BILBAO: LA RIQUALIFICAZIONE URBANA E IL

GUGGENHEIM
 Costruire o recuperare?
 Col passare del tempo, cresce il numero dei quartieri dismessi o degradati, maltrattati e abbandonati a se stessi, che ci si
chiede se valga la pena riqualificare o, piuttosto, ricostruire da zero, secondo princìpi di sostenibilità ambientale, sociale ed
economica. Questi non-luoghi ci incalzano interrogandoci sul senso del costruire. Qual è la soluzione più efficiente – in termini
non solo economici – tra la nuova edilizia e il recupero dell’esistente?
 Riqualificazione o rigenerazione
Spesso si usano i termini riqualificazione e rigenerazione come se fossero perfetti sinonimi ma non solo
sono..

RIQUALIFICAZIONE RIGENERAZIONE

• riqualificazione fisica di zone urbane e sub-urbane,

integrando, agli aspetti ambientali ed economici,
• interventi strutturali a edifici, scali ferroviari, porti, ex
quelli sociali e culturali, coinvolgendo le comunità che
fabbriche, edifici storici nei centri città, complessi
vivono o vivranno i luoghi riqualificati, rigenerandoli.
sportivi abbandonati, e anche interi quartieri. La
Si parte dalla riqualificazione di luoghi (con obiettivi
riqualificazione si applica anche ad aspetti specifici,
principalmente ambientali ed economici), per
come la riqualificazione energetica.
giungere ad una rigenerazione umana, di e per una
rinnovata comunità.
 Cosa riqualificare e rigenerare?
EX ZONE INDUSTRIALI

FABBRICHE ABBANDONATE

EDIFICI DISMESSI

GIARDINI
 ARTE E RIQUALIFICAZIONE
FONDAZIONE PRADA DI MILANO
HANGAR BICOCCA
AREA EX ITALSIDER DI BAGNOLI
GRAFFITISMO
Frank O. Gehry, Museo Guggenheim di Bilbao, 1991-97
 Frank O. Gehry, Museo Guggenheim di Bilbao, 1991-97
OBIETTIVI DELLA COSTRUZIONE

Rilancio economico di
Riqualificazione urbana Sviluppare il Turismo
Bilbao
L’EDIFICIO E IL FIUME
L’edificio è un susseguirsi di forma concave e convesse creando un continuo movimento come l’acqua del
fiume Nervion nel quale si specchia. Ma il legame con il fiume e l’acqua viene ripresa anche dalla scelta di
ricoprire la struttura di lastre di titanio. La metallica lucentezza riprende la lucentezza del fiume creata dalla
riflessione della luce.

LA ZONA

L’edificio sorge su un
vecchio terreno industriale
con l’intenzione di rivalutare
questa zona della città. In
questa zona furono costruiti
anche un palazzo dei
congressi, un aeroporto
internazionale, una nuova
metropolitana e un piano di
sistemazione delle rive
del Nervión.
 Sfide
I MUSEI “CONTENITORI”
Fenomeno della
globalizzazione tecnologiche

Architetture Forme
dinamiche fluide

Edifici A seguito dell’inaugurazione del Guggenheim

Le archistar
spettacolari Museum di Bilbao, progettato dall’architetto
Frank O. Ghery, cominciano ad essere costruiti
musei sempre più avveniristici e attraenti tanto
che oggi ci si interroga:

“È il museo che deve attrarre per ciò che

conserva ed espone, oppure è l’opera
architettonica che deve indurre alla curiosità?”

https://www.youtube.com/watch?v=Xuw3pxy6vTQ
33.000 lastre LUCENTE
di titanio ZZA

Problemi di
200.000 lastre
ossidazione
di cristallo continuo restauro

Software di
Pietra calcarea progettazione utilizzato
per progettare aerei
di Granada militari

Forma di Il luogo scelto

permette una visibilità
una nave della struttura a 360°
 IL GUGGENHEIM DI BILBAO E IL DECOSTRUTTIVISMO

Il Guggenheim di Bilbao è uno degli esempi più riusciti di architettura decostruttivista. Il decostruttivismo è una corrente
architettonica che si è sviluppata in Europa e negli Stati Uniti negli anni ottanta e novanta del XX secolo. Le
caratteristiche più ricorrenti di queste architetture sono:

• Allontanarsi dalla geometria euclidea

• Obliquità delle linee e dei piani
• Il senso di precarietà
• Difficile leggibilità del sistema strutturale
• Sfida alle leggi di gravità
• La disarmonia negli accostamenti di forme e materiali.

Il termine DECOSTRUTTIVISMO viene associato ad una mostra tenutasi a New York nel 1988 “Deconstructivist
Architecture” dove parteciparono Peter Eisenman, Frank Owen Gehry, Zaha Hadid e altri. Questi architetti
“SMONTANO” (decostruiscono) i tradizionali principi compositivi per riassembarli in forme inedite e complesse.
LE LASTRE DI TITANIO CREANO SUGGESTIVI GIOCHI DI LUCE NEI DIVERSI MOMENTI DELLA GIORNATA
 Frank Owen Gehry
Uno dei pioneri di questa tendenza è l’americano d’origine canadese
Frank Owen Gehry (1929). Tra le sue realizzazioni più interessanti vi è
l’Edificio per Uffici Nationale-Nederlanden a Praga (1992-1997),
soprannominato “Ginger e Fred” in omaggio ai due celebri ballerini attori
americani Ginger Rogers e Fred Astaire in quanto formato da due torri
d’angolo che sembrano sostenersi appoggiandosi l’una all’altra come due
danzatori. Quella di sinistra è sostenuta da pilastri obliqui e da un telaio
strutturale che pare sul punto di crollare. La ricerca di Gehry si sviluppò
ulteriormente nel progetto per la sede di Bilbao del Guggenheim
Museum.
Architetture di Frank Gehry: Weisman Art Museum
Architetture di Frank Gehry
Architetture di Frank Gehry
LE OPERE DEL GUGGENHEIM DI BILBAO

Louise Bourgeois, Maman,

1999, bronzo, Bilbao
Louise Bourgeois, Maman,
1999, bronzo, Bilbao

“Il ragno è un'ode a mia

madre. Lei era la mia migliore
amica. Come un ragno, mia
madre era una tessitrice. La mia
famiglia si occupava di restauro di
tappezzerie e mia madre era la
responsabile del laboratorio. 
Come i ragni, mia madre era
molto intelligente. I ragni sono
presenze amiche che divorano le
zanzare. Sappiamo che le
zanzare diffondono malattie e
sono quindi indesiderate. 
Pertanto, i ragni sono utili e
protettivi, come mia madre. “

(Louise Bourgeois)
Jeff Koons, Puppy,
 Jeff Koons, Puppy,

https://www.youtube.com/watch?v=FDP2vQlTR3E

Il gigantesco West Highland terrier completamente

ricoperto di piante fiorite impiega l'iconografia più
dolce - fiori e cuccioli - in un monumento al
sentimentalismo. La sua mole imponente, saldamente
contenuta e, allo stesso tempo, apparentemente fuori
controllo (ancora in crescita, letteralmente e
figurativamente), e la giustapposizione di riferimenti
elitari e di cultura popolare (l'arte di scolpire arbusti e
allevare cani, ceramiche decorative e carte con
messaggi di buon augurio) può essere interpretato
come un'analogia con la cultura
contemporanea. Koons ha progettato questa scultura
pubblica con l'irrevocabile scopo di attrarre, suscitare
ottimismo e instillare, nelle sue stesse parole, Puppy ,
maestoso e robusto mentre presidia le porte del
Museo, riempie il pubblico di ammirazione e gioia.
Yoko Ono e John Lennon

LA PERFORMANCE “BED” AD AMSTERDAM

NEL 1969
https://www.youtube.com/watch?v=acb15JsCGSk
 Yoko Ono, John Lennon e il movimento
pacifista
John Lennon e Yōko Ono, 50 anni fa, a letto insieme contro guerra e ottusità

https://www.ilfattoquotidiano.it/2019/03/25/john-lennon-e-yoko-ono-50-anni-fa-a-letto-insieme-contro-guerra-e-ottusita/5060830/
L'opera dello scultore valenciano
Miquel Navarro è caratterizzata dalla
costante ricerca del paesaggio
urbano. Il Guggenheim Bilbao
ospita Your World, Your City , 2003,
opera realizzata dall'artista per il
Museo. In questa installazione
interattiva, gli spettatori sono
incoraggiati a creare la propria città
immaginaria posizionando e
riposizionando i diversi pezzi di
alluminio. Oltre a consentire ai
partecipanti di esplorare l'atto
creativo nell'ambito dell'architettura e
dell'urbanistica, Your World, Your
City crea una dinamica di costante
costruzione e distruzione, una delle
idee fondamentali del lavoro di
Navarro.
Fino alla sua prematura scomparsa all'età di 48 anni, Muñoz ha lavorato ininterrottamente alla creazione di una serie di
opere che riescono ad attrarre lo spettatore fisicamente ed emotivamente. Le sue creazioni possono essere
considerate come una sorta di dramma congelato nel tempo. Sombra y boca ( Shadow and Mouth ) suggerisce uno
sviluppo narrativo, o forse il momento immediatamente successivo a una discussione, un confronto o
un'accusa. Ombra e bocca È un'opera caratteristica di Muñoz per l'uso di elementi familiari come accessori (in questo
caso, mobili ordinari) in una scena vagamente surreale e non esplicita. Le figure sedute non si guardano e sembrano
chiuse nel proprio mondo, privando lo spettatore della possibilità di entrare in contatto con esse. Questo stato di
isolamento e incertezza è una potente metafora dell'ambiguità e della complessità che troviamo nella vita
contemporanea.
Fonte di fuoco ( Fontana del fuoco),
1961) è il coronamento di un
progetto che l'artista non ha mai
avuto modo di portare a termine in
vita sua. In una conferenza alla
Sorbona nel 1959, Klein parlò di una
vecchia idea, «il progetto di una
piazza pubblica, di uno specchio
d'acqua su cui danzerebbero getti di
fuoco invece di getti d'acqua»
[2]. Secondo l'artista, questa idea è
nata dopo aver visitato le fontane e
le fontane dei giardini alla francese
del XVIII secolo del Palazzo Reale di
La Granja de San Ildefonso, ex
residenza estiva della monarchia
spagnola vicino a Madrid: "Fu lì che
Ho immaginato di sostituire, sulla
superficie dell'acqua calma di questi
stagni, gli eleganti getti d'acqua di
questi stagni con risplendenti zampilli
di fuoco. Sculture di fuoco sull'acqua
[…] E perché no?”[3].
Mask of Seduction è una installazione costituita da una maschera realizzata con crini di cavallo, un abito di cotone e seta e un testo
sul muro. Questi elementi sono serviti nel 1997 per una performance ideata da Pérez dove una modella indossava un vestito e una
maschera e camminava misteriosamente tra il pubblico. 
L'artista è sempre stato affascinato dalle maschere per la loro capacità di trasformare le identità. In maschera di seduzione, Pérez
suggerisce che mascherare l'identità è intrinseco alla natura umana ma i materiali usati permettono anche alcuni ragionamenti tra
l’interno e l’esterno del corpo umano. I capelli sono un materiale che nasce dall'interno del corpo per diventare un elemento esterno
caratteristico dell'individuo, mentre la seta è l'emanazione corporea del baco da seta che poi diventa involucro esterno. Per Pérez, le
origini animali di questi materiali suggeriscono una sensibilità rituale che evoca anche il testo scritto sul muro, che riassume
l'accoppiamento e la morte della mantide religiosa. 
L'opera monumentale di Kapoor  The Great Tree and the Eye  ( Tall Tree
& The Eye , 2009), recentemente installata all'esterno del Museo insieme
ad altri pezzi all'aperto di Louise Bourgeois, Daniel Buren, Jeff Koons e
Fujiko Nakaya, consiste di settantatre sfere riflettenti sedute su tre assi. In
questo lavoro illusionista, l'artista continua a studiare complessi principi
matematici e strutturali, che dota di una forma scultorea. Le superfici delle
sfere si riflettono e si rifrangono a vicenda, creando e dissolvendo
contemporaneamente forma e spazio. Le immagini della città e
dell'estuario del Nervión, l'intervento scultoreo di Buren sul ponte La Salve
( Red Arches / Arku gorriak, 2007) e il Museo stesso acquistano una
sospensione dinamica. Kapoor ci ricorda l'instabilità e la natura effimera
della nostra visione e, per estensione, del nostro mondo.
Dalla fine degli anni '60, Christian Boltanski lavora con fotografie prese da fonti ordinarie, con l'obiettivo di creare un'arte
indistinguibile dalla vita. In questo senso ha commentato: "Per me, il momento affascinante si verifica quando lo spettatore non ha
ancora registrato la connessione artistica; più si ritarda questa associazione, meglio è". Appropriandosi di situazioni appartenenti alla
vita di altre persone e inserendole in un contesto artistico, Boltanski esplora il potere che la fotografia ha di trascendere l'identità
individuale e di agire come testimone di rituali collettivi e memorie culturali condivise.
Il lavoro Umani ( Umani), al tempo stesso personale e universale nei suoi riferimenti, è una delle grandi composizioni che l'artista
intraprende come monumento in onore dei defunti, accennando a un riferimento all'Olocausto, pur senza nominarlo
esplicitamente. L'opera, per dimensioni e tonalità, evoca l'atmosfera contemplativa di un piccolo teatro o di uno spazio per il culto
religioso. L'installazione è composta da più di 1.100 immagini rifotografate di altrettante immagini che aveva precedentemente
utilizzato: foto scolastiche, foto di famiglia, immagini di giornali e archivio della polizia. Le fotografie, sia illuminate che offuscate dalle
lampadine appese nude, non offrono alcun contesto con cui identificare o collegare gli individui anonimi, o per distinguere i vivi dai
morti, o vittime di criminali. Ognuna di queste tracce di vita umana è ridotta a una dimensione uniforme per rendere difficile
l'identificazione delle sue caratteristiche e suggerire l'uguaglianza dei soggetti delle fotografie. La raccolta di immagini è installata in
modo casuale, impedendo così l'imposizione di un'unica narrazione. All'interno di questa ambientazione inquietante, Boltanski
mescola emozione e storia giustapponendo innocenza e colpa, verità e bugie, sentimentalismo e profondità.
 RICHARD SERRA: QUESTIONE DI TEMPO

Questione di tempo  ( La questione del tempo, 1994–2005) permette allo spettatore di percepire l'evoluzione delle
forme scultoree dell'artista, dalla relativa semplicità di una doppia ellisse alla complessità di una spirale. Gli ultimi
due pezzi di questo sviluppo sono creati da sezioni di tori e sfere che generano effetti diversi sul movimento e sulla
percezione dello spettatore. Questi si trasformano in modi inaspettati mentre il visitatore li percorre e li circonda,
creando una sensazione di spazio in movimento vertiginosa e indimenticabile. L'intera stanza fa parte del campo
scultoreo: come in altre sue sculture composte da molti pezzi, l'artista organizza le opere con determinazione per
muovere lo spettatore attraverso di esse e lo spazio che le circonda. La distribuzione delle opere in tutta la galleria
crea corridoi di proporzioni diverse (largo, stretto, allungato, compresso, alto, basso) e sempre
imprevisto. Nell'installazione c'è anche una progressione del tempo. Da un lato, il tempo cronologico necessario per
percorrerlo e osservarlo dall'inizio alla fine; dall'altro, il tempo dell'esperienza in cui i frammenti della memoria visiva
e fisica rimangono, si combinano e vengono rivissuti.
Tulips ( Tulips ), un mazzo di fiori disegnato sotto forma di palloncini colorati di proporzioni gigantesche (più di 2 metri
di altezza e 5 metri di larghezza), parte dell'ambiziosa serie Celebration ( Celebration ) iniziata da Koons nel 1994.
Ispirato da oggetti popolari associati a feste di compleanno, festività e altri eventi festivi (da un cappello da festa e una
fetta di torta a cuori e uova di Pasqua), i dipinti e le sculture della serie Celebration riflettono il costante rapporto di
Koons con gli elementi dell'infanzia. Le superfici luminose e immacolate in acciaio inossidabile dei Tulipani ricordano le
opere precedenti dell'artista come Rabbit ( Rabbit , 1986), dove anche un ordinario oggetto gonfiabile si trasformava in
qualcosa di duro, lucido e simbolico. In Tulips and the animal balloons che popolano la serie Celebration , così come
nel suo imponente Puppy (1992), Koons ha manipolato scale e materiali fino a limiti insospettati. I tulipani possono
evocare le grandi forme industriali di alcune sculture minimaliste, ma è anche una scultura ottimista e colorata che
ricorda un allegro carro da parata.