Lab 2.

0 è un’associazione culturale no-profit fondata a Roma da un gruppo di giovani, si occupa di

Architettura con l’obbiettivo di stimolare il dibattito e il confronto sul territorio e sul web.

Ha fondato e gestisce, per conto della testata giornalistica DailySTORM (www.dailystorm.it), la

rivista “lab2.0 Magazine” e si occupa della sua distribuzione sul web.

Parallelamente all’attività editoriale lab 2.0 si propone di:

- Organizzare mostre, eventi e conferenze, con l’obiettivo di promuovere e stimolare

l’interdisciplinarietà tra architettura e altre forme di espressione visiva quali arte, fotografia, grafica,
design, cinema.

- Organizzare workshop e promuovere concorsi rivolti a studenti universitari e neolaureati, così da

fornire uno strumento di crescita e visibilità ai giovani progettisti e creare una piattaforma a servizio
della società, volta all’individuazione e all’approfondimento di tematiche di carattere architettonico e
di sviluppo socio-culturale.

Per conoscere tutte le nostre attività visitate il sito internet www.lab2dot0.com o seguiteci sui
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Lab 2.0 is a non-profit cultural association, founded in Rome by a group of young people interested
in Architecture. The aim of the association is to encourage the debate and intellectual confrontation
on the territory and on the web.

It has founded and manages, on behalf of DailySTORM (www.dailystorm.it), the magazine “lab 2.0
Magazine” and is in charge for its online distribution.

Lab 2.0, simultaneously with its editorial activity, offers:

- To organize exhibits, events, and conferences, with the objective to promote and encourage an
interdisciplinary approach between architecture and other forms of visual expression like art,
photography, graphics, design, cinema.

- To organize workshops and promote contests aimed at university students and graduates, as to
supply a tool to enhance visibility and growth for young designers, and to create a platform about
architectural contents for society.

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LAB 2.0 MAGAZINE È UN SUPPLEMENTO DI
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Testata giornalistica iscritta al Registro della Stampa del
Tribunale di Roma, autorizzazione n. 12 del 15 Gennaio
2013
lab 2.0 Magazine è gestita dall’associazione culturale
lab 2.0 con sede in: viale Liegi, 7 – Roma, 00198 Italia
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Direttore responsabile / Editor in chief
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Coordinamento editoriale / Deputy editor
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Staff di redazione / Editor staff
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Pasquale Caliandro
Simone Censi
Andrea Filippo Certomà
Riccardo Franchellucci
Pablo Menéndez Pannero
Massimo Parboni Arquati
Giandonato Reino
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Hanno collaborato / Contributions
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redazione non saranno restituiti, anche se non pubblicati.
In prima di copertina / Cover
Art Directors Pierluigi Braca and Giulia Pettinari -
Photographer Giulia Pettinari - Model Giada Baronio
INDICE / INDEX:
3! Presentazione / Introduction
! Ines Cilenti
DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO
7! Lo Zen e l’arte del costruire con il bambù / The Zen and the art of ! !
! building with bamboo
! Andrea Filippo Certomà
13 ! Grattacieli in bambù, nuova frontiera del costruire sostenibile /
! Bamboo Skyscrapers, the new frontiers of sustainable building
Lorenzo Carrino
17! Un futuro di bambù per l’architettura. Intervista a DFG Architetti / A future !
! made of bamboo for architecture. Interview with DFG Architects
Lorenzo Carrino
23! Forme contemporanee e tecniche della tradizione, la riscoperta del bambù / !
! Contemporary forms and traditional techniques, the rediscovery ! of bamboo
Lorenzo Carrino
27 ! #CONTAMINIAMOCI 01 - Spazi Espositivi / Expositive Space
SCRITTI / WRITINGS
29 ! Hustadvika Tools, un rifugio nella foresta norvegese / Hustadvika Tools, ! a haven in
! the Norwegian forest
Andrea Filippo Certomà
SPAZI FUTURIBILI / FUTURISTIC SPACES
33! Città volanti: può essere davvero questo il futuro? / Flying city: may it be !really the
! future?
Pasquale Caliandro
IDEE / IDEAS
37! Una torre di “monnezza” come monumento all’(in)civiltà / A tower of “garbage”, as a
! monument to (in)civility
Lorenzo Carrino
PILASTRI / PILLARS
41! Geometrie astratte e colori forti, l’architettura di Ricardo Legorreta /
! Abstract geometries and intense colours, this is Ricardo Legorreta architecture
Riccardo Franchellucci
PAROLE A CONFRONTO / WORDS IN COMPARISON
47! "Memoria e Tradimento nei luoghi dell’abbandono", intervista a Beniamino Servino /
! "Memory and Treachery in the places of !abandonment", interview with B. Servino
Giandonato Reino
LIBRI & MATTONI / BOOKS & BRICKS
53! Abiura dal paesaggio. Architettura come trasposizione di Marco Navarra: !
! vuota conservazione o riscrittura e traduzione? / Forswear the ! ! !
! landscape. Architecture as a movement of Marco Navarra: meaningless ! !
! conservation or rewrite and translation?
Luca Bonci
ESPLORAZIONE / EXPLORATION
57! Architettura del silenzio, viaggio a Gerusalemme / Architecture of ! !
! silence, journey to Jerusalem
Luca Bonci
SCATTI / SNAP-SHOT
65! Fotografia di architettura, l'arte che rappresenta l'arte / Architectural ! !
! Photography, the art representing art
Riccardo Franchellucci
APPUNTI DI ARCHITETTURA / NOTES OF ARCHITECTURE
69! Il disegno per capire ed esplorare la realtà / The design to understand and explore
! the reality
Simone Censi
CONTENUTO SPECIALE
73! Dispense di supporto alla rappresentazione architettonica / Handouts to support !
! architectural representation
Vinicio Bonometto
GRAFFITI
77! Banksy, la street art tra ironia e denuncia sociale / Bansky, the street art between
! irony and social complaint
Tommaso Zijno
 EDITORIAL ! «L’umanità ha la possibilità di rendere sostenibile lo sviluppo, cioè di far sì che esso soddisfi
i bisogni dell’attuale generazione senza compromettere la capacità delle generazioni future di
di Ines Cilenti rispondere ai loro». Il concetto di sostenibilità, definito con chiarezza solo nel 1987 con la
pubblicazione del rapporto Brundtland, è diventato “sinonimo” di sviluppo.

«Lo sviluppo sostenibile, lungi dall’essere una definitiva condizione di armonia, è piuttosto un
processo di cambiamento tale per cui lo sfruttamento delle risorse, la direzione degli investimenti,
l’orientamento dello sviluppo tecnologico e i cambiamenti istituzionali siano resi coerenti con i
bisogni futuri oltre che con quelli attuali». Gro Harlem Brundtland

! I bisogni futuri hanno permesso di trasformare quelle che erano delle criticità e delle
debolezze, in raffinatezze innovative. Cosa significa realmente “eco-sostenibile”? Dal greco “oikia”
e dal latino sustinere questo termine significa “mantenere le regole della casa”, dove con “casa” si
allude a qualsiasi realtà, sistema ecologico, sia esso a piccola o grande scala. Nel suo significato
globale, questo “rispetto” non va inteso in senso statico ma dinamico. Dinamicità che nasce dalla
dialettica tra sistema ecologico e antropico. Il ruolo chiave viene svolto dallo scenario tecnologico
che influisce drasticamente sulle condizioni al contorno di un problema così complesso.

! Si può affermare che lo sviluppo sostenibile è un processo in continuo divenire che basa la
sua stabilità sulla sinergia che viene a crearsi fra aspetto economico, ambientale e sociale. Nel
momento in cui lo sviluppo privilegia solo uno di questi ambiti, allora non si può più parlare di
sviluppo sostenibile. L’economia esiste nella società ed entrambe coesistono solo se c’è un
ambiente che le ospita. Rispetto dell’ambiente e responsabilità intergenerazionale sono i
presupposti per uno sviluppo in questo senso. Ciò è quanto emerge dalla Conferenza di Rio del
1992. In questo quadro si colloca l’ “Edilizia eco-sostenibile”.

! Una definizione tale indica un ripensamento dell’intero iter che porta alla realizzazione di un
progetto. Questo perché, come emerso da studi condotti a livello europeo, il settore edilizio, a
causa soprattutto del consumo energetico e della produzione di inquinamento, è ad elevatissimo
impatto ambientale. Un processo di questo tipo prevede l’analisi delle opere strettamente connesse
al territorio che le accoglierà perché, al fine di raggiungere un modello costruttivo sostenibile,
andrebbero razionalizzate le risorse del posto. Proprio in tal senso la ricerca architettonica attuale
sta riscoprendo i “vecchi materiali”, quelli che con l’introduzione di calcestruzzo e acciaio si erano
quasi completamente perduti, causando al tempo stesso la scomparsa di quelle tecniche che
storicamente li avevano accompagnati. È questo il caso del ritorno all’utilizzo di materiali come la
paglia, la canna, la terra-cruda, il bambù.

! Proprio quest’ultimo è uno dei protagonisti del dibattito attuale. Definito da Oscar Hidalgo il
“regalo degli Dei”, il bambù è un materiale dalle eccellenti caratteristiche fisiche che lo rendono
resistente a torsione e trazione.

«Il rapporto leggerezza-resistenza lo rende un eccezionale prodotto della natura, secondo gli studi
di Frei Otto è il materiale più leggero e resistente di qualsiasi altro vegetale esistente oltre ad
essere, in particolare la specie Guadua angustifolia, estremamente efficiente nel fissare l’anidride
carbonica presente nell’atmosfera e quindi nel combattere l’effetto serra e il conseguente
riscaldamento globale del pianeta». Mauricio Càrdenas Laverde - Il Bambù come materiale da
costruzione

Perché allora non costruire tutto in bambù?

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«Una persona può sedersi in una casa di bambù sotto un tetto di bambù, su una sedia ad un tavolo
fatti dello stesso bambù … potrebbe attraversare un ponte sospeso costruito esclusivamente di
bambù, bere acqua da una tubatura di bambù ed asciugarsi il viso con un fazzoletto ottenuto con le
fibre del bambù». Atal Bihari Vajpayee 

! Questa affermazione, particolarmente suggestiva, nasce in un Paese dove il bambù

rappresenta una delle maggiori risorse. Nelle aree geografiche dove questo non è un materiale
autoctono, però, non verrebbe più rispettata la sostenibilità economica e si finirebbe col perdere
quell’equilibrio che conferisce ad un sistema di essere appellato come sostenibile. Questo
potrebbe essere un discorso accettabile nel “breve periodo”. Considerando, infatti, i cambiamenti
climatici in atto, l’ipotesi di introdurre la coltivazione controllata di questa pianta anche in altri paesi
potrebbe prendere vita. Un lento cambiamento potrebbe rappresentare la soluzione di molti
problemi, anche se controllare la crescita del bambù è molto difficile. Essendo una pianta
infestante, infatti, i paesi che coltivano il bambù sono indirizzati alla monocoltura. Questa
caratteristica "ingombrante" collima difficilmente con l'idea di eco-sostenibilità e lo scenario di
diffusione appare, momentaneamente, impossibile.

! Bamboo itt è uno studio pubblicato nel 2011 in cui è stato presentato il bambù come eco-
risorsa. È emerso che, oltre a mancare una cultura dell’utilizzo di questo materiale, anche nei paesi
dove è ampiamente diffuso come il Brasile, per citarne uno, questo prodotto presenta delle
limitazioni: la grande quantità di amido che rende la pianta suscettibile all’attacco di insetti e funghi,
le lavorazioni e i tagli che richiedono una preparazione professionale adeguata e poco diffusa.
Inoltre, poiché non sopporta lo sforzo a flessione, i punti deboli vanno rinforzati tramite l’utilizzo di
calcestruzzo.

! Va anche considerata l’idea radicata che associa questo materiale all’idea di architettura
povera nei paesi dove è diffuso, e di materiale “esotico” nei paesi dove non è immediatamente
reperibile. Nei paesi in via di sviluppo queste convinzioni ci hanno lasciato testimonianze di
architetture in bambù solo in alcuni settori dell’edilizia. Nel territorio americano spicca Manizales,
città colombiana che oggi è conosciuta come culla dell’architettura in bambù. Qui esistono ancora
case realizzate nel 1890 utilizzando la specie Guadua Angustifolia.

! Nel panorama europeo, invece, il bambù si è diffuso solo recentemente. In italia, nello
specifico, la prima realizzazione interamente in bambù è datata 2003. Si tratta del padiglione di
Vergiate, in provincia di Varese, ed è stato realizzato dall’associazione EMIZZIONIZERO
prendendo spunto dal padiglione ZERO realizzato ad Hannover. Per la sua messa in opera, a
causa della mancanza di normative italiane ed europee che regolamentano l’utilizzo del materiale,
sono stati condotti test, in Colombia, su un modello in scala 1:1.

! Nonostante l’utilizzo ancora regionale, il bambù è oggetto di ricerca da parte di ingegneri,

architetti e botanici di tutto il mondo, da Frei Otto a Velez a Renzo Piano. Perché tanto interesse? I
benefici in termini di bio-compatibilità sono numerosi: crescita rapida anche senza pesticidi, elevato
assorbimento di CO2 e resistenza a grandi sforzi di trazione e compressione. Inoltre, la semplicità
di riciclare gli scarti, il suo molteplice uso, dall’edilizia all’abbigliamento biodegradabile, e i costi
contenuti sono solo alcuni dei dati positivi che indurrebbero alla sua diffusione.

«Il problema è: non cosa possiamo fare noi con gli strumenti tecnici che abbiamo ideato, ma che
cosa la tecnica può fare di noi». Umberto Galimberti, Psiche e techne: l'uomo nell'età della tecnica

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 EDITORIAL ! «Human kind has the chance to make the development sustainable, to make it satisfy the
needs of the current generations without compromising the faculty of future generations to answer
by Ines Cilenti to their». The concept of sustainability, clearly defined only in 1987 by the Brundtland report, has
become the synonymous of “development”.

! “Sustainable development, far from being a definitive condition of harmony, is rather a

process of changing able to make the exploitation of resources, the direction of investments, the
orientation of technological advancement and the institutional changes coherent with both the
present and future needs”. Gro Harlem Brundtland

! The future needs allowed to transform criticalities and weaknesses in innovative

refinements. What does “sustainable” really means? From ancient Greek “oikia” and latin sustinere
this term means “to respect home rules” where home refers to every situation, ecological system,
both on a small or big scale. In its global meaning, the term “respect” is intended in a dynamic
rather than a static sense. A kind of dynamicity born from the dialectic between the ecological and
anthropic system. The key role is played by the technological scenery which affects conditions
around such a complicated issue.

! It is possible to affirm that sustainable development is a continuous process which bases its
stability on synergy between the economic, environmental and social aspects. When development
privileges only one of this aspects, then talking about sustainable development is not possible
anymore. Economy exists in society and they coexist only if there is an environment hosting them.
Environmental conservation and intergenerational responsibility are the prerequisites for a
development in this sense. This is the result emerged from the Rio Conference of 1992. The
“Sustainable construction” is collocated in this frame work

! This definition indicates a reflection of the whole iter which brings to the realization of a
project. That is because, as resulted from European research, the construction industry, for the
energetic consume and pollution production, is with high environmental impact. A process of that
kind entails a work analysis strictly linked to the accommodating territory, because, in order to
reach an sustainable architectural model, the local resources should be rationalized. In this sense
the architectural research is re-discovering the “old materials”, completely lost after the introduction
of concrete and steel, causing the demise of the relative techniques. That is the case of the revival
of the use of materials such as straw, cane, raw earth, bamboo.

! Precisely the latter is the main character of the current debate. Defined by Oscar Hidalgo
the “Gods’ gift”, bamboo is a material provided with excellent physical characteristics, which make it
resistant to twisting and traction.

«The relation lightness – resistance makes it an outstanding natural product, according to Frei
Otto’s research this is lighter and stronger than any other existing plant as well as extremely
efficient, especially the Gadua angustifolia specie, in fixing carbon dioxide in the atmosphere and,
hence, in fighting greenhouse effect and, consequently, global warming». Mauricio Càrdenas
Laverde - Bamboo as construction material

So, why do we not build everything with bamboo?

5 5
«Someone can sit on a bamboo house, under a bamboo roof, on a chair down at the table made of
the same bamboo … might cross a hanging bridge entirely made of bamboo, drink water from a
bamboo water pipe and wipe his face with a tissue obtained by bamboo fiber». Atal Bihari
Vajpayee 

! This statement, extremely suggestive, comes from a country where bamboo represents one
of the most important resources. In the geographic areas where this is not a native material,
though, the economic sustainability would not be respected anymore and the balance allows a
system to be sustainable would be lost. This could be an acceptable stance only for a short-term.
Considering the current climate changes, the hypothesis of introducing the controlled cultivation of
this plant in other countries might come alive. A slow change could be the solution to many
problems, even though controlling the growth of bamboo is quite hard. Being a wild plant, the
countries which cultivate bamboo are based on monoculture. This “unwieldy” characteristic hardly
coincides with the idea of sustainability and the diffusion seems impossible, at the moment.

! Bamboo itt is a research published in 2011 where has been presented the idea of bamboo
as eco-resource. Is emerged that, besides the lack of a culture of the use of this material even in
countries where it is widely spread such as Brazil, this product suffers some limitations: the great
deal of amid which makes it susceptible to the attack of insects and funguses, the production and
cut which require an appropriate and rare professional skill. Moreover, since it does not tolerate the
bending stress, the weak points have to be enforced with the use of concrete.

! One should not forget the strong idea which lead us to associate this material with a poor
architecture in countries where it is spread, and with “exotic” in countries where it is not. In
developing countries this beliefs left an heritage of bamboo architecture only in some construction
sectors. In the American area Manizales stands out, a Columbian city known as the cradle of
bamboo architecture. Here there are still houses build in 1890 using the specie Guadua
Angustifolia.

! In the European context, on the other hand, bamboo has spread only in the last decade.
Precisely, the first Italian structure entirely made of bamboo is dated to 2003. Is the Vergiate
pavilion, in province of Varese, realized by the EMIZZIONIZERO association, taking the cue from
the ZERO pavilion build in Hannover. For its installation, because of the inexistence of both Italian
and Columbia, on a scale 1:1.

! In spite of the still regional use, bamboo is an interesting research subject for engineers,
architects and botanists all over the world, from Frei Otto to Velez and Renzo Piano. Which such a
spread interest? The benefits in term of biocompatibility are numerous: fast growth without using
pesticides, a high level of absorption of CO2 and strongly resistant to traction and compression. As
if that were not enough, the simplicity of recycling the waste, its various use, from the construction
industry to biodegradable clothing, and the cheap costs are only a few of the positive elements
which might persuade about its diffusion.

“The problem is: not what we can do with the technical instruments we have ideated, but what the
technique can do with us». Umberto Galimberti, Psiche and techne: Man in the age of techique.

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 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO

LO ZEN E L’ARTE DEL COSTRUIRE

CON IL BAMBÙ

La ricerca della nuova via sostenibile passa dalla riscoperta

di un materiale antico, affascinate e “flessibile”. Un
approccio nuovo apre la strada a un vecchio sapere

di Andrea Filippo Certomà

Forest Pavilion, Taiwan - nArchitects

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Kayu Aga, Canggu, Indonesia - Yoka Sara International
! Al primo contatto con l’idea di una struttura in bambù, le
reazioni non variano sensibilmente: siamo tutti sospettosi, incerti,
curiosi forse, ma mediamente restii nel crederla “durevole”. La
“mitologia orientale” ha cementato nelle nostre menti la canna di
bambù come idioma di flessibilità. Per scostarci dalle nostre
roccaforti di pietra, acciaio e cemento c’è una sola considerazione
da fare: se ci fidiamo del legno nostrano, allora possiamo credere
anche nella bontà di un legno così alieno ma comune. D’altro
canto, alcune normative edilizie (come quella colombiana)
considerano già il bambù come un materiale idoneo alla
costruzione, e sarebbe strano il contrario, trattandosi a tutti gli effetti
di un legno. L’incredibile durezza della canna cava appare surreale,
salvo poi comprendere le ragioni geometriche e fisiche che la
rendono tale. La graminacea dal collo lungo è già stata ponteggio,
impalcatura, arredo, finitura, e oggi a pieno titolo diventa struttura.
! Le proprietà che fanno del bambù un ottimo materiale eco-
sostenibile sono numerose e sorprendenti: è la pianta con la
crescita più rapida al mondo, dai 20 ai 100 centimetri al giorno per
un’altezza che supera i 20 metri già nei primi 8 mesi. Riesce a
insediarsi su ogni tipo di terreno (caratteristica anche negativa a
tratti), esercitando un forte potere stabilizzante grazie alla fitta rete
di rizomi. Un’area coltivata a bambù produce 20 volte più legname
di quanto farebbe se ospitasse una vegetazione nostrana. Dulcis in
fundo produce il 35% in più di ossigeno rispetto alle piante arboree.
! Uno degli assunti base dell’eco-sostenibilità è la reperibilità
in loco delle materiale. La fascia subtropicale del pianeta è quella
che ospita la maggior crescita spontanea della pianta: se ne
DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO
conoscono quasi un centinaio di generi che danno vita più di 1200
specie, delle quali almeno 20 idonee all’uso costruttivo. Di queste,
la Guadua Angustifolia è tra le più diffuse e certamente una delle
più studiate sul profilo delle proprietà meccaniche.
! Un passo importante per comprendere questo materiale, è
quello di svincolarsi dall’idea di bruta lavorazione della canna nella
sua forma naturale. Andarla a inserire in un contesto di edilizia
convenzionale, rende facile dimostrare le sue proprietà eccellenti.
! La sopracitata normativa colombiana, che considera il
bambù un elemento strutturale completo, indica come età idonea al
taglio della pianta i 4 anni; ci si assicura così di operare
nell’intervallo temporale nel quale la pianta ha già raggiunto la
maturità. È importante rispettare queste tempistiche (brevissime
rispetto a quelle di altri legnami) per poter operare con materiali
omogenei: infatti le proprietà meccaniche del “culmo” (il tronco della
canna) variano sensibilmente a seconda delle condizioni
geografiche e fisiche di crescita.
! I valori definiti dalle prove di resistenza sul bambù, sono
comunque paragonabili a quelli certificati da normative europee il
legno di conifere e latifoglie (Classi di resistenza secondo EN 338).
Dal confronto dei dati possiamo vedere che il bambù si colloca per
proprietà meccaniche nella fascia medio-alta dei legnami nostrani.
Il confronto diventa ancora più interessante se andiamo a coparare
il materiale ingegnerizzato, ossia l’arbusto lavorato in forma di
elementi lamellari ricavati dai culmi, con il suo equivalente
nostrano.
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 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO
Simon Velez, Iglesia sin Religion, Colombia
! Il variegato panorama di arbusti sudamericani, è ciò che
l’architetto Simón Vélez conosce meglio. In Colombia, la pianta è
così diffusa che Vélez ne fa la sua creta; rivolge la sua architettura
alla falegnameria, realizzando strutture commerciali, abitazioni,
ponti di incredibile portata. L’uso e la padronanza sorprendenti che
si evincono dalle sue opere, lo hanno consacrato ambasciatore di
questa tecnica nel mondo, e la Iglesia sin Religion è un esempio
lampante di come la struttura in bambù sia in grado di scalzare le
più “pesanti” concorrenti soddisfacendo al contempo le richieste di
grandi luci, altezze elevate e resistenze agli agenti naturali. Un’altra
sua opera, Il padiglione di bambù per l’Expo 2000 ad Hannover,
(realizzato per la Zeri Foundation) è esemplare per la presenza
nella struttura di cemento di riciclo, terracotta, rame e altri materiali.
Questa commistione non mina affatto l’ideale supremazia
meccanica del bambù, anzi ne invera la compatibilità e la versatilità
palesando al mondo come essa sia capace di dialogare con le
tecnologie già note.
! Sulla questione del rapporto con gli altri materiali, si pone
anche una differenziazione nel modo di operare le legature. Ci
sono due processi principali per realizzare i nodi: uno con fori e
connessioni con altri materiali (è il caso colombiano di Velez), l'altro
in base alla scuola orientale di Shigheru Ban, che realizza i nodi
per legature, senza andare a incidere sulla struttura della canna, e
mantenendo certamente meglio le proprietà resistenti.
! È un dato di fatto che i puri costi di realizzazione di strutture
in bambù siano davvero bassi. Tuttavia per operare con questo
materiale in aree estrane alla sua natura, bisogna considerare che
9
la spesa maggiore deriva dal trasporto. Possiamo rivolgere allora lo
sguardo a casa nostra in cerca di qualcosa di simile. Il retaggio di
diffidenza è figlio tra le altre cose del rapporto con la canna comune
(Arundo Donax) che cresce spontanea al bordo dei corsi d’acqua.
Ragioni legate all’intima natura del materiale non la rendono un
oggetto eleggibile alla realizzazione di opere strutturali importanti
come la sua “cugina” d’oltreoceano; eppure, alla luce di una
dilagante fascinazione per la ricerca (stilistica e funzionale) di nuovi
meccanismi, la canna comune si sia ritagliando un posto nello
scenario architettonico come rivestimento naturale dalle molteplici
capacità tecniche.
! Esemplificativa in tal senso è l’esperienza progettuale
dell’associazione LAN (laboratorio di architetture naturali) guidata
dall’architetto Francesco Poli, che rivolge tempo ed energie allo
studio di questo materiale. Un esempio recente (ma non unico) del
loro lavoro è l’opera realizzata al “Fuori salone” di Milano: una
struttura open air composta da uno scheletro di archi di canna
Arundo Donax ancorati a un basamaneto di pietra e rivestita da un
impasto di calce e canapa.
! È però ingiusto relegare questa pianta in un ambito ristretto,
senza ribadire la memoria storica dei popoli mesopotamici, che
ancora oggi utilizzano fasci di canne (come gli antenati sumeri)
producendo architetture notevoli, i Mudhif. Archi di fasci di 50 cm di
diametro a cui si aggiungono fasci più piccoli in un intreccio
strutturale leggero e stabile, tamponato da pareti ricavate dalle fibre
della stessa canna.
 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO

Chibaish, Mudhif

! Quanto fin qui espresso vuole rimarcare un concetto antico, rivisto alla luce di tecniche moderne, diventa innovativo. Le
fondamentale per chi guarda alla ricerca del nuovo. Un materiale opere in canna dimostrano che il divario tra un’architettura antica e
economico non è sempre un materiale scadente. Un materiale una moderna eco-sostenibile, sia spesso meramente concettuale.

Tabella 1 Confronto tra Bambù e altri legni 1 ( I dati sono presi dall’articolo “Il Bambù: una scelta di “Ecologia Strutturale” di N.
Mordà, P. Macías, M. Stroscia, P. Bajzelj di DoMo Studio – Torino / Datas taked from the article “Il Bambù: una scelta di
“Ecologia Strutturale” of N. Mordà, P. Macías, M. Stroscia, P. Bajzelj di DoMo Studio – Turin

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 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO

THE ZEN AND THE ART OF BUILDING WITH

BAMBOO

The search of a new sustainable way, re-discover an ancient

material, fascinating and “flexible”. A new approach lead the way to
an old knowledge

! At first contact with the idea of a bamboo structure, the

reactions do not vary significantly: we are all suspicious, uncertain,
curious perhaps, but on average, reluctant to believe it "durable".
The "Eastern mythology" has cemented in our minds, the bamboo
cane as idiom of flexibility. For take the distance from our
strongholds of stone, steel and concrete, there is only one point to
make: if we trust the local wood, then we can also believe in the
goodness of a wood so alien but common. On the other hand,
some building codes (for instance the Colombian one) already
consider bamboo as a material suitable for construction, and it
would be strange otherwise, since it is a wood under all the
aspects. The incredible hardness of the empty cane seems surreal,
as long as we don’t understand the reasons for the geometric and
physical properties that make it such. The long-necked plant has
already been scaffolding, decor, and finishing, and now becomes a Restaurant at Greenville, Jakarta, Indonesia - DSA+s
fully-fledged structure.

! The properties that make bamboo an excellent eco-

sustainable material, are numerous and surprising: it is the plant
with the fastest growth in the world, from 20 to 100 centimeters per
day, to a height that exceeds 20 meters already in the first 8
months. It can settle on any type of terrain (that is even a negative
trait), and exert a strong stabilizing power thanks to the dense
network of rhizomes. An area planted with bamboo, produces 20
times more timber than the same area planted with local
vegetation. Last but not least, there is the pleasing effect of the
most emission of oxygen than arboreal plants (35% oxygen in
more) and carbon dioxide absorption.

! One of the basic assumption of eco-sustainability is the on-

site availability of material. The subtropical zone of the planet, is the
home to the most spontaneous growth of the this plant and we
know almost one hundred kinds, that give life to more than 1200
species, of which at least 20 suitable for constructive use. Among
them, the "guadua angustifolia" is among the most popular and
certainly one of the most studied, especially under the profile of the
mechanical analysis.
Green School, Bali, Indonesia - PT Bambu
! An important step for understanding this material is to break
free from the idea of brute processing of cane in its natural form.
Put it in a context of conventional construction, makes it easy to to those of other timber) in order to operate with homogeneous
demonstrate its excellent properties. materials: In fact, the mechanical properties of the “culm” (the trunk
of the barrel) vary significantly depending on the geographical and
! The aforementioned Colombian normative, which considers physical growth. The values defined by the endurance tests on
the bamboo a complete structural element, indicates 4 years as bamboo, are comparable to those certified by European standards
suitable age for cutting plant; so it is sure to operate in the time for the wood of coniferous and deciduous trees (Classes of
interval in which the plant has already reached maturity. It is resistance according to EN 338). In comparison of the data we can
important to respect these time prescriptions (very short compared see that the bamboo is placed in the medium-high range of

11

Green Village, Bali, Indonesia - Ibuku
Cicada, by Casagrande Laboratory
mechanical properties of timbers from our countries. The
comparison becomes even more interesting if we compare the
engineered material, the shrub worked in the form of lamellar
elements derived from the culms, with its european equivalent.
! The varied landscape of shrubs from South America, is what
the architect Simón Vélez knows best. In Colombia, the plant is so
widespread that Vélez uses it as his clay; turns its architecture in
DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO
woodworking, creating commercial structures, homes, bridges of
incredible reach. The surprising use and mastery that results from
his works, have made him an ambassador of this technique in the
world, and “Iglesia sin Religion” is a prime example of how the
bamboo structure is capable of undermining the "heavier"
competitors while meeting the demands of large spans, heights and
resistance to natural agents. Another of his works, The bamboo
pavilion for the Expo 2000 in Hannover, (made for the Zeri
Foundation) is exemplary for the presence in the structure of
recycled concrete, pottery, copper and other materials. This mixture
doesn't damage the ideal mechanical supremacy of Bamboo,
indeed it strengthens the compatibility and versatility, revealing to
the world how it is able to communicate with the technologies
already known.
! On the question of the relationship with the other materials,
there is also a differentiation in how they operate ligatures. There
are two main processes to realize the nodes: one with holes and
connections with other materials (it is the colombian case of Velez),
the other according to a eastern school of Shigheru Ban, that
realize the nodes for tying, without going to affect the structure of
its barrel, and keeping most certainly resistant properties.
! It is a fact that the pure costs of building bamboo structures
are really low. However, to work with this material in foreign areas
to his nature, we must consider that the biggest expense comes
from transportation. We can look to our land, looking for something
like this. The legacy of distrust is, among other things, the son of
the relationship with the common reed (Arundo donax), which
grows wild on the edge of the water courses. Reasons linked to the
intimate nature of this material doesn't make it an object eligible for
big construction works of as his "cousin" of overseas; Yet, in the
light of a pervasive fascination for research (stylistic and functional)
of new mechanisms, the common reed is cutting a place in the
architectural scene as natural finish with numerous technical
capabilities. Exemplary in this regard is the project experience of
the association LAN (Laboratory of natural architecture) led by
Francesco Poli, which spend time and energy to the study of this
material. A recent example (but not the only) of their work is the
installation done at the "Fuori salone" of Milan: an open-air
structure composed of a skeleton of arches of Arundo donax,
anchored to a stand of stone and covered with a mixture of lime
and hemp.
! However, it is unfair to relegate this plant in a narrow field,
without reiterating the historical memory of the Mesopotamian
peoples, who still use bundles of reeds (as their ancestors
sumerians did), producing remarkable architecture, the mudhif.
Arches of bundles of 50 cm in diameter, in addition to smaller
bundles, in a tangle structural lightweight and stable, buffered by
walls formed by the fibers of the same reed.
What has been expressed here want to point out a fundamental
concept for those who look to the research of the new. A loss
material is not always a bad material. An ancient material, revised
in the light of modern techniques, becomes innovative. The works
made of reed, show that the gap between a prehistoric and modern
architecture, futuristic, eco-friendly, it is often merely conceptual.
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 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO

GRATTACIELI IN BAMBÙ, NUOVA

FRONTIERA DEL COSTRUIRE
SOSTENIBILE

Dal concorso di idee “Singapore Bamboo Skyscrapers”

provengo nuovi avvenieristici spunti per mettere in luce le
ampie possibilità tecniche ed estetiche dell’utilizzo del
bamboo in architettura

di Lorenzo Carrino

1° Classificato - Di Wang, Alexandru Vilcu, Richard Mui - Canada

13

1° Classificato - Di Wang, Alexandru Vilcu, Richard Mui - Canada
! Interessante il concorso di idee “Singapore Bamboo
Skyscrapers“ di cui lo scorso marzo sono stati proclamati i vincitori.
La sfida per i partecipanti consisteva nel progettare un grattacielo in
bambù tenendo conto delle necessità di un approccio
contemporaneo alla costruzione con questo materiale. Un concorso
per l’ideazione di una nuova tipologia di grattacielo sostenibile che
promuovesse l’introduzione di un materiale inedito e facilmente
reperibile a basso costo economico, sociale e ambientale sul
territorio. Un concorso che mette in luce le ampie possibilità
tecniche ed estetiche dell’utilizzo del bambù in architettura. Il
bambù diviene materiale dominante, sia per la realizzazione di
strutture portanti che nel suo utilizzo come rivestimento, diventa
punto di partenza per ideare grattacieli e strutture eco-sostenibili.
1° Classificato - Di Wang, Alexandru Vilcu, Richard Mui
DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO
1° Classificato
Di Wang, Alexandru Vilcu, Richard Mui - Canada
! Un grattacielo concepito come una porzione di città ribaltata
in verticale. Le principali strade divengono “alberi” che accolgono al
loro interno ascensori e scale per la distribuzione verticale. Gli
edifici che prima lambivano quelle strade diventano volumi sospesi
disposti su diversi livelli.
La struttura è costituita da unità modulari chiamate “Tectonic Unit”,
realizzate con canne di bambù opportunamente deformate per
mezzo di vapore. Ogni unità fornisce solaio di calpestio, soffitto, e
colonna di distribuzione verticale.
Gli steli di bambù sono collegati tra loro utilizzando elementi in
acciaio. Il risultato è un telaio che funziona in modo simile ad una
tradizionale struttura in calcestruzzo.
Nasce un’opera complessa ma che non si distacca molto dall’idea
comune di grattacielo, un edificio che vuole sfruttare al massimo le
potenzialità del bambù come materiale strutturale.
2 ° Classificato
Beobyeong Park + DongJun Kim + MinSung Kim + SeungGeun
Kwak - South Korea
! Questa proposta vuole essere una “casa” per il bambù fatta
di bambù, nasce dall’analisi del suo ciclo di vita: dal germoglio fino
al carbone, residuo di un incendio. Una serra verticale dove
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 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO

3° Classificato - Miloslav Olejar + Jakub Lenart + Tomas Boros - Canada

sperimentare un utilizzo diverso del bambù a seconda delle sue

fasi di vita.
Un edificio dalle forme futuristiche ma inspirate dalla natura: un
fungo per la raccolta delle acque piovane e una serie di “canne”
che vi crescono attorno. Una struttura avvenieristica che unisce
scelte tecnologiche e impiantistiche complesse con materiali e
forme provenienti dalla natura.

3° Classificato
Miloslav Olejar + Jakub Lenart + Tomas Boros - Canada

! Un edificio che dialoga con il territorio. Un dialogo che non

nasce dal semplice utilizzo del bambù ma dalla scelta di
un’architettura dalle forme naturali. Una struttura collinare che
nasce dal terreno e del terreno vuole farsi prolungamento, generata
da un apparente movimento tellurico. La foresta di bambù la
attraversa, vi cresce all’interno e sulle terrazze-giardino. Un edificio
che dissipa il confine tra interno ed esterno, non ci sono severe
pareti verticali che come margini identificano un dentro e un fuori
ma la foresta dall’esterno penetra all’interno divenendo elemento
strutturale. Un grattacielo che non vuole essere architettura
autoreferianziale, muta rispetto al contesto, ma elemento del
sistema ambientale in cui è inserito.

2 ° Classificato Beobyeong Park + DongJun Kim + MinSung Kim +

SeungGeun Kwak - South Korea

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 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO

BAMBOO SKYSCRAPERS, THE NEW FRONTIERS

OF SUSTAINABLE BUILDING

! From the contest “Singapore Bamboo Skyscrapers”, new

futuristic ideas highlighting the wide set of technical and aesthetic
possibilities of the use of bamboo in architecture

! The ideas contest “Singapore Bamboo Skyscrapers”,

whereof the winners were disclosed the past March, looks
interesting. The challenge consisted of designing a baboo
skyscraper keeping the necessities of a contemporary building
approach using this material into account. A contest for the
conception of a new type of sustainable sckyscraper which
promoted the introduction of an innovative and easily available
material, at a low price not only in economic terms but also socially
and enviromentally speaking. A contest showing the wide array of
technical and aesthetic possibilities of using bamboo as a
upholstery in load-bearing structures, which is the starting point for
sustainable skyscrapers and constructions.

2 ° Classificato Beobyeong Park + DongJun Kim + MinSung Kim +

1rst Place
Di Wang, Alexandru Vilcu, Richard Mui - Canada
A skyscraper imagined as a portion of the city, vertically overturned.
The main streets become “trees” which have lifts and flight of stairs
inside for the vertical distribution. The buildings, which once
reached those streets, are now hanging volumes arranged in
different levels. The structure is made up of modular units called
“Tectonic Unit”, produced with bamboo canes properly deformed
trough the use of vapour. Each Unit provides the planking level, the
ceiling and the vertical pillar of distribution. The bamboo canes are
linked to each other with elements made of steel. The result is a
framework working in the same vein of a traditional concrete
structure. What comes out is a complex work, not far, though, from
the common idea of a skyscraper, a building which wants to use to
the utmost the potentiality of the bamboo as a sctructural material.
2nd Place
Beobyeong Park, DongJun Kim, MinSung Kim, SeungGeun
Kwak - South Korea
This proposal wants to be a “home” for bamboo made of bamboo
and comes from the analysis of its life cycle: from the bud to the
coal, the remaining of a fire. A vertical greenhouse where is
possible to experiment a different use of bamboo depending on its
life phases.
SeungGeun Kwak - South Korea
A futurist shaped building which is still ispired by nature: a
mushroom for rainwater harvesting and a series of canes growing
around. A structure able to join complex technological and plant
design choises and natural forms.
3rd Place
Miloslav Olejar, Jakub Lenart, Tomas Boros - Canada
A building which has a dialogue with the territory. The
communication does not come out from the mere use of bamboo
but from the pick of a natural shaped architecure. A hilly structure
which buds from the soil and, at the same time, is an extension of
it, generated by an apparent telluric movement. The bamboo forest
goes trough it, growing inside of it and on the garden terraces. A
building able to dissolve the border between inside and outside
space: there are no strict vertical walls which identify inside and
out. The wood from outside penetrates trough the inside turning
into a structural element. A skyscraper which does not want to be a
sort of self-referential architecture, mute in the context, but a real
element of the eviromental system where it is inserted.
translated by Martina Regis

2 ° ClassificatoBeobyeong Park + DongJun Kim + MinSung Kim + SeungGeun Kwak - South Korea

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 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO

UN FUTURO DI BAMBÙ PER

L’ARCHITETTURA. INTERVISTA A
DFG ARCHITETTI

Tre giovani architetti italiani tra i vincitori del concorso

internazionale “Singapore Bamboo Skyscrapers”.
Scopriamo con loro cosa vuol dire fare
architettura in bambù

di Lorenzo Carrino

Singapore Bamboo Skyscrapers - DFG Architetti

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Singapore Bamboo Skyscrapers - DFG Architetti
! DFG Architetti è uno studio di progettazione e ricerca,
fondato dai giovani Davide Scrofani, Ferdinando Mazza, Giuseppe
Francone, impegnato nei campi dell’architettura, dell’urbanistica e
dell’arte. Questo giovane team si è classificato tra i vincitori, con un
riconoscimento speciale, della competizione internazionale di
architettura “Singapore Bamboo Skyscrapers”; unici italiani tra i
primi 30 classificati. Si sono presentati con un progetto nato
dall’osservazione della natura fisica e sociale di Singapore, città-
stato adagiata su un arcipelago di 63 isole, risultato etnico e
culturale della fusione di più popoli. Il nuovo villaggio di bambù, per
questi motivi, è costituito da un arcipelago di volumi che si aprono
intorno ad un nucleo d’acqua, tra cui svetta il grattacielo. Edifici
concepiti in bambù, in cui il bambù è usato come vestito e come
struttura.
Come sappiamo vi siete classificati tra i vincitori del concorso
“Singapore Bamboo Skyscrapers”. Come è nata la vostra idea
progettuale? E quali sono state le difficoltà nell’approcciare ad
un materiale come il bambù, sicuramente inedito per la cultura
architettonica italiana e occidentale?
Il nostro progetto, così come ognuna delle nostre idee, nasce dalla
meticolosa osservazione del contesto nel quale il prodotto
architettonico andrà ad inserirsi. La responsabilità è tale da imporci
un lunghissimo periodo di studio che spazia dalla storia del luogo
all’analisi climatica- ambientale, dal panorama culturale al know-
how tecnologico, dagli aspetti sociologici al trend economico, dallo
stile di vita alle tradizioni architettoniche. Insieme al contesto,
DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO
valutiamo anche le aspirazioni della committenza, esplicite ed
implicite, che in questo caso mirava ad un progetto fortemente
innovativo che potesse aprire la strada a future sperimentazioni e
ricerche. Abbiamo quindi ideato un sistema di percorsi, di verde e di
edifici che potesse fondersi col tessuto urbano di Singapore e
sfruttare al meglio le condizioni offerte dal sito, risolvendo un
importante vuoto urbano; allo stesso tempo abbiamo pensato ad un
design fortemente contemporaneo, dinamico e che rispecchiasse i
caratteri della frenetica metropoli orientale. Per quanto riguarda
l’introduzione del bambù, abbiamo colto l’occasione offerta da
questo concorso per approfondire le nostre conoscenze su questo
materiale, indagando il suo possibile utilizzo (già ampiamente
conosciuto ed impiegato nelle architetture orientali, anche
contemporanee) in una tipologia edilizia con cui è apparentemente
incompatibile: il grattacielo. La nostra ricerca si è focalizzata sulle
possibilità di impiego anche a livello strutturale del bambù, che si è
rivelato il tema più difficoltoso e che ci ha portato a studiare le
proprietà meccaniche, i dettagli tecnologici, le notevoli
caratteristiche di lavorazione e le infinite combinazioni morfologiche
e di aggregazione, senza però trascurare le esigenze di salubrità,
sicurezza e design. La “messa a sistema” tutti questi input ci ha
permesso di arrivare a qualcosa di inedito ed innovativo, una
cellula strutturale “a gabbia”, collegata tramite delle molle alla spina
dorsale in acciaio del grattacielo, e combinata alle altre con infinite
possibilità di aggregazione. Questa idea supera anche l’incognita
principale del bambù, cioè la deteriorabilità nel tempo che ad ora
non è ancora stata stimata, dato che ogni singola cellula può
essere smantellata e sostituita grazie a sistemi di dislocamento
verticali contenuti nel nucleo del grattacielo.
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 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO

Singapore Bamboo Skyscrapers - DFG Architetti

Il bambù, come altri materiali naturali da costruzione (legno, E’ stata quindi in primo luogo una esperienza di crescita per
paglia, terra cruda) può davvero essere punto di partenza per voi. Quanto ritenete importante per il percorso formativo di un
un’architettura più sostenibile? E soprattutto quanto il giovane progettista partecipare ad iniziative di questo genere?
materiale incide sulla forma e la struttura architettonica di
un’opera? Queste competizioni risultano essere un vero e proprio
investimento a lungo termine. Sfide di questo genere possono
I materiali impiegati incidono pesantemente sulla forma, alcuni più essere molto difficili ed intense, intanto perché ci si scontra con
di altri, e devono essere considerati fin dall’inizio del processo temi poco conosciuti, in secondo luogo perché bisogna investire
creativo, perché ciascuno di essi ha le proprie caratteristiche e molto tempo nelle ricerche, ma soprattutto perché bisogna arrivare
potenzialità, ma presuppone anche determinati sistemi tecnologici ad un’idea innovativa senza precedenti, che possa rappresentare
e impone dei vincoli a livello formale e strutturale. I materiali a cui un nuovo punto di partenza per il progresso in campo
oggi volgiamo l’attenzione come la paglia e la terra cruda hanno dei architettonico. Tuttavia l’impegno nel campo della ricerca permette
costi, in termini energetici, nettamente inferiori ai materiali di svolgere al meglio ed in maniera più “aperta” la professione e i
attualmente impiegati ma sono ancora lontani dalla nostra cultura e lavori quotidiani, riserva il privilegio di far parte di una comunità di
non è ancora diffuso il know-how necessario e la manodopera professionisti impegnati sulle nuove frontiere e sui nuovi scenari
specializzata in grado di usarli, problema a cui si ovvierà con dell’architettura e costituisce un’opportunità di crescita intellettuale
l’opportuna sperimentazione e collaudo nel tempo. Il bambù, e professionale unica.
ascrivibile a questa nuova categoria, è un materiale straordinario
che apre incredibili scenari per il futuro: è reperibile in grandi
quantità a bassissimi costi, grazie alla sua velocissima crescita; è
straordinariamente resistente e leggero, adatto a costituire
l’ossatura anche di grandi edifici, perfino di un grattacielo se
opportunamente combinato con una struttura principale di acciaio;
è modellabile durante il periodo di crescita al fine di ottenere
qualsiasi curvatura oppure per intrecciarlo in più fusti; offre la
possibilità di lavorarlo in infiniti modi, perfino in lamine o pannelli, e
può dunque impiegarsi in ogni campo, dalle pavimentazioni e ai
rivestimenti all’arredo e al design. Siamo in molti a sostenere che il
bambù potrà essere uno dei protagonisti del futuro dell’architettura.

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 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO

Singapore Bamboo Skyscrapers - DFG Architetti

Un’ultima domanda. Voi avete avviato da alcuni anni uno

studio a Roma e a Ragusa. State lavorando molto.
Pensate davvero che sia possibile sostituire i materiali
tradizionalmente utilizzati in edilizia (acciaio, calcestruzzo) con
materiali naturali e che al momento risultano quasi inediti? Di
conseguenza quanto è concreto il lavoro che avete fatto per
questo concorso e quanto si rivelerà, invece, solo un semplice
esercizio progettuale?

Qualsiasi tipo di innovazione incontra necessariamente una

resistenza, più o meno forte a seconda del mercato e del sistema
che si vuole modificare. Portare una novità, anche se offre
oggettivamente dei vantaggi immediati, ha bisogno di un certo
periodo di tempo per potersi inserire in un sistema complesso di
equilibri come il mercato dell’edilizia. Inoltre è prima necessario
diffondere la conoscenza e la cultura tra i progettisti e i tecnici, così
come è propedeutica la nascita di aziende che, parallelamente
all’attività che svolgono, investano anche in questi nuovi materiali e
che costruiscano degli organi tecnici interni in grado di dialogare
con i progettisti. E’ un processo lento a cui noi crediamo, e a cui
abbiamo cercato di dare il nostro apporto con la nostra ricerca.
Indagare campi sconosciuti è un impresa molto complessa, e deve
muovere i primi passi attraverso una progettazione “visionaria”,
svincolata da ciò che sappiamo, amplificando al massimo la
creatività e l’immaginazione, che per quanto possa sembrare
effimera è al contrario il risultato di un grande sforzo creativo ed
intellettuale.

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 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO

A FUTURE MADE OF BAMBOO FOR

ARCHITECTURE. INTERVIEW WITH DFG
ARCHITECTS

DFG Architects is a design and research group, founded by Davide

Scrofani, Ferdinando Mazza, and Giuseppe Francone, involved in
the fields of architecture, city planning, and art. This young team is
one of the winners, with a special recognition, of the international
architecture competition “Singapore Bamboo Skyscrapers”, the only
Italians to rank in the top thirty. They presented a project born from
the observation of the physical and social nature of Singapore, city-
state stretched out on an archipelago of 63 islands, ethnic and
cultural result of the melting pot of different people. The new
bamboo village, for these reasons, is made up of an archipelago of
volumes, among which the skyscraper stands out, that open around
a water nucleus, the Marina. Buildings made of bamboo, in which
bamboo is used as garment and structure.

As we know, you came in among the winners for the
“Singapore Bamboo Skyscrapers” contest. How did your
planning idea take form? And what are the difficulties in
approaching a material like bamboo, which is fairly unknown
in Italian and occidental tradition?
Our project, like all our ideas, was born from the meticulous
observation of the context in which the architectural product will be
inserted in. The responsibility is such as to dictate a long period of
study, from the history of the place, to the climatic-environmental
analysis, from the cultural panorama to the technological know-
how, form the sociological aspects to the economic trend, from the
life style to the architectural traditions. With context, we also
evaluate the aspirations of the clients, explicit or implicit, that in this
case aimed at a very innovative project that could pave the road to
future research and experimentation. For these reasons we have
conceived a system of routes, greenery, and buildings that could
merge with Singapore's urban fabric and exploit the conditions
offered by the site, resolving an important urban vacuum; at the
same time we thought of a contemporary, dynamic design that
would reflect the different characters of the frenetic oriental
metropolis. For what concerns the introduction of bamboo, we
seized the opportunity to increase our knowledge on this material,
looking into its uses (already renowned in oriental architectures,
even contemporary ones) in a kind of building with which it is
apparently incompatible: the skyscraper. Our research focused on
the possibilities of use of bamboo even at a structural level, which
was revealed to be the most difficult aspect, bringing us to study its
mechanic proprieties, technological details, manufacturing
characteristics and the infinite morphological and aggregation
combinations, without neglecting health, safety and design
requirements. The “system put-up” of these inputs let us achieve
something unique and innovative, a “cage” structural cell,
connected through springs to the steel spine of the skyscraper, and
combined with others with infinite possibilities of aggregation.
This idea overtakes the main variable of bamboo, the deterioration
in time, that as of now still hasn't been measured, since every
single cell can be dismantled and replaced thanks to vertical
displacement in the skyscraper nucleus.
Can bamboo, like other natural materials (wood, straw, raw
earth), really be a starting point for a more sustainable
architecture? And, more importantly, how much does the
material impact on the form and architectural structure of a
work?
The materials used impact very much on the shape, some more
than others, and they have to be considered from the beginning of
the creative process, because each one has its own proprieties and
potential, but it also needs certain technological systems and
imposes limits on a formal and structural level. The materials on
which we turn our attention on today, like straw or clay, have costs,
in energy terms, that are substantially less than those of materials
used today, but they are still far from our culture and the needed
know-how and specialized workers are still not available to us.
Bamboo is an incredible material that opens incredible scenarios
for the future: it's available in large quantities and at a low cost,
thanks to its fast growth: it's robust and light, ideal to build the
skeleton of large buildings, even skyscrapers, if combined with a
principal steel structure; it's moldable in its growing period to obtain
all kinds of curves or to weave it in more stems: it offers the
possibility of working it infinite ways, even in laminates or panels,
and so can be used in any field, from paving to cladding to design.
Many of us believe that bamboo could be one of the protagonists of
architecture's future.

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 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO

So this has been mainly a chance to grow for you. How

important is it to you in the formative path of a young
designer, to participate in this kind of initiatives?

These competitions are a long-term investment, because they

usually don't have prizes that are worth the time invested. This kind
of challenges can be very hard and intense, first of all because
you're faced with little known themes, second of all because you
have to invest a lot of time in research, but mostly because you
have to reach an original idea that can represent a new starting
point o simply spar a discussion in the field. However, the
commitment in the research aspect makes better you at your job,
more “open” towards the profession and everyday jobs, keeps the
privilege of being part of a community of professionals working on
new frontiers and new scenarios of architecture, and represents an
opportunity of intellectual and professional growth.

Last question. In the last few years you have opened a studio
in Rome and one in Ragusa. You're working a lot. Do you really
think it's possible to substitute traditional materials (steel,
concrete) with natural materials that today are almost
unknown? And as a consequence, how much of what you've
done for this competition is solid work and how much is just a
design exercise?

All kinds of innovations meet resistance, more or less strong

depending on the market and on the system one wants to change.
Bringing innovation, even if it has immediate benefits, needs a
period of time to insert itself into a complex system of equilibrium,
like that of the building market. It is also necessary to start by
spreading knowledge and culture among designers and
technicians, and have companies that invest in these new material
and create technical agencies to dialogue with the designers.
It's a slow process in which we believe, and to which we've tried to
give our contribution with our research through a “visionary” design,
unrelated to what we know, amplifying to the max creativity and
imagination, which is the result of a great creative and intellectual
labor.

translated by Elisabetta Fiorucci

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 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO

© Chiara Giuggioli

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 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO

FORME CONTEMPORANEE E
TECNICHE DELLA TRADIZIONE,
LA RISCOPERTA DEL BAMBÙ

Dal progetto di tesi di una studentessa di Ingegneria Edile-

Architettura della Sapienza di Roma, un viaggio tra tecniche
costruttive della tradizione e materiali naturali. Il bambù
come punto di partenza nella stesura
del processo architettonico

di Lorenzo Carrino

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 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO

© Chiara Giuggioli

! Semente, spazi per l'aggregazione, la formazione e
l'orientamento realizzati a Rio de Janeiro con materiali non
convenzionali, questo è il titolo del progetto di tesi della giovane
neolaureata in Ingegneria Edile-Architettura Chiara Giuggioli.
Semente, in italiano “seme” è un intervento nato dalla terra, che
intende essere esso stesso principio di una nuova vita, progetto
pilota che da quel luogo si fa portatore di un rinnovamento più
ampio.
Ci troviamo in Brasile, nell'isola del Fundão a Rio de Janeiro, sede
dell'università più importante di Rio. Qui, in un’area quasi
totalmente priva di servizi, dagli anni ’50 si è stabilita una comunità
di circa 2000 abitanti.
Il progetto nasce da un’attenta analisi del luogo, da cui è emersa la
forte necessità di un polo aggregativo che potesse sviluppare nei
giovani l'interesse verso la propria crescita personale e culturale.
cruda in forma di adobe, materiale dalle eccellenti prestazioni
termo-igrometrico.
Entrambi i materiali sono attualmente utilizzati in Brasile solo nelle
zone rurali ma visto l'utilizzo sistematico in altri paesi del Sud
America e la loro facile reperibilità e totale rinnovabilità, la giovane
progettista intende stimolarne la riscoperta nel campo delle
costruzioni.
! Per mezzo di forme e tecniche semplici si è dato vita ad un
progetto complesso, fortemente radicato sul territorio e brillante
esempio per una progettazione sostenibile a 360 gradi. Un’idea che
come un seme può essere impiantata per uno sviluppo sostenibile
dei nostri territori.

! La ricerca è rivolta verso il recupero delle radici, lo

sfruttamento delle risorse esistenti e l'esaltazione della componente
sociale e formativa. Si dà vita ad un edificio flessibile, con laboratori
pratici di arti e mestieri, stanze per lezioni, biblioteca, servizi.
I diversi volumi si articolano intorno ad una corte interstiziale, vero
nucleo del vivere comune. Lo spazio è scandito dalla fitta struttura
in bambù che definisce filtri attraversabili alla vista. Una spazialità
fluida e flessibile, risultato di una complessa aggregazione di forme
semplici. Un edificio dall’aspetto occidentale contemporaneo in cui
si rileggono rimandi ad una cultura architettonica orientaleggiante
(sicuramente nella scelta del materiale).
I materiali principalmente utilizzati sono il bambù, abbondante e © Chiara Giuggioli
versatile risorsa che il Brasile, purtroppo poco sfruttata, e la terra

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 DOSSIER - ARCHITECTURE & BAMBOO

CONTEMPORARY FORMS AND TRADITIONAL

TECHNIQUES, THE REDISCOVERY OF BAMBOO

From the dissertation thesis of a civil engeneering and architecure

student of Sapienza University of Rome, a trip between traditional
bulding techniques and natural materials. Bamboo as starting point
of the architectural draft process.

! “Seed, aggregation spaces, the developing and bearing

realised through unconventional materials in Rio de Janeiro” this is
the title of the dissertation thesis of the young student Chiara
Giuggioli, recently graduated in civil engeneering and architecure.

! “Seed” is an intervention born of earth which means to be

the beginning of a new life itself, the master plan bringing a wider
renewal.
We are in Brasil, Fundao island in Rio de Janeiro, the most
important university’s seat in Rio. Here, in an area almost
completely lacking of facilities, a community of about 2000 people
has established during the ‘50s.
© Chiara Giuggioli
The project comes from a profound analysis of the place, where the
strong necessity of an aggregation pole able to develope the
interest of young people towards their own growth, both personal
and cultural, has emerged.

! The research turns to the roots’ rediscovery, the use of

existing resources and the exaltation of the social and educational
part. A flexible building is created through arts and professions
practical laboratories, classrooms, libraries and other services.
Different volumes are organised an interstitial court, the real
nucleus of living common. The space is narrowed by the thick
bamboo structure defining filters which the sight can pass through.
A fluid and pliable space, resulting from a complex aggregation of
simple forms. A contemporary western building where is easy to
find recalls to an oriental architectural culture, especially in the
material choice.

! The main used materials are bamboo, abundant and

versatile Brasilian resource, unfortunately not very exploited, and
the earth in adobe form, a material which allows excellent thermo
hydrogeometric permormances.
Both materials are currently used in Brasil only in rural areas but,
considering the systematic utilization in other South American
countries and the effortless availability and complete renawability,
the young designer wants to stimulate the rediscovery in the
building field.
Through simple forms and techniques a complex project has been
created, strongly deep-rooted in the territory and bright example for
a totally sustainable planning. An idea which can be planted as a
seed for the sustainable development of our territories.

© Chiara Giuggioli
translated by Martina Regis

26
 #CONTAMINIAMOCI
#CONTAMINIAMOCI
Da questo numero della nostra rivista diamo spazio ai progetti dei
nostri fan!
Le regole sono semplici:
Inviateci un'immagine esplicativa del vostro progetto (1500X600
px - 150 dpi) e una breve descrizione in italiano o inglese (max
300 battute) su redazionelab2.0@gmail.com.
Tutti i progetti verranno pubblicati sulla nostra pagina Facebook, i
tre che conquisteranno più like avranno uno spazio dedicato su
"lab2.0 Magazine".
Scadenza: ore 12.00 del 25.07.2014 (ora italiana).
Tema del prossimo mese:
SPAZI CONFERENZA, TEATRI e AUDITORIUM
Seguiteci su Facebook (https://www.facebook.com/lab2dot0)
1° CLASSIFICATO - 190 like
PROGETTO: Conversione di una chiesa sconsacrata in uno
! ! spazio !espositivo
PROGETTISTI: Teodoro Mastrantonio, Trentino Fabio Petrella
Il progetto, situato nell'antico borgo di Salle Vecchia (PE),
prevede la riqualificazione di una chiesa allo stato di rudere priva
della sua copertura.
Il motivo geometrico scelto per il rivestimento della struttura di
base in acciaio deriva dalla tipica forma a cinque punte della
foglia di Pharthenocissus Quinquefolia, che perennemente
ricopre le mura abbandonate.
Partendo dalla forma geometrica del pentagono si diramano dai
suoi vertici i margini dei cinque lembi. Ogni foglia è piegata da
una linea centrale che ricorda la nervatura primaria della lamina
ed è collegata a quelle adiacenti tramite saldatura, a formare i
pannelli della copertura. All'interno è prevista l'installazione di un
masso sorretto da sottili tiranti d'acciaio, che dà l'impressione
come se il tetto stesse crollando, a testimonianza delle tante
calamità che hanno colpito il paese.
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#CONTAMINATION
From this issue of our magazine we will give space to the projects
of our fans!
The rules are simple:
Send us an image of your project (1500X600 px - 150 dpi) and a
short English or Italian description (max 300 script) on
redazionelab2.0@gmail.com.
All projects will be posted on our Facebook page, the first three
that will conquer more like will have a dedicated space in "lab2.0
Magazine".
Deadline: July 25th, 12:00 (Italian time)
Next Month's Theme:
CONFERENCE ROOM, THEATRE and AUDITORIUM
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#01 SPAZI ESPOSITIVI
2° CLASSIFICATO - 134 like
PROGETTO: Museo di arti visive - Casal Monastero (Roma)
PROGETTISTI: Gabriele Aronica - Roberto Cavolo
Il progetto è costituito da tre blocchi che contengono al loro
interno le tre funzioni principali (uffici, auditorium, spazi
espositivi). I tre elementi sono collegati da un grande spazio
semi-ipogeo dove sono presenti i servizi ed i collegamenti
verticali. Il prospetto principale è caratterizzato da una grande
vetrata con una trama che ricorda le opere di Mondrian.
3° CLASSIFICATO - 116 like
PROGETTO: Sala Espositiva in Piazza dei Cinquecento, Roma
PROGETTISTA: Veronica Carlutti
L’ipotesi progettuale nasce dall’intento di instaurare un confronto
con il contesto e da esso si lascia ispirare. L’edificio, che ricalca le
sue forme sulle direttrici suggerite dagli elementi circostanti, vuole
essere permeabile - la sala espositiva può essere attraversata da
chi è di passaggio - e, al contempo, creare, nelle due piazze
ipogee, un luogo adatto a trascorrere del tempo.
 #CONTAMINIAMOCI

1° CLASSIFICATO - PROGETTO: CONVERSIONE DI UNA CHIESA SCONSACRATA IN SPAZIO ESPOSITIVO - T. MASTRANTONIO, T. F. PETRELLA

2° CLASSIFICATO - PROGETTO: MUSEO DI ARTI VISIVE - CASAL MONASTERO (RM) - G. ARONICA, R. CAVOLO

3° CLASSIFICATO - PROGETTO: SALA ESPOSITIVA IN PIAZZA DEI CINQUECENTO, ROMA - V. CARLUTTI

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 SCRITTI / WRITINGS

HUSTADVIKA TOOLS, UN
RIFUGIO NELLA FORESTA
NORVEGESE

La sostenibilità diventa un pensiero naturale: lo studio

norvegese Rever&Drage crea uno spazio multifunzionale
per chi vuole vivere la natura in modo intelligente partendo
dalle più “moderne” tecnologie rinascimentali

di Andrea Filippo Certomà

Hustadvika Tools - Rever&Drage

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 SCRITTI / WRITINGS

Hustadvika Tools - Rever&Drage

! Siete nel mezzo della foresta Norvegese, in un tratto di progetto un piccolo accenno all’attività di Leonardo da Vinci, con le
costa basso che lambisce l’oceano. La natura è talmente sue carrucole, fili, parti scorrevoli e contrappesi».
imponente da offuscare i sensi e inebriare lo spirito. Vorreste
accamparvi, ma il tempo non è dei migliori e la vostra sete di natura ! I blocchi non sono immobili osservatori quindi, ma si
vi impone di non cercare rifugio in casermoni d’acciaio o cemento. muovono e mutano creando spazi diversi. Al sole alto e al vento
Preferireste magari qualcosa di più naturale, un riparo compatto,
intimo e funzionale… Magari anche moderno. Se vi sembra di
chiedere troppo, potete ricredervi perchè lo studio Rever&Drage ha
realizzato qualcosa del genere.

! Se pensate che la forma di un edificio ne stabilisca la

funzione (magari univoca) potreste trovare Hustadvika Tools
davvero confuso. Siete pratici e ingegnosi, con il gusto per il legno
e la funzionalità al limite del fanatico? Allora vorrete piantare le
tende il prima possibile. La polivalenza di questo impianto è
magistrale: un rifugio dalle angherie del clima, una struttura per le
attività estive all’aperto, una dependance per chi ama dormire sotto
le stelle, uno spazio per ristoro degli escursionisti e serate in
compagnia nel bosco.

! L’architettura è costituita da un gruppo di tre strutture che

circondano un piccolo patio, ciascuna provvista di una serie di
meccanismi per rendere i piani scorrevoli e adattabili al clima e agli
scopi. Se siete pratici della costa nord – ovest della Norvegia
saprete quanto sia volubile il tempo nordico: piogge brevi, sole
intenso, vento, “spruzzate” di neve in inverno. Il più largo dei tre
elementi è una cabina scatolare con il tetto che scorre in avanti a
creare un confortevole ambiente semi-coperto che a detta degli Hustadvika Tools - Rever&Drage
architetti Tom Auger, Martin Beverfjord ed Eirik Lilledrange «dona al

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 SCRITTI / WRITINGS

Hustadvika Tools - Rever&Drage

freddo e insidioso, possono opporsi le porte aperte dei blocchi
laterali.
Nello schermarne l’effetto, abbracciano contemporaneamente la
piazza e creano un ambiente intimo, ma non visivamente chiuso.
Le pareti che affacciano sull’oceano sono in vetro e riparano senza
chiudere la visuale. Cosa replicare al clima caldo, che porta spesso
qualche pioggia? Il tetto “che non c’è” scorre verso il piazzale
guidato da un motore interno e, quando accade, scopre al
contempo il lucernario interno. L’attenzione progettuale è evidente
in questo dettaglio: piuttosto che lasciare la struttura interna
esposta alle intemperie, il vetro sommitale offre protezione e
allontana l’acqua, mentre il pannello di copertura è inclinato in
verso opposto per affrontare i venti e la neve invernale.

! Forme genuinamente regolari, nessun cornicione, superfici

levigate urlano al visitatore la loro radice contemporanea,
strizzando l’occhio al più classico gusto antico del legno. I pannelli
sono rivestiti – per raggiungere la necessaria impermeabilizzazione
– della stessa sostanza delle barche, trovandosi ad affrontare oltre
la pioggia anche i più rari e dannosi schizzi di acqua salata. Come
spesso ci ricorda l’architettura nordica, il legno assume colori
diversi a seconda della luce che lo colpisce,  cangiando durante
l’arco della giornata in virtù del sole.

«La resina impregnante porta in primo piano la profondità visiva del

legno, e rende anche l’edificio affascinante nel basso sole di sera.»

! Una sensazione di straniamento, quella della luce, che

potrebbe anche essere dovuta ad una suggestione più spirituale.
Monoliti in legno portati in un luogo sperduto da ignote forze
mistiche che richiamano architetture megalitiche druidiche.
Un’aggiunta romantica figlia della suggestione che l’aria del mare
Hustadvika Tools - Rever&Drage del nord sa offrire.

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 SCRITTI / WRITINGS

HUSTADVIKA TOOLS, A HAVEN IN THE NORWEGIAN

FOREST

Sustainability becomes a natural thought: Norwegian studio Rever

& Drage creates a multifunctional space for those who want to
experience nature in a smart way, starting from the most “modern”
renaissance technologies

! You're in the middle of the Norwegian forest, on a stretch of

coastline that brushes the ocean. Nature is so imposing that it dims
the senses and intoxicates the spirit. You'd like to make camp, but
the weather is not very nice and your thirst for nature demands that
you don't seek refuge in steel or concrete buildings. You'd prefer
something more natural, a closed shelter, intimate and functional...
Maybe even modern. If you thing you're asking for too much, think
again, because Rever & Drage have realized something similar.

! If you think that the shape of a building defines its function,

you may find Hustadvika Tools really confusing. Are you practical
and ingenious, with a taste for wood and functionality? Then you'll
want to plant your tent as soon as possible. This construction is
excellent for a variety of purposes: a harbor for the vexations of the
atmospheric conditions, a structure for summer outdoor activities, a
Hustadvika Tools - Rever&Drage
depandance for those who like to sleep under the stars, a rest stop
for hikers and for spending the evening in the woods.

! The construction is made up of three structures that

surround a small patio, each one of them equipped with a series of
gears to make the stories slide and adapt to the weather and the
purposes. If you know anything about the northwestern Norwegian
coast, you'll know that the weather is very unpredictable: brief
downpours, intense sun, wind, “sprinkles” of snow in winter. The
largest of the three components is a box-shaped cabin with a
forward-sliding roof that creates a comfortable half-covered space.
According to architects Tom Auger, Martin Beverfjord and Eirik
Lilledrange, it «gives the project a bit of a nod to the activity of
Leonardo da Vinci, with his pulleys, strings, sliding parts and
Hustadvika Tools - Rever&Drage
counter-weights».

! The blocks are motionless observatories, but they move and
mutate, creating different spaces. The open doors of the lateral wall
can protect against the high sun and cold winds. In shielding their
effects, they hug the square and create a setting that is intimate,
but not visually closed. The walls that face the ocean are made of
glass and shelter without obstructing the view.
How to respond to the warmer weather, that often brings rain? The
“invisible” roof slides towards the square guided by an internal
engine and, when that happens, it uncovers the internal skylight.

The attention to planning is evident in this detail: rather than leaving
the internal structure exposed to the elements, the glass at the top
offers protection and disposes of water, while the covering panel is
inclined in the opposite direction to face the wind and the snow.
! Genuinely regular forms, no ledges, polished surfaces shout
at the visitor their contemporary roots, nodding to the more
classical taste for wood. The panels are covered – to reach the
necessary waterproofing – with the same manner as boats facing
rain and salt water. As so often northern architecture reminds us,
wood takes different colours according to what kind of light hits it,
changing during the day according to the sun's movement.
«The impregnating resin brings to the forefront the visual depth of
wood, and makes the building fascinating in the low sun of the
evening».
The light gives a feeling of estrangement that could be the product
of spirituality. Wooden monoliths brought in middle of nowhere by
unknown mystical forces that recall druid monolithic architectures. A
romantic addition born from the enchantment that only the air of the
northern sea can offer.
translated by Elisabetta Fiorucci

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 SPAZI FUTURIBILI / FUTURISTIC SPACES

CITTA’ VOLANTI: PUO’ ESSERE

DAVVERO QUESTO IL FUTURO?

Project Blue: dall’ipotesi di un “ombrello volante” in grado di

convertire l’inquinamento atmosferico in energia pulita
all’utopia delle città tra le nuvole

di Pasquale Caliandro

ProjectBlue - Yang Siqi, Zhan Beidi, Zhao Renbo, Zhang Tianshuo - 2014 Skyscraper Competition

33

La città del futuro - Georgii Krutikov 1928
! Siamo solo agli inizi del ‘900 quando con il concorso per la
realizzazione del primo grande grattacielo (Chicago Tribune) si
offriva la possibilità,ai visionari dell’epoca,di concentrare la propria
attenzione su aspetti di tipo formale, al fine di creare un prototipo
che avrebbe dato il via ad una rivalutazione estetica del concetto
futuro di città. Si creavano i presupposti di una nuova immagine
delle megalopoli. Il laissez-faire tipico dell’epoca, però, determinò
uno sviluppo incrementale dello skyline cittadino,ignorando lo
spazio civico e distruggendo quella complessa natura di relazioni
sociali e ambientali preesistenti.
! Oggigiorno le grandi nazioni pagano a caro prezzo questo
sviluppo intensivo. L’architettura urbana contribuisce attivamente
all'inquinamento. I grattacieli richiedono quantitativi maggiori di
energia per riscaldare e raffreddare i residenti. Concentrazioni
elevate di edifici creano cappe di calore, generando temperature
elevate e riducendo la qualità dell'aria.Ma tutto ciò quale effetto
collaterale ha portato? Lo sviluppo sempre maggiore delle città e la
richiesta di ulteriori risorse vanno di pari passo allo sviluppo
industriale. Nello specifico in paesi come la Cina la rincorsa
continua allo sviluppo economico ha portato ad un incremento
spropositato e incontrollato dell’inquinamento atmosferico.Intere
città sembrano accumuli nebbiosi e sono oscurate da sostanze
tossiche disperse nell'atmosfera.Di fronte a questi scenari,
qualunque soluzione, anche delle più particolari e
avveniristiche,può e deve essere presa in considerazione.
! Project Blue è il biglietto da visita con cui si presentano alla
porta della fanta-architettura gli studenti cinesi Yang Siqi, Zhan
SPAZI FUTURIBILI / FUTURISTIC SPACES
Beidi, Zhao Renbo, Zhang Tianshuo vincitori di una menzione
d'onore al “2014 Skyscraper Competition” di eVolo (rivista
internazionale di architettura). Questi designer hanno ideato una
struttura ipertecnologica,degna dei migliori film sci-fi,proponendosi
come obiettivo quello di risolvere il problema dell'inquinamento
atmosferico. La loro idea di trasformare i gas serra in energia pulita
potrebbe essere una risposta concreta a questo problema.
! L’edificio ha una struttura a fungo apparentemente
semplice, ma complessa nei suoi elementi strutturali. L’idea in sé
nasce per dare forma ad un processo chimico di trasformazione
dell’inquinamento urbano in combustibile (metanizzazione).Il tutto
consiste nel convogliare i gas serra, che stazionano sulle città,
attraverso un’enorme membrana ad ombrello. La struttura è
caratterizzata da una torre tubolare spiraliforme provvista di un
sistema di trattamento delle sostanze nocive. Quando gli elementi
si combinano attraverso una reazione a bassa pressione, il risultato
che ne viene fuori è una miscela di metano:carburante nuovo e
pronto per l’utilizzo.
! È ora viene il bello:per aiutare a velocizzare il processo di
distribuzione di metano nelle singole città, la struttura sarebbe
sorprendentemente in grado di muoversi.Ciò la rende un vero e
proprio Aeroboat fluttuante che percorre miglia, passando di città in
città con lo scopo non solo di ripulire l'ambiente dove necessario,
ma anche di preservarne le risorse naturali.
! Project Blue vuole essere innovativo, non solo per la sua
concezione architettonica, vuole infatti dare forma ad un processo
34
 SPAZI FUTURIBILI / FUTURISTIC SPACES

Cloud City - Star Wars

chimico di bonifica ambientale.Di certo un'idea fantasiosa e troppo lontano?Nell’analizzare questo tipo di progetti è quasi
coinvolgente, in cui però l’apporto tecnologico affiancato impossibile restare indifferenti alla questione. Nel 1928 Georgii
all’architettura sembra essere la riproposizione di un’idea di Krutikov presentò un progetto di tesi completamente fuori da ogni
progresso ormai vecchia di 50 anni. Facciamo riferimento agli schema,provocatorio, per quei tempi, e lo chiamò la Città del
Archigram, gruppo di progettisti d’avanguardia attivi negli anni ’60 e Futuro. Una struttura volante sulla quale spostare intere comunità.
di certo tra i primi a ideare un nuovo concetto di spazio in L’impressione che si ha,guardando questi progetti,è quella di una
movimento. Proprio come loro, i designer del Project Blue realtà come rappresentazione di un manifesto utopistico ormai
sembrano proiettare in ambito architettonico i cambiamenti radicali vecchio,che necessita di concretezza visto il progresso della
di un mondo ormai vittima di sé stesso e del proprio sviluppo, ma al civiltà.E chissà se un domani non siano davvero realizzabili delle
contempo aperto al futuro. Tutto ciò mosso da un’idea quasi vere Cloud City, le città volanti create per la space opera di Star
malinconica di architettura nomade.“L’ombrello volante” Wars.
rappresenta anche un sottile riferimento alla Plug-in City di Peter
Cook con la sua struttura  nata dalla rielaborazione del concetto
stesso di macchina.Dunque una macchina che diventa un prodotto
necessario a cui l’uomo è ipoteticamente costretto a ricorrere per
conservare quell’ambiente che egli stesso inquina abitandoci. Da
un punto di vista morale ci si dovrebbe porre almeno il dubbio se
conservare l’ambiente non escluda l’abitare in città, data la mole di
inquinamento prodotto.C’è da domandarsi, quindi,se un’idea così
surreale possa rappresentare una soluzione concreta per il
problema del decadimento ambientale,senza che questo comporti
limiti allo sviluppo del future living.

! L’immagine di una struttura abitabile fluttuante è davvero

affascinante. Quest’utopia solletica l’indole umana,basti pensare
alle raffigurazioni cinematografiche di città galleggianti o al sogno di
volare che pervade le nostre menti. Probabilmente l’idea stessa di
volo dà una percezione effimera al concetto dell’abitare, ma ciò ProjectBlue - 2014 Skyscraper Competition
nonostante,potrebbe essere un’ipotesi concreta per un futuro non

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FLYING CITY: MAY IT BE REALLY THE FUTURE?
Project Blue: from the assumption of a "Flying umbrella" that can
convert air pollution into clean energy to the utopia of city in the
clouds
! We are only at the beginning of the ‘900 when with the
competition for the construction of the first skyscraper (Chicago
Tribune) was offered the opportunity, to the visionaries of the time,
to focus their attention on formal aspects, in order to create a
prototype that would given way to an aesthetic reassessment of the
future concept of city. It created the conditions for a new image of
megalopolis. The laissez- faire typical of the era, however,
determined an incremental development of the city skyline, ignoring
the civic space and destroying the complex nature of social and
environmental legacy.
! Nowadays the great nations pay dearly this intensive
development. The urban architecture actively contributes to
pollution. The skyscrapers require greater amounts of energy to
heat and cool the residents. High concentrations of buildings create
hoods of heat, generating high temperatures and reducing air
quality. But this which side effect has brought? The development of
the city and the increasing resources demand go hand in hand with
industrial development. Specifically, in countries such as China in
which the continuous run to the economic development has led to
an enormous and uncontrolled increase in pollution. Whole cities
seem hazy and obscured by toxic substances released into the
atmosphere. Faced with these scenarios, any solution, even of the
most unique and futuristic, must be taken into account.
Project Blue is the business card with which chineses architecture
students Yang Siqi, Zhan Beidi, Renbo Zhao, Zhang Tianshuo,
winners an honorable mention in the "2014 Skyscraper
Competition" of eVolo (international architectural magazine) present
themselves at the door of fantasy. These designer have designed
an hyperstructure, worthy of the best sci-fi film, proposing as goal to
solve the problem of air pollution. Their idea of turning greenhouse
gases into clean energy could be a concrete answer to this
problem.
! The building has a mushroom-shaped structure apparently
simple, yet complex in its structural elements. The idea itself was
created to give shape to a chemical process of transformation of
urban pollution into fuel (methane) . It all t is to convey the
greenhouse gases, which are stationed on the city, through a big
umbrella membrane. The structure is characterized by a spiral-
shaped tubular tower equipped with a system of treatment of
hazardous substances. When the elements are combined through
a reaction at low pressure, the result that comes out is a mixture of
methane: fuel new and ready to use .
Now comes the fun part: to help speeding up the process of
distribution of methane in individual cities, the structure would be
able to move itself. This surprisingly makes it a real aeroboat
floating along miles, passing from town to town with not only the
purpose to clean up the environment where necessary, but also to
preserve the natural resources.
SPAZI FUTURIBILI / FUTURISTIC SPACES
Project Blue wants to be innovative, not only for its architectural
design, in fact, wants to shape a chemical process of ambiental
reclamation. Of curse this is an imaginative and engaging idea, but
in which the contribution of technological flanked architecture
seems to be the revival of the 50 years old progress idea. We are
referring to the Archigram group of avant-garde designers active in
the 60s and certainly among the first to devise a new concept of
space in motion. Just like them, the designers of Project Blue seem
to project the radical changes in architecture of a world and a victim
of itself and of their own development, but at the same time open to
the future.
! Everything is driven by a maliconic idea nomadic
architecture. "The Flying umbrella" is also a subtle reference to the
Plug-in City by Peter Cook with its structure created by the
reworking of the concept of the machine. Therefore a car that
becomes a necessary product to which man is hypothetically forced
to resort to preserve that environment that pollutes himself. From a
moral point of view we should at least ask the question of whether
to preserve the environment does not exclude live in the city, given
the amount of pollution produced. Is it any wonder , then , if an idea
so surreal could represent a practical solution to the problem of
environmental decay, without this leading to constraints on the
development of future living.
! The image of a habitable structure floating is really
fascinating. This utopia tickles the human nature, just think of the
cinematic representations of floating cities or to the dream to fly that
pervades our minds.
! Probably the very idea of flying gives a ephemeral
perception to the concept of living, but even so, it might be a
concrete hypotesis for a not too distant future? Analyzing this type
of project is almost impossible to remain indifferent to the question.
In the 1928 Georgii Krutikov presented a thesis project completely
outside of any scheme, provocative for its time, and called it the
City of the Future. A flying structure on which move entire
communities.
! The impression one gets from looking at these projects is
that of a representation of reality as a utopian manifesto old now,
that requires concreteness seen the progress of civilization. And
who knows if tomorrow is not really realizable real Cloud City, the
city created for flying the space opera of Star War.
translated by Lucrezia Parboni Arquati
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 IDEE / IDEAS

Monument of civilization - Lin Yu-Ta e Anne Schmidt - “eVolo Skyscraper Competition” 2012

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 IDEE / IDEAS

UNA TORRE DI “MONNEZZA”

COME MONUMENTO
ALL’(IN)CIVILTÀ

Una discarica verticale come spunto di riflessione sulla

gestione dei rifiuti urbani. New York, in un solo anno,
produce tre Empire State Building di immondizia

di Lorenzo Carrino

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 IDEE / IDEAS
! A TOWER OF “GARBAGE”, AS A MONUMENT TO
! Monument to civilization è una torre-discarica ideata da due
progettisti di Taiwan, Lin Yu-Ta e  Anne Schmidt. Con questo
progetto, che gli è valso il terzo posto al concorso internazionale
“eVolo Skyscraper Competition” del 2012, i due architetti offrono
uno spunto per affrontare la problematica della gestione dei rifiuti
urbani.
! L’idea nasce da un dato agghiacciante: se depositassimo la
sola spazzatura prodotta in un anno dalla città di New York sulla
superficie di una tipica torre, otterremo un grattacielo di immondizia
alto 1300 metri, circa tre volte l’Empire State Building. Da qui nasce
il gioco di parole che porta al nome del progetto: una discarica
verticale come monumento della civiltà moderna. I rifiuti sono il
risultato dei nostri consumi quotidiani, il segno indelebile che
lasciamo sul nostro pianeta. Basti pensare che un sacchetto di
plastica ci mette fino a mille anni per degradarsi, più di un edificio in
cemento armato. E’ questo il segno che vogliamo lasciare sul
pianeta che ci ospita?
! Con questo “monumento” non si vuole solo fare “ironia” su
una problematica dai risvolti sociali e ambientali complessi. I due
progettisti, infatti, lanciano una provocazione tutt’altro che
indifferente, relativa allo stile di vita consumistico e scarsamente
lungimirante che caratterizza la nostra società. Provano così a
fornire una risposta al problema, con un’opera di architettura che
interviene a livello urbano. Realizzando una discarica verticale,
infatti, si riduce l’impatto sul territorio, occupando un’area ridotta
rispetto alle tradizionali discariche. Allo stesso tempo,
posizionandola nel centro della città, consente di beneficiare
direttamente anche del risparmio di costi dovuti al trasporto dei
rifiuti. Non può mancare ovviamente un approccio sostenibile al
tema: sono state previste, infatti, delle aree sotterranee dove
avvengono i processi di riciclo delle acque reflue, il deposito dei
gas prodotti dalla decomposizione dei rifiuti e la produzione di
energia a servizio del centro urbano. Ma, più che nei risvolti
concreti e visionari di quest’opera, il suo vero valore  sta nel
significato simbolico.
! Il grattacielo è sempre stato pensato per stupire, per
impressionare, come icona di ricchezza e dimostrazione di
tecnologia avanzata. La corsa alla torre più alta, dai 509 metri della
Taipei 101 a Taiwan fino agli 828 metri della Burji Khalifa di Dubai,
viene soppiantata da un’idea diversa di grattacielo. Ed è proprio
questo il valore simbolico del progetto: non è il grattacielo più alto a
rappresentare il progresso della civiltà, ma più la torre è bassa più
diviene espressione di un rispetto sostenibile del territorio. Con
questo progetto ciò che ora è una fossa nel terreno, in cui
seppellire gli scarti della vita di tutti i giorni, diventa monumento,
opera architettonica da “ammirare”: un promemoria tangibile di ciò
che la società moderna produce e un monito a consumare meno e
riciclare di più.
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(IN)CIVILITY
A vertical landfill as a starting point of reflection on the urban solid
waste management. Every year the city of New York generates a
volume of garbage equivalent to three Empire State Buildings
! Monument to civilization is a landfill-tower conceived by two
Taiwanese designers, Lin Yu-Ta and Anne Schmidt. With this
project, that made them won the third place at the 2012
international competition named “eVolo Skyscraper Competition”,
the two architects offer a starting point to face the problem of urban
solid waste management. The idea comes from a terrible image: If
we put the garbage produced annually by the city of New York, on a
area of a typical tower footprint, we will get a 1,300 m high landfill
tower, which is about as three times tall as the Empire State
Building. The word game that gives the name to the project starts
from here: a vertical landfill as a monument to modern civilization.
Garbage is the result of our daily consumption, the indelible sign
that we leave on our planet. Just consider the fact that a plastic bag
takes around 1000 years to decompose, more than a reinforced
concrete construction. Is this the sign we want to leave on the
planet that hosts us?
! The aim of this “monument” is not to just give an ironic view
on a problem with complex social and environmental implications.
Indeed, the two designers seek to provoke discussion about the
consumerist and short-sighted lifestyle that characterizes our
society. Thereby, they try to give an answer to the problem with an
architectural work that operates on an urban level. In fact, the
realization of a vertical landfill can reduce the environmental impact
by occupying a smaller area compared to the traditional landfills. At
the same time, by locating it in the heart of the city centre, it is
possible to cut the transportation costs of waste. Clearly there is a
sustainable approach in this project with several activities taking
place in underground areas: sewage disposal, deposit of gases
produced by the waste decomposition and the power generation
that serves the urban centre. However, the real value of this
proposal resides not only in its visionary (though concrete)
implications, but also in its symbolic meaning.
! Generally a skyscraper has always been conceived to
amaze, to impress, as an icon of wealth and demonstration of
advanced technology. The race for the tallest tower, starting from
Taipei’s 509 m in Taiwan, arriving at the Burji Khalifa’s 828 m in
Dubai, is replaced by a different idea of skyscraper. The symbolic
value of the project is that social progress is not represented by the
tallest skyscraper. On the contrary, the shorter is the tower, the
more it becomes an expression of sustainable respect of the
environment. With this proposal, the common appearance of a
landfill, i.e. a hole in the ground, in which everyday life waste are
buried, becomes a monument, an architectural work to admire: a
tangible reminder of what modern society produces and a warning
to consume less and recycle more.
translated by Isabella Geronzi
IDEE / IDEAS

40
 PILASTRI / PILLARS

GEOMETRIE ASTRATTE E COLORI

FORTI, L’ARCHITETTURA DI
RICARDO LEGORRETA

Un’architettura che racconta la vita, i suoni, i colori, la gente

messicana. Progetti dalle forme astratte che fondano la loro
essenza sul legame con il territorio che li ospita

di Riccardo Franchellucci

Museo Laberinto de las Ciencia y las Artes

41

Casa del Agua - Seowgip, Corea 2009
! Nasce dall’amore per il Messico e per l’architettura
coloniale  ispanica (fatta di  forme semplici e colori accesi) l’opera
dell’architetto messicano  Ricardo Legorreta.  Mentre nel resto del
mondo il muro viene smaterializzato per fare spazio ad immense
vetrate, Legorreta ne fa un elemento cardine della sua architettura.
«Il muro nelle mie opere invita a percorrere tutta la costruzione
tanto fuori quanto al suo interno, ci invita ad entrare, uscire ed
ammirare la bellezza in tutti i suoi lati.»
! Tutte le sue opere nascono intorno a volumi geometrici
semplici (parallelepipedi, piramidi, cilindri e sfere), intorno a forme
pure, fuori dal tempo.  Guardando i suoi edifici non può, a noi
italiani, che venire in mente Aldo Rossi. Sono   moltissimi gli
elementi che accomunano l’architettura legorretiana a quella
dell’architetto italiano, basti pensare al Centro Televisa  (Santa Fe,
New Messico, USA – 1998) con il suo grande pilastro angolare che
ricorda il Kochstrasse di Berlino, o al Centro di Arte Visuale (Santa
Fe, New Messico, USA – 1999), che con le sue bucature seriali
ricorda il Cimitero di Modena.  iniziato con uno studio analitico delle costruzioni vernacolari, al
! Evidente anche il forte legame con molte opera
dell’architettura italiana degli anni ’70: i portici ritmati, le forme pure,
la serialità delle bucature, l’utilizzo della luce. Tante sono le
analogie con i porticati Gallaratesi di Aymonino o quelli della casa
dello studente di Grassi.  Quello che differenzia Legorreta però è
l’uso del colore forte, vivo, acceso, colore che domina e diventa un
elemento caratterizzante la sua architettura.
! Tra gli elementi ricorrenti dell’architettura di Logorreta non
possiamo trascurare l’acqua.
PILASTRI / PILLARS
All’interno dei patii è sempre presente una piscina, una fontana che
rimanda all’architettura messicana coloniale. Legorreta vede
nell’acqua la capacità di dare profondità allo spazio producendo
tutti quei riflessi e giochi di luce sopra le superfici che la
circondano. Le sue architetture vanno scoperte un po’ per volta ed
ogni volta in modo differente. Vedere i suoi edifici porta sempre
emozioni nuove.
«La bellezza della natura e dell’essere umano non si descrive in
una sola volta. E quando accade perde il suo incanto. Uguale è per
l’architettura.»
! La radice dell'architettura Legorretiana è l'ispirazione.
«Ispirazione vuol dire respirare, assorbire lo spirito di un luogo, di
una persona, di un fatto…» che per Legorreta significa attingere
dall’architettura tradizionale e dal linguaggio delle costruzioni
contadine messicane. Quando visita la campagna ed i villaggi rurali
assorbe lo spirito di questi luoghi. Non sembra che Legorreta abbia
contrario la sua opera nasce da una conoscenza intuitiva prodotta
dall’assimilazione della vita messicana. L’architetto racconta di aver
passato i primi anni di studio riproducendo portici, colonne e porte
coloniali, ma nelle sue opere l’amore per l’architettura tradizionale
non si basa sulle forme ma sui principi e l’uso degli spazi. 
! Legorreta ricerca la “radice” dell’architettura tradizione e
non si accontenta del “frutto” che secondo lui cambia col passare
del tempo. La “radice” resta ed è lì che va ricercato il senso
dell’architettura.
42
 PILASTRI / PILLARS
Museo Laberinto de las Ciencia y las Artes
«L’architettura vernacolare racchiude un mistero e dà qualità e
intimità, è libera da regole e ha un senso di spontaneità che è
difficile da tradurre o spiegare, l’architetto però può immaginarlo e
dargli corpo in un disegno perchè queste emozioni si sono
convertite in parte di lui.»
! L’opera del pittore J.C.Reyes è stata decisiva nell’aiutarlo
ad apprezzare la bellezza e la vitalità delle composizioni, dello stile
e dei colori messicani. Nella pittura di Reyes si avverte un metodo
diretto, senza preziosismi o artificiosità.  Leggerezza, gioia, libertà
sono le uniche regole della pittura di Reyes ma anche quelle della
cultura messicana. Legorreta le prende, le fa sue e le trasforma in
architettura.
! La zona desertica, nei pressi di Gomez Palacio,
Messico, dove si trova la fabbrica Renault, ha suggerito la forma di
questa struttura lasciando percepire la vastità del deserto.  Il muro
di cinta è basso e sembra quasi senza fine, davanti al muro una
serie di pannelli rettangolari inclinati, che con la loro serialità
enfatizzano questa sensazione di infinito.  Su un altro muro, situato
all’interno, sono distribuite una serie di bucature quadrate che
sporgendo leggermente creano giochi di ombre. In questo edificio i
muri hanno la funzione di delimitare e scandire gli spazi,
proteggono dal sole e creano una sorta di scatole in cui vengono
racchiuse tutte le figure geometriche con le quali gioca Legorreta.
«Mi sono imbattuto nel deserto e in muri che non finiscono mai.
Non ho voluto ammorbidire questa emozione, così invece di
mettere piante ornamentali in campo aperto, ho ricoperto il sito con
43
ciottoli di fiume ed invece di un colore tenue ho scelto di utilizzare il
rosso. Non volevo combattere con il deserto, volevo che ci
completassimo a vicenda.»
! L’integrazione con il paesaggio svanisce se entriamo
all’interno dell’edificio, dove i colori usati (come il blu, il giallo, il
rosso) e le corti con fontane e laghetti, creano un’atmosfera fresca
che va in pieno contrasto con quella arida ed estrema dell’esterno.
! Pershing Square è un parco di Los Angeles ridisegnato da
Legorreta con la paesaggista Hanna Olin. Lo spazio è scandito da
una serie di angoli retti che delimitano la piazza e che definiscono i
portali inferiori di un acquedotto.  La piazza è sovrastata da una
torre che accoglie una campana sferica.  Anche qui l’acqua ha un
ruolo fondamentale, scorre sopra le arcate per poi cadere in una
fonte circolare che dà forma alla piazza. Tutta l’area è suddivisa in
piccole aree separate e scandite da muri, rampe e scale che vanno
a creare spazi intimi differenti tra di loro per forma e dimensione.
! L’architettura di Legorreta si potrebbe descrivere in una sola
parola “Messico”,  il paese a lui tanto caro; con le sue opere riesce
a descriverne la vita, i suoni, i colori, la gente. Ne nascono progetti
dalle forme astratte ma che fondano la loro essenza sul legame
con il territorio che li ospita.
«La pubblicità attira, la mia architettura deve emozionare, chi la
vede deve sentirsi spinto a visitarla; si deve creare un legame tra la
persona e le mie opere.»
 PILASTRI / PILLARS

Pershing square - New York

J. C. Reyes - Caballo

44
 PILASTRI / PILLARS

ABSTRACT GEOMETRIES AND INTENSE COLOURS,

THIS IS RICARDO LEGORRETA ARCHITECTURE

It is an architecture that describes life, sounds, colours and

mexican people. Projects with abstract forms that base their
essence on their connection with the territory

! The work of mexican architect Ricardo Legorreta comes out

from the love for Mexico and for spanish colonial architecture
(made of simple forms and intense colours). While in the rest of the
world the wall is dematerialized to make space to ample windows,
Legorreta transforms it in a main element of his architecture. «The
wall in my works invites walking through all the building outside and
inside, inviting to enter, exit and admire the beauty from all its
sides.»

! All his works are born from geometrical simple volumes

(parallelepipeds, pyramids, cylinders and spheres), around pure
forms, out of time. Looking to his building, as Italians, we inevitably
come to think about Aldo Rossi. There are a lot of common
elements in Legorreta and Aldo Rossi architecture: for example the
Televisa Center (Santa Fe, New Messico, USA – 1998) with its big Fábrica Renault - Gómez Palacios, Durango, 1985
angle pillar reminds the Kochstrasse of Berlino and the Visual Art
Center (Santa Fe, New Messico, USA – 1999) with its serial
openings reminds Modena Cemetery. It’s also clear the link with
some works of the italian seventies architecture: the arcades, the
pure forms, the serial openings, the use of light. There are also
some analogies with the colonnades of Aymonino in Gallarate as
well as the students house of Grassi. What distinguishes
Legorreta is the use of the intense, deep, bright colour that prevails
and characterizes his architecture. Between the recurring elements
of Legorreta architecture we can’t ignore the water. Inside the
patios there is always a pool, a fountain that recalls the mexican
colonial architecture. Legorreta sees the water as able to give
depth to the space, generating reflections and light trick on the
surfaces that surround it. His works have to be discovered a little at
a time and everytime in a different way. Looking at his buildings
always brings new emotions.

«The beauty of the nature and human being can’t be described all
at once. And when this happens it loses its enchantement. The
same is for architecture.»

! Legorreta architecture root is the inspiration. Inspiration

means breathing, assimilating the spirit of a place, of a person, of a
fact.. » which means, for Legorreta, like attaining from traditional
architecture and from the language of rural mexican constructions.
When he visits the countryside, the rural areas, he assimilates the
spirit of these places. It doesn’t seem that Legorreta started with an
analytical study of vernacular construction; on the contrary his work
is born from an intuitive knowledge generated by the mexican life
integration. The architect tells that he spent the early years of his
study reproducing arcades, columns, portals, but in his works the
love for the traditional architecture is not based on the forms but on Fábrica Renault - Gómez Palacios, Durango, 1985
the principles and the use of spaces. Legorreta researchs the “root”

45

Pabellón de México- Expo Hannover 2000
Fábrica Renault - Gómez Palacios, Durango, 1985
PILASTRI / PILLARS
of traditional architecture, he is not satisfied by the “fruit” which he
believes changing with the time. The “root” remains and it is there
that the sense of architecture has to be researched. «The
vernacular architecture holds a mistery and gives quality and
intimacy; it is free from rules and it has a sense of spontaneity
which is difficult to transfer or explain, but the architect can imagine
it and shape it in a drawing as these emotions have entered into
himself.»
! The work of the painter J.C.Reyes has been decisive in
helping him appreciate the beauty and the vitality of the
compositions, the style and the mexican colours. In Reyes painting
a direct method is noticeable, without preciosity or artefact.
Lightness, happiness, freedom are the only rules of Reyes painting,
but also those of the mexican culture. Legorreta gets them, takes
possession of them and transforms them in architecture.
! The desert area, nearby Gomez Palacio, Messico, where
the Renault factory is located, suggested the form of this structure
allowing to see the desert extension. The city wall is short and looks
like endless, in front of the wall a series of rectangular nodding
panels emphasize the sense of infinite. On another wall, located
inside, are placed a series of square openings that, jutting lightly
out, make shadows games. In this building, walls have the role of
marking and scanning the spaces, protecting from sun and making
a sort of box in which all the geometric shapes, used by Legorreta,
are contained. The integration with the landscape disappears if we
go inside the building, where used colours (like blu, yellow, red) and
the courtyards with fountains and small lakes, create a fresh
atmosphere that makes contrast with the stark and extreme
atmosphere of the exterior. «I bumped into the desert and the walls
that never end. I didn’t want to soften this emotion, so instead of
placing ornamental plants in an open field, I covered the site with
pebbles and instead of a subtle colour I decided to use red. I didn’t
wish to fight against desert, I wished we completed each other. »
! Pershing Square is a Los Angeles park, redesigned by
Legorreta with the landscape architect Hanna Olin. The space is
articulated by a series of right-angles which define the square and
that identify the inferior portal of an aqueduct. The place is
dominated by a tower with a spherical bell. Here too, water has an
essential role, flowing on the arcades and falling then in a circular
source which gives form to the square. The whole area is divided in
small areas separated and articulated by walls, ramps and stairs
that make intimate spaces different each other in form and size.
! Legorreta architecture could be described in a word
“Mexico”, the country so precious for him; with his works, manages
to describe life, sounds, colours and people. From this are born
projects with abstract forms that base their essence on their
connection with the territory.
«The advertisement attracts, my architecture must excite, who see
it has to feel encouraged to visit it; it must establish a connection
between person and my works.»
translated by Martina Mancini
46
 PAROLE A CONFRONTO / WORDS IN COMPARISON

"MEMORIA E TRADIMENTO NEI

LUOGHI DELL’ABBANDONO",
INTERVISTA A BENIAMINO
SERVINO
Beniamino Servino e i luoghi dell’abbandono.
Un’architettura monumentale che imposta una dialettica tra
paesaggio naturale e paesaggio antropizzato, tra i “luoghi
che vivono” e quelli che sono “abbandonati”

di Giandonato Reino

47

! Beniamino Servino si occupa di quelli che lui stesso chiama
luoghi dell’abbandono: luoghi di cui nessuno si prende cura, luoghi
lasciati a se stessi, alla mercé di abusi edilizi e forme sgraziate.
L’impegno civile lo ha portato a dedicare il suo lavoro al riscatto di
questi luoghi attraverso il disegno di un’architettura monumentale le
cui caratteristiche iconografiche sono proprie del territorio in cui va
ad operare. Un’architettura che non vuole eliminare gli “abusi”, ma
dargli nuova vita attraverso la “sovrascrittura”. Questo significa un
incessante ricerca ed elaborazione di “forme note” che esistono sul
territorio e nella memoria dalla gente. In questo modo il segno che
verrà tracciato diventa l’occasione per affermare un’identità che già
è intrinseca al territorio stesso. Un segno la cui potenzialità è legata
esclusivamente alle sue caratteristiche progettuali, che si dissocia
da “ipocriti” tentativi di recupero del paesaggio in quanto solo una
buona architettura può stabilire una dialettica tra paesaggio
naturale e paesaggio antropizzato, tra i “luoghi che vivono” e quelli
che sono “abbandonati”. Per arrivare a questo risultato è
necessaria un'operazione di scrittura e riscrittura delle forme
persistenti; così dallo studio di queste forme in un certo senso
archetipiche si giunge alle nuove forme dell’architettura in grado di
ricucire una relazione con la civiltà.
! Gli oggetti su cui lavora, in quest’operazione di conoscenza
e riscrittura, sono ad esempio le pennate (particolari costruzioni
dell’agro-casertano), i silos, gli scheletri di strutture in cemento
armato, le industrie dismesse. Elementi la cui riconoscibilità trovano
un riscontro nella memoria collettiva. Architetture che segnano i
luoghi dell’abbandono e che salveranno, nella loro nuova
espressione monumentale, il territorio. Questo deve essere l’input a
PAROLE A CONFRONTO / WORDS IN COMPARISON
cui seguiranno "corruzioni" della forma, degradi, incrostazioni,
alterazioni. Un’opera aperta in costante mutazione o con le parole
di Servino in costante “Traduzione-Tradizione-Tradimento”. Con
Monumental Need e Obvius, Beniamino Servino scrive un
manifesto che stabilisce un nuovo ordine all’architettura
contemporanea. I toni sono quelli di una sana rivoluzione civile; i
disegni: opere d’arte come armi con cui dimostra la potenza delle
sue idee.
Come il racconto di una storia antica che si perpetua e
arricchisce con il passare del tempo, si può affermare che la
memoria e le stratificazioni siano al centro della sua ricerca di
bellezza architettonica?
La memoria conserva un repertorio di immagini in continua
elaborazione [trasformazione/modificazione/adattamento] secondo
un processo dinamico. Pensare di cancellarla [pensare di costruire
su un foglio bianco] è un paralogismo; significa cancellare gli
strumenti per la costruzione del pensiero. La bellezza si colloca tra
il familiare e la meraviglia. Il familiare è l'agio [la serenità] delle cose
conosciute [note] e dell’attribuzione a queste cose di valori
simbolici. La meraviglia è “l’ambiente” in cui si spingono le cose
note conservando però ancora la possibilità di essere riconosciute.
L’intervallo familiare-meraviglia si definisce secondo criteri molto
individuali.
I suoi disegni manifestano chiaramente il suo lavoro di ricerca,
di scrittura e riscrittura del territorio e delle forme
architettoniche. Lei entra in quei paesaggi tagliati fuori dalla
48
 PAROLE A CONFRONTO / WORDS IN COMPARISON
società, abbandonati, e cerca di ricucire questo distacco.
Un’architettura monumentale e per l’uomo. Come nascono le
“sue” forme architettoniche? E come si arriva al suo ideale di
Necessità Monumentale?
Monumentale è riferito alla dimensione ma soprattutto al ricordo. È
qui che ritorna la memoria; e tante memorie che si somigliano
fanno una memoria collettiva. La città dell’abbandono e il
paesaggio dell'abbandono sono i luoghi della estraneità. La
Necessità monumentale tende a produrre gli strumenti per la
riconoscibilità del luogo. E’ necessità di consapevolezza per una
dialettica tra le parti, sociali prima e fisiche poi, per un nuovo
equilibrio fra queste. C'è un codice iconografico che ognuno
elabora per individuare degli usi, delle ritualità personali, di gruppo
e di massa. È una mappa che consente di usare un luogo. Perdere
la mappa significa straniarsi. L'interazione con il luogo è l'opposto
dello straniamento. L'interazione produce il rispetto. Gli archetipi
sono le forme basiche del vocabolario di ognuno. E ognuno li
manomette. L’operazione individuale di manomissione degli
archetipi si ferma prima del limite oltre il quale questi non sarebbero
più riconoscibili.
L’applicazione di tali concetti, fortemente radicati ad un
territorio specifico, è possibile estenderla ad ogni tipo di realtà
ricavandone quindi un metodo? E quanto influisce il fattore
autobiografico?
Sì, è possibile estenderlo ad ogni realtà. L'autobiografia è un
approccio alle cose, mette in primo piano la persona non la
disciplina. Io amo le architetture che parlano dei loro autori.
L'architettura parla sempre la lingua del suo autore. E' meraviglioso
49
riconoscere l'idioma, l'inflessione. È un film in lingua originale
contro la piattezza di un doppiaggio.
Come si relaziona lei all’architettura sostenibile? Chi o cos’è
Servén le Vert?
PAESAGGIO? ME NE FREGO! SERVèN LE VERT un manifesto
contro i luoghi comuni della omologazione buonista del sostenibile.
Il paesaggio è il luogo del rispetto reciproco, della autonomia, della
specificità. Evitando le pietose operazioni di dissimulazione,
mimesi, affinità, adeguatezza. Il progetto non interpreta e non
comprende un luogo. Il progetto interviene in quel luogo. Il buon o
cattivo esito del progetto non dipende dalla buona o cattiva
interpretazione o comprensione del sito. Dipende dalla forma
dell’oggetto architettonico.
Nelle sue architetture l’aspetto costruttivo, tecnologico e
materico riveste una particolare importanza. La sua è una
costruzione per elementi che mira ad un lessico chiaro
affinché ogni parte dell’edificio abbia una propria
identificabilità, e allo stesso tempo la capacità di restituire una
percezione unitaria degli spazi. Da cosa è dettato questo suo
particolare linguaggio architettonico?
Il linguaggio è il risultato di un’accumulazione/selezione di parole
con le quali cerchi di mettere a fuoco il pensiero. Il linguaggio dà la
forma al pensiero che le parole hanno costruito. E’ un codice
genetico. Di famiglia. Familiare. Il linguaggio dà un padre e una
madre all’architettura. Negare il linguaggio corrisponde alla
negazione della forma dell’architettura. Sarebbe come negare
l’architettura stessa.
PAROLE A CONFRONTO / WORDS IN COMPARISON

50
 PAROLE A CONFRONTO / WORDS IN COMPARISON

"MEMORY AND TREACHERY IN THE PLACES OF

ABANDONMENT", INTERVIEW WITH BENIAMINO
SERVINO

Beniamino Servino and the places of abandonment. A dialog

between natural and human landscape, between "living places" and
those that are "abandoned", based on monumental architecture

! Beniamino Servino deals with what he calls the places of

abandonment: places no one cares about, places left to
themselves, at the mercy of illegal buildings and clumsy forms. His
civil commitment led him to dedicate his work to the redemption of
these places through the design of a monumental architecture
whose iconographic characteristics are typical of his work area. His
architecture is not intended to erase “abuses”, but to give them new
life “rewriting” them. This implies an unceasing investigation and
elaboration of “well-known forms” which already exist in landscapes
and in folk memory. In this way every mark that will be traced is an
opportunity to state an identity which is intrinsic to the territory itself.
A mark whose potential exclusively depends on its design features
and which dissociates itself from " hypocrite" attempts to
rehabilitate our landscape, since only a good architecture can
establish a dialog between natural and human landscape , between
"living places" and those that are "abandoned". To achieve this aim,
it is necessary to write and rewrite persistent shapes; therefore,
studying these archetypical forms, he reaches a new architectural
configuration able to restore the lost relationship with society. The
objects he works with, in this process of knowledge and rewriting,
are, for instance silos, skeletons of reinforced concrete buildings,
industries fallen into disuse. Elements whose recognition is borne
out by folk memory. Constructions that mark the places of
abandonment and that will save, in their new monumental
expression, our territory. This input will be followed by “corruption",
deterioration, encrustation and alteration of the form. An open work
in constant mutation or, using Servino’s words, in constant
"Translation - Tradition - Treachery". With Monumental Need and
Obvious, Beniamino Servino writes a manifesto, establishing a new
order in contemporary architecture. His tone is that of a healthy civil
revolution; his designs: works of art like weapons to demonstrate
the power of his ideas.

As the chronicle of ancient history that has been perpetuated

and enriched as time goes by, can we say that memory and
stratification are at the core of your search of architectural
beauty?
Our memory stores a collection of images continuously developing
[transformation / modification / adjustment] through a dynamic
process. Thinking of deleting it [thinking of drawing on a blank
page] is a misbelief; it means that we eliminate the tools for the
construction of thought. Beauty lies between familiarity and wonder.
Familiarity is the ease [the comfort] of known things and the
attribution of symbolic values to them. The wonder is "the
framework" in which known things challenge themselves still
preserving the possibility to be recognized. The range between
familiarity and wonder is defined by very individual standards.

51
 PAROLE A CONFRONTO / WORDS IN COMPARISON

Your drawings clearly show your research and the operation

writing and rewriting of our territory and architectural forms.
You enter lands cut off from society, abandoned, and try to
repair this gap. Monumental architecture for people. How do
"your" architectural forms come to the world? And how do you
reach your ideal of Monumental Need?
Monumental refers not only to size but especially to memory. At this
point memory returns; and several similar memories equal a folk
memory. The city and the landscape of abandonment are the
places of unfamiliarity. Monumental Need produces the tools to
recognize places. It’s Need for awareness for a dialogue between
social and physical parts, for a new balance between them. There
is an iconographic code that each person processes to identify
personal, group and mass customs. It is a sort of map that allows
us to use a place. Losing this map means to abstract ourselves.
Our interaction with places is the opposite of abstraction.
Interaction produces deference. Archetypes are the foundation of
everybody’s lexicon. And everyone tampers with them. The
operation of individual tampering with the archetypes stops before
reaching the limit beyond which they are no longer recognizable.

Is it possible to extend the application of these concepts,

strongly rooted in a specific territory, to any kind of reality and
therefore to extract a method? And how would the
autobiographical influence affect it?
Yes, you can extend it to any reality. Autobiography is a way to
approach things which focuses on the person, not on the discipline.
I love buildings which talk about their creator. Architecture always
speaks its creator’s language. It is wonderful to recognize the
language, the inflection. It's an original production versus the
dullness of dubbing.

What do you think about sustainable architecture? Who or

what Servén le Vert is?
LANDSCAPE? I DON’T GIVE A DAMN! Servén le Vert is a
manifesto against the clichés of the standardization of sustainability.
Landscape is the place of mutual respect, autonomy, peculiarity.
Avoiding the miserable operations of dissimulation, mimesis,
affinity, and adequacy. The design neither interprets nor includes a
place. It operates in that place. Its good or bad outcome does not
depend on the good or bad interpretation or comprehension of the
site. It depends on the form of the architectural object.

In your buildings the executive, technological and material

component is particularly important. Your assembly work aims
at an effective lexicon in which every part of the building has
its own identity, and that is still able to give a uniform
perception of spaces. What motivation lies behind this specific
architectonical language?
Language is the result of an accumulation / selection of words we
use to sharpen our thoughts. Language gives shape to the thought
built by words. It is a genetic code. Hereditary. Familiar. Language
provides architecture with a father and a mother. To refuse
language would mean to deny architectural form. It would be like
denying architecture itself.
translated by Daria Verde

52
 LIBRI & MATTONI / BOOKS & BRIKS

ABIURA DAL PAESAGGIO DI

MARCO NAVARRA:
ARCHITETTURA COME
TRASPOSIZIONE

Un libro sincero, arrabbiato e tagliente, in cui atmosfere

quasi noir si alternano al racconto della vicenda del "Parco
lineare". Sicuramente particolare, interessante ma forse
difficile da apprezzare a pieno

di Luca Bonci

Parco lineare – Caltagirone/San Michele di Ganzaria (CT) -http://www.studionowa.com

53

!« D i f r o n t e a v i s i o n i
strumentalmente settoriali mi è
sembrato necessario
riesaminare, confrontandole
con l'architettura, parole come
paesaggio, tecnica,
ingegneria, territorio».
!Un pretesto. Questo è il Parco
lineare per il suo progettista,
nonché scrittore del libro,
Marco Navarra. Un incipit
alternativo, a confine tra la
giustificazione e l'avvertimento
in riferimento ai temi trattati e
al taglio della trattazione.
! Cos'è il Parco Lineare? Il progetto è nato negli anni '90 in
Sicilia, tra Caltagirone e San Michele di Gonzaga (CT), ed ha
definito “un'infrastruttura leggera” di 14km che innesta un percorso
naturalistico in un territorio composto da una linea ferrata ed altre
opere abbandonate, che hanno però ritrovato nel progetto stesso la
loro ragion d'essere. Non è soltanto un corridoio verde o una
semplice pista ciclabile calata nel contesto che la ospita, bensì un
elemento di connessione tanto fisico quanto astratto tra vari fattori
(culturali, economici, architettonici/urbanistici e sociali) che verte
alla manutenzione e salvaguardia del territorio attraverso nuove
attività produttive e nuove forme di turismo, al servizio delle
comunità locali.
! Un progetto ambizioso e innovativo, che avrebbe potuto
tracciare un nuovo "modus operandi" nell'affrontare problemi di
rivitalizzazione degli spazi dismessi, diventando una sorta di
“modello da seguire” nel panorama della progettazione. Le cose
non sono andate così, e questo ha portato Navarra a dichiarare la
sua “abiura dal paesaggio”.
! Da subito, nei primi capitoli, con paragrafi incisivi e frasi
taglienti, motiva la sua presa di posizione in modo fermamente
deciso. Una sensazione di amarezza pervade il lettore che si
immerge in questo suo pamphlet, poiché con parole aspre lo
scrittore critica a spada tratta, ma in modo forse troppo generico,
quelli che non hanno saputo comprendere il suo progetto o che
“hanno voluto uccidere il Parco Lineare”.
! Sembra quasi una pretesa di superiorità, ma forse è
semplicemente una forte convinzione e fede nel proprio progetto,
credere nelle proprie idee anche quando ci si ritrova da soli. E'
questo che stuzzica la lettura del testo: il voler tentare di
comprendere da cosa deriva la sua angoscia.
! Si coglie,tra le righe, la volontà di avvertire un progettista
“fuori dagli schemi” sul destino che lo attende. La sua non è una
polemica sterile.
LIBRI & MATTONI / BOOKS & BRIKS
Alla precisa descrizione del suo Parco Lineare, dell’idea iniziale e
dello sviluppo che ha avuto, affianca gli aspetti che non sono stati
percepiti o che sono stati offuscati dalle logiche poco chiare che
spesso affiancano "le idee quando diventano realtà". Nel momento
in cui ci si rende conto di questo si riesce ad apprezzare a pieno il
libro e si può comprendere quasi il suo stato d’animo, a metà tra
rabbia e rammarico.
! «Il Parco Lineare è la costruzione di un ostacolo per
costringere a guardare, per riprendere a pensare” dice Navarra.
Non fa la parte della vittima bensì del testimone: con deposizioni
obiettive e fatti reali denuncia il crimine ormai comune dell’abuso di
parole come paesaggio, landscape design, green, sostenibilità, etc,
parole che definisce ormai vuote, panacee per ogni questione.
Afferma infatti che è necessario sostituire “la parola patrimonio” che
rimanda inesorabilmente al suo significato originario di valore e
bene economico. Cerchiamo un altro significato che esprima una
nuova energia e ci liberi dall’obbligo miserevole di rendere
produttiva ogni cosa».
! Dal punto di vista progettuale, il Parco lineare è un progetto
che nasce dal dettaglio e si fonda su piccoli particolari costruttivi
spesso invisibili, che contengono loro stessi il paesaggio.
Giustamente si chiede: “di che materia sono fatti i dettagli dei
paesaggi?”. Lui svuota di significato le scale di progetto e
dell’architettura a favore di una loro completa interconnessione.
Così, tra ruderi e spazi abbandonati, genera una nuova forma di
progettazione che possa anche colmare l’eterno dibattito tra
mantenere o ricostruire, coadiuvando le due cose in un unico
obiettivo: «Il Parco lineare utilizza l’esistente come un cassero, un
calco da cui estrarre nuovi spazi».
! Reclama un ritorno al nonsense, smettendo di considerare
un paesaggio come un testo che deve comunicare qualcosa ad
ogni costo. Deve uscire dall’omologazione, favorendo una diversità
che possa suscitare emozioni, pensieri, affezioni.
! Poche pagine dense di significato, scritte in modo quasi
Pasoliniano, anticipano gli altri capitoli del libro, meno "corsaro".
Seguono infatti dei “frammenti”, scritti dall’autore in tempi e modi
diversi, che vengono subito percepiti come una sorta di
incongruenza tematica, e viene da chiedersi cosa c’entrino con il
resto. Forse la loro coerenza con il tutto sta nell’atmosfera un po’
noir che creano: poche righe compongono spezzoni di viaggi,
pensieri e sogni, oppure vengono riprese da scritti precedenti, tutto
a formare un collage che rimane tuttavia un po’ ostile e difficile da
apprezzare, in cui si riesce veramente a percepire una sensazione
particolare e non del tutto decifrabile.
«Il Parco lineare si è costruito sulle sezioni trasversali, una teoria di
sezioni, per riportare il paesaggio alla consistenza della crosta
terrestre. Ecco, il Parco lineare appartiene alla crosta terrestre,
costituisce l’escoriazione della sua pelle».
54
 LIBRI & MATTONI / BOOKS & BRIKS

Parco lineare – Caltagirone/San Michele di Ganzaria (CT)

Parco lineare – Caltagirone/San Michele di Ganzaria (CT) Parco lineare – Caltagirone/San Michele di Ganzaria (CT)

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FORSWEAR THE LANDSCAPE OF MARCO
NAVARRA: ARCHITECTURE AS A MOVEMENT
A honest, angry and harsh book, where atmospheres nearly noir
alternating with the tale's event of the "linear park". Surely particular
and interesting but maybe difficult to totally appreciate it.
! «Against of instrumentally sectorial visions I think that was
indispensable reexamine and comparing with the architecture, word
like landscape,tecnique, engineering, area».
! An excuse. This is the Linear Park for his designer and also
the writer of the book, Marco Navarra. An alternative incipit, on the
borderline between justification and warnig reffering to the subjects
developped and to the slant of the treatise.
! What is it the Linear Park? The project borns in the 90's in
Sicily, between Caltagirone e San Michele di Gonzaga (CT), and it
identifies a "light infrastructure" of 14 Kilometres that introduces a
nature trail in an area composed by a railway and other abandoned
works, that thanks to this project have rediscovered their utility. It
isn't only a green corridor or a simply cycling lane appeared in that
contest, but a connection element both physical and abstract
among different factors (cultural, economical, architectonical/urban
and social) that consist in maintenance and safeguard of the
territory with new activities and new forms of tourism, at the service
of the local people. An ambitious and innovative project, that could
have been a new "modus operandi" for facing problems of
revitlization of the disued spaces, becaming as a sort of "model to
reproduce" in the design panorama. But this is not how things are,
and this pushed Navarra to declare his "forswear of the landscape".
! Upfront, even in the frists chapters, with trenchant
paragraphs and sharps phrases, he explains his stance on in a very
determined way. A bitterness sensation penetrates the reader that
immerse himself into this pamphlet, because the writer criticizes
energetically and with biting words, but maybe in a excessive
generic way, everyone who didn't understand his project or that
"wanted to kill the Linear Park". It seems a pretension of superiority,
but maybe is simply a firm belief and trust in owm project, belive in
own ideas also when we are alone. And it is what stimulate the
desire to read the text: want to try to understand where his anguish
came from. We get, between the lines, the will of perceive a
designer "outside the box" on the destiny that expects him.
! This isn't a fruitless debate. At the specify description of his
Linear Park, of the initial idea of development that he had, he flanks
the aspect that we didn't perceived or that had been confused by
the not very clear logics that often flank "the ideas when become
reality". In the exact moment that we are accountable of this, we
can totally appreciate the book and we can amost understand his
mood, between rage and sorrow.
LIBRI & MATTONI / BOOKS & BRIKS
! «The Linear Park is the construction of an obstacle for
forcing to look, for restarting to think" Navarra says. He isn't the
victim bu he is a witness: with impartial depositions and reals
events he reports the crime, by now ordinary, of the abuse of the
words like landscape, design, green sustainability etc., words that
he indicates meaningless, a cure-all for every problem. In effect eh
affirms that is essential replace "the word "property" that refers to
relentlessly to his originally meaning of economical price and good.
We have to find an other meaning that express a new energy and
that releases us from the deplorable duty to make productive
anythings».
! From the planning point of view, the Linear Park is a project
that born from the detail and found itself on little constructives
particulars frequently invisibles, that contain themself the
landscape. Fittingly he asks to himself " how are the details of
landscape maden?". He deprives of meaning the project and
architectural scales plead for a their compleate interconnection. So,
l ruins and abandoned spaces, he creates a new form of design
that could also fill the eternal debate between preserve and
reconstruct, co-operating this two things in a only one aim: «The
Linear Park uses what is existing as a bridge house, a cast from
which extract new places».
! He command a recur to the "nonsense", stopping to
considerer a landscape as a text that must communicate
something. He has to exit from the uniformity, supporting a divertity
that could cause emotions, thoughts, affections. Few pages full of
meaning, written in a Pasolinian way, disclose the other chapters of
the less "pirate" book. In effect proceed some "fragments", written
by the author in different time and way, that are immediatly
perceived like a sort of themes's incongruity, and we wonder "what
do these have to do with the rest?". Maybe their coherence with the
whole work is in the noir atmosphere that they create: few lines
form crops of travels, thoughts and dreams, or they are evoked by
previous works, all that compose a collage that however is a bit
hostile and difficult to appreciate, where is more easy to perceive a
particular sensation not totally decipherable.
«The Linear Park is built on the transverse sections, a theory of
sections, for taking back the landscape to the compactness of the
Eath crust. So, the Linear Park belong to the Earth crust, is the
excoriation on its skin.»
translated by Tania Lepore
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 ESPLORAZIONE / EXPLORATION

Gerusalemme - Foto di Luca Bonci

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 ESPLORAZIONE / EXPLORATION

ARCHITETTURA DEL SILENZIO,

VIAGGIO A GERUSALEMME

Ripercorriamo i vicoli della città vecchia fino allo Yad

Vashem Museum. Un viaggio alla alla scoperta
di sensazioni antiche

di Luca Bonci

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 ESPLORAZIONE / EXPLORATION
Gerusalemme - Foto di Luca Bonci
GERUSALEMME, SILENZIO ASSORDANTE TRA I
VICOLI DELLA CITTÀ VECCHIA
Agglomerati urbani compatti, macchie monocromatiche che
risaltano nell'arido paesaggio desertico. Un viaggio fatto di
sensazioni
! Perdersi tra vie scomodissime, camminare tra le donne con
la spesa (mai frettolose, sempre composte) e gli uomini con gli
scatoloni di merci sulle spalle. La bella sensazione del passeggiare
alla luce del tramonto con i bambini che giocavano semplicemente
a rincorrersi senza curarsi del resto. Un viaggio nel Vicino Oriente
lascia soprattutto ricordi fatti di sensazioni che hanno reso
particolare un momento: rumori e chiasso, odori e profumi...


! Edifici quanto mai simili tra loro formano agglomerati urbani
compatti, chiusi come un riccio. Sono come piccole macchie
monocromatiche, dal colore dei rivestimenti in basalto delle
costruzioni sparse in mezzo all'arido paesaggio desertico, collegate
da strade illibate ed aiuole non ancora fiorite. Una chiusura fisica
quanto ideale: da fuori tutto si somiglia nella semplicità della pietra
biancastra, come a voler velare tutto con un velo di sobrietà e
integrità. Un mascheramento forzato a mo’ di contenitore che dà
l'idea di una difesa contro qualsiasi infezione, che da fuori cerchi di
insinuarsi nella situazione già abbastanza difficile di uno stato
diviso, spezzato. E' vero: anche lì stanno sorgendo, ai bordi delle
antiche città, escrescenze di piccoli grattacieli in vetro che riflettono
solo visivamente le abitazioni in mattoni e basalto della città
vecchia.
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! Sembra quasi una descrizione di un'Italia dei primi '900, dai
mattoni tutti uguali dei piccoli paesini rurali, in cui le case erano
costruite vicine per lasciare poche possibilità di ingresso.Così
anche il vagare nei suk, ricorda i vecchi mercati in cui odori, rumori
e sapori, si mescolano nell'aria.
! Un'altra analogia può esser fatta con il funzionalismo
istintivo dei nostri avi, che portava alla nascita di abitazioni con
spazi dalle finalità differenti: uno in particolare destinato alle future
famiglie dei figli. Un'architettura che racchiude speranza e certezza,
fatta di case dal tetto piano e ferri di ripresa che spuntano verso il
cielo, pronti ad elevare un altro piano per un nuovo nucleo
familiare. Persone che vivono accontentandosi, nascondendo
tacitamente una speranza nel futuro, con il capo chino di fronte a
religioni e poteri di cui ogni giorno sentiamo discutere. Ma anche
queste, sono storie già sentite...
!
! Per interpretare l'architettura ed il costruito di un luogo,
bisogna prendere in considerazione tutto ciò che lo ha
caratterizzato fino a quel momento. Ma perché non fare
esattamente il procedimento inverso: partire dall'architettura per
cercare di cogliere l'essenza di un luogo e della società che lo vive?
 ESPLORAZIONE / EXPLORATION

JERUSALEM, THUNDEROUS SILENT BETWEEN THE

OLD CITY'S ALLEY

Compact urban areas, monochromatic blots that stand out in the

desert and arid landscape. A travel made of sensations

! Getting lost in uncomfortable streets, walking between

women with tote bags (never hurried, always done up) and men
with boxes full of goods carried on their shoulders. The pleasing
sensation of strolling in the sunset light with the children that simply
play tag, no warring of the rest.
A journey in the Near East leaves most of all memories made of
sensations that have rended particular a singular moment: noises
and din, smells and fragrances...

! Buildings very similar to each other form urban areas,

closed like a hedgehog. They are like little monochromatic spots,
with the colours of the basalt's claddings of the buildings strewn in
the desert and arid landscape, linked by virgin streets and not still
bloomy flowerbeds.
A physical as an ideal closure: from the external everything seems
Gerusalemme - Foto di Luca Bonci
the same in the simplicity of the white stone, as if they want to hide
anything under a chasteness and integrity veil.
A forced dissimulation as a container that seems a form of defense
from any contamination that from the exterior try to meander in the
formerly complicated situation of a divided and break country.
It's true: also there, at the border of the old city, are rising
excrescences of little skyscrapers made of glass that reflect the
buildings made of bricks and basalt of the old part of the city.

! It nearly seems a description of the Italy in the early

twentieth century, with all the same bricks of the rural villages,
where the houses were near for leaving less possibly for entering.
So also walking throught the suk reminds the old market where
smells, noises and tastes, are mixed in the air.

! An other analogy is the instinctive functionalism of our

ancestor, that cause the born of residence with spaces with
different purpose: the most important was the one destined to the
future family of the sons. An architecture that contains hope and
guarantee, made of house with the flat roof and rebar erect to the
sky, ready for building a new floor for a new family unit.
People that living content themselves, silently hiding a hope for the
future, with the head bents in front of the religion and the powers
that we hear every day. But also these are stories already heard...

! To understand the architecture and the buildings of a place,

is essential consider everything that characterized the place until
that moment. But why doesn't we do exactly the inverse process:
start from the architecture for finding the essence of the place and
of the society that lives there?

Gerusalemme - Foto di Luca Bonci

translated by Tania Lepore

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 ESPLORAZIONE / EXPLORATION

Yad Vashem Holocaust History Museum - Moshe-Safdie

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Yad Vashem Holocaust History Museum - Moshe-Safdie
GERUSALEMME, SILENZIO DILANIANTE AL YAD
VASHEM MUSEUM
Viaggio alla scoperta del museo dell'Olocausto di Gerusalemme.
Un'architettura simbolica, evocativa e straordinariamente studiata in
ogni minimo dettaglio
! Scendiamo dall'auto. Dopo pochi passi capiamo di non
trovarci in un luogo comune. Dopo una serie di portali trilitici in
calcestruzzo faccia a vista, che dividono i parcheggi dall'area
antistante l'ingresso, si ha la sensazione di aver varcato la soglia di
un luogo sacro e sconosciuto.
! Quasi con timore ci avviciniamo: altri triliti uguali ai
precedenti contornano le facciate vetrate di un edificio quadrato,
come una specie di tempio periptero; ci si sente piccoli di fronte a
questa quieta imponenza, come davanti ad un gigante
addormentato.
! Già nella hall regna un'atmosfera particolare, in cui la
tranquillità è sfiorata solo da un lieve brusio proveniente dalla
caffetteria e dal bookshop al piano inferiore. Ma dura poco: giusto il
tempo di fare il biglietto. Usciti dal sobrio edificio, ci troviamo su una
passerella sospesa. Un'intercessione, un percorso di prova per il
visitatore, che vede alla fine del cammino un anonimo lembo di
calcestruzzo di forma strana con un unico ingresso ed un nastro
finestrato al colmo; come un tronco massiccio a sbalzo nel nulla.
ESPLORAZIONE / EXPLORATION
! Questa leggerezza rassicurante, invita a proseguire. “Un
memoriale ed un nome”, questa è la traduzione (dal libro di Isaia)
del nome del Museo dell'Olocausto di Gerusalemme, aperto al
pubblico nel 2005 ed opera dell'architetto Moshe Safdie.
Yad Vashem: parole che suonano come un fruscio di vento, cariche
del ricordo di un pezzo indimenticabile della storia del secolo
scorso. Come se dopo averle pronunciate, seguissero tutti i nomi di
chi, quella storia, l'ha vissuta.
! Varcato l'ingresso un timore reverenziale farebbe quasi
abbassar il capo a chiunque, se non fosse per lo stupore. L'edificio
è in realtà una galleria: un prisma triangolare in calcestruzzo faccia
a vista lungo 180 metri, completamente spoglio e scuro. La forma
richiama in modo chiaro le capanne dei campi di concentramento e
da questo si inizia a percepire la tacita importanza e l'eloquenza
dell'architettura. Una particolarità, infatti, incoraggia il visitatore nel
cammino: la luce naturale penetra dalla superficie vetrata che corre
per tutta la lunghezza sul colmo dell'edificio e termina, grazie alla
magia della prospettiva, in un apertura completamente illuminata
posta alla fine della galleria.
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 ESPLORAZIONE / EXPLORATION

Yad Vashem Holocaust History Museum - Moshe-Safdie

! Da qui l'esposizione inizia e si articola in una serie di sale

disposte in ordine cronologico ai lati del lungo corridoio, in cui la
storia della persecuzione dell'ebraismo europeo viene riportata alla
mente attraverso un percorso in cui si è costretti a procedere a zig
zag, passando obbligatoriamente in ogni stanza. Le esperienze
personali delle vittime sono il fondamentale criterio espositivo del
museo.

! Ultima, ma non per importanza, è la “Sala dei Nomi”: un

archivio circolare immerso nella penombra e un cono di fotografie
che si alza verso la luce; gli scaffali, che ospitano oltre 2 milioni di
schede, circondano l'osservatore indicando che molti sono i dossier
presenti, ma altrettanti quelli mancanti. Quelli di chi è finito in una
fossa comune, rivisitata nella buca scavata nella pietra, posta
esattamente al disotto della sala. Qui, il silenzio è dilaniante...

! Termina il percorso con un affaccio su una vista mozzafiato

della città di Gerusalemme. Un sollievo, poiché l'assurdità di questo
crimine tocca chiunque, a prescindere da qualunque ideologia o
qualsivoglia paragone.

! Fuori dalla galleria si ha la possibilità di proseguire verso

altri spazi esterni, in una geografia dell'orrore che, seppur alla luce
del sole e più tenue rispetto al museo, rimane comunque
commovente, come il Giardino dei Giusti ed il Memoriale dei
Bambini. Un'architettura che è contenitore e contenuto, che si fa
simbolica, evocativa e straordinariamente studiata in ogni minimo
dettaglio, rimanendo tuttavia sobria e rispettosamente votata al Yad Vashem Holocaust History Museum - Moshe-Safdie
drammatico compito.

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 ESPLORAZIONE / EXPLORATION

JERUSALEM, OVERWHELMED SILENT AT YAD

VASHEM MUSEUM

A travel for discovering the Jerusalem's museum of the Holocaust.

A symbolic architecture, evocative and extraordinarily studied in
every smallest detail

! We get out of the car. After few steps we feel that we aren't
in a common place. After a sequence of trilithic portal made of
concrete exposed, that divided the parking lot from the area in front
of the entrance, we have the sensation that we have crossed the
threshold of a holy and unknown place. With reverence we go near
it: others trilithics identical at the previous surround the glass
facade of the squared building, like a sort of a peripteral temple; we
feel small near this calm majesty, as in front of a sleeping giant.

! Formerly in the hall there is a particular atmosphere, where

the serenity is just brushing against a soft buzz that arrived from the
cafè and from the bookshop in the lower floor. But soon ends: just
the time for buying the ticket. When we exit from the plain building,
we are on a suspended walkway. An intercession, a testing route
for the tourist that at the end of the path sees an anonymous
concrete's strip with a strange shape with an unique entrance and a
sequence of windows at the top; as a massive cantilever trunk in
thin air.

! This encouraging levity invite to go on. "A memorial and a

name", this is the translation (form the Book of Isaiah) of the name
of the Jerusalem's museum of the Holocaust, open to the public in
2005 and work of the architect Moshe Safdie.
Yad Vashem: words that sound like a swish, full of the memory of
an unforgettable part of the last century history. Like if, after that
you have said it, all the name of who lived that story came out.

! When we pass the entrance an awe would hang everyone's

head but for the wonder. The building in reality is a gallery: a
triangle-shaped prism in exposed concrete long 180 meters,
completely bare and dark. The shape reminds clearly the huts of
the concentration camp and from that we start to perceive the Yad Vashem Holocaust History Museum - Moshe-Safdie
architecture's tacit importance and eloquence. A particularity
stimulates the tourist in his visit: the natural light penetrates from
dossiers, but a lot of them there aren't too. Those whose is in a
the glass wall that surround all the top of the building and, thanks to
mass grave, depicted by a hole digged into the rock exactly under
the perspective's magic, ends in a break totally illuminated at the
the room. There the silent is overwhelmed...
end of the gallery.

! The visit ends with a view of the Jerusalem's city breath-

! From there the exposition starts and evolves in a series of
taking panorama. A relief, since this crime's absurdity concern
rooms at the sides of this long hallway, organized in chronological
everybody, regardless of any ideology and comparison.
order, where European Jewish's persecution the story is reminded
by a obligated zig zag path where you must go in each room. The
! Out of the gallery you can continue to other external spaces,
victims' personal experiences are the museum's essential
in a horror geography that, even if at the sunlight and more feeble
expositive parameter.
than the museum, however is moving, as the Right people's
Garden and the Children's Memorial. An architecture that is
! Last but not least, there is the " Room of names": a round
container and contained, that became symbolic, evocative and
archive immersed into half-light and a cone made of pictures that
extraordinarily studied in each little detail, however being sober and
raises itself to the light; the shelves, that house over than 2 millions
respectfully consecrated to the dramatic aim.
of cards, encircle the observer prompting that there are a lot of
translated by Tania Lepore

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 SCATTI / SNAP-SHOT

FOTOGRAFIA DI ARCHITETTURA,
L'ARTE CHE RAPPRESENTA L'ARTE

Fotografia e architettura tra legami e contrasti. Possiamo

ancora parlare della fotografia come Strumento a servizio
dell'Architettura?

di Riccardo Franchellucci

La torre PIrelli di Gio Ponti, 1953. Foto Giorgio Casali,Giorgio Casali Fotografo. Domus 19511983

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 SCATTI / SNAP-SHOT

Calo mollino

! Durante il secolo scorso la fotografia si è trovata a architettura come Hevrè, Ghirri, Basilico, per citarne alcuni, che con
combattere una guerra che potremmo definire, senza rischio di i loro paesaggi immobili, i tagli netti, le inquadrature asimmetriche
eccedere, d'indipendenza. Oggi questo scontro si è finalmente hanno reinterpretato la visione dell'architetto. Le loro foto non
concluso con la vittoria della stessa, permettendole di porsi al pari avevano la funzione di comprendere le reali intenzioni
delle altre arti e non più di essere considerata un mero mezzo di dell'architetto, si limitavano a ritrarre la materia viva e dinamica
documentazione. come appariva loro.


! Ma cosa accade quando l'arte rappresenta l'arte? L'esempio ! Alcune volte le due visioni coincidevano. Accadeva con
più naturale è quello della fotografia d'architettura. Questa deve Aldo Rossi e Ghirri o con Gio Ponti e Giorgio Casali, le cui
essere espressione artistica o un documento oggettivo dell'opera?
Come spesso accade, non esiste una risposta univoca a questa
domanda ma, servendoci delle parole di Guido Guidi, "ci può
essere una complicità, un rapporto, ma come non esiste la
fotografia di paesaggio, così non esiste la fotografia di ritratto, così
non esiste la fotografia di nudo così non esiste la fotografia
dell’architettura". Esistono quindi due entità distinte e complici:
l'architettura e la fotografia.

! Lo scatto fotografico, nell'istante stesso in cui viene

impresso, si fa portavoce di due linguaggi: quello del fotografo
attraverso la fotografia stessa e quello dell'architetto attraverso
l'architettura. La foto ha quindi un duplice ruolo, quello di "servire"
l'architettura come strumento di studio, analisi o annotazione,
mettendo in secondo piano il valore intrinseco della stessa, e quello
che invece fa di alcune foto delle icone di stile, relativamente ad un
periodo e ad un'artista. Il primo è quello che tutti, non solo studenti
e architetti, hanno utilizzato ed utilizzano senza la pretesa di Giuseppe Pagano, interno del padiglione aggiunto della
realizzare una "buona foto", ma col solo scopo di studio, il secondo Triennale di Milano del 1936
è quello che invece ci permette di parlare di grandi fotografi di

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 SCATTI / SNAP-SHOT
Ghirri - Cimitero di Modena di Aldo Rossi
immagini riuscivano a ritrarre quella materia disegnata dalla luce,
proprio come l'architetto l'aveva ideata, altre volte invece la foto ne
stravolgeva la visione creando delle "nuove architetture".
 scrivevano sulle pareti.
Quello che faceva il fotografo era leggere lo stesso edificio con un
linguaggio simile ma mai uguale.
! La visione Vitruviana che affonda le sue radici sulla
coesistenza tra: utilitas, firmitas e venustas , e secondo cui
l'equilibrio tra queste categorie distingue una buona architettura da
Lucien Herve - Unité d'habitation à Nantes Rezé di LE
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una cattiva, non era più il metro di giudizio. Il fotografo si limitava
ad ammirare come la luce entrava dalle bucature o come le ombre
! Va riconosciuto che Le Corbusier comprese da subito
l'importanza della fotografia «Lei sa vedere l'architettura, venga a
trovarmi...» così scriveva a Hervè.
La possibilità di vedere ci è data dalla luce, ed è proprio la luce il
legame più forte tra fotografia e architettura; fare una foto non è
altro che catturare su una pellicola, o su un sensore, la luce, la
stessa luce che crea e genera lo spazio, come dice l’architetto
Franco Purini.
! Se la parola fotografia vuol dire scrivere con la luce,
potremmo dire che fare architettura non è altro che modellare
attraverso la luce. Non possiamo dimenticare il profondo rapporto
che le due arti hanno anche con la prospettiva. Nell'architettura, la
prospettiva viene introdotta da Brunelleschi che riscrive il metodo di
rappresentare la città, metodo utilizzato fino agli anni trenta e
quaranta, quando, con Giuseppe Pagano e Carlo Mollino viene
introdotto un nuovo metodo: la fotografia. Questo susseguirsi di
legami e complicità si può ben riassumere col pensiero di Giovanni
Chiaramonte:
«Rapporto tra fotografia ed architettura esiste laddove l’immagine
(della fotografia) crea davvero un’immagine capace di essere
abitata dal cuore dell’uomo, l’architettura è la costruzione, la messa
in scena fisica di questa dimora che via via l’immaginazione
dell’uomo si crea nel mondo».
 SCATTI / SNAP-SHOT

ARCHITECTURAL PHOTOGRAPHY, THE ART

REPRESENTING ART

Links and contrasts between photography and architecture. Can we

still speak of photography as a tool in the service Architecture?

! During the last century, photography has had to fight a war

that could be called, without risk of excess, of independence.
Today, this fight has finally ended with the victory of photography,
allowing it to stand like the other arts and no longer to be regarded
as a mere means of documentation. But what happens when art
represents art? The most natural example is architectural
photography. This should be an objective document or artistic
expression? As often happens, there is no single answer to this
question but, drawing upon the words of Guido Guidi, "there may
be a complicity, a relationship, but as there is not landscape,
portrait or nude photography so there is not photography of
architecture." There are therefore two distinct entities that are
complicit: architecture and photography.

! The depiction, in the instant in which it is stamped, echoes

two languages: the one of the photographer through the
photography and the one of the architect through architecture.
The picture thus has a dual role, the role of "serving" the
architecture as a tool for study, analysis or annotation, which
overshadows the its intrinsic value, and the role that made of some
photos style icons , relative to a period and an artist. The first is that
everyone, not just students and architects, have used and use
without pretending to achieve a "good picture", but with the only
purpose of study, the second is that allows us to speak of the great
architectural photographers as Hevrè, Ghirri, Basil, to name a few,
who with their property landscapes, the cuts, the asymmetric shots
have reinterpreted the architect's vision. Their pictures did not have
to understand the real intentions of the architect, they merely
portray the alive and dynamic matter as appeared to them. Giovanni Chiaramonte

! Sometimes the two views coincide. It happened with Aldo

Rossi and Ghirri or with Gio Ponti and Giorgio Casali, whose
images could portray that matter drawn by the light, just as the
architect had conceived, other times the picture will upset the vision
creating "new architectures". What the photographer did was
reading the same building with a language similar but never the
same.
! The Vitruvian vision that has its roots on the coexistence
between utilitas, firmitas and venustas, and according to which the
balance between these categories distinguishes a good from a bad
architecture, was no longer the yardstick. The photographer only
admire how the light came in through the openings or as shadows
wrote on the walls.
! It should be said that Le Corbusier understood immediately
the importance of photography "It is able to see the architecture ,
come and see …" he wrote to Hervè. The ability to see is given to
us by the light, and the light is just the strongest bond between
photography and architecture; taking a picture is nothing more than
capture on film, or on a sensor, the light, the same light that creates
and generates the space, as says the architect Franco Purini.
! If the word photography means writing with light, we could
say that making architecture is nothing more than model through
the light. We can not forget the profound relationship that the two
arts have also with the perspective. In the architecture, the
perspective is introduced by Brunelleschi, who rewrites the method
to represent the city, method used until the thirties and forties,
when, with Giuseppe Pagano and Carlo Mollino, was introduces a
new method: photography. This series of links and complicity may
well be summed up with the thought of Giovanni Chiaramonte:
«The relationship between photography and architecture exists
where the image (of photography) really creates an image that can
be inhabited by the heart of man, the architecture is the
construction, the physical scene of this house that gradually the
imagination of man create in the world».
translated by Lucrezia Parboni Arquati

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 APPUNTI DI ARCHITETTURA / NOTES OF ARCHITECTURE

IL DISEGNO PER CAPIRE ED

ESPLORARE LA REALTÀ

Un'indagine sulle modalità con cui l'architetto esplora sia i

propri progetti che la realtà nel suo insieme. Per prendere
coscienza che il disegno non è solamente uno strumento
comunicativo ma parte costituente dell'architettura

di Simone Censi

Carlo Aymonino, Ingresso nell'edificio a nel quartiere Gallaratese. Milano, ottobre 1972, Matita e pennarelli su carta lucida, 67,5x48,5 cm.

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Maurizio Sacripanti - Teatro lirico di Cagliari
! Quando si disegna l'intenzione è costruire qualcosa che
nella realtà non c'è. Anche quando si riproduce un oggetto reale lo
scopo è quello di costruirne un modello, diverso rispetto
all'originale.
Tutta la storia della pittura si basa sulla continua selezione e
"correzione" della realtà. La condizione del disegno, o sua ragion
d'essere, di estrapolazione dal contesto in cui si trova l'oggetto
originale, fanno di questa rappresentazione qualcosa di distinto dal
reale. Il disegno è qualcosa di diverso dall'oggetto stesso. Come
insegna Renè Magritte “Ceci n'est pas une pipe”, ma più
precisamente è la rappresentazione di una pipa. Persino gli errori
sono utili perchè aprono a possibilità nuove ed impreviste.
! Considerando l'autonomia del disegno, si può affermare che
esso, nell'architettura, abbia una triplice valenza relativa ai differenti
livelli di comprensione e rielaborazione: il disegno come strumento
di conoscenza e comprensione del reale, il disegno come
strumento di ricerca e verifica, il disegno come strumento di
comunicazione e presentazione.
! La rappresentazione della realtà è sempre condizionata
dall'osservatore, ne sono la dimostrazione le tavole di Santa Lucia
che rispecchiano in pieno il tema della natura nell'arte
rinascimentale, tavole in cui Jacobello del Fiore classifica le
essenze vegetali, o anche i progetti di studio in cui Leonardo
indaga il soggetto nel momento in cui lo rappresenta.
Piranesi, nel diciottesimo secolo, modifica completamente la realtà
che rappresenta, ne sono dimostrazione le piante inabitabili della
forma urbis in cui mancano passaggi, porte e spazi di distribuzione,
APPUNTI DI ARCHITETTURA / NOTES OF ARCHITECTURE
gli spazi impossibili delle prigioni e le vedute di Roma totalmente
sproporzionate rispetto alla realtà. Gli schizzi degli architetti della
modernità, si prenda il caso dei Carnet de Voyage di Le Corbusier,
sono un esempio di come il rapporto tra realtà e disegno sia filtrato
dalla mente che seleziona e sceglie. Tali schizzi sono appunti grafici
che servono a fissare una memoria dei luoghi conosciuti,
accompagnati spesso da annotazioni.
! Durante le fasi progettuali, il disegno appare invece come
uno strumento di ricerca.
I bozzetti preparatori della Guernica di Picasso evidenziano come
l'autore non sia detentore di una verità esatta, ma piuttosto, di
come cerchi di avvicinarsi ad essa attraverso una serie di tentativi.
Gli oggetti gradualmente prendono forma, si modificano per cercare
di esprimere con coerenza le intenzionalità dell'autore. Ciò che si
può notare dagli schizzi preparatori di Guernica non è differente da
quella parte di processo creativo, in cui si procede per selezione e
tentativo, che accompagna il progetto di architettura.
Non bisogna dimenticare che lo scopo del disegno è in genere
comunicativo. L'autore esprime dei concetti attraverso segni
convenzionali che sono, in alcuni casi, corrispondenti ad oggetti
reali, in altri astratti. Le intenzioni comunicative incidono nel
disegno, l'autore sbilancia sempre i rapporti gerarchici per far
emergere uno tra i possibili messaggi dell'opera.
! Il disegno si modella sul messaggio di cui è portatore, in
vista di una coerenza tra significato e significante. Da questo
concetto prendono vita l'arte e l'architettura, si pensi alle
sproporzioni degli oggetti nella pittura medievale, a quella giottesca
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 APPUNTI DI ARCHITETTURA / NOTES OF ARCHITECTURE
Jacobello del Fiore. Tavole Santa Lucia e Maurizio Sacripanti
in particolare. Si pensi alle presentazioni dei progetti di Zaha Hadid
e di Jean Nouvel, che per la forte autoreferenzialità si possono
giudicare indipendentemente dal progetto che rappresentano,
oppure si pensi alle presentazioni di Richard Rogers o di
Massimiliano Fuksas, in cui gli edifici sembrano dissolversi fino a
diventare completamente trasparenti per lasciare al verde il ruolo
dominante nell'immagine.
! Il disegno è uno strumento potente, capace di concentrare
l'attenzione della lettura su alcuni elementi piuttosto che su altri. Il
lettore dell'opera, per effettuare un'analisi adeguata, deve quindi
sdoppiare l'opera nel disegno in se e nel progetto rappresentato. Il
progetto ne potrà apparire indebolito o rafforzato e il disegno potrà
ricevere un giudizio di efficacia, o meno, di trasmissione del
messaggio.
! Il disegno è fatto anche di regole che non si discostano
dagli altri linguaggi: ha una semantica e una sintassi, segue delle
norme (gerarchia, coerenza, ritmo, ecc...), si sviluppa secondo
delle fasi (Inventio, Dispositio, Elocutio) ma naturalmente possiede
anche regole proprie (bilanciamento dei pesi, delle tonalità, ecc...).
È importante considerare che chiunque disegna offre una
moltitudine di informazioni al lettore e per questo sopraggiunge
l'importanza del Controllo: l'autore deve riuscire a controllare il
maggior numero di informazioni possibili tra quelle che trasmette, in
quanto anche quelle non intenzionali pervengono al lettore. Si
pensi ai film dai quali si possono estrapolare informazioni sulle
intenzionalità politiche, narrative, sentimentali, ecc.. dell'autore. I
film tuttavia hanno un grado di aleatorietà (inversamente
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proporzionale alla qualità) che dipende ad esempio dagli elementi
inquadrati. Per quanto riguarda il cartone animato invece, partendo
da un foglio bianco, tutto quello che viene rappresentato è
intenzionale, deciso e voluto. Quanto più l'autore è capace di
controllare il flusso di informazioni, tanto più alta è la qualità
dell'opera, poiché ne viene controllata meglio l'univocità del
messaggio. Si pensi a Gran Torino di Clint Eastwood, un film la cui
apparente semplicità è espressione del controllo delle informazioni
trasmesse: ogni scena contribuisce a costruire il messaggio del film
e non appare nulla di superfluo, tutto è al suo posto.
! Il disegno di architettura, essendo determinato
dall'intenzionalità dell'autore, cambia anche in base alla situazione
culturale, come dimostrato dal parallelismo rinascimento-
prospettiva, modernismo-assonometria: nell'epoca in cui l'uomo è
misura di tutte le cose, la vista è antropocentrica, nell'epoca invece
in cui l'oggetto è uno strumento serializzato a disposizione
dell'uomo, la vista diventa assonometrica.
! Il disegno è anche uno strumento per controllare quello che
Roberto De Rubertis definisce “Evoluzionismo in architettura”: una
teoria secondo la quale le leggi darwiniane (sviluppo casuale di
modificazioni e selezione naturale) sono direttamente applicabili
anche nel campo architettonico. Attraverso il disegno è possibile
analizzare, comprendere e muoversi all'interno di tale fenomeno.
Il disegno, dunque, oltre ad essere uno strumento, è parte
costituente dell'architettura.

THE DESIGN TO UNDERSTAND AND EXPLORE THE
REALITY
An investigation over the ways in which the architect explore both
his own projects as the whole reality. To be aware that the design is
not only a communication tool but a constituent part of Architecture
! When you draw your intention is to build something that
doesn't exist in the reality. Even when you reproduce a real object,
your aim is to build a model different from the original. The whole
history of painting is a continuous selection and correction of reality,
you can say that the condition of the drawing (or its reason for
being), of extrapolation from the context in which it is set the
original object, makes the representation something separate from
the reality. The object painted is something different from the real
one, and as taught by Renè Magritte " Ceci n'est pas une pipe", but
more precisely it is the representation of a pipe. Even the mistakes
are useful because they open to new and unexpected possibilities.
Considering the autonomy of the design, you can say that this, in
architecture, has a triple value depending on the different
circumstances: drawing as a tool of knowledge and understanding
of the real, drawing as a tool for research and testing, drawing as a
tool for communication and presentation
! The representation of reality is always conditioned by the
observer, as evidences twe ca observe the tables of Saint Lucia
that represent nature during Renaissance, in which Jacobello del
Fiore classifies plant essences, or also the project in which
Leonardo investigates the subject in the moment in which it is.
Piranesi, in the eighteenth century, completely change the reality he
represents, it is proven by the uninhabitable projects of the Forma
Urbis where there are no roads, doors and distribution spaces, the
impossible spaces of the prisons and the views of Rome totally
disproportionate in comparison to the reality. The sketches of the
architects of modernity, such as the Carnet de Voyage by Le
Corbusier, are an example of how the relationship between design
and reality is filtered by the mind which selects and chooses. These
sketches are graphic notes that are used to fix the memory of
places, often accompanied by annotations. During the planning
phases the design become a research tool. The preliminary
sketches of Picasso's Guernica show that the author is not the
holder of an exact truth, but rather show haw the author tries to get
closer to it through a series of attempts. The objects gradually take
shape, change themselves to express coherently the intentionality
of the author. What you can see from the sketches of Guernica is
not very different from the artistic process, in which you go on
selecting and trying, of architectural design. You shouldn’t forget
that the purpose of the design is usually communicative. The author
expresses concepts through conventional signs which sometimes
correspond to real objects, sometimes are abstract. Also the
communicative intentions modifies the drawing, the author modifies
the hierarchical rules to bring out one of the possible messages of
the work.
! The design therefore also changes according to the
message it conveys, seeking coherence between meaning and
APPUNTI DI ARCHITETTURA / NOTES OF ARCHITECTURE
significance. The whole history of art and architecture testifies that,
as it happen with the disproportions of objects in medieval
paintings, for example Giotto. The same happens for the
presentations of the projects of Zaha Hadid , Jean Nouvel , that
show an indipendent life from the represented projects , and
happens for the presentations of Richard Rogers and Massimiliano
Fuksas, in which buildings seem to dissolve and sometimes
become completely transparent to let the dominant role of the
green in the image. The design is therefore a powerful tool, able to
focus on certain elements rather than others. The reader of the
work, to make a proper analysis, need to split the work in design
and project represented. The project may appear weakened or
strengthened, and the design will receive a judgment of helping, or
not, the message transmission.
! The design is based on rules that are similar to the ones of
other languages: it has a semantics and syntax, it follows rules
(hierarchy, coherence and rhythm...), it is developed according to a
series of phases (Inventio, Dispositio, Elocutio) but of course it has
its own rules (weight, balance and tone...). It is important to
underline that anyone who draws, offers a multitude of information
to the reader and here comes the importance of control: the author
must be able to control as many information as possible between
the ones that transmits, because the reader can recive even those
unintended. Think of the movie from which you can extrapolate
political, narrative, sentimental and others informations. Movies,
however, always have a level of randomness (inversely proportional
to the quality) that depends for example from the control of the
frames. For the cartoons there is a total control, because you start
from a blank sheet of paper and so all that is shown is deliberate,
determined and wanted. The more the author is able to control the
flow of information, the higher is the quality of the work, because is
better controlled the uniqueness of the message. The movie of Clint
Eastwood's Gran Torino, has an apparent simplicity that is
expression of control of the information provided: every scene helps
to build the film's message and nothing is superfluous, everything is
in its place. The design of the architecture, as determined from the
intentionality of the author, also changes depending on the cultural
situation, as demonstrated by the parallelism Renaissance-
perspective, modernism-axonometric: the epoch in which man is
the measure of all things, the view is anthropocentric while it
becomes isometric in the epoch of industrustrialization.
The design is also a tool to control what Roberto De Rubertis calls
"evolutionism in architecture": a theory according to which the
darwinian laws (random development of modifications and natural
selection) are directly applicable in the field of architecture. By
design it is possible to analyze, understand and move inside of this
phenomenon. The design, therefore, in addition to being a tool, is a
constituent part of the architecture.
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 GRAFFITI

BANKSY, LA STREET ART TRA

IRONIA E DENUNCIA SOCIALE

Nell'era del web, quasi tutti hanno sentito nominare Banksy

e le sue imprese in giro per il mondo. Ma chi è Banksy? E
perché è così famoso?

di Tommaso Zijno

Banksy - Bambina con palloncino

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Banksy - Squarci - Palestina
! Chi è Banksy? Fin da gli anni ’90, i suoi fan si pongono
questa domanda invano. Di lui sappiamo poco o niente: secondo il
Daily mail si chiamerebbe Robert Banks, e sarebbe nato a Bristol il
28 luglio del 1973. Il condizionale però è d’obbligo quando si parla
di Banksy e il web lo sa bene. Difatti, secondo un'altro giornale
britannico, il Mail on Sunday, dietro al nome Banksy si
nasconderebbe Robin Gunningham, un trentaquattrenne di Bristol.
Il dettaglio che rende interessante questa tesi è una fotografia,
scattata in Giamaica (dove lo street artist ha realizzato alcune
opere nel 2004), che raffigura un uomo, il suddetto Robin, mentre
armeggia furtivamente con stencil e bombolette spray. Banksy dal
canto suo ha voluto rendere omaggio a questa fotografia con un
ironico “autoritratto”. Altre autorevoli fonti giornalistiche teorizzano
invece che dietro il nome di Banksy agirebbero due o più persone.
In molti, ad esempio, sostengono un nesso tra Banksy e Damien
Hirst, uno dei più famosi ed eclettici artisti contemporanei. Alla base
di tale argomentazione, ci sarebbe la circostanza in cui, nel 2006,
seppur i due personaggi fossero agli antipodi, Banksy decise di
entrare a far parte dell’esposizione organizzata da Hirst alla
Serpentine Gallery di Londra. Al di là di congetture e velati
“complottismi artistici”, il mistero sull'identità è comunque solo uno
dei tanti fattori che rendono Banksy lo street artist più famoso ed
imitato al mondo.
! Da  Londra  a  San Francisco, dalla  Cisgiordania  all’Italia,
sono moltissimi infatti i muri che sono stati “ricoperti” dalle sue
opere e la sua fama ha ormai raggiunto e superato quella di molti
artisti inseriti nel  mondo dell’arte “convenzionale”. Spesso a sfondo
satirico, i suoi lavori trattano argomenti come la politica, la cultura e
GRAFFITI
l’ambiente, l’etica  e la brutalità della guerra, sempre cercando
di  instillare la riflessione  attraverso una sottile  vena umoristica. La
sua tecnica prediletta è  lo  stencil, poiché, come affermato
dall’artista stesso, è “molto più veloce ed efficace per lasciare
tracce senza essere sorpresi dalla polizia”. La sua “guerrilla art”,
però spazia molto, sia nelle tecniche che nei supporti utilizzati, ed è
quindi riduttivo parlare unicamente di street art.
! Tra le sue opere più famose, oltre ai celebri Rats, vi sono,
ad esempio, i lavori realizzati nel 2008 sulle case semidistrutte e
abbandonate a New Orleans per l’uragano Katrina, o il “Banksy’s
Stonehenge” - un’installazione realizzata interamente con bagni
chimici -, finanche all' ormai celebre Kiosk (la classica cabina
telefonica inglese) trafitta dal piccone, presentata agli abitanti
londinesi accartocciata su se stessa e sanguinante. Altri capolavori
dello street artist spaziano tra la scultura e la grafica, come l'ironica
rielaborazione del ritratto della Regina d’Inghilterra in stile “David
Bowie” o la “ribellione dei fiori” che ritrae un soggetto dal volto
coperto intento a lanciare rose anziché pietre.
! Nell’agosto del 2005 Banksy ha realizzato dei murales su
l’imponente muro di separazione, costruito dal governo d’Israele nei
territori della Cisgiordania. Le caratteristiche di questi murales sono
veri e propri “squarci”, realizzati con la tecnica del trompe l’oeil, che
aprono varie finestre, immaginarie, sui paesaggi e sul mondo
dall’altra parte del muro.
! Anche in Italia Banksy si è cimentato con la sua arte e in
particolare a Napoli, dove nel 2010, in Via Benedetto Croce,
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 GRAFFITI
Banksy - Ghetto 4 life
realizzò su muro un’immagine raffigurante l'estasi di Santa Teresa
di Bernini, con in mano patatine, bibita e panino, esemplificazione
di una chiara condanna al consumismo. Purtroppo l'opera venne
cancellata dopo pochi giorni e di essa rimangono pochissime
immagini.
! L’ultima campagna lanciata dal writer risale a pochi giorni fa
ed attacca duramente la Gchq, l’Agenzia governativa inglese per le
telecomunicazioni coinvolta in uno scandalo (Datagate) sui
programmi di sorveglianza insieme alla statunitense National
Security Agency. Con sarcasmo ed ironia, a pochi isolati dalla sede
dell’Agenzia, Bansky si è cimentato in un disegno che raffigura tre
soggetti stile anni ’30 con occhiali scuri, grigi impermeabili e delle
parabole per l’ascolto delle conversazioni che si svolgono
all’interno di una cabina telefonica. Messaggio chiarissimo che non
lascia adito a dubbi circa il senso di denuncia dell’artista.
! I problemi sociali, le guerre sono pane quotidiano per
Banksy. Ad esempio, per sostenere la campagna pro Siria, contro i
maltrattamenti sui bambini e per sensibilizzare i governanti mondiali
a tre anni dall’inizio della guerra civile, è tornato in azione. La sua
ormai celeberrima “Bambina con il palloncino” per l’occasione ha
indossato il velo islamico ed è stata immediatamente postata sul
suo sito, assieme ad un video animato.
! Banksy è famoso anche per la sua abilità di  entrare di
soppiatto nei musei più importanti del mondo, riuscendo così ad
appendere alcune delle sue opere accanto ai grandi capolavori del
passato. Spesso i suoi lavori rimangono vari giorni esposti, in
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attesa che qualcuno si accorga “dell’intrusione“. In questi casi,
l’artista predilige dei quadri dipinti in perfetto stile settecentesco,
c o n l ’ a g g i u n t a d i a l c u n i  p a r t i c o l a r i c o m p l e t a m e n t e
anacronistici  (nobili del XIII secolo con bombolette spray, dame di
corte con maschere antigas, e quadri “imbrattati”con scritte
provocatorie).
! La sua arte vuole essere provocazione. Basti pensare che
nel 2003, durante una manifestazione pacifista tenutasi a Londra,
ha distribuito cartelli con su scritto: “ Io non credo in niente. Sono
qui solo per le violenze.” E ancora in una e-mail inviata alla rivista
New Yorker lo scorso anno scrisse “inizialmente avevo deciso di
cercare di salvare il mondo, ma ora non sono sicuro che mi piaccia
abbastanza”. A ben vedere Banksy è quindi un personaggio
anticonformista a 360°, che punta costantemente all'eccesso, e in
grado, grazie a delle trovate a dir poco geniali, di rendere la street
art una corrente artistica amata e riconosciuta in tutto il mondo. Gli
estimatori del suo genio sono così tanti che il suo nome è ormai
noto quanto quello di Picasso e le sue opere sono valutate diverse
migliaia di dollari. Basti pensare che la casa d’asta Bonham ha
venduto un suo spray-painting su acciaio per quasi 600 mila dollari
e recentemente una serie di dieci delle sue opere è stata venduta
per più di 1 milione di dollari.
! Banksy è un artista poliedrico che riesce a far parlare di sé
senza concedere al fruitore della sua opera l'associazione di un
nome al suo volto. Questo unicamente per far conoscere la sua
arte e le battaglie sociali di cui si fa portavoce.
 GRAFFITI

Banksy - Cameriera

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 GRAFFITI

BANSKY, THE STREET ART BETWEEN IRONY AND

SOCIAL COMPLAINT

In the web age, almost everyone has heard the name of Bansky
and his works around the world. But who is Bansky?? And why he
is so famous?

! Who is Bansky? Until the end of 70’s, their fans ask

themselves this question in vain. About him we have not much
sources: according to Daily Mail he would be called Robert Banks,
and would be born in Bristol on the 28th of July in 1973. The
conditional form is a must when you tolk about Bansky and the web
knows it very well. Infact, according to another english journal, the
Mail on Sunday, the name Bansky could hide Robin Gunningham, a
thiry-five man from Bristol. The detail that makes this thesis
interesting is the photography, taken in Jamaica (where the street
artist made some works in 2004), that shows a man, said Robin,
while he is bustling furtively with stencil and spray can. Bansky on
the other hand wanted to pay tribute to this photo with and ironic
self-portrait. Instead, other influences news sources theorized that
behind the name of Bansky would go round two or more people.
For example, for a lot of people there must be a link between
Bansky and Damien Hirst, one of the most famous and eclectic
modern artists. The basis of this argument, there would be the fact
that, although the two characters were poles apart, Bansky decided
to join (to become a part of) to the ex position organized by Hirst in
the Serpentine Gallery in London. Beyond sheer speculation and
“conspiracy” of art, “the mystery of identify”, however, is only one of
many factors that make the street artist Banksy’s most famous and
imitated in the world.

! From London to San Francisco, from Cisgordania to Italy,

infact there are a lot of walls that were covered with his works and
his fame and by now he has reached and has exceeded the one of
many artists included in the world of conventional art. Sometimes
with a satirical background, his works talk about arguments like
policy, culture and environment, ethics and the brutality of the war,
always trying to instill through a thin vein of humor. His favorite
techinique is the stencil, inasmuch as stated by the artist himself is
“much faster and more efficient to trace without being caught by the
police”. His guerrillia art, but goes a lot, both in techiniques both in
the media used, therefore it is simplistic (reductive) to talk only
about street art.
! Among his most famous works, in addition to the famous
Rats, there are, for example, the work done in 2008 on the half
ruined houses and adandoned in New Orleans by Hurricane
Katrina, or the “Banksy’s Stonehenge”- an installation created
entirely with chemical toilets – even to now famous Kiosk ( the
classic English phone booth) transfixed by the pickaxe, presented
to the inhabitants of London crumpled on itself and bleeding. Other
street artist’s masterpieces range between sculpture and graphics,
such as an ironic reworking of the Queen Elisabeth’s portait with
David Bowie Style or the ribellion of flowers that portrays a masked
subject intent to put up instead of roses, stones.
Banksy - Cameriera
In August 2005, Banksy created murals murals on the awesome
separation wall built by the Israel government in the territories of
the Cisgiordania. The characteristics of these murals are real
patches, made with the techinique of trompe l’oeil, that opens
several imaginary windows, on landscapes and on the world on the
other side of the wall.
! Even in Italy Bansky has grappled with his art, and in
particolar in Naples, where in 2010, at Via Benedetto Croce, he
created an image on the wall depicting the ecstasy of St. Teresa di
Bermini, holing chips, drink and sandwich, exemplification of a clear
condemn of consumerism. Unforunately the work was canceled
after a few days and of that remains only few images.
The latest campaign launched by the writer goes back a few days
ago and strongly attacked the GCHQ, the British Government
Agency for Telecommunications involved in a scandal (Datage) on
surveillance programs with the US National Security Agency. With
sarcasm and irony, just a few blocks from the Headquarters of the
Agency, Bansky has competed in a drawing that illustrate three 30s
style subjects with dark gray, waterproof and parabes glasses to

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listen to the conversations that are taking place in the telephone
booth. This so clear message that doesn’t leave space for dubts
about the meaning of a complaint by the side of the artist.
! Social problems, wars are daily bread for Bansky. For
example, to support the campaign for Syria, against the ill-
treatment of children and to sensitise world leader sto three years
from the beginning of the Civil War, is back in action. His now
famous girl with balloon for the event she wore a headscarf and
was immediately posted on its website, along with animated video.
Bansky is famous also for his ability to sneak in the most important
museums in tbe world, allowing to hang some of his works
alongside the great masterpieces of the past. Often his works
remain on display for several days , waiting for someone who
notices the intrusion. In that cases, the artist prefers the paintings in
a perfect 18th century style, with the addiction of some details
completely anachronistic (nobles of the 13th century with spray
cans, ladies of the court with gas masks, and paintings smeared
with written provocative).
GRAFFITI
! His art want to be provocative. It is enough to think that in
2003, during a peace demonstration held in London, has distributed
sings written: “ I do not believe in anything. I’m just here for the
violence”. And one time more in an email sent to the New Yorker
magazine last year wrote “ I had initially decided to try to save the
world, but now I’m not sure that I like it enough. “ A closer look
Banksy is therefore an anticonfromist character 360 degrees,
constantly pointing to the excess, and able, thanks to his
expedients to say the least brilliant, to make the artistic street a
current recognized and love around the world. The admirers of his
genius are so many that his name is now known as the one of
Picasso and his works are evaluated for several thousand dollars. It
is enough to think that the auction house Bonham has sold its
spray- painting on steel for almost 600000 dollars and recently a
series of ten of his works was sold for more than 1 million dollars.
Bansky is a polyhedral artist who can be talked about without giving
to the consumer of his work pairing a name to his face. The only
purpose is to learn his art and social battles of which is the
mouthpiace.
translated by Agnese Oddi
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