Medios de expresión gráfico-plástica

Montserrat Llamas

LOS MEDIOS DE EXPRESIÓN GRÁFICO-PLÁSTICA

DIBUJO
El dibujo es un arte visual en el que se representa algo en un medio bidimensional con el uso de la
mano. En su mayoría, el papel es el soporte y el lápiz el instrumento, aunque, en la actualidad, el
ordenador es también un medio muy usado para realizar este tipo de arte. Es entonces cuando
hablamos de dibujo digital.

El dibujo, además de constituir un tipo de arte por si mismo, es el fundamento de cualquier trabajo
artístico. Cualquier pintura, escultura o grabado acostumbra a partir de un esbozo hecho en lápiz.

Dibujar y pintar

Dibujar y pintar no es lo mismo. El dibujo es el arte de representar gráficamente objetos sobre una
superficie plana. Es la base de toda creación plástica y es un medio convencional para expresar la
forma de un objeto mediante líneas o trazos. En la pintura, la estructura de los planos se logra
mediante masas coloreadas.

Las técnicas de "pintar" y "dibujar" pueden ser confundidas, porque las herramientas son las mismas
para ambas tareas, pero las operaciones son distintas, "pintar" incorpora la aplicación de pigmentos,
generalmente aplicados mediante un pincel, que son esparcidos sobre un lienzo; mientras que el
dibujo es la delineación en una superficie que generalmente es el papel.

El término dibujar también sugiere un proceso distinto al de pintura. El dibujo es generalmente

exploratorio, con énfasis principal en la observación, solución de problemas y composición. En
contraste, la pintura tradicional es generalmente la ejecución o acabamiento del dibujo mediante la
inserción de pigmentos.

Un poco de historia

Nos valemos del dibujo para representar objetos reales o ideas

que, a veces, no podemos expresar fielmente con palabras.
Los primeros dibujos se encuentran en la etapa prehistórica,
cuando los homo erectus, los humanos de esa época,
representaban en las paredes lo que ellos consideraban
importante transmitir: cazas, animales, comida… Por ese
entonces el dibujo era muy importante ya que adquiría la
función de lenguaje, usado para transmitir ideas sin necesidad
de mediar palabras. Aún ahora, se considera al dibujo como el
lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para
transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su
cultura.

De las primeras civilizaciones perduran escasos testimonios de

dibujos, normalmente, por la fragilidad de sus soportes (se han
hallado en ostraca y pinturas murales inacabadas), o porque
eran un medio para elaborar posteriores pinturas,
recubriéndolos con capas de color. Las culturas de la Antigua
China, Mesopotamia, el valle del Indo, o el Antiguo Egipto nos
han dejado muestras evidentes de ello, ideándose los primeros
cánones de proporciones, como sucedió también en la Antigua
Grecia y Roma.

En la Edad Media se utilizó profusamente el dibujo,

Autorretrato, Leonardo da Vinci generalmente coloreado, para representar sobre pergaminos los
temas religiosos tratados, a modo de explicación o alegoría de
las historias escritas, primando lo simbólico sobre lo realista,
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incluso en sus proporciones y cánones. También la cultura islámica contribuyó con preciosos dibujos
que acompañaban textos de anatomía, astronomía o astrología.

Es en el Renacimiento cuando el dibujo eclosiona alcanzando sublimes cotas. Por primera vez se
estudia el método de reflejar la realidad lo más fielmente posible, con arreglo a unas normas
matemáticas y geométricas impecables: con Filippo Brunelleschi surge la perspectiva cónica. El
dibujo, de la mano de los grandes artistas renacentistas cobra autonomía, adquiriendo valor propio
en autorretratos, planos arquitectónicos y variados temas realistas –como los de Leonardo da Vinci–,
además de seguir sirviendo como estudio previo imprescindible de otras artes, como la pintura,
escultura, o arquitectura.

Materiales de dibujo

Los materiales de dibujo suelen ser muy sencillos, algunos tan populares como el lápiz o el
carboncillo. Cretas, papeles, pasteles, portaminas, afilalápices, fijadores y gomas de borrar son otros
de los utensilios necesarios para realizar un buen dibujo

El soporte físico puede ser cualquiera, desde la antigüedad se ha ido pasando de un formato a otro,
y se han ido utilizando diversos atendiendo a los fines del dibujo. Los más utilizados en la actualidad
son aquellos basados en papel y/o cartón, aunque la variedad llega a ser tan ingente que es difícil
concretar. Según a que se destine el dibujo, encontramos desde el lienzo para una obra
representativa con fines decorativos, o el polipropileno para plasmar dibujos en carteles con fines
publicitarios.

Técnicas de dibujo

La vitalidad del dibujo se debe a los cambios de grosor de las líneas y a los movimientos. Las líneas
verticales comunican efectos de fuerza; las horizontales, quietud o reposo; las diagonales,
movimiento; y las curvas, gracia.

Una de las técnicas esenciales del dibujo es el

sombreado, es decir, la transición progresiva de los
tonos claros a los oscuros y viceversa. Este el método
más directo para representar el volumen de los
objetos reales, el espacio, la sensación de
profundidad y la atmósfera. El volumen es lo que
confiere cuerpo a los objetos y las figuras y aquello
que nos las hace cercanas y presentes.

La representación de la perspectiva es otra de las

técnicas básicas que constituyen la esencia de este
arte.

Clasificación del dibujo

De acuerdo con su objetivo se clasifican en :

- Dibujo artístico

Es la representación de un objeto por medio de líneas

que limitan sus formas y contornos. Se trata de una
abstracción de nuestra mente que permite fijar la
apariencia de la forma, puesto que el ojo sólo percibe
masas coloreadas de diversa intensidad. Los dibujos
artísticos suelen ser representaciones de objetos o
escenas donde el artista ve, recuerda o imagina.
Estos pueden ser realistas: un ejemplo son los Dibujo artístico: Autorretrato de Durero a los 13 años,
1484.
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retratos, o los dibujos arquitectónicos. El dibujo también puede llegar al grado de perder cierta
aproximación con la realidad (como las caricaturas), relativamente alejados de la realidad (o los
dibujos animados y los cómics), hasta llegar a lo surrealista y lo abstracto.

Proceso en el dibujo artístico:

Apunte: Dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se va a dibujar
después. Es especialmente útil cuando se dibujan exteriores o figuras en movimiento.

Boceto: Prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la
composición, qué elementos se incluyen…

Encajado: Líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran después) que
sirven como base del dibujo.

Línea: Dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo mas general y después el detalle.

Sombreado: Para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras. Las
zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar.

Color: Un dibujo puede llevar color, especialmente si está destinado a ser una ilustración (dibujo que
acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con varias técnicas: acuarela,
tinta, lápiz de color, ordenador... El color puede ser plano (homogéneo) o con textura (apariencia
irregular que se puede conseguir con el material, el papel, la técnica...).

- Dibujo técnico

Se dice que el Dibujo Técnico es el lenguaje gráfico universal

técnico normalizado por medio del cual se manifiesta una
expresión precisa y exacta. Las actitudes para esta clase de
dibujo por lo general son adquiridas, es decir, que se llega a
él a través de un proceso de conocimiento y aprendizaje. El
dibujo técnico se subdivide a su vez en otros dibujos más
especializados, según su aplicación: dibujo arquitectónico, de
ingeniería... Cada uno se caracteriza porque utiliza una
simbología propia y específica generalmente normalizada
legalmente.

Los planos que representan un mecanismo simple o una

máquina formada por un conjunto de piezas, son llamados
planos de conjunto; y los que representa un sólo elemento,
plano de pieza. Los que representan un conjunto de piezas
con las indicaciones gráficas para su colocación, y armar un
todo, son llamados planos de montaje.

- Dibujo geodésico Dibujo arquitectónico: Planta y sección

de la Basílica de San Pedro. Roma.
Un mapa del
mundo en dos
dimensiones, como si la tierra fuera plana

Dibujo geodésico: Mapa físico-político de la

Tierra.
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PINTURA

La pintura artística es el arte de la representación gráfica utilizando

pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o
sintéticas. En este arte se emplean conocimientos de teoría del color,
de composición pictórica, y de dibujo. La práctica de el arte de pintar,
consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja de papel,
un lienzo, un muro, una madera, un recorte de tejido, etc.— una
técnica determinada, para obtener una composición de formas,
colores, texturas, dibujo, etc. dando lugar a una obra de arte según
unos principios estéticos.

La pintura es una de las

expresiones artísticas
humanas más antiguas y una
de las seis Bellas Artes. En la
estética o teoría del arte
modernas la pintura está
considerada como una
categoría universal que
comprende todas las
creaciones artísticas hechas
sobre superficies. Una
categoría aplicable a cualquier
técnica o tipo de soporte físico
o material, incluyendo los
soportes o las técnicas
efímeras así como los soportes
La creación de Adán, por Miguel Ángel. Detalle de uno de los frescos de la Capilla
Sixtina en El Vaticano. o las técnicas digitales.

La clasificación de la pintura
puede atender a criterios temáticos, como la “pintura histórica" o la "pintura de género». O a criterios
históricos basados en los periodos del Historia del Arte; como la “pintura prehistórica”, la “pintura
gótica” y en general de cualquier período de la historia de la pintura.

Historia de la pintura

La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta

la Edad Contemporánea.

Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se

encuentran en la Cueva de Chauvet en Francia, fechada
por algunos historiadores de unos 32.000 años, de los
períodos entre el Auriñaciense y el Gravetiense, fueron
realizadas con ocre de arcilla, rojo de óxido de hierro y
negro de dióxido de manganeso. También cabe destacar
las cuevas de Lascaux y Altamira. Se encuentran
dibujados rinocerontes, leones, búfalos, mamuts, caballos
o seres humanos a menudo en actitud de caza.

Las imágenes que se observan en las paredes de las

tumbas egipcias de hace unos 5.000 años son escenas
de la vida cotidiana y mitológicas con los rasgos
característicos de esquemas de perfil y utilizando el
tamaño de las figuras como rango social.

En la Antigua Roma era normal decorar los muros de las Pinturas de la Cueva de Chauvet, Francia
casas y palacios principales. Entre las mejores
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conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano.

En la época paleocristiana se decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo Testamento y con la
representación de Jesús como el «Buen Pastor», eran figuras estáticas con grandes ojos que
parecían mirar al espectador, este estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla.

La pintura románica se desarrolla entre los siglos XII y XIII, siendo las zonas más interesantes las del
Sur de Francia y las de Cataluña, la mayoría de las veces eran temas religiosos realizados para los
ábsides y muros de las iglesias con representaciones del Pantocrátor, la Virgen María y la vida de
santos. En pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas laicos principalmente
en Francia y Italia, donde destacó la figura el pintor Giotto.

En el renacimiento la pintura tuvo una gran influencia

clásica. Se desarrolló la perspectiva lineal y el
conocimiento de la anatomía humana para su aplicación
en la pintura. También en esta época apareció la técnica
del óleo. Fue una época de grandes pintores entre los
que se destacaron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel,
Rafael Sanzio y Tiziano. En la obra de La Gioconda
destaca las nuevas técnicas empleadas por Leonardo, el
sfumato y el claroscuro. Miguel Ángel realizó una de las
más grandes obras pictóricas los frescos de la Capilla
Sixtina. Los artistas que más emplearon temas simbólicos
fueron los del Norte de Europa encabezados por los
hermanos Jan van Eyck y Hubert van Eyck. En Alemania
destacó el pintor y humanista Durero.

Durante el barroco, destacan el rechazo por las normas

establecidas y la libertad en la composición, en los
colores y en las formas. También es representativo de
esta época el teatral uso de la luz y la sombra. En esta
época destacan Velázquez, Rembrandt, Rubens y
Caravaggio.
El arte de la pintura per Johannes Vermeer (1665)
Kunsthistorisches Museum de Viena. El romanticismo de principios del siglo XIX expresaba
estados de ánimos y sentimientos intensos. En Francia el
pintor más importante fue Delacroix, en el Reino Unido,
Constable y Turner y en España Francisco de Goya.

Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX, la pintura empezó a perder su objetivo
histórico de proporcionar una imagen realista, el impresionismo con Manet a la cabeza, es el estilo
de las pinceladas sueltas y la yuxtaposición de colores, sin
interesarse por los detalles concretos.

A partir de inicios del siglo XX se caracteriza por la diversidad de

corrientes pictóricas, el fauvismo, que rechaza los colores
tradicionales y se acerca a colores violentos, el expresionismo,
que mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la
realidad, el cubismo, con Georges Braque y Picasso con la
descomposición de las imágenes tridimensionales a puntos de
vista bidimensionales, y la pintura abstracta, que es heredera del
cubismo. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York
entre los años 1940-1950, el Pop art llega un poco después con
su máximo exponente Andy Warhol. El minimalismo se caracteriza
por la reducción de la pintura a formas geométricas. El siglo XXI
demuestra una idea de pluralismo y las obras se siguen
realizando en una amplia variedad de estilos.
Hipnotizador (1912), de Bohumil Kubišta,
Ostrava Pintura del expresionismo con
mezcla del cubismo.
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Géneros pictóricos

Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentación artística a
través de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las dimensiones, al estilo y a la
expresión de las obras de arte.

Peter Bruegel

No es hasta el renacImiento cuando los pintores

dejan de ser considerados “artesanos” para
empezar a ser “artistas”. La aparición de la pintura
al óleo en el siglo XVI y el coleccionismo, hizo que,
aunque no se perdiera la monumentalidad de los
murales narrativos de temática histórica, surgieran
las pinturas más comerciales y en otros formatos
más manejables. Así comenzaron a clasificarse los Retrato del Dr. Gadget, Van Gogh
géneros pictóricos y su especialización por parte de
los artistas.

Los considerados géneros clásicos de la pintura son: la pintura histórica (temas religiosos,
mitológicos, históricos, literarios...), la pintura de género (temas cotidianos), el retrato, el paisaje y la
naturaleza muerta o bodegón.

EL GRABADO Y LA ESTAMPACIÓN
Consiste en la reproducción seriada de la imagen, o de la obra de arte.

La imagen se obtiene mediante la presión a mano o a maquina de una hoja de papel contra una
matriz entintada.

Este medio comprende tres procedimientos

fundamentales:

•Grabado en relieve: la matriz se talla en relieve. Es

el caso de la xilografía.
•Grabado en hueco: la matriz de metal se talla en
hueco ya sea mediante procedimientos mecánicos o
químicos.
•Grabado en plano: la matriz que se utiliza es la
piedra en el caso de la litografía o el tejido en el
caso de la serigrafía.

Este medio se diferencia de otros por su carácter

más industrial. El momento creativo del artista
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acaba con la preparación de la matriz. El grabador,

prepara la matriz, ya sea metal, madera o piedra,
haciendo sucesivas pruebas para comprobar el estado
de la imagen, pero una vez terminada la matriz, el
trabajo de estampación, es mecánico, por lo que
incluso en determinados casos, no interviene ni
siquiera el propio artista, y es una tarea del
estampador.

Esto permite producir grandes tiradas de buena calidad

y todas iguales y, debido al abaratamiento de los
costes de producción, acerca el gran arte a la mayor
parte de la sociedad, ya que se reproducen grandes
obras maestras con técnicas semiindustriales.

ESCULTURA
Se llama escultura al arte de crear obras artísticas
tridimensionales. Es una de las Bellas Artes, en la
cual el escultor se expresa creando volúmenes y
conformando espacios. En la escultura se incluyen
todas las artes de modelado, de talla y cincel, junto
con las de fundición y moldeado.
Desde tiempos remotos el hombre ha tenido la
necesidad de esculpir. Al principio lo hizo con los
materiales más simples y que tenía más a mano:
piedra, arcilla y madera. Después empleó hierro,
bronce, plomo, cera, yeso, plastilina, resina de
poliéster y plásticos con refuerzo de fibra de vidrio,
hormigón, la cinética y la reflexión de la luz, entre
otros. La escultura tuvo en su principio una única
función, su uso inmediato; posteriormente se añadió
una función ritual, mágica, funeraria y religiosa. Esta
funcionalidad fue cambiando con la evolución
histórica, adquiriendo una principalmente estética o
simplemente ornamental y llegó a ser un elemento
duradero o efímero.

Funciones de la
escultura
Moisés, de Miguel Ángel, Roma
Los pueblos de la prehistoria
hiceron las primeras
esculturas en arcilla representando figuras humanas o de animales, las
secaban al sol y se utilizaban, probablemente, con finalidades religiosas o
mágicas. A veces eran simples amuletos o figuras votivas, que han sido
encontradas en algunas civilizaciones y culturas, en las sepulturas o en
templos como exvotos, para rendir culto a los muertos. Los egipcios, creían
que para que el faraón viviera después de su muerte, necesitaba una
imagen con su representación para favorecer la pervivencia del alma. Las
representaciones romanas de los emperadores, más que retratos
personales, tenían la función de presentarlos al pueblo con el símbolo de
imagen de poder supremo.

Posteriormente durante la Edad Media, en la época del arte románico, la

escultura románica tuvo una estrecha relación con la arquitectura y cumplió, Estatua de Augusto, arte
romano
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además de la función estética, una función didáctica o

pedagógica, para explicar al pueblo determinados pasajes o
conceptos. Así, era frecuente referirse a los relieves de los
tímpanos de las pórticos como «catecismos pétreos» o
«biblias en piedra», ejecutados para ilustrar y explicar
historias a la población analfabeta.
La función ornamental puede estar ligada a alguna de las
otras funciones, aunque a veces puede ser el objetivo
principal, como ocurre con la decoración vegetal o la
geométrica. En los estilos no icónicos, como el islámico o el
hebreo, cumple un papel fundamental.
Pórtico de Sta. María de Ripoll Otra función de la escultura es el coleccionismo, que empezó
a ser importante a partir del renacimiento, cuando los nobles
adquirían obras de escultura para el adorno de sus palacios
o jardines. Más adelante, a partir del siglo XVIII, los monarcas, los hombres de negocio, burgueses y
coleccionistas lo emplearon como medio de inversión económica, satisfacción propia y forma de
prestigio.

Tipos de escultura

La escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y la escultura ornamental, según

represente la forma humana y exprese las concepciones suprasensibles del hombre o se ocupe en
reproducir artísticamente los demás seres de la naturaleza, animales o vegetales. La primera lleva
con propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal propio, desempeñando la segunda un papel
secundario al servir de auxiliar a la primera y a la arquitectura.

Las estatuas son las esculturas aisladas que representan una entidad específica tridimensional.
Según su presentación hay diversas formas de llamarlas: bulto redondo; sedente o sentada; yacente
estirada generalmente representando la figura de un
difunto; orante o arrodillada; oferente u ofreciendo
presentes y ecuestre o a caballo.

Los relieves son las esculturas talladas a partir de un

fondo o unidas a él. Los tipos de relieve se dividen en la
forma en la que se reduce la profundidad de las figuras u
ornamentación representadas: bajorrelieve cuando se
talla recortando la imagen en el fondo del material que le
sirve de soporte y altorrelieve en la que las formas
escultóricas resaltan y salen del plano donde se tallan.

Busto, son esculturas de la cabeza y la parte superior del

tórax que normalmente representa retratos.

Torso, que representa el tronco humano sin cabeza, ni

brazos ni piernas.

La escultura arquitectónica es un término que se refiere

a la utilización de la escultura por arquitectos y/o
escultores en el diseño y la construcción de un edificio, un
puente, un mausoleo o cualquier otro monumento. La
escultura está en general relacionada con la estructura de
la construcción. También se llama «escultura embutida» a
cualquier estatua colocada en una obra arquitectónica.

La escultura cinética implica aspectos de la física de movimiento, como las fuentes o móviles.
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Materiales

Los materiales empleados en escultura determinan el

resultado del aspecto, la textura y el acabado de la
obra. Con el uso de una piedra blanda es más difícil un
resultado minucioso, por su desmoronamiento. Con un
material más duro como el granito, se requiere un
mayor esfuerzo físico. Los detalles de formas
delicadas y con calados se consiguen mejor con el uso
de la madera, como lo demuestra, por ejemplo, los
retablos góticos. El trabajo en arcilla permite diversos
acabados desde el más fino y pulido a dejarlo con las
señales propias de los dedos del artista. Finalmente es
el escultor y su propósito el que consigue sacar del
material la forma y la textura deseada.
Destaca, por su uso, los siguientes materiales: arcilla,
piedra, estuco, todo tipo de metales, sobre todo bronce
y hierro, madera, marfil, hormigón, etc.

Man Ray

LA FOTOGRAFÍA

La fotografía es la ciencia y el arte de obtener imágenes duraderas por la acción de la luz. Es el

proceso de capturar imágenes y fijarlas en un medio material sensible a la luz. Basándose en el
principio de la cámara oscura, se proyecta una imagen captada por un pequeño agujero sobre una
superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumentada su nitidez. Para
almacenar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizaban hasta hace pocos años una película
sensible, mientras que en la actualidad, en la fotografía digital, se emplean, generalmente, sensores
CCD y CMOS y memorias digitales.
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Historia

La historia de la fotografía comienza en el año 1839,

con la difusión mundial del procedimiento del
daguerrotipo, desarrollado y perfeccionado por
Daguerre, a partir de experiencias previas inéditas
de Niépce.

El "año cero" es 1839. Pero sus antecedentes

arrancan con el descubrimiento de la cámara
oscura, y las investigaciones sobre el
ennegrecimiento de las sales de plata.

La fotografía nace en Francia, en un momento de

tránsito de la sociedad pre-industrial a la sociedad
industrial, favorecida por las innovaciones técnicas Primeira fotografía, tomada por Niepce
de la época. También influye en su nacimiento la
filosofía positivista, que establece que cada elemento
de la Naturaleza debe ser probado empíricamente. La burguesía es la clase social dominante del
momento, que utiliza el retrato como instrumento de verificación y afirmación del ascenso social.

En 1816 Niépce obtiene una primera imagen negativa, imperfecta e inestable, con una cámara
oscura.

Entre finales de siglo XIX y el XX se suceden distintos descubrimientos técnicos, que hacen que la
fotografía evolucione hacia una mejor calidad en las imágenes y una generalización de su uso:
además del daguerrotipo; el calotipo, la cianotipia, la albúmina y el nitrato de plata, el colodión
húmedo, el gelatino-bromuro...

En 1888, George Eastman lanza la cámara Kódak. Su gran éxito comercial fue la introducción en el
mercado del carrete de película fotográfica, lo que provocó la progresiva sustitución de las placas de
vidrio.

En 1907 la fábrica Lumière comercializa la fotografía en color. Son diapositivas o transparencias en

vidrio, conocidas como placas autocromas oAutochrome.

En 1931 se inventa el flash electrónico, que se utiliza

sobre todo cuando la luz existente no es suficiente
para tomar la fotografía con una exposición
determinada. El flash es una fuente de luz intensa y
dura, que generalmente abarca poco espacio y es
transportable.

En 1948 nace la fotografía instantánea de Polaroid:

una cámara que revelaba y positivaba la imagen en
tan solo 60 segundos.

Finalmente, en 1990, comienza la digitalización del

ámbito fotográfico: las imágenes son capturadas por
un sensor electrónico que dispone de múltiples
unidades fotosensibles y desde allí se archivan en
otro elemento electrónico que constituye la memoria.

Funcionamiento de la cámara

La cámara o la cámara oscura es el dispositivo

formador de la imagen, mientras que la película fotográfica o el sensor electrónico capta la imagen.
Ésta se guarda en la misma película, o bien en algún tipo de memoria.
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El fotógrafo configura la cámara y la lente para exponer a la luz el material grabador de ésta (como la
película fotográfica, por ejemplo), a algún tipo de forma de "imagen latente" con lo que, tras un
procesado adecuado, se convierte en en una imagen utilizable. Las cámaras digitales utilizan un
sensor de la imagen basado en electrónicos sensibles a la luz, que pueden estar basados en
tecnología CCD (Charge-Coupled Device) o bien en CMOS(Complementary Metal-Oxide-
Semiconductor). La imagen digital resultante se almacena electrónicamente, pero puede ser
reproducida en papel o en película.

La cámara de vídeo es un tipo especial de cámara fotográfica que toma una secuencia rápida de
fotografía en tiras de película. Cuando se reproducen a una determinada velocidad los ojos y el
cerebro de una persona unen la secuencia separada de imágenes y se crea la sensación de
movimiento.

En todas las cámaras, excepto en algunas especializadas, el proceso de obtención de una

exposición correcta se produce a través del control de una serie de controles con los que se trata que
la fotografía sea clara, nítida y esté bien iluminada. Habitualmente los controles que se incluyen son
los siguientes:

• Enfoque

• Apertura

• Velocidad de disparo

• Balance de blancos

• Sensibilidad

Fotografía como arte

La fotografía no fue siempre considerada un arte. Su

integración al arte fue un proceso muy discutido que comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato
fotográfico tuvo gran acogida como reemplazo del retrato pintado ya que aquel era mucho más
barato, así que cantidad de pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para sobrevivir.

La fotografía como arte, ciencia y experiencia humana fueron evolucionado en paralelo durante este
tiempo. En cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de manejar apareció la
posibilidad de influir en el espectador mediante la posición de la cámara y su enfoque, lo que
permitían trasladar la subjetividad del fotógrafo a la fotografía, además de ir construyendo un
lenguaje artístico.

En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un

carácter muy subjetivo. El impresionismo en la pintura y
su consiguiente marcha hacia loabstracto tuvo un gran
efecto en la fotografía. Ya en la actualidad, la fotografía
artística pura es casi completamente subjetiva y la
manipulación de las imágenes se ha convertido en una
herramienta fundamental en su expresión artística,la
fotografía de Annie Leibovitz,Tina Nibbana,Helmut
Newton yDavid LaChapelle entre otros, siguen siendo
parte de la nueva revolución fotográfica.

El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la

pintura. Sin embargo, rápidamente amplió su léxico
gracias a la facilidad de hacer enfoques extremos
(picados, contrapicados, etc.), la captura del movimiento
con largos tiempos de obturador y la decisión del
momento. La presión sobre el fotógrafo para marcar su
subjetividad en la fotografía forjó un lenguaje lleno de
sutilezas pero perfectamente comprensible, muy directo para cualquier observador.
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Hoy la fotografía es practicada por millones de

personas en todo el mundo armados con buenas
cámaras fotográficas. Prefiriéndose actualmente
las cámaras con una buena óptica y muchas
opciones que añadan flexibilidad, frente a las
cámaras orientadas al consumidor, donde la
óptica y el obturador es dirigida por la electrónica
restando al hecho de hacer una foto gran parte
de su imprevisibilidad. La aparición de las
cámaras digitales, cámaras mixtas con vídeo y la
fotografía en entornos de realidad virtual
complican, enriqueciendo, el futuro de este arte.

EL CINE
El cine es un medio de comunicación de ideas que, a diferencia de otros lenguajes, presenta unas
características específicas. Por ejemplo:

1. Es audiovisual: existen imágenes, combinadas con diálogos, con música, con ruidos y efectos
sonoros.

2. Necesita de una técnica: la fotografía, como base, más una grabación de sonidos.

3. Es un arte comercial: necesita de un equipo de producción, distribución y ventas (publicidad).

4. Por su alto coste, tiene que intervenir la industria y, aunque existe un director, hacer una película
es un trabajo de equipo.

5. El lenguaje se articula en función de dos pasos fundamentales:

a. Una selección de la realidad

b. Una sintaxis: la combinatoria del montaje.

LA CERÁMICA
La cerámica quizás sea el arte decorativa más
antiguo y con mayor presencia en todas las
culturas a lo largo de la historia. Desde la
Prehistoria hasta nuestros días y en culturas tan
distantes y distintas como las culturas
precolombinas o las culturas orientales.

La cerámica abarca una amplia gama de

técnicas; desde la más sencilla que sería la
terracota, con o sin decoración incisa, hasta las
más elaboradas y cotizadas como las porcelanas
orientales.

La base principal de la cerámica es la arcilla. La

arcilla necesita de un elemento fundamental para
convertirla en algo duradero y darle el aspecto
definitivo que todos conocéis. Este elemento es el
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fuego.

Existen múltiples tipos de arcilla dependiendo de su composición, dando como resultado diferentes
acabados cerámicos.

ARTE TEXTIL
Los tejidos artísticos, aunque menos conocidos
por poco usuales, han sido muy importantes en
la historia de las artes decorativas,
especialmente
por ser el
medio de
reproducción
de grandes
pinturas.

El tapiz es un
tipo de tejido
decorado con
escenas
policromas
cuyo dibujo se
integra en él
mismo, de
manera que se va formando al tiempo que el propio tejido.

La base del telar la constituye la urdimbre. Son una serie de hilos

paralelos, sobre los que se va entrelazando otro hilo que constituye
la trama. Esto se hace según el modelo, al que se denomina cartón,
realizado por el pintor.

COMIC
Se llama historieta o cómic a una serie de dibujos que constituye un relato, con texto o sin él, de una
forma secuencial.

El interés por el cómic puede tener muy variadas motivaciones, desde el interés estético al
sociológico, de la nostalgia al oportunismo. Durante buena parte de su historia fue considerado
incluso un subproducto cultural, apenas digno de otro análisis que no fuera el sociológico, hasta que
en los años 60 del pasado siglo se asiste a su reivindicación artística, de tal forma que algunos han
propuesto considerarlo como el noveno arte, aunque en realidad sea anterior a aquellas disciplinas a
las que habitualmente se les atribuyen las condiciones de octavo (fotografía, de 1825) y séptimo
(cine, de 1886). Seguramente, sean este último medio y la literatura los que más le hayan influido,
pero no hay que olvidar tampoco que su particular estética ha salido de las viñetas para alcanzar a la
publicidad, el diseño, la moda y, no digamos, el cine.

Las historietas suelen realizarse sobre papel, o en forma digital (e-comic, webcómics y similares),
pudiendo constituir una simple tira en la prensa, una página completa, una revista o un libro (álbum,
novela gráfica o tankōbon). Han sido cultivadas en casi todos los países y abordan multitud de
géneros. Al profesional o aficionado que las guioniza, dibuja, rotula o colorea se le conoce como
historietista.
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Industria

Tradicionalmente, la industria del cómic ha requerido un

trabajo colectivo, en el que, además de los propios
historietistas, han participado editores, coloristas,
grabadores, impresores, transportistas y vendedores.
Siempre han existido autoediciones, como las del cómic
underground, pero últimamente han aumentado por la
crisis de determinados mercados y la facilidades
logradas con el auge de la informática e Internet.
Pueden distinguirse los siguientes formatos de
publicación:

▪ Tira de prensa, compuesta por una franja

horizontal de tres o más viñetas.

▪ La página, que puede compilar varias

tiras o presentar una sola, pero desplegada a toda
página y color (lo que se denomina sunday, por ser
publicada en domingo).

▪ La revista de historietas (comic book en

Estados Unidos, pepines en México y tebeo en
España), normalmente con grapa y a veces forma de
cuaderno, que presenta una o varias historietas.

▪ El libro, que se concreta en Álbum de historietas, Novela gráfica y Tankōbon en las

tradiciones franco-belga, estadounidense y japonesa, respectivamente.

▪ Digitales: E-comic, webcomics, etc.

El canal de comercialización más habitual de la mayoría de estos cómics ha sido el quiosco hasta
que, con el desarrollo del mercado de venta directa a principios de los años 70, se empezó a imponer
la librería especializada. Tanto los propios cómics como sus originales son objeto de un activo
coleccionismo.

Con un objetivo comercial, pero también lúdico y didáctico, abundan los eventos de historieta
(convenciones, festivales, jornadas, etc.) como un punto de encuentro entre profesionales y
aficionados.

Iconografía

Históricamente, los personajes tipo han sido muy importantes para el medio, ya que el lector "desea,
quiere y espera que el "bueno" ponga cara de bueno, y el "malo" tenga cara de malo".42

En la historieta se figura, "con medios estáticos, el movimiento real", usando técnicas que ya
practicaron los futuristas.

Texto

El texto no es necesario, pero suele estar presente, ya sea en forma de globos o bocadillos, cartelas,
textos sueltos y onomatopeyas. Las palabras dichas por los personajes suelen recogerse en los
globos, salvo que se presenten fuera para indicar que han subido el tono de voz.
Medios de expresión gráfico-plástica Montserrat Llamas

Todos los textos suelen estar escritos en mayúsculas y las diferencias tipográficas, de tamaño y
grosor sirven para destacar una palabra o frase, y matizar intensidades de voz. Masotta establece a
este respecto un esquema con 7 oposiciones:

▪Diálogo - "Off"
▪Lenguaje interior - lenguaje proferido.
▪Lenguaje normal - lenguaje excepcional.
▪Cerca - lejos
▪Globo - Extra-globo.
▪Línea recta - línea sinuosa (o en zig-zag, o estrellada, etc.)
▪Tipografía normal - tipografía excepcional.

Articulación narrativa

Toda historieta es una narración gráfica, es decir, desarrollada mediante una concatenación de
dibujos, y no una serie de ilustraciones cuyo mérito radique en ellas mismas, de tal forma que «cada
cuadro o viñeta debe estar relacionado de algún modo con el siguiente y con el anterior». En
afortunada expresión de Román Gubern, la «viñeta es la representación gráfica del mínimo espacio
y/o tiempo significativo. Al espacio que separa las viñetas se le conoce como calle» y al proceso por
el que el lector suple ese vacío se le denomina clausura. Cuanto mayor sea el formato y el número
de signos icónicos y verbales, más tiempo y atención deberemos prestar a una determinada viñeta.
La historieta usa variaciones del ángulo visual,encuadre y planos, términos éstos que ha tomado del
cine, para dinamizar la narración.

INSTALACIÓN ARTÍSTICA
Una instalación artística es un género de arte contemporáneo
que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de
1970. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear
una experiencia visceral o conceptual en un ambiente
determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan
directamente el espacio de las galerías de arte.

Muchos encuentran los orígenes de este movimiento en artistas

como Marcel Duchamp y el uso de objetos cotidianos
resignificados como obra artística, más que la apreciación de la
escultura tradicional que se basa en el trabajo artístico. La
intención del artista es primordial en cada instalación, debido a
su conexión con el arte conceptual de la década de 1960, lo que
nuevamente es una separación de la escultura tradicional que
tiene su principal interés en la forma.

Puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales

hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como
video, sonido, computadoras e internet, o inclusive energía
pura como el plasma.

Algunas instalaciones son sitios específicos de arte; ellas

sólo pueden existir en el espacio para el cual son creadas.
Medios de expresión gráfico-plástica Montserrat Llamas

Fuentes:

http://recursostic.educacion.es/artes/plastic/web/cms/index.php?id=4801

http://recursostic.educacion.es/artes/plastic/web/cms/index.php?id=4780

http://es.wikipedia.org/wiki/Dibujo

http://es.wikipedia.org/wiki/Pintura

http://es.wikipedia.org/wiki/Fotograf%C3%ADa

http://es.wikipedia.org/wiki/Instalaci%C3%B3n_art%C3%ADstica