BILLY

all'interno

rassegne in romagna
marzo 2010 RIVISTA CINEMATOGRAFICA ROMAGNOLA

rubriche attualita'

David Lynch Berlino 2010

Richard Elfman Fattore Bigelow
Milos Forman Spider-Sam no more
in sala retropolis

Crazy heart Il seme della follia

Shutter island I’m a cyborg but that’s OK
Les herbes folles Il corridoio della paura
preview Ragazze interrotte

Alice in Wonderland Quattro pazzi in libertà

i luoghi
edizione

della follia marzo 2010

filorosso
i luo ghi della follia
di ilario gradassi
Follia, marzo si sa
pazzerello, è il tema che ogni
sano intellettuale prende in
considerazione quando sente
risvegliare la natura e gli
istinti primordiali. Nell’impeto
tra Natale e Cannes abbiamo
davanti due film che
singolarmente trattano proprio
la follia attraverso una caduta,
o meglio una ricaduta, in luoghi
che straniano e modificano il
nostro rapporto con la sanità
mentale.
Se Alice in Wonderland di
Tim Burton è un sequel del
romanzo di Lewis Carroll, già
tentato sul grande schermo in
un film d’animazione Disney
e in una serie di pellicole di
minor impatto sull’immaginario
cinematografico mondiale
come Alice del regista ceco Jan
Svankmajer (passato a gennaio
a Scaglie), Shutter Island è una
(ri)caduta nei gorghi della follia
operata da mastro Scorsese
dopo il discusso ritorno a
Cape Fear. Col risultato che è
venuta voglia a Martino di far
girare un sequel/remake – se
si può usare un neologismo un
herzogovie – del suo film più
riuscito a Von Trier, dando già
per fallito il tentativo fatto con
Di Caprio. Burton, per evitare
la bocca amara di Gorillandia
e fabbrica del cioccolato pare
aver lavorato sul pentagramma
della temporalità, per cui
servirebbe leggere almeno
l’opera di Carroll prima di
vedere il film, se non anche
il sottovalutato seguito. Date
billy marzo 2010 - numero 21
è un’occhiata a Wikipedia prima di
vedere questa guerra del Bianco
e del Rosso. E date un’occhiata
a come abbiamo cercato di
scalfire il binomio luogo-follia
triangolandolo col cinema, dal
Safr che parte dal grande Buio
della prima proiezione Lumière
a Forman, massimo descrittore
del mondo concentrazionario
mentale, al Lynch che volteggia
tra sanità e follia, al Retropolis
dedicato ai manicomi,
all’omaggio di Garroyo alla follia
familiare, ad altre follie che un
grande schermo, un’esperienza
che modifica il nostro equilibrio,
possono donarci. Per cercare di
rispondere negativamente alla
domanda: ha senso morire sani?
servizio a pagina 14
Filorosso I luoghi della follia........................... 3
Billy réportage Berlino 2010: vince la qualità
LA VARIABILE BIGELOW....................................... 6
Spider-Sam no more! ..................................... 7
Billy réportage ForCine Awards 2009 ......... 8
4
preview Alice in Wonderland ........................... 9
in sala ................................................................ 10
Crazy Heart 10
Shutter Island 11
Les herbes folles 12
Retropolis Manicomio .................................... 13
Il seme della follia 13
I’m a cyborg but that’s OK 14
Il corridoio della paura 14
Ragazze interrotte 15
Quattro pazzi in libertà 15
Vetrina Rassegne in Romagna – marzo ........ 16
Borsino............................................................... 18
Cattivi maestri I Luoghi oscuri – David Lynch 19
THE FILM GAMER L’alice che torna e ritorna.. 20
horror politics La parabola della nuova carne 21
ciNERDmatografo FORBIDDEN ZONE.......... 22
CINELetteratura Shining ............................... 23
psicovisioni Elephant ..................................... 24
in costume Jane Eyre: Fotoromanzo Gotico 25
BRUCIAMI, BRUCIAMI L’ANIMA Malombra:
“l’orrido” abisso sulla follia ............................... 26
I soliti ignoti Milos Forman: La Follia Siamo Noi 27
in matita Lumières cinématographe ............... 29
garroyo e i suoi fratelli Una famiglia un po’
psicosemiotica ................................................... 30
La Posta del Capp’tano .................................... 31
i'm a cyborg but that's ok
21
22
22
23
24
3
 billy reportage

berlino: vinc
festival del cinema di Berlino 2010

di MICHELANGELO PASINI

Mentre il cinema che conta si sessantesima edizione del

consuma tra Golden Globe,
Bafta Awards e statuette
degli Oscar, diventando ogni
giorno di più il teatrino del
gossip più spicciolo tra James
Cameron e Kathryn Bigelow,
si conclude in Germania la
Festival di Berlino, con un’eco
mediatica italiana smorzata
dalla vittoria di un giovine di
bell’aspetto all’ultimo, trionfale,
regale, cicciotto, Festival della
Canzone Italiana. O San Remo
che dir si voglia.

Il risultato di maggiore attenzione. il segno evidente che i

quest’edizione, con
presidente della giuria
Werner Herzog, è la prova
che di buon cinema si può
ancora parlare, ma che
purtroppo viene sempre
meno prodotto tra Stati
Uniti, Francia e Italia (paesi
citati non a caso). Come
già gli Orsi ci avevano
abituato negli scorsi anni
(dal 2005 il premio per
il miglior film è andato
prima in Sud Africa, poi in
Bosnia, successivamente
in Cina, Brasile e lo
scorso anno a metà tra
Perù e Spagna), anche
nel 2010 è necessario
addentrarsi nelle lande
cinematograf icamente
più sperdute per trovare
le pellicole meritorie di
È così che l’Orso d’Oro
viene consegnato nelle
mani di Semih Kaplanoglu,
regista turco il cui Honey
(titolo originale Bal) va
a concludere l’originale
trilogia inversa dedicata
al personaggio di Yusuf.
Il cineasta, utilizzando
l’originale stratagemma
di iniziare a raccontare le
vicende dalla vecchiaia
del protagonista, insieme
a Milk e Egg, pellicole che
hanno preceduto quella
trionfatrice a Berlino,
costruisce un’opera
che ha, tra le altre
cose, legittime pretese
di raccontare la storia
recente della Turchia.
Allo stesso modo, il Gran
Premio della Giuria è
recenti successi della
settima arte rumena non
sono un’oasi nel deserto:
If I Want To Whistle, I
Whistle di Florin Serban
non si aggiudica infatti
soltanto l’Orso d’Argento,
ma riceve anche il premio
Alfred Bauer, storicamente
attribuito all’opera più
innovativa dell’intera
manifestazione.
Il grande favorito,
Roman Polanski, ritira in
contumacia il premio per la
miglior regia. Tributo a un
regista alle prese con guai
legali tutt’altro che risibili
o meritato riconoscimento
per un’opera tanto attesa
come The Ghost Writer? Ai
posteri l’ardua sentenza.
Fatta eccezione per

billy
4 numero 21 - marzo 2010
ce la qualità
Polanski e per Koji Wakamatsu,
che si è dovuto accontentare
di ritirare il riconoscimento per
miglior attrice spettante alla sua
Shinobu Terajima, i grandi nomi
sono i grandi esclusi di questo
festival. Rimangono infatti a bocca
asciutta Michael Winterbottom
(con un film attesissimo dal titolo
The killer inside me), Zhang Yimou
(finalmente) con A Woman, A Gun
And A Noodle Shop e il dogmatico
Submarino, di Thomas Vinterberg,
che da subito aveva fatto parlare
di se.
Dalla Russia arriva invece uno
dei film più applauditi del festival
e capace di portarsi a casa una
serie di premi sicuramente minori
ma comunque di un certo calibro:
parliamo di How I Ended This
Summer) di Alexei Popogrebsky,
vincitore dell’Orso d’Argento per
il miglior contributo artistico e
del premio per miglior attore
protagonista che va ex aequo nelle
mani di entrambi i protagonisti,
vale a dire Grigori Dobrygin e
Sergei Puskepalis.
Se da una parte ci fa esultare
l’assurzione di Turchia e Romania
nell’olimpo del grande cinema,
dall’altra non ci può lasciare che
con l’amaro in bocca la conferma
If I Want To Whistle, I Whistle di Florin Serban
dell’Italia come una delle
cenerentole della settima arte
mondiale. Non lasciano sgomenti
tanto gli unici due premi ritirati da
una pellicola della penisola (La
Bocca del Lupo di Pietro Marcello,
che ha vinto il Premio Caligari della
sezione Forum e il Teddy Award),
quanto il fatto che Mine Vaganti
di Ferzan Ozpetek, presente
nella sezione Panorama Special,
fosse sufficiente per arrogare al
regista il diritto di parlare come
rappresentante del nostro cinema
a una manifestazione come la
Berlinale. Quella del sessantesimo
anniversario per giunta.
5
 billy reportage

di

Kathralternative ILARIO
GRADASSI

La consegna
degli Oscar 2010
è diventata una
sfida in famiglia,
anche se i due
hanno divorziato
diciannove anni
fa.

LA VARIABILE
Nella litania dei premi
che anticipano lo
showdown del Kodak

BIGELOW
Theater, il sindacato
dei registi americani
ha assegnato il suo
premio principale
non a James
Cameron, regista di Lina Wertmuller nel quotidianità verso un
Avatar, film che ha 1977 per Pasqualino tempo della guerra
battuto tutti i record settebellezze)? che sembra e diventà
di incasso planetari, The Hurt Locker è normalità, follia
innovativo per effetti un film sulla guerra accettata che solo film
speciali e 3D, ma irachena e ha come fuori distribuzione,
all’ex-moglie Kathryn unico gemello un altro eccessivi ed
Bigelow, regista di film uscito a Venezia eccedenti, possono
The Hurt Locker, e dalla distribuzione denunciare.
film presentato a q u a n t o m e n o E così una donna si
Venezia con successo originale, Redacted erge, novello Davide,
di critica, ma senza di Brian De Palma, davanti al trionfo
riscontri economici raccolta di immagini della favola tecno-
neanche in patria, girate dai militari in ecologica, come
tanto che è già Iraq che narrano una unica alternativa
disponibile in dvd. storia esterna ma plausibile, in un vero
Cosa c’è di particolare coerente del conflitto “hurt locker” che si
perché la Bigelow più raccontato della avvicina.
possa essere la prima storia. E il miracolo avverrà
donna con l’Oscar Il film della Bigelow perché il cinema
per la miglior regia segue un gruppo di alla fine è sempre
(soltanto altre tre uomini che fanno una favola diretta da
sono state nominate: parte di una squadra Frank Capra.
Sofia Coppola nel di artificieri intenti Oppure le forze che
2004 per Lost in in una sessione controllano i seimila
translation, Jane per le strade votanti dell’Academy
Campion nel 1994 mesopotamiche, vogliono dare una
per Lezioni di piano e, vera intossicazione lezione all’ex marito
incredibile, la nostra dell’innocenza e della della Bigelow.

billy
6 numero 21 - marzo 2010
spider
sam
no
more!
SAM RAIMI FUORI
DA SPIDER-MAN 4
Che Spider-Man 3 non sia
stato accolto dalla critica
e dal pubblico nel modo
sperato è cosa risaputa.
Altrettanto poco misterioso
è il motivo dell’insuccesso:
Venom. Il suo problema è
che compare tardi, sta
poco in scena, non mangia
i passanti,… è inserito
a forza, trattato con
malcelata svogliatezza.
Parte della colpa va
sicuramente al regista,
quel Sam Raimi tanto
appassionato dell’Uomo
Ragno quanto avverso alla
sua nemesi aliena, legato
a una saga tra le più
controverse dei fumetti
del Lancia Ragnatele.
Ma ancora più colpevole
è la produttrice Sony ,
che all’opposizione del
regista non aveva voluto
billy reportage
di
MATTEO LIER LELLI
interessanti, visto meno buono (poco, e
che aveva scritturato legato a scelte stupide
niente meno che John come questa) e lo
Malkovich per vestire tiriamo nel water! Lo
i panni del cattivo stesso percorso del
di turno, il celebre personaggio, la sua
Avvoltoio. Ma l’indomani crescita come uomo
della conferma da e come eroe, e la
parte dell’attore, Sony nostra curiosità sul
se ne esce con la sua suo avvenire, vengono
mossa più insensata spazzate via in un
dall’avvio della serie: baleno. Svecchiare
ne annuncia il reboot. una serie che non
Via Sam Raimi, dentro dava alcun segno
Marc Webb (chi?). di cedimento e che
Via Tobey Maguire. anzi continuava a
Ricominciamo tutto raccogliere fan,
da capo: rimandiamo grazie soprattutto
un nuovo Peter Parker allo stile estroverso
a scuola, lo facciamo del suo grandissimo
mordere nuovamente regista, non è
da un ragno radioattivo. semplicemente una
Prendiamo tutto quello scelta discutibile: è
che è venuto fin ora, il
buono (tantissimo) e il
una vera e propria
idiozia!
dare il minimo ascolto
e gli aveva imposto il
personaggio, portando a
un forte sbilanciamento
della sceneggiatura e
all’insuccesso (relativo)
al botteghino. Visti
i precedenti, Sam
aveva successivamente
dichiarato che non avrebbe
messo mano a un quarto
film della serie se non gli
fosse stato concesso il più
totale controllo produttivo.
La sua voglia di rivalsa
su quell’ultimo, nefando
episodio e l’accettazione,
da parte di Sony, delle
sue condizioni avevano, in
breve, portato alla messa
in cantiere di un nuovo
capitolo cinematografico
dell’Uomo Ragno, per
il quale Sam stava
preparando cose davvero
7
 billy reportage
Gran Torino Clint Eastwood 9,0
Bastardi senza gloria Quentin Tarantino 8,1
Wrestler, The Darren Aronofsky 8,8
District 9 Neill Blomkamp 8,7
a cura di I Love Radio Rock Richard Curtis 7,3
ILARIO Watchmen Zack Snyder 7,6

GRADASSI Sherlock Holmes

Lasciami entrare
Guy Ritchie
Tomas Alfredson
7,6
9,0
Nastro bianco, Il Michael Haneke 9,0
Gran Torino di Clint Valzer con Bashir Ari Folman 8,5
Eastwood si aggiudica Nemico pubblico Michael Mann 7,0
il forCINE award Milk Gus Van Sant 7,5
2009. Fa' la cosa sbagliata Jonathan Levine 7,5
Parnassus Terry Gilliam 7,5
Up Pete Docter e Bob Peterson 8,0
Succede a Into the Wild che
aveva vinto l’edizione 2008, Piovono polpette Phil Lord e Chris Miller 8,0
e supera in un serrato finale Star Trek J.J. Abrams 7,3
Bastardi senza gloria di Quentin
Tarantino e The Wrestler di Reader, The Stephen Daldry 7,2
Darren Aronofsky. I votanti sono Terminator Salvation McG 7,0
aumentati del 18% rispetto alla
Christmas Carol, A Robert Zemeckis 7,0
stagione 2008 anche se il corpo
elettorale femminile è sceso Curioso caso di Benjamin Button, Il David Fincher 6,1
dal 33% all’11%. Dei trenta film Vuoti a rendere Jan Sverak 7,5
entrati in classifica solo uno è
italiano, Questione di cuore di Frost/Nixon Ron Howard 7,5
Francesca Archibugi, il primo film Questione di cuore Francesca Archibugi 7,5
non statunitense è il sudafricano
District 9, tre sono i film Diary of the Dead George A. Romero 7,5
d’animazione con l’israeliano (500) giorni insieme Marc Webb 7,5
Valzer con Bashir davanti a
Piovono polpette e Up. Yes Man Peyton Reed 7,0
Nella tabella, il titolo del film, il Rocknrolla Guy Ritchie 7,0
nome del regista e il punteggio
Soffocare Clark Gregg 7,0
finale che deriva dai fattori
popolarità e voto. Amore & altri crimini Stefan Arsenijevic 7,0

forCINE
awards 2009 billy
8 numero 21 - marzo 2010

Tim Burton, 2010-02-24
alice in
wonderland
di Matteo Lier Lelli
Le storie di Alice nel Paese
delle Meraviglie e Attraverso
lo Specchio e Quel che Alice vi
Trovò, con il loro mondo parallelo
e rovesciato, i personaggi da
manicomio e le assurde situazioni
comiche, sembrerebbero nate
apposta per essere portate
sullo schermo da Tim Burton, il
visionario regista di innumerevoli
pellicole eccentriche come
Edward Mani di Forbice, Big Fish
o La Sposa Cadavere. E così, al
soldo della Disney oggi come
PREVIEW
ai suoi esordi, il ragazzone di
Burbank reinventa le opere di
Lewis Carroll, le plasma per
ottenere un film più unitario
rispetto al classico animato del
1951, che non ama per l’ecces-
siva frammentazione della
narrazione. Non un sequel,
dunque, né un remake, anche
se la trama del film suggerisce
che potrebbe quasi essere
entrambe le cose: quando
Alice, appena diciannovenne,
viene chiesta in moglie, fugge
da una festa dell’alta società
per precipitare, seguendo il
Bianconiglio, nel Paese delle
Meraviglie... dove, poco alla
volta, realizzerà di essere stata
già una decina di anni prima.
Nel cast della pellicola, girata
in 3D con una tecnica mista
di live action e motion capture
e un massiccio utilizzo di una
straordinaria computer grafica,
figurano Mia Wasikowska
nei panni della protagonista,
Anne Hathaway nel ruolo
della Regina Bianca, e alcuni
immancabili attori feticcio di
Tim Burton: l’amico Johnny
Depp interpreta il Cappellaio
Matto, la moglie Helena
Bonham Carter è la Regina
Rossa, mentre Sir Christopher
Lee, icona horror amata dal
regista sin dall’infanzia, dà la
voce al terribile Jabberwocky.
in sala
recensioni dei
film in uscita
nel marzo
2010
112’ 2009 Scott Cooper
Nella sua quarantennale
carriera, Jeff Bridges ha
assunto svariate identità:
alieno dal volto umano,
cantante jazz, perdigiorno di
surreale genialità, nemico
spietato di un supereroe, e
molte altre ancora. È perfino
sopravvissuto al disastro de
I cancelli del cielo di Michael
Cimino: avendo dunque
provato di possedere solide
spalle, soltanto lui avrebbe
potuto interpretare il cantante
country alcolizzato Bad Blake,
protagonista del film diretto
Ogni anno milioni di cd e d
Campagna per il ritorno alla musicassetta e al VHS.
10
crazy
heart
dall’attore Scott Cooper. Il
suo viso scolpito nella roccia
e il suo sguardo da duro
ferito sono assolutamente
perfetti, così come la voce
profonda e impastata che
sa di polvere e whiskey.
La figura del fallito cronico
che si redime, compiendo
un percorso costellato
di cadute, è presente da
decenni soprattutto nel cinema
americano; in questa gradevole
opera prima, tratta dal romanzo
di Thomas Cobb, vediamo Blake
lottare contro il suo pazzo cuore
in compagnia di una giovane
giornalista, la sempre brava
Maggie Gyllenhaal. Entrambi
Marchiati
disillusi, vivono il loro legame
giorno per giorno, consapevoli
che potrà durare solo fino alla
prossima caduta. Il regista ci
offre un classico biopic, sullo
sfondo di tramonti e strade
deserte, in cui la musica
country fa da contrappunto
alle emozioni e all’evoluzione
interiore del protagonista. A
lui si contrappone, o meglio si
affianca, la figura dell’artista a
cui ha fatto da mentore e che
incarna tutto ciò che gli manca:
giovinezza, bellezza, successo.
Un buon esordio, ma nulla di
indimenticabile.
Chiara Tar tagni
Ferma ques
billy
numero 21 - marzo 2010
 in sala
shutter island
138’ 2010 Martin Scorsese
C’è Jacques Tourneur dietro
al nuovo, inquietante,
confessionale lavoro di Martin
Scorsese (ipse dixit). Ma c’è
anche Shock Corridor di Samuel
Fuller, c’è il cinema di genere,
furbescamente manipolato, e
soprattutto ci sono la strada e
l’attore che partendo da Gangs
of New York e passando per The
Aviator, arrivano a The Departed
prima e a Shutter Island poi.
Prima, la strada. Sappiamo che
la violenza è perennemente al
centro del cinema di Scorsese,
e del suo affannoso tentativo
dvd vengono bruciati
per sempre
sta barbarie
billy marzo 2010 - numero 21
di redenzione, che si ponga
come allegoria di un’America
inesistente, che provi a risolvere
in un campo verde l’impasse
elefantiaca del mostrare, che
ricalchi religiosamente un noir di
Honk Kong o che, infine, si liberi
nell’allusione cupa della follia.
Ancora: l’attore. A guardare le
locandine degli ultimi quattro
lavori di Scorsese si nota come il
volto di Di Caprio segni una vera
e propria iconografia apostolica,
in una coincidenza corpo-cinema
non casuale. Prima a vegliare
sulla New York che cresce, con
la Diaz e Day-Lewis, quindi a
sfidare il futuro, bucando le nubi
e campeggiando sull’immagine
vivi.
di un aereo in volo su Beverly Hills,
e poi a dividersi il quadro con
Nicholson e Damon di scorta ad una
Boston rossastra. Infine illuminato
dalla fiamma di un cerino, mentre
poco sotto un’isola è flagellata da
una tempesta. Ancora più di prima,
il nuovo film di Scorsese è tutto
riassunto in questi elementi, e reso
ancora più esplicito nei suoi intenti
arrivando addirittura a sovrapporre
attore e strada, significato e
significante.
Poco conta quindi che la storia
abbia diverse incongruenze, che
la ricomposizione del puzzle sia
reiterata e alcuni “misteri” siano
chiari fin dal quarto minuto.
O che la pellicola goda di una
fotografia di rara, abbacinante,
tristissima bellezza, e alcune
sequenze possano essere
inserite direttamente nella
storia del cinema. Quello che va
discusso, attraverso una storia,
comunque avvincente, di follia e
di società, di fantasmi e di colpe,
di labirinti psichici e storici, è
quanto – ancora una volta –
Scorsese opti per una colpa che
si struttura come umana (troppo
umana), un castigo che ha il
sapore suggestivo del divino e
una redenzione che, in un certo
metaforico modo, si suggerisce
inaccettabilmente ultraterrena.
Matteo Lolletti
11
 in sala
les herbes folles
96’ 2009 Alain Resnais
Onirico, libero, incoerente.
No, non è il Paese delle
Meraviglie di Alice, né il solito
regno celato nell’armadio.
L’universo parallelo urbano
che Resnais dipinge nel suo
ultimo film-saggio è reale, noto,
fisicamente riconoscibile. E,
malgrado ciò, ugualmente
anomalo. L’apologo sulla follia
come “percezione alternativa
della realtà” - che il precedente
Cuori (2006) aveva giusto
introdotto - trova in Les herbes
folles un ideale, impeccabile
secondo capitolo e in una Parigi
uguale ma diversa, il proprio
habitat naturale. Sregolati in
un mondo di regole, dinamici
in un universo statico, sciolti da
qualunque legame col Tempo
e la Storia, les amants ir-
reguliers resnaisiani fluttuano
leggeri come clochard in
attesa di un Godot qualunque,
reagiscono agli stimoli come
manichini surrealisti, spuntano
autentici come fili d’erba (folle,
per l’appunto) sul grigio asfalto
metropolitano. Rileggendo
Christian Gailly - il film ricalca il
romanzo L’Incident (1996) - ma
ripensando a Ionesco e Queneau,
il regista della memoria si diverte
a fare il demiurgo e scherza con
caso e cambiamenti di tono.
Percorre sentieri linguistici ora
rigorosi (la voice over nell’incipit,
la presentazione simmetrica dei
protagonisti) ora volutamente
caotici. Vola alto (nel vero senso
della parola) con immagini e
assurdità, rinunciando alla
didascalia. Allinea forma e
contenuto, optando per il solo
epilogo capace di appoggiare
l’idea di cinema da sempre
perseguita: on connait la
chanson… la vie est un roman.
Barbara De Caro 
numero 21 - marzo 2010 billy
 Luogo per antonomasia dove la
follia si scarica (o si crea?), nato nel
sedicesimo secolo grazie ai Quaccheri
che non avevano intenzione di farne
un centro carcerario (se ne vede una
riproposizione efficace in Restoration.)
Lombroso e i suoi volenterosi epigoni
ne militarizzano le strutture fino a
trasformarlo nell’inceneritore di tutte
le devianze sociali: in una straordinaria
scena di Vincitori e vinti l’avvocato
difensore Schell dimostra al giudice
Tracy che tutte le società “evolute”
degli anni ‘30 offrivano come soluzione
all’omosessualità la reclusione nei
centri di salute mentale.
La parata che vi proponiamo si
concentra sul cinema recente, pur
recuperando “manicomi di carne”
come quello di Jane Eyre, puntando
a far emergere dove germoglia
lussureggiante il seme della follia.

Ilario Gradassi

retropolis
m a n i c o m i o
95’ 1994 John Carpenter
Sutter Cane, scrittore di romanzi
dell’orrore di enorme successo, in
grado di far letteralmente impazzire
i suoi innumerevoli lettori con le
sue storie macabre, sparisce un
mese prima del lancio del suo
ultimo libro. E, con lui, il manoscritto.
John Trent (Sam Neill, bravo come
sempre), investigatore al soldo di una
compagnia di assicurazioni, indaga
sulla scomparsa, convinto che si tratti
di un’astuta trovata pubblicitaria.
La sua ricerca lo porterà in un
misterioso paesino disperso nel
nulla, Hobb’s End, curiosamente
assente da ogni carta topografica,
ma protagonista di tutti i racconti
dello scrittore scomparso... nonché
teatro di orrori indicibili, luogo primo
in cui le allucinazioni di un folle e
la realtà si mescolano, legandosi
indissolubilmente. E tutto nel film,
dalla cornice del manicomio, dove
Trent racconta la sua terribile storia,
al finale così sottilmente spietato,
ci dice che quei pazzi, quei folli
assetati di morte che hanno letto la
Nuova Bibbia e hanno perso se stessi,
in fondo, siamo proprio noi. John
Carpenter, assoluto maestro del terrore,
firma uno dei suoi film più riusciti, al
cui centro troneggia un’enigmatica
quanto affascinante figura di scrittore,
ispirata, come tutta la pellicola, tanto
a Howard Philip Lovecraft (e alla sua
poetica dell’indescrivibilità dell’orrore)
quanto a Stephen King (soprattutto
sotto il profilo dello scrittore-dio che
tutto può sui personaggi e gli eventi di
cui scrive).
Matteo ‘Lier’ Lelli

il seme della follia 13

i’m a cyborg
but that’s OK Pregiudizi e aspettative
condizionano la fruizione
e seguente valutazione di
un film. Così è stato per
I’m A Cyborg But That’s
OK, settima pellicola di
Park Chan-wook, cineasta
conosciuto esclusivamente
per la sua trilogia della
vendetta. Della quale si
è parlato tanto e spesso
a sproposito. Tanto da
etichettare il regista
coreano come estremo e
violento e da “costringerlo”
a virare verso la commedia
per scrollarsi di dosso quel
peso e quello stereotipo che
Sympathy for Mr. Vengeance,
Old Boy e Sympathy for Lady
Vengeance, gli avevano
cucito sopra. Per questo
motivo nelle interviste

che precedono l’uscita di I’m A
Cyborg But That’s OK ribadisce
più volte di aver girato un film
fruibile per qualsiasi spettatore,
dove al nichilismo dei precedenti
si sostituisce la visionarietà pop
del manicomio che ospita la
vicenda. Eccoli lì, gli scettici e i
detrattori, pronti a definire a priori
il film leggero e frivolo, e a criticare
il cineasta coreano per aver preso
l’unica strada in discesa.
Peccato che il film sia tutto fuorché
buonista e soprattutto sia lungi
dall’essere la commediola che Park
stesso ha annunciato: è piuttosto una
lucida analisi sulla situazione sociale
e politica coreana, con attacchi
diretti alla famiglia tradizionale e
una non velata critica alla psichiatria
tradizionale. Nonostante Park parli
del manicomio che ha messo in
scena come un posto felice e
splendente, questo “luogo della
follia” sotto quella patina ultrapop
che lo ricopre nasconde un
malessere di fondo che è proprio
di tutte le pellicole del regista.
Michelangelo Pasini

il corridoio della paura

101’ 1963 Samuel Fuller
Il Corridoio della Paura (Shock
Corridor) del grande Samuel
Fuller è stato oggetto di una
quantità spropositata di
interpretazioni, tutte, per altro,
in larga parte giustificate. È
indubbio, infatti, che la storia di
un giornalista che si finge pazzo
per entrare in un manicomio
a indagare su un omicidio lì
avvenuto (con l’intento di vincere
il Premio Pulitzer), abbia nel suo
14
esito - in cui il giornalista scopre
il colpevole, vince l’ambito
riconoscimento, ma conclude la
vicenda con una salute mentale
definitivamente compromessa,
entrando di nuovo in manicomio
- un ventaglio esegetico davvero
ampio. Ma è forse nei personaggi
di contorno che si arricchisce di
elementi di ulteriore suggestione
(uniti alla tradizionale difficoltà
già folle e claustrofobica di un
thriller manicomiale): l’America
di allora, la sua anima, è infatti
interamente rappresentata, per
quanto in maniera paradigmatica,
in queste ombre di uomini,
nelle loro angosce paranoiche,
nelle loro regressioni, nella
loro eclatante follia, mentre
il manicomio stesso diviene
iperbole sociale, condannando
alla pazzia chiunque decida di
vedere la realtà. Non a caso
è il film che Park Chan-Wook
avrebbe voluto dirigere.
Matteo Lolletti
 retropolis
1999 James Mangold
Talvolta il sogno americano
cela una realtà molto più
indigesta. Fine anni Sessanta,
una cittadina tranquilla, una
famiglia benestante, una
ragazza neodiplomata con un
roseo futuro davanti. Niente di
più preoccupante, insomma.
Susanna (Winona Ryder) è
una diciottenne in contrasto
perenne con la propria
famiglia, con ciò la società le
ha promesso: incurante
della sua reputazione,
ragazze interrotte
quattro
Keaton (Michael) è un ex scrittore soggetto a forti
crisi di rabbia. Lloyd (Christopher) è un maniaco
dell’ordine che si illude di essere uno psichiatra.
pazzi
Boyle (Peter) crede di essere l’incarnazione di
Gesù Cristo. L’ultimo, Furst (Stephen) è un povero
autistico capace di comunicare solo tramite
commenti sportivi. Quattro matti, quattro pazienti
in
di un manicomio. Un Medico Psicologo dalle
ampie vedute li porta in libera uscita a New York
per una partita di baseball, non sapendo che si
troverà ad essere prima testimone, poi vittima di
libertà
feroci assassini. Dispersa la loro guida, spetterà ai
quattro pazzi il compito di e salvarla e arrangiarsi,
non prima però di avere superato gli screzi
personali e aver imparato ad agire come una vera
squadra! Ovviamente, durante l’avventura, ogni
113’ 1989 Howard Zieff personaggio non mancherà di fare i conti con il
proprio turbolento passato, in modo da ottenere una
riconquista e una parziale guarigione dalle proprie
billy marzo 2010 - numero 21
vuole diventare scrittrice,
snobbando la sua carriera
universitaria. Quando viene
ritrovata priva di conoscenza
accanto a un flacone di
medicinali e a una bottiglia di
vodka, i suoi genitori decidono
che il Claymore Hospital,
un ospedale psichiatrico, è
il meglio per la sua salute
mentale . Qui Susanna
stringerà una forte amicizia
con Lisa (Angelina Jolie), il
“capobranco” sociopatico
di un gruppo di sventurate.
L’indagine sul passato delle sue
compagne porterà Susanna a
comprendere le pretestuose
nozioni parascientifiche su
cui si basava la psicoterapia
di allora e a muovere contro
di esse una guerra fatta di
sentimenti e relazionalità. Una
meravigliosa metafora accosta
il ricovero nei manicomi
all’arruolamento in Vietnam,
un montaggio sfuggente ed
eterogeneo nei tempi e nella
diegesi, impreziosiscono il
gioiellino di James Mangold.
Tratto dal diario della vera
Susanna Kaysen, che ha
vissuto queste vicende in prima
persona, Ragazze Interrotte è
la celebrazione della vittoria del
contatto umano e della parola
sulle leggi della fisica e della
medicina, che non possono
attecchire in una realtà così
altra, così avulsa dall’ordinario.
Marco Berardi
fobie. Sullo sfondo la metropoli
aliena e psicotica quasi più
degli stessi protagonisti. The
Dream Team è una commedia
brillante (soprattutto grazie alla
bravura degli interpreti) che fa
leva sul solito paragone sanità/
follia e sul dramma dei diversi
messi a margine di una società,
che forse proprio normale non
è. Si rientra completamente
nei canoni della commedia
americana anni Ottanta, ma se
vi è piaciuto Non guardarmi,
non ti sento potreste apprezzare
anche questo Quattro pazzi in
Libertà!
Alberto Semprini
15
 vetrina
rassegne in romagna nel marzo 2010

Alfred Hitchcock: il poeta dei colpevoli

domenica 7 marzo ore 21 domenica 21 marzo ore 21
CINECLUB forCINE

ANATOMIA
seconda parte 
Il sospetto   Io ti salverò 
99’ 1941 111’1945

FOLLIA
DELLA
domenica 14 marzo ore 21 domenica 28 marzo ore 21
L’ombra del dubbio  Marnie 
108’ 1943 120’ 1964

Le proiezioni avranno inizio alle ore 21,00 presso Moquette bookshopbar  via
Dall’Aste,17 Forlì tel. 0543 32751  moquettebar@gmail.com 
Ingresso riservato ai soci forCINE 2010. 

PROGRAMMA MARZO 2010

cineclub SCAGLIE

Domenica 7 Marzo ore 21.30 Domenica 21 Marzo ore 21.30

Gli spettacoli si terranno
presso il Clandestino, via

Ingresso con tessera mensile

Adolfo Baccarini 21 Faenza.

Thirst Le Tre Corone del Marinaio

133’ 2009 Park Chan Wook  117’ 1983 Raoul Ruiz 

Domenica 14 Marzo ore 21.30 Domenica 28 Marzo ore 21.30

The Wild Blue Yonder Le avventure di Robinson Crusoe
8 €.

80’ 2005 Werner Herzog  ***1954 Luis Buñuel 

billy
16 numero 21 - marzo 2010
 THE CESENA
http://www.sanbiagiocesena.it/ http://www.
cinemaeliseo.it/rassegna.php?id=33

CINEMATOGRAPHIC COTIGNOLA

CRITIC’S ROYAL http://www.romagnadeste.it/it/7-cotignola/

i2179-nuovo-cinema-binario.htm

RUMBLE FINAL FAENZA

http://www.cinemaincentro.com/cultmo-
vie.html

La rissa reale dei critici cinematografici romagnoli è FORLÌ

mercoledì 17 marzo ore 21.00

giunta all’ultima tornata. Si sfideranno a singolar ten- http://www.cinemasaffi.com/

zone in uno scontro all’ultimo sangue i vincitori delle http://www.salasanluigi.it http://www.
culturaprogetto.it/corsi-scheda.asp?pr1_
tre gare precedenti per decidere il vincitore di que- tipo=narrativa&pr2_cod=331&pr1_
sto primo esperimento di slam applicato alla critica cod=110
cinematografica. Il pubblico sovrano, attraverso voti
palesi, giudicherà le prove in cui saranno impegnati FORLIMPOPOLI
i critici in rissa, con la possibilità di aggiudicarsi, se http://www.cinemaverdi.it/programma.htm
bravi a votare, un dvd originale. Tre le prove: la lec-
tio magistralis, in cui gli sfidanti presenteranno un ar- GAMBETTOLA
gomento a piacere, la Sindrome di Kurosawa, dove http://www.comune.gambettola.fc.it/index.
i contendenti dovranno commentare brani di film asp?action=vis_news&cod=333
muti, e la Prova di Onniscienza, che vedrà un argo-
mento estratto a sorte su cui i due sopravvissuti alle IMOLA
precedenti prove improvviseranno una discussione. http://www.circolocappuccini.com/
Il tutto con la dovuta dose di disprezzo e insulti. rassegna.htm http://lapalazzina.imola.
info/pages/genfebmar10/genfebmar10.
htm
http://www.donfiorentini.it/
Il via alle 21 nella sala Cronenberg
della Collina dei conigli, presso il LUGO
http://www.lugocinema.net/blog/
parco urbano di Forlì.
L’ingresso è libero. PIANGIPANE
http://www.teatrosocjale.it/main/index.
php?id_pag=24#marzo

RAVENNA
http://www.cinemajollydoc.it/

SITI DOVE BAGNACAVALLO

http://cinemabagnacavallo.blog-
RICCIONE
spot.com/
http://www.riccioneperlacultura.it/Engine/
REPERIRE BELLARIA IGEA MARINA
RAServePG.php/P/32321RPC0100/
M/25001RPC0203
http://www.teatroastrabim.it/
ALTRE programma.html
RIMINI
http://www.bibliotecagambalunga.it/cinete-
DATE DI CASTELBOLOGNESE
http://www.ilcinemamoderno.it/Cine-
ca/programmazione/
http://www.cinematiberio.it/notorius/prog.htm
ma_Moderno/Le_Proiezioni.html
RASSEGNE SANTARCANGELO DI
CATTOLICA ROMAGNA
IN http://cinemasnaporaz.wordpress.com http://www.santarcangelodiromagna.info/

CERVIA
ROMAGNA
SAN VITTORE
http://www.cinemasarti.com/ http://www.cineteatrovictor.it/

17
febbraio
borsino

michelangelo pasini
alessandro merci
francesco garoia

alberto semprini
barbara de caro

luigi palmirotta

chiara tartagni
marco berardi

ilario gradassi

matteo lolletti
marco bacchi

matteo lelli
amabili
resti

bangkok
dangerous

concerto, ii

education,
an

nine

paranormal
activity

quarto tipo,
il

tra le
nuvole

uomo che
verra', l'

Billy
Questa ri- Direttore Ilario Gradassi, caporedattore
vista non
rappresenta Chiara Tartagni, responsabile di redazione
un prodotto
editoriale ai
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sensi della legge n. 62 del 7.03.2001 e non persegue alcuna Benzoni, grafico Stefania Montalti.
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Qualora il loro uso violasse diritti d’autore scrivete al no- Barbara De Caro, Paco Garroyo, Ilario
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zione - Non commerciale - Non opere derivate 2.5 Italia.
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condo i termini di questa licenza, che va comunicata con Luigi Palmirotta, Michelangelo Pasini,
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billy
18 numero 21 - marzo 2010

cattivi maestri
I luoghi
oscuri
David Lynch
di matteo lolletti
«Come regista, mi piace che vi sia qualcosa
di scuro nell’inquadratura. Se tutto è
completamente illuminato e si può vedere
qualsiasi cosa, allora non c’è mistero. Non
credo che un film scuro debba essere
per forza deprimente. Un film può essere
luminoso e pieno di colori e ciononostante
deprimenti fino alla morte».
David Lynch
Di David Lynch si è scritto molto.
Nonostante ciò resta ancora, per molti
aspetti, un enigma irrisolto, destinato a
lost highway
creare profonde lacerazioni nel tessuto
cinematografico, fruito o agito.
Sono infatti tanti i luoghi oscuri di David
Lynch, senza che quelli chiari siano molto
più rassicuranti. Esattamente in questa
dialettica, che stravolge la canonicità
dicotomica del bene (bianco, chiaro) e del
male (nero, (o)scuro), senza ribaltarle ma
fondendole o confermandole nell’inganno,
in una deriva di difficile definizione morale,
si colloca l’elemento più radicalmente
spiazzante e di maggior disagio per lo
spettatore.
È sufficiente pensare alla cittadina di
Velluto Blu (Blue Velvet, 1986), ai suoi
sguardi in macchina, ai suoi colori pastello
e alla perfezione dei suoi incroci, luminosi
ma corrosi da un rumore cattivo e interno,
vicino, così vicino che a guardarci non
capisci cosa sia. O girovagare nei dintorni
della segheria o tra i Douglas Fir del Great
Northern Hotel a Twin Peaks (Twin Peaks,
1990), mentre un corpo biondo, biondissimo
viene lasciato alla deriva dentro un sacco di
plastica. E se la cugina di Laura Palmer ha i
capelli nero corvino dell’innocenza (sempre
Twin Peaks) e li sconta nell’inganno di
una tinta di somiglianza, Patricia Arquette
oscilla in una gelatina morale di doppiezza,
come altro da sé, ma solo in relazione a chi
la guarda, ossia a Bill Pullman, l’assassino
dalle multiple personalità di Strade Perdute
(Lost Highway, 1997). Così Mulholland
Drive (id, 2001) ribalta nella colpa i colori,
i luoghi e i ruoli di Naomi Watts e Laura
Elena Harring, proprio dove, fuori dal sogno,
i rimorsi hanno le fattezze rassicuranti e
luminose di due vecchietti incontrati su
un volo diretto a Hollywood. E la luce che
nasce nel buio, come il cerino acceso per la
prima sigaretta di Cuore Selvaggio (Wild at
Heart, 1990), non serve a illuminare.
Mai.
rubriche
 rubriche

the filmgamer

L’Alice che torna e ritorna

di alberto semprini
Già ho anticipato che il rapporto cinema/videogiochi Tim Burton ha fatto vedere più volte il lato oscuro delle fiabe e dei
è vittima di un cortocircuito. Nel corso della sua sogni americani.
evoluzione, il videogame si ispira al cinema. Il cinema, a A dieci anni di distanza, la Disney distribuisce in tutto il mondo
sua volta, recupera questo “videogame cinematizzato” Alice in Wonderland, opera diretta dallo stesso Burton con una
rielabora e ci restituisce un “cinema videogiochizzato”. trama molto simile a quella di American Mcgee’s Alice, un pesante
Questo mese è il caso di Alice in Wonderland. Nel uso del digitale e una spruzzata di 3D. Ovviamente il tono è più
2000 Eletronic Arts fa uscire un videogame dal titolo edulcorato, ma negare che in qualche modo l’opera video ludica
American Mcgee’s Alice, si tratta di un gioco di azione di EA abbia influito su questa produzione sarebbe da … matti!
3D che mette in scena una personalissima rivisitazione
della celebre novella di Lewis Carroll (American Mcgee
è appunto il designer a capo del progetto). Il canovaccio
prende luogo alcuni anni di distanza dall'ultima visita
di Alice nel celebre paese: dopo la morte dei genitori
dovuta a un incendio, la nostra protagonista entra in
uno stato catatonico e viene internata in Manicomio.
Passato un lungo periodo di convalescenza, il
Bianconiglio le invia una richiesta d’aiuto per salvare
una Wonderland drasticamente sfigurata e dominata
dalla feroce Regina di Cuori. Come si può intuire, lo
sguardo di Alice viene deformato e distorto, in modo
da restituire al giocatore un paese delle meraviglie
in versione gotica e drasticamente violenta. Tutto è
corrotto e decaduto: dallo Stregatto, in versione punk, al
terribile e sadico cappellaio serial killer. Se il paese delle
meraviglie originale era uno specchio distorto del mondo
che circondava Alice, la nuova versione di Mcgee è lo
stesso specchio bruciacchiato e offuscato della pazzia e
del dolore che la ragazza adolescente vede in se stessa.
È innegabile poi che la potenza visiva caratteristica di
questo gioco sia stata ispirata da fonti irrimediabilmente
cinematografiche. Il nome che allora salta fuori più
spesso è appunto quello di Tim Burton, proprio perché

20
horror politics
La parabola della nuova carne
di matteo lolletti
«Il nostro corpo (…) muta
costantemente, è solo un’illusione che
si tratti dello stesso corpo giorno dopo
giorno.»1
Cinema della mutazione,
dell’infezione, della metamorfosi e
della contaminazione: lo sguardo
di David Cronenberg sul corpo ha
sempre interpretato il problema
dell’identità come un problema in
divenire, attraversato/spaventato
dall’avvento della “nuova carne”, ossia
dell’allucinazione del cambiamento.
I luoghi della follia sono corpo e
anima, e le “costruzioni” sono porte,
sessualmente connotate, per la mente
dell’uomo.
Il cinema stesso di Cronenberg risponde
alle medesime regole metamorfiche.
La parabola ha origine nell’assunto
segnatamente organico della nuova
carne, nella sua assoluta, violenta e
infettiva condizione materica (Shivers,
Rabid), passa quindi per una psiche
in mutazione (Scanners, La zona
morta) e si contamina poi nella fusione
rubriche
tecnologica, divenendo coincidente
allo strumento del contagio,
glorificandosi e finalmente
sublimandosi con e nell’organico (da
Videodrome a Crash). Attraversa la
potenziale e concentrica virtualità
(eXistenZ), e raggiunge un primo
e inappellabile scarto nella sua
purificazione psicologica (Spider):
l’infezione e la mutazione, quasi non
più agite, si collocano fatalmente
nei territori del disagio, oltre il
contagio, e comprendono – forse
esclusivamente – un’introiezione
psichica, e la nuova carne si risolve
in una distonia mentale. L’ultimo
approdo è quello irrevocabile di
una trasformazione mimeticamente
immanente ed esistenziale (A
History of Violence): l’infezione
e il contagio si espandono
definitivamente alla vita stessa,
forse nei termini di una suggestione
di colpa, sicuramente nel ricatto del
prima. È un percorso senza ritorno:
la nuova carne muore a un tavolo
apparecchiato silenziosamente e
al volo, al ritorno da Filadelfia,
nelle lacrime di Maria Bello.
Tutto ciò è politico: il
cambiamento, l’uomo in
mutazione, il terrore e la malattia,
l’organico come passaggio, il
contagio come liberazione -
sono elementi intrinsechi della
riflessione sociale stessa e la
declinazione cronenberghiana
è tra le più inquietanti e meno
concilianti dell’intero cinema
contemporaneo.
1
David Cronenberg, Fuori Orario, 1988_
21

Un pappone spacciatore
di eroina scopre un bel
giorno che la porta dello
scantinato di una baracca
di sua proprietà conduce
a un’altra dimensione.
Vende immediatamente
la casa alla famiglia
Hercules, composta da
inetto padre misogino,
madre fedifraga e pure
cessa, figlia francese
di nome Frenchy, figlio
anziano (nel senso
che il ragazzino viene
interpretato da un
sessantenne) che
risponde al nome di Flash,
e nonno muto, barbuto e
violento. Sarà Frenchy la
prima a varcare la soglia
della Sesta Dimensione...
dove rimarrà prigioniera
della popputa regina,
gelosa delle attenzioni
che il regale consorte,
un nano francese, dedica
alla ragazza. Uno dopo
l’altro i parenti tenteranno
di salvarla (tranne la
madre, che resta a letto
col pappone), rimanendo
a loro volta imprigionati
nell’ostile regno.
Con ogni probabilità,
22
rubriche
cinerdmatografo
Forbidden zone
Non entrate nella Sesta Dimensione!
di matteo lier lelli
non troverete mai, su è curata da Richard andrebbe visto anche solo per
celluloide, bizzaria più Elfman, leader del gruppo quella scena, senza contare
estrema di questa. Chi ha assieme al fratello Danny, quella della sparatoria tra
scritto la sceneggiatura che qui, lungi dall’essere maestra e alunni, o la lotta
doveva essersi fatto di il compositore musicale tra le regine che prima si
crack mentre leggeva di successo che è oggi menano poi si baciano, e
Alice nel Paese delle (collabora abitualmente altre dello stesso tenore. Una
Meraviglie, e comunque con Tim Burton), stramberia per palati forti...
ancora non si doveva interpreta un Satana ma chi riesce a vederlo fino
essere avvicinato se non jazzista a capo di un in fondo non lo dimenticherà
da lontano al risultato esercito di zombi! E il film facilmente!
finale. Forse gli è stata
suggerita proprio dal
Rospo maggiordomo
della Sesta Dimensione.
Scenografie di cartone,
live action alternato ad
animazioni quanto mai
eccentriche, personaggi
assurdi come solo una
testa volante o un uomo-
candeliere sanno essere,
un sacco di seni sempre
in vista, fotografia in
bianco e nero... e, come
se non bastasse, è un
musical! Il film nasce
infatti per portare sullo
schermo quel bislacco
gruppo new wave che
erano gli Oingo Boingo,
che, tra doppi e tripli
ruoli, interpretano la
stragrande maggioranza
dei personaggi. La regia
billy
numero 21 - marzo 2010
 rubriche
cineletteratura
Shining
di marco bacchi
Definire Shining, cercare di incasellarlo
dentro un genere cinematografico,
è impresa ardua: considerarlo
semplicemente un film horror sarebbe, a
dir poco, superficiale. Shining è, in realtà,
una parabola sull’autoisolamento, sulla
follia, in cui, prepotenti, si intersecano
riletture di miti classici, rimandi al
paranormale, accenni alla psicologia
freudiana e junghiana, in cui, ogni cosa,
ogni oggetto, ha valore simbolico, tanto
billy marzo 2010 - numero 21
che il protagonista del film può
essere considerato, in realtà,
l’Overlook Hotel. I labirintici
corridoi in cui i personaggi
vagano, si perdono, le strutture
geometriche e simmetriche
dei tappeti, l’immensa cucina,
sono metafora, indiscutibile,
dell’inconscio e della psiche
umana, tanto quanto l’immenso
labirinto, redentore e salvifico,
che domina il parco dell’albergo,
rilettura, come detto, di miti
quali il labirinto di Cnosso in cui
è imprigionato il Minotauro, di
Kronos che mangia i suoi figli, ma
anche classico archetipo delle
teorie junghiane. Labirinto
che Jack Nicholson osserva in
una sua miniatura, all’interno
dell’albergo, in cui si perdono
la moglie e il figlio, ma anche i
suoi pensieri e il suo raziocinio
alla ricerca di una via d’uscita
che l’albergo stesso non può
concedergli, avendolo scelto
come sua incarnazione, come
burattino da far scivolare e
sprofondare nel baratro della
follia, portando con sé l’intera
famiglia.
Tutto il film è una riflessione
sull’origine e sulle radici del
male che si nasconde dentro
l’essere umano. Kubrick ci
trascina in un vorticoso vagare
tra i corridoi della mente che
si allagano di sangue, in cui
tutti i personaggi cadono nelle
fauci del delirio e delle visioni
che l’albergo gli propone.
Lo stesso albergo, però, che
proprio grazie al suo intricato
labirinto, riesce a dare una
scappatoia e la salvezza al
piccolo Danny che fugge dal
padre; lo stesso albergo che
nella scena finale ci dice che
il male è sempre stato lì –
esplicitandolo attraverso la
foto d’epoca che ritrae Jack
– che il male rimarrà sempre
lì e non potrà mai essere
sconfitto; che la brutalità della
violenza non può essere vinta.
Benvenuti all’Overlook Hotel.
23
psicovisioni
Elephant
di luigi palmirotta
Il film è tratto da una storia vera, il
massacro della Columbine High School,
un evento tragico che ha trasformato un
luogo deputato solitamente alla crescita
intellettuale e alla costruzione di nuove
generazioni in una scena di ignoranza
e distruzione. In effetti si ignorano quali
siano i pensieri che hanno motivato i
due ragazzi protagonisti del massacro
a compiere il loro gesto e Gus Van Sant
non cade nel tentativo di mostrare una
personale interpretazione della follia dei
ragazzi, ma sceglie di registrare ciò che è
solcato nella memoria dai ricordi di quella
giornata. È esperienza comune ricordare
cosa si stesse facendo in prossimità di un
evento tragico, pur trattandosi di eventi
24
rubriche
quotidiani e insignificanti, e nel
film, pur sfiorando la noia, Gus
insegue i ragazzi per i corridoi
della scuola illustrando le stesse
scene attraverso i punti di vista
dei vari protagonisti, cercando
di riportare lo spettatore alla
quotidianità dell’atmosfera che
in quella scuola avrebbe dovuto
esserci. Fuori da ogni tentativo
di interpretazione Elephant è
la narrazione di quella giornata
e non cerca un’analisi delle
personalità dei due assassini.
Il titolo allude all’«elefante
nella stanza» cioè un problema
che tutti possono vedere ma
di cui nessuno vuol parlare.
Gli elefanti si nascondono
dopotutto nelle idee di molti che
non avrebbero mai il coraggio di
mettere in atto. È descritta come
la follia della  normalità perchè
forse nulla apparentemente
distingue tali personaggi
dal resto dei loro simili. Le
scene sembrano ricalcare le
immagini di un videogioco
“spara e uccidi” come doom
o simili. La macchina da
ripresa segue l’obiettivo da
annientare, sostituendosi a
ciò che probabilmente hanno
visto i due criminali mille volte
prima di quel giorno. Le vittorie
del videogioco sostituiscono
quelle della vita e i corridoi di
una scuola sono lo scenario
perfetto per vincere quel
livello. La povertà dei dialoghi
è l’indifferenza all’ascolto,
all’umanità che si fonde
e confonde con la realtà.
A questo punto potremmo
tutti guardarci attentamente
intorno e controllare che non
ci siano elefanti, ma l’angoscia
continua ci ucciderebbe
prima di un poco probabile
massacro.
billy
numero 21 - marzo 2010
in costume
Jane Eyre:
Fotoromanzo
Gotico
di chiara tartagni
Il legame fra cinema e letteratura è
da sempre inscindibile: irresistibile è
la tentazione di vedere muoversi sul
grande schermo le affascinanti figure
che popolano la nostra immaginazione
durante la lettura. Ma se alcuni registi
scelgono l’ammirevole via della
lettura personale di un romanzo, sia
contenutistica che visiva (Stanley
Kubrick su tutti), altri si fossilizzano
su di una sterile e patinata messa
in scena che poco ha a che fare
con l’arte. Il celebre romanzo di
Charlotte Brontë (1816-1855),
parzialmente basato sull’esperienza
dell’autrice all’interno della scuola
billy marzo 2010 - numero 21
di Cowan Bridge e più complesso di ciò
che appare dalla trama, viene adattato
per lo schermo da Franco Zeffirelli nel
1996. Reduce dai tormenti di Storia di
una capinera, il regista fiorentino sceglie
letteralmente di illustrare la vicenda
della sgraziata ma brillante governante
Jane Eyre, innamorata corrisposta del
proprio padrone, come se lo spettatore
dovesse sfogliare un album di disegni:
ecco dunque l’ardente e ferma volontà
di vivere della protagonista scomparire
in un artificioso languore gotico. Il
romanzo si dipana lungo il filo rosso della
follia, rappresentato di volta in volta dal
razionalismo estremo dell’educazione
inglese e dalle passioni prive di misura,
come quella che aveva morbosamente
legato il signor Rochester a Bertha
Mason. Ed è proprio lei, la prima
sposa murata viva, con la sua bellezza rubriche
deformata dalla pazzia, a incarnare
il doppio irrazionale della solidissima
Jane, che ha la forza di farsi attraversare
dalle tempeste dei sentimenti senza
rinunciare al dominio di sé: ecco, vuole
ammonirci Charlotte Brontë, il risultato
dell’abbandono, della sensualità
vissuta senza raziocinio, dell’ossessione
scambiata per amore. Amore che può
essere sì legame sovrannaturale e linfa
vitale, ma non fonte di morte morale. Il
regista, perduto fra le numerose chiavi
di lettura, si limita a restituirci ombre
incorporee di personaggi che sulla carta
godevano di ben maggiore profondità e
lo fa con inquadrature da fotoromanzo,
indebolite da una colonna sonora che
non rispecchia ciò che accompagna. E
la severa, vitale Jane impallidisce fino a
ridursi a elegante fantasma nei corridoi
di Thornfield.
25
 rubriche

Malombra, film del 1917, diretto e adattato da

bruciami bruciami l'anima
Carmine Gallone, tratto dall’omonimo romanzo di
Antonio Fogazzaro del 1881, inaugurò e fu uno dei

L’ “orrido” abisso sulla follia

più importanti esempi di genere gotico nel cinema
italiano. Una tradizione letteraria tanto significativa
quanto misconosciuta e rimossa nel nostro cinema,
che incarna perfettamente ciò che Prédal definisce
“fantastico parapsicologico”.
Questa pellicola vide una delle più significative
interpretazioni di Lyda Borelli: la Marchesa Marina di BARBARA GRASSI
di Malombra.
Marina è costretta a vivere in una lugubre villa in
riva al lago di Como: il severo zio, il conte Cesare,
le permetterà di lasciarla il giorno in cui prenderà materializzazione degli stati d’animo della protagonista.
marito. Il castello e la terrazza sono i luoghi dell’ossessione, della
Dopo una forte febbre celebrale, la donna si progressiva perdita di sé e dell’esplosione della follia
crede la reincarnazione della prima moglie di suo omicida. Il placido lago costituisce invece l’unica via di
nonno, morta prigioniera nella villa per adulterio, fuga, dalle ossessioni e dalla prigionia, che si compie solo
e, in preda a uno stato di esaltazione che diviene nel finale, attraverso la morte.
sempre più simile alla follia, provoca la morte dello
zio e uccide lo scrittore Corrado (Ermete Novelli),
l’uomo che ama.
Infine si toglie la vita gettandosi in un Orrido.
Una coppia di personaggi problematici. Lei, la
tormentata e psicotica Marina sa dimostrare il suo
amore solo in modo violento e sprezzante. Lui, lo
scrittore Corrado, autore del racconto mistico Un
Sogno, crede nelle esistenze plurime, altrimenti la
vita per lui sarebbe soltanto una serie di ingiustizie.
Incapace di salvare l’amata Marina, soggiogato dal
suo fascino ambiguo e tenebroso, tenta invano di
liberarsi, ma diventa vittima della follia di lei.
I personaggi con le loro ossessioni si muovono tra
la realtà, rappresentata dal matrimonio combinato
per convenienza di Marina e il cugino Nepo e
la favolosa atmosfera in cui gli spiriti compiono
vendette, sempre avvolti da un senso di tragedia
incombente che pervade tutta la pellicola.
Il film è incentrato sull’opposizione interno/
esterno, i luoghi e i paesaggi sono fondamentali
per lo sviluppo della vicenda, poiché sono la

billy
26 numero 21 - marzo 2010
rubriche

i soliti ignoti
Milos Forman:
La Follia Siamo Noi
di chiara tartagni

Milos Forman, classe 1932, è Follia che non può non finire
un uomo per tutte le stagioni: soffocata dagli ingranaggi del
nato in Cecoslovacchia, resta sistema. E se l’Era dell’Acquario
orfano di entrambi i genitori del tardivo Hair non giungerà
durante il nazismo, e proprio mai alla luce, così l’unica
durante l’infanzia scopre i scintilla sediziosa non può che
capolavori di Charlie Chaplin e incarnarsi in singoli uomini di
Buster Keaton. Lascia Praga per genio, di cui Forman ci offre una
sfuggire al regime comunista e visione certamente colorita e
si stabilisce a Parigi, entrando a personale, ma profondamente
fare parte del movimento della umana: Wolfgang Amadeus
Nouvelle Vague con opere come Mozart, volgare fanciullo
L’asso di picche e Gli amori toccato dalla grazia divina,
di una bionda: fin da questi nel pluripremiato Amadeus,
primi lavori traspare quella che segna l’inizio dell’idillio
sottile vena di poetica ironia di Forman con il ‘700; Larry
che contraddistinguerà l’intera Flynt, fondatore della rivista
opera del regista ceco. Il grande porno Hustler e paladino della
salto si compie però al suo libertà d’espressione, nel
arrivo in America, quando con film omonimo caratterizzato
Taking off si prende gioco della da un’estetica quasi rococò;
moralità imperante, americana Andy Kaufman, esemplare
e non, dei valori della famiglia provocatore e comico suo
e dell’amore: prime avvisaglie malgrado, in Man on the
di un cinema che racconta per Moon, in cui il regista ritrova
educare e lo fa con decisa, la malinconica e silente
ghignante amarezza. Ed forza espressiva dei miti
ecco giungere il trascinante d’infanzia. Infine Forman
McMurphy di Qualcuno volò sul approda nuovamente nel
nido del cuculo, piccolo gioiello ‘700 delle rivoluzioni, e
in cui si delinea definitivamente attraverso l’impietoso sguardo
il tema portante del cinema di di Goya ci rivela l’incessante
Forman: la follia. Follia come ripetersi della storia ne
fiamma istintuale, come pura L’ultimo inquisitore; l’arte è
forza ribellistica all’interno politica e può solo sorridere
goya's ghosts
di una società castrante che dell’autentica follia che
reprime ogni impulso vitale. denuncia: quella sociale.
in matita lumières cinématographe

di safr
garroyo e i suoi fratelli
una famiglia
un po’
psicosemiotica
di francesco garoia
Università di Tortuga, 13 luglio, ore 11. In sottofondo,
la voce del professore che blatera.
Le tematiche del corporeo, del passionale, del
sensibile e dell’estesia. Il dibattito teorico relativo alle
radici corporee ed emotive del senso. La linguistica
cognitiva, le arti del dire e dell’oralità.
«Sto impazzendo, pensai, questa lezione è un piccolo
assaggio dell’Inferno. Uno di questi giorni succede,
torno a casa e faccio un casino. Prendo il cane e lo
inchiodo alla mamma, prendo il babbo e lo lancio sul
vicino. Appicco fuoco al frigorifero e affogo il cactus,
finisce che lo faccio».
Mi incantai, ripensando all’osceno film Willard il
Paranoico che avevo visto la sera prima: «Diavolo, è
vero. Altro che giardini magici, labirinti e inquietanti
manicomi: tutte le grandi storie di follia si sviluppano
tra le mura domestiche, o comunque in famiglia.
Come ne I pugni in tasca di Bellocchio, dove il giovane
Alessandro, folle ed epilettico, innamorato della sorella
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Giulia, ammazza i parenti per poi fare una morte angosciante. E
L’uccello dalle piume di cristallo di Argento, dove moglie e marito
insieme non fanno un assassino sano. Nel Grande cocomero
della Archibugi la malattia di Pippi è dovuta – et voilà – alla
difficile situazione familiare. Oppure Shock di Mario Bava, dove
Dora ammazza due mariti poi si taglia la gola, mentre il figlioletto
felice parla coi fantasmi. E il caro Norman Bates, che uccide la
madre e ne tiene il cadavere nello scantinato? Pensa se arrivo
a casa e mio babbo dice: Hey mi hanno assunto come custode
invernale in un grande albergo nel culo del mondo! Col cavolo
che vengo, gli rispondo! Ho venticinque anni, sono pressoché
indipendente, e in ogni caso non posso più andare sul triciclo,
per quanto mi dispiaccia, gli rispondo!»
Lessi il titolo del libro che avevo sotto il naso: Semiosis without
Consciousness? An ontogenetic perspective. «È luglio, a Tobago
c’è un sole che spacca, e noi siamo chiusi in questo stanzone
dell’università di Tortuga. L’aria puzza di big babol e sudore. Il
prof sta tenendo una lezione di “Psicosemiotica della Paura”.
Altro che casa, altro che famiglia: se esiste un Regno dei Tarati, è
questo. E se non ammazzo nessuno nei prossimi cinque minuti,
sono salvo».
 del
p
'os
t at
no
a
la
pp
ca

Se volete rivolgere domande al Capp’tano

mandate le vostre disperate missive a
billy.rivistacinematografica@gmail.com.
Ogni vostro dubbio verrà saziato.

Ciao, Capitano. C-A-P-I-T-A-N-O

Sono Giacomo, ho otto anni. C-H-E C-O-S-A T-I F-A P-A-U-R-A-?
Puoi dire al mio fratello Marco che ha dieci anni che non c’è l’uomo
nero sotto il mio letto? U-N-O C-H-E T-I O-S-S-E-R-V-A

Caro Giacomino, puttroppo tuo fratello c’ha raggione: a
volte capita che sotto il letto degli shpappatelli monelli,
quelli che c’ piace il roccheroll e la motocicletta, pe’
cappicci... d’cevo, a volte sotto i letti di queshti ribelli c’
sta ‘n uomo nero e cattivo mandato dai genitori pe’ facci
paura e falli shtare bbuoni... Anch’io quand’ero piccolo e
paffuto ne avevo uno sotto il letto... ma so’ shtato fottunato
e m’è toccato Abdullah, che m’ voleva solo vende’ i calzini,
ma a me m’ piacevano i miei con quel profumo d’ zompi!
Però shtai attento, ché se t’ zompa addosso uno d’ quelli
cattivi t’ fa a pezzi!
Oh oh oh! Paura io?! Paura il Capp’tano?! Osservatoro della
mia ciufola, tu fosse non hai capito a chi shtai shcrivento!
Noi Phalchi di shtrada c’appiamo paura solo di una cosa:
uno shpirro ‘ncarognito e col destro più grosso del nostro!
E fosse dei ragni... A pensacci bene però, d’rei pure degli
shquali: Spielbro, dannato te e ‘l tuo film! Se t’ ciappo c’ho
la videocassetta pronta e coperta d’ vaselina!
Carmine, ti ho riconosciuto!
Sei tu in quegli squallidi filmati su youtube.
Dove sei finito? Dovevi venire a incontrare i miei genitori quattro
mesi fa!

Saichisono

Senti, fubbetto! Quale Cammine?! So’ Taccisio, Taccisio

Maraffoni... ma pe’ tte so’ sua maeshtosità Capitan
Phalco, chiaro? Non mi fa’ gira’ i balle, eh! E comunque
i miei filmati so’ atte... l’ishtesso che i Shbronzi di Riace
(che nome shtuppdo pe’ un attishta!) e i quadri d’
Michelangelo. Poi shcusa, t’ pare che una tattaruga ninja
può disegnare e io non posso fa’ i film, che ‘n più d’ lui c’ho
pure i pollici oppositori?

Capp’tano, non ce la faccio più.

Non puoi anticipare qualcosa sul tuo primo film?

Cino il cinefilo

Caro Cino, che t’ posso dire? Il mio film, Le Imprese

Eccezziunali di Capitan Phalco (che sarei io) e i Rapaci
Randagi (che so’ la mia ciumma) è deshtinato ad avere
un successo ‘ncredibbilo a Mazzalepre a Mare! Pensa che
l’abbiamo girato pessino in 4D: Davanti, D’ dietro, Desthra
e D’ Lato! Avatrans c’ fa un baffo!

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