ARTISTI IN RIVISTA
di Bocca Anno IV, N. 15 • Ottobre-Dicembre 2005
Maurizio Bottoni
La condanna dell’eretico
Vittorio Sgarbi
Quello che pubblichiamo di seguito, per gentile concessione
di Vittorio Sgarbi, è l’articolo scritto in occasione della mostra
personale allo Studio Forni di Milano.
Chissà quanto dovremo ancora aspettare per trovare in
qualche repertorio, o rivista d’arte contemporanea, il
nome di Maurizio Bottoni. Già abbiamo dovuto vede-
re esclusi non i tardi cicli, piegati a una dolce maniera,
Cristo morto, 2004, olio su tavola incamottata, cm 67 x 80
di Pietro Annigoni, ma anche il ritratto del padre, l’au-
toritratto, il ritratto di Ferragmo, da tutte le esposizioni
sul Novecento. Ma oggi che siamo sulla frontiera di u-
na ricerca che consente ogni esperienza, fra nuovi ac-
quisti della Galleria d’Arte Moderna, a fianco di un vi-
deo spento sul quale si legge un laconico e funebre av-
viso:“Opera momentaneamente non in funzione”, mi
chiedo perché debba resistere un impenetrabile silenzio
rispetto alla lunga e assidua impresa di Maurizio Botto-
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ni. Me lo chiedo, senza alcun intendimento polemico,
pensando alla solerzia con cui una critica sensibile co-
me Angela Vettese mi raccomanda l’opera di Grazia To-
deri.Alcuni artisti trovano riparo solo in ambienti poli-
ticamente scorretti (grandi empori come lo Studio
Forni, o tenaci trincee come la Galleria Ceribelli), ma
non ci sarà spazio per loro alle Biennali del consueto
corso come alle Quadriennali del nuovo. Niente. Con-
dannati a restare senza
casa, con il conforto del-
la parola eretica e rara
che fu un tempo di Ro-
berto Tassi, ed è ancora
Giorgio Soavi, nella te-
merarietà di un occhio e
di un pensiero liberi, e,
ormai da lungo tempo,
dell’irriducibile scriven-
te, che non intende le
ragioni della legittima-
zione di alcuni e dell’ e-
sclusione di altri, come
Maurizio Bottoni. So-
prattutto dopo la prova
della mostra personale
allo Studio Forni, pre- le che non si ferma davanti al soggetto più ingrato e, per Interno di bosco, 2002
sentata da altri due gio- se stesso, assoluto: la Corona di spine, davanti alla quale, e olio su tavola
cm 160 x 150
vani eretici che non in- solo per amore dell’arte molti dei produttori di “Opere
tendono arrendersi: Al- momentaneamente non in funzione” dovrebbero ingi-
berto Agazzani e Flavio nocchiarsi, e piangere.
Arensi. Si gira nella gal-
leria, ammirando un
impegno illimitato che Su invito del Ministero delle Scienze, delle Ricerche e delle Arti della Turingia
sembrava esaurito con la Maurizio Bottoni esporrà centoventi opere
pittura romantica: inter- provenienti da collezioni pubbliche e private al Panorama Museum
ni di boschi, attraversati dalle luci striscianti dell’alba o
del tramonto, castelli e ville alla luce del giorno o al Maurizio Bottoni
chiaro di luna, paesaggi ideali, che annunciano profeti- “Ecce pictura”
camente le speranza di Marte, come se Caspar David
Friedrich e Philipp Otto Runge dipingessero ancora e Panorama Museum
avessero un compagno di squadra non meno radicale di Bad Frankenhausen - Germania
loro. Già immagino che a queste mie parole, i giovani e
i più invasati colleghi, persi dietro i profumi di Vanessa dall’8 ottobre 2005 al 15 gennaio 2006
Beecroft, esclameranno:“ Vedi che i tuoi artisti sono di www.panorama-museum.de
un altro tempo, inattuali?”. Appunto. Come lo furono
le considerazioni di Nietzsche. Non di un altro tempo
è Maurizio Bottoni che nelle Vanitas, più Corona di spine, 2002 olio su tavola, cm 33 x 40
volte ripetuta, non manca di limitare i confi-
ni della sua poetica replicando alla minaccia
della morte dell’arte:“l’Hanno data per mor-
ta tante volte e lei se la ride. Come queste os-
sa con un’anima, nervi, muscoli e carne pos-
Gabriele Buratti
sono rivivere, così ogni volta la pittura. Con
tanta buona pace dei tanti becchini”. Oggi
Bottoni da una lezione insuperabile, anche
nell’insignificanza dei soggetti, esibiti come il-
lustrazione per un libro di scienze naturali,
dalla Grande mucca alla Coturnice, fino ai Tulipa-
ni e ai Gigli in un bicchiere e alle Zucche dalle
più diverse forme. Certo ritornano alla mente
Memling,Van Eyck, Zurbaràn, Meléndez, o
Van der Hamen. Ma la soddisfazione immen-
sa, davanti alle croste di quei Formaggi o alla
pelle di quelle Melegrane fino al trionfo di quel
Festone di frutta e di fiori che aspira a confron-
per le Segrete di Bocca
tarsi con Caravaggio. Piace di Bottoni il rigo- in 3a pagina
re, il radicale estremismo della forma, l’osses-
sione della compiutezza, la ricerca implacabi- Linguaggio ed energia, certezze forzate
17
 Gianluca Corona
Nature morte giganti
Giacomo Lodetti
Ho visto da Forni, in via Fatebenefra-
telli a Milano, uno degli ultimi lavori
di Gianluca Corona.
Giorgio, mio figlio, aveva suggerito
con una certa insistenza di non per-
dere la novità di un quadro che se-
gnava un drastico cambiamento nella
tecnica del comune amico. In effetti
la sorpresa c’è stata perché rispetto ai
quadri che conoscevo e a quelli che
possiedo, entrati a far parte della mia
collezione nell’arco degli ultimi otto
anni, le novità erano almeno due su
tre: il formato, la pittura, non il sog-
getto. Che tra quelli preferiti di Co-
Grande Limone, 2005 rona ci siano le nature morte è noto ormai a tutti dei
olio su tela suoi numerosi estimatori, ma che un suo cedro arrivas-
cm 110 x 90 se a raggiungere la dimensione di oltre un metro qua-
drato, questo è assolutamente nuovo.
L’uso poi dell’olio che l’artista fa nel dipinto gli confe-
risce una matericità sconosciuta in passato. In questa
circostanza, il frutto occupa per la prima volta uno spa-
zio a tre dimensioni, le protuberanze della buccia esco-
no dalla tela e sotto l’effetto di una indovinata illumina-
zione, esaltata da un fondo scuro, assumono le sembian-
ze di un ologramma, mentre la foglia, dipinta nella par-
Plevano incontra
Franco Zanaboni
“Uno specchio di stelle riflette all’orizzonte, una tavola scura
ha preso il posto del Mare, una nuvola nera copre il sole, la
spiaggia trattiene il respiro. Di nuovo il sole, il vento soffia, la
spiaggia torna a respirare, mentre immobile sto a guardare.”
Signor Zanaboni, riconosce questi versi?
Certo, non solo li riconosco, ma mi ci trovo appieno, li
sento parte del mio vissuto, del mio osservare e vivere la
natura ma soprattutto del mio osservare e vivere il ma-
re. Il mio modo di intendere il mare, il Mare con la
“M” maiuscola, credo che sia molto insolito, almeno
non mi è ancora capitato di incontrare qualcuno che lo
percepisca così come lo intendo io. Per me il mare è vi-
vo, mi comunica messaggi, mi fa provare sensazioni ed
emozioni, mi fa riflettere, mi trasporta nel profondo, mi
entra dentro.
E’ in riva al mare che scrive le sue poesie?
Sì, spesso sulla spiaggia prendo appunti e faccio degli
schizzi, ma più per fissare il ricordo delle sensazioni e
per imprimere nella memoria la luce e i colori.
Già, lei è il pittore del mare, molti dei suoi quadri rappresen-
tano il mare.
Come le dicevo, il mare è dentro di me e nel mare leg-
go e traduco i misteri dell’uomo e dell’universo intero.
Tutto è riflesso nel mare.
Vuole dire che per lei il mare è come uno specchio?
Forse. Lo sento dentro e mi fa nascere pensieri, rivivere
emozioni. E allora scrivo oppure dipingo. Dipingo ciò
che ho dentro, ciò che sento, faccio rivivere con il co-
lore il frutto di una lunga riflessione, di un tormento
Senza titolo che non riesco ad allontanare dalla mente, di un quesi-
olio su tela to al quale non riesco a trovare soluzione.
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te che si vede da sotto con le sue nervature, pare essere
il capolavoro nel capolavoro. La luce, nella parte destra
del dipinto, gioca un azzeccato effetto a corno di luna,
mentre sul lato opposto da vita ad un buio mai eccessi-
vo, dal quale si intravedono, grazie a sapienti pennellate
di colore, il panno, sui cui poggia il frutto, e parte del
picciolo a cui è attaccata la foglia. Se apparentemente
può sembrare più difficile dipingere un volto umano,
perché l’espressione del soggetto che deve anche dare
un’idea del suo carattere e della sua personalità, o è pre-
sa o è sbagliata, mentre una zucca resta pur sempre una
zucca e i suoi bitorzoli non esprimono sentimento e un
gufo anche se differisce da un suo simile, resta ai nostri
occhi sempre un gufo, dipingere una natura morta
comporta problemi altrettanto difficili da risolvere. Il
primo è se il dipinto riesce a dare una sensazione di
forza o meno e questo può dipendere dalle dimensioni
dell’oggetto rispetto a quelle della tela. Quindi se l’og-
getto galleggia nell’aria o posa naturalmente su di un
piano, non ultimo se la luce giunge da un punto giusto
o meno e quanta parte illumina, rispetto al tutto. Alla
fine le domande a cui dare risposta sono:“c’è equilibrio
tra tutte le componenti in gioco?” E “che sensazione
procura il guardarlo?”
Spero che questo quadro sia solo un punto di passaggio
per Gianluca, non di arrivo.
In un certo senso, nei suoi quadri non dipinge il mare come pae-
saggio, ma attraverso il mare vuole suscitare emozioni, è così?
Assolutamente sì.Attraverso il mare si possono lanciare
infiniti messaggi, e io questi messaggi li vivo prima
dentro di me: sono lì, lavorano nel profondo per poi e-
mergere, facendomi sentire la necessità di mettere le
mani nei colori e di dipingere.
Perché dice “mettere le mani nei colori”?
Io non dipingo con i pennelli, ma con le mani. Non mi
piace che fra me e il quadro ci siano intermediari.Vo-
glio che la mia pittura susciti emozioni, si faccia in
qualche modo “sentire”, ma devo essere io il primo a
sentirla con le mani, voglio avere io stesso la sensazione
di plasmare l’immagine. Spandendo i colori do forma a
luci e ombre, ma soprattutto visualizzo un’emozione,
un pensiero.
Quali pensieri, per esempio?
Il senso della vita,per dirne uno.Rifletto molto sull’enigma
dell’esistenza e credo che traspaia anche dai miei quadri.
Già, quando nei suoi quadri vedo la figura che cammina sulla
spiaggia, anch’io ho la sensazione di cogliere un interrogativo
profondo, esistenziale…
La figura è l’enigma stesso. Non si sa chi è, non ha vol-
to, non ha sesso, non ha età, non si sa se è ferma o se
cammina, però è un grande-piccolo punto di riferi-
mento nell’immenso spazio. Potrebbe rappresentare
l’umanità intera oppure esserne il simbolo. Chiunque
può identificarsi in quella figura e questo è molto im-
portante ai fini del messaggio pittorico. Ma credo che
una profonda sensazione si possa avere anche senza la
figura, semplicemente con il colore, basta guardarlo. Ba-
sta immaginarlo.
“Tutto è calmo, cielo e Mare un unico colore, il bianco
dell’onda si fonde nella sabbia. L’immenso.”
Forse ha ragione, signor Zanaboni, basta lasciarsi trasportare
dal mare, dalla pittura, dalla poesia.
18
Ritorno dal bagno 2, 2005, olio su tavola, cm 80 x 50
Fosco Bertani
Rodolfo Balzarotti
Apprendimento, o apprendistato, della pittura. E’ la
prima espressione che, a mo’ di slogan, ci affiora alla
mente nel guardare le recenti tele di Bertani. La sua è
infatti, anzitutto, una pittura che apprende se stessa,
proprio nel momento in cui con caparbietà crescente
l’artista si cimenta e si accanisce, quasi sur le motif, ad e-
sempio sui paesaggi che lo hanno più ispirato in que-
sti ultimi anni. Nonostante vi sia una chiara deriva
verso immagini più naturalistiche e di una costruzio-
ne plastica più decisa, soprattutto dove la luce medi-
terranea sembra, come negli ultimi paesaggi calabresi,
prosciugare le forme e renderle più nitide e perento-
rie, resta nondimeno l’impressione che, di fronte al-
l’oggetto, alla cosa, l’artista proceda comunque e sem-
pre per tentativi e scoperte. Di essi egli non sa, o non
vuol sapere se non ciò che la pittura gli (ci) può inse-
gnare. La sua è una condizione, per così dire, esisten-
ziale della pittura: questa gli impone sempre una sor-
ta di sospensione, di epochè di fronte a ciò che gli sta
di fronte, e che perciò diviene per lui problema: qual-
cosa che gli si para dinanzi e lo spiazza. Il nitore e il ri-
gore formale di certi esisti non deve trarre in inganno:
non c’è nulla di descrittivamente pittoresco, perché in
Bertani è proprio la pittura a esorcizzare il pittoresco.
Essa infatti, come linguaggio dei pigmenti e dei valo-
ri cromatici, traduce quello che del reale rimane sem-
pre in riserva: i movimenti della luce e dell’ombra, il
gioco dei caldi e dei freddi, il tessuto delle macchie,
l’osmosi tra il fondo e la forma. Si tratta di quel lato
interno del vedere che rende possibile il vedere, quel-
la che Merleau-Ponty chiamava la fodera del visibile.
Perciò le soluzioni via via trovate dal pittore, special-
mente le più felici, non cancellano mai l’azzardo da
cui esse sono scaturite, quel tanto di aleatorio che non
riesce a integrarsi nella “buona gestalt”, che rimane
fluttuante e provvisorio. La messa a fuoco del sogget-
to comporta sempre, anzi, una certa messa in opera
della visione periferica, sfuocata.
E questo indipendentemente dal grado di definizione
dei contorni. E’ interessante come in queste opere re-
centi il pittore raggiunga una eccezionale essenzialità
di forme, in particolare nella figura solitaria che si sta-
glia sullo sfondo del cielo e del mare. Ma la struttura
anatomica in taluni casi tanto nitida nasce dall’acco-
stamento dei toni, non già da una disegno a priori,
che rimane come presupposto, un fuori testo (o fuori
tela) subito dimenticato.
Il reale è sempre ri-costituto a partire dai valori cro-
matici. E’ una questione di metodo. In Bertani la
realtà prende la consistenza di un tessuto, spesso mor-
bido e poroso: egli non ama lo scheletro delle cose, ma
ha bisogno di ricoprirle di un panno, di un “panneg-
gio” (vero grande protagonista della pittura moderna,
tra Cinquecento e Ottocento), non per nasconderle
ma per offrirle al tatto oltre che allo sguardo. La realtà,
dunque, qui la si apprende rivestendola - rivestendola
dei panni della pittura.
Campagna e Resegone viola, 2005, olio su tavola, cm 40 x 50
Gabriele Buratti Linguaggio ed energia, certezze forzate

Antico Caffé San Marco Silenziosa viaggiatrice, senza per questo non orchestra-
Trieste re una potente sinfonia concettuale, l’esposizione di
arte contemporanea promossa e organizzata dalla
Fondazione D’Ars Oscar Signorini Onlus Omaggio a
James Joyce a cura di Alberto Mattia Martini, continua il
suo itinerario europeo ospite dei “tempi” e degli spazi
biografici e artistici del celeberrimo scrittore irlandese
Antico Caffé San Marco del secolo scorso. Fu in occasione del centenario dallo
Trieste sbarco di Joyce a Trieste, infatti, che l’Antico Caffè San
Marco inaugurò la mostra lo scorso novembre 2004, in
onore dei momenti trascorsi dall’autore stesso ai suoi
tavoli in compagnia di altri celebri intellettuali come
Italo Svevo, nonché della fertilissima stagione letteraria
triestina che lo condusse al compimento della sua per-
sonale Odissea letteraria: l’Ulysses. Ed è proprio nel
luogo che coraggiosamente diede luce alla prima edi-
zione, tremendamente volgare e sconveniente, a giudi-
Shakespeare & C.
Parigi
zio dei più, che la mostra è migrata nel gennaio 2005:
a Parigi, nella storica libreria Shakespeare and Com-
pany. Fu la ventitreenne americana Sylvia Beach, pro-
prietaria della Shakespeare & C. parigina, a voler dare
Shakespeare & C. fiducia al testo che avrebbe rivoluzionato la letteratura
Parigi del ’900, e lo fece in occasione del quarantesimo com-
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Omaggio a James Joyce
La rapsodia di un secolo
Viola Lilith Russi
pleanno di Joyce: il 2 febbraio 1922, data in cui, ottan- coscienza “universalistica” del sé. Ci portiamo in tasca
tatré anni dopo, non potevano mancare gli ormai miti- un gomitolo di culture, l’intreccio delle nostre apparte-
ci “tondi d’artista”. A celebrare, divertire e far volare il nenze, che se solo viene srotolato ci sorprende per la
pensiero di Joyce sono infatti opere circolari, rotonde, pluriformità delle nostre storie. Ed è da qui che ha
leggere e spesso bifronti perché appese ai soffitti di que- anche inizio il polifonico itinerario di un messaggio, di
sti storici ritrovi cittadini. Ricordando
il senso del molteplice, del “doppio
fondo” grazie ai recentissimi contri-
buti della psicanalisi; mostrandoci i
modi sottili e dissacranti di un’ epoca
che rise della cantata integrità morale
ed estetica ottocentesca, i dipinti, le
sculture e i disegni degli artisti in
mostra si impongono discreti agli
occhi dei clienti abituali, viaggiatori,
lettori e vagabondi. In un incrocio di
sguardi gli ondeggianti “punti di vista”
osservano, forse giudicano, in alcuni
casi riflettono (essendo alcune opere
fatte non a caso di specchi), i volti e i
passi dei viandanti. È quello che è
accaduto il 16 giugno 2005 fra i lumi-
nosi e affascinanti scaffali della Libreria Libreria Bocca - Milano
Bocca di Milano. Scivolando dalla cro-
nologia biografica a quella letteraria di Joyce infatti, la una biografia che ci rivela il tessuto del mondo tanto
mostra ha regalato ai passanti della Galleria Vittorio connesso quanto sconnesso, a partire dagli innumere-
Emanuele la possibilità di addentrarsi nel labirinto voli volti in cui potersi ritrovare, sospesi ma presenti. I
mentale e cittadino dei personaggi dell’Ulisse, proprio “tondi d’artista”, ci offrono il filo di quel gomitolo, che
il giorno in cui tutta la vicenda ha luogo. L’Odissea di si arricchisce di città in città e che continua a far vibra-
Leopold Bloom e Stephen Dedalus (suo alter ego), nac- re, fra passato e futuro, la rapsodia di un secolo.
que e si spense in un’unica giornata, quella del
16 giugno 1904, fra i vicoli di Dublino non
meno che fra quelli ben più colorati ed impre-
visti dell’emergente stream of consciousness (o flus-
so di coscienza). Non si sa mai perciò che, come
volante monito artistico, le opere sospese, acute
osservatrici del fermento cittadino, abbiano tra-
smesso ai più attenti il dono di un’eroica intro-
spezione, ritraendosi inorridendo e svelandosi
nello specchio del proprio alter ego o, semplice-
mente, quello di una piccola rifles-
sione, come quella che mi ha spin-
ta a definire Joyce il rapsodo di un
secolo, e la sua opera, come a mio
giudizio la stessa struttura e filosofia
della mostra, una musicale rapsodia.
Nell’antica Grecia infatti i rapsodi
(da __π__= cucire, inventare)
erano cantori che girovagando per
villaggi, strade, piazze e corti, narra-
vano poemi e leggende “tessendo”
storie di varia provenienza in
intrecci eroici tramandati dagli
anziani. Nella sua Storia sociale del-
l’arte Arnold Hauser definisce il
nuovo romanzo del ventesimo
secolo, di cui l’Ulisse è l’emblema,
“rapsodico”, ovvero episodico, iti-
nerante e, perché no, epico. Non più una lette-
ratura dai tempi e dagli spazi lineari, progressivi
e univoci, bensì l’avvento di una metamorfosi
dei linguaggi che rispecchi l’ormai svelata
polifonia caotica dell’esistenza. Che rifletta cioè
la simultaneità degli eventi, delle sensazioni, dei Libreria Bocca - Milano
ricordi; la sgradevole convivenza degli opposti; il
così poco pudico e discreto “flusso di coscienza” che ci
fa essere “dissociati ma per associazioni”; il brutale Artisti
sconvolgimento, insomma, dei tradizionali canoni arti- Alberto Allegri, Marilena Annovazzi, Gennaro
stici, estetici e psicologici dei personaggi. Al centro di Avano, Celestina Avanzini, Beatrice Bartoluzzi,
un’idea sinestetica dell’arte dove tutto è arte, dove ogni Beatrice Bausi Busi, Simone Beck, Silvana Gabriela
cosa esiste se collegata al resto del mondo e gli eroi Beju, Massimo Berruti, Roberto Bogo, Pier Giulio
sono dissacrati, i banali oggetti della vita quotidiana sal- Bonifacio, Paolo Bosisio, Angela Bucco, Jean Pierre
tano alla ribalta e il tutto si svela nel ritrovato tesoro Buscaglia, Carlo Caloro, Carmine Calvanese, Bruno
dell’inconscio, la rivoluzionaria scrittura dell’irlandese Chersicla, Pino Chiari, Mariolina Roccella Conti,
James Joyce si fa interprete di uno scenario culturale Ezio Cuoghi, Angelo De Boni, Antonio Dell’Isola,
che ha un indubbio bisogno di essere “tessuto”, smon- Anna Maria Ducaton, Riccardo Giulietti, Isa Di
tato e ricucito in una lirica e tautologica cerimonia Battista Gorini, Gruppo Anonima di chi-sì-lu-son,
della disgregazione dell’io. La nuova arte nasce dal caos, Gruppo Cast, Gruppo G.T. Mutoid, Tomas Heller,
quello più interno, che l’autore squaderna senza remo- Domenica Laurenzana, Grazia Lavia, Britta Lenk,
re nelle pagine del suo capolavoro. Siamo “doppi”, irra- Ciano Liziero, Antonio Massari, Massso, Gualtiero
zionali, imprevedibili e ogni nostra giornata non è che Mocenni, Marco Mussoni, Laura Olivero, Francesco
il riflesso delle mille sfaccettature, dei mille colori che Pezzuco, Lorenzo Petrantoni, Sergio Roni, R.V.
da una vita tessono la loro trama sul telaio della nostra Robin Van Arsdol, Anna Maria Russo, Bruno e
esistenza: non una, ma infinite esistenze, perché non Giovanna Signorini, Stefania Siragusa, Stefano
esiste storia che non si faccia delle parole, delle idee e Soddu, Anna Spagna, Claudio Spolentini, Manrico
dei ritagli di vita di altre migliaia di persone. Ecco quel- Stiffi, Giorgio Tonti, Silvia Varini, Silvia Venuti.
lo che Joyce ha cantato e “cucito” per noi: una nuova
20
 Sully Basso
Giorgio Salmoiraghi
Bracchi italiani, 2003, olio su tavola, cm 30 x 50
In questo microscopico, fluttuante puntino nell’uni-
verso governato da leggi che non possiamo com-
prendere ma vagamente percepiamo, noi viviamo
immersi in ciò che definiamo natura, dalla quale tutti
riceviamo vita, aria, nutrimento... morte, tutto insom-
ma; e stupefatti, soggiogati da tanta perfezione e gran-
dezza, la identifichiamo con Dio. Non so se la Natura
sia Dio o il suo riflesso ma possiamo dedurre che la
bontà, la giustizia e la bellezza sono cose divine men-
tre la loro negazione è cosa quantomeno diabolica e
malvagia. Il bello solo invita, suscita stupore e lo
splendore delle forme porta con sè creatività.
Ars imitatur Natura, diceva Aristotele.
La natura è bellezza, dove arriva il bello viene scon-
fitto il nichilismo. Il bello, a piene mani diffuso nella
natura, è presente nelle opere d’arte suscitando
ammirazione e stupore. La cultura odierna brama la
bellezza. Artista devi ricercare il bello, il bello è nel
vero, li sta la tua e la nostra salvezza.
Ricorda che il bello s’impone con la sola presenza.
Il bello ti porta all’orizzonte dell’essere. Queste brevi
considerazioni sono a commento di Sully Basso, arti-
sta della quale lodo le delicate opere e, perchè meglio
la possiate conoscere, lascerò a Lei la penna per que-
sto piacevole e sincero autoritratto.
Amo l’incanto, lo stupore, le forme e
la luce su di esse; violenta oppure
fioca, a creare una trama di colori ed
ombre, riflessi e “particolari” da sco-
prire... Quando guardo una persona
contemplo quello che la natura ha
fatto; vedo cioè trasparenze e contrasti
di colore, tratti che esprimono caratte-
re, segni, morbidezze... Intuisco la
vita che c’è dietro. L’innocenza senza
confini nello sguardo di un bambino, la
pungente insistenza colma di vissuto in
quello di un anziano.Il carattere di certi
volti ritenuti non belli... Uno spettacolo
invece, affascinante e poetico. E’ questo
Filosofo, 2004, grafite su carta che cerco di catturare e trasmettere.
Tiziana Priori
Emersioni
dal profondo
Cristina Trevellin
Nella splendida cornice di Venezia, in concomitanza della 51°
Biennale d’Arte, si è conclusa la Mostra “RIFLESSI” pres-
so il Londra Palace (riva degli Schiavoni 4171).
Tiziana Priori non rappresenta qualcosa, la sua arte non
è simbolica ma essenziale: come se sulla superficie
“emergesse” l’essenza della pittura, dove tutto ribolle,
un istante prima del big-bang, della diversificazione
delle forme, della presa di coscienza che comunque
segna lo stacco dall’unità originaria. I colori sono colo-
ri dell’oriente, della vita, del sole. Sono i colori dell’in-
teriorità e della spiritualità. Raggiunti, o meglio, ritro-
vati attraverso quella necessità interiore che Kandinsky
chiama nuova bellezza. Emersione anche di forme
archetipiche che ci collegano al più importante patri-
monio dell’umanità cioè la memoria collettiva.
Osservando alcuni dipinti di Tiziana affiorano ricordi
di incisioni rupestri, di pitture parietali pompeiane;
quei colori, quei grumi di energia rappresa. Scavando
dentro se stessa, nel suo percorso interiore, l’artista
ritrova, quindi fa emergere, tutta una serie di evocazio-
ni ricollegandosi nel profondo, al concatenarsi di
memorie umane. Solo tracce, da inseguire, da decifrare
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Eltjon Valle
Sara Fontana
Valle, già conosciuto e apprezzato per i suoi cicli di
dipinti, presenta ora per la prima volta le sue fotografie.
Una breve selezione estratta dai moltissimi scatti ispira-
ti da un suo recente soggiorno in Albania e stampati
senza alcuna manipolazione digitale. E’ il petrolio l’ele-
mento unificante e coagulante la sua pittura e la sua
fotografia. Per Eltjon è una sorta di grumo attaccato
alla memoria e al ricordo della sua terra d’origine con
i suoi sogni autarchici. Il viaggio e le fotografie rappre-
sentano quindi un recupero del passato e svelano, oltre
a un attaccamento ossessivo, l’esistenza di un percorso
di distacco critico e a volte ironico. Del petrolio all’ar-
tista interessano gli straordinari effetti materici, la ver-
satilità di un miscuglio che può passare da uno stadio
liquido a uno più denso e viscoso, quasi plastico.
Le questioni da lui affrontate nella fotografia sono le
stesse che informano la pittura: la messa a fuoco di una
forma che lo affascina, lo studio dei fenomeni della
materia (inizialmente provocati dall’artista, poi affidati
al caso), la ricerca di un particolare riflesso, l’ambiguità
della rappresentazione. Eltjon opera sul crinale fra astra-
zione e figurazione, sfruttando gli effetti delle colature
del petrolio oppure, nelle fotografie, quelli generati
dalla mescolanza del petrolio con acqua e terra.
All’atmosfera cupa dei dipinti, fa riscontro quella chia-
ra e luminosa, ricca di riflessi e trasparenze, ma talora
infuocata, delle immagini fotografiche. In queste c’è
nei loro segreti codici esistenziali. Ma in fondo tracce
che già per se stesse significano. La meditazione la porta
ad un “ascolto” sempre più profondo di vibrazioni geo-
logiche, cromatiche, emotive: nelle opere più recenti,
l’artista ha spinto avanti il suo cercare il punto in cui la
vibrazione si fa suono, musica, parola, mantra. L’energia
che ricava dal contatto con le forze dell’universo viene
incanalata nelle “sculture musicali”, fondate sulla pro-
porzione matematica. Ma anche in questo caso sono
conoscenze che affiorano, un sapere non acquisito da
studi musicali, ma scaturito dalla costante ricerca di
armonia. L’uno e il tutto, la spiritualità orientale, ma
non solo, come mezzo di trasporto che la conduce in
un viaggio senza inizio né fine, poiché le dimensioni
raggiunte non conoscono né spazio, né tempo.
Salita, 2002, acrilico su carta nepalese e ferro
cm 51 x 227 x 22
21
inoltre una sorta di confessione, un diario
intimo dell’artista costruito attraverso alcu-
ni oggetti legati alla memoria dell’infanzia
e al trascorrere del tempo, mentre i quadri
hanno temi attuali, quasi alla moda. E
anche quando l’immagine appare più lon-
tana dalla rappresentazione, è facile intrave-
dere l’autoritratto o il riflesso di Eltjon
stesso. Alcune fra le fotografie più astratte
richiamano suggestioni organiche o pittu-
re spaziali e nucleari; altre sembrano foto
da satellite; tutte colgono la perenne tra-
sformazione della materia. Come suggeriva Argan scri- Senza titolo, 2005
vendo dell’informale, “non è la pittura a fingere la Petrolio su tela
realtà, ma la realtà a fingere la pittura”. cm 70 x 50
Valle tiene molto a un’identità di pittore che ormai
coltiva professionalmente da diversi anni:“Io sono solo
un pittore che negli ultimi tempi ha usato la fotogra-
fia”, ma ammette che un desiderio di completezza lo
ha spinto di recente ad esplorare anche altri mezzi quali
la fotografia, il video e l’installazione. E’ inutile dire che
anche in questi casi il petrolio è sempre in questione,
sul piano tematico e concettuale, su quello tecnico e
perfino a livello sonoro. Ma tale cammino, appena ini-
ziato, è ancora carico di incognite e di aspettative.
SpazioBoccainGalleria
dal 05/10 al 19/10 2005
Galleria Movimento
Cso Magenta, 96 - Milano
dal 26/10 al 18/11 2005
Foto digitali
Al Caffè degli Artisti
Giacomo Lodetti
Continua la fortunata serie di artisti al Biffi, coi loro
quadri appesi alla parete del ristorante, che ha visto la
partecipazione di Filippo De Gasperi, da giugno a lu-
glio, di Giorgio Milani, da luglio ad agosto e di Aldo
Pancheri, da settembre a ottobre. Pittura e cucina sono Filippo De Gasperi
universalmente accettate come forme
d’arte, capaci di allietare il genere uma-
no da sempre, due facce della sua anima
che lo contraddistinguono da ogni altra
forma di vita. Sulla scia di questa consi-
derazione ho dato vita al sodalizio tra
due storiche aziende della Galleria Vit-
torio Emanuele II: il Caffè Ristorante
Biffi e la Libreria d’Arte Bocca. Un
programma di proposte artistiche che
ha per obiettivo: avvicinare il grande
pubblico della Galleria alla produzione
dei nostri più rinomati artisti. L’idea ha
riscosso e sta riscuotendo un crescente
consenso di pubblico. Nel periodo aprile-maggio è sta-
ta esposta un’opera di Claudio Rotta Loria “Vortice”
che gli avventori del locale hanno potuto godere ac-
compagnando la visione con le gustose ed esclusive of-
ferte culinarie del Biffi. Per chi non le avesse ancora gu-
state suggeriamo il famoso ossobuco con risotto alla Giorgio Milani
milanese, la cotoletta alla milanese, il sa-
lame d’oca, gli spaghetti alla Biffi, il no-
dino alla crema di funghi porcini e il
branzino alle olive. L’inaugurazione del
ciclo di esposizioni denominato “Al
Caffè degli Artisti”è avvenuta nel settem-
bre del 2004 con opere di Max Kuatty. Il
ciclo è proseguito con opere di Giovanni
Sesia, Francesco Chieppa,Walter Valentini,
Giancarlo Ossola, Filippo De Gasperi,
Claudio Rotta Loria, Giorgio Milani e
Aldo Pancheri. L’artista Adalberto Borioli
sta preparando una grande tela,sui toni del
grigio,studiata ad hoc per l’iniziativa,ope-
ra che verrà esposta a dicembre.

Giancarlo Cerri
La pittura dipinta
Rossana Bossaglia
[…] La mostra attuale è una ricapitolazione sistematica
dell’ultimo periodo della sua attività, che il catalogo
arricchisce testimoniando anche il periodo precedente.
Cerri ha avuto una fase figurativa, non di tipo intimi-
sta bensì connessa con la realtà storico-ambientale della
campagna lombarda: fase di una assai apprezzabile in-
tensità. Ma l’immagine di sé che oggi ci offre, e nella
quale particolarmente si riconosce, è quella tradotta in
un linguaggio astratto, che a poco a poco, senza solu-
zione di continuità, è passato da una pennellata pasto-
sa, di concreto spessore, cui potremmo applicare la defi-
nizione di informale, a una stesura più asciutta, liscia
nella struttura disegnata: qui, se volessimo attenerci a
riferimenti storici, potremmo riconoscere l’impronta
della scuola comasca; anche se di geometrismo, nel
senso preciso del termine, per l’opera di Cerri non si
può parlare mai. Questa semplificazione espressiva e sti-
listica, a essere precisi, è il dato più straordinario che
individuiamo nei suoi dipinti (parliamo sempre ormai
di oli su tela) a partire dall’inizio degli anni Novanta. La
formula disegnativa si è fatta essenziale, procede, di soli-
to, su una struttura verticale; e assistiamo a un privile-
gio per il colore nero che in questa produzione costi-
tuisce il fondamento compositivo, cui si appoggiano
Senza titolo, particolare
stesure dai toni limpidi e brillanti. L’effetto che le ulti-
me opere producono è di presentarsi con emozionan-
te varietà, pur nelle affinità di struttura: in genere due
piani, verticali, di cui uno nero, interrotti come stacco
da una lingua di colore chiaro; sono quelle che Cerri
ha definito “sequenze verticali”; ma lo stupore riguar-
dante nasce dal fatto che, improntate allo stesso princi-
pio e allo stesso schema, non c’è n’è una identica all’al-
tra. Il nero, poi, è una sorta di base, o sfondo, che si trat-
ti del buio notturno o di una pesante parete. È su que-
sto modulo espressivo che a poco a poco, giunti che si
sia al Duemila, il disegno diventa più mosso e articola-
to, come a dire più sensitivo, nel momento in cui l’ar-
tista trascura ogni effetto suggestivo per giungere a una
sorta di misteriosa purezza.
Così potremmo interpretare le opere che commentano
il drammatico evento dell’11 settembre: qui nessun ele-
mento è descrittivo e tuttavia lo schematismo astratto
assume quasi una fisionomia iconografica, mentre il
nero e il rosso, colori potenti, possono essere letti come
espliciti simboli rappresentativi.
Giancarlo Cerri
La pittura dipinta
Civica Galleria d’Arte Moderna
Gallarate - Via Milano, 21
dal 2 ottobre al 20 novembre
Grande Sequenza, 2001, olio su tela, cm 180 x 140

Giancarlo Cerri bramenti di un segno o di una forma. In questo senso

Emma Zanella
[…] Il nero ha preso possesso dello spazio, trascorren-
do da motivo unificatore degli altri colori a motivo
generatore di forme, di rapporti, di unioni e tensioni.
D’altra parte anche la materia cromatica è radicalmen-
te mutata: da densa e vibrante è diventata uniforme,
stesa a campiture omogenee, vibrata sì ma con delica-
tezza di tono e di segno.
La pittura di Cerri diventa così pittura pura, puro colo-
re, unita a un preciso rigore compositivo e a una mate-
ria trattenuta dalla scansione spaziale; pittura pura anche
quando a motivare le opere sono suggerimenti tratti dal
reale, vuoi il ricordo di un paesaggio, Per amore del pae-
saggio, o di un drammatico momento storico, Grande
sequenza, 2001. Anche in questi casi il motivo genera-
tore viene sublimato dalla composizione formale, dal-
l’alternanza di luci e di ombre, dalla potenza della scel-
ta cromatica. La quale si muove ormai quasi sempre in
una struttura a dittico, orizzontale e verticale, nella
quale il nero è controcanto di una luce ampia e tesissi-
ma e lo spazio è articolato con precisione ma anche,
vale la pena sottolinearlo, con la capacità di lasciare
campo alle improvvisazioni, alle deviazioni, agli slab-
l’Astrattismo di Cerri è il più concreto che ci sia, perché
sempre guidato da una ricerca contemporaneamente
spaziale, cromatica e lucidamente compositiva.
Tanto che per Cerri il disegno è la struttura portante di
ogni opera.“Prima la carta, poi la tela, così è iniziata la
mia vicenda artistica — ammette Cerri — c’è modo e
modo di intendere il disegno; a volte può considerarsi
come appunto, mentre, quando viene elaborato in
chiave chiaroscurale, può assumere l’aspetto di pittura
in bianco e nero, rivelandosi molto utile quale studio
definito per opere che, successivamente, vedranno il
loro compimento sulle tele con l’ausilio del colore. Al
di là di queste considerazioni, io prediligo il disegno
realizzato con pochi, puliti, rapidi tratti: questo, a parer
mio, è il vero disegno”.
Giancarlo Cerri
Disegni
SpazioBoccainGalleria
dall’11 al 31 gennaio 2006
Per amore del paesaggio, 2000, olio su tela, cm 130 x 150

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 Luca Zampetti
Miami Crime
Antonio Di Gaspero

La gallerista Rossella Izzo, puntuale nel “sor-
prendere” i visitatori, ha presentato la
Personale MIAMI CRIME di Luca
Zampetti, affermato artista marchigiano, pre-
La fine di Robert quel sente quest’anno alla 51esima Biennale di Venezia.
mattino del 4 luglio, Una serie di dodici opere, lavorate con grafite e pittu-
2005, grafite ed encausto ra ad encausto, racconta una storia intrigante,“una rapi-
su tavola, cm 110 x 90
na” a Miami: artistici fotogrammi “cinematografici”
che in ordinata sequenza, illustrano l’immaginaria sto-
ria di un “giallo” dai tratti lievemente “noir”, ideale sce-
neggiatura visiva per un corto d’autore.
Le opere di Zampetti, regalano realistiche immagini di
personaggi diversi, scenograficamente inclusi in
ambientazioni metropolitane, nello specifico in una
Miami dai tratti indistinti. Il bianco-nero, anzi il bian-
co-grigio della grafite, enfatizza la durezza del “vivere
quotidiano” dei suoi “attori” e delle sue “comparse”,
rapportabile al sopravvivere degli abitanti di una qual-
siasi grande città. A spezzare l’inquietudine dettata dai
tratti nervosi dei suoi protagonisti, ogni opera ha una
porzione di campo intrisa di unico colore, geometrica
macchia, che suggerisce precisi indizi per una più
attenta lettura della situazione raffigurata, una vera
scannerizzazione dei personaggi, dando con il cromati-
smo usato, spessore alla già grande “forza” delle imma-
gini, un’ulteriore specificazione del carattere degli stes-
si, una profonda corrispondenza con le loro “Anime”.
Come non notare il rosso-sangue di “La fine di Robert
quel mattino del 4 luglio” o il viola-presagio di “E intanto lei
si allenava a colpirlo”. Un’unica opera “Per l’F.B.I. erano
loro i sospettati”, non ha l’ausilio monocromo e raffigu-
E intanto lei si allenava ra quattro ritratti ancor più decisi degli altri, visi che
a colpirlo, 2005 parlano di strade, miserie, solitudini, violenza, fin trop-
grafite ed encausto po palesi nel rappresentare Anime senza colore. Il thril-
su tavola, cm 70 x 80 ler è ben spiegato, in catalogo, da un delizioso testo cri-
tico di Maurizio Sciaccaluga, per l’occasione nei panni
dell’Investigatore Shak, catalogo, che sin dalla sua coper-
tina, ispirata alle “famose” dei Gialli Mondadori, intro-
duce alla raffinata “ludicità” della mostra di Zampetti.
In questa storia, che si conclude senza vere vittime e con
una “fuga di libertà”, il colpevole è, come in ogni “gial-
lo” che si rispetti, il più insospettabile! Dopo una perso-
nale indagine, posso senza ombra di dubbio asserire che
l’Omicida è lo stesso autore Luca Zampetti, nel suo caso,
reo di aver ucciso la “banalità”, imperante dilagante
padrona, di quasi tutta l’Arte Contemporanea.
Ritratto, Pastello su carta, 2004
Chiara Cerati
Mario Donizetti
Le prime fotografie erano chiamate “impressioni” e
alcuni artisti credettero di utilizzare le impressioni sosti-
tuendole al disegno e si vollero chiamare impressioni-
sti. Da allora la fotografia è entrata a far parte del
mondo dell’arte. Questo aspetto del modernismo,
secondario ai contenuti, è stato, per la critica, di impor-
tanza primaria. La realtà doveva essere il più possibile
ridotta all’istante temporale e in questo la fotografia è
insuperabile.Tutto sta a vedere se è vero che la realtà si
riduce all’istante dello scatto fotografico. In ogni modo
utilizzando l’impressione, Chiara Cerati traduce la
realtà in valore atemporale e non solo istantaneo.
La qualità pittorica, inoltre, è di primo livello.
Complimenti e auguri.

Gianmaria Giannetti Copertina catalogo Bocca

Arte dell’estremo trare nel foglio e chiedere di far parte di quell’angolo di

Jacqueline Quehen
Lo specchio si è rotto nel
Gianmaria Giannetti non ama la mediocrità. La sua
mio numero 1, 2005 opera è l’opera dell’eccesso. Formati immensi e lavo-
olio e carta su tela ri piccoli costellavono la mostra che gli ha dedicato
cm 150 x 200 la Camera di Commercio Italiana di Nizza, conclu-
sasi del mese di maggio del
2005. “Un cerchio c’era una
volta” ecco il titolo e la temati-
ca della mostra: “Quando avrò
compiuto un cerchio perfetto,
dice l’artista ironicamente, pas-
serò a fare qualche altra cosa”,
inscrivendosi nella linea di un
Giotto o di un Vedova, che ha
destrutturato il concetto di cer-
chio. L’artista sembra privilegia-
re l’arte sacra e Jean-Michel
Basquiat, ambizione che si arti-
cola su una ricerca di purezza, di
messa in luce di una verità,
quella dell’artista.
Opera magnetizzante quella di
Gianmaria Giannetti, punto d’equilibrio nell’eccesso,
Mondogiraintornoame
nel contrasto dei colori e dei materiali.
2005 Legno, plastica, lavori in rilievo che invitano a esse-
tecnica mista su tela re toccati, assemblaggi inaspettati che dicono una
cm 150 x 160 volontà più o meno assunta di un ritorno a una
armonia essenziale. Poeta, l’ar-
tista è autore di, Escatologia di
una piuma, di cui la sua opera
plastica è intrisa. Gianmaria
Giannetti combina un’ispira-
zione vicina all’Art Brut, una
vitalità giovanile come una
radiografia dell’inconscio con
una tecnica molto elaborata
derivata da influssi di alcuni
artisti e riposante su una rifles-
sione filosofica complessa.
Nell’infinito del suo “cerchio”
l’artista si muove con una gran
libertà offrendo un’opera forte,
sorprendente ed émouvante. In
particolare con i Pink Memory,
lavori realizzati su scritti o su
libri del nonno. Da scoprire.
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paradiso. Calando, poi, lo sguardo lungo il collo, fino ai
seni, grandi e pieni, larghi e sodi, delineati da un accen-
no di collana di perle, e giù, solo un poco più giù, lungo
il morbido ventre, fino all’incrocio delle gambe, spalan-
cate e inguainate da calze rette da un reggicalze merlet-
tato, in tono con la collana, avverti una vibrazione che
mette contemporaneamente in relazione cervello e sto-
maco. Nonostante gran parte dell’opinione corrente ri-
tenga non necessaria la capacità di saper disegnare, per
essere artista, è mia convinzione che senza disegno, un
ottimo disegno, l’opera sia come una costruzione in ce-
mento armato, senza l’anima di ferro, destinata col tem-
po a sgretolarsi e perda quindi la peculiarità di resistere
alla critica che muta come il tempo e con il tempo.
Questa mostra, seconda di un ciclo che conta nuove a-
desioni, ciclo sempre e solo dedicato al tema da me pre-
ferito, quello del corpo femminile, a parte un disegno
acquistato da Anna Ludovica Modena e un acquerello
Luca Vernizzi ritirato da Franco Colnaghi, per il suo pregevole contri-
Nude buto alla resa delle immagini del catalogo, non ha sorti-
to alcun effetto, se non quello di riservare al sottoscritto
Giacomo Lodetti il piacere di accogliere nella propria collezione tutte le
opere invendute.
Doppio nudo femminile, 1996
La quarta di copertina del catalogo della mostra tecnica mista su carta
“Nude”, 38 opere, tra disegni ed acquerelli, di Luca
Vernizzi, testo di Carlo Ghielmetti, tenutasi alla Boc-
ca dal 26 giugno al 13 luglio del 2004, è la dimostra-
zione di come con pochi segni di matita e qualche
tocco di acquerello, un Artista con la A maiuscola, do-
tato di naturale abilità nel disegno, possa rappresenta-
re e comunicare, ad un tempo, le vibrazioni che susci-
tano un erotismo raffinato e una lirica sensualità. L’o-
pera di cui parlo, Doppio nudo femminile. Studio per l’8°
pannello, una grafite, matite colorate, acquerello e pa-
stelli a cera, del 1996, che qui riproduco, è il trionfo
dell’essenza: una donna, nuda giustappunto, accenna-
ta nella sua interezza, sdraiata su di un accenno di let-
to, s’intuisce un cuscino, alla sua destra un’altra figura
femminile, in secondo piano, come in dissolvenza,
anch’ella nuda, le sta coricata al fianco, nell’atto di vo-
lerla accarezzare. Il volto della figura principale, appe-
na accennato, in parte coperto da un accenno di capi-
gliatura nera è in estasi. Del volto s’intravedono un
accenno di occhio e uno di bocca, sensuale, labbra
carnose, rosse, potevano essere di diverso colore? E
l’insieme dei particolari, l’angolo di visione dei corpi
femminili, i toni e le luci dell’acquerello, sussurrano
una invitante disponibilità della coppia.Vorresti en-
24
 via Scoglio di Quarto, 4 - MI
tel. 0258317556 - 3485630381
bazart.scoglioquarto@tiscali.it
Sul filo dell’arte a cura di Stefano Soddu
arte contemporanea
V. le Col di Lana, 8 - MI
0258317556 - 3485630381

Amore… Arte… le priorità del mio essere persona.

Aria come libertà. Amore come appartenenza. Arte
come pensiero. Arte prioritaria è: frammenti di imma-
gini in parole. (Marina Falco, artista)

Arte come fenomeno di costume o come scelta di

“Arte Prioritaria” è un’idea di Gabriella Brembati. Il logo è stato realizzato da Danilo Premoli
Arte Prioritaria, ovvero priorità dell’arte, è un’idea
forte a supporto della libertà di pensiero atta a inci-
dere nella coscienza e conoscenza collettiva. È un
concetto che va rafforzato con la partecipazione
attiva degli artisti e di chi tenga a cuore le sorti del-
l’arte. Per tale ragione chiediamo soprattutto a que-
sti di esprimere un proprio pensiero sull’argomen-
to. Desideriamo che sorga un movimento di idee
che, raccolte, formino un documento in progress.
E-mail: bazart.scoglioquarto@tscali.it
... segue dal numero precedente
L’arte prioritaria è una ovvietà. L’Arte è prioritaria nel-
l’animo, esprime i sentimenti e le sensazioni di tutti
noi. È una priorità per tutti. Bravi ad averlo esplicitato.
Grazie. (Renato Manhaimer, ricercatore di opinioni)
Ti invio ciò che ho visto… arriveranno… tutte le stel-
le del mio cielo… (Carla Crosio, artista)
Nell’urgenza dei nostri tempi l’Arte può ritornare,
deve ritornare, ad essere l’istanza più nobile del comu-
nicare dell’uomo. L’occhio attento è più profondo sulla
storia e il futuro dell’umano divenire. La priorità è la
sua qualificazione. (Matteo Galbiati, critico d’arte)
Arte prioritaria è forma d’espressione urgente; un pen-
siero che deve necessariamente uscire allo scoperto e
tradursi in immagine. Sia esso rivolto agli altri, o rifles-
sione sul proprio mondo poetico, questo messaggio
sarà un frammento di vita depositato nelle mani e negli
occhi di chi vorrà accoglierlo. (Giovanni Cerri, artista)
valori? Io mi nutro d’arte, respiro l’arte, tocco l’arte.
Essa è per me la sintesi della percezione più fine della
I poeti sono sogni / che si infrangono. Armato di sensibilità umana rispetto allo stesso oggetto: la vita.
cemento / a che pensi / mentre immobili stelle / ti fis- (Paola Grappiolo, gallerista)
sano? (Ruggero Maggi, artista)
Mistero Ricerca Senso. (Paolo Barlusconi, artista)
Il lavoro è importante per la mia vita, l’arte ne dà il
senso. (Adriano Pasquali, artista) strada + street + avenida + rua + strasse = villaggio
globale. (Giovanni Gurioli, artista)
Prima di tutto. Oltre il resto. Desiderio senza destinata-
rio e francobollo. (Gabriella Kuruvilla, artista) Certe volte, in spazi angusti e tempi limitati, mi conce-
do un lungo riposo.Vagabondando fra i sogni, un “emi-
Minime finestre per la mente si affacciano nel mare sfero lucido” mi ricorda che l’arte è prioritaria.
dell’arte, certe di aprirsi all’infinito orizzonte della (Antonezio Frau, artista)
conoscenza. (Antonio Pizzolante, artista)
Vivere l’arte è prioritaria risposta a chi ne parla.
Priority Art? No at all,Art’s priority! (Claudio Nicolini, artista)
(Nicoletta Frigerio, artista)
Amore primordiale, l’arte prioritaria. (Luis Sessa, artista)
Il nutrimento che deriva dall’arte, serve a non perdere
il contatto con la natura. Osservazione e Meditazione
è ciò che chiarifica la nostra conoscenza e arricchisce
la nostra coscienza. Dare spazio all’intuizione per com-
prenderne la poesia. (Cristiano Plicato, artista)
L’artista per sua natura intreccia il passato — inteso
come conoscenza storica; quindi connessione con tutte
le culture per avviare nuovi itinerari — genera
il presente, e medita visioni avveniristiche. La priorità
nell’ arte ? quella spirituale è cosa necessaria, è come
una percezione che prende forma, ed ogni osservazio-
ne personale è un modo di essere.
(Sergio Sansevrino, artista)

Con l’arte non si mangia, ma ci nutre. Essenziale VITA - Essenziale MORTE

(Bruna Aprea, artista) Essenziale PACE - Essenziale FAME
Prioritaria ARTE. (Pino Lia, artista)
In arte non è importante cosa produci, crei o inventi.
Pochi capiranno cosa stai facendo. È importante invece Coscienza, Conoscenza e Consapevolezza sono l’es-
non prendere in giro se stessi e chi crede in quello che senza portante e trainante dell’Arte, unica testimone
fai. (Marrani, artista) reale, in qualsivoglia forma di manifesti, del Tempo in Arte è un linguaggio universale. (Petrit Kossilaj, artista)
cui si vive. (Angelo de Boni, artista)
Arte che pensa RAPIDA-MENTE.
domanda surreale Con la priorità, diretta arriverà?! Un mittente? Un de- (Laura Pitcheider, artista)
stinatario? Ogni opera ha il suo orario! Urgente, ne-
Può l’arte cessaria! È arte prioritaria? Se arriva con l’espresso, chie- L’arte è come “u letto se non dormi te reposi”.
(Emily Joe, artista)
do a me, la prendo col caffè?! (Oreste Sabadin, artista)
lenire il dolore?
Arte prioritaria sì, ma con calma. (Maria Mesch, artista) Fare pane è arte, mangiarlo politica.
risponde (Malek Pansera, artista)
Le tre A Aria… Amore… Arte… le priorità del mio
Evelina Schatz essere persona. Aria come libertà. Amore come appar- È arte se è parte di noi, partecipe di sensazioni. Oggi e
tenenza. Arte come pensiero. (topylabrys, artista) sempre solo arte. (Margherita Fortuna, artista)

Segni e colori affiorano emozionati per vivere nel
silenzio. (Adalberto Borioli, artista)
Dentro il mio corpo oscuro asimmetriche emozioni
vanno e vengono tracciando armoniose risonanze
colorate. (Roberto Origgi, artista)
ARTE PRIORITARIA, La velocità che inventa Amo
l’arte / quando ferisce / dolcemente. Amo l’arte / da
succhiare / nei posti più nascosti Dove i sogni Si
incontrano / con il destino.
(Alberto Casiraghy, poeta, artista, editore)
Per far diventare l’arte prioritaria, occorrerebbe cari-
carla di valore morale che essa invece non ha e non può
avere essendo, per definizione, volta a creare valore
estetico, quindi amorale. L’arte può favorire priorità
solo se utilizzata come mezzo, come strumento per
scopi di altro valore, non ultimo: di valore morale.
“Priorità dell’Arte. (Lucio Perna, artista)
Arte Prioritaria. Divertimento.
(Paolo Barrile, artista)
Dedicata a Stefano Soddu Arte prioritaria, priorità della mente, del pensiero, del-
per l’edizione “Arte Prioritaria” l’idea. Intuizione. (Gabriella Brembati, gallerista)
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Ahh..la vita, che bel sogno. (Simona Severo, artista)
L’unica differenza tra l’uomo e l’animale non è l’intel-
ligenza, è l’arte. (Roberto Caramman)
Arte è sperimentazione eclettica dei materiali e delle
tecniche, come evoluzione del concetto di essere figli
del proprio tempo. (Giuliana Galli, critico d’arte)
Sembra il massimo del superfluo. Si dice: senza arte si
può vivere, senza lavoro e senza cibo no. Eppure l’arte
è il cibo dell’anima e senza di essa la vita non avrebbe
senso. (Mimma Pasqua, critico d’arte)
Segue sul prossimo numero
Collana “ARTE PRIORITARIA” Anno 2005
Ed. Bazart&Scoglio di Quarto - Edizioni numerate
B. Aprea - P. Barrile - A. Borioli - A. Casiraghy - G. Cerri
F. Colnaghi - C. Crosio - M. De Maria - M. Falco - R. Forino
G. Fra - N. Frigerio - G. Gurioli - G. Kuruvilla - A. Lambardi
M. Marra - E. Moschetti - O. Alvaro - R. Origgi - A. Pasquali
G. Pavanello - L. Pescador - L. Pitscheider - A. Pizzolante
C. Plicato - D. Premoli - A. Prota Giurleo - G. Rubino
S. Sansevrino - L. Sessa - S. Soddu - A. Spinelli - A. Verdirame
E. Zanon

Matteo Nannini
Humana Fragilitas
Sofia Biscaccianti
Matteo Nannini non giudica! L’ho capito quando,
davanti ad un nutrito gruppo di suoi ritratti, ho prova-
to una sensazione strana: volti con inquadrature strette,
mezzi busti, figure intere; persone comuni intente alle
proprie occupazioni, preoccupate dei propri pensieri;
donne e uomini solitari, raramente in gruppi e tuttavia
il sentimento che ne scaturiva era sempre, comunque
solitudine. Per qualche attimo, mi sono sentita, davanti
a tanta umanità, non umana! M’è parso d’esser divenu-
ta un “angelo”, non un Cherubino d’alte gerarchie
Roberto, 2004, olio su tela celesti, ma uno di quei silenziosi custodi che in alcuni
cm 120 x 100 momenti della vita si ha la sensazione d’aver dietro la
schiena a guardare il nostro cam-
mino, a sorreggere le spalle, a rad-
drizzare la via. Davanti a una tale
palpitante umanità dipinta, invece
di riuscire a farne parte ne sono
stata esclusa, straniata come com-
mossa spettatrice, invidiosa di
tanta vita nel bene e nel male.
Esseri umani, con tutte le loro
debolezze, le malinconie, le scon-
fitte, i dolori. I volti di alcuni
erano arresi, altri perduti in chissà
quali pensieri, alcuni affaccendati;
chi sembrava guardarsi dentro, chi
fuori dalla tela, lontano, ma nessu-
no incrociava il mio sguardo, nes-
suno guardava “fuori” verso il
“pubblico” e se succedeva, comun-
que non si vedeva. Il quadro…
limite invalicabile del loro
mondo, così straordinariamente
terreno, senza dialogo con la mia
Marcus Parisini
Dagli occhi all’anima del lupo
Roberto Tabozzi
Piemonte. Animali selvatici popo-
lano i disegni di Marcus Parisini,
giovane e già affermato pittore
capace di coglierne gli stati d’ani-
mo dal loro sguardo. Ti guarda
con i suoi occhi chiari, vivi, mentre
parla di natura, di animali, di vita nei
boschi, di religione, di pittura, di lette-
ratura. A 38 anni, Marcus Parisini può
dirsi, con una brutta parola, realizzato.
Possiede una casa costruita con le sue mani
a 1.300 metri di altezza in una valle del
Cuneese, ha una famiglia (moglie, tre figli), i
suoi disegni naturalistici hanno successo, ha
appena pubblicato un libro “Creature di Dio”, in
cui a racchiuso il suo credo di uomo moderno, che
vive da indipendente e fa quello che gli piace. È riu-
scito nella difficile equazione di far coincidere le
ambizioni con i risultati. Non è stato per niente faci-
le. È nato a Genova, madre tedesca padre italiano,
idee chiare fin da piccolo. Liceo artistico, un anno e
mezzo a studiare architettura a Firenze, un anno a
Brera a Milano. L’accademia non
Lupo nella neve, 2003 gli bastava, perdeva il suo tempo,
Penna a sfera acquerello sapeva già disegnare, in genere ani-
e guazzo mali, vendeva anche i suoi quadret-
ti in piazza del Duomo, ma voleva
respirare un’altra aria. Ha lasciato
tutto e in autostop ha girato la
Toscana, il Piemonte, la Liguria alla
ricerca del luogo ideale in cui vive-
re. L’ha trovato nell’88 in Val Grana,
una trentina di chilometri da
Cuneo. C’era un rustico semidiroc-
cato e un cartello “in vendita”.
“Sembrava che mi aspettasse”, dice
ridendo e, grazie all’eredità del
nonno, l’ha comprato. Per cinque
anni ha vissuto da eremita, senza
elettricità, l’acqua da prendere alla
fonte. Ha fatto il muratore, il pasto-
re, il tempo libero lo passava nella
natura a disegnare. Ora la strada
Galli forcelli, 2005 asfaltata arriva fino a lì, ha anche il
matite colorate telefono. “Quando disegno parto
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dimensione; non potevo parlar loro, né loro a me eppu-
re palpitavo della loro vita. Come ha saputo fare que-
sto, Matteo Nannini, non so! Credo dipenda dalla sua
tracotante umanità di venticinquenne di corpo e alme-
no cinquantenne di mente. Nannini sembra essere un
bambino/anziano o un anziano/bambino, d’una spiri-
tualità latente, non del tutto consapevole, ma certa-
mente intuita in attesa paziente della sua epifania.
Matteo gode di un talento raro, affinato da una dedi-
zione al mestiere della pittura costante, da una volontà
di apprendimento e crescita mai pago. La sua ricerca
tecnica, attraverso il confronto costruttivo e personalis-
simo con i maestri dell’arte, ha fatto sì che in lui il
tempo dell’apprendistato divenisse veloce, vorace, feb-
brile. Lui ha bruciato molte tappe, capace di condensa-
re in tempi relativamente brevi e mai pazienti un sape-
re tecnico che avrebbe richiesto molti più anni. Ribera,
Rembrandt e il ’600 tutto sono fin qui i paradigmi
della sua concezione pittorica, tuttavia “rimasticata” e
“digerita” dalla sensibilità di un giovane artista che vive
a pieno il suo tempo. Il suo tempo è l’oggi, come d’og-
gi la sua sintesi grafica, i soggetti e il modus operandi. Le
inquadrature ammiccano, da un lato, alla fotografia, dal-
l’altro alla tradizione e non disdegnano tagli spaziali
volutamente sbilanciati come fermi-immagine di un
film girato all’insaputa degli attori.Attori “assoldati” tra
la gente del vivere quotidiano, descritti con pastose cro-
mie; il colore è denso, sicuro il tratto; il fondo sempre
cupo, terroso su cui si accendono, a forte contrasto
campiture luminose e poche lumeggiature per descri-
vere fisionomie che paiono staccarsi dal buio diffuso
come carnosi bassorilievi. Ridottissima la tavolozza:
dieci/dodici colori e niente più, sporcati, per effetto
atmosferico, da velature e sfregazzi, talvolta “schizzi” o
dripping che offuscano il dettaglio; …e di nuovo le
“paste”, strato su strato, di tale corposa presenza da
potersi leggere con i polpastrelli. Tuttavia la realtà di
Matteo non è mai realistica, ma soggettivissima e sem-
pre filtrata da un orizzonte poetico costruito sulla sto-
ria dell’arte. Cura personalmente l’intelaiatura e l’im-
primitura alla maniera antica, con materiali, però, che la
dagli occhi”, dice. Siano di un’aquila, di un lupo, di
uno stambecco, di una volpe. Gli occhi, per lui,
nutrono i sentimenti e la mente, gli fanno capire la
bellezza di un campo di fieno, l’armonia di un bosco
di faggi nella nebbia autunnale, l’anima degli anima-
li. Lui, pittore naturalista (ha lavorato per Airone e per
Bell’Italia), sa che gli animali non posano, non fingo-
no, sono e basta. Cerca allora di esprimere, se così si
può dire, il loro stato d’animo. Stranamente questa
sensazione di verità si prova anche guardando i suoi
disegni, fatti in genere con la biro:“Così sono obbli-
gato a non sbagliare”. Chi cerca l’anima negli anima-
li la cerca anche in se stesso. Parisini legge di tutto, da
Gandhi a Hermann Hesse, da Tolstoj a Konrad
Lorenz, in pittura mette al disopra di tutti
Michelangelo, poi Schiele, Vespignani, Friedrich.
Nella vita quotidiana il suo maestro è stato Pierin, un
valligiano settantenne che sa fare di tutto. La sua
anima la coltiva con André, un buddista che vive lì
vicino, e con Maria Luisa, una monaca cattolica di
grande spiritualità. Uno strano cocktail di persone,
di idee, di arte, di fede. Una favola? No, una realtà.
26
Elena, 2005, olio su tela cm 100 x 120
moderna tecnologia mette a disposizione, creando così
una particolarissima “ricetta” sospesa fra la tradizione e
il mondo attuale. Questa promiscuità credo sia la chia-
ve di volta del suo lavoro: lo è nella tecnica, lo è nella
poetica, laddove sceglie il dipingere. Nannini, vive la
pittura con totale partecipazione: dipinge per respirare,
respira per dipingere ed è capace con simultaneo para-
dosso di deporre i pennelli a tempo indeterminato,
come se più non gli
importasse, per aderire a
quella vita che costante-
mente descrive, per cam-
minare nelle scarpe dei
suoi soggetti così terreni,
così umani, così densi di
carne. Matteo vive con
loro un’identità, fiero
delle sue/nostre debo-
lezze, della sua carne, con
tutti i limiti a noi uomi-
ni assegnati o, se volete, Fernanda, 2004, olio su tela
da noi stessi scelti. applicata su tavola, cm 35 x 40
Leo-Nilde Carabba
Sara Verderi
Il ristorante NAMELESS, alta cucina creativa, diretto da
Cristina, inaugura con Leo-Nilde Carabba una serie di
mostre in collaborazione con la Libreria Bocca.
“Questa mostra a prima vista appare molto poliedrica!”
Si, in effetti è una celebrazione dell’intensità dell’anno tra-
scorso. Presento due, Città Magiche, della serie che ho fatto
per Costa Magica, l’ultima ammiraglia di Costa Crociere.
Mi avevano ordinato ventisei quadri ed io, presa dall’entu-
siasmo,ne ho realizzati due in più,che,quindi,possono esse-
re esposti in questa mostra.Ci sono,inoltre,alcuni pezzi,stel-
lari, provenienti dalla personale di Schönecken, in cui il filo
conduttore proposto dal Ministero per le attività culturali
tedesco era l’arte e la scienza. Presentavo tele “cosmiche” a
simbolo del ponte universale tra uomo e universo,tra la sco-
perta di nuovi mondi astronomici e,parallelamente,l’avvici-
narsi di ogni persona alla propria interiorità.
“E il riferimento alle mappe di mare e di terra cosa significa?”
Il nome Nameless mi ha fatto subito pensare ad Ulisse e
quindi espongo un pezzo del 1984, periodo in cui vivevo
ed operavo in California, che s’intitola, L’inferno del piacere
o Ulisse tentato dalle Sirene, ed, inoltre, sempre ispirandomi
ai viaggi dell’eroe mitologico, ho proposto delle vere e
proprie mappe di mare e di terra. Nel mio percorso arti-
stico, in realtà, ho spesso lavorato con le mappe, non solo
quelle che conducono in mondi topografici, ma anche
quelle che conducono nei mondi del mito e del sogno.
L’arte di Leo-Nilde Carabba spazia tra cielo, terra, mare e cosmo,
a simbolo di una libertà intrinseca allo spirito umano, esplorata sì
da personaggi mitici,ma anche dalla capacità di ogni singolo uomo.
La sua pittorica, fondata su oltre quarant’anni d’incessante lavoro
e creatività, oscilla magistralmente tra emozione e consapevolezza,
ordine e caos,macrocosmo e microcosmo,vividi colori e bianco e nero,
in uno spartito eclettico e poliedrico che fa vivere di vita propria una
tecnica già trascesa.
Ristorante Nameless
Martedì 04 ottobre dalle ore 18,00 alle 19,30
fino al 31 ottobre 2005
Trattamento speciale per la cena - prenotare al 02.4814677
Via Monte Bianco, 2/A - Milano
 Patrizia Masserini
Giovanni Serafini
che sofferenza questo mondo
anche quando fioriscono i fiori
e nonostante i fiori
haïku
Il senso di sgomento che proviamo per questa umanità
col suo brulicante carico di giulivi morti viventi ci fa
oscillare tra rabbia e pietà. La visione del mondo del-
l’interessante pittrice bergamasca Patrizia Masserini
propende piuttosto per la seconda. Nudi maschili con
mani serrate dietro la nuca, nella tensione di Calvario,
arrancano in fila, a dispetto o forse a sfida della giovi-
nezza e della vigoria dei corpi, verso un inevitabile
Golgota, sacrificali lottatori predestinati nell’impari ga-
ra con la morte. In, Vai, olio giocato su cupe tonalità
bluastre in cui balena l’oro sinistro di una falce, si palesa
un senso di divina aberrante istigazione al mietitore di
vite a procedere nel suo cieco sterminio. Nell’impres-
sionante, Crocifissione, del 2001, in cui Patrizia Masseri-
ni ottiene un culmine di pathos nella precipite postura
di un Cristo cadavere, spoglia esangue e rattratta come
appesa a un gancio di macello, aleggia il livido sconfor-
to della vittoria del male. Cioran chiederebbe nella tua
anima c’era un canto: chi lo ha ucciso? Il canto di Pa-
trizia Masserini è stato interrotto da mani d’ombra che
le hanno rapito un affetto inerme ed immenso. Una
sensazione di abbandono, di essere dimenticati da un
dio distratto e malevolo, l’ha forse sfiorata. Ma convin-
zioni tenaci, la risorsa di un lavoro creativo ed intenso e
vicinanza di affetti l’hanno riconquistata all’arte e quin-
di alla vita. L’assillo della corporeità, così fragile e fuga-
ce, è divenuto tuttavia cardinale nella sua significante
pittura che si è dedicata a tre prevalenti tematiche: figu-
ra, paesaggi silvani, racconti metropolitani. I suoi corpi,
Andrea Cereda
La materia Uomo
Simona Bartolena
Anche Muhammad Alì, prima di diventare il pugile che
tutti conoscono, era una persona qualunque, in lotta
con la difficoltà del quotidiano, come, Mario, perduto
nel suo dubbio, o tutte le altre, ordinary people, che po-
polano le tele di Andrea Cereda, un artista sensibile e
attento alla realtà che lo circonda, fine osservatore del-
l’animo umano, nei suoi molteplici aspetti. Già le opere
su tela degli esordi, per lo più ritratti e nudi, tradiscono
le due grandi passioni di Cereda: la figura umana e la
sperimentazione tecnica. Due questioni, queste, che
fanno da filo conduttore ad una produzione eterogenea
eppure assai coerente, che non ha paura a rimettersi in
discussione, cercando nuove strade.
Il passaggio dalle prime opere su tela alla creazione di
oggetti tridimensio-
nali avviene con la
serie delle, Conviven-
ze: pezzi di legno di
differente natura e
provenienza assem-
blati con l’ausilio di
chiodi, corde, cucitu-
re, quasi “costretti” a
stare insieme, a fon-
dere le proprie indi-
vidualità. Pur abban-
donando il figurati-
vo, Cereda resta coe-
rente alla propria ri-
cerca sia dal punto di
vista formale - nella
materia colorata tro-
viamo un’eco di
quelle larghe campi-
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di sontuosa nudità, specialmente femminili (Esilio,Ten-
sione) e di colta impostazione anatomica, vengono so-
vente investiti da sgorbiature, straziati da negazioni se-
gniche veementi a sottolinearne la precarietà e l’inutile
bellezza, mentre i volti vengono sfumati od elusi per
occultarne il presagio di decomposizione. Ancora per-
vicacia del male e inutile rabbia ne, Le donne lungo la
Valassina, le mani contorte, scottate dalla vampa amara e
ostile dei copertoni bruciati – esca notturna e rozza di-
fesa dal gelo – con riverberi di fuoco sui corpi già arsi
dentro dal brutale sopruso degli uomini. C’è forse uno
scatto, una ripresa di coscienza della potenza del fem-
minino, capace di generare, di regalare illusioni di eter-
nità al genere umano, in Volare. Con braccia spalancate
nel buio, nero uccello femmineo dalle ampie ali spiega-
te, irrompe imponente un nudo di donna in un’orgia
di rossi e turgore di seni, il ventre prominente perfetto
con l’incavo stregato dell’ombelico e la concupiscente
pennellata scura del pube, travolgente dea pronta a ra-
pirci in un volo d’amore. Ma nelle allucinatorie se-
quenze di, Tutti in fila, e, Lista d’attesa, ove la reiterata ti-
tolazione già manifesta il pressante richiamo alla con-
danna, ritorna il memento mori che indifferente e
maligno ci sospinge in colonna al mattatoio incomben-
te, con l’enigma di un breve e fosco futuro. Altri la-
vori,Senza fine,Sempre uguale, Moduli continui, ci ricondu-
cono all’ossessivo pulsare del tempo ed alla follia di una
specie raziocinante che si riproduce con monotona ot-
tusità, quasi inconsapevole del ben noto destino. Se tutti
pensassimo prima....Avvenenti figure in primo piano si
sdoppiano in molteplici copie come riflesse in contrap-
posizione di specchi, scorrendo sull’impassibile scena
del mondo per dissolversi poco lontano in un polverio
sbiadito che si perde nel nulla del tempo.
L’ampia gamma cromatica è originale, provocatrice a
volte insolente con mistificanti gialli, verdi sfacciati,
sepolcrali violetti, tonalità di lilla e di malva, il venta-
glio dei rossi, azzurri guizzanti e deliranti oltremare, de-
terminando stranianti impressioni di vuoto e silenzio,
eleganti pienezze di corpi, bagliori in fuga, deflagranti
tramonti, inserendo invenzioni di effetto con segmenti
roventi, graffi di luce, tracce di lucciole, scìe di lapilli e
impazzite faville. Curiose e adescanti le rarefazioni bo-
reali, Verso sera, su tappeti di neve e licheni con strani
aggressivi lucori che rimbalzano contro il nero degli al-
beri investendoci in pieno o che improvvisamente
quietati riverberano allarmanti riflessi su immobili ac-
que rosate. E luminosità apocalittiche e vette abbaci-
nanti che appena dissimulano la vertigine dei precipizi,
Nascosto nell’immenso.
Più recenti le crepuscolari vedute metropolitane, con
cieli bassi soffocati da raggi furibondi di squallore e di
caos in cui si annida lo smarrimento di una solitudine
ture di colore che già
giocavano un ruolo
da protagonista nelle
sue tele - che da quel-
lo concettuale. Come
non leggere in queste
composizioni astratte
il racconto di esisten-
ze diverse, un’indagi-
ne sulla difficoltà del
vivere (e del convive-
re), del faticoso tenta-
tivo che ciascuno di
noi compie, giorno
per giorno, nel rela-
zionarsi con il prossi-
mo, nell’affrontare più
o meno felici e solide
relazioni? Dall’unione, seppur faticosa e talvolta innatu-
rale, delle Convivenze si passa alla chiusura in se stessi
delle Erosioni, traduzione in metallo della serie prece-
dente. Ancora una volta la materia si fa interprete dei
comportamenti umani e di emozioni che, partendo
dall’esperienza personale dell’artista, possono riguarda-
re tutti: attaccato da agenti esterni, percependo il peri-
colo, il metallo (come l’uomo) reagisce, si ribella, com-
batte. Le superfici saldate, spaccate, brunite a fiamma,
corrose dall’acido (che tra l’altro continua la sua azione
modificando progressivamente lo stato della materia
rendendola viva) sembrano contorcersi dolorosamente,
cambiando la propria forma per sopravvivere, espan-
dendosi nello spazio come magma in ebolizione.
Cereda impiega il metallo corroso anche nella serie di
opere che fa seguito alle Erosioni: una galleria di ritratti
27
nuova. Con l’asfissia di un’edilizia volgare e l’ansia con- Nudo disteso, 2002
fusa della fretta di andare, addensate in tonalità arancio- olio su tela
brune di tramonti spossati e di sporchi riflessi di un so- cm 100 x 100
le ossidato. La nostra passione si concentra tuttavia sulle
figure e si fissa sulla rigida tricromia giallo-verde-nero
in cui è immerso supino e torto in splendido rilassa-
mento prospettico il nudo di donna de, Il corpo, la cui
femminilità carnale irrorata di cromie stralunate riac-
cende l’entusiasmo per la bellezza. Non meno radicato
negli occhi della memoria, Nudo disteso, altra opera di
forte emozione di Patrizia Masserini, che espone una
giovane donna ignuda adagiata su un tavolo operatorio.
O su un gelido marmo di obitorio. Le gambe divarica-
te in abbandono. Il sesso indifeso, oscuro come il miste-
ro della vita che da quella magica tenebra erompe in un
fiore di sangue, perentorio nella sua magnifica oscenità Luci, 1999
che intimorisce l’uomo e, irresistibile, lo attira per in- olio su tela
goiarlo. O corpo reso inutile nell’irrealtà della morte, cm 70 x 100
sangue annerito che si è fermato, indecifrabile dramma
nella quiete di un indaco violetto che invade l’aria co-
me un veleno, vincendo residui sfinimenti di azzurro,
precipitandoci alfine annientati nel più inestricabile ar-
cano dell’anima.
La profonda pittura di Patrizia Masserini porge l’amaro
miele del vivere alla riflessione di un’umanità tormen-
tata, abbarbicata a una roteante astronave bianca di nu-
vole, scagliata tra spopolate galassie ove grida, implora-
zioni, risa, lamenti si perdono riconfondendosi in que-
sto interminabile gioco di acqua di terra e di sangue.
che racconta di un’umanità ai
margini, di esistenze che sem-
brano uscite da una pellicola
cinematografica e che di un
film conservano quel vago sa-
pore romantico che lascia spe-
rare, fino in fondo, nel lieto fi-
ne. Cereda è un abile narratore,
che sa come catturare l’atten-
zione dello spettatore e come
mostrargli, senza pietismi o fa-
cili sentimentalismi, le speran-
ze, le paure, la voglia di riscatto
di chi tutti i giorni lotta per so-
pravvivere. Simbolo di questa
realtà è il pugile: l’uomo dei
bassifondi che si afferma grazie
alla propria forza, ma anche alla
propria costanza e determina-
zione. Ed ecco Muhammad Alì,
la cui possente figura si staglia
orgogliosa sul proprio nome
scritto a caratteri cubitali, come in un manifesto pub- Muhammad Alì, 2004
blicitario, a dimostrarci che si può vincere, che qualcu- Tecnica mista su tela
no “ce la fa”. Lo accompagna un’umanità varia, pesca- cm 150 x 100
ta dalla strada, ritratta, con la consueta sensibilità ma al
contempo con un realismo impietoso, da Cereda nel
suo nuovo lavoro, dal titolo assai significativo, Ordinary
people, nel quale, ancora una volta, egli gioca con la ma-
teria, sperimentando una nuova tecnica, semplice ma
d’effetto. Convivenze, 2003
Convivenze, Erosioni, opere su tela altro non sono, dun- legno e ferro
que, che le molteplici facce di un’unica realtà, di una h. cm 50
sola personalissima ricerca, che Andrea Cereda prose-
gue, da anni, con disinvoltura e con coerenza.
SpazioBoccainGalleria
Mercoledì 26 ottobre ore 18,30
Il dubbio di Mario, 2004
fino al 6 novembre 2005 tecnica mista su tela
cm 100 x 135

Antonio Deodato
Giacomo Lodetti
L’urlo di Giorgia, 2002 Mi occupo di artisti, spesso poco conosciuti, da più
decollage, cm 70 x 100 di quindici anni e la lista dei personaggi che, col pas-
sare del tempo, si sono affermati, grazie soprattutto
alle loro doti che avvertivo prima degli altri, è affol-
lata. Quasi ogni giorno, certamente almeno due volte
alla settimana, me ne presentano uno nuovo, ma la
soddisfazione, la passione per il mio lavoro e la gra-
titudine che mi viene restituita con la fedeltà della
loro amicizia, fa di questa mia occupazione, una
droga, leggera certamente, ma dalla quale non riesco
e non voglio sottrarmi. La new entry, presentatami
Al vento, 2004 dall’amico Fabrizio Novati, é Antonio Deodato e
olio e smalto, cm 80 x 100 appena ho visto i suoi quadri, l’ho invitato e sol-
Luca Guaitamacchi
Lorenzo Clerici
Luca Guaitamacchi è un pittore che ha scelto la città e
gli elementi che la compongono come oggetto della
sua ricerca artistica.Vissuto e cresciuto in una famiglia
di artisti, padre e fratelli pittori, madre scultrice, da
Notturni, 2005 vent’anni dipinge con i ritmi e i tempi di un pittore di
olio su tela una volta. La ripresa dal vero, le dimensioni dei suoi
La Libreria Bocca e Giancarlo Ianuario Solaris
hanno il piacere di invitarVi presso
La Città dell’Arte
Domenica 9 ottobre 2005
dalle 10,30 alle 18,30
per una Performance artistica
Raku e Ragù - Panni al Sole
di
Giancarlo Ianuario in arte Solaris
Durante la giornata l’Artista napoletano
dipingerà panni (asciugamani, lenzuola,
pantaloni, tovaglie...) di colore bianco appesi a corde,
che verranno omaggiati ai partecipanti, a fine serata.
Saranno esposte opere in ceramica di Solaris
Rinfresco a base di specialità napoletane
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lecitato a lavorare, per preparare una mostra alla
Bocca. Imbattermi in un problema, stimolato dalla
sfida di risolverlo, affascinato dall’idea di affrontarlo,
dedicandogli tutto il mio tempo, fino a trasformarlo
in una felice soluzione, sta diventando la chiave di
lettura della mia seconda giovinezza. Ma azzerare un
problema comporta il nascerne di altri, in qualche
modo collegati al primo, e così “tiremm innanz”.
Questo mi è successo da libraio, questo mi succede
da scopritore di talenti artistici.
Di Deodato ho subito focalizzato la sua dote natu-
rale, quella di cui neanche lui se ne rende conto: la
sintesi felice tra luce, segno e materia. Guardando i
suoi primi lavori, lo si poteva immaginare un
“Alighiero Noschese” dei pittori, vedevi un suo di-
pinto e ti sembrava un Pollock, un altro era un
Rotella, invece quelli di adesso, sui quali ho insistito
perché marcasse sempre più la sua cifra artistica, sono
indiscutibilmente dei Deodato, riconoscibili tra mille
altri e a grandi distanze. Qual è l’originalità di questo
calabrese trapiantato in Brianza? L’ho visto lavorare,
armato di bastone, secchi di vernice, cartoni e cutter
in un seminterrato, alla periferia di Milano, illumina-
to da tre finestre contigue aperte su un’unica parete.
la sua tecnica pittorica non tiene in nessun conto la
tradizione rinascimentale del nostro paese, Antonio
non ha mai letto Cennino Cennini, però quando
deve fare un verde o un blu, non lo batte nessuno, e
benché non fissi le formule sulla carta, saprà sempre
rifare lo stesso verde e lo stesso blu, come se dentro
di lui agisse, inconsciamente, un regolo infallibile.
quadri, la cura del dettaglio e la maniacale attenzione
alla luce, comportano tempi di esecuzione delle opere
che gli impediscono produzioni da “mercato dell’arte”,
e così la sua fama e la sua produzione sono destinati e
limitati a una stretta cerchia di privati estimatori e rari
collezionisti che si contendono le sue tele. I suoi quadri
ci raccontano la città e rivelano scorci inconsueti dove
porti, stazioni, palazzi e monumenti sono i protagonisti.
Vedendo tutta la sua produzione artistica, verrebbe da
pensare che se non fosse pittore sarebbe architetto. Co-
me tale ha grande dimestichezza nel passare da una
“scala” di intervento all’altra; dalle spetacolari ampie
vedute “a volo d’uccello”di Milano, ai porti industriali
di Marghera e Genova, dai palazzi e dai monumenti
che svettano tra i tetti, alle banchine tra gigantesche
prue di navi mercantili. Recentemente la sua attenzio-
ne si è rivolta a due nuovi punti di vista sulla città, am-
bientazioni notturne e visioni “aerofotogrammetri-
che”. Da questi due nuovi ambiti e dai primi risultati si
conferma la grande capacità di Guaitamacchi di saper
giocare tra prospettive e profondità di campo, luci ed
atmosfere. Un uso esperto dei trucchi della prospettiva:
“La mia è un’altra visione rispetto alla fotografia anche
se a prima vista le assomiglia”, induce lo spettatore al
movimento. Di fronte ai suoi quadri al primo colpo
d’occhio si percepisce il grande impianto compositivo,
la curiosità ci porta poi ad avvicinarci, poi ad allonta-
narci e poi a spostarci per cercare di cogliere tutti i det-
tagli che ogni volta offrono emozioni diverse.Tecnica-
mente colpisce la grande abilità esecutiva nel “dipinge-
re a mano” le immagini realistiche che riempiono i
DALLA CITTÀ
P.le Abbiategrasso
Via Olona
La città dell’Arte
Via Olona, 16 - Quinto Stampi - Rozzano (MI)
Via Olona
DALLA
TANGENZIALE
OVEST
Uscita 7 Ticinese,
girare subito a
destra, seguire indi-
cazioni Ipermercato
Fiordaliso, prima
del cavalcavia a
sinistra in via Curiel
seguire fino al
semaforo tra i due
benzinai girare a
sinistra in Via F.
Maggi
(poi come sopra)
per informazioni
3382966557 - 3332869128 - 3384952540
28
Chi vuole fare, si
mette subito in
moto, partendo da
qualsiasi cosa, è
indifferente da dove
inizia, è come si
sviluppa, che quali-
fica il suo fare. Lo
riprendo al lavoro, come se stessi tenendo tra le mani
una cinepresa: intinge il bastone in un secchio, rime-
sta per un po’ il colore grasso e pastoso, quindi lo
estrae e lo fa gocciolare sul cartone steso sul pavi-
mento, poi lo intinge in un altro secchio con un altro
colore e ripete la stessa cerimonia. Qualche volta
imprime al bastone gesti semicircolari, altre, lo usa a
mo’ di aspersorio, così, strato su strato, tutto il cartone
viene ricoperto di colore. Lascia asciugare, quindi col
cutter lo smembra in mille tessere, di formato diver-
so, per ricomporlo successivamente con misure non
prestabilite, come un mosaico nel quale entra in
gioco la sua capacità naturale di accostare forme e
colori. Qualunque siano i sentimenti personali del-
l’artista, finito il quadro, ha subìto l’influenza di altri,
ma da adesso, lui influenzerà gli altri, questo credo e
penso di Antonio Deodato.
SpazioBoccainGalleria
Mercoledì 14 settembre ore 18,30
fino al 28 settembre 2005
suoi quadri, come la ruggine delle fiancate delle navi o
le marezzature dei muri degli edifici, tecnica sempre sa-
pientemente dosata con sfumature e velature a vantag-
gio dell’equilibrio compositivo e dell’impianto pro-
spettico. Che poi sia un pittore realista o iperrealista
non importa, penso che sia entrambe le cose a seconda
del significato che si vuol dare ai termini; si percepisce
un forte realismo nel rapporto che instaura con la città
e nel modo in cui la descrive, spingendosi quando vuo-
le oltre fino a mostrare la “conoscenza più esatta possi-
bile dell’oggetto e la restituzione più fedele di questa
conoscenza”. Questo passaggio fondamentale fra l’os-
servazione, la conoscenza e la rappresentazione della
realtà è il momento in cui si forma la visione dell’arti-
sta, l’intuizione del suo senso profondo e simbolico.
Da P.le
Abbiategrasso
(MM2) prendere
Viale Missaglia
(tram 15) scendere
alla fermata succes-
siva del Capolinea La Libreria Bocca Vi invita a visitare
Gratosoglio pren-
dere di fronte via F.
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La città dell’Arte
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guire dritto fino a
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Nei pressi della Fondazione Arnaldo Pomodoro
Vaso giallo, 2002
pastelli ad olio su pagine Lucia Pescador
cm 131 x 61
Cinema Roma
Leonardo Gallina*
Le opere di Lucia Pescador hanno girato il mondo
con successo e ora tornano a Voghera dove la pittrice
è nata. Il suo percorso artistico parte da Brera dove ha
studiato decorazione e inizia a lavorare muovendo i
suoi primi passi. Le sue tecniche preferite sono il
disegno e l’acquerello che usa con grande disinvoltu-
ra su soggetti colti da tematiche molto diverse ed ete-
rogenee. Le sue opere spaziano, durante la sua evolu-
zione artistica, dalla natura rappresentata in alcune sue
manifestazioni, come il cielo, il colore dello spazio, il
volo degli uccelli… a soggetti che nascono dall’attra-
zione per l’esotico, per le culture lontane, fino a cer-
care di catalogare, raccogliere tutto lo scibile
Angela Sassu
I meravigliosi meandri della figura
Antonio D’Amico
Apri la mente a quel ch’io ti paleso e fermalvi
entro; ché non fa scïenza, sanza lo ritenere, avere
inteso. Così Beatrice conduce Dante lungo
i sentieri della ‘verità’. Le arti figurative
portano alla vera essenza della vita e solo
chi si ferma dentro questo meraviglioso
mondo intenderà la profonda scïenza. Sono
segni a volte comprensibili e altre meno,
così come lo sono gli avvenimenti quoti-
diani.Turbolenze ansimanti che dormono
nel profondo di ogni uomo. Sono i moti
dell’animo i protagonisti di meandri figu-
rativi composti dalla sola sostanza del colo-
re usato come strumento portante dell’in-
tera scena, che la giovane pittrice ci pro-
pone. I quadri di Angela Sassu sono il
risultato di uno studio sull’uomo e la sua
essenza, sui gesti e il risvolto creativo che
ogni individuo porta in nuce nella sua
anima. La debolezza nelle
In silenzio, 2003 scelte e la capacità di adeguarsi divengono
olio su tavola caratteristiche morfologiche che si respi-
cm 60 x 40 rano tra le pieghe materiche che com-
pongono le sue figure. Sono sostanze ina-
nimate anelanti a risposte, con la paura di
soluzioni avventate per il desiderio, forse
anche vano, di detenere tutto sotto con-
trollo. Ogni parvenza è densa di una strut-
tura generata da getti nervosi e decisi. La
materia forma corpi che si muovono in
uno spazio anonimo che chiede di vivere
nella dimensione di ogni spettatore attrat-
Sognare, 2004 to dai sentimenti che trapelano da quei
olio su tavola volti in attesa di una vera identità. Sono
cm 60 x 120 donne consce della loro sovranità, traspi-
SAVE
Cristina Muccioli
L’arte si fa. Si usa talvolta, come nel caso del design.
Quando invece la si racconta, la si dice la si spiega,
spesso la si nega.Anzi la si annega, in un brodo sci-
pito di parole sbagliate. Questa volta è diverso. Il
timore delle parole che tendono a dominarci è esor-
cizzato. Perché attraverso le ultime opere di Maria
Teresa Illuminato, la cui rilevanza estetica è talmente
prensile da non abbisognare commenti, ma sguardi e
carezze, ho visto annidato e pronto all’eruzione un nucleo
M. T. Illuminato di idee, che con la loro forza cambieranno la storia. La sto-
Tessuto SAVE
ria della moda, del design, dell’arte. Questo magma con-
cettuale nasce da una consapevolezza, anch’essa storica, del
nostro mondo che sta cambiando per colpa nostra e per
merito nostro. Perché parte della smisurata e accre-
sciuta quantità di popolazione, che ogni giorno ne
devasta le risorse accumulando un mondo di rifiu-
ti,è decisa a salvarne la qualità.Partendo proprio dai
rifiuti, che da ostacolo diventano ricchezza. Siamo
sommersi dai rifiuti. Siamo inquinati addirittura
dalle scorie prodotte dagli inceneritori dei rifiuti.
Siamo salvati dal loro recupero, dalle loro più sor-
prendenti riutilizzazioni. Una di queste, pensata e
sperimentata da Illuminato, si chiama appunto
SAVE. Per rendere questo recupero, questa palinge-
Per la tua pubblicità chiama Antonio D’Amico 338 2380 938 - Gabriele Lodetti 333 2869 128 - Giorgio Lodetti 338 2966 557
umano… Il Mondo intero visto da lei. Inizia così la
sua ricerca non di fotografare il mondo come molti
artisti approssimativi fanno, ma di rendere visibili
quelle cose che solo il vero artista sa cogliere, rivelan-
dole con generosità a chi guarda ma non vede la
realtà che ci circonda nella sua totale essenza. Così
nasce, agli inizi degli anni ’90, il suo inventario di fine
secolo, in cui lavorando con la sua mano più espres-
siva, la mano sinistra, l’artista si confronta con il seco-
lo appena trascorso e inizia a raccogliere e a interpre-
tare quanto del secolo scorso val la pena di tener vivo
nella nostra memoria. Il tentativo dell’artista di
appropriarsi della realtà viene completato da un uti-
lizzo di supporti inusuali come le pagine di registri
contabili, gli spartiti musicali, le fatture, le pagine di
registri d’albergo su cui, quasi magicamente, vengo-
no inseriti disegni che fondono il loro silenzio misti-
co con il rumore della vita che scorre vorticosa con
i suoi ritmi angoscianti. In Cinema Roma l’artista,
ricordando un cinema storico della sua città ormai
ranti ruoli densi della sensualità vissuta. Sono uomini
ricurvi nei pensieri e nei sentimenti fatti di rigida com-
prensione del ‘pathos’. Caos e ordine, buio e luce, tra-
sparenze e stratificazione del colore fino a creare una
forma che acquista una densità simbolica e che condu-
ce agli albori di un ‘eros’ tutto da scoprire. La pittura di
Angela Sassu ci riporta al caldo mistero di un’atmosfera
notturna.Visi pensierosi che introducono mille solitudi-
ni, grandi mani che si toccano cercando protezione.
Sono azzurri, sinonimo del raziocinante sentiero masco-
lino vissuto con sospetto da un passionale rosso che per-
vade le figure femminili. Il sodalizio fra gli opposti
avviene nei grandi abbracci che consolano e ritornano a
isolarsi in una individualità vissuta con timore di perde-
re la propria aurea di fascino. Il colore dei corpi diventa
una tavolozza intensa e infuocata, un sovrano equilibrio
di magia cromatica. La pittura di Angela ci riporta a un
mondo fatto di sentimenti, di grandi passioni e innume-
revoli attese, le stesse della vita!
nesi della materia, il più possibile docile all’estro e alla crea-
tività dell’artista, la ricerca — perché di faticatissima ricerca
si tratta — si avvale della tecnologia, invece di fuggire da
essa verso l’utopia fumosa di un mondo puro e incontami-
nato fuori dal mondo.Arte, scienza e tecnologia svelgono i
paletti dei propri rigorosi domini e si incontrano, si inter-
rogano e si rispondono, iniziano un dialogo affascinante e
inedito destinato a durare. Illuminato usa frullatori,
individua sostanze ancora sconosciute per compattare
frammenti di materia, interpella tecnici e scienziati
del Centro Nazionale di Ricerca di Biella per trovare gli
ingredienti per la realizzazione delle sue idee. Accanto a
loro, nei laboratori del Centro, continua l’esplorazione di
quel fervido dinamismo vitale che solo lo scienziato e l’ar-
tista sanno scoprire dietro l’apparenza inerte, la “natura
morta” delle sostanze.Al centro c’è sempre lei, la materia. Il
perno di tutto il percorso creativo di Illuminato.Affascinata
ma non arresa al potere del colore, l’artista lo ha sperimen-
tato e declinato nella carta riciclata, nella buccia di una
cipolla, nella terra vulcanica, nella ruggine, nelle plastiche e
proprio ultimamente nella stoffa.Destrutturata,sminuzzata,
ricreata. Indumenti usati e vissuti sono davvero passati a
miglior vita.Adesso sono veri e propri affreschi di lana,seta,
acrilico, microfibra e altro, altro ancora. Così il colore in un
baluginio di sfumature e contrasti è ora ruvido, ora serico,
filamentoso, filigranato, poroso, peloso, morbidissimo o fru-
sciante. Il colore è materico. Non si guarda soltanto. Si
tocca. La mescolanza, oltre alla materia, è il nucleo cellula-
re inquieto, palpitante, di questa sublime metamorfosi tessi-
30
chiuso da tempo, esprime al meglio l’astrattismo liri-
co che la contraddistingue e che spazia tra il rigore
geometrico e la sensibilità di Malevich e la poesia di
Klee con le sue reminiscenze ludiche ed i suoi ricor-
di infantili. Le opere sono disposte secondo una
sequenza quasi cinematografica in cui convergono da
tutte le parti le voci, i suoni dell’Oriente, dell’Arte,
delle Mode, di tutto quanto l’artista ha creato per
questa manifestazione. La mostra quindi rappresenta
un momento importante dell’artista che, sensibile al
contatto con la sua città, esprime in un momento
evocativo della sua infanzia le sue grandi capacità
espressive utilizzando materiali molto vari. La mostra,
organizzata dalla Associazione culturale Progetto
Voghera, si tiene a Voghera alla Sala Luisa Pagano
Piazza Cesare Battisti dal 1 al 16 Ottobre 2005.
Ingresso libero catalogo in mostra.
*Presidente Associazione Progetto Voghera
Franco Tarantino
Raffaele Nigro
... Il tutto ha come scenario un
luogo azzurro o al più striato di rosa
e ciclamino. Sono i colori del sur-
reale e della trasparenza. Sono i
colori dell’aria e dell’acqua. Dunque
mi pare di capire che c’è un terzo
elemento che colpisce la riflessione
di Tarantino ed è l’infinito dell’am-
biente nel quale siamo calati, mare
acqua aria cielo. Siamo creature di
ossa e carne, stavo per dire di piom-
bo, e dunque legate alla terra, attrat-
te da una forza centripeta, ma vivia-
mo in un ambiente immateriale qual
è l’aria o l’acqua e siamo mossi da
una forza che ci trascina, ci sbatac-
chia, ci impedisce la quiete e la serenità direbbe Foscolo.
Una forza centrifuga. Nella ricostruzione metaforica
della tela Verso il 2000 una schiera di cavalieri sprona le
proprie cavalcature, costringendole a volare verso il
nuovo millennio. I cavalli sono quelli tesi allo spasimo di
Guernica e la velocità è la stessa dei pionieri al galoppo
alla conquista del nuovo mondo. Picasso e John Ford. I
corpi dei cavalieri alla maniera dei cartoni animati si
staccano dalle selle e quasi volano nell’aria, restando lega-
ti solo per le mani che si aggrappano alle criniere. Ma
vuoi vedere, mi sono detto, che questa forza che ci affa-
tica non è solo una qualche energia esterna a noi? Che
questa forza è anche dentro di noi e ci impedisce di vive-
re sereni, quieti, appagati? Che c’è dentro l’individuo una
pulsione? L’aspirazione a un tempo diverso, a una patria
diversa, a una città ideale della quale abbiamo nella nostra
mente un’icona? Sarà proprio così. E corriamo alla ricer-
ca di quel luogo. Sarà Itaca o sarà Laputa o sarà Utopia o
la Città del Sole. Cioè l’isola della memoria o della scien-
za o della perfezione e dell’armonia. Comunque un fatto
è certo, siamo in corsa.
le. Il citoplasma è la mescola umana, siamo tutti noi. Noi
con le nostre identità affidate certo in parte anche all’e-
spressività dei nostri capi d’abbigliamento.
SAVE fende fulminea la provenienza sociale, l’età, la
sobrietà e la preziosità dei tessuti. Li isola in virtù di un
codice estetico-percettivo racchiuso in ciascuno, e li rime-
scola secondo canoni artistici ed alchemici da macchiaioli.
Illuminato tesse così la trama e l’ordito di una nuova
società, rigenerata, in cui ognuno di noi può indossare il
bello dell’altro, offrendogli, condividendo, il bello di sé.
Sono le premesse di una nuova estetica morale. La felice
contaminazione assurta a metodo tra arte e scienza e l’es-
senza materica di SAVE occuperanno un posto di rilievo
nel dibattito attuale sull’ecologia, in particolare su quella
della mente. Essa saprà liberarsi dall’insostenibile peso della
purezza, monolitica e intollerante, discriminatoria e fonda-
mentalista.Non esiste una sola verità né un suo unico depo-
sitario. Non un solo colore né un solo sapere. Sarebbe
“puramente” riduttivo. Le promesse e gli sviluppi ipotizza-
bili di questa creazione convergono con forza verso l’uni-
verso della moda e quello del design, dove, ancora in fase
sperimentale, l’audacia delle tecniche più innovative si è
coniugata alla severa accuratezza del più antico imprinting
artigianale. È stato un vate dei nostri tempi, Gillo Dorfles,
a battezzare, con tutta la sua ieratica autorevolezza, la tecni-
ca della pizia dell’arte del futuro: l’ha definita “cromatolo-
gia tessile”, tenendo tra le mani pezzi di non-stoffa pittori-
ca,senza reprimere la stupefazione di sentirsi in salvo.Lunga
vita alle idee.
 NOVELLO FINOTTI
Anubi II
Marmo nero del Belgio

www.mirexspa.it
PER L’ARTE email: mirexspa@tin.it