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Guitarra

Para la planta del mismo nombre, véase Dipsacus fullonum.

Guitarra

Clasificación

Instrumento de cuerda pulsada

Tesitura

Instrumentos relacionados

Laúd, bandurria, bajo, ukelele, charango,guitarrón, cuatro, cavaquinho, timple, banjo,dinarra, mandolina, cítara, balalaic

a, tiple

Músicos

 Guitarristas

La guitarra es un instrumento musical de cuerda pulsada, compuesto de una caja de madera, un mástil
sobre el que va adosado el diapasón o trastero —generalmente con un agujero acústico en el centro de
la tapa (boca)—, y seis cuerdas. Sobre el diapasón van incrustados los trastes, que permiten las
diferentes notas. Su nombre específico es guitarra clásica o guitarra española.

Es el instrumento más utilizado en géneros como blues, rock y flamenco, y bastante frecuente
en cantautores. También es utilizada en géneros tales como rancheras y gruperas, además
delfolclore de varios países.

Instrumentos de la familia de la guitarra son el requinto y el guitarrón. Este último es de uso frecuente
por los mariachis.

Contenido
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• 1 Partes de la guitarra

o 1.1 Caja de resonancia

o 1.2 Mástil

• 2 Historia

o 2.1 Origen

o 2.2 Edad Media

o 2.3 Siglo XVI

o 2.4 Siglo XVII

o 2.5 Siglos XVIII y XIX

o 2.6 Siglo XX

• 3 Tipos de guitarra

o 3.1 Guitarra acústica

o 3.2 Guitarra de flamenco

o 3.3 Guitarra eléctrica

o 3.4 Guitarra electroacústica

o 3.5 Diferencias entre Guitarra Eléctrica y

Acústica

o 3.6 Guitarra MIDI

o 3.7 Guitarras del Renacimiento y Barroco

o 3.8 Guitarra campesina (Viola Caipira)

o 3.9 Guitarras rusas

o 3.10 Variaciones sobre la guitarra tradicional

• 4 Afinación
o 4.1 Método básico de afinación para guitarras

de 6 cuerdas

o 4.2 Posibles referencias para afinar

• 5 Corte en la caja para notas agudas

• 6 Ejecución

• 7 Guitarras y zurdos

• 8 Referencias

• 9 Enlaces externos

[editar]Partes de la guitarra

Partes de la guitarra española o clásica:1. Cabeza y


clavijeros, 2. Cejilla, 3. Clavija, 4.Trastes, 7. Mástil, 8. Cuello, 9. Caja (clásica) o cuerpo
(eléctrica), 12. Puente, 14. Fondo,15. Tapa (armónica), 16. Aro, 17. Roseta y
boca, 18. Cuerdas, 19. Selleta, 20.Diapasón.

La guitarra ha sufrido variaciones en su forma a lo largo de los siglos. Además del número de cuerdas,
las variaciones del instrumento han surgido para adaptarlo a las necesidades del intérprete hasta
adoptar la forma actual. Este instrumento está fabricado con madera prácticamente en su totalidad y los
tipos empleados principalmente en su fabricación son las de palo santo de la India o de Brasil (Bulnesia
sarmientoi), abeto, cedro de Canadá, pino, ciprés y ébano, en función del tipo de guitarra (clásica o
flamenca).1

Básicamente, la guitarra está compuesta por la caja de resonancia, el mástil, el puente, el diapasón,
los trastes, las cuerdas y el clavijero. Algunas guitarras poseen más de un diapasón (hasta un máximo
conocido de 6 mástiles) o sobrepasan las 7 cuerdas.1

Tras ser encolados todos los elementos que forman la caja de resonancia, se une con el mango y se
incluyen refuerzos en el contorno de las dos tapas, en el centro del fondo y en las uniones inferiores y
superiores de los aros. Posteriormente se adhiere el diapasón. Entre el mástil y el clavijero se coloca la
cejilla que sirve para apoyar y separar las cuerdas. La cejilla habitualmente es
de marfil,hueso, plástico o incluso metálica, en función de la calidad del instrumento.1

Una vez todos los elementos que forman la guitarra han sido unidos, se procede a su barnizado. Existen
dos formas de llevar a cabo este proceso, una más costosa y trabajosa que consiste en barnizar el
instrumento a mano con goma laca; y la otra que es barnizar con una pistola a base depoliuretano que
seca rápidamente. El inconveniente de este último método es que el barniz forma una placa sobre la
caja de resonancia que le resta sonido al instrumento.1

Posteriormente se realiza el aplanado del diapasón y la colocación de los trastes, los cuales suelen ser
de alpaca o latón. Es sumamente importante que el trasteado sea perfecto ya que de él depende la
afinación de la guitarra. Acto seguido, en la parte inferior de la tapa armónica se coloca ellavijas y las
cuerdas. Antiguamente las cuerdas eran de tripa de animal pero en las guitarras modernas son
de nylon.1

[editar]Caja de resonancia
Artículo principal: Caja de resonancia

La caja de resonancia está conformada por el fondo, la tapa armónica y los aros laterales. Los dos
primeros son planos. El fondo está construido en madera de palosanto mientras que la tapa puede ser
de pino, abeto, cedro o, en ocasiones, de ciprés. La tapa armónica tiene una perforación en su parte
intermedia, llamada "boca" o "tarraja", y está reforzada por siete barras finas de madera que reciben el
nombre de "varetas". Estas varetas están dispuestas en la parte interior y tienen forma de abanico. El
número de varetas dentro de una guitarra depende del fabricante de la misma. Los aros son dos piezas
largas y estrechas fabricadas con palosanto, curvadas a fuego y unidas en los extremos superior e
inferior de la caja. Su unión se asegura en el interior con dos tacos de madera colocados uno en la base
del mango y otro en la parte contraria. Los aros están reforzados a lo largo de su parte interna con dos
tiras de madera que reciben el nombre de "tapajuntas".1

[editar]Mástil

Vista lateral y frontal del clavijero de una guitarra clásica.

El mástil está construido con madera de palosanto o cedro y está formado por el clavijero, el mástil y la
quilla o zoque. En las guitarras modernas las clavijas están incluidas dentro de clavijeros metálicos, a
diferencia del método empleado guitarras anteriores que consistía en insertar directamente las clavijas
en la madera del clavijero. El clavijero está situado en el extremo del diapasón. Los clavijeros modernos
tienen dos cortes verticales y están preparados para recibir los huesos, que son las pequeñas piezas en
las que las cuerdas van enrolladas. Las clavijas metálicas quedan en la parte exterior del clavijero y se
emplean para afinar el instrumento mediante la tensión que ejercen sobre las cuerdas. Su tensión puede
modificarse para la afinación mediante un sistema de tornillos sin fin impulsados por las clavijas, que
implican pequeños rodillos sobre los cuales se envuelven las cuerdas. Éstas pasan a continuación por el
puente superior, en el cual se cavan pequeños surcos que guían cada cuerda hacia el diapasón hasta
llegar al clavijero. El clavijero puede llamarse también pala o maquinaria; de este mecanismo depende la
afinación de las cuerdas de la guitarra.

La parte más larga del mango recibe el nombre de mástil y está cubierto con el diapasón, que es un
trozo de madera, habitualmente de palosanto o ébano, sobre el que presionan los dedos las cuerdas de
la guitarra. La quilla o zoque es la base del mango que se fija a la caja de resonancia.1

[editar]Historia
Ilustración de un instrumento parecido a una guitarra punteada en un salteriocarolingio del siglo IX.

Artículo principal: Historia de la guitarra

[editar]Origen

Los orígenes y evolución de la guitarra no son demasiado claros, ya que numerosos instrumentos
similares eran utilizados en la antigüedad, por lo que es usual seguir la trayectoria de este instrumento a
través de las representaciones pictóricas y escultóricas encontradas a lo largo de la historia. Existen
evidencias arqueológicas en bajorrelieves encontrados en Alaça Hüyük (norte de la actual Turquía) de
que en torno al año 1000 a. C. los hititas y asirios crearon instrumentos de cuerda parecidos a la lira —el
instrumento de varias cuerdas más sencillo y antiguo del mundo— pero con el agregado de una caja de
resonancia, por lo que serían antecesores de la guitarra. También se han encontrado representaciones
en dibujos del antiguo Egipto que se asemejan a un instrumento similar a la guitarra.1 2 3

Existen dos hipótesis acerca de sus orígenes. Una de ellas le da un origen greco-romano y afirma que
es un descendiente de la fidícula y la otra considera que la guitarra es un instrumento introducido por
los árabes durante la invasión musulmana de la Península Ibérica y que posteriormente evolucionó
en España.2 Según la primera hipótesis, estos instrumentos llegaron hasta los griegos, que deformaron
ligeramente su nombre, kizára o kettarah, que en castellano se terminó llamandocítara. Este hecho ha
dado lugar a suponer que la guitarra deriva de la cítara griega y romana, a las que se le habría añadido
un mango al comienzo de nuestra era. Muchos estudiosos y musicólogos atribuyen la llegada de la
guitarra a España por medio del imperio Romano en el año 400.1 2 3 La otra hipótesis sostiene que el
primer instrumento con mástil fue la ud árabe, cuyo nombre los españoles terminaron fundiendo
erróneamente con su artículo: "la ud" femenina se convirtió en el masculino "laúd". Fueron precisamente
los árabes quienes introdujeron el instrumento en España, donde evolucionó de acuerdo a los gustos
musicales de la plebe bajo dominación musulmana.

En la India estos instrumentos eran conocidos en idioma sánscrito como sitar (instrumento descendiente
de la vina) , palabra que proviene de dos palabras indoeuropeas que darían origen a la palabra
española "guitarra": la raíz guīt (que produjo las palabras sánscritas guitá: ‘canción’, osangīt: ‘música’) y
la raíz tar, que significa ‘cuerda’ o ‘acorde’.

[editar]Edad Media

Una guitarra morisca o mandora.

En los siglos XI y XII pueden distinguirse dos tipos de "guitarres" o "guiternes". Por un lado lamorisca o
mandora, con forma ovalada de media pera y que se asemeja al laúd árabe y a lamandolina. Por otro
lado la guitarra latina, una evolución de las antiguas cedras o cítaras, de fondo plano, unida por aros con
mango largo y cuyo clavijero era similar al del violín. La primera de ellas concuerda con la hipótesis del
origen oriental de la guitarra, una especie de laúd asirio que se habría extendido por Persia y Arabia,
hasta llegar a España durante la estancia árabe en la Península Ibérica. La segunda, reforzaría la
hipótesis del origen greco-latino del instrumento. Ambos tipos están representados en las miniaturas de
las Cantigas de Santa María de Alfonso X el Sabio de 1270aunque una de las representaciones más
antiguas que se conservan está en Europa Occidental en un Pasionario de la abadía de Zwiefalten del
año 1180.1 2 3

En el siglo XIV, los poetas medievales franceses Guillaume de Machaut y Eustache


Deschampsnombran en sus obras a la "guiterna" sin precisar el tipo.1

La guitarra latina evolucionó hasta dar lugar a dos instrumentos diferentes: la vihuela, que estaba dotada
de seis órdenes (cuerdas dobles) y que tuvo una amplia difusión entre la aristocracia y los trovadores y
músicos profesionales; y la guitarra, de cuatro órdenes y de uso más popular.2

[editar]Siglo XVI
Tres libros de música en cifra para vihuela, publicado en 1546 por Alonso Mudarra, contiene la primera obra para
guitarra de cuatro órdenes.

En el siglo XVI comienzan a realizarse numerosas composiciones para guitarra. Esta gran producción
tiene como centro a España.1 La primera obra para guitarra de cuatro órdenes aparece en la obra Tres
libros de música en cifra para vihuela publicada en 1546 por Alonso Mudarra enSevilla. En esa época
era habitual confundir los nombres de estos instrumentos y fue a finales de siglo cuando comenzaron a
diferenciarse. La guitarra fue utilizada principalmente como instrumento de acompañamiento y
principalmente con la técnica del rasgueado.2 4

[editar]Siglo XVII
El tratado más antiguo sobre la guitarra española fue publicado en Barcelona en 1596 por Juan Carlos
Amat. En 1606 Girolamo Montesardo publicó en Bolonia la primera gran obra para guitarra
titulada Nuova inventione d'involatura per sonare Il balleti sopra la chitarra espagnuola y G. A.
Colonna Intavolatura di chitarra alla spagnuola en 1620.4

Habitualmente se atribuye la inclusión de la quinta cuerda al músico y poeta andaluz Vicente Espinel. La
atribución de esta invención la realizó Lope de Vega, pero fue refutada por Nicolao Doici de
Velasco (1640) y por Gaspar Sanz(1684) en sus tratados sobre la guitarra española. Sustentan sus
afirmaciones en el hecho de que once años antes del nacimiento de Espinel, Bermudo mencionó una
guitarra de cinco órdenes. No obstante, aunque Espinel no fuera el inventor de la guitarra española de
cinco órdenes, probablemente fue quien más se encargó de su difusión popular en todas las clases
sociales de España.4 El Nuevo método por cifra para tañer guitarra de cinco cuerdas publicado
en 1630 Doici de Velasco es el más antiguo conocido y en él afirma "En Francia, Italia y demás países,
a la guitarra se le llama española desde que Espinel puso la quinta cuerda, quedando tan perfecta como
el laúd, el arpa, la tiorba y el clavicordioy aún más abundante que éstos".1
Gaspar Sanz, Instrucción de música sobre la guitarra española, 1674.

Otros autores contribuyeron de forma destacada a la literatura sobre la guitarra, como Luis de
Briceño en 1626, Lucas Ruiz de Ribayaz y Francisco Guerau, entre otros. En la Península Ibérica la
guitarra era ya muy utilizada a finales del siglo XVII, cuando Gaspar Sanz compuso su Instrucción de
música sobre la guitarra española y método de sus primeros rudimentos, hasta tañerla con
destreza.4 Anteriormente había guitarras de nueve cuerdas: una cuerda simple y cuatro "órdenes".

En todo caso, parece claro que fue en España donde tomó carta de naturaleza, pues a diferencia de las
guitarras construidas en otros países y lugares de Europa, donde se fabricaban guitarras sobrecargadas
de incrustaciones y adornos que la hacían casi imposible de tocar, la guitarra española se hacía para
ser tocada y fue tan popular que incluso Sebastián de Covarrubias, capellán de Felipe II y lexicógrafo
español, llegó a decir: "La guitarra no vale más que un cencerro, es tan fácil de tocar que no existe un
campesino que no sea un guitarrista".5

Aunque todos los países reivindican su intervención en la invención de la guitarra (con especial mención
de Francia) aspectos tales como la forma, la estructura y la afinación, derivan directamente de la
guitarra tal como los luthieres ibéricos la diseñaban, sin olvidarnos de los europeos como Johan
Stauffer, de quien derivan los diseños de su discípulo C. F. Martin.5

[editar]Siglos XVIII y XIX


Iniciado el siglo XVIII Jacob Otto agrega la sexta cuerda a la guitarra y se estandariza la afinación
moderna, el cambio más significativo sufrido por este instrumento. A mediados de siglo, la historia de la
guitarra moderna alcanza un gran apogeo con el español Francisco Tárrega, creador de la escuela
moderna y autor del cambio en el uso del posicionamiento de las manos y la manera de pulsar las
cuerdas.3

A finales del siglo XVIII y principios del XIX, algunas guitarras usaban seis cuerdas simples y emplearon
unas barras de refuerzo debajo de la tapa armónica. Estas barras fueron añadidas para reforzar la
estructura y permitieron adelgazar la tapa para obtener una mayor resonancia y una mejor distribución
del sonido a lo largo de la tapa armónica. Otros desarrollos contemporáneos incluyen el uso de un mástil
reforzado y elevado usando madera de ébano o palisandro, y la aparición de un mecanismo de tornillo
metálico en lugar de las clavijas de madera para afinar. Es importante destacar que el trastero elevado
ha tenido un gran impacto en la técnica del instrumento porque las cuerdas estaban demasiado lejos de
la tapa armónica de forma que había que apoyar uno de los dedos de la mano derecha para que sirviera
de soporte a los demás. Estas guitarras serían reconocidas inconfundiblemente como las primeras
guitarras clásicas.

En los comienzos del siglo XIX, en los trabajos de los españoles Agustín Caro, Manuel González,
Antonio de Lorca, Manuel Gutiérrez y otros constructores europeos incluyendo a René Lacote y
al vienés Johann Stauffer encontramos las características de los precursores más directos de la guitarra
clásica moderna. Johann Stauffer tiene una reputación legendaria. En su tienda aprendió a construir
guitarras C. F. Martin, que luego se trasladaría a Estados Unidos y cuya firma sigue construyendo
guitarras hoy en día. También desarrolló el trastero elevado, a petición de Luigi Legnani, el guitarrista y
primer intérprete de los conciertos del violinista genovés Niccolò Paganini. Sus otros avances en la
construcción de la guitarra incluyen un mástil ajustable y reforzado con acero y las clavijas de tornillo sin
fin que todavía se usan en las guitarras modernas.

Hacia 1850 empezó el trabajo de Antonio Torres Jurado. Con el apoyo de Julián Arcas,
ambos almerienses, y sus propias y brillantes intuiciones, Antonio Torres Jurado refinó los soportes
estructurales de la guitarra incluyendo siete varas extendidas bajo la tapa armónica. Aumentó también el
tamaño de la caja de resonancia y el ancho del mástil. Estas innovaciones influyeron en la mejora del
volumen del sonido y la respuesta en los bajos así como el descubrimiento de una técnica para la mano
izquierda para el enriquecimiento del repertorio. Ahora la guitarra ya estaba preparada tanto para las
demandas del solista como para las del conjunto instrumental. La tradición constructiva en Almería se
ha mantenido hasta nuestros días con constructores como Gerundino Fernández García.

[editar]Siglo XX
El luthier español José Ramírez III junto al guitarrista Narciso Yepes le agregaron cuatro cuerdas más
en las graves, sobre un amplio mástil cuyos múltiples trastes permiten ampliar notablemente la gama de
sonidos de la mano izquierda. Narciso Yepes tocó por primera vez esta guitarra de diez cuerdas en
Berlín en 1964 y, a partir de ese año, fue su instrumento habitual en los conciertos, especializándose en
piezas renacentistas y barrocas.

[editar]Tipos de guitarra
Guitarra, ukelele y charango.

Hay dos tipos básicos de guitarra: la guitarra clásica y la guitarra flamenca, de tamaño ligeramente
menor que la clásica, distintas maderas y otras variaciones que la hacen menos resonante pero
máspercusiva.

Una variedad de la guitarra clásica o española es la guitarra acústica, cuya diferencia principal es el
material de sus cuerdas, que es el metal en lugar de la tripa o el nylon. Procede de Estados Unidos.
Suele ser de mayor tamaño y con el tiempo evolucionó para adoptar un sistema alimentado por energía
eléctrica (pastillas eléctricas), dando lugar a la guitarra eléctrica.

[editar]Guitarra acústica
Artículo principal: Guitarra acústica

Guitarra acústica.

La guitarra acústica es un tipo de guitarra con cuerdas de metal, cuyo sonido se genera mediante la
vibración de las cuerdas que se amplifican en una caja acústica de madera o algún acrílico. El adjetivo
"acústica" es tomado directamente del inglés acoustic guitar por el uso que de dicho adjetivo hacen
los anglófonos, para diferenciar la guitarra de caja con respecto a la guitarra eléctrica. Es claramente
redundante, pues la guitarra, por definición, es un instrumento acústico. La guitarra acústica deriva de
los diseños de C. F. Martin y Orville Gibson, principalmente, luthieres estadounidenses que
desarrollaron su actividad principalmente a finales del siglo XIX. También son conocidas como western
guitars (literalmente "guitarras del oeste"), lo que se acerca más a su naturaleza y a la clase de música
que las hizo populares.

Como las españolas estas guitarras se llaman así por emitir su sonido sin ningún tipo de amplificación
eléctrica, sólo por transducción de la fuerza mecánica.

[editar]Guitarra de flamenco

Guitarra de flamenco con dos golpeadores.

Artículo principal: Guitarra de flamenco

En España existe una variante muy extendida, similar a la guitarra clásica, de la que es difícil distinguirla
a simple vista, conocida como guitarra de flamenco o guitarra flamenca. Varía su sonido por una
construcción ligeramente distinta y el uso de distintos tipos de maderas. La guitarra flamenca tiene un
sonido más percusivo, su caja es un poco más estrecha, y generalmente las cuerdas están más cerca
del diapasón.

La guitarra flamenca tiene menos sonoridad y ofrece menos volumen que una guitarra española de
concierto, pero su sonido es más brillante, y su ejecución es más fácil y rápida, debido a la
menoraltura de las cuerdas, lo que permite que se pueda hacer menos presión con los dedos de la
mano izquierda sobre el diapasón. Tradicionalmente las clavijas de afinación eran completamente de
palo y se embutían en la pala de la guitarra de forma perpendicular a ella. Suele llevar debajo de la
roseta o agujero un guardapúas, golpeador o protector (a veces también uno superior), para evitar que
los rasgueos y golpes que se dan en la tapa armónica, tan típicos en el flamenco, afecten a la madera.
[editar]Guitarra eléctrica
Artículo principal: Guitarra eléctrica

Guitarra eléctrica tipo Epiphone Les Paul.

Una guitarra eléctrica es una guitarra con uno o más transductores


electromagnéticos llamadospastillas que convierten las vibraciones de las cuerdas en señales eléctricas
capaces de ser amplificadas y procesadas. Hay tres tipos fundamentales de guitarras eléctricas: las de
cuerpo sólido, las de cuerpo semisólido y las de cuerpo hueco. Históricamente las primeras en
inventarse fueron las de cuerpo hueco, al derivarse de guitarras de caja a las que se incorporaba un
micrófono para poderse escuchar en las bandas de jazz.
Las guitarras de cuerpo sólido carecen de caja de resonancia, de forma que el cuerpo es una pieza
maciza (casi siempre de madera, pero hay algunos casos de plástico o metálicos -sobre todo
experimentales) en el que van embutidas las pastillas. Las guitarras eléctricas de cuerpo semisólido se
caracterizan por tener, a veces, agujeros al exterior con formas en "f" similares a los de las cajas de
resonancia de los violines y otros instrumentos acústicos. Las guitarras semisólidas, tienen un bloque
central para evitar los acoples. Algunas guitarras eléctricas también cuentan con un sistema en
el puente que genera un efecto de vibrato mediante una palanca. La guitarra eléctrica necesita siempre
ser conectada a un amplificador o a un sistema de amplificación, mediante un cable. Entre los
fabricantes reconocidos de este tipo de guitarras se encuentran marcas
como Gibson, Fender,Epiphone, Ibanez, PRS, Jackson, Parker, Cort, Yamaha, Dean, ESP, Schecter,
entre otros.

[editar]Guitarra electroacústica
Una guitarra electroacústica es una guitarra acústica a la que se le han añadido pastillas, micrófonos
o transductores para amplificar su sonido. También son llamadas guitarras electrificadas, término que
hemos de reputar sinónimo, y que resalta el hecho de que el sistema de previo puede haberse instalado
en origen o por el propio usuario.

La electrificación de una guitarra de caja es el uso del micrófono, ya que se conecta como una guitarra
eléctrica a un amplificador externo. Ello evita en gran medida los acoples y facilita la labor del ingeniero
de sonido en las grabaciones. Sin embargo, el sonido no es exactamente el mismo, ya que el micrófono
que recoge el sonido se encuentra dentro de la caja y no fuera, que es donde se escucha el sonido real
de la guitarra.

La diferencia entre una guitarra electroacústica de cuerdas de metal y una guitarra eléctrica de caja (que
son las que se usan habitualmente en el jazz) es sobre todo el tipo de transductor: en la primera se
emplea un transductor piezoeléctrico, que da un sonido más cristalino, agudo y natural; en la guitarra
eléctrica se incorporan transductores electromagnéticos, que dan un sonido distinto, más cargado de
frecuencias medias.

[editar]Diferencias entre Guitarra Eléctrica y Acústica


Las diferencias:

1. La guitarra eléctrica no tiene caja de resonancia o cajón y la acústica si. 2. La guitarra acústica suena
sin necesidad de ser conectada a algún amplificador. 3. La guitarra acústica se toca más con las manos
y no se utiliza púa o plumilla, como sucede con la eléctrica, aunque hay quienes tocan la guitarra
acústica con púa. 4. Los modelos más austeros de guitarra acústica son más baratos que la guitarra
eléctrica. 5. La guitarra eléctrica necesita más accesorios que una acústica (amplificador, cable, efectos,
strap etc)

[editar]Guitarra MIDI
Son guitarras especiales o adaptadores para guitarras convencionales que permiten controlar un
sintetizador vía MIDI (protocolo de transmisión de datos que permite enviar información musical entre
distintos dispositivos conectados por medio de cables). De esta manera, un guitarrista que no tiene
habilidad para ejecutar un teclado o un órgano electrónico puede dispararlos desde una guitarra MIDI.

Una técnica básica es la de utilizar un conversor monofónico de frecuencia de audio a MIDI tomando
la señal de audio de la guitarra por medio de colocar un micrófono en la boca de la misma o por medio
de su salida de audio. También se comercializan puentes más sofisticados que pueden detectar la
vibración de cada cuerda por separado de tal forma de poder ejecutar acordes, es decir, que
poseen polifonía de 6 voces o simultaneidad de disparo de notas.

[editar]Guitarras del Renacimiento y Barroco


Las guitarras del Renacimiento y Barroco son ancestros de las guitarras clásicas. Son más delicadas y
producen un sonido más débil. Son más fáciles de distinguir de otras guitarras, ya que su cuerpo es más
delgado y plano.

[editar]Guitarra campesina (Viola Caipira)


Esta guitarra, común en el folclore brasileño, tiene un tamaño inferior al de una guitarra española,
aunque sus proporciones similares. Consta de cinco órdenes de cuerdas metálicas que a diferencia de
las guitarras acústicas se pulsan con las uñas. Puede estar afinada de numerosas formas siendo
habituales las afinaciones abiertas.

[editar]Guitarras rusas
Estas guitarras contienen siete cuerdas en vez de seis. La afinación de esta guitarra es completamente
distinta a la española, ya que no es simplemente una guitarra acústica con una cuerda añadida.
Tradicionalmente, se utiliza una afinación abierta en Sol mayor. (también existe labalalaica)

[editar]Variaciones sobre la guitarra tradicional


Guitarra horizontal

Guitarras eléctricas
horizontales

Desde sus inicios la guitarra fue objeto de experimentaciones muy numerosas, y sólo una parte de estos
instrumentos son todavía utilizados hoy, hasta de manera marginal.

Las primeras guitarras tenían cuatro cuerdas como los instrumentos de los que procedía, luego se
agregó una quinta y posteriormente una sexta (el bordón), que termino siendo el modelo estándar de
seis cuerdas.

Una de las variaciones más frecuentes es aumentar el número de cuerdas. Por ejemplo doblando su
número, de 6 a 12; las seis acostumbradas, acopladas individualmente a su octava respectiva (salvo las
dos más agudas, que quedan duplicadas al unísono). Además de la guitarra de 12 cuerdas, tiene
relativa importancia la guitarra tenor, de 4 (usada entre otros por el guitarrista de jazz Tiny Grimes).
Ciertos músicos clásicos como Narciso Yepes tocan una guitarra de diez cuerdas, independientes o
duplicadas.

Nada tiene que ver con el asunto del diseño el hecho de que algunos intérpretes ajusten su instrumento
a su forma de tocar, como los miembros del grupo de rock The Presidents of the United States of
America, que utilizan una guitarra en la que tres de las seis cuerdas han sido retiradas, y un bajo de dos
cuerdas. De la misma manera, Keith Richards (guitarrista de los Rolling Stones), a menudo retira la
cuerda de mi grave de sus guitarras.

También se pueden citar:


 La guitarra fretless (sin trastes), cuyo mástil es completamente liso, sin trastes, con lo cual las
notas se obtienen a manera de un violonchelo (la afinación no viene dada por el traste, sino que hay
que “buscarla”). Son más comunes los bajos fretless.

 La guitarra barítona, que tiene 6 cuerdas pero un tiro más largo.

 Las guitarras para aprendizaje, de dimensiones reducidas (talla 1/2 o 3/4), para facilitar su
ejecución por niños

 La guitarra con doble diapasón. Permite tocar con dos distintas afinaciones (de manera
alternativa o incluso simultánea) durante la misma obra, sin tener que cambiar de guitarra. La
mayoría de lasguitarras dobles tienen una guitarra con doce cuerdas y la otra con seis cuerdas.
Existen otras versiones como el instrumento de Mike Rutherford, bajista de Genesis, que es una
guitarra de doce pegado a un bajo.

 La guitarra eléctrica sin clavijero, construida desde mediados de los años ochenta por la
empresaSteinberger. El clavijero se encuentra en el puente de la guitarra, en lugar de estar en la
cabeza.

 La guitarra slide o guitarra horizontal. Se usa casi siempre con el slide o tubo de metal o vidrio
que cubre todo el dedo. Muy utilizada porDavid Gilmour, guitarrista de Pink Floyd.

 La guitarra de 7 cuerdas. Además de las 6 cuerdas de la guitarra, se le incorporan una séptima


cuerda, más grave. La nota de la séptima cuerda es un SI. Existen también guitarras de 8 cuerdas
con la misma idea. incluso existen guitarras con otros instrumentos incorporados en el cuerpo de la
guitarra como la Guitarra Pikasso que posee 42 cuerdas (de Pat Metheny).

 La Foldaxe, guitarra plegable inventada por Roger Field para Chet Atkins para viajar, (en el libro
"Me and My Guitars" por Chet Atkins).

 La dinarra, una guitarra dinámica microtonal.

 La "Guitarra Arpa" (Arpguitar) guitarra con un clavijero añadido de 5 cuerdas más para hacer los
bajos, y también otra entrada a la caja de resonancia que, a la cual también se le hace un agregado
en forma de brazo ondulado.

 La Guitarra-Sintetizador (Sinth-guitar) utilizada ocasionalmente por David Bowie, que resulta ser
una guitarra con un sintetizador incorporado.

[editar]Afinación

Las cuerdas de la guitarra se nombran de abajo hacia arriba —desde las más agudas a las más graves
— con números ordinales: primera cuerda o cuerda prima, segunda cuerda, tercera cuerda, etc.
También se las conoce con el nombre de su nota de afinación —como se hace también en los violines,
violas, violonchelos y contrabajos—:
1. La cuerda mi (la primera cuerda, afinada en el mi4) 6

2. La cuerda si (la segunda cuerda, afinada en el si3)

3. La cuerda sol (la tercera cuerda, afinada en el sol3)

4. La cuerda re (la cuarta cuerda, afinada en el re3)

5. La cuerda la (la quinta cuerda, afinada en el la2)

6. La cuerda mi (la sexta cuerda, afinada en el mi2)

La misma afinación de las cuatro cuerdas graves bajada una octava (de la tercera a la sexta) es la
correspondiente al bajo.

En algunas obras el compositor pide al guitarrista que baje dos semitonos (o sea un tono) la sexta
cuerda —desde el mi2 al re2—.

En las partituras las cuerdas se nombran con el número de la cuerda alrededor de una circunferencia.

A las tres cuerdas más graves —la cuarta, quinta y sexta cuerda y, particularmente, a esta última— se
les llama “bordones”, debido a que “bordonear” es la ejecución de un bajo acompañante de una obra de
música.

También se cambian las tonalidades de las cuerdas poniendo una cejilla que se sitúa un traste más alto
por cada semitono que se quiera aumentar. Por ejemplo si se coloca una cejilla en el primer traste la
afinación sería la siguiente: fa4, do4, sol♯3, re♯3, la♯2, y fa2.

La guitarra de diez cuerdas es como la suma de una guitarra común de seis cuerdas y un contrabajo
(afinado normalmente una octava grave:sol2, re2, la1 y mi1).

[editar]Método básico de afinación para guitarras de 6 cuerdas


El método clásico para afinar una guitarra es de oído. Para ello hay que seguir una serie de reglas.

 Se ajusta una cuerda, preferiblemente la 5ª, a nuestro gusto o con alguna referencia si se va a
tocar acompañado (Se suele ajustar a los 110Hz.)

 Ahora, la 6ª cuerda pisada en el 5º traste suena igual que la 5ª cuerda tocada "al aire".

 La 5ª cuerda en el 5º traste suena igual que la 4ª cuerda tocada "al aire".

 La 4ª cuerda en el 5º traste suena igual que la 3ª cuerda tocada "al aire".

 La 3ª cuerda en el 4º traste suena igual que la 2ª cuerda tocada "al aire". Es importante
recordar esta diferencia.

 La 2ª cuerda en el 5º traste suena igual que la 1ª cuerda tocada "al aire".


A esta forma de afinar se le llama "por unísonos" pero también se puede afinar "por armónicos" o
combinar ambos métodos.

Cuando se han afinado todas la cuerdas conviene repasarlas, a ser posible con un método distinto.

[editar]Posibles referencias para afinar


La guitarra también puede ser afinada con respecto a:

 Un diapasón, o silbato (herramientas acústicas que ofrecen un la para orientar al afinador).

 Un afinador electrónico o programa informático.

 Otros instrumentos

 El sonido de señal de línea telefónico (también la).

[editar]Corte en la caja para notas agudas

Guitarra con hueco para notas agudas

La forma de las guitarras no siempre es simétrica. Las guitarras eléctricas y algunas acústicas y clásicas
suelen presentar una especie de curva para facilitar el acceso a los trastes más cercanos a la boca,
para llegar hasta las notas más agudas. Este corte en la caja se suele llamar cutaway. Dependiendo de
si el guitarrista es diestro o zurdo, la guitarra se construirá con ese hueco ubicado a uno u otro lado de la
caja armónica.

[editar]Ejecución
Técnica del fret tapping: ambas manos digitan notas en el diapasón. Van Halenpopularizó esta técnica en los años
setenta

La guitarra se toca apoyando la caja armónica sobre el regazo, con el mástil o diapasón hacia la
izquierda. Esto hace que las cuerdas más graves queden arriba y las más agudas abajo.

Para tocar la guitarra se apoyan los dedos de la mano izquierda (la derecha para los zurdos) sobre las
cuerdas, oprimiéndolas contra el diapasón entre los trastes justo después del que delimitará el
segmento de cuerda que vibra, de manera que quede libre la longitud correspondiente a la nota musical
deseada.

Una vez que se ha fijado de esta manera la longitud de todas las cuerdas o de las cuerdas que se desea
pulsar, la mano derecha las rasguea, puntea o arpegia, generando una melodía si toca un sonido por
vez, un acorde si se ejecutan dos sonidos o más, o una armonía si se arpegia ese acorde.

En la guitarra eléctrica se suelen utilizar diversas técnicas principalmente en el rock. Entre ellas se
encuentran el tapping (popularizado por Eddie Van Halen), el sweep picking (Yngwie J.
Malmsteen,Jason Becker), el palm mute, etc.

[editar]Guitarras y zurdos

Ejemplo de movimiento de la mano izquierda.


Ilustración del siglo XVIII de un zurdo tocando un sitar.

Así como en algunos instrumentos, véanse el piano o la flauta, varían muy poco en función de la
lateralidad del intérprete, otros como la guitarra y las cuerdas de
la orquesta, violines, violas, violoncelosy contrabajos realizan con cada mano una tarea distinta. Sobre
este tema hay posiciones encontradas sin que nunca se llegue a un acuerdo respecto a la ventaja o
desventaja de cambiar la manera común de tocar con el mástil de la guitarra a la izquierda.

Por otro lado debido a la poca disponibilidad en el mercado de guitarras adaptadas para zurdos, que se
acentúa en las tiendas pequeñas, la mayoría de guitarristas zurdos que aprenden a tocar la guitarra lo
hacen como diestro (es decir, poniendo la guitarra con el mástil del lado de la mano izquierda).

Aunque son muchos los guitarristas zurdos que tocan con la guitarra girada, con el mástil del lado de la
mano derecha, invirtiendo también el orden de las cuerdas, para que las bordonas queden sobre las
agudas, como Paul McCartney, el bajista-guitarrista de The Beatles. En el caso de que el guitarrista
quiera usar una guitarra con cutaway (hueco en la caja que permite tocar mejor las notas más agudas),
la construcción del instrumento suele ser especial para zurdos, con los controles, las salidas, el clavijero
y los recortes y acomodos de la forma de la guitarra hechos como una imagen especular de una guitarra
común. Estos guitarristas no suelen poder tocar con las guitarras comunes.

Aun así existe una tercera opción, aunque son pocos los guitarristas zurdos que —tocando con la
guitarra al revés— mantienen las cuerdas tal como se ubican en el orden normal de la guitarra, aunque
las notas graves quedan abajo, haciéndose más difícil tocar. Ya que esto implica aprender nuevas
posiciones de dedos para poner los mismos acordes y tocar invirtiendo el gesto del rasgueo y el punteo:
en vez de hacerlo normalmente hacia abajo, lo hacen hacia arriba. Sin embargo, como de esta manera
pueden tocar con guitarras comunes, algunos guitarristas zurdos del segundo tipo como Jimi
Hendrix oKurt Cobain han aprendido también a tocar de esta manera.

PIANISTAS COLOMBIANOS
Disco de recorrido a la composición nacional. A mediados del siglo XIX, un
artesano afinador de pianos había contado de memoria la existencia de más de
2.500 pianos en Bogotá. La estadística, mencionada por don José Caicedo Rojas,
era no solo inusual, sino sorprendente, si se tiene en cuenta los escasos 40 mil
habitantes con que contaba la capital del país en aquellos azarosos años de
reconstrucción republicana. Todos aquellos instrumentos llegaron allí desde
Europa y EU. a lomo de mula, convenientemente desafinados y en condiciones que
requerían su refacción inmediata, luego de desembarcar en los soleados puertos del
Caribe.

Aunque no se conocen inventarios de otras ciudades, es cierto que el piano se


instaló entre el mobiliario importado de los salones de las casas de la sociedad
criolla, y como afirma García Márquez en El otoño del patriarca: ... una señal viva a
las dos de la tarde eran los lánguidos ejercicios de piano en la penumbra de la tarde
. El repertorio era más que todo, transcripciones de las óperas de moda y un
número interminable de piezas fáciles que copiaban en tamaño reducido, el
esplendor literario, político y musical de los salones europeos. Las repúblicas
americanas que apenas nacían a la diplomacia internacional, habían optado por
asimilar la tradición cultural europea, como una forma de refrendar ese impreciso
perfil de estados independientes.

En consecuencia, el desarrollo de una expresión musical auténtica fue un proceso


lento y cauteloso de descubrimiento, asimilación y proyección de los escasos
elementos nativos que la colonización española había convertido a sangre y fuego
en incoloro mestizaje. La primera muestra en este intento de valoración local
parece ser el Bambuco de concierto Opus 14 del venezolano Manuel María Párraga
(1826-1925), producto acabado de su ensayo sobre los aires populares
neogranadinos el cual, según José Ignacio Perdomo, es obra verdaderamente
pianística por sus dificultades y la disposición de sus variaciones. Hacia el final del
siglo XIX, la escena musical colombiana seguía dependiendo de tonadas europeas
que fueron desapareciendo del gusto de la aristocracia republicana en la medida de
los cambios surgidos en el viejo continente.

Las propuestas más radicales en el ejercicio musical doméstico empiezan a


percibirse en el empeño de Guillermo Uribe Holguín (1880-1971) en difundir el
rigor académico, en medio de una generalizada práctica de aficionados. Aunque
Uribe se había formado en el violín, su extenso catálogo de piezas para piano es
fundamental en su obra y en la del repertorio para teclado escrito en Colombia.
Desde sus primeras piezas de influencia francesa hasta la colección de Trescientos
trozos en el sentimiento popular, Uribe buscó un estilo personal a base de acentos
rítmicos y la abstracción de elementos nativos.

La búsqueda de un equilibrio formal y expresivo entre formulaciones clásicas y la


inspiración nacional, seguirá siendo la preocupación más común entre los
compositores de generaciones posteriores. En el suroccidente del país tiene lugar
una tendencia que pone a prueba el virtuosismo de los pianistas en términos de la
composición. Hacen parte de este proceso Antonio María Valencia (1902-1952) y
Luis Carlos Figueroa (n. 1923) formados en París, con una obra escasa en número
aunque representativa de ese período. Aunque perteneciente a una generación
anterior, Gonzalo Vidal (1863-1946) se ocupó de manera extensa en componer para
el piano piezas que oscilan entre el brillo de la música de salón y las tonadas típicas
regionales. La pieza de Luis Carlos Espinoza (1917-1990) incluida en este disco, es
una curiosidad por ser su única obra para piano, y porque mantiene la relación con
el período posromántico francés, en una época de propuestas menos
convencionales.

Luego de la presencia apabullante del piano como el medio de expresión musical


más apetecido hasta las primeras décadas del siglo XX, los músicos que siguen se
marginan de su influencia para explorar en el medio sinfónico y de cámara un
modernismo apenas bosquejado. Es este el caso de Fabio González Zuleta (n. 1920)
y Roberto Pineda Duque (n. 1910). En este grupo sobresale el trabajo de Adolfo
Mejía (1905-1973), quien desde su origen caribeño descifra en el piano el espíritu
de bambucos y pasillos andinos, con la inventiva melódica de su escritura. Para
Raúl Mojica (1928-1983), el piano es un medio ocasional de experiencias
novedosas contrarias a toda influencia europea. Aquí también habría que
mencionar a Jaime León (n. 1921), pianista de formación, cuyo trabajo en la
dirección de orquesta no ha impedido que el piano aparezca como eficaz
complemento en sus canciones con texto de poetas colombianos.

En la generación de compositores nacidos en la década de 1930, el piano ocupa


igualmente un papel secundario. En sus numerosas partituras en diversos géneros,
Blas Emilio Atehortúa (n. 1935) incluye una serie de piezas para piano, algunas de
corte neoclásico y otras que proponen estilos más libres. Guillermo Rendón (n.
1935), quien también es organista, se expresa en un estilo intimista y experimental
del cual es ilustrativo la pieza Paisaje de luna sorda incluida en este disco. El de
Jacqueline Nova (1935-1975) sigue siendo un caso aislado en el medio colombiano.
La actualidad de sus búsquedas se ejemplifica en sus piezas para piano, en donde el
instrumento se independiza de la tradición para encontrar recursos inéditos en
procesos aleatorios (Perforaciones) y electroacústicos (Resonancias, 1964). Aunque
Jesús Pinzón (n. 1928) estudió la carrera de piano en el Conservatorio Nacional, su
incursión en el teclado es apenas ocasional. La Toccata americana resume sus
aspiraciones de una forma de expresión auténtica de las culturas del Continente.
En ese orden de ideas, Luis Antonio Escobar (1925-1993) en su colección de
Bambuquerías y preludios colombianos rescata formas y tonadas de la región
andina. Las partituras brillantes y de eficaz acento rítmico de Claudia Calderón (n.
1959) proponen una decidida valoración de elementos propios de las culturas
nativas de Colombia y Venezuela. Su planteamiento es una visión muy personal
compartida de manera parcial por Julio Reyes (n. 1969) en el sincopado Bambuco
que hace parte de este disco.

El panorama pianístico que abarca esta grabación es el de un anacronismo musical,


frente a los experimentos más difundidos de la vanguardia internacional.
Anacronismo que, por otra parte, es propio de la escena musical colombiana y que
a fuerza de un metódico ejercicio que se sitúa más allá de cualquier tendencia
identificada, ha logrado estructurar un estilo, una manera de practicar un
modernismo protegido en sus propias e indisolubles raíces culturales.
Publicación
eltiempo.com
Sección
Lecturas fin de semana
Fecha de publicación
2 de enero de 2000
Autor
Por CARLOS BARREIRO ORTIZ
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Partes del Piano


No solamente tiene teclas y pedales… como muchos piensan. El piano es un instrumento musical
complejo. Gracias a esta caracteristica (pero no solamente a esta) es un instrumento solista, pero
tambien puede ser acompañante de algun cantante, otro instrumento, un grupo o incluso un
importante miembro de una orquesta sinfonica. Como podemos apreciar, es ampliamente utilizado.
Interviene en practicamente en todos los estilos de musica. Incluso se ha designado al piano como
“Un instrumento de virtuosos”, a razon del gran numero de compositores e interpretes de obras
para este instrumento.

El piano se compone fundamentalmente de un teclado, un mecanismo de transmision y percusion y


un sistema de cuerdas metalicas tensadas sobre un marco, de forma parecida a un arpa, que se halla
situado en una caja de resonancia. Al ser pulsada una tecla, esta actua a modo de palanca y mueve el
mecanismo que lanza el martillo contra una cuerda, la pone en vibracion y asi se produce el sonido.

Partes fundamentales del Piano

Pedales del Piano


Son unas palancas accionadas por los pies para darle matiz (variaciones en la calidad del sonido) a
la obra que se ejecuta. Estos se encuentran estructuralmente en la lira (piano de cola) o tablero
(piano vertical).

Fundamentalmente son tres tipos de pedales, aunque en los pianos verticales generalmente
encontramos que son dos (2) y en los pianos de cola son tres (3):
• Pedal de Sostenido o Fuerte: Sostiene a la barra acojinada (apagadores del sonido), que
normalmente para el sonido despues de soltar la tecla, manteniendo a la nota aun cuando
la tecla no es presionada. Se encuentra en el lado derecho de la lira o tablero.

• Pedal Sordina: Es caracteristico en pianos de cola, por lo que generalemente no lo vamos


a ver en pianos verticales (en lo personal si lo he visto pero con un mecanismo por el que
interpone una tira de fieltro entre los macillos y las cuerdas, o acerca los martillos a la
cuerdas produciendo un sonido “sordo”), las cuerdas son recorridas ligeramente a un lado
para golpear un numero menor de cuerdas a las que esta designada la tecla (piano de cola).
Este pedal se encuentra en el lado izquierdo de la lira o tablero.

• Pedal Tonal: Lo encontramos en los pianos de cola. Sostiene a las notas de las teclas
pulsadas durante el tiempo en que se pisa este pedal (parecido al pedal sostenido o fuerte,
pero este al accionarse despues de haber tocado una o varias teclas, solamente mantiene
especificamente a esa o esas teclas). Este pedal se encuentra entre los dos (2) pedales antes
mencionados.

Los pedales del Piano de Cola: (de derecha a izquierda) Sostenido, Sordina y Tonal. Los pedales se encuentran en la
parte inferior de la lira.
Música del Renacimiento para guitarra clásica (de 1536 a
1637)
En 1501, en Venecia, el impresor Ottavio Petrucci produjo una innovación al introducir en la
imprenta el procedimiento tipográfico. La página se imprime en tres tiempos : En primer lugar los
pentagramas, a continuación las notas y por fin el texto y la paginación. Este nuevo procedimiento
reemplaza a las antiguas técnicas de copia manuscrita e impresión de una matriz única en madera
o metal.

En 1535, cerca de un siglo después de la aparición de la imprenta en Europa, Don Luys Milán,
gentilhombre unido a la corte del rey de Portugal y de las Islas, publica en Valencia, bajo el título de
"El maestro", una colección de música que contiene piezas instrumentales para vihuela, así como
canciones con acompañamiento de vihuela. Tres años más tarde, en 1538, Luys de Narváez edita
en Valladolid los seis libros del Delfín de la música, que inaugura en España el ejercicio de las
variaciones sobre un tema. En 1546 aparece en Sevilla "Tres libros de musica para vihuela" de
Alonso Mudarra. En el tercer libro se publican por primera vez pequeñas piezas escritas para
guitarra, entonces dotada de tres cuerdas dobles y una sencilla. En 1549 Adrian Le Roy se asocia
con su primo Robert Ballard y juntos fundan una importante casa de edición beneficiándose del
necesario privilegio real. De 1551 a 1556 Adrian Le Roy y Robert Ballard publican 5 libros de
tablaturas para guitarra a cuatro cuerdas.

Hacia 1570 se aumenta el registro grave de la aguitarra con la adición de una quinta doble cuerda.
Esta adición de cuerdas, así como el dorso plano de se adoptará definitivamente desde 1650,
permite calificar al instrumento como "guitarra española".

Música Barroca para guitarra clásica (de 1670 a 1750)


En 1674, el español Gaspar Sanz publica su "Instruccion de musica sobre la guitarra española".

En Francia, Francesco Corbetta imprime en París, en 1670, "la guitarre Royalle".

Sucesor de Francesco Corbetta como músico en la corte de Francia, Robert de Visée hizo publicar
en París su "Livre de guittarre dédié au Roy" (París 1682).
François Campion fué nombrado por Luis XIV profesor de théorbe y de guitarra en la Academia
real de París a partir de 1703 . Publicó "Nouvelles Découvertes sur la guitare" en París, en 1705,
así como un tratado de acompañamiento donde aparecen las primeras fugas compuestas para
guitarra.

En 1692, el italiano Ludovico Roncalli, presentó una recopilación de música para guitarra.

Por otra parte, las obras para laúd barroco de Johann Sebastian Bach y Sylvius Léopold Weiss y
las numerosas sonatas para clavicordio de Domenico Scarlatti se adaptan maravillosamente bien a
la guitarra.

Música clásica para guitarra (de 1750 a 1840)


En esa época los guitarristas italianos viajaban por toda Europa. París, Viena y Londres los
recibian alternativamente.

De 1800 a 1820, el virtuoso italiano Mauro Giuliani (1780-1840), compuso en Viena los primeros
conciertos para guitarra y orquesta. La capital austríaca también contaba con excelentes
guitarristas tales como Wenzeslaus Matiegka (1773-1830), Anton Diabelli (1781-1858) y Leonhard
von Call (1768-1815).

De 1810 a 1840, París se convirtió en el principal centro de la guitarra. Virtuosos como los Italianos
Matteo Carcassi (1792-1853) y Ferdinando Carulli (1770-1841) se instalaron en la capital francesa,
así como los Españoles Dionisio Aguado (1784-1849) y Fernando Sor (1778-1839).

Música Romántica para guitarra clásica (de 1840 a


1920)
Los guitarristas viajan a Europa como a Sudamérica.

De 1860 a 1910 Barcelona, despues de París, pasa a ser el centro de radiación de la guitarra. En
Barcelona se encuentran a Julián Arcas (1832-1882), José Ferrer Y Esteve (1835-1916), Francisco
Tárrega (1852-1909), Antonio Jiménez Manjón (1866-1919) y Miguel Llobet (1878-1938).

De 1890 a 1940 de Buenos Aires toma el enlace gracias a la llegada de Antonio Jiménez Manjón y
de Miguel Llobet.
La música moderna para guitarra clásica (de 1900 a 1950)
Sudamérica cuenta entonces talentos como: Miguel Llobet (1878-1938), Julio Salvador Sagreras
(1879-1942), Joao Guimarães (Pernambuco) (1883-1947), Agustín Barrios Mangoré (1885-1944) y
Heitor Villa-Lobos (1887-1959).

En los años treinta, España vuelve a ser el hogar de la guitarra. En el año 1920 Manuel de Falla
(1886-1946), es el primer compositor que escribe para la guitara sin ser guitarista. Abre la vía a
numerosos compositores que escriben por lo tanto para la guitarra.

Citemos obras de los años 1900-1950:


Heitor Villa-Lobos (1887-1959) :
Suite populaire Brésilienne (1912 - 1923). Max Eschig, Paris
Chôros n° 1 (1920). Max Eschig, Paris
12 études(1929). Max Eschig, Paris
5 Préludes (1940). Max Eschig, Paris

Manuel de Falla (1886-1946)


Homenaje a Debussy (1920). J. & W. Chester, London

Albert Roussel (1869-1937)


Segovia opus 29 (1925) Durand, Paris

Emilio Pujol (1886-1980)


Trois morceaux espagnols : Tonadilla, Tango, Guarija (1926?).Max Eschig, Paris

Joaquin Turina (1882-1949)


Sevillana (1923). Columbia Music & Co, Washington
Fandanguillo (1925). Schott's Söhne, Mainz
Rafaga opus 53 (1930). Schott's Söhne, Mainz
Sonata opus 61 (1932). Schott's Söhne, Mainz
Hommage a Tárrega opus 69 (1932). Schott's Söhne, Mainz

Federico Moreno Torroba (1891-1982)


Nocturno (1926?). Schott's Söhne, Mainz
Suite Castellana (1926?). Schott's Söhne, Mainz
Pièces caractéristiques (1931?) . Schott's Söhne, Mainz
Madroños. Associated Music Publishers, USA
Sonatina (1965?). Editorial Cadencia, Madrid
Castillos de España (1970?) . Editorial Cadencia, Madrid

Joaquin Rodrigo (1901-1999)


Zarabanda lejana (1926). Joaquin Rodrigo, Madrid
En los trigales (1938). Joaquin Rodrigo, Madrid
Concierto de Aranjuez (1939). Joaquin Rodrigo, Madrid
Tiento antiguo (1947). Joaquin Rodrigo, Madrid

Manuel Maria Ponce (1882-1948)


Tres canciones popular mexicanas. Schott's Söhne, Mainz
Thème varié et final (1928). Schott's Söhne, Mainz
Sonatina meridional (1932). Schott's Söhne, Mainz
Variations sur Folia de España et Fugue (1932). Schott's Söhne, Mainz
Concerto del Sul ( 1941). Peer international corporation, USA

Franck Martin (1890-1974)


Quatre pièces brèves (1933). Universal Edition, Zürich

Mario Castelnuovo-Tedesco (1895-1968)


Capriccio diabolico opus 85 (1935). Ricordi, Milano
Tarentella opus 87b. Ricordi, Milano
Sonata opus 77. Schott's Söhne, Mainz
Primo Concerto in D opus 99. Schott's Söhne, Mainz

La música contemporánea para guitarra clásica (de 1950 a


nuestros días)
Hay una lista de obras contemporáneas para guitarra que el editor del sitio Internet, ha puesto en
un vínculo:
Heitor Villa-Lobos (1887-1959) :
Concerto pour guitare et petit orchestre (1951). Max Eschig, Paris

Joaquin Rodrigo (1901-1999)


Concerto "Fantasía para un gentilhombre" (1954). Schott's Söhne, Mainz
Tres piezas españolas (1954). Schott's Söhne, Mainz
Entre olivares (1956). Joaquin Rodrigo, Madrid
Invocación y danza (1961). Joaquin Rodrigo, Madrid

Maurice Ohana (1914-1992)


Tiento (1955). Billaudot, Paris
Si le jour paraît (1963). Billaudot, Paris

Reginald Smith-Brindle (1917-2003)


El polifemo de oro (1956). Schott, London
Variations "Ile de France" (1980).

Léo Brouwer (1939)


Danza caracteristica (1957). Schott's Söhne, Mainz
Micro piezas pour deux guitares (1958). Max Eschig, Paris
Tres apuntes (1959). Schott's Söhne, Mainz
Elogio de la danza (1964). Schott's Söhne, Mainz
Canticum (1968). Schott's Söhne, Mainz
La espiral Eterna (1971). Schott's Söhne, Mainz
El Decameron negro (1981). Editions Musicales Transatlantiques, Paris

Hans Werner Henze (1926)


Drei tentos "Kammermusik 1958". Schott's Söhne, Mainz

Francis Poulenc (1889-1963)


Sarabande (1960). Ricordi, Milano

Alexandre Tansman (1897-1986)


Danza Pomposa (1961?). Schott's Söhne, Mainz
Suite "in modo polonico (1968). Max Eschig, Paris
Variations sur un thème de Scriabine (1972). Max Eschig, Paris

Federico Monpou (1893-1987)


Suite Compostelana (1962). Salabert, Paris

Stephen Dodgson (1924)


Partita for guitar (1963). Oxford university press, Oxford

Guido Santórsola (1904-1994)


Preludio de la Suite Antigua. Ricordi, São Paulo

André Jolivet (1905-1974)


Deux études de concert (1963). Boosey & Hawkes, London

Vicente Asencio (1908-1979)


Suite de Homenajes : Sonatina, Elegía, Tango de la casada infiel. Schott Frère, Bruxelles

Benjamin Britten (1913-1976)


Nocturnal opus 70. Faber music limited, London

Antonio Lauro (1917-1986)


4 valses vénézuéliennes. Broekmans & van Poppel, Amsterdam

John W. Duarte (1919)


English Suite, Opus 31 (1967?). Editions Novello, England
Sua cosa opus 52 (1972). Edizioni musicali Bèrben, Ancona

William Walton (1902-1983)


Five Bagatelles (1972). Oxford university press, Oxford

Abel Carlevaro (1918-2001)


Campo (n°3 de "Preludios Americanos"). Barry Editorial, Buenos Aires

Antonio Ruiz-Pipo (1934-1997)


Cancion y Danza n°1. Ediciones Musicales, Madrid

Nikita Koshkin (1956)


The Prince's Toys (1980). Gendai Guitar, Tokyo

Astor Piazolla (1921-1992)


Cinco piezas (1981?). Edizioni musicali Bèrben, Ancona

Štěpán Rak (1945)


Temptation of the Renaissance (1984?). Chorus publication, Helsinki

Nuccio d'Angelo (1955)


Due canzoni lidie (1984). Max Eschig, Paris

Roland Dyens (1957)


Saudade n°3 (1980). Editions musicales Hortensia, Paris.
Tango en Skaï (1985). Henry Lemoine, Paris

Toru Takemitsu (1930-1996)


In the woods (1995). Schott Japan

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