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Neoclassicismo: Nel neoclassicismo si recuperano e si applicano le forme e modelli della

classicità Greca e romana.


Gli effetti il neoclassicismo sulle arti furono rilevanti in particolare in architettura dov'è si
recupera l'essenzialità delle forme antiche liberandole dalla pesantezza decorativa in posta
dal gusto del secolo precedente ovvero del Barocco. Si recupera inoltre l'idea dell'edificio
non tanto in funzione monumentale, quanto nella riscoperta della sua utilità sociale, gli
architetti pongono attenzione sugli edifici come i palazzi civili e i luoghi di ritrovo teatri e
caffè. Nasce l'urbanistica, le due città prese in esame sono Milano con Giuseppe Piermarini
e Roma con Giuseppe Valadier.
Giuseppe Piermarini fu nominato Imperial Regio architetto con l'incarico di riorganizzare,
controllare l'assetto urbanistico e architettonico della città.
Opere:
● Palazzo Ducale
● La facciata del palazzo del principe Alberico di Belgioioso
● Teatro della Scala.
Giuseppe Valadier venne nominato architetto dei sacri Palazzi il lavoro sotto il regime
francese dalla fine del Settecento fino agli anni trenta della restaurazione.
Opere:
● Torre sulla testata di Ponte Milvio
● Coffee House
● la sistemazione di Piazza del Popolo Che impegni ho Valadier dal 1793 fino al 1834
(introdusse delle sedute semicircolari 4 nuovi Palazzi,crea una piazza trapezoidale
e inserire due Ampi emicicli.
Luigi Canova
Massimo protagonista del Neoclassicismo europeo, compila apprendistato a Venezia dove
studiò l'arte antica attraverso i calchi di collezionisti privati. i suoi primi lavori sine scarno su
schemi berniniani e su un attento studio del vero propose un'interpretazione semplificata
sugli schemi di bellezza e di grazia propugnati da Winckelmann.
Opere:
● il Teseo trionfante sul Minotauro
● Amore e Psiche
● Ebe di Forlì
● Paolina Borghese come Venere vincitrice dove trae spunto dagli archetipi antichi
ovvero dal sarcofago degli sposi e dalla tradizione pittorica veneziana ( Giorgione, La
Venere dormiente e Correggio, Danae.
● monumento funebre di Maria Cristina d'Austria
● Ercole e Lica

Thorvaldsen
● Fregio di Alessandro (da destra verso sinistra irrompe la marcia trionfale dei
Greci e da sinistra verso destra l'incedere patato dei Babilonesi).
Alessandro Magno risulta molto meno dinamico è più stilizzato.

Jacques Louis David


Compì la sua svolta artistica dopo il viaggio a Roma.Affascinato dalla
personalità di Napoleone divenne il pittore ufficiale dell'imperatore.
Opere:
● Il giuramento degli Orazi
● La morte di Marat
● Le Sabine.
Preromanticismo Francisco Goya
Si forma in ambiente illuminista e rimane indifferente modelli antichi, anticipa il
Romanticismo.
Dalle prime opere si nota il riferimento a Tiepolo e lo si nota dai colori chiari e dai soggetti
legati alla vita campestre e mondana e dalla tecnica caratterizzata da larghe pennellate.
Opere:
● Il parasole
● 3 maggio 1808 duepunti fucilazione alla montana del principe
Pio ( Goya propose al consiglio della Reggenza di dipingere i
momenti più eroici della Resistenza spagnola)
● 2 maggio 1808 o La carica dei mamelucchi ( Goya illustro la
disperata Resistenza di madrileni all'invasione delle truppe
napoleoniche)
Nel 1792 l'artista Fu colpito da una malattia che lo rese sordo questa sua condizione lo
porta a nuove soluzioni stilistiche.
● Il sonno della ragione genera mostri.
Heinrich Fussli
Osservando le opere antiche avverti sentimenti simili allo sgomento.
Opere:
● l'artista commosso dalla grandezza delle Rovine.
● L'incubo.
Romanticismo
Il romanticismo attribuito un valore fondamentale al sentimento inteso come manifestazione
della soggettività dell'artista.
Viene data preminenza alla natura è compito dell'artista non è soltanto quella di imitarla.
vi è un denominatore comune all'interno del movimento romanticico, lo dividiamo in tre parti
l'ambito tedesco, l'ambito inglese,quello francese e italiano con il Romanticismo storico.
Ambito tedesco: Friedrich
Opera
● Monaco in riva al mare
Nella cultura tedesca di eta romantica il sentimento della natura è connaturato al senso
profondamente mistico.
Nelle opere di Friedrich l'uomo viene dipinto sempre da solo e si pone indifeso di fronte a
qualcosa che è più grande e più vasto di lui.
Ambito inglese: Constable e Turner
Gli artisti inglesi si rifanno alla grande tradizione del paesaggio olandese del 600,riprendono
il paesaggio olandese e si evince dalle osservazioni del dato di natura, dalla resa degli
effetti atmosferici sulla tela e dalla ripresa della Tecnica d'olio importata dall'Olanda.
Con Constable vi è la ricerca della rappresentazione semplice e autentica della realtà.
Opera:
● Il Mulino di Flatford (vi è il primo tentativo di fornire su una grande tela, la
documentazione realistica delle osservazioni compiute metodicamente per tanti anni
lungo il fiume Stour.
Nell'opera di Turner invece protagonista assoluta è la luce che trasfigura il paesaggio. Il
concetto di sublime che è un concetto opposto a quello di pittoresco in quanto il sublime non
è ordine, non è proporzione, non è razionalità ma è sentimento, è paura, pericolo e fa creare
degli scenari quasi surreali, fantastici, fuori dalla nostra visione oggettiva della realtà.
Opera:
● L'incendio alla camera dei Lords e dei comuni.
Ambito francese: Corò
Nella pittura di paesaggio francese non compaiono le tendenze simboliste e fantastiche che
invece avevano caratterizzato buona parte della pittura inglese e quella tedesca.
La pittura di paesaggio francese infatti rimane solidamente ancorata all'osservazione e alla
descrizione del vero della realtà.Curò inizia i suoi studi della natura all'aperto la cosiddetta
natura en plein air dove vi è importanza data alla luce È il colore è dato a larghe macchie
che sarà caratteristica principale dei Macchiaioli .
Opera:
● Il ponte di Narni.
Romanticismo storico
Il romanticismo francese storico è legata strettamente al crollo dell'impero Napoleonico,i
rappresentanti sono Gericault e Delacroix
Gericault: opera: La zattera della medusa (La scena si ispira un naufragio della fregata
Meduse. La struttura compositiva dell'opera è organizzata secondo una diagonale che un
moto ascensionale culmina nel giovane che agita gli stracci perché ha vista in lontananza
una nave.
Delacroix: opera:La libertà che guida il popolo ( si ispira all'insurrezione di Parigi del
1830 e del icona politica della pittura moderna, il simbolo della Libertà non è idealizzato, ma
veste i panni di una popolana con il berretto frigio e Il tricolore repubblicano), la
composizione del quadro è piramidale ed ascensionale, nel dipinto via lo stesso Delacroix.
In ambito italiano abbiamo la figura di Francesco Hayez.
In Italia chi laborano soggetti di forte contenuto morale e civile A temi medioevali per
esprimere speranze che invece riguardano gli ideali contemporanei Questo a causa della
forte censura.
Opera: Pietro Rossi chiuso dagli scaligeri nel castello di Pontremoli (Richiamo al tema
medioevale tratto dalla storia della repubbliche italiane di Sismondi come metafora per
esprimere speranze e ideali contemporanei, il personaggio è Pietro Rossi colto Nel
momento in cui si dibatte tra il senso del dovere, l'amore per la Patria e gli affetti familiari).
Nazareni e puristi
Principale esponente dei Nazareni è Friedrich Overbeck di cui ricordiamo Italia
Germania, dipinto di chiara ispirazione modelli quattrocenteschi italiani e tedeschi
simboleggia l'unione fraterna fra due nazioni allora sottomesse alla Francia.
Il movimento futurista italiano rappresentato da Tommaso Minardi, nell'opera Madonna del
Rosario ripropone un soggetto religioso di derivazione raffaellesca. Tutti i puristi italiani sì
richiamano all'iconografia religiosa soprattutto Mariana.
Gli impressionisti
Il movimento impressionista nacque in Francia intorno al 1870 a partire da questa data le
esperienze di Degas, Monet, Renoir e per certi aspetti anche Manet vengono definite dal
denominatore comune impressionista.Questi artisti incontrarono grande difficoltà ad essere
accettati al Salon ufficiali parigini e nel 1874 a Parigi si apre presso lo studio del fotografo
Nadar una mostra alternativa. I pittori vengono derisi dai critici e dal pubblico e vengono
definiti impressionisti.
Il modo di dipingere degli impressionisti è diverso da quello tradizionale:
● Dipingono en plein air
● il disegno viene completamente abolito
● esclusivo interesse di chi dipinge impressioni e lo studio dei colori e della luce.
I pittori impressionisti osservano che la luce, a seconda delle diverse ore del giorno e della
sua intensità, modifica continuamente il colore degli oggetti e della natura, per raggiungere
questo risultato, adottano una particolare tecnica pittorica: spendono i colori sulla tela in una
serie di macchie Edit occhi rapidi che, visti da lontano, danno il senso della vibrazione e dei
cambiamenti dell'atmosfera. le ombre non vengono più rese con il nero o con il grigio, ma
attraverso gradazione di colore .
Eduard Manet:
Opere:
● Le déjeuner Sur l'herbe
● L'Olimpia
Manet non è mai stato e non si può definire un pittore impressionista ma fu colui che anticipo
alcuni elementi che poi furono caratterizzanti la pittura impressionista.
Nell'opera Le déjeuner Sur l'herbe l'esecuzione pittorica è priva di solidità prospettica, le
figure si presentano come zone di colore piatte senza passaggi chiaroscurali, non vi è
distinzione tra luce e ombra esistono solo macchie che si giustappongono le une alle altre
.La natura morta in primo piano accostata vicino ai soggetti sembra una sorta di Collage.
Nell'opera l'Olimpia viene a mancare qualsiasi tentativo di idealizzazione poiché Manet
Vedrai una donna nuda con aria maliziosa e una posa non pudica. Nel mazzo di fiori si rivela
invece il tratto impressionista poiché da vicino sembra un insieme di macchie disordinate di
colore, in lontananza invece acquistano un grande effetto di realismo.
Manet inizio a frequentare il gruppo di pittori poi chiamati impressionisti e da lì vicino alla
pittura en plein air e lo si può vedere dai colori schiariti nel dipinto “ in barca ad Argenteuil”.
Claude Monet
È il pittore che con Maggiore radicalità applicato il principio del en plein air, dimostrò che i
contorni in natura non esistono e che i colori delle cose si influenzano reciprocamente nelle
parti in cui si trovano più vicini. per Monet e di fondamentale importanza lo spostamento
sistematico dal che cosa ovvero il soggetto al come il modo di dipingere, questa sarà una
caratteristica comune a tutti gli impressionisti.
Opere:
● Impression, soleil levant
● Donne in giardino
● Cattedrale di Notre Dame Rouen
Nel dipinto impression, si differenzia da Manet poiché il colore è dato con delle brevi
pennellate e anche molto veloci, ciò che interessa all’'artista non è tanto quello di
rappresentare una veduta sul fiume Tamigi, ma quello di rappresentare il come è
rappresentato.L'oggettività del soggetto è superata dalla volontà di trasmettere attraverso il
dipinto le sensazioni provate osservando l'Aurora, l'impressione di un attimo. c'è il
giustapposto di colori caldi a quelli freddi.
Nel biennio 1892-93 Monet realizza la serie di 50 tele tutte dello stesso formato, dedicata
alla cattedrale di Rouen.Monet indaga e riproduce il variare della luce sull'architettura, In
rapporto ai diversi punti di vista e alle ore di osservazione. il pittore osserva che ogni minuto
la luce cambia, il nostro modo di essere cambia e per questo è diverso anche il nostro
rapporto con la realtà. Per gli impressionisti niente è immobile, così da poter essere fissato
sulla tela in modo definitivo, non possiamo avere immagini fisse e certe della realtà, ma solo
ricavare impressioni, che si succedono nella memoria. i colori pastosi e luminosi della pittura
di Monet sembrano sciogliere, dissolvere la solidità delle pietre in un abbagliante foschia,
ottenendo particolari effetti di luce.
Camille Pissarro
La sua arte trae spunto dai paesaggi campestri en plain air. Fu il primo ad insistere
sull'eliminazione dei neri e delle terre dalla tavolozza per cogliere appieno la luce naturale.
Nei suoi dipinti non viene mai il senso della forma e della costruzione del paesaggio.
Nell'opera entrata nel villaggio di Voisins le abitazioni in lontananza conservano una
definitiva volumetria che sarà una delle ragioni profonde della sintonia con Paul Cézanne.
Edward Degas
È molto abile nel ritrarre soggetti movimento, i suoi temi preferiti sono le ballerine di danza
classica e le corse di cavalli. Spesso le sue composizioni sono tagliati in modo molto nuovo,
come come se fossero fotografie.
Usa il pastello perché rendeva più luminosi i suoi dipinti e gli dava modo di renderli più
sfumati, a differenza degli altri impressionisti l'artista amava dipingere nel suo atelier dopo
uno studio preliminare del disegno.
Pierre August Renoir
Il periodo impressionista di Pierre August Renoir comincia a partire dal 1865 quando,
insieme al suo amico Monet sperimenta la pittura en plein air nella foresta di Fontainebleau.
Opere:
Il ballo al Moulin de La Galette:
la scena è ambientata in un locale Parigino alla moda, sulla collina di Montmartre.
studiò dal vivo i comportamenti le luci e i colori.
la luce proviene dall'alto e attraverso le foglie degli alberi colpisce gli oggetti e le persone
determinando macchie luminose. Il quadro è diviso in due parti creando due triangoli, i bordi
sono tagliati di netto prolungando la scena al di fuori della tela.
Intorno agli anni 70 dell'Ottocento Parigi diventa un polo di attrazione per molti artisti
europei, Vi si stabilirono anche alcuni pittori italiani tra cui Giovanni Boldini e Federico
Zandomeneghi .
Nell'opera di Federico Zandomeneghi “ Place danvers” si nota la strada che sembra
piena di coriandoli data dall'effetto di macchie accostate.
Giovanni Boldini che si concentra su un attenta introspezione psicologica caratterizzata da
un tocco rapido della pennellata e dai colori squillanti come nell'opera ritratto di Madame
Charles.
Simbolismo
Nasce in contrapposizione al realismo, con l'obiettivo di penetrare al di là delle apparenze
del reale. Per gli artisti simbolisti la realtà autentica non va individuata nell'esistenza
oggettiva delle cose ma nelle idee; per i simbolisti l'essenza dalle realtà non sta in ciò che si
vede con gli occhi ma in ciò che si percepisce con l'anima.
Anticipatore di questa concezione fu il francese Gustave Moreau e Arnold Bocklin.
Tali caratteri sono evidenti nell'opera di Moreau “l'apparizione” dove il tema di Salomè è
trattato la maniera drammaticamente immaginativa, la testa decollata di Giovanni Battista
sospeso a mezz'aria.
Arnold Bocklin nell'opera “L'isola dei morti” Il Barcaiolo evoca l'immagine di Caronte che
conduce defunti nel luogo del riposo eterno, ma l'aldilà non è un luogo di redenzione ma
diventa una discesa negli inferi della propria interiorità.
Tratti simbolisti si riscontrano anche nelle nelle opere di Paul Gauguin, mentre In Inghilterra
il simbolismo si lega l'idealismo romantico degli Artisti preraffaelliti assumendo toni
sensuali e onirici in cui la bellezza si fonda.
con la malinconia.
Il simbolismo attecchisce anche in Italia, con Giovanni Pellizza da Volpedo trova ispirazione
nelle rivolte operaie e contadine per realizzare opere che traducono sotto forma i simboli i
problemi politici del tempo ( opera il quarto stato).
Altri pittori simbolisti furono il gruppo della scuola di Point Aven,tali artisti guidati da Paul
Gauguin furono Emil Bernard,Cercavano il significato simbolico della natura, degli oggetti
delle linee e dei colori Dando spazio all'immaginazione all'idea, si potevano attribuire alla
realtà dei valori immaginari, così gli alberi diventavano rossi, le ombre verdi, Il prato blu e
così via.
Art and Craft
In Gran Bretagna,Come reazione contro lo stato di impoverimento delle arti decorative del
tempo.
Guarda al passato, alla tradizione artigianale medievale Con la creazione di forme semplici
riprendendo decorazioni, stili romantici e decorazioni popolari il movimento si contrappone al
nascente metodo di produzione industriale il principale artefice è William Morris .
Nabis= dalla parola ebraica per profeti.
Furono un gruppo di artisti parigini dell'avanguardia post-impressionista.
Apprezzano gli impressionisti per aver messo in primo piano l'esperienza sensoriale ma si
spingono oltre Si allontanano ulteriormente dal l'imitazione della realtà. Elementi della natura
e le figure umane vengono progressivamente stilizzate, le linee deformate per accentuarne
l'espressione è l'effetto decorativo, i colori stesi puri e piatti,la profondità della composizione
ridotta al minimo senza prospettiva geometrica proprio come nelle stampe giapponesi che
avevano sedotto l'immaginario artistico occidentale del tempo.
L'ultimo decennio dell'Ottocento è segnato da: le secessioni nei centri di Monaco, Vienna e
Berlino, dove non vige uno stile unico, ma prevalgono modelli di derivazione post
impressionista e simbolista.
A Monaco, la tendenza antinaturalista del nuovo stile si manifesta nelle composizioni di
Franz von Stuck Interprete di una linea simbolista influenzata dall'opera di Bocklin.
Franz von Stuck aveva ripreso da B. l'idea della natura come luogo di misteri e di forze
elementari lo possiamo vedere nell'opera il peccato.
A Vienna, Klimt guida una ricerca che coniuga pittura, arti decorative e architettura.
Il fregio di Beethoven è sviluppato su tre pareti del palazzo della Secessione a Vienna,
rappresenta la condizione umana nel cammino dal dolore verso la felicità ed è ispirato al
concetto di opera d'arte totale di Wagner. Da sinistra le sofferenze della debole umanità
sono in preghiera di fronte al forte Cavaliere armato con passione e orgoglio come forze
interiori, spingono il cavaliere ad intraprendere la lotta per la felicità. Da sinistra le tre
Gorgoni malattia, follia e morte,Il Gigante tifeo e le sue figlie, Lussuria impudicizia e
intemperanza e il dolore struggente.All'elemento maschile il forte Cavaliere corrisponde nella
parte di fronte la figura femminile che ritrae la poesia che nell'attesa suona la lira. Da sinistra
le arti ci guidano nel regno ideale, Il coro degli angeli del paradiso, l'abbraccio tra il forte
cavaliere e la poesia. La scena finale è inserita in un giardino con spazio di rose.Cavaliere
alla fine è spogliato della sua corazza e abbraccia la sua amante.
Della Secessione di Vienna fa parte anche un gruppo di artisti guidato da Otto Wagner, il
suo esplicito messaggio di Rinnovamento fu quello di ritenere inadeguata limitazione degli
stili del passato perché non rispondono alle esigenze di semplicità ed unità che devono
essere a fondamento dell'architettura moderna. le stazioni della metropolitana viennese
sono edifici funzionali in cui la forma è segnata dall'uso di nuovi materiali quali ferro e
dall'inserimento di elementi decorativi in pietra e stucco o fasce di maiolica colorata.
Fa parte anche della Secessione viennese Olbrick ,nel palazzo della Secessione si
possono notare spaziose sale espositive, coperte da lucernari vetrati, preceduto da un
avancorpo in cui si apre un massiccio parallelepipedo che sorregge una cupola sferica
traforata in metallo dorato. Ricordiamo anche Josef Hoffmann con Palazzo Stockett dove
si vede una sintesi di architettura e artigianato.
Divisionismo italiano
Il divisionismo un fenomeno artistico italiano, nato alla fine dell'Ottocento.La tecnica del
divisionismo è simile a quello del puntinismo Francese, ma i punti sostituiscono linee sottili di
colore. Ricordiamo Gaetano Previati “maternità”.
Secessione di Berlino Edvard Munch
L'opera più rappresentativa di questo autore è l'urlo. Il titolo è significativo: non indica
qualcosa che sta accadendo, nel luogo ma l'espressione interiore attraverso il grido.Il grido
Non è l'articolazione logica di un pensiero o di un sentimento in parole ordinate
sintatticamente; Il grido è la reazione istintiva l'urlo originario primordiale.Il cielo è striato di
un rosso intenso molto drammatico.L'uomo ha un aspetto sinuoso è molle tanto da far
pensare ad uno spirito. la testa è calva, gli occhi hanno uno sguardo allucinato è
terrorizzato. il naso è assente mentre la bocca si apre in uno spasmo innaturale. L'ovale
della bocca è il vero centro compositivo del quadro da esso le onde sonore del grido
mettono in movimento tutto il quadro, agitano sia il corpo dell'uomo sia le onde che
definiscono il paesaggio il cielo. Restano diritti Il ponte e le sagome di uomini sullo sfondo
insensibili a ciò che l'uomo prova.
L'art nouveau indica una breve vivace moda decorativa a parte in Europa e negli Stati Uniti
nell'ultimo decennio dell'Ottocento e si caratterizza per la simmetria e per le linee sinuose e
continue, alle radici di questo stile ci fu soprattutto l'esperienza compiuta nel campo delle arti
applicate dal movimento preraffaellita delle art and Craft che puntava sulla rivalutazione del
lavoro artigianale.
L'art noveau raggiunse in Belgio il massimo sviluppo, il primo suo interprete fu l'architetto
Victor Horta la cui opera di maggior rilievo fu la distrutta Casa del Popolo che presentava la
costruzione in ferro con un andamento curvilineo e elementi decorativi di grande qualità.
in Francia ricordiamo le 141 stazioni della metropolitana parigina di Guimar dove i principali
elementi strutturali sono in ghisa dipinta di verde in vetro e ceramica.
A Barcellona Gaudì compose casa Milà:vasto edificio di abitazione che si sviluppa su una
superficie irregolare con due cortili mistilinei all'interno.
in Italia lo stile dell'art Nouveau venne chiamato , i suoi centri di diffusione furono Torino
Milano, Firenze, Bologna palazzo Castiglioni di Giuseppe Sommaruga.
Neoimpressionismo- Signac- Seraut
Seraut: opere:Bagno ad Asnieres e Domenica alla grande jatte.
Il tema del soggetto ripreso all'aperto deriva dagli impressionisti, però la differenza consiste
nel fatto che i personaggi sono stati ritratti stati ritratti dell'artista in una posa innaturale
sembrano dei manichini,sono immobili, fissi ad osservare qualcosa. Searaut utilizza la
tecnica del puntinismo ovvero il dipinto è stato realizzato da una serie di puntini colorati
Inoltre l'impianto compositivo è rigorosamente geometrico e si basa sul disegno
preparatorio.
S.si distingue dagli impressionisti soprattutto per una metodica ricerca di fondamenti
scientifici della pittura ripresi dagli studi del chimico Chevrel che lo portano a ridurre la
tavolozza a 4 colori fondamentali il blu Il rosso il giallo e verde.
Signac
Dopo la morte di Seraut l'erede della pittura neoimpressionista fu Paul Signac, molto
decorativo anch'esso realizza la tecnica del puntinismo.
Post impressionismo Paul Cézanne, un Gauguin è Vincent Van Gogh
Gli artisti che operano negli ultimi decenni dell'Ottocento si formano inizialmente in ambienti
impressionista,Dopo la crisi del movimento con l'ultima mostra del 1886 però se ne
allontanano cercando nuove strade.
Paul Cézanne A differenza degli impressionisti non si limita a riprodurre l'impressione che
riceve dalla realtà. lui, infatti Cerca di compiere un'operazione di tipo mentale Indaga la
realtà e la scompone in forme e colori. Cesana è convinto che ogni oggetto corrisponda a
una forma geometrica. nelle sue opere Il disegno è in parte recuperato, ma il colore prevale
sempre Cézanne scompone quindi le forme, semplificando le geometricamente, chi osserva
le sue opere deve ricostruire le forme mentalmente nel suo pensiero. Solo così secondo
l'artista si può arrivare a capire le vere dimensioni delle cose e loro volumi, questi pensieri
avranno grande importanza per tutta l'arte del 900 in particolar modo per il movimento del
cubismo.nell'opera i giocatori di carte le due figure Sembrano dei manichini inanimati inoltre
la giacca sembra pezzata non finita, in realtà volutamente ha steso il colore in questa
maniera proprio per rendere l'immagine stessa una forma geometrica, i due cappelli in
particolare quello di sinistra sembra un cilindro.
Nel dipinto la montagna di Saint Victoire vi è il tentativo da parte di Cezanne di rendere
attraverso il colore la presenza dell'aria.La profondità è senza prospettiva geometrica, ma
creata tramite i colori l'aria e il cielo assumano anche i colori delle case degli alberi Ovvero
se San affermava che la montagna non deve essere necessariamente marrone o verde ma
nasconde anche altri colori perché sulla montagna si riflette la luce del sole, delle nuvole e
questo crea delle cromie differenti è come se l'autore ci volesse dare un'ulteriore lettura di
quello che l'occhio umano non riesce a percepire.
Opera: le grandi bagnanti, la scena si svolge in una radura, dove un gruppo di 14 donne si
concede un momento di svago dopo il bagno al centro della composizione tra due rami che
si toccano formano la parte superiore di un triangolo, nelle due versioni precedenti lo spazio
vuoto in basso era occupato da un cagnolino e da una natura morta.
Henri de toulouse-Lautrec
Come molti artisti del suo tempo descrisse l'ambiente di Montmartre, un quartiere alla moda
di Parigi con i suoi Bari teatri le sale da ballo.Ritrasse soprattutto il mondo dei bassifondi. un
artista di passaggio tra l'impressionismo e l'arte del primo Novecento, mantiene il segno
rapido degli impressionisti, aggiungendovi però un accentuato uso della linea, con forme
stilizzate e spesso caricaturali particolarmente significativa e la sua produzione grafica
finalizzata alla realizzazione di manifesti pubblicitari per spettacoli teatrali e di cabaret.
Vincent Van Gogh
Il trasferimento a Parigi 1886 al 1888, segnò un radicale rinnovamento stilistico determinato
dalla diretta conoscenza degli impressionisti e dei post impressionisti. per la trasformazione
dei suoi modi furono decisivi l'esempio di Gauguin organizzati per ampi campi di colore e di
linearismo, tipico della grafia grafica giapponese.
Trasferitosi ad Arles in Provenza, i diversi stimoli Parigini si fusero in una pittura che ormai
aveva raggiunto una propria maturazione ed originalità fondata sulla forza del segno è sulla
assoluta libertà dell'uso del colore.
L'artista realizza diverse varianti del celebre dipinto La camera da letto.Tutti gli oggetti
Hanno un valore simbolico e sono rivolti verso l'interno, dando l'idea di un ambiente protetto.
la finestra socchiusa che non permette a nessuno di entrare come se van Gogh avesse
voluto creare un ambiente che lo proteggesse. in quest'opera si nota la serenità luce vince
dai colori che sono chiari e dal tratto della pennellata che risulta applicata in maniera
levigata e non con pennellate pastose e spesse dell'ultimo Van Gogh.
Campo di grano con corvi Può essere considerato il testamento artistico e spirituale
dell'artista poiché si è persa ogni nota Gioiosa e la tela è dominata da un'atmosfera Cupa
caricati presagio i colori gialli e blu sono sovraccarichi e spesi con una pennellata spigolosa
emerge la parte tormentata.
Paul Gauguin
Nel 1886 si trasferisce in Bretagna, a Pont-Aven dove incontra il pittore Emile Bernard, le cui
opere sono costruite attraverso ampie campiture di colore dai contorni marcati, con un
effetto visivo privo di profondità è molto decorativo, assimilabile a quello delle vetrate
medievali e degli smalti l'esperienza in Bretagna lo porta l'elaborazione del sintetismo.
nell'opera la visione del sermone ( Giacobbe che lotta con l'angelo) Si delinea un linguaggio
sintetista- simbolista, evidente l'influenza dell'arte giapponese, anche nel tronco del Melo
Che dice Ca il dipinto, scendendo la realtà dal sogno.
la ricerca del Primitivo, dell'esotico e del incontaminato, ispira i successivi sul giorni di
Gauguin a Tahiti, nell'opera Ave Maria, il dipinto Mostra una visione da Eden.
L'opera è ispirata al tema Cristiana della Madonna con il bambino adattato ad un ambiente
totalmente diverso da quello occidentale, un ambiente esotico e primitivo.
I colori utilizzati da Paul Gauguin sono simbolici ovvero non servono a rappresentare la
realtà, ma ciò che il pittore sente. usa sempre i colori molto accesi e non naturali, creando
superfici piatte e bidimensionali, senza fare uso di ombre e di Chiaroscuro.
Architettura funzionale
Si fonda nell'opera teorico didattica di Walter Gropius Al Bauhaus E nell'attività di Mies van
der Rohe, dall'altro nel l'opera teorica e pratica di Le Corbusier, assumendo la fisionomia di
una corrente di importanza internazionale e determinante per gli sviluppi dell'architettura
occidentale.
il Bauhaus o casa della costruzione fu fondata nel 1919 a Weimar in Germania da
Gropius,non era solo una scuola d'architettura, ma anche una scuola d'arte applicata dove il
mutato rapporto tra docente e allievo veniva sostituito è un rapporto collaborativo e paritetico
punto Tale impostazione sebbene basata essenzialmente sul piano artistico, allarmò i
conservatori e nel 1925 il Bauhaus di Weimar fu chiuso. Dopo il trasferimento della scuola a
Dessau progetta i nuovi edificio della bauhaus.
i principi della nuova architettura razionalista si basa sul principio per cui la forma si adegua
alla funzione punto le due principali regole progettuali volte a garantire chiarezza
compositiva, qualità d'uso e minori costi di realizzazione erano: il principio modulare ovvero
per razionalizzare gli spazi è necessario utilizzare un unità di misura costante, il modulo, su
cui verranno definiti, per multipli e sottomultipli, gli ambienti, le aperture, le finiture eccetera
Inoltre la standardizzazione e la prefabbricazione. è necessario produrre in serie le parti di
cui si compone l'edificio. moduli prefabbricati e componibili consentono una notevole
diminuzione dei costi e rapidità di costruzione.
I cinque punti dell'architettura moderna nel 1927 Le Corbusier pubblica un documento in cui
mette a punto di un CP funzionalisti del costruire racchiusi nei 5 punti di una nuova
architettura li possiamo verificare in numerose costruzione del lui progettate ad esempio
nella villa Savoje.
1 punto: la casa va collocata su pali di fondazione: piano terra si trasforma in uno spazio
aperto, eliminando zone buie e umide punto; il giardino passa sotto l'edificio.
2 punto: la struttura consente di liberare la facciata da compiti di struttura portante punto la si
può così rivestire liberamente ovvero la facciata libera.
3 punto: finestre continue. la struttura in cemento armato e la facciata libera consentono di
inserire finestre continue lunghezza a nastro che circondano l'edificio, dando più luce e aria
agli interni.
4 punto: la rimozione di pareti divisorie e muri portanti grazie a struttura in acciaio e cemento
armato, libera uno spazio all'interno, da organizzare a piacere.
5 punto:Terrazza sul tetto, basta tetti spioventi: tetto piano, a terrazza, è reso accessibile ed
utilizzabile come Solarium, campo sportivo, piscina o giardino.
Lioyd Wright
Casa sulla cascata: È collocata in prossimità di un corso d'acqua, right era influenzato
anche da razionalismo europeo e definire con chiarezza i diversi volumi, distinguendoli uno
dall'altro ma nell'organizzazione costruttiva dell'edificio a seconda la natura circostante:
appare quasi privo di forma definita, con diversi corpi assestanti e ampie parti a sbalzo punto
il rapporto con la natura si manifesta anche nelle finestre continue non sono individuabili
facciate principali né secondarie, e ogni piano ha una pianta diversa, pur in uno sviluppo
organico, Nella composizione prevale una sofisticata ricerca asimmetrica.
Pittura Naif
Il termine Naif è di origine francese tradotto in italiano ha il significato di ingenuo, primitivo.
Con pittura naif, si identifica una pittura che mette in risalto una creatività istintiva, non
sorretta da una vera e propria formazione scolastica o professionale. gli artisti che praticano
questa pittura, non si collocano all'interno di correnti artistiche e di pensiero. Essi si
collocano spesso in un mondo fantastico punto questi artisti non seguono regole dell'arte,
me loro istinto e vogliono solo rappresentare quello che la loro anima suggerisce.
espressionismo
Il termine espressionismo cominciò a circolare in Germania dal 1905, per indicare Una
tendenza pittorica contrapposta all'impressionismo.
comprende due fenomeni, simili ma non privi di sostanziali differenze filosofiche ed
estetiche, l'espressionismo francese= Fouves e la Die Brucke a Dresda e il Blaue Reiter a
Monaco.
Il gruppo espressionista francese dei Fauves espose a Parigi al Salon d’Automne nel 1905.
il termine fauves ( belve) deriva dal critico d'arte Louis Vauxcelles, il quale visitando la
mostra e scorgendo una scultura di gusto rinascimentale in mezzo a dipinti dai colori
talmente violenti, esclamò: Donatello tra le belve.
Uno dei pittori più rappresentativi dei Fouves è Matisse. pur nascendo dall'impressionismo,
riesce presto a liberarti dal l'imitazione della natura per esprimere ciò che vede e sente per
mezzo della stessa materia pittorica. si avvicina alla lezione di Cezanne da cui impara il
senso della composizione e di Signac che gli insegna il luminismo derivante dalla posta
mento dei colori puri. il puntinismo portò Matisse ad usare i colori giusta posti, prima in
trattini e poi per larghe zone. oltre ai corpi Matisse semplifica anche lo spazio, i suoi ambienti
interamente rossi perdono profondità e prospettiva Perché tutte le superfici sembrano
fondersi tra di loro evidente sia in stanza rossa che in studio rosso.
Die Brucke (Il ponte) Una comunità di giovani artisti fondata a Dresda, in Germania, nel
1905 e che ufficialmente protrae la sua esistenza fino al 1913.
ni gli ambiziosi intenti dei suoi promotori, imbevuti della filosofia di Nietzsche, il gruppo
vuole porsi come l'ideale ponte tra vecchio e nuovo.
Prediligono atmosfere cupe e drammatici caratteri esistenziali.
Kirchner: in scena di strada berlinese, L'opera è ambientata nel centro della vita notturna a
Berlino e ritrae delle ammaliatrici i cui tratti sono caratterizzati da volti allungati e imbellettati,
hanno contorni taglienti dove è possibile riconoscere chiare influenze dell'arte primitiva come
se inquietanti maschere. Tutta la composizione si caratterizza da un apparente rapidità di
esecuzione che ne sottolinea il movimento caotico alle spalle dei quattro personaggi.
Heckel Fratello e sorella si notano gli occhi perduti nel vuoto e lo smarrimento e si
evidenzia il dramma interiore.
In architettura l'espressionismo si rivela per una forte tendenza alla semplificazione e all'uso
di nuovi materiali come il vetro ne è l'esempio Bruno Taut casa del vetro.
Cubismo
Partendo dall'arte primitiva e della pittura di Cezanne, nel 1907 lo spagnolo Pablo Picasso il
francese Georges Braque danno vita al cubismo. il termine, nato con significato spregiativo,
deriva dalle particolarità figurative delle loro opere: Le forme della realtà sono analiticamente
scomposte e ricomposte secondo tagli geometrizzanti i punti di vista diversi punto l'intento è
quello di elaborare, sul piano della tela, la rappresentazione della realtà tridimensionale degli
oggetti e delle loro relazioni con lo spazio e con il tempo.
nel cubismo delle origini le forme vengono semplificate, ridotte a volumi geometrici
schematici, tutto è ridotto a forma geometrica e la gamma dei colori è limitata, ridotta al
verde e alle Terre.
nel cubismo analitico tra il 1910 e 12 gli oggetti appaiono scomposti mediante la
sovrapposizione di piani. l'immagine risulta così spezzata da linee spigolose e si ha la
sensazione che gli oggetti siano stati osservati contemporaneamente da più punti di vista. il
colore è quasi monocromo: prevalgono i Grigi e il marrone.
cubismo sintetico dopo il 1912 l'oggetto, una volta analizzato Viene ricomposto secondo il
principio della visione simultanea. ora le immagini appaiono più semplificate, i colori sono più
vivaci e contrastati . Viene introdotta la tecnica décollage. Il vero pertanto, si mescola il finto
il reale si unisce alla parte dipinta.
L'opera di Pablo Picasso, Les demoiselles d'Avignon inaugura il linguaggio cubista.
- Le pose sono aggressive
- Prostitute e due giovani uomini inizialmente
- offerta di pere e anguria come riferimento al commercio che le donne fanno di sé
- le due donne al centro sono quelle più riconoscibili
- le altre tre Sono riferite all'arte africana ed oceanica
- Picasso su verde i canoni stabiliti dall' estetica, va volutamente contro il concetto di
bello
- ogni figura sembra dipinta a partire da punti di osservazione diversi.
Braque
Nel dipinto il grande nudo si riconosce il riferimento al primitivismo di Picasso e la
disgregazione formale ma le linee risultano più morbide e tondeggianti.
Nell'opera di Picasso, ritratto di daniel-henry Kahnweiler, l'artista spezie volumi in
incastra le piccole parti, creando un ordinamento spaziale che ricorda le
sfaccettature di una gemma.
Anche in Braque, violino e brocca del periodo analitico, si ha difficoltà a scorgere
le forme, diminuisce man mano che l'occhio dell'osservatore si abitua la forte
frammentazione delle immagini e alla opacità dei colori.
Orfismo
Delaunay fu il promotore dell'orfismo il quale pur ispirandosi alle regole cubiste della
scomposizione degli oggetti, fu interessato principalmente alle ricerche tra i rapporti
del colore con la luce, questi giochi di luce assolutamente nuove in pittura,
suscitarono molta ammirazione e tali ricerche coloristiche, attrassero molti artisti tra
cui Kandinsky e Klee.
Section d'or
La denominazione di section d'or data da Villon alla prima mostra del gruppo
chiarisce l'intento del Movimento impegnato a sostenere la definizione analitica del
cubismo sulla base di regole matematiche e geometriche, tratte dalle speculazioni
rinascimentali di Pacioli sulla sezione aurea o numero d'oro, nozione matematica
sulla quale si basa l'intima disciplina che regola ogni parte dell'opera d'arte.
Futurismo
Nel febbraio 1910 In seguito a un manifesto pubblicato a Parigi su le Figarò dello
scrittore Filippo Tommaso Marinetti, nasce il Futurismo. Una corrente rivoluzionaria
tesa alla negazione di ogni legame con l'arte del passato, per procedere alla
creazione dell'arte del futuro, come espressione della Moderna società urbana e
industriale, dinamica e in continua trasformazione. a questi contenuti corrisponde un
linguaggio plastico rivoluzionario, che nell'opera di Umberto Boccioni e Giacomo
Balla sviluppa, in chiave di rappresentazione del Movimento simultaneo, i principi
della scomposizione cubista.
Gli artisti futuristi esaltano l'automobile, il treno i mezzi di locomozione, come
l'espressione di una nuova civiltà del movimento e della velocità credendo che
attraverso lo studio del movimento si potesse comprendere lo spirito della modernità
nel suo incessante mutamento punto muovendosi, l'oggetto si fonde con lo spazio
circostante, trasformandosi e creando nuove forme.
Umberto Boccioni fu il principale esponente dell'arte futurista, le sue tele descrivono
frammenti di città in piena trasformazione, con cantieri le stazioni ferroviarie le strade
affollate.
Nel dipinto La città che sale, Boccioni rappresenta una metafora della città moderna:
un energia che scaturisce dal suo interno tra oggi e uomini, animali e cose verso un
futuro di progresso punto il titolo dell'Opera allude alla costruzione di nuovi edifici E
infatti rappresenta un cantiere della periferia di Milano duepunti Tuttavia Esso allude
anche al progetto della crescita della città come centro di produzione e di vita.
Nell'opera forme uniche della continuità nello spazio la figura procede in avanti e la
sua ondulazione produce una forma mutevole. Boccioni aveva sviluppato queste
forme, per due anni in dipinti disegni sculture e studi sulla muscolatura umana punto
Il risultato è la rappresentazione tridimensionale di un corpo in azione, simbolo di un
dinamismo anche spirituale e creativo.
Boccioni si avvale della Tecnica divisionista: le figure sono composte da tratti di
colore separato, che l'occhio sintetizza a distanza. le immagini frammentate e
sovrapposte mostrano che Boccioni applicato anche il principio della
rappresentazione simultanea, introdotta In quegli anni dai cubisti punto ogni cosa,
infatti, e vista contemporaneamente da più punti di osservazione e muta nel tempo
punto è come molti quadri cubisti introduce un numero.
Giacomo Balla in ragazza che corre sul balcone, si evidenzia il movimento della
figura che è scomposto In una sequenza di una decina di fotogrammi, che
riproducono la progressiva camminata della figura. la superficie è un mosaico di
tessere brillanti come nella pittura divisionista .
Fortunato Depero in i miei balli plastici osserviamo figure di automi e manichini
dalle forme geometriche semplici cubo, cilindro, cono che si ispirano ai giocattoli a
molla punto lo spazio irreale è riconducibile a quello di un palcoscenico con quinte
sceniche disposte in piani sovrapposti e incastrati tra di loro. i colori vivaci e a tinta
piatta senza sfumature tendono ad annullare l'effetto volumetrico suggerito dalle
ombre.
Astrattismo
Risale al 1910 il primo acquerello astratto di Kandinskij, fondatore dell'astrattismo.
alla tradizionale visione della pittura come strumento di rappresentazione fedele della
realtà, Kandinsky oppone un'idea di pittura come forma di comunicazioni di emozioni
e stati d'animo. Essa è finalizzata, come la musica a esprimere il sentimento
dell'artista, coinvolgendo la sensibilità dell'osservatore, così la pittura deve trovare il
suo modo di esprimersi nelle forme, nei colori e nella loro relazione. numerosi sono
gli esponenti dell'astrattismo punto ricordiamo tra essi L'Olandese Piet Mondrian e lo
svizzero Paul Klee.
Dadaismo
Il dadaismo fu la più radicale tra le avanguardie: nacque in tempo di guerra.
il dadaismo si pone contro la guerra è contro la cultura che l'aveva generata.
partendo da proclami contro L'arte è a favore di una Radicale antiarte, ha
preannunciato tecniche innovative:
- performance
-la scultura fatta di oggetti preesistenti ovvero assemblaggio polirematico
- il fotomontaggio
Il tema unificante del movimento può essere individuato nel caso, unica vera
regola del vivere è unica fonte dell'arte.
Tra gli artisti Dada più significativi ricordiamo Tristan Tzara, Man Ray, Marcel
Duchamp il quale realizza anche i primi Ready made ovvero oggetti d'uso comune,
anche banali e privi di valore estetico, se isolati dal loro contesto immessi in mostra,
assumono un aspetto nuovo e un valore inedito.
Con il Ready made D. dichiarava implicitamente Che l'esecuzione tecnica nell'opera
d'arte non aveva più importanza, mentre diventava fondamentale il processo di
ideazione. egli dimostrava che è sufficiente la scelta è l'idea dell'artista per
trasformare un oggetto banale in un oggetto d'arte: basterà isolarlo, apporvi una
firma ed esporlo in una galleria come nell'opera ruota di bicicletta.
L'astrattismo
l'arte astratta tende ad eliminare qualsiasi riferimento alla realtà. le composizioni
sono fatti essenzialmente di forme e colori, non collegati ad oggetti riconoscibili.
l'elaborazione iniziale di un linguaggio astratto viene attribuita alla artista Russo
Vasilij Kandinskij
Kandinsky Nel primo acquerello astratto del 1910 l'artista compie il primo passo verso
l’astrazione riempiendo la tela di macchie di colore libero, senza prospettiva, senza centro,
senza ordine apparente. Nell'opera del 1923 il caos compositivo diventa sinfonia di forme
geometriche che obbediscono al progetto di una precisa architettura. Ogni punto, triangolo,
cerchio e riga ha un ruolo all'interno di una geometria sofisticata. il colore ora, definisce
forme precise che, insieme, vanno a creare un nuovo mondo che vive solo di se stesso.Lla
realtà della nuova pittura è fatta di linee e punto sul piano come dice il titolo di un famoso
libro del 1926 dello stesso Kandinsky.
Neoplasticismo
il neoplasticismo si basa su un principio del tutto diverso rispetto a quella fermata da
Kandinsky: secondo Mondrian gli artisti olandesi, Infatti, latte non deve esprimere emozioni
individuali, ma affermare valori collettivi, finalizzati a costruire una società giusta. per questo
motivo essi applicano, sia in pittura in architettura, griglie compositive ortogonali e i soli
colori primari, associati al bianco e al nero; il blu, Il rosso e il giallo vengono spesi puri in
modo uniforme, così da non produrre effetti di volume e gradazioni cromatiche intermedie,
che possono suscitare una reazione psicologica ed emotiva.
Nella composizione con rosso giallo e blu appartiene al periodo più tipico dell'opera di
Mondrian punto l'immagine è ridotta all'essenziale e consiste in una griglia di linee nere che
si incontrano ortogonalmente e che delimitano aree quadrangolari. I colori sono ristretti ai
soli primari, rosso giallo e blu, più il nero e il bianco, che sono colori acromatici punto
obiettivo dell'artista era raggiungere un perfetto equilibrio compositivo, che riflettesse l'ordine
dell'universo.
Il suprematismo
In Russia, i movimenti di avanguardia furono molto attivi a partire dal secondo decennio del
Novecento. Gli artisti furono influenzati soprattutto dal cubismo, dal Futurismo e
dall'astrattismo, grande rilievo ebbe, in particolare, una corrente ispirata all'astrattismo: il
suprematismo. il termine indica La supremazia della sensibilità pura nelle arti figurative
queste, infatti, devono rinunciare all'apparenza per dare spazio alla meditazione e alla
spiritualità più profonda punto attraverso oppure forme geometriche, Dunque, l'arte esclude
qualsiasi riferimento al mondo oggettivo,il rappresentante più importante è Malevic fondatore
del suprematismo.
metafisica
Negli anni che precedono la prima guerra mondiale, la cultura artistica italiana, dopo essere
passata attraverso il messaggio rivoluzionario del Futurismo, si allontana dai movimenti di
avanguardia preferendo orientarsi verso la pittura figurativa. Principale espressione di
questa fase fu la pittura metafisica, cioè una pittura che vuole rappresentare ciò che al di là
dell'apparenza delle cose. La metafisica nacque dall'incontro a Ferrara tra Carlo Carrà,
Giorgio de Chirico e Filippo De Pisis. Tra gli artisti che aderiscono al movimento
ricordiamo Alberto Savino, Giorgio Morandi.
Le prime opere di De Chirico costituiscono anche un ispirazione decisiva per i pittori
surrealisti in quanto portatrici di atmosfere da sogno misteriose ed inquietanti.
Nel quadro di Giorgio de Chirico, Le Muse inquietanti, l'artista rappresenta una piazza che
sembra un palcoscenico punto sul fondo si riconoscono il castello Estense di Ferrara e una
fabbrica con due ciminiere. Slla destra c'è un palazzo, immerso nell' ombra. in primo piano si
trovano due figure immobili: la prima, in piedi e di spalle ha la testa da manichino sartoriale,
su un busto da statua classica; la sua veste ricorda le scanalature di una colonna Dorica. la
figura seduta è priva di testa.
De Chirico Aveva già iniziato nel 1910 a dipingere il soggetto che gli darà fama
internazionale Le Piazze d'Italia. sono scenari urbani che, pur occupati da elementi realistici,
comunicano un senso di smarrimento e di mistero,. le piazze infatti sono deserte, anche se
allora interno troviamo tracce della presenza umana, attraverso ombre, manichini o statue.
le prospettive sono volutamente imprecise, per introdurre una sensazione di irrealtà, il tempo
sembra sospeso immobile su tutto aleggia un'atmosfera di sottile inquietudine e di
malinconia.
Carlo Carrà
Carlo Carrà dopo aver militato nel movimento futurista, aderì alla pittura metafisica, poi si
isolò elaborando una visione più personale dell'arte Così al dinamismo futurista e al
simbolismo geometrizzante del periodo metafisico oppose il recupero della tradizione
italiana del passato, semplificare volumi e la composizione, creando immagini statiche e di
assoluto equilibrio nel periodo del ritorno all'ordine è evidente lo studio di Giotto e della
pittura del Quattrocento, le forme sono essenziali ma fortemente evocative.(Il pino sul mare).
Surrealismo
il movimento surrealista Nacque nel 1924, con mani manifesto del di André Breton. Esso
coinvolti anche la letteratura, la poesia, il teatro e il cinema punto ebbe ampia fortuna in tutta
Europa e in America, ed accolse molti artisti dadaisti.
i surrealisti affermavano la centralità dell'inconscio dell'uomo seguendo le teorie di
Sigmund Freud fondatore della psicanalisi. Essi hanno dato valore a tutto ciò che appare
incomprensibile rispetto alla realtà normale ovvero il sur reale.
L'arte, dunque deve valorizzare il sogno, l'allucinazione, la memoria visti come realtà
parallele a quella rassicurante di ogni giorno.
Sulla tela vengono tracciate immagini mentali, che i surrealisti cercano di descrivere
sperimentando tecniche inedite di rappresentazioni: creano forme inconsuete, accostano
oggetti conosciuti ma incompatibili tra loro, inseriscono un soggetto in un ambiente adesso
estraneo.
Tra i massimi esponenti troviamo Joan Mirò, René Magritte, Max Ernst, Salvatore Dalì.
René Magritte nell'opera la condizione umana crea delle associazioni inattese che
Producono una sensazione di inquietudine e di ambiguità, tanto Maggiore quanto più le
immagine sono descritte con grande esattezza.
Gruppo Novecento
Tra i massimi esponenti c'è Mario Sironi, Felice Casorati, Giorgio Morandi.
L'obiettivo comune era il recupero dei valori della tradizione: forme dai volumi solidi, ombre
nette, figura immerse nella solitudine e nel silenzio di ambienti interni o di città sono deserte,
scene di vita quotidiana di persone comuni spesso colte nell' intimità domestica.
Alla fine della prima guerra mondiale molti intellettuali sia in Italia che in Europa sento il
bisogno di ritornare un linguaggio chiaro e semplice. Carlo Carrà a contatto con De Chirico
semplifica e volumi e la composizione delle nuove opere cerca equilibrio e solidità
guardando gli artisti italiani del trecento e del 400 come Giotto e Masaccio.
Accanto a lui altri pittori italiani ritorno alla tradizione, con forme dai volumi nitidi, essi si
raccolgono attorno alla rivista valori plastici Attiva tra il 1918 è il 1922. Successivamente le
tendenze al ritorno all'ordine sarà rappresentata dalla corrente Novecento nata a Milano nel
1922.
Il ritorno all'ordine di Felice Casorati assume caratteristiche di magico isolamento,
improntato alla classicità quattrocentesca. Musica, architettura, pittura e teatro vengono
praticati contemporaneamente dall'artista negli anni trenta e gli viene a Torino il punto di
riferimento delle giovani generazioni, che costituiranno il gruppo dei Sei di Torino.
nel dopoguerra prosegue nell'indagine dei suoi soggetti prediletti nature morte, modelle,
manichini, amplificando la struttura metafisica delle composizioni, che vengono regolate da
una geometria resa evidente dagli incroci delle linee; i colori si fanno più cupi. Nel ritratto di
Silvana cenni si ispira all'organizzazione matematica delle opere di Piero della Francesca e
del senso di immobilità silenziosa e solenne delle sue opere, non rinuncia comunque a
livello cromatico ad elementi decorativi che deriva dall'osservazione dei dipinti di Klimt.
è di opere di questo tipo che si parla di realismo magico, cioè di una pittura che propone
soggetti reali e realistici, ma immersi in una misteriosa staticità, immobili nello spazio e nel
tempo.

la scuola romana
Gino bonichi in arte Scipione, fu il principale protagonista di un circolo artistico romano che
si opponeva 900,3 conservatore alla scuola romana sono da ricondurre altri notevoli artisti
del periodo Mario Mafai, Giuseppe Capogrossi.
Espressionismo astratto
Questo movimento Coniuga espressionismo e astrattismo.
Si è fermato Soprattutto negli Stati Uniti.
le principali caratteristiche sono:
-grande dimensione delle opere
-piattezza della superficie, con l'abolizione di ogni illusione di profondità e di prospettiva
- La superficie dipinta tende a presentarsi priva di rilievi
- importanza del gesto e pittura come espressione diretta dell'esperienza dell'artista come
nell' Action painting ho arte gestuali di Pollock e de Kooning (wimen)
Arte informale, materia e segnica
Praticata soprattutto in Europa, e caratterizzata dal rifiuto di ogni riferimento a forme reali
definite riconoscibili. Si possono individuare due tendenze: una valorizza il segno- gesto ed
è quella che più si avvicinò al Action painting: Capogrossi, Vedova, Fontana.
L’altra invece detta Materica, è orientata a valorizzare scarti e frammenti di oggetti, ma
anche il colore a olio utilizzato come una pasta densa Burri, Tapies, di buffet e ancora
Fontana.