17/18 Accademia Nazionale di

Santa Cecilia

17/18 Accademia Nazionale di

Santa Cecilia

Pappano
Inaugurazione della Antonio Pappano direttore
Stagione Sinfonica 2017/2018 Orchestra, Coro e Voci Bianche
Giovedì 5 ottobre ore 19.30 dell’Accademia Nazionale di
Sabato 7 ottobre ore 18 Santa Cecilia
Lunedì 9 ottobre ore 20.30 regia in presa diretta e
Szymanowski proiezioni video masbedo
Karol Szymanowski
RE RUGGERO
Lukasz Golinski (Re Ruggero II)
Lauren Fagan (Roxana)
Edgaras Montvidas (Il pastore)
Marco Spotti (Arcivescovo)
Helena Rasker(Badessa)
5/7/9 ottobre
Kurt Azesberger (Edrisi)

in collaborazione con

Auditorium
Parco della Musica Roma
infoline 06 8082058
Orchestra, Coro e Voci bianche
DESIGN : VENTI CARATTERUZZI

IN COLLABORAZIONE CON

dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia

www.santacecilia.it
regia in presa diretta e proiezioni video MASBEDO
Auditorium Parco della Musica Roma
infoline 068082058
 RUBRICHE 22 Quarantotto opere complete,
miti PLUS

6 In Scena 39 titoli di 13 compositori.

Pappano riscopre Szymanowski; De Ana
Classic Voice Nel decennale la Decca onora
la poco frequentata “Jérusalem” di Verdi
n. 220 il ricordo di Luciano Pavarotti
settembre 2017 16 Radio/Tv/Sat
mensile di lirica,
Tamerlano con Bejun Mehta su Radio3
sinfonica,
antica, jazz, Bergman “lirico” su theoperaplatform
contemporanea
diretto da 18 Viaggi musicali
Andrea Estero A Berlino “Faust” diretto da Barenboim.
in copertina: Kent Nagano Poi Pollini, Mehta, Domingo, Netrebko

21 foyer Alberto Mattioli

NEL CD 47 Playlist Angelo Foletto P L U S

55 HIsTORIAE Guido Salvetti Un cofanetto che riassume
la sua vera eredità artistica,
57 Recensioni CD & DVD P L U S
predilezioni, idiosincrasie
72 DAL VIVO e rifiuti compresi
82 blog Quirino Principe
40 Nonostante le apparenze,
classic Voice cd

Weber non c’è differenza tra Opere

Concerti per clarinetto e orchestra
op. 26, 73 e 74
SERVIZI e Concerti per clarinetto di
Carl Maria von Weber
Quintetto con clarinetto op. 34 28 Confronti
Sabine Meyer Cresciuto nelle campagne cinesi, Tan Dun
Staatskapelle Dresden porta il suo incrocio compositivo di Oriente
Herbert Blomstedt e Occidente alla Biennale di Venezia dove
riceverà il Leone d’Oro

NELL’ALBUM 30 autori
Callas Live Gli accordi, la melodia accompagnata
Le grandi scene esistono solo in Occidente. Lo spiega il
Ascolta il restauro sonoro Warner sociologo Max Weber nel saggio sulla
Codice per scaricare l’album musica tradotto in italiano per il Saggiatore

34 cover story P L U S Se la produzione lirica

PLUS È la prima volta che si rappresenta la Tetralogia
di Wagner con gli strumenti originali. E con
Kent Nagano e il Concerto Köln il suono si
sconvolge, entrambi i generi
puntano alla “progressiva
Per ascoltare i contenuti audio e video
fotografa con tablet o telefonino i QR proietta sulle “sensibilità” sceniche esplorazione al limite”
code che trovi nelle pagine della rivista
oppure accedi dal sito classicvoice.com 38 racconti
alla versione digitale e clicca sulle icone
PLUS
E un giorno Maria Carmela Abbado,
madre di Claudio, si decise a scrivere
48 Con “Stg. Pepper” i Beatles
eventi

codice di accesso
quei racconti intrisi di musica srotolati ai seppellirono le chitarre per
nipoti lì per lì. E ora Archinto li pubblica
imboccare tromba, corno
44 classic voice album inglese e ottavino
CLASSICVOICE.COM C’è differenza tra le incisioni della Callas
Il quotidiano on line dedicato alla grande musica con
notizie, anteprime, recensioni. E nello shop si possono in studio e quelle dal vivo? Ripulite e
ascoltare, sfogliare in anteprima e acquistare le nostre restaurate sono da “provare” in esclusiva
pubblicazioni. nel nostro cd digitale

CLASSICVOICE.TV 50 profili PLUS

La prima web tv dedicata alla classica e al jazz,
con anticipazioni dei dvd in vendita nei migliori
negozi di dischi.
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La community che riunisce e promuove centinaia
di artisti e operatori musicali, con il
database di tutti i profili contenuti
nella versione cartacea.
Il suo Parsifal seguiva il wagnerismo
tracciato da Baudelaire e da Debussy.
Ma il “dégraissage” di André Cluytens
riguardava pure il repertorio sinfonico
Cinquant’anni dopo la Fenice
Con il Lydian Chromatic Concept di fa suonare l’album che strizzava
George Russell, il jazz “modale” si
traduce in un’avanguardia novecentesca
l’occhio a Cage, Stockhausen,
con radici pitagoriche tutta da scoprire ma anche a Bach e a Schumann
 Giacomo Puccini

La FanciuLLa deL West

20, 21, 22, 24, 25, 27, 28, 29 ottobre 2017
Foto Mitchell Kearney, Opera Carolina

Minnie Svetla Vassileva / Tiziana Caruso • Jack Rance Roberto Frontali / Elia Fabbian • Dick Johnson Marco Berti / Enrique Ferrer
Nick Tatsuya Takahashi • Sonora Sergio Vitale / Giovanni Guagliardo
maestro concertatore e direttore Donato Renzetti • Orchestra e Coro del Teatro Lirico di Cagliari • maestro del coro Donato Sivo
regia, scene, costumi e proiezioni Ivan Stefanutti • video e luci Michael Baumgarten
realizzazione costumi Atelier Nicolao, Venezia
nuovo allestimento del Teatro Lirico di Cagliari in coproduzione con New York City Opera, Teatro del Giglio di Lucca e Opera Carolina di Charlotte

Biglietteria del Teatro Lirico

tel. 070 4082230 - 070 4082249 #teatroliricodicagliari
www.teatroliricodicagliari.it

Progetto “Rifunzionalizzazione del Parco della Musica e del Teatro Lirico di Cagliari - Internazionalizzazione e innovazione delle produzioni anche per la va-
lorizzazione turistico-culturale degli attrattori territoriali”. Finanziato dal Piano d’Azione Coesione “Progetti strategici di rilevanza regionale” che valorizzano
le priorità del POR FESR nell’ambito della Programmazione Unitaria 2014-2020.
 lingottomusica.it/concerti
DUEMILADICIASSETTE/DUEMILADICIOTTO

LUNEDÌ 30 OTTOBRE 2017 MARTEDÌ 19 DICEMBRE 2017 LUNEDÌ 23 APRILE 2018

MUSICAETERNA LE CONCERT LORRAIN WDR SINFONIEORCHESTER KÖLN
DRESDNER KAMMERCHOR
Teodor Currentzis direttore Jukka-Pekka Saraste direttore
Alexander Melnikov pianoforte Christoph Prégardien direttore Arabella Steinbacher violino
Prokof’ev Joanne Lunn soprano Beethoven
Šostakovič Margot Oitzinger contralto Sibelius
Markus Schäfer tenore
Peter Kooij basso
Bach

LUNEDÌ 27 NOVEMBRE 2017 S A B AT O 1 7 F E B B R A I O 2 0 1 8 VENERDÌ 18 MAGGIO 2018

L E I F O V E A N D S N E S pianoforte MARIINSKIJ ORCHESTRA CHAMBER ORCHESTRA
OF EUROPE
Sibelius Valery Gergiev direttore
Schubert Varvara Nepomnyashchaya pianoforte Antonio Pappano direttore
Beethoven Rachmaninov Lisa Batiashvili violino
Chopin Liadov Ligeti
Brahms

LUNEDÌ 11 DICEMBRE 2017 GIOVEDÌ 8 MARZO 2018 MERCOLEDÌ 30 MAGGIO 2018

C A M E R ATA S A L Z B U R G LONDON PHILHARMONIC O R C H E S T R A G I OVA N I L E
ORCHESTRA LUIGI CHERUBINI
Pinchas Zukerman direttore e violino
Beethoven Vladimir Jurowski direttore Riccardo Muti direttore
© www.livio.it

Haydn Ray Chen violino Programma da definire

Mozart Sibelius
Stravinskij

maggior sostenitore

A U D I T O R I U M G I O VA N N I A G N E L L I V I A N I Z Z A 2 8 0 1 0 1 2 6 T O R I N O + 3 9 0 1 1 6 6 7 7 4 1 5 I N F O @ L I N G O T T O M U S I C A . I T WWW.LINGOTTOMUSICA.IT
 spectator in scena
RARITÀ
pagina 10
De Ana a Parma con
la rara “Jérusalem”
SOCIETÀ CONTEMPORANEA DIRETTE VIAGGI
pagina 13 pagina 15 pagina 16 pagina 18
Il “Quartetto” suona Eredità Stockhausen. Tamerlano su Radio3 A Berlino riapre l’Opera
nelle dimore storiche Da Guarnieri a Nieder Bergman lirico via sat col Faust di Schumann

RIBALTA

Il podio è vuoto
La Filarmonica della Scala ospita Spira Mirabilis, la super orchestra senza direttore.
A Jesi l’opera “Il colore del sole” di Gregoretti tratta da un racconto di Camilleri
Q uello che si sentirà alla Scala il 18
settembre ha una sua valenza stori-
ca, piccola o grande che sia. Nel tempio
dei grandi “Maestri” fa il suo ingresso
un’orchestra senza direttore. Il podio è
vuoto. Gli esperti di cronologia scaligera
ci diranno se è la prima volta o no sul
palcoscenico del Piermarini per un pez-
zo da novanta del repertorio sinfonico
come la Terza di Beethoven. Protagoni-
sta di questa prova - davvero eroica - è
l’orchestra Spira Mirabilis, la compagine
che raccoglie i migliori giovani musicisti
e le prime parti delle più importanti real-
tà musicali di tutta Europa, ospite della
stagione della Filarmonica della Scala.
La cosa scioccherà quella parte di pub-
blico che si siede in poltrona per trova-
re conferma dell’autoritario prestigio di
questo o quel chief conductor, neanche
fossero vecchi generali. Qui, al contrario,
proprio in virtù di quell’assenza per certi
versi clamorosa, si profetiz-
zano letture che rasentano la
perfezione. E infatti l’ascolto
sarà concentratissimo: solo
un’Eroica, provata e riprovata
dal collettivo che vive in una
sorta di comune, magari do-
pocena e a colazione. Gli en-
ph Giancarlo Pradelli
Wander, che dal 29 settembre al 21 di-
cembre offre, a Milano tra l’Arsenale e
l’auditorium Lattuada, un pellegrinag-
gio attraverso quel nuovo repertorio
musicale già familiare ai palcoscenici
internazionali ma ancora poco eseguito
in Italia. Altri, come i veronesi Virtuosi
italiani, ospitano per la prima volta un
dialogo tra il passato e il presente della
Nuova Musica, con tre appuntamenti
(13-15 settembre, al Teatro Ristori, com-
prensivi il 15 di un dibattito pubblico) e
la complicità organizzativa del compo-
sitore Alessandro Solbiati.
L’altro evento che vogliamo segnala-
re accade a Jesi l’8 settembre, dove un
libro di Camilleri, Il colore del sole, di-
venta un’opera per la musica di Lucio
Gregoretti, regia di Cristian Taborelli e

semble senza direttore non l’ensemble Roma Sinfonietta diretto da

sono peraltro una novità: il Gabriele Bonolis. Al centro della vicen-
Mdi - appena premiato dalla da è il diario di Caravaggio, che Camil-
Fenice come miglior gruppo leri dichiara aver avuto tra le mani in cir-
giovanile italiano - ha ora la costanze misteriose e da cui ha copiato
sua stagione, The Sound of alcune, preziose pagine. Vero o falso?
CARTELLONE

Bari Cagliari dicagliari.it Nyman, War Work; set. Silvestro: 27 set.

Teatro Petruzzelli Teatro Lirico Michael Nyman Band, La Bohème; dir. Recital; pf Armellini:
Verdi, Aida; dir. Made in Italy (la Città di Castello - contr. Summers, pf e Ciampa, reg. Ravella: 2 ott.
Bisanti, reg. Franconi canzone italiana: Umbria dir. Nyman: 6 set. 14, 16, 23, 27, 30 set. Schumann, Brahms,
Lee: 13, 14, 15, 16, 17, anni 1910-1950); pf Festival delle Schumann; pf Tosca; dir. Galli, reg. Sollima Franck; vc
19, 20, 21 set. Lucchetti, dir. Ballista: Nazioni Lonquich: 7 set. Bertolani: 22, 24, 26, Pianelli, pf Armellini:
Recital; pf Camicia: 8, 9 set. Sciarrino, Ravel; Beethoven; Orchestra 28 set, 1 ott. 3 ott.
18 set. Mozart, Le nozze di Quartetto Prometeo: della Toscana, dir. www.operadi­firenze.it Schubert, Grieg,
Beethoven, Kodály, Figaro; dir. Montanari, 1 set. Grin: 9 set. Dvorák; pf Tempestini,
Stravinskij; vl Midori, reg. Miller: 22, 23, 24, Strauss, Mozart; I www.festivalnazioni. Amici della Musica vl Visinescu, vc
dir. Neuhold: 27 set. 26, 27, 29 set., 1 ott. Fiati di Parma, dir. com – Fortissimissimo Petrucci: 4 ott.
Glass, Mintzer, Schumann, Paradiso: 4 set. Firenze Festival Beethoven, Bruch,
Brahms; Signum Mendelssohn; dir. R. Schubert, Hindemith, Firenze (Conservatorio) Piazzolla; vc
Saxophone Quartet, Abbado: 6, 7 ott. Brahms; Quartetto Passione Puccini Recital; pf Ferro: 25 Giovannini, pf Bertulli:
dir. Pretto: Haydn, Penderecki, Athenäum: 4 set. (Opera di Firenze) set. 5 ott.
3 ott. Dvorák; Belcea Mozart, Strauss; Madama Butterfly; Recital; vl Cardaropoli, La lira di Orfeo;
www.fondazione­ Quartet: 12 ott. Ensemble Berlin, rec. dir. Pasqualetti, reg. pf Ferro: 26 set. controten. Pe, tiorba
petruzzelli.it www.teatrolirico­ Servillo: 5 set. Ceresa: 8, 13, 15, 21 Recital; vl Gibboni, pf Pinardi: 7 ott.

L’Acuto
Deve ancora compiere 16 anni e si è diplomata
a pieni voti e lode. Si chiama Jasmin Ghera la
trombettista che al Conservatorio Luigi Cane-
pa di Sassari, sua città natale, studia da quando
aveva sette anni. Secondo i commissari che
l’hanno esaminata possiede “morbidezza di
timbro e naturalezza nel suonare che denotano
un talento spiccatamente orientato alla profes-
sione”. Dopo un’esperienza con l’Orchestra giovanile della Sardegna e corsi di
perfezionamento con Benjamin Moreno, prima tromba dell’Orchestra nazionale
spagnola, e Jorge Giner del Conservatorio di Granada, quest’anno ha suonato
come solista nell’Orchestra junior della Verdi di Milano.
la stecca
Due terzi degli europei con più di 16 anni hanno assistito almeno una volta a
un evento culturale secondo gli ultimi dati disponibili Eurostat del 2015: si-
gnifica che un terzo dei cittadini non ha visitato un museo, non ha assistito a
un concerto o a una pièce teatrale, non
è andato al cinema o a un evento spor-
tivo. È interessante osservare che circa
metà (45,4%) di quelli meno alfabetiz-
zati (fermi alla media inferiore) ha par-
tecipato; la quota sale al 70,2% per chi
ha un’istruzione media, fino all’87,5%
fra i laureati. Nel dettaglio il 45,3% de-
in scena spectator
anteprima
Wagner
Der Ring des
Nibelungen
Berliner Philharmonic
Herbert von Karajan
(blu-ray audio cd)
Il 1967 è l’anno cruciale
in cui Karajan fondò il Festival di Pasqua
di Salisburgo portando il Ring wagne-
riano su quel podio. La registrazione in
studio che seguì viene ora riproposta
in blu-ray con un libretto di 400 pagine
lussuosamente rilegato e illustrato in oc-
casione dei 50 anni da quel memorabile
avvio. Il direttore tedesco completò la
Tetralogia nel 1970, da riascoltare nella
migliore definizione (rimasterizzata a 24
bit /96 Hz) e con i libretti nell’originale te-
desco o nella traduzione inglese.
Karl Böhm
The Early Years
(19 cd Warner
Classics)
Siamo negli anni Tren-
ta e Quaranta in cui
Karl Bohm (1894-1981),
direttore d’orchestra austriaco destinato
agli studi del padre avvocato per i quali
giunse al dottorato prima di entrare nei
conservatori di Graz e Vienna, era in
piena ascesa. Nel cofanetto esegue Bee-
thoven, Brahms, Bruckner, Mozart, Schu-

7
gli europei con più di 16 anni è andato bert, Schumann... ma soprattutto Richard
almeno una volta al cinema, il 42,6% ha Strauss (Till Eulenspiegels lustige Strei-
che, Don Juan e brani da Salome, Der Ro-
vistato un sito culturale, il 42% ha visto senkavalier e Daphne) del quale diresse
una performance live. Fanalini di coda quattro Paesi con meno della metà di diverse prime mondiali che gli diedero
frequentanti ad almeno un evento culturale: Romania 29,6%; Bulgaria 32%; fama di suo straordinario interprete.
Croazia 43,7%, Italia - ed ecco la stecca - 49,6%: spiegabile oltre che per il
The Gundula
ivello di istruzione per le diminuzioni di reddito. Janowitz Edition
(14 cd Deutsche
Grammophon)

Al concerto con la App Nata nel 1937 a Berlino

Gundula Janowitz pare
essere stata la voce
sopranile preferita da Karajan. Questo
Concentrazione e silenzio in platea durante un concerto di musica classi- tributo in occasione del traguardo ottua-
ca fanno decisamente a pugni con un telefonino acceso nelle mani di chi genario contiene lo spaccato su disco di
ascolta. Eppure c’è chi ha provato a metterli d’accordo. Lanciata dalla Ri- una carriera che l’ha vista impegnata fra
opera, oratorio e Lieder, più una breve
ver Oaks Chamber Orchestra di Houston come applicazione da scaricare su intervista realizzata nel 1969 mai editata
smartphone e tablet, la nuova App Octava trasmette sul cellulare annotazioni su cd. Si ascoltano arie mozartiane e altri
sul programma e la partitura per i più esperti mentre l’orchestra sta suonan- stralci tratti da lavori di Telemann, Han-
do. Sperimentata dalla britannica Royal Philharmonic Orchestra in una zona del, Bach, Beethoven Brahms, Wagner,
della Cadogan Hall appositamente designata per un pubblico attrezzato, pur Orff, Mendelssohn, Gluck, Schubert e Ri-
chard Strauss.
non mancando le critiche pare che l’applicazione piaccia e funzioni.

Bartók, Montalti; Marche (Jesi, T. Pergolesi) (Ancona, Chiesa di S. Fields, vl e dir. Hope: 14 set.
Quartetto Lyskamm: Festival Pergolesi Gregoretti, Il colore Maria di Portonovo) 1 set. Bartók, Dvorák;
9 ott. Spontini del sole (prima rappr. Attribuzioni, Mozart, Tallis, Mahler Chamber
Recital; pf Colafelice: (selezione) assoluta; dir. Bonolis, trascrizioni e Schnittke, Purcell, Orchestra, vl
11 ott. (Jesi, T. Pergolesi) reg. Taraborrelli: 8 set. adattamenti; sopr. Ligeti; MusicAeterna Kopatchinskaja, dir.
Pergolesi, Stabat (Loreto, Basilica della Esposito, pf Gorla: Orchestra and Choir, Payare: 18 set.
Stagione Mater; Le Banquet Santa Casa) Messa 17 set. dir. Currentzis: 5 set. Beethoven, Sibelius;
concertistica Céleste: 1 set. “L’homme armé”; www. Mendelssohn, Philharmonia
(T. della Pergola) (Apiro, Abbazia di Odhecaton: 9 set. fondazionepergolesi­ Strauss; NDR Orchestra London, dir.
Bach, Concerti S. Urbano) Bach/ (Monsano, Chiesa spontini.com Elbphilharmonie Salonen: 21 set.
brandeburghesi; Pergolesi, Vivaldi; degli Aroli) Vivaldi, Hamburg, dir. www.meranofestival.
Europa Galante, Le Banquet Céleste: Bach, Albinoni, Merano Valcuha: 7 set. com
dir. Biondi: 2 set. Corelli; Accademia Settimane (Duomo) Bach, Glass,
14 ott. (Maiolati, La casa Hermans: 10 set. Musicali Meranesi Müthel; org. Apkalna: Milano
Bach; vc Meneses: dell’olio) Oriente/ (Jesi, T. Moriconi) (selezione) 11 set. Teatro alla Scala
15 ott. Occidente; Monteverdi; La (Kursaal) Bruch, (Kursaal) Concerto di Humperdinck,
www.amicimusica. bandoneon Di Stagione Armonica: Beethoven; Academy canto; sopr. Kermes, Hänsel und Gretel;
fi.it Bonaventura: 3 set. 16 set. of St. Martin in the vl e dir. Begelnam: dir. Albrecht, reg.
 spectator in scena
previsioni

Ruggero re di Roma
Pappano porta a Santa Cecilia l’opera del quasi dimenticato Szymanowski, ambientata
nel Medioevo in Sicilia. Allestita in forma semiscenica dal duo video-registico Masbedo
È conside-
rato il più
importante
tro sinfonie e due concerti per violino.
Ma anche due opere liriche tra cui Re
Ruggero, titolo scelto per inaugura-
esaltatore della bellezza e del piacere,
proclamato da un giovane pastore-
profeta. La composizione viene rap-
compositore re la stagione 2017-2018 dell’Acca- presentata ora in forma semiscenica
polacco dopo demia Nazionale di Santa Cecilia di con proiezioni video e regia del duo
Chopin. An- Roma. A dirigerlo il 5, 7 e 9 ottobre artistico Masbedo.
che lui pia-
nista, Karol
Szymanowski,
all’Auditorium Parco della Musica è
Antonio Pappano (foto) alle prese con
questo capolavoro musicale, quasi di-


Re Ruggero di Szymanowski
A.G.

scomparso a menticato, che deve molto alla cultu- Orchestra, Coro e Voci Bianche
soli 55 anni ra italiana. L’opera, scritta nel 1924 e dell’Accademia Nazionale di Santa
nel 1937, ha al ambientata dopo l’anno Mille in Sici- Cecilia
suo attivo, tra lia, durante il regno del Re normanno Dir. Antonio Pappano. Regia di Ma-
le sue opere Ruggero II d’Altavilla, racconta del sbedo
orchestrali più conflitto tra la chiesa cristiana della Roma, Auditorium Parco della Musi-
famose, quat- Sicilia medioevale e un culto pagano, ca, 5, 7 e 9 ottobre

Fidelio partenopeo
In forma di concerto, musicalmente maestosa, l’opera beethoveniana è diretta da
Zubin Mehta. Con Anja Kampe nel ruolo di Leonore, Peter Seiffert è Florestan
A pprezzare ancora meglio la sua
maestosità creativa. Tanto per-
mette, il 23 ed il 25 settembre, l’esecu-
zione in forma di concerto del Fidelio
CARTELLONE
di Beethoven che, sotto la bacchetta
di Zubin Mehta (foto), vede due attesi
protagonisti sul palco come Anja Kam-
pe nel ruolo di Leonore e Peter Seiffert
in quello di Florestan. Nel cast
anche Samuel Youn, Evgeny Ni-
kitin, Liang Li e Barbara Bargne-
si. Questo Singspiel in due atti,
composto dal maestro di Bonn tra
il 1804 ed il 1805, al culmine della
sua esperienza e maturità artisti-
ca, vanta al centro della vicenda
temi sempre attuali come la lotta
contro la tirannia e l’affermazio-
ne della libertà e della giustizia.
Argomentazioni di per sé molto care a
Beethoven che trovavano anche una
loro diretta giustificazione nella situa-
zione in cui si trovava, a quell’epoca,
la città austriaca di Vienna che, proprio
nei giorni della prima rappresentazio-
ne di Fidelio, era stata invasa dall’eser-
cito napoleonico.  A.G.
Fidelio di Beethoven
Orchestra e Coro del Teatro di San
Carlo
Dir. Zubin Mehta
Napoli, Teatro di San Carlo, 23 e 25 set-
tembre

Bechtolf: 2, 4, 6, 8, 16, Spira mirabilis: 17 set. pf Thibaudet, dir. (T. Dal Verme) Dvorák, Maghini, maestro Tallinn Chamber
20, 21, 24 set. Recital di canto; ms Metzmacher: 3 set. Smetana, Beethoven; coro Chiavazza, dir. Orchestra, Estonian
Bizet, Ravel, Dvorák; Barcellona, pf Vitiello: (Basilica di S. Orchestra del Teatro Rustioni: 9 set. Philharmonic
Orchestra Sinfonica 1 ott. Marco) Falvetti, Il Regio, dir. Noseda: Il Giorno dei Cori: 10 Chamber Choir, dir.
di Milano Giuseppe Brahms, Haydn, diluvio universale 6 set. set. Joost: 13 set.
Verdi, pf Tharaud, dir. Bartók; Wiener (oratorio); La Cappella (T. della Cooperativa) (Piccolo Teatro Studio (Conservatorio)
Fournillier: 10 set. Philharmoniker, dir. Mediterranea, Choeur Schubert, Die Melato) Recital; pf Rachmaninov,
Beethoven, Bruckner; Mehta: 8 ott. - www. de Chambre de Schöne Müllerin; ten. Olafsson: 11 set. Stravinskij; Orchestra
Sächsische teatroallascala.org Namur, dir. Alarcón: Bostridge, pf Drake: (T. Elfo Puccini) Sinfonica Nazionale
Staatskapelle Dresden, 4 set. 7 set. Beethoven, Grieg, della Rai, pf Gerstein,
pf Buchbinder, dir. MITO (Conservatorio) (Piccolo Teatro Studio Stravinskij; Orchestra dir. Bychkov: 14 set.
Thielemann: 11 set. SettembreMusica Sibelius, Rautavaara, Melato) Ravel, Liszt, Filarmonica di Torino, (Piccolo Teatro Grassi)
Händel, Tamerlano; dir. (selezione) Ciajkovskij; Orchestra Dun; pf Zee: 8 set. pf Montero, dir. Pretto: Recital; fis. Sidorova:
Fasolis, reg. Livermore: (T. alla Scala) Clyne, dell’Accademia (Piazza Duomo) 12 set. 15 set.
12, 19, 22, 25, 27, 30 Gershwin, Dvorák, Nazionale di Santa Beethoven; (Chiesa di (Chiesa di S.
set., 4 ott. Ravel; Gustav Mahler Cecilia, vc Mork, dir. Orchestra Giovanile S. Alessandro) Alessandro) C.P.E.
Beethoven; Orchestra Jugendorchester, Franck: 5 set. Italiana, Coro Pärt, Korvits; Bach, Die Israeliten
 in scena spectator
BACCHETTATE danza di MYRIAM DOLCE

Bocciato il Ministero che manda ai Conservatori d’Italia come terza prova per Bologna
il diploma in Composizione una paginetta di un preludio di Busoni - pari alla Teatro
Comunale
seconda prova, già svolta giorni prima - invece dell’impegnativa analisi di 28, 29, 30
una partitura orchestrale di 50/100 pagine. Svista macroscopica dei funziona- settembre
ri dell’Istruzione che, come avviene per gli esami di Stato, hanno imbustato e Con La nona
inviato le tracce ai Conservatori. (dal caos, il cor-
Sono seguite telefonate convul- po), nella foto, Roberto Zappalà trae la
sua fonte d’ispirazione dall’ultima sinfo-
se fra docenti in commissione nia di Beethoven. Il regista e coreografo
d’esame: stesso errore a Bologna, siciliano propone una riflessione sull’uo-
Castelfranco Veneto, Torino? Sì, mo, in perenne conflitto con la speran-
ma sono le otto di mattina, a chi za di solidarietà e fratellanza. Parla di
un’umanità in movimento, in quanto
rivolgersi? Non resta che pren- assenza di dubbio, alla base della crea-
der per buona la “traccia”. Il Mi- zione.
nistero smentisce ma il dubbio
di un errore resta. Roma
Dal 20
settembre al 1°

Gilbert all’Elbphilharmonie
ottobre
Un ricco pro-
gramma dan-
zante per que-
sta edizione di
Il direttore newyorchese Alan Gilbert lascia una direzione musicale che dal Romaeuropa Festival. Kreatur (foto) la
2009 lo vedeva stabilmente nel West Side di Manhattan sul podio della New nuova creazione della coreografa tede-
York Philharmonic, per passare ad Amburgo, in Germania. È lui il direttore mu- sca Sasha Waltz, è una travolgente cari-
sicale designato della Ndr Elbphilharmonie Orchestra, con residenza nella sala ca di linee nei corpi di quattordici danza-
da concerto (l’edificio è visibile al centro della foto sullo sfondo) che si affaccia tori per un mix esclusivo di danza, moda,
musica e luce. Sidi Larbi Cherkaoui con
sul porto di Amburgo con le sug- Fractus V svela il conflitto tra comunica-
gestive sembianze architettoni- zione e manipolazione nella società con-

9
che di un palazzo galleggiante, temporanea. Di Dada Masilo una Giselle
a dispetto delle sue fondamenta tutta contemporanea contro la violenza
sulle donne (www.romaeuropa.net).
ben piantate a terra. Costata 843
milioni di dollari, è stata aperta Pescara
all’inizio di quest’anno. Spazio Matta,
17, 21, 22
settembre

L’Opera riqualifica Parma

Il festival abruz-
zese Corpogra-
fie dedica la IV
edizione a una
L’opera scende in piazza per riqualificare una zona degradata di Parma, non a riflessione sul
rapporto tra individuo e società. URTO/
caso nell’Oltretorrente, il quartiere popolare dove nacque Toscanini esattamen- Azioni per Wonder(L)and di Simona Ber-
te 150 anni fa. Un quartiere che è diventato multiculturale. Si tratta di un’ini- tozzi affronta la tematica dello stupore
ziativa che parte dal basso e che, pur avendo chiesto un contributo parziale e della meraviglia. TaikokiaT-ko (foto)
al Comune, cerca fondi fra i commercianti e gli abitanti della zona. “Una vec- dell’italo-giapponese Masako Matsushi-
chietta mi ha fermato per strada e mi ha dato sei euro. Mi ha commosso”, ha ta nasce dall’incontro tra danza e tai-
ko, nel tentativo di risvegliare l’energia
raccontato Halla Margret Arnadottir, soprano islandese parmigiana d’adozione nel corpo. Con Cosmpolitan Beauty di
che è il cuore dell’iniziativa. Dopo un primo esperimento di successo la scorsa Davide Valrosso va in scena una pièce
estate con Trovatore e Nabucco quest’anno si replica il 3 e il 10 settembre con capace di trasformarsi, dove i gesti ap-
Aida e Traviata. Con due personaggi che spiegano l’opera in modo divertente paiono come appunti di viaggio (www.
acsabruzzo.it).
in italiano e in dialetto. E fra i passanti che si fermano c’è anche qualche stra-
niero che solitamente bivacca proprio lì.

in der Wüste; Sinfonica di Milano dir. Fournillier: 21, 22, Nordwestdeutsche Canessa: 15, 16, 17 Cohen, reg. Curran: 19,
Coro e Orchestra Giuseppe Verdi, vl 24 set. Philharmonie, pf set. 21, 22, 24, 26, 27 set.
dell’Accademia del Hanslip, pf Zilberstein, Gounod, Messenet, Madzar, dir. Klumpp: (T. S. Carlo) Mozart, Chopin; pf
Santo Spirito, dir. dir. Salado: 19 set. Bizet, Halévy; sopr. 11 ott. Beethoven, Fidelio (in Geniusas, dir. Cohen:
Dantone: 16 set. (T. degli Arcimboldi) Hendrickx, ten. Chopin, Borodin; forma di concerto); dir. 30 set.
(T. Elfo Puccini) Ligeti, Bartók, Van der Linden, dir. Nordwestdeutsche Mehta: 23, 25 set. Schumann, Chopin;
Adams, Burtner, Respighi; Filarmonica Fournillier: 29 set., Philharmonie, pf Verdi, Simon pf Geniusas, dir.
McGowan, Andres; della Scala, vla 1 ott. Madzar, dir. Klumpp: Boccanegra; dir. Cohen: 1 ott. - www.
Eighth Blackbird: Rachlin, dir. Chailly: Takemitsu, Strauss, 12 ott. Ranzani, reg. Bussotti: teatromassimo.it
17 set. 20 set. www.mitoset- Mahler; dir. Axelrod: 5, www.soconcerti.it 7, 8, 10, 11, 12, 13, 14
(T. Dal Verme) Vivaldi, tembre­musica.it 6, 8 ott. ott. - www.teatrosan­ Parma
Merula, Ruffo, Marini; www.laverdi.org Napoli carlo.it Festival Verdi
Il Giardino Armonico, Orchestra Teatro San Carlo (T. Regio) Jérusalem;
dir. Antonini: 18 set. Sinfonica Verdi Società dei (Arena Flegrea) Palermo dir. Callegari, reg. De
(Auditorium di (Auditorium di Concerti Rossini, Il barbiere Teatro Massimo Ana: 28 set., 8, 12 ott.
Milano) Fairouz, Falla, Milano) Mozart, (Conservatorio) di Siviglia; dir. Britten, Midsummer (Busseto, T. Verdi) La
Ravel; Orchestra Colasanti; rec. Dessay, Chopin, Dvorák; Montesano, reg. Night’s Dream; dir. Traviata; dir. Rolli, reg.
 spectator in scena
RIBALTA

Verdi a Gerusalemme
Nella regia di Hugo De Ana la poco frequentata “Jérusalem” resta fedele ai luoghi
dell’azione, con ambienti appena suggeriti nonostante gli “esterni” grandiosi
T itoli dalla grande popolarità come
La traviata, Falstaff e Messa da
Requiem ed altri come Stiffelio di as-
un canto dalle linee melodiche più
ampie e colori orchestrali più ricchi.
Per tutto questo Jérusalem può dirsi
plessa in quattro atti, lo è ancor di
più. Ritengo infatti che il regista, lo
scenografo ed il costumista, abbiano
sai minor frequentazione nei cartel- assolutamente un Grand Opéra! Ha una responsabilità enorme nel fare
loni internazionali. Sono questi gli in- tutti i canoni di questo stile: lo sfon- arrivare l’essenza dell’opera, raccon-
gredienti principali del cartellone del do storico con una trama avvincente, tando la storia sempre con un occhio
Festival Verdi che, dal 28 settembre colpi di scena, marce, balletto, l’im- nuovo, ma rispettando la musica
al 22 ottobre, animano Parma e Bus- portanza fondamentale del coro e, dell’autore. Il Coro di quest’opera,
seto. Ad inaugurare la kermesse, il 28 non per ultima, la lingua in cui è sta- che qui rappresenta il popolo france-
settembre al Teatro Regio di Parma, ta scritta, il francese. Così ho cercato se, dei pellegrini e di Gerusalemme,
è un’opera verdiana assai poco rap- di rispettare al massimo queste sue ha avuto per me, ad esempio, un’im-
presentata come Jérusalem proposta peculiarità. In realtà, in Italia il Grand portanza fondamentale ed un’enor-
in un nuovo allestimento con la regia, Opéra non ha avuto e non ha la stes- me fascinazione così come i drammi,
le scene ed i costumi dell’argentino sa presa sul pubblico che ha otte- gli amori e le solitudini dei protago-
Hugo de Ana, classe 1949, qui al de- nuto in Francia. Oggi il pubblico è nisti come Roger, interpretato qui dal
butto assoluto con questo titolo. abituato alla velocità, all’immediato, tenore Ramón Vargas, Gaston, cui dà
Jérusalem  è il rifacimento, in alla comprensione facile e naturale. corpo e voce il basso Michele Pertu-
francese, dei Lombardi alla pri- Con questa mia produzione cerco di si, ed Hélène, interpretata dal sopra-
ma Crociata. Quanto c’è del ribaltare questi cliché grazie anche no Annick Massis”.
Grand Opéra in  quest’opera  e ad un apparato scenico che sottoli- Nella sua Jérusalem si rispetta-
quanto di questo stile sopravvi- nea ogni aspetto della vicenda, sia no date e luoghi del libretto?
ve nella sua messinscena? pubblico sia privato. In Jérusalem “Di sicuro non ne ho fatto una tra-
“In realtà, Jéru- conosciamo due uomini, Gaston e sposizione in epoca contemporanea!
salem è molto Roger, amare la stessa donna, Hé- Sono stato fedele ai luoghi dell’azio-
più di un ri- lène, figlia del Comte de Toulou- ne, creando sul palco spazi dalla for-
facimento. È se. Una situazione conflittuale che te carica simbolica con una Tolosa e
un’opera total- porta ad una serie di eventi di cre- una Gerusalemme ‘suggerite’, non
mente nuova e scente complessità fino alla morte dichiaratamente messe in scena. E
differente da I di Roger, pentito dei suoi misfatti, anche le coreografie del balletto del
Lombardi, sia e di Gaston che si redime dopo la terzo atto di Leda Lojodice vanno in
per la trama, vittoria dei Crociati”. questo senso, non essendo univoca-
con Milano che Che cosa l’ha affascinata di mente né di stile classico, né con-
‘diventa’ la To- quest’opera ancora tutta da temporaneo”.  Antonio Garbisa
losa del 1095 scoprire?
e poi Gerusa- “La cosa che ho trovato più interes- Jérusalem di Verdi
lemme e con i sante nel lavorare a questa produ- Filarmonica Arturo Toscanini e Coro
Lombardi che zione è stato proprio il fatto che sia del Teatro Regio di Parma
‘si trasformano’ un’opera non molto rappresentata. Dir. Daniele Callegari. Regia, scene e
in frati, sia per Lavorare ad una nuova produzione costumi Hugo de Ana
la parte musi- è sempre una bella sfida ma, in que- Parma, Teatro Regio, dal 28 settem-
cale che vanta sto caso, in quest’opera cosi com- bre al 20 ottobre
CARTELLONE

Bernard: 29 set., 3, 4, 7, Pordenone Rimini Orchestra Barberio Corsetti: 8, Torino

9, 11, 12, 14 ott. Teatro Verdi Sagra Musicale Filarmonica di 13, 15 ott. Teatro Regio
(T. Fernese) Stiffelio; Schönberg, Gershwin, Malatestiana San Pietroburgo, www.operaroma.it Wagner, Tristan und
dir. Garcia Calvo, reg. Bartók, Ravel; (Palacongressi) vl Moreno, dir. Isolde; dir. Noseda,
Vick: 30 set., 6, 13 ott. Gustav Mahler Sibelius, Ciajkovskij; Temirkanov: 11 set. Accademia di reg. Guth: 10, 11, 14,
(T. Regio) Falstaff; dir. Jugendorchester, Orchestra Disney’s Fantasia – Santa Cecilia 15 ott.
Frizza, reg. Spirei: 1, pf Thibaudet, dir. dell’Accademia Live in Concert (con Szymanowski, Re www.teatroregio.
5, 15 ott. Metzmacher: 6 set. Nazionale di proiezione del film); Ruggero; dir. Pappano, torino.it
Messa da Requiem; Messiaen, Turangalîla; Santa Cecilia, vl Orchestra del Teatro reg. Masbedo: 5, 7,
sol. Pirozzi, Simeoni, Gustav Mahler Khachatryan, dir. Comunale di Bologna, 9 ott. MITO
Poli, Zanellato, Jugendorchester, pf Franck: 4 set. dir. Franklin: 15 set. Haydn, Mozart; SettembreMusica
maestro coro Thibaudet, ondes Strauss, www.sagramusicale­ Kammerorchester (selezione)
Faggiani, dir. Martenot Hartmann, Mendelssohn; NDR malatestiana.it Basel, dir. Antonini: (T. Regio) Clyne,
Callegari: 7 ott. dir. Metzmacher: 7 Elbhilharmonie 8 ott. Gershwin, Dvorák,
Gala Verdiano: set. Orchester, dir. Roma Eötvös, Mahler; dir. Ravel; Gustav Mahler
10 ott. www. Valcuha: 8 set. Teatro dell’Opera Pappano: 12, 14, 16 Jugendorchester,
www.teatroregio­ comunalegiuseppe­ Sostakovic, Auber, Fra Diavolo; ott. pf Thibaudet, dir.
parma.org verdi.it Rachmaninov; dir. McDonald, reg. www.santacecilia.it Metzmacher: 4 set.
 in scena spectator
Jazz
Salviamo Casa Bizet
di alessandro Traverso
padova Jazz
Dal 9 al 14 ottobre
Ventesimo Padova Jazz
Per salvare la casa di Bizet a Bougival (co- Festival con Pat Metheny
mune francese dell’Île-de-France) dove il (foto) in cattedra per una
compositore parigino completò Carmen, conversazione sulla pro-
pria carriera e poi in con-
è stata lanciata una campagna di raccol- certo con Gwilym Sim-
ta fondi su www.dartagnans.fr/Carmen. cock al pianoforte, Linda
L’iniziativa, sostenuta da Europa nostra, Oh al contrabbasso e Antonio Sanchez alla
da Plácido Domingo e dall’associazione batteria. Fra artisti a sorpresa in varie sedi
musicali cittadine - con il Teatro Verdi e la
Amis de Georges Bizet, si prefigge di Sala dei Giganti che ospiteranno i concerti
creare uno spazio culturale, scientifico, principali - arriveranno a Padova il trom-
turistico denominato “Carmen” che sarà bettista Mike Applebaum, il pianista Eric
integrato nel locale Centro europeo della musica (Cem). In quella casa Bi- Reed e il cantautore Sergio Cammariere.
zet trascorse i suoi ultimi giorni e lì si spense il 3 giugno 1875 all’età di 36 Tornerà anche il format Jazz@bar coi suoi
appuntamenti ambientati in luoghi alter-
anni. L’edificio, costruita nell’Ottocento sulle rive della Senna, si affaccia nativi: locali, ristoranti e bar padovani, di-
sulla strada che porta in città se si proviene da Rueil Malmaison. stribuiti sia in centro sia fuori città (www.
padovajazz.com).

Cure orchestrali
Blue Note
Milano, 20, 24 e 27
settembre
Metti due quinti del
Due milioni di visualizzazioni su Youtube. Tante ne conta il filmato Paolo Fresu Quintet,
dell’orchestra sinfonica “Una nota in più” di Spazio Autismo, associa- Tino Tracanna (foto) al
sassofono e Attilio Zanchi al contrabbasso,
zione di Musicoterapia con sede a Bergamo, dove all’Ospedale Papa aggiungi Massimo Colombo al pianoforte e
Giovanni XXIII è stata realizzata l’esecuzione diretta da Silvia Gazzola Tommaso Bradascio alla batteria e ottieni
andata in rete. L’orchestra fa capo a un progetto nato nel 2004 per for- l’Inside Jazz Quartet, che il 20 settembre al
mare musicalmente bambini e ragazzi con autismo e disabilità cogni- Blue Note di Milano presenta il cd Four By
Four in cui vengono reinterpretati gli stili

11
tive. Questi, affiancati dai musicisti del Centro Esagramma di Milano di Billy Strayhorn, Charles Mingus, Dave
(www.esagramma.net/it/), imparano a sentire le proprie emozioni e ca- Holland e Kenny Wheeler e ai quali ognuno
pire come esprimerle attraverso i suoni. dedica un brano di propria composizione.

Bologna Jazz
Bologna,

Flor alla Verdi

Nel presentare la stagione 2017-2018 che segna per l’orchestra Verdi 25 anni
di presenza a Milano, il presidente Gianni Cervetti ha anche annunciato il
passaggio del testimone fra la cinese Zhang Xian e, almeno per un triennio,
Claus Peter Flor, direttore tedesco già dal
2003 fra i direttori principali de laVerdi. La
sua attività è iniziata a luglio con l’integra-
le delle sinfonie di Beethoven. Nella nuova
stagione sarà sul podio in 6 dei trentuno
programmi di concerto previsti. Flor ha
diretto orchestre in tutto il mondo: dalla
Filarmonica della Scala ai Berliner, dalla
Staatskapelle alla Konzerthausorchester di
Berlino fino alla Malaysian Philharmonic.
Modena, Ferrara
dal 26 ottobre al
19 novembre
Sarebbe da segui-
re integralmente,
ma fra i concer-
ti da non perdere segnaliamo - in attesa
di tornare a parlarne - a Bologna il 2 no-
vembre il quartetto del sassofonista icona
jazz Lee Konitz, e il 7 novembre la band
del pianista e del batterista Chick Corea
& Steve Gadd Band (foto); l’11 novem-
bre a Ferrara il “solo chitarra” di Ralph
Towner; il 15 novembre a Bologna gli Yel-
lowJackets nella formazione con il figlio di
Jaco, Felix Pastorius, al basso elettrico. E
ancora Kenny Barron, Barry Harris, Brian
Auger, Enrico Rava, Paolo Fresu... (www.
bolognajazzfestival.com).

(Chiesa di S. Filippo) Noseda: 7 set. (Auditorium (Piccolo Regio (Auditorium Rai) Scala, vla Rachlin, dir.
Falvetti, Il diluvio (Tempio Valdese) Museo Nazionale Puccini) Adams, Fairouz, Falla, Ravel; Chailly: 21 set.
universale (oratorio); Schubert, Die dell’Automobile) Burtner, McGowan, Orchestra Sinfonica www.mitosettembre­
La Cappella Schöne Müllerin; ten. Dvorák, Haydn, Ravel; Andres; Eighth di Milano Giuseppe musica.it
Mediterranea, Choeur Bostridge, pf Drake: Quartetto Noûs: 12 Blackbird: 15 set. Verdi, vl Hanslip,
de Chambre de 8 set. set. (Auditorium Rai) pf Zilberstein, dir. Trieste
Namur, dir. Alarcón: Il Giorno dei Cori: (Conservatorio) Rachmaninov, Salado: 18 set. Teatro Verdi
5 set. 9 set. Beethoven, Grieg, Stravinskij; Orchestra (Conservatorio) Bosso, Beethoven; pf
(T. Regio) Sibelius, (Piazza S. Carlo) Stravinskij; Orchestra Sinfonica Nazionale Vivaldi, Merula, Ruffo, e dir. Bosso: 10 set.
Rautavaara, Beethoven; Filarmonica di Torino, della Rai, pf Gerstein, Marini; Il Giardino Rossini, Wagner,
Ciajkovskij; Orchestra Orchestra Giovanile pf Montero, dir. Pretto: dir. Bychkov: 16 set. Armonico, dir. Sostakovic; dir.
dell’Accademia Italiana, Coro 13 set. (Conservatorio) Arie Antonini: 19 set. Caetani: 15, 16 set.
Nazionale di Santa Maghini, maestro Pärt, Korvits; e danze scozzesi (Piccolo Regio Stokowski, Berg,
Cecilia, vc Mork, dir. coro Chiavazza, dir. Tallinn Chamber e irlandesi; sol. Puccini) Recital; fis. Berlioz; vl Pogostkina,
Franck: 6 set. Rustioni: 10 set. Orchestra, Estonian Oberlinger, Ghielmi, Sidorova: 20 set. dir. Halffter Caro: 22,
Dvorák, Smetana, (Conservatorio) Ravel, Philharmonic Contadin, Prada, Seitz, (T. Regio) Ligeti, 23 set.
Beethoven; Orchestra Liszt, Dun; pf Zee: Chamber Choir, dir. Rinaudo, Biale, Balatti: Bartók, Respighi; Boccherini, Prokofiev,
del Teatro Regio, dir. 11 set. Joost: 14 set. 17 set. Filarmonica della Lutoslawski;
 spectator in scena
Previsioni

Messiaen ignoto
Oltre alla pagina inedita scovata nell’archivio del compositore francese, la nuova stagione
di Lugano Musica ha i più grandi del podio. Inizia Chailly con la Filarmonica scaligera
A rtisti, noti o emergenti, tutti di pri-
missimo livello, e un’inaugurazione
non così usuale nel nome della musica
contemporanea. È il disegno artistico
del direttore Etienne Reymond per la
stagione 2017-2018 di LuganoMusica al
Lac. Un cartellone che, dal 16 settembre
all’11 giugno, si articola in cicli differen-
ti. Ad aprire è un concerto a ingresso
gratuito alla Hall del Lac con il Vox Àl-
tera Ensemble impegnato in una serie
di composizioni di Francesco Hoch, fra
cui una commissione dello stesso Luga-
noMusica, Il pendolo delle passioni per
voce recitante, sei voci e percussioni;
e un’altra prima assoluta intitolata Da-
darp. Si prosegue, il 18 settembre, con
Riccardo Chailly sul podio della Filar-
monica della Scala (foto): in programma
il Concerto per violino e orchestra in Re
maggiore, op. 35 di Ciaikovskij con una
star dell’archetto come David Garrett;
poi la Sinfonia n. 12 in Re minore op.
112 “L’anno 1917” di Sostakovic. Fra i
direttori ospiti i nomi di Mariss Jansons,
Vladimir Jurowskij, Philippe Jordan e
Bernard Haitink. Perla del cartellone
è la prima esecuzione in Svizzera, l’11
novembre, in un recital pianistico di Ro-
ger Muraro, di Fauvettes de l’Hérault di
Olivier Messiaen, pagina riscoperta di
recente nell’archivio del compositore.
 A.G.
Vox Àltera Ensemble
Dir. Massimiliano Pascucci
Lugano, Lac, 16 settembre

Vienna, Parigi, Venezia

Al palazzetto veneziano un festival dedicato a Reicha, protagonista del classicismo
viennese. Da scoprire col Quartetto Ardeo, il Quintetto Klarthe e l’Ex Novo Ensemble
M aestro di Liszt, Berlioz, Gounod
e Franck, Antoine Reicha fu uno
dei grandi importatori del classicismo
viennese nella Parigi della Restaura-
zione. Una figura oggi tutta da sco-
prire a cui è dedicato un intero festi-
val, dal 23 settembre al 4 novembre,
che inaugura la stagione 2017-2018
del Palazzetto Bru Zane di Venezia al
ritmo dei suoi interessanti duetti per
violino e violoncello, trii con pianofor-
te, quartetti per archi, quintetti con
clarinetto o con due viole. Una ma-
nifestazione che, tra conferenze e la-
boratori didattici, porta nella città la-
gunare otto concerti cameristici con i
quartetti Ardeo (foto), il 23 settembre
alla Scuola Grande di San Giovanni
Antoine Reicha, musicista
cosmopolita e visionario
Venezia, Palazzo Bru Zane, dal 23 set-
Evangelista, e Mandelring, il 27 otto- tembre al 4 novembre
bre al Palazzetto Bru Zane, ma anche,
sempre al Palazzetto, il violoncellista
Christophe Coin e il violinista Julien
Chauvin, il 24 settembre, il quintetto
Klarthe, il 21 ottobre, il pianista Ivan
Ili, il 28 settembre, e il trio Medici, il
4 novembre. E in due concerti, il 15
e 29 ottobre, viene eseguita al Teatro
La Fenice anche parte della sua pro-
duzione per strumenti a fiato con l’Ex
Novo Ensemble. A.G.

pf Ciobanu, dir. e dir. Ticciati: 9 set. Bevignate) Canto e (Perugia, Chiesa di di Perugia, pf Scaletti, Coladonato, Gubanska,
CARTELLONE

Gardolinska: 29, 30 set. (San Gemini) Martin oud Bouhassoun, Coro S. Bevignate) Luther dir. Ciofini: 16 set. Mezzaro, Borgioni, dir.
www.teatroverdi- Luther e la Musica; Armoniosoincanto, dir. in Rom; Concerto (Perugia, Chiesa di S. Bressan: 17 set.
trieste.com Signum Saxophone Radicchia: 10 set. Romano, dir. Quarta: Filippo Neri) Allegri, www.perugiamusica­
Quartet, Ensemble (Castel Rigone) 14 set. Carissimi, Schütz; La classica.com
Umbria Libercantus, dir. Palestrina; Odhecaton, (Perugia, Basilica di S. Nuova Musica, dir.
Sagra Musicale Vagnetti, rec. Ensemble Nova Alta, Pietro) Bach; Kölner Bates: 16 set. Venezia
Umbra Monopoli: 9 set. dir. Da Col: 11 set. Akademie, dir. Willens: (Torgiano) Recital; fl. Teatro La Fenice
(Perugia, T. Morlacchi) (Sant’Egidio) (Acquasparta) 15 set. Ancillotti, ch. Micheli: Verdi, La Traviata; dir.
Mendelssohn, Strauss; Colasanti; Quartetto Bettinelli, Pärt, (Trevi) Scheidt, 17 set. Calesso, reg. Carsen:
NDR Elbphilharmonie d’archi della Orchestra Mendelssohn, Schütz, Victoria; (Assisi, Basilica 1, 6, 10, 12, 14, 15, 21,
Hamburg, dir. Valcuha: da Camera di Perugia, Brahms; Coro Ensemble Libercantus, Superiore di S. 22 set.
8 set. rec. Gualtieri: 10 set. Giovanile Italiano, dir. Ensemble Nova Alta, Francesco) Pärt, Puccini, Madama
(Montefalco) Pärt, (Panicale) Pärt, Bach, Marzola e Pavese: dir. Vagnetti: 16 set. Bach; Estonian Butterfly; dir. Callegari,
Maskats, Auerbach; Messiaen; O/Modernt 12 set. (Norcia) Gjeilo; Coro Philharmonic reg. Rigola: 3, 5, 13, 17,
Orchestra da Camera Chamber Ensemble, vl (Perugia, Cattedrale Canticum Novum, Chamber Choir, 19, 24 set.
di Perugia, O/Modernt e dir. Ticciati: 10 set. di S. Lorenzo) Recital; Coro Giovanile Umbro, Orchestra da Camera Rossini, L’occasione
Chamber Ensemble, vl (Perugia, Chiesa di S. org. Falcioni: 13 set. Orchestra da Camera di Perugia, sol. fa il ladro; dir. Gamba,

RIBALTA
Quartetti a palazzo
L’iniziativa delle giovani formazioni nelle dimore storiche si affianca alla storica
stagione della Società milanese al Conservatorio, con Trifonov, Perahia, Lupu
C ome decenni fa per merito del
lavoro di Maria Majno, dietro le
quinte ma non meno riformatore ri-
spetto alle certezze aristocratiche
del Quartetto, ancora una volta c’è
una presenza femminile a rilanciare
l’immagine della più nobile e storica
(1864) società concertistica italiana.
Francesca Moncada, vulcanica ide-
atrice e responsabile dell’innovativo
progetto “Le dimore del quartetto”,
destinato a far incontrare giovani for-
mazioni e ospitalità storiche, è la nuo-
va vicepresidente della Società del
Quartetto da decenni presieduta da
Antonio Magnocavallo che s’è sempre
speso a favore del rinnovamento del
profilo “chiuso” e del riconoscimento
pubblico (leggi Fus, per troppo tempo
contumace tra i sostenitori finanziari)
dell’attività dell’istituzione per tradi-
zione svolta il martedì sera al Conser-
vatorio di Milano, da alcune stagioni
equipaggiata anche con la direzione
artistica di Paolo Arcà. A lui spetta
non deludere il profilo “ordinario” del
programma, con la consueta “parata
di stelle” (tra Daniil Trifonov - nella foto
- che inaugura e Murray Perahia che
conclude la stagione in maggio festeg-
giando mezzo secolo di ospitalità al
Quartetto). L’elenco conta Radu Lupu,
András Schiff, Leif Ove Andsnes, An-
gela Hewitt, Katia e Marielle Labèque,
Jan Lisiecki, Gloria Campaner, Daniel
Lozakovich,  Joshua Bell,  Jordi Savall,
The King’s Singers, Europa Galante,
Divertimento Ensemble, Trio di Parma,
i Quartetti Belcea, Artemis, Jerusalem
e il vincitore del Premio Borciani. Sta-
gione dichiaratamente attratta dalla
centralità della “figura dell’interprete,
tramite unico e indispensabile per
far vivere la musica”. Sono loro, ha
scritto Arcà nella presentazione, “che
consentono alla musica di manife-
starsi nel momento dell’esecuzione,
per poi scomparire e inabissarsi nel-
le profondità della nostra memoria;
e sanno aggiungere, con peculiari
scelte interpretative, quella parte
sostanziale che va oltre il segno
scritto tracciato dal compositore,
offrendo emozioni, sentimento,
spiritualità”. Da una prospettiva
diversa, “più sveglia e piacevole”
ma non in competizione col pro-
filo rassicurante di stagione, s’è
mossa Francesca Moncada pro-
ponendo numerose strade per
indirizzarsi ancor più ai giovani:
“Elaborando proposte specifiche
per loro, ridisegnando la comuni-
cazione in modo che nessun pro-
filo di ascoltatore - ma anche chi
non sa di poterlo diventare - sia
escluso”. Se anche l’“abito” con-
ta, non ci sono state mai tante
faccine - cioè foto di interpreti, a
cominciare dal carino e dannato
Daniil Trifonov sul 17 ottobre - su
depliant e manifesti in un tempo
non molto lontano monocroma-
tici, e la terna social (Facebook,
Twitter e Istagram) è un corredo
consueto della pagina web. “Cre-
do sia importante individuare un
nuovo stile nel ‘parlare’ di musica
classica in modo da intercettare
spettatori che al rito-concerto non
sono abituati. Abbiamo rinnovato e
incrementato, con la chiamata dei
nuovi gruppi filtrati dalle Dimore
in scena spectator
del quartetto, Musica nel Tennis a Villa
Necchi: orario pomeridiano, programmi
brevi, luogo informale e bellissimo, mol-
to inserito nella città, una stagione nella
stagione battezzata Quartetti d’Italia”.
Ma comunicazione significa anche cre-
13
are una serie di rapporti con luoghi di
ricerca e di formazione. “Abbiamo raf-
forzato il dialogo scientifico col Conser-
vatorio - gli allievi, sotto tutela di alcuni
docenti, si occuperanno dei testi critici
di presentazione - e abbiamo aperto
un’interessante collaborazione con lo
Ied e il corso di formazione di fotografi
dello spettacolo, mentre i ragazzi della
Fondazione Mondadori si occuperanno
della nuova immagine grafica, del sito
web. E continuerà la bellissima espe-
rienza di concerti a Casa Verdi, con gli
anziani ospiti che ‘giudicano’, come in
una sorta di talent show, i giovanissimi
vincitori dei premi del Conservatorio”.
La firma del Quartetto sarà anche pre-
sente nei luoghi simbolo della finanza
(Borsa, Bpm, Gallerie d’Italia: mini bre-
ak musicali in orario di pranzo, a prezzo
d’un panino) e in altri spazi di spettaco-
lo: un balletto sulle Goldberg alla Scala,
il duetto musical-tecnologico con la
partecipazione del videomaker  Natan
Sinigaglia al Piccolo Teatro. “Creare
isole musicali diverse ma non isolate
tra loro, sollecitare tutti i sensi: l’udito
solo non soddisfa i giovani abituati a
mille stimolazioni”, osserva Francesca
Moncada. Sicura che le strutture an-
tiche del Quartetto non andranno in
tilt? “Perché mai? Era evidentemente il
momento. Non ho trovato nessuna re-
sistenza interna, anzi; e i primi dati del
botteghino dicono che il numero di ab-
bonamenti è già incrementato rispetto
all’anno scorso”.
 .Angelo Foletto
 spectator in scena
Previsioni

Ensembles di tendenza
Al Teatro Farnese e alla Casa della musica con il Klangforum Wien diretto da Wiegers
e il Prometeo guidato da Angius. Con Sannicandro e Manfrin compositori d’occasione
N umerose prime esecuzioni e
commissioni per far scoprire le
nuove tendenze contemporanee.
Questo è l’obiettivo della ventiset-
tesima edizione di Traiettorie, la
rassegna internazionale di musica
moderna e contemporanea che tro-
va per due mesi, dal 20 settembre
al 20 novembre, terreno fertile nella
musicalissima Parma. Qui, al Teatro
Farnese e alla Casa della Musica,
si tengono i tredici concerti della
rassegna eseguiti da interpreti di
fama internazionale come l’ensem-
ble viennese Klangforum Wien che,
diretto da Bas Wiegers, inaugura
il festival, il 20 settembre al Teatro
Farnese, su musiche di Grisey, Mo-
vio, Lim, Kerschbaumer e Furrer. A
dominare è infatti, in questo 2017,
proprio la musica per ensemble con
le partecipazioni importanti al Far-
nese dell’Arditti Quartet (foto) che il
26 settembre, si fa ascoltare in brani
di Neuwirth, Pagh-Paan, Bertrand,
Birtwistl e dell’Ensemble Prometeo
che, sotto la direzione di Marco An-
gius, propone il 17 ottobre le prime
esecuzioni di composizioni scritte
appositamente per l’occasione da
Valerio Sannicandro e Luigi Manfrin.
 A.G.
Festival Traiettorie 2017
Parma, Teatro Farnese e Casa della
Musica, dal 20 settembre al 20 no-
vembre

Pisa ecumenica
Anima Mundi in un fil rouge tra i 500 di Lutero e i 450 di Monteverdi (Vespro della Beata
Vergine con Gardiner). Per giungere a Mozart, Brahms, Schumann, Beethoven, Debussy
U na fusione perfetta tra musica,
arte e architettura. Perché Anima
Mundi, la rassegna Internazionale
di Musica Sacra, giunta quest’anno
alla sua diciassettesima edizione, ha
in programma a Pisa sette concerti
che si alternano tra la Cattedrale ed
il Camposanto. Sono questi i luoghi
suggestivi dove la rassegna, affidata
dal 2006 alla direzione artistica di Sir
John Eliot Gardiner, celebra tre ricor-
renze: i 500 anni dalla Riforma lute-
rana, i 250 dalla morte di Georg Phi-
lipp Telemann e i 450 dalla nascita di
Claudio Monteverdi. Il 14 settembre
il sipario si alza in Cattedrale con i
complessi della Radio di Hannover
sulle note della Messa in do minore
K 427 di Mozart e dell’Ave Maria op.
tate di Bach e Telemann. In Campo-
santo si tiene invece, il 20 settembre,
il recital del pianista Stephen Hough
su musiche di Debussy, Schumann e
Beethoven. Da segnalare, il 6 ottobre,
il gran finale con Sir John Eliot Gar-
diner che dirige il Monteverdi Choir
(foto) e gli English Baroque Soloists
nel Vespro della Beata Vergine di
Monteverdi.
 

Anima Mundi
A.G.

12 di Brahms, seguiti, il 16 settembre, Pisa, Cattedrale e Camposanto, dal 14

dall’Akademie di Colonia nelle Can- settembre all’8 ottobre

reg. Brusa: 2, 7, 16, 20, 30 set. Lim; vc Ballon: 3 ott. Hosokawa; Takefu Dvorák, Strauss; Bychkov: 17 set.
CARTELLONE

23 set. Chin, Yun; Parco Cendo, Barrett; vc Ensemble: 7 ott. Turkish Youth Beethoven, Sibelius;
(T. Malibran) Krenek, della Musica Deforce: 3 ott. (T. alle Tese) Fujikura, Orchestra, pf Principe, Philharmonia
Cefalo e Procri; dir. Contemporanea (T. alle Tese) Kishino, Wenjing; dir. Mansur: 3 set. Orchestra di Londra,
Ceccherini, reg. Villa: Ensemble, dir. Battista: Cacciatore, La Vallée Orchestra di Padova Dvorák, Gershwin, dir. Salonen: 20 set.
29 set., 1, 3, 5, 7 ott. 1 ott. des merveilles; reg. e del Veneto, dir. Bartók, Ravel; Barber, Chopin,
www.teatrolafenice.it Nodaira, Fernández, Fanteguzzi: 4 ott. Sugiyama: 7 ott. Gustav Mahler Dvorák; Orchestra
Xu, Xiaofu; perc. (Arsenale) Caccaitore, Chernyshkov, Il rosso Jugendorchester, della Fondazione
Biennale Miroglio, live electr. Sakai; fl. Okubo, perc. sventurato degli orsi pf Thibaudet, dir. Arena di Verona, pf
Musica Fernández: 2 ott. Maurel: 5 ott. risvegliati; Tempo Metzmacher: 8 set. Cho, dir. Masmondet:
(T. alle Tese) (Ca’ Giustinian) (T. Piccolo Arsenale) Reale: 8 ott. Ciajkovskij, Rimskij- 25 set.
Stockhausen; Xenakis, Fuentes, Sargenti, La stessa www.labiennale.org Korsakov; Filarmonica Recital; pf Taverna:
Orchestra di Padova Avramidou, Cosmi, barca; Marino, Apnea; di San Pietroburgo, pf 1 ott.
e del Veneto, mimo/ Ronchetti; vc M.M. Hübner, Orpheus Verona Rana, dir. Temirkanov: Mozart; Camerata
danza Gottardi, dir. Rossi, elettr. Tempo Moments; Ex Novo Il Settembre 12 set. Salzburg, pf
Angius: 29 set. Reale: 3 ott. Ensemble, dir. dell’Accademia Rachmaninov, Bezuidenhout: 5 ott.
Dun; Orchestra Rai, Saunders, Bedrossian, Perocco: 6 ott. (T. Filarmonico) Ciajkovskij; Orchestra www.accademia­
perc. Rubino, dir. Dun: Blondeau, Czernowin, (T. Piccolo Arsenale) Borodin, Rachmaninov, Rai, pf Gerstein, dir. filarmonica.org

RIBALTA
Ritorno a Stockhausen
Bologna Festival invita gli autori di oggi a confrontarsi con l’eredità del Tedesco. Fra questi
Adriano Guarnieri, che festeggia 70 anni tra Spoleto, LaVerdi e una nuova opera al Maggio
N
el 2017 si celebrano i 10 anni
dalla scomparsa di Karlheinz
Stockhausen e il 70° compleanno
di Adriano Guarnieri. Il Bologna Festi-
val dedica al compositore tedesco una
serie di concerti (dal 18 al 23 settem-
bre) con la prima italiana di Unsichtba-
re Chöre (con il coro di Colonia), pezzi
storici come Mantra (affidato alle piani-
ste Maria Grazia Bellocchio e Stefania
Redaelli), Kontakte (con Andrea Rebau-
dengo e Simone Beneventi), alcuni dei
Klavierstücke (affidati a una specialista
come Vanessa Benelli Mosell), e poi vari
brani tratti da Klang (ciclo di 24 pezzi
dedicati ciascuno ad un’ora del giorno):
Harmonien per clarinetto basso, Para-
dies per flauto e elettronica, Freude per
due arpe, Uversa per corno di bassetto e
elettronica, Natürliche Dauern per pia-
noforte. Nel ciclo sono previsti poi quat-
tro nuovi lavori ispirati a Stockhausen
e commissionati dal Festival a quattro
compositori italiani: Stefano Gervaso-
ni, Adriano Guarnieri, Marco Stroppa
e Fabio Nieder. Guarnieri ha scritto un
pezzo per flauto (solista Cecilia Vendra-
sco) e live electronics, pensato come
una reinvenzione del melos flautistico:
“È la ricerca di una identità nuova, me-
lodica, orizzontale, derivata soprattutto
da alcuni autori del Novecento, come
Maderna, che hanno sempre avuto la
melodia come un riferimento. Questo
melos viene poi filtrato, riverberato e
spazializzato attraverso il live electro-
nics”. Guarnieri non ha conosciuto
personalmente Stockhausen, né ne
è mai stato direttamente influenza-
to. Ne riconosce però l’importanza
storica, il fatto di avere costituito,
insieme ad altri maestri dell’avan-
guardia, come Nono e Berio, una
sorta di spartiacque tra un prima e
un dopo nella storia della musica:
“Un’influenza diretta direi di no. Ma
mi hanno sempre affascinato due
aspetti della musica di Stockhau-
sen. L’invenzione di una nuova
materia sonora, l’idea di un suono mas-
sivo: lì l’ho sempre trovato geniale. E le
sue traiettorie verticali, zigzaganti, di
un putillismo molto sciolto, di matrice
molto germanica, che viene da Webern.
È un modo di comporre però molto lon-
tano dal mio, che ha sempre adottato
una scrittura fatta di linee, plurilineare.
Penso però che Stockhausen apparten-
ga a quei maestri dell’avanguardia che
hanno cambiato radicalmente l’idea di
suono, la sua qualità. Il suono dopo di
loro non è più il suono otto-novecen-
tesco. Questo è un dato di fatto, che
si usi il live electronics o no. Perfino
la vocalità non è più quella del primo
Novecento, che si ispirava ancora alla
vocalità del melodramma. Con loro è
cambiato tutto, l’universo ‘sonologi-
co’ è veramente mutato, e anche tut-
te le novità che stanno venendo fuori
oggi sono un’eredità di maestri come
Stockhausen”.
L’agenda di Adriano
Guarnieri è partico-
larmente fitta in que-
sto periodo. Dall’8 al
10 settembre andrà in
scena a Spoleto una
sua nuova opera da
camera, Fammi udire
la tua voce, per quat-
tro voci e nove stru-
menti, basata su fram-
menti tratti dal Cantico
dei Cantici: “Ho voluto
interpretare questo te-
sto sul piano amoroso,
nel senso più ampio
del termine. In scena
ci saranno due cop-
pie di amanti. E dalla
dimensione struggen-
te e affettiva del testo
promana   una vocali-
in scena spectator
tà molto pronunciata, tesa, eterea, con
vere e proprie arie, duetti, concertati. È
un caleidoscopio vocale che si snoda in
una forma unica, quasi oratoriale, e che
si presta ad un teatro di visione, fatto di
situazioni interiori, di ‘azioni liriche’, di
fatti emozionali, senza un percorso nar-
15
rativo”. A Milano Musica, il 27 ottobre,
ci sarà poi un nuovo pezzo per orche-
stra, affidato all’Orchestra Verdi, la Live
Symphony n. 5, dove Guarnieri riprende
l’idea di creare l’effetto del live electro-
nics con i mezzi della grande orchestra
sinfonia: “Semmai è qui un riferimen-
to a Stockhausen. Perché si tratta di
una vera esplosione di materia, con i
clangori degli ottoni e delle percussio-
ni. È un unico grande movimento di
circa mezz’ora, una forma molto più
ampia rispetto alle precedenti quattro
sinfonie, strutturata per sequenze (c’è
quella esplosiva, quella lirica, quella
polifonica, e anche un ricercare a otto
al centro del pezzo), proprio come in
un montaggio cinematografico. Sono
masse di suono coagulate che si dis-
solvono, un suono ‘plastico’, sinuoso,
come una scultura sonora. ‘Live sym-
phony’ significa che degli strumenti,
soprattutto gli ottoni gravi, vengono
usati come dei tenor, in maniera cir-
colare, creando una spazialità simile a
quella del live electronics”. Infaticabi-
le, Guarnieri è poi alle prese con la sua
nona opera, Tenebra di luce, che andrà
in scena al prossimo Maggio Musica-
le, tratta da liriche di Rilke, ancora un
esercizio di vocalità: “La voce è un fil
rouge di tutta la mia attività. Ma la mia
musica gioca soprattutto sulle tensioni
estreme, vuole essere come un pugno
nello stomaco. Non amo molto gli sfre-
golii del pianissimo. Amo il suono in
tutta la sua visceralità”.
 Gianluigi Mattietti
 spectator RADIO/TV/SAT
di antonio garbisa

Previsioni

Scala Barocca
“Tamerlano” su Radio3 con i controtenori Bejun Mehta (ruolo del titolo) e Franco Fagioli
affiancati dal mezzosoprano Crebassa, il soprano Schiavo e Domingo come Bajazet
È
tra
sfida all’ul-
timo acuto
controte-
Handel allestita per la prima volta al
Piermarini con protagonista, nel ruolo
del titolo, lo statunitense Bejun Mehta
ton. L’opera, che racconta dell’amore
di Tamerlano per Asteria, figlia del
prigioniero imperatore ottomano Ba-
nori quella che (foto), classe 1968, qui al suo debut- jazet, vede impegnati il complesso ba-
si ascolta il 12 to scaligero. Al suo fianco nel ruolo rocco dell’Orchestra scaligera diretto
settembre alle di Andronico un altro controtenore da Diego Fasolis e il regista Davide
ore 20 sulle di fama, il 36enne argentino Franco Livermore che ambienta la vicenda
frequenze di Fagioli. La messinscena raduna però nell’ottobre 1917. 
Rai Radio3. In altri interessanti cantanti della scena
diretta dal Te- barocca internazionale come il mezzo- Tamerlano di Handel
atro alla Scala soprano Marianne Crebassa ed il so- Orchestra e Coro del Teatro alla Scala
di Milano viene prano Maria Grazia Schiavo, oltre alla Dir. Diego Fasolis. Regia di Davide Li-
trasmessa Ta- presenza della star evergreen Plácido vermore
merlano, l’ope- Domingo nei panni di Bajazet, ruolo in Milano, Teatro alla Scala, 12 settem-
ra in tre atti di cui ha debuttato nel 2008 a Washing- bre, ore 20, Rai Radio3

Bergman all’Opera
In streaming fino al 31 ottobre su theoperaplatform “Sinfonia d’autunno” diventa lirica
contemporanea su musica del finlandese Fagerlund e la von Otter nel ruolo di Charlotte

P rima fu film, adesso opera contem-

poranea. Questo il destino della
pellicola del 1978 Sinfonia d’autunno
di Ingmar Bergman, mito del cine-
ma svedese che, con lo stesso titolo
originale di Höstsonaten, ha ispirato
oggi il 44enne compositore finlande-
se Sebastian Fagerlund. Su libretto di
Gunilla Hemming debutta in prima
mondiale alla Finnish National Opera
di Helsinki, diretta da John Storgårds
e con la regia e le scene di Stéphane
Braunschweig. Il 23 settembre, alle
ore 18, Höstsonaten viene trasmessa
gratuitamente in diretta streaming
sul sito theoperaplatform.eu dove re-
sterà visibile, sempre in chiaro, fino al
31 ottobre. Sul palco si racconta del
rapporto difficile di una famosa pia-
nista, Charlotte, qui interpretata dal
celebre mezzosoprano svedese Anne
Sofie von Otter (foto) per cui Fager-
lund ha scritto appositamente il ruo-
lo, con le sue due figlie che non rie-
scono a perdonarle di aver anteposto
la carriera alla famiglia.
Höstsonaten di Fagerlund
Orchestra della Finnish National
Opera
Dir. John Storgårds. Regia di Stépha-
ne Braunschweig
Helsinki, Finnish National Opera, dal 23
settembre, ore 18, su theoperaplatform.eu

Rai Radio 3 Orchestra, vl Mutter, dir. Honeck dir. Brunt e Ames (Londra, Tate Relyea, dir. Oramo (Londra, Royal
nnn Concorso Pianistico (Londra, Royal Albert Hall; PROM Modern; Oper Ear Prom): 6 set., Albert Hall; PROM 75): 9 set., 20.15
PALINSESTO

Internazionale “Ferruccio Busoni”,
Serata finale; Orchestra Haydn,
dir. Volmer (Bolzano, Teatro
Comunale): 1 set., 20.15 nnn
Rossini, L’occasione fa il ladro; dir.
Gamba (Venezia, Teatro La Fenice):
2 set., 19.00 nnn Clyne, Gershwin,
Dvorák, Ravel; Gustav Mahler
Jugendorchester, pf Thibaudet, dir.
Metzmacher (Milano, Teatro alla
Scala; MITO – Settembre Musica):
3 set., 21.00 nnn Adams, Dvorák,
Mahler; Pittsburgh Symphony
69): 4 set., 20.30 nnn Mazzoli,
Bartók, Dvorák; BBC Symphony
Orchestra, pf Denk, dir. Canellakis
(Londra, Royal Albert Hall; PROM
70): 5 set., 20.30 nnn Stravinskij,
Britten, Prokofiev, Sostakovic;
London Philharmonic Orchestra, vl
Ibragimova, dir. Jurowski (Londra,
Royal Albert Hall; PROM 71): 6 set.,
20.00 nnn Cunningham/Brunt,
Lamb, Miller; London Contemporary
Orchestra, Ensemble Exaudi, elettr.
Levi, vc Coates, perc. Constanzo,
23.15 nnn Dvorák, Smetana,
Beethoven; Orchestra del Teatro
Regio di Torino, dir. Noseda (Torino,
Teatro Regio; MITO – Settembre
Musica): 7 set., 21.00 nnn Wagner,
Beethoven, Rimskij-Korsakov;
Mariinsky Theatre Orchestra di San
Pietroburgo, dir. Gergiev (Bonn,
World Conference Center; Festival
Beethoven): 8 set., 20.04 nnn Last
Nights of the Prom; BBC Symphony
Orchestra, BBC Symphony Chorus,
sol Crowe, Stremme, Rice, Johnson,
nnn Liquid Stone Trio; Burnt Sugar
the Arkestra Chamber (Sant’Anna
Arresi; Ai Confini fra Sardegna e
Jazz): 10 set., 21.00 nnn Händel,
Tamerlano; dir. Fasolis (Milano,
Teatro alla Scala – Stagione Lirica):
12 set., 20.00 nnn Beethoven, Grieg,
Stravinskij; Orchestra Filarmonica
di Torino, pf Montero, dir. Pretto
(Torino, Conservatorio; MITO –
Settembre Musica): 13 set., 21.00
nnn Puccini, La bohème; dir.
Ciampa (Opera di Firenze; Maggio
 FONDAZIONE DONIZETTI 2017
RADIO/TV/SAT spectator
La Tosca di Bieito
Instabilità politica, uso della
tortura e giochi di potere. Sono
questi gli elementi da cui è par-
tito il regista catalano Calixto
DONIZETTI
OPERA
Bieito per la sua messinscena
della pucciniana Tosca (foto)
alla Den Norske Opera di Oslo.
Da qui l’opera viene trasmessa
in diretta e gratuitamente il 1°
settembre, alle ore 19, sul sito
theoperaplatform.eu dove resterà visibile fino al 31 ottobre. Dal 22 novembre al 4 dicembre
Diretta sul podio da Karl-Heinz Steffens, ha per protagonisti
Svetlana Aksenova, Daniel Johansson e Claudio Sgura.  A Bergamo il Festival internazionale
dedicato al grande compositore

DiDonato “guerra e pace”

DAL 22 NOVEMBRE

AL 4 DICEMNRE
Tutto è nato da un album, “In War & Peace”,
inciso dal mezzosoprano Joyce DiDonato (foto)
all’indomani degli attacchi terroristici del 13
novembre 2015 a Parigi. Un progetto con arie
del Barocco inglese ed italiano, da Handel a
Purcell, da Gesualdo a Cavalieri, che è diventa-
to poi uno spettacolo che ha visto protagonista
la DiDonato nei maggiori teatri del mondo con
l’Ensemble Il Pomo d’Oro e la danza di Manuel

Palazzo. Su Arte, il 17 settembre, alle ore 12.30, Teatro Sociale
si assiste alla tappa spagnola al Gran Teatre 24, 26 novembre – 2 dicembre
del Liceu di Barcellona.  Il borgomastro
di Saardam
17
Direttore Roberto Rizzi Brignoli
Regia Davide Ferrario
Orchestra e Coro Donizetti Opera
Nuovo allestimento e produzione della
Fondazione Donizetti

Il “Sogno” di Britten
Musica di Gaetano Donizetti

Teatro Sociale Direttore Gianluca Capuano

25 novembre – 1, 3 dicembre Regia Roberto Catalano
Composta nel 1960 da Benjamin Britten, autore anche del Orchestra Accademia Teatro alla Scala

libretto assieme a Peter Pears, A Midsummer Night’s Dre- Che originali! Nuovo allestimento e produzione della
Fondazione Donizetti
Musica di Giovanni Simone Mayr
am (foto) è opera liberamente tratta dall’omonimo lavoro
teatrale di Shakespeare. Il 19 Pigmalione
settembre, alle ore 20.30, la si Musica di Gaetano Donizetti

può ascoltare su Rai Radio3 in

diretta dal Teatro Massimo di Basilica di Santa Maria Maggiore Direttore Corrado Rovaris
Orchestra e Coro Donizetti Opera
29 novembre (dies natalis)
Palermo dove viene rappresen-
tata per la prima volta. Diretta Messa di Requiem
da Daniel Cohen, vanta un cast Musica di Gaetano Donizetti

internazionale con il controte-

nore americano Lawrence Zaz- Teatro Sociale
30 novembre
Marc Augé interpreta il testo di Rousseau
Direttore Ruben Jais
zo nel ruolo di Oberon, Jennifer Orchestra laBarocca
O’Loughlin, Mark Milhofer e Pygmalion Nuovo allestimento e produzione della
Fondazione Donizetti
Gabriella Sborgi. Musica di Horace Coignet e
Jean-Jacques Rousseau

Teatro Sociale Tenore Juan Diego Flórez

Musicale Fiorentino): 14 set., 20.00
nnn Rachmaninov, Stravinskij;
Orchestra Sinfonica Nazionale
della Rai, pf Gerstein, dir. Bychkov
(Torino, Auditorium Rai; MITO –
Settembre Musica). 16 set., 21.00
nnn Vivaldi, Merula, Castello,
Ruffo; Il Giardino Armonico,
dir. Antonini (Milano, Teatro
Dal Verme; MITO – Settembre
Musica): 18 set., 21.00 nnn Britten;
Midsummer Night’s Dream; dir.
Cohen (Palermo, Teatro Massimo
– Stagione Lirica): 19 set., 20.30
nnn Recital; fis. Sidorova (Torino,
Teatro Regio; MITO – Settembre 4 dicembre Pianoforte Vincenzo Scalera
Musica): 20 set., 21.00 nnn Ligeti, Musica di Gioachino Rossini
Bartók, Respighi; Filarmonica Flórez per Donizetti e Gaetano Donizetti
della Scala, vla Rachlin, dir.
Chailly (Torino, Teatro Regio;
Consulta il sito Biglietteria, prevendita e agevolazioni
MITO – Settembre Musica): 21 www.donizetti.org sul sito www.donizetti.org
set., 21.00 nnn Progr. da def.: o la nostra pagina facebook T. 035.4160601/602/603
Solisti dell’Orchestra Sinfonica (/fondazionedonizetti) Informazioni:
Nazionale della Rai (I Concerti per maggiori informazioni. T. 035.4160681 – info@donizetti.org
di Radio3 al Quirinale – Roma,
Cappella Paolina): 24 set., 11.50
nnn Dun; Orchestra Sinfonica
FLY TO THE OPERA
Nazionale della Rai; perc. Rubino, vola da tutta Italia su Orio al Serio
dir. Dun (Venezia, Teatro alle Tese; info: www.orioaeroporto.it
Biennale Musica): 30 set., 20.00

www.visitbergamo.net
 viaggi musicali
di antonio garbisa
Berlino città aperta
Dopo 7 anni di chiusura forzata, la Staatsoper riapre col “Faust” di Schumann diretto da
Barenboim. Poi accoglie i più grandi interpreti, da Pollini a Mehta, da Domingo a Netrebko
D alla sua riunificazione nel 1990,
Berlino ha cambiato molte facce.
Questo perché la capitale tedesca, pa-
ralizzata da quarant’anni di divisione, si
è trasformata in una delle città più af-
fascinanti d’Europa, sempre alle prese
con un enorme sviluppo, soprattutto
urbanistico. Uno dei suoi simboli più
forti è la Porta di Brandeburgo, oggi
monumento alla pace, ma un tempo
centro di vittorie, sconfitte, rivoluzioni
e sconvolgimenti politici: dalle guerre
napoleoniche a quelle mondiali, dal na-
zismo alla guerra fredda fino alla riunifi-
cazione della Germania. A contendersi
tanta storia, quella con la maiuscola,
è anche la piazza Gendarmenmarkt,
così chiamata perché qui si trovavano
le stalle della Gendarmeria, domina-
ta dalle sue due chiese, una luterana
e una della comunità religiosa degli
Ugonotti. In realtà Berlino vanta piaz-
ze più grandi e più note, ma questa è
indubbiamente quella che colpisce al
primo sguardo, grazie anche alle due
torri aggiunte sotto il regno di Federico
II, tra il 1780 e il 1785. Soltanto più tardi
si pose al centro della piazza la statua
di Friedrich Schiller e si costruì, tra le
due chiese, il Konzerthaus, una sala per
concerti che porta la firma del famoso
architetto Karl Friedrich Schinkel. Per
molti è invece Alexanderplatz a essere
l’emblema di Berlino: vastissima piazza
popolare, tanto decantata in romanzi,
film e canzoni, che i berlinesi chiamano
semplicemente e famigliarmente Alex,
sempre affollata di gente a ogni ora del
giorno. Simbolo invece di modernità
già all’inizio del Novecento è la Potsda-
mer Platz che fu, fino alla fine della se-
conda guerra mondiale, una delle piaz-
ze più vivaci d’Europa. Tanto che qui,
per il traffico intenso, venne installato,
nel 1924, il primo semaforo della città.
E fu il 1990 l’anno che segnò la sua ri-
nascita grazie ai più importanti archi-
tetti del mondo, tra cui l’italiano Renzo
Piano, il giapponese Arata Isozaki ed
il tedesco Helmut Jahn, che ne fecero
un centro finanziario, amministrativo e
commerciale con tanto di cinema, te-
atri, albergo di lusso, bar e ristoranti.
Ma Berlino ha consolidato oggi anche
un’importanza culturale di primo piano
nel mondo. Lo prova la la storica Sta-
atsoper Unter den Linden, costruita in
stile neoclassico tra il 1741 ed il 1743 e
poi soggetta a restauri nell’Ottocento e
in seguito gravemente danneggiata dai
bombardamenti della Seconda guerra
mondiale. Dal 2010 era stata chiusa per
lunghi lavori di restauro, ma il 3 ottobre
questa “vecchia signora” dell’Opera
riapre i battenti nel 275° anniversario
dalla sua costruzione con Scene dal
“Faust” di Goethe di Schumann, repli-
cate anche il 6 ottobre, il 14 e il 17 di-
cembre, con un’originale messinscena
firmata dal regista Jürgen Flimm e sot-
to la direzione di Daniel Barenboim con
René Pape, Roman Trekel, Elsa Dreisig
e Katharina Kammerloher. A festeggia-
re la rinnovata Staatsoper arrivano an-
che in concerto, il 4 ottobre, il pianista
Maurizio Pollini, i Wiener Philharmoni-
ker diretti, il 7 ottobre, da Zubin Mehta,
mentre il 7 dicembre si tiene il Gala per
i 275 anni con la Staatskapelle diretta
da Barenboim fra pagine di Mendels-
sohn, Boulez e Richard Strauss. Qui
nuove produzioni si susseguono nella
stagione 2017-2018, dalla montever-
diana Incoronazione di Poppea, dal 9
dicembre, diretta da Diego Fasolis, al
wagneriano Tristan und Isolde, dall’11
febbraio, diretto da Barenboim con la
regia di Dmitri Cerniakov; infine due ti-
toli verdiani: Falstaff dal 25 marzo con la
regia di Mario Martone e Michael Volle
nel ruolo del titolo; Macbeth dal 17 giu-
gno con la regia di Harry Kupfer, nel cast
Plácido Domingo e Anna Netrebko.
 LuganoMusica
viaggi musicali

Forza Olanda
Alla Nationale Opera debutta
dal 9 settembre al 1° ottobre
una nuova messinscena della
Forza del destino di Verdi di-
retta da Michele Mariotti. Nel
cast Eva-Maria Westbroek,
Roberto Aronica, Franco Vas-

Un’altra stagione
sallo, Veronica Simeoni, Ales-
sandro Corbelli e Robert Lloy.
A settembre Amsterdam offre

di grandi concerti
pure due festival come il Klassiek op het Amstelveld,
che fa esibire con ingresso gratuito dal 15 al 17 cori,

sta per iniziare…

orchestre e solisti in piazza Amstelveld; e l’Amster-
dam Fringe Festival che, dal 7 al 17 settembre, porta
all’aperto teatro musicale, live art e danza.

Filarmonica della Scala

Soffitte sul Tamigi Riccardo Chailly direttore
David Garrett violino
Per Londra questo è il mese del Totally Thames con 18.09.17 ore 20.30
trenta giorni di eventi sul fiume che l’attraversa con
mostre, installazioni, musica e arte, ma il 16 e 17 set- Maria João Pires e Miloš Popović pianoforte

tembre è anche tempo dell’Open House London che
consente di visitare 750 edifici storici tra i più insoliti e
interessanti. Atmosfere già invernali e natalizie piom-
bano invece alla Royal Opera House con il nuovo alle-
stimento della puccinia-
na Bohème che, dall’11
settembre al 10 ottobre,
vede impegnate le voci
di Nicole Car, Michael
Fabiano, Nadine Sierra,
Mariusz Kwiecien, Flo-
rian Sempey e Luca Tit-
toto dirette sul podio da
Antonio Pappano e con
la regia di Richard Jones.
19
04.10.17 ore 20.30
Leif Ove Andsnes pianoforte
26.10.17 ore 20.30
Orchestra della Svizzera italiana
Markus Poschner direttore
Maria Bengtsson soprano
09.11.17 ore 20.30
Symphonieorchester
des Bayerischen Rundfunks
Mariss Jansons direttore
Yefim Bronfman pianoforte
20.11.17 ore 20.30

Radu Lupu pianoforte

Da Trifonov a Schiff 05.12.17 ore 20.30
Solisti dell’Accademia Bizantina
In uno dei suoi mesi più miti, Dresda mostra atmosfe-
re affascinanti. L’occasione giusta per visitarla pas-
Ottavio Dantone direttore
21.12.17 ore 20.30
seggiando tra i suoi edifici e monumenti famosi come
lo Zwinger, il Castello di Pillnitz e la Terrazza di Brühl. Hagen Quartett
E, in un altro suo gioiello, la Semperoper, si apre la
nuova stagione sinfonica della Staatskapelle Dresden
Jörg Widmann clarinetto
con i concerti inaugurali del 2 e 3 settembre affidati al 25.01.18 ore 20.30
suo direttore principale Christian Thielemann con il
pianista Daniil Trifonov;
Andrea Lucchesini pianoforte
06.02.18 ore 20.30
e del 1°, 3 e 4 ottobre

e molti altri…
quando sul podio a diri-
gere sale Myung-Whun
Chung. In programma la

Lugano t’aspetta!
Sinfonia n. 5 di Mahler
preceduta dal Concerto
per pianoforte e orche-
stra op. 54 di Schumann,
solista András Schiff. Informazioni Biglietteria LAC
LuganoMusica e acquisto biglietti online
T +41 (0)58 866 42 85 T +41 (0)58 866 42 22
info@luganomusica.ch www.luganolac.ch
www.luganomusica.ch
 2017-18
STAGIONE LIRICA
ANCONA / JESI

mantova
le lipsia

nagasaki
Città
siviglia della
Musica
ancona
ANCONA TEATRO DELLE MUSE 15^ STAGIONE LIRICA 2017 jesi
DESTINAZIONE SIVIGLIA
22-24 SETTEMBRE 13-15 OTTOBRE

Carmen Il barbiere di Siviglia

opéra-comique in quattro quadri di Henri Meilhac e Ludovic Halévy melodramma in quattro atti di Cesare Sterbini

Musica di Georges Bizet Musica di Gioachino Rossini

direttore Guillaume Tourniaire direttore José Miguel Pérez-Sierra
regia Francesco Saponaro regia Matteo Mazzoni
nuovo allestimento Fondazione Teatro delle Muse nuovo allestimento Fondazione Teatro delle Muse

JESI TEATRO G.B. PERGOLESI 50^ STAGIONE LIRICA DI TRADIZIONE

IN VIAGGIO DA MANTOVA A NAGASAKI
17-19 NOVEMBRE 15 NOVEMBRE ANTEPRIMA GIOVANI* 23-25 FEBBRAIO 21 FEBBRAIO ANTEPRIMA GIOVANI*

Rigoletto Madama Butterfly

melodramma in tre atti di Francesco Maria Piave tragedia giapponese in tre atti di Luigi Illica e Giuseppe Giacosa

Musica di Giuseppe Verdi Musica di Giacomo Puccini

direttore Pietro Rizzo direttore Jordi Bernàcer
regia Elena Barbalich regia Matteo Mazzoni
nuovo allestimento Fondazione Pergolesi Spontini nuovo allestimento Fondazione Pergolesi Spontini
in coproduzione con OperaLombardia
FUORI ABBONAMENTO
1-3 DICEMBRE 29 NOVEMBRE ANTEPRIMA GIOVANI*
26-28 GENNAIO 24 GENNAIO ANTEPRIMA GIOVANI*
Caffé Bach
Kaffeekantate
Cantata del caffé, di Picander
circopera in un atto di Giacomo Costantini
Musica di F. Bettoli, S. Carloni, G. Pitarresi
da Johann Sebastian Bach
Musica di Johann Sebastian Bach
regia Giacomo Costantini

Bach Haus
opera in un atto di Vincenzo De Vivo
nuovo allestimento Fondazione Pergolesi Spontini
in collaborazione con El Grito - Circo contemporaneo all’antica
prima rappresentazione assoluta

Musica di Michele Dall’Ongaro

direttore Federico Amendola
regia Alfonso Antoniozzi
TUTTI I
VANTAGGI
www.operaan
SU
conajesi.it
onemuse.org
www.fondazi onepergolesisponti
www.fondazi
È INDIV
ni.com
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CAMPAGNA
ABBONAMENTI 2017
ENTE I
LA PRES E NON PUÒ ESSEMENTO DEGL

nuovo allestimento Fondazione Pergolesi Spontini

CEDIBILE DI PAGA
CARTA

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STAGIO
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ICA ANCON
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NOME E @fpsjesi.co
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ERIA 206888 |
BIGLIETT g / 0731
ZIONI E lemuse.or ica, 9, 60035
JESI (AN)
INFORMA @teatrodel

ogni abbonato riceve in omaggio Opera CARD

della Repubbl
| biglietteria i Spontini, Piazza
071 52525 a ne Pergoles
di restituire Ancona | Fondazio
ento si prega Loggia, 60121
In caso di ritrovam delle Muse, via della
Teatro
Fondazione

info e programmi completi riduzioni sui singoli spettacoli in cartellone,

www.operaanconajesi.it sui biglietti del Festival Pergolesi Spontini,
e delle Stagioni di Marche Teatro

Quel che NON
vorremmo vedere
S
ettembre è il mese nel quale quasi tutti i festival
sono finiti e quasi nessuna stagione è iniziata.
Ideale, quindi, per un elenco di buoni propositi.
Visto però che nel foyer, com’è noto, siamo cattivis-
simi, non elenchiamo quel che vorremmo vedere e/o
sentire nei teatri, ma quel che NON vorremmo.
Sapendo già che, in alcuni casi, saremo delusi (e
precisando che, in altri, non è che quel che indi-
chiamo non ci piaccia, è che l’abbiamo sentito
e/o visto troppo):
La Bohème di Zeffirelli alla Scala;
La traviata di Carsen alla Fenice;
le regie d’opera affidate a chi nella vita fa un altro
mestiere;
i daccapo delle cabalette tagliati;
le seconde strofe delle arie tagliate;
Leo Nucci che canta Rigoletto,
Andrea Bocelli che canta qualsiasi opera;
i duetti d’amore cantati da tenore e soprano che
guardano entrambi verso il pubblico mentre lui
cinge lei sulle spalle;
le entrate dei rozzi militari (tipo Rodrigo nella Donna
del lago o Ernesto nel Pirata) che abbracciano-danno
pacche-scambiano il cinque con il coro che l’ha ap-
pena acclamato;
qualsiasi regia di Martin Kusej;
le vecchie che scartocciano caramelle;
i vecchi che scatarrano;
i giovani che si fanno il loro blog avendo visto dieci
recite in tutta la vita;
gli uffici stampa che danno accrediti ai giovani che
si fanno etc...
i turisti che si fanno i selfie alla Scala;
gli spettatori che fanno foto durante la recita, con
flash o senza, alla Scala o altrove;
i ristoranti che non fanno il dopoteatro;
i concorsi di canto a pagamento;
i bagarini fuori dalla biglietteria della Scala;
le commemorazioni di Pavarotti con i cantanti pop;
il ministro Franceschini;
quelli che scrivono “la soprano”;
Alberto Mattioli CLASSIC FOYER
CHIACCHIERE
D’OPERA
quelli che dicono che la Bartoli non si sente;
la Bartoli che canta Cimarosa nello spot della Conad;
i cavalli di Pizzi davanti all’Opera di Firenze;
i cavalli di Pizzi in qualsiasi regia di Pizzi;
la signora Daniela Javarone alla prima della Scala
(memo: presidentessa degli Amici
“Sappiamo già che, della Lirica - pure! -, disse in tivù che
il libretto del Fidelio l’aveva scritto
in alcuni casi, saremo Goethe in collaborazione con Boito);
i servizi dei giornali su come sono ca-
delusi, e in altri, non è rini gli under 30 che vanno alla primi-
na della Scala;
che quel che indichiamo le giacche di Yusif Eyvazov;
il look etnico di Angela Gheorghiu
non ci piaccia, è che quando esce nei concerti per cantare
pezzi folk romeni;
l’abbiamo sentito e/o qualsiasi fidanzata di Roberto Alagna,
21
specie se canta;
visto troppo” i punkabbestia davanti al teatro Co-
munale di Bologna;
Mozart “carino”;
Rossini “re dell’allegria”;
Verdi che pianse e amò per tutti;
Wagner che fa venire voglia di invadere la Polonia;
la definizione di “contemporaneo” applicata alle ope-
re di Sostakovic, Britten e Janácek;
il direttore di Classic Voice, Andrea Estero, che arriva
a teatro esattamente due minuti prima che inizi lo
spettacolo, mai né in anticipo né in ritardo;
quelli che non riescono a trovare il loro posto in pla-
tea;
quelli che non capiscono come funziona il display
della Scala;
quelli che lo capiscono e lo spiegano al vicino a recita
iniziata;
il tipo che all’Arena chiamava “Abighail” l’Abigaille
del Nabucco;
“ottima l’orchestrazione del direttore Tizio”
“ottima la coreografia del regista Caio”;
“ottima la sceneggiatura dello scenografo Sempro-
nio”;
qualsiasi libro, sceneggiato, opu-
scolo, articolo, film sulle vicende
sentimentali della Callas;
i libri dei cantanti;
i libri sui cantanti;
quelli che vogliono gli spettacolo-
ni “di una volta” con scenografie e
costumoni lussuosissimi e poi di-
cono che i teatri costano troppo;
quelli che non gli va mai bene
niente;
quelli a cui va sempre benissimo
tutto.
 MITI
di Mauro Balestrazzi
ph Decca Terry O’Neill
Le
La voce del
TENORE
iniziative

Oltre ai 95 cd
contenenti le
opere complete
incise da
Pavarotti, la
Decca annuncia
anche l’uscita in
14 dvd di
Quarantotto opere complete, 39 titoli di 13
Pavarotti At
The Met (dal 13
compositori. A dieci anni dalla scomparsa, la
ottobre). A New Decca onora il ricordo di Luciano Pavarotti con un
York, il tenore
ha debuttato nel cofanetto che riassume la sua vera eredità artistica. E
1968 e nel 2004
ha dato l’addio da cui emergono predilezioni, idiosincrasie, rifiuti.
alle scene: si
può ben dire Oltre che un singolare modo di scegliere i ruoli
che quel teatro
sia stato per 36
anni la sua casa,
come attestano
le 379 recite

A 23
tenute davanti a dieci anni dalla scomparsa di Luciano Pava-
quel pubblico. rotti (1935-2007), possiamo capire meglio quel
Per dare un’idea: desiderio da lui espresso poco prima di morire,
alla Scala, al quasi un disperato testamento spirituale, di es-
secondo posto sere ricordato “come un tenore d’opera”. Anche se nes-
nella graduatoria sun tenore ha mai raggiunto la sua popolarità, Pavarotti
dei teatri da lui era evidentemente consapevole di aver subito nel tempo
più frequentati, una trasformazione irreversibile: il personaggio mediatico
le presenze aveva finito per fagocitare l’artista, lasciandolo in disparte,
sono state 140. fuori dalla scena. E del resto, se oggi qualcuno volesse ca-
La seconda pire chi è stato Pavarotti consultando la fonte più ufficiale,
iniziativa, vale a dire il sito della “Luciano Pavarotti Foundation”, non
programmata troverebbe molti dettagli sugli anni della sua affermazione
per l’inizio del nei più importanti teatri di tutto il mondo. In compenso,
prossimo anno, non avrebbe difficoltà a documentarsi su Pavarotti nelle
è “The Complete arene, sui Tre tenori, su Pavarotti & Friends...
Recitals”, un A rendere omaggio al “tenore d’opera” ci pensa la Decca,
altro cofanetto di la casa discografica a cui Pavarotti è stato legato per 40
30 cd contenente anni, riunendo in un cofanetto di 95 cd (+ 6 Blu-ray) tutte
tutti i recital le sue incisioni operistiche: “The Complete Opera Recor-
incisi dal tenore, dings” è il titolo della raccolta (uscita il 13 ottobre). C’è
comprese le anche il Rodolfo debuttante nel 1961, all’età di 26 anni,
prime incisioni in quella Bohème che sarebbe poi diventata il suo titolo
assolute: tre arie di maggior successo. È il caso di ricordare che, quando
da Rigoletto, Pavarotti si presentò per la prima volta su un palcosceni-
una da Bohème co, erano ancora attivi tenori come Carlo Bergonzi, Franco
e una da Tosca Corelli, Giuseppe Di Stefano, Mario Del Monaco, Gianni
registrate nel Raimondi, Gianni Poggi, Gianfranco Cecchele, Bruno Pre-
1964 a Londra vedi, Luigi Alva, Giacomo Aragall, Alfredo Kraus, Nicolai
con l’orchestra Gedda, solo per limitarsi ai più celebrati: per un giovane
del Covent che ambiva a farsi strada nel mondo del melodramma, una
Garden. I 12 concorrenza agguerritissima con cui confrontarsi e tra cui
recital in studio cercare di trovare spazio. Pavarotti ci riuscì con incredibi-
già pubblicati, le rapidità, come certificava un trafiletto del “Corriere del-
saranno invece la sera” del 24 settembre 1963: una breve corrispondenza
riediti in lp (dal dall’Inghilterra su una colonna, con un titolino su due ri-
17 novembre). ghe che diceva “Scoperto a Londra tenore italiano”. Quel
tenore era naturalmente Pavarotti. Era successo che Di
 MITI

Stefano, scritturato dalla Royal Opera House per il ruo- P L U S

lo del protagonista in Bohème, aveva dovuto rinuncia- A U D I O
re perché indisposto, e il teatro londinese aveva indi- Da sinistra in senso orario, Pavarotti
viduato il sostituto in un giovane italiano che qualche nei panni di Enzo nella “Gioconda” di
settimana prima si era distinto cantando in Rigoletto a Ponchielli; con Mirella Freni nell’“Amico
Dublino. Il clamoroso successo ottenuto al Covent Gar- Fritz” di Mascagni, con Georg Solti alle
den, registrato con una piccola notizia anche dal pri- prove di “Otello” a Chicago; con Joan
mo quotidiano italiano, fu naturalmente il miglior lancio Sutherland nei “Puritani” di Bellini
pubblicitario possibile.
Il “monumento” che la Decca innalza al proprio tenore Puccini
comprende 48 opere complete per 39 titoli di 13 composi- La Bohème IN DISCO
tori. In particolare, si tratta di 34 titoli operistici (sette dei (“Che gelida Autori titoli
quali in doppia versione e uno in tripla) più 5 titoli di mu- manina”) Verdi 12
sica sacra: ovvero i Requiem di Berlioz, Donizetti e Verdi, Luciano
Donizetti 6
la Petite Messe Solennelle e lo Stabat Mater di Rossini. Pavarotti tenore
Fra i compositori, Verdi vince con 11 titoli d’opera (Aida, Francesco Puccini 5
Ballo in maschera, Don Carlo, Ernani, Lombardi, Luisa Molinari Bellini 4
Miller, Macbeth, Otello, Rigoletto, Traviata, Trovatore), Pradelli Rossini 3
seguito con 5 da Donizetti (Elisir d’amore, Favorita, Fil- direttore
Mascagni 2
le du régiment, Lucia, Maria Stuarda) e Puccini (Bohème, Orchestra
Butterfly, Manon Lescaut, Tosca e Turandot). Poi vengono del Teatro Berlioz 1
Bellini con 4 titoli (Beatrice di Tenda, Norma, Puritani e Municipale di Boito 1
Sonnambula) e Mascagni con 2 (Amico Fritz e Cavalleria). Reggio Emilia Giordano 1
Un solo titolo operistico per Boito (Mefistofele), Giordano (1961, debutto
Leoncavallo 1
(Andrea Chénier), Leoncavallo (Pagliacci), Mozart (Ido- sulle scene)
meneo), Ponchielli (Gioconda), Rossini (Guglielmo Tell) e Mozart 1
Richard Strauss (Rosenkavalier). Ponchielli 1
Strauss 1
Direttori incisioni
d’orchestra
Richard Bonynge 13
James Levine 7
George Solti 4
Riccardo Chailly 3
Soprani
Joan Sutherland 14
Mirella Freni 9
Montserrat Caballé 5
Baritoni
Leo Nucci 7
Sherril Milnes 6
Bassi
Nicolai Ghiaurov 14
Samuel Ramey 3
Nostra elaborazione dei dati contenuti
in “The Complete Opera Recordings”
(Decca)
I TEATRI
Luogo recite
Metropolitan New York 379
Scala Milano 140
ROH Londra 96
Lyric Opera Chicago 76
Opera San Francisco 76
Opéra Parigi 48
Staatsoper Vienna 45
Fonte: “Big Luciano.
Pavarotti, la vera storia”, di Alberto
Mattioli, Mondadori, 2007.

IL REPERTORIO
(Tra parentesi l’anno del debutto)
BELLINI
La sonnambula: Elvino (1965)
I Capuleti e i Montecchi: Tebaldo (1966)
Beatrice di Tenda: Orombello (1966) solo in
disco
I puritani: Lord Arturo Talbo (1968)
Norma: Pollione (1984) solo in disco
BERLIOZ
Grande messe des morts (1989)
BOITO
Mefistofele: Faust (1980/1982) solo in disco
DONIZETTI
Lucia di Lammermoor: Sir Edgardo di
Ravenswood (1963)
L’elisir d’amore: Nemorino (1965)
La fille du régiment: Tonio (1966)
La favorita: Fernando (1973)
Maria Stuarda: Roberto, conte di Leicester
(1974/75) solo in disco
Messa di Requiem (1979)
GIORDANO
Andrea Chénier: Andrea Chénier (1996)
LEONCAVALLO
Pagliacci: Canio (1992)
MASCAGNI
L’amico Fritz: Fritz (1968) solo in disco
Cavalleria rusticana: Turiddu (1976) solo in
disco
MASSENET
Manon: il Cavaliere Des Grieux (1969)
MOZART
Idomeneo: Idamante (1964) e Idomeneo
(1982)
PEROSI
Il Natale del Redentore: l’Angelo (1962)
PONCHIELLI
La Gioconda: Enzo Grimaldo (1979)
PUCCINI
La Bohème: Rodolfo (1961)
Madama Butterfly: B.F. Pinkerton (1963)
Tosca: Mario Cavaradossi (1976)
Turandot: il principe Calaf (1977)
Manon Lescaut: Des Grieux (1992) solo in
disco
ROSSINI
Stabat Mater (1967)
Petit Messe Solennelle (1977)
Guglielmo Tell: Arnoldo (1979) solo in disco
STRAUSS
Der Rosenkavalier: Ein Sänger (1976)
VERDI
Rigoletto: Duca di Mantova (1961)
La traviata: Alfredo (1961)
Messa di Requiem (1967)
I Lombardi alla prima Crociata: Oronte (1969)
Macbeth: Macduff (1970) solo in disco
Un ballo in maschera: Riccardo (1971)
Luisa Miller: Rodolfo (1974)
Il trovatore: Manrico (1975)
Aida: Radames (1981)
Ernani: Ernani (1983)
Otello: Otello (1991)
Don Carlo: Don Carlo (1992)
Questa raccolta ci offre un ritratto veramente
completo del “tenore Pavarotti” perché non è una
semplice antologia, ma documenta tutto il reperto-
rio affrontato in teatro. Mancano soltanto tre ruoli
interpretati da Pavarotti nei primi anni di carriera:
Tebaldo nei Capuleti e i Montecchi di Bellini, De
Grieux nella Manon di Massenet e Idamante in al-
cune recite di Idomeneo a Glyndebourne (in seguito
Pavarotti sarebbe tornato all’opera mozartiana ma
nel ruolo del titolo). Tre testimonianze che i fan del
tenore possono comunque recuperare nelle edizioni
live di queste opere, tutte riversate in cd. Nel corpus
dei 95 cd sono presenti in compenso nove ruoli mai
affrontati in teatro da Pavarotti: alcuni probabilmen-
te perché di scarsa soddisfazione o perché ritenuti
troppo poco importanti per un divo del suo calibro
(come Orombello nella Beatrice di Tenda, Roberto
conte di Leicester nella Maria Stuarda, Macduff nel
Macbeth, forse anche il Fritz ne L’amico Fritz e il
Faust nel Mefistofele), altri presumibilmente perché
troppo pesanti per una voce schiettamente lirica
come la sua (come Pollione nella Norma, Turiddu
nella Cavalleria rusticana, Arnoldo nel Guglielmo
Tell e De Grieux nella Manon Lescaut).
Nella rassegna incontriamo anche molti artisti che
sono stati compagni di viaggio importanti per Pa-
varotti. A cominciare dai colleghi di palcoscenico
come Joan Sutherland e Nicolai Ghiaurov, presen-
ti in 14 delle 39 incisioni. Poi ricorrono più volte i
nomi di Mirella Freni (9 volte) e Montserrat Caballé
25
(5) fra i soprani, Leo Nucci (7) e Sherril Milnes (6)
fra i baritoni. Fra i direttori d’orchestra il primato
appartiene a Richard Bonynge, direttore di 13 titoli
contro i 7 di James Levine. Altra curiosità: essen-
do presenti alcuni doppioni di titoli, si può mettere
a confronto il Duca di Mantova del 1985 (diretto-
re Bonynge) con quello del 1989 (Chailly) e quello
del 1998 (Levine); oppure il Rodolfo dell’esordio nel
1961 con quello del 1987 diretto da Karajan.
Ripassando l’elenco dei ruoli interpretati, può sem-
brare sorprendente che Pavarotti abbia eseguito
in pubblico opere come l’Otello verdiano, Pagliac-
ci o Andrea Chénier (naturalmente tutte presenti
nella raccolta) e non abbia mai voluto affrontare,
neanche in sala d’incisione, titoli probabilmen-
te più adatti alla sua vocalità come il Werther di
Massenet. A proposito del quale, disse ironicamen-
te una volta: “Non so cosa darei per quest’opera.
Ma come potrei io, con tutta questa ciccia, met-
termi nei panni di un eroe così sottile ed estenua-
to, consunto d’amore?”. E per quanto riguarda la
scelta dei ruoli, nella sua autobiografia (pubblicata
nel 1981) chiarì anche questo aspetto: “Quando un
cantante è arrivato a un punto della carriera in cui
può scegliere tra una vasta gamma di parti, la sua
decisione è influenzata da considerazioni diverse
da quelle puramente musicali. Per esempio, è mol-
to più interessante cantare una parte in cui sei al
centro dell’azione drammatica, piuttosto che in di-
sparte”. Sui ruoli apparentemente troppo duri, ag-
giunse: “È qui dove io sono più temerario. Io tendo
molto a buttarmi in acqua per vedere se sto a galla
o se affogo. Spesso si fanno più progressi in po-
che ore accettando una sfida di questo genere che
in anni di lavoro nel sicuro santuario dello studio
dell’insegnante”. Anche questo era Pavarotti. Con
quella meravigliosa voce che la natura gli aveva
dato, tutto gli era concesso. p
 MITI

Scacco al RE
L
a prima fase è quella dello studio e
dell’apprendimento, fino alla messa
a punto dei ruoli interpretati, con la
conquista dei pubblici dei teatri più
Ascesa e importanti e la consacrazione a “re del do
declino di Big di petto”: lo strepitoso successo ottenuto al
Met con La fille du régiment nel 1972 può
Luciano in essere considerato come il momento culmi-
nante di questo periodo. Da sottolineare l’in-
quattro fasi. telligenza con cui il tenore, agl’inizi del suo
percorso, non si lasciò tentare da suggestive
Dallo strepitoso ma pericolose scorciatoie. Dopo una curiosa
audizione milanese a cui si era presentato in
successo del pantaloncini corti e zoccoli, perché convo-
cato d’urgenza mentre se ne stava a prende-
Met ai fischi re il sole vicino a Modena, in riva al Secchia,
della Scala. Francesco Siciliani gli propose di debuttare
alla Scala ne I puritani o in Guglielmo Tell.
In mezzo una Pavarotti ringraziò, ma rispose molto giu-
diziosamente che non si sentiva pronto per
serie di scelte quei titoli e che per il momento avrebbe con-
tinuato la sua carriera fuori dal teatro milane-
sbagliate se. Dove, peraltro, arrivò ugualmente molto
ph Decca
presto, nel 1965, debuttando nella Bohème
zeffirelliana, allora appena nata, con la dire-
zione di Herbert von Karajan. Il quale aveva
voluto a tutti i costi quel ragazzone sentito a
Mosca, due anni prima, in un concerto con
alcuni giovani allievi della Scala. Quando il
teatro scattò in un fragoroso applauso, dopo
la “gelida manina”, Karajan posò la bacchet-
ta e si unì al pubblico, battendo a lungo le
mani all’indirizzo di Pavarotti.
La seconda fase è quella del consolidamen-
to del successo, della scoperta di nuovi per-
sonaggi (soprattutto nel repertorio verdia-
no), di nuove incisioni. È il punto più alto
dell’ascesa di Pavarotti, sancita nel 1979
da due trionfi consecutivi alla Scala, prima
ne L’elisir d’amore (“La Scala in delirio per
la lacrima di Pavarotti”, titolò il “Corriere
della sera”), poi in una nuova edizione di
Bohème, stavolta diretta da Carlos Kleiber.
Quest’ultimo, che non concedeva interviste
e che non parlava mai con i giornali, fece
un’eccezione prendendo la penna per il

I TRIONFI I TONFI
DATA TEATRO TITOLO AUTORE RUOLO DIRETTORE DATA TEATRO TITOLO
1966, 2 giugno ROH Londra La fille du Donizetti Tonio Richard 1983, 15 marzo Scala Lucia di
régiment Bonynge Milano Lammermoor
1969, 18 marzo Comunale I puritani Bellini Arturo Ino Savini 1991, 8 aprile Chicago Otello
Bologna Auditorium
1972 17 febbraio Met New La fille du Donizetti Tonio Richard 1992, 7 dicembre Scala Don Carlo
York régiment Bonynge Milano
1979, 13 febbraio Scala L’elisir Donizetti Nemorino Reynald 1995, 8 Met New La fille du
Milano d’amore Giovaninetti novembre York régiment
1979, 22 marzo Scala La Puccini Rodolfo Carlos Kleiber 1997, 30 gennaio Met New Un ballo in
Milano Bohème York maschera
suo Rodolfo e lasciando una preziosa
e suggestiva testimonianza: “Quando
Luciano Pavarotti canta, il sole si alza
sul mondo”.
Terza fase. A partire dagli anni 80, per
il “tenore d’opera” cominciarono le
distrazioni sollecitate da una popola-
rità sempre più invadente: le parate,
l’autobiografia, il film, i concerti da
tournée che prendevano il posto delle
69° CONCORSO
recite teatrali. Ci furono naturalmen-
te ancora tanti momenti da ricordare,
come l’ultima Tosca diretta da Kara-
ASLICO
jan a Salisburgo o il Ballo con Abbado
a Vienna, ma anche qualche segnale PER GIOVANI
d’allarme, come i fischi del loggione
per la Lucia scaligera dell’83. Studia- CANTANTI LIRICI
re nuovi ruoli, affrontare prove per
lui stressanti e poi un numero più o COMO, TEATRO SOCIALE
meno lungo di recite diventò sempre 4-7 GENNAIO 2018
più faticoso.
L’ultima fase è quella triste del decli-
no, della trasformazione definitiva in

FALSTAFF
un personaggio mediatico che non si
adatta più alle complicazioni del me-
lodramma e privilegia i concerti aperti
anche alle stelle del rock e della mu-
sica leggera. Il pubblico dimentica in
fretta, può essere anche impietoso, e
il “tenore d’opera” lo capì ancora alla
IL VIAGGIO
27
Scala, nel Don Carlo della serata inau-

A REIMS
gurale della stagione 1992-93, quando
una stecca gli valse i fischi e i buu del
pubblico: che lui accettò con grande
signorilità, restando a capo chino e fa- Verona
cendo un passo indietro mentre gli al- contro
tri interpreti si presentavano alla ribal- Modena
ta. Tale fu il clamore di quella stecca
che, con gli articoli che ne seguirono
sui giornali, si sarebbe potuto scrive-
Il tenore
televisivo
CARMEN
re un libro. Cominciarono i forfait, le contrapposto a Opera domani
rinunce improvvise (a Vienna nel 1996 quello “vero”. A
dissero che non l’avrebbero più chia- dieci anni esatti
mato perché gli annullamenti avevano dalla scomparsa
superato il limite) e anche al Met, il suo la doppia identità
regno, arrivarono le prime contestazio- di Pavarotti torna Concorso EMERGENTI (internazionale)
ni. Dopo un recital in cui il pianista ac- a manifestarsi Festival Como Città della musica
compagnatore, il fido Leone Magiera, perfino nelle Pocket Opera, Concerti lirico-sinfonici
aveva dovuto fare anche da suggerito- parallele
re, imbeccandolo perché non ricordava celebrazioni: la Opera Education
le parole, il New York Times scrisse che prima - ricca,
“Pavarotti era spudoratamente impre- pop, mediatica, Scoprire nuove voci liriche,
parato”. M.B. in diretta Rai1
- all’Arena di
formare i cantanti del futuro
Verona il 6 per il loro debutto nei teatri
settembre, di tradizione di OperaLombardia
giorno della
AUTORE RUOLO DIRETTORE scomparsa; la
Donizetti Edgardo Peter Maag seconda la sera
prima nella sua
Verdi Otello Georg Solti Modena che Scadenza iscrizioni: 13 novembre 2017
lo ricorda con Bando disponibile su
Verdi Don Carlo Riccardo Muti un Requiem di
Verdi diretto dal
Donizetti

Verdi
Tonio

Riccardo
Edoardo
Muller
James Levine
suo pianista e
maestro Leone
Magiera.
ASLICO.ORG
Informazioni:
concorsoaslico@aslico.org
 Confronti
di Luca Baccolini

L’IPAD
magico
P
er dialogare con Tan Dun, atteso il 30 set-
tembre alla Biennale Musica di Venezia
per ritirare il Leone d’oro alla carriera,
occorre agilità. Il compositore della In-
ternet Symphony commissionata da Google-
Youtube ama anche citare Leonardo (“se vuoi
conoscere il segreto degli uccelli, impara a
conoscere prima il vento”), si descrive come
uno sciamano e mette nella sua Passacaglia
Secret of wind and birds (una delle tre novi-
tà italiane presentate a Venezia) i suoni degli
animali campionati con lo smartphone. Più
che l’uomo delle contraddizioni - nato po-
vero sessant’anni fa, cresciuto nei campi di
lavoro maoisti, ora è una star divisa tra New
York e Shanghai - Tan Dun è l’artista delle
fusioni. Sul suo tavolo da ping-pong, dove
dice di comporre tutto ciò che ascoltiamo
di lui, Oriente e Occidente giocano i loro
scambi velocissimi. E un vincitore non
c’è. Perché su quel tavolo verde, meta-
fora della tenacia cinese che risponde
punto su punto, Tan Dun annulla anche
le scansioni cronologiche con cui la cul-
tura occidentale da sempre ordina la sua
storia. Il prima e il dopo non esistono, “ci
sono le radici e il nostro modo di dar loro una
voce nel presente”.
Le sue radici, per esempio, quali sono?
“Sono nato in una zona rurale della regione di Hunan, nel
sud-est della Cina, dove sopravviveva una cultura sciama-
nica millenaria, trasmessa oralmente attraverso i rituali. Da
bambino assistevo alla danza dei fuochi taoisti, in cui si man-
giava il fuoco e vi si danzava attorno, emettendo canti po-
tenti, senza parole, atonali, ma non in senso schoenbergiano.
Erano piuttosto una vera lingua. Il loro tratto distintivo sono
le sillabe vuote, che non hanno significato in sé, ma cambia-
no il senso della parola che le segue a seconda del timbro o
dell’espressione drammatica. Un concetto molto teatrale”.
È da lì che è nata la sua idea di teatro orchestrale e di
orchestra teatrale?
“Senza dubbio fu ricordando quelle esperienze che cominciai
a cercare un’unità tra la performance artistica e il pubblico.
Iniziai allora a concepire l’orchestra come un medium dram-
matico, e non come un oggetto dato, un insieme chiuso di
strumenti chiamati a eseguire una partitura”.
In cosa difetta la visione che l’Occidente ha di pub- BIENNALE Cresciuto nelle campagne
blico e orchestra? ORIENTALE
“Nei concerti di oggi sembra scontato separare i ruoli cinesi dove sopravviveva
tra ascoltatori ed esecutori, l’orchestra da una parte, il
pubblico dall’altra. In realtà questo isolamento è comin-
L’Oriente
musicale
una cultura sciamanica, Tan
ciato solo poche centinaia di anni fa, mentre la storia
ci dice che la musica è stata per millenni parte di una
contemporaneo
è alla Biennale
Dun porta il suo incrocio
vita spirituale partecipata, di riti condivisi. Un concetto musica, che compositivo di Oriente e
antico come l’uomo”. apre il 29
E il compositore che accetta queste premesse chi settembre con Occidente alla Biennale
diventa? E soprattutto come lavora? Inori, preghiera
“Io su un tavolo da ping-pong. A dir la verità, io ho sempre interreligiosa di di Venezia dove riceverà
Stockhausen.
cercato di essere come Béla Bartók, creando paesaggi del
futuro partendo dalle radici. Però non per questo mi con- Il 1° ottobre il Leone d’Oro. Tra natura,
sidero un archeologo. Tutti i materiali audiovisivi che ho
raccolto per il mio Concerto per arpa, Nu Shu: The Secret
l’atteso
accostamento
tradizioni e tecnologia
Songs of Women, potrebbero essere dati ai musei per mo- tra Unsuk Chin
strare il primo movimento femminista, la storia del matri- (1961) e Isang
monio e della famiglia. La rivisitazione di questo passato Yun (1917- come un’entità non solo proiettata in
può dare un significato sonoro al futuro. Il mio lavoro, in 1995), il 7 il avanti, ma al servizio della tradizione e
altre parole, è mettere un ponte invisibile tra il presente ritratto di Toshio del passato, per riportare in vita suoni
e il passato, tra le radici e gli anni a venire. Ho lasciato Hosokawa fra che credevamo perduti”.
la provincia della Cina molto tempo fa, ma so che quella zen e simbolismo Ad esempio?
terra mi ha dato tutto. E ora tocca a me restituire. In che naturale e “In The Map, la Boston Symphony e
modo? Mettendo nell’orchestra tutto quello che ho appre- l’accostamento Yo-Yo Ma suonano in una sorta di vi-
so. Come fece Bartók”. di autori cresciuti deo-concerto. Avevo registrato decine
Cosa significa essere compositori in Cina ed esser- durante la di canti indigeni primitivi, per combi-
lo nel mondo occidentale? Rivoluzione narli con l’esecuzione live dell’orche-
“La mia vita si divide a metà, prima e dopo il mio arri- culturale con la stra e del violoncello. In questo modo,
vo a New York negli anni Ottanta. In Cina ho studia- generazione dei la musica di migliaia di anni fa si è

29
to solo all’orientale, in America ho conosciuto tutte giapponesi Malika unita a quella di oggi. Un fatto che non
le correnti della musica occidentale. Non posso né Kishino (1971) era mai accaduto e che senza tecnolo-
fisicamente né mentalmente separare questi due e Dai Fujikura gia non avrebbe mai avuto luogo”.
aspetti della mia vita. Fanno parte di una memo- (1977), Leone In quale stato di salute si trova la
ria unica, perciò non saprei dire se esista in me d’argento 2017. musica in Occidente?
oggi una prevalenza dell’uno o dell’altro mondo. Autori che “hanno “Questa è la miglior epoca possibile
Chiaro, non sono l’unico compositore a essere un rapporto di per la musica classica. Guardiamoci in-
in questa condizione. L’Est e l’Ovest sono pola- frequentazione se dietro: qualcuno può dire di aver avuto
rità che servono a tutti, per allargare lo spettro non addirittura possibilità superiori a quelle attuali? I
della sensibilità”. di coniugazione giovani di oggi, che siano alla Juilliard
In quale clima si trovò a studiare dopo la con l’Occidente”, o alla Royal Academy, sono fortunati:
Rivoluzione culturale? dice il direttore possono imparare tutto, se vogliono,
“Dopo la morte di Mao la Cina aprì gradualmen- artistico Ivan sono incoraggiati a viaggiare, hanno
te alle orchestre americane. Io mi trovai a studiare Fedele. uno spirito fresco e la loro creatività
al Conservatorio Centrale di Pechino (fu uno dei pri- può, sempre che lo vogliano, valicare
mi trenta selezionati tra migliaia di richieste, nda) con tutti i confini e le profondità che desi-
figure del calibro di Toru Takemitsu. Mi apparve come L’opera di
derano. E nel futuro le cose andranno
l’immagine di uno sciamano, perché mi permise di viag- Marco Biscardi
sempre meglio, perché gli artisti capi-
giare liberamente tra passato e futuro, in un’unica grande “Libretti 2.0”
ranno quanto le tecnologie andranno
contemporaneità”. in aiuto del loro ingegno”. p
(2017)
Lei è il compositore degli elementi puri trasformati
in strumenti: l’acqua, la carta, la pietra. Come en-
tra la tecnologia nel suo lavoro?
“La tecnologia è il mezzo magico che ci permette di ritor-
nare alla tradizione. Se c’è un contributo che può dare un
compositore orientale alla musica, di sicuro passa da qui.
Dobbiamo abbracciare la sfida tecnologica nella musica.
Non perché gli smartphone o gli iPad ci facciano fare per
forza cose nuove, ma per la ragione opposta: perché ci met-
tono più profondamente in contatto col passato. A patto di
non diventarne schiavi. Sembrerà strano, ma la tecnologia
ha un enorme potenziale sciamanico”.
Nella musica occidentale, invece, l’avvento della
tecnologia è quasi sempre stato sinonimo di avan-
guardia, di futuro, di novità. Spesso di sprezzo per
la tradizione.
“Questo perché per natura tendiamo sempre all’inusua-
le. Ma potremmo cominciare a considerare la tecnologia
 Autori
di Elvio Giudici
Gli accordi, la polifonia
bachiana, la melodia
accompagnata esistono
solo in Occidente. Perché?
Se lo chiede il più grande
sociologo della modernità.
Il suo capitale saggio sulla
musica esce in italiano per
il Saggiatore
Di Max Weber
la progressione “melodica” di una sola voce. L’assenza di
IL LIBRO una qualunque melodia nel senso usuale è però soltanto
un caso-limite. Esso - e ciò che ne consegue dal punto di
La Sociologia
della musica
vista musicale - non trova analogie né nella musica dei po-
poli non occidentali, né nel passato prima del Settecento.
(1921) di Le nazioni dell’Oriente e dell’Estremo Oriente, e precisa-
Max Weber mente quelle con una musica d’arte sviluppata, conosco-
è un’opera no senza dubbio la sovrapposizione di più suoni. Inoltre,
incompiuta come si è già detto prima, sembra che almeno la triade
scritta tra il maggiore sia per lo più considerata “bella” anche da popoli
1912 e il 1913.
Invece che sui
la cui musica è priva di qualsiasi tonalità del nostro tipo,
oppure, come presso gli abitanti del Siam, poggia su di un
temi classici
della sociologia
fondamento totalmente diverso. Ma questi popoli non solo
interpretano l’accordo in senso non armonico, ma per di
musicale, si
concentra
più lo gustano non come un accordo del nostro tipo, ben-
sì come una combinazione di intervalli che essi vogliono
sulle ragioni sentire come singoli e che perciò suonano di preferenza
antropologiche “arpeggiando”, quindi nel modo in cui tale combinazione
e “profonde” risuona spontaneamente sull’arpa e sugli antichi strumen-
del linguaggio ti a corde pizzicate. In questa forma l’accordo è antichissi-
musicale. Esce mo presso tutti i popoli che hanno strumenti a più corde;

Q
ui definiamo una musi- questo mese per ancora con il perfezionamento del pianoforte nel corso del
ca “polivocale”, anche nel il Saggiatore, Settecento uno degli effetti ricercati e apprezzati era pro-
senso più ampio, soltanto dalla cui edizione prio la bellezza sonora degli accordi arpeggiati, usuali nel
quando le diverse voci non anticipiamo uno liuto. Successioni di accordi di due o tre note sull’arpa si
procedono esclusivamente all’uni- stralcio. trovano già, per esempio, tra l’avvicendarsi dei soli e delle
sono o all’ottava le une in
rapporto alle altre. È una
prerogativa essenzialmen-
te occidentale. Quasi tutte
le musiche infatti conosco-
no l’unisono di strumenti e
di voci, e anche l’antichità
lo conosceva. Ugualmente,
l’accompagnamento delle
voci all’ottava (voci di uo-
mini, donne e bambini) è
naturalmente un fenomeno
ampiamente diffuso, comu-
ne anche nell’antichità. A
quanto pare l’ottava è sen-
tita dappertutto, ovunque
essa compaia, come “iden-
tità su un altro grado”. Nel
senso più ampio la musica
polivocale può assumere
caratteri diversi, tra i quali
vi sono naturalmente tut-
ti i tipi di ibridazione, che
però nei casi-limite sono
nettamente differenti e
anche storicamente risal-
gono a radici diverse già in
musiche molto primitive.
Anzitutto si deve parlare
della moderna “polisonori-
tà” dell’armonia di accordi

Occidentalis
– come si dovrebbe dire,
rigorosamente parlando,
invece di “polivocalità”.
Infatti le progressioni di
accordi non sono affatto da

FORMA
interpretarsi necessaria-
mente come una pluralità
di “voci” distinte che pro-
cedano insieme. Esse, al
contrario, non comportano
necessariamente neppure
 DISPOSITIVI MERAVIGLIOSI
_
REGGIO EMILIA 15 SETTEMBRE / 12 NOVEMBRE 2017
festival
festival Aperto
nona edizione 2017 musica danza arti contemporaneo www.iteatri.re.it

15/09 GREGORY PORTER & BAND concerto | 17/09 COMPAGNIE LAPSUS circo / 22 + 23 + 24/09 PREMIO GD’A danza 23/09 NEDERLANDS
DANS THEATER 2 danza \ 24/09 > 8/10 GABRIELE AMADORI mostra | 24/09 DUO RABBIA-BATTAGLIA concerto / 29/09 + 1/10 “HAYE”: LE
PAROLE LA NOTTE opera 30/09 QUARTETTO MIRUS concerto \ 30/09 BALLET DE L’OPÉRA DE LYON danza | 8/10 DADA MASILO danza /
9/10 SIMONE BENEVENTI concerto 13/10 OLIVIER DUBOIS danza \ 14/10 ENSEMBLE ACCADEMIA TEATRO ALLA SCALA concerto | 15/10
> 5/11 YUVAL AVITAL installazione / 21/10 DIRECTION UNDER 30. Mutuo soccorso teatrale 21/10 ART ENSEMBLE OF CHICAGO concerto \
23/10 DIVERTIMENTO ENSEMBLE concerto | 26/10 MARC RIBOT & THE YOUNG PHILADELPHIANS concerto / 28/10 L’USIGNOLO concerto
31/10 > 5/11 PROGETTO SABURO TESHIGAWARA danza \ 4/11 SILENT concerto | 6/11 TEMPO REALE concerto / 8/11 OFFLINE concerto/danza 10/11
ATERBALLETTO danza \ 11/11 DUO ARCIULI-REBAUDENGO concerto | 12/11 BESTIE DI SCENA teatro

31
foto di Mario Carbone | art: studiocaucaso.com

partner tecnico
 Autori

parti corali nelle interessanti recitazioni semidrammatiche Per essi l’ultima parola sull’accordo,
delle leggende dei bantu, raccolte da padre Henri Trilles, L’AUTORE ma anche su ogni uso simultaneo del-
senza però che le successioni di accordi (molto semplici) le consonanze nella musica, rimase ἡ
abbiano nulla a che fare con le nostre progressioni armo- Max Weber συμφϖνία οὐκ ἔχει ἦϑος; ciò signifi-
niche. Nella maggior parte dei casi esse confluiscono di (Erfurt, 21 aprile ca – come prova un altro passo dello
nuovo all’unisono, o altrimenti in taluni casi concludono 1864 – Monaco Pseudo-Aristotele – che gli accordi
anche su forti dissonanze (per esempio il tritono, se la tra- di Baviera, 14 di consonanze (che erano già noti
scrizione è corretta). Ciò a cui si aspira è essenzialmente giugno 1920, dall’accordatura degli strumenti) sono
la pienezza sonora. foto in basso) gradevoli all’orecchio, ma non hanno
Un caso-limite opposto è rappresentato da quella polivo- è considerato alcun significato musicale. […]
calità che viene tecnicamente definita “polifonia” e che ha uno dei padri Alla “polifonia” intesa in senso tec-
trovato la sua tipologia conseguente nel “contrappunto”: fondatori nico e alla pura musica armonica
più voci sovrapposte, considerate del tutto eguali, proce- della moderna di accordi si aggiunge, come terzo
dono insieme e sono armonicamente collegate le une alle sociologia. caso-limite della musica polivocale,
altre, in modo tale che la condotta dell’una tenga conto del- Larga parte la musica armonica omofonica, vale
la condotta dell’altra e sia quindi assoggettata a determi- del suo lavoro a dire la subordinazione dell’intero
nate regole. Queste regole nella moderna polifonia sono in di pensatore edificio sonoro a una voce portatri-
parte semplicemente quelle dell’armonia di accordi, in par- e studioso ce della melodia in funzione di “ac-
te derivano (detto in termini quanto più possibile generali) riguarda la compagnamento”, “completamento
dallo scopo artistico: avere una condotta delle voci tale che razionalizzazione “ o “interpretazione” nelle forme più
ognuna persegua autonomamente la sua ragione melodica, nell’ambito diverse che tali relazioni possono
ma che l’insieme conservi in questo processo, laddove pos- della sociologia assumere. Gli stadi primitivi di que-
sibile, una rigorosa unità musicale (tonale). […] della religione e sta tipologia si trovano diffusi in una
La polifonia in questo senso, e specialmente il contrappun- della sociologia molteplicità di forme in tutto il mon-
to, è nota all’Occidente in forma consapevole altamente politica, ma do, ma, a quanto sembra, in nessun
elaborata, malgrado gli sviluppi precedenti, soltanto a par- anche il campo posto così ampiamente sviluppati
tire dal secolo XV e ha trovato in Bach il suo compimento dell’economia. come in Occidente già nel secolo XIV
più alto. Nessun’altra epoca e cultura la conosce, neppure La sua opera più (in Italia). Nella musica occidentale
i greci – come ha creduto Westphal sulla base di un’errata famosa è L’etica solo al principio del secolo xvii essa
interpretazione delle fonti – presso i quali anzi, per quanto protestante e si è trasformata consapevolmente in
è noto finora, mancano totalmente persino i livelli più pri- lo spirito del stile musicale e precisamente di nuo-
mitivi di polifonia, che si riscontrano presso i più diversi capitalismo. vo in primo luogo in Italia, all’epoca
popoli della terra in modo del tutto simile all’Occidente. Weber sosteneva soprattutto nell’opera. […] Non si
che la religione può per il momento, e forse per molto
fosse una delle tempo ancora, dare una risposta uni-
ragioni non voca alla domanda: perché in alcuni
esclusive per luoghi della terra è comparsa la mu-
cui le culture sica polivocale e in altri no? Il tempo
dell’Occidente diverso adeguato agli strumenti usati
e dell’Oriente si nella loro relazione reciproca e in rap-
sono sviluppate porto con la voce, i suoni tenuti degli
in maniera strumenti a fiato in rapporto a quelli
diversa, e pizzicati degli strumenti a corda, nel
sottolineava canto alternato il far risuonare o il te-
l’importanza di nere i suoni finali quasi sempre pro-
alcune particolari lungati di una voce in concomitanza
caratteristiche del con l’entrata dell’altra, l’eufonia dei
Protestantesimo suoni risonanti dell’arpa nel tocco
ascetico che arpeggiato, la plurisonorità di alcuni
portarono alla antichi strumenti a fiato allorché non
nascita del erano padroneggiati perfettamente e
capitalismo, della infine il tocco simultaneo nell’atto di
burocrazia e dello accordare gli strumenti, tutti questi
Stato razionale e fattori possono aver contribuito a tale
legale nei paesi processo secondo le circostanze ed
occidentali. La essere stati connessi a eventi contin-
sua Sociologia genti oggi non più verificabili. D’altra
della musica era parte si pone l’altra questione: perché
pensata come proprio in un punto della terra dalla
parte di una più polivocalità, diffusa quasi ovunque, si
ampia “sociologia sono sviluppati sia la musica polifoni-
della cultura” ca sia quella armonicoomofonica e il
(“arti, letteratura, moderno sistema dei suoni, in antitesi
visioni della vita”) ad altri luoghi con una cultura musica-
che non vide mai le almeno ugualmente intensa, come
la luce. in particolare nell’antichità greca ma
anche per esempio in Giappone? p
 AIDA
GIUSEPPE VERDI
DIRETTORE FRÉDÉRIC CHASLIN, REGIA FRANCESCO MICHELI

33

DAL 12 AL 22 NOVEM BRE

 Cover story
di Sandro Cappelletto
vastissimi, perfino esagerati, abbia-

“L
o facciamo regolarmente con Mozart e P L U S mo iniziato ad ascoltare le Sinfonie
Beethoven. Qualche collega si è spinto V I D E O di Beethoven eseguite con organici
fino a Berlioz, Mendelssohn, Schumann e ridotti, ma più fedeli a quelli origi-
Brahms. Perché mai un approccio filologi- nali, tutti ne siamo rimasti sorpresi,
co non dovrebbe riguardare le opere di Wagner?”. piacevolmente. Perchè impedirci di
Nato e cresciuto in California (“senza televisione o gira- provare a indagare, da questo punto
dischi, ma con un pianoforte e un clarinetto”), 66 anni, di vista, anche Wagner? Per avviare
dal 2006 direttore musicale dell’Orchestra Sinfonica simili progetti è necessario trovare
di Montréal, dal 2015 Generalmusikdirektor del Teatro delle orchestre disponibili. Il Con-
dell’Opera e dell’Orchestra Filarmonica di Amburgo, Beethoven certo Köln che della ricerca ha fatto
Kent Nagano ha avviato in questi mesi con Concerto Sinfonia n. 9
Köln un progetto per realizzare una historically-infor- Kent Nagano
med performance dell’intera Tetralogia wagneriana. direttore
“Abbiamo annunciato il progetto lo scorso maggio, sa- Christiane
remo pronti ad andare in scena per la stagione 2020- Karg, Okka von
2021. Altre volte ho collaborato con questo formidabile der Damerau,
ensemble, ne conosco bene qualità esecutiva e serietà Klaus Florian
di ricerca. Abbiamo attivato una rete di collaborazioni Vogt,
con musicologi, studiosi di organologia, con l’Universi- Franz-Josef
tà e la Musikhochschule di Colonia, trovato degli spon- Selig solisti
sor e la collaborazione con il Nrw-Forum, il centro di Philharmonische
ricerca artistica di Düsseldorf, che da tempo supporta Staatsorchester
l’attività del Concerto Köln”. Hamburg
Quali risultati si aspetta? Chor der
“Soprattutto la messa a punto di un diverso equilibrio Hamburgischen
nel rapporto tra le voci e l’orchestra. Lo sforzo dei can- Staatsoper
tanti, sia il loro affaticamento fisico sia la tendenza a (Elbphi­lhamonie)
spingere, a sforzare l’emissione per oltrepassare il muro
di suono dell’orchestra, continua a rappresentare uno
dei principali problemi nelle esecuzioni wagneriane e,
credo, a condizionarne lo stile interpretativo e la rice-
zione complessiva. Ci sono nella sua musica, nel suono
come nel canto, lunghi momenti di intimità e di rifles-
sione che richiedono un attento controllo dell’intensità
del suono”.
Il problema dell’alleggerimento delle voci preoc-
cupava già Herbert von Karajan e ha coinvolto,
da allora, i direttori wagneriani più sensibili al
diffuso senso di perdita, di sconfitta, di inabis- È la prima
samento che attraversa la sua opera. Ma non ha
mai portato a riflettere nella prospettiva oggi in- volta che si
dicata da lei.
“Credo che le novità più evidenti emergeranno dalle se-
rappresenta la
zioni dei fiati, degli ottoni e delle percussioni. È proba-
bile che l’intensità dell’insieme orchestrale fosse diver-
Tetralogia di
sa da quella a cui siamo, ormai da generazioni, abituati. Wagner con
Stiamo facendo restaurare strumenti a fiato dell’epoca
di Wagner, strumenti che hanno suonato le sue opere gli strumenti
nell’Ottocento e oggi sono conservati nei Musei, per
riportarli in vita”. originali. Un
Nei suoi trentadue anni di attività il Concerto
Köln si è dapprima dedicato a quella che gli an-
progetto avviato
glosassoni chiamano, senza porre rigidi confini
cronologici o stilistici, Early-music. Nel tempo
da Kent Nagano
i confini si sono estesi: Vivaldi, Bach, Haendel, con il Concerto
Gluck, Haydn, Mozart, ma anche le Variazioni
Diabelli di Beethoven, arie di Bellini, Donizet- Köln. E il suono
ti e Verdi, i valzer degli Strauss, nuovi lavori di
Reich e Gorecki. Perché Wagner? si proietta sulle
“Perché il tempo passa. Sono trascorsi oltre cento-
cinquant’anni da quando ha iniziato a concepire la “sensibilità”
Tetralogia, ed era il 1876 quando ha inaugurato il suo
teatro di Bayreuth. Certamente da allora ci sono sta-
sceniche, di cui
ti dei cambiamenti, nella costruzione degli strumenti,
nella disposizione delle sale teatrali, nella percezione
il compositore
del pubblico. Quando, dopo decenni di organici vasti, era insoddisfatto
il cuore della propria attività di studio ed esecutiva lo
è, direi per vocazione”.
Sappiamo che Wagner durante i pochi anni, dal
1876 al 1882, nei quali ha potuto assistere alle
rappresentazioni delle sue opere a Bayreuth,
non era soddisfatto. Non tanto dell’esecuzione
musicale, quanto degli aspetti vocali e soprat-
tutto scenici. È arrivato al punto, dopo aver reso
invisibili nella buca, anzi nella fossa di Bay-
reuth, profonda 14 metri, direttore e orchestra,
di desiderare l’invisibilità anche della scena:
non trovava una relazione soddisfacente tra il
Alla r ice rca
I N G perduto
 del R
significato della sua musica e l’aspetto visivo
della realizzazione. Con Concerto Köln affron-
terete anche il problema della messa in scena
delle sue opere?
“C’è molto materiale al riguardo, sia cronachistico e
critico sia visivo. Sono persuaso che quando saremo
arrivati a dei risultati concreti per quanto riguarda la
ricerca sulle sonorità e la balance complessiva del suo-
no wagneriano, questo influenzerà anche l’aspetto del-
la regia. Ma adesso è prematuro parlarne, anche se, e
tengo a ribadirlo, il nostro è un progetto a porte aperte.
Non ci sono preclusioni, l’orizzonte promette di essere
35
 Cover story
molto vasto”.
A settembre ad Amburgo rea-
lizzerà un nuovo Parsifal con
Achim Freyer. Niente filologia
per il momento?
“No. Invece la speranza, credo la
certezza, considerata la grande clas-
se di Freyer, di uno spettacolo forte
e coerente”.
Coerente?
“Riuscire a creare qualche cosa di
unitario, di solidale tra musica e
scena: questa è la principale pre-
occupazione quando si lavora a
un’opera. Spesso, invece, vedo un
conflitto oppure, peggio ancora, non
rintraccio alcuna relazione tra le due
componenti. La magia dell’opera è
la forma unica che combina assieme
diverse discipline. Quando la colla-
borazione tra orchestra, cantanti,
direttori, regia e scene non produce
questa relazione siamo a disagio”.
Con Freyer il rischio del disagio
non si corre?
“Achim è musicista ed è pittore.
Ha un modo di vedere le cose che
procede per immagini ed è non solo
sensibilissimo alla musica, ma la ca-
pisce. Non dico che sia un requisito
indispensabile per un regista, ma
certamente, dal mio punto di vista,
aiuta”.
La Elbphilharmonie, la nuova
sala di Amburgo, disegnata da-
gli architetti Jacques Herzog e
Pierre de Meuron nel quadro di
un complessivo rilancio urbani-
stico e civile della vecchia zona
del porto, è stata inaugurata nel
gennaio 2017. Dieci anni di lavoro, molte pole-
miche, un continuo incremento dei costi passati
dai 241 milioni di euro della stima iniziale ai 789
del consuntivo. Più che triplicati: quasi un’au-
tostrada Salerno-Reggio Calabria però alla luce,
più tiepida ma non meno intensa, della Germa-
nia del Nord. Era indispensabile?
“Dopo sette mesi di lavoro nella nuova sala posso dire,
guardando la reazione del pubblico e di noi musicisti,
che il risultato è del tutto soddisfacente. Sia nella Gran-
de sala da 2100 posti, sia nella sala per la musica da ca-
mera con 550 posti, che tra noi chiamiamo l’anima della
IL SIMPOSIO casa. Amburgo aveva già una importante, storica sala
per la musica sinfonica, la Laeiszhalle. Una bellissima
Per preparare sala, che ricorda come forma la Konzerthaus di Vien-
l’esecuzione con na. Ma era un edificio troppo saturo per il repertorio
strumenti storici del ventesimo secolo. Il palcoscenico e la sala avevano
di Der Ring des dimensioni piuttosto ridotte per accogliere il suono di
Nibelungen una grande orchestra. Gli amburghesi hanno così deci-
si tiene un so di dotarsi di una nuova casa della musica, non solo
convegno il 29 leggermente più capace come numero di posti, ma an-
settembre 2017, che più flessibile e dotata di un’acustica eccellente. È
“Richard Wagner stato un investimento importante – naturalmente non
Lesarten”, dalle entro nelle polemiche – e anche un’eredità lasciata ai
ore 9 alle 19 nostri figli e nipoti”.
presso la sala Naturalmente la Grande Sala è dotata di un orga-
della musica no, confermando così che tra i nuovi Auditorium
dell’Università del XXI secolo solo quello di Roma ha deciso di
di Colonia - in privarsene, nonostante il finanziamento fosse
collaborazione previsto. Chissà se si potrà mai rimediare: oggi
con la Musikh­ non è aria, ma gutta cavat lapidem. Maestro,
ochschule come titolo inaugurale della Elbphilharmonie ha
della stessa scelto Arche un nuovo oratorio di Jörg Widmann,
città - al quale compositore che figura con una certa frequenza
partecipano nei suoi programmi di concerto. Reazioni?
musicologi e “Abbiamo avuto tutti – orchestra, coro, solisti, pubblico
studiosi quali – la sensazione di assistere alla nascita di un’opera im-
Christa Jost del portante, capace di trasmettere emozioni. Non accade
Richard-Wagner- sempre con il repertorio contemporaneo”.
Gesamtausgabe Che oggi parla molti linguaggi diversi. Che cosa
di Monaco, Frank non le piace?
Hentschel e “È naturale che parli linguaggi diversi, come molto
Dieter Gutknecht diverse sono le infinite lingue che i popoli parlano nel
dell’Università di mondo. Ma cosa si dice con queste lingue? Non è im-
Colonia, Arnold portante quale lingua usi, con quale sintassi ti esprimi.
Jacobshagen È importante, anzi decisivo, trasmettere qualcosa. Se
e Kai Hinrich non accade, perdiamo. Del repertorio dei tempi di Bach,
Müller Mozart e Beethoven, noi conosciamo appena il 10%, il
dell’Hochschule 90% è e probabilmente rimarrà sempre sconosciuto. Lo
für Musik stesso accadrà con il repertorio di oggi, ma dovere di
und Tanz di noi interpreti è eseguirlo al meglio. Nella speranza che
Colonia; e nasca qualcosa che abbia un valore universale. Sappia-
ancora Benjamin mo che il Novecento è stato un secolo ricchissimo di
Reissenberger capolavori. Mi auguro che possa accadere lo stesso per
e Mareike il XXI secolo”.
Beckmann. Quale lo stato di salute della musica che amia-
L’ingresso al mo?
simposio è “Il significato e il valore della musica classica sono oggi
libero: chi fosse in declino. Il pericolo principale è che stia diventando
interessato a niente più che un hobby per l’élite della società. Que-
partecipare può sto stato di cose deve cambiare, altrimenti, e anche con
registrarsi via una certa rapidità, questa musica scomparirà del tutto
web all’indirizzo dall’orizzonte di una parte crescente della popolazione
http://wagner- mondiale. Se accadrà questo, sarà un pessimo segnale,
lesarten.de/ perché l’intera società subirà un impoverimento cultu-
kontakt/ rale e perché la nostra musica ha il potere di superare
le barriere sociali, le differenze religiose ed etniche”. p
 Sony Classical presenta

88985338792 88875156982 88985433222

ANTONELLOMANACORDA
KAMMERAKADEMIEPOTSDAM
“The Daily Telegraph”

“Fono Forum”

“Kulturradio”
 Racconti
di Giuseppina Manin

FIABE abbadiane

E un giorno Maria Carmela Abbado, madre di Claudio, si decise a scrivere i racconti siciliani
che la sua fervida fantasia srotolava ai nipoti lì per lì. Ora quelle storie - con riferimenti
musicali a familiari e amici come il mago Nonogigi - sono pubblicate da Archinto

C
hissà da quando quella valigia era sepolta in canti-
na. Forse dai tempi in cui la sua proprietaria, Maria
Carmela Savagnone maritata Abbado, se n’era an-
data. Un giorno d’estate del 1986, nella casa a pic-
co sul mare di Alghero del figlio Claudio. Che in quei giorni
era lontano, in tour dall’altra parte del mondo, in Giappone.
Stracolma di carte, di lettere, di fogli fittamente manoscrit-
ti, la valigia fu affidata a Luciana Pestalozza, fondatrice e
anima di Musica nel Nostro Tempo e del festival Milano
Musica, unica figlia femmina di Maria Carmela e Michelan-
gelo, sorella di Marcello, Claudio e Gabriele. E, come spesso
accade quando il lutto chiede una pausa per prendere le di-
stanze dal dolore, la valigia fu dimenticata, chiusa per anni
con i suoi ricordi, i suoi segreti.
Poi, ottobre 2012, se ne va anche Lu-
ciana. Per crudele gioco del caso negli
stessi giorni in cui Claudio torna alla
Scala dopo 26 anni di assenza. “Nel
frattempo di quel bagaglio abbando-
nato nessuno se n’era più occupato.
Solo di recente, nel fare ordine tra le
cose, quell’antica valigia è riemersa”,
racconta Claudio Pestalozza, pittore,
uno dei due figli di Luciana, mentre
l’altro, Andrea, è direttore d’orchestra.
“Svelando il suo tesoro nascosto per
così lungo tempo. Una raccolta di favo-
le scritte da mia nonna Maria Carmela,
detta Linuzza”.
Con emozione Claudio, legatissimo
a quella nonna speciale, così allegra
e fantasiosa, così brava a raccontare
storie meravigliose all’improvviso, si
tuffa nella lettura. Quelle fiabe verga-
te a mano con una scrittura minuta e
regolare innescano la macchina del
tempo. Lo riportano bambino, quan-
do con Linuzza andava a Bellaria, la
spiaggia “di famiglia”, dove Maria
Carmela, palermitana che amava il
mare, aveva portato anche i figli e il
marito che, riottoso alla vita marina,
preferiva starsene in albergo.
“E per tenerci buoni Linuzza narrava e
narrava. Storie sempre nuove, declina-
te in infinite variazioni secondo l’estro
e chi aveva davanti”.
Una lunga saga di leggende e filastroc-
che attinte dal folclore siciliano, ma an-
che dai miti persiani che appassiona-
vano suo padre, Guglielmo Savagnone,
etnologo e papirologo. Un patrimonio
di cultura popolare che Maria Carmela
rielabora, trasforma, tramanda ai figli e
ai nipoti. Finchè, tra gli anni Cinquanta
e Settanta, quei racconti li annota sulla
carta. E la memoria orale diventa me-
moria scritta.
“Che Linuzza fosse una scrittrice per
l’infanzia si sapeva, alcuni suoi romanzi
per bambini sono stati pubblicati negli
A sinistra anni Settanta, ma quelle favole ritrovate, specchio della sua
un’illustrazione parte più libera e felice, meritavano di tornare in vita. Per la
tratta dal nonna, per i bambini che eravamo e per quelli di oggi. Che le
volume favole conoscono sempre meno”. Con l’aiuto della scrittrice
“Viaggio in Laura Bosio, Claudio Pestalozza ne seleziona, tra le tante cu-
Sicilia” di stodite dalla valigia, diciassette, ora pubblicate dalle edizioni
Gianluca Archinto con il titolo “La cravatta magica e altre fiabe”.
Biscalchin Fiabe spiritose, fuori dai canoni tradizionali, dove fanciulle
(Guido ardite si fanno beffe dei re, bambini giganti sconfiggono una
Tommasi padrona cattiva, bei giovanotti si ritrovano inguaiati per la
Editore). Sotto, loro smemoratezza. Fiabe crudeli, di bimbi messi al forno, di
Maria Carmela giovani mogli devote, pronte, pur di salvare il loro sposo dalla
Abbado con i nera malinconia, a mangiare una ripugnante mano verda-
nipoti stra. Fiabe musicali, dove il canto e l’armonia compiono le
magie più grandi. E spesso i nomi dei protagonisti strizzano
l’occhio a quelli di famiglia. Una dinastia con la musica nel
sangue, dove tutti hanno avuto in qualche modo a che fare
con il mondo dei suoni.
Così nel giovane Marcello a cui viene regalata una cravatta
azzurra con su dipinti tanti uccellini che lui riesce con la
forza del suo canto a far volare, non è difficile identificare
il primo dei quattro figli Abbado, quel Marcello considerato
l’“enfant prodige” di casa, che poi diventerà pianista, com-
positore, direttore del Conservatorio di Milano. Nella fata
Il LIBRO Lucina che regala ai bambini flauti e liuti, arpe e tamburi, si
intravvede Luciana, tutta la vita impegnata in campo musi-
La cravatta cale, moglie del pianista Carlo Pestalozza.
magica e altre Mentre il mago Nonogigi, capace di risistemare nel loro
fiabe (104 posto gli alberi stradicati, un uomo alto, robusto, con le
pagine, Archinto antenne viola per catturare tutti i suoni del mondo, altri
39
Editore, 12 euro) non è che Luigi Nono, amico di Claudio, vicino di casa in
raccoglie alcuni Sardegna, che con Linuzza aveva stabilito un’intesa spe-
racconti fra i ciale. Quanto ai bimbi della favola che chiude il libro, “La
più inventivi e tigre alata”, si chiamano Roberto, come il figlio di Mar-
rappresentativi cello, oggi un affermato direttore d’orchestra, e Claudio,
della personalità come Claudio Pestalozza.
di Maria Carmela E dove mai voleranno i due cuginetti in groppa al ma-
Abbado (1899- gico felino? “Da nonna Linuzza, naturalmente. Tutti noi
1986). Scritti nipoti eravamo felici di stare con lei. Lei era la parte so-
tra gli anni lare della famiglia, capace di scalfire con la sua vitalità,
Cinquanta e la sua creatività, il suo essere aperta agli altri, il tradizio-
Settanta, si nale riserbo degli Abbado”.
caratterizzano Primo tra tutti a restarne sedotto il marito Michelangelo, pie-
nella libertà e montese severo, docente, violinista in trio con Carlo Vidusso
immaginazione e Gilberto Crepax, fondatore e direttore dell’Orchestra d’ar-
unite al rigore chi di Milano specialista nel repertorio barocco. Che appe-
filologico per na vide quella giovane donna dalle trecce brune e gli occhi
i personaggi e neri decise che l’avrebbe sposata. Colta senza darlo troppo
la geografia dei a vedere, pianista egregia, Linuzza celava dietro il suo ruolo
luoghi. Curiosi ufficiale di moglie e madre e ottima cuoca - Claudio parla-
e interessanti va con struggimento di una sua caponatina da far invidia a
i richiami Montalbano - una passione letteraria non comune.
all’ambiente “Ammirava in particolare Neruda e Tagore, Sciascia e Sol-
musicale in genitsin”, ricorda Claudio Pestalozza. “Sapeva riconoscere
cui la madre le qualità delle persone, anche quando non erano troppo
di Claudio evidenti. È stata lei la prima a esortare lo zio Claudio a conti-
Abbado viveva, nuare negli studi musicali. A credere nel suo talento, a spin-
ad esempio gerlo a prendere il volo. Linuzza ha scritto tante altre favole,
la presenza in molte dedicate al Giufà, una sorta di Pierino siciliano che
alcune fiabe forse un po’ somigliava a Claudio ragazzo. Ma tra tutte a
di un mago colpirmi ce n’è una anomala, che ho voluto inserire nel li-
chiamato bro per la sua singolarità. Si intitola ‘L’anfora vuota’ e rac-
Nonogigi, conta di un personaggio misterioso capace di trapassare
omaggio al con lo sguardo il petto di chi incontra e scorgerne l’anima.
compositore Che a volte brulica di neri serpentelli, a volte è popolata di
e amico Luigi ragni o di ghiaccioli. E a volte è tragicamente vuota. Ecco,
Nono. io credo che lei avesse un simile potere. Linuzza sapeva
guardare dentro i cuori”. p
CLASSIC VOICE CD
di Quirino Principe
Guida all’ascolto
La storia e la

C
e lo domandiamo più d’una guida all’ascol-
volta, quando si tratta di com- to dei Concerti e del Quintetto per clarinetto di
positori nel cui stile sobbal- Carl Maria von Weber, a firma di Marina Vacca-
zano scosse, e si intravedono rini, si trovano nel booklet del cd allegato.
strappi e ribaltamenti, e la cui matu-
razione supera la soglia quantitativa e
diventa una metamorfosi qualitativa.
Non ci poniamo il quesito per Mozart o
per Schumann, per Purcell o per Vivaldi.
Altri, invece, ci pongono il simpatico e
persino eccitante problema. Quale rap-
porto di continuità e di consanguineità
esiste tra l’Allegro con brio del Settimi-
no op. 20 di Beethoven, e il Quartetto
op. 135? Tra la Romanza in Fa mag-
giore op. 50 e la Grosse Fuge op. 133?
Tra il Rondò a Capriccio op. 129 (“La
collera per un soldino perduto”), pure
amato da un divertitissimo Schumann,
e l’Arietta della Sonata op. 111? Tra il
Finale dell’atto I dell’Italiana in Algeri
di Rossini e l’estasi sublime della sua
Regata veneziana? Tra Oberto e Fal-
staff di Verdi, se voglio essere “tran-
chant” e un po’ banale? Tra Die Feen
di Wagner, o tra la sgradevole marcetta
che compare nell’ouverture di Rien-
zi poco dopo il meraviglioso tema del
“solenne gruppetto”, e, d’altro canto, il
racconto da brivido intonato da Kundry
nell’atto II di Parsifal? E, si badi, non è
questione di “poca importanza” o di
“marginalità”: per esempio, il minu-
scolo canone beethoveniano Ta ta
ta… WoO 162, che sembra sfiorare
il nulla, ci lascia un retrogusto tanto
sinistro e minaccioso quanto rivela-
tore, e basta poco per accorgersi che
esso non è tanto una presa in giro di
Mälzel quanto il mostrare da lonta-
nissimo un mostro, un killer, l’impla-
cabile Tempo cosmico.
Con molta forza, ci pone la questio-
ne Carl Maria von Weber, del quale,
per buona creanza, ricordiamo i dato
anagrafici: nato a Eutin, nel nordico
Holstein, nella notte tra sabato 18 e lu-
nedì 19 novembre 1786, morto a Lon-
dra lunedì 5 giugno 1826. Per l’intero
suo lascito musicale, vale il catalogo
di Friedrich Wilhem Jähns, indicato
da “J.”, che si affianca, dov’è possibi-
le, ai numeri d’opera di originaria at-
tribuzione. Compiuto questo dovere,
riproponiamo lo schema della doman-
da: quale rapporto di consanguineità
esiste tra le atletiche e galanti mo-
venze della Aufforderung zum Tanz e
l’agghiacciante rintocco di campana
a morto sperduto nella gola montana
nell’infernale Finale dell’atto II in Der
Freischütz? Tra l’attacco del clarinetto
solista nel Primo Concerto in Fa mino-
re op. 73, J. 114, e la pelle d’oca che ci
viene se siamo soli in casa in un cre-
puscolo d’inverno e ascoltiamo il coro
 Nonostante le apparenze, non c’è
differenza tra i Concerti per clarinetto
di Carl Maria von Weber e la sua
sconvolgente produzione operistica.
Entrambi puntano alla “progressiva
Soffio INFERNALE
esplorazione al limite”

invisibile di spettri satanici che ululano “Uhui…!”? Tra lo

scintillìo del Grosses Quintett in Si bemolle maggiore per
clarinetto, 2 violini, viola e violoncello op. 34, J. 182 (1811), e
la magia del coro di spiriti fatati in Oberon (1826)?
Tento di rispondere domandando a me stesso: il rapporto
cui si allude, implica davvero tanta lontananza, di tono e di
“aura”, tanta diversità fisiognomica? Premetto: ciò che in
parole povere può apparire la strana eterogeneità che talvol-
ta fa pensare a due compositori diversi (ciò varrebbe anche
per i citati esempi da Beethoven, da Rossini, da Verdi, un
po’ meno per quelli da Wagner), per quanto riguarda Weber
si concentra quasi esclusivamente in un’antitesi tra Weber
autore di musica strumentale e soprattutto concertante, ca-
meristica e pianistica, e Weber autore per il teatro d’opera.
Ebbene, senza cancellare la distanza che certo sussiste, for-
se è possibile isolare un elemento che ci configuri come dif-
ferenziale. Credo che esso sia l’assenza o la presenza della

41
voce umana. Proviamo a immaginare, nel Concertino in Do
minore/Mi bemolle maggiore per clarinetto e orchestra op.
26, J. 109 (1811, composto per Heinrich Bärmann), l’attacco
del solista su parole di acuto dolore, con un canto ingenuo
e appassionato come quello che conosciamo di Max in Der
Freischütz, o di Hüon in Oberon. Oppure simuliamo, per
l’attacco del solista al principio del suddetto Primo Con-
certo per clarinetto, una voce femminile che canti parole di
malinconia senza speranza, e avremo la sensazione di udi-
re Agathe, o Eglantine, o Rezia. Questa specie di reazione
chimica mi pare indubbia, e me ne assumo la responsabili-
tà: se sono in errore, pagherò il pegno.
Ma c’è un fattore primario, dalla forza unificante ancora
più avvertibile, e, in definitiva, visibile e soprattutto udibile,
creatrice di una riconoscibile aura e di uno stato d’animo.
Quel fattore è l’indole demoniaca, e in certe grandi occa-
sioni davvero sinistra e infernale, del pensiero musicale di
Weber, e l’aerea magia elfica che prevale in Oberon ne è la
sembianza seduttrice, come Kundry e le “fanciulle fiori” e il
giardino di Kingsor in Parsifal. Qualcuno potrebbe coglie-
re nel virtuosismo strumentale, da Weber associato molto
spesso a uno strumento che prediligeva, il clarinetto, ma
anche al pianoforte o al violino, una materia tale da creare
un fronte di diversità, o di mascheratura, rispetto al fuoco
infernale e alla simpatia per figure luciferine. Tale simpatia,
tra parentesi, è confermata da un dato di fatto: nel teatro
d’opera weberiano, i personaggi di spicco, i veri “eroi” della
grandiosa invenzione musicale e drammaturgica, non sono
“operatori del Bene”, non sono candidi e puri. Sono tene-
brosi. L’aria più bella fra quelle dell’ultima opera weberiana
è di Oberon tramatore di inganni e punitore di sé stesso:
“Schreckensschwur!”. La perla, la meraviglia inestimabile
di Euryanthe, è la grandiosa scena e aria di Lysiart, “Wo berg
Johann ich mich?”. In Der Freischütz, il vertice dell’invenzione mu-
Heinrich sicale è ciò che accompagna l’epifania del Diavolo. Vero, Sa-
Füssli, miel non canta: parla, è uno “Sprecher”. Ma la meravigliosa
“L’incubo” “Verwandlung” dei suoni e delle luci di natura, l’orrore che
(1781) nella musica sta montando sino a fare impazzire dal terrore
CLASSIC VOICE CD
chi si trovi nella Gola del Lupo, è tutto
patrimonio e strumentario e corredo
professionale di Samiel, e l’immagine
di Lui che finalmente appare e pro-
nuncia poche e spaventevoli parole è
quella che nello spettatore e ascoltato-
re più persiste e si radica.
Ma allora sviluppiamo qualche indagi-
ne sul resto, sulla musica strumentale.
Approfondiamo il rapporto che esi-
stette tra Weber e il suo amico Ernst
Theodor Amadeus (Wilhelm) Hoff-
mann, il cui tenebrosissimo romanzo
Die Elixiere des Teufels (“Gli elisir del
Diavolo”) fu edito nel 1816, lo stesso
anno del demoniaco Grand Duo Con-
certant in Mi bemolle maggiore op. 48,
J. 204. Rivisitiamo al pianoforte quelle
pagine weberiane per le quali Diego
Bertocchi ha scritto, con chiaroveg-
genza, “il virtuosismo si fa sinonimo
di progressiva esplorazione al limite”.
Per esempio, gli episodi pianistici in
cui il ritmo puntato si fa parossistico e
ferocissimo, come negli Acht Stücke a
quattro mani op. 60, J. 236 (1818-1819):
minacciose marce di cui si ricorderan-
no Gustav Mahler nella Sesta Sinfonia
e Paul Hindemith in un gruppo di Va-
riationen. Charles Baudelaire, nella po-
esia Les Phares (la sesta al principio di
Les fleurs du mal), sentì da vicino tutto
questo, quando, descrivendo la pittura
di Delacroix come “lac de sang hanté
des mauvaises anges” (lago di sangue
gremito d’angeli malvagi, ndr), ag-
giunse: “où, sous un ciel chagrin, des
fanfares étranges passent, comme un
soupir étouffé de Weber” (dove stra-
ne fanfare, sotto un cielo aggrondato,
passano, come un sospiro soffocato di
Weber, ndr). Prendo quei versi a sug-
gello di ciò che, maldestramente, ho Fabrizio
voluto dire. p Meloni
La Tecnica
Fiato alle note
Il primo clarinetto della Filarmonica della Scala spiega:
“Grazie alle innovazioni dei Baermann, con Weber lo
strumento acquisisce una spettacolarità solistica nuova”
“Come nel caso di Mozart con Anton Stadler”, raccon-
ta Fabrizio Meloni, primo clarinetto dell’Orchestra del
Teatro alla Scala e della Filarmonica, è fondamentale
per Weber l’incontro con i clarinettisti Joseph e Carl
Baermann, attivi anche come compositori. Weber si in-
namorò dello strumento dapprima ascoltando il Quin-
tetto con clarinetto di Mozart e poi conoscendo questi
grandi virtuosi. È grazie ai Baermann che il clarinetto
diviene protagonista di una letteratura virtuosistica
straordinaria, poiché essi svilupparono la tecnica dello
strumento aggiungendo delle chiavi e modificando il
modo di suonare: non più con l’ancia rivolta verso il lab-
bro superiore, ma verso quello inferiore, in modo da cre-
are un nuovo tipo di cantabilità e di tecnica. L’aggiun-
ta delle chiavi (diciotto, con Carl Baermann) permette
di sviluppare il cromatismo dello strumento e quindi
le possibilità virtuosistiche, come è evidente già nelle
scale e negli arpeggi del Concertino. I due Concerti e
il Quintetto rappresentano poi uno spartiacque: grazie
alle innovazioni dei Baermann, con Weber il clarinetto
acquisisce una spettacolarità solistica nuova. Inoltre,
come si può osservare nelle più recenti edizioni Henle
Urtext, i due musicisti ebbero un ruolo anche nel pro-
cesso compositivo: oltre alla partitura “nuda e cruda”
del compositore, troviamo un pentagramma superiore
curato proprio da Carl. Come all’epoca di Mozart, in cui
le più sottili dinamiche e la realizzazione degli abbel-
limenti erano implicite, Weber scrive sostanzialmente
le note, in modo scarno ed essenziale: Baermann, nel
pentagramma superiore, aggiunge tutto ciò che man-
ca in termini di dinamiche e dettagli esecutivi. Ma la
grande novità è che Weber, compositore sulla cresta
dell’onda in quegli anni, affida addirittura a Baermann
la composizione della cadenza, già nel Concerto n. 1
op. 73: al centro del primo movimento troviamo un di-
segno cantabile in terzine, con l’indicazione lusingan-
do, e poi, prima del Tutti orchestrale in fortissimo, vi è
una fermata in cui va inserita la cadenza virtuosistica
di Baermann, autorizzata da Weber. È una novità im-
portante il fatto che un compositore celebre affidasse
all’interprete la realizzazione scritta, e dunque non im-
provvisata, delle cadenze”.
Dal punto di vista dell’interpretazione, l’esecutore deve
tenere conto della forte vena di teatralità che traspare
spesso nei lavori strumentali di Weber: una teatralità
che si esprime soprattutto attraverso il passaggio da
un atteggiamento espressivo all’altro, con contrasti
estremi e spesso inauditi. Weber passa dal comico al
drammatico, dal buffo al malinconico, in maniera re-
pentina. Il compositore lo sottolinea in partitura con
poche ma significative richieste all’interprete, come
ad esempio con duolo (nel tema d’apertura del cla-
rinetto del Concerto n. 1). “Può farlo proprio grazie al
fatto che il clarinetto, con l’aggiunta delle chiavi, è
improvvisamente mutato, sviluppando maggiormen-
te una componente brillante e addirittura aggressiva,
non più solamente dolce e cantabile”.
Luca Ciammarughi
 43

TrisTano e isoTTa
RichaRd WagneR

FalsTaFF
giuseppe VeRdi

lo schiaccianoci
pëtR il’ič čajkoVskij
coRpo di ballo
daniele cipRiani enteRtainment
eviTa
il lago dei cigni andReW lloYd WebbeR
pëtR il’ič čajkoVskij
balletto del teatRo maRiinskij il segreTo di susanna
di san pietRobuRgo eRmanno Wolf-feRRaRi

roberTo bolle and Friends la voix humaine

gala di danza fRancis poulenc

TurandoT le nozze di Figaro

giacomo puccini Wolfgang amadeus mozaRt

salome don giovanni

RichaRd stRauss Wolfgang amadeus mozaRt

l’orFeo così Fan TuTTe

claudio monteVeRdi Wolfgang amadeus mozaRt

il barbiere di siviglia
gioachino Rossini
i lombardi alla prima crociaTa
giuseppe VeRdi
Walter Vergnano, Sovrintendente
Gastón Fournier-Facio, Direttore artistico
Gianandrea Noseda, Direttore musicale
CLASSIC VOICE ALBUM
di Elvio giudici
I
diversamente giovani come il sottoscritto, non posso-
no evitare un sorriso alquanto ironico all’annuncio del
cofanettone di 42 cd (più tre Blu Ray che contengono
il purtroppo esiguo lascito video) che fa rientrare sotto
l’etichetta d’una casa discografica ufficiale (Warner) una
cospicua parte delle incisioni dal vivo di Maria Callas. Vero,
il suono è stato fatto oggetto d’un restauro così sofistica-
to (curato com’è dallo Studio Arte et Son in collaborazione
con Studio Circé, ovvero quanto di meglio può offrire oggi la
tecnologia) da renderlo imparagonabile a quello delle tante
etichette che avevano proposto i tanti lasciti callasiani dal
vivo, e nell’album digitale del mese se ne offre a chi vorrà
scaricarlo un eloquente saggio d’ascolto. Etichette che era-
no raggruppate tutte sotto la dicitura più o meno infaman-
te di “pirate” (me ne ricordo ancora una che si propose col
divertentissimo nome di Morgan Records…), e quindi fatte
oggetto di reprimende varie quando non di vere e proprie
denunce in quanto lesive non solo della qualità ma anche
d’una supposta etica. Adesso invece entrano trionfalmente
nell’ufficialità - perché ora la legge lo permette - anche le
registrazioni dei ruoli che la Callas non aveva mai inciso: le
quali, sia detto di passata, storicamente sono state appunto il
primum movens del fiorire delle registrazioni dal vivo, troppo
imperativo essendo il conoscere ad esempio la Lady e la Bo-
Callas
VIVA
C’è differenza tra le incisioni del soprano in studio e quelle riprese dal vivo?
Dipende dal titolo. Il confronto lo consente il nuovo cofanetto dedicato ai
suoi migliori live di sempre, selezionati, ripuliti e restaurati come mai prima
d’ora. Da “provare” in esclusiva nel nostro cd digitale
lena callasiane colpevolmente ignorate
dal record producer della Emi, il sempre
incensato Walter Legge che perse molti
più treni di quelli su cui riuscì a salire.
Da qui, subito una (parziale) soddisfa-
zione, e un interrogativo. La soddisfa-
zione, ovviamente, riguarda i dodici ruo-
li che la Emi di Legge trascurò d’offrire
alla Callas che li aveva trionfalmente
portati in scena: Abigaille, Elena dei Ve-
spri, Lady, Kundry, Anna Bolena, Paolina
del Poliuto, Imogene del Pirata (queste
ultime tre già accolte nel 1997 dalla Emi
nel proprio catalogo, al pari della Lu-
cia berlinese diretta da Karajan e della
Violetta di Lisbona presenti anch’esse
nel cofanettone), Armida, Alceste, Ifige-
nia, la Vestale Giulia, Maddalena dello
Chénier. Non tutti derivano da collega-
Maria Callas è menti radiofonici e, siccome i miracoli
Anna Bolena; non avvengono più neppure a Lourdes,
in basso a i due ruoli gluckiani, Armida e Abigaille
destra Kundry vanno ancora ascoltati con la pazienza
nel “Parsifal” certosina richiesta per estrapolare dal-
 download
Lucia, Macbeth, Sonnambula, Pirata e
Aida: sono 5 i “live” restaurati che - in
accordo con la Warner - si possono am-
mirare con l’orecchio scaricando l’album
digitale del mese, che rimandano ad al-
tre scene madri della Callas “captata”
dal vivo. Il codice personale da utilizzare
per farlo da classicvoice.com (registran-
dosi nel sito e poi cliccando coupon digi-
tale) è AAV-220-001-7816
la nebbia il timbro e, ove possibile, le intenzioni espressive
della Callas. Pazienza che dà comunque cospicui risultati.
Spigolando: l’incredibile padronanza del registro di petto
nell’entrata di Abigaille; la gamma alternata di sussurri tene-
brosi e di scatti di protervia che frastaglia il duetto tra Lady
e Macbeth dopo l’assassinio; il ventaglio di accenti vitrei,
scabri, sgomenti su cui la sua Armida si congeda e che, dopo
lo scatenato virtuosismo di “D’amore al dolce impero”, offre
probabilmente la più suggestiva evocazione di quell’eterno e
multiforme rebus che le partiture napoletane di Rossini pro-
pongono, ovvero cosa mai fosse la voce-Colbran; così come,
per quanto stilisticamente discutibili siano i contesti in cui
stanno, la sua Alceste e la sua Ifigenia sono esempio tuttora
inavvicinato di neoclassicismo in musica, con la composta,
levigata perfezione di certi luminosi legati sotto i quali vibra
un calore umano debordante; e circa l’insostituibilità della
sua Bolena, neppure è il caso di tornare a ribadirla, ma solo di
felicitarsi del suo approdo al miglior suono possibile.
L’interrogativo riguarda il corpus (non certo esaustivo, ché
altrimenti il già nibelungico cofanetto avrebbe dimensioni
da Treccani, ma pur sempre cospicuo e in generale frutto
di scelte sensate) di registrazioni dal vivo: dicono qualcosa
di veramente nuovo rispetto alle incisioni di studio dei me-
desimi titoli, oppure sono semplicemente tappe anagrafiche
nella carriera della Callas? La risposta, mi pare evidente,
non può essere univoca, dipendendo caso per caso. Molte,
le peculiari caratteristiche possedute dalla Callas vocalista:
timbro inconfondibile, subito riconoscibile anche nel più fit-
to dei concertati e che bilancia il suo non essere bello nel
più comune senso della parola (anzi, la Callas è stata colei
che più di chiunque altra ha sdoganato la “brutta voce”, fa-
cendo capire quanto possa essere più bella d’una dal timbro
squisito in virtù di ciò che essa riesce a esprimere); tecnica
straordinaria in generale, ma in particolare applicata a quel
comparto virtuosistico che all’epoca era appannaggio dei
soprani leggeri e che impiegata dal suo timbro e dal suo
spessore produceva effetto elettrizzante; musicalità di livello
strumentale. Ma una caratteristica in particolare - l’istinto te-
atrale - era insita nella sua personalità al pari del formidabile
carisma posseduto fin da quando era ancora non diciamo
grassa perché è troppo volgare, ma maestosa senz’altro. È
sempre stato l’istinto (non la cultura, che un’immigrata greca
nata nel Bronx non possedeva) a farle fin da subito incana-
lare la sua perfetta dizione verso un ventaglio d’accenti, ov-
vero di colori, capace d’imprimersi all’istante nella memoria
dell’ascoltatore. È sempre stato l’istinto a suggerirle che non
di sole arie o momenti forti vive il teatro musicale, ma di tutto
il complesso della sua struttura, fino all’ultimo dei recitativi
di raccordo. È l’istinto, che l’ha resa non solo grande esecu-
trice, ma grandissimo animale da palcoscenico. Istinto di tal
fatta sopravvive e opera anche in sala d’incisione. Ma non
c’è dubbio che la presenza del pubblico, l’eventuale feeling
coi colleghi o col direttore, i suggerimenti di alcuni registi
sono stati fattori non trascurabili.
Difficile fare dunque, con siffatta artista, una graduatoria tra
studio e viva realtà della scena. Ma in-
tanto, è molto interessante verificare
l’iter espressivo di certi personaggi:
che se nascono già plasmati in linea
generale (come Norma, Lucia, Violetta),
subiscono comunque, com’è ovvio, un
approfondimento progressivo. E sicco-
me la Callas, come dicevo dianzi, lungi
dal concentrarsi sul momento topico
per andare poi in ciabatte nel resto,
interpreta tutto: non è infrequente che
una recita dal vivo si ricordi per due o
tre frasi cui non avevi magari attribui-
to particolare importanza, e le scopri
invece capaci d’illuminare un percorso
psicologico.
Certe scure inflessioni della Gilda di
Mexico City fuori dalla taverna di Spa-
rafucile, contrapposte a colori sbiancati,
quasi liliali, con cui aveva incontrato il
padre due atti prima: di colpo ci avve-
diamo dell’infinitesimo percorso psi-
cologico che nella ragazzina ha fatto
maturare la donna. La Sonnambula
LIVE scaligera, che l’estro ritmico strepitoso
RESTAURATI di Lenny Bernstein colora d’incisi qua-
si quasi jazzistici, conduce a una raffi-
gurazione molto diversa da quella più
45
placida quantunque sempre splendida
dello studio. Lo stesso Bernstein, in Me-
dea (che impara a tamburo battente per
In occasione dei sostituire il previsto de Sabata) vuole
40 anni dalla un barbarico colorito fauve cui la Cal-
scomparsa di las reagisce in piena sintonia e, sorretta
Maria Callas (16 dalla forma strepitosa che le farà invece
settembre 1977), difetto in studio, crea un personaggio di
Warner Classics tutt’altra forza espressiva. Ma in fondo
pubblica un tutte queste incisioni dal vivo (persino
cofanetto la sua Kundry, che stilisticamente è una
intitolato Maria sorta di Ogm mezzo Amneris e mezzo
Callas Live che Santuzza), restituiti col miglior suono
raccoglie le tecnicamente possibile, sono preziosi
registrazioni tasselli nel fare comprendere ancora
leggendarie una volta le ragioni per le quali i tre lu-
del soprano stri di carriera di Maria Callas continua-
riprese nei più no ad essere interrogati anche a distan-
importanti teatri za di quasi settant’anni. p
d’opera e nelle
migliori sale da
concerto del
mondo. I 42 cd
(con 3 Blu-
ray) sono stati
accuratamente
rimasterizzati
a partire dalle
migliori fonti
disponibili e
contengono 20
opere integrali
- fra cui 12 da
lei mai incise in
studio - e cinque
rappresentazioni
video complete.
 “La musica può nominare l’innominabile
e comunicare l’inconoscibile”
Leonard Bernstein

CLASSICA HD.
MUSICA PER
I TUOI OCCHII.
 Le scelte di Angelo Foletto
Sarcasmo
musicale
A
nche a ricordarlo a memoria, ogni volta
scappa il sorriso. Sono le situazioni musi-
cali d’autore - puramente musicali; non gli
incidenti di percorso esecutivo su cui fioriscono
racconti e aneddoti a palate - in cui la parodia, l’imi-
tazione troppo perfetta, o troppo volutamente fuori
dalle righe, e l’errore altrettanto intenzionalmente
ostentato ci mettono di ottimo umore. Anche senza
conoscerne la ragione tecnica. Come nel celebre
Musikalischer Spass mozartiano - Die Dorfmusi-
kanten, “I musicanti del villaggio” strillava la coper-
tina dell’antico vinile dando fiducia
all’apocrifo titolo -  che da quando
l’ascoltammo per la prima volta, ci
fa ridere. Anche se crescendo abbia-
mo spostato l’attenzione dall’effetto
buffonesco degli svarioni armonici
del finale, alla vuotaggine reiterata
del Trio o alle più perfide sottoline-
ature affidate al solismo violinistico
dell’Adagio (“volo da gallinaceo,
starnazzando in goffi virtuosismi e
ornamentazioni, per finire sul filo di
una cadenza scolastica, stiracchia-
ta fino all’estenuatezza e conclusa
da un trillo ‘da pecora’ (l’espressio-
ne è mozartiana)”, scrive Giovanni
Carli Ballola). La mano “sbagliata”
di Mozart è unica. Ma ci sono simi-
li acrobazie musicali, meraviglie di
anti-perfezione e anti-simmetria di
cui le comiche del cinema faranno
tesoro. E altre trovate, meno osten-
tatamente gergali, con cui l’orec-
chio dell’ascoltatore esce rallegrato.
Perfino quello di musicisti non facili
al riso: “è difficile trovare qualcosa
di più divertente di questa bizzar-
ria. Non ho potuto evitare di ridere
di cuore quando l’ho suonato per
la prima volta”, scrisse Schumann
proposito del Rondò all’ungherese
quasi un capriccio op. 129 (anche
in questo caso più noto è l’apocrifo
editoriale Die Wut über den verlore-
nen Groschen, “Collera per il soldi-
no perduto”) di Beethoven. Cataliz-
za l’attenzione d’ascolto la vistosa
asimmetria tra le premesse (di un
pezzo con tutti crismi) e il risultato
di vuotaggine, di senso del girare
senza senso del disegno musicale.
Forse il più geniale intrattenitore a
CLASSIC Playlist
una storia
della musica
per temi
PLUS
Clicca sulle forza di “vuoti” musicali intagliati con perversa ar-
copertine per guzia è stato Eric Satie: in Embryons desséchés del
ascoltare 1913, eccessive ripetizioni, ritmi inutilmente ripe-
l’anteprima dei tuti, cadenze moltiplicate o evitate, lentezze senza
brani intensità o irruzioni armoniche spurie, diventano
lessico comico originalissimo anche se non diffi-
cilmente collegabile all’umor nero e beffardo delle
raccolte estreme di Rossini (riascoltiamo a mo’ di
ripasso la caricatura mendelssohniana in La mi-
nore di Hachis romantique). In realtà quasi tutti i
numeri pianistici dei rossiniani Péchés de vieillesse
declinano un procedimento di comi-
cità musicale: o per il descrittivismo
comico puro - come nei bozzetti
“ferroviari” Marche et réminiscenses
47
pour mon dernier voyage e Un petit
train de désir - oppure facendo il
verso a stili e caricature musicali in
cui il beffato era pienamente ricono-
scibile come in Ouf! Les Petits Pois
o Petite caprice (per questo l’autore
indica anche una diteggiatura apo-
tropaica vista la nomea malaugu-
rante di Offenbach cui si riferisce).
Tra i musicisti parodizzati, gran vit-
tima fu il papà del pianoforte moder-
no Muzio Clementi: Satie gli diede
sontuoso e caratteristico sberleffo
con la Sonatine bureaucratique  ma
sul “burocratico” classicismo cle-
mentino hanno motteggiato nume-
rosi compositori. Così il tecnicismo
scolastico-pianistico giganteggia di-
leggiato in “Pianistes” dal Carnevale
degli animali, partitura antologica di
gustose satire. Tant’è che come per
altre composizioni analoghe, per non
urtare la suscettibilità dei contem-
poranei viventi, l’autore la chiuse in
un cassetto. Al contrario di Dmitrij
Šostakovic che certi contemporanei
li voleva “infastidire” in ogni modo,
e che dell’arma del sarcasmo musi-
cale fece uso come pochi. Al punto
da dedicare un tempo intero (“Hu-
mour”) all’interno della tredicesima
sinfonia Babij Jar. L’intento esplici-
tamente “politico” dell’inserto, e il
tragico tema generale della partitu-
ra, non argina l’effetto ridicolo della
musica. Anche se, certamente, qui si
racconta un’altra storia rispetto agli
sbrindellati musicanti mozartiani.
 EVENTI
di Guido Zaccagnini

Strumenti barocchi, citazioni bachiane, ripetizioni alla Schumann. A cinquant’anni

da “Stg. Pepper”, la Fenice fa suonare l’album con cui i Fab Four seppellirono le
chitarre per imboccare tromba, corno inglese e ottavino. Strizzando l’occhio a Cage e
Stockhausen

Nuovi BEATLES
È anzi classici
vero che la Carnegie Hall di New York - inaugu-
rata nel 1891 con un concerto diretto da Ciaikov-
skij - ha negli anni presentato artisti quali Caetano
Veloso, Ray Charles, Judy Garland, nonché, il 12
febbraio 1964, i Beatles. È vero che anche in Italia, spazi tenute ai margini del repertorio classico. A cinquant’anni
della lirica hanno ospitato manifestazioni che poco aveva- dall’uscita di Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band, il di-
no a che vedere con Rossini o Wagner: jazz, varietà, musi- sco dei Beatles più celebrato di sempre, l’ente veneziano
ca leggera, sfilate di moda ecc. Ma, per l’appunto, “ospita- ha inteso onorare la ricorrenza con uno spettacolo ine-
to”. Per la prima volta invece, grazie alla lungimiranza del dito: The Life in a Day, la vita in un giorno. L’evento si
sovrintendente Cristiano Chiarot, un teatro lirico, quello è aperto con l’esecuzione, in prima italiana, della Yellow
della Fenice, ha prodotto uno spettacolo, impegnando la Submarine Suite di George Martin; quindi, all’orchestra
propria orchestra nell’esecuzione di musiche sino ad oggi della Fenice si è unita la Magical Mistery Tour, formazione
fondata da Eddy De Fanti (autore, con
Francesco Fracassi, del progetto) che,
con l’orchestra, ha suonato e cantato
tutti i brani contenuti in Sgt. Pepper.
Alla parte conclusiva della serata, ba-
sata su altre celebri canzoni, ha dato
il proprio contributo anche il coro dei
Growin’ Up Singers. Teatro tutto esau-
rito da un pubblico particolarmente
variegato, inclassificabile quanto a
età e abbigliamento. Un pubblico che
sulle prime si è comportato in modo
irreprensibile, come quello tipico delle
rappresentazioni operistiche. Poi, via
via sempre meno abbottonato, nel fi-
nale ha abbandonato ogni ritegno: in
platea, nei palchi, tutti a cantare e a
battere le mani ritmicamente. E tutti,
all’uscita, felici come una Pasqua: uno
spettacolo nello spettacolo!
Ma come e perché ai Beatles è stato
concesso il visto d’ingresso in uno dei
più sacri templi del melodramma? Co-
minciamo dall’inizio.
I Beatles suonavano per l’ultima vol-
ta in pubblico il 29 agosto 1966, a San
Francisco; la rinuncia ad esibirsi al
cospetto di masse urlanti comportò
una svolta decisiva, il cui primo esi-
to fu l’album Sgt. Pepper’s Lonely
Hearts Club Band, uscito il 1° giugno
1967. Fu un disco rivoluzionario, e
non solo per il suo titolo chilometrico
o per la celeberrima copertina in cui
a far da contorno ai Beatles sta una
folla di una settantina di personaggi
più o meno celebri. E nemmeno lo
fu perché, per la prima volta, i brani
dell’album erano presentati non pre-
vedendo alcuna interruzione tra un
solco e l’altro. Un titolo, una copertina
e una traccia unica per facciata non
sono ancora sufficienti ad attestare
un radicale cambiamento nelle cate-
gorie estetiche dei Beatles. Sgt. Pep-
per, come ha scritto Gino Castaldo, fu
la colonna sonora di una nuova este-
tica della musica popolare. Ma non
solo popolare: è questo il punto. Jo-
nathan Dunsby, professore di Teoria
musicale alla Eastman School of Mu-
sic dell’Università di Rochester, nel
suo libro Schoenberg: Pierrot Lunaire,
si domanda: “Ci sarà in futuro, in un
dizionario, una voce per Sgt. Pepper,
da qualche parte tra Schoenberg e
Sprechstimme?”. Una domanda non
così peregrina, o provocatoria, come
potrebbe sembrare. Molte canzoni di
Sgt. Pepper hanno in realtà parecchio
a che fare con la musica “forte”: del
passato o del(l’allora) presente. She’s
leaving Home prevede in organico
nove archi e un’arpa e presenta se-
zioni pandiatoniche: contraddistin-
te, cioè, da quel pandiatonismo che
Nicolas Slominsky rintracciò nelle
analisi svolte su compositori qua-
li Colpand e Stravinskij. Se in Fixing a Hole è presente
un clavicembalo, in Being for the Benefit of Mr. Kite ha
un ruolo di primo piano una calliope: un organo a vapo-
re, utilizzato sui grandi battelli che percorrevano i fiumi
degli Stati Uniti. Nel missaggio di Mr. Kite furono utiliz-
zati nastri contenenti musiche per calliope; questi furono
tagliuzzati, gettati sul pavimento e riattaccati in maniera
casuale: tipico procedimento di John Cage (in particolare
adottato in Fontana Mix e in alcune Variations). Durante
le sedute in studio dedicate a Sgt. Pepper, i Beatles regi-
strarono due canzoni che furono poi escluse dall’album:
Strawberry Fields Forever e Penny Lane, nella quale - a
parte flauti, oboi, ottoni e pianoforte - si staglia l’interven-
to di un trombino solista. Per la parte, fu convocato Da-
vid Mason, prima tromba della Philharmonia Orchestra, il
quale s’ispirò direttamente all’assolo del terzo movimen-
to del Concerto Brandeburghese n. 2 di Bach. Tornando
a Sgt. Pepper, in Within You Without You si riscontrano
scansioni metriche irregolari; le battute sono composte da
La COVER tempi differenziati: quattro e mezzo nella prima, cinque
è un nella seconda e nove e mezzo nella terza. In altre canzoni
programma (per esempio in Good Morning Good Morning) sono per-
cepibili gli esperimenti di Lennon su nuove modalità di
Nella celeberrima fonazione: analoghi a quelli condotti da Dieter Schnebel e
copertina di Luciano Berio. Si ha poi la ripresa, prima dell’ultimo brano,
Sgt. Pepper della canzone iniziale di Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club
(realizzata da Band. È evidente che il suo inserimento nacque dall’in-
Peter Blake) oltre tenzione di fornire all’album un’idea di ciclicità: presen-
a una folla di tare una serie di brani che significassero un percorso. In
una settantina di questo senso, può disegnarsi un parallelo con la Dichter-
49
personaggi più liebe di Schumann, il ciclo che contiene Lieder accomuna-
o meno celebri ti dallo stesso tono e dalla stessa sostanza ma privi di un
(da Jung a Poe, filo conduttore; e dove il richiamo nell’ultimo Lied (n. 16)
da Marx a Wilde, del postludio del 12°, funziona in maniera analoga a quella
da Einstein della ripresa di Sgt. Pepper. La quale, come accennato, pre-
alla Dietrich, cede l’ultima canzone del disco, A Day in the Life, ritenuta
in alto - quinto una delle creazioni più innovative della coppia Lennon/
da sinistra - c’è McCartney: clusters del pianoforte, scansione di 5 battute
pure Karlheinz nell’intero brano, glissandi orchestrali, effetti acustici, una
Stockhausen) lunghissima dissolvenza nel finale. Diversi commentatori
i quattro di (Richard Poirier, Richard Goldstein) hanno parlato, a pro-
Liverpool posito della parte conclusiva, di “discesa wagneriana”, di
vestiti in giacca “episodio wagneriano”. Wilfrid Mellers, autore del fonda-
e cravatta mentale “Musica nel Nuovo Mondo”, trovò che in A Day in
osservano the Life, tanto nei crescendo orchestrali quanto nell’uso di
la presunta effetti (applausi, risate ecc.), si potevano riscontrare echi di
(propria) tomba, Momente di Stockhausen. Peraltro, è noto che McCartney
davanti alla amasse particolarmente il Gesang der Jünglinge del com-
quale, ma in positore tedesco. Proprio nel 1967 dichiarò: “Oggi sono
abiti sgargianti, interessato alla musica elettronica di gente come Berio e
coloratissimi Stockhausen: ti apre gli occhi e le orecchie.” Sull’onda dei
e stracolmi Beatles, ci fu una forte richiesta di legittimazione, un tenta-
di alamari, tivo di appropriarsi del concetto di “classico” o, almeno, di
appaiono gli dimostrare che il pop poteva fondersi insieme alla musica
stessi John, d’arte: nel merito, basti pensare agli Emerson, Lake & Pal-
Ringo, Paul e mer e alla loro rivisitazione dei Quadri di un’esposizione
George: che di Musorgskij; o ai Procol Harum e al loro uso, in A Whiter
non impugnano Shade of Pale, della Suite per orchestra n. 3 di Bach. Ma è
chitarre ma, altrettanto vero che i Beatles esercitarono un preciso in-
rispettivamente, flusso sull’ambiente musicale accademico più di qualsiasi
un corno, una altro musicista pop-rock: oltre alle Beatles Songs di Berio,
tromba, un stanno Collage 2 di Aldo Clementi, The Beatles 1962-1970
corno inglese di John Cage, The Whale di John Tavener.
e un ottavino. I Ecco perché, sull’esempio della Fenice, sarebbe ora che il
vecchi Beatles nome dei Beatles, parafrasando Jonathan Dunsby, trovasse
cedevano il il suo spazio nei dizionari musicali - tra Antonio Bazzini
passo ai nuovi. e Beethoven - e, magari, nella consueta programmazione
delle istituzioni concertistiche e teatrali. p
 profili
di Gian Paolo Minardi
Il suo Parsifal seguiva il

L’orchestra
wagnerismo tracciato
da Baudelaire e
da Debussy. Ma il

POETICA
“dégraissage” operato
da André Cluytens
riguardava pure il
repertorio sinfonico.
Cinquant’anni fa non
fece in tempo a varcare
la soglia del Met. Oggi
la parabola del direttore
franco belga si può
riscoprire con 65 cd

I
l nome di Cluytens risveglia nella
mia memoria, con quella fulmi-
neità che è solo della musica, le
sensazioni suscitate dal Parsifal
da lui diretto alla Scala nel 1960 (con
Christoff e Neidingler), rinnovate tre
anni dopo a Venezia: un Parsifal libe-
rato da certe pressioni teutoniche ma
toccato da quel senso trepidamente
avvolgente che aveva colto Debus-
sy quando dopo aver ironizzato sul
dramma riconosceva la “suprema
bellezza” della musica, “sonorità or-
chestrali uniche e impreviste, nobili e
forti. Si tratta di uno dei più bei mo-
numenti sonori che siano stati innal-
zati alla gloria imperturbabile della
musica”. Una sensazione che aveva
colto la critica quando Cluytens, in-
vitato nel 1955 da Wieland Wagner a
Bayreuth - primo francese ammes-
so nel sacrario, quasi portabandie-
ra di una linea (Baudelaire, “Revue
wagnerienne” ecc. ecc.) che avreb-
be proseguito dieci anni dopo con
l’insediamento di Boulez - realizzò
Tannhäuser, I Maestri cantori, Lo-
hengrin e Parsifal; a Bayreuth - dove
rompendo un rituale intoccabile ave-
va ricevuto gli applausi da solo sul
palco - sarebbe tornato nel 1965 su
invito di Knappertsbusch con Tann-
häuser e Parsifal . Un Wagner nuovo
rispetto alle tradizioni consolidate,
per una trasparenza sonora che acu-
iva l’intensità emozionale nella stes-
sa ambivalenza della morbidità. An-
toine Goléa su “Le Monde” parlerà di
un “dégraissage”, che aveva tolto il
peso della “pompe”.
Caratteri che si ritrovano nell’ampio paesaggio delle te-
stimonianze operistiche affidate al disco, ora riorganiz-
zate nel box appena edito dalla Warner, da Les contes
d’Hoffmann del 1948 riletti con una ricchezza di filtri,
ironici e drammatici, rivelatori dell’ineffabile estrosità
del musicista, a l’Heure espagnole del 1952 con l’in-
comparabile Dénise Duval, e ancora Pelléas, mirabile
per la sensibilità della tavolozza, Roi d’Ys, Faust, con
Gedda e Victoria de Los Angeles. Al teatro Cluytens era
approdato giovanissimo, dopo un folgorante inizio pia-
nistico - un debutto con il virtuosistico secondo Con-
certo di Liapounov che impressionò la critica; il padre,
pianista accompagnatore di cantanti, lo introdusse ap-
pena ventunenne al Théatre Royal Français d’Anversa,
sua città natale, dove iniziò una intensa gavetta che
darà i suoi frutti in Francia: qui si trovò a dirigere l’or-
chestra del Théâtre Capitole di Tolosa per passare poi
al Grand Théâtre de Lyon, quindi a quello di Bordeaux
e infine ritornare a Lyon come primo direttore, incarico
tenuto fino al 1944.
Contemporaneamente l’attività teatrale si allarga a
quella concertistica con la collaborazione, dal 1942, con
l’Orchestre de la Société des concerts du Conservatoire,
regno del grande Charles Munch, così come quella con
l’Orchestre National; un’attività intensa che trova un
riscontro entusiasta da parte della critica: “Fougue, en-
thousiasme, jeu de main gauche qui appelle, commande,
soutient ou tempère l’orchestre avec ferme délicatesse”,
scriveva nel 1944 Noël Boyer.
Una carriera che subirà una battuta d’arresto nel 1944
quando il comitato d’epurazione del Grand Théâtre di
Bordeaux gli contesterà di “avoir accepté des invitations
compromettantes, pour avoir tenu des propos ‘germano-
philes’”, accusa che comporterà una condanna per in-
degnità, successivamente cancellata “pour les services
rendus à la Résistence”. Un’ombra oscura che in quegli
anni aveva toccato altri artisti, tra cui Cortot a Gieseking.
Se la condizione di persona non grata lo terrà ancora per
qualche tempo lontano dall’Opéra de Paris e dalla Ra-
diodiffusion française, il cammino direttoriale riprende-
rà con fervore sul podio dell’orchestra della Societé des
concerts du Conservatoire, sostituendo Munch di cui
prenderà definitivamente il posto quando l’anziano di-
rettore succederà a Koussevitzky alla guida della Boston
Symphony. È con l’orchestra parigina che ai allarga an-
che il riscontro discografico, destinato poi a consolidar-
si con l’arrivo del microsolco. Un primato ovviamente è
offerto dalla musica francese che si divide con le grandi
pagine del repertorio sinfonico germanico e con quelle
del repertorio russo. Si inseriscono in questo ricco cam-
mino alcune suggestive presenze solistiche come quella
di Marcelle Meyer che esegue la Burleske di Strauss o
Monique de la Bruchollerie in una bellissima intesa con
Cluytens nel Quarto di Beethoven; come pure troviamo
Marguerite Long nella Ballade de Fauré a lei dedicata.
Ma molti altri sono i solisti di fama con cui Cluytens di-
vide il discorrere, da André Navarra in un Concerto di
C.P.E. Bach a David Oistrakh nel Concerto di Beethoven,
per non dire della felicissima collaborazione con Gilels
testimoniata dal Secondo Concerto di Saint-Saëns, dal
Primo e Terzo di Beethoven e dal Terzo di Rachmani-
nov. Traccia suggestiva quella riguardante la prima ap-
parizione a Parigi, nel maggio 1958, di Sostakovic che
Cluytens accompagna nei due Concerti per pianoforte
dirigendo poi l’undicesima Sinfonia. E pure significativa
l’attenzione rivolta a giovani solisti emergenti, giovani
usciti dal Conservatorio come Gabriel Tacchino o l’arpi-
sta Annie Challan o laureati al Concorso Long-Thibaud,
P L U S come Samson François che trovia-
A U D I O mo in un’esaltante esecuzione dei
due Concerti raveliani, o come Aldo
Ciccolini con quel Concerto di Ciai-
kovskij con cui il giovane napoletano
aveva mandato in delirio il pubblico.
Solo parzialmente il vasto mosaico
discografico riflette l’attività dal vivo
di Cluytens, presente in vari Festi-
Fauré val nonché promotore di numerose
Ballata op. 19 tournées; ricorrente la sua presen-
per pianoforte e za in Italia: alla Scala, oltre che per
orchestra Parsifal anche con Luise (1958) e tre
André Cluytens concerti, a Venezia e a Firenze, dove
direttore nel 1951 realizza la prima italiana di
Marguerite Genoveva con la regia di Gründgens.
Long pianoforte Alle soglie degli anni Cinquanta la
Orchestre de carriera internazionale di Cluytens
la Société des trova un nuovo spicco con la parte-
Concerts du cipazione al Festival di Edimburgo,
Conservatoire poi con l’incarico ricevuto da Walter
Legge di dirigere la Philharmonia per
registrare due concerti di Beethoven
con Solomon, occasione per fissare in
disco con la prestigiosa orchestra an-
che una Symphonie fantastique che
susciterà l’entusiasmo della critica
che sulle colonne di “Gramophone”
dopo una sottile analisi conclude-
rà raccomandando questa versione
51
come “la migliore disponibile”. Ugua-
le entusiasmo a Vienna dove nel 1955
sale sul podio dei Wiener Philharmo-
niker: “Quest’uomo entusiasmante
sommerge letteralmente i musicisti
con charme e amabilità. Chi può re-
sistere a ciò?”. Da cui l’invito a gui-
dare le tournées in Inghilterra, Irlan-
da e negli Stati Uniti e a realizzare tre
Un sedute di registrazioni.
confanetto Non meno sorprendente il rapporto
con i Berliner Philharmoniker che
Il nuovo Cluytens aveva avuto occasione di
cofanetto Warner dirigere nel settembre del 1952 nel
dedicato a quadro della seconda edizione del-
Cluytens (65 cd) le Berliner Festwochen; anche qui
oltre a rieditare la critica è ammirata: “Non si tratta
l’amplissima di un commediante sul podio, né di
precedente un fanatico dell’oggettività, né un
discografia - demone dell’interpretazione”, ma
soprattutto Emi - di un musicista che possiede “l’arte
presenta alcune sovrana di ordinare le sonorità”. Ap-
primizie per prezzamenti che porteranno la Emi a
la prima volta proporre a Cluytens la registrazione
su cd, tra cui dell’integrale delle Sinfonie di Bee-
- per ricordare thoven, la prima volta per i Berliner,
solo le vette e poi con un direttore francese! Un
interpretative - la suggello esemplare per una carriera
registrazione che dovrà fatalmente spezzarsi con
di L’Enfance de la morte, nel giugno del 1967: poche
Christ di Berlioz settimane dopo Cluytens avrebbe
e la versione fatto il suo ingresso al Metropolitan.
integrale delle Sarà George Auric che lo ricorderà
musiche per Le al cimitero di Montmorency evocan-
Martyre de Saint do “la simplicité et la générosité de
Sebastien di ce grand chef d’origine belge, mon-
Debussy. dialment célèbre, qui avait choisi la
France pour patrie”. p
 Euroamerica
di Alessandro Traverso

Con il Lydian Chromatic Concept di George Russell, il jazz si stacca dal sistema
maggiore-minore per rispolverare il “modale” a partire dall’armonizzazione dalla scala
Lidia. Un’avanguardia novecentesca con radici pitagoriche tutta da scoprire

N
el descrivere gli avvenimenti riguardanti il Be-
bop e i suoi sviluppi “hard” e “post” di cui ci
siamo occupati nelle ultime due puntate, vale la
pena soffermarsi su un anno cruciale, il 1959, in
cui sono apparsi Kind of Blue di Miles Davis; Giant Steps
di John Coltrane (foto sotto); e New York, N. Y. di George
Russell, teorico del Lydian Chromatic Concept of Tonal
Organization, ossia la rivoluzione che innescò il jazz mo-
dale. Quello di Russell è il primo riferimento teorico ai si-
stemi pre tonali attribuibile al jazz. Il “Concetto lidio” esce
dalla tradizione europea del maggiore-minore recuperando
e ampliando l’organizzazione delle scale etniche dell’antica
Grecia mantenendo però la trasposizione intervallare dei
modi gregoriani (2° dorico, 3°frigio) non più intesi come en-
tità monofoniche bensì armonizzati nel nuovo “sistema”.
Nei tre dischi citati il fil rouge è la presenza del sassofo-
nista Coltrane la cui radicale espansione armonica è ma-
nifestamente influenzata dalla visione russelliana la cui
radicalità - rispetto a quanto in Occidente si va praticando
da quasi quattro secoli - la rende paragonabile alle ricerche
politonali di Stravinskij, o alla “liberazione” dodecafonica di
Schoenberg e alle esplorazioni etniche di Bartók e Kodály.
La teoria di Russell affascinò i “modernisti” e diede moti-
vazioni forti sia ai ricercatori di lunga data alla Miles Da-
vis, sia a quelli appena svezzati come Herbie Hancock,
che non persero l’occasione di fare emergere la potenzia-
lità del recupero in chiave neoclassica degli antichi siste-
mi musicali greci e latini.
In Milestones, brano che dà il titolo all’album del 1958,
Davis esemplifica il jazz modale poi adottato in maniera

Jazz
gregoriano
programmatica in Kind of Blue, sempre sul presupposto della quarta aumentata. A partire dalla
teorico del “Concetto lidio”. Cambia l’approccio all’im- BLACK scala lidia (come un do maggiore ma
provvisazione: la linea melodica del solista e gli accordi and White con il fa diesis al posto del fa naturale)
della sezione ritmica fruttano differenti sviluppi attraverso il teorico mette al centro la funzione
quello che Russell chiama Chordmode, un meccanismo che Rispetto alla dominante quale forza trainante della
permette la scelta delle note sulla base del loro particolare modalità antica propulsione armonica. E la modalità
colore modale, in riferimento a una precisa scala, sia essa il Modal jazz Lydian è quella che gli permette di co-
lidia, misolidia, eolia, locria, jonica, dorica oppure frigia. aggiunge modi struire una scala attraverso il circolo
Si tratta di un approccio che, seppure in formule differen- alterati a partire delle quinte. Una scala di do lidio con-
ti, molti musicisti di quel periodo stavano adottando. In dalla jazz melodic, tiene infatti le sette note fondamen-
un’intervista realizzata da Don DeMichael per “Downbe- una scala tali di tale circolo: do, sol, re, la, mi si,
at” nel 1960, John Coltrane contrappose il fatto che “nel minore melodia fa diesis che, riordinate in un’ottava,
passato recente con Davis si lavorava sulle sequenze di che non varia formano la scala russelliana lidia do-
accordi interessandosi alla loro struttura verticale” rispet- discendendo e re-mi-fadiesis-sol-la-si sostitutiva del
ta a quanto invece si fa adesso “muovendosi in un’altra dalla quale sul 1° maggiore. Russell osserva inoltre che,
direzione: con linee indipendenti dal cambio accordale, grado si ottiene quando questi toni sono verticalizzati
tali da permettere di suonare sia orizzontalmente sulla una dorica con la per terze trovano la forma ideale di un
melodia, sia verticalmente sull’accordo”. 7ª maggiore: sul accordo maggiore di tredicesima.
Nel 1965 anche il pianista Herbie Hancock si avviò in quella 2° un’altra dorica Il sistema di Russell si completa con le
direzione incidendo l’album Maiden Voyage che, oltre a con- con la 2ª minore; scale lidie derivate: quella aumentata
tenere il brano Dolphin Dance in cui si nota l’indipendenza sul 3° una lidia (do-re-mi-fa diesis-sol diesis-la-si), la
dalla progressione degli accordi armonizzati sui gradi della con eccedente la diminuita (do-re-mi bemolle-fa diesis-
tonalità, esemplifica la grande libertà espressiva ottenuta 5ª oltre che la 4ª sol-la-si), la Lydian Flat Seven (do-re-
tramite i pedali armonici la cui lunghezza veniva dettata dai (vedi Russell); mi-fa diesis-sol-la-si bemolle) e le lidie
singoli musicisti nel corso della loro improvvisazione. L’uti- sul 4° la lidia ausiliarie: aumentata anemitonica (do-
lizzo di pochi accordi è in netta controtendenza rispetto al dominante re-mi-fa diesis-sol diesis-si bemolle) e
dedalo armonico cui ricorrevano Charlie Parker e i boppers in (Lydian flat seven diminuita octofonica (do-re-mi bemol-
genere; e sgrava l’improvvisatore permettendogli di liberare in Russell) con le-fa-fa diesis-sol diesis-la-si).
la fantasia tramite due scale appena come nell’emblemati- la 7a minore; sul Estendendo poi enarmonicamente il
co AABBA del davisiano Milestones, dove nella sezione A si 5° una misolidia circolo delle quinte - do, sol, re, la, mi si,

53
improvvisa sulla scala dorica di sol (costruita sul 2° grado di con la 6a minore; fa diesis,do diesis, sol diesis, re diesis
Fa jonico, che nel sistema tonale corrisponde a Fa maggiore) sul 6° una (mi bemolle), la diesis (si bemolle) mi
valida per tutti e quattro gli accordi di sol minore settima, la locria con la 2ª diesis (fa), si diesis (do) - Russell giun-
minore settima e si bemolle con la settima maggiore; nella maggiore; sul 7° ge al prototipo “dodecafonico” di sca-
sezione B, in cui le settime riguardano i primi quattro gradi la superlocra (2ª la cromatica Lydian, la quale contiene
del do jonico (alias maggiore), il gioco melodico si conlcude e 3ª minore, 4ª solo intervalli pitagorici.
sulla scala di la eolio (la minore naturale nel sistema tonale). e 5ª diminuita, Russell e i “jazzisti modali” hanno dato
Il “Concetto lidio” permette ai musicisti che vanno speri- 6ª e 7ª minore), un significativo apporto all’evoluzione
mentando il jazz modale di procedere servendosi di uno di sapore teorica del comporre e dell’improvvi-
strumento di indagine per la prima volta concettuale, costi- inconfondibil- sare ponendosi perciò fra i protagoni-
tuito da un appoccio estetico oltre che teorico-musicale. mente jazz. sti del dibattito sull’avanguardia mu-
La riorganizzazione tonale di Russell si fonda sulle presenza sicale americana del Novecento. p

Repertori
George Russell
Originario di Cincinnati
(1923-2009) George Russell
- pianista, compositore e au-
tore di The lydian chromatic
concept of tonal organiza-
tion (prima edizione 1953)
- rivoluzionò la tecnica di
improvvisazione proponen-
do al posto delle scale tonali
l’utilizzo dei modi (ionico,
dorico, frigio, lidio, misolidio,
eolio, locrio) tratti dalla tra-
dizione musicale del canto
gregoriano che a sua volta
li mutuò dalla musica della
Grecia classica. Il suo disco-
manifesto del “Concetto
lidio” e per estensione del
jazz modale è New York N. Y
(Decca Record, 1959).
John Coltrane
John William Coltrane (1926-
1967) è stato il sassofonista
compositore afroamerica-
no che, all’inizio degli anni
Sessanta con l’album My
Favorite Things, diede vita
al jazz modale dopo che era
stato protagonista del bop e
prima di chiudere la breve
esistenza da precursore del
free jazz. L’album, conside-
rato disco fondamentale nel-
la storia di questa musica, è
anche la prima registrazione
dello storico quartetto con
McCoy Tyner al piano, Elvin
Jones alla batteria e Ste-
ve Davis al contrabbasso.
L’approccio modale si av-
verte quando Coltrane rivi-
sita brani tradizionali come
Summertime di Gershwin
(My Favorite Things, Atlan-
tic Recors, 1961).
Herbie Hancock
Nato a Chicago nel 1940,
Herbie Hancock è tuttora un
jazzista dalle molte prospet-
tive È del 1965 il suo con-
tributo al jazz modale con
Maiden Voyage. La presen-
za di Ron Carter al contrab-
basso, Freddie Hubbard alla
tromba, Tony Williams alla
batteria e George Coleman
al sassofono tenore provano
l’attrattiva che le innovazio-
ni di Hancock esercitavano
in quel decennio. Se la più
immedata forma modale è
presente nella title track,
un raffinato capolavoro di
genere è Dolphin Dance, il
brano che chiude l’album
(Maiden Voyage, Blue Note
Record, 1965).
Miles Davis
Il trombettista Miles Davis
(1926-1991) già innovatore
con il cool, a fine anni Cin-
quanta tornò protagonista
del jazz modale con Kind
of Blue. Lo affiancano in
sala d’incisione Cannonbal
Adderly e John Coltrane ai
sassofoni, al pianoforte BIll
Evans (tranne Freddie Fre-
eloader suonato da Wynton
Kelly), Pual Chambers al
contrabbasso. Inconfondibi-
le il tratto modale avvertibile
in brani bi-accordali come
So What (in modo dorico)
o come Blue in Green (di
sapore frigio) (Kind of Blue,
Columbia Records, 1959).
ALESSIO BIDOLI BRUNO CANINO
1CD 5054197638428

NEI MIGLIORI NEGOZI E ON LINE

facebook.com/warnerclassicseratoitaly

Non era meglio
quando si stava peggio
S
arebbe strano che i giovani musicisti fos-
sero immuni da tutti i problemi di lavoro e
di riconoscimento sociale di cui oggi sono
afflitti i loro coetanei scienziati, medici, avvocati
ecc. E infatti non lo sono, nonostante
i plurimi diplomi, i perfezionamenti, i
master di ogni tipo, i tirocini, i concorsi,
i soggiorni all’estero, e quant’altro.
Ci sono orchestre che vivono dell’opera
gratuita dei giovani, studenti o neo-di-
plomati, che le formano. Ci sono interi
festival pianistici, o di musica da came-
ra, che hanno come “politica” quella di
non pagare nessuno: con la piccola dif-
ferenza che un musicista affermato può
farne a meno, per una volta su dieci,
mentre per un giovane, magari bravissi-
mo, sarebbe importante guadagnarsi qualcosa.
Non solo qualcosa: il giusto. Che è poi facilissi-
mo da calcolare: quanto gli basti per vivere della
professione che ha scelto.
Non è il lavoro che manca, quindi: è l’evange-
lica “giusta mercede”. È quanto avviene ne-
gli studi di avvocato e dentistici, nei tribunali
e nelle agenzie turistiche, nelle redazioni dei
giornali e nel turbinio cittadino dei fattorini in
motorino o in bicicletta: un esercito di semi-
schiavi che, pur di avere uno straccio di lavo-
ro, si adattano a tutto.
Anche a proposito di questa spinosissima que-
Guido Salvetti CLASSIC historiae
IERI, OGGI.
E DOMANI?
stione dei nostri tempi, lo storico - anche lo stori-
co della musica - non può non porsi la domanda:
ieri era meglio o era peggio? Per quel che vale, la
sua coscienza civile può trovare un poco di con-
solazione ripensando che, almeno in
“Si guardi a un futuro un caso, era peggio; molto peggio. Mi
riferisco all’origine dei Conservatori,
dove i giovani musicisti - quando, nella Napoli delle carestie e
delle pestilenze di fine Cinquecento,
assieme ai giovani di tutte la parola significava ancora “orfana-
trofi”, dove fra i tanti possibili me-
le professioni mal pagate
55
stieri che venivano impartiti a quei
poveretti c’erano anche il canto e gli
- vengano riconosciuti per strumenti, utili per i servizi ecclesia-
stici - funerali e matrimoni compresi
quello che valgono” - nelle mille chiese e nei mille oratori.
Salvatore Di Giacomo ha guardato
con la lente d’ingrandimento quella storia, che
per alcuni aspetti fu illustrata da alcuni grandi
musicisti che diventeranno famosi in tutta Euro-
pa. Anche solo limitandoci al Conservatorio dei
Poveri di Gesù Cristo ne uscirono Durante, Per-
golesi, Jommelli, Vinci, Porpora, Traetta, Farinelli.
Ma la lente d’ingrandimento ha mostrato anche
qualcos’altro: i risultati artistici furono raggiunti,
oltre che con le consuete nefandezze dei colle-
gi ecclesiastici, con lo sfruttamento sistematico
dei giovani musicisti, la cui unica mercede era
uno scarso e povero cibo. Le cronache ci danno,
proprio di quel conservatorio, un quadro di deca-
dimento ad opera di un rettore corrotto, di con-
flitti violenti con i prospicienti padri Filippini, fino
all’assassinio di uno studente - Domenico Lanot-
te - ad opera degli abati armati (i cosiddetti cor-
sori) al servizio dell’arcivescovo. E chissà quali e
quanti furono i fattacci se quel conservatorio, nel
1743, fu chiuso e i poveri musicisti in erba furono
dispersi nelle altre istituzioni cittadine.
Le cose, oggi, non sono neppure paragonabili
ad allora. Ma è cambiata - di molto, è eviden-
te! - la forma, non moltissimo la sostanza, se,
guardando la situazione della musica in Italia
dalla parte dei giovani, troviamo casi in cui
sono costretti a prestare la loro opera per un
tozzo di pane.
Si deve puntare, quindi, su un futuro migliore:
dove i giovani musicisti - assieme ai giovani di
tutte le professioni mal pagate - vengano rico-
nosciuti per quello che valgono.
 recensioni CD&dvd

E VGE NY K ISSIN
photo: Johann Sebastian Hänel - ad: www.filippovezzali.com

B E E T H O V E N
Dopo 25 anni
il mitico pianista russo ritorna
su Deutsche Grammophon
con uno splendido
doppio album beethoveniano.

Sonate per pianoforte

n. 3, n. 14 “Al Chiaro di luna”
n. 23 “Appassionata”
n. 26 “Les Adieux” e n. 32
32 Variazioni in do minore

2 CD 4797581 | 3 LP 4797582 | DIGITALE

ALTRE NOVITÀ
KRYSTIAN ZIMERMAN QUARTETTO AMADEUS ANNA NETREBKO &
SCHUBERT Le registrazioni complete su YUSIF EYVAZOV
Deutsche Grammophon
Sonate per pianoforte ROMANZA
D 959 e D 960 Canzoni e duetti d’amore
Edizione limitata
Disponibile anche in versione
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CD 4797588 / DIGITALE 70 CD 4797589 CD 4798110 / DIGITALE

UNIVERSAL MUSIC GROUP - CLASSICS & JAZZ ITALIA | CLASSICAL COLLECTIONS | www.universalmusic.it/classica

vocale
Russian Light
soprano Olga Peretyatko
direttoreDmity Liss
orchestra Ural Philharmonic
cd Sony 88985352232
18,30
prezzo

E ra ora, secondo me, che la
Peretyatko si cimentasse
in un recital tutto dedicato al
repertorio russo. Recital che
è un autentico gioiello, cui
fornisce ottima montatura
un’orchestra e un direttore di
cui non avevo la minima con-
tezza, ma che si dimostrano
eccellenti.
Innanzitutto, la scelta dei
brani descrive un esauriente
arco storico. Si parte infatti
dagli albori primottocen-
teschi dell’opera russa col
Glinka del Ruslan e Lyudmila:
nella cavatina di quest’ulti-
ma, il luminoso registro acuto
e l’eccellente sgranarsi del-
la coloratura alzano un vero
e proprio inno di giovanile
esultanza. E si arriva al tardo
Novecento di Sostakovic con
la sua pochissimo nota ma
invece bellissima Moskvá,
Cheryomushki, ovvero, all’in-
circa, quartiere dei ciliegi alle
porte di Mosca: le due canzo-
ni di Lidochka, col loro lento,
denso melodizzare che spes-
so sprofonda sotto il rigo, te-
stimoniano quanto la voce
della Peretyatko abbia ades-
so un centro e un grave che,
seppure non particolarmen-
te ampi, sono però corposi,
sempre ben timbrati e dunque
capaci di aprire un suggestivo
ventaglio accentale.
In mezzo, cinque brani di
Rimski-Korsakov. L’inno al
sole del Gallo d’oro, dove la li-
nea vocale sfoggia, anche nei
passi di coloratura, una deli-
catezza e una trasparenza di
rara poesia. La meravigliosa
ninna-nanna di Volkhova nel
Sadko. Le arie di Marfa Sposa
dello zar e della Fanciulla di
neve, dove incanta la dolcez-
za melanconica di base che sa
però via via innervarsi di ra-
pinosa energia. La bellissima
canzone L’usignolo prigio-
niero della Rosa, nella quale
la voce entra nell’atmosfera
incantata creata dall’assolo
di clarinetto assumendone il
tipico colore che poi s’illumi-
na sposandosi idealmente a
quello del violino solista fino
a un do acuto di raggiante lu-
minosità da cui scende verso
una conclusione sommessa
che tuttavia conserva intatta
la radiosa dolcezza iniziale.
Quattro canzoni di Rachma-
ninov, che comprendono il
celeberrimo “Vocalizzo” (ono-
rata con superba souplesse
ogni richiesta virtuosistica,
ma scansata anche ogni re-
lativa meccanicità attraverso
un costante, raffinatissimo
lavoro sulla dinamica) ma
soprattutto le due magnifi-
che “Non cantare, mia bella”
e “È tanto bello qui” , intrise
di quella morbida, stuporosa
melanconia che proclama
il suo esser russa in ogni
nota. E infine il sublime can-
to dell’usignolo dall’opera
omonima di Stravinskij: dove
l’esempio supremo di Natalie
Dessay non sono arrivato a
scordarlo, ma non l’ho rim-
pianto più di tanto. Ed è dire
abbastanza, almeno per me.
 Elvio Giudici
Pergolesi
Stabat Mater
Bach
Cantate Bwv 54 e 170
soprano Lucy Crowe
controtenore Tim Mead
direttore David Bates
ensemble La Nuova Musica
cd Harmonia Mundi HMM 907589
16,50
prezzo
/
D ue meravigliose cantate
di Bach per voce di con-
tralto (tra le rare solistiche),
Widerstehe doch der Sünde
e Vergnügte Ruh’ sono ac-
costate allo Stabat Mater di
Pergolesi che Bach conobbe,
ammirò e adattò a un testo
tedesco (nessuno finora ha
voluto accostare nello stesso
cd l’originale e la trascrizio-
ne-adattamento). Offre una
discreta prova il soprano
Lucy Crowe e si apprezza
senza riserve il controtenore
Tim Mead nella parte di con-
tralto delle cantate bachiane
CD&dvd recensioni
e di Pergolesi, per sensibili-
tà, chiarezza della dizione,
qualità del timbro. In Bach
anche la direzione di David
Bates appare persuasiva e fa
comprendere nitidamente la
straordinaria ricchezza delle
due cantate, forse con l’aiuto
della complessità stessa del-
la scrittura. La “chiarezza,
semplicità, verità e dolcezza
di espressione” che Burney
tanto apprezzava in Pergo-
lesi sono forse più ardue,
inoltre la rigidezza di alcu-
ni tempi rapidissimi appare
francamente incomprensi-
bile. Le indicazioni Allegro
sono sempre prese in modo
da esaltare la vicinanza di
certi vocaboli a quelli che si
ritrovano nelle opere comi-
che; ma è davvero il caso di
eseguire ogni Allegro alla di-
sinvolta velocità (forse senza
precedenti) con cui è propo-
sto il versetto “Quae merebat
et dolebat”, per citare un solo
esempio tra quelli possibili?
Si resta perplessi, sebbene
non manchino momenti di
pertinente, delicato, anche
se un poco raggelato intimi-
smo.
 Paolo Petazzi
Verdi
Macbeth
interpreti P. Domingo, E. Semen-
chuk, I. D’Arcangelo, J. Guerrero
direttore James Conlon
orchestra Opera di Los Angeles
regia Darko Tresnjak
regia video Matthew Diamond
formato 16:9
sottotitoli It., Ing., Fr., Ted.
2 dvd Sony 88985403579
prezzo 20

H o un po’ perso il conto
(nove, credo), di quanti
ruoli verdiani scritti per bari-
tono siano stati affrontati da
Domingo. Nessuno capace
di lasciare davvero il segno,
tutti accolti da grande suc-
cesso di pubblico, quindi il
pallottoliere è probabile s’ar-
ricchirà ulteriormente. Ormai
frusta ogni considerazione
su quanto sempre tenorile
sia la sua voce, non importa
quanta brunitura possieda il
colore timbrico, e ancor meno
su quanto corretto o meno
sia il meccanismo “baritona-
le” del passaggio di registro.
Resiste sempre, si capisce,
un brandello di ammirazione
per la longevità vocale (non
c’è la minima traccia di quel
vibrato che, per dire, affligge
così tante voci di trentenni),
ovvio portato d’una tecnica
impossibile a negarsi pena il
ridicolo. Ma resta altresì im-
mutato il rimpianto per quan-
to avrebbe invece potuto
fare una personalità artistica
come la sua alle prese con le
parti baritonali verdiane: sce-
gliere due o tre ruoli al mas-
simo, sviscerarli col concorso
dei direttori e registi migliori
su piazza, offrendo così otti-
che interpretative molto per-
sonali (e dunque meritevoli
di ricordo ben maggiore del
semplice “ha fatto anche que-
sto”) di conserva a utili con-
siderazioni su quanto, come
e perché, la vera voce barito-
nale pensata da Verdi abbia
a essere d’impasto chiaro.
57
Niente. Spettacoli di banalità
desolante, nei quali mortifica-
ta è proprio quella capacità di
stare in scena che è sempre
stata qualità peculiare di Do-
mingo: e scarsa propensione
a lavorare a fondo coi (spora-
dici) direttori di conclamata
bravura che pure ha incon-
trato in questa sua seconda
carriera. Il presente Macbeth
californiano dell’anno scorso
non solo non fa eccezione: ne
è conferma delle più tristi.
Lo spettacolo sembra una
parodia di certi film hol-
lywoodiani in costume anni
Cinquanta. Pelliccione, coro-
none dorate a punte, spade
e spadoni, grande aprirsi di
mantelli e mantelline, boccali
enormi di elaborata quan-
tunque sempre pacchianona
fattura. Tutto un andare e
venire ma soprattutto stare,
con gran sorrisi a bocca larga
e mani a brocca, recitazione
rigorosissimamente frontale.
Diversi “prestiti” a comincia-
re dalle streghe onnipresenti
in ogni stazione narrativa,
clonate in figure seminude
pittate di grigio striscianti su
muri e pavimenti come nel
Macbeth cinematografico di
D’Anna; e ancor più numero-
se cadute nel più sfrenato e
patetico dei comici involon-
tari, come le testone giganti
sopra gambette da bambino
che caracollano a destra e
a manca nella scena delle
recensioni CD&dvd
apparizioni; o come la Lady
che interrompe l’incalzare
del duetto seguente l’assas-
sinio di Duncan per scappare
in quinta a prendere uno dei
suddetti boccali onde offrire
al marito un cicchetto rico-
stituente (e al supposto ba-
ritono, in difficoltà di fiato,
un confortino). Un peccato,
questo perenne e totale anti-
climax scenico, perché limita
parecchio una direzione che
già deve fare i conti coi con-
tinui fiati rubati del protago-
nista: nei limiti del possibile,
però, tesa, flessibile, capace
spesso di creare quell’atmo-
sfera drammatica di cui la
scena latita in toto.
La linea vocale di Domingo è
sempre più stanca man mano
che la serata procede: il sen-
so della parola non manca,
tuttavia, e diverse inflessioni
mostrano quanto si sia impe-
gnato a fondo nell’affrontare
simile personaggio, trovando
- a fianco dei due faticosissi-
mi concertati e d’un duetto
in cui ci si aspettava ben al-
tro gioco di chiaroscuri - un
Ordina il tuo disco su
Novità e catalogo
fraseggio notevole nel “Pietà
rispetto amore” e notevolissi-
mo nella ripristinata “Mal per
me chi m’affidai” conclusiva.
Di robusto spessore la voce
di Ekaterina Semenchuk,
ennesimo mezzosoprano
alle prese con una tessitura
diabolicamente ambigua (i
soprani debbono avere fior di
gravi e un medium di roccia;
i mezzosoprani, a parte il re
bemolle del sonnambulismo,
devono vedersela con pesti-
fere fiondate all’acuto) di cui
viene a capo con stridii non
eccedenti in alto, discreta
disinvoltura nelle agilità del
brindisi, e in generale uno
sfruttamento piuttosto saga-
ce del registro centrale, dove
mette in mostra un colore
cupreo più che notevole: un
tantino risaputo il fraseggio,
purtroppo, risolto più con di-
ligente scolpitura di dizione
che con personale fantasia
d’accenti. Accento, peraltro,
che latita vistosamente nella
pur bella linea di Ildebrando
D’Arcangelo e in quella vice-
versa frammentaria e disordi-
natissima di Joshua Guerre-
ro. Orchestra eccellente, coro
un po’ meno (e Gesù, quanto
recita male!), parti di fianco
discrete.
 Elvio Giudici
Rota
Sacred Works
direttore Giuseppe Grazioli
orchestra Sinfonica di Milano
Giuseppe Verdi
2 cd Decca 481 4799
prezzo 18,80

S i deve a Lele d’Amico,
ammiratore senza limiti di
Rota, la distinzione tra “Rota
numero uno”, il promettente
allievo di Pizzetti e Casella,
e quello “numero due” che
avrebbe trovato un’altra stra-
da; dalla quale avrebbe preso
avvio la linea che definisce il
profilo del musicista, quella
propensa al “pastiche”, a orec-
chiare “musiche di altri”; come
acutamente aveva annotato
Zanzotto: “Con le musiche di
Rota vien da dire spesso: ma
questo motivo io l’ho già sen-
tito”. Il “numero uno” nasceva
da quella straordinaria preco-
cità che a undici anni lo aveva
spinto a comporre un oratorio,
L’infanzia di San Giovanni
Battista, a quattordici diven-
tare allievo di Pizzetti, subito
dopo di Casella quindi, il viag-
gio in America - caldamente
appoggiato da Toscanini - e
lo studio al Curtis Insitute di
Filadelfia con Rosario Scalero,
compagni di studio Gian Carlo
Menotti e Samuel Barber.
I due cd nella vasta impresa
degli opera omnia avviata
da Decca offrono un capitolo
singolare dell’infaticabile pro-
duttività del musicista, in cer-
to qual modo prolungamento
del giovanile oratorio, non
solo nella tematica dei due
oratori, Mysterium e Il Natale
degli innocenti e delle altre
pagine di contenuto spiritua-
le, ma per l’ampiezza dell’im-
pianto corale intessuto con
una forza nativa che riscatta
il compiacimento dell’abile
esercizio dietro il quale non
è forse gratuito un riferimen-
to alla “lezione” di Pizzetti,
anche se in termini scolasti-
ci essa fu virtuale; Pizzetti,
infatti rinuncerà all’incarico
dopo aver letto un articolo sul
“fanciullo prodigio Nino Rota
Rinaldi”, temendo che il cla-
more attorno alle doti, da lui
ben riconosciute, del giovinet-
to potessero turbare la matu-
razione. Osservando questa
significativa produzione ora-

“Sabine Devieilhe fa tornare da noi l’indimenticabile Natalie Dessay: voce di

cristallo, tecnica perfetta capace di plasmare legati d’incredibile tenuta e di
sgranare agilità che sono altrettante cascate di perle”

U n oratorio di chiaro intento moraleg-

giante (la Bellezza facile preda del
Piacere, contro il quale argomentano il
Tempo, che ogni bellezza corrompe, e
il Disinganno che svela l’insidia d’ogni
lusinga), privo di coro e con solo quat-
tro voci a reggere oltre due ore. Come
dire la morte annunciata del teatro, a
favore d’una (eventuale) gloria auto-
referenziale del canto. Ma è non tener
conto di quanto sempre più succede in
giorni come i nostri, che il teatro musi-
cale hanno cambiato nel profondo: riu-
scendo, nei casi migliori come questo, a
“raccontare” anche una sorta di dispu-
tatio in apparenza filosofica ma in realtà
gesuiticamente castrante.
Per cominciare, la direzione è dinamicis-
sima, ariosa, tenuta sempre in tensione
senza scadere nell’isteria, equilibrando
con sovrano magistero serietà dramma-
tica e dolcezza struggente: scansando il
doppio rischio dell’algida seriosità e del
sentimentalismo. Direzione che aderisce
come un guanto alla scena. Dove si co-
mincia a raccontare una storia fin dalla
sinfonia: mutata in colonna sonora d’un
filmato, proiettato su uno schermo tra-
sparente che cala al proscenio. Vediamo
una ragazza in discoteca tra una folla
di coetanei, impegnata a ballare con un
adolescente cui s’unisce un tipo parec-
chio ambiguo che, tenendo in bocca una
pastiglia, la passa a mezzo di un doppio
bacio tanto a lei quanto a lui. Non bene:
entrambi li vediamo su una lettiga in corsa
nei corridoi d’un ospedale, dove lui muo-
re. Sollevatosi lo schermo, il prosieguo
trasforma una non-vicenda in serratissi-
mo teatro da camera nel quale ciascuno
dei quattro attori, grazie all’impianto sce-
nico-registico, mantiene la propria natura
di concetto astratto ma diventa lo stesso
un personaggio. Perché ci viene raccon-
tato d’una ragazza (Bellezza) che, irreti-
ta da Piacere (una specie di sinuoso dj
techno, capelli lisci lunghi, barba incolta,
occhiali neri, dalla sensualità di tanto più
ambigua in quanto espressa dalla voce di
controtenore), è indotta ad abbandonarsi
a lui per spremere dalla vita tutto il godi-
mento possibile: cosa cui cercano d’op-
porsi Tempo (nelle vesti d’un padre che
è una sorta di postsessantottino in crisi
di rimpianto), e Disinganno, incarnato in
una madre borghesissima e religiosissi-
ma sempre pronta a ricordare le beati-
tudini della vita celeste, tanto superiori
ai piaceri della carne che seducono nella
vita terrena. L’opposizione sembrerebbe
riuscire, perché alla fine Bellezza rinne-
ga Piacere vestendo un abito bianco col
dorato ricamo IHS a segnalarla sposa di
Dio: ma finisce col tagliarsi le vene con
una scheggia dello specchio in cui usava
contemplarsi narcisisticamente.
Il palcoscenico è diviso in due da un alto
cilindro di plexiglass. Ai due lati, sei ripi-
de file di poltrone dove si siedono di volta
in volta ragazzi, ragazze e un paio di don-
ne mature; lo stretto corridoio tra prima
fila e bordo di proscenio ospita a sinistra
un tavolo anatomico dov’è disteso il ca-
davere del ragazzo, così che quanto si va
discutendo diventa una sorta d’autopsia
morale; a destra c’è invece un tavolo
dove si riuniscono tutti e quattro i perso-
naggi, in un serrato “dopo le esequie” che
via via diventa straordinario esempio di
teatro della crudeltà alla Artaud. Sul fon-
do, dietro alle file di poltrone, due grandi
schermi offrono primi piani in itinere dei
protagonisti della “vicenda”.
Così organizzata, è la scena stessa a

Clicca sul cd per ascoltare l’anteprima

PLUS

toriale attraverso la più ampia
lunghezza d’onda del percor-
so dei “due” Rota sembra dif-
ficile sottrarsi all’interrogativo
celato dietro le note di quella
sua musica così naturalmen-
te accattivante, così “facile”
anche, se cioè il suo mondo
disincantato, quello delle co-
lonne sonore ma pure quello
del teatro, della produzione
sinfonica e cameristica, si
esaurisse in se stesso o invece
nascondesse più oscuri disa-
gi; come ha scritto Teodoro
Celli nel necrologio, pensando
che “anche il sereno, fanciul-
lesco musicista che Nino Rota
è stato, partecipasse, se non
altro opponendovisi, all’ango-
scia del Secolo”.
 Gian Paolo Minardi
Rossini
Il barbiere di Siviglia
interpreti B. Bürger, D. de Niese,
A. Corbelli, T. Stayton, C. Stam-
boglis
direttore Enrique Mazzola
orchestra London Philharmonic
regia Annabel Arden
regia video François Roussillon
S pettacolo minimalista,
come si suol dire. La cui
sintetica scenografia (un emi-
ciclo ornato di quadrati bian-
co-azzurri allusivi agli azu-
lejos; una finestra con cascata
di fiori purpurei per la prima
scena; casa di Bartolo priva
d’alcunché salvo un enorme
armadio per le carte e due cla-
vicembali che vanno e vengo-
no senza rappresentare altro
che se stessi) molto ricorda lo
spettacolo madrileno di Emi-
lio Sagi del 2005, consegnato
anche al dvd. Annabel Arden
è una habitué del Sussex
(non male il suo Elisir finito
anch’esso su dvd), sostenuta
da un ottimo mestiere che fa
CD&dvd recensioni
dal direttore, il quale riprende
poi Bartolo allorché indirizza
a Rosina anziché a Giannina
la canzonetta di Caffariello; il
picnic per terra di Bartolo in
apertura del second’atto, iro-
nica strizzata d’occhio all’ora
e mezza d’intervallo di pram-
matica a Glyndebourne per
consentire - tempo permet-
tendo ma lo si fa anche con
l’ombrello aperto - d’aprire
sui prati il cestino di picnic,
che i più raffinati si fanno
confezionare ovviamente da
Harrod’s. Recitazione, co-
munque, che affronta l’asso-
luta integralità dell’edizione
critica di Alberto Zedda ren-
dendo la narrazione sempre
sciolta e leggibile: cosa che
in parte compensa il suo
essere in massima parte af-
fidata al talento naturale dei
componenti d’un cast affiata-
tissimo, provvisto in proprio
del carisma necessario a far
dimenticare come tutti siano
per lo più lasciati soli al pro-
scenio a sbrigarsela.
Soli, per fortuna, non sono la-
sciati dall’orchestra. Non rie-
librata nella molteplicità dei
suoi piani sonori, che con-
tinue sfrangiature dinami-
che rendono ricca di colori
mantenendola nel contempo
morbida, ariosa, flessibile e
soprattutto soffice ed affida-
bile cuscino per il canto. Una
delle migliori orchestre che
nel Barbiere mi sia capitato
d’ascoltare negli ultimi anni.
Björn Bürger è un barito-
no trentenne che fa parte
dell’ensemble di Francoforte:
uno stangone di bell’aspetto
e voce torrenziale, scioltezza
scenica formidabile, dizione
perfetta, acuti di luminoso
squillo, musicalità di livel-
lo strumentale. Danielle De
Niese debutta Rosina, e qual-
che problema ce l’ha, spe-
cie nelle pestifere quartine
del duetto con Figaro: bella
di fisico e di voce, però, e la
linea è nel complesso mor-
bida, omogenea, innervata
da una vivacità d’accento
capace di far dimenticare la
dizione alquanto elaborata -
i recitativi, soprattutto, sono
fastidiosamente “compitati”

59
formato 16:9 spesso aggio su una tal quale sco a comprendere le ragioni - nonché diversi acuti aspri-
sottotitoli Ing., Fr., Ted., Giap., banalità d’idee. Ritmo sempre per le quali Enrique Mazzo- gni. Sempre padrona di casa
Cor. sostenuto, caccole al minimo la stia svolgendo la propria è, comunque, Mrs. Christie
dvd Opus Arte 1238D sindacale e comunque godi- carriera soltanto all’estero: (la De Niese è moglie di Gus
prezzo 29,90 bili: il chitarrista che per la direzione vivacissima ma Christie): e dunque si ripri-
 Serenata viene “audizionato” ovunque perfettamente ca- stina l’aria “Ah, s’è ver, in tal

suggerire la componente allegorico- municativa: tutti e quattro attori da Oscar

speculativa: le file di poltrone possono
essere quelle d’un cinema o d’un teatro,
ma anche d’un anfiteatro anatomico-
filosofico; il cinema è continuamente
alluso dalle immagini sul fondo, e citato
esplicitamente in un altro filmato posto
a concludere la prima parte: un estratto
da Ghost Dance di Ken McMullen, nel
quale il filosofo Jacques Derrida espone
la sua teoria sui fantasmi quali altrettante
schegge di memoria del passato. Non è
la prima volta, che il cinefilo Warlikow-
ski mescola teatro e cinema (nel Parsifal
ha impiegato, ciascuno per un atto, il
Kubrick di 2001, il Visconti della Caduta
degli dei, il Rossellini di Germania anno
zero; nella Frau ohne Schatten, il Resnais
dell’Anno scorso a Marienbad): ma sta-
volta le immagini filmiche pervadono tut-
ta la narrazione sposandosi idealmente
alla scenografia, cosicché - tenuto anche
conto che all’Archevêché di Aix la platea
è digradante specularmente alle sei file in
palcoscenico concluse dai due schermi -
è sottilmente alluso anche il platoniano
mito della caverna. Gestualità calibratis-
sima, con immagini di rara potenza co-
subito, e cantanti di bravura altrettanto
portentosa.
Sabine Devieilhe fa tornare da noi l’in-
dimenticabile Natalie Dessay: voce di
cristallo, tecnica perfetta capace di
plasmare legati d’incredibile tenuta e
di sgranare agilità che sono altrettan-
te cascate di perle, dizione d’altissima
scuola, espressività vocale e sceni-
ca al calor bianco. Sara Mingardo è
più che mai la meraviglia di sempre,
di conserva a un Michail Spyres che
domina senza il minimo affanno l’ab-
norme estensione di Tempo, saettando
a re acuti facilissimi per poi piomba- Handel
re sotto il rigo mantenendo l’identica Il trionfo del Tempo e del Disinganno
timbratura brunita. Franco Fagioli si interpreti S. Devieilhe, F. Fagioli, S. Mingardo,
conferma il massimo controtenore di M. Spyres
oggi: agilità spericolate ma sempre direttore Emmanuelle Haim
liquide e musicalissime (fenomenale, orchestra Le Concert d’Astrée
la sua “Come nembo che fugge col regia Krzysztof Warlikowski
vento”), legati magnifici (un “Lascia regia video Stéphane Metge
la spina” capace di guardare in faccia formato 16:9
l’esempio di Cecilia Bartoli), un gioco sottotitoli It., Ing., Fr., Ted.
d’accenti che esplora tutta la gamma dvd Erato 0190295819361
dell’ambiguità. 20,50
prezzo
 Elvio Giudici 
recensioni CD&dvd
momento”: la cui non proprio
eccelsa statura (se Omero
talvolta dorme, Rossini anche
più spesso sonnecchia) non è
peraltro giustificata da ese-
cuzione parecchio proble-
matica per quanto attiene sia
alla coloratura sia a registro
superiore duro e stridente.
Niente ripristino di “Cessa di
più resistere”, invece, per il
Conte di Taylor Stayton che
l’avrebbe meritato di più: il
timbro - bianchiccio e ges-
soso - non è propriamente un
dono del cielo, però la linea
vocale - a parte talune infles-
sioni troppo nasaleggianti - è
solida ma sempre morbida,
con pregevole propensione
a sfumature e alleggerimen-
ti di notevole effetto. Chri-
stophoros Stamboglis è un
Basilio insolitamente timido
e rinunciatario, laddove la
Berta molto old british di Ja-
nis Kelly ottiene un’ovazione
al termine di un’aria cantata
molto male ma con gran di-
spiego di passi di danza spa-
gnoleggiante comprensiva
di gonna alzata a mostrare
le gambe inguainate in calze
nere con pizzo.
Ma senza far torto a nessuno,
questo è il Barbiere di Ales-
sandro Corbelli. La dizione
favolosa è viatico per un ven-
taglio accentale non meno
che portentoso, capace di
rendere scoppiettante e per-
sonalissima ogni minima pie-
ga di recitativo, sempre spo-
sandosi alla perfezione con
un ventaglio gestuale tutto
all’insegna del britannico
less is more, meno fai e più
ottieni: di cui è anzi paradig-
matico esempio. E se qualche
presa di fiato in più è adesso
necessaria, in nulla - ma pro-
prio in nulla - lede la perfe-
zione d’un canto morbido,
ben timbrato tanto su quanto
giù, scorrevole come lucido
mercurio, dalla comunicativa
semplicemente irresistibile.
Ennesimo capolavoro epoca-
le, dunque: talora persino più
raffinato e riuscito di quello
del magnifico documento
visivo delle recite al Covent
Garden con Pappano.
 Elvio Giudici
Purcell
Ayres & Songs
soprano Jill Feldman
Ordina il tuo disco su
Novità e catalogo
liuto Nigel North
viola da gamba Sarah Cunning-
ham
organo Davitt Moroney
2 cd Arcana 430
27,60
prezzo

L a discografia della cosid-
detta “musica antica” è
sempre in buona salute, per-
mettendoci di trattare per
lo più novità e quasi mai ri-
stampe. Se però la ristampa
comprende un titolo il cui
valore è intatto anzi forse ac-
cresciuto dal trascorrere del
tempo, è opportuno segna-
larlo e con particolare enfasi:
l’occasione è offerta da que-
sta ampia raccolta di Purcell
che se fosse stata incisa oggi
sarebbe come minimo “disco
del mese”; essendo invece un
disco del 1992 è necessario
evidenziarne alcuni aspetti
salienti. La produzione, in-
nanzitutto, che rimanda al
nome di Michel Bernstein
(1931-2006), fondatore del-
le etichette Vendome, Valois,
Astrée e Arcana (recente-
mente rifondata), responsabili
di un sostanziale e meritorio
arricchimento del repertorio
circolante e del modo di suo-
narlo. Quindi gli interpreti, a
cominciare dalla Feldman, la
cui voce intona le parole e le
melodie di Purcell con un’ade-
sione prosodica ed espressiva
ancora ideale, continuando
poi con North, Cunningham e
Moroney, la cui qualità esecu-
tiva – frutto di studi di prima
mano, di rischio personale e
di lavoro sul testo musicale –
s’impone oggi forse più che
allora come modello etico e
artistico, in uno scenario che
vediamo spesso fermarsi alla
rassicurante mediocrità o alla
sbrigativa e sbiadita fotocopia
di autorità prese per buone.
Carlo Fiore
Verdi
Don Carlo
interpreti J. Bros, M. Pertusi,
S. Farnocchia, V. Stoyanov, M.
Cornetti, I. Orlov
direttore Daniel Oren
orchestra Filarmonica Arturo
Toscanini
regia Cesare Lievi
regia video Tiziano Mancini
formato 16:9
sottotitoli It., Ing., Fr., Ted., Sp.,
Giap., Cor.
2 dvd Dynamic 37776
prezzo 27,60

C on questo allestimento
d’un titolo tanto impegna-
tivo, il Verdi Festival di Parma
mostrava, dopo anni di stenti
artistici, l’intenzione di punta-
re alto e soprattutto di conti-
nuare a farlo, come dimostra-
no le locandine del prossimo
autunno. Ma come spesso
capita a Parma, l’intenzione è
parsa circoscriversi essenzial-
mente al cast, abdicando rovi-
nosamente per quanto attiene
direzione e spettacolo.
Ottima idea il rinunciare al
kolossal che si ritiene conna-
turato al Grand-Opéra, optan-
do per una risparmiosa scena
fissa che nel suo gigantesco
biancore allude a un sepolcro
marmoreo su cui spiccano i
neri costumi della nobiltà spa-
gnola e i grigi spenti del popo-
lo oppresso. Ma se non sterile
kolossal, allora ha da essere
(lodevolmente) teatro: di per-
sonaggi, situazioni, psicologie.
E non c’è. Cesare Levi si limita
a far entrare, stare e soprattut-
to cadere tutti in ogni modo
possibile, senza un gesto che
costruisca un carattere. In
compenso, con profluvi di si-
tuazioni ora banali (quel gran
disordine di croci nere per ter-
ra con al centro il fatal scrigno
dorato di Elisabetta! e subito
dopo, gran Dio! la neve den-
tro la gran tomba!!), ora ridi-
cole (Eboli che per mortificare
la “sua beltà” si graffia viso e
petto con profluvio di sangue),
ora addirittura grottesche
come quando Filippo II, sfida-
to dal figlio che ha snudato la
spada, indirizza il suo “Signori,
sostegni del mio trono, disar-
mato ei sia” al vuoto completo
dato che di signori non ce n’è
manco uno. Ma proprio nes-
suno, neppure un signoretto
sciancato tanto per gradire:
solo donne del coro, deputati
fiamminghi (che certo non lo
soccorrerebbero), frati, moglie,
paggio e claudicante amante.
Tutto così: tra spintoni, pac-
che sulle spalle, gran cam-
minare su e giù, moltissimo
stare in ginocchio e strisciare.
Specchio perfetto dello sfascio
scenico, la direzione di Daniel
Oren è piatta, massiccia, tut-
ta di corsa, dinamica niente,
colori nessuno, rozzezza a
pacchi: capace di mortificare
un’orchestra capace di ben
altro, e persino il coro di Mar-
tino Faggiani, come sempre
superlativo.
José Bros mostra di saper
cantare come ha costumato
sempre: ma la voce s’è fatta
arida, stridula, invasa da un
vibrato assai evidente e con
un registro acuto – una volta
così privilegiato – sforzato e
sistematicamente opaco in
tutti i passaggi a voce spiega-
ta, laddove ancora pregevole
è la mezzavoce, sicché riesce
piuttosto bene il duetto finale.
Serena Farnocchia canta con
estremo decoro (il legato di
“Non pianger mia compagna”,
dove difatti cascano in tante,
ne è spia infallibile), e con di-
screte intenzioni espressive,
apice un “Tu che le vanità”
senz’altro da ricordare: ma
a parte il timbro non preci-
samente baciato dagli Dei, il
registro grave è parecchio de-
bole, in una parte che sfortu-
natamente si gioca molto più
in basso che in alto. Marianne
Cornetti, che sconta il grave
handicap - ancor più grave in
un video - d’una figura tanto
ingrata, sfoggiava voce ampia
e di bel colore, ma troppo tem-
po fa: adesso gli acuti vacilla-
no, la linea si sfilaccia spesso,
i gravi sono tendenzialmen-
te vuoti. Vladimir Stoyanov
è un altro che ha mostrato
sempre di saper cantare: la
linea abbisogna adesso di la-
boriosità molto maggiore nel
proiettarsi, ma è ancora suf-
ficientemente ben controlla-
ta da riuscire a mantenersi
morbida nella perorazione a
Elisabetta e soprattutto nel-
la scena del carcere, mentre
l’ottimo fraseggio ha ragione
di qualche acuto un po’ tirato
nel duetto con Filippo. Sulla
scena, poi, Rodrigo è sempre
autorevole laddove gli altri
tre arrancano nel completo
disinteresse del regista, che
anzi dà spesso l’impressione
di remare contro.
Ma c’è Michele Pertusi, a
giustificare da solo questo
spettacolo in cui debuttava
scenicamente Filippo. La gran
tecnica plasma una linea mor-
bida, compatta, controllata e

proiettata alla perfezione. Ma
poi la sensibilità di un grande
artista la indirizza a creare un
personaggio sfaccettatissimo,
dove l’orgoglio del potere che
si ha e che si vuole esercita-
re, cozza contro l’amarezza
della solitudine cui questo lo
costringe: e sapendo sempre
trovare - per virtù propria, è
evidente, dato che altrimenti si
proverebbero a trovarlo anche
gli altri - il gesto più appropria-
to per sottolineare la miniera
d’accenti che vivifica ogni
sua frase. Capolavoro assoluto
è la grande aria del terz’atto
(nonostante Lievi provi a gua-
starla con la ridicolissima idea
di far comparire a mo’ di incu-
bo un’Elisabetta che gli agita
davanti il dito per irriderne “il
crin bianco”), ma grandi pa-
gine sono pure il duetto con
Rodrigo (qui Stoyanov riesce
ad essergli pari quanto a sotti-
gliezza di fraseggio: e non era
certo compito facile) e ancor
più quello con l’Inquisitore,
dove un capolavoro annun-
ciato viene mortificato dalla
consueta scelta d’un basso
cavernoso, ingolato da pau-
ra, del tutto a disagio proprio
sotto al rigo (e sì che Verdi ha
previsto note alternative, per
facilitare le cose e risparmia-
re suoni stomachevoli; cadrà
mica la corona dalla testa, ad
accettarle?), e con acuti incisi
nel più duro dei sassi.
 Elvio Giudici
strumentale
Bach
Sonata n. 1
Partite n. 2 e 3
violino Enrico Onofri
cd Passacaille 1025
17,40
prezzo

“H pormi di fronte a que- C scografica dell’orchestra
o creduto importante so Resound, etichetta di-
ste opere immaginando come sinfonica di Chicago, non è un
un violinista del Settecen-
to a Köthen avrebbe reagito
nell’aprirne lo spartito, in un
ambiente influenzato sia dal
gusto francese sia dall’idea di
un nuovo stile nazionale te-
desco frutto della commistio-
ne dei due stili” (francese e
CD&dvd recensioni
italiano), scrive Enrico Onofri
nelle riflessioni che accompa-
gnano questo cd. Ovviamente
non possiamo recuperare la
“verginità” del punto di vista
di un violinista del Settecen-
to, che però riesce utilissimo
per rimettere in discussione,
con criteri storicamente in-
formati, una tradizione illustre
(e secondo Onofri più tenace
che in altri lavori di Bach),
tenendo conto di tutto ciò
che sappiamo sul diapason
adottato a Köthen (un tono
sotto quello moderno, di qui
un “suono” diverso), sul fra-
seggio, sull’aspetto ritmico
(con i problemi della inegalité
francese) e, in particolare, sul
significato della celebre Ciac-
cona della seconda Partita con
la simbologia funebre legata
alle citazioni di corali. Onofri
si è limitato alla prima sonata
e alla seconda e terza partita
perché, come spiega, aveva
deciso di affrontare solo quel-
le su cui aveva lavorato più a
lungo “negli ultimi vent’anni”.
Il risultato meriterebbe rifles-
sioni molto più ampie: alcuni
61
pezzi, in particolare la Ciac-
cona e il Preludio della Terza
Partita, appaiono ancor più
radicalmente nuovi degli altri;
ma in ogni pagina è decisivo
(e sempre del tutto persuasi-
vo) in primo luogo il lavoro ap-
profondito sulla articolazione,
e non meno significativa è la
sottile varietà del fraseggio.
Una proposta destinata a la-
sciare il segno.
 Paolo Petazzi
Bruckner
Sinfonia n. 9
in re minore
direttore Riccardo Muti
orchestra Chicago Symphony
cd CSO Resound CSOR901 1701
17,40
prezzo

contenitore in cui ammassare
ogni cosa la gloriosa compagi-
ne nordamericana esegua nel
corso delle sue multiformi sta-
gioni sinfoniche. Ma è una col-
lana discografica vera e pro-
pria, che riunisce solo alcune
esecuzioni, si presume le più
recensioni CD&dvd
significative. Partita con alcu-
ni mirabili concerti mahleriani
di Haitink, si è poi arricchita di
alcuni interessanti contributi
di Boulez e Gilbert, per arrivare
poi naturalmente a Muti, suo
direttore musicale odierno,
per un totale di “solo” 16 pro-
poste discografiche comples-
sive. L’ultima, nonché sesta
con Riccardo Muti sul podio
(Berlioz, Prokof’ev, Schönberg,
Sciostakovic e Verdi sono gli
autori incisi precedentemen-
te dall’interprete italiano), è
da poco sul mercato ed è una
Sinfonia di Bruckner. Non una
qualunque ma la Nona, se non
la più bella, certo la più mi-
steriosa e al contempo la più
“trasparente”: più misteriosa
in ragione della sua incompiu-
tezza e della sua particolare
“geografia” formale; più tra-
sparente in ragione del fatto
che i temi capitali dell’esi-
stenza – la vita e la morte, la
paura, il destino, la fede in
Dio e nei suoi imperscrutabi-
li disegni – arrivano diretti al
cuore dell’ascoltatore, come
non filtrati dall’“ingombro” di
quelle categorie storiche, este-
tiche e culturali che Bruckner
non amò mai del tutto ma che
fanno capolino eccome nelle
Sinfonie precedenti.
Quale dunque l’approccio di
Muti di fronte a una materia
di tal fatta? È un approccio
estremamente rispettoso. Un
approccio maturo, che non
vuole essere originale a tutti
i costi in quanto predilige la
misura e l’equilibrio.
Alla sua bacchetta risponde
una corazzata sinfonica, se
mai ce n’è una. Ma questo
non è un buon motivo per sca-
tenare una violenza tellurica;
la materia non arriva “tagliata”
per masse e blocchi contrap-
posti; né le articolazioni sono
cariche d’effetto drammatico
o puntature enfatiche; la flui-
dità del discorso viene privile-
giata attraverso un senso non
spettacolare della gramma-
tica armonica bruckneriana;
il suono non ha e non vuole
avere lo spessore granitico di
certe orchestre tedesche ma
nemmeno la cantabilità ario-
sa tipica “italiana” (che pure
sa rivelare pieghe inaspettate
dell’universo bruckneriano).
Questa Nona dice semmai di
un Bruckner non così lontano
da Brahms, seppure i due ven-
gano sempre presentati l’uno
come l’antitesi dell’altro. Dice
inoltre di un Bruckner assai
differente da quello che Muti
eseguiva anni fa: non così
burrascoso e “teatrale” ma
più analiticamente “narrati-
vo” e maturo, la cui “potenza”
non si traduce in decibel ma
si contempla in uno sguardo
talmente disincantato da re-
legare il sentimento infuocato
della passione in quell’angolo
remoto dove le cose non si
non esibiscono ma, al con-
trario, si nascondono dietro a
un velo di pudore. Ciò spiega
anche la scelta di eseguire la
Sinfonia limitatamente ai tre
movimenti autentici, priva
cioè dei pur interessanti com-
pletamenti del quarto movi-
mento che sono stati realizzati
e incisi recentemente.
 Enrico Girardi
Mahler
Sinfonia n. 3
contralto Gerhild Romberger
direttore Iván Fischer
orchestra Budapest Festival
cori des Bayerischen Rundfunks,
Cantemus Children’s Choir
2 cd Channel Classics CCS SA
38817
prezzo 24

N otare che c’è sempre dif-
ferenza tra un’esecuzione
dal vivo e una registrazione
discografica è come scoprire
l’acqua calda, quand’anche
la registrazione sia l’esatta
riproduzione dell’esecuzione
dal vivo e priva di ogni forma
di editing. Ciò non toglie tut-
tavia che vi siano casi in cui
lo iato sia maggiore. Succede
soprattutto quando l’esecu-
zione abbia nella fisicità del
suono e nella gestualità che lo
produce uno dei suoi aspetti
caratteristici; quei casi, cioè,
in altre parole, in cui la “cosa”
passa anche dall’occhio di chi
vede oltre che dall’orecchio
di chi ascolta. E in tal senso il
caso delle esecuzioni di Iván
Fischer e dell’Orchestra del
Festival di Budapest, da lui
creata e fatta crescere in anni
e anni di vera e propria osmosi
musicale, è esemplare.
Tutto ciò per dire che per chi
abbia ascoltato dal vivo la
Terza di Mahler recentemente
diretta da Fischer con la Bfo,
questo disco è deludente. Si
tratta di un paradosso, eviden-
temente. Siamo infatti di fron-
te a un’esecuzione stupenda
in cui non v’è un aspetto uno
che non trasudi di musicali-
tà, di slancio, di profondità,
di compattezza e insieme di
libertà e di vita: tutte cose
che l’esecuzione dal vivo co-
munica però con un’evidenza
ancor maggiore.
Il segreto di questa Terza, se
parlare di segreto ha senso, si
rintraccia in ogni caso nella
speciale attitudine di questi
musicisti ungheresi nel fra-
seggio. È su questo aspetto
che Fischer ha lavorato così
a fondo con l’orchestra. Ogni
frase sembra così sgorgare
con un nitore e un caratte-
re assai pronunciato, frutto

“Affiorano la ‘quiete’ e la ‘tenerezza’ di cui

Webern parlò con ammirazione”

P er il concerto inaugurale del Fe-

stival di Lucerna 2016, il primo da
quando era stato nominato direttore
musicale dell’orchestra del Festival,
Chailly aveva scelto l’Ottava di Mahler,
l’unica che Claudio Abbado non aveva
potuto proporre con questa orchestra.
L’Ottava non è solo “gigantesca”: pre-
vede grandiosi scatenamenti sonori,
soprattutto nella prima parte, ma è di
straordinaria ricchezza, come mostra
assai bene l’interpretazione di Chail-
ly. Composta di getto nell’estate 1906,
presenta una singolare articolazione
in due parti, basate su due testi (l’in-
no “Veni, creator” e la scena finale del
Faust), che sono molto lontani, ma che
il compositore legge in una prospetti-
va unitaria attraverso un fitto sistema
di corrispondenze tematiche. Alla ser-
rata compattezza strutturale, alla vio-
lenta tensione cui viene piegato l’inno
medievale segue una sorta di arcana
dispersione, in un clima sospeso, che
evoca spazi diversi e una frantumata
varietà di situazioni sonore cameristi-
che (anche a queste serve l’ampiezza
dell’organico). Affiorano molteplici
echi, anche di carattere operistico;
ma determinanti sono l’invenzione di
colori delicati, le lievi trasparenze, le
zone più rarefatte e interiorizzate, la
“quiete” e la “tenerezza” di cui Webern
parlò con ammirazione in una lettera
del 1910 a Schönberg.
Nella bellissima interpretazione di Mahler
Chailly proprio questi aspetti hanno Sinfonia n. 8
una grande evidenza poetica, sono de- solistiR. Merbeth, J. Banse, A.L.Richter,
finiti con ammirevole cura e chiarezza, S. Mingardo, M. Fujimura, A. Schager, P.
senza che venga a mancare, natural- Mattei, S. Youn
mente, l’impeto visionario degli episodi direttore Riccardo Chailly
segnati da grandiosità sonora. Il nitido orchestra del Festival di Lucerna
controllo e la nobiltà dell’insieme sono cori des Bayerischen Rundfunks, della
lontani da ogni tentazione enfatica. Va- Radio Lituana, Orfeón Donostiarra, Tölzer
lidi i solisti, in particolare le voci fem- Knabenchor
minili e Peter Mattei, magnifici i cori e dvd accentus music ACC 20390
l’orchestra. 24,30
prezzo
 Paolo Petazzi 

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PLUS

non tanto di un voler “fare” in
un certo piuttosto che in un
cert’altro modo ma di “senti-
re” in quel modo, ciascuno per
la sua parte. Cosicché i tempi,
gli accenti, le articolazioni e
le dinamiche non sembrano
nemmeno l’esito di una scelta
presa a monte ma la conse-
guenza di quel modo osmotico
di “cantare”. Niente retorica,
nessuna volontà dimostrativa:
con Fischer e la Bfo l’origina-
lità non è un obiettivo da rag-
giungere ma un presupposto
che ha molto a che fare con
l’identità di questi musicisti:
un’identità talmente profilata
che potrebbe anche non pia-
cere ma che spiega perché
questa Terza non è paragona-
bile a nessun’altra tra le deci-
ne - alcune davvero meravi-
gliose - esistenti sul mercato.
Notevole infine il contributo
reso dalle maestranze corali
e dal contralto Gerhild Rom-
berger.
 Enrico Girardi
Mendelssohn
Sinfonie n. 1-5
direttore Yannick Nézet-Séguin
orchestra Chamber Orchestra
of Europe
coro Rias Kammerchor
3 cd Dg 00289 479 7337
prezzo 30,90

N on sembra essere stato
troppo turbato il direttore
canadese dalla nota definizio-
ne che Nietzsche aveva dato
di Mendelssohn, un “bell’inci-
dente della musica tedesca”,
riassumendo nella sua ambi-
valenza le tante difficoltà che
hanno avvolto l’immagine
del grande musicista, al di là
della lunga censura decretata
dal regime nazista; il “proble-
ma Mendelssohn”, come inti-
tolava Dahlhaus un suo sag-
gio, nasceva dalla singolare
impronta classicistica (“ge-
nio alcionio”, sempre Nietz-
sche) di una musica nata in
pieno romanticismo, intrec-
cio che ha lasciato segni ben
Ordina il tuo disco su
Novità e catalogo
evidenti nella stessa vicenda
interpretativa e che, appunto,
Nézet-Seguin sembra scio-
gliere con naturale eloquenza
in questo percorso attraver-
so l’integrale, registrato dal
vivo in occasione delle due
serate offerte al pubblico pa-
rigino nel febbraio dell’anno
passato nella sede della Phil-
harmonie. Colpisce il senso
di unità con cui l’interprete
abbraccia un universo così
diversificato senza che ognu-
na delle Sinfonie confonda il
proprio carattere, il proprio
colore emozionale. E questo
grazie all’organicità con cui
il direttore plasma il discorso
con una duttilità avvincente,
contando su uno strumento
di straordinaria precisione
ed insieme flessibilità qua-
le la Chamber Orchestra of
Europe che gli consente di
sciogliere la leggerezza che
pervade la Prima Sinfonia,
opera di un quindicenne che
aveva alle spalle ben tredici
sorprendenti sinfonie per ar-
chi, quale tratto distintivo del
modo con cui Mendelssohn
affronta il problema comune
ai compositori di quella sta-
gione centrale del secolo nel
cimentarsi con la forma sinfo-
nica, vale a dire come combi-
nare l’idea di “grande forma”
con le ragioni sempre più
sottili del processo tematico;
aspetti cui in certo qual modo
Mendelssohn si era sottratto
nella “Italiana” (e così farà
anche nella “Scozzese”) pri-
vilegiando una melodia liede-
ristica e un tessuto prevalen-
temente contrappuntistico,
più leggero, tratti che Nézet-
Séguin delinea con naturale
felicità. Che risulta poi il filo
conduttore nel passaggio
alla grandiosa “Lobgesang”,
uno dei lavori più amati dallo
stesso Mendelssohn che su-
scitò, al suo apparire, pareri
discordi, dovuti soprattutto
all’idea che il compositore
avesse voluto confrontarsi
con la Nona di Beethoven
(riferimento in realtà assai
indiretto il che non impedirà
a Wagner di definire questo
lavoro “una stupida spregiu-
dicatezza”). Progetto tanto
ambizioso quanto complesso
con cui Mendelssohn parten-
do dall’occasione celebrativa
per esaltare l’aspetto umani-
stico connesso all’invenzio-
ne della stampa, la conquista
di una nuova luce di civiltà
avvolge poi tale vibrante
atto di fede illuministica di
un riverbero ancor più in-
CD&dvd recensioni
timo ed assoluto che viene
dall’intonazione religiosa;
visione sensibile che si per-
cepisce animare l’entusia-
smo del direttore canadese,
facendoci rievocare le parole
di Schumann che presente
all’esecuzione annotava che
“l’insieme ha entusiasmato
e certamente l’opera, spe-
cialmente nelle parti corali,
è una delle sue più fresche
e affascinanti del composi-
tore…”, segnalando in par-
ticolare l’emozione prodotta
da un brano, quel canto a
due “Ich harrete des Herrn”
(Attendevo il Signore) con
l’intervento del coro “dopo il
quale nel pubblico si è senti-
to un brusio generale di stu-
pore che per un’esecuzione
in chiesa vale quanto una
clamorosa ovazione in una
sala da concerto”.
 Gian Paolo Minardi
Mendelssohn
Sinfonie n. 3 e 5
orchestra Kammerakademie
Potsdam
direttore Antonello Manacorda
cd Sony 88985433222
prezzo 18,30

L a vicinanza d’uscita con
l’integrale delle Sinfonie
mendelssohniane di Nézet-
Séguin rende spontaneo il
confronto con questa propo-
sta, seconda tappa del viaggio
intrapreso da Antonello Mana-
corda, per tentare di mettere
a fuoco quella cifra classicista
che ha intrigato nel modo più
strenuo generazioni di osser-
vatori: “classicista romantico”
(Einstein), “un romantico con
spirito classicista” (Büchen),
“un romantico molto tratte-
nuto” (Schering), “ il moderno
classico” (Liszt), “classicista”
tout-court (Dahlhaus), fino al
“romantico felice” del nostro
Mila. Una tavolozza screziata
che rapportata al nostro con-
fronto offre sensibili riscontri.
Se la misura classica trova in
Nézet-Séguin una soluzione
avvolgente diverso appare il
colpo d’occhio di Manacorda
che fissa contorni netti, mai
stagliati a freddo ma vivificati
all’interno da una luminosità
che riceve una propria ani-
mazione sia nella vitalità del
passo quanto nella sottigliez-
za timbrica resa possibile
dall’organico “leggero” della
efficientissima compagine di
Potsdam, il tutto inquadrato
entro una visione trasparen-
te che rende sensibili certi
snodi rivelatori delle tensioni
espressive di cui è pervasa
la nitidezza della scrittura; in
particolare in quelle dinami-
che contrastate tra la legge-
rezza del tessuto degli archi e
la forte brunitura dei timpani
che sembrano evocare gli
esiti delle ultime letture ab-
badiane.
 G.P.M.
Schumann
Sonate op. 105 e 121
5 Pezzi op. 102
violino Arvid Engegard
pianoforte Nils Anders Morten-
sen
cd Lawo LWC 1110
17,40
prezzo

63
D alla Norvegia una ulterio-
re smentita ai pregiudizi
sull’ultimo Schumann, in que-
sto caso attraverso la propo-
sta delle due sole sonate per
violino e pianoforte che egli
pubblicò, quelle op. 105 e 121
composte nell’autunno del
1851 (la terza, in la minore, del
1853, uscì postuma nel 1956).
Inquietudine, concentrazione,
e tratti quasi pre-brahmsiani
rendono questa musica par-
ticolarmente affascinante:
le due sonate, dai caratteri
sensibilmente diversi, si col-
locano con il loro intimismo
tra i capolavori dell’ultimo
Schumann. Ne avevano già
mostrato la grandezza Gidon
Kremer e Martha Argerich, poi
ci sono state altre registrazio-
ni, tra le quali va segnalata in
particolare quella di Caroline
Widmann e Dénes Várjon, che
ha il pregio di contenere an-
che la terza sonata. Arvid En-
gegard e Nils Anders Morten-
sen, due eccellenti musicisti
norvegesi, intrisi dello spirito
della musica da camera, han-
no preferito i Cinque pezzi
op. 102 “im Volkston” (in tono
popolare) del 1849, più noti
nella versione per violoncello
e pianoforte (ma l’alternativa
recensioni CD&dvd
del violino è prevista da Schu-
mann), pagine intense per al-
cuni aspetti legate a caratteri
più “cordiali” e meno impe-
gnativi rispetto alle sonate. I
due interpreti colgono bene
il tono intimo e il fascino po-
etico delle sonate e i peculiari
caratteri dell’op. 102.
 Paolo Petazzi
Pizzetti
Concerto per arpa
Sinfonia in la
arpa Margherita Bassani
direttore Damian Iorio
orchestra Sinfonica nazionale
della Rai
cd Naxos 8.573613
9,20
prezzo

S i deve riconoscere alla Na-
xos il merito di dedicare
non occasionali energie de-
stinate a rompere quell’oblio
in cui è confinata l’opera dei
nostri compositori del pri-
mo novecento, pena che ha
gravato non poco su Pizzet-
ti la cui immagine, affidata
soprattutto alla produzione
teatrale, meriterebbe una ri-
visitazione sul versante sin-
fonico e cameristico e soprat-
tutto corale. Rara occasione
quella offertaci ora da questo
cd, di ascoltare la Sinfonia in
la che Pizzetti compose nel
1940, dietro commissione
del governo nipponico per i
2600 anni della fondazione di
quell’impero; altri prescelti fu-
rono Richard Strauss, Ibert, il
giovane Britten e l’ungherese
Veress. Come Pizzetti annota
nell’agenda la composizione
si rivelerà tormentata, sen-
sazione che si coglie nell’at-
mosfera concitata del primo
movimento – per il quale il
compositore recupererà un
tempo di Sonata per pianofor-
te scritto nell’estate del 1935
per Horowitz, accantonato in
seguito al rifiuto del grande
pianista – che si distende liri-
camente nel secondo, per poi
nuovamente incupirsi, dopo il
gioco leggero dello Scherzo,
Ordina il tuo disco su
Novità e catalogo
nel finale, la cui drammaticità
è interrotta dalla evocazio-
ne di quella Preghiera degli
innocenti, intenso momento
centrale di quell’autentico ca-
polavoro che è la Sonata per
violino composta nel 1918.
Nella produzione pizzettiana
figurano ben quattro concer-
ti solistici di cui l’unico che
sembra aver ritrovato una sua
vita è quello per pianoforte dal
titolo immaginifico Canti della
stagione alta; solo recente-
mente sono usciti dall’ombra
quello per violoncello, grazie
all’impegno di Silvia Chiesa
e quello per violino riattivato
con forte segno da Crtomir
Siskovic ed ora con questo di-
sco quello per arpa, scritto da
un Pizzetti prossimo agli ot-
tant’anni per l’insigne arpista
Clelia Gatti Aldrovandi che lo
tenne a battesimo alla Scala
l’11 ottobre del 1960, sotto la
direzione di Fernando Previta-
li. Rispetto al clima angoscio-
so della Sinfonia, “sinfonia del
tempo di guerra”, il Concerto
è percorso da una scorrevole
freschezza che smussa la sen-
sazione di una presenza ma-
nieristica. Molto apprezzabile
l’esecuzione.
 Gian Paolo Minardi
Lekeu
Integrale dell’opera
interpretivari
direttorePierre Bartholomée
orchestra Philharmonique de
Liège
8 cd Ricercar Ric 351
prezzo 35

A l nome del composito-
re belga ottocentesco
Guillaume Lekeu si associa
invariabilmente quello di un
assai più illustre compagno
d’arte ovvero Marcel Proust, e
il perché è presto detto: nella
seconda parte, Un amour de
Swann, del primo tomo del-
la Recherche il protagonista
Charles s’infiamma della mu-
sica di una Sonata per piano-
forte e violino (sic) di tale Vin-
teuil e per il tramite di quella
musica di forte envergure
sensuale egli inizia il proprio
corteggiamento a Odette de
Crècy. Orbene, non pochi han-
no sospettato essere l’immagi-
naria Sonata di Vinteuil identi-
ficabile con l’analogo prodotto
di Lekeu, quella Sonata in sol
maggiore che rimane l’unico
lavoro di relativa notorietà del
quasi ignoto Belga. Proust ne
fu dunque tramite involontario
sebbene non lo nomini mai nel
suo grande romanzo; e sebbe-
ne anche altri compositori, vedi
almeno Franck e Saint-Saëns,
siano stati a turno indicati
quali ispiratori dell’inesistente
Vinteuil, il nome di Lekeu pare
potersi dire il più accreditato
a farsi riconoscere quale alter
ego del proustiano Vinteuil
per via di un non esiguo trat-
to distintivo, l’adozione della
cosiddetta “petite phrase” che
tanta parte ha nell’integrale
della sua opera.
Preambolo non vano accioc-
ché meglio s’intenda la pre-
senza di Lekeu nel paesaggio
della musica occidentale del
secolo decimonono. L’occa-
sione è offerta dall’editrice
Ricercar che ha di recente
pubblicato in otto cd l’inte-
grale dei lavori compiuti di
Lekeu affidandola a un nutrito
drappello di esecutori e facen-
do sì che infine si prenda
cognizione di un autore il cui
nome ci coglie impreparati
affatto a dirimerne i contenuti
così come a volte vanno i fatti
del mondo. Lekeu era nato in
Vallonia, a Heuzy, Verviers, nel
1870 e sarebbe morto di tifo la
miseria di ventiquattro anni
più tardi ad Angers nel 1894,
ma in vita avrebbe goduto di
paternità artistiche quali quel-
le di Franck e d’Indy e di ami-
cizie influenti nel suo destino
d’artista come quelle del violi-
nista Eugène Ysaÿe. Trattasi di
produzione musicale in gran
prevalenza cameristica con
rare (e non decisive) escursio-
ni nel sinfonico che potrem-
mo incasellare, ma senza farci
prendere dallo stereotipo, nel
campo del franckismo e altresì
in quello della musica tede-
sca, con riferimento precipuo
a Wagner. Pure il giovanotto,
il quale fu sovente accusato
di maladresse compositiva
per via dell’esigua conoscen-
za degli strumenti, aveva idee
personali non sottovalutabili
come si scopre all’ascolto; e se
i campi d’elezione erano certa-
mente quelli descritti su di essi
ebbe sovente la meglio l’origi-
nalità di tratto che ne svela la
natura interiore anche a svan-
taggio dell’ipercromatismo
sovente abusato. Per curioso
che sia alle tante composizioni
di ampio respiro (il Quartetto
per archi esibisce movimenti
in numero di sette), si alterna-
no più spesso pezzi per piano,
per violino e piano (esemplare
la Sonata per vlc. e piano, tra le
opere di più avanzato linguag-
gio) ai quali pare di poter as-
segnare invece la supremazia
perché ivi si rinuncia a quella
esuberanza dell’eloquio che
è sovente tradita dall’enfasi
(vedi i lavori con orchestra),
per delineare un più ristretto
campo di valori espressivi. È il
caso di opere quali, ad esem-
pio, la breve Berceuse et Valse
per pianoforte che memorizza
una celebre frase gounodiana
variandone con talento i tratti,
o la splendida Méditation per
quartetto d’archi; o ancora la
citata Sonata per violoncello e
piano nella quale si ammira la
spregiudicatezza del dialogo
fra i due strumenti, il Trio in
do minore per vl, vlc e pf, i Tre
pezzi per piano nel cui terzo
tempo, Danse joyeuse viene
alla luce uno dei rarissimi mo-
menti di gioia del musicista.
Ciò per una enumerazione mi-
nima a beneficio del lettore già
che troppo spazio imporrebbe
una elencazione della moltitu-
dine di opere di questo auto-
re abbastanza al di fuori degli
schemi consueti.
Dicevo dei tratti di migliore
originalità di Lekeu, e ciò detto
andrà almeno specificato in che
essi trovino la loro consistenza
e, se si vuole, il loro limite. Due
sono in sostanza quelli assolu-
tamente peculiari: la mestizia
di fondo che si enuclea dalle
note e dall’andamento, quasi
costui fosse presago di quanto
poco egli fosse gradito agli dèi,
e l’adozione in ciascuna delle
sue musiche del concetto già
menzionato di “petite phra-
se”. Vuol dirsi che Lekeu non
ha la forza o forse la volontà di
prodursi in ampi spazi privile-
giando quasi costantemente
il frammento ed eleggendolo
a motore della sua ricerca sul
linguaggio, che è certo domi-
nata dall’ipercromatismo che
era al tempo legge per i fran-
ckiani e i wagneriani ma che
viene spesso superata dall’alto
di una visione personale af-
fatto del modo di condurre il
discorso musicale. Le scarse
notizie che si hanno della sua
vita, trascorsa tra il Belgio na-
tale e Parigi, sono compensate
dall’abbondanza dell’epistola-
rio di cui il cofanetto Ricercar
ci dona vasta sintesi nella am-
pia stesura delle note di Jéro-
me Lejeune; ed ivi è possibile
recuperare qua e là quello che

fu l’afflato maggiore del Belga,
ovvero corrispondere all’avan-
zamento del linguaggio con il
suo personalissimo senso del
comporre.
Era quasi inevitabile che que-
sta nota di recensione sostasse
assai più del previsto sulle ca-
ratteristiche del personaggio
Lekeu, vista la di lui lontanan-
za da qualsivoglia concetto di
notorietà. Ma rimane qualche
spazio per dire della folta com-
pagine di interpreti destinati a
celebrarne i fasti postumi. La
Ricercar ha fatto di tutto per
esibirne le musiche col massi-
mo di possibile veridicità; e se
alcuni di costoro, a me quasi
del tutto ignoti, hanno preva-
lente presenza, si dice dell’ot-
timo pianista Luc Devos, del
violoncellista Luc Dewez, del
Quartetto d’archi Camerata
e infine dell’Orchestre Philar-
monique de Liège diretta da
Pierre Bartholomée, quasi tutti
hanno bastevole stoffa a suf-
fragare la scelta dell’editrice.
Farò un ulteriore cenno per le
voci che si impegnano nella
diffusione delle poche (non es-
senziali) liriche da camera, ma
soprattutto per dar il giusto ti-
tolo di merito ai soprani Greta
De Reyghere, ammirevole in
CD&dvd recensioni
un Plaint d’Andromède, e Dy- stesso interprete Altstaedt,
nah Briant che interpreta con il violoncello “si trasforma in
bello squillo quella giovanilis- violino, flauto, strumento a
sima Andromède con la quale percussione”. Say conosce
Lekeu ottenne il secondo pre- bene come sfruttare al mas-
mio al Prix de Rome del 1891. simo questi effetti, possibili
Le registrazioni sono tutte di su uno strumento che non è il
ottimo livello. suo, e riesce in questo caso a
Aldo Nicastro meritare il pieno supporto del
proprio partner in una sonata
Say, Debussy che si ricorda certo più per
Sostakovic queste caratteristiche timbri-
Sonate per violoncello che che per una precisa co-
e pianoforte struzione formale. Tanto che
violoncello Nicolas Altstaedt la Sonata di Debussy sembra
pianoforte Fazil Say al confronto essere conquista
cd Warner 0190295867249 musicale più recente (è stata
17,70
prezzo composta cent’anni prima) e
 molto più interessante sotto
tutti i punti di vista, nonché
lavoro dove l’autore non è cer-
to da meno nell’individuare le
possibilità timbriche del vio-
loncello. Fazil Say è pianista
che spesso dà il meglio di sé
nel repertorio classico e che
tende a strafare – soprattutto
in pubblico – quando si lascia
Itrolriferisce
titolo del cd è “4 Cities” e si
alla sonata in quat-
movimenti di Say dedicata
andare a effetti di gusto non
propriamente sopraffino. Ed
è ancora più controllato (nel
ad altrettanti luoghi della sua senso migliore del termine)
Turchia (Sivas, Hopa, Anka- quando suona a fianco di vali-
ra, Bodrum). Nella Sonata si dissimi partner, come è il caso
ascoltano preziosi effetti tim- di questo disco. Ne escono
brici per i quali, a detta dello letture molto belle e ispirate
dei capolavori di Debussy e
Sostakovic, cui si aggiungono
i quattro momenti di Prohád-
ka di Janácek, che in quanto a
importanza non sono certo da
meno. I due prediligono i toni
smussati e lirici, attingendo
entrambi a una notevole ma-
estria nell’evocare atmosfere
sonore preziose.
Luca Chierici
Poulenc, Ravel
Stravinskij
Prokofiev
Composizioni per violino
e pianoforte
violino Alessio Bidoli
pianoforte Bruno Canino
cd Warner 5054197638428
17,70
prezzo

L’ attacco della Sonata per
65
violino e pianoforte di
Poulenc (Allegro con fuoco) è
di quelli che lasciano il segno.
E chiarisce immediatamente
recensioni CD&dvd
il gusto e l’acume musicale di
Alessio Bidoli e Bruno Canino
nell’affrontare alcune pagine
del primo Novecento francese
e russo. Il violinista milanese,
allievo di Gigino Maestri, Pier-
re Amoyal, Salvatore Accardo,
Pavel Berman, Oleksandr Sem-
chuk, sfrutta il suo strumento
(uno Stefano Scarampella del
1902) per dipanare linee asciut-
te, secche, quasi legnose, senza
svenevolezze. Ma, in perfetta
sintonia con Canino, riesce a
imprimere un carattere inten-
samente espressivo ai motivi
cantabili del primo movimen-
to; a cogliere le venature iberi-
che e il sentimento di nostalgia
che pervade l’Intermezzo (Très
lente et calme), che reca la ci-
tazione di un verso di Garcia
Lorca (alla cui memoria è de-
dicata la sonata); a sottolineare
il carattere drammatico, quasi
teatrale, del finale (Presto tra-
gico), che evoca la cattura e la
fucilazione del giovane poeta.
Lo stesso tratto interpretativo
(complice anche una presa del
suono molto presente, poco ri-
verberata) caratterizza anche
altre pagine registrate nel cd,
tutte interpretate con un gesto
graffiante, molto moderno, e
con ricercata varietà di colori:
la Tzigane di Ravel, la Suite ita-
lianne (versione 1933) di Stra-
vinskij, tre pezzi dall’Uccello di
Fuoco, e le Cinq Mélodies op.
35 che Prokofiev trascrisse per
violino e pianoforte su sugge-
rimento del violinista Pawel
Kochanski.
 Gianluigi Mattietti
Haydn, Frescobaldi
Concerti e musiche
per organo
organo e direttore Maria Grazia
Amoruso
orchestra Mainzer Kammerolr-
chester
2 cd DeVega 1135-1136
prezzo d. d.

U n bel libro di Egidio Bono-
mi, edito dalla genovese
De Ferrari, ci offre l’opportunità
di ritrovare l’immagine di una
personalità complessa e ricca
quale quella di Giorgio Questa,
il grande organista scomparso
nel 2010 nonché geniale or-
ganaro. Si era infatti costruito
uno strumento che conservas-
se i caratteri dell’organo italia-
no tra Cinque e Seicento, a tra-
smissione meccanica, ma che
fosse trasportabile, uno stru-
mento “portativo” dunque, che
avesse la potenza degli organi
rinascimentali, con le canne
interamente di legno, il pino di
Svezia e il castagno francese,
senza che questo togliesse al
suono la brillantezza argenti-
na delle canne di metallo. Uno
strumento affascinante, ri-
spondente alle intuizioni mu-
sicali di Questa in quella rara
integrazione tra artigianalità e
sublimazione che era propria
del personaggio, ben colta da
Pinzauti nel riconoscere come
la sapienza manuale di Que-
sta desse la sensazione “di
ritrovare di continuo l’essen-
zialità dell’espressione come
del ‘divertimento’, il gusto
della meraviglia seicentesca e
insieme l’umiltà di un antico
servizio musicale di carattere
comunitario”.
Una delle preoccupazioni
di Questa nasceva dalla ne-
cessità che la voce del suo
strumento non si spegnesse
con la sua scomparsa: timore
smentito, grazie all’impegno
di Maria Grazia Amoruso che,
ufficialmente curatrice del
prezioso strumento, è la de-
positaria più qualificata nel
senso che di Questa ha segui-
to la lezione assimilando quei
principi che lo avevano guida-
to nell’esplorazione del mondo
frescobaldiano ma pure in al-
tre direzioni che Questa aveva
indagato; come l’attenzione
per i Concerti di Haydn, opere
che rispecchiano il panorama
viennese di quella stagione
ancora intonata alla galanterie
e mostrano un’attenta consi-
derazione per l’articolazione
formale consolidata dalla prati-
ca, offrendo alcuni di quei trat-
ti di sensibilità che si libererà
in tutta la sua ricchezza e con
ben altra urgenza nel tumul-
tuoso periodo della sua prima
maturità, toccata dall’este-
tica dello Sturm und Drang.
Caratteri che ha ben colto la
Amoruso nei quattro Concerti
realizzati insieme alla Mainzer
Kammerorchester, esecuzioni
accompagnate da altre pagi-
ne organistiche di Frescobaldi
ed altri autori appartenenti al
mondo di Questa. Con dedi-
zione, passione e sensibilità la
Amoruso fa rivivere sul picco-
lo organo ligneo che amorosa-
mente custodisce la voce del
Maestro.
 Gian Paolo Minardi
pianoforte
Ciaikovskij
Le stagioni op. 37b
Sonata op. 37
pianoforte Nikolai Luganski
cd Naïve AM215
18,40
prezzo

N on c’è pianista vivente,
soprattutto se di origine
russa, che non abbia in testa
l’interpretazione della Sonata
in sol maggiore di Ciaikovskij
quale è stata consegnata al
disco da Sviatoslav Richter,
ma dopo di lui la Sonata è
stata affrontata con successo
da molti altri strumentisti ag-
guerriti che hanno sviscerato
in lungo e in largo un testo
che a dire il vero non tollera
interpretazioni così diverse
tra loro. Luganski si lamenta,
nell’intervista riportata nelle
note di copertina del disco,
della scarsa efficacia della
scrittura pianistica dell’au-
tore: è vero che Ciaikovskij
non era un concertista come
poteva esserlo Anton Rubin-
stein o come potrà esserlo
Rachmaninov, ma la sua pro-
duzione pianistica è vasta e
non certo trascurabile. Come
nel caso di Musorgskij, la
scrittura di Ciaikovskij va
letta tra le righe e, pur senza
toccare il testo scritto, l’ese-
cutore può giocare a proprio
agio con i timbri, i colori, le
dinamiche del fraseggio.
Luganski è un pianista di
prima classe, per il quale
non esistono certo proble-
mi tecnici, e restituisce una
lettura impeccabile dell’op.
37. Possiamo solamente no-
tare che l’ascolto radiofonico
della stessa sonata durante
un recital tenuto dal piani-
sta a Vienna un paio di anni
fa rendeva al meglio le qua-
lità di un interprete che, dal
vivo, dà secondo noi il me-
glio di sé. Anche il ciclo de
Le stagioni subisce di questi
tempi un assalto imprevi-
sto da parte dei concertisti
e delle case discografiche,
e ancora in questo caso Lu-
ganski si dimostra interprete
sensibilissimo, che rilegge la
nostalgia per una Russia tar-
do ottocentesca in via mol-
to mediata, come se stesse
ascoltando qualche racconto
di un vecchissimo superstite
di un’epoca remota.
Luca Chierici
Beethoven
Variazioni Diabelli
op. 120
Arie nazionali variate
op. 105
pianoforte Ronald Brautigam
cd Bis 1943
prezzo d. d.

A più riprese ci siamo oc-
cupati della integrale in
fieri che il pianista Ronald
Brautigam va incidendo per
la Bis, e lo abbiamo fatto
sempre in termini elogiativi,
anche quando i testi affron-
tati non mancavano certo di
richiamare esempi famosis-
simi del passato e del pre-
sente. Il quindicesimo volu-
me dell’impresa tira in causa
un pezzo da novanta come le
Variazioni Diabelli e le abbi-
na alle Arie nazionali dell’op.
105 di raro ascolto, uno dei
tanti esempi del tardo Be-
ethoven che - pur attratto
da facili introiti offerti dagli
editori - trasformava in oro
tutto ciò che toccava. Prose-
guendo la propria ricerca di
strumenti adatti al repertorio
scelto, qui Brautigam utilizza
una copia di un Conrad Graf
del 1822, realizzata da Paul
McNulty nel 2007, strumen-
to simile a uno posseduto
da Beethoven nei suoi due
ultimi anni di vita. Il pianista
mantiene anche in questo
caso l’elevato standard dei
dischi precedenti, anche se
la sua lettura delle “Diabelli”
non si discosta per nulla dalla
tradizione e in certi punti (la
celestiale Fughetta) pecca di
eccessivo controllo a scapito
di una più libera e parteci-
pata espressività. Dell’opera
105 più che l’interpretazio-
ne conviene sottolineare
Ordina il tuo disco su
Novità e catalogo

l’importanza documentale.
Non dimentichiamo che in
pubblicazioni “integrali”
dell’opera pianistica beetho-
veniana, anche famose, que-
sto genere di composizioni
non era incluso.
L.C.
Two Pianos
Aperghis, Castiglioni
Dudourt, Ligeti, Sciarrino
duo pianistico Alfonso Alberti e
Anna D’Errico
cd Stradivarius STR37058
14,90
prezzo

“I ncantare il tempo, abo-
lire il suo trascorrere,
chiuderlo nell’istante”, era
il sottile rovello che sospin-
geva la creatività di Ligeti,
musica come tempo ragge-
lato appunto, motivo che può
accompagnarci come filo
conduttore lungo l’ascolto di
questo avvincente disco rea-
lizzato per la Stradivarius da
Alfonso Alberti e Anna D’Er-
rico, due pianisti di cui si è
avuto altre occasioni per ap-
prezzare singolarmente quel
talento che ora trova un suo
fuoco particolarmente incisi-
vo nella più stringente eco-
nomia del duo pianistico. La
suggestione del “tempo rag-
gelato” diventa infatti lam-
pante in quel capolavoro che
è il grande trittico per due
pianoforti di Ligeti nel modo
con cui il senso della fissità
viene declinato dal grande
musicista in atteggiamen-
ti che dalla dichiaratività
accordale del primo brano,
Monumentum, si polveriz-
za nel brulichio minimalista
di Reich e Riley calamitato
dall’enigmatico finale della
Sonata di Chopin. Brulichio
sonoro in cui si perdeva tra
l’affiorare di tante memorie
la fantasia del precocissi-
mo Sciarrino la cui Sonata
a quattro mani vede ora la
prima registrazione mondia-
le, occasione più che stuzzi-
cante per risalire alle origini
di una visione così singolare
come quella dalla quale il
compositore siciliano conti-
nua a trarre nuove sorpren-
denti luci. Il quadro compo-
sto da Alberti e dalla D’Errico
si allarga sul versante di
quella stralunata teatralità di
Aperghis che gioca con due
personaggi quasi uguali, che
si confrontano a vicenda, in
maniera subliminale, per far-
si abbacinante nel brano di
Dufourt Sole di preda, dove
i fantasmi raveliani (Oise-
aux tristes) e debussyani (De
pas sur la neige) sembrano
oscuri moventi di una dram-
matica immobilità. Infine
l’approdo, solo in apparenza,
rasserenante all’Omaggio ad
Edvard Grieg di Castiglioni,
autore prediletto da Alberti
che al musicista ha dedicato
un acutissimo studio, rive-
latore di un poeta, fornito di
una tecnica appuntita che
gli consentiva di dar forme
sensibilissime ai propri fan-
tasmi, sempre aleggianti tra
un lirismo trattenuto e una
ironia un po’ sibillina da in-
durre a pensare ai favolosi
viaggi intrapresi sul piccolo
foglio da Klee o ai più liberi
intrichi ricreati da Wols con
il suo bulino dai tratti infi-
nitesimali. I due esecutori
ci conducono nel cuore di
questo mondo segreto dove
si rinnova il fascino dell’in-
fanzia, nella forbitezza del
segno incarnato in un vir-
tuosismo di rara sottigliezza,
ma soprattutto nell’evocare
quella dimensione di raccol-
ta intimità, di Gemütlichkeit
propria a quella cultura au-
striaca, da Schubert a Mahler
a Webern, cui Castiglioni era
nativamente legato.
 Gian Paolo Minardi
Brahms
Danze ungheresi n. 11-21
Grieg
Danze norvegesi op. 35
Dvorák
Danze slave op. 46
duo pianistico Claire Chevallier,
Jos Van Immerseel
cd Alpha-Classics ALPHA 282
prezzo 18

P er cercare di differenziare
il valore editoriale di que-
sto cd, il cui contenuto non
è certo insolito, i due pianisti
hanno scelto uno strumen-
to d’epoca (Bechstein del
1870) e una selezione delle
Danze ungheresi di Brahms
tra le meno eseguite, quelle
CD&dvd recensioni
che vanno dalla n. 11 alla 21.
Meno eseguite non perché
meno belle (di Brahms sem-
pre si tratta) ma innegabil-
mente mancanti di richiami
famosi come quelli che si tro-
vano nella prima parte della
raccolta. Parliamo di esecu-
zioni certamente di pregio,
ma forse fin troppo misurate
ed eleganti. Lo stesso dicasi
nelle non meno stuzzicanti
Quattro danze norvegesi di
Grieg (che qui diventano tre,
non si sa bene per quale mo-
tivo) altro esempio di come
la letteratura di questo tipo
fosse così diffusa nel dician-
novesimo secolo, e ancora
lontana dalla richiesta di vir-
tuosismi che escluderanno
definitivamente dall’agone
i pianisti non professionisti.
Chevallier e Immerseel si
sciolgono un poco nell’ap-
proccio a Dvorák, dove que-
sta volta la raccolta dell’op.
46 viene affrontata per inte-
ro, quasi che i due voglia-
no sottolineare una propria
preferenza per una serie di
danze che si distinguono per
brio e buonumore.
Luca Chierici
Mozart
Sonata K 533
Clementi
Sonata op. 40 n. 2
Beethoven
Sonata op. 54
Ferrari
Sonata op. 10 n. 3
fortepiano Antonio Piricone
cd Ayos Raritas AY-RA03
prezzo 18,30

A ntonio Piricone, classe
1977, è accompagnato in
questo cd dalle belle parole di
presentazione scritte da An-
dreas Staier, il famoso fortista
con il quale ha studiato per un
certo periodo (“…un musici-
sta genuino e sincero … con
una appassionata sensibilità
per la retorica musicale … un
vero artista”) . Le registrazioni
sono state effettuate a parti-
re da un fortepiano del 1826
uscito dalle mani di Carlo de
Meglio, famoso costruttore
napoletano del primo Otto-
cento. La scelta del repertorio
contraddice un poco il titolo
dell’etichetta (Ayos Raritas)
perché non si può certo dire
che le sonate scelte per que-
sto disco - a parte quella di
Ferrari - siano di raro ascolto.
L’esecuzione della straordina-
ria K 533 è condotta con un
convincente senso di stupore
nei confronti della condotta
apparentemente rigida del
primo Allegro, delle straordi-
narie modulazioni del secon-
do movimento, dell’ineffabile
contrappunto del Rondò fina-
le, come se questo capolavoro
(era una delle poche cose di
Mozart che appartenevano
al repertorio del giovanissi-
mo Pollini) venisse riscoperto
seduta stante. La Sonata di
Clementi è meno convincente
perché tenuta spesso troppo
sottotono: si tratta senza dub-
bio di una grande pagina pre-
romantica, drammatica, piena
di pathos, e come tale deve es-
sere eseguita, anche rischian-
do - come faceva Berman - di
sottolineare troppo i caratteri
innovativi. Anche la Sonata
op. 54 di Beethoven risulta un
poco ingessata e l’attenzione
si sposta quindi verso l’inedi-
ta Sonata di Ferrari, pubblica-
67
ta a Londra e Parigi nei primi
anni dell’800 con dedica a
Clementi. Giovanni Gotifredo
Ferrari (1759 – 1842) nacque
a Rovereto ma si trasferì agli
inizi del XIX secolo a Londra,
dove morì a un’età ragguarde-
vole. Le tre sonate op. 10 non
vanno al di là di una piacevole
tenuta melodica (nell’Andan-
te con espressione) e di una
brillantezza piuttosto super-
ficiale nei movimenti estremi
(ma il Presto finale non è poi
così banale). Piricone mostra
una evidente predilezione per
questa sonata, e la comunica
attraverso una esecuzione vi-
vace e affettuosa.
 L.C.
antica
Tinctoris
Secret consolations
ensemble Le miroir de musique
cd Ricercar 380
prezzo 18

Johannes Tinctoris (c1435-
1511) è un insigne espo-
recensioni CD&dvd
nente di quella stagione
- trascorsa durante l’intero
Quattrocento - che sentì
l’Italia delle Corti risuonare
di polifonia scritta da mae-
stri franco-fiamminghi lucro-
samente arruolati per ampli-
ficare col canto il prestigio
dei loro signori (nel suo caso
Don Ferrante d’Aragona, re
di Napoli). Fino alla metà del
Novecento il nome di questo
musico è circolato essenzial-
mente per via dei trattati che
scrisse, intelligenti e utilissi-
mi per comprendere l’esteti-
ca musicale del suo tempo;
dopodiché, molto lentamen-
te, anche la cospicua musica
a lui ascrivibile, sopravvissu-
ta in importanti fonti come lo
Chansonnier Mellon e il Co-
dice di Segovia, è stata consi-
derata, studiata ed eseguita,
tanto che questo disco è solo
la terza monografia esistente,
dopo un vinile del 1962 e un
cd del 1997. Movimenti di
messa, mottetti e chanson
costituiscono l’ampio e pa-
noramico programma che,
descritto autorevolmente
nel booklet di David Fallows.
L’esecuzione del Miroir de
musique mette in rilievo una
certa nobiltà nell’incedere
di Tinctoris, caratterizzato
da morbide simmetrie nel
moto melodico (aspetto che
il disco permette di cogliere
anche a chi non abbia molti
Ordina il tuo disco su
Novità e catalogo
termini di paragone, presen-
tando la chanson “D’ung aul-
tre amer” – melodia più vol-
te intonata all’epoca – nella
versione del compositore in-
castonata tra un’intavolatura
di Francesco Spinacino e un
analogo brano di Alexander
Agricola (autore di vent’anni
più giovane).
Carlo Fiore
Cifras imaginarias
vihuelaAriel Abramovich e
Jacob Heringman
cd Arcana 428
prezzo 18

L a vihuela è uno strumento
assimilabile parzialmente
al liuto e parzialmente alla
chitarra, adoperato in Spa-
gna durante la prima metà
del Cinquecento e poi ab-
bandonato, le cui fonti, di
per sé limitate, che sono an-
cor meno se riferite al duo di
vihuele; Ariel Abramovich
e Jacob Heringman hanno
quindi deciso di rimpingua-
re il repertorio sostituendo
a quel che la storia ha in-
ghiottito un gruppo di nuove
intavolature (cioè brani vo-
cali trascritti per strumento
com’era all’epoca uso pre-
valente) fatte da polifonie di
autori paradigmatici: da Jo-
squin a Cabezon, da Verdelot
a Sermisy. L’esercizio non è
arbitrario, perché la prassi
dell’intavolatura s’insegna
ancora oggi nelle scuole di
liuto e cembalo, e risulta
estremamente bilanciato e
“cameristico”, con una cer-
ta tendenza alla didascalia
(cioè al far “sentire” il profi-
lo delle melodie di partenza)
più che al gioco di scoperta
sullo strumento che in certi
momenti si preferirebbe in-
dulgesse di più nell’abban-
dono, nella tensione ritmica,
nell’estro ornamentale.
Carlo Fiore
Stradella
Santa Pelagia
interpreti R. Mameli, R. Pe, L.
Cervoni, S. Foresti
direttore Andrea De Carlo
ensemble Mare Nostrum
cd Arcana A 431
18
prezzo

P rosegue con l’oratorio
Santa Pelagia il “proget-
to Stradella” dell’Ensemble
Mare Nostrum diretto da An-
drea De Carlo, un progetto
del massimo interesse, per-
ché tra i grandi del Seicento
Alessandro Stradella (1639-
1682) è forse quello che of-
fre la maggior quantità di
meraviglie da riscoprire. Ne
è conferma Santa Pelagia,
oratorio di cui non conoscia-
mo né la data, né l’autore del
libretto. L’unica copia mano-
scritta conservata a Modena
sembra dovuta a un copista
romano: in tal caso l’oratorio
dovrebbe essere anteriore al
1677, l’anno in cui Stradella
lasciò Roma per Venezia, e
il testo potrebbe essere del
principe romano Lelio Orsi-
ni. L’edificante vicenda ac-
cenna alla conversione della
bella Pelagia, danzatrice di
Antiochia, ad opera del ve-
scovo Nonno, mostrando il
conflitto tra personaggi sim-
bolici, la Religione e il Mon-
do. Andrea De Carlo dubita
della autenticità della Sin-
fonia e di alcune parti stru-
mentali (due violini e viola)
contenute nel manoscritto
modenese, e ha preferito non
eseguirle anche perché esi-
ste una registrazione Stradi-
varius che segue in tutto e
per tutto questa unica fonte.
In ogni caso l’invenzione
delle numerose brevi arie,
accompagnate solo da una
grande varietà di strumen-
ti per il basso continuo, è
sempre varia e affascinante,
e anche i recitativi rivelano
grande interesse. Roberta
Mameli è Pelagia, Raffae-
le Pe la Religione, il tenore
Luca Cervoni è il vescovo
Nonno e il baritono Sergio
Foresti il Mondo: tutti offrono
prove pienamente persuasi-
ve, come l’ensemble guidato
da De Carlo.
 Paolo Petazzi

“La croccantezza di una cialda fragrante e la

morbidezza di un cuscino di piume” C

Izione
l liuto rinascimentale italiano (a sei senza titolo e battezzati dallo stesso Y

“cori”, cioè corde accoppiate, a ecce- Smith, contiene composizioni di John

CM
della prima che è singola) e il liu- Johnson, Anthony Holborne e John
to elisabettiano (a otto) sono le più effi- Dowland (qui indicati in crescendo di MY

caci macchine del tempo che la civiltà significato storico in seno al repertorio
CY
occidentale abbia inventato. Se suonati e alla resa sullo strumento). Bravura:
con bravura, intimità e profonda cavata districarsi con agio e leggerezza tra CMY

riescono a trasportare davvero il suo- posizioni impervie della mano sinistra

natore e gli ascoltatori che gli stiano
vicini (in senso stretto, cioè a poca
distanza reale e simbolica, con l’orec-
chio, con la mente e col cuore) in una
stanza dell’Italia delle Corti o in una in-
glese all’alba del Seicento. Al secondo
traguardo spazio-temporale punta l’ul-
tima antologia registrata da Hopkin-
son Smith, autorevolissimo decano del
liuto internazionale. Il programma, che
prende spunto da alcuni brani traditi
K
e minute inflessioni dell’accordatura una gamma dinamica ed un’intensità
(all’epoca non ancora basata sul “tem- espressiva ampia che mantenga udi-
perato equabile”, cioè sulla divisione bile il suono più tenue e non volga in
dell’ottava in dodici semitoni uguali) rumoroso fracasso quello più energico.
necessarie per dare il giusto respiro a Carlo Fiore
ogni tonalità; intimità: far cantare, far
parlare, far ballare o lasciar sognare Mad Dog
la musica, certo… ma anche darle la liuto Hopkinsn Smith
croccantezza di una cialda fragrante e cd Naïve 8940
la morbidezza di un cuscino di piume; prezzo 18,40
profonda cavata: riuscire a produrre 

Clicca sul cd per ascoltare l’anteprima

PLUS

Il cembalo (nelle forme del ricercare e
di Partenope della fantasia). Oltre a illu-
clavicembalo Catalina Vicens strare un esemplare organo-
cd Carpe Diem Records 16312 logico e a presentare le buone
prezzo 18 doti musicali dell’esecutrice,
 questo disco permette di ri-
flettere su una costante sto-
rica: per fare musica davvero
nuova (come lo era questo
repertorio cinquecento anni
fa) ci vogliono, sine qua non,
strumenti e suoni nuovi (e
proprio da quegli anni ebbe
inizio in Italia una florida sta-
gione di maestri della tastie-
V ermillon, cittadina di die-
cimila abitanti del South
Dakota, che si divide tra vo-
ra); è vero per il clavicembalo
all’inizio del Cinquecento
come per l’elettronica oggi.
cazione rurale e vita acca- Carlo Fiore
demica dell’ateneo statale, Buxtehude
ospita anche un museo degli Sonate a tre op. 1
strumenti musicali che vanta violinoSophie Gent
un clavicembalo di fattura viola da gamba Jonathan
napoletana databile 1525 ac- Manson
creditato come il più antico cembalo e direzione Jonathan
esemplare ancora suonabile. Cohen
Il suono leggero e trasparen-
te di questo strumento viene
documentato da Catalina
liuto Thomas Dunford
cd Alpha 367
prezzo 18
Vicens tramite un’antologia 
tratta da fonti tastieristiche
italiane del primo Cinque- Ordina il tuo disco su
cento, contenenti sia inta-
volature di brani vocali sia
composizioni di vocazione
schiettamente strumentale
Novità e catalogo
Daniele Rustioni
direttore principale
Gile Bae Nemanja Radulovic
Lorenza Borrani Beatrice Rana
Michele Campanella Donato Renzetti
Alessandro Carbonare Anthony Romaniuk
Francesca Dego Federico Maria Sardelli
Enrico Dindo Ksenija Sidorova
Maxim Emelyanychev Roman Simović
Ryan McAdams Dmitry Sitkovetsky
Chiara Morandi Alessandro Taverna
Eiji Oue
George Pehlivanian Orchestra da Camera di Mantova
Nicola Piovani Conservatori della Toscana
YO-YO Youth Orchestra Youth ORT
CD&dvd recensioni
L e sette Sonate a tre che
Buxtehude (1637-1707)
diede alle stampe come op. 1
a Lubecca nel 1694 non han-
no nulla a che fare con quelle
italiane: sono destinate a vio-
lino e viola da gamba e si ar-
ticolano in una successione
di tempi che prescinde (con
una eccezione) dalle forme
di danza della sonata da ca-
mera e si differenzia anche
dalla articolazione consueta
della sonata da chiesa, al-
ternando a suo modo tempi
lenti e veloci, e stile con-
trappuntistico, o cantabile, o
momenti improvvisatori. La
combinazione violino-viola
da gamba crea situazioni so-
nore interessanti e inconsue-
te, nel dialogare tra strumen-
ti dal timbro e dalla tecnica
differenti e nei momenti di
fusione. Nell’insieme offrono
un’idea interessante di un
aspetto del geniale musici-
STAGIONE CONCERTISTICA
www.orchestradellatoscana.it
sta che Bach aveva sentito il
bisogno di andare ad ascol-
tare a Lubecca. Pienamente
persuasiva l’interpretazione
del complesso “Arcangelo”
diretto da Jonathan Cohen,
che suona anche il clavicem-
balo.
 Paolo Petazzi
Clarke, Purcell
Son of England
ensemble Le poème harmonique
direttore Vincent Dumestre
cd Alpha 285
18
prezzo

L a prematura scomparsa di
Henry Purcell, trentase-
ienne, sublime compositore,
addolorò profondamente l’alta
società londinese che gli tri-
butò solenni funerali e lo sep-
69
pellì addirittura nell’abbazia
di Westminster. Fra le compo-
sizioni che vennero eseguite
per l’occasione, anche un’ode
XXXVII
2017 / 18
Direttore artistico
Giorgio Battistelli
Con il contributo di
recensioni CD&dvd
di Jeremiah Clarke, che ben
s’ispira all’Orfeo Britannico
perché non risuona di morte
ma accompagna soavemen-
te uno spirito nell’aldilà; a
questa composizione di cir-
costanza, utile a conoscere
meglio la prima ricezione del
grande estinto, seguono le Fu-
neral Sentences e Welcome to
all Pleasures di Purcell, com-
posizioni invece di fortissima
trascendenza, intense ma leg-
giadre, e formalmente perfette
come solo alcuni “predestina-
ti” sanno fare (Pergolesi, Mo-
zart, Bellini, Mendellsohn…).
Vincent Dumestre, sensibile
interprete del lungo Seicento
(già apprezzato, per esempio,
in Monteverdi), guida il suo
Poème Harmonique insieme
al coro Les Cris de Paris in
una lettura contraddistinta
dalla misura e dalla tensione
in cui ogni spunto funebre
non si spinge mai nel terro-
re delle tenebre più oscure
(cosa che sarebbe opportuna
per la musica cattolica) ma
resta sempre illuminata da
una seppur tenue fiammella
di fiducia, tenuta in vita da grande perfezionista, Dutil-
un Paradiso che chi va via si leux si è ritagliato un ruolo di
è già guadagnato con la pro- “indipendente” nella storia
pria arte. della musica del XX secolo,
Carlo Fiore per la sua capacità di trovare
un equilibrio tra tradizione e
modernità, tra chiarezza tec-
contemporanea nica e fantasia inventiva, e di
creare una musica piena di
poesia, di straordinaria forza
Dutilleux evocativa. Lo dimostra già
Sinfonia n. 2 “Le Double” uno dei suoi primi capolavo-
Timbres, espace, ri, la Sinfonia n.2 (1955-59),
mouvement dove la struttura concertante
Mystère de l’instant (all’orchestra si contrappone
cimbalom Françoise Rivalland un gruppo da camera di 12
direttoreDarrell Ang strumenti) si traduce in un
orchestre National de Lille raffinato gioco di specchi, di
cd Naxos 8.573596 impasti traslucidi, di meta-
9,20
prezzo morfosi timbriche, permea-
 to di effetti poliritmici e di
movenze jazz. Un carattere
«mistico e cosmico», domina
invece in Timbres, Espace,
Mouvement (1978), partitu-
ra ispirata alla notte stellata
di Van Gogh e alla «vertigi-
nosa impressione di spazio
e di vuoto» che suscitò in
Dutilleux questo quadro. I
Maestro insuperato nella
scrittura orchestrale, e
due movimenti (Nebuleuse
e Constellations), collegati
da un Interludio, giocano su
una netta polarizzazione dei
timbri, su un colore orche-
strale molto particolare, per
l’assenza di violini e viole,
sulla spazializzazione del
suono, ottenuto disponendo
le varie famiglie strumentali
a semicerchio intorno al di-
rettore d’orchestra. In My-
stère de l’instant (1989) per
orchestra d’archi, cimbalom
e percussioni, Dutilleux co-
struisce la forma come una
successione di istantanee,
ciascuna con una specifica
“pasta” sonora. Istantanee
che evocano momenti ma-
gici e sfuggenti, senza alcun
nesso tematico o timbrico
tra loro (se non le sei note
ricavate dalle lettere del
nome Sacher). Darrell Ang,
giovane direttore di Singa-
pore, restituisce benissimo
la fluidità del gioco timbrico,
in tutti questi lavori. Rispet-
to ad altre interpretazioni, la
sua lettura appare più ani-
mata, brillante, piena di sen-
sualità.
 Gianluigi Mattietti

“Ogni frammento, ogni gesto ha l’intensità

visionaria di parole strappate ad un silenzio al
limite dell’afasia”

Q uesta stupenda antologia di opere

di Kurtág ha uno strano titolo di cui
non si capisce a quale inesistente “com-
pletezza” si riferisca; ma ciò conta poco.
Il sensibilissimo Reinbert de Leeuw con
gli eccellenti complessi olandesi Asko e
Schönberg Ensemble, con il coro della
radio olandese e pregevoli solisti pro-
pone in ordine cronologico un percorso
attraverso momenti tutti essenziali dello
scarno catalogo del compositore un-
gherese, dai Capricci op. 9 su testi di I.
Bálint (1959-70) ai Canti su poesie di J.
Pilinszky op. 11 (1975) ai Messaggi della
defunta signorina R.V. Trussova op. 17
(1976-80) che nella interpretazione di
Boulez furono determinanti per farlo co-
noscere in Europa. Kurtág è sempre ri-
masto in una posizione di appartato iso-
lamento, lavorando con grande lentezza
e concentrazione. Il suo rapporto con la
nuova musica non escludeva un lega-
me profondo ma originale con la storia
e la tradizione, da Bach a Schumann a
Bartók a Webern. Inclassificabile nel
suo personalissimo microcosmo, Kurtág
è un poeta dei suoni che può racchiu-
dere verità espressive tra le più intense
in pagine di concentratissima brevità,
usando talvolta vocaboli molto semplici,
quasi note di diario che nelle sue mani
possono acquistare la forza visionaria
delle rivelazioni, sotto il segno di una
soggettività dolorosamente lacerata.
È difficile raccontare come nei migliori
dei suoi lavori vocali ogni frammento,
ogni gesto abbia l’intensità visionaria
di parole strappate ad un silenzio al li-
mite dell’afasia, di immagini folgoranti
di breve durata, accensioni liriche, lievi
arabeschi, che non perdono di intensità
e purezza nelle opere in cui Kurtág si è
aperto ad un respiro formale un poco più
ampio. Tra queste sono gli intensissimi
lavori per solisti e gruppi strumentali di-
spersi nello spazio: solista è la chitarra in
Grabstein für Stephan op. 15c (1978-79),
il pianoforte in …quasi una fantasia…
op. 27 n. 1 (1987-88), violoncello e pia-
noforte nel doppio concerto op. 27 n. 2
(1989-90) e una voce femminile grave in
Samuel Beckett: What is the Word op.
30 b (19919, basato sull’ultima poesia di
Beckett. Non erano mai state registrate
le cose più recenti che si ascoltano nel
terzo cd, i cori op. 18 (1980-94), le Poesie
di Anna Akhmatova op. 41 (1997-2008)
con la bravissima Natalia Zagorinskaja,
impegnata anche nell’op. 17, Colinda-
Balada op. 46 (2010) per tenore, coro e
complesso da camera, e Brefs Messages
op. 47 (2011) per piccolo complesso, che
come il lavoro immediatamente prece-
dente, basato su un testo popolare ro-
meno, recupera la memoria di inflessioni
modali e vocaboli del passato. In questo
straordinario percorso tutti gli interpreti
ci accompagnano con una cura e una
concentrazione degne di ogni elogio.
 Paolo Petazzi
Kurtág
Opere per ensemble e per coro
direttore Reinbert de Leeuw
ensemble Asko e Schönberg Ensemble
coro Netherlands Radio Choir
soprano Natalia Zagorinskaja
mezzosoprano Gerrie de Vries
tenore Yves Saelens
basso Harry van der Kamp
violoncello Jean-Guihen Queyras
chitarra Elliott Simpson
pianoforte Tamara Stefanovich
pianino Csaba Király
3 cd Ecm 2505-07
38,10
prezzo


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PLUS
recensioni letture letture recensioni

71
RECENSIONI dal vivo
Salisburgo
Mozart
La Clemenza di Tito
interpreti R. Thomas, G. Schultz,
C. Gansch, M. Crebassa, J. De Bique,
W. White
direttore Teodor Currentzis
orchestra MusicaAeterna of Perm
Opera
regia Peter Sellars
teatro Felsenreitschule
/
“Si tagliano i recitativi e un ter-
zetto per fare spazio a mezz’ora
di musica che con la Clemenza
non c’entra nulla”
A vviso ai naviganti del mon-
do dell’opera: preparatevi
a Barbieri di Siviglia con inser-
ti dei Péchés de vieillesse o a
Lucie intinte nell’inchiostro dei
quartetti donizettiani. Perché
pare che la velocità di compo-
sizione, se acclarata, autorizzi
gli interpreti a rimediare alla
fretta degli autori. Jordi Savall
aveva appena dato per mori-
bonda la musica classica, per-
ché gli interpreti non sono ab-
bastanza creativi, che arriva la
cura di Teodor Currentzis e Pe-
ter Sellars. La loro Clemenza di
Tito per il Festival di Salisburgo
Clemenza di Tito non è.
Composta in pochi giorni, l’ope-
ra è da costoro reputata imper-
ph Ruth Walz
fetta, dunque modificabile. Via
ovviamente molti recitativi
secchi (composti da Süssmayr,
dunque “noiosi”); ridotti pure
quelli accompagnati; tagliato
il terzetto capitale del secondo
atto. Si fa spazio a brani tratti
dalla Messa K 427 (Benedictus,
Laudamus Te, Kyrie, Qui tollis
peccata mundi), all’Adagio e
fuga K 546, alla Musica funebre
massonica K 477 (per la crona-
ca tutti in do minore): mezz’ora
di musica che con la Clemenza
non c’entra nulla. Non è solo
una questione normativa, di
astratta filologia, a lasciare in-
terdetti: s’interpreta ciò che è,
non quello che sarebbe potuto
essere. Ma è anche la quanti-
tà e qualità di inserzioni a non
concedere attenuanti. Tagliare
il grande recitativo accom-
pagnato di Tito nel secondo
atto, e privarlo del successivo
terzetto con Sesto e Publio,
significa spegnere la dialettica
interiore dell’Imperatore, il suo
rovello sulla necessità del per-
dono. Dare la “clemenza” per
scontata. E questo fa il paio
con un progetto registico di
Sellars dove Tito è l’alter ego di
Nelson Mandela, ovvero l’uni-
co presidente che ha portato
al governo chi ha attentato alla
sua stessa vita: il “concetto”
(della riconciliazione) divora il
personaggio. Non per niente
ai recitativi vengono preferiti
per lo più brani liturgici e ceri-
moniali. Sellars da ultimo ama
mettere in scena oratori e Pas-
sioni. Anche qui alla dramma-
tizzazione preferisce la com-
miserazione.
Per il resto, com’è eseguita,
allestita, interpretata questa
(non) Clemenza? Benissimo.
Currentzis scardina le conven-
zioni dell’opera seria metasta-
siana. C’è ancora qualcuno che
crede nella volontà mozartiana
di restaurarle? Si spera di no: il
suo progetto era di riforma ra-
dicale. Il direttore greco - molto
atteso, con Sellars, come porta
bandiera della nuova Salisbur-
go erede della stagione di Mor-
tier, e alla fine applauditissimo
- sospende l’idea di un tactus,
di una pulsazione, unica, co-
stante. E modella lo scorrere
del tempo sulla parola-scena.
Nella stupenda ouverture, ese-
guita con lo strumentale nutri-
to e crepitante, irreprensibile,
di MusicaAeterna; nelle arie,
nei pezzi d’insieme, nei cori
palpitanti affidati al ensem-
ble vocale della sua Opera di
Perm. Rallentamenti estatici,
compulsive fughe in avanti,
pause tutte interiori modella-
no il discorso musicale inse-
guendo verità affettivo-rappre-
sentative toccanti. In questo
Mozart manca la misura, ma
non l’umanità. E la stessa cosa
potrebbe dirsi della capacità
di Sellars di tradurla nello spa-
zio. Si ricordano l’aria di Sesto
“Parto, Parto”, dialogizzata sul-
la scena col corpo a corpo tra
voce e clarinetto, emotivamen-
te dilaniante; il Campidoglio
con la folla raccolta in preghie-
ra dopo l’attentato a Tito, pron-
to a riempirsi - come insegna
il presente - di candele e fiori:
quegli stessi che non a caso
Vitellia strapperà al culmine di
“Non più fiori”; e l’ingresso di
Tito sul lettino di rianimazione,
capo di stato morente eppu-
re ostinato nella ricerca della
pace sociale. Meno limpida
la riduzione di Sesto in forein
fighter bianco in un mondo di
neri (con la inevitabile modifi-
ca dei “traditori” in “terroristi”),
laddove sono al contrario noti i
suoi dilemmi tra lealtà e amore.
Ed è forse proprio il tema su-
dafricano, con i romani tradotti
giocoforza in afroamericani,
che consegna un cast disugua-
le: a partire dal Tito intenso ma
scomposto di Russel Thomas,
per proseguire con le voci più
educate ma pigolanti di Golda
Schulz (Vitellia) e Jeanine De
Bique (Annio) e finire col ru-
vido basso giamaicano Willard
White (Publio): magnetico ge-
nerale “realista”, temporanea-
mente prestato a Mozart. Nella
minoranza bianca accolta dal
clan Mandela, la Servilia di
Christina Gansch, corretta, non
“La Clemenza di
Tito” di Mozart
al Festival di
Salisburgo

seduce tanto quanto Marianne orchestra della Magna Grecia
Crebassa, Sesto ammirevole regiaGiorgio Sangati
per emissione e indimentica- luogo Masseria Palesi
bile per peso espressivo, anche 
se indecifrabile. Ma si sa che a
Salisburgo l’italiano di Mozart Puccini
è solo un dettaglio... Gianni Schicchi
Andrea Estero interpreti D. Colaianni, C. Mattioda,
N. Losán, M. Kulikova
direttore Nikolas Nägele
Martina orchestra della Magna Grecia
regia Davide Garattini Raimondi
Franca teatro Chiostro di San Domenico
/
Meyerbeer
Margherita d’Anjou “Anche se - forse - è stato il so-
interpreti G. De Blasis, A. Carbotti, litamente bistrattato Giorno di
A. Rositskiy regno di Verdi a ottenere la con-
direttore Fabio Luisi sacrazione critico-esecutiva più
orchestra Internazionale d’Italia convincente”
regia Alessandro Talevi
teatro Palazzo Ducale
 N el secondo, lungo, fine set-
timana di programma il
43° Festival di Martina Franca
Verdi ha fatto una sorta di celebra-
Un giorno di regno tiva autoanalisi. Prima riper-
interpreti V. Priante, V. Miškunaité, correndo gli anni di nascita e
dal vivo RECENSIONI
didattici e “scientifici” pre-
veggenti e messi in gioco dal
calendario artistico dei suoi
festival non fossero affatto su-
perate.
Il filotto di proposte ha rimar-
cato il profilo fieramente ano-
malo della rassegna. Prime
moderne, riletture rivelatrici,
occasioni di ripensamento
esecutivo e critico. Con disin-
volti sconfinamenti di genere e
di secolo. I quattro giorni, e tre
luoghi diversi, l’offerta tende-
va un filo tra il Settecento agi-
le e garbato, goldonianamente
sorridente e moralisticamente
edificante delle Donne vendi-
cate di Piccinni (in masseria,
con alcuni allievi cantanti tra
cui il promettente Manuel
Amati, e la messa in scena di
Giorgio Santagati, col tridente
formativo Accademia Celletti/
Piccolo Teatro/Accademia del
Maggio Musicale Fiorentino)
e Gianni Schicchi ricreato nel-
Al cuore i due titoli più attesi,
per ragioni diverse rivelatori.
Occhi ovviamente puntati su
Margherita d’Anjou di Meyer-
beer, l’oramai irrinunciabile
prima teatrale moderna a Pa-
lazzo Ducale. L’opera del de-
butto scaligero (1820), quarta
italiana del 29enne composi-
tore, non s’era mai vista in pal-
coscenico dopo avere conqui-
stato pubblici diversi e essere
stata rigenerata in francese
nell’Ottocento. Vicenda semi-
seria, partitura concepita sen-
za soggezione seppur con evi-
denti debiti con i compositori
di casa, Margherita d’Anjou
da oggi non più un titolo solo
discografico. La cura di Fabio
Luisi, la buona distribuzione
vocale - la confusa vicenda
storico-picaresca ha bisogno
di almeno quattro prime par-
ti, e qui c’erano: Gaia Petrone,
Giulia De Blasis, Anton Rosit-
sky e Marco Filippo Romano

“Margherita
d’Anjou” di
Meyerbeer al

73
Festival della
Valle d’Itria

P. Kuban fecondazione con la presenza lo spazio cameristico (come - e la discreta tenuta com-
direttore Sesto Quatrini dei due storici mallevadori, Al- la non felice riduzione orche- plessiva (l’innesto martinese
orchestra Internazionale d’Italia berto Zedda e Rodolfo Celletti. strale) in uno scatenato mu- del Coro del Municipale di
regia Stefania Bonfadelli A quest’ultimo nel centenario sical o una fulminea sit-com Piacenza è stato un bel rega-
teatro Palazzo Ducale della nascita è stata dedicata d’oggi da Davide Garattini: lo) con parti di contorno ben
/ una due-giorni di riflessione col cameo protagonistico per- calibrate (Laurence Melke e
pubblica organizzata dalla fidamente preciso di Domeni- Bastina Thomas Kohl) ci ha la-
Piccinni Fondazione Grassi, in segno co Colaianni - una sorta di in- sciato un documento musica-
Le donne vendicate di gratitudine non banalmente quietante Cetto La Qualunque le che apre molte prospettive
interpreti M. Amati, I. Iaia, C. Sgura, celebrativa e nella convinzio- - a fare da chioccia e calamita critiche. Anche se - forse - è
B. Massaro ne - verificata e ribadita dalle a un’altra mietitura di allievi stato il solitamente bistratta-
direttore Ferdinando Sulla relazioni - che alcuni precetti martinesi e fiorentini. to Giorno di regno di Verdi
RECENSIONI dal vivo
a ottenere la consacrazione
critico-esecutiva più convin-
cente. Non tanto dal punto di
vista vocale, anche se la bra-
vura (e simpatia scenica) di
Vito Priante era medagliabile
e le qualità esplosive ancora
acerbe del tenore Ivan Ayon
Rivas andrebbero messe sot-
to tutela Unesco; quanto per
la concertazione e direzione
di Sesto Quatrini: sfavillante
e vertiginosa, teatralissima
e con una visione del palco-
scenico sorprendente per ef-
ficacia e maturità. In grado di
far capire senza tanti discorsi
teorici quanto Giorno di re-
gno non sia stato un passo
falso verdiano ma una peda-
na elastica (collocata davanti
all’asticella sbagliata, quella
dell’operismo comico).
Ultimo pensiero, gli spetta-
coli. Deliziosa l’idea di Ste-
fania Bonfadelli di mettere
il finto Stanislao del Giorno
su un palcoscenico occupa-
to di oggi (ahimé situazione
comune) dove un gruppo di
attori e cantanti comunque
lo mettono in scena. Contur-
bante, realizzata bene ma con
controindicazioni sul piano
della drammaturgia, quella di
Madeleine Boyd e Alessandro
Talevi per Margherita, che
ph. Alfredo-Tabocchini
hanno tradotto, proprio nel
senso di trasportato a forza, le
intricate vicende dinastiche
inglesi e la contesa tra York e
Lancaster nel feroce mondo
dell’alta moda.
Angelo Foletto
Macerata
Puccini
Turandot
interpreti I. Theorin, R. Park, D.
Rodriguez, A. Spina
direttore Pier Giorgio Morandi
progetto creativo Ricci / Forte
regia Stefano Ricci
orchestra Regionale delle Marche
arena Sferisterio

Boccadoro
Shi (si faccia)
interpreti S. Tangolo, R. Abbondan-
za, B. Taddia
pianoforti A. Rebaudengo, P. Gorini
ensemble di percussioni Tetraktis
teatro Lauro Rossi
/
“Questa Turandot è un racconto
complesso che non tradisce l’es-
senza, il ‘cuore’, dell’intenzioni
d’autore: la crudeltà, la violenza,
immersa in una situazione da fia-
ba, irreale e magica”
C’ era una volta una ragaz-
zina che gioca a fare la
principessa perché non vuole
crescere. Ha paura dell’amore.
Nel mondo della principessa di
gelo tutto è congelato in enormi
blocchi di giaccio: piante, fio-
ri, uomini. Soprattutto uomini.
Di qualunque età: al posto del
principino di Persia viene truci-
data un’intera scolaresca. Nelle
favole i bambini vengono impri-
gionati, mangiati, violentati dai
grandi. Qui sono immobiliz-
zati sotto teca: la principessa
odia la maternità.
La Turandot di Ricci/Forte che
ha scosso lo Sferisterio a colpi
di applausi, polemiche e sold
out è un fantasy contempora-
neo, popolato da figure inquie-
tanti e spaesate, estreme ma
familiari. Televisive e ancestrali.
Avete mai visto i loro spettaco-
li, disturbanti e poetici, violenti
ma sognanti? Questa Turandot
è una narrazione complessa ma
autentica che non tradisce l’es-
senza, il “cuore”, dell’intenzioni
d’autore: la crudeltà, la violenza,
immersa in una situazione da
fiaba, irreale e magica.
Non importa dunque, per dire,
se al posto di altri mammiferi
la delfina pechinese cavalca un
enorme orso polare. In quell’An-
tartide che è il suo cuore ci sta.
D’altra parte il linguaggio del
fantasy “speculativo” sembra
fatto apposta per scavare nel
profondo della psiche, dare
corpo ai traumi e visualizzare
metamorfosi. Nella scena degli
enigmi la fragile ragazzina di
ferro perde la parrucca da lady
perfettina, gli abiti e i gioielli da
regina disneyana e affronta il
disagio del suo primo ciclo. La
notte in cui “nessun dorma” è
un magico jardin féerique, con
fiori rossi enormi e fluttuanti,
da incubo. Solo quando avrà
“ucciso”, lei stessa, Liù - il suo
modello di donna santa e intan-
gibile - e dopo aver celebrato
il suo funerale sarà pronta per
amare. “Chi ha paura muore
ogni giorno”, dice lo striscione
che issa insieme ai suoi coeta-
nei ora diventati grandi: can-
tano Alfano, ma almeno citano
Shakespeare.
Il fisico matronale di Irene Te-
orin, certo, toglie credibilità a
un tale racconto scenico, però
la sua voce è indiscutibile: gli
acuti sono fendenti e lumino-
si, e la linea di canto propone
morbidezze improvvise e inten-
zioni liricizzanti da favola, per
quanto in lingua e pronuncia
indistinguibile e remota. Il Ca-
laf di Rudy Park è più squadra-
to, possiede lo squillo ma non
“Turandot” di
Puccini allo
Sferisterio di
Macerata

lo smalto, il piglio, il fascino
dell’eroe. E meglio di Liù (Da-
vinia Rodriguez), Timur (Ales-
sandro Spina), Altoum (Stefano
Pisani) - tutti e tre deboli, affa-
ticati - fanno le tre loquaci ma
affilate lingue delle maschere
(Andrea Porta, Gregory Bonfat-
ti, Marcello Nardis) impegnate
in fantasiosi giochi clowneschi
e surreali. Pier Giorgio Morandi
ha un’idea “raveliana” dell’ope-
ra, e la declina con andamenti
prudenti e un’attenzione spe-
ciale per i dettagli strumentali
e la magia di timbri puri, nuovi
per Puccini. Altre letture, più
compatte e “orchestrali”, non
gli sarebbero state consentite
da un Coro e Filarmonica mar-
chigiani - con diversi aggiunti
dell’ultim’ora, c’è da credere -
dal vivo RECENSIONI
così sfilacciati e imprecisi.
Dietro lo Sferisterio si trova via
Padre Matteo Ricci. Il gesuita
che nel Cinquecento portò il
Vangelo in Cina era di Mace-
rata. Così il festival sull’Oriente
operistico (Turandot, Aida, But-
terfly) gli ha dedicato molti in-
contri e una prima assoluta. Shi,
in cinese “si faccia”. Il libretto
di Cecilia Ligorio, davvero ben
“Shi” di
Boccadoro al
Lauro Rossi di
Macerata
costruito, intreccia tre fasi della
vita del missionario, tre Mattei in
scena, scansando il rischio fic-
tion. La musica di Carlo Bocca-
doro torna all’idea pucciniana di
un Est non esotico, ma ritmico e
ossessivo, e la trapianta nel mi-
nimalismo: una serie di pannelli
affidati ai pianoforti di Andrea
Rebaudengo e Paolo Gorini, e
all’ensemble di percussioni Te-
traktis, diretti dall’autore. Sono
meccanismi stupefacenti nella
timbrica (qualcuna d’ambiente:
il suono dei tamburi buddisti, gli
ingranaggi degli orologi portati
da Ricci alla corte dell’impera-
tore), ma non innocui, anzi di un
ipervirtuosismo a tratti sfrenato.
Che interagiscono con il canto
se non direttamente, per analo-
gia: con improvvisi ispessimenti
e rarefazioni, stacchi e riparten-
ze. Seguono la storia a modo
loro. Il giovane, il maturo, l’an-
ziano Matteo sono un recitante,
un basso e un baritono: Simone
Tangolo, Bruno Taddia, Roberto
Abbondanza, voci di lusso ma
nella scrittura non abbastan-
za differenziate, persistenti nel
declamato. Peccato, perché gli

75
spunti, ben gestiti dalla regia
della Ligorio, c’erano e avrebbe-
ro consentito di giocarci su.
Andrea Estero

PIANISTI AL QUARTETTO
Daniil Trifonov Leif Ove Andsnes Angela Hewitt András Schiff (due concerti)
Katia e Marielle Labèque Jan Lisiecki Radu Lupu
Gloria Campaner con Natan Sinigaglia Murray Perahia

MUSICA DA CAMERA
Trio di Parma Quartetto Belcea Joshua Bell e Sam Haywood
Quartetto Artemis Daniel Lozakovich e Alexander Romanovsky
Quartetto Mucha Divertimento Ensemble, Sandro Gorli direttore
Quartetto Jerusalem

BAROCCO E DINTORNI ABBONAMENTO STAGIONE INTERA 2017 | 18

Angela Hewitt The King’s Singers è inclusa la quota
Europa Galante, Fabio Biondi direttore associativa ordinaria
Le Concert des Nations, Jordi Savall direttore
posto numerato
Gloria Campaner con Natan Sinigaglia
27 concerti * € 600
over 70 € 500
posto libero
21 concerti € 500
over 70 € 430
under 26 € 100
* di cui 6 concerti dei Quartetti

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d’Italia a Villa Necchi Campiglio

T 02 795 393 | info@quartettomilano.it | Società del Quartetto di Milano | via Durini 24, 20122 Milano
RECENSIONI dal vivo
Puccini
Madama Butterfly
interpreti M.J. Siri, M. Custer, A.
Palombi, A. Mastromarino
direttore Massimo Zanetti
orchestra Regionale delle Marche
regia Nicola Berloffa
arena Sferisterio

“Un anno dopo l’immersione nel-
la prima versione per la Scala,
Maria José Siri ha esordito con lo
spartito ordinario di Butterfly ri-
velando una maturazione espres-
siva e tecnica sorprendente”
Q uasi a bilanciare l’astratto
tsunami pucciniano frut-
tuosamente scatenato in Sferi-
sterio da Ricci/Forte su Turan-
dot, il diverso e preveggente
esotismo di Madama Butterfly
è stato riportato nell’alveo di
una più rassicurante e leggi-
bile, seppure non perbenistica,
tradizione visiva. L’allestimento
di Nicola Berloffa nato qualche
anno fa per il Massimo di Pa-
lermo ma fatalmente ripropor-
zionato nelle scene di Fabio
Chersich a misura maceratese,
cioè tutto in larghezza, si limita
a postdatare l’azione al 1945.
Lo dicono i costumi di Valeria
Donata Bettella; quelli moder-
ni delle geishe che abitano la
similcasa di tolleranza nippo-
nica, e il contorno fin troppo
invadente di marinai e altri
militari in divisa. Lo ribadisce
il tabagismo, il tasso alcolico
sempre alto e diffuso, e le scrit-
te che ammiccano dalle cas-
sette delle bottiglie, insieme
ad altri segnali di modernità
come le biciclette. Ma soprat-
tutto, e con più incidenza sul
ph AlfredoTabocchini
racconto, le calibrate e fisiche
interferenze cinematografiche
riassunte dalla monumentale
macchina di proiezione e dal-
la mutazione del palcoscenico
da teatrino di geishe del primo
atto in schermo per film, con
frequenti interazioni teatra-
li. Certo, l’onnipresenza della
“casa a soffietto” ha una forza
drammatica e interpretativa
difficile da vicariare, ma il di-
segno registico di Berloffa è
preciso e conseguente, quindi
non disperde la progressione
tragica della vicenda. E sot-
tolinea con fedeltà la virata
monodrammatica del secondo
atto di Butterfly - coerente-
mente eseguito senza inter-
ruzione. Ma il passeggio delle
ex-compagne di marciapiede
di Cio-Cio San e quindi la sen-
sazione di essere sulla strada
(le fasi di attracco dell’Abra-
mo Lincoln nel porto vengono
date attraverso il telefono sul
muro esterno), all’ingresso di
un cinema all’aperto un po’
disperde la tensione tutta psi-
cologica (e musicale, s’intende)
dell’attesa e, mentre assottiglia
il bozzettismo vezzeggiante
e sterile, dissangua anche la
possibilità di immedesimarsi
nell’eroismo esistenziale della
protagonista. I fazzoletti messi
precauzionalmente a riposo e
la retorica centellinata aiuta-
no a concentrarsi sulla musica
e a godersi l’interpretazione
di Maria José Siri. Un anno
dopo l’immersione nella prima
versione per la Scala, ha esor-
dito con lo spartito ordinario
di Butterfly rivelando una ma-
turazione espressiva e tecni-
ca sorprendente. Le trappole
drammatiche e vocali, nonché
la prova di resistenza, richieste
dallo spartito sono state risolte
da Siri con scioltezza di canto e
appropriatezza di accenti. Sen-
za manierismi, senza scivolate
“veriste”; con dominio totale
del canto multiforme e teatra-
lissimo e una capacità ammi-
revole di dosare il patrimonio
vocale mai parso così spregiu-
dicato, fresco e importante. Ben
inscritta nella sceneggiatura
registica di Berloffa, ben orien-
tata e messa a proprio agio
dalla direzione di Massimo Za-
netti che ha un’idea di Butter-
fly priva di fronzoli, efficace e di
apprezzabile resa musicale (ha
perfino fatto suonare dignito-
samente l’orchestra). Poco ha
potuto per addomesticare e
settare l’esuberanza tenorile di
Antonello Palombi cui tuttavia
va riconosciuta una non co-
mune prestanza di voce. Cosa
condivisa con Manuela Custer
(Suzuki) ma che faceva difetto
allo Sharpless di Alberto Ma-
stromarino, mentre funzionava
la distribuzione (Nicola Pamio,
Cristina Saitta e Andrea Porta)
degli altri ruoli “orientali”.
Angelo Foletto
Barcellona
Mozart
Don Giovanni
interpreti M. Kwiecien, S. Orfila, C.
Remigio, M. Persson, J. Lezhneva, D.
Korchak
direttore Josep Pons
regia Kasper Holten
scene Es Devlin
teatro Gran Teatre del Liceu

“Madama Butterfly”
di Puccini allo
Sferisterio di
Macerata
“L’originalità è subito eviden-
te nella assenza della frenesia
erotico-vitale che caratterizzava
molti allestimenti dell’ultimo
decennio: questo Don Giovanni
non ha nulla del macho sciu-
pafemmine, e Kasper Holten lo
vede piuttosto come un artista
solitario, fantasioso, libertario e
narcisista”
ILiceu
l successo del nuovo allesti-
mento del Don Giovanni del
di Barcellona (coprodot-
to con il Covent Garden e con
Houston e Tel Aviv) si deve a un
valido direttore, a una ottima e
ben calibrata compagnia di can-
to internazionale, e ad una con-
cezione scenico-registica con
idee originali in parte discutibi-
li, ma degne di riflessione. L’ori-
ginalità è subito evidente nella
assenza della frenesia erotico-
vitale che caratterizzava molti
allestimenti dell’ultimo decen-
nio, da Guth a Michieletto: que-
sto Don Giovanni non ha nulla
del macho sciupafemmine, e
Kasper Holten lo vede piuttosto
come un artista solitario, fanta-
sioso, libertario e narcisista, che
muta nel rapporto con ognuno
degli altri personaggi, ai sogni
dei quali sembra forse funge-
re da specchio senza superare
un sostanziale isolamento. Alla
fine l’inferno cui è condannato
potrebbe essere “forse un luo-
go di eterna solitudine, senza
nessuno con cui comunicare”.
Niente fiamme, niente voragini
in cui sprofondare: Don Giovan-
ni resta solo in scena a confron-
tarsi con i propri fantasmi, con
le voci che cantano “Questo è
il fin di chi fa mal” senza che
si veda da dove provengono,
perché gli altri non sono venu-
ti a cercarlo e a dirci che cosa
faranno dopo la sua scomparsa.
Questa soluzione, a suo modo
coerente, ha un prezzo troppo
elevato, il taglio inaccettabile
di 152 battute nella “scena ulti-
ma”; ma prima di giungere alla
spiacevole sorpresa conclusiva
siamo posti di fronte a un per-
corso intelligente e interessan-
te. Alla visione di Holten, che
potremmo definire riflessiva e
non violenta, servono magnifi-
camente le scene di Es Devlin.
L’azione si svolge tutta al pian
terreno e al primo piano di un
edificio che, elegantemente
stilizzato, si trasforma ruotan-
do o diventando superficie per
proiezioni: è il mondo? la mente
di Don Giovanni? Suggerisce
l’idea di un labirinto, quasi con
scale alla Escher, nel II atto po-
polato anche da fantasmi.
Josep Pons, direttore musicale

del Liceu, forse non dà in Mo-
zart il meglio di sé, ma era una
guida intelligente ed equilibra-
ta. Mariusz Kwiecien era un
Don Giovanni elegante e sicuro,
Simón Orfila un disinvolto Le-
porello; con Carmela Remigio
(Anna), Miah Persson (Elvira),
Eric Halfvarson (il Commenda-
tore), Dmitry Korchak (Don Ot-
ph A Bofill
“Don Giovanni” al Liceu
di Barcellona
6 - 7 - 8 Novembre 2017
CONCORSO INTERNAZIONALE DI CANTO
“C. BARBIERI”
indetto per la formazione del cast dell’opera
“Cavalleria Rusticana” di P. Mascagni
RUOLI A CONCORSO:
COMMISSIONE ESAMINATRICE:
M° Paolo Barbacini
Ugo Bedeschi
Beiamino Prior
Danilo Boaretto
Laurent Gerber
INFORMAZIONI:
Tel. 0522 1880040 - cell. 334 2555352 - www.teatrodeandre.it/ info@teatrodeandre.it
tavio), Julia Lezhneva (Zerlina),
Valeriano Lanchas (Masetto)
formavano una compagnia tutta
di alto livello, sempre stilistica-
mente persuasiva, ben calibra-
ta sotto il segno di una sensibile
e intelligente musicalità. Si ap-
prezzavano in modo particolare
le due protagoniste femminili,
Carmela Remigio, intensissima
nel dar vita alla complessità del
personaggio di Anna, con le sue
ambiguità e le strazianti lacera-
zioni (forse un culmine era la
indicibile mestizia della sua se-
conda aria) e Miah Persson, El-
vira dolentissima senza eccessi
di aggressività.
 Paolo Petazzi
Cagliari
AA.VV.
L’ape musicale
interpreti B. Mezzanotte, S. Salvag-
gio, D. Terenzi, A. Mancini
direttore Alessandro Palumbo
regia Davide Garattini Raimondi
teatro Civico di Castello

“Il regista Davide Garattini, in
ogni caso, l’ha preso in paro-
la, collocando tutta l’azione in
spiaggia”
VII edizione
presidente del teatro F. de Andrè e regista
direttore responsabile OperaClick
dal vivo RECENSIONI
C hissà perché, Lorenzo da
Ponte era convinto che
Manhattan fosse un’isola. E
così, rinfrescando nel 1830 per
il Park Theater di New York il
suo vecchio pasticcio dell’Ape
musicale che aveva debuttato
a Vienna nel 1789, fa conti-
nui accenni a fantomatiche
“isole fortunate”, più o meno
dove oggi c’è la Borsa di Wall
Street, e alliscia per bene il
suo pubblico di non meno im-
probabili “isolani”, però “cor-
tesi, generosi, umani”. Del
resto, scappando a New York
dai soliti creditori, il vecchio
avventuriero aveva trovato
dall’altra parte dell’Atlantico,
se non l’America delle grandi
ricchezze, almeno un deco-
roso approdo per terminare
una carriera tumultuosa, com-
prensivo anche di una catte-
dra di italiano alla Columbia.
Il regista Davide Garattini, in
ogni caso, l’ha preso in paro-
la, collocando tutta l’azione in
spiaggia.
Qui il solito terzetto delle opere
sull’opera, impresario, poeta e
cantante, aspetta la primadon-
na in arrivo dall’Europa (nella
realtà era la fresca nipotina di
Lorenzo, Giulia da Ponte), tra-
stullandosi nel frattempo fra
SANTUZZA soprano/ mezzosoprano
TURIDDU
ALFIO
presidente
tenore
regista
canotti, salvagenti, cabine, ba-
gni, docce, pagaie e insomma
tutto l’armamentario balneare,
con una serie continua di gag
quasi sempre anche azzeccate.
Lo spettacolo funziona benissi-
mo, rinfresca, diverte e sfrutta al
meglio gli spazi impossibilmen-
te angusti del Civico di Castel-
lo, già teatro d’opera di Cagliari,
poi bombardato e trasformato
con un curioso restauro in uno
spazio (spazietto, via) en plein
air. Naturalmente, dal 1789 al
1830 era arrivato, anzi esplo-
so Rossini, sicché i brani del
pasticcio sono quasi tutti suoi
(niente Mozart, per inciso), con
tutte le difficoltà esecutive che
il divino Gioachino comporta.
Il giovin direttore, Alessandro
Palumbo, sembra energico e
sicuro, benché forse non raffi-
natissimo, alle prese con orche-
stra e coro (entrambi del Lirico
cagliaritano) pletorici e, il se-
condo, pure distratto. Giovani
anche i cantanti. L’impressione
migliore l’hanno lasciata il bari-
tono Daniele Terenzi, notevole,
e il tenore Anibal (con una enne
sola, è brasiliano) Mancini, ma
77
se la sono cavata con onore an-
che il buffo Salvatore Salvaggio
e l’altro tenorino, Mauro Secci.
Per quel che riguarda la prima-
tenore
baritono
RECENSIONI dal vivo
“L’ape musicale” al
Civico di Castello di
Cagliari
donna, Beatrice Mezzanotte, i
casi sono due: o deve ancora
sistemare tutto il registro acuto,
oppure davvero è impossibile
cantare Cenerentola e Semira-
mide con la stessa voce e nella
stessa serata. Applausi convin-
ti per tutti. Il pasticcio è stato
preceduto dalla prima assolu-
ta di Bridges (Rimembranze
americane) per orchestra, coro
e tenore solo di Antonio Marco-
tullio.
Alberto Mattioli
Torre del
lago
Puccini
Turandot
interpreti M. Serafin, C. Giannatta-
sio, S. La Colla
direttore Alberto Veronesi
regia Alfonso Signorini
teatro Puccini

“Il regista, Alfonso Signorini, è
un giornalista che è passato al
palcoscenico recuperando per la
sua Turandot i suoi studi univer-
sitari e i bellissimi ricordi matu-
rati dall’incontro con la grande
interprete Gina Cigna”
L’ elemento di curiosità che
ha caratterizzato l’inaugu-
razione del 63° Festival di Tor-
re del Lago è stata la presenza
nel ruolo di regista di Alfonso
Signorini: un giornalista che è
passato al palcoscenico recupe-
rando per la sua Turandot i suoi
studi universitari e i bellissimi
ricordi maturati dall’incontro
con la grande interprete Gina
Cigna. Ne è nato uno spetta-
colo tradizionale ma elegante,
con palazzi cinesi dai tetti ri-
curvi, statue di draghi, la gran-
de scalinata centrale dominata
dall’Imperatore e da Turandot,
disegnati da Carla Tolomeo; ma
con alcune invenzioni registi-
che di un certo gusto, a comin-
ciare dal momento in cui il coro,
al I atto, invoca il sorgere della
luna, e che Signorini ha realiz-
zato rinunciando alla prevedibi-
le proiezione dell’astro notturno
e disegnando file di giovani che
discendono per la cavea teatra-
le portando in mano sfere lumi-
nose. O quando il canto di Ping
Pang e Pong al II atto si dispone
davanti a un sipario nero che si
apre presentando un paesag-
gio, un albero di ciliegio che
allude alla casa nell’Honan; o
quando Calaf intona “Nessun
dorma” davanti a un muretto
su cui sta ad ascoltarlo la Prin-
cipessa di gelo. Nonostante i
movimenti del coro non proprio
ben disegnati, lo spettacolo è
stato molto apprezzato (bei co-
stumi di Fausto Puglisi, corretta
coreografia di Cristiana Gaeta):
“La Rondine” di
Puccini a Torre del
Lago
sul piano musicale, Carmen
Giannattasio ha disegnato una
Liù lirica, commovente, e Mar-
tina Serafin una Turandot di vo-
calità chiara e tagliente, molto
lontana dalla tipologia delle vi-
rulente interpreti di formazione
wagneriana che un tempo si
appropriavano del ruolo della
protagonista. Calaf era Stefa-
no La Colla, tenore lirico molto
applaudito anche se il sostegno
degli acuti era piuttosto fragi-
le e se al suo spessore vocale
mancava una componente
quasi eroica che si richiede al
Principe Ignoto. Il resto della
compagnia presentava chiare
disuguaglianze di qualità (era
proprio necessario assegnare
il ruolo di Timur a George An-
dguladze? E di Ping a Andrea
Zaupa?). Direzione corretta,
con un’orchestra senza sottoli-
neature drammatiche e varietà
di colori, di Alberto Veronesi.
Bella prestazione del coro, au-
tentico protagonista dell’opera,
diretto da Salvo Sgrò.
 Cesare Orselli
Puccini
La Rondine
interpreti D. D’Annunzio Lombardi,
E. Zizzo, L. Caimi
direttore Beatrice Venezi
regia Plamen Kartaloff
teatro Puccini

“Protagonista del title-role, Do-
nata D’Annunzio Lombardi, che
ha tratteggiato la tenera e sen-
timentale figura di Magda, con
straordinaria varietà di accenti”
S celta scenica tendenzial-
mente minimalista ma raffi-
nata, quella di Giuliano Spinelli
(già vista al Teatro del Giglio
di Lucca), su cui si è mossa la
storia de La rondine al Festival
Pucciniano: un impianto archi-
tettonico color avorio trapassato
da scale, che si muove roteando
e creando i diversi ambienti dei
tre atti: particolarmente felice
il secondo, quello del ballo al
Caffè Bullier, in cui la regia di
Plamen Kartaloff ha disposto
una massa corale guidata ma-
gistralmente in un sottile gioco
di scene e controscene, e carat-
terizzata da bellissimi abiti dai
colori bruniti, violacei, rossastri,
scelti da Floridia Benedettini e
Diego Fiorini. Momento, que-
sto, di grande respiro teatrale,
che con il trascinante concerta-
to finale dilata i sognanti dialo-
ghi del I atto in casa di Magda,
dominati dalla presenza del
pianoforte; ma, si sa, La rondi-
ne è un’opera tendenzialmente
di pochi personaggi, e in que-
sta edizione di Torre del Lago
si sono tutti mossi con grande
eleganza e scioltezza, come la
fragile vicenda quasi operetti-
stica richiede. Protagonista del
title-role, Donata D’Annunzio
Lombardi, che ha tratteggiato
la tenera e sentimentale figu-
ra di Magda, con straordinaria
varietà di accenti (soprattutto
raffinate le sue mezze voci): a
partire dalle prime romanze
del I atto (“Ore dolci e divine”
e “Chi il bel sogno di Doret-
ta”), rimaste famose, al finale
dell’opera in cui è costretta ad
abbandonare Ruggero (e il regi-
sta la pone al vertice della scala
a intonare un lungo acuto fila-
to). Elisabetta Zizzo è stata una
incantevole e brillante Lisette,
incarnando perfettamente il
ruolo della leggera cameriera,
ancora una soubrette come la
sua “compagna” Musetta, e an-
che convincente, con una calda
enfasi amorosa, Leonardo Cai-
mi nei panni di Ruggero. Meno
sicuro via via che l’opera proce-
deva Alberto Petricca (il poeta
Prunier), che pure ha bella voce
baritonale, corretto il Rambaldo
di Davide Mura, e complessiva-
mente convincente il resto del-
la compagnia, mentre Beatrice
Venezi ha dato una prova di
direzione d’orchestra di suffi-
ciente scioltezza.
 C.O.
Pavia
Purcell
Dido and Aeneas
Desmarest
Didon
interpreti D. Cachet, J.C. Lanièce,
C. Debieuvre
complessi Accademia Barocca
Europea d’Ambronay
direttore Paul Agnew
sede Aula Magna del Collegio
Ghislieri

“La bella antologia della Didon
suscitava la viva curiosità di
conoscere l’opera completa e
il capolavoro di Purcell è stato
proposto in modo sorprendente,
come teatro da camera di rara
suggestione”
È iniziata al Collegio Ghislieri
di Pavia la tournée dell’Ac-
cademia Barocca Europea
d’Ambronay, che si è conclusa
il 25 luglio a Ginevra passando
per Slovenia, Belgio, Spagna,
Portogallo e Francia (dove è
ospitata da cinque festival): è
uno dei progetti dell’Accade-
 dal vivo RECENSIONI

6 SETTEMBRE 2017 14 DICEMBRE 2017

ARENA DI VERONA

Dirige Eugene Kohn.

ROYAL OPERA HOUSE
DI MUSCAT, OMAN
79
Con, tra gli altri, Plácido Domingo, José Carreras,
Francesco Meli, Vittorio Grigolo, Fabio Armiliato, Dirige Fabrizio Maria Carminati
Angela Gheorghiu, Zucchero, Nicola Piovani con Fiorenza Cedolins, Francesco Meli,
Marcello Giordani, Sumi Jo,
In diretta su Rai 1 il Quartetto dell’Accademia Pavarotti

Direttore principale: Pier Carlo Orizio / Responsabile artistico: Luca Ranieri

In collaborazione con la
Fondazione Luciano Pavarotti.

Filarmonica del Festival - Royal Opera House di Muscat

 RECENSIONI dal vivo
Purcell e Desmares
al Ghislieri di Pavia
mia per la formazione e il lancio
di giovani musicisti. Quest’an-
no i 9 cantanti e i 12 strumen-
tisti appositamente seleziona-
ti, dopo un periodo di accurata
preparazione (ospiti a Pavia
del Ghislieri) sotto la guida di
Paul Agnew interpretano una
antologia dalla Didon (1693) di
Henry Desmarest (o Desma-
rets 1661-1741), mai eseguita
in tempi moderni, e uno dei
più celebri capolavori di Pur-
cell, Dido and Aeneas (1685?).
Il raro accostamento mostrava
l’impossibilità di fare confronti:
le due opere hanno (in parte) gli
stessi protagonisti e la stessa
tragica conclusione, ma seguo-
no vicende diverse e nascono in
differenti contesti. Desmarest si
attiene (necessariamente) ai ca-
ratteri della tragédie en musique
creata da Lully, muovendosi con
affascinante ricchezza inventiva
all’interno di un genere già ben
definito, mentre Purcell nella
sua unica esperienza di opera in
musica interamente cantata ha
solo il precedente di John Blow
e opera liberamente una genia-
le sintesi di vocaboli di diversa
origine, anche italiana. Diretti
magnificamente da Paul Agnew
i giovani interpreti mostrava-
no con chiarezza esemplare le
“Rigoletto” di Verdi
a Eisenstadt
ph Bertrand Pichene
differenze stilistiche tra i due
lavori. La bella antologia della
Didon suscitava la viva curiosità
di conoscere l’opera completa e
il capolavoro di Purcell è stato
proposto in modo sorprendente,
come teatro da camera di rara
suggestione. Non c’erano scene
né costumi e non c’era diret-
tore: gli archi stavano in piedi
dietro i cantanti e suonavano a
memoria, intervenendo talvolta
nell’azione scenica (nella scena
delle streghe del II atto). Questa
era condotta sempre in modo
essenziale, ma con pertinente
intelligenza dai nove cantanti,
che erano al tempo stesso solisti
o parte del piccolo coro, secondo
necessità. Essenzialità, concen-
trazione e spirito cameristico ca-
ratterizzavano l’agile e intensa
interpretazione musicale. Can-
tanti e strumentisti meritano
tutti un caldo elogio: citiamo al-
meno le voci, Deborah Cachet,
Didone in entrambe le opere,
Clément Debieuvre (Enea in
Desmarest), Jean-Christophe
Lanièce (Enea in Purcell), Au-
rora Peña, Kerstin Dietl, Alberto
Miguélez-Rouco (Sorceress),
Renaud Bres (Iarba), Jonas
Descotte, Etienne Duhil de Bé-
nazé.
 Paolo Petazzi
Eisenstadt
Verdi
Rigoletto
interpreti V. Sulimsky, A. Espiritu,
E. Sancho Pereg
direttore Anja Bihlmaier
regia Philippe Arlaud
teatro Steinbruch Sankt Marga-
rethen

“Bravo quel regista (oggi il fran-
cese Philippe Arlaud) che riesce
a far marciare la gran macchina
con qualche idea non banale. Un
intertesto visuale a base di psico-
logia del profondo, costellazioni
siderali rotanti, citazioni cubiste,
frane virtuali, dodecaedri impila-
ti da cui pende un pietrone uso
spada di Damocle”
N îmes, Orange, Verona, Pola:
sui passi delle quadrate le-
gioni di Roma sorsero le arene
che i posteri riciclano in tea-
tri d’opera all’aperto. Perfino
in questa remota provincia
di Pannonia una loro cava di
arenaria, ancora in eserci-
zio dopo quasi due millenni,
ospita un festival lirico. Con
buona pace dell’imperatore-
filosofo Marco Aurelio, che da
queste parti morì dopo aver
scritto pagine sdegnose con-
tro i teatri del suo tempo. Una
scena naturale di 70 metri per
25, alte pareti di roccia come
quinte a costo zero, una pla-
tea capace di 4700 spettatori:
la scoprì a metà degli anni
Cinquanta Marcel Prawy, il
leggendario Chefdramaturg
della Staatsoper. Grazie al
privato sostegno finanziario
della Fondazione Esterházy
ed altri sponsor, “Opera nella
Cava di Pietra” è ormai tradi-
zione, ma punta sull’innova-
zione scenotecnica e (buon
per noi) sul repertorio italiano:
dopo un Elisir d’amore l’anno
scorso, nel 2017 è toccato al
Rigoletto e per il 2018 già si
annuncia un Trovatore.
Se non proprio geologici, i
tempi di produzione sono cer-
to imponenti: 12 mesi di pro-
gettazione, 3 di cantiere, 2 di
prove. Non ci voleva di meno
per allestire varie tonnellate
di rocce artificiali aggiuntive,
torri e praticabili, una fossa
orchestrale remota, una cabi-
na di regia che mixa il suono
degli strumenti con quello dei
cantanti microfonati mentre
il gesto del direttore è visibi-
le solo su un megaschermo
a fondo platea. Aggiungi 50
altoparlanti in stereofonia di-
namica, 16 proiettori, fuochi
artificiali a tempo di musica
e quant’altro si richiede per
un Gesamtkunstwerk ad alta
tecnologia ma basso consu-
mo energetico: si pensi che
le megalitiche quinte sono
mosse da uno squadrone di
ciclisti…
Bravo quel regista (oggi il
francese Philippe Arlaud) che
riesce a far marciare la gran
macchina con qualche idea
non banale. Realizzando un
intertesto visuale a base di
psicologia del profondo, co-
stellazioni siderali rotanti, ci-
tazioni cubiste, frane virtuali,
dodecaedri impilati da cui
pende un pietrone uso spada
di Damocle. La maledizione
e la vendetta, ci spiegano le
sue note. E il ripido scalone
che collega la reggia all’umile
cubo della casa di Rigoletto e
ai parallelepipedi anamorfici
dell’osteria di Sparafucile? Ci
vuole un fisico bestiale per i
cantanti e le molte comparse
che devono percorrerlo più
volte in su e in giù.
Fortuna che sono tutti pim-
panti e ben caratterizzati.
A cominciare da un Duca (il
filippino Arthur Espiritu) di
bel colore, franco porgere e
acuto brillante nella cavatina
“Possente amor”; continuan-
do con una Gilda verginale
eppur impeccabile nelle agi-
lità di “Caro nome” (Elena
Sancho Pereg) e con un Ri-
goletto (Vladislav Sulimsky,
compagnia del Mariinskij)
impressionante per potenza
e sfumature. Annely Peebo
(Maddalena e Giovanna) in-
grossa artificialmente la voce
a rischio di parere zoccolona;
l’abbinamento è insolito ma
non manca di ragioni dram-
maturgiche. Sorin Coliban è
uno Sparafucile imponente
benché corto agli estremi
della tessitura, peccato. Bene
o quasi tutti i comprimari;
non più che decoroso il Mon-
terone di Clemens Unterrei-
ner, dalla compagnia della
Staatsoper. Sotterrata nel suo
bunker elettronico - pecca-
to anche qui, perché è assai
graziosa - Anja Bihlmaier
guidava senza tanti fronzoli
la Sinfonica della Radio slo-
vacca e il Philharmonia Chor
di Vienna. Ballo a corte, fina-
le del second’atto, tempesta
dell’ultimo: i luoghi alti del
Nazionalpopolare spiccavano
con virile energia, e nei passi
più delicati l’orchestra non
opprimeva mai le voci.
 Carlo Vitali
dal vivo RECENSIONI

81
 CLASSIC blog DI QUIRINO PRINCIPE
T
rovo illuminante, oltre che illu-
minata, la dichiarazione solen-
ne di un altissimo funzionario
della Rai, all’indomani dell’appari-
zione di Vasco Rossi sul megapalco
di Modena: essere stato quello “il
più grande concerto in tutta la sto-
ria della musica”. A parte il fatto che
il rango del funzionario era davvero
alto, stratosferico, sicché sarebbe
scortese se non irriguardoso (ai limi-
ti dell’oltraggio a pubblico ufficiale)
porre in dubbio quell’asserzione, mi
sono permesso una verifica, tanto
velleitaria quanto ridicola. Di nasco-
sto, tentando di non farmi scoprire
mentre nella mia testa una voce au-
torevole continuava a scandire quel-
le parole, “il più grande concerto…”,
ho scarabocchiato su un foglietto
strappato da un block-notes i dati
numerici di altri due concerti, che
hanno preceduto
“Come esistono strumenti
questo del grande
zocchigiano: (a) la
prima esecuzione aeròfoni ad ancia doppia, così
dell’Ottava Sinfonia
di Mahler lunedì il ‘reggiseno’, siliconòfono
12 settembre 1910
nel Palazzo delle di recente acquisito, è uno
strumento a lancio doppio,
Esposizioni di Mo-
naco, dinanzi a un
pubblico per quei
tempi strabocche-
ossia illusorio e reale”
vole (nell’ordine di
grandezza delle migliaia), (b) il leg-
gendario concerto di giovedì 22 di-
cembre 1808 a Vienna, in cui si of-
frirono dinanzi ad alcune centinaia
di persone le prime esecuzioni della
Quinta e della Sesta di Beethoven,
più il Quinto Concerto per pianoforte
e orchestra, la Fantasia op. 80, il Glo-
ria dalla Messa op. 86, e tante altre
musiche beethoveniane. Ma suvvia,
non facciamoci ridere dietro! A Mo-
dena, circa 230.000 fedeli e credenti
hanno delirato con chiarezza d’idee
per l’Artista colto, raffinato e innova-
tivo. Dico: 230.000. I numeri parlano
chiaro!
Parlano chiarissimo anche le inno-
vazioni introdotte nell’organico stru-
mentale, e mi riferisco alla porzione
di orchestra affidata esclusivamente
al pubblico: altra innovazione da se-
gnalare, e che fa epoca (appunto!)
nella storia della musica. Infatti, alla
fine del programma musicale la se-
zione femminile del pubblico inter-
viene con strumenti di nuova adozio-
ne: i “reggiseno”, che forse qualche
lettore già conosce. Sarebbe lungo,
e musicologicamente troppo arduo
e complesso, descrivere qui i mec-
canismi che producono e regolano il
suono in questo singolare strumento,
e addirittura sconsigliabile sarebbe
illustrare le connessioni tra questo
strumento e il suo supporto tecnico.
In realtà, come esistono strumen-
ti aeròfoni ad ancia doppia, così il
“reggiseno”, questo siliconòfono di
recente acquisito dalla tavolozza dei
timbri strumentali, è uno strumento
a lancio doppio, ossia illusorio e re-
ale. Quando c’è l’entrata dello stru-
mento, ogni reggisenista lo lancia
verso l’Artista
(comunemente
definito “pro-
vocautore”),
ma poi ci ac-
corgiamo che
ciascuna ese-
cutrice aveva
un secondo
reggiseno già
istallato nell’al-
loggiamento
canònico.
tratta di quel procedimento di prassi
esecutiva definito da Carl Dahlhaus
“vorgespiegeltes und simuliertes
Einsetzen” (“entrata pre-speculare e
simulata”). Come il compianto Fran-
cesco Degrada analizzò in modo
illuminante la funzione del doppio
coro nell’arte di Andrea e Giovanni
Gabrieli, così qualche giovane ricer-
catore potrebbe ideare una tesi di
laurea sulla funzione del “doppelter
Euterhalter”.
In ogni caso, l’evento modenese è
una pietra miliare. Qualcosa è cer-
tamente apparso, sia esso un “Eu-
terhalter” o una specie di santo
Gral. Dal 1° luglio 2017, dalla data
di quell’apparizione vaschiana che
schiaccia qualsiasi confronto, Mo-
dena può ben dirsi la Medjugorje
italiana.
Direttore responsabile:
Andrea Estero (andreaestero@xgpub.com)
Caporedattore:
Alessandro Traverso (alessandrotraverso@xgpub.com)
Grafica e impaginazione: Paolo Rocchi
Hanno collaborato:
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Fiore, Angelo Foletto, Antonio Garbisa, Enrico
Girardi, Elvio Giudici, Giuseppina Manin, Gianluigi
Mattietti, Alberto Mattioli, Gian Paolo Minardi,
Aldo Nicastro, Cesare Orselli, Paolo Petazzi, Quirino
Principe, Guido Salvetti, Francesco A. Saponaro,
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STAGIONE D’OPERA E BALLETTO 2017 • 2018 (429a dalla fondazione del Teatro)

OPERA

ANDREA CHÉNIER
Musica di Umberto Giordano
dal 7 dicembre 2017 al 5 gennaio 2018

DIE FLEDERMAUS SIMON BOCCANEGRA ORPHÉE ET EURYDICE

Musica di Johann Strauss Musica di Giuseppe Verdi Musica di Christoph Willibald Gluck
dal 19 gennaio all’11 febbraio 2018 dall’8 febbraio al 4 marzo 2018 dal 24 febbraio al 17 marzo 2018

DON PASQUALE FRANCESCA DA RIMINI AIDA FIERRABRAS

Musica di Gaetano Donizetti Musica di Riccardo Zandonai Musica di Giuseppe Verdi Musica di Franz Schubert
dal 3 aprile al 4 maggio 2018 dal 15 aprile al 13 maggio 2018 dall’8 maggio al 3 giugno 2018 dal 5 al 30 giugno 2018

FIDELIO IL PIRATA ALÌ BABÀ E I QUARANTA LADRONI

Musica di Ludwig van Beethoven Musica di Vincenzo Bellini Musica di Luigi Cherubini
dal 18 giugno al 7 luglio 2018 dal 29 giugno al 19 luglio 2018 Progetto Accademia
dal 1 al 27 settembre 2018

ERNANI LA FINTA GIARDINIERA ELEKTRA FIN DE PARTIE

Musica di Giuseppe Verdi Musica di Wolfgang Amadeus Mozart Musica di Richard Strauss Musica di György Kurtág
dal 29 settembre al 25 ottobre 2018 dall’8 al 29 ottobre 2018 dal 4 al 29 novembre 2018 dal 15 al 25 novembre 2018

LA DAME AUX CAMÉLIAS GOLDBERG–VARIATIONEN
Musica di Fryderyk Chopin
Coreografia di John Neumeier
dal 17 dicembre 2017 al 13 gennaio 2018
BALLETTO
Musica di Johann Sebastian Bach
Coreografia di Heinz Spoerli
dal 25 gennaio al 22 marzo 2018
MAHLER 10 / PETITE MORT / BOLÉRO
MAHLER 10 PETITE MORT BOLÉRO
Musica di Gustav Mahler Musica di Wolfgang Amadeus Mozart Musica di Maurice Ravel
Coreografia di Aszure Barton Coreografia di Jiří Kylián Coreografia di Maurice Béjart
dal 10 marzo al 7 aprile 2018

LE CORSAIRE SERATA NUREYEV DON CHISCIOTTE L’HISTOIRE DE MANON

Musica di Adolphe Adam, Cesare Pugni, Léo Delibes, dal 25 al 29 maggio 2018 Musica di Ludwig Minkus Musica di Jules Massenet
Riccardo Drigo, Prince Oldenbourg Coreografia di Rudolf Nureyev Coreografia di Kenneth MacMillan
Coreografia di Anna-Marie Holmes dal 10 al 18 luglio 2018 dal 17 ottobre al 2 novembre 2018
da Marius Petipa e Konstantin Sergeyev
dal 20 aprile al 17 maggio 2018

GRANDI SPETTACOLI PER PICCOLI

IL BARBIERE DI SIVIGLIA PER I BAMBINI L’ELISIR D’AMORE PER I BAMBINI
Musica di Gioachino Rossini Musica di Gaetano Donizetti
Elaborazione musicale e arrangiamento di Alexander Krampe Elaborazione musicale e arrangiamento di Alexander Krampe
dal 12 novembre 2017 al 12 marzo 2018 dal 4 al 10 luglio 2018

La Direzione si riserva il diritto di apportare al programma le modifiche che si rendessero necessarie per esigenze tecniche o per cause di forza maggiore.

Acquisto e informazioni: www. teatroallascala.org - Tel. 02 72003744