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ROSA MONTANO
1 luglio 2019
JOHN TCHICAI
Il sassofonista afro-danese John Tchicai (1936), figlio di una madre danese e padre
congolese, fu l'importante anello di congiunzione tra la scena di free-jazz originale di New
York e la scena europea che si sviluppò negli anni '70. Tchicai seguì Albert Ayler a New York
nel 1962 ed era onnipresente nei primi esperimenti pionieristici di improvvisazione di gruppo
libera, in particolare i New York Contemporary Five, un quintetto con Don Cherry su
cornetta e Archie Shepp su sassofono tenore che implementò i principi di Ornette Coleman's
Free Jazz (1960) sulle loro conseguenze (ottobre 1963), in particolare Conseguenze(l'unica
traccia con Cherry); e il New York Art Quartet con Roswell Rudd al trombone, Milford
Graves alla batteria e Lewis Worrell al basso, che ha sperimentato ampie gamme timbriche e
assoli polifonici al New York Art Quartet (novembre 1964) e Mohawk (luglio 1965).
Ha suonato su diverse pietre miliari del free jazz: New York Eye And Ear Control di
Albert Ayler (1964), Four For Trane di Archie Shepp (1964), John Coltrane's Ascension (1965)
e Roswell Rudd di Roswell Rudd (1965).
Tchicai tornò in Danimarca nel 1966 e formò la Cadentia Nova Danica (ottobre 1968),
inizialmente un gruppo free-jazz di nove pezzi che divenne un'orchestra "creativa" di 24
elementi per Afrodisiaca (luglio 1969). Tchicai, convertito alla spiritualità indiana, rimase in
gran parte silenzioso fino al 1977. Quindi formò gli Strange Brothers, un quartetto con un
sassofonista tenore che pubblicò Strange Brothers (ottobre 1977), che documenta
un'esibizione dal vivo, e Darktown Highlights (marzo 1977) e divisi nel 1981.
Passando al sax tenore, Tchicai si unì alla New Jungle Orchestra di Pierre Dorge. Ha
anche formato un Orkester per registrare Merlin Vibrations (marzo 1983).
Cassava Balls (maggio 1985) fu una collaborazione tra Hartmut Geerken (pianoforte
preparato, tutti i tipi di percussioni, radio ad onde corte, corno tibetano, violoncello) e Don
Moye (tutti i tipi di percussioni) e Tchicai su tenore, flauto e alcune percussioni, ripresi per
The African Tapes (aprile 1985).
Nel 1991 Tchicai si trasferì in California e formò un septet di Afro-fusion, gli Archetypes
(due chitarre, tastiere, basso, batteria, percussioni), che registrarono Love Is Touching (giugno
1994). Più serio è stato Moonstone Journey (maggio 1999), con l'ensemble Ok Nok Kongo e
Tchicai su soprano e tenore che hanno creato una sorta di jazz funk d'avanguardia ( A Chaos
With Some Kind of Order e Spirals of Ruby ). Ma Tchicai ha ripetutamente sprecato il suo
talento in registrazioni mediocri e radiofoniche come Life Overflowing (1998), Infinitesimal
Flash (gennaio 2000), Hope is Bright Green Up North (ottobre 2002), Big Chief Dreaming
(aprile 2005), la maggior parte di loro è davvero imbarazzante, raramente presenta
composizioni Tchicai.
Il vero momento clou del nuovo decennio è stata la gioiosa cantata Hymne Ti Sofia
(maggio 2001), un'improvvisazione per organo a canne, sassofono e percussioni che mescolava
elementi di musica liturgica cristiana e free jazz.
Spring Heel Jack ha collaborato con Tchicai al suo With Strings (maggio 2005).
The All Ear Trio (luglio 2006) è stato Tchicai con il batterista Peter Ole Jorgensen e il
giocatore di canna Thomas Agergaard (Sirone ha suonato il basso su cinque tracce).
One Long Minute (febbraio 2008) presenta Alex Weiss (sax tenore, sax alto, percussioni),
Garrison Fewell (chitarra, percussioni, arco), Dmitry Ishenko (basso) e Ches Smith (batteria).
Look To The Neutrino (agosto 2008) presenta Greg Burk (piano, flauto), Marc Abrams
(contrabbasso, voce) ed Enzo Carpentieri (batteria).
John Tchicai e The Engines erano Dave Rempis (sax alto e tenore), Jeb Bishop
(trombone), Nate McBride (basso) e Tim Daisy (batteria) per Other Violets (maggio 2011),
che contiene i 20 minuti Cool Copy / Looking .
Tribal Ghost (febbraio 2007) documenta esibizioni dal vivo di John Tchicai (sax tenore e
clarinetto basso), Charlie Kohlhase di Dead Cat Bounce (sax alto, tenore e baritono),
Garrison Fewell (chitarra e percussioni), Cecil McBee (basso) e Billy Hart (batteria).
Hindukush Serenade (maggio 1977), una collaborazione dal vivo con Hartmut Geerken,
contiene Invocations for Angels And Demons di 24 minuti .
Clapham Duos (maggio 2005) documenta un'improvvisazione tra John Tchicai e Evan
Parker.
La scena jazz in Sud Africa è cresciuta molto come negli Stati Uniti. Attraverso esibizioni in
discoteche, balli e altri luoghi, i musicisti hanno avuto l'opportunità di suonare spesso musica.
Musicisti come il cantante Sathima Bea Benjamin hanno imparato andando in discoteche e
jam session e aspettando opportunità per offrire i loro talenti. Un aspetto unico della scena
jazz sudafricana è stata la comparsa di individui che imitavano gli artisti popolari il più vicino
possibile perché il vero musicista non era lì per esibirsi nella zona. Ad esempio, si potrebbe
trovare un "Cape Town Dizzy Gillespie" che imiterebbe non solo la musica, ma l'aspetto e lo
stile di Dizzy . [1]Questa pratica ha creato un ambiente forte per coltivare alcuni artisti che
alla fine lascerebbero il Sudafrica e diventare legittimi contributori alla scena jazz
internazionale.
Uno dei primi grandi gruppi di bebop in Sud Africa negli anni '50 fu il Jazz Epistles . [2]
Questo gruppo era composto dal trombonista Jonas Gwangwa , dal trombettista Hugh
Masekela , dal sassofonista Kippie Moeketsi e dal pianista Abdullah Ibrahim (allora noto
come Dollar Brand). Questo gruppo ha portato i suoni del bebop degli Stati Uniti, creati da
artisti come Dizzy Gillespie, Charlie Parker e Thelonious Monk , a Città del Capo con
Moeketsi che modella il suo sound e il suo stile su Parker's. Questo gruppo è stato il primo in
Sud Africa a tagliare un record nello stile bebop, ma i loro contemporanei, i Blue Notes,
guidati dal pianista Chris McGregor , non erano meno coinvolti nella scena jazz locale.
Insieme, questi due gruppi formarono la spina dorsale del bebop sudafricano.
Nel marzo del 1960, si verificò il primo di una serie di piccole insurrezioni, in un evento che
ora è noto come il massacro di Sharpeville . [2] La censura è stata drammaticamente
aumentata dal governo dell'apartheid, che ha portato alla chiusura di tutte le sedi e gli eventi
Per alcuni, la mossa si è rivelata fortuita. Ibrahim e Benjamin si trovarono in compagnia del
grande jazz americano Duke Ellington in un locale notturno di Parigi all'inizio del 1963.
L'incontro ebbe come risultato una registrazione del trio di Ibrahim, Duke Ellington presenta
il Dollar Brand Trio e una registrazione di Benjamin, accompagnata da Ellington, Billy
Strayhorn , Ibrahim e Svend Asmussen , chiamato A Morning in Paris . Artisti come
Masekela si recarono negli Stati Uniti e furono esposti di prima mano alla scena jazz
americana.
Uno dei più importanti sottogeneri del jazz della regione è Cape Jazz . La musica proviene da
Città del Capo e dalle città circostanti e si ispira alla musica carnevalesca della zona, a volte
indicata come Goema.
Il kwela è una gioiosa e divertente musica da ballo nata in Sudafrica negli anni quaranta, che
ebbe origine dalla musica tradizionale africana e dal jazz. Nacque nelle strade delle township,
i ghetti neri delle città, come musica di protesta contro l'apartheid.[1]
La parola kwela viene dalla parola khwela delle lingue xhosa e zulu, che significa "salire su",
un termine spesso usato dai musicisti kwela per invitare i presenti ad unirsi alle danze. Lo
stesso termine viene usato dai poliziotti sudafricani per spingere le persone arrestate a salire
sui furgoni della polizia.[2]
Storia
Il kwela trae le sue origini dal marabi, la musica suonata fin dagli anni venti nelle township
sudafricane, e dal swing proveniente dalle comunità afroamericane degli Stati Uniti.
Raggiunse una popolarità tale da far conoscere la musica sudafricana nel mondo.[3] Secondo
alcuni, un ruolo importante nella diffusione del kwela nel paese lo ebbe un gruppo di
musicisti del Malawi, in trasferta in Sudafrica.[4]
Il jazz, che da qualche decennio si poteva ascoltare anche in Sudafrica, rappresentava una
forma di riscatto dei neri su scala mondiale. Era musica "nera" suonata da "neri", e
l'accostamento di esso con le festose melodie della tradizione sudafricana diede vita ad un
originale fenomeno proprio delle comunità africane soggiogate dalle leggi razziali.[1] Vi
aderirono larghi strati delle fasce sociali più basse, felici di poter cantare, ballare ed affermare
i propri diritti. Il governo dei bianchi vide il kwela come un pericoloso elemento di disordine,
lo bandì dai programmi radiofonici e ne ostacolò il diffondersi.[1]
Era suonato da musicisti di colore e lo strumento principale su cui si basava era inizialmente il
tin whistle, un piccolo ed economico flauto di latta o di legno. Altri strumenti che
accompagnano il tin whistle sono la chitarra, il basso e la batteria.[5] Si dice che i suonatori
dei tin whistle di kwela fossero anche delle vedette che avvisavano dell'arrivo della polizia chi
beveva alcohol illegalmente durante i concerti.[3]
Influenze
Così come altri generi di musica africana, il kwela ha avuto grande influenza sulla musica
occidentale, come nei casi degli album A Swingin' Safari, della Bert Kaempfert Orchestra
(1962), e Graceland di Paul Simon (1986). Fu alla base delle musiche mbaqanga e kwaito
sudafricane e della musica benga del Kenya.
The Blue Notes era un gruppo sudafricano che fondeva il jazz alla tradizionale musica kwela
sudafricana. Fu fondato a Città del Capo nel 1962 dal pianista e compositore sudafricano
bianco Chris McGregor (1936-1990), che mise assieme un gruppo di musicisti di colore. Fu
un riuscito esperimento di coniugare le sonorità africane con il free jazz americano. Dopo il
trasferimento in Europa, divennero uno dei gruppi di punta del free-jazz britannico.
Indice
Gli inizi in Sudafrica
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Affascinato dalla musica dei ghetti neri sudafricani, in particolar modo dalla kwela e dal free
jazz di Cecil Taylor, McGregor formò nel 1963 The Blue Notes, un sestetto con locali
musicisti di colore: il trombettista Mongezi Feza, il contrabbassista e pianista Johnny Dyani, i
sassofonisti Dudu Pukwana e Nikele Moyake ed il batterista Louis Moholo.[1]
Con il loro talento e con l'eccitante mix di musica africana e jazz che proponevano, riscossero
grande successo ed ottennero il premio come miglior gruppo al festival nazionale sudafricano
di jazz del 1963 che si tenne a Johannesburg.[1] Dopo il festival, il gruppo si trattenne in città
per un breve periodo suonando in club locale. Parallelamente ai Blue Notes, McGregor
formò l'orchestra jazz Castle Lager Big Band, sponsorizzata da una birra locale, che incise il
disco Jazz - The African Sound, a cui parteciparono alcuni dei Blue Notes.
Tornati a Città del Capo, registrarono i loro primi brani in studio alla radio nazionale South
African Broadcasting Corporation. Queste registrazioni sarebbero state pubblicate nel 2002
dalla Proper Music con il titolo Township Bop. Nei primi brani facevano parte della
formazione tre musicisti che uscirono subito dal gruppo lasciando il posto a Dyani, Feza e
Moholo, i quali suonarono nelle restanti tracce ed entrarono così in quella che è considerata
la formazione originale dei Blue Notes.
La registrazione di un concerto a Durban nel 1964 sarebbe stata pubblicata nel 1995 dalla
Ogun Records nell'album Legacy: Live in South Africa 1964. Questa etichetta, che pubblicò
la maggior parte degli album dei Blue Notes, fu fondata dal connazionale bianco Harry
Miller, un bassista trasferitosi in Europa. Nel concerto di Durban, i Blue Notes esibirono con
successo un hard bop aggressivo, offrendo un assaggio di quella che sarebbe stata la loro
brillante, seppur breve carriera.[2]
Il trasferimento in Europa
La prima tappa fu il Jazz Festival di Antibes, nel quale si esibirono per poi rimanere in
Francia per qualche tempo. Si trasferirono poi in Svizzera, dove restarono un anno
spostandosi tra Zurigo e Ginevra. Nell'aprile del 1965, si stabilirono a Londra, grazie a un
ingaggio per suonare nel club del jazzista Ronnie Scott. In quel periodo, l'ondata di interesse
per il jazz che aveva scosso la capitale stava scemando e, visti gli scarsi introiti, i Blue Notes
lasciarono Londra per andare a Copenaghen.
Dopo un breve periodo in Danimarca, ritornarono a Londra per suonare nel locale The Old
Place, il vecchio club di Scott trasformato in laboratorio per artisti emergenti di jazz
d'avanguardia. Qui fecero la conoscenza ed impressionarono fortemente giovani jazzisti
britannici come Keith Tippett, Evan Parker, John Stevens e John Surman, i quali avrebbero
in seguito riconosciuto la grande influenza che i Blue Notes ebbero su di loro.
L'arrivo di questi artisti sudafricani aprì nuovi spiragli per i jazzisti britannici, che fino a quel
momento si esibivano in un jazz serioso e sperimentale o nelle orchestrine da ballo.
Personaggi come Feza e Pakwana, con la loro incredibile capacità di passare con disinvoltura
dal più sfrenato free jazz ad una gioiosa e divertente musica da ballo, colmarono questo gap
con la loro meravigliosa township music, la musica dei ghetti sudafricani, che potevano
felicemente suonare per tutta la notte.[4]
Il loro apporto fu importante non solo dal punto di vista musicale, ma anche da quello
temperamentale, con la gran gioia di vivere che trasmettevano. Si rivelarono un toccasana per
la stagnante atmosfera europea e divennero oggetto di ammirazione da parte dei maggiori
interpreti del jazz e della fusion di oltremanica, spazzando via i pregiudizi tipici dei londinesi
verso i nuovi arrivati, ed il clima di competitività che si era instaurato.[4]
Problemi legati allo status di rifugiati, al razzismo ed alla mancanza di ingaggi portarono però
alla disgregazione progressiva del gruppo.[1] Verso la fine del 1965, Feza tornò a
Copenaghen, mentre Dyani e Moholo vennero ingaggiati da Steve Lacy per un tour
sudamericano. Prima del loro ritorno, Moyake tornò in Sudafrica, dove morì di tumore nel
1966.
Anni '60
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Krzysztof Komeda, frammento di targa commemorativa a Poznań
Gli anni 1956-1962 videro Komeda con il suo gruppo che prendeva parte a festival nazionali
e preparava programmi ambiziosi. Questi furono anche gli anni dei suoi primi successi
all'estero a Mosca, Grenoble e Parigi. Uno spettacolo interessante è stato creato in quel
momento; è stato chiamato "Jazz and Poetry" e mostrato su Jazz Jamboree '60, e più tardi
nella Warsaw Philharmonic. Comincia anche l'avventura di Komeda con la musica da film.
Punteggi per i film di Roman Polanski come Knife in the Water (1962), di Andrzej Wajda
come Innocent Sorcerers (1960), e di Janusz Morgenstern Good Bye, Till Tomorrow(anche
1960) sono stati creati. Questo periodo, che nella biografia artistica di Komeda può essere
definito il periodo della crescita e del miglioramento del proprio linguaggio musicale, è stato
coronato da "Ballet Etudes" su Jazz Jamboree '62. Sebbene la reazione dei critici nazionali
per gli Studi fosse piuttosto fredda, ha aperto le porte all'Europa per Krzysztof Komeda
Trzciński.
Komeda visitò la Scandinavia per la prima volta nella primavera del 1960 e tornò lì ogni
anno da allora in poi. Tutte le sue esibizioni al "Gyllene Cirkeln" (Golden Circle) a Stoccolma
e al Montmartre Jazz Club di Copenaghen, dove si esibirono le più famose celebrità del jazz
americano, si rivelarono un vero successo. Metronome, la casa discografica svedese, ha
registrato la sua musica suonata da un quintetto internazionale: Allan Botschinsky (tromba),
Jan "Ptaszyn" Wróblewski (sax tenore), Krzysztof Komeda (piano), Roman Dyląg (nome
d'arte: Gucio, contrabbasso) e Rune Carlsson (percussioni). Il famoso regista danese Hennig
Carlsen ha ordinato la musica per i suoi film Hvad Med Os e Sult (il film basato sul romanzo
di Knut Hamsun Hunger). Komeda anche scritto la musica per il film di Tom Segerberg
Kattorna e diversi punteggi Polanski. Complessivamente Komeda ha scritto più di 70 colonne
sonore. Dopo i successi in Scandinavia, arrivarono ulteriori successi: festival jazz a Praga,
Blend, Koenigsberg; toure della Bulgaria e della Germania occidentale e orientale. Il Komeda
Quartet ( Tomasz Stańko (tromba), Roman Dyląg (basso), Rune Carlsson (percussioni) e
Zbigniew Namysłowski (sassofono)) hanno registrato nel maggio 1967 "Meine süße
europäische Heimat - Dichtung & Jazz" per la casa discografica della Germania Ovest
Electrola . Komeda è rimasto a Los Angeles nel 1968 dove ha composto musiche per la
AESTIGMATIC
Se parliamo di jazz, ho la presunzione di definirmi un appassionato vero. Esperto no, servono
un'altra cultura e un'altra preparazione, anche in termini di teoria della musica, ma
appassionato sì (spero di essermi meritato il titolo che di solito spetta a chi all'apparenza sa,
ma nella sostanza non sa).
Ecco, da un appassionato beccatevi questa: uno fra i dischi jazz più incredibili, e anzi spaziali
di tutti i tempi non arriva dagli Stati Uniti. Badate che stiamo parlando di un'opera somma,
da catalogarsi dopo pochi ascolti fra le cose in grado di cambiarti la giornata, e anzi la vita
intera: quindi, prima di mettevi a ridere, abbiate l'accortezza di dedicarmi due minuti.
Il disco in questione, quello che può rovesciarti l'esistenza, arriva dalla Polonia. E la mente
che si nasconde dietro l'ambizioso progetto è un sommo compositore caro anche a Roman
Polański, che ha beneficiato dalle sua creatività per diverse colonne sonore: parlo di Krysztof
Komeda.
Arrivo al dunque: “Astigmatic” di Krzysztof Komeda, genio delle sette note scomparso
prematuramente nel 1969 (a 38 anni non ancora compiuti), è un disco in grado di rovesciarti
addosso all'anima un'energia inusitata, degna delle primissime performance di tutta la storia
del jazz (siamo delle parti del Mingus e del Coltrane migliori, per intenderci). Di più,
“Astigmatic” è un disco che rompe la tua anima in due pezzi, e poi la calpesta finché non
restano solo macerie e brandelli sparsi: il classico disco da mettere in loop a tutti coloro che
ritengono il jazz una musica tecnicamente interessante, ma poco emozionante (ah ah).
Al di là delle peculiarità formali, su cui avrò dà modo di intrattenermi a breve, il capolavoro
del polacco è un'opera straordinaria perché dotata, prima di ogni altra cosa, di un senso del
drammatico senza precedenti.
JAN GARBAREK
La musica di Garbarek costituisce una delle bandiere della casa discografica ECM, che
praticamente ha pubblicato tutti i suoi dischi. A partire dalla fine degli anni settanta,
Garbarek ha sviluppato uno stile di ispirazione lieve e lunare che utilizza toni acuti e lunghe
note sostenute (che ricordano gli inviti alla preghiera islamici) nonché l'uso sapiente delle
pause. Fece le sue prime incisioni alla fine degli anni sessanta. Seguace della prima ora del
free jazz di Albert Ayler e Peter Brötzmann, nel 1973 voltò le spalle alle aspre dissonanze del
jazz d'avanguardia.
In qualità di compositore, Garbarek si ispira profondamente alle melodie folk della
Scandinavia, una eredità dell'influenza di Albert Ayler. È un pioniere delle composizioni di
ambient jazz, degno di nota a questo proposito è l'album Dis del 1976. La sua trama, che
rifiuta le notazioni tradizionali tematiche (come possono essere esemplificate da un Sonny
Rollins), a favore di uno stile, descritto dai critici Richard Cook e Brian Morton come "di
impatto scultoreo", ha diviso la critica (una minoranza della quale lo ha definito New Age).
Dopo aver registrato una serie inaspettata di album di avanguardia, Garbarek raggiunse le
vette internazionali a metà degli anni settanta suonando jazz post-bop, sia come leader che
come componente del famoso "European Quartet" di Keith Jarrett. Raggiunse un notevole
successo commerciale in Europa con l'album Dis, una collaborazione meditativa con il
chitarrista Ralph Towner. Estratti di Dis sono stati frequentemente usati in film o
documentari. Nel 1986 la musica di Garbarek cominciò ad incorporare sintetizzatori ed
elementi di world music. Nel 1993 il disco Officium, realizzato in collaborazione con il
gruppo vocale di musica antica Hilliard Ensemble, divenne uno dei dischi in assoluto più
venduti dalla ECM, raggiungendo le vette delle classifiche in parecchi Paesi europei. Il
seguito, Mnemosyne, fu registrato nel 1999. Nel 2005, l'album In Praise of Dreams ha
ottenuto la nomina per il Grammy Award.
DIS
Ondarock / Recensioni / 1977 / Jan Garbarek - Dis
Jan Garbarek - Dis
1977 (ECM) | jazz
Un disco “strano” e non facile, un piccolo capolavoro poco conosciuto la cui analisi merita
una breve premessa.
Guido Manusardi
(Chiavenna, 3 dicembre 1935) è un pianista e compositore italiano.
Biografia
Agli inizi della sua carriera si sposta in Svizzera, Germania, Olanda, Danimarca e alla fine in
Svezia dove risiede stabilmente per cinque anni. È a Stoccolma che Manusardi incontra Red
Mitchell con il quale stabilisce un legame di profonda amicizia e collaborazione musicale. Nel
1967, in seguito ad un primo rientro in Italia, si trasferisce a Bucarest dove vive per 7 anni,
quindi rientra definitivamente in Italia. Il suo album Live Recorded at the Lubiana Jazz
Festival vince il Premio della critica discografica e nel 1977 il suo solo Delirium vince lo stesso
premio e Manusardi viene indicato come Musicista dell'anno; quindi viene invitato col suo
quartetto al Jamboree Jazz Festival di Varsavia.
Nel 1978 viene invitato al Festival Jazz di Montreux: Guido Manusardi è il primo jazzman
italiano ad essere invitato al Festival. Manusardi ha suonato e registrato con molti grandi
jazzisti: Roy Eldridge, Bobby Hackett, Art Farmer, Don Byas, Dexter Gordon, Al Heath,
Slide Hampton, Johnny Griffin, Red Mitchell, Lee Konitz, Jimmy Cobb, Jerry Bergonzi,
Victor Lewis, Billy Higgins, Cecil Payne, Shelly Manne, Booker Ervin, Joe Venuti, Curtis
Fuller, Kay Winding, Jimmy Owens, Lou Donaldson, Joe Morello, Art Taylor, Hal Singer,
Sture Nordin, Bjorne Alke, Lennart Aborg, Petur Ostlund Island, Zbigniew Namyslowsky,
Niels Henning Orsted Pedersen.
Dal 1997 è direttore artistico del Valtellina Jazz Festival e dal 1999 di Musica Viva Jazz
Workshop e So Jazz. Il 2000 è un anno importante per Guido Manusardi: viene invitato dal
Direttore del MOCA Museo d'arte contemporanea di Los Angeles a suonare al museo con
Billy Higgins e Trevor Ware. Durante la tournée Manusardi ha suonato con Billy e Trevor al
World Stage Hot Spot di Hollywood registrando un cd Live Live at the Hot Spot. Guido
Manusardi è uno dei pochissimi artisti italiani inclusi da Leonard Feather nella sua Jazz
Encyclopaedia. Recente la collaborazione col contrabbassista russo Yuri Goloubev con il
quale ha inciso nel 2006.