Antologi A Cine Periodo Escolar 2010

R-RS-01-25-03
UNIVERSIDAD AUTONOMA DE TAMAULIPAS
NNOMBRE DE LA FACULTAD
UNI UNIDAD ACADEMICA DE CIENCIAS JURIDICAS Y SOCIALES
NOMBRE DE LA CARRERA
LICENCIATURA EN CIENCIAS DE LA COMUNICACION
NOMBRE DE LA ASIGNATURA
CINE
TITULAR DE LA MATERIA.
LCC ANTONIO ROSALES IBARRA MDES
PROGRAMA DE ESTUDIOS
LUGAR Y FECHA
TAMPICO TAMS ENERO 2010
UNIDAD ACADEMICA DE CIENCIAS JURIDICAS Y SOCIALES UAT.LICENCIATURA EN CIENCIAS DE LA COMUNICACION. MATTERIA CINE. TITULAR .LCC
ANTONIO ROSALES IBARRA MDES//MATERIAL DIDACTICO//DERECHOS RESERVADOS TAMPICO,TAMPS. MEXICO 2010
DATOS REFERENCIALES
NUCLEO DE PERIODO CLAVE CREDITOS CARGA HOR AS
FORMACION HORARIA CONDUCIDAS DE TRABAJO

INDEPENDIENTES
POR PROFESOR
DEL ALUMNO
INTENCION EDUCATIVA
PROFESIONAL SEPTIMO 04 04
PERIODO
La comprensión de la estructura y el desarrollo del fenómeno cinematográfico es el punto de partida para la construcción de un marco
referencial respecto a la influencia de los medios masivos audiovisuales en la conformación y el cambio de los hechos sociales, lo que
permitirá de manera posterior instrumentalizar ese marco referencial y utilizarlo en la creación de mensajesCONSECUENTE
ANTECEDENTE masivos que promuevan el cambio
social.
MATERIAS GUIONISMO PRODUCCIÓN DE VIDEOS
FOTOGRAFIA
RADIO
TELEVISION
DESCRIPCION GENERAL DE LA ASIGNATURA
El cine es un medio de comunicación masiva que incide de manera determinante en la conformación de los cambios sociales y participa en la
esfera del quehacer humano en aspectos como el artístico, el industrial y el tecnológico.
La comprensión del fenómeno cinematográfico debe partir del análisis de sus elementos constituyentes para, con base en ello, poder
incursionar en el proceso de realización de una película, captado en su triple dimensión de expresión personal, producto comercial y
fenómeno social.
OBJETIVO(S) GENERAL (ES)
 Que el estudiante conozca y comprenda la naturaleza del fenómeno cinematográfico.

Que el estudiante domine y aplique los elementos de la construcción de la imagen cinematográfica.
UNIDADES CONTENIDOS TEMATICOS OBJETIVOS PARTICULARES
1.1 Delimitación del conceptos, 1.2 Origen y El alumno construirá una visión profunda del fenómeno
Desarrollo, 1.3 Cine y Sociedad, 1.4 Cine y cinematográfico y su influencia en la sociedad
UNIDAD I Arte, 1.5
EL FENÓMENO
CINEMATOGRÁFICO Cine y Tecnología, 1.6 Cine e Industria.
UNIDAD II El alumno conocerá y entenderá las dimensiones dentro de las

que se desarrolla el fenómeno cinematográfico
ELEMENTOS DEL 2.1 El Espacio, 2.2 El Tiempo, 2.3 El
FENÓMENO Movimiento, 2.4 El Ritmo, 2.5 Los Géneros.
CINEMATOGRÁFICO
UNIDAD III El alumno dominará y aplicará el lenguaje cinematográfico,

3.1Escalas y ángulos, 3.2 estableciendo relaciones respecto a su uso en otros medios
ELEMENTOS DE LA Iluminación y color, 3.3 audiovisuales.
IMAGEN
CINEMATOGRÁFICA Sonido, 3.4 Composición.
UNIDAD IV 1.De la idea al Guión, 2.Producción,

REALIZACIÓN 3.Rodaje, 4.Dirección, 5.Edición,
CINEMATOGRÁFICA 6.Comercialización El alumno conocerá y comprenderá el proceso creación de una
Película. El alumno aplicará esos conocimientos en la creación
de un producto cinematográfico.
UNIDAD V
EL CINE EN EL
ENTORNO ACTUAL 1.El video home, 2.Cine e Informática: El alumno poseerá una visión del estado actual de la
a)Digitalización, b)Animación, c)Efectos cinematografía, así como de sus tendencias de desarrollo hacia
especiales, 3.Nuevas Tecnologías en el futuro.
Sonido, 4.Tendencias en Comercialización.
CINE:
UNIDAD I
EL FENÓMENO CINEMATOGRÁFICO
1.1 Delimitación del conceptos,

1.2 Origen y Desarrollo,
1.3 Cine y Sociedad,
1.4 Cine y Arte, 1.5
Cine y Tecnología,
1.6 Cine e Industria.
El cine no es un trozo de vida, sino un pedazo de pastel.
Alfred Hitchcock (1899-1980) Director de cine británico.
“El CINE”
LA PALABRA CINE, es una abreviatura de cinematografía, palabra derivada del griego kine que
significa movimiento y graphos que es escribir.
La cinematografía puede ser definida como el arte y técnica de representar el movimiento por
medio de fotografías.
La visión de la imagen
en movimiento
Si proyectamos en una pantalla una serie de fotografías y entre una y otra no dejamos mas de
1/22 segundo de oscuridad para cambiarlas, percibiremos solamente una sensación luminosa
continua, fundiéndose en nuestra percepción cada imagen con la anterior. Si las imágenes han
sido obtenidas con el mismo ritmo, la impresión de nuestro cerebro, es de movimiento .
Cuando la retina del ojo humano es impresionada por un estímulo luminoso, una vez
terminado este sigue mandando al cerebro dicha impresión durante un tiempo de poco más
de 1/22 de segundo, a este fenómeno se le llama “Persistencia retiniana”.
Historia del cine
Precine(artefactos y juguetes ópticos antes del nacimiento oficial del cine)
Cine mudo(aparti r del nacimiento del cine)
Cine sonoro
Cine color
Cinemascope
Imax
Cine digital(a partir de la década de los 90s hasta nuestros días)
UNIDAD ACADEMICA DE CIENCIAS JURIDICAS Y SOCIALES UAT.LICENCIATURA EN CIENCIAS DE LA COMUNICACION. MATTERIA

CINE. TITULAR .LCC ANTONIO ROSALES IBARRA MDES//MATERIAL DIDACTICO//DERECHOS RESERVADOS TAMPICO,TAMPS.
MEXICO 2010
El Precine
El ser humano siempre se ha preocupado por captar y representar el movimiento.

Los bisontes con seis patas que los prehistóricos pintaban en las cavernas
demuestran este hecho. Durante siglos, diversas civilizaciones o personas han
buscado procedimientos para reproducir la realidad. Es el caso de las
representaciones con sombras, los primeros espectáculos en público con
proyección de imágenes animadas.
Utilizada ya en el siglo XVI, la "cambra obscura" permitía la proyección de

imágenes externas dentro de una cámara oscura. La precursora de la fotografía.
De la misma manera que, un siglo después, la linterna mágica sería la precursora

de las sesiones de cine, en proyectar imágenes sobre una superficie plana. Con el
fin de hacerlas llegar a todos los lugares, los feriantes viajaban con sus linternas
dejando boquiabiertos a los espectadores. Sobre todo cuando hacían servir
ingeniosos dispositivos mecánicos destinados a manipular o hacer girar cristales
circulares, que hacían mover las imágenes.
Un invento capital aparece en el siglo XIX: la fotografía. Por vez primera, era
posible impresionar y guardar una imagen del mundo que nos envuelve. Pero
algunos fotógrafos no se conformaron con las imágenes fijas y ensayaron con la;a
de objetos en movimiento, como en el caso de Muybridge. Incluso uno de ellos,
Marey, llegó a utilizar una especie de fusil fotográfico capaz de captar las
diferentes fases de un movimiento.
A largo del siglo, toda una serie de inventores construyen aparatos -mitad genios,
mitad juguetes-, que buscan producir la ilusión del movimiento. Se trata del
Taumatropo, el Fenaquistoscopio, el Zootropo y el Praxinoscopio. Una variante de
este último, el Teatro óptico, construido por Emile Reynaud, es lo que más se
acerca a lo que será el cine. Con el fin de producir una acción continua, se
proyectaban largas bandas de más de 500 transparencias de dibujos a partir de un
aparato cilíndrico que, juntamente con la proyección de una imagen de fondo
desde una linterna, proporcionaba la proyección de los primeros dibujos
animados.
Ya tenemos, pues, los tres elementos que constituirán el cinema: la persistencia de

la visión, la fotografía y la proyección. Pero faltaban dos más de fundamentales: la
película perforada y el mecanismo de avance intermitente que la mueve. Y fue en
los EE.UU. donde, en 1890, se solucionó el problema, de la mano del gran inventor
Edison y de Dickson.
En muchas salas de diversión se instalaron los llamados Kinetoscopios de Edison,

cajas que contenían una serie de bobinas que permitían ver una película...
individualmente. Y es que el famoso inventor se negó a proyectarla sobre una
pantalla porque creía que la gente no se interesaría por el cine. ¡Cuan equivocado
estuvo, como el tiempo llegó a demostrar...! Sin embargo, la invención del cine no

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puede ser atribuida, específicamente, a nadie. Fue el resultado de una serie de
inventos de diferentes personas.
Primeros juguetes ópticos
El Taumátropo
Ya en 1825 el doctor John Ayton Paris se refirió al fenómeno de la inercia de nuestra visión.
Este fue el inventor del Taumátropo o disco mágico. Paris sujetaba unos hilos a ambos lados
de los discos de papel y los retorcía entre los dedos. Los dos lados del disco presentan
imágenes diferentes, pero al imprimirles un movimiento de rotación las imágenes se perciben
como una sola.
La linterna mágica
Se propagó en el Siglo XVIII. Se dice que fue inventada por el jesuita Atanasio Kircher, que
consignó los fundamentos de la proyección en su libro “Ars Magna Lucis et Umbrae”
Mas adelante fue perfeccionada y se emplearon en ella discos o tiras que se podían mover,
proyectando , por tanto, imágenes en movimiento.
Este método de proyección fue empleado durante todo el siglo XIX, siendo muy populares.Es el
antecedente del proyector de diapositivas .
El zootropo
Las imágenes de las bandas eran sencillos dibujos. Por ejemplo, con el fin de ver un caballo
acercándose y saltando una valla, se pega esta secuencia de imágenes en el interior del cilindro
y se hacen cortes en su circunferencia a intervalos regulares. Cuando se gira el cilindro, la
rápida sucesión de las imágenes a través de los cortes produce la ilusión del movimiento.
PRECURSORES DEL CINE

Sobre 1875 ya se conocía bien gracias a los juguetes ópticos el principio de la “persistencia
retiniana”. Por otra parte los progresos de la fotografía eran incesantes y los tiempos de
exposición de las placas se había reducido a fracciones de segundo. En este panorama van a
destacar tres figuras que van a realizar serie rápidas de fotografías, lo que sin duda es la base
de la cinematografía:
MUYBRIDGE
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Eadweard Muybridge (1830-1904), registró por primera vez el movimiento de
un animal en forma de secuencia fotográfica. Se hizo famoso
por sus trabajos sobre la gente y los animales en movimiento. De origen
británico emigró a los Estados Unidos donde se hizo fotógrafo y trabajó
para el Coast and Geodetic Survey.
Escribió “The Attitudes of Animals in Motion “ en 1881 y “Animal Locomotion “(11 volúmenes,
que incluyen 100.000 planchas fotográficas, en 1887). Parte de sus últimos trabajos se
publicaron bajo los títulos “Animals in Motion “ y “The Human Figure in Motion” (1901).
En 1878 demostró, mediante fotografías, que cuando un caballo corre hay un momento en el
que ninguna de las patas del animal se apoya en el suelo y durante este instante las dobla
hacia dentro. En 1881 inventó el aparato con el cual reproducía en una pantalla
carreras de caballos, el vuelo de las aves y pruebas atléticas.
El zoopraxiscopio
El zoopraxiscopio fue un invento del fotógrafo británico del siglo XIX Eadweard Muybridge . Es
el predecesor de los proyectores de cine modernos.
Utilizaba la luz para proyectar imágenes secuenciales de un disco de cristal, produciendo la

ilusión de animación. El principio empleado era el mismo que en los inventos primitivos de
proyección, como el zoótropo.
Muybridge registró por primera vez el movimiento de un animal en forma de secuencia

fotográfica.
THOMAS ALVA EDISON
Nació en Milan (Ohio) el 11 de febrero de 1847 y solo fue a la escuela durante tres meses.
Cuando tenía 12 años empezó a vender periódicos en la estación dedicando su tiempo libre a
la experimentación con aparatos mecánicos. En 1862 publicó un semanario impreso en un
vagón de mercancías, dedicando mas tarde todos sus esfuerzos a la investigación: creó un
sistema telegráfico automático, en 1877 anunció la invención del fonógrafo, mas tarde su
bombilla eléctrica incandescente y en 1888 inventó el Kinetoscopio .
Tras varias condecoraciones en USA, Francia y el reino Unido, murió en 1931
El Kinetoscopio
Fue patentado por Edison en 1891, llamándole “aparato para mirar”. Era el resultado de
experimentos en los que éste combinaba imágenes móviles con el fonógrafo inventado por él
en 1877. En realidad se trataba de un “Cosmorama” con el que algunos espectadores podían
ver una cinta de 15 metros,la cinta presentaba 4 perforaciones por fotograma, lo que
aseguraba los tiempos iguales de intervalo
y el paso de los fotogramas con estricta regularidad.

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El primer salón kinetoscópico fue inaugurado en Broadway (Nueva York) en 1894 .
Entre las películas presentada estaba “El estornudo” grabada por Dickson.
HERMANOS LUMIÈRE
Auguste Lumière (1861-1954), efectuó investigaciones médicas y biológicas sobre las

vitaminas, coloides, tuberculosis etc.
Louis Jean Lumière (1864-1948), a él se le deben notables trabajos sobre la técnica

fotográfica, construyó el un procedimiento de fotografía en color,
fotografía en relieve etc. Tuvo durante mucho tiempo gran interés en no dejar fuera de sus
inventos a su hermano mayor.
Los dos crecieron bajo la dirección de su padre , Antoine, fotógrafo que desempeñaba
este trabajo desde su juventud.
Louis, aficionado a las artes plásticas estuvo dudando entre dedicarse al Arte o a la Ciencia. Al
adquirir un buen conocimiento de los trabajos de Anschutz, Reynaud y Edison en
lo hizo como industrial, pues la familia tenía una fábrica de productos fotográficos en Lyon.
A pesar de que los hermanos estuvieron trabajando casi medio año en los
mecanismos previos, el invento ocurrió en una sola noche, introduciendo una interesante
novedad : cámara y proyector
en un solo aparato.
A finales de siglo , al exigir sus productos nuevos métodos de fabricación, debieron

abandonar su labor como inventores y realizadores, dedicándose en exclusiva a la actividad
industrial.
El Cinematógrafo
El 13 de febrero de 1895 se patentó el “Cinematógrafo”, cámara fotográfica y proyector en un

solo aparato.
Los Lumière dieron a las bandas de la cinta el formato Edison (solo sus primeras
películas tenían un solo orificio) Es de destacar la incorporación de una grapa que, impulsada
eléctricamente, hacía correr la película.
El número de fotogramas era de 18 por segundo, suficiente para crear la ilusión de

movimiento.
Las primeras películas de cine
El cine se presentó ante un público muy escaso el 28 de Diciembre de 1895 en un café de París.
Sin embargo la fascinación que produjo fue tal que a los pocos días produjo sustanciosas
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recaudaciones. Curiosamente Edison no confió tanto en su invento que no pasó de ser una
atracción mas de feria.
Espectáculo de masas
Tras la aparición del cinematógrafo una multitud de inventores se lanzaron al

perfeccionamiento del cine, pero Edison (que había creado la película de celuloide de 4
perforaciones) pleiteó con todo el mundo en lo que se llamó “la guerra de las patentes”
Se considera que la primera sala de cine como tal se inauguró en Estados Unidos en
1902. Muchas salas teatrales fueron reconvertidas en lo que allí llamaron los
“nickelodeons”,pues costaba la entrada una moneda de nickel (5 centavos), convirtiéndose en
el espectáculo mas popular para una gran masa de emigrantes que no hablaban inglés.
Películas de los Hnos. Lumière
El 22 de Marzo de 1895 los Lumière presentaron su primera
película “La salida de los obreros de la fábrica Lumière” ante
la “Sociedad de promoción de la Industria nacional” en París.
Mas tarde siguieron proyecciones en lugares oficiales, hasta
su proyección pública el 28 de Diciembre.
Sus primeras películas tuvieron un carácter documental:
“La salida de la fábrica...”
“La llegada del tren a la estación de La Ciotat”
“La comida del bebé” y la primera película de
ficción: “El regador regado” (a la derecha)
En 1897 apareció el primer catálogo de películas
contenía 358 cintas diferentes , de hasta 17 mts.
MELIÈS
George Méliès (1861-1938) estudió en París y
Londres antes de incorporarse a una industria
familiar. Poco después compró el teatro Robert
Houdin para representar espectáculos.

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Tras la aparición del cinematógrafo adquirió uno y creo su propia productora,
transformando su teatro en una sala de cine.
Se hizo director, productor, guionista, escenógrafo e incluso actor ocasional. Entre

1896 y 1914 realizó 503 películas.
Fue incapaz de competir con las grandes productores de cine que iban surgiendo y se
arruinó durante la Primera Guerra Mundial.Tuvo que retirarse cuando aparecieron los
primeros dramas en la pantalla. Después de la guerra era un hombre olvidado. Antes de su
muestre Henri Langlois, salvó la mayoría de sus películas y supervisó su restauración
Méliès produjo un gran número de películas (probablemente mas de 4000), creó el rodaje en
estudio y la mayor parte de los trucajes del cine clásico, y todo lo hacía el mismo.
En 1904 un catálogo recoge un gran número de películas:de Clase I con casi 20 mts y
9,75 $ como ”Jugando a las cartas”,”Borracho e inventor”,y de Clase II mas largas ,
complicadas y caras (53 $) como “Cinderella”con 35 actores o “Juana de Orleans” con mas de
500 personas.
Entre sus obras más famosas están:
“El caso Dreyffus” en 1899 sobre un tema de actualidad política
“El hombre de goma”o “El hombre orquesta”
en ambas Méliès es el protagonista
“Viaje a la Luna” de 1902, basada en el libro
de Julio Verne, y que quizás es la que mas
conoce actualmente el público.
El nacimiento del cine. La época muda
Con todo, se considera que el cine nació oficialmente el 28 de diciembre de 1895.

Aquel día, los hermanos Lumière mostraron, en sesión pública, sus films a los
espectadores del Salon Indien de París. En uno de sus primeros films, "La llegada
de un tren a la estación de Ciotat", el efecto de una locomotora que parecía salir de
la pantalla fue enorme. El aparato con el cual lo consiguieron lo llamaron
Cinematógrafo. Había nacido la cinematografía. Pero el éxito inicial se fue
apagando por el cansancio del público.
Las películas que siempre veían eran hechas sobre momentos cotidianos, sobre la
vida laboral o familiar. Y fue la magia y la imaginación de otro hombre, Georges
Méliès, que salvó el cine de acabar como un invento más entre tantos de aquella
época. Méliès hizo realidad los sueños de las personas, al mostrarlos en las
imágenes que se representan en una pantalla. Por fin, la fantasía podía volar a
través de la luz. Méliès es el primer inventor de ficciones. Es más, de la ciencia-
ficción. "Viaje a la Luna" (1902) y "Viaje a través de lo imposible" (1904) se
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encuentran entre las mejores muestras del inventor de los trucajes. Uno de los más
habituales era hacer desaparecer cosas o hacerlas aparecer de nuevo. Otros eran la
sobreimpresión de una imagen sobre otra, las dobles exposiciones o el uso de
maquetas.
A principios del siglo XX, el cine ya es una industria. Ha pasado de ser un invento
para divertir a ser una máquina de hacer dinero. El cine se extiende por el mundo.
En Catalunya, Fructuós Gelabert se convierte en el padre de la cinematografía
catalana y española (1897). Segundo de Chomón sigue los pasos de Méliès en su
film "El hotel eléctrico" (1905), donde los trucajes son de los mejores de la época.
Como las películas eran mudas, unos rótulos en medio de las escenas iban
explicando la acción o los diálogos. Y, a veces, un pianista daba el toque musical al
espectáculo. Las barracas de los inicios del cine se convirtieron en salas elegantes y
espaciosas donde comenzaban a acudir las clases bien estantes y no sólo las
populares.
Con el fin de llenar de films estas salas estables, se comenzaron a realizar películas
más cultas para este público burgués. En Francia el proyecto se conocía como
Films d'Art, títulos basados en obras literarias donde actuaban actores famosos del
teatro. Tal como Edison en los EEUU, Charles Pathé marca en Francia el inicio de
la industrialización del cine. Los films producidos por él alcanzaron un buen nivel
de calidad gracias a la dirección de Ferdinand de Zecca, a quien se debe "La
Passió" (1902) o "El asesinato del duque de Guisa" (1904).
En la casa Pathé debutó uno de los primeros grandes cómicos, Max Linder, que
inspiró a Chaplin.
A Pathé le aparece un rival igualmente francés, Léon Gaumont, que contrata al

director Louis Feuillade, que se especializa en el género de terror.
Siguiendo las huellas galas, en Inglaterra aparece la llamada Escuela de Brighton,

formada por los fotógrafos Smith, Williamson y Collins, que se interesan por los
temas de persecuciones y bélicos donde proporcionan nuevos recursos técnicos
fundamentales para la gramática cinematográfica.
Pero serán los EE.UU. quien saque más provecho del invento. En 1903, con la cinta
"Asalto y robo de un tren", Edwin Porter inaugura el cine del Oeste.
Género continuado después por T.H.Ince- y utiliza el montaje simultáneo. Los

espectadores comienzan a aprender un nuevo lenguaje, el cinematográfico:
aprenden a relacionar las imágenes entendiendo que guardan una relación de
continuidad. Y la base de este nuevo lenguaje es el montaje.
Viendo que se convierte en un gran espectáculo popular, que supera las barreras
sociales y idiomáticas -en un país de inmigración formado por multitud de lenguas
y etnias-, el factor negocio entra en acción. Con el fin de monopolizar el mercado
cinematográfico y acabar con sus competidores, Edison envía a sus abogados
contra los explotadores de aparatos cinematográficos. Se trata de la guerra de las
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patentes (1897-1906) que, después de una época de procesos, clausuras de salas,
confiscación de aparatos y momentos de violencia, da la victoria a Edison.
Ello afectó negativamente a los productores independientes, los cuales, para huir
del inventor-negociante, marchan al otro lado del país, a California, donde fundan
Hollywood. Aquí levantarán las grandes productoras que harán la historia del cine
norteamericano.
Entre los diversos países donde el cine ya es una realidad, Italia es uno de los
avanzados en la concepción del cine como espectáculo. Y las películas de grandes
reconstrucciones históricas serán el mejor medio para hacerse con el público. El
título más destacado fue "Cabiria", dirigido por Giovanni Pastrone en 1913.
Grandes escenarios y muchos extras encarnando a romanos o a cartagineses
garantían una producción colosal para la época. Una concepción del cine que
influirá en los cineastas norteamericanos.
Los maestros del período mudo
David Wark Griffith fue el gran fijador del lenguaje cinematográfico. Sus
innovaciones en la manera de narrar una película revolucionaron el séptimo arte:
En sus obras maestras "El nacimiento de una nación" (1914) e "Intolerancia"
(1915), dividía el film en secuencias, mostraba acciones en paralelo, cambiaba el
emplazamiento y el ángulo de la cámara, variaba los planos, usaba el flash-back o
narración de un hecho ya pasado. Pero, sobre todo, Griffith asumió que el montaje
era el instrumento expresivo más importante con que contaba el cine; que no
servía sólo para ordenar secuencias y planos, sino también para emocionar al
espectador.
Griffith influyó en jóvenes cineastas de una geografía tan alejada de los EEUU,
como es Rusia. El triunfo de la revolución rusa en 1917 hizo pensar a sus dirigentes
que el cine podía asumir un papel de adoctrinamiento y propagandístico. Así que
encargó a unos cuantos directores el hecho de crear una nueva cinematografía en
el país.
Dziga Vertov, "El acorazado Potemkin" V.Pudovkin fue el

A.Dovjenko dirigió
creador del kino- (1925) de Serguei autor de "La madre"
"La tierra" (1930)
glaz (cine-ojo) M.Eisenstein (1926)
En estas primeras décadas de cine aparecen más directores que se dan cuenta de
que este nuevo medio de comunicación de masas también puede servir como medio
de expresión de lo más íntimo del ser humano: sus anhelos, angustias o fantasías. Y
además expresándolo con una estética innovadora, de "vanguardia". En Alemania,
los estilos "expresionista" y kammerspiel sorprenden por sus productos
ambientados en escenarios irreales o futuristas.
"El gabinete del "Nosferatu" "Metrópolis" "M, el vampiro de

Dr.Caligari" (1919), de (1922), de (1926), de Fritz Düsseldorf" (1931), de
Robert Wiene F.W.Murnau Lang F.Lang

MEXICO 2010
Este cine aparecido después de la derrota de los alemanes en la Guerra Europea y
el establecimiento de la humillante Paz de Versalles, refleja sus angustias y
contradicciones. El país vive bajo la inestabilidad de la República de Weimar y de
una gran crisis económica, situación de la cual se aprovecharán los nazis. El
trabajo de la iluminación -llena de contrastes entre el claro-obscuro, la luz y la
sombra- serán uno de los aspectos plásticos más innovadores.
Al contrario de los alemanes, los cineastas nórdicos huyen de los interiores

angustiosos y hacen de los exteriores, del paisaje, el escenario natural para sus
dramas. Destacaron gente como Sjöström, Stiller o Dreyer; éste último dirigió la
obra maestra "La pasión de Juana de Arco" (1928).
En el caso de Francia, Louis Delluc fue el principal promotor del impresionismo

cinematográfico galo, corriente de vanguardia en la cual contribuyeron
L'Herbier,Dulac y Epstein; éste último dirigió "La caída de la casa Usher" (1927).
Al margen de este movimiento destacan también Abel Gance, autor de "Napoleón"
(1927), film donde la técnica de proyección se anticipó al Cinerama- y Jacques
Feyder, director de "La Atlántida" (1921).
Vanguardia e "La caída de la casa Usher" (1927) de "Napoleón", Abel

impresionismo Epstein Gance
Por su parte, el estilo "surrealista" busca expresar el subconsciente de manera

poética. A este cine vanguardista contribuyeron dos españoles importantes: el
cineasta Luis Buñuel y el pintor Salvador Dalí.
El cine americano apuesta más por el beneficio material que por la estética o la
poesía visual. Una pequeña ciudad del Oeste americano, Hollywood, se había
convertido en poco tiempo el centro industrial cinematográfico más próspero de
los EE.UU. Grandes empresas se reunieron levantando sus estudios donde, además
de filmarse las películas, se "construyen" las estrellas para interpretarlas. Un hábil
sistema de publicidad crea una atmósfera de leyenda alrededor de los ídolos del
público; los actores y las actrices se convierten en mitos. Es el caso de Lilian Gish,
Gloria Swanson, John Barrymore, Lon Chaney, John Gilbert, Douglas Fairbanks,
Mary Pickford, Mae West o Rodolfo Valentino. Se trata del Star System, sistema
de producción basado en la popularidad de los actores por medio de la cual
consiguieron más beneficios.
Durante la Guerra Europea y aprovechando el descenso de producción en Europa

por el mismo motivo, Hollywood se dedicó a dominar los mercados mundiales. La
década de los años 20 fue la época dorada del cine mudo americano: espectáculo,
grandes actores, diversidad de géneros... Entre éstos destacó el slapstick o cine
cómico: los pasteles de nata, las locas persecuciones, los golpes, las bañistas...;
invento de Mack Sennett que descubrió a Chaplin, Lloyd, Turpin, Langdon...
Quizás una reacción a la época difícil marcada por la Guerra Europea. Pero serán
dos cómicos concretes quienes harán universal el arte de hacer reír en la pantalla:
Charlot y Keaton. Payasos geniales y, a la vez, críticos con su sociedad
deshumanizada, sus gags han hecho reír a niños y a adultos de diversas

MEXICO 2010
generaciones, en todo el mundo. De Charlot es "La quimera del oro" (1925) y de
Buster Keaton "El maquinista de la General" (1926).
Lloyd Turpin Langdon Chaplin Keaton
De los grandes estudios salen grandes producciones, algunas de ellas muy

espectaculares como las que hacía el director Cecil B. de Mille, "Los diez
mandamientos" (1923) o "Rey de Reyes" (1927).
O bien obras maestras de cineastas extranjeras que se establecieron en Hollywood,

como Erich Von Stroheim, autor de "Avaricia" (1924).
La época sonora
El cine sonoro Muchos inventores contribuyeron a crear el cine sonoro: Edison (primer
inventor en querer asociar cine y sonido), Gaumont (logró amplificar el sonido), Lauste
(grabación del sonido por vía forográfica), De Forest (desarrolló el photofilm de pista
lateral)... pero fueron los hermanos Warner quienes estrenaron, en 1926, el primer
largometraje sonoro, Don Juan, aunque no era hablado (sólo música y efectos sonoros). Esto
se consiguió sincronizando discos y proyector. La Warner fue la primera compañía también
en lanzar un film con diálogos, El Cantor de Jazz. Wallace Fox, a a su vez, estrenó El Séptimo
cielo, cuyo sistema contenía una pista sonora fotográfica lateral. Desde ese momento, el cine
sonoro le ganó la partida al mudo.Pero este modo de crear cine sonoro, sincronizando
proyector y discos sólo duró 10 años, y fue reemplazado por el sonido óptico.
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El 6 de octubre de 1927 sucede un hecho revolucionario para la historia del cine:

¡comenzaba a hablar! "El cantor de jazz", de Alan Crosland, dejaba escuchar al
actor Al Jolson cantando.
Se iniciaba una nueva era para la industria del cine. También para los actores:
muchos de ellos desaparecieron como tales al conocer el público su verdadera voz,
desagradable o ridícula, que no correspondía a la apariencia física. ¡Desaparecían
los intertítulos!
Los estudios tuvieron que replanteárselo a pesar de que hicieron importantes

inversiones para reconvertirse en sonoros. También los técnicos y los cineastas
cambiaron de forma de hacer y de pensar. Y los actores y actrices tuvieron que
aprender a vocalizar correctamente. En el Estado Español, los primeros estudios
sonoros, los Orphea, fueron inaugurados en Barcelona en 1932.
La implantación del sonoro coincidió con el crack económico de 1929 que ocasionó
una Gran Depresión en los EEUU. Miles de ciudadanos encontraban en el cine
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momentos para huir de los problemas cotidianos. Hollywood se dedicó a producir
títulos basados en los géneros fantástico,la comedia, el musical o el cine negro, con
el fin de exhibir productos escapistas.
Es el momento de directores como Lubitsch -autor de "Ser o no ser" (1942)-;

Capra -maestro de la comedia americana, con títulos como "Sucedió una noche"
(1934) o "Vive como quieras" (1938); Hawks -director de Scarface (1932)-; Cukor,
autor de "Historias de Filadelfia" (1940)-; John Ford -conocido sobre todo por sus
"westerns" épicos, como "La diligencia" (1939); o Josef von Sternberg -cineasta
alemán que dirigió "El ángel blau" (1930)-. Este cine de entretenimiento general
tiene la excepción con el hecho por King Vidor, cineasta sensible a los problemas
de las capas populares, como lo reflejó en "El pan nuestro de cada día" ( 1934).
"En Alemania es G.W.Pabst quien cultiva un cine social.
Este compromiso estético con los menos favorecidos fue más fuerte en Europa. En
Francia, coincidiendo con el Frente Popular, Jean Renoir mostraba la vida
cotidiana y laboral de los trabajadores, incluso utilizando de auténticos como
protagonistas de algunos de sus films, como en "La regla del juego" (1939), título
que, además de su carga de naturalismo, supuso nuevas aportaciones estéticas.
Otros cineastas encuadrados en lo que se llama "realismo poético" fueron Jacques
Feyder, Jean Vigo, Marcel Carné; y René Clair.
El cine en Color
Desde sus orígenes el cine buscó los colores. Algunas cintas de Edison y Lumiére fueron
coloreadas a la manera de tarjetas postales y retratos. Por 1900, obreras parisinas hábiles y
mal pagadas coloreaban con pincel los millares de imágenes que componían los primeros films
de fantasía.
En Inglaterra, Smith y Urban crearon, en 1906, el Kinemacolor. Sus películas tenían 32

imágenes por segundo. En la proyección, una imagen sobre dos era coloreada en rojo o en
verde por dos pantallas transparentes que giraban delante de uno o dos objetivos.
Pero para reproducir todos los colores naturales se debe utilizar la tricomía (no la
bicromía). Idea que perfeccionaron los establecimientos Gaumont.Así
en los Estados Unidos apareció el technicolor
Mas tarde el Eastmancolor impulsó el procedimiento de rodaje sobre película negativa

a partir de la cual, como en las fotos, se obtenían las copias positivas. Eso hizo que los años 50

MEXICO 2010
fueran los de la revolución del color en el cine que coincidió con las primeras emulsiones en
color en la televisión (1954, EEUU).
Technicolor
Hacia 1929, la compañía empezó a tirar copias por
absorción, sistema por el cual los negativos de un
rodaje se positivan sobre tres copias, cada una de
un color básico, que a su vez sirven para imprimir
la imagen coloreada en una única película virgen.
Con este método y una nueva cámara preparada al efecto, se produjo el primer
largometraje realizado por completo en Technicolor tricomático que fue La feria de las
vanidades, en 1935. El procedimiento se extendió rápidamente: Blancanieves y los siete
enanitos (1937), Lo que el viento se llevó (1940).
El Technicolor tenía un grave inconveniente en el tamaño de la cámara, que la hacía

sólo útil en producciones importantes, pero una gran ventaja en la tirada de copias. Al ser un
procedimiento de impresión –en las películas actuales, el color se forma a partir de reacciones
químicas- la paleta de colores que podía usarse era muy amplia.
El cine en color llega en 1935 con la película "La feria de las vanidades", de
Rouben Mamoulian, aunque artísticamente su plenitud se consigue en el film de Victor
Fleming, "Lo que el viento se llevó" ( 1939).
El cine de animación se fue implantando entre los gustos del público, especialmente entre
los más pequeños. Walt Disney es el creador americano predilecto incluso más allá del
propio país.
Los trucajes es una de las especialidades más estimadas por el público. La ubicación de
castillos en paisajes donde no han existido, a partir de cristales pintados, o la recreación de
un gorila gigante a partir de un simio pequeño o de maquetas, son muestras de la magia del
cine, a la cual acaban de dar el toque la decoración, el maquillaje o el vestuario.
Frente a directores con planteamientos principalmente comerciales, hacen aparición otros

con nuevas inquietudes estéticas. Es el caso de Von Stroheim, Hitchcock o Orson Welles; éste
último realizó las obras maestras "Ciudadano Kane" (1941) y "El cuarto mandamiento"
(1942).
MEXICO 2010
Mientras tanto en Europa las cinematografías de los países con gobiernos totalitarios se
orientan hacia un cine políticamente propagandístico, con frecuencia fallido artísticamente
en el caso de los fascismos.
Respecto al Estado soviético, sigue siendo una excepción el cine de S.M.Eisenstein,
como lo demuestran los films "Alexander Nevsky" (1938) e "Iván el Terrible" (1945).
Cuando la Segunda Guerra Mundial estalla, el cine se basa en la propaganda nacionalista, el

documental de guerra o el producto escapista.
Cine y Sociedad
La primera influencia social del cine como medio de expresión y de comunicación es un hecho
fácilmente constatable desde su nacimiento. Esta influencia ha tenido, siempre, un doble
carácter:
En EE.UU., la producción cinematográfica ha venido condicionada por la situación

política, social (que ha encontrando su reflejo argumental y testimonial) y económica (que
influyó en el “patriotismo”), y por el cine que tuvo y tiene una notable influencia en el
espectador y en el medio.
En Europa (1930), en los países fascistas, se realiza un cine manipulado por el poder y a
partir de 1945, nacen nuevas tendencias que reflejan la realidad del ambiente; pero en 1968
se interesa por los problemas laborales y étnicos. La segunda influencia, de la relación
cine/sociedad, es la que se produce en el público a través de las imágenes proyectadas en la
pantalla. En efecto, el cine se convirtió en una especie de escaparate en el que aparecían
personajes y situaciones que hacían mella en el espectador, como por ejemplo, la imitación de
los peinados, gestos e incluso comportamientos.
Con el tiempo, el poder del cine es descubierto por los políticos, que promueven un tipo
especial de películas, con las que se pretende formar la actitud del espectador hacia ciertas
ideas.
La aparición de la televisión, como un sistema más eficaz para el adoctrinamiento del

público, ha hecho que el cine pierda esta función.

MEXICO 2010
La postguerra
Al terminar la guerra, en una Italia destrozada, aparece el llamado cine

"neorrealista", un cine testimonial sobre la realidad del momento, hecho con pocos
medios materiales pero con mucha humanidad, preocupado por los problemas del
individuo de la calle. Es el caso de "La terra trema" (1947), de Visconti; suponen
una mirada sobre los problemas de subsistencia de los más humildes.
"Roma, ciudad abierta" (1944-46), de "Ladrón de bicicletas" (1946), de Vittorio
Rossellini De Sica
Este tipo de cine creó escuela por todo Occidente e, incluso, los norteamericanos se
aficionaron a filmar historias fuera de los estudios, aprovechando los escenarios
naturales; el "cine negro" -policíaco- fue uno de los géneros que más rodó en las
ciudades.
En los EEUU, las películas o bien denotan un tono pesimista donde los personajes
reflejan los padecimientos y angustias pasadas a lo largo de la guerra o como
consecuencia de ella, o bien se inspiran en la comedia o el musical porque el
público -a la vez- necesita "olvidar". Cuando en 1947 se inicia la "guerra fría"
entre Occidente y la URSS, en los EEUU comienza un período de conservadurismo
político que llega a afectar a Hollywood, especialmente a los cineastas de izquierda,
los cuales son perseguidos, denunciados y condenados. A este período, que se
prolongó hasta 1955, se le conoce como "mccarthysmo" o "cacería de brujas".
Algunos cineastas, como Chaplin o Welles, optaron por el exilio.
Los años 50 representan para los norteamericanos una nueva época de bienestar
que cambió el estilo de vida, sobre todo en lo que se refiere al ocio. La adquisición
de televisores supone un fuerte competidor para el cine. El número de
espectadores disminuye y hay que buscar maneras para recuperarlo. La mejor
forma será dándole al público lo que la pequeña pantalla no puede:
espectacularidad. Es entonces cuando la pantalla crece, se proyecta en color y el
sonido se convierte en estéreo.
Se imponen los musicales -como "Cantando bajo la lluvia" (1952), de S.Donen y

G.Kelly-, y las superproducciones.
Hacen aparición nuevos mitos de la pantalla que rompen los esquemas de

comportamiento social convencionales, como Marlon Brando, James Dean o
Marilyn Monroe.

MEXICO 2010
Los jóvenes se convierten en un público potencial importante; es la época del rock.
Es también la década de los grandes melodramas y de la consolidación de los
géneros, como en el caso del thriller; un buen ejemplo de éste último lo tenemos en
los films de Hitchcock, "Vértigo" (1958) o "La ventana indiscreta" (1954).
Obviamente, además de Occidente, en el resto del mundo también ha existido

cinematografía, dependiendo la producción -en cada uno de los países
mayoritariamente desarrollados- de sus posibilidades económicas y de sus
ligámenes coloniales o postcoloniales con la metrópolis europea. Si bien algunos
paises de Africa, como Egipto, o la Índia se han caracterizado por su capacidad de
producción, Japón se ha distinguido -además de la calidad de muchos de sus
títulos, de la mano de grandes cineastas como Ozu, Mizoguchi y Kurosawa, éste
último es el autor de "Los siete samurais" (1954). En todos ellos sorprende la
concepción del tiempo cinematográfico y de la planificación.
A finales de los años 50, y siguiendo los pasos de directores innovadores como
Rossellini, el cine francés se encontraba estancado por los productos clásicos que
salían de sus estudios. Una nueva generación de realizadores aportan oxigeno al
cine, bajo la denominación nouvelle vague, un cine igualmente hecho con pocos
medios pero con fuerza innovaciones estéticas, como demostró el film de Godard,
"À bout de souffle" (1959), que supuso una ruptura con el lenguaje
cinematográfico habitual. Otros realizadores como Resnais, Truffaut,Resnais,
Chabrol, Malle o Rohmer siguieron los mismos pasos, aunque cada uno desde su
estilo personal. Paralelamente aparece el cinéma verité, de tendencia
documentalista, que busca captar la vida tal como es.
En otros lugares, a lo largo de los años 60 surgirán también nuevos cinemas: En

Suecia, Ingmar Bergman asume un cine introspeccionista donde la psicología de
las personas, sus angustias y sus dudas existenciales, pasa a ser el referente
principal.
En Italia, Antonioni, Pasolini, Bertolucci, Visconti y Fellini optan por un tipo de

cine poético. Mientras que Antonioni -autor de "La aventura" (1960)- indaga en el
comportamiento de los personajes, Fellini se distingue por su cine rico en
propuestas fantasiosas y oníricas, siendo una muestra los films "Ocho y medio"
(1963) o "Amarcord" (1974).
En Gran Bretaña, el free cinema se encuadra dentro de una estética contestataria,

crítica para con su sociedad puritana y clasista; plantea las inadaptaciones sociales
que ocasiona la vida en las grandes ciudades industriales y la soledad del hombre
contemporáneo en ellas. Los cineastas más representativos han sido Lindsay
Anderson, Tony Richardson o Karel Reisz. En la Alemania federal, el "nuevo cine
alemán" generó cineastas como Fleischmann, Kluge, Schlöndorff, Straub,
Fassbinder, Herzog o Wenders. Hay que tener en cuenta en todos ellos la
influencia del "mayo del 68".
En Latinoamérica, el nuevo 6cine va de la mano del despertar social del Tercer

Mundo: en Brasil, Glaubert Rocha, Pereira Dos Santos y Ruy Guerra; en Cuba,
Gutiérrez Alea, Octavio Gómez y Humberto Solas; y en Argentina, Solanas,
MEXICO 2010
Getino, Birri y Torre Nilsson, hacen la alianza entre estética y compromiso social.
Este cine, juntamente con el que se hace en el resto de países subdesarrollados de
los otros continentes -como consecuencia del proceso descolonizador de los años
60-, se conoce como "cine del Tercer Mundo".
En aquellos países europeos bajo regímenes no-democráticos, una serie de

cineastas defensores de las libertades aportan productos igualmente creativos. Es
el caso de A.Ford, Wajda, Munk, Kawalerowicz, Zanussi o Polanski en Polonia;
Meszaros, Gabor, Szabo y Jancso en Hungría; Forman, Menzel, Nemec o
Txitylova en Checoslovaquia; Kozintsev o Txujrai en la URSS.
O de Buñuel (desde el exilio), Bardem, Berlanga y Saura en España; en este país se

tienen que incluir las nuevas tendencias estéticas que aparecen en Catalunya, con
la llamada "Escola de Barcelona".
En los EEUU, a partir de la década de los 60, la nueva generación de directores se

forman en la televisión. Se trata de unos cuantos cineastas inquietos también por
hacer un nuevo cine narrativamente más independiente que no por el producido
tradicionalmente por Hollywood; directores como Cassavettes, Lumet, Mulligan,
Penn o Nichols. Muchos de ellos operaron desde Nueva York y crearon el cine
underground, anticomercial, antihollywood y de vanguardia. Paralelamente,
algunos géneros que requieren grandes inversiones, como las superproducciones o
los musicales, ofrecen sus últimas grandes muestras.
El Cinerama
Se trataba de un nuevo sistema de proyección que se presentó en 1952.
Se caracterizaba por una enorme pantalla curvada que cubría todo el campo visual,
ofreciendo una imagen que en realidad eran tres imágenes unidas, procedentes de otros
tantos proyectores que funcionaban sincrónicamente. Si a esto unimos el magnífico sonido
que proporcionaban los múltiples altavoces, el efecto en verdad era espectacular.
El primer film comercial realizado para este sistema fue: “Esto es Cinerama”. A pesar
de su gran éxito inicial, el sistema decayó por los altos costes que suponía.
El Cinemascope
El CinemascopeEs un procedimiento cinematográfico que emplea una lente especial

(anamórfica) para filmar la película, de manera que la imagen queda comprimida en el
fotograma en sentido vertical.A la hora de la proyección se usa otra lente para proyectarla
en la pantalla, de forma que se restituye la forma real. La imagen ocupa en la pantalla
mucho mas espacio en sentido horizontal (1x2,33), es lo que se llama formato
panorámico.Posteriormente este sistema fue mejorado. Actualmente el sistema panorámico
que se utiliza es el Panavisión.
En cualquier caso su finalidad es la misma , ofrecer al espectador una manera distinta

de ver película, mucho mas espectacular

MEXICO 2010
Nuevas experiencias
En la actualidad hay dos empresas que han investigado durante años el “supercine”:
La canadiense imax sytem coporation y
la norteamericana
El comienzo del supercine tuvo lugar en la Expo de Montreal de 1967 donde se

proyectaron varias películas en pantallas múltiples con gran éxito.
La postguerra
Las últimas décadas

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A finales de los años 70, y después de unos años de cine espectacular basado en el
catastrofismo -quizás como reflejo del retorno del peligro atómico-, se impone la recuperación
de la superproducción des del punto de vista de la calidad y de la rentabilidad. Concretamente
de la mano de Georges Lucas -autor de "La guerra de las galaxias" (1977)- y de Steven
Spielberg, realizador de "Encuentros en la tercera fase" (1977)-. Paralelamente, otros
directores apuestan por un cine igualmente comercial pero tratando con un estilo de
realización muy personal y creativo, como Ford Coppola,Scorsese, Brian de Palma, Burton,
Lynch... Son unos años en los que o se cuestiona todo -como en el caso de los films sobre
Indochina- o se retorna al pasado con nostalgia; abundan los remakes y el fantástico.
En los años 80, la aparición e introducción del vídeo, y el aumento de los canales televisivos
por vías diferentes, hacen que el público vea más cine que nunca, sin salir de casa. Es preciso
buscar de nuevo espectacularidad: películas con muchos efectos especiales prueban de atraer
a los espectadores hacia la sala oscura. Actores musculosos se convierten en héroes de la
pantalla en títulos violentos cuando no reaccionarios. Frente a este cine consumista aparecen
autores más preocupados por los temas políticos y, sobre todo, por la injerencia de los EEUU
en otras zonas. La globalización de la economía afecta al cine norteamricano que se alía con la
indústria electrónica oriental. También son tiempos de grandes melodramas y de recuperación
de la comedia; en ésta última destaca Woody Allen.
En España, la transición política posibilitó el despegue de un nuevo cine sin censura que influyó
en la aparición de la llamada "movida madrileña". Pedro Almodóvar enriquece la escena
cinematográfica a través de sus films posmodernos y de esperpento, género este último que
también trabajó Berlanga. El cine vasco aporta también autores significativos al cine español.
Comenzada la década de los 90, la crisis de ideas se apoderó del cine norteamericano; así que
decidió inspirarse en los héroes del cómic, aprovechándose de los nuevos procedimientos para
la creación de efectos especiales. También algunas series históricas de televisión serán objeto

MEXICO 2010
de versiones para la gran pantalla. Géneros como la comedia clásica, los grandes dramas, los
dibujos animados, el fantastic o el western han retornado con fuerza; géneros tradicionales a
los cuales se les ha de sumar la sexualidad como ingrediente importante en diversos films y la
aparición de un nuevo grupo de actores jóvenes conocidos como la "generación X", además de
actores infantiles intérpretes de películas familiares. Por otra parte, la comedia española y el
resurgimiento del cine latinoamericano han marcado durante estos años la cinematografía
hispanohablante.
Algunos países europeos reaccionan contra la enorme presencia comercial del cine
norteamericano, mediante leyes que favorezcan a sus propios mercados. En España, siguen
apareciendo nuevos autores, como Julio Medem, Alejandro Almenábar, Fernando León, Benito
Zambrano, Icíar Bollaín, Isabel Coixet...
Llegados a los cien años de cine, el procedimiento basado en la fotoquímica se alía con las
nuevas tecnologías electrónicas y de los estudios salen películas donde el ordenador ha tenido
mucho que ver en el proceso de obtención o manipulación de las imágenes. Hombres de carne
y hueso transformándose en hombres cibernéticos, los grandes saurios paseándose en pleno
siglo XX, protagonistas dando la mano a personajes muertos hace décadas...
De la mano de la electrónica aparece la realidad virtual: ¿nos convertiremos pronto en

espectadores individuales de las películas?
BIBLIOGRAFIA:
- AADD. "El cine español. Una historia por autonomías". 2 vols. Barcelona: PPU, 1996 i 1998.
- AADD. "Enciclopedia del Cine". Barcelona: Planeta, 1982.
- AADD. "El cine contado con sencillez". Madrid: Maeva, 2000.
- Caparrós, J.M. "100 películas sobre Historia contemporánea". Madrid: Alianza, 1997.
- Gubern, R. "Historia del cine". Barcelona: Lumen, 1989.
- Porter, M. "Història del cinema a Catalunya". Barcelona: Generalitat, 1992.
- Romaguera, J. (dtor.)-AADD. "Diccionari del cinema a Catalunya". Barcelona: Enciclopèdia Catalana, 2005.
- Sadoul, G. "Historia del cine mundial. De los orígenes hasta nuestros días". Buenos Aires: Siglo XXI eds., 1976.
- Wyver, J. "La imagen en movimiento". Valencia: Filmoteca valenciana, 1991.

MEXICO 2010
________________________________________
Géneros cinematográficos
El género sirve para etiquetar los contenidos de un filme. Se trata de categorías temáticas,
codificadas a lo largo de los años e inteligibles por parte de los espectadores . Por lo común,
suele identificarse como género cinematográfico un modo estereotipado de contar una
película.
Los más relevantes son los siguientes:
WESTERN
Más que por los temas o los tratamientos se caracteriza por la iconografía (sombrero tejano,
pistolas al cinto, chalecos, caballos, desierto, ciudades-calle, salón, ranchos, diligencia,
indios...). Hay muchos tipos de westerns, pero se suele subrayar la raíz histórica de relatos que,
con la conquista del Oeste Americano, la lucha por la tierra, los pioneros, el establecimiento de
la ley y la justicia, los límites y fronteras
CINE MUSICAL
Otorga importancia al espectáculo de la música a través de canciones, bailes o coreografías, se

podrían considerar musicales las biografías de compositores o intérpretes. Pero el musical por
excelencia es el musical americano, un género genuino y que se caracteriza por historias
optimistas y de cierta frivolidad, en las que una trama y unos personajes muy simples sirven de
soporte para números musicales espectaculares.
COMEDIA
Género que pretende divertir o hacer reír al espectador mediante una trama con enredos y
conflictos diversos, personajes singulares, diálogos ingeniosos y finales complacientes. El
tratamiento suele ser amable y optimista, sobretodo en formas como la comedia musical y la
comedia sofisticada o alta comedia. Cuando el humor está mitigado por conflictos con
tratamiento realista se suele hablar de comedia dramática.
DRAMA
Historias que tratan las cuestiones decisivas en la vida, como el amor, los celos, el desamor, la
necesidad de cariño etc. Si dentro del paradigma realista, el tratamiento es más amable, el
drama deriva hacia la comedia y, por el contrario, si subraya la impotencia del ser humano
frente al conflicto, adquiere el tinte de la tragedia. La principal especialización de este género
es el melodrama que aborda temas intemporales a través de personajes que mantienen
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relaciones afectivas y donde la representación de los sentimientos y conflictos busca la mayor
empatía con el espectador.
DOCUMENTAL
El documental es cine realizado sobre la base de materiales tomados de la realidad. La

organización y estructura de imágenes, sonidos (textos y entrevistas) según el punto de vista
del autor determina el tipo de documental.
Escuelas Cinematográficas
Son el conjunto de escuelas y movimientos que han ido formalizándose en la Historia del Cine
y que han permitido diseñar un flujo de corrientes de creación con características particulares,
que se acompañan de una tradición artística que involucra otras tendencias de expresión como
la pintura o la música.
Las escuelas mas importantes son:
EL EXPRESIONISMO ALEMÁN
El «expresionismo» es el intento de presentar la vida interior de la humanidad en lugar de su

apariencia externa. Como movimiento artístico, el expresionismo alemán duró desde 1914 a
1924, pasando al cine desde la pintura, la poesía y el teatro.
DIRECTORES DESTACADOS
Fritz Lang
Friedich Wilhem Murnay
Robert Wiene
PELÍCULA DESTACADA
METROPÓLIS
El gabinete del dr. Caligari
Nosferatu el vampiro

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EL SURREALISMO
Es un movimiento artístico y literario surgido en Francia en el primer cuarto del siglo XX

(después de la segunda guerra mundial), en torno a la personalidad del poeta André Breton.
Pone
enfasis en lo irracional y lo subconciente.
M. Ray
Luís Buñuel
PELÍCULA DESTACADA
UN PERRO ANDALUZ
LUIS BUÑUEL
CINEMA VÉRITÉ
Provienen del documental, y más específicamente, de los documentales rodados con cámara
portátil y un equipo de sonido sincronizado. El diseño de equipos de filmación más pequeños y
manejables fue indispensable para que los documentalistas ampliasen su margen de maniobra
y, a un tiempo, desarrollaran un estilo narrativo capaz de influir en los cineastas dedicados a la
ficción.
Michael Ritchie
Renato Castellani
PELÍCULA DESTACADA
FULL METAL JACKET
STANLEY KUBRICK
NOUVELLE VAGUE
Es una la línea renovadora del cine francés, involucra diversos ingredientes, entre los que
sobresale la idea de que un concepto vanguardista de la cinematografía, debía escapar de la
exuberancia formal, tendiendo a un naturalismo expresivo cada vez más alejado de la
comercialidad.
Francois Truffaut
PELÍCULA DESTACADA
MEXICO 2010
LOS 400 GOLPES
FRANCOIS TRUFFAUT
CINEMA NÓVO
Influenciado por el neorrealismo italiano, a mediados de los cincuenta en Brasil fue el

cinema nôvo la corriente que canalizó las inquietudes sociales y políticas de la sociedad.
Oponiéndose con esta característica a los géneros comerciales . Comenzó como cine
independiente. Fue rico en expresiones populares, próximas al sentir de las etnias y los grupos
sociales más pobres del Brasil.
Glauber Rocha
Ruy Guerra
Victor Lima Barreto
PELÍCULA DESTACADA
O CANGACERO
LIMA BARRETO
DOGMA 95
Reaccionando ante lo que consideraban un progresivo adocenamiento del cine internacional,

un grupo de cineastas daneses urdió en 1995 los principios del movimiento Dogma. Su
propósito era recuperar la esencia del arte cinematográfico. A juicio de estos creadores, sólo
despojando al cine de efectos y recursos especiales podría volverse la verdad esencial que, con
la naturalidad de una instantánea, es posible captar en el celuloide .
Von Trier
Kragh-Jacobsen
Søren Kragh-Jacobsen
PELÍCULA DESTACADA
LOS IDIOTAS
VON TRIER

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VANGUARDIA ESTDONIDENSE
La evolución del cine independiente arranca a finales de la década de los cuarenta.

Coincidiendo con la etapa de posguerra. Los realizadores de este periodo no están sujetos a
los modelos canónicos . Introducen en su obra contenidos que, hasta muy poco antes,
hubieran sido rechazados por los comités de censura y por las juntas directivas de las
productoras.
E Stanley Kramer
David Lynch
Dennis Hopper
PELÍCULA DESTACADA
ERASEHEAD
DAVID LYNCH
Bibliografía
A. BELLIDO: “El cine y la Televisión”. Generalitat Valenciana
E. BERGONDO: “La imagen en movimiento”. Proyecto Mentor MEC 1995
G.BIETTETINI: “Cine: lengua y escritura”
C.W. CERAM: “Arqueología del Cine” Ed.Destino Barcelona 1965
T.CIRBIAN:”100 años de cine” . CINESA 1995
C.GORTARI y C BARBACHANO : “El cine” Aula abierta Salvat Barna 1985
G. SADOUL: “Las maravillas del cine”
VVAA: “Crónica de la Técnica”. Plaza y Janés Ed. 1989
VVAA: “Enciclopedia Encarta”. Microsoft Corporation 2000

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CÓMO EMPEZAR UN CORTOMETRAJE, QUÉ HAY QUE TENER EN
CUENTA, CÓMO CONSEGUIR FINANCIACIÓN
Hacer un cortometraje no es cosa fácil. Es un duro camino, muchas veces

paradójicamente largo, en el que las ilusiones, esfuerzos y creatividad están dedicados al
ciuen por cien. Pero... ¿qué pasos hay que seguir para hacer un corto? Empezemos con
ellos:
Partir de una idea: a partir de una idea, escribiremos un guión. Su duración no deberá
ser mayor de 20 minutos, si bien es cierto que el metraje ideal para un cortometraje es
de 15 minutos o menos. La idea no deberá ser excesivamente compleja, ni pretenciosa.
Es mejor contar bien una historia sencilla que embarcarnos en "Star Wars" en 10
minutos, con un resultado lamentable. Por ello que es importante esta idea de partida:
un buen guión, una historia sencilla, y no de más de 20 minutos. La importancia de que
el guión sea bueno no es por otra cosa sino porque con un buen guión podemos hacer un
buen corto o un mal corto. Todo depende de cómo lo llevemos a cabo. Sin embargo, con
un mal guión, siempre haremos un mal corto (Recordemos que lo mismo ocurre con los
largometrajes). A partir del guión literario (como si fuese una obra de teatro),
realizaremos el guión técnico, en el que indicaremos los movimientos de cámara, el
valor de plano, los ruidos de fondo, e incluso cuando entra la música.
Recursos disponibles: una vez que hemos decidido la idea que queremos contar, hay
que ver con qué medios contamos (económicos, técnicos y humanos). Por el lado
económico, es cierto que se pueden hacer cortos prácticamente gratis. Sin que cuesten
un duro. Pero desde "cortometrajes" animamos a la gente que si se tiene que gastar algo,
sea en comida para los amiguetes que van a participar en el corto. Por lo menos. Si el
proyecto cobra mayor envergadura, entonces tendremos que elaborar un presupesto,
dedicando la partida a las que va destinada la inversión. Por ejemplo, esto no hará falta
si hacemos un corto en video no profesional, donde apenas hay gasto. Pero si lo vamos
a hacer en cine, ya tenemos el factor película, laboratorio, mezclas de sonido... Algunas
de ellas nos pueden salir gratis o prácticamente gratis. Pero otras no, así que deberemos
ir contabilizando el gasto que supondrá cada una de ellas.
CÓMO HACER UN CORTOMETRAJE "Equipo, guión y storyboard
Elección del equipo técnico y artístico: ya aprobado el presupuesto, escogeremos al

equipo técnico y artístico. Haremos pruebas a actores de escuelas, o propondremos a
actores famosos su colaboración, siempre desinteresada, en nuestro proyecto. Es
primordial la buena elección del Director de fotografía, ya que será la mano derecha del
director, junto con el Ayudante de dirección. También (aunque en los cortos de bajo
presupuesto suele ejercerlo el propio director) conviene tener a una persona eficaz como
Jefe de producción, capaz de solucionar cualquier problema con la mayor rapidez y

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soltura. Por otro lado iremos escogiendo al equipo artístico: actores protagonistas,
secundarios y figuración. Todos ellos deberán responder perfectamente al planteamiento
del guión, y no conviene caer en el fallo tan común en los cortos de que los
protagonistas suelen ser siempre jovencitos, ya que es lo más fácil para los jóvenes
realizadores: engañar a los amiguetes para que salgan en su corto. Sin embargo, no hay
que descartar la posibilidad de hacer casting en escuelas de interpretación, ya que los
alumnos suelen ser de edades muy variopintas, y además están locos por hacer
proyectos.
o Director
o Ayudante dirección
o Director de Fotografía
o Montador
o Diseño de Arte
o Maquillaje
o Script
o Músico
o Técnico de sonido
Los principales miembros del equipo técnico. Cada uno tendrá sus ayudantes.
El guión técnico y story board: la preproducción ya ha comenzado. A partir del guión

literario que escribimos, ahopra escribimos un guión técnico, es decir, desmenuzando
cada plano del corto e indicando su valor de plano (Plano General, Plano Medio, Primer
Plano...) Al mismo tiempo se puede elaborar un Story Board, con una viñeta para cada
plano, en la que ya está determinado un encuadre, una composición, e, incluso, un
diseño de los decorados. Esta tarea, aunque es minuciosa, ayudará enormemente a la
hora de rodar, ahorrando mucho tiempo. Cada plano tendrá su propia viñeta, y vendrá
indicado si hay algún movimiento de cámara (panorámica, travelling...)
CÓMO HACER UN CORTOMETRAJE "Rodaje, montaje y estreno"
El rodaje: todo el mundo a sus puestos. Ya habremos realizado ensayos con los
actores. El driector de fotografía habrá probado con su equipo la cámara. El de sonido
tendrá preparado el DAT. Ya no cabe lugar a las dudas. Todo debe estar listo para rodar.
Seguiremos el orden que hayamos establecido en el plan de rodaje, según las
localizaciones, campos de luz, disponibilidad de los actores, etc. Normalmente se tiende
a rodar un número de horas enorme del tirón, no inferior a las 12, por eso de ahorrar
recursos. Pues bien, tampoco conviene pasarse, ya que al tercer día el agotamiento se
hará patente en todo el quipo. Un corto, de unos 15 minutos tarda en rodarse unos tres
días. A veces más y otras menos, todo depende de la complejidad del proyecto, número
de localizaciones, si hay efectos especiales o no... En fin, que cada corto es un mundo.

MEXICO 2010
El montaje: ya tenemos registrada la historia en tomas sueltas, bien sea cine o vídeo.
Ahora hay que darles sentido, y además habrá que sincronizar el sonido. Si es en cine,
lo haremos en AVID, para posteriormente dar al laboratorio las listas de EDL para que
corten y empalmen el negativo. Si es en vídeo, pues el montaje es más rápido, ya que
inmediatamente podremos observar el resultado final en la propia mesa de edición.
El acabado: una vez finalizado el corto, es muy común el hacer varias copias en vídeo
para su distribución en festivales. Es bueno el diseñar una carátula, e inlcuos un cartel,
con el fin de que la promoción sea eficaz y el corto atraiga al público. También se suele
hacer un press book, es decir, un folleto en el que se enumera el equipo técnico y
artístico, el argumento y se incluyen fotos del rodaje. Sirva como ejemplo la
información que aparece en nuestra Galería de Cortometrajes.
El estreno y venta a canales de televisión: una vez estrenado, conviene difundirlo a

través de las televisiones, como medio de recuperación financiera. Canal +, TVE, y
otros canales temáticos suelen apreciar este tipo de productos que, por su breve
duración, pueden incluir en cualquier momento de su parrilla de programación. Ahora
ya podemos ir pensando en hacer otro cortometraje...
EL PRODUCTOR Y EL DIRECTOR: SUS FUNCIONES
EL PRODUCTOR
Al comenzar la película, en los letreros, aparece siempre el nombre del productor,

justamente el ante-último letrero y delante del nombre del director.
1. ¿QUIENES PUEDEN SER PRODUCTORES?: un hombre emprendedor, o un

conjunto de personas, o el Estudio, que asumen la responsabilidad de reunir el dinero o
los fondos precisos para hacer una. película. Se ha dicho que es un hombre de empresa
que invierte su dinero en el cine, si lo tiene, con el propósito de recuperarlo acompañado
de unos beneficios, a ser posible, elevados.
2. CUALIDADES DE UN PRODUCTOR: Espíritu amplio: abierto a muchas de las

ideas que se le propongan.

MEXICO 2010
Iniciativa: ser emprendedor. Sentido artístico: que ame el cine como arte y tenga
sensibilidad, buen gusto.
3. LAS MISIONES DEL PRODUCTOR:
- Escoger o aceptar el tema o idea de la película.
- Elegir los protagonistas o actores del filme.
- Debe confeccionar o hacer un presupuesto de gastos, es decir, un cálculo total de lo

que costarán los derechos de autor, si los hubiere, los sueldos de todos los técnicos que
intervienen en la realización de la película, lo que percibirán los actores por su trabajo,
lo que le cuesta el alquiler del estudio, los precios del decorado y del vestuario, los
gastos de desplazamiento, etc.
- Elaborar un plan de duración o de rodaje, o sea, cuántos días deben emplearse en hacer
la película.
- Buscar el dinero o aportar los capitales necesarios para realizar la película.
- Buscar el equipo de hombres que intervendrán en la realización de la obra

cinematográfica, incluido el director.
- Controlar lo que se va gastando.
4. AYUDANTES DEL PRODUCTOR: El productor necesita una serie de personas que

le ayuden en esas tareas. Por eso dependen de él:
El director de producción
El administrador.
El contable.
5. LOS PRODUCTORES DE HOY: En el cine de nuestros días hay productores que se

han convertido en directores, personas que producen y dirigen ellos mismos las
películas.
EL DIRECTOR
MEXICO 2010
El nombre del director aparece en el último lugar de los letreros que encabezan una
película. Es frecuente encontrarse con un rótulo que sustituye al nombre tradicional de
director. La nueva fórmula dice que estamos ante una película de fulano o de mengano,
con lo que se quiere indicar que el director es el autor de la obra cinematográfica. De
este modo, deja de ser un técnico más, aunque siempre el más importante, para asumir
la categoría de responsable total de la película y equipararse al autor de un cuadro, de
una escultura, o de una obra literaria.
1. COMO SE LLAMA LA LABOR DEL DIRECTOR. Se denomina realización

corrientemente. Hoy se habla de puesta en escena, de puesta en imagen. Cuando está
filmando se dice que está rodando.
2. LA MISIÓN. Su labor consiste en:
- Coordinar o saber disponer en la realización de la película del talento de guionistas,

operadores, actores, músicos, así como de las tareas de los innumerables técnicos que
intervienen en el rodaje. Por eso dirige a los actores, da el visto bueno a los decorados, a
las luces, a los emplazamientos de la cámara, etc.
- En enseñarnos a ver el mundo a través de sus ojos , que es tanto como decir que nos
debe dar una visión del mundo . Así, cada director, nos mostrará un universo distinto,
diferente. Para unos el mundo es alegre, musical, para otros, es triste. Hay quien sólo ve
la violencia que reina en él, mientras que otro director se fija, sobre todo, en la bondad
de los seres humanos.
El director que realiza esta segunda labor es realmente un autor , un creador

cinematográfico y sólo a él debe atribuírsele el nombre.
El director que se ajusta a hacer la película como le indica el guión y siguiendo las
órdenes del productor, no es otra cosa que un ejecutor fiel de la labor, un buen técnico,
del que los críticos dicen que es un director con mucho oficio, un artesano.
3. CLASIFICACIÓN DE LOS DIRECTORES AUTORES. Los hay que manejan el

lenguaje de las imágenes con belleza y precisión, del mismo modo que un escritor lo
hace con el lenguaje escrito. Se dice de él que es un estilista. Visconti, por ejemplo.
Otros directores manejan bien el lenguaje cinematográfico para contarnos algo. Son
MEXICO 2010
formidables narradores . En una película de Alfred Hitckock estamos tan pendientes de
lo que sucede, nos cautiva tanto el modo que tiene de contarnos las cosas, que, la misma
historia, contada por otro autor, nos interesa muy poco o nada.
El verdadero autor es el que tiene una forma original de presentarnos cualquier realidad,
de manera que el mundo nos parece nuevo, como si lo viéramos por primera vez. Un
verdadero autor, por esto mismo, siempre dice algo. Son verdaderos autores: I.
Bergman, F. W. Murnau, F. Lang, O. Welles, V. de Sica, R. Rosellini, J. Losey, S. M.
Einsenstein, L. Buñuel, J. Cocteau, M. Antonioni, B. Bertolucci, F. Capra, E. Lubitch,
Ch. Chaplín, R. Flaherty, B. Keaton, Jean Renoir, C. Chabrol, F. Truffaut, J. L. Godard,
W. Disney, S. Peckinpah, A. Lamorisse, J. Tati, E. Von Stroheim, J. Ford, A. Resnais,
R. Clair, V. Minnelli, G. Kelly, C. T. Dreyer, H. Hawks, F. Fellini, A. Kurosawa, S.
Kubrick, K. Mizoguchi, A. Wajda, R. Bresson, M. Forman, S. Donen, M. Jancso, M.
Stiller, V. Sjöström.

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Antologi A Cine Periodo Escolar 2010

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UNIVERSIDAD AUTONOMA DE TAMAULIPAS

UNI UNIDAD ACADEMICA DE CIENCIAS JURIDICAS Y SOCIALES

LICENCIATURA EN CIENCIAS DE LA COMUNICACION

LCC ANTONIO ROSALES IBARRA MDES

NUCLEO DE PERIODO CLAVE CREDITOS CARGA HOR AS

FORMACION HORARIA CONDUCIDAS DE TRABAJO

DESCRIPCION GENERAL DE LA ASIGNATURA

OBJETIVO(S) GENERAL (ES)

 Que el estudiante conozca y comprenda la naturaleza del fenómeno cinematográfico.

UNIDAD II El alumno conocerá y entenderá las dimensiones dentro de las

UNIDAD III El alumno dominará y aplicará el lenguaje cinematográfico,

UNIDAD IV 1.De la idea al Guión, 2.Producción,

1.1 Delimitación del conceptos,

El cine no es un trozo de vida, sino un pedazo de pastel.

Alfred Hitchcock (1899-1980) Director de cine británico.

Historia del cine

Precine(artefactos y juguetes ópticos antes del nacimiento oficial del cine)

Cine mudo(aparti r del nacimiento del cine)

Cine digital(a partir de la década de los 90s hasta nuestros días)

UNIDAD ACADEMICA DE CIENCIAS JURIDICAS Y SOCIALES UAT.LICENCIATURA EN CIENCIAS DE LA COMUNICACION. MATTERIA

El ser humano siempre se ha preocupado por captar y representar el movimiento.

Utilizada ya en el siglo XVI, la "cambra obscura" permitía la proyección de

De la misma manera que, un siglo después, la linterna mágica sería la precursora

Ya tenemos, pues, los tres elementos que constituirán el cinema: la persistencia de

En muchas salas de diversión se instalaron los llamados Kinetoscopios de Edison,

UNIDAD ACADEMICA DE CIENCIAS JURIDICAS Y SOCIALES UAT.LICENCIATURA EN CIENCIAS DE LA COMUNICACION. MATTERIA

Primeros juguetes ópticos

PRECURSORES DEL CINE

Utilizaba la luz para proyectar imágenes secuenciales de un disco de cristal, produciendo la

Muybridge registró por primera vez el movimiento de un animal en forma de secuencia

THOMAS ALVA EDISON

Tras varias condecoraciones en USA, Francia y el reino Unido, murió en 1931

y el paso de los fotogramas con estricta regularidad.

Auguste Lumière (1861-1954), efectuó investigaciones médicas y biológicas sobre las

Louis Jean Lumière (1864-1948), a él se le deben notables trabajos sobre la técnica

A finales de siglo , al exigir sus productos nuevos métodos de fabricación, debieron

El 13 de febrero de 1895 se patentó el “Cinematógrafo”, cámara fotográfica y proyector en un

El número de fotogramas era de 18 por segundo, suficiente para crear la ilusión de

Las primeras películas de cine

Tras la aparición del cinematógrafo una multitud de inventores se lanzaron al

Películas de los Hnos. Lumière

El 22 de Marzo de 1895 los Lumière presentaron su primera

película “La salida de los obreros de la fábrica Lumière” ante

la “Sociedad de promoción de la Industria nacional” en París.

Mas tarde siguieron proyecciones en lugares oficiales, hasta

su proyección pública el 28 de Diciembre.

Sus primeras películas tuvieron un carácter documental:

“La salida de la fábrica...”

“La llegada del tren a la estación de La Ciotat”

“La comida del bebé” y la primera película de

ficción: “El regador regado” (a la derecha)

En 1897 apareció el primer catálogo de películas

contenía 358 cintas diferentes , de hasta 17 mts.

George Méliès (1861-1938) estudió en París y

Londres antes de incorporarse a una industria

familiar. Poco después compró el teatro Robert

Houdin para representar espectáculos.

Se hizo director, productor, guionista, escenógrafo e incluso actor ocasional. Entre

Entre sus obras más famosas están:

“El caso Dreyffus” en 1899 sobre un tema de actualidad política

“El hombre de goma”o “El hombre orquesta”

en ambas Méliès es el protagonista