Matéria da Editoria:

Arte & Cultura

03/ 03/ 2011

ARTE & EDUCAÇÃO

E a arte do aluno?
Antes de ignorar ou julgar a arte à qual os alunos estão expostos em sociedade, o professor de Arte pode aproveitá-la
como ponto de partida, ponto de trabalho, ponto de chegada e ponto de articulação e transformação a partir do qual pode
apoiar o conhecimento a ser trabalhado na escola.
Isabel Marques e Fábio Brazil*
Data: 29/ 06/ 2006

Novela é arte? Propaganda é arte? Gibi é arte? Videoclip é arte? Dança da moda é arte? Baile funk é arte?
Rock-garagem é arte? Grafite é arte? Coral da igreja é arte? Pagode é arte? Artesanato é arte? Manifestação
popular é arte? O que vem pelas mídias e o que está na rua, é arte? - Independente das respostas que tenhamos
para essas questões, é importante pensarmos como o nosso aluno as responderia.

Raramente nos perguntamos sobre a arte do aluno. A arte que o aluno traz para a escola. - O que fazer com ela?
Afinal, é arte?

O aluno traz arte para escola o tempo todo. Traz, faz, aprecia e consome arte nas salas de aula, nos corredores, no
pátio e na porta da escola. A arte dos alunos está sempre presente: está na forma como se vestem e como se
movimentam; está no que falam, no que comentam, cantam e escutam; está no gesto, no traço, numa cor ou num
ritmo; está numa palavra, frase ou gíria. A arte dos alunos está nas capas dos cadernos, nas camisetas, nas
mochilas, na cor e corte dos cabelos, nos sons dos celulares, nos rabiscos nas carteiras, nas paredes e nas
mensagens nos banheiros. O que fazemos com tudo isso?

Afinal, os detentores do “saber em arte” socialmente reconhecidos - artistas, professores e críticos - respeitam,
dialogam e conhecem a arte que seu público-alvo produz, pensa e consome?

Em geral, a escola é impermeável à arte que vem dos alunos. Ela não é objeto de valorização, compreensão,
problematização ou sistematização por parte dos professores. Nesse sentido, é possível estabelecer um importante
paralelo entre a relação dos professores com a arte dos alunos e a visão que alguns artistas têm da função do
público no sistema da arte.

Qual a importância, para o artista, do repertório de obras e conceitos de arte que o público possui? Deve o artista
preocupar-se com isso? Deve buscar um diálogo com o público e seu repertório? É interessante a inclusão do público
no diálogo interno do artista enquanto cria? A liberdade de criação incorpora a ignorância em relação à fruição? A
dialogicidade, conceito cunhado por Paulo Freire, bastante conhecido na literatura pedagógica, que convida o
professor a dialogar com o aluno interessa ao artista? Vale perguntar ao artista e ao professor: é importante saber
o que o público-aluno traz como idéia de arte, expectativas em relação a trabalhos e conhecimento de arte?

São muitas e complexas as relações envolvidas no circuito artista-obra-público em nossa sociedade, vão do
processo de marginalização da arte e do artista à sua transformação em produto e mão-de-obra na indústria do
entretenimento, vão da vitalidade da cultura à transformação do fruidor em consumidor. Negando essa
complexidade, tanto a indústria do entretenimento quanto alguns artistas e críticos crêem apenas numa cisão
insuperável entre o público e a arte, acreditam respectivamente que “arte não vende” ou que procurar o público é
“diminuir a arte”.

É crença comum a vários segmentos do sistema da arte que só existem mesmo duas possibilidades: alimentar a
fome de arte do povaréu com clichês distribuídos pela indústria do entretenimento ou enclausurar-se nos guetos e
meios acadêmicos e praticar monólogos impenetráveis. Dentre as múltiplas faces que a criação de arte assume em
nosso meio social, essas duas possibilidades opõem-se e complementam-se, pois nascem dos mesmos
pressupostos.

Uma face é composta por toda uma produção autoproclamada “arte para o povão”. Nesse contexto, encontra-se,
alicerçada no pragmatismo da “lei de mercado”, a indústria do entretenimento. Sendo uma indústria, foca
prioritariamente o consumo e necessita da repetição de clichês e produção em massa para sobreviver; assim, a
pesquisa, a interlocução, a experimentação e o conhecimento em arte perdem importância diante do valor de
compra e venda. A indústria do entretenimento, movida por leituras simplistas da sociedade, apregoa ser e fazer o
que “o povão gosta” e apóia-se no pressuposto discutível da ignorância do público para produzir e vender uma arte
adequada ao público e à sociedade que acredita existir e deseja padronizar.

Assumindo outra face no sistema da arte, há uma produção interna ou tutelada pelos meios acadêmicos que
termina por criar um circuito fechado de informação redundante e fala unívoca. Nesse contexto, entende-se o
público e a sociedade da mesma forma que na indústria do entretenimento – massa ignara - e almeja-se como
público “a classe”, aqueles com as mesmas referências teóricas e estéticas dos autores. O grande público, entendido
como “não preparado”, fica distante dos trabalhos, das pesquisas e do diálogo com a arte e os artistas. Algumas
vezes, busca-se aproximação com o público não pelo trabalho artístico em si, mas oferecendo “obscuras
explicações” nos debates após o espetáculo, nos releases dos programas, ou nas matérias de jornal para os que
podem comprar mídia.

Tanto uma como outra face tornam a arte menos compartilhada e perdem o contínuo processo de mutação e
movimento provocado pelo contato com o público. Será mesmo que para dialogar com o público é preciso ser
“menos arte”?

Buscar compartilhar e aproximar-se do universo sócio-político-cultural-afetivo do público não quer dizer

necessariamente tornar a arte popularesca, previsível e pautada por clichês. Não é preciso negar técnicas, teorias e
fazeres complexos e atuais para que a arte converse com o público. A arte que busca abrir canais de discussão e
reflexão com o público apenas pressupõe o outro, o olho de fora que na presença do trabalho artístico, elabora
conceitos, sensações, emoções, afetos, histórias e trajetórias de vida.

Na presença do público e no diálogo com ele, o trabalho artístico reconstrói-se e possibilidades novas são abertas
para outras relações entre as pessoas, a arte e a sociedade. Pensar e perceber o público como um dos elementos
do processo criativo não impede a pesquisa e a elaboração do trabalho, é apenas iniciar o diálogo.

Dentro das escolas, nas aulas de Arte, o mesmo fenômeno repete-se. Se o professor não conhecer e considerar os
conceitos, práticas e repertórios de arte que os alunos trazem, não será capaz de estabelecer diálogo, não será
capaz de construir nem de transformar. Ignorar a arte que a escola recebe dos alunos em prol da aquisição de um
saber externo reconhecido e aprovado socialmente – uma lista de conteúdos chamadas de currículo e planejamento
– mantém o professor falando sozinho e perpetuando a imutabilidade social.

Refutar a arte fruída, produzida e conhecida dos alunos como arte de baixa qualidade, ou desclassificá-la por ser
“produção de massa” significa cortar um importante vínculo que o professor de Arte poderia ter com seus alunos: a
própria arte. Antes de ignorar ou julgar a arte à qual os alunos estão expostos em sociedade, o professor de Arte
pode aproveitá-la como ponto de partida, ponto de trabalho, ponto de chegada e ponto de articulação e
transformação a partir do qual pode apoiar o conhecimento a ser trabalhado na escola.

Partir do repertório de obras e conceitos que os alunos trazem não significa perpetuar incondicionalmente qualquer
tipo de produção e repertório – isso não seria dialogicidade. Ao professor cabe convidar o aluno a repensar, refazer,
refletir, retomar, sua produção e repertório e abrir as possibilidades de diálogo a partir de outros referenciais e
leituras. Cabe perguntar se o professor de Arte tem mesmo outro repertório, outros referenciais e leituras e quer
comprometer-se com opinar, ensinar, trocar, dar retorno, dialogar.

Em geral, o professor dissocia a arte que o aluno traz e faz da arte que será aprendida, produzida e apreciada na
escola. Ainda que a arte do aluno venha carregada de clichês ou de reproduções canhestras de originais discutíveis,
essa dissociação costuma impossibilitar o diálogo. Como também não é diálogo “tolerar” a arte que o aluno traz
como nesga de motivação, ilusão de valorização, forma de “incentivar” a auto-estima, acabar com problemas
disciplinares, obter participação, fazer passar o tempo mais rápido ou ainda candidatar-se ao título de “professor
legal”.

Mas é possível e viável aceitar em sala de aula as músicas da Sandy? A reprodução do axé? A imitação da TV?
Como aceitar na sala de aula o Faustão, o Gugu, a Xuxa, a Luciana Gimenez, os “Amigos”, os BBBs, a Hebe
Camargo, o Lacraia, o pichador, as novelas nacionais e mexicanas, a Zorra Total e ainda mantermos a postura de
artistas, professores e pesquisadores?

Talvez o primeiro equívoco e dificuldade resida aí: não é aceitar, trazer e simplesmente permitir que essas
personagens manifestem-se por meio dos alunos. Não é simplesmente permitir que os alunos colem, imitem,
repliquem, esta arte com que nos confrontamos fora do ambiente escolar. – Ainda, cabe novamente a pergunta: o
professor de Arte tem mesmo outro repertório, outros referenciais e leituras e quer comprometer-se com opinar,
ensinar, trocar, dar retorno, dialogar?
Inventariar e conhecer o repertório dos alunos é bem diferente de fazer o que os alunos “gostam e querem”.
Repetir em sala de aula exatamente o que os alunos podem fruir e conhecer fora dela é inútil e inócuo – ainda que
seja prática comum a muitos professores; isso não é diálogo. É preciso ir além do sarau de repetições, clones e
clichês. É preciso trabalhar a arte como área de conhecimento, relacionando aquilo que os alunos consomem com
outros autores e trabalhos e com o conhecimento da linguagem da arte. Conversar com a arte que o aluno traz é
estabelecer o diálogo entre o repertório do professor e o do aluno, o conhecimento universal e o conhecimento
local.

O professor é antes de tudo um interlocutor e um propositor. Seu conhecimento da linguagem, da história, sua
prática artística, seu hábito de freqüentar arte fazem com que o professor seja o melhor interlocutor e propositor
disponível para o aluno. A posição de interlocutor permite perguntar, indagar, olhar sob vários pontos de vista,
comentar, comparar. A posição de propositor permite estabelecer relações entre o repertório de obras e conceitos
do aluno e o repertório de obras e conceitos disponíveis na História da Arte e na sociedade contemporânea. Ainda, é
papel do professor interlocutor e propositor articular esses dois repertórios por meio da linguagem da arte
estimulando a produção.

Trabalhar com a arte do aluno não é programar atividades partindo do que o professor ingenuamente acredita que
os alunos sejam e deveriam gostar: danças populares para os migrantes nordestinos e seus filhos, cantigas de roda
para as crianças, samba para negros, RAP e funk para a periferia, baile da saudade para alunos de EJA e, para
todos indistintamente, o que estiver na moda. - Não estaria assim, a escola, visando a ser “moderna e dialógica”,
sendo apenas conservadora? - Reproduzir ingenuamente a suposta arte do aluno não permite recriar, articular,
ampliar possibilidades e conhecimentos. Essa prática nega a dialogicidade, aproxima-se do conservadorismo e da
negligência, escondendo-se por detrás do discurso da preservação das tradições e da inutilidade de alguns
conhecimentos para certas camadas sociais.

Partindo de um real diagnóstico, de um inventário preciso e da construção de um acervo fidedigno da arte do aluno
podemos ampliar e construir conhecimento. A arte do aluno contextualiza os conceitos e o saber específico de cada
linguagem artística, por isso, na escola, deve ser relida, problematizada, recriada. Essa é a função da escola e do
professor: trabalhar a linguagem, o conhecimento específico da disciplina Arte por meio do diálogo, da oferta e do
questionamento, construindo um novo olhar, uma nova prática, uma outra perspectiva sobre o repertório de obras
e conceitos que os alunos trazem articulando-o com um repertório mais amplo e universal. À escola, cabe o olhar
distanciado, a experiência crítica e criativa sobre aquilo que os alunos já conhecem, sabem e gostam, somente isso
vai permitir a criação pessoal, as sínteses coletivas e alguma transformação.

A arte é interlocutora privilegiada entre o professor e o aluno, entre a escola e a comunidade, entre o indivíduo e o
conhecimento. A arte que os alunos escolhem revela valores, posturas, sonhos, percepções e histórias de vida.
Trabalhar com a arte do aluno em processo dialógico com o conhecimento proposto pelo professor de Arte, permite
a ambos irem além do convencional, crescer em crítica e julgamento, aprofundar conhecimento específico e
interagir na sociedade com elementos de transformação e não mais de reprodução.

(*) Isabel Marques e Fábio Brazil, professores e artistas, dirigem o CALEIDOS ARTE E ENSINO em São Paulo,
capital, ministrando cursos e prestando assessoria a secretarias de educação, escolas públicas e privadas nas áreas
de dança e poesia.

VEJA O ESPECIAL ARTE & EDUCAÇÃO