#005

Copertina
CHARLES BURNS – ANTEPRIMA X’ED OUT 32

Visioni
MOTORE! CIAK! (CONTAMIN)AZIONE! 06
PETER GREENAWAY – LA MORTE DEL CINEMA E IL TRIONFO DELLA NUOVA NARRAZIONE 08
FALSO MOVIMENTO 09
THE DARK SIDE OF FAIRYTALES: CAPPUCCETTO ROSSO (SANGUE) 10

Arte
JOSHUA HOFFINE 12
RETRADOS PINTADOS 14
I VORTICISTI - ARTISTI RIBELLI A LONDRA E NEW YORK 18
TAMARA DE LEMPICKA - LA REGINA DEL MODERNO 20

Life
SPIRITO A PEZZI 22
MODA - NEXT GENERATION 24
SOCIAL MEDIA - WORK IN PROGRESS 28

Libri
LA LINEA SCURA DI CHARLES BURNES 30
CARATTERI MOBILI - COLLISIONE DI MONDI NARRATIVI 40
ROCK STARS DON’T DRESS FOR THE WEATHER 43
AEREI DI CARTA 44

Musica
IL FUTURISMO, CHIAVE DI VOLTA DEL CONTEMPORANEO 47
PUSH UP – SOSTIENI L’ETICHETTA 48
LET’S GO SURFING - L’INDIEPOP SBARCA A NEW YORK 56
THE PAINS OF BEING PURE AT HEART - INTERVISTA 59
DISFUNZIONI MUSICALI 62

Hi-Tech
L.A. NOIR – IL DETECTIVE STORY SI TINGE DI NERO 64
Editoriale
Abusata, deteriorata, mistificata e perennemente
invocata, la contaminazione è ormai elemento
inscindibile dalla poiesi artistica, ultimo baluardo di
interesse prima della resa incondizionata per totale
sfinimento del fruitore/consumatore.
L’incessante rincorsa alla next big thing anestetizza
i modalioli più irreprensibili, dando l’apparenza
che tutto cambi alla velocità della luce affinché
nulla nel nostro Paese possa realmente mutare in
alcun modo. Operare oggi nel campo della cultura
nazionale significa assistere ad un’imperante
operazione di necrofilia, compiaciuto amarcord
fintamente rassicurante con cui annientare le deboli
istanze rinnovatrici che le nuove leve provano a far
circolare attraverso media digitali ed organizzazioni
carbonare. Volgere lo sguardo a quanto di peggio la
4 inediti. Una resistenza estrema all’ordinario, un atto
cultura popolare ha dato in eredità alla generazione
di questi anni ’10 sta comunque portando un risultato
acclarato: annientare la coscienza civile, omologare
il pensiero comune, ripiegare sulle ovvietà di un
passato ormai tramontato.
Ecco dunque che il recupero di movimenti artistici
del primo novecento appare ancora una risposta
attualissima su quel che serve per operare una
rivoluzione del pensiero creativo, ma anche
come necessario sprone a tutta quella schiera di
intellettuali onanisti ed incapaci di opporre alcuna
resistenza dai loro tristi boudoir.
Accanto a tutto questo, c’è ancora un manipolo di
artisti che prova a distinguersi operando in contesti
inediti, senza l’inutile smania di mantenere una
millantata purezza stilistica bensì nutrendosi di
scenari alternativi che suggeriscano nuove ipotesi
creative. Ecco dunque che le possibilità procurate
dai nuovi media si rivelano sostanziale occasione
di contaminazione e straordinario acceleratore di
scambi. Proprio l’estro nell’innovazione è il comune
denominatore degli articoli di questo numero, non
solo nei momenti di pura esaltazione dell’intreccio
di stili, ma anche quando viene provocatoriamente
adottata quale sprone nella proposta di percorsi
di lotta contro l’uniformità dilagante.
Michele Casella
 A sinistra: David Bomberg, Fanghi (1914)
Olio su tela, Tate (Londra)

Sotto: Blast No. 1: Review Of The Great English

Vortex, 20 giugno, 1914. copertina disegnata da
Wyndham Lewis. Rivista pubblicata da John Lane.
The Poetry Collection Of The University Libraries,
University At Buffalo

REDAZIONE POOL
Michele Casella Direttore Responsabile Registrazione n. 31 del 08/09/2009, presso il
Vincenzo Recchia Creative Director Tribunale di Bari
Irene Casulli Fashion Editor www.ipool.it
Giuseppe Morea Multimedia Developer
Giancarlo Berardi Visual Designer Cercaci su Facebook, Twitter, Myspace, Issuu.
Annarita Cellamare, Gianna Colamaria Redattrici
Vincenzo Pietrogiovanni Caporedattore cinema PUBBLICITÀ
Daniele Raspanti Caporedattore hi-tech Imood
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COLLABORATORI Tel. 080.4054243
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Roberta Fiorito, Alessandra Fossanova, Valeria per una Puglia Migliore
Giampietro, Enrico Godini, Ambrosia J.S. Imbornone,
Paolo Interdonato, Ninni Laterza, Giovanna Lenoci, ERRATA CORRIGE
Francesca Limongelli, Ilaria Lopez, Paola Merico, Sul numero 4 di Pool Magazine, nelle pagine 30, 32
Simona Merra, Stefano Milella, Alessandra Recchia, e 33, appaiono foto che sono state erroneamente
Beppe Recchia, Laura Rizzo, Davide Rufini, Veronica non accreditate. Ci scusiamo con l’autore Giovanni
Satalino, Mimma Schirosi. Durante.

FOTOGRAFI
Gennnaro Navarra, Daniele Raspanti

STAMPATO PRESSO
Sedit – Servizi Editoriali
Motore!
Contaminare. Contaminarsi. Sembrano queste le sorti
dell’arte, non solo contemporanea. E tale situazione
risulta ancora più evidente se si guarda al cinema,

Ciak!
che tra le arti è la più giovane, nonostante abbia
ormai già da qualche anno superato il secolo di vita.
D’altronde il cinema è sin dalla sua nascita un corpo

(Contamin)
ibrido, aggregato, contaminato dunque. I progressi
tecnologici cui giunsero l’ottica, la fotografia e la
meccanica verso la fine del XIX secolo permisero di

Azione!
mettere a punto le prime macchine che catturavano le
immagini in movimento.

La commistione fra le È vero, le prime immagini cinematografiche erano

assai realistiche, quasi documentaristiche (si pensi

arti visive attraverso all’uscita degli operai dalle officine Lumière) ma dopo
pochissimo tempo il cinema sembrò ricucire i suoi

l’ibridazione del cinema legami stretti con la lanterna magica, sua madre
legittima. Provate a recuperare i film di inizio secolo,
come quelli di – solo per citare il più famoso dei registi
dell’epoca – George Méliès, che prima di iniziare a
fare cinema aveva studiato dal celebre illusionista
inglese Maskelyne, e vi ritroverete immediatamente
davanti a spettacoli di vera e propria magia. Sfruttando
di Vincenzo Pietrogiovanni il montaggio, le sovrimpressioni di immagini, le
dissolvenze, era possibile far sparire personaggi,
mozzare loro la testa oppure vederli camminare
decapitati. Tutto ciò generava un grande stupore negli
Visioni spettatori. Era il cinema dell’illusionismo.

Poi si passò al cinema di narrazione, in cui il plot

prese il sopravvento sulle immagini e sul loro

6 potere incantatore. Il cinema incontra la letteratura.

Altra ibridazione. Ma in quel periodo, grazie
all’approssimarsi al cinema di artisti e pittori, arrivò
come un fiume in piena una grossa carica vitale ed
avanguardistica. La sequenza topica, paradigmatica,
del taglio dell’occhio de Un Chien Andalu di Luis
Bunuel e Salvador Dalì è sufficiente di per sé a
riflettere l’importanza di tale nuova ibridazione del
cinema. Che il cinema fosse in qualche modo figlio
non solo della fotografia ma che avesse progenitori
anche nella pittura è un dato di fatto facilmente
comprensibile se si considera la vicenda della
“famiglia” dei Renoir: Auguste, pittore, tra i più
autorevoli esponenti dell’Impressionismo, e suo
figlio Jean, uno dei mastri del cinema, autore di film
considerati dei capolavori come La grande illusione,
in cui Jean Gabin e Eric von Stroheim ci donano una
tra le più belle lezioni di recitazione della storia del
cinema.
Cercare di illustrare tutti i punti di contatto tra
il cinema e le altri arti, ovvero tutti i momenti di
contaminazione è opera assai faticosa che ha
impegnato centinaia di studiosi per decine di anni.
È però utile sottolineare che il cinema è un’arte
fluida, che certamente ha conosciuto momenti di
cristallizzazioni, irrigidimenti, sclerosi e, a dire dei
critici odierni, anche di vere e proprie necrosi, ma che
in qualche modo è sempre riuscita a reinventarsi, a
sgusciare via dal pantano, a cambiare la muta come
solo i serpenti sono in grado di fare.
Tra il 1957 ed il 1984, Stan Brakhage ha prodotto
decine di film seminali per intere generazioni di
filmmaker e videoartisti, i quali hanno trovato grande
ispirazione nelle immagini di queste pellicole graffiate
e colorate a mano, gesti quasi a-cinematografici
o pre-cinematografici attraverso i quali Brakhage
cercava di fissare il movimento degli occhi e ogni
altra esperienza correlata all’attività ottica.
Avanguardia, si dirà, ancora una volta avanguardia.
Ma quello che colpisce maggiormente, rileggendo
la storia del cinema, è la sua incredibile voglia di
imbastardirsi, soprattutto attraverso le intrusioni
nel cinema di ciò che cinema non è, che si tratti
di altre arti o scienze varie non importa. Il cinema
mostra questo suo carattere un po’ strano, quasi da
puttana pronta ad unirsi carnalmente con chiunque. E
probabilmente la più importante fonte di salvezza del
cinema risiede proprio in questo suo modo di essere.
La purezza, d’altronde, non è di questo mondo. Allora
tanto vale fare di necessità virtù.
Dalla metà degli anni Ottanta, molti film hanno
subito il fascino del videoclip, un genere che è stato
incoronato grazie ai canali televisivi musicali (sì, Mtv!).
Hong-Kong Express, capolavoro del cineasta Wong
Kar-wai, è un esempio di come la commistione tra
linguaggi visivi possa portare nuova linfa alle strutture
filmiche e al modo di narrare per immagini.
Ci sono stati, inoltre, videomaker che si sono affermati
prima nel campo dei videoclip musicali per poi
approdare al cinema. Gli esempi, noti anche al grande
pubblico, certo non mancano: Spike Jonze e Michel
Gondry, innanzitutto. Nuovamente, è stata una pura e
semplice contaminazione di generi ad aver permesso
al cinema di ritrovare uno slancio che ai più sembrava
impossibile.
Quando l’arte cinematografica si trova a dialogare
con altre espressioni artistiche, con altri linguaggi o
formati, il risultato non è mai scontato. Ad entrare in
ballo sono, spesso, le strutture basilari delle teorie
filmiche e della sintassi che investono il rapporto tra
il film ed il pubblico, il modo con cui esso percepisce
l’esperienza cinematografica.
Per questo abbiamo scelto un artista che più di altri
ha sondato i limiti del cinema, spesso oltrepassandoli
in maniera irreparabile: Peter Grenaway.
Sappiate farvi contaminare, dunque. Perché così
come accade da sempre nel cinema, non vi resta altra
chance.
Peter
Fra i pochissimi autori intestatari di una poetica
autenticamente innovatrice, costantemente alla
ricerca di nuove forme espressive, con i suoi lavori

Greeanway
Peter Greenaway ha tenacemente cercato di staccarsi
della dittatura della sceneggiatura, dall’imposizione
del testo sull’immagine. Consapevole dei limiti in
cui il cinema è stato costretto nell’ultimo secolo

La Morte Del Cinema – con registi che sfruttano in maniera pedissequa

uno stilema abusato perfino dai fratelli Lumière –

E Il Trionfo Della Greenaway ha utilizzato lo schermo di proiezione

come base di un montaggio multiforme, in cui

Nuova Narrazione accostare linguaggi differenti e liberare l’occhio

“Non so quali siano i progetti futuri
di Tarantino, Oliver Stone o Moretti
ma sono sicuro che continueranno
ad illustrare testi e a proporre
prodotti assolutamente tediosi”
Peter Greenaway
di Michele Casella
Visioni
dalle gabbie della narrazione stantia. Partito dalla
pittura e poi arrivato al cinema come espediente
per mostrare le proprie abilità coi dipinti, il maestro
inglese è l’emblema della contaminazione artistica,
sia quando scardina il testo shakespeariano de La
Tempesta trasponendo in immagine la corporeità
della parola, sia quando si cimenta con l’inferno
dantesco in una visione multimediale ante litteram;
sia quando spazia nelle costruzioni cerebrali de Il
Ventre Dell’Architetto, sia quando gioca con lettere e
numeri ne Lo Zoo Di Venere ed in Giochi Nell’Acqua. Si
arriva poi ai suoi veri capolavori, I Racconti del Cuscino
ed il progetto Tulse Luper. Con il primo, Greenaway
utilizza lo schermo come strumento essenziale di
racconto, incrociando visioni e suggestioni, ampliando
le possibilità dell’occhio, spingendosi nella meta-
narrazione e soprattutto utilizzando il cinema per
realizzare un appassionato, sensuale, corporeo,
mortale elogio della scrittura. Con la saga di Tulse
Luper si va ancora oltre, poichè è proprio il concept
del progetto a vedere più media affiancati gli uni agli
altri; dvd, cd-rom, siti internet, lungometraggi, serie
tv e libri servono ora per rivelare la storia di un uomo
attraverso le sue valigie. Al centro di tutto, l’uranio,
emblema delle inquietudini della storia moderna ma
anche simbolo numerico sulla tavola degli elementi.

8 Un’opera ambiziosa e visivamente impressionante, in

cui una fotografia d’eccezione si intreccia al vero gusto
per l’affabulazione, ma anche un punto di ripartenza
per il recente lavoro di installazioni che Greenaway sta
portando il giro per il mondo.
SUBMARINE
di Richard Ayoade
UK/USA
Oliver Tate è un ragazzo di 15 anni che affronta
l’inverno di Swansea, in Galles, avvolto dal suo duffle
coat scuro. Un po’ strambo agli occhi del mondo che lo
circonda, Oliver filtra la realtà a modo suo e trascorre
la sua età di passaggio come un sottomarino. Ma ha
due obiettivi: il primo, cercare di ricomporre la crisi
che ha investito la vita matrimoniale dei suoi genitori;
il secondo, perdere la verginità prima di compiere 16
anni con la sua compagna di scuola, Jordana Bevan.
Tratto dall’omonimo romanzo del 2008 di Joe
Duntorne, questa commedia dalle venature
drammatiche si sta rivelando come uno dei migliori
film inglesi degli ultimi anni.
Opera prima di Richard Ayoade (1977), autore ed attore
britannico già noto per le sue esperienze televisive
(The It Crowd) e teatrali (Garth Marenghi’s Netherhead),
avvicinatosi alla regia attraverso l’esperienza feconda
dei videoclip - suoi sono proprio diversi video degli
Arctic Monkeys e dei Last Shadow Puppets di Alex
Turner che firma 6 brani della colonna sonora.
Con la produzione esecutiva di Ben Stiller, Submarine
segna un’ulteriore brillante tappa della “neonata”
Warp Film, divisione cinema della mitica etichetta
musicale: la pellicola di Ayoade, infatti, ha incassato
elogi in quattro importantissimi festival per le
produzioni indie, ovvero Sundance, Toronto, Londra
e Berlino. Mica male. Che sia nato davvero il Wes
Anderson inglese, come qualcuno sostiene? Non ci
resta che attendere.
Vincenzo Pietrogiovanni
POETRY
di L. Chang-Dong
Sud Corea
Dopo le ottime prove degli anni passati con una
interessate serie di lungometraggi (Green Fish 1996;
Peppermint Candy 2000; Oasis 2002; Secret Sunshine
2007), Lee Chang-dong (scrittore, sceneggiatore, ex
ministro della cultura nonchè regista pluripremiato)
arriva in Italia con la sua nuova pellicola.
POETRY, best script a Cannes, è la storia di Mi-Ja,
attiva 66enne: fa la badante, convive col nipote di 16
e con le sue colpe. La scoperta della malattia e della
poesia le dona la disposizione inconscia per estraniarsi
dalla sofferenza e maturare scoprendo la bellezza
insita nelle cose, mentre la memoria muta la facoltà di
nominarle.
L’ottima prova degli attori scruta le pulsioni umane
senza pietà, evitando trappole di patetismo, mentre
lo spettatore può arricchirsi di nuove sfumature
dialogando con le emozioni del suo vissuto personale;
ma se coglie le immagini con mente preconcetta, non
godrà i dettagli, passivo come il recipiente di pop-corn
di cui non avrà avuto coscienza di cibarsi in due ore,
perché lo stile ellittico richiede immedesimazione, le
inquadrature sono significanti, l’analisi sociale supera
i rapporti uomo-donna-malattia-felicità. Il naturalismo
gestuale fonde sintesi neorealista e processo creativo:
mostra l’embrione poetico, non dimostra.
Domizio DiNicolantonio
Falso
Movi-
mento
The Dark
Spesso sono stati riportati su pellicola
cinematografica, fedelmente o quasi, racconti e fiabe
della nostra infanzia. Per alcuni di questi si è creato il

Side Of
caso socio-culturale, in certi casi fanatismo – si veda il
fenomeno Alice in Wonderland, uscito al cinema diretto
da Tim Burton per Disney, piuttosto atteso ed alquanto

Fairytales:
anticipato da una serie di produzioni di moda, shooting
fotografici a tema, tran-tran sui vari social network –
per altri no. Probabilmente perché poco accattivanti

Cappuccetto
nel tema e nei personaggi, o forse pubblicizzati non a
dovere.

Rosso
Questo è il caso di Red Riding Hood, nella traduzione
italiana Cappuccetto Rosso Sangue, film diretto da
Catherine Hardwick , la stessa regista del primo

(Sangue)
capitolo della saga di Twilight. Del film si sta parlando
poco, c’è poca attenzione nei confronti della sua uscita.
Cosa riconducibile probabilmente all’idea generale che
si ha della storia, ovvero una favoletta esclusivamente
per bimbi, una storia da raccontar loro prima di andare
di Annarita Cellamare a dormire. Ebbene, il film (forse) farà cambiare idea.

“Liberamente” ispirato alla fiaba di Charles Perrault,

che tutti abbiamo ascoltato infinite volte durante la
Visioni nostra infanzia, questa rivisitazione alquanto gotica
ha ben poco della storia originale. Cappuccetto rosso
è Valerie, una ragazza contesa fra due uomini: Peter,
giovane outsider del villaggio, di cui lei è innamorata,

10 ed Henry, benestante e facoltoso promesso sposo

di Valerie. Nonostante il matrimonio fosse già
organizzato, i due amanti decidono di fuggire, non
volendo rinunciare al
 Nuova canzone
dei Fever Ray per
Cappuccetto Rosso
Sangue

I Fever Ray hanno

scritto e prodotto una
canzone, non ancora
titolata, appositamente
per la colonna sonora
del film e già inserita
nel trailer ufficiale.
Il duo svedese veste
perfettamente la
parte, ed il pezzo, in
linea con l’impronta
ed il sound unico che
ha caratterizzato il
loro primo album,
rievoca naturalmente
i paesaggi gotici e
oscuri del film.
Karin ha comunque
smentito ufficialmente
sul sito feverray.com
le voci che la vedevano
protagonista di un
cameo nel film.

loro amore, ma la morte della sorella di Valerie, per

mano di un lupo mannaro che si aggira nella foresta
intorno al loro villaggio, mette in serie difficoltà il loro
piano. Per molti anni, infatti, gli abitanti del villaggio
hanno tenuto “sotto controllo” la bestia, offrendogli
ogni mese in sacrificio un animale. Ma la grande luna
rossa ha cambiato tutto: la posta in gioco si alza e il
lupo pretende in sacrificio una vita umana. È a questo
punto che gli abitanti del villaggio, in preda al panico
e alla disperazione, ingaggiano Padre Solomon, un
celebre prete cacciatore di lupi mannari, in modo
tale da aiutarli a liberarsi della bestia.  Il padre porta
ulteriore scompiglio, in quanto rivela agli abitanti che
il lupo, durante il giorno, assume sembianze umane e
che quindi potrebbe essere chiunque nel villaggio. E
Valerie sospetta che il lupo mannaro possa essere una
persona a lei vicina, cara. privilegiato di merchandising globale (si veda l’exploit
Il risultato è quello di una storia generalmente horror, commerciale di Twilight, cash machine per vampiri
a tratti romantica, che conserva pochi elementi dell’establishment assetati delle liquidità degli
dell’originale fiaba: il quasi onnipresente cappuccetto adolescenti) mentre in altri raggiungono eccellenti
rosso indossato dalla protagonista, la presenza di vette di video-making. Un esempio su tutti, il video
un lupo e di un cacciatore nonché la figura di una degli Health girato da Eric Wareheim per il brano We
nonna (interpretata da Julie Christie) tutt’altro che Are Water, un angosciante rivisitazione di Cappuccetto
malata. Il tutto incorniciato in un’ambientazione Rosso in cui lo splatter della clip si incrocia ad
decisamente dark, elemento ormai abusato nel una fotografia fulminante e ad un impatto visivo
cinema d’intrattenimento degli ultimi anni fino ad decisamente superbo. Red Riding Hood possiede molti
essere diventato un tratto glamour per il mondo punti di contatto con la saga di vampiri – dal triangolo
cinematografico. Una mistificazione fantasy che dal amoroso ai lupi mannari, per arrivare alla forte
mondo cyberpunk ha oggi raggiunto l’immaginario impronta della regista – ma ambisce a porsi come
collettivo fino ad assumere una nuova veste di stravolgimento post-moderno di un’idea classica,
ostentazione in celluloide. Visioni da incubo patinato, quella legata al racconto per ragazzi ed alle sue
che in alcuni casi si propongono come strumento affascinanti paure ambientate nel mondo della notte.
Arte

12
Joshua
Hoffine
Incubi in
celluloide
e riflessi di
realtà
diAlessandra Fossanova
Istanti di paura, ecco cosa sono gli scatti del
fotografo americano Joshua Hoffine. I piccoli
set fotografici ricreano scenari spettrali da
casa degli orrori e dimensioni oniriche in cui la
variazione cromatica e la plasticità delle pose
dei soggetti giocano un ruolo fondamentale
nell’impatto con il pubblico. Ciò che c’è nel
backstage è un gruppo di amici che si presta
volentieri ai capricci di questo eccentrico
artista, che non utilizza effetti speciali per
i suoi lavori se non macchine per il fumo e
trucchi, e che coinvolge nei suoi scatti perfino
componenti della propria famiglia.
Con una lunga serie di mostri che sbucano sotto il
letto o dentro un armadio – mummie, cadaveri, clown
e licantropi –
­ Hoffine trae linfa vitale dall’inconscio
infantile traducendo letteralmente nella fotografia
paure dimenticate. Egli pone l’osservatore nella
condizione psicologica necessaria per immergersi
completamente nell’istante immortalato, pronto a
domandarsi quale sarebbe la propria reazione se
ciò che sta guardando non fosse una mera illusione
bensì una condizione reale. L’osservatore verrà quindi
catapultato nei suoi incubi di bambino, stabilendo
un contatto empatico con il proprio inconscio grazie
anche agli innumerevole elementi di connessione con
il passato presenti sulla scena.
La scelta dei soggetti si inserisce, quindi, in un
più ampio progetto: quello di attrarre non solo
presentando personaggi tipici dell’immaginario
collettivo, ma soprattutto stabilendo una fitta rete di
incroci subliminali sia tra le varie opere, che tra queste
e lo stesso pubblico. Lo scopo di Hoffine è di dare vita,
forma e senso a quell’inquietudine che ritiene insita
negli animi, puro riflesso di paura.
Forte è l’illusione, secondo l’artista, di riuscire a tenere
questi mostri chiusi in uno schermo, tra le pagine di
un libro o nei sogni, facendo finta di niente quando
s’incontrano per strada, quando si sfoglia un giornale,
quando ci si guarda allo specchio. Tuttavia la sua arte
non va considerata come una condizione esistenziale
necessaria, bensì come un’ammissione di umanità,
uno specchio che riflette la nostra appartenenza ad
un mondo instabile e precario, costruito da esistenze
incerte. Hoffine sottolinea con i suoi scatti che “i mostri
sono tutt’intorno a noi” e che le certezze in questo
mondo, dove purezza ed innocenza sono vittime di
continui attacchi, sono più che deludenti.
Re-
tratos
Pinta-
dos
La storia della fotografia
brasiliana incontra
la pittura in una serie di inediti scat-
ti della collezione di Titus Riedl.
di Valeria Giampietro

Retratos Pintados è il titolo di un libro assolutamente

Arte imperdibile per gli appassionati del genere. Edito
da Titus Riedl e Martin Parr - che ne ha curato
l’introduzione - e pubblicato da Nazraeli Press nel
2010, il libro è disponibile presso la Yossi Milo Gallery

14 di New York.

www.yossimilo.com
Nelle zone rurali del nord-est del Brasile, dalla fine
dell’800 all’ultima decade del ‘900, era fortemente
diffusa nelle case la tradizione di esporre fotografie
che illustravano ritratti dipinti a mano. Ritratti di
famiglia, riflessi di una percezione mesta, spesso
tragica, del decadimento fisico. Tra il rigore e
la tradizione, il ricordo e la feroce necessità di
sublimarlo, regnava il bianco e nero e la fedele
trascrizione fisionomica dei soggetti ritratti. Secondo
i canoni della ritrattistica di tipo ottocentesco,
l’arte fotografica, intesa nella sua autonomia di
linguaggio, doveva restare esclusivamente fotografica.
“È solo a questa condizione assoluta”, scriveva lo
storico dell’arte Armando Albert, “che essa può
essere ammessa come arte. Essa non deve cercare di
imitare nè il pastello, nè lo sfumino, nè la matita, nè
l’acquerello. È necessario che resti una fotografia e
cioè una cosa che non si può ottenere che con mezzi
visibilmente fotografici”. Poi tutto cambiò. La ricerca
artistica del Novecento ci insegnò a sconvolgere
i consacrati miti della fotografia-documento, a
superare i limiti della veridicità nel campo della
rappresentazione, a proporre una lettura del reale
in chiave luministica, più intima e drammatica
dei personaggi ritratti. Il crollo della fiducia
nell’imitazione del vero naturale concesse alla
fotografia il privilegio di godere di dignità estetica, e
non solo. La possibilità di non essere più considerata
un prodotto meccanico, una copia servile della realtà
ma un veicolo irrazionale e sanguigno capace di
descrivere la dinamica di una sensazione.
I Retratos Pintados («ritratti dipinti») sono la prova
tangibile di questo (dis)ordine creativo. Titus Riedl,
ricercatore accademico, si interessa alla fotografia
vernacolare brasiliana e inizia a documentare la
memoria culturale del paese dove ha vissuto per
quindici anni. È il 1998 e nel corso di una sua ricerca
sul memento mori (ritratto dei morti) nel nord-est
brasiliano viene a conoscenza dei ritratti dipinti.
Fotografie, originariamente in bianco e nero, affidate
dalle famiglie delle zone rurali a commercianti
di strada, i bonequeiros, privi di alcun tipo di
conoscenza sul processo di lavorazione pittorica
a cui le foto sarebbero state sottoposte. Diretti
verso le grandi città, gli intermediari viaggiavano
per settimane fino alla consegna del materiale
fotografico ai puxadores (addetti all’ingrandimento
delle foto) e ai pittori. Questi ultimi lavoravano alle
fotografie in uffici-laboratori nascosti nel retro degli
edifici. Non avevano indirizzo e rappresentavano
un’intera economia informale. Sfruttando i lavaggi
con colori ad olio ed altre tipiche tecniche regionali,
gli artigiani locali praticavano atti di manipolazione
sulle foto incredibilmente unici ed esemplari. Come
spettatori di un film muto, gli artigiani si aprivano al
visibile, all’immaginazione. Regalavano ai soggetti
ritratti prestigio sociale, cravatte e beni di lusso,
ai bambini abiti d’avorio e agli anziani lisciavano le
rughe. Al semplice contatto visivo il colore assume
forza poetica e intimità. Stabilisce la recondita
connessione tra l’incessante lavorio della morte,
intenta a consumare anche il più romantico idillio
familiare, la disperazione di una perdita e la sua
negazione.

Questa connessione si lega all’ «incorporeità»

dell’immagine, alla sua iconizzazione o
santificazione. Prendiamo Mark Rothko. Egli nutriva
un’idea romanticamente disperata del colore. Le
sue varianti cromatiche vivevano di contrasti, di
tensioni drammatiche. Poi la depressione gli impedì
di lavorare e morì suicida, tagliandosi i polsi nella
cucina del suo studio di New York. Rothko ripeteva
che esisteva una distanza ideale per osservare i
suoi dipinti: 45 centimetri. La distanza ideale, sì. Per
sentirsi totalmente inglobati e assorbiti dai colori. È
probabile che i Retratos Pintados, in qualche modo,
attraverso l’utilizzo spirituale del colore, mirassero
a questo. Ad allontanarsi dalla realtà, creando
una distanza «ideale», manipolandone l’immagine
discernibile, e ad ampliare la visione delle cose, Retratos Pintados
migliorandola. Al ritrarre il malessere di una società Unique hand-colored Gelatin Silver Prints
che espelle la sofferenza e che rifiuta l’idea di morte. Courtesy Yossi Milo Gallery, New York
I Vor-
Nello stagnante immobilismo della cultura
contemporanea – quotidianamente smossa da
effimere suggestioni di lanci promozionali, da
recensioni lusinghiere realizzate alla velocità di un

ticisti
copy/paste e da memorabili pubblicazioni pronte al
più repentino degli oblii – il recupero di movimenti
storici provenienti dall’avanguardia del primo ‘900 ci
riempie la testa di un turbine di idee dotate ancora di
reale forza espressiva.

Artisti ribelli La mostra di Venezia sui vorticisti, ospitata dalla

Collezione Museo Peggy Guggenheim e curata da

a Londra Mark Antliff, ostenta ancora quell’urgenza espressiva

figlia di due elementi catalizzanti: le tensioni

e New York
estetiche di inizio secolo e le accese conflittualità
della prima guerra mondiale, entrambe foriere di
una mutazione genetica che colpisce con vivacità
ed impatto deflagrante le istanze innovatrici di una
nuova schiera di artisti. Così, mentre la Francia
sviluppa un rivoluzionario senso visuale che trova nel
di Mario Fava cubismo uno sguardo ultra-prospettico, l’Italia apre le
porte alla cinetica ed alla sfrontatezza del futurismo,
infierendo con vigore sulle matrici culturali ormai
obsolete e predisponendosi con entusiasmo verso
Arte un avvenire ricco di prospettive. In un panorama
tanto instabile e stimolante, l’Inghilterra prima e
gli Stati Uniti poi si approcciano all’arte mutuando
le forme dell’era meccanica e declinandole in

18 maniera personale ed inedita, dando forma a

visioni avveniristiche o semplicemente astraendo le
immagini del contemporaneo. Questo entusiasmante
cambio di direzione ha dato vita alle oltre 100 opere

esposte nel capoluogo veneto, fra le quali è possibile
ammirare le tele di Lawrence Atkinson, David
Bomberg, Wyndham Lewis e Dorothy Shakespear.
Si tratta di quadri che risentono direttamente
dell’esperienza artistica europea, sui quali entrano in
collisione architetture visionarie e linee intersecanti,
colori piatti e prospettive illusorie.
Accanto ad essi assumono particolare rilievo le
xilografie di Edward Wadsworth, che anticipano
con grande efficacia gli stilemi grafici delle decadi
successive e creando intarsi geometrici in cui caos
e regolarità coesistono in uno schema di grande
stabilità formale. Sono poi le sculture di Jacob
Epstein (in particolare Martello Penumatico) a
colpire il visitatore per la modernità delle forme,
archetipo cyborg cooptato perfino dall’immaginario
pop di un recente passato e direttamente ispirato
dalle straordinarie opere sul movimento e sulle
sollecitazioni muscolari di Boccioni. Fondamentali si
rivelano anche le fotografie di Alvin Langdon Coburn,
sia nei ritratti che nelle stravaganti sperimentazioni;
Edward Wadsworth
Rotterdam, 1914
Xilografia
Collezione
George Eastman House,
Rochester, NY
Courtesy of George Eastman
House, International Museum
of Photography and Film
Alcune sale espositive della
mostra I Vorticisti:
artisti ribelli a Londra e New
York, 1914-1918.
Collezione Peggy Guggenheim,
29 gennaio – 15 maggio, 2011
Foto Andrea Sarti/CAST1466
è grazie ai suoi scatti che possiamo ammirare le
fotoincisioni di due protagonisti indiscussi di questo
periodo: Ezra Pound e Wyndham Lewis. Il primo
può essere considerato il teorico del movimento
nonché l’ideatore del nome “vorticismo”, termine
coniato alla fine del 1913 per descrivere l’energia
che queste opere erano destinate a suscitare nella
scena londinese. Il secondo autodefinitosi leader di
questa compagine artistica, ma soprattutto fondatore
della memorabile rivista Blast, le cui pagine possono
essere considerate il vero manifesto del vorticismo
grazie ad un’eccezionale opera di contaminazione
creativa. La parte finale della mostra si chiude con le
foto realizzate da Coburn, un compendio di ingenuità
tecnica dotata di un intrigante fascino caleidoscopico,
quasi il corrispettivo visivo di quel che Russolo
cercava di realizzare nella musica futurista.
Tamara
De
Lempicka
La regina
del moderno
Emancipazione Le sale del Complesso Monumentale del Vittoriano a
Roma accolgono fino al 10 luglio 2011 una delle più

femminile, eleganza corpose retrospettive mai realizzate su Tamara De

Lempicka (1898-1980), artista polacca emblema della

e trasgressività nelle modernità e riconosciuta icona dell’Art Déco, autrice

di quella geniale rappresentazione della società

opere dell’artista mondana che ha caratterizzato gli anni tra le due

guerre. La curatrice, Gioia Mori, ha raccolto novanta

simbolo dei folli anni dipinti e trenta disegni insieme a cinquanta fotografie
d´epoca che presentano la De Lempicka come una

Venti diva del cinema anni Trenta, cui si aggiungono dipinti

di pittori polacchi che l’artista ebbe occasione di
frequentare tra Parigi, Polonia e Stati Uniti. Diverse le
opere mai esposte in Italia, tra le quali l’eccezionale
prestito di cinque dipinti della collezione di Jack
Nicholson e un dipinto, Portrait de Madame P. del 1923,
finora considerato perduto e noto solo attraverso una
vecchia fotografia in bianco e nero.

di Giovanna Lenoci Moderna, stravagante, eroica, anticonformista,

complessa, provocatoria, cocainomane,
dichiaratamente bisessuale e con tre matrimoni
all’attivo. Tutto ciò che è stato detto su di lei ha
Arte incrementato il mito di una delle regine del Novecento.
La fascinosa De Lempicka ha creato immagini
simbolo dei “ruggenti” anni Venti e Trenta di cui lei
stessa è diventata la più brillante interprete. Tamara

20 De Lempicka è pseudonimo di Tamara Gorska,

giovanissima sposa del russo Tadeusz Lempicki da cui
l’originale pseudonimo (la sostituzione della vocale
finale è il primo manifesto del suo essere icona della

libertà femminile). Visse per più di ottant’anni tra la
Russia, Parigi e l’Italia per poi approdare negli Stati
Uniti e concludere la propria esistenza in Messico;
proprio in questo Paese, per sua volontà, le ceneri
vennero disperse sul vulcano nei pressi di Città del
Messico, che l’artista scorgeva dalla finestra della
propria casa.
Gli anni Venti e Trenta rappresentano il momento
di massima creatività, quello in cui le opere create
divengono immediatamente il documento più fedele
dello spirito del tempo. Riconducibile al monumentale
geometrismo Déco in pittura, il suo stile resta piuttosto
originale in quanto unisce linguaggi figurativi di
varie correnti come il futurismo, il cubismo russo
e francese, il realismo e il classicismo italiano. Le
sue opere ritraggono i simboli della modernità e del
“nuovo” che avanza come il telefono, i grattacieli, le
auto di lusso ma soprattutto le donne, personaggi
dell’alta società, amici, amazzoni (sinonimo a quel
tempo di lesbiche), amanti, prostitute e fascinose
modelle. I tratti sono marcati, i volumi ingigantiti,
l’espressione dello sguardo delle donne raffigurate
è sognante; i corpi nudi, solidi e monumentali quasi
fossero sculture, risultano sensuali e pieni di erotismo
e pare vogliano fuoriuscire dalle grandi tele spesso a
dimensione umana.
L’artista polacca seppe capire l’importanza dei mezzi
di comunicazione, ed infatti disegnava anche per
la pubblicità, realizzando copertine per importanti
01. Il telefono II (1930) 02. La bella Rafaëla (1927)
Olio su tavola, 34,9 x 26,9 cm Olio su tela, 63 x 90
©1980 TAH © Sir Tim Rice
©Tamara Art Heritage ©Tamara Art Heritage
riviste; amava vestirsi in modo elegante, guidava
una fiammante automobile sportiva (celebre il suo
Autoritratto in Bugatti Verde del 1925) e frequentava
i locali più in voga di Parigi. La moda e il design
erano dunque parte integrante della sua arte e della
sua vita. Era solita dire: “Io la moda non la seguo,
la faccio”. I colori accesi e sempre ben definiti,
restituiscono immagini patinate molto vicine ai toni
delle fotografie di moda. Labbra vermiglie e capelli
come trucioli, abiti eleganti, gioielli sfavillanti e
sicurezza da vendere, sono le caratteristiche essenziali
delle donne dipinte da Tamara De Lempicka, testimone
consapevole di una stagione speciale.
Tamara De Lempicka è stata un’anticipatrice
sia nell’arte sia nella vita, amante della bella
vita, trasgressiva, libera, artista di grandissime
potenzialità, personaggio fuori dagli schemi usuali
e femminista ante litteram. Quello che resta a noi,
attraverso i suoi quadri è un’immagine di raffinatezza
e seduzione, la figura di una donna dallo sguardo
sicuro e di sfida che ha attraversato il XX secolo con la
potenza degna di un’amazzone. Un’artista chiaramente
ambigua, senza dubbio libera, di sicuro un mito.
Tamara de Lempicka - La regina del moderno
In mostra fino al 10 luglio 2011
Roma, Complesso del Vittoriano, Ala Brasini
Dal Lunedì al Giovedì: 9.30-19.30 Venerdì e Sabato:
9.30-23.30 Domenica: 9.30-20.30
Life

22

Spirito
a pezzi
di Paolo Interdonato
sparidinchiostro.wordpress.com
Chi abbia visto in teatro Shylock, il Mercante di Venezia
in Prova, ha portato a casa un ricordo da conservare
gelosamente: il corpo, erotico e conturbante, di Lee
Colbert. La cantante e attrice vestiva sul palco i pochi
panni dell’infermiera incaricata di accudire il vecchio
Shylock, interpretato da Shel Shapiro. Di quello
spettacolo, purtroppo, si ricorda poco altro e non
perché, come insegna Jorge Luis Borges, l’oblio sia la
forma di vendetta migliore, ma, molto più banalmente,
perché quella rappresentazione annoia tantissimo.
In Shylock, scritto e diretto da Roberto Andò e Moni
Ovadia, gli attori recitano la messa in scena della
commedia shakespeariana: Ovadia veste i panni del
regista e Ruggero Cara quelli del produttore. Proprio
così: recitano la messa in scena. Shylock è, infatti,
un’opera metanarrativa, il racconto del racconto
che evidenzia i meccanismi stessi della narrazione,
adattandosi a forme e stilemi oggi abusati.
Il teatro che mette in scena il teatro, il cinema che
recita il cinema, il fumetto che narra il fumetto… Tutte
le opere metanarrative rispondono a una regola che
il giallista catalano Andreu Martin ha ben riassunto
spiegando che, nei suoi gialli di impianto sociale,
ama spostare all’indietro la macchina da presa della
narrazione per riuscire a catturare ambienti sempre
più vasti; a volte, però, non riuscendo a muoversi alla
stessa velocità della carrellata, lo scrittore rimane
imprigionato nel racconto che sta tessendo.
Ne abbiamo viste e lette ormai tantissime di storie che
ragionano su loro stesse. Qualche volta (raramente),
sono gioielli narrativi, come I protagonisti di Robert
Altman, film del 1992, o Animal Man dello scozzese
Grant Morrison, serie a fumetti uscita negli Stati Uniti
tra il 1989 e il 1990. Più spesso sono lavori noiosi.
Proprio come neI caso dello Shylock di Ovadia, il cui
senso profondo è la ricerca dell’intrecciarsi delle
radici dell’antisemitismo attorno al personaggio
del mercante e alle interpretazioni che gli attori nei
secoli hanno dato al suo tragico monologo (“se ci
pungete non sanguiniamo, e se ci fate il solletico
non ridiamo?”). Un punto interessante che, volendo,
Ovadia avrebbe potuto affrontare in un articolo, bello e
importante, di 3 o 4 pagine.
Oggi, il postmodernismo, di cui il metaracconto è
filiazione diretta, dovrebbe essere già stato superato
e nessuno dovrebbe più sentire il bisogno di racconti
che indagano sui propri ingranaggi, scoprendone
meccanica e funzionalità. L’unico ambito del pensiero
umano che – ne sono certo – esige, per propria
natura, di essere metanarrativo è la politica. Per
essere buona deve necessariamente essere società
che indaga i meccanismi della società: cosa pubblica
che mette in luce le proprie strutture interne,
cercando di curarsi, autorigenerarsi e migliorarsi.
Diventa cattiva, la politica, quando ha pulsioni
narrative, quando si ostina a parlare di amore e
di morte, quando mette in scena l’erotismo o la
destrezza atletica delle carni, quando agisce sesso
e violenza e non per dare loro regole di convivialità e
accettabilità sociale.
In quel momento la partecipazione che i discorsi e
le scelte intorno alla società dovrebbero scatenarci
si assopisce: diventiamo spettatori, ai bordi di
lettoni, ville o caserme, inerti e intenti a scrutare
morbosamente corpi bellissimi. Carni fredde e
immote che nulla hanno di erotico e conturbante.
 C
Moda:
Next
Generation
Un viaggio ondizionato da
un panorama

all’interno internazionale
in costante

della Gianfrate mutazione, il mondo della moda si trova oggi ad un

fondamentale punto di svolta per coloro che gravitano

Rappresentanze, al suo interno. Sono proprio gli impulsi verso il

cambiamento a suggerire le sfide del prossimo

l’azienda che sta futuro, con un ventaglio di possibilità e stimoli che

spingono i professionisti più avventurosi a trovare

portando lo stile nuove soluzioni e inediti ambiti di azione. Gianfrate

Rappresentanze si colloca sicuramente all’interno di

in una nuova era quel piccolo gruppo di aziende italiane che interpreta
il lavoro creativo in maniera dinamica e rivoluzionaria,

di servizi sviluppando percorsi che intrecciano ricerca e

aggiornamento, strumenti di promozione e idee per
l’interazione sul web. Il nuovo sito, appena pubblicato
all’indirizzo gianfraterappresentanze.it,
presenta infatti un approccio decisamente alternativo
rispetto alle solite vetrine digitali che si ripetono su
di Giuseppe Morea internet; alla completezza della sezione istituzionale

Life

24
viene infatti affiancata un’area dedicata ai servizi
pensati per le aziende del settore, un’efficace risposta
alle esigenze che la competizione quotidiana presenta
agli operatori più accreditati. Gli elementi alla base
delle attività di Gianfrate Rappresentanze si basano
su principi duraturi ed insostituibili, che affondano
i loro principi nel valore della sartorialità e della
cura artigianale per i prodotti. La modernità e la
scioltezza di una struttura imprenditoriale giovane
e sempre in movimento si incrociano all’esperienza
delle maestranze ed all’attenta meticolosità dei
procedimenti di lavoro, costituendo un unicum di
tradizione e modernità. Una passione perfettamente
interpretata dalle bellissime foto in bianco e nero che
l’artista Gennaro Navarra ha realizzato appositamente
per il sito, compiendo una fondamentale operazione
di ricerca ed unendo l’eleganza del suo stile
all’accuratezza per i dettagli, la bellezza dei paesaggi
ai profondi significati di queste immagini. La ricerca
di simboli che possano raccontare storie e svelare
concetti è anche alla base del dente di leone, il nuovo
logo che sintetizza l’armonia formale di un nucleo
unito ma anche il valore dei singoli elementi; un’idea
di libertà espressiva, di leggerezza nel movimento
e di ibridazione del pensiero, cristallizzato nella
sua raffinatezza geometrica ma allo stesso tempo
animato nella sua predisposizione al cambiamento.
La scelta di Gianfrate Rappresentanze di puntare
sul lavoro di squadra – raggiunto con la creazione
di un team altamente professionale e preparato – si
congiunge ora ad un ampliamento delle soluzioni
per sviluppare il business, stimolando l’utilizzo dei
nuovi media e incentivando le tante prospettive della
creatività.
(In)Formazione del
personale addetto alle
vendite
Elemento di estrema importanza
e di notevole portata innovativa, la
formazione del personale è uno dei
servizi in cui Gianfrante Rappresentanze
investe maggiormente il proprio
know-how. È proprio dalla cura del
cliente e delle sue aspettative che
si deve ripartire per ripensare la
funzione dell’abbigliamento nella vita
quotidiana, ed in questo senso il lavoro
del personale all’interno degli store si
rivela essenziale. Non solo, infatti, è
necessario riaffermare il ruolo di queste
figure altamente professionali, ma è
altrettanto fondamentale analizzare
ed approfondire le specificità di questo
lavoro. Gianfrate Rappresentanze offre
dunque un supporto nell’aggiornamento
professionale, nella spiegazione dei
materiali e nell’interazione con la
clientela, realizzando anche incontri
in negozio pensati appositamente per
la presentazione delle collezioni. Uno
strumento fondamentale per rispondere
alle esigenze di un mercato in profondo
cambiamento, in cui il lavoro negli
spazi commerciali deve caratterizzarsi
non solo per competenza ma anche
per impegno nella ricerca e capacità di
analisi.
Interazione con le arti
La moda si nutre costantemente di
suggestioni sensoriali, per uno scambio
in perfetta sinergia che finisce per
coinvolgere tutti gli aspetti di questo
affascinante universo: dalla fase
creativa a quella promozionale, dalle
scelte commerciali ai riverberi sociali.
Grazie alla consulenza di esperti ed
artisti, Gianfrate Rappresentanze
attinge quotidianamente a questi
immaginari, scegliendo le interazioni più
innovative, le modalità più suggestive
e creando uno scambio efficace con le
scelte di stile. Visioni, ascolti e letture si
intrecciano in un percorso multimediale
che mescola arte e strategie di
marketing, proponendo soluzioni
innovative per rafforzare l’identità delle
aziende di settore. Uno studio proiettato
nel presente per immaginare store che
si rivelino sempre inediti ed aggiornati,
vero stimolo per la clientela di questi
anni ’10.
Organizzazione di
eventi
La profonda conoscenza del settore
moda e la continua interazione
con le sollecitazioni culturali
contemporanee ha permesso a
Gianfrate Rappresentanze – grazie ad
una stretta collaborazione con agenzie
specializzate – di sviluppare una rete di
rapporti artistici che possono mettere
in comunicazione diretta questi due
universi così vicini. L’organizzazione
di eventi, l’allestimento di mostre
multimediali e la realizzazione di
festival diventano dunque elementi di
grande importanza nella comunicazione
delle aziende che gravitano nel tessile,
strumenti di esposizione mediatica
ma soprattutto di sollecitazione di un
immaginario moderno e attento alle
nuove tendenze. Discorso a parte va
fatto per la partecipazione alle fiere,
per le quali possono essere realizzati
progetti ad hoc per allestimenti e
personalizzazioni, ma anche per
l’organizzazione di grandi eventi in cui
far confluire abbigliamento, spettacolo e
visibilità su tutti i media.
Comunicazione
aziendale
La costante presenza sui mezzi di
informazione è ormai elemento
irrinunciabile di qualunque strategia
aziendale, tanto più per le imprese che
operano nel campo dell’abbigliamento
e che hanno la necessità di promuovere
un vero e proprio immaginario
contemporaneo. La realizzazione
di campagne pubblicitarie è ormai
una minima parte delle necessità
comunicative dei nostri tempi e lo staff
che affianca Gianfrate Rappresentanze
ha la prerogativa di proporre un
ventaglio di strumenti per agire
con efficacia sui classici mezzi di
comunicazione così come sui nuovi
media. Social network, blog, collettori
di informazioni web e community virtuali
vengono costantemente aggiornate sulle
attività aziendali, in modo da creare un
network di enorme potenza divulgativa e
di portata innovativa nel marketing.
A ciò si deve aggiungere la possibilità
di realizzare siti che utilizzino i nuovi
linguaggi di programmazione, così come
la produzione di video che uniscano gli
elementi imprescindibili del fashion alle
nuove forme di arte multimediale.
Ideazione e
rielaboazione degli gianfrate
spazi espositivi rappresentanze.it
Oggi i negozi di abbigliamento hanno la Un sito di abbigliamento
necessità primaria di rendersi luoghi creato per formare
dotati di un concept unico ed innovativo, ed informare
che suggestioni il cliente e gli comunichi
un’identità ben riconoscibile. A tal fine Con il nuovo sito appena presentato
gli esperti che affiancano Gianfrate online, Gianfrate Rappresentanze
Rappresentanze si occupano non solo di punta particolare attenzione
ideare e allestire nuovi spazi di contatto all’aspetto visuale e alla selezione dei
con la clientela, ma anche di elaborare materiali fotografici, incrementando
una strategia di comunicazione grazie alla la facilità di navigazione e ampliando
quale creare corner dedicati a prodotti decisamente la varietà dei servizi.
culturali ed artistici, realizzare selezioni A ciò si unisce la possibilità di
musicali personalizzate, ideare e produrre interagire con il sito sia per gli utenti
divise per il personale, organizzare eventi del settore che per tutti coloro che
di grande richiamo mediatico. hanno fatto dell’arte il proprio modo
di comunicare con il mondo.
Blog
Il sito di Gianfrate Rappresentanze
presenta inoltre una sezione dedicata
all’informazione e alla promozione della
creatività, nella quale è possibile essere
aggiornati su quel che accade nel mondo
dell’arte e della moda, della cultura e
dell’intrattenimento. Un ampio spazio
viene inoltre riservato alle opere di artisti
affermati ed alle nuove leve emergenti
nel campo della musica, della fotografia,
dell’arte contemporanea e del video-
making. Questa sezione viene curata in
partnership con Pool Magazine, mettendo
in connessione le più interessanti realtà
internazionali con le strutture che
operano con lungimiranza nel settore
moda. Uno strumento essenziale per
creare un‘identità aziendale forte ed
inconfondibile.

Charity
Attraverso un’apposita sezione del sito,
Gianfrate Rappresentanze si propone di
offrire assistenza logistica e finanziaria
alle persone in difficoltà, proponendosi di
andare incontro a coloro che hanno reale
necessità di aiuto dovuto a situazioni di
svantaggio o disagio. Le richieste possono
essere inviate allo staff dell’azienda, in
modo che siano valutate con assoluta
attenzione e riservatezza.
Social Prospettato da anni come l’evento che avrebbe
rivoluzionato il modello di informazione globale,

media:
il completamento del percorso verso il web 2.0 ha
ormai ribaltato i vecchi schemi piramidali della
circolazione dei contenuti. L’accelerazione del flusso

work in
di informazioni e l’incredibile mole di dati ai quali è
quotidianamente possibile arrivare hanno costretto le
redazioni di tutto il mondo a ripensare drasticamente

progress
al loro ruolo di protagoniste mediatiche. Un processo
di progressiva democratizzazione che sta imponendo
nuovi standard nella diffusione delle notizie e che sta
ovviamente influenzando le scelte di pianificazione a
medio termine di un enorme numero di aziende.
In un mondo lavorativo che non ha più il privilegio

Life
“Il web editor,
28 una nuova figura
lavorativa”
 Professione Web Editor - Il Master
Con l’affacciarsi sul
mercato internazionale
di questa particolare
figura professionale,
nasce il nuovo Master
Post-laurea Professione
Web Editor, progettato da
Studiodelta per formare
professionisti della
comunicazione in grado
di progettare, ideare,
comunicare ed informare
utilizzando in modo
esaustivo i nuovi media.
Il progetto formativo
(patrocinato dll’Ordine
dei Giornalisti di Puglia
e dal Dipartimento
Di Psicologia
dell’Università di Bari)
trova rispondenza con le
competenze di ben due
profili professionali ISFOL
(Istituto per lo Sviluppo
della Formazione
Professionale dei
Lavoratori): il “Content
Creator” ed il “Virtual
Community Manager”.
La figura del Web
Editor corrisponde a
quella di responsabile
e ideatore dei contenuti
editoriali digitali, per
i quali definisce le
strategie di impostazione
e garantisce il loro
continuo aggiornamento.
Egli partecipa al progetto
complessivo e alla
definizione dei suoi
obiettivi, alla stesura
del piano editoriale
e di organizzazione
redazionale. Il Web Editor,
inoltre. coordina e svolge
il ruolo di animatore
nelle di comunità
virtuali, impostando il
funzionamento quotidiano
delle attività, proponendo
i temi da affrontare nei
notiziari e nei dibattiti,
creando eventi.
Il master, della durata
di 600 ore d’aula più
300 ore di stage in
azienda,  si svolgerà a
Bari da settembre 2011 a
settembre 2012.
Per informazioni:
www.professioneblogger.it

di poter scegliere le sue fonti di informazione, sono
i protagonisti dell’universo digitale a dettare le
regole della circolazione dei contenuti, strutturando
reti di interazione che permettono di monitorare
con estrema precisione target e territorio di
riferimento. È in questo contesto che la figura del
Web Editor trova rispondenza privilegiata in ambito
professionale, divenendo fulcro di un variegato
ventaglio di competenze: dalle conoscenze di
carattere giornalistico alla comprensione delle
dinamiche editoriali, dalla padronanza dei differenti
registri di scrittura alla capacità di animare i social
network, dalla scioltezza nella creazione di contenuti
digitali all’utilizzo delle nuove tecnologie per la
comunicazione. Tutte cognizioni oggi richiestissime
da un numero di aziende in straordinario aumento,
imprese sempre più consapevoli che i media
canonici stanno repentinamente perdendo la vecchia
posizione di predominanza per lasciar spazio ad un
inarrestabile flusso di dati e notizie.
Accade dunque che l’utilizzo di blog per comunicare,
influenzare e imparare, diventi parte integrante di una
importante strategia marketing, mettendo al centro
dell’azione l’utilizzo consapevole e professionale dei
social media. Il Communication Manager dunque,
grazie alla sue competenze trasversali, diventa una
figura richiestissima nella gestione del rapporto
con il pubblico, vero portavoce delle strutture
imprenditoriali e principale interlocutore per
clienti e stakeholder. Un opinion leader della nuova
generazione, interprete delle tendenze culturali
ed economiche che stanno modificando alla radice
questi primi anni del nuovo millennio.
La linea
scura
di
Charles
Burns
di Paolo Interdonato

Libri

30
A
nche quando è in grado di
produrre narrazioni profonde
e complesse, il fumetto è
semplice. Si compone di segni
su carta, che mescolano parole
e immagini. A volte è a colori,
ma non necessariamente:
spesso il bianco del foglio e il
nero della china sono più che sufficienti a raccontare
un mondo in cui il bene e il male si fronteggiano
in una contrapposizione manichea che può essere
assoluta.
Charles Burns è un maestro del bianco e nero.
Un autore incredibilmente dotato che ha esordito
nel 1981, su “Raw”, la rivista voluta dall’autore
di Maus, Art Spiegelman, che ha rivoluzionato
l’idea statunitense di fumetto, gettando le basi
per la costruzione del mercato del graphic novel e
definendo un modo più adulto di leggere fumetti.
Fin dall’esordio, Burns ha messo in pagina le
ossessioni che avrebbero caratterizzato tutti i suoi
lavori successivi: la mostruosità dell’adolescenza,
i dolori della crescita, la trasformazione del corpo,
l’impossibilità di capire il mondo. Lo ha fatto
affastellando i frantumi di immaginario popolare
di cui la sua generazione si è nutrita. In questo
modo, gli economicissimi albi a fumetti seriali, la
televisione tesa a saturare tutti i momenti conviviali
domestici e il cinema di massa visto di preferenza
nei drive-in sono gli ingredienti di una miscela
narrativa decisa a raccontare i segreti negati della
provincia statunitense. Segreti lontani che tutti i
lettori occidentali sentono come propri.
Dopo aver centellinato racconti su riviste
importantissime, come “Raw”, “Heavy Metal” e
l’italiana “Alter”, Burns raggiunge la piena maturità
con Black Hole, lungo fumetto dalla gestazione
travagliata (una dozzina di anni di lavoro per 350
pagine fitte di inchiostro). Questo straordinario
graphic novel racconta di come la vita di una
comunità possa essere sconvolta da un virus che
si trasmette sessualmente e colpisce solo gli
adolescenti. Questo male è visibile e mostruoso:
trasforma le carni dei ragazzi che già si ritrovano
a dover convivere con i brutti scherzi che gioca
loro un corpo in sviluppo. Gli adolescenti di Black
Hole oltre a sentirsi brutti e inadeguati, vittime
delle incontrollabili trasformazioni della pubertà,
diventano realmente mostruosi, sviluppando
deformità che deturpano visi e corpi.
Guardando la nettezza delle campiture nere e la
quantità dell’inchiostro steso su ogni pagina è facile
percepire quanto Burns sia l’esegeta di uno stile
di disegno in cui i toni scuri dominano. Una “linea
scura” la cui distanza stilistica e letteraria dalla
pulizia formale di alcune scuole di fumetto europee
non potrebbe essere più netta. Il suo lavoro si
contrappone nettamente alla “linea chiara” tipica di
molto fumetto belga e, in particolare, del Tintin di
Hergé. La “linea chiara” presenta un approccio alla
narrazione che si manifesta in un’enorme pulizia del
tratto, ma tocca tutti gli elementi della costruzione
della storia. Le caratteristiche di cui fumetti sono
un segno netto e privo di tratteggi e tessiture, l’uso
di colori privi di sfumature e ombre, il lettering
in stampatello minuscolo all’interno di balloon
rettangolari e le sceneggiature particolarmente
semplici, che fanno scorrere la narrazione senza
intoppi ma anche senza faciloneria.
Esemplare per capire cosa possa essere la “linea
chiara” è I Gioielli della Castafiore di Hergé, un
racconto di vorticosa complessità in cui il giovane
Tintin e il capitano Haddock discutono, si inseguono,
indagano, ricostruiscono un crimine forse mai
accaduto e cadono dalle scale per 64 pagine
serratissime, inseguendo con linearità disarmante
la fabula e il susseguirsi logico e cronologico degli
eventi.
X’ed Out, il lavoro più recente di Charles Burns,
è un omaggio a quel modo di raccontare. È un
nuovo episodio di Tintin che dà un senso nuovo
alla purezza formale di Hergé aggiornandola con
le ossessioni di Burns. Accanto alla meravigliosa
struttura narrativa del libro, il fumettista
statunitense ci presente il saggio definitivo
sull’opera del narratore belga. Attraverso le sue
dense ombre di china Burns ha metabolizzato
pienamente lo stile del racconto e del disegno di
Hergé. Ora, alleggerendo il buio con colori piatti
che possono essere tanto tenui quanto opprimenti,
ci presenta un nuovo tassello della sua dolorosa
storia dell’adolescenza, raccontandoci un Tintin,
che si muove su due piani di realtà, devastato dagli
psicofarmaci.
Le due copertine in edizione Nelle pagine seguenti vi
originale firmate da Hergè e proponiamo un estratto in
Burns. X’ed Out uscirà nelle anteprima dell’opera visionaria
librerie italiane il 18 maggio. e caleidoscopica del maestro.
Caratteri
Mobili
Collisione CaratteriMobili è una giovane casa editrice
indipendente nata a Bari nel 2010. Il nome suggerisce

di mondi
elementi in divenire che generano inesplorato senso,
ignote connessioni. Annuncia lavoro di menti, occhi,
mani. Riecheggia l’interscambio culturale generatosi 6

narrativi
secoli fa. Nel XXI secolo, il regno delle parole scritte è
ancora un luogo complesso da conoscere ed esplorare.
I nuovi media accelerano il cambiamento di rotta verso
dispositivi e piattaforme di lettura in metamorfosi
perenne. Chi sceglie di immergersi nel magma
incandescente dell’editoria contemporanea deve essere
di Alessandra Recchia mosso da una forza viscerale, da un’idea che riesca a
superare l’attuale débâcle della conoscenza a favore di
un lauto profitto privo di sostanza.

Libri “CaratteriMobili è innanzitutto un progetto di politica

culturale” racconta l’editore Arcangelo Licinio, “certo,
il libro è una merce, produrre libri significa confrontarsi
con le logiche che dominano la gestione di un’attività

40 imprenditoriale. Ma noi siamo convinti che un libro non

sia solo questo. Azzardando un’immagine iperbolica:
il modo d’essere di un libro è più simile a quello di una
persona che a quello di una qualsiasi altra merce: di
un libro noti in primo luogo l’aspetto sensibile, la sua
bellezza, per averci a che fare devi comprenderlo,
dialogarci, la relazione che stabilisci con lui comporta
delle tonalità affettive (siano pure indifferenza o non-
piacere) e nuove possibilità di esperienza”.
CaratteriMobili al momento cura l’edizione delle
collane Formiche Elettriche, Molecole e Questioni di
Storia. Nell’universo digitale si occupa inoltre delle
riviste online Biblioteca Husserliana di fenomenologia
e Uzak di cultura cinematografica. Formiche Elettriche
è dedicata alle culture pop. Stili urbani, musica, moda,
fotografia, comunicazione televisiva si inseriscono nel
discorso pluridisciplinare dei Cultural Studies, campo
che attinge all’antropologia, alla sociologia, ai Gender
e Ethnic Studies, al criticismo letterario, alla storia,
alla psicoanalisi, alle scienze politiche, alla filosofia.
Molecole ha come punto di partenza la letteratura
e si apre alla collisione di mondi narrativi tra i più
disparati, intersecando gli orizzonti del racconto con i
linguaggi dell’arte (cinema, musica, pittura, cucina e
tanto altro). Questioni di Storia è una collana diretta da
autorevoli storici italiani, divulga ricerche che altrimenti
rimarrebbero chiuse all’interno dell’accademia e lo fa
rivolgendosi non solo ad esperti della materia, ma ad
un pubblico più vasto.
I CaratteriMobili Arcangelo Licinio, Elena Manzari,
Clara Patella e Grazia Turchino scelgono di celebrare
inediti riti ibridatori, multidisciplinari: “i libri sono
aperture di mondi (belli o brutti), come gli esseri
umani”, sostiene Licinio, “per questo, partendo dai
nostri vissuti (tutti in qualche misura dentro alla filiera
dell’industria editoriale italiana), volevamo fare libri che
-  nei contenuti, come nella forma - si presentassero
come aperture di possibilità: di riflessione, certo, ma
anche estetiche, tattili”.
Da Marzo 2011 i titoli di CaratteriMobili sono distribuiti
in tutta Italia da NdA nei circuiti Feltrinelli, Mondadori,
Librerie Coop, Fastbook, Fnac, Melbookstore, Internet
Book Shop, Arion, Galla 1980, nel circuito delle librerie
Interno 4, ovvero piccole/medie librerie specializzate
nei centri storici delle città italiane, nei punti vendita di
manifestazioni musicali e artistiche, nei centri sociali,
presso associazioni culturali, radio, musei.
 LA CITTÀ DEL SESSO
Dominazioni e prostituzioni
tra immagine e corpo
di Leonardo Palmisano
strada, dei clienti e dei
“papponi”, dei debiti,
della droga, dello
stupro e delle mancate
redenzioni. Nel vorticare
delle testimonianze
La città del sesso è dirette, crude e crudeli,
innanzitutto un lavoro senza pregiudizi, prende
di inchiesta, nel quale corpo il colore delle
cinquantacinque voci di strada, in un
protagonisti raccontano territorio che è al confine
le vicende della tra il quotidiano e lo
prostituzione, delle straordinario.
escort, delle donne di
1975
Nonostante Pasolini, e purchè
Buzzanca non lo sappia,
al liceale piacciono le donne
di Franwz Krauspenhaar
surreali – l’intolleranza
scolastica, l’estremismo
di destra vissuto in
maniera interiorizzata e
al contempo goliardica,
una timidezza che pare
senza via d’uscita – 1975
è anche la fotografia di un
Il protagonista del capitale periodo storico,
romanzo, un liceale in una metropoli che da
quattordicenne, racconta lì a non molto sarebbe
un anno per lui cruciale, diventata per tutti la
il 1975. Tra episodi “Milano da bere”.
grotteschi, comici e quasi
I libri di
Caratteri
Mobili
Libri
42
Cosa ha da dire e ha
detto la filosofia sulla
televisione? Si può
fare filosofia in TV?
E, ancora, si può fare
filosofia con la TV,
trasformando la filosofia
in una videosofia?
Dietro ogni castello
medievale ci sono le
immagini del “castello”
prodotte in secoli
estranei al Medioevo:
castelli gotici, romantici,
Racconti popolati
di angeli e demoni,
lettere spedite da zone
di frontiera, donne e
uomini che resistono
alla logica del caos,
identità ed esilio, città in
VIDEOSOFIA
Sentieri della filosofia
attraverso la televisione,
intorno alla televisione.
di Valentina De Carlo
Videosofia risponde
a ciascuno di questi
interrogativi indagando
e ricostruendo gli studi
filosofici, interrogandosi
sulla presenza dei
filosofi e della filosofia
nella televisione e
decostruendo il giudizio
negativo sulla congruità
filosofica del mezzo
televisivo.
CASTELLI MEDIEVALI
Puglia e Basilicata: dai
Normanni a Federico II e Carlo
I d’Angiò
di Raffaele Licinio
o pieni di misteri,
avventure e trabocchetti.
Il senso della riedizione
di questo libro di
Licinio è quello di far
comprendere come la
realtà storica del castello
meridionale, fulcro di un
vero e proprio “sistema”
e metafora del potere, sia
altrettanto interessante
della sua immagine
“fantastica”.
IL PROSSIMO VILLAGGIO
Racconti e macchine del tempo
di Lorenzo Esposito
declino e mondi smarriti.
Trentadue capitoli – di
volta in volta fantastici,
surreali, politici – che
costituiscono l’organismo
di un’unica architettura,
la materia di un unico
romanzo. Trentadue
microcosmi luminosi,
scritti, fotografati,
filmati in vertiginosa
alchimia e in forsennato
romanticismo.
Rock
Stars
Don’t
Dress
For The
Weather
di Antonello V. Daprile
New York. 1972 – 1979. Lydia Lunch, Alan Vega, Patti
Smith, Debbie Harry, David Bowie, Arto Lindsay, New
York Dolls, etc...
In due parole, Underground zone.
Opera ibrida tra saggio e book fotografico, “incisa”
a quattro mani da Claudia Attimonelli ed Antonella
Giannone, impreziosita dall’introduzione di Luca de
Gennaro e dagli scatti inediti di Paul Zone.
Immagini e testi che descrivono e analizzano momenti
della scena musicale underground newyorkese degli
anni Settanta, nella fase di passaggio tra glam rock e
nascita del punk.
Lo schema compositivo adottato dalle autrici risulta
particolarmente congeniale alla rappresentazione
del rapporto privilegiato che in quegli anni la cultura
underground ha sviluppato tra l’artista e l’uso della sua
immagine.
La pop star che si interfaccia con il successo
musicale non può sottrarsi alla visibilità ed agli effetti
dell’esposizione al telemondo:“[…] Nell’atto della
reificazione, quando cioè l’immagine diventa un feticcio,
il soggetto al contempo ne gode e se ne raccapriccia, si
ripossiede in uno scambio erotico mortale tra Narciso e
la propria icona”.
Impiegare l’impronta del proprio “corpo pop” su
stili vestimentari sempre più arditi è strettamente
funzionale alla trasposizione iconografica della
rockstar.
In questo contesto, il dandismo è tecnica dell’abito
finalizzata non solo al superamento della differenza di
genere tra maschile e femminile, ma soprattutto alla
creazione di un nuovo immaginario attraverso pratiche
di doing gender.
Transformer per elezione, solo per citarne alcuni, sono
Lou Reed, Iggy Pop, David Bowie e Brian Eno.
Le Polaroid di Mapplethorpe e gli scatti di Paul Zone
restituiscono in pieno questa eterogeneità stilistica.
Tutto viene fatto per diventare simbolo… per farsi
fissare dalla gente. Icona per eccellenza del genere
iperfemminile “candito”, in antitesi alla androginia
punk di Patti Smith, è Debbie Harry, voce dei Blondie e
copertina del libro. Sguardo stupito/allucinato, labbra
dischiuse, sensualissime ed ammiccanti. Congelata
per sempre nella sua dagherrotipica essenza, quasi
a dire: “I’m a poseur, and I don’t care to make people
stare” – Sono una poseur, non mi interessa, mi piace
farmi fissare dalla gente (x Ray Spex, 1978, I’m a
poseur).
Underground Zone
Dandy, punk, beautiful people
di Claudia Attimonelli e Antonella Giannone
edito da Caratteri Mobili - pp.119
Aerei
di carta
SHANE JONES
Io Sono Febbraio
Isbn Edizioni
176 pagine | 13,50 euro
Io Sono Febbraio è una favola postmoderna,
un’allegoria poetica, un racconto fantastico e un
romanzo corale allo stesso tempo. La trama si
racconta con poche parole: in un villaggio americano,
Febbraio decide di non andare via secondo il
normale alternarsi delle stagioni. Febbraio vieta il
volo e rapisce i bambini spalleggiato da preti che
si prodigano a farne rispettare le regole. Febbraio
vive in una casa fuori città insieme alla sua sposa,
“la ragazza che sapeva di miele e di fumo” e le
sue orme nella neve cambiano forma. Gli abitanti
del villaggio cominciano così ad organizzarsi per
combattere Febbraio e cacciarlo una volta per tutte.
La scrittura di Shane Jones è surreale e dà voce a
diversi personaggi che raccontano, ognuno dal suo
punto di vista, la vicenda. Febbraio è la depressione,
visto che si cura con l’erba di San Giovanni, ma è
anche l’immobilità del tempo, la crisi creativa e,
probabilmente l’incarnazione narrativa dell’autore. Io
sono Febbraio è un libro bellissimo.
di Cristò
RICHARD BRAUTIGAN
Pesca Alla Trota In America
Isbn Edizioni
150 pag. | 16,00 euro
L’opera più famosa di Brautigan (‘61, ma pubblicata
nel ‘67) è una stravagante raccolta di racconti-
ricordi-nonsense dove il titolo stesso del libro
diventa (quasi) assurdamente il nome con cui
identificare personaggi, luoghi, oggetti, messaggi
propagandistici. Ma questa divertente trovata
stilistica in realtà vuole esprimere il bisogno di
definire con un unico nome un intero immaginario
legato a quell’ideale americano di un eden adamitico
in cui uomo e natura trovano il loro legame spirituale.
Come svelato nella postfazione “Brautigan non è un
rivoluzionario, non incita all’azione, ma osserva, con
un misto d’indolenza e nostalgia, la perdita di quel
rapporto privilegiato con la natura così importante
per l’America e per la sua storia”. Da catalogarlo, più
che tra i primi beatnik, tra gli ultimi trascendentalisti.
di Gennaro Azzollini
VIOLA DI GRADO
Settanta Acrilico Trenta Lana
Edizioni e/o
192 pagine | 16,00 euro
L’oblò è forzato, il vortice risucchia le vite, sovrasta
le canzoni di Björk. Una svista al volante e due
amanti cadono nella vagina della terra. Lui è padre di
Camelia e marito di Livia.
Il lutto trascina in un destino muto e circolare madre
e figlia, che adottano il dizionario degli sguardi in una
reclusione sciatta e implosiva.
Ma le storie si appostano ovunque ed ecco l’omino
delle uscite di sicurezza nel giovane cinese, che cura
l’anoressia verbale di Camelia svelandole le chiavi
degli ideogrammi e cela quella del proprio cuore in
inverno.
Ambientazione inglese in Settanta Acrilico Trenta Lana
(ed. e/o, gennaio 2011), tra le strade di una gelida
Leeds dove è sempre notte a confondere il tempo,
che è inutile scandire.
Trama dalla consistenza di un petalo per l’esordio
della ventitreenne Viola Di Grado, che sublima la
parola nel regime ideografico, oltre la cantilena
spensierata dell’alfabeto.
Un trucco nella dedica to someone Else. Ma quale?
di Paola Merico
VICTOR GISCHLER
Black City. C’era una volta la fine del mondo
Newton Pocket
320 pagine | 6,90 euro
Lo spirito imprenditoriale americano è sopravvissuto
ad una comica serie di catastrofi e Joey Armageddon
ha rimesso in moto la civiltà attorno ad un semplice
principio, il franchise. In ogni sede dello strip club
Sassy a Go-Go, il “dollaro Armageddon”, unica
valuta circolante, può comprare sesso, tabacco,
alcool e divertimento. Tra sbornie colossali,
cannibali, sparatorie e generatori umani di energia
rinnovabile, un ex-assicuratore, una stripper e un
cowboy compiono un viaggio epico per la salvezza
dell’umanità.
Abilissimo nel ricombinare i temi più comuni
dell’hard-boiled, dell’horror e della fantascienza,
Victor Gischler dimostra nuovamente la sua
familiarità con l’intero immaginario pulp. Il suo stile
asciutto, dinamico e ironico, che ricorda il Lansdale
de La notte del drive-in, fa di Go-Go Girls of the
Apocalypse un must-have per ogni appassionato della
letteratura di genere.
di Sergio Bruno
 Fortunato Depero
Musica La grande selvaggia (1917)
Tempera su tela
197x129 cm
Collezione privata

46
Il futurismo,
chiave di
volta del
contemporaneo
di Michele Casella
Pervaso ancora da un’esasperazione provocatoria
che mostra i segni di una straordinaria potenza
immaginifica, il movimento futurista mantiene
una stretta connessione con le avanguardie
contemporanee dopo oltre un secolo di sollecitazioni
e suggestioni. Dal 1909 i percorsi intrapresi da questi
artisti hanno dato vita a soluzioni inedite ed opere
sorprendenti, rivitalizzando il panorama nazionale
e aprendo altri orizzonti ai protagonisti della nuova
creatività. In un panorama così vitale, dinamico,
talvolta contraddittorio ma sempre avventuroso,
le forme sonore hanno finora assunto un ruolo
secondario rispetto ad un corpus artistico che ha
stravolto le molteplici forme della cultura del ‘900.
A mettere ordine in questa memorabile esperienza
uditiva ci pensa oggi Daniele Lombardi, docente di
pianoforte al conservatorio di Milano ed autore di una
monumentale opera di critica e catalogazione legata
alla musica futurista nelle sue forme più eterogenee.
Sono ben otto, infatti, i cd contenuti nel cofanetto
Musica Futurista, ai quali si affianca il bellissimo
volume Nuova Enciclopedia del Futurismo Musicale,
due pezzi dello stesso puzzle culturale che ha visto
l’Italia imporsi a livello internazionale.
Nelle otto raccolte audio sono dunque racchiuse le
esperienze sonore che hanno caratterizzato l’intero
percorso futurista e che partono proprio dal suo
teorico più utopista, Luigi Russolo. È su di lui che è
necessario soffermarsi per comprendere appieno
il grado di innovazione e suggestione che questa
musica è stata in grado di creare, una mutazione
espressiva che ha preso corpo negli intonarumori e
che ha avuto dirette ripercussioni sullo sviluppo degli
strumenti elettroacustici. A fianco di Russolo è quindi
possibile scoprire una lunga lista di compositori e
interpreti per un manifesto artistico di eccezionale
potenza sovversiva: primo fra tutti Filippo Tommaso
Marinetti, rimasto celebre anche per la sua
carismatica arte declamatoria, per proseguire con
Francesco Balilla Pratella, Franco Casavola o col
ribelle Silvio Mix.
La velocità, il mito della macchina, il contrasto fra
silenzio e rumore così come la fiducia nel futuro
sono oggi tematiche che si dimostrano decisamente
attuali, figlie di una modernità ben lungi dal risolvere
le sue contraddizioni interne. Il movimento futurista e
le sue esperienze musicali ci aiutano a comprendere
lo spirito che anima un reale rinnovamento
culturale, quella necessità di fare tabula rasa che
rende concrete le idee più affascinanti e astratte.
Una lezione di non poco conto in un momento in
cui la musica (e l’arte tutta) deve necessariamente
rielaborare il proprio sistema di valori e priorità.
Sospiri In un mercato ormai
privo di riferimenti
e costantemente
per la
assoggettato alle logiche
imposte dalla grande
diffusione, operare nel
mondo delle etichette
musica
indipendenti si rivela un
impegno particolarmente
avventuroso. Alla
soddisfazione di dar voce
ad artisti che animano
la scena culturale
del nostro tempo si
Arriva il primo contrappone la difficoltà
di farsi strada nei
contest che meandri della discografia
nazionale, troppo spesso
supporta le etichette affogata dallo strapotere
delle major e dalla miopia
indipendenti dei grandi network
dell’informazione.
Dall’analisi di questo
stato delle cose nasce
Push Up, il contest rivolto
Musica specificamente alle
etichette indipendenti
per un progetto di
valorizzazione degli
48 artisti e del management
nazionale. Per la prima
volta, infatti, lo scopo
dell’iniziativa non è
quello di premiare
solo la creatività dei
musicisti, bensì di dare
supporto concreto
all’imprenditorialità del
settore, mettendo in palio
una borsa di 16.000 euro
che vada a contribuire
alle spese di promozione,
distribuzione e booking
del vincitore.
Presentato all’ultima
edizione del Meeting
delle Etichette
Indipendenti di Faenza,
l’evento è diventato in
breve tempo un vero caso
nazionale ed ha raccolto
un’ampia partecipazione
dai quattro angoli della
penisola. Dopo la fase
di selezione, la giuria
ha annunciato i progetti
sonori che accedono alla
fase conclusiva della
manifestazione, per
un finale interamente
ambientato nella
splendida cornice di
Bisceglie. Un’occasione
doppia per gli operatori
musicali, i quali potranno
tuffarsi in una full
immersion dedicata alla
musica, dialogando
con esperti del settore
ed assaporando il
turismo culturale della
cittadina pugliese. “Si
tratta di un evento di
particolare rilevanza per
Bisceglie – afferma il
Sindaco Francesco Carlo
Spina – poiché porta la
nostra città alla ribalta
culturale in un progetto
che abbraccia l’intera
penisola italiana. La
prospettiva è quella di
promuovere Bisceglie
come centro focale di un
network di professionisti,
supportando le realtà
regionali ed aprendo
nuove prospettive nella
nostra eterogenea
proposta turistica”.
Dello stesso tenore
le parole di Vittorio
Fata, Assessore alle
Politiche Giovanili: “Con
questa manifestazione
Bisceglie si fa capofila di
un evento decisamente
inedito per il panorama
musicale nazionale,
cominciando un percorso
di posizionamento
strategico all’interno del
tessuto economico legato
all’industria discografica.
Per questa prima
edizione, la città potrà
vivere un’esperienza di
incontro con importanti
realtà italiane,
diventando per tre giorni
il centro di aggregazione
per i più interessanti
operatori del settore”.
Il programma, fittissimo
di eventi, prevede le
esibizioni degli otto
finalisti nei giorni 8 e
9 aprile, mentre nella
serata successiva la
band vincitrice potrà
dividere il palco con
gli headliner Marta Sui
Tubi. In parallelo con
il contest, è prevista
inoltre una serie di eventi
immaginata per riunire
sia gli appassionati che
i professionisti della
musica: si parte dalla
riflessione sul diritto
d’autore e sulle modalità
di interazione fra SIAE
e Creative Commons,
per proseguire con le
iniziative del salotto
Push Up, nel quale
saranno ospitati artisti
ed operatori. Discorso
a parte va fatto per la
partnership con Puglia
Sounds, l’ente pugliese
che per questa prima
edizione coordina un
“Acceleratore Musicale”
grazie a cui i titolari delle
etichette indipendenti
potranno confrontarsi
con professionisti di
calibro nazionale.
I risultati di questo
incontro diverranno poi
fulcro di una conferenza
pubblica durante
la terza giornata,
chiusura perfetta per
un evento che vuole
intrecciare performance
live, lezioni musicali
libere e propositività
imprenditoriale.
Intervista agli
organizzatori
Push Up è frutto di un lavoro partito nel 2010 che ha
visto un manipolo di associazioni ed enti strutturare
un progetto che ha convinto gli operatori musicali di
tutta Italia. Alla guida del gruppo troviamo Giordano
Campalani, Elvis Ceglie e Marco Valente – tre figure
di primo piano del panorama culturale pugliese – che
ci raccontano in questa intervista i funzionamenti
di una macchina organizzativa così interessante e
perfettamente elaborata.
Push Up è un contest che cambia radicalmente
l’approccio con la discografia nazionale; quali risultati
vi aspettate di ottenere con questo supporto per le
etichette?
Il primo obiettivo di Push Up, in linea con gli intenti
di A.N.C.I. e Ministero della Gioventù, è quello di
manifestare la centralità di un settore culturale
che attraversa l’Italia a trecentosessanta gradi,
indipendentemente dall’età o dalla latitudine. È
questo il nocciolo della questione quando si puntano
i riflettori sulla scena musicale indipendente italiana,
la cui presenza è spesso ignorata dai principali canali
d’informazione.
Il mondo della musica indipendente è sempre ricco
di proposte sonore innovative, quali pensate siano le
Musica
50
maggiori difficoltà che si incontrano nel lanciare una
band in questo mercato?
L’industria musicale come ambito d’intervento ha
dinamiche complesse, di “sistema”, che fanno sì che il
buono o cattivo esito di un’uscita dipenda da più fattori
che interagiscono e si influenzano costantemente.
Il primo passo per aiutare il settore musicale è
preoccuparsi di supportare il processo, nella sua
interezza, piuttosto che un singolo aspetto del tutto.
Questo è necessario ogni volta che si usa la parola
“mercato”, si tratti di artefatti materiali come un
frullatore o intellettuali come la pubblicazione di un
disco.
Che tipo di feedback avete avuto dalle label che hanno
partecipato a questa prima edizione del concorso?
È stato estremamente dolce constatare l’entusiasmo
e la passione di tante persone che hanno fatto della
musica la propria vita. Ogni occasione per confrontarci
con i destinatari del concorso ci ha aiutato a capire
qualcosa delle reali esigenze di una piccola etichetta
indipendente. Il massimo sarebbe se questo spirito
di collaborazione, fermentando in quel di Bisceglie
durante Push Up, desse vita a nuove possibilità di
incontro e di confronto fra gli operatori del settore.
In questo senso è stato molto importante il supporto
di Giordano Sangiorgi del M.E.I. di Faenza, che ci ha
seguito sin dal principio, e la collaborazione di tutte
le strutture associative locali (giovanili e non) che
hanno coadiuvato la direzione nella stesura e nella
promozione del progetto.
Con Push Up avete avuto l’opportunità di monitorare
lo stato dell’arte della discografia indipendente
nazionale, che idea vi siete fatti? Quale direzione
stilistica si sta perseguendo?
La musica italiana ha la melodia nel dna. Non c’è da
 Nella pagina
precedente: da
sx Marco Valente,
Giodano Campalani,
Elvis Ceglie

A sinistra:
Marta Sui Tubi

In basso: da sx il
Sindaco di Bisceglie
Fracesco Carlo Spina
e l’Assessore alle
Politiche Giovanili
Vittorio Fata

stupirsi delle differenze tra la musica del bel Paese

e quella anglosassone d’America o di Gran Bretagna.
E questa è un po’ la croce e la delizia della nostra
coscienza musicale collettiva. Ciononostante, nella
vasta varietà di produzioni che si sono candidate per
Push Up si sono distinti alcuni episodi, delle schegge
impazzite, che hanno preso piede da sfumature
del “fare musica” innovative. Ciò che ci è risultato
lampante, ma non avevamo bisogno di conferme in
tal senso, è la grande creatività che si nasconde nelle
piccole scatole preziose della discografia indipendente.
Quanto a qualità, non siamo secondi a nessuno.

10 APRILE
Avete notato delle differenza marcate fra le etichette
del nord, del centro e del sud Italia? In che modo
si può avere una maggiore interazione fra i diversi

MARTA SUI
settori del music business?
La storia recente della musica italiana ha portato
alla ribalta numerosi casi che testimoniano come la

TUBI live
discografia indipendente possa scoprire grandiosi
talenti, dalle pendici delle Alpi alla Sicilia più remota.
Caparezza, Negroamaro, Marta sui Tubi, la nostra
Erica Mou, Vasco Brondi o Violetta Beauregarde, tutte
le differenti espressioni del fare musica “indipendente”
in Italia meritano un ruolo di primo piano tra gli ascolti A pochi giorni già convinto i media
della popolazione. dall’uscita del loro specializzati, creando
Le ataviche difficoltà della discografia nel meridione nuovo album, i Marta un’enorme attenzione
stanno lentamente disciogliendosi nel mare magnum Sui Tubi arrivano a Push su un suono così
delle nuove tecnologie, le quali permettono a Up per presentare il originale e fuori dagli
un’etichetta del Trentino di ascoltare e lavorare con live che li porterà in schemi. Una scelta
una band del profondo Sud, che consente ad un’artista giro per tutta l’Italia e decisamente
che eccelle nel suo genere di andare a cercare che si annuncia come di prim’ordine per
consensi fino alla grande mela. Indubbiamente però il il tour di consacrazione un gruppo che ha
primo sistema per far scorrere nuova linfa nel settore della band. È proprio marchiato a fuoco la
è proprio quello di tornare a comprare dei dischi di la recente prova in musica indipendente
buona musica. Per noi che l’ascoltiamo, per gli altri studio – dal titolo Carne italiana degli anni zero.
che non la seguono, per loro che la producono. Con Gli Occhi – ad aver
 Artista:
MANGIACASSETTE
Label:
TROVAROBATO
Influenzato da un
mito dell’underground
americano come i Joan
Of Arc e da una leggenda
come Sparklehorse,
Mangiacassette prepara
canzoni lo-fi in lingua
italiana per voce, chitarra
sovradimensionata e
(di quando in quando)
due pezzi di batteria.
Partito nel 1999 come
Hoechst e divenuto
Notbremse a partire
Musica
52
Artista:
WALKING THE COW
Label:
A BUZZ SUPREME
dal 2002, la musica I Walking the Cow
di Mangiacassette nascono a Firenze nel
sviluppa sentimenti 2005, amano i brani
apparentemente non pop e gli arrangiamenti
costruttivi come la bizzarri. Il loro lavoro di
tristezza, la pena de-costruzione sonora
d’amore, la malinconia e procede per contrasti
l’incomprensione. Il suo e miscela folktronica,
motto: il rock’n’roll può noise e weird folk, con
cambiare le persone. un pizzico del suono
cinematico di Stelvio
Cipriani ed Ennio
Morricone. I loro brani
sono stati realizzati
con cura, pignoleria e
follia, facendo ricorso
ad un largo impiego
di strumenti acustici,
strumenti elettrici e
intrusioni elettroniche.
Influenzati (fra gli altri)
da Broadcast, Daniel
Johnston, Coco Rosie,
Pavement e Pixies,
mostrano una certa
avversione per il post
rock.
 Artista: Artista:
MARCO PANETTA JOLAURLO
Label: Label:
CINICODISINCANTO IRMA

Marco Panetta nasce ciò che non si conosce Nel 2001 gli Jolaurlo che rievocano quella
artisticamente nel di sé, ciò di cui si ha risiedono in Puglia, luogo techno pop degli esordi
2002, quando fonda paura. La scrittura va di in cui nascono e da cui si come Divo, Ultravox,
la Marcosbanda, con pari passo con la storia spostano per trapiantarsi Erasure, Soft cell. I testi
cui inizia un cammino biografica dell’autore che a Bologna. raccontano un mondo
florido di premi e trasforma, riscrivendo Il nuovo album Meccanica di sessualità, di alcool e
riconoscimenti che da in musica, la sua e Natura, previsto per droga, di disagio sociale,
subito sottolineano la esperienza personale di l’inizio della primavera di voglia di vivere, di
qualità dei messaggi paura e convivenza con ed edito da Irma Records, amore e libertà.
dell’autore. Nel 2010 gli attacchi di panico. sarà frutto di un sound
il gruppo si scioglie prettamente elettronico
e Marco comincia a che miscela una forte
comporre Il Mostro, un esperienza rock e punk-
progetto elaborato in wave in quello che ora
un concept album il cui si può definire new rave,
tema è la parte oscura, electro-punk, con tratti
 Artista: Artista:
GIRL WITH THE GUN MADRE
Label: Label:
LOBELLO MINUS HABENS

I Girl With The Gun Girl With The Gun ha Madre nasce nel 2007, ed d’autore, visual, grafica
sono Matilde Davoli e come punto di partenza è un progetto, uno spazio e contemporaneità sono
Populous; lei ha alle il folk, il jazz e la musica ed un esperimento. parte integrante del
spalle anni di chitarre cinematica. Una band di Un luogo in cui Ugo progetto assieme ad uno
elettriche e soavi grande raffinatezza, con De Crescenzo e Luca spiccato interesse per la
vocalizzi nell’indie-pop lo sguardo rivolto agli Lezziero provano a poesia e la parola pura.
band Studiodavoli, lui Stati Uniti e la sensibilità fondere molte cose
continua a condurre le legata all’Europa di insieme: canzone,
sue sperimentazioni qualche decennio fa. suono, video, grafica e
elettroniche con la cult poesia. Un suono che
label berlinese Morr è frutto di una ricerca
Music. Insieme danno elettroacustica in cui
vita a un progetto che interagiscono loop e
azzera i loro trascorsi. pianoforte, percussioni
e bassi. Canzone

Musica

54
 Artista: Artista:
NOBRAINO ESMEN
Label: Label:
MARTELABEL GREEN FOG

Dopo una la prima demo Dopo la pubblicazione Gli eSMEN sono una rock sonori di chitarra e
autoprodotta del 2004, del loro nuovo disco NO band genovese, formatasi tastiere e una solida
i Nobraino partono USA! NO UK!, nel gennaio nel 2007 come naturale sezione ritmica, sono
con la loro avventura 2010 i Nobraino vincono sviluppo di un progetto le caratteristiche più
discografica che sforna il sondaggio di XL Nuova solista di Fabrizio Gelli. I evidenti della band, alla
Pressapochismi nel Musica Italiana come riferimenti musicali più quale sono riconosciute
2006 e Nobraino Live al miglior gruppo dell’anno. evidenti sono da ricercare ottime qualità nel
Vidia Club nel 2008. Nei nel cantautorato e nel songwriting ed un sound
due anni successivi i rock anglo-americano, decisamente personale.
Nobraino suonano per anche se le influenze dei
oltre 200 date e vincono componenti della band
premi e riconoscimenti sono le più svariate. La
importanti come voce calda, la ricerca
DemoRai e il premio accurata di suoni ed
band rivelazione il generoso utilizzo di
dell’anno al MArteLive. effettistica, gli intrecci
Let’s Go
Surfing!
L’indiepop sbarca
a New York

“To be poor in New York was humiliating,

a little, but to be young – to be young was
divine. If you’d had more money than they
had that year, you’d simply have grown old
faster” (Keith Gessen, “All The Sad Young
Literary Men”)
di Beppe Recchia

Musica

56
Sono passati venticinque anni da quando il
settimanale britannico New Musical Express
coniava inconsapevolmente l’espressione “C86”
che, da scarno titolo per una cassetta che metteva
insieme una manciata di gruppi di guitar pop di belle
speranze, sarebbe divenuto simbolo di un vero e
proprio movimento prima e – usato nella variante
meno criptica di indiepop – di vera e propria attitudine
ed identità stilistica poi. Che quel movimento
abbia lasciato il segno è testimoniato non solo dal
reverenziale omaggio che a quel nastro continua
a farsi (qualche tempo fa ne è stata realizzata una
versione tributo chiamata CD86), ma ancor più dal
numero di band che al pop cristallino dei primi Primal
Scream o alle serenate slabbrate dei Wedding Present
continuano ad ispirarsi.
Se fino ad oggi tuttavia l’indiepop è stato patrimonio
tipicamente europeo – edito da etichette di allora come
Sarah Records e di oggi come Fortuna Pop!, o ancora
dalla svedese Labrador o dalla spagnola Acuarela –
nel giro degli ultimi due anni la sua rinascita sembra
affidata a un manipolo di giovani newyorkesi le cui
band hanno nomi fortemente adolescenziali come
The Pains of Being Pure At Heart o Vivian Girls. Si
potrebbe dire senza eccessiva sorpresa che in fondo
le città più europee degli Stati Uniti hanno sempre
guardato con un misto di affetto e nostalgia a una
Londra idealizzata e forse mai esistita, oppure, con
quel gusto un po’ cinico di chi osserva il susseguirsi
delle mode musicali, che dopo aver saccheggiato la
new wave dei primi ’80 con Strokes e Interpol, il passo
successivo non poteva essere che quello di reinventare
gli Smiths e i suoni dell’underground indipendente
della metà degli anni ’80.
Eppure ci sono una serie di segnali che raccontano
non dell’ennesima macchinazione dell’industria
discografica ma di un vero e proprio circolo di artisti
e musicisti. Le collaborazioni incrociate si sprecano,
e chiunque abbia assistito all’edizione del 2009
del Primavera Sound festival di Barcellona avrà
notato il sostegno reciproco ai bordi del palco. A
questo va aggiunto che l’indiepop della Grande Mela
condivide molti dei fattori ispiratori del movimento
originario. In primo luogo, la reazione da un lato
allo strapotere dell’hip-hop e dall’altro al pop
ultralucido e commerciale che da anni domina le
classifiche di vendita ne fanno un fenomeno insieme
tremendamente rivoluzionario e conservatore,
che partendo dall’assorbire e liberarsi delle ultime
vestigia del più grigio e monocorde post-punk, ritrova
l’ispirazione della melodia nelle chitarre più robuste.
Né va trascurato il contesto storico e sociale nel
quale questa nuova musica cresce, reduce da anni di
ineguaglianze e di impoverimento progressivo della
gestione Bush jnr., trovando una propria dimensione
politica nella fuga da ogni ideologizzazione e nel riparo
in una intimità tutta individuale.
Se queste le premesse, diverse sono invece le
declinazioni di questo comune sentire. Da una parte
c’è chi si affida maggiormente all’elettricità come
Blank Dogs, dietro il quale si cela la ricerca melodica
e paranoica di Mike Sniper, alchimista di chitarre e
synth sempre dai toni assai scuri rigurgitati in una
successione di sprazzi pop di vivace malinconia, e
come i Crystal Stilts, il cui nobile classicismo traccia
con agilità la linea che lega il garage rock all’indiepop,
i Velvet Underground ai Pastels. Dall’altra c’è invece
la grezza esuberanza delle Vivian Girls, cui, complice
una dichiarata carenza tecnica, piace sporcare
melodie semplicissime con battute pestone ed assoli
grezzi, come avevano già fatto gli scozzesi Vaselines;
ed ancora la contagiosa semplicità di The Drums,
i primi ad arrivare ad un successo di massa grazie
allo spensierato fischiettare di Let’s Go Surfing. Star
del lotto sono sicuramente The Pains Of Being Pure
At Heart, il cui album di debutto ha avuto il pregio di
suonare già come una raccolta di singoli perfetti nella
loro effervescenza e universali nel loro quasi imberbe
romanticismo, ed oggi pronti fare il salto verso il
grande pubblico con un secondo lavoro che amplifica
ed elettrizza la loro sensibilità.
Dietro di questi, si muovono già nuovi protagonisti,
come Beach Fossils, Minks (entrambi sull’etichetta di
Sniper, la Captured Tracks), The Depreciation Guild ed
i talentuosi Violens, che in un video “apocrifo” apparso
su Youtube fanno cantare la loro Already Over dal
George Michael di Careless Whisper. E il corto circuito
musicale/culturale è perfettamente compiuto.
Discografia selezionata
The Pains Of Being Pure At Heart – s/t (2009,
Slumberland); Belong (2011, Slumberland)
Vivian Girls – Share The Joy (2011, Polyvinyl)
The Drums – The Drums (2010, Moshi Moshi)
Beach Fossils – (2010 Captured Tracks)
Crystal Stilts – Alight Of Night (2009, Angular)
Blank Dogs – Under And Under (2009, In the Red)
The Pains Of
Being Pure At
Heart
Intervista con Kip
Berman
di Beppe Recchia
Il vostro album di debutto è stato uno dei successi
del 2009. C’è stata qualche pressione nello scrivere e
registrare il secondo disco?
Sin dall’inizio abbiamo cercato di scrivere le migliori
canzoni possibili e di registrarle al meglio. Ma
suppongo che la maggiore esperienza in studio da un
lato e l’ingresso in formazione di Kurt Feldman alla
batteria abbiano permesso di concentrarci di più sulla
scrittura. Ed io mi sono potuto liberare della drum
machine; come programmatore sono un disastro!
Siamo entrati in studio solo quando pienamente
soddisfatti dei pezzi che avevamo a disposizione,
cercando poi di trarre il massimo dalle registrazioni.
Belong non include i due singoli Higher Than The
Stars e Say No To Love. C’è un qualche motivo
particolare?
C’è differenza tra scrivere un album e realizzare una
raccolta di singoli. Nonostante la gioia che il singolo
da 3 minuti e mezzo può darti, abbiamo voluto
affrontare Belong tenendo a mente come sarebbe
stato il suo ascolto per intero e cercando di dare un
senso alla sequenza delle canzoni. C’è comunque un
vantaggio: piuttosto che aspettare 2 anni, abbiamo
avuto la possibilità di continuare a suonare dal
vivo e al contempo pubblicare nuovo materiale con
una certa regolarità. Credo che sia una soluzione
allettante anche per chi ci segue; ricordo come
da ragazzino mi piaceva scoprire qualcosa di
nuovo delle mie band preferite scorrendo l’ordine
alfabetico in un negozio di dischi, fosse anche
solo una b-side, senza il peso dell’aspettativa (o
semplicemente l’attesa) di un intero album.
Avete recentemente dichiarato di amare tanto i
Pastels quanto gli Smashing Pumpkins. È questa la
musica con cui siete cresciuti?
È vero che si fa più bella figura a citare band
dell’underground – e di certo ho amato molto
indiepop scozzese e svedese - ma non ha senso
far finta di essere stati diversi da tutti gli altri
adolescenti americani. Gruppi come Weezer,
Nirvana, Smashing Pumpkins e Sonic Youth sono
stati una base di partenza per esplorare il rock e il
pop. Crescendo, ho capito che i miei gruppi preferiti
sono quasi tutti originari di Glasgow (The Pastels,
Teenage Fanclub, Orange Juice, The Vaselines,
Belle and Sebastian, ecc.), ma ho passato tanto
tempo ad ascoltare e riascoltare dischi come The
Bends dei Radiohead, 1977 degli Ash, Siamese
Dream degli Smashing Pumpkins, Pinkerton dei
Weezer e Nevermind dei Nirvana. E onestamente, li
amo ancora molto.
Visti un paio di anni fa al Primavera Sound Festival
di Barcellona, sembravate già più adatti alle arene
che ai club, e Belong ne è conferma. Possiamo
parlare di indiepop da stadio?
C’è una vera emozione a suonare per tante
persone, ed il Primavera è stata un’esperienza
particolare non solo perché era la nostra prima
volta ma anche perché, sebbene abbia un numero
impressionante di spettatori, resta un festival del
circuito underground. Se ne avessimo la possibilità,
non diremmo di no a suonare nei grandi stadi,
ma ci divertiamo allo stesso modo anche davanti
a cento persone. Trovo sciocco voler rimanere a
tutti i costi una band di nicchia ma certamente non
voglio dimenticare il piacere del contatto fisico con
il pubblico.
Uno dei pregi dei Pains of being Pure At Heart è
la capacità di scrivere pezzi di presa immediata.
Immaginate di dover compilare una scaletta con
quelle che a vostro giudizio sono le canzoni pop
perfette.
Eccola! Outer Limits Recordings – Julie; Ash – Girl
From Mars; The Left Bank – She May Call You Up
Tonight; The Clientele – Saturday; Velocity Girl –
Forgotten Favorite; The Sundays – Here’s Where the
Story Ends; House of Love – Christine; Strawberry
Switchblade – Since Yesterday; The Wake – Crush the
Flowers; Rocketship – I Love You the Way I Used to Do;
The Pastels – Comin’ Through; Smashing Pumpkins –
1979; O.M.D. – She’s Leaving.
New York ha assistito recentemente ad un’esplosione
di gruppi che suonano indie pop. Volete consigliarci
qualche nome?
C’è ottima musica in tutto il mondo e senza aver
bisogno di una grande città a far da cassa di
risonanza, ma come appassionato di musica, mi
sento fortunato a vivere a New York ed avere la
possibilità di vedere tanti buoni gruppi così spesso.
Posso fare i nomi di Murder Mystery, Minks, Big
Troubles, Crystal Stilts, Beach Fossils, Young Friends,
The Hairs, Vivian Girls, My Teenage Stride, Hooray for
Earth. Ma potrei andare avanti davvero a lungo…
 a sinistra
i Pains Of Being Pure At
Heart

sotto
la copertina di Belong

The Pains
Of Being Pure At Heart
Belong Slumberland Records/Self
di Michele Casella

Sintesi perfetta di tipici di questo genere, Division. Appassionato

un’intera generazione dai feedback in stile My e felicemente melodico,
d’ascolti indipendenti, Bloody Valentine alla Belong si concede
i Pains Of Being Pure psichedelia dei Primal a continui climax
At Heart arrivano al Scream, dai rumorismi emotivi, per un guitar-
secondo album come dei Jesus & Mary pop confezionato in
una delle maggiori Chain alla malinconia maniera mirabile in cui
attese del 2011, anello poetica degli Smiths. un’esaltante elettricità
di congiunzione fra Una band newyorchese si incrocia con una
l’alternative degli anni che suona come la sezione ritmica regolare
’90 e la scena scozzese migliore formazione ed equilibrata. Senza
orbitante attorno a britannica, soprattutto in dubbio uno degli album
Pastels e Delgados. brani come My Terrible che segnerà questa
La matrice pop resta Friend e The Body in nuova stagione di ascolti
dunque il fulcro su cui cui risulta evidente e di esibizioni dal vivo.
far ruotare gli elementi l’impronta dei Joy
Di-
ARCHITECTURE IN
HELSINKI
Moment Bends

sfun-
(V2)
Voto: 8/10
Dopo un silenzio di
quattro anni, il quarto
lavoro della band di

zioni
Melbourne è insieme una
conferma e una sorpresa.
La conferma è quella di
un gruppo felicemente Cut Copy, gli AIH mettono
instabile nella propria in pista in quaranta minuti

Mu-
cifra stilistica, così che il loro album più coeso, e
Moment Bends mette anche quando strizzano
da parte l’elettro-twee l’occhio alla paccottiglia
del fortunato In Case We sonora anni ’80 (Yr Go
Die ed il massimalismo To ruba a piene mani le

sica-
pop di Places Like These, tastiere e l’andamento di
virando verso un fresco Last Christmas) si rivelano
rimaneggiamento del più astuti e coinvolgenti
synthpop, grazie anche nel combinare un
all’amico e collaboratore atteggiamento da

li
Francois Tetaz in veste dancefloor alle coloriture
di coproduttore e “guida più complesse del pop.
spirituale”. Sexy e funky non sono
La sorpresa sta nel due aggettivi che prima
A cura di: fatto che, compiendo d’ora si sarebbe pensato
Beppe Recchia
Ninni Laterza un’operazione non troppo di associare alla loro
Stefano Milella dissimile da quella già musica, ma l’elettricità di
Michele Casella realizzata di recente dai That Beep, le percussioni
sintetiche di Contact High
e l’omaggio impudico a
Prince di Everything’s Blue
costringono a rivedere
tutte le coordinate di
giudizio. (B.R.)

62

DUM DUM GIRLS
He Gets Me High
(Sub Pop)
Voto: 6/10
Primo extended play
dopo la pubblicazione
dell’album di debutto
dello scorso anno, He
Gets Me High raccoglie
quattro brani dal forte
13 & God
Own Your Ghost
(Anticon)
Voto: 7/10
Rieccoli a 6 anni di
distanza dal primo lavoro
targato Anticon. Quasi in
sordina danno alla luce
questa nuova opera frutto
della collaborazione di
due grandi realtà del
panorama internazionale
musicale. Stiamo
parlando dei tedeschi
Notwist (autori di una
rara gemma quale Neon
Golden che ha segnato
lo scorso decennio
creando il perfetto mix
tra indie e pop) e del duo
californiano Themselves,
membri anche dei Subtle
e collaboratori con una
lista infinita di artisti quali
Funkstörung, Prefuse
76 e Mike Patton. Riecco
qui l’emcee Doseone
(all’anagrafe Adam
Drucker) intrecciare le
sue metriche serrate
dai toni nasali – quasi
gremliniane – con la
calda ed inconfondibile
voce di MarKus Acher.
In Own Your Ghost
ritroviamo i tredici nel
punto in cui li abbiamo
lasciati, ma qualcosa è
decisamente cambiato:
si ha la sensazione che
non esista più Il Momento
cantato ed Il Momento
impatto indie-rock e dalle
chitarre felicemente
frastornanti. Coinvolgenti
e rutilanti nelle prime due
tracce grazie a ritornelli
in rima baciata e cori un
po’ ammiccanti, le Dum
Dum Girls si mostrano
più introspettive con l’
appassionante ballata
di Take Care Of My Baby.
L’EP si conclude con la
cover degli Smiths There
Is A Light That Never
Goes Out, peggior brano
della collezione a causa
di un approccio troppo
rumoroso e superficiale
che non cattura l’essenza
di questo classico
contemporaneo. (M.C.)
freestyle, finalmente
questo supergruppo è
riuscito in quello che tanti
artisti hanno cercato di
fare: creare un album che
si identifichi come tale,
senza la sensazione di
trovarsi difronte a due poli
opposti che si alternano,
ma di un’unica band con
una sua identità. Inoltre
quest’album ha il pregio
di lasciarsi ascoltare tutto
d’un fiato e di cancellare
definitivamente quella
sottile linea che divide le
due band, creando un mix
perfetto tra orchestre,
glitch, beat frenetici,
incrociando dub, alt-hop,
chitarre romantiche e
fiati. Non sarà l’album
della svolta, nè la
rivelazione di quest’anno
ma di certo questo lavoro
conferma i 13&god come
un progetto coraggioso e
pieno di quella voglia di
sperimentare che spesso
manca nel panorama
musicale. (S.M.)
e Craig Armstrong, due
visionari della musica di
ricerca da sempre dediti
alla sperimentazioni
nell’elettronica
contemporanea. In
queste venti tracce
continuamente sospese
in territori minimali e
fortemente suggestivi,
le voci sussurrate
AGF & CRAIG ed i field recording si
ARMSTRONG sovrappongono al testo
Orlando di Virginia Woolf per
(AGF Produktion Records) ricreare una narrazione
Voto: 8/10 emozionale che sembra
Inquieto e notturno come sconfinare nei meandri
un’esperienza onirica dell’inconscio. Una
dai continui cambi di prova di alto profilo per
atmosfera, Orlando mette un’opera docilmente
nuovamente insieme AGF appassionata. (M.C.)
JOSH T. PEARSON
Last Of The Country
Gentlemen
(Mute)
Voto: 8/10
È un sottile dolore quello
che trasmette Last Of
The Country Gentlemen,
una sorta di sofferenza
dell’anima che traspare
chiara sia dalle note che
dai testi. Il malessere dell’attuale panorama
e la malinconia che musicale, ma di una
per molti anni, dopo lo dolcezza e di un’intensità
scioglimento del suo infinite. Si potrebbero,
storico gruppo, hanno come si fa ogni volta,
attanagliato e tenuto citare ed accostare
Josh T. Pearson per a Pearson le opere e
lungo tempo lontano l’influenza di Leonard
dalle scene musicali. Coen, di Nick Drake o
Un disco questo, molto di Jeff Buckley, ma in
scarno e minimalista dal questo caso sarebbe
punto di vista musicale forse un po’ riduttivo.
e della produzione, in Questo perché nei
cui oltre alla chitarra prossimi anni, quando ci
acustica suonata da ritroveremo ad ascoltare
Pearson nelle appena o commentare un disco
sette e lunghissime di folk americano vecchia
ballate, risalta in alcuni maniera, a cercarne
pezzi il violino di Warren origine ed influenze, non
Ellis (assieme a Nick potremo non accostare
Cave nei Bad Seeds). ai maestri su citati il
Sicuramente un’opera nome del grande poeta e
difficile e fuori tempo musicista texano Josh T.
rispetto ai dettami Pearson. (N.L)
L.A.
È difficile, dopo oltre 30 anni di mercato
videoludico, inventare un nuovo genere e riuscire
al tempo stesso ad attirare l’attenzione. Ma L.A.

Noire
Noire è uno di quei titoli che, dopo un minuto
di trailer, riesce ad incollare allo schermo e a
lasciare acceso l’interesse fino alla sua uscita.

Il detective
Sviluppato dal team Bondi per Xbox360 e PS3, L.A.
Noire è definito dagli stessi sviluppatori e dalla
critica come un “nuovo genere” di gioco. Vestirete

story si
i panni di Cole Phelps, giovane recluta della
polizia nella Los Angeles del 1947 ed ex marine,
per l’occasione interpretato da Aaron Staton,

tinge di
(conosciuto per il ruolo di Ken Cosgrove nella
serie Mad Men),

nero
Nella vostra carriera da investigatore, avrete a
che fare con decine di casi da risolvere. Nei vari
momenti di gioco, sarete chiamati ad analizzare
le scene del crimine, trovare indizi, affrontare
inseguimenti e sparatorie. E, soprattutto, ad
interrogare i possibili sospetti, forse la migliore
di Daniele Raspanti caratteristica del gioco.

L.A. Noire fa uso di una nuova tecnologia, il Motion

Scan, che riproduce fedelmente non solo il volto
Hi-Tech degli attori coinvolti nella produzione del gioco, ma
anche ogni singolo movimento facciale. Dovrete
quindi fare affidamento su tutte le vostre doti di
osservatore per analizzare i comportamento dei

64 vari testimoni e sospetti ad ogni vostra domanda e

accusa, per capire se stiano mentendo o se potete
metterli sotto pressione per ottenere qualche
informazione in più.
Heavy Rain
Emotional thriller
Stati confusionali, emozioni, tensione e paura.
Condizioni psichiche difficili da trasmettere
attraverso un film. Ancor di più attraverso un
gioco… anzi no, “film interattivo”. Heavy Rain è
stato questo e molto di più.
Per quanto incredibile possa sembrare, il
gioco Quantic Dream per PlayStation3 è
riuscito nell’intento di coinvolgere il giocatore
dall’inizio alla fine, fino quasi a farlo del
tutto immedesimare con i vari alter ego sullo
schermo. La visione della storia dal punto
di vista di ogni personaggio, attraverso le
normali azioni quotidiane, gli stati mentali e gli
avvenimenti più improbabili,
riescono a ricreare nel giocatore una serie di
stati che (nella maggior parte dei casi) possono
sorprendere e lasciare quasi spaesati davanti
alla propria TV.
Si rimane affascinati da come il vostro
personaggio possa cambiare umore in base alle
vostre scelte, rendendovi più o meno difficile il
compito di eseguire azioni o dare risposte.
Una storia che si dirama tra le varie sotto-trame
(ci sono 19 finali differenti da scoprire,
e i percorsi per raggiungerli sono tantissimi),
colpi di scena, flashback. Il tutto condito
da un taglio cinematografico senza precedenti.
Un titolo che è già entrato nella storia.
Le killer-
marionette di
Fahrenheit
Passano 6 anni e ci sono ancora titoli che fanno
parlare di sé, del loro coinvolgimento, della
ventata di novità che hanno portato alla loro
uscita. Fahrenheit (Quantic Dreams per PS2,
PC e Xbox) è stato sicuramente il pioniere delle
avventure di nuova generazione, con qualche
anno di anticipo. Precursore di quello che sarà
Heavy Rain, riesce a tenere incollati allo schermo
per svariate ore. Non il solito gioco ma, come
la definiscono gli sviluppatori, un’avventura
cinematografica con influenze da “psychological
thriller”.
Un continuo susseguirsi si cambi di scena,
decisioni da prendere in pochi istanti e il fiato sul
collo di chi vi sta “alle costole”, per un gioco in
cui ogni vostra scelta influirà sulla storia e sulla
possibilità di proseguire nell’avventura. Il tutto,
condito da una splendida colonna sonora a cura
di Angelo Badalamenti, uno dei compositori più
presenti nelle pellicole di David Lynch.