Il movimento della Land art si sviluppa negli Stati Uniti intorno alla metà degli anni

Sessanta del 1900. La Body art comprende quelle ricerche artistiche che, fra gli anni Sessanta e
A differenza della minimal art, impegnata a ricercare un confronto con le forme
artificiali della città (utilizzo di materiali industriali e strutture geometriche), la land art
ricerca un contatto con i luoghi naturali e incontaminati che caratterizzano
prevalentemente il territorio americano.
Pur derivanti dal minimalismo (per via della pulizia delle linee, l?essenzialità della
composizione e il rigore della fase progettuale) le opere della land art si
contraddistinguono per una forte valenza emozionale, per l?utilizzo di materiali
naturali e per lo stretto contatto con la conformazione geologica del territorio
(anch?esso parte integrante dell?opera). Il fine è quello di creare un linguaggio in cui
cultura e natura, forma artistica e forma naturale possono mettersi in relazione e
fondersi armonicamente nell?opera.
Heizer, De Maria, Smithson, Serra, Long (i più noti esponenti del movimento) non
hanno come obiettivo quello di collocare sculture nel deserto o nei luoghi naturali, né
tanto meno quello di utilizzare elementi naturali (ad es. legno, pietre, ecc.) come
strumenti per la realizzazione dell?opera. Al contrario il loro scopo è quello di trovare
un contatto diretto con la natura, coinvolgendola un rapporto più intimo che
scaturisce nella potenza dell?opera.
I loro lavori rimandano a forme geometriche minimali (cerchi, spirali, parallelepipedi
semplici) alle quali si aggiungono, nella realizzazione, fattori emotivi ed emozionali,
derivanti dalla sintonia che si crea fra l?artista e il luogo (la conformazione del territorio
e i materiali presenti).
In questa forma d?arte importanti sono anche aspetti di carattere sociale legati ad una
nuova visione della realtà e nuovi modelli di vita, centrati su un contatto più profondo
con le esperienze e le forme del mondo naturale circostante.
Settanta del 1900, utilizzano il corpo come ?materia espressiva?: il corpo ora
non viene più interpretato o rappresentato attraverso i materiali dell?arte (ad
esempio il ritratto pittorico, fotografico, scultoreo), ma usato esso stesso come
materiale, come soggetto e strumento d?arte. Superato il concetto di
rappresentazione, gli artisti della body art vivono in prima persona,
direttamente, sinceramente, l?evento artistico.
Nelle loro performance sperimentano, attraverso il corpo, le varie pulsioni che
stanno alla base della vita di ognuno, arrivando a scoprire sé stessi in
profondità e in modo autentico.
Attraverso l?uso del corpo gli artisti (Gilbert & George, Luthi, Horn, Pane,
Abramovic & Ulay, Burden e molti altri) non intendono interpretare un
personaggio o rappresentare una storia, ma sono essi stessi il personaggio e
vivono in prima persona una storia, che è soprattutto la loro storia.
Con l?esperienza del dolore o del piacere, seguendo le pulsioni dell?inconscio,
questi artisti vivono in prima persona ogni tipo di evento, sempre alla ricerca di
nuove verità su sé stessi e sulla realtà circostante.
Gli esponenti della body art nelle loro performance, dove il pubblico diviene
spettatore emozionalmente partecipe, non mettono in scena ma vivono
realmente emozioni autentiche e forti pulsioni: il corpo viene dipinto, travestito,
spinto al movimento più estremo, sottoposto a fatica o dolore, manipolato ecc. Testo
come una materia prima e divenendo esso stesso opera d?arte.
A differenza del teatro, dove tutto avviene secondo un preciso copione e
attraverso una tecnica che deve mostrarsi sempre uguale a sé stessa, nelle
performance della body art tutto è vero, vissuto e per questo irripetibile.

prima

cubismo pop art collegamento arte povera in

prende immagini della minimal art quanto utilizzano body art
vedere realtà
con una
quarta
dimensione
surrealismo quotidianità e renderla
opera d`arte in
contrapposizioni per il
concetto
astratto della
realtà
land art matteriali non
artistici e istallazioni
in stretto rapporto
(natura
umana
corpo)
graffitismo
corpo umano
stilizzato
damian hirst
natura squalo

consumismo con l'ambiente

L?Arte povera è un movimento che, nella seconda metà degli anni Sessanta,
riporta l?Italia al centro del dibattito artistico internazionale.
Viene fondato a Torino da un gruppo di artisti (Pistoletto, Penone, Anselmo, Fabro,
Kounellis, Paolini e altri) e dal critico Germano Celant, che nel 1969 pubblica il libro
?Arte povera?, nel quale vengono espresse le teorie del movimento e dove l?incipit
dice: ?Animali, vegetali e minerali sono insorti nel mondo dell?arte?.
L?arte povera propone un linguaggio che, in sintonia con il clima internazionale di
quell?epoca, si apre all?utilizzo più svariati materiali, soprattutto quelli naturali. I lavori
dell?arte povera si oppongono al concetto di rappresentazione (ovvero di
raffigurazione della realtà o del mondo interiore dell?artista) in favore del
?direttamente vissuto?. Ricercano un modo di fare arte grazie al quale sia possibile
?aprire un rapporto nuovo con il mondo delle cose? e in particolare con la natura.
Gli artisti poveristi interpretano il rapporto fra l?artista e il mondo circostante come
un incontro diretto fra esseri viventi, e il loro scopo è quello di far emergere un
linguaggio artistico che sia carico dei sentimenti che da questo incontro derivano.
Questa interazione profonda però non avviene solo nel contatto fra artista e realtà
naturale, ma coinvolge anche lo spettatore. Infatti, l?interazione è fra artista, mondo
e spettatore, il quale viene chiamato in causa per partecipare attivamente al farsi
dell?opera.
TestoIl movimento del Graffitismo si sviluppa principalmente a New
York la fine degli anni Settanta e l?inizio degli anni Ottanta del 1900 ad
opera di artisti (Haring, Rammellzee A-One, Futura 2000, Basquiat e
altri) che danno vita ad un proliferare di nuovi segni, tecnologici,
metropolitani, ricercando spazi alternativi sui quali agire (cartelloni
pubblicitari, vagoni della metropolitana, muri dei quartieri
periferici).
Provenienti dai ghetti del Bronx e di Brooklyn, dalla strada, da una
cultura ?bassa?, pur possedendo una buona conoscenza della storia
dell?arte, questi artisti praticano una pittura-segno palpitante e frenetica.
Si tratta di un segno anarchico e tecnologico, sia nella sua struttura che
per i materiali utilizzati (bombolette spray e pennarelli indelebili) che
prende spunto dalla realtà circostante. Segni e lettere, figure e ?firme? si
intrecciano nei lavori di questi artisti, che propongono stili e soggetti
innovativi, in totale libertà rispetto alla sedimentazione culturale della
metropoli.