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 BOMBE SU MILANO
Qualcuno dice che siamo tra i decani del
giornalismo musicale on-line in Italia. Qualcun altro
aggiunge che è vero. Qualcun altro invece non dice
nulla, ma ci segue in silenzio, lasciando un segno del proprio
passaggio sul contatore dell’home-page. Noi, per quanto ci
riguarda, non diciamo di essere bravi, ma appassionati sì, e pure tanto.
Da dieci anni, ogni giorno o quasi, recensioni, interviste, live report, monografie
e quant’altro. Due compilation dedicate rispettivamente a Beatles e Velvet
Underground con il meglio dell’indie italiano. Un sacco di altra musica e video in
download gratuito. E una linea editoriale dall’obbiettivo tanto utopico quanto
stimolante: recensire tutto, ma proprio tutto, senza alcuna distinzione di
genere o moda, e soprattutto in maniera indipendente e seria. Questo è ciò che
MusicbOOm prova ad essere da dieci anni a questa parte. Una guida nel mare
magnum della musica leggera, un servizio per chi la ama e per chi la vuole
scoprire, un calderone di pensieri sempre pronto ad esplodere nelle bombe
“sganciate” a chiosa di ogni recensione. Le stesse che “sganciamo” oggi su
Milano e sulla terza edizione del MI AMI, il festival della musica indie e dei baci
organizzato da Rockit, in questo free-press speciale contenente le recensioni
degli ultimi lavori di quasi tutti i nomi presenti al festival e una mini guida ai più
importanti appuntamenti musicali dell’estate europea.
Un sacco di bombe sorridenti al festival dei baci.

musicbOOm magazine è un progetto di impaginazione e grafiche musicbOOm

musicbOOm.it - beat concrete - webzine di magazine: mattia puntogif bergamini
musica a 360° mattia.bergamini@email.it

caporedattori: carlo crudele e luca d'alessandro
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redattori: diego ox4 ballani, luca barachetti,
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luca d'alessandro, luigi angelus faragalli,
beatrice beatroce finauro, eloisa franchi, alex
franquelli, ilario galati, franz gemelli, francesco
imperato, diego the mold moledda, thomas
paulo odry, onofrio palomba, salvatore howty
patti, marcello pelizzari, alessandra p pierozzi,
marina pierri, gaetano scippa, gabriele squillace,
daniele suardi, manuel big zotti
tiratura: 3000 copie
santa trinità: j mascis, quentin tarantino &
edwige fenech
 mi ami fest

VENERDÌ 08.06.07

Perturbazione, Carpacho!, A Toys Orchestra,

Micecars, Marta Sui Tubi, Virginiana Miller, News
For Lulu, Ex-Otago, Paolo Cattaneo, The Gumo,
Vanessa Van Basten, Lele Battista, Bachi
Da Pietra, Grimoon, Franklin Delano,
Hogwash, Marti, Home, Numero 6 +
Enrico Brizzi, Crookers.

le illustrazioni in queste pagine sono tratte dal sito ufficiale

del mi ami festival, a cura di rockit e domenicamattina.it
SABATO 09.06.07

Offlaga Disco Pax, Julie's Haircut,

Jennifer Gentle, Giorgio Canali,
Settlefish, Teatro Degli Orrori,
The Magicake, Late Guest At
The Party, Ministri, Isobel,
Velvet Score, Pink Rays,
Ten Thousand Bees,
Pay, Canadians,
Alessandro Raina,
Artemoltobuffa, The Banshee,
My Awesome Mixtape, Dente,
Le Man Avec Les Lunettes, Fitness
Pump, Beatrice Antolini, Giuliano
Dottori, Fabio De Luca + Luca De
Gennaro, Adriano Canzian.

DOMENICA 10.06.07

Polaroid Blog, Enver, Giacomo Spazio,

Dj Fuco, Spellbound, Sangue Disken,
Just Flow, dj U.D.A., Charming Djs,
Allo (e la sua Valigetta).

Paolo Cattaneo, L'equilibrio Non Basta (V2 -
Shinseiki/Edel, 2007)
Paolo Cattaneo, da Brescia, mette in atto quella che sembra
essere una delle vie più promettenti per rinnovare
l’iperaffolato e saturo mondo della canzone d’autore
nostrana: rinverdire la tradizione, fino quasi a snaturarla,
con input esteri dal forte valore espressivo. “L’equilibrio non
basta” gioca tra richiami italiani di nuova generazione e
contaminazioni post-ambientali comunque trattenute in solida
forma-canzone. Chimenti e Tiromancino presenze certe, Mum
e Sigur Rós a drenare scariche di emozione per atmosfere
lunari e attutite. Più indietro, per quanto riguarda il fronte
casalingo, non si va. E forse è un bene, perché le nove
composizioni del disco puntano tutto a rinnovare pur con
divieto di stravolgimenti, all’insegna di un’autorialità che si
chiude elegantemente in sé senza risultare nè
autoreferenziale nè superba. L’apertura di Incastri è quanto di
meglio ci si possa aspettare viste le premesse: andatura
d’alta scuola con elettronica, piano e clarino a spartirsi la
scena e testo notevole («L’astronave stasera si chiama
“speranza”» punta ad essere il vincitore di un’ipotetica e
assai feticistica classifica del miglior primo verso di un disco
anno duemilasette). L’eco che stona e Neurovegetali
mostrano invece tutte le altre carte, e che carte: pianoforte,
contrabbasso, elettronica, voce semialienata e altro testo da
segnare la prima (alla chiamata numero due giusto citare
l’autore delle liriche: il poeta Giovanni Peli); ombrosità David
Sylvian e ritornello placentare Sigur Rós la seconda, con
finale di contrabbasso che riprende avventure ambient-
jazzistiche confermate dalla biografia (Cattaneo ha all’attivo
dodici anni fa anche un disco in zona new-age). Il resto
qualitativamente segue i brani citati, con una leggera
flessione prima delle ultime due tracce, ma siamo noi pignoli,
in realtà non è nulla di grave. Anzi: poco prima Cattaneo
scrive quella canzone d’amore che a Zampaglione e soci da
un po’ di tempo non viene più (Col mio ritmo); e poco dopo
con la doppia chiusura de Il passo che giustifica il tempo (fiati
e scura ipnosi elettronica Radiohead) e Infinito (nuovo
albeggio Sigur con sfrigolii kraut e clarino maestoso a
immobilizzare il tempo) rilascia due gioiellini atmosferici che
allungano ancora di più l’importante lista di influenze.
Insomma: Paolo Cattaneo sorpresa d’inizio anno. Da iscrivere
alla voce “possibili salvatori della canzone d’autore italiana”.
LUCA BARACHETTI
e caso il sound complessivo dei pezzi. Tronco qui l’inutile e
ga zin
m a
News For Lulu, Ten Little White Monsters
(Zahr/Audioglobe, 2006)
News For Lulu sono sei ragazzi pavesi, e, a loro dire, nel
momento in cui hanno dovuto decidere che direzione
artistica prendere, hanno pensato “che era molto meglio
concentrarci principalmente sulla forma canzone e sui suoi
infiniti arrangiamenti”. Il che significa, all’atto pratico, che il
loro esordio Ten Little White Monsters cerca da un lato di
avere delle buone melodie, e dall’altro di riprodurle in modo
sempre diverso. E ci riesce.
Quello che impressiona di questa band è la quantità di cose
che sono già capaci di fare alla prima fatica sulla lunga
distanza. Sanno infatti rivoltare una canzone come un guanto
da un momento all’altro (Late Night Commercial, Tic-Toc
Clock), così come aumentare l’intensità del suono in modo
graduale ed armonico (Christmas Monkey); sanno strizzare
l’occhio al post rock con brani dallo sviluppo più essenziale (A
Gun Is Not The Solution, la title-track) o più articolato
(Charlotte With Robots) ed anche essere più eterei ed
intimisti (Left Hand Writers). Con le loro chitarre sanno sia
graffiare che lavorare di cesello, ma sanno anche quando
mettere più in primo piano la tastiera, per assicurare una
varietà ancora maggiore (Scarecrows At The Window, I’ve
Been So Clever). La sezione ritmica sa sempre quali tempi
tenere per non risultare né piatta e nemmeno slegata dal
suono che va a sostenere, la voce sa alternare una presenza
poco più che discreta ad una molto più invadente. Sia il
songwriting che gli infiniti arrangiamenti di cui sopra sono
riconducibili ad uno stile coerente, ma altrettanto distinguibili
tra una canzone e l’altra.
Le ultime parole cantate sul disco da Umberto Provenzani
sono “It’s amazing, I’m still here”. E non ne servono altre per
descrivere cosa può dare questo disco perché semplicemente,
alla fine del viaggio, si resta quasi sorpresi di trovarsi in
questo mondo, e non in un altro. STEFANO BARTOLOTTA
Micecars, I'M The Creature (Homesleep/Audioglobe,
2006)
Siamo appena all’inizio dell’anno, ma che questo “I’m the
creature”, dei romani Micecars (album uscito in verità
già nel novembre del 2006), resterà a lungo un punto di
riferimento per la scena dell’indie-rock nostrano, ci
sentiamo di dirlo già da ora. Non par vero poter recensire un
disco indie italiano senza dover per forza fare il nome dei
Pavement. O meglio, la lezione di Malkmus e soci sembra
essere stata appresa, assorbita, e dimenticata (o perlomeno
abbondantemente diluita) abbastanza in fretta. Riferimenti
abbastanza costanti sembrano essere piuttosto Pixies, dEUS
e Blur, qualche reminescenza pumpkinsiana (ascoltare il riff di
chitarra di Watch over your gun per credere) un pochino di
Beck forse. I Broken Social Scene. Non mancano, seppur
moderati, richiami all’odierno revival new wave – cassa,
rullante e giro di basso sagace, che pompa e piace –
fortunatamente senza mai appesantire con le banalità del
fastidiosa lista dei riferimenti e delle influenze. Inutile e
fastidiosa perché potrebbe sterilmente durare all’infinito,
infatti i Micecars fanno proprio di questo pastiche sonoro di
generi e influenze un segnale di stile personale. Da questo
ammasso consapevolmente disordinato di strofe, ritornelli,
bridge, code, intro e quant’altro, ne escono le voci, un po’
sghembe, rigorosamente lo-fi, sempre come sullo sfondo a
dare coerenza e identità ai pezzi – e i momenti felici davvero

non mancano. Introducing your liquid pets per esempio:
bellissimo crescendo finale costruito su un’intuizione melodica
tanto semplice quanto trascinante. Da ricordare certamente
la ballata atipica Fritz is Alive, la pirotecnica Battle against
nimesulide, o la già citata Watch over your gun, traccia di
apertura dell’album. Sfido chiunque a resistere alla
tentazione perlomeno dell’accenno di head-banging sul
ritornello di Hulk Hogan.
Il lavoro esce per la Homesleep e la produzione è del duo
Matteo Agostinelli (Yuppie Flu) e Francesco Donadello
(Giardini di Mirò); lavoro talmente curato dai due decani del
post, che sembra poter rappresentare perfettamente il
paradosso tipicamente italiano di un indie ultraprodotto e
patinato. A volte infatti questa presenza costante pare
appesantire e soffocare un pochino la genuinità di certe
trovate e di certi spunti. Comunque, con quest’album, i
Micecars dimostrano di saper dominare un mondo musicale e
di poter fare ciò che vogliono al suo interno. Riescono
nell’impresa di rinnovare in modo originale il sound di un
genere che sembra ormai definitivamente essersi consolidato
in una maniera. Dunque peccato se le canzoni sembrino
durare solo un istante di più del loro ascolto. Peccato se da
questa giostra impazzita di suoni e stili forse si rimanga un
pochino frastornati, perdendo alla lunga l’occasione di un
incontro più sincero. Ma forse questo è anche il fascino di
album come questi, colonna sonora per giornate con poche
pretese, da ascoltare camminando per strada in una giornata
di sole senza pensieri: “it’s only rock’n’roll but…”. DANIELE
SUARDI
A Toys Orchestra, Techicolor Dreams
(Urtovox/Audioglobe, 2007)
Inutile negarlo: il terzo album degli A Toys Orchestra destava
un po' di preoccupazione. Almeno al sottoscritto, che aveva
amato il precedente Cuckoo Boohoo e che si era, in un certo
senso, affezionato al progetto musicale della band campana.
Destava preoccupazione perchè tanti elementi - in primis le
alte aspettative che si erano venute a creare nei loro
confronti - non avrebbero aiutato a perdonare un eventuale
passo falso; ed in questa ottica, il rischio di vedere gli A Toys
Orchestra stritolati dai critici modaioli di turno o bollati dal
brutto epiteto di promessa non mantenuta, mi spaventava
non poco.
Per fortuna a questo Technicolor Dreams di giri nel lettore ne
sono bastati appena un paio per fugare ogni dubbio ed, al
contempo, allontanare ogni fantasma: i Toys sono, infatti,
tornati con un disco splendido.Tanto per cominciare, gli A
Toys Orchestra hanno messo da parte i giocattoli per
dedicarsi a tempo pieno ai libri di favole. Sensazione, questa,
dovuta non solo al bel packaging ed al booklet in chiaro stile
fiabesco, ma anche e soprattutto ad un piglio compositivo più
asciutto e maturo, alla scelta di suoni e strumenti più caldi, a
quella disillusione di fondo che a tratti si fa drammaticità - in
questo senso appare spiegarsi il motivo per cui a questo
giro il cantato maschile predomina nettamente su quello
femminile - alla stesura di testi, bellissimi anch'essi e ancora
una volta in inglese, che spaziano da amore a morte, da
politica a religione.
Così come è evidente una maggiore ricchezza di elementi,
per altri versi Technicolor Dreams appare essere un processo
di sfrondamento con il quale gli A Toys Orchestra - con al
timone della produzione Dustin O'Holloran - hanno posto
attenzione fondamentale alla melodia, portando il pianoforte
in prima linea - probabilmente anche in fase di composizione
Venerdì 8
- e non disdegnando qualche delicatezza acustica, pur non
rinunciando alle divagazioni arrangiamentali, ai cambi di
passo, alla stratificazione di tanti elementi abilmente
combinati tra loro, tra i quali ritroviamo anche qualche
balocco superstite (un esempio su tutti: Ease Off The Bit).
Un processo di sfrondamento, dicevamo, che porta anche a
prosciugare i riferimenti e quindi, messi da parte Blonde
Redhead e compagnia, si arriva dritti al midollo di essi, e cioè
a quei Beatles che i cinque campani mettono in lavatrice e
mescolano alle loro alchimie, facendo bene attenzione a non
lavarne via la semplicità, l'immediatezza e la purezza
melodica, veri e propri binari su cui far viaggiare sicuro
questo disco.
Tredici tracce con cui rivendicare un posto d'onore nel
panorama indie italiano e per affacciarsi con dignità al di fuori
dello stivale. Sarà pur vero che i ragazzi hanno da poco
messo i giocattoli in ripostiglio e che ancora vanno in giro con
un libro di favole sotto braccio ma è altresì evidente, limpido
e cristallino che Enzo, Ilaria, Raffaele, Fausto ed Andrea
sono diventati grandi. LUCA D'ALESSANDRO
Virginiana Miller, Fuochi Fatui D'Artificio
(RadioFandango/Edel, 2006)
Molto più chiuso rispetto a “La verità sul tennis” e
fottutamente autoreferenziale, questo “Fuochi fatui
d’artificio” è un disco dei Virginiana Miller. Nel senso che non
potrebbe essere di nessun altro, se non loro. Una sorta di
piccolo bignami che racchiude e richiama sfacciatamente dieci
anni di musica e di parole, di storie, di racconti visionari e di
ricordi, dai tempi del debutto con il capolavoro “Gelaterie
sconsacrate”.
Chi ha scoperto i Virginiana Miller con “La verità sul tennis”,
probabilmente resterà deluso da questo nuovo album. Forse
perché si sarebbe aspettato un disco ancora più abbordabile,
più alla mano, più aperto. Chi li conosce dagli albori, invece,
da quando lo zio più forte “ha vinto una gara di tiro al
piattello ed una di ballo liscio”, sfodererà un ghigno
compiaciuto. Lo stesso ghigno di chi la sa lunga, ritrovando in
queste nuove canzoni le cose vecchie e un po’ polverose a cui
era affezionato, in particolare per quanto riguarda i testi. I
suoni, invece, seguono la falsa riga dell’album precedente,
decisamente accattivanti, moderni, con massicce dosi di
tastiere e ritmiche spesso sostenute e quadrate, che
ricordano i Baustelle e, ancora di più, i Perturbazione.
Nonostante questo approccio al passo con i tempi, in realtà
alcuni di questi fuochi fatui d’artificio se ne stanno sulle loro e
si concedono poco, almeno in principio. Le prime volte ci si
guarda di sbieco, il tempo di incrociare lo sguardo ed
abbassare gli occhi, oppure facendo finta di non vedersi. Poi,
invece, poco alla volta, si finisce per entrare sempre più in
sintonia con un disco che non si brucia come un fiammifero,
ma che ha vita lunga. Il disco. L’amore, ahinoi, meno. Molto
meno.
Questa è la chiave di volta, l’argomento spinoso su cui i
livornesi hanno messo il loro marchio di fabbrica. Perché
per loro è tutto facile. Tirano fuori dal cilindro un ritornello
che neanche i Perturbazione di “Se mi scrivi” e scattano due
o tre fotografie alla litoranea laziale, da Ostia a Ladispoli, su
cui passano i pischelli in bicicletta, i cocomerai, Pasolini, la
pipa di Pertini e dove passa anche l’amore: “tutte le stelle
sono splendenti, eppure speri in quelle cadenti; e l’amore
passa, lascialo passare; se l’amore passa, restano queste
palazzine al mare”. Due o tre pennellate di colore, un punto
grande come un cocomero e il gioco è fatto. Oppure: “c’ho
provato anch’io, ma tante tante volte, a chiuderti le porte col
pensiero e dirti addio, davvero”, così come Uri Geller, che
riusciva a piegare i cucchiaini con la sola forza del pensiero.
Certo sarebbe facile, ma non sempre ci si riesce e così a volte
si finisce col diventare il Commodore 64 di se stessi, stanchi,
lenti e disconnessi, in una canzone che sembra rubata dal
cassetto dei Reflue, mentre qualcuno, invece, si sente più
libero e non basta “il canto delle sirene” per ritrovarsi. Vero,
diceva bene De Gregori. E quanti ricordi: il giardino, il Ciao
con le ruote sgonfie, la crema da spalmare sulle spalle, le
formiche sulle gambe e i grilli nella testa. Un po’ la “Vita
illusa” di tre anni fa. “Tommyhilfiger multivitaminivideocam
nikepump” come “Italtubi megamobil tecnocasa”. Come un
cane che si morde la coda o come un gruppo che in fondo si
diverte ad autocelebrarsi. E poi lo scambio culturale Italia –
DDR, “oltre cortine d’oblio, oltre il confine di silenzio e di
spine” e ‘fanculo ai saluti socialisti. Con il ticchettio della
lancetta dei secondi che la notte, a letto, quando si cerca di
prender sonno, rimbomba nella testa come un plotone in
marcia. Si chiama “Insonnia”. Insonnia di te, perché sei
venuta a trovarmi stasera. Perché non ti fermi fino al dolce
domani, tu ed io “A luce spenta”, come Tommaso e Rachele?
Buffe coincidenze in un viaggio nei meandri e nelle pieghe di
un amore finito. Un viaggio di quarantacinque minuti scarsi
che, in realtà, richiede molto, molto più tempo.
Dite quello che vi pare. Forse troppo autoreferenziali, troppo
autocompiaciuti, troppo innamorati di sé stessi e delle proprie
canzoni. Tutto vero, ma loro se lo possono permettere.
THOMAS PAULO ODRY
Perturbazione, Pianissimo Fortissimo (Capitol
Records/Emi, 2007)
Non hanno inventato nulla, eppure le loro peculiarità sono
perfettamente riconoscibili anche a diverse miglia di distanza.
Non cambiano - se non di poche virgole - da un disco
all'altro, eppure esplorare, scoprire, sezionare, amare e
mandare a memoria le loro canzoni è cosa quantomai
emozionante. Non servirebbe aggiungere altro a questa
recensione, eppure qualcosa su questo Pianissimo Fortissimo
dei Perturbazione, voglio pur dirvela. Posso aggiungere, ad
esempio, che chi temeva che il passaggio alla major potesse
incidere sullo stile della band - magari intaccandone le
sonorità o lasciandone evaporare la poetica - può
tranquillizzarsi: il piacere delle piccole scoperte e delle "gioie
minime" è immutato, così come si ritrovano intatte la
semplicità - sempre costantemente coniugata a freschezza e
schiettezza - delle liriche ed un approccio scevro da
barocchismi. Pianissimo Fortissimo, nemmeno a dirlo, è un
disco che canta l'amore in maniera sussurata, rifuggendo
stilemi e rime baciate, esaltando ed emozionando in maniera
tenue e gentile. E poi, ovviamente, quegli intrecci senza
distorsioni, quelle circolarità malinconiche, quelle andature
felpate, quegli arrangiamenti
che in punta di piedi
e E, se il giudizio è ormai chiarissimo - soffermarsi sul lirismo di
ga zin
m a
sfondano il cuore meglio di una imperiosa ariete, non
potevano mancare. E sorridiamo commossi nel ritrovare tutto
questo di nuovo. Ancora. Ora. Inutile dilungarsi ad elencare i
brani o a sprecare paragoni con i dischi precedenti. Faremo
solo accademia e ciò non è volontà di chi avrebbe anche
potuto limitare questa recensione al primo paragrafo. O,
addirittura, alla seguente frase: "Pianissimo Fortissimo è un
disco dei Perturbazione". E questo basta. LUCA
D'ALESSANDRO
Marta Sui Tubi, C'è Gente Che Deve Dormire (Eclectic
Circus/V2, 2005)
Dare un seguito ad album che, da soli e all'improvviso,
riescono non soltanto a testimoniare talento e genialità
fuori dal comune, ma anche a diventare di diritto ed in tempi
brevi dei piccoli classici di un intero panorama, non è mai
cosa facile. E non è cosa facile soprattutto se l'opera in
questione detiene, oltre alle caratteristiche di cui sopra, il
merito di essere un concentrato di originalità, condito da
ingredienti decisamente sui generis e da una cifra stilistica
che è riduttivo definire considerevole. E' il caso, per farla
breve, di dischi come Muscoli e Dei, cui oggi i Marta Sui Tubi
affiancano la nuova fatica discografica, affibiandole il titolo di
C'è Gente Che Deve Dormire ed il compito di confermare il
successo di critica e pubblico riscosso meritatamente con
l'album di debutto. E, quasi a voler confermare quanto detto
fino ad ora, se all'esordio ci erano apparsi stellari,
inevitabilmente si ripresentano oggi maggiormente terrestri.
Un ritorno sulla terra, dunque, ma senza il tonfo, visto e
considerato che C'è Gente Che Deve Dormire è comunque un
album validissimo. Seppure incapace di ricalcare la
strafottenza, l'esplosività e la capacità di spiazzare del suo
predecessore, C'è Gente Che Deve Dormire è un lavoro che
piace e di cui si apprezzano gli arrangiamenti maggiormenti
pettinati e i particolari più minuziosamente curati, nonostante
ciò vada a discapito di una buona dose di quella stravaganza
caratterizzante della band, da oggi ufficialmente un trio dopo
l'ingresso in pianta stabile del batterista Ivan Paolini. Tutto
ciò porta a composizioni funzionali - brani che reggano il
confronto con Stitichezza Cronica o Post non ce ne sono ma,
si sa, chi si accontenta gode - che guardano anche volentieri
alla forma canzone, la qual cosa trova in L'abbandono - in cui
si segnalano anche gli ottimi intrecci vocali che sul finale
coinvolgono Moltheni - e nella bella 31 Lune - ospite la
sorprendente Sara Piolanti - gli esempi più rappresentativi.
Pollice alzato anche per l'iniziale Via Dante - ancora ospiti:
Paolo Benvegnù che recita uno stralcio dell'Inferno dantesco e
un azzeccatissimo Bobby Solo - e per la filastrocca Perchè
Non Pesi Niente, forse il brano che meglio di ogni altro lega il
passato irruente alla acquisita moderazione e maturità
attuale. Notevole il lavoro sugli arrangiamenti, con il tentativo
di arricchire la formula di partenza - in aiuto sono corsi, tra
gli altri, Enrico Gabrielli, geniale polistrumentista dei
Mariposa, presente in tre brani - che può dirsi ampiamente
riuscito.
Cenere, sulla peculiarità di La Tua Argenteria e sulla ben
compiuta cover beatlesiana posta in coda appare quasi
superfluo - l'unico dubbio rimane legato al rischio che si
potrebbe correre iterando ancora questa formula in futuro.
Ma, visto che di dubbi e di futuro si sta parlando, nel
frattempo tanto vale godersi i due ottimi dischi che i Marta
Sui Tubi ci hanno fino ad ora regalato. LUCA D'ALESSANDRO

AND
RE
A ZO
LI
Home, Home Is Where The Heart Is
(Manzanilla/Goodfellas, 2007)
Qualche tempo fa mi è capitato di assistere ad un concerto di
questi tre ragazzi di Verona. Quello che più mi ha colpito nella
loro impeccabile performance, oltre alla grande carica che
riuscivano a trasmettere dal palco e al perfetto abbigliamento
stile Kinks '65, è stata la precisione dei cori, le soffici armonie
delle voci, che non perdevano compattezza neanche quando
si appoggiavano sulle basi tempestose di un garage rock di
matrice Who-iana. Un connubio di potenza e melodia (e stile
aggiungerei) difficilmente registrabile alle nostre latitudini.
Tutti elementi che naturalmente stanno alla base di questo
Home Is Where The Heart Is. Il dischetto in questione consta
di appena 8 tracce dalla durata media abbastanza elevata per
un album che si dovrebbe attenere alla ferrea regola del
verse-chorus-verse tipica del power pop. Eppure non c'è un
secondo, fra questi solchi, che si sarebbe disposti a
sacrificare. Non la coda noise che chiude Request e che porta
la band dalle parti di un moderno brit pop; tanto meno quella
psichedelica che suggella la conclusiva Dom Perignon 1982 e
che si piazza stabilmente sulle tracce dei Beatles più languidi
e accattivanti. Merito degli eleganti intrecci canori che sono il
vero marchio di fabbrica della band e che fanno bella mostra
di sè perfino sul riff blues del'iniziale Perfect Born Actress, il
brano più atipico dell'album che apre le danze con il groove
dei Cream. E' un piacere perdersi nelle atmosfere sognanti di
I Know That You Know o nel ritornello glam di Sunday
Morning, reiterato fino alla completa assuefazione. Un
continuo gioco di citazioni che potrebbe continuare all'infinito,
fino a scomodare il nome dei Big Star (People Like You) e
quello dei T-Rex. Forse è proprio questo il punto di forza degli
Home, quello di saper interpretare influenze disparate con
gusto, personalità e, soprattutto, senza il minimo complesso
nei confronti dei nobili modelli di riferimento. Per chi scrive
un'autentica rivelazione. DIEGO OX4 BALLANI
Lele Battista, Le Ombre (Mescal/Sony, 2006)
Sciolti i La Sintesi dopo due dischi (uno interessante, l’altro
decisamente meno) e una partecipazione a Sanremo, LeLe
Battista torna con il suo primo disco solista affiancato da
Giorgio Mastrocola, coautore sia dei brani passati che delle
nuove canzoni. “Le Ombre” rivisita in chiave cantautorale
quelle che furono le coordinate della precedente avventura
limando le attitudini più leggere e mantenendone invece
intatti i toni scuri, che danno alle undici canzoni del disco
gradazioni invernali, quasi da (moderno) film in bianco e
nero. Intimista ma allo stesso tempo sontuoso – grazie
soprattutto alla mano ispirata di Celso Valli, suoi gli
arrangiamenti di tre brani – “Le Ombre” vive della buona
scrittura di Battista, scrittura che nonostante un discreto
numero di testi rilevanti (Le Ombre, Intese) cantati con una
voce a suo agio nelle atmosfere di tutti i brani (ingannevole a
bunnybuster è di andrea zoli andrea-zoli@libero.it
Venerdì 8
tratti l’affinità con Andrea Chimenti) non trova però le
prerogative ideali per far decollare le canzoni, che appaiono
da subito come parenti un po’ stinte di questo o quell’altro
artista. Il Battiato di “Gommalacca” in La voglia di stare con
te, o i Cure ammorbiditi di Amore folle o ancora i Bluvertigo
romantici di Tutto strappato – e successivamente gli stessi
nomi ancora, che si alternano in un gioco di rimandi un
po’ sonnolento – ci spingono fino alla traccia dieci per
segnalare l’unico momento estraneo al semi-anonimato
dell’intero album. E’ quel piccolo capolavoro da chansonnier
postmoderno intitolato Trieste: lì probabilmente c’è
il miglior LeLe Battista, ma il resto è davvero una mezza
delusione. LUCA BARACHETTI
Grimoon, La Lanterne Magique (Macaco
Records/Audioglobe, 2006)
Ci hanno messo più tempo rispetto a quanto avrebbero
meritato, i Grimoon, per attirare su di sé l’attenzione degli
appassionati: il loro nome, infatti, ha iniziato a circolare
diversi mesi dopo la pubblicazione del loro ep Demoduff#1,
uscito nel 2004 (e da noi recensito qui circa un anno fa), e
comunque in tempo per creare una certa attesa nei confronti
del loro debutto sulla lunga distanza, che la Macaco Records
ha dato alla luce lo scorso novembre. Attesa pienamente
ripagata da un lavoro di grande spessore, che rende più
compiuta la rappresentazione dell’immaginario della band, e
più forti le sensazioni da esso espresse. Questo anche grazie
al DVD allegato, non certo un inutile orpello, ma parte
integrante dell’espressione artistica del mondo Grimoon, con
il film della durata di oltre un’ora e la manciata di
cortometraggi realizzati per accompagnare le canzoni, e
proiettati sempre alle spalle del gruppo durante i concerti.
Il motore compositivo, alimentato principalmente dai due
cantanti Solenn Le Marchand e Alberto Stevanato, porta tutti
i musicisti ad esplorare paesaggi a tinte fosche ma
affascinanti, un noir d’altri tempi, evocato con strumenti
d’altri tempi, utilizzati in modo molto personale ed innovativo.
A chi, infatti, verrebbe in mente di fare in modo che il
mandolino, l’organo e la fisarmonica diano un contributo
determinante per creare atmosfere varie ed avvolgenti,
rivolte ora ad un sognante intimismo, ora ad un’eterea
nostalgia, ora a frenetiche marcette, ora ad armonie piene e
rotonde con rari slanci di spensieratezza pop? Tutto questo
succede, in questi tredici episodi, distinguibili l’uno dall’altro
in ogni aspetto: l’interazione tra le due voci; il timbro vocale
della Le Marchand, a volte caldo e rilassato, a volte
pungente; le canzoni al cui interno si registra l’unione di
impostazioni diverse tra loro, in modo ogni volta diverso e
sempre magistrale, affiancate ad altre più uniformi, ma
parimenti intense; il diverso bilanciamento tra la parte
vintage del suono e quella più attuale. Anche le melodie si
dimostrano sempre all’altezza della qualità dell’impianto
sonoro ed emotivo globale, che siano più piene o più
sfuggenti. La parte “cinematografica” del lavoro è basata sul
surrealismo di un mondo parallelo fatto di maschere,
giocattoli, oggetti animati e gioco degli scacchi, ed è
bellissimo come la musica veicoli la compenetrazione di
questo surrealismo con la quotidianità con cui ogni giorno
conviviamo, ma che talvolta ci sembra di dover affrontare.
Il mondo Grimoon ha quindi un fascino oscuro ma altrettanto
irresistibile, e l’opera che lo esprime ha una maturità ed uno
charme che oggi sono merce rara ovunque, non solo in Italia.
STEFANO BARTOLOTTA
Franklin Delano, Come Home (Ghost
Records/Audioglobe, 2006)
To the USA and back. Ed i segni del viaggio ai Franklin Delano
sono rimasti tutti addosso. Segnati sulla pelle e su un sound
che di stelle e di strisce ne annoverava già parecchie - in tal
senso la tournee consumatasi negli Stati Uniti è stata
nient'altro che un perfetto coronamento - ma che qui,
nell'ultimo Come Home, coniuga particolari ed interseca
percorsi non soltanto ideali.
E se per il precedente Like A Smoking Gun In Front Of Me si
erano sprecati termini quali desert-rock, appare evidente
come in quest'ultima fatica di studio si sia affiancata alle
precedenti peculiarità - che pure resistono come
indispensabile marchio di fabbrica - una matrice più
prettamente rock. Ed è per questo che il "ritorno a casa" del
titolo è anche percepibile in ritmiche più robuste, in
progressioni più accentuate, in passaggi e soluzioni più
dirette e contenute. Il risultato fa volgere il pollice verso l'alto
per l'immediatezza con cui Come Home raggiunge
l'ascoltatore ma anche per i dettagli ed i deliziosi particolari
che si scoprono con il tempo e che regalano convincente
longevità al disco. Autunnale come i precedenti, ma meno
umbratili le sue atmosfere - alcune aperture di fiati sembrano
lasciar trasparire una serenità di fondo maggiormente
spiccata e presente rispetto ai lavori precedenti - a tratti
altrettanto malinconico ma meno disilluso e più pronto a
ripartenze ritmate che a circolarità reiterate.
Tutto ciò detto, è lecito pensare che il ritorno a casa sia solo
un passaggio di un cammino ben più lungo. Alcuni viandanti
amano il focolare, ma l'appeal ed il richiamo di certe strade
polverose è impossibile da ignorare. LUCA D'ALESSANDRO
Hogwash, Half Untruths (Urtovox/Audioglobe, 2006)
È un bell’album questo degli Hogwash. Secondo le parole di
presentazione che trovo sul sito ufficiale, in queste tredici
tracce si realizza la «perfetta sintesi» di un lavoro ormai più
che decennale. La scelta stilistica – la produzione è stata
affidata ad Alberto Ferrari (Verdena) – sembra essere stata
quella di trasportare e riadattare la storia musicale del
gruppo al campo dell’indie pop-rock nostrano. Si sente
l’esperienza degli Yuppie Flu che ormai fa scuola (Red heart
shaped petal, As a day) e nella loro scia riaffiora l’eco dei
Pavement (Crude).
Il passato rock e psichedelico dei lavori precedenti rimane
comunque ben riconoscibile caratterizzando il sound presente
della band. Si avverte l’ombra lunga dei Motorpsycho in
Bikeride, Goodbye letters e anche in My dear december, dove
le chitarre esplodono in una rincorsa reciproca fragorosa,
trascinante, e la melodia vocale è orecchiabile senza essere
banale. L’ottava traccia, I see you, è quasi un dialogo tra
Thurstone Moore & co. e la Seattle degli Alice In Chains, il
tutto, naturalmente,
decontestualizzato e
e risponde coi suoi vuoti-suoni profondissimi e penetranti: dalla
ga zin
m a
rivisitato opportunamente. Chitarra acustica, tastiere minime
e seconde voci ispirate illuminano la tracklist con ballate
spensierate e malinconiche insieme – Red heart shaped petal
e Holes in my maps su tutte. L’elettronica al contrario è
sostanzialmente rinnegata in nome di una fedeltà al rock
“suonato” da sempre componente fondamentale dell’identità
del gruppo bergamasco. D’altra parte, sbuca anche un
mandolino in Thomas Ross jr. – la canzone più fresca e
immediata dell’album – a ricordare, se fosse necessario,
quanto il passato sia “passato”. L’alchimia strumentale degli
Hogwash è ormai matura e consapevole delle proprie
potenzialità. Tecnica e abilità compositive vanno di pari
passo: basti notare le raffinatezze armoniche, gli stacchi e i
cambi di tempo disseminati lungo tutto l’album (per esempio
l’ambiguità ritmica della strofa e il finale corale di Me and the
half untruths part I & II). La scelta di cantare in inglese – che
certo può aprire orizzonti commerciali e di visibilità più ampi
al gruppo – tradisce a tratti, però, una certa mancanza di
personalità, anche perchè i testi non sono sempre all’altezza
della controparte musicale: puro pretesto melodico, a volte
un po’ troppo naif pure per un gruppo indie. In sostanza, gli
Hogwash si muovono su un terreno arduo, infinitamente
percorso negli ultimi anni; lo fanno con grazia e maestria
rare, almeno per gli standard italiani. Certo questa solidità
tecnica e formale collaudata sembra chiudersi intorno al
gruppo in un guscio che rende difficile cogliere una presenza
chiara, definita in maniera personale e originale. Comunque
“Half Untruths” rimane un disco che forse non cambierà le
sorti della musica nostrana ma su cui si potrà fare
affidamento a lungo in futuro. DANIELE SUARDI
Bachi Da Pietra, Non Io (Wallace-Die
Schachtel/Audioglobe, 2007)
«Scendi all’automatico col bancomat, dieci litri di benzina in
una tanica, saluti un conoscente sali in macchina, sorridi alla
tua soluzione drastica […] Questa casa di legno che osservi
bruciare apre altre strade». Prendere il largo dal fuoco, senza
risorgere. Buttarsi dentro, sotto, nell’anima moderna del
mondo. Il secondo disco dei Bachi da Pietra vi si butta a
capofitto, con sguardo lucido e implacabile ne squadra la
condizione sociale, individuale, disperata. Dal commiato
solitario e sepolcrale di Casa di legno verso l’epifania blues-
industrial in trance Einstürzende Neubauten di Altri Guasti, e
poi oltre. Un viaggio che è un guardarsi intorno e dire, con i
versi più veri e più giusti, e per questo impossibili da lasciare
scorrere senza crollare almeno un po’. Un viaggio che sulle
parole-corde di Giovanni Succi (chi scrive meglio di lui, oggi,
in Italia?) e sui ritmi-timbri sempre più variamente oscuri di
Bruno Dorella sconta tutta la sua lucida forza, il suo humus
brulicante metallo, terra e sangue. “Non Io” è titolo che
sintetizza tutto perfettamente, mantra accumulativo che nella
title-track («fiato al pensiero tanfo di fogna ieri domani la
cloaca la storia») irrora un cuore pulsante vuoto e
alienazione. Fisica elementare a seguire si innalza mostrando
i gomiti di una trama doom densa e quadrata; Lunedì
terra – verso la quale, comunque anche qui, prima o poi si
torna – al buio che nega e chiarifica («per vedere devi
perdere gli occhi») se un senso c’è è quello vergato nelle
poche splendide immagini di Farfallazza, che «testardamente:
indifferente» sbatte le ali «imperterrita sulla boccia dura del
lampione», anche se «non avrebbe senso: non c’è nessuno
dentro: insisti d’istinto finchè sarà spento». Dunque prima di
tutto «assicuratevi di essere vivi: Check life», che all’arrivo di

Bastiano sarà tormenta elettrica sferragliante corde e
incudini: istantanea come non mai nel suo minuto e mezzo e
poco più, calca ancora di più l’attuale orizzonte umano
(«color supplica di cane»), e allarga quello musicale alla
germinazione post maltrattata e troncata alla meglio di
Giorno perso nonché alla conclusiva “pop-song” (virgolette da
aggiungere ad abundantiam) Ofelia: ninna-nanna “da pietra”
che sigilla un disco definitivo, fondamentale e – per potenza
espressiva – inarrivabile con l’unica cosa che resta da dire:
«vivere ancora per morire ancora come amare ancora come
bere ancora per fumare ancora come alzarsi ancora e
ricadere sola». LUCA BARACHETTI
Marti, Unmade Beds (Wildside Media/Green Fog
Records/Venus, 2006)
Marti è il progetto musicale di un signore genovese che si
chiama Andrea Bruschi, più conosciuto forse come attore che
non come musicista, avendo partecipato qualche anno fa a “Il
partigiano Johnny” e più di recente a “Lavorare con lentezza”,
film entrambi di Guido Chiesa. Anche se poi, in realtà, la
carriera di Bruschi era iniziata proprio come musicista alla
fine degli anni ’80, avendo fondato il gruppo rock Broncobilly,
con cui ha realizzato un paio di album tra il 1989 e il 1992, di
cui ne sono state vendute circa diecimila copie in Giappone,
mica briciole. Poi una lunga parentesi dedicata al cinema, e
quindi, nel 2003, i Marti. E ora il debutto con questo
“Unmade Beds”, con la produzione artistica di Paolo
Benvegnù – ormai, di riffa o di raffa, onnipresente nella metà
dei dischi italiani – e di Andrea Franchi, e quella esecutiva
della casa svizzera Wildside Media, passando per la
distribuzione della etichetta genovese Green Fog Records dei
Meganoidi, che già ha prodotto e distribuito l’ultimo lavoro
degli En Roco.
Che dire di questo disco? Che è bello, che ha classe, che è
elegante nelle sue note scure, che ha un gusto retrò pur
essendo estremamente attuale nei suoni, suoni che risultano
abbondanti, curati e cesellati. Un disco che sprigiona
ricchezza, ma soprattutto intensità ed ispirazione da tutti i
pori. Merito di Andrea Bruschi, che si è inventato da solo
questi dodici pezzi, in inglese, e gli ha dato forma compiuta
con l’aiuto di Paolo Benvegnù e Andrea Franchi, il batterista
della band, coinvolgendo altri musicisti in un tripudio di
strumenti, dal contrabbasso ai fiati, dalle chitarre agli archi,
dalle percussioni alle tastiere. Un tripudio in cui ogni suono è
al proprio posto, senza eccessi e senza fronzoli. Un miracolo
di equilibrismo.
L’impronta è quella di un pop moderno dalle venature dark,
new wave, richiamando sonorità anni ’80, così come le
orchestrazioni più raffinate dei musical, al pari dei passaggi
più riflessivi tipici dei cantautori un po’ demodé. In queste
dodici canzoni ci sono le atmosfere posate e raffinate dei
Cousteau, le tinte cupe di Nick Cave, la classe di Elvis
Costello, la personalità di David Bowie, i Depeche Mode degli
inizi e tutto il technopop anni ‘80. C’è anche una chitarra che
nella conclusiva, splendida “If you could see me now” ricorda
tanto quella dei Massimo Volume ne “Il primo Dio”. Una
pugnalata al cuore. Ci sono i suoni notturni di una grande
metropoli, dei suoi locali, così come delle sue strade buie,
quelle dai cui tombini esce fuori il vapore, ad ogni angolo,
come a New York. Ci sono i velluti rossi e le sottovesti di
seta, nere. Divani e letti sfatti. Un disco che sarebbe la
perfetta trasposizione di un ipotetico film, con la sua forte
impronta cinematografica. Perfetta colonna sonora da far
partire al momento opportuno. Come la bellissima “Sad
Venerdì 8
girlfriend”, delicata e commovente, oppure come la iniziale
“God’s thick gold wrist watch”, che apre le porte di questo
mondo parallelo. Senza dimenticare la pop-song perfetta e
raffinata “September in the rain” o l’accattivante “They’re so
small”, che, con la sua ritmica in quattro/quarti, non
sfigurerebbe in una serata ballerina ultra-modaiola.
Unmade Beds” non è un disco immediato. Per iniziare a
capire qualcosa di questo album, bisogna mettere in conto
una manciata abbondante di ascolti. Solo allora si riuscirà ad
apprezzarlo nella sua complessità, nelle sue sfumature e
soprattutto nella sua ricchezza. Ricchezza di suoni, di
suggestioni e di spunti. THOMAS PAULO ODRY
Numero 6, Dovessi Mai Svegliarmi (Eclectic Circus/V2,
2006)
Hai voglia a scriverne di canzoni così, come fanno i Numero6.
Dodici, e tutte perlomeno gradevoli, quelle contenute in
“Dovessi mai svegliarmi”, forti di un spirito che al di là di
referenze e ammiccamenti più o meno dichiarati ha imparato
bene la lezione del pop, proprio in quanto a sostanza
comunicativa. Ai tempi dell’esordio con “Iononsono”, il duo
genovese formato da Michele Bitossi e Stefano Piccardo riuscì
a portare un proprio brano addirittura in quel non-luogo
musical-giovanilista che è Mtv. Non ce ne stupiamo, perché
qui siamo di fronte ad una musica che, discografia e
attenzione del pubblico permettendo, potrebbe mettere
d’accordo tutti o quasi: canzoni rotonde ed accoglienti che
cullano le orecchie senza rassicurarle grazie ad una scrittura
dalla rara forza melodica; artigianato pop – definizione
abusatissima, ma qui necessaria – che gestisce con
sorprendente omogeneità timbri e sfumature tra loro molto
diversi (gentilezze chitarristiche, ragionamenti elettronici
semplici ma fondamentali, robuste code rockeggianti);
leggerezza meditativa che illumina l'ascolto e lo rende
tutt'altro che noioso ma anzi durevole nel tempo. I bei testi di
Michele Bitossi trovano una formula personale tra
cantautorato intimista e puro racconto, e la sua voce –
dolceamara alla Ivan Graziani – è quella perfetta per
l’angolatura ironica e a tratti naif da cui avviene la
narrazione. Provate a non farvi attrarre da un gioiellino come
Al cuore della storia o dall’ibrido guitar-electro Verso casa
(che potrebbe benissimo piacere perfino ai Kraftwerk): sulle
strade del pop italico i Numero6 stanno mettendo la freccia
per lasciare sul posto i Perturbazione (Un finale
rocambolesco), e già il Max Gazzè post-Adamo ed Eva lì
guarda da lontano (E’ arrivato il freddo). Conviene seguirli,
poiché inseguirli, se continueranno di questo passo, non sarà
tanto facile. LUCA BARACHETTI

Ministri, I Soldi Sono Finiti (Oto-Venus, 2007)
Ci volevano i Ministri a scuotere questa indolenza fatta di
giornate umide di sole. Ci volevano i Ministri a riportarmi nel
mio Nord - provincia o periferia è la stessa cosa – dove il
cielo è ampio, i giorni e le notti sempre troppo uguali.
Arrivano a ricordarmi che «chi si traveste lo tradisce
l’accento», a regalarmi stati d’animo oscuri descritti con la
forza e la semplicità di un bambino capriccioso: «Se mi va mi
scordo tutti / e lascio siate voi a ricordarmi / ma non fare lo
stesso anche tu». E immagini vivide e livide,
cinematografiche: «Ti ho scoperto fumare in bagno con un
rossetto», o ragionamenti lapidari, lucidi e spietati, per
esempio quando raccontano in Abituarsi alla fine di una
precarietà divenuta ormai prima che problema sociale,
condizione esistenziale peculiare di una generazione «io sono
nato da qualche mese / conto di vivere per qualche mese /
c’è solo un modo per andare oltre / è pianificare la propria
morte / è fare debiti / è fare debiti...».
Era da un po’ che sentivo parlare del terzetto milanese e del
loro album "I Soldi Sono Finiti". “Quello con l’euro nella
copertina!”. Ne sentivo parlare troppo, per non insospettirmi
almeno un poco. E invece ecco che mi trovo ad ascoltare un
power–trio affiatato: basso, chitarra e batteria a macinare
riffettoni su basi ritmiche granitiche, voce urlante e roca.
Oltre all’influenza della tradizione rock americana degli anni
'90, virate melodiche provenienti dall’oltremanica new-wave e
post-punk dei primi anni '80. In controluce tutto il repertorio
dell’internazionale indie-rock contemporaneo più grezzo e
selvatico. I tre suonano con una buona dose di incoscienza,
che è spesso ciò che ci vuole per dire qualcosa anche solo di
lontanamente simile ad una verità. I temi affrontati sono
molti e ambiziosi. Si parla di Centri di permanenza
temporanea (I muri di cinta), di crisi dell’industria
discografica (I soldi sono finiti), di libertà e società del
controllo (I nostri uomini ti vedono), di chiesa e religione (Il
camino de Santiago), di... amore (Il sangue dal naso). Di
questo e di tanto altro.
L’incoscienza di cui sopra a volte pare faccia il paio con
l’inesperienza di chi si lascia affascinare dalla tentazione dello
stereotipo, in alcune soluzioni sonore un po’ telefonate e in
un certo nichilismo prêt–à-porter senza prospettive o
sfondamenti particolari. Ma, detto questo, se si parla di
inesperienza è soprattutto in contrasto con i momenti in cui i
Ministri sfoderano una voce, una profondità e una sensibilità
decisamente superiore
e per l’urgenza immutata e il calore – rabbiosamente umano –
ga zin
m a
alla media della scena.
I Ministri sono giovani, si sente, ma si sente pure il talento e
la personalità. Si sente l’ambizione di chi vuole provare a
puntare in alto (a dispetto di ciò che cantano nella prima
traccia dell’album). Senza abbandonarsi a quel trionfalismo
che declama a cadenza settimanale l’ennesimo “gruppo
rivelazione dell’anno”, i Ministri sono una scommessa sulla
quale mi sentirei di puntare.Forse è solo che ce n’era
bisogno. DANIELE SUARDI
Giorgio Canali & Rossofuoco, Tutti Contro Tutti (La
Tempesta/Universal, 2007)
A settanta metri al secondo e non fermarsi ancora: l’uomo
che cantando e suonando precipita, indomabile. Chiamarlo
rock’n’roll ma crederci poco, perché se anche tutto il resto è
rock’n’roll, allora Giorgio Canali chissà chi è. Uno stile, ma di
vita prima di tutto. Che le chitarre e i tamburi non
basterebbero se non ci fosse l’Uomo. Colui che nudo e
inarrestabile si infrange addosso a chi ascolta. Carne di
rabbia e respiro di disincanto. Uno solitario contro tutti nel
“Tutti contro tutti” della realtà: in fondo, un modo magnifico
per non sentire il vuoto. Anche quando magari qualcosa non
si presenta al meglio; oppure solo perché bisogna sempre
fare i conti con il passato ed il passato per “Tutti contro tutti”
è anno duemilaquattro, un capolavoro senza titolo, freccia in
giù e basta. Se non ci fosse stato quel disco forse saremmo
qui a oggi gridare al miracolo. Al contrario il quarto capitolo di
Canali col carrarmato sonoro Rossofuoco sconta la grandezza
del suo predecessore e rimane un passo indietro, ma uno
solo. Gli ingredienti non cambiano: rock e punk a scambiarsi
e confondersi nel ruolo di protagonista. Stooges e Gun Club,
a tratti Afghan Whigs, per un songwriting che rispetto al
passato è meno rotondo e viene lasciato più libero di
distendersi o fulminare. I testi anch’essi immutati nell’idea di
base: stupendi macramé di rime e assonanze conditi da un
citazionismo ossessivo ma salutare (da Gaber a Jobim: a voi
scoprirne altri). A definirli in una parola viene da dire incisivi
– proprio come i denti che incidono – ma di fondo sono
letterari, con tutto ciò che comporta il termine in quanto a
consapevolezza d’approccio, affinità con la realtà e suo
disvelamento.
Quello che manca in pratica non sono le belle canzoni, ma le
canzoni tanto belle da eguagliare le altre. E allora via con
quelle belle ma non così belle: l’iniziale decollo chitarristico di
Verità, la verità; la falcata amara e intransigente di Falso
bolero; l’intimismo del tutto politico di Non dormi; la rilettura
in italiano di “Septembre en attendant” (Settembre
aspettando) dell’amico Bertrand Cantat con l’armonica di
Bugo a rinvigorire gli spettri blues di una guerra infame come
quella jugoslava. E poi l’accoppiata centrale di Swiss Hyde e
Canzone della tolleranza e dell’amore universale, tipiche
elencazioni a mitraglia di cui Canali è maestro, dove niente e
nessuno viene risparmiato e la freccia precipita giù più che
mai, senza scampo. A trascinare proprio al centro del
presente più ripugnante e mortifero un lavoro che, anche solo
di ciò che dice, rimane comunque importante e necessario.
Qualcuno ogni tanto si lascia scappare un Giorgio-Canali-
unico-vero-rocker-in-Italia. Con qualche dubbio sull’unicità,
ma certissimi in quanto a spirito e slancio, approviamo e
confermiamo convinti. LUCA BARACHETTI

Late Guest At The Party, Sit On The Fence While The
Other Leave In A Hurry
Terzo EP per i riminesi LGATP ormai pronti per il salto di
qualità. Togliamoci subito il pensiero delle influenze (cosa che
odio, ma è giusto per contesualizzare il sound): Gang of Four
e Sonic Youth, fino ad arrivare a Bloc Party e Rapture.
L’attacco di Carl Lewis Versus The Party è energico,
immediato e la voce di Diglio si staglia imperiosa
sull’incalzante scansione ritmica di un brano che trasuda
vitalità. The Monkeys Grab The Phone aleggia su martellanti
atmosfere industrial che sfociano in un vibrante botta e
risposta incupito dalle schegge della sei corde. Le idee ci
sono, certo c’è da sgrezzare un po’ il suono, ma la colpa è
imputabile soprattutto alla qualità della registrazione. Il punto
è questo: se questi quattro ragazzi fosse nati a Londra,
avrebbero già dato alle stampe un Lp. Triste ma vero. Il fatto
di cantare in inglese, comunque, non può che giocare a loro
favore. Bisogna solo trovare un produttore disposto a
scommettere su questa band e in grado di rendere il sound
un po’ più personale e incisivo. Facile? Per niente. Ma la
costanza premia. TOMMASO BENZI
Settlefish, The Plural Of The Choir (Deep Elm-Unhip
Records/Wide, 2005)
Gunti al secondo lavoro - rilasciato dall'americana Deep Elm,
come del resto già avvenuto per il debutto Dance A While,
Upset - i Settlefish sembrano rivendicare a gran voce un
ruolo di spicco nell'affollato panorama indie nazionale. Un
risultato che il quintetto appare in grado di raggiungere
agilmente non solo grazie alla lunga scia lasciata dall'esordio
discografico - e le conseguenti date in Italia, Europa ed
America - ma soprattutto grazie a The Plural of the Choir,
album che prepotentemente si piazza tra le migliori uscite di
questo primo scorcio di 2005 e che arriva in Italia ed Europa
grazie alla Unhip Records ed alla distribuzione Wide.
Quindici brani per un totale di quaranta minuti scarsi di
musica, in cui l'incontro-scontro tra l'emo più viscerale e
l'indie rock più sfumato partorisce momenti tesi e
coinvolgenti senza disdegnare dissonanze e stridii e
nemmeno passaggi maggiormente melodici e "pensati" vicini,
per certi versi, al miglior pop-rock che fa proseliti oltre
confine.
Un approccio monolitico, dunque, che - più di quanto mi era
parso in veste live - cede il passo spesso e volentieri ad
enfatiche oasi in cui rifiatare, come ad attimi di pura
schizofrenia sonica.E se etichettare con un solo genere
questo disco - cosa che al sottoscritto non risulta mai
particolarmente gradita - appare più difficile che in altre
circostanze, allora è preferibile abbandonarsi alla danza di
frammenti dell'iniziale Kissing is Chaos, lasciarsi
sconquassare dalla muscolarità di Oh, Well, di It was bliss! e
Two Cities, Two Growths, perdere il fiato dietro a The
Barnacle Beach o fermarsi a rimirare l'eccentricità di Blinded
by Noise e il fascino inquieto di The Marriage Funeral Man e
della conclusiva, disarmante, We please the night, drama.
Un album, in definitiva, che non mancherà di deliziare le
orecchie più attente ed i palati più fini, reso ancora più
intenso dalla produzione eccellente di Brian Deck e da un
approccio sincero e viscerale che è il vero e proprio fulcro di
una proposta concreta e dal futuro radioso. LUCA
D'ALESSANDRO
Sabato 9
Il Teatro Degli Orrori, Dell'impero Delle Tenebre (La
Tempesta/Venus, 2007)
Di quando il buffone afferra il microfono e ce li canta a tutti.
Gli orrori. I deliri razional-irrazionali del nuovo secolo. I delitti
dell’impero. I dolori delle tenebre. Di quando il buffone ce li
canta a tutti e non è bagaglino, ma teatro di sangue burlesco
e sudore tragicomico, urla rabbiose e fendenti all’intimo di
ognuno. “Il Teatro degli Orrori” “Dell’Impero Delle Tenebre”:
messi uno dietro l’altro ragione sociale e titolo del disco
lasciano una sensazione di tracotanza, di eccesso smanioso e
roboante. Tutte percezioni esatte, perché è tale questo
progetto avviato da Pierpaolo Capovilla e Francesco Valente
degli One Dimensional Man insieme a Gionata Mira dei Super
Elastic Bubble Plastic e Giulio Favero. Pretenzioso a tal punto
da voler unire certo rock massiccio alla Melvins e Jesus Lizard
con i toni grotteschi di Artaud e Carmeno Bene (e di fondo un
approccio ai testi piuttosto cantautorale) ma forte di una
comunicatività vulcanica e irriverente, tutto sommato nuova
nelle periferie rock del suolo italico, e di un’urgenza che
rende attendibili anche i passaggi più volutamente esagerati.
Le quadrature di scuola ODM al servizio di testi sempre e
comunque politici, in cui politica è prima di tutto sentimento:
disincanto e disperazione affrontati a viso aperto e corpo
nudo. Un grido contro il cielo e la città, un’affermazione di
sconfitta e mancanza d’amore («ma quanto sei bella Teresa
lo sai, con te muore ciascuno di noi» da Compagna Teresa) in
brani destabilizzati nelle forme e urticanti nei riff chitarristici,
a cui non mancano contenuti ragionamenti prog e
determinanti iniezioni melodiche. Il buffone-Capovilla che
ammonisce e deride, il resto della banda che imbastisce
duramente la scena. C’è ancora sicuramente da lavorare,
perché la rotta è ambiziosa e le tematiche sempre in bilico tra
didascalia e retorica. Ma comunque ci salveremo. Se non
altro rifugiandoci nel lirismo commuovente di Lezione di
Musica (vuoto-pieno di rumore e crescendo chitarristici: cose
non nuove ma efficaci) o nell’impatto d’emozione ficcante de
La canzone di Tom. Oppure allargando l’orizzonte ai cori
sepolcrali e archi in climax drammatico di Maria Maddalena.
Per intanto comunque disco e progetto assai credibili, che
aspettano di maturare ancora più di quanto già non siano
maturi. LUCA BARACHETTI
Offlaga Disco Pax, Socialismo Tascabile (Prove
Tecniche Di Trasmissione) (Santeria/Audioglobe,
2005)
Ok, cerco di stare calmo e di recuperare il mio aplomb
naturale. Mi riassetto i capelli, mi risistemo la camicia nei
pantaloni e, pur avendo il fiatone, mi accendo una sigaretta:
dopo aver ballato come un coglione per mezz'ora adesso
provo a scrivere cosa penso di questo disco d'esordio. Ci
provo, per lo meno, visto che, a memoria, per trovare
qualcosa che mi abbia scosso nella stessa maniera dovrei
andare indietro nel tempo di parecchio.
Ok, gli Offlaga Disco Pax: sono emiliani (della provincia di
Reggio per l'esattezza, nati in un quartiere dove il Pci aveva il
74%), lo scorso anno si sono portati a casa un contratto con
Santeria dopo aver vinto il Rock Contest (festival dedicato
agli emergenti realizzato da Controradio Popolare Network di
Firenze). Se chiedete in giro vi diranno che sono i nuovi CCCP
- Fedeli Alla Linea, che ricordano i Massimo Volume (ma
giusto nel recitato), e che grazie al passaparola sul web sono
diventati già delle piccole star dell'universo alternative
italiano. Detto ciò, vi dico quello che penso io degli Offlaga:
una bomba pronta a detonare e a spazzare via molto di
quello che si è suonato fino a questo momento nel nostro
depresso paese. La loro proposta si dimostra una delle poche
(pochissime) credibili e sensate perché capace di creare un
linguaggio proprio, riconoscibile, una vera via italiana al rock
AND
indipendente per unicità della proposta.
Ironici e nostalgici, sonici e danzerecci, gli Offlaga infilano nel
loro frullatore chitarre disturbate, moog, beat disco, Lcd
Suondsystem e Skiantos, Suicide e Prodigy, un po' di kraut e
un po' di punk anche se a colpire anzitutto è la componente
letteraria. Max Collini dimostra di avere la statura del
narratore: storie dalla provincia sovietica, abbozzi lisergici di
'come eravamo', tondelliani per poetica, situazionisti e naif
come una tavola di Pazienza. Ma anche colti, comunicativi,
corrosivi, istrionici e moderni. E a fare il resto ci pensa una
voce da oratore di quartiere che ostenta una improbabile
dizione emiliana ma che è capace di risultare credibile e
coerente, quando tutt'intorno c'è solo emulazione e
scimmiottamento, pose da star e antiberlusconismo di
facciata.
Non un brano riempitivo, non un concetto fuoriposto,
Socialismo Tascabile è un lucidissimo breviario per chi 'siede
dalla parte del torto', senza aver bisogno di tirar fuori slogan
vetusti, senza dover ricalcare pedissequamente modelli del
passato. Il loro è uno squisito punto di vista sulla vita, lucido
nel descrivere la contemporaneità di una razza che è
minoranza, ma che si concede sovente salti in un passato
nemmeno tanto remoto in un'Italia che non c'è più, quella di
Berlinguer alla tv, quella della scuola 'gentiliana e borghese',
quella di Orietta Berti e dei busti di Lenin in piazza, del
chewingum alla cannella e di Zora, la vampira porno.
Ogni singolo pezzo è più o meno un miracolo di equilibrio e
ironia: dalla storia dell'ultracinquantenne e ultraconservatore
professore di agraria soprannominato Kappler, al maestoso e
irresistibile affresco da 'piccolo mondo antico' di Robespierre
(la maestra non ritenne di fare altre domande...), dal tipo
alternativo che 'Mark Lanegan... non credo che tu lo
conosca...' di Tono Metallico Standard all'improbabile amore
adolescenziale di Khmer Rossa, non c'è nulla che stoni. E'
tutto perfetto in questo quadretto in cui l'Emilia Paranoica è il
giusto contesto di queste storie dal retrogusto dolceamaro,
politiche nell'essenza, spigolose e prive di pudori... e la
risata che naturalmente scaturisce magari non seppellirà
nessuno ma ha una capacità liberatoria che non avete idea.
Poi probabilmente l'infatuazione mi passerà: tra una
settimana magari mi sembrerà tutto diverso, ma per una
volta mi interessa l'ora e il qui. E ora e qui è cinque bombe.
Tutto il resto è desistenza. ILARIO GALATI
e batterei di gusto ai Fitness Pump, che non è il nome di una
ga zin
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Le Man Avec Les Lunettes, ? (Zahr/My Honey, 2007)
Eleganti fin dal moniker i Le Man Avec Les Lunettes.
Un'eleganza che pervade tutte le dodici tracce di questo
primo full length, giunto puntualmente a mettere ordine nella
frammentaria discografia della band. Figli di quella
psichedelia tenue, di quel romanticismo onirico che attraversa
epoche e oceani, incarnandosi di volta in volta in meravigliosi
gruppi come Beatles e Flaming Lips, Grandaddy e Belle And
Sebastian, il duo rappresenta una vera e propria mosca
bianca nel panorama indie pop italico.
Racchiudere in un pugno di citazioni autentiche esplosioni di
colore come Tennis System & Its Stars o Give Her Some
Flowers può suonare perfino ingiusto; certo è che, all'attacco
di Sybil Vane, si viene assaliti da una bordata psycho-pop
come solo le band del collettivo Elephant 6 riuscivano a
generare. Organo, vocoder, melodica e una miriade di effetti
analogici fanno parte dell'armamentario lo-tech con cui i Le
Man Avec Les Lunettes mettono in scena i loro sogni
retrofuturisti. Brani che se fossero prodotti in mega-studi di
registrazione, attingendo ai fondi di qualche major, avrebbero
il fascino e la sensualità dei migliori Air. Ma la grandeur non
abita da queste parti.
Sono quattro anni che i ragazzi sono sulla scena; anni in cui
la band si è data da fare pubblicando una pletora di CD-R,
singoli, split e partecipazioni a compilation: Fabio B. e Ale P.,
titolari del progetto, avevano un ampio campionario di brani
fra cui scegliere, e hanno deciso di mettere in fila i dodici
frutti più succosi e lucenti della loro discografia. La poesia
lunare di Venice e For A Lover rappresenta l'anima più
romantica della band, laddove il mersey-beat distorto di
Aging Again ne sintetizza il lato più chiassoso e scanzonato.
Colpisce il gusto poliedrico degli arrangiamenti, la misura con
cui gli elementi più disparati si fondono per dare vita ad
atmosfere suggestive e impalpabili, che si librano fino a
prendere le sembianze di splendide canzoni. DIEGO OX4
BALLANI
Fitness Pump, Riviera (Tafuzzy Records, 2006)
Cosa? Dovrei sbattere le mani davanti a un DJ che mette
techno e house in una discoteca di Rimini? C’è sempre un
buon motivo?
Suvvia, sarà più facile vedere un asino volare. Anche perché
se proprio dovessi battere le mani a qualcuno, allora le
catena di palestre, ma gli autori di questo “Riviera”. Uno dei
dischi dell’estate, ma di quella bella. Si, anche quella di
Rimini, ma dando le spalle al lungomare, alle discoteche
patinate e ai fighetti con i muscoli di plastica e le magliette
attillate. Con lo sguardo rivolto verso le luci del luna park,
verso quei neon intrisi di malinconia, proprio come le insegne
del circo, oppure passando in macchina su quelle strade in
collina che non danno altro che polvere, ascoltando alla radio

canzoni che fanno pum pim pam. Questa è la Rimini dei
Fitness Pump. La Rimini delle colline, dell’entroterra, quella
che guarda sorniona e divertita il baraccone estivo della
Riviera. Quella da cui, intorno alle sei, vedi il cielo iniziare a
cambiare lentamente di colore, diventando viola. Questa è la
Rimini che i Fitness Pump ci raccontano in soli trentuno
minuti, in italiano, divertendosi a giocare con il passato e con
il presente, con leggerezza, freschezza e tanto disincanto.
Giocando anche e soprattutto con i suoni, con il pop e
l’elettronica, con le chitarre, con il basso, con le tastiere e il
computer. Fitness Pump che sembrano gli Amari passati sotto
radice quadrata, con suoni ed effetti sempre attuali e
ricercati, ma più semplici e meno “leccati”.
Sul sito della Tafuzzy Records, l’etichetta benemerita che ha
dato alle stampe questo loro disco e tutti i precedenti, e cioè
il loro primo EP omonimo uscito nel 2004 e l'album
"Superficie" datato 2005, si legge: “Come dei Notwist che si
rilassano in spiaggia giocando a frisbee con i Subsonica e
provandoci con la cantante dei Garbage”. Beh, ci può stare.
No, non la cantante dei Garbage, ma gli accostamenti. Fermo
restando che al confronto con la freschezza e l’originalità dei
Fitness Pump, i Subsonica e i Notwist sembrano davvero due
dinosauri. Roba da preistoria.
Questo “Riviera” è un disco da ascoltare tutto d’un fiato, in
loop, una, due, tre volte e tante altre ancora. E lascia
addosso tanta voglia di andare a fare una scampagnata
proprio lì, su quelle colline che si affacciano sulla Riviera.
Perché se il panorama non dà risposte, questo disco forse si.
THOMAS PAULO ODRY
Canadians, The North Side Of Summer [EP] (Hoboken
Records, 2005)
Freschi, vivaci, spigliati. Si presentano così i Canadians in The
North Side Of Summer, ep di sei tracce uscito per la Hoboken
Records. Nati dalla costola ritmica - Massimo Fiorio al basso,
Francesco Baldo alla batteria - dei disciolti Slumber, il
quartetto offre una miscela frizzante di buon pop che, tra
coretti leggeri, spensieratezza trendy ed una attitudine indie
percepibile fin dalla copertina, ricalca le esperienze - oltre che
degli stessi Slumber - degli Yuppie Flu, se vogliamo restare in
Italia, e di band quali Teenage Fanclub, Grandaddy e Weezer,
se vogliamo spingere i riferimenti al di fuori dello stivale.
The North Side Of Summer è un lavoro riuscito che presenta
notevoli spunti di interesse per il prosieguo dell'avventura
targata Canadians e che stuzzica le orecchie come ogni buon
disco pop dovrebbe saper fare. E se da un lato la breve
durata dell'intero pacchetto non deve lasciarci scivolare in
facili entusiasmi, è pur vero che è giusto riservare menzione
positiva quando i brani sprigionano energia positiva (Find Out
Your 60's ne è esempio lampante) e spingono al divertimento
collettivo (Get Wise).
Se il buongiorno si vede dal mattino, è lecito aspettarsi un
gran bel pomeriggio. LUCA D'ALESSANDRO
Dente, Non C'è Due Senza Te (Jestrai Records, 2007)
Già dal titolo, “Non c’è Due senza Te”, si capisce tutto: da un
lato tanta malinconia, dall’altro ironia e qualche sorriso da
farsi strappare. Questo disco di Dente, cantautore a bassa
fedeltà ed alta intelligenza, suona così, sospeso tra
sentimenti e spunti geniali, datato e allo stesso tempo
Sabato 9
proiettato nel futuro prossimo. Giuseppe Peveri, in arte
Dente, è riuscito a trovare un miracoloso equilibrio
camminando con scioltezza lungo quella linea sottile che
unisce Lucio Battisti a Babalot, passando per Ivan Graziani e
Lucio Dalla. Quattro nomi e, perché no, per voler giocare,
quattro canzoni: “Stella” (capolavoro), “Dxg”, “Scanto di
sirene” e “La presunta cecità di Irene”. Il passato e il
presente, o, appunto, il futuro prossimo, quando (e se)
Babalot smetterà di giocare a nascondino e si metterà in
testa di fare un disco da par suo, da fuoriclasse della parola
qual è.
In tutta la disarmante – e illusoria – semplicità di questo
“Non c’è Due senza Te”, Dente è riuscito a compiere due
piccoli prodigi: da una parte è riuscito a sfoderare dei testi
intelligenti e arguti come non capita spesso di ascoltare,
dall’altra è riuscito a dare un’impronta decisamente moderna
al suo approccio lo-fi, accompagnando la sua chitarra
acustica con suoni e rumori sparsi qua e là (ma mai fuori
posto), nonché con batteria, pianoforte, sintetizzatori, e un
violoncello che fa capolino da qualche parte. Quindi una
bassa fedeltà in realtà molto curata, attuale, inzeppata di
idee e fantasia. Insomma, una bassa fedeltà intelligente, non
quella di tanti ragazzetti che pensano che faccia fico
registrare mettendo il microfono in una stanza e
andandosene a cantare in quella di fianco.
La forza di questo piccolo grande disco è il suo saper
commuovere ed emozionare, ma al tempo stesso riuscire a
fuggire dalle emozioni, facendosi beffa della tristezza. Un
disco che lo ascolti una volta e ti viene un groppo in gola. Lo
ascolti un’altra volta e ancora lo stesso groppo in gola, ma
questa volta ti ruba un sorriso. Poi lo riascolti e ti ritrovi a far
ciondolare la testa a destra e a sinistra. E lo riascolti ancora,
e ti ritrovi appeso alle sue parole, alle sue storie. Le sue, che
poi sono quelle di tutti: tanti ricordi e un amore che spesso si
tramuta in non-amore. “Canzone di non amore”. Questo fa
Dente: canta il “dopo”, racconta di tante delusioni amorose,
ma viste sempre con sguardo disincantato e
meravigliosamente (auto)ironico. Quante volte vi è capitato
di mordervi le mani per non averle detto mille volte quello
che provavate, per non averle dato un bacio in più? E quante
altre, invece, vi siete accorti che i vostri sogni non erano i
suoi, e lei che vi diceva di amarvi con la testa girata di là?
“Dieci parole in fila, è un attimo inciampare nella malinconia”.
Si, ma Dente la malinconia riesce a prenderla per mano e
scherzarci fino a diventare buoni amici, schiacciando
l’amarezza sotto massicce dosi di disincanto.
Beh, non c’è che dire, questo “Non c’è Due senza Te” è un
disco davvero bello, attaccato ai ricordi, ma con un piede nel
futuro, che conferma Dente come uno dei portabandiera del
nuovo cantautorato italiano. Attenzione ai falsi d’autore e al
ciarpame che c’è in giro: la differenza la fanno sempre le
canzoni, le belle canzoni. E Dente di belle canzoni in questo
disco ne ha infilate tutte quelle che poteva. Tanto di cappello.
“Dicono dei sentimenti che siano simili ai fiori: infatti quelli
finti non diventano grandi mai”. THOMAS PAULO ODRY
 i n e
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 la mappa dei festival
DATA 09. 17.
CITTÀ - FESTIVAL: 3 NOMI 11-14/07 16-18/08
TORINO - TRAFFIC FREE HASSELT-KIEWIT (B) -
01. FESTIVAL: LCD PUKKELPOP: DINOSAUR JR.,
14-16/06 SOUNDSYSTEM, ARCTIC ARCADE FIRE, BASEMENT
BARCELLONA (E) - SONAR: MONKEYS, ANTONY & THE JAXX
BEASTIE BOYS, JAMES JOHNSONS
HOLDEN, DEVO 18.
10. 16-18/08
02. 17-22/07 CAPACCIO-PAESTUM - TODAY
14-17/06 FIRENZE - ITALIA WAVE: THE I'M ROCK: GRUPPI
MESTRE - HEINEKEN JAMMIN' GOOD THE BAD AND THE EMERGENTI IN GARA +
FESTIVAL: PEARL JAM, THE QUEEN, CARMEN CONSOLI, OSPITI DI ALTO PROFILO
KILLERS, SMASHING TUNNG
PUMPKINS 19.
11. 17-19/08
03. 19-22/07 BIDDINGHUIZEN (NL) -
22-24/06 BENICÀSSIM (E) - FESTIVAL LOWLANDS: RODRIGO Y
PILTON PARK (GB) - INTERNACIONAL DE GABRIELA, INTERPOL,
GLASTONBURY FESTIVAL: BENICÀSSIM: ANIMAL DAMIEN RICE
BLOC PARTY + THE COLLECTIVE, THE B-52'S,
FRATELLIS + THE PIPETTES MUSE 20.
24-26/08
04. 12. SAINT-CLOUD (F) - ROCK EN
30/06 24-29/07 SEINE: BJORK, THE JESUS
MILANO - GODS OF METAL: GUARDIA SANFRAMONDI - AND MARY CHAIN, MOGWAI
OZZY OSBOURNE, KORN, SIX DAY SONIC MADNESS: A
MEGADETH TOYS ORCHESTRA, GIARDINI 21.
DI MIRÒ, TRE ALLEGRI 31/08-02/09
05. RAGAZZI MORTI STRADBALLY (IRL) -
5-8/07 ELECTRIC PICNIC: PRIMAL
ROSKILDE (DK) - ROSKILDE 13. SCREAM, CLAP YOUR HANDS
FESTIVAL: FLAMING LIPS, 27-29/07 SAY YEAH, IGGY & THE
AKRON/FAMILY, QUEENS OF NAPOLI - NEAPOLIS STOOGES
STONE AGE FESTIVAL: VERDENA, WHITE
ROSE MOVEMENT, DISCO 22.
06. DRIVE 31/08-02/09
05-08/07 + 15-18/07 INVERARAY CASTLE (GB) -
TORINO - SPAZIALE 14. CONNECT MUSIC: ECHO &
FESTIVAL: SONIC YOUTH, 03-11/08 THE BUNNYMEN, SUPER
MUDHONEY, WILCO CARPINO - CARPINO FOLK FURRY ANIMALS, FOUR TET &
FESTIVAL: TBA STEVE REID
07.
6-15/07 15. 23.
PERUGIA - UMBRIA JAZZ: 08-15/08 02/09
ENRICO RAVA 5ET, ORNETTE BUDAPEST (H) - SZIGET BOLOGNA - INDIPENDENT
COLEMAN 4ET, BRAD FESTIVAL: CHEMICAL DAY: NINE INCH NAILS,
MEHLDAU & PAT METHENY BROTHERS, !!!, GOGOL TOOL, MAXIMO PARK
BORDELLO
08. 24.
07-08/07 16. SETTEMBRE
NAAS TOWN (IRL) - OXEGEN: 11/08 FOGGIA - SPAZIO GIOVANI:
WU TANG CLAN, BABY PLAYA DE VILLARICOS (E) - GRUPPI EMERGENTI
SHAMBLES, KLAXONS CREAMFIELDS: PRODIGY,
MISS KITTIN, NATHAN FAKE