noi il volto di Dio. Zucconi sembra
ancora raccogliere un’altra suprema eredità artistica,
quella di Rodin, e aprire, superandola, la Porta dell’Inferno
realizzata dall’artista francese per il Museo delle Arti
Decorative di Parigi seguendo lo schema di un dantesco
groviglio di corpi che testimoniano il tormento umano:
ma il Nostro ci apre uno spiraglio di speranza, un pre-
zioso e pensoso riscatto da quei “disiri” che fanno del
nostro vivere un quotidiano Purgatorio. Accogliamo
queste stupende creature come silenziosi compagni di
viaggio, massicce e delicate presenze che ci invitano a cre-
dere che nessuno di noi è orfano,ma vive in un sogno col-
lettivo popolato dalle nostre ombre, animato dalle nostre
pulsioni, da umani e tormentati “disiri”.
Questo il primo impatto visivo con le opere pittoriche
di Buoso, nel tentativo di sintetizzarne il messaggio.
L’ispirazione, lo si percepisce con immediatezza,
parte sempre dal profondo, anche se apparentemente
sopraffatta da schemi compositivi ritmati dall’elegan-
za di accostamenti cromatici e formali. Il desiderio di
dare un nuovo abito a scarti di materiale cartaceo, a
dismessi ed inespressivi brandelli di tela e di perga-
mena, altro non è per Buoso che il risultato di intui-
zioni innovative, uniche, sapientemente mediate.
Protagonista assoluta è la “materia” trasformata in
objet d’art, capace da sola di suscitare sensazioni ed
emozioni.
e tempera colorata
cm 21,5 x 30
23
Graziella Bertante
La sospesa realtà tra l’apparire e l’essere
Laura Gavioli
Le ragazze, le bambine, le donne che interpretano nella ter-
racotta i ruoli della vita, assegnati loro da Graziella Bertante,
sono delle dolci e ironiche creature che recitano la loro parte
sulla scena quotidiana. Sono figure che ispirano un certo
senso di normalità e offrono un modello di vita credibile
anche se si tratta di una vita
speciale, si può dire una vita in
parallelo con l’esistenza della
loro madre-autrice la quale
vuole per esse il massimo, il
meglio e sembra dirci che tutto
deve essere perfetto! Infatti l’e-
secuzione della forma della
scultura, così come la laboriosa
ed accurata dipintura della ter-
racotta,rispettano il più scrupo-
loso naturalismo; gli incarnati
delle fanciulle,le vesti,gli acces-
sori, le passamanerie, gli animaletti da compagnia (La bella e Venti di guerra, 2003-04
il soriano), e poi le panchine (Ai giardini), i divani, i giochi: terracotta policroma
tutto è della massima importanza perché questa esistenza sia
completa e confortevole, rassicurante e felice. L’opulenza
delle forme serve a sottolineare il piacere del cibo e diverse
sculture riprendono il rito pigro dei pasticcini ben
ordinati sul vassoio e pronti per essere assaggiati, ma
anche il piacere dello svago e del gioco, riproposto
con La voce della radio, con lo Spazio onirico, dove la
bambina è inginocchiata sul cavallo a dondolo; è
evidente pure l’amore per il fantastico e per il mito,
che fa parte della scuola e della cultura dell’artista e
la coinvolge fin nelle sue radici più profonde ed
intime, basta osservare alcuni lavori recenti come
Inesplorate terre, L’unicorno, Incontro speciale, Le asinelle
e Prima lezione di volo... Le forme generose delle
nostre ingenue e felici creature sono il motivo ricor-
rente del lavoro dell’artista, ma esse non devono esse-
re interpretate come il significato ultimo e determi-
nante dell’opera perché così facendo si andrebbe a
ridurre il senso di questa ricerca a semplice trasposi-
zione ironica della realtà oppure a compiaciuto per-
dersi nei meandri del sogno. Le maschere, 2002
Certo si comprende bene come l’artista sappia usare gli artifi- terracotta policroma
ci e le metafore per non scoprire apertamente la sua verità che
invece è più confidenzialmente riservata al mezzo della parola
ed è rintracciabile nella sua poesia. Ne risulta che la lettura
profonda del suo lavoro artistico non passa solo attraverso la
carezza epidermica dello sguardo
sull’opera di scultura e non sta
nel compiacimento tollerante
per la carne esibita con tanta
innocenza orgogliosa.Si sa che il
soggetto dell’opera d’arte non è
molto di più di un espediente
per l’artista,di un mezzo per lan-
ciare un messaggio più comples-
so e importante. Così è anche
per il lavoro di Graziella Bertante
che non può essere guardato dal-
l’esterno, semplicemente per
quello che appare, ma necessita di un sondaggio più accurato
e di uno sforzo di comprensione per entrare dentro e capire
Le asinelle, 2004
terracotta policroma
cosa vuole dirci veramente, qual’è il profondo significato che
sta prima e oltre la felice apparizione. La sua poesia, decisa-
mente presente come attività parallela alla scultura, ci può
indirizzare e aiutarci a comprendere cosa si cela dietro il
sorriso e la pacifica abbondanza: Più che nell’az-
zurro/ è nelle nuvole/ che voglio stare/ Immersa
fino al collo/ in una profonda catarsi/per morire
senza dolore.
L’idea che la Bertante vuole portare all’evidenza
dell’opera d’arte non è quindi quella che può
venire da una lettura semplice e perfino superfi-
ciale, ma al contrario come nell’opera Le masche-
re, ci sono tanti aspetti e messaggi cifrati dietro la
facciata apparente di questa esibita “incantata
realtà”. Profondi significati e riferimenti alla nostra
vita reale, alla storia, come nelle recenti opere
Ricordando Praga, 2003, oppure Venti di guerra,
2003-2004, o L’albero filosofale, 2002 circa, oltre alle
tre sculture Le stilite, donne che dall’alto della loro
colonna di espiazione e di purificazione, lanciano
al mondo dei segnali, pregano e predicano, scon-
giurano, gridano il dolore di vivere, mai assopito nei seco- Stilita 1, 2004
li dei secoli, ma nello stile di oggi e mostrando la consue- terracotta policroma
ta noncurante leggerezza...
SpazioBoccainGalleria
dal 16 al 30 marzo 2005

Injection painting Osservare Marcello De Angelis durante l’operazione
creativa è un’esperienza particolare: lo spettatore incu-
riosito deve munirsi di grande pazienza, poiché si tratta
di un lavoro meticoloso, lento e concentrato su piccoli
Genesi, 2004, acrilico
injection painting su tela centimetri di superficie. L’artista interviene sulla tela con
cm 30 x 40 un lavorio scru-
poloso: impugna
una siringa da
iniezione e lenta-
mente fa defluire
Genesi, 2004, acrilico
il colore, realiz-
injection painting su tela zando labirinti,
cm 45 x 60 grovigli neurali
in rilievi cromati-
ci. La sua produ-
zione è scandita
da questa lenta
operazione, ra-
Isole della memoria, 2003
gione per cui
acrilico injection l’artista veronese
painting su tela vanta un limita-
cm 30 x 40 to numero di
Federico Severino
Giovanni Serafini
In un naufragio ci si aggrappa a un relitto per salvarsi.
Anche le opere d’arte sono relitti.
Fragilità della creta e rigidez-
za del bronzo, la sensibilità e il
furore: le due anime, le due
fasi feconde di Federico
Severino, scultore in bilico tra
la precaria serenità dell’armo-
nia e l’inevitabile sopraffazio-
ne dell’atrocità del vivere.
La malleabilità dell’argilla
modellata dalle sue dita
sapienti, che trasformano idee
in umide creature di terra,
richiama l’operato di un divi-
no demiurgo, infondendovi
una sorprendente, quasi bla-
sfema vitalità propria. E i suc-
cessivi passaggi della solidifi-
cazione nel forno prima e
poi nella laboriosa colata del
bronzo, procedimenti magici
e complessi per attribuire
connotati di immortalità al
parto della fantasia, accendo-
no riverberi di fuoco nei suoi
occhi di veggente e sulla sua
grigia barba bruciacchiata dai
Pensiero non nato, 1995 lapilli di un dio Vulcano intento al suo certo prodigio.
bronzo, cm 62 x 33 x 26 Niente sembrerebbe più immobile di una statua. Le
sculture di Severino si caratterizzano invece per una loro
irrefrenabile energia: corpi contorti, lanciati, riversi,
accoccolati, sottesi di spasimi, arsi da segrete inquietudi-
ni che li pervadono e li sommuovono fin nel profondo,
facendoli fremere fin nell’ultima fibra. Opere che ci
conquistano per la loro profonda attuale drammaticità,
pur nella ricchezza dei rimandi mitologici, in cui affio-
rano i nostri incubi segreti, l’oscura intuizione di un
irreparabile primigenio peccato, lo spavento ancestrale
dell’uomo che prima tremava nelle caverne e ora conti-
nua a tremare nei grattacieli. Il prodigio insensato della
vita e della bellezza dei corpi, che Severino sa descrive-
re con consolante classica maestria, ma che sa anche
deformare o sovvertire a piacimento nell’inseguire i fan-
tasmi del suo complesso fantasticare e delle sue brucian-
ti intuizioni, si dispiega nella sua opera con ricorrente
trepidazione. In particolare ci affascinano l’articolata
espressività delle mani e dei piedi, di rara compiuta bel-
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Marcello De Angelis
Genesi
Irene Disco
opere all’anno. ragionamento nei confronti dei fenomeni culturali della
Il suo iter arti- società.Attualmente Marcello De Angelis sta lavorando al
stico ha come ciclo Genesi, in cui utilizza la sua tecnica, ribattezzata
comune deno- injection painting.
minatore il si- Come il termine Genesi suggerisce, lo scopo ultimo del-
gnificato sim- l’artista è il recupero delle origini: Genesi è la caoticità
bolico attribui- del segno che si orienta e genera la struttura modulare, il
to alla cerniera punto di partenza e il fondamento della rivelazione cri-
lampo, che ac- stiana, l’origine della dignità dell’uomo al centro dell’u-
quisisce un sen- niverso, incontaminata dalle lusinghe del pensiero cor-
so del tutto rotto. La sua analisi artistica è rivolta alla ricerca di una
mentale e pro- forma di comunica-
vocatorio, è l’e- zione innata in ogni
lemento centra- uomo e raggiungi-
le dell’opera, il bile soltanto at-
perno ideologi- traverso un’immer-
co su cui ripone la capacità razionale. Marcello De Angelis sione cosciente in sé
è passato dall’uso della cerniera alla sua smaterializzazio- stessi. Per questa
ne, la “zip” rappresenta il nuovo ordine del ragionamen- ragione, il labirinto
to, il ponte logico tra le “isole della memoria”. È neces- diviene una scrittura
sario un ritorno spirituale alle origini, un salto all’indie- personale, formata
tro verso quella rappresentazione di un dialogo intimisti- da segni che non
co, riservato ed interiore con la propria essenza e con il seguono nessuna
proprio spazio, scrive De Angelis nel manifesto neospa- convenzione.
ziale. Ed è proprio lo spazio che diviene essenziale, uno Così, Marcello De
spazio labirintico, riflessivo: le “isole della memoria” rap- Angelis dipinge con
presentano il rispetto e la cura che l’individuo rivolge alla la mente per difen-
propria salute morale. dere la libertà indi-
L’artista denuncia la banalità della cultura “deviata”, la viduale e per porta-
progressiva illogicità collettiva di fronte all’omologazione re in auge un’auten-
sociale e comportamentale dei nostri tempi. Il sistema tica etica di vita col-
mediatico ha condotto ad una graduale riduzione di lettiva.
lezza, il prostrarsi e l’erigersi, la trasecolante espressione
di afflitto stupore e l’intensità emotiva che promana dalle
sue fantasmagoriche creature di terra cotta e di bronzo.
La nostra inesauribile fame di bellezza, che malgrado le
dosi massicce di sozzura pseudoartistica ancora urge, si
nutre riconoscente di questo amalgama raffinato di clas-
sicità espressiva e di attualissime riflessioni sul mistero di
esistere. Non a caso Severino è filosofo e sa estrapolare
dalla diuturna commedia umana, con eleganza talvolta,
più spesso con rabbia, che pure si stempera in estenuata
malinconia, i nostri aspetti più meschini e contradditto-
ri, i tabù e i difetti che ci vengono restituiti in una scul-
tura leggibile e intelligente, colta e mai proterva, elegan-
te e ricca nelle forme, che ci riconcilia con l’attualità
dell’arte: segno di di serietà e di bravura contro un’epo-
ca inetta e ridicola e capace di suscitare i nostri archeti-
pi estetici più autentici, più incontaminati.
Piccolo Minotauro e Arianna, 1996
bronzo, cm 35 x 41 x 20
Alessandro Traina strutture velate e di minime variabili, simile ad un deser-
to, più che a qualcosa di costruito, dove scorgi i secchi
spigoli o i morbidi crinali che definiscono gli spazi e li
Pagine di meditazione identificano agglomerato per agglomerato, sequenza per
Patrizia Serra sequenza, opera per opera.
Ogni volta che il problema si pone, il piano ritagliato e
Fogli di metallo sottile, dai bordi taglienti, nettissimi, si netto è il punto di partenza: una serie di gesti ordinano
muovono neri sul piano verticale della parete ripiegan- la superficie considerando la possibilità non solo plastica
dosi, come fossero trascinati dal loro stesso peso, e for- di un moltiplicarsi e trasmutarsi della visione, quasi che
mano morbide pieghe. le calamite fossero le uniche garanti di ciò che vediamo,
A volte è un angolo che inizia a pendere dolcemente, a suggerendo una pre-
volte un altro si piega, a volte tutta la pagina si ripiega, carietà legata al tempo
come su sé stessa: è leggera ed abbandonata ad un oltre che allo spazio,
tempo, netta e scivolosa. come se la scultura
Dentro a queste pieghe si stendono rigidi ruvidi fogli potesse scivolarci via
paralleli, fragili e densi trattenuti appena da solide cala- dagli occhi disfacen-
mite, opposti per natura ai loro danzanti involucri pos- dosi nelle sue compo-
sono essere di diversi colori purché questi esaltino la loro nenti.
natura rugosa ed assorbente. La tensione di ogni
Così Traina esplora lo spazio servendosi di un piano e dei opera è forse legata a
suoi movimenti minimali, mettendo in dialettica le diffe- questa sua precarietà,
renti superfici di strutture analoghe ma non uguali. ed in fondo costituisce
A volte le strutture in acciaio si lanciano ed invadono lo la poesia di queste
spazio con installazioni tridimensionali, a volte modula- minimali sottili ingan-
no le pareti con piani paralleli, a volte un lungo nastro si nevoli pagine di
ripiega in angoli, torcendosi in pieghe secche: tutto è meditazione.
doppio, scivoloso e ruvido, colorato e nero, elastico e
rigido, resistente e fragile. Senza titolo, 2001, ferro
Si va formando una sorta di “paesaggio altro”, misto di acrilico su carta a mano, 2 calamite, cm 60 x 55 x 24
24
 Via Scoglio di Quarto, 4 - MI
Tel. 0258317556 - 3485630381
Sul filo dell’arte a cura di Stefano Soddu
domanda surreale gosto…..poi a settembre ci accordiamo”. E così è
stato. Nel suo nuovo studio sui viali del tram, di fron-
“Può convivere in arte te alla Darsena dei Navigli. In un muro vicino al
palazzo dello studio di Campus una targa ci informa
l’ingegnere e l’artista?” che l’edificio venne abitato, per lunghissimi anni, e
fino alla morte, da Elio Vittorini; alcuni portoni oltre,
dopo aver attraversato un cortile spoglio, in fondo,
sulla destra, nascosta, si scorge una scala che scende su
un cavedio. In fondo alla scala, una piccola targa sulla
porta indica lo studio di Giovanni Campus che mi
attende sulla soglia. Sulla finestra, alla sinistra della
porta, alcune sue scarne e geometriche sculture in
ferro. Giovanni è un uomo ascetico e asciutto, dal viso
magro e tormentato che spesso caratterizza chi vive
secondo le direttrici del proprio pensiero. È un intel-
lettuale che attraverso le sue interrogazioni sul mondo
e i dubbi sull’esistenza, trasmette, nel suo operare d’ar-
tista, un’etica meditata e profonda e una propria visio-
Codici, 1997, materiali su tavola, cm 150 x 75 x 15
ne dell’universo e dell’uomo.
La geometria, lo spazio variabile, i tempi e contrap-
punti, le dinamiche tra il reale e il virtuale, tra l’artifi-
ciale e il naturale, tra l’individuale e il plurale, sono tra
gli strumenti che adopera per definire il proprio pen-
siero nel suo percorso artistico che è iniziato, in gio-
vanissima età, negli anni Quaranta e ancora prosegue
con caparbietà e costanza in un continuo, ininterrot-
to, coerente sentiero. Dall’ingresso si accede diretta-
mente allo studio. Una stanza rettangolare di circa
trenta metri quadri imbiancata di fresco, col pavimen-
to chiaro.Accanto alla porta e all’unica finestra che dà
luce, la scrivania con alcuni fogli di carta in fase di pre-
parazione e la libreria. Sul pavimento un piccolo tor-
chio da stampa che sembra in disuso. In fondo alla
stanza, sulla sinistra, un tavolo triangolare, sulla destra,
una seggiola e una poltroncina, al centro, una quinta
risponde che nasconde un passaggio. Tutt’intorno, appoggiate
Paolo Barlusconi per terra e attaccate al muro, poche sculture e lavori.
È una stanza ordinata e pulita. Non ci sono tavoli da
Artista e ingegnere convivono splendidamente per- lavoro o cavalletti. Né macchie di colore, né trucioli di
ché dietro a entrambi c’è l’uomo che decide se fare legno o scarti di lavorazione. È abitudine di Giovanni
ricerca e come farla. La ricerca artistica infatti è per Campus lavorare sul pavimento che, per l’occasione,
me l’attività chiave che permette di passare dal mi- ricopre, a protezione, con un grande telo di plastica.
stero al senso. Il background tecnico è di supporto La sua produzione è riposta sugli scaffali, in una stan-
all’artista soprattutto per far fronte alla sfida iniziata za buia, dietro la quinta.Tutte le opere, numerosissime,
col terzo millennio la quale si giocherà in buona sono incartate, in buon ordine e catalogate per perio-
parte, a mio avviso, sul terreno della “virtualità” do o anno – così mi dice Campus – senza aver biso-
(olografia, computer art) e delle opere/installazioni gno di note sull’imballo. Si ricorda delle posizioni e
multimediali. E poi, non dimentichiamoci: anche senza fatica riesce a trovare quel che cerca. In attesa
Leonardo era ingegnere. dell’arrivo di Enrico Cattaneo, per le fotografie, illu-
stro ancora a Giovanni lo scopo della mia visita e del
libro che dovrà uscire per la fine dell’anno. Enrico
arriva subito dopo col suo passo tranquillo e dondo-
Visita allo studio di lante, con la borsa della macchina fotografica al collo.
Giovanni Campus Io mi faccio in disparte. Osservo con curiosità la ras-
segnazione professionale di Giovanni che posa per
farsi fotografare. E apprezzo la sua disponibilità a qual-
Stefano Soddu cosa che non rientra certamente nella sua indole schi-
Mi ha fatto attendere molti mesi Giovanni Campus va. Accetta persino, da ex fumatore oggi intollerante al
prima di ammettermi nel suo studio. Forse per inna- fumo, che Enrico accenda le sue sigarette. Io non oso
to pudore o forse perché effettivamente impossibilita- accendere il mio Toscano.Terminato il lavoro, ci sedia-
to.“Sono fuori Milano”.“In fase di trasloco”. mo, per quattro chiacchiere, attorno alla scrivania. Ci
“Impegnato per predisporre una mostra”. “Lo studio racconta dei suoi viaggi frequenti negli Stati Uniti e
non è pronto”. “Sono in partenza”. “Le vacanza d’a- della prima volta che giunse a New York quando atte-
25
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arte contemporanea
V. le Col di Lana, 8 - MI
0258317556 - 3485630381
se con ansia, per alcune ore, chi lo aveva invitato, unico
suo riferimento nella città. Dei suoi precedenti atelier,
di quello in via Solferino e dell’ambiente che in que-
gli anni ’70 popolava il quartiere contiguo a Brera. Ci
conferma dietro il vago ricordo di Enrico, che il suo
attuale studio, unito allo spazio confinante, è stato
effettivamente adibito nel passato a galleria d’arte spe-
cializzata in fotografia. Luogo quindi predestinato
all’arte. Giovanni Campus ci offre un aperitivo al bar
accanto. All’esterno pioviggina. Io, ispirato, berrò un
bicchiere d’acqua gasata, in ossequio alla mia dieta,
mille volte iniziata e mai seriamente proseguita.
Da:“Ritratti di Studio”, testi di Stefano Soddu, fotografie di
Enrico Cattaneo - Signum Edizioni d’Arte
Arte in azienda
Francesca Della Monica
L’evoluzione e il progresso sono termini che portano
in sé i concetti di orizzonte, di cammino, di apertura
al possibile. Allargare i confini del proprio universo
fisico, mentale od emotivo, dunque, diventa essenzia-
le per chiunque aspiri ad una crescita, come indivi-
duo e come professionista. Oltrepassare la linea che
delimita il confine delle differenti realtà e porsi in
un territorio in cui il nuovo nasce dalla contamina-
zione, dalla comunicazione, dall’intersezione tra
ambiti che il senso comune o l’abitudine non acco-
sterebbe mai. È questo l’atteggiamento di chi si
dispone a cercare ed accogliere nuovi stimoli, senza
il timore di rivedere le proprie posizioni, con la
curiosità di sperimentare nuovi approcci. Ma è
sempre più complesso, in un mondo di program-
mata, imposta e spesso banale informazione, trovare
le occasioni per accedere ad un percorso intimo e
profondo, in cui possa svolgersi una reale crescita, in
cui possa avvenire l’impercettibile e prezioso cam-
biamento dell’individuo. L’uomo sembra intrappo-
lato in una sorta di chiassoso labirinto in cui la voce
di chi ha qualcosa da dire si perde nelle pieghe del
conformismo, nelle logiche delle mode, nella buro-
crazia imperante che esiste sempre per chi è un cit-
tadino qualunque. Ma in questo oceano di assurdità
continuano a vivere le testimonianze, sudate e soli-
de, di chi non si arrende. Frequentando studi pol-
verosi e periferici di artisti poco celebri, ho scoper-
to anime nuove. Ho lasciato il mio stupore sulle
tele, sugli occhi seri di chi si è scontrato con la
durezza di un mondo che non ama dar spazio a chi
non sia già conosciuto. Ho visto il nuovo e il diver-
so. Ho immaginato la bellezza del poter dar spazio
a queste voci, tante, solitarie.Voci diverse ambienta-
te però in luoghi non “scontati”, dove generare quel
processo di contaminazione, tanto importante per-
ché il cambiamento sia profondo. È nato così il pro-
getto artistico che ho importato in azienda. Quale
ambiente meno ovvio? Tra stampanti e computer,
tra clienti e sale riunioni ha avuto luogo la sottile
provocazione. Opere d’arte ovunque, a rammentare
la loro silenziosa presenza. Il significato, privo di
tempo, che offrono all’uomo. Ogni tanto uno
sguardo; una sosta di un collega dinanzi ad una tela,
un guardare ogni giorno più attento. Ciascuno con
le sue emozioni, con il suo modo di capire le cose,
si porta nel cuore uno stimolo nuovo, forse un
seme. Difficile, quando si sperimenta in azienda un
progetto di questo genere, è sempre il coniugare il
credo sincero nel valore che la cultura veicola ed il
ritorno, in termini di immagine, che l’investimento
deve necessariamente comportare. Ma la cultura è
sempre esperienza di conoscenza e crescita e se
gestita con passione e rigore può solo generare pro-
cessi virtuosi. Questo mi ha insegnato l’esperienza.
Creare spazi mentali ed emotivi nuovi, dar spazio a
nuove voci, trovare risposte originali a domande
apparentemente ermetiche, acuire la capacità di
“vedere” dell’individuo, rendere meno rigida la ten-
denza a chiuderci di fronte a codici espressivi che
non ci appartengono; questi e molti altri gli obiet-
tivi e le ragioni che dovrebbero guidare l’investi-
mento in cultura, guardando innanzitutto al contri-
buto da offrire alla collettività in termini di cono-
scenza e all’assonanza con quei valori che, al di là di
ciò che si professa, dovrebbero realmente animare
tante mission aziendali…
 Gian Carlo Bulli
Schizzi e tabelle
Alberto Veca
Disegnare per uno scultore è esercizio indagine nella fase della sua realizzazione, alla prova di
non infrequente anche oggi come lo è alcuni “effetti” che saranno successivamente tradotti.
stato ieri: ha un particolare fascino che Gian Carlo Bulli, comunque, esplora tanto la “pelle”
dipende probabilmente dal “salto” che si della tridimensione quanto quella del foglio: questa
deve compiere dall’indagine sul volume declinazione sulla sensibilità del tatto che esplora e rende
alla “scelta” bidimensione della carta, ma evidente rilievo e depressione, liscio e ruvido accompa-
anche per l’affinità linguistica che i due strumenti pos- gna tanto il lavoro sul volume quanto quello sulla carta.
sono contrarre perché si tratta in entrambi i casi di “pre- Oltretutto in questa occasione espositiva sono stati scel-
sentare” e non di illustrare. D’altra parte, nel dibattito ti due tipi particolari di opere: il primo costituisce il
cinquecentesco sulle arti una affermazione ricorrente, primo approccio, anche “varianti” di quello che sarà,
inaugurata da Vasari, è quella del “primato” del disegno, approssimativamente, l’opera tridimensionale da realiz-
del suo essere luogo/origine della scul- zare: sono allora, in una sequenza in qualche modo
tura come della pittura. La congiuntura riproposta anche nell’impaginazione dei disegni, diverse
citata appartiene a gare certamente non soluzioni possibili a partire da un’idea, una invenzione.
attuali, ma il riferimento è ancora oggi Diversamente, la seconda tipologia esposta si presenta
valido, sollecitante per quanti, all’imma- come “prove” a confronto di stesure tattili e cromatiche
gine riprodotta o realizzata direttamente che Bulli poi traduce nel volume, un’analisi semplificata
su carta, declinano il loro interesse per le del complesso dialogare fra forma, materia e colore che
arti figurative. costituisce il punto saliente del lavoro.
Il disegno può essere, come in questa Nell’accostamento vi può essere simpatia, affinità ma
occasione, una fase precedente la realiz- anche dissonanza, secondo un ritmo costruttivo che,
zazione di un’opera, un’idea di partenza, nella ripetizione sostanzialmente uniforme delle tessere,
può appunto prevedere la gradualità come la variazione
ma può essere anche un controllo, una
forte, l’eccezione. Ciò che colpisce è il dialogo serrato
fra la monocromia e l’intervento cromatico, sia esso in
gradazione sia esso dissonante; come se in ogni occasio-
ne si sperimentasse la capacità espressiva della singola
campitura a gara con quella adiacente e nel complesso
della figura.
Il “disegno per una scultura” è un impegno, quasi il pas-
saggio obbligato da una figura “mentale” alla sua realiz-
zazione concreta; il disegno a se stante è invece, almeno
per Bulli, una prova di accostamenti cromatici che si tra-
durranno nel percorso sensibile delle sue recenti “tabel-
le” scultoree, dei “muri” che, nella perentorietà della
definizione volumetrica, suggeriscono sottili differenze
fra i diversi elementi, una sorta di messa in discussione di
una solo apparente impermeabilità alla lettura.
Il riferimento al tatto e al colore costituisce il punto
nevralgico della ricerca dal momento che alla figura
complessiva è attribuibile un valore “zero”, nel suo esse-
re dipendente dalla logica dell’adiacenza, del valore
“tabellare”, quasi una sinossi, dell’assemblaggio.
Indubbiamente la tessera o la lista di legno che Bulli
adotta per i suoi recenti lavori sono “altro” dalla loro
rappresentazione in immagine nel disegno: in entrambi
i casi si tratta di frammenti che acquistano senso nel
momento in cui sono in relazione con altri, simili ma
diversi episodi del discorso.
Galleria Olim
Via Pignolo 9/b - Bergamo
Info: 035.216444

mo a intendere. Ne saremo capaci? Davide Casari si vuol dire non tornare, e attraverso il filo spinato ha visto
Davide Casari presenta con un itinerario che inizia da autodidatta
sperimentandosi disegnatore della realtà cromosomica
il sole scendere e morire, ha sentito lacerare la carne...
stesse vicissitudini che l’uomo incontra nel groviglio
L’arte come specchio della vita! che lo circonda. Davide è un osservatore della concre- della vita. Forse molti altri sono i significati che ciascu-
Antonio D’Amico tezza, non la distorce, affida allo spettatore una sua im- no potrà leggere nell’arte di Davide Casari e io sono
pressione che può essere quella di ciascuno. Il punto di pronto ad accogliere i diversi pareri, ma una cosa è cer-
Sovente nel quotidiano, svariati piccoli ge- svolta, nel suo percorso, avviene quando s’imbatte nella ta, nessuno potrà rimanere indifferente!... O meglio
sti vengono portati a termine senza la con- lettura di Primo Levi, Se questo è un uomo. Quella soffe- nessuno che abbia ancora coscienza di possedere un’a-
sapevolezza di averli svolti o magari di renza, diviene la sua sofferenza. Quell’esperienza divie- nima, la stessa che in Davide si specchia nella sua arte!
averli vissuti con il giusto equilibrio che ne una lettura maturata attraverso segni che la memo-
meritano, forse... per questo siamo troppo pro- ria rielabora dal suo passato per farli divenire rigetti di
vati, troppo rigorosi, troppo gioiosi, troppo brucia- animule pronte a esplodere e renderle finalmente libere. SpazioBoccainGalleria
ti, troppo profondi... Non crediamo più che la Libere come, attraverso la morte, l’uomo più forte ha dal 18 maggio all’1 giugno 2005
verità resti ancora la verità. Epiteto, questo, trovato la giusta collocazione. Libere come chi sa cosa
che dalla filosofia di Nietzsche passa a con-
cretizzarsi nell’azione inconsapevole e di-
storta vissuta dall’uomo contemporaneo.
Ogni rapporto interpersonale è mosso da
infrastrutture e barriere che impediscono la
completa nudità dell’anima! La natura nel
suo complesso organico cela ai nostri occhi
La città dell’Arte
la sua recondita identità permettendoci di Tutto in un solo giorno
comprendere la sua essenza solo superfi-
cialmente; solo quella ruvida scorza che ri-
veste il cosmo. Omologati i gesti, gli sguar-
di, i movimenti; ripetutamente richiesti dai
6000 libri d’Arte
lavori che la società offre senza esclusione
di sorta. Chi decide di uscire dal giro rima-
da 3,00 a 100,00 Euro
ne escluso! ...Nell’emisfero del pianeta ter-
ra qualcuno osserva i suoi simili immersi in
questo circuito da cui con ‘coscienza’ ha
Domenica 8 maggio 2005
deciso di ritrarsi e adesso rimane incantato
dalla finestra del mondo, dal globo di uno
dalle 10,30 alle 18,30
spazio sovraumano a interagire con i suoi simili guar-
dando all’essenza della vita e scavando alla radice della
sua persona. Non capita tutti i giorni di scoprire che
un incontro fortuito, almeno apparentemente, rimanga
segnato per sempre sulle trame di un’opera d’arte. È
questo il momento magico, un sodalizio misterioso, in
cui la mente libera dai fronzoli e dalle animule dei fan-
tasmi del falso pudore capta l’essenza degli sguardi, ca-
landosi in una comunicazione sensoriale che si cataliz-
za in pieno nell’opera d’arte! Questo è ciò che avviene
quando l’interlocutore è Davide Casari. Le sue scultu-
re, e prima ancora, i suoi libri d’artista, non si possono
comprendere appieno se la sua persona non ha scrutato
il nostro fare, il nostro andare. Ogni minima allocuzio-
ne, ogni interazione che si ha con Davide è poi da lui
rielaborata divenendo un prodotto, direi
quasi geniale. La sua arte non potrebbe
sussistere senza la sua vita, senza la sua sto-
ria. Storia che lo spettatore avrà modo di
cogliere nelle sculture in carta pesta espo-
ste in occasione della mostra nella Libreria
Bocca. Corpi, la cui anima è stata divelta,
pronti ad accogliere il respiro di ciascuno. 350 Artisti con oltre 2000 Opere
Corpi la cui vitalità è stata mozzata da va-
ne sensazioni di insuccesso e insoddisfazio- Via Olona, 16 - 20089 Quinto Stampi - Rozzano (MI)
ne. Corpi sviliti dal dolore o dalla mono-
tonia di compiere sempre gli stessi gesti. Nei pressi della Fondazione Arnaldo Pomodoro
Corpi che invitano il passante ad ascoltare
le richieste che dal profondo dei loro pen-
sieri propongono. Interrogativi, risposte... Info: 02-860806
che solo se saremo attenti uditori riuscire-

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 Lo spazio di SpazioErgy
a cura di
GIULIO RESIDORI

Proseguendo nella attività di supporto e presentazione dell’opera di artisti contemporanei vogliamo ricordare la mostra allestita dal 12 gennaio al 5 febbraio ’05 al Palazzo delle Stelline
a Milano di Giuseppe Mallai.
Il catalogo presentato dalla Fondazione e dal consigliere regionale Stefano Maullu, con testi critici di Angelora Brunella di Risio e Domenico Defelice, è stato curato da Giulio Residori
che ha anche organizzato la manifestazione. “Magico irreale” realtà e finzione, vita e teatro, norma e libertà, costruzione e gioco. Ed altro ancora. E’ stata l’occasione per i milanesi di
vedere ed apprezzare le opere recenti dell’artista sardo che per l’occasione sono state prestate dai suoi collezionisti. Un evento irripetibile che consacra Mallai tra i protagonisti
dell’arte contemporanea.
Come fatto in passato desideriamo qui segnalare e ricordare tre esponenti artistici già promossi da SpazioErgy in passato come significativi esponenti della pittura (Jules Maidoff),
della scultura (Ruggero Marrani), della grafica (Girolamo Battista Tregambe).

JULES MAIDOFF
Americano del Bronx, di ascendenza russa ma italiano per scelta e per amore da quando è venuto per la prima volta a Firenze
nel ’56 con l’ambita borsa di studio “Fulbright”. Tornato a New York ha cominciato a preparare la sue prime mostre
personali con successo di critica e pubblico ed acquisti importanti da parte di musei e fondazioni ed apprezzamenti da parte
di personaggi del mondo della cultura e dello spettacolo come Robert Joffrey, George Harrison, Paul Mc Cartney, Ravi
Shankar, Mick Jagger e tanti altri.
Nel ’73 il trasferimento a Firenze ove si stabilisce stabilmente; nel ’75 fonda lo studio Art Centers International di Firenze
frequentato da studenti di tutto il mondo – qualcuno ormai famoso – del quale è stato direttore ed insegnante sino al ’95
e la cui opera è ora continuata dalla moglie Mary. Oggi a 71 anni egli divide il suo tempo tra le esposizioni personali,
soprattutto all’estero, ormai oltre 100 in tutto il mondo e le richieste di importanti collezionisti.
Di Jules ho avuto la possibilità di pubblicare la sua monografia nel ’92 “Twenty years in Italy” dedicata appunto ai suoi
primi vent’anni in Italia nonché la successiva “Recent Work “per le mostre di Orvieto e Fabriano nel 1997.
Maidoff mi ha sempre sorpreso ed attratto per le sue invenzioni creative espresse attraverso un fantasmagorico caleidoscopio
di colori con luminosità affascinanti dalle quali emergono particolari, segni, significati, prospettive. Gioiose immagini dalle
quali scaturisce anche un esaltante senso della vita che ti porta ancor più ad apprezzare l’Uomo oltrechè l’artista. Egli
racconta le sue storie in una atmosfera irreale con una pittura visionaria ove è continuo il dialogo tra realtà e fantasia ma
ove la deformazione della realtà offre inediti valori all’espressione. “Il modo in cui il mio dipinto è realizzato, afferma
Maidoff, deve motivare lo spettatore a districare le metafore.” Ed è anche il modo per scandagliare le sue memorie e dare
vita a storie, aprire passaggi segreti, mostrarci la traccia di quello che è stato ed il segno di quello che potrebbe essere in
futuro. Un po’ rare le sue mostre in Italia negli ultimi anni. Speriamo di poterlo presentare a breve per la gioia di chi
apprezza la buona pittura.

GIROLAMO BATTISTA TREGAMBE

Un bresciano che per una vita ha fatto l’intagliatore di marmo ed il pittore della
domenica. Poi a cinquant’anni la folgorazione dell’incisione e dell’acquaforte.
Autodidatta ed ora incisore professionista è forse uno dei migliori al mondo in
quest’arte e sicuramente uno dei più importanti dell’ultima generazione. I suoi
temi preferiti sono quelli dell’ambiente agricolo ove vive, le cascine, la campagna,
le nature morte. Atmosfere e luci che egli sa trarre dal misterioso amalgama del
bianco e nero. Una poetica che ancor meglio si comprende dopo aver conosciuto
l’Uomo che è rimasto semplice e quasi stupito della sua eccelsa bravura. Numerosi
i premi ed i riconoscimenti. E’ presente nelle più prestigiose raccolte con
apprezzamenti critici degli studiosi più significativi e di un collezionismo colto. Il
lavoro qui riprodotto “Paesaggio Agreste” una grande acquaforte di mm 290 x
mm 555 è una delle più belle opere degli ultimi anni ed è stata acquistata in tiratura
esclusiva da una multinazionale che ne ha fatto dono ai propri fortunati clienti.

RUGGERO MARRANI :
Nasce a Corridonia (Mc) nel 1941. Compie gli studi universitari presso l’Accademia di Belle Arti “P. Vannucci di Perugia.
Nel 1963 la direzione dell’Accademia, gli conferisce il premio “Aldo Pascucci” per l’incisione. Allievo del Maestro Gerardo
Dottori fino all’anno 1968. Tra il 1964/65 presenta le prime opere in collettive. Risale al 1969 la prima mostra personale, a
Varese, cui fanno seguito altre personali in Italia e all’estero. Nel 1968 si trasferisce a Varese. E’ stato titolare della Cattedra
di Discipline Pittoriche presso il Liceo Artistico Statale “A. Frattini di Varese fino al 1999; da allora ha lasciato l’attività
didattica per dedicarsi esclusivamente a quella artistica. Nel 1975 inizia il periodo espressionista e successivamente quello
metafisico. Dopo alcune esperienze nel settore della ceramica, inizia una serie di sculture tridimensionali, realizzate in
ceramica policroma, dedicate alla figura umana, al dualismo bene – male sviluppando temi a carattere sociale. Nel 1976 si
interessa ad alcuni studi progettuali di soluzioni modulari nel settore dell’arredamento. Alla fine degli anni ’80 Marrani
abbandona definitivamente la pittura ad olio per dedicare tutta la sua attenzione alla ceramica. Attualmente lavora su vari
progetti e soluzioni spaziali che sono la risultante dei lavoro svolto negli anni ’60 con Dottori. Tutta la sua attuale ricerca,
partendo da analisi di planimetrie, viene chiamata AEREO SCULTURA.
In estrema sintesi, l’Aereoscultura di Marrani è il risultato di quanto ha appreso durante il lavoro nello studio del suo
Maestro Gerardo Dottori, negli anni ’60. In quel lungo periodo, i continui stimoli che Dottori gli trasmise attraverso il lavoro
dell’Aereopittura, furono però accantonati per essere poi ripresi e sviluppati nel anni ’90. Il pensiero sul nuovo lavoro
ceramico è la continuazione logica di quanto Marrani ha sviluppato in pittura.
Partendo dalla attenta osservazione cartacea di planimetrie di città o agglomerati urbani che l’uomo ha costruito nel corso
dei secoli, da quelle micenee, greche e romane, alle planimetrie Mazca in Perù, fino alle città medioevali e rinascimentali,
Marrani è giunto a completare la sua nuova ricerca artistica.
Anche nelle ultime opere a tutto tondo, chiamate “Totem”, l’artista applica lo stesso criterio, ispirandosi alle steli azteche,
dove venivano illustrate storie e fatti della vita di un popolo.
Totem è anche il titolo dell’ultima mostra che SpazioErgy gli ha dedicato corredata da catalogo delle opere esposte tra le
quali abbiamo scelto quella qui illustrata.

Maggiori informazioni
Maggiori informazioni possono
possonoessere
esserefornite
fornitedadaSpazioErgy,
SpazioErgy,Corso
CorsoSempione 6363
Sempione tel.tel.
023311009 o nel
023311009 sitosito
o nel www.spazioergy.it.
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Carmine Caputo di Roccanova
La caduta del dettaglio
Luciano Caramel
Carmine Caputo di Roccanova è un caso anomalo, ma
non isolato, e assai interessante, nell’ambito dell’astrazione
geometrica, diviso com’è tra il bisogno di ordine e la
coscienza dell’impraticabilità, oggi, di una razionalità a
priori, con le connesse connotazioni di sospensione idea-
listica o, per converso, di certezza progettuale, rispettiva-
mente caratterizzanti gran parte dell’astrattismo italiano
degli anni Trenta e il concretismo rigoroso, di marca
soprattutto zurighese. Posizioni entrambe irrimediabil-
mente innestate in situazioni storiche da molto tempo
definitivamente tramontate. «I miei lavori», affermava
Caputo già nel 1986, appena trentenne, «sono il frutto di
scelte di vita la cui comprensione non può essere chiari-
ta secondo schemi razionali». Dichiarazioni maturate nel
suo pluridirezionato itinerario formativo, stimolato dal
fascino del «concetto di arte totale espresso da Gropius»,
come mi ha scritto in una lettera recente.Frequenta infat-
ti, fino al diploma e alla laurea, l’Accademia di Belle Arti,
a Brera, seguendo prima il corso di pittura, poi quello di
scultura, e la facoltà di architettura al Politecnico di
Milano. Sperimenta così registri operativi differenti, uni-
ficabili solo a livello progettuale, come appunto nel
Bauhaus gropiusiano. Il cui obbiettivo di un progetto nel-
l’arte s’era presto scontrato con la realtà effettuale che
informava il contesto storico, in una situazione che andò
precipitando, fino al secondo conflitto mondiale, metten-
do in crisi la fiducia di una progettualità che possa con-
trastare il destino. È il percorso analizzato con partecipata
lucidità da Argan, che, partito alla fine degli anni quaran-
ta, nell’immediato dopoguerra, dall’esame della scuola di
Gropius, approda a metà dei Sessanta, in un saggio
memorabile, innervato dal pensiero di Husserl e
Heidegger, al riconoscimento della via di un’arte in pro-
getto come l’unica percorribile nella contemporaneità
nel confronto del progetto col destino, i due termini ai
quali quel testo è intitolato e dedicato: quella, appunto,
seguita da Caputo. Premessa la fiducia, ancora, nella ricer-
ca attorno a «un concetto di ordine e di razionalità, di
pulizia e di misura», in quella autopresentazione (ad una
personale nella Biblioteca Comunale della natia
Verso mille quadri tondi
Una collezione fuori dall’ordinario sotto il segno dell’amicizia
Giorgio Seveso
Sono già ben oltre seicento i quadri “tondi” ( il bisticcio
di parole è obbligato) che Duilio Zanni ha raccolto in
quasi dieci anni. Sono piccole tele di 20 centimetri esat-
ti di diametro, montate su un telaietto di legno leggero,
sempre uguale e, fin dall’inizio, realizzati dallo stesso arti-
giano. Tante, anzi tantissime, in crescita esponenziale, e
per questo c’è già qualcuno che vedrebbe bene la colle-
zione inserita nel famoso Guinness dei primati. Anche
perché la raccolta non è unica solo per l’insolito forma-
to scelto o per la quantità considerevole di opere messe
assieme, che ormai mirano esplicitamente a raggiungere
e magari superare il migliaio. Lo è, soprattutto, per il
modo in cui è nata e si è sviluppata negli anni.
Duilio, per moltissimi anni fotoreporter al Giorno, ha
cominciato ad appassionarsene quasi per caso, e tutto
è dipeso dall’insostituibile rapporto di ammirazione e
stima con alcuni artisti milanesi. Finalmente in pen-
sione, e con più tempo a disposizione, ha infatti inco-
minciato a frequentarli più assiduamente di quanto
non gli capitasse prima, e ha preso a viaggiare con in
mano l’inseparabile macchina fotografica e con qual-
che tondo ancora immacolato, proponendolo magari
proprio durante l’inaugurazione di una mostra, un po’
a cambio lavoro con le sue prestazioni di fotografo, e
un po’ — ma direi soprattutto — per simpatia e per
amicizia. Poi, a poco a poco, con l’allargarsi del suo
giro di conoscenze, con la frequentazione assidua di
un gruppo sempre più numeroso di Gallerie, l’hobby
iniziale si è trasformato in impegno costante verso gli
artisti — soprattutto, oggi, verso quelli più giovani —
e sono stati sempre più numerosi quelli con i quali è
entrato in rapporto amichevole e che ha convinto a
dipingergli il tondo.
Proprio così. Si può dire che l’amicizia e la passione per
l’arte sono precisamente il vero motore di tutta la colle-
zione, fino dagli esordi. Da allora, un’inaugurazione
dopo l’altra, un incontro dopo l’altro, le piccole tele ini-
ziali si sono fatte decine, poi centinaia… Una specie di
moltiplicazione miracolosa, che ha seguito passo passo le
sue frequentazioni delle Gallerie e degli atelier degli
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Roccanova) di quasi vent’anni fa Carmine sosteneva di
cercare «anche un continuo rapporto tra le cose in super-
ficie e quelle al di là di ciò che si vede, quindi anche tra
la luce e l’ombra, perché questi sono i veri parametri del-
l’uomo». Sta qui il fondamento delle sue nuove, ultime
indagini, documentate nelle importanti opere esposte in
questa occasione, nelle quali, precisa il pittore stesso nella
lettera ricordata, «mi interessano gli spigoli, le ortogona-
lità, i dettagli di quadrati [richiamati nel titolo della
mostra, da lui scelto] che portano lo sguardo dello spetta-
tore fuori del campo della tela per completare le forme».
Resta sottesa, è evidente nella medesima terminologia, la
radice gestaltica, di cui permangono i termini fondamen-
tali, articolatamente, e con differenze anche sostanziali,
sviluppatisi da un von Ehrenfels, alla fine dell’Ottocento,
in avanti, in particolare sulla primaria questione del rap-
porto, e innanzi tutto della direzione di tale rapporto, tra
il tutto e i suoi elementi costituenti. Un problema, certo,
di percezione, che tuttavia, ovviamente, coinvolge ben
altro, in Caputo e nei suoi “dettagli” non unilateralmente
artisti, le conoscenze e le esperienze fatte.
Come ha scritto per lui Rossana Bossaglia, ci sono molti
tipi di collezionismo. C’è chi raccoglie opere di icono-
grafia e data diverse, purché di qualità; chi coltiva passio-
ni viscerali per questo e quell’argomento o periodo; e
così via. Poi ci sono personaggi estrosi che si inventano
collezioni originali, magari cominciando per gioco e
arrivando a risultati esemplari nell’originalità e insieme
interessanti come testimonianza storica.
Questo è appunto il caso di Duilio Zanni e della sua
collezione, cominciata come dice lui stesso più per caso
che per precisa intenzionalità. «È stato mi pare a settem-
bre del 1995,» ci racconta, «quan-
do sono entrato da un falegname
con un amico pittore, Lino
Marzulli, per aiutarlo a trasportare
alcuni grossi telai per i suoi qua-
dri. E lì, in vetrina, ho visto delle
piccole tele tonde, i miei famosi
‘tondi’. Mi è venuta quasi per
scherzo l’idea di chiedere a Mar-
zulli di dipingermene una.
Da lì è cominciato tutto. Infatti, di
lì a poco, ho chiesto la stessa cosa
ad altri amici pittori che allora fre-
quentavo assiduamente,da Leddi a
Merisi, da Forgioli alla Benedini, e
poi Martinelli, Cappelli ecc.
Quello che proponevo era un
‘cambio lavoro’, in pratica un loro
tondo dipinto scambiato contro
un mio servizio fotografico. Da
quel momento in poi, girando per
studi e Gallerie, mostravo agli arti-
sti che mi capitava di incontrare le
foto della collezione, e offrivo loro
lo stesso baratto».
Oggi questa collezione così parti-
colare rappresenta, per dimensioni
e qualità, una vera e propria car-
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definito (come peraltro in un artista
non è necessario sia), non so se
intenzionalmente o in conseguenza
solo di un’evoluzione in atto. In ogni
caso, anche se Caputo crede a delle
Gestalt assolute, su posizioni stretta-
mente isomorfiche, come mi sembra
(e ciò corrisponderebbe alla sua poe-
tica di partenza), l’accento è poi di
fatto sul processo dell’approdo all’u-
nità, con dichiarate finalità deco-
struttiviste. Indirizzo forse nel nostro
artista ancora in gestazione, e non pacifico (traspare infat- Caduta
ti una qual resistenza interna), che peraltro mi pare nella del dettaglio, 2004,
sostanza provato dall’evidenziazione dei contrasti che acrilico e foglia d’oro
su tela, cm 60 x 60
contraddicono l’apparente omogeneità armonica.
Significativa, ad esempio, l’insistenza sulla Caduta del detta-
glio, che dà addirittura il titolo alla prima delle opere espo-
ste, offrendo una chiave di lettura per il titolo della mostra
(solo Dettagli), altrimenti ambiguo, come del resto Caputo
ha voluto fosse, sempre su siffatto registro. Rapportabile a
tale operazione decostruttivista,esplicita,ad esempio,anche
in Disequilibrio primario (pure qui un titolo illuminante), e
più ancora in Prospettiva e in Rosso e verde, è inoltre un altro
tema caro a Caputo, che torna su di esso ripetutamente,
tanto che in un primo tempo voleva richiamarlo nel tito-
lo stesso della mostra. Mi riferisco al “manierismo geome-
trico”. Sul quale l’artista ha scritto nel giugno scorso una
bozza di dichiarazione che in alcune espressioni riprovava
le difficoltà dell’affermarsi delle nuove istanze, e conse-
guentemente la genuinità e urgenza del loro emergere.Ma
che s’è poi andato progressivamente precisando e raffor-
zando, nella constatazione dell’impossibilità di seguire le
orme dell’astrattismo geometrico del passato, se non
cadendo in anacronistici revival o in formule ripetitive,che
l’artista rigetta con determinazione. Ecco la ripresa critica
(di ciò, infatti, si tratta, almeno nelle prove più avanzate,
piuttosto che di citazioni di tipo concettuale nel senso
stretto, che di Caputo non è proprio) di forme e stilemi
dell’avanguardia astratto-geometrica, da un Malevic a un
Van Doesburg, ma anche di un Buren, su di un fronte
quindi opposto a quello neoplastico, e ora, pur nella diver-
sità, al nostro artista più affine, e infine persino, proprio Intorno al modulo, 2004
“nella caduta del dettaglio”, come Caputo mi scrive, di un acrilico e foglia d’oro
manierista per eccellenza quale il Giulio Romano degli su tela, cm 60 x 60
affreschi mantovani per il Palazzo Te.
rellata sull’arte italiana contemporanea, quasi — come
ha sostenuto anche Alessandro Riva — una campiona-
tura significativa, uno spaccato preciso della realtà espres-
siva di oggi e delle sue molte sfaccettature, raccogliendo
la continuità di un discorso che si dipana dagli anni
Sessanta a oggi. Ne emerge infatti un panorama svaria-
tissimo, sia sul piano delle forme e delle poetiche che
delle opere e dei comportamenti; un panorama ricco di
diversità linguistiche e segniche, frutto di tradizioni cul-
turali cui ogni artista ha attinto e variamente combina-
to, e che qui, nella dimensione speciale del “tondo” chie-
sto e dato per amicizia o per simpatia, trovano una loro
sintesi interessante e davvero inedita.
Insomma, ognuno di questi piccoli capolavori rotondi è
un quadro, ben rappresentativo della sensibilità e del lin-
guaggio espressivo del suo autore, ma è anche qualcosa
di più prezioso: è un tassello nel grande mosaico della
cultura visiva del contemporaneo e, insieme, il sigillo
duraturo di un incontro umano.
Triangoli, 1990

Plevano incontra Luigi Marengo

Plevano: Puoi delineare per sommi capi il tuo percorso artistico?
Marengo: Il mio inizio artistico coincide con la fine del-
l’ultima guerra mondiale nel 1945. Non avevo ancora
vent’anni, eravamo tutti sconvolti e nello stesso tempo
felici di iniziare a vivere. Da principio la mia ricerca pit-
torica è da considerarsi alla luce del chiarismo lombardo.
I miei primi lavori di quest’epoca sono paesaggi del
Ticino e del Lago Maggiore ma subito nel 1946/47 ho
fatto una ricerca sui valori filosofici dell’uomo ed ho ini-
ziato una pittura del segno istintivo perché ho considera-
to che con le nuove tecnologie che stavano nascendo,
l’uomo sarebbe cambiato. Devi tenere presente che qui a
Gallarate presso l’Aloni Sianum è nato il primo compu-
ter (nel mondo). Ho sempre considerato l’uomo legato
alla natura e vicino alle cose semplici con i suoi valori
morali e spirituali. Come dico sempre, l’uomo salta un
metro e ottanta, fa i cento metri in dodici secondi, sta tre
minuti sott’acqua e campa fino a cent’anni, perciò ha una
precisa collocazione nel cosmo. Con le nuove tecnologie
l’uomo cambia dimensione, va sulla luna e alla ricerca di
nuovi mondi, trasmette i messaggi alla velocità della luce.
Cercando di significare l’uomo che io conosco, l’ho
identificato con il segno istintivo. Sì, perché prima del-
l’alfabeto, prima del geroglifico, prima del simbolismo,
esiste il “segno istintivo”, che abbiamo tutti dentro di noi.
Se dai un pennarello ad un bambino di tre anni, ti farà il
suo segno istintivo. Perciò intorno al 1948 inizio questa
pittura segnica che io ho chiamato “Istintismo del
segno”, che naturalmente l’ho fatto vivere su delle super-
fici pittoriche sofferte nel senso di vissute con il tempo.
In quell’epoca era interessato al mio lavoro il critico mila-
nese Guido Ballo. Erano momenti felici per la pittura
negli anni Sessanta,dove il mio interesse era sempre rivol-
to a questa ricerca. Mi ricordo che in quell’epoca in Italia
si guardava al Gruppo Corrente con Guttuso, Migneco,
Brindisi e altri, e poi il M.A.C. I giovani facevano la
nuova figurazione. Non mi risulta che a quell’epoca ci
fossero stati artisti che avessero sviluppato il mio discorso.
Sono venuti dopo e in modo diverso Tancredi a Roma,
Vedova a Venezia e altri, ma dopo gli anni cinquanta, così
come Burri e Fontana con altre ricerche. Oggi come
oggi continuo il mio lavoro sul segno istintivo con opere
molto grandi che mi danno abbastanza soddisfazione.
Concludo dicendoti che sono contro la commercializza-
zione dell’opera d’arte (vedi il libro Ecologia dell’arte edito
da Rizzoli).
P.: Che rapporti ha il fare artistico con la morte?
M.: Bella domanda questa. Ritengo che la morte sia la
cosa più giusta che possa esistere. Si nasce, si vive e si
muore. La ricerca dell’eternità è stata perseguita e cerca-
ta in tutte le epoche da quando esiste l’uomo.
Simbolicamente gli unici che sono riusciti ad ottenerla
sono i veri artisti. Perciò considero un vero artista un
immortale.Abbiamo moltissime testimonianze di capo-
lavori che rendono l’artista sempre presente tra di noi
viventi, e penso che più passano i secoli, sempre più que-
sti grandi artisti sono più vivi che mai. L’arte è immor-
tale e così gli artisti.
P.: Cosa significa per te essere attuali?
M.: Oggi tutto cambia velocemente. Quello che qual-
che ora fa era attuale, adesso è già cosa vecchia. Il mondo
industrializzato e globalizzato è talmente veloce che
cambia come la luce dall’alba al tramonto. Potrei dire
che se essere attuali è essere alla moda, direi una stupi-
data. Quello che ci costringe a tutti i costi ad essere
attuali, ci porta ad inventare cose vecchie già superate e
viste mille volte e inconsapevolmente facciamo delle
cose che non dicono nulla, non servono a nulla e oggi
come oggi non riescono nemmeno a stupire (come
qualcuno cerca di fare). Più che essere attuali direi di
essere noi stessi, e questo è già tanto.
P.: Da cosa nasce in te l’impulso all’opera. Quando sai che l’o-
pera è compiuta?
M.:Alla base di tutto è come dicevo all’inizio, tutti gli sti-
moli vengono da un impulso istintivo che ognuno ha
dentro di sé. Siamo uno diverso dall’altro, i nostri senti-
menti, il nostro modo di comportarci, fa parte di noi stes- Segni istintivi, 1956
si.Tutto questo crea la nostra
personalità. Con la pittura
abbiamo la possibilità di tra-
sformare un nostro pensiero
in una realtà concreta. La
pittura ci da la possibilità di
materializzare un pensiero.
L’opera non è mai compiuta
o finita,l’ultima pennellata la
da chi guarda l’opera.Vorrei
fare delle opere che non si
concluderebbero mai.
P.: Se tu non avessi fatto il
Pittore, cosa avresti voluto fare?
Ma.:Avrei fatto il Pittore.

Daniela Baldo viaggi della memoria e dal sovrapporsi di esperienze con-

Il viaggio dell’anima
Antonio D’Amico
Disporsi dinanzi alle o-
pere di questa pittrice
piemontese è come ad-
dentrarsi nei labirinti o-
scuri e, nello stesso tem-
po, misteriosi dell’ani-
mo umano... o meglio
dell’animo femminile.
Tele nelle quali si respira
la poetica dell’inconscio
espresso attraverso sprazzi di colore denso e materico,
trattato con estrema raffinatezza e duttilità.Daniela Baldo,
scorpora l’essenza intrinseca del colore creando, prima
con le idee e poi sulla tela, forme ‘eterne’ rintracciate dai
scie o inconscie che ricava “...dalle nere pieghe del cuo-
re”.Viaggi, i suoi, che in alcuni inserti si aprono al mondo
lontano delle etnie. Lo spettatore assiste, quindi, all’esal-
tante «sentimento del colore, — come attesta Gerardo
Pecci — visto quale veicolo privilegiato per mettere in e-
videnza la vastissima gamma delle emozioni e delle sensa-
zioni dell’animo umano» (G. Pecci, Il colore della coscienza.
La coscienza come realtà,in Daniela Baldo,Torino 2004,p.5).
L’artista compie il gesto del dipingere ‘esprimendo’ i sen-
timenti reconditi del suo mondo interiore; azione intesa
pluralisticamente dagli storici dell’arte che vi leggono
«frammenti, visioni, volti, oggetti, scorci, fotografati dalla
memoria e sviluppati nella camera oscura del cuore. [...]
queste rappresentazioni — continua Giorgio Brezzo nel
suo testo critico sull’artista —, sono le cose che abbiamo
dentro, quelle che abbiamo visto da qualche parte, posti e
gente che abbiamo conosciuto. Come un sogno le abbia-
mo viste sfilacciarsi, scomparire nei meandri della nostra
mente o del nostro cuore» (G. Brezzo, Temponauta, in op.
cit.,Torino 2004, p. 4). In questo contesto dove l’espressio-
ne artistica si sposa con i pensieri percorrendo sinergica-
mente strade che portano diritti verso la poesia, l’assunto
dell’ut pictura poesis trova ampia manifestazione in versi che
sfociano dalla contemplazione di queste tele.
“... raccontami dei pensieri fugaci dell’anima, Lacerazione, 2004
di quanto ho visto e scruterò nel profondo degli abissi del tuo cuore! tecnica mista su tela
... quando sarò riemerso dal mio dolce naufragio,
... dalle linee morbide della memoria
riaffioreranno i ricordi di una vita che vivi e che per beltà e apparenza
si apre al tuo sguardo
ricco di verde speranza e oro ricchezza
... dominate dal bianco candore, quello stesso che desideri e che
da domani si affaccerà nel tuo futuro!”
Sono dipinti, quelli di Daniela, che attendono lo specu-
lum della materializzazione soggettiva, lo stesso che pro-
viene dal viaggio mentale che ciascun uomo compie dal
sorgere del giorno fino al suo tramonto.

Il linguaggio artistico contemporaneo, espressione di

una volontà di rappresentare senza necessità di imitare, si
pone come scambio non soltanto di significazione, ma
anche di messaggio, di stati d’animo e di visioni. In que-
sta ritrovata libertà, Rinaldo Turati si dà agio di tradurre
la sua passione per le icone e per i fondi oro del Trecento
e del Quattrocento e la sua attenzione per altri linguag-
gi poetici, nella ricerca dell’altrove, dei luoghi segreti del
numinoso. È un processo che, dalla materia indifferen-
ziata e perciò generativa, reifica il cammino — o il ritor-
no — attraverso la prassi artistica verso l’intelligibile.
Dalla mostra-installazione Reserare Portas si ricavava un
appello al moderno Anteo, che ha perso il potere quan-
do si è strappato dalle genuine, terragne radici del suo
essere. Il motivo del nodo rimaneva presenza emblema-
tica sulle Porte e si legava per rifrazione analogica, ad una
Rinaldo Turati alterati che essi indivi-
duavano come “ospite”
o come “spiriti”. Il vit-
La musica segreta dei segni torioso ritorno dalla
lotta assicurava riscatto e
Antonio Musiari salute, a volte alla comu-
nità intera; i guaritori,
precedente icona tematica di Turati, La vigna (1999). per narrare l’avvenuta
Anche i successivi interventi, come Giardino Oldofredi. ricomposizione degli
Pittura, Musica e Poesia al Castello Oldofredi e Notæ Pictæ equilibri, riportavano
ai Chiostri di Santa Caterina annodano l’attesa epifani- canti, simulacri, cose
ca al contesto visivo, mentre le pennellate, gli ori e i costruite e intrise di
graffi restituiscono, con efficace finezza, il portato e le mistero. Non diversa-
stratificazioni dell’esperienza. Rinaldo Turati esprime mente, descrivere e rap-
questi linguaggi tanto su grandi superfici scarificate che presentare il mondo
in piccoli inclusi materici nei libri d’artista, quali Foglie attraverso la pittura vuol
(2003), Primavera estate autunno inverno (2004) fino dire evidenziare il
al recentissimo Terra di confini, libro oggetto costrui- rischio della labilità, ren-
to insieme al musicista Paolo Ugoletti (2005). La dere palese e tangibile il
musica e i versi dei poeti sono le altre forme di caos insorgente, dichia-
creatività intorno alle quali Turati ama condensare rarlo, plasmarlo, fino a
i suoi segni.Tali sintesi, dall’intensa e coinvolgente padroneggiarlo per ren-
forza evocativa, ci persuadono che molte manife- derlo vantaggiosamente
stazioni della creatività contemporanea si debbano condivisibile. Rinaldo
riallacciare teoricamente alle manifestazioni irra- Turati ha, insomma,
zionali che nel passato venivano definite, fra l’altro, rivendicato il diritto, che nelle società primitive spettava Senza titolo, 2004
magia bianca. Nel corso delle loro cerimonie, scia- al mago, di imporre alla propria e altrui immaginazione tecnica mista su carta
mani e medicine-men uscivano dallo stato usuale una realtà capace di affiancare e arricchire quella sensi-
di coscienza e di rapporti interpersonali per pro- bile. L’urgenza del vate, che è cosciente della distanza fra
clamarsi congiunzione con le forze invisibili, ami- sintesi originaria di immagine-pensiero e progetto
che e ostili, avvertite dal gruppo. Gli sciamani si comunicativo, è uno degli aspetti per cui l’artista, nella
assumevano il dovere di affrontare il nulla; anzi la società attuale, si è appropriato della nicchia ormai vuota Senza titolo, 2004
loro trance li conduceva attraverso stati di coscienza dei tradizionali interpreti dell’ignoto. tecnica mista su carta

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 JAVIER MARIN

Testa di donna II, 2000, resina e bronzo, cm 78 x 49 x 44, es. unico

www.mirexspa.it
email: mirexspa@tin.it PER L’ARTE