ARTISTI IN RIVISTA
di occa B Anno III, N. 11 • Luglio-Settembre 2004
Strabilianti Orizzonti Splendenti
Marcello Lo Giudice
Francesco Gallo
Marcello Lo Giudice dipinge con il cuore, con un senso
arcano del ritmo, con una ricerca passionale dell’armo-
nia, lavorando con il colore in maniera libera, ma con-
trollata, sentendo il piacere del fare apparire una visione,
giocata con le tecniche dell’informale nel vortice dei se-
gni che vengono ora imprigionati, ora liberati dagli
smottamenti della materia pittorica, in una impressione
di continuo movimento, come di grandi masse nuvolose
attraversate dai raggi di luce, sempre in bilico tra qualità
riflettente, trasparenza suggestiva e fascinosa.
Il legame con la sintassi travolgente, della liberazione del
sé, guida la mano e la volontà, in una condizione media-
nica che mette in contatto gli automatismi dell’inco-
scienza, con i propositi coscienti dell’esplorazione di
frontiere, ardite del linguaggio delle forme, colte nel loro
momento critico, nella scomposizione in cui tutto diven-
ta potenza, volontà, gioco. Marcello Lo Giudice dipinge
con la mente, con un forte avvolgimento delle trame del
pensiero nelle volute gestuali che non sono solo automa-
tismo, ma invenzione di una cartografia fantastica, dove i
luoghi sono l’esito di una verginità aurorale, fatta di ap-
parizione, di ribellione ad ogni ordine estroso e apertura
speculare ad una necessità interiore che trova sfogo nel
tracciare una propria unità che non si piega ad un ordine
naturalistico esistente, ma si protende nella follia di per-
correre un cammino di creazione, che è fatto di ruvidez-
ze, di grumi, di escrescenze, tutti ridotti con la forza del
gesto a sostenere la prova dell’opera, la fuoruscita del se-
greto del laboratorio, tutto intimo, interiore, per apparire
come fenomenica di una attualità sconcertante, che si
concentra sull’essere sublime che abolisce le frontiere del
linguaggio, agganciandosi alle storiche radici della tradi-
zione. Perché l’informale è, già da tempo, una tradizione
del linguaggio alto della pittura, in pendolarità con la fi-
gurazione e questo è un suo momento recessivo in cui
molti lo disertano, che attrae spiriti forti e combattivi,
come Marcello Lo giudice, che vi trova il luogo ideale
per esprimere sentimenti ed emozioni che non si placa-
no, nelle pieghe della società dello spettacolo, ma recla-
mano uno strabiliante varco per il sublime, che è un mo-
mentaneo abbandono della parola e della definizione, per
accedere all’indicibile, che è la provocazione del nuovo, il
suo accadimento ai confini dell’invisibile. Un anacroni-
Summer, 2004, olio e pigmenti su tela, cm 140 x 140
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Direttore Responsabile: Giorgio Lodetti / Direttore Artistico: Roberto Plevano / Progetto Grafico: Franco Colnaghi
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smo forte, il suo, fatto di esaltazione titanica, di sfida ad
ogni pacificazione formale, ad ogni moto di quiete. Sia-
mo in quella the possiamo definire, una sperimentazione
a forte tensione romantica, dove volutamente si fanno
prevalere le motivazioni che vengono da impulsi vitali,
destati dalla voglia di fare, di fare apparire sulla tela i fan-
tasmi della mente, generati dalla vita ma desiderosi di
avere una propria esistenza particolare, sia pure colta in
un attimo preciso, che corrisponde ad uno scatto di
umore, ad una prevalenza di colorazioni ottimistiche, op-
pure ad una di rabbia o di delusione. L’informale ha que-
sto di bello, di essere astrazione libera da costrizioni geo-
metriche e quindi dalla freddezza olimpica della riflessio-
ne, del dubbio, del ripensamento. Qui gioca un eros della
pittura, che si sente liberato da ogni costume, da ogni pe-
so della convenzione e torna a fare scorribande, per i bo-
schi del desiderio, per le labirintiche scene del caos, che si
aprono e si chiudono, offrendo prospettive diverse, modi-
ficando l’ottica stessa del paesaggio pittorico, caricandolo
di effetti orizzontali e verticali, uniti a tratti da mosse tra-
sversali, che lo fanno divenire un tessuto.
Un tessuto vitalizzato dagli effetti di luce che Lo Giudice
evoca dalla stessa materia impastata in maniera trasfigu-
rante, illusiva, testimoniando così della lettura attualizzan-
Armando Santelli
Antonello Negri
I lavori di Santelli degli ultimi dieci anni sono riconducibili
a un’area di figurazione che si direbbe nuovamente vitale
dopo esser stata messa tra parentesi a lungo, a vantaggio di
operazioni esclusivamente o più marcatamente mentali, so-
prattutto in Italia. Il pensiero, nel suo caso, passa attraverso
una forma di comunicazione artistica tradizionale, quella
della grafica, virtuosisticamente applicata al più elementare
supporto al quale ricorre il disegnatore-pittore (ancorchè
qui stropicciato, con un’allusione visivamente molto effica-
ce all’idea di consumo, o consunzione). I grandi disegni
tradiscono ascendenze di certo più nordiche che mediter-
ranee. Uno dei temi che attraversano il lavoro di Santelli,
quello della “carne e ferro”, nasce negli anni della Nuova
oggettività tedesca, quando uomini e macchine comincia-
vano a mostrare sinistri incroci; lo stesso tema, sempre in
Germania, è stato ripreso e sviluppato negli anni Sessanta,
in modo particolare a Berlino. Credo si debba guardare in
tale direzione per dare al lavoro di Santelli delle coordinate
storiche e di tendenza. Come in tante opere di artisti di
Maurizio
Mazzoleni
per le Segrete di Bocca
in 3° pagina
Crono-Topi in evoluzione
2004,Tecnica mista su carta, cm 29 x 42
17
te dei grandi maestri italiani, da Corpora a Ve-
dova, da Turcato a Scialoja, dall’acquisizione
della cultura dell’improvvisazione e della con-
taminazione, tipica di una fase immortale del-
l’avanguardia novecentesca in pittura come in
musica, in una sorta di metafisica dadaista che
ha assorbito lo spirito gezzistico, come nuovo
metodo per sfruttare gli automatismi della
mente e del corpo, la grande risorsa dell’intui-
zione.Tutto questo per dire che siamo in un
pieno di complessità, che splende in ogni suo
momento, come in una favola barocca dove
tutto è circolazione arteriosa, essenziale estrin-
secazione di una volontà di potenza di indole
creativa e nessun elemento vuole sottomettersi
all’altro, ma primeggiare nella tensione tra l’e-
stensione e la verticalità. Così, in uno squili-
brato equilibrio si viene a cogliere una radicale
idea della pittura, come sfogo di tensione, co-
me luogo di accadimento del frammento che
mi richiama il Borges di sempre, quello che si
chiede perché non gli spuntano le ali per po-
ter volare e il perché non possa trasformarsi in
fiume impetuoso, che porti il suo nome a
scorrere come una minaccia apocalittica e che
gli fa affermare, in questo nostro tempo di tra-
monto:“Sono la contraddizione assoluta, il pa- Senza titolo, 2004,
rossismo delle antinomie e il limite delle tensioni; in me tecnica mista su legno,
vi sono vapori e scintille, inondazioni di fuoco e incendi misure variabili
d’acqua”. Culmine e abisso, insieme!
quell’ambito, gran parte dei suoi personaggi sono circon- Cod. N° 62
dati da macchine, in ambienti di produzione sia arcaici Hai Il bacio di Erika e Omar
sistemato i bicchieri?, sia tecnologicamente avanzati Spari tu o 2002, grafite e inchiostro
su carta, cm 71 x 101
sparo io?. Ma appare evidente che anche interni domestici
Aspirante parricida, ambientazioni rurali Raptus e non luoghi
Graziato, Senza Pietà sono soltanto avanzi di meccanico-
virtuali comunicatività (o, ovviamente, non comunicati-
vità). Nei disegni grandi la “macchina” è un basso continuo
che si sente anche quando non si vede; è dà il rit-
mo. Ma il filo conduttore dell’opera di Santelli è la
mancanza di ritmo. I personaggi che ritrae non
stanno al ritmo; seguono invece la natura, la loro
natura, come M, il mostro di Dùsseldorf del leg-
gendario film di Fritz Lang (siamo ancora in Ger-
mania, non a caso). Che cosa ci può fare - si chie-
de nel film Peter Lorre - se la sua natura è in con-
flitto con le buone maniere di tutti gli altri, con le
maniere dettate da ritmi che vanno bene a tutti
ma non a lui?
Non può farci nulla; e meritare il codice a barre
che gli compete.
Cod. N° 031, Urlo negato, 1995
grafite e inchiostro su carta, cm 71 x 101
 GIOVANNI IUDICE

Galleria Forni

A Bologna dal 13 novembre al 9 dicembre 2004

La luce bonnardiana della Iudice non muove da model- to, in cui lo scrutinio di ogni
Stanza, 2000, ripensata sulla li rassicuranti scegliendose- passaggio comporta l’ad-
tradizione nuova dei Freud e ne epigono. Una tradizione densarsi lento e meticoloso
dei Pearlstein. Così, in sinte- riconosce, ma con amore dei toni, dei veli, come per
si, e a voler essere generici, feroce e lucido, senza rispet- coagulo luminoso.
si potrebbe racchiudere in to. Questo dicono, primaria- Circoscritto, padroneggiabi-
slogan l’approccio pittorico mente, le misure fiammin- le è l’ambito della definizio-
di Giovanni Iudice. Ma si ghe delle tele e delle tavole, ne pittorica, ossessione sot-
sarebbe, appunto, generici, e sulle quali egli interviene tile della finestra e, più, spa-
ingenerosi. con lavorio cautelato, assor- zio rappreso in cui l’arro-
ganza della visività può
ribaltarsi, per accelerazione
deviazioni infinitesime, in
passo visionario.
Alla visione, al regard, egli
si rivolge elidendo ogni
affettazione di stile e di
modo, con sguardo diretto e
arguto, con l’umiltà, in
prima istanza, di un what
you see complice della storia
dei rapporti tra pittura e
fotografia, senza l’abbiglia-
mento di una preventiva
clausola di sottrazione di
trascrizione. Altro gli sta a
cuore. Il farsi forma e, più, il
farsi clima emotivo della
scena attraverso la luce;
della luce, quell’incidere sui
corpi, quel bagnarli delle
Giovanni Iudice, Nudo e poltrona, 2004, olio su tela, cm. 100 x 100 proprie temperature resti-
tuendoli in sorta di appari-
zioni di dubitante fisicità, di
sfuggente plasticità, di inaf-
ferrabile sensualità, ma di
intensa presenza; della pre-
senza, quella reticenza nar-
rativa, quella istantaneità
atmosferica, come momento
non esemplare di una fluen-
za luminosa che vale il
tempo.
Ecco, dunque, l’operare sui
toni in diminuendo, come
scavando nell’ombra, negli
interni, che rimontano alle
bianchezze di luce diurna
senza algori mentali, come
per transito naturale d’affet-
ti. Ecco, per converso, i pae-
saggi marini e, più, la scom-
messa tematica di Nudo nel-
l’orto, tentare condizioni
luminose alte, piene, quasi
un nitore che la luce solare
rende esemplare, fra doratu-
re meridiane e toni argentini.
Iudice va saggiando, in que-
sto suo ancor breve corso
d’opera – ma che ne fa, già,
una delle figure problemati-
camente più autentiche e
interessanti della nuova
generazione, una sorta di
metabolizzazione definitiva
dello iato tra modernità e
tradizione, tra vero ottocen-
tesco e artificio mentalmen-
te analizzato novecentesco,
in nome di una normalità
dello sguardo che sia consa-
pevole, colta, orgogliosa dei
propri retaggi storici, ma a
un tempo capace di eserci-
tarsi per visioni fragranti,
dirette, non allusive ad altro
che alla propria qualità d’e-
sperienza.
Non è un caso, in tal senso,
che egli operi attentamente,
parimenti che alla identifica-
zione del tono luminoso, sul Giovanni Iudice, Nudo con sedia e
taglio d’immagine, bordeg- sottana, 2004, olio su tela appl. su tavola,
cm. 58 x 119
giando i protocolli di genere
ma sempre immettendovi
deviazioni significative: non (…) E’ un lavoro con un
è, il suo, un comporre ordina- destino, quello di Iudice: del
to, ma un continuo decostrui- quale, è certo, sarà assai
re e ricostruire, sino al punto fruttuoso esser curiosi.
in cui la visione si innesca di
una sorta di teso equilibrio
interno, appena riverberante Flaminio Gualdoni
ma fondamentale per far lie- dal catalogo Giovanni Iudice -
vitare la più esplicita azione dipinti e disegni
sui valori di tono. edito da Mazzotta nel 2002

GALLERIA FORNI - Bologna, Via Farini 26, tel. 051 231589, forni@galleriaforni.it, www.galleriaforni.it

TRANSITI & MIGRANTI FRANCESCO

Riccarda Montenero
Donato Di Poce
L’artista Torinese, ma di origini puglie-
si Riccarda Montenero, completa il
suo periplo espositivo Milanese con
queste due bellissime personali di libri
d’artista dal titolo “Transiti”presso la
Libreria Bocca, e “Migranti”, installa-
zione di un gruppo scenico scultoreo
presso Bazart, dopo aver dato un sag-
gio delle sue qualità scultoree nella
mostra collettiva alla Ca’ Bianca Arte “
La scultura lingua viva”.
Transiti, si compone di una serie di li-
bri, papiri, pergamene, rotoli, pagine,
realizzate in metallo e carta che testi-
moniano anche la sua passione per il
disegno. Infatti all’interno e sulle su-
perfici visibili delle opere appaiono
ombre, segni e sagome con la presenza
forte, essenziale e nuda del corpo, qua-
si a voler riscattare in questo viaggio di
memorie dentro la solitudine globale
dei media la centralità dei rapporti, del
corpo umano cancellato dalla storia, in
una catarsi di solidarietà e presenza
In-differenza, 2003 quasi ossessiva. Migranti, testimonia più realisticamente l’i-
alluminio, grafite dea del viaggio e ricerca di un nuovo habitat interiore e
fisico, con poetiche valigie, orologi e corpi di metallo e
catrame, assemblaggi di carte di viaggio e di memoria,
frammenti di lettere interiori e snodi esistenziali e lirici,
che vogliono fermare il tempo per varcare e allargare i
confini fisici del mondo alla ricerca dell’infinito e di un
nuovo respiro oltre il catrame dei sensi e le clonazioni me-
diali, tecnologiche e umane.
Il migrante nel suo anelito di vita e di libertà, con la sua
valigia di sogni e di speranze si oppone inconsapevolmente
anche contro la massificazione e l’omologazione di civiltà,
diventa anche una scheggia impazzita che scardina certez-
ze, dogmi e fondamentalismi civili etici e religiosi.
Queste opere hanno la sacralità delle preghiere di libertà,
sono rotoli di desiderio che si dipanano tra le pagine fer-
rose e leggere insieme, tra pergamene che portano il peso
del silenzio vissuto con ostinazione e l’assenza sopportata
con forza eroica, sono valigie e pagine segnate dal passag-
Il viaggio, 2001 gio dell’uomo migrante e clandestino che come dice l’ar-
rete, catrame tista stessa sono “uno sguardo poetico nelle contraddizioni
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DOSSENA
Giorgio Salmoiraghi
del pensiero globale che deprime l’approccio profondo,
totale e libero alle cose del mondo, che spinge il diverso SpazioBoccainGalleria
nel sospetto, lo combatte e lo costringe al peso del limite.” dal 28 Ottobre al 14 Novembre 2004
In questi lavori, l’identificazione tra l’artista, l’opera e il
lettore-viaggiatore è totale, poiché le opere attraggono,
vogliono essere toccate, sfogliate e lette, viste in un connu-
bio ottico-aptico-emozionale che lascia senza respiro per-
ché coincide e colma un vuoto esistenziale che è di tutti e
da cui non ci si può e forse non si vuole nemmeno sot-
trarsi, perché il messaggio ultimo poetico estetico e civile
che ci arriva è che o ci si salva e si vive insieme o si muore
nella polvere delle parole.
E allora accogliamole e viviamole insieme, materie e segni
parole e sogni, come stazioni di bellezza e di speranza da
cui non solo si transita ma vi si arriva e vi si abita come in
un nido di carta e ferro da cui si può volare leggeri sulle
nuvole dell’essere in un cielo interiore che ci lascia sempre
più soli e agghiacciati.
Natura morta con dragone, 2004, olio su tela, cm. 50 x 50
Francesco Dossena è un giovane pittore, ricco di talen-
to, che felicemente rinnova i valori classici dell’Arte
occidentale. Possiede notevoli capacità disegnative,
compositive e tecniche, come ben si può vedere nei di-
pinti di figura.
L’ultima opera che ha dipinto è una deliziosa madon-
nina, eseguita con virtuosismo, tanto da apparentare il
giovane maestro ad Antonello da Messina.
Squisite poi le Nature Morte, di impronta fiamminga,
nelle quali è palpabile la resa degli oggetti, siano essi
frutta o elaborati tessuti.
Invito l’amatore d’Arte a godere di come il pittore ri-
cerchi la perfezione di particolari importanti, ad osser-
SpazioBoccainGalleria vare come dipinge gli occhi delle figure: sono occhi
dall’11 al 21 Novembre 2004 che vedono e ci comunicano le sensazioni la vita e l’a-
nima del soggetto.
18
 aurizio
Mazzoleni
 L’espressionismo di Isa Stella
Umberto Marinello
L’Opera di Isa Stella copre un periodo di trent’anni di
attività, trent’anni in cui l’artista ha compiuto un per-
corso evolutivo di grande interesse sondando le possi-
bilità espressive di vari movimenti che hanno caratte-
rizzato l’arte del nostro secolo alla ricerca del proprio
io artistico.
Si avvicina dapprincipio all’Impressionismo, ma questo
approccio dura poco. Molto presto è attratta dall’espe-
rienza postimpressionista e poi approda alla pittura dei
Fauves con il tipico ispessimento della materia/colore e
con l’introduzione di pennellate forti che sono il pre-
ludio a quella libertà gestuale che caratterizzerà la sua
pittura successiva. Poi, all’Accademia Internazionale di
Salisburgo, c’è stato l’incontro con l’Espressionismo, alla
scuola del maestro Jacobo Borges. Si tratta di una vera
e propria folgorazione, perché l’Espressionismo le per-
mette o, meglio, le fornisce la chiave per esprimersi in
tutta la sua forza, per dare consistenza espressiva al suo
forte carattere.
Un Espressionismo che non abbandonerà più, nemme-
no quando, nell’ambito della sua evoluzione, approderà
prima alla pittura informale e poi all’Astrattismo.
Sono espressioniste quelle pennellate così marcate,
spesso addirittura violente; sono espressionisti quei co-
lori così decisi, così netti, così vigorosi. Sono espressio-
nisti la densità insistita delle emozioni, il riferimento
continuo alla realtà contemporanea, il modo forte di
affrontare i propri problemi esistenziali e di reagire ad
essi. Ma l’Espressionismo di Isa Stella non ripete pedis-
sequamente i canoni della corrente, non copia, non
imita, non è asservito a quello dei grandi maestri. Per-
ché in lei c’è una variante.Vi inserisce infatti quello
che è un lato peculiare della sua personalità: Isa Stella è
infatti una donna mediterranea che ha nei propri geni
la solarità della nostra atmosfera.
E quindi ecco i colori vivi, squillanti, aggressivi, forti.
Colori che parlano di vita, una vita caotica se voglia-
mo, ma pur sempre prorompente, esplosiva. Ed è pro-
prio in questa esplosione che sta la forza della sua pit-
tura. E quando si inoltra nell’informale e nell’astratto,
conservando l’impronta espressionista, lo fa perché ha
sempre più bisogno di sentirsi libera, di riscattarsi dalle
limitazioni della forma. C’è la vita nelle opere di Isa
Stella, ma ci accorgiamo che purtroppo questa vita a
volte non è più godibile, che la persona scompare per
lasciar posto alla massa, che l’uomo sembra perdere la
propria identità. E’ il contrasto tra la solarità dell’at-
mosfera e la fatica di esistere.
L’abbandono, 2000, acrilico su carta, cm 80 x 100

Giorgio Scaini per quella evidentissima padronanza dello spazio e per

Franco Migliaccio
L’albero della vita, 1987 Osservando le opere di Giorgio Scaini ci viene da pen-
terracotta patinata sare alla irripetibile stagione del Barocco. Non certo
cm 95 x 100 x 35 per l’indulgenza a quel senso ornamentale, aggraziato e
gentile - mai ridondante e fine a se stesso - intenso co-
me serissimo gioco sperimentale; nemmeno per un di-
retto richiamo culturale ed iconografico, più o meno
latente, con la grande arte del Seicento, ma, piuttosto,
la consumata capacità di dominio delle sue infinite,
possibili articolazioni: elementi questi che ci rimanda-
argentee, ecc.) alimenta, anch’essa, quella sensazione di
ricchezza intrinseca, quasi crisoelefantina, e di grande
libertà espressiva. Quello di Giorgio Scaini è un
no - ma solo per assonanze ideali - a quel periodo del- atteggiamento essenzialmente figurativo che si avvale
la storia dell’arte durante il quale lo spazio fu reso og- però di una imagerie non condizionata dalla mimesis; le
getto di “forzature” e “dilatazioni” portate concettual- sue immagini sono liberamente interpretate e guidate
mente e visivamente sino alle più estreme conoscenze. da una profonda sensibilità (plastica e cromatica) e da
Ed è in questo tipo di spazio che si “muovono” le figu- una feconda carica inventiva. La sua figurazione è retta
re di Scaini; leggere e fluttuanti ma anche densamente da una scelta folta di valori essenziali ed umori psichici
plastiche e volumetricamente compiute; leggiadre ed estratti direttamente dal profondo.
eleganti, incorniciate da un divertito lirismo ma al con- Le opere di Giorgio Scaini rifuggono perciò l’atteggia-
tempo descritte in forze solide e in vibranti brani di mento “contemplativo” e ci invitano ad uno scambio
poesia e di accurate introspezioni psicologiche. emozionale, improntato a un sistema di rapporti e di
Ma il “referente” ideale dell’Artista non è reperibile in- intime relazioni con la complicità di una tecnica pre-
ternamente a un solo periodo della storia dell’arte: si ziosa, di un linguaggio sofisticato e colto, e con le armi
possono ignorare i linearismi sinuosi che ci rimandano accattivanti di un “mestiere” che, può avvalersi di mille
ai preziosismi del Liberty o alla monumentalità ele- diverse e sorprendenti soluzioni plastiche-formali.
gante di certe espressioni della Art-Deco?
L’iconografia di Scaini attinge ad un repertorio vario e
ampio che muove dal suo patrimonio culturale (frutto Primo ballo, 1988, terracotta policroma, cm 70 x 57 x 25
di sudori e conoscenze, di faticosi processi di assimila-
zione, impagabile bagaglio per un artista professio-
nalmente serio) e si congiunge a una “quotidianità”
reinventata dalla fantasia e da un “che”, sempre presen-
te, improntato ad una sottile ironia e ad un disincantato
stupore. È una realtà “rivisitata” con gli antichi stru-
menti della simbolizzazione e dell’allegoria, e filtrata da
interdimenti espressivi direttamente collegati alla sfera
delle risonanze interiori. Scaini si esprime con forme
dinamiche, espressionisticamente dilatate e, a volte, fu-
turisticamente compenetrate fra loro; forme perfetta-
mente levigate alternate alla freschezza di modellati in-
cisi o “graffiati” per imbrigliare la luce in inusuali effet-
ti chiaroscurali, di indubbia suggestione.
Ma la suggestione non è solo affidata all’eleganza delle
forme o, semplicemente, al fascino tematico di molte
opere e alle loro sofisticatissime stilizzazioni; vi concor-
re anche il colore, elemento di una secondaria impor-
tanza nella complessiva economia di tantissimi lavori.
Sculture policrome, dunque, che rinnovano suggestioni
timbrico-pittoriche ove la commistione fra materiali
eterogenei (terracotte, metalli, patine bronzee auree e

Rabindranath il cui mattino “cominciò con canzoni e poesie”.

Tagore
Anna Schoenstein
“Un saluto a chi mi conosce imperfetto
e mi ama”. Così scriveva Tagore, con
disarmante modestia, in una cartolina
indirizzata ad Albert Einstein, incon-
trato negli anni Trenta a Berlino.
Un momento che fu, raccontano i te-
stimoni, come se due pianeti fossero
impegnati a conversare: al pianeta Ein-
stein, pensatore con la testa di un poeta,
rispondeva il pianeta Tagore, un poeta
con la testa da pensatore. Poeta, pensatore,
amico dei bambini, mistico religioso, pa-
triota: un figlio dei saggi dell’antica India,
Ake Ueda
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Spesso cerchiamo nelle sue parole il filosofo, il teolo-
go o quel mistico che non incontrò mai Dio, per
usare le belle parole di Padre Marino Rigon - primo
traduttore dal bengali di Tagore in Italia - ma che lo
chiamò, che lo sognò da grande poeta qual era.
Proviamo allora ad ascoltare solo il poeta Tagore, che
si lasciò indietro le vecchie ampollose forme del
bengali-sanscrito per scrivere nella lingua di tutti i
giorni, inventando una nuova “poesia in prosa”, co-
me la chiamava egli stesso: rubava alla metrica tradi-
zionale della doha, poesia a strofa popolare, reinven-
tando al tempo stesso nuovi schemi metrici. Una
prosa musicale e poetica. Una poesia che si serve di
una lingua così semplice da lasciarci stupefatti.
Ed era una poesia scritta per essere cantata. Per la
prima volta la musica non è la grande assente nelle
opere di Tagore pubblicate in Italia. Prese da diverse
raccolte, 24 canzoni - Pioggia, Amore, Puja sono un
omaggio alla poesia e alla musica del pensatore in-
20
diano: l’artista Arup Kanti Das ha curato la produ-
zione delle canzoni musicate da Tagore e la registra-
zione avvenuta negli studi JMD Sounds di Kolkata
nel 2003; un coro di grandi artisti, tra cui spiccano il
giapponese Azuma, l’italiano con un cuore indiano
Pietro Coletta, il cinese Ho-Kan e il giovane albane-
se Aghim Muka, con i loro disegni originali hanno
celebrato “la voce universale” del grande poeta e im-
preziosito questo piccolo volume.
Un omaggio alla ricerca di Tagore, al suo sogno, al
suo Bengala dorato, alla sua meditazione che si tra-
sforma in canto, a quei canti che il poeta stesso dice-
va, con dolcezza,“non condurre in alcun luogo”. Un
brindisi alla vita e a ciò che è proprio delle anime
più nobili: la leggerezza.
SpazioBoccainGalleria
presentazione 21 Ottobre 2004, ore 18,30
 Premio Movimento Segrete di Bocca
Premiazione

Giovedì 14 Ottobre 2004 - Ore 21,00

Libreria Bocca - Galleria Vittorio Emanuele II, 12 - 20121 Milano - Tel. 0286462321

Artisti finalisti

Marco Arduini Carla Benvenuto Ines Daniela Bertolino Manuele Blardone Paolo Bosisio

Gabriele Buratti Andrea Buzzi Simona Ceccarelli Andrea Cereda Christian Evallini

Aghim Muka Alfredo Omaña Rosa Quaglieri Jeannette Rütsche Giacomo Sampieri

Sergio Sansevrino Snebur Matteo Soltanto Eugenio Giuseppe Tursi Eltjon Valle

La giuria è composta da:

Raphaelle Blanga, Rossana Bossaglia,

Sergio Dangelo, Philippe Daverio, Alessandra Delfino,
Barbara Ferriani, Alessandro Papetti
Presidente onorario

Giacomo Lodetti
 Alberto Ghinzani, scultore-pittore
Ghinzani, scultura di
novembre, 2000
lamiera e resina dipinta
cm 58 x 28 x 20
Alberto Ghinzani (1938),ha studiato e si è diplomato a Brera
avendo avuto come maestro Marino Marini. Ghinzani l’ho
sempre visto come scultore pittore.La qual cosa,a parer mio,
non guasta affatto. Alcuni esempi nella storia dell’arte
moderna: Medardo Rosso, Marino Marini, Lucio Fontana,
Alberto Giacometti, Umberto Milani. Come si può notare,
Alberto Ghinzani è in assai buona compagnia;gli artisti sopra
menzionati, tutti, chi più chi meno, sono stati scultori-pitto-
Gaetano Orazio
“Sacrificio II” L’incontro con Gaetano Orazio è avvenuto casualmente alla
presentazione di un libro di poesie dell’amico Alberto
Figliolia alla Mon dadori di Milano.
I nostri sguardi si sono incontrati e ci siamo chiesti dove ci fos-
simo già visti. Sì, ci eravamo già visti alla mostra sul Nuovo
Costruttivismo alla Libreria Bocca a cui partecipavamo en-
trambi e mi ricordai anche di un interessante servizio televisi-
vo di Philiphe Daverio (Passe-partout di R.A.I.TRE) su di
lui. Ho visitato il suo Studio, una cascina immersa nel verde
della Brianza, sono rimasto colpito dal personaggio e dalla sua
opera. Da qui la necessità di conoscerlo meglio e di questa sua
testimonianza.
Parlare con lui è come respirare aria pulita di montagna, intui-
sci di avere di fronte un uomo particolare, intensamente poeti-
Roberto Plevano
co e spirituale.
Ti seduce accompagnandoti mentalmente nel suo fiume da cui
trae ispirazione, dove tutto vive e scorre, in una comunicazio-
ne intima, profonda, vera, primordiale. Lo sguardo è da ani-
male ferito ma non domato, limpido, lucido, buono, con lampi
d’immensa dignità, e ti invade un senso immediato di simpa-
tia e amicizia. Mi ha impressionato particolarmente un’opera
che occupava tutta la parete di una grande stanza al piano di
sopra. Era la stiva di una nave con centinaia di schiavi neri
legati a ceppi di ferro in piccole bare nel viaggio supplizio
dall’Africa alle Americhe ai primi dell’Ottocento, il tutto reso
in una inquietante serialità astratta. Immensa e potente
Gaetano Orazio metafora della brutalità e insensatezza del male. In questi
tempi mostruosi di finta e martellante comunicazione politi-
chese, pubblicitaria, tecnocratica, nella tragica farsa finale di un
potere cinico, violento e mistificante, ascolto la tua voce e mi
viene di credere ancora nell’uomo, entità poetica del cosmo.
“Dire quando ho iniziato a dipingere è difficile, forse
verso i venti anni, anche se fin da ragazzo ho sempre
sentito il bisogno di disegnare; il mio è un percorso
anomalo.All’età di quindici anni ho fatto il mio ingres-
so nel mondo del lavoro in un’officina metalmeccani-
ca, ci sono rimasto trent’anni, pochi giorni dopo esse-
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Giancarlo Cerri
ri. Il ‘più pittore” di tutti? Umberto Milani che, negli anni
Cinquanta-Sessanta fu pittore informale d’avanguardia pur
vincendo, nel 1963, la Biennale di Venezia come scultore.
Dopo un avvio improntato alla attenta osservazione della
natura nella sua continua perenne metamorfosi, nei suoi
momenti più intensamente drammatici di cui l’artista si
rende interprete tramite l’osservazione del “particolare” reso
protagonista (anni Sessanta-Settanta) con opere quali Traccia
e Sull’acqua, Ghinzani procede nel suo percorso con altre
opere “costruite”tendenti ad una figurazione maggiormen-
te “bloccata”che perviene ad una aggiornata idea di monu-
mentalità.Si vedano,in proposito,le sculture facenti parte del
ciclo “Pianura”dove,al di là dei precedenti “paesaggi”,viene
sapientemente inserita la figura.
La vera importante “svolta” avviene intorno alla metà degli
anni Ottanta, grazie anche all’uso di nuovi materiali adope-
rati dall’artista per ottenere effetti materici e cromatici di
sicuro effetto plastico e forte impatto visivo. Ghinzani, da
questo periodo in poi,si affida sempre meno al bronzo usan-
do prevalentemente lamiere, resine e vernici industriali per
l’esecuzione dei suoi lavori che — sul piano estetico — per-
vengono ad un sostanziale mutamento.
Opere quali Ritratto perduto e Antiche mura (1987),via via sino
alle pittoricissime “Sculture di novembre”, realizzate tra la
fine degli anni Novanta ed i primi recenti anni del
nuovo millennio, stanno a testimoniare la sua innata pre-
disposizione e sensibilità pittorica. Non soltanto quando
usa i colori primari ma, soprattutto, quando propone la
vastissima gamma dei suoi amati “grigi” e le coloratissi-
me “terre”.
In proposito si tengano presenti queste opere: Grande piega
Roberto Plevano
incontra Gaetano Orazio
re arrivato a Milano da Angri in provincia di Salerno.
Avevo ancora addosso il profumo della mia terra, per
capirci quella dei pomodori San Marzano, terra ancora
riscaldata dal Vesuvio che vedevo lontano dall’alto di casa
mia, mi portavo dentro ancora l’azzurro del mare e la
visione dei monti Lattari che con le improvvise pioggie
trasformava le strade del paese in ramificazioni fluviali. È
strano come nel tempo abbia rimosso tutti i ricordi che
mi legavano a quei luoghi; è solo da pochi anni e con la
pittura che ho rimesso in gioco tutto. La terra lombarda
mi ha affascinato fin dal primo giorno che l’ho incon-
trata e col tempo ho sentito il bisogno di renderle omag-
gio. Mano a mano che maturano gli anni la pittura è il
viatico per comprendere l’amore e l’attenzione che ho
per le cose, il caso ha voluto che lo faccia in questi luo-
ghi. Le famose otto ore che quotidianamente trascorre-
vo in fabbrica non hanno intaccato quello che era ed è
il bisogno di conoscere e partecipare al mondo.
Solitamente ho condotto una vita appartata ma sempre
con attenzione agli accadimenti artistici. La mia è una
ricerca sul “luogo”, ho rivoltato sottosopra per anni la
periferia milanese cercando coordinate tra il fumo di una
ciminiera e un campo di frumento, mi sono perso nel-
l’individuare le relazioni tra le architetture industriali e
quelle vegetali che vivono ai margini degli insediamenti
urbani, sempre da solo con un’unica pretesa: la natura
come maestra. Sono riuscito, lo spero, a conciliare il lavo-
ro in fabbrica con l’amore per la pittura, a non accettare
compromessi, a non far diventare la pittura un lavoro;
essa è per me l’unica possibilità di riscatto da un quoti-
diano che livella in basso. Ognuno di noi è possessore di
quelle che Thoreau chiamava «dispense celesti». Le mie
penso siano nelle mani, depositarie di un fare che pren-
de corpo solo nella natura. Quello che faccio è un lavo-
ro di sostanza, se sfioro una foglia di granoturco e poi
dipingo voglio che le mani rendano la sostanza della
foglia del granoturco altrimenti non dipingo. Ritorno ai
primordi, all’uomo delle caverne: apro gli occhi e saggio
la luce, i profumi, gli umori del giorno, li faccio miei e
cerco di dare concretezza all’avvenire. Nessuna bravura
esecutiva, anzi, mi interessano gli inciampi perché pre-
tendono più attenzione e quindi l’uso delle mani è indi-
spensabile.Tutte le cose viventi non sono forse plasmate
da grandi mani invisibili? Negli ultimi anni,oramai dieci,
mi sono «trovato» lungo il torrente che scorre accanto
all’Abbazia di San Pietro al Monte in Civate (Lecco); è
lì, in quel microcosmo che con la pittura mi adatto alla
durata della cose. Quando ritorno dal torrente sono soli-
to guardare indietro, mi piace pensare che il mio passag-
gio in quel luogo non abbia mutato nulla e che in mia
assenza tutto scorrerà come sempre. Mi domando spesso
22
notturna, Pagine (1999) e Casa dell’inverno (2002), dove si
noterà l’infallibile “occhio pittorico” del maestro pavese.
Ho sempre pensato Ghinzani come artista tra i più completi
incontrati durante l’arco della mia esistenza,sicuramente il più
colto tra quelli della mia generazione da me conosciuti.
Completo perché è finissimo nel disegno e, come già detto,
con i colori ci fa ciò che vuole egregiamente approdando poi
alla scultura pienamente consapevole di ciò che vuole ottene-
re. Infine è profondo conoscitore della storia dell’arte in tutta
la sua complessità! Alberto Ghinzani ha percorso il suo itine-
rario artistico tenendo varie “personali” in rinomate Gallerie
tra cui ricordo:Galleria delle Ore,Milano (1966-’70-’71-’95),
Galleria Documenta, Torino (1974), Galleria Bergamini
(1975-’81), Galleria Palladio, Lugano (1987) ed ha esposto in
luoghi pubblici tra i quali:Museo Butti,Viggiù (1995),Museo
di Sarnano (1997),Castello Sforzesco diVigevano (2002).Per
ciò che concerne rassegne collettive di prestigio ha partecipa-
to alle Biennali di Milano, alla Quadriennale di Roma del
1999 e ad altre importanti manifestazioni internazionali. Ora
la Città di Torino gli dedica due grandi esposizioni contem-
poraneamente, una a Palazzo Bricherasio, l’altra al Circolo
degli Artisti, mentre a Salò si terrà una sua importante mostra
concernente la parte grafica,al Museo del Disegno.
Ecco, dunque, l’opportunità di conoscere meglio uno tra i
più significativi artisti della generazione anni Trenta.
Le mostre di Ghinzani si terranno:
a Torino, Pal. Bricherasio/Circolo degli Artisti dal
16 settembre al 20 ottobre
a Salò, al Museo del Disegno
dal 6 settembre al 6 ottobre
se la poesia abbia bisogno delle nostre parole, se la luce a
cui i vegetali si elevano abbia bisogno dei nostri colori e
dei nostri gesti. La vita è una lunga convalescenza, faccio
il possibile per non affrettare i tempi per arrivare al ter-
mine del vagito che ho urlato alla nascita.
Mi porto alle cose che mi circondano con la medicina
dei giorni, con lentezza e discrezione riesco a volte a sin-
tonizzare il mio con i due respiri della Salamandra, a
seguire una processione di lumache, a star dietro ad una
libellula fin quando nei campi non si spengono le luc-
ciole o l’ultima lampadina delle case.
Riesco a sostare sulla curva di un fiume come ad un
angolo di marciapiede, mi emoziono a guardare il lilla
dei fiori della cicoria comune; quando posso mi dono e
chiedo conforto al buio e al silenzio. Se è vero, come
spesso si dice, che in arte e in poesia tutto è già stato
detto, è anche vero che io non c’ero.Vorrei, ora che ci
sono, vivere fino in fondo ciò che mi è dato, anche la
possibilità di intuire che c’è un filo sottile che lega la
caduta di una foglia e la traiettoria di un aereo superso-
nico: è sicuro che atterreranno. Solo quando dipingo mi
permetto il lusso di velocizzare l’istinto e quasi mai
riprendo i lavori già eseguiti. Non voglio che passi trop-
po tempo nella breve distanza che intercorre tra i pen-
sieri, le braccia e le mani. La parvenza di «non finito» nei
miei quadri sarà la completezza che gli daranno altri
occhi se li guarderanno”.
Gaetano Orazio, “Orizzonte”
 Verso l’incontro
L’abbraccio di Roland Van den Berghe
Nel marzo del 2004 Roland Ven den Berghe fece girare la mac-
china da stampa senza imprimere le pagine del giornale Arte In-
contro in Libreria Aprile-Giugno n. 45; producendo 248 riviste
in bianco, che in data 30 marzo 2004 furono presentate al pub-
blico, in occasione della mostra personale, alle Segrete di Bocca.
Il primo incontro che ho avuto con l’opera di Roland
risale a molto tempo fa, quando espose nella galleria
dell’università di Bruxelles alcuni volumi puri come la
piramide, il cubo, la sfera.Volumi geometrici che sem-
bravano dipinti con la stessa tonalità dei colori adope-
rati da Mondrian. Sorse in me l’idea di un filo rosso fra
la ricerca creativa di Roland Van den Berghe e l’opera
di Mondrian. Quest’ultimo, spiega che davanti a un
paesaggio di campagna al plenilunio, basterebbe trac-
ciare una linea dalla luna verso la terra per ottenere una
perfetta realizzazione compositiva. In una tela s’adem-
pie un incontro multiforme: maschile e femminile,
realtà naturale e realtà spirituale, contrapposizioni fra
l'orizzontale e il verticale che formano l'incontro dina-
mico in un equilibrio fra posizione e contrapposizione
(cfr. Mondrian, Realtà naturale e astratta.Trialogo du-
rante una passeggiata dalla campagna verso la città, in
De Stijl 1919). Una sintesi di tale assunto filologico e
critico lo si può scorgere nella croce del giornale bian-
co di Van den Berghe. L’apertura del giornale, infatti,
consente allo spettatore di percepirne le pieghe e sosta-
re dinanzi alla croce, leggendone i segni, identificabili
nelle lettere V e A: una filosofia dei contrari, in un uni-
cum, il cui rovesciamento delle parti nell’indicazione –
segno è presente. Avviene così dell’Ave Maria come
esperienza di croce e per il sigillo di Salomone, impli-
citamente suggerito; esperienze, queste, seppur insolite
di “rovesciamento” care a Marcel Duchamp. Inoltre, vi
è un chiaro senso di identificazione da parte dell’artista
nell’opera, attraverso le tre lettere presenti atte a sugge-
rire uno pseudonimo “V.V.V.” (chiaro riferimento alla
rivista di Breton) con cui Roland Van den Berghe fir-
ma i suoi testi, come, tra l’altro, si vede sulla pagina da
lui chiamata Immixture del giornale Le Monde (espo-
sta alla mostra delle Segrete di Bocca) col titolo Eduar-
do e Peppino sont entrés dans la légende.
Tornando, solo per un istante, a Mondrian focalizzia-
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Annie Reniers
mo l’attenzione sull’importanza del quadrato bianco
come centro di contemplazione (Ker mit Swiler
Champa), ricordando che negli schizzi, l’artista, cerca
una proporzione dei piani per attrarre lo sguardo dello
spettatore attraverso il quadrato bianco. In Mondrian
l'opera è un momento in evoluzione che cresce nella
mente dell’osservatore; medesima sensazione si avverte
nell’opera di Roland Van den Berghe.
Una seconda mostra, sempre all’università, raffigurava tre
pareti con una serie di fotografie. Ho pensato, "cosa c'è
da vedere?", questo perché lo spettatore in un primo
momento non sa cosa deve guardare!. Poi ho visto un
motivo ricorrente: la bicicletta con contadini e ragazze.
Più attentamente lo sguardo ha focalizzato una gruccia,
posta vicino a un albero e una casa, di sbieco, e ho pen-
sato: "questo elemento rappresenta il dolore e la bici la
gioia". Solo in seguito ho capito che il soggetto raffigu-
rato era il Vietnam; un ragguaglio storico certamente
molto discreto. Roland lavora con accenni, con un se-
gno che poi cresce nella mente e diviene immagine
quando gli elementi si incontrano. La bici è la gioia, tutti
in Vietnam vanno in bici, nei villaggi, poi… è la gruccia!
Dunque, positivo e negativo, gli opposti si incontrano
quasi sempre per caso. La bici può anche ricordare la
Roue de Bicyclette di Duchamp; e la gruccia In Advan-
ce of the Broken Arm come oggetti enigmatici, isolati in
un regno intermedio tra realtà naturale e simbolo aperto
a risonanze diverse nella mente degli spettatori, i quali
possono trovare con l’immaginazione questa libertà di
interpretazione grazie alla frazione d’interstizio, che esi-
ste anche per l'artista. Quindi una libertà, un momento
che si può definire coefficiente d’arte. Quando ho visto
l’opera L'abbraccio, ho pensato: "ho capito l'incontro,
l'incontro tra Pessoa-Duchamp, Roland-Duchamp".
L’abbraccio rimanda a un’altra opera di Roland e di se-
guito tutte si richimano fra loro in un barlume di ele-
mento che si sussegue sempre lo stesso nei suoi diversi
lavori. Se guardiamo, per esempio, MUTU M', ritrovia-
mo Duchamp nel titolo stesso, incontro tra R. Mutt,
pseudonimo di Duchamp con cui ha firmato la Foun-
tain del 1917 et Tu m', il suo quadro del 1918.
La Fountain è un’orinatoio rovesciato a 90°. Dunque un
oggetto che viene mostrato allo spettatore.Tra l’altro
nella fotografia di Alfred Stieglitz di quell’opera vediamo
i sei buchi dell’oggetto ormai enigmatico, posti quasi al
centro dell’immagine, come una figura emblematica,
simbolo di una totalità. Innalzare l’oggetto a 90° significa
trasfigurare il naturale in dato spirituale. Nell’opera MU-
TU M' di Van den Berghe si vedono dieci buchi: è già
un’interpretazione che va oltre i sei buchi di Duchamp;
da sei a dieci, in cui la somma degli elementi
1+2+3+4= 10, la Tetractys pittagorica. Con il Quattro
che sta alla base innova una visione del tetragramma.Van
den Berghe ha alzato a 90° un oggetto che ha visto (e
comprato per un fiorino simbolico) in una tabaccheria
prestigiosa del '900 ad Amsterdam, trasferendo dall’oriz-
zontale al verticale dieci sigari. L'artista da parte sua pre-
senta allo spettatore una sorta di offertorio di contem-
plazione.Van den Berghe riprende l'atto unico di Du-
champ, continuandola come fosse uno "spettatore inte-
grato" (Cesare Brandi). La funzione critica di
quest’opera risulta poi nel confronto dell’im-
magine emblematica con il denaro buttato in
basso, chiara allusione al commercio. Qui il
confronto è fra la trasparenza luminosa della
tetractys e del tetragramma e il denaro.
A questo punto, immaginando di partire per
un viaggio fantastico, ci apprestiamo a leggere
l’avvoltoio raffigurato su MUTU M' e sul-
l’Abbraccio come simbolo della dea madre
Mut, la dea egiziana. Con quell’idea si va in
Egitto, dove Eduardo e Peppino de Filippo
sono arrivati in mongolfiera dopo il giro del
mondo nel 1999. Certo, non loro, ma Ber-
trand Picard e Brian Jones. I nomi sono stati
23
Da sinistra a destra
1
New York, 1917
Acquired for Marcel
Duchamp
by Walter Arensberg
and Frank Stella
at Mott Iron Works
2
New York, 1917
Marcel Duchamp
Signed and dated
sostituiti da due ben più conosciuti in Italia. Quando on the bearer:
R.Mutt 1917
un nome viene sostituito emblematicamente costitui-
sce una profondità: vi sono due strati, dove uno na- 3
sconde l'altro, come se fosse lo pseudonimo o l'etero- Paris, 1950
nomo. L’opera di Roland è cosparsa di simboli, ma i Acquired for Marcel
simboli non sono niente se non si parte dalla nostra vi- Duchamp
ta, dal nostro sviluppo psicofisico. Alzando l'oggetto a by Sidney Janis
90° abbiamo una costruzione che rimanda alla vita Signed and dated
on the bearer:
dello spirito e non alle cose materiali. L’intreccio è si- R.Mutt 1917
stematico: Roland, che vive in Olanda, incontra Mon-
drian e quest’ultimo incontra Duchamp nella mente di 4
Roland. Pessoa incontra Duchamp perché ha scritto New York, 1951
una poesia famosa sul tema della tabaccheria, molto ni- Marcel Duchamp
chilista, dove saluta qualcuno a distanza, e quel saluto è Signed and dated
on the bearer:
un riscatto che salva il mondo. La sua è una disperazio-
R.Mutt 1917
ne che parte dalla presa di coscienza che il mondo non
ha senso, basta un gesto d'incontro, quasi d’amicizia, un 5
legame e il mondo ritrova l'unità; anche se con un sa- Stockholm, 1963
luto. La poesia finisce col saluto e il mondo diventa di Acquired for Marcel
nuovo splendido. Se guardiamo i due giornali esposti Duchamp
qui nell’Abbraccio, l'Expresso incontra Le Monde, il by Ulf Linde
Signed and dated
Portogallo incontra la Francia. Se compriamo i giornali on the bearer:
e li pieghiamo l'uno dentro l'altro per portarli via sot- R.Mutt 1917
tobraccio succede qualcosa. Il sigillo bianco di Le
Monde, con dieci buchi, lascia un’impronta sull’Ex- 6
presso, quando pieghiamo un giornale nell’altro, esso Milano,1964
lascia un’impronta blu come il cielo del Portogallo.Tale Reproduced by
impronta, che avviene sopra l'orizzonte, cambia sostan- Arthuro Schwartz
and Marcel Duchamp
za (pensiamo al Grande Vetro di Duchamp con i due Signed and dated
regni diversi) e contiene sei buchi, è più immateriale, è on the bearer:
già celeste. Dunque: sotto l’orizzontale, il sigillo - sim- R.Mutt 1917
bolo di autenticità - è pesante, è un’oggetto, e qui sul-
l’altro giornale c'è solo l'impronta a forma di mongol-
fiera.Tocca allo spettatore fare emergere il legame. L’in-
vito è a noi rivolto, di adempiere a un gesto di unione:
unire i due giornali come i due triangoli di perspex e
farli incontrare, uno rivolto in su, sul quale è posato Le
Monde, l’altro triangolo come una tenda che protegge
l'incontro tra terra e cielo. Roland Van den Berghe tra-
smette messaggi da diversi paesi, sostituisce un piccolo
testo di giornale con un altro, mettendo un messaggio
personale su quelle pagine. Questa però è un’operazio-
ne che non si vede, ma si sa!
È l'oggetto-concetto, non è arte concettuale, è il con-
cetto-oggetto: l'astratto nel concreto. Il bianco in sé
non è niente, se non attraversa un oggetto o se non svi-
luppa una vibrazione. Il collegamento con l’artista ita-
liano, Manzoni, è facilmente collegabile. Nei suoi qua-
dri con le cuciture, il fatto di tagliare e poi riunire di With the framed
nuovo è un gesto di rimando emblematico. Anche newspapers:
Rückriem, lo scultore, l’ha fatto, tagliando la pietra per 1/12 “recto”and 1/12
poi riunire le due parti (avviene una vibrazionie nel ta- “verso” both part of the
collection Koen Deprez,
glio e la scultura si sviluppa dall’interno). O il taglio di Brussels
Duchamp nel Grande Vetro: succede qualcosa quando i
due elementi si incontrano e per Duchamp l'opera non
finisce, lascia il Grande Vetro incompiuto. Gli dava noia,
e la lascia definitivamente incompiuta. L’invito a noi ri-
volto, ancora una volta, è di continuare e ultimare la
sua opera…ancora incompiuta!
.... al prossimo Arte Incontro
With the envelops:
9/248 “recto” 9/248
“verso” collection
G. Lodetti
 Sotto vuoto spinto
Valeria Modica
Eliana Colombino
Sotto vuoto spinto è una zione. Dal 1992 al 1993 arricchisce la propria profes-
metafora del sesso sionalità nella collaborazione con alcuni laboratori di
“pronto da consumare” ceramica a Palermo, sperimentando nuove forme
prodotto in serie e pro- espressive. Nel 1995 si trasferisce alla "Fiumara d'Arte"
tetto da confezioni sot- di Castel di Tusa e lavora alla creazione e ideazione di
tovuoto che garantisco- oggetti ceramici e di nuovi motivi decorativi per la
no l’asetticità del “pro- Fiumara. Mettendo a punto le tecniche sperimentate
dotto”. L’erotismo, la collabora con artisti di rilievo quali Elisabeth Fralet,
sensualità, il sesso, carat- Graziano Marini, Paolo Grassino, Luigi Mainolfi. Nel
ter izzati dall’idea del 1998 allestisce e realizza collaborando con l’artista Ri-
movimento, del divenire chard Long, per il Comune di Palermo, la mostra due
che intrinsecamente li installazioni legate alla land art presso i Cantieri Cultu-
avvolge diventano qui rali alla Zisa di Palermo. Nello stesso anno e nel mede-
fermi, bloccati standar- simo sito collabora con Rosemarie Trockel e Carsten
dizzati e prodotti in serie Holler alla realizzazione dell’installazione Addina. Nel
secondo procedimenti 2000 la mostra personale dell’artista per la Provincia
rigorosamente industriali Regionale di Palermo Lineaspirale presso l’oratorio di
che l’artista ha voluto se- Santo Stefano Protomartire a Palermo. “Sotto vuoto
guire r icorrendo alle spinto” nasce come mostra virtuale di opere estrema-
macchine delle industrie mente materiche negli anni successivi.
alimentari per il confe-
Arancia Meccanica zionamento sottovuoto. Erotismo massificato, uniforme
polimaterico nelle sue manifestazioni, imprigionato nelle maglie del-
la rete planetaria dei consumi, e visto dall’artista in
chiave ironica. I materiali utilizzati provengono dall’uso
quotidiano: appaiono gli imbuti e le spugne che scelti
dall’artista vivono un momento d’esaltazione balzando
dagli anonimi scaffali di un supermercato alle tele co-
lorate e materiche, simboli traslati di un erotismo non
represso e giocoso, casalingo ed ironico. L’uso di mate-
riale del quotidiano non artistico e legato alla civiltà
del sintetico e abbraccia l’essenza del messaggio che
l’artista vuole tramandare: la civiltà dei consumi ricca
di oggetti e di simboli facilmente fruibili dove la ses-
sualità s’impadronisce del design degli oggetti di uso
comune e dell’arte stessa che diventa nell’intento del-
l’artista merce riproducibile quasi industrialmente in
serie, assemblata e confezionata con un packaging tec-
nologico quale il sottovuoto. L’artista crea le sue opere
con procedure rigorosamente artigianali dalla predispo-
sizione dei telai alla stesura e preparazione delle tele
spesso materiche trattate con polvere di marmo: per
quest’ultima produzione sceglie il messaggio forte e
antiartigianale del sottovuoto per dare enfasi all’idea di
fondo che la crisi della diversità è nel sesso come nel-
l’arte.Valeria Modica è nata a Caltanissetta nel 1967,
opera e lavora a Palermo. Nel 1991 si diploma all'Acca-
Try to fly, polimaterico demia di Belle Arti di Palermo nella scuola di Decora-
MOVIMENTO
arte contemporanea
Il 9 giugno si sono inaugurati i nuovi
locali della Galleria Movimento Arte
Contemporanea. Uno spazio unico
dove ammirare opere di ar tisti
emergenti e non. Un contenitore
per l’arte curato in ogni particolare,
studiato per incuriosire i visitatori e
valorizzare al suo interno le opere.
Una cornice pulita, bianca e nera,
con prospettive simmetriche, so-
spese e giochi di luci. Il tutto per
rendere l’ambiente minimalista,
informale e accogliente.
Snebur
Corso Magenta, 96 • 20123 Milano • T/F +39 02 436246 • www.movimentoarte.it • Info@movimentoarte.it
24
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Attraverso gli sguardi
Mariola Vicentini
Antonio D’Amico
L’arte di Mariola Vicentini concettualmente si edifica
sull’espediente singolare, e quanto mai originale, che
consente allo spettatore di scrutare la percezione intima
che l’artista possiede di se stessa e del mondo che la
circonda più da vicino. Fer-
marsi a guardare i suoi qua-
dri significa entrare nella
sfera percettiva di una gio-
vane artista che sembra di-
latare lo sguardo, come da-
vanti allo specchio, immer-
gendosi nell'intimo d’ogni
singola parte recondita. La
sua opera, quindi, è l’esatta
corrispondenza della per-
cezione che Mariola pos-
siede del corpo, degli even-
ti che la colpiscono e degli
affetti a lei più cari. In que-
sta direzione, la pittura di-
viene una lente d’ingrandi-
mento della sua psicologia
interiore, concentrandosi
Abissi, 2004, acrilico su tela
visivamente nel punto di
massima espressione dell’universo cromatico, vale a dire
negli sguardi dei protagonisti.Verosimilmente, infatti, i
personaggi, siano esse donne o uomini, con fogge
orientali o non, raffigurano per traslitterazione gli
sguardi con cui Mariola guarda il mondo.Tra l’altro, è
quel gioco intrigante degli sguardi che cattura l’atten-
zione dello spettatore con subitanea ammirazione per
un’arte che affascina e lancia nuove dimensioni di let-
tura. Riconoscersi attraverso quegli sguardi è possibile,
così come estrapolare i sentimenti – l’orgoglio, la soffe-
renza, la rabbia – dagli assetti luministici diviene la sen-
sazione, da parte di chi guarda, di sentirsi quasi spiato e
scrutato da quei visi.
Mariola Vicentini nasce ad Arezzo nel 1974, frequenta
e si diploma all’Ent Art Polimoda nel 1998. In seguito,
si dedica alla moda vincendo alcuni premi e collabora
ad una linea di collane creative. Attualmente si è trasfe-
rita a Roma dove vive e lavora. La sua pittura potrebbe
riassumersi, sebbene cosa non facile da fare per la po-
liedricità d’intenti, come un cannocchiale diretto su
due direzioni contemporaneamente; da una parte i
sentimenti, quindi l’anima in cui sono contenuti allo
stato primordiale, dall’altra la società, globo entro il
quale i sentimenti trovano il loro pieno esplicitarsi.
Omaña
 Via Scoglio di Quarto, 4 - MI
Tel. 0258317556 - 3485630381
Sul filo dell’arte a cura di Stefano Soddu
domanda surreale denti studi. Amo gli studi che sembrano depositi. Un
mio maestro, Dova, aveva la stessa idea. In tutti i miei
“il sesso può luoghi di lavoro ho aggiunto solo alcuni mobili spesso
recuperati in un secondo tempo”. Lo studio è compo-
essere arte?” sto da due locali. Il primo, a pian terreno, è adibito a
biblioteca; il secondo, più vasto, a cui si accede da una
scala posta sul fondo del primo locale, è seminterrato
ed è il vero e proprio atelier. In ambedue i locali la lu-
risponde ce è artificiale. La biblioteca. Sulla parete destra, appena
Oreste Ferrando oltre la porta alcuni disegni, incorniciati, di Carla, sua
moglie, “Il Nido”, dei figli Amanda, “I Pulcini” e Simo-
ne, “Il Vortice”, fatti questi ultimi quando erano bambi-
Si, anche. Il sesso può tranquillamente essere arte visto
ni. In fondo alla stessa parete un manifesto di una mo-
e considerato che nell'arte contemporanea si vede così
stra organizzata a Vergiate negli anni cinquanta dove, si
tanta prostituzione.
annuncia, suonerà la banda di Sesto Calende. Redatto
da Bay in chiave ironica e con la retorica di quegli an-
ni, riporta tra gli artisti, oltre Dangelo, nomi divenuti
importanti, tra cui e per tutti Fontana. Di fronte una
piccola scrivania piena di carte e libri; sul davanti una
sedia “da posa” in legno scuro che costringe il modello
ad un portamento innaturalmente eretto. Al fianco un
mobile, disegnato da Ducros, a vetrine opache che na-
sconde la scala. Sparsi ovunque vari oggetti, quadri e
sculture di amici artisti tra cui Sangregorio, Festa e Sca-
navino. All’imbocco della scala per il seminterrato un
bel monocromo su cartone a nido d’ape rinforzato di
La terra è più luce di ogni altro giorno da qui a dove teca n.1, 2002, cm 150 X 60
Aubertin. L’atelier. La prima impressione, poi confer-
mata, è di ordine e metodo. Sulla sinistra il banco at-
trezzi: martelli, pinze, tenaglie, cacciaviti di ogni misura
appesi sulla parete per tipologia. Sul banco, in fila, una
sterminata collezione di bicchieri di recupero di plasti-
ca color nocciola; all’interno chiodi e viti. Ovviamente
in ogni bicchiere la stessa misura di minuteria. Più
costruzione vetri float, fotolito, ferro, alluminio, fango, aerosol
avanti una semplice libreria carica di cataloghi. Al cen-
tro della stanza i tavoli da lavoro macchiati di colore. Il
più vasto è ricavato da un tavolo da ping-pong per le
tele di grande formato. Dangelo non ha mai dipinto in
verticale; il cavalletto serve solo per mostrare agli ospiti
i lavori. Sulla parete destra il lavandino e un mobile
con una insolita rastrelliera adibito ad accogliere colori
e pennelli presenti in quantità industriale. Però ne usa
pochi, mi confessa, e quasi sempre gli stessi. Non man-
ca neppure un banchetto da falegname con le morse di
legno: usato per le sue sculture e per comporre oggetti
un poco dada.Teatrini surreali, sculture delicate, tra cui
una con inserto di fiori e oggetti sparsi, completano il
resto dell’arredo, unitamente ai quadri disposti alla base
delle pareti con l’immagine rigorosamente rivolta verso
il muro. C’è ovviamente l’armatura Kendo su una se-
dia. Surreale anch’essa nella sua orientalità collocata
com’è tra le opere di “Dangelo San”, maestro con di-
ploma giapponese della Zen Nippon Kendo Renmey.
Orientale è anche il thè tibetano, che mi offre, e ama
offrire agli amici, caldo e sapido in una piccola tazza
Visita allo studio azzurra di porcellana. Dangelo, poeta, pittore, praticante
di scherma, da anni ha abbracciato la civiltà del thè.
di Sergio Dangelo Il 3 luglio scorso grazie alla Regione Lombardia, Assessorato alle Culture
Stefano Soddu identità e autonomie, e alll’Assessore Ettore Albertoni, si è iniziato a parlare
in modo ampio, nuovo e diverso delle capacità di chi opera nella cultura oggi.
Conosco Sergio Dangelo, surrealista di “grande razza” Oltre duecento le associazioni presenti per un forum di grande richiamo e uti-
(Breton dixit), da moltissimi anni. Ho visitato un suo lità nel confronto e nel dialogo la cui finalità è e sarà dare sostegni legislativi e
attuativi migliori proprio per chi opera in questo campo. Mi sembra significati-
bellissimo studio negli anni sessanta, con le vetrate su vo riproporre uno di questi interventi, quello di Debora Ferrari che ha rappre-
un rigoglioso giardino. Era già un mito per il suo Mo- sentato il gruppo dei promotori dell’arte, quelli cioè che vitalizzano il contem-
vimento Nucleare. E poi, biennali di Venezia, Qua- poraneo. Una riflessione per un dibattito che può continuare…
driennali di Roma e la vasta antologica nel 1972 al Pa- Stefano Soddu
lazzo Reale di Milano (87 opere esposte). Si tratti oggi
di amicizia e di reciproco rispetto. Da parte mia anche
di gratitudine per avermi tra l’altro aiutato, felicemen-
te,, all’allestimento di una mia particolare mostra all’O-
La nostra missione?
ratorio della Passione di Milano, con preziosi suggeri-
menti di cui feci tesoro. Sergio Dangeto è una persona
Dare un destino
dolce. Ma non vuole evidentemente che questo lato
del carattere appaia apertamente. Di solida corporatura
contemporaneo
frutto di anni di disciplina Kendo, ha occhi attenti e vi-
vaci. Una parlata veloce e colta e una vasta e raffinata
a ogni storia
cultura da letterato e da pittore, rendono la sua con- Debora Ferrari
versazione una fonte inesauribile di informazioni di
prima mano sulle vicende dell’arte e sugli artisti euro- Fabbrica Arte - Direzione Chiostro di Voltorre
pei degli ultimi dieci lustri. Occupa da diciotto anni il
suo attuale studio, dopo aver conosciuto gli atelier di “Ogni capolavoro è una purificazione del mondo.
Parigi, Londra, Bruxelles e lavorato, abitandovi, nella E l’emancipazione di ogni artista dai propri limiti rin-
Villa Colleoni, del veronese. La porta d’ingresso si af- nova la vittoria dell’arte sul destino dell’umanità.
faccia discreta e senza targhe su un cortile di un edifi- L’arte è un antidestino”.
cio della antica Milano che si estende a ovest di via To- con queste parole scritte da André Malraux nel 1935
rino.”Prima era un cravattificio - mi informa - e non voglio salutare il pubblico presente per avviarlo fin d’o-
ho cambiato niente. Ho mantenuto le stesse lampade, ra dentro la mission che caratterizza le Associazioni di
alcuni tavoli e gli arredi, così come ho fatto nei prece- volontariato che si occupano di promozione culturale.
25
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arte contemporanea
V. le Col di Lana, 8 - MI
0258317556 - 3485630381
Sono Debora Ferrari, Presidente e socio fondatore di
Fabbrica Arte, una piccola società cooperativa sociale di
beni culturali onlus, che per prima in provincia di Vare-
se ha voluto iniziare cinque anni fa un cammino - en-
tusiasmante quanto rischio-
so - di modello no-profit
nella gestione di beni mo-
numentali e nell’organizza-
zione di eventi, partendo da
basi scientifiche e favoren-
do un lavoro qualificato
professionalmente (modello
che dal 2000 stiamo appli-
cando principalmente alla
gestione del Chiostro di
Voltorre in Gavirate, grazie
a una convenzione con la
Provincia di Varese, ente
proprietario). Fabbrica Arte
ha tra i suoi scopi la valorizzazione e la promozione del Sergio Dangelo
patrimonio storico artistico e monumentale, l’organiz- El mar, 1955
zazione di eventi culturali, l’interrelazione e l’integra-
zione territoriale di sistemi, dando anche lavoro a per-
sonale svantaggiato e creando nuove opportunità pro-
fessionali per giovani che escono dai nuovi corsi uni-
versitari.Tornando dunque a noi, e a Malraux, la nostra
mission si identifica con i nostri statuti: dare un destino
contemporaneo a ogni storia, raddrizzare le visioni, at-
tualizzare le letture, creare nuove possibilità di scambio
culturale, dare spazio e godibilità alle arti, perché l’uo-
mo di oggi possa comprendere e godere il patrimonio
di cui è fortunato erede.
CONTEMPORANEITA’ DEI PROGETTI E
DELLE PROPOSTE
Proprio questa è una caratteristica saliente del nostro
operare: dare una lettura contemporanea a qualunque
strato e stato della cultura per attualizzare i temi, vivifi-
carli, renderli appetibili alla gente, metabolizzarli in for-
me diverse per trasformarli in energia per i contesti so-
ciali in cui siamo inseriti. Profondamente legate alle
esigenze del territorio cerchiamo sempre e comunque
di precederlo, dando indicazioni di come evolverci, di
come andare avanti, con un occhio all’oltre e al doma-
ni. Ripeterei i nomi di tutte le associazioni se volessi
ancora rimarcare come vengono attualizzati i discorsi
culturali, letterari, artistici, poetici, teatrali, ecologici e
geografici, ambientali, divulgativi che voi, rappresen-
tanti istituzionali che ci ascoltate, potete nuovamente
evincere leggendo le nostre intestazioni.
La nostra missione, sia che abbiamo un contenitore -
una sede - in cui attuarla, sia che ideiamo eventi itine-
ranti o temporanei, è dare un “oggi” alla voce dell’arte
che supera ‘di mille secoli il silenzio’.
PUNTI SALIENTI PER UN FUTURO PRESENTE
Con disponibilità e soddisfazione ci siamo confrontati
al Forum di maggio e oggi a questo Forum rendiamo
pubblico ciò che nei nostri animi cresceva già da tem-
po, grazie alla Regione Lombardia-Assessorato alle
Culture, Identità e Autonomie, che ha ideato questo
incontro, preziosa opportunità di crescita e confronto.
Almeno tre sono i punti che possono creare una cor-
rente alternata permanente con chi ci governa, ma an-
che fra di noi.
1) sinergia operativa sulle problematiche per dare voce
alle nostre esigenze e dare modo alla Regione di attua-
re politiche di sostegno alle nostre attività creando un
canale di avvicinamento e informazione costante;
2) sfruttare i sistemi regionali (biblioteche e musei) in ac-
cordo con l’Assessorato, per migliorare la promozione e la
divulgazione sul territorio regionale ma anche per acqui-
sire, da parte nostra, continui aggiornamenti e migliorie;
3) agevolare noi stessi l’integrazione fra le azioni delle
associazioni lombarde, ciascuno sul proprio territorio
per beneficiare dei risultati ottenuti.
Occorrerà confrontarci sempre più spesso e trovare la
forza comune di sviluppare sinergie - anche solo e
semplicemente comunicative - in grado di stare al pas-
so con una Europa che accresce i servizi, amplia i baci-
ni di utenza e modifica le distanze. Sarebbe anacronisti-
co oggi continuare a vedere singole istituzioni impe-
gnate in una lotta di proposte per soddisfare un’utenza
sempre più esigente. C’è un tesoro nascosto dietro
questo non utopistico progetto, fortunatamente soste-
nuto dall’Assessorato alle Culture, Identità e Autono-
mie della Regione Lombardia: la crescita del territorio
e la soddisfazione dei suoi abitanti.

Il National Museum
of Women in the
Arts arriva in Italia
Simona Bartolena
Se è vero che non esiste un’“arte femminile”, così co-
me non ne esiste una “maschile”, è altrettanto vero che
sono esistite, e continuano ad esistere, moltissime don-
ne che hanno fatto arte. Presenze importanti, spesso in-
giustamente dimenticate. Il National Museum of Wo-
men in the Arts di Washington lavora da anni su questo
argomento, proponendo, oltre che a una ricca collezio-
ne permanente interamente dedicata all’universo fem-
minile, mostre, conferenze, iniziative editoriali sul tema.
A settembre lo staff di questo prestigioso museo – il
decimo americano in termini di importanza – sbar-
cherà in Italia, per presenziare alla nascita dell’Associa-
zione degli Amici del National Museum of Women in
the Arts, che si impegna, oltre che a diffondere l’imma-
gine del museo in Italia e agevolarne i contatti con la
nostra realtà culturale, anche a organizzare iniziative di
approfondimento sul tema e a promuovere nuovi ta-
lenti. Un programma ambizioso e di grande interesse,
al quale ci auguriamo che l’Associazione, che verrà
presentata il 22 settembre, presso la “Società del Giardi-
Anna Laura Cantone
copertina Andersen
no” di Milano, riuscirà a tenere fede.
aprile 2004
degli opposti
Il ritorno, 2001, olio su tela, cm 80 x 40
una sua immaginazione del creato, ancora in nuce, rac-
chiusa in consistenze materiche compresse, non del
tutto risolte, visibili e libere da limiti. Una incomple-
tezza evidente ma non sofferta. È l’intimità che trionfa,
quasi una conteplazione attualmente in corso che tro-
verà, in un prossimo futuro ancora non esplicitato, il
netto concretarsi nella vita attiva. Un movimento
espressivo che dall’interno, in formazione, sfocerà all’e-
sterno di se stessa. Mostrarsi ma non del tutto con un
ego che risiede nelle viscere dell’oscurità, nella recon-
dita e nuda terra. L’esibizione di se stessa, da parte del-
l’artista, non è ostentazione di una fisicità già definita,
ma solo un silente inizio di disvelamento per evitare la
totalità di consuetudini già composte in sentimenti as-
sodati. Un progresso dinamico, oserei dire un barlume
futurista, che si lascia mutare e ampliare dopo nuovi
impulsi e sensazioni. I quadri di Elena rivelano una
giovane donna-artista in cammino che per maturare il
suo fare pittorico e il diluirsi della quotidianità necessi-
ta una protezione. Grandi e forti mani s’intendono
espresse con adeguatezza, che divengono, in tale dire-
zione, simbolo di guida e protezione. E se per questi
intenti s’incrociano spirituale e materiale avviene un
gioco simbiotico di identità. È il gioco delle parti, di
pirandelliana memoria, che campeggia nelle figure e
nelle radure in penobra di Elena Ferrari. Spazi, figure
animate che aprono uno squarcio della sua identità.
L’artista invita l’osservatore a passare dinanzi alla sua
L’armonia opera, scrutarne i sentimenti, per cercare un quid che
permetta a ciascuno di identificare il proprio ruolo da
protagonista per giocare se stessi nell’affascinante gioco
della vita.
Elena Ferrari
Antonio D’Amico

Nel variegato cosmo dell’espressione artistica contem-

poranea, sembra perpetuarsi, in alcuni proficui casi
sempre più sovente, il forte legame, generatore di un
sodalizio d’intenti, fra personalità e carattere dell’indivi-
duo con ciò che si concreta nella sua opera pittorica.
Indiscutibilmente il quadro è il biglietto da visita, che
non si presenta come un oggetto inanimato estraneo
alla fisicità del suo protagonista ma è tracciato, con se-
gni essenziali, attraverso la delicata fibra fluente di un
cromatismo ancora in divenire. Elena Ferrari consegue
il diploma presso il liceo artistico di Lodi e in seguito
frequenta lo studio del pittore Vittorio Emanuele a
Cusago e affina le sue capacità disegnative collaboran-
do con diversi studi grafici. Già, perché incontrare Ele-
na Ferrari, nata a Milano nel 1973, e captare, in separa-
ta sede, i suoi dipinti, significa riconoscere l’ideologia
della filosofia dei contrasti, che trionfa nelle forme ar-
moniche e avanza con audacia nella calma piacente de-
gli equilibri espressi, forse anche troppo calibrati. In tal
senso, è un perpetuo stimolare l’immaginazione di chi

Tra cielo e terra tende ad accostarsi al mondo pittorico di Elena, ancora

tutto in divenire. Ogni forma raffigurata è pervasa da
una trasparenza sperimentale che proietta lo sguardo
Monica Isler verso orizzonti ancora da scoprire e intangibili. Luci,
Antonio D’Amico colori, spazi informi, tendono ad armonizzarsi come
una danza suadente, lenta e avvolgente. Elena possiede Paesaggio, 2004, olio su cartone, cm 50 x 36
La donna, l’artista, si rivela attraverso un dinamismo
materico di forme contrapposte fra verticale e oriz-
zontale …fra cielo e terra, dove il punto d’incontro, le
radici e le fronde, rimangono oscure al nostro sguar-
do. L’intento della pittura di Monica Isler è di aprire
una finestra sul mondo, il suo cosmo conosciuto, lo
Elena Mutinelli
stesso che si addentra nelle radure umbratili dei suoi
paesaggi boschivi. La realtà raffigurata trova, però, un
Sculture & disegni
Paesaggio di bosco, punto di vista deforme, non una veridicità di narra-
2004, tecnica mista zione ma un’alterazione ‘geometrica’ di espressioni
filtrate dalla mente e vis-
sute nell’oggi. Il percorso
cromatico spazia dal na-
turale, con l’emozionale
presente, non osando
l’incerto, alla rivelazione
di un io figurato, ravvisa-
bile nel tronco, che certi-
fica l’unica forza dell’e-
go: l’attuale stato di ma-
turazione. I quadr i di
Monica aprono mille cu-
riosità, così come l’uni-
verso femminile, una
gentile fragilità nascosta
nella plasticità del colore
e l’attaccamento al visibi-
Dal 7 Ottobre al 12 Novembre 2004
le. Ma nessuna certezza Banca Intermobiliare di Investimenti e Gestioni di Lugano
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 Articolazioni spaziali di Valdi Spagnulo
Giorgio Zanchetti
Nelle costruzioni sottili, apparentemente ai limiti
della legittimità e della sostenibilità statica, proposte
in questa mostra da Valdi Spagnulo si risente —
quasi in controtendenza rispetto alla linea di ricerca
linguistica o massmediale privilegiata da molti tra i
colleghi della sua stessa generazione (quella dei
quarantenni, per intenderci) — la volontà di un ap-
profondimento rigoroso e diretto della dialettica di
struttura e materiale.
La piegatura a freddo, a sola forza di braccia e senza
esitazioni né ritorni, delle fini cornici metalliche di
ferro o d’acciaio, dimostra una sensibilità tattile per
l’armonia dell’angolo e della curva che non sarebbe
stato possibile delegare a nessuna tecnica di forgia-
tura più elaborata e a nessuno strumento meccani-
co. La partita della resistenza della barra, del peso e
della trazione della leva si gioca tutta tra la stretta
del palmo e quella di una semplice morsa da banco.
Sulla parete la loro linea spezzata circoscrive, senza
racchiuderla in sé, un’area, proiettandosi con discre-
zione e leggerezza nell’ambiente e indicando così
l’illusione di una soglia attraverso la quale la porzio-
ne di spazio, virtuale, interna all’opera e lo spazio,
reale, in cui lo spettatore si muove possano coinci-
dere e, contrapponendosi, identificarsi.
Tale complessità d’articolazioni spaziali che queste
strutture suggeriscono e impongono si colloca a
mezza strada tra due tradizioni a primo vedere di-
stanti e inconciliate, senza però assimilarsi piatta-
mente all’una o all’altra. Da una parte possiamo in-
dividuare la linea d’una rinnovata scultura d’assem-
blaggio di matrice post-dadaista, nella quale l’ogget-
to (o una pluralità d’oggetti) di scarto, vissuto, è
SALA GARZANTI,
FULVIO RINALDI
novembre, 2004
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prelevato e ostentato come portatore d’una memo-
ria industriale al tempo stesso umana e meccanica,
esistenziale e sociale, storica e metaforica: sono
questi i legni smangiati, i plexiglas sgraffiati e mac-
chiati, i metalli stessi bruscamente torti e saldati sul
filo d’una parvenza di precarietà. Sul versante op-
posto è altresì riconoscibile l’indirizzo d’un raffinato
esercizio grafico d’impronta neo-concettuale, in cui
la consapevolezza del mezzo, la pertinenza del mate-
riale e la puntualità descrittiva del segno lineare si
integrano complemetarmente costituendo i tre dif-
ferenti livelli di discorso (e i tre registri stilistici) di
un’unità espressiva complessiva.
Al contrario di quanto accade ed è accaduto spesso
in altre esperienze artistiche recenti, questa duplice
polarizzazione del lavoro di Valdi Spagnulo non co-
stituisce per lui un limite né una dispersione di for-
ze. Al contrario, gli permette di esercitare, spingen-
dolo fino in fondo, un approfondimento analitico
che è di per sé autonomo tanto dal materismo
informale quanto dal concettualismo (o dal poveri-
smo) rigorosamente intesi, poiché mantiene le pro-
prie radici strettamente appigliate alla dimensione
più immediata del fare e alla comprensione piena
dei valori espressivi e formali della materia.
Non è un caso che in questa mostra le sculture me-
talliche lineari che hanno caratterizzato la produzio-
ne di Spagnulo negli ultimi anni tornino ad essere
affiancate da una nuova esperienza bidimensionale,
ma non più derivante dalle campiture materico-
informali sagomate che occludevano parzialmente i
telai chiusi e rigorosi dei secondi anni Novanta,
bensì in direzione della spontaneità e dell’immedia-
via della Spiga, Milano
27
tezza di quelli che lo scultore chiama disegni o pro- Shangai café, 2003
getti, ma che sono, assai più propriamente, da defi- ferro, acciaio, plexiglas
nirsi opere autonome, di piccole medie dimensioni, Collezione dell’artista
in cui la medesima tensione spaziale e ambientale
delle sculture maggiori è declinata, quasi in riduzio-
ne scalare, nella facilità di impiego e di sperimenta-
zione del cartone, delle colle, della grafite e dell’a-
crilico. Si tratta di un fare in senso proprio com-
pendiario, teso cioè a ridurre e sintetizzare tutti i
passaggi retorici, compositivi e plastici in pochi o
pochissimi tratti essenziali, che rendono, forse, più
visibile la struttura che sottostà all’articolazione del-
le forme, senza divagazioni, senza fronzoli, con una
intenzionale povertà di mezzi e d’intenti, ma non di
maestria né di pensiero.
Sospeso, 2003
ferro, acciaio, plexiglas
Collezione privata
Mostra di Valdi Spagnulo
“PARVENZE DI PRECARIETÀ”
a cura di Giorgio Zanchetti
Galleria Arte + arte contemporanea
c.so Matteotti, 3 (ing. Via Romagnosi, 4) Varese
Inaugurazione: sabato 2 ottobre 2004 ore 18.00
dal 2 ottobre al 5 novembre 2004
Orari di apertura: da lunedì a venerdì 15,30 - 19,00
sabato 10,00 - 12,00
domenica 10,00 - 12,30
Per informazioni: Galleria Arte + arte contemporanea
tel. 0332 237782 (orari di galleria)
Catalogo in galleria
 Vittorio Emanuele
Carlo Adelio Galimberti
Nelle ultime sue opere Vittorio Emanuele pare assecon-
dare alla lettera e con ostinato coraggio la qualità neces-
saria che il letterato Luigi Dolce imponeva come condi-
zione dell’arte del suo tempo: «L’ufficio adunque del pittore
è di rappresentar con l’arte sua qualunque cosa, talmente simile
alle diverse opere della natura, ch’ella paia vera», (L. DOLCE,
Le ombre lunghe Dialogo della pittura, intitolato l’Aretino..., Venezia 1557).
del meriggio, 2004, Certo oggi è difficile ascoltare quest’imperativo ed è per
olio su tela questo che abbiamo parlato di coraggio. Infatti, ad un
cm 75 x 118
secolo di distanza dall’esordio delle avanguardie storiche,
la forma delle opere ha spesso dismesso il riscontro natu-
rale, la riconoscibilità dei soggetti delle opere d’arte,
abbandonando i sapienti sentieri della mimesi sui quali
s’era da millenni incamminata la storia dell’espressione
artistica. Ecco perché ho parlato di coraggio nella poeti-
ca diVittorio Emanuele,come quello di chi sfida le mode
e le facili scorciatoie poetiche,rappresentate da coloro che
si affidano a segni improvvisati magari per giustificare
pretese concettose attorno a prodotti definiti artistici e
che spesso compiono vere e proprie invasioni di campo,
quando quattro parole cancellate da un testo o un sasso
isolato in una stanza vuota s’ammantano di pretesi e pon-
derosi concetti filosofici che di pesante hanno spesso solo
il fardello del “catalogone” che le accompagna, rivelando
come si possa bistrattare la filosofia chiamandola “arte”,
facendo quindi due danni in un colpo solo.
Ma non si tratta solo di coraggio: esiste nell’opera di
Vittorio Emanuele anche una sorta di “moralità” delle
immagini come quelle che sgorgano da una “religio-
sa”, lunga, lenta, preziosa conduzione il proprio lavo-
ro. Che è quella di chi ha lo sguardo che è degli arti-
sti: uno sguardo che non soffoca l’esistente nella
costrizione delle definizioni funzionali cui la nostra
cultura l’ha ridotto, ma l’osserva e lo sollecita da inna-
morato per stimolarne la rivelazione dei sensi più
nascosti. È questa una maniera che ci viene rivelata
dal protagonismo della luce delle ultime sue opere.
Quella luce sono gli occhi di Vittorio Emanuele che
come in Le luci del meriggio sale delicata dal lontano
orizzonte, per incresparsi nelle fratture d’un antico
tronco spezzato, quasi che ogni ombra ed ogni baglio-
re siano frammenti d’una lunghissima storia che quel
legno trattiene e ugualmente rivela. Od anche nella
seconda versione del medesimo soggetto, quando l’o-
pacità del muro che in aurea sezione divide la com-
posizione, fa da quinta teatrale allo spettacolo lumine-
scente degli acini dei grappoli d’uva, che sporgendosi
sul bordo del vaso che li sostiene intercettano quei
raggi che in trasparenza hanno attraversato le foglie dei
piccoli tralci di vite.
Ed è la stessa luce che ne I cedri di ribera accarezza deli-
cata l’intonaco del muro di fondo per accendersi infi-
ne nell’arancio prorompente del colore dei frutti che
punteggia la base dell’opera, quasi una sorta di foco-
laio delicato e naturale, metafora della bellezza che si
produce quando l’offerta della natura incrocia la sen-
sibilità dell’artista.
Un lavoro lento e disciplinato quello di Vittorio
Emanuele, come di chi sente la responsabilità della
storia che lo ha preceduto e che l’artista ripercorre
con frequentazioni colte e impegnative, facendo inte-
ragire antico e contemporaneo, ma mai in modo gra-
tuito o capriccioso, ma sempre restituendoci d’ogni
nota dei suoi registri pittorico-musicali il timbro cro-
matico dal tono più seduttivo. Ecco allora che le cita-
zioni di opere antiche, riprodotte nell’ironica veste di
fotocopie accartocciate, paiono assumere una sorta di
fedeltà ad un’antica fonte feconda, unita alla consape-
volezza del tempo trascorso che lo spiegazzarsi della
carta sembra affermare, mentre l’utilizzo del supporto
della fotocopia che Emanuele riproduce dipingendo-
la, intesse un fecondo discorso tra l’antico insegna-
mento dell’arte e le urgenze pressanti del nostro
tempo.
Vittorio Emanuele - Cascina Robaione - Cusago
(Mi) - 02.48843062 - 335.57.82.122

SpazioErgy
Giulio Residori
Due righe di presentazione per chi non ci conosce.
SpazioErgy è nato negli anni ’90 come iniziativa ama-
toriale nell’ambito culturale e da allora ha costituito
supporto e dato incoraggiamento ad artisti giovani e
meno giovani, accomunati dal desiderio di impegnarsi,
di creare, di fare arte, ai quali non sempre era concesso
di presentare le loro opere o di
avere i riconoscimenti adeguati.
In questi anni sono state organiz-
zate oltre cinquanta mostre per-
sonali e collettive dotate di pic-
cole monografie illustrative non-
ché una dozzina di importanti
mostre, con supporto di grandi
monografie, in spazi pubblici.
SpazioErgy è diventato, quindi,
un punto di aggregazione nella
formazione di un gruppo che si
riconosce in determinati ideali
ed è un centro di valorizzazione
delle capacità artistiche dei sin-
goli; in tal senso SpazioErgy
amplia ed ingloba gli interessi
dell’Associazione Amici
dell’Acquaforte, una associazio-
ne nata nel ’93 con gli stessi
scopi ma in difesa dell’incisione
originale.
Da allora sono state esposte le
opere di un centinaio di inciso-
ri di talento anche se talora
poco noti al grande pubblico e
numerose aziende sono state
orientate alla pubblicazione di
pregiate e personalizzate tiratu-
re di grafica originale d’autore
Giuseppe Mallai per usi istituzionali e di relazione.
I supporti provengono dell’entusiasmo e dal coin-
volgimento di artisti e di alcune aziende che contri-
buiscono all’attività.
La finalità,in conclusione,è di dare supporto a talenti arti-
stici per i quali vale sempre l’invito ad un contatto con noi.
Con questo numero inizia il nostro impegno con l’e-
ditore per presentare ogni volta tre artisti esponenti
della pittura, scultura e grafica che, a nostro avviso,
posseggono queste caratteristiche. La premessa era
necessaria per meglio intendere le scelte che, in que-
sto spirito, proponiamo. Un pittore Giuseppe Mallai, CARLA DI PANCRAZIO: una piemontese ormai
uno scultore Marco Cornini, un incisore Carla Di naturalizzata veneziana, studi classici e laurea in storia
Pancrazio.Tre validi artisti. della Critica d’Arte con una formazione artistica sotto
la guida dei maestri Soffiantino e Ramella. Pittura ad
GIUSEPPE MALLAI: Un sardo, nato nel 45 a olio ed acquaforte sono le sue espressioni artistiche pre-
Bonarcado (Oristano) ma che sin da giovane ha vis-
suto all’estero, in particolare a Londra ove è rimasto
dal 66 al 72 seguendo i corsi d’arte; numerosi i viag-
gi in Europa soprattutto in Spagna ove ha vissuto per
lungo tempo con i gitani studiando i loro costumi ed
imparando a suonare la chitarra ed il flamenco.
Tornato a Milano ha frequentato l’Accademia di
Brera ove si è diplomato nel ’76 ed iniziando subito
dopo la sua attività pittorica.
Un simpatico compagno di serate il nostro Pino ma
soprattutto un professionista nell’ambito del pro-
prio lavoro pittorico che si esprime nel figurativo.
Come ben disse Mario De Micheli la sua natura è
di essere un artista che ama immaginare e rappre- Carla Di Pancrazio
sentare, cioè dare una forma alla sua fantasia, un
volto alle sue figure facendo di ogni segno una sug- dilette privilegiando tra i soggetti il ritratto e la figura
gestiva allegoria. Il tutto espresso attraverso una umana ma anche le composizioni. L’attività calcografi-
grande padronanza dello strumento colorico. Una ca comprende collaborazioni con enti e collezionisti per
pittura colta che fa di lui un artista magico ed un i quali cura personalmente la tiratura delle sue lastre e
po’ irreale. Ha il pregio di avere una cerchia di col- partecipazione con grafica ed illustrazioni alla edizione
lezionisti che ha sempre apprezzato il suo lavoro di libri d’arte a tema. Notevole ed apprezzata l’attività
tanto che il suo nome è relativamente noto al di la nell’ambito ex libris sviluppando un linguaggio intenso
dei suoi estimatori. sintesi di una meditata ricerca compositiva e di una
Ma di lavori importanti egli ne ha fatti parecchi; attenta traduzione delle esigenze del committente. Nel
dalle decorazioni del salone dell’Hotel Gallia a panorama calcografico contemporaneo Carla Di
Milano a quelle di private abitazioni di pregio, quasi Pancrazio rappresenta uno dei punti di maggior espres-
museali, dal grande ritratto di De Andrè a quello di sività di quest’arte;un segno essenziale,deciso,con effet-
El Camborio con Zeffirelli, Raphael Alberti ecc. ti quasi luminosi. Fantasia e proprietà del mezzo inciso-
oltre ad una produzione pittorica orientata in par- rio vanno di pari passo. Ne proponiamo uno dei pezzi
ticolare sui grandi quadri. più rappresentativi “Gli Orci di Brancaccio”.
Dal 18 settembre al 14 novembre una grande mostra
corredata da monografia antologica è aperta a Serra
dé Conti bellissimo paesino nelle Marche, con i suoi
lavori più recenti.
Una quarantina di quadri, nel complesso, realizzati
negli ultimi cinque anni. Una occasione per vedere
ed apprezzare il lavoro di un artista impegnato e non
allineato.
MARCO CORNINI: scultore della nuova genera-
zione (è nato nel 66) è considerato a ragione uno dei
più promettenti artisti di lavori in terracotta. E con la
terracotta egli racconta la contemporaneità di un
mondo ove i personaggi sembrano assenti, drammatica-
mente soli ed incomunicabili, moderni nella foggia ma
vuoti. Peraltro di una grande bellezza ed attrazione.
Cornini è ormai un talento sbocciato e con riconosci-
menti anche sul piano internazionale. Ne proponiamo
un opera realizzata una decina di anni fa in occasione di
una mostra a SpazioErgy (La meraviglia). Un cammino Marco Cornini
da allora sempre più ricco di soddisfazioni.

Maggiori informazioni possono essere fornite a SpazioErgy, Corso Sempione 63 tel. 023311009 o nel sito www.spazioergy.it.
Le foto sono state eseguite con Fotocamera Digitale Caplio RX della Ricoh.
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Dialogo tra un artista un critico e un’antropologa
In occasione dei due eventi espositivi di Claudio Rotta Loria
— il primo a Biella presso la Galleria Zaion dal 25 settem-
bre al 6 novembre p.v., il secondo a Thonon Les Bains, presso
la Chapelle de la Visitation, dal 12 novembre al 12 dicembre
p.v. — riportiamo alcuni brani dell’intervista-colloquio tra
l’artista, il critico Francesco Poli e l’antropologa Franca Pre-
gnolato.
Franca. Ciò che ha sempre caratterizzato Claudio e il
suo lavoro, è stato il non rinunciare mai all’idea che
Equatore l’arte sia impegno di costruzione di senso e di cultura,
(installazione) via della conoscenza. Che la ricerca di senso e di bellez-
Museu de Belles Arts za attraverso la visione sia etica in se stessa e spinta vo-
de Castellò, Spagna
cazionale estranea a influenze di altra natura e ai
conformismi del momento.
Claudio. Quando ci siamo conosciuti — era il ’69 —
c’era chi abbandonava l’arte per dedicarsi alla politica,
poiché il clima ideologico dei tempi irrideva ad ogni
tipo di poetica. Personalmente, affascinato dalle qualità
sintetiche dell’astrazione, abbandonavo la figurazione e
sceglievo la sfida didattica e gli spazi della ragione, pie-
namente convinto - lo sono ancora - che l’arte possa e
debba educare alla visione, a quelle soglie percettive
minime che definiscono l’esperienza estetica.
Francesco. Sono per te gli anni delle griglie ambigue,
delle superfici incise, delle spazializzazioni di forme
geometriche elementari, dei colori primari, dei ma-
teriali leggeri e comuni come la carta, delle variazio-
ni cromatiche minime. Cominci allora a costruire
grandi forme nello spazio, valorizzando la terza di-
mensione - peraltro già presente nel periodo della
tua formazione artistica -, l’uso della luce riflessa dei
colori fluorescenti sul quadro e della luce al Wood,
insieme ai primi interventi ambientali nelle strade e
nelle piazze (allora non si usava il termine installazio-
ne) e all’uso della fotografia nella ricerca sui gesti.
Claudio Rotta Loria
Scelte paradigmatiche di molte esperienze successive.
Franca. Nella Torino degli anni ’70 pochi resistevano
alle seduzioni ideologiche o di mercato del momento.
Erano artisti non allineati che difendevano la loro iden-
tità, oggi sorta di Indiani d’America dell’arte contem-
poranea, il cui patrimonio di conoscenze ne fa — co-
me i classici visti da Pontiggia — schegge del nostro
prossimo futuro. Aveva ben capito le potenzialità di
quel tipo di ricerca artistica il primo governo socialista
del Portogallo, la cui azione di rifondazione culturale e-
ra promossa in modo efficace in un manifesto su cui
campeggiavano alcuni simboli elementari: un triango-
lo, una matita e un righello. E che nel luglio del ’75, in-
vitava Claudio a una mostra itinerante tra Viana do Ca-
stelo, Porto e Lisbona. Un’esperienza tra le più vive e
interessanti di quegli anni.
Claudio. La fase successiva, è stata invece caratterizzata
dalla riscoperta delle mie radici spirituali. Ciò ha
rinforzato un aspetto del mio lavoro che non solo per-
mane, ma è diventato il filo conduttore irrinunciabile.
Fare cultura non basta, compito primo dell’arte è “fare
anima”, sapendo evitare le ristrettezze e i conformismi
del momento, per esprimere dimensioni più profonde.
Francesco. Dagli anni ’80 in poi questo aspetto si espri-
me con forza nelle opere tridimensionali di grandi di-
mensioni, nei frammenti azzurri di mandala — simbo-
lo dell’incontro tra uomo e Dio, di ricerca interiore —
che collocavi sulle pareti, tra muri e porte, disposti a
terra, appesi come vele ai soffitti di gallerie e di cappel-
le, intorno ai pilastri dei centri culturali, agli alberi del-
le stazioni, dentro fienili o chiese sconsacrate, sotto i
tetti delle case, nelle gabbie di zoo smantellati: ovunque
lo spazio contenesse le relazioni strutturali, i pieni e i
vuoti che consentivano di dare un senso a quelle che in
quegli anni cominciavano a chiamarsi “installazioni”.
Claudio. Proprio così. E dentro i quadri — il pane
quotidiano — riproponevo gli stessi aggetti, i fili in ten-
sione dai colori fluorescenti in luogo dei neon o delle
fibre ottiche, le stesse simulazioni di spazi inesistenti, ma
percepibili. Senza dimenticare le forme bianche, la mo-
dulazione seriale, in uno sforzo continuo d’integrazio-
ne di codici espressivi.
Franca. Sono stati anni intensi di ricerca di sintesi con
altre culture estetiche, ad esempio l’arte d’Oriente, che
“sa trasformare il gesto del braccio che dipinge l’albero
nel movimento dell’albero”. Di
riflessione sull’uso del segno e
del colore, di pittura scrittura del
mantra: quanti i metri quadrati
di tela su cui la disciplina della
sua mano ripeteva all’infinito,
con colori dominati dall’azulete,
la frase sacra che trasforma il fare
arte in contemplazione!
Claudio. Sì, e anche anni di cre-
scita consapevole, nei quali mi
16-24 OTTOBRE 2004
sono confrontato con il valore
del limite, in cui ho cercato le
condizioni che danno senso e si-
ANTIQUARIATO
gnificato all’installazione, quelle
XVIII MOSTRA MERCATO
NAZIONALE
che esprimono lo spirito dei luoghi. Ricerca che, oggi,
mi regala la libertà di un viaggio nel quale provo a dise-
gnare nuove geografie, nuovi orizzonti e nuove terre e
nuovi cieli.
Francesco. Dagli anni ’90 in poi, il tuo lavoro si caratte-
rizza, in effetti, per nuove e inaspettate geometrie, per
uno sforzo di valorizzazione del simbolismo e al tempo
stesso di mantenimento della continuità con l’astrazio-
ne. C’è anche il ritorno della fotografia come mezzo e-
spressivo. Penso alle foto aeree di Insula, sospesa al cen-
tro di un fascio di luce; a “L’equatore”, quindici metri
di geometrie destrutturate che lievitano intorno al loro
asse.Agli archi di terre o al grande metro per le “misu-
re giuste”. Una ricerca nella quale permangono conti-
nuità e innovazione.
Franca. A questo va aggiunto il dialogo ininterrotto sui
contenuti del mio lavoro di ricerca: l’uso culturale del-
lo spazio, le modalità della visione, la prossemica come
disciplina scientifica e dimensione del fare e del vivere
quotidiano. Per un’arte non intellettualistica, come
qualche critico decerebrato di nuova generazione ma-
gari pensa, bensì densa di cultura e alla ricerca di nuovi
fondamenti, oltre che di più solide fondamenta.
Francesco. Negli ultimi tempi lavori su un segno/gesto
che pare una piroetta, un archetipo assopito nel profon-
do. E’ un segno/gesto efficace, inatteso e attivo. Il dina-
mismo, l’essenza di molti tuoi ultimi lavori, richiamano
la rotondità della vita, il suo movimento originario, che
è poi quello di un viaggio che ricongiunge a sé. L’e-
quatore, in particolare, diventa moto cosmico, segno in
evoluzione, firma e graffito insieme.
Franca. Quando si affronta la rotondità, ciò che si evo-
ca è la carezza, la cura, l’attenzione. In natura viene det-
ta neotenia: forma capace di suscitare protezione. Il la-
voro di Claudio esprime anche la dimensione persona-
le di chi ha cercato di vivere con interezza vita privata e
vita professionale. E con delicata poetica e passione arte
e vita affettiva.
Claudio. In fondo credo che l’affettività sia l’essenza di
ogni ricerca e dell’arte stessa. E credo anche che l’arte
impegni a custodire il sentimento più dell’emozione,
l’incanto più che stupore o meraviglia. L’arte regala sus-
sulti di giovinezza costantemente. Protagonista del mio
lavoro di questi tempi è un segno/gesto semplice e spe-
ciale: è l’abbraccio e il calore della sua energia.
con il patrocinio del Comune di Vaprio d’Adda

Villa Castelbarco
Vaprio d’Adda (MI)
ORARI:
Lunedì, Martedì, Mercoledì, Giovedì 15.00 - 20.00
Venerdì 15.00 - 23.00
Sabato e Domenica 10.30 - 20.30

INFORMAZIONI: Tel. 02/90965254 - Fax 02/90965212

www.villacastelbarco.com
Autostrada A4 (MI-VE) uscita Trezzo sull’Adda
Ingresso aperto al pubblico a pagamento

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Valentino Vago
La pittura murale civile e religiosa
Giacomo Lodetti
È consuetudine alla libreria Bocca fare la conoscenza
di un artista quando viene pubblicato un libro sulla
sua attività, dal momento che la vetrina affacciata sulla
Galleria Vittorio Emanuele II è rituale meta di osser-
vazione a Milano degli appassionati dell’arte. Lo è
stato per Walter Valentini che ha illustrato le poesie di
Leopardi in una raffınata edizione dell’editrice Una
Luna, per Mario Ceroli che ha realizzato una serie di
disegni per il volume di poesie Anima perduta di
Adriana Iftimie e per Luca Pignatelli che ha realizza-
to sei belle tavole per le poesie di Alda Merini
L’occasione quindi dell’uscita del volume di Laura
Salandin, Valentino Vago. La pittura murale civile e religio-
sa, edito dalle Edizioni SINAI, € 19, ha portato il
grande artista ad oltrepassare l’ormai mitica Porta del
Sole. L’aggettivo solo apparentemente esagerato si
addice particolarmente all’ingresso della Bocca, dopo
l’erudita citazione che le ha dedicato Luisa Cogliati
Arano alla presentazione di un’edizione delle Favole di
Esopo illustrata da Nico De Sanctis, il suo creatore. Si
contano ormai a decine le segnalazioni nel mondo, su
riviste specializzate in Moda e Arte, della Porta del Sole
che un industriale cinese, titolare di una catena di
ristoranti a San Francisco, ha persino clonato come
accesso ai suoi locali. Per la prima volta ho così fatto
la conoscenza di Valentino. Un uomo alto, possente,
distinto e dai tratti signorili che incedeva lentamente
appoggiato al bastone. Fronte ampia e rari capelli
canuti che fanno da orizzonte ad un volto dal dolce
sorriso rassicurante. Alle prime battute di una rapida
conversazione di rito percepivi immediatamente la
sua profonda cultura, più che profonda, vissuta.
Pensieri che raramente riesce a confrontare con un
qualsiasi interlocutore, assai raro da trovare nella
società odierna, scarsa di luoghi d’incontro per il pia-
cere del solo conversare, capace di condividere o
meno un’opinione sulla pittura. Potrebbe sembrare un
orso ma non è così e io ne apprezzo idee e realizza-
zioni. Da allora ho avuto molte occasioni d’incontrar-
lo. L’ultima l’ha visto coinvolto con gli amici Borioli,
Della Torre, Olivieri, Raciti e altri, in una mostra di
cui si parlerà più in futuro che oggi, per essere stata la
prima, finanziata dai commercianti per il rilancio della
Ho conosciuto Ettore Moschetti tra i ragazzi.
Insegnava loro a incidere, tagliare, modellare, colora-
re; insegnava a prendere materiali e non guardarli più
per quel che sono, dentro gli oggetti di uso comune,
bensì a considerarli strumenti per costruire mondi
esteriori e interiori, e ricercare figure (perché la figu-
ra umana, nascosta, ammiccante, velata o “sindone”
che sia, sta sempre al centro della sua personale ricer-
ca artistica, anche quando strizza l’occhio all’infor-
male!). Così ho visto nascere un frontone di
Partenone in grandezza quasi naturale, dove Fidia
vibra per la scossa elettrica dell’oggi; e prima ancora
ho visto un pannello, due pannelli in formica che
riassumono le convulse e geniali rivoluzioni
dell’Otto-Novecento artistico. Ho visto questi lavo-
ri dare vita e colori ad uno strano edificio in mattoni,
che i ragazzi abitano…
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Galleria Vittorio Emanuele II. Fino al giorno in cui
mi disse: “Giacomo devi venire a vedere cos’ho fatto
a Rovello” “A una condizione Valentino che guidi tu
perché io odio il traffico”.
Raggiunto l’accordo sul giorno e sull’ora mi reco in
via Aldrovandi, saliamo sul suo mercedes che ha qual-
cosa del suo padrone, come gli animali del film di Walt
Disney La carica dei 101, e in meno di mezz’ora arri-
viamo a destinazione. In macchina ci siamo racconta-
ti quasi tutto quello che c'è da raccontare della pro-
pria vita e così ho appreso che Valentino è nato a
Barlassina nel ’31, che come molti altri suoi coetanei
aveva frequentato e terminato gli studi all’Accademia
di Brera. Aveva 29 anni alla sua prima personale, tenu-
ta in una Galleria di Milano, famosa negli anni ’50 ma
che oggi non esiste più, l’Annunciata. Fu Guido Ballo,
autore del libro Occhio critico, a presentarlo. Fuori dai
molteplici movimenti artistici e indipendente di pen-
siero, Vago si caratterizza come artista autonomo e
originale. Adesso che lo conosco meglio direi anche
ispirato, come un profeta di una pittura che deve
ancora venire ma che lui ha visto e vede, avendo la sua
anima oltrepassato tutti gli umani orizzonti. Già per-
ché Vago “cerca la luce dell’Universo”, non gli si può
dire, quindi, cos’è o cosa faccia perché lo sa benissimo
da solo e regge le proprie teorie con una rete di soli-
de conoscenze, tanto in filosofia quanto in storia delle
religioni. Arrivato a Rovello Porro ho avuto la più
suggestiva esperienza della mia attività di libraio d’ar-
te. Due realtà distinte ma tra di loro complementari e
conseguenti mi hanno sorpreso in un luogo fuori dal
mio pensiero, abituato come sono a vivere nel centro
di Milano e nel cuore di problemi caratterizzati dal-
l’ansia, dall’incertezza e dalla frenesia. La Chiesa dei
Santi Pietro e Paolo e don Maurizio Corbetta, il suo
parroco da 15 anni. Se non ci fosse don Maurizio non
ci sarebbe stato il lavoro di Vago, né quello di Bodini,
autore in quella chiesa di un altare da favola, opere
d’arte entrambe che entrano in dialogo col credente
come desidera lui, don Maurizio. Né la Chiesa vivreb-
be di quello spirito capace di “dire” Dio a tutti colo-
ro che vi entrano, spirito che riconduce ai primi
tempi del Cristianesimo. Quando uomini parlavano
Ettore tra i libri
Franco Signoracci
Ma il suo insegnamento non è che la punta di un
iceberg del grande, aperto lavoro di ricerca che
Moschetti porta avanti. Perché Ettore dipinge, ma
non solo: lavora con materiali diversi, che sotto le sue
dita prendono una densa e calda consistenza (si trat-
ti pure della luce, come diremo), per costruire forme
plastiche dentro cui lotta la sua ricerca espressiva. Di
fronte ai suoi lavori si ha sempre l’impressione di
scorgere un mistero che ammicca, sorride, ma chie-
de di essere svelato nella sua profondità. Così è l’ar-
te, così è l’uomo. Sorride, ma quanta vita e quanta
esperienza dietro quegli occhi, che colgono nel
colore e nei materiali vie da indagare a fondo, come
testimoniano anche le sue mani da artista-artigiano.
I miei non sono solo ricordi: ho avuto la fortuna di
visitare di recente lo studio di Ettore Moschetti e ho
percepito lungo quali direttive prosegua la sua ricer-
ca, tra riprese del passato, della sua storia artistica per-
sonale, e straordinarie aperture a temi nuovi.
Così da grandi quadri (di una originalissima tecnica
puntillistica) guardano grandi volti dagli occhi enig-
matici (è l’occhio scuro di Modigliani?); così finestre
reali, ma aperte sul passato, trattengono frammenti di
immagini, còlti dalla vita che scorse dentro quelle
mura; così figure umane primigenie, quasi epiche,
nascono dall’informale, che libera il gesto e accresce
l’intensità espressiva. Così, infine, grandi lampade
(una nuova via aperta dall’artista) fondono assieme
metallo, disegno e luce, e sembrano piegare in onda
morbida la luce stessa… Che ci sia in questi lavori
anche l’influenza di Margareta Niel moglie di Ettore
e della sua preziosa ricerca sul gioiello d’arte e sul-
l’argento? Credo proprio di sì: dopo tutto, assieme a
Margareta, Ettore ha già realizzato opere, allestimen-
ti, mostre: felici incontri di luce, colori, gioielli e
ferro. Dentro questa varia attività creativa l’artista sta
31
ad altri uomini e insieme affron-
tavano una vita che è sempre
stata ostile. Classe 1956, Corbetta
è il parroco dei primati. Giovane,
colto, appassionato, cordiale e
collezionista. Non per dire, ma la
sua raccolta di musica classica, dal
Canto Gregoriano agli autori
contemporanei come Arvo Pärt,
accumula ben 29000 CD.
Per chi volesse contattarlo, so
che gli farebbe piacere, per vede-
re la chiesa, per conoscerlo o solo
per sentire una sua messa, questo
è il suo email mcorbe@tin.it.
Entrato nella chiesa in compa-
gnia di Valentino, vengo avvolto
dagli Atti degli Apostoli, un affre-
sco, a spruzzo con aerografo,
tamponi di garza e pennello, di
colori acrilici misti a tempere, di
ben 7000 mq. Pittura di pura
luce, che interessa l’intera vasta
chiesa, dalle pareti ai soffıtti e alle
volte. Immerso in quell’ambiente
ho provato un sentimento non descrivibile ma che
potrebbe ricordare lo stato d'animo degli Apostoli,
quando sul monte degli ulivi, coi volti e gli occhi rivol-
ti al cielo, assistevano più sorpresi che felici, all’ascen-
sione di Cristo. Avevo l’impressione di lievitare guar-
dando le pareti colorate, non sentivo più il pavimento
sotto i piedi e mi domandavo come un uomo, non più
giovane, avesse potuto concepire e realizzare un lavoro
simile che sembrava uscire direttamente dal pensiero,
senza passare attraverso un disegno, una traccia, una
sinopia, una qualsiasi guida e fissarsi con una potenza
strutturale incredibile ai muri. In poco più di un anno,
tra il 2001 e il 2002,Vago ha realizzato, salendo sui tra-
batelli alle 5 del mattino, scendendone al calar della
luce, questo capolavoro che invito il lettore ad andare a
visitare. Il libro, per il tema trattato e correttamente
enunciato nel sottotitolo, parla di questa Chiesa, della
Cassa Rurale di Barlassina, della parrocchiale di San Giulio,
dei tanti negozi, soffıtti e pareti affrescati dappertutto.
Avrebbe meritato una dimensione maggiore per trasmette-
re in parte la comunicabilità delle opere diVago e le imma-
gini a colori avrebbero meritato maggiore luminosità per
l’identico motivo.Giudizio in ogni caso positivo per il meti-
coloso lavoro dell’autrice, per la selezione dei testi, definiti-
vo quello di Luciano Caramel e per le schede delle opere.
vivendo una nuova, feconda stagione si scorgono
però delle costanti: e sono le figure. Soprattutto le
forme umane, che attraversano l’opera di Moschetti
come immagini epiche e originali (nel senso etimo-
logico, che stanno all’origine), dentro cui vi è certo
il gioco delle sue personali radici partenopee, ricche
di frammenti di classicità, e — chissà — forse anche
il suo destino.
Quello racchiuso in un nome antico: perché tutti noi
abbiamo ammirato il divino Achille, ma abbiamo
amato l’umano, umanissimo Ettore! Ora, a partire dal
25 settembre, potremo vedere alcune opere di
Moschetti esposte nel prezioso
spazio della libreria Bocca, in
Galleria: saranno grafiche e
alcuni quadri.
Quella sera stessa verranno pre-
sentati per la collana “I
Girasoli”, diretta da Franco
Colnaghi, edita dalla libreria
Bocca due volumetti: nel primo
Moschetti accompagna una
poesia di Biagio Cepollaro, nel
secondo Margareta Niel accosta
piccole, preziose, coloratissime
onde d’argento a un mio breve
racconto… e per me è un pia-
cere e un onore “uscire” assie-
me a questi due artisti e amici!
Da ultimo, Ettore Moschetti e
Margareta Niel saranno presen-
ti con le loro realizzazioni (assieme ad altri artisti)
anche nello spazio espositivo di via Solferino 31, a
partire dal 10 ottobre.
Quest’autunno Ettore tra i libri, dunque. Ma anche
Ettore a Milano.
JOHANNES HANNOT
Leiden 1633-1685

PER L’ARTE