N° 357 | MENSILE - OTTOBRE 2021 | PRIMA IMMISSIONE 28/09/2021 | EURO 7,00

BADBADNOTGOOD LEE SCRATCH PERRY ANGELO DE AUGUSTINE NAS

IVAN GRAZIANI JOLLY MARE CHARLIE WATTS MADTEO MELVINS CHVRCHES

VALENTINA MAGALETTI RETROPOLIS OLTRE 280 RECENSIONI

IL RITMO DEL SILENZIO 50 ANNI DI FAUST TRA DISCHI, LIBRI, FILM
SERIE E FUMETTI

SUFJAN
STEVENS
IL CINEMA INTERIORE

TUTTA LA MUSICA DI CUI HAI BISOGNO

POSTE ITALIANE SPA - SPED. IN A.P. - D.L. 353/2003 (CONV. IN L. 27/02/2004 N.46) ART. 1, COMMA 1, NO / TORINO - ISSN 1591-4062 - N. 9 ANNO 2021
2021 - Bronson Recordings nella Zona d’Ombra:
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Everything burns Atlantico
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Internazionale: "Everything Burns" di Francesca Morello, in arte
RYF sarà uno dei dischi più vivi e sensati del prossimo autunno."
(Claudia Durastanti)
Rumore: "Everything Burns è un auto da fé sovversivo che mette
sotto accusa l'inquisizione e le grettezze del perbenismo e della
società binaria a colpi di elettronica queer"
(Andrea Prevignano)
Rumore - Album del Mese (Treecolore):
“Cemento Atlantico e Rotte Interrotte in cima alla lista degli
outsider più clamorosi dell’anno 2021”
(Francesco Farabegoli)
Internazionale: “Una sintesi che pulsa un po’ di storia e un po’
di quella magia che la storia la assorbe e la rifiuta"
(Claudia Durastanti)

Solaris San Leo

Io non trovo in lui nessuna colpa (EP) SOL. live at Transmissions Waves
with Nicola Manzan & Ottone Pesante Ltd. edition of 99 cassettes
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Decimo album in studio per l'ex voce dei Moda ANDREA CHIMENTI. Tantissimi gli ospiti e
musicisti inclusi nelle 11 canzoni inedite: DAVID JACKSON dei VAN DER GRAAF
GENERATOR partecipa in tre tracce del disco tra cui il singolo “Milioni”, GINEVRA DI
MARCO duetta nel brano “Allodola Nera” ed ancora ANTONIO AIAZZI (LITFIBA) FABIO
GAVALOTTI (MODA), FRANCESCO MAGNELLI (CSI e CCCP) partecipano ad un album
intenso di raffinata poesia. Produce, insieme a Chimenti, CRISTIANO ROVERSI.
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Nuovo album per DAVIDE OLDEN SELLARI intitolato CUORE NERO, sempre prodotto Canale YouTube in cui
da FLAVIO FERRI (DELTA V, GIANNI MAROCCOLO) con la partecipazione straordinaria Johnny parla di musica
di PIERPAOLO CAPOVILLA (TEATRO DEGLI ORRORI). Dieci tracce in CD e VINILE in a 360°: dischi in uscita,
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introspettivo in un piccolo capolavoro delo rock underground. Disco non disponibile hi-fi e tanto altro...
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 EDI TOR I ALE
GLI ANNI CANCELLATI
DI ROSSANO LO MELE
Mentre sul mondo si abbatte il ritorno dei Col-
dplay, tra servizi al TgCom e metanarrativa pubbli-
citaria per un ceto ecosostenibile a rate, mi ritorna
in mentre quel vecchio singolo dei Blue Merle. Si
chiamava Burning In The Sun e usciva a metà degli
anni Zero. Nel video compaiono quattro americani
mediamente casual, un’automobile, un bel paesag-
gio rurale simil langarolo, contrabbasso, chitarra,
batteria e voce. La voce appartiene a Luke Rey-
nolds: suona e canta come fosse quello bravo nel
quartiere. Infatti, a dispetto di una carriera con-
sistente, Reynolds e i Blue Merle star non lo sono
mai diventati. Anche se canta nello stesso identico
modo di Chris Martin, con una band che lo segue
come se fosse inciampata nei primi due album dei
Coldplay. Subdoli alter ego? Cosplay dei Coldplay?
Meme ante litteram loro malgrado?
Certo, i meccanismi del successo nella musica sono
complessi, ardui da comprendere e ancora più da
definire, non basta una formula. A qualcuno può
andare bene, ad altri male, conta la geografia, il
timing, la faccia, il suono, il pezzo, il caso, anche
se qui siamo di fronte a due progetti coevi domici-
liati presso le potenze mondiali della discografia.
Allora cosa? Alla domanda ha provato di recente
a rispondere Joe Pinkser sul mensile statunitense
“The Atlantic”.
L’autore dell’inchiesta parte dalla sua esperienza
personale, dapprima da acquirente di dischi una
ventina di anni fa, poi da ascoltatore di mp3 trami-
te download a pagamento o meno, infine come con-
sumatore seriale dei servizi di streaming. Nell’os-
servare che oggi la musica non si compra più, bensì
si affitta, Pinsker parte dalla morte del suo iPod.
Di fatto inutilizzabile. “Perdere una parte di quella
musica è stato come tagliare linee di comunicazio-
ne con altre versioni di me stesso più giovane, con
le memorie che una vecchia canzone può riportare
alla mente, il primo bacio o momenti interiori, più
difficili da articolare”. Pinsker continua poi parlan-
do delle decine di playlist da lui create per Spotify
negli anni, domandandosi che ne sarà in futuro. La
risposta è che non lo sa. Anzi, il fondatore di Inter-
net Archive, Brewster Kahle, gli ha proprio detto:
“Sei fregato”. Nel senso che gli ascolti archiviati dai
fornitori del servizio, in futuro, dipenderanno dal
software usando dall’azienda in questione, dai rap-
porti che manterrà con i titolari dei diritti e dalla
resistenza economica del modello economico di
fronte a eventuali fallimenti.
Tutti i diritti di riproduzione degli articoli pubblicati sono riservati. Manoscritti e foto, anche se non pubblicati, non saranno restituiti
Il loro invio implica il consenso alla pubblicazione da parte dell’autore. È vietata la riproduzione anche parziale di testi, documenti e fotografie.
La responsabilità dei testi e delle immagini pubblicate è imputabile ai soli autori.
L’editore dichiara di aver ottenuto l’autorizzazione alla pubblicazione dei dati riportati nella rivista.
Per articolare un ragionamento su questo tema,
già un paio di anni fa sulla versione americana di
“Esquire”, il giornalista Dave Holmes (solo quasi
omonimo del magnifico produttore nordirlandese)
creò una definizione. Parlò infatti degli “anni can-
cellati”. Secondo Holmes i cosiddetti deleted years
sono quelli racchiusi fra il 2003 e il 2012. Stretti
tra l’apertura dell’Apple Music Store e l’inizio di
Spotify. Molti fra i seguaci del brand con la mela
mozzicata, fra cui si infila pure Holmes, sono quelli
che negli anni Zero hanno conservato la musica
dentro MacBook ormai remoti e iPod (verdi sopra)
resi inutili dalla perdita di un caricatore, non più in
commercio. Quello che “The Atlantic” ed “Esquire”
sembrano dirci è che: non solo la tecnologia impatta
sulla musica, ma anche i traslochi e le relazioni. Il
che sarà anche ovvio, ma è pure profondamente,
tragicamente umano. Holmes ha enucleato una lista
di artisti appartenenti ai cosiddetti anni cancellati.
E per farla breve basterà citare nomi come Kaiser
Chiefs, The Pipettes, Corinne Bailey Rae, Starsailor.
Holmes spiega che gli anni cancellati hanno comun-
que prodotto delle star, che però per diventare tali
hanno generalmente beneficiato di un prolungato
supporto della radiofonia, di marchi commerciali
o del circuito televisivo. Chi era fuori da quel giro
ha goduto sì di popolarità, ma per un numero con-
finato di anni. E per una serie di ragioni, a detta di
Holmes: la fine di MTV e dei video in rotazione, la
chiusura di Top Of The Pops, il cambio nella meto-
dologia di accertamento delle classifiche di vendita
realizzato da “Billboard” e infine il passaggio dalla
memoria degli iPod a quella meno capiente dei
primi iPhone, in grado di contenere meno musica,
effettuando così selezione alla porta uditiva.
Tutto ciò viene definito dai giornalisti in questione
obsolescenza sonora. Così come sappiamo che a
un certo punto frigoriferi, automobili e televisori
smetteranno di funzionare, la stessa cosa vale per i
supporti che governano la musica. Sarà per questo
che quelli dell’Elire Management Group stanno ap-
prontando un caveau alle isole Svalbard, tra Norve-
gia e Polo Nord, dove “storare” su supporti digitali
di certa e futura durata musica che resista almeno
un millennio. Il progetto si chiama Global Music
Vault e dovrebbe partire nella primavera del 2022.
Ci accodiamo quindi al suggerimento di Pinsker:
c’è ancora tempo per comprare un po’ di copie degli
album che amiamo e trascrivere a penna su un qua-
derno una selezione dei brani preferiti.
 357
CO N T E N U T I

26

COV E R S TO R Y

S UFJ AN ST E VE N S

26 Sufjan Stevens & Angelo De Augustine: DI M AURO FENOGLIO

lo sguardo innocente

34 Badbadnotgood: gioco di squadra DI M AURO FENOGLIO

42 Valentina Magaletti: in viaggio, D I M AU R O F E N O G L I O

oltre i confini del ritmo

88 Retropolis: Faust D I A L E S S A N D R O B E S S E LVA

AV E R A M E
 NUMER O 357
ANNO 30
OT TOBR E 2 02 1

DI R ET TOR E R ESPONS ABI LE

Marco De Crescenzo

DI R ET TOR E EDI TOR I ALE

Rossano Lo Mele

COOR DI NAMENTO R EDAZI ONAL E

Alessandro Besselva Averame

R E DA Z I O N E E WE B
Nicholas David Altea, Letizia Bognanni

VAL EN T IN A M AGAL E T T I CONSULENTI ALL A R EDAZI ONE

Maurizio Blatto, Giona A. Nazzaro,
Claudio Sorge, Giorgio Valletta
42
R UBR I CH E
Alessandro Baronciani, Carlo Bordone,
Luca Doldi, Francesco Farabegoli, Luca Frazzi,
Sergio Messina, Marco Pecorari, Andrea
Pomini, Barbara Santi

COLL ABOR ATOR I

Davide Agazzi, Diego Ballani, Antonio
Belmonte, Paolo Bogo, Claudia Bonadonna,
Antonio Briozzo, Arturo Compagnoni, Matteo
Da Fermo, Stefano D’Elia, Margherita Di
Fiore, Stefano Fanti, Mauro Fenoglio, Paolo
Ferrari, Daniele Ferriero, Manuel Graziani,
Luca Gricinella, Daniela Liucci, Stefano
Morelli, Andrea Prevignano, Gianluca
Runza, Fabio Striani, Doriana Tozzi, Andrea
Valentini, Simona Ventrella, Francesco
Vignani

DI R ET TOR E AR TI STI CO
Stefano Manzi

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14 Privé 83 Retropolis
Autorizzazione del tribunale di Torino n. 21
102 Che Fine Hai Fatto? del 25/07/2013
18 My Tunes ISCRIZIONE AL ROC N° 23733
103 Gente Sola
20 Futura Questo periodico è associato
CONTEN ITOR I (Ma Non Troppo) all’Unione Stampa Periodica Italiana
49 Recensioni
104 Visioni Finito di stampare nel mese di settembre 2021
50 Disco Del Mese
108 Letture
72 Treecolore 112 Fumetti
74 Radici 113 Poster-i
76 In Italia 114 Banda Larga
PAVEMENT FKA TWIGS CHROMATICS ROBERT SMITH MICHAEL CHAPMAN ABBA

A CU RA DELL A RE DA Z I ONE OT TOBRE 2021 @ ru m o re m a ga z i n e

DA M O N A L B A R N F L E A C H A R L I E WAT T S A R LO PA R K S M A S S I V E AT TAC K

INDICE: NEWS p. 08 — FACCIAMO I CONTI p.09 — SOCIAL p.10 — IN ARRIVO p.10

LA CAMPAGNA
AMBIENTALE DEI
MASSIVE ATTACK

I Massive Attack hanno reso

noti i risultati di uno studio
condotto dal Tyndall Centre,
organismo che si occupa di
ricerche climatiche con il
quale il gruppo ha inaugurato
da tempo una partnership,
illustrando una serie di propo-
ste elaborate per combattere
la crisi climatica nell’ambito
dell’industria musicale, tra
cui l’eliminazione dell’uso di
jet privati, il ricorso a mezzi
di trasporto elettrici, l’abo-
lizione dei generatori diesel
(per i festival), nuovi modelli
di venues “plug and play”e via
dicendo. Secondo la ricerca
del Tyndall Centre, per poter
rientrare entro i parametri
fissati dall’Accordo di Parigi IL MIXTAPE DI FKA TWIGS
sul clima, il settore musicale
dovrebbe puntare all’azzera-
mento delle emissioni nocive
K A Twigs è al lavoro sul L’ipotesi è che possa vedere la luce tra la
(inerenti i luoghi in cui si
seguito dell’apprezzato fine di quest’anno e l’inizio del prossimo. A
svolgono eventi, ma anche i
mezzi di trasporto impiegati
F Magdalene, pubblicato proposito della nuova uscita, la musicista ha
ormai quasi due anni fa dichiarato sul proprio account di Discord: “È
dal settore) entro il 2035. I (in quella occasione “Ru- molto profondo, emotivo, e onesto, ma au-
Massive Attack si sono messi more” le aveva dato la spicabilmente ci saranno più lacrime dorate
in gioco in prima persona, copertina), ma non si tratterà di un album che tristezza. Questa volta ho veicolato la mia
progettando sei moduli per vero e proprio. Le musiche a cui l’artista malinconia in modo differente”. Tra i nomi
la riduzione delle emissioni britannica aveva lavorato lo scorso anno in coinvolti nel nuovo progetto sono al momen-
che verranno testati durante pieno lockdown, ricorrendo a collaborazioni to confermati quelli di Koreless, Arca e Mike
il tour del prossimo anno, a distanza di vario tipo, andranno infatti a Dean, producer già al lavoro tra gli altri con
fissando inoltre una serie di costituire un mixtape, di cui non è ancora Kanye West.
ulteriori partnership con vari stata annunciata una data di uscita precisa.

8 | RUMOREMAG.COM

FACCIAMO I CONTI
LA POSIZIONE DI CLASSIFICA
144
RAGGIUNTA DA NEVERMIND NELL A
PRIMA SET TIMANA DI USCITA. 46.251
LE COPIE STAMPATE PER IL MERCATO
AMERICANO
10
ANNI DI VITA CONDENSATI IN DUE ORE DI
MUSICA: QUESTO SARÀ IL NUOVO DISCO
DEI CURE A DET TA DI ROBERT SMITH
IL DEBITO IN STERLINE ACCUMUL ATO
3000
DA UN ADOLESCENTE NICKY WIRE
(MANIC STREET PREACHERS)
GIOCANDO ALLE SLOT MACHINE
16
ORE AL GIORNO IN VETRINA PER UN
MESE: LE HA TRASCORSE GROUPER
PER COMPORRE IL SUO NUOVO ALBUM,
SOT TO FORMA DI INSTALL AZIONE
13
ANNI: FINO A QUELL’ETÀ MIKI BERENYI
(EX LUSH, ORA NEI PIROSHKA) HA
ASCOLTATO MUSICA SOLO CON IL
WALKMAN
3
MUSICISTI MIGLIORI DEGLI
AT TRACTIONS NON ESISTONO ANCORA
IN CIRCOLAZIONE, OGGI, SECONDO
E LV I S C O S T E L L O
1
LEZIONE DI CHITARRA ALL A
SET TIMANA: L’OFFERTA DEI GENITORI
A FAYE WEBSTER DOPO AVERL A
VISTA COMINCIARE DA BAMBINA
AUTODIDAT TA
STERLINE: IL SONTUOSO ANTICIPO
5000
RICEVUTO DA DAVID BOWIE PER
REGISTRARE HUNKY DORY, CHE STA
PER COMPIERE 50 ANNI
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esponenti dell’industria eco-
sostenibile. In un comunicato
Robert “3D” Del Naja ha sot-
tolineato il fatto che “ciò che
importa in questo momento
è l’implementazione. I grandi
promotori devono sempli-
cemente fare di più, questi
appelli pubblici non possono
essere sempre affidati agli
artisti”, aggiungendo che le
politiche governative, quando
si parla di sovvenzioni, conti-
nuano a discriminare l’energia
pulita privilegiando l’industria
dei combustibili fossili. Al mo-
mento di annunciare la part-
nership con il Tyndall Centre
il gruppo aveva addirittura
preso in considerazione l’idea
di non esibirsi più dal vivo
REUNION DEI PAVEMENT
NEL 2022
L’attesa, da parte dei fan dei
Pavement, sembrerebbe esse-
re finita. La band di Portland
aveva annunciato nel 2019 una
reunion – non la prima nel
corso del tempo, ma senz’altro
la più attesa - sul palco del
Primavera Sound di Barcello-
na per l’anno successivo, ma
l’irrompere della pandemia
aveva ovviamente modificato i
piani di Steve Malkmus e soci.
In un primissimo momento
l’appuntamento era slittato
all’edizione di quest’anno, a
sua volta cancellata nei mesi
scorsi; i Pavement sono stati
infine confermati come hea-
dliner del Primavera Sound
2022.
ARLO PARKS SI AGGIUDICA
IL MERCURY PRIZE
Arlo Parks si è aggiudicata
il prestigioso Mercury Prize
britannico con il suo album
di debutto Collapsed In Sun-
beams, pubblicato lo scorso
gennaio, sbaragliando la con-
correnza, tra gli altri, di Sault,
Nubya Garcia, Wolf Alice,
Floating Points e Pharoah
Sanders, Mogwai, Black Coun-
RUMOREMAG.COM | 9
N E W S! OT TO B R E 202 1

RUMORE PER IL SOCIAL

try, New Road e Hannah Peel.
La ventunenne, una delle più
giovani vincitrici di sempre (il
record spetta a Dizzee Rascal, SF O G H I, CO N FE S S IO N I E CA Z Z EGGI CAT TUR ATI IN RE TE
che se lo aggiudicò nel 2003
ad appena 19 anni), durante
il discorso di ringraziamento
ha ricordato quando, da bam-
bina, andava a scuola in bici
passando di fronte all’Ham-
mersmith Apollo, luogo in
cui si è svolta la cerimonia di
premiazione. PEPPA PIG
OFFICIAL PEPPA CHANT
@ p e p p a p i g
FOUR TET VS DOMINO
Peppa didn’t need to host listening parties in
Mercedez-Benz Stadium to get that .5

Kieran Hebden aka Four Tet (Peppa non ha avuto bisogno di organizzare dei
sta intentando causa alla Do- listening parties al Mercedes-Benz Stadium per ottenere
quel .5)
mino, sua vecchia etichetta,
per ottenere percentuali più
alte sui diritti degli album
incisi per la label britannica
negli anni Zero. L’elemen-
to principale della contesa
è legato al cambiamento
delle modalità di diffusione
e fruizione della musica in-
stauratosi nel frattempo, in
particolare con l’introduzione
dello streaming: Hebden ha
firmato il suo contratto nel
2001 e Spotify ha esordito nel IN ARRIVO
2008. Il musicista e producer
londinese, secondo l’attuale
contratto, riceve di base una
percentuale di circa il 18%,
mentre i suoi avvocati vor-
rebbero portarla fino al 50%. DAMON ALBARN
Questi ultimi hanno inoltre
richiesto 70mila sterline di
danni e interessi. Il braccio THE NEARER THE FOUNTAIN, MORE
di ferro – la Domino difende PURE THE STREAM FLOWS
TRANSGRESSIVE
la sua decisione di mantenere
la stessa percentuale applica-
ta a vendite e download nel
contratto originale - non ha Secondo album a proprio nome per Damon Albarn dopo Everyday Robots, che usciva ormai
un esito scontato, quel che sette anni fa, The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows era nato inizialmente
è certo è che il verdetto avrà come composizione orchestrale ispirata dai paesaggi islandesi, poi sviluppatasi e ampliatasi
delle ripercussioni sull’intero durante il lockdown dello scorso anno fino ad assumere le sembianze di un full length. A
ambito discografico, e porterà proposito dei contenuti e degli stati d’animo che attraversano il lavoro, Albarn ha dichiarato:
con buona probabilità alla “Sono stato impegnato in un mio personale viaggio nell’oscurità durante la realizzazione di
questo disco, e questo mi ha spinto a credere che possa ancora esistere una fonte di purezza”.
ridiscussione di molti contrat-
Evidente il richiamo del concetto nel titolo, ispirato da una poesia di John Clare, Love And
ti siglati prima dell’avvento
Memory. Al momento di andare in stampa sono stati diffusi tre brani, la title track, Polaris e
dello streaming.
Particles.

ALTRI LUTTI D A M O N A L B A R N M U S I C .C O M T R A N G R E S S I V E R E C O R D S .C O M

Ci anno lasciati in queste I N U S C I T A I L 12 N O V E M B R E 202 1

settimane: Gary “Chicken”

10 | RUMOREMAG.COM
 Hirsh (1940-2021), storico
ESSI VIVONO batterista di Country Joe And
The Fish; Powell St. John
ABBA has released 2 brand new singles and (1940-2021), protagonista
announced a new album. They sound incredible. della scena psichedelica texa-
J O H N The new songs are pure Abba. I feel like I’m 28 na di metà anni 60 e autore di
again!
CARPENTER You Don’t Know e Slide Ma-
@T h e H o r r o r M a s t e r
(Gli ABBA hanno pubblicato due singoli nuovi di zecca e chine dei 13th Floor Elevators;
hanno annunciato un nuovo album. Sono incredibili. Le Brian Travers (1959-2021),
nuove canzoni sono ABBA allo stato puro. Mi sembra di sassofonista e fondatore degli
avere di nuovo 28 anni!)
UB40; Eric Wagner (1959-
2021), ex cantante della band
doom metal Trouble; Olli
Wisdom (1959-2020), negli
GARLICFORNICATION anni 80 cantante dei glam
dark Specimen, poi organiz-
Padma Lakshmi zatore della storica serata
@PadmaLakshmi
What’s the best way you’ve found to peel garlic?
RE: I attack it wildly with my teeth
F L E A
@ f l e a 3 3 3 (Padma Lakshmi
@PadmaLakshmi
Qual è il modo più efficace che hai scoperto per pelare
l’aglio?
RE: Lo addento selvaggiamente)

r u mo remag r u more m a ga z i n e

ASCOLTA
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NUMERO SU
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L’ESPERIENZA
DI RUMORE
SI AMPLIFICA
OGNI MESE UNA NUOVA
PLAYLIST DEDICATA
AL NUMERO IN USCITA

PER VIVERE IL MAGAZINE

IN MANIERA TUTTA NUOVA

SI SCIOLGONO I CHROMATICS
i sciolgono, dopo 20 anni,
i Chromatics. Tre compo-
S nenti del gruppo di Port-
land, Oregon, Ruth Ra-
delet, il fondatore Adam
Miller e Nat Walker, lo
avevano annunciato su In-
stagram ai primi di agosto: “Dopo un lungo
periodo di riflessione, noi tre abbiamo
preso la difficile decisione di porre fine al
gruppo”. Dopo qualche giorno è arrivata la
conferma anche da parte di Johnny Jewel,
quarto componente nonché produttore
APRI L’APP SPOTIFY,
della band e fondatore dell’etichetta che ne ACCEDI ALLA
ha pubblicato i dischi a partire dal 2006, SEZIONE RICERCA E
Italians Do It Better. O, meglio, attraverso
un portavoce: “Johnny è estremamente or-
CLICCA SUL SIMBOLO
DELLA MACCHINA
goglioso del lavoro con il progetto nel corso FOTOGRAFICA,
degli anni e continuerà a fare musica, e a SCANSIONA IL CODICE
supportare la grande arte e i grandi artisti QUI SOTTO E SARAI
attraverso la sua etichetta Italians Do It SUBITO SUL NOSTRO
Better”. Gli altri tre, intanto, hanno lasciato PROFILO
intendere che qualcosa bolle in pentola:
“Siamo molto eccitati per il futuro, e non
vendiamo l’ora di condividere con voi i no-
stri nuovi progetti, molto presto”.

RUMOREMAG.COM | 11
R.I.P. OT TO B R E 202 1
gothic londinese The Batcave
e einfine pioniere della trance
psichedelica; Fritz McIntyre
(1958-2021), tastierista dei
Simply Red; Dave Harper,
batterista di Frankie & The
Heartstrings, band indie rock
inglese; Kenny Malone
(1938-2021), batterista di Na-
shville attivissimo come ses-
sionman (tra i tanti a fianco
di Johnny Cash, Ray Charles,
Dolly Parton); Ron Bushy
(1945-2021), batterista e com-
ponente originale degli Iron
Butterfly; Susan Anway,
prima cantante dei Magnetic
Fields, presente sui primi
due album dei newyorchesi,
Distant Plastic Trees e The
Wayward Bus; Don Everly
(1937-2001), metà degli Everly
Brothers.
ERRATA CORRIGE N. 356
Nella rubrica Letture il libro
di Massimo Zamboni, La
Trionferà, recensito da Stefa-
no D’Elia, è stato pubblicato
da Einaudi e non, come erro-
neamente indicato, da Il Sag-
giatore.
IN USCITA
ABBA Voyage (5 novembre)
Curtis Harding If Words
Were Flowers (5 novembre)
Joan As A Police Woman,
Tony Allen & Dave Okumu
The Solution Is Restless (5
novembre) Aimee Mann
Queens Of The Summer Hotel
(5 novembre) Mira Calix
Absent Origin (5 novembre)
Courtney Barnett Things
Take Time, Take Time (12 no-
vembre) Gov’t Mule Heavy
Load Blues (12 novembre)
Jon Hopkins Music For
Psychedelic Therapy (12
novembre) Lee Ranaldo In
Virus Times (12 novembre)
Elbow Flying Dream 1 (19
novembre) Robert Plant &
Alison Krauss Raise The
Roof (19 novembre).
12 | RUMOREMAG.COM
CHARLIE
WATTS
Spesso descritto come un batterista dal solido back-
ground jazz che un “incidente di percorso” aveva
piazzato dietro ai tamburi in uno dei gruppi cardine
della storia del rock, Charlie Watts in realtà ha re-
galato ai Rolling Stones, oltre che la sua figura di
improbabile e defilata rockstar, perfetto contraltare
agli eccessi e agli istrionismi di Mick Jagger e Keith
Richards, uno stile batteristico controintuitivo e
minimale, in grado di tenere insieme con sublime
efficacia la caracollante esuberanza della band. Di-
plomatosi come grafico nel 1960, Watts aveva suo-
nato in innumerevoli formazioni jazz e poi nei Blues
Incorporated di Alexis Korner, sorta di nave scuola
dell’intera scena blues bianca britannica. Gli appena
nati Rolling Stones avevano a lungo corteggiato il
richiestissimo batterista, riuscendo a ingaggiarlo nel
1963, con un salario di cinque pounds a settimana.
Nel libro According To The Rolling Stones, pubbli-
cato nel 2003, Watts aveva dichiarato: “Mi piaceva
suonare con Keith e la band – è ancora così – ma
non mi interessava essere un idolo pop circondato
da ragazze che urlano. Non è quello il mondo da cui
(1 9 41 -2021) provengo. Non è quello che volevo essere, continuo
a pensare sia sciocco”.
MICHAEL
CHAPMAN
Michael Chapman ha attraversato il folk rock britan-
nico a cavallo tra ‘60 e ‘70 in una posizione defilata e
autarchica, testardamente aggrappato a un fingerpi-
cking impeccabile e a una voce aspra e stropicciata,
incrociando sulla propria strada nomi come Paul
Buckmaster e Mick Ronson (la cui chitarra contribu-
isce, pre Bowie, alle trame dell’eccellente Fully Qua-
lified Survivor del 1970). Affascinando in seguito
gente come Thurston Moore e Steve Gunn, quest’ul-
timo direttamente coinvolto - come musicista e pro-
(1 9 41 -2021) duttore - nei suoi due incompromissori capolavori
della maturità, 50 (2017) e True North (2019).
FABIO
PARRINELLO
(BLACK EYED DOG)
Nato a Varese ma trasferitosi in seguito in Sicilia,
Fabio Parrinello aveva imbracciato la chitarra dopo
l’incontro con Nevermind dei Nirvana, e nel 2006
aveva esordito con lo pseudonimo Black Eyed Dog,
moniker ispirato dall’omonima canzone di Nick Drake
(altra epifania decisiva nella sua formazione artistica).
Il gruppo, inizialmente un progetto solista, aveva
esordito discograficamente nel 2007 con l’album Love
Is A Dog From Hell (Ghost Records). Con l’arrivo del
(1 9 7 9 -2021) nuovo decennio Black Eyed Dog era diventato un trio e
l’ultimo album, Killing Me Twice, era uscito nel 2015.
LEE SCRATCH PERRY
(1 9 3 6 -2 02 1 ) DI PAO LO F ERRARI
Verso i dieci anni ti accorgi che la bacchetta magica,
rassicurante presenza di tante favole, è una bufala che
ti hanno raccontato per tenerti tranquillo. Poi arrivi
a 18 anni e scopri che sì, era tutto vero: la bacchetta
magica esiste, ma ha un ruolo molto diverso. Tutto
quel che tocca diventa sporco e geniale, anziché di-
spensare sicurezza semina dubbio, spiazza, rimette in
discussione cose che sembravano assodate. Suoni, nel
caso di Lee Scratch Perry, maturamente scomparso
lo scorso 29 agosto. Al servizio di mostri sacri della
musica ribelle come Bob Marley o The Clash. In studi
dove cursori, distorsori, eco e altri effetti compone-
vano un quadro da grotta del Mago Merlino. Verso
orizzonti visionari, scommesse ardite quanto può
esserlo stata l’opera di Sun Ra, l’unico dei profeti neri
che ci si sente di scomodare per render conto dell’im-
menso genio di Mr. Upsetter. Un uomo nelle cui vene
scorreva l’intera storia di un reggae concepito non
come genere a sé stante, ma come reagente per il pop
universale. Una storia anche buia, per esempio sotto il
profilo dello sfruttamento selvaggio di cantanti e mu-
sicisti da parte di produttori pionieri come il pur indi-
spensabile Sir Coxsone Dodd, uno che pagava Perry,
ex contadino, poco più di quanto guadagnasse nei
campi. Ma spaventosamente luminosa: basti pensare
alla connessione punk reggae, all’influenza del dub di
etichette come la On-U Sound sul trip hop e sull’elet-
tronica successiva, alla diffusione mondiale della cul-
tura del sound system, oggi linguaggio universale. Tre
terreni di applicazione sui quali Mr. Pipecock Jackson
ha esercitato qualcosa di più simile a un potere che a
un’influenza, partendo proprio dall’atto di ribellione
che lo indusse a creare nel 1973 il leggendario Black
Ark Studio. La sua sterminata discografia, tra produ-
zioni, dischi personali e collaborazioni d’ogni sorta,
spazia con naturalezza tra hit mostruose e deliri che
veniva una mezza idea di ricorrere a Ciccio Ingrassia,
pregandolo di tornare a vestire i panni dell’Esorciccio.
A pensarci, che bell’incontro sarebbe stato. Per le hit,
bussare a Chase The Devil di Max Romeo o al Junior
Murvin di Police And Thieves, da cui nacque il flirt
umano e artistico con la banda Strummer. Sul versan-
te sperimentale, largo a Super Ape. Dritti e rovesci
giocati tutti e tre nel 1976. Fino al cortocircuito, non
elettrico, sosteneva lui, ma nervoso: Perry si è sempre
attribuito la responsabilità del rogo che annientò il
Black Ark, sostenendo di averlo scatenato durante un
attacco d’ira. Quando si dice un musicista incendia-
rio. Braccato dai suoi fantasmi, paranoico, instabile,
Mr. Upsetter cadde e risorse dalle proprie ceneri fuori
dall’isola, trovando linfa vitale in una scena britanni-
ca che stravedeva per lui. La guidava Adrian Sherwood,
e dal sodalizio nacque nel 1987 il capolavoro Time
Boom X The Devil Dead. Il demonio era morto, la
nuova vita era intrapresa. In Svizzera, dove si trasferì
con la nuova compagna Mireille Campbell e famiglia
e nel 1990 realizzò in un nuovo studio l’album From
The Secret Laboratory, superbo nella copertina che
lo ritrae monarca tra i ghiacci. Un profilo da impera-
tore intorno a cui sarebbero fioccati omaggi da tutto il
mondo: epica la partecipazione alla Dr. Lee PhD scrit-
ta su misura nel 1996 dai Beastie Boys, accorato l’in-
vito degli Orb a partecipare all’album The Observer
In The Star House. Il 3 dicembre 2015 andò a fuoco
anche il Laboratorio Segreto svizzero, ma questa volta
per una candela dimenticata, a proposito di Grotta
di Merlino. Bruciate le attrezzature, perse irrime-
diabilmente tracce inedite, arrosto, e forse fu ciò che
gli fece più male, anche la formidabile collezione di
abiti, costumi e aggeggi da sciamano che, insieme alla
mania delle lavagne, dei fogli e dei muri su cui scara-
bocchiare, lo passano alla storia come eterno bambi-
no. Ah, già, la bacchetta magica dei 18 anni: tanti ne
avevo quando mi piombò addosso Complete Control,
la prima produzione di Lee Perry per i Clash.
RUMOREMAG.COM | 13

PRIVÈ / PANZANE L A FINE DELL’ALBUM? CERTO.
La fine dell’album?
Certo
Mi sono innamorato di Orange,
il nuovo singolo dei Pinegrove,
ma proprio di brutto - non so se
avete presente, ascolti una can-
zoncina, carina, la riascolti, molto
carina, e 24 ore dopo l’hai sentita
un centinaio di volte. Stavo anche
pensando di proporre la recen-
sione del singolo alla direzione
di “Rumore” poi ho pensato che
magari anche no, nel senso, Or-
ange non è veramente un “singo-
lo”. È una canzone pubblicata in
streaming, c’è uno scopo benefico
dietro, vabbe’, non è importante,
prima o poi suppongo finirà in un
disco lungo. Singoli, dischi lung-
hi, eccetera. Vestigia di un tempo
passato che continuano a tornare.
Vi è mai capitato di pensare a
quanto siamo ancora aggrappati a
questi concetti?
Esempio scemo: in questa rivista
c’è una sottosezione delle recen-
sioni, “Singolare”, dedicata a sin-
goli ed EP. Tutti sappiamo cosa
14 | RUMOREMAG.COM
PANZANE
sono: un singolo è più o meno
un disco costruito su una singola
canzone, a cui in genere è affian-
cata un’altra canzone (“b-side”)
di secondaria importanza - una
canzone scartata dall’album del
gruppo, o simili. Un extended
play è tradizionalmente un disco
più corto di un normale LP, di-
ciamo sotto i 25 minuti. Erano
distinzioni importanti ai tempi
del vinile: un singolo stava su un
disco a 7”, un EP andava sui 10”,
con costi di produzione diversi
e prezzi di acquisto diversi. Sin-
goli ed EP hanno continuato a
esistere nell’era del CD, ma i costi
di produzione erano molto più
allineati (il CD era lo stesso per
tutti e tre i formati); ed esistono,
o meglio resistono, anche nell’era
dello streaming. Nella quale
continuano, a intervalli rego-
lari, a raccontarci che il formato
“album” è destinato a finire, che
nessuno pensa più in termini di
“disco”, che conviene frazionare
il materiale e moltiplicare le us-
cite per rimanere sui radar. Sarà
vero. A volte in effetti gli artisti
pubblicano anche 4-5 tracce a
intervalli di tempo regolari prima
di pubblicare il disco intero,
magari un album di 10 tracce che
sembra la versione extended di
un EP inesistente uscito 4 mesi
prima. Ma d’altra parte ci sono
popstar in grado di pubblicare
lo stesso album in tre o quattro
versioni differenti (“deluxe”,
TESTO DI
F RANCES CO FARAB EG O LI
“plus”, “extended”, “2.1” e idiozie
simili) per far sì che un unico
inedito possa essere percepito
dal pubblico all’interno di una
cornice “album”. Ma voglio dire,
perché al fan medio di Annalisa,
che ascolta in streaming e compra
sei dischi a decennio, dovrebbe
importare che Movimento Lento
sia presente su Nuda10 Deluxe
(la versione estiva di Nuda10,
che era la versione post Sanremo
di Nuda) piuttosto che mollato
a caso dentro alla sua pagina ar-
tista? Risposta onesta: perché sì.
Poi sì, continueranno a spiegarci
che pensare in termini di “album”
è antiquato e tutto il resto, ma chi
registra e ascolta la musica conti-
nua a concepire l’esistenza di una
cosa che si chiama “EP”, a più di
30 anni dall’ultimo giorno in cui
parlare di “EP” poteva avere un
qualunque senso economico. Non
è meraviglioso?

PRIVÈ / BLOG’N’ROLL MY BL ANK PAGES
My blank pages
La pacchia, insieme all’estate
e alle vacanze, è finita. E rieccoci
alla solita gag tra il sottoscritto
e lo stoico Besselva Averame che
come tutti i mesi mi manda l’SMS
“riesci a mandare la rubrica
entro, tipo, adesso?”. Ovviamente
Alessandro non scrive in questo
modo barbaro, ma è per dare
l’idea. Il meta-articolo sull’ansia
da pagina bianca è una carta che
ci si può giocare una sola volta
al massimo, e temo che nel mio
caso sia questa. In realtà non è
che manchino mai gli argomenti
papabili, quelli che un corsivista
novecentesco avrebbe chiamato
“spunti di riflessione” e qualcu-
no più cinico “pretesti per tirare
giù 3000 battute”. Posto che
neanche io ormai so quale sia
il focus di questa rubrica - che
come da titolo era partita con
l’intenzione di parlare di blog
musicali interessanti e ha fini-
to per piegarsi felicemente alla
BLOG’N’ROLL
regola del “vale tutto” - di ganci,
addì 11 settembre 2021 (ecco,
già ne spunta uno) ce ne sareb-
bero diversi. Potrei parlare per
esempio della querelle tra Kanye
West e Drake, ma poi penso che
di pochissime cose nella vita me
ne frega di meno che degli scazzi
tra Kanye West e Drake. Oppure
del ritorno degli ABBA in formato
ologramma, ma sinceramente
non ho ancora avuto il coraggio
di ascoltare il pezzo che hanno
diffuso (loro, o gli ologrammi),
quella foto che gira mi fa tanta,
tanta paura e tutti i giochi di pa-
role possibili con “abba” dentro
sono già stati fatti. C’è la questio-
ne dolorosa dei concerti e di tutta
l’infrastruttura della musica dal
vivo in epoca post (?) pandemica,
ma è un argomento troppo serio
e che coinvolge il lavoro e le vite
di troppe persone per liquidarlo
in modo sbrigativo. L’augurio è
che finalmente se ne occupi qual-
cuno, come dire, un pochino più
importante. Tipo un ministro, per
esempio. Piluccando tra le notizie
del music business, interessante
quella della BMG che nella prima
metà del 2021 batte il suo record
di utili (quasi 300 milioni di
euro) trainata dallo streaming,
alla faccia delle major che dieci
anni fa davamo per morte, ma gli
articoli con numeri e percentuali
in genere annoiano il lettore tipo
della rivista (“se volevo sucarmi
sta roba mi compravo ‘Il Sole 24
TESTO DI
CARLO B O RD ON E
Ore’”), e quindi mi limito a un
“corporate music still sucks” che
in tempi di trentennale di Nev-
ermind fa sempre la sua figura.
Già che ci sono potrei parlare
del trentennale di Nevermind,
ma mi rendo conto che sarebbe
un’idea troppo snob e di nicchia.
E quindi? E quindi niente, fisso lo
schermo così malinconicamente
bianco, mi metto le cuffie e ascol-
to alle sette di un sabato mattina
Fully Qualified Survivor dato
che ieri è morto Michael Chap-
man. Un grandissimo scrittore di
canzoni, una roccia d’uomo e di
artista che a 80 anni spargeva an-
cora con la sua musica un po’ di
bellezza e di poesia nel mondo. Di
pagina dei necrologi ne abbiamo
già una e quindi mi fermo qua,
anche perché ormai la rubrica è
fatta. Era solo per dire che l’os-
sessione di parlare (e scrivere)
di musica toglie troppo tempo
e concentrazione all’unica cosa
che conta, con la musica, e che
facciamo sempre meno e sempre
peggio: ascoltarla.
RUMOREMAG.COM | 15

PRIVÈ / ZIGZAG CALBONISMO
Calbonismo
Io riconosco te, tu riconosci me.
Mi chiami per nome. Meglio, col
diminutivo. Mi tagghi. Alludiamo
a cose che sappiamo solo io e te
ma vogliamo che gli altri intuis-
cano.
“Sai che Aspettando Godot di
Claudio Lolli è un gran disco?”
“Lo so bene. Sempre ascoltato, io,
Claudio Lolli, anche quando com-
pravo i dischi dei Bauhaus”
“Altro genere, ma di recente ho ri-
scoperto anche Enzo Carella…”
“A me, lo dici? È da settimane che
in macchina ascolto Barbara in
loop”
Seguono like, strizzatine d’occhio,
reciproci pompini.
Che Facebook abbia affossato il
livello della conversazione l’han-
no già detto tutti (scavando un
solco ancora più profondo tra
rozzi qualunquisti e comunisti di
Capalbio, con l’aggiunta recente
dei paladini del libero pensiero
16 | RUMOREMAG.COM
ZIGZAG
che però, guarda caso, alla fine
votano a destra senza porsi tanti
problemi). L’hanno fatto su Face-
book, ma questo è un dettaglio.
Di recente però il dibattito ha
assunto risvolti inquietanti. Quel-
la che emerge è un’idea distorta di
comunità, anzi, di community (il
termine più inflazionato sui social
dopo “figa”, “transizione ecolog-
ica” e “ristampa deluxe”) intesa
come appartenenza a schieramen-
ti riconducibili all’orientamento
politico, al tifo, ai gusti musicali
e alla cultura personale. In sin-
tesi: le differenze tra chi guarda
la partita al bar bestemmiando
e votando Meloni pur andando
in chiesa (dicono sia normale) e
chi si pronuncia su tutto ciò che è
“alto” (dalle foto di Ghirri alla dis-
cografia dei Fugs) dalla camera di
una pensioncina a Cannes, dove
si trova (discretamente annoiato)
per il Festival del Cinema. Tutto
così, molto stucchevole.
“C’eri, al concerto dei Royal Trux
al Tunnel nel ’98?”
“Ovvio che c’ero. Io, Gigi e il Gi-
ampi, tre ore per trovare il locale.
Non esistevano i navigatori, nel
’98, mica come oggi…”
“E al Festival XXX? Mitiche
le prime edizioni…Si, c’eri, da
qualche parte devo avere ancora
quella foto che abbiamo fatto col
bassista degli YYY, ti ricordi?
La community. Tutti buoni, tutti
amici (a gratis), tutti prontissimi
TESTO DI
LU CA F RAZ Z I
a ricordare questo o quell’evento.
E state sicuri che i membri della
community c’erano, sempre,
ovunque e comunque. Il linguag-
gio? Citazioni e cuoricini, tanti,
col tocco di classe del romanesco
da cartolina, quell’imbarazzante
sequenza di “daje”, “nnamo” e
“famo” che se pronunciati dalla
Toscana in su mettono solo tris-
tezza.
Ora, do per scontato che sappiate
chi è Calboni. Ecco, avete pre-
sente la polentata esclusiva offer-
ta dalla contessa Serbelloni Maz-
zanti Vien Dal Mare nella quale
il nostro eroe, clamorosamente
imbucato, si spreca in saluti e ba-
ciamano servili ai nobili presenti?
Ecco, quella è una community,
non tanto dissimile da quella
punk o quella dei cultori delle
prime edizioni Einaudi. Circoli
chiusi nei quali il riconoscimento
reciproco è una questione di so-
pravvivenza. Tra il triste e il pa-
tetico, con l’aggravante del “daje”.
A questo punto, se non c’è alter-
nativa alla community dei cuori-
cini, preferisco guardare la partita
al bar bestemmiando. Da vaccina-
to e senza votare Meloni.

PRIVÈ / GLOBO IL DOT TOR PERRY, SUPPONGO
Il dottor Perry, suppongo
Il primo disco di Lee Perry che
ho comprato? Non era un disco di
Lee Perry, e l’ho scoperto tre volte.
La prima quando ancora era di
proprietà del piccolo negozio con
roba d’importazione che, a un
certo punto, aveva aperto pure
nella cittadina dove sono nato
e cresciuto. Una volta era così,
anche posti da qualche decina di
migliaia di abitanti avevano un
negozio di dischi alternativi, e il
fatto che fossimo nella culla del
reggae italiano è in realtà poco più
di una coincidenza. Ad ogni modo,
ho scoperto che non era un disco
di Perry - nonostante la copertina
così dichiarasse - sezionando i
credits sul retro quella decina di
volte che l’ho preso dallo scaffale
per esaminarlo, per capire se fosse
da comprare o meno. I soldi erano
pochi, il rischio faceva parte del
gioco, meglio limitarlo però.
Suonato sul lato A da Sly Dun-
GLOBO
bar, Robbie Shakespeare, Tony
Chin, Bobby Chalfat (sic), Skully
e Dwight Pickney, sul lato B da
Mikey Boo, Flabba Holt, Rascher,
Ansel Collins, Bonger Herman
(sic), Dougie e Huntley. Prodotto
da E. Brooks e Jah Lion, arrangia-
to da E. Brooks e Patrick France,
registrato agli studi Channel One.
Mixato da Lee Perry ai Black Ark
Studios. Oh, finalmente! Ora, le
informazioni nel 1990 circolavano
grazie a radio, riviste e passapa-
rola. Il fatto che Perry fosse uno
dei grandi non era in discussione,
se ne parlava solo in quei termini,
aveva lavorato con Bob e i Clash.
Quel disco aveva una sua foto in
copertina, e, anche se nei fatti il
suo contributo pareva marginale
per le conoscenze in materia di un
teenager, quando il tizio del nego-
zio lo metteva sul piatto suonava
benissimo.
La seconda volta che ho scoper-
to che Blood Vapour (uscito nel
1990, ma con registrazioni del
1976) non era un disco di Lee
Perry non è legata a un momento
preciso. È più frutto di un pro-
cesso, se vogliamo. Il reggae è
diventato il mio genere musicale
preferito, le sue declinazioni roots
e dub dei ‘70 in particolare, ne ho
comprato e ascoltato a quintali,
l’orecchio si è affinato, ho impara-
to a orientarmi fra i dettagli della
musica tutta uguale (conosciamo
tutti almeno unə che la pensa così,
TESTO DI
AN D REA PO M I N I
abbiamo provato tutti almeno
una volta a spiegare che sbaglia e
la colpa non è sua ma di Babilo-
nia) per eccellenza. E ben presto
è stato evidente anche a occhio
nudo che quei pezzi non potevano
essere stati mixati da Scratch al
Black Ark. Il suono è un altro, il
feeling è un altro. Channel One?
Molto probabile. King Tubby?
Pure.
La terza volta l’ho scoperto oggi,
quando ho deciso di dedicare la
pagina di questo mese a Perry e ho
ripreso Blood Vapour dallo scaf-
fale. Per curiosità, sono andato su
Discogs a vedere quanto valesse,
e ho scoperto che qualcunə aveva
approfondito la faccenda più di
me, che mi ero fermato all’ABC
istintivo del genere. Sono mix
alternativi di un album registrato
intorno al 1979 e uscito nel 1996
per Top Beat, intitolato Channel
One Revisited Dub e accreditato ai
Revolutionaries, fra le principali
band di studio dell’epoca. A sua
volta, è la versione dub di Channel
One-Revisited, raccolta di materi-
ale d’annata di Peter “Elrico” Mar-
shall pubblicata dalla stessa Top
Beat nel 1995. Produce Edmond
“Mike” Brooks, ed è l’unico legame
con quel primo disco di Lee Perry
che ho comprato. Poteva andare
peggio.
RUMOREMAG.COM | 17

OTTOBRE 2021
o frequentato per
diverso tempo
H Mentone, primo
comune francese
dopo la frontiera
con la Liguria.
Attaccato. A lungo italiano, conserva
toponomastica e cognomi (pur de-
clinati in transalpino) del Bel Paese,
ma è in tutto e per tutto Francia. Con
il completo dei luoghi comuni, come
sempre non troppo distanti dalla
realtà, attribuibili ai nostri cugini.
Sensazione di Stato vero, maggior
cura del bene pubblico, una scuola
solida, parlata erotica e donne molto
indipendenti. Ma anche una inne-
gabile e onnipresente alterigia. Con
tutto il male che si può dire degli
italiani, non ne ho mai visto uno
sottrarsi dall’aiutare un turista che
domandava informazioni, pur nella
sua lingua, o che cercava di comu-
nicare maccheronicamente nella
nostra. Provate a dire Victoria Sta-
tion a un inglese, anche sforzandovi
albertosordistyle di ammantarla di
un qualche accento anglosassone.
Irrimediabilmente vi guarderà come
18 | RUMOREMAG.COM
MY TUNES
MONNA LISA
I VA N G R A ZI A NI
DI MAURIZIO BL AT TO
se aveste pronunciato una cosa tipo
ventriculation o chissà che altro.
I francesi poi. Una mattina, in una
boulangerie di Mentone, in coda
davanti a me, correttamente in fila e
ornato dei segnali estetici da italiano
in vacanza lì (camicia di lino, ma-
glia in cotone sulle spalle, scarpa da
yacht, accento da arco Mediaset fine
80s) un signore di nome Aldo atten-
deva pazientemente di poter avere la
sua meritata dose di baguette (e met-
tetele in un sacchetto, cristo), pain
au chocolat o macarons. Quando fu
il suo turno, enumerò in un francese
più che comprensibile i suoi desideri.
Su deux baguettes la signora addetta
al banco delizie (che probabilmente
faceva Colombinì di cognome, ma
puntava tutto sull’accento finale per
definirsi) si immobilizzò dicendo
che non capiva. Je ne comprend pas.
Aldo ripeté scandendo la frase e ita-
lianizzandola con ampi gesti numeri-
ci e di localizzazione pastereccia sul
bancone, ma nulla, je ne comprend
pas. Da lì tutto precipitò. Persino una
coppia francese azzardò che si pote-
va capire benissimo quanto avesse
detto. Alcuni italiani al fondo della
coda rumoreggiarono esplicitamente.
Aldo insistette. Conobbi il suo nome
quando la moglie, una bella donna
vestita come le italiane in vacanza lì
(permanente fresca, camicia di lino,
gonna sul ginocchio e consapevolezza
che “voi donne francesi sarete anche
più indipendenti, ma noi siamo più
bone”) gli mise una mano sul braccio
tentando di sedarlo con “Calmati,
Aldo”. Ma l’invito fu reso vano da
Madame Je Ne Comprend Pas che
disse sbuffando “les Italiens…”. Alla
consueta etichetta che ha per sottote-
sto “cafoni, ignoranti, casinisti con le
camicie di lino”, Aldo non ci vide più
e iniziò a urlare in italiano: “Ma vaf-
fanculo, francesi di merda, presun-
tuosi del cazzo. Tenetevela la vostra
baguette e infilatevela su per il culo.
Bastardi puzzoni senza il bidet. Vaf-
fanculo!”. Mentre gli italiani al fondo
applaudivano e preparavano striscio-
ni, tamburi e mortaretti di gaudio, la
moglie lo trascinò fuori. Ma, proprio
sulla soglia del negozio, rubizzo in
volto e con la maglia di cotone ormai
svenuta dalle spalle, Aldo aggiunse:
 TESTO DI
MY TUNES MONNA LISA IVAN GRAZIANI MAU RIZIO B L AT TO

“DOVETE ASSOLUTAMENTE VISITARE IL LOUVRE, CELEBERRIMO MUSEO D’ARTE DOVE POTRETE VEDERE,
A DISTANZA RAV VICINATA , IL DORSO DI ALTRE MIGLIAIA DI TURISTI CHE CERCANO DI VEDERE L A GIOCONDA”
(DAVE BARRY)

“E ridateci la Gioconda, brutti ladri
del cazzo. Ridatecela!”. Io attesi di
capire se mi attendesse uno scontro
fisico all’arma bianca fuori dalla bou-
langerie, mi stupii del fatto che nes-
suno avesse ancora tirato in ballo la
testata a Zidane e, immancabilmente,
sentii in testa partire il riff di Monna
Lisa di Ivan Graziani.
Secco, potente, con un grande groove
e una riduzione all’osso rock molto
poco presente in quegli anni. È il
1978 e uno con quella capacità chi-
tarristica e una frase del tipo “A me
della politica non me ne può fregare
di meno. Mi interessa, invece, rac-
contare storie che toccano il sociale.
C’è una bella differenza”, non può
che essere alieno rispetto all’aria
dei tempi. Spesso indecifrabile Ivan
Graziani, con quella faccia agreste e
aspra, gli occhiali camp e una voce
da bimba perversa, come lui stesso
la definì. Ma Pigro, il disco che con-
tiene anche Monna Lisa, andrebbe
rivendicato più spesso come “no-
stro”, musicalmente e per quello che
racconta, con il suo carico di rabbia
compressa, implosione sentimentale
e barbarismi domestici. Monna Lisa
poi, ha una linea di basso impareg-
giabile. Merito di Hugh Bullen, che
arrivò in Italia da Trinidad E Tobago
all’inizio degli anni 60. Suo fratello
Kevin, bassista pure lui, militò nei
Napoli Centrale, mentre Hugh entrò
nel giro degli Area e di Finardi e Bat-
tisti. In Monna Lisa Il basso pulsa
costantemente ed elettrica e acustica
reggono un brano che non ha mai
fronzoli eccessivi o virtuosismi su-
perf lui.
La linea ritmica prevale su una sto-
ria nota, quella che racconta il furto
della Gioconda/Monna Lisa avve-
nuto nel 1911 per opera di Vincenzo
Peruggia, ex impiegato del Louvre
nato a Dumenza, vicino a Luino,
convinto che il dipinto fosse stato
rubato all’Italia da Napoleone e che
meritasse di tornare nei suoi confini
d’origine. Un falso storico condiviso
(pure da Aldo), perché in realtà fu lo
stesso Leonardo Da Vinci a portare
la Gioconda in Francia nel 1516, dove
fu acquistata nientemeno che dal re
Francesco I. Quando si accorsero
del furto le autorità sospettarono di
Guillaume Apollinaire, Pablo Picasso
e persino dell’Impero Tedesco tutto,
ma nessuno pensò al vero inside
man. A Peruggia, che si era chiuso a
fine giornata in uno sgabuzzino del
Louvre, aveva tolto agevolmente di
notte la Monna Lisa dalla teca, forte
della sua passata professionalità e,
dopo averla arrotolata sotto il cap-
potto, se ne era andato allegramente
al mattino, scambiando due parole
con l’idraulico del Louvre e raggiun-
gendo la pensione dove alloggiava
prima in tram e poi in taxi. Un lavo-
ro pulito. La buttò sotto il letto per
due anni e poi, tornato in Italia, la
appese sopra il suo tavolo di cucina,
a differenza di Napoleone che la te-
neva in camera da letto (e su questo
parallelismo d’utilizzo potremmo
scriverci agevolmente un trattato
filosofico/estetico franco/italiano).
Al patriottismo subentrò la necessità
di incassare, divenendo peruggismo,
e Vincenzo tentò di vendere l’opera a
Firenze. Lo scoprirono e la Giocon-
da, dopo un mini tour italiano, se ne
tornò in Francia. Peruggia ebbe tutto
sommato una pena mite e, immanca-
bilmente, da allora tutti gli italiani in
gita, me compreso, provarono sempre
anche soltanto un grammo del suo
impeto di fronte al dipinto nella sala
affollata del Louvre. Ma è piccolo ‘sto
quadro. Guarda te o me? Dovrebbe
stare a casa nostra, cazzo. Non asso-
miglia alla bidella del terzo piano? E
io dietro, con il basso di Hugh Bullen
bello dritto, “Sì, vorrei rubarla. Vor-
rei rubare quello che mi appartene-
va. Sì, vorrei rubarla. E nasconderla
in una cassa di patate. Di patate”.
Uno sguardo al controllore di sala,
impeccabile e tassidermizzato, in un
angolo e via in testa “Il custode si la-
menta. Probabilmente vuole un’altra
botta in testa, ora”.
Gran pezzo, Monna Lisa. Ho visto
Ivan Graziani una sola volta, dal
vivo. Si esibì nel paese di montagna
dove passavo le vacanze quando era
già nella fase calante della sua carrie-
ra. Lo inquadrai nel ristorante cen-
trale, di fronte a un piatto di arrosto
e patate. So che appare incredibile,
ma ho una classifica di musicisti che
mangiano arrosto e patate prima del
concerto, credo sia il piatto più servi-
to nell’ambiente. Sul podio J Mascis,
che vidi srotolarlo con la forchetta
come fosse una faina addormenta-
ta, con un appetito consono al suo
abituale entusiasmo verso la vita.
Ma anche Mark Arm, immobile e in
fase di studio per qualche secondo e
poi vorace e assassino come uno che
sa di poter contare su una mascella
superfuzz bigmuff. Ivan Graziani
lo consumò educatamente, ma non
capii se pensasse “questo è davvero
il massimo che posso avere ora?”
o “è comunque sempre una buona
cosa avere un pasto simile”. In ogni
caso dimmi come mangi arrosto e
patate e (forse) ti dirò chi sei. Ivan
Graziani non sorrise al tavolo e lo
fece poco anche sul palco, piazzato
in un polveroso campo di pallone
dove chiunque era sfuggito alla mia
maldestra marcatura. Ma suonò alla
grande. Il suo fan più convito risultò
essere Alex l’indiano (tratti estetici
vagamente comanche), soprattutto
perché vantava un padre abruzzese
della provincia di Teramo, città na-
tale di Ivan Graziani. Alex l’Indiano
seguì l’intero concerto pestando i
piedi nell’area di centrocampo, dove
l’erba risultava drammaticamente
assente, condannandosi a quasi due
ore d’immersione ininterrotta nella
polvere. Creò il suo effetto speciale
lo-fi e compromise irrimediabilmen-
te la funzionalità dei polmoni, ma
se la godette in pieno. Come noi, che
trovammo Ivan Graziani quasi punk
(tutto ciò che non ricordava Baglioni
potenzialmente poteva ambire all’eti-
chetta) e su Monna Lisa garantimmo
il massimo, con girotondi semi pogo,
fischi e col cazzo sul verso “la scuola
è una gran cosa”, spintoni sull’asso-
lo asciutto che arriva intorno ai tre
minuti, ma soprattutto con una man-
ciata di Napoleone merda a briglia
sciolta. Eravamo giovani. E italiani.
E si sa, les Italiens…

Ivan Graziani, ovvero del patrimonio della musica italiana non del tutto rivalutato. Rino Gaetano indie, ma Ivan
Graziani no. Perché? Partito beat, poi session man di grande lusso, quindi cantautore “rock”, Ivan Graziani ha
avuto successo, ma forse meno di quanto avrebbe meritato. Monna Lisa apre Pigro, del 1978, album senza un
solo momento debole, tagliente e letterario. Lui se n’è andato a soli 51 anni ed è stato seppellito con una delle sue
chitarre, una Gibson. “Signore è stata una svista, abbi un occhio di riguardo per il tuo chitarrista”.

RUMOREMAG.COM | 19
 RUMOREMAGAZINE OT TOB RE 202 1

20 | RUMOREMAG.COM
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 DOVE:
New York,
USA
COSA:
La sintesi fra sperimentazione e nuova canzone soul
IL DISCO:
FATIGUE
MEXICAN SUMMER, 2021
aja Cheek è nata
a Brooklyn ed è
T in qualche modo
figlia d’arte: suo
padre lavorava
nella promo-
zione dell’etichetta rap Select
Records, mentre è alla madre
insegnante - Lorraine C. Porter,
scomparsa prematuramente – che
deve il suo nome d’arte. Dopo
varie esperienze, prima come
bassista autodidatta alle supe-
riori, poi nell’estemporanea band
Throw Vision, oltre al lavoro nella
college radio WYBC (“Curavo la
direzione musicale, in quel perio-
do ho ascoltato tantissima musi-
ca. Ero già una nerd, ma lì lo sono
diventata ancor di più!“), il suo
primo omonimo album, nel 2017,
raccoglie incoraggianti consensi
presso la stampa specializzata.
Quattro anni dopo, lo scorso
giugno, L’Rain firma un secondo
lavoro estremamente suggesti-
vo, dal punto di vista musicale e
tematico. Un album che esplora
“la simultaneità delle emozioni
umane, l’audacia della gioia sulla
scia del dolore, la delusione di
fronte alla realizzazione”. Dice
Taja: “Ho deciso di intitolare
questo disco Fatigue perché sono
molto stanca: ho cercato di dare
un senso al mondo e alla mia vita,
c’è molto da fare ed è un lavoro
duro. È un titolo onesto e volevo
anche comunicare a chi mi ascol-
ta che a volte è normale sentirsi
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QUANDO:
L’RAIN
dal 2017
ONLINE:
lrain.info
stanchi o scoraggiati. Sono emo-
zioni vere, non significa che deb- Da quasi sei anni Taja è anche
bano perdurare”. associate curator al MoMA PS1,
il celebre museo d’arte contempo-
Il cambiamento, nel personale e ranea newyorkese dove fra l’altro
nel sociale, richiede sforzi impor- ha organizzato la prima perfor-
tanti: “Cerco sempre di far musica mance americana della pioniera
che sia soprattutto collegata alle new age Beverly Glenn-Copeland:
mie esperienze, e credo che molte “È un’esperienza completamente
altre persone ci si possano rispec- nuova per me, non ci sono regole
chiare. Per me è necessario anda- prestabilite e con i miei amici e
re in profondità verso l’interno per colleghi ci occupiamo di mettere
potermi aprire verso l’esterno”. in cartellone gli spettacoli che
Una considerazione che va in vogliamo vedere”. Con altrettanta
parallelo con le dichiarate scelte schiettezza, Taja descrive così la
artistiche di Taja, la quale nel co- necessità di raggiungere un pub-
municato che accompagna l’uscita blico ampio, nonostante la sua
del disco rileva come il suo lavoro, musica elaborata e lontana dagli
sebbene sempre avventuroso nella schemi: “Le culture musicali di
nicchia sono importanti e ho fatto
forma e nella miscela di generi,
parte di molte di esse a New York.
dalla sperimentazione sonora
Penso anche che sia fantastico
al neo soul, dal gospel al jazz, si
quando queste piccole comunità
stia avvicinando alla “songness”,
riescono a raggiungere un gran-
alla forma canzone. “Utilizzo
de pubblico, a diffondere le loro
timidamente la parola canzone,
idee. Il potenziale di idee strane
forse sto cercando di aprire quella
e scomode che raggiungono un
definizione per quanto riguarda
pubblico mainstream può davvero
me stessa. Ammiro tantissimo i essere sorprendente. È qualcosa
grandi autori, ma non so se io stia in cui voglio credere, anche per
davvero scrivendo canzoni, que- quanto riguarda me stessa”.
sto è quello che più ci si avvicina.
Anche gli intermezzi sono parte
essenziale del disco, dei collage
sonori più che canzoni. Più di
tutto mi piace scrivere musica
per sorprendermi, per vedere che
cosa riesco a inventare, e parte di
tutto ciò arriva anche attraverso
la struttura della canzone: il modo
più immediato, secondo me, per
provare qualcosa di nuovo”.
TESTO DI Giorgio Valletta
RUMOREMAG.COM | 21
 DOVE: QUANDO:
Londra,
UK GREEN LUNG dal 2017

COSA:

Psych, metal, protopunk, doom

IL DISCO: ONLINE:

BLACK HARVEST www.greenlung.co.uk

SVART, 2021

Non ho mai avuto il piacere
di calarmi un trip a Soho o a
Camden, ma penso che facendolo
avrei avuto ottime probabilità
di imbattermi in uno dei mem-
bri dei Green Lung, o in tutti
e cinque. Ceffi senza divise da
sottocultura giovanile, eppure
capaci di metterti a disagio in
tempo zero con un’aura da av-
venturieri irranciditi da strada e
stravizi. Gente che non scherza,
che non disdegna i guai, magari
dopo un bel carico di additi-
vi. Per il “Guardian” suonano
“heavy metal così come va fatto”:
una definizione molto positiva,
ma piuttosto riduttiva perché
bypassa le atmosfere esoteriche
e visionarie dei brani. Infatti la naziste che tendono a infiltrarsi
loro musica è un occult rock con nella scena legandosi alle tema-
forti tensioni heavy metal, aff lati tiche esoteriche (nel merchandi-
proto punk, sfuriate psych intrise sing i Green Lung proponevano
di fuzz e un’anima innegabilmen- una toppa “Nazi occultists fuck
te doom. Ma senza perdere mai off”) - si dichiara apolitica e vici-
il gusto per il fattore melodia: na allo spirito degli antichi culti
infatti, nella migliore tradizione magici e stregoneschi: “Amiamo
sabbathiana, il riffing chitarristi- gruppi come i Witchfinder Gene-
co è serrato e zeppo di hook che ral, ma stiamo dalla parte delle
si piantano in testa, e poi ci sono streghe”.
i ritornelli, quasi tutti a presa Al loro attivo hanno anche un EP
rapida, declamati dalla voce di di esordio (2018) e l’album Woo-
Tom Templar (dalle tonalità molto dland Rites (2019).
vicine al giovane Ozzy Osbourne,
con tocchi di Ian Anderson).
E i testi? La band - pur essendosi
schierata contro le frange neo-

TESTO DI Andrea Valentini

22 | RUMOREMAG.COM
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 PROMISE AND
DOVE: QUANDO:
Stoccolma, dal 2007
Svezia

THE MONSTER
COSA:

Piccole storie infernali dream pop

IL DISCO: ONLINE:

CHEWING GUM facebook.com/

ICONS CREATING EVIL ART, 2021 promiseandthemonster

L’ultimo EP di Billie Lindahl,
la cantautrice e multistrumenti-
sta - suona chitarra, violoncello,
flauto, organo e glockenspiel
- svedese dietro il progetto Pro-
mise And The Monster, si chiama
Chewing Gum, un titolo che fa
presagire musica usa e getta, un
disco di pop colorato alla Katy
Perry, godibile ma duraturo
come una gomma da masticare e
sputare quando perde il sapore.
Fortunatamente non è così, o lo
è solo in parte: la parte del pop,
per il quale Lindahl sfoggia un
talento naturale che era già evi-
dente nei lavori precedenti - l’EP
Antarktis e gli album Transpa-
rent Knives, Red Tide e Feed The
Fire - e che qui si esprime al suo il brano One Summer dalla visio-
meglio, forse per una presenza ne del film di Ingmar Bergman
più massiccia dell’elettronica. Una Vampata D’Amore, anche
Più massiccia ma senza snaturare questo ambientato in un circo.
il sound di Billie, che accom- Un mondo sfaccettato e misterio-
pagnata dall’”invisibile metà” so che in effetti non è estraneo a
- parole sue - Love Martinsen quello - anzi a quelli: “Ogni can-
continua a esplorare paesaggi zone e ogni album è un mondo a
crepuscolari con il suo dream/ sé, e devo stare attenta a ciò che
dark folk dai caratteri nordici. è e che può diventare. Mi piace
stare in quel mondo, e lasciarlo
Affascinata fra le altre cose mi rattrista” - creato attraverso
dall’immaginario circense, Billie brani “sognanti, dark e romanti-
ha preso il nome da Promise And ci”, che “raccontano piccole sto-
The Monster, libro per ragazzi rie infernali”.
di Babette Cole che racconta di
un mostro rapito da un circo iti-
nerante e del pony che parte alla
sua ricerca, ed è stata ispirata per

TESTO DI Letizia Bognanni

RUMOREMAG.COM | 23
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LITTLE HAG
DOVE:
Asbury Park, New Jersey, USA
ONLINE: littlehag.com
COSA:
Corrosivo cantautorato folk rock
IL DISCO:
BREAKFAST EP
BAR/NONE, 2021
“Cosa è successo a Avery Jane?” si domandava nel suo
primo album per Bar/None. Più che un vero e proprio
esordio, una raccolta di singoli pubblicati in larga parte
su Bandcamp quando ancora si faceva chiamare con il
suo nome: Avery Mandeville. Abituata sin da giovanissi-
ma a confinare la vita in piccoli e pugnaci brani folk rock
per presentarli nelle locali open mic nights, la giovane
stella della florida scena di Asbury Park firmava il suo
primo contratto quando il mondo intorno chiudeva i
battenti.
I mesi del lockdown sono stati creativamente febbrili, al
punto da ridefinirne il profilo artistico. Attorno a lei si è
coagulata una vera e propria band, destinata a trasfor-
marne le solitarie elucubrazioni in spigolosi brani rock.
Nel 2020 arrivava così primo album, fortemente influen-
zato dalla vita durante la pandemia e in cui per la prima
volta svelava al mondo la disarmante sincerità e toccante
ironia dei suoi testi. Uno stile destinato a farsi sempre
più viscerale. Tanto che il nuovo EP Breakfast (che con
brani dal titolo Piss, Blood e Cum si presenta come una
specie di trilogia dei fluidi corporei) potrebbe lanciarla
come sorta di erede diretta di Angel Olsen, fra le cantau-
trici più brillanti della sua generazione.
TESTO DI Diego Ballani
24 | RUMOREMAG.COM
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MANUEL
PISTACCHIO
QUANDO: DOVE: QUANDO:
dal 2016 Rimini/Ravenna/Bologna, Italia dal 2018
ONLINE: facebook.com/manuel.pistacchio
COSA:
Il cuore, lo “scordato strumento”
del quartetto romagnolo
IL DISCO:
SCORDATO CUORE
BRUTTURE MODERNE, 20211
A Diego Pasini e Lorenzo Camera si sono uniti Arianna
Pasini e Francesco Giampaoli, già Sacri Cuori e produt-
tore dell’esordio. “La rivoluzione sono Arianna e Fran-
cesco. Hanno portato idee cruciali negli arrangiamenti.
Con la regia di Lorenzo e Francesco ognuno è riuscito a
emergere secondo le proprie qualità. I brani sono liberi
da concetti di forma e stile, seguono l’evocazione del
testo, l’immaginario del passato”, dicono.
Questo secondo album è ispirato a Montale. “Scorda-
to Cuore si rifà a Corno Inglese, sua poesia che recita:
‘Suonasse te pure stasera scordato strumento, cuore’.
La cornice giusta per il disco. Il cuore è il punto più
interno e puro della spiritualità. L’essenza generatrice
della vita in equilibrio con l’energia del mondo e oltre le
emozioni individuali. ‘Scordato’ significa sia dimenticato
sia disarmonico, a sottolineare il pessimo rapporto che
abbiamo oggi con la spiritualità. Viviamo un momento
catastrofico legato al Covid e ai cambiamenti climatici. I
nostri problemi nascono dalla materialità, dal consumo.
Volevamo un disco che contrastasse la disillusione del
futuro, parlando di amicizia, contaminazione e diversità,
potenza, bellezza interiore e rinascita. In un paesaggio
sonoro disarmonico e instabile”.
TESTO DI Barbara Santi
 NEWDAD
DOVE:
Galway, Irlanda
ONLINE: ffm.bio/newdad
COSA:
Enciclopedico indie rock
in chiave dreamy
IL DISCO:
WAVES
FAIR YOUTH, 2021
L’aurea vena d’Irlanda non accenna ad esaurirsi. Gli
ultimi in ordine di tempo sono questi NewDad, esponen-
ti (insieme a band come i Just Mustard) dell’avamposto
più dreamy della nuova scena. Nel loro caso, a plasmar-
ne il sound ha contribuito lo spirito bohémien e tradizio-
nalista di Galway, la loro città natale. “Dobbiamo aver
suonato con ogni musicista passato da qui”, affermano,
“quindi tutta la musica più strana è filtrata inconscia-
mente nelle nostre canzoni”.
Più che “strana”, la loro musica è in realtà un blend ben
calibrato di indie rock degli ultimi 40 anni. Una fusione
fra le profonde linee di basso dei Cure e le distorsioni
dei Pixies officiata fra fumi shoegaze. A tenere sotto
controllo il tasso di nostalgia ci pensa innanzitutto il
languore intimista della cantante Julia Dawson, il cui
sussurro appena percettibile rimanda al pop introverso
degli xx. C’è poi la produzione fiammante di Chris Ryan,
che ha donato al loro primo EP la delicata lucentezza di
nuovi artisti come Wolf Alice e Beabadoobee. Ora, dopo
la lunga pausa del lockdown, sono pronti per ritornare in
pista, in attesa di un album d’esordio che ne testi il valo-
re sulla lunga distanza.
TESTO DI Diego Ballani
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SARRAM
QUANDO: DOVE: QUANDO:
dal 2018 Nuoro, Italia dal 2017
ONLINE: sarram.bandcamp.com
COSA:
Oltre il muro del suono
IL DISCO:
ALBERO
SUBSOUND, 2021
“La musica c’è sempre stata, grazie a una famiglia che
ha sempre creduto fermamente nell’equazione musica
uguale cultura. In realtà il mio primo strumento è stato
il violino, poi abbandonato molti anni dopo per dedicar-
mi totalmente alla chitarra”. L’esplorazione, la percezio-
ne e, infine, l’alterazione del suono sono i cardini della
composizione non convenzionale di Valerio Marras. Dal
2017 tutti i quattro dischi pubblicati sono significativa-
mente influenzati dalla sua terra di origine.
La lontananza dai grandi centri urbani e l’isolazionismo
isolano sembrano paradossalmente aver influenzato
positivamente il musicista sardo: “Ho sempre visto e
vissuto mare e montagna in maniera molto romantica
e, seppur in modi diversi, entrambi hanno influenzato e
arricchito i miei orizzonti sonori”. Poi l’ultimo lavoro lo
ha catapultato oltre il muro del suono. “Al contrario di
quanto fatto in precedenza, Albero rappresenta il tenta-
tivo di declinare il suono in frequenza e non in lunghez-
za. Ho inciso lunghe sessioni con l’idea di mantenere
tutto sempre in sospensione, non ricreando un monolite
come Four Movements Of A Shade ma rendendo il suono
più orchestrale e meno spinto”. Obiettivo ampiamente
raggiunto.
TESTO DI Antonio Briozzo
RUMOREMAG.COM | 25
SUFJAN
STEVENS
ANGELO DE
&
AUGUSTINE

LO SGUARDO
INNOCEN T E
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
F O T O D I J E S S C O L L I N S , E VA N S R I C H A R D S O N

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 S U FJ AN S TE VE N S & A NGE LO DE AU GU STINE
tati Uniti, 2021. L’illusione della fine della pandemia è
stata spazzata via dalla variante Delta e dall’incapacità
dell’uomo di accettare la sfida per provare a vincerla
attraverso rinunce immediate alla propria libertà. Intanto
un presidente si trova in difficoltà nel mettere fine a una
lunga e inutile guerra in un paese lontano (l’Afghanistan),
e il pianeta Terra, con i suoi uragani sempre più violenti,
continua a ricordare a una parte del paese che l’ultimo
minuto per occuparsi del futuro ambientale sta scadendo,
o forse è già scaduto. Le persone finiscono per chiudersi
sempre di più in casa. L’accoppiata “film e cena”, da
piacevole routine, diventa chimera. La seconda più grande
catena di cinema del paese, la Regal, chiude i battenti. La
prima, la AMC, è comunque a rischio. Niente è più come
un tempo e quello che sarà non è mai stato così incerto.
Stati Uniti, 2021 (o 2020): due cantautori e compagni
d’etichetta (l’Asthmatic Kitty) decidono di trovarsi per
scrivere un pugno di nuove canzoni. Uno è Angelo De
Augustine, autore di due EP e tre album dal 2014 a oggi,
custode di un passato privato sempre troppo doloroso,
da accarezzare con melodie fragili, intime, mai oltre la
soglia di arrangiamenti reclusivi al limite dell’imbarazzo.
L’altro è Sufjan Stevens. Uno che sull’epica del ricordo,
della propria vita, di una certa geografia sentimentale
e dei propri miti, del Natale come gioia e solitudine
e della famiglia come dolore, ha costruito un canone
ineludibile per il nuovo folk americano degli ultimi 20
anni. Si prendono un mese sabbatico, si chiudono nella
proverbiale casa in mezzo alla foresta, nel nord dello
stato di New York, e la notte iniziano a guardare dei film
insieme. Di giorno parlano di quegli stessi film. Uno ne
consiglia altri all’amico, e pian piano quei personaggi di
celluloide, eroici, bizzarri, adorabili, orribili, paurosi,
TAG: #romcom #strategieoblique #fakeittillyoumakeit #revisionismo #fede
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T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
diventano archetipi per provare, ancora una volta,
a parlare di vita, morte e memoria. I film diventano
sorgenti d’idee, i personaggi simboli di qualcosa che quei
film non dicevano, o che forse a noi all’epoca era sfuggito.
Si scrivono versi e cori, Sufjan interviene con il suo soffio
orchestrale, o ambientale, dove necessario. Angelo regala
la sua fragilità alla causa. In una casa perduta nei boschi
dello stato di New York, mentre l’America si rompe, un
pezzettino in più ogni giorno. Forse, inconsapevolmente,
stanno consegnando un nuovo pugno di riflessioni
sussurrate a un paese che affonda in un presente sempre
più disilluso, cercando di preservarne il passato e i suoi
riti. Per una volta, ancora. Se glielo chiedi, ti diranno che
è un gesto casuale ma, di certo, è di conforto pensarlo.
Proviamo a stanarli. Angelo collegato da Los Angeles, con
un torcicollo che lo rende ancora più elusivo, Sufjan da
New York. E, aprendo la porta, cerchiamo in seguito di
parlare di vita, fede e ricordo con Sufjan, sperando che,
come sempre, mentre il mondo là fuori non concede un
attimo di respiro, possa farci intravedere un raggio di
luce.
Quali ragioni intime si celano dietro A Beginner’s
Mind?
Angelo De Augustine: “Ci siamo semplicemente messi
a guardare film insieme la notte. Ci eravamo trovati per
scrivere qualche canzone, senza altro scopo. Non pensava-
mo che avremmo scritto dei pezzi ispirati dai film. Poi, ap-
punto, abbiamo iniziato a parlare di ciò che guardavamo
insieme, rendendoci conto che alcune di quelle idee entra-
vano dentro la musica che scrivevamo durante il giorno.
Così abbiamo deciso di continuare su quella strada”.
Sufjan Stevens: “Non credere che sia stato qualcosa di così
profondo. L’abbiamo fatto perché ci siamo resi conto che
era quello che stava accadendo. Abbiamo seguito quella
pista, in modo del tutto fortuito”.
Che metodo avete seguito per tradurre le immagi-
ni in musica e testi?
S.S.: “È stato diverso per ogni canzone. In qualche caso
abbiamo visto i film insieme e poi scritto i pezzi insieme,
in altri ognuno di noi ha visto un film e iniziato il pezzo
(per lo più Angelo), poi l’altro ci si agganciava. E poi ci
sono casi in cui abbiamo scritto la canzone senza neanche
aver visto il film. Giusto, Angelo? Ad esempio Angelo ha
scritto gran parte di Fictional California, il pezzo ispirato
a Bring It On Again, un film leggero sulle cheerleaders
che però non aveva mai visto. Mentre io lo avevo visto una
quarantina di volte, è uno di quei DVD sempre presenti sul
nostro tour bus. Insomma, lo guardavamo sempre mentre
ONLINE: music.sufjan.com angelodeaugustine.com
RUMOREMAG.COM | 27
 S UFJA N S TE VE N S & AN GELO DE AU GU STINE
« I L C I E LO S O P R A B E R L I N O È A N C H ’ E S S O
I N T R AT T E N I M E N T O . P R O P R I O C O M E
IN UN FIL M M ARVEL , I PERSONAGGI
V E N G O N O D A U N A LT R O M O N D O , C O N
I LO RO P OT ERI E I LO RO PRO B L E MI .
SOLO CHE IN V ECE DI ES SERE
SUPEREROI SONO ANGELI»
-S U FJA N S T E V E N S -
andavamo in giro a suonare. Mi ha sempre affascinato
perché è la tipica commedia romantica americana (rom
com, nda) che non corre mai il rischio di avventurarsi al di
là dei propri obbiettivi, resta superficiale nel miglior modo
possibile. L’idea di base del pezzo però è di Angelo”.
A.D.A.: “Avevo semplicemente letto qualcosa su quel film”.
Qual è il vostro primo ricordo d’infanzia riguar-
dante il cinema, o i film?
S.S.: “Il mio è particolarmente sorprendente. Certo, mi
ricordo la prima volta che ho visto i cartoni animati di
Disney o Star Wars, ma il mio ricordo speciale riguarda il
mio settimo compleanno. I miei genitori mi permisero di
andare a vedere La Cosa di John Carpenter e Kaan Prin-
cipe Guerriero, in doppia programmazione, due film al
prezzo di uno. È stato uno di quei rari compleanni in cui
mi hanno permesso di fare tutto ciò che volevo. Vengo da
una famiglia molto numerosa e con così tanti bambini i
compleanni non erano una roba particolarmente specia-
le. Inoltre sono nato d’estate, in genere non ci sono molte
persone intorno per poter festeggiare. Ma quell’anno i miei
genitori mi regalarono il doppio biglietto e poi andammo
insieme da Chuck E Cheese (catena di sale giochi e fast
food americana, nda). Ero da solo, per qualche ragione i
miei fratelli erano fuori città. Me la ricordo ancora bene
quella giornata. Tutto ciò sta scomparendo, non solo per la
pandemia ma anche perché la gente preferisce guardarsi
i film a casa. Questa specie di comunione sta diventando
DAL MICHIGAN AL CUORE DEL MONDO: 20 ANNI DI DISARMANTE INNOCENZA IN DIECI CANZONI
WE ARE WHAT FOR THE
YOU SAY WIDOWS IN
A SUN CAME! PARADISE…
(ASTHMATIC KITT Y, 2000) GREETINGS FROM MICHIGAN
THE GREAT LAKE STATE
(ASTHMATIC KITT Y, 2003)
28 | RUMOREMAG.COM
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T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
un ricordo. Chissà se le persone torneranno a sentirsi così
sicure da ritornare in una sala cinematografica”.
A.D.A.: “Io mi ricordo quando andavo da Blockbuster con
mio padre. Giravo con lui per gli scaffali e prendevamo
due film che avremmo poi guardato insieme. Eravamo
ossessionati da Scontro Fra Titani e Gli Argonauti. È uno
dei ricordi più belli che ho di quando ero bambino, c’era
ancora mio padre ed era divertente stare insieme, sceglie-
re i film e poi guardarli”.
Come avete lavorato insieme ai pezzi? Dove inizia
il contributo di uno e finisce quello dell’altro?
S.S.: “Abbiamo arrangiato i pezzi da soli. Ho usato piano e
chitarra come basi, perché avevamo deciso unanimemen-
te (e forse inconsciamente) che questo sarebbe stato un
album folk. Non so perché, è andata così. Non scrivevo da
tempo con la chitarra ed è stato un bene per me riabituar-
mici. Molta della musica è intrinsecamente collaborativa.
Angelo scriveva un verso e io lavoravo sui cori. Altre sono
solo sue”.
Come mai avete citato le Oblique Strategies,
il mazzo di carte di Brian Eno, tra le influenze
dell’album?
A.D.A.: “È venuto fuori come una burla. Non mi pare che
abbiamo davvero usato le carte per aiutarci nelle scelte.
Forse funziona di più con la pittura”.
S.S.: “Credo che durante il processo creativo avvengano
molti incidenti. È un approccio che condividiamo sia io
che Angelo. Non abbiamo mai il completo controllo di ciò
che succede. Ci sono momenti in cui vai semplicemente
alla deriva e questo fa parte del processo creativo. È un
po’ fake it till you make it (‘fingi fino a quando non ottieni
il risultato’). È una sorta di pietra angolare del mio ap-
proccio. Credo valga anche per te Angelo”.
A.D.A.: “Sì, credo di sì. Sono tantissime le parti in movi-
mento quando scrivi, le cose che non controlli. E spesso
sono quelle che ti portano in una certa direzione se dai
loro ascolto. Molte volte gli errori ricoprono il ruolo di
santi che ti guidano verso qualcosa che per te si rivela del
tutto nuovo”.
S.S.: “Uno sforzo concertato e pianificato in genere è un
ostacolo insormontabile quando cerchi di produrre qual-
cosa di fresco e puro. Il nostro riferimento alla strategie
oblique e all’I Ching è traducibile come la capacità che ab-
ALL THE TREES CHICAGO CASIMIR
OF THE FIELD… ILLINOISE PULASKI DAY
SEVEN SWANS (ASTHMATIC KITT Y, 2005) ILLINOISE
(ASTHMATIC KITT Y, 2004) (ASTHMATIC KITT Y, 2005)
 S U FJ AN S TE VE N S & A NGE LO DE AU GU STINE
biamo di accettare gli incidenti in quanto parte fondante
della scoperta di qualcosa di nuovo”.
La scelta dei film mischia cinema d’essai (Il Cielo
Sopra Berlino o Lacrimae Rerum) con pellicole
più popolari. È un approccio deliberato?
A.D.A.: “Ce li consigliavamo a vicenda. E poi c’erano alcu-
ni film che ci avevano colpiti da piccoli e volevamo analiz-
zarli da adulti”.
S.S.: “Credo che il cinema sia una forma d’arte relativa-
mente nuova. Soprattutto se confrontata con l’intero arco
artistico e culturale umano. Ed è anche nato come forma
d’arte popolare, all’inizio le immagini in movimento ave-
vano lo scopo d’intrattenere il pubblico. Quindi l’intrat-
tenimento è comunque una componente fondamentale
ancora oggi, anche se ci sono dei film elevati, che hanno
ONLY AT FUTILE
CHRISTMAS DEVICES
TIME THE AGE OF ADZ
SONGS FOR CHRISTMAS (ASTHMATIC KITT Y, 2010)
(ASTHMATIC KITT Y, 2006)
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T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
stuzzicato il nostro interesse. Non credo che abbiamo mi-
schiato intenzionalmente cinema alto e basso. Mescolare
le fonti è come ammettere che quel genere di distinzione è
del tutto arbitraria. Guarda i film della Marvel e il film di
Wim Wenders che abbiamo scelto. Il Cielo Sopra Berlino è
anch’esso intrattenimento. Proprio come in un film Mar-
vel, i personaggi vengono da un altro mondo, con i loro
poteri e i loro problemi. Solo che invece di essere supere-
roi sono angeli”.
C’è sempre una sorta di ambivalenza nei per-
sonaggi dei film che avete tradotto in canzoni.
Anche quelli apparentemente più malvagi (il ce-
nobita di Hellraiser o il mostro mutaforma de La
Cosa) vengono analizzati secondo una prospettiva
inedita, rivelando una sorprendente fragilità.
DEATH WITH THE ONLY MYSTERY
DIGNITY THING OF LOVE
CARRIE & LOWELL CARRIE & LOWELL MYSTERY OF LOVE EP
(ASTHMATIC KITT Y, 2015) (ASTHMATIC KITT Y, 2015) (ASTHMATIC KITTY, 2018)
RUMOREMAG.COM | 29
 S UFJA N S TE VE N S & AN GELO DE AU GU STINE
A.D.A.: “Abbiamo tentato di osservare i personaggi sca-
vando oltre le logiche che li hanno plasmati. Come quando
giri la rotella dello zoom di un microscopio e scopri parti
dell’immagine che fino ad allora erano nascoste alla vista.
Abbiamo cercato di dare nuovi significati ai personaggi,
sfumature che magari sfuggono guardando il film una sola
volta”.
S.S.: “C’è tanto revisionismo in queste canzoni, nel modo
in cui abbiamo preso in prestito i personaggi per riappro-
priarci dei loro tratti distintivi. Abbiamo applicato quei
frammenti a idee e prospettive squisitamente nostre. I
pezzi riflettono di più noi come persone e autori che i film.
Siamo due cantautori intuitivi e riflessivi, nel nostro ap-
proccio l’empatia gioca un ruolo fondamentale. E anche il
perdono, se pensi che tutti quei film hanno qualche proble-
ma. Non solo per i personaggi, ma per come e quando sono
stati girati, il loro contesto politico. Noi li abbiamo guar-
dati, estraendone i temi per riappropriarcene, cercando
di essere più comprensivi ed empatici. E alla fine abbiamo
capito quei personaggi in modo più profondo, arrivando a
crearne di nuovi”.
Se vi dessi da scegliere un film che non è finito tra
le fonti d’ispirazione del disco ma sul quale potre-
ste scrivere una canzone, quale sarebbe la scelta
di ciascuno di voi?
S.S.: “Sono talmente tanti quelli che non ce l’hanno fatta!”
A.D.A.: “I vari episodi de La Casa di Sam Raimi. Dovrem-
mo farli”.
S.S.: “Uno dei miei preferiti resta Showgirls. Potremmo
fare quello (L’ufficio stampa mi ha poi confessato di aver
ringraziato il cielo che non ci fosse quel film. Sarebbe stato
un incubo giustificarne la presenza nel contesto attuale,
nda). È stato nella mia top ten per tanto tempo. Sono un
grande fan di Paul Verhoeven. I suoi film sono insensati,
così problematici e strani. Come Robocop, un vero classi-
co!”
A.D.A.: “Qual è quel film in cui la protagonista prende un
pezzo di ghiaccio e lo conficca nell’occhio di un uomo?”
S.S.: “Basic Instinct. Magnifico”.
Immagino una canzone intimamente folk su Basic
Instinct…
(Ridono entrambi, nda)
A.D.A.: “insieme abbiamo anche visto 1997 Fuga Da New
York”.
S.S.: “Angelo, non lo abbiamo neanche finito… quel film
non ha superato la prova del tempo. Passa il confine un po’
troppe volte. No, decisamente”.
30 | RUMOREMAG.COM
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T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
Sufjan, andando indietro fino al 2000, quando
pubblicasti il tuo esordio, A Sun Came!, come
giudichi quel disco? Che cosa cambieresti even-
tualmente?
S.S.: “Oddio, che domanda orribile. È una domanda me-
schina (ride, nda). Ma certo! La vita è tutta un rimpianto.
Sai, ogni volta che finisco un nuovo progetto l’opinione
che ne ho si sgonfia rapidamente. Ne sono talmente stufo
che sono pronto a focalizzarmi sui miei prossimi passi.
Non so se questa possa essere definita una stoica resi-
stenza al rimpianto, oppure semplice realismo. In realtà,
non mi piace passare troppo tempo a pensare al passato.
Non prescrivo a nessuno il rimpianto, perché è semplice-
mente una perdita di tempo. Ovviamente avrei fatto al-
cune cose diversamente, ma alla fine non puoi farci nulla.
Perché non sei più quello che eri allora. Credo sia molto
importante restare sul presente e focalizzarti su ciò che
sei chiamato a fare oggi. Dimentica il passato, tanto non
lo puoi cambiare”.
In qualche modo (anche al di là della tua volontà)
sei diventato una sorta di nuovo canone per la
musica folk americana. Come percepisci questo
status? È più un peso o un onore?
S.S.: “Questo tipo di analisi è lavoro per critici musicali
come te. Non posseggo neppure lontanamente il genere
di consapevolezza e percezione che occorre per dichiara-
re qualcosa del genere. Non è il modo in cui vivo o lavoro,
o percepisco me stesso. La descrizione di me in quanto
artista americano finisce con la geografia. Vivo negli
Stati Uniti e sono cresciuto qui. Mi rendo conto che una
buona parte del mio lavoro si immerge nella storia ameri-
cana, ma mi piace pensare di essere un artista globale, in
grado di descrivere attraverso la musica una esperienza
umana universale. Il resto è contesto, coincidenza. Lo si
può dire di altri che fanno musica qui negli Stati Uniti.
Di Beyoncé, Kanye West o Will Oldham. Non credo ci sia
qualcosa di unico che mi contraddistingua o mi renda
più americano di altri. Anche perché è sempre molto
complicato distillare il reale significato di cantautorato
americano. È un casino, ed è ovunque. Cambia continua-
mente e in fretta. Scrivere dell’America significa scrivere
di un eterno conflitto. Se vuoi, un tratto che mi identifica,
fin dal primo giorno, è il mio catatonico e costante senso
di rivelazione quotidiana. Mi permette di espormi e di
esprimermi ed è probabilmente una caratteristica molto
americana”.
Abbiamo già fatto i conti col passato, ma è inne-
gabile che la memoria sia una chiave di accesso
fondamentale alla tua musica. Ricordi d’infan-
 S U FJ AN S TE VE N S & A NGE LO DE AU GU STINE
zia, di una nazione, di personaggi famosi. Custo-
dire il ricordo continua a essere un motore per
te?
S.S.: “Credo sia vitale per quello che faccio. Nonostante la
mia naturale riluttanza a vivere nel passato e il mio desi-
derio di proiettarmi nel presente sento ancora di essere
definito dalla memoria. Credo che questo valga un po’
per tutti noi, che conteniamo moltitudini e assimiliamo
continuamente, costruiamo e ascendiamo sulla base di
chi è venuto prima di noi. Significa essere umani. È una
lotta continua, perché non mi piace essere gravato dal mio
io precedente. Voglio rinascere ogni giorno e strutturo la
mia vita sull’essere presente qui e adesso. Ma è innegabile
che la mia musica sia ispirata dal passato. Forse perché
sento di poter parlare di quanto è accaduto prima, con il
beneficio della saggezza che offre il senno di poi. Riesco
a comprendere me stesso in un modo più oggettivo. È
difficile fidarsi della verità del presente, perché è neces-
sario passarci attraverso, processarla. Ma allo stesso
tempo cerco strenuamente di affidarmi sempre meno al
passato. Più divento vecchio, meno ho voglia di accendere
quell’interruttore. E spero che il mio lavoro recente riflet-
ta questa intenzione. Non lo so, forse è solo una speranza
che non riesco ancora a manifestare con la mia musica.
Sicuramente sono intenzionato a muovermi lungo questa
direzione”.
La componente spirituale dei tuoi testi è un’altra
caratteristica ben riconoscibile. Il simbolismo
presente nei tuoi testi, se non può dirsi stretta-
mente religioso, ha una forte carica evocativa in
riferimento al sacro. Come è cambiata la tua fede
nel tempo?
S.S.: “La mia fede è in continuo movimento. La sua base,
fondamentale, è il fatto che non posso arrivare a fine
giornata senza cercare di capire il mondo a un livello spi-
rituale. Mi da un senso di speranza e di scopo percepire
che ogni cosa intorno a me ha una sua risonanza. La parte
fisica del mondo può essere spesso disturbante e delu-
dente. Mi piace questa pratica giornaliera con cui provo
a sopportare il mondo fisico investendo parte del mio
tempo nel guardarlo con un senso estatico e trascenden-
te. Non è tanto ciò che vedo, tocco o sento, perché credo
che ci sia molto di più nella vita e nell’universo, cose che
semplicemente non vogliamo o non possiamo capire. Non
voglio mai perdere quel senso di mistero, voglio aggrap-
parmici, per quanto possibile. La mia relazione con Dio,
la mia pratica spirituale, le mie preghiere giornaliere, la
meditazione, sono fondamentali per me. Forse sono una
stampella per arrivare alla fine del giorno illeso e men-
talmente stabile, ma mi aiutano a vedere il mondo con un
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T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
occhio più ottimista. Questo approccio è importante, oggi
più che mai”.
Guardando un film con gli occhi di un bambino,
riusciamo a distinguere il Bene dal Male senza ne-
cessità di ulteriori guide, senza impantanarci in
zone grigie. Quanto è importante per te avere uno
sguardo innocente sulle cose, soprattutto adesso
che il mondo sembra frantumarsi ogni giorno di
più?
S.S.: “È dura. Credo sia molto importante avere la mente
di un bambino. È così che interpreto il peso dell’esistenza.
Vorrei rinascere bambino ogni giorno, per percepire le
cose con quella apertura e quel senso di novità. La storia
ci stanca e ne sentiamo il peso, il peso dell’esperienza
umana offusca il nostro senso di realtà e di speranza.
Credo sia quasi un dovere esprimere il senso di meraviglia
con la pratica quotidiana. Il titolo del disco parla proprio
di quello, a beginner’s mind, la mente del principiante.
Una apertura pura, che diventa imperativa oggi. Tendia-
mo a dimenticare troppo in fretta l’evidenza della verità e
della bellezza che sono intorno a noi. Le cose che in realtà
funzionano, nonostante tutto. Certo, ci sono una marea
di aspetti della società da sistemare, e saremo chiamati a
una prova durissima. È sempre accaduto, e accadrà anco-
ra. Ieri, oggi, nel prossimo secolo. Ci vorranno nuovi modi
di pensare, di percepire, di credere, perché il modo in cui
abbiamo sviluppato la società fin qui non è più sosteni-
bile. L’evidenza è inequivocabile. Siamo chiamati a fare
un sacco di cambiamenti dell’ultimo minuto. Possiamo
compierli, non è la fine del mondo. Ci facciamo ingannare
troppo spesso da tutte quelle visioni apocalittiche, molte
sono puro melodramma. Sarà complicato ma ce la faremo.
Un po’ come la mia musica negli ultimi 20 anni: un adora-
bile disastro”.
Un altro aspetto importante del tuo approccio alla
scrittura è la necessità di legare i pezzi di ogni tuo
nuovo album a un concetto specifico. La religione
per Seven Swans, una geografia sentimentale per
Michigan e Illinois, il Natale come metafora di
famiglia e solitudine nei due box natalizi, il dolore
e ancora la famiglia in Carrie & Lowell. Come mai
ci deve sempre essere un filo conduttore in ogni
tuo nuovo progetto?
S.S.: “Il filo conduttore è uno strumento pratico per me.
Innesca la mia produttività. È la descrizione più sempli-
ce possibile, non è molto profonda, me ne rendo conto.
Abbiamo creato un disco sui film, e la cosa è avvenuta
accidentalmente. Quando è successo abbiamo semplice-
mente abbracciato l’idea. Se vuoi è una prova della nostra
RUMOREMAG.COM | 31
 capacità creativa, quella di seguire un tema che leghi un
intero album, ma poco ha a che vedere con la natura del
concetto stesso. Potevamo non dire a nessuno che quelle
«CREDO CHE SI DIVENTI canzoni parlavano di film e sarebbero comunque arrivate
CONDISCENDENTI QUANDO SI a chi le ascolta. Credo sia importante non mettere troppa
enfasi sul concetto che lega il tutto, anche se non posso
R I M P I A N G E U N A C E R TA D E C I S I O N E negare che identifichi il mio metodo di lavoro. Per me è
D E L P A S S AT O P E R C H É L A S I I S O L A come dire: ‘Devo scrivere questi nuovi pezzi e ho bisogno
di concentrarmi. Ok, componiamo un balletto utilizzan-
DA L CO N T ES TO. Q U EL L A D ECISI O NE, do due pianoforti, facciamolo lungo 30 minuti e diviso
P U R E S S E N D O M A L I N F O R M ATA in sette movimenti. E poi iniziamo a pensare alla forma
con cui vestirlo’. Una cosa stupida, ma molto utile. Vorrei
O DISA STROSA , NE GENER A UNA
poter affermare che si nasconde una grande autorevolezza
S U C C E S S I VA , R I V E L A N D O U N dietro a questo tipo di decisioni, ma in realtà molte sono
PERCORSO CHE NON PUÒ PIÙ ESSERE davvero casuali. Però la vita a essere casuale! Prendiamo
continuamente delle decisioni reagendo, esagerando,
M O D I F I C AT O . I O G U A R D O A L P A S S AT O minimizzando, e troviamo una strada che, guardandola
CERC ANDO QUELL A SEQUENZ A , retrospettivamente, rivela una sequenza determinata
da certi comportamenti e decisioni. Questo si lega alla
CONTESTUALIZ Z ANDOL A , CERC ANDO tua domanda sul rimpianto. Credo che si diventi condi-
D I V E D E R E C H E C O S A H A F U N Z I O N AT O scendenti quando si rimpiange una certa decisione del
passato perché la si isola dal contesto. Quella decisione,
E COS A N O. Q U ES TO PRO CES SO
pur essendo malinformata o disastrosa, ne genera una
M I P ER M E T T E D I S V I LU P PA R E D EI successiva, rivelando un percorso che non può più essere
C O N C E T T I C H E D I V E N TA N O P O I modificato. Io guardo al passato cercando quella sequen-
za, contestualizzandola, cercando di vedere che cosa ha
C ATA L I Z Z AT O R I C R E AT I V I » funzionato e cosa no. Questo processo mi permette di svi-
luppare dei concetti che diventano poi catalizzatori crea-
-S U FJA N S T E V E N S -
tivi. Se è il cinema a costringermi a sedermi al tavolo e a
lavorare, ben venga. Lo farò volentieri e con obbedienza,
come un cane che viene addestrato”.

32 | RUMOREMAG.COM
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 S U FJ AN S TE VE N S & A NGE LO DE AU GU STINE
C’è questa immagine della tua opera musicale:
una creatura a due teste. Da una parte il lato in-
timista e folk, dall’altra la tua avida curiosità nei
confronti della musica ambient e dell’elettronica
in genere. Qual è il catalizzatore che ti porta da
un ambito all’altro?
S.S.: “Molto dipende dalla mia curiosità. Investigare il
suono è la mia attività preferita. Scrivere canzoni può es-
sere un lavoro molto cerebrale e carico di peso narrativo,
richiede molta attenzione e la capacità di costruire con la
creatività. L’approccio al suono è molto più impulsivo, è
un ambito più astratto e spirituale. Non necessita di spie-
gazioni né di venire ricondotto al significato letterale. Le
mie escursioni nel collage di suoni o nella ambient music
sono come una avventura misteriosa oltre i bastioni del
mondo conosciuto. Una esperienza sacra. Probabilmente
il valore che do alla mia ricerca sul suono è maggiore di
quello che le danno i miei ascoltatori, perché il suo signi-
ficato è molto meno riconoscibile. Alla fine però è la musi-
ca che ascolto di più. Musica strumentale che gran parte
della gente considererebbe un sottofondo, una roba da
installazione artistica. Per me invece è importante, anche
come fonte da cui attingere i miei arrangiamenti quando
scrivo canzoni. Con l’età il mio interesse per le atmosfere
cosmiche è cresciuto in modo viscerale”.
So che hai già risposto molte volte a questa do-
manda, ma il tuo progetto sui 50 stati dell’Unione
che prevedeva un album (o un EP) per ciascuno è
SUFJAN STEVENS &
ANGELO DE AUGUSTINE
La copertina disegnata da Daniel Anum Jasper riprende i suoi mi-
tici poster che promuovevano le proiezioni di fortuna di blockbu-
ster USA in Ghana, alla fine degli anni 80. Immagini popolate
da creature fantastiche, semidei, demoni, distillate dalle poche
informazioni che i coraggiosi cinefili ghanesi avevano su quei film.
Un universo di suggestioni create da un occhio innocente e puro.
Come queste canzoni, venute fuori quasi per caso, da notti insonni
davanti a un video casalingo, da discussioni su ricordi d’infanzia,
quando il cinema apriva le porte a un mondo sorprendente. E qui
raccolte, con una dedica a Jonathan Demme, compianto regista
del Silenzio Degli Innocenti, uno dei film scelti come riferimento
(il pezzo è Cimmerian Shade). Per il resto, un pugno di ricordi
da educazione adolescenziale americana anni 80 (dagli horror,
Hellraiser e La Cosa, alla sci fi di Mad Max, alla rom com di
Bring It On Again), e qualche vezzo d’essai (Il Cielo Sopra Berlino
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T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
definitivamente tramontato? Per molti rappresen-
ta tuttora una sfida mitologica.
S.S.: “Mi spiace molto per questa cosa. Dopo Illinois non
ci ho più davvero pensato. Quando qualcuno me lo chiede
mi sento davvero stupido. Purtroppo le mie nuove idee si
muovono molto velocemente”.
Peccato, mi avrebbe incuriosito ascoltare almeno
un EP sullo stato del Texas.
(Ride di gusto, nda).
Chicago è una delle canzoni cardine della musica
pop degli ultimi 20 anni. Probabilmente ha rag-
giunto il cuore di molte persone ben al di là delle
tue iniziali aspettative. Qual è il tuo rapporto con
quel pezzo oggi?
S.S.: “Credi che sia davvero così? Dammi i dati che lo
dimostrano (ride, nda). Quel pezzo è così speciale perché
cattura un momento della mia vita in cui le cose cam-
biavano molto velocemente, transitavo da una stagione
all’altra. Oggi non comprendo affatto la persona di cui
parla quella canzone. Forse perché ho 46 anni e, sfortu-
natamente, il senso di scoperta e di immaginazione nella
mia vita è diminuito parecchio. Resta comunque una can-
zone speciale, anche se non ne colgo più il significato come
allora. Non posso più dire molto sulla mia musica di quel
periodo. È come spiegare, oggi, una mia dichiarazione
d’intenti di quando avevo 20 anni. È molto difficile”.
TO M M A S O C A P P E L L ATO
(FOTO DI Y VO N N E S C H M E D E M A N N)
A BEGINNER’S
MIND
ASTHMATIC KITTY
e, soprattutto, Lacrimae Rerum, corto di Nikolaidis). I due amici/
colleghi ricamano su un tessuto melodico di acustica fragilità
caro a entrambi, attraversato da testi simbolici. Per disegnare il
senso dell’esistenza e della morte su personaggi eroici o aberranti,
non importa quale dei due si celi dietro all’innocente falsetto, o
dove finisca la ritrosia acustica dell’uno e inizi l’estro orchestrale
dell’altro. Le tracce di quanto già sapevamo sulla reinvenzione folk
di Sufjan Stevens sono, comunque, tutte presenti. Nel crescen-
do gentile di Reach Out, nel mistero acustico di Pillar Of Souls,
nel groove casalingo di Back To Oz, nello strumming pregiato
di Olympus, nell’intimità pianistica di (This Is) A Thing. Perché
quando tutte le cose smettono di crescere bisogna tornare ad acca-
rezzarle, per ricordarsi che c’è vita oltre la morte.
81/100
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BADBAD
NOTGOOD
-GIOCO DI SQUADRA
-
S
embra quasi paradossale come, in un
anno e mezzo in cui l’isolamento forzato
delle persone si è impadronito della
scena sociale, l’emersione e lo svilup-
po di collettivi musicali sia diventato
quasi una costante. E che, con loro, il
jazz sia diventato spesso strumento d’espressione che
si reinventa, in nuove mani curiose. Da una parte i
progetti nu soul (ma non solo) di Sault e Mourning [A]
BLKStar, vere comunità di scrittura ed esecuzione, per
vocazione e per principio. Dall’altra il fiorire di etichette
di jazz alternativo come la International Anthem o tutto
il movimento britannico dietro a Shabaka Hutchings,
che strutturano le loro proposte su esperienze di con-
tinua collaborazione e apertura a nuovi mondi. Collet-
tivi aperti e jazz inteso come linfa sonora, per nuovi
strumentisti poco interessati a glorificarne la purezza,
curiosi piuttosto di affrontare nuovi processi d’ibrida-
zione. I BadBadNotGood nascono a Toronto. come trio,
nel 2010. Alexander Sowinski (batteria), Chester Han-
sen (basso) e Matthew Tavares (tastiere e tanto altro).
A loro, dopo qualche anno, si unirà Leland Whitty, alla
chitarra e ai fiati. Studiano jazz all’Humber College, per
appropriarsi del lignaggio storico, mentre si alimentano
TAG: #jazz #analogico #memoriaeradici #collettivo #arthurverocai
34 | RUMOREMAG.COM
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avidamente con i video della crew Odd Future di Tyler,
The Creator e i collage di rap evoluto di MF Doom.
L’ibridazione è solo l’inevitabile passo successivo. Par-
tendo da cover esplosive di artisti noti, fino alle mille
collaborazioni con produttori hip hop e musicisti di
varia estrazione, costruiscono un loro suono peculiare
e transgenico, che si alimenta di contemporaneità aber-
rata in chiave neopsichedelica e di radici che pescano
nella storia della musica nera. Cinque album (fra cui
Sour Soul del 2015, con Ghostface Killah del Wu-Tang
Clan) che decostruiscono le esigenze del ritmo in 4/4,
rimescolano stilemi pop, elaborano crescendo coinvol-
genti e sospensioni celestiali, si abbeverano al passato
da una prospettiva libera e non accademica. Esibizioni
dal vivo che diventano gioiose terapie di gruppo per
un pubblico onnivoro e alieno a barriere di genere.
Un mondo nuovo e pulsante che costruisce un seguito
di culto, devoto ed euforico. Fino a quando Tavares,
leader non dichiarato del gruppo (per doti produttive e
visione), decide di abbandonare, nel 2019. Il fuoco sacro
che alimentava la sua partecipazione al trio da quando
aveva 20 anni si era piano piano esaurito, man mano
che il plauso del pubblico aumentava. Come accade
anche nello sport, la dipartita del campione spoinge chi
ONLINE: tv.badbadnotgood.com

resta a rinserrare le fila e a trovare nuove motivazioni
in un gioco di squadra che si rinnova in assenza del
fuoriclasse. Il risultato è Talk Memory, un dichiarato
viaggio per ritrovare le radici, attraverso un dialogo
aperto con nuovi amici, produttori e musicisti storici.
Da Floating Points a Laraaji, fino alla mitica figura del
cantautore e produttore brasiliano Arthur Verocai, che
arrangia gli archi in cinque brani. L’annuncio dell’al-
bum nuovo, a giugno, diventa virale su TikTok (quattro
milioni di visualizzazioni in un mese), confermando la
resilienza di chi segue il trio. Di tutto questo parliamo
con Alexander (fresco papà) e Leland, in collegamento
da Toronto.
Quando avete incontrato il jazz per la prima
volta nella vostra vita?
Alexander Sowinski: “Fa ridere, perché ne abbiamo
parlato ieri. Credo che la mia prima volta sia stata
quando imparavo a suonare la batteria e guardavo le
performance di percussionisti, jazz o rock, inf luen-
zati dal jazz. Credo che le prime inf luenze siano state
Buddy Rich e Gene Krupa, i video delle big band in cui
suonavano. Li guardavo senza sapere nulla della storia
del jazz”.
Leland Whitty: “Mio padre ascoltava un sacco di blues
e soul a casa. La prima volta è stata di sicuro con un
disco di Miles Davis, John Coltrane o Wayne Shorter.
Arriva da mio padre o da mio fratello, che ha due anni
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T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
FOTO DI JA M AL BURGER
più di me ed è un ottimo musicista. È stata una esten-
sione dei miei primi ascolti blues e sperimentali”.
Quale processo avete seguito per introdurre l’e-
redità del jazz all’interno della vostra composita
proposta musicale?
A.S.: “Sei anni fa Leland si è unito ufficialmente al trio
originario. Avevamo già suonato con lui a Toronto e
spesso ci raggiungeva in studio. Prima di lui passavamo
da cover a composizioni nostre, imparando a esplorare
varie inf luenze, dal rock al soul, dal kraut all’elettroni-
ca. Con l’andare del tempo abbiamo trovato una nuova
ispirazione, imparando a creare sezioni e interventi
solisti, supportandoci l’un l’altro nell’improvvisazione.
L’arrivo di Leland, con le sue capacità di improvvisare
e la sua versatilità nel suonare diversi strumenti, ci ha
fatto fare il salto. Con lui siamo riusciti a espandere la
nostra concezione di assolo a sassofono e chitarra, in
particolare in questo ultimo disco”.
L.W.: “L’introduzione del jazz nel nostro modo di com-
porre ha a che fare con la musica con cui siamo cresciu-
ti. Questo vale anche per tutto il rock, il rap e il soul che
abbiamo ascoltato nel corso degli anni. Siamo cresciuti
con l’idea di mescolare i generi. È stato naturale veico-
lare tutte quelle inf luenze in una forma musicale unica.
Nessuno di noi, credo, volesse finire per diventare un
purista jazz, anche se tutti quanti amiamo quel modo di
suonare”.
RUMOREMAG.COM | 35
 BADBADNOTGOOD GIOCO DI SQUADR A
« A V O LT E A L L O N TA N A R S I D A L
C O M P U T E R E P O T E R C O N TA R E S O L O
SU L PRO PR I O U D I TO, SU B I TO D O P O
AV E R S U O N AT O , P U Ò E S S E R E U N A
E S P E R I E N Z A L I B E R AT O R I A . D E V I S O L O
A S C O LTA R E , N O N D E V I P E N S A R E
A I P I C C O L I D E T TA G L I C H E D O V R A I
MO D IFI C A R E IN SEG U I TO, D E V I
A B B A ND O N A RT I A L LO SPIR I TO CO N
C U I H A I A P P E N A S U O N AT O . C E R T O , T I
C A P I TA C O M U N Q U E D I I N T E R R O G A R T I
SUGLI ERRORI COMMESSI, O DI
C H I E D E R E L’ O P I N I O N E D E G L I A LT R I ,
M A I L FAT T O D I N O N D O V E R S U B I T O
CORREGGERE GLI ERRORI RENDE
P I Ù F R E S C H I I P R I M I S TA D I D E L L A
REG IS T R A ZIONE»
-A LE X A ND E R SOWIN S KI-
Talk Memory sembra catturare al meglio la vo-
stra spontaneità, in un modo diverso rispetto al
passato. Ci spiegate cosa è cambiato?
L.W.: “Credo che in passato, con loro che lavoravano
come trio e io che collaboravo da esterno, molte del-
le scelte produttive nascessero in studio, al momento
dell’esecuzione. Questa volta abbiamo scritto parecchio
prima, abbiamo provato per ore, ancor prima di pensare
di mettere i piedi in uno studio. L’obbiettivo era arrivare
al momento di registrare già con la necessaria confi-
denza, lasciando che magia e spontaneità dell’improv-
visazione si manifestassero al momento giusto, in una
struttura già solida, risultante dai nostri obbiettivi e dal
L A FORZA DEL COLLETTIVO: 10 ESEMPI DI COME UNA BAND DIVENTA COMUNITÀ
ART ENSEMBLE X-102
OF CHICAGO DISCOVERS THE RINGS
FANFARE FOR THE WARRIORS OF SATURN
(TRESOR, 1992)
(ATL ANTIC, 1974)
36 | RUMOREMAG.COM
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T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
nostro percorso. Credo che questo ci consenta di poter
contare su una maggiore maturità registrando, pur
lasciandoci spazio per improvvisare liberamente”.
Come mai avete deciso di registrare tutto l’album
in analogico?
A.S.: “Direi l’amore per i metodi di registrazione sem-
plici. Per anni come band ci siamo concentrati su come
trattare il suono degli strumenti in modo appropriato,
su come registrarli con microfoni ad alta definizione e
via dicendo. A volte allontanarsi dal computer e poter
contare solo sul proprio udito, subito dopo aver suo-
nato, può essere una esperienza liberatoria. Devi solo
ascoltare, non devi pensare ai piccoli dettagli che dovrai
modificare in seguito, devi abbandonarti allo spirito con
cui hai appena suonato. Certo, ti capita comunque di in-
terrogarti sugli errori commessi, o di chiedere l’opinione
degli altri, ma il fatto di non dover subito correggere gli
errori rende più freschi i primi stadi della registrazio-
ne. Viviamo in un’era assai tecnologica, sia in ambito
musicale che in quello della comunicazione in generale,
invecchiando e diventando sempre più insofferente mi
rendo conto di apprezzare maggiormente gli aspetti
più tangibili della vita. D’altra parte la maggior parte
degli strumenti che oggi si cerca di tradurre in digitale
o emulare sinteticamente li ha inventati gente che ne ha
creato i circuiti di base o le meccaniche, che si tratti di
chitarre, sax o f lauti. Mi affascina il mestiere dietro alle
cose. Mi piace accendere uno strumento elettrico e sen-
tirlo crepitare, il modo in cui chi lo suona ne trasmette
l’energia liberamente anziché caricare tutto quanto su
un computer. Può essere affascinante manipolare i suo-
ni, ma devi dedicarci del tempo e devi sapere dove vuoi
arrivare. Abbiamo lavorato con ottimo ingegnere del
suono, Nic Jodoin, ha fatto tutto lui permettendoci di
concentrarci sull’esecuzione. Senza dover pensare ogni
volta se la singola performance, quando ci pareva riusci-
ta a un primo ascolto, potesse generare anche i metadati
adatti alla registrazione. Ci ascoltavamo meravigliati,
subito dopo aver suonato, senza il retropensiero dei
dettagli da modificare. Questo ci ha dato la spinta per
esplorare e sperimentare senza preoccuparci di dover
migliorare quanto avevamo prodotto. Talk Memory è il
risultato di preferenze personali, di stile e approccio,
che non potevano che condurre alla registrazione analo-
WU-TANG CLAN GODSPEED, THE AVALANCHES
ENTER THE WU-TANG CLAN YOU BLACK SINCE I LEFT YOU
(36 CHAMBERS)
(RCA/LOUD, 1993)
EMPEROR! (MODUL AR, 2000)
F#A#
(CONSTELL ATION, 1997)
 BADBADNOTGOOD GIOCO DI SQUADR A
gica, cosa rara nel mondo musicale contemporaneo”.
Il riferimento alla memoria, al ritorno alle radici,
è un tema portante del nuovo disco.
L.W.: “Il modo in cui abbiamo registrato ti richiede di
essere fin da subito molto presente, mentre suoni e poi
ti ascolti. La memoria diventa quasi un meccanismo
immediato. Un altro significato della ricerca delle radici
sta nell’aver potuto suonare con artisti che non pubbli-
cavano musica dagli anni 70. Tutte le fonti d’ispirazione
arrivano da qualche punto nel passato. Questo disco è
stato come rivalutare quelle fondamenta, riappropriar-
sene”.
A.S.: “Matthew Tavares ha lasciato nel 2019. Voleva con-
centrarsi sui suoi progetti solisti e sulle sue idee. Era un
elemento fondante del trio originale. Il suo abbandono
ci ha portati a ripensare a molte delle esperienze fatte
con lui, e a cercare di creare qualcosa che andasse oltre
quelle dinamiche. Che fosse in qualche modo più forte
e sano. Il gruppo ha avuto i suoi alti e bassi in passa-
to, all’inizio non pensavamo di diventare una band, di
girare il mondo. Quella esperienza è stata appagante,
ma ha anche creato delle difficoltà. Il nuovo album ci ha
permesso di mettere tutto in prospettiva. Dai privilegi e
le opportunità che abbiamo avuto alle ragioni che, come
gruppo, volevamo ancora difendere. Personalmente è
stato un momento di profonda rif lessione. Volevo perce-
pire la musica solo come pura emozione. È uno dei temi
portanti di Talk Memory”.
Come è cambiato l’approccio senza Matthew? Sie-
te ancora in buoni rapporti con lui?
L. W.: “Sono in buoni rapporti con lui, ma la sua di-
partita ha ispirato vari cambiamenti. Lui è un talento
multidimensionale, nel gruppo passava dal sound engi-
neering all’artwork. Il non averlo più con noi all’inizio
ha creato una sorta di horror vacui, ma poi ha anche
aperto nuove porte. Ci ha spinto a collaborare con nuovi
ingegneri del suono in studio, con altri musicisti. Siamo
riusciti a capire come il seme del nostro suono potesse
ispirare la visione di nuovi collaboratori. È questo gene-
re di senso di comunità che ispira Talk Memory”.
A.S.: “In passato abbiamo preservato una certa ingenui-
tà e ci siamo dati molto da fare per conservare il nostro
approccio do it yourself. Matthew era una sorta di
BROKEN SOCIAL BROCKHAMPTON
SCENE SATURATION II
YOU FORGOT IT IN PEOPLE (QUESTION EVERY THING/
INC/EMPIRE, 2017)
(PAPER BAG, 2002/ARTS &
CRAFTS 2003)
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T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
leader, aveva un gran talento per la registrazione e una
forte direzione visuale. Con gli anni la cosa è diventata
un po’ stressante, c’era una persona che faceva tutto (o
quasi) e poteva capitare di avere dei dubbi su determi-
nate scelte, su quanto ti rappresentassero davvero come
persona. Non era sempre facile. Quando se n’è andato
per noi è arrivato il momento di interrogarci su che cosa
volessimo fare con il nostro suono. Come registrarlo,
quali direzioni prendere. È stata una cesura che ha ge-
nerato nuove esperienze, e anche divertimento”.
In qualche modo, anche in passato, avete dato
grande importanza alle collaborazioni. Come mai
il contributo di esterni è così importante?
A.S.: “Non sai mai cosa possa succedere quando qualcu-
no che non conosci entra nella tua stanza. Anche solo se
penso al tempo trascorso in giro a suonare, ho incon-
trato tantissime persone interessanti, che mi hanno
dato qualcosa dal punto di vista musicale: suggerimenti
su artisti o album che non conoscevo ancora o, più
banalmente, locali dove andare quando ci trovavamo in
un determinato posto. Ti arricchisci moltissimo quando
stabilisci dei collegamenti con gli altri. Me ne sono
accorto soprattutto diventando padre, la trovo una cosa
bellissima. È il modo in cui il mondo dovrebbe funzio-
nare. Ascoltare le persone, le loro storie, le loro idee,
aiutarle se hanno bisogno”.
L.W.: “L’ultimo anno e mezzo ha confermato che lavorare
per conto proprio può aiutare a sviluppare le proprie
idee, ma può intrappolarti all’interno della tua mente.
Portare anche il più piccolo germoglio di idea a qualcun
altro si apre a direzioni completamente diverse. Oggi è
molto facile dare vita a un progetto folk in completa so-
litudine, ma credo che l’essenza dell’esperienza musicale
sia creare dei suoni in una stanza insieme ad altri. È una
esperienza collettiva che nessuna energia individuale
potrà mai eguagliare”.
A.S.: “Viviamo in una immensa stanza da letto in cui
molte persone producono musica in solitudine. E molti
così facendo producono musica bellissima. Ma noi
siamo sempre stati ispirati da esperienze in cui ritmi e
orchestrazioni erano il motore dell’energia. Pensiamo
ai Beatles, ai Beach Boys, ma anche alle band jazz o alla
musica classica, o persino a certo rap. Ci troviamo su un
treno che spinge le persone a mettersi insieme a suona-
A CURA DI M AURO FENOGLIO
MOURNING [A] SAULT ORCHESTRE
BKLSTAR UNTITLED (BLACK IS) TOUT
THE CYCLE (FOREVER LIVING ORI-
GINALS, 2020)
PUISSANT…
(DON GIOVANNI, 2020) WE’RE OK. BUT WE’RE
LOST ANYWAY
(BONGO JOE, 2021)
RUMOREMAG.COM | 37

BADBADNOTGOOD
TALK MEMORY
INNOVATIVE LEISURE/XL
Nella quiete apparente dei
cinque anni trascorsi dal
magnifico IV sono succes-
se un po’ di cose alla band
di Toronto. Alla reputazio-
ne in continua crescita e
alle numerose collabora-
zioni di prestigio (da Ken-
drick Lamar a Kali Uchis
fino al compianto MF
Doom) si è contrapposto
l’abbandono di Matthew
Tavares. Una crisi che si è
trasformata in opportuni-
tà. Con Talk Memory troviamo una band trasformata nelle
intenzioni, decisa a lasciar maggior spazio all’improvvisazio-
ne e all’energia che ne contraddistingue le performance dal
vivo, pur nel continuo omaggio alle musiche che la ispira da
sempre: jazz, funk, hip hop, soul. La psichedelica e visiona-
ria Signal From The Noise, co-prodotta da Sam Shepherd
(Floating Points) è un incipit perfetto nel suo saper diventare
materia incandescente prima di tornare al magnetico tema
iniziale. I volteggi minimalisti di Unfolding (Momentum 73)
si avvalgono del contributo di Laraaji, pioniere della visione
new age in musica, ma è il fuoriclasse di culto della musica
brasiliana Arthur Verocai – recente collaboratore pure degli
Hiatus Kaiyote, da sempre loro inf luenza dichiarata – a far la
parte del leone fra gli ospiti, coinvolto in qualità di arran-
giatore con tanto di sezione d’archi in metà degli episodi in
scaletta. A partire dalla cinematografica ed emozionante
City Of Mirrors, proseguendo con la pulsante Beside April,
che coinvolge il batterista e produttore Karriem Riggins, e
le morbide armonie di Love Proceeding, sulle quali prende il
volo il sassofono di Leland Whitty. Infine, dopo una Timid,
Intimidating che si propone come futuro standard della
band, tale è la capacità di riassumerne le qualità, arrivano
il sax di Terrace Martin e l’arpa della sempre più ubiqua
Brandee Younger ad aggiungersi alla jam conclusiva Talk
Meaning.
GIORGIO VALLETTA
85/100
38 | RUMOREMAG.COM
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re, anche come esperienza di vita”.
Allacciandomi all’ultimo periodo sembra para-
dossale che in anni di isolamento forzato vengano
fuori sempre più esperienze collettive. I Sault o
i Mourning [A] BLKStar sono solo due esempi.
Come mai, secondo voi?
A.S.: “Se io penso alle nostre prime inf luenze, mi ven-
gono in mente i video di Odd Future, il collettivo rap di
Los Angeles. Vedere quei ragazzi giovani in quei video
strani ma unici, ascoltare i loro mixtape con quei testi
diretti e aggressivi è stata una rivelazione. Studiavamo
musica in quegli anni, e scoprire che ci poteva essere
un approccio alternativo, ineducato ma vitale, è stato
importante. Poi gli amici intorno a te che vengono ad
ascoltarti e ti supportano fanno il resto. Le forme di
creazione musicale collettiva oggi nascono in continua-
zione, ma accadeva anche in passato”.
Che cosa pensate di tutto questo movimento new
jazz? Mi riferisco a gente come Shabaka Hutchin-
gs o alle esperienze di etichette come Internatio-
nal Anthem e Brownswood.
A.S.: “Onestamente non so se ci siano ragioni preci-
se. Posso pensare che abbia a che fare con la voglia di
suonare insieme, ancora una volta. Mi vengono in mente
due cose: da una parte gruppi ed etichette che suona-
no e pubblicano grande musica. Dall’altra una cura
meticolosa nel confezionare questi dischi. Alcuni grandi
dischi jazz del passato non avevano copertine partico-
larmente accattivanti. Oggi il packaging è costruito per
aiutare l’ascoltatore a digerire la musica all’interno, a
trarne ispirazione. Personalmente noto una cura sempre
maggiore nella confezione dei dischi. Per cui penso che
il fenomeno sia una combinazione di musica fatta bene,
ottimo marketing e mondo che vuole ascoltare quei
suoni”.
L.W.: “Se pensi ai generi musicali classici, rock, pop o
R&B, con il progredire delle tecniche di registrazione si
può fare qualsiasi cosa stando chiusi nella propria stan-
za. Molti dischi contemporanei hanno un suono pulitis-
simo, senza imperfezioni ritmiche o tonali. Ma a volte
la pulizia formale rimuove inevitabilmente l’elemento
umano, l’emozione. Questo non si può fare col jazz.
Nessuno ascolterebbe un disco jazz con una produzione
che nasconde le imperfezioni. C’è una specie di intrin-
seca energia punk in quell’approccio musicale. Devi
permettere alla tua performance di svelarsi con onestà,
errori inclusi. Questa è la ragione per cui certi dischi del
passato, dischi senza tempo, resteranno in eterno: pur
suonando bene mantengono tutte le gradazioni emotive
e sonore”.
Ci spiegate come mai Arthur Verocai, che ha
arrangiato gli archi in cinque tracce di Talking
Memory, è così importante per voi?
A.S.: “Quando abbiamo ascoltato il suo disco omonimo
del 1972 per la prima volta siamo rimasti letteralmente
stupefatti. Sai, esiste una sorta di check list inconscia
connessa al proprio udito. Se quando ascolti qualcosa
questo qualcosa risponde a tutti i requisiti, la tua testa
esplode. Le improvvisazioni di quel disco, gli assoli, le
emozioni, gli arrangiamenti d’archi, le vocalizzazioni
 BADBADNOTGOOD GIOCO DI SQUADR A
e la produzione tipica degli anni 70 catturano comple-
tamente il mio gusto. Quando abbiamo saputo che quel
disco lo aveva inciso un songwriter facendo tutto da
solo abbiamo immaginato la difficoltà dell’impresa. In
un solo disco riesce a coprire un territorio vastissimo:
dal jazz brasiliano, al soul, al funk, fino all’avanguardia
per certi versi”.
Continuo a essere sorpreso dal seguito di culto
che avete accumulato negli anni, dalla devozione
del vostro pubblico, soprattutto in occasione dei
vostri concerti. Che cosa ne pensate? Come avete
reagito alla vostra recente esplosione social su
Tik Tok?
A.S.: “Siamo stati molto fortunati. Probabilmente ha a
che fare con le connessioni che si creano quando suo-
niamo insieme. Mi piace suonare con Chester e Leland,
spero di continuare a farlo per il resto della mia vita
se continueremo come gruppo. Chester è un bassista
magnifico e Leland fa delle cose incredibili con dieci
diversi strumenti. Forse il pubblico percepisce questa
nostra mutua ammirazione, e l’eccitazione che proviamo
suonando. Non ho mai capito che cosa sia successo con
TikTok, perché siamo diventati un trend topic. Non ho
particolare familiarità con quel tipo di social. Il modo
in cui la gente manifesta le proprie preferenze cambia
nel corso del tempo. Dalle fanzine dell’era pre Internet a
TikTok. All’inizio non avevo una gran opinione di tutta
la faccenda, ma alla fine mi rendo conto di essere io a
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T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
non riuscire ad entrare in quelle dinamiche. È un mondo
nuovo attraverso cui le persone si esprimono. Di certo
sono sorpreso dai milioni di visualizzazioni”.
Talk Memory è il vostro primo disco con XL.
Come vi trovate con loro?
L.W.: “Sono un’etichetta leggendaria. Non hanno forzato
nessuna nostra scelta creativa, né musicale né estetica.
Allo stesso tempo ci hanno messo a disposizione il loro
gigantesco network e ci hanno prospettato approcci al-
ternativi. Mi pare un collettivo con una attitudine molto
positiva”.
Se doveste pensare a una collaborazione da so-
gno, il primo nome che vi viene in mente sarebbe?
L.W.: “Senza pensarci troppo: Herbie Hancock”.
A.S.: “Non so come potremmo fare però... voglio dire…..
è sempre in giro per concerti. Io se potessi vorrei fare
anche solo una jam insieme a Stevie Wonder. Non so se
accadrà mai, ma dio solo sa quanto amo la sua musica.
Se parliamo di artisti più contemporanei, in un certo
senso è un cerchio che si chiude con le nostre origini, ho
ascoltato tantissimo il nuovo Call Me If You Get Lost di
Tyler, The Creator. Leggendo le sue ultime interviste e
ascoltando il mixtape mi sono reso conto di quanto sia
cresciuto artisticamente. Credo rappresenti uno dei più
alti esiti musicali creativi recenti. Poterci riallacciare a
lui sarebbe incredibile dopo tutto quello che ci ha dato,
in termini di ispirazione, negli ultimi dieci anni”.
RUMOREMAG.COM | 39
 BADBADNOTGOOD M A X TURNBULL
UN SOTTERRANEO
FIUME IN PIENA
-
BREVE STORIA DI MAX TURNBULL, STRAMPALATO
FRATELLO MAGGIORE DEI BADBADNOTGOOD
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
F O T O D I M E G H A N R E MY, M A L I N A C O R PA D E A N
I
l rockabilly chic di Jon Spencer miscelato
all’ossessione industrial di Genesis P-Orrid-
ge. Oppure Nick Cave con una buona dose di
mescalina, chiuso in una dark room per un
mese. O ancora, una pila di vinili di Elvis fatti
a brandelli, riassemblati, e poi messi a girare sul piatto.
Sono solo alcune delle definizioni tentate dalla stampa
di settore negli anni per provare a catturare il bizzarro
e precario mondo dell’aspirante rockstar postmoderna
Max Turnbull, in arte Slim Twig (e altro ancora). Nato
a Toronto, da genitori entrambi registi cinematografici,
Turnbull si presenta subito al mondo a metà anni Zero
come un talento bohémien e fuori fuoco, in cerca di una
(improbabile) posizione di pregio sotto i riflettori del pop,
raggiunta dalla porta di servizio della sua prospettiva
poco allineata. Figlio degenere di tutti gli eroi del cantau-
torato d’ombra del ‘900. Da Nick Cave (per timbro vocale)
ad Alan Vega a Lux Interior (soprattutto per via dell’amore
TAG: #slimtwig #rockabilly #frankzappa #badgeepoque #polaris
40 | RUMOREMAG.COM
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T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
nei confronti del rockabilly rimasticato). Decostruzionista
per vocazione, alla maniera di un Frank Zappa primigenio.
Con l’ambizione di rompere il giocattolo pop per riassem-
blarlo secondo canoni assolutamente personali (e non
sempre comprensibili).
Dopo qualche apparizione cinematografica (è lui il Billy
Zero della pellicola pre Juno con Ellen Paige, The Tracey
Fragments, 2007), Turnbull esordisce con un paio di EP
per l’etichetta locale Paper Bag. Derelict Dialect e Verna-
cular Violence del 2008 fotografano un adorabile reietto
alle prese con ectoplasmi di canzoni cavernose, che guar-
dano a un Elvis Presley terminale così come alla sporca
essenzialità dei Suicide. Numeri composti senza direzione
precisa, che non sfigurerebbero nella colonna sonora di un
qualsiasi film di David Lynch (idolo dichiarato del Nostro)
e vivono proprio in virtù della loro totale irresolutezza.
L’esordio lungo l’anno successivo, Contempt!, certifica le
ONLINE: badgeepoque.bandcamp.com
movenze, estremizzando ancora di più le composizioni,
che diventano scheletri d’intenzione pop (?) assemblati
con suoni trovati al sintetizzatore e voce. Difficile prova-
re a canticchiarle o aver voglia di farle girare in repeat.
Ma Turnbull ha un piano, come dichiarerà alla webzine
“Audiofemme” qualche anno dopo: “Spesso si pensa che
tutta la musica migliore sia già stata fatta. Anch’io ne
sono colpevole, con la mia personale fissazione rock.
Credo anche che sia questo approccio a far sì che i suoni
nuovi risultino meno vitali di quelli di una volta. La mia
musica vive di questa continua battaglia fra la necessità
di mimare il passato, come unico riferimento tangibile,
e la voglia di trascenderlo attraverso la sua distruzione.
La cultura rock deve sempre provare ad uccidere i propri
idoli”. E la prima cosa da distruggere è il proprio perso-
naggio. Nel 2011 Slim Twig annuncia di essersi trasfor-
mato in un compositore pop anni 60. Il primo parto è uno
split con la sua compagna Meghan Remy (U.S. Girls, di
cui poi produrrà in prima persona gli album U.S. Girls On
KRAAK e Gem), in cui affila le armi di devianza pop in un
ambito più camp, vestendo i panni di un Ariel Pink ancora
più indolente. L’idea è quella di dare alle stampe il suo

personale mini Pet Sounds. Un album concettuale ispirato
a Lolita di Nabokov e a Histoire De Melody Nelson di
Serge Gainsbourg (di cui, successivamente, rifarà anche
il pezzo Cannabis). La Paper Bag non si fida e gli rifiuta
l’album, che viene poi pubblicato dalla sua etichetta perso-
nale Calico Corp nel 2012. Sarà la DFA di James Murphy a
ricuperarlo due anni dopo, dandogli nuova esposizione.
A Hound At The Hem è effettivamente un salto in avanti.
Una piccola opera post glam di neo barocchismi arabe-
scati che riescono a darsi senso compiuto. Ma l’incapacità
di raccogliere i frutti della semina è una delle principali
caratteristiche del Nostro, che solo tre anni dopo, nel
2015, pubblica il suo ultimo lavoro come Slim Twig, l’in-
concludente e arruffato Thank You For Stickin’ With Twig.
Poi più nulla, fino a oggi. Certo, la sua dichiarata ammi-
razione per loschi figuri come Phil Spector, Woody Allen
o Roman Polanski, anteponendo strenuamente il valore
dell’opera ai peccati dell’autore, non lo pone nelle prime
posizioni di gradimento di un’opinione pubblica sempre
più guardinga. Più probabilmente l’estro esondante di
Turnbull si trova a proprio agio in una zona più defilata
rispetto agli anelati riflettori del pop. Il collettivo Badge
Époque Ensemble da lui capitanato (con la partecipa-
zione di Meghan Remy, vari amici e collaboratori e più
voci) diventa il vero terreno di gioco per le sue tensioni
irrefrenabili. Tre album dal 2019 (di cui il primo omonimo
nominato al Polaris Music Prize) di caleidoscopico collagi-
smo strumentale, tra free jazz, progressive e ignara neop-
sichedelia, che miscelano tracce di Sun Ra con The Lamb
Lies Down On Broadway dei Genesis, scoprendo lungo la
strada ritmiche hip hop degne del Wu-Tang Clan. Prova
ne sia Scroll, pubblicato ad agosto a nome Badge Epoch,
che riprende otto anni di session e ritagli risuonati con il
suo ensemble, un mare magnum di un’ora e mezza. Jam
psycho funk che uniscono lounge, library e intermezzi di
musica concreta, quasi fosse una versione vernacolare di
Uncle Meat dei Mothers Of Invention. Zappa e i BadBad-
NotGood non sono mai stati così vicini. Vogliamo sputare
fuori una nuova definizione? Pierre Boulez a braccetto con
i Funkadelic. Andiamo ad aggiungerla a tutte le preceden-
ti, nel tentativo di ricomporre l’estro sfuggente ed irrisolto
di Max Turnbull. Un fiume in piena pronto ad esondare,
lontano dalle luci della ribalta.
BADGE EPOCH
SCROLL
TELEPHONE EXPLOSION
Con gli altri sei musicisti del
Badge Epoque Ensemble il
poliedrico Max Turnbull ave-
va firmato sul finire del 2020
il buon Self Help, di cui ave-
vo avuto il piacere di parlare
brevemente su queste pagi-
ne: per descriverlo lui stesso
aveva usato la definizione
“jazz funk x mysticism”. In
questi 20 brani, per un totale
di un’ora e mezza, si va an-
che oltre. Risultato della se-
lezione e dell’assemblaggio di tracce, jam e bozzetti accumulati nel
corso negli ultimi otto anni, a mo’ di diario personale, Scroll pare
esprimere al meglio la singolare visione caleidoscopica dell’artista
di Toronto. Curiosamente la sequenza è introdotta dal brano più
lungo: i quasi 12 minuti di Galactic Whip sono quanto di più vici-
no ci sia all’interpretazione progressive (non fraintendete, per ca-
rità!) del jazz funk ad opera dei concittadini BadBadNotGood. Ma
subito dopo iniziano a svelarsi altri mondi: nel febbrile incedere
proto electro di Personality, nella musica concreta di Perception
Supremacy, nella psichedelia latineggiante che infonde Consensus
Reality. Più avanti, persino nei surreali momenti horror di Deers
In The Cemetery e nella techno dilatata di Ask For A Void. Risulta
persino scontato utilizzare il termine eclettismo per quanto è
spettacolare la fluidità con cui scorre l’album nonostante i radicali
salti stilistici, in un processo che lo stesso autore paragona, senza
falsa modestia, a certi lavori di J Dilla, Mothers Of Invention e
Actress. Ad assisterlo nell’editing, nella realizzazione di soluzio-
ni cut-up e in ulteriori sperimentazioni, il sound artist Andrew
Zukerman, ovvero Fleshtone Aura. Il tutto riesce a non risultare
mai pretenzioso, in virtù di freschezza e originalità delle idee qui
applicate, e della massima libertà artistica nei confronti di schemi
o aspettative discografiche.
GIORGIO VALLETTA
81/100

RUMOREMAG.COM | 41
VALENTINA
MAGALETTI
IN VIAGGIO, OLTRE I CONFINI DEL RITMO
L’
TESTO DI MAURO FENOGLIO - FOTO DI ADELE DI NUNZIO, ARTHUR SA JAS
universo di Valentina Magaletti è in continua espansio-
ne. Un universo di suoni. Immaginati per anni, trovati
per caso, sperimentati per portarli alla vita. Senza
preclusioni di sorta, senza necessità di giustificazione
alcuna che non sia quella della propria libertà. Nell’in-
terpretazione nuova di uno strumento, la batteria, per
poterlo negare alle logiche che ne hanno determinato
l’esercizio sul palco o in studio fino a oggi. Nelle scelte
dei musicisti con cui collaborare. E così l’abusato con-
cetto di ritmo trova di nuovo qualcuno capace d’interro-
garsi sui suoi significati, mettendone in discussione le
dinamiche e le logiche conosciute. Fra passato e futuro,
tradizione gloriosa e sperimentazione continua, gioco e
intrattenimento. Lungo traiettorie che la portano dalla
nativa Bari fino a Londra (dove abita e lavora da 20
anni). Attraverso collaborazioni con musicisti e produt-
tori, in quell’area grigia e sempre fertile tra avanguardia
e comunicazione. Da Nicolas Jaar, passando per Jandek,
Thurston Moore o Charles Hayward. I dieci anni passati
nei Tomaga, l’antiduo formato col compianto bassista
Tom Relleen, piattaforma di sperimentazione in cui la
jam improvvisativa diventava nuova sorgente di scrit-
tura. I Vanishing Twin, giunti ora al terzo album,
Ookii Gekkou, estrema concessione di Valentina all’idea
TAG: #viaggio #ritmo #gioco #dimensionisonore #pelli
42 | RUMOREMAG.COM
di gruppo (almeno fino ad ora), nei quali i suoi ricami
percussivi sono l’orlo prezioso delle invenzioni della
cantante e leader Cathy Lucas. E poi la collaborazione
con i Raime per la reinvenzione contemporanea della
narrativa post rock, fra gli spigoli minimali dei Moin,
la linfa vitale percussiva del loro recente Moot! che
diventa collante universale fra il mondo delle chitarre
ansiogene e le direttive del dancef loor più oscuro. Senza
mai fermarsi: è già al lavoro per promuovere il secondo
album di Holy Tongue, coppia dub post psichedelica
formata con Allen Wootton (Deadboy), e ha lasciato per
strada almeno altre due o tre collaborazioni, come sas-
solini su un percorso in continua evoluzione, preparan-
dosi a nuove imminenti avventure sonore. Un universo
in espansione, dicevamo, oltre i confini del ritmo. La
raggiungiamo a casa sua, a Londra, mentre cerca di
ricominciare a suonare dal vivo, in una Inghilterra che
cerca di dimenticare le privazioni della pandemia.
Come e quando è avvenuto il primo incontro con
il tuo strumento?
“Avevo 11 o 12 anni. A due isolati da dove abitavano i
miei, a Bari, avevano aperto una scuola di musica. Mi
sono iscritta a batteria, quasi per sfida, e ho incomincia-
to a studiare”.
Da lì in poi come hai sviluppato la tua educazio-
ne musicale? Quali sono stati i tuoi riferimenti?
“Sono sempre stata una avida ascoltatrice. Chiaramente
quando ero più piccola ho cominciato dal rock e dal pop,
ma non ho mai trascurato la musica orchestrale e il jazz.
Ho avuto sempre un approccio poliedrico. Non posso
citare una fonte specifica. Sono sempre stata onnivora”.
Ritieni che il ritmo sia qualcosa che “uno ha nel
sangue”, oppure possa essere metodicamente
assorbito attraverso l’apprendimento?
ONLINE: valentinamagaletti.com
“È interessante, perché qui, a Londra, per un po’, ho
insegnato a ragazzini dai dieci ai 14 anni. C’è della verità
quando si dice che il ritmo è innato, perché ho visto
ragazzini avere difficoltà anche nel battere le mani a
tempo o ballare su una battuta fissa. Chiaramente que-
sto non ha nulla a che vedere con quanto sia importante
il non conformarsi alla necessità assoluta di andare a
tempo, c’è anche una valenza artistica nel rifuggirla.
Comunque secondo me si, il senso del ritmo è innato,
purtroppo”.

Ho letto da qualche parte che per te il suono

“perfetto” di batteria è quello di Dimensioni
Sonore, il box di sonorizzazioni di Ennio Morri-
cone e Bruno Nicolai. Ci spieghi perché?
“Mi sono presa la nuova edizione in vinile. Dovevo por-
tarmi i CD a Londra, perché quelle session hanno dav-
vero un valore artistico allucinante. Con le note interne
di Pasolini e di Sergio Leone. In un certo senso è un box
che identifica l’Italia più bella, secondo me. Ho sempre
seguito il Gruppo D’Improvvisazione Nuova Consonan-
za, un collettivo per me seminale. Il primo loro disco che
ho ascoltato, sul versante meno legato all’avanguardia,
è stato The Feed-Back, credo del 1970. A parte il groove
in senso stretto, la produzione è pazzesca. Il lavoro sui
suoni, sulle frequenze, è vicino alla perfezione. Un uni-
verso fra library italiana e jazz. Molto originale. Suona
contemporaneo pur non essendolo”.

Il tuo modo di interpretare l’elemento percus-

sivo ti porta da ambiti di quasi metronomica
precisione (per esempio con i Moin) a sperimen-
tazioni estreme (come il tuo recente lavoro sulla
batteria di porcellana creata da Yves Chaudouët,
per Valentina Plays The Batterie Fragile del
2017). Quali difficoltà comporta la tua versatili-
tà?
“La difficoltà fa parte della sfida. E la sfida è la com-
ponente più stimolante del mio lavoro. Se non avessi
dovuto uscire dalla mia zona di comfort sarei rimasta
tranquillamente a fare un lavoro d’ufficio, intraprenden-
do la professione legale come la maggior parte della mia
famiglia in Italia. Moin e la batteria di porcellana sono
agli antipodi. I primi si nutrono di dance ed elettronica,
tutto ciò che mi hanno dato erano dei BPM a cui appli-
care ritmiche molto rigide. Batterie Fragile è uno studio
sull’attrito, sulla reazione dei materiali, sull’attenzione
al suono in sé, quindi più libero come narrativa, scevro
da qualsiasi macchinazione metronomica. Entrambi i
mondi hanno il loro fascino. Basta avere un approccio li-
bero per non essere convenzionali. Senza essere preten-
ziosi, provando a dire qualcosa che non è stato ancora
detto, utilizzando la propria frequenza”.

Che cosa ti è rimasto della tua esperienza con

Tom Reellen nei Tomaga?
“È mio DNA, la mia crescita. Non solo da un punto di
vista musicale e di insaziabilità che entrambi condi-
videvamo. Tomaga mi ha insegnato molto a livello di
tecniche di produzione. Se ho imparato qualcosa lo devo
agli ultimi dieci anni con Tom, in cui passavamo quattro
giorni alla settimana insieme a lavorare. Tutte quelle re-
gistrazioni fatte praticamente in casa mi hanno lasciato
tantissimo”.

RUMOREMAG.COM | 43
 VA L E N T I N A M AG A L E T T I I N V I A G G I O , O LT R E I C O N F I N I D E L R I TM O T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O

Se prendo Jaki Liebezeit dei Can e Georgia Hu- scritti sui suoi famosi 4 minuti e 33 secondi, e rivela che
bley degli Yo La Tengo, due dei riferimenti da te quello era uno studio ambiguo sul silenzio, perché alla
citati in passato come interpreti dello strumento, fine non si capisce se Cage sia serio o meno quando pre-
mi viene da chiederti paradossalmente quanto
senta il pezzo. Come si sa, la pausa ha la stessa valenza
contino le pause e i silenzi nel tuo approccio alle
percussioni. del pieno. Allo spazio e alla battuta dò la stessa impor-
“A livello accademico è inutile soffermarsi sull’impor- tanza. Alla fine è importante rimanere in silenzio per
tanza del silenzio. Compositori come John Cage ci hanno ascoltare ciò che ci circonda. La musica in fondo è un
speculato a lungo sopra. È uscito di recente un libro dialogo, e un dialogo senza pause sarebbe impossibile.
intitolato Sounds Like Silence, che raccoglie una serie di Sarebbe come parlarsi l’uno sull’altro. In questo senso

FRA PELLI, CAMPANE E GIOCATTOLI: UNA DISCOGRAFIA ESSENZIALE DI VALENTINA MAGALET TI

TOMAGA UUUU VALENTINA VANISHING VALENTINA

THE SHAPE OF THE DANCE UUUU MAGALETTI & TWIN MAGALETTI
(HAND IN THE DARK/
NEGATIVE DAYS, 2016)
(EDITIONS MEGO, 2017)
YVES CHAUDOUËT THE AGE OF IMMUNOLOGY & JULIAN
VALENTINA PLAYS THE
BATTERIE FRAGILE
(FIRE, 2019)
SARTORIUS
SULLA PELLE
(UN JE-NE-SAIS-QUOI, 2017)
(MARIONETTE, 2019)

44 | RUMOREMAG.COM
 VA L E N T I N A M AG A L E T T I I N V I A G G I O , O LT R E I C O N F I N I D E L R I TM O
Georgia Hubley è fantastica”.
Com’è stato lavorare di nuovo con i Moin per
Moot!? Il tuo apporto sembra quasi quello di
una drum machine umana tanto è magistral-
mente preciso e essenziale (pur riempiendo mol-
to i suoni). Come ti sei trovata nell’ambito della
reinterpretazione di un certo stile post rock o
post hardcore?
“Un’evoluzione e un connubio assolutamente naturali e
graduali per me. Dalle ritmiche di Slint e Fugazi e del
post rock in generale, che ho sempre suonato quando
ero adolescente, alle mie esperienze di lavoro con le
etichette dance qui a Londra, di cui si nutrivano anche
i Raime. Loro sono due produttori molto di tendenza
(anche se magari odiano quest’etichetta), due icone di
quello che è stata la Blackest Ever Black, la quale già
tentava di creare un ponte fra quei due mondi. Questo
disco è molto particolare perché ritrova quella congiun-
zione. Due mondi (la dance oscura e le chitarre sorve-
gliate) che, se vogliamo, partono da concetti simili, ma
per i quali Moot! rappresenta comunque un crossover.
All’inizio non credevo che, a livello di pubblico, cia-
scun mondo potesse apprezzare compiutamente l’altro.
Invece mi sono trovata a partecipare a serate della Often
o della Trilogy Tapes con il DJ che inseriva un pezzo
dei Moin in scaletta. Un pezzo post rock con le chitarre.
Mi ricorda quando i Prodigy uscirono con Firestarter,
ponte fra punk e dance. Alla fine è una gran bella cosa
quando buttiamo giù i muri. Ci si ritrova tutti uniti di
fronte a sonorità non nuove ma immerse in un approccio
dance minimale, e tuttavia molto efficace”.
Torniamo a The Batterie Fragile. Mi piace molto
l’idea di interpretare lo strumento seguendo
percorsi che apparentemente potrebbero negar-
ne l’esistenza (la necessaria delicatezza su pelli
e piatti, l’utilizzo dell’attrito anziché la battu-
ta). Che cosa ti ha portata ad affrontare quella
sfida?
“Abbiamo finito da poco il volume due, con un altro
kit portatile appositamente cotto in uno di questi forni
enormi. All’inizio ero ovviamente terrorizzata. Come
poter suonare sulla porcellana? C’era tutto un discorso
concettuale, pseudofemminista, nel voler evitare il tipi-
HOLY TONGUE VALENTINA
HOLY TONGUE MAGALETTI
(AMIDAH, 2020)
& MARLENE
RIBEIRO
DUE MATTE
(COMMANDO VANESSA ,
2020)
T E S T O D I M AU R O F E N O G L I O
«T O M M A S O C A M P A N E L L A È S TAT O U N O
DEI PIÙ G R A NDI FILOSOFI DI SEMPRE.
L U I D I C E VA C H E S ’ I M P A R A G I O C A N D O .
P E R M E L’A P P R O C C I O L U D I C O È T U T T O .
L A M I A I M M A G I N E A L L A B AT T E R I A
VIENE FUORI UN PO’ ACC ADEMIC A
E UN PO’ PUNK . IO SPERO CHE CHI
MI VEDE SUONARE C APISC A CHE MI
S T O D AV V E R O D I V E R T E N D O . D I V E N TA
Q U A L C O S A C H E I S P I R A , C H E P O R TA I L
M E S S A G G I O A C H I A S C O LTA »
co approccio maschile alla batteria. La porcellana apriva
per me un mondo molto stimolante e inesplorato. Ho
portato diversi tipi di bacchette, tra le quali un paio fatte
da me, in gomma, per provare a sfruttarne l’attrito sulla
superficie, ottenendo un suono simile al violoncello. In
generale sono suoni molto originali e spontanei. Non
trovi di sicuro il plug in della Batterie Fragile. Sarebbe
bello eventualmente brevettarlo e venderlo alla Logic
(ride di gusto, nda)”.
Se dovessi analizzare il possibile ulteriore svi-
luppo della batteria come strumento nel futu-
ro, vedi più un continuo aggiornamento delle
attrezzature disponibili o piuttosto una continua
ricerca di nuovi approcci alternativi al ritmo?
“Sicuramente la seconda. Non vorrei mai essere quel
batterista che ha sempre lo stesso kit o viaggia sempre
con gli stessi suoni. Per me è anche importante poter
suonare con quello che trovo. Penso sia sintomo di pigri-
zia associare il nome del musicista allo strumento spe-
cifico. Diventi solo un’estensione dell’equipaggiamento
che usi. Io ogni mese ho un’epifania nuova. Per esempio,
dopo aver usato per tanti anni metallo e microfoni a con-
tatto, sono in una fase in cui detesto i piatti. Ho tolto il
AVVITAGALLI CZN MOIN
AV VITAGALLI COMMUTATOR MOOT!
(MUSIC À L A COQUE, 2021) (OFFEN MUSIC/LOVERS
& LOLLYPOPS, 2021)
(AD 93, 2021)
RUMOREMAG.COM | 45

VANISHING TWIN
OOKII GEKKOU
FIRE
Un disco di transizione per
certi versi, frutto, come
parecchi lavori usciti nel
corso dell’ultimo anno,
della piega degli eventi
dettata dalla pandemia.
La quale ha scompaginato
i piani di molti, inclusi
quelli del quartetto di
base a Londra, intenzio-
nato, a quanto si legge nel
comunicato che accom-
pagna l’uscita del disco, a
lavorare in maniera ancora
più mirata su un discorso pop, e ritrovatosi invece a imba-
stire canzoni su suggestioni strumentali e jam, su tessiture
library e oniriche rifrazioni. E forse è andata meglio così,
non tanto perché Cathy Lucas e soci non siano in grado di
scrivere canzoni, roba immersa nello stesso bagno di coltura
retrofuturista di Stereolab e Broadcast, con qualche spezia
surrealista, ma perché Ookii Gekkou fa emergere soprattut-
to l’enorme potenziale del quartetto, la sua duttile anima
sperimentale. Prendiamo ad esempio In Cucina, una specie
di terra di mezzo tra la giungla percussiva di Les Baxter (con
quel f lauto exotico irresistibile, da Debussy trapiantato in
un tiki bar) e i Can gassosi e oceanici di Future Days, e sullo
sfondo, a ondate, una specie di gioca jouer in italiano, men-
tre il vortice sonoro ingloba spunti di ogni genere. Altrove,
come nella iniziale Big Mooonlight, la forma canzone prende
il comando, lambendo i languori autunnali di Song For The
Dead Che degli United States Of America, mentre Phase One
Million costruisce su un rilassato, eterno e implacabile gro-
ove afrofunk, attraversato da synth proteiformi e sfrontate,
minimali arie pop. A fare da collante al tutto, riconoscibilis-
sima e insieme inafferrabile, Valentina Magaletti, alle prese
con batteria, percussioni, metallofoni e quant’altro: una
danza di equilibri mobili che alterna senza sprechi mazzate
metronomiche, microvariazioni e ricami.
ALESSANDRO BESSELVA AVERAME
78/100
46 | RUMOREMAG.COM
crash e l’hi hat. Cerco di usare solo le campane. Insom-
ma, sono sempre alla ricerca di nuovi approcci, non solo
ritmici ma anche orchestrali. Mi porto dietro, se posso,
il vibrafono o il thumb piano, o provo ad accordare le
pelli in modo diverso”.
Hai definito la band di cui fai parte, i Vanishing
Twin, la tua “estrema concessione all’idea di
gruppo musicale”. Quali limitazioni ti dà il fatto
di essere componente di una band (nonché coau-
trice delle musiche)?
“Avevo fatto quell’affermazione prima del mio nuovo
progetto. Ho firmato un accordo con ‘The Quietus’,
che pubblicherà i lavori del mio nuovo trio. Insieme a
Matthew Simms dei Wire e Sarah Register, la chitarrista
di Kim Gordon e dei newyorkesi Talk Normal. A questo
trio tengo molto, perché mi ha fatto andare oltre quanto
avevo già accettato facendo parte di un quartetto come
i Vanishing Twin. Con l’avvento della pandemia è stato
molto stimolante per me lavorare in remoto, avendo Sa-
rah a New York e Matthew in Inghilterra ma a Ramsgate,
lontano da Londra. Abbiamo lavorato scambiandoci files
con sopra inciso un pianoforte preparato. Ne è venuto
fuori un disco molto noise, molto d’impatto. Si chiama
Better Corners ed è uscito il 22 settembre in digitale. È
la mia nuova sorpresa”.
Il nuovo album dei Vanishing Twin, il terzo, sem-
bra essere un allontanamento dalle logiche del
songwriting tradizionale. Ce ne parli?
“Per come è stato concepito, Ookii Gekkou e stato detta-
to dalle costrizioni del Covid. Avevamo tante session re-
gistrate in precedenza come band, poi la cantante, Cathy
Lucas, ci ha ricamato sopra un lavoro di scrittura”.
Si citano Piero Umiliani e l’Art Ensemble Of
Chicago, ma anche l’Electric Light Orchestra. Un
bel cocktail di suggestioni. Che vengono fuori
forse più con le parti strumentali che con quelle
vocali.
“Concordo, anche perché si tratta di suggestioni comun-
que strumentali”.
Ho sempre avuto l’impressione che l’aspetto
improvvisativo nella band fosse un elemento co-
munque portante. È ancora così? Come è evoluto
il vostro approccio esecutivo nel tempo?
“Con musicisti come me, o come Zongamin al basso,
l’improvvisazione è una componente fondamentale.
Nel bene e nel male non siamo esecutori convenzionali,
quindi lo spazio per la sperimentazione c’è sempre. Il
peso non è equo, perché la band è capitanata da Cathy.
È lei che mette i puntini sulle i. Sono molto meno libera
nei Vanishing Twin, anche se alla fine riesco ad espri-
mermi pienamente all’interno di ciò che intendiamo
creare. Con loro però il contesto è predefinito, mentre
nei miei altri progetti no. Anche per Better Corners io e
Sarah abbiamo portato delle idee molto free, che poi si
sono incontrate e sono state registrate”.
È da poco uscito il secondo album della tua col-
laborazione con Al Wootton, Holy Tongue, che
esplora le possibilità del dub in ambito astratto
e neopsichedelico. È chiaramente una concezio-
ne di ritmo molto più fisica di quella che hai nei
Vanishing Twin. Come cambia l’approccio alla
composizione e all’esecuzione, passando da que-
sti ultimi a Holy Tongue?
“Non te lo so dire. Nel momento in cui ti siedi dietro al
kit, l’approccio cambia naturalmente insieme al messag-
gio che veicoli, anche se il mio modo di suonare è sempre
lo stesso”.

Che cosa rappresenta per te il dub, e che cosa ti

intriga di quelle strutture ritmiche?
“Abbiamo debuttato proprio ieri con Holy Tongue dal
vivo. Quasi un presagio. Per me Lee ‘Scratch’ Perry
è stato una figura importantissima. Soprattutto in
Tomaga. Le tecniche utilizzate allora erano ispirate a
lui. Ad esempio il reamping (tecnica per cui un suono
viene registrato in presa diretta, poi passato attraverso
un amplificatore e registrato una seconda volta, nda).
Dal 2014 abbiamo sempre utilizzato le idee di produ-
zione del dub. Poi qualcuno di recente mi ha detto, ‘a
chi non piace il dub?’ Concordo. È una faccenda fisica.
Ti prende allo stomaco con i bassi, e al cervello con la
sua idea di ripetizione. Qualcosa di fondamentalmente
salubre, ancestrale. Penso ad esempio a The Bug (al suo
ultimo lavoro partecipa la mia amica Moor Mother). Lui
ha sempre delle richieste allucinanti per i bassi nei suoi HOLY TONGUE
live. Finiscono per colpirti direttamente allo stomaco
tanto sono profondi”.

Attraverso le tue varie collaborazioni ti sei sem-

pre mossa in ambiti più vicini all’avanguardia
che a una comunicatività pop. Quanto è impor-
tante l’elemento ludico o istintivo, il divertimen-
to, in ambiti che un orecchio distratto giudiche-
rebbe molto seriosi e formali?
“Tommaso Campanella è stato uno dei più grandi filosofi
di sempre. Lui diceva che s’impara giocando. Per me
l’approccio ludico è tutto. La mia immagine alla batteria
viene fuori un po’ accademica e un po’ punk. Io spero
che chi mi vede suonare capisca che mi sto davvero
divertendo. Diventa qualcosa che ispira, che porta il
messaggio a chi ascolta. Ad esempio quando sono rima-
sta bloccata in Italia per il lockdown ho avuto modo di
suonare con Pino Montecalvo dei Bz BZ Ueu, che ha pure
fondato l’etichetta underground barese Music ‘A La Co-
que. Ho avuto l’onore di registrare due cassette nel 2021
con lui, a nome Avvitagalli (una omonima e l’altra inti-
tolata Onde Curiosa). Sono uscite e andate esaurite. Si
tratta di rumori giocattolo, di suoni trovati, di improvvi-
sazione e divertimento. Raccoglie molto di ciò che avevo
voglia di fare da tanto tempo. Pino Saulo di Battiti , la
trasmissione di Radio Tre, mi ha chiesto i . Sono realtà
microscopiche, che dovrebbero avere più visibilità”.
Jandek, Nicolas Jaar, Tomaga, Holy Tongue, Va-
nishing Twin... Qual è il tuo sogno di una colla-
borazione impossibile?
“Elvin Jones o Art Blakey. Comunque un batterista jazz
storico. Sarebbe una nuova sfida. In realtà grazie al
Cafe Oto di Londra ho avuto modo di conoscere molti
musicisti che per me sono dei riferimenti. In genere sono
abbastanza selettiva, ma quando scelgo con chi collabo-
rare. Se confronto Londra con Los Angeles è come para-
gonare il paradiso al nulla, almeno per quanto concerne
la scena in cui opero”.
II
AMIDAH
Quello che stupisce della
compositrice e performer
Valentina Magaletti - oltre al
controllo del suo strumento
d’elezione, la batteria, oltre
al suo drive sui generis - è
un estro compositivo che la
porta in territori decisamen-
te diversi tra loro: la free
impro e le esplosioni rabbio-
se del progetto Avvitagalli
con Efisio Biancofiore e Pino
Montecalvo, l’uso di droni e
percussioni tribali à la Cut Hands di CZN, la ricerca sui materiali
della Batterie Fragile gli imprevedibili esperimenti concreti del
duo Due Matte con Marlene Ribeiro. Holy Tongue è invece il
luogo in cui Valentina Magaletti, in compagnia di Al Wootton (aka
Deadboy, produttore e musicista di estrazione dubstep/techno),
naviga in acque dub. Nel secondo capitolo (il primo risalente a
poco più di un anno fa ne costituisce un prodromo in forma di
EP) Magaletti e Wootton oscillano tra echi e riverberi in un album
breve, ipnotico, che salda a freddo un approccio free, le frequenze
pulsanti del dub e il post punk. This Heat e African Head Charge
potrebbero essere buoni punti di riferimento, affinità elettive che
balzano all’orecchio. Ma se è indubitabile il richiamo, sul piano
della pura suggestione, a Charles Hayward (con il quale Magaletti
ha condiviso uno split coi Tomaga) e il dub bianco della stagione
migliore di Adrian Sherwood, II potrebbe inserirsi nel fenomeno
del digital dub di Multi Culti e Om Unit. Qui ci sono però il suono
vivo del drumming di Magaletti e un ricamo elettronico sapiente
di Wootton a rendere l’esperienza reale, pulsante. Breicha, il bra-
no più lungo del lotto, contiene gli elementi ricorrenti: un basso
ostinato e incantatore, camere di eco sotto stress, un lavoro per-
cussivo pervasivo e il sax spettrale sound on sound di Ben Vince.
La bass culture si rinnova. Ed è anche per merito di Holy Tongue.
ANDREA PREVIGNANO
80/100

RUMOREMAG.COM | 47
MANSUR BROWN NAS HANDSOME JACK GEESE LORDE KING KRULE

CLE O SOL
50

K A N Y E W E S T C H V R C H E S F U T U R E P R A W N D R A K E

R E C E N S I O N I
243 DISCH I TRAT TATI OT TOBRE 2021 ru m o re m a ga z i n e

B I L LY B R A G G PA R Q U E T C O U R T S

59 60

B I T T E R B R A N C H E S M E LV I N S M A N I C S T R E E T P R E A C H E R S P O R C H E S G E E S E
DISCO DEL MESE OTTOBRE 2021
NEL NOME DELLA MADRE
CLEO SOL
MOTHER
FOREVER LIVING ORIGINALS
Quando presta la sua voce ai Sault, Cle-
opatra Zvezdana Nikolic aka Cleo Sol si
mimetizza all’interno del gruppo spo-
sandone ideale collettivista, tematiche,
poetica, sperimentalismo e “anonimato”.
In questo nuovo lavoro solista, invece,
Cleo Sol è Cleo Sol e basta, lo è in modo
nudo ed estremo: spostando la narra-
zione dal mondo esterno e dall’impegno
civile cantati coi Sault alla “casa” e all’e-
sperienza più totalizzante che una donna
50 | RUMOREMAG.COM
CLEO SOL
possa vivere - la maternità -, si racconta
con una sincerità che mette quasi a disagio
per come ascoltando queste 12 canzoni si
ha l’impressione di trovarsi se non a una
seduta di analisi quantomeno a una serata
fra amici intimi.
La copertina è già una porta che ci intro-
duce al concept del disco: Cleo ci guarda
negli occhi distesa su un divano in abiti
casalinghi con il figlio neonato in braccio,
e sulla parete alle sue spalle c’è una foto
della madre, l’altra mother dell’album. È
a lei e alla sua ascendenza spagnola che
deve il Sol del nome d’arte, è a lei, musi-
cista a sua volta (così come il padre), che
deve molte delle influenze che ne hanno
plasmato la carriera, sono suoi i sugge-
rimenti che abbiamo ascoltato nel brano
del 2019 Sweet Blue - “don’t give it to the
masses”, “better to smile than let it get
you down”. Ed è inevitabilmente ancora
a questa figura tanto importante che si
rivolge nel momento dell’evoluzione da
figlia a madre, usando parole non sempre
concilianti - “you was the one who said
‘believe in love’, we get closer, but not
close enough” -, per poi, come in una ceri-
monia di iniziazione, accettarne l’umanità
e l’imperfezione e usarle come ulteriore
insegnamento per provare ad essere una
madre migliore. Non perfetta, come non
può esserlo nessuna, ma con “il cuore
pieno d’amore” (Heart Full Of Love, uno
DI LETIZIA BOGNANNI
dei brani più soulful, quasi uno spiritual)
e consapevole che i più grandi doni che
possa fare al suo “angelo” siano la fiducia
e la libertà - “I know you fell from your
mother’s tree, but you just started to live
your life, you can’t live someone else’s
dream”.
Con l’aiuto alla produzione del solito
Inflo - il quale racconta che “il 60% delle
voci è stato registrato con il bambino in
braccio” -, Cleo Sol compone un’opera
soul/jazz/R&B calda, classica e contem-
poranea che attraverso l’esperienza della
genitorialità affronta temi come i traumi
familiari, la fatica e la paura di diventa-
re adulti - “Mama, please, stop acting
twenty three, you’ve got responsibilities,
are you still stuck in your teens?” - il
senso dell’amore, della spiritualità e
della femminilità. Sediamoci sul divano e
ascoltiamo(ci): fa bene all’anima, dopo-
tutto si chiama soul.
80/100
RECENSIONI GLI ALBUM OTTOBRE 2021
10 000 RUSSOS
SUPERINERTIA
FUZZ CLUB
Presenza costante e affidabile
all’interno dal panorama psych
europeo, i portoghesi 10 000
Russos si confermano duri e
puri del motorik beat. I loro
brani sono lunghi excursus nel
versante più ipnotico del gene-
re: fra distese sonore fatte di
pattern metronomici, loop elet-
tronici e interpolazioni chitar-
ristiche. Un paesaggio meccani-
co/spaziale appena umanizzato
dalla presenza di João Pimenta
e delle sue elucubrazioni voca-
li. Il nuovo Superinertia non
altera la formula, ma li vede
superare il sound industriale
del precedente Kompromat per
avvicinarsi ad un approccio più
filologico e disteso, che affida i
passaggi lisergici ai languidi as-
solo di chitarra o di organo. Più
Neu! e meno Suicide, insomma,
con momenti di grande sugge-
stione, specie quando le trame
si fanno liquide e riflessive.
DIEGO BALLANI
75/100
AMUSEMENT PARKS
ON FIRE
AN ARCHEA
EGB GLOBAL
Erano spariti dai radar gli Amuse-
ment Parks On Fire di Michael Fe-
erick, band shoegaze inglese ori-
ginaria di Nottingham. L’esordio
omonimo del 2004, praticamente
tutto suonato e registrato dallo
stesso Michael, era stato pubbli-
cato dalla Invada Records di Geoff
Barrow dei Portishead, seguito
dall’ottimo Out Of The Angeles
(2006) e dal più accessibile Road
Eyes (2010). Qualche EP recente
ma per An Archea ci sono voluti
11 anni. L’inclinazione sonora ora
è più che mai vicina al nu gaze
americano dei Silversun Pickups
(Breakers) e la voce è controllata
e melodica (Aught Can Wait).
L’album segue un andamento con-
tenuto dove convivono le distor-
sioni alt rock dei Dinosaur Jr. (No
Fission) e lo shoegaze più classico
(Boom Vang) ma si finisce con
l’art pop sognante di Blue Room.
Bentornati.
NICHOLAS DAVID ALTEA
74/100
AA. VV.
FLAG DAY (ORIGINA
SOUNDTRACK)
REPUBLIC
“I am my father’s daughter /
Come hell or high water”. Chia-
miamolo pure affare di famiglia
(allargata). Per la colonna sonora
di Flag Day, adattamento per il
grande schermo del memoir di
Jennifer Vogel, Flim-Flam Man:
The True Story Of My Father’s
Counterfeit Life, Sean Penn cerca
ancora la vena acoustic folk di
Eddie Vedder che, insieme a Glen
Hansard e Cat Power, senza toc-
care le rivoluzioni emotive di Into
The Wild, imbastisce sottili rifles-
sioni sul perché diventiamo ciò
che diventiamo e sulla complessità
del legame padre/figlia. E su come
le nuove generazioni siano la mi-
gliore versione di noi stessi. In una
sorta di metanarrazione e di meta-
forico passaggio di testimone. Se
il film, infatti, ha per protagonista
Dylan Penn, la tracklist ospita la
voce della 16enne Olivia Vedder,
a dimostrazione che buon sangue
non mente.
DANIELA LIUCCI
70/100
AR-KAICS
LIVE IN THE SHIT
DIG!
Il 16 febbraio di un anno fa a
Richmond, Virginia, appena
prima che si entrasse in zona
lockdown, gli Ar-Kaics incide-
vano questo tributo live al più
scassato, rauco e primitivo beat/
garage dei 60’s. Loro sono di
quei gruppi ai quali non frega un
cazzo di quello che è più di moda
o meno, o di quello che è lo spi-
rito dei tempi moderni. Per loro
esiste solo la musica/suono/
attitudine degli Swamp Rats e
dei (primi) Velvet. 1966, o giù di
lì. Gli Ar-Kaics sono un control-
lato deragliamento che parte da
un garage scrauso e scontroso
alla Teenage Shutdown e arriva
a una deriva Velvet dal rozzo
Moe Tucker drumming style
(vedi Long Way Down). Eccoli
con questo Live In The Shit che
vuole mantenere viva un’idea
e uno spirito rock’n’roll al più
puro grado possibile.
CLAUDIO SORGE
80/100
AA. VV.
JOIN THE RITUAL
JAGJAGUWAR
Terzo (e non ultimo, parrebbe)
giro di festeggiamenti per i 25
anni della benamata Jagja-
guwar, dopo il tributo a Richard
Youngs e un album spoken
word. Con una festa classica
su carta ma non scontata nello
sviluppo, seppur si riduca a un
tributo alle etichette e ai suoni
da cui i fondatori sono stati ispi-
rati negli anni. Affidato ad artisti
di casa, ovviamente: via con
Angel Olsen che ripassa gli Smog
di Cold Blooded Old Times, ad
esempio, o Spencer Krug che si
dedica a Jad Fair e la sempre ec-
cellente Jamila Woods alle prese
con Tracy Chapman. In mezzo
ad abbinamenti a dir poco sur-
reali, a sentire The Concept dei
Teenage Fanclub stiracchiata dai
Pink Mountaintops o i Besnard
Lakes rileggere gli Slint. Non
tutto indimenticabile, al di là del
gioco delle coppie. Gli auguri,
quelli sì, sono d’obbligo.
FRANCESCO VIGNANI
71/100
AUDIOBOOKS
ASTRO TOUGH
HEAVENLY RECORDINGS
Scolpito nell’elettronica squadrata
di brani come The Doll, il nuovo
album del duo composto dal
produttore David Wrench e dalla
giovanissima cantante Evangeline
Ling è un’affascinante raccolta
dominata dal caos creativo. Se il
cuore del lavoro batte infatti al
ritmo di un electroclash sensuale
e verboso, in cui la Ling sfodera
ironia e trivialità, è con ballate
cinematiche stilizzate (Farmer) e
performance drammatiche come
quelle Blue Tits che il progetto
restituisce tutta la sua peculiarità.
Tutto è giocato sulla magnetica
presenza della ragazza e sul suo
talking dinoccolato. Rispetto
al primo album, dicono, questo
Astro Tough ha pezzi più studiati,
ma c’è da immaginare che nel
modo in cui la Ling si lascia anda-
re come un Mark E. Smith sotto
codeina, ci sia una grande abilità
nell’improvvisare.
DIEGO BALLANI
76/100
AMENT
I SHOULD BE OUTSIDE
MONKEYWRENCH
Jeff Ament è tante cose, il cuore
dei Pearl Jam, artista e illustra-
tore, filantropo e avido skater.
Non è un cantante, nel senso più
classico del termine, ma finora
la cosa non aveva in alcun modo
ridotto il fascino di side project
ed esperienze soliste. Non acca-
de lo stesso con il terzo progetto
a nome Ament, album “pande-
mico” tra musica e arte - a ogni
brano e ispirazione corrisponde
un dipinto dello stesso Jeff, po-
stato sul suo profilo Instagram
- che è un patchwork poco riu-
scito di idee, emozioni, passioni,
nostalgico su più fronti, nel suo
oscillare tra trippy folk, post
punk e rock, che un po’ si lega-
no, un po’ si disperdono. La foto
perfetta di un periodo di isola-
mento e confusione, di assenza
di contatto umano, di necessità
di aria, di surplus creativo. Che,
talvolta, sarebbe meglio lasciare
chiuso in un cassetto.
DANIELA LIUCCI
57/100
AYA
IM HOLE
HYPERDUB
Già attiva con lo pseudonimo
Loft, con alcuni EP pubblicati
per etichette come Tri Angle e
Wisdom Teeth, la mancuniana
Aya Sinclair si è fatta conoscere
nel circuito dei festival ed eventi
elettronici dediti a proposte
sperimentali. La DJ/produttri-
ce britannica approfondisce il
percorso di decostruzione delle
forme recenti della musica da
club in questo primo album, ag-
giungendo testi che fanno a pezzi
gli stereotipi delle identità queer
e transgender, vignette auto-
biografiche recitate con urgente
teatralità e non senza un vitrio-
lico sense of humour. Ma anche
nelle tracce strumentali (vedi
The Only Solution I Have Found
Is To Simply Jump Higher) Aya
conferma una notevole lucidità,
mentre il rap di Iceboy Violet
realizza un perfetto contrappun-
to all’inquietante narrazione di
Emley Lights Us Moor.
GIORGIO VALLETTA
81/100
RUMOREMAG.COM | 51
 BEACHY HEAD
BEACHY HEAD
GRAVEFACE
Il promontorio calcareo bianco
e luccicante nel sud dell’Inghil-
terra che dà il nome alla super-
band inglese è uno spettacolo
per gli occhi. Per lo spettacolo
sonoro, invece, ci affidiamo a
Christian Savill, chitarrista de-
gli Slowdive che, non con poche
fatiche date dalla pandemia, ha
messo assieme Ryan Graveface
(Dreamend, The Casket Girls),
Matt Duckworth. batterista dei
Flaming Lips, Rachel Goswell.
voce degli Slowdive, e il marito
Steve Clarke - che insieme a
DOS SANTOS
Rachel condivide il progetto
The Soft Cavalry. Ovviamente il
dream pop è al centro del suo-
no, a tratti sintetico (Warning
Bell) e a tratti immerso nei
riverberi (Michael). La chitarra
dialoga con innesti elettronici
CITY OF MIRRORS (Distraction), le voci sognanti
disegnano le atmosfere (De-
INTERNATIONAL ANTHEM
stroy Us) tra fragilità emotiva e
obliquità 80’s. Evocativi.
Circondati nel catalogo IA da NICHOLAS DAVID ALTEA
mutazioni jazz fra le più poli- 76/100
ticamente e musicalmente ri-
levanti del momento - Jaimie
Branch, Makaya McCraven,
Angel Bat Dawid e Irrever-
sible Entanglements, per
dirne quattro - i Dos Santos
rischiano di venire sistemati
troppo in fretta nella casella
delle curiosità. Errore dop-
pio. Sia perché il sodalizio BLACK MARBLE
fra etichetta e quintetto FAST IDOL
testimonia al meglio la voca- SACRED BONES
zione comunitaria e attitudinale, ben prima che sonora e di
genere, del marchio di Chicago. Sia perchè Alex Chavez e soci Uno dei tanti segnali che certifi-
sono una band eccezionale a prescindere. Al primo ascolto, ca ineluttabilmente l’invecchia-
forse, City Of Mirrors non rapisce come il precedente Logos mento, carta d’identità a parte, è
(per chi scrive, miglior album del 2018), ma è un’impressio- il fatto che tra le tante nostalgie
ne. Forse dovuta al fatto che nel frattempo abbiamo acquisito adolescenziali verso epoche mai
familiarità con il gruppo, le sue tecniche e i suoi segreti, e la vissute (se già non lo avessero
certezza di non aver mai ascoltato nulla di simile per forza inventato e abusato il termine
di cose manca. Sotto tutti gli altri aspetti il disco è un passo retromania fungerebbe mirabil-
avanti di grande maturità e spessore, al quale contribuisce mente al caso) sono sempre più
anche il ricorso, per la prima volta, a un produttore esterno: quelle che vanno a pescare in
Elliot Bergman (NOMO, Wild Belle) lavora come un membro epoche da noi vissute in prima
aggiunto, asciugando e ripulendo suono e scrittura. Elementi persona e in piena diretta. In
che insieme danno forma a un continuum americano in sen- presenza, si suol dire. Come
so letterale, ampio e pieno, storicamente corretto, nel quale la wave dei newyorchesi Black
lingua spagnola e forme musicali latine sono preponderanti Marble, talmente morbida che
come nel continente reale, ma il rock psichedelico della terra ai tempi l’avremmo archiviata
promessa statunitense fa da base imprescindibile. Affron- in fretta tra un disco minore di
tando la sfida in modo classico e innovativo al tempo stesso, Thomas Dolby e un retro sin-
con la forza delle radici e una visione del presente nitida, golo degli Human League. Oggi
conscia. “Le aspettative su come la musica latina dovrebbe invece, in vena di ricordi post
suonare non potrebbero interessarci di meno”, diceva Chavez estivi, oltreché pre pensionisti-
a “Rumore” qualche tempo fa. Gioielli come Alma Cósmica, ci, la infiliamo volentieri nello
Cages And Palaces, A Tu Lado, White. Lies. o la title track stereo, subito dietro l’EP con cui
sono solo la logica conseguenza. l’amata Angel Olsen ha appena
ANDREA POMINI celebrato quella stessa epoca: gli
86/100 immortali eighties.
ARTURO COMPAGNONI
65/100
52 | RUMOREMAG.COM
BITTER BRANCHES
THIS MAY HURT A BIT
SHOVE/UGLY AND PROUD
Joint venture italo/bulgara di
etichette per la stampa europea
dell’esordio su 12” della band di
veterani dell’hardcore made in
Philadelphia - la line-up, infatti,
vede Tim Singer (Deadguy, Kiss
It Goodbye, No Escape), Jeff
Tirabassi (Walleye), Matt Ryan
(Calvary), Kevin Sommerville
(Lighten Up!) e Brian Kantorek
(Go! For The Throat, The
Curse). Il disco colpisce duro
con 20 minuti di sonorità noise
punk che frullano Black Flag,
Jesus Lizard, Shellac e certo
grunge intransigente: il risultato
è una sorta di colonna sonora
delle vicende umane in corso -
fra crescendo ansiogeni, furia
impetuosa, imboscate soniche,
mid tempo pachidermici, attimi
di sospensione mortiferi e con-
traeree di chitarre dissonanti. Il
mestiere c’è (e a pacchi), l’im-
patto idem: li aspettiamo con un
album completo, ora.
ANDREA VALENTINI
77/100
MANSUR BROWN
HEIWA
AMAI
Compositore, polistrumentista e
produttore, il 24enne di Brixton
alza l’asticella in occasione del
suo secondo album, che giunge a
tre anni dal promettente Shiroi,
che fu pubblicato dalla Black
Focus di Kamaal Williams. In
Heiwa (cioè “pace” in giappo-
nese), Mansur Brown esplora
prospettive inedite e suggestive
attraverso la combinazione fra
le melodie disegnate dalla sua
chitarra e i ritmi elettronici di
derivazione hip hop. Come in
Serious, dove è spettacolare la
sovrapposizione fra riff africa-
neggianti e beat sincopati, nel
funk sintetico di Flight oppure
in una Fade a tempo di dubstep.
Soprattutto, colpisce la capacità
introspettiva e “cosmica” del
suo suono, che in questa scaletta
trova un apice nella delicata e
poetica title track e nella succes-
siva Kerene. Un disco davvero
sorprendente.
GIORGIO VALLETTA
87/100
RECENSIONI GLI ALBUM OTTOBRE 2021
HAYDEN CALNIN
WHAT IT MEANS TO BE HUMAN
NETTWERK/BERTUS
Soffice e denso come una
nuvola che viaggia sopra la
costa australiana, dove in un
piccolo villaggio - influenzato
dalla lettura delle opere del
filosofo Alan Watts - Hayden
Calnin ha realizzato questo
disco: un percorso introspet-
tivo sull’essenza umana fatto
di elegante folktronica e tocchi
di pop geometrico, come una
morbida linea curva che danza
tra parentesi orchestrali e tuffi
nel profondo di un songwriter.
Scritto, registrato e prodotto
dal musicista di Melbourne,
What It Means To Be Human è
una prova brillante e convin-
cente che conferma la capacità
di Calnin - arrivato al terzo
album - di proiettare immagini
attraverso la sua musica. Un
cofanetto di parole e suoni che
lascia spalancare gli occhi verso
infiniti mondi possibili.
MARGHERITA DI FIORE
78/100
BEN CHASNY
THE INTIMATE LANDSCAPE
DRAG CIT Y
Ben Chasny ha lasciato orfani
i fan nel noise psych rock da
tempo: i suoi Comets On Fire,
inattivi dal 2006, hanno conces-
so spazio a un’indole più delicata
e speculativa. La sua sigla Six Or-
gans Of Admittance (The Veiled
Sea da qualche mese su Three
Lobed), entità folk psichedelica
dalla discografia sterminata, vie-
ne affiancata da qualche tempo
dal progetto solista che lo vede,
armato di sola chitarra, utiliz-
zare il suo nome. The Intimate
Landscape, una raccolta di 13
canzoni per sola chitarra acustica
commissionato dalla rinomata
library inglese KPM, pesca dal
consueto immaginario New
Weird America: struggimento
appalachiano, ambientazioni
into the wild, un suono puro e
incontaminato. Questa è ormai
la cifra di Chasny, fingerpicker
solitario alla ricerca del proprio
“paesaggio intimo”.
ANDREA PREVIGNANO
BEATS
BEATS
JANA RUSH
PAINFUL ENLIGHTENMENT
PLANET MU
Nata e cresciuta a Chicago, produttrice dalla tene-
ra età di 13 anni (come dichiara orgogliosamente
sulla sua pagina Bandcamp) nonostante sia solo al
suo secondo album dal ‘95 a oggi, Jana Rush rap-
presenta efficacemente l’ala più sperimentale della
scena footwork, suono che peraltro si presta ad
esplorazioni inconsuete. Ispirato dalla sua lotta contro la depres-
sione, Painful Enlightenment è tutt’altro che un ascolto conforte-
vole, come dimostrano presto i nove minuti di Suicidal Ideation.
Ma attraverso i suoi beat irregolari - vedi Mynd Fuc e Disorien-
tation - e una visione che si estende fino al free jazz o alla speri-
mentazione vocale (con Nancy Fortune nel delirio di Drivin’ Me
Insane), Jana scrive un potente manifesto di libertà artistica.
85/100
A CURA DI GIORGIO VALLETTA
CIRCLE SKY MARK HAWKINS
DREAM COLOUR THE NEW NORMAL
RESEARCH & DEVELOPMENT HOUNDSTOOTH
Già metà di The In attività da oltre
Grid (con Dave due decenni (e