21/04/2021

La scuola scandinava, l'autore più noto - Edvard Grieg.

1865-1957 Ean Sibelius.
Sono autori completamente diversi. Grieg guarda soprattutto all'europa centrale,
col suo concerto per pianoforte e orchestra
si conquista il suo posto tra i primissimi e i più eseguiti.
Il danese Nielsen ha scritto un po' di sinfonie. GLi scandinavi sono sconosciuti
agli europei purtroppo.
Il genio assoluto è stato Sibelius che ha adottato la tecnica del poema sinfonico.
La storia culturale delle saghe nordiche,
ai riferimenti paesagistici. Un interessantissimo corpus liederistico. La sua
produzione non si è spalmata nella sua lunghissima vita.
I primi 20-30 anni di produzione sono stati prolifici. Finlandia, Carelia - sono
composizioni eseguite anche in Italia.
Tutte scritte in un arco di tempo limitato. Arrivano poco dopo la prima guerra
mondiale. Una creatività incastrata in
un 1/4 di secolo.
Sibelius musicalmente ha dei punti di riferimento con Tchaikovsky. Esplorare la
liederistica di Sibelius, non è solo
interessante ma anche affascinante.
La scuola nazionale interessante è la scuola inglese. Inghilterra era la nazione
più ricca d'Europa nell'800 (l'invenzione
dei treni, delle prime società concertistiche). L'Inghilterra era sempre abituata a
immitare i grandi artisti (fiamminghi,
italiani etc.)
I re inglesi sono stati sempre o francesi o di un'altra nazionalità (oltre i
tudor).
Windsor è un cognome finto - perché si chiamerebbe Saxe-Coburg (origine tedesca).
Il bisnonno della regina ha capito
che i soldati non potevano combattere contro i tedeschi essendo imparentati con
loro.
Non si tratta di esaltare un patrimonio sconosciuto di una nazione, ma di rendersi
conto che si forma solo alla fine del 700.
Edward Elgar - uno dei compositori inglesi importanti.
Gustav Holst - si dedicò al poema sinfonico (con riferimenti a Wagner/Stravinsky).
Ralph Vaughan Williams
Personalità geniale - Benjamin Britten - insieme a Purcell rappresentano i vertici
assoluti della musica inglese.
Britten è stato anche un grande operista - Peter Grimes
La Spagna negli anni 700-800 è diventato uno dei paesi più poveri. Ha ospitato
precedentemente Farinelli etc.
Era una questione di decadimento economico, perdendo il vantaggio posseduto nel
periodo medioevale.
Il risveglio spagnolo si ha col compositore-musicologo Felipe Pedrell - orgoglio
nazionale. I suoi tre geniali allievi
sono i più eseguiti Enrique Granados, Manuel de Falla.
Altra scuola nazionale Europa dell'est - Polonia con Frederyk Chopin, che però non
fu quello a riscoprire il
patrimonio folcloristico locale, anche se porta le sconosciute mazurke. La mazurka
chopeniana è semplicemente
la ricreazione secondo gli standard preesistenti.
Riscrive utilizzando i codici compositivi.
Un grande polacco è il pianista Paderewsky che sarà persino il primo-ministro della
Polonia. Ha suonato a Torino parecchie
volte. Ha avuto un grande ruolo nel cinema sonoro. La prima cinematografia
hollywoodiana lo utilizzò tantissimo.
Dvorak - compositore scoperto da Brahms, appartenente alla tradizione sinfonica-
compositiva fondalmente classica tedesca,
che però compie numerosi incursioni nel campo etnico. Fu per 3 anni direttore del
conservatorio di New York, determinando
con la sua autorevole presenza un effetto sulla produzione musicale americana. Il
patrimonio musicale americano
è tanto grande quanto eterogeneo. Si può dividere in vari paletti storici. La Civil
War determina una caduta stilistico-culturale.
I PURITANI
La musica era vista come attività diabolica. Erano concesse di fatto le musiche
religiose.
L'organo della catedrale dei mormoni forse è il più grande al mondo.
Louis Moreau Gottschalk - compositore romantico americano che avvio la produzione
musicale americana.
Pianisticamente fu un enfant-prodige. Il direttore del conservatorio di Parigi non
lo ascoltò neanche e non ha voluto ammetterlo,
perché era americano.
Ha suonato Chopin davanti a Chopin.
New School of American Composers:
George Chedwick

Un conservatorio americano a Parigi: il conservatorio Fontembleau

Ha avuto grandi direttori e insegnanti
Boulange - compositrice importantissima

28/04/2021
Successivamente lo sguardo si è spostato verso la Francia nella seconda metà
dell'800.
Prima sinfonia di Mahler...la musica non era la stessa. Wagner è un mondo
assestante. Ha modificato enormemente
le percezione della musica e il modo di stare al teatro. La musica del film nasce
con Wagner. E' la figura
fondamentale della trasformazione dell'800. Il tardo romanticismo è un termine
generico, perché all'interno
si approno tanti cassetti differenti e spesso anche contrastanti. Alla base del
movimento tardo romantico abbiamo
2 figure antitetiche: Wagner e Brahms. Il primo è un operista, il secondo mai si è
dedicato a questo tipo di musica.
In Francia questi fermenti vengono vissuti con grande intensità; sta vivendo un
momento unico. Il clima è favorevole
per l'accendersi di iniziative e grazie anche alla presenza di elementi umani
straordinari che determineranno
l'avvenire dell'arte nella musica. Il fascino wagneriano è enorme. Kandinsky,
Skryabin, Schoenberg - si sono
immersi nel fascino sinestetico. Il messaggio wagneriano - collaborazione delle
arti. Pittori, scrittori, musicisti
europei del secondo 800 sono affascinati da quella possibilità di mescolare le arti
fra loro. Con Parsifal si va
nell'ambito del mistico. Avvengono trasformazioni anche sociali. La borghesia si è
impadronita solidamente della
costruzione sociale europea. Sono questi gli anni dell'espandersi del colonialismo.
Le grande trasformazioni scientifiche.
Il progresso che sembra aver cancellato qualsiasi debolezza umana. Anche la
medicina sta subendo trasformazioni.
L'uomo sembra dominare la natura a suo vantaggio. Gli anni in cui viene eretta la
tour eiffel, per molti decenni rimase
il più alto oggetto artificiale - simbolo del dominio totale sulla natura. Sono
anche gli anni in cui verrà scoperto
l'inconscio. All'interno del positivismo acciecante c'è sempre l'uomo son la sua
fragilità - le ricerche
di Freud dimostrano questi angoli bui dell'animo umano - c'è la sensazione che
tutto questo è un falso mito e che
le certezze dimostreranno i loro limiti e si ribalteranno a sfavore dell'uomo
creatore.
In Francia l'opera è una rappresentazione della grandezza del proprio stato.
L'autore di riferimento di questo periodo
è Claude Debussy che incarna tutti gli input che fermentano nella Parigi del 800.
Debussy rende tutti questi fermenti
e li rende eterogenei. Lo stile del conservatorio di Torino è la dimostrazione
dell'eclettismo. Debussy è un classico
rappresentante dell'artista tardo-romantico. Era fondamentalmente antiwagneriano.
Lo considerava solo per la sua
continua ricerca delle cose nuove. Debussy non vuole violentare la tonalità. Cerca
di conviverci allargando le possinilità,
introducendo elementi esotici. Debussy fu incredibilmente affascinato dalla musica
balinese e giapponese. Tutti questi
stimoli si mescolano e si incastrano in una sorta di frenetica conpenetrazione di
esotismo, eclettismo, sinestesia,
impressionismo. Dal punto di vista tecnico produceva l'armonia non funzionale.
Analizzando la musica di Debussy, trovi
gli accordi tradizionali, ma le funzioni tra di loro non sono definite. Viene
modificato il meccanismo dell'accordo.
Il fatto che wagner fosse tedesco non poteva non influire un giudizio sereno
(tensioni nella relazione fra la Francia
e la Germania). Wagner ha un'orchestra enorme, ma è rarissimo che la usa tutta
insieme. Il timbro diventa elemento
primario. Anche il canto rissente la posizione wagneriana. Si arriva a un canto
verso il parlato attraverso
le declamazioni.
Debussy scrive un brano per una cartolina che riceve dalla Spagna. Debussy utilizza
il testo in prosa, appunto per
proporre una via differente rispetto alla tradizione belcantistica italiana. Il
canto è una sorta di prosa coloquiale.
E' il sussuro, il discorso intimo, tutto giocato su mezze-voci. Debussy aveva un
pianoforte verticale perché detestava
i suoni eccessivi. Sono pochi i brani pianistici di matrice consertistica.
All'interno della Suite Bergamasque ci sono
tanti elmenti barocco. Nell'arabesque si usano le scale esatolani - fa effetto
acquoso, che rimanda a un'allur magica.
L'impressionismo pittorico non è contemporaneo alla musica di Debussy (avviene 50
anni prima). Un'altra caratteristica
di Debussy è l'alterazione del tempo - che porta a una dilatazione. L'alterazione
del tempo viene vista come
una caratteristica più pertinente alla musica. Nei primi anni del 900 i geni hanno
intuito che il tempo non è un
parametro assoluto. Senza pensare ai buchi neri, Debussy ci arriva musicalmente a
questo risultato. Un'istante che
appare e si dissolve - l'armonia di Debussy. Maurice Ravel era visto come un
seguace di Debussy. La musica
di Ravel non è più un riflesso romantico, ma una sintesi dell'elemento culturale.
Il linguaggio musicale non è
più il mezzo di esprimere un concetto, ma diventa esso stesso il contenuto
dell'espressione stessa.
Ascoltare i preludi, l'opera pelleas (l'inizio) e Tristano e Isotta.
05/05/2021
Il simbolismo che manda a un altro mondo - è la cifra generale sociale, economica e
artistica che carattizzera la fine
dell'800. Questa crisi che gravitava attorno alla capitale austriaca che porterà al
crollo del mondo che era
stato conosciuto. Il canto popolare, una via nazionalistica - tereno vergine per
l'esplorazione musicale dopo il
crollo della tonalità. Shakespeare - la ricerca arcaica, simbolo del romanticismo.
Schoenberg e Stravinsky - assumono
l'intero 900. Tra questi poli assistiamo alle poetiche intermedie, legate a persone
e non a scuole, con durata
temporale limitatissima; porta all'avanguardia. La vita musicale rimane immutata -
vengono eseguiti ancora i classici.
La nostra musica è una musica archeologica. Al 90% si basa su compositori defunti.
John Cage - Allievo di Schoenberg, con cui non aveva un bel rapporto (Schoenberg lo
chiamò un inventore). E' legato
a Torino e Milano. Fu un genio assoluto soprattutto per le sue invenzioni con
l'acqua e gli strumenti. Bisognava
dare fuoco a delle pigne e i suoni venivano registrati coi microfoni - queste
sonorità davano contrasto all'acqua. La
sua musica era dedicata ai 4 elementi. 4'33 - composizione musicale - il performer
non deve fare niente, lo spettatore
diventa esecutore. Diceva che per l'uomo vivo il silenzio non esiste. L'arte
contemporanea è una provocazione
intelettuale.
Possiamo parlare della scuola di Vienna che è quasi un'eccezione, chiamata anche la
seconda scuola di Vienna.
Sigmund Freud, Hoffmanstal, il fisico Mach. L'espressionismo - la corrente
artistica che meglio assorbe tutti questi
input di questi singoli uomini di cultura. Porta alla famosa seccessione viennese -
la riunione contro l'arte
contemporanea. In Francia nasce con l'art nouveau. Il punto d'incontro tra loro è
la crisi del soggetto - Schiele,
Kokoschka etc.
La musica di Mahler esprimeva immagini che non erano concilliate e concillianti. La
musica subisce una vera rivoluzione.
Non deve più rispondere alle idee del bello, deve essere secondo Schoenberg bella.
La formazione Schoenbergiana
affonda in Strauss, in Brahms. Non dobbiamo confonderlo con la sola dodecafonia,
che è un termine non corretto.
Dobbiamo parlare di musica seriale. Non tutta la musica di Schoenberg era seriale
(concetto superato a quegli anni).
Sestetto per arti - tutto giocato sul cromatismo. Questo cromatismo estremo che lo
porta ad un ambivalenza
armonico-tonale. Viene definito poema sinfonico da camera. Non possiamo non
prescindere da Wagner - figura principale.
La musica per Schoenberg è un suono interiore che si manifesta in varie forme. Gli
anni 10 sono gli anni che
assumono l'espressionismo. Emartung "Attesa" un monodramma - ASCOLTARE
Il testo è di un'allieva di Freud - Marie Papenheim. E' una composizione di forte
sapore psicoanalitico - un'allucinazione.
Compressione e dilatazione del tempo.
Dopo gli anni 10 con la pubblicazione del manuale di armonia si ha il proprio
superamento della tonalità e anche il tentativo
di inventare una forma di espressione nuova.
Schoenberg odiava il caos, per quello che cercò di darle una sistemazione.
Abbandonerà l'Europa negli anni trenta e
andrà negli Stati Uniti a insegnare a Los Angeles.
Aronne e Mose - la sua opera incompiuta.
12/05/2021
Stravinsky nasce in un paesino vicino a San Pietroburgo. Teatro Marinsky - A San
pietroburgo.
I fratelli Rubinstein hanno fondato i due conservatori a Mosca e Sankt Petersburg.
Il padre di Stravinsky
fu un basso. Il padre gli sconsigliò di fare musica. Stravinsky si laurea in
giurisprudenza. Scopre
tardi di avere un talento enorme. DIventa amico con uno dei figli di korsakov.
Attraverso il figlio
contatta il padre. Korsakov inizia a dargli lezioni e mantengono un rapporto fino
alla fine.
Stravinsky per i soldi avrebbe fatto qualsiasi cosa. Sergey Yagilev -
importantissimo incontro.
Grande coreografo, impresario teatrale - inventatore dei baletti russi. Dopo la
rivoluzione d'ottobre,
tanti russi ricchi si trasferiscono in altre nazioni, soprattutto in Francia. Dagli
anni venti
ci sarà la tradizione a Parigi promossa da Yagilev, ispirati a favole folk russe.
Addirittura nasce
una tradizione che tende a russificare i nomi degli artisti teatrali. Petrushka,
Luce del fuoco,
Sacre de Printemps. Str era spinto dall'avanguardia artistica. Era interessato a
tutte le forme d'arte.
Per parade di Erik Satie chiama per realizzare costumi/sceni. Picasso viene
chiamato per Pulcinella.
Giacomo Balla - grande pittore/scenografo futuristico, fu chiamato. Yagilev
coinvolge De Chirico.
Più o meno vive parallelo a Stravinsky (muore nel 78). Ha una vita abbastanza
simile. Ebbe un fratello
Andrea, cambia il nome per non essere confuso col fratello - in Alberto - grande
compositore.
Trionfa a Parigi la bella addormentata di Thaikovsky. Fino all'inizio degli anni 30
con Prokofiev
i balli russi sono interessanti. Muore nel 29 Yagilev e finiscono i balletti. Gli
artisti vanno
oltre a quello che il pubblico può comprendere.
La magia del Sacre du Printemps fa nascere il sound del 900. L'inizio del
controfagotto altissimo
(come già fece Beethoven). Il pianoforte usato all'estremo. I contrabassi usati
come strumento
espressivo in tessitura acuta e non come accompagnamento. Più grande scandalo nella
musica
La premiere si svolge a Champselisee. Oltre al Sacre du Printempes furono eseguite
i polovetskie
Pleasky i borodin. Quando si arriva a Sacre (e si sapeva - era una rivoluzione
preparata), col fagotto
iniziarono mormorii. Esplosero risate, risse. Stravinsky lascia il posto appena
iniziano i rumore.
Si mette alle spalle del coreografo. I poveri ballerini non sentivano niente per il
tumulto della sala.
Yagilev per far cessare il fracasso dava le indicazioni agli elettricisti di
spegnere/accendere le luci.
Il finale si volse in una calma accettata. Tutti e tre erano disgustati ma felici.
Yagilev dice che
è stato quello che voleva. Egli ha capito subito le grandi prospettive
pubblicitarie nate
dall'esito della serata.
Dopo la fase russa si apre il periodo neo-classico. Si apre come ommaggio a
Giovanni B. Pergolesi,
con la Pulcinella. Era un'opera rappresentativa del periodo. Dopo la sacre
Stravinsky abbandona
l'idea di avvalersi delle grande orchestre sinfoniche. Preferisce organici ridotti
che conferiva
un particolare suono. La prima guerra mondiale ha spinto i musicisti a ridursi al
minimo. Il
neo-classicismo di Stravinsky si affianca ad altri compositori. Il rifiuta del
tonalismo di Schoenberg,
riscoperta con la salsa stravinskiana. Poi c'è il grande periodo americano.
Stravinsky rifiuta
la cassazione della tonalità. Cerca di riprendere le tradizioni del passato, con la
sua impronta
personale. Utilizza la poliritmia etc. Stravinsky amava diriggere perché pagavano
molto, ma
non era un bravo direttore. Stravinsky visita una mostra basato su schizzi di
grandi autori
incisori - William Howlard? Anche qui riporta elementi 700' ma in salsa neo-
classica.
E' una musica molto particolare - anche Turandot è un opera del 900, però dei primi
anni 20.
La carriera di un libertino - più rappresentativa dei repertori di tutto il mondo.
La musica è un mix
dove non si abbandona il classicismo, però viene elaborato in modo capriccioso -
con dissonanze
che sorprendono. Con prestiti che arrivano perfino a Monteverdi. Costruita come
un'opera italiana.
VIene proposto il recitativo secco al clavicembalo. Carlo Gesualdo viene riscoperto
grazie
a Stravinsky - studiasse bene la musica antica, che l'800 reso sconosciuta. Theodor
Adorno viene indivituato
questo bipolarismo Schoenberg Stravinsky. Ad un certo punto Str si stufa di
continuare a essere
il portabandiera della tonalità. Era stato individuato come lo zoccolo duro della
tonalità.
Stravinsky si avvicina alla musica seriale webberniana. C'è una serie di
composizioni - canticum
sacrum (anni 50). Un cercare di non abbandonare del tutto l'armonia tradizionale.
Stravinsky
rappresenta un ribollismo per il sacro (anni 50 - periodo seriale).
Ravel amo sperimentare tutto nella sua lunghissima vita musicale. Pur essendo stato
un grande
oppositore della scuola schoenbergiana..
Str arriva alla musica seriale (che forse da 100 anni era ormai proposta) è quasi
un recupero, un
paradosso come anche lo stile neo-classico. Str è veramente un compositore del 900
perché utilizza
tutti i stili e i generi musicali. Mostrandosi fortemente indenne da
contaminazioni/influenze, è
sempre riuscito a essere soltanto se stesso. Tutta la musica di Str è fortemente
spirituale.
Libro di estetica molto importante scritto da Stravinsky. Fantasia di Disney è un
capolavoro
assoluto, la più grande opera del genio, perché è una realizzazione degli anni 40,
ma troppo precoce
per quelli anni. E' la Sacre du printempes dove la musica viene plasmata com'è
l'origine del pianeta.

ARGOMENTI PER L'ESAME

Pelleas et Elisande - l'unica opera di Debussy

"La musica dell'avenire" la sinfonia viene sostituita dal poema sinfonico. I

formalisti brahmsiani scelgono la musica assoluta che è le fine
a se stessa. Invece i wagneriani e i lisztiani partono dal presupposto che la
musica non deve essere assoluta(non collegata a nient'altro).
La musica dell'avvenire è sempre collegata a cose extra-musicali: la parola,
racconta qualcosa che non è se stessa, che trae esistenza da
fattori extra-musicali: geografia, mito, storia.

Haydn - il padre della forma sonata. Vivrà come 3 quarti della sua vita come viveva
un tipico musicista barocco (Kapelmeister).

Consiglio - non fare un elenco scolastico, ma dimostrare un assunto attraverso la

musica.
Quando Brahms muore e viene ricordato come il più grande compositore esistente fino
a che viene riscoperto da Schoenberg.

Haydn a Vienna diventa assistente di Nicolò Porpora (napoletano).

Liszt scrisse una Polonnaise in MiM colto dal dolore per la morte di Chopin.

Verdi si trasferi a Parigi per colpa del giudizio morale italiano, a Parigi la vita
era diversa. Conviveva con una donna che ha avuto figli
da una precedente relazione e non era sposata con Verdi.

26/05
Domande: Wagner
recitativo secco - solo al cembalo
recitativo accomplagnato - da più strumenti
Metastasio ha cercato prima di Gluck di riformare l'opera.
Periodo classico - sintesi che si distingue dai periodi precedenti. Si basa sulla
forma sonata.
Il padre della forma sonata è HAYDN.
Domanda: simbolismo in musica risposta: Debussy Pelleas et Melisande
Allievo di Korsakov - Stravinskij
Shostakovich, kabalevskij, Hachaturyan - russi del 900
Lo specifico russo, le 3 radici dell'anima russa:
musica folclorica, musica orientale, musica del canto ortodosso (religiosa) che
deriva dal
canto gregoriano
Boris Godunov - opera di Musorgskij
Con Franz Liszt si crea il poema sinfonico. Musica dell'avvenire.

09/06/2021
Giuseppe Verdi - le opere, le opere popolari, la sua amante relazione (more..
sore??), i flop.
Preparare un altro autore.
L'accelerare e il rallentare è tipico dell'arte moderna.

Gottfried van Swieten - ambasciatore olandese importante per Mozart e Beethoven.

Aveva conosciuto
perfettamente la musica di Bach. Collezionista di autografi bachiani.
I quartetti rappresentano la musica da camera. Si concludono con....