Artisti e

Artigiani
 CONTENUTO DEL MODULO

COURSE TITLE: Apprezzamento dell'arte

MODULE TITLE: Artisti e Artigiani

DURATA NOMINALE: 3 ORE (1,5 Ore per argomento)

OBIETTIVI DI APPRENDIMENTO SPECIFICI:

Alla fine di questo modulo DOVETE essere in grado di:

1. delineare la storia dell'emergere di artisti e artigiani;
2. identificare e definire i diversi individui e gruppi che si assumono
varies roles in the world of art and culture; and,
3. classificare le pratiche degli artisti in termini di forma, mezzo e tecnica

ARGOMENTI:
1. Artigiani e la corporazione
2. L'artista e il suo studio

METODI DI VALUTAZIONE:
Valutazione di tipo saggio per metodo di apprendimento asincrono,
Registrazioni video dell'output verbale degli studenti sull'argomento.

REFERENCES:

Caslib Jr., B.N., Garing, D. C., & Casaul, J. A. R. (2018). Apprezzamento dell'arte.
Manila: Rex Book Store, Inc
[Link]
storie/storia/.
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chiesa-firenze-italia-statua-di-nanni-di-banco-1408-per-pietra-
[Link]
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Laurea in Scienze
Bulacan Date Developed:
 Scheda informativa AAP 113-6
Artisti e Artigiani

Obiettivi di apprendimento:

Dopo aver letto questo FOGLIO INFORMATIVO, DOVRESTI essere in grado di:

1. delineare la storia dell'emergere di artisti e artigiani;

2. identificare e definire i diversi individui e gruppi che assumono
varies roles in the world of art and culture; and,
3. classificare le pratiche degli artisti in termini di forma, medium e
tecnica.

Con l'avvento della tecnologia, è sorprendente ciò che è stato realizzato ora
possibile. Con un clic di un pulsante, viene generato un insieme di informazioni opprimenti.
disponibile, informando ogni aspetto della vita umana. Nel mondo frenetico e altamente
nel complesso ventunesimo secolo, c'è una vera e fastidiosa paura che presto,
tutto può essere benissimo sostituito da computer e robot che possono
si può sostenere che si fanno le cose con maggiore precisione, in un tempo più breve e con meno
capitale nel lungo termine. Questa nozione nichilista è contestata da ciò che sono probabilmente
le qualità più resilienti dell'uomo, che sono la sua creatività e immaginazione. E
finché c'è una coltivazione di entrambe queste qualità, nessun robot o artificiale
l'intelligenza non può ancora sostituire l'uomo.

L'arte è uno dei modi più significativi in cui cerchiamo di affrontare

come si svolge il presente. In "The Art Spirit" di Robert Henri (1923), affermò che
L'arte, quando viene davvero compresa, è di competenza di ogni essere umano. È semplicemente
una questione di fare le cose, qualsiasi cosa, bene. Non è qualcosa di esterno, extra.
Quando l'artista è vivo in una persona, qualunque sia il suo tipo di lavoro, egli
diventa una creatura inventiva, alla ricerca, audace, che si esprime. Diventa
interessante per altre persone. Disturba, turba, illumina e apre strade
per una migliore comprensione. Dove coloro che non sono artisti cercano di chiudere

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il libro, lo apre, mostra che ci sono più pagine possibili."C'è un vuoto
quando uno continua a insistere sull'idea che l'arte sia qualcosa che è
distaccato dal quotidiano. In ciò che è stato ridotto a un offuscamento, è diventato
più integrale che l'uomo persegue una migliore comprensione del mondo in cui è
vite. Una delle strade che rende questo sia possibile che entusiasmante è la
coinvolgimento con l'arte e la cultura.

Questa lezione presenterà gli artisti che hanno dedicato la loro vita a
coltivazione delle arti attraverso le opere di grande creatività, immaginazione e
audace nel corso della storia. Si propone di espandere questo nel mondo più ampio del
arti e cultura, dove altri attori chiave e protagonisti testimoniano come
la produzione, il consumo e la distribuzione delle arti sono cambiati
profondamente.
Mettiamoci al lavoro

Nel libro seminale di Peter Drucker, La società post-capitalista (1993), affermò

che "la vera risorsa controllante e il fattore assolutamente decisivo di
La produzione non è né capitale né terra né lavoro. È conoscenza. Invece di
capitalisti e proletari, le classi della società post-capitalista sono le
lavoratori della conoscenza e i lavoratori dei servizi.” Si potrebbe sostenere che un tipo di conoscenza
ciò che alimenta il ventunesimo secolo è la creatività. Questo è evidente nel
il riconoscimento che i professionisti del settore creativo sono motori integrali e
mover nella società e un segmento integrale di questo settore sono gli artisti. Ma chi
lo sono?
Gli artisti hanno calpestato una lunga storia. Anche le loro radici possono essere rintracciate in
uno dei principali traguardi nella civiltà umana. Nel primo episodio del
serie di video "Nuovi Modi di Vedere", un progetto di T Brand del The New York Times
Lo studio e il colosso della gioielleria Tiffany & Co., il critico d'arte Jerry Saltz (2016) ha sottolineato
l'importanza non solo della scoperta delle pitture rupestri, ma anche del
i dipinti stessi. Ha affermato che “questi primi artisti hanno inventato un modo per ottenere
il mondo tridimensionale in due dimensioni e attribuire valore al proprio
idee. E tutta la storia dell'arte sgorga da questa invenzione." Lui è
apparentemente riferendosi ai disegni e alle immagini dipinte di animali, caccia
scene e una varietà di figure simboliche create durante l'età della pietra.
Esempi di questi sono sparsi in tutto il mondo, dalla Francia, dalla Spagna,
Namibia, Australia e Argentina per citarne alcuni. Naturalmente, queste opere erano
non ancora assorbito nel mondo dell'arte altamente sistematizzato, per non parlare di essere considerato come

arte.
Nelle ombre di queste grotte, si è visto un progresso straordinario
spostandosi attraverso la storia dall'Età del Bronzo fino al Medioevo in termini di come
l'uomo ha continuato a utilizzare il suo ambiente per creare diverse espressioni del suo
idee e sentimenti. Attraverso l'esplorazione dei suoi dintorni immediati, il commercio,
e altre sperimentazioni, nuovi modi, media e tecniche portati a
illuminare una vasta gamma di opere d'arte che incarnano la ricchezza che si può realizzare
quando la visione dell'artista viene sfruttata, potenziata e realizzata. Ma il più

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lo sviluppo integrale che ha permesso a questa identità di "artista" di emergere completamente è
the systematization and sophistication that his world –the art world –has
diventare.
L'impulso a creare è al centro della civiltà umana, proprio come il
impulso a comunicare attraverso il linguaggio. Fin dall'inizio, gli artisti erano immersi in
lo sviluppo della cultura, e a sua volta, dell'arte è stato nutrito dai vari
culture in cui esisteva. Le opere prodotte variavano dal prosaico a
quelli che hanno esplorato un'ampia gamma di possibilità estetiche. Visti ogni giorno, il
l'interazione con questi oggetti era intima nel senso che la loro presenza era
sperimentato in molteplici modi e in tutte le faccende dell'uomo:
ornamentazioni in attrezzi e altre superfici, schemi di tessitura nei tessuti, visivo
caratteristiche e il design/piano per strutture architettoniche, e rituali e sepolture
implementa, tra gli altri. L'artista ha persino creato luoghi e spazi dove
le comunità possono riunirsi. Ci sono numerosi monumenti e memoriali che
sono tracciati su tutto il mondo come il noto Memoriale dei Veterani del Vietnam in
Washington, D.C. Ci sono altri come le pitture rupestri che hanno un'aura di
mistero come le Piramidi di Giza, o hanno alluso a una comprensione come il

Stonehenge. Il Stonehenge (Wiltshire, Inghilterra) del Neolitico

Fu in questa luce che gli artisti lavorarono e la maggior parte delle volte, i prodotti
non erano considerati affatto come opere d'arte ma piuttosto come artigianato o collocati sotto qualche
altra categoria. L'uso della parola "integrato" può essere interpretato come
ciò che è stato creato è circolato automaticamente nelle operazioni della società ed era
non è essenziale per un'opera d'arte che l'identità del suo autore sia conosciuta. Non lo fece
ci vorrà molto tempo prima che questo cambi.

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Gli Artigiani e le Corporazioni

Hai mai pensato al motivo per cui alcuni esempi di artistico e creativo
la produzione è sopravvissuta fino ad oggi? I musei sono pieni di numerosi
artefatti e oggetti interessanti da tutto il mondo che sono sopravvissuti
secoli per tutti noi da vedere. Strutture magnifiche che spesso non sono apprezzate
non solo per il loro significato storico ma soprattutto per la loro estetica
le caratteristiche che li rendono unici diventano mete turistiche per coloro che
who wish to explore and see the remarkable facade, interior, and even minutest
dei dettagli da vicino. Forse ciò che ha fatto la differenza sono stati i materiali,
mezzo, e i principi alla base del processo della loro creazione. Un altro
un fattore contributivo è l'emergere della tecnologia e della conoscenza nella gestione
e conservando tutti questi oggetti e strutture, consentendo la conservazione del
l'integrità dell'opera d'arte e l'intenzione dell'artista in termini di design
e estetica complessiva.
Considera le cattedrali gotiche e le altre megastrutture che erano
costruita in tutta Europa durante il Medioevo. Artigiani e costruttori nel
Il passato non aveva terminologie e principi sofisticati che gli architetti
e gli ingegneri rispettano oggi. Tuttavia, hanno svolto ruoli sovrapposti come il
disegnatore, architetto, ingegnere e persino come costruttore. Quello che avevano era un
senso di come si comportavano i materiali, come l'ambiente, la luce e il tempo
modelli colpito
strutture, e altro
più intuitivo
principi di creazione.
Sperimentazione e
la fortuna non deve essere anche

dimenticato. Gotico
cattedrali insieme a
altro strutture
ispirato da è
architettonico principi
sono sopravvissuti attraverso
tempo, non solo dai loro
la pura durata, ma
ancora di più attraverso il
articolazione del
processi che essi La Cattedrale di Colonia tra circa il 1890 e circa il 1900, a Colonia,
seguito. Un esempio di
questa sarebbe la Cattedrale di Colonia. In Germania, è solo una delle tante
esempi di architettura gotica precoce. Il racconto era che il maestro muratore
Gerhard Ryle avviò il progetto nel 1248, ma fu completato solo circa 600
anni dopo, rivendicando il record come uno dei progetti di costruzione più lunghi di
data.

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 Dettaglio delle vetrate della Cattedrale di Colonia, Colonia, Germania (2019)

Quello che si intende qui è un tipo di

formalizzazione in cui è stata stabilita la regolamentazione
posto. Qui era necessaria la qualifica delle competenze
per un apprendista per registrarsi sotto un
particolari corporazioni artigiane. Queste corporazioni erano

prevalente durante il Medio Età

particolarmente durante il tredicesimo al quindicesimo
secolo, dove le città avevano gruppi formalizzati
di artigiani o artigiani che hanno assunto un
particolare specializzazione o trade:
calzolai, lavoratori del tessile e del vetro,
falegnami, intagliatori, muratori, armaioli, e
fabbricanti di armi, tra gli altri. Qui, il
la pratica degli artisti non era basata su
idea delle capacità individuali o del successo;
rather, in the commitment to work together
come un collettivo. Le gilde erano un tipo di sociale
borsa di studio, un'associazione strutturata con
regole, usanze, diritti e responsabilità.
La nicchia della gilda sotto il Quattro
Con un impegno a vita verso un particolare Statua dei Santi Martiri Coronati
mestiere, un artigiano sviluppa immense abilità e Chiesa di Orsanmichele Firenze Italia.
Statua di Nanni di Banco (1408) per
competenza nel suo mestiere.

Un maestro artigiano sarebbe quindi disposto ad assumere apprendisti

chi sarebbe sotto la sua tutela e istruzione. In queste corporazioni, l'arte e
la tecnologia fiorì sotto un unico tetto. Nel contesto della cattedrale
cantiere, il maestro muratore sovrintendeva al lavoro di numerosi uomini di
diverse inclinazioni artistiche e abilità, dai fabbri (lavorazione dei metalli), ai falegnami,
portatori e vetrai (artisti del vetro colorato), tra gli altri.
Questo ha messo in luce vari modi di pensare al trasferimento
conoscenza e abilità visualizzando e articolando i principi, i processi,
e trucchi del mestiere sia a parole che in forma scritta tramite manuali e

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pubblicazioni. Certo, queste pubblicazioni stampate sono state fatte a basso costo e non hanno
non avere la stessa completezza degli studi e dei manuali biblici
proporzioni. Oltre ai fondi, un altro ostacolo era il fatto che alcuni dei
La conoscenza che è stata messa in produzione era difficile da esprimere a parole. Questo può
essere attestato in un modo che spesso ci troviamo in difficoltà quando ci viene chiesto di
spiegare un passaggio o processo particolare in qualcosa che abbiamo creato. Considera
questo, oltre al fatto che ricevere la spiegazione di come qualcosa sia
fatto non ci rende automaticamente impresari in grado di portare a termine il compito
senza protuberanze.
Nelle arti visive, un esempio di un artista
fortemente influenzato da questo fu Albrecht Dürer.
Nato nel 1471, suo padre era un orefice, cioè
why he also apprenticed as such. Later on, he
si è spostato verso le arti visive. Durante quel periodo, esso
era consuetudine viaggiare dopo aver completato un
apprendistato per acquisire maggiore esperienza e
conoscenza altrove. La sua vita era matura con
viaggi, fama e fortuna. Uno dei più grandi
il merito della sua pratica è stata la sua dedizione e
interesse per la borsa di studio con la sua partecipazione a un
incontri di artisti e studiosi di un amico stretto.
Ha anche pubblicato un bel numero di libri e
trattati che parlano di
abilità pratiche come artista che sarebbero
utile ad altri artigiani e mestieri che Autoritratto di Albrecht Dürer
osò leggerlo. Principalmente sulla prospettiva e (1500) olio su tavola. Era su
proporzione umana, le sue opere furono scritte in esibizione pubblica a Norimberga
Municipio dal circa 1528 a
il formato della prima persona singolare, pratico nel 1805 quando fu preso a
modo in cui è stato scritto e ha ricevuto supporto da Monaco e dove è ancora
illustrazioni. Ha anche contribuito il fatto che le sue illustrazioni ospitato oggi nell'Alte
Pinakothek.
erano disposti di fronte al testo che lo spiega.
Anche se era bloccato tra il periodo in cui i canoni erano ancora in fase di...
seguendo, suggerì ai suoi lettori che i suoi erano semplicemente raccomandazioni,
e che se trovassero un modo migliore per farlo, allora si dovrebbe partire da
cosa aveva imparato.
Sebbene la cronologia sia un po' distorta, la cultura degli artigiani divenne
prevalente nelle Filippine, in particolare durante il periodo dei coloni spagnoli
periodo. In precedenza eseguito con lo spirito del collettivo e del quotidiano,
il patrocinio ha cambiato il modo in cui l'arte era percepita. Questo è stato vero sia per
arte religiosa e laica, in cui l'esistenza degli artigiani si è dimostrata essere di
uso immenso. È stato attraverso la mimesi o la copia che gli artigiani hanno imparato per la prima volta a
rappresentare immagini e scene religiose. I frati, essendo essi stessi non artisti,
forniti i riferimenti che gli artisti potrebbero utilizzare. Durante la propagazione di
fede, i frati spagnoli commissionarono molti artigiani per scolpire, dipingere e incidere
immagini di chiese e luoghi pubblici. Ogni località aveva uno stile caratterizzante
o caratteristica nel modo in cui sono state realizzate le loro rappresentazioni, il modo in cui

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Gli artisti boholani dipingevano santi e le scene erano diverse da quelle di
Rizal or in Laguna. Like other Baroque churches that benefitted from the
i talenti degli artisti, anche le chiese coloniale spagnole erano decorate con affreschi e
pitture sul soffitto, con un numero di esse sottoposte a restauro all'inizio
Anni '90. Il Progetto Kisame è un'iniziativa collettiva tra appassionati e
avvocati che miravano a promuovere questa forma d'arte attraverso la documentazione,
coinvolgimento e apprezzamento delle pitture su soffitto sopravvissute in oltre 60
chiese nelle Filippine. Tecnologie e conservazione del patrimonio occupavano un
parte sostanziale di questo progetto.

Un esempio
di a Spagnolo
architettura che ha
è stato documentato
la Chiesa del
Mos Holy Trinity in
Loay, Bohol. Costruito nel
1822, il soffitto
dipinti erano
reso trompe
stile l’oeil che rappresenta
scene bibliche. In
2003, è diventato un
Storico Nazionale
Punto di riferimento. Era

pertanto La Chiesa della Santissima Trinità a Loay, Bohol, localmente

sfortunato che questo chiamata parrocchia Santissima Trinidad.
la chiesa è stata una di quelle gravemente danneggiate durante il devastante terremoto
che ha scosso Bohol nel 2013. L'unica sezione della struttura che è rimasta
fu eretto il campanile. Sebbene sia solo un frammento della cosa reale, il
Le foto scattate dal Progetto Kisame sono state in grado di documentare la bellezza del soffitto.
dipinti prima della sua distruzione.
Dalla chiesa, i successivi patroni delle arti furono quindi la nuova élite, il
illustri per la classe media, insieme a ospiti stranieri che volevano souvenir
portare con loro. Esaminando più da vicino i dipinti si rivelerà il
specificità dello stile in cui sono stati dipinti. Altri due generi importanti
per dipingere a quel tempo erano i tiposi del paese e lettere e figure. I primi
erano dipinti ad acquerello che mettevano in mostra i diversi abitanti locali del
paese in abiti diversi, e indizi sulla loro occupazione e stato, mentre il
latter ha combinato i principi di tipos del pais e li ha incorporati come un mezzo
illustrare le lettere del proprio nome o cognome.
Un esempio chiave che illustra la sistematizzazione dell'insegnamento dell'arte–
una combinazione di tipi di gilda e della scuola d'arte – erano gli stabilimenti
Damian Domingo dell'Accademia di Disegno. Conosciuto come i migliori tipografi del paese
pittore, questa scuola si specializzava nell'insegnare lo stile di pittura miniaturista
insieme ai principi della pittura classica europea. Alla fine, altre scuole

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emerse insegnando altri generi come i bodegones (natura morta) e i paesaggi
(paesaggio).

L'Artista e il Suo Studio

Ritornare in Europa, il grande cambiamento che ha spinto l'evoluzione del

ruolo fondamentale dell'artista nelle arti è iniziato durante il Medioevo fino a
Periodo rinascimentale. I sviluppi più importanti comprendevano la trasformazione di
l'artigiano a un artista o un artista indipendente; la diffusione
patrocinio dell'arte secolare (insieme alla continua produzione di opere con
soggetti religiosi); e l'affermazione della cognizione, della volontà e dell'individualità.
Prima del periodo rinascimentale, le opere d'arte venivano lasciate senza firma. Gli artisti affermavano
autorship delle loro opere fissando il loro marchio sulle superfici dei loro
i dipinti sono stati una grande pietra miliare nella storia dell'artista. Combinati, questi
ha portato a una varietà più ampia di opere d'arte, non solo nella forma ma soprattutto nello stile
e tecnica. Il sito che ha visto questo cambiamento era uno spazio molto personale per il
l'artista stesso, che è lo studio.
Oggi, gli studi degli artisti sono diventati un palazzo di interesse per il pubblico.
interessante vedere e apprendere dove si manifesta la creatività, soprattutto poiché un
Lo studio dell'artista è un'estensione dell'artista stesso. Il modello di studio risale a
dal Rinascimento. Lì, gli artisti mostrarono la loro relazione con il loro
patrono come un luogo dove si facevano negoziazioni e opere. C'erano quelli
le cui postazioni di lavoro erano suddivise in due, lo studiolo e la bottega; il
il lavoro avveniva di solito. Gli apprendisti studiavano sotto i maestri,
assistere con compiti meniali o nella preparazione delle superfici da dipingere. Nel
nel diciassettesimo secolo, queste delimitazioni divennero sfumate fino a fondersi
insieme. Ciò era particolarmente vero con gli artisti che esploravano la pittura ad olio
tecniche il cui lungo processo può essere descritto da cicli di miscelazione, stratificazione
e asciugatura della vernice. Questo formato è rimasto per tutto il periodo finale del
1800s.
In Francia, d'altra parte, le accademie e i saloni d'arte divennero popolari
as they did not only support the production of art but also the discourse
intorno a loro. La critica e l'analisi sono state evidenziate come aspetti integrali dell'arte
impegno e quindi la visualizzazione delle opere d'arte attraverso l'arte ufficiale
si cercava saloni. Essere inclusi nell'esposizione era considerato un onore,
soprattutto dal momento che non ci è voluto molto prima che fosse considerato un arbitro di
standard e gusto.
I primi anni della Rivoluzione Industriale ebbero una ramificazione interessante
per artisti. Un compendio di eventi ha liberato gli artisti dalle limitazioni
che ha influenzato il modo in cui producevano le loro opere. Questi includevano il
disponibilità e portabilità dei materiali (cioè, cavalletti pieghevoli e vernice in tubi)
e la dipendenza dai ricchi mecenati per commissionare un'opera. Più pittori
hanno goduto di dipingere per conto proprio, creando opere che volevano creare. È
fu durante questo periodo che una serie di stili si svilupparono fianco a fianco, consentendo

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gli artisti per comprendere appieno il potenziale della licenza artistica, con minimi (o nessun)
considerazione per i gusti prevalenti e le preferenze stilistiche. Durante il
nella parte finale del 1800, gli artisti iniziarono a mettere in discussione i meriti di rigide
formazione e istruzione artistica, ma fu durante il 1900 che l'arte fu davvero
liberati dalle tradizioni del passato. Forse, fu allora che gli artisti trovarono
libertà di esprimere il proprio modo estetico distintivo di produzione creativa.

Concludiamo

L'evoluzione dell'artista nel corso della storia è una delle più

progressioni interessanti negli affari dell'uomo. Dalle banalità delle opere
ha creato per assistere e informare il quotidiano, è stato colto in mezzo a
ideologie prevalenti e in evoluzione, e ha utilizzato il potere della creatività e
immaginazione nel tentativo di confrontarsi con il mondo che lo circonda. C'è molto
responsabilità e aspettative attribuite agli artisti. Come disse Woodrow Wilson (1913)
non sei qui semplicemente per guadagnarti da vivere. Sei qui per
abilitare il mondo a vivere più ampiamente, con una visione più grande, con uno spirito più fine di
speranza e realizzazione. Sei qui per arricchire il mondo, e impoverisci
te stesso se dimentichi quel compito.

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