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sull’argomento trattato, ma è commercializzato con la consapevolezza che
l’autore non è un medico e che gli esercizi e le metodologie utilizzate
all’interno del libro non vanno a sostituire nessun tipo di terapia o a curare
disturbi.

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Suonare il Pianoforte
Corso dalla Teoria Musicale alla Pratica:
Da Zero a Pianista

Libreria Pimenta
Sommario
Suonare il Pianoforte
Corso dalla Teoria Musicale alla Pratica: Da Zero a Pianista
Libreria Pimenta

SEZIONE 1: LA TEORIA
Il mio primo pianoforte
La giusta mentalità per studiare
L’impostazione al pianoforte
Le dita a “martello”
La Diteggiatura
Come scegliere il pianoforte
Quanto bisogna studiare
La lettura a prima vista
Gli esercizi quotidiani
Come si studia un brano
Superare le difficoltà tecniche
Come utilizzare i pedali
COMPITI
Contare mentre si suona
L’interpretazione
Come mantenere il pianoforte
Studiare a mani separate
Lo svantaggio dello studio a m/s
12 CONSIGLI PER SUONARE IL PIANO

SEZIONE 2: LA PRATICA
Introduzione
Capitolo 1 – prima lezione di piano
Capitolo 2 – Seconda lezione di piano
Capitolo 3 – qualche passo avanti
Capitolo 4 – Teoria della musica: Ritmo
Capitolo 5 – Come leggere le note: Melodia
Capitolo 6 – Accordi di tre note
Capitolo 7- Accordi estesi
SEZIONE 1: LA TEORIA
Il mio primo pianoforte
Questo libro è stato scritto con lo scopo di dare una solida base agli
allievi pianisti che vogliono intraprendere lo studio di questo
magnifico strumento. Il testo in questione non ha grandi pretese, vuole
solo mettere in guardia lo studente da alcune cattive abitudini a cui può
andare incontro, consigliandolo sin dall’inizio su quali sono le cose più
importanti a cui dovrà fare attenzione e quali sono le “trappole” che
egli dovrà evitare. Insomma, questo libro non è altro che un insieme di
quello che io ho imparato nel corso di questi anni, tramite la mia
esperienza personale nello studio, nell’insegnamento, nei concerti e
anche nella lettura di molti libri di tecnica pianistica da cui ho colto
importanti consigli e che mi hanno aperto veramente nuovi orizzonti.
Una delle cose che ho imparato di più, nella mia piccola esperienza da
insegnante, è che in musica, soprattutto suonando il pianoforte,
bisogna dire tutto.

Non bisogna assolutamente dar nulla per scontato e occorre


mettersi nei panni di chi per la prima volta ascolta le nostre parole
essendo completamente privo di ogni conoscenze di base. Ecco perché
ho la presunzione di poter dire che riesco ormai a trasmettere le mie
conoscenze nel modo più semplice possibile, cercando di allegare alle
semplici parole e definizioni numerosi esempi, ma soprattutto esempi
che non hanno nulla a che vedere con il piano, desunti da altri contesti,
appunto per rendere la cosa davvero accessibile a chiunque.

In questo libro cercherò di esporre quindi i concetti nella maniera


più chiara possibile, dandoti del “tu” per aumentare il contatto fra di
noi e creare un clima più confidenziale, soprattutto usando dei termini
che chiunque può capire (o in ogni caso spiegandoli successivamente).

Non mi resta quindi ora che augurarti una buona lettura!


La giusta mentalità per studiare
Prima di cominciare con le nozioni sull’impostazione al pianoforte
e il resto, ci tengo a descrivere quale dovrebbe essere la mentalità
dell’allievo quando si siede al pianoforte.

Innanzi tutto, per suonare bene, effettuare una buona seduta di


studio, ottenere una buona esecuzione e un buon concerto, bisogna
essere sereni. Non si può suonare bene se si è stressati, stanchi,
arrabbiati o in malattia.

Questa serenità deve essere sia fisica che psicologica. Se


l’esecutore non è sereno anche psicologicamente, se non ha fiducia in
sé stesso e se è afflitto da depressione, sicuramente farà una pessima
esecuzione oltre che perdere totalmente il contatto col proprio corpo.

Il contatto col proprio corpo è un altro degli elementi che voglio


mettere a fuoco.

Fino all’inizio del ‘900, si pensava che “suonare” il pianoforte


fosse solo una questione di mano e di dita.
Fortunatamente è subentrata la scuola russa che è riuscita a far
capire al mondo intero che la mano era solo la conclusione di una
gestualità complessa.

Ancora, Susan Campbell ha affermato: “Parlare della funzione


della mano del pianista non riassume affatto l’azione del suonare il
pianoforte. La mano, corre lungo la tastiera, ma non può farlo senza
l’aiuto delle altre parti del corpo”.

È proprio questo che intendo dire. Se noi distacchiamo


mentalmente il nostro corpo (torace, spalle, gomiti, avambraccio,
schiena, busto, gambe, piedi) dalle mani, si avrà sicuramente
un’esecuzione di dubbio valore.
All’esecuzione deve partecipare tutto il corpo, dobbiamo condurla
con tutti noi stessi. Quante volte ti capita di dover usare le gambe per
bilanciarti quando suoni nei registri degli acuti?
In quel caso metti la gamba sinistra nella parte sinistra del
pianoforte mentre le mani vanno verso destra per avere un giusto
equilibrio. Ecco perché non puoi separare le parti del corpo.

Ogni parte ha bisogno dell’altra. Non ci sono parti a sé quando si


suona il pianoforte.

Per avere contatto con il proprio corpo bisogna avere una certa
spiritualità interna. Per ricercare la sensazione giusta ci vuole molto
tempo ma soprattutto molta spiritualità e contatto con se stessi.

Dovremmo cercare di interrogare il nostro corpo a livello


sensoriale.

Il corpo deve essere disteso e rilassato e per farlo deve essere un


corpo in salute.

Se si ha troppa percentuale di massa grassa può diventare difficile


suonare bene il pianoforte per molti motivi: per la difficoltà di
movimento, per la respirazione affannosa e ripetuta, e per il fatto di
avere le dita più spesse. Tuttavia ciò non ha impedito a grandi pianisti
con caratteristiche fisiche di robustezza di diventare quello che sono.

Se si ha una massa muscolare troppo sviluppata, questa può


comunque affaticare i movimenti. Infatti le braccia saranno più pesanti
e i movimenti saranno più controllati e meno spontanei e rilassati.

Soprattutto chi pratica la palestra corre il rischio di indurire gli


avambracci e avere conseguenze catastrofiche sulla propria
esecuzione. La stessa cosa vale per chi pratica il tennis.

L’attività ideale invece per chi suona il pianoforte è il nuoto.


Nuotare infatti è un movimento che distende il corpo e lo rilassa
totalmente. Questo rilassamento si trasferirà anche inconsciamente sul
pianoforte, il che è davvero un bene!
Ma il corpo deve essere, oltre che in buoni rapporti con se stesso,
anche in buoni rapporti con lo strumento.
Bisogna infatti trovare il giusto equilibrio posturale, trovare il
giusto gesto e la giusta sonorità, quella adatta alle nostre preferenze.

Quindi, prima di iniziare a suonare il pianoforte, siediti allo


sgabello e trova il giusto equilibrio. Devi imparare a considerare prima
il contatto con il tuo corpo e poi con lo strumento. Devi vedere prima
di tutto il tuo corpo e il tuo spirito come gli strumenti principali, solo
dopo c’è il pianoforte.

Ora capisci perché molti pianisti, prima di iniziare a suonare in un


concerto lasciano passare qualche minuto abbondante quando sono
seduti già sullo sgabello, proprio per trovare se stessi (anche se molti
lo fanno per smorzare la tensione che si ha nei primi minuti di un
concerto).
Una volta che hai trovato il giusto contatto con il tuo corpo, devi
iniziare a suonare. Questo però lo devi fare lasciandoti andare. Il
grande Dominique Hoppenot disse: “Chi non è capace di lasciarsi
andare, come un bambino alla semplice gioia delle proprie scoperte
senza valutare né
calcolare, non ha la possibilità di vera decontrazione”.

Bisogna suonare in tutta serenità e spensieratezza, godendoci ogni


suono proprio come fanno i bambini (oh, quanto abbiamo da
apprendere da loro!). Quante volte i bambini rimangono per 30 minuti
al pianoforte suonando solo 2 o 3 note? Chiunque di noi si sarebbe già
stufato dopo 3 o 4 minuti!

Quindi, alla base di una buona esecuzione vi è sicuramente una


buona dose di serenità che, credimi, non è da tutti.

Quante volte capita di vedere in Tv, o su Youtube pianisti che


sembrano arrabbiati col mondo intero e che non hanno mai accennato
un minimo di sorriso in tutta la loro carriera da concertisti! Come
pretendono di suonare bene?
Quando i muscoli del viso sono tesi, il resto del corpo segue questa
nefasta tendenza e nulla vale quanto un accenno di sorriso per
distendere il corpo e indurre uno stato spirituale positivo.

Neanche Beethoven, che è ricordato con quel suo eterno broncio


riusciva a suonare bene con tutto quel nervosismo addosso! Delle
esecuzioni di Beethoven si dice di tutto. Sicuramente non era un buon
pianista. Era uno zappatore per eccellenza ma metteva una carica nelle
sue esecuzioni che non aveva uguali.

Ecco, a differenza di noi comuni mortali, Beethoven trasformava la


sua rabbia e il suo rancore in pura energia che riusciva a incanalare
nelle sue esecuzioni (immaginati come suonava il terzo movimento
della sonata “Al chiaro di luna”. Lo faceva sembrare un terremoto che
si avvicinava!).

Per concludere il paragrafo riassumiamo dicendo che bisogna


mettersi al pianoforte solo se si ha un buono stato d’animo, non
bisogna suonarlo solo per sfogarsi, anche perché non si avrà una buona
esecuzione e il pianoforte va visto come un amico, non va trattato
male. Capitava spesso anche a me di suonarlo per sfogarmi in momenti
di rabbia, così chiesi al mio maestro quali pezzi suonasse quando
provava collera, e lui mi rispose: “Non suono quando sono arrabbiato”.
Quella frase mi fece capire tutto.

Bisogna suonare poi in uno stato di completo rilassamento dei


muscoli, in uno stato di completo contatto con se stessi e con lo
strumento, e bisogna suonare con spensieratezza perché questa è ciò
che ci fa godere delle nostre esecuzioni
L’impostazione al pianoforte
Avere una corretta impostazione al pianoforte significa partire col
piede giusto. Molti insegnanti di pianoforte non insistono molto su
questo punto. Io penso invece che sia una delle cose più importanti in
assoluto.

Avere una buona impostazione al pianoforte è sicuramente la cosa


più utile. È come assumere una corretta posizione quando si corre. Se
invece corriamo in maniera totalmente scoordinata, sicuramente non
riusciamo a raggiungere la velocità che potremmo raggiungere con una
corretta impostazione. Se alla velocità che abbiamo raggiunto con
l’allenamento, aggiungiamo anche una corretta postura, allora sì che
riusciamo a dare veramente il meglio di noi stessi.

In pratica, le cose a cui devi fare attenzione quando ti siedi al


pianoforte sono: la distanza dal pianoforte, l’altezza dello sgabello, la
posizione delle braccia e la posizione delle mani.

Analizziamo uno per uno questi fattori.

La distanza dal pianoforte è uno dei fattori più soggettivi. C’è chi
ama sedersi attaccato al pianoforte (in questo modo però viene difficile
suonare nei registri troppo gravi o troppo acuti senza allargare i
gomiti), e c’è chi ama sedersi distante dal pianoforte (come me).
Ovviamente la via di mezzo è sempre la scelta migliore. L’importante
è avere una distanza tale da poter guardare senza fatica tutta la tastiera
del piano e di poter suonare nei registri gravi e acuti senza troppa
difficoltà.

Non dimentichiamoci che quando si suonano note troppo basse o


troppo alte, possiamo aiutarci muovendoci lateralmente col corpo
(senza spostarci noi sullo sgabello).
L’altezza dello sgabello è molto soggettiva anch’essa. Ci sono
pianisti che si posizionano molto in alto, come per avere maggior
controllo dello strumento, e ci sono pianisti che si posizionano molto
bassi per non avere i polsi troppo alzati. Glenn Gould ne è un esempio
classico.
I bambini che ancora non toccano per terra non devono avere lo
sgabello troppo basso per poter toccare i pedali e poi ritrovarsi a fare
sforzi per suonare i tasti del pianoforte. Bisogna rispettare sempre una
certa proporzione fra altezza propria e altezza dello sgabello.

Le braccia devono avere i gomiti aderenti al corpo e devono


essere parallele allo strumento. Le braccia devono essere totalmente
rilassate, in modo tale da non aggiungere alcuna fatica a quella
naturale di premere i tasti.
Per suonare i passaggi su registri troppo acuti o troppo gravi si può
muovere il corpo per aiutarsi.

Le mani devono essere messe in posizione molto naturale sul


pianoforte ma non devono essere distese. Le mani devono essere
ricurve. Grazie a questa posizione infatti, è possibile imprimere più
forza sul tasto, in modo tale che le corde vibrino in maniera più
intensa.

Se infatti provi a suonare forte con le dita distese, farai solo uno
sforzo inutile, sforzando le articolazioni sulla parte superiore della
mano, la parte più debole. Ed è in questo caso che possono accadere
gli infortuni.

Esiste una posizione fisiologica che permette al polso, oltre che


una buona prestazione, anche un certo riposo muscolo-tendineo: questa
è a 15° di estensione e a 15° di inclinazione ulnare. In questa posizione
i tendini delle dita passano per il cosiddetto tunnel carpale in una
direzione rettilinea. Grazie a questa si ha un minor dispendio di
energia.

Perfetto, abbiamo visto le varie parti del corpo, come queste


devono stare, ma c’è un fattore altrettanto importante (che abbiamo già
accennato prima) da tenere sempre in considerazione. Si tratta del
rilassamento.
Questo favorisce di gran lunga una prestazione pianistica e per
assumerlo bisogna lasciarsi andare alla sola forza di gravità. Non si
devono assolutamente vedere nell’allievo spalle all’altezza delle
orecchie, polso troppo in alto, gambe che tengono il ritmo o gomiti
troppo distanti.

Tutti i movimenti descritti, sono movimenti poco spontanei che


influiscono sul rilassamento. Certo, noi abbiamo muscoli corticalizzati
che sono quelli che comandiamo noi, ma abbiamo anche quelli
automatici che sono i così detti muscoli semi- involontari che lavorano
di riflesso in base ai muscoli corticalizzati. Questi ultimi sono i
muscoli della schiena per esempio.

Non capita quasi mai che, durante un’esecuzione tu ti ricordi di


controllare i muscoli della schiena e della spalle. Solitamente questi si
muovono in base ai tuoi movimenti principali.

In realtà dovresti allenarti nel cercare di controllare anche questi, e


quindi di avere contatto con il tuo corpo al 100%.

Certo, con questo non dico che questi muscoli non possono
muoversi (flettersi o estendersi), è giusto che il pianista segua la sua
interpretazione anche con i muscoli, ma l’importante è che questi
movimenti non prendano il vizio di essere troppo frequenti. Se non
vengono controllati, i muscoli prenderanno l’abitudine di muoversi
costantemente durante ogni esecuzione formando il cosiddetto “tic”
del pianista.

Un altro argomento strettamente correlato al rilassamento è la


respirazione.

Perché è così importante? Perché i nostri muscoli si muovono


praticamente soprattutto grazie all’ossigeno, ed è quindi nostro
compito portare loro una costante e buona ossigenazione.

La respirazione deve essere sempre regolare cercando di trattenere


il respiro durante l’esecuzione il meno possibile. La respirazione è
forse una delle caratteristiche del suonare che viene presa meno in
considerazione.

Se non viene controllata, è facile che nel corso del brano si tenda
ad accelerare o rallentare.

Quando tratteniamo il respiro solitamente è perché ci accingiamo a


suonare qualche passaggio difficile. Quindi nel momento di massima
tensione il respiro si ferma, le spalle si inarcano e la schiena si
raddrizza. Quando il passaggio difficile svanisce, il respiro ritorna alla
normalità, le spalle si abbassano e la schiena ridiventa leggermente
curva.

Quando la respirazione passa da regolare a irregolare, anche


l’esecuzione ne risente. Infatti con una respirazione irregolare si tende
spesso a cambiare la velocità al brano in base al ritmo che ha assunto
la nostra respirazione, entrando così in rubati eccessivi e poco
raffinati.

Quindi la respirazione, insieme ai muscoli Automatici, è una delle


cose di cui devi tener conto durante un’esecuzione (che sia una seduta
di studio o un esecuzione in concerto).
Le dita a “martello”
Da anni, scuole di pensiero si contendono, imponendo l’una
all’altra un modo di suonare completamente differente.

La prima afferma che per suonare bene ci sia bisogno di mettere le


dita a “martello” (tonde o flesse). La seconda invece afferma che per
suonare correttamente ci sia bisogno di mettere le dita con un angolo
ottuso (quasi distese).

Cerchiamo di capire le ragioni che stanno dietro a questi due modi


di suonare completamente differenti. Analizziamo per prima la scuola
di pensiero che ritiene che la posizione migliore sia quella con le dita a
martello.

Tenendo le dita a martello si ha un maggior controllo dei tasti, e i


tasti si possono “sentire” meglio, evitando così molti errori inutili.

Inoltre, avendo le dita in questo modo, queste sono già pronte per
suonare i tasti, senza fare alcun altro movimento, sono già ortogonali
alla tastiera, basta solo abbassarle.

Inoltre, le dita posizionate in questo modo riescono ad imprimere


molta più forza col minimo sforzo mentre con le mani distese è
impossibile avere la stessa intensità di suono col medesimo sforzo.

La scuola delle dita distese si difende sostenendo che le dita


distese aiutano ad avere un maggior rilassamento nell’avambraccio nel
polso e nelle articolazioni delle dita e questo ne favorisce molto la
prestazione.

Se c’è bisogno di suonare “forte”, basterà solo aiutarsi col polso e


con l’avambraccio mentre le dita avranno sempre la stessa angolatura.

Che dire di questo? Facciamo qualche considerazione oggettiva: la


posizione delle “dita a martello” richiede un comando cerebrale più
complesso, in quanto nell’abbassare e nell’alzare il dito intervengono
in modo completo i flessori e gli estensori.

Nella posizione delle “dita distese” (che poi non sono proprio
distese) il cervello dovrà attuare un comando meno complesso, in
quanto intervengono solo i flessori sia nel movimento di abbassamento
del dito e sia in quello di alzamento.

A parte l’aspetto tecnico, penso che ogni scuola abbia bisogno


dell’altra. Talvolta c’è bisogno di mettere le dita a martello e altre di
metterle in modo obliquo, a seconda della sonorità che si vuole
ottenere dallo strumento
La Diteggiatura
Che cos’è la diteggiatura? La diteggiatura è quell’insieme di
numeri che sono stati assegnati ad ogni dito della mano.

I numeri sono stati così assegnati:

al pollice = 1
all’ indice = 2
al medio = 3
all’ anulare = 4
al mignolo = 5

E questo vale per entrambe le mani. Il pollice sia per la mano


destra (dx) che per la mano sinistra (sx) vale sempre 1, l’indice sempre
2 e così via..

Perché si è creata l’esigenza di dare dei numeri alle dita? Per 2


motivi principali. Il primo è che serve al compositore di un brano per
indicare su uno spartito con quale dito suonare quel determinato tasto.
Il secondo è per un motivo più semplice è pratico.
Si fa molto prima a dire “5″ che “mignolo”.

Il primo motivo lo analizziamo meglio onde evitare di dare per


scontati dei concetti che non sono proprio così scontati!

La diteggiatura consiste in dei numeri posti sopra o sotto le note


che indicano con quale dito suonare quella determinata nota. Se per
esempio troviamo un 3 sopra un Sol, vuol dire che quel Sol andrà
suonato con il dito medio:
Tuttavia non tutti gli spartiti hanno sempre la diteggiatura. Questa
è annotata quando ci sono dei passaggi difficili e l’allievo fa fatica a
capire con quale dito sia meglio suonare quel determinato tasto.

La diteggiatura non è scritta quasi mai dall’autore del libro,


dell’esercizio o del brano, ma viene quasi sempre messa dalla casa
editrice per facilitarne lo studio.

Questa diteggiatura però non è una “scienza” perfetta. Ognuno di


noi ha una mano diversa. C’è chi ce l’ha piccola, c’è chi ce l’ha lunga,
c’è chi ce l’ha larga ecc.. Insomma non tutti possono trovarsi comodi
con la diteggiatura segnata sullo spartito.
Così, se diventa difficoltoso seguirla, è possibile cambiarla
secondo le proprie esigenze.
È preferibile però non abituarsi troppo a cambiarla spesso. La
diteggiatura segnata è solitamente la migliore che si può usare e
seguirla fa molto bene sia allo sviluppo della tecnica e sia allo
sviluppo degli schemi mentali per la diteggiatura.

Ecco la diteggiatura per la mano destra:

E lo stesso ragionamento vale per la mano sinistra:

Ora ti assegno due esercizi che ti consiglio vivamente di fare, in modo


tale da prendere bene confidenza con la diteggiatura:

1° esercizio: allenati a suonare delle note per la mano destra a


prima vista soltanto seguendo con lo sguardo la diteggiatura.
Posiziona la mano in un punto qualsiasi della tastiera, e poggiala su 5
tasti consecutivi (per esempio Do Re Mi Fa Sol oppure La Si Do Re
Mi ecc..) e muovi con un ritmo scelto a tuo piacimento queste dita:

1234543212124244343215
1

2° esercizio: allenati a suonare delle note per la mano sinistra a


prima vista, seguendo solamente la diteggiatura qui di seguito
riportata:

5 4 3 2 1 2 3 4 5 4 54 5 4 3 2 1 3 1 3 4 3
2 1.
Come scegliere il pianoforte
All’inizio degli studi non c’è immediatamente la necessità di avere
un pianoforte. Certo, se lo si ha è meglio, ma una tastiera da almeno
quattro ottave (37 tasti) o un pianoforte digitale vanno più che bene.

Inizialmente le note da suonare sono poche e si suona a mani


separate, quindi c’è ancora molto spazio a disposizione sulla tastiera.

Poi pian piano le mani incominciano ad uscire al di fuori


dall’ambito delle 5 note, suonando tutta l’ottava, poi le mani iniziano
ad unirsi e lo spazio a disposizione si dimezza, e infine si
incominciano a studiare le scale musicali che richiedono molto spazio,
ed è allora che le 4 ottave non bastano più.

A questo punto le soluzioni sono principalmente 3: si compra una


tastiera con 88 tasti e nessun suono aggiuntivo coi tasti pesati (queste
sono le classiche tastiere da studio). La seconda soluzione è quella di
comprare un piano digitale di marca (e per marca si intende: Yamaha,
Kawai, Roland e Casio. Sconsiglio vivamente di uscire al di fuori di
queste marche).

Infine la terza soluzione è quella di comprare un pianoforte. E qui la


cerchia si ristringe. La meccanica per costruire un pianoforte è
complicata, si parla di meccanica di precisione, e in questo la migliore
è la Yamaha (non per questo è una marca molto gettonata anche
nell’ambito delle moto!). Tuttavia altre marche che godono di un buon
nome sono sicuramente “Steinway&Sons” (ottima marca per i
pianoforti a coda) e “Kawai” (marca già vista per i pianoforti digitali).

Analizziamo queste 3 possibilità nel dettaglio.

Comprare una tastiera da studio può essere una soluzione.


Praticamente si avrà un piano digitale senza mobile.
Quanto viene a costare una tastiera simile? I prezzi variano dai 200
ai 1000 euro. Secondo me un buon compromesso tra qualità e prezzo
lo si ha quando si toccano i 400 euro. Ti sconsiglio di scendere al di
sotto di questo prezzo.

Se intendi acquistare un pianoforte digitale i prezzi allora si fanno


un po’più corposi (ovviamente si intendono i modelli col mobile tipo
pianoforte).

I modelli partono da 550 euro e vanno fino ai 15000. Un buon


piano digitale costa sui 1700 euro, a meno non si trova. Il mio
consiglio più spassionato però, se si può, è acquistare il piano digitale
della Yamaha (CLP - 265 GP).

Penso che portarsi a casa questo pianoforte a soli 3500 euro sia
davvero un affare eccezionale.

Se non intendi spendere così tanto per un pianoforte digitale allora


buttati sul Clavinova CLP - 340 SPAR PAKET che costa 1980 euro ma
che ha una resa molto buona.

Per quanto riguarda i pianoforti meccanici, i prezzi sono ancora


più elevati. Scordati di trovare un pianoforte degno di essere chiamato
tale al di sotto dei 2000 euro. Che cosa intendo con questa
affermazione?

Intendo dire che esistono pianoforti da


1700, 1800, 1900 euro, ma non è tutto ora quello che luccica.
Sicuramente questi sono o i classici pianoforti di color marroncino
chiaro da studio (che non valgono niente), oppure sono quei bei
pianoforti in nero laccato con dell’ottone qui e là che sembra oro, con i
pedali lucidi e il mobile alto e imponente. Chi non comprerebbe questo
pianoforte? Io!

Questi pianoforti sono cinesi. Per carità non ho nulla contro di loro,
anzi! Ma come ben sai la loro merce costa poco perché è di scarsa
qualità e spesso non a norma.

Questi pianoforti cinesi, che hanno spesso nomi tedeschi per


ingannare, possono essere belli da vedere esteticamente, ma a noi non
interessa la parte estetica tutt’al più le caratteristiche del suono (durata,
intensità), l’allineamento della tastiera, la risposta del pianoforte alle
note ribattute, lo scorrimento della mano sulla tastiera e tanto altro.

Il pianoforte lo dobbiamo suonare, non guardare!

Tra l’altro, dopo 6 mesi, massimo 1 anno, questi pianoforti


perdono di colore non appena c’è un po’ di umidità, la tastiera si curva
e si disallinea poiché la parte che sostiene la tastiera nella parte
inferiore non è fatta con legno di abete (materiale molto costoso), ma
con un altro tipo di legno sintetico a bassissime prestazioni.

Una volta che si rompe quello bisogna poi spendere molto in


manutenzione e allora si fa prima a comprare un pianoforte nuovo. È
vero che questi pianoforti costano poco ma.. tanto compri, tanto vale!
Perciò diffida dai bassi prezzi perché solitamente sui pianoforti man
mano che si sale con i prezzi, aumenta la qualità. Non cercare il
risparmio sull’acquisto del pianoforte perché andresti solo a perdere in
qualità. Quindi, quando devi andare ad acquistare un pianoforte, le
caratteristiche a cui devi badare sono: il suono, la meccanica, il mobile
e il budget a disposizione.

Ecco ora la spiegazione dei vari punti sopra descritti:

Il suono è la caratteristica più importante dello strumento. Infatti è


questo ciò che a noi interessa maggiormente. In particolare del suono
dobbiamo notare: intensità e timbro. L’intensità è la pienezza del
suono. Mentre il timbro è il colore del suono. Queste due
caratteristiche sono molto importanti, la prima è oggettiva e la seconda
è soggettiva.

La meccanica non è nient’altro che quel complesso meccanismo


fatto di tasti, leve, rinvii, bilancieri, ecc, ecc, che si cela dietro la
tastiera del nostro pianoforte. Infatti la scelta del piano va fatta anche
in base a questa. Una tastiera morbida che fa scivolare le dita è
sicuramente preferibile ad una dura dove viene impossibile effettuare
un glissando.

Il mobile è la parte estetica del pianoforte. Il mobile dello


strumento si differenzia per l'altezza. Infatti più il mobile è alto e più le
corde sono lunghe (il che permettono una migliore robustezza del
suono).

La scelta del pianoforte deriva anche molto in base al budget che


hai a disposizione. Un consiglio caloroso è quello di usare tutto il tuo
budget senza cercare di risparmiare perché ad un maggior costo del
pianoforte equivale quasi sempre una maggiore qualità.
Quanto bisogna studiare
La domanda che mi viene posta più spesso è: “quanto bisogna
studiare? Quanto tempo bisogna consacrare quotidianamente al
pianoforte?”

La mia risposta è sempre “Dipende!”

Il numero di ore da dedicare al pianoforte ha molte variabili: il


proprio livello di preparazione, il numero di compiti da eseguire,
l’esame che si deve preparare, l’età dell’allievo, il tempo libero a
disposizione, il livello a cui si aspira ad arrivare e tanto altro.

Ovviamente un pianista diplomato potrà fare anche un’ora di


studio al giorno per mantenere la tecnica mentre uno studente del
quinto anno per esempio, deve mantenere e sviluppare la tecnica,
quindi ci vorrà sicuramente più tempo per fare tutto ciò.

Molti principianti cominciano lo studio del pianoforte alla grande.


Dedicano 3- 4 ore al giorno studiando solo questo, per poi diminuire
sempre di più le ore di studio fino a mollare tutto non appena nell’arco
di una settimana non si sono visti grandi risultati.

E’ normale! I risultati non si vedono dall’oggi al domani, ci vuole


tempo e lavoro costante.

Proprio per questo io dico sempre, per chi è all’inizio, di fare i


compiti anche solo una volta al giorno e di conservare le energie
dell’eccitazione momentanea per tutto il lungo percorso bisognerà
affrontare.

Non c’è bisogno di passare troppe ore al pianoforte. Il grande


pianista italiano Busoni, disse di non aver mai passato più di 4 ore al
pianoforte, anche perché, superate queste, lo stress è talmente elevato
da far risultare lo studio controproducente.
Anche fare una seduta di studio di 4 ore è controproducente, la
mente e il corpo hanno bisogno di riposarsi. Ecco perché l’ideale
sarebbe fare 8 sedute da mezz’ora l’una.

Un’altra cosa molto importante è quella di cercare di suonare tutti i


giorni, non tralasciando nemmeno un giorno. Sembra strano ma anche
un solo giorno senza far nulla può essere deleterio.

Ovviamente per seduta di studio non si intende solo fare esercizi


tecnici ma anche studiare i pezzi e i brani che ci piacciono.
La lettura a prima vista
La lettura a prima vista è quella capacità di suonare uno spartito
senza averlo mai visto prima.

Questa capacità è veramente fondamentale. Lo è per cercare di


velocizzare lo studio e l’apprendimento di pezzi nuovi e lo è per poter
eseguire un brano nuovo, senza bisogno di studiarlo.

Ho notato, che esistono tantissimi allievi di pianoforte che si


ostinano a non suonare con davanti uno spartito. Lo memorizzano
quanto basta per suonarlo in maniera mediocre e poi lo suonano a testa
bassa.
Io sono il primo a dire che è meglio memorizzare piuttosto che
suonare a prima vista, ma è anche vero che noi pianisti, dobbiamo
essere in grado di suonare a prima vista un pezzo di media difficoltà.

Perciò come prima cosa bisogna incominciare a leggere musica.


Leggi musica ovunque ti trovi. E' ovvio che per leggere in fretta
bisogna avere una lettura abbastanza sviluppata, ma è anche vero che
non basta solo questa dote.

Soprattutto noi pianisti che dobbiamo leggere in due chiavi


contemporaneamente, dobbiamo sviluppare il così detto colpo
d'occhio.

Quest'ultimo elemento è davvero molto importante. Infatti ci


permette di suonare un gruppo di note anche senza guardare quelle
determinate note con precisione. Possiamo seguire quel gruppo di note
con la visione periferica, eppure riusciamo a suonare le giuste note.
Questo sembra davvero impossibile ma con un po’ di tempo si riuscirà
a far questo e tant'altro.
Per colpo d'occhio solitamente si intende saper scorrere l'occhio
più avanti di quello che si sta suonando, in modo tale da non bloccarci
quando arriverà la battuta successiva. Per colpo d’occhio si intende
anche sviluppare un " sesto senso " per la mano sinistra. Mi spiego
meglio: in molte composizioni, capita che la sinistra suoni lo stesso
tipo di accompagnamento per tutto il brano. Quindi, se noi capiamo
l’andamento di questo, possiamo capire per intuizione come saranno i
successivi solo leggendo la prima nota delle altre battute (che
solitamente si tratta della chiave di basso per l’armonia).

Se noi abbiamo questo accompagnamento: do, sol, Do, sol, Mi, do


possiamo tranquillamente aspettarci che se l'armonia andrà in Sol
maggiore l' accompagnamento sarà: sol,re,Sol,re,Si,Sol, se si va in La
minore sarà la,mi,La,mi,Do,La e così via.
Perciò, una volta capito come prosegue l'accompagnamento,
possiamo intuire, solo leggendo la prima nota della nuova battuta della
mano sinistra, come sarà l'accompagnamento. Così, possiamo
concentrarci prettamente sulla mano destra, lasciando che la sinistra
suoni in “ automatico ”. Ovviamente a prima vista non tutte le note
saranno perfette ma è già un grande passo.
L'unica cosa a cui dovrai fare veramente caso è se sono presenti
diesis o bemolli. Anche qui con un rapido colpo d'occhio puoi capire
immediatamente l'andatura dell'arpeggio. Se l'accompagnamento parte
col Re, e trovi un diesis (#), l'accompagnamento sarà di Re maggiore
(re,la,Re,la,Fa#,Re), se invece non vi è presente alcun diesis, allora
molto probabilmente sarà l'accompagnamento di Re minore
(re,la,Re,la,Fa,Re).

Utilizzato molto nella musica classica, è il basso albertino. Questo


consiste nel racchiudere un accordo nelle 5 dita di una mano,
rendendolo una specie di arpeggio. Così se vogliamo creare un basso
albertino in Do maggiore, abbiamo le note suonate in successione: Do,
Sol, Mi, Sol.
Praticamente si suona prima la tonica dell'accordo, poi il quinto
grado, poi il terzo grado e poi ancora il quinto.
Solitamente il basso albertino dura per più ripetizioni (Do, Sol, Mi,
Sol, Do, Sol, Mi, Sol ecc.. a seconda di quanto dura una battuta.)
Perciò, se vediamo che il pezzo è accompagnato dal basso
albertino, possiamo anche qui utilizzare un rapido colpo d'occhio per
individuare la tonica (la prima nota) per poi concentrarsi
esclusivamente alla lettura della mano destra.

Potrai allenarti molto, provando a suonare a prima vista molti pezzi


di Mozart, tra cui la famosa sonata K545 in Do maggiore oppure le
sonatine di Clementi, o comunque i pezzi del primo fascicolo del Cesi-
Marciano.
Gli esercizi quotidiani
Questo è probabilmente uno degli argomenti che è da sempre
maggiormente discusso dato le due diverse scuole di pensiero che da
anni si scontrano.

Infatti, c’è chi afferma che per migliorare c’è bisogno di creare una
certa indipendenza delle dita attraverso degli esercizi ripetitivi da
eseguire tutti i giorni, e c’è chi afferma che non c’è bisogno di sforzare
l’articolazione in questo modo perché non si fa altro che andare contro
natura, e che questi esercizi sono inutili per il miglioramento dato che
possono creare molto stress e infortuni alle mani come la distonia
focale .

Essendoci queste due scuole di pensiero, è impossibile dare un


giudizio certo per quanto riguarda questi esercizi. L’unica cosa che
posso fare è esporre il mio giudizio in merito a questa discussione.

Sicuramente penso che gli esercizi ripetitivi e noiosi non siano di


alcuna utilità per l’allievo, ma ritengo che siano solo una gran perdita
di tempo.

Se l’allievo, anziché “sprecare” il suo tempo suonando questi esercizi


tutti i giorni per 1 ora al giorno, dedicasse questo tempo alle sonate di
Beethoven, probabilmente a quest’ora avrebbe imparato già a memoria
il primo volume di queste!

Chi non preferisce suonare qualcosa di bello e divertente piuttosto


che suonare dei noiosi e monotoni esercizi per pianoforte?

Ritengo che si può migliorare anche solamente studiando


lentamente un pezzo di musica classica.

Gli esercizi “di meccanica” non sono esercizi che ti aiutano a


migliorare in un determinato aspetto particolare. Sono esercizi generici
che aiutano a creare un’assoluta indipendenza di un dito dall’altro.
Non credo che questi esercizi ti aiutino a suonare meglio un
gruppetto o un trillo! Le difficoltà tecniche vanno superate solo con lo
studio su quelle precise difficoltà. Non si può pensare di superare un
passaggio di ottave complicato suonando i primi 10 esercizi
dell’Hanon.

Sinceramente non capisco perché all’allievo si insegni in un primo


momento a suonare in modo rilassato, senza tensione, lasciando andare
il peso alla sola forza di gravità, e poi in un secondo tempo gli si viene
detto che bisogna rafforzare le dita tramite dei movimenti forzati che
non hanno nulla a che vedere col rilassamento.

Anziché mobilitare il polso, l’avambraccio e il tronco per aiutare le


dita, quest’ultime vengono incollate alla tastiera facendole diventare
parte a sé, completamente separate dal resto del corpo, facendo fare dei
movimenti forzati che sono l’inizio della distruzione della
coordinazione!

Sì è vero, dopo tutto questo esercizio le dita saranno più potenti,


ogni dito avrà più forza singolarmente ma queste sono state staccate
dall’apparato che in realtà è un tutt’uno! Le dita avrebbero più forza e
più agilità se queste cooperassero, anziché cercare di ottenere delle dita
forti singolarmente!

Lo studio dell’indipendenza è utile solo se viene condotto


nell’ambito dell’interdipendenza. Gli esercizi per le dita sono utili solo
se la partecipazione di tutto il braccio viene presa in considerazione.

Perché questi esercizi sono dannosi? Cosa fanno per essere così
dannosi?

In pratica gli esercizi fanno praticare questa azione: a mani


separate, la mano viene posizionata sulle 5 note Do Re Mi Fa Sol,
quindi queste 5 note vengono suonate contemporaneamente. Una volta
che tutte le dita sono giù, si parte da sinistra verso destra, e si fa
suonare un dito per volta.

Prima suona il pollice mentre tutte le altre 4 dita rimangono giù,


poi suona l’indice e le altre 4 dita stanno giù, poi suona il medio ecc..

L’azione di sollevare un dito mentre le altre dita stanno giù non è


un’azione prevista dal nostro corpo umano, e quindi potremmo dire
che è contro natura perciò stressante.

La prima scuola di pensiero fa quindi sollevare un dito per volta e


poi lo fa suonare con forza. In questo modo si irrobustisce la mobilità e
l’articolazione con conseguenti probabilità di lesioni.

La seconda scuola di pensiero invece fa eseguire questo esercizio


in un modo leggermente differente. Vengono abbassate tutte e 5 le dita
sui tasti e queste vengono fatte suonare poi ad uno ad uno. Questa
volta però senza alzare troppo il dito e affondarlo nel tasto, ma viene
alzato quanto basta per poi farlo suonare un minimo (con una dinamica
pari al “piano”). In questo modo si stimola semplicemente una parte di
comando cerebrale che i non pianisti non hanno, senza alcuna
ripercussione sulla fisiologia dell’allievo. Molto meglio no?
Come si studia un brano
Non di rado si vedono insegnanti che assegnano dei pezzi o
esercizi da studiare ai propri allievi senza spiegare minimamente come
studiarli a casa (un po’ la stessa cosa accade a scuola).

Per studiare un pezzo di pianoforte, ci sono delle procedure


indiscutibili da seguire. Ecco come studierebbe il pezzo un allievo di
pianoforte senza alcuna indicazione:

1) Prende il brano e inizia a suonarlo lentamente con entrambe le


mani (suona lentamente perché fa fatica a leggere le note).

2) Lo suona tutto completamente senza dividere lo studio e non si


alzerà dal pianoforte finché non l'avrà suonato tutto.

3) Pian piano aumenta la velocità del pezzo (sempre a mani unite).


4) E alla fine arriverà a suonare il pezzo interamente a mani unite con
qualche errore qua e là nel brano.

5) Una volta imparato il brano lo suonerà per 3 o 4 volte di fila finché


non ne sarà "sazio".

6) Questo è quello che fanno molti allievi. Tutta questa procedura di


studio è sbagliata! È sbagliata perché viene dall'intuizione e quindi
dall'assenza di metodo. Se nessuno gli spiega come studiare, l'allievo
farà a modo suo, e facendo a modo suo, sbaglierà e perderà solo
tempo.

Ecco invece come andrebbe eseguita una procedura di studio


corretta.
1) Dare un'occhiata in linea di massima allo spartito (senza suonare).
2) Suddividere il pezzo in sezioni. Quindi, studiarle una alla volta.
3) Iniziare ad affrontare lo spartito a velocità media e a mani separate.
4) Continuare lo studio a mani separate tenendo conto della dinamica
(portando il pezzo a velocità).

5) Insistere sui passaggi difficili senza tralasciare imprecisioni.


Bisogna entrare nello spartito con tutti noi stessi.

6) Solo quando ci si sente sicuri si possono unire le mani lentamente.


7) Portare il pezzo a velocità compiuta e non suonarlo ripetutamente
una volta imparato (ma più di una!).

Come avrai potuto notare, i passaggi del metodo intuitivo sono


inferiori ai passaggi del metodo scientifico. Potrai pensare quindi che
si risparmia tempo applicando il metodo intuitivo. Invece è l'opposto.
Col metodo intuitivo si saltano dei passaggi. Così prima o poi
bisognerà tornare indietro per farli o rifarli, perdendo ulteriore tempo
prezioso.
Utilizzando il metodo scientifico non si può sbagliare. I passaggi
sono quelli, e, se effettuati con precisione, non ci sarà bisogno di
ripassarli.

Ricordati che non si migliora quando si suona, ma si migliora


quando si riposa (in particolare quando si dorme).

Questo miglioramento è chiamato "miglioramento post-studio".


Perciò non bisogna insistere più di tanto su di un certo passaggio se
non riesce. Prova domani, e vedrai che ti uscirà.
Accanirsi su un passaggio per parecchio tempo può causare stress,
e suonare sotto stress si sa che non è il modo migliore per migliorare,
anzi!

Il bello di questo metodo è che è 100 volte più veloce del metodo
intuitivo! Uno studente privo di indicazioni farebbe così: suona il
pezzo, quando trova difficoltà in una parte, si ferma e la risuona finché
non gli riesce più o meno bene e prosegue.

E continuerà così finché, a furia di suonare il pezzo intero tante


volte, quella sezione gli riuscirà bene.

Perché suonare quella sezione male quando si può sin da subito


"aggiustarla" per suonarla bene e fare una decente esecuzione?

Un' altra cosa importante è: mai fermarsi quando si sbaglia. Non


sto parlando solo durante i concerti, ma anche e soprattutto lo studio a
casa! Questo continuo fermarti, porta a crearti insicurezze e a prendere
il vizio del "balbettare". Se capita di sbagliare, si finisce di suonare il
pezzo con dentro l'errore. A fine esecuzione, si prende la battuta che
abbiamo sbagliato e la si cicla. In meno di 5 minuti il problema sarà
completamente risolto.
Superare le difficoltà tecniche
Man mano che andrai avanti con gli studi, le cose si faranno
sempre più difficili e la strada sarà sempre più in salita. Lo sarà ancora
di più se non avrai una guida che ti dirà come affrontare queste
difficoltà.

Perciò, ancora una volta, ci vuole metodo.

Questi metodi non li spiega quasi nessuno. Mi viene quasi da


pensare che gli insegnanti non li conoscono, o molto probabilmente li
danno per scontati.

Perché tra la strada semplice e quella tortuosa bisogna scegliere


quella tortuosa? Gli allievi hanno bisogno e vogliono quella semplice,
cercando di ottenere il massimo utile col minimo dispendio di energia.

Eppure ancora al giorno d'oggi, c'è chi insegna che per migliorare
bisogna sudare sul pianoforte, stando dalle 6 alle 8 ore al giorno.

Sudare sul pianoforte? Il pianoforte non è come la palestra! Il


pianoforte va suonato, accarezzato e va amato. Non deve essere visto
come una macchina
da scrivere dove si battono dei tasti meccanicamente. Laddove
succede questo, non si sta più facendo musica, e il tuo rapporto intimo
col pianoforte va pian piano sgretolandosi, venendo meno passione e
volontà.

Ecco quello che succede quando un allievo molla! Non trova più
piacere nel suonare, oppure il tempo dedicato al pianoforte è di gran
lunga superiore ai risultati per cui il gioco non ne vale la candela. Ciò
succede quando si utilizzano i metodi intuitivi, perdendo così un sacco
di tempo utile.
In questo capitolo ti elencherò le maggiori difficoltà che hanno gli
studenti di pianoforte, dall'amatore, al pianista esperto, e ti dirò come
risolvere questi problemi tramite il giusto approccio al pianoforte,
ovvero, tramite il metodo adatto. Ricorda: ad ogni problema esistono
tante soluzioni. Ma solo una è quella giusta!

Il problema che 9 pianisti su 10 hanno è quello di avere una mano


più debole dell’altra, in particolare la mano sinistra.

Il motivo principale è che la maggior parte dei libri, a partire dal


Beyer ad arrivare allo Czerny, danno sempre più lavoro alla mano
destra, inculcando sin da subito all’allievo che la destra suona e la
sinistra accompagna. Così la destra suona il tema e la sinistra
accompagna suonando note semplicissime e accompagnamenti basilari
quali: accordi e basso albertino (do-sol-mi- sol).
Questa concezione è totalmente sbagliata infatti l’allievo si
accorgerà subito di questa disparità fra le mani quando dovrà iniziare a
suonare passaggi relativamente difficili con la sinistra, come succede
nelle Invenzioni a 2 e a 3 voci di Bach.

Bach nelle sue Invenzioni ha tentato di far suonare le mani in egual


modo, cercando di svilupparle contemporaneamente. Però lo sforzo di
Bach è reso vano se, prima di arrivare a suonare le Invenzioni, lo
studente avrà già acquisito cattive abitudini difficilissime da eliminare.
Prevenire è meglio che curare.

Perciò è bene sin da subito dare lo stesso quantitativo di lavoro a


tutte e due le mani per far sì che queste possano avere una perfetta
indipendenza l’una dall’altra.
Un altro motivo del perché la mano sinistra è quasi sempre più
debole è che tutti i metodi iniziano ad introdurre l’allievo allo studio
del pianoforte con la mano destra. Così facendo l’allievo prende subito
confidenza con la destra tralasciando la sinistra.

Dopo aver ottenuto un buon controllo con la mano destra e uno


scarso controllo con la sinistra, l'allievo inizia a studiare i pezzi a mani
unite e così facendo, la sinistra non raggiungerà mai il livello della
mano destra (dato che nei pezzi la destra suona quasi sempre di più).

Perciò, abbiamo due modi di operare per far sì che la mano sinistra
non diventi debole. Il primo è quello di studiare a mani separate e il
secondo è quello di dare più lavoro alla sinistra.
1) Gli studenti che agiscono intuitivamente (senza un metodo di
studio), vedendo uno spartito, presi dalla foga, iniziano subito a
suonarlo a mani unite. Questo procedimento va bene per i pezzi
semplici, per i pezzi di musica leggera, ma non può andare bene per
Bach o Chopin. Per suonare i pezzi di musica classica, bisogna
necessariamente studiare a mani separate.

Questo perché questo tipo di studio ci dà maggior controllo e sicurezza


sul brano, e ci evita di creare errori di lettura che ci porteremo sino alla
fine. Inoltre lo studio a mani separate aiuta a creare l’indipendenza
delle mani (soprattutto la sinistra).

Lo studio a mani separate è davvero fondamentale e non può essere


trascurato. Potrai pensare intuitivamente che suonando con entrambe le
mani, le allenerai più velocemente che suonando a mani separate.

Questo è un altro ragionamento sbagliato. Infatti la tecnica si


sviluppa studiando a mani separate.

Io all'inizio suonavo solo ed esclusivamente a mani unite, ed ora


mi ritrovo ad avere difficoltà quando la sinistra ha lavoro ben più
importante del semplice accompagnare. Perciò voglio metterti in
guardia, trasmettendoti la mia esperienza in modo tale da non farti fare
gli stessi errori che ho commesso io, cercando di farti risparmiare più
tempo possibile.

Ora mi ritrovo a dover dedicare molto più tempo del dovuto alla
sinistra per portarla anche solo lontanamente vicina all'agilità che
possiedo con la destra, perché come ho già detto prima: Prevenire è
meglio che curare!

2) Questo secondo metodo è molto buono, infatti lo sto utilizzando


tantissimo e nell'arco di una settimana ho notato dei grandissimi
miglioramenti. Bisogna fare la seguente operazione: durante lo studio
a mani separate, se notiamo che la sinistra svolge meno lavoro della
destra, possiamo dare più lavoro alla sinistra, facendole suonare la
parte scritta per la destra. Così si può riequilibrare la situazione fra le
mani.

Bisogna dare più lavoro alla sinistra. Ovviamente questo lavoro


è davvero laborioso, infatti in molti riscrivono lo spartito per la destra
in chiave di basso (rendendolo per la sinistra), e vi aggiungono la
diteggiatura appropriata (questo lavoro viene eseguito onde evitare di
pasticciare troppo lo spartito originale).
Tuttavia penso che anche senza segnare la nuova diteggiatura,
possiamo suonare la parte per la destra con la sinistra, cercando,
mentre si suona, di utilizzare la diteggiatura migliore.
Questo lavoro del trovare la diteggiatura migliore "al momento" ti
sarà molto utile quando vorrai provare a suonare uno spartito a mani
unite a prima vista. In questo caso, non dovrei badare più alla
diteggiatura, e potrai concentrarti pienamente sulle note, aumentando
la qualità della tua lettura a prima vista.

Altro scoglio che bisogna superare per essere dei buoni pianisti, è
quello di avere una buona indipendenza delle mani (che come
abbiamo detto prima deve essere comunque sempre nell’ambito
dell’interdipendenza).

Avere delle dita indipendenti non è un vantaggio, bensì un obbligo.


Infatti, arrivati ad un certo livello (3° anno) questa deve essere un
requisito indispensabile. Infatti all’incirca dal terzo anno si inizierà a
studiare Bach, e, se non hai la perfetta indipendenza delle dita, dovrai
rinunciare a suonare il 90% della musica di Bach.
Bach infatti componeva in stile contrappuntistico. Secondo le
regole del contrappunto, una mano rincorre l'altra (quello che suona la
destra lo suona successivamente la sinistra).
Infatti sembra quasi lo studio a mani separate che abbiamo visto
precedentemente (metodo numero 2). Le dita della sinistra suonano le
stesse cose della destra e non si può sfuggire.

Perciò è necessario sviluppare l'indipendenza delle dita. Ecco la


soluzione:

Questo è l'esercizio che svolgono tutti gli studenti e tutti gli


insegnanti da sempre. Tuttavia non è un metodo intuitivo. Questo
consiste nel suonare con entrambe le mani 10 note (solitamente
Do,Re,Mi,Fa,Sol, per mano) e tenerle premute fino alla fine
dell'esercizio. Ora a turno, ogni dito suona ripetutamente la nota che ha
premuto per un po’ di volte mentre le altre 8 rimangono giù.
Quando la destra fa suonare il pollice, anche la sinistra fa suonare
il pollice, e così via.
Ovviamente le mani devono andare all'unisono (anche se suonando
con i due pollici si ottengono note differenti, per esempio Sol con la
sinistra e Do con la destra).

Fare questo esercizio una volta al giorno può essere davvero


d'aiuto (l’importante è non suonare troppo forte col dito che stiamo per
premere onde evitare lesioni).

Esiste poi un altro metodo, che è assolutamente sbagliato (ma è


giusto segnalarlo), che prevede di suonare gli esercizi di articolazione
(tipo quelli Hanon), sollevando il più possibile il dito dal tasto. In
questo modo non ci si esercita ma ci si infortuna! Cito una frase di
Cortot: " Certi insegnanti esigono dai propri studenti uno sforzo
maggiore per alzare il dito che per abbassare il tasto". Giustamente, a
che serve alzare troppo il dito? Mica si suona sollevando le dita, bensì
abbassandole!

Sollevarle serve solo per dare la giusta spinta per poter suonare (si
intende sollevare le dita di qualche centimetro).

Alcuni studenti invece hanno il problema di non saper controllare


la forza.

Questi sono gli studenti che non riescono a dosare la loro forza sul
pianoforte. Ovviamente non sto parlando di forza di polso braccio e
avambraccio, in cui si entrerebbe in una grandissima parentesi, ma sto
parlando della forza delle dita.

Partendo dal presupposto che le dita nascono con forza disuguale, è


perciò normale avere più forza in alcune piuttosto che in altre, non
bisogna farne una questione di stato (come fece il vecchio Schumann
con le sue povere dita. Nell’ottocento andavano molto di moda gli
esercizi di rafforzamento delle dita, soprattutto dell’anulare. Ed è
proprio così che Schumann si infortunò e non potè più suonare).

Le dita si possono esercitare è vero, ma è anche vero che tutto ha


un limite. Il mignolo, non potrà mai avere la forza del medio o
addirittura del pollice. Perciò è inutile che ci sforziamo di allenarlo
oltre il limite.
L'unica cosa che (purtroppo) puoi fare è controllare la forza.

Noi non suoniamo solo con le mani, ma suoniamo anche e


soprattutto col cervello. E' dal cervello che partono i comandi per far
suonare questa nota a questo dito, e quest'altra nota a quest'altro dito.
Perciò, possiamo dosare la forza delle dita dal cervello.
Così potrai equiparare il livello di forza delle dita a quello più
debole, ottenendo un suono omogeneo.

Ci sono poi molti pianisti diplomati (e quindi anche studenti) che


hanno grossi problemi col trillo. Il trillo è uno degli abbellimenti più
comuni e più usati. Però, per molti pianisti, è proprio una vera croce.

Nonostante il loro esercizio quotidiano, e la loro abilità tecnica


generale, hanno dei seri problemi col trillo: non è continuativo, una
nota risulta più forte dell'altra ed è troppo lento o troppo veloce
rispetto a come andrebbe eseguito.
Purtroppo non esistono veri e propri esercizi che sviluppano il
trillo e quasi nessuno si è mai curato di crearli.
Infatti chi ha il dono di natura crede che non ci sia bisogno di
studiare il trillo (dato che lo sa già eseguire alla perfezione senza
averlo mai studiato).
Molti dicono che il trillo è una dote innata. Ma quelli che non ce
l'hanno? Devono abbandonare il piano solo perché non riescono ad
eseguire bene il trillo? Non credo proprio.

Il trillo imperfetto può essere camuffato molto bene con un bel po’
di studio. Per studiare i trilli intendo suonare quei pezzi che
contengono i trilli e studiarli da parte molto lentamente.

Altri esercizi utili per lo sviluppo dei trilli sono quegli esercizi
dove le due dita del trillo (pollice- indice, indice-medio, medio-
anulare, pollice-medio, medio-mignolo), suonano per un lungo lasso di
tempo, due note consecutive alla velocità di sedicesimi. L'esercizio
non ha lo scopo di andare veloci, oppure suonare forte questi trilli, ma
sta nell'andare a tempo. E' un po’
l'esercizio simile alla "pera" che utilizzano i pugili (non la
colpiscono con violenza, ma quanto basta per falla rimbalzare e
colpirla nuovamente, ma sempre con estremo senso del ritmo).

Infatti i trilli non vanno suonati "forte". Vanno suonati con un


mezzopiano, e le dita non vanno premute a fondo, ma quanto basta per
far sì che il tasto suoni e ritorni su. Meno spingiamo verso il basso il
tasto e prima ritornerà su. Prima ritornerà su e più velocemente
potremo eseguire il trillo.

Nella foto puoi vedere l’esecuzione di un trillo con delle note


tenute.
Come utilizzare i pedali
Altri dogmi sono i pedali. Che funzione svolgono, a cosa servono,
perché alcuni pianoforti ne hanno due mentre altri ne hanno tre, perché
nei pianoforti a coda i pedali hanno funzioni differenti che nei
verticali, perché si usa di più quello di destra ecc. Sono molte le
domande che ricevo perché giustamente nessun insegnante informa
l’allievo sull’utilizzo dei pedali prima del primo anno di studi (anche
perché risulterebbero nozioni superflue).

Tuttavia lo studente nutre una grande curiosità verso il proprio


strumento e non di rado capita che, se nessuno glielo spiega, provi ad
apprendere come “autodidatta” e sappiamo bene quanto sia poco
producente o addirittura controproducente apprendere da soli in questo
mestiere.

Così può capitare di iniziare da soli a scoprire l’uso dei pedali,


soprattutto quello di destra che è il più interessante, e cominciare ad
usarlo in maniera errata, portandosi con sé questo errore fino ad una
verifica dell’insegnante che avverrà molto tempo dopo.

Nel frattempo questo meccanismo si sarà insediato completamente


nelle abitudini dell’allievo che dovrà lavorare duramente in futuro per
eliminarle al più presto e inserire la giusta procedura di esecuzione.

Alcuni insegnanti poi sono convinti che l’alunno, con l’aumentare


della bravura, apprenda automaticamente ad utilizzare il pedale
(quando parliamo di pedale intendiamo sempre quello di destra).
Questo discorso non è sempre valido, ed è meglio, secondo me,
mettere subito le cose in chiaro.
I pianoforti hanno generalmente 3 pedali (alcuni ne hanno 2, ti
consiglio di scegliere possibilmente uno con tre pedali), e ognuno di
questi ha una funzione differente. Partiamo in ordine di importanza:

1) Pedale di destra (o del forte): è sicuramente il pedale più


utilizzato ed il più utile (tanto che è uno dei primi a " smollarsi "),
poiché ricopre un ruolo fondamentale del pianismo romantico e post-
romantico. Infatti non esiste Chopin senza pedale. Questo pedale va
utilizzato in maniera sincopata. Deve essere perciò alzato ad ogni
cambio di armonia, per poi essere subito riabbassato. Mi spiego
meglio con un
esempio chiaro.

Prendiamo in considerazione 3 battute dal tempo di 4/4. Le prime


due sono composte da tutte semiminime (note da 1/4), mentre l' ultima
è composta da una semibreve (4/4). Immaginiamoci che quindi le note
siano: Do Mi Sol Mi, Re Sol Fa Re, Do.

Nella prima battuta (Do Mi Sol Mi), abbiamo sicuramente un'


armonia di Do maggiore, mentre nella seconda battuta (Re Sol Fa Re),
abbiamo invece un Sol maggiore. Ora, presupponiamo di voler
utilizzare il pedale in queste due battute, lo dobbiamo utilizzare con
metodo. Non dobbiamo tenere il pedale premuto per tutta la durata di
queste battute, ma va sollevato al cambio di armonia, ovvero quando
si passa da Do maggiore a Sol maggiore, ovvero ancora, quando si
finisce di suonare l'ultima nota della prima battuta (Mi) e si inizia per
suonare la prima nota della seconda battuta (Re).

Perciò teoricamente il pedale andrebbe sollevato sul Mi, e


andrebbe riabbassato sul Re. Però non dimentichiamo che il pedale, va
sì alzato al cambio di armonia, ma va anche utilizzato in maniera
sincopata.

Quindi, il pedale va sollevato non appena si è suonato il Re della


seconda battuta e sempre sul Re, va riabbassato ottenendo l'effetto
della sincope.
Perciò le due regole da tener sempre bene in mente sono: sollevare
il pedale al cambiare dell'armonia, e sollevare il pedale non appena
abbiamo suonato la prima nota della nuova armonia (utilizzo del
pedale in maniera sincopata).

2) Pedale di centro: è questo il pedale che molti pianoforti non


hanno, infatti questo pedale viene spesso sostituito dal pedale di
sinistra, ma, nelle poche occasioni in cui c'è la necessità di utilizzare
questo pedale, è bene utilizzarlo con precisione, senza ricorrere a
mezze misure come il pedale di destra. Questo pedale infatti, a
differenza del pedale di destra, che prolunga la durata di tutti i suoni,
prolunga la durata di un solo suono così se suoniamo Do Re Mi Fa
Sol, e abbassiamo il pedale solo sul Mi e lo teniamo premuto fino al
Sol, il Mi si prolungherà fino al Sol. Se invece, suoniamo sempre Do
Re Mi Fa Sol, e abbassiamo il pedale di destra dal Mi e lo teniamo
premuto fino al Sol, tutte le note che comprende vengono prolungate,
in questo caso Mi Fa e Sol. Ecco spiegata la differenza tra il pedale di
centro e
quello di destra. Il pedale di centro ha questa funzione solo nei
pianoforti a coda. In quelli verticali il pedale di centro ha la funzione
di “sordina” spiegato qui sotto.

3) Pedale di sinistra (sordina): è, insieme al pedale di destra, uno


dei pedali di cui l'esecutore non può fare a meno. Infatti questo ha
l'importante funzione di diminuire l'intensità del suono (abbassare il
volume). Molti pianisti ignorano l'utilizzo di questo pedale ritenendolo
una " scorciatoia " poco elegante per suonare " piano ". Io non la vedo
in questo modo, ritengo che sia uno strumento potentissimo se usato in
maniera intelligente.

Ovviamente quando se ne può fare a meno è meglio suonare solo di


tastiera, come nel primo movimento della sonata " Al chiaro di luna "
di Beethoven, dove lo stesso autore specifica " senza sordina "
intendendo di suonare piano ma senza l'utilizzo del pedale.
Ci sono passaggi però dove l'utilizzo di questo è inevitabile. Per
esempio quando si suonano le ottave in velocità. In questo caso è
davvero difficile mantenere il suono piano quando si sonano le ottave
(il polso è più rigido) e quando si suona in velocità è difficile tenere il
suono piano. Perciò in questi casi consiglio fortemente di utilizzarlo.
Inoltre puoi utilizzarlo anche per non disturbare i vicini.

Questo pedale è estremamente differente su un pianoforte verticale


rispetto a uno orizzontale. Su quello verticale la sordina ha solo la
funzione di diminuire l'intensità del suono.

Su quello orizzontale invece ha un passo in più. Il suono non solo


viene smorzato, ma viene anche incupito. In questo modo il suono
cambia da quello normale ottenendo “l'effetto sordina” (è davvero
bellissimo l'effetto della sordina su un piano a coda, se hai la
possibilità di provare questo pedale su un coda, fallo, non rimarrai
deluso dall’atmosfera che crea!).
COMPITI
Solitamente i compiti, sono suddivisi in due parti: la parte teorica e la
parte pratica. Certamente è sempre più divertente la parte pratica. Ahimè, la
teoria è tanto importante quanto la pratica, e merita la stessa attenzione.

Per quanto riguarda tutto ciò che facciamo al di fuori dei compiti
assegnati dal nostro maestro, è bene che questi non superino l'oretta al
giorno. Come dice il proverbio: prima il dovere e poi il piacere. È meglio
quindi dare sempre precedenza prima ai compiti e poi a suonare tutto il
resto.

La cadenza delle lezioni

Le lezioni solitamente vengono svolte con cadenza settimanale.


Tuttavia, ci sono anche lezioni che vengono svolte una volta ogni due
settimane. Queste lezioni, molto utili per gli studenti di livello avanzato,
sono in grado di rendere più di una lezione a settimana. L'allievo ha bisogno
ormai di poche dritte da parte del maestro ed è sempre più autonomo.

In questo modo ha modo di gestire al meglio il tempo e, se ci sono


alcuni giorni in cui non può studiare, non arriverà mai insufficientemente
preparato a lezione, poiché ha avuto 14 giorni a disposizione per prepararsi.

I compiti, quindi, vanno fatti con regolarità, se è possibile, senza saltare


nemmeno un giorno, in questo modo, si adotta un ritmo costante, nel quale
le informazioni vengono assorbite e mantenute con regolarità.

Studia quindi con regolarità, e se i compiti che ti si sono stati assegnati


sono troppi, parla apertamente col tuo insegnante senza aver timore, non ti
mangerà di certo. È un peccato cambiare insegnante e distruggere quel
feeling creatosi solo perché quest'ultimo non ha capito quanto lavoro darti a
casa.
Se invece ritieni che i compiti assegnati siano pochi, fanne di più, il tuo
insegnante non ne rimarrà mai deluso, anzi! In questo modo farai capire che
hai voglia di fare e che hai passione.
Stai sicuro che se continuerai a fare così per 2 o 3 lezioni, sarà il
maestro stesso ad assegnarti più compiti per cercare di arrivare più in fretta
ai risultati.

Proponi
Non aver paura mai di proporre degli esercizi, dei pezzi o qualsiasi
altra cosa al tuo insegnante. È giusto che ci sia anche una tua collaborazione
in tutto
ciò, così se desideri fortemente studiare un pezzo, chiedilo senza timore.

Ci sono molti insegnanti austeri che seguono un determinato percorso di


studio, e questo dovrà essere severamente rispettato.

Ritengo personalmente che la strada più efficace da seguire sia quella di


entrare in una certa confidenza con l'allievo, mettendolo sempre a proprio
agio e utilizzando un metodo molto elastico. È giusto adattare le lezioni
all'allievo e non il contrario.
Chiedi

Non aver mai paura di chiedere al tuo insegnante. Viene pagato per
quello! Togliti curiosità di ogni tipo e soprattutto, se non sei convinto di
qualche cosa, chiedi anche il perché è utile farla!

Molte volte gli insegnanti assegnano dei compiti senza spiegare


minimamente l'utilità e lo scopo di questi, sia perché si dimenticano e lo
danno per scontato, sia perché non lo sanno neanche loro (lo fanno perché
così è stato fatto anche a loro). Tu chiedi, è un tuo diritto.

Discuti

Discuti col tuo insegnante dei metodi di studio da te utilizzati,


chiedendogli se vanno bene e quanto bisogna studiare quel determinato
esercizio che ti ha assegnato. Talvolta, avendo una quantità precisa di ore di
studio, è più facile che queste vengano rispettate, poiché abbiamo un
obbiettivo da raggiungere.

Conclusione

Svolgi sempre i compiti che ti sono stati assegnati, con regolarità e


passione. Vedrai che avrai una soddisfazione personale immensa, e andrai a
lezione con la " coscienza pulita " poiché hai studiato, e se qualcosa non va,
non c'è problema, lo si affronta a lezione, ma l' importante è averci provato
a casa..!
Contare mentre si suona
Uno dei metodi migliori che devi abituarti ad utilizzare sin da
subito, e che dovrai utilizzare per un po’ di tempo, è quello di contare
ad alta voce mentre suoni. In seguito poi imparerai a contare a mente e
solo in un terzo momento potrai omettere di contare definitivamente.

Perché contare è così importante? Perché tramite questo possiamo


renderci bene conto del tempo che passa e riuscire a dare un giusto
rapporto di valore per ogni nota musicale.

Contare aiuta ad avere una percezione del tempo che il


principiante difficilmente riuscirebbe ad avere senza farlo.

Ovviamente quando si conta bisogna avere ritmo e bisogna cercare


di rispettarlo senza accelerare né decelerare troppo. Chi non esegue
l’operazione del “contare” si porterà nel tempo i problemi dovuti a
questa mancanza che quasi sempre risiedono in problemi riguardante i
valori delle figure musicali.

Ma che cosa significa contare mentre si suona? Significa scandire


il tempo in modo tale da poter incastonare in ogni movimento le note
che bisogna inserirci.

Mostro ora qualche esempio pratico:

Abbiamo una battuta dal tempo di 2/4. Nel primo movimento


abbiamo un Do da 1/4, nel secondo movimento abbiamo un Re da 1/4.
Quindi la battuta da 2/4 è divisa in due movimenti: il primo e il
secondo. Ogni movimento o tempo comprende 1/4.

Nel primo tempo abbiamo un Do che dura un quarto, nel secondo


un Re che dura un altro quarto.

Come bisogna contare in questo caso?

I numeri progressivi sono dati dall’indicazione di tempo. Per


esempio se vi è 2/4 come nell’esempio bisogna contare fino a 2, se si è
in 3/4 bisogna contare fino a 3, se si è in 4/4 bisogno contare fino a 4
ecc..

Ok, abbiamo capito che dobbiamo contare da 1 fino al numero


indicato dal numeratore della frazione, ma in che modo bisogna dire
questi numeri?
Ogni numero deve essere scandito in 2 parti, ognuna di queste
parti contiene una quantità di tempo pari all’ottavo (una croma).

Se ogni numero equivale all’unità di tempo (quindi ad 1/4), mezzo


numero equivale ad 1/8. Così abbiamo il numero uno del primo
movimento, e il numero due nel secondo.

Solo che questi numeri abbiamo detto che vanno suddivisi in 2


parti. Così, anziché dire ” Uno”, si dirà ” U – no, scandendo bene,
come se fosse una suddivisione in sillabe.

In questo modo il numero da 1/4 (uno) è stato diviso in due parti e


quindi due ottavi (u-no).

Ovviamente il numero “Due” verrà scandito in “Du – e “.

Perché è così importante dividere il numero in 2 parti? Perché


quando incomincerai a suonare le note più veloci, diventerà davvero
difficile gestire il tempo. Inoltre si ha molto più controllo suddividendo
il tempo in più parti piuttosto che in poche. Più il tempo viene scandito
e più si hanno dei punti di riferimento . Più si hanno dei battiti
frequenti e più è facile orientarsi all’interno del tempo.
Spero che ora sia tutto chiaro e spero che tu abbia capito l’utilità
che ha il contare e come questa influisce positivamente nello sviluppo
ritmico dell’allievo.

Molti insegnanti impongono tale procedura (corretta) ai propri


allievi, ma non spiegano l’importanza di queste. Così, non riescono ad
acquisire credibilità da parte dell’allievo che si ritrova davanti a dei
dogmi musicali, e non capendo il perché di simili azioni, preferiscono
non farle, ritenendole superflue e poco importanti.
L’interpretazione
Qui si entra in un mare infinito di informazioni, ma per non essere
troppo noioso e vago, ti spiegherò in particolare i problemi legati al
tocco. Molti studenti trovano dei segni d'espressione come "cantabile"
oppure "rubato" su uno spartito e non sanno con quale tipo di tocco
affrontare questi passaggi.
Tecnicamente il pianoforte non può creare molti suoni differenti.
Per esempio un Do, può essere suonato pianissimo, piano, mezzoforte,
forte e fortissimo.
Perciò dobbiamo cercare di far rientrare queste indicazioni in una
di queste cinque possibilità di suono.
Probabilmente un cantabile sarà eseguito con un suono "piano".
Parlare in questi termini però non mi piace molto. Bisogna uscire dal
materialismo per riuscire a riprodurre un “cantabile”.

Il pianoforte non può suonare solo piano o forte, ma ha una marea


di sfaccettature del suono che possono essere create in tantissimi modi
differenti che dipendono da come abbiamo usato la “caduta”, da come
abbiamo accarezzato il tasto, di quanto velocemente l'abbiamo
premuto, con quale ritardo l'abbiamo premuto, col quale rigidezza, con
quale dolcezza, con quale angolazione, con quale rilassamento, con
quale forza e con quale amore.

Tutti questi altri fattori umani, aiutano l'esecutore a rendere il suono


diverso. Un "adagio cantabile" suonato con passione e sentimento, è diverso
da un "adagio cantabile" suonato freddamente guardando la diteggiatura
dello spartito. Ecco cosa intendo con la materialità dell'esecuzione.
Esistono molte potenzialità astratte che non tutti purtroppo riescono ad
usare.
Ora elencherò come effettuare la maggior parte dei suoni richiesti nelle
composizioni classiche:

1) Suonare "brillante": molto spesso questa indicazione la leggiamo in


Chopin. "Brillante" vuol dire che il suono deve brillare senza risultare
metallico attenzione! Per eseguire il suono brillante bisogna toccare il tasto
con rapidità ma non con rigidità.
2) Suonare "cantabile": suonare cantabile è stato sempre un
problema, dato che una volta premuta una nota, questa non può
cambiare di intensità. Perciò, non essendo il nostro strumento capace
di tale possibilità, la musica è stata adattata a lui, rendendola con più
suoni, più dolce, più calda e più vellutata. Per eseguire questo tipo di
suono bisogna toccare la tastiera senza paura (molti suonano troppo
piano per paura di suonar forte ma così facendo non fanno "cantare il
pianoforte"), cercando di dosare la propria forza alla melodia, facendo
assomigliare le note ad un "canto".

3) Suonare "metallico": il suono “metallico” è da non confondere col


suono brillante. Infatti a differenza di quello brillante, il suono
metallico si ottiene abbassando il tasto con estrema violenza (quasi
sempre accanto all'espressione "metallico" troverai un indicazione di
"fortissimo").

Finora per “interpretazione” abbiamo inteso gli aspetti tecnici che


alcuni brani richiedono, ma ora esaminiamo l’interpretazione da un
punto di vista stilistico.
Abbiamo due principali tipi di interpreti al pianoforte: quelli che al
pianoforte danno l’anima, agitandosi come dei dannati e quelli che
invece eseguono in tutta tranquillità ed eleganza.

Io ammiro molto questi ultimi perché sono proprio l’opposto di


me. Io Non riesco assolutamente a suonare un brano senza muovermi.
Certo non sono il caso di quello che si alza in piedi mentre suona
oppure fa gesti strani solo per attirare l’attenzione del pubblico, ma
sono comunque uno molto emotivo e inevitabilmente mi lascio
trasportare facilmente.

Invece i secondi li ammiro perché, nonostante stiano ardendo di


passione all’interno, all’esterno non lo danno minimamente a vedere e
rimangono continuamente impassibili, mostrando solamente qualche
accenno di godimento alzando solo un attimo il sopracciglio.
L’eleganza è la prima cosa che deve avere un pianista insieme alla
professionalità. Bisogna avere rispetto per la musica e tanta umiltà, ed
è proprio questo che ci deve far capire che nelle esecuzioni noi
dobbiamo essere noi stessi senza dover dimostrare niente a nessuno.

C’è chi sostiene che l’esecuzione live debba necessariamente


essere spettacolare, riempita di gesti e mosse strane, per attrarre lo
spettatore. Se così fosse, tanto vale ascoltare una registrazione su CD.
Come mantenere il pianoforte
Questo paragrafo è tratto da un articolo che scrissi tempo fa sul
mio Blog (http://www.pianosolo.it/2010/01/18/ come-mantenere-il-
pianoforte/).
Penso che siano nozioni necessarie che chiunque debba possedere,
ecco perché ho deciso di riportarle anche in questo libro.

Molte persone si prodigano per acquistare un buon pianoforte, e


una volta acquistato pensano di poter stare tranquilli per un po’. Invece
è proprio qui che inizia il “divertimento”. Il pianoforte, per essere
tenuto correttamente, esige alcune attenzioni che noi gli dobbiamo
dare per far sì che questo rimanga in un perfetto stato e che si conservi
più a lungo possibile. In questo campo c’è molta ignoranza perché
queste notizie sono molto scarse e difficili da reperire, perciò, ora ti
parlerò di tutte le operazioni che dovrai fare per conservare al meglio il
tuo pianoforte (prima dell’acquisto del pianoforte, bisogna verificare
che tu abbia questi requisiti):

Trasporto

Il trasporto è una delle fasi più delicate, infatti il pianoforte dovrà


resistere agli urti causati dal dissestamento del manto stradale e non
solo. Il pianoforte dovrà essere caricato e scaricato in un certo modo,
perciò è meglio far fare queste operazioni agli esperti piuttosto che
provare a farle noi con qualche amico che ci aiuta. Spesso capita che
qualche nostro amico possiede un furgoncino della sua ditta o qualche
pick-up e che si metta a nostra disposizione per trasportare il
pianoforte gratuitamente…Rifiutate! Meglio spendere € 300 e far fare
queste operazioni agli esperti, piuttosto che ” provare ” il fai da te che
potrebbe creare danni allo strumento molto maggiori rispetto ai 300
euro.
Posizionamento in casa

Prima di acquistare il pianoforte, bisogna già sapere dove


posizionarlo.
Infatti questa è una delle scelte più importanti. Se si acquista un
pianoforte a coda, allora l’ideale sarebbe dedicargli un’intera stanza
(molto ampia), in modo tale che il suono possa propagarsi alla
perfezione anche con il coperchio aperto.

Se invece si parla di un pianoforte verticale (come per la maggior


parte di noi), questo sarà messo a muro. Ma non ad un muro qualsiasi,
bensì ad un muro interno.

La posizione migliore è quindi mettere il pianoforte a una parete


interna, lontano da fonti di calore (ampie vetrate che d’estate
riempiono la stanza di luce solare, caloriferi, camino e condizionatori).
Il sole deteriora questo strumento.
La Temperatura

Verifica quindi che il muro in cui vorrai posizionare il tuo


pianoforte sia un muro che non confini con l’esterno.
Infatti, posizionare il pianoforte su uno di questi muri è altamente
sconsigliato, perché d’inverno, il pianoforte subirebbe grandi sbalzi di
temperatura perché è contemporaneamente a contatto con l’interno
(20-21 gradi con il riscaldamento) e con l’esterno (un paio di gradi
sopra lo zero).

Perciò, quello che a più di ogni altra cosa bisogna stare attenti sono
gli sbalzi di temperatura. Infatti, un pianoforte si conserva
paradossalmente meglio in una cantina al freddo, piuttosto che in un
bel soggiorno con continui sbalzi di temperatura.

Tenere la temperatura interna non al di sotto dei 18° e non al di


sopra dei 22°.

L’Acustica

Forse una delle questioni più importanti. Avere una buona intensità
del suono dello strumento è un nostro diritto, però non sempre è
possibile.
Infatti molti di noi si trattengono dal suonare ” forte ” perché,
abitando in un condominio, temono di disturbare gli altri. Infatti vedo
sempre più casi di passaggio dal pianoforte acustico a quello digitale…
ma è una pazzia!
Non si può passare dall’acustico al digitale, è come privarsi di una
Station wagon per andare in una Smart! Per carità, i digitali sono ricchi
di qualità, però il suono vero, è negli acustici.
Molti perciò fanno questo passaggio perchè non sanno che la
tecnologia si evolve. Perciò non sanno che hanno inventato i
silenziatori.

Questi ultimi sono dei dispositivi elettronici adattabili a tutti i


pianoforti acustici, e tramite una semplice installazione da parte di un
tecnico competente, voi potrete suonare tranquillamente il vostro
pianoforte acustico a tutto volume grazie all’ausilio delle cuffie
(suonare in cuffia è una magnifica sensazione, il suono è
completamente tuo, è davvero un’esperienza da provare).

Per avere buon suono da parte di un verticale, questo non dovrà


essere attaccato al muro, ma va tenuto ad una distanza dalla parete di
circa 20-25 cm.

Accordatura

Il pianoforte va accordato periodicamente. Solitamente si consiglia


di accordarlo 4 volte il primo anno, e 2 volte all’anno per gli anni
successivi. Puoi vedere quindi che in questo modo si verranno a
spendere un bel po’ di soldi, perciò molti preferiscono spendere 120
euro per l’acquisto di un manuale del riparatore e ammortizzare nel
giro di un anno la spesa effettuata.

Tuttavia questa scelta non la condivido perché il pianoforte è


delicato, ed è meglio non fare niente piuttosto che fare male. Infatti
si potrebbe danneggiare qualche corda o qualche martelletto, così,
dopo aver speso 120 euro per il libro, dovremmo spendere anche altri
500 euro per la riparazione.

Perciò il mio consiglio è quello di prendere un tecnico di fiducia, e


chiamarlo ogni qualvolta si ha bisogno. Attenzione però che la scelta
di questi è molto difficile. Ce ne sono pochi, e molti di questi sono
molto presuntuosi. Non hanno un briciolo di umiltà e fanno il loro
lavoro in maniera molto ma molto superficiale (probabilmente perché
questo non è mai stato il loro vero lavoro, ma stanno solamente
portando avanti una tradizione di famiglia). Mi ricordo un episodio
letto dal libro “Piano Notes” che mi ha colpito molto. Il grande
pianista Rosen aveva il pianoforte che dava problemi di ribattuti
indesiderati. Così espose il problema ad un accordatore che non sapeva
come risolverlo e gli disse: “Guardi, quando premo io il tasto suona
una sola volta. Vuol dire che lei mette le mani in modo sbagliato!”

Un tecnico non può permettersi minimamente di parlare ad un


pianista, tra l’altro del calibro di Charles Rosen di come va suonato il
pianoforte!

Perciò, cambia anche 2 o 3 accordatori e verifica quale sia il


migliore e con quale ti sei trovati meglio. Oppure chiedi consiglio al
tuo maestro e perché no, utilizza il suo stesso accordatore!
Studiare a mani separate
E’ risaputo da tempo che il metodo migliore per acquisire la
tecnica è studiare a mani separate.

Studiando a mani unite non si acquisisce la tecnica perché ci sono


troppe cose che l’esecutore deve tenere d’occhio e quindi lo sviluppo
essenziali della tecnica viene meno.

Se si suonano le mani singolarmente, possiamo badare bene ad


ogni mano, dedicandoci completamente ad essa e potremmo stare
sicuri che non ci saranno sviste sullo spartito (cosa che invece capita
spesso quando si studia sin da subito a mani unite).

Voglio ricordare che per “tecnica” non si intende solo l’agilità della
mano, ma è qualcosa di molto più grande che racchiude anche la
capacità di eseguire un passaggio in un certo modo, è la capacità di
dare a quel passaggio una certa espressione, è la capacità di dare a quel
passaggio una data diteggiatura e tanto altro. Ora puoi capire bene
perché è molto più facile acquisire la tecnica a mani separate.

C’è meno “lavoro” da fare e quindi ogni singola nota viene


assorbita, riuscendo a dare le dinamiche al pezzo sin dalla prima
lettura, risparmiando così molto tempo.

La tecnica migliore per studiare a mani separate è quella di


alternare abbastanza frequentemente le mani (15-20 secondi per
mano). In questo modo la mano che si riposa non farà in tempo a
“raffreddarsi” e sarà ancora pronta per il prossimo turno.

Questo piccolo lasso di tempo permette, oltre che a evitare che la


mano che non suona si raffreddi, impedisce anche a quella che suona
di stressarsi. Infatti è quasi impossibile che una mano che suona per
solo 20 secondi si possa stressare o infortunare.

Per quanto tempo bisognerà studiare a mani separate?


Tanto. Ci sono pianisti di fama mondiale che ammettono di
studiare un nuovo pezzo ancora a mani separate, contando molto
lentamente. Se questi, a questo livello studiano ancora a mani separate,
allora a noi toccherà studiare a mani separate ancora per molto.

Ovviamente lo studio a mani separate risulta superfluo quando si


riesce benissimo a suonare un passaggio a mani unite a prima vista.
Lo svantaggio dello studio a m/s
Questo capitolo è intitolato “lo svantaggio dello studio a m/s” dove
“m/s” si intende “mani separate”.

Ebbene sì, anche la migliore delle tecniche di studio avrà sempre


una pecca. Purtroppo non si può allenare tutto con una sola tecnica.
Ecco perché consiglio spesso ai miei allievi di gestire i pezzi
intersecando i metodi di studio che conoscono, utilizzando quelli più
appropriati al momento opportuno.

Le mani separate infatti trascurano un importante cardine del


pianista, ovvero: la lettura a prima vista (come abbiamo visto nel
capitolo 9).

Infatti, suonando a mani separate si abitua l’occhio a vedere un


solo rigo musicale e non l’accollatura (l’insieme della chiave di Sol più
quella di Basso).

In questo modo l’allievo, abituandosi a vedere i pentagrammi in


modo singolare, si potrà trovare spiazzato quando sarà costretto ad
unirli e quindi per sbalzare l’occhio su e giù ci vorrà dell’allenamento.
Come si fa ad allenarsi? Non c’è metodo migliore che suonare a mani
unite. Le mani unite aiutano a creare quello che noi in musica
chiamiamo “occhio”.

L’occhio non è altro che una buona lettura a prima vista ovvero,
una buona velocità nello scorrere lo spartito ed anticiparlo con gli
occhi.

Le mani unite infatti obbligano lo studente a dover fare i conti con


l’accollatura. In questo modo non si scappa, o si leggono due
pentagrammi, o si leggono due pentagrammi.
Quindi lo studio a mani separate a questo importante scoglio da
superare. Tuttavia se si è fatto uno buono studio a mani separate, si
sarà in grado di unire le mani alla perfezione, addirittura anche senza
fare una prova lentamente a mani unite, ma si riuscirà ad andare avanti
più che leggendo lo spartito, con la memoria, soprattutto la “memoria
di dito”.

Per avere una buona lettura a prima vista, supporta lo studio a mani
separate con dei costanti esercizi di lettura. Leggere musica non potrà
mai far altro che bene. Infatti questa ti aiuterà a studiare i brani con
maggiore facilità e velocità.
12 CONSIGLI PER SUONARE IL
PIANO
PREMESSA

Qui ho raccolto 12 preziosissimi consigli molto pratici, quelli


fondamentali, per poter imparare a suonare in modo soddisfacente e in
breve tempo il pianoforte.

Per ottenere dei risultati è necessario metterli in pratica costantemente,


se non tutti insieme, qualcuno, ma sempre.

STUDIARE TUTTI I GIORNI

Perchè è importante studiare tutti i giorni? Vediamolo subito.

Per tutte le cose, non solo per il pianoforte, la costanza premia o


meglio, è la costanza che premia.

Quando un allievo mi chiede quanto e se è necessario studiare quando è


a casa, naturalmente rispondo di si, anzi sottolineo che è la condizione
indispensabile per ottenere risultati tangibili, più studi e più ottieni
risultati.
Per quanto riguarda il tempo consiglio di studiare anche poco ma tutti
i giorni e sottolineo sempre che è più importante la qualità del tempo
dedicata allo studio più che la quantità.

Come dicevo in precedenza è la costanza che poi consente di ottenere


dei risultati.

Immaginiamo di voler andare in palestra per migliorare la consistenza


dei nostri muscoli, non è da un giorno all'altro che i muscoli si rinforzano
anzi, è il tempo che permette di rinforzarli con l'esercizio costante.

Se andiamo in palestra una volta ogni tanto e quella volta esageriamo


negli esercizi, che cosa succede secondo te? Affatichiamo i muscoli e basta,
quindi rischiamo di danneggiarci.

Lo stesso vale per il pianoforte, per le dita è proprio una questione di


allenamento come andare in palestra. E' perfettamente inutile studiare un
giorno due ore e stare fermi per i successivi cinque giorni.

Quindi ricordati di studiare anche poco ( 10 minuti all'inizio possono


bastare ) ma tutti i giorni. Possibilmente poi intensifica lo studio
dedicandogli anche mezz'ora e più.

CONSIGLIO N.1
studiare tutti i giorni
FARE ALMENO DUE LEZIONI A SETTIMANA

Il secondo consiglio è quello di fare almeno due lezioni a settimana di


un'ora. Come in tutte le cose, più tempo dedichi ad una passione e più
questa ti darà delle soddisfazioni, quindi il punto di partenza è questo,
appassionati a quello che fai.

Ritengo che se tu voglia acquisire delle basi solide due ore alla
settimana di lezione siano necessarie. Ti faccio un esempio pratico :
potresti fare un'ora al lunedi e un'ora al giovedi, quindi in ogni caso ti
consiglio di non fare le lezioni in due giorni consecutivi. Perchè?

Perchè lasciando passare qualche giorno tra una lezione e l'altra hai il
tempo di metabolizzare bene gli insegnamenti e applicare tutti i consigli
dell'insegnante, poi hai anche la possibilità di monitorare con una
maggiore frequenza se stai applicando bene gli insegnamenti o se stai
facendo degli errori. Ti ricordo però di cercarti un buon insegnante. Se vuoi
capire che caratteristiche deve avere un buon insegnante leggi questo post
del mio blog.

SECONDO CONSIGLIO
fare almeno due lezioni a settimana
CONTROLLARE ASSIDUAMENTE LA POSIZIONE DEL
CORPO E DELLA MANO

Il terzo consiglio è quello di controllare con frequenza la posizione


corretta del corpo al pianoforte e quella delle mani sulla tatiera. A
proposito della posizione delle mani sulla tastiera ti consiglio di leggere
questo post che ho scritto appositamente per questo argomento. Questo è
particolarmente consigliato soprattutto per evitare di perdere tempo
compiendo degli errori che rischi poi di portarti avanti e peggiorare. La
posizione corretta del corpo e delle mani è uno dei fondamenti che si
impara da subito quando inizi a studiare pianoforte. Questo perchè una
posizione scorretta del corpo può portarti dei problemi fisici come il mal di
schiena nella zona lombare che nel tempo è difficile mandar via ( te lo
dico per esperienza ). Una posizione scorretta inoltre può toglierti energia,
la posizione corretta della schiena è dritta ma non rigida. Per quanto
riguarda la posizione delle mani sulla tastiera, il discorso è molto simile,
una posizione scorretta può portare rigidità, di conseguenza può limitarti
nelle tue possibilità di suonare bene e come vuoi, per esempio nell'
esprimere un bel suono.

TERZO CONSIGLIO

controlla assiduamente la posizione del corpo e della mano

STUDIARE SENZA FARE ERRORI

Il quarto consiglio riguarda l'importanza di studiare lentamente


cercando di non fare errori. Ti sembrerà una grossa pretesa forse, ma è
possibile farlo facendo molta attenzione e stando molto concentrati.

Questo consiglio si lega molto con quello precedente perchè


controllando spesso di non fare errori risparmi un sacco di tempo e noie.

C'è che è favorevole allo studiare lentamente e chi no. Chi non è
d'accordo sostiene che suonando lentamente si rischia di apprendere male e
fare quindi degli errori che poi si consolidano nel tempo. Io sono dell'idea
che sia necessario studiare lentamente per il periodo iniziale in cui si
impara il brano, ma di non farlo troppo a lungo, quindi appena ci si sente
pronti di accelerare fino a portare il brano alla velocità indicata dall'autore.
Studiare lentamente è a mio avviso indispensabile per poter acquisire
bene i vari movimenti della mano, soprattutto acquisirli correttamente.
Per questo motivo se si riesce a studiare lentamente, con pazienza e con
attenzione si possono ottenere ottimi
risultati.

QUARTO CONSIGLIO
studiare senza fare errori

ASCOLTARE MUSICA DI QUALITA'

Ascolta musica di qualità! Un giorno un mio allievo mi disse : “ sai,


ho ascoltato qul tizio su youtube che suonava così veloce. ”
Gli ho risposto subito : “ ALT! ZONA PERICOLOSA, VIETATO
L'ACCESSO! Ora sto esagerando naturalmente però è un argomento molto
importante, bisogna fare molta attenzione a ciò che si ascolta, ci si può
imbattere in “ pianisti “ o presunti tali completamente antimusicali che
fanno pergiunta un sacco di errori.

Ti consiglio invece di ascoltare sempre musica di qualità,


indipendentemente dai gusti, eseguita da artisti di fama internazionale o
mondiale certificata. Quindi in questo specifico caso pianisti come Pollini,
Benedetti Michelangeli, Arrau, Horovitz, Rubinstein, Ciccolini e altri
pianisti di questo calibro. Come ti dicevo indipendentemente dai gusti sei
certo che la loro è musica di qualità in ogni caso.

QUINTO CONSIGLIO
ascoltare musica di qualità
FARE COSTANTEMENTE ESERCIZI DI RILASSAMENTO

Il sesto consiglio è quello di fare esercizi di rilassamento. Il consiglio


precedente a questo, quello di controllare assiduamente la posizione del
corpo e della mano sulla tastiera si lega molto a questo e te ne ricordo il
motivo principale.

Se tieni la mano troppo rigida, mi riferisco soprattutto al polso, rischi


di andare incontro a noiosi problemi quali dolori della mano o fastidi ai
tendini del braccio ( problema comune a molti pianisti ).

Immagina di andare in palestra, l'esempio che ho fatto in precedenza, e


fare gli esercizi con il corpo contratto; che cosa succederà nel momento
in cui farete gli esercizi che vi siete prefissati? Rischiate non solo di non
consolidare la forza dei vostri muscoli ma di peggiorare la situazione
invece di migliorarla. E voi naturalmente volete evitare che questo
succeda.

Il mio consiglio è di monitorare bene il rilassamento della mano e del


polso, ci sono degli esercizi mirati per fare questo come per esempio
scrollare la mano dopo che hai studiato per un pò o mettere le mani sul
coperchio del pianoforte o sul tavolo e fare l'esecizio di alzare e abbassare il
polso. Se continuerai a seguirmi sarò io stessa a svelarti queste tecniche....

SESTO CONSIGLIO
fare costantemente esercizi di rilassamento
SOLFEGGIARE MENTRE SI STUIDIA

Settimo consiglio : solfeggiare mentre stai studiando. Mi chiederai : “


ma come faccio a solfeggiare se ho le mani impegnate nello studio? “ Per
solfeggiare io intendo anche accertarsi di mantenere la giusta durata dei
valori anche mentre suoni. Per esempio se nella partitura c'è un intero,
mentre suoni fallo durare 4/4 e non un tempo più o meno uguale.

Perchè è importante solfeggiare anche quando si studia? Perchè può


risolverti un passaggio ritmicamente difficile o non chiaro, e risparmi
anche un sacco di tempo.

Capisco che un adulto, specialmente se ha poco tempo per studiare, non


abbia sempre voglia di mettersi lì a fare il solfeggio classico con il
movimento delle mani, per cui se riesci a conciliare il solfeggio con lo
studio pratico, come ti dicevo, risparmi molto tempo.

Le note hanno valori e ritmi diversi, così come le pause corrispondenti,


nel solfeggio queste durate sono raccolte in modo matematico nelle
battute e bisogna fare attenzione a eseguire il ritmo giusto. Per cui se
all'inizio della battuta è segnato un tempo di 4/4, all'interno della battuta
stessa la somma delle durate deve dare un tempo corrispondente a 4/4, nè
più, nè meno.

Devi sapere che tra un valore ritmico e l'altro passano frazioni di


secondo, per cui se non rispetti il ritmo alla perfezione vai fuori tempo è
matematico!

SETTIMO CONSIGLIO
solfeggiare mentre si studia
NON DISTRARSI QUANDO E MENTRE SI STUDIA

Il tempo è l'unica risorsa che non possiamo controllare ma che


possiamo imparare a gestire bene.

Sai bene quanto al giorno d'oggi i ritmi siano frenetici per tutti e quanto
si faccia fatica a trovare un pò di tempo per se stessi e per le proprie
passioni ( ma ci sono le soluzioni per questo! ). Meglio fai fruttare il
tempo che hai a disposizione e meglio è!

Una delle soluzioni che hai a disposizione è quella di non distrarti


mentre studi. Nel periodo in cui ti dedichi al pianoforte se puoi metti il
silenziatore al cellulare in modo che nessuno ti disturbi, al limite ti
manderanno un messaggio! Ho un allievo, sempre quello di youtube, che è
un esempio dell'aplicazione pratica di cui ho parlato in precedenza. E'
preciso ( studia di sera ), applica alla perfezione i consigli che gli do
( forse è per questo che mi è così simpatico :)), chiede supporto via
mail se non capisce qualcosa e sa che sono sempre disponibile. Ha
ottenuto già dei risultati dopo tre lezioni.

OTTAVO CONSIGLIO
non distrarsi quando e mentre si studia
CURARE MAGGIORMENTE LA MUSICALITA'
RISPETTO ALLA TECNICA PURA

Questo consiglio potrebbe suscitare qualche perplessità perchè molti


pianisti e molti insegnanti puntano molto sulla tecnica e sono anche
fissati su questo aspetto.

Io la vedo diversamente e ti spiego perchè. Secondo me se si bada quasi


esclusivamente all'aspetto puramente tecnico, si rischia di trascurare e
quindi non sviluppare quello melodico,
quantomeno si è poi costretti in un secondo momento a fare un lavoro
doppio, cioè adattare la musicalità alla tecnica, cosa che si può fare da
subito.

Sai quanti pianisti si cimentano suonando furiosamente sulla tastiera


dando l'impressione di essere dei grandi pianisti? Certo, la tecnica
affascina e stupisce ma a mio avviso un grande musicista si riconosce dalla
sensibilità musicale. Non sto dicendo che la tecnica pura non sia
importante, anzi, preferisco però ascoltare un pianista con grande
musicalità piuttosto che un pianista prevalemntemente tecnico. E'
comunque anche una questione di scelte personali e gusti.

Ti consiglio quindi di studiare la tecnica in funzione della musicalità


e non viceversa, facendo molta attenzione al bel suono, alle legature,
alle frasi ecc.

Forse procederai più lentamente ma otterai risultati soddisfacenti da


subito.

NONO CONSIGLIO
curare maggiormente la musicalità rispetto alla tecnica pura
DIVERTIRSI

Stiamo per giungere alla conclusione di questo Report che spero ti sia
utile per il tuo studio del pianoforte.

Divertiti! Questo alla lunga risulterà essere uno dei segreti più
significativi per proseguire nello studio. Quando si è adulti e quindi più
cosapevoli di tutto è di fondamentale importanza secondo me trovare
divertimento nello studio perchè quando si è più grandi solitamente non
si è più abituati a studiare.

Se una persona studia assiduamente ma con troppa serietà e aspettative


da se stesso, prima o poi mollerà perchè sarà frustrato dal fatto di non
riuscire ad ottenere i risultati che si aspetta. Ti invito a riflettere bene su
questo aspetto.

Divertiti senza avere in generale troppe aspettative immediate, piuttosto


ribadisco appassionati a quello che stai facendo e sii contento dei
risultati che ottieni volta per volta, per i passi avanti che fai seppur
piccoli ( e non è detto che debbano essere per forza piccoli ).
Certo gli obiettivi sono molto importanti e vanno sempre tenuti in
grande considerazione, ma prendi la cosa anche con un pò di leggerezza,
non eccessivamente con troppa serietà.

DECIMO CONSIGLIO
divertirsi
NON ARRENDERSI MAI

Arrendersi e mollare è il modo più sicuro di sapere che non


riuscirai mai. La certezza di riuscire purtroppo non l'ha nessuno in
nessun ambito, ma se non vai fino in fondo non saprai mai se puoi
riuscire o meno.

A volte risulta più difficile non mollare che farlo e te lo dico per
esperienza, devi però anche considerare che suonare bene il
pianoforte richiede il suo tempo che peraltro non è uguale per tutti
per cui bisogna avere la costanza e soprattutto la pazienza di
proseguire anche e soprattutto nei momenti in cui ti sembra di non
imparare nulla e di perdere solo del tempo.

E' una forza e convinzione che devi trovare dentro te stesso,


nessuno all'esterno potrà farti fare quello che tu non vuoi fare
( anche se non è sempre così ma bisogna sforzarsi che sia così ).

UNDICESIMO CONSIGLIO
non arrendersi mai
COLTIVARE LA PAZIENZA

Con quest'ultimo consiglio concludo la serie dei 12 che ho pensato


appositamente per aiutarti nel tuo stdio del pianoforte.

Abbi pazienza, che non è una richiesta da parte mia ma


un'accorata esortazione e consiglio naturalmente :). Penso che tu
capisca perfettamente perchè ti dico questo.

Il discorso è molto simile a quello precedente e ci si lega


benissimo : se non hai pazienza non prosegui, e se non prosegui
sarai certo di non raggiungere i risultati che ti sei prefissato.
Quindi è anche una questione di autostima.

Considero la pazienza come una virtù e disciplina da allenare e


come insegnante delle scuole elementari ti posso assicurare che è la
cosa più difficile da raggiungere con una certa continuità.

Il fatto è che è necessario fare questo sacrificio, perchè un pò lo è,


perchè ti darà sicuramente dei risultati anche nella tua vita di tutti
i giorni, quindi ti assicuro che ne vale la pena.

Quindi il dodicesimo consiglio è quello di coltivare la tua


pazienza, tutti i giorni, partendo dalle piccole cose.

C'è qualcuno che ti ha fatto arrabbiare? Arrabbiati pure ( ogni tanto


fa anche bene, ogni tanto! ) è un tuo diritto, ma poi perdona ,
dimentica subito e allena la tua pazienza!

DODICESIMO CONSIGLIO
coltivare la pazienza
SEZIONE 2: LA PRATICA
Introduzione
Ho volutamente scritto questa sezione in un modo molto semplice e
chiaro in modo che possa essere immediato a chiunque lo legga.
Presumo tu non ti sia mai approcciato a questo genere di attività e che sia la
prima volta nell’ambito musicale, almeno per quanto riguarda questo
strumento. Tutto è stato analizzato ed elaborato dettagliatamente, in modo
da non sopraffarti.
Ogni lezione si basa sull’apprendimento delle nozioni di quella
precedente, mentre ci muoviamo nei vari capitoli.

La lezione uno riguarda il numero delle dita, la disposizione dei tasti, la


posizione delle mani, come sedersi al piano, la scala di C maggiore e molto
altro. Imparerai anche come suonare una semplice canzone, in modo da
osservare concretamente i tuoi risultati man mano che si acquisiscono le
nozioni.

Nella lezione due, porteremo tutto al livello superiore e imparerai i


mezzi toni e i toni interi, lo schema delle scale maggiori, la scala di G
maggiore, diesis, bemolle, gli enarmonici, e gli intervalli. Alla fine
apprenderai un’altra semplice canzone.

Nella lezione tre, imparerai gli accordi semplici, e quelli nelle


inversioni differenti. Vedremo gli accordi interi e quelli spezzati, la scala di
D maggiore, accidentali e tanto altro.
Stai tranquillo, tutto quello che leggerai è spiegato in modo che
chiunque lo possa capirlo senza troppe difficoltà. Non preoccuparti di questi
nuovi termini, ti mostrerò come tutto sia veramente semplice. Non c’è
niente di cui aver paura.

Nella lezione quattro, entriamo maggiormente nella teoria musicale.


Imparerai tutto riguardo il ritmo, i diversi tipi di note, la loro durata, come
contarle e incontrerai differenti segni del tempo.
La lezione cinque riguarda la melodia. In questo capitolo, imparerai a
riconoscere le note sul pentagramma. Vedremo la chiave di basso, la chiave
di violino, l’insieme della chiave di violino e di basso, tagli addizionali, C
basso e molto altro.

Nella lezione sei imparerai tutto riguardo gli accordi di tre note. I
quattro tipi di accordi più importanti sono: accordi maggiori, minori,
diminuiti e aumentati. Un passo alla volta affronteremo anche questa
nozione, vedrai che sarà più semplice di ciò che credi.

E infine, nella lezione sette imparerai a formare gli accordi estesi.


Questi sono gli accordi di settima, settima maggiore, settima minore e sesta
maggiore.

Questo libro ti terrà motivato e ispirato per poter continuare il tuo


percorso di apprendimento e miglioramento. Goditi la prima lezione.
Capitolo 1 – prima lezione di piano
Iniziamo ad imparare come ci si posiziona per suonare il piano.
Numero delle dita
Per prima cosa voglio che guardi le tue dita. Quando si tratta di suonare
il piano, per convenzione, ad ogni dito assoceremo un numero che sarà lo
stesso in entrambe le mani. Il pollice è il numero 1, l’indice è il dito numero
2, il medio è il dito numero 3, l’anulare è il dito numero 4 e il mignolo è il
dito numero 5.
La seguente immagine lo illustra chiaramente. Guardala bene e
memorizza il numero associato a ciascun dito.

Tasti del piano


Come seconda cosa, impariamo a distinguere i tasti del piano in base
alle loro caratteristiche. Dai un’occhiata al tuo piano o alla tua pianola:
Quali sono i colori dei tasti? Questa è una domanda molto semplice,
chiaramente i tasti sono bianchi e neri. Inoltre voglio che noti lo schema
ripetitivo che seguono i tasti neri: due tasti neri seguiti da tre tasti neri,
successivamente troviamo due tasti bianchi, poi lo schema si ripete e
avremo nuovamente due tasti neri seguiti da tre tasti neri e così via.

Voglio che ti concentri su questo schema per un po’ in modo da capirlo,


infatti questo andamento, o disegno, è molto importante per suonare il
pianoforte. A breve ti mostrerò come usare questo schema per identificare
con metodicità tutte le note sul piano.
Procedendo sempre per convenzione, attribuiremo 7 lettere alle note,
una per ciascuna. Ebbene sì! Queste sette lettere sono le prime lettere
dell’alfabeto: A B C D E F G. Anche queste si ripeteranno come uno
schema
Quindi dov’è la A sul piano? Dov’è la B? Dov’è la C? e così tutte le
altre. Ora lo scopriremo.

Il primo tasto che individuiamo è la C. Quando sappiamo dov’è la C,


risulta facile sapere dove sono tutte le altre. Ricordi che abbiamo parlato
dello schema di due e tre tasti neri?

Perfetto, questa si trova esattamente prima di ogni serie di due tasti neri.
Ecco fatto! Per ogni serie di due tasti neri che vedi sul piano, il tasto sulla
sinistra è la C. Ci sono 8 C in un piano acustico, 6 su una pianola da 76
tasti, 6 su una pianola di 61 tasti e 5 su una pianola da 49 tasti.
Ora che abbiamo trovato il primo tasto bianco di riferimento, la C,
attribuiamo ogni lettera a ciascun tasto bianco. Il tasto bianco dopo la C è
la D, quello dopo la D è la E, quello dopo la E è la F e di seguito la G, A e
B. Dopo la B lo schema si ripeterà tale e quale ripartendo dalla C… e così
via.
Riconosci dov’è la F nel tuo piano? Guarda la serie dei tre tasti neri. La
F si trova immediatamente prima di una serie di tre tasti neri.
In un piano acustico, il primo tasto è la A. La A è la nota più bassa in un
piano da 88 tasti. Se ti dovessi confondere, parti dalla prima nota, la A, e
vai avanti con B, C, D, E, F, G, A e così via.

Se invece la tua pianola è piccola, non inizierà con una A. Questo


perché la maggior parte delle pianole con 61 tasti inizia con una C, mentre
le pianole con 76 tasti iniziano con una E. In ogni caso non è importante
quanti tasti abbia la tua pianola, semplicemente impara a riconoscere la C o
la F e ti risulterà molto facile individuare tutti i tasti.

Vorrei che tu passassi un po’ di tempo su questo punto in modo, fin


quando, guardando i tasti della tua pianola, sarai capace di riconoscerli e
individuare la lettera ad essi corrispondente. Non pensare che questo sia
immediato, esercitati ogni giorno finché non ti sentirai assolutamente
sicuro, perché è importante costruire delle basi solide.

Ci sono alcune somiglianze sul tuo piano. Queste somiglianze sono la E


e la F, la B e la C. Questo perché non ci sono tasti neri tra la E e la F, e tra la
B e la C. Queste passano da un tasto bianco ad un altro. Quindi stai attento
alla differenza. Nota come la E e la F sono seguite da una serie di tre tasti
neri, mentre la B e la C sono seguite da una serie di due tasti neri.

Posizione della mano


Come dovresti posizionare la tua mano al piano? Questo è
fondamentale. Devi formare un semicerchio con la tua mano, incurva le tue
dita e fingi di avere una bolla nella mano tra il palmo e le dita.
Posa la parte laterale esterna del pollice al tasto, per suonare, e spingilo
fino in fondo. Quello che rende il suono più “forte” o più “debole” è la
velocità con cui premi il tasto. Se lo premi velocemente avrai un suono
forte, mentre se lo premi lentamente il suono sarà leggero. Provaci. Vedi
quante volte puoi spingere lo stesso tasto rendendo ogni tono sempre più
forte o sempre più debole.
Visto che hai appena iniziato, il tuo quarto e quinto dito saranno un po’
deboli, specialmente il mignolo. Questa non è una cosa di cui preoccuparsi,
è successo a chiunque, inizia ad esercitarti e vedrai come migliorerai in
pochissimo tempo.

Come sedersi al piano


Ecco come dovresti sederti ad un piano. Siediti con la schiena ben dritta
e inclinati leggermente in avanti. Quando suoni, le tue braccia devono
essere parallele rispetto al pavimento e rilassate. Assicurati che i tuoi gomiti
siano qualche centimetro più in alto della tastiera e se così non fosse,
provvedi ad alzare o abbassare lo sgabello in cui sei seduto in modo da
raggiungere la corretta posizione. Le ginocchia dovrebbero essere
leggermente sotto la tastiera e i piedi devono essere appoggiati a terra, con
il tuo piede destro un po’ avanti rispetto al sinistro.
Come vedi, per imparare a suonare il piano serve molta serietà ma, allo
stesso tempo, è anche molto divertente.

La scala di C maggiore
Ti ricordi dove si trova la C? Ripetiamolo. La C si trova prima di una
serie di due tasti neri. Ora suona le note che seguono. Suona C D E F G A B
C. Così si suona la scala con la mano destra. Suona la C con il dito 1, D con
il 2 ed E con il 3. Ora infila 1 (il pollice) sotto il dito 3, prendendo il suo
posto, e se suona la F traslando la tua mano verso destra. Suona la G con il
dito 2, A con il dito 3, B con il dito 4 e C con il dito 5. Suona le note
cercando di farlo risultare come un suono continuo, senza pause o
interruzioni, soprattutto del passaggio del dito 1 sotto il dito 3. Non
preoccuparti se non ti viene all’inizio e ci metterai un po' a renderlo un
gesto omogeneo; impara il meccanismo. Più ti alleni, meglio ti riuscirà. È
garantito!

Questo è
come si muovono le dita della mano sinistra.
“Twinkle Twinkle Little Star”

Per finire questa lezione, imparerai a suonare una canzone. Ti sto


parlando di “Twinkle Twinkle Little Star”. Lo so, penserai che sia una
canzone infantile, ma non preoccuparti, è il primo passo verso canzoni
molto più attuali e complicate.

Questa canzone ha due parti principali: per la prima parte le note sono
CCGGAAG FFEEDDC, mentre per la seconda parte sono GGFFEED
GGFFEED.

Le note dell’intera canzone sono CCGGAAG FFEEDDC, GGFFEED


GGFFEED, CCGGAAG FFEEDDC.

Voglio che ti concentri e leggi le lettere immaginando già che posizione


e movimento dovranno avere le tue dita
Perfetto! Stai andando bene, continua a leggere. Alcune persone si
arrendono dopo questa lezione, ma non tu. Tu sei migliore di così. Giusto?
Credi in te stesso sempre!
Capitolo 2 – Seconda lezione di piano
Mezzi toni e toni interi
Impariamo i mezzi toni e i toni interi. Un mezzo tono è detto semitono
o half step. Un tono intero è detto tono o whole step. Non lasciarti
spaventare da questi nuovi termini. Te li sto insegnando in modo che tu
eventualmente sia capace di suonare le tue canzoni.

Quindi cosa sono i mezzi toni e i toni interi? Scopriamolo insieme.

Cominciamo con i mezzi toni. Dai un’occhiata alla B e la C sul tuo


piano o tastiera e noterai che non ci sono tasti tra la B e la C. Questo è
definito come “mezzo tono”. Ora dai un’occhiata alla E e alla F. Vedrai
subito che anche qui non ci sono tasti nel mezzo, come tra la B e la C. La
distanza tra la B e la C è un “semitono”. Stessa cosa per E e F.

E riguardo i toni interi? Dai un’occhiata alla C e alla D per esempio.


Diversamente dalla B e la C, e dalla E e F, c’è un tasto tra le due lettere.
Quindi, la distanza tra C e D è un tono intero. E tra F e G? C’è un tasto? Si!
Quindi la distanza tra F e G è un tono intero. Lo stesso vale per G e A, e
anche tra A e B. La distanza tra tutte queste è un tono intero.
Quindi perché è importante? Perché puoi usare mezzi toni e toni interi
per formare le scale maggiori. Una scala è semplicemente una serie di note
che si susseguono e suonano bene insieme.
Scale maggiori

Puoi formare qualsiasi scala maggiore usando lo schema W-W-H-W-


W-W-H. Dove “W” sta per un tono intero e “H” mezzo tono.
Semplicemente inizia con una nota a caso, questa viene definita “tonica”, e
segui lo schema e formerai una scala maggiore.
Creiamo la scala maggiore di C seguendo lo schema W-W-H-W-W-W-
H. Iniziando con la C, un tono intero ti porta alla D, un tono intero ti porta
alla E, un mezzo tono ti porta alla F, un tono intero ti porta alla G, un altro
tono intero ti porta alla A, un tono intero ti porta alla B e infine un mezzo
tono ti porta alla C.

Le note della scala di C maggiore, come abbiamo visto nel capitolo 1, e


come le abbiamo formate usando lo schema, sono C-D-E-F-G-A-B-C.
Suona questa scala come suggerito nel capitolo 1. Ricordati di mettere il
dito 3 sotto il primo dito per suonare la F.

Formiamo una scala maggiore di G. Inizieremo dalla nota tonica, G.


Partendo da questa, un tono intero porta alla A, un tono intero porta alla B,
un mezzo torno ti porta alla C, un tono intero ti porta alla D, un tono intero
ti porta alla E, un tono intero ci porta alla F# (F diesis) e un mezzo tono ci
porta alla G.

Come hai visto abbiamo suonato un tasto nero.


Non abbiamo suonato la F, ma il tasto nero che rappresenta la F#.
Quindi, le note della scala di G maggiore sono G-A-B-C-D-E-F#-G.
Impareremo più avanti tutto ciò che c’è da sapere sui diesis e i bemolle.

Suona la G con il dito 1, A con il dito 2 e B con il dito 3. Ora fai passare
il primo dito sotto il dito 3 e suona la C, la D con il dito 2, E con il dito 3,
F# con il dito 4 e G con il dito 5. Far passare sotto il dito è molto importante
per muoverti facilmente e con maggiore dimestichezza lungo tutto il piano.

Qui è
illustrato il movimento delle dita per la scala di G maggiore.
Diesis, bemolli e enarmonici
Abbiamo già imparato una nota diesis prima. Quella nota era la F# nella
scala di G maggiore. # è semplicemente il simbolo che rappresenta la
parola, diesis. Andiamo a vedere gli altri diesis.
Il tasto nero dopo la C è chiamato C# perché è mezzo tono più alto della
C, il tasto nero seguente è la D# perché è mezzo tono più alto della D, il
tasto nero seguente è la F# perché è mezzo tono più alto della F. Dopodiché
si prosegue con la G# che è mezzo tono più alto della G, e A# perché è un
mezzo tono più alto dell’A. Diesis significa semplicemente dover suonare il
tasto che è immediatamente a destra di un altro tasto.

Ci possono essere anche dei bemolli. (Bemolle può essere scritto come
una piccola “b”. Per esempio la B bemolle è scritto Bb).

Se da un tasto ci spostiamo a quello immediatamente a sinistra,


troviamo un bemolle. Per esempio il tasto alla sinistra della D è la Db,
infatti, il tasto che è mezzo tono più basso della E è la Eb e così via per tutti
gli altri.

Quindi “bemolle” significa suonare il tasto che è immediatamente a


sinistra del tasto stesso, ovvero la nota che è mezzo tono più bassa.

Da ciò si intuisce che un tasto nero può avere più di un nome. Per
esempio il tasto che è mezzo tono più alto della C è la C diesis, ma siccome
è anche un mezzo tono più basso della D può anche essere detto D bemolle.
Quando un tasto ha più di un nome, il termine che si usa è “enarmonico”.
C# e Db sono equivalenti enarmonici. F# e Gb sono equivalenti enarmonici.

Non lasciare che questi termini ti spaventino. Il concetto è molto


semplice.
Divertiamoci suonando una canzone semplice, “Mary aveva un
agnellino”. Le note sono: EDCDEEE DDDEGG
EDCEDDD EDDEDC.

Provala sul tuo piano e segui questo schema per il movimento delle dita:
3212333 222355 3212333 322321.
Semplice! Ci sei riuscito? Lo schema semplicemente significa che devi
suonare la E con il dito 3, D con il dito 2, C con il dito 1 e così via. G è
suonato con il quinto dito. Provaci di nuovo.

Intervalli
Un intervallo è semplicemente la distanza tra due note.
Prendiamo la scala di C maggiore, C-D-E-F-G-A-B-C per esempio. In
termini di intervalli, dalla C la D è la seconda, la E è la terza, la F è la
quarta, la A è la sesta, la B è la settima e la C è l’ottava.

Nella scala di G maggiore, G-A-B-C-D-E-F#-G, dalla C la A è la


seconda, la B è la terza, la C è la quarta, la D è la quinta, la E è la sesta, la
F# è la settima e la G è l’ottava.

Dalla C alla C si dice ottava perfetta. Dalla D alla D si dice ottava


perfetta. Dalla E alla e si dice ottava perfetta.
In base alla grandezza delle tue mani, puoi provare a suonare un’ottava.
Per esempio (con la tua mano destra) suona la C a sinistra con il pollice e la
C a destra con il mignolo. Provalo anche con gli altri tasti, come dalla D
alla D e dalla E alla E.
Se hai delle mani piccole (soprattutto i bambini) non preoccuparti.
Mentre cresci, ti verrà naturale.
Capitolo 3 – qualche passo avanti
Benvenuto alla terza lezione.
È il momento di fare qualche passo avanti. Daremo un’occhiata agli
accordi. Gli accordi sono semplicemente un gruppo di note che suonano
bene insieme. Un accordo è un insieme di note che vengono da quella scala.
Ti ricordi quando abbiamo detto che la tonica è la prima nota in una
scala? Per esempio nella scala di C maggiore, le cui note sono C-D-E-F-G-
A-B-C, la tonica è la C.
Puoi formare un accordo tonico basato sulla prima nota. Questo è
l’accordo più importante nella scala, è quello che di solito inizia e conclude
la tua canzone.
Questo accordo tonico è l’accordo di C maggiore ed è formato
suonando tre note 1, 3 e 5 insieme della scala di C maggiore. Queste note
sono la C, E e G.

Poi c’è un accordo dominante basato sulla quinta nota della scala.
Questo è il G maggiore. Le note sono G, B e D. Quando lo suoni dopo il C
maggiore, suona come se volesse tornare indietro all’accordo tonico (C
maggiore).
Per suonare un accordo, devi premere tutte e tre le note
contemporaneamente, nello stesso momento. Gli accordi di tre note sono
detti “triadi”.
Con allenamento regolare, diventerà facile. All’inizio sembra difficile
ma non preoccuparti.
Ecco un esercizio che dovresti fare, per renderti semplice suonare le tre
note dell’accordo insieme e con la stessa forza. Suona le note più esterne (1
e 5) dell’accordo insieme.

Per l’accordo di C maggiore, queste note sono la C e la G. Suonale con


il primo e il quinto dito. Dopo prova a suonare la nota centrale da sola con il
tuo dito medio. Quella nota è la E. Ora suona una nota esterna e quella
centrale (note 3 e 5). Poi tocca alla C e la E con le dita 1 e 3. Dopo molto
allenamento, sarà semplice mettere tutte e tre le note insieme.

Inversioni
Le inversioni altro non sono che scambi di note in un accordo. Per
esempio, invece di suonare C-E-G, dove la C è la prima nota, puoi suonare
E-G-C o G-C-E. E-G-C e G-C-E sono la prima e la seconda inversione,
rispettivamente, dell’accordo di C maggiore. C-E-G è l’accordo nella
posizione normale. Tutto quello che abbiamo fatto è stato alterare i numeri
1, 3 e 5 in diversi ordini. Stesse note ma suonate in odine diverso sulla
tastiera del piano.
Ora provaci. Suona l’accordo in G maggiore nella posizione classica.

In altre parole suona G-B-D. E dopo suona G-C-E invece che C-E-G.
Da G-B-D a G-C-E il suono è migliore rispetto che da G-B-D a C-E-G.

Invece che suonare l’accordo di C maggiore nella posizione classica, lo


abbiamo suonato come seconda inversione.

Accordi interi e accordi spezzati

Quando le note dell’accordo sono suonate insieme, come negli esempi


sopra, l’accordo si dice intero. Ma puoi spezzettare l’accordo e formare un
“accordo spezzato”. Prova quest’esercizio: suona le note C, E e G una dopo
l’altra, ruota il tuo polso leggermente da sinistra a destra come se stessi
girando il pomello di una porta. Fallo delicatamente e mantieni i muscoli
rilassati. Suona C-E-G e fallo anche con le varie inversioni dell’accordo.
Fallo con E-G-C e G-C-E, ora provalo anche con la mano sinistra usando le
dita 1,3 e 5. Potrebbe non riuscirti all’inizio, ma con la pratica, diventerà
davvero molto semplice.

La scala in D maggiore

Formiamo una scala in D maggiore. La scala maggiore in D inizia con


D e finisce in D ma un’ottava più alta. Ricordi quali mezzi toni e toni interi
sono? Ricordi la configurazione delle note in una scala maggiore?
Brevemente, un mezzo tono è la distanza tra una chiave e quella a lei più
vicina. Per esempio dalla E alla F è mezzo tono. Un tono intero è la distanza
tra una chiave e quella che sta due chiavi dopo. Per esempio, da D a E è un
tono intero. La formula per una scala maggiore, come abbiamo visto è W-
W-H-W-W-W-H: tono intero, tono intero, mezzo tono, tono intero, tono
intero, tono intero, mezzo tono.

Quindi, per formare una scala in D maggiore, inizia da D e arriva con


un tono intero fino a E, un tono intero fino a F#, un mezzo tono fino a G, un
tono intero fino ad A, un tono intero fino a B, un tono intero fino a C# e
mezzo tono fino a D.

D-E-F#-G-A-B-C#-D sono le note di una scala in D maggiore.

La diteggiatura per questa scala è 123 12345. Ciò sta a significare che il
dito 1 suona D, il dito 2 suona E e il dito 3 suona F#. Poi metti il dito 1
sotto il dito 3 e suona G, il dito 2 suona A, il dito 3 suona B, il dito 4 suona
C# e il dito 5 suona D. Fai attenzione ai due acuti in questa scala, F# e C#.
Ecco la diteggiatura della mano sinistra.
Accidentali ed Enarmonici

Sapevi che le chiavi bianche possono essere chiamate anche “acuti”? O


anche “bemolli”? Acuto significa andare di un semitono più in alto, mentre
bemolle significa andare di un semitono più in basso. Per questo, la chiave
che suona C può anche suonare B#, quella che suona E può anche suonare
Fb. C può essere B# e B può essere Cb. Molti principianti trovano difficile
impararlo, ma quando ti accorgerai che acuto e bemolle significano andare,
rispettivamente, in alto o in basso di mezzo tono, allora non sarà più
difficile.

Acuti e bemolli sono accidentali, ma c’è un altro tipo di accidentale


chiamato naturale. Per esempio, c’è C naturale, D naturale e così via. È
molto semplice e niente di cui preoccuparsi. C naturale è semplicemente C
sul pianoforte, D naturale è D, E naturale è E e così via. Sul pentagramma,
un naturale cancella l’acuto o il bemolle. Per esempio, se un compositore
prima voleva che tu suonassi F# in scala G maggiore, ma poi vuole farti
suonare F, metterà un segno naturale prima della nota. Quel segno ti farà
capire che dovrai suonare F invece di F acuto.

Più studierai questo libro, più tutto ti sembrerà più chiaro. Continua a
leggere fino alla fine, poi rileggi il libro mentre provi gli esercizi sullo
strumento e presto vedrai quanto semplice e naturale sarà, tanto da non
crederci.
Capitolo 4 – Teoria della musica: Ritmo
Il prossimo passo è imparare un po’ di teoria della musica. Impareremo
tutto ciò che riguarda il ritmo. Sei pronto? Partiamo! Impareremo a
proposito dei diversi tipi di note, la durata delle note, come contare le note,
e segnare il tempo.

Durata delle note

Nella musica, ci sono vari tipi di note: note intere, mezze note, quarti di
note, ottavi di note e così via. Ogni tipo di nota ha una durata diversa che si
misura in battiti di mano.

Una nota intera, chiamata anche semibreve, è disegnata come un


cerchio, anche se nel pentagramma ha forma ovale. Non ha il gambo e la
sua testa è cava. Questa nota dura quattro battiti.

Una mezza nota, chiamata anche minima, è disegnata come un cerchio


vuoto o ovale con un gambo. Alcuni gambi vanno verso l’alto o verso il
basso, dipende da dove si trova la nota all’interno del pentagramma. Una
mezza nota dura due battiti.

Un altro tipo di nota è il quarto di nota, chiamata anche semiminima,


è un cerchio riempito o un ovale con un gambo. Un quarto di nota dura per
un battito.
L’ultimo tipo di nota è l’ottava di nota, chiamata anche croma, è un
cerchio riempito o un ovale con un gambo che ha una bandiera. Questa nota
dura mezzo battito, dunque, troveremo due ottave in un battito.

Due ottave possono essere unite o legate insieme.


Due ottave equivalgono a un quarto di nota, due quarti di nota
corrispondono a mezza nota e due mezze note sono una nota intera. In altre
parole, in una nota intera, ci possono essere due mezze note, o quattro
quarti di nota, o otto ottavi. Le note possono continuare ad aggiungersi fino
al punto in cui abbiamo 16 note, 32 note, 64 note e 128. Ma questo va oltre
il compito di questo libro e riguardano lezioni molto più avanzate.

Indicazione del tempo

Diamo un’occhiata all’indicazione del tempo. Queste sono le frazioni


scritte all’inizio del pezzo. Molte canzoni hanno un tempo di ¾ o 4/4,
quest’ultima è la più comune.

Quindi qual è lo scopo delle indicazioni di tempo? Notare che le


indicazioni di tempo hanno due numeri, ogni numero ci dice cose diverse. Il
numero che si trova sopra ci dice quanti battiti sono misurati e quello
inferiore dice che tipo di note prende un battito. Per esempio, ¾ dice che ci
sono 3 battiti in una misura e un quarto di nota prende un battito. 4/4 dice
che ci sono 4 battiti in una misura e un quarto di nota prende un battito.
Molte canzoni hanno un’indicazione di 4/4. I Valzer hanno tutti
un’indicazione di ¾.

Contare le note

Contiamo le note. Puoi provvedere all’acquisto di un metronomo o


cercarne uno comodamente online, se non ne possiedi uno. Impostalo a 60
battiti al minuto.

Inizieremo con il quarto di nota, anche chiamata semiminima. Questa


nota dura un battito. Conta: 1-2-3-4, 1-2-3-4, 1-2-3-4, 1-2-3-4. C’è una nota
in ogni battito. Ogni numero rappresenta un battito. Conta e batti le mani
per ogni numero o battito.
Conta i quarti di nota:

1 (batti), 2 (batti), 3 (batti), 4 (batti),

1 (batti), 2 (batti), 3 (batti), 4 (batti),

1 (batti), 2 (batti), 3 (batti), 4 (batti),

1 (batti), 2 (batti), 3 (batti), 4 (batti).

Ci sono 16 quarti di nota in questo esempio. C’è un quarto di nota in


ogni battito.

Poi, contiamo le mezze note. Conteremo 1-2-3-4, 1-2-3-4, 1-2-3-4, 1-2-


3-4. Le mezze note cadono sui numeri 1 e 3. Batti sui numeri 1 e 3. Una
mezza nota o minima dura due battiti. Tieni la nota per due battiti.

Conta e batti le mezze note:

1 (batti), 2, 3 (batti), 4,

1 (batti), 2, 3 (batti), 4,

1 (batti), 2, 3 (batti), 4,

1 (batti), 2, 3 (batti), 4.

C’è una mezza nota sui battiti 1 e 3.


E adesso, contiamo le note intere. Conteremo 1-2-3-4, 1-2-3-4, 1-2-3-4,
1-2-3-4. La nota intera (o semibreve) cade sul numero 1 e viene tenuta per
quattro battiti. Batti solo sul numero 1.

Conta e batti le note intere:

1 (batti), 2, 3, 4,

1 (batti), 2, 3, 4,

1 (batti), 2, 3, 4,

1 (batti), 2, 3, 4.

Tutte le volte che contiamo “1-2-3-4”, contiamo una misura.


Contiamo le ottave. Questa volta conteremo 1 e 2 e 3 e 4, e 1 e 2 e 3 e
4, e 1 e 2 e 3 e 4, e 1 e 2 e 3 e 4. Devi dire “e” tra ogni battito.

Conta e batti le ottave:

1 (batti) & (batti) 2 (batti) & (batti) 3 (batti) & (batti) 4 (batti) & (batti),

1 (batti) & (batti) 2 (batti) & (batti) 3 (batti) & (batti) 4 (batti) & (batti),

1 (batti) & (batti) 2 (batti) & (batti) 3 (batti) & (batti) 4 (batti) & (batti),

1 (batti) & (batti) 2 (batti) & (batti) 3 (batti) & (batti) 4 (batti) & (batti).

Abbiamo contato 8 ottave in ogni misura. Abbiamo contato un totale di


32 ottave. Abbiamo battuto 32 volte.

Note punteggiate
Puoi aggiungere un punto alla destra di ogni nota e quando lo fai, il
valore della nota aumenta di una metà. Per esempio, se aggiungi un punto a
una mezza nota, durerà tre battiti. Una nota intera punteggiata dura sei
battiti, un quarto di nota punteggiato dura un battito e mezzo e un’ottava
punteggiata dura tre quarti di battito.

Puoi riprovare gli esercizi sopra illustrati e invece di battere, puoi


suonare le note sul pianoforte. Ora che conosci il ritmo, nel capitolo
successivo daremo un’occhiata alla melodia. Diventerà ancora più
interessante!!
Capitolo 5 – Come leggere le note:
Melodia
In questa lezione, impareremo a leggere le note, a identificarle
all’interno del pentagramma. Daremo un’occhiata alla chiave di basso, alla
chiave di violino, al pentagramma in chiave di basso, al pentagramma in
chiave di violino, al grande pentagramma, ai tagli addizionali, al C di
mezzo e a molto altro. Tutti questi termini sono abbastanza facili da capire.

Il pentagramma

Iniziamo dal pentagramma. La musica viene scritta in un pentagramma


formato da cinque righe e quattro spazi. Le righe e gli spazi sono numerati
qua sopra. La riga di fondo è la prima riga e la riga superiore è la quinta. Lo
spazio inferiore è il primo spazio e quello superiore è il quarto. Le righe e
gli spazi prendono il nome dalle prime sette lettere dell’alfabeto, A B C D E
F G.

Di solito, si
suonano le note sulla chiave di basso con la mano sinistra e le note sulla
chiave di violino con la destra.
Chiave di violino

Andando dal basso verso l’alto, le righe della chiave di violino sono
chiamate, E G B D F. Si possono ricordare facilmente usando la frase,
Every Good Boy Does Fine. Gli spazi nella chiave di violino sono chiamati
F A C E. Queste note sono facili da ricordare perchè formano la parola,
"face", dall’inglese “faccia” o “viso”.
Chiave di basso

Dal basso verso l’alto, le righe della chiave di basso sono chiamate, G B
D F A. Si possono ricordare usando la frase, Good Boys Do Fine Always.
Gli spazi della chiave di basso sono chiamati A C E G. Si possono
ricordare con la frase, All Cows Eat Grass.

Alle volte, la chiave di violino e la chiave di basso si combinano


formando il grande pentagramma. La chiave di violino e quella di basso
vengono unite da una linea perpendicolare e da una parentesi chiamata
brace. Nel mezzo del grande pentagramma, si trova una nota importante: la
middle C. E’ posizionata in quella che viene chiamata taglio
addizionale (ledger line).

I tagli addizionali sono delle brevi righe posizionate sopra e sotto il


pentagramma. Abbiamo bisogno di questi particolari segni perchè ci sono
più note sul pianoforte che devono essere messe all’interno del
pentagramma, soprattutto per quelle che sono o troppo alte o troppo basse
rispetto al pentagramma.

Sopra la chiave di violino, il primo taglio addizionale è A, il secondo C


e il terzo E. Ciò forma la parola “ACE” ed è un buon modo per tenere a
mente i nomi di queste note dei tagli addizionali. Sotto la chiave di basso,
se abbiamo tre tagli addizionali, il più basso dovrebbe essere A, il secondo
C e il terzo E. Anche queste formano la parola “ACE”. E’ la stessa
configurazione di note.

Studia le note della chiave di violino e della chiave di basso. Più tempo
impiegherai per impararle e più facile sarà.
Capitolo 6 – Accordi di tre note
Benvenuti alla lezione numero 6.

In questo capitolo imparerai come realizzare e suonare gli accordi.


Innanzitutto, i quattro tipi più importanti di accordi sono: gli accordi
maggiori, accordi minori, accordi aumentati e accordi diminuiti. Tutti questi
sono accordi di tre note. Gli accordi di tre note vengono chiamati triads.

Ricorda di non farti sopraffare, se procederai con un passo alla volta,


sarà facile. Non cercare di memorizzare tutti gli accordi in una volta sola;
non è un metodo efficiente. Prova tutti gli accordi e in seguito puoi tornare
ad esercitarti un passo alla volta. Ciò che spaventa le persone è il fatto che
pensano di doverli imparare tutti e subito. Non devi. È molto meglio
procedere per piccoli passi.

Prima di iniziare, diamo un’occhiata alle scale maggiori. Abbiamo già


visto tre scale, la scala in C maggiore, la scala in D maggiore e la scala in G
maggiore. Abbiamo visto che la formula per formare una scala maggiore è
W-W-H-W-W-W-H. Questo significa whole step- whole step- half step-
whole step- whole step- whole step- half step. Adesso daremo un’occhiata
alle note della scala maggiore in tutte le chiavi.
Scale maggiori

Le note della scala in C maggiore sono C – D – E- F- G – A – B- C.


Le note della scala in C# maggiore sono C# – D# – E# (=F) – F# – G# –
A# – B# (=C) – C#.
Le note della scala in Db maggiore sono Db – Eb – F – Gb – Ab – Bb –
C – Db.
Le note della scala in D maggiore sono D – E – F# – G – A – B – C# –
D.

Le note della scala in Eb maggiore sono Eb – F – G – Ab – Bb – C – D


– Eb.

Le note della scala in E maggiore sono E – F# – G# – A – B – C# – D#


–E

Le note della scala in F maggiore sono F – G – A – Bb – C – D – E – F.

Le note della scala in F# maggiore sono F# – G# – A# – B – C# – D# –


E# (=F) – F#.

Le note della scala in Gb maggiore sono Gb – Ab – Bb – Cb (=B) – Db


– Eb – F – Gb.

Le note della scala in G maggiore sono G – A – B – C – D – E – F# – G.

Le note della scala in Ab maggiore sono Ab – Bb – C – Db – Eb – F –


G – Ab.

Le note della scala in A maggiore sono A – B – C# – D – E – F# – G# –


A.

Le note della scala in Bb maggiore sono Bb – C – D – Eb – F – G – A –


Bb.

Le note della scala in B maggiore sono B – C# – D# – E – F# – G# – A#


– B.
Accordi maggiori
Con queste scale maggiori possiamo formare qualsiasi tipo di accordo
maggiore. Tutto quello che dobbiamo fare è combinare le note 1, 3 e 5 della
scala maggiore, perciò, usando la configurazione 1-3-5, ecco una lista di
accordi maggiori. Questi accordi maggiori possono essere suonati con le
dita 1,3 e 5.

Accordo in C maggiore – C E G
Accordo acuto in C maggiore – C# E# G#

Accordo in D maggiore – D F# A

Accordo bemolle in E maggiore – Eb G Bb

Accordo in E maggiore – E G# B

Accordo in F maggiore – F A C

Accordo acuto in F maggiore – F# A# C#

Accordo in G maggiore – G B D

Accordo bemolle in A maggiore – Ab C Eb

Accordo in A maggiore – A C# E

Accordo bemolle in B maggiore – Bb D F

Accordo in B maggiore – B D# F#

Accordi minori
Possiamo formare accordi minori cambiando una nota in un accordo
maggiore. È molto facile e non c’è bisogno di lunghe formule. Tutto ciò che
si deve fare è suonare la nota di mezzo di un semitono più basso. Per
esempio, per suonare in C minore, puoi prendere l’accordo in C maggiore,
le cui note sono C-E-G e suonare la nota E in un semitono più basso. C-E-G
diventano allora C-Eb-G. C-Eb-G sono le note dell’accordo in in C minore.
Per formare un accordo in A minore, prendi l’accordo A-C#-E e suona la
nota di mezzo in un semitono più basso. A-C#-E diventa A-C-E.
A-C-E sono le note
dell’accordo in A minore.
Gli accordi minori possono essere scritti m, min o -, per esempio Cm,
Cmin e C-. Questi accordi minori possono essere suonati con le dita 1,3 e 5.

Usando la configurazione 1-b3-5, ecco una lista degli accordi minori.

Accordo in C minore – C Eb G

Accordo acuto in C minore – C# E G#

Accordo in D minore – D F A

Accordo bemolle in E minore – Eb Gb Bb

Accordo in E minore – E G B

Accordo in F minore – F Ab C

Accordo acuto in F minore – F# A C#

Accordo in G minore – G Bb D

Accordo bemolle in E minore – Ab Cb Eb

Accordo in A minore – A C E

Accordo bemolle in B minore – Bb Db F

Accordo in B minore – B D F#
Accordi diminuiti
Per formare un accordo diminuito, puoi prendere un accordo maggiore e
suonare le note 3 e 5 della scala di un semitono più basso. 1-3-5 diventa 1-
b3-b5. Per esempio, le note dell’accordo in C maggiore sono C-E-G, e
suonare E e G in un semitono più basso da come risultato C-Eb-Gb. C-Eb-
Gb sono le note dell’accordo diminuito in C. Gli accordi diminuiti sono
scritti come dim o °, per esempio Cdim o C°.

Ecco una lista di accordi diminuiti usando la configurazione 1-b3-b5.

Accordo diminuito in C – C Eb Gb

Accordo acuto diminuito in C – C# E G


Accordo diminuito in D – D F Ab

Accordo bemolle diminuito in E – Eb Gb A

Accordo diminuito in E – E G Bb

Accordo diminuito in F – F Ab Cb

Accordo acuto diminuito in F – F# A C

Accordo diminuito in G – G Bb Db

Accordo bemolle diminuito in A – Ab Cb D

Accordo diminuito in A – A C Eb

Accordo bemolle diminuito in B – Bb Db Fb

Accordo diminuito in B – B D F

Accordi aumentati
Per formare un accordo aumentato, puoi prendere un accordo maggiore
e suonare la nota 5 della scala un mezzo tono più alto. Per esempio, le note
dell’accordo in F maggiore sono F-A-C. Per suonare in F aumentato, suona
il C in un mezzo tono più alto. Grazie a questo si ottiene C#.

Le note dell’accordo aumentato in F sono F-A-C#. 1-3-5 diventa 1-3-


5#. Gli accordi aumentati si scrivono aug e +, per esempio, Daug e D+.
Ecco una lista di accordi aumentati.

Accordo aumentato in C – C E G#

Accordo aumentato in C# – C# E# A

Accordo aumentato in D – D F# A#

Accordo aumentato in Eb – Eb G B

Accordo aumentato in E – E G# B#

Accordo aumentato in F – F A C#

Accordo aumentato in F# – F# A# D

Accordo aumentato in G – G B D#

Accordo aumentato in Ab – Ab C E

Accordo aumentato in A – A C# E#

Accordo aumentato in Bb – Bb D F#

Accordo aumentato in B– B D# G
Capitolo 7- Accordi estesi
Gli accordi che abbiamo elencato nel Capitolo 6 erano accordi di tre
note, anche conosciuti come triads. Adesso daremo un’occhiata ad accordi
di quattro note, rispettivamente, accordi in settimo dominante, settimo
maggiore, settimo minore e in sesto minore.

Accordi in settimo dominante


Iniziamo con l’accordo in settima dominante, questo è formato dalla
combinazione delle note 1,3,5 e 7 della scala maggiore. La nota 7 viene
suonata di un mezzo tono più basso. Ecco una lista di accordi in settima
dominante che segue la configurazione 1-3-5-b7. Gli accordi dominanti
sono scritti dom7 o 7, per esempio Bdom7 e B7.

Accordo in settima dominante in C – C E G Bb

Accordo in settima dominante in C# – C# E#(F) G# B

Accordo in settima dominante in D – D F# A C

Accordo in settima dominante in Eb – Eb G Bb Db

Accordo in settima dominante in E – E G# B D

Accordo in settima dominante in F – F A C Eb

Accordo in settima dominante in F# – F# A# C# E

Accordo in settima dominante in G – G B D F

Accordo in settima dominante in Ab – Ab C Eb Gb


Accordo in settima dominante in A – A C# E G

Accordo in settima dominante in Bb – Bb D F Ab

Accordo in settima dominante in B – B D# F# A

Accordi maggiori in settima


Per formare un accordo in settima maggiore, combina le note 1,3,5 e 7
della scala maggiore. È molto semplice. Per esempio, dal momento che le
note della scala in C maggiore sono C-D-E-F-G-A-B-C, le note
dell’accordo in settima maggiore in C sono C-E-G-B. Ecco una lista degli
accordi in settima maggiore secondo la configurazione 1-3-5-7. Gli accordi
in settima maggiore si scrivono maj7 o M7, per esempio Gmaj7 e GM7.

Accordo in settima maggiore in C – C E G B

Accordo in settima maggiore in C# – C# E#(F) G# B#(C)

Accordo in settima maggiore in D – D F# A C#


Accordo in settima maggiore in Eb – Eb G Bb D

Accordo in settima maggiore in E – E G# B D#

Accordo in settima maggiore in F – F A C E

Accordo in settima maggiore in F# – F# A# C# E#(F)

Accordo in settima maggiore in G – G B D F#

Accordo in settima maggiore in Ab – Ab C Eb G

Accordo in settima maggiore in A – A C# E G#

Accordo in settima maggiore in Bb – Bb D F A

Accordo in settima maggiore in B – B D# F# A#


Accordi in settima minore
Per formare un accordo in settima minore, basta combinare le note 1, b3
e b7 della scala maggiore. Le note 3 e 7 della scala vengono suonate un
mezzo tono più basso. Ecco una lista di accordi in settima minore che
seguono la configurazione 1-b3-5-b7. Gli accordi in settima minore si
scrivono m7 o min7, per esempio Amin7 e Am7.

Accordo in settima minore in C– C Eb G Bb

Accordo in settima minore in C#– C# E G# B

Accordo in settima minore in D – D F A C

Accordo in settima minore in Eb – Eb Gb Bb Db

Accordo in settima minore in E – E G B D

Accordo in settima minore in F – F Ab C Eb

Accordo in settima minore in F# – F# A C# E


Accordo in settima minore in G – G Bb D F

Accordo in settima minore in Ab – Ab Cb(B) Eb Gb

Accordo in settima minore in A – A C E G

Accordo in settima minore in Bb – Bb Db F Ab

Accordo in settima minore in B– B D F# A


Accordi in sesta minore

E infine, diamo un’occhiata all’accordo in sesta maggiore. Questo


accordo viene usato molto nella musica Jazz, per formarlo basta combinare
le note 1,3,5 e 6 della scala maggiore. Ecco una lista di accordi in sesta
maggiore che seguono la configurazione 1-3-5-6. Gli accordi in sesta
maggiore si scrivono M6 o 6, per esempio DM6 e D6.

Accordo in sesta maggiore in C – C E G A

Accordo in sesta maggiore in C# – C# E# G# A#

Accordo in sesta maggiore in D – D F# A B

Accordo in sesta maggiore in Eb – Eb G Bb C

Accordo in sesta maggiore in E – E G# B C#

Accordo in sesta maggiore in F – F A C D

Accordo in sesta maggiore in F# – F# A# C# D#

Accordo in sesta maggiore in G – G B D E

Accordo in sesta maggiore in Ab – Ab C Eb F

Accordo in sesta maggiore in A – A C# E F#

Accordo in sesta maggiore in Bb – Bb D F G

Accordo in sesta maggiore in B – B D# F# G#

Poichè questi accordi ti porteranno a un livello superiore, fai pratica


regolarmente.
Conclusione
Voglio congratularmi con te per essere arrivato alla fine di questo
ebook. Con questo atteggiamento positivo sei a buon punto e di questo
passo potrai imparare a diventare uno straordinario musicista di pianoforte
o pianola. Dipende tutto dall’impegno, dalla perseveranza e dal regolare
esercizio.

Voglio incoraggiarti ad esercitarti quotidianamente, o quantomeno,


qualche volta a settimana. Non far passare troppi giorni tra un’esercitazione
e l’altra.

Divertiti con gli esercizi. Suonare il pianoforte è una delle attività più
interessanti e attive che tu possa intraprendere.

Non apprenderai tutto istantaneamente, questo tipo di lezioni richiedono


tempo. I più abili musicisti hanno attraversato gli stessi problemi che
affronterai tu, molti hanno pianto quando tutto sembrava irraggiungibile.
Ma hanno perseverato, riuscendo ad ottenere grandissimi risultati.

La gioia che proverai suonando il piano con disinvoltura, è impagabile.


Procedi un giorno alla volta e raggiungerai i tuoi obiettivi. Puoi farcela!

Ancora una volta, voglio ringraziarti per aver comprato questo


manuale/corso. Se l’hai trovato utile, ti sarei molto grato se lasciassi una
veloce recensione su Amazon.

Ne sarei molto felice, molte grazie.