LINGUAGENS, CÓDIGOS

E SUAS TECNOLOGIAS
Frente: Língua Portuguesa IV
EAD – MEDICINA
Professor(a): Tom Dantas

AULA 06

Assunto: O Percurso da Arte II: do Renascimento ao Neoclássico

É importante destacar que, em relação à pintura, duas

grandes novidades marcam a arte renascentista: a utilização da
Resumo Teórico perspectiva, através da qual os artistas conseguem reproduzir,
em suas obras, espaços reais sobre uma superfície plana, dando a
noção de profundidade e de volume, ajudados pelo jogo de cores
Santa Maria delle Grazie Milão Itália

que permitem destacar na obra os elementos mais importantes e

obscurecer os elementos secundários; e a utilização da tinta a óleo,
que possibilitará a pintura sobre tela com uma qualidade maior, dando
maior ênfase à realidade e maior durabilidade às obras.

CARACTERÍSTICAS FUNDAMENTAIS DA ARTE RENASCENTISTA

• Valorização da cultura greco-romana. Para os artistas

renascentistas, os gregos e os romanos possuíam uma visão
VINCI, Leonardo da (1452-1519) A Última Ceia, 1495-1498. completa e humana da natureza, diferentemente dos homens
Têmpera no gesso.
medievais;
Considerado um de seus mais brilhantes trabalhos, A Última • Exploram-se a inteligência, o conhecimento e o dom artístico;
Ceia, de Leonardo Da Vinci, esbanja perfeição. Ele a declarou como • O homem passa a ser o centro de tudo, pois se valoriza o
concluída, embora eternamente insatisfeito, por isso continuou, antropocentrismo;
durante anos, trabalhando nela. Após sua exposição ao público, • Explora-se a perspectiva e a harmonia;
Da Vinci tornou-se um dos primeiros mestres da Itália, quiçá o primeiro.
• Desenvolve-se pintura de cunho religioso e mitológico;
É fato que muitos artistas chegavam ao convento de Santa Maria
delle Grazie para analisar cuidadosamente a pintura. Quase sempre • A pintura retratista assume importante papel;
a copiavam e discutiam sobre a obra. Diz-se que o rei da França, ao • Utiliza-se a tinta a óleo;
chegar a Milão, teve a ideia impossível de remover o afresco da parede • Exploram-se as formas anatômicas nas esculturas etc.
para levar para o seu país.

PRINCIPAIS ARTISTAS
A arte renascentista: o retorno à arte
clássica 1. Michelangelo Buonarroti (1475-1564): era um artista de
múltiplas faces, pois se destacou na arquitetura, na pintura e
Embora os historiadores não cheguem a um consenso, fala-se que,
na escultura. Obras-primas: Davi, Pietá, Moisés e as pinturas
entre o fim do século XII e meados do século XVII, a história da Europa é
do teto da Capela Sistina.
revestida de inovações no campo da ciência e das artes. Esse período ficou
2. Rafael Sanzio (1483-1520): pintou várias representações
conhecido como Renascimento, Renascença ou Renascentismo.
da Virgem Maria com o menino Jesus, conhecidas como
É fato que o período foi marcado por várias transformações nas
madonas.
áreas da vida humana, assinalando, com isso, o fim da Idade Média e o
3. Leonardo Da Vinci (1452-1519): um exímio representante
início da Idade Moderna. Essas mudanças ficaram evidentes na cultura,
do Renascimento, pois foi pintor, escultor, cientista,
na sociedade, na economia, na política e na religião, caracterizando
engenheiro, físico, escritor etc. Obras-primas: Mona Lisa e
a transição do feudalismo para o capitalismo, o que significa uma
A Última Ceia.
ruptura com as estruturas medievais. Floresce, nesse período, uma
4. Sandro Botticelli (1445-1510): grande pintor italiano; suas
arte que busca inspiração nos valores clássicos, a arte renascentista.
obras trazem temas mitológicos e religiosos. Obras-primas:
Gênova, Veneza e Florença são cidades italianas que,
O nascimento de Vênus e A Primavera.
durante os séculos XIV e XV, acumularam riquezas provenientes
5. Outros nomes: Giotto di Bondono (1266-1337), considerado
do comércio. Os ricos comerciantes, que ficaram conhecidos como
precursor do Renascimento; Tintoretto (1518-1594),
mecenas, começaram a investir nas artes, o que contribuiu para o
considerado importante pintor veneziano da fase final do
desenvolvimento artístico e cultural da Itália. Esse movimento cultural
Renascimento; Veronese (1528-1588), pintor maneirista do
não se limitou à Península Itálica, na verdade, espalhou-se para outros
Renascimento Italiano.
países europeus, como Inglaterra, Espanha, Portugal, França, Polônia
e Países Baixos.

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 Módulo de Estudo

Analisando a produção de alguns artistas realizou trabalhos principalmente em Florença e tudo indica que,
nessa época, tenha pintado sua obra mais famosa: a enigmática
Gioconda. Trabalhou para o rei Francisco I da França, onde realizou
Michelangelo Buonarroti
belos trabalhos. Morreu na França em 1519.
“O amor é a asa rápida que Deus deu à nossa alma para que Principais características das pinturas de Da Vinci:
ela voe até o céu.” utilização da técnica artística da perspectiva, uso de cores próximas
Patrocinado pela família Medici de Florença, Michelangelo, da realidade, figuras humanas perfeitas, temas religiosos, uso da
durante setenta anos, desenvolve seu trabalho artístico, entre as matemática em cálculos artísticos, imagens principais centralizadas,
cidades italianas de Florença e Roma. De aprendiz dos irmãos Davide e paisagens de fundo, figuras humanas com expressões de sentimento,
Domenico Ghirlandaio a protegido dos Medici de Florença, esse artistia detalhismo artístico. Além disso, Leonardo da Vinci é considerado o
ganha fama muito rapidamente. Em Roma, está a maior parte de suas pai da técnica do sfumato, que consiste em criar gradientes perfeitos
obras mais importantes. Inserido na transição do Renascimento para o numa pintura, criando luz e sombra.
Maneirismo, o estilo de Michelangelo revela as ideias do Humanismo
e do Neoplatonismo, centrado, sobretudo, na representação do nu Obras representativas da produção artística de
masculino, que o retratou com enorme talento. Leonardo Da Vinci
Quando se fala em arte ocidental, não se pode esquecer
Michelangelo, pois suas obras estão entre as criações mais célebres. Também conhecida como Gioconda,

Museu do Louvre Paris França

Entre elas, podem-se citar as esculturas de Baco, Pietà, David e Moisés, as esta é a mais famosa pintura de Da Vinci.
pinturas feitas no teto da Capela Sistina e os afrescos na Capela Paulina. O que mais chama a atenção é o sorriso
Além disso, o artista trabalhou como arquiteto da Basílica de São Pedro, misterioso da figura feminina. Será que
remodelou a praça do Capitólio romano e projetou vários edifícios. ela está mesmo sorrindo? Note também o
efeito de profundidade e de luminosidade
Obras representativas da produção artística de obtido pelo artista. Observe a impressão
de profundidade dada pelos contornos
Michelangelo
cada vez menos nítidos das montanhas,
à medida que se distanciam do primeiro
Cosmin-Constantin Sava/123RF/Easypix

plano. A água também se torna menos

nítida, quando se afasta do primeiro plano.
A paisagem de fundo, com traços e cores
VINCI, Leonardo da (1452-1519).
menos precisos, cria contraste com a figura Mona Lisa, 1503-06.
feminina em primeiro plano. Observe a
fisionomia com traços bem nítidos, as mãos e o colo. Veja como a pele
reflete bastante a luminosidade em contraste com as roupas escuras.
Tudo isso mostra a capacidade de Da Vinci como pintor. Ainda assim,
o que intriga o observador é que, embora os traços da figura sejam
nítidos, os sentimentos expressos em seu rosto são imprecisos.
Michelangelo (1475-1564). Juízo Final, 1534-41, Afresco.

Galeria Uffizi Florença Itália

Detalhe mostrando Maria e Jesus.
Asier Villafranca/123RF/Easypix
Basílica de São Pedro Vaticano/foto:
Pkruger/123Rf/Easypix

VINCI, Leonardo da (1452-1519). A anunciação, 1472.

Óleo sobre papel.
Museu do Louvre, França

Michelangelo (1475-1564). Pietà, 1499. Michelangelo (1475-

1564). Davi, 1501-04.

Leonardo Da Vinci
“A simplicidade é a máxima sofisticação”.
Biblioteca Real de Turim, Itália

Considerado um dos mais

importantes pintores italianos, Leonardo
Da Vinci simboliza a própria renascença
cultural. Era um gênio, pois desempenhava
várias funções e, em todas, obteve sucesso.
Foi anatomista, engenheiro, matemático,
arquiteto, músico, naturalista, inventor e
escultor.
Da Vinci fez estágio no estúdio
de Verrochio na cidade de Florença. VINCI, Leonardo da
Viveu em Milão, onde trabalhou para VINCI, Leonardo da (1452-1519). (1452-1519). A virgem dos
a corte de Ludovico Sforza. Até 1506, Autorretrato, 1510-15. rochedos, 1483-86.

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 Módulo de Estudo

Rafael Sanzio

Museu do Vaticano, Cidade do Vaticano, Itália

Galeria Uffizi Florença Itália

SANZIO, Rafael (1483-1520). SANZIO, Rafael (1483-1520). A Escola de Atenas, 1510-11. Afresco.
Autorretrato, 1506.
Óleo sobre papel. Em A Escola de Atenas, estão Platão e Aristóteles no centro
Importante artista plástico italiano da época do Renascimento, da cena; à sua volta se agrupam outros sábios e estudiosos. Depois
Rafael Sanzio nasceu na cidade de Urbino em 6 de abril de 1483 que o olhar do observador passeia pelo conjunto de figuras e procura
identificar outras personagens, sua atenção volta-se para o amplo
e morreu na cidade de Roma no dia 6 de abril de 1520. Destacou-se
espaço arquitetônico representado na pintura. São admiráveis a
principalmente nas áreas da pintura e arquitetura. Sua arte foi
sugestão de profundidade e a beleza monumental de arcadas e
reconhecida graças à suavidade e à perfeição de suas obras.
estátuas. É, aliás, nesse modo de representar o espaço e ordenar as
Quando tinha seis anos de idade, o pai de Rafael o levou para
figuras, com equilíbrio e simetria, que reside o valor artístico da pintura
ser aprendiz no estúdio de Pietro Perugino (importante pintor italiano).
serena, mas eloquente de Rafael.
Em 1501, termina sua primeira obra, um altar para a Igreja de San
Nicola da Tolentino. Em 1504, Rafael pinta sua principal obra de sua
primeira fase artística: O Casamento da Virgem.
Sandro Botticelli
Foi morar na cidade de Siena no ano de 1504. Logo após,
Considerado um dos mais importantes artistas do Renascimento,
foi morar na cidade de Florença, onde passou quatro anos. Em
o italiano Sandro Botticelli nasceu no ano de 1445 e morreu em 1510.
Florença, recebeu grande influência artística de Fra Bartolomeu e
Desde muito jovem, dedicou-se à pintura e mostrava muito talento para
Leonardo Da Vinci. Em 1508, o Papa Júlio II contratou os serviços
as artes. Em suas obras, seguiu temáticas religiosas e mitológicas.
artísticos de Rafael para que fizesse a decoração dos apartamentos Sandro Botticelli resgatou vários aspectos culturais e artísticos
do papa no Vaticano. Em 1515, tornou-se arquiteto oficial do das civilizações grega e romana. Como muitos de sua época, o artista
Vaticano. Assumiu a responsabilidade pela continuação das obras chegou a fazer retratos de pessoas famosas da época. Suas pinturas
na Basílica de São Pedro. Neste mesmo ano, foi designado para são marcadas por um forte realismo, por movimentos suaves e por
supervisionar as pesquisas arqueológicas que ocorriam na cidade cores vivas.
de Roma. Entre 1513 e 1517, trabalhou para o Papa Leão X. O Nascimento de Vênus, de 1485, é considerada uma de suas
Nesta época, produziu muitos retratos, desenhos de tapeçaria, obras mais conhecidas na história da arte ocidental. Nela se observam
cenografias e decorações sacras. Rafael morreu com 37 anos de a valorização das forças da natureza e o resgate da mitologia romana.
idade, no ano de 1520. Relatos da época indicam que o pintor Principais obras de Botticelli (pinturas): O Nascimento de
estava com uma grave febre. Vênus; A Primavera; A Adoração dos Magos; A Tentação de Cristo;
Retrato de Dante Alighieri; A Coroação da Virgem; O Inferno de Dante;
Obras representativas da produção artística de Virgem com o Menino e dois Santos; As provações de Moisés etc.
Rafael Sanzio Galeria Uffizi, Itália
Museu de Arte de São Paulo

BOTTICELLI, Sandro (1445-1510). A primavera, 1482.

Têmpera sobre madeira.
A Primavera ou Alegoria de Primavera é um quadro de Botticelli
que utiliza a técnica de têmpera sobre madeira. Na revista Cultura e
Valores, em 2009, o quadro foi descrito como “um dos quadros mais
populares na arte ocidental”. Nessa pintura, veem-se seis figuras
femininas e duas masculinas, juntamente com um anjo de olhos
SANZIO, Rafael (1483-1520). Ressurreição de Cristo,
1499-1502. Óleo sobre papel.
vendados, numa plantação de laranjas. À direita, uma figura feminina

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coroada de flores num vestido de estampa floral espalha flores,
recolhidas nas dobras do seu vestido. Seu companheiro mais próximo,
uma mulher de branco diáfano, está sendo tomado por um homem
com asas. Suas bochechas estão inchadas, sua intenção de expressão
e contemplação natural separa-o dos restantes. As árvores ao redor
dele sopram na sua direção, assim como a saia da mulher que ele
está aproveitando. Agrupado à esquerda, um grupo de três mulheres
também em branco diáfano unem as mãos a dançar, enquanto um
jovem coberto de vermelho com uma espada e um capacete levanta
um pedaço de madeira levantando algumas finas nuvens de cinza.
Duas das mulheres usam colares bem destacados. O cupido a voar
tem uma seta voltada para as meninas dançando. Central e um pouco
isolada das outras figuras está uma mulher vestida de vermelho e azul
com olhar de espectadora. As árvores atrás delas formam um arco
quebrado em forma de dois olhos.
QUADRO-SÍNTESE DA ARTE RENASCENTISTA
• Uso de ordens arquitetônicas;
• Arcos de volta perfeita;
• Construções simplificadas;
• A escultura e a pintura se desprendem da
Arquitetura
arquitetura e passam a ser autônomas;
• Tipos de construções: palácios; igrejas; vilas;
fortalezas (com funções militares); praças; casa de
tendência para a estilização exagerada e um capricho nos detalhes
começa a ser sua marca, extrapolando, assim, as rígidas linhas dos
cânones clássicos.
Para alguns historiadores, o Maneirismo é a transição entre o
Renascimento e o Barroco, enquanto outros preferem vê-lo como um
estilo, propriamente dito. O certo, porém, é que o Maneirismo é uma
consequência de um renascimento clássico que entra em decadência.
Os artistas se veem obrigados a partir em busca de elementos que
lhes permitam renovar e desenvolver todas as habilidades e técnicas
adquiridas durante o Renascimento.
Uma de suas fontes principais de inspiração é o espírito religioso
reinante na Europa nesse momento. Não só a Igreja, mas toda a Europa
estava dividida após a Reforma de Lutero. Carlos V, depois de derrotar as
tropas do sumo pontífice, saqueia e destrói Roma. Reinam a desolação
e a incerteza. Os grandes impérios começam a se formar, e o homem já
não é a principal e única medida do universo.
Em consequência disso, pintores, arquitetos e escultores são
impelidos a deixar Roma com destino a outras cidades. Valendo-se
dos mesmos elementos do Renascimento, mas agora com um
espírito totalmente diferente, criam uma arte de labirintos, espirais e
proporções estranhas, que são, sem dúvida, a marca inconfundível do
estilo maneirista. Mais adiante, essa arte acabaria cultivada em todas
as grandes cidades europeias.

Galeria Skoklosters Slott Bålsta Suécia

descanso fora da cidade etc.
• Utilização da perspectiva;
• A técnica do sfumato;
• Senso de realismo;
• Individualismo artístico;
• Modelo retratista;
Pintura
• Antropocentrismo;
• Temas religiosos;
• Feições anatômicas;
• Mitologia (valorização da cultura greco-romana);
• Uso do claro-escuro etc.
• Temas religiosos; ARCIMBOLDO, Giuseppe (1527-1593).
• Perfeição anatômica (estudo do corpo humano); O bibliotecário, 1570. Óleo sobre tela.
• Harmonia artística;
Escultura • Profundidade e perspectiva; PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DA ARTE MANEIRISTA
• Representação fiel ao modelo representado; • É comum a presença de multidão em que figuras se
• Proporção da obra mantendo sua relação com comprimem em espaços arquitetônicos reduzidos, o que
a realidade etc. forma planos paralelos, irreais, e gera tensão permanente;
• Apresenta corpos de formas esguias e alongadas, em
A arte maneirista: o excesso artístico na substituição aos membros bem-torneados do Renascimento;
• Os corpos costumam apresentar contorções absolutamente
expressividade impróprias para os seres humanos;
• Apresenta rostos melancólicos e misteriosos que surgem entre
Entre as tendências que
Pinacoteca de Volterra Itália

as vestes, de um drapeado minucioso e cores brilhantes;

acompanham o Renascimento clássico,
a mais discutida é o Maneirismo.
O alcance e o significado do termo
continuam problemáticos, pois seu
significado original era preconceituoso
e sarcástico, já que designava um
grupo de artistas de Roma e Florença
que tinha um estilo “artificial”,
derivando de certas características de
Rafael e Michelangelo. Recentemente,
reconheceu-se o Maneirismo como parte
de um movimento mais amplo, subjetivo
e fantástico.
Em Roma, o Maneirismo se
desenvolve do ano de 1520 até por volta
de 1610. Nesse estilo, há uma evidente
• A luz se detém sobre objetos e figuras, produzindo sombras
inadmissíveis. Os verdadeiros protagonistas do quadro já
não se posicionam no centro da perspectiva, mas em algum
ponto da arquitetura, onde o olho atento deve, não sem
certa dificuldade, encontrá-lo.
Principal artista: El Greco (1541-1614), ao fundir as formas
iconográficas bizantinas com o desenho e o colorido da pintura
veneziana e a religiosidade espanhola. Na verdade, sua obra não foi
totalmente compreendida por seus contemporâneos. Nascido em
Creta, acredita-se que começou como pintor de ícones no convento
de Santa Catarina, em Cândia. De acordo com documentos existentes,
no ano de 1567, emigrou para Veneza, onde começou a trabalhar
no ateliê de Ticiano, com quem realizou algumas obras. Depois de
FIORENTINO, Rosso (1494-1540). alguns anos de permanência em Madri, ele se estabeleceu na cidade
A descida da cruz, 1521.
Óleo sobre painel.
de Toledo, onde trabalhou praticamente com exclusividade para a corte

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 Módulo de Estudo

de Filipe II, para os conventos locais e para a nobreza toledana. Entre Essa escultura de Bernini retrata Teresa de Ávila, considerada
suas obras mais importantes estão O Enterro do Conde de Orgaz, a uma das santas da Contrarreforma Católica. Diz-se que certa vez
meio caminho entre o retrato e a espiritualidade mística. Homem com Teresa de Ávila havia descrito como um anjo uma vez trespassou
a Mão no Peito, O Sonho de Filipe II e O Martírio de São Maurício. Esta o seu coração com uma flecha dourada. As palavras ditas por ela
última lhe custou a expulsão da corte. foram estas: “A dor foi tão grande que gritei; ao mesmo tempo,
porém, senti uma doçura tão infinita que desejei que a dor jamais

Igreja de São Tomé de Toledo Espanha

acabasse”. Partindo dessa experiência visionária, Bernini criou uma
escultura em que a contradição dor e prazer é posta em cena. Isso
pode ser percebido quando se observam as feições antitéticas de
Tereza diante da flecha do anjo, a qual remete o observador, numa
perspectiva simbólica, tanto a arma que mata quanto o órgão sexual
masculino que dá prazer.

Os traços regionais, individuais e subjetivos do

Barroco
GRECO, El (1541-1614).
Como foi uma arte que se desenvolveu em diferentes partes da
O Enterro do Conde de Orgaz, Terra, o Barroco costuma apresentar características regionais em cada
1586. Óleo sobre tela.
localidade em que se desenvolveu. Sabe-se que a personalidade forte
de alguns artistas, como Caravaggio e Velázquez, contribuiu para que
A arte barroca: a tensão entre razão e esse estilo artístico deixasse margem à subjetividade.
É certo que, ao buscar emoção, o artista barroco provoca
emoção o observador. Para isso, explora a natureza e retrata-a de forma
verossímil. Embora prime por uma perspectiva muitas vezes subjetiva,
Capela Contarelli Roma Itália

o artista desse estilo costuma, em suas obras, revelar teatralidade

cênica, dinamismo, conflito e apelo emocional.
Atingir os efeitos desejados exige do artista conhecimento e
habilidade em lidar com cores, com texturas e com o jogo de luz e
sombra. Usam-se também diagonais e curvas, além de se demonstrar
domínio no uso do espaço.
No Barroco, tanto os temas místicos quanto os profanos são
explorados. Muitas vezes, as modalidades artísticas – pintura, escultura
e arquitetura – se entrelaçam, gerando harmonia cênica. Convém frisar
que, para o homem renascentista, a harmonia do todo estava garantida
pela perfeição que vinha com o equilíbrio dos elementos retratados.
Caravaggio (1571-1610). Vocação de São Mateus,
Para o homem barroco, não, pois a harmonia poderia ser fruto da
1599-1600. Óleo sobre tela. fusão dos diferentes componentes que fazem parte de uma obra.
Aqui, o individual pode ser sacrificado em nome do todo. Isso fez que
O estilo barroco e a Contrarreforma a unidade geral entrelaçasse arquitetura, escultura e pintura. Por tudo
isso, o objetivo das construções passou a ser o inter-relacionamento
Fala-se que a palavra “barroco” foi usada para denominar uma dessas diferentes formas de fazer arte, já que o diálogo harmônico
nova estética artística que surgiu na Europa. O auge desse estilo ocorre faz bem ao conjunto da obra.
entre os séculos XVI e medos do XVIII. Sabe-se que essa nova arte está Surgido na Itália, de onde extrai alguns elementos da
diretamente associada à Contrarreforma da Igreja Católica. Embora arte renascentista para depois transformá-los, o Barroco artístico
seja um estilo que se desenvolveu em muitos países do mundo, a força é considerado um clássico rebelde. Mesmo sabendo que a arte
maior dessa arte concentra-se na Itália, na Espanha e na Áustria. Os renascentista influenciou os artistas posteriores, não se pode dizer que
países protestantes, como a Inglaterra, não tiveram uma expressividade o Barroco arquitetônico, por exemplo, não apresenta características
barroca acentuada. peculiares, pois revela individualidade estética, embora se utilize
de estilos diferentes, como a arquitetura clássica. Por toda essa
Chris Hill/123RF/Easypix

diversidade estética, o Barroco é sim a arte da contradição de valores

e de estilos.

O artista, a religião e a arte

Importante representante do catolicismo, a Espanha foi
responsável imediata para que o estilo Barroco chegasse a diferentes
partes do mundo. O artista era apoiado pela Igreja, que o patrocinava
na realização de suas obras. Outro fato relevante para se entender
esse período artístico é saber que o homem barroco era um ser
dividido, conflituoso, místico e repleto de energia, que a expressava
em suas convicções religiosas e em suas obras de arte. Exemplo
desse comportamento é Bernini. Artistas como Rubens e Caravaggio
BERNINI, Giovanni Lorenzo (1598-1680). também mostraram força e talento ao expressar seus valores em suas
O êxtase de Santa Teresa, 1645-52. obras de arte.

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 Módulo de Estudo

Nomes representativos Peter Paul Rubens

Museu de História da Arte Viena, Áustria

Considerado o maior representante
Michelangelo Merisi de Caravaggio do Barroco Setentrional, Peter Paul Rubens
(1577-1640) tinha um estilo que envolvia

Biblioteca Marucelliana Florence

uma rica e surpreendente mistura de cor, luz
e movimento. Dono de uma personalidade
afetuosa, emocional e amigável, esse artista
revelou em suas obras muito de sua formação
erudita e de sua religião católica.
Sendo a cor elemento valioso na
pintura flamenca, Rubens soube usar e abusar
RUBENS, Peter Paul (1577-
delas, pois, em seus quadros, as cores fortes, 1640). Autorretrato, 1923.
como o vermelho, o verde e o amarelo, entram Óleo sobre painel.
em contrates com a luminosidade da pele clara das figuras humanas,
LEONI, Ottavio (1578-1630). como ocorre em O rapto da filha de Leucipo e A Caçada de leões. Uma
Caravaggio, 1621. das telas mais coloridas de Rubens é O jardim do amor. Trata-se de uma
Caravaggio foi um pintor italiano, nascido em Ducado de cena em que realidade e alegoria se fundem. Nessa obra, a entrada de
Milão, e, entre 1593 e 1610, atuou nas cidades de Roma, Nápoles, um palácio serve de cenário para um grupo de pessoas – homens e
Malta e Sicília. Considerado um dos maiores representantes do mulheres – cercado por alegres cupidos. Na parte superior, está Vênus,
Barroco, Caravaggio, nome adotado pelo artista em homenagem à sob a forma de estátua, cuja presença reforça a sugestão do amor.
aldeia homônima em que vivia sua família, era enigmático, fascinante Os tons quentes das roupas femininas, quebrados pelo vestido claro
e perigoso. da mulher da direita, e o traje masculino vermelho criam um conjunto
Fermo Merisi, seu pai, era administrador e arquiteto do marquês de figuras que atrai a atenção do observador. Os inúmeros detalhes da
de Caravaggio. Após surgir na cena romana em 1600, comissões e cena despertam-nos a curiosidade de identificar todos os indicadores
patronos não lhe faltavam mais. Vivia de maneira atroz, pois chegara do tema representado. Além de colorista vibrante, Rubens destacou-se por
a matar um jovem em uma briga, tendo de fugir de Roma, já que sua criar cenas que sugerem, a partir das linhas contorcidas dos corpos e
cabeça estava a prêmio. Em Sicília, chega a pintar a obra A ressurreição das pregas das roupas, um intenso movimento.
de Lázaro, na qual, sob o pavor de um imenso espaço vazio, um raio

Museu do Prado Madri Espanha

de luz rasante parece imobilizar o drama sagrado.
Sabe-se que Caravaggio usava pessoas comuns como modelos
para retratar Maria e os apóstolos. Assim, comerciantes, prostitutas,
marinheiros e outros tipos eram usados pelo artista na composição de
suas obras. Talvez, tenha sido o primeiro artista a conciliar a arte com
o mitológico “Ministério de Jesus”, que, segundo a lenda, aconteceu
entre pescadores, lavradores e prostitutas.
Fala-se que, para pintar A Morte da Virgem, Caravaggio chegou
a usar como modelo o corpo de uma prostituta encontrada morta
no rio Tibre. Talvez, por isso, as duas principais características das
suas pinturas são estas: retratar o aspecto mundano dos eventos
bíblicos, usando o povo comum das ruas de Roma, e a dimensão e o
impacto realistas que ele deu aos seus quadros. Para conseguir este
efeito, o artista usava um fundo sempre raso, obscuro, muitas vezes RUBENS, Peter Paul (1577-1640). O Jardim do Amor (1632-34).
Óleo sobre tela.
totalmente negro e agrupava a cena em primeiro plano com focos
intensos de luz sobre os detalhes, geralmente os rostos. Os efeitos de
iluminação criados por Caravaggio são conhecidos por tenebrismo.
QUADRO-RESUMO DO BARROCO ARTÍSTICO
Museu Regional Messina Sicília, Italia

Igreja Santa Maria del Popolo Roma, Itália

• As obras revelam o emocional versus o racional;

• Procura impressionar os sentidos do observador;
• Busca efeitos decorativos e visuais ao usar curvas, contracurvas
e colunas retorcidas;
• Usa a técnica do ilusionismo nos tetos das igrejas;
• Muitas vezes, há entrelaçamento entre arquitetura e escultura;
• Há violentos contrastes de luz e sombra;
• Apresenta composições assimétricas, em diagonal, revelando
um estilo grandioso, monumental;
• Há substituição da unidade geométrica e do equilíbrio da arte
renascentista;
• Retratação de cenas em seu momento máximo de intensidade
Caravaggio (1571-1610). Caravaggio (1571-1610). dramática;
A Ressurreição de Lázaro, 1609. Óleo A Conversão de São Paulo, a caminho de
Damasco, 1600. Óleo sobre tela.
• Antropocentrimo versus teocentrismo etc.
sobre tela.

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 Módulo de Estudo
A arte rococó: o exagerado ornamento
Depois da morte de Luís XIV, na França, o Rococó se
desenvolve, mas obteve êxito em outros países, como a Alemanha
e a Áustria. Conhecido como “estilo regência”, o rococó é o reflexo
da elite francesa, sobretudo, de Paris, especialmente Versailles.
O rocaille, de onde vem rococó, significa concha, que era um dos
elementos decorativos mais usados pelos adeptos desse estilo, que
se deu tanto na arquitetura quanto na pintura.
Valorizando o aspecto decorativo e ornamental, o estilo
alcançou seu auge durante a regência de Filipe de Orleans, entre
1715 e 1730. Naquela época, havia uma alegria na decoração
carregada, na teatralidade, na refinada artificialidade dos detalhes, o
que amenizava a dramaticidade pesada do Barroco. Trata-se de um
estilo que comemora a alegria de viver, que se reflete no exagero das
formas religiosas ou não. Nesse estilo, os anjinhos rechonchudos são
explorados em demasia, o que deixa a vida muito mais leve, como
eram as despreocupadas cortes de Paris e de Viena.
Na tentativa de valorizar um modo de vida individual e
caprichoso, a arquitetura desse estilo se espelha na sensibilidade, que
se percebe na distribuição dos ambientes interiores, quase sempre, bem
ornamentados. Há também valorização das fachadas das construções.
Nas igrejas, multiplicam-se as cúpulas e as paredes ficam mais claras,
com tons pastel e branco. É comum a presença de ramos, de flores, de
anjinhos, que contorna as janelas ovais e quebra a rigidez das paredes.
A escultura se destaca, em decorrência do aspecto decorativo.
Os escultores criam formas menores e fogem do estilo barroco clássico
ao abandonar suas linhas. Embora os artistas usem mármore, preferem
o gesso e a madeira, que aceitam cores mais suaves.
Na pintura, o rococó abandona os afrescos e, por meio da
leveza do traço e da suavidade da cor, suaviza as tensões do homem
barroco. Os quadros podem ter pequenas dimensões, o que possibilita
a colocação ao lado das janelas ou mesmo nas entreportas. Por vezes,
os quadros agora têm um lugar reservado: são os cabinets de pintura,
onde se reúnem os entendedores para apreciar as obras. O homem
do rococó é um cortesão, amante da boa vida e da natureza. Vive na
pompa do palácio, passa o dia em seus jardins e se faz retratar tanto
luxuosamente trajado nos salões de espelhos e mármores quanto em
meio a primorosas paisagens bucólicas, vestido de pastorzinho. Há uma
particular tendência para as sedas e rendas que envolvem as figuras.
Fragonard é quem melhor representa esse estilo.
Museu Lambinet Versalhes, França
FRAGONARD, Jean-Honoré (1732-1806).
O balanço, 1767. Óleo sobre tela.
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7 F B O N L I NE .C O M . B R
QUADRO-RESUMO DO ESTILO ROCOCÓ
• Na pintura, as cores vivas são substituídas por tons pastéis;
• Na arquitetura, a luz difusa inunda os interiores em decorrência
das inúmeras janelas;
• O relevo abrupto das superfícies cede espaço a texturas suaves;
• A estrutura das construções ganhou leveza;
• É a arte que valoriza os anjinhos rechonchudos, dando leveza à cena;
• Ornamentação, detalhes, leveza, alegria de viver caracterizam o
rococó.
A arte neoclássica: o valor da cultura
greco-romana
O Neoclassicismo foi o estilo dominante na arte ocidental do fim
do século XVIII até aproximadamente 1830. Nascido na Europa, teve
como base os ideais do pensamento iluminista e a retomada da cultura
da Antiguidade Clássica, valorizando os princípios da moderação,
do equilíbrio e do idealismo como uma reação contra os excessos
decorativistas e dramáticos do Barroco e do Rococó.
O impulso inicial do Neoclassicismo não veio de artistas, mas
sim de filósofos, como Diderot e Voltaire, que eram os porta-vozes
do Iluminismo na França. Esses pensadores lutaram contra a frouxidão
moral do estilo rococó e, por consequência, do regime que o gerara.
Em substituição a isso, exige-se uma arte racional, moral e intelectualizada.
Para tanto, seria necessário revisitar a cultura do mundo clássico.
Na obra O juramento dos Horácios, por exemplo, tem-se inspiração
na história da Roma Antiga e, com isso, revitalizam-se os valores estéticos da
Antiguidade. Na obra, cidadãos livres agarram-se em armas, ou seja, tomam
nas suas mãos o poder sobre o futuro da nação.
Museu do Louvre, Paris, França
DAVID, Jacques-Louis (1748-1825). O Juramento dos Horácios, 1784,
Óleo sobre tela.
Na arquitetura, a arte do Neoclassicismo foi marcada pela
simplicidade, embora, em alguns casos, o estilo romano se destaque,
com marcas de severidade e monumentalidade. Há também influência
do estilo grego.
Museu de Arte Metropolitano,
Estados Unidos
DAVID, Jaques-Louis (1748-1825). A morte de Sócrates,
1787. Óleo sobre tela.
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 Módulo de Estudo

A pintura foi a modalidade artística de menor impacto no neoclassicismo. Caracteriza-se pela exploração de elementos mitológicos
ou pela celebração de Napoleão. Nas obras, as imagens fazem parte de uma cena teatral e, quase sempre, são desenhadas em posição fixa.
A busca do belo dá-se por meio da simplicidade na composição. As obras apresentam contornos bem delineados, cores puras e realistas e
iluminação clara.
Em A morte de Sócrates, obra encomendada para um QUADRO-RESUMO DO NEOCLASSICISMO
mecenas, Jacques-Louis David explora as formas clássicas típicas
do Neoclassicismo. A obra mostra Sócrates na prisão recebendo • As obras apresentam formalismo e racionalidade;
a visita de seus discípulos pouco antes de tomar veneno. O tema • Nota-se exatidão nos contornos das obras;
da tela foi escolhido pelo patrono do artista, mas é lógico que a • Há certa harmonia no colorido das obras;
mistura de coragem e o autossacrifício da história interesssaram
o artista. Na cena, o gesto e a pose de Sócrates contrastam • Há retorno ao estilo greco-romano;
diretamente com os personagens desfalecidos que o cercam. • Valorizam-se o academicismo e as técnicas apuradas;
Jacques-Louis David banha o protagonista com uma luz divina e • Cultua-se a teoria de Aristóteles;
ressalta o movimento com toques de luz e sombra. Para Sir Joshua
Reynolds (1723-1792), essa obra foi a maior realização na arte • Na época, idealizava-se com a democracia;
depois da Capela Sistina. • Usavam-se pinceladas que não marcavam a superfície.

Sobre o texto e a figura, é correto afirmar:

A) O texto apresenta as principais características do rococó e a
Exercícios figura refere-se à pintura do Barroco, principal movimento
artístico do período colonial brasileiro.
B) Enquanto a figura representa a arte colonial brasileira, o
01. (UEL) Leia o texto, analise a figura e responda à questão abaixo: texto discorre sobre a projeção do barroco na arte concreta e
sua busca por um envolvimento mais efetivo e completo do
Há a propensão para uma forma que se abre em espectador com a obra.
indeterminação de limites e imprecisão de contornos, apelando C) Não é possível afirmar que o texto e a imagem estejam
para os recursos da impressão sensorial, que não quer apenas relacionados ao mesmo assunto, pois a figura é do Barroco
conter a informação estética, mas, sobretudo, comunicá-la sob Mineiro, mas o texto trata do Barroco Baiano.
um alto grau de tensão que transporte o receptor, o espectador, D) Tanto o texto como a imagem tratam da arte neoclássica no
da simples esfera da plenitude intelectual e contemplativa para momento máximo de sua penetração na cultura brasileira como
uma estesia mais franca e envolvente – mais do que isso, para o um todo e não sobre algo específico.
êxtase dos sentidos sugestionadamente acesos e livres. E) O texto explicita as principais características da pintura barroca
ÁVILA, A. O lúdico e as projeções do Barroco. São Paulo: Perspectiva, 1980. p. 20. tal qual foi praticada em Minas Gerais no século XVIII, muitas
delas presentes na obra de Manoel da Costa Ataíde.
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02. A maior obra de Leonardo Da Vinci é A última ceia. Ela foi feita
na parede de uma sala de jantar usada pelos monges da Igreja de
Santa Maria das Graças, em Milão. A última ceia mostra Jesus com
seus amigos mais próximos, os doze apóstolos. Nela, Leonardo Da
Vinci empregou tudo o que aprendeu com suas primeiras pinturas,
como os recursos de sombra e luz.

Santa Maria delle Grazie Milão Itália

VINCI, Leonardo da (1452-1519), A Última Ceia, 1495-98.

Têmpera no gesso.

A maneira especial como Leonardo Da Vinci colocou os apóstolos

em torno da mesa em que Jesus está ao centro sugere
A) movimentação cênica, o que garante certa teatralidade para
a composição da obra.
B) desarmonia, pois a falta de preciosismo e de detalhe interfere
no valor artístico da obra.
C) harmonia cênica, embora inexista o recurso da perspectiva,
que era comum à época.
D) elegância artística, ainda que apresente técnicas imprecisas à
ATAÍDE, M. (1762-1830). Assunção de Nossa Senhora, 1804.
composição da obra.
Pintura do forro da nave da Igreja São Francisco de Assis, em E) discussão religiosa, já que o artista representou momento
Ouro Preto (MG). anterior à crucificação de Jesus.

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 Módulo de Estudo

03. Em 1505, na sequência do sucesso de Davi, Michelangelo foi convidado por Júlio II para voltar a Roma. O novo e ambicioso papa tinha
grandes planos para a cidade, que incluíam a total reconstrução da Basílica de São Pedro, no Vaticano. Michelangelo encarou o convite
como uma oportunidade para criar sua obra-prima: uma composição com 40 figuras esculpidas.

Jörg Bittner Unna CC BY 3.0 /Wikimedia Foundation

Moisés, de Michelangelo.

Considerando Moisés como parte do projeto de Michelangelo, vê-se que a escultura renascentista
A) retoma a Lei da Frontalidade defendida pela arte egípcia.
B) segue o antropocentrismo temático ao explorar personagens bíblicas.
C) volta-se para a busca do Belo artístico, defendido pelos gregos antigos.
D) funde valores religiosos e mitológicos na mesma composição artística.
E) inviabiliza o desenvolvimento de uma arte centrada no homem.

04.
Texto I Texto II
São Francisco de Assis em Êxtase (ou O Êxtase de Em 1224, Francisco retirou-se para o deserto com um pequeno
São Francisco) é uma pintura do mestre do barroco italiano número de seus seguidores para contemplar Deus. Na encosta da
Michelangelo Merisi da Caravaggio. montanha, durante a noite, o irmão Leo viu um serafim de seis asas (uma
das ordens de anjos mais elevadas) descer até Francisco em resposta à
Museu de Arte Wadsworth Atheneum, EUA.

oração do santo para que ele pudesse sentir tanto o sofrimento de Cristo
quanto seu amor: De repente havia uma luz deslumbrante. Era como se
os céus estivessem explodindo e espalhando adiante toda sua glória em
milhões de cachoeiras de cores e estrelas. E no centro desse turbilhão
estava um núcleo de luz ofuscante que brilhava das profundezas do céu
com uma velocidade aterrorizante até que subitamente parou, imóvel
e sagrada, acima de uma rocha pontiaguda na frente de Francisco. Era
uma figura de fogo com asas, pregada a uma cruz de fogo. [...] Era
a face de Jesus, e Jesus falou. Então, de repente, correntes de fogo
e sangue lançaram-se de Suas feridas e perfuraram as mãos e os pés
de Francisco com pregos e seu coração com o golpe de uma lança.
Conforme Francisco soltou um poderoso grito de alegria e de dor, a
imagem de fogo gravou a Si mesma em seu corpo, como um reflexo
espelhado de Si, com todo Seu amor, Sua beleza, e Sua tristeza. E
desapareceu dentro dele. Outro grito rasgou o ar. Então, com pregos
CARAVAGGIO (1571-1610).
e feridas por todo seu corpo, e com sua alma e espírito em chamas,
São Francisco de Assis em Êxtase, 1594. Óleo sobre tela. Francisco caiu, inconsciente, em seu sangue.
Wikipédia, a enciclopédia livre.

Caravaggio é o principal nome do barroco artístico italiano. São Francisco de Assis em Êxtase é uma de suas obras de tema religioso.
Em II, tem-se uma descrição do momento em que Francisco tem contato com o Espírito Santo. Esse momento é retratado em I, embora
A) a pintura seja menos dramática que o cenário descrito em II.
B) se perceba fuga ao estilo barroco de se fazer arte na Itália.
C) a tensão dramática do anjo elimine a presença de Francisco.
D) o teor intimista dado pelo artista prejudique o valor da obra.
E) se notem contrastes estéticos e temáticos na imagem em I.

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 Módulo de Estudo

05. (Uepa)

Antes de Mona Lisa

Museu do Louvre, Paris, França

Observe o véu diáfano
As pinturas eram afrescos, miniaturas, painéis
Leonardo lançou o sfumato, as camadas de
em mobílias. Depois: Pinturas de cavalete,
brilho “à maneira de fumaça, sem linhas
emolduradas, exibidas em prateleiras ou
ou fronteiras”. penduradas na parede.
Contato do olhar Retratos antes de Mona Lisa
O contraste com o sorriso contido propicia Deidades idealizadas. Depois: seres humanos
o mistério. de corpo inteiro, estilo realista.
Fundo animado Sorriso enigmático
Picos agudos, estradas sinuosas, águas ao Mistério até os fins dos séculos. Cantores,
longe. As linhas convergentes atrás da cabeça músicos, bufões se exibiam para manter Mona
da Mona Lisa se chamam “perspectiva com Lisa “cheia de contentamento”, enquanto
um único ponto de fuga”. posava.

Leonardo Da Vinci
Pintor, escultor, arquiteto, engenheiro,
inventor, cientista. Homem de grandes
ideias nem sempre realizadas. Muitas
obras inacabadas. Carreira de apenas
trinta quadros.
Mãos grandes
Leonardo estudou anatomia e dissecava
corpos para reproduzir com exatidão as formas
humanas.
Quem é ela?
Muito provavelmente, insignificante em termos
VINCI, Leonardo da (1452-1519). históricos. Possivelmente a esposa do mercador
Mona Lisa (1503-06). florentino Francesco del Giocondo.
STRICKLAND, Carol. A arte comentada: da Pré-História aos dias atuais. RJ: Ediouro, 2002.

A famosa tela de Leonardo Da Vinci, em exposição no Museu do Louvre, em Paris, e colocada anteriormente como documento de uma
época, traz algumas pistas acerca do contexto no qual ela foi produzida. Este testemunho, segundo os estudos dos renascimentos europeus,
nos informa que a pintura renascentista expressava uma visão diferente daquele que lha antecedeu. Ora, considerando estas informações
e o período histórico em que esta tela foi produzida, conclui-se que
A) na Renascença a figura da mulher assumiu papel central nos temas das artes plásticas, como se percebe no conjunto das obras de
Leonardo Da Vinci, no entanto, a representação feminina permaneceu ligada ao imaginário quatrocentista, isto é, ao da maternidade
e da santidade.
B) as obras de arte produzidas por Leonardo Da Vinci, especialmente Mona Lisa, servem na atualidade para decifrar códigos e linguagens
do passado, revelando os mistérios escondidos pela Igreja Católica nos anos que se seguiram à Reforma.
C) Leonardo Da Vinci, ao inventar a técnica do sfumato, presente na obra em tela, inovou as técnicas da pintura renascentista, a qual serviu
a burguesia ascendente em Florença, que fez da arte sua principal forma de se expor em lugares públicos, como o Museu do Louvre.
D) o apoio dos mecenas foi fundamental para que pintores como Leonardo Da Vinci conseguissem romper com a Igreja, onde as obras
de arte se limitavam aos temas sagrados, inaugurando deste modo a renascença que, no campo das artes plásticas, abandonou os
temas religiosos.
E) a dinâmica do comércio nas cidades italianas, a herança de uma cultura material clássica e a presença de mecenas interessados em investir
nas produções artísticas favoreceram a arte renascentista, que se caracterizou pela visão humanista revelada na obra em tela.
06. A escultura Êxtase de Santa Teresa (1625), de Bernini, antecede o estilo barroco de se fazer arte por, entre outras coisas,
Chris Hill/123RF/Easypix

BERNINI, Giovanni Lorenzo (1598-1680).

O Êxtase de Santa Teresa, 1645-52.

A) revelar dúvida entre o prazer e a dor, que possivelmente são sentidos pela santa.
B) explorar os drapeados nas roupas, que são próprias do estilo barroco.
C) tematizar o sagrado, sendo esta a única forma de expressão desse estilo artístico.
D) recorrer ao cupido, elemento fundamental para o desenvolvimento da arte barroca.
E) criar dúvidas no observador acerca da qualidade da obra, já que revela ambiguidade temática.

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07. (Ufes) A imagem do Homem Vitruviano é uma representação 09 A representação de uma cena icônica pode ocorrer em diferentes
elaborada no final do século XV por Leonardo Da Vinci e exprime momentos na história do homem. A cena bíblica representada,
o antropocentrismo e a harmonia das formas que caracterizaram as a seguir, em dois momentos diferentes, faz parte da formação
obras artísticas do Período Renascentista. cultural do homem.
I.

Janaka Dharmasena/123RF/Easypix

Santa Maria delle Grazie, Milão, Itália

VINCI, Leonardo da (1452-1519). A ÚItima Ceia, 1495-98. Têmpera no gesso.
Sobre o Renascimento, não é correto afirmar:
A) Um dos seus principais fundamentos intelectuais foi o II.

Ricardo André Frantz CC BY-SA 4.0 /Wikimedia Foundation

Humanismo, concepção segundo a qual o homem deveria ser
valorizado como o epicentro do mundo e da história, como
havia ocorrido na Antiguidade Clássica.
B) O estudo do homem e da natureza, nesse período, fundamentava-se
no espírito crítico, o que possibilitou o desenvolvimento do
pensamento científico, como se comprova na defesa da teoria
heliocêntrica por Nicolau de Cusa e Nicolau Copérnico.
C) Os homens da época tenderam a valorizar a produção artística
e intelectual das civilizações do Oriente Médio, especialmente a
egípcia e a mesopotâmica, pela conexão que estas guardavam
com a história hebraica descrita na Bíblia.
D) Um dos seus maiores expoentes foi Leonardo Da Vinci, um
modelo do intelectual renascentista, pelo fato de se ter Aleijadinho (1730-1814). A Última Ceia, Santuário de Congonhas.
dedicado a múltiplas áreas do conhecimento como, por
Comparando I e II, vê-se uma inter-relação de elementos que
exemplo, à Anatomia, à Física e à Botânica, além da Pintura.
são comuns às manifestações de grupos sociais e étnicos.
E) O termo “Renascimento” designa uma modalidade de Em relação às obras, não se pode dizer que ambas
expressão intelectual urbana e burguesa originária da Península A) representam a estética vigente de quando foram produzidas.
Itálica, que se constituiu a partir do sincretismo entre a cultura B) exploram a perspectiva na cena representada.
clássica e a tradição judaico-cristã. C) atendem às exigências da modalidade escolhida.
D) representam uma cena de cunho religioso.
08. (UEL) Observe as figuras abaixo. E) fogem ao conceito clássico de Belo artístico.

10. Em julho de 1499, Caravaggio recebeu a missão de pintar duas

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Adam Jones CC BY-SA 3.0 / Wikimedia Foundation

paredes da Capela Contarelli, na igreja de San Luigi dei Francesi,

em Roma. Foram elas A Vocação de São Mateus e O Martírio de
São Mateus. A Vocação de São Mateus retrata o momento em
que Levi, um rico coletor de impostos, é chamado por Jesus para
ser discípulo, sob o nome de Mateus. Caravaggio retratou Mateus
e seus companheiros como apostadores contando dinheiro numa
viela romana. A varredura da luz captura a surpresa e a confusão
desse momento de transformação vital.
Capela Contarelli, Roma, Itália

Igreja de Nossa Senhora Igreja de São Francisco de Assis.

do Carmo. Recife-PE. São João Del Rey-MG.

Com base nas figuras, é correto afirmar que se referem à

arquitetura
A) moderna brasileira, particularmente às Igrejas Católicas
projetadas pelo arquiteto Oscar Niemeyer.
B) eclética, própria do século XIX, cuja mescla de estilos variados
é a marca de sua linguagem arquitetônica.
C) barroca, realizada no Brasil no século XVII.
D) neoclássica brasileira, regras arquitetônicas foram determinadas
pela Missão Francesa que chegou ao Brasil na segunda década
do século XIX.
E) religiosa de estilo Art Nouveau, desenvolvida no Brasil nas Caravaggio (1571-1610). Vocação de São Mateus, 1599-1600.
primeiras décadas do século XIX. Óleo sobre tela.

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 Módulo de Estudo

Considerando seus conhecimentos acerca da arte e analisando Considerando seus conhecimentos sobre padrões de beleza, é
atentamente a obra A Vocação de São Mateus, só não é correto correto afirmar que a obra A Primavera, do renascentista Sandro
afirmar que Caravaggio Botticelli,
A) descobriu que o realismo não exclui a espiritualidade, já que a A) foge ao ideal de beleza da época, pois busca inspiração na
intensa varredura de luz simboliza o valor que tem a alma de mitologia clássica.
Mateus. B) repercute os valores medievais por transmitir a sensação de
B) dialoga com outra obra da época, já que o gesto de Jesus em harmonia e equilíbrio.
relação a Mateus assemelha-se ao de Adão, no afresco de C) distorce tudo aquilo que, até então, era conhecido como arte
Michelangelo em A criação de Adão. renascentista.
C) revela um São Mateus que parece não acreditar na escolha de D) atende ao preceito de beleza artística, buscando a perfeição
Jesus, o que reforça a ideia de que o artista retrata o mistério e o equilíbrio.
da graça. E) insurge contra qualquer manifestação artística e religiosa da
D) pintou uma cena em que um velho e um jovem, elegantemente arte renascentista.
trajados, estão mais interessados nas moedas sobre a mesa do
que na presença de Jesus. 13. Diego Velásquez pintou várias cenas religiosas e mitológicas, mas
E) apresenta São Pedro como traidor de Jesus, uma vez que seus também foi um exímio retratista. A obra-prima do final da vida é
gestos diferem daqueles que são praticados pelo filho de Deus. As meninas (1656). O título remete a damas de honra, referindo-se
às jovens que ladeiam a loira infanta de cinco anos de idade,
11. Entre as obras acabadas de Leonardo
Museu Czartoryski, Cracóvia, Polônia
Margarita. A pintura é um jogo instigante. Velásquez retrata a si
Da Vinci, ocupa uma posição de
mesmo à esquerda, pintando uma imensa tela. Na realidade, ele
destaque um retrato de uma senhora
está pintando o rei e a rainha, que podem ser vistos no espelho
da aristocracia, que segura nas mãos
ao fundo da pintura. Desse modo, nós, os observadores, estamos
um arminho: o retrato de Cecília
aos pés da realeza.
Gallerani, mundialmente conhecido

Museu do Prado, Madri, Espanha

como Dama com Arminho.
Considere o contexto da arte
renascentista e observe atentamente
a obra Dama com Arminho, de
Leonardo Da Vinci. Portanto, é VINCI, Leonardo da (1452-1519).
Retrato de Cecília Gallerani, Dama
possível ler, a partir dessa imagem, com Arminho, 1483-90. Óleo e
que o artista têmpera sobre papel.
A) foge de seu estilo ao compor essa obra, uma vez que não
costumava valorizar a centralização da imagem no quadro.
B) recorre a uma estrutura helicoidal, ao pintar Cecília de rosto
virado em uma posição de três-quartos.
C) mostra Cecília estática, já que não é possível inferir a ideia de
que o movimento da cabeça de Cecília possa ter se dado ao
reagir ao estímulo de um chamado.
D) põe o arminho indiferente ao movimento de Cecília, o que
caracteriza falta de sintonia entre modelo e animal.
E) desvaloriza o estilo renascentista de fazer arte, uma vez que a
técnica do claro-escuro utilizada na obra liga-a ao estilo barroco.

12. Diversos autores, clássicos ou da época (entre eles Poliziano, poeta

VELÁZQUEZ, Diego (1599-1660). As meninas, 1656-1657.
da corte dos Médici), foram citados como fontes possíveis de Óleo sobre tela.
elementos de A primavera, que, no entanto, não parece prender-se
à narrativa de nenhuma obra literária específica. Várias figuras A obra de Velásquez não se trata de um retrato oficial comum,
simbolizam a estação da primavera e sua ligação com o amor. mas de uma cena que retrata um momento informal da corte da
À esquerda, vemos Mercúrio, mensageiro dos deuses, e a seu vida real, o qual pode ser comprovado ao perceber que a infanta
lado as três Graças, servas de Vênus, que está ao centro com apareceu apenas para espiar. Na tela, outros elementos podem
Cupido, acima dela. À direita, Zéfiro (o vento oeste) persegue a servir de comprovação da informalidade do momento retratado
ninfa Clóris, que, ao ser tocada por ele, transforma-se em Flora, na cena. Quais?
deusa das flores. A) O fato de Velásquez usar a Cruz da Ordem de Santiago, o que
demonstra o alto prestígio dos artistas na época, e a vestimenta
Galeria Uffizi, Itália

da infanta.
B) A forma como a infanta está vestida, pois espera as amigas
para que possam brincar no atelier do artista espanhol, e a
bagunça retratada na cena.
C) A presença de um serviçal, observando a cena da porta ao
fundo, e o anão bobo da corte, que chuta o cachorro sonolento
à direita.
D) A presença do rei e da rainha refletidos no espelho ao fundo
e o cão de guarda, que parece proteger a pequena infanta ao
centro.
BOTTICELLI, Sandro (1445-1510). A primavera, 1482.
E) A maneira como o rei se despede da filha ao fundo da tela e
Têmpera sobre madeira. a forma como a infanta lhe reponde do centro da imagem.

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 Módulo de Estudo
14. A arte renascentista tem como características a valorização do
homem, a inspiração dos modelos greco-romanos, a perfeição
das formas, o equilíbrio e a harmonia. Era uma arte voltada para
a elite da época e tinha a natureza como fonte de inspiração. Essa
mudança foi causada por uma série de fatores: o pensamento
teocêntrico não era correto em tudo; o homem descobriu que o
centro do Universo era o Sol e que a Terra não era plana... A busca
da verdade levou o homem à pesquisa. Ele passou a conhecer
mais o mundo em que habitava como também a si próprio.
O artista, na Idade Média, era considerado um instrumento da
manifestação divina, não tendo méritos próprios. Na Renascença,
o artista começa a ser valorizado como pessoa, como um criador,
como um gênio. É nesse período que a arte ganha autonomia,
que conquista seu próprio espaço, não sendo mais julgada como
parte integrante da religião.
Disponível em:<http://taislc.blogspot.com.br/2011/04/
o-renascimento-nas-artes.html>
A arte renascentista revolucionou o homem ocidental, uma vez
que contribuiu para que os valores antropocêntricos ganhassem
espaço na sociedade europeia daquele período. Além disso, o
texto afirma que o artista daquela época passou a ser
A) visto somente como instrumento de manifestação divina.
B) considerado um ser pensante, capaz de criar obras-primas.
C) valorizado pela população europeia, que comprava suas obras.
D) retratado nas obras literárias como sendo pessoas ilustres.
E) liberto, o que contribuiu para sua emancipação econômica.
15. As duas principais técnicas para produzir esculturas são a modelagem
e o cinzelamento. A modelagem implica a construção de uma forma
a partir de material mole, como o barro. O cinzelamento implica a
remoção de material de um bloco sólido para revelar uma forma
em toda a sua volta, o método preferido de Michelangelo.
Quando se analisa a produção artística de um grupo ou mesmo
de um só artista, é possível reconhecer o padrão de beleza que
se é defendido. Na escultura Davi, de Michelangelo, por exemplo,
o apreciador de arte reconhecerá a utilização de um padrão de
beleza que
A) projeta o artista como criador de uma nova visão do belo artístico.
B) recorre à cultura clássica, em busca da racionalidade de uma
cultura pagã.
C) se identifica com o da cultura clássica por idealizar a forma
humana.
D) inova a tradição greco-romano artística, por se voltar para o
nu artístico.
E) explora formas anatômicas desproporcionais aos homens
renascentistas.
Resolução
01. A pintura de Manuel da Costa Ataíde reúne a maior parte das
características barrocas: o tema, naturalmente, é religioso, e o
efeito das cores (que é priorizado em relação aos contornos e
às formas) produzem, como acentua o texto de Ávila, um certo
“êxtase dos sentidos”. Esse efeito tem em vista a contemplação
e o sentimento exultante à sacralidade do interior da igreja.
Resposta: E
02. A disposição dos apóstolos na obra de Leonardo Da Vinci sugere
teatralidade e movimentação cênica. Observe que todos parecem
conversar, enquanto Cristo está isolado ao centro da mesa.
Resposta: A
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03. É fato que a arte renascentista procurou retratar o Belo artístico
dentro dos princípios da arte grega antiga, retomando, assim, os
valores da arte clássica. Isso é fácil de perceber quando se notam
tais traços em Moisés: o drapeado das roupas; o movimento; o
detalhe precioso; a proporcionalidade; a racionalidade etc.
Resposta: C
04. Analisando a linguagem verbal e não verbal, vê-se que a pintura
(I) é muito mais suave do que o cenário dramático que é descrito
pela linguagem verbal (II).
Resposta: A
05. Mona Lisa, de Leonardo Da Vinci, destaca-se como sendo
um “marco de transição” entre o passado medieval e o novo
conceito de arte, pois representa, sobretudo, a cultura do homem
renascentista. Neste período, a mulher foi figura central na pintura,
como ocorre com Dama com Arminho e Mona Lisa. Nesta,
por exemplo, surge a técnica do sfumato, criada por Leonardo
Da Vinci. Este, além de tematizar a mulher, explorou temas
religiosos, como acontece com a obra A Última Ceia. Então, ao se
considerar o período histórico em que a Mona Lisa foi produzida,
o leitor poderá concluir que a dinâmica do comércio nas cidades
italianas, a herança de uma cultura material clássica e a presença
de mecenas interessados em investir nas produções artísticas
favoreceram a arte renascentista, que se caracterizou pela visão
humanista revelada na obra em tela.
Resposta: E
06. Um padrão de beleza se estabelece de tempos em tempos em
uma sociedade. O Barroco, por exemplo, tem raízes ainda no
Renascimento e pode ser encontrado em manifestações artísticas
ainda nos dias de hoje. Lógico que, numa determinada época,
há uma predominância de padrão, como o pop e o minimalismo
de hoje. Na escultura do renascentista Bernini, o estilo barroco
é antecipado por explorar a contradição, uma vez que o leitor
pode inferir da expressão facial da santa tanto a dor quanto o
prazer, o que explica a presença temática do barroco. Também
há a presença do rebuscamento e dos elementos pagão (cupido)
e sagrado (santo), próprios do barroco.
Resposta: A
07. O Homem Vitruviano, de Leonardo Da Vinci, é símbolo do Período
Renascentista. Sobre esse período, não se pode apontar como
sendo verdadeira a ideia de que os homens da época valorizavam
a produção artística e intelectual das civilizações do Oriente Médio,
como a egípcia e a mesopotâmica.
Resposta: C
08. A arquitetura ajusta-se ao estilo de cada época ou é responsável
pelo estilo de uma época. As imagens de igrejas aqui representadas
atendem ao estilo barroco, por explorar os detalhes nos portais
e nas janelas, por exemplo. Não há modernidade arquitetônica
nas imagens, tampouco estilo art nouveau, neoclássico ou mesmo
eclético.
Resposta: C
09. Observando atentamente as obras, vê-se que ambas representam
o conceito de Belo artístico clássico, pois atendem à busca da
perfeição, mesmo que representadas em épocas diferentes: o
Renascimento e o Barroco.
Resposta: E
F B O N L I NE .C O M . B R
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 Módulo de Estudo

10. Na obra de Caravaggio, a única leitura que não pode ser feita
pelo observador da imagem é a de que São Pedro trai Jesus; pelo
contrário, nessa imagem, a mão de Pedro repete o gesto de Jesus
ao apontar o escolhido, São Mateus.
Anotações

Resposta: E

11. Dama com Arminho é uma das obras famosas de Leonardo Da

Vinci. Nela, notam-se a centralização da imagem, comum ao estilo
do artista – ver Mona Lisa – e uma estrutura helicoidal, pois a
Dama vira o rosto (em posição de três-quartos), que mais parece
atender a um chamado. Não há sentido em associar a obra ao
estilo barroco.

Resposta: B

12. Sandro Botticelli foi um dos artistas que melhor representou o

sentimento estético do homem renascentista. Volta-se, sobretudo,
para o antropocentrismo e para a mitologia clássica. Suas obras
primam pela perfeição (os detalhes, os movimentos e a busca
da beleza renascentista, etc) e pelo equilíbrio (uma distribuição
adequada das imagens na pintura), como bem se pode notar em
A primavera.

Resposta: D

13. As imagens que sugerem informalidade na cena retratada são

várias: o fato de a infanta ter passado para dar uma olhada no
que está sendo pintado, o cão deitado e depois sendo empurrado
pelo bobo, o serviçal dando uma olhada da porta etc.

Resposta: C

14. O texto explora vários assuntos relativos ao Renascimento, mas,

no que se refere ao artista, apenas a informação de que ele
passou a ser considerado um ser pensante, capaz de criar obras,
é verdadeira, pois, ao final do texto, essa inferência encontra
respaldo.

Resposta: B

15. Como a imagem esculpida de Davi se volta para a idealização de

formas perfeitas tais quais buscavam os gregos para a estatuária
clássica, pode-se dizer que Michelangelo retoma os valores da
cultura grega em sua obra, pois explora tanto a perfeição, por meio
de formas anatômicas realistas, quanto o movimento assimétrico,
por meio da disposição dos membros do corpo humano.

Resposta: C

SUPERVISOR/DIRETOR: Marcelo Pena – AUTOR: Hermeson Veras

naldo/REV.: Rita de Cássia

F B O NLINE.COM.BR 14 OSG.: 118232/17

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