Galleria Schubert

Piersandro Coelli
Domani è un altro giorno,
forse ...
 A Lalla Schubert Lilloni
che conosce quale sia il sentimento della pittura

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Organizzazione eventi espositivi Maria Grazia Iannacchino

Assistenza tecnica Valentina Gentile

Patrocinio

Patrocinio Comune di Arluno

Fotografie S. M. Rodinò

Progettazione allestimenti arch. Adalberto Schubert

Coordinamento editoriale Nicole Cavazzuti

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© Galleria Schubert
via fontana 11
20122 Milano MI
tel +39 0254101633
www.schubert.it

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Piersandro Coelli

Domani è un altro giorno,

forse ...

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Un attimo discese e si librò
e durò molto più di un attimo
John Steimbeck

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Indice

7 Daniela Benelli
9 Luigi Losa
11 Valerio Adami: per Piersandro
15 Roberto Roda: Un sessantottista non sessantottino
23 Ettore Ceriani:Piersandro Coelli, Elogio della semplicità
33 Simonetta M. Rodinò: intervista Piersandro Coelli
43 Carlo Castellaneta: Versi erotici per Coelli
45 Opere
67 Rassegna critica
75 Esposizioni

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L'esperienza artistica di Piersandro Coelli ruota attorno a due forze: la prima è quella del suo estro e della sua passione, instancabi-
li, che hanno prodotto decine di personali in Italia e all'estero; la seconda è la costanza delle sue immagini e dei suoi motivi icono-
grafici, che caratterizzano uno stile e parlano un linguaggio suo, molto connotato.
Ma definire uno stile in modo univoco non è sempre facile. Soprattutto quello di Coelli, che ha impatto perché attinge a fonti diver-
se, mischiandole e riposizionandole con fantasia crescente: la grafica pubblicitaria, il fumetto, la foto, il collage, un "brain storming" di
citazioni arstiche, il vintage. Il risultato è un racconto artistico lungo una vita, dominato da donne seduttrici e da situazioni narrative,
che mescolano una certa ironia e uno sguardo ammiccante sulle cose, le persone, gli accadimenti. L'ironia è un'arma. Lo è nella paro-
la scritta e lo è anche nella pittura. Coelli allude, annuisce, compone e smitizza. Questo mi sembrano le sue figure femminili, donne
che giocano con l'essere guardate e che rimandano un gioco di specchi e di illusioni. Una specie di fotografia delle relazioni umane
in generale, costruite su mascheramenti progressivi e concatenati. Guardando le opere di Coelli viene da pensare anche agli anni
Settanta, ad un'epoca in cui l'immagine pittorica era ancora dominante, prima dell'esplosione della televisione e dello strapotere del
cinema hollywoodiano. Un'immagine spesso simile ai fumetti, ma con una sua identità e dignità. Oggi le tecnologie digitali hanno sop-
piantato il disegno e la manualità iconografica, togliendoci un po' di quella poesia del fumetto che non era privilegio solo dei bambi-
ni.

Daniela Benelli
Assessore alla Cultura
Provincia di Milano

“Senza titolo” pagina seguente: dettaglio

2002 “Senza titolo”
cm 25x35 2004
ecoline su carta cm 60x70
ecoline su carta

7
8
Piersandro Coelli è un artista eclettico e ironico. Il suo linguaggio è talmente ricco di sfumature e tutt’altro che scontato, da costrin-
gere il suo interlocutore - noi spettatori – a sintonizzarsi sulla sua lunghezza d’onda. Ma proprio in questo stanno la difficoltà e il
fascino delle opere di Coelli: il codice interpretativo non è immediato, tanto che il messaggio che ne deriva, apparentemente com-
preso, si rinnova ad ogni osservazione.
Non può che essere l’ironia la chiave di lettura delle opere di Coelli, il motore che guida la scelta delle sue composizioni e la sua
arte, che passa attraverso diverse tecniche per comporre una realtà di cui ci dà un’interpretazione smitizzata e disincantata.
L’impressione è che questo gioco di immagini, questa scelta di figure fantasticate, queste opere sognanti e poetiche siano il frutto di
un divertimento lavorativo che Coelli costruisce giorno dopo giorno, con passione e precisione, nel suo atelier milanese.
E lo spazio diventa il luogo dove maggiormente si attualizza l’ironica realtà dell’artista e della sua arte: il piccolo laboratorio creativo è
la fucina della fama internazionale e sconfinata di un autore che ha già esposto in tutto il mondo; lo sfondo infinito e neutrale delle
sue opere è il luogo che ospita le figure ben delineate delle sue donne, tanto sensuali quanto illusorie, di fronte alle quali sicura-
mente mai si resta neutrali.
In questa fumettistica realtà Coelli ci invita ad entrare, quasi fossimo in un sogno parallelo, per cogliere appieno i suoi messaggi, tra-
smessi con un codice personalissimo che l’autore ancora sa utilizzare, andando oltre le apparenze su cui spesso si poggia la nostra
quotidiana realtà.

Luigi Losa
Sindaco di Arluno
“Senza titolo“
2002
cm 25x35
ecoline su carta

10
Per Piersandro
Valerio Adami

11
“Senza titolo “
2001
cm 25x35
ecoline su carta

12
“Senza titolo “
1998
cm 50x50
ecoline su pastale-
gno

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UN S ESSANTOTTISTA
NON S ESSANTOTTINO
R O B E RT O R O D A

15
Roberto Roda|UN SESSANTOTTISTA NON SESSANTOTTINO

Senza titolo: dettaglio

2000 cm 70x50
tecnica mista su tavola

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Piersandro Coelli non è un artista facilmente etichettabile.
Eppure qualcuno, cogliendo i legami linguistici e stilistici che le
sue opere instaurano con gli universi dei cartoon e del fumetto,
lo ha sbrigativamente ascritto alla Pop-Art, o meglio alle nutrite
schiere dei figli e dei nipotini di Lichtenstein, Ramos. Warhol,
Wesselmann. Fermandosi ad alcune apparenze più superficiali v'è
anche chi nelle sue pitture ha ipotizzato consequenziali asso-
nanze con l'italiano Valerio Adami. Ma sarà proprio vero? La cri-
tica d'arte contemporanea è un territorio così labile, e spesso così
volutamente impreciso, che tutto e il contrario di tutto può alla
fine, per ragioni di mercato, trovarvi giustificazione. Di certo
Piersandro Coelli è un trickster colto, che nelle sue opere allesti-
sce un reticolo di provocatori dialogismi intertestuali, usando rife-
rimenti che non appartengono solo all'universo dell'arte contem-
poranea, ma anche (seppur non esclusivamente) alla comunica-
zione popolare (dai cartoni animati ai fumetti, dalle stampe d'e-
Senza titolo Senza titolo
2002 1998
cm 25x35 cm 60x50
ecoline su carta ecoline su pastalegno
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poca alla pittura dozzinale di genere, dalla fotografia editoriale al
cinema…) sicché i riferimenti a Tizio, Caio e Sempronio si mol-
tiplicano e si stratificano, ovunque sparsi a piene mani.
Rintracciarli, riconoscerli può per l'osservatore diventare un gioco
coinvolgente, divertente, affatto banale. Per poter pienamente
cogliere i sottintesi, chi guarda deve però entrare nel gioco sug-
gerito dall'artista, soprattutto comprendere che non si tratta di
mere citazioni, ma per l'appunto di dialoghi. Per "leggere" appro-
fonditamente Coelli bisogna accettare gli sconfinamenti discipli-
nari e superare le apparenze.
Per tentare di spiegare meglio il gioco intellettuale di Coelli devo
introdurre alcune considerazioni. Se osserviamo un dipinto del-
l'artista confinandolo nella dimensione della sola pittura contem-
poranea i rimandi ad Adami possono apparire plausibili, ma se
si tiene conto dell'imprinting che gli studi di architettura hanno
lasciato all'artista nato ad Arona, riesce più chiaro perché molte
Senza titolo
2005
cm 50x60 dettaglio
ecoline su carta
Roberto Roda|UN SESSANTOTTISTA NON SESSANTOTTINO
sue realizzazioni presentino una vocazione innegabile all'arredo.
Se si guardano le opere coelliane dal punto di vista differente
dell'arredo e del design, si aprono nuovi imprevisti dialoghi. Adami
magari si eclissa e pare insinuarsi la lezione di Ettore Sottsass
jr. e dell'esperienza di Memphis. Quello che Sottsass ha soste-
nuto nei riguardi del disegno industriale (il design è un modo di
discutere la vita. È un modo di discutere la società, la politica, l'e-
rotismo, il cibo e persino il design. Infine, è un modo di costrui-
re, una possibile utopia figurativa o di costruire una metafora
della vita) si adatta bene all'agire artistico di Piersandro ( si pro-
vino a sostituire le parole pittura o arte al termine design), a patto
di accettare che la discussione possa contemplare anche una
salutare dose d'ironia, di intelligente sberleffo, di lucida e amabi-
le follia. Se supponiamo che Coelli stia dialogando non solo con
il mondo della pittura e del design ma anche con quello dei car-
toon e del fumetto, si può scoprire che invitati a conversare nel
salotto dell'artista, non ci stanno solo Adami e il guru Sottsass,
ma anche, bene in vista, Heiz Edelmann, il geniale artista
cecoslovacco che firmò la grafica di "Yellow Submarine", rivolu-
zionario capolavoro dell'animazione filmica (1968) e persino
Benito Jacovitti, l'esilarante disegnatore del "Vittorioso" e dei
“Meriggio a Bellaria con mareggiata e reggiseno”: dettaglio
2007
cm 40x50
tecnica mista su tela dipinta
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fumetti di Cocco Bill e Zorry Kid. Piersandro tappezza le sue pit-
ture di calzini ben sapendo che proprio un calzino fu il soggetto
di una delle prime opere di successo di Roy Lichtenstein (Sock,
1961). Ma poi questa icona, che sta alle origini della Pop-Art,
viene moltiplicata (e irrisa) usandola allo stesso identico modo
con cui il disegnatore del "Vittorioso" punteggiava le sue caoti-
che tavole fumettate di salami e lische di pesce. Per non dire dei
cerotti che segnano i personaggi jacovittiani così come le gambe
delle avvenenti pin-up di Coelli. Sono dialoghi sottili, forse persi-
no snob, mai urlati piuttosto bisbigliati, quelli instaurati da Coelli:
affermano le contraddizioni di un artista serio che non vuole
prendersi troppo sul serio.
Coelli è partecipe, italica punta di diamante, di un movimento arti-
stico internazionale a cui non viene dato statuto ma che, non per
questo, è inesistente: certo non ha manco un nome sicché
debbo, per ragioni comunicative, inventarmene uno.
Sessantottismo, mi pare adeguato. I suoi aderenti, spesso così
inconsapevoli da non riconoscersi nemmeno fra di loro, non sono
assolutamente da confondersi con i sessantottini e i post-ses-
santottini che sono, in Italia reduci patetici e un po' obnubilati,
troppo spesso riconvertiti alle politiche del potere. I sessantottisti,
invece, amano gli anni cinquanta-sessanta, non per acritica
nostalgia ma perché vi riconoscono lo splendore delle loro origi-
ni intellettuali, non necessariamente anagrafiche. I sessantottisti
sono persone colte e curiose e sanno bene che la cultura (degli
altri) è spesso come la marmellata (meno ce n'è più la si spal-
ma): per questo vedono, come fumo negli occhi, quei politici che,
pur senza aver mai indossato l'uniforme nazista, ogni volta che
si imbattono nella parola cultura fanno incredibili sforzi di auto-
controllo per fingersi democratici e non tirar fuori la luger. I ses-
santottisti non stanno necessariamente a gauche, ma inneggia-
no concordi al potere dell'immaginazione e della cultura, consa-
pevoli che, con l'aria di restaurazione che ha iniziato a soffiare
forte, occorre davvero un grandioso miracolo perchè l'immagina-
zione possa andare al potere. E gli eventi miracolosi si sa mica
capitano tutti i giorni. Per questo stanchi di sorbirsi l'isola dei
famosi alla tv, i sessantottisti italiani sono magari disposti a fare
scalzi un pellegrinaggio sino a Bologna per assistere alle epifa-
nie (teatrali) della Madonna che piange sperma sfidando le ire e
le messe riparatrici del vescovo felsineo e persino gli sproloqui
dell'onnipresente Vittorio degli Sgarbi che dalle pagine del Carlino
invoca le patrie galere non già per chi truffa, depreda, ruba e vio-
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lenta ma per gli artisti che si lasciano sedurre da laici pensieri
irreligiosi (certo che, a pensarci bene, la fantasia del Vittorio
nazionale non ha limiti: che anche lui sia da ascrivere alle file
sessantottiste? Mah!).
I sessantottisti sono fermamente e politicamente scorretti, ma
non amano la violenza reale, semmai adorano quella eccessiva,
parodistica e sublimata della pulp-fiction perché sono convinti che
un sorriso impertinente sia, alla fine, l'arma migliore. Agli avver-
sari rivolgono il motto: una risata vi seppellirà. Il Sessantottismo
ha patriarchi nobili, assolutamente tricksterici: per capire di cosa
stiamo parlando occorre ricordarsi almeno di Curt Stenvert
(Vienna 1920-Köln 1992 ) e delle sue irridenti installazioni degli
anni sessanta, dei film di Russ Meyer (Oakland 1922-Hollywood
2004), di certe poesie di Lawrence Ferlinghetti (New York 1919),
di Bruno Vidoni (Cento 1930-2001), fotografo e pittore emiliano,
che nei primi anni settanta costruiva nella pianura padana falsi
reportage sul Vietnam e le rivolte irlandesi per dimostrare che la
fotografia di guerra non la racconta mai giusta e dieci anni più
tardi dava forma, per riflettere sulla credulità di massa, ad un inte-
ro inesistente paese, Santa Bladina in provincia di Forlì (sic!), con
tanto di santa patrona e cultualità annessa tipo santini, ex voto,
Roberto Roda|UN SESSANTOTTISTA NON SESSANTOTTINO

che qualcuno ancora oggi prende per buoni. Una performance
artistica protrattasi per diversi anni, con svariati differenti episodi
e culminata nella partecipazione poco oltre la metà degli anni
ottanta ad un mega-convegno nazionale sulla cultura degli enti
locali in qualità di assessore del Comune di Santa Bladina! Il
Palmiro Cangini, immaginario assessore del comune di
Roncofritto del comico romagnolo Paolo Cevoli avrebbe visto i
natali ben più di un decennio più tardi.
Per capire il Sessantottismo occorre rispolverare la lezione di Dino
Buzzati (San Pellegrino1906-Milano1972) che nelle premesse a
Poema a Fumetti (1969) prendeva per i fondelli i suoi più bor-
ghesi e perbenisti lettori ringraziando, fra gli artisti di assodata
fama che l'avevano "altamente" ispirato, anche Irwing Klaw e
Mademoiselle Féline, pornografo statunitense il primo, caraibica e
prorompente spogliarellista la seconda. Il Sessantottismo non è,
come si può facilmente capire uno stile artistico e men che meno
pittorico, ma un modo di sentire, una filosofia di vita contro la
stupidità e l'omologazione, senza rifiutare la modernità. I sessan-
tottisti non sono dei goliardi e nemmeno dei nostalgici piuttosto
dei resistenti. La loro lotta è quella di chi (ricordate i Fab Four di
Yellow Submarine) si ostina ancora a combattere i Biechi Blu, tutti
quegli zombi che vogliono ridurre il mondo ad una grigia mono-
tonia. Oggi fra i nomi attivi in questo movimento di idee che attra-
versa arte, letteratura, cinema, fumetto ascriverei per parte inter-
nazionale (ovviamente a loro insaputa) il cartoonist Matt Groenig,
creatore dei Simpson, i registi Robert Rodriguez (sessantottista
assai più del suo amico Quentin Tarantino), i Thierry e Didier
Poiraud di Atomik Circus, il Jim Jarmush di Coffee and Cigarettes,
lo scrittore francese Daniel Pennac e ancora, per rimanere oltral-
pe, il disegnatore e soggettista David B. e ancora Joann Sfar
quando, insieme al già citato B., racconta a fumetti le storie di
Urani, la città dei brutti sogni. Ma la lista corre il rischio di diven-

“Solitudine ai margini del bosco con ombrello” “Senza titolo” “Senza titolo”
2006 2007 1996
cm 50x60 cm 17x24 cm 50x35
tecnica mista su tela dipinta tecnica mista su carta ecoline su pastalegno

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tare un elenco telefonico se entriamo nella pittura e nell'arte con-
temporanea: il sudafricano Conrad Botes, l'inglese ma berlinese
d'adozione Mattew Hale, il tedesco Fabian Weinecke, le bulgare
Boryana Dragoeva e Alla Georgeva, tutti questi artisti presentano
in molte loro realizzazioni spiccate tensioni sessantottiste. Nel
Sessantottismo italiano ci stanno dentro fino al collo l'iiridente
pittore e scultore novarese Corrado Bonomi, gli incontenibili arti-
sti torinesi Plinio Martelli e Titti Garelli (separati nella produzione
artistica ma uniti nella vita), il filosofeggiante pittore friulano (ma
svizzero di nascita) Walter Bortolossi, la dirompente scrittrice ligu-
re Claudia Salvatori, il comico zelighiano Paolo Cevoli…
Piersandro Coelli, pure lui sta qui, in buona, anzi ottima compa-
gnia, col rischio di risultare incompreso, perché la critica italica
non ama chi trasgredisce le regole delle discipline, chi sconfina
di qua e di là, a maggior ragione se questi sconfinamenti sono
intelligenti, pertinenti, dialogici. L'inseguimento comporta troppa
fatica. Uscire dagli schemi richiede troppo impegno, troppo stu-
dio. Questo è l'unico motivo perché personalità geniali e non
omologabili del Novecento italiano come Alberto Savinio (pittore
e scrittore), Dino Buzzati (scrittore, giornalista, pittore, critico d'ar-
te), Furio Jesi (archelogo, antropologo, germanista, romanziere,
pittore) godono di fama assai inferiore ai loro meriti culturali. Si
pensi a Buzzati, idealmente legato alle innovative sperimentazio-
ni dialogiche intertestuali del milieu surrealista parigino che ruo-
tava intono alle edizioni di Jean Jacques Pauvert, Eric Losfeld e
Planète ma etichettato, sbrigativamente, come un emulo della
Pop-Art perchè reo di aver dipinto dei quadri-fumetto. Eppure i
primi quadri-fumetto di Buzzati sono del 1957 e dunque antici-
pano quelli di Warhol di tre anni, e di almeno quattro-cinque
quelli di Lichtenstein e Ramos. Sarebbe bastata, e tutt'oggi baste-
rebbe, un poco di umiltà e di ricerca cronologica e interdiscipli-
nare, per accorgersi che i modelli dialogici buzzatiani traggono
ragione, nella fattispecie, dalla lezione pittorica di Gianfilippo
Usellini, dai fumetti del "Corriere dei piccoli" (che Dino ben cono-
sceva lavorando al Corriere della Sera a cui faceva capo anche
la nota rivista per ragazzi), dai fumetti e dalle foto bondage del-
l'underground erotico statunitense (Klaw, Willie, Stanton, Jim,
Eneg, ecc.) tutto ripensato e shakerato usando le metodologie di
quel surrealismo ereticale (non bretoniano) che figliò il Realismo
fantastico, il gruppo Panique, i fotoracconti sperimentali di Ado
Kirou e persino i fumetti di Barbarella. Basterebbe davvero poco
per evitare inconsistenti luoghi comuni, quegli stessi in cui rischia

“Marinaretta in paesaggio lacustre forse austriaco”

2007
cm 63x82
tecnica mista su tela dipinta e sughero

21
Roberto Roda|UN SESSANTOTTISTA NON SESSANTOTTINO

di rimanere ingiustamente imprigionato Coelli.
Dicevo di come Coelli ci imponga di travalicare le discipline o
meglio ci obblighi continuamente a mutare i nostri punti di vista
iconografici anche perché le sue opere da semplici pitture si sono
evolute negli anni in oggetti e collage, dove il suo bagaglio cul-
turale (che comprende la pittura, la letteratura, l'architettura, il
design, il fumetto, il cinema, la fotografia e persino la poesia visi-
va) viene tutto mescolato, tutto tritato. Piersandro prende foto,
parole, fumetti, pezzi di suoi disegni e "sbatacchia" tutto insieme,
magari incollandolo su vecchi dipinti, incerti e dozzinali, recupera-
ti ai mercatini per due lire, pardon per due euro. L'esito è esila-
rante, pur anche stravagante per via di una casualità che qual-
che critico ha voluto ricondurre concettualmente, e non del tutto
impropriamente, alle lezioni del dada o alla poesia futurista, ma
che in realtà essendo solo apparente sembra piuttosto racco-
gliere (opportunamente travisandoli) i suggerimenti di alcuni poeti
visivi, Michele Perfetti in primis. Del resto fra i poeti visivi Perfetti
è l'unico a cui il Sessantottismo non starebbe poi tanto stretto.
Poiché l'universo culturale coelliano è straordinariamente ampio,
il fruitore-osservatore per comprendere e inserirsi nei dialoghi
lanciati dall'artista dovrebbe possedere lo stesso bagaglio cultu-
rale e fors'anche dovrebbe condividerne lo stesso vissuto. Il che
naturalmente è impossibile e rende non perseguibile una com-
pleta decifrazione degli allestimenti. Il gioco a cui Coelli chiama
l'osservatore è dunque un divertente processo investigativo (che
presuppone sempre una buona dose di inconoscibilità), non trop-
po dissimile da ciò che amava praticare anche Dino Buzzati nei
suoi quadri-racconto. Del resto Coelli non ha mai fatto mistero di
avere riservato a Buzzati e alla sua pittura narrativa molte appas-
sionate attenzioni e di averla ben digerita. Più l'osservatore saprà
immedesimarsi con l'artista, più saprà nel tempo accrescere le
proprie conoscenze visuali, maggiormente arriverà alla appagan-
te decifrazione di sempre nuovi riferimenti dialogici. Se ogni qual
tanto l'osservatore tornerà ad osservare una medesima opera
coelliana, sempre avrà possibilità di scorgervi qualcosa che
magari prima era stato, per impreparazione di parte, impossibile
notare. Rimane implicito che nel frastuono visivo allestito da Coelli
ascoltare tutte le voci che dialogano accavallandosi è pratica-
mente impossibile, ma alla fine è proprio questo che conferisce
fascino indubbio al gioco dell'artista e alle sue divertenti opere.

“Senza titolo”
2007
cm 17x24
tecnica mista su carta

22
 PIERSANDRO C OELLI
Elogio d ella s emplicità
E T TO R E C E R I A N I

23
Ettore Ceriani|PIERSANDRO COELLI - ELOGIO DELLA SEMPLICITA’

“Senza titolo”
2006
cm 24x49x16
applicazioni su sughero e piombo

24
“Dio ci ha donato la vita, una cosa semplice se non fosse che
noi uomini tendiamo a complicarla" così affermava un celebre
scienziato in una sua pubblicazione.
In effetti, se guardiamo a quanto sta succedendo nel mondo in
questi ultimi decenni, possiamo notare che le cose stanno sem-
pre più complicandosi, nonostante scienza e tecnologia abbiano
dipanato un bel po' di problemi.
E' indubbio che il mondo stia marciando a forte velocità e non
tutti abbiano il passo per seguire i suoi repentini cambiamenti.
Peggio ancora se si appartiene ad una nazione povera, dove il
'gap' tecnologico e culturale forma un divario che tende conti-
nuamente ad allargarsi.
Il cosiddetto 'villaggio globale' ha sicuramente contribuito ad
ampliare gli orizzonti, ma dando prevalenza agli aspetti economi-
ci, finanziari, produttivi. Invece, i confronti fra le diverse culture,
che rappresentano le radici di ciascun popolo, sono stati sinora
estemporanei, casuali e, quando avvengono, superficiali.
Va da sé che la cultura, invece di essere fenomeno di reciproca
conoscenza ed approfondimento, sia spesso messa ai margini,
diventando - nelle occasioni in cui viene proposta - momento di
mera curiosità, oppure prodotto che soggiace alle leggi
25
commerciali.
Del resto, la 'globalizzazione' non ha necessità di approfondi-
mento e di sollecitazione intellettuale. Come lo stesso termine
lascia chiaramente intendere, la sua principale finalità è quella di
trasformare il mondo in un'unica regione pianificata. La più vasta
possibile, dominata da poche regole, in cui il singolo, specie
quando diverge o diventa un ostacolo, va accantonato. La per-
sona non è considerata protagonista, ma utente.
Esattamente il contrario dei fondamenti su cui si basa l'arte, nella
quale conta la personalità, intesa quale suprema esperienza
dell'Essere (ovviamente in tutte le sue varianti).
Nel mondo contemporaneo siamo così in presenza di un ridut-
tivismo diffuso. In tutti i campi muta a volte (ma non troppo) la
veste esteriore, mentre i contenuti sono praticamente gli stessi,
poiché vale la legge della massima diffusione e del più vasto uti-
lizzo.
Una tendenza che, pur nel dovuto rispetto a chi opera intelligen-
temente nei diversi settori, definiremmo 'pubblicitaria' in quanto
gioca molto non sulla sensibilità dei singoli, ma sulle preferenze
medie dei più.
Del resto, sono la stessa fragilità della società contemporanea e
Ettore Ceriani|PIERSANDRO COELLI - ELOGIO DELLA SEMPLICITA’

la fretta che la contraddistingue ad incanalare le nostre esigen-
ze, materiali e psichiche, su false piste.
Se un individuo non ha il tempo per riflettere, è costretto a
demandare tale facoltà ad altri, che fanno per lui pure le scelte,
ovviamente sulla base della loro discrezionalità, votata al principio
economico del massimo utile con il minimo sforzo.
In arte, la situazione risulta ulteriormente peggiorata dal fatto che
a tendenze e movimenti aperti a tensioni universali sono andati
sostituendosi linguaggi personali portati a misurarsi non sulla
base di valori fondanti e motivanti, ma sul clamore, sulla rottura,
sull'escamotage.
Oggi nelle mostre maggiormente propagandate conta l'evento in
se stesso più del contenuto. Non c'è quindi da meravigliarsi se
ai valori da sempre legati al 'fare arte' si sono sostituiti strata-
gemmi fortemente indirizzati verso la massima possibilità di pub-
blicizzazione.
Uno dei valori dimenticati è la semplicità, quella semplicità che
risulta necessaria per dare via libera alle emozioni più sincere, per
raggiungere la poesia, per far sì che l'opera d'arte sia veramente
mezzo di comunicazione.
La semplicità è diventata qualità rara al mondo, specialmente in
un'epoca, come l'attuale, in cui la fretta sotto le stelle è molta.
Chi riflette ama analizzare, confrontarsi, risalire al significato pro-
fondo dell'Essere. Proprio per questo la semplicità non può esse-
re confusa con il semplicismo. Quando la sintesi nasce dalla
semplicità è sentimento, quando nasce dal semplicismo è bana-
lità.
Il poeta belga Jacques Brel soleva dire che "artista è colui che
invecchia senza diventare adulto". Non a caso, tanti grandi artisti
(Picasso fra i primi) hanno sentito l'esigenza di guardare all'uni-
verso dei bambini, quasi a voler purificare la loro arte dalla pre-
tenziosità dei tempi e dalle incrostazioni della retorica.
Ho riscoperto il valore della semplicità una domenica mattina,
andando a far visita a Piersandro Coelli nel suo studio di Milano.
Ho avuto così modo di rendermi conto, proprio dalle sue opere
iniziali, che è un requisito fondamentale del suo approccio all'ar-
te, un bisogno connaturato di risalire alle radici dell'emozione.
Piersandro mi ha mostrato alcuni piccoli lavori che avevano come
soggetto gruppetti di case. Composizioni lineari, apparentemente
(ma solo apparentemente) elementari, però sublimate da colori
chiari e luminosi, più immaginari che reali. Impostata sulla tradi-

“Senza titolo”
2004
cm 60x70
ecoline su carta

26
zionale struttura centrata, portata a chiudere lo spazio in avanti
come a voler inglobare l'osservatore permeandolo di sollecitazio-
ni primarie, in modo da permettere alla stringatezza strutturale del
dipinto di accompagnare la scansione intima.
Le sue immagini intendono però penetrare nel corpo degli even-
ti umani e non arrivare ad un loro rigoroso trascendimento. Non
c'è quindi la ricerca di una estrema purezza della forma, ma piut-
tosto il maturare un fatto visivo per arrivare all'essenza, come
percezione di articolazioni temporali, nell'intento di riportare alla
luce una loro primigenia forza intrinseca.
Questa forza intrinseca rimarrà caratterizzante pure nelle succes-
sive definizioni d'esiti e permetterà, anche nelle composizioni più
assiepate, di mantenere un ordine vitale.
Sembra infatti che l'artista voglia preservare l'originale percezione
di ogni elemento dell'immagine da possibili travisamenti.
Un passaggio significativo della sua pittura, attraverso i vari cicli
che contrassegnano lo sviluppo della sua identità stilistica, avvie-
ne quando lo spazio, sino a quel momento naturalistico, si tra-
sforma in dimensione virtuale, non più legata ai condizionamenti
fisici del supporto ma alle molteplici speculazioni mentali.
27
Uno spazio elastico, pronto a flettersi o ad ampliarsi a seconda
delle necessità, ma che prescinde dalle regole dell'oggettività, pur
mantenendone le forme. Uno spazio in cui può esserci indiffe-
rentemente tutto e niente, nel quale si assiste ad una distribu-
zione uniforme dei centri d'interesse visivo. In questo spazio le
forme fluttuano, libere da rapporti chiaroscurali e da schemi pre-
costituiti, come un'immensa riserva di rivelazioni, amalgamando -
al di fuori di qualsiasi ordine cronologico - memoria e realtà entro
un unico insieme emblematico.
In realtà, quella di Coelli è la dimensione della vita entro cui si
saldano passato e presente, un palcoscenico capiente che rac-
coglie vissuto, incontri, sospiri, intuizioni momentanee ed espe-
rienze destinate a durare.
Non a caso ho parlato di palcoscenico perché, per certi versi, il
suo armonico dispiegamento sul supporto assomiglia all'opera
lirica, dove i personaggi, invece di parlare, cantano fra loro, e can-
tano anche quando riflettono per conto proprio, spesso inspiega-
bilmente non sentiti da chi gli sta accanto. All'opera, le emozioni,
gli affetti e persino i fatti si sentono prima che se ne capiscano
le parole che li esprimono.
Ecco, nei lavori di Piersandro c'è una realtà che esce dai tempi
Ettore Ceriani|PIERSANDRO COELLI - ELOGIO DELLA SEMPLICITA’
e dai modi del quotidiano, che raccoglie nello stesso ambito
accadimenti e pensieri, impulsi e riflessioni, in quanto la realtà
'personale' non è il frutto di un particolare momento, ma un con-
tinuo sommarsi di acquisizioni, dove ogni oggetto, ogni cosa, ogni
figura non è mai a se stante, ma nasce da un determinato entro-
terra, ha una sua precisa identità, è in rapporto mutabile con le
altre. Come un mosaico, in cui ogni tessera ha una sua funzio-
ne, un proprio posto, pur essendo incastonata fra le altre.
Ecco perché, nelle sue immagini, pur essendoci uno stretto rap-
porto di sintonia (non solo pittorica) fra gli elementi riportati sulla
superficie, ciascuno di loro ha uno spazio netto e compiuto, che
corrisponde rigorosamente alla misura del riporto in carta colora-
to, quasi a volersi staccare dalla materia indeterminata, a voler
ribadire una propria storia. Da quante vicende è formata la vita!
Inizialmente siamo stati in molti a sbagliare, adottando per le
opere di Coelli il termine 'Pop Art' . Forse per la fretta che tutta
la critica ha di catalogare entro registri di vasta popolarità. Prima
di tutto perché la 'Pop Art' è un fenomeno che si identifica con
un contesto tipicamente americano. Sappiamo che il primo
esempio di pittura 'Pop' appartiene a Richard Hamilton ed è
28
legato ad un quadro esposto nel 1956 durante una mostra rac-
colta sotto il titolo " Questo è futuro" alla Whitechapel Art Gallery
di Londra.
Ma il modo con cui l'ambiente artistico americano l'ha pronta-
mente adottata, facendola sua, ci fa pensare che avesse piena-
mente maturato i prodromi per accogliere tale apporto artistico.
In seguito la 'Pop Art' è diventata un contenitore in cui è stato
messo un po' di tutto e proprio per questo ha finito per perde-
re le sue caratteristiche principali, sino a degenerare.
Per quanto lo spazio di Coelli sia virtuale, non è mai asettico, né
ritagliato attorno ad un soggetto centrale destinato a proporsi
emblematicamente allo sguardo dell'osservatore. Spesso, quando
ad esempio diventa cielo 'stellato', si tramuta in una proiezione a
forte impatto emotivo, addirittura intensamente poetica, ed assor-
be gli elementi che formano la composizione, li ingloba. Il lin-
guaggio di Piersandro, non scade mai al livello di sub-cultura, in
ciò aiutato da una fine ironia che gli permette di volare alto. Anzi,
proprio per il modo con cui è enunciato, lascia sottendere un
entroterra sostanzialmente umanistico e di vaste connessioni let-
terarie.
Così, questi elementi fluttuanti destinati a solidificarsi nella
memoria, anche quando appartengono alle funzioni della quoti-
dianità sembrano essere animati da una propria autonomia
distintiva, che nasce dal contatto con la persona. E' la stessa
relatività della condizione umana a sublimarne il ruolo. Un ogget-
to usato da una persona cara, per quanto comune, non sarà mai
una cosa qualsiasi, ma un oggetto particolare e ad offrire la
misura del suo valore non sarà la sua funzione, ma il suo signi-
ficato.
La tecnica usata da Piersandro, che ritaglia tali oggetti o figure o
loro particolari, li colora e poi li imprime sul fondo, ci sembra un
tentativo di nobilitare questi elementi, uno per uno, nell'ambito del
contesto pittorico che li accoglie.
E quando, più avanti, apre un nuovo ciclo, caratterizzato dagli
ambienti, dalle sovrastrutture e dagli orpelli che distinguono le
funzioni e le tipologie dei vari lavori, al di là dell'assiepamento che
tende a evidenziare il caos della nostra epoca, anche in tali icone
è ben presente il registro del vissuto.
L'esempio che intravedo dietro tali composizioni è quello di una
formazione corale in cui ogni voce ha una sua tonalità particola-
re, una sua funzione, un suo valore, pur facendo parte di un
insieme che segue un unico spartito. Lo spartito naturalmente è
l'uomo, dentro il quale questi valori vengono dipanati.
Altra icona che ricorre spesso nella pittura di Coelli è quella lega-
ta ad una nota confezione di cioccolatini. Dapprima potrebbe
sembrare una larvata denuncia della strumentalizzazione, anche
sentimentale, che la pubblicità effettua subdolamente a livello di
inconscio popolare.
Larvata perché l'artista non è abituato a declamare, ma suggeri-
sce, usa i toni ed i modi pacati di una discussione serena, dove
non vale il primo impatto, ma le svariate circostanze che lo
determinano.
Non è denuncia, ma semmai il tentativo di recuperare l'icona da
un ambito riduttivo che non è suo, per arrivare a ripristinare, nella
rigorosa interpretazione del bianco e nero, le sue prerogative ori-
ginali, innestandole in una trama pittorica che ne valorizzi pie-
namente le sue potenzialità espressive.
Non a caso, Piersandro la riporta così com'è, senza effettuare
alcun ritocco, attribuendole la valenza di un antico reperto final-
mente tornato alla luce.
Ecco un ulteriore esempio di semplicità poetica, intesa come
naturale capacità di arrivare all'essenza delle cose.

“Senza titolo”
2003
cm 25x35
Ecoline su carta

29
Ettore Ceriani|PIERSANDRO COELLI - ELOGIO DELLA SEMPLICITA’
La figura femminile è un altro elemento ricorrente nell'arte di
Coelli. E' una donna ricondotta a simbolo, lontana da qualsiasi
tentativo di raffigurazioni fisionomiche. Intera o frammentata in
particolari, spesso rappresentata da un indumento o da un
aggeggio che introduce alla femminilità, da una morbida curvatu-
ra di linea o da una stesura di colore tenero, non ha mai un signi-
ficato univoco.
In realtà, la donna è la dimensione più evidente della vita, con
tutti i suoi limiti, ma anche con tutte le sue eterne illusioni. Spesso
rappresenta quella parte dell'uomo che lo stesso non conosce, il
mistero dell'esistenza; altre volte è la concretezza cui ci dobbia-
mo adattare, altre ancora è la possibilità di sognare e di andare
oltre le contingenze della quotidianità. Insomma, la donna è la vita
nella sua globalità, comprendente anche quella parte che spesso
trascuriamo.
Proprio per tale molteplicità di significati assunti di volta in volta,
l'elemento femminile è la linea di continuità che attraversa i vari
cicli affrontati dall'artista, in qualsiasi modo e con qualsiasi parti-
colare venga rappresentata.
Ogni tanto Piersandro frequenta qualche mercatino ed acquista
“Senza titolo”
2004
cm 60x70
ecoline su carta
30
tele di intonazione popolare dove i paesaggi tendono a declina-
zioni fiabesche. In questi panorami improbabili, nei quali l'ingenui-
tà della rappresentazione arriva spesso all'assurdo, inserisce com-
binazioni di figure e di oggetti, tentando una difficile mediazione
estetica, ma nel contempo cercando mediazioni forti che, proprio
a causa delle loro incongruenze temporali e strutturali, portano
alla riflessione.
Una riflessione che richiede una interpretazione 'intuitiva', chia-
mando l'osservatore ad immettere la personale visione della vita,
la sua esperienza intellettuale, la mentalità del suo tempo, gon-
fiandole o sgonfiandole a suo arbitrio.
La presenza di un fondale che costringe a ritornare a ritroso nel
tempo, ad un'epoca antecedente, smorza la fretta dei nostri gior-
ni e costringe a ripensamenti.
In un piccolo e divertente catalogo, 'Storia dell'Arte-Volume 3°', per
una mostra alla Galleria Schubert (2001), Coelli parla delle sue
'sculture'. Se pensiamo alla scultura in senso classico, la defini-
zione ci sembra un po' rischiosa. E' però anche vero che tutto
nella sua arte non rispetta steccati e convenzioni. Ma è poi così
importante che un'opera d'arte si chiami scultura, quadro o instal-
lazione?
Nei quadri, alcuni elementi compositivi sono spesso inseriti ai
confini della superficie dipinta, quasi volessero uscire, andare oltre
i limiti coercitivi della rappresentazione, mossi da una forza miste-
riosa che li fa vivere. Quando un paio di gambe femminili pen-
zolano dall'alto sorge immediata l'idea che oltre vi sia il resto del
corpo, in un prolungamento ideale che però non si vede. Si può
solo prefigurare, dando spazio alla immaginazione.
Ciò è dovuto al dinamismo intrinseco dei suoi lavori, più menta-
le che fisico, che coinvolge l'osservatore in un processo specula-
tivo.
Negli anni del secondo dopoguerra, periodo nel quale Coelli attin-
ge parecchio, in molte case venivano allestiti degli 'altarini popo-
lari', diversissimi fra loro per composizione e gusto. Tali altarini che
di solito venivano posati su un mobile, raccoglievano foto, statui-
ne, oggetti, immaginette, cartoline, ecc. Insomma, un po' di tutto,
assemblato senza distinzioni di tempo e per questo considerati
come una memoria di famiglia, sempre aperta a nuove aggiun-
te.
Senza arrivare a sostenere che il 'futuro non esiste'', la relazione
con il passato è implicita nella vita e nella concezione del tempo.
Sant'Agostino diceva che 'Non esistono, propriamente parlando,
31
tre tempi, il passato, il presente e il futuro, bensi' tre presenti: il
presente del passato, il presente del presente, il presente del
futuro'.
Ecco perché le 'sculture' di Coelli mi ricordano tali altarini, in con-
tinuo divenire nel corso degli anni, dove coesistono i tre tempi di
un continuo presente ed un unico attore: l'uomo.
Da molti anni Piersandro Coelli sta compiendo un articolato e sin-
golare viaggio nel mondo dell'arte, osservando, riflettendo, tra-
scrivendo con segni e colori il suo multiforme vissuto. Che la
dimensione sia temporale o immaginaria, il viaggio è in ogni caso
un muoversi verso un altrove, che talvolta significa la trasforma-
zione del viaggiatore in un altro, perché il cambiamento è prima
di tutto modificazione mentale di ciò che si è o si crede di esse-
re.
Diceva Khalil Gibran: 'Sono un viaggiatore e un navigatore, e ogni
giorno scopro qualche nuova regione dentro la mia anima'.
“Senza titolo”
2007
cm 20x30
tecnica mista su carta

32
 MERCI, M ONSIEUR D EGAS
Parole che SIMONETTA M. RODINO' domanda a PIERSANDRO COELLI

33
Simonetta M. Rodinò|MERCI,MONSIEUR DEGAS

34
Significati, simbologie, astrazioni, introspezioni, analisi: cosa
significa dipingere per te?
A dire la verità ci si siede sopra lo sgabello. Davanti al tavolo. Io
dipingo in orizzontale. E si inizia a disegnare. E tutto è semplice.
O almeno così lo era all’inizio. Perché: “dipingere non è molto
difficile quando non ci sai fare. Ma quando si incomincia a saper-
ci fare, allora le cose cambiano”.
Ma questa è una frase di Degas, che pare fosse una malalin-
gua.
Quali allora i cambiamenti dal tuo inizio ad oggi?
E, di fatto, tanti anni fa la matita, o la fusaggine, il carboncino o
il pastello andavano da soli. Mi preoccupavo essenzialmente di
usare la matita giusta, morbida o dura, 5B o HB, per il tratteg-
gio giusto. E di disegnare i contorni delle cose. Poi quei contor-
ni li coloravo. Con l’ecoline, i pastelli a cera, l’acrilico; quasi mai
con l’olio. Ed era tutto qui.
Oggi, forse, disegno i contorni dei pensieri. E non so più bene la
differenza tra una mina 5B ed una HB. Ecco dove le cose cam-
“Senza titolo”
2001
cm 60x50
tecnica mista su tavola
35
biano. Ma il metodo è rimasto il medesimo. Un po’ come quel-
lo del bambino con le matite colorate.
I bambini, col loro modo ingenuo, a volte riescono a stupirci,
mescolando sui loro fogli fantasia, colore e pura innocenza.
Li ho visti i bambini, accompagnati dalla maestra, nei musei e
specialmente in Francia. Davanti ai quadroni. Se ne stanno sedu-
ti per terra. Mangiano il panino, fanno le briciole e copiano. In
realtà fanno pasticci. Ma bellissimi pasticci. Molto migliori di certe
pomponeggianti Madonne strabiche. Che allattano improbabili
bambolotti macrocefali con il nome di Gesù Bambino. Il tutto
sotto gli occhi caramellosi di un San Sebastiano sorridente a
causa delle trentasette frecce che lo trafiggono. Spesso, in basso
a destra, vi è un setter bastardo probabilmente incrociato, a giu-
dicare dalla coda, con un maialino d’India.
Che cosa pensi delle collezioni dei Musei?
Bisognerebbe selezionare meglio i quadri esposti nei musei. E
magari, anziché appendere chilometri di Mattia Preti o di Carlo
“Senza titolo”
2000
cm 50x50
tecnica mista su tavola
Simonetta M. Rodinò|MERCI,MONSIEUR DEGAS
Maratti o, che so, Francesco Solimena, incollare alle pareti i
foglietti colorati di Martina, di Nicole e di Simonetta: allieve della
terza B. E la pensava così anche un certo Huysmans se già a
fine ‘800, in “Á rebours”, scriveva di quelle azimate famiglie pari-
gine che la domenica, in una noia estatica, sfilavano davanti a
certe atrocità esposte al Louvre.
Insomma, datemi meno musei, ma datemeli migliori. Datemi più
bambini e meno scuola.
Ma la formazione è non solo necessaria ma anche fondamen-
tale: altrimenti si verificherebbe non solo il trionfo dell’improv-
visazione, ma anche quello del kitch. E già ne vediamo parec-
chio in giro.
Certo: bisogna imparare, ma la cosa difficile è dimenticare. Così,
quando non ci si sa fare, si impara a disegnare una casa, un
fiore, un’automobile (che è più difficile). Il fatto è che, dopo, non
importano più la casa, il fiore o l’automobile (che resta difficile).
Ma il loro volume, i loro rapporti. Ed è lì che le cose incomincia-
no ad essere impegnative per davvero. L’automobile la si può
anche eliminare perché nessuno ordina di fare a tutti i costi le
“Senza titolo”
1996
cm 60x70
ecoline su pastalegno
36
cose più difficili. Ma i rapporti tra le cose, quelli non li si posso-
no eliminare. E si incomincia a costruirsi un proprio schema, una
propria geometria che a volte rischiano di diventare una gabbia.
Si inventano le proprie regole. Che non sono quelle dei 112
manuali intitolati: “Come dipingere in 14 facili lezioni”. Manuali
responsabili dell’esistenza di 627.893 pittori che davanti ad un
Fontana o ad un Capogrossi possono dire con orgoglioso
disprezzo: “Sono capace di farlo anch’io”.
Molti artisti si sono conformati ad una regolamentazione seve-
ra e rigorosa, penso al Kandinsky di “Punto, linea e superficie”
o ai ‘Programmes’ di Vasarely. Tu quali regole segui?
Ma, per me, non si può chiedere a chi dipinge davvero quali
siano le sue regole. Semplicemente: le sa. E spesso le sbaglia.
Quando questo accade nascono i quadri migliori. In una parola
voglio dire che bisogna essere capaci di sgrammaticare. Purchè
si conosca la grammatica. Poi, mi vengono dubbi che anche que-
sto sia esatto, ma lasciamo stare.
Per esempio, io ho fatti quelli che pomposamente si possono
chiamare “cicli”. Una serie di “Madonnine”, “Rifacimenti di quadri
dell’otto e novecento”, “Titoli di libri”, una che si può chiamare “On
the road” ed altre serie che ora non mi vengono in mente. Più
o meno è sempre andata così..
Hai già in mente come verrà un quadro, o il processo creati-
vo matura parallelamente alla componente tecnica?
I primi quadri di quello che possiamo chiamare, tanto per darsi
delle arie, “periodo” nascono da un’idea. E chissà come viene
quell’idea? E camminano veloci. Perché si ha fretta di tramutare
in immagini quel pensiero nato magari in metropolitana o men-
tre si fa colazione o si è fermi ad un semaforo. Poi è come sedi-
mentato. Ed allora si cura maggiormente sia il quadro che l’idea.
Li si affinano. Si è più attenti. Se metto una cosa in basso a
destra deve essere bilanciata da un’altra al centro. Che a sua
volta deve concatenarsi con una in alto. E poi se c’è un colore
“Senza titolo” “Senza titolo”
2005 2006
cm 31x35x20 cm 32x34x3
applicazione su sughero e piombo applicazione su sughero e piombo
37
freddo, e può essere perché il primo colore che stendo è sem-
pre quello che mi capita in mano a caso, lo debbo armonizzare
con uno caldo; un tono chiaro con uno scuro. Non è difficile, ma
incomincia a divenirlo, inizia ad essere pittura. Poi, quando se ne
è completamente padroni, si inizia a limare, a raffinare, direi a
gigioneggiare. E’ l’idea che se ne è andata e rimane solo la tec-
nica. E allora bisogna smettere. O almeno io credo che sia così.
Perché si rischia di fare l’accademia di se stessi. O comunque non
ci si diverte più. E qui preferisco non pensare a quanti “mostri
sacri” dell’arte hanno rifatto se stessi. Sì, certo: c’è il mercato, il
successo, l’immagine, i soldi. Ci sono troppe cose intorno all’ar-
te. Che dovrebbe essere sola. Non voglio essere io a pontificare.
Scherzosamente potevano farlo Baj e Guttuso. Parlando di
Morandi. Più o meno dicevano: “che noia, una vita passata a
dipingere bottiglie”. Nel caso specifico penso proprio sbagliasse-
ro perché, per tutta una vita, Morandi ha fatte bottiglie che non
“Senza titolo”
2006
cm 54x56
acrilico su legno sagomato
Simonetta M. Rodinò|MERCI,MONSIEUR DEGAS

erano niente male anche se forse, ma questa è un’altra storia,
avrei preferito che qualcuna contenesse un sano Lambrusco della
sua terra. E penso anche che si divertisse a dipingerle.
Comunque, quando si capisce che si rischia di essere la copia di
se stessi, è meglio passare ad un’altra idea. Perché la copia di
se stessi vuol dire cercare di fare un quadro più bello. E penso
non ci sia nulla di peggio, per un pittore, che voler fare un qua-
dro bello. Riuscirà magari ad ingannare il pubblico. Ma mentirà a
se stesso.
Ecco perché bisogna passare ad un’altra idea. Non foss’altro per
il gusto di ricominciare.
Ma da dove nasce l’idea?
Già, ma l’idea, questa come viene? Come viene l’ispirazione? Che
è un bellissimo concetto. Forse un po’ troppo romantico. Non si
è sempre dei giovani Werther. E non si può starsene lì a medi-
tare sul significato della vita e sul destino dopo la morte. Come
in un tumultuoso quadro di Friedrich dove il viandante aspetta e
aspetta. Anche perché a furia di aspettare i pittori invecchiano.
Almeno in età. Non dovrebbero nello spirito. E poi non credo più
di tanto al così detto artista che se ne sta lì, a cercarla tra le
nuvole. L’ispirazione. Bisogna, Leopardi mi perdoni, andare a
vedere cosa c’è oltre la siepe. Altrimenti si rischia di non dipin-
gere. Un pittore così farebbe meglio ad andare al cinema. E se
non vi sono buoni film potrebbe, meglio ancora, andare a donne.
Chissà che lì, al cinema dico, non gli venga un’idea. L’importante
però è non tirare fuori un taccuino per appuntarsela. A parte il
ridicolo anacronismo della cosa, che fa tanto acquerellista
dell’Ottocento, deve rimanere da sola nella mente. Se se ne va,
vuol dire che non era buona.

“Senza titolo” “Senza titolo” “Senza titolo”

1996 1995 1995
cm 40x50 cm 45x45 cm 40x45
ecoline su pasta legno ecoline su pasta legno ecoline su pasta legno

38
Il tuo dunque è quello che oggi si definisce work in progress.
No, è un lavorare continuo e non m’importa se non faccio pro-
gressi. Il work in progress lasciamolo ai pubblicitari o ai bancari,
ai pittori lasciamo la fantasia che non ha programmi di progres-
so. Si lavora e basta. Ognuno col suo metodo. Io per esempio
non faccio mai bozzetti. Sarebbero crogiuoli di appunti, di idee.
Ed a che cosa mi servirebbero quando poi, dipingendo il quadro,
mi metterei ad inseguire altri sogni? Perché le immagini nuove
spesso vengono lavorando. Da un segno tracciato. Che può
essere il contorno di una bottiglia. Però è venuto male. E fa pen-
sare, che so, ad un salame. Ed allora si dipingerà una trattoria.
Ma non è importante sia una trattoria od una bottiglia. Ciò che
importa è che sia una costruzione. Questo almeno per me. Che
i quadri li costruisco.
Ricordo che, per una mostra all’estero, la gallerista voleva appen-
dere accanto alla porta una sorta di manifesto. Mi ha dato un
rotolo di carta alto più di due metri, una manciata di pennarelli,
un’ora di tempo e mi ha detto: “Fai ciò che vuoi”. Credo di aver
disegnata la cosa peggiore tra tutte quelle che ho fatte. Perché
la pittura ha bisogno di silenzio e di solitudine, di concentrazio-
“Senza titolo”
1997
cm 70x100
ecoline su pasta legno
39
ne, di tempo. Ecco perché nello studio raramente tengo la radio
accesa e, quando lo è, cambio stazione all’apparire della nevrosi
di notizie criminalpolitiche per sintonizzarmi solamente sulla musi-
ca classica a bassissimo volume (Satie mi perdonerà se perdo
qualche vibrazione delle sue Gymnopedies). Ecco perché tengo
l’orologio su una sedia nell’altra stanza e procedo lentamente, con
pignoleria forse eccessiva.
Nulla nei tuoi lavori è affidato al caso: nessuna sbavatura, nien-
te trucchi per coprire il minimo errore. Tutto sempre ‘pulito’ e
perfetto.
E questa è la mia gabbia. Li invidio quei pittori che sbagliano. Io,
invece, correggo spesso con la gomma. Ricordo una di quelle
domande saccentemente giornalistiche fatte a Giovanni Arpino:
“Cosa ci vuole per essere uno scrittore?” La risposta fu: “Il cesti-
no della carta straccia”. Insomma, se mi domandano cosa serve
ad un pittore, io potrei rispondere: la gomma. Perché sto atten-
to alle distanze, ai rapporti. E questa forse è una colpa.
Molti anni fa un gallerista, che poi ha accettati i miei quadri, mi
ha detto: “Sbaglia di più”. Ho fatto esattamente l’opposto. Una
Simonetta M. Rodinò|MERCI,MONSIEUR DEGAS
parte determinante in ciò la hanno avuta le piccole sculture che
ho costruite con piombo, fili di ferro, fotografie e colori. E quelli
che chiamo altorilievi: fatti con sughero, un po’ di metallo, ritagli
di foto e fumetti. O le sagome di legno che ho pazientemente,
troppo pazientemente, intagliate.
Un’attenzione quasi paranoica verso il concetto di equilibrio.
In questi lavori più che mai dovevo stare attento alle misure, agli
spessori, ai punti di vista. Posso sbagliare, ma penso che la tri-
dimensionalità abbia influenzato il mio successivo modo di dipin-
gere. Lo ha, per così dire, baroccheggiato. Portandomi al proble-
ma del mettere e del togliere.
Ed alla fine è tutto lì. Nel cosa mettere o nel cosa togliere.
Probabilmente Mondrian e Pollock ragionavano nello stesso
modo. L’uno tendeva verso il nulla, l’altro verso il tutto. In entram-
bi i casi l’importante è sapersi fermare. Non importa quali siano
le tecniche, la concezione, la tematica od il pensiero. Io ritengo
semplicemente che in un quadro od in una scultura, oggi anche
in un video o a maggior ragione in una installazione, ci possa
stare ogni cosa. E’ un po’ come l’immagine di una qualunque
“Senza titolo”
2004
cm 70x100
ecoline su carta
40
strada di una qualunque città. C’è spazio persino per gli alberi e
per un cane che fa pipì. Per un lampione e per una puttana. Per
il rumore e per il silenzio. E per una coppia di vigili. Per due auto
che si scontrano, una saracinesca che si abbassa ed il menù di
un ristorante. Ci sono ombelichi scoperti e culi bassi e manager
che passano con la loro valigetta che contiene pratiche e panini
imbottiti e la ‘Gazzetta della Sport’. C’è spazio persino per un pit-
tore. Che enumerando tutte queste cose non ha fatto altro che
dipingere un quadro scritto. Perché, almeno per me, un quadro
non è che affacciarsi alla finestra.
Il mondo che raffiguri nelle opere è il nostro quotidiano, con
difetti e debolezze. Non tutti però comprendono, davanti a un
tuo quadro, di non essere spettatori, ma attori delle tue scene
ironiche strappati alla propria realtà.
Per questo cerco di rubare la realtà. Per questo faccio furti di foto-
grafie che incollo. Per questo vado per mercatini e compro per
due soldi dignitosissime ‘croste’. E poi le stravolgo con quelli che
oggi sono ridicolmente, ma in modo trendy (si dice così?), chia-
mati interventi. E poi le parole dei fumetti e brandelli di disegni
fatti da me. In una parola: sto a guardare, rubo qualcosa ed il
quadro è già fatto. Per farlo realmente, poi, ci vogliono sei o sette
ore. E un bel po’ di concentrazione e magari anche molta fatica.
Ma tutto questo è tanto bello. Forse solo per me (o comunque
per ogni pittore) perché questo è il mio mondo, sono le mie idee.
Ed un quadro è fatto con le idee. Ma a chi le dipinge non biso-
gna chiedere quali siano.
E’ vero che Kandinsky apprezzava le persone che guardano i
quadri in silenzio, ma non pensi che una tua chiarificazione
aiuterebbe a comprendere di più il tuo spirito, o almeno avvi-
cinare chi lo guarda al modo di leggere un quadro come lo
fai tu?
Ma è più che legittimo che chi guarda un quadro se ne faccia
una propria idea, giusta o sbagliata che sia, purchè non ascolti i
fiumi di parole che la vanagloria del così detto artista rischia di
rovesciargli addosso. Se cercassi di dare una risposta potrei dive-
nire un filosofo da terza liceo classico formatosi su un Bignami
mal digerito. O peggio un parolaio di imbecillità patinata da
canale televisivo o da rivista glamour. E poi quelle idee, una volta
“Senza titolo”
2006
cm 39x52x21
applicazione su sughero e piombo
41
che il quadro è finito, il pittore se le è gia dimenticate. Forse. O
forse fa finta che sia così. Perché la pittura è finzione. O è real-
tà? Meglio smettere se no arriviamo a Platone. E non ho mai
capito se sia la natura ad imitare l’arte o il contrario. E allora chiu-
do il libro della filosofia perché credo che chi dipinge debba solo
dire che si mette lì, per tanti e tanti giorni della propria vita, insie-
me agli strumenti del suo lavoro. Le matite, i pennelli, la colla, i
pennarelli, i colori. Poi tra quegli strumenti ci metterei anche un
poco di fantasia, di intelligenza e non voglio sdilinquirmi con paro-
le come poesia o cuore. E con questi suoi mezzi fa delle cose.
E tutto questo “non è molto difficile quando non ci sai fare. Ma
quando si incomincia a saperci fare, allora le cose cambiano”.
Sarà vero, signor Degas? Ma, senza risposta, lo lascio nel suo
studio con i suoi sogni, i suoi colori, cartoncini e pezzetti di
foto sparsi ovunque, le sue mani da operaio intellettuale e le
sue opere, appese fino al soffitto, che ci fanno viaggiare in un
mondo onirico la cui dimensione della realtà è pura fantasia e
disincanto.
42
 Versi erotici per Coelli
Basta vederlo, Piersandro Coelli, come
si attarda nei particolari, e come indugia a sondare negli anfratti
il grado di umidore, come esplori l’intera cavità, corteggi
nastri e bindelli, richiami in vita peduncoli e pistilli
che subito si dispongono nell’universo pittorico del loro
creatore ad assumere le forme più gradite e i colori più
eccitanti, dunque l’anatomia segreta che le donne gelosamente
custodiscono ma che sono felici di rivelare fingendo una sapiente
noncuranza, appena l’attimo di schiudere una plica, di lasciare
una fessura che tutto il suo aroma venga esaltato, e quindi
la carica di rugiada che contiene, e diviene la perla luccicante
distillata nell’acme del desiderio.

Carlo Castellaneta

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“Senza titolo” “Senza titolo” dettaglio
2007 cm 20x30 200 cm 50x60
tecnica mista su carta tecnica mista su tavola

43
OPERE

45
46
“Meriggio a Bellaria con mareggiata e reggiseno”
2007 cm 40x50
tecnica mista su tela dipinta

47
“Maternità sul fiume tra le belle lavanderine”
2007 cm 50x70
tecnica mista su tela dipinta

48
“Promontorio prealpino all’ora della toilette”
2007 cm 60x120 tecnica mista su tela dipinta

49
“Il primo cavaliere”
2006 cm 60x80
tecnica mista su tela dipinta

50
“Riflessi sul lago con vele, amanti e forse parrucchiera”
2006 cm 40x50 tecnica mista su tela dipinta

51
“Guado di fiume asiatico con mutanda in altalena”
2007 cm 50x70 tecnica mista su tela dipinta

52
“Senza titolo”
2007 cm 20x30
tecnica mista su carta

53
“Senza titolo”
2007 cm 20x30
tecnica mista su carta

54
“Senza titolo”
2007 cm 20x30
tecnica mista su carta

55
“Senza titolo”
2007 cm 20x30
tecnica mista su carta

56
“Senza titolo”
2007 cm 20x30
tecnica mista su carta

57
“Senza titolo”
2007 cm 17x24
tecnica mista su carta

58
“Senza titolo”
2007 cm 17x24
tecnica mista su carta

59
“Senza titolo”
2007 cm 17x24
tecnica mista su carta

60
“Senza titolo”
2007 cm 17x24
tecnica mista su carta

61
“Senza titolo”
2007 cm 17x24
tecnica mista su carta

62
“Senza titolo”
2007 cm 17x24
tecnica mista su carta

63
“Senza titolo”
2007 cm 17x24
tecnica mista su carta

64
“Senza titolo”
2007 cm 17x24
tecnica mista su carta

65
66
Rassegna critica

67
RASSEGNA CRITICA

68
Le immagini di Coelli sono composte come un puzzle di
colori: frammenti bidimensionali contornati da righe nere,
affastellati con un ritmo da discomusic.
Francesca Bonazzoli
I cieli di Coelli sono dei veri e propri palchi su cui
si recita la commedia della vita quotidiana.
Roberto Borghi
Si ha la sensazione che Coelli sia proprio riuscito a cat-
turare in extremis sulla tela qualche flash di ricordi acco-
stati secondo la fantasia del loro proprietario. E’ lo scor-
rimento del sogno che non tiene conto delle regole della
logica ma solo della logica prodotta dall’immaginario.
Luciano Caprile
Nei cieli di Coelli dimora il silenzio dei media, sono
realizzati a video spento. Qui si scoprono fragili sago-
me di uomini e donne forse mai nati, ma evocati a
intermittenza.
Jaqueline Ceresoli
Coelli spinge avanti verso l’o rizzonte cose e pensieri
apparentemente in bilico ma al contrario ben ancorati al
tavolo del di-segno/di-s-sdegno, ma soprattutto ai segni
del quotidiano di cui riorganizza il caos.
Gigiotto Del Vecchio
Coelli è un irriverente pittore serio le cui opere invadono
lo spazio sia con totale noncuranza nei confronti di con-
fini e tele, sia con ironia e voglia di giocare con i non-
sense.
Silvia Dell’Orso

“Senza titolo” “Senza titolo” dettaglio

2000 2005
cm 50x60 cm 40x40
tecnica mista su tavola tecnica mista su tavola

69
RASSEGNA CRITICA
Le contraddizioni di Coelli continuano fra ordine e dis-
ordine, fra l’impulso a narrare e l’a ttenzione alle emozio-
ni. Se la contraddizione fosse una colpa, in lui sarebbe
felix culpa.
Gian Luigi Falabrino
Coelli se la deve vedere solo con se stesso quando
perde, e ci fa perdere, la testa per le sue fantastiche fem-
mine discinte disegnate alla maniera di un fumetto: pupe
da sballo, senza chiaro scuro, soltanto un contorno netto
(e crudele).
Melisa Garzonio
Coelli lascia in sospensione le immagini, gli avvenimenti
e con un programmatico azzeramento delle situazioni porta in
risalto soprattutto il momento elegantemente pittorico.
Paolo Levi
“Senza titolo”
2006
cm 35x34x3
applicazioni su sughero e piombo
70
Le opere di Piersandro Coelli sono qui non tanto per dirci
una teoria dell’a rte, ma per utilizzare le forme dell’a rte
moderna per una nuova finalità: quella impegnata a
mostrare la propria sensibilità, il personale piacere di tro-
varsi soggettivamente e creativamente nell’o pera.
Loredana Parmesani
Per Coelli la pittura è sogno, memoria anche di cose che
non ha visto né conosciuto, solitudine con se stesso, e la
possibilità di parlare il suo linguaggio, usando un alfabe-
to che è fatto di forme e colori.
Fernanda Pivano
Nelle opere di Coelli si produce un effetto straniante tra
immagini inventate e immagini vere, tra finzione fantasti-
ca e realtà, ma tutto all’interno dell’universo della rappre-
sentazione virtuale, in un iconico gioco di rispecchiamen-
ti linguistici.
Francesco Poli
Nel suo lavoro ritrovo la mia generazione: tutta una tribù
(tribalizzazione contro la globalizzazione) più un surreali-
smo ritagliato quasi metafisico visto dalla parte dell’o ggi.
Concetto Pozzati
Coelli non chiede niente a chi lo guarda, neanche di
essere capito, soltanto di essere rispettosi delle sue
inquietudini inquietanti.
Carlo Rizzi
Quella di Coelli è una pittura in bilico tra figurazione e
astrazione, dove la realtà del quotidiano viene trasfigura-
ta da immagini deformate che evocano i ritmi del vivere
urbano tra ironia, denuncia e visione poetica.
Paolo Rizzi
Assemblando personaggi, tipi e oggetti d’o gni genere
Coelli produce quadri, sculture e altorilievi dove si respi-
ra un’a ria un po’ Pop, Dada e anche da operetta.
Fabrizio Rovesti
Le scene di Coelli sono familiari, fanno parte del quotidiano, tutte
risolte con un moto di spirito attento, sensibile e contempora-

“Senza titolo” “Senza titolo” “Senza titolo”

2007 2003 2007
Øcm 19 cm 30x30 Øcm 19
tecnica mistasu sughero tecnica mista su tavola tecnica mista su sughero

71
RASSEGNA CRITICA

neamente indagatore, ma senza ansie o patemi d’animo perché più dell’immediata percezione di una foto patinata, di uno
così è la gente comune, quella di tutti i giorni. spot dal montaggio serrato e dalla colonna sonora assor-
Michela Sala
dante.
Maurizio Scudiero
Una storia in ogni opera, un continuo articolarsi di un unico rac-
conto. Tra il fumetto e il surreale Coelli ci suggerisce un’interpre-
Nell’à-plat a tutto campo del colore a valenza simbolica
tazione della vita stessa. Una filosofia leggera ma mai troppo
Coelli introduce qualche frammento iconico, e il racconto
spensierata.
si dispiega. A tratti amaro, spesso ironico, talvolta ludico:
Andrea Schubert
sempre affascinante ed elegante.
Pier Luigi Senna
Coelli ci vuole condurre per mano attraverso un mondo
che, pur apparentemente irreale, può comunicare molto di
Sono invenzioni appassionate, tutte da godere nella

“Senza titolo”
“Senza titolo” “Senza titolo”
2005
2005 2005
cm 50x50
cm 50x60 cm 70x100
ecoline su carta
ecolinesu carta ecolinesu carta

72
loro pittura agile e disinibita, tutte da scoprire che
Coelli ci regala a piene mani per parlarci della
vita e del sogno.
Giorgio Seveso

Caro Coelli, sono andato a vedere i vostri quadri,

sono molto belli e mi piacciono anche i colori di
alcuni. I vostri quadri sembrano dei sogni un po’
realistici e anche un po’ fantastici. Invece quelli
arrotondati sono sempre belli ma non particolar-
mente come gli altri.
Daniele Frizzorin
(allievo di terza media)

Piersandro Coelli e Martina

73
74
Personali

1995
Galleria Nuovo Aleph – Milano
Galleria Spazio Libero – Milano
Galleria TeArt – Torino
Galleria Il Torchio di Porta Romana – Milano

1996
Galleria Microbrera – Milano
Galleria Bianca Pilat – Milano
Galleria Priuli agli Scalzi – Venezia
Galleria Schubert – Milano
Galleria James West – Londra (UK)
Galleria Il Prato dei Miracoli – Pisa
Galleria Salone Colombo – Portovaltravaglia
1997
Galleria Veratti – Varese
Galleria Canonica Arte Incontro – Milano
Galleria Studio Jelmoni – Piacenza
Galleria Bianca Pilat Contemporary Art – Chicago (USA)
Galleria Studio Laboratorio di Anna Virando –Torino
2002
Galleria Aquifante – Busto Arsizio
Galleria Azzardo – Milano
Galleria Immagini Spazio Arte - Cremona
1998
Galleria La Roggia – Pordenone
Galleria Artistudio – Milano
Galleria L’Idioma – Ascoli Piceno
Galleria Feltrinelli – Milano
Palazzo dell’Antica Pretura – Castell’Arquato
Galleria San Carlo – Milano
Galleria Ghelfi – Montecatini Terme
Galleria Brezia – Cosenza

2003
1999
Galleria Schubert – Milano
Galleria Fonderia delle Arti – Malnate
Galleria Bianca M. Rizzi – Milano
Galleria Satura – Genova
Galleria Ghelfi – Verona
Galleria Bocca – Milano
Galleria Il Collezionista – Roma
Palazzo Comunale - Carona

2004
2000
Villa Pomini – Castellanza
Galleria Studio Laboratorio di Anna Virando - Torino
Galleria L’Incontro - Santa Margherita
Galleria Arianna Sartori Arte – Mantova
Galleria Schubert – Milano
Galleria Fluxia – Chiavari
Ex Chiesa di San Pietro in Atrio – Como
Galleria Alphacentauri - Parma
Galleria Centro Arte - Pisa
Galleria Milarte - Milano
2001
Galleria Artistudio – Milano

75
2005
Galleria Aunkan – Barcellona (Spagna)
Galleria Studio Laboratorio di Anna Virando –Torino
Galleria Artetadino6 – Milano
Galleria Istinto – Milano

2006
Galleria Schubert – Milano
Galleria Spia d’Italia – Lonato
Galleria BorgoArte – Borgosesia
Galleria Tridentum - Trento

2007
D’Art Gallery – Seoul (North Korea)
Galleria Milarte – Milano
Galleria Porta Rose – Garessio
Castello Sabaudo – Casotto
Palazzo Comunale – Canzo

2008 Principali collettive e manifestazioni

Galleria d’Arte Moderna – Cento
Galleria Arianna Sartori Arte – Mantova 1995
Galleria Schubert - Milano
Galleria Il Cannocchiale – Milano
Spazio Civico Museale Francesco Tonali - Arluno
Galleria De Bellis – San Francisco (USA)
Galleria La Crocetta – Gallarate
Galleria Bianca Pilat – Milano

1996
Galleria Contemporanea – Bari
Galleria San Carlo – Milano
Miart – Milano
Comune di Tropea
Asta Finarte – Milano
Fiera Arte – Padova
Comune di Cancelli
Lineart – Gent (Belgio)

1997
Columbus Center – Toronto (Canada)
Chapelle du Bon Pasteur – Montreal (Canada)

76
Galleria San Carlo – Milano
Asta Sotheby’s – Roma
Arte Fiera – Bologna
Miart – Milano
Galleria Derbylius – Milano
Fiera Arte – Padova
1998
Galleria Bianca Pilat – Milano
Galleria Arte Giappone – Milano
Comune di Maranello
Galleria Satura – Genova
Asta Rotary Club – Milano
1999
Galleria Il Tempo Ritrovato – Milano
Galleria Aquifante – Busto Arsizio
Galleria San Carlo – Milano
Asta Archè – Milano
Galleria Canonica Arte Incontro – Milano
Palazzo Aldobrandini – Frascati
2000
Sharjah Art Museum – Sharjah (Arabia)
Galleria San Carlo – Milano
Galleria Artestudio – Milano
Società Umanitaria – Milano
Galleria Schubert – Milano
Miart – Milano
Asta Christie’s – Milano
2001
Galleria Franco Cancelliere - Messina
Galleria Arte Giappone – Milano
Galleria Schubert – Milano
Galleria Artestudio – Milano
Art-Wave – Rimini
77
2002
Galleria Yuikaji – Kioto (Giappone)
Galleria Circus – Kube
Galleria Attico – Tokio
Galleria Mibu - Kioto
Galleria 446 – Osaka
Galleria Artestudio – Milano
Galleria Centro dell’Incisione – Milano
Spazio Camelot – Gallarate
La Permanente - Milano
Galleria Ghelfi – Montecatini Terme
2003
Galleria Schubert – Milano
Galleria Franco Cancelliere – Messina
Galleria Studio Laboratorio di Anna Virando – Torino
Galleria Comunale Arte Contemporanea – Piombino
Galleria L’Incontro – Santa Margherita Ligure
Museo Civico - Asti
Fiera del Levante – Bari
Salone del Libro – Hermillon (Francia)
2004
Palazzo del Broletto – Como
Galleria Artestudio – Milano
Galleria Schubert – Milano
Fasco Group – Lugano (Svizzera)
Foro Italico – Roma
Asta Lion’s - Legnano
2005
Galleria Arte Radici – Milano
Galleria Studio Vivo – Cremona
Galleria Aquifante – Busto Arsizio
Fiera Civitas – Padova
Galleria Studio Laboratorio di Anna Virando - Torino
Galleria Artetadino6 – Milano

2006
Galleria ArtKultur – Monaco di Baviera (Germania)
Palazzo Tè – Mantova
Casa di Pavese – S. Stefano Belbo
Ambasciata egiziana – Roma
Galleria Ada Zunino – Milano
Galleria Arte à – Ferrara
Galleria Il Dado – Torino
Galleria Dimensione Arte – Nocera

2007
Galleria Schubert – Milano
Palazzo della Regione – Trento
Arianna Sartori Arte – Mantova
Galleria Pont-Aven – Suzzara
Galleria D.A. Nuova Visione – Gallarate
Palazzo Comunale - Nocera
Galleria Artestudio - Milano

78
 Non si sa dove si va,
ma ci si va
Luciano Bianciardi

79
80